Chainsaw Charlie - Kommentare

"Elephant Song", eine auf die große Leinwand übertragene Theaterproduktion, ist ein psychologisches Kammerspiel mit einer guten talentierten Besetzung, darunter das Regiewunderkind Xavier Dolan (I killed my Mother) als Michael Aleen, ein spielfreudiger Psychiatriepatient, der mit Dr. Toby Green konkurriert, einem ebenfalls gestörten Psychiater, gespielt von Bruce Greenwood. Der Filmtitel bezieht sich auf Michaels Obsession mit Elefanten, eines von mehreren Merkmalen, die auf den Einfluss von Peter Shaffers Equus hinweisen. Regisseur Charles Binamé verleiht dem Stück von Nicolas Billon aus dem Jahr 2004 eine angenehm zurückhaltende Bildgestaltung und penible Kulissen im Stil der Mittsechziger, bleibt aber ansonsten seinen bühnengebundenen Wurzeln treu. Die zentrale Handlung spielt sich an einem Nachmittag nach dem plötzlichen Verschwinden des Psychiaters Dr. Lawrence ab, der zuletzt von Michael gesehen wurde. Als Chefarzt und nicht praktizierender Psychiater beschließt Dr. Green, den Fall zu untersuchen, anstatt die Polizei zu rufen, mit der wackeligen Begründung, dass sich das Hospital einen Skandal nicht leisten kann. Schon nach kurzer Zeit wird klar, dass Michael viel mehr über Dr. Greens tragische Lebensgeschichte weiß als der Arzt über seinen Patienten. Dr. Green und die Krankenschwester Susan Peterson (Catherine Keener) verhandeln geschickt die rasanten Gefühlswechsel, und Xavier Dolan ist absolut überzeugend als blasierter, mutterfixierter Erzmanipulator mit tiefen seelischen Narben. Es ist eine Glanzleistung von Dolan, die dazu verhilft, dass "Elephant Song" etwas ist, bei dem es sich lohnt, dranzubleiben. Der Film ist ein handwerklich gut umgesetztes, wenn auch nicht sonderlich einprägsames Psychodrama mit kleinem Umfang, aber großer Vision. Es ist ein Film, der neugierig macht und seine Prämisse zur vollen Zufriedenheit erfüllt.

In "Love Bites" von Regisseur Antoine de Caunes folgen wir Antoine (Guillaume Canet), einem Nachtschwärmer, der die Angewohnheit hat, die Namen anderer Personen zu benutzen, um in die besten Nachtclubs der Stadt zu gelangen. In einer Nacht benutzt er den Namen Jordan, einer mysteriösen und schwer erreichbaren Nachteule, die überall und gleichzeitig nirgends zu sein scheint, um eine aristokratische Veranstaltung zu infiltrieren. Doch die Pläne laufen nicht wie gewünscht. Er wird in das Büro des Veranstalters der Party, eines Mannes namens von Brulow, eingedrängt. Obwohl er zugibt, dass er gelogen hat, um hineinzukommen, glaubt von Brulow, dass Antoine der Mann ist, den er braucht, um den Mann zu finden, den er sucht, den bereits erwähnten mysteriösen und schwer fassbaren Jordan. Mit seinem Freund, dem Stricher Etienne, auf den er sich verlassen kann, und selbst dann nur, wenn es in seinem eigenen Interesse ist, gerät Antoine in die Untergrundwelt der Spelunken, Hundekämpfe und Fetischclubs, wo er sich auf die Suche nach dem mythologischen Jordan macht. Antoine, der eher ein Hochstapler als ein Detektiv ist, gelingt es, einige Informationen über den Mann herauszufinden. Am wichtigsten ist, dass er eine Schwester namens Violaine (Asia Argento) hat. Und dass sie zusammen zwei der letzten verbliebenen Vampire sind, deren Vater auf dem Totenbett verlangte, dass sie zusammen ein Kind zeugen, um das Überleben der Rasse und die Wiedererlangung ihrer Kräfte zu garantieren. Er erfährt jedoch, dass Violaine den letzten Willen ihres Vaters abgelehnt und die Annäherungsversuche ihres Bruders zurückgewiesen hat. Als sich die beiden schließlich begegnen, ist Antoine sofort von ihrer verruchten, lüsternen Erscheinung angetan. Es ist jedoch unklar, ob sie dasselbe empfindet oder ihn nur für ihre eigenen Interessen manipuliert. Während er immer tiefer in eine Welt eintaucht, die von einer unstillbaren Begierde getrieben wird, werden die Dinge immer obskurer, je näher er der Wahrheit kommt, oder vielleicht auch nur dem Tod. Insgesamt ist "Love Bites" ein unterhaltsamer kleiner Vampirfilm mit einer Asia Argento in erotischen Dessous, dem es gelingt, die Aufmerksamkeit des Zuschauers zu halten. Er ist keineswegs einer der besten Vampirfilme der Filmgeschichte, aber er ist gut gemacht und auf jeden Fall einen näheren Blick wert.

Der Fotojournalist Fukamachi erfährt von der Existenz einer Kamera, die angeblich George Mallory gehörte, einem Bergsteiger, der 1924 versuchte, den Everest zu besteigen, aber verschwand und ein großes Fragezeichen hinterließ, ob er es geschafft hat oder nicht. Wie viele andere vor ihm ist Fukamachi besessen von dem Berg und den Männern, die ihr Leben riskieren, um ihn zu besteigen. Besonders Habu Joji, ein berühmter Bergsteiger, der in Ungnade gefallen und aus der Öffentlichkeit verschwunden ist. "Gipfel der Götter" ist eine französischsprachige 2D-Animationsverfilmung einer Manga-Serie, die von Jiro Taniguchi geschrieben und illustriert wurde, und ist ein auffallend beeindruckendes Filmwerk, das jedoch ebenso emotional erschütternd sein kann wie seine Umgebung. Die Qualität der Animation ist außergewöhnlich hoch. Regisseur Patrick Imbert fängt die wechselnden Stimmungen des Berges mit stimmungsvollem Licht und kräftigen Farben ein. Der nüchterne Ton und das gemessene Tempo werden jüngere Zuschauer vielleicht nicht ansprechen, und auch das Thema, die hartnäckig besessene Welt des Kletterns, ist eher abgelegen. Es ist das unerwartete Angebot einer Kamera von einem zwielichtigen Straßenhändler in Nepal, das Fukamachi auf den Aufenthaltsort des mysteriösen Habu Joji aufmerksam macht. Er sieht, wie der legendäre Bergsteiger die Kamera von dem Gauner zurückfordert, der sie ihm gestohlen hat. Zurück in Japan kommt Fukamachi nicht von der Idee los, dass die Kombination aus der Kamera und dem rätselhaften Habu eine Titelgeschichte ergeben könnte, die die Kletterwelt erschüttern würde. Nachdem er den unbekümmert zuvorkommenden Redakteur einer offensichtlich ungewöhnlich wohlhabenden Publikation überzeugt hat, kehrt Fukamachi in die kleine Stadt in den Ausläufern des Himalaya zurück, wo sich Habu vermutlich aufhält. Doch was Fukamachi letztlich fasziniert, ist nicht die Kamera und ihr unentwickelter Film, sondern die Frage, was diese Männer dazu treibt, ihr Leben zu riskieren. Die Animation fängt die Persönlichkeit jedes Ortes, ob in Japan oder Nepal, so lebendig ein, dass es fast schade ist, dass ein Großteil des dritten Aktes der Geschichte auf einer schneebedeckten Bergwand stattfindet. Aber selbst das ist von einem Gefühl der Dramatik und Unvorhersehbarkeit durchdrungen. Patrick Imbert fängt die Stimmungen ein, die das Eis dem Wetter abgewinnt. Düstere Rosatöne und blaue Lavendeltöne sehen prächtig aus, weisen aber auch auf die tückisch wechselhaften Bedingungen hin. Blutige Rottöne unterstreichen Fukamachis Unsicherheit. Dasselbe gilt für das Sounddesign, das unter der Oberfläche der Schönheit ein knisterndes Gefühl der Bedrohung entstehen lässt. Dieses strukturierte Porträt des Berges ist elegant umgesetzt, aber die Konzentration des Films auf die Schaffung eines Gefühls für den Ort muss in Abwesenheit von Dialogen und menschlicher Interaktion viel leisten. Obwohl "Gipfel der Götter" im Kern eine Erlösungsgeschichte ist, ist sie am interessantesten, wenn sie die Beweggründe der Bergsteiger beleuchtet. Aber so wie der Berg seine Geheimnisse nicht so leicht preisgibt, tun das offenbar auch die Männer nicht, die alles riskieren, um ihn zu bezwingen.

Das Schöne an "The Clinic" von Regisseur James Rabbitts ist, dass er sich wie ein Film der alten Schule anfühlt. Anstatt sich auf Folterporno und Goreszenen zu konzentrieren, erleben wir stattdessen echte Spannung, denn der Film ist eher ein packender Thriller als ein schockierender Horrorfilm. An der Besetzung gibt es alles in allem wenig zu beanstanden. Jeder erfüllt seine jeweilige Rolle adäquat und die Inszenierung war zudem besser, als ich es mir gedacht hatte. Es hat nicht geschadet, dass Tabrett Bethell und die anderen Akteure sehr sympathische Charaktere sind, denn wenn es darauf ankommt, was meiner Meinung nach am schwierigsten ist, haben sie alle ihre Figuren sehr gut dargestellt. Ich habe die Mehrzahl der Protagonisten nicht gehasst, was mich positiv überrumpelt hat. Bei diesen Independent Filmen ertappe ich mich oft dabei, dass ich mich über die Masse der Leute auf dem Bildschirm aufrege, mit denen ich eigentlich sympathisieren sollte. Das war hier nicht der Fall. Die Rollen wurden alle hinreichend einfühlsam gespielt, und die Charakterentwicklung in den meisten Szenarien gab mir keinen Grund, mich auf das Ableben eines der Guten zu freuen. Mein einziger Kritikpunkt an "The Clinic" ist das Finale das dem Zuschauer mit seiner Schlussszene einen schrecklichen Abschluss beschert. Es ist eigentlich eine annehmbare, wenn auch etwas grobschlächtige Handlung, denn es gab einige überflüssige Stellen und Ungereimtheiten an einigen Punkten. "The Clinic" ist aber einen Blick wert, weil er bis zu den letzten 15 Minuten sehr abwechslungsreich ist, und es gibt ziemlich viel Morast, so dass auch die Gore-Hunde auf ihre Kosten kommen dürften. Es lohnt sich, den Film anzuschauen, aber erwartet keine üppige Entschädigung.

Eine sich kreiselnde Taschenlampe, ein Pistolenschuss, eine blutige Einschusswunde, ein angeschnittenes Streichholz, ein rotes Motorrad bei Nacht, das mit Benzin gefüllt wird, ein Absturz, eine Flucht auf einem Motorrad und eine zugedröhnte Unterkunft in einem Betonbunker. Die wortlosen ersten zehn Minuten von "Encounters" von Regiesseur Camilo Restrepo sind ein fieberhafter Vorbote der nächsten sechzig Minuten. Eine pulsierende, gewalttätige Collage von Bildern und Gefühlen, aus der wir versuchen können, einen Zusammenhang herzustellen. "Encounters" ist ein narrativer Film, und zwar ein täuschend einfacher, aber seine Kraft kommt von der Intensität seiner visuellen und auditiven Zeichen, die wie eine dichte Montage übereinandergeschichtet sind. Nachdem Pinky (Luis Felipe Lozano) den charismatischen Anführer der kriminellen Bande, deren zweiter Kommandant er war, getötet hat, ist er auf der Flucht und erzählt von den Jahren, die er mit der Bande verbracht hat, und von ihrer Philosophie der Überlegenheit über die Gesellschaft durch die Ausübung von Gewalt. In seinem Versteck wirft ein Oberlicht Schatten, die an die kantigen, rechteckigen Formen erinnern, die für die Eröffnungssequenzen der Italowestern von Sergio Leone charakteristisch sind. Es ist ein wichtiger visueller Ankerpunkt. Camilo Restrepo führt die abstrakten und magisch realistischen Qualitäten dieses imaginierten amerikanischen Westens zu ihrem logischen, rauschhaften Ende. Regisseur Camilo Restrepo und sein Stammkameramann Guillaume Mazloum nehmen die bis zur Realitätsferne gesteigerte Gewalt ihrer Filme, ihre Ultramaskulinität, ihre Momente halluzinatorischer Subjektivität, und erweitern sie in ihre eigene Welt, um eine kaleidoskopische, gestörte Realität zu schaffen. So fesselnd die Bilder von Mazloum auch sind, es ist wohl das Sounddesign von "Encounters", das sie zum Leben erweckt. Begleitet von den mechanischen, befremdlichen Geräuschen des Verkehrs, einer Bekleidungsfabrik und eines Einkaufszentrums wirkt Pinkys Erzählung wie ein Geständnis aus einem feurigen Abgrund, in dem er uns mitteilt, dass er und seine Mitkultisten die Welt um sich herum als nichts weiter als Materie betrachten, die nach ihrem Willen gebogen werden kann. Die Tätigkeit der Bande, gefälschte Marken-T-Shirts herzustellen, verwurzelt die Welt in globalisierten Märkten und sozialer Ausbeutung. "Encounters" vermeidet direkte sozioökonomische Kommentare und betont stattdessen die metabolischen Auswirkungen der Globalisierung auf die individuelle menschliche Erfahrung. Die Metaphysisierung seiner Waffe, auf deren Griff er "This is my life" eingraviert hat, steht für die verdrehte Identität des Mannes, dem sie gewidmet ist. Später erinnert eine Fabel über einen Vater und zwei Brüder, die in ein Fallloch schauen, um eine Parallelstadt zu sehen, an Jean Cocteaus Orphée. Dass "Encounters" eine Fiebervision des Fegefeuers ist, daran gibt es keinen Zweifel.

Wenn man genau auf Bernard Wesphaels Gesten während seines selbstverliebten, langatmigen Interviews achtet, geht er nahtlos vom dreifachen OK-Handzeichen zu einem anderen luziferischen Zeichen über, dem Baphomet. Kurz darauf lässt er zur Betonung zweimal das okkulte freimaurerische Notrufzeichen aufblitzen. Gleichzeitig plappert er unaufhörlich, schließlich ist er ein Politiker. Ich hatte erwartet, dass ihm der Kopf vom Hals bricht. Das hätte die Monotonie und Langweiligkeit seiner Monologe sicher aufgelockert. Ich erwähne die Handzeichen, weil Veronique Pirotton an Halloween gestorben ist, einem wichtigen okkulten Feiertag. Wurde sie geopfert? Bernard Wesphael behauptet, etwas zu oft, Atheist zu sein, aber das ist eine übliche Tarnung. Lügner neigen dazu, zu viel zu sagen, und dieser Mistkerl hält nie den Mund. Er hat auch die Angewohnheit, Dinge zweimal zu sagen. Im Laster geboren, sag es zweimal, oder wie war das noch gleich? Ich würde "Unter Verdacht: Der Fall Wesphael" mit drei 6en bewerten, wenn Moviepilot mich ließe. In den seltenen Momenten, in denen Bernard Wesphael nicht darüber quasselt, wie gut er aussieht, ist er auf eine unheimliche Art überzeugend. Unmöglicher Humor im Überfluss, der zeigt, dass die Wahrheit oft seltsamer ist als die Fiktion, denn wir erfahren, dass Bernard Wesphael von einem Herrn mit dem tatsächlichen Nachnamen De Cock betrogen wurde! Der eigentliche Leckerbissen hier ist Wesphaels umwerfende Tochter Saphia, die ein echter Fuchs ist. Leider kommt sie kaum vor die Kamera, da ihr Vater die meisten Nahaufnahmen für sich beansprucht. Die Aufnahmen der Sicherheitskamera sind ziemlich erschreckend und wahrscheinlich der beste Teil. Veronique Pirotton in ihrer ganzen Schönheit und voller Leben zu sehen, nur Stunden vor ihrem frühen Tod. Tragisches Zeug. Ich weiß nicht mehr, ob es Nietzsche war, der das gesagt hat, und ich paraphrasiere: Viel über sich selbst zu reden, kann ein Weg sein, sich zu verstecken.

"The Penalty" von Regiesseur Wallace Worsley, beginnt mit einer Titelkarte, die einen Unfall im Stadtverkehr ankündigt, und wir sehen, dass ein kleiner Junge bei einem Unglück schwer verletzt wurde. Dr. Ferris hat dem Jungen irrtümlicherweise die Beine amputiert, was der ältere Kollege des Arztes, Dr. Allen, ihm auf indiskrete Weise mitteilt. Der Junge belauscht ihr Gespräch und Dr. Allens Plan, die Eltern des Jungen zu beschwindeln, indem er behauptet, die Amputation habe das Leben des Jungen gerettet. Doch obwohl der Junge beharrlich bemüht ist, die Lüge zu erzählen, kann er nichts tun. Jahrzehnte später ist der Junge zu einem skrupellosen Herrscher der Unterwelt von San Francisco herangewachsen, der nun als Blizzard (Lon Chaney, in einer der stärksten Performances in einem Stummfilm) bekannt ist. Er treibt kuriose Geschäfte, unter anderem hält er eine Anzahl von Frauen als Geiseln, die Strohhüte weben. Jeder, der ihn verlässt, wird ermordet, und wir werden Zeuge seiner Brutalität, als er eine vagabundierende Frau vor aller Augen ermorden lässt. Die Polizei weiß, dass Blizzard, der Krüppel aus der Hölle, eine weitreichende, ruchlose Operation im Gange hat, und schickt eine Agentin um Blizzards Privatleben zu infiltrieren. Während die Agentin namens Rose sein Vertrauen gewinnt, entdeckt Blizzard einen Weg, seinen Plan zu vollenden. Er will den Arzt, der ihn verstümmelt hat, zwingen, ihm neue Beine zu implantieren, mit denen er dann in der Stadt sein großes Verbrechen begehen will. Barbara, die Tochter von Dr. Ferris, hat kürzlich eine Anzeige aufgegeben, in der sie Menschen sucht, die wie Satan aussehen und für eine Skulptur Modell stehen. Blizzard scheint der ideale Kandidat zu sein, und da er es so arrangiert, dass sich niemand anderes auf die Anzeige meldet, bekommt er den Job, sehr zum Leidwesen von Barbaras Verehrer, dessen Beine er will, und ihrem Vater, der sofort erkennt, wer Blizzard ist. Damit ist der Weg frei für einen Intensivkurs in Sachen Schicksal, und jemand muss dafür büßen. Lon Chaney, der sich für seine Rollen immer selbst ein verrücktes Make-up ausdachte, übertrifft sich hier selbst. Seine Beine sind in einer komplizierten Vorrichtung hinter ihm festgeschnallt, während er auf den Knien geht. Die Schmerzen waren so stark, dass er sie oft nicht länger als zehn Minuten am Stück tragen konnte, was zu dauerhaften Schäden an seinen Beinmuskeln führte. Hier sehen wir ihn als Hauptdarsteller in einem Stummfilm, wie er herumhumpelt und an Wänden hochkrabbelt, und man vergisst, dass er eigentlich Beine hat, die da drin stecken. Blizzard ist ein gewalttätiger, bösartiger und geistesgestörter Charakter, und doch kann man sich des Gefühls nicht verwehren, dass er mit seinen Absichten im Recht ist. Wenn er für die verzärtelte Barbara posiert und ihr mit schmerzverzerrtem Gesicht erzählt, dass er so viel über Bildhauerei weiß, weil sein Vater ihn nach seiner Verkrüppelung grausam verstoßen hat, ist das einer von vielen Momenten, die Chaneys unnachahmliches Talent für Traurigkeit, Schmerz und Wut zeigen. Jeder andere bleibt auf der Strecke, wenn Chaney auf der Leinwand zu sehen ist, denn seine bösen Pläne sind fast so albern wie die von machtgierigen Comicbösewichten. Chaney war die wütende, die verbitterte, die desillusionierte Legion. Heutzutage haben wir die Fantasie des Superhelden, doch Lon Chaney war der Star einer Reihe von Figuren, die Akzeptanz, Rache oder beides wollten.

Pier Paolo Pasolinis "Edipo Re - Bett der Gewalt" ist eine verrückte, brutale Parade von Primitivismus, Psychosen und schrägen Kopfbedeckungen. Das Schauspiel, wie es Sophokles selbst inszeniert haben könnte, wenn er unter dem Einfluss eines starken Nervengifts gestanden hätte. Diese Art der Inszenierung alter literarischer Werke als närrische Festspiele ist eine von Pasolinis Vorlieben, die von einem echten Gespür für die willkürliche Verrücktheit von Ritualen durchdrungen ist, für den Sinn der Menschen, die sich im Einklang mit unbegreiflich groteskem Aberglauben schmücken. Die Vielfalt der abstrusen Kopftrachten in diesem Film würde für ein Museum ausreichen. Meterhohe walzenförmige Goldkronen, Helme aus bogenförmigen Eisenelementen, die von der Krempe eines scheibenförmigen Hutes baumeln, Girlanden aus geflochtenem Schilf, die nicht waagerecht um den Kopf, sondern senkrecht um das Gesicht getragen werden. Sogar das Orakel von Delphi ist mit von der Partie und trägt eine große, an einen Schneemenschen erinnernde Töpfermaske, aus deren Spitze ein Pflanzenzweig emporragt. Es ist, als wäre das antike Leben ein einziger großer Akt der Übertrumpfung durch Kopfschmuck. "Edipo Re - Bett der Gewalt" bleibt trotz Pasolinis skurrilen Ansinnens intakt. Das Melodrama spielt sich mit all seiner bestürzenden Unausweichlichkeit ab und folgt Ödipus vom Findelkind über den vatermörderischen Wahnsinnigen zum inzestuösen König bis hin zum blinden, umherirrenden Narren. Pasolini inszeniert die Handlung so unverblümt, so roh, dass wir Zeugen einer uralten Aufführung sein könnten, die von den Filmkameras neugieriger Unirdischer aufgezeichnet wurde. Die schauspielerischen Leistungen sind sehr unterschiedlich. Franco Citti, ein körperlich beeindruckender, wenn auch technisch ungeschickter Schauspieler, schafft einen Ödipus, der völlig frei von psychologischen Schwächen zu sein scheint. Der buchstäblich ein übergroßes Kind ist. Als Jocasta zeigt Silvana Mangano die Art von subtiler technischer Beherrschung, die Citti gänzlich fehlt, aber sie hat nicht genug Szenen, um einen wirklichen Charakter zu zeigen. Pasolini verwendet sie hauptsächlich als die Verkörperung einer überwältigenden weiblichen Präsenz. Die zentralen psychologischen Themen des Ödipus, die seit Freud eine psychiatrische Abhandlung nach der anderen hervorgebracht haben, werden von Pasolini mit wenig Finesse angegangen. Die Emotionen werden in typischer Pasolini-Manier hemmungslos über die Leinwand gebrüllt. Ödipus ist ein rasender Wahnsinniger. Die Szene, in der er seinen Vater, Laios, den König von Theben, tötet, ist ein Wutausbruch, der selbst einen Klaus Kinski erröten lässt. Pasolini ist weniger am Melodramatischen interessiert als daran, die Idee der Psychose als eine Art universellen menschlichen Zustand zu vermitteln. Dies ist nicht Ödipus, die große tragische Figur. Dies ist Ödipus, der Psychopath. Es gibt wenig an dieser Figur, das man als erlösend bezeichnen könnte. Er ist ein feiger, kindischer, rücksichtslos vor Gewalt kochender Blender. Er trägt einen falschen Bart, um zu zeigen, dass er ein falscher König ist, und nachdem er sich selbst geblendet hat, um die Schrecken nicht sehen zu müssen, die er selbst entfesselt hat, versetzt Pasolini ihn in die moderne Welt für eine Art ironische Coda. "Edipo Re - Bett der Gewalt" ist keine Einführung in die griechische Literatur des Sophokles, sondern eine Ausgrabung von Sophokles auf die Art von Brutalität, die Pasolini antreibt. Die Frage, die man sich erneut stellen muss, lautet: Wie zum Teufel kommt Pasolini damit durch? Warum wird das Material, das in den Händen eines anderen Regisseurs als Ausbeutung und Geschmacklosigkeit erscheinen würde, in Pasolinis Werk zum Stoff primitiver, moderner Kunst? Es gibt nichts besonders Schönheitssinniges in den Bildern, abgesehen von der wilden Ästhetik der prähistorischen Kulissen. Es gibt fast nichts von dem hochkulturellen Rausch, den Symbolisten ihren filmischen Meisterwerken zu verleihen wussten. Das Geheimnis ist wohl Pasolinis Geradlinigkeit, sein völliger Verzicht auf moralische Verstellung. Er ist einer der wenigen Regisseure, denen es gelingt, Ödipus in ein Beispiel für die psychotische Natur des Menschen zu verwandeln und dennoch nicht als hochmütigen Idioten erscheinen zu lassen. Er zerreißt "Edipo Re - Bett der Gewalt" aus dem Reich der drögen Hochkultur und verwandelt ihn in einen Schrei psychopathischer Tobsucht, der in einer Welt spielt, die so unergründlich ist wie der menschliche Verstand.

"Diamanten der Nacht" von Regiesseur Jan Nemec macht merkwürdige Eindrücke auf mich. Nicht merkwürdig im surrealistischen Sinne, sondern so unverständlich, als würde man in einer großen leeren Halle jemandem zuhören, der aus einem anderen Raum in ein Mikrofon spricht. Das meiste ist ein dröhnendes Echo und statisches Rauschen, aber wenn man innehält und sich konzentriert, wird hin und wieder ein Wort hörbar, so dass sich nach einer Weile aus den Informationsfetzen ein Ganzes ergibt, das vielleicht nicht kohärent, aber sinnvoll und ganzheitlich ist. Als "Diamanten der Nacht" herauskam, kannte das Mainstream-Kino diese Sprache noch nicht. Der Film erzählt eine Geschichte, aber das ist nicht alles, was er tut, und es ist auch nicht alles, was er anstrebt. Er erzählt eine Lebenssituation als geträumt oder halluziniert. Er beschreibt es dem Zuschauer nicht einmal, sondern lässt ihn es selbst erleben. "Diamanten der Nacht" beginnt damit, dass wir durch den Wald rennen, Schüsse in der Ferne ertönen, wir werden gejagt, graben unsere Nägel in den Dreck, rennen bergauf, um Schutz zu suchen. Jetzt sind wir in der Kälte der Nacht zusammengekauert, um uns zu wärmen, und jetzt sind wir in der Zeit und in der Erinnerung zurück, um ein zerbrochenes Schrapnell des Lebens zu erleben, wie es einmal war, oder wie wir jetzt glauben, dass es war. Die tschechischen Filme der Neuen Welle waren in der Regel heitere und humorvolle Bilder des täglichen Lebens, die sich nicht von ihrem Publikum distanzierten. Soweit sie avantgardistisch waren, standen sie selten im Widerspruch zu einem Kino, das der durchschnittliche Tscheche, der den Preis für eine Kinokarte bezahlen konnte, genießen durfte. Wenn Milos Forman oder Jiri Menzel die Marotten des einfachen Volkes zeigten, dann nicht, um den Intellektuellen zu unterhalten oder zu informieren, sondern um eben dieses einfache Volk zu erreichen, das vielleicht noch einen Vater hat, der in einem Dorf lebt. Sie bejahten das Leben, wie es die Menschen, die es lebten, kannten. "Diamanten der Nacht" ist nicht so. Es ist hartes, anspruchsvolles Kino, das nicht jeden ansprechen wird. Es gibt nur sehr wenige Dialoge, und die Erzählung folgt keinem Handlungsstrang. Sie ist zyklisch und schwer fassbar, deutet andere Dinge an, die vielleicht passiert sind oder auch nicht, oder die sich wiederholen, als würde uns jemand verfolgen, und wir laufen durch den Wald, wir laufen im Kreis, und ab und zu laufen wir durch dieselbe Lichtung, die wir wiedererkennen, und wir sehen uns selbst durch diese mitlaufen. Das Besondere an "Diamanten der Nacht" ist, dass es keine Rolle spielt, dass sie aus einem Konzentrationslager geflohen sind und dass sie gegen die Nazis kämpfen. Es lässt den Prunk und die feierliche Kontemplation des Dramas des Zweiten Weltkriegs weg. Es könnte sich um zwei beliebige junge Menschen handeln, die aus irgendeinem Grund durch einen zufälligen Wald gejagt werden. Aber es wird jemand gejagt, und in dieser Jagd steckt Wahrheit und Bosheit.

"Susanna - Tochter des Lasters" von Regiesseur Luis Buñuel ist ein verstoßenes Mädchen von Film. Zu Beginn sehen wir Susana in einer Erziehungsanstalt, aber die Hintergründe, die sie dorthin gebracht haben, bleiben unklar. Wir erfahren nur, dass sie in den zwei Jahren ihrer Anwesenheit nichts Neues gelernt hat und sich genauso widerspenstig und rebellisch verhält wie bei ihrer ersten Einweisung in diese Institution. Sie wird in eine dunkle und widerwärtige Höhle gebracht, in der es von Nagetieren und Spinnen wimmelt. Wir wissen nichts über die Gründe für diese Bestrafung und können nicht anders, als mit ihr Mitleid zu haben. Was auch immer sie getan haben sollte, es entschuldigt nicht diese unmenschliche Behandlung. Susana ist fromm, und der Gott, den sie anruft, ist gutherzig und edelmütig. So geschieht das Wunder, dass die Gitterstäbe der Gefängniszelle, an der sie rüttelt, plötzlich nachgeben und es ihr gelingt, in eine Nacht voller Finsternis und unerbittlichem Niederschlag zu entkommen.

Sie kommt ins Paradies.

Die Familie eines Großgrundbesitzers nimmt sie auf, nachdem sie ihnen ein Bündel von Lügen erzählt hat. Sie darf als Dienstmädchen arbeiten und gewinnt das Vertrauen und die Zuneigung der Mutter, während der Vater ihr zunächst skeptisch gegenübersteht. Aber auch der Spross der Familie und der Verwalter leben auf dem Anwesen und es entgeht ihnen nicht, dass Susana eine besondere Attraktivität ausstrahlt. Da das Mädchen auch ihre weiblichen Reize einzusetzen weiß, fallen sie beide auf sie herein. Susana scheint jedoch nicht in der Lage zu sein, echte Emotionen zu entwickeln. Das Leben ist für sie nur ein schurkisches Spiel, bei dem sie die Regeln selbst bestimmt. Ihr Ziel ist es, die bestehende Ordnung zu zerstören. Als schließlich auch der Gutsherr den Verlockungen der Liebe erliegt, kehrt sich die Ausgangssituation um und nichts bleibt, wie es war. Die Mutter wird zur erbitterten Feindin, Vater und Sohn zu Rivalen. Das Spiel ist vorbei, und wie so oft in einem Melodrama ist es der zurückgewiesene Liebhaber, der es zum Einsturz bringt. Am Schluss bedeutet die Episode mit Susana für die Familie des Gutsbesitzers nicht mehr als die Erinnerung an einen Albtraum. Und nachdem die Ausgangslage wiederhergestellt ist, können die Charaktere nicht umhin, sich zu fragen, ob alles wirklich passiert ist. Der genaue Hinseher wird zu einem anderen Resultat kommen. Er wird die grundlegende Fragilität einer nur scheinbar konsolidierten Systematik erkennen. Und er wird nicht vermeiden können, eine alarmierende Parallele zu seinem eigenen Dasein zu ziehen, in dem ebenfalls nichts mehr gesichert und glaubwürdig ist.

"Oktober" von den Regisseuren Grigori Alexandrow und Sergei M. Eisenstein erzählt die spannende Geschichte über die Oktoberrevolution in Russland im Jahr 1917. Der Film ist nie langweilig. Die Bilder sind so innovativ, dass sie manchmal geradezu beängstigend sind. Hier begegnen wir Kerenski, dem Chef der Provisoriumsregierung, die nach dem Sturz von Zar Nikolaus die Macht übernahm. Wie in den meisten Fällen von Revolutionen gab es eine Reihe von Meutereien, Protesten, gewalttätigen Demonstrationen und all die anderen traurigen Ereignisse, bis die Bolschewiki schließlich triumphierten und einen kommunistischen Staat errichteten. Ein optisches Spektakel. Zuerst sehen wir Kerenski, in Großaufnahme, sein Gesicht niedergeschlagen und grinsend wie ein Raubtier. Dann werden er und seine Kumpane von Aufnahmen eines bronzenen Pfaus unterbrochen, der ruckartig den Kopf hebt, sich umsieht und die Federn seines prächtigen Schwanzes spreizt. Wir haben das Konzept verstanden. Und wenn nicht, keine Sorge. Eisenstein zeigt uns wenig später eine Aufnahme von Kerenski, der mit verschränkten Armen dasteht und die Stirn runzelt. Dann ein Schnitt auf eine Statue von Napoleon in genau derselben Pose. Haben wir irgendwelche Zweifel an einem bestimmten General? Die Zweifel werden zerstreut, als wir Zeuge einer kunstvollen Statue des ehemaligen Kaisers werden, die einst auseinandergerissen und nun wieder zusammengesetzt wurde, während der Film rückwärts läuft und den verhassten Zaren Stück für Stück wieder ganz macht. Etwa nach der Hälfte des Films brannte in meinem Gehirn eine Sicherung durch und ich war völlig verwirrt. Ich konnte mich nicht erinnern, wer wer war. Die Figuren gingen völlig ineinander über. Rotrussen und Weißrussen wurden zu Rosaroten Russen. "TURNCOATS!", schreit die Titelkarte. Abtrünnige gegen wen oder gegen was? Hier kommt General Kirinov auf seinem weißen Pferd. Soll ich applaudieren oder auspfeifen? Ich weiß, dass ich das eine oder das andere tun sollte, denn abgesehen von der Tatsache, dass es ein Augenschmaus ist, ist das Propaganda. "Oktober" endet mit dem Sieg der Bolschewiki und der Errichtung eines kommunistischen Staates, der auf den Theorien von Karl Marx basiert, der Russland selbst nie besucht hat. Ich frage mich, ob das Publikum 1928 genauso laut gejubelt hätte, wenn es die Jahre unter Stalin hätte voraussehen können, der vielleicht für mehr russische Tote, sinnlose Tote, verantwortlich war als Hitler?

"Orfeu Negro" unter der Regie von Marcel Camus basiert auf einem Theaterstück, das eine Adaption des griechischen Mythos von Orpheus und Eurydike darstellt. Die Geschichte ist modernisiert und spielt in einer Favela in Rio de Janeiro zur Karnevalszeit. Alle sind aufgeregt und bereiten sich auf den Karneval vor. Die Kinder tanzen, die Frauen tanzen sexy und ungehemmt, während sie ihren täglichen Aktivitäten nachgehen. In diese festliche Atmosphäre kommt die schüchterne Eurydike, die ihre Cousine Serafine besucht, um einem Mann zu entkommen, der sie angeblich umbringen will. Sie geht zur Endstation des Zuges und trifft dort auf den gut aussehenden Schaffner Orfeu, der sie anmacht, aber sie stößt ihn weg. Eurydikes Cousine ist froh, sie zu sehen, obwohl sie erwartet, dass ihr Freund Chico bald nachfolgt. Orfeu ist mit der temperamentvollen Mira verlobt, die noch am selben Tag die Heiratsurkunde erhalten möchte. Als der Mann auf dem Standesamt Orfeus Namen hört, fragt er Mira, ob sie Eurydike sei. Da Mira die Geschichte nicht kennt, wird sie eifersüchtig und will wissen, wer sie ist. Schließlich verlieben er und Eurydike sich ineinander, und die Mythologie spielt mit dem kostümierten Tod, der in der Nähe lauert. "Orfeu Negro" ist ein erstaunlich schöner, überschwänglicher Film voller Farben, Landschaften, großartiger Musik, Tänzen und fröhlichen Menschen, die den Karneval in ihren bunten Kostümen genießen. Ich wäre nachlässig, wenn ich nicht die beiden Kinder Benedito und Zeca erwähnen würde, die Orfeu überall hin folgen und glauben, dass sein Gitarrenspiel die Sonne am Morgen aufgehen lässt. Die Schlussszene, in der die beiden Jungen tanzen und sich ein kleines Mädchen zu ihnen gesellt, ist traumhaft. Oscar-Gewinner für den besten fremdsprachigen Film 1960.

Ein schönes Beispiel für den Neorealismus des italienischen Regisseurs Vittorio De Sica. Das Drehbuch wurde von Cesare Zavattini auf der Grundlage seiner Vorlage geschrieben. Die Darsteller sind Amateure, und es gibt eine wirklich herzerwärmende Leistung von Carlo Battisti, der "Umberto D." spielt. Der Schwarz-Weiß-Film behandelt die universellen Themen der Gleichgültigkeit der Gesellschaft gegenüber älteren und armen Menschen sowie die verletzende Einsamkeit und Isolation des Einzelnen. Das beklemmende großstädtische Melodrama hat bis zum Schluss keinen einzigen glücklichen Moment. "Umberto D." beginnt in Rom, wo die Polizei eine friedliche Gruppe demonstrierender Rentner auflöst, die eine Erhöhung der Sozialleistungen fordern. Unter ihnen ist auch Umberto D. Ferrari, ein älterer Beamter im Ruhestand. Er hat 30 Jahre lang als Beamter im Ministerium für öffentliche Angelegenheiten gearbeitet. Umberto's kleine Rente reicht nicht aus, um seine Miete zu bezahlen. Die einzige Person, die ihn gut behandelt, ist das Hausmädchen Maria, das für eine hochmütige und gemeine Vermieterin arbeitet. Umberto ist deprimiert, hat weder Freunde noch Verwandte und verkauft sein Hab und Gut, um die Miete bis zum Monatsende bezahlen zu können, sonst droht ihm die Zwangsräumung. Er täuscht eine Krankheit vor, um in ein katholisches Krankenhaus gebracht zu werden, aber die Ärzte entlassen ihn nach ein paar Tagen mit der Begründung, er habe eine Mandelentzündung, sei aber zu alt für eine Operation. Die Vermieterin lässt aus Bosheit seinen Hund, Flag, auf die Straße. Als er weg ist, muss er ins Tierheim eilen, um den Hund zu retten, seinen einzigen Freund in der eiskalten Welt. Maria ist zu sehr mit ihren eigenen Sorgen beschäftigt, um ihm zu helfen, denn das unverheiratete Mädchen ist schwanger und der Vater ist entweder ein Soldat aus Florenz oder Neapel. Als sie den Soldaten zur Rede stellt, wird sie abgewiesen. Der depressive Rentner, der am antiken Pantheon bettelt, scheitert, und seine ehemaligen Freunde aus der Arbeiterklasse nehmen seinen Hinweis auf einen Kredit nicht an, was ihn in Suizidgedanken stürzt. Doch schließlich kann er es nicht ertragen, Flag ohne ein liebevolles Zuhause zu lassen und beschließt widerwillig, mit Flag in einem öffentlichen Stadtpark zu spielen. Regiesseur Vittorio De Sica zeichnet ein bewegendes und sensibles Porträt eines würdevollen Mannes, dessen Notlage wirklich die des modernen Menschen ist. Er erzählt, wie dieser einfache Mann an den Abgrund gedrängt wird, bis hin zu Selbstmordideen, aber nie seine Würde verliert, während er darum kämpft, einen Weg zum Überleben zu finden, indem er einfach ein normales Leben führt. Der Einzige, der zu ihm hält, ist sein treuer und gut erzogener kleiner Hund. Regiesseur Vittorio De Sica schafft es geschickt, Sentimentalität und Banalität zu vermeiden, und seine einfache Erzählung hinterlässt eine tiefe und zeitlose Botschaft.

Im ersten Jahr der Oscarverleihung, in dem Schauspieler zum ersten Mal für ihr gesamtes Werk und nicht nur für eine bestimmte Leistung nominiert wurden, erhielt Janet Gaynor den Preis für die beste Schauspielerin. Doch wenn "Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen" von bleibender Bedeutung ist, dann deshalb, weil es das meist geehrte Werk des deutschen Regisseurs Friedrich Wilhelm Murnau ist, der den Verlockungen Hollywoods erlag und diesen Film als seine erste amerikanische Produktion schuf. Murnau drehte nur noch vier weitere Filme und starb 1931 vorzeitig bei einem Autounfall. Als homosexueller Mann hätte ihm die Atmosphäre des von den Nazis kontrollierten Kinos, das bald in sein Heimatland kommen sollte, sicher nicht gefallen, und einen Produzenten wie Joseph Goebbels nicht sehr sympathisch gefunden. Es gibt keinen Verweis auf die Nationalität der Hauptdarsteller George O'Brien und Janet Gaynor und der übrigen Darsteller. Ich glaube, das war Absicht, denn Murnau wollte eine universelle Geschichte über wahre Liebe und den Triumph der Tugend erzählen. Gaynor spielte sowohl im Stummfilm als auch im Tonfilm fast immer Landfrauen, so auch hier. Ihr Mann O'Brien hat es schwer auf der Farm und fällt einer Stummfilmverführerin, gespielt von Margaret Livingston, zum Opfer. Ihr Rat, die Frau einfach zu töten und mit ihr durchzubrennen, stößt auf Ablehnung. Doch das treibt O'Brien in den Wahnsinn. Gaynor spürt, dass etwas nicht stimmt und hat eine Zeit lang Angst vor ihrem Mann. Die Geschichte ist simpel, aber die Kameraführung ist faszinierend. "Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen" gewann sogar zwei weitere Oscars, für die beste Produktion und den ersten Oscar für die beste Kamera. Die von Murnau geschaffenen Bilder der Stadt, insbesondere der Jahrmarkt, auf dem Gaynor und O'Brien ihre Romanze wieder aufleben lassen, sind unvergesslich. Und der Film hat gute Spezialeffekte, insbesondere die Überschwemmungssequenz. Ich fand es interessant, dass Murnau in "Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen" kaum Titelkarten verwendete, weniger als in den meisten Stummfilmen. Er zog es vor, seine Bilder die Geschichte erzählen zu lassen. Und es ist eine wirklich schön erzählte Liebesgeschichte.

"Die Maske" von Malgorzata Szumowska beginnt mit dem unerquicklichen Anblick polnischer Käufer, die während eines Black Friday ähnlichen Chaos in ihrer Unterwäsche nach billigen Fernsehern suchen, und ist ein interessanter und schwarzhumoriger Blick darauf, was eine persönliche Identität in den Augen unserer Gemeinschaften, unserer Lieben und von uns selbst ausmacht. Mateusz Kosciukiewicz verkörpert Jacek, den ersten Menschen in Polen, der sich nach einem Arbeitsunfall, beim Bau einer riesigen Jesus-Statue, einer Gesichtstransplantation unterzieht. Infolgedessen muss sich Jacek mit der Ignoranz und Unbeholfenheit seiner eigenen Familie, seiner Verlobten Dagmara, der örtlichen Gemeinde und der Behörden auseinandersetzen und darüber hinaus untersuchen, wie viel von seinem eigenen Selbstverständnis mit seinem Aussehen zu tun hat. Mateusz Kosciukiewicz stellt Jacek nach seiner Transplantation hervorragend dar, auch wenn er stark geschminkt ist. Auch die übrigen Darsteller seiner Familie schalten effektiv um, obwohl sie größtenteils nicht ängstlich, sondern entsprechend unbeholfen im Vergleich zu den frei fließenden, wenn auch aggrolastigen Gesprächen des ersten Akts sind. Das Drehbuch lässt diesen Zusammenprall zwischen der früheren und der neuen Version von Jacek gut zur Geltung kommen. Die Persönlichkeit der Figur wird schon früh in klaren, wenn auch groben, Umrissen skizziert. Außerdem machen einige alarmierende rassistische Witze beim Familienessen deutlich, dass Jacek lediglich ein Opfer von Vorurteilen ist, an denen er in der Vergangenheit vielleicht passiv teilgenommen hat. Regiesseurin Malgorzata Szumowska setzt die Aufnahmen der lokalen Gemeinde geschickt in Szene, auch wenn die Unschärfe der Bilder teilweise überstrapaziert wird. Am wirkungsvollsten sind sie in den Szenen, in denen Jacek nach der Transplantation seinen Blickwinkel wieder einnimmt. Obwohl die Deformationen mehrerer Figuren, im übertragenen wie im wörtlichen Sinne, wirkungsvoll widergespiegelt werden, lenkt der Effekt oft ein wenig von den bewundernswerten schauspielerischen Leistungen ab. Klischeevorstellungen von Identitätskrisen werden wirkungsvoll ausgespart, während Kosciukiewicz noch Soloszenen hat, in denen sich Jacek fragt, was er überhaupt verloren hat und was er vielleicht nie wirklich hatte.

"Die Mutter" schildert den Kampf einer Frau gegen die zaristische Herrschaft während der russischen Revolution von 1905. Das unverfälschte und erschütternde stumme Frühwerk der geschäftigen sowjetischen Propagandafilmindustrie Mitte der 1920er Jahre ist ein Triumph auf vielen Ebenen. Regie führt Vsevolod Pudovkin, ein weniger bekannter Regisseur unter den Vordenkern des Jahrzehnts, der aber von seinen Anhängern wegen seines innovativen und oft sehr persönlichen Ansatzes als Legende gefeiert wird. Der Film wurde von einer internationalen Kritikerjury auf der Brüsseler Weltausstellung zum sechstbesten Film gewählt, verliert aber oft das Rampenlicht an Eisensteins kühnes, rohes, ungezähmtes "Panzerkreuzer Potemkin". "Die Mutter" erzwingt in seiner stillen Weisheit eine äußerst kraftvolle und lebendige Darstellung eines individuellen Kampfes in einer Zeit der sozialen Instabilität. Während sich die meisten Werke der sowjetischen Stummfilmzeit der 1920er Jahre auf die Mentalität der Massen konzentrieren und der Kampf eher wie ein Bayeux-Teppich der Verwirrung und Unterdrückung dargestellt wird, ist Pudovkins Werk wunderschön anzusehen, und von den ersten gewagten Momenten von "Die Mutter" an werden wir in unseren erfrischend kleinen Kreis von Hauptfiguren eingeführt: einen Vater, eine Mutter und einen Sohn. Nur wenige Zuschauer werden sich nicht mit einer Person in dieser Konstellation identifizieren können, da die gealterte Kameraarbeit von dem Film auch nach dem renommierten Test der Zeit einen Rahmen bietet, der einen Einblick in die einzigartigen und doch miteinander verbundenen Kämpfe jedes Familienmitglieds bietet. "Die Mutter" entfaltet sich kristallklar vor den Augen eines jeden Betrachters, ein lebendiges und atmendes Stück kraftvoller politischer Kunst zu einem verheerend langsamen Aufruhr für eine neue Zero Nation. Während die realistische Gewalt und Unterdrückung voranschreitet, ein zeitloses und formelhaftes Gut, dem ein Film wie "Die Mutter" irgendwie gerecht werden muss, liegt etwas in der Luft, das ein wenig anders riecht. Wir werden immer wieder an die mütterliche Bindung erinnert, an ihre Kraft und Macht, eine Seele in unerträgliche Qualen zu treiben, und daran, wie ein solches Regime, gegen das diese Filme Propaganda machen, sie direkt durchtrennen kann. Diese Verbindung, die "Die Mutter" erforscht, ist so flüchtig und hart, wie es das begrenzte Medium des Stummfilms, Schwarz und Weiß, und diese Formel der Zeit, die selbst von der Zeit verehrt wird, erlauben können. Pudovkins Geschick mit seinem erhabenen Meisterwerk von 1926 schafft ein überwältigendes Einfühlungsvermögen und gibt dem Publikum die völlig exklusive Möglichkeit, eine neue Revolution mit den Augen der zerbrechlichsten und emotional verletzlichsten Menschen zu sehen.

Im Jahr 1994 entführte Gert de Jager in Johannesburg, Südafrika, sechs Menschen, die nie gefunden wurden. Nach seiner Verhaftung legte er ein Geständnis auf einem Tonband ab. Die Apartheid Regierung weigerte sich, es freizugeben. So beginnt "Ich bin Alle" von Regiesseur Donovan Marsh, und lockt das Publikum mit einer Geschichte, die auf wahren Begebenheiten beruht. Von den ersten Minuten an wird der Zuschauer mit einem bedrückenden Soundtrack verwöhnt, der die Szenen untermalt. Allerdings bewegt sich der Film auf dem Niveau eines typischen Krimis, auch wenn die Thematik durchaus ansprechender ist. Im Mittelpunkt steht Jodie, eine Sonderermittlerin, die einen Verdacht hegt. Nach einer Reihe von Morden vermutet sie, dass ein Serienkiller Hinweise liefert, die den Ermittlungsbehörden helfen, ein weltweites Kinderhandelssyndikat zu zerschlagen. Eine müde und ausgelaugte Ermittlerin, die völlig irre aussieht, während sie die Puzzleteile zusammenfügt, und ihre Vorgesetzten, die die Stirn runzeln und schlaumeierisch eine Pause oder psychiatrische Hilfe vorschlagen. Der Zynismus ist jedoch nicht ganz von der Hand zu weisen. Die ermordeten Männer, die sie aufspürt, haben blutige Initialen auf dem Bauch, und sie stehen irgendwie in Verbindung mit einem Syndikat für Kinderhandel. "Ich bin Alle" ist auf die Unterstützung des Publikums angewiesen. Man fiebert mit Jodie mit, während sie eine grausame Unterwelt voller abscheulicher Verbrechen und Habgier aufdeckt. Es ist jedoch schade, dass der Film über den Serienkiller und sein Beweggrund transparent ist, denn dadurch geht der Thriller-Aspekt verloren und der Film wird eher zu einem Katz und Maus Spiel. "Ich bin Alle" macht deutlich, was in der Welt des Kinderhandels und des Terrors, der in einigen Teilen der Welt systematisiert wird, auf dem Spiel steht. Er erinnert auch daran, was auf dem Spiel steht, dass es trotz der Beseitigung der Gräuel der historischen Sklaverei viele verschiedene Arten und Formen gibt, die wir in der heutigen Welt nicht ignorieren können. Regisseur Donovan Marsh hat den Film absichtlich so düster wie möglich gestaltet. Er macht dem Zuschauer klar, wie weitreichend diese Syndikate sind und wie sehr sie diejenigen belasten können, die versuchen, sie hinter Gitter zu bringen.

"Cyst" von Regisseur Tyler Russell spielt sich wie ein klassisches B-Movie ab. Das liegt nicht nur am Setting der Geschichte, die irgendwann zwischen den späten Fünfzigern und frühen Sechzigern spielt. Es sind auch nicht die billig wirkenden Effekte oder die kurze Laufzeit von 69 Minuten, sondern der Ansatz, mit dem Patricias (Eva Habermann) Kampf sowohl gegen ihren verrückten Arbeitgeber, Dr. Guy (George Hardy) als auch gegen das eiternde Monster als Kampf der Geschlechter in einer sehr ungleichen Welt dargestellt wird. Von Anfang an besteht ein Teil von Patricias Arbeit darin, dass Dr. Guy ihr regelmäßig gegen ihren Willen eine weiße, sämige Flüssigkeit ins Gesicht spritzt, was zu einem immer wiederkehrenden bildlichen Gag wird, der im Rahmen der Arbeit, bei der es darum geht, eiterndes Material aus Zysten zu drücken, Sinn macht, aber einen offensichtlichen sexuellen Subtext hat. Patricia kann es kaum erwarten, dass es 17 Uhr wird, damit sie für immer von diesem demütigenden Job und ihrem herrschsüchtigen, giftigen Chef befreit ist. Doch als die Kreatur erscheint, sieht sie sich mit einem einäugigen Monstrum konfrontiert, das eine Spur aus menschlichem Blut und spermaähnlichem Eiter hinterlässt.
Tyler Russells Film, den er gemeinsam mit Andy Silverman geschrieben hat, ist ein ekelhaft schmieriges, vor Körperflüssigkeit triefendes, glibbriges Creature Feature. Trotz der kurzen Laufzeit des Films haben die Szenen, in denen Patricia und die anderen durch die Innenräume der Klinik streifen, bemerkenswerte Längen, auch wenn sie von oft surrealen Dialogen und gelegentlich von plötzlichen, schockierenden Gore-Explosionen unterbrochen werden. "Cyst" ist weniger kitchiger Schund als eine wissende Imitation desselben, und in all seinen fröhlich spritzenden Ejakulationen und ichorösen Ergüssen steckt echte Zuneigung, was ihn zu einem stark geschlechtsspezifischen Problemfilm machen könnte.

Am Anfang von "Black Friday" sehen wir verschwommene Bilder von Menschenmassen, die in Gebäude voller totgeglaubter Verkäufer rennen, in der Hoffnung, ein paar Dollar bei wertlosen Artikeln zu sparen, und die wie Monster in die Geschäfte stürmen, um zu töten. Der Film spielt mit dem Potenzial für ein gewalttätiges Feiertagschaos und übertreibt die Aktivitäten durchschnittlicher menschlicher Verrückter, indem er sie in eine außerirdische Bedrohung verwandelt, die an Thanksgiving einen Spielzeugladen überfällt und die verängstigten Angestellten bedroht. Die satirischen Elemente des Stoffes sind nicht messerscharf, aber "Black Friday" hat den Vorteil, dass er unglaublich witzig ist, und er ist glücklicherweise kurz, so dass er sich nie zu lange hinzieht, während Regisseur Casey Tebo einen Zusammenstoß zwischen bösartigen Kreaturen und den Mindestlohnkriegern inszeniert, die nicht genug verdienen, um den Laden zu retten. Für die meisten Amerikaner ist Thanksgiving, aber die Mitarbeiter von We Love Toys müssen die Nacht durchmachen, um sich auf den großen Kundenansturm am Schwarzen Freitag vorzubereiten. Ken lässt seine Kinder den Tag über bei seiner Ex-Frau, aber die Aussicht, Zeit mit Marnie zu verbringen, hebt seine Moral, während er versucht, seine jüngere Kollegin zu umwerben. Chris hat Probleme mit seinem Vater und kämpft darum, Geld zu verdienen, um seine Miete bezahlen zu können, wobei der Keimphobiker den Umgang mit der Öffentlichkeit scheut. Archie kümmert sich um die Vorräte, und der stellvertretende Filialleiter Brian versucht, in einer geschäftigen Nacht für Ordnung zu sorgen. Und dann ist da noch Filialleiter Jonathan (Bruce Campbell, der mit seiner Leistung den Film stiehlt), der von seinen Angestellten Großes erwartet, nur um dann mit ansehen zu müssen, wie das Chaos ausbricht, als ein zombifizierter Kunde Chris angreift. Die Angestellten sind sich nicht sicher, was vor sich geht, und riegeln den Laden ab. Sie verschanzen sich im Hinterzimmer, als sie feststellen, dass in den Gängen etwas Außerirdisches und Gewalttätiges vor sich geht. "Black Friday" geht schnell zur Sache. Die Seuche breitet sich wie ein Lauffeuer unter den Käufern aus, die sich nach und nach in abscheuliche Monster verwandeln, die sich mit einem weißen Tentakel, der aus ihrem Mund schießt, an ihre Beute heften. Schreckliche Kunden werden im Grunde zu Killerbestien aufgerüstet und zwingen die verbleibenden Angestellten dazu, ihre Überlebensoptionen im Hintergrund zu bewerten, wobei sie schnell erkennen, dass Jonathan kein furchtloser Anführer ist. Die Kreaturen arbeiten auf ein unbekanntes Ziel hin, den Bau eines leuchtenden, rosafarbenen Bienenstocks in der Mitte von We Love Toys, und "Black Friday" teilt sich bald in zwei Nebenhandlungen auf, die Kens Plan verfolgen, wie er es lebend aus dem Verkaufsraum schafft, während der Rest sich mit den Bedrohungen in den Badezimmern und Lagerräumen beschäftigt. Das Make-up ist für diese Art von Low-Budget-Unterhaltung ausgezeichnet und erzeugt einen bedrohlichen Feind, und die Kameraarbeit von David Kruta ist wunderbar farbenfroh und hält den Film visuell interessant. "Black Friday" ist ein lockerer und angenehm schlichter Film, der als Horrorkomödie ordentlich funktioniert. Die meisten Zuschauer werden sich an den kreativen Aspekten des Drehbuchs erfreuen, während andere wahrscheinlich auf den nur allzu realen Albtraum der entbehrlichen stundenweisen Beschäftigung für unaufrichtige Führungskräfte reagieren werden.

Es ist nicht unnormal, dass Filme von Takashi Miike wenig bis gar keinen Sinn ergeben, und "The City Of Lost Souls" ist da keine Ausnahme. Von der Handlung her ist der Film eine durchschnittliche Yakuza Geschichte, die stark an "True Romance" erinnert aber nicht annähernd so gut ist, denn hier finden zwei Liebende einen Koffer voller Kokain und sind auf der Flucht vor denen, die es zurück haben wollen. Die Geschichte selbst ist zwar recht einfach, wird aber durch den allwissenden Blick des Films verzerrt, was es schwierig macht, ihr zu folgen. Trotz der unoriginellen Handlung und der verworrenen Erzählweise hebt sich "The City Of Lost Souls" in vielerlei Hinsicht von anderen Filmen ab, was ihn zu einem eigenständigen Erlebnis macht. Da ist zum Beispiel die manische Montage des Films, bei der alle paar Sekunden scheinbar wahllos Sprünge eingefügt werden, die mit langen, manchmal wunderschönen Aufnahmen der rauen Umgebung und der darin lebenden Figuren kontrastiert werden. Miikes Regiearbeit zeigt sich in den kleinen Spielereien, die sich durch den ganzen Film ziehen. Ein Zwerg putzt sich die Zähne mit Kokain. In per CGI gerenderten Hahnenkämpfen sehen wir Hähne, die Kicks im Stil von Matrix in Zeitlupe ausführen. Wir sehen zudem einen Mann, der Sex mit einem Schwein hat. Diese Momente sind zwar nicht untypisch, aber sie sind immer willkommen und tragen dazu bei, die verrückte Persönlichkeit des Films zu etablieren, während sie ein wenig von den anderen Problemen des Films ablenken. Obwohl es im gesamten Film offensichtliche Probleme gibt, erreicht der Film nur selten Momente wahnsinniger Brillanz; die Szene, in der unser Protagonist Mario ein ganzes Büro voller Yakuza mit einer Shotgun ausschaltet, ist zweifellos spannend, und die letzten beiden Szenen fügen dem Film ein völlig anderes Element hinzu, das zum erneuten Anschauen einlädt. Insgesamt ist "The City Of Lost Souls" kein schlechter Film, aber er kann nicht mit Miikes stärkeren Werken mithalten.

In "Procession" geht es um eine Gruppe von Männern, die von katholischen Priestern sexuell missbraucht wurden, aber es ist nicht im Entferntesten das, was man von einem Dokumentarfilm erwarten würde. Regisseur Robert Greene ist ein ernsthafter Experimentator, wenn es um Sachfilme geht, und hier nimmt er eine fast schockierend partizipative Rolle ein. Er nimmt Kontakt zu den Männern auf und bittet sie, den Film gemeinsam mit ihm zu gestalten, und arbeitet mit einem Dramatherapeuten zusammen, um Vignetten zu schreiben und zu produzieren, die auf ihrem eigenen Missbrauch basieren. Die Männer entwickeln diese Szenen, indem sie einen jungen Schauspieler engagieren, der für sie in ihrem jüngeren Alter einspringt, und selbst erwachsene Rollen spielen. Aber natürlich geht es nicht nur darum, das Trauma wieder zu erleben, sondern es zu kontrollieren. Dabei bauen die Männer auch Elemente und Auflösungen ein, die sich hoffentlich als kathartische Siege erweisen und es ihnen ermöglichen, mit ihrem jahrzehntelangen ständigen Schmerz in gewisser Weise zu brechen. Es ist ein erstaunlicher Ansatz, und man ist ein wenig versucht, ihn für ausbeuterisch zu halten, aber es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass jeder Dokumentarfilm bis zu einem gewissen Grad Ausbeutung ist, das ist unvermeidlich, und diese Männer sind auch alle dabei, was sowohl überraschend als auch verständlich ist, wenn man bedenkt, dass nichts anderes, was sie in ihrem Leben versucht haben, dazu beigetragen hat, die rasenden Qualen in ihrem Inneren zu lindern.
Wir, die Zuschauer, erhalten eine physische Darstellung dieses emotionalen und psychologischen Horrors, die wir sonst nicht erleben könnten. Wir sehen nicht nur, wie sich diese Szenen abspielen, sondern auch, wie die Männer darüber sprechen, wie sie diese Szenen kreieren, wie sie ihre Erfahrungen ausdrücken und wie sie sie selbst spielen oder andere dabei direkt beobachten. Und bei all dem wird uns das Trauma der Männer durch ihre Aktivitäten und ihre Körper sehr bewusst. Jeder von ihnen hat Augen, die uns verraten, dass sie mit einem ständigen Kampf leben. Einige von ihnen sind sehr ruhig und gelassen, aber am Rande des Zusammenbruchs, andere sind sehr offen und enorm wütend. Das Bewusstsein für diese Präsenz geht sogar über die Männer selbst hinaus, denn wir sehen die Bedeutung bestimmter Orte und Gegenstände, wie z. B. ein Haus an einem See und eine zerbrochene Angelrute, und was sie für diese Männer bedeuten. Die Tragweite all dessen für ihr Leben ist so erstaunlich, dass sie gar nicht hoch genug eingeschätzt werden kann, aber was für uns wichtig ist, ist, dass "Procession" uns auf konkrete Weise Zugang zu etwas verschafft, das wir eigentlich nicht sehen können. Wir wissen, dass andere Menschen Traumata und Schmerzen haben, aber wir sind immer auf die eine oder andere Weise davon entfernt. In der Prozession geht es darum, diese Erfahrungen an einen Ort zu bringen, an dem wir sie tatsächlich sehen können, sie aus dem Abstrakten herauszuholen und sie für uns explizit zu machen. Aber auch wenn dies sehr schwierig ist, ist es nicht unmöglich. Robert Greene und diese Männer zeigen uns auf einer sehr realen Ebene die Möglichkeit der Heilung. Und auch das ist etwas, das wir sehen müssen.

Friedrich Wilhelm Murnau ist einer der größte Stummfilmregisseur sowie einer der interessantesten, einflussreichsten und konsequentesten. Er hat auch einen großen Einfluss auf das Kino als Ganzes. Alle seine Filme sind sehenswert bis hin zu einem Muss, die besten sind Stummfilm und Genre Denkmäler und revolutionäre Filme in ihrem eigenen Recht. Es ist so traurig, dass Murnau nicht mehr Filme gemacht hat und viel zu jung gestorben ist.
"Der letzte Mann" ist vielleicht der einflussreichste Film von Murnau. Sein einziges kleines Manko ist das Ende, das zwar faszinierend und nicht unwirksam ist, aber ein wenig seltsam und gestellt wirkt. Es war nicht annähernd genug, um den Film zu ruinieren, und es stört auch nicht sonderlich, zumal alles andere so brillant ist.
Die Kulissen und die Beleuchtung sind sehr eindrucksvoll, aber der Star des Films ist die Kamera. Sie ist eine der schönsten und kreativsten für einen Film, nicht nur für Stummfilme. Auch die Musik spielt eine wichtige Rolle, da sie einen Großteil der Bedeutung des Films trägt. Die Musik passt perfekt zur Atmosphäre und ist wie ein eigener Charakter. Besonders bemerkenswert in dem Film ist der eindringliche Einsatz des Cellos. Die emotionale Wucht von "Der letzte Mann" ist ein weiterer Aspekt, der mich beim Betrachten des Films sofort mitgerissen hat. Dies ist ein sehr kraftvoller Film, mehr als der Titel auf den ersten Blick vermuten lässt. Er bricht einem das Herz, aber er ist auch wirklich verstörend, sowohl im Konzept als auch in der Darstellung, ohne zu ernst zu sein. Das Fehlen von Titelkarten, mit Ausnahme des Endes, erwies sich als gute und richtige Entscheidung. Sie wären nicht notwendig gewesen, da die gesamte Geschichte leicht zu verstehen ist, und hätten die Handlung verlangsamt und die Dinge zu deutlich gemacht. Die Regie von Friedrich Wilhelm Murnau gehört zu seinen besten, sie hält die Handlung in Bewegung, ohne jemals langweilig zu werden, und schafft eine eindringliche und kompromisslose Stimmung ohne eine einzige visuelle Fehleinschätzung. "Der letzte Mann" ist voll von großartigen Schwarz-Weiß-Aufnahmen, darunter Stadthintergründe, Hotelinterieurs und wunderschöne Kostüme. Hauptdarsteller Emil Jannings ist ein sympathischer Charakter, mit dem man mitfühlen kann, und es besteht keine Notwendigkeit für geschriebene Dialoge, da alle visuellen Emotionen einen ergreifen. Ein fabelhaftes klassisches Schweigedrama.

"Dream House" handelt von einem Vater, der seinen Job kündigt, um mehr Zeit mit seiner Familie zu verbringen und zu Hause an einem Roman zu arbeiten. Der Film beginnt wie jeder andere Horrorfilm, in dem der Protagonist und in diesem Fall seine Familie in einer Welt der Ruhe leben. Dieses Gleichgewicht wird jedoch schnell gestört, als eine der Töchter eine Gestalt sieht, die sie vor dem Fenster beobachtet.
Es gibt keinen einzigen Schauspieler in diesem Film, der als fantastisch oder schlecht heraussticht. Alles, was ich über die Schauspieler sagen kann, ist, dass Daniel Craig und Rachel Weisz die liebenden Eltern mit Leichtigkeit darstellen und die beiden Töchter ausreichend talentiert scheinen. Sie alle gaben realistische Charaktere, so dass ich den ganzen Film über Verständnis für sie und ihre Notlage hatte.
Ein auffälliger Punkt bei diesem Film war das Fehlen von Drehorten. Die meisten Filme, auch Horrorfilme, enthalten mehrere Innen- und Außenschauplätze, daher war es eine Überraschung, dass in diesem Film nur das "Dream House", das Wohnhaus des Nachbarn und die psychiatrische Klinik verwendet wurden. Dieser Mangel an Schauplätzen bedeutet, dass die Figuren im Verlauf des Films keinen sicheren Hafen haben, was wiederum das Gefühl des Horrors noch verstärkt.
"Dream House" war ein mittelmäßiger, sehr begrenzter psychologischer Horrorthriller, bei dem sich die Handlung aufgrund einer frühen Wendung zu sehr hinzog. Insgesamt hatte der Film eine Menge Potenzial, aber er war nichts Besonderes.

"Groll" von Regisseur Turkan Derya ist ein grausamer Thriller aus der Türkei. Kurz vor seiner Beförderung wird Harun in einen beinahe tödlichen Zwischenfall verwickelt. Dieser endet schließlich in einem gewalttätigen Angriff, ausgelöst durch persönlichen Hass. Diese Wut richtet sich später nicht nur gegen ihn, sondern bedroht auch seine anderen Kollegen. Während der Thriller als Ganzes eine packende Intrige birgt, schafft es die Umsetzung irgendwie, ihn eher seicht, unausgegoren und extrem vorhersehbar zu machen. Ein entscheidendes Detail, das den Groll und die Handlung des Films ausmacht, ist der Fakt, dass Harun ein Polizeichef ist. Die Tatsache, dass er kurz vor seiner Beförderung steht und in einen intriganten Fall verwickelt wird, der seine Kollegen in Gefahr bringt, bekommt eine ganz neue Note. Das größte Problem mit den Schauspielern und dem Drehbuch ist, dass es nie aus der Sensationslust der Handlung Kapital schlägt. Nicht einmal dann, wenn es sich die Mühe macht, eine Art Spektakel zu schaffen. Die schwächsten Teile des Films beweisen nur, wie wenig die Schwachstellen des Films insgesamt ausgenutzt wurden. Der Schnitt des Films ist an einigen Stellen extrem abgehackt. Es scheint, als ob sie ursprünglich eine Serie drehen wollten. Aber dann fanden die Produzenten, dass es ein Langspielfilm werden sollte. Und so schlachteten sie die spannenden Teile aus, um eine kopflose Statue im Namen eines Thrillers zu hinterlassen. "Groll" besteht auch aus einem extrem verfremdeten Ton. Als ich recherchierte, fand ich heraus, dass der Film ein Remake eines Thrillers aus dem Jahr 2015 namens "Chronicles of Evil" aus Südkorea ist, der derzeit der ultimative Markt für die spannendsten Thriller überhaupt ist. Allerdings wird die Prämisse auf eine Weise umgesetzt, die alles andere als kunstvoll und ausgefeilt ist. Insgesamt ist "Groll" ein hilfloses Gemurkse von einem Film, der weder geistreich noch packend ist. Vielmehr leidet er unter unerwartet schlechten schauspielerischen Leistungen und schlechtem Schnitt. Die Charaktere sind eindimensional und der Soundtrack ist verstörend 90er Jahre. Es ist kaum zu glauben, wie sie sowohl die Regie als auch das Drehbuch verhunzt haben. Die Story selbst ist ziemlich inkonsistent, so dass ich mich regelrecht beleidigt fühle.

"Die verlorene Welt" ist in der Filmgeschichte von Bedeutung, weil er der erste Film war, der Stop-Motion-Animation verwendete, um Kreaturen auf der Leinwand zum Leben zu erwecken. "King Kong" entwickelte diese Technik ein paar Jahre später, ist aber viel erfolgreicher darin, seinen Kreaturen Charakter zu verleihen und die Effekte in die Geschichte zu integrieren. Dies ist möglicherweise eines der schwächsten Elemente von "Die verlorene Welt". Man kann sich leicht vorstellen, wie beeindruckend der Anblick von sich scheinbar bewegenden Dinosauriern gewesen sein mag, und die Geschichte ist typisch für viele spätviktorianische Romane. Die Handlung stammt aus dem Roman von Conan Doyle. Im Vergleich zu "King Kong" war die Technik jedoch noch nicht so weit, dass Menschen in der gleichen Szene mit einem der Dinosaurier zu sehen waren, und so gibt es kaum direkte Interaktionen. Tatsächlich kommen die Dinosaurierszenen in ziemlich zufälligen Abständen. Der Film ist visuell flach, mit offensichtlichen Innenszenen und einer völlig statischen Kameraführung. Die Schauspieler sind weitgehend Karikaturen. Der Film wird bald ziemlich langweilig und wird nur durch das Ende in London aufgelockert. Der Einfluss des Films ist sicherlich in fast jedem Dinosaurierfilm seither zu sehen. Als Erzählung ist der Film jedoch behäbig und uninteressant.