Filmkenner77

Enthält Spoiler:

"Transsiberian" wartet mit Stars wie Woody Harrelson, Ben Kingsley und Emily Mortimer auf, allesamt erstklassige Schauspieler. Dazu die eisige Landschaft Russlands und die Fahrt in der Transsibirischen Eisenbahn. Dies alles sollte eigentlich ausreichen, um einen halbwegs passablen Film zu inszenieren, wäre da nicht die Story, die sich leider als vorhersehbar…

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"Transsiberian" wartet mit Stars wie Woody Harrelson, Ben Kingsley und Emily Mortimer auf, allesamt erstklassige Schauspieler. Dazu die eisige Landschaft Russlands und die Fahrt in der Transsibirischen Eisenbahn. Dies alles sollte eigentlich ausreichen, um einen halbwegs passablen Film zu inszenieren, wäre da nicht die Story, die sich leider als vorhersehbar und uninteressant erweist. Zunächst versteht es der Film noch, eine gewisse Atmosphäre des Unbehagens zu schaffen und er erinnert in seinen besten Momenten zumindest ansatzweise an Hitchcock. Ein einfaches amerikanisches Paar (Harrelson, Mortimer) fern der Heimat wird in dunkle Machenschaften hineingezogen. Zunächst ahnt der Zuschauer nur, dass etwas nicht stimmt den zwei Rucksacktouristen (Carlos, Abby), die das Paar im Zug kennenlernt. Spätestens nach 30 Minuten entpuppt sich das Ganze allerdings als 08/15 Drogenschmuggler-Geschichte. Hinzu gesellt sich ein vollkommen unnötiger Plot, in der die von Mortimer gespielte Jessie Carlos, einen südländischen Blender mit aufgesetztem Charme, wie er im Klischeebuche steht, in Notwehr (?) umbringt.
Ben Kingsley spielt den korrupten Drogenfahnder leider auf Autopilot und kann seiner Figur kaum Tiefe verleihen. Woody Harrelson als biederer Familienmensch wird ebenso wenig gefordert. Lediglich Mortimer zeigt in "Transsiberian" eine mehr als nur durchschnittliche Leistung. Thomas Kretschmann dürfte die Rolle des Mörders Kolzak nur deswegen angenommen haben, um einmal an der Seite von Kingsley spielen können, denn außer eine Handvoll Sätze gelangweilt aufsagen zu müssen und mit der Waffe ein paar Salven abzufeuern, hat er nichts zu tun.
"Transsiberian" bietet die Möglichkeit, mindestens 10 gute Storyszenarien zu entwickeln, entscheidet sich letztlich aber immer für die schlechteste aller möglicher Optionen. Somit ist der Film weder Fisch noch Fleisch. Als Actionfilm bietet er zu wenig Action, als Thriller zu wenig Spannung und als psychologisch angehauchtes Vexierspiel zu wenig Subtilität.

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"Der Vorleser", basierend auf dem gleichnamigen Literaturbestseller von Bernhard Schlink, ist sicherlich ein Film, der es nicht allen Zuschauern recht machen kann, aber auch nicht unbedingt recht machen möchte. Dies erachte ich zunächst einmal als lobenswert. Der Brite Stephen Daldry (u.a. "The Hours") nahm sich des komplexen Stoffes an und inszenierte…

Enthält Spoiler:

"Der Vorleser", basierend auf dem gleichnamigen Literaturbestseller von Bernhard Schlink, ist sicherlich ein Film, der es nicht allen Zuschauern recht machen kann, aber auch nicht unbedingt recht machen möchte. Dies erachte ich zunächst einmal als lobenswert. Der Brite Stephen Daldry (u.a. "The Hours") nahm sich des komplexen Stoffes an und inszenierte ein vielschichtiges Drama, das ähnlich wie der Roman mehr Fragen stellt als Antworten liefert. Im ersten Teil des Films wird die ungewöhnliche Liebesgeschichte zwischen dem 15jährigen Michael (David Kross) und der wesentlich älteren Hanna Schmitz (Kate Winslet) im Nachkriegsdeutschland der 50er Jahre erzählt. Hier mag sich mancher an der Vielzahl der auch im Roman ausführlich geschilderten Liebesszenen stören, die den Erzählfluss immer wieder ins Stocken bringen. Im zweiten Teil, der 8 Jahre nach den Ereignissen spielt, trifft Michael, nun ein Jurastudent, im Gerichtssaal erneut auf Hanna, die sich als ehemalige KZ-Aufseherin für ihre Taten verantworten muss. Der dritte Teil spielt in den nachfolgenden Jahrzehnten, in denen Michael zunächst Kontakt zur inhaftierten Hanna aufnimmt und sie schließlich nach Verbüßung ihrer Strafe in die Freiheit begleiten möchte.
Schuld und Sühne (mehr zum Thema etwa bei Karl Jaspers: Die Schuldfrage) sind zentrale Fragestellungen des Films, ohne dass Regisseur Daldry bereit ist, hierauf handverlesene Antworten zu geben. Kate Winslet liefert als Hanna Schmitz eine mit dem Oscar für die beste Hauptdarstellerin gewürdigte Leistung ab. Hier dominieren nicht die großen Gesten, sondern Nuancen bestimmen ihre Spiel, die mehr als tausend Worte sagen. Diese Hanna ist spröde, einerseits in sich gekehrt, andererseits fordernd und dominant. Es wäre ein Leichtes gewesen, Hanna Schmitz als Teufel in Menschengestalt (siehe etwa Ralph Finnes in Schindlers Liste) zu präsentieren. Zweifellos wäre es für den Zuschauer dann leichter gewesen, sie zu hassen und zu verdammen für ihre grausamen Taten.
Natürlich ist es immer eine Gratwanderung, einen solchen Menschen abseits der simplen Schwarz-Weiss-Malerei zu betrachten, ohne sich den Vorwurf gefallen lassen zu müssen, die Taten der Protagonistin zu verharmlosen. An einer Stelle des Films kommt der Zwiespalt im Bezug auf den Umgang mit der Person Hanna Schmitz besonders gut zum Vorschein. Hanna schildert dem Gericht, dass sie und die anderen Aufseherinnen die KZ-Gefangenen in einer brennenden Kirche mit einer von außen verriegelten Türe ihrem Schicksal überlassen hat. Auf die Frage des Richters, warum man die Menschen nicht befreit hätte, antwortet Hanna, man hätte Angst gehabt, dass Unordnung, ja Chaos entstanden wäre. Die Aufrechterhaltung der Ordnung nimmt für sie demnach eine höhere Priorität ein als das Leben eines Menschen. Eine mögliche Flucht der Gefangenen wog schwerer als deren qualvoller Tod. Moralische Werte und Humanität werden ohne Bedenken auf dem Altar der Pflichterfüllung geopfert. Später diskutieren die angehenden Studenten über die Geschehnisse und einer äußert, er selbst würde am liebsten die Pistole ergreifen und die Aufseherinnen für ihre grausame Tat mit dem Tode bestrafen. Und genau hier wird eine für die demokratische Gesellschaft fundamentale Fragestellung aufgeworfen: Wollen wir uns mit den Tätern gemein machen und uns ihrer Methoden bedienen, um letztlich unserem tief in uns verankerten Gerechtigkeitssinn Befriedigung zu verschaffen oder wollen wir eben nicht alttestamentarischen, ja fundamentalistischen Denkmustern die Oberhand gewähren, die die Demokratie am Ende unterminieren?
Kritisch gesehen wird das Thema "Analphabetimus", das von vielen als eine Art von "Entschuldigung" für die Taten der Hanna Schmitz interpretiert wird. Schmitz schämt sich für diesen "Makel", nicht jedoch für ihre Rolle in der NS-Zeit. Es wäre falsch, diesen Nebenplot mit einer Absolution, einer Sympathiebekundung für Hanna Schmitz, gleichzusetzen. Hier greift die schon erwähnte Vermenschlichung des Teufels, die vielen zuwider ist, weil sich die Figur von eindimensionalen und ausgetretenen Pfaden löst. Letztlich ist dieser "Makel" sogar die Ursache, warum sie im Gegensatz zu den nicht minder verantwortlichen Mitangeklagten zu lebenslanger Haft verurteilt wird.
In der Haft lernt Hanna Lesen und Schreiben und parallel dazu entwickelt sich scheinbar auch ein Schuldgefühl. Dennoch bleibt der Charakter von Hanna Schmitz bis zum Ende rätselhaft. Auf eine Frage Michaels, was sie in den Jahren ihrer Gefangenschaft gelernt habe, antwortet sie lakonisch: "Lesen". Und doch wird sie nach ihrem Freitod ihr Erspartes den jüdischen Nachkommen ihrer Opfer hinterlassen. Der Selbstmord als spätes Schuldeingeständnis oder vielmehr die Angst, in der Welt da draußen nach all den Jahren nicht mehr zurechtzukommen? Wohl beides. Hanna ist ein Relikt der Vergangenheit, für das in der heutigen Welt kein Platz mehr ist.
"Der Vorleser" besticht durch ein hervorragend aufgelegtes Schauspielensemble. Sowohl Ralph Finnes wie auch Kate Winslet spielen angenehm zurückhaltend, aber wirken in der Kunst der Darstellung umso intensiver. David Kross überzeugt in seiner ersten großen internationalen Rolle und gibt Anlass zu der Annahme, dass man noch einiges von ihm hören wird. "Der Vorleser" spielte bei einem Budget von 32 Millionen Dollar knapp 108 Millionen Dollar ein und erhielt 5 Oscar-Nominierungen. Insgesamt ein interessantes Werk für literarisch und politisch interessierte Menschen, wenngleich der Film insbesondere in der ersten Hälfte die eine oder andere Länge aufweist.

"Jeder stirbt für sich allein" ist ein sehenswerter, bewegender Streifen über den kleinbürgerlichen Widerstand gegen ein unmenschlisches System, der vor allem von seinen starken Darstellerleistungen lebt. Hildegard Knef und Carl Raddatz verkörpern in der dritten und bislang letzten Verfilmung des Romans von Hans Fallada ein zunächst unpolitisches Ehepaar, welches nach dem Tod ihres…

"Jeder stirbt für sich allein" ist ein sehenswerter, bewegender Streifen über den kleinbürgerlichen Widerstand gegen ein unmenschlisches System, der vor allem von seinen starken Darstellerleistungen lebt. Hildegard Knef und Carl Raddatz verkörpern in der dritten und bislang letzten Verfilmung des Romans von Hans Fallada ein zunächst unpolitisches Ehepaar, welches nach dem Tod ihres einzigen Sohnes an der Front Postkarten mit regimekritischen Äußerungen schreibt und diese an öffentlichen Orten auslegt. "Jeder stirbt für sich allein" ist Falladas (1893-1947) letzter Roman und basiert auf einer wahren Begebenheit. Insbesondere die schnörkellose, fast schon lakonische Schilderung des Alltags kleiner Leute im NS-Regime kann überzeugen. Der Zuschauer ahnt schnell, dass die Verteidigung humanitärer und moralischer Werte gegenüber Opportunismus und Antisemitismus zum Scheitern verurteilt sind. Und trotz des absehbaren Endes ist ihr Aufbegehren gegen einen übermächtigen Apparat nicht sinnlos. Sie folgen ihrem Gewissen und schon Martin Luther soll einst gesagt haben: „Hier stehe ich, ich kann nicht anders, Gott helfe mir".
Es überrascht ein wenig, dass ausgerechnet Alfred Vohrer sich des Romans von Fallada angenommen hat. Vohrer, eher bekannt für Wallace-, Ganghofer- und Simmel-Verfilmungen, schuf mit "Jeder stirbt für sich allein" vielleicht sein bestes, ganz sicher aber sein wichtigstes Werk. Insgesamt eine gelungene, werkgetreue Adaption des Romans mit leisen Zwischentönen, die man zumindest einmal gesehen haben sollte.

"Moonraker- Streng geheim", Roger Moores vierter Auftritt als 007, kann zu keinem Zeitpunkt an den starken Vorgänger "Der Spion, der mich liebte" anknüpfen. Lewis Gilbert führte hier zum letzten Mal in einem Bondfilm Regie und orientierte sich nach dem fulminanten Erfolg von "Krieg der Sterne" offensichtlich an diesem und scheiterte auf ganzer Linie damit, die James…

"Moonraker- Streng geheim", Roger Moores vierter Auftritt als 007, kann zu keinem Zeitpunkt an den starken Vorgänger "Der Spion, der mich liebte" anknüpfen. Lewis Gilbert führte hier zum letzten Mal in einem Bondfilm Regie und orientierte sich nach dem fulminanten Erfolg von "Krieg der Sterne" offensichtlich an diesem und scheiterte auf ganzer Linie damit, die James Bond-Serie mit Science-Fiction-Elementen zu "bereichern". "Moonraker" verschlang ein Budget von über 30 Millionen Dollar, kostete mehr als doppelt so viel wie "Der Spion, der mich liebte", wurde aber mit einem Einspielergebnis von 210 Millionen Dollar nicht nur zum erfolgreichsten Bondfilm von Roger Moore, sondern auch zum erfolgreichsten der gesamten Bondreihe, bis ihn "Goldeneye" 1995 überflügeln konnte. Für die besten Spezialeffekte erhielt "Moonraker" eine Oscar-Nominierung, den Oscar gewann aber letztlich "Alien".
Roger Moore gibt den Geheimagenten ihrer Majestät in gewohnt routinierter Manier mit dem für ihn typischen Augenzwinkern. Die Französin Corinne Clery und die Amerikanerin Lois Chiles (bekannt aus Filmen wie "Coma", "Tod auf dem Nil") geben als Bondgirls definitiv eine gute Figur ab, bleiben jedoch nicht nachhaltig in Erinnerung. Die Rolle des Sir Hugo Drax, in den Bondromanen von Ian Fleming ein Nazi namens Graf Hugo von der Drache, wurde zunächst James Mason angeboten, der sicherlich eine sehr gute Wahl gewesen wäre. Michael Lonsdale, der die Rolle schließlich bekam, kann als Antagonist von James Bond allerdings ebenfalls überzeugen, wenngleich er in diesem "Over the Top"-Werk unterfordert scheint. Richard Kiel kehrt als Handlager des Bösewichts zurück, was sich jedoch als nicht allzu glückliche Wahl erweist. Hier ist die Figur zu comichaft angelegt und damit gänzlich ihrer Bedrohlichkeit beraubt. Jaws verkommt zur Witzfigur mit Stahlzähnen und bekommt im wohl unnötigsten Nebenplot der Bondreihe noch eine an Lächerlichkeit kaum zu überbietende Liebesgeschichte angedichtet. Generell wirken alle Szenen mit ihm gelinde gesagt unglücklich. Spektakuläre Szenen wie der Kampf auf der Kabine der Seilbahn am Zuckerhut wirken selbst für einen James Bond-Film absolut unrealistisch.
Das Beste an diesem insgesamt schwachen Agententhriller, der selbst bei eingefleischten Fans auf wenig Gegenliebe stieß und ständig in der Flop 3 aller Bondfilme zu finden ist, ist zweifellos der Titelsong von Shirley Bassey. Wie bereits in "Goldfinger" und "Diamantenfieber", stellt sie mit dem ballladenhaften Song zu "Moonraker" einmal mehr ihre außergewöhnlichen Qualitäten als Sängerin unter Beweis.
Der größte Fehler dieses elften 007-Abenteuers ist es, dass er von allem zu viel hat. Zu viele Effekte, zu viele comichafte Überzeichnungen, zu viele absurde Actionszenen und zu viele Nebenplots, die die Handlung nicht wesentlich vorantreiben. Die Trickeffekte sind durchaus akzeptabel, aber der Film verliert gegen Ende im wahrsten Sinne des Wortes die Bodenhaftung. Laserpistolen und Raumstationen gehören einfach nicht in einen James Bond-Film. Oftmals kann sich der Film nicht entscheiden, ob er eine Parodie auf die vorherigen Filme anstrebt oder als Agentenfilm mit Science-Fiction-Touch neue Wege beschreiten möchte. Gott sei Dank sahen die Produzenten ein, dass man sich mit "Moonraker" auf den falschen Pfad begeben hatte, der irgendwann zum endgültigen Ende der Reihe geführt hätte. So entschloss man sich, James Bond in "In tödlicher Mission" wieder bodenständiger werden zu lassen.

"Piraten im Karibischen Meer" ist ein starbesetzter Abenteuerfilm (Wayne, Milland, Massey, Goddard, Hayward) in schönstem Technicolor (John Waynes wohl erster Farbfilm). Vor allem die satten Farben sind für einen Film des Jahres 1942 beeindruckend. Leider erhielt er nicht den Oscar für die Beste Kamera (Farbfilm), weil "Der Seeräuber" in Sachen Farbenpracht ähnlich herausragend…

"Piraten im Karibischen Meer" ist ein starbesetzter Abenteuerfilm (Wayne, Milland, Massey, Goddard, Hayward) in schönstem Technicolor (John Waynes wohl erster Farbfilm). Vor allem die satten Farben sind für einen Film des Jahres 1942 beeindruckend. Leider erhielt er nicht den Oscar für die Beste Kamera (Farbfilm), weil "Der Seeräuber" in Sachen Farbenpracht ähnlich herausragend war. Regielegende Cecil B. DeMille (Die zehn Gebote) schuf einen launigen Vertreter des Genre mit hervorragenden Bildkompositionen, der allerdings für die heutigen Sehgewohnheiten zu wenig Tempo besitzt und teilweise mit ausufernden Dialogen aufwartet. Insbesondere in der zweiten Hälfte (u.a. die Gerichtsverhandlung) besitzt er einen Hang zur Langatmigkeit. Höhepunkt des Films sind die aufwendigen Unterwasseraufnahmen gegen Ende, für die es verdientermaßen den Oscar für die besten Spezialeffekte gab.
Wer einen klassischen Abenteuerfilm mit Lovestory (Frau zwischen zwei Männern) aus Hollywoods goldener Ära sehen möchte, wird hier relativ gut bedient.

"Der Spion, der mich liebte" verkörpert all das, was einen James Bond-Film ausmacht. Hätte man nie einen Film aus der Reihe gesehen, würde ich jedem diesen oder "Goldfinger" empfehlen, um den Mythos der Serie jemandem begreiflich zu machen. Doch zunächst ein kleiner Rückblick. Nach dem sehr guten Erstling "Leben und sterben lassen" folgte nur ein Jahr später der…

"Der Spion, der mich liebte" verkörpert all das, was einen James Bond-Film ausmacht. Hätte man nie einen Film aus der Reihe gesehen, würde ich jedem diesen oder "Goldfinger" empfehlen, um den Mythos der Serie jemandem begreiflich zu machen. Doch zunächst ein kleiner Rückblick. Nach dem sehr guten Erstling "Leben und sterben lassen" folgte nur ein Jahr später der künstlerisch und kommerziell enttäuschende zweite Auftritt von Roger Moore in "Der Mann mit dem goldenen Colt" als Geheimagent ihrer Majestät. Drei Jahre später folgte kurioserweise auf den vielleicht schwächsten Moore-Bond sein bestes 007-Abenteuer.
Für die Rolle des schwedischen Großreeders Karl Stromberg (ursprünglich sollte Erzfeind Blofeld zurückkehren) gelang mit Weltstar Curd Jürgens ein wahrer Besetzungscoup. Regisseur Lewis Gilbert drehte hier nach "Man lebt nur zweimal" seinen zweiten von insgesamt drei Bondfilmen und kannte Jürgens bereits durch den 1959 gedrehten Abenteuerfilm "Fähre nach Hongkong". Jürgens wurde auf Empfehlung von Gilbert mit der Rolle des soziopatischen Misanthropen bedacht und lieferte in seinem letzten großen Kinofilm (abgesehen von einer kleiner Nebenrolle in "Steiner II") nochmals eine beeindruckende Vorstellung ab.
Als Bondgirl weiß Barbara Bach als attraktive russische Majorin Anya Amasova in ihrer einzigen wirklich bedeutenden Kinorolle zu überzeugen und ist James Bond beinahe ebenbürtig. Nach den schwachen Bondgirls des letzten Bondstreifens hier also nun eine Kehrtwende um 180 Grad. Caroline Munro, immerhin bekannt durch Filme wie "Das Schreckenskabinett des Dr. Phibes" oder "Sindbads gefährliche Abenteuer", ist in einer kleineren Nebenrolle als Sidekick des Bösewichts Stromberg zu bewundern. Erwähnenswert ist natürlich noch Richard Kiel als Jaws, der hier einen wesentlich besseren Auftritt hinlegt als ein Jahr später in "Moonraker". Die Szenen mit ihm sind Höhepunkte des Films, wenngleich am Rande zur comichaften Überzeichnung. Kulissen und Settings gehören indes zum besten, was man in einem Bondfilm jemals gesehen hat. Ob die halsbrecherische Abfahrt in der Schweizer Bergwelt zu Beginn, die Autoverfolgungsjagd, der Kampf in den ägyptischen Ruinen bzw. im Zug zwischen Jaws und Bond oder aber die dramatischen Ereignisse im Unterwasserpalast des Bösewichts - allesamt grandios inszenierte, spektakuläre Actionsequenzen. Gleichwohl kommt man nicht umhin, auf die Parallelen zu "Man lebt nur zweimal" aufmerksam zu machen. Wurden dort Raumschiffe entführt, sind es hier U-Boote. Beide Male mit dem Ziel, die Großmächte Sowjetunion und USA gegeneinander auszuspielen. Zudem lebt der Antagonist in beiden Filmen in äußerst phantasievollen "Behausungen", sprich einem erloschenen Vulkan bzw. einem spinnenartigen Unterwassertempel.
Für die Regie von "Der Spion, der mich liebte" erwägten die Produzenten zeitweise die Verpflichtung von Steven Spielberg, der gerade mit "Jaws" die Kinokassen stürmte. Guy Hamilton, Regisseur der drei letzten Bondabenteuer, lehnte ab, weil ihm die Regie von "Superman" angeboten wurde, die aber letztlich an Richard Donner ging. Für den zehnten Bondfilm entstand die größte Filmhalle der Welt, welche 2,5 Millionen Dollar des insgesamt 13 Millionen Dollar teuren Films verschlang. An den Kinokassen spielte der "Lieblings-Bond" von Roger Moore 185 Millionen Dollar ein und wurde nicht nur in Deutschland, sondern weltweit zum bis dato erfolgreichsten Film der gesamten Reihe. "Der Spion, der mich liebte" verfügt mit "Nobody Does it Better" über einen starken Titelsong, der damals die Charts stürmte.
"Der Spion, der mich liebte" ist zweifellos nicht nur der Beste von insgesamt sieben Moore-Bonds, sondern auch einer der 3 oder 4 gelungensten Bondfilme aller Zeiten. Herrlich selbstironisch und actionreich, vereint der Film mehr noch als viele andere 007-Abenteuer exotische Schauplätze, attraktive Bondgirls, phantasievolle Kulissen, rasante Stunts und finstere Bösewichte zu einem kongenialen Mix. Zudem war die Handlung eines Bondfilms selten so stringent durchdacht und komplex wie in diesen Streifen. Ein toller, kurzweiliger Actionspaß, den man sich immer wieder ansehen kann.

Als Fan der 70er Jahre Katastrophenklassiker gehe ich sicherlich etwas milder mit diesem Werk um, als es dieses möglicherweise verdient. Emmerich, legitimer Nachfolger von Irwin Allen, dem "Master of Desaster", holt mal wieder alles aus der Trickkiste heraus, um beeindruckende Bilder zu liefern, die den Zuschauer in Staunen versetzen. So weit, so gut. Aber wie so oft vergisst Emmerich…

Als Fan der 70er Jahre Katastrophenklassiker gehe ich sicherlich etwas milder mit diesem Werk um, als es dieses möglicherweise verdient. Emmerich, legitimer Nachfolger von Irwin Allen, dem "Master of Desaster", holt mal wieder alles aus der Trickkiste heraus, um beeindruckende Bilder zu liefern, die den Zuschauer in Staunen versetzen. So weit, so gut. Aber wie so oft vergisst Emmerich darüber mal wieder die Story. Die Flucht eines Vater mit der Familie vor der sich anbahnenden Katastrophe ist wirklich nicht mehr als eine 08/15 Geschichte. Mehr als nur einmal kommt da einem die Story von Spielbergs "Krieg der Welten" in den Sinn und den Quartalsirren darf statt Tim Robbins diesmal Woody Harrelson geben. Von den Schauspielern verdient es einzig und alleine Oliver Platt, genannt zu werden. Er gibt noch die mit Abstand beste Figur im Film ab.
Die Charaktere sind ansonsten gewohnt klischeehaft gehalten, was allerdings kein generelles Problem des Films, sondern im Genre selbst immanent verankert ist. "2012" will nicht mehr sein als eine wilde Achterbahnfahrt, die zeigen möchte, zu welchen Leistungen Computer heute fähig sind.
Die Protagonisten hangeln sich von einer spektakulären Szene zur nächsten, entkommen im 10-Minuten-Takt immer wieder in letzter Sekunde ihrem sicheren Tod und schippern schließlich dem rettenden Ufer auf der Arche "Emmerich" entgegen. Verwundert hätte es nicht, wenn am Ende eine Taube mit einem frischen Olivenzweig auf der Schulter des nicht sonderlich charismatisch auftretenden John Cusack gelandet wäre. Dies war aber dann wohl auch einem Emmerich zu unglaubwürdig, der aber ansonsten vor nichts zurückschreckt. Das Schema, nach dem Emmerich arbeitet, ist ohnehin weitreichend bekannt. Große Bilder will er schaffen und natürlich führt der Riss bei der Zerstörung der Sixtinischen Kapelle in Rom durch das weltberühmte Fresko von Michelangelo, das die Erschaffung des Menschen zeigt. Das Flugzeug, mit dem die Gruppe Menschen flüchtet, streift ebenso selbstverständlich die Reste des Eiffelturms und die "Mona Lisa" gibt sich ebenfalls die Ehre.
Eine Botschaft, wie im wesentlich besseren "The Day after Tomorrow" sucht man vergeblich. Aber seien wir ehrlich: Haben wir diese von Emmerich tatsächlich erwartet? Lediglich das pathetische Ende wirft die Frage auf, wer neben der Queen und ihren Kötern überhaupt in den Genuss einer Rettung kommen darf. Hier streift Emmerich die ethische Frage, ob jedes Menschenleben gleich viel wert ist? Hätte er sich mehr auf solche Themen konzentriert, dann hätte der Film zumindest ansatzweise Substanz besessen.
Die Logiklöcher im Film sind mindestens so groß wie die Gräben, die der drohende Weltuntergang reißt. Aber dies muss man bei einem Film wie "2012" scheinbar ohnehin in Kauf nehmen. Mit knapp 200 Millionen Dollar (Einspielergebnis fast 800 Millionen Dollar) zauberte Emmerich eine Effektorgie sondergleichen auf die Leinwand, die aber kaum berührt. Letztlich ist es dem Zuschauer nahezu egal, ob ein paar Millarden Menschen über den Jordan gehen. Somit bleibt "2012" Popcornkino in Reinkultur. Naiv, oberflächlich, leidlich unterhaltsam, aber hübsch verpackt.

Diese Rezension könnte beinahe so verheerende Ausmaße annehmen wie ein Bombenangriff auf Pearl Harbor, aber da ich heute ungewöhnlich milde gestimmt bin, belasse ich es bei einigen Patronensalven. Zunächst beginne ich mit einem Spoiler: Pearl Harbor wird tatsächlich von Japanern bombadiert, auch wenn man sich knapp 80 Minuten im falschen Film wähnt. Wie sich dann herausstellt, ist der Film…

Diese Rezension könnte beinahe so verheerende Ausmaße annehmen wie ein Bombenangriff auf Pearl Harbor, aber da ich heute ungewöhnlich milde gestimmt bin, belasse ich es bei einigen Patronensalven. Zunächst beginne ich mit einem Spoiler: Pearl Harbor wird tatsächlich von Japanern bombadiert, auch wenn man sich knapp 80 Minuten im falschen Film wähnt. Wie sich dann herausstellt, ist der Film keine romantische Komödie, sondern ein Kriegsfilm. Zwei Filme zum Preis einer Kinokarte. Was für ein Clou von Michael Bay. Erst werden die Frauen zufriedengestellt, dann die Männer oder aber am Ende doch keiner von beiden?
Das Positive vorweg: Pearl Harbor ist nicht der schlechteste Film von Michael Bay, aber der mit Abstand verlogenste. Es wird munter Geschichtsklitterung betrieben und die Niederlage in Pearl Harbor am Ende noch in einen glorreichen Triumph umgewandelt. Geradezu unverzeihlich ist jedoch, dass er den Zuschauer für dumm verkauft und das Niveau so weit senkt, dass selbst der letzte Hinterwäldler in God's Own Country der Handlung ohne Probleme folgen kann. Bay wandelt auf den ausgetretenen Pfaden von James Cameron (Titanic). Das Problem an der Sache ist nur, dass Cameron in einem Finger mehr Talent hat wie Bay in beiden Händen. Bewundernswert ist allerdings, dass er auch aus dem letzten Bockmist dank der zahlungskräftigen Zielgruppe, die vermutlich mehr Playstationspiele als gute Filme kennt, noch Geld machen kann.
Leider muss ich gestehen, dass ich den Film damals im Kino gesehen habe und mir die annähernd drei Stunden qäulend lang vorkamen. Doch man kann nur von dem erzählen, was man mit eigenen Augen gesehen hat und so habe ich tapfer durchgehalten.
Nun ja, am Anfang wird erst einmal, gemäß der Versatzstücke aus "Titanic" und "Vom Winde verweht", eine Dreiecks-Liebesgeschichte erzählt, wie sie banaler wohl kaum sein könnte. Nachdem Capt. Rafe McCawley (Ben Affleck) eine Liaison mit Krankenschwester Evelyn Johnson (Kate Beckinsale) eingegangen ist, bricht er in Richtung England auf und kommt dort scheinbar bei einem Flugzeugabsturz ums Leben. Sein bester Freund Capt. Danny Walker (Josh Hartnett) packt die sich ihm bietende Gelegenheit beim Schopfe und tröstet Evelyn auf ganz besondere Weise. Doch Rafe kehrt überraschend zurück (bedauerlich für den Zuschauer, der erhofft hatte, Affleck beließe es bei einem Kurzauftritt). Das Liebeschaos könnte nun seinen Lauf nehmen, würden nicht die Japaner die Freundlichkeit besitzen, Pearl Harbor zu bombadieren und diesem traurigen Spiel ein Ende zu bereiten. Nachdem der Zuschauer nun fast anderthalb Stunden einem Liebesgeplänkel der ganz besonders uninteressanten Art beiwohnen musste, zündet Michael Bay ein Feuerwerk der Effekte ab. Hier ist der "Meister" dann wieder ganz in seinen Element. Zugebenermaßen hat Bay ein Auge für große Bilder und vielleicht hätte er besser ein zweistündiges, semidokumentarisches Bombardement inszeniert, denn dann wäre zumindest nicht aufgefallen, welch hundsmiserabler Geschichtenerzähler er ist.
Es wäre dem Film zu wünschen gewesen, er hätte mit den Rauchschwaden über Pearl Harbor geendet. Dann wäre das Desaster möglicherweise ausgeblieben. Aber Bay wäre nicht Bay, wenn die heldenhaften Amerikaner am Ende nicht noch zu einem Vergeltungsschlag ausholen und Tokio bombadieren würden. Glücklicherweise stirbt einer der beiden Protagonisten, so dass der Weg für den anderen und Evelyn frei ist. Alle Probleme sind behoben, die amerikanische Flagge darf in ganzer Pracht auch noch einmal gezeigt werden und fertig ist das Wohlfühlende.
Gerüchten zufolge plante Bay jedoch ein anderes Ende, welches den Produzenten aber zu pathetisch erschien: Bay wollte vier Jahre nach den Geschehnissen von Pearl Harbor den Atombombenabwurf auf Hiroshima zeigen: Rafe, die Nationalhymne pfeifend und auf der „Little Boy“sitzend, blickt verzückt dem Sonnenaufgang entgegen und schreit mit tränenerstickter Stimme: "Für Pearl Harbor und Evelyn." Atompilz. Ende.
Ben Affleck und Josh Hartnett bilden ein kongeniales Duo und liefern sich einen fuminanten Zweikampf um die Gunst der Zuschauers. Wer in diesem Kopf an Kopf-Rennen die schlechtere schauspielerische Leistung erbringt, bleibt jedem selbst überlassen. Vor diesem geballten "Können" verblasst selbst Kate Beckinsale, die neben den beiden wie eine Shakespeare-Mimin allererster Güte wirkt. Cuba Gooding Jr. zeigt einmal mehr, dass der gewonnene Oscar für "Jerry Maguire – Spiel des Lebens" ein Zufall gewesen sein muss, denn sein Part ist so überflüssig wie ein Kropf. Jon Voight als Präsident Franklin D. Roosevelt spielt akzeptabel, aber es scheint sein Los zu sein, sein großes Können in schlechten Filmen wie Perlen vor die Säue werfen zu müssen.
Würde es sich nicht um einen "romantischen Kriegsfilm" handeln, könnte man bei "Pearl Harbor" beinahe von einer Parodie sprechen. Die Klischees sind so dick aufgetragen, dass es beinahe schmerzt. Wer einen richtigen Film über "Pearl Harbor" sehen möchte, sollte diese widerlich-verlogene Schmonzette umgehen und direkt zum Klassiker "Tora, Tora, Tora" aus dem Jahre 1970 greifen, der die Geschehnisse des 7. Dezembers 1941 wesentlich besser schildert.
"Pearl Harbor" spielte bei einem Budget von 132 Millionen Dollar mehr als das 3,5fache seiner Kosten ein. Ein Fortsetzung ist derzeit nicht geplant, aber ein Ende hätte Bay schon im Kopf. Wenn das die Amerikaner nicht zum Öffnen ihrer Brieftaschen an der Kinokasse und dem Zücken der Taschentücher verleitet, dann weiss ich auch nicht mehr.....

"Die Welt ist nicht genug", Brosnans dritter Auftritt im Geheimdienst ihrer Majestät", kann meiner Ansicht nach nicht mit den beiden Vorgängern mithalten, obwohl das Budget von 135 Millionen Dollar das bis dato höchste eines Bondfilms war. Wirft man einen Blick auf den Cast, fallen zunächst Sophie Marceau und Robert Carlyle ins Auge, die zweifellos zu den profiliertesten Schauspielern…

"Die Welt ist nicht genug", Brosnans dritter Auftritt im Geheimdienst ihrer Majestät", kann meiner Ansicht nach nicht mit den beiden Vorgängern mithalten, obwohl das Budget von 135 Millionen Dollar das bis dato höchste eines Bondfilms war. Wirft man einen Blick auf den Cast, fallen zunächst Sophie Marceau und Robert Carlyle ins Auge, die zweifellos zu den profiliertesten Schauspielern in Europa zählen und normalerweise jeden Film aufwerten. Beiden gelingt es aber nur unzureichend, aus dem ungewöhnlich schwachen Script und den nicht gut ausgearbeiteten Charakteren etwas Brauchbares zu machen. Als größter Fehler erweist sich, dass man mit Michael Apted einen mit dem Genre kaum vertrauten Regisseur verpflichtet hat. Apted, bekannt durch exzellente Werke wie "Gorillas im Nebel" oder "Nashville Lady", aber auch für Gurken wie "Enigma – Das Geheimnis", schafft es nicht, sich in der Welt der James Bond-Thriller zurechtzufinden. Natürlich sind alle Ingredienzien eines typischen Bond-Abenteuers vorhanden, aber die Story wirkt teilweise zu wirr und schlägt manch unnötige Kapriole, die den Handlungsfluss mehr als einmal ausbremst. Der ausgebaute Plot um M ist leider eine Sackgasse und ebenso unglaubwürdig wie unnötig. Sophie Marceau merkt man an, dass sie sich in der Rolle der Elektra schauspielerisch teilweise unterfordert fühlt. Robert Carlyle gibt als Renard den vermeintlich typischen Bondschurken, was durch sein Äußeres gemäß der Holzhammermethode verstärkt werden soll. Die Idee mit der im Körper wandernden Kugel, die bald zum Tode führen wird, ist auch nicht sonderlich originell. Carlyle kann seiner Rolle nicht die nötige Tiefe verleihen, was ein wenig verblüfft, wenn man weiss, wie stark er in "Hitler – Aufstieg des Bösen" agierte. So hinterlässt seine Interpretation des Schurken am Ende kaum Eindruck und er darf getrost als einer der schwächeren Antagonisten innerhalb der Reihe gewertet werden. Denise Richards spielt Dr.(!- dies glaubt niemand ernsthaft) Christmas Jones, deren Rollenname schon das Beste an ihrem Auftritt ist. Kaum ein Bondgirl in der gesamten Reihe bleibt konturloser als sie. Einzig ihr Brustumfang gibt dem Charakter ein wenig Volumen. Claude-Oliver Rudolph darf ebenfalls für zwei Minuten sein zerfurchtes Gesicht in die Kamera halten, parlierte aber im Anschluss an die Dreharbeiten in jeder Talksendung über seinen Auftritt in einem Bondfilm, so als ob er eine der Hauptrollen ergattert hätte. Der Titelsong von Garbage ist zumindest ein kleiner Lichtblick in diesem für Bondverhältnisse mäßigen Film. Als Fazit kann festgehalten werden, dass dem 19. Bond Abenteuer "Die Welt ist nicht genug" im Hinblick auf die gesamte Bond-Reihe maximal ein Platz im unteren Drittel zugestanden werden darf. Innovationen oder Überraschungen sucht man in diesem schablonenhaften Agententhriller vergebens. Wenigstens verzichtet der Film auf die comichafte Action des Nachfolgers "Stirb an einem anderen Tag", der aber zumindest was die Schauplätze (etwa der Eispalast) betrifft, wieder mehr an die alten Bondfilme erinnern sollte.

"Daredevil" zählt zweifellos zu den schwächeren Comic-Verfilmungen der letzten 10 Jahre. Die Darsteller können allesamt nicht überzeugen und Ben Affleck schafft es mal wieder, mit einem Gesichtsausdruck sämtliche Emotionen (!) einfangen zu können. Wenn dies kein großartiges Talent ist. Colin Farrell verkörpert den scheinbar etwas unterbelichteten Bullseye, der mit seinem Eierkopf…

"Daredevil" zählt zweifellos zu den schwächeren Comic-Verfilmungen der letzten 10 Jahre. Die Darsteller können allesamt nicht überzeugen und Ben Affleck schafft es mal wieder, mit einem Gesichtsausdruck sämtliche Emotionen (!) einfangen zu können. Wenn dies kein großartiges Talent ist. Colin Farrell verkörpert den scheinbar etwas unterbelichteten Bullseye, der mit seinem Eierkopf eher lächerlich denn furchteinflössend wirkt. Ein trauriges Grimassenspiel, das er uns da präsentiert. Selten war ein Schurke so eindimensional wie Bullseye. Jennifer Garner als Elektra ist zwar eine Augenweide, wird aber bis auf ein paar nette Kampfeinlagen kaum gefordert. Im knapp 30 Minuten längeren Directors-Cut wirkt der Film zwar stringenter und nicht mehr so holprig wie in der 99minütigen Kinofassung, aber letztlich bleibt die Story zu uninteressant und die Actionszenen zu unbeholfen, um wirklich überzeugen zu können. Von Tempo oder gar Spannung möchte ich erst gar nicht sprechen.
So bleibt "Daredevil" ein seelenloses Hollywoodprodukt, welches schnell wieder in Vergessenheit gerät, gäbe es da nicht findige Produzenten, die ernsthaft über eine Fortsetzung dieser äußerst mäßigen Comic-Verfilmung nachdenken würden. Dann aber Gott sei Dank ohne Ben Affleck, gegen den sogar eine Topfpflanze den Ausdruckswettbewerb gewinnen würde. 4 Punkte für den D-Cut, einen weniger für die Kinofassung. Mehr ist nicht drin für den wagemutigen Teufel.