filmschauer - filmschauers Kommentare zu Filmen

Vermutlich haben nur sehr wenige gedacht, dass ausgerechnet "Men in Black" nach langen zehn Jahren der Abstinenz ein weiteres Sequel spendiert bekommen würde. Umso erfreulicher, dass man Barry Sonnenfeld, Will Smith sowie Tommy Lee Jones nochmal für einen dritten Teil zusammenbekommen haben. Doch auch wenn der altbekannte MIB-Flair erhalten werden konnte und man die Dekade Zeitabstand so gut wie überhaupt nicht spürt, so ganz kann man sich den neuen Moden der Filmwelt nicht verschließen und damit ist noch nicht einmal das 3D gemeint: Durch das Element der Zeitreise haben wir es in diesem Falle mit einem Quasi-Prequel zu tun, denn der Auftritt des bösen, bösen Boris führt indirekt dazu, dass wir die Vergangenheit des Agentendaseins zusammen mit J erforschen dürfen. Eines der wichtigsten Menschheitswagnisse spielt anno 1969 dann selbstverständlich ebenfalls eine große Rolle.

Narrativ geht man im Vergleich zu Teil 1 und 2 eine deutlich höhere Schlagzahl, womit vieles mehr Gewicht und mehr Zeit zur Entfaltung erfährt. Gerade der Punkt, wie dieses gewöhnlich heiße Eisen Zeitreisen hier behandelt wird, ist vom ganzen Ansatz her ziemlich charmant und auch sehr lustig umgesetzt worden. Will Smith als Retter der Stunde und Emma Thompson als O zeigen ihr komödiantisches Potenzial. Endlich finden sich wieder Einzelszenen, die man auch nach Jahren wohl nicht vergessen wird - anders noch als in Teil 2. Sowieso gehört die erste Hälfte von "Men in Black III" zum besten der Trilogie, was den Mix aus Action und Humor angeht. Auch die 69er Zeit, wenn man zudem den jüngeren K (gespielt vom guten Josh Brolin) kennenlernt, fügt sich da ungemein harmonisch in den Gesamtplot ein.

Die Chance, das Teil 3 die Führungsposition im MIB-Universum einzunehmen standen jedenfalls lange richtig gut, wenn nicht das groß angelegte Finale wäre. Dies ist zwar gut choreografiert, getrickst und gespielt, wirkt aber dennoch wie ein kleiner Stilbruch zu dem davor. Der Witz lässt spürbar nach (bis auf eine grandiose Stelle) und weicht einer seltsam ernsten Dramatik, die stellenweise mit sentimentalen Zügen durchsetzt ist. Die Geschichte an sich wird zwar so beschlossen, dass man von einem runden Ende sprechen kann, der Tonfall irritiert aber. Gut zu sehen ist das auch an diesem prophetischen Griffin (Michael Stuhlbarg, erkannt?), der später in Erscheinung tritt, der zuerst wie ein netter Weghelfer wirkt, später allerdings wie ein schleimiger 'Gutmensch'. Im Gesamtkontext mit der starken ersten Stunde, die so viele amüsante Momente geboten hat, kann ich mich mit dem Ausgang jedoch arrangieren.

"Men in Black III" ist insgesamt die Art von Fortsetzung, die man sich wünscht. Eine, die was zu erzählen hat, sich nicht auf altbekannte Stärken ausruht und neue Reizpunkte setzt. Will Smiths sympathisches Dasein zieht nach vierjähriger Leinwandpause noch immer und dieser Agent K ist ja sowieso Kult - egal, ob von Jones oder Brolin gespielt. Nicht großartig, aber für das, was man erwarten konnte inklusive einer gesunden Portion Skepsis, ein gelungener, dritter MIB-Ausflug.

Über "Men in Black II" großartig viel zu schreiben, fällt ziemlich schwer. Der Grund ist nicht nur, dass er seinem Vorgänger in vielen Punkten nicht das Wasser reichen kann, sondern in erster Linie seine offenkundige Belanglosigkeit, was starke Einzelszenen oder eine womöglich spannungsgeladene Geschichte betreffen könnte. Der offensichtliche Clou, inwiefern Tommy Lee Jones wieder zu den MIB-Kollegschaft zurückgeführt werden soll, bildet den Handlungskern dieses Sequels. Dabei ist es offenkundig dem resoluten Finale von Teil 1 geschuldet, dass die Idee dieser kreativen Deneutralisation zwar im ersten Moment ganz amüsant wirkt, aber dennoch seine arg konstruierten Momente hat, je länger man darauf herumreitet. Der Rest wie die unsäglich schlechte Antagonistin Serleena und ihrem Gebaren rund um den Planeten Zartha sind dann das zu benötigende Beiwerk, um dem Plot seine Existenzgrundlage zu geben.

Dass Barry Sonnenfeld selbst nicht groß auf die narrativen Stärken von "Men in Black II" baut, zeigt sich an der für einen potentiellen Blockbuster äußerst kurzen Lauflänge von deutlich unter 90 Minuten. Eher vertraut man dem komödiantischen Potenzial von MIB und erweitert die Sidekick-Rollen der kleinen, ach so lustigen Aliengruppe oder dem gesprächigen Mops auf eher ungesunde Art und Weise. Das alles funktioniert genauso halbgar wie das aufgesetzte Liebesgeplänkel, der gegen Ende zu Tage tritt, wenn wieder die Welt gerettet werden muss. "Men in Black II" ist für sich genommen Standardkost ohne die ganz großen Angriffsflächen, der ziemlich schnell an einem vorbeifliegt, als würde man anschließend bei sich selbst einen Neutralisator anwenden. Immerhin etwas, was er manch ärgerlichem Filmerlebnis voraus hat. Ein im Grunde unnötiges Anhängsel von Teil 1 bleibt er allerdings weiterhin, so gern man das ungleiche Agentenduo auch mag.

"Men in Black" ist schon ein Phänomen in der großen Welt der Filmgeschichte. Die damaligen Ideengeber und auch Marketingstrategen vom ersten Film der Reihe haben damals verblüffend viel richtig gemacht, um daraus so etwas wie einen Kult zu erzeugen, der bis heute anhält. Die Mittel waren clever gewählt: Die Vorstellung, dass Menschen unter uns eigentlich Aliens sind und schon lange unsere Gesellschaft heimlich durchsetzt, hat in den 90ern wohl bei vielen einen Nerv getroffen. Hinzu kommt eine locker-flockige Erzählweise, die samt dieser Männer mit schwarzen Anzug und Sonnenbrille einfach die Definition von 'cool' neu entwirft und zu guter Letzt eine vom Kassenmagneten Will Smith eigens dafür gerappte Coverversion eines Patrice-Rushen-Liedes mit Hit-Potenzial. Kein Wunder also, weshalb der Film so dick einschlagen konnte.

Dass finanzieller Erfolg und inhaltliche Qualität nicht unbedingt Hand in Hand verlaufen muss, ist allerdings auch bekannt. Denn "Men in Black" mag zwar ein guter Film sein, jedoch keineswegs das legendenumwobene Meisterwerk. Regisseur Barry Sonnenfeld, dessen Filmografie sich abgesehen von MIB ziemlich dünn liest, hat mit Altstar Tommy Lee Jones und jüngerem Will Smith zwei Asse im Ärmel, die mit ihrer bescheuert-liebenswerten Figurenzeichnung schon jeweils allein diese abgedrehte Geschichte stemmen könnten. Der eine bildet wie in einer klassischen Buddy-Komödie den anderen aus und erleben nach kurzer Kennlernphase gemeinsam ihre zu bewältigen Abenteuer, bei denen immer wieder kleine nette Gimmicks eingebaut wurden. Besonders die vorangegangene Erprobungsphase, wenn Smith sich neben anderen MIB-Kandidaten in Testverfahren beweisen muss, gehört zu den komödiantischen Höhepunkten (quietsch...). Ansonsten gestaltet sich das Komödien-Level vergleichsweise zahm und wird vom actionreichen Treiben abgelöst. Dies bleibt über weite Strecken ungemein kurzweilig, wobei der endgültige Aha-Effekt ausbleibt, was auch am eher schwachbrüstigen Gegner (Schabe) liegt, den die beiden Agenten die meiste Zeit verfolgen. Der gewollte Ekelhumor durch die unterschiedlichsten Arten eines Außerirdischen macht da jedoch einiges wieder wett.

Wenn man in die Sparte der vielen Science-Fiction-Komödien blickt, gehört "Men in Black" immer noch zu den besseren Vertretern seines Fachs. Zwar hat der Film über die Jahre schon zweimal meine erhöhten Erwartungen unterlaufen (um nicht das Wort 'enttäuschend' zu verwenden), bleibt aber sympathisch in der Machart und in gewissen Zeitabständen ein immer wieder gern gesehener Gast in der heimischen Stube.

Nachdem ich die Premiere des Schweizer Teams im letzten Jahres noch verpasst hatte (was nach den zahlreichen Verrissen vielleicht gar nicht so schlecht war), war es nun zum Saisonabschluss 2011/2012 an der Zeit, auch Flückiger & Co. mal beim Ermitteln zuzusehen. "Skalpell" enthüllt dann auch schon gleich zu Beginn die titelgebende Mordwaffe, die abseits eines Spendenlaufs zur Anwendung kommt. Sehr strukturiert und ordentlich geht daraufhin die Spurensuche los, die mit zwei Hauptverdächtigen schon eine gewisse Richtung aufzeigt. Man wird aber nicht sehr überrascht sein, dass sich der erste Eindruck nicht bewahrheiten wird. Eher schon über die unterschiedlichen Suizide, die sich dem Mordfall anschließen, womit schließlich der sozialkritische Teil der Handlung, dessen Inhalt ich an dieser Stelle mal nicht verrate, zum Vorschein kommt. Ja, auch bei den Schweizern ist man davor nicht gefeilt. Der Krimi, der sowieso eine tendenziell langsame Erzählweise hat, tendiert hier und da zum klassischen Drama mit großem Auf- und Erklärungsdrang, was zwar akkurat das Für und Wider dieses speziellen Themas porträtiert, dies für die Spannung eines Whodunit-Plots aber nur bedingt zuträglich ist. Dieser womöglich ungewollte Genre-Mix offenbart sich besonders gegen am Ende, als man bewusst die Rasanz und Hektik hochfahren will. Sonderlich dramatisch wirkt dieses Finale jedoch trotzdem nicht, da es zu schemenhaft abläuft und man so schon allzu oft in der ähnlichen Form gesehen hat. Grundsätzlich macht Hauptdarsteller Stefan Gubser alias Reto Flückiger seine Arbeit ganz glaubwürdig und wirkt durch seine Bodenständigkeit auch sympathisch, was sich am Umgang mit den Kollegen widerspiegelt. Dazu bekommt man mit der Stadt Luzern immerhin wunderschöne Bilder präsentiert. Trotzdem hat der Schweizer Tatort bisher noch keinen nachhaltigen Eindruck bei mir hinterlassen. Doch die nächste Chance lässt nicht ganz so lang auf sich warten, falls sich die bisherigen Terminplanungen stimmen sollten: Nach der Sommerpause ist sogleich wieder Flückiger dran. Die Tatort-freie Zeit zwischen 'adieu' und 'grüezi' kann also beginnen...

Die bekanntermaßen unheimlichen Geschehnisse um die Gegend von Dartmoor war aus meiner Sicht noch einmal ein ultimativer Test für die neue "Sherlock"-Serie, ob sich eine solch klassische Detektiv-Geschichte adäquat in die heutige Zeit versetzen kann. Doch man kann sich auf die Macher um Paul McGuigan und Mark Gatiss verlassen, denn es wurde an den richtigen Stellschrauben gedreht, um diesen Stoff moderner zu machen, ohne dabei das Original zu verkennen. Wenngleich der nun vorhandene Plot von "The Hounds of Baskerville" nicht den gleichen Grad an verwinkelter Deduktionsfantasie aufbietet wie fast alle anderen Episoden, hat diese neue Version von "Die Hunde von Baskerville" andere Stärken, die die gesamte Serie noch ein wenig bunter macht. Besonders die aufkommende Gruselatmosphäre, sei es des nachts im wäldlichen Umland oder eingeschlossen im unsicheren Laborkomplex, verursacht durch ein gute Tonregie großartige Spannungsmomente, selbst wenn dabei nicht gerade die superschlauen Einzeiler herausposaunt werden und natürlich alles irgendwie mit einem kleinen Augenzwinkern versehen ist. Freunde von Martin Freeman können sich hier am meisten freuen, da seine Rolle als Watson wieder größer wird, wobei Holmes natürlich schlussendlich immer den einen Schritt voraus sein wird. Sehr charmant sind da die versteckten Zeichen und Andeutungen, wenn es um die Freundschaft der beiden geht. Außerdem können wir wie schon in der letzten Episoden Holmes wieder bei einem innerpersönlichen Prozess beobachten, wenn er seinen eigenen Sinnen kurzerhand nicht trauen kann. Alles wieder sehr keck und flott an den Mann gebracht, sodass auch der 'Baskerville-Test' als bestanden beurteilt werden sollte. Moriarty kann kommen.

Als das weibliche "Hangover" wurde "Brautalarm" vielerorts ja bezeichnet. Eine Gruppe mehr oder weniger eng befreundeter Freundinnen machen nochmal einen drauf, bevor es zur Hochzeit geht. Natürlich gibt es auf den ersten Blick Parallelen zum männlichen Pendant, doch unterscheiden sich Tonlage, Figurenkonstellation und speziellere Genrezuteilung, sodass der Vergleich dann nur noch vage möglich ist. Vieles konzentriert sich in Paul Feigs Film auf Annies Schicksal, die allerdings nicht einmal die Auserwählte für den Traualtar ist. Ihr höchst ambivalenter Charakter (vorzüglich von Kristen Wiig verkörpert) und ihre Entwicklung innerhalb der Geschichte mit einigen nachvollziehbaren Ängsten und Nöten ist auch das entscheidende Merkmal, warum dieser Mix aus Romantik & Haudraufkomödie zu den besseren ihrer Sorte zu zählen ist.

Zwar hat mich die erste halbe Stunde noch überraschend kalt gelassen, die absurd-komische Szene im Flugzeug erscheint jedoch als zündender Wendepunkt. Ab da war ich sozusagen drin im Film und erst bei Einsetzen des Abspanns wieder heraus gepurzelt. Das bei einem zweistündigem Film dieser Sorte ist gewiss ein gutes Zeichen. Natürlich gibt es auch derberen Humor zu begutachten, hält sich aber wohltuenderweise sehr in Grenzen, setzt fast immer gut und sympathisch die Pointen und lässt allen beteiligten Figuren genug Raum, um sich für dieses Genre zufriedenstellend zu profilieren. Eine u.a. herrlich verschrobene Megan (sehr komisch: Melissa McCarthy) oder die geltungssüchtige Helen (mal ganz anders: Rose Byrne) rundet dieses bunte Ensemble hinter Wiig schließlich ab. Ich hätte es selbst nicht erwartet, aber "Brautalarm" setzt sich relativ gekonnt vom ermüdenden Einheitsbrei ab und bekommt damit meinen filmischen Segen.

Eskapismus pur, farbenfrohe Bilder, wirrer Plot: So in etwa lässt sich "Bunraku" beschreiben, eine Art von filmischer Zurschaustellung eines japanischen Puppentheaters. Ein auf den ersten Blick aufregendes, unerwartetes und zudem auch mutiges Unterfangen mit teilweise interessanten Ideen wie den Elementen bzgl. verschiedener Videospielarten (Autojagd aus der Vogelperspektive, Nummerierung der Gegner), bei dem man sich dennoch lange fragen muss, was Guy Moshes Film von einem überhaupt will. Anhand einer Erzählstimme (Mike Patton) wird man zuerst ganz adäquat in diese verrückte Nachkriegswelt eingeführt, die sich im Besonderen dadurch auszuzeichnen vermag, dass es keine Waffen gibt. Heißt im Umkehrschluss, dass die nackte Faust und das gestählte Bein gefragt sind. Erst im weiteren Verlauf kristallisieren sich die Martial-Arts-Buddys (Josh Hartnett/Gackt) und der sagenumwobene Endgegner (Ron Perlman) heraus. Das, was man die meiste Zeit höchst umständlich zu erklären versucht, entpuppt sich als ziemlich konventioneller Racheplot. Man möchte dem Film eigentlich nicht so richtig böse sein, ihn mit einem Augenzwinkern nach dem Style-over-Substance-Prinzip auf rein audiovisueller Ebene genießen, das krude Erzähltempo mit einigen sehr langweiligen Zwischensequenzen verleidet das einem jedoch nachhaltig (min. 20-30 Minuten zu lang). Exemplarisch sei der völlig inhaltsleere Nebenplot um Demi Moore genannt. Auch Woody Harrelson als helfender Sidekick agiert zumeist auf Autopilot. Schade, da einige Szenen immerhin Hoffnung auf ein spaßiges Abenteuer gemacht haben. Die bunten Pappaufsteller und fantasievollen Kulissen mögen hierbei vielschichtig gewesen sein, doch das Drehbuch konnte in der Beziehung leider nicht mithalten.

Sherlock is back! Nun ist es zwar schon etwas länger her seit der äußersten überzeugenden Staffel 1 und es gab schon die klitzekleine Befürchtung, dass der 'Groove' der Serie nachlassen hätte können. Aber weit gefehlt: Spätestens ab Mitte von "A Scandal in Belgravia" klebt man förmlich wieder an der Mattscheibe und frönt dem vergnüglichen Spektakel rund um Holmes und Co. Nach dem großen Moriaty-Auftritt und dem Abtauchen in den erneuten Hintergrund muss sich der Plot anfangs zugegebenermaßen noch etwas finden, doch mit dem, äh ja, aufreizenden Auftritt von Irene Adler und ihrem ominösen Smartphone inklusive heiklem Inhalt für die Krone wird Holmes mal wieder vor eine harte Probe gestellt, der nicht nur den Intellekt (und die Gefühlswelt) des Hauptdarstellers, sondern auch den des Zuschauers fordert. Daneben erweist sich Watson erneut als gewinnbringender Handlanger und auch Mrs. Hudson bekommt nette Szenen spendiert. Dadurch, dass in Bezug auf Holmes und Adler beide ihre Ticks und Spleens haben, wirkt das bestechende Duell darüber, wer den jeweils nächsten Schritt vorausdenken kann, umso einzigartiger. Freund oder Feind? Liebe oder Hass? All das mit der typischen Inszenierung, was Texteinblendungen und Schnitt anbelangt, macht die mittlerweile vierte Episode zu einem gewohnt hochklassigen Krimivergnügen, auf welches man so lange warten musste. Next episode, please!

Jeder von uns findet sicherlich noch amüsante Beispiele aus seiner Schulzeit, bei denen gewisse Personen vor der Tafel nicht den eigentlichen Vorstellungen eines vorbildlichen Lehrers entsprachen. Das dachte sich wohl auch Regisseur Jake Kasdan und hat aus dieser Idee einen ganzen Film gemacht. Was sich im Vorhinein sehr lustig anhörte (und im ordentlichen Trailer auch ansah), klappt im Ergebnis nur so halb. Zwar zieht Cameron Diaz als das schlechte Lehrervorbild mit den pragmatischen Zielsetzungen Wohlstand (reichen Mann finden) und Schönheit (Brustvergrößerung) ihre mittlerweile routinierte Komödienleistung ab, welche zugegebenermaßen für den einen oder anderen Lacher gut ist. Ebenso positiv erwähnenswert wäre noch Lucy Punch, die als 'Antagonistin' und vollständiges Gegenbild die absehbaren Giftpfeile abwirft und Diaz sogar manchmal die Show stehlen kann. Der Rest der Darstellerriege - etwas abgeschwächt Jason Segel, aber besonders Justin Timberlake, Phyllis Smith oder John Michael Higgins - weist indes völlig überzeichnete Figuren auf, die jeweils außer ihrer Oberfläche kein interessantes Innenleben bieten, um dem Film mehr (satirische) Substanz zu verleihen. Genauso verhält sich der Plot im weiteren Verlauf, der nach erwartbaren Mustern verläuft und nur die überraschen mag, die noch nie eine US-amerikanische Mainstream-Komödie zu Gesicht bekommen haben. Mittelmaß ist bei "Bad Teacher" angesagt und würde von der einen oder anderen wahren Lehrergeschichte in Sachen Komik bestimmt locker getoppt werden. Note also: knapp befriedigend.

Ja, das Internet ist schon böse. So zumindest der Anschein, wenn man sich "Chatroom" zu Gemüte führt. Hideo Nakata, den man noch als Schöpfer der beiden ersten "Ringu"-Schocker bekannt, versucht sich nun wieder mit einer unwirklichen Verschmelzung von Realität und Medium. Diesmal ohne Videokassetten, sondern mittels einer kleinen virtuellen Runde. Der zentrale Kniff, genau diese digitalen Konversationen wie eine dauerhafte Parallelwelt in einem echten Raum stattfinden zu lassen, ist dabei sicherlich originell, mutet in der Umsetzung insgesamt jedoch arg artifiziell an, um von dieser Dualität vereinnahmt zu werden - ein Makel, der ja vielen gewagteren High-Concept-Filmen anzulasten ist. Erzählt wird zwar keine Horrorgeschichte, sondern ein in seinen Grundzügen doch waschechter Thriller-Plot, nur eben hier mit lauter britischen 20-Jährigen. Die zeitgenössischen Themen, die der Film anhand seiner Internet-Prämisse abarbeitet, sind ganz bestimmt nicht unwichtig für die heutigen Generationen, werden aber tendenziell zu reißerisch erzählt, als dass sie wirklich emotional berühren könnten (auch durch die vereinzelt durchwachsenden Schauspielleistungen) und damit ein 'Weiterdenken' befördern würden. Das Schicksal eines jeden Beteiligten in dieser Runde verflüchtigt sich zu sehr unter dem aufdringlichen Dämonenstatus, den Hauptcharakter William ausübt. Übrig bleibt ein nicht uninteressantes Gedankenexperiment mit zumindest einigen aufregenderen Zwischenmomenten, den wenig befriedigenden Gesamteindruck können diese aber nicht wegwischen.

Gut gemeint ist bekanntlich nicht immer gleichbedeutend mit gut gemacht. Der heutige Odenthal-Tatort ist genau solch ein Fall, der auffällige Modernisierungsversuche aufbietet: Twitterwall im altgedienten Teletext (nett, aber nutzt man das nicht eigentlich am ehesten, wenn die Episode nicht gerade mitreißt?), mal ein etwas anderer Krimi-Schauplatz und Handlungsverlauf sowie die neue Plattform 'Tatort+', der über die neunzig Minuten hinaus den Zuschauer ermitteln lässt (was ich allerdings für unnötige Spielerei halte). So haben auch die ersten Szenen von "Der Wald steht schwarz und schweiget" Hoffnung gemacht, einem für Ludwigshafener Verhältnisse geradezu großem Vorhaben beizuwohnen. Denn Odenthal wird von einer jugendlichen Bande entführt, nachdem sie einen vermeintlichen Tatort im Wald aufsuchen will. Warum genau, erfährt man zuerst nicht. Parallel dazu werden bei den Kollegen mit der schrittweisen Spurensuche begonnen - mal wieder in der Führung des furchtbar hölzern aufspielenden Andreas Hoppe als Kopper. Nun kann man sicherlich argumentieren, dass man eine reale Gefährdung des Stammpersonals fast immer mit vollständiger Sicherheit ausschließen kann. Und so schwindet die anfängliche Aufregung immer mehr, analog zu Odenthals verblüffend routinierten Maßnahmen, diese Gruppe mit ihren Absichten und Gefühlen zu sezieren. Das wirkt dann leider in ihrer checkbuchartigen Aufmachung ziemlich lahm und mutlos im Angesicht des möglichen nervenaufreibenden Survivaltrips und unterfordert scheinbar so manchen der anwesenden (Jung-)Darsteller. Für passionierte Wanderer mögen die teilweise ansprechenden Naturaufnahmen interessant sein, für Krimifans hätte man sich besonders in Sachen Spannungsmomenten bei dieser Gruppentherapie viel mehr zutrauen müssen.

Dass die Bush-Ära der 2000er Stoff für viele spannende Geschichten hergeben würde, war zu vermuten, wie es schon einige Beispiele aus jüngerer Vergangenheit zeigen. Auch die damalige Plame-Affäre im Zuge der 9/11-Anschläge und der konsequenten Behauptung, die Iraker würden mit Massenvernichtungswaffen hantieren, gehört aus politischer Sicht auf jeden Fall dazu. Für Regisseur Doug Liman ein gefundenes Fressen, um nach zwei mauen Actioner-Versuchen (speziell "Jumper") wieder in den gewohnten Bereich des Agenten- und Verschwörungsfilms im weitesten Sinne zurückzukehren, so wie es schon in "Die Bourne Identität" geklappt hatte. "Fair Game" wirkt da inszenatorisch vielleicht auch aufgrund dieses heiklen Themas schon etwas auf Sicherheit bedacht. Ein Schlüsselpunkt ist die erzählerische Verzahnung zwischen dem Privatleben von Valerie Plame bzw. ihrem Gatten Joseph C. Wilson und der öffentlichen Bühne im Kreise der CIA und den politischen Strippenzieher. Im Laufe des Films teilt sich dieser in grob zwei Hälften: der Teil vor und der nach der Enttarnung. Zuerst wird fast dokumentarisch und unterkühlt die Ereignisabfolge bei beiden geschildert, bevor schließlich die Intimität im Angesicht der öffentlichen Stigmatisierung in den Vordergrund tritt. Das ist alles irgendwie interessant, wirkt im Ganzen jedoch etwas inhomogen ausgearbeitet, was die besagte Mischung im Sinne von Spannung und Dramatik angeht. Besonders fehlen ein wenig die genaueren Sichtweisen der Gegenseite, seien es politischer oder journalistischer Herkunft, was natürlich auch an den gegebenen Dokumenten und Belegen liegen könnte. Vom Schauspiel her ist das von Naomi Watts und dem schon damalig bekennenden Bush-Gegner Sean Penn tadellos umgesetzt, auch die Nebenrollen sind kompetent besetzt worden (bspw. Michael Kelly oder Noah Emmerich). Mit "Fair Game" hat Doug Liman sicherlich an Reputation zurückgewonnen und nochmal diesen Fall von Mut zur Wahrheit gegen übermenschlichen Widerstand der Politik ins Gedächtnis gerufen, der ganz große Wurf als Film ist dieser unabhängig vom Thema allerdings nicht.

James Mangolds "Cop Land" ist nicht zu unrecht einer jener Filme, in dem Sylvester Stallones oftmals als limitiert bezeichnete Schauspielkunst am beeindruckendsten zu Tage treten sollte. Hier ist er ein von vielen belächelter Underdog in Polizeiuniform und zudem halb taub, dem bewusst der Sprung nach oben auf der Karriereleiter verwehrt wurde. Etwas erinnert sein Rollenprofil an den ersten "Rocky", bei dem mit der aufkeimenden Ungerechtigkeit, die ihm und das Umfeld begegnen, eine gewisse Initialzündung einhergeht, trotz aller Widrigkeiten mehr zu tun. Konkret heißt das, als Sheriff Heflin die Ungereimtheiten rund um Joey Randones Schicksal und die Frage nach Korruption aufzuklären. Dieser Typus passt natürlich wie die Faust aufs Auge bei Stallone und er nimmt dieses Geschenk auch dankend an, indem er diesen Charakter so gefühlvoll mit Leben fühlt. Dass es erst soweit gekommen war in diesem Stadtviertel mit den vielen beheimateten Polizisten, erzählt Mangold als Regisseur und Autor vergleichsweise geradlinig, aber eindringlich. Irgendwo zwischen Drama und Thriller ordnet sich "Cop Land" ein, der außer Stallone mit Harvey Keitel, Robert de Niro, Ray Liotta oder Robert Patrick eine gestandene Besetzung bietet. Vielleicht hätte man aus diesen Stars und ihren Rollen sogar noch etwas mehr herausholen können, andererseits fokussiert sich vieles eben auf Stallone. So funktioniert dieses doch einfach gestrickte Drehbuch in Sachen Spannungsaufbau bemerkenswert gut, auch wenn die Hintergründe über den Polizeiapparat relativ oberflächlich bleiben. Zudem atmet der Film noch die Luft der 90er, bietet eine elegische New-Jersey-Atmosphäre und lässt sich sogar ganz angenehm anhören, Howard Shores leicht melancholischen Klängen sei Dank. Summa summarum ein gelungener Streifen aus dem Hause Mangold.

Keine Frage, mit dem Abschied von Mehmet Kurtulus' interpretierten Undercoverspezialisten aus Hamburg verliert man eine besondere Note im Tatort-Spektrum. Angespornt durch die guten vorangegangenen Folgen wollte man ihm natürlich einen großen Abgang spendieren. Dies wird in der finalen Episode mit dem träumerischen Titel "Die Ballade von Cenk und Valerie" schon an kleinen Stellen allzu deutlich: Es folgen kleine Flashbacks zu älteren Fällen, das Ziel ist ausgerechnet der Bundeskanzler und geboten wird die unmenschliche Zerreißprobe einer ganz großen Liebe, die über den Job hinaus geht. Die Macher um Regisseur Matthias Glasner wollten zurecht viel - insgesamt leider zu viel. Cenk Batu, den man zuvor als Vollprofi kennengelernt und geschätzt hat, vollzieht hier den Status 'out of control' und läuft in Teilen der kennengelernten Charakterzeichnung zuwider. Das ist sicherlich spannend genauso wie auch die gesamte Folge, jedoch nicht immer nachvollziehbar. Da man sich hier wieder mehr im Thriller-Milieu als im klassischen Krimiumfeld befindet, muss man sich auch dem Vergleich mit jenen Genrekollegen stellen, die ebenfalls gleiche Themenfelder abgegrast haben. Der Gegenpart mit einer 'merkwürdigen' Killerin und einem Trader ohne Gewissen mutet fragwürdig, wirkt an einigen Stellen arg überzeichnet (platte Kapitalismuskritik) oder gar überflüssig (z.B. der Teil mit dem Sohn der Killerin) und offenbart im Zuge der Geiselnahme einige Logikschwächen, die ärgerlich sind. Trotz allem schafft der Film es, weitestgehend nicht an Brisanz und Spannungsmomenten zu verlieren, obwohl man den Ausgang der Geschichte schon zu Beginn in Fragmenten bewusst verraten bekommt. Nicht schlecht im Gesamten, jedoch ebenso wenig das erhoffte I-Tüpfelchen für die kurze Batu-Ära. Egal, diesen Typ von Ermittler wird man gewiss nicht so schnell vergessen.

Es ist oftmals ein zweischneidiges Schwert, wenn das Thema Selbstjustiz in Filmen zentrales Thema ist, insbesondere im Kontext mit realen Umständen. Auch in Daniel Barbers Debütwerk "Harry Brown" muss man sich die Frage stellen: Ist das jetzt eine genauere Sozialstudie über verwahrloste Jugendsippen Englands oder doch ein auf Unterhaltung getrimmter Gewaltfilm? Zumindest das erste Drittel der Laufzeit würde klar auf ersteres hindeuten lassen. Der altehrwürdige Michael Caine spielt dabei diesen Rentner Brown, der fast zeitgleich mit zwei traurigen Schicksalen konfrontiert wird, wobei zumindest einer mit den kriminellen Jugendlichen zu tun hat. Wie das triste Umfeld im Londoner Stadtteil wird auch sein Leben in tragischer Tonart dem Zuschauer präsentiert. Es gibt jedoch eine diskutable Schlüsselszene, wenn Brown sich eine Waffe besorgen will - aus reiner Selbstverteidigung oder mit Vergeltungsabsichten, wird zuerst offen gelassen. Gemeinsam mit den vergeblichen Maßnahmen der heimischen Polizei, die an einigen Stellen sehr schlecht wegkommt, entlädt sich daraufhin die angestaute Wut. Da bei der Gegenseite in Sachen Drogen, Sex und Gewalt ohne große Subtilität und tieferer Ursachenforschung für deren Verhalten alles aufgefahren wird, was möglich erscheint, soll die Toleranzgrenze für Browns Absichten sichtlich steigen. Ein moralischer Drahtseilakt, obgleich rein filmisch der Film absolut seine Qualitäten hat, sei es die durchweg dichte Erzählweise, gepaart mit eingängigen Bildern sowie einem starken Hauptdarsteller. Wenn allerdings Regisseur Barber mit "Harry Brown" im Heimatland bewusst provozieren bzw. aufrütteln wollte, dann hat er sein Ziel durchaus erreicht.

Wie schon Daft Punk's Mitwirken bei "Tron Legacy" demonstriert hatte, zeigt sich auch in "Wer ist Hanna?", dass alternative Musiker, die ansonsten eigentlich wenig mit Kino zu tun haben, ein großer Zugewinn für das Gesamtergebnis sein können. Die kreativen Melodien und ungewohnten Beats des Duos The Chemical Brothers im Kontext der jeweiligen Szene sind alleine schon wert, um den Film sehen zu müssen. Doch auch davon abgesehen hat Joe Wright einen ambitionierten Film gedreht, der besonders handwerklich wohl am meisten Neuland betritt, sei es das für dieses Genre des Actionthrillers ungewöhnliche Pacing oder die etwas anderen Drehorte wie den verlassenen Spreepark in Berlin. Natürlich ist ebenso die Geschichte einer 16-Jährigen, die zusammen mit ihrem Vater bisher völlig abgeschottet von der Zivilisation lebte und nun ihre Kampferfahrung auch außerhalb des einsamen Waldes im hohen Norden Europas beweisen muss, schon aufgrund ihrer Kuriosität spannend. Die zweifellos talentierte Saoirse Ronan verkörpert diese Hanna schon überzeugend, obwohl manches beim Übergang in die 'andere' Welt doch etwas zu glatt abläuft. Sie ist das absolute Zentrum der Szenerie, alle anderen nur temporären Wegbegleiter, die entweder hilfreich sind oder eben eine zu überspringende Hürde darstellen. Die lange Ausbildung mag da zwar als Grund herhalten können, der interessante Einblick in die Psyche bleibt allerdings zwecks der andauernden Hetzjagd tendenziell zurückgedrängt. Spätestens wenn Grimms Märchen im Film erwähnt werden, verstärkt sich dann auch der Eindruck, hier einer im Grunde märchenähnlichen Idee der etwas blutigeren Art beizuwohnen. Wie gehaltvoll diese nun für jeden einzeln erscheinen mag, muss wohl jeder mit sich ausmachen, konsequent umgesetzt abseits von altbekannten Genrekonventionen ist es im Großen und Ganzen aber definitiv - und darum auch die Empfehlung wert.

Der unbändige Freiheitswille kann manchmal die absurdesten Geschichten schreiben, mag man bei der Sichtung von "Express in die Hölle" des Öfteren denken. Zwei Knastis flüchten aus einem heruntergekommenen Sicherheitstrakt im Nirgendwo, so simpel wähnt sich die Prämisse von Andrej Konchalovskys Film. Wo bei vielen Ausbrecherfilmen der Schlusspunkt im geglückten Versuch endet, fängt in diesem Fall erst das eigentliche Drama an: Nicht nur, dass die Weiten Alaskas nicht gerade vergnügungssteuerpflichtig sind, wähnt man sich kurze Zeit später in einem führerlosen Lokzug. Was als Grundszenario Tony Scotts viel späterem "Unstoppable" ähnelt, erzeugt hier zwei dramatische Erzählstränge, wenn einerseits das Bahnunternehmen an diversen Lösungsvorschlägen brütet, andererseits die Zweckgemeinschaft der beiden Flüchtlingen auf eine harte Probe gestellt wird. Natürlich beruht die Geschichte auf zahlreichen Zufallsereignissen, die an manchen Stellen schon fast amüsant sind und die aufgebaute Tragik ein wenig verwischen, geht jedoch einher mit der feinen Ironie und dem Pfeifen auf politisch korrekte Sichtweisen - man nehme nur die groteske Rolle des Gefängnisdirektors. Besonders das Ende weiß die Zügel nochmal geschickt anzuziehen, sodass die Spannungskurve nie abbricht. Kompliment an Jon Voight und Eric Roberts, denen man ihre ungleichen Rollenmuster, welche eine immense Reibungsfläche offenbaren, jederzeit abnimmt. Dreckiges, unbequemes und erbarmungsloses 80er-Jahre-Kino, das verdient hat, entdeckt zu werden.