Chainsaw Charlie - Kommentare

"Old" ist der neueste Mysterythriller des umstrittenen Regisseurs M. Night Shyamalan. Er basiert lose auf einer Schweizer Graphic Novel, die er von einer seiner Töchter erhalten hat. Die Geschichte dreht sich um eine Gruppe von Touristen, die an einem einsamen Strand, aus dem es kein Entrinnen gibt, schnell altert.
Die Prämisse des Films mit seiner faszinierenden Handlung ist vielversprechend und fesselt den Zuschauer bis zum Ende. Die Kameraführung ist großartig, da Shyamalan mit interessanten Kamerawinkeln und Drehungen experimentiert.
Der erste Akt hat mich in seinen Bann gezogen und ich habe ihn wirklich genossen. Aber als der zweite Akt stark begann, begannen sich die Dinge zu entwirren. Ich begann, einige der Ungereimtheiten im Film zu hinterfragen, was bedeutete, dass ich nicht mehr ungläubig war. Den dritten Akt empfand ich als eine komplette M. Night Shyamalan-Trope, die in seinen Filmen vorhersehbar ist. Das Ende von "Old" hat mich nicht überrascht. Es geht um die Frage, ob es ethisch vertretbar ist, etwas zum Wohle der Allgemeinheit auf Kosten einiger weniger zu tun. Es ist eine Frage, die wir uns in unserem Streben nach Wissenschaft und in einem Zeitalter der Globalisierung und Pandemien stellen. Ist es in Ordnung, die Bedürfnisse einiger weniger für das Wohl der vielen zu opfern? Heiligt der Zweck die Mittel?
Die Schauspieler waren manchmal ein wenig steif, aber anständig, und die Charaktere hatten eine gewisse Tiefe. Man könnte den Film als eine Art Metapher für die Kürze des menschlichen Lebens und die Entwicklung von Beziehungen sehen. Aber ich bin mir nicht sicher, ob das beabsichtigt war, oder ob ich nur etwas in den Film hineinlese, was nicht wirklich da war. Aber vielleicht bin ich auch nur zu alt.

"Ainbo - Hüterin des Amazonas" ist eine abgedroschene Abenteuergeschichte für Kinder, viele Dinge ergeben keinen Sinn und vor allem in der zweiten Hälfte geht es drunter und drüber. Man sieht deutlich den Einfluss von Disney/Pixar, aber es geht nicht weiter als Ideen zu kopieren, ohne sich wirklich darum zu kümmern, ob es storytechnisch Sinn macht.
Eine der schlimmsten Stellen, die mich sehr geärgert hat, ist, dass die Hauptfigur Ainbo keines der Probleme zu lösen scheint, vor denen sie steht. Es sind immer die Waldgeister, die die Antwort liefern. Ein eklatanter Timon und Pumbaa Abklatsch bis zu dem Punkt, an dem sie buchstäblich klassische König der Löwen Aufnahmen kopiert haben.
Es ist etwas frustrierend, zu sehen wie die "Heldin" zu keinem Zeitpunkt in der Lage ist, Dinge selbst zu tun. Selbst als sie sich dem großen Bösen stellt, bekommt sie einfach nur die richtigen Werkzeuge in die Hand gedrückt, ohne eine wirkliche Erklärung.
"Ainbo - Hüterin des Amazonas" hätte Potenzial gehabt, wenn sie etwas mehr Zeit in die Entwicklung einer anständigen Geschichte und eines Charakterbogens investiert hätten.

"Dark House" ist eine kleine Überraschung für einen Horrorfilm mit diesem speziellen Thema, einem Thema, das schon hundertmal wiederholt wurde.
Die Geschichte ist jedem bekannt, deshalb werde ich sie nicht erwähnen. Dieser Film hat viele Elemente, die man schon einmal gesehen hat. Aber er schafft es, sie effektiv zu kombinieren und eine einzigartige Atmosphäre zu schaffen. "Dark House" hat eine interessante Handlung, mit sehr gutem Fluss und intensiver Atmosphäre. Sie hält das Interesse die ganze Zeit aufrecht. Es gibt viele düstere Szenen, die die Atmosphäre der Geschichte unterstützen und den Zuschauer in die richtige Stimmung versetzen. "Dark House" hat einige Klischees und Schwächen, die alle Filme haben, aber er ist keineswegs enttäuschend oder nervtötend.
Regiesseur Victor Salva (Jeepers Creepers I - III) hat seinen besten Film gedreht, zumindest im Horrorgenre. Er bietet eine überzeugend gute Atmosphäre hat eine gute Handlung, Bedeutung und einige schaurige Momente. Die Spannung ist durchgehend vorhanden. Ein großes Plus ist die Leistung von Tobin Bell, der mit seiner großartigen Schauspielerei und seiner unglaublich tiefen Stimme in einer Rolle, die es leicht schafft, den Zuschauer auszutricksen und zu erschrecken. Genau wie er es kann.

Ein Film in einer Zeitschleife, in der ein Taxifahrer immer wieder denselben Fahrgast mitnimmt. Eine elegante Porzellanschönheit, die in einer lieblosen Ehe überfordert ist, und ein Taxifahrer, der in seinem Leben feststeckt. Ein einfacher Film mit hauptsächlich zwei Schauspielern, aber er hat mich gut unterhalten und wurde während der Sichtung immer besser. In Anbetracht des geringen Budgets für "The Fare" ist die Qualität des Films recht gut. Die Kinematographie war sauber und effektiv. Einige Szenen waren schön koloriert und trugen zur geheimnisvollen Stimmung des Films bei. Trotz der sich wiederholenden Handlung bleibt der Film während der gesamten Laufzeit unterhaltsam, und das liegt vor allem an dem Mysterium, das einen nicht loslässt. Die Geschichte von "The Fare" ist gut konstruiert. Eine Art Variante des Märchens Die Schöne und das Biest mit der zusätzlichen Verwirrung der Science-Fiction. Selbst wenn es anfängt, langweilig zu werden, bleibt es nicht lange so. Sobald man anfängt, der Liebe die Daumen zu drücken, ist man natürlich gefesselt!

Es dauert eine Weile, bis man sich in diesem Werk zurechtfindet, aber das spricht für seine emotionale und thematische Komplexität. "Das Verbrechen des Herrn Lange" hat das konstante Tempo, die Lebendigkeit und Heiterkeit, die man stereotyp mit dem Regisseur Jean Renoir verbindet. Der Film ist eine Art romantischer Strudel, in dem die Beziehungen zwischen Männern und Frauen in all ihrem flüchtigen Glanz betörend dramatisiert werden. Selbst die Szenen mit dem bösen Chef haben eine anfängliche Lebensfreude. Lange selbst bewahrt inmitten des Geschehens eine verhaltene Ruhe, bis er den normalen Mann darstellt, der sich verzweifelt und aufopferungsvoll für das Wohl der anderen einsetzt. Obwohl er ein Idealist ist, stehen seine Handlungen im Widerspruch zu dem explizit karikaturistischen Heldentum der Figur des Arizona Jim, und der Film lebt von der starken Beschwörung linker kollektivistischer Sympathien. Dieser Aspekt kommt in den fast idyllischen Szenen nach dem Zusammenbruch des Kapitalismus mit glücklichen Arbeitern und ungebundenen Liebenden stark zum Tragen.
Das Ende des Films ist sehr rätselhaft.

"Der Reigen" nimmt in der Filmographie von Max Ophüls einen besonderen Platz ein. Vor diesem Film hatte es noch niemand gewagt, eine umfassende Studie über Liebe und Sex zu drehen. Max Ophüls zeigt die feine Linie, die Liebe und Sex voneinander trennt. Es ist ein Zeichen, das er benutzt, um zwischen verschiedenen Dichotomien zu unterscheiden, nämlich reich und arm, heilig und obszön. Die Mimik aller Schauspieler ist gut gefilmt, ihre Frustrationen sind deutlich sichtbar.
Beim Betrachten der verschiedenen Geschichten von "Der Reigen" wird der Zuschauer immer wieder daran erinnert, dass das Konzept der Liebe im Rahmen einer Beziehung zwischen einem Mann und einer Frau nicht dasselbe bleibt. Schließlich bleibt der Film eine düstere Erinnerung an die Tatsache, dass gesellschaftliche Konventionen in Frage gestellt wurden und viele Menschen aus allen Gesellschaftsschichten an der Verbreitung der unerlaubten Liebe beteiligt waren. All dies geschah in einer Zeit, in der die Geheimnisse anderer Menschen niemandem fremd waren. Hier gibt es einen Haufen von Liebhabern, die sich gegenseitig betrügen, es gibt keine Treue, keine tiefen Gefühle, sie ziehen einfach von einem Bett zum nächsten und niemand wird auch nur verletzt. Es gibt einen verheirateten Ehemann, der es ein wenig enttäuschend findet, dass seine Geliebte nicht wie vereinbart auftaucht, aber das ist nicht das schlimmste Gefühl in dem ganzen Karussell der amourösen Übungen.
Das Wichtigste ist die überaus meisterhafte Regie und die Kamera von Max Ophüls, die sich ständig auf und ab bewegt und bei ihrer enthusiastischen Erkundung von Beziehungen niemals ruht. Die Kulissen sind gelinde gesagt exquisit, und zwar auf ganzer Linie. Einige werden vielleicht seine verträumten Schauplätze des alten Wien aus seinen früheren Filmen kennen. Seine späteren französischen Filme, hingegen sind alle exquisite Meisterwerke des raffinierten Geschmacks, und dies war der erste von ihnen. Dabei hatte er viele der wertvollsten Filme gedreht, die je in Kontinentaleuropa entstanden sind.

"Ein Bulle sieht rot" ist ein knallharter Cop-Thriller aus einem nicht ganz so schönen Frankreich. Yves Boissets Gespür für düstere, urbane Gewalt und seine kraftvolle Regie sorgen für angemessen beklemmende und ohrenbetäubende Unterhaltung. Michel Bouquet ist ein echtes Monster in der Rolle des hartgesottenen Cops, dessen amoralischer und brutaler Weg, den sinnlosen Tod eines Kollegen zu rächen, ihn tief in einen gewalttätigen existenziellen Albtraum führt.
"Ein Bulle sieht rot" ist ein hervorragend dunkles, philosophisches Krimidrama aus Frankreich, das als schonungslose Demaskierung der polizeilichen Barbarei glänzt und sich unbeirrt mit dem ultimativen gesellschaftlichen Rätsel auseinandersetzt: Muss man wie die Bestie werden, um mit der Bestie fertig zu werden?

Bis zum 02.12.2021 in der ARTE Mediathek zu sehen

Eine pantheistische Gesellschaft auf einer abgelegenen Insel im Pazifischen Ozean braucht dringend frisches Wasser. Sie bitten Kariya, einen Ingenieur aus Tokio, die besten Wasserquellen in der Gegend zu finden, um es zu fördern. Im Verlauf der Geschichte hebt Regisseur Shôhei Imamura die gegensätzlichen Aspekte der menschlichen Natur hervor, indem er das rationale, wissenschaftliche Denken Kariyas mit der intuitiven, spirituellen Weltsicht der Inselbewohner vergleicht.
"Die tiefe Sehnsucht der Götter" wird noch interessanter, als der Ingenieur Kariya zu seiner größten Überraschung mit einigen sehr ursprünglichen Bedürfnissen konfrontiert wird. Gleichzeitig scheinen einige der Inselbewohner bereit zu sein, ihre Götterverehrung (die manchmal als Aberglaube abgetan wird) hinter sich zu lassen und sich auf praktischere Dinge zu konzentrieren. Andere, wie die Futori, eine inzestuöse Familie, die selbst nach den Maßstäben ihrer Nachbarn als bestialisch gilt, erweisen sich als besonders resistent gegen Veränderungen.
Der Film lässt den Zuschauer fast drei Stunden lang in die Gemeinde Kurage eintauchen, die in den Tropen auf einer kleinen Insel mit zerklüfteten Klippen inmitten des Pazifiks liegt. Es ist erstaunlich, von der riesigen und exotischen Bilderwelt bis hin zu den allegorischen Darstellungen des menschlichen Daseins. Surreal und komisch, hinterlässt "Die tiefe Sehnsucht der Götter" ein Gefühl von psychischer Intensität.
Shôhei Imamura durfte mit einem relativ großen Budget arbeiten, aber der Film erwies sich als zu merkwürdig und intellektuell, um ein großes Publikum anzusprechen. Dies führte zu finanziellen Verlusten, und der Regisseur schwor sich, nie wieder mit einem großen Studio zusammenzuarbeiten.

"Mortal Kombat" ist kein schlechter Film. Nun, eigentlich ist er ein sehr schlechter Film, aber er macht so viel Spaß, dass es einem egal sein muss. Die Geschichte, die keinen Sinn ergibt, und die dummen Einzeiler werden in einem Film wie diesem lustig. Sogar die grauenhaften Darsteller sind perfekt für einen Film wie diesen, insbesondere Christopher Lambert ist brillant schlecht als Lord Rayden.
Ich muss zugeben, dass die Action ziemlich gut aussah und das ist wahrscheinlich einer der Gründe, warum "Mortal Kombat" bei mir so gut funktionierte. Das Videospiel besteht natürlich auch aus nichts anderem als Action und ein paar Hintergrundgeräuschen. Die Musik, vor allem das Mortal Kombat Theme, klingt auch ziemlich gut. Ohne nachzudenken, ist der Film ein hirnloser Spaß.

Die Geschichte von "Das Motiv" ist einfach. Ein 14-jähriger Junge tötet seine Eltern und seine beiden Schwestern. Er gesteht die Tat, aber nicht das Motiv.
Meiner Meinung nach, nachdem ich Dutzende von Dokumentarfilmen/serien mit Mördern gesehen habe, ist er einfach ein Psychopath. Meine Theorie wird von Polizeibeamten, Ärzten und Menschen, die den Jungen nach den Morden kannten, bestätigt, und sie alle sagten, dass er keine Reue zeigte. Keine Tränen, nichts.
Dem Menschen liegt es in der Natur, Motive und Gründe für jede Handlung zu finden. Aber ein Psychopath braucht nicht unbedingt einen Grund, um jemanden zu töten. Ich glaube wirklich, dass der Junge seine Eltern und Schwestern getötet hat, weil er es wollte und konnte. So einfach ist das. Die Dokumentarserie hätte das wahre Motiv und alle Gründe für die Morde deutlicher herausstellen müssen. Wenn der Inhalt nicht ausreichend geklärt wird, kann die Tragödie zu einem Motiv für weitere ähnliche Vorfälle werden. Es gibt auf jeden Fall einen intensiven Hintergrund dafür, warum er seine Familie getötet hat und dennoch freigelassen wurde.

"Colonia Dignidad: Eine deutsche Sekte in Chile" vermittelt Eindrücke aus erster Hand dank einer Fülle von klarem, erschreckendem Archivmaterial und Zeugenaussagen von Überlebenden der Sekte und denen, die noch in der aktuellen Version involviert sind. Die Serie wirft ein Licht auf die abscheulichen, unmenschlichen Dinge, die Menschen im Namen Gottes tun. Sexueller Missbrauch und Folter in einer Sekte sind keine neuen Erkenntnisse, aber was in der Colonia Dignidad hinter verschlossenen Türen vor sich ging, ist besonders entsetzlich. Diese Nazis wurden in Chile mit offenen Armen empfangen, erhielten von der Regierung Land und Privilegien, und sie nutzten diese Geschenke und Großzügigkeit, um für so viele Menschen, die dort lebten, einen lebenden Albtraum zu schaffen. Kinder, die jetzt erwachsen sind und immer noch die Narben dessen tragen, was ihnen vor all den Jahren angetan wurde. Mit 6 Episoden, die etwa eine Stunde dauern und voller fesselnder und erschreckender Details sind, wird "Colonia Dignidad: Eine deutsche Sekte in Chile" vor allem diejenigen ansprechen, die sich für Sekten und wahre Verbrechen interessieren. Spannende, gut gemachte Dokumentarserie, aber sie ist zu lang und langsam. Einige der Interviews mit bestimmten Personen ziehen sich viel zu lange hin, bis zu dem Punkt, an dem sie langweilig und manchmal lächerlich werden. Die letzte Folge nimmt jedoch an Fahrt auf und verrät mehr über die einzelnen Geschichten. Die Zwischenclips von den gehirngewaschenen Anhängern wirken manchmal etwas unnötig und aus dem Zusammenhang gerissen.

"Die Hamburger Krankheit" ist keine geradlinige Geschichte über eine Pandemie, sondern eine chaotische, surreale Erzählung, bei der man das Gefühl hat, dass die Charaktere eher verschiedene Elemente der Gesellschaft darstellen als echte Menschen. Es ist ein unterhaltsamer Plot, aber er erhebt nicht den Anspruch, Teil einer vorausschauenden Programmierung oder einer ernsthaften Auseinandersetzung mit einer Pandemie zu sein. "Die Hamburger Krankheit" hat eine gewisse Aktualität, ist aber größtenteils nur ein Abenteuer in einer Psychiatrie. Manche Schnitte machen einen verrückt, aber die Überlänge ist herrlich. Man sollte einem Toten nicht die Covid-Maske klauen, und es ist erst vorbei, wenn es vorbei ist.

Da ich bereits den ersten Teil gesehen habe, wusste ich, was ich vom zweiten Film zu erwarten hatte, und ich wurde keineswegs enttäuscht. Er war genauso lustig wie der erste Film und enthielt viele lustige Szenen sowie eine einfache, aber interessante Handlung. Jamie Uys, der auch das Drehbuch schrieb, führte gut Regie und stellte seine Hauptfiguren und ihre Reisen durch die Kalahariwüste mit Hilfe von Paddy O'Byrne als Erzähler sehr gut dar. Die Interpretation von N!xau, der die Rolle des Xixo spielte, war wieder einmal sehr gut. Es gibt einige erstaunliche Aufnahmen von Wildtieren, verrückte Stunts mit einem Ultraleichtflugzeug in einem Sturm, doch die Buschkinder stehlen wirklich die Show. "Die Götter müssen verrückt sein II" hat etwas von dem aufgesetzten Gefühl, das die meisten Fortsetzungen haben. Aber es ist trotzdem ein Vergnügen, ihn anzusehen. Wie oft sieht man schon echte Freude in einem Film, Familienliebe, Unschuld und hat jede Menge Lacher?

Im Mittelpunkt von "The Dance of Reality" stehen Alejandro Jodorowskys Kindheit in Tocopilla, Chile, und die Misshandlungen, denen seine Familie durch seinen Vater Jamie ausgesetzt war. Die Geschichte dreht sich auch um Jamies Liebe zum Kommunismus, die ihn auf die Suche nach Erleuchtung führt. In einem Szenario wird er zum Pferdepfleger, um den rechtsgerichteten Präsidenten Carlos Ibanez del Campo zu ermorden.
Wie üblich laufen die Szenarien aus dem Ruder, was zu einem Film von visueller Pracht führt. Ich würde "The Dance of Reality" jedoch nur denjenigen empfehlen, die mit den früheren Werken des Regisseurs vertraut sind. Die Arbeit am Drehbuch ist bewundernswert, ein Großteil der Symbolik wird von Jodorowsky selbst dargestellt und dann so subtil eingefügt, dass man sie erst einmal finden und entschlüsseln muss. Brontis Jodorowsky (Alejandro Jodorowskys Sohn) gibt eine fantastische Vorstellung, und ich hoffe, dass ich mehr von ihm finde.
Wenn es eine Sache gibt, unter der "The Dance of Reality" leidet, dann ist es ein Problem mit dem Tempo, aber wenn man darüber nachdenkt, hinterlassen bestimmte Szenen wirklich einen Eindruck. Jodorowskys zauberhaftes Biopic ist eine bewundernswerte Rückkehr zur Form und ist bunt genug, um den Charme des Films noch nach vielen Jahren zu gewährleisten.

Die schauspielerische Leistung von Jake Gyllenhaal in "The Guilty" ist erstklassig. Er schafft es, einen ganzen Film mit nur wenigen Figuren auf der Leinwand zu tragen. Er muss sich ausschließlich auf seine schauspielerische Leistung verlassen, um die Spannung, das Drama und die aufregenden Momente aufrechtzuerhalten, denn man sieht buchstäblich von Anfang bis Ende nichts anderes, als dass er am Telefon spricht. Der Zuschauer muss auch gar nichts sehen und kann mit verbundenen Augen durch den Film gehen, denn alles, was passiert, wird nur gehört. Pluspunkte bekommt der Film für seine Einzigartigkeit und die authentische Schauspielkunst von Jake Gyllenhaal. Allerdings sind die Elemente, die den Film einzigartig und interessant machen, auch seine Grenzen. Die Tatsache, dass sich der Film ausschließlich auf den auditiven Input verlässt, hat ihn ein wenig enttäuschend und langweilig gemacht. Ich hatte nicht das Gefühl, dass es Zeitverschwendung war, ihn anzusehen, aber ich würde ihn mir auch nicht noch einmal ansehen oder anhören.

Bevor ich irgendetwas zu "Haus der Geheimnisse: Die Toten von Burari" sage fühle ich mich verpflichtet euch zu warnen, denn ich wünschte, ich hätte die Serie nicht um Mitternacht allein in meinem Zimmer gesehen. Die True Crime Serie ist wirklich unheimlich und zutiefst verstörend. Es war so erschreckend, dass ich nicht schlafen konnte. Am nächsten Tag schien zwar die Sonne, aber der ganze Tag war verdorben.

Die Todesfälle in Burari haben mich im Jahr 2018 schon erschüttert, als die Nachricht von einem Massenselbstmord aller 11 Mitglieder einer Familie bekannt wurde. Diese Dokumentarserie schneidet fast alle Aspekte ab, zeichnet die Geschichte der Familie nach und zeigt das Warum und Wie des Selbstmordes.
Von den Abgründen des abergläubischen Wahnsinns bis hin zu den Machenschaften der Massenmedien. "Haus der Geheimnisse: Die Toten von Burari" geht auf jede Kleinigkeit ein, die auf die eine oder andere Weise mit diesem ungewöhnlichen Fall zusammenhängt. Es handelt sich um eine Art Fallstudie über die gesellschaftlichen Perspektiven, die bei diesem schrecklichen Vorfall eine wichtige Rolle gespielt haben. Neben einer dominanten und gründlichen Darstellung der Ermittlungen selbst konzentriert sich die Serie auch auf die wahrscheinlichen Gründe, die zu diesem Vorfall geführt haben könnten. Alle psychologischen Faktoren werden von den Fachleuten, die über viel Wissen verfügen und zu den entsprechenden Bereichen gehören, gut erklärt.
Kurz gesagt, es handelt sich um eine faszinierende Erzählung, die dafür sorgt, dass man die ganze Zeit an seinem Platz kleben bleibt.

Tomek ist neunzehn Jahre alt, ein alleinstehender junger Mann, der in einem Postamt arbeitet. Jede Nacht beobachtet er mit einem Fernrohr Magda, eine Frau mittleren Alters, die im Haus gegenüber wohnt, und verliebt sich in sie. Eines Tages beschließt er, ihr seine Liebe zu gestehen und ihr mitzuteilen, dass er sie seit einem Jahr beobachtet, nachdem er sie am Abend zuvor in ihrer Wohnung wegen eines Mannes weinen sah. Von da an verliert "Ein kurzer Film über die Liebe" des polnischen Regisseurs Krzysztof Kieslowski, von dem ich eigentlich sehr viel halte, an Realismus und Glaubwürdigkeit. So rührend Tomeks Gefühle auch sind, er dringt unbemerkt in Magdas Privatleben ein und begeht hier offensichtlich eine Straftat. Ihre Reaktion, trotz seines unheimlichen Vorgehens, wirkte auf mich ziemlich verstört und zeugt von einem geringen Selbstwertgefühl bei ihr. Sie fragt sich tatsächlich, ob sie gut genug für ihn ist, weil sie mit mehreren Männern nacheinander Affären hat. Es fiel mir schwer, für eine der beiden Hauptfiguren irgendeine Art von Sympathie aufzubauen.
An alle einsamen und alleinstehenden Männer da draußen. Versucht einmal, eine eurer Nachbarinnen Nacht für Nacht auszuspionieren, sie jede Nacht, ohne ein Wort zu sagen, anonym anzurufen und bringt dann den Mut auf, zu ihr zu gehen und ihr ins Gesicht zu sagen, dass ihr sie seit einem Jahr beobachtet. Das ihr ihre Post manipuliert, gesteht das ihr die anonymen Anrufer seit und sie beim Sex beobachtet und dabei masturbiert. Dann schaut euch ihre Reaktion an. Ich bezweifle sehr stark, dass man dir mit Verständnis begegnet oder dich so willkommen heißt wie in diesem Stück Blödsinn.

Bis zum 14.02.2022 in der ARTE Mediathek zu sehen

Wenn man einen Film über das Leben von Charles Manson und seinen geistesgestörten Anhängern dreht, erwartet man, dass zumindest einige der Morde gezeigt werden, die sie begangen haben, oder dass detailliert beschrieben wird, wie sie dazu kamen, seinen seltsamen Lehren treu zu folgen. Dies ist bei "Manson Girl" nicht der Fall. Wir sehen nur kurze Ausschnitte aus dem hedonistischen Leben, das sie führten. Was gezeigt wird, ist so schlecht gespielt, ungeschickt geschrieben und leblos inszeniert. Es gibt eine Szene, in der ein Paar in einem Auto sitzt, während im Hintergrund ein Sonnenuntergang zu sehen ist. Ich habe noch nie einen so offensichtlichen Einsatz von Bluescreen gesehen, und das war nur eines von mehreren Beispielen in diesem Film.
Anstatt die sensationslüsternen Aspekte des Manson Falls hervorzuheben, konzentriert sich der Film auf einen der Geschworenen im Prozess, einen wohlerzogenen christlichen Jungen (richtig gelesen!), der bald heiraten wird. Er wird von seiner Verlobten sexuell unterdrückt, die warten will, bis sie verheiratet sind, bevor sie mit ihm in die Kiste springt. Sie sagt ihm sogar eiskalt ins Gesicht, dass sie Jesus mehr liebt als ihn. Aufgrund seiner mangelnden körperlichen Aktivität beginnt er, über eine der Angeklagten zu fantasieren, eine attraktive junge Frau namens Leslie (Kristen Hager, die der echten Leslie Van Houten von damals verblüffend ähnlich sieht), und zweifelt bald an ihrer Schuld und sieht sie eher als Opfer und nicht als Kriminelle.
Der Hintergrund von "Manson Girl" mag historisch gewesen sein, aber dieser Film ist in keiner Weise auch nur annähernd akkurat. Der Film versucht, eine surreale Geschichte des Prozesses zu erzählen, aber der Regisseur (Reginald Harkemaist) hat kein Potenzial und ist nicht in der Lage, Surrealismus zu erzeugen. Die Szenen springen wahllos hin und her, in denen einfach nichts passiert. Es scheint, als sei alles, was an dem Fall interessant war, chirurgisch entfernt worden, so dass wir Zuschauer nur noch dampfende Innereien vorfinden, und die stinken zum Himmel. Möglicherweise die schlechteste Verfilmung über Charles Manson aller Zeiten.

"Cryptozoo" ist ein ziemlich skurriler Animationsfilm, der aber auf künstlerische Weise fasziniert. Wenn ich an 2D-Animation denke, stelle ich mir schöne Geschichten vor, die durch einen einzigartigen Zeichenstil erzählt werden, der mehr Ausdruckskraft und klare Emotionen zulässt. Ich dachte, "Cryptozoo" würde ein ähnliches Konzept verfolgen, mit klaren Botschaften über den Umgang der Welt mit der Natur, die Erforschung neuer Welten, die exzessive Jagd auf Wildtiere und natürlich die Diskriminierung aufgrund des Aussehens eines Menschen/Kryptos.
Doch ich hätte nie eine so schockierende, gewalttätige und blutige Darstellung von etwas erwartet, das wie ein lustiges Abenteuer aussah. Es wird herumgevögelt und expliziet mit allen Schimpfwörtern, die wir aus der amerikanischen Geschichte kennen, um sich geworfen.
Lauren, eine Kryptozookeeperin, versucht, einen Baku, ein traumfressendes Mischwesen aus einer Legende, zu fangen und will die Kreatur vor dem Militär beschützen, das eine Art biologische Waffe aus ihr machen will, um weiter Krieg spielen zu können.
Die Animationen sind definitiv das herausragende Element des Films. Sie sind sehr einzigartig und haben Momente, die einfach traumhaft sind. Sowohl visuell als auch storytechnisch höchst interessant. Es werden viele Themen angesprochen, die zum Nachdenken anregen, wie zum Beispiel die Haltung von Tieren in Zoos und die Tierquälerei. Auch Symbolik und Ideen aus bekannten Geschichten wie Adam und Eva finden sich in dem Animationsfilm wieder, und alles ist auf unterhaltsame Weise umgesetzt. "Cryptozoo" ist ein interessanter Blick auf die Beziehung zwischen Idealismus, Utopie und der verführerischen Macht des Staates, Träume zu kontrollieren. Alle Figuren und sogar die Welt selbst in diesem Film sind hochgradig allegorisch, symbolisch und haben oft direkte künstlerische Parallelen zu einer Gesellschaft, die wir alle auf unsere Weise kennen. Ich kann mir vorstellen, dass viele Menschen geteilte Meinungen zu diesem Film haben werden, aber ich denke, die meisten werden ihn eher mögen als ablehnen.

Nachdem ich in der Vergangenheit einige Serienmörderfilme aus Südkorea gesehen habe (Memories of Murder, The Chaser, I Saw The Devil, The Chase) und so ziemlich alles, was auf Netflix im Genre True Crime verfügbar ist, war ich gut auf "Der Regenmantel-Killer: Mörderjagd in Korea" vorbereitet. Der Mörder, Yoo Young-Chul, ist wahrscheinlich eine der bösartigsten und skrupellosesten Bestien, von denen man je gehört hat. Die Dokumentarserie konzentriert sich zwar hauptsächlich auf die Fahndung, versucht aber auch, die Kriminalpolizei von Seoul zu vermenschlichen, indem sie sie als einen Haufen unvollkommener, aber wirklich sympathischer Menschen darstellt. Es muss außerordentlich mühsam gewesen sein, einen Serienmörder zu fangen, der kein Motiv hat, der außer einem Schuhabdruck keine Beweise hinterlassen hat und der seine Opfer wahllos auswählt. Einmal hat er es auf einen wohlhabenderen Stadtteil abgesehen, ein anderes Mal auf einzelne Prostituierte. Die Tatsache, dass er nach seiner ersten Verhaftung entkommen konnte, ist ein großer Schandfleck in der Karriere aller beteiligten Beamten.
Das Wechselbad der Gefühle, das die ermittelnden Beamten durchmachen, wird glaubhaft und nicht übertrieben dargestellt. Allerdings hätten die Macher den Opfern ein wenig mehr Aufmerksamkeit schenken können. Die Doku-Serie ist zu keinem Zeitpunkt uninteressant sondern bleibt spannend. Jede der drei Episoden ist 45-55 Minuten lang, und die Macher greifen nicht auf merkwürdige Schnitttechniken zurück oder verfallen in übermäßig stilistischem Tropus. Das Team stellt einige der grausamen Vorfälle mit genügend Gespür nach. Sie konzentrieren sich ausschließlich darauf, dass "Der Regenmantel-Killer: Mörderjagd in Korea" eine fesselnde Geschichte erzählt, anstatt den Realismus durch eine Fülle von Stilmitteln zu verwässern. Am interessantesten sind zweifellos die Interviews mit dem Profiler, der versucht, ein einigermaßen lebendiges Bild davon zu zeichnen, was einem motivlosen Serienmörder bei der Begehung seiner Verbrechen antreibt und durch den Kopf geht.

Der Dokumentarfilm "Fauci" ist grundsätzlich gut aufgebaut. Leider hat Dr. Fauci eine seltsame, stockende Kadenz in seiner Stimme, die es schwierig, ja fast lästig macht, ihm zuzuhören, und ich bin mir nicht sicher, ob dies die Schuld eines schlechten Schnitts ist oder einfach die Eigenschaften des Subjekts der Dokumentation. Die Familienmitglieder, die Dr. Fauci mildern und vermenschlichen sollen, haben ähnlich abnorme Züge. Seine Tochter zum Beispiel scheint mit den Augen in verschiedene Richtungen zu rollen, wenn sie spricht. Ich will sie nicht verurteilen, vielleicht handelt es sich dabei um ein medizinisches Problem. Ich stelle nur fest, dass es schwierig und unangenehm ist, dem Film zu folgen, ohne zu wissen, warum die Familienmitglieder diese ungewöhnlichen Verhaltensweisen und seltsamen Persönlichkeitsmerkmale zeigen. Das mag wie eine Kleinigkeit erscheinen, aber die Zuschauerfreundlichkeit ist ein ebenso wichtiger Faktor für den Genuss eines Dokumentarfilms wie seine Aktualität. "Fauci" hätte noch aufschlussreicher werden können. Ich dachte, es ginge mehr um das Innenleben der Pandemie, aber stattdessen wurde Dr. Fauci während der gesamten Laufzeit als Held dargestellt. Da schaue ich lieber Farbe beim trocknen zu.

Der Film "Don't Tell A Soul" hat gute Absichten, kämpft aber mit dem Versuch, zu viel in seine kurze Laufzeit zu packen. Die Schauspieler sind großartig, wie Rainn Wilson (Super - Shut Up, Crime!) als der Mann, der in das Loch gefallen ist, und Mena Suvari (Stuck) als Mutter mit Lungenkrebs. Ab der Mitte des Films war ich gefesselt, denn die Geschichte wurde immer bizarrer. Am Ende jedoch, gerade als ich dachte, der Film würde mit einer Überraschung enden, wurde er ziemlich verworren und überstürzte sein Ende ohne Grund.
Vorsicht: Man könnte beginnen jede einzelne Figur in diesem Film zu hassen! Damit meine ich, dass sich echte Wut aufstauen kann!
Aber insgesamt ist "Don't Tell A Soul" unterhaltsam, lässt den Zuschauer aber nicht so zufrieden zurück, wie man es erwarten würde. Dennoch ist es ein großartiges Debüt für Regisseur Alex McAulay, auf dem er in weiteren Filmen aufbauen kann.

Der Film trägt den Titel "Niemand kommt hier lebend raus", aber in dem Haus scheint nicht viel zu passieren, und die Hauptfigur Ambar (Cristina Rodlo) kann kommen und gehen, wie es ihr gefällt. Was dem Film zu fehlen scheint, ist der Aufbau von Spannung in dem Wohnhaus, in dem Ambar sich niedergelassen hat. Es scheint mehr darum zu gehen, dass sie versucht, einen gefälschten Ausweis zu bekommen, als darum, was in dem Haus vor sich geht. Die einzigen Dinge, die den Horror aufbauen, sind die mysteriösen Brüder und Vermieter, Red (Marc Menchaca) und Becker (David Figlioli), sowie der düstere Schauplatz.
Es ist eine Geschichte über Einwanderer in Amerika mit dem Terror als großem Begleiter. Es soll eine Analogie zu dem sein, was Einwanderer erleben, wenn sie sich entscheiden, neue Horizonte zu suchen, und in gewisser Weise spiegelt der Film das wider. "Niemand kommt hier lebend raus" ist durchschnittlich, aber auf eine gute Art und Weise und hat ein gängiges Konzept. Einige Szenen des Films waren gut, aber nicht gruselig. "Niemand kommt hier lebend raus" wäre interessanter gewesen, wenn er mehr auf die Geschichte des "Rituals" eingegangen wäre.

Es gibt nicht viele Liebesgeschichten, die mit Sätzen wie "Ich werde dich bis in alle Ewigkeit lieben!" durchkommen. Aber dieser frühe deutsche schwarz/weiß Tonfilm ist eine rühmliche Ausnahme, auch wenn er alle (typisch primitiven) technischen Unzulänglichkeiten einer jungen Tonproduktion aufweist. Die tragische Geschichte der "Liebelei" bietet keine Überraschungen. Ein junger Soldat (Paul Hörbiger) verliebt sich in eine schüchterne, hübsche Sängerin (Magda Schneider, Mutter von Romy Schneider), nachdem er eine unglückliche Affäre mit einer anspruchsvollen und besitzergreifenden Baronin beendet hat. Die vertraute Handlung entfaltet sich mit entwaffnender Einfachheit, was dazu beiträgt, dass das Melodrama auch nach all den Jahren frisch und fesselnd bleibt. Natürlich kommt es zu Komplikationen. Der junge Leutnant wird von dem betrogenen Ehemann seiner ehemaligen Geliebten beschuldigt, und Pflicht und Ehre verlangen, dass die beiden Männer ihre Differenzen mit vorgehaltener Waffe beilegen. Jede Aufführung ist selbstbewusst und weiß, dass sie etwas darstellt. Alle Kulissen werden gründlich gezeigt, die Figuren verlassen die Szene, und die Kamera verbleibt für einige Sekunden im leeren Dekor. Die Art und Weise, wie der Schnee vom Himmel fällt, wirkt unecht, dennoch hat der Film eine bewundernswerte Frische und verwickelt den Zuschauer in einen fast hypnotischen Trip, zu dem Ophüls' schwebende Kamera und sein moderner, dramatischer Einsatz der Filmmusik viel beitragen.

Guy ist ein Nicht-Spieler-Charakter (NPC) in Free City. Er ist mit seinem Leben zufrieden, arbeitet in einer Bank, die jeden Tag ausgeraubt wird, und findet nichts seltsames an den Panzern in den Straßen, an den Menschen, die erschossen werden, und die brennend durch die Straßen laufen. Er beginnt, ein Bewusstsein zu entwickeln, bittet zunächst um einen Cappucino anstatt eines Kaffee und reagiert dann auf jemanden, der eine Sonnenbrille trägt. Es handelt sich um Molotov Girl, eine Entwicklerin, deren KI-Design von der bösen Soonami Corporation gestohlen wurde, die das Spiel Free City betreibt. Guy hilft Molotov Girl bei ihren Versuchen, Beweise für den Diebstahl zu finden, und wird dabei unter den Spielern als Blue Shirt Guy bekannt. Eine Geschichte über Liebe und den Erwerb von Gefühlen. Manchmal herrscht jedoch existenzielle Verzweiflung, wenn Guy versucht, seine Mitspieler davon zu überzeugen, dass sie in einer Simulation leben, nur um dann von einem Fahrzeug angefahren zu werden. Seine Heldentaten sind unterhaltsam, wenn er gegen NPCs im Stil von Bond-Bösewichten kämpft und versucht, Geheimnisse aufzudecken. "Free Guy" ist ein unterhaltsames Abenteuer, das (wie Spiele) auf mehreren Ebenen funktioniert.