Ansi

Im Jahr 1974 veröffentlichte der ehemalige britische Geheimagent John le Carré seinen Erfolgsroman "Tinker Tailor Soldier Spy". Schon gut fünf Jahre später drehte die British Broadcasting Corporation BBC eine Verfilmung des Romans, mit niemand geringerem als Sir Alec Guinness ("Die Brücke am Kwai") in der Rolle des George Smiley, für ihr Fernsehprogramm. Nun, mehr als dreißig…

Im Jahr 1974 veröffentlichte der ehemalige britische Geheimagent John le Carré seinen Erfolgsroman "Tinker Tailor Soldier Spy". Schon gut fünf Jahre später drehte die British Broadcasting Corporation BBC eine Verfilmung des Romans, mit niemand geringerem als Sir Alec Guinness ("Die Brücke am Kwai") in der Rolle des George Smiley, für ihr Fernsehprogramm. Nun, mehr als dreißig Jahre später, begibt sich also der schwedische Regisseur Thomas Alfredson, der insbesondere durch seinen großartigen Film "So finster die Nacht" (2008) weltbekannt wurde, an eine Neuverfilmung der legendären Spionagegeschichte.

"Dame König As Spion" ist ein besonderer Film. Auf der einen Seite wird ein vierhundert Seiten schweres Werk auf gut zwei Stunden Film komprimiert, trotzdem wirkt der Film erstaunlich entschleunigt. Alfredsons Werk ist ein ganz und gar klassischer Film, er ist der heutigen Filmwelt dermaßen entrückt, dass er schon fast museale Züge aufweist. Das ist keinesfalls negativ zu verstehen, eher kennzeichnet dies einen mit seiner Entstehung schon erkorenen Klassiker. Die Story von le Carré ist genial, hier zeigt sich einmal mehr die realistische Prägung seiner Erzählungen. Der Protagonist begibt sich auf die Suche nach einem Maulwurf im britischen Geheimdienst, nach und nach deckt er Geheimnisse und mysteriöse Verstrickungen auf, ohne überhaupt offiziell nachforschen zu dürfen geschweige denn Akteneinsicht oder sonstiges zu haben. Der Legende nach basiert diese Geschichte sogar auf den reellen Begebenheiten um den sowjetischen Spion Kim Philby.

Die Geheimdienstarbeit wird bis auf ihr Skelett entmystifiziert und entglorifiziert. Man sieht rauchende und alkoholtrinkende Agenten, denen all ihre Lebensjahre und mehr oder minder aufregenden Missionen durch tiefe Falten ins Gesicht geschrieben zu sein scheinen. Die Welt des britischen Geheimdienstes, fern der Abenteuerromantik eines James Bond oder sonstiger verbogener Vorstellungen von aufregender Spionage und Action. Die Tristesse, die konservierte Atmosphäre des kalten Krieges - es gelingt dem Film perfekt, all dies in seinen Kulissen, der Ausstattung, aber auch der visuellen Gestaltung festzuhalten. Es bleibt kaum noch ersichtlich, ob man nun einen Film sieht, der aus den Siebzigern stammt oder nur in dieser Zeit spielt. Erdige Töne, blasse Farben, braun in braun - insgesamt eine perfekte Gesamtkonzeption zeitzugehöriger Visualisierung.

Einzig und allein die Schauspieler lassen hier einfache Schlüsse auf die Entstehungszeit des Films zu. Die Besetzung des Films hat es absolut in sich. Alle wichtigen Rollen werden von brillanten und großartig aufspielenden Schauspielern bekleidet. Natürlich besticht der endlich erstmals Oscar nominierte Gary Oldman ("Léon – Der Profi") in der Hauptrolle, quasi als Erbe des unerreichten Alec Guinness. Sein Schauspiel ist zurückhaltend, besticht aber durch gradlinige Intensität und eine gekonnte Verkörperung der undurchsichtigen Absichten und Ziele Smileys. In den weiteren Rollen sind unter anderem der letztjährige Oscarpreisträger Colin Firth ("The King’s Speech"), Tom Hardy ("The Code – Vertraue keinem Dieb"), Mark Strong ("The Way Back – Der lange Weg"), Toby Jones ("City of Ember – Flucht aus der Dunkelheit"), Benedict Cumberbatch ("Sherlock"!) und der fabelhafte John Hurt ("1984") zu sehen.

Bei all dem Lob darf man aber auch nicht vergessen, dass der Film eine unverkennbare Schwäche hat. Das Drehbuch von Bridget O'Connor ("Sixty Six") und Peter Straughan ("Männer, die auf Ziegen starren") macht es dem Zuschauer beileibe nicht einfach den Geschehnissen zu folgen. Ist die ursprüngliche Erzählung aufgrund der vielen Namen, Situationen und Möglichkeiten schon nicht einfach zu verstehen, so macht es das Drehbuch noch bedeutend schwieriger. Durch diverse Zeitsprünge, Wechsel von Handlungsorten und -personen und einer Verquickung aller Charaktere unter einander entsteht ein Wulst an Informationen, denen nur noch schwer zu folgen ist. Es ist durchaus verständlich und ersichtlich, wie sich der Film später seiner Auflösung und der Bekanntgabe des gesuchten Spions annähert, aber letztlich hat man nicht das Gefühl, wirklich der Lösung gefolgt zu sein, es fehlt der "Aha-Moment" im Kopf des Betrachters.

Insgesamt zeigt sich mit "Dame König As Spion" eines der ersten Highlights des noch sehr jungen Kinojahres. Der Film von Thomas Alfredson ("So finster die Nacht") besticht durch seine perfekt rekonstruierte Atmosphäre und überaus stimmige Inszenierung, außerdem wissen die schauspielerischen Leistungen der Beteiligten zu begeistern. Nicht ganz unbegründet darf sich somit Gary Oldman über die erste Oscarnominierung seiner Schauspiellaufbahn freuen. Einzig an der unnötig verkomplizierten und nicht immer durchschaubaren Story und dramaturgischen Konstruktion kränkelt der Film ein wenig - dies aber zugegebenermaßen auf sehr hohem Niveau.

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Schon gewusst: Schriftsteller John le Carré, welcher mit echtem Namen David John Moore Cornwell heißt, arbeitete von 1952 bis 1964 für den britischen MI5 und MI6, unter anderem auch in Deutschland.
Das Budget des Film wird auf ungefähr einundzwanzig Millionen US-Dollar geschätzt. Seit der Veröffentlichung konnten in den Kinos mehr als 56 Millionen Dollar wieder eingespielt werden.
Seine Premiere feierte der Film auf den Internationalen Filmfestspielen von Venedig im Jahr 2011.
Die Produktion des Films begann durch Peter Morgan, dieser gab die Drehbucharbeit allerdings an Peter Straughan und dessen Frau Bridget O'Connor weiter. O'Connor starb noch vor der Veröffentlichung des Films an Krebs, deshalb ist ihr der Film gewidmet.
Gedreht wurde der Film zwischen Oktober und Dezember 2010.
Die allgemeinen und internationalen Kritiken zum Film fallen insgesamt gut aus. Die renommierte Internet Movie Database verzeichnet eine kumulierte Bewertung von 7,4. Die Internetcommunity Rotten Tomatoes zeigt einen Score von tollen 84 Prozent, Metacritic weist dem Film 85 von einhundert möglichen Bewertungspunkten zu. Kritiker Roger Ebert von der Chicago Sun-Times verleiht dem Film drei von vier möglichen Sternen.
Im Januar 2012 erhielt der Film gleich drei Nominierungen für die Academy Awards. Chancen auf einen Oscar hat der Film in den Kategorien Bester Hauptdarsteller (Gary Oldman), Bestes adaptiertes Drehbuch (Peter Straughan und Bridget O'Connor) und Beste Filmmusik (Alberto Iglesias).

Spaß: 
 
 


 



Action: *









Spannung: *









Gefühl:









Anspruch: **



Kreativität:

Der Amerikaner James Horner zählt zu den bedeutendsten Filmmusikkomponisten der heutigen Zeit. Horner wurde im Londoner Royal College of Music auf Piano und Horn ausgebildet und studierte später in Kalifornien Musik und Komposition.

Insbesondere durch seinen Vater, Filmproduzent Harry Horner ("Haie der Großstadt"), fand James Horner den Weg ins Filmgeschäft Hollywoods. Erste…

Der Amerikaner James Horner zählt zu den bedeutendsten Filmmusikkomponisten der heutigen Zeit. Horner wurde im Londoner Royal College of Music auf Piano und Horn ausgebildet und studierte später in Kalifornien Musik und Komposition.

Insbesondere durch seinen Vater, Filmproduzent Harry Horner ("Haie der Großstadt"), fand James Horner den Weg ins Filmgeschäft Hollywoods. Erste Erfahrungen sammelte er hier durch die Zusammenarbeit mit Trash-Papst Roger Corman. Für diesen vertonte er zum Beispiel den Sciencefiction-Film "Sador - Herrscher im Weltraum" aus dem Jahr 1980. Der große und endgültige Durchbruch gelang Horner allerdings durch die Zusammenarbeit mit den weltbekannten Regisseuren Ron Howard und James Cameron.

Stilistisch vertraut Horner auf breit instrumentierte und zumeist voll orchestrierte Kompositionen, die der klassischen Tonalität folgen, aber auch deutliche Einzüge von Folklore und ethnischen Klängen, zeitgenössischer Musik und Synthesizerelementen tragen. Das Hauptaugenmerk liegt typischerweise auf üppigen Streicherpassagen, kontrastiert mit dynamischer Perkussion und deutlichen Bläseranteilen.

Horner ist einer der talentiertesten und fähigsten Komponisten, seine Themen sind einprägsam, die Dramaturgie seiner Werke erschließt sich häufig auch ohne die laufenden Bilder. Auf fast malerische Weise setzt er die handlungsbestimmenden Melodien zu einem Gesamtgemälde zusammen. Mit seinen besten Werken bewegt er sich mit Leichtigkeit auf Augenhöhe mit einem Howard Shore ("Der Herr der Ringe") und besitzt fast die virtuose Leichtigkeit eines John Williams ("Star Wars"). In letzter Zeit verkommt die Kreativität von James Horner leider ein wenig. Er macht sich angreifbar, da er teils offensichtlich und umfangreich eigene Werke und Themen zitiert und recycelt, aber auch Passagen aus klassischen Kompositionen zu nutzen scheint - ein Vorwurf allerdings, der eine überwiegende Zahl der heutigen Filmmusikkomponisten trifft.

Sein letzter großer Erfolg war die Musik zu Camerons "Avatar - Aufbruch nach Pandora", für seine epochale Filmmusik zu "Titanic" erhielt er im Jahr 1997 gleich zwei Oscar-Auszeichnungen.

Weitere bedeutende Werke von James Horner sind unter anderem seine Scores zu "Willow", "Rocketeer - Der Raketenmann", "Star Trek - Der Zorn des Khan", "Star Trek - Auf der Suche nach Mr. Spock", "Aliens - Die Rückkehr", "In einem Land vor unserer Zeit", "Braveheart", "Legenden der Leidenschaft", "Apollo 13" und "A Beautiful Mind - Genie und Wahnsinn".

Regisseur Michael Bay ("Transformers - Die Rache", "The Rock - Fels der Entscheidung") machte sich als Produzent in zweifelhafter Weise darum verdient, altgediente und durchaus bewährte Horrorfilmreihen mit seinem eigenen Filmstudio Platinum Dunes wiederzubeleben. Mit "Michael Bay's Texas Chainsaw Massacre" funktionierte dies als Auferstehung von Tobe Hoopers Genreklassiker…

Regisseur Michael Bay ("Transformers - Die Rache", "The Rock - Fels der Entscheidung") machte sich als Produzent in zweifelhafter Weise darum verdient, altgediente und durchaus bewährte Horrorfilmreihen mit seinem eigenen Filmstudio Platinum Dunes wiederzubeleben. Mit "Michael Bay's Texas Chainsaw Massacre" funktionierte dies als Auferstehung von Tobe Hoopers Genreklassiker "Blutgericht in Texas" auch überraschend gut. Die Reanimierung des "Freitag der 13."-Franchises war in seiner Behäbigkeit eine große Enttäuschung, unabhängig davon, dass die Figur des Jason Voorhees sowieso zu den uninteressanteren populären Filmmördern gehört.

Nun sind wir im Kanon der Horrorfilme - um die "Halloween"-Reihe kümmert sich bekanntermaßen der leidliche Rob Zombie ("Haus der 1000 Leichen") - beim wohl herausragendsten Horror-Franchise angelangt. Die "Nightmare on Elm Street"-Filme, aus der Feder von niemand geringerem als Wes Craven ("Scream - Schrei!"), sind kreativ, spannend und durchaus charmant. Zu großen Teilen war dies natürlich immer Schauspieler Robert Englund ("Düstere Legenden") geschuldet, der die Figur des Freddy Krueger zwischen diabolisch und ironisch großartig in Szene setzte. Wie es sich für ein ordentliches Remake gehört ist Englund in seiner Paraderolle nunmehr Filmgeschichte.

Und was soll man zu "A Nightmare on Elm Street" sagen: Der Aufguss von Wes Cravens brillant schwarzhumorigen und visionären Horrorschocker aus dem Jahr 1984 ist uninteressant, unkreativ und uninspiriert. Regisseur Samuel Bayer, welcher durch Musikfilmchen, wie zum Beispiel Nirvanas legendärem 'Smells Like Teen Spirit', bekannt geworden ist, schafft zwar ein akkurat düsteres Setting mit der nötigen Atmosphäre und bildet so manche Kamerafahrt Cravens eins zu eins ab. Ein Beleg für die Notwendigkeit dieser Neuverfilmung ist dies allerdings nicht, bleibt sie doch letztlich Welten hinter dem kultisch verehrten Original zurück. Nervig sind dies betreffend nicht nur die vorhersehbaren Schockmomente, welche immerhin in der Lage sein sollten selbst Neulinge im Horrorgenre zu erschrecken. Insbesondere die Besetzung Freddy Kruegers enttäuscht. Ohne Frage ist Oscarnominee Jackie Earle Haley ("Little Children", "Watchmen - Die Wächter") ein großartiger, begnadeter und leider viel zu wenig gewürdigter Schauspieler - die Fußstapfen eines Robert Englund sind aber auch ihm zu groß. Schrecken verbreitet Haley in seiner Rolle zweifelsfrei, allerdings fehlt seiner Darstellung die geniale Balance zwischen schwarzem und ironischem Witz sowie der rücksichtslosen Brutalität des typischen Freddy Kruegers.

Die Story betreffend darf man nicht allzu viel erwarten. Auch wenn der Film etwas mehr Konzentration auf die Ursprünge, Herkunft und Motivation Kruegers legt fehlen ganz eindeutig die sozialkritischen Akzente der Originalreihe: die Entwicklung der Jugendlichen, das Zurechtkommen in der Welt der Erwachsenen, das Anrennen gegen bestehende Konventionen des Establishment und die Sexualisierung. Besonders negativ ist in diesem Zusammenhang auch die geschmacklose und unverzeihliche Verirrung, in der Kindermörder Krueger einfach zum vergewaltigenden Pädophilen und Päderasten verklärt wird. Abgesehen von diesem unerklärlichen Fauxpas bringt das Werk immerhin in der letzten Szene schockierende Kreativität zu Tage, die somit in netter Form von Wes Cravens eigentümlichen Filmende abweicht.

Insgesamt gesehen stellt sich der Horrorstreifen "A Nightmare on Elm Street" in Anbetracht der unbestrittenen Qualitäten des Originals als deutliche Enttäuschung dar. Dem Film fehlt nicht nur das nötige Alleinstellungsmerkmal, vielmehr zeigen sich die Darstellungen zumeist gelangweilt uninspiriert und ohne besondere Abwechslung. Schauspielerisch überzeugt der junge Gesamtcast durchaus, wenn auch ein Robert Englund letztlich nicht wirklich zu ersetzten ist.

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Schon gewusst: Wes Craven zeigte sich wenig begeistert über das Remake seines Films, da er weder Mitbestimmungsrecht noch eine beratende Funktion, wie beim Remake seines Films "The Last House on the Left", einnehmen durfte. Der ehemalige Krueger-Darsteller Robert Englund hingegen zeigte sich insbesondere mit der Wahl Jackie Earle Haleys, aber auch den neuen Film- und Gestaltungsmethoden, ausgesprochen zufrieden.
Die CGI an Freddy Kruegers verstümmelten Gesicht wurden von dem gleichen Special Effects-Team bearbeitet, welches auch in Christopher Nolans "The Dark Knight" das Gesicht von Harvey 'Two-Face' Dent digital entstellte.
Auf Drängen von Warner Bors. sollte der Film vor Kinostart noch nachträglich in eine 3D-Version konvertiert werden, um im Box Office von der Popularität stereoskoper Filme zu profitieren. Überraschenderweise konnten die Produzenten das Filmstudio davon überzeugen, dass eine nachträgliche Umwandlung wenig überzeugend wäre.
Schauspieler Kyle Gallner spielte in der herausragenden amerikanischen neo-noir Fernsehserie "Veronica Mars" die Rolle des undurchsichtigen Cassidy 'Beaver' Casablancas in der zweiten Staffel.
Das Budget des Films betrug ungefähr 35 Millionen Dollar. Die Einnahmen an den Kinokassen weltweit werden auf über 115 Millionen US-Dollar taxiert.
Die gemeinen Kritiken zum Film "A Nightmare on Elm Street" fielen äußerst dürftig aus. Rotten Tomatoes vergibt 13 Prozent, Metacritic bewertet den Film mit 35 von einhundert möglichen Punkten. Kritikerpapst Roger Ebert verleiht dem Film nur einen von vier verfügbaren Sternen. Die renommierte Internet Movie Database präsentiert immerhin eine kumulierte Nutzerbewertung von 5,1.

Spaß: 
 
 


 


Action:








Spannung: **








Gefühl:








Anspruch: 


Kreativität:

Man kann nicht sagen, dass ich die beiden "Hostel"-Filme von Regisseur Eli Roth ("Cabin Fever") sonderlich schätze. Es geht eher so weit, dass ich die ersten zwei Streifen als meine einzigen beiden Hassfilme bezeichnen würde. Das liegt nicht an Roths Können als Regisseur. Ganz im Gegenteil schätze ich ihn, seinen Einfluss auf das Horrorgenre und sein bemerkenswertes Filmverständnis…

Man kann nicht sagen, dass ich die beiden "Hostel"-Filme von Regisseur Eli Roth ("Cabin Fever") sonderlich schätze. Es geht eher so weit, dass ich die ersten zwei Streifen als meine einzigen beiden Hassfilme bezeichnen würde. Das liegt nicht an Roths Können als Regisseur. Ganz im Gegenteil schätze ich ihn, seinen Einfluss auf das Horrorgenre und sein bemerkenswertes Filmverständnis über alle Maßen. Er versteht es durchaus patent die Geschehnisse in Szene zu setzen und auch aus technischer Sicht lässt sich nicht besonders viel bemängeln. Man könnte sich hingegen viel eher an der menschenverachtenden Prägung, expliziten Gewalt- und Goredarstellungen oder den trüben Charakteren stören. Aber auch das veranlasste mich nicht in Gänze zur ablehnenden Haltung gegenüber der zwei "Hostel"-Teile. Was mich an den Filmen viel mehr störte war das realistische Setting - die Möglichkeit von Glaub- und Wahrhaftigkeit, dass solche Dinge wirklich existieren und passieren könnten. So stereotyp und abgedroschen es klingen mag, wirkt der Handlungsort im ehemaligen Ostblockland Slowakei soviel glaubwürdiger als einer dieser ewig gleichen amerikanisierten Horrorfilmchen in ihrem ungefährdet kleinurbanen Umfeld. Es sollte durchaus eine Stärke sein, dass die Filme dies entsprechend zu transportieren verstehen, mich allerdings ließ es mit Unbehagen und unumgänglich ablehnender Haltung zurück.

Eine komplizierte wie zwiespältige Beziehung und Situation also, in die nun die zweite Fortsetzung der populären Gorno-Reihe zielt. Der verantwortliche Regisseur ist ein alter Bekannter, Scott Spiegel ("From Dusk Till Dawn 2 – Texas Blood Money"). Bester Freund von Sam Raimi ("Tanz der Teufel"), aber auch sozusagen Geburtshelfer im Filmbusiness für Kultregisseur Quentin Tarantino ("Reservoir Dogs – Wilde Hunde"). Solide Voraussetzungen sollte man meinen, aber was uns "Hostel 3" zeigt ist eine riesige Enttäuschung. Nicht weil ihm der Titel Hassfilm verwehrt bleibt, es ist bedeutend schlimmer. Der Film ist völlig verweichlicht, belanglos und inkonsequent. Es ist wirklich schwierig an diesem Werk etwas positives oder entsprechend 'hassbares' zu finden.

Zu aller erst ist der Wechsel des Schauplatzes vom befremdlichen Ostblockstaat ins nevadische Las Vegas eine mittelgroße Katastrophe. Er nimmt dem Film schon im Ansatz das Potential und die Wirkung, die die ersten zwei Teile zumindest unter Umständen durch ihr Setting hervorrufen konnten. Wie glaubhaft wirkt schon eine casinoartige Todesshow in der Wüste Nevadas vor Las Vegas? Diese konstruierte Vorstellung bewegt sich dementsprechend auf einem Realismusniveau mit Wes Cravens "Hügel der blutigen Augen" oder Tobe Hoopers "Blutgericht in Texas", ohne natürlich jemals deren Qualität auch nur ansatzweise zu erreichen.

Ein weiterer frappierender negativer Aspekt dürfte insbesondere für hartgesottene "Hostel"-Fans die erstaunliche Entschärfung jeglicher Gewaltszenen sein. Natürlich bleibt auch diesem Film die Jugendfreigabe verwehrt, aber trotzdem kommt der Streifen insgesamt überraschend harmlos daher. Die Folterszenen besitzen nicht die erschütternde Wirkung ihrer Vorgänger und allzu schnell verdeutlichen frühe Schnitte und sich abwendende Kamerabilder den ganz anderen Ansatz bildlicher Gewaltdarstellung. Nichts an dem ich mich persönlich sonderlich stören würde - die meisten Zuschauer dürften auch wegen des hier gezeigten noch Unwohlsein verspüren - aber hartgesottene Fans werden hier ganz klar enttäuscht zurück bleiben.

Soviel Inkonsequenz enttäuscht kolossal, da tut es richtig gut, dass immerhin die langweiligen Charaktere und die an sich mäßige Story auch in den dritten Teil 'gerettet' werden konnten. Außerdem fällt es auch in diesem Fall schwer, dem Film irgend eine glaubwürdige sozial- oder anders kritische Intention anzudichten.

Zu einer Kritik gehört in der Regel wohl auch noch eine Erwähnung der schauspielerischen Leistungen. Das gelingt hier besonders leicht: Thomas Kretschmann ("Warum Männer nicht zuhören und Frauen schlecht einparken") spielt mit - mimt sogar den Antagonisten -, alle anderen Darsteller sind entweder noch schlechter oder noch unbekannter. Die groben technischen Aspekte sind in Ordnung, Kameraführung und Schnitt erinnern höchstens zu sehr an genrebekannte B-Movies. Filmmusik gibt es kaum, der Soundtrack könnte aus "Hangover" stammen, ist aber, wie der ganze Film, absolut beliebig.

Was ist nur aus dem kantigen und diskussionswürdigen "Hostel"-Franchise geworden? So strittig auch die beiden ersten Filme waren, hatten sie immerhin die Qualität zu polarisieren und Fans zu gewinnen. Wie auch immer man den Filmen begegnete, enttäuscht Spiegels "Hostel 3" auf ganzer Linie. Alles Bemerkenswerte der Vorgänger ist dank absoluter Inkonsequenz verloren gegangen, der Ortswechsel nach Las Vegas ist ein Desaster. Der Film ist belanglos, langweilig und für Fans ein unverzeihlicher Reinfall. Man muss somit ernsthaft hoffen, dass nicht noch weitere Horrorstreifen dieser Art und im Rahmen dieses Franchises in Arbeit sind. Etwas anderes als eine direkte Veröffentlichung auf Blu-ray beziehungsweise DVD hat dieser Film dementsprechend auch ganz eindeutig nicht verdient.

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Schon gewusst: Als Scott Spiegel in jungen Jahren nach Los Angeles kam wohnte er unter anderem gemeinsam mit Sam Raimi ("Spider-Man 1-3"), Joel und Ethan Coen ("The Big Lebowski") sowie den Schauspielerinnen Holly Hunter ("Das Piano"), Frances McDormand ("Burn After Reading – Wer verbrennt sich hier die Finger?") und Kathy Bates ("Misery") in einem Haus.
Scott Spiegel gründete zusammen mit Eli Roth ("Stolz der Nation") und Boaz Yakin ("Gegen jede Regel") die Produktionsfirma "Raw Nerve". Diese produzierte unter anderem die drei "Hostel"-Filme, sodass Spiegel schon bei "Hostel" und "Hostel: Part II" zumindest in der Funktion als Produzent auftrat.
Scott Spiegel stellte Filmneuling Quentin Tarantino Anfang der 90er Jahre einem gewissen Lawrence Bender vor, der es Tarantino ermöglichte "Reservoir Dogs - Wilde Hunde" zu drehen. Seitdem produzierte Bender alle Filme des Kultregisseurs, mit Ausnahme des Grindhouse-Films "Death Proof - Todsicher".
Die allgemeinen Kritiken zum Film fallen unterdurchschnittlich aus. Die renommierte Internet Movie Database weist eine Bewertung von 4,8 aus. Die Filmcommunity Rotten Tomatoes zeigt sogar eine Zuschauerbewertung von miserablen 22 Prozent.
Das Budget des Films wird auf etwa 38 Millionen US-Dollar geschätzt.
Im Juni 2008 wurde erstmals öffentlich, dass Scott Spiegel einen dritten Teil der Filmreihe drehen könnte. Ein Jahr später bestätigte Eli Roth, dass er persönlich nicht mehr als Regisseur an "Hostel 3" beteiligt sein werde. Lange wurde Roth zumindest als Produzent gehandelt, aber auch dies traf letztlich nicht zu. Genauere Informationen über den Inhalt des Films existierten nur in Form von unbestätigten Gerüchten, erst ein finaler Trailer bestätigte im Oktober 2011 die kolportierte Las Vegas-Thematik.
Am 27. Dezember 2011 wurde der Film in den USA direkt auf Blu-ray und DVD veröffentlicht. Deutsche Zuschauer müssen auf die Veröffentlichung hingegen bis zum 17. Januar 2012 warten.

Spaß: 
 
 



Action:









Spannung: *









Gefühl:









Anspruch: 



Kreativität:

In Bezug auf Produzent M. Night Shyamalan ("The Sixth Sense") ist es ein Leichtes in sinnlos kritische Traktate zu verfallen. In diesem Fall ist dies allerdings ausnahmsweise einmal völlig unnötig, da der indische Alibiregisseur nur als Produzent und Drehbuchschreiber auftritt. Dementsprechend ist "Devil" auch besser als all jene Produkte, die sich zuletzt aus der Verantwortung…

In Bezug auf Produzent M. Night Shyamalan ("The Sixth Sense") ist es ein Leichtes in sinnlos kritische Traktate zu verfallen. In diesem Fall ist dies allerdings ausnahmsweise einmal völlig unnötig, da der indische Alibiregisseur nur als Produzent und Drehbuchschreiber auftritt. Dementsprechend ist "Devil" auch besser als all jene Produkte, die sich zuletzt aus der Verantwortung Shyamalans ergaben.
Das darf man nicht falsch verstehen, zu einem sehr guten Film macht dies "Devil" beileibe nicht, aber zu einem soliden Werk. Die amerikanische Brüder John Erick und Drew Dowdle erarbeitete sich mit ihrem mittelprächtigen Blitzremake "Quarantäne" des spanischen Erfolgsfilms "[●REC]" zumindest einen Namen im entsprechenden Genrekino und sie sollten somit bestens für die Verfilmung eines Thrillers geeignet sein.

Der Film bietet auch auf den ersten Blick schon eine sehr interessante wie reizvolle Grundkonstellation mit dem beschränkten Hauptschauplatz Fahrstuhl, welcher bisher nicht so wirklich überzeugend in trashigen B-Movies die Leute in den Tod stürzen durfte und hier trotz alledem sehr effektiv genutzt wird. Natürlich besitzt der Film im Umgang mit seinem begrenzten Spielort nicht im Ansatz die Klasse eines Hitchcock'schen "Das Fenster zum Hof" oder Schumachers "Nicht auflegen", die klaustrophobische Grundstimmung wird aber durchaus verständlich und glaubwürdig transportiert. Die im Aufzug befindlichen fünf Protagonisten, welche jeder für sich auf irgendeine Art und Weise Schuld auf sich luden, stützen den Film und seinen Plot mit expositivem Gerede, natürlichem Zweifel, fadenscheinigem Selbstschutz und exzessiven Verdächtigungen. Dass sich unter ihnen dann allerdings der Teufel höchstpersönlich befindet, klingt nicht nur albern, sondern zielt viel zu kalkuliert auf christliche Urängste. Viel schwerer als das wiegt aber die Vorhersehbarkeit der Story, die sich allzu schnell und für den normalen Kinogänger wohl schneller als geplant ihrer Auflösung zubewegt. Shyamalan kupferte hier ein wenig bei Agata Christi und dort bei James Wans "Saw" ab, dazu wird eine Prise Teufelsspuk und ein klerikal strahlendes Happyend gereicht. Dass der Film nach seinem zu früh absehbaren Ende und einer der sinnlosesten Kamerafahrten der Geschichte schon nach nur knapp achtzig Minuten in den Abspann übergeht ist da fast die größte Überraschung des Abends. Was letztlich alles reichlich abstrus und konstruiert klingt, ist aber über weite Strecken trotzdem mit überzeugender Spannung und gutem Tempo inszeniert. Bemerkenswert ist außerdem, dass der Film auf den übertriebenen Gebrauch von Kunstblut und die Zurschaustellung abgetrennter Gliedmaßen oder mittlerweile ähnlich üblicher Verrohungen verzichtet. Stattdessen wird der durch Dunkelszenen und akzentuierte Schnitte hervorgerufenen Grusel im Kopf des Betrachters erst zur vollen Reife gebracht. Schauspielerisch bieten sich solide Leistungen, wobei man in einem Streifen voller unbekannter Schauspieler vielleicht noch am ehesten von John Logan Marshall-Green ("O.C., California") oder Chris Messina ("Away We Go – Auf nach Irgendwo") gehört haben könnte. Die Filmmusik vom gemeinhin unbekannten Komponisten Fernando Velázquez ist hingegen nicht der Rede wert.

Das klingt zusammenfassend alles sehr kritisch, aber "Devil" weiß durchaus als patenter Thriller mit zugegeben wenig visuellem Horror aber konstant akkurater Spannung zu gefallen. Außerdem verzichtet der Film konsequent auf den aufgesetzten Pathos und die unfreiwillige Komik der letzten Shyamalan Filme. Somit darf man auch auf die zwei weiteren Episoden der "The Night Chronicles"-Reihe gespannt sein. Der dritte Teil soll immerhin die Fortsetzung zu "Unbreakable - Unzerbrechlich", dem Werk aus der mittlerweile leider fast vergessen Ära der tollen Shyamalan-Filme, werden.

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Schon gewusst: Das Budget des Films, welches bereits am Startwochenende wieder eingespielt werden konnte, wird auf nur rund zehn Millionen Dollar geschätzt.
Insgesamt konnten an den Kinokassen weltweit Einnahmen von mehr als 62 Millionen US-Dollar generiert werden.
Der erste Trailer zum Film erzeugte deutschlandweit Aufsehen und Erheiterung, denn dort heißt es wortwörtlich "Jeder Tag unseres Lebens ist voller {Überblendung} unvorhersehbaren Ereignissen". In einer späteren Version wurde dies durch einen animierten Worteinschub korrigiert.
Seit "The Sixth Sense" produzierte Sam Mercer jeden von M. Night Shyamalans Filmen. Für den Film "Congo" erhielt dieser außerdem bereits im Jahr 1996 eine Nominierung für die Goldene Himbeere.
Apropos Goldene Himbeere: M. Night Shyamalan höchst selbst erhielt jüngst für sein letztes Werk "Die Legende von Aang" die zweifelhafte Auszeichnung gleich in doppelter Ausführung.
Gedreht wurde der Film ab Oktober 2009 vor allem in Toronto, Philadelphia und Los Angeles.
In den Vereinigten Staaten startete der Film unter anderem mit Ben Afflecks "The Town - Stadt ohne Gnade" und Will Glucks "Einfach zu haben", mit der bezaubernden Emma Stone ("Superbad") in der Hauptrolle. In deutschen Kinos stand der Film zum Beispiel in Konkurrenz zu "The Green Hornet" oder Disneys "Rapunzel - Neu verföhnt".
Die Kritken zum Film fallen recht gut aus. Die renommierte Internet Movie Database zeigt einen repräsentativen Score von 6.3. In der Community Rotten Tomatoes findet sich eine Bewertung von 51 Prozent, Metacritic vergibt 44 von einhundert möglichen Punkten.
Der zweiten Teil der "Night Chronicles"-Reihe soll von einer zwölfköpfigen Gerichtsjury handeln, die einen Fall in Verbindung mit übernatürlichen Geschehnissen diskutieren und verhandeln muss. Der Film mit dem englischen Originaltitel "Reincarnate" soll von Regisseur Daniel Stamm inszeniert werden, das Drehbuch stammt hingegen von Chris Sparling ("Buried - Lebend begraben"). Wann der Film den Weg in die internationalen Kinos finden wird ist noch nicht offiziell bekannt.

Spaß: 
 
 



Action: *









Spannung: **









Gefühl:









Anspruch: 



Kreativität: