127 Hours

Knochen brechen, jeder einzelne von ihnen ein alles verschlingender Knall mitten hinein in verlassenste Einöde, Venen durchschneiden wie rote Fruchtgummispaghetti, Taschenmesserklinge rein ins nackte Fleisch, dann wieder raus, rein, raus, raus, rein, Schweiß fließt, Blut spritzt, Herz rast, Schmerz wütet, die Kamera schwenkt weg, wieder hin, wird zunehmend hysterischer. Eine Tortur. Blankes Körperkino. Total intensiv, ohne voyeuristisch, ohne effektheischend zu sein. In Ekstase, verzweifelt, halb verdurstet und halb verhungert. Das Armabschneiden als Ausdruck eines ungezähmten Überlebenswillens einer zum Sterben zurückgelassenen, vor sich hin siechenden Kreatur. Der Ruf nach Freiheit übertönt sämtliche persönlichen Schmerz- und Ekelbarrieren und führt zur anatomischen Klimax. Vor sich ein einziges Ziel: leben. Lediglich leben. Nichts anderes. Für die Liebe, die Familie und Freunde, im Prinzip für die ganz großen Dinge. Aus der Amputationsszene, wo Danny Boyles Einpersonenstück…

Knochen brechen, jeder einzelne von ihnen ein alles verschlingender Knall mitten hinein in verlassenste Einöde, Venen durchschneiden wie rote Fruchtgummispaghetti, Taschenmesserklinge rein ins nackte Fleisch, dann wieder raus, rein, raus, raus, rein, Schweiß fließt, Blut spritzt, Herz rast, Schmerz wütet, die Kamera schwenkt weg, wieder hin, wird zunehmend hysterischer. Eine Tortur. Blankes Körperkino. Total intensiv, ohne voyeuristisch, ohne effektheischend zu sein. In Ekstase, verzweifelt, halb verdurstet und halb verhungert. Das Armabschneiden als Ausdruck eines ungezähmten Überlebenswillens einer zum Sterben zurückgelassenen, vor sich hin siechenden Kreatur. Der Ruf nach Freiheit übertönt sämtliche persönlichen Schmerz- und Ekelbarrieren und führt zur anatomischen Klimax. Vor sich ein einziges Ziel: leben. Lediglich leben. Nichts anderes. Für die Liebe, die Familie und Freunde, im Prinzip für die ganz großen Dinge. Aus der Amputationsszene, wo Danny Boyles Einpersonenstück auf dem Höhepunkt seiner Entschlossenheit angelangt ist, erstrahlen Urkräfte.

Boyle und Simon Beaufoy adaptierten die wahre Geschichte des Extrembergsteigers Aaron Ralston, der 127 Stunden lang in einer Spalte von einem Felsbrocken eingeklemmt war. Durch eine selten drastische Maßnahme konnte er sich befreien, sein Körper in einem völlig dehydrierten Zustand, ausgelaugt, halbtot, mit rechtem Armstumpf. Seine autobiographische Geschichte schrieb er nieder und avancierte 2003 zur Hauptattraktion amerikanischen Presseerzeugnisses. Ralstons Schicksal war thematisch günstig für Danny Boyle, weil es des Regisseurs immer wieder kehrendes Motiv einer Gruppe Überlebender, die von der Zivilisation abgeriegelt werden, zum Individuum verdichtet. Diesmal wird ein einziger Überlebender isoliert, die ultimative Reduktion auf dramaturgischen Minimalismus. Nur er steht im Mittelpunkt. Keine klassisch geschnittenen Ortswechsel, keine weiteren Akteure, für die sich die Kameralinse länger als ein paar Augenblicke interessiert, keine narrativen Schnörkel und Schlenker und klischeehaften Hollywood-Manierismen. Dass "127 Hours" einem vergleichsweise unspektakulären Tatsachenroman entspringt, ist folgerichtig zu jedem Zeitpunkt nachvollziehbar.

In der ersten Hälfte des formal wie emotional stark zweigeteilten Films wühlt Boyle im Videoclip-Repertoire seiner eigenen unverwechselbaren Handschrift. Die Musik wütet durch die idyllisch-meditativen Bilder grellorangener Landschaftsaufnahmen, welche nicht selten an Boyles Überlebenstrip "The Beach" erinnern. Außerdem symbolisieren manchmal zwei-, öfters jedoch gleich dreigeteilte Split Screens das essentielle Verhältnis von der Hektik der Massen in Großstädten einerseits und der Einsamkeit eines Einzelnen in sperrigen Felsformationen andererseits. Jon Harris schneidet schnell und energiegeladen. Richtig cool wird Aaron Ralston (James Franco) eingeführt, der gleichfalls in einer Art "The-Beach"-Reminiszenz auf zwei Frauen trifft (die allerdings keinen sonderlichen Mehrheit bringen), denen er als besonders verrückter Bergsteiger den Weg durch die Schluchten zeigt. Bereits angesichts jener ungewöhnlich langen Exposition lernt man Einiges über Ralston, unter Vermeidung dessen, dass Boyle in der Kindheit seines Protagonisten gräbt. Die Kunst aus wenigen Worten viel zu erzählen. Ralston ist zu Beginn scheinbar übertrieben gelassen, die Berge sind sein zweites Zuhause, er ist furchtlos, liebt das Abenteuer, den Nervenkitzel, das Risiko. Schwer vorstellbar, dass ihm das nicht irgendwann zum Verhängnis wird.

Nach dem unglücklichen Absturz schließlich ersetzt zunächst deprimierende Hoffnungslosigkeit euphorische Lust am Klettern. Kampf gegen die Natur. Alles hat sich gegen Ralston gerichtet. Ein einseitiger Kampf, den Ralston verlieren sollte. Ralston ist gefangen. "Alles [ist] ganz nah, augapfeldicht, ein Kampfgebiet ohne Platz zum Manövrieren oder Verfeinern […]" ("Unterwelt" – Don DeLillo, S. 396). Boyle lotet körperliche, aber auch seelische Nahtoterfahrungen aus, Ängste und Panik. Ralstons allzu menschliche Triebe, die sehr bedingt befriedigt werden können, führen geradewegs in den Wahnsinn. Bemerkenswert, dass Boyle nicht per se an Hunger und Durst denkt, sondern auch an das sexuelle Verlangen Ralstons, welches in einer Szene kurz angedeutet wird. Boyle inszeniert unheimlich dynamisch, unheimlich rasant, da, wo eigentlich die Zeit eingefroren zu sein scheint, da, wo in der Realität Rasanz von Monotonie abgewürgt wird, die umfassende Palette sämtlicher Gefühlsebenen, niemals plakativ oder pathetisch, eher zurückhaltend und angenehm unaufgeregt, sodass der Zuschauer als stiller Beobachter direkt im Geschehen involviert ist.

Hochspannung beschwört hingegen nicht vordergründig die unnatürlich begrenzte Location herauf – das zwar auch –, aber vielmehr resultiert sie aus Ralstons langsam zur Neige gehenden Vorräten und der in diesem Kontext darauf aufbauenden, stetigen Information darüber, wie viel Energie der Akku seiner Kamera beinhaltet und wie viele Milliliter Wasser in seiner Trinkflasche vorhanden sind. Insgesamt nicht viel; Ralston wird letztendlich dazu gezwungen, eigene Körpersäfte zu trinken. Auch Details in Form zittriger Füße, die, sobald sie ins Sonnenlicht gehalten werden, einer Erleichterung gleichkommen, ebenso wie stumpfe Taschenmesserversuche und fortwährende Videoaufnahmen eines teils dokumentarisch konnotierten Charakters untermauern Danny Boyles hochkonzentrierte Inszenierung mit scharfem Auge. Charakterisiert wird Ralston indes mit Hilfe eindringlicher Rückblenden vergangener Kindheit und Jugend aus skurrilen Visionen (speziell die Regenepisode sei hervorzuheben), aufgrund deren, neben Ralstons lässigen Kommentaren im Angesicht des Todes, der tendenziell ernst Tenor des Werks häufig mit ironischem Humor aufgelockert wird, der manchmal sogar in zynischen umschlägt (Einleitung mit "Lovely Day" des dritten Tages).

Damit es in der schmalen Felsspalte nicht langweilig wird, kompensiert Boyle die Stille des Augenblicks mit der lauten Vibration postmoderner Bildmontagen. Aus jeder verstaubten Ritze massiver Gesteinsformationen filmt die Kamera (Anthony Dod Mantle, Enrique Chediak) extravagante Perspektiven, fliegt direkt in Trinkflaschen zu den letzten Tropfen überlebenswichtigen Wassers, die mikroskopisch wie mit Lupe vergrößert werden. Darüber hinaus beobachtet sie auf menschliche Knochen schlagende Klingen eines Taschenmessers, schwebt von der Spalte weg, hinauf zum Gesamtpanaroma der Landschaft, durch Trinkschläuche und das mechanistische Innenleben Ralstons Handkamera, zoomt entfesselt und schwenkt irrwitzig wild umher. Boyle schnipselt in einem der psychedelischsten Momente eine bunte Collage aus lauter einzelnen Werbegetränken diverser Markenhersteller zusammen. Das wirkt ungeheuer sarkastisch und böse, vor allem aber ungemein stilsicher und ästhetisch.

Natürlich ist "127 Hours" hauptsächlich bewegende One-Man-Show. Ganz auf den Hauptdarsteller zugeschnitten, mit dem man leidet, ihn begleitet, immer und überall dauerpräsent. James Franco spielt im wahrsten Sinne des Wortes um sein Leben, changiert gekonnt und wunderbar subtil zwischen schicksalshadernd und ehrgeizig, willig und ergeben, selbstbewusstem Witzbold und ausgemergeltem Radiomoderator. Und begeistert mit einer authentischen Wandlungsfähigkeit. Ausgerechnet seine katastrophale Lage verhilft ihm zur Katharsis: Er wird laut einigen ergreifenden Texteinblendungen, in denen der echte Aaron Ralston zu sehen ist, unmittelbar gegen Ende von nun an sowohl einen Zettel mit dem Aufenthaltsort hinterlassen als auch stets von der richtigen Ausrüstung begleitet werden. Ein echter Kämpfer. Die letzten Minuten, als er endlich aus seinem Martyrium entkommt und auf weitere Wanderer trifft, sind Gänsehaut. Franco war nie besser.

Danny Boyle ist eine in seiner überschaubaren Ausstattung klein arrangierte, aber in ihrer Aussage umso mächtigere Hymne auf die ungebrochene Sehnsucht des Menschen nach Freiheit gelungen. James Franco trägt, während Boyles Atem so weit reicht, um der für einen Spielfilm herausfordernden Prämisse mit jeder Menge Menschlichkeit Leben einzuhauchen. Ein kleiner, großer Knüller.

Jede Zeit hat ihre passende (Film)Figur. Als sich Ende der 90er Jahre die Dot.Com-Blase aufblähte, ließ Hollywood mit „Cast Away“ Everybodies Darling Tom Hanks auf einer einsamen Insel stranden. Nur wenig später entschied sich Nicolas Cage in „Family Man“ für die Familie anstatt für die steile Karriere. Und als Gier und Machthunger den Finanzmarkt kollabieren ließen, erkannte Vielflieger Ryan Bingham, überzeugend verkörpert von George Clooney in „Up in the Air“, dass er als Verkörperung des globalen und flexiblen Kapitalismus am Ende ganz allein dastehen könnte.

Zwei Jahre zuvor. Mitte der sog. „Nuller-Jahre“. Aron Ralston steht für die Generation „Ego“. Er ist ein Gesellschaftsverweigerer. Ein Abenteurer. Im Frühsommer 2003 stürzte der damals 27-jährige bei einer Solo-Tour im Bluejohn Canyon in Utah in eine Felsspalte. Dabei wurde sein Arm von einem gelösten Felsbrocken eingeklemmt. In seinem Buch „Im Canyon“ („Between a Rock and a Hard…

Jede Zeit hat ihre passende (Film)Figur. Als sich Ende der 90er Jahre die Dot.Com-Blase aufblähte, ließ Hollywood mit „Cast Away“ Everybodies Darling Tom Hanks auf einer einsamen Insel stranden. Nur wenig später entschied sich Nicolas Cage in „Family Man“ für die Familie anstatt für die steile Karriere. Und als Gier und Machthunger den Finanzmarkt kollabieren ließen, erkannte Vielflieger Ryan Bingham, überzeugend verkörpert von George Clooney in „Up in the Air“, dass er als Verkörperung des globalen und flexiblen Kapitalismus am Ende ganz allein dastehen könnte.

Zwei Jahre zuvor. Mitte der sog. „Nuller-Jahre“. Aron Ralston steht für die Generation „Ego“. Er ist ein Gesellschaftsverweigerer. Ein Abenteurer. Im Frühsommer 2003 stürzte der damals 27-jährige bei einer Solo-Tour im Bluejohn Canyon in Utah in eine Felsspalte. Dabei wurde sein Arm von einem gelösten Felsbrocken eingeklemmt. In seinem Buch „Im Canyon“ („Between a Rock and a Hard Place“) hat er seine Erlebnisse genauestens beschrieben. Inklusive seiner „Rettungsaktion“, in dem er sich den eingeklemmten Arm abtrennte.

Der britische Regisseur Danny Boyle, der für seinen letzten Film "Slumdog Millionär" acht Oscars erhielt, setzt sich allzu gerne mit derlei Zeitfiguren auseinander. Oft geht es bei ihm zudem um die Frage, wozu Menschen in der Lage sind, wenn sie über sich selbst hinauswachsen. Die Herausforderung, diese wahre Geschichte von Aron Ralston filmisch umzusetzen, lag im Hinblick auf Boyles Oeuvre also nahe. Und nicht nur im Hinblick auf sein Oeuvre. Auch die Herausforderung, die Einsamkeit, Langeweile und Verzweiflung Ralstons in einem dennoch unterhaltsamen Spielfilm unterzubringen, erwies sich für Boyle als große Herausforderung.

Zusammen mit seinem Drehbuchautor Simon Beaufoy entschied sich der Engländer dafür, sich auf seine Markenzeichen und auf die eigene Handschrift zu besinnen. Und die besteht bzw. bestehen in allen Danny Boyle Filmen aus seinen atemberaubenden Bildern, aus schnellen Schnitten und einer „treíbenden“ Musik. Auch „127 Hours“ dreht von der ersten Einstellung an erbarmungslos auf: Hohe Schnittfrequenz, laute Musik und sogar Splitscreens – Boyle macht Tempo, solange es irgendwie geht. Das passt durchaus zu seiner Hauptfigur (James Franco), die gleich mit den ersten Szenen, noch tief in der Nacht, raus aus der Stadt, hinein in den Canyonlands National Park will.
Die Sonne geht auf. Die Musik dröhnt. James Franco verkörpert diese Leidenschaft, die Berge, die der junge Ralston bereits mit seinem Vater erkundete, abermals neu erforschen zu wollen, wie kein zweiter. Bei Anbruch des Tages rast der erfahrene Bergwanderer mit seinem Mountainbike durch die Felslandschaft. Irgendwann steigt er ab, um zu Fuß in den Schluchten des Canyons zu verschwinden. Nach einem kurzen gemeinsamen Weg mit zwei Studentinnen, stürzt er schließlich in einen Felsspalt und bleibt gefangen. Jetzt beginnt die Uhr in Danny Boyles Film zu ticken: T minus „127 Hours“. 127 Stunden, in denen er alles versucht, sich zu befreien, und dabei eine Besonnenheit zeigt, die sein Scheitern umso niederschmetternder macht.

Zunächst sind es kleine Hoffnungsschimmer, dass eine Befreiung vielleicht doch möglich sein könnte. Dann fasziniert die für einen erfahrenen Bergwanderer hochnotpeinliche Lage des tief in der Felsspalte Eingeschlossenen. Boyle findet für diese Situation nicht nur klaustrophobische Bilder, er mischt die Bilder von Rastons Videokamera mit Bildern einschlägiger Abenteuerfilme, von in der Wüste verdurstenden oder auf einsame Inseln verschlagenen Leidensgenossen. Die Kameramänner Anthony Dod Mantle und Enrique Chediak verwandeln das Martyrium in ein farbgestättigtes Halluzinosum. Hinreißende Schwenks über die unbeschreiblich schöne, aber gnadenlose Landschaft der Canyons, am Computer per CGI arrangierte Schluchtenfahrten, kreisende Raubvögel aus der Luft und vom Boden, aufdringliche Ameisen und die brutalen Wassermassen eines plötzlichen Gewitters evozieren atemberaubende Bilder und zwingen den Zuschauer mehr und mehr in die Rolle des Mitleidenden.

Und James Franco, der herausragende Hauptdarsteller, gibt Danny Boyles Ode an das Leben und an die Freiheit das dringend benötigte menschliche Gesicht. Ihm gehört unsere Sympathie, unser Mitleid und auch unsere respektvolle Zustimmung, wenn er am Ende, und das ist bekannt, in einem Schwimmbecken seinen Freunden entgegen schwimmt. Wieder einmal ist es Danny Boyle gelungen, auch auf der Basis dieser Novelle, seinen selbstverliebten Eklektizismus und die erzählte Geschichte nahtlos zusammen zu fügen. Und wie alle Figuren ihrer Zeit in ihren Filmen hat uns auch in diesen mitreißenden 90 Minuten die Figur Aron Rolstan etwas mit auf den Weg gegeben.

Um aus der statischen Situation dieses Ein-Personen-Dramas einen kinotauglichen Film zu entwickeln, greift Regisseur Danny Boyle auf einige Kunstgriffe zurück. Dramaturgisch macht er es sich zunutze, dass der authentische Aron Ralston eine digitale Videokamera dabei hatte, mit der er vermeintlich letzte Botschaften an seine Eltern und seine Freundin aufzeichnete. Tatsächlich dienten diese Videoaufnahmen zusammen mit Ralstons Buch Danny Boyle und Simon Beaufoy als Vorlage für ihr Drehbuch. Darüber hinaus loten die beiden Kameramänner Anthony Dod Mantle und Enrique Chediak mit immer neuen Perspektiven und Einstellungen samt Kamerafahrten von der Schlucht aus buchstäblich in den Himmel hinauf alle möglichen Darstellungsvarianten in dem winzigen Raum aus.

Obwohl die Schauplätze von Boyles letztem Film „Slumdog Millionär“ und dem aktuellen „127 Hours“ nicht unterschiedlicher sein könnten, drängen sich einige Gemeinsamkeiten auf: Schwankte in „Slumdog Millionär“…

Um aus der statischen Situation dieses Ein-Personen-Dramas einen kinotauglichen Film zu entwickeln, greift Regisseur Danny Boyle auf einige Kunstgriffe zurück. Dramaturgisch macht er es sich zunutze, dass der authentische Aron Ralston eine digitale Videokamera dabei hatte, mit der er vermeintlich letzte Botschaften an seine Eltern und seine Freundin aufzeichnete. Tatsächlich dienten diese Videoaufnahmen zusammen mit Ralstons Buch Danny Boyle und Simon Beaufoy als Vorlage für ihr Drehbuch. Darüber hinaus loten die beiden Kameramänner Anthony Dod Mantle und Enrique Chediak mit immer neuen Perspektiven und Einstellungen samt Kamerafahrten von der Schlucht aus buchstäblich in den Himmel hinauf alle möglichen Darstellungsvarianten in dem winzigen Raum aus.

Obwohl die Schauplätze von Boyles letztem Film „Slumdog Millionär“ und dem aktuellen „127 Hours“ nicht unterschiedlicher sein könnten, drängen sich einige Gemeinsamkeiten auf: Schwankte in „Slumdog Millionär“ die Kamera von Anthony Dod Mantle zwischen panoramaartigen Landschaftsaufnahmen und mit der Handkamera aufgenommenen Sequenzen klaustrophobischer Enge in der Großstadt, so weiten hier Mantle und Chediak ebenfalls ständig den Blick auf die menschenleere, weite Wüste. Der Regisseur setzt außerdem auf einen Schauspieler, der die unterschiedlichen Stimmungen glaubwürdig darstellt. James Franco trägt so gut wie den ganzen Film allein. Für dieses nuancierte Psychogramm wurde der amerikanische Schauspieler für den Oscar nominiert.

Aber auch inhaltlich zeigen sich Ähnlichkeiten zwischen beiden Filmen: Kämpfte in „Slumdog Millionär“ der Protagonist gegen alle Hoffnung, um seine Liebe wiederzufinden, so stemmt sich Aron in „127 Hours“ mit aller Kraft gegen sein Schicksal. Der letzte Beweggrund für seine verzweifelte Tat liegt ebenfalls in der Liebe, deshalb im Abspann auch der echte Aron Ralston zusammen mit seiner Frau und seinem Kind auf einer Couch sitzend zu sehen ist. Aus dem egozentrischen Abenteurer ist ein liebender Familienvater geworden.