Chainsaw Charlie - Kommentare

Auch wenn er den tiefgründigen Stil und die moralische Komplexität des ursprünglichen "Rambo" zugunsten von Nonstop-Action opfert, schafft es "Rambo II - Der Auftrag" von Regisseur George P. Cosmatos, überraschend unterhaltsam zu bleiben. Es ist jedoch eine ganz andere Art von Erlebnis. Sylvester Stallone und Richard Crenna kehren zurück, und diesmal geht es wieder nach Vietnam zu einer waghalsigen Rettungsmission, bei der Loyalitäten und Motive so leichtfertig wechseln wie die Seriosität von "Rambo II - Der Auftrag".

Obwohl "Rambo II - Der Auftrag" weniger gesellschaftskritisch ist als sein Vorgänger, spiegelt er dennoch die katastrophalen Auswirkungen des Krieges auf die menschliche Psyche sowie die kontroversen Ereignisse in Indochina wider. Doch bis zu John Rambos (Sylvester Stallone) Schlussrede ist diese Geschichte stark von Schießereien und Explosionen geprägt. John Rambo gehört eher zur Kategorie der ununterbrochenen Action und kämpft ständig gegen Vietnamesen, Russen und sogar Blutegel. Mit bösartigen Stealth-Kills, sadistischen Foltermethoden und brutaler Rache lässt der Fokus auf gewalttätige Action, für den die Reihe bekannt ist, nie nach.

Abgesehen vom Finalsong gibt es im ganzen Film so gut wie keinen Humor, aber immerhin wird Co Bao (Julia Nickson) als Liebesinteresse eingeführt, das sich zwischen charmant und nervig bewegt, wobei Letzteres besonders in ihrem gebrochenen Englisch deutlich wird. Normalerweise wäre dieses weibliche Element eine interessante Ergänzung gewesen, die in verschiedene Richtungen hätte gehen können, aber Co Baos Präsenz wirkt eher wie ein zusätzlicher Einfall als eine sorgfältig kalkulierte Komponente. Die von der Figur ausgelöste Wirkung ist nur von kurzer Dauer und dient lediglich als Puffer für die Reaktionen der anderen. Das soll nicht heißen, dass die Grundidee nicht ein respektabler Ansatz war, aber bei einem Drehbuch, das von James Cameron mitverfasst wurde, sind höhere Ambitionen nicht unangemessen.

Die Fortsetzung verzichtet auf einen konkreten Antagonisten und bedient sich stattdessen des Actionfilm-Klischees von mehreren Hauptbösewichten und einer ganzen Reihe von sekundären Schergen, deren einziger Zweck es ist, erkennbare und kathartische Todessequenzen zu schaffen. Auch wenn diese Substitution zu weitaus weniger Handlungssubstanz führt, wird jedes Mal, wenn einer dieser boshaften Schurken einen gut platzierten Raketenschuss in den Kopf oder einen heftigen Elektroschock erhält, sein Ziel auf adäquate Weise erreicht. Man kann nicht anders, als zufrieden zu grinsen, wenn die Abfertigung erfolgreich absolviert wurde. Der Nachteil ist jedoch, dass der Betrachter zwar möchte, dass diese Antagonisten zu Tode kommen, aber es ist ihm egal, was sie tun, solange sie leben.

"Rambo II - Der Auftrag" beginnt mit einem Knall, schließt mit einem Knall und hält sich in der Mitte nicht zurück. Das Problem bei diesem Prinzip ist, dass es wenig Raum für eine eigentliche Handlung gibt, und obwohl die meisten Filmfans John Rambo nicht mehr mit einer komplizierten Historie in Verbindung bringen, ist das Potenzial dieses Charakters so viel größer. Ein idealerer Film hätte beide Faktoren mit mehr Finesse in Einklang gebracht. Letztendlich verlangt dieser zweite Teil der Franchise von seinen Betrachtern, dass sie ihren Verstand vor der Tür abgeben und sich geistlos zurücklehnen, um den viszeralen Rausch der feurigen Explosionen zu genießen. Und seid versichert, wenn John Rambo Colonel Samuel Trautman (Richard Crenna) fragt, bevor er seine selbstmörderische Mission annimmt: "Werden wir dieses Mal gewinnen?", wird die Antwort lauten: "Ja, Rambo, du wirst immer gewinnen."

Als Synonym für 'Ein-Mann-Armee' setzte der Überlebenskünstler John Rambo (Sylvester Stallone), der bis an seine Grenzen ging, die Messlatte für Action-Helden deutlich in die Höhe. Sylvester Stallones unterhaltsame, stoische Darstellung trug dazu bei, dass "Rambo" von Regisseur Ted Kotcheff zu einem der einflussreichsten Filme seiner Zeit wurde. Oberflächlich betrachtet handelt es sich um einen epischen Showdown in der Wildnis, doch unter den Schichten des Gemetzels verbirgt sich ein scharfsinniger sozialer Kommentar, der sich mit den Nöten und der Ablehnung konfrontiert, mit denen heimkehrende Vietnamveteranen zu kämpfen haben, während er gleichzeitig die Hybris und die Verachtung derer untersucht, die ihre Wiedereingliederung nicht akzeptieren. Teilweise übertrieben, aber überraschend realistisch in seiner Darstellung kriegsbedingter psychischer Traumata, ist "Rambo" sowohl ein psychologischer Thriller als auch ein packender Actioner.

Sylvester Stallone wird nicht gerade für seine schauspielerischen Qualitäten gerühmt, aber man hätte kaum eine bessere Besetzung für den gewieften, unartikulierten Soldaten finden können. Es gelingt Sylvester Stallone, den missverstandenen Moloch, der wie ein wildes Tier in die Enge getrieben wird, mit großer Ernsthaftigkeit und Authentizität darzustellen. Spätere Teile des "Rambo"-Erbes versuchten, diesen faszinierenden Einschüchterungseffekt beizubehalten, gaben diesen Stil aber zugunsten häufigerer Explosionen auf. Die erste Begegnung mit diesem ikonischen Anti-Helden offenbart eine gutmütige, wenn auch unnahbare Persönlichkeit und lässt das kommende Blutbad kaum erahnen.

Große Helden kommen selten ohne herausragende Bösewichte aus, und Brian Dennehy liefert eine exzellente Performance des egoistischen, ignoranten Cops, der vor nichts zurückschreckt, um sein Ziel zu erreichen, selbst wenn dies seine Kollegen und die Zivilbevölkerung, die er zu schützen geschworen hat, in Gefahr bringt. Nichts kann den Ehrgeiz des Sheriffs aufhalten, und er setzt seinen Feldzug fort, selbst als er von John Rambo vor dem Tod gerettet wird, wobei ein Hilfssheriff bemerkt: "Wir jagen nicht ihn, er jagt uns". Blendender Stolz wird dem Antagonisten zum Verhängnis, und er beginnt erst, seine katastrophalen Fehler zu erkennen, als seine Stadt buchstäblich um ihn herum kollabiert. "Er ist ein Mann. Und er ist verwundet."

In einer starken Nebenrolle fungiert Richard Crennas Colonel Samuel Trautman als Berater und Seher, der den unvermeidlichen Ausgang der Konfrontation erklärt und davor warnt. Er ist so etwas wie ein klares Gewissen und eine Stimme der Vernunft inmitten zweier unterschiedlicher gesellschaftspolitischer Extrempositionen, die die Emotionen und den Humanismus, die in dem geplagten Kämpfer noch vorhanden sind, noch mehr zum Vorschein bringen. Außerdem ist er der einzige Charakter, der nicht die Hauptrolle spielt und in allen drei Filmen der ursprünglichen Trilogie auftritt.

Reduziert man das Genre von "Rambo" auf reine Action, kann er immer noch mit den Besten dieser Kategorie punkten. Der größte Teil von "Rambo" besteht aus einer spannenden Verfolgungsjagd, bei der John Rambo gegen allerlei schwer bewaffnete Gesetzeshüter kämpft, sowie aus Sequenzen, in denen er Hubschrauber, Dobermänner, Ratten und Minenschächte ausmanövriert. Es kommt zu Verfolgungsfahrten, Gebäude explodieren, Maschinengewehre werden abgefeuert und eine unvorbereitete Polizeitruppe wird in die Knie gezwungen. Doch die Anmerkungen zu den widersprüchlichen Legitimationen, der Ungerechtigkeit und dem Unvermögen der Soldaten während des Vietnamkriegs sowie der fesselnde Kampf zwischen zwei Männern, die nicht bereit sind, sich zu beugen, sind meistens ergreifender als das Abenteuer, das "Rambo" zu einem breiteren Spektrum an Interessenten und einem unerwarteten kommerziellen Erfolg verhalf.

In "The Beekeeper" von Regisseur David Ayer genießt der Einzelgänger Adam Clay (Jason Statham) sein meist einsames Leben, indem er sich um Bienen kümmert und sich gelegentlich mit seiner einzigen Freundin, der pensionierten Lehrerin Eloise Parker (Phylicia Rashad), unterhält. Als die ältere Dame Opfer eines Internetbetrugs wird, der ihre Ersparnisse und die der von ihr geleiteten Kinderhilfsorganisation plündert, wählt sie den Freitod. Nachdem Adam Clay von ihrer Tochter, der FBI-Agentin Verona Parker (Emmy Raver-Lampman), über die für den Diebstahl verantwortliche Firma informiert wird, beginnt der Imker einen Rachefeldzug, der nicht enden wird, bis die Verantwortlichen vor Gericht stehen... oder sterben.

Er ist ein Mann der wenigen Worte, aber er ist so unbarmherzig gegenüber denen, die seinen Lieben schaden, wie gegenüber den Hornissen, die in sein Bienenvolk eindringen. Die zum Scheitern verurteilte Formel einer ruhigen, privaten, isolierten Persönlichkeit mit außergewöhnlichen Fähigkeiten, die zur Vergeltung eingesetzt werden müssen, bietet sicherlich nicht allzu viele neue Ideen. Doch die Ausgangssituation, in der eine nette alte Frau zur Zielscheibe von Online-Betrug und Identitätsdiebstahl wird, ist zweifelsohne aktuell und nachvollziehbar. "Es hat sich noch nie jemand um mich gekümmert."

Die warnende Botschaft zu Beginn, wie leicht Menschen ohne Computerkenntnisse von Betrügern getäuscht werden können, liefert ein sehr vernünftiges Motiv für Jason Stathams ruhigen, besonnenen Killer, Rache der besonders destruktiven Art zu üben. Die infantile Exzentrik und die komische Abscheu der Bösewichte sorgen für einen völligen Mangel an Sympathie, was sich als äußerst vorteilhaft erweist, wenn diese Antagonisten von einer Ein-Mann-Armee entstellt und eliminiert werden. Es ist meist lustig zu sehen, wie wehleidige Teenager, die dem ganzheitlichen New-Age-Hokuspokus frönen, versuchen, mit NFTs hausieren zu gehen, einen kompletten Anzug tragen, auf dem vom Kragen bis zu den Manschetten das Wort 'GOAT' aufgedruckt ist, oder eine lebensgroße 'Terminator'-Statue im Büro stehen haben, eine brutale Strafe erhalten, auch wenn das Ausmaß der Gewalt ansonsten himmelschreiend wäre. Die Rachefantasie ist morbid gut umgesetzt.

Leider gerät der Umfang von "The Beekeeper" bald außer Kontrolle, was vielleicht an der offensichtlichen Vorliebe des Autors Kurt Wimmer für unerhört fantasievolle Drehbücher (z. B. "Ultraviolet") liegt. Anstatt sich an das intimere Konzept eines Geheimagenten im Ruhestand zu halten, der wiederkehrt, um ein Unrecht an einem Freund wiedergutzumachen, gerät die Handlung zunehmend aus dem Ruder und verlagert sich von der Cyberkriminalität zum neuen Schwerpunkt des Grundkonzepts von "96 Hours", zu "Mission Impossible"-Gruppen, die mit überwältigenden militärischen Waffen einen Krieg führen, der konkreter und realistischer ist als der von Hackern, die die Welt beobachten. Diese Eskalation in eine sperrige Tangente an der Spitze der politischen Nahrungskette scheint besser zu 'James Bond', 'John Wick' oder "The Equalizer" zu passen, aber zumindest bietet sie Stoff für einige herrlich sarkastische Kommentare und reichlich knallharte Todesszenen.

"The Beekeeper" ist simpel und weitsichtig, aber vor allem unterhaltsam, weil Jason Statham sich in Rollen wohlfühlt, in denen er Horden von Spezialkräften und ein paar missratene Handlanger exekutiert, und weil es eine klare Abgrenzung zwischen Gut und Böse gibt - hier gibt es keine Grautöne. Als Actionfilm bietet er nicht viel Einfallsreichtum, aber er macht eine schonungslose Darstellung des Potenzials für eine negative Entwicklung der Regierung in den USA - vielleicht die perfekte Warnung vor den bevorstehenden Präsidentschaftswahlen im November 2024 und wie ein System der gegenseitigen Kontrolle immer wichtiger wird, selbst wenn es nicht von einem übermenschlichen Rambo-esken einsamen Wolf als Problemlöser umgesetzt wird. "Niemand ist unantastbar."

In "Stung" von Regisseur Benni Diez schwirrt eine Honigbiene fröhlich durch die bunten Herbstbaumkronen von New York, als sie plötzlich von einem größeren, schwarzen Insekt - vermutlich einer Wespenart -, angegriffen wird. Auch die angenehme Orchestermusik wird durch morbide Klänge ersetzt. Schließlich kommt es bei dem Opferinsekt zu einer heftigen Mutation, die für alle in der Umgebung eine Katastrophe bedeutet.

Mit einer Vielzahl von Hintergrundcharakteren verspricht "Stung" reichlich Fraß für die späteren Monsterangriffe zu liefern. Und tatsächlich, kurz nachdem Bürgermeister Caruthers (Lance Henriksen) über leckere Hors d'oeuvres geplaudert hat, bricht die Hölle los: Ein riesiger Wespenschwarm bricht aus einem Loch im Boden hervor und stürzt sich auf die in Panik geratenen Gäste. Unvorhersehbarerweise sterben die wenigen Charaktere, die sprechen können, als erste, so dass die verbleibende Handvoll Überlebender lediglich die Hauptrollen spielen. Vielleicht ist das gar nicht so wichtig, wenn man bedenkt, dass die Smalltalk-Dialoge ein wenig verzweifelt und banal wirken. Wenn sie dazu verwendet werden, Lücken zwischen der Handlung zu füllen, klingen sie sogar noch deutlich blasser und uninspirierter.

Glücklicherweise gibt es neben der Gewalt, die mehr als nur Verstümmelung und Geschmacklosigkeit ist, auch eine Menge Komik. Blut spritzt an die Wände, menschliche Extremitäten werden zerrissen und Schleim wabert. Wespenstiche führen dazu, dass riesige, mutierte Kreaturen aus ihren Wirten ausbrechen, wobei hauptsächlich praktische Effekte zum Einsatz kommen, vor allem, wenn die monströsen Wesen geifernd umherkrabbeln und sich auf ihre Beute stürzen. Der Look ist spektakulär und erinnert an schlockige Slasher aus den 80er Jahren, die den heutigen CG-lastigen Pendants weit überlegen sind. Der Humor, der selbst in den blutigen Sequenzen durchsticht, sorgt für den richtigen Rahmen für die Spannung. "Stung" nimmt sich zu Recht nicht allzu ernst.

Auch die Beleuchtung und die Kulissen sind gut gelungen, so dass eine interessante Szenerie entsteht, in der die Menschen gegen die Launen der Natur kämpfen. Allerdings ist die Geschichte nicht sonderlich ausgefeilt, zu oft werden Flauten für weiteres Geschwafel oder wenig überzeugende Flirtereien genutzt, bevor der nächste spontane Angriff kommt. Das Finale verbessert sich jedoch beträchtlich, da der Ekelfaktor exponentiell ansteigt, mit Anleihen bei "Braindead" und den vielen Teenie-Slashern, die sich mit Bösewichten profilieren, die sich weigern, zu sterben.

"The Lobster" von Regisseur Yorgos Lanthimos beginnt mit einer Frau, die eine Landstraße entlang fährt, dann anhält und einem Esel in den Kopf schießt. Der Grund für diese Aktion ist bis zum Ende des Films völlig unbekannt, obwohl die an diesem Ereignis beteiligten Akteure nicht genannt werden. Die Kamera blickt durch die Windschutzscheibe, um das Attentat zu beobachten, wobei das Bild durch den Regen, der auf die Windschutzscheibe prasselt, und die ruckartigen Bewegungen der Scheibenwischerblätter, die die Sicht freigeben, verdeckt wird.

Diese unerklärliche Sonderbarkeit führt dazu, dass ein Mann, David (Colin Farrell), in ein Hotel eincheckt, wo er bis zu 45 Tage Zeit hat, eine weibliche Gefährtin zu finden. Wenn er versagt, wird er in ein Tier seiner Wahl verwandelt. Er beschließt, ein Hummer zu werden, weil sie 100 Jahre alt werden können und ihr Leben lang fortpflanzungsfähig bleiben, und weil er das Meer mag. An diesem ersten Tag ist einer seiner Arme an die Rückseite seines Gürtels gefesselt, als symbolische Erinnerung daran, wie viel besser das Leben mit zwei von etwas sein kann. Am zweiten Tag trifft sich David mit John (Ben Whishaw) und Robert (John C. Reilly), zwei anderen alleinstehenden Männern, die gerade herausfinden, wie alles im Hotel funktioniert, und die ihm mit Rat und Tat zur Seite stehen. Während einige Mitglieder einen geeigneten Partner finden und in eine größere Suite umziehen, um dort probeweise ein Eheleben zu führen - wenn Probleme auftauchen, können neue Paare ein Kind geschenkt bekommen, um Probleme zu glätten -, andere werden in den Verwandlungsraum geschickt, um in ein Tier verwandelt zu werden, was in der Regel als zweite Chance dient, einen Partner zu finden. Wieder andere wollen sich aus purer Hoffnungslosigkeit das Leben nehmen.

Fast sofort meldet sich eine monotone Erzählerin zu Wort und erwähnt grob kleine Details über David, wie zum Beispiel die Wahl seiner Schuhe, seine Absichten, seine aktuellen Gedanken und deutet sogar Dinge an, die er in Zukunft lernen wird. Die Notwendigkeit dieser allwissenden Stimme ist ziemlich fragwürdig, auch wenn sie eine Quelle großer Skurrilität ist, vor allem, wenn sie Trivialitäten kommentiert, wie eine Frau, die Butterkekse mag, oder bedeutende, aber beunruhigende Aspekte, wie die Verwendung eines Betäubungsgewehrs, das über Davids Bett hängt. Sie wiederholt auch Sätze, die die Charaktere gerade gesprochen haben, oder unterbricht sie teilweise, um den genauen Dialog zu erzählen, den sie gerade führen. Die überaus eigenartigen Kommentare sind urkomisch und erinnern an die schaurig-poetischen Werke des Animators Don Hertzfeldt.

Die Dialoge sind nicht das einzige Element, das unverschämt oder maßlos untertrieben wirkt. Die Bildsprache ist oft komplementär, mit sanften Klaviermelodien und einlullendem Gesang, die sich über eine wilde Jagd im Wald legen, zusammen mit nervösen und dann düsteren Geigen. Ein Mann, der lispelt, und eine Frau, deren Nase ständig blutet, werden durch Zeitlupenaufnahmen von Toastern in actionorientierten Momenten und beiläufiger Infamie gegenüber Kindern gequält. Es ist abwechselnd widerwärtig, betrüblich, morbide, humorvoll und außerordentlich beklemmend, oder alles auf einmal, als ob das Werk eine Verknüpfung der widersprüchlichsten thematischen Materialien wäre. "Das wäre doch absurd."

Und in vielerlei Hinsicht ist es das auch. "The Lobster" zielt darauf ab, die große Ironie der Suche nach und der Anerkennung von Liebe zu zeigen, die Vortäuschung einer Beziehung, die Folgen einer unangemessenen Romanze, die verschiedenen Komponenten der Unvereinbarkeit, gemischte Signale, die Irreführung der Gefühle und den Druck der gesellschaftlichen Normen, eine Partnerschaft zu führen, oder das Urteil derer, die den Erfolg an einer intimen Verbindung messen. Er beschreibt auch die Unwägbarkeiten der Liebe auf den ersten Blick oder das Phänomen, die Schönheit zu entdecken, wenn man sie am wenigsten erwartet, und die Opfer, die man für die wahre Leidenschaft bringt. Doch all diese Ideen sind mit einem Hauch von Irrsinn und akuter Apathie versehen, so dass viele kaum wiederzuerkennen sind. Sie ist verständlicherweise zwiespältig und verstörend, erschütternd und dramatisch und letztlich triumphal.

In seinen Parallelen zur dystopischen Zukunft von "1984" zeigt "The Lobster" eine gedankenpolizeiliche Äquivalenz mit seiner Ehepolizei, die öffentliche Plätze nach verdächtig erscheinenden Singles absucht. Es zeigt auch George Orwells Thema des Verbergens wahrer Gefühle, das sich in der Manipulation des Begattungsprozesses niederschlägt, indem Eigenarten vorgetäuscht werden, damit die Kompatibilität dem Schicksal gleicht. So kommt es zu einer Revolution zwischen den Einzelgängern, die sich in den Wald flüchten, und den scheinbar glücklichen Paaren in den Städten und auf den Yachten, die mit den speziell für sie entwickelten Bequemlichkeiten des Alltags bestückt sind.

Wie so oft in solchen Orwell'schen Albträumen herrscht trotz der Originalität dieser Inszenierung eine unerschütterliche Unruhe und Brutalität, die das gesamte parabolische Spektakel umgibt, als ob satirische Botschaften auf möglichst unkomfortable Weise vermittelt werden müssten. Am Ende bleiben der Humor und die Bilder stark, aber die Erzählweise wird abgründig, was selbst jene Betrachter beunruhigen könnte, die ein bitteres, unaufgeregtes Experiment in metaphorischer Ausweglosigkeit oder zeitgenössischer Liebe erwarten. Es regt zum Nachdenken an, aber die Geschichte leidet darunter.

In "The Killing of a Sacred Deer" von Regisseur Yorgos Lanthimos versucht der begabte Kardiologe Steven Murphy (Colin Farrell), den jungen Martin Lang (Barry Keoghan) nach den tragischen Folgen einer Operation zu trösten. Zunächst verbringt der Arzt nur wenig Zeit mit dem Jungen, doch schließlich versorgt er ihn mit Geld und trifft sich mehrmals pro Woche mit ihm zum Mittagessen. Als Steven Murphy ihn zum Abendessen zu sich nach Hause einlädt und den unbeholfenen Jungen seiner Frau Anna (Nicole Kidman) und seinen Kindern Kim (Raffey Cassidy) und Bob (Sunny Suljic) vorstellt, wird das Verhalten des Jungen immer merkwürdiger und obsessiver. Bald wird Steven Murphy mit einer schockierenden Enthüllung über Martin Langs Absichten konfrontiert und muss eine undenkbare Entscheidung treffen, die seine Familie für immer verändern wird.

Opernmusik und eine bildhafte Operation am offenen Herzen eröffnen "The Killing of a Sacred Deer", ein Film, der so simpel ist wie eine Adaption von 'Iphigenie' und den Folgen des Gottesspiels, oder so abstrus wie die Ängste der Elternschaft. Leider hat sich Yorgos Lanthimos nach seiner von der Kritik gefeierten Satire "The Lobster", die selbst vor allegorischen Darstellungen strotzte, auf eine neue Ebene der künstlerischen Unverständlichkeit begeben. Es gibt wenig über dieses Projekt, über das man mit Gewissheit sprechen kann. Der Betrachter wird diese filmische Distanzierung entweder faszinierend oder irritierend finden. Es ist unwahrscheinlich, dass ein Mittelweg gefunden wird.

Der erste und vielleicht größte Fehler ist, dass die Charaktere genau so sprechen und sich verhalten wie die Figuren in "The Lobster". Anstatt neue Regeln und Vorstellungen zu definieren, sind die Dialoge wieder trocken, unverblümt und seltsam abrupt, wobei die Akteure ihre innersten Gedanken äußern - Worte, die kein normaler Mensch in der realen Welt aussprechen würde. Die anfänglichen Sequenzen wechseln ihr Thema so hastig, als ob "The Killing of a Sacred Deer" nach jeder Szene zu einem völlig anderen Film mutieren würde. Die Vorliebe für ein Lederarmband gegenüber einem Metallarmband, die Präferenz für Apfelkuchen in einem bestimmten Restaurant und die Feinheiten des Schenkens sind Konzepte, die in getrennten Bildern zu existieren scheinen, obwohl sie in Sekundenschnelle diskutiert werden. Colin Farrell und die anderen Darsteller halten monotone, mimiklose Reden, ohne Nachdruck und Interesse. Es scheint, als spiele "The Killing of a Sacred Deer" im selben Universum wie "The Lobster", aber es gibt kein Bewusstsein für Futurismus oder eine dystopische Krise.

Gedreht wie ein Horrorfilm, mit einer Filmmusik, die den Betrachter dazu anleitet, mit der Zeit immer ängstlicher und wachsamer zu werden, ist "The Killing of a Sacred Deer" sowohl hysterisch unangenehm als auch unheimlich nervenzerreißend. Diese Menschen und ihre geheimnisvollen Handlungen haben etwas zutiefst Befremdliches an sich. Die omnipräsente Stranglosigkeit, die sich vor allem aus der sexuellen Anomalie ergibt, führt zu einem sehr langsamen Anstieg, wobei die Verstörung nicht aufhören will. Das Problem bei diesem Ansatz ist, dass er einen erheblichen Druck auf das Ergebnis ausübt. Die Narration kann die Eskalation des Grauens nicht einfach eindämmen, ohne dass sich etwas ändert. Wenn das Finale dann endlich erreicht ist, sollte es besser stark und augenöffnend sein. "Darf ich dich umarmen?"

Unvorhersehbarerweise wird das Ganze nur noch unerklärlicher. Es gibt viele Hinweise, wie beispielsweise einen Ausschnitt aus "Und täglich grüßt das Murmeltier", in dem Andie MacDowells Rita ausruft: "Du bist kein Gott!", während Steven Murphys stumpfsinniges Gebaren in kurze Momente rationaler Entscheidungsfindung übergeht, was angesichts seines Verhaltens zu Beginn eher inkongruent ist, aber die Geschichte vermeidet eindeutige Antworten. "Es ist eine Metapher! Es ist symbolisch!", schreit Martin Lang an einer Stelle, obwohl seine Botschaft keines der größeren Mysterien löst.

"The Killing of a Sacred Deer" ist hervorragend gefilmt und interessant anzusehen, aber die Geschichte ist ein Konglomerat von Handlungen und Bildern, die sich nicht zu einer kohärenten Vision zusammenfügen. Geht es um Religion oder Effizienz, Gerechtigkeit, Rache oder Chaos? Ist es die Comic-Version von "Sophies Entscheidung" und "Funny Games"? Oder ist es nur eine Übung in Absurdität? Obwohl Yorgos Lanthimos sicherlich bestrebt ist, zum Nachdenken anregende Debatten zu führen, haben der Zweck und die Bedeutung dieser abstrakten Darstellung wenig Gewicht, wenn die Figuren unsympathisch und gleichförmig sind. Der Ernst der Situation der Familie Murphy erzeugt Spannung, aber die Auflösung ist inhaltsleer, was größtenteils an einem Mangel an erkennbarem Sinn liegt. Wenn der Betrachter eine Lektion lernt, dann ist es die der Geduld.

"Der letzte Tempelritter" von Regisseur Dominic Sena zielt nicht sehr hoch, was ihm aber immerhin erlaubt, das zu erreichen, was er sich vorgenommen hat. Ein paar billige Schreckmomente, einige unblutige Schwertkämpfe, ein leicht fehlbesetzter Nicolas Cage und ein perfekt besetzter Ron Perlman halten die einfache Handlung in Gang, während die Schar von Hexen, Dämonen und deformierten Priestern den minimalen Thrill nicht behindert. Vielleicht weiß "Der letzte Tempelritter" nie so recht, welche Richtung er letztlich einschlagen wird, aber diese Ungewissheit bietet eine gewisse Unvorhersehbarkeit, die den Betrachter bis zu einem bestimmten Grad im Dunkeln lässt. Ist das Mädchen eine echte Hexe oder nur ein unschuldiges Kind? Sind die Priester böse Folterknechte oder weise Retter? Gibt es ein unterschwelliges Thema der Erlösung durch Opfer oder ein Plädoyer für faire Prozesse? Nee, wahrscheinlich nicht.

Lange ist es her, dass ein Schwert- und Zauberfilm erschien, der sich strikt an die mittelalterliche Epoche des 14. Jahrhunderts hielt, mit Themen wie Hexerei, Kreuzritter, die Kirche und den Teufel. Obwohl es sich bei "Der letzte Tempelritter" um einen übernatürlichen Film handelt, gibt es glücklicherweise keine Kraken, Gorgonen oder andere mythologische Kreaturen, die die allgemein glaubhafte Vorstellung von dämonischer Besessenheit beeinträchtigen. Leider wird der wenig gruselige, klug vorhersehbare erste Akt durch den üppigen Einsatz von Computergrafiken am Ende vergessen, und die Animationen sind nicht überzeugend.

Nicolas Cage, der sein durchschnittliches Ich in einer neuen Umgebung darstellt, ist nicht annähernd so authentisch wie sein Pendant Ron Perlman, der wie ein alternder Kriegsritter in Kombination mit Will Ferrell daherkommt. Die Sprache, die zwischen Altenglisch und zeitgenössischem Geschwätz hin und her wechselt, verrät ebenfalls den Schauplatz, trotz der Kostüme und der schaurigen Make-up-Effekte, die diese Illusion vervollständigen. Die willkürlichen Rückblenden zu Szenen, die nur 15 Minuten zuvor stattgefunden haben, sind geradezu impertinent, ebenso wie die randalierenden Dämonen und Wolfsmutanten, die völlig deplatziert wirken, aber die grundlegende epische Questgeschichte hat einen besonderen atmosphärischen Charme.

Zwar gelingt es "Der letzte Tempelritter" nur knapp, Spannung aufzubauen, aber die Integration von Schwertkämpfen um des Schwertkampfes willen, Starwettbewerben, Burgen, fleischfressenden Seuchenfolgen, Massengräbern, Duellen, wilden Tieren, tückischen Brücken, lichtlosen Wäldern, Geisterstädten, unheimlichen Nebeln und kochenden Mönchen sorgt für eine frequentierte Bildsprache. Bedauerlicherweise kann "Der letzte Tempelritter" nicht ganz an den Unterhaltungswert der 80er-Jahre-Schwert-und-Zauber-Filme oder der Schwert-und-Sandalen-B-Movies heranreichen. Und dies trotz der damaligen Palette an technologischen Fortschritten.

In "Crawl" von Regisseur Alexandre Aja trainiert Haley Keller (Kaya Scodelario) Leistungsschwimmen für die 'Gators' an der Universität von Florida in 'Gainesville' und kämpft um ihr Sportstipendium. Sie ist nicht die Beste im Team, aber sie ist entschlossen, und ihr Vater Dave (Barry Pepper) hat ihr beigebracht, weder der Konkurrenz noch den Trainern gegenüber mentale Schwächen zu zeigen. Als ihre Schwester Beth (Morfydd Clark) anruft und ihr mitteilt, dass ihr Vater unerreichbar zu sein scheint, bietet sie sich an, zu seinem Haus zu fahren, um nach ihm zu sehen. Doch Hurrikan 'Wendy' kündigt sich an, und die Evakuierungsbefehle entlang der Küste haben den Verkehr zum Erliegen gebracht.

Haley Keller ignoriert die Warnungen, sich von 'Brightrock' fernzuhalten, und macht sich auf den leeren, regennassen Straßen auf die Suche nach ihrem Vater. Als sie seine Wohnung erreicht, findet sie seinen Hund 'Sugar', aber ihr Vater ist nirgends zu finden. Anstatt an Ort und Stelle zu bleiben, beschließt sie, tiefer in den Sturm hineinzufahren, zu ihrem früheren Familienhaus, wo sie seinen Lastwagen entdeckt. Das ist doch sicher ein gutes Zeichen... "Das ist seltsam, es ist wie eine Geisterstadt."

Wären da nicht die Poster und die Filmtrailer, könnte "Crawl" jede Art von Thriller sein. Das laute, dunkle, gnadenlose Wetter verursacht Gänsehaut, und Daves Verschwinden ist ziemlich beklemmend. Es bleibt auch Zeit für die obligatorischen, nicht zusammenhängenden Jump-Scares, wie ein Baum, der durch ein Fenster kracht, oder Ratten, die plötzlich über den Boden huschen. Selbst wenn Haley Keller in den feuchten Souterrain hinabsteigt, ist das Potenzial für realistischen Horror offensichtlich. Doch statt eines Geheimnisses ist es ein Wartespiel, bis die Killerreptilien aufkreuzen, denn die Haupttäter sind bereits bekannt.

Schrecklich unnotwendige Rückblenden und Streitereien über eine gescheiterte Ehe füllen die kurze Laufzeit, während andere bekannte Hinhaltetaktiken auftauchen, darunter wenig hilfreiche Behörden, fehlende Ressourcen - oder bequemerweise fallen gelassene Werkzeuge -, klaustrophobische Orte, zufällige Opfer und eine schlechte Wahl des Schuhwerks. Glücklicherweise schwillt die spannungsgeladene Musik an den richtigen Stellen an, und die sehr begrenzte Besetzung wirkt sich positiv auf "Crawl" aus, vor allem wenn Dave sich als unnahbar, ernsthaft und verbissen - wenn auch fehlgeleitet -, unabhängig erweist. Das unterirdische Labyrinth ist dicht und die unheimlichen Unterwasseraufnahmen sind ebenfalls beeindruckend, die Stunts sind scharf ausgeführt, der steigende Wasserspiegel sorgt für zusätzliche Bedrohung, viele in letzter Minute erdachte Szenarien tragen zur Aggression bei, und Momente heftigen Blutvergießens helfen der Spannung. Langweilig wird es auf jeden Fall nie.

Erfreulich ist auch, dass die übergroßen Antagonisten einigermaßen realistische Gegner sind - schließlich handelt es sich nicht um Mutanten oder genetisch veränderte Exemplare. Allerdings sind ihr aggressives Verhalten und ihre verschlagenen Bewegungen, die oft aus dem Nichts geschehen oder aus der Dunkelheit heraus zuschlagen, ein wenig weit hergeholt - vielleicht hat der Klimawandel etwas damit zu tun. Sie sind, wie nicht anders zu erwarten, die Nemesis des Horrorfilms. Die computeranimierten Alligatoren sind jedoch größtenteils überzeugend, und die grafischen Angriffe sind durchaus ansprechend. Haley Keller und ihr Vater Dave sammeln auf fast schon komische Weise immer mehr Blessuren, während sie sich stöhnend und ächzend durch unmögliche Überlebensmanöver kämpfen. Der Kampf zwischen Mensch und Alligator ist ein großer Spaß. Hinzu kommt, dass moderne Killer-Tierfilme immer seltener geworden sind, so dass gute oder auch nur mittelmäßige Filme um so unterhaltsamer sind.

In "Lake Placid 2" von Regisseur David Flores sind fünf Menschen aus einem versifften See in 'Aroostook County', Maine, verschwunden, wo Umweltwissenschaftler der 'EPA' Proben für ihre Forschung sammeln. Tillman (Michael McCoy) wird das sechste Opfer, als er von einer unbekannten Kreatur gefressen wird. Sheriff James Riley (John Schneider) wird zu den Ermittlungen hinzugezogen, was ihm eine angenehme Ablenkung von seinem jugendlichen Sohn Scott (Chad Collins) verschafft, der keinen Respekt vor seinem Vater hat und aufgrund einer strittigen Sorgerechtsvereinbarung bei ihm leben muss.

Die Einheimischen vermuten, dass ein Serienmörder am Werk ist, aber der überlebende 'EPA'-Mann Frank Mills (Robert Blush) weiß, dass es sich um eine Art von Wassermonster handelt. Als Beweis hat er das abgetrennte Bein und den Arm seines Kollegen. Die Fish and Wildlife-Agentin Emma Warner (Sarah Lafleur) trifft ein, um bei dem Fall zu helfen, obwohl sie außer Statistiken wenig Fachwissen zu bieten hat: Die Wahrscheinlichkeit, dass ein Säugetier wie ein kranker Bär einen solchen Schaden anrichten kann, liegt bei einer Milliarde zu eins. Zum Glück kennt Sheriff James Riley eine verrückte alte Dame, Sadie Bickerman (Cloris Leachman), auf der anderen Seite des Sees, die er fragen kann, ob sie etwas über übergroße Krokodile in der Gegend weiß.

Es gibt kein Mysterium in "Lake Placid 2", da die Existenz des Vorgängers und der Trailer nicht davor zurückschreckt, den reptilienartigen Delinquenten zu offenbaren. Doch aufgrund des extrem niedrigen Budgets scheut "Lake Placid 2" selbst davor zurück, das Killerkrokodil zu zeigen, abgesehen von ein paar elenden CG-Aufnahmen, die von den Tiefen des Wassers verdeckt werden. Tatsächlich werden die meisten Angriffe nur mit Reaktionen oder aus der Sicht von Schaulustigen gezeigt, damit die Kreatur nicht mit ihren menschlichen Opfern interagieren muss. Plätscherndes Wasser und zitterndes Astwerk machen den Großteil der Konfrontationen aus. Als das Monster schließlich in Erscheinung tritt und mehr und mehr Zeit auf dem Bildschirm zubringt, könnte es nicht falscher aussehen. Ein computeranimierter Doppeldecker ist natürlich noch schrecklicher und völlig überflüssig.

Emma Warner will dem Biest nichts antun, zumal es das letzte seiner Spezies sein könnte. Aber dann ist da noch Struthers (Sam McMurray), gewissermaßen ein Verschnitt von 'Crocodile Dundee' oder das Äquivalent zu Quint aus "Der weisse Hai", der eine große Trophäe erbeuten will. Für die uninformierten Betrachter liest er auch interessante Fakten über Krokodile aus einem Buch vor, sagt Todesrollen voraus und erklärt, auf welche Weise ein Krokodil die perfekte Tötungsmaschine ist. Es gibt auch zahlreiche Nebenfiguren mit unterschiedlichen Absichten, aber sie dienen meist nur als Nahrung und für gratis Nacktaufnahmen, wie eine Gruppe von Partygästen, zu der ein Mädchen gehört, das mit Lotion eingerieben werden muss, und eine Reihe von solariumgebräunten Schönheiten, die oben ohne im Wasser planschen, nur damit der Betrachter sie oben ohne im Wasser planschen sieht. "Wir machen das auf humane Weise."

Die Geschichte ist außerordentlich generisch, aber sie ist nicht der negativste Teil von "Lake Placid 2". Diese Ehre gebührt den Dialogen, die so krakeelerisch sind, dass nicht einmal die desaströsen Schauspieler etwas damit anfangen können. John Schneider rezitiert seine Texte so, als ob er im Urlaub wäre oder nur üben würde, um die richtige Aussprache zu finden. Ihm ist es offensichtlich egal, was er eigentlich sagt, oder dass er zwischen den Zeilen Pausen einbauen muss, um einen dramatischen Effekt zu erzielen, während Sarah Lafleur sich praktisch durch mehrere Phrasen lacht. Die schauspielerische Leistung ist ziemlich schwergründig, aber die spezifische Ausdrucksweise könnte kaum bildungsresistenter sein. Zumindest bietet sie eine konstante Quelle für unfreiwilligen Humor.

In "Everything Everywhere All at Once" von den Regisseuren Dan Kwan und Daniel Scheitert muss Evelyn Wang (Michelle Yeoh, zurecht mit einem Oscar gewürdigt), die ein chinesisches Neujahrsfest vorbereitet, am selben Abend auch das Abendessen für ihren betagten Vater (James Hong) kochen, sich über die Freundin ihrer Tochter Joy (Stephanie Hsu) ärgern, deren Einführung ein Schock für das altmodische Empfinden der Familie sein wird, und den Papierkram für eine laufende Steuerprüfung ihres Waschsalons in 'Simi Valley' sortieren. Zu allem Überfluss will ihr Mann (Ke Huy Quan) ihr auch noch die Scheidungspapiere vorlegen. "Wir haben keine Zeit!"

An diesem hektischen Abend kommt es zu einer Reihe von elektronischen Defekten, die darauf hindeuten, dass etwas nicht in Ordnung ist. Mitten in Evelyn Wangs erschöpfender psychischer Belastung tauchen Gestalten aus alternativen Universen auf und drängen sie dazu, an einer verrückten Mission teilzunehmen, um die Welt oder zumindest ihren Verstand zu retten, während Alphaverse-Krieger aus dem Jahr 3657 versuchen, sie zu überreden, sie anzuhören. "Vertraue niemandem!"

Oberflächlich betrachtet geht es darum, ein unaufhaltsames Böses zu vereiteln, das unendlich viele alternative Realitäten korrumpiert, aber in "Everything Everywhere All at Once" geht es eigentlich um viel bodenständigere Konzepte, die von der Wiederherstellung einer zerrütteten Mutter-Tochter-Beziehung über das Verständnis von Lebensentscheidungen und die Wertschätzung der kleinen Dinge bis hin zur Umarmung der ärgerlichen Kleinheit und Unbedeutsamkeit des Einzelnen reichen. Darüber hinaus gibt es ergreifende Kommentare über Glück, Verwirrung, Potenzial, Angst, Vergeblichkeit und Selbstakzeptanz. Zweifelsohne verbirgt sich hinter der nicht enden wollenden Wahnwitzigkeit eine erhebliche Tragweite. "Der Bagel wird dir die wahre Natur der Dinge zeigen."

'Seltsam' beschreibt nicht einmal ansatzweise die visuelle Verrücktheit von "Everything Everywhere All at Once", der bald ein Ansturm von bizarren, lustigen, gewalttätigen, manchmal ekelerregenden Einfällen ist, die im Laufe des Films exponentiell irrer werden. In gewisser Form ähnelt die Handlung einer Marvel-Superheldengeschichte, aber sie ist weitaus unerwarteter, fantasievoller und verstörender. Brillant ist, dass die hochtrabenden Sci-Fi-Themen selten den High-Tech-Look moderner Spektakel annehmen, sondern sich in ganz gewöhnlichen Umgebungen voller durchschnittlicher Büroangestellter wiederfinden. Aus so wenig wird so viel gemacht, vor allem mit Sets und Requisiten und Dekorationen und den rasanten Schnitten zwischen bunt kostümierten Gegnern, unbeholfenen Verhaltensweisen, bizarren Animationen und disparaten Gegenstücken aus dem Multiversum. Mit Anleihen bei "The One", "Matrix", "12 Monkeys", "Zurück in die Zukunft", "Ratatouille", "Southland Tales", "Das fünfte Element" und "Time Bandits" und vielen anderen spekulativen Filmen, ohne dabei etwas von seiner Frische zu verlieren, ist dieses höchst originelle Werk voller überzeugendem erzählerischem Chaos. "Das ergibt keinen Sinn!"

So abgedreht "Everything Everywhere All at Once" auch ist, er ist auch unglaublich liebenswert und erkundet Entscheidungen, Wege, Verlockungen und Möglichkeiten mit einer sanften Zärtlichkeit. Es ist sowohl eine Liebesgeschichte, die zwischen mütterlicher Liebe, ehelicher Romantik und abstruser Sexualität wechselt, als auch ein Science-Fiction-Werk der Groteske. Oft ist es ebenso sympathisch wie lächerlich und verblüffend, sowie rührend wie absolut wild. Vieles davon funktioniert dank Michelle Yeoh, die neben ihren Martial-Arts-Fähigkeiten auch eine emotionale Echtheit besitzt, die in diesem Projekt zum Tragen kommt, da es sich fast zu sehr auf Kung-Fu-Schlägereien verlässt, was gelegentlich zu Lasten der gestörten Kreativität von Frischkäse, Kulleraugen und Waschbären geht, die allesamt einprägsam sind. Die Laufzeit erstreckt sich etwas in die Länge, vor allem weil die Geschichte in drei Teile aufgeteilt ist, aber die Wiederholungen und die unvorhersehbare Skurrilität langweilen nie. Es ist schwer, nicht von einem Film beeindruckt zu sein, der sich mit unerfüllten Hoffnungen und Träumen, der Verwirklichung einer sinnvollen Existenz und dem Sinn des Lebens an sich auseinandersetzt, während er sich dem absurden Wahnsinn hingibt, Sicherheitskräfte mit riesengroßen Dildos zu verprügeln oder die evolutionären Vorteile gummiartiger, knochenloser, hot-dog-ähnlicher Finger zu postulieren.

Am besten sieht man sich "Beware the Slenderman" von Regisseurin Irene Taylor Brodsky mit so wenig Vorwissen wie möglich an. Es ist zweifellos effektiver, wenn man nicht zu viel über den Prozess weiß, denn der Dokumentarfilm dreht sich um die Entscheidung, ob die zwölfjährigen Mädchen Morgan Geyser und Anissa Weier als Erwachsene vor Gericht gestellt werden. "Weil es notwendig war."

Irene Taylor Brodsky erforscht die Kindheit von Morgan Geyser und Annisa Weier sowie das Leben und die Ansichten ihrer Eltern. "Beware the Slenderman" nimmt keine Stellung zu ihren Erziehungsfähigkeiten, aber selbst der voreingenommenste Betrachter wird den Film mit einem Schimmer von Verständnis beenden. Es ist bedauerlich, dass die Eltern von Payton Leutner in dem Dokumentarfilm nicht vorkommen. Es ist zwar nur zu verständlich, dass sie nicht wollten, dass ihr Schmerz 18 Monate lang dokumentiert wird, aber es wäre wünschenswert gewesen, wenn "Beware the Slenderman" einen Hinweis darauf gegeben hätte, warum sie nicht in die Dokumentation aufgenommen wurden. "Sorg dafür, dass sie auf dem Boden liegt."

Mit fast zwei Stunden scheint "Beware the Slenderman" seine Laufzeit mit gewissen Exkursen aufzustocken, obwohl dies eine Folge der Ausstrahlung auf HBO sein könnte, das wahrscheinlich Laufzeitquoten hat, die eingehalten werden mussten. Man wünscht sich fast, "Beware the Slenderman" hätte etwas weniger Zeit darauf verwendet, über die Moral von Kindern zu debattieren, die iPads als Teil ihrer Schulausrüstung haben müssen, und mehr Zeit auf die Einflüsse des Internets und Phänomene wie 'Creepypastas' beleuchtet. Auch die Morgan Geyser und Annisa Weier gewidmete Fankunst wird kurz gezeigt, aber nie in den Mittelpunkt gestellt. "Muss ich jetzt im Gefängnis verrotten?"

Wer sich "Beware the Slenderman" ansieht, erwartet vielleicht einen Film, in dem es mehr um 'Slenderman' selbst geht, aber der Film ist ein wirklich erschreckender Blick auf die Auswirkungen, die das Internet auf die Jugend von heute haben kann. Am Ende wirft er mehr Fragen auf als er beantwortet, aber das ist verzeihlich. Kann man wirklich begreifen, warum diese beiden Mädchen so sehr an 'Slenderman' glauben, dass sie für ihn töten würden? "Beware the Slenderman" versucht, diese Frage zu beantworten, aber da die Geschichte zu diesem Zeitpunkt technisch unvollendet ist, gibt es keine konkreten Antworten. Das beeinträchtigt den Effekt von "Beware the Slenderman" nicht, sondern macht ihn sogar noch verstörender. Es ist schwer, den Film zu kommentieren, ohne auf die Spezifika des Falles einzugehen, also sage ich einfach: Schaut euch "Beware the Slenderman" an. Ihr werdet es nicht bereuen. "In der Welt der Erwachsenen vergessen wir oft, wie beschissen es ist, ein Kind zu sein."

In "Licorice Pizza" von Regisseur Paul Thomas Anderson drängt der 15-jährige Gary Valentine (Cooper Hoffman) die 25-jährige Alana Kane (Alana Haim), mit ihm essen zu gehen, aber sie tut ihr Bestes, um desinteressiert zu wirken. Dennoch bleibt er hartnäckig und ist sich sicher, dass Alana Kane das Mädchen ist, das er eines Tages heiraten wird. Für ihn ist es Liebe auf den ersten Blick. Mit seinen stets witzigen, charmanten und koketten Anmachen dauert es nicht lange, bis aus ihr mehr als nur eine gute Freundin wird. "Ich gehe auf kein Date mit dir, Kleiner."

"Licorice Pizza" spielt im San Fernando Valley in den frühen 70er Jahren und ist langsam oder vielleicht vorsichtig, um die Richtung festzulegen, in die es geht, aber er ist sofort überzeugend in seiner Charakterentwicklung. Gary Valentine und Alana Kane sind von Anfang an äußerst sympathisch und in ihrer absoluten Normalität ungewöhnlich filmisch. Ihre Darbietungen haben eine Anmut und Authentizität, die man in anderen Filmen nur selten zu sehen bekommt. Obwohl ihr Altersunterschied für manche problematisch sein könnte, vor allem, wenn die Geschlechter vertauscht wären, ist es eher eine Situation wie in der Mittelstufe, mit wenig Betonung der sexuellen Kompatibilität, die sich hier als unglaublich relevant erweist. Das Alter von Gary Valentine hätte auf 18 Jahre angehoben werden können, aber "Licorice Pizza" basiert auf mehreren realen Personen, was sicherlich der Grund für diese Entscheidung ist. Ihre Natürlichkeit wird gekonnt durch exzentrische Nebenrollen ergänzt, von denen einige bekannte Charakterdarsteller und ein paar überraschende, größere Persönlichkeiten sind. "Barbara Strei-Sand!"

Dieser intime, amüsante Film, der ein wenig an "Ich glaub ich steh im Wald" und "Almost Famous - Fast berühmt" erinnert, bewegt sich durch scheinbar zufällige Ereignisse im Leben dieser beiden Charaktere, während sie sich durch die Pubertät, aufkeimende Karrieren, Freundschaften, Familie und junge Liebe bewegen. In erster Linie erleben sie romantische Höhen und Tiefen, da ihr Alter und ihre geschäftlichen Unternehmungen dazu führen, dass sie sich zu unterschiedlichen Zeitpunkten verbinden und trennen. Der Fokus liegt eindeutig auf der Art und Weise, wie sie sich in Rivalität und Eifersucht verlieben und wieder entlieben, während sie skurrile Missgeschicke erleben, die manchmal extreme Zufälle beinhalten. Auffallend ist, dass er unschuldig und ansprechend ist und sich von den düsteren Elementen der sexuellen Entwicklung entfernt, die man in vielen trostlosen Coming-of-Age-Filmen sieht. Viele dieser heiteren Szenen befassen sich mit bemerkenswerten historischen oder politischen Ereignissen, die durch die lustigen und manchmal melancholischen Darstellungen von Gary Valentine und Alana Kane hervorgehoben werden, vielleicht vergleichbar mit denen von "Forrest Gump".

Während die beiden Hauptdarsteller, obwohl sie im Rahmen dieses altmodischen, aber hier wunderbar funktionierenden Konzepts eindeutig zueinander passen, darum ringen, zueinander zu finden, lässt Paul Thomas Anderson eine enorme Menge an authentischem, harmonischem Humor einfließen. Die Dialoge sind geradezu äsopisch und zeigen immer ein Gefühl von Ehrlichkeit und Sanftmut. Trotz des geringen Umfangs und des autobiografischen Inhalts des Films, der in der Tat lose auf einer realen Person - Gary Goetzman - basiert, ist "Licorice Pizza" eine enorm unterhaltsame, berührende Reise mit ungebrochener Wohlfühl-Atmosphäre.

"Lake Placid - Der Schrecken aus der Tiefe" von Regisseur Steve Miner beginnt wie jeder gute Killer-Tierfilm: Einem Taucher in 'Aroostook County', Maine, wird die untere Hälfte seines Körpers von einem zahnreichen Seemonster abgebissen. Die örtliche Fischereibehörde, angeführt von Jack Wells (Bill Pullman), vermutet, dass es sich um einen Bären handelt. Sheriff Hank Keough (Brendan Gleeson) weiß nur, dass er einen Freund verloren hat. Die New Yorker Paläontologin Kelly Scott (Bridget Fonda) reist als Beraterin in das ländliche, hinterwäldlerische Sumpfgebiet von Neuengland, obwohl sie eindeutig kein Naturmensch ist. Kelly Scott ist nicht gerade begeistert von dem Zeltleben und den vielen Moskitos, aber sie braucht eine Auszeit von ihrem Freund und Chef, der sie mit ihrer Kollegin und Freundin Myra (Mariska Hargitay) betrügt.

Zur gleichen Zeit fliegt der reiche, exzentrische Mythologieprofessor, Krokodiljäger und Fallensteller Hector Cyr (Oliver Platt) mit einem privaten Hubschrauber ein, um bei der Jagd auf ein vermeintliches Riesenkrokodil zu helfen. Seine Präsenz sorgt für kostspielige Ausrüstung und mangelnden Respekt. Zu ihnen gesellt sich die flirtfreudige Polizistin Sharon Gare (Meredith Salenger), eine der wenigen Beteiligten, die als Hintergrundfigur, die mit der feindseligen Situation fertig werden muss, echt wirkt. Während das Team in den trüben Gewässern nach Spuren der Kreatur sucht, kommen sich Kelly Scott und Jack Wells immer näher, die Zahl der Leichen steigt, und als sich das gigantische Krokodil schließlich zu erkennen gibt, indem es einen aggressiven Bären in den See zerrt, schmiedet die Gruppe ernsthafte Pläne, um die mörderische Bestie zur Strecke zu bringen.

Alle Charaktere sind schräg, witzig, sarkastisch und eigenwillig, und das Drehbuch ist so raffiniert geschrieben, dass es gut zu einem Film über menschenfressende Reptilien passt. "Lake Placid - Der Schrecken aus der Tiefe" versucht nicht, seinen komödiantischen Kern zu verbergen, die Absurdität des zentralen Konzepts und den humorvollen Umgang der Figuren mit Tod und Zerstörung. Es ist Horror und Komödie zu gleichen Teilen. Bridget Fonda murrt, nörgelt und schreit unaufhörlich, Oliver Platt und Brendan Gleeson streiten, Betty White flucht und Bill Pullman bleibt auf seine übliche, wenig enthusiastische Art cool. Brendan Gleeson ist ein Stück weit zu gut, um überhaupt mitzuspielen, ebenso wie Mariska Hargitay. Vielleicht hätte sich sogar Betty White nicht in dieses Projekt einmischen sollen, aber diese interessanten Nebendarsteller tragen sicherlich zum Unterhaltungswert bei. "Ich hoffe, das Krokodil gewinnt!"

Steve Miner bietet die in Horrorfilmen üblichen Jump-Scares, Gore und spannungsgeladene Attacken, die auch mit Humor gewürzt sind, da ständig Menschen ins Wasser fallen, um den übergroßen Unhold zu ködern. Was die visuellen Effekte angeht, so sind Stan Winstons Kreaturendesigns immer faszinierend, und der schuppige Antagonist von "Lake Placid - Der Schrecken aus der Tiefe" ist da keine Ausnahme. Die Computergrafiken sind anständig, da sie sparsam eingesetzt werden, aber es ist das riesige animatronische Ungetüm, das wirklich beeindruckend aussieht. Wie eine Mischung aus dem Hai aus "Der weisse Hai" und dem T-Rex aus "Jurassic Park" hat die schleimige, gummiartige Attrappe einige überraschend unterhaltende Momente, von denen der Unterwasserangriff auf Bridget Fonda und der Angriff auf den Helikopter aus der Luft die besten sind. Auch das Finale ist nicht zu verschmähen, auch wenn "Lake Placid - Der Schrecken aus der Tiefe" mit einer auffallend kurzen Laufzeit etwas zu zügig voranschreitet.

In "Ambulance" von Regisseur Michael Bay flackert und blitzt das Sonnenlicht über die Gesichter und die Szenerie oder verdeckt sie ganz, und die Kameraführung ist sofort überfordert und überdramatisch. Dies wird durch die exzessiven Kamerabewegungen noch verschärft, die zwar in einer einleitenden Unfallszene nützlich sind, um den Thrill und die Hysterie der Arbeit der Rettungssanitäter zu demonstrieren, an anderer Stelle aber schnell penetrant und irritierend wirken. Von extremen Nahaufnahmen über dröhnende Musik und Soundeffekte bis hin zu Rückblenden in Zeitlupe - alles scheint in einer hyperintensiven Existenz präsentiert zu werden. Keine Handlung, und sei sie noch so belanglos, kann sich dem manipulierten, intensivierten Eindruck von Unmittelbarkeit entziehen.

In vielerlei Hinsicht ist es so, als wolle Michael Bay nicht, dass der Betrachter die komplizierten Ereignisse, die er inszeniert, einfach nur beobachtet. Sie sind vollständig durchdacht und ausgeführt, vor allem bei den Actionsequenzen, aber die Kamera kommt nie lange genug zur Ruhe, um die Spannung einzufangen. Stattdessen werden die Verfolgungsjagden und Schießereien durch ständige Schnitte und kreisende Bewegungen zerstückelt und verdunkelt, und selbst gewöhnliche Gespräche bleiben von der zirkulierenden Kameraführung nicht verschont. Bei den Stunts ist das wirklich bedauerlich, denn es werden viele Autos zerstört und mit Kugeln durchlöcherte Körper herumgeschleudert. Einmal mehr hofft Michael Bay, einen Orden für die rücksichtsloseste Missachtung von Fahrzeugen und Gütern zu gewinnen. Das Aufkommen der Drohnenfotografie hat den Filmemachern seltsamerweise die Mittel an die Hand gegeben, um zuvor unvorstellbare, aufwändige Aufnahmen zu machen, was ein großer Vorteil für alle ist - außer für Michael Bay, der dieses Potenzial bis zum Überdruss an visuellen Ausfransungen missbraucht.

Der Plot beginnt zwar mit generischen Konzepten, die "Speed" mit "Gefährliche Brandung" und "Heat" und einer Dosis Jason-Statham-Filmen sowie einer Unmenge dieser 'One-Last-Heist'-Storylines kombinieren, schafft es aber, sich zu etwas Komplexerem als erwartet zu entwickeln - die Entführung eines Krankenwagens kommt so spät, dass sie ohne die Filmtrailer, die Werbung und den Filmtitel eine Überraschung gewesen wäre. Dazu gehören eine Reihe moderat unterhaltender moderner Instrumente, die den Strafverfolgungsbehörden für die Verfolgung und Festnahme von Gaunern zur Verfügung stehen. Leider ist "Ambulance" immer noch voller bornierter Eingebungen, von einem abgewürgten Truck über schwächelnde Batterien bis hin zu einem Polizisten, der sich in letzter Minute einmischt, und einer betagten Dame in einem Aufzug. Die zahlreichen kurzen Zwischenfälle, die den Banküberfall und die anschließende Flucht des Krankenwagens stören, sind bestenfalls aberwitzig, zumal sie von unsäglich pathetischen Dialogen umgeben sind, die oft von fürchterlich degoutanten Nebenfiguren dargeboten werden, von denen es eindeutig zu viele gibt. Es ist geradezu paradox, wie viele Fremde hier herumlaufen, und "Ambulance" fügt in jeder zweiten Szene weitere hinzu, die jeweils eine Dialogzeile, aber keine signifikante Definition aufweisen. Da sie nicht notwendig waren, ist ihr Mangel an Resultaten ebenso trivial, wenn auch auf merkwürdige Art naheliegend. "Ich habe die bestmöglichen Leute dafür."

Am Ende ist es wirklich abominabel, wie sehr sich die Filmschaffenden abmühen, "Ambulance" spannungsreich, kantig oder gar unerwartet zu inzenieren. Je länger "Ambulance" dahinplätschert und sich weigert, die langwierige Hetzjagd zu beenden, desto dämlicher und weniger glaubwürdig wird er. Das heiß ersehnte Finale ist etwas ganz anderes, eskaliert die Spannungen auf ein explosives und tödliches Niveau, aber die Nachwehen kehren zurück in die Unbedeutsamkeit des Charakter-Overkills und Michael Bays disziplinloser Neigung zum lähmenden Over-the-Top-Drama. "Weiß deine Frau, dass du Banken ausraubst?"

In "Aquaman: Lost Kingdom" von Regisseur James Wan beginnen die Logos von Warner Bros. und DC mit wässrigen Effekten und fischartigen Lebewesen, aber die Aura wird sofort zerstört, als 'Aquaman' (Jason Momoa) auf einem riesigen Seepferdchen ins Bild reitet, um gegen Piraten zu kämpfen, die ein Schiff entführen. Der unvermeidliche Konflikt, bei dem die Bösewichte wie Putzlappen durch den Dreck geworfen werden, wohingegen der Halbgott sich in Pose wirft und einen goldenen Dreizack schwenkt, ist außerordentlich phrasenhaft, auch wenn er durch humorvolle Schnitte in 'Aquamans' Familienleben aufgehellt wird, die den Betrachter die allgemeine Dämlichkeit seiner Doppelexistenz erkennen lassen sollen. 'Superman' und 'Batman' existieren zwar noch, aber ihre Gattung passt einfach nicht in die Unterwasserwelt von Atlantis, wo alle Arten von Fisch-Mensch-Hybriden in komplexen, florierenden Gesellschaften leben. "Gott sei Dank für die globale Erwärmung!"

Der Anfang ist rasch erledigt, denn es gibt jede Menge Action oder zumindest Dynamik, unterstützt von Soundeffekten und Musik und einem Bilderchaos, das den Bildschirm überschwemmt. Die bestechenden Schauplätze sind höhlenartig und fantasievoll gestaltet, und die unzähligen Monster wecken kurzzeitig das Interesse, aber es dauert nicht lange, bis die monotone Atmosphäre der Geschichte den effektiven Unterhaltungswert zu zerstören beginnt. Die Antagonisten finden willkürlich genau das, was sie brauchen, um Kräfte zu erlangen, mit denen sie 'Aquaman' bekämpfen können, wie ein unsubtiles Kryptonit-Gegenstück, als ob niemand eine Verteidigung gegen ein solches Gerät vorbereitet hätte, trotz all der vermeintlich fortschrittlichen Laserblaster, die von gewöhnlichen Soldaten benutzt werden. Selbst die Ausführungen zu den tatsächlichen Folgen der Oberflächenbewohner für die Ozeane, wie die Erhöhung des Säuregehalts des Wassers und die Schaffung von Milieus, die giftige Algenblüten begünstigen, sind nicht sehr ergiebig, da sie eindeutig durch spontan erdachten Nonsens ergänzt werden. Ein flüchtiger Brennstoff namens 'Orichalcum', alle Arten von altertümlicher außerirdischer Technologie und Sagen von schwarzen Zaubern, die mit Blut gesprochen werden, um Werkzeuge des Bösen zu schaffen, sind zu geläufig und zu bequem. Anstatt die Vielfalt der Unterwasserwelten in ihrer Kreativität zu steigern, werden sie durch diese oberflächlichen Darlegungen und konstruierten Waffen nur noch weiter reduziert.

Ein weiterer Nachteil ist die Überfülle an CG-Aufnahmen. Praktisch alle Szenen mit computeranimierten humanoiden Figuren sind nicht überzeugend. Physikalische und realitätsnahe Verhaltensweisen werden dabei völlig außer Acht gelassen. Duelle, in denen die Bösewichte auf Zeit spielen, sich aufplustern und Witze reißen, um den Helden genau die Zeit zu geben, die sie brauchen, um zu fliehen oder zuzuschlagen, werden noch dümmer, während die allgemeine Unverwundbarkeit, die alle, auch die mickrigen Menschen, an den Tag legen, jedes Verständnis von Dringlichkeit oder Verletzlichkeit dämpft. Die ausgefeilte Optik kann nicht über eine völlig verfahrene Handlung hinwegtrösten, die durch farblose Protagonisten - 'Aquaman' ist im Grunde ein muskelbepackter Idiot - und wutentbrannte Antagonisten, die weniger von dem Empfinden getrieben werden, Unrecht erlitten zu haben, als von einer übernatürlichen Besessenheit durch einen dämonischen Geist, noch weiter abgeschwächt wird.

Schließlich sind Sprengungen und Vernichtung nichts Neues, und ausgiebige Scharmützel zwischen Armeen von Mer-Menschen werden schnell nervig, vor allem wenn die Charaktere zu dumpf sind, um Interesse oder Sympathie zu wecken. Das Ganze ist so quälend schablonenhaft, voraussehbar und einfallslos, dass es sich anfühlt wie ein "Fast and Furious"-Film unter Wasser. Eine Infiltrations- und Spionagekrake dient als Witzfigur, liefert aber nahezu nichts. Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II) vergisst nicht weniger als dreimal, die Tür zu seinem Arbeitsraum abzuschließen, so dass ein nervöser Wissenschaftler seine Machenschaften mitbekommt. Es ist nicht immer erkennbar, wie sehr Meras (Amber Heard) Rolle reduziert wurde, da 'Aquaman' und Orm (Patrick Wilson) den Großteil ihrer Spielzeit in einer schmalzigen Romanze mit fadenscheinigen Dialogen verbringen, und die Irrelevanz dieser gesamten Episode, die beginnt und endet, ohne etwas zu ändern, nagt an jedem Malheur. Ein unerträglich derivativer Abschiedsgruß bestätigt das Gefühl, dass DC alles, was sie bisher in ihrem expandierten Universum aufgebaut haben, aufgibt und feststellt, dass ihre Handlungsstränge im Sande verlaufen, anstatt sich zu einem filmübergreifenden Mash-up auf dem Niveau von "Avengers 3: Infinity War" zu entwickeln.

"Aquaman" von Regisseur James Wan beginnt mit einem Jules-Verne-Zitat, was für diese epische nautische Fantasie eine Zumutung darstellt. Dies mündet jedoch in eine Reihe furchtbar pauschaler, philosophisch klingender Aussagen wie "Das Leben, wie das Meer, bringt die Menschen zusammen." Wenige Augenblicke später, als die Königin von Atlantis vorgestellt wird, steigert sich die Blödheit. Es ist ganz eindeutig, dass "Aquaman" nicht daran interessiert ist, den Betrachter behutsam in seine märchenhafte Welt einzuführen. Stattdessen wird davon ausgegangen, dass jeder automatisch für eine Kollektion äußerst fader Mythen zu haben ist. Es wird nicht einmal der Eindruck von Realismus oder Aufrichtigkeit erweckt.

Tom Curry (Temuera Morrison) scheint sich von Anfang an nicht um die mysteriöse Anwesenheit von Atlanna (Nicole Kidman) zu scheren. Solange er mit ihr koitieren kann, ist es egal, ob sie von einem verborgenen Königreich unter dem Meer schwafelt. Doch sobald 'Aquamans' (Jason Momoa) Herkunft bekannt ist, geht die Action los. Bei dieser Art von formelhaften Unterfangen ist es ratsam, die Exposition mit einem Ausbruch von Gewalt zu unterbrechen. Lustigerweise und ganz zufällig wird diese Technik immer wieder angewendet. Die Charaktere sprechen leise, um dann von einer plötzlichen Explosion gestört zu werden. Dies geschieht so oft, dass es fast schon irre erscheint.

Vielleicht ist das auch gut so, denn die Entwicklung der Figuren ist so simpel, dass die spontane Zerstörung das Einzige ist, was den Betrachter aus seiner hypnotischen Fassungslosigkeit herausreißen könnte. Die Antagonisten nehmen bedrohlich ihre Helme ab, und im Hintergrund erklingen tiefe Basstöne, die ihre Bösartigkeit signalisieren. Oder sie exekutieren einen beliebigen Statisten, nur um zu zeigen, dass sie die Schurken sind. Der schlimmste Übeltäter ist Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II), ein Fiesling, der so absurd gestaltet ist, dass er wie eine unhandliche, instabile Puppe aussieht, die immer kurz vor dem Umkippen steht. "Du hast unschuldige Menschen getötet. Du bittest das Meer um Gnade."

Da nützt es auch nichts, dass die Helden von "Aquaman" alle unbesiegbar sind, was bedeutet, dass sie nicht nur immun gegen echte Gefahren sind, sondern auch keinerlei Empathie zeigen. Ein herkulischer Jason Momoa ohne Hemd, der immer wieder eine plakatwürdige Pose einnimmt, ist einfach kein wirksames Mittel, um emotionale Anteilnahme zu erzeugen. Und das ständige Posieren fast aller Hauptfiguren unterstreicht die erbärmliche Physik einer überwiegend mit CG gerenderten Welt, die durch antiklimatische Zeitlupen an den falschen Stellen noch deutlicher wird.

Doch zum Glück sind einige der Kreaturendesigns und -ideen mäßig unterhaltend, darunter Seepferdchen-Drachen, Alligatormonster und Haifischrückenreiten. Darüber hinaus besticht das Königreich der 'Brine' allein schon durch die Widernatur seines Namens, der eher zu einer Zivilisation von Seegurken oder einer in Salz eingelegten Bestie zu passen scheint. Doch jedes Mal bewirken die aufwändigen visuellen Effekte ein kleines Wunder: "Aquaman" erinnert nicht nur wiederholt an "Die kleine Meerjungfrau", von Meras (Amber Heard) Ariel-ähnlichem Styling über einen Oktopus-Trommler bis hin zu einem Ursula-Gegenstück und dem Kampf mit dem Dreizack, sondern klaut auch großzügig bei "Kampf der Titanen", "Abyss", "Pacific Rim" und anderen Produktionen. "Du wirst zum Ozeanmeister geweiht!"

Mit Rückblenden, Detonationen, Kampfsequenzen, farbenfrohen Kostümen - ein Quallenkleid ist eines der groteskesten -, Spezialeffekten, crescendierenden Opernsängern in der Tiefe, teuflischen Fratzen, ernsten Gesichtsausdrücken und augenfälligen Seitenblicken verwandelt sich die Geschichte schließlich in eine Art "Das Vermächtnis der Tempelritter" oder "The Da Vinci Code - Sakrileg", mit weltumspannenden Quests, die auf alten Aufzeichnungen, Schatzkarten und oft erzählten Legenden basieren. An diesem Punkt kommt es einem so vor, als sei "Aquaman" von 24 unterschiedlichen Autoren geschrieben worden, oder vielleicht von einem Dutzend Co-Regisseuren. Der Sound und das Drehbuch sind so unmethodisch, dass es den Anschein erweckt, als sei jede Szene während der Dreharbeiten verfasst worden. "Beschwörst du den Kampf der Könige?"

Eine bedeutungslose Schlacht nach der anderen überfordert die Sinne, bis selbst die Actionsequenzen langweilig wirken. Und mit solch unilateralen Charakteren haben keine der Abenteuer, Verwüstungen, Romanzen oder Risiken irgendeine Relevanz. Wenn Mera an einer Stelle sagt: "Es ist eine lange Geschichte, ich erzähle sie dir später", werden sich die Betrachter erträumen, dass dies auch für den gesamten Film zuträfe.

In "The Railway Children Return" von Regisseur Morgan Matthews bedroht fünf Jahre nach Beginn des Zweiten Weltkriegs eine neue Welle deutscher Bombenangriffe die britischen Städte und zwingt die Eltern zu der schwierigen Entscheidung, ihre Kinder zu evakuieren. Im Jahr 1944 werden drei dieser Jugendlichen (Beau Gadsdon, Eden Hamilton & Zac Cudby) in einen Zug aufs Land nach 'Salford' gesetzt, wo der Baumreichtum, die saubere Luft und eine lange Reise ohne Toilette eine völlig neue Erfahrung sind. Obwohl sie von ihrer unmittelbaren Familie getrennt sind, bietet dieser Übergang die Gelegenheit für eine Art Abenteuer, insbesondere in dem ländlichen Dorf 'Oakworth', wo die Aufsicht nicht sehr streng ist.

Trotz der etwas überdramatischen Musik zu Beginn, die den Betrachtern Tränen in die Augen treiben soll, wenn Mütter ihre verzweifelten Kinder in die Züge schieben, geht "The Railway Children Return" bald zu vernünftigeren, leichteren Abläufen über, die das jüngere Publikum mit lustigen Kapriolen ansprechen, die vom Ausrutschen im Schlamm bis zum Eiersammeln, Kämpfen mit Mehl und Teig, Kastanienwerfen und Verstecken spielen reichen. Die Heiterkeit wird gelegentlich durch Nachrichten über Verluste an der Kriegsfront oder eine kurze Sorge über deutsche Spione in den Gleisanlagen unterbrochen. "Das ist unsere Mission", rufen die Kinder und bewaffnen sich mit Rohren, Kolben und Schaufeln, um einen Landstreicher zu überfallen. Doch erwachsenere Betrachtungen werden oft zugunsten größerer Missgeschicke vernachlässigt.

Es finden sich viele Referenzen an die ursprüngliche Geschichte, zumal diese aktualisierte Version die meisten Abläufe in der Art eines Remakes widerspiegelt. Zudem handelt es sich eindeutig um eine Fortsetzung, da Jenny Agutter, inzwischen Großmutter, ihre Rolle aus dem Film von 1970 (Jeden morgen hält derselbe Zug) wieder aufnimmt, wobei der Epochenwechsel nur wenige große Unterschiede mit sich bringt. Im Kern handelt es sich wieder einmal um eine familienfreundliche Story, die sich nicht nur an ein junges Zielpublikum richtet, sondern auch an Fans des Originalmaterials und seiner Verfilmungen. Die wahren Schrecken des Krieges und die Rassenspannungen der damaligen Zeit werden anfangs etwas vernachlässigt, damit neugierige Kinder unter dem Deckmantel geheimer Missionen für die Armee und mit einem Spielberg'schen Misstrauen gegenüber der Einmischung von Erwachsenen jugendliche Aufgaben übernehmen können. Selbst die kleinen Rätsel, wie das Auftauchen des amerikanischen Soldaten Abe (Kenneth Aikens), sind leicht zu erraten, obwohl diese Nebenhandlung auf unerwartete Weise auf den systemischen Rassismus verweist, der auch den Grad der Zusammenarbeit und Koordination zwischen dem amerikanischen Militär und seinen fragwürdigen Justizbehörden berührt. Doch selbst wenn sich "The Railway Children Return" länger mit schwereren Themen beschäftigt, sind die Antworten oft uncharakteristisch flauschig. "Ich will nach Hause."

Auf der technischen Seite ist "The Railway Children Return" dank des größeren Budgets und des Zugangs zu zeitgemäßer Ausrüstung und Requisiten visuell akzeptabel, mit anständigen Schauspielern (John Bradley und Tom Courtenay sind zwei der erwähnenswerten Nebendarsteller), Kinematographie und Kulissengestaltung. Doch der Fortgang der Handlung, die hauptsächlich aus unnötigen Rückblenden und ein paar sich wiederholenden Aufnahmen besteht, die die markanten Schlussmomente des Lionel-Jeffries-Films auf ein Minimum reduzieren, ist nicht sonderlich spannend, und der altbekannte Ansatz für ein Kinderabenteuer ist alles andere als innovativ. Dennoch ist der Auftakt zum Finale, in dem sich die Eisenbahnkinder zu einem gemeinsamen Befreiungsschlag zusammentun müssen, recht vergnüglich, auch wenn die Auflösung wieder einmal viel zu banal und konstruiert ist.

"Office Christmas Party" von den Regisseuren Josh Gordon und Will Speck besteht nur aus der Prämisse, aber nicht aus der Konklusion. Das Konzept einer festlichen Extravaganz ist keine inkompetente Grundlage für eine Ensemble-Komödie, aber das Projekt vergisst, dass ein solch einfaches Setup weit mehr Substanz braucht, um einen Spielfilm zu komponieren. Der Aufbau des titelgebenden Ereignisses bietet viel Momentum, verfliegt aber kurz nach dem anfänglichen Chaos und lässt viel Potenzial ungenutzt. Nichts übertrifft die Vorfreude auf die Gräueltaten, die sich auf der rapide eskalierenden Feier ereignen könnten, ein Makel, der durch die unsubtile Vorahnung von "Office Christmas Party" selbst noch verstärkt wird.

Am Tag ihrer bescheidenen jährlichen Betriebsfeier erhalten die Mitarbeiter des Datenspeicherunternehmens 'Zenotek' eine Hiobsbotschaft. Die resolute Interimschefin Carol Vanstone (Jennifer Aniston) will die Filiale, die von ihrem hohlköpfigen Bruder Clay (T.J. Miller) geleitet wird, zwingen, vierzig Prozent des Personals abzubauen. Auf der Suche nach einer Alternative schmieden Clay und seine beiden vertrauenswürdigen technischen Mitarbeiter, Josh (Jason Bateman) und Tracey (Olivia Munn), einen Plan, um einen 14-Millionen-Dollar-Vertrag mit 'Data City' zu gewinnen, indem sie dessen Chef, Walter Davis (Courtney B. Vance), umgarnen. Das Trio ist fest entschlossen, die größte und wildeste Weihnachtsparty aller Zeiten zu veranstalten, um den Geschäftsmann zu beeindrucken, und macht sich daran, Lichterketten, eine Krippe und Unmengen von Alkohol zu besorgen, was die Soiree schnell in eine Orgie aus Sex, Drogen, Eierlikörschlachten und Christbaumwettkämpfen verwandelt.

Die zufälligen Konversationen in "Office Christmas Party" bieten den größten komödiantischen Wert. Die Sprachfehler eines geistesgestörten Managers, ein geradliniger Firmenchef, der einen ungezogenen Jungen schikaniert, und die Schimpftiraden eines Uber-Fahrers über altmodische Namen sorgen für ehrliche Lacher, die weit über den gewieftesten Ekel-Gag hinausgehen. Keine der zahlreichen Szenen mit visuellen Vulgaritäten oder geschmacklosen Dialogen kommt der Gesamtwirkung der Komödie zugute. Die besten Momente von "Office Christmas Party" sind unerwartete Bemerkungen und skurrile Erkenntnisse über alltägliche Situationen, nicht wenn die Charaktere ihre Hosen verlieren oder in der Öffentlichkeit Urin ablassen. Es ist, als gäbe es eine Quote für derbe Formulierungen und primitive Freikörperkultur, die erfüllt werden muss, anstatt die Obszönitäten organisch in die jeweiligen Situationen zu integrieren.

Zwar büßt "Office Christmas Party" in der zweiten Hälfte überraschend schnell an Dynamik ein, doch im Großen und Ganzen gelingt es den diversen Comedians, ihre charakteristischen Einlagen zum Besten zu geben. T.J. Miller liefert die Absurditäten, für die er in seinen Rollen in "Silicon Valley" und "Deadpool" bekannt wurde. Jennifer Aniston behält den ernsthaften Charakter ihrer Rolle in "Kill the Boss" bei, und Kate McKinnon weicht nur unwesentlich von den eigenbrötlerischen Exzentrizitäten ab, die sie in "Ghostbusters" zeigte. Sie sind alle gut in ihren entsprechenden humoristischen Personas, aber es ist sowohl vorhersehbar als auch nicht ohne Enttäuschungen, auf Nummer sicher zu gehen. Es wäre wohl unfair, von jedem Beteiligten zu erwarten, dass er aus seiner Komfortzone heraustritt, doch ohne jegliche Abweichung von der Norm kommt die ganze Veranstaltung nie über eine Handvoll witziger Pointen hinaus.

In "The Hours - Von Ewigkeit zu Ewigkeit" von Regisseur Stephen Daldry erkennt Virginia Woolf (Nicole Kidman) 1941 in Sussex, England, dass sie nicht mehr weitermachen kann. Die Stimmen in ihrem Kopf sind erdrückend, und sie will das Leben ihres Mannes nicht noch weiter zerstören. Also füllt sie ihr Gewand mit Steinen und watet in einen Bach hinaus. "Ich bin mir sicher, dass ich wieder verrückt werde."

An einer Stelle springt "The Hours - Von Ewigkeit zu Ewigkeit" in der Zeit zurück nach Richmond, England im Jahr 1923, wo Leonard Woolf (Stephen Dillane) sich Sorgen um seine kränkliche Virginia macht, deren Appetit minimal ist und deren Kopfschmerzen immer wieder auftreten und sie am Schreiben hindern. Das Hin- und Herwechseln zwischen den Epochen ist anfangs etwas mühsam, obwohl es die Schauplätze, Requisiten und Handlungen der verschiedenen Jahrzehnte schön nebeneinander stellt. Eine weitere Verbindung zwischen den Geschichten ist der Roman 'Mrs. Dalloway' und das durchgängige Thema des Aufbaus von Fassaden, um die darunter liegenden Schwachstellen zu verbergen.

Darüber hinaus behandelt die Geschichte die Themen Sterblichkeit, Streben nach Glück, Erinnern, die Errungenschaften des Lebens oder die Trivialität des Daseins selbst, Bedauern, das Gefühl der Unzulänglichkeit, den Umgang mit psychologischen Problemen, bildliche Enge, eine schwierige Vergangenheit und verlorene Lieben. Zusätzlich thematisiert "The Hours - Von Ewigkeit zu Ewigkeit" die Möglichkeiten, die der Freitod bietet, um sich von seinen inneren Ängsten zu befreien. Völlige Flucht des Täters, aber erhebliche, irreversible Folgen für die Überlebenden. Diese kraftvollen Motive werden von abwechselnd überdramatischer Musik und subtilen, aber faszinierenden Melodien untermalt, die die eindrucksvollen Leistungen der Starbesetzung, zu der auch Miranda Richardson, Toni Collette, Claire Danes und Jeff Daniels in überzeugenden Nebenrollen gehören, artistisch hervorheben. "Nur ich kann meinen eigenen Zustand verstehen."

Leider ist das Tempo nicht ganz optimal. Zwischen emotionalen Konversationen und Aktivitäten, die mit 'Mrs. Dalloways' Notlage einhergehen, lässt der Antrieb nach. Doch die Offenbarungen im dritten Akt sind verblüffend, die Strukturierung der Erzählung über den Verlauf eines einzigen Tages ist beispiellos und der Fokus auf Frauen in verschiedenen Epochen, die sich weigern, ihre Geschichten von männlichen Figuren überschatten zu lassen, ist geistvoll. Ungeachtet einiger Mankos ist "The Hours - Von Ewigkeit zu Ewigkeit" ein aufwühlendes, ausgereiftes und gelungenes Drama, das seiner Zeit in vielerlei Hinsicht voraus ist.

Mit der Frohsinnigkeit von "Meine Lieder, meine Träume" und der Farbpalette eines Wes-Anderson-Films beginnt "Jojo Rabbit" von Regisseur Taika Waititi mit den seltsamsten Kontrasten. Es gibt eine gewisse Menschlichkeit, oder besser gesagt eine Vermenschlichung der Nazis, da sie die Rollen und Ziele scheinbar normaler Menschen übernehmen. Trotz des Zeitraums und dieser besonders stringenten Organisation erhält "Jojo Rabbit" eine ungewöhnliche Perspektive durch die Augen eines 10-jährigen Jungen, um zu zeigen, dass Konformität einfach sein kann, aber die Fähigkeit zu lernen und sich zu verändern universell ist. Es ist zweifellos eindringlich und etwas unangenehm, echtes Archivmaterial zu sehen, das mit der Einführung zusammengeschnitten wurde, sowie die Implikationen der Uniformen und des salutierenden Grußes, vor allem im Hinblick auf den zwanglosen Charakter und die Wiederholung der Interaktionen. Aber der unmittelbare Bezug zur Satire hilft, die Bedenken zu zerstreuen, dass "Jojo Rabbit" unglaublich dämlich ist. "Heute wirst du zum Mann."

Obwohl er dank seiner Einstufung als Satire, vielleicht ähnlich wie "Der große Diktator", mit mehr davonkommt, läuft er auch ohne die zeitgenössischen Ausreden und den damals unvorhersehbaren Ausgang auf einen Balanceakt hinaus. Mit der Kaninchentötung kehrt eine ausdrucksstarke Düsternis zurück, zusammen mit weiteren Szenen absichtlicher Hässlichkeit, aber der Humor ist allgegenwärtig. Basierend auf den Werken von Charlie Chaplin wechselt "Jojo Rabbit" zwischen Slapstick und Pathos. Die Hauptprämisse ist die Konfrontation eines angehenden Nazis mit seinem schlimmsten Albtraum: Dem Juden, der sich metaphorisch unter dem Bett versteckt. Doch in der sensationell bizarren Welt von Taika Waititis Deutschland am Ende einer Ära verwandelt sich eine katastrophale Konfrontation in atemberaubendes Mitgefühl und jede Menge komischer Entgleisungen. "Ich gebe Ihnen einen wirklich guten Rat."

Die Schauspieler hier sind phänomenal, nicht nur der Kinderstar Roman Griffin Davis, der die Handlung wirklich verkauft, sondern auch die Nebendarsteller, die alle sehr einzigartige Persönlichkeiten verkörpern. Auch wenn Archie Yates in jeder seiner Szenen eine Freude ist und Sam Rockwell, Rebel Wilson und Alfie Allen ein urkomisches Dreiergespann mit eindeutig nationalsozialistischer Tendenz abgeben, ist es Scarlett Johansson, die am meisten von dem pointierten Drehbuch profitiert. Die Art und Weise, wie sie die Mutter-Sohn-Beziehung darstellt, ist gleichermaßen humorvoll, herzergreifend und verstörend. Anhand dieser Figuren erkundet "Jojo Rabbit" die Komplexität des Erwachsenwerdens, der Elternschaft und der Adoleszenz, gelegentlich verfälscht durch die verqueren Visionen von Krieg und Intoleranz, aber überwiegend mit Hoffnung und lebensbejahender Euphorie geschildert. Egal, wie schnell Johannes 'Jojo' Betzler (Roman Griffin Davis) erwachsen werden will, die Großzügigkeit und Barmherzigkeit seiner Mitmenschen hält seine böse Muse in Schach. Es hätte vielleicht ausgereicht, die Geschichte eines Jungen zu erzählen, der lernt, seine fragwürdigen Loyalitäten aufzugeben, aber "Jojo Rabbit" gräbt tiefer und fügt zusätzliche Facetten der Introspektion durch Merkmale der Reife wie Selbstwertgefühl, Akzeptanz, Leistung, Aufopferung und, was am erstaunlichsten ist, die Verwendung von Jojos körperlichen Missbildungen als metaphorisches Werkzeug zur Selbstreflexion hinzu.

Letztendlich macht "Jojo Rabbit" das, was so wenige wissen, dass es fast immer stark ist: Rezidivierende Bilder. Bei dem simplen Prozess des Schnürsenkelbindens tritt die absurd-komische Dimension gegenüber den realen Kriegsauswirkungen in den Hintergrund. Reale Tragweite, Tod, Zerstörung und Angst überwiegen gegenüber der Frivolität von sich wiederholenden Heilsparolen und klischeehaften Witzen. Ernsthafte Intermezzi machen "Jojo Rabbit" zu einem Meisterwerk über die menschliche Natur, Indoktrination, Verlust, Liebe und emotionale Resonanz. Dabei spielt es sicherlich eine Rolle, dass die Güte über den Hass triumphiert, nicht nur im Krieg selbst, sondern auch in den Aktivitäten der irregeleiteten Individuen. "Nichts ergibt mehr einen Sinn."

Von der skurrilen Erzählung bis hin zu flackernden Lichtern, nebeneinander gestellten Bildern, verschwommenen Farben und schnellen Schnitten, die zur anschwellenden Musik passen, präsentiert sich "Annette" von Regisseur Leos Carax als eine ganz eigene Erfahrung. Die Eröffnungssequenz zeigt, wie sich die 'Sparks'-Bandkollegen Ron und Russell Mael in einem Aufnahmestudio vorbereiten und schließlich auf die Straße gehen, wo sich die Stars der Geschichte zu ihnen gesellen und ein Lied singen, um den Film zu beginnen. Es gibt sogar Kostümwechsel inmitten des Spaziergangs. "Während der Show wird Atmen nicht geduldet."

Es wird weiter gesungen, nicht nur von den Figuren in der Szene, sondern auch von Stimmen aus dem Hintergrund und einem begleitenden Chor, wenn Ann Defrasnoux (Marion Cotillard) auf der Bühne Sopranopern singt, ergänzt durch ihren Klavierbegleiter (Simon Helberg), und Henry McHenry (Adam Driver) Stand-up-Comedy vor tosendem Publikum aufführt. Die Handlung dreht sich im Wesentlichen um zwei verliebte Menschen, die eine stürmische Romanze erleben, die durch einen Fußmarsch über eine sonnige Wiese und eine nächtliche Motorradfahrt, eine schnelle Hochzeit und die Geburt eines wunderlichen Kindes - 'Annette' - veranschaulicht wird, bevor ihre Liebe auf eine besonders harte Probe gestellt wird. Aber das Ganze ist eindeutig ein Beispiel für extremes experimentelles Filmemachen.

Die vierte Wand wird zu Beginn systematisch durchbrochen, bevor 'Annettes' Ankunft die Dinge zu einer makabren Wendung von "A Star is Born" auflockert, in der die zunehmende Erfolglosigkeit des einen Partners, angeheizt durch Zechgelage, bald auf der boomenden Popularität des anderen lastet. 'Annette' selbst ist eine Holzpuppe, die weniger niedlich aussieht, sondern eher wie eine Kreuzung aus 'Chucky', 'Annabelle' und 'Pinocchio', die roboterhaft durch die Gegend stolziert und sichtbare Gelenkpunkte hat. Die Wahl einer sommersprossigen Puppe anstelle eines echten Kindes wird erst gegen Ende verständlich, was bedeutet, dass der größte Teil von "Annette" ein konfuser Bilderbogen ist, der ein relativ geerdetes Stück musikalischer Kunst in eine morbide Fantasie verwandelt, die in einer traditionellen Narration hin und her springt.

Von unheimlichen Ortswechseln über 'Annettes' Interaktionen bis hin zu einem langgezogenen Comedy-Sketch mit dramatischem Zusammenbruch ist es immer problematisch zu erkennen, welche Teile der Geschichte wörtlich zu nehmen sind und welche lediglich unterbrechende, künstlerische Einfälle sind. In diesem Musical wird beim Sex, bei der Geburt, bei einem Toilettengang und bei einer Schimpfworttirade gesungen. Trotz der einzigartigen Kreativität neigen die Texte dazu, sich sehr zu wiederholen und Motive zu repetieren, was zu wenigen prägnanten Melodien führt. Dies trägt zur zunehmenden Eigenart der Fusion von düsterer Dramatik und energiegeladener Unflätigkeit bei und sorgt für anhaltende Neugierde, aber seltene Genugtuung.

"Annette" bietet einen starken Refrain für den Song 'We Love Each Other So Much' sowie ein eindrückliches Duett am Schluss namens 'Sympathy for the Abyss'. Diese letzte Offenbarung ist zweifellos die beste Szene in "Annette", die vor Emotionen, Tragik und zu Tränen rührenden Harmonien nur so sprießt. Doch jede ergreifende Sequenz wird auf frustrierende Weise durch die allgegenwärtige Schaurigkeit oder Exzentrik des Schnitts getrübt, als wolle Leos Carax verhindern, dass der Betrachter auch nur einen einzigen Moment des unverfälschten menschlichen Pathos genießen kann.

Die Eröffnungssequenz in "Black Adam" von Regisseur Jaume Collet-Serra ist ein absolutes Desaster. Die Mischung aus mythologischen Elementen, einem Streben nach übernatürlicher Unsterblichkeit, einem fiktiven Mineral von großem Wert, abgedroschenen Legenden, banalen Prophezeiungen, allmächtigen Göttern, rechtzeitigen Wundern und dämonischen Mächten, die alle mit ihrem eigenen Jargon geschmückt sind, ist der blanke Wahnsinn. Dies ist die Art von okkultem Design, für das sich nur wenige interessieren werden, angesichts der unendlichen Möglichkeiten eines Reichs ohne Regeln und Bewohner ohne Grenzen. Wie so viele Superheldenfilme vor ihm ist auch "Black Adam" dazu verdammt, einen Weg der ewigen Arbitrarität zu beschreiten.

Es ist auch schwierig, sich in eine so allgemeine Geschichte von lang anhaltender Repression einzufühlen, obwohl "Black Adam" sicherlich hofft, eine falsche Gesellschaft von unterdrückten Menschen zu betrachten. Durch die Überfülle an supernatürlichen Wesen und Magie ist es noch unmöglicher, sich in die Figuren hineinzuversetzen. Diese Bewohner dieser Art von sozialer Unterwerfung werden zu einem lästigen Maßstab für die erwartete Opposition von jenseitigen Rettern. Ein Superheld kann bei jeder ungerechten Verfolgung zu Hilfe gerufen werden. "So funktioniert das nicht."

In erster Linie ist "Black Adam" jedoch ein Actionfilm, aber der exzessive Einsatz von computergenerierten Blitzen und anderen elektrischen Energiestrahlen sorgt nur für visuelles Chaos, selbst in der Luft, denn durch die Lüfte zu sausen ist etwas, das scheinbar jeder Superheld mit Leichtigkeit beherrscht. Unbegreifliche Kraft und unbegrenzte Fähigkeiten führen zu völliger Gleichgültigkeit. Die Kampfchoreographie ist eintönig und endet oft in Patt-Situationen, während niemand jemals wirklich in Gefahr ist, da sie alle scheinbar unbesiegbare Halbgötter sind, die sich gegenseitig durch Städte prügeln, die in ihrem Kielwasser praktisch eingeebnet werden. Das einzig Amüsante an Adams (Dwayne Johnson) Ethos ist, dass er bereit ist zu töten, aber merkwürdigerweise tötet er nur offensichtliche Schurken, die auf ihn schießen oder ihn angreifen. Kein einziger Passant stirbt merklich an den Folgen seiner vorsätzlichen Missachtung des menschlichen Lebens. Er ist nicht der Anti-Held, den die Macher dem Betrachter weismachen wollen. Er ist der enttäuschend moralisch aufrechte Superheld solcher trivialen Produktionen. "Der Mann hat fast göttliche Kräfte."

Als Anknüpfung an "Suicide Squad" und "The Suicide Squad" sowie andere DC-Projekte, die in dieser Episode unbedingt eine Äquivalenz im Marvel-Universum finden sollen, ist Amanda Waller (Viola Davis) wieder einmal dafür zuständig, ein Team von Außenseitern zusammenzustellen, um eine abtrünnige Entität zu bekämpfen. Seltsamerweise ist es so, als ob die Autoren "Justice League" neu auflegen wollten, aber mit einer Auswahl an Z-gradigen, minderwertigen Vertretern, von denen einige so entbehrlich und fade sind, dass sie sich fast wie ein Witz in der Tradition von 'Polka-Dot Man' verhalten, und ein solches Skript nur mit der Starpower von jemandem wie Dwayne Johnson versuchen könnten, der in eine ziellose, aber unbenutzte, bereits existierende DC-Kreation geschrieben wurde. Es ist alles genauso unoriginell und dämlich, aber ohne den selbstbewussten Humor von James Gunns Version. Die Kombination von so vielen unterschiedlichen Persönlichkeiten macht es zu hektisch, unübersichtlich, unordentlich und überladen mit sinnlosen Interaktionen. Besonders strapaziös sind die Wiederholungen in den Actionsequenzen, etwa wenn Hawkman (Aldis Hodge) bewusstlos geschlagen wird und sofort wieder aufwacht, um weitere langwierige Kämpfe zu bestreiten, oder wenn die Zeitlupen-Posen an 'Mortal Kombat'-Videospielmaterial erinnern. Dwayne Johnson ist gelegentlich ein wahrer Champion der cineastischen Kunst, aber der Mangel an Kreativität hier ist lähmend.

Die alten, traditionellen Sitten und Gebräuche des Osage-Stammes verschwinden immer mehr. Aber auch das Wissen um die jüngere Geschichte, weshalb "Killers of the Flower Moon" von Regisseur Martin Scorsese mit einer launigen Geschichtsstunde beginnt, die von groovigen Melodien begleitet wird, um den Betrachter über eine Tragödie aufzuklären, die mit dem Tulsa-Rassenmassaker vergleichbar ist - ein Thema, das auch direkt in der Prämisse erwähnt wird. Einige krasse Kontraste in Bild und Musik ändern den Tenor abrupt, indem sie Notizen zu Glaube, Reichtum, Gesundheit, Rassismus, Verbrechen und Mord aufzeichnen, während sich die Handlung entfaltet. Es bleibt auch Zeit für eine absichtlich hohle Romanze, aber der Hauptteil der Geschichte dreht sich um die Manipulation und Ausbeutung des Osage-Volkes, wenn die Hauptakteure eingeführt werden. "Das Geld fließt hier jetzt ungehindert."

Da viele mit der Spielzeit von "Killers of the Flower Moon" vertraut sein werden, muss der Film gleich beweisen, dass er keine Minuten verschwendet. Alles sollte sich essentiell anfühlen. Dennoch wird der Ausarbeitung der Charaktere viel Zeit gewidmet, was dazu beiträgt, sie mit Leben zu füllen und spektakuläre schauspielerische Leistungen zu zeigen. Doch die Ereignisse des ersten Akts sind schlicht und alltäglich. Das Tempo ist gemütlich und nicht daran interessiert, Spannung oder Antizipation aufzubauen, vergleichbar vielleicht mit den opportunistischen, raffgierigen Männern, die kränkliche Ehefrauen um ihr Erbe erleichtern. "Unser Blut wird weiß."

Schließlich ereignen sich einige Mordfälle, und es vergeht mehr als eine Stunde, bis eine rudimentäre Untersuchung durchgeführt wird. Doch es ist kein großes Mysterium, dass sich schon früh herausstellt, wer die Täter sind, was die Intrigen bedeuten und warum "Killers of the Flower Moon" dazu neigt, die Bösewichte als Hauptperspektive zu verwenden, was zu einem langen Warten auf ein hoffnungsvolles Ende führt. Dies sorgt für ein weiteres Dilemma: Das Fehlen eines moralischen Kompasses. Es ist schwierig, unsympathischen Antagonisten dabei zuzusehen, wie sie das Zepter führen, und noch diffiziler, wenn sie so lange im Rampenlicht stehen. Verachtungswürdige Menschen, die ihre Machtposition als Protagonisten des Kinos missbrauchen, sind schwer zu verkaufen. Neben Doppelzüngigkeit, Hass und Korruption sind es vor allem Gier und Geld, die sie antreiben. Scheinbar hilflose Opfer werden immer wieder Leidtragende eines schockierenden Defizits an Heldentum, rechtschaffener Vergeltung und normaler Gerechtigkeit.

Das Ganze ist so repetitiv, mit Figuren, die ihre Untaten aushecken und dann ausführen, die ihre Pläne gelegentlich laut aussprechen, nur damit Martin Scorsese sie in großen, blutrünstigen Details zeigt. An einer Stelle schildert eine Figur einen abscheulichen Mord und die Folgen, worauf eine zuvor nicht gesehene Szene folgt, in der die ganze Tortur völlig aus der chronologischen Reihenfolge gerissen wird, als sei der Verstand des Betrachters nicht in der Lage, sich vorzustellen, was gerade verbal geschildert wurde. Martin Scorsese will eindeutig nichts der Interpretation des Publikums überlassen. Vieles davon ist auch von einer durchdringenden Schwermut begleitet, da die Osage darum kämpfen, sich gegen die koordinierten Verräter, die sorgfältig in ihr Leben infiltriert worden sind, Gehör zu verschaffen.

"Killers of the Flower Moon" ist, wie man es von einem erfahrenen Filmemacher erwarten würde, ein sehr gut aussehender Film. Doch "Killers of the Flower Moon" braucht dringend eine Kürzung, zumal es mehr als zwei Stunden dauert, bis eine ordentliche, autorisierte, unparteiische Ermittlung in Gang kommt, die kurzzeitig sowohl an die Anordnung von Morden und Gewalt im Gangstermilieu wie in "GoodFellas - Drei Jahrzehnte in der Mafia" als auch an das Bröckeln der verrückten Pläne unfähiger Gauner aus "Fargo" erinnert. Im letzten Akt, als sich Konsequenzen zusammenbrauen, geht es aufwärts, aber es ist zu wenig, um "Killers of the Flower Moon" vor seiner eigenen Monotonie zu retten. Es ist fast schon eine Farce, wenn einige namhafte Schauspieler erst in der letzten halben Stunde in Erscheinung treten.

Letztendlich ist es eine lächerlich minuziöse Art, eine ziemlich simple Geschichte zu erzählen, vor allem wenn es darum geht, dass Geld zum Fluch wird, wenn neidische Menschen bereit sind, dafür zu töten. Die Epoche, das Sujet und die Akteure mögen zwar wichtig sein, vor allem im Hinblick auf die historische Komponente, aber dieses Projekt war nicht auf Effektivität oder Unterhaltung ausgelegt. Auch die ausgefallene Rahmenhandlung am Ende ist zwar einigermaßen interessant, birgt aber die Tendenz, den Betrachter aus dem Film herauszureißen und den Reiz des Ausgangs mit bekannten Darstellern und ihren Worten zu verlieren. "Ich habe nichts als Bedauern..."

"Die letzte Fahrt der Demeter" von Regisseur André Øvredal beginnt in einer dunklen und stürmischen Nacht, die eine ideale Kulisse für den Hauptteil der kommenden Geschichte ist. Die Atmosphäre, vor allem mit der Feuchtigkeit und den Sturmböen, den Wellen, die das Schiff schaukeln und über das Deck plätschern, und der allgemeinen Lichtarmut, die nicht nur auf die Kameraführung und die düsteren Umgebungen zurückzuführen ist, sondern auch auf die begrenzte Technik der damaligen Zeit, ist vielleicht die größte Stärke des Films. Der Look ist durchweg angemessen, von den Kostümen über die Requisiten bis hin zu den verschiedenen klaustrophobischen Bereichen an Bord des Schiffes.

Wie eine Anspielung auf das epistolische Arrangement des Ausgangsmaterials verfügt "Die letzte Fahrt der Demeter" über zahlreiche rahmende und erzählerische Mittel, die jedoch im Wesentlichen unnötig oder der Handlung abträglich sind. Der Abschluss der Story mit einem Wrack in der Nähe eines Leuchtturms führt zu Wiederholungen. Es ist irritierend, dass die Zeitlinie nur um der Komplexität willen unübersichtlich ist, mit Rückblenden und dem Zurückgehen um ein paar Wochen, um Details zu vervollständigen, und dass der Kapitän (Liam Cunningham) mit seiner Erzählstimme in die Szenen eingreift, um die Spannung zu brechen. Das meiste davon ist sekundär, da der Ausgang des 'Demeter'-Falls mehr als einmal verkündet wird, bevor die Reise überhaupt beginnt - ein Spoiler für Betrachter, die nicht wissen, dass es sich um eine Verfilmung eines Kapitels aus dem Roman von Bram Stoker handelt. Es wäre viel interessanter gewesen, wenn diese Tatsache verzögert oder besser verschleiert worden wäre. Die große Enthüllung des Antagonisten hätte mehr Wirkung gezeigt, wenn sie nicht durch die Agitation oder durch Hinweise vorweggenommen oder vollständig enthüllt worden wäre.

Nichtsdestotrotz sind die vielen Vorahnungen packend, wenn auch ein wenig generisch. Einer der Vorteile ist die minimale Besatzung, die es ermöglicht, dass sich viele der Geschehnisse auf dem Schiff wie in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" abspielen, wenn die Opfer eines nach dem anderen beseitigt werden. Es gibt genügend Zeit für die Charakterentwicklung, ein wenig Philosophie, Diskussionen über monetäre Vergütungen, die Sinnlosigkeit des Kämpfens und Figuren, die auf sich allein gestellt sind, auch wenn die Spannung nicht annähernd so exzeptionell ist. Es gibt viele Schockeffekte, die durch eine geschickte Kameratechnik unterstützt werden, die das Monstrum scheinbar wahllos in seiner ganzen beängstigenden Pracht einfängt, während die Attacken auf dem Bildschirm außergewöhnlich brutal und unerbittlich sind. Doch das Unbehagen schwindet oft mit ein paar vorhersehbaren Elementen, vom offensichtlichen Helden, der unempfindlich gegen frühe Schäden ist, bis hin zur Gewissheit, dass Angriffe nicht bei Tageslicht stattfinden. "Die Sonne geht unter und er wird kommen."

Die Einbeziehung eines Kindes und die Einführung eines blinden Passagiers sorgen für eine willkommene Abwechslung, auch wenn der Tonfall unkonventionell ernst, streng und panisch bleibt, während ein Gutteil des Blutvergießens drastisch und exzessiv ist. Es gibt so gut wie keine humoristischen Erleichterungen, das Gefühl des Grauens und die visualisierte Gewalt sind erbarmungslos und machen die zweistündige Laufzeit etwas ermüdend. Dies ist eine besonders intensive, erschreckende Vision der klassischen Monstrosität. Dracula (Javier Botet) selbst ist furchterregend und widernatürlich, auch wenn der Einsatz von Computeranimationen seinen Realismus etwas beeinträchtigt. Da "Die letzte Fahrt der Demeter" im Jahr 1897 angesiedelt ist, sind die Kenntnisse über Vampire und ihre Mythologie nicht so umfangreich, was zu einer schnelleren Problemlösung führt, und die Grusel- und Make-up-Effekte sind gut gemacht. Leider sind einige Momente peinlich überdramatisch, der Höhepunkt bleibt eher trostlos als triumphal, und auch die Interpretation eines mittleren Kapitels des Romans trägt dazu bei, dass "Die letzte Fahrt der Demeter" wie ein gestrandeter Teil einer größeren Geschichte wirkt.

"Die Muppets Weihnachtsgeschichte" unter der Regie von Brian Henson verbindet auf gekonnte Weise die berühmte Geschichte von Charles Dickens mit der wunderbaren Welt der 'Muppets' von Jim Henson zu einem charmanten Film voller bunter Karikaturen, wichtiger Lektionen und originellem Humor. Die Mixtur aus klassischen Figuren und familienfreundlichen Puppen ist in dieser besonders fantasievollen Adaption eines Romanklassikers höchst ergötzlich. Michael Caine stellt den geizigen Ebenezer Scrooge mit einer breiten Palette von Emotionen dar, die perfekt zu der Tatsache passen, dass er gegen glorifizierte Puppen agiert, obwohl die 'Muppets', die die Hauptfiguren ersetzen, oftmals visuell urkomisch sind, da 'Gonzo' und 'Rizzo' das Geschehen mit einer großzügigen Dosis von allwissenden Possen aufpeppen.

'Gonzo' und 'Rizzo', die Ratte, erzählen diese lockere Nacherzählung von 'Eine Weihnachtsgeschichte' und bringen viel Komik und Slapstick in die ansonsten düstere Mär. Das Duo folgt Ebenezer Scrooge (Michael Caine) und wird Zeuge, wie der Geizhals von drei Geistern besucht wird, die ihm die vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Weihnachtsfeste zeigen. Als Ebenezer Scrooge erkennt, welche Auswirkungen seine kaltherzige Lebensweise auf sein eigenes Glück und das seiner Familie und Angestellten, einschließlich Bob Cratchit (Kermit der Frosch), hat, wird ihm klar, dass er sein Verhalten ändern muss, um die schrecklichen Konsequenzen seines Egoismus zu tragen.

Dutzende von bekannten 'Muppets' schlüpfen in die legendären Rollen von Bob Cratchit, Tiny Tim, Jacob Marley und anderen, aber der unterhaltsamste Aspekt sind die berühmten Charakterdesign-Fusionen, die einen gewissen Trickfilmcharakter haben. Michael Caine spielt die Hauptrolle, aber es sind die Narratoren 'Rizzo' und 'Gonzo', die ihm regelmäßig die Show stehlen, zusammen mit den formidablen Puppenkonzepten für die Weihnachtsgeister und die vielen skurrilen Stadtbewohner. Von den exzentrischen, teils menschlichen Kreationen von 'Prof. Dr. Honigtau Bunsenbrenner' und 'Beaker' bis hin zu den personifizierten Schweinen, Fröschen, Pinguinen, Nagern und anderen Tieren, die die von den sagenhaften 'Muppets' neu erfundenen atmosphärischen Welten bevölkern - diese inspirierenden Schöpfungen sind durch nichts zu ersetzen. Einige sind etwas gruselig, wie die Spinne in der Gasse und der Geist der vergangenen Weihnacht, und andere sind überaus denaturiert, wie der schwedische Koch und 'Miss Piggy' als Emily Cratchit, aber sie sind alle spektakulär und prägen sich durch ihr eigenartiges Antlitz, ihre Sprechweisen und ihre Bewegungsarten ein. Selbst der gelegentliche Einsatz von Stop-Motion-Animationen mindert nicht die Faszination der Optik.

Charles Dickens' bekanntes Werk ist so eindringlich und regt zum Nachdenken an, dass eine Verfilmung fast automatisch eine Qualität erreicht, die in der modernen Literatur selten zu finden ist. Daher ist es nicht überraschend, dass die muppetsche Explikation des epochalen Romans eine für Familienproduktionen untypische Resonanz und Pathos erzeugt. "Die Muppets Weihnachtsgeschichte" ist eines der unterhaltsamsten Langfilmprojekte der 'Muppets', mit einem optimalen Tempo für ein jüngeres Auditorium und genügend facettenreichen und cleveren Dialogen für Erwachsene. Besonders stilvoll ist es, wenn 'Gonzo' den Betrachter dazu animiert, das Originalbuch zu lesen, wenn ihm diese lebhafte Neuinterpretation gefallen hat.