Chainsaw Charlie - Kommentare

"The Tourist" von Regisseur Florian Henckel von Donnersmarck beginnt mit vielen Nahaufnahmen von Angelina Jolies Gesicht und dann von ihrem Arsch, als ob jede Einstellung eine Pose für das Filmplakat wäre. Die Kamera bleibt den ganzen Film über dicht an ihr dran, darauf bedacht, jeden Winkel ihrer Ästhetik einzufangen, während viele willkürliche Charaktere sie sehnsüchtig anstarren und ihre Handlungen von jeder ihrer Bewegungen abhängig machen - interessanterweise gibt es in "The Tourist" keine anderen weiblichen Charaktere, die ihre Flutlicht-Sexualität trüben könnten. Sie spielt sowohl die Neben- als auch die Hauptrolle, aber ihr Charakter ist nur am Anfang clever geschrieben. Im Laufe des Films wird sie immer mehr zu einer typischen Jungfrau in Nöten, die nur halb so fähig ist wie ihre frühere unabhängige Rolle in "Salt".

In Paris, Frankreich, geht Elise Clifton-Ward (Angelina Jolie) in ein Café, wo sie von der 'Metropolitan Police' genau beobachtet wird. Ein Überwachungsteam observiert ihre Aktivitäten und ist sicher, dass sie von dem schwer zu fassenden Alexander Pearce kontaktiert wird, einem ehemaligen Banker, der einen mächtigen Gangster um 2,3 Milliarden Dollar betrogen hat. Der Mafioso Reginald Shaw (Steven Berkoff) begibt sich rachsüchtig in die Stadt, als er erfährt, dass Alexander Pearce zurückkehrt.

Um die Sache zu verkomplizieren, besteigt Elise Clifton-Ward einen Zug, um ihre Verfolger abzuschütteln, und benutzt einen Amerikaner, den mit Spionage nicht vertrauten Mathematiklehrer Frank Tupelo (Johnny Depp) vom 'Madison Community College', als Lockvogel. Nach dem einzigen klugen Dialog des Films, in dem Frank Tupelo über seine Worte stolpert, während Elise Clifton-Ward ihn mit ihrer ruhigen und kontrollierten Art und ihrem Gebaren verführt, was an einen Moment zwischen Cary Grant und Eva Marie Saint an einem ähnlichen Ort in "Der unsichtbare Dritte" erinnert, nimmt sie ihn mit zurück in ihr Hotel. Am nächsten Morgen ist es mit der Illusion vorbei, als er aufwacht und feststellt, dass man ihn mit Alexander Pearce verwechselt hat. Scotland Yard's Inspektor John Acheson (Paul Bettany) ist ihm auf den Fersen, zusammen mit Reginald Shaw und seiner Bande gut ausgestatteter Halsabschneider.

"Warum versuchen alle, mich zu töten?", möchte Frank Tupelo, der Protagonist in einem klassischen 'Falscher Mann'-Szenario, wissen. Es könnte damit zu tun haben, dass er in einem stinklangweiligen, vorhersehbaren und konstruierten Film mitspielt. "The Tourist" versucht, eine verzweifelte Romanze, ein James-Bond-Imitationsabenteuer und eine leichte Actionkomödie zu kombinieren, was ihm weder in der Summe noch in den einzelnen Teilen gelingt. In den aufregendsten Szenen küssen sich Johnny Depp und Angelina Jolie, der Bösewicht bekommt seinen obligatorischen Moment, in dem er seinen eigenen inkompetenten Lakaien tötet, und ein Liebeslied ertönt zum denkbar ungünstigsten Zeitpunkt.

Die Chemie ist nicht vorhanden, die Nebendarsteller könnten nicht gewöhnlicher sein, und zu viele lachhafte Gelegenheiten ergeben sich daraus, dass sich die Figuren dramatisch anstrengen, um intensiv zu wirken. Durch diese Vorgehensweise vernichtet "The Tourist" immer wieder jede Chance, halbwegs seriös zu sein. Kein Wunder, dass es mehrere Regisseure, diverse Drehbuchversionen und eine ganze Reihe von Schauspielern gab, die bei "The Tourist" ein- und ausstiegen, bevor sich Johnny Depp, Angelina Jolie und Regisseur Florian Henckel von Donnersmarck festlegten. Es ist eine Schmach, dass so hochkarätige Filmschaffenden an einem so miserablen Werk beteiligt waren.

"Maximum Risk" von Regisseur Ringo Lam ist der Titel, den man einem Actionfilm gibt, wenn die Filmemacher absolut keine Ahnung haben, wie man ihn nennen soll. Wenn man bedenkt, dass es in dem Projekt um Zwillinge, Mafiosi, korrupte FBI-Agenten und eine Menge Verfolgungsjagden geht, ist es ein Wunder, dass sie sich nicht einen weniger generischen Filmtitel ausgedacht haben. Dennoch schafft es "Maximum Risk" auf überraschende Weise, recht amüsant und einer der adrenalingeladensten Filme in Jean-Claude Van Dammes Filmreihe der 90er Jahre zu sein, obwohl es nicht schwer ist, "Mit stählerner Faust", "Ohne Ausweg", "Hard Target - Harte Ziele" und "Sudden Death" zu toppen.

"Maximum Risk" beginnt mit einer intensiven Verfolgungsjagd in Südfrankreich, bei der Mikhail Suverov von Horden schwer bewaffneter Männer verfolgt wird. Als Mikhail Suverovs unglückliche Flucht tödlich endet, wird der Polizist Alain Moreau (Jean-Claude Van Damme) hinzugezogen, um die Leiche zu untersuchen, die schockierenderweise ein Gesicht hat, das seinem eigenen ähnelt! Nachdem er herausgefunden hat, dass Michail Suverow sein unbekannter Zwillingsbruder war, nimmt Alain Moreau die Identität des Toten an, um die Mörder ausfindig zu machen und für rasche Gerechtigkeit zu sorgen... oder Rache zu üben.

Alain Moreau kehrt in die Vereinigten Staaten zurück, um nach Verbindungen zu den Freunden und der Familie seines Bruders - der russischen Mafia - zu suchen. Die Nerven der Gangster liegen blank, als Mikhail Suverov wohlbehalten wieder auftaucht und seine attraktive Freundin Alex Minetti (Natasha Henstridge), die es kaum erwarten kann, ihn wiederzusehen, ihn in Sicherheit bringt. Doch Alain Moreau scheut sich nicht, diejenigen, die sich ihm in den Weg stellen, mit grausamer Aggression zu stoppen, was ihn zu einem ungewöhnlich gewaltbereiten Antihelden macht. In Windeseile werden Waffen gezogen, Messer geschwungen, Verfolgungsjagden gestartet, Verräter enttarnt und dubiose Beamte auf die beiden angesetzt, die schnell merken, dass ihre Gegner nicht verhandeln, sondern nur töten wollen. "Denk nicht einmal daran, schlafen zu gehen - wir haben viel nachzuholen."

"Eltern lügen ihre Kinder immer an, um sie darauf vorzubereiten, wie sie von der Regierung gehandhabt werden", erklärt Sebastien (Jean-Hugues Anglade), der Freund von Alain Moreau, einem Polizisten in Frankreich. Während die Dialoge entsprechend kitschig bleiben, sind die rasanten Verfolgungsszenen weit über dem Standard, die Kampfszenen sind gekonnt choreografiert und Natasha Henstridges Nacktszene ist perfekt platziert. Ob er nun ein Striplokal demoliert, wiederholt mit einem unfassbar großen Schläger ringt, in gestohlenen Autos durch New York rast oder in brennenden Badehäusern kämpft, Jean-Claude Van Damme beweist, dass er zwar nicht viel zu sagen hat, sich aber entschuldigen kann, während er Fahrzeuge klaut, und weiß, wie man jemandem in den Arsch tritt.

Die vielleicht packendste Sequenz in "Maximum Risk" ist der Kampf im Badehaus, der mit ziemlicher Sicherheit David Cronenbergs ähnliche, unglaublich erschütternde Konfrontation in "Tödliche Versprechen - Eastern Promises" beeinflusst hat, wenn auch nur auf einer unterbewussten Ebene. Später gibt es einen weiteren, weniger effektiven Moment, der nur dazu dient, die Quoten des formelhaften Actionfilms zu erfüllen: Als Alain Moreau und Alex Minetti gefangen genommen werden, nehmen sie sich Zeit für eine dampfende Liebesszene, anstatt ihre Flucht zu planen. Schließlich findet das Finale an einem unwahrscheinlichen Ort statt, der nur als Anspielung auf "Blutgericht in Texas" beschrieben werden kann. Auch wenn Regisseur Ringo Lam in den USA außer ein paar weiteren Jean-Claude Van Damme-Filmen so gut wie nichts gemacht hat, beweist er, dass spannende Actionsequenzen ein cineastisches Abenteuer sehr gut zusammenhalten können, auch wenn die Handlung mehr oder weniger irrelevant ist.

"The Zone of Interest" von Regisseur Jonathan Glazer beginnt mit einer der längsten, langweiligsten und müßigsten Titelsequenzen, die man sich vorstellen kann. Es vergeht gefühlt mehr als eine Minute, bis die Titelgrafik endlich ausgeblendet wird, und auch danach gibt es noch mehrere Minuten Dunkelheit, Musik, Flüstern und Vogelgezwitscher, als ob die eigentliche Handlung verzögert werden soll. Dann geht es weiter mit diesem gemächlichen, unkonzentrierten, fast desinteressierten Beobachtungsdesign, bei dem die Figuren lediglich dabei betrachtet werden, wie sie sich am Strand vergnügen, wiederum ohne zielgerichteten Plot. In den ersten Minuten ist es wie ein Dokumentarfilm, aber ohne großes Thema; eine Familie vertreibt sich einfach die Zeit.

Natürlich steckt eine Idee dahinter, aber der distanzierte, entrückte Stil bleibt bestehen, wenn Rudolf Höß (Christian Friedel) ein Geburtstagsgeschenk erhält und seine Familie sich versammelt und übereinander redet, wobei die Hintergrundgeräusche regelmäßig die Details der Gespräche übertönen, ähnlich wie in vielen Werken von Robert Altman. Ehefrau Hedwig (Sandra Hüller) nimmt Lieferungen entgegen, schminkt sich und spielt mit ihrem Kleinkind, während sie die Aufgaben an verschiedene Angestellte verteilt, die Lebensmittel abholen, putzen und sich um den Haushalt kümmern. Das Leben dieser Menschen ist außergewöhnlich banal.

Aber so sehr sich "The Zone of Interest" auch bemüht, in einer völligen Normalität zu bleiben, die so unauffällig ist, dass man sie gar nicht wahrnimmt, so erschreckend ist es doch, wenn im Hintergrund Schüsse zu hören sind. Die Schlichtheit der Familie Höß ist sofort schockierend, wenn man sie mit der Zeit und der Bedeutung vergleicht, die hinter den Schüssen steckt: Es handelt sich um ein Haus, das während des Zweiten Weltkriegs an das Konzentrationslager Auschwitz grenzte. In einem Augenblick ist die Alltäglichkeit versteinert, besonders wenn eine Gruppe von Nazi-Offizieren über die Effizienz eines neuen Krematoriums diskutiert, das auf einer Seite brennt, während die angrenzenden Kammern abkühlen, um die Asche zu entfernen und die Leichen kontinuierlich umzulagern - oder wenn menschliche Überreste als Dünger ausgestreut werden. Oder wenn ein Kind mit Spielsachen spielt, während vor seinem Fenster Menschen ermordet werden, oder wenn Kinder mit Goldzähnen spielen, deren ehemalige Besitzer ein grausames Schicksal erlitten haben. Die Beiläufigkeit, mit der über Gräueltaten gesprochen, sie wahrgenommen oder ignoriert werden, ist die Absicht. Kann das Leben überhaupt typisch sein, oder kann man es auf traditionelle Weise angehen, mit dem Holocaust als Hintergrund? Die Assoziationen und die blinden Augen sind erschütternd, obwohl Jonathan Glazer kaum eine Perspektive bietet und sich stattdessen auf das Starren beschränkt.

Jede Szene zieht sich in die Länge, und die Kamera verweilt noch lange, nachdem die Hauptfiguren nicht mehr wichtig sind, aber diese häufigen, langen Pausen werden eindringlich, sobald die Epoche und die Beteiligten deutlich werden. Frauen, die Kaffee trinken und tratschen, Hedwig und ihre Kinder, die den Garten jäten oder im See spielen, während Rudolf Höß angelt, eine Großmutter, die zu Besuch kommt und auf der Terrasse ein Schwätzchen hält, oder der stille Patriarch, der allein eine Zigarette raucht oder durchs Haus geht, um das Licht auszuknipsen, sind alltägliche Praktiken. Was vorher einfach nur unscheinbar war, wird zum absoluten Horror, nicht für die Unternehmungen selbst, sondern für die Atmosphäre.

Mittendrin liegt ein großer, schöner Garten mit blühenden Blumen und frischem Gemüse, in dem die Sonne scheint und die Bienen summen, während die Kinder spielen und Urlaubserinnerungen schaffen. Der ironische Blick und die starken Kontraste sind sowohl faszinierend als auch verstörend. Die Vorstellung, dass Tod und Zerstörung nur auf der anderen Seite einer Mauer stattfinden, die von üppigen Ranken und hoch aufragenden Sonnenblumen verdeckt wird, ist ziemlich radikal, vielleicht sogar zu krass, und wird mehrfach wiederholt. Die Hölle ist nur Zentimeter vom Paradies entfernt, und die grenzenlose Hoffnungslosigkeit könnte nicht näher an einem Eden-ähnlichen Glück sein. Sandra Hüller ist fast schon sympathisch, wenn sie ihren Mann anfleht, nicht aus ihrem grünen Wunderland wegzuziehen, und darauf besteht, dass die Kinder in ihrem jetzigen Zuhause gesund und glücklich sind. Die Charaktere strengen sich an, die markerschütternden Schreie und den dichten Rauch, der die strahlende Landschaft durchdringt, zu ignorieren, um sich in der unmittelbaren Schönheit und Ruhe zu sonnen. Es ist alles sehr ausgeprägt, aber naheliegend. "Das alles zu haben. Du bist wirklich auf deinen Füßen gelandet."

Auch wenn "The Zone of Interest" zweifellos ein erstaunliches Werk ist, das ein weniger bekanntes Element der Existenz in einer der dunkelsten Zeiten der Geschichte darstellt, schmälert der Mangel an Subtilität seine Kunstfertigkeit und sogar seine Ergreifung. Ist der Punkt gemacht, kehren die sich repetierenden Bilder und Klänge zu einer gewissen Langweiligkeit zurück, indem sie erneut Aktivitäten und Details mit ihrer trägen Linse inspizieren und Trivialitäten viel zu beharrlich überwachen. Das Finale jedoch, das ein lohnenswertes Beispiel unregelmäßiger chronologischer Schöpfung darstellt, ist äußerst bemerkenswert.

"Vielleicht waren wir von Anfang an zum Scheitern verurteilt", sagt Maggie Dean (Kristen Wiig), als sie über ihre unglückliche Erziehung nachdenkt. "The Skeleton Twins" von Regisseur Craig Johnson würzt das Ganze mit flotter Popmusik, um einen Selbstmordversuch ihres Bruders Milo (Bill Hader) zu kontrastieren, dessen Einlieferung in ein kalifornisches Krankenhaus und Benachrichtigung seiner Kontaktperson (Maggie) Maggies eigenen, zufällig gleichzeitigen Suizidversuch verhindert. Nach Jahren der Entfremdung überredet Maggie Milo, zu ihr und ihrem Mann Lance (Luke Wilson) nach New York zu kommen.

Unwillig, sich selbst zu unterhalten, unfähig, Begeisterung für irgendeine Aktivität aufzubringen, und außerstande, Interesse daran zu heucheln, sich in die vermeintliche Normalität der Situation seiner Schwester einzufügen, besucht Milo schließlich einen Buchladen, um seine frühere Affäre Rich Levitt (Ty Burrell) wieder zu treffen. Als dieses Treffen abrupt endet, lädt Milo seine Mutter (Joana Gleason) aus Arizona zu einem Besuch ein, der sich als ebenso unangenehme Erfahrung entpuppt, denn die Frau hat sich nie besonders um ihre Kinder gekümmert. Zwischen peinlichen Interaktionen, zahlreichen Lügen von allen Beteiligten, einem Tauchkurs mit dem verstörenden Lehrer Billy (Boyd Holbrook) und brutaler Ehrlichkeit zwischen den Geschwistern, könnten Maggie und Milo ihre Beziehung entweder reparieren oder dauerhaft zerstören.

Die Dialoge und die Atmosphäre haben einen dunklen Ton, der zu den niedergeschlagenen Figuren passt und gleichzeitig den rabenschwarzen Humor unterstreicht. Am Tag seiner Entlassung aus dem Krankenhaus liest Milo zur Abwechslung "Marley & ich". Der Missbrauch von Lachgas führt zur Preisgabe schockierender Geheimnisse inmitten von unkontrollierbarem Gelächter, und die Versuche, eine Affäre zu verdrängen, führen zu weiteren sexuellen Stelldicheins und Versuchungen. Doch inmitten der allgegenwärtigen Tristesse schimmern auch echte Szenen mit temperamentvollen Emotionen durch, darunter eine Montage von 'Nothing's Gonna to Stop Us Now' von 'Starship' und eine Halloween-Party mit ausgefallenen Kostümen. Leider reicht dies nicht aus, um die überwältigende Flut an persönlichen Tragödien zu kompensieren, die das Führungsduo ständig plagen.

Was als eine Reihe von erschwerenden Komplikationen für Maggie beginnt, entwickelt sich zu therapeutischen Sitzungen, in denen sie ihre Unzufriedenheit erkennt und zu einem Wandel motiviert wird. Aber es ist eine mühsame Kette von dramatischen Ereignissen, die wenig Raum für periodische kleine Erfolge lassen. Ähnlich wie "Silver Linings" beschreibt der Film Menschen mit seelischen Problemen, jedoch mit großer Subtilität und ohne einen starken romantischen Schwerpunkt. In "The Skeleton Twins" geht es um die Attitüde, dass das Gras immer grüner ist, um Willensschwäche, Wutausbrüche, Verrat, Reue und grobe Beleidigungen, statt um mitreißende, erfreuliche Triumphe.

Die unerwartete Zweideutigkeit am Ende ist nicht ganz ungünstig, da sie zu der zentralen Beziehung passt, auch wenn sie für die Betrachter, die auf einen durchschnittlichen Ausklang hoffen, ein Schock sein wird. Es ist eine Aufschlüsselung, die die zufällige Reise von Charakteren widerspiegelt, die lediglich darum kämpfen, in einer Welt zu existieren, die ihnen fremd und beängstigend ist. Als eine Analyse von Beziehungskisten, die in lästigen Repetitionen und Missstimmungen versinken, ist "The Skeleton Twins" eindringlich. Doch die kräftezehrenden Selbstmordversuche und Irrfahrten durch die Trübsal ertränken die verhaltenen Themata der zweiten Chance und der Geschwisterbindung, die viel dominanter hätten bleiben sollen.

"Magic Mike - The Last Dance" von Regisseur Steven Soderbergh beginnt mit einer heillos bizarren Voice-over-Erzählung, die auch in ungelegenen Momenten auftaucht und das Drehbuch immer wieder plagt. Selbst als das Geheimnis der altklugen Stimme gelüftet ist, wird das Schicksal des 40-jährigen Michael Jeffrey Lane (Channing Tatum) geschildert. Sein Möbelgeschäft ist der Pandemie zum Opfer gefallen, so dass er notgedrungen als Barkeeper arbeiten muss - ein Aushilfsjob bei einer Wohltätigkeitsveranstaltung im Haus der Millionärin Maxandra Mendoza (Salma Hayek Pinault) in Miami. "Was machst du wirklich?"

Für 6.000 Dollar lässt sich 'Magic' Mike zu einem privaten Striptease überreden. Schließlich hat Maxandra Mendoza einen schlechten Tag hinter sich und braucht dringend Ablenkung. Für eine Frau, die behauptet, keine Ahnung von der Materie zu haben, lässt sie sich voll und ganz auf den Schoßtanz ein und scheint genau zu wissen, wie sie sich in einer akkurat choreografierten Sequenz zu bewegen hat, die Michael Lanes Behauptung, er habe schon sehr lange nicht mehr getanzt, perfekt widerspiegelt. Zufälligerweise hat er nichts vergessen und sich auch nicht gehen lassen, denn er ist in bester körperlicher Verfassung, auch wenn er dank seiner Gene darauf besteht, Gemüse unter allen Umständen zu vermeiden. Maxandra Mendoza verwendet eine ähnliche Formulierung über die Genetik, wenn sie gefragt wird, wie sie reich geworden ist. Es stellt sich jedoch heraus, dass sie in beträchtlichen Reichtum eingeheiratet hat, was für einen Film, der den Feminismus und die damit verbundenen Ideologien von Unabhängigkeit und Macht inmitten des weit verbreiteten männlichen Chauvinismus fördern will, ein Problem darstellt. Sie wird ständig daran erinnert, dass sie ohne den Reichtum und die Beziehungen ihres Mannes mittellos ist, da es ihr im Laufe der Jahre nicht gelungen ist, sich eine eigene Einkommensquelle zu schaffen, obwohl sie über unbegrenzte Mittel und Inspiration verfügt.

Mit der Verlockung eines lukrativen Jobs in Übersee begleitet Mike Lane Maxandra Mendoza in ein Abenteuer, das zunächst an das Gegenteil von "Pretty Woman" denken lässt, als sie ihn zum Einkaufen mitnimmt, oder an die Ausgangssituation der Hauptdarstellerin in "Sex and the City" mit einem liebenswerten, barschen Butler. Mike Lane versucht, ein langweiliges Kostümtheater mit einem Striptease neu zu interpretieren und die Lebensfreude von Maxandra Mendoza wiederzuerwecken. Leider ist jede Figur hier ein Stereotyp, krude skizziert und generisch geschrieben, was wenig dazu beiträgt, das Bewusstsein zu fördern, dass Stripper komplexe Individuen sein können, denn die vielen männlichen Darsteller werden nur gelegentlich beim Namen genannt. Stattdessen konzentriert sich ein Großteil der Betrachtung auf die Verherrlichung von Wohlstand und die Propagierung der These, dass der Kauf von Süßigkeiten für die Armen eine alltägliche Verwertung von überschüssigem Vermögen ist, sowie auf die Abbildung von maskuliner Sexualität in einer urtümlichen, hypererotischen Art und Weise - Konzepte, die es schwer haben, gesellschaftlich akzeptabel zu bleiben, wenn der Genus umgedreht wurde, insbesondere wenn man das Kino der letzten Jahrzehnte neu bewertet. "Komm mit mir nach London."

"Ich tanze nicht mehr", beteuert 'Magic' Mike, obwohl das nicht wahr ist, sonst gäbe es diesen Film ja nicht. Das ist schlussendlich auch der Hauptgrund für die extreme Athletik, die kaum zu leugnen ist. Der letzte Akt ist im Grunde eine komplette Stripshow, enthusiastisch und triumphal, nur kurz von Schnitten unterbrochen und komischerweise eher künstlerisch als obszön, denn die gesamte Inszenierung ist deutlich weniger explizit als "Magic Mike", sowohl was die Nacktheit als auch die Ausdrucksweise anbetrifft. "Magic Mike - The Last Dance" braucht viel zu lange, um dorthin zu gelangen, was zum Teil an dem schleppenden Tempo liegt, an dem hanebüchenen Familiendrama, das die Handlung verlangsamt, während ein paar Zeilen dezenten Humors und eine nonsensische "Ocean's Eleven"-eske Aufklärungs-Verführungsaktion sie wieder auf den richtigen Weg bringen.

Am enttäuschendsten ist jedoch der Einsatz von 'Magic' Mike, aus dem Strippen eine höhere künstlerische Qualität zu schaffen, und zwar nicht in Hinblick auf seinen konkreten Erfolg, der in einer buchstäblich nassen, im Regen strippenden Tanzeinlage verblüffend ist, sondern auf die Gestaltung des Konflikts. Das Ganze ist kindlich aufgesetzt wie ein schablonenhaftes Teenie-Musical, in dem ein spießiger Bürokrat mit dem Finger auf das tabulose Treiben zeigt und droht, eine Show zu beenden, die unbedingt weitergehen muss. Das ist ein großer Unterschied zum ursprünglichen "Magic Mike", bei dem ebenfalls Steven Soderbergh Regie führte und der viel düsterere Thematiken verwendete, obwohl alle drei Filme von Reid Carolin geschrieben wurden. Selbst das Finale ist von anheimelnden Rückblicken durchzogen, die neben den bewusst parallel laufenden Rückblenden den Eindruck erwecken, dass der Betrachter eventuell das Geschehen von vor ein paar Minuten schon vergessen hat. Wäre die Erzählung nicht so uninspiriert und ungelenkig, wäre es unendlich leichter, die unbestreitbar spektakulären Darbietungen und die beeindruckend muskulösen Körper der Tanzgruppe zu bewundern - Elemente, die das Zielpublikum von "Magic Mike - Der letzte Tanz" zweifellos zum Orgasmus bringen dürften.

Kommentar zu "Magic Mike"
https://www.moviepilot.de/movies/magic-mike/kritik/2597764

Kommentar zu "Magic Mike XXL"
https://www.moviepilot.de/movies/magic-mike-2/kritik/2795056

Nur weil "Magic Mike XXL" von Regisseur Gregory Jacobs ein Film ist, der sich hinter der schnöden Anziehungskraft von exzessivem Testosteron versteckt, das sich auf eine Menge hypnotisierter Frauen, vor allem junger und mittelalterlicher Mädchen, ergießt, heißt das nicht, dass er keine echte Geschichte haben sollte. Trotz der vorprogrammierten Zielgruppe oder einer sehr, sehr spezifischen Betrachterschicht, die nur wenig angesprochen wird, und einer Thematik, die nur selten auf der großen Filmwand behandelt wird, ist "Magic Mike XXL" nicht immun gegen intelligente Filmliebhaber, die sich neben der Zurschaustellung von prallen Muskelpartien auch ein wenig Handlung erhoffen. Doch wie sich herausstellte, erkannten die Filmemacher, dass sich damit Geld verdienen lässt, ohne dass man sich die Zeit nimmt, interessante Charaktere oder spannende Situationen zu entwickeln.

Mike Lane (Channing Tatum), der in Florida maßgefertigte Möbel entwirft, wird wieder einmal in die Welt der männlichen 'Entertainer' - die bevorzugte Nomenklatur - hineingezogen. Obwohl es schon drei Jahre her ist, dass er das Strippen aufgegeben hat, beschließt Mike Lane, seine alte Crew, die 'Kings of Tampa', zur jährlichen Stripper-Convention nach Myrtle Beach zu begleiten, wo sie hoffen, ihre wilde Jugend mit einem letzten Tsunami von Dollarscheinen zu beenden. Aber können 'Big Dick' Richie (Joe Manganiello), 'Tarzan' (Kevin Nash), Ken (Matt Bomer), Tito (Adam Rodriguez) und Tobias (Gabriel Iglesias) lange genug einen kühlen Kopf bewahren, um es zur Convention zu schaffen?

Das können sie tatsächlich. Überraschenderweise, oder vielleicht wie erwartet, gibt es in "Magic Mike XXL" keinen Konflikt. Mike Lane spricht über die Strapazen, die er in sein Geschäft gesteckt hat, und über die Krise in der Beziehung zu seiner ehemaligen Freundin, aber das ist nach einer einzigen Tanznummer vergessen. Sobald 'Big Dick' Richie alle Handys aus dem Fenster des fahrenden Busses wirft, verschwinden die Zwänge der Realität und jede Form von Verantwortungsgefühl. Ebenso schockierend ist, dass die kurzen Andeutungen über mangelnde Leistung, fehlende Fähigkeiten außerhalb des Striptease-Sektors oder die Vergänglichkeit des Berufs - alles potenzielle Momentaufnahmen der unglamourösen Seite von Karrieren, die auf gutem Aussehen basieren - zugunsten neuer Abläufe, zusätzlicher Bromance-Sequenzen und allgemeiner Road-Trip-Events beiseite geschoben werden. Selbst die einzige weibliche Figur, die mehr als eine Szene hat (Amber Heard als Zoe, eine bisexuelle Fotografin, die sich auf Drag Queens spezialisiert hat, ihr Leben auf der Straße lebt und alles versucht, um nicht an der Stange zu landen), ist nicht als Liebesinteresse oder gar als Auflösung gedacht.

Ein Element der Satire mag in der Perspektive der männlichen Animatoren liegen, die dazu beitragen, das Selbstvertrauen der Frauen zu stärken und sich inmitten grenzenloser sexueller Freiheiten wiederzufinden, was das komplette Gegenteil eines Stripperinnen-Films wie "Showgirls" oder "Striptease" ist, wo die Frauen nicht nur ausgebeutet und objektiviert, sondern auch missbraucht und in einigen Szenarien zur Prostitution gezwungen werden. Hier gibt es ein gewisses Niveau an Kontrolle, Komfort und Zufriedenheit. Im Fokus stehen jedoch eher maskuline Männer in verschiedenen Stadien der Uniformierung, die körperlich anstrengende Tanzbewegungen ausführen, die perfekt auf die Clubmusik abgestimmt sind.

Es ist kaum zu übersehen, dass die Validität dieses Konzepts vom ehemaligen Regisseur Steven Soderbergh mit dem relativen Newcomer Gregory Jacobs geschmälert wurde. Die Handlung ist so uneinheitlich, dass sie im Grunde genommen einem stark redigierten Porno gleicht, mit allen möglichen Anspielungen und mimischen Darstellungen der Ejakulation. Nach dem Finale, das aus einer langen Reihe von Soloauftritten jedes einzelnen Hauptdarstellers besteht, hört "Magic Mike XXL" einfach auf, da es keine abschließende Erzählung gibt. Immerhin kann man in dieser Prozession textilfreier, durchtrainierter Männer einen mondänen Rolls Royce in kürzester Zeit entdecken.

Kommentar zu "Magic Mike"
https://www.moviepilot.de/movies/magic-mike/kritik/2597764

Kommentar zu "Magic Mike - The Last Dance"
https://www.moviepilot.de/movies/magic-mike-s-last-dance/kritik/2795730

In "Maestro" von Regisseur und Hauptdarsteller Bradley Cooper scheint der kometenhafte Aufstieg von Leonard Bernstein (Bradley Cooper) vorprogrammiert, nachdem er 1943 das renommierte 'New York Philharmonic Orchestra' in der 'Carnegie Hall' dirigieren darf. Zu ihm gesellt sich die Zweitbesetzung und Broadway-Hoffnung Felicia Montealegre (Carey Mulligan), die er auf einer Party kennenlernt, auf der auch seine Schwester (Sarah Silverman) anwesend ist. Die Jahre und die Erfolge, die zu seiner Musiktheaterkarriere in New York führten, sein Komponieren, sein Klavierspiel, sein Unterrichten und vieles mehr bis hin zu seinem Status als erster großer amerikanischer Dirigent ziehen sich über kunstvolle Szenenübergänge, während auch seine Erziehung und sein Privatleben näher betrachtet werden. "Ich vermisse sie schrecklich..."

Ein großer Teil davon ist seine Sexualität, die manchmal mit seiner Treue zu einer einzigen Person, insbesondere einer Frau, in Konflikt gerät, als seine spätere Ehe und seine Kinder ihn dazu zwingen, sich von einer Affäre mit dem Klarinettisten David Oppenheim (Matt Bomer) zu trennen. Ein öffentliches Image muss auch mit seinen privaten Wünschen in Einklang gebracht werden, die Felicia Montealegre zwar versteht und anerkennt, sich aber nie ganz wohl dabei fühlt, sie zu erfüllen. Die zunehmenden Indiskretionen verschlimmern die Situation nur noch, hinzu kommt der Ruhm, den er seiner Familie vorzieht. "Ich liebe zu sehr; was soll ich machen?"

Technisch gesehen ist die Kameraführung zu Beginn scharf wie bei einem Film Noir in Schwarz-Weiß, aber mit einem munteren Rhythmus und schnellem Tempo. Es handelt sich eindeutig um eine von klassischer Musik inspirierte Aura, mit übermütigen Charakteren, die schlagfertige Dialoge von sich geben, und überdrehten Nebenrollen, die sich ein wenig traditionell aufführen, und die die Ära markieren, in der der Film von Leonard Bernsteins früher Karriere zu der seines späteren Lebens übergeht, das sich in Farbe verwandelt. Darüber hinaus sind Bradley Coopers körperliche Transformationen, einschließlich der Alterungstechniken, sowie seine Manierismen und seine Stimme und Kadenz grandios. Immer wieder verschwindet er in der Rolle, nicht nur mit seinem Erscheinungsbild, sondern auch mit seiner Darstellung, vor allem während der Sequenzen des enthusiastischen Dirigierens, die kurioserweise zu den eindrucksvollsten in "Maestro" gehören. Es ist sicherlich ein Vorteil, dass Leonard Bernsteins hypnotisierende Musik im Hintergrund zahlreicher Szenen erklingt und uns daran erinnert, dass seine erkennbaren Werke immer noch Bestand haben. Auch Carey Mulligans Leistung ist erwähnenswert, denn sie hat einige der besten Momente für emotionale Darstellungen.

Letztendlich wird Leonard Bernsteins Leben aber nicht mit der üblichen Dichte an Widrigkeiten geschildert, die man oft in ausufernden Hollywood-Biografien findet. Er war außergewöhnlich berühmt, talentiert und erfolgreich, aber seine Geschichte ist einfach nicht sonderlich interessant. Seine Lebensgeschichte ist nicht unbedingt cineastisch, aufregend, überraschend oder unkonventionell, wenn man bedenkt, dass der größte Teil seines Dramas aus Streitigkeiten mit seiner Frau oder stillschweigenden Dementis von Klatsch und Tratsch besteht, mit ein wenig Drogen- und Depressionserfahrung als Zugabe. Es gibt keinen Wettkampf, um etwas zu erreichen, keinen wirklichen Aufstieg und Fall. "Maestro" mag für ein am Werdegang des Maestros interessiertes Auditorium lehrreich oder wichtig sein, bietet aber keinen großen Unterhaltungswert, der über die Standarderwartungen der existierenden Fangemeinde hinausgeht. Zumindest hat es etwas Grundsätzliches und doch Treffendes über die Folgen von Betrug zu sagen, auch wenn es keine große, charakterbildende Tragödie ist, die dramatisch behandelt werden muss. Einzig die Oscar-Nominierung für das beste Make-up und Hairstyling ist nachvollziehbar, aber die Nominierungen für den besten Hauptdarsteller, die beste Regie und den besten Film sind schlichtweg platzverschwenderisch und einfach nur lachhaft. Außerdem ist "Maestro" viel zu lang geraten. "Du wirst nachlässig."

Der düstere, schockierende, erotische und gewalttätige Film "True Romance" von Regisseur Tony Scott fühlt sich an wie die perfekte Mischung aus frenetischer Action, dunkelhumorigem Chaos und bissigen Dialogen, wie sie nur Drehbuchautor Quentin Tarantino liefern kann. "Stehlen. Betrügen. Töten. Wer sagt, dass die Romantik tot ist?" So lautet der Slogan, und der Titel, der auch als Gegenstück zur "Pulp Fiction"-Inspiration dient, ist nicht sarkastisch gemeint, sondern deutet an, dass in der Welt von Quentin Tarantinos geschundenen, glücklosen und unwahrscheinlichen Antihelden Entbehrungen, Leiden und körperliche Misshandlungen ertragen werden müssen, um echte Gefühle widerzuspiegeln. Dieser brutale Genre-Mix, der in seiner Intensität und Irrsinnigkeit an David Lynchs "Wild at Heart" erinnert, ist sicher nichts für schwache Nerven.

Clarence Worley (Christian Slater) ist ein Comicbuchhändler mit schlechtem Ruf, der seine Geburtstage damit verbringt, Kung-Fu-Filme anzusehen. Durch Zufall lernt er Alabama Whitman (Patricia Arquette) kennen, eine schöne junge Frau, die nicht nur sofort Gefallen an ihm findet, sondern sich auf mysteriöse Weise auch für dieselben Dinge interessiert. Nachdem die beiden eine Nacht miteinander verbracht haben, entdeckt Clarence Worley, dass es sich bei seiner unglaublich kompatiblen Begleiterin um ein Callgirl handelt, das von ihrem Vorgesetzten reingelegt wurde, was ihn aber nicht zu stören scheint. Clarence Worley war Alabama Whitmans erster Job, und da sie unerfahren und verträumt ist, verliebt sie sich unsterblich in ihn und erklärt, dass sie ihn heiraten und ihre Karriere aufgeben wird.

Nachdem er überstürzt eine Flucht geplant hat, erfährt Clarence Worley von Alabama Whitmans Zuhälter, Drexl Spivey (Gary Oldman), und bietet ihr an, ihn zur Rede zu stellen, um ihr Hab und Gut zurückzubekommen. Clarence Worley, der auf die gefährliche Konfrontation nicht vorbereitet ist, flieht dreist mit einem Koffer voller Kokain, in dem er Kleidungsstücke vermutet. Doch Drexl Spivey war nur ein Dealer. Der echte Drogenboss schickt seinen Handlanger Vincenzo Coccotti (Christopher Walken) hinter dem fliehenden Duo her, als sie nach Los Angeles reisen, um die Drogen zu verkaufen. Unberechenbare Cops, wütende Mafiosi, ein potenzieller Käufer (Saul Rubinek) und Clarence Worleys imaginäre Muse in Form von Elvis (Val Kilmer) kommen ins Spiel und führen zu einem explosiven Ende voller Geschosse und Blut.

Das Skript schreit förmlich nach Quentin Tarantino, aber Tony Scotts visueller Stil überdeckt meisterhaft die normalerweise überlangen Gespräche, die in Quentin Tarantinos Drehbüchern üblich sind. Es ist eine Zusammenarbeit, bei der jeder Filmemacher, der für sein spezifisches Flair bekannt ist, immer die Kontrolle behält. Tony Scotts Präzision in den Actionsequenzen und der rasante Schnitt lassen Quentin Tarantinos originelle Interpretation von Romantik und Diskurs voll zur Geltung kommen. Die Situationen sind profund und gravitätisch, mit genau dem richtigen Maß an Komik, während die bizarren Charaktere eine robuste Wirkung haben, die die filmischen Exzentrizitäten jenseits einer Standardhandlung von gestohlener Beute und verfolgenden Gangstern hervorheben.

In dieser harschen Gegenwelt haben selbst die Guten keine Angst davor, böse zu sein. Also müssen die Bösewichte natürlich noch boshafter sein. Wie "Bonnie und Clyde" auf Crack ist das blutgetränkte Desaster, das Tony Scott schildert, derb und viszeral, aber dennoch straff konstruiert. Die gewalttätige Energie treibt das Thema der Liebe an, die die Konsequenzen überwältigt, die selbst erdrückend und hysterisch zugleich sind, um eine anregende neue Vision von atypischer Leidenschaft zu schaffen, die sich von der Rohheit und Härte von Actionern, Road Movies und Krimis abhebt.

"Lawless - Die Gesetzlosen" von Regisseur John Hillcoat strebt danach, ein großer Gangsterfilm zu sein, und in mancher Hinsicht gelingt ihm das auch. Die Elemente sind vorhanden, aber es mangelt oft an Orientierung. Ähnlich wie in Martin Scorseses "GoodFellas - Drei Jahrzehnte in der Mafia" erleben wir unsere Protagonisten in einem Hochgefühl, in dem sie in den Exzessen schwelgen, die ihnen ihr neuer Reichtum beschert hat, gepaart mit einer optimistischen Erzählweise, die jedoch zu kurzlebig ist und im Widerspruch zu der angespannten Stimmung steht, die den Rest von "Lawless - Die Gesetzlosen" durchzieht. Parallel zur Verwandlung von Michael Corleone in "Der Pate" werden wir Zeuge einer ähnlichen Metamorphose in Shia LaBeoufs jungem Hauptcharakter, aber der Katalysator ist nicht so überzeugend und das Ergebnis ist nicht revolutionär. Während die plakative Gewalt und die faszinierenden Figuren ihren Reiz haben und Guy Pearce' schräge Darbietung wahrscheinlich einige Gemüter erregen wird, gelingt es dem Standard-Racheplot nicht, die einzigartigen Facetten von "Lawless - Die Gesetzlosen" zu ergänzen.

Im Virginia der Prohibitionszeit verdienen die drei Bondurant-Brüder ihren Lebensunterhalt mit Alkoholschmuggel. Der harte, kompromisslose Forrest (Tom Hardy) ist ihr Anführer, während der ruppige Schluckspecht Howard (Jason Clarke) der zweite Mann im Bunde ist. Der junge, naive Jack (Shia LaBeouf) übernimmt den Fahrdienst, obwohl er verzweifelt versucht, sein Ansehen und seine Verantwortung bei seinen Brüdern zu erhöhen. Im Laufe der Jahre ändert sich das kriminelle Klima, und andere Polizisten kommen aus den Städten, um gegen die bösartigen Gangster zu kämpfen, die den Markt kontrollieren. Als der korrupte Hilfssheriff Charlie Rakes (Guy Pearce) in Virginia aufkreuzt, um sich in die Geschäfte der Bondurants einzumischen, beginnt ein heftiger Krieg, in dem Jack gezwungen ist, das Kommando zu übernehmen, um alles zu verteidigen, was ihm lieb und teuer ist.

In seinem Ansatz, das Setting von "Public Enemies" oder "The Untouchables - Die Unbestechlichen" düsterer, brutaler und wirklichkeitsnäher zu gestalten, vergisst John Hillcoat in seinem grafisch blutigen Film, eine packende Geschichte zu entwickeln. "Lawless - Die Gesetzlosen" verzichtet auf den Idealismus, die Extravaganz der Kostüme, den Glamour und den Prunk, der in Gangsterfilmen der Prohibitionszeit oft dargestellt wird, und fokussiert stattdessen auf den Dreck - hier sind es die Behörden, die das Böse darstellen. Unter Verwendung von Aspekten des Neo-Westerns sind die Charaktere und Schauplätze roh und hart, wobei der Schwerpunkt auf Aussehen und Atmosphäre liegt - abblätternde Farbe, zerschlissene Kleidung, beständiges Rauchen, Spucken, aufgewirbelter Staub und Schmutz. Trübe Farben und allgemeine Hässlichkeit kennzeichnen diese Umgebung. Selbst das Abfeuern einer Thompson-Maschinenpistole unterstreicht eine spürbare Rastlosigkeit oder Unkontrolle. Jede Aktivität ist mit einem gewissen Grad an Groteske verbunden.

Die Ausmaße der Unmenschlichkeit schwappen auf verstörende Weise in die gewalttätigen und blutrünstigen Szenen über und verstecken sich hinter dem Konzept des Realismus. Die Fragilität der beiden Hauptdarstellerinnen ist manchmal angemessen, manchmal aber auch unangebracht, was nicht nur ihre Integration, sondern auch die folgenden Romanzen unpassend und wie aus einem anderen Film erscheinen lässt. Der Bösewicht zeigt ebenfalls eine Abscheulichkeit, die zwischen Wahnsinn und Arglist schwankt und sich auf grausame Taten, seltsame Manierismen, einen Akzent und ein sonderbares Lachen stützt, um eine unverwechselbare Rolle zu schaffen. Wie die Antagonisten in "Wer ist Hanna?" sind die Charaktere so geschrieben, dass sie ein Monopol auf Skurrilität und Einzigartigkeit haben, im Gegensatz zu den üblichen Narben im Gesicht, der charakteristischen Waffe oder den fehlenden Gliedmaßen. Wahrscheinlich wird Guy Pearce jedoch der meistdiskutierte Faktor in "Lawless - Die Gesetzlosen" sein.

In "Flitzer" von Regisseur Peter Luisi springt Baltasar Näf (Beat Schlatter) während eines Fussballspiels von der Tribüne, zieht sich aus und wird gleich von den Sicherheitsleuten abgefangen, als er mit einem falschen Bart über das Spielfeld flitzen will. Acht Wochen zuvor hat Baltasar Näf, ein Teilzeitlehrer an einem badischen Gymnasium, mit seiner rebellischen Tochter Elisabeth (Luna Wedler) zu kämpfen, die sich weigert, im Unterricht bescheidene Kleidung zu tragen, und nicht will, dass ihre Mitschüler erfahren, dass er ihr Vater ist. Das wäre katastrophal für ihren Ruf, obwohl es kein gut gehütetes Geheimnis ist. Baltasar Näf wird außerdem von dem menschenverachtenden Schulleiter Karl Ziegler (Dominic Deville) gezwungen, die Finanzen seiner Schule zu verwalten.

Wenn seine dreijährigen Bemühungen, Geld für die Schule zu sparen, in einer Präsentation vor der Schulbehörde gipfeln, ist er sicher, dass die zusätzlichen Mittel für die Eröffnung eines Museums verwendet werden, das dem berühmten Schweizer Schriftsteller Gottfried Keller gewidmet ist, der Baltasar Näfs Leben wesentlich inspirierte. Immerhin hat Karl Ziegler ihm das versprochen. Aber die anderen Lehrer wollen lieber einen FIFA-Rasen auf dem Sportplatz, dem der Schulleiter schnell zustimmt. Er fühlt sich betrogen und beschließt, etwas Unmoralisches zu tun, dank eines Vorschlags seines Friseurs, der nebenbei ein Sportwettenbüro betreibt, das ihm einen nagelneuen weißen Lamborghini beschert. Wenn Baltasar Näf gegen die Heimmannschaft wettet, kann er den Gewinn zur Eröffnung seines Museums verwenden.

Das erste Problem der Geschichte ist die plumpe Konstruktion der Doppelzüngigkeit von Karl Ziegler. Und zweitens denkt Karl Ziegler, der gerade seinen Angestellten hintergangen hat, nicht daran, dem zutiefst verärgerten Mann zu erlauben, sich weiterhin um die Finanzen zu kümmern und ihm vollen Zugriff auf die für den Rasen bestimmten 741.000 Franken zu geben. Was kann schon schiefgehen? Wie es sich für solche komischen Kapriolen gehört, gerät Baltasar Näf in Schwierigkeiten, indem er Geld veruntreut. Aber er hat auch einen neuen Plan, um sein Geld zurückzugewinnen: Wenn es ihm gelingt, die anstehenden Spiele durch Flitzer zu stören, könnte dies zu einer anderen, exklusiven Art von Wetten führen, bei denen es darum geht, zu erraten, wie lange die nackten Läufer auf dem Spielfeld herumlaufen können, bevor sie von den Sicherheitskräften aufgehalten werden. Das Schlimmste, was ihm passieren kann, ist, dass er seinen Job verliert, so seine Hypothese. Das Gefängnis ist nicht mal eine Wahrscheinlichkeit.

Da die Folgen geringfügig sind und mit einem Slapstick-Ton gehandhabt werden, können die Konflikte keine Spannung erzeugen. Die Haltung des Profi-Flitzers (Philippe Graber) hat jedoch etwas Lustiges an sich: Für ihn ist es ein Sport, genau wie Fußball. Er muss in Form bleiben, trainieren und auf Details achten, wie beispielsweise den Umgang mit der Presse und so lange wie möglich auf dem Spielfeld zu bleiben - hier gibt es sogar einen Weltrekord. Hier geht es nicht nur darum, dass ein Perverser seine Triebe befriedigt. Es ist auch ziemlich witzig, wenn Baltasar Näf versucht, den Flitzer zu ersetzen, um seine Gewinnchancen zu wahren, indem er erst Nudisten, dann ein Künstlermodell und schließlich Arbeitslose rekrutiert. Da der demütige Lehrer in der Eröffnungsszene selbst als Flitzer auftrat, ist es natürlich klar, dass dies sein letzter Ausweg sein wird. Ein älterer, angesehener Mann, der in der Gemeinde bekannt ist, hat definitiv mehr zu verlieren.

Trotz einer enttäuschend formelhaften Herangehensweise an die Überwindung finanzieller Hindernisse oder die Korrektur eines schlechten Betrugs und der üblichen Vernachlässigung realistischer Reaktionen und Ergebnisse gibt es einen Hauch von Originalität, sowohl im Ereignis als auch in Baltasar Näfs Methoden, Komplizen zu akquirieren. Die Antagonisten sind nicht ganz so originell, vor allem ein Baustellenchef, der bezahlt werden will, und eine Kommissarin (Doro Müggler), die eine Spezialeinheit leitet, um den Peinlichkeiten für die Spielveranstalter ein Ende zu setzen. Dabei bleibt die Stimmung zum Glück unbeschwert, auch wenn Baltasar Näf die eine oder andere Grenze überschreitet. "Flitzer" beweist zwar nicht, dass Schmierenkomödien aus der Schweiz an die Grenzen des Erträglichen gehen, ist aber dennoch ein anständiger Schenkelklopfer und eine durchaus brauchbare romantische Utopie.

"Er wird ein guter König sein", sagt Heinrich II. (Peter O'Toole) in "Der Löwe im Winter" von Regisseur Anthony Harvey über seinen zerlumpten 16-jährigen Sohn John (Nigel Terry), den er im England des 12. Jahrhunderts auf den Thron vorbereitet. Heinrich II. hat ein Imperium aufgebaut, doch mit zunehmendem Alter macht er sich Sorgen, ob seine Errungenschaften und sein Reich Bestand haben werden. Das Problem ist, dass Heinrich II. wie der legendäre König Lear drei Kinder hat, deren unterschiedliche Veranlagungen eine friedliche Machtübergabe nicht zulassen, was durch seine unsichere Mätresse Alais (Jane Merrow) und seine gefangene Königin Eleanor von Aquitanien (Katharine Hepburn), die einen anderen Erben bevorzugt, noch erschwert wird. Die Söhne Richard (Anthony Hopkins) und Geoffrey (John Castle) sind auf Blutvergießen und Grausamkeit aus, was mit Johns eigenen Interessen in der Schlacht und ihren Erwartungen, den Thron zu besteigen, kollidiert. Außerdem taucht der französische König Philipp II. (Timothy Dalton) auf und verlangt die Erfüllung einer jahrzehntealten Verlobung oder die Rückgabe einer wertvollen Mitgift.

Bei einem weihnachtlichen Treffen wird deutlich, wie sehr sich die Beteiligten an diesem Machtkampf verabscheuen, aber ihre Reden sind sorgfältig und zielgerichtet, um in der Öffentlichkeit den richtigen Eindruck zu erwecken und im Privaten tief zu treffen. Es handelt sich um mächtige Akteure in einer instabilen politischen Arena, die schnell Spielfiguren ausfindig machen, jeden in Reichweite manipulieren und sich im richtigen Moment zurückziehen. "Warum musste ich nur so kluge Kinder haben?"

Die Dialoge, die auf dem Theaterstück von James Goldman basieren, sind phantastisch gewaltvoll, voller erbitterter Feindseligkeit und offener Eingeständnisse sexueller Devianz - und ungewöhnlich reif für ein historisches Stück. Die Prämisse ist spannend, die Gespräche sind stets bösartig, aber immer poetisch zynisch und schockierend. Es ist fast wie bei Shakespeare, nur noch eklatanter und viel boshafter. Die verbalen Wendungen und der Verrat sind in ihrer Heimtücke geradezu urkomisch, und wenn sich die Betrügereien überschneiden oder in dieselben Bereiche hineinreichen, werden sie sogar noch unterhaltsamer. Die Rivalitäten, der Verrat und die Entlarvungen erinnern zuweilen an das clevere Drehbuch von "Die Katze auf dem heißen Blechdach". Unterstützt wird dies alles durch den eigenwilligen Schnitt und die Szenenübergänge sowie die starke, opernhafte Filmmusik von John Barry. "Gut. Wir können hinter seinem Rücken reden."

Obwohl die Charaktere eindeutig niederträchtig und widerwärtig sind, hat die Art und Weise, wie sie ein falsches Geschäft nach dem anderen abschließen, um zu täuschen und zu beeinflussen, etwas Reizvolles. Sie treiben ein Spiel um die Macht, und die Person an der Spitze wechselt kontinuierlich. Kleine Erfolge sind flüchtig, am Ende wird jede Partei verlieren. Ein wesentlicher Faktor für den Erfolg von "Der Löwe im Winter" sind die Schauspieler, die in ihrer Skrupellosigkeit und Verlogenheit äußerst überzeugend sind. Es ist schwierig, sie so sehr zu hassen, wie sie zu verachten sind. Es steckt unbestreitbar eine Menge Intelligenz und Witz in ihren teuflischen, hinterlistigen Machenschaften und in der Dreistigkeit von Verunglimpfungen und emotionaler Schikane. "Wir haben alles, was wir angefasst haben, zerstört."

Leider fällt es bei all den ausufernden Aussagen auf, wenn sich "Der Löwe im Winter" in die Länge zieht. Aber langweilige Momente sind nicht das Manko. Es handelt sich um eine Inszenierung, bei der der Betrachter einfach nur darauf warten muss, dass sich die vielen unsympathischen Persönlichkeiten selbst zerstören - eine Reise mit einer gewissen Vorhersehbarkeit, Öde und Nichtigkeit, auch wenn sie stets intelligent und humorvoll ist. Dennoch ist das Drehbuch hervorragend, eine meisterhaft bissige Analyse von mittelalterlicher Politik und familiärer Rebellion.

Herausragende Leistungen, ein zum Nachdenken anregendes Drehbuch und die meisterhafte Regie von Paul Haggis haben "Im Tal von Elah" an die Spitze der Liste der besten Filme des Jahres 2007 gebracht. Während der Prozess für ein breites Spektrum von Betrachtern zu gemächlich sein mag, ist das Ergebnis intensiv und brillant beunruhigend - die Art von Film, die nach wiederholtem Anschauen verlangt. Viele werden "Im Tal von Elah" mit widersprüchlichen Interpretationen der konspirativen Natur der Streitkräfte und der schädlichen Auswirkungen des Krieges auf das menschliche Leben verlassen, vielleicht auch wegen des biblischen Bezugs des Filmtitels, aber es gibt einen unbestreitbaren Unterhaltungswert der Erzählung, der von allen geschätzt werden sollte.

Hank Deerfield (Tommy Lee Jones) begibt sich auf einen Armeestützpunkt, um nach seinem Sohn Mike (Jonathan Tucker) zu suchen, der vermisst wird. Kurz nach seiner Ankunft werden auf einem Feld in der Nähe eines Waffenladens stark verbrannte Leichenteile entdeckt, die bald als die Überreste seines Sohnes identifiziert werden. Mit gebrochenem Herzen und voller Wut macht sich Hank Deerfield auf den Weg, um die streng gehüteten Geheimnisse hinter dem Tod seines Sohnes und die für dieses grausame Verbrechen verantwortlichen Personen aufzudecken. Detective Emily Sanders (Charlize Theron), eine lokale Polizistin, die Mitgefühl mit Hank Deerfields Situation hat, ergreift zusätzliche Maßnahmen, um sicherzustellen, dass die Wahrheit ans Licht kommt.

Der täuschend einfache Krimi "Im Tal von Elah" untersucht die Umstände eines grauenvollen Mordes, in den die US-Armee und eine benachbarte Stadt verwickelt sind. Die Mischung aus Krimi, Drama, Spannung und Action macht "Im Tal von Elah" zu einer emotionalen und technischen Meisterleistung des Filmemachens. Die Details bauen sich sehr langsam auf, aber die Geschichte achtet darauf, in jeder Szene gerade genug neue Elemente einzuführen, um die Handlung wie in den besten Detektivgeschichten zu verdichten und jedem Hinweis mehr Gewicht zu verleihen. Gelegentlich unterläuft Paul Haggis ein Kunstfehler, indem er unnötige Komponenten einführt, die man hätte streichen können, um die Entwicklung zu beschleunigen, aber die Zeit, die man für die Ausarbeitung der Charaktere aufwendet, macht die Wirkung der Enthüllungen nur umso stärker.

Tommy Lee Jones verkörpert eine tiefgründige, komplexe Identität mit einem rigorosen Ehrgefühl, das stark von der Disziplin der Armee geprägt ist, in der er viele Jahre lang als Sergeant diente. Er bemüht sich, die Handlungen derjenigen zu korrigieren, die sich der Bedeutung des Patriotismus nicht bewusst sind, indem er zum Beispiel verhindert, dass die US-Flagge den Boden berührt, oder die Flagge versehentlich auf den Kopf gestellt wird, was einen Zustand der Unruhe und des Chaos symbolisiert. Doch als er mehr über den tragischen Tod seines Sohnes herausfindet und gegen mehrere Gesetze verstößt, um Antworten zu erhalten und Vergeltung zu nehmen, beginnt er, das korrupte Uhrwerk des Militärsystems und dessen unbeirrbare Wahrung seines Images und damit seiner Mitglieder zu durchschauen.

Ergänzend dazu ist Charlize Theron kompromisslos und diszipliniert und engagiert sich gegen Diskriminierung und Sexismus im Polizeidienst. Ihre Hartnäckigkeit und Konsequenz stehen der von Jodie Fosters Clarice Starling in "Das Schweigen der Lämmer" in nichts nach, zumal sie auch vor schwierigeren Aufgaben wie der Verfolgung von Verdächtigen durch verdreckte Gassen nicht zurückschreckt. Starke Frauenrollen wie diese sind in Filmen viel zu selten und geben den männlichen Charakteren ein formidables Pendant an Kompetenz und Intelligenz. Den beiden Hauptdarstellern gelingt ein sensationeller Triumph in diesem ergreifenden Drama über zerschlagene Hoffnungen und schockierende Motivationen, das, obwohl es in seiner Betrachtungsweise gebieterisch fixiert ist, zu einem Motor des moralischen Zwiespalts und der unberechenbaren Resolution wird.

Vom Eröffnungszitat von Ronald Reagan bis hin zu den äußerst sadistischen Gewaltausbrüchen in den ersten Minuten des Films ist es offensichtlich, dass "President Evil", bei dem David Arquette Regie führt und mitspielt, die Art von exploitativem Horrorschocker sein wird, der mit Sex, Drogen und Rock 'n' Roll sowie extremen politischen Spott und Blumenkindermorden angereichert ist. Was gibt es also nicht zu lieben? Nun, wie Ronald Reagan selbst einmal sagte: "Man kann viel über den Charakter eines Menschen sagen, wenn man weiß, wie er Gummibärchen isst." Vielleicht soll die Lächerlichkeit und Irrelevanz dieses Zitats den Gemütszustand des Hauptantagonisten im Zentrum dieses geradlinigen Slashers erhellen.

Eine Gruppe von Hippies reist in eine kleine Stadt mitten im Wald, um am 'Free Love Festival' teilzunehmen und große Mengen an Rauschmitteln zu konsumieren. Doch schon bald merken sie, dass sie bei den Feierlichkeiten nicht gerade willkommen sind, vor allem, als sie von Paintball-bewaffneten Hinterwäldlern, der örtlichen Polizei und einem axtschwingenden Serienmörder angegriffen werden, der eine Vorliebe für Ronald Reagan hat. Trotz einer Besetzung, zu der Stammgäste aus Horrorfilmen und Charakterdarsteller wie Courteney Cox, Paz de la Huerta, Balthazar Getty, Lukas Haas, Thomas Jane, Jaime King, Jason Mewes und Paul Reubens gehören, hinterlässt keines der verschiedenen Opfer oder Protagonisten einen nennenswerten Eindruck. Sie alle sind im Grunde genommen ein gefundenes Fressen für das Beil.

Der stärkste Punkt der Originalität in "President Evil" - nicht dass es zu viele andere Serienkiller-Filme über Hippies gegeben hätte - liegt in seinem psychopathischen Mörder, der einen Anzug, eine Krawatte und eine Präsident Reagan-Maske trägt, während er sein grausames Blutbad verübt. Mit einem so brutal abgedrehten Ursprung wie Freddy Krueger oder Jason Voorhees scheint 'Ronnie' dazu bestimmt zu sein, sich als geistesgestörter Schlächter zu profilieren, der es wert ist, dass man ihn anfeuert. Der Betrachter wird es zweifellos tun, aber nicht, weil er ein faszinierender Bösewicht ist, sondern weil seine Beute so uninteressant fade ist, was schade ist, denn die Wahl der Darsteller hätte gut zu der skurrilen Komödie und dem drogenbedingten Humor gepasst. Abgesehen vom unzurechnungsfähigen Urian sind die interessantesten Charaktere die Nebendarsteller, die flotte Sprüche klopfen und ein paar schräge Verhaltensweisen an den Tag legen, bevor sie wieder verschwinden, sobald ihre Präsenz zu langweilen beginnt.

Abgesehen von dem irreführenden Trailer ist "President Evil" im Wesentlichen ein Horrorfilm. Auch wenn "President Evil" eine gute Mischung aus Blut und Horror auf den Tisch bringt, scheint der Hauptgang mit ein wenig zu viel sozialer und politischer Parodie, einem Übermaß an psychedelischer Verseuchung und imaginärem Sarkasmus verdorben zu sein. "President Evil" nimmt sich selbst nicht ernst und unternimmt keinen Versuch, den Betrachter vom Gegenteil zu überzeugen. Das wäre kein Problem, wenn sich "President Evil" auf den Humor konzentrieren würde, aber bei jeder Wendung wird der Betrachter mit einem weiteren wahnsinnigen Massaker konfrontiert, das den leicht düsteren Witz überschattet. Wer nicht mit der Regierung von Ronald Reagan vertraut ist, wird die Kommentare und Witze über den ehemaligen Präsidenten, die im Drehbuch mehrfach erwähnt werden, nicht verstehen. Manchmal wirkt es so, als ob "President Evil" eher eine Paradoxie des Horrorfilms sein soll als ein echter Thriller, der eine Persiflage auf Ronald Reagan enthält. In diesem Medley aus Blut, Hippies und staatlichem Handeln vermittelt David Arquette neben untragbaren Klischees einen so bizarren Sinn für Humor und unkonventionelle Kapriolen, dass der Betrachter vielleicht echte Drogen nehmen muss, um die fiktiven Figuren zu verstehen, die exakt das Gleiche tun.

Der Kultklassiker "Totaler Sperrbezirk" von Regisseur Richard Elfman, der sich an der Grenze zwischen künstlerisch und vulgär bewegt, strebt eindeutig in die gleiche Sphäre wie "The Rocky Horror Picture Show". Wenn es ein Genre wie 'atypisches psychosexuelles Horrormusical' gäbe, würden beide Filme in diese Kategorie fallen. "Totaler Sperrbezirk" ist eine Sammlung von schockierenden Kuriosa, eingängigen Melodien und exzentrischen Charakteren, die in Patchwork-Sets und spontanen, musikalischen Song-and-Dance-Sequenzen untergebracht sind. Der Betrachter sollte natürlich wissen, worauf er sich einlässt, bevor er den Film sieht.

Der Zuhälter, Drogendealer und Slumbesitzer Huckleberry Jones (Ugh-Fudge Bwana) stößt in seinem Keller auf eine Tür, die in die sechste Dimension - Die verbotene Zone - führt, wo König Fausto (Hervé Villechaize) und seine eifersüchtige Königin Doris (Susan Tyrrell) über eine Reihe von geistig umnachteten Untergebenen herrschen. Nachdem er entkommen und verständlicherweise verstört ist, verkauft Huckleberry Jones das Anwesen an die Familie Hercules. Bald verirrt sich die neugierige Tochter Frenchy (Marie Pascale-Elfman) in die Verbotene Zone und wird zur Gefangenen der Prinzessin (eine ständig barbusige Gisele Lindley), in der sich der untreue König verliebt. Die Königin erfährt von seiner Verliebtheit in die neue Konkubine und arrangiert ihren Tod, so dass es nun an Frenchys Familie ist, die Geisel zu retten. Ihr Bruder Flash (Phil Gordon) ist ein vernünftiges, aber leicht ablenkbares Mannskind, Gramps (Hyman Diamond) ist ein wortkarger, übergewichtiger Klotz, der an den Esstisch gefesselt werden muss, und Pa (ebenfalls Ugh-Fudge Bwana) ist ein Teergrubenarbeiter, der das Leben nicht mehr zu schätzen weiß. Neben Frenchys trotteliger Familie beschließt auch der misshandelte Hühnerjunge Squeezit (Toshiro Boloney), ihnen bei ihrer Mission zu helfen.

"Totaler Sperrbezirk" ist ein Film, den man mit einem offenen Geist oder einer Vorliebe für die skurrilsten Charaktere und Ereignisse, vermischt mit spritzigen Musiknummern, die jemals die Leinwand oder den Bildschirm erschüttert haben, sehen muss. Ein froschköpfiger Diener, exzessiver Gebrauch von knallbuntem Make-up, sprechende Hühner, ein menschlicher Kronleuchter und wahllose abartige sexuelle Praktiken sind allesamt Teil dieses abscheulichen Films. Drogen, Maschinengewehre, Blut, Transvestiten und Blackfaceing sind ebenfalls regelmäßige Bestandteile des Films. Die Gefangenen in Zelle 63 müssen Mickey-Mouse-Hüte tragen, Komponist Danny Elfman tritt als Satan auf, Köpfe werden abgehackt, Ohren in "Reservoir Dogs"-Manier abgeschnitten, und die Prinzessin ist immer halbnackt. Der Begriff 'seltsam' kann unmöglich alle Merkwürdigkeiten umfassen, die in der sechsten Dimension auftreten.

Fakultative Choreografien, widerspenstige Soundeffekte, Lippensynchronisation, Stop-Motion-Animation mit Live-Action-Charakteren, Überblendungen, flotte Musik, traditionelle Animation und gemalte Hintergründe gehören ebenfalls zu den Standardmethoden der Erzählweise in "Totaler Sperrbezirk". Oft ist "Totaler Sperrbezirk" so abnormal, dass es zum Schreien ist, aber die meiste Zeit ist er einfach nur krass. Da "Totaler Sperrbezirk" auf den Bühnenauftritten der Comedy-Truppe 'Mystic Knights of the Oingo Boingo' basiert und als Gelegenheit für einen Interessen- und Stilwechsel der Mitglieder realisiert wurde, ist es nachvollziehbar, dass Nicht-Fans hier einen Schock erleben werden und das Ergebnis nicht gerade cineastisch ist. Wenn der Betrachter die Eröffnungsszene übersteht, in der sich Gramps plötzlich in Flashs Schoß erbricht, wird er auf die folgenden unerträglichen Kuriositäten gut vorbereitet sein.

In "Lass ihn gehen" von Regisseur Thomas Bezucha leben George Blackledge (Kevin Costner) und seine Frau Margaret (Diane Lane) mit ihrem Sohn James (Ryan Bruce) und dessen Frau Lorna (Kayli Carter) und ihrem Baby Jimmy auf einer Ranch. Aus Margarets kurzen Interaktionen mit Lorna wird sofort deutlich, dass sie die Fähigkeit der jungen Frau, sich um ein kleines Kind zu kümmern, missbilligt. Doch die Familie Blackledge macht sich noch größere Sorgen, als James plötzlich verschwindet und nur wenige Augenblicke später tot in den umliegenden Wäldern gefunden wird.

Die Blackledges bereiten sich trostlos auf James' Beerdigung vor und besuchen Lornas neue Ehe mit Donnie Weboy (Will Brittain) einige Jahre später. Es ist sicherlich ein ambivalentes Ereignis, denn George und Margaret verlassen schweren Herzens ihren Enkel, obwohl die Weboys nur wenige Kilometer entfernt in der Stadt leben werden. Als Margaret jedoch aus der Ferne Zeugin wird, wie Donnie Lorna und ihren dreijährigen Sohn körperlich misshandelt, ist sie verständlicherweise empört. Hinzu kommt die spontane Entwurzelung von Donnie und Lorna, die eilig aus ihrer Wohnung nach North Dakota gezogen sein sollen.

Diese einleitende Prämisse ist klug ausgedacht und zweifellos erschütternd. Die Blackledges befinden sich in einem familiären Dilemma: Sie haben kein wirkliches Anrecht auf ihren Enkel, aber sie können ihn auch nicht einfach aus ihrem Leben verschwinden lassen, denn seine völlige Abwesenheit würde sie psychisch zerstören. Es ist eine geerdete, glaubwürdige Tortur, die einen zu fesseln vermag. Auch der Score von Michael Giacchino ist eine hervorragende Unterstützung, der zumindest in den ersten Sequenzen in den richtigen Momenten düstere Töne mit optimistischen Melodien verbindet.

Einige weitere subtile Details sind ebenfalls recht interessant, darunter die frühere Karriere von George Blackledge in der Strafverfolgung, seine unrühmliche alkoholbedingte Vergangenheit und seine strenge Erziehung durch einen religiösen Vater. Mit der Zeit wird die Situation jedoch immer konfuser und driftet vom seriösen Drama in die weitaus theatralischere Sphäre ominöser Begegnungen, bequemer Bekanntschaften und eines ruchlosen Clans höchst suspekter Farmer ab. Mit formelhafter Präzision wird das einst realistische Szenario einer tragisch getrennten Familie in einen spannenden Thriller voller leicht beängstigender, verstörender Charaktere verwandelt, der an "Sacramento" oder "Breakdown" mit einem Hauch von "Blutgericht in Texas" erinnert.

Es ist eine Reihe eskalierender Gedankenspiele, Patt-Situationen und schließlich Showdowns, bei denen das am Boden zerstörte ältere Paar gegen eine zahlenmäßig überlegene, hasserfüllte und gewalttätige Gang antritt. Die festgefahrene Situation der Blackledges kehrt zwar gelegentlich zur erzählerischen Normalität zurück, unterbrochen von emotionalen Aufschlüssen und hochkarätigen schauspielerischen Leistungen, aber "Lass ihn gehen" begnügt sich nicht damit, die Spannungen chaotischer Beziehungen aufzuarbeiten. Es geht um nervenzerreißende Begegnungen, überreizte Charaktere und Situationen, die völlig aus den Fugen geraten. Lesley Manvilles Rolle als gnadenlose Matriarchin wäre normalerweise durchaus zu genießen, zumal sie sich in der Darstellung antagonistischer Individuen hervortut, aber "Lass ihn gehen" wird durch den Realitätsverlust und die massive Verschiebung in die Rachefantasie erheblich gedämpft. Es ist schwierig, die Macht der Ohnmacht gegenüber dem Bösen in Kombination mit der mangelnden Fähigkeit, geliebte Menschen zu beschützen, zu erfassen, wenn diese Konfliktquelle so häufig übertrieben dargestellt wird. Dennoch ist das fulminante Finale beeindruckend, auch wenn es mit disruptiven fahrlässigen Horrorfilm-Mustern aufwartet.

In "Spider City - Stadt der Spinnen" von Regisseur Tibor Takács reißt ein Meteoritenschauer Teile eines von wissenschaftlichen Spinnen verseuchten Satelliten der Sowjetunion ab und die Trümmer werden zur Erde geschleudert. Dann muss ein Inspektionsteam der New Yorker U-Bahn die qualmenden Metallbrocken untersuchen, die unter den Gleisen vergraben sind. Als Jimmy (Atanas Srebrev) die zerbröckelten Teile der Raummodule begutachtet, wird er unbemerkt von einer Spinne gebissen, wodurch er das Bewusstsein verliert, stürzt und einen tödlichen Stromschlag erleidet. Der Leiter der Verkehrsbehörde, Jason Cole (Patrick Muldoon), kann nicht glauben, dass sein Freund mit seiner langjährigen Erfahrung so unvorsichtig gewesen sein soll.

Eine Autopsie ergibt, dass ein Insekt Eier in Jimmys Körper abgelegt hat. Da Jason Coles Ex-Frau Rachel (Christa Campbell) für die Gesundheitsbehörde arbeitet, hat er Zugang zu den offiziellen Analysen. Doch bevor die gallertartigen Kugeln getestet werden können, entdecken Jason Cole und sein Kumpel Caz (Vincenzo Nikoli) das Spinnennest tief in den U-Bahn-Tunneln, wo zahlreiche Penner von den emsigen Spinnentieren einkokonisiert wurden. Als die Verluste steigen, wird um die 'Noble Street Station' eine Quarantänezone eingerichtet, um das Kriegsrecht zu erleichtern, zumal das US-Militär versucht, die Kontrolle über eine potenzielle Biowaffe - die Spinnenkönigin - zu erhalten, die ein extrem starkes Netz erzeugen kann.

Es ist eine Freude, William Hope aus "Aliens - Die Rückkehr" wiederzusehen, wie er einen Soldaten in einem Sci-Fi-Film über eine Alien-Invasion spielt, bei der Ausbildung und Waffen die Armee nicht auf einen solch verheerenden Ausbruch vorbereiten können. Außerdem gibt es eine Verschwörung zur Bewaffnung der Kreaturen, die das Leben ahnungsloser Menschen gefährdet, und eine Gabelstapler-Verfolgungsjagd, die den 'Power Loader' ersetzt. Mit dieser Nebenhandlung gelingt es dem Autor Boaz Davidson, einige seiner Lieblingsmotive aus Actionszenen und Krimidrama in die Klischees des Monsterfilms einzubauen, darunter zufällige, mutilierte Leichen und abrupte Gewalt. Leider wird auch das obligatorische Familienmelodrama in das Drehbuch integriert, wie beispielsweise Jason Cole, der den Geburtstag seiner Tochter verpasst und versucht, eine Romanze mit seiner Ex-Frau wieder aufleben zu lassen, während gleichzeitig Konzepte aus "Arachnophobia", "Jurassic Park", "Godzilla" und "Cloverfield" stibitzt werden.

Auch wenn die Dialoge furchtbar flach sind, die Jump-Scares voraussagbar und die Gore-Effekte nicht überzeugend, gehen die Schauspieler alles mit der größtmöglichen Ernsthaftigkeit an, die sie aufbringen können. Obwohl "Spider City - Stadt der Spinnen" im Allgemeinen lächerlich ist, weigern sich die Darsteller, sich über ihr Engagement lustig zu machen. Bewundernswert sind auch die Kulissen, die kurzweilige Schlachtfelder und Labyrinthe zum Fliehen und Kämpfen bieten. Der größte Minuspunkt für diesen Low-Budget-Thriller sind jedoch die Computeranimationen, die erschreckend dilettantisch sind. Ein Teil der Entschuldigung ist, dass die Spinnen außerirdische Monster sind, aber sie sind zu groß und schwerfällig, um auch nur annähernd realistisch auszusehen - abgesehen natürlich von ihren brüllenden Fratzen und bezahnten Mäulern -, während ihre flinken Bewegungen ihre beträchtliche Masse und ihr Gewicht nicht richtig reflektieren. Außerdem sieht der achtbeinige Gang der Spinnen sehr unüblich aus, so als hätten sich die Animatoren nicht die Mühe gemacht, echte Spinnen zu recherchieren, um sie genau zu imitieren. "Die Regierung lügt euch an!"

In "Zola" von Regisseurin Janicza Bravo hat '@_zolarmoon' im Oktober 2015 148 Tweets getwittert, die den Großteil dieser überwiegend wahren Adaption einer überlebensgroßen Vision von einem viralen Social-Media-Account ausmachen werden. Zola (Taylour Paige) und Gail (Nelcie Souffrant) arbeiten in einem Steakhouse, wo Stefani (Riley Keough) zufällig zum Essen vorbeikommt. Es ist Anziehung auf den ersten Blick, die die beiden zusammenbringt, um an diesem Abend in einem Stripclub aufzutreten. "Jeder meiner Tische besteht aus Froot Loops."

Zola und Stefani haben beide eine Wohnung, einen Freund und einen Job, aber das hindert sie nicht daran, sehr unabhängig und spontan zu sein. Und so machen sie sich spontan auf den Weg ins 20 Stunden entfernte Florida, um dort zu tanzen, wo sie am Wochenende sicher eine Menge Geld verdienen werden. Eine ungewöhnliche Entscheidung, wenn man bedenkt, dass die beiden sich kaum kennen und Zola nicht einmal die Namen oder besonderen Bezüge der beiden Männer erfährt, die sie in einem luxuriösen schwarzen Mercedes begleiten.

Interessanterweise ist Zola trotz des Jargons und des scheinbar unüberlegten, unverantwortlichen Verhaltens klug genug, um zweifelhafte Situationen und unangenehme Interaktionen zu erkennen. Sie hat so viel Verstand, dass der Betrachter ihr weitgehend vertraut, dass sie sicher bleibt, selbst wenn die Lage außer Kontrolle gerät. Sie erkennt schnell die Gefahr, die von Stefani ausgeht, und liest ihre Absichten nicht nur im Moment, sondern auch im Nachhinein, wie die Erzählung nahelegt. Natürlich nimmt ihr Abenteuer eine düstere Wendung und zwingt Zola, einige sehr unheimliche Begegnungen zu meistern. Selbst wenn sie physischer Gewalt und Waffen hilflos gegenübersteht, ist sie geradezu inspirierend, wenn es darum geht, mit der traditionellen Machthierarchie in der Welt des Sexhandels umzugehen. "Das ist eine Sauerei!"

Dieser hochgradig stilisierte und ultramoderne, dramatisch-komödiantische Roadtrip, der in den 2020er-Jahren spielt, folgt einer Formel aus eskalierenden Skurrilitäten, die auf Twitter-Posts basieren, und ist sicherlich einzigartig, nicht nur in Bezug auf die Charaktere, die er in den Fokus rückt, sondern auch in Bezug auf die Aktivitäten, die er beleuchtet - es gibt sogar eine Szene, in der Menschen auf die Toilette gehen, was praktisch nie in einem Film zu sehen ist. Die kleinen Betrügereien und leichten Ziele sind nicht unbedingt originell, aber die Persönlichkeiten sind wild, unerwartet und doch sehr realistisch und enthüllen die finstere Schattenseite eines Systems, das nur selten mit solch schmutzigen, grafischen Details geschildert wird. "Zola" ist nervenaufreibend, beängstigend und aufschlussreich, aber auch merkwürdig witzig. Eine große Portion Humor sorgt für eine lockere Stimmung, selbst wenn die Prämisse in dunkle Gefilde abdriftet und einige der Musikstücke wie aus einem Horrorfilm klingen.

Es ist auch ein unterhaltsamer Kontrast zur Intelligenz, da Zola eine bemerkenswerte Gelassenheit an den Tag legt, verglichen mit der Clownerie oder der Volatilität der Nebendarsteller - Colman Domingo ist einer der unberechenbaren Höhepunkte. Sie ist eine etwas unorthodoxe Protagonistin für das postmoderne Auditorium. "Zola" ist sicher nicht für jeden etwas, aber er ist sehr unterhaltsam, da er prickelnde Suspense mit unverschämter Absurdität und offenen Beobachtungen über Sexualität und Sexarbeit verbindet. "Hältst du mich für dumm?"

1770 entdeckte Captain Cook Australien. 60 Jahre später wuchs die Stadt Sydney rasant und importierte zu Unrecht verurteilte Gefangene, die das Land entscheidend prägen sollten. Im Jahr 1831 schickt Englands König William einen neuen Gouverneur in die Kolonie, und damit beginnt die eigentliche Geschichte von "Sklavin des Herzens" von Regisseur Alfred Hitchcock. Nach einer etwas unwillkommenen Begrüßungszeremonie trifft sich der Ire Charles Adare (Michael Wilding), ein Cousin des Gouverneurs, mit dem Bankdirektor von New South Wales, Cedric Potter (John Ruddock), der den einflussreichen jungen Mann über seine Zukunft beraten will.

Im Büro von Cedric Potter lernt Charles Adare den wohlhabenden, gewieften, barschen und wortkargen Magnaten und Emanzipator Samson Flusky (Joseph Cotten) kennen, der den unerfahrenen, aber ehrgeizigen Iren sofort zu einem etwas dubiosen Landkauf drängt. Überall, wo Charles Adare hinkommt, wird er davor gewarnt, sich mit Samson Flusky einzulassen, aber diese Ermahnungen machen ihn nur noch neugieriger und ermutigen ihn, weitere Kontakte zu suchen. "Die Vergangenheit eines Mannes ist seine eigene Sache."

Da es sich um einen Alfred-Hitchcock-Film handelt, gibt es viele seltsame Vorkommnisse und unangenehme Vorahnungen, von denen einige weitaus markanter sind als andere, die darauf hindeuten, dass nichts so ist, wie es scheint, wenn es um Samson Flusky und sein Anwesen geht. Vom Auftauchen eines grässlichen Schrumpfkopfes bis hin zu einer Dinnerparty, bei der kein einziger weiblicher Gast anwesend ist, wird schnell klar, dass die Dinge im Argen liegen. Es ist zwar kein besonders spannender Thriller, aber er hat durchaus das Flair von Alfred Hitchcock, vor allem wenn die gebrechliche Henrietta Flusky (Ingrid Bergman) erscheint, die sich merkwürdig verhält und halluziniert, als stünde sie unter einem schwarzmagischen Bann.

Wie viele seiner Produktionen stellt "Sklavin des Herzens" eine bestimmte Gruppe von Menschen in einer malerischen oder imposanten Kulisse unter ungewöhnlichen Umständen dar. Es gibt sogar eine eiskalte, manipulative Haushälterin (Margaret Leighton), eine Rolle, die nur schwer als zu sehr an "Rebecca" erinnernd abgetan werden kann. Zahlreiche Heimlichkeiten über vergangene Beziehungen und liebliche Schändlichkeiten belasteten die Hoffnungen auf Erlösung und Rettung und böse Pläne zur familiären Zerstörung a la "Berüchtigt". Leider sind die Charaktere und das Mysterium nicht annähernd so spannend, und der Weg zu Henrietta Fluskys spiritueller Wiederherstellung ist langsam und repetitiv.

Die Liebesgeschichte ist vergleichsweise substanzlos, was vor allem daran liegt, dass Ingrid Bergmans Jungfrau in Nöten Mühe hat, sympathisch zu bleiben. Sie ist anfangs einfach zu schwach und ineffektiv, obwohl sie laut Drehbuch besonders sensibel sein sollte. Joseph Cottens Charakter ist ebenso blutleer, er entwickelt sich von hinterhältigem Erfolg in der Arbeiterklasse über totale Impotenz und Eifersucht bis hin zu beschämender Selbstzerstörung. Auch sind die Intrigen viel zu oberflächlich. Schließlich werden die wenig spannenden, allzu naheliegenden Rätsel immer wieder von der herkömmlichen Dramatik überlagert, so dass sie sich irrelevant anfühlen, als wären sie nur aus Erwartung hinzugefügt worden. Zum Glück gibt es ein paar lustige Momente, die für die trockenen Sequenzen entschädigen. Doch am Ende reicht das nicht aus. Die Handlung und das Tempo von "Sklavin des Herzens" schleppen sich dahin, ohne das Interesse aufrechtzuerhalten, und plätschern durch die Exposition, auch wenn es zum Finale hin überraschende Enthüllungen gibt und die Geschichte einen recht ordentlichen Abschluss hat.

In "Die Frauen von Stepford" von Regisseur Bryan Forbes überquert die aufstrebende Fotografin Joanna Eberhart (Katharine Ross) eine belebte New Yorker Straße und sieht einen Mann, der eine nackte Schaufensterpuppe trägt, deren Arm abfällt. Doch diese Aufnahme dient dazu, die scheinbar harmlosen Kuriositäten der Großstadt zu veranschaulichen und den Umzug der Familie Eberhart in das viel ruhigere und friedlichere 'Stepford' in Connecticut zu rechtfertigen. Mit ihren beiden kleinen Töchtern und dem Hund im Schlepptau fahren sie und ihr Mann, der Anwalt Walter (Peter Masterson), in das idyllische, verschlafene Städtchen, obwohl es offensichtlich ist, dass Joanna Eberhart nicht begeistert ist, fortzugehen.

Dort, in ihrer geräumigen, prächtigen weißen Villa, trifft Walter Eberhart auf seine Nachbarn Ted Van Sant (Josef Sommer) und seine Frau Carol (Nanette Newman) - eine etwas merkwürdige Begegnung, die aber keine Geheimnisse offenbart. Sicher ist, dass Joanna Eberhart sich nicht ganz zu Hause fühlt, zumal ihr Ehemann alle wichtigen Entscheidungen ohne ihre Zustimmung trifft - vom Umzug über den Kauf eines Hauses bis hin zum Beitritt zu einem angesehenen reinen Männerclub. Natürlich sind ihre Frustration und ihr Unbehagen berechtigt, sie weiß nur nicht genau, wie ungewöhnlich 'Stepford' wirklich ist. "Ihm gefällt es hier nicht. Er heult die ganze Nacht."

Mit einem Drehbuch von William Goldman, das auf dem Roman von Ira Levin basiert, gelingt es "Die Frauen von Stepford" hervorragend, das unheimliche Setting zu etablieren, ohne zu früh zu viel zu verraten. Es gibt eine meisterhafte Subtilität, die sich weigert, die ultimativen Geheimnisse zu enthüllen, und stattdessen leicht unbehagliche Szenarien voller sexueller Untertöne entwirft, die andeuten, dass so vieles in 'Stepford' nicht stimmt, verdreht ist oder eine bloße Satire auf anmaßende Maskulinität darstellt. Trotz gelegentlicher eigenartiger Interaktionen oder Betrachtungsweisen ist die Stadt nicht abgehoben oder überzeichnet, und die meisten Szenen sind eher lebhaft und fröhlich. "Es gibt keinen Grund, sich aufzuregen."

Die Einführung von Bobby Markowe (Paula Prentiss), einer etwas rebellischen, gleichgesinnten Freundin von Joanna Eberhart, die inmitten einer extrem prüden Gesellschaft lebt, macht die Situation weniger verdächtig und lenkt die Dinge in Richtung des eindeutigen Themas Sexismus, insbesondere mit einem exklusiven Männerclub und verliebten Frauen und der Abneigung der anderen 'Stepford'-Frauen, sich an Aktivitäten zu beteiligen, die Unabhängigkeit und Individualität fördern könnten. Als Joanna Eberhart versucht, ihre Mitfrauen dazu zu bringen, eine eigene Gruppe zu gründen, die sich für die Befreiung der Frau einsetzt, kehrt die Situation fast vollständig zur Normalität zurück. Glücklicherweise lässt Joanna Eberhart, die die Hauptperspektive einnimmt, die ansonsten harmlosen Ereignisse nicht völlig unverfänglich bleiben und sorgt so für ein anhaltendes Gefühl der Beklemmung. "Vielleicht sind wir ja die Verrückten."

Die Erdverbundenheit dieser Geschichte wird durch das famose, unvergessliche Ende verstärkt, das nicht annähernd so augenfällig ist wie in "Rosemaries Baby", "Westworld" oder "1984" und für das es kaum eine Vorwarnung gibt. Joanna Eberhart und Bobby Markowe fühlen sich durch die Selbstgefälligkeit der 'Stepford'-Frauen in Bezug auf Küchenarbeit und Gehorsam bedroht, und der Kommentar zu Gehirnwäsche, Überwachung und Assimilierung ist spannend und erinnert an "Die Dämonischen". Es ist so etwas wie eine dokumentarische Analyse des Verstandes einer Frau, deren Verdacht auf exzessive männliche Kontrolle und Kollusion sie ihres Verstandes und ihrer Freiheiten beraubt, was sich wie in einem Horrorfilm manifestiert und in einem verhexten Haus gipfelt. Es dauert vielleicht ein bisschen zu lange, bis der Zenit von "Die Frauen von Stepford" erreicht ist, aber das Geduldspiel zahlt sich aus. "Wenn ich Recht habe, ist es schlimmer, als wenn ich mich irre."

1997 drehte Regisseur Michael Haneke "Funny Games", einen verstörenden und zugleich nachdenklich stimmenden Thriller, der mit der Rolle des Betrachters als Voyeur spielt. Das Remake "Funny Games U.S.", ebenfalls von Michael Haneke geschrieben und inszeniert, wartet in der hollywoodreifen, englischsprachigen Version mit einer völlig neuen Besetzung auf. Das Problem ist, dass dieser neuerliche Anlauf im Wesentlichen ein originalgetreues Memorandum ist, Bild für Bild, Zeile für Zeile. Dieser Ansatz macht es überflüssig, das Original zu sehen - oder diese Aktualisierung von 2008 für jeden, der das Original gesehen hat, sinnlos. Ungeachtet der lästigen Untertitel, die das amerikanische Volk oft verärgerten, besaß die erste Vision eine raue Authentizität und eine nicht wiederzuerkennende Auswahl an Darstellern, die eindeutig überragend war.

Ann (Naomi Watts) und George (Tim Roth) kommen in ihrem Ferienhaus an, um mit ihrem Sohn (Devon Gearhart) und den Nachbarn Golf zu spielen und zu segeln. Als Ann ihre Einkäufe auspackt, wird sie von zwei jungen Männern in weißen Poloshirts und weißen Handschuhen angesprochen. Sie macht sich nichts aus ihrer Höflichkeit und ihrer harmlosen Bitte um Eier und der Erklärung, dass den Nachbarn das Kochmaterial ausgegangen sei, woraufhin Ann sofort einwilligt. Doch als die Fremden anfangen, sie zu nerven, wird ihr schnell klar, dass ihre Familie für eine schreckliche Nacht mit sadistischen Psychospielen als Geisel genommen werden soll.

Die gleiche Einstellung eines Autos, das eine einsame Straße entlangfährt, während die Familie im Inneren Melodien aus dem Radio errät, leitet den Schauplatz und die Figuren von "Funny Games U.S." ein. Es werden die selben Opernstücke, die selben Titelsequenzen und der selbe donnernde, abstrakte Death Metal verwendet. "Funny Games U.S." ist zweifelsohne erschütternd, einzigartig und atemberaubend spannend, aber für jeden, der das Original gesehen hat, gibt es einfach nichts Neuartiges. Die Hunderasse hat sich geändert, ebenso wie der Stil des Telefons, aber das weiße Tor des Hauses sieht fast völlig identisch aus, und die Küche und all ihre scheinbar zufälligen Dekorationen passen perfekt zusammen, was zweifellos beabsichtigt war. Georg und Anna wurden in ihre amerikanischen Korrelate George und Ann verwandelt, während einige der Originalübersetzungen neu interpretiert wurden, aber die Handlungen und Reaktionen widerspiegeln sich.

Dieses Remake ist nur geringfügig erfolgreicher als Gus Van Sants berüchtigte Verfilmung von Alfred Hitchcocks "Psycho", da "Funny Games" nie den gleichen Bekanntheitsgrad erreichte. Einen Film, der immer wieder als einer der besten Filme aller Zeiten angesehen wird, Szene für Szene nachzudrehen, ist unverschämt sinnwidrig. Zumindest bei "Funny Games U.S." sind die Gründe kohärenter. Es ist nicht komplett abwegig, einen deutschen Film für die amerikanische Masse zugänglicher zu machen, indem man englischsprachige Darsteller einsetzt, selbst wenn die Zielsetzung nur darin besteht, diejenigen zu erreichen, die mit dem Ausgangsmaterial nicht vertraut sind.

Ohne Soundtrack und in Echtzeit sind die Ereignisse dieser einen wahnwitzigen Nacht in einem verschlafenen Tal immer noch so beängstigend wie bei dem Originalfilm. Unabhängig davon, dass es sich um eine Neuverfilmung handelt, entbehrt diese nicht ihres Schockwerts und ihres alarmierenden Blicks auf Voyeurismus und Gewalt, denn sie ist eher eine Stellungnahme zur Beteiligung des Betrachters an qualvollen Folterungen als eine filmische Erzählung über Gut und Böse. Mit seinem erschreckenden Ende, den bizarren Wendungen und dem unangenehmen Einbruch in die vierte Wand oder der Tatsache, dass die Charaktere direkt in die Kamera sprechen, ist "Funny Games" ein Film, der in jeder Sprache schwer zu verdauen wäre.

Mein Kommentar zu "Funny Games" aus dem Jahr 1997:
https://www.moviepilot.de/movies/funny-games-2--3/kritik/2725245

"No One Will Save You" von Regisseur Brian Duffield erzählt die Geschichte einer Frau namens Brynn Adams (Kaitlyn Dever), die im Haus ihrer Kindheit lebt und mit der Entfremdung von ihrer Gemeinschaft zu kämpfen hat. Eines Tages wird sie von seltsamen Geräuschen geweckt, die sich als unirdische Wesen entpuppen. Nach einer sehr intensiven ersten Konfrontation wehrt sie sich heftig und verursacht am Ende weit mehr Ärger als erwartet. Wie der Titel schon andeutet, bieten die Stadtbewohner keine Hilfe. Brynn Adams ist völlig auf sich allein gestellt.

Brian Duffield und sein Soundteam schaffen eine faszinierende Welt. Was die Produktion und das Sounddesign angeht, ist dies warscheinlich der beste Genrefilm des Jahres 2023. Brynn Adams spricht während des gesamten Films nicht viele Worte und überlässt es vielmehr dem Komponisten und dem Tonmischteam, die Handlung dieser außerirdischen Invasion zu erzählen, was die Spannung noch erhöht. "No One Will Save You" hat einen der besten Sounds, die man seit langem in einem Film zu Gehör bekommen hat. Wäre "No One Will Save You" in einem Kino gezeigt worden, hätte man garantiert in jedem Multiplex-Kino Schreie im Gleichklang gehört. Die Stille ist hier eine solche Stärke, dass man sich der Spannung auf eine Weise nähert, die nie aufdringlich manipulativ wirkt.

Im Endeffekt ist "No One Will Save You" ein ähnliches Ergebnis wie die Highlights von "Signs - Zeichen" und "A Quiet Place". Das Fehlen von Dialogen während des größten Teils des fast stummen Films ist wirklich sehr bemerkenswert. Brynn Adams ruft nie 'Oh mein Gott', aus Angst, um Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen, und selbst wenn sie mit anderen interagiert, ist sie kaum in der Lage zu sprechen. Bei ihrer Performance geht es vor allem um Mimik, Körpersprache und die Fähigkeit, sich an gefährliche Situationen anzupassen. Doch natürlich kann es in "No One Will Save You" nicht nur um die Alien-Invasion gehen, sondern es muss auch eine Hintergrundgeschichte über Trauer, Bedauern und das Lernen, loszulassen, geben. Es gibt einen Moment der Rückblende, der einen aus dem Film herausziehen könnte und einem das Gefühl vermittelt, dass sie Brynn Adams einen Grund geben wollten, sich ihrer Vergangenheit zu stellen, damit sie für ihre eigene Zukunft einstehen kann.

Kaitlyn Dever ist wie zu erwarten großartig und der Hauptgrund, sich "No One Will Save You" anzusehen. Sie reagiert entsprechend und drückt eine Menge Furcht und Unsicherheit darüber aus, wie sie diese ganze Tortur überstehen soll. Wie bereits erwähnt, sind auch der Soundtrack, das Klangdesign und alle technischen Aspekte ausgezeichnet. Wäre das Drehbuch nur in eine andere Richtung gegangen oder hätte es nicht Elemente aus so vielen Sci-Fi-Filmen der Gegenwart übernommen. Die Filmmusik von Joseph Trapanese ist besonders lobenswert, mit schrillen, durchdringenden Geigen und düsteren Synthesizern, die eine Geräuschkulisse von keuchenden Atemzügen untermalen. Auch das Klicken und Zirpen der Außerirdischen ist einprägsam. Allerdings wird man auch hier von einem eher einfallsarmen Finale getrübt, das weder triumphierend noch schockierend ist. Der Aufbau ist viel interessanter, und bedauerlicherweise lassen die Auflösung und die Offenbarung einiges vermissen. "No One Will Save You" war zu diesem Zeitpunkt nicht mehr zu retten.

"Das macht nicht viel Sinn, oder?", sagt Ned Merrill (Burt Lancaster) zu seiner Ex-Geliebten Shirley (Janice Rule). Ein gut platzierter Satz, der den größten Teil der Prämisse zusammenfasst: Ein euphonisch verwirrender Verlauf, der den Betrachter herausfordert, esoterische Ereignisse zu sortieren und Schlussfolgerungen für sich selbst zu entschlüsseln, während er eine Menge seltsamer Selbstoffenbarungen der Charaktere und hoffnungslos wenige Erklärungen liefert. Es ist eine enigmatische Darstellung der düsteren Reise eines Mannes, der mit seiner wahren Identität, seiner Herkunft und seinem Untergang ringt, und eine Inszenierung, die eine verstörende Botschaft vermitteln will. Der nachdenklich stimmende, aber auch frustrierende Film "Der Schwimmer" des Regisseurs Frank Perry (und das Ende unter der Regie von Sydney Pollack) ist sicher nicht für jeden etwas.

Der optimistische, fröhliche Ned Merrill findet sich am Pool des Hauses eines Freundes wieder und schwelgt bald in Erinnerungen an die glorreichen Zeiten von einst. Ned Merrill, der sich auf geheimnisvolle Weise zu dem wässrigen Saphir hingezogen fühlt, plant einen Weg zurück zu seinem Haus über die Pools seiner Nachbarn, der mehr aus Fußmärschen als aus Schwimmen besteht, und nennt den Fluss der Ausgrabung liebevoll 'Lucinda', nach seiner Frau. Auf seinem Weg begegnet er vielen Figuren aus seiner Vergangenheit und erfährt Wohlwollen, Konfusion, Sympathie, Geselligkeit und sogar Anfeindungen von seinen unfreiwilligen Gastgebern, je näher er seinem mysteriösen Ziel kommt, an dem Realität und Fiktion erschreckend verschwimmen.

"Der Schwimmer", der auf einer Kurzgeschichte von John Cheever basiert, nimmt sich die gesamte Lauflänge Zeit, um Fragen über den undurchschaubaren Protagonisten aufzuwerfen, bevor er ein schockierendes Ende liefert, das viele als äußerst unbefriedigend empfinden werden. Wie ein weniger sinistrer "Mulholland Drive" für die 60er Jahre ist nichts so, wie es scheint, und die Lösung des spannenden Geheimnisses ist eine Aufgabe, bei der die Erzählung keine Hilfe ist. Durch ausgiebiges Schwelgen in Erinnerungen, zufällige Wiedersehen mit Freunden und Feinden, die Konzentration auf den Himmel und die Besessenheit vom Wasser ruft Ned Merrill Teile seines vergangenen Lebens und Erinnerungsfragmente zurück, die in seinem Unterbewusstsein schlummern. Sein Selbstbild unterscheidet sich drastisch von dem der Menschen, die er begegnet, und wird allmählich bitterer, bis ihm nur noch eine niederschmetternde Erkenntnis bleibt. Seine ruhige, selbstsichere und entspannte Haltung zerfließt langsam, während der Tag dahinschreitet und seine Wanderung zu Ende geht.

Eine gespenstische Titelmelodie des Komponisten Marvin Hamlisch steht über einer Vielzahl von Kuriositäten, darunter ein triumphales Rennen gegen ein Pferd, ein Hürdenlauf in Zeitlupe, wahllose Flashbacks, ein paar lästige Nudisten und ein nach Aufmerksamkeit gierender Junge. Die Dialoge bestehen aus vermeintlich sorgenfreien Konversationen zwischen Menschen, die nicht ausreichend Informationen über Ned Merrill preisgeben, um überzeugende Rückschlüsse zu ziehen, und sind zweifellos ein Ärgernis für diejenigen, die die gesamte Länge von "Der Schwimmer" ausharren, nur um festzustellen, dass es keine konkreten Antworten gibt. Vielleicht ist es wichtiger, den Zweck der Odyssee von Ned Merrill zu ergründen, als zu verstehen, wer er wirklich ist. Insgesamt ist "Der Schwimmer" durchaus attraktiv, aber nur für diejenigen die wirklich glauben, die Symbolik verstanden zu haben.

In "Rambo: Last Blood" von Regisseur Adrian Grunberg ist der erfolgreiche Guerillakrieger John Rambo (Sylvester Stallone) nun ein friedlicher Rancher in Bowie, Arizona. Er hat immer noch ein Waffenarsenal über seinem Bett montiert, aber er hat sein Wissen aus dem Krieg gegen einige Pferde, ein weitläufiges Tunnelsystem unter seinem Grundstück und eine Nichte namens Gabrielle (Yvette Monreal) eingetauscht, der er seine reservierte Zuneigung schenken kann. Belastende Erinnerungen an seine verschiedenen Militäreinsätze, vor allem in Vietnam, bestimmen seinen Alltag, aber sein Leben ist jetzt von Ruhe und Einsamkeit geprägt, unterbrochen von Ausritten mit Gabrielle und Abendessen mit ihrer Großmutter Maria (Adriana Barraza). "Ich wollte Soldat werden."

Bevor Gabrielle aufs College geht, will sie ihren leiblichen Vater finden, der sie vor langer Zeit verlassen hat. Sie will ihn nur fragen, warum er gegangen ist. Obwohl John Rambo sie anfleht, sich nicht über die Südgrenze zu erkühnen, trifft Gabrielle auf ihre ehemalige Freundin Jezel (Fenessa Pineda), die behauptet, ihren Vater gefunden zu haben. In Mexiko angekommen, erkennt die naive Gabrielle jedoch zu spät, dass sie sich nicht in solch gefährliches Gebiet hätte wagen dürfen. "Menschen verhalten sich nicht einfach ohne Grund schlecht."

Sylvester Stallone müht sich ab, seine begrenzten Reden zwischen seinen steifen, welken Lippen hervorzubringen, als wären die meisten seiner Gesichtsmuskeln unbeweglich geworden und hätten den Platz der jahrzehntelang ondulierten Bänder eingenommen. Doch das ist kaum von Belang, denn er ist in erster Linie da, um Bösewichte mit scharfen Objekten zu jagen, und an denen mangelt es in "Rambo: Last Blood" nicht. Mexiko wird als ein Ort dargestellt, an dem man sich sofort unwohl fühlt, an dem es von zwielichtigen Gestalten wimmelt, wo es heruntergekommene Bars und kriminelle Straßen gibt und die Aggressionen der unrühmlichen Einwohner pulsieren. Nirgendwo ist man frei von allgemeiner Roheit und Feindseligkeit. Das Land wird gewiss nicht in einem positiven Licht dargestellt. Natürlich hilft dieses Design, John Rambo vor den besonders harten Aufgaben zu bewahren, die auf ihn zukommen, wenn er seine Nichte retten muss.

Der Schauplatz ist peinlich simpel und weit entfernt von der vertrauten, vom Krieg gebeutelten Kulisse von John Rambos früheren Filmen. Trotzdem hebt er eine Klinge, steckt eine Pistole in den Halfter und reißt seinen Zielpersonen mit bloßen Händen buchstäblich das Fleisch von den Knochen. Die Detektivarbeit, die erforderlich ist, um Gabrielle aufzuspüren, besteht größtenteils aus gewaltsamer Einschüchterung. Von Zeit zu Zeit ist es fast lustig, wie brutal der Ex-Militär ist - der Weg der Lädierung, den er einschlägt, ist absolut gnadenlos. Das ist das Charakteristikum seiner Art von Selbstjustiz. Es ist gut, dass die Schurken so auffallend bösartig sind, denn je abscheulicher sie sind, desto schlimmer können John Rambos Vergeltungsmaßnahmen ausfallen, ohne dass seine Rolle als Protagonist darunter leidet. Wenn er wutentbrannt Verdächtige verhört und Widersacher mit einem Hammer vermöbelt, ist das geradezu willkommen. Je mehr er ignoriert wird, desto größer ist die Strafe, die er zur Rechtfertigung eines Actionfilms verhängen kann.

John Rambo ist immer noch eine Ein-Mann-Armee, auch wenn er kurzzeitig von einer Journalistin (Paz Vega) unterstützt wird, die sich mit einem Bulldozer einen Weg in schwer befestigte Arenen bahnt, um ein außergewöhnliches Blutbad anzurichten. Sylvester Stallone begnügt sich nicht damit, einen Standard-Rachefilm abzuliefern. Er muss alles auf besonders brachiale Weise tun - von unschuldigen Opfern bis hin zu skrupellosen Gangstern, die John Rambos rabiaten Methoden zum Opfer fallen. Das Finale ist eines der grausamsten Blutspektakel der letzten Zeit, das die Sprengfallen von "Kevin - Allein zu Haus" mit den Verstümmelungsplots der "Saw"-Filme kombiniert. Intelligent ist das Ganze definitiv nicht, aber der katastrophale Machismo ist unglaublich actionreich. Und wie bei jedem Film, der das Wort 'Last' im Titel trägt, wird dies wahrscheinlich nicht das letzte Mal sein, dass der Betrachter John Rambos schonungslose, wenn auch sich wiederholende Herrschaft der Bestrafung zu sehen bekommt.

Zwanzig Jahre nach "Rambo III" kehrt Sylvester Stallone zurück, um seinen revolutionären Actionfilm aus den 80er Jahren wieder aufleben zu lassen. Er ist ein Vietnam-Veteran, der darum kämpft, wieder ins normale Leben zurückzufinden. Um sich von der unbequemen Normalität zu distanzieren, verkriecht er sich an verschiedenen abgelegenen Orten und schlägt sich mit seinem Fachwissen über das Überleben durch. In "John Rambo", bei dem Sylvester Stallone auch Regie führte, verschlägt es ihn in das anarchische Land Birma, wo ein 60 Jahre alter Bürgerkrieg die verarmten Dorfbewohner in ständiger Angst vor tyrannischen Regimen hält. Aber wie Ein-Mann-Armeen zu zeigen pflegen, ist John Rambo (Sylvester Stallone) definitiv kein Mann, mit dem man sich anlegen sollte.

Die Darstellung von Gewalt in Filmen dient oft dazu, eine bestimmte Absicht zu demonstrieren, etwa komödiantische Übertreibung, Realismus, politische Bedeutung, die Gier nach Blut oder sogar einen hoch stilisierten Sinn für Kunst. In "John Rambo" ist die grundlose Gewalt, die ein begeistertes jugendliches Fanklientel zum Jubeln bringen soll, vielleicht der einzige Grund für solch brutales Blutvergießen. Dennoch ist es unbestreitbar faszinierend. Wurde "Rambo III" noch mit einem Stockkampf eröffnet, in dem der Titelheld gegen einen geschickten Kampfsportler antritt und Dutzende von Schlägen mit Holzknüppeln austeilt, so ist in diesem Kapitel nichts von dieser extravaganten Cartoon-Gewalt zu sehen. Stattdessen wird versucht, jede Verstümmelung und Ausweidung mit so viel Liebe zum blutigen Detail wie möglich zu zeigen. Das Gemetzel hier ist kein "Popeye"-Spaß, es ist magenverbrennend. Das ist zwar keine Kunst, aber wenn es um unverschämte Spannung geht, ist es der absolute Hammer.

Die Einführung einer hilfreichen Stütze für John Rambo ist etwas Besonderes, auch wenn er in den vorherigen Filmen nie ganz allein war. Auf den verheerenden Schlachtfeldern Birmas bietet eine Gruppe gut bezahlter Abenteurer dem einsamen Moloch kurzzeitig Kameradschaft und militärische Hilfe an, doch irgendwann ist er gezwungen, die Elitetruppen an der Seite der humanitären Helfer zu retten. Jeder Soldat hat eine eigene Persönlichkeit, ähnlich wie die kolonialen Marines in "Aliens - Die Rückkehr": Einer mit einem ausgeprägten Hang zum Fluchen, jemand mit Schuljungencharme, ein anderer mit unerschütterlichem Heldentum und ein weiterer von ständigen Zweifeln geplagt. Ihre Interaktionen mit John Rambo tragen dazu bei, seinen typisch eindimensionalen Charakter weiterzuentwickeln, und sie sind sympathische, hartgesottene Kämpfer. Die erste Antriebskraft ist die junge Frau Sarah (Julie Benz), die John Rambo überredet, sie bei sich aufzunehmen. Später treibt die Grausamkeit gegen die Dorfbewohner John Rambo dazu, "für nichts zu leben oder für etwas zu sterben."

Wer blutrünstige Action mag, kommt in Sylvester Stallones pausenlosem Reißer sicher auf seine Kosten. Eine entsprechend einfache Prämisse führt zu einer finalen Konfrontation, die derber ist als jede andere, die auf Zelluloid gebannt wurde. Das explosive Feuergefecht entfesselt fast zwanzig Minuten pures, unerbittliches Chaos, das gleichzeitig die Grenzen von Action und Aderlass verschiebt. Wie John Rambo zu Beginn sagt: "Wenn du unter Druck stehst, ist das Töten so einfach wie Atmen." Mit Maschinengewehrkämpfen, bei denen kaum mehr als menschlicher Zellstoff zurückbleibt, Minenexplosionen, die den Dschungel wie ein Atompilz auslöschen, Granaten, die Dorfbewohner mit einem roten Strahl zerstückeln, Macheten, die sie ausweiden, und Enthauptungen in Hülle und Fülle ist "John Rambo" nichts für schwache Nerven, aber sicherlich etwas für diejenigen, die Köpfe rollen sehen wollen und deren Leichenzahl auf höchst erheiternde Weise unvorstellbare Ausmaße erreicht.

"Rambo III" von Regisseur Peter MacDonald ist ein weitgehend vergessenswerter Film, übertrifft aber seinen unmittelbaren Vorgänger "Rambo II - Der Auftrag" und schafft es, ein höchst unterhaltsamer Actionfilm zu sein - zumindest beim Ansehen. Auch wenn es manchmal unnötige Dramatik gibt, sprudelt er über vor Nonstop-Action, Explosionen, Chaos und schmissigen One-Linern gegen schnippische Schurken. "Rambo III" ist so anständig wie es nur möglich ist, wenn es um hirnlosen Filmspaß geht. "Rambo III" ist die Kategorie von Schund, die das Gehirn absolut nicht beansprucht. "Wozu ist das?"

"Rambo III" ist ein Genuss für Action-Junkies und purer Eskapismus für den Betrachter in einem und bietet jede Menge destruktiver Antihelden-Energie. Der titelgebende Kraftprotz befreit russische Bösewichte mit Sprengkapseln, Raketenwerfern, Panzern und allem, was er sonst noch so ergattern kann, von ihrem grinsenden Elend. Sylvester Stallones schauspielerische Leistung ist bescheiden, aber das liegt zum Teil an den übertrieben sarkastischen und süffisanten Dialogen (die leider von Sylvester Stallone geschrieben wurden) und an der Vorstellung, dass John Rambo kaum mehr als ein 'Terminator' ist, der in schwer bewachte Stützpunkte einmarschiert, um im ahnungslosen Kreml Verwüstung anzurichten. "Das ist blaues Licht."

Sollte der Betrachter einen Helden verurteilen, der keine Schwäche, keine Achillesferse zeigt? "Wer ist dieser Mann? Gott?", fragt Oberst Zaysen (Marc de Jonge), der sowjetische Anführer, der Colonel Samuel Trautman (Richard Crenna) gnadenlos foltert und ständig einen finsteren Blick auf seinem Antlitz trägt. "Nein", antwortet der übermütige Trautman. "Gott würde sich erbarmen." Wenn John Rambo Schießpulver und Flammen benutzt, um eine Schrapnellwunde in seinem rechten Oberschenkel zu kauterisieren, ist klar, dass er ein harter Kerl ist. Trotz aller Widrigkeiten setzt er sich immer wieder gegen den Feind zur Wehr, ob er nun verletzt ist oder nicht, und unternimmt einen zweiten Rettungsversuch, auch wenn niemand mehr da ist, der ihm helfen könnte. Eine Kombination aus Glück, erstklassigen Waffen, unwahrscheinlichen Vorteilen und erstaunlich gutem Timing ist ebenfalls von Vorteil.

"Rambo III" handelt vom Kalten Krieg, ähnlich wie "Der Krieg des Charlie Wilson", nur ohne die krasse Komödie, und besteht aus einigen lehrreichen, vielleicht politisch unkorrekten außenpolitischen Themen und einem fetzigen Reiterspiel mit toten Schafen. Dies wird jedoch schnell von einem sowjetischen Angriff überschattet, der zu grandiosen Actionsequenzen und gefährlichen Stunts führt. Der erste Überfall auf den feindlichen Stützpunkt ist spektakulär und spannend, gefolgt von dem ebenso beeindruckenden Pre-Showdown in den unterirdischen Kavernen und dem finalen Kampf der verbliebenen UdSSR-Truppen. Die Actionsequenzen gehören zu den besten der 80er Jahre, auch wenn sie oftmals die Anmut zugunsten der Grandiosität opfern. "Und was macht es?"

Wenn man einen Film danach bewerten würde, wie aufsehenerregend der Tod des Hauptgegners ist, zusammen mit dem Schicksal des Haupthandlangers, ähnlich wie bei den meisten "James Bond"-Filmen, dann würde "Rambo III" ganz oben stehen. Wenn es im Kino um waghalsige Fluchten aus der Luft geht, um Trotz im Angesicht der Verfolgung, um Tapferkeit in Unterzahl, um Maschinengewehrkämpfe, Raketenangriffe, Angriffe mit Raketenwerfern, asiatische Stockduelle, explosive Hinterhalte mit Pfeil und Bogen, Panzerschlachten, große Gefechte und das Herumspielen mit einem Kampfhubschrauber, dann ist "Rambo III" der richtige Film. Er ist eine zufriedenstellende, actiongeladene B-Movie-Verarsche. "Es leuchtet blau."