Mr Vincent Vega - Mr Vincent Vegas Kommentare zu Filmen

[...] Am schönsten ist "Men in Black 3" immer dann, wenn er die Dynamiken zwischen seinen Protagonisten ausspielt. Wenn J auf den jungen K trifft, der seinem späteren Selbst in vielerlei Hinsicht erstaunlich unähnlich ist. Oder wenn in der sentimentalen Schlussszene das Verhältnis der beiden Agenten nicht mehr nur länger von trockenem Humor, sondern auch wahrer Zuneigung bestimmt wird. "Hast du eine Freundin?", fragt der junge K. "Ich habe dich.", entgegnet J. Ein wenig schade deshalb, dass Regisseur Barry Sonnenfeld viele an und für sich gute Drehbuchmomente ohne besondere Einfälle, teils erstaunlich wenig Drive und auch nicht immer mit der nötigen Konzentration weginszeniert. [...]

[...] 94 Minuten lang verquer psychologisierte Kinderfiguren, die sich irgendwie zurechtfinden wollen in der Welt der ja eigentlich auch ganz unbeholfen-knuffigen Erwachsenen, die ins Leere starren, wirr handeln, am Normativen verzweifeln. Wes Andersons Stil, man muss ihn wohl einfach mögen. Um seine immer wieder um die eigene Lakonie kreisenden Kabinettstückchen ertragen, um irgendwie Halt finden zu können in der unentwegt nach Aufmerksamkeit schielenden Anordnung seiner Bilder und all der bestimmten Blicke und Perspektiven in ihnen. [...]

[....] Mit einer nicht zu unterschätzenden Genauigkeit und filmischen Sorgfalt bombardieren Cohen und sein ihm merkbar vertrauter Regisseur Larry Charles schlanke 80 Minuten lang Zwerchfell und Geist, in einer vielleicht wirklich nur noch in diesem Größenverhältnis möglichen subversiven Primitivität, analytischen Schärfe und hemmungslosen Verballhornungsstrategie. Ruft man sich dann die erst wenige Tage alten Bilder des an einstige Riefenstahl-Inszenierungen erinnernden Amtsantritts von Kremlchef und Oberbefehlshaber Wladimir Putin ins Gedächtnis, korrespondiert der überzogene Humor des Films auf beinahe erschreckende Art mit der bizarren Absurdität unserer politischen Wirklichkeit – ohne dabei jemals seine Absichten als vorzüglicher Unterhaltungsfilm zu verhehlen. Admiral General Aladeen, der größte Diktator seit Anton Hynkel.

Ein kleiner Film über Einsamkeit. Und Tomas Alfredsons Einstand in der die wahnwitzige Absurdität des Alltäglichen zelebrierenden schwedischen Comedy-Gemeinschaft Killinggänget. Die Mockumentary "Screwed in Tallinn" begleitet eine Gruppe lebensunfähiger Männer (wieder einmal überragend: Robert Gustafsson) zu einem obskuren Basar der Gefühle, auf dem ihnen Frauen vermittelt und sehnsüchtige Wünsche erfüllt werden sollen. Eine Kaffeefahrt der etwas anderen Art, die nach und nach ihr tragikomisches Potenzial freilegt. Wie auch im späteren Killinggänget-Kinofilm "Four Shades of Brown" gelingt es Alfredsons nuancierter Regie, jedem noch so eigenwilligen Detail eine warmherzige Ulkigkeit abzugewinnen, ohne dabei das schrille Figurenpersonal zum komödiantischen Abschuss freizugeben. Leider wird dem Film seine kurze Fernsehspielform dabei jedoch nicht immer gerecht. Insbesondere im so kraftvollen, aber zügig von Schlusstiteln entstellten letzten Bild machen sich Kürzungen allzu bemerkbar: Die ursprüngliche 150-Minuten-Version wurde formatgerecht auf unter eine Stunde gebracht.

[...] Irgendwo in "Dark Shadows" steckt ein großartiger Film. Würde man ihn in seine Einzelteile zerlegen und neu anordnen, einiges stärker herausstellen und dafür anderes ganz weglassen, eben seine tollen Ansätze frei schälen. So ist es, leider, nur die halbwegs vergnügliche Kinoadaption einer Seifenoper, der es an Konzentration und zuweilen auch an Gestaltungswillen fehlt. Das Kino eines Tim Burton ist zu fantasievoll, zu genuin in seinen immer wieder faszinierenden Bilderwelten, als dass diese mitunter allzu schludrige Horrorkomödie darin nicht wie eine Enttäuschung anmuten muss.

Das in nicht wenigen Komödien der 40er Jahre vortrefflich trivialisierte Sujet der überhasteten Hochzeit einmal als B-Thriller-Aufhänger: In "When Strangers Marry" muss die frisch vermählte Kim Hunter ihrem des Raubmordes verdächtigten Ehemann Dean Jagger beistehen und dabei auch noch irgendwie Nebenbuhler Robert Mitchum in Schach halten. Lange bevor William Castle im Showmanship-Kino zu sich fand, drehte er verschiedenste Genrefilme für kleinere Studios wie Monogram Pictures, die sein Talent als Filmemacher heute beinahe eindrucksvoller demonstrieren als die effizienten Gruselhits seiner bekanntesten Schaffensphase. Diese nahezu alle Kennzeichen des Film noir tragende Kriminalgeschichte ist nicht nur mit einem für Castle so typischen blumigen Enthusiasmus inszeniert, sondern stellt vielleicht auch am deutlichsten seine Fähigkeiten als visueller Erzähler heraus: Das am Ende aus dem Briefumschlag purzelnde Geld im Postschacht ist wohl die denkbar schönste Zurschaustellung eines MacGuffins überhaupt. Neben einer Fülle an bildlichen Einfällen fasziniert "When Strangers Marry" (nach Mitchums Durchbruch unter dem Titel "Betrayed" erneut veröffentlicht) aber auch durch das mitreißende Spiel Kim Hunters als Femme Fatale zwischen entschlossener Agilität und bedingungsloser Gutgläubigkeit. Ein wahrlich toller Film, den Don Miller womöglich nicht zu Unrecht als "the finest B-picture ever made" adelte.

Nach "Strait-Jacket" drehte und veröffentlichte William Castle mit "The Night Walker" noch im selben Jahr einen weiteren Psychothriller, der den Erfolg des Axtschwingermelodrams mit Joan Crawford wiederholen sollte. Wieder verpflichtete er "Psycho"-Autor Robert Bloch für das Drehbuch, wieder besetzte er die weibliche Hauptrolle mit einem großen Star der Vierziger. Barbara Stanwyck ist hier in ihrem letzten Kinofilm zu sehen, wie so viele Grande Dames aus Hollywoods Golden Age setzte also auch sie ihrer Karriere einen Hagsploitation-Schlusspunkt und gestikuliert sich im großen Stil durch ein B-Movie-Script, für das sie ihren Agenten 20 Jahre zuvor vermutlich noch geohrfeigt hätte. Dass das wirkungsvoller als jeder Castle-Gimmick sein kann, versteht sich von selbst. Von einigen netten gemeinsamen Szenen zwischen Stanwyck und ihrem Ex-Mann Robert Taylor sowie zwei, drei schaurig-schön gestalteten Traumsequenzen abgesehen, enttäuscht "The Night Walker" jedoch als fader und erstaunlich einfallsloser Thriller, in dem nur selten die fieberhafte Inszenierungslust des Vorgängers anklingt. Sehr schade.

[...] Die Abgründigkeit des Protagonisten befördert den Zuschauer in ein ständiges Wechselbad der zu vergebenden Sympathien: In einer herausragenden Suspense-Szene zwingt Balagueró zur Identifikation mit dem Psychopathen, aus dessen Perspektive der Film konsequent die Geschichte eines Menschenhassers erzählt. Als quasi "pervertierte Version von Amélie" (Balagueró) ist "Sleep Tight" ein oft sehr spannender, sehr feinfühliger und immer interessanter Film, der aber nötige Zuspitzungen vermissen lässt. Formal bewegt sich Balagueró allzu sehr auf zuverlässige Inszenierungsstrategien, die der reizvollen Prämisse nicht die filmische Kraft verleihen, die sie verdient hätte. [...]

Ein Film, der so wenig zu bieten hat, dass er erst einmal gleich sein Publikum beschwindeln muss: Offenbar spekulieren die Marketingstrategen des Verleihs darauf, mit "The Cold Light of Day" Bruce-Willis-Fans in die Kinos locken zu können, obwohl der Actionstar von (leider) einst hier schon nach wenigen Minuten Screentime das Zeitliche segnet. Stattdessen muss man sich mit einem besonders profillosen Youngster des an den Start gebrachten Hollywood-Nachwuchses durch diesen Mann-auf-der-Flucht-Thriller mit kilometerlangem Bart kämpfen. Henry Cavill, der Superman in spe, bringt es bestenfalls zur Jüngelchen-Ausgabe eines Actionhelden, während wirkliche Stars wie Sigourney Weaver erneut gnadenlos unterfordert bleiben. "The Cold Light of Day" ist im Wesentlichen noch einmal der gleiche Film wie "Atemlos – Gefährliche Wahrheit", in dem Twilight-Sonnyboy Taylor Lautner 100 Jahre Genreklischees für Teenies nachspielte. [...]

Am Ende seiner Regiekarriere bezeichnete William Castle "Mr. Sardonicus" (was für ein Titel!) als einen seiner persönlichen Lieblingsfilme. Umso mehr wird es ihn geschmerzt haben, dass die Geschichte eines traumatisierten entstellten Despoten bereits bei ihrer Uraufführung weitgehend belächelt wurde. Es stellt sich allerdings tatsächlich die Frage, ob "Mr. Sardonicus" jemals als ernsthafter Horrorfilm gedacht war. Castles Regie neigt immer wieder zu einer absurden Komik, scheint die schaurigen Elemente des Films bewusst zu überanstrengen: Die wunderbar maßlosen Nebelschwaden, der groteske Schlossgehilfe (großartig: Oskar Homolka) und nicht zuletzt kuriose Blutegel-Folterszenen legen durchaus eine augenzwinkernde Bearbeitung der einst im Playboy veröffentlichten Kurzgeschichte von Ray Russell nahe. Als eigentlicher Sardonicus erweist sich schlussendlich ohnehin Castle selbst, wenn er das Publikum mittels "Punishment Poll"-Gimmicks zur Bestrafung der Titelfigur auffordert und sich, natürlich, mit einem sardonischen Grinsen verabschiedet. Was wäre das Kino nur ohne diesen Mann.

Herrlicher Gruselschabernack, mit dem William Castle 1958 sein Publikum bekanntlich gegen drohende Herzinfarkte versicherte, so es den Schrecken von "Macabre" nicht gewachsen sein sollte. Der Film zum Gimmick erweist sich dabei als von Henri-Georges Clouzots "Diabolique" inspiriertes Suspense-Stück, das mit gerade einmal einer Handvoll Darsteller und einem Minimum an Schauplätzen (Produktionskosten: 90000 Dollar) die Geschichte eines vermeintlich entführten Mädchens erzählt. Schön ist, wie Castle die Handlung oberflächlich dynamisiert, indem er seine Figuren gegen die Zeit agieren lässt und Konflikte konstruiert, die eigentlich gar keine sind. Besonders die dabei immer wieder ins Bild gerückte ablaufende Uhr sowie der ein- und ausgangs die Zuschauerrezeption beeinflussende Off-Kommentar wirken heute wie skurrile Signale des leidenschaftlichen Filmemachers Castle, dessen Regie dem Film wie ein Schalk im Nacken sitzt.

Effektiver Psychothriller aus der Spätphase William Castles, der durch Joan Crawford in einer Nebenrolle als typischer Hag-Horror geführt wird. Die Besetzung der Grande Dame erweist sich jedoch mehr als Vermarktungsgag und damit Kardinalsfehler, insgesamt bewegt sich Crawfords Screentime nämlich leider nur im einstelligen Minutenbereich. "I Saw What You Did" ist spannend, atmosphärisch und stellenweise schön campy, aber auch himmelschreiend ungelenk erzählt, mit einem zusammenhanglos überkonstruiertem Plot, der wie eine in die Länge gezogene Exposition (mit schmucklosem Schluss) wirkt. Castles Versuch, den Film möglichst gradlinig, konventionell und mit stetiger Spannungskurve anzulegen, geht bedauerlicherweise mit einem Mangel an surrealen Ideen und visuellen Regieeinfällen einher – nur in wenigen Momenten sticht seine sonst so bezaubernde Inszenierungslust hervor. Unterm Strich dennoch sehenswert.

Entsetzlich beknackte Kunstfilmerprobung einer Regiedebütantin, die Ingeborg Bachmann nicht verstanden hat. Von null auf hundert im gegenwärtigen Prätentionsgewerbe eingerichtet, ist Julia Leigh in erster Linie daran gelegen, die Autoaggression ihrer Protagonistin in stets erlesenen Bildern zu erzählen, deren strenge statische Kadrierung vor buchstäblich vordergründiger Anordnung der Figuren und Settings man wie in schlechtem Theater aussitzen muss. Die Ultrastilisierung des Materials (oder wie Peter Debruge in der Variety schrieb: "arty, not to be confused with artistic") bei gleichzeitiger Reduktion der Inhalte verleiht allem Hässlichen umso mehr entsprechende Schönheit, das Kino einer Catherine Breillat bekommt plötzlich Sinn. Im Verzicht des Konkreten liegt fürwahr noch keine Subtilität, und vorsätzliche ästhetische Anbiederung am Slow Cinema beschirmt auch nicht vor der Penetranz eingestanzter Botschaften. Dear Julia Leigh, das mit Australia’s Next Jane Campion wird so schnell erstmal nix. File under: Schwarzblende.

Die einzige Kinoproduktion der schwedischen Comedy-Gemeinschaft Killinggänget, unter Federführung ihres heute prominentesten Mitglieds: Tomas Alfredson. Es wäre gelogen, wenn ich sagte, dass mich dessen Souveränität und Genauigkeit im Umgang mit eben auch komödiantischen Sujets überrascht hätten. "Four Shades of Brown" setzt sich aus vier voneinander unabhängigen, jedoch verzahnt montierten tragikomischen Episoden zusammen. In seinem lakonischen Witz und der staubtrockenen Schilderung absurder Alltagssituationen erinnert der Film nicht selten an die grotesken filmischen Tableaux vivants eines Roy Andersson. Nie jedoch hebt Alfredson seine episodischen Humormosaike ironisch auf, besonders dort nicht, wo sie gar blanken Zynismus geradewegs herausfordern. Keine Scheu obendrein vor Gesten des Gefühligen, so er seinen eigentümlichen, wirklichkeitsentrückten Figuren immer auch noch Momente der Klarheit, der aufrichtigen Sensibilität schenkt. Aus diesem Handlungs- und Figurenkosmos ließen sich mindestens drei, vier, ach was, ein ganzes Dutzend weiterer Geschichten schöpfen, ausscherend nach links und rechts und oben und unten, um sie dann gleich noch, Kraft der Inszenierung, kreisförmig zu schließen. Wäre dieserlei Vordergründigkeit dem großen Alfredson nur eben nicht so wunderschön fremd.

Wahnwitziger Technicolor-Camp, der Schwimm- und Musicalstar Esther Williams in ihrer ersten Hauptrolle zum Durchbruch verhalf. "Bathing Beauty", ursprünglich ganz auf Comedy-Liebling Red Skelton zugeschnitten, zählt nicht nur zu den einträglichsten MGM-Filmen aller Zeiten, sondern begründete laut Williams mit seiner finalen und vereinzelt an Busby Berkeley erinnernden Aquashow sogar noch das moderne Synchronschwimmen. Im opulenten wie quietschfidelen Schlusshöhepunkt preist der Film sogleich seine Charakteristika: Der die gesamte Handlung motivierende Liebesirrtum wird mit einem Nebensatz erledigt, die Bühne für ein farbenfrohes Planschvergnügen eröffnet. Kaum ein zeitgenössisches Musical frönte so sehr der Lust am realitätsfernen Nonsens, präsentierte sich so konsequent plotfrei, begnügte sich so offenkundig mit irrsinnigen, wenn nicht gar haarsträubenden Musicaleinlagen. "Bathing Beauty" feiert unentwegt die eigene kunterbunte Heiterkeit, als könne man zur absurden Orgelakrobatik einer Ethel Smith den lieben langen Tag trällern. Was für ein Film.