Chainsaw Charlie - Kommentare

Der deutsche Journalist und Regisseur Michael Obert, dessen Freundschaft mit Jim Jarmusch, der in einigen Szenen auftaucht, und dem Dokumentarfilm "Song from the Forest" eine kulturelle und künstlerische Note verleiht, wechselt zwischen den Straßen von New York und den üppigen Regenwäldern Afrikas, während Louis Sarno sein faszinierendes Werk in die Welt setzt. Louis Sarno hörte als junger Mann ein Lied im Radio, das ihn in seinen Bann gezogen hatte, und er ging dieser musikalischen Botschaft bis zu ihrem Ursprung im zentralafrikanischen Regenwald nach, wo er den Stamm der Bayaka-Pygmäen fand, eines Volkes von Jägern und Sammlern. Etwa 25 Jahre später lebt er als einer von ihnen, spricht die Sprache der Bayaka und zieht seinen Pygmäensohn Samedi auf. Er hat über 1.000 Stunden einzigartiger Aufnahmen von Bayaka-Musik gesammelt, die er dem Pitt Rivers Museum in Oxford im Vereinigten Königreich geschenkt hat. Louis hatte ihm versprochen, Samedi zu zeigen, wo er ursprünglich herkommt, und so nimmt er den 13-Jährigen mit, um ihm das zurückgelassene Leben in den USA zu zeigen. Sie begegnen unter anderem Sarnos bestem Freund Jim, der sich an ihre Collegezeit erinnert und daran, wie sich Louis nach seinem ersten Ausflug zu den Bayaka verändert hat. Die Geschichte ist liebenswert und wunderschön gefilmt. Die Rückkehr in die USA fällt Sarno, der in die Kultur der Bayaka eingetaucht ist und eine Beziehung mit einer Stammesangehörigen hatte, mit der er ein Kind hat, etwas schwerer als Samedi, der von seiner neuen Umgebung eher irritiert als interessiert zu sein scheint. Am besten ist "Song from the Forest", wenn er seine reizvollen Bilder mit Sarnos Arbeit verbindet und der Film sowohl visuell als auch akustisch besticht. Und während es im Inneren des Films viel altmodische Konversation gibt, sind es Klang und Optik, die "Song from the Forest" zu einem wirkungsvollen und leicht gespenstischen Film machen.

Roman Polanskis viel zu wenig beachteter Thriller "Der Tod und das Mädchen" aus dem Jahr 1994 stellt eine ganze Reihe von moralischen Fragen zu Schuld, Rache, Strafe, Gerechtigkeit und der Verantwortlichkeit des Menschen für sich und die Gesellschaft. Doch trotz seines schweren thematischen Gepäcks funktioniert der Film, der auf dem Theaterstück von Ariel Dorfman basiert, der auch das Drehbuch mitverfasst hat, am besten als schauspielerisches Schaufenster für seine drei gleichmäßig herausragenden Hauptdarsteller, die mit der Heftigkeit von Faustkämpfern um die Wette kämpfen und sich schlagen. Paulina Escobar (Sigourney Weaver) ist die wohlhabende Ehefrau des Anwalts Gerardo Escobar (Stuart Wilson), der kürzlich damit betraut wurde, eine Untersuchung der Menschenrechtsverletzungen zu leiten, die von der ehemaligen Diktatur in ihrem anonymen lateinamerikanischen Land begangen wurden. Das Setting deutet zwar auf das Chile nach Pinochet hin, aber die Geschichte hätte genauso gut in jedem anderen Land spielen können, das seine ersten Tage frei von despotischer Herrschaft erlebt. Als jugendliche Revolutionärin wurde Paulina von einer Todesschwadron gefangen genommen und gezwungen, monatelang Elektroschocks und Vergewaltigungen zu ertragen, weigerte sich aber, ihren damaligen Freund Gerardo zu verraten. Ihre körperlichen Narben sind zwar verheilt, aber die Intensität von Sigourney Weavers Darstellung lässt die psychischen Folgen dieser leicht verstörten Frau erahnen. Als sich beispielsweise ein fremdes Auto ihrem Haus nähert, macht Paulina sofort das Licht aus, holt eine geladene Pistole und versteckt sich auf der Lauer. Das unbekannte Fahrzeug, das die kurvenreiche Straße zu ihrem abgelegenen Haus am Wasser entlangfährt, gehört Dr. Roberto Miranda (Ben Kingsley), der Gerardo großzügigerweise nach Hause gefahren hat, nachdem er ihn mit einer Autopanne aufgefunden hatte. Als Paulina Mirandas Stimme hört, identifiziert sie ihn sofort als den Arzt, der sie Jahre zuvor zu den Klängen von Schuberts "Der Tod und das Mädchen" brutal missbraucht hat, und macht sich daran, ihn inoffiziell für seine Verbrechen vor Gericht zu stellen. Nachdem sie sein Auto von einer Klippe gestürzt hat, fesselt und knebelt Paulina Miranda und verlangt von ihm, dass er gesteht und Buße tut oder dem Tod ins Auge sieht. Gerardo, der unsicher ist, ob seine labile Ehefrau den Fremden falsch identifiziert hat oder ob Miranda nur ein kühner und überzeugender Lügner ist, der versucht, sich aus der Affäre zu ziehen, wird zum Augen- und Ohrenersatz für das Publikum, das als unparteiische Geschworene fungieren soll, um die Wahrheit herauszufinden. Das Drehbuch ist jedoch so sehr auf Paulinas Seite, dass "Der Tod und das Mädchen" nicht in der Lage ist, uns über Mirandas Täterschaft im Dunkeln zu lassen, und Dorfmans Skript verlagert seinen Schwerpunkt schließlich auf schwerwiegendere Fragen: Wie kann man die Wahrheit feststellen? Wer hat das Gesetz, Leben zu nehmen? Verschafft die Vergeltung inneren Frieden, oder macht sie das ursprüngliche Opfer nur zu dem, was der Gewalttäter war? Dieser Didaktizismus droht regelmäßig, die wachsende Volatilität des Films zu sabotieren, aber das Zusammenspiel zwischen Sigourney Weaver, Ben Kingsley und Stuart Wilson ist von einer solch sengenden Schärfe und Wildheit, dass es leicht ist, selbst während der periodischen Abstecher in plumpe Moralvorstellungen gespannt zu bleiben. Ben Kingsleys krachende Gipfelrede enthüllt das Übel als eine Kreatur, die sich nicht so einfach klassifizieren und explizieren lässt, aber erst im Epilog entfacht Regisseur Roman Polanski den letzten und stärksten Schlag seines Films mit einer geschmeidigen Kranaufnahme in einer Konzerthalle, die das unentwirrbare Geflecht aus Täuschung, Brutalität und Schande evoziert, das die drei verstörten Gestalten von "Der Tod und das Mädchen" miteinander verbindet, und die zudem auf eindrucksvolle Weise verdeutlicht, wie sich die Verbrechen des Menschen gegen seine Mitmenschen häufig hinter einer Fassade des alltäglichen Anstands verbergen.

Im Zentrum von Adam Dicks einfühlsamem Erstlingswerk "Teacher" steht der engagierte Englischlehrer James Lewis (David Dastmalchian), der gerade eine schwierige Scheidung durchmacht. Als er Zeuge wird, wie zwei Teenager in seiner Klasse gnadenlos drangsaliert werden, verliert er allmählich die Beherrschung über seine Gefühle, erinnert sich an seine schlechten Kindheitserfahrungen und begibt sich auf einen sehr düsteren Pfad. "Teacher", der manchmal wie eine höfliche, bürgerliche Variante von "Taxi Driver" wirkt, zeigt eine bewundernswerte Behutsamkeit bei der Darstellung von seelischem Verfall und gewalttätigen Auseinandersetzungen. Diese Zurückhaltung verstärkt die Wirkung des Films sogar zusätzlich. Die erste Hälfte von "Teacher" konzentriert sich stark auf das Mobbing selbst, doch schon in diesem Stadium ist die moralische Situation kompliziert. Preston (Matthew Garry), das junge Mobbingopfer, zeigt eine gemeine Ader, als er versucht, sich an Tim (Curtis Edward Jackson), einem der Jungen, die ihn misshandeln, zu rächen. Curtis Edward Jackson ist eine der prägnantesten Figuren des Films. In einer Schlüsselszene, in der wir den wahren Jungen unter der Maskierung der Härte sehen, wenn sich der Film zu wandeln beginnt, liefert er eine echte Glanzleistung ab. Als Tims erfolgreicher und ehrgeiziger Vater verleiht Kevin Pollak dem Film zusätzliches Volumen, indem er den viel größeren James eindrucksvoll einschüchtert. Die Interaktionen zwischen den beiden, wenn sie Tims Verhalten diskutieren, führen das Thema des Mobbings über das Klassenzimmer hinaus und verdeutlichen die Unangemessenheit eines einfachen "Es wird besser" Vorgehens bei solchen Problemen. "Teacher" erforscht die Ausdrucksformen von Männlichkeit und die Methode, mit der homophobe Äußerungen verwendet werden, um sich über ein Verhalten zu mokieren, das als unzureichend hart empfunden wird, und beschäftigt sich mit den Folgen, die es für Männer hat, wenn sie versuchen, in diesem Rahmen zu konkurrieren oder eine Autorität aufzubauen. Die Frauen in "Teacher" sehen die Dinge anders, scheinen aber ebenso wenig in der Lethargie zu sein, mit Aggressionen umzugehen, abgesehen von einer Lehrerkollegin, die sich mit James verabredet. Die zugrundeliegende Tragik all dessen ist, dass niemand wirklich glücklich zu sein scheint, aber Adam Dicks Film hat dennoch Energie und schwelgt nicht einfach im Trübsinn. Während die Klasse den Kaufmann von Venedig studiert und darüber spricht, wie schwierig es ist, zwischen Helden und Schurken zu unterscheiden, bewahrt James eine Art naiven Optimismus, der ihn leicht sympathisch macht. Einer dieser Lehrer, der wirklich für die Schüler da zu sein scheint, die bereit sind, sich die nötige Mühe zu machen. Selbst wenn sich die Situation ändert, fällt es leicht, mit ihm zu sympathisieren, denn er hat das Herz auf dem rechten Fleck, und es kann einen Moment dauern, bis man erkennt, wie weit er vom Kurs abgebogen ist. Der Zuschauer wird leicht zum Mittäter, der sich in Handlungen verstrickt, die im Nachhinein als eindeutig unangemessen angesehen werden. Obwohl "Teacher" die Grenzen seines kleinen Budgets nie ganz ausschöpft, ist es ein souveränes Spielfilmdebüt. Die Besetzung, die aus der Art von Schauspielern besteht, die das Rückgrat vieler amerikanischer Dramen bilden, ohne jemals die Aufmerksamkeit des Publikums zu erhalten, ist perfekt aufeinander abgestimmt, und David Dastmalchian, der nur selten eine Hauptrolle bekommt, lässt James' Zorn lange Zeit köcheln, bevor er zum Siedepunkt kommt. Wenn dieser Punkt erreicht ist, ist bereits so viel offenbart worden, dass es schwierig ist, zu ergründen, was wirklich in jedem der Schauspieler steckt, mehr als ein unterdrückter Groll und eine gewisse Abneigung.

In dem schäbigen Thriller "Hypnotic" von Regisseurin Suzanne Coote und Co-Regisseur Matt Angel wird Hypnose als Terrormittel eingesetzt, das Menschen dazu bringt, entweder fürchterliche Taten zu begehen oder zu glauben, dass ihnen solche Taten angetan wurden. Für die Person, die unter dem Bann steht, kann sich eine Stunde wie eine Minute anfühlen. Eine neidische Feststellung als undankbare Mühe, die aus dem Abfalleimer gekramt wurde. Ein billiger, zutiefst alberner Film über einen bösen Hypnosetherapeuten, in dem sich zu viele kluge Menschen völlig blöd verhalten. Es ist die Form von halbgarem Schrott, die massenhaft für ein Publikum von Netflix produziert wird, das diese unterirdische Qualität inzwischen als Norm erwartet und akzeptiert. Ein niedriges Budget muss natürlich nicht gleichbedeutend mit geringem Engagement sein, aber es ist schwer zu begreifen, wo hier die Energie herkommt, so dass es unmöglich ist, sie beim Zusehen aufzubringen. Es ist ein Film über das Einschlafen, der uns auch dorthin führt. Es geht um Jenn (Kate Siegel), eine Frau in den Dreißigern, die damit kämpft, ihr Leben auf die Reihe zu bekommen. Auf der Party ihrer besten Freundin, auf der sie versucht, ihrem Verflossenen aus dem Weg zu gehen, trifft sie den charmanten Hypnotherapeuten Dr. Meade (Jason O'Mara), der ihr einen Weg aus ihrer Blockade anbietet. Jenn zögert zunächst, willigt dann aber ein und lässt sich hypnotisieren. Sie erwacht erfrischt, doch eine Verkettung von Geschehnissen lässt sie bald begreifen, dass Dr. Meades Absichten vielleicht doch nicht so edel sind, wie sie glaubte. Nach einer lachhaft ineffektiven Eröffnungssequenz, die ein theoretisch beängstigendes Szenario praktisch inkompetent umsetzt, werden wir mit dem schalen Gefühl bestraft, dass wir dabei sind, einen wirklich mangelhaften Film zu sehen. Ein Gefühl, das sich auch in den nächsten, immerhin barmherzigen 88 Minuten fortsetzt, in denen es immer mehr abwärts geht. Der Seelenklempner ist so offensichtlich ein bösartiger Psycho, dass das einzige große Fragezeichen ist, warum jemand bereit ist, auch nur einen Augenblick allein mit ihm in einem Behandlungszimmer zu verweilen. Drehbuchautor Richard D'Ovidio spielt seine Karten so frühzeitig aus, dass für den Rest von "Hypnotic" kaum noch genügend Treibstoff in der Maschine ist. Die Idee eines potentiell interessanten, wenn auch nicht gerade originellen, submanschurischen Kandidaten wird völlig uninteressant. Das Skript des ersten Teils verlässt sich auf zu viele Fälle, in denen sich scheinbar clevere Personen wie zertifizierte Fachidioten aufführen, um die Verschwörung voranzutreiben. Es ist eine Ansammlung von dämlichen Fehlentscheidungen, die in einem 80er Jahre Slasher ebenso absurd wirken würden wie in einem Film, der sich selbst ernster zu nehmen versucht. Matt Angel und Suzanne Coote, die Regisseure, versagen trotz des Hitchcock'schen Ansatzes bei der Umsetzung und geben sich stattdessen damit zufrieden "Hypnotic" so aussehen zu lassen, als würde er in einer Endlosschleife an der Rezeption eines Bürokomplexes abgespielt werden. Sowas ist fade und leblos. Kate Siegel ist hier so seifig wie der Film und die Darsteller um sie herum. Es ist kaum möglich, sich dafür zu begeistern, was mit ihr oder sonst jemandem in diesem Film passiert, und noch unwichtiger wird es, wenn man erfährt, dass es auch niemanden sonst zu interessieren scheint. Hypnotisch ist das genaue Gegenteil.

Diese Formulierung kennen wir aus Berichten über Vergewaltigungsprozesse. Ein Mann mit großem Potenzial, so das Argument, sollte wegen eines einzigen Fehlverhaltens nicht zu hart bestraft werden. Es handelt sich um besonders tragische Sachverhalte. Manche sind auch Opfer. Stellt euch vor, was eine lange Haftstrafe uns alle kosten könnte. Das unterschätzte Potenzial von Frauen wird selten thematisiert. Natürlich polarisieren solche Argumentationen die Öffentlichkeit. "A Young Man with High Potential" von Regisseur Linus de Paoli, den er zusammen mit seiner Frau Anna entwickelt hat, ist ein stiller, verstörender Film, der den Zuschauern Unbehagen bereitet, egal was sie davon halten. Piet (Adam Ild Rohweder) ist ein Mensch, der wenig soziale Erfahrungen mit Frauen hat. Er ist ein hoch intelligenter Nerd und beschäftigt sich ausschließlich mit Informatik und erwartet nicht wirklich, dass sie sich für ihn interessieren. Das Angebot, mit Klara (Paulina Galazka) zusammenzuarbeiten, stößt bei ihm zunächst auf Widerstand. Zu ihrer beiderseitigen Überraschung finden die beiden jedoch zueinander, und sie lockt ihn allmählich aus seinem Schneckenhaus heraus. Sie ahnt nicht, wie überwältigend das für ihn ist. Als er sie eines Nachts küsst und sie sich zurückzieht, um ihm zu erklären, dass sie nicht auf diese Weise an ihn denkt, ist er am Boden zerstört. Was er daraufhin tut, erscheint einerseits wie eine logische Konsequenz, andererseits wie etwas, das so weit von menschlichen Emotionen entfernt ist, dass es weder moralisch noch aus psychologischer Sicht einen Weg zurück gibt. Die Genialität von "A Young Man with High Potential" besteht in der Ausgewogenheit dieser Situation. Linus De Paoli setzt eine ganze Palette von cineastischen Mitteln ein, um den Betrachter dazu zu bringen, sich mit Piet in seinen tiefsten Momenten zu solidarisieren und ihn eine Zeit lang vom Abgrund wegzuholen. Dass seine Ziele nicht den eigenen Erwartungen entsprechen, unterstreicht die Kluft zwischen seinen Ansichten über sich selbst und der Wirklichkeit und das Ausmaß, in dem er seine eigene emotionale Beziehung zur Welt opfert, indem er seine Gefühle bewusst unterdrückt, bis er sie nicht mehr wiederfinden kann. Macht ihn das zu einem tragischen, bemitleidenswerten Menschen? Ja, aber gleichzeitig auch pathetisch. Es ist unmöglich für den Zuschauer, das Entsetzliche der Lage aus dem Auge zu verlieren, denn er kann es sehen. Zu einem späteren Zeitpunkt, als Piet mit den Folgen seines Handelns konfrontiert wird, sehen wir, wie eine Situation nach der anderen aus dem Ruder läuft, fast bis zur Farce, und alles, was das Filmwesen uns gelehrt hat, bringt uns dazu, ihm zu wünschen, dass er damit durchkommt, lädt uns ein, zu Komplizen zu werden. Das ist schwarze Komödie in ihrer rauesten Form. Das Lachen wird zu einem Bewältigungsmechanismus. Linus De Paoli nutzt diese Möglichkeit, um uns mit den anderen Figuren in Einklang zu bringen, die sich, ob wissentlich oder nicht, an Piets Versuch der Vertuschung beteiligen. Das Verlangen, dass all diese Probleme verschwinden, dass alles wieder normal wird, ist groß und für Klara ist das natürlich unerfüllbar. Die anfänglichen Szenen von Paulina Galazka sind von zentraler Bedeutung, denn sie zeigen uns den Charme, die Herzlichkeit und die jugendliche Unbeholfenheit von Klara. Sie ist manchmal unbedacht und kann gemein sein, wenn sie verärgert ist, aber nicht schlimmer als Piet. Sie ist klug und humorvoll und steckt voller Potenzial. Linus De Paoli zeigt sie in warmem Licht, in einer leuchtend roten Jacke. Wenn Piet allein ist, ist seine Welt ein Flickenteppich aus schattigen Blau und Grautönen, unterbrochen von strengem, klinischem Weiß. Die Einblicke in Piets soziales Leben zeigen, dass er zu dauerhaften Freundschaften fähig ist, wenn er nicht zulässt, dass ihm sexuelle Gefühle in die Quere kommen, und seine Streberhaftigkeit erinnert daran, dass toxische Männlichkeit nicht auf die adretten Treuhandfondsjungen beschränkt ist, die die meisten der jüngeren Unmenschen des Kinos ausmachen. "A Young Man with High Potential" zeigt Leere und Frustration, ohne dass die Spannung auch nur einen einzigen Bruchteil der Aufmerksamkeit verliert. Linus De Paoli hat hiermit ein Werk geschaffen, das sein Potenzial voll ausschöpft und nicht nur einen starken eigenständigen, sondern auch einen wichtigen Beitrag zur kulturellen Diskussion leistet. Eine Nebenrolle von Amanda Plummer als elegant gekleidete Ermittlerin mit Columbo-ähnlichen Fähigkeiten fügt der Schlussszene eine komplexe Bedeutung hinzu. Es gibt hier keine simplen Erklärungen, und niemand, am allerwenigsten das Publikum, sollte erwarten, dass er hinterher ruhig und zufrieden einschlafen kann.

"Antlers" ist ein surrealistischer Horrorfilm unter der Regie von Scott Cooper und der Produktion von Guillermo Del Toro. Vor seinem Kinostart wurde der Film überraschend stark vermarktet, vermutlich vor allem wegen des guten Renommees von Del Toro und Cooper. Nach der nun üblichen Abfolge langer Verzögerungen im Zusammenhang mit COVID gelang es "Antlers" einfach nicht, ein Massenpublikum zu begeistern. In einem unterirdischen Meth-Labor in Oregon greift eine geheimnisvolle, übernatürliche Gestalt zwei Drogenköche an. Später lenkt der Sohn eines der Männer die Aufmerksamkeit der Lehrerin Julia Meadows (Keri Russell) auf sich. Um sein Befinden besorgt, folgt sie ihm nach Hause, wo er etwas Unaussprechliches in seinem Heim bewahrt. Inzwischen hat Julias teilweise entfremdeter Bruder, Sheriff Paul Meadows (Jesse Plemons), die Hälfte eines geschundenen menschlichen Körpers in den Wäldern entdeckt. An "Antlers" scheint vieles zu stimmen. Die Kulisse der Provinz wird hervorragend dargestellt, und die Charaktere sind besonders morbid und unheilvoll. Ihre Motivationen und Hintergründe sind gut nachvollziehbar, entwickeln sich aber nach und nach. Die Darsteller sind stark, vor allem Jesse Plemons als der etwas verschlossene Paul und Leinwandlegende Graham Greene aus dem Filmklassiker "Der mit dem Wolf tanzt" als ehemaliger Sheriff im Ruhestand, der die wahre Ursache dessen erkennt, was sich in dem Haus mit dem jungen Lucas (ein ausgezeichneter Jeremy T. Thomas) verbirgt. Das Ungetüm, das im Fokus der Ereignisse steht, ist prächtig gestaltet und stimmungsvoll in Szene gesetzt. Dank Kameramann Florian Hoffmeister und Editor Dylan Tichenor ist dies ein gelungener Horrorfilm. Wenn man "Antlers" als das akzeptiert, was er darstellt und wie er inszeniert ist, dann ist er ein unterhaltsames, wenn auch blutloses Werk der Unterhaltung. Man strauchelt eigentlich nur, wenn man darüber nachdenkt, welcher Film im Vergleich zu dem, der erschienen ist, auf dem Regiestuhl sitzen geblieben ist. Die Ausgangslage von "Antlers" ist reich an thematischem Potenzial. Amerikanische Ureinwohner, Umweltfragen, wirtschaftliche Missstände und verschiedene Möglichkeiten, wie die fantasievollen Horrorbilder reale Probleme widerspiegeln könnten. Wer seine Erwartungen nicht zu hoch schraubt, bekommt mit "Antlers" einen soliden Monsterfilm mit ein bisschen mehr Substanz als ein üblicher Vertreter dieser Kategorie. Fordert man zu viel, kann der Film nur enttäuschen.

Wenn zwei Wahnsinnige in der Filmwelt an einem Projekt arbeiten, wie der irre amerikanische Schauspieler Nicolas Cage und der japanische Kultregisseur Shion Sono, dann ist ein verrücktes und verdrehtes Bild so gut wie garantiert. Und genau das bekommt man in dieser Mischung aus Samurai-Western und postapokalyptischem Horrorthriller. In "Prisoners Of The Ghostland" geht es um die Befreiungsgeschichte einer vermissten Frau namens Bernice (Sofia Boutella), aus einem kahlen Ödland aus nuklearem Abfall in Japan, das als Ghostland bekannt ist, und das in seine eigene bizarre Richtung abschweift. Es ist ein verwunschener Ort, an dem die Bevölkerung vom dortigen Regime versklavt wird. Ein namenloser, inhaftierter, Bankräuber (Nicolas Cage), wird von einem despotischen Kriegsherrn, dem reichen, in einem weißen Anzug steckenden, schmierigen Gouverneur (Bill Moseley) einer unwegsamen Stadt, die eine Mischung aus einem Samuraidorf und dem alten japanischen Land ist, beauftragt, seine Enkelin zu finden, die vor ihm davongelaufen ist. Dabei wird Nicolas Cage in einen Lederanzug gesteckt, der mit einer Sprengfalle versehen ist, die sich selbst zerstört, wenn er bei der Suche vom Weg abkommt. In diesem stilistischen, aber sinnlosen Genrefilm kommt es zu blutigen Schwertkämpfen und Schießereien, während Nicolas Cage als Held versucht, die unterjochte Bevölkerung zu befreien und Bernice aus den Fängen ihres bösartigen Großvaters zu retten. Nick Cassavetes hat einen wunderbaren Cameo-Auftritt als durchgeknallter waffenvernarrter Psychopath, und auch die blendenden Martial-Arts-Bewegungen von Tak Sakaguchi, dem zwiespältigen Handlanger des Gouverneurs, sind ein Augenschmaus. Das Szenario ist düster, die Landschaften sind freudlos, das Vorankommen ist quälend zäh, aber die Optik von "Prisoners Of The Ghostland" ist insgesamt betrachtet von außerordentlicher Ästhetik. Die Handlung ist zwar sinnentleert, geisteskrank und hat keine wirkliche Gefühlsebene, dürfte jedoch für den passenden Zuschauerkreis unterhaltsam sein dem es nichts ausmacht, einen Film zu sehen, in dem Nicolas Cage einfach mal ein Hoden weggefetzt wird.

Unter der Regie des verstorbenen Regisseurs John Sturges ist "Stadt in Angst" eine Mischung aus packender Action, Dramatik und einem klassischen Western. In der atemberaubenden Kameraführung werden die weiten zerklüfteten Wüstenlandschaften Kaliforniens inszeniert, während Altmeister Spencer Tracy seine Schauspielerqualitäten unter Beweis stellt. Eine facettenreiche Schilderung von Rache, Wiedergutmachung und ergreifendem Wagemut. "Stadt in Angst" war ein gelungenes Filmerlebnis. John Macreedy (Spencer Tracy) kommt mit dem Zug in der Kleinstadt Black Rock an und erntet sofort Antipathie. Er ist auf der Suche nach einem japanischen Mann namens Komoko, einem alten Bekannten, der in der Gegend von Adobe Flat zu Hause war. Die Stadt Black Rock birgt jedoch ein böses Omen, und ihr Oberhaupt Reno Smith (Robert Ryan) wird nichts unversucht lassen, um Macreedy an der Aufdeckung des Verbleibs von Komoko und der Ursachen zu hindern, die vor Jahren dazu geführt haben, dass die Stadt allen Fremden gegenüber feindselig und verschwiegen ist. Der wahrscheinlich ungewöhnlichste Gesichtspunkt von "Stadt in Angst" ist seine Bildgestaltung. Regisseur John Sturges und der Kameramann William Mellor verwenden viele weite Perspektiven, die es dem Auge des Betrachters gestatten, panoramische Gebirgslandschaften und den tiefblauen Himmel im Hintergrund zu bewundern. Mit einem geübten Blick für Szenerie und Bildausschnitt verzichtet die Kamera auch nahezu vollständig auf Großaufnahmen. Der Zuschauende sieht in fast jeder Szene vom Hut bis zum Stiefel jeder Figur, was Black Rock ein voyeuristisches Element und eine Außenseiterperspektive verleiht, die der Perspektive von der Hauptfigur ähnelt. Diese Weitwinkelaufnahmen machen die unwirtliche Stadt noch isolierter von der Außenwelt. "Stadt in Angst" bleibt dem traditionellen Western Look treu, mit rauen Cowboys, die in Pulver und Staub bedeckt sind, und einer kargen Wüstenatmosphäre. Dank der Verwendung von Autos anstelle von Pferden, die kurz nach dem Zweiten Weltkrieg eingesetzt wurden, wird "Stadt in Angst" jedoch auf besondere Weise aktualisiert. In einem besonders packenden Abschnitt wird Macreedy von seinem Gefolgsmann Coley (Ernest Borgnine) über eine verlassene Straße gehetzt, was für Spannung und explosive Szenen sorgt. Dabei handelt es sich keineswegs um eine herkömmliche Verfolgungsjagd mit dem Auto, sondern um eine Hetzjagd zu Ross im Wilden Westen, bei der die kultigen Huftiere durch gewichtige mechanische Apparaturen ausgetauscht werden. Macreedy ist eine einzigartig schlagkräftige Figur. Im Krieg verstümmelt, hat er immer eine Hand in der Hosentasche, was ihm ein eher ungefährliches Erscheinungsbild verleiht. Er hat jedoch einen selbstsicheren, ernsten Gesichtsausdruck, und auch wenn er manchmal nachgibt, um unnötige Auseinandersetzungen zu vermeiden, hat er anscheinend vor nichts Angst. Er setzt zwar seine Intelligenz ein, um körperliche Konfrontationen zu umgehen, ist aber im Falle einer unvermeidlichen Kollision bemerkenswert fähig, sich mit kühlem Kopf zu verteidigen. Macreedy entscheidet sich meistens dafür, seinen Intellekt statt roher Gewalt anzuwenden, wobei er jedoch beide Techniken deutlich beherrscht, was die symbolische einhändige Reformation der verängstigten Gemeinde ermöglicht. "Stadt in Angst" hat zwar bewundernswerte Spannungsmomente zu verzeichnen, zieht sich aber an anderen Stellen zu sehr in die Länge. Sorgsam, aber zu langwierig, wird der Betrachter in das düstere Geheimnis der Stadt eingelullt, das leider schon sehr früh auf der Hand liegt. All die aufgebaute Antizipation überschattet die eigentliche Offenbarung der Wirklichkeiten, obwohl es oft schon amüsant genug ist, Macreedys mutiges Durchhalten und sein Eintreten für die Gerechtigkeit zu beobachten. Als Mischung aus Noir und Western ist "Stadt in Angst" eine typische Persönlichkeitsstudie, ein moralisches Drama und ein abenteuerlicher Kriminalfilm, der für drei Oscars nominiert wurde, darunter für die beste Regie und den besten Hauptdarsteller.

Wäre John Fords "Faustrecht der Prärie" ein Stummfilm, würde man vieles vermissen. Der entspannte Tonfall von Henry Fonda, die verschiedenen Instrumentalversionen des Titelsongs, der in unterschiedlichen Rhythmen daherkommt, mal verspielt, mal sanft. Der Effekt von Fords Entscheidung, das Finale mit minimalem Ton zu drehen, doch man könnte "Faustrecht der Prärie" auch ohne verstehen. Zunächst ist Ford im Monument Valley zu sehen, das die majestätische und dynamische amerikanische Landschaft andeutet. Dann ist da Tombstone, ein berühmter Außenposten, dessen Gesetzlosigkeit sich in unheimlicher, staubiger Dunkelheit ausdrückt. Im Inneren des Hotels und des Saloons hat die Belichtung etwas von der Chiaroscuro-Wirkung des Film Noir, indem strittige Beziehungen in schrägen Winkeln und tiefen Schatten und intime Verbindungen in weichem Licht dargestellt werden. Und schließlich ist da noch der Sonnenaufgang vor der Schießerei am Korral, ruhig und schön, aber auch angespannt vor Angst, denn es geht nicht nur um Gerechtigkeit, sondern auch um die Zerstörung der Zivilisation. Der Mythenmacher Ford war 1946 in "Faustrecht der Prärie" auf dem Höhepunkt seines Könnens, aber es ist ein bemerkenswert entspanntes und sicheres Werk, so entspannt wie Fonda, der seinen Stuhl auf der Holzveranda zurückkippt. Es liegt nicht nur daran, dass Fonda der richtige Mann ist, um Wyatt Earp zu spielen, den widerwilligen Gesetzeshüter, der in Tombstone für Recht und Ordnung sorgt, sondern auch daran, dass Ford den Film auf den einzigartigen Stil seines Stars zuzuschneiden vermag, der eine Menge vertrauter Western mit Schießereien und Verfolgungsjagden, romantischen Rivalitäten und mörderischen Rachefeldzügen, dem Tugendhaften und dem Gewalttätigen in etwas tonal Neues verwandelt. Henry Fondas Wyatt Earp ist auch überraschend zweideutig, wenn man bedenkt, dass man mit ihm die Anständigkeit des Salzes der Erde assoziiert. Sein Wyatt Earp bleibt aus zwei Gründen in Tombstone: Um sich an den Männern zu rächen, die seinen Bruder ermordet haben, und um die Stadt wieder zu einem Ort zu machen, an dem man sich problemlos rasieren lassen kann, ohne erschossen zu werden. Diese Ziele sind nicht ganz miteinander vereinbar. In klassischer Legendenbildung manipuliert oder verwirft John Ford die Geschichte Wyatt Earps für seine Zwecke, und zwar von Anfang an, als Earp und seine Brüder als Viehdiebe durch das Monument Valley ziehen. Nach einem Gespräch mit Old Man Clanton (Walter Brennan) und einem seiner skrupellosen Jungs in der Prärie erfährt Earp von Tombstone und beschließt, in dieser Nacht mit zwei seiner Brüder in die Stadt zu gehen, während der dritte auf das Vieh aufpasst. Als ein betrunkener amerikanischer Ureinwohner anfängt, wahllos um sich zu schießen, ist Wyatt Earp der einzige, der den Mut hat, ihn zur Rechenschaft zu ziehen, aber er lehnt das angebotene Angebot ab, den Stadtmarschall zu ersetzen, der resigniert seine Marke abgab. Er ändert jedoch seine Meinung, als er in die Steppe zurückkehrt und seinen Bruder tot und das Vieh gestohlen vorfindet. Er nimmt den Posten an, unter der Bedingung, dass seine überlebenden Brüder als seine Hilfsmarshals dienen. Weitere spannende Nebenhandlungen tauchen auf, vor allem die sich entwickelnde Beziehung zwischen Wyatt Earp und Doc Holliday (Victor Mature), der seine Praxis und seine Frau (Cathy Downs) im Osten für ein Leben in Tombstone als trinkfreudiger Glücksspieler und Saloonbetreiber aufgegeben hat. Die Lebenserwartung in einem so gefährlichen Beruf ist gering, aber Hollidays Tuberkulose verkürzt sie ohnehin. Doch die beunruhigende Ironie von "Faustrecht der Prärie" besteht darin, dass Wyatt Earp das Gesetz als Deckmantel für seine Selbstjustiz nutzt und dabei fast nebenbei den Ort moralisch aufwertet. Und vielleicht ist es genau das, was Tombstone braucht. Weder einen White Hat noch einen Black Hat, sondern jemanden, der die ethische Grauzone dazwischen überwinden und die Stadt ins richtige Licht rücken kann. Obwohl John Ford beweist, dass er immer noch die weitläufige Action von "Stagecoach" aus dem Jahr 1939 liefern kann, legt "Faustrecht der Prärie" mehr Wert auf Innenräume, sowohl im wörtlichen als auch im psychologischen Sinne. Wyatt Earp und Doc Holliday sind gepeinigte Charaktere, und ihre Partnerschaft macht ihr Leben nicht weniger umständlich. Als sie an jenem verhängnisvollen Morgen gemeinsam ausreiten, um die Clantons ein für alle Mal zur Verantwortung zu ziehen, sind die Clantons nur ein Teil der unerledigten Angelegenheiten. Regisseur John Ford inszeniert eine sonnige, überzeugende Anklage, obwohl das Studio mit verschiedenen Endfassungen und mehreren Schnittvarianten herumspielte, denn "Faustrecht der Prärie" ist ein Vorbote der unruhigen, kunstvollen Formen der Anti-Western, die ein paar Jahrzehnte später folgen sollten.

Regisseur Fredrik Gerttens "Bikes vs Cars" ist passioniert, aber widersprüchlich. Eine frustrierende Kombination für einen Dokumentarfilm, der mit zugegebenermaßen interessanten Daten wirbt, um unsere autoverrückte Welt vom übermäßigen Fahren zu entwöhnen. Getreu seinem Titel präsentiert Gertten den Film als Kampf zwischen den beiden Verkehrsmitteln, die um ihren Anteil an der Straße kämpfen, sowie als Konflikt zwischen Radfahrern und Lokalpolitikern in verschiedenen Städten auf der ganzen Welt über eine Stadtplanung, die sich nicht um Autos dreht. "Bikes vs Cars" besucht viele dieser Orte, wie z. B. São Paulo und Toronto, wobei das Radfahren oft simplifizierend als romantische Novität und nicht als Fortbewegungsmittel betrachtet wird, und gipfelt in Passagen in Los Angeles, der verkehrsreichsten Stadt Amerikas, wo er dem engagierten Radfahrer und Gemeindeorganisator Dan Koeppel folgt. Der Lebensstil des Mannes, der sich in Los Angeles ohne Auto fortbewegt, und seine Ausführungen über die Vergangenheit der Stadt als Fahrradmekka bieten einen verständnisvollen Kontext zu dem zunehmenden Rückgriff des Films auf sprechende Köpfe und Grafiken, die Zahlen vorlesen. Im ominösesten Abschnitt des Besuchs in Los Angeles wirft Gertten einen Blick auf eine öffentliche Sitzung, in der Koeppel häufig mit widerstrebenden Stadtvertretern streitet, die die Straßen nicht für Radfahrer freigeben wollen und von denen sich später herausstellt, dass sie Gelder von Energiekonzernen annehmen. Seltsamerweise ist dies die seltene Sequenz im Dokumentarfilm, die nicht nur den Würgegriff des Erdöls auf die Politik, sondern auch die mit den Kohlenstoffemissionen verbundenen Umweltprobleme anerkennt. Kopenhagen, eine Stadt, in der das Fahrrad das wichtigste Verkehrsmittel ist, ist im Grunde eine Vorstellung von der von Gertten angeblich ersehnten Welt. Doch der Filmemacher sendet eine gemischte Botschaft aus, indem er den Radverkehr als öffentliches Ärgernis für Autofahrer darstellt, während er Ivan Naurholm begleitet, einen Taxifahrer, der über seinen täglichen Umgang mit Radfahrern genervt ist. Naurholm beklagt immer wieder seinen Unmut darüber, dass Kopenhagen radfahrerfreundlich und weniger abhängig vom Auto geworden ist, und da diese Sequenzen aus Naurholms Perspektive erzählt werden und nur Aufnahmen von Radfahrern zeigen, die sich nicht an die Verkehrsregeln halten, scheint Fredrik Gertten ihm sogar beizupflichten. Nachdem er leidenschaftlich dafür plädiert hat, dass mehr Städte so werden sollten wie Kopenhagen, weil es sich immer mehr vom Auto löst, erweist sich Gerttens Aufenthalt an eben diesem Ort als irreführend, weil er seine These effektiv negiert. Wenn er am Ende mit überzeugenden Beweisen und Erfolgsberichten von Aktivisten für mehr Fahrradverkehr in den Städten wirbt, hat man fast das Gefühl und das ist angesichts der lobenswerten Ambitionen des Films etwas ungünstig, dass man es mit einem gewissen Maß an Vorsicht genießen sollte.

Viele von uns waren schon einmal in einen Streit in einer Bar verwickelt, der ein bisschen zu lange dauerte, der ein paar Mal zu feindselig wurde, mit jemandem, den wir nicht so gut kannten, und das ist selten eine Erinnerung, die man sich gerne einprägt. Würde es helfen, wenn der Kerl am anderen Ende der bierseligen Debatte der gutaussehende, versierte, allgemein sympathische Deutsch-Spanier Daniel Brühl wäre? "Nebenan", in dem Brühl eine dünnhäutige Version seiner selbst durch die psychologische Presse schickt, legt das Gegenteil nahe. Das filigrane, selbstreflexive Regiedebüt des Schauspielers wandelt sich in der Zeit, die man braucht, um ein paar Bier zu kippen, von einer unaufdringlichen Meditation über die Privilegien und Gefahren des Starseins zu einem weit hergeholten Stalkerdrama, wobei er die Grenzen einer schäbigen Berliner Kneipe kaum verlässt. Doch die Spielchen des Films mit dem Genrewechsel und der Selbstironie der Prominenten können die wesentliche Eintönigkeit seines Kernkonflikts nicht überdecken. Die Bekanntheit von Daniel (Brühl) ist so groß, dass er nicht einen Schritt gehen kann, ohne für ein Selfie angehalten zu werden, wie "Nebenan" in einem ironischen Scherz anmerkt. Andernorts ist es schwieriger zu beurteilen, was die internationalen Filmverleiher und das dortige Publikum von einem Film halten werden, der sich nicht nur um die öffentliche Person des Regisseurs dreht, sondern auch um die brüchige Politik und die sich wandelnden sozialen Strukturen Berlins in den 30 Jahren seit dem Fall der Mauer. Das ist ein sehr spezifischer Ballast, der eine sonst so luftig gestaltete Abwechslung beeinträchtigt. Dennoch ist es schwer, Brühl diese Art von personalisierter Gaumenreinigung zu missgönnen, zumal sie vor seinen großen Aufgaben in den Franchises "The King's Man" und "The Falcon and the Winter Soldier" liegt. Seine jüngsten Erfolge im Marvel-Universum werden im Drehbuch des Autors und Dramatikers Daniel Kehlmann immer wieder auf die Schippe genommen. So lernen wir den aalglatten, erfolgreichen Star Daniel kennen, der zu einem Casting in London für einen schwachsinnig klingenden Superheldenfilm unterwegs ist. Es scheint ein Reboot von "Darkman" zu sein, obwohl paranoide Produzenten das Skript hüten, als wäre es die Bundeslade. Während er mühsam seinen schurkischen Text für den Castingtermin einstudiert, geht Daniel durch einen typischen Vormittag in seinem privilegierten Leben. Er schwitzt leicht im Fitnessraum, streift durch seine geräumige, gläserne, moderne Loftwohnung in Berlins schickem Stadtteil Prenzlauer Berg, kümmert sich um seine beiden Kinder, bevor er sie in die Obhut eines zuvorkommenden Kindermädchens gibt, und küsst seine schlafende Ehefrau, bevor er zum Flughafen fährt. Gut gelaunt lehnt er das frühe Auto ab, das man ihm geschickt hat, und nimmt sich stattdessen eine Auszeit in seiner Stammkneipe, bevor er sich selbst auf den Weg zu seinem Flug macht. Das erweist sich als ein großer Fehler. Unter den wenigen anderen Gästen des Lokals befindet sich Bruno (Peter Kurth), ein verhärmter Nachbar mittleren Alters, der Daniels Vormittag verderben will. Was Daniel großspurig als seinen Danny-Boy-Charme bezeichnet, eine eifrige, burschikose Heiterkeit, die Branchenleute und glotzende Passanten gleichermaßen für sich einnimmt, trifft in Bruno, der in Daniels Haus wohnt, auf eine Grauzone, nicht dass der Schauspieler ihn je eines Blickes gewürdigt hätte. Der Ostberliner, dessen Leben ins Stocken geraten ist, während seine Heimatstadt floriert, sieht in dem Schauspieler die lebende Inkarnation der deutschen Gentrifizierung. Daniel, der sonst so gelackt und unbeirrbar ist, reagiert entnervt auf den lautstarken Abneiger. Anstatt es einfach hinzunehmen, hält ihn sein Beharren auf diesem Missstand davon ab, die immer stickigere Bar zu verlassen, wodurch sein Zeitplan immer mehr in Unordnung gerät. Umso länger die beiden sich in ihrer Passiv-Aggressivität gegenseitig an die Kandare nehmen, desto umfangreicher und finsterer wird Brunos Plan, die Sache zu Fall zu bringen und wenn wir nur diese schmutzige Wasserstelle endlich verlassen könnten, würde sich vielleicht sogar ein Sinn für die reale Gefährdung in das Szenario schleichen. Kehlmann schreibt dieses erbitterte Kräftemessen der Egomanen mit einem Gefühl für belanglose menschliche Bosheiten und Abwehrreaktionen, das auf der Bühne vielleicht besser zur Geltung käme, wo wir uns von dieser klaustrophobischen Umgebung ganz und gar absorbiert fühlen könnten. So aber, auch wenn Brunos Neugierde dank Peter Kurths trockener, meisterhaft modulierter Darstellung ins eindeutig Soziopathische abgleitet, ist es schwierig, sich nicht zu fragen, warum wir und Daniel so viel Zeit mit ihm verschwenden, wo wir doch alle andere Dinge zu erledigen haben. Die Regie von Daniel Brühl ist so elegant und souverän, dass man sich ernstlich fragt, was er mit einem weniger auf sich selbst bezogenen, größeren Drehbuch machen könnte. Am Ende von "Nebenan" spürt man, dass Daniel Brühl seiner eigenen Darstellung ein wenig überdrüssig geworden ist. Der eindeutigste Anhaltspunkt in diesem sonderbaren Spiegeltheater ist die Kuriosität, dass er und der Daniel des Films nicht ganz ein und derselbe Mensch zu sein scheinen.

Für einen relativ unauffälligen, kleinen Science-Fiction-Film hat "The Trouble with Being Born" der österreichischen Regisseurin Sandra Wollner eine Menge Kontroversen ausgelöst. Der Film wurde auf Anraten von zwei forensischen Psychologen, die ihn angeblich nicht vollständig gesehen haben, aus dem Veranstaltungsprogramm des diesjährigen Melbourne Film Festivals gestrichen. Weshalb konnten sich die Psychologen "The Trouble with Being Born", der nur 94 Minuten dauert, nicht ganz ansehen? Und seit wann agieren Psychologen als Filmkritiker und Zensoren? Anders als in Deutschland wo der Film eine FSK 16 Freigabe bekam, hat der Film in Australien eine FSK 18 erhalten, was eine Enttäuschung für diejenigen sein wird, die denken, dass alle Filme mit Freigabe ab 18 eine offensiv hohe Dosis an Sex und Gewalt enthalten. Abgesehen von einem kurzen Blick auf die Nacktheit enthält "The Trouble with Being Born" nichts, was diejenigen beunruhigen sollte, die sich um die Auswirkungen von Filmen auf junge Menschen sorgen. Die Einstufung ist ein Maß für die moralische Panik, die gegenwärtig bei der geringsten Andeutung einer Sexualisierung von Minderjährigen ausbricht. Der Titel "The Trouble with Being Born" stammt aus einem Buch mit Aphorismen des rumänischen Philosophen E. M. Cioran aus dem Jahr 1973, einem unerbittlichen Pessimisten, der sich daran ergötzte, unsere alltäglichen Annahmen umzukehren. "Wir eilen nicht dem Tod entgegen", schreibt er, "wir fliehen vor der Katastrophe der Geburt, die Überlebenden kämpfen darum, sie zu vergessen." Der Film von Sandra Wollner ist in Bezug auf Leben und Tod ebenso zweideutig. Er spielt in einer identischen Welt wie die Gegenwart, mit einer ähnlichen Atmosphäre wie die, die Jonathan Glazer in "Under the Skin" aus dem Jahr 2014 heraufbeschwört. Ihre ständigen Themen sind die Virtualisierung von Erfahrungen und die sich entwickelnde Rolle der künstlichen Intelligenz in unserem Leben. Es ist die Geschichte von Elli, einem lebensechten Androiden, der wie ein zehnjähriges Mädchen aussieht. Elli lebt mit einem Mann mittleren Alters, den sie Papa nennt, in einem modernen Haus mitten im Wald. Sie verbringt ihre Zeit im Swimmingpool oder wartet einfach auf Papa (Dominik Warta), wenn er zur Arbeit oder in eine Bar geht. Eine ruhige, wenn auch einsame Existenz. Elli und ihr Papa scheinen einander treu ergeben zu sein, doch wir beginnen uns über die Art ihrer Beziehung zu sorgen. Elli ist kokett und ihr Vater stets bereit, sie zu umarmen. Obwohl es nie genau erläutert wird, hat man den Eindruck, dass ihre gegenseitige Zuneigung eine sexuelle Richtung einschlägt. Kann man eine unangemessene Beziehung zu einem minderjährigen Androiden haben? Derzeit gibt es keine rechtlichen oder ethischen Grenzen, die die Beziehung zwischen einem Menschen und einer Maschine regeln. Wenn wir Elli als menschliches Wesen oder gar als 10-jährige Schauspielerin betrachten, wird die Sache noch heikler. Die Hauptdarstellerin, Lena Watson, trägt während des gesamten Films eine Silikonmaske, die ihr ein leicht gespenstisches Aussehen verleiht. Durch die Abteilung für Spezialeffekte wurden nachträglich kurze Momente der Nacktheit eingebaut. Die Geschichte wird noch verzwickter, als Papas Tochter aus Fleisch und Blut auftaucht, wobei es sich jedoch nur um eine Rückblende in frühere Zeiten handeln kann. Bei dem Versuch, die Ereignisse zusammenzufügen, stellen wir uns vor, dass diese Tochter gestorben ist oder auf irgendeine Weise entfremdet wurde, und Elli ist der Ersatz. Es ist unmöglich zu sagen, welche Art von Beziehung Papa zu seiner tatsächlichen Tochter hatte, aber Elli wurde mit den Erinnerungen dieses Mädchens programmiert. In Gesprächen mit Papa erinnert sie sich an gemeinsame Erlebnisse oder auch an solche, die vor einer abwesenden Mama geheim gehalten werden mussten. Vermutlich spielt Elli eine dieser Erinnerungen durch, während sie nachts das Haus verlässt. Auf der Straße wird sie von einem anderen Mann mittleren Alters gefunden, der sie reprogrammiert und sie seiner betagten Mutter (Ingrid Burkhart) als Geschenk überlässt. Als die alte Dame sich unwohl fühlt, verändert er Ellis Äußeres und ihr Geschlecht und macht sie zu einem Abbild ihres Bruders Emil, der starb, als er noch ein Kind war. Der Androide ist nun mit neuen Erinnerungsstücken und einem neuen Zuhause ausgestattet, es entstehen jedoch Probleme, wenn diese aufeinanderfolgenden Identitäten vermischt werden und die Gedächtnisinhalte in die Tat umgewandelt und eingesetzt werden. Sandra Wollner hat Elli als Anti-Pinocchio beschrieben, weil sie keine verzweifelte Sehnsucht hat, ganz zum menschlichen Wesen zu werden. Von einem Elternteil zum nächsten bleibt sie ein passives Gefäß für die Gedanken und Erfahrungen der anderen. Sie drückt Zuneigung aus und empfängt oder verweigert sie auf mechanistische Weise. Weil sie so verstörend realistisch erscheint, bilden sich emotionale Verbindungen, das heißt aber auch, dass die Gefühle, die Elli hervorruft, ebenso künstlich sind, wenn sie nur ein virtuelles Kind ist, ein Replikant, um die Terminologie von "Blade Runner" zu verwenden. Es ist bereits möglich, mit Hilfe der kognitiven Technologie einen Algorithmus zu erstellen, der die Persönlichkeit eines geliebten Menschen, der gestorben ist, dupliziert, und wir werden bald in der Lage sein, diesen auf einen Roboterkörper zu übertragen. Mit jedem weiteren Schritt verschwimmt die Grenze zwischen Mensch und Maschine mehr und mehr. Es ist eine plausible Zukunftsvision, aber solche intellektuellen Leistungen laufen immer Gefahr, unsere emotionalen Fähigkeiten zu übersteigen. Es könnte sein, dass Elli Realität wird, bevor wir die damit verbundenen Risiken vollständig begriffen haben.

Der britische Regisseur Ben Wheatley gibt sein Leinwanddebüt mit "Down Terrace", einem durchwachsenen Indiefilm, der zwar einige berührende Szenen hat, sich aber auf dem Weg ins Makabre verliert. Es ist eine seltsame Mixtur aus schwarzer Komödie, Haushaltsdrama und Kriminalfilm. Die Geschichte spielt sich über dreizehn Tage in dem Küstenort Brighton ab. Der ehemalige irregeleitete Hippie und Amateurgitarrist Bill und das dreißigjährige, zu Trotzanfällen neigende Muttersöhnchen Karl sind Vater und Sohn (wie auch im realen Leben), die gerade aus einem viermonatigen Gefängnisaufenthalt wegen eines nicht näher erläuterten Verbrechens entlassen wurden. Sie leben in einem bescheidenen Häuschen in einem Vorort von Brighton zusammen mit der praktischen, aber verärgerten und leidgeplagten Mutter, Maggie, und bilden eine funktionierende, aber gestörten Familie mit ungesunder Tendenz. Es kommt zu Spannungen zwischen dem Vater, der seinen Sohn schikaniert, und der Mutter, die ihm eine bedenkliche Liebe entgegenbringt, die ihren erniedrigten Sohn an ihre Schürze fesselt. Die Kleindealer erhalten in ihrem Haus regelmäßig Besuch von ihren exzentrischen, zwielichtigen Geschäftsfreunden wie Garvey und Eric, mit denen sie zwar rumalbern, ihnen aber nie ganz vertrauen. Die Lage wird immer hektischer, als Valda, eine Brieffreundin von Karl aus dem Gefängnis, nach langer Abwesenheit unerwartet hochschwanger auftaucht und behauptet, Karl sei der Vater, was seine Eltern verunsichert, die bezweifeln, dass es das Kind ihres Sohnes ist. In der Zwischenzeit sind die Männer weiter gestresst, weil sie glauben, dass ein Spitzel unter ihnen ist, der dafür verantwortlich ist, dass sie ins Kittchen wanderten, und sie agieren abrupt, um sich an denen zu rächen, die sie verdächtigen, obwohl sie so wenig Anhaltspunkte haben. Die paranoiden Männer geraten bald in Schwierigkeiten mit dem Londoner Verbrechersyndikat, in das sie verwickelt sind, und es kommt zu einem heillosen Blutbad, bei dem sich die Toten türmen. Der dritte Akt schaltet einen Gang zurück und gibt "Down Terrace" das Gefühl eines ernsthaften Familiendramas, das sich in einen exzentrischen Gangsterfilm verwandelt hat. Letztendlich scheint dieser ambitionierte Film zu besagen, dass die Realität durch den Missbrauch von bewusstseinsverändernden Drogen oder aufgrund von Charakterschwächen oder Psychosen verdreht wird. Das Dilemma ist, dass die Ereignisse zusehends unangenehmer werden, ohne dass sie viel Aussagekraft haben, dass es zu viele Schwachstellen in der Erzählung gibt, dass keiner der besudelten Figuren es wert ist, dass man sich für sie begeistert, und dass das Drehbuch längst nicht so klug ist, wie es zu sein vermeint. Doch "Down Terrace" hat eine beunruhigende Wirkung, und die Darsteller sind gut. Es ist ein Indie-Film, der risikoreich und kreativ ist. Dinge, die ich bei solchen Experimenten schätze.

"Ermordet: Tatort Times Square" ist eine Dokumentarserie über eine grausame Mordserie und die zwielichtige Vergangenheit des Times Square. Wer in den letzten 30 Jahren am Times Square war, kann sich nicht vorstellen, dass die Gegend nicht voller familienfreundlicher Einzelhandelsgeschäfte, Olivenbäume und falscher Elmos, die Geld für Fotos verlangen, ist. In den 60er und 70er Jahren war der Platz die Sexarbeitshauptstadt von New York, insbesondere die Gegend um die 42nd Street. In diesem Umfeld untersuchte das NYPD in den Jahren 1979 und 80 einige entsetzliche Morde, die sich als das Werk eines Serienmörders herausstellten, der seit den späten 1960er Jahren Sexarbeiterinnen ermordet hatte. Dies ist das Thema der zweiten Staffel von Joe Berlingers Crime Scene Serie. Eine Ansicht von Manhattan aus der Vogelperspektive, während wir im Radio Beschreibungen des Times Square aus alten Zeiten hören. Dann sehen wir die berühmte Besucherattraktion in der Version von 2021 von oben. Unter dem Untertitel The Times Square Killer wirft der gefeierte Regisseur von True-Crime-Dokuserien einen dreiteiligen Blick auf eine Reihe von makabren Mordtaten, die selbst die relativ gesetzlose Version des Times Square im Dezember 1979 erzittern ließen. Damals entdeckten NYPD-Beamte ein brennendes Zimmer im Travel Inn Motel und fanden dort die Leichen von zwei jungen Frauen, denen Köpfe und Hände fehlten. Es gab jedoch keine Blutspritzer, das Feuer zerstörte die wenigen Beweise, die zurückblieben, und es gab keine Möglichkeit, die Opfer in jenen Tagen vor der DNA zu identifizieren. Durch die übliche Kombination von Archivmaterial, das größtenteils vom damaligen Sender WNEW stammt, Nachstellungen und Interviews mit Journalisten und Strafverfolgungsbehörden, die den Fall untersuchen, zeichnet Berlinger ein Bild davon, wie sehr sich der Times Square in den Jahren verändert hat, in denen der Serienkiller, der später als Richard Cottingham identifiziert wurde, die NYPD in Atem hielt. In einem Großteil des Viertels, vor allem um die 42. Straße herum, gab es zahlreiche Peepshows und XXX-Kinos, von denen viele den Mafiafamilien der Stadt gehörten. Prostitution und Drogen waren so weit verbreitet, dass die Polizei nicht viel tun konnte, um die Aktivitäten einzudämmen. Während die New Yorker Polizei ermittelt und einen Tipp erhält, der dazu führt, dass eines der Opfer als Deedeh Goodarzi identifiziert wird, hören wir von Goodarzis leiblicher Tochter, die von ihr erfuhr, als sie ihre Abstammung recherchierte. Wir erfahren auch etwas über den Pornokönig Marty Hodas, der in den späten 60er Jahren die erste Guckkastenbühne in der Region eröffnete. In den dazwischen liegenden mehr als zehn Jahren nahm die Präsenz von Pornos und Sexarbeitern exponentiell zu, was zu mehr Verbrechen und mehr Gewalt führte. In dieser Welt musste die Polizei agieren, um weitere Morde zu verhindern. Tempo und Tonfall sind ähnlich wie in der ersten Staffel, in der es um einige mysteriöse Morde im Cecil Hotel in Los Angeles ging. Aber diese Version hat ein besseres Verständnis für die Historie der Region, in der die Gräueltaten geschehen sind. "Ermordet: Tatort Times Square" handelt ebenso vom alten Times Square wie von dem Fall selbst. Cottingham weitete seine Mordserie auf New Jersey aus, wo er schließlich 1980 gefasst und in mehreren Prozessen Anfang der 1980er Jahre verurteilt wurde. Er behauptete, zwischen 1967 und seiner Verhaftung mehr als 80 Menschen getötet zu haben, allerdings wurde er nur für 11 Morde schuldig gesprochen. Dass Cottingham den Times Square in Angst und Schrecken versetzt hat, ist also eigentlich sekundär gegenüber einer Untersuchung darüber, wie die Gegend in den späten 70er und frühen 80er Jahren aussah, wie sie entstanden ist und unter welchem Stigma Sexarbeiterinnen litten, selbst im Tod. In dieser Hinsicht geht "Ermordet: Tatort Times Square" weit über die meisten Doku-Serien hinaus, die sich mit dem Times Square jener Zeit und New York City im Allgemeinen beschäftigen. Anstatt nur zu sagen, dass der Times Square damals verrucht war und heute nicht mehr, geht er der Frage nach, wie es dazu kommen konnte. Sie erkennen auch an, dass Porno und Sexarbeit nur ein Aspekt einer Umgebung waren, die schon damals als Drehscheibe der Welt galt, wo Tourismus, Handel und, auch Sexarbeit an einem faszinierenden Ort zusammenkamen. Diese Staffel besteht nur aus drei Teilen, woran man erkennen kann, wie viel von den Morden und der Verfolgung Cottinghams erzählt werden wird. In Anbetracht der Tatsache, dass er 1980 geschnappt wird, wird es wahrscheinlich mehr um die Morde gehen, die er zugibt und die für die Behörden in New York und New Jersey bereits ungelöste Fälle waren. Der Versuch, einem eigentlich eher rückwärtsgewandten Fall Dramatik zu verleihen, ist eine Herausforderung, und Berlinger verlässt sich ein wenig zu sehr auf Aktenmaterial, das nicht in den zeitlichen Rahmen des Falles passt, und stützt sich auf grässliche Nachstellungen der Tatorte selbst. Aber das ist keine Füllung, sondern nur das Ergebnis eines Mangels an dynamischem Videomaterial. Das hoffe ich zumindest. Selbstverständlich wird in der gesamten Staffel über Porno und Sexarbeit gesprochen, und wir sehen einige Archivaufnahmen von nackten Sexarbeiterinnen in Live-Sex-Shows. Aber es ist weniger lüstern und mehr lehrreich. "Ermordet: Tatort Times Square" ist keine Darstellung über Cottinghams mörderische Taten, sondern vielmehr ein eingehender Bericht über die Vergangenheit des Times Square, der in den 1970er und 80er Jahren einen schäbigen Charakter hatte. Und das ist eine erfreuliche Alternative zum gängigen Modell des wahren Verbrechens.

Nur die größten Verbrecher der Welt bekommen eine "Red Notice", das offizielle Etikett, das Interpol einem anheftet, wenn man konsequent und auf hohem Niveau gegen das Gesetz verstößt. Die gute Nachricht über den neuen Film von Regisseur Rawson Marshall Thurber, der ebenfalls "Red Notice" heißt, ist, dass dieses Kinoabenteuer nicht mit einem "Do Not Touch-Schild" versehen ist. Das ist purer eskapistischer Spaß, angetrieben von starbesetzten Hauptdarstellern. Der organisch geschulte Cineast wird argumentieren, dass Dwayne Johnson, Ryan Reynolds und Gal Gadot in "Red Notice" nicht viel schauspielern, aber genau das ist die Idee. Diese von Netflix finanzierte Produktion ist die perfekte Schüssel mit gestohlenen Bonbons für Erwachsene an einem Freitagabend, an dem das Denkvermögen ausgeschaltet und die Anzahl der kruden Lacher in die Höhe gejagt wird. Im Zentrum der Handlung steht ein FBI-Profiler (Dwayne Johnson), der sich widerwillig mit einem Kunstdieb (Ryan Reynolds) zusammentut, um die legendären Eier der Kleopatra aufzuspüren. Das einzige, was ihnen im Weg steht, ist die Meisterverbrecherin (Gal Gadot), die dem gerissenen Duo das Leben schwer macht. Die Szenen beginnen in Rom und rasen um die Welt, mit Haltepunkten in London und Argentinien. Das, was man erwartet, passiert auch in der Tat, aber das ist nicht der Knackpunkt. Eskapistisches Vergnügen ist selten intelligent und hat nicht viel Substanz, aber das Schöne hier ist, dass der Humor die sinnlose Action übertrifft. Es gibt Verfolgungsjagden, Faustkämpfe, Schießereien und jede andere Art von genretypischen Angriffen, doch es wird viel gelacht und das zu Recht. Kein Mensch könnte von einem Ziegeldach springen, einen Stromschlag bekommen, hundertmal geschlagen und getreten werden und es trotzdem schaffen, in modellhafter Kleidung durch die Welt zu reisen. Wenn ihr einen Streifen sehen wollt, in dem "The Brahma Bull" von einer schlecht konstruierten Brücke springt, die mit einem dunklen Gefängnis für wirklich böse Menschen verbunden ist, und hofft, in einer extrem kalten Gegend einen sich bewegenden Hubschrauber zu erwischen, um ein preisgekröntes Drehbuch zu bekommen, seit ihr im falschen Film. "Red Notice" ist der Inbegriff von ironischer Unterhaltung. Thurbers Drehbuch wird zwar keinen Filmpulitzer gewinnen und die Geschichte ist ziemlich skurril, aber die Rollen sind perfekt auf die Qualitäten der Stars zugeschnitten. Gal Gadot, die aschkenasisch-jüdischer Abstammung ist, ist den meisten Kinobesuchern als die heldenhafte Wonder Woman bekannt. Sie in der Rolle der Antagonistin, zu sehen, ist daher ein überraschender Nervenkitzel. Sie genießt die Gelegenheit, die Herren zu verprügeln, und das sorgt für eine Menge Unterhaltung. Sobald Dwayne Johnson im Film zu sehen ist, stellt ihn euch einfach als Superhelden in Zivil vor. Jemand, der aus dem Fenster springen und durch eine Ladenmarkise direkt auf eine Betonplatte krachen kann, um dann wieder aufzuspringen, als wäre nichts passiert. Eine gut gekleidete Wand. Doch der gebürtige Wrestler, Dwayne "The Rock" Johnson versteht es auch, witzige Dialoge zu schreiben und sein Charisma aufblitzen zu lassen, wenn es darauf ankommt. Seine Talente passen perfekt zu Reynolds, der hier ganz auf Tempomat eingestellt ist. Glücklicherweise ist Reynolds' Tempomat immer noch eine bissige Lachmaschine, die die verschiedensten Sprüche von sich gibt. Ich habe während der kurzen und rasanten 100-minütigen Laufzeit viel gelacht und hatte nicht das Gefühl, dass meine Zeit verloren ging. Das Timing war auch gut. Kurz vor der Strenge der deprimierenden Filme, auch bekannt als Preisverleihungssaison, ist etwas guter, altmodischer, wenn auch vertrauter und leichter Spaß angebracht. Erwartet keinen Tiefgang. Öffnet euch ein Bier, denn "Red Notice" ist Spaßkino.

"Fatman", der neue Film der Regiebrüder Eshom und Ian Nelms, leistet einen weiteren Beitrag zum großen Winterspaß, darüber zu streiten, ob bestimmte Filme als Weihnachtsfilme klassifiziert werden können oder nicht. Mel Gibson ist Chris Cringle alias der Weihnachtsmann, eine desillusionierte Ikone, die sich über die Kommerzialisierung von Weihnachten ärgert. Vielleicht ist es an der Zeit, den Mantel abzulegen, sagt er zu Mrs. Claus (Marianne Jean-Baptiste). Er hat an Einfluss verloren und ist nur noch ein dummer fetter Mann in einem roten Anzug. Weihnachten ist zu einer Farce geworden und er zu einem Witz. Seit Jahren gibt es keinen Weihnachtsgeist mehr auf der Welt. Nach einer Reihe unglücklicher Weihnachten ist er pleite und gezwungen, einen Militärauftrag für die Herstellung von Schalttafeln für Kampfjets anzunehmen, um die Elfen zu beschäftigen und seine Stromrechnung zu bezahlen. "Ich hätte für mein Abbild eine Lizenzgebühr verlangen sollen", schimpft er. In der Zwischenzeit heuert ein reicher Teenager vom Typ Patrick Bateman, der sich darüber aufregt, dass er einen Klumpen Kohle in seinen Strumpf bekommen hat, einen skrupellosen Auftragskiller namens Skinny Man (Walton Goggins) an, der den Weihnachtsmann umlegen soll. Die Jahreszeit des Gemetzels und des Blutvergießens ist angebrochen. Es gibt eine Botschaft in "Fatman", aber sie handelt nicht vom guten Willen gegenüber allen Menschen. Es ist ein Essay über das Versagen der Menschheit, den Mangel an Moral oder Angst vor Konsequenzen. Wie das, was Weihnachten ausmacht, nämlich Familie, Großzügigkeit, Glück und Freude sind in der heutigen Welt irgendwie ausgelöscht worden. Wir wissen das, weil Gibson unaufhörlich darüber grummelt und murrt, bevor die Schießerei in der Werkstatt des Weihnachtsmanns den größten Teil der letzten halben Stunde des Films einnimmt. Ist "Fatman" also ein Weihnachtsfilm? Nicht wirklich. Tatsächlich weiß er nicht so recht, was er sein will. Er ist abwechselnd düster, cartoonhaft gewalttätig und brutal, und das alles umhüllt von einem Leichentuch aus schwarzem Humor. Es ist ein verwirrendes Konzept, das auf der Suche nach einem richtigen Ton ist. Völlig furchtbar ist es nicht, doch sollte dieser Weihnachtsmann in deine Stadt kommen, solltest du dich in Acht nehmen.

Evelyn Glennie ist eine Schottin, deren Interesse an der Musik in den Schwingungen liegt, die sie erzeugt. Sie ist von Beruf Schlagzeugerin und liebt es, Musik zu machen, indem sie ungewöhnliche Gegenstände gegen andere unübliche Gegenstände schlägt. Wenn sie ein riesiges deutsches Lagerhaus betritt, das ihr als Aufnahmestudio dienen soll, zieht sie als erstes ihren Schuh aus und schlägt ihn gegen ein Geländer. Evelyn, die in Thomas Riedelsheimers Dokumentarfilm "Touch the Sound" zu sehen ist, gehört zu den freigeistigen Bohemiens mit einer Vorliebe für öffentliche Auftritte wie das Spielen einer kleinen Trommel mitten in der Grand Central Station. Im Lagerhaus nehmen sie und der Musiker Fred Frith eine CD mit improvisierter Musik auf, die die beiden hauptsächlich mit Hilfe von Nichtinstrumenten spielen. Doch bisher kann ich mit Evelyns New-Age-Flair nicht viel anfangen. Sie macht den Eindruck, als würde sie am Samstag an einem Stand auf der Flohmarktbörse handgemachten Schmuck verkaufen und den Rest der Woche vielleicht in einem Hanfshop arbeiten. Dann enthüllt "Touch the Sound" eine entscheidende Information: Sie ist taub. Sie hat in ihrer Kindheit den größten Teil ihres Hörvermögens verloren und kommt nun mit dem winzigen Rest ihres Gehörs, ihren fast überirdischen Lippenlesefähigkeiten und ihrer unheimlichen Gabe, die Vibrationen von Gegenständen zu spüren, zurecht. Ich fühle den Klang durch meinen Körper, sagt sie. Hohe Töne erzeugen andere Schwingungen als tiefe Töne. Daher kann sie die beiden Klänge zwar nicht hören, aber sie kann den Unterschied wahrnehmen, spüren, welche Klangfarben zusammen eine angenehme Harmonie ergeben, und damit auf dem Xylophon klangvolle Musik spielen. Sie kann es nicht wirklich besser erklären, aber sie weist darauf hin, dass auch hörende Menschen nicht wirklich erklären können, wie sie hören. "Touch the Sound" wird nun viel attraktiver. Es ist nicht mehr die Geschichte einer Hippiebraut, die an einer Straßenecke Trommel spielt, sondern die Geschichte einer gehörlosen Frau, die auch Musikerin ist! Der Neugierfaktor steigt um mehr als das Tausendfache. Regisseur Thomas Riedelsheimer begleitet Evelyn Glennie durch die ganze Welt, wenn sie an Jamsessions mit improvisierenden Musikern in Japan teilnimmt, den Bauernhof ihrer Kindheit in Schottland besucht und das Album mit Fred Frith in Köln aufnimmt. Bei all dem zeigt er häufig lange Aufnahmen der Umgebung. Straßen in New York, ein plätschernder Teich, wobei er deren Umgebungsgeräusche einfängt und ihre natürlichen Rhythmen hervortreten lässt. Auf diese Weise bekommt "Touch the Sound" eine träumerische, drogenartige Note, und man wird entweder zufrieden mit ihm mitsegeln oder auf halbem Weg denken, dass der Film vielleicht viel kürzer hätte sein können und seine Punkte genauso gut gemacht hätte.

Vor etwas mehr als 10 Jahren verschwand die 13-jährige Yara Gambirasio auf dem Heimweg vom Fitnessstudio. Drei Monate später wurde ihre Leiche gefunden, und das Mysterium ihres Verschwindens und brutalen Mordes beschäftigte Italien. Das italienische Kriminaldrama "Yara" von Regisseur Marco Tullio Giordana, erzählt die tragische Geschichte von Yara und der resoluten Ermittlerin, die bereit war, alles zu tun, um ihren Mörder zur Rechenschaft zu ziehen. Ein Mann fliegt mit einem Modellflugzeug über leere Äcker. Nachdem sein Fluggerät abgestürzt ist, will er es bergen und macht dabei eine grauenerregende Entdeckung. Die vermoderte Leiche eines jungen Mädchens. Schließlich erhält die Protagonistin den Anruf, auf den sie so lange gewartet hat. Es ist die leitende Ermittlerin Letizia Ruggeri (Isabella Ragonese), die nach der 13-jährigen Yara Gambirasio sucht, seit sie vor drei Monaten auf dem Heimweg vom Fitnesscenter verschwand. Durch Rückblicke, die mit Yaras Entführung einsetzen und die Ermittlungen von Ruggeri begleiten, erfahren wir, wie tief dieser Fall Italien geschockt hat und wie weit die Ermittlerin bereit war zu gehen, um die Wahrheit heraus zu finden. Ihre Besessenheit von dem Fall belastet Ruggeris Beziehung zu ihrer Tochter, doch sie kann ihn nicht aufgeben, vor allem nicht nachdem sie eine Beziehung zu Yaras Eltern aufgebaut hat. Während die Behörden versuchen, herauszufinden, wer Yara ermordet hat, beginnt der Fall mit dem Aufbau einer DNA-Datenbank, um den Schuldigen zu finden. Es ist ein komplizierter Vorgang, der Jahre der Frustration in Sackgassen und die Verbesserung der wissenschaftlichen Technologie erfordert. Sie erhalten vielleicht nie alle Antworten, die sie sich wünschen, aber am Schluss kann der Gerechtigkeit Genüge getan werden. "Yara" gehört im Grunde Isabella Ragonese. Ohne sie funktioniert der Film einfach nicht. Isabella Ragonese verleiht dem, was manche als typische, besessene Ermittlerin sehen, Leben, aber sie ehrt auch die echte Frau, die sie verkörpert. Sie ist die ideale Anführerin in diesem erschütternden Mordfall und nimmt uns mit auf die Jagd nach der richtigen Wahrheit, selbst wenn dies auf Kosten ihres eigenen Wohlergehens geht. Sie ist eine dezente Performerin, die einen Großteil der Rolle mit ihren Blicken und ihrer physischen Präsenz spielt, anstatt sich in Monologen oder theatralischen Dialogen zu verfangen. Sie bewegt sich mühelos vom ersten Geheimnis von "Yara" zum gerichtlichen Konflikt und verleiht dem Film ein Gefühl von Zusammenhalt und Geschlossenheit, wo er sonst ein wenig uneben sein könnte. Angesichts einer Laufzeit von nur 96 Minuten verschwendet "Yara" keine Zeit mit langwierigen Erklärungen oder sentimentalen Bemühungen, uns in das Opfer zu vertiefen. Ich hatte die Bedenken, dass "Yara" diese tragische wahre Begebenheit ausnutzen und übertreiben würde, aber der Respekt vor den Menschen, die an diesem Projekt beteiligt waren, ist so spürbar. Dank der äußerst kompetenten Regie und der bewegenden Darstellungen können auch jene von uns, die mit dem Fall nicht vertraut sind, begreifen, wie bedeutsam diese Tragödie in Italien war und warum sie die ganze Bevölkerung ergriffen hat. In Krimis sehen wir oft, wie die Ermittler den Fall innerhalb von wenigen Tagen lösen, selbst in Verfilmungen, die auf einer wahren Begebenheit beruhen, aber hier werden wir zu Zeugen, wie mühevoll und schleppend diese Art von Ermittlungsarbeit sein kann. So wie es Jahre dauerte, den Golden State Killer mit DNA-Beweisen zu fassen, brauchte auch Yaras Fall Jahre der Anstrengung und des Sammelns von Spuren. Das mag nicht nach großem Kino tönen, aber "Yara" macht daraus ein effektives langsames Drama, selbst mit seiner geringen Dauer. "Yara" ist eine Mischung aus Kriminalfilm und Justizdrama mit einigen ausgeprägten Schwerpunkten, ohne dabei jemals überstürzt oder banal zu wirken. Wir bekommen das ganze Ausmaß des interpersonellen Dramas von Letizia und Yaras Familie zu sehen, den Nervenkitzel dessen, was Yara tatsächlich zugestoßen ist, und den hohen Stellenwert, der damit einhergeht, ihren potenziellen Mörder im Gerichtssaal endlich vor den Richter zu bringen. "Yara" verfolgt einen ernsten tonalen Anspruch an seine Gesamtheit, und genau das macht den Reiz des Films aus, und zwar von der ersten Einstellung an. "Yara" gelingt es überraschend leicht, die betroffenen Individuen zu achten und ein packendes Drama zu schaffen, das belegt, dass man seine Motive nicht ausbeuten muss, um etwas Unterhaltsames zu gestalten. "Yara" ist bestimmt nicht der aufbauendste unter den Kriminalfilmen, aber wahre Schicksale wie dieses bescheren uns selten das Happy End, nach dem wir alle verlangen.

Ein Mädchen, das an der Schwelle zur Frau steht, muss sich in "Die Unerzogenen" von Regisseurin Pia Marais mit ihren unverantwortlichen, drogensüchtigen Eltern auseinandersetzen. "Die Unerzogenen" ist ein komplexes und etwas gegenläufiges Werk zwischen Humanismus und den hässlichen Reflexionen, die sich daraus ergeben können, und genau da fühlt sich die Regisseurin überfordert. Eine sichere Arbeit, die die Figuren als menschliche Wesen und ihre Situationen als Beweis für die Untiefen des Lebens behandelt. Das Klientel für eine solch bittere Pille wird klein sein, aber es ist kein übermäßig anstrengender Film, aber einer, der schwer anzuschauen sein kann, wenn man sonnige Äußerlichkeiten schätzt. Das Externe und das Interieur von "Die Unerzogenen" sind eher rau als glatt. Die Protagonistin von "Die Unerzogenen" ist die vierzehnjährige Stevie (Ceci Schmitz-Chuh), die sich eindeutig in einer Übergangsphase zwischen Kind und junger Erwachsener befindet. Der Drogenhandel ihrer Eltern hat zu einem verständlichen Mangel an Stabilität in Stevies Erziehung geführt. Sie musste bereits auf dem ganzen Kontinent umherziehen und wurde einer angemessenen Allgemeinbildung beraubt. "Die Unerzogenen" beginnt mehr oder weniger damit, dass ihr Vater (Birol Ünel) nach einem Gefängnisaufenthalt zur Familie zurückkehrt und sie mit einigen Mitläufern in einem Haus in Deutschland leben, das ihre Mutter (Pascale Schiller) geerbt hat. Stevie trägt die Last der Verantwortung auf ihren schmalen Schultern und wünscht sich Grenzen, wo es keine gibt. Die Menschen um sie herum bieten ihr Alkohol und Drogen an, anstatt sie zu ermutigen. Da sie nicht zur Schule geht, ist es anfangs schwierig, Freunde zu finden, aber als eine Gruppe von Jugendlichen auftaucht, hat Stevie das Bedürfnis, über ihre Eltern zu fabulieren. Entweder aus Verlegenheit oder aus Beschämung erfindet sie einen Botschafterposten in Brasilien für ihren Vater. Die notwendige Unbeholfenheit der Heranwachsenden, die nie besser zum Ausdruck kommt als in den Szenen zwischen Stevie und dem viel älteren Freund ihrer Eltern, Ingmar (Georg Friedrich), kommt so behutsam wie möglich rüber. Der Sprung von einem Ereignis zum nächsten ohne Vorwarnung oder Erklärung kann auf eine redaktionelle Entscheidung der Regisseurin zurückgeführt werden, erinnert aber auch daran, wie ein Kind wie Stevie von seinen Eltern nur kleine Informationsbröckchen erfährt, bevor von ihm erwartet wird, dass es sofort handelt, ohne die Gesamtheit der Situation zu kennen. Der Betrachter wird genauso in Situationen hineingeworfen wie unsere Hauptfigur. Pia Marais erzählt die Geschichte im Wesentlichen aus ihrer Perspektive und wahrt diese Distanz zu jeder Art von linearer Erwartungshaltung. Die Dinge passieren zwar der Reihe nach, aber nicht ohne Brüche. In gewisser Weise ist es irritierend, nicht in die scheinbar wichtigen Teile der Handlung eingeweiht zu sein. Bei näherer Betrachtung zeigt sich jedoch, dass diese leichten Bruchstellen der Natur des Stücks dienen. Die Geschichte ist weniger wichtig als die Reaktionen der Figuren, und diese werden zum Grundgerüst einer unangenehmen Erfahrung. "Die Unerzogenen" ist eine unbefangene Coming-of-Age-Geschichte inmitten von unnötiger Unruhe. Falls man die elterliche Vernachlässigung nicht überwinden kann, wird man vermutlich nicht in der Lage sein, die Frequenz der Geschichte zu verstehen. Regisseurin Pia Marais will nicht, dass man Taten verurteilt, die dennoch fast unverzeihlich erscheinen. Vielleicht ist das ihr Verdienst, vielleicht ist es aber auch ausgesprochen gutgläubig. Wir haben nichts zu sagen, wir sind nur Beobachter. Ich fand Stevies Situation so verstörend, dass sie meine Bewertung des Films leicht beeinträchtigt hat. Es gibt jedoch keinen Anlass zu der Annahme, dass alle Menschen die gleichen Schwierigkeiten haben, und mein Gesamteindruck kann als äußerst positiv betrachtet werden. Er ritzt einen Punkt des Kinos an, der zu oft zugunsten von leichter Sympathie ignoriert wird. "Die Unerzogenen" wollen nicht genossen, sondern verstanden werden. Sie verlangen Geduld, und die haben sie verdient.

"Porträt einer jungen Frau in Flammen" von der französischen Regisseurin Céline Sciamma ist ein fieberhafter Traum im Zeichen des Feuers. Es gibt kaum einen Moment in "Porträt einer jungen Frau in Flammen", den man nicht einfangen, montieren und als hohe Kunst an die Wand hängen könnte. So visuell beeindruckend ist der Film. Auch wenn die Inszenierung manchmal eher einem exquisiten Gemälde als einem vollendeten filmischen Werk gleicht, ist es fast unmöglich, ihr als reinem Filmerlebnis zu widerstehen. Eine lesbische Liebesgeschichte aus dem 18. Jahrhundert, die fast ausschließlich in einer abgelegenen Villa am Meer spielt, mit vielen meditativen Dialogen und nahezu keiner erwähnenswerten Männerrolle. Noémie Merlant ist Marianne, eine Künstlerin, die geschickt wird, um das Bildnis von Héloïse (Adèle Haenel) für ein Hochzeitsporträt zu malen. Der Haken an der Sache ist, dass Héloïse, die sich noch immer vom Selbstmord ihrer Schwester und einem langen Aufenthalt in einem Kloster erholt, nicht weiß, was der eigentliche Zweck ihres Besuchs ist. Stattdessen glaubt sie, dass Marianne ihre Begleiterin ist, eine Art Freundin und Anstandsdame, die von ihrer Mutter (Valeria Golino) als Gesellschaft für ihre zerbrechliche Rekonvaleszenz angeheuert wurde. Als eine zaghafte Freundschaft zwischen den beiden jungen Frauen aufkeimt und sich zu mehr entwickelt, macht Héloïse klar, dass sie lieber ins Kloster zurückkehren möchte, als mit einem Mailänder Adligen verheiratet zu werden, den sie nicht einmal kennt. Oder gibt es eine dritte Möglichkeit, die zwischen dem Kloster und einer trostlosen Ehe liegt? "Porträt einer jungen Frau in Flammen" ist größtenteils eine Episodengeschichte, die jedoch für die Handlung kaum relevant ist. Lange, gemütliche Nachmittage mit Kartenspiele. Ein mitternächtliches Lagerfeuer, das in einer Art fleischlicher choraler Ekstase ausbricht. Ein medizinischer Eingriff zu Hause, den Regisseurin Céline Sciamma wie ein Renaissancegemälde belichtet. Die beiden Hauptdarstellerinnen von "Portrait einer jungen Frau in Flammen" sehen unbestreitbar aus wie französische Filmstars, und das sind sie auch. Was sie in ihren intensiven, zärtlichen Darbietungen zeigen, ist weit mehr als bloße Schönheit. Gemeinsam sind sie die Flamme im Zentrum des Films. Haben alle Liebenden das Gefühl, dass sie etwas erfinden? fragt Héloïse und streicht mit ihren Fingern über Mariannes Lippen. Natürlich tun sie das, und irgendwie macht der Glaube es wahr.

"Sofia's last Ambulance" ist ein Dokumentarfilm des bulgarischen Regisseurs Ilian Metev. Der Film begleitet ein Team von drei Rettungssanitätern über einen Zeitraum von zwei Jahren beim verrichten ihrer Tätigkeit. In Sofia ist ihr Fahrzeug nicht wortwörtlich das letzte, aber es gibt nur etwa ein Dutzend Krankenwagen, die die bulgarische Hauptstadt, die 15. größte in der Europäischen Union, mit einer geschätzten Bevölkerung von 2 Millionen Einwohnern versorgen. Dies ist eines der vielen desaströsen Auswirkungen der Wiedereinführung des Kapitalismus der freien Marktwirtschaft in Osteuropa in den 90er Jahren und der daraus resultierenden Einsparungen bei den sozialen Dienstleistungen. Bei dem Trio handelt es sich um Dr. Krassimir Yordanov, der seit einem Vierteljahrhundert im Rettungsdienst beschäftigt ist, die Krankenschwester Mila Mikhailova und den Rettungswagenfahrer Plamen Slavkov. Die Kamera folgt Yordanov und Mikhailova bei der Behandlung von Kranken und Verletzten an Arbeitsplätzen, in Mietskasernen und verwahrlosten Vorstädten. Krassi, wie der Doktor genannt wird, hat weißes Haar, eine Brille und ein besorgtes, faltiges Gesicht. Gelegentlich seufzt er, aber er macht seine Arbeit unermüdlich und professionell weiter. Mila Mikhailova ist die aufgeschlossenste unter ihnen. Sie redet am häufigsten, sie schimpft und sie ist besorgt über ihre Kollegen bei der Arbeit. Ein kleines Mädchen liegt im Krankenwagen, ein Schrank ist auf sie gefallen. Mikhailova spricht ganz sanft mit ihr, wie sie es auch mit ihrem eigenen Kind am Handy tut. Das Team wird gerufen, als eine Leiche gefunden wird, die teilweise verwest ist und aus deren geplatztem Augentumor Würmer herauskrabbeln. Yordanov spricht mit einem Drogenabhängigen, dessen fünf Freunde bereits gestorben sind und der sich Müll injiziert, der mit Pferdetranquilizer und Backsteinen vermischt ist. Eine schwangere Frau hat versucht, abzutreiben, indem sie etwas geschluckt hat. In einem anderen Fall trifft der Krankenwagen erst nach vier Stunden ein. Der Patient ist bereits tot, wird ihnen von traurigen Angehörigen mitgeteilt. Vor allem aber gibt es zu viel an Arbeit, zu wenig Lohn und eine absurde und ineffiziente Bürokratie. Schätzungsweise 1.200 Krankenschwestern verlassen das Balkanland jedes Jahr. Mit dreizehn Rettungswagen, in einer Stadt mit 2 Millionen Einwohnern. Ein Sozialverbrechen. So können europäische Großbanken entschädigt werden und florieren. In Bulgarien, dem ärmsten Land der Europäischen Union, haben sich seit Anfang 2013 sechs Menschen selbst in Brand gesetzt, um gegen das soziale Unrecht zu protestieren. Ein amerikanischer Fernsehsender berichtete Anfang Mai, Dimitar Dimitrov wolle nicht nur sterben. Er wollte sich für sein Land opfern. Am 13. März verließ der arbeitslose 53-Jährige seine Wohnung in der Hauptstadt Sofia und machte sich auf den Weg zum Präsidialamt im Zentrum der Stadt. Dort angekommen, übergoss er sich mit Benzin und steckte sich selbst in Brand. Er überlebte trotz der furchtbaren Schmerzen und nach mehreren operativen Eingriffen. In der Stadt Radnevo hat sich Vechislav Arsenov, ebenfalls 53 Jahre alt und arbeitslos, selbst angesteckt, nachdem er keine Sozialhilfe mehr erhalten hatte. An dem Tag, an dem er sterben sollte, rief Arsenov jedes seiner fünf erwachsenen Kinder an, um ihnen mitzuteilen, dass es ihm leid täte, was er im Begriff sei zu tun. Dann ging er zum Büro des Bürgermeisters, um ihn um Geld zu bitten. Er bestand darauf, dass der Bürgermeister zu ihm kam und mit ihm sprach, und rief den Empfangsdamen zu, dass er ein Streichholz anzünden würde, wenn man ihn nicht zu einem Gespräch brächte. Wir waren verzweifelt, erklärt sein Sohn Txumir. Sein Vater hatte kürzlich seine Arbeit verloren. Sie konnten ihre Rechnungen und Schulden nicht bezahlen, und er konnte sich keine Lebensmittel leisten. Der amerikanische TV-Sender berichtet weiter, dass Txumir nun versucht, seine verarmte Familie am Leben zu erhalten. Er ist ebenfalls arbeitslos und ist auf einen Sommerjob als Farmarbeiter angewiesen. Elf Familienmitglieder, sechs Kinder und fünf Erwachsene, teilen sich die Zweizimmerwohnung von Txumir. In "Sofia's last Ambulance" konzentriert sich Regisseur Ilian Metev auf die Gesichter von Yordanov, Mikhailova und Slavkov. Entweder aus Respekt vor der Privatsphäre der Behandelten oder aus dem Wunsch heraus, Sensationslust zu vermeiden, sehen wir die Patienten und Betroffenen nie direkt ins Gesicht.

SPOILERS!

"Scare Campaign" von den Regisseuren Cameron Cairnes und Colin Cairnes will unbedingt der König aller Twist-Horrorthriller sein, aber am Ende ist es ein großer Haufen vorhersehbarer Scheiße. Sicher ist nicht alles vorhersehbar, aber die drei wichtigsten Plot-Twists waren allesamt Fehlschläge. Vor allem, weil der Autor so blöd war, sie Minuten oder sogar Jahre im Voraus anzukündigen. Bereits in den ersten 10 Minuten, genauer gesagt in der Szene im Sitzungssaal, werden uns ein oder zwei Wendungen angekündigt. Natürlich war klar, dass der Handlanger die Freundin des Produzenten sein würde, und natürlich würde das mysteriöse Snuff-Team in das Filmset eindringen. Die einzige Wendung, die nicht eintrat, war, dass der ehrgeizige, durch plastische Chirurgie entstellte TV-Manager nicht Teil des Betrugs war: Das hätte viel mehr Sinn ergeben als das, was tatsächlich geschah. Auch die dritte Wende war nicht unbedingt von vorneherein erkennbar, wurde aber einige Momente vor der Enthüllung sehr deutlich. Dass sie sich im Fluchtauto ausruht, war zu offensichtlich, ein Zeichen für ein schlechtes Drehbuch und eine schlechte Regie. Daher war die große Enthüllung in der Verbrennungsanlage, nur wenige Minuten später, total schwachsinnig. Ich sprach zum Bildschirm: "Ich bin dir weit voraus, du dämlicher Film!" Außerdem woher wusste das Snuff-Team, dass sie eine Woche zuvor gecastet werden würde? Um sie als Maulwurf zu benutzen, hätten sie im Voraus wissen müssen, dass sie überhaupt eingestellt werden würde, was nicht einmal sie wissen konnten. Weit hergeholtes schweizerisches Käseskript. Diese unwissenden Millennials könnten ein oder zwei Dinge von Agatha Christie lernen. Allerdings stammt sie aus einer viel intelligenteren und bodenständigeren Generation, es gibt also keinen Vergleich. Aber das macht nichts, ich kann "Scare Campaign" sogar seine Lahmheit und Vorhersehbarkeit verzeihen. Was mich ärgert, ist der Mangel an Realitätssinn. Dass eine Snuff-Organisation im Untergrund tatsächlich existiert und damit durchkommt, öffentlich und für alle sichtbar, ist einfach unfassbar. Oder macht die australische Polizei vielleicht gar nicht Jagd auf sie? Vielleicht wurde Mord in Australien bereits 2016 legalisiert? Der Produzent der Sendung reagiert kaum darauf, dass der Schauspieler mit einem Arbeitsgerät aufgespießt wird. Anstatt Entsetzen und Schock zu zeigen, kann sich der Produzent ein Grinsen nicht verkneifen. Das ist selbst für eine Komödie völlig unrealistisch und stumpfsinnig. Ganz zu schweigen davon, dass dieser Produzent von einem miserablen Schauspieler dargestellt wird. Sein gesamtes Verhalten ist katastrophal. Wie reagiert er darauf, lebendig eingeäschert zu werden? Kaum der Rede wert. Ich habe schon Leute gesehen, die mehr Konsternation und Emotionen zeigten, wenn sie stundenlang in einer Schlange warten mussten. Die verliebte Handlangerin und der Filmproduzent gehen tatsächlich zurück zum Gebäude, um nach Überlebenden zu suchen. Wer, der bei klarem Verstand ist, würde versuchen, Kollegen zu retten, während er von einer großen, gut organisierten, schwer bewaffneten, terroristischen Gruppe von mordlustigen Geisteskranken angegriffen wird? Welche Chance hätten sie denn? Pech gehabt. Die natürliche Konsequenz wäre, mit großer Geschwindigkeit zu fliehen und dann die Polizei zu rufen. Zugegeben, wir wissen nicht, ob die Polizei geholfen hätte, wenn man bedenkt, dass sadistische, wahllose Morde in Down Under im Jahr 2016 vielleicht schon legalisiert wurden. An diesem Punkt versuchte "Scare Campaign" nicht einmal mehr, halbwegs logisch zu sein. Er fing an, die Zuschauer wie Narren zu behandeln. Da wir gerade von Polizisten sprechen: Die letzte Szene ist grottenschlecht. Ein gewöhnliches kopfloses Ende, das von einem ratlosen Autor mit null Fantasie geschrieben wurde. Es klärt nichts auf, dient keinem Zweck, zumindest nicht in Hinblick auf das Ende eines Filmes. Es ist fast so, als wären ihnen die Filmspulen ausgegangen, und sie hätten beschlossen, einfach Schluss zu machen. Sollen wir neugierig sein, was als Nächstes passieren könnte? Damit wir neugierig werden, muss der Film sein Potenzial erfüllen, solange er noch läuft. Das hat er eindeutig nicht getan. Sie hätten zu diesem Zeitpunkt auch dreiköpfige Tanzbären auftischen können, es hätte keinen Unterschied gemacht. "Scare Campaign" hatte ein gewisses Maß an Möglichkeiten, aber einige fragwürdige Darbietungen und vor allem der minderwertige Drehbuchentwurf haben es zum Scheitern verdammt.

"Jungle Cruise" von Regisseur Jaume Collet-Serra ist ein liebenswerter, unkomplizierter Abenteuerfilm im traditionellen Stil. Dwayne Johnson ist sympathisch, aber es ist Emily Blunt, die die herausragende Figur ist. Es ist ihr Verdienst und von den Drehbuchautoren, dass sie am Ende die wohl lebendigste und glaubwürdigste Protagonistin ist, eine unaufhaltsame Kraft und verletzlich zugleich. Die Romanze zwischen den beiden Hauptdarstellern, die zwar nur angedeutet, aber nicht ganz realisiert wird, fühlt sich in ihrer Präsentation ein wenig aufgesetzt an, vor allem angesichts der Beschaffenheit der Geschichte. Aber beide sind so liebenswürdig, dass es niemanden wirklich kümmern wird. Das größte Übel ist wahrscheinlich die Tatsache, dass "Jungle Cruise" inhärente und zweifellos beabsichtigte Grenzen hat. Anfänglich erinnert der Film eher an die ersten beiden Indiana Jones Filme, doch dann kommt ein übernatürliches Konzept ins Spiel. Die meisten Leute werden damit wahrscheinlich kein grundsätzliches Problem haben, aber meiner bescheidenen Meinung nach wäre es ein besseres Abenteuer gewesen, wenn sie sich nicht an das Übernatürliche herangewagt hätten. Aber das macht nichts, denn "Jungle Cruise" macht immer noch Laune, auch wenn er am Ende ein bisschen weniger ist als die Addition seiner Komponenten. Anerkennung gebührt auch Jessie Plemons deutschem Prinzen, der zwar böse, aber nicht zu bösartig ist um ihn zu hassen. Seine unauffällige Niedertracht wird vor allem durch die Tatsache verstärkt, dass er ein Deutscher aus dem Ersten Weltkrieg ist, der eine Art dauerhaftes Reich errichten will. Es macht Freude, Plemon zuzusehen, nicht zuletzt vielleicht deshalb, weil sein ganzer Charakter, heimtückisch, aber von Ehrgefühl geleitet ist. Ich brach in heftiges Gelächter aus, als er zu singen begann: "Hannes, zuckersüßer Hannes, du". Doch auch das ist zu viel des Guten, also Kopf abschalten und "Jungle Cruise" entspannt auf sich wirken lassen.

"Puffs Reich: Wunder des Riffs" ist ein Dokumentarfilm von Regisseur Nick Robinson, der von der Schauspielerin Rose Byrne gesprochen wird und die Odyssee eines Kugelfisches zeigt. Zu den Bildern und Andeutungen gehören große Fische, die kleinere Fische fressen, giftige Angriffe von Meerestieren und Arten, die sich tarnen, um ihre Beute zu täuschen. Die Fortpflanzungssysteme von Meerestieren mit Eiern, Fischmilch und Massenlaichen werden ebenso thematisiert wie das Sterben von Korallenriffen aufgrund steigender Wassertemperaturen. Zu den positiven Botschaften des Dokumentarfilms gehören die Bedeutung des Meeresschutzes, die Entschlossenheit, die Hindernisse des Lebens zu überwinden, und die wichtige Rolle, die Menschen und Meerestiere im Ökosystem der Erde spielen. "Puffs Reich: Wunder des Riffs" zeigt die Reise eines Kugelfisches, der im australischen Great Barrier Reef erwachsen wird und überlebt. Der Dokumentarfilm beleuchtet auch die ökologische Entwicklung von Korallenriffen, die als Metropolen des Meereslebens dienen, und die Notwendigkeit ihres Schutzes. Die farbenfrohen Korallenriffe und ihre Bewohner werden von Kameramann Pete West in diesem spektakulären Dokumentarfilm atemberaubend eingefangen. Das Leben in den Riffen hängt von Tausenden von Lebewesen ab, die zusammenarbeiten und von denen jedes eine wichtige Rolle spielt. Rose Byrne weist auch auf die potenziellen Gefahren hin, die dort lauern. Der Korallenbewohner Puff, ein verwaister Kugelfisch auf dem Weg in ein neues Zuhause, ist ebenfalls auf die Riffe angewiesen, um sich vor Gefahren zu verstecken, die nicht auf seiner Speisekarte stehen. Die Aussage von "Puffs Reich: Wunder des Riffs" ist klar: Wenn wir unser Verhalten auf unserer Erde nicht ändern, wird es Puffs Welt bald nicht mehr geben.

Für diejenigen, die John Carpenters Originalfilm "Halloween" im Jahr 1978 gesehen haben, war er ein Meilenstein und ein wahrer Horrorschocker. Er begründete eine ganze Reihe von Fortsetzungen und Nachahmern, wobei enge Verwandte wie "Freitag, der 13." und "A Nightmare On Elm Street" eigene beachtliche Franchises hervorbrachten. Die Filme richteten sich vor allem an Jugendliche und junge Erwachsene und hatten einen erschreckend moralisierenden Subtext. Die jugendlichen Opfer von Michael, Jason und Freddy waren fast immer die sexuell aktiven. Laurie (Jamie Lee Curtis), die Überlebende im ersten Halloween Film, war das "gute Mädchen" und damit das ikonische "letzte Mädchen". Vierzig Jahre später war Laurie inzwischen Großmutter, bereit, sich im "Halloween" Film von 2018 dem entscheidenden Schrecken ihres Lebens zu stellen, einem Film, der erkannte, wie sich sowohl das Genre als auch die Gesellschaft verändert hatten. In einem Höhepunkt, der sich bewusst an das Original anlehnt, geben Laurie, ihre Tochter Karen und ihre Enkelin Allyson, Michael den Abschied, den er verdient hat und zwar einen Flammentod, gefangen in einem Keller. Leider haben sie nicht gemerkt, dass sie in einer Filmreihe gefangen waren, in der es nicht um erzählerische Kohärenz ging, sondern darum, die Kinokassen zu füllen. So bekommen wir nicht nur den neuen "Halloween Kills" von Regisseur David Gordon Green, sondern auch das zweifellos falsche Versprechen von "Halloween Ends", der nächstes Jahr erscheinen soll. Der neue Film knüpft an die Nacht an, in der der letzte Film endete. Der mysteriöserweise nicht knusprige Michael ist relativ unbeschadet davongekommen. Er ist nicht mehr nur ein psychisch gestörter Killer. Jetzt ist er scheinbar unempfindlich gegenüber Kugeln, Feuer, Messern, Prügeln und allem anderen, was ihm angetan wird. Und seine Morde haben nichts mehr mit dem Trauma zu tun, das er vor langer Zeit erlitten hat, als er erfuhr, dass seine ältere Schwester eine aktive sexuelle Beziehung hatte. Er ist einfach ein Sadist, der wahllos und brutal tötet, wen er kann. David Gordon Green und seine Co-Autoren sind nicht völlig kopflos. Sie versuchen zu zeigen, wie Michaels Geschichte des Tötens die Stadt geprägt hat, von Lauries Besessenheit über die Schuldgefühle von Officer Hawkins, der im Kampf gegen Michael versehentlich einen Unschuldigen tötete, bis hin zu Tommy Doyle, der vor so langer Zeit das Kind war, auf das Laurie aufpasste. Es ist Tommys Anstiftung zu einer Vigilanz-Bande, die Michael töten will, die zum Tod eines weiteren Menschen führt, der unschuldig ist. "Halloween Kills" hat keinen anderen Sinn, als grausame Morde zu inszenieren und die meisten der Darsteller zu töten. Michael Myers ist unzerstörbar, Laurie ist die Hälfte des Films bewusstlos und bleibt die restliche Zeit im Krankenhaus, andere Charaktere, sind nur dazu da, um in Scheiben geschnitten und zerlegt zu werden. Was "Halloween Kills" wirklich tut, ist, die Zeit bis zum nächsten Film der Reihe totzuschlagen, der unweigerlich als ultimativer Abschluss der Saga angepriesen wird. So wie der Film von 2018 alle Fortsetzungen und Reboots seit 1978 ignoriert hat, kann man auch diesen Film bedenkenlos ignorieren. Laurie und Michael werden im nächsten Jahr eine weitere Runde drehen. Das einzige Rätsel wird dann sein, ob sich noch jemand dafür interessiert.