Chainsaw Charlie - Kommentare

Im Jahr 1994 entführte Gert de Jager in Johannesburg, Südafrika, sechs Menschen, die nie gefunden wurden. Nach seiner Verhaftung legte er ein Geständnis auf einem Tonband ab. Die Apartheid Regierung weigerte sich, es freizugeben. So beginnt "Ich bin Alle" von Regiesseur Donovan Marsh, und lockt das Publikum mit einer Geschichte, die auf wahren Begebenheiten beruht. Von den ersten Minuten an wird der Zuschauer mit einem bedrückenden Soundtrack verwöhnt, der die Szenen untermalt. Allerdings bewegt sich der Film auf dem Niveau eines typischen Krimis, auch wenn die Thematik durchaus ansprechender ist. Im Mittelpunkt steht Jodie, eine Sonderermittlerin, die einen Verdacht hegt. Nach einer Reihe von Morden vermutet sie, dass ein Serienkiller Hinweise liefert, die den Ermittlungsbehörden helfen, ein weltweites Kinderhandelssyndikat zu zerschlagen. Eine müde und ausgelaugte Ermittlerin, die völlig irre aussieht, während sie die Puzzleteile zusammenfügt, und ihre Vorgesetzten, die die Stirn runzeln und schlaumeierisch eine Pause oder psychiatrische Hilfe vorschlagen. Der Zynismus ist jedoch nicht ganz von der Hand zu weisen. Die ermordeten Männer, die sie aufspürt, haben blutige Initialen auf dem Bauch, und sie stehen irgendwie in Verbindung mit einem Syndikat für Kinderhandel. "Ich bin Alle" ist auf die Unterstützung des Publikums angewiesen. Man fiebert mit Jodie mit, während sie eine grausame Unterwelt voller abscheulicher Verbrechen und Habgier aufdeckt. Es ist jedoch schade, dass der Film über den Serienkiller und sein Beweggrund transparent ist, denn dadurch geht der Thriller-Aspekt verloren und der Film wird eher zu einem Katz und Maus Spiel. "Ich bin Alle" macht deutlich, was in der Welt des Kinderhandels und des Terrors, der in einigen Teilen der Welt systematisiert wird, auf dem Spiel steht. Er erinnert auch daran, was auf dem Spiel steht, dass es trotz der Beseitigung der Gräuel der historischen Sklaverei viele verschiedene Arten und Formen gibt, die wir in der heutigen Welt nicht ignorieren können. Regisseur Donovan Marsh hat den Film absichtlich so düster wie möglich gestaltet. Er macht dem Zuschauer klar, wie weitreichend diese Syndikate sind und wie sehr sie diejenigen belasten können, die versuchen, sie hinter Gitter zu bringen.

"Cyst" von Regisseur Tyler Russell spielt sich wie ein klassisches B-Movie ab. Das liegt nicht nur am Setting der Geschichte, die irgendwann zwischen den späten Fünfzigern und frühen Sechzigern spielt. Es sind auch nicht die billig wirkenden Effekte oder die kurze Laufzeit von 69 Minuten, sondern der Ansatz, mit dem Patricias (Eva Habermann) Kampf sowohl gegen ihren verrückten Arbeitgeber, Dr. Guy (George Hardy) als auch gegen das eiternde Monster als Kampf der Geschlechter in einer sehr ungleichen Welt dargestellt wird. Von Anfang an besteht ein Teil von Patricias Arbeit darin, dass Dr. Guy ihr regelmäßig gegen ihren Willen eine weiße, sämige Flüssigkeit ins Gesicht spritzt, was zu einem immer wiederkehrenden bildlichen Gag wird, der im Rahmen der Arbeit, bei der es darum geht, eiterndes Material aus Zysten zu drücken, Sinn macht, aber einen offensichtlichen sexuellen Subtext hat. Patricia kann es kaum erwarten, dass es 17 Uhr wird, damit sie für immer von diesem demütigenden Job und ihrem herrschsüchtigen, giftigen Chef befreit ist. Doch als die Kreatur erscheint, sieht sie sich mit einem einäugigen Monstrum konfrontiert, das eine Spur aus menschlichem Blut und spermaähnlichem Eiter hinterlässt.
Tyler Russells Film, den er gemeinsam mit Andy Silverman geschrieben hat, ist ein ekelhaft schmieriges, vor Körperflüssigkeit triefendes, glibbriges Creature Feature. Trotz der kurzen Laufzeit des Films haben die Szenen, in denen Patricia und die anderen durch die Innenräume der Klinik streifen, bemerkenswerte Längen, auch wenn sie von oft surrealen Dialogen und gelegentlich von plötzlichen, schockierenden Gore-Explosionen unterbrochen werden. "Cyst" ist weniger kitchiger Schund als eine wissende Imitation desselben, und in all seinen fröhlich spritzenden Ejakulationen und ichorösen Ergüssen steckt echte Zuneigung, was ihn zu einem stark geschlechtsspezifischen Problemfilm machen könnte.

Am Anfang von "Black Friday" sehen wir verschwommene Bilder von Menschenmassen, die in Gebäude voller totgeglaubter Verkäufer rennen, in der Hoffnung, ein paar Dollar bei wertlosen Artikeln zu sparen, und die wie Monster in die Geschäfte stürmen, um zu töten. Der Film spielt mit dem Potenzial für ein gewalttätiges Feiertagschaos und übertreibt die Aktivitäten durchschnittlicher menschlicher Verrückter, indem er sie in eine außerirdische Bedrohung verwandelt, die an Thanksgiving einen Spielzeugladen überfällt und die verängstigten Angestellten bedroht. Die satirischen Elemente des Stoffes sind nicht messerscharf, aber "Black Friday" hat den Vorteil, dass er unglaublich witzig ist, und er ist glücklicherweise kurz, so dass er sich nie zu lange hinzieht, während Regisseur Casey Tebo einen Zusammenstoß zwischen bösartigen Kreaturen und den Mindestlohnkriegern inszeniert, die nicht genug verdienen, um den Laden zu retten. Für die meisten Amerikaner ist Thanksgiving, aber die Mitarbeiter von We Love Toys müssen die Nacht durchmachen, um sich auf den großen Kundenansturm am Schwarzen Freitag vorzubereiten. Ken lässt seine Kinder den Tag über bei seiner Ex-Frau, aber die Aussicht, Zeit mit Marnie zu verbringen, hebt seine Moral, während er versucht, seine jüngere Kollegin zu umwerben. Chris hat Probleme mit seinem Vater und kämpft darum, Geld zu verdienen, um seine Miete bezahlen zu können, wobei der Keimphobiker den Umgang mit der Öffentlichkeit scheut. Archie kümmert sich um die Vorräte, und der stellvertretende Filialleiter Brian versucht, in einer geschäftigen Nacht für Ordnung zu sorgen. Und dann ist da noch Filialleiter Jonathan (Bruce Campbell, der mit seiner Leistung den Film stiehlt), der von seinen Angestellten Großes erwartet, nur um dann mit ansehen zu müssen, wie das Chaos ausbricht, als ein zombifizierter Kunde Chris angreift. Die Angestellten sind sich nicht sicher, was vor sich geht, und riegeln den Laden ab. Sie verschanzen sich im Hinterzimmer, als sie feststellen, dass in den Gängen etwas Außerirdisches und Gewalttätiges vor sich geht. "Black Friday" geht schnell zur Sache. Die Seuche breitet sich wie ein Lauffeuer unter den Käufern aus, die sich nach und nach in abscheuliche Monster verwandeln, die sich mit einem weißen Tentakel, der aus ihrem Mund schießt, an ihre Beute heften. Schreckliche Kunden werden im Grunde zu Killerbestien aufgerüstet und zwingen die verbleibenden Angestellten dazu, ihre Überlebensoptionen im Hintergrund zu bewerten, wobei sie schnell erkennen, dass Jonathan kein furchtloser Anführer ist. Die Kreaturen arbeiten auf ein unbekanntes Ziel hin, den Bau eines leuchtenden, rosafarbenen Bienenstocks in der Mitte von We Love Toys, und "Black Friday" teilt sich bald in zwei Nebenhandlungen auf, die Kens Plan verfolgen, wie er es lebend aus dem Verkaufsraum schafft, während der Rest sich mit den Bedrohungen in den Badezimmern und Lagerräumen beschäftigt. Das Make-up ist für diese Art von Low-Budget-Unterhaltung ausgezeichnet und erzeugt einen bedrohlichen Feind, und die Kameraarbeit von David Kruta ist wunderbar farbenfroh und hält den Film visuell interessant. "Black Friday" ist ein lockerer und angenehm schlichter Film, der als Horrorkomödie ordentlich funktioniert. Die meisten Zuschauer werden sich an den kreativen Aspekten des Drehbuchs erfreuen, während andere wahrscheinlich auf den nur allzu realen Albtraum der entbehrlichen stundenweisen Beschäftigung für unaufrichtige Führungskräfte reagieren werden.

Es ist nicht unnormal, dass Filme von Takashi Miike wenig bis gar keinen Sinn ergeben, und "The City Of Lost Souls" ist da keine Ausnahme. Von der Handlung her ist der Film eine durchschnittliche Yakuza Geschichte, die stark an "True Romance" erinnert aber nicht annähernd so gut ist, denn hier finden zwei Liebende einen Koffer voller Kokain und sind auf der Flucht vor denen, die es zurück haben wollen. Die Geschichte selbst ist zwar recht einfach, wird aber durch den allwissenden Blick des Films verzerrt, was es schwierig macht, ihr zu folgen. Trotz der unoriginellen Handlung und der verworrenen Erzählweise hebt sich "The City Of Lost Souls" in vielerlei Hinsicht von anderen Filmen ab, was ihn zu einem eigenständigen Erlebnis macht. Da ist zum Beispiel die manische Montage des Films, bei der alle paar Sekunden scheinbar wahllos Sprünge eingefügt werden, die mit langen, manchmal wunderschönen Aufnahmen der rauen Umgebung und der darin lebenden Figuren kontrastiert werden. Miikes Regiearbeit zeigt sich in den kleinen Spielereien, die sich durch den ganzen Film ziehen. Ein Zwerg putzt sich die Zähne mit Kokain. In per CGI gerenderten Hahnenkämpfen sehen wir Hähne, die Kicks im Stil von Matrix in Zeitlupe ausführen. Wir sehen zudem einen Mann, der Sex mit einem Schwein hat. Diese Momente sind zwar nicht untypisch, aber sie sind immer willkommen und tragen dazu bei, die verrückte Persönlichkeit des Films zu etablieren, während sie ein wenig von den anderen Problemen des Films ablenken. Obwohl es im gesamten Film offensichtliche Probleme gibt, erreicht der Film nur selten Momente wahnsinniger Brillanz; die Szene, in der unser Protagonist Mario ein ganzes Büro voller Yakuza mit einer Shotgun ausschaltet, ist zweifellos spannend, und die letzten beiden Szenen fügen dem Film ein völlig anderes Element hinzu, das zum erneuten Anschauen einlädt. Insgesamt ist "The City Of Lost Souls" kein schlechter Film, aber er kann nicht mit Miikes stärkeren Werken mithalten.

In "Procession" geht es um eine Gruppe von Männern, die von katholischen Priestern sexuell missbraucht wurden, aber es ist nicht im Entferntesten das, was man von einem Dokumentarfilm erwarten würde. Regisseur Robert Greene ist ein ernsthafter Experimentator, wenn es um Sachfilme geht, und hier nimmt er eine fast schockierend partizipative Rolle ein. Er nimmt Kontakt zu den Männern auf und bittet sie, den Film gemeinsam mit ihm zu gestalten, und arbeitet mit einem Dramatherapeuten zusammen, um Vignetten zu schreiben und zu produzieren, die auf ihrem eigenen Missbrauch basieren. Die Männer entwickeln diese Szenen, indem sie einen jungen Schauspieler engagieren, der für sie in ihrem jüngeren Alter einspringt, und selbst erwachsene Rollen spielen. Aber natürlich geht es nicht nur darum, das Trauma wieder zu erleben, sondern es zu kontrollieren. Dabei bauen die Männer auch Elemente und Auflösungen ein, die sich hoffentlich als kathartische Siege erweisen und es ihnen ermöglichen, mit ihrem jahrzehntelangen ständigen Schmerz in gewisser Weise zu brechen. Es ist ein erstaunlicher Ansatz, und man ist ein wenig versucht, ihn für ausbeuterisch zu halten, aber es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass jeder Dokumentarfilm bis zu einem gewissen Grad Ausbeutung ist, das ist unvermeidlich, und diese Männer sind auch alle dabei, was sowohl überraschend als auch verständlich ist, wenn man bedenkt, dass nichts anderes, was sie in ihrem Leben versucht haben, dazu beigetragen hat, die rasenden Qualen in ihrem Inneren zu lindern.
Wir, die Zuschauer, erhalten eine physische Darstellung dieses emotionalen und psychologischen Horrors, die wir sonst nicht erleben könnten. Wir sehen nicht nur, wie sich diese Szenen abspielen, sondern auch, wie die Männer darüber sprechen, wie sie diese Szenen kreieren, wie sie ihre Erfahrungen ausdrücken und wie sie sie selbst spielen oder andere dabei direkt beobachten. Und bei all dem wird uns das Trauma der Männer durch ihre Aktivitäten und ihre Körper sehr bewusst. Jeder von ihnen hat Augen, die uns verraten, dass sie mit einem ständigen Kampf leben. Einige von ihnen sind sehr ruhig und gelassen, aber am Rande des Zusammenbruchs, andere sind sehr offen und enorm wütend. Das Bewusstsein für diese Präsenz geht sogar über die Männer selbst hinaus, denn wir sehen die Bedeutung bestimmter Orte und Gegenstände, wie z. B. ein Haus an einem See und eine zerbrochene Angelrute, und was sie für diese Männer bedeuten. Die Tragweite all dessen für ihr Leben ist so erstaunlich, dass sie gar nicht hoch genug eingeschätzt werden kann, aber was für uns wichtig ist, ist, dass "Procession" uns auf konkrete Weise Zugang zu etwas verschafft, das wir eigentlich nicht sehen können. Wir wissen, dass andere Menschen Traumata und Schmerzen haben, aber wir sind immer auf die eine oder andere Weise davon entfernt. In der Prozession geht es darum, diese Erfahrungen an einen Ort zu bringen, an dem wir sie tatsächlich sehen können, sie aus dem Abstrakten herauszuholen und sie für uns explizit zu machen. Aber auch wenn dies sehr schwierig ist, ist es nicht unmöglich. Robert Greene und diese Männer zeigen uns auf einer sehr realen Ebene die Möglichkeit der Heilung. Und auch das ist etwas, das wir sehen müssen.

Friedrich Wilhelm Murnau ist einer der größte Stummfilmregisseur sowie einer der interessantesten, einflussreichsten und konsequentesten. Er hat auch einen großen Einfluss auf das Kino als Ganzes. Alle seine Filme sind sehenswert bis hin zu einem Muss, die besten sind Stummfilm und Genre Denkmäler und revolutionäre Filme in ihrem eigenen Recht. Es ist so traurig, dass Murnau nicht mehr Filme gemacht hat und viel zu jung gestorben ist.
"Der letzte Mann" ist vielleicht der einflussreichste Film von Murnau. Sein einziges kleines Manko ist das Ende, das zwar faszinierend und nicht unwirksam ist, aber ein wenig seltsam und gestellt wirkt. Es war nicht annähernd genug, um den Film zu ruinieren, und es stört auch nicht sonderlich, zumal alles andere so brillant ist.
Die Kulissen und die Beleuchtung sind sehr eindrucksvoll, aber der Star des Films ist die Kamera. Sie ist eine der schönsten und kreativsten für einen Film, nicht nur für Stummfilme. Auch die Musik spielt eine wichtige Rolle, da sie einen Großteil der Bedeutung des Films trägt. Die Musik passt perfekt zur Atmosphäre und ist wie ein eigener Charakter. Besonders bemerkenswert in dem Film ist der eindringliche Einsatz des Cellos. Die emotionale Wucht von "Der letzte Mann" ist ein weiterer Aspekt, der mich beim Betrachten des Films sofort mitgerissen hat. Dies ist ein sehr kraftvoller Film, mehr als der Titel auf den ersten Blick vermuten lässt. Er bricht einem das Herz, aber er ist auch wirklich verstörend, sowohl im Konzept als auch in der Darstellung, ohne zu ernst zu sein. Das Fehlen von Titelkarten, mit Ausnahme des Endes, erwies sich als gute und richtige Entscheidung. Sie wären nicht notwendig gewesen, da die gesamte Geschichte leicht zu verstehen ist, und hätten die Handlung verlangsamt und die Dinge zu deutlich gemacht. Die Regie von Friedrich Wilhelm Murnau gehört zu seinen besten, sie hält die Handlung in Bewegung, ohne jemals langweilig zu werden, und schafft eine eindringliche und kompromisslose Stimmung ohne eine einzige visuelle Fehleinschätzung. "Der letzte Mann" ist voll von großartigen Schwarz-Weiß-Aufnahmen, darunter Stadthintergründe, Hotelinterieurs und wunderschöne Kostüme. Hauptdarsteller Emil Jannings ist ein sympathischer Charakter, mit dem man mitfühlen kann, und es besteht keine Notwendigkeit für geschriebene Dialoge, da alle visuellen Emotionen einen ergreifen. Ein fabelhaftes klassisches Schweigedrama.

"Dream House" handelt von einem Vater, der seinen Job kündigt, um mehr Zeit mit seiner Familie zu verbringen und zu Hause an einem Roman zu arbeiten. Der Film beginnt wie jeder andere Horrorfilm, in dem der Protagonist und in diesem Fall seine Familie in einer Welt der Ruhe leben. Dieses Gleichgewicht wird jedoch schnell gestört, als eine der Töchter eine Gestalt sieht, die sie vor dem Fenster beobachtet.
Es gibt keinen einzigen Schauspieler in diesem Film, der als fantastisch oder schlecht heraussticht. Alles, was ich über die Schauspieler sagen kann, ist, dass Daniel Craig und Rachel Weisz die liebenden Eltern mit Leichtigkeit darstellen und die beiden Töchter ausreichend talentiert scheinen. Sie alle gaben realistische Charaktere, so dass ich den ganzen Film über Verständnis für sie und ihre Notlage hatte.
Ein auffälliger Punkt bei diesem Film war das Fehlen von Drehorten. Die meisten Filme, auch Horrorfilme, enthalten mehrere Innen- und Außenschauplätze, daher war es eine Überraschung, dass in diesem Film nur das "Dream House", das Wohnhaus des Nachbarn und die psychiatrische Klinik verwendet wurden. Dieser Mangel an Schauplätzen bedeutet, dass die Figuren im Verlauf des Films keinen sicheren Hafen haben, was wiederum das Gefühl des Horrors noch verstärkt.
"Dream House" war ein mittelmäßiger, sehr begrenzter psychologischer Horrorthriller, bei dem sich die Handlung aufgrund einer frühen Wendung zu sehr hinzog. Insgesamt hatte der Film eine Menge Potenzial, aber er war nichts Besonderes.

"Groll" von Regisseur Turkan Derya ist ein grausamer Thriller aus der Türkei. Kurz vor seiner Beförderung wird Harun in einen beinahe tödlichen Zwischenfall verwickelt. Dieser endet schließlich in einem gewalttätigen Angriff, ausgelöst durch persönlichen Hass. Diese Wut richtet sich später nicht nur gegen ihn, sondern bedroht auch seine anderen Kollegen. Während der Thriller als Ganzes eine packende Intrige birgt, schafft es die Umsetzung irgendwie, ihn eher seicht, unausgegoren und extrem vorhersehbar zu machen. Ein entscheidendes Detail, das den Groll und die Handlung des Films ausmacht, ist der Fakt, dass Harun ein Polizeichef ist. Die Tatsache, dass er kurz vor seiner Beförderung steht und in einen intriganten Fall verwickelt wird, der seine Kollegen in Gefahr bringt, bekommt eine ganz neue Note. Das größte Problem mit den Schauspielern und dem Drehbuch ist, dass es nie aus der Sensationslust der Handlung Kapital schlägt. Nicht einmal dann, wenn es sich die Mühe macht, eine Art Spektakel zu schaffen. Die schwächsten Teile des Films beweisen nur, wie wenig die Schwachstellen des Films insgesamt ausgenutzt wurden. Der Schnitt des Films ist an einigen Stellen extrem abgehackt. Es scheint, als ob sie ursprünglich eine Serie drehen wollten. Aber dann fanden die Produzenten, dass es ein Langspielfilm werden sollte. Und so schlachteten sie die spannenden Teile aus, um eine kopflose Statue im Namen eines Thrillers zu hinterlassen. "Groll" besteht auch aus einem extrem verfremdeten Ton. Als ich recherchierte, fand ich heraus, dass der Film ein Remake eines Thrillers aus dem Jahr 2015 namens "Chronicles of Evil" aus Südkorea ist, der derzeit der ultimative Markt für die spannendsten Thriller überhaupt ist. Allerdings wird die Prämisse auf eine Weise umgesetzt, die alles andere als kunstvoll und ausgefeilt ist. Insgesamt ist "Groll" ein hilfloses Gemurkse von einem Film, der weder geistreich noch packend ist. Vielmehr leidet er unter unerwartet schlechten schauspielerischen Leistungen und schlechtem Schnitt. Die Charaktere sind eindimensional und der Soundtrack ist verstörend 90er Jahre. Es ist kaum zu glauben, wie sie sowohl die Regie als auch das Drehbuch verhunzt haben. Die Story selbst ist ziemlich inkonsistent, so dass ich mich regelrecht beleidigt fühle.

"Die verlorene Welt" ist in der Filmgeschichte von Bedeutung, weil er der erste Film war, der Stop-Motion-Animation verwendete, um Kreaturen auf der Leinwand zum Leben zu erwecken. "King Kong" entwickelte diese Technik ein paar Jahre später, ist aber viel erfolgreicher darin, seinen Kreaturen Charakter zu verleihen und die Effekte in die Geschichte zu integrieren. Dies ist möglicherweise eines der schwächsten Elemente von "Die verlorene Welt". Man kann sich leicht vorstellen, wie beeindruckend der Anblick von sich scheinbar bewegenden Dinosauriern gewesen sein mag, und die Geschichte ist typisch für viele spätviktorianische Romane. Die Handlung stammt aus dem Roman von Conan Doyle. Im Vergleich zu "King Kong" war die Technik jedoch noch nicht so weit, dass Menschen in der gleichen Szene mit einem der Dinosaurier zu sehen waren, und so gibt es kaum direkte Interaktionen. Tatsächlich kommen die Dinosaurierszenen in ziemlich zufälligen Abständen. Der Film ist visuell flach, mit offensichtlichen Innenszenen und einer völlig statischen Kameraführung. Die Schauspieler sind weitgehend Karikaturen. Der Film wird bald ziemlich langweilig und wird nur durch das Ende in London aufgelockert. Der Einfluss des Films ist sicherlich in fast jedem Dinosaurierfilm seither zu sehen. Als Erzählung ist der Film jedoch behäbig und uninteressant.

Trotz einiger anfänglicher Science-Fiction Anklänge ist "Das Himmelsschiff" eine romantische Fantasy mit starken religiösen Untertönen. Der Abenteurer Avanti Planetaros, dessen Name so viel bedeutet wie Auf zu den Planeten, beschließt, eine Reise zum Mars zu unternehmen. Seine Pläne werden von einem Skeptiker mit dem treffenden Namen Professor Dubius verspottet, der in Wirklichkeit eifersüchtig und rachsüchtig ist. Nach zwei Jahren ist das Raumschiff Excelsior, ein interplanetarisches Flugzeug mit zwei Propellern, das nicht annähernd so cool aussieht wie einige der Versionen auf den Filmplakaten, fertig und eine internationale Besatzung reist zum roten Planeten, wo sie eine ruhige, erdähnliche Welt vorfindet, die von friedlichen Vegetariern bevölkert wird, die den Krieg schon vor langen Zeiten hinter sich gelassen hat. Der Film wurde zu einer Zeit gedreht, als der Erste Weltkrieg blutig geführt wurde, und die Botschaft "Gebt dem Frieden eine Chance" ist nicht allzu subtil. Die Marsmenschen leben in einer idyllischen Gesellschaft, führen keinen Krieg, haben keine Waffen und scheinen sich nur von Früchten zu ernähren. Die Männer sehen sehr päpstlich aus in langen weißen Gewändern, die mit Ankhs verziert sind, sie tragen Stäbe und haben Hüte auf, die wie päpstliche Mitren aussehen, während die Frauen neoklassische weiße Kleider tragen und mit Blumen geschmückt sind. Ein älterer Marsianer findet das Essen und den Wein der Erde geschmacklos und fragt, woher wir das tote Fleisch bekommen. Avanti antwortet, indem er einen marsianischen Vogel aus der Luft abschießt, der vor den entsetzten und verachteten Füßen des Alten tot zu Boden fällt. Die Entdecker sehen die Erde als das, was sie ist, nämlich korrupt, sündig und gewalttätig. Avanti verliebt sich auch in Marya, die Tochter des Anführers der Marsianer, und möchte, dass sie sich ihm anschließt, wenn er zur Erde zurückkehrt.
Der Film ist offenkundig religiös. Marya hat einen sehr marianischen Blick, die Besatzung des Raumschiffs betet häufig, und der marsianische Glaube schließt ein Leben nach dem Tod ein. Als Science-Fiction-Film ist "Das Himmelsschiff" eine bizarre Mischung aus fantasievoll und hart. Die Reise wird sechs Monate dauern, und die psychologischen Auswirkungen der langen Isolation in einem beengten Raumschiff werden zum Problem. Es gibt einige schöne Beispiele für Schwarzweißaufnahmen, vor allem auf dem Mars, aber die Schauspieler sind typische Stummfilm Histrioniker. Die Geschichte ist langatmig und fade, und die Spezialeffekte beschränken sich auf die absurde Excelsior, ein interplanetarisches Flugzeug mit zwei Propellern, das nicht annähernd so cool aussieht wie einige der Versionen auf den Filmplakaten.

In "Camp - Tödliche Ferien" reisen vier junge Amerikaner nach Spanien, um als Betreuer in einem Sommercamp zu arbeiten, aber ein unsichtbares Grauen schleicht sich an die Gruppe heran und schlägt zu. Noch bevor die Kinder in dem europäischen Ferienlager ankommen, bricht im Streichelzoo unter den Tieren, vor allem einem harmlosen Hund, eine Raserei aus. Die Gruppe findet bald heraus, dass ein unerklärlicher Virus die Ursache für die Aggression sowohl der Menschen als auch der Tiere ist. Eines nach dem anderen werden die Tiere gebissen und mit dem tödlichen Virus infiziert, während die Gruppenmitglieder vor der schrecklichen Plage fliehen. Die Folge ist der Biss gegen einen der Betreuer, der die fatale Seuche in der Gruppe auslöst. Die Mitglieder versuchen daraufhin verzweifelt, der Gefahr zu entkommen. Doch das Camp befindet sich in der Wildnis und ist weit weg von der Zivilisation.
"Camp - Tödliche Ferien" entfaltet sich mit dem gleichen Gefühl paranoider Umnachtung wie die Infektion, deren Auswirkungen er beobachtet, und bleibt geschickt in seinem Erzähltempo und seinen endlosen narrativen Überraschungen, selbst wenn seine Figuren zunehmend durch eine Reihe von Verletzungen an ihren Beinen, Füßen und anderen Körperteilen beeinträchtigt werden. Der Film mischt Merkmale von Camp-Slashern und Zombiefilmen in sein eigenes berauschendes Gebräu und ist uns immer ein paar Schritte voraus, und dabei urkomisch böse.

"Pity" des griechischen Regisseurs Babis Makridis ist ein verstörendes und oft sehr komisches satirisches Drama aus Griechenland/Polen. Das zweite gemeinsame Drehbuch von Makridis und Efthimis Filippou der auch die Drehbücher zu Yorgos Lanthimos' "Dogtooth" und "The Lobster" schrieb, beschäftigt sich mit dem komplexen, urmenschlichen Wunsch nach Empathie und der Distanz, die wir bereit sind zu gehen, um sie von unseren Mitmenschen zu erlangen. Ein zunehmend verzweifelter Mann, der ausdrückliches Mitgefühl benötigt, ist ein namenloser Held, der zum Bösewicht wird, überzeugend gespielt vom griechischen Komiker Yannis Drakopoulos. Er lebt in einer malerischen Küstenstadt in Griechenland in einer symmetrischen, hochwertigen Wohnung mit seinem Sohn und seinem treuen Hund. Er arbeitet in einem Büro, kümmert sich routinemäßig um seinen Sohn, geht gelegentlich an den Strand und besucht seine komatöse Frau, die vor kurzem einen schweren Unfall hatte, im Krankenhaus. Die anhaltende Tragödie seiner Frau kommt ihm gerade recht, denn er ist süchtig nach Mitgefühl und egoistischer Zuwendung zu anderen. Sei es eine mitfühlende Kollegin, die ihn umarmen will, oder eine besorgte Nachbarin, die ihm jeden Morgen einen Orangenkuchen backt. Doch als seine Frau zu gegebener Zeit erwacht und das Wohlwollen der Fremden stirbt, muss er Situationen erfinden, um die Mitleidsparty in die Länge zu ziehen.
"Pity" zeichnet sich durch eine ruhige Farbpalette aus, die mit den spärlichen Kompositionen harmoniert. Makridis' Verwendung von negativem Raum in jedem Bild alarmiert und isoliert den Zuschauer absichtlich. Der Film verdüstert sich allmählich zwischen zum Lachen witzigen und grenzwertig lustigen Momenten und erinnert unweigerlich an den roboterhaften Rhythmus und den unbequemen Humor der Filme von Yorgos Lanthimos, denen Paolo Filippou als Drehbuchautor seinen unverwechselbaren Stempel aufdrückt. Am Ende wirkt der Film eher wie ein gelungenes Experiment als eine ausgefeilte Erzählung mit einer gewichtigen Pointe. Doch hinter der makellosen Fassade verbirgt sich ein fast zufälliger Subtext, über den es sich nachzudenken lohnt. Sind wir alle süchtig nach ständiger Dramatik und konsequenter Bestätigung in unserem täglichen Leben? Eine berechtigte Frage.

Im Mittelpunkt von "A Classic Horror Story" steht eine Gruppe ungleicher Charaktere, darunter Elisa und Mark, die von einer mysteriösen, unheimlichen Gruppe gesichtsloser Bösewichte angegriffen werden. Die Regisseure Roberto De Feo und Paolo Strippoli nutzen dieses vertraute Setting anfangs mit entschiedener und frustrierender Unzulänglichkeit, denn die erste Hälfte des Films leidet unter einer absichtlichen und ungeheuer generischen Sensibilität, die durch einen völligen Mangel an überzeugenden Charakteren noch verstärkt wird. Die völlige Langeweile wird allerdings gelegentlich durch einige angenehm grausame Tötungssequenzen unterbrochen. Es besteht auch wenig Zweifel daran, dass die alles andere als überzeugende Stimmung von "A Classic Horror Story" zu Beginn durch die Betonung surrealer Ereignisse verstärkt wird, wobei De Feo und Strippoli bestimmte Teile des Films mit einer "Ist das alles real oder ist das nur das Fegefeuer"-Haltung versehen, die sich als ziemlich verhängnisvoll erweist. Das heißt, es ist schwer, in einem solchen Kontext viel Sympathie für die gefährlichen Handlungen der Figuren aufzubringen. Es ist also klar, dass der Film von einem letzten Drittel profitiert, das die Dinge komplett auf den Kopf stellt, obwohl die zugegebenermaßen faszinierenden Entwicklungen letztendlich viel zu spät kommen, um einen wirklichen Unterschied in der Gesamtwirkung von "A Classic Horror Story" zu machen, was in Kombination mit einer augenrollenden, albernen und selbstverliebten Schlussszene den Platz des Films als ein fast erfolgreiches Unterfangen zementiert, das einfach nicht ganz funktioniert.

"The Manor", geschrieben und inszeniert von Axelle Carolyn, spielt mit vielen Ängsten des Alterns, vom Verlust der eigenen Fähigkeiten bis zum Verlust der Familie und allem, was dazwischen liegt. Judith ist eine Frau, die für ihr Alter körperlich noch recht gesund ist, doch schon bald wird bei ihr Demenz diagnostiziert. Während sie mit dieser Diagnose und der Tatsache kämpft, dass ihre Familie sie lieber in einem Heim unterbringt, als sie in ihrem eigenen Haus zu pflegen, lernt sie, mit ihrer neuen Situation zu leben und mit möglichen übernatürlichen Ereignissen umzugehen. Auch die Menschen in ihrem Umfeld tragen dazu bei, die Geschichte voranzutreiben, in deren Mittelpunkt sie steht. Die Tatsache, dass die Hauptfigur und viele andere Charaktere über 70 Jahre alt sind, ist eine schöne Abwechslung zu den meisten übernatürlichen Filmen, die es gibt. Allein diese Abwechslung verleiht dem Film einen frischen Wind und gibt dem Publikum etwas Neues zu sehen. Natürlich bringt diese Gruppe von alternden Charakteren ihre eigenen Schwierigkeiten mit sich, die sich von den üblichen Problematiken in Horrorfilmen unterscheiden. All dies wird mit Sorgfalt und Respekt für die Hauptfiguren und das Thema inszeniert.

Die Rolle der Judith wird von Barbara Hershey gespielt, die großartig ist. Sie gibt ihrer Figur Persönlichkeit und Verletzlichkeit und verleiht ihr Dimension und Emotion. Sie spielt diese Figur mit genau den richtigen Nuancen und dem richtigen Touch. Ihre neuen Freunde werden von Bruce Davison, Fran Bennett, Jill Larson und Nancy Linehan Charles gespielt. Jeder von ihnen bringt etwas völlig anderes mit und zeigt die verschiedenen Facetten des Alterns. Diese Nebendarsteller sind wunderbar zu beobachten.

Die Kameraarbeit von Andrés Sánchez verleiht der Geschichte und dem Schauplatz ein altes, fast gothisches Gefühl. Andrés Sánchez' Arbeit lässt das Herrenhaus manchmal wie eine eigene Figur erscheinen, mit imposanter Statur und furchterregender Erscheinung. Diese Arbeit hier ist ein großer Teil des Films und ein wesentlicher Aspekt der Geschichte.

"The Manor" ist ein gelungener Beitrag zum Subgenre der Spukhäuser. Der Film ist nicht besonders angsteinflößend, aber er hat viel mehr zu bieten als Jump Scares, was ihn zu einem viel stärkeren Film macht. Die Angst vor dem Älterwerden und dem Alleinsein ist etwas, das die meisten Erwachsenen irgendwann einmal durchmachen. Der Film spielt damit, indem er übernatürliche Elemente hinzufügt und etwas Unbekanntes schafft, vor dem man Angst haben kann.

Der 1946 gedrehte und 1947 veröffentlichte Film "Die Lady von Shanghai" war einer der großen Filme, die Regiesseur Orson Welles nach seiner Rückkehr aus dem relativen Exil für "Citizen Kane" drehte. Dieser düstere, brütende Film, der die frühe Paranoia des Kalten Krieges zum Ausdruck bringt, ist ein typischer Film-Noir-Thriller. Die Kameraführung dieses Films ist voll von Welles' charakteristischen Eigenheiten wie seltsamen Blickwinkeln, schnellen Schnitten, langen Schwenks und unheimlicher Beleuchtung. In vielerlei Hinsicht können die atmosphärische Straßenmusik und die geheimnisvollen chinesischen Figuren und Sequenzen in Chinatown nur als Inspiration für Roman Polanskis "Chinatown" angesehen werden. Leider ist es Welles' Besessenheit vom technischen Filmemachen, die den Film als Ganzes beeinträchtigt. Die Handlung dieser Geschichte verliert sich oft in einem manchmal unverständlichen Wirrwarr von Filmtechniken.
Doch trotz dieser Kritikpunkte macht die Geschichte in Verbindung mit den wunderbaren Leistungen von Welles, Hayworth und vor allem Glenn Anders "Die Lady von Shanghai" zu einem Vergnügen. Orson Welles beherrscht nicht nur den irischen Brogue, sondern auch die zerrissenen Identitäten des ehrlichen, aber gefährlichen Seemanns. Rita Hayworth, die damals mit Welles verheiratet war, bricht mit ihren üblichen Rollen als Sexgöttin und übernimmt eine Rolle mit echter Tiefe und Widersprüchen. Glenn Anders' seltsame und bizarre Darstellung des Anwaltspartners von Elsas Ehemann ist geradezu klassisch. Das Ende ist eine ikonische, Dali-eske Darbietung von Funhouse-Spaß und extremer filmischer Extravaganz bis zum Äußersten. Woody Allen zollt diesem Film am Ende von "Manhattan Murder Mystery" sogar Tribut.

"The Tale of the Fox", einer der ersten Animationsfilme der Welt, ist auch 90 Jahre nach seiner Fertigstellung noch aktuell. Die Geschichte basiert auf alten Fabeln über den großen anthropomorphen Fuchsschwindler Reynard. Der schlaue und wortgewandte Fuchs verdient seinen Lebensunterhalt, indem er die anderen Tiere des Königreichs betrügt und bestiehlt, was den König der Löwen schließlich dazu veranlasst, mehrere seiner Diener auszusenden, um den Fuchs zu fangen und seinem sorglosen Lebensstil ein Ende zu setzen. Der Fuchs erweist sich als alles andere als leicht zu stoppen, selbst für die besten Männer des Königs.
Ich war schon immer ein Fan von Animationsfilmen, und die charmante Stop-Motion-Technik von "The Tale of the Fox" lässt einen Fan nicht im Stich. Die Macher haben sich sichtlich Mühe gegeben, die Puppen lebensecht aussehen zu lassen. Vor allem der Löwenkönig und seine zurückhaltende Löwenkönigin sehen mit all den Details in ihren Gesichtern und Kostümen nicht nur hervorragend, sondern auch witzig aus. Auch die Bewegungen der Figuren und der Kamera sind gut durchdacht. Die actiongeladenen komödiantischen Szenen und der niedliche kleine Karneval der Frösche und Mäuse haben mich vor Begeisterung zum Lachen gebracht. Die Kampfszenen und die ausgeklügelten Fallen des Fuchses im Schloss am Ende sind purer Slapstick, der sich mit vielen Live-Action-Komödien dieser Zeit messen kann. Auch die Musik und die französischen Stimmen sind erstklassig und in keiner Weise veraltet. So lustig die Possen des Fuchses auch sind, man kann mit seinen leichtgläubigen Opfern mitfühlen, denn sie wirken lebensecht. Seien es Bären, Wölfe oder Katzen. Zwischen den mittelalterlichen Schauplätzen gibt es auch einige offensichtliche Anspielungen auf die moderne Gesellschaft, die dem Film seine anhaltende Relevanz verleihen. Die Zeitungsanzeige, das kommentierte Sportduell und der übermäßig talentierte Anwalt Badger, der die Wahrheit verdreht wie die besten Strafverteidiger ala Saul Goodman.
Da das Ende die vorhersehbare Botschaft, dass das Böse belohnt wird, vermeidet, kann "The Tale of the Fox" allen Liebhabern klassischer Filme nur wärmstens empfohlen werden. Es ist zu hoffen, dass dem Film mehr Aufmerksamkeit geschenkt wird, denn er ist vielen modernen Animationsfilmen, die nur auf lautes Geplapper oder bunte CGI setzen, sicherlich überlegen.

"Mandabi - Die Überweisung" schildert den Werdegang eines armen muslimischen Mannes aus dem Senegal, der bei dem Versuch, eine Zahlungsanweisung auf dem Postamt seines Dorfes einzulösen, mit überwältigenden bürokratischen und sozialen Zwängen konfrontiert wird. Der Protagonist, Ibrahim (Makhouredia Gueye, bescheiden und komisch würdevoll), ist ein fauler und eitler, aber im Grunde genommen anständiger Mann, ein ungebildeter Dorfbewohner, dessen unerwarteter Geldsegen zum Katalysator seines Untergangs wird. Dieser einfache, mehr oder weniger ehrliche und von Schwächen geplagte Mann wird mit der Gleichgültigkeit und Korruption der modernen Welt konfrontiert. Seine Geschichte nimmt die Qualität einer Fabel an, einer leichten, manchmal komischen Fabel. Regiesseur Ousmane Sembene, ein Beobachter der menschlichen Natur, hält seine Figuren auf Armeslänge, und durch die sorgfältige Beobachtung aus dieser mittleren Distanz gelingt es ihm, ihre grundsätzliche Gleichheit als Geschöpfe zu vermitteln, die versuchen, in einer verwirrenden, ungerechten Welt zu überleben. Es ist auch der Fall, dass diese mittlere Distanz perfekt ist, um eine absichtliche, unaufdringliche Komödie zu schaffen, in der die menschliche Torheit sanft enthüllt wird.

"Mandabi - Die Überweisung" ist auch ein Fenster in die Kultur des postkolonialen Senegal, eine Welt, die zwischen Tradition und Moderne zu schwanken scheint. Es steht außer Frage, dass Ousmane Sembene auf der Seite der kleinen Leute steht. Er tadelt Ibrahim zwar dafür, dass er sein Leben von seinen Frauen bestimmen lässt, dass er verantwortungslos mit Geld umgeht, aber er lobt ihn auch für seine Hartnäckigkeit und seinen Glauben. Dinge, auf die sich arme Menschen immer verlassen müssen. Ein bescheidener Film, aber ein kluger, trotz einer etwas erzwungenen Auflösung.

Achtung: "Cruel Summer" macht wütend!

Ich kann mich nicht erinnern, wann ich das letzte Mal Schwierigkeiten hatte, einen Film durchzuhalten. Die Brutalität gegen Danny war so schwer mit anzusehen, dass ich zweimal pausieren und weggehen musste. Ich mochte Danny, und es gab Momente, in denen ich mich abwenden musste, weil ich nicht sehen wollte, was mit ihm als nächstes passiert. Ich reagierte intuitiv, schwankte zwischen Traurigkeit und Wut, oft innerhalb von Sekunden. Das abrupte Ende war eine Enttäuschung, aber "Cruel Summer" ist exzellent gedreht, das Drehbuch ist stark, die Schauspieler sind außergewöhnlich - doch ich möchte diesen Film nie wieder sehen.

"The Trip - Ein mörderisches Wochenende", eine schwarze Komödie des norwegischen Regisseurs Tommy Wirkola. Wir treffen Lisa, eine Schauspielerin, und Lars, einen Fernsehregisseur, in einer schwierigen Phase ihrer Ehe. Sie streiten sich über ihre schwächelnden Karrieren, sind eifersüchtig aufeinander und hegen auch einen Groll gegeneinander. Lars hat eine Lösung parat: Er wird Lisa während eines Wochenendausflugs in die Hütte seines Vaters umbringen. Dort angekommen, lässt sich Wirkola Zeit, die Spannung aufzubauen, indem er sie in eine Partie Scrabble und ein Abendessen am See einbaut. Lisa enthüllt schließlich, dass sie von Lars' Plan weiß und mit ihrer eigenen Verteidigung angereist ist. Als der unbeholfene Auftragskiller, den Lars angeheuert hat, auftaucht, wird er in ihre Auseinandersetzungen hineingezogen.
Ehegeschichten gibt es heutzutage zuhauf, aber "The Trip - Ein mörderisches Wochenende" hält sich glücklicherweise von der Traurigkeit einer bröckelnden Beziehung fern und zeigt stattdessen ihre chaotische Kehrseite. Im zweiten Akt verwandelt sich der Film in einen Einbruchsthriller, als drei entflohene Sträflinge, die sich auf dem Dachboden verschanzt haben, in das Leben von Lisa und Lars eindringen. Es gibt einige Gewaltszenen, die sich lange hinziehen, vor allem eine, in der Lars mit Vergewaltigung bedroht wird. Gegen Ende gibt es ein paar zu viele plötzliche Wiederbelebungen von Figuren, von denen man dachte, sie seien bereits tot. Von einigen notwendigen Kürzungen abgesehen, macht der Film jedoch Spaß. Noomi Rapace hat mit Wirkola bereits bei Netflix' "What Happened to Monday" zusammengearbeitet, und es ist ein Vergnügen, sie im komödiantischen Modus zu sehen.
Trotz all der Gewalt und des Blutes betrachtet Wirkola Lisa und Lars immer noch mit Empathie. Es gibt einige zärtliche Momente inmitten des Chaos, aber er scheut sich auch nicht, sie ihre Wut und ihren Groll ausleben zu lassen und ihre traumatischen Erlebnisse in ein böses Ende zu verpacken. Eine rabenschwarze Komödie, die Action- und Horrorfans zufriedenstellen wird.

"Beneath - Abstieg in die Dunkelheit" ist besser als erwartet, denn seien wir mal ehrlich, wir haben einen Film über eine Gruppe von Bergleuten, die unter Felsen eingeschlossen werden, und wenn der Terror beginnt, sind keine Monster im Spiel. Es geht um den Schrecken der Situation, darum, wie die Menschen dort reagieren, was sie tun, wie sie die Dinge sehen, und genau so fühlt sich dieser Film an.
Wenn man Horrorfilme mag, schafft "Beneath - Abstieg in die Dunkelheit" eine angenehme Atmosphäre. Er ist sehr unheimlich und dunkel und spielt mit vielen unserer schlimmsten Ängste. Regisseur Ben Ketai gelingt es gut, die Spannung aufzubauen und aufrechtzuerhalten. Was das Drehbuch angeht, so ist es ein wenig abgeleitet, da es den Descent-Filmen so ähnlich ist. Außerdem fällt es mir schwer, mir vorzustellen, dass die Mine einen Besucher in die Schächte lässt, um mit den Arbeitern herumzuhängen. Dennoch, wenn man einen Film mit Nervenkitzel mag, hat dieser Film eine Menge davon. Vertraut, aber ich muss zugeben, dass er trotzdem ziemlich creepy ist.

Für viele Menschen scheint das Sprichwort, dass Schönheit nur oberflächlich ist, ziemlich offensichtlich zu sein. Wie könnte man das Wunder der Natur, sei es in Form eines Berges, einer Quelle oder einer schönen Frau, wirklich schätzen, wenn man nicht in der Lage ist, diese Dinge so zu sehen, wie sie dem Auge erscheinen? Regisseur Hiroshi Shimzu wendet diese Idee der Schönheit als etwas, das nur dem Betrachter bekannt ist, auf die Ich-Perspektive eines blinden Masseurs an, der eine kleine Stadt besucht und in das Treiben seiner Kunden verwickelt wird. Der Rest des Films spielt sich wie ein Krimi im Noir-Stil ab, nachdem Geld aus den Zimmern des örtlichen Gasthauses verschwindet, und das ist faszinierend genug, aber eine solche Handlung tritt gegenüber den Figuren und den Nuancen im Ton, die durch die Betonung der Sinne entstehen, immer in den Hintergrund. Das Ergebnis ist ein einzigartig melancholischer und nachdenklicher Film, der in einem Tempo abläuft, das damals als normal galt, auch wenn Zuschauer, die sich den Film heute ansehen, das Tempo vielleicht als unerträglich langsam empfinden, aber er mildert diesen ausgeprägt meditativen Ton mit einem unbeschwerten Sinn für Humor und Charme. Obwohl "The Masseurs and a Woman" nur etwas mehr als eine Stunde dauert, schafft es Hiroshi Shimzu, in dieser Zeit genügend Figuren und Bilder zu zeigen, um einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen, auch wenn in dieser Stunde nicht viel passiert. Das größte Highlight ist die Hauptfigur Toku, die Shimzus Themen perfekt verkörpert und eine überzeugende Mischung aus Humor, Charme und Emotionen in einem für die Zeit zufriedenstellenden Ausmaß bietet.
"The Masseurs and a Woman" kommt zu einem Schluss, der das Gefühl der vergeblichen Ironie des gesamten Films in Bezug auf die Liebe zum Detail und die schöne Cinematographie für die Augen treffend einfängt. Es handelt sich um ein zartes, fast leicht zu übersehendes Kleinod aus einem Land, das kurz vor dem Krieg stand und das sowohl das gesellschaftliche Klima als auch die Filmlandschaft verändern sollte. Im Gegensatz zu den meisten späteren Filmen des Landes gibt es hier kaum einen sozialen Kommentar, aber es gibt dennoch viel zu sehen, was paradoxerweise auf das ruhige und minimalistische Tempo des Films zurückzuführen ist. Die Kamerabewegungen und das Wissen, wann man stehen bleiben muss, sind bemerkenswert und typisch für die Virtuosität des frühen japanischen Kinostils. Sie hinterlassen unvergessliche Bilder von einer Frau, die einen Regenschirm hält und mit gesenktem Blick in einen Fluss blickt, von Regentropfen auf dem Wasser und von einer Pferdekutsche, die einen klapprigen Weg hinunterrollt, weg von dem Ort, an dem die Geschichte spielt. Schönheit, so scheint es, kann jeden überwältigen, unabhängig davon, wie gut er sie hören oder sehen kann.

Ein alter Mann liegt im Sterben und beschuldigt seine Verwandten, über ihn zu wachen wie Katzen über einen Kanarienvogel. Zwanzig Jahre nach seinem Tod versammeln sich seine Verwandten um Punkt Mitternacht in einer dunklen und windigen Nacht in seinem unheimlichen Herrenhaus, um sein Testament zu verlesen. Eine Person bekommt das ganze Geld und den gesamten Nachlass, es sei denn, sie wird für unzurechnungsfähig erklärt. Und was ist mit dem entflohenen Verrückten aus der nahe gelegenen Irrenanstalt?
"Spuk im Schloss" ist wahrscheinlich einer der ersten Filme, in denen es um eine Testamentseröffnung, ein dunkles, vermeintlich verfluchtes Haus und den Mord an Menschen geht. Von der Handlung her ist er nichts Neues und enthält einige furchtbar unlustige Komödien. Trotzdem ist er sehenswert.
Die Regie von Paul Leni ist sehr gut. Die Gegenüberstellung der Bilder war clever und er hat Spaß mit den Titelkarten. Die Darsteller sind ein wenig übertrieben, aber das ist bei Stummfilmen üblich. Der Film hat eine hervorragende Filmmusik, die den Film noch unterstreicht. Es lohnt sich also, ihn anzusehen. Wunderbar gedreht. Sicherlich ein zeitloser Klassiker des Stummfilms.

Als ich "Me and My Mates vs. The Zombie Apocalypse" sah, hoffte ich auf eine würdige Zombie-Komödie nach dem Vorbild von "Shaun of the Dead". Obwohl es gute komödiantische Momente gibt, traf der meiste Humor nicht ins Schwarze. Die Handlung ist einfach: Eine Gruppe von Freunden versteckt sich in einer Telefonzentrale, während Zombies das Gebäude umzingeln. An Geplänkel mangelt es nicht, und die Figuren unterhalten sich über die üblichen australischen Themen wie Cricket und Bier. In typisch australischer Manier werden sogar ein paar spärlich bekleidete Frauen gezeigt. Der wirkliche Wermutstropfen war das Timing einiger Handlungen. Einige der Zombies brauchten ewig, um ein paar Meter zu watscheln, aber wenn das der Witz sein sollte, hat er versagt. "Me and My Mates vs. The Zombie Apocalypse" hat keine Ahnung, wohin er will, kein Gefühl dafür, ob er eine leichte Komödie, ein Spaß für Jungs, Gore oder was auch immer sein will, und erreicht überhaupt nichts.

"Der Clan, der seine Feinde lebendig einmauert" beginnt damit, dass der Polizeihauptmann von Palermo (Martin Balsam) die Entlassung eines bekannten Kriminellen aus einer Irrenanstalt arrangiert und in aller Ruhe beobachtet, wie der Mann ein Maschinengewehr kauft, sich als Polizist verkleidet und in das Büro eines örtlichen Gangsterbosses eindringt, was zu einem Blutbad mit vier Toten führt. Der Mafiaboss scheint jedoch Wind davon bekommen zu haben und war bei der Schießerei nicht anwesend.
Franco Nero taucht daraufhin als neuer Staatsanwalt auf, der sich an die Regeln halten und den Geschehnissen auf den Grund gehen will. Wer hat dem Mafiaboss einen Tipp gegeben, dass der Typ aus der Klapsmühle entlassen wurde? Wer hat dafür gesorgt, dass der Kerl überhaupt freigelassen wurde? Franco, der Staatsanwalt, traut Balsam, dem Polizeihauptmann, nicht, und verschiedene Gespräche mit dem Mafiaboss und anderen deuten darauf hin, dass der Staatsanwalt auf der Gehaltsliste der Mafia steht oder dass der Polizeihauptmann von rivalisierenden Mafiabanden dafür bezahlt wurde, den Gefangenen freizulassen, um den Mafiaboss zu töten.
Die beiden bilden eine sehr unangenehme Allianz, in der der Polizeihauptmann andeutet, dass die meisten städtischen Angestellten von Palermo auf der Gehaltsliste der Mafia stehen, und erklärt, dass er unorthodoxe Methoden anwendet, weil der Mafiaboss und er selbst vor Jahren in einem Dorf aufgewachsen sind und der Mafiaboss einen Mann erschossen hat, der gegen die miserablen Löhne protestierte, die die Mafia den Steinbrucharbeitern zahlte. Der Staatsanwalt antwortet, er wisse, dass der Polizeihauptmann zur gleichen Zeit zwei Millionen Lire von einem Konto abgehoben habe, aber wird er ihm glauben, dass er das Geld verwendet hat, um die Leiche von Prete zu finden, der von der Mafia ermordet wurde? Obwohl der Film lang ist und wenig Action bietet, ist es leicht, sich von den schauspielerischen Leistungen der beiden Hauptdarsteller mitreißen zu lassen. Es ist noch seltener, dass Franco Nero von der Leinwand gespielt wird, aber genau das passiert hier. Man kennt Martin Balsam vielleicht als den Polizisten aus "Psycho" oder Alan Arkins Vorgesetzten in "Catch 22", aber hier bekommen wir sein ganzes Spektrum der Schauspielerei. Er ist ein harter und effizienter Polizist, aber er zeigt auch Mitgefühl für Menschen, die Dummheiten begangen haben, und ist freundlich zu seinen Kollegen, sogar zu denen, die auf der Gehaltsliste der Mafia stehen. Wo immer er in diesem Film auftaucht, wird er an seine Grenzen gebracht, und das bittersüße Lächeln auf seinem Gesicht, als ein ganzer Raum voller Mafia-Mitarbeiter über ihn lacht, ist unbezahlbar. Und er toppt diese Szene später noch.
"Der Clan, der seine Feinde lebendig einmauert" ist ein Film, der Fans von düsterem Kultkino und Liebhabern von subtiler Spannung gleichermaßen ansprechen dürfte. Mir persönlich fällt kein einziger negativer Aspekt an diesem Film ein, der einen mehr als berechtigten Kultstatus genießt. Ein Meisterwerk. Für Fans des italienischen Genrekinos wäre es ein Verbrechen, ihn zu verpassen.

Mit einer exzellenten Prämisse, die den aufstrebenden Künstler Mark in seinem Apartmentkomplex mit anderen Bewohnern unter Quarantäne stellt, und der allgegenwärtigen Bedrohung durch einen tödlichen Virus liefert "Containment" einen grüblerischen Sinn für Spannung und Horror, der den Herzschlag pochen und den Schweiß fließen lässt.
Es ist erfrischend zu sagen, dass vieles vor dem Publikum verborgen bleibt. Es wird nichts gesagt, niemand weiß, was das Virus ist, woher es kommt, und niemand wird Zeuge, was es wirklich tut. Und genau hier liegt die größte Stärke von "Containment". Regisseur Neil Mcenery-West weiß, dass nicht alle Fragen zufriedenstellend beantwortet werden können, wie es bei vielen anderen Filmen mit ähnlich faszinierenden Konzepten der Fall ist. Der Film kultiviert durchgehend eine rätselhafte Atmosphäre und macht in jeder Szene Lust, sich zu beeilen, nicht weil der Film ein Ende haben muss, sondern weil er Appetit auf Vorfreude weckt. Auch wenn dieser Appetit nie ganz gestillt wird, ist der Film dennoch ein spannendes Erlebnis.
Mark, die Hauptfigur, zieht den Zuschauer nicht sofort mit seiner Persönlichkeit in seinen Bann. Gegen Ende des Films wird jedoch deutlich, dass Mark ein mitfühlender Mann ist, der mit dem Patenkind des Films zusammenlebt und es beschützen will. Er sehnt sich danach, seinen eigenen Sohn zu finden, wenn auch nicht auf die typisch überdrehte, melodramatische Weise. Gabriel Seniors Leistung als Nicu ist eine angenehme Überraschung. Obwohl er kein einziges Wort spricht, liefert er die herzzerreißendste und wohl auch beste Leistung des Films ab.
Trotz alledem hat man das Gefühl, dass dem Film eine weitere Hälfte fehlt. Vielleicht hat die fehlende Auflösung das gute Urteilsvermögen getrübt, aber "Containment" fehlt etwas, das den Film zu einem vollständigen Erlebnis gemacht hätte. Obwohl der Film manchmal durch klischeehafte Charaktere und ein schlampiges Drehbuch getrübt wird, weckt er den brennenden Wunsch, mehr von der Welt zu sehen, die Regisseur Neil Mcenery-West geschaffen hat. Andererseits würde eine Fortsetzung nichts anderes tun, als das Geheimnis zu verderben. Es scheint eine der Zwickmühlen des Lebens zu sein.