SoulReaver - SoulReavers Kommentare zu Filmen

„Don't worry, God will forgive us.”

Die unberührte Ausgangslage auf dem Papier ist – gerade für genreaffine Zeitgenossen – eine mehr als ansprechende. Stephen Sommers, der nicht gerade zu den hellsten Sternen am Hollywoodfirmament zählt, wollte die drei prägenden Monster der Vergangenheit unter einen Hut bringen: Dracula, Frankenstein und den Wolfsmenschen. Schlecht klang das vorerst sicher nicht und die Idee an sich versprach vor allem eine gute Ladung an Spaß, angesiedelt im gravitätischen Hammer-Style. Die Gefahr, die in erster Linie bei einer derartigen Versammlung entstehen könnte, war, dass eine der Kunstfiguren zu viel Screentime zugesprochen bekommt, während eine andere hingegen vollkommen in den Seilen hängt und das Ungleichgewicht den Film so in die Knie zwingt. Im Nachhinein betrachtet wäre das ein mehr als akzeptables Defizit gewesen, denn „Van Helsing“ ist fraglos eine der exorbitanten Katastrophen des Blockbuster-Kinos.

Die Charaktere, oder besser gesagt, das ganze Drehbuch ist grauenhaft zusammengeschustert, voller Logiklöcher, voller Ungereimtheiten und im Großen und Ganzen genauso desaströs wie die Schauspielleistungen, bei denen gerade Richard Roxburgh den wohl miesesten Dracula-Verschnitt aller Zeiten verkörpert und damit sogar Dominic Purcells Dracula-Vergewaltigung in „Blade:Trinity – der übrigens im gleichen Jahr in die Kinos kam, ein schwarzes Jahr also für den Grafen aus Transsilvanien – unterboten hat. „Van Helsing“ steht für peinliche Seelenlosigkeit, für Denkmalschändung im weitesten Sinne. Sommers fehlt einfach jeder Bezugspunkt, der einen erheiternden No Brainer (und mal ehrlich, Niveau hat ihr niemand erwartet) ausmachen könnte. Die CGI-Effekte sind billig, alles wirkt vollends belanglos und austauschbar und „Van Helsing“ darf den Ruf tragen, den er sich letzten Endes auch wirklich verdient hat: Ein Totalausfall von A bis Z.

[Spoiler – Spoiler - Spoiler]

„The only thing that burns in Hell is the part of you that won't let go of life, your memories, your attachments. They burn them all away.“

[...] „Jacobs Ladder“ ist eine beängstigende Katharsis der Akzeptanz. Ein Mann kämpft um sein Leben, die Boten der Erlösung sind für ihn Pein bringende Ungeheuer. Und hier setzt der religiöse Kontext in der Relation mit der Bibel ein, den schon der Titel des Filmes symptomatisch darstellt – diffizil ist das Ganze hier also zu keiner Sekunde. Die Jacobsleiter, der Erzengel Gabriel und die schützende Hand des Cherub. Jacob treibt in einem Zustand umher, der dem Krieg Zwecks Kompensation der familiären Katastrophe beitrat und nun sklavisch zwischen Himmel und Abgrund umherstrauchelt, krampfhaft arretiert im Vorhof der Hölle oder doch im reinigen Fegefeuer, wo wir erneut auf die Katharsis des Seins treffen würden. Interpretationsmöglichkeiten bietet „Jacob's Ladder“ genügende. [...]

„Don't give me any of that intelligent life crap, just give me something I can blow up.”

[...] „Dark Star“ ist ohne Frage eine überdeutliche Referenz und liebenswürdige Posse an/auf Stanley Kubricks Jahrhundertwerk „2001 – Odyssee im Weltraum“, nur mit der drittklassigen Ästhetik, die dem Meisterwerk von 1968 natürlich nicht das Wasser reichen kann und so ein Vorhaben auch zu keiner Sekunde anstrebte. Es ist der sympathische Seitenhieb auf Kubricks humane Evolutions-Operette, die die Apathie und die Anspannung innerhalb der Gruppe hier zum Ausdruck bringt. Letzten Endes ist „Dark Star“ zwar keiner von Carpenters wirklich ganz großen Filmen, was daran liegt, dass Carpenter genaugenommen nicht wirklich etwas zu erzählen hat und seiner unwesentlichen Marginalität erliegt, aber mehr als sehenswert ist „Dark Star“ in jedem Fall. Wer kann schon einem solch drolligen Wasserball-Alien und dem poetischen Schlussakkord widerstehen? „What a beautiful way to die - as a falling star.”

„Never drum on a white lady's boobies at a big redneck dance. Got it.“

Barry Sonnenfelds versprochenes Erfolgsrezept für „Wild Wild West“ war klar. Nachdem er zuvor mit „Men in Black“ einen der kommerziell erfolgreichsten Filme aller Zeiten gedreht hatte, sollte „Wild Wild West“ – wer kann es ihm und seinen künstlerischen Ansprüchen verdenken – erneut genau da ansetzen. Aber nur weil man ein strukturiertes Rezept vor Augen hat, muss das Endergebnis noch lange nicht schmecken. Wie sich eben auch „Wild Wild West“ evident zum Ausdruck bringt. Sonnenfeld inszeniert keine Spaßgranate, die mit jeder Menge Leichtigkeit und Innovationskraft punktet, sondern entwirft einen verschwommenen Ritt durch die verschiedenen Genres, in denen Sonnenfeld nicht einen ansprechenden Treffer landet. Abgedroschene Blödeleien jagen den nächsten erzählerischen Blackout und von stumpfer Unterhaltung auf niedrigem Niveau kann hier nicht gesprochen werden, denn dafür ist „Wild Wild West“ einfach zu lästig. Ein Film ohne Herz, ohne Charme und mit einem – wie fast immer – unheimlich nervigen Will Smith in der Hauptrolle. Einzig Michael Ballhaus zeigt mal wieder, was er wirklich auf dem Kasten hat, allerdings vergebens.

„Did I ever tell you my favorite color was blue?”

[...] John Carpenters inszenatorische Umsetzung der Drehbuchvorlage von Michael De Luca lässt sich wie eine aparte Symbiose aus spezifischen Versatzstücken von H.P. Lovecraft und Steven King verstehen. Dabei übernimmt Carpenter nicht nur unverkennbare Stilmittel der beiden Literaten, er lässt „Die Mächte des Wahnsinns“ auch zu einer Huldigung der Schriftsteller werden, reflektiert durch die reelle Figur des Sutter Cane (infernalisch: Jürgen Prochnow). Und Sutter Cane ist Dreh- und Angelpunkt in Carpenters aufkeimenden Kabinett des Schreckens, in dem sich der rational denkende und augenscheinlich souverän wirkende John Trent (Selten besser: Sam Neill) bald verlieren wird. Carpenter arbeitet – wie gewohnt – mit seiner vortrefflich Symbolik, die den bevorstehenden Absolutismus prophezeit und Trent in den Klauen des tendenziösen Psychogramms versacken lässt. [...]

[...] Dass Ti Wests Film dabei nicht nur durch formvollendetes CinemaScope glänzt, das von Eliot Rocketts brillanter Kameraarbeit unterstützt wird, ist da nur ein Teilerfolg, der den Schlüssel zum Glück aufbewahrt. Es sind die Charaktere, die das nötige Interesse wecken, die durch ihre unaufdringliche und durchaus simpel erscheinen Ambivalenz in ihren Ruhephasen bestechen und den psychologischen Knackpunkt der Szenerie immer weiter aufladen. Die Faszination für das Übernatürliche und der eigentliche Grund, wieso Claire – eine persuasive Überarbeitung des Final Girls – in besagtem Hotel tätig ist, bleiben im Verborgenen. Genau wie die Anwesenheit der supranaturalistischen Madeline zu Beginn noch keine Gefahr darstellt, sondern erst Stück für Stück an die Oberfläche getragen wird. Claires Recherchen, ihre beharrlichen Nachforschungen, führen letzten Endes nicht nur zu den profunden Ängsten des Menschen, und damit ist jeder einzelne Betrachter angesprochen, sondern werden auch zu einem persönlichen Retrieval. Die Suchende findet sich selbst, ihr reales Dasein hat an Signifikanz verloren und Ti West gelingt es dabei mit Bravour, das Geheimnisvolle in die Normalität zu verlegen. [...]

[...] Harte Männer mit rotzigen Sprüchen, die zwar irgendwo doch amüsant sind, aber nie den Ertrag bringen, um „John Carpenters Vampire“ im Hinblick auf die Figuren interessant zu machen. Wenn man den alten Spießer für seine großartigen Klassiker aber in sein Herz geschlossen hat, dann kann man sich durchaus auf die herrliche blöde Mixtur aus Action-Klopper, Horror-Splatter und staubigen Neo-Western einlassen. Der Kirche wird mal wieder die Schuld in die Schuhe geschoben, das hat Carpenter ja schon immer gerne macht, und James Woods darf sich mit seinem überzogenen Zynismus und flotter Sonnenbrille durch die Klischees metzeln. Das ist alles nichts Besonderes, aber eben auch keine Katastrophe, ganz im Gegenteil zum heutigen Carpenter, bei dem am Ende nur die Ideenarmut und Langeweile auf der Habenseite steht.

So muss knallhartes Action-Kino aussehen, das sich nicht durch Worte artikuliert, sondern durch seine grobe Physis. Eine Story gibt es nicht, nur ein wackeliges Gerüst, das nur so tut, als würde es irgendeine Bedeutung haben: Ein Drogenkartell hat sich samt Anführer in einem riesigen Hochhaus verschanzt und ein indonesischer SWAT-Trupp soll die Bude stürmen und dem kriminellen Treiben ein Ende setzten. Fertig ist die Kiste. Und nach kurzer „Charaktereinführung“, die vielmehr eine Andeutung ist, geht der Spaß auch schon los. Die „Guten“ gegen die „Bösen“ mit allem, was man so zum Blutvergießen und Knochenbrechen benötigt. Messer, Bleispritzen, Gewehre und natürlich Hände, Arme, Beine und den Schädel. „The Raid“ – der von den Vorschusslorbeeren quasi erdrückt wurde – hat sich seinen Ruf als einer der besten Action-Kracher der Neuzeit durchaus verdient, auch wenn einige Schießereien mehr dem Gesamtkonzept besser getan hätten, anstatt die Dauerschlägereien, die zwar hervorragend choreographiert wurden und so manches Mal in ihrer Intensivität in den Sitz drücken, aber durch etwas Abwechslung einen durchaus besseren Stand genießen hätten können. Letzten Endes macht das „The Raid“ zu keinem schlechten Film, im Gegenteil, es geht richtig zur Sache und unterhält über die gesamte Laufzeit, wenn auch ein charismatischer Hauptakteur fehlt.

Mit „Tropic Thunder“ erwartet einem nicht abgeneigten Zuschauer die volle Dröhnung Stiller: Beteiligung am Verfassen des Drehbuches, Regie und Hauptrolle. Das Endergebnis? Ohne Frage ein guter Film. Ben Stiller parodiert und persifliert alles, was mit Dreharbeiten, Produktionen und der Filmbranche per se zu tun und zieht seinen eigenen Tätigkeitsbereich tatkräftig durch den schmackhaften Kakao. Und wenn Ben Stiller pfeift, dann stehen die Stars Schlange: Jack Black, Nick Nolte, Tom Cruise, Robert Downey Jr., Matthw McConaughey und Jay Baruchel haben es ins Boot geschafft und der spielfreudige Cast zeigt sich in guter Verfassung und hatte mit Sicherheit richtig Spaß an dem ganzen Unfug. Das Endergebnis ist keine subtile Kritik an Hollywood und seinen (fragwürdigen) Mechanismen, sondern eine gern unter die Gürtellinie zielende Brachialkomödie, die genauso unterhält, um in gut 120 Minuten keinerlei Langeweile aufkommen zu lassen. Der Fake-Trailer zu „Satan's Alley“ mit Tobey Maguire hat sich allein schon eine ganz eigene Ovation verdient.

Hollywoodsches Verlogenheitskino à la Ron Howard, mit all den schmalzigen Zutaten, die den gefüllten Braten auch wirklich ungenießbar machen. Da nimmt man sich einfach eine interessante Persönlichkeit wie John Nash, ein Mathematiker und Metaphysiker, ein Meister der Differentialgeometrie und ein an paranoider Schizophrenie erkranktes Genie, und fertig ist die passende Projektionsfläche, um das genügsame Massenpublikum von A bis Z um den unlauteren Finger zu wickeln. Mit dem echten Nash hat Howards „A Beautiful Mind“, bis auf die Charaktergrundsteine, die sich hier durch ihre triviale Irrelevanz auszeichnen nicht unikal, sondern vollkommen arbiträr erscheinen, wenig am Hut. [...]

Ruben Fleischer nimmt sein Projekt in keiner Minute ernst, in keiner, und spätestens wenn Sean Penn mit dem Satz „Here comes Sanity Claus“ um die Ecke kommt, um dann in einer „Melancholia“-Zeitlupe alles in Grund und Boden zu ballern, sollte das auch wirklich bei jedem Zuschauer angekommen sein. „Gangster Squad“ ist eben ein dermaßen überstilisierter Hofknicks an das altmodische Gangster-Genre, dass einem, als Fan versteht sich, das Lächeln auf den Lippen vorprogrammiert ist. Die Vorgabe ist einfach: Gewalt wird mit Gewalt bekämpft. Ein harter Oberschurke, der nach dem Siegermanifest lebt und alles an sich reißt, muss zerschlagen werden. Da hagelt es trockene Sprüche, da spritzt das Blut und die Optik des 40er Jahre-Los Angeles ist aller erste Sahne. Eigentlich gibt es in diesem Over-the-Top-Feuerwerk keine Grenzen, denn in seiner unheimlich simplen Art macht der Film immer das, worauf er Lust hat und das ist eben die meiste Zeit brutal und ohne Umschweife dargestellt. Voller Referenzen und Klischees wird durch die Stadt der Engel gejagt, fernab jedem Realismus, und doch ist das Ganze so spaßig und temporeich, dass man sich dem Guerilla-Krieg jovial hingibt. Nicht anspruchsvoll, aber extrem unterhaltsam.

[...] „Frankenweenie“ fügt die essentiellen Elemente zusammen, die wir ad infinitum mit Tim Burtons Inszenierungen in Verbindung bringen werden: Die morbide Figurierung, die lakonischen Zwischentöne, die skurrilen Individuen, die durchgehend von einem trockenen Witz abgeschliffen werden, und die grenzenlose Gothic-Romantik, die sich in ihrer ganzen Schönheit auf jeden Zuschauer übertragt und ihn nicht nur fesselt, sondern auch zu einem fühlbaren Teil der Narration macht, in der man sich problemlos von Anfang bis Ende verlieren kann. Dabei lässt sich „Frankenweenie“ nicht nur als Hommage an das klassisch-altmodische Grusel-Kino deuten, Burton gelingt auch ein unverwechselbares Revue passieren seiner eigenen Person und dem subjektiven Charakteristikum. Wenn Burton dann noch unscheinbar ein kritisches Auge auf die Ideale des amerikanischen Traums wirft und das Grusel-Märchen mit sensibler Coming-of-Age-Thematik verknüpft, dann entsteht eine eskapistische Huldigung an die Filmwelt, als auch an den wahren Wert der Freundschaft, die nicht immer ganz für die Kleinen geeignet ist, dafür aber mit einem Biss auftritt, den die Erwachsenen wohlwollend annehmen werden. [...]

[...] Schlussendlich blieb das aus, was man sich von diesem Film eigentlich erhofft hatte: Das moralische Durchleuchten der Mission, das kritische Analysieren des schwankenden Wertes von richtig und falsch. Es bleibt nur ein sachliches, aber auch zähes Aufrollen der mühsamen Repressalie. Die große Kalamität, der Schock und das Aufwühlen blieben aus. Eine Szene lässt noch die Intensität erahnen, mit welcher „Zero Dark Thirty“ auffahren hätten können und diese beschränkt sich auf ein abschließendes Nicken. [...]

[...] Das Problem an „Les Misérables“ ist letzten Endes die zuweilen ruckartige Inszenierung Hoopers. Viele Handlungsabschnitte, die sich auf tiefe, unermüdliche Emotionen stützen, geschehen hier quasi aus dem Nichts und die Nachvollziehbarkeit dieser Augenblicke ist kaum greifbar, sondern verdeutlichen sich als affektives Verhalten, dass ein bestimmtes Ziel vor Augen hat und dieses in möglichst wenigen Minuten erreichen soll. Die Dramaturgie leidet darunter, was nun nicht heißen soll, dass „Les Misérables“ keinen Zugang zum Zuschauer findet, gewiss nicht, viele Gesangseinlagen sind herzzerreißend und äußerst energisch. Doch die erzählerischen Durchhänger werfen der riesigen Bandbreite an lodernder Emotionalität immer wieder einen Stock zwischen die Beine, der die enorme Tragweite der expressiven (Charakter-)Wucht und der drakonischen Situation nicht auf die eruptive Krönung zusteuern lässt. „Les Misérables“ ist fraglos ein guter Film, gerade wegen seiner überzeugenden Schauspieler und ihrer gesanglichen Begabung, doch zu einem Meisterwerk hat es dieses Mal nicht gereicht.

[...] Die flexible Handkamera ist immer ganz nah an den Liebenden, jede noch so kleine Bewegung wird eingefangen, jede Berührung zelebriert und wenn die Kamera vor der wunderschönen Kulisse des nebeligen Moorhochlandes einfriert, dann hat das nichts mit prätentiöser Langatmigkeit zu tun, sondern ist impressionistische Symbolik, mit der Arnold das Innenleben der Charaktere mit der Natur gleichsetzt. „Wuthering Heights“ ist ein leiser Film, manchmal so zärtlich flüsternd, dass die emotionalen Zwischentöne bestimmter Augenblicke dem Zuschauer entfliehen könnten. Die zwei Akte - Jugend und Erwachsenenalter -, in die die bestürzende Lebensgeschichte eingeteilt wurde, zeichnen sich durch die brodelnde Transition von liebevoller Neugier bis hin zur obsessiven Missgunst aus. Arnold entsagt dem Standardmuster des historischen Kostümfilmes und offenbart die emotionalen Regungen mit zerbrechlicher Ruhe und natürlicher Geräuschkulisse, die erst im Abspann durch Mumford & Sons und die adäquaten Worte „But I Came and I was nothing. And time will give us nothing.“ gebrochen wird.

[...] Wenn dann noch Xavier Jamauxs „Time Quest“ erklingt, ist die opportune Referenz an Nicolas Winding Refns „Drive“ in stimmungsvoller Klangfarbe auf ihrem Höhepunkt angelangt. Das passt allerdings auch nur allzu gut in das Gesamtbild von „Motorway“, denn mit Eigenständigkeit oder Originalität kann sich Regisseur Pou-Soi Cheang hier wahrlich nicht adeln lassen. Nichtsdestotrotz kann man sich auf die solide Unterhaltung über knapp 90 Minuten einlassen, die Charaktere sind zwar derart simpel gestrickt, dass sie gegen jede „Need for Speed“-Gamefigur den Kürzeren ziehen würden. Auch die Inszenierung fällt immer wieder aufgrund ihrer sprunghaften Unsauberkeit negativ auf, schlecht ist „Motorway“ dennoch sicher nicht, gerade die Fetischisten schneller Karren kommen voll auf ihre Kosten.

Mit herrlicher Evidenz in seinem billigen Setting und der liebenswerten Vermummung im Deckmantel des trashigen Horror-Spektakels, stellt „Tanz der Teufel“ immer noch genau den Spaß dar, den Sam Raimi den Horror-Geeks bereits im Erscheinungsjahr bescheren konnte. Eine Charaktereinführung hat der Film dabei nicht im Ansatz nötig, die wäre eh vollkommen in die Hose gegangen, und die modellierten Protagonisten erreichen zügig den entscheidenden Handlungsort: Die degoutante Hütte der Aversionen im übernatürlichen Wald des Grauens. Dann geht die schmierige Post auch schon ab. Bruce Campbell, der – und das weiß der gute Mann selber – kein Schauspielgott ist, erntet sämtliche Sympathiepunkte durch seine charismatische Ausstrahlung und darf sich in seiner ersten Hauptrolle den dämonischen Kräften, heraufbeschwört durch das Necronomicon Ex-Mortis, entgegensetzen. „Tanz der Teufel“ ist atmosphärisch, amüsant und rast ohne Bremsen quer durch das Raimi-Horror-Universum, in dem die rote Suppe und der weiße Schleim gnadenlos durch die Gegend spritzen darf und wenn sich die Bodenluke öffnet und dem Zuschauer eine äußerst unangenehme Fratze entgegenblickt, dann kann sich auch noch ein schauriges Gefühl dem Geschehen hinzugesellen. Klassiker, Kult, Must See, was auch immer. Letztlich stimmt alles und „Tanz der Teufel“ geht einfach immer.