Xebeche - Xebeches Kommentare zu Filmen

Würde gerade am liebsten in den Fernseher treten... Der Gipfel der Frechheit ist allerdings die Tatsache, dass (in der heutigen Zeit) vollkommen harmlose Filme wie "Manche mögen's heiß" eine FSK 16 Freigabe haben, wohingegen solch filmischer Schund FSK 12 hat und vom "Muschilecken" und "Oralsex bis zum Ende" schwallern darf.

„Ich habe mich schon immer gefühlt, als wäre ich etwas aus der Zeit gefallen. Ich mag keine modernen Gebäude, ich mag keine modernen Autos und ich mag auch die moderne Gesellschaft nicht besonders. Ich war immer schon etwas nostalgisch.“
(Aki Kaurismäki)

Dieses Zitat stammt aus einem ebenso aufschlussreichen wie amüsanten Interview mit dem Titel „Die Gummi-Ente ist mein Rosebud“ aus dem Jahr 2004. Sieben Jahre später zeigt Kaurismäki seine nostalgische Ader in LE HAVRE, indem er seinen Film in der Gegenwart mit Requisiten aus der Vergangenheit spielen lässt. Dieser Habitus jedoch ist keineswegs neu in seinen Filmen. Schon TATJANA (1994) ist ein „Film aus der Gegenwart in der Ausstattung der Vergangenheit“ so Kaurismäki. Auch LA VIE DE LA BOHÈME, quasi der Vorgänger von LE HAVRE, zeichnet ein nostalgisches Bild von Paris. Ein Paris, das Kaurismäki „das alte, noch nicht mcdonaldisierte Paris“ nennt.

Allerdings war es vorher niemals so radikal wie in seinem neuesten Werk. Telefone mit Wählscheiben tauchen neben Handys auf, Antiquierte Radios neben Euro-Banknoten. Aber Kaurismäki ist geschickt: Nach der Eingangsszene mit Noir-Charakter der 40er/50er Jahre sind es die Handys, Euroscheine und Polizisten mit modernster Ausrüstung, die seltsam fehl am Platze wirken. Wärmer und gemütlicher sind das pittoreske Stadtbild (es kommt wohl nicht von ungefähr, dass Kaurismäki in der französischen Hafenstadt gedreht hat) und Kommissar Monet, der mit Hut und Mantel direkt den 50ern entsprungen zu sein scheint.

LE HAVRE ist vielleicht nicht der beste Film des Finnen, aber er ist sein menschlichster und eine Klimax seines bisherigen Schaffens. Auf einmal erleben wir eine Hauptfigur, wie immer selbst ein Außenseiter der Gesellschaft, die sich nicht nur selbst helfen muss, sondern auch – fern aller Lethargie und Desillusion – in der Lage ist, einem noch ärmeren Menschen Hilfe zu geben. Schuhputzer und Ex-Bohemien Marcel (LA VIE DE LA BOHÈME) nimmt sich selbstlos eines Flüchtlingskindes an, ungeachtet der zu erwartenden Schwierigkeiten, ungeachtet seiner Geldsorgen, trotz der Sorgen um den Gesundheitszustand seiner Frau. Das ist Altruismus in reinster Form. Ein Gegenentwurf zur Gleichgültigkeit der heutigen Gesellschaft, ein Plädoyer für Solidarität. LE HAVRE als naiv und verklärend zu bezeichnen, wäre falsch. Er ist einfach nostalgisch mit einer Schwermut, die Hand in Hand geht mit Zuversicht und niemanden traurig macht. Ganz im Gegenteil.

Nach den Enttäuschungen „300“ und „Watchmen“ waren meine Erwartungen an „Sucker Punch“ ziemlich niedrig… und yessss... übersprudelnd ohne Ende, ein visuelles „Strotzwerk“, ein CGI-Explosion, ein Videospiel nur zum Ansehen, eine dämliche Geschichte, ein einziger Aberwitz… alles was mir nicht gefällt, gefiel mir und ich weiß nicht warum. Videospiele interessieren mich nicht (mehr), leichtbekleidete Film-Mädels vernebeln meinen Eindruck (längst) nicht (mehr), weil da kenn ich ganz andere Filme mit Mädels, wo gar keine Kleidung drin vorkommt und außerdem sind wasserstoffblonde Püppchen auch nicht so mein Ding, aber das hier (also der Film) hat mich bestens unterhalten und ich schieb’s solange auf die niedrige Erwartungshaltung - denn „die schönste Freude erlebt man immer da, wo man sie am wenigsten erwartet“ hat der Franzose AdSE gesagt - bis eine Ursachenforschung andere Ergebnisse zu Tage bringt.

Was soll man über einen Film sagen, der selbst nur weniger Worte bedarf? Was mag man viele Worte verlieren, wenn man einen Film gesehen hat, in dem Worte fast nur in Aggression, aus Unverständnis, in Angst oder Trauer gesprochen wurden? Wie will man einen Film diskutieren, wenn eine rationale, nüchterne Auseinandersetzung so unpassend wirkt, weil sie dem Zauber, der ihm innewohnt, abträglich erscheint? Was muss man noch erklären, wenn drei Worte, die in vermeintlicher Endgültigkeit so oft, so schnell, so unbedacht, so leer dahingesagt, nie wahrhaftiger klangen? Welcher Worte kann man sich bedienen, wenn sich die perfekte Harmonie gar nicht im Wort, sondern in einer Zahl versinnbildlicht? Warum sollte man noch Worte verwenden, wenn die Wahrheit gar nicht im Gesprochenen liegt? Bin-Jip ist einfach ein traumhaft schönes Inbild cineastischer Poesie.

Was sich noch Jahrzehnte später bewährt, bedarf keiner Neuauflage. Einen Hitchcock neu zu verfilmen mag für ambitionierte Regisseure reizvoll sein, scheint aber von Anfang an zum Scheitern verurteilt. Auch wenn sich ein sehr talentierter Filmemacher wie Gus van Sant, der mehrmals bewiesen hat, dass er wirklich kann, an ein solches Thema heranwagt. Das sind die enttäuschenden Erkenntnisse, die am Ende bleiben. Die sehr düstere Atmosphäre des Originals vermag der Film höchstselten zu erreichen und Vince Vaughn, dem die Präsenz Anthony Perkins fehlt, ist in der Psychopatenrolle schlichtweg falsch besetzt. Selbst William H. Macy, der eigentlich in allen seinen Rollen sehr zu schätzen ist, wirkt hier alles andere als überzeugend. Ein Remake, das in seiner "Fast 1:1 Kopie" nicht nur überflüssig, sondern leider auch schwach ist.