Chainsaw Charlie - Kommentare

"Tatort ... Hauptbahnhof Kairo" ist ein ziemlich gewagter Film aus einem so religiösen und strengen Land wie Ägypten, vor allem natürlich für seine Zeit. Nicht, dass es irgendetwas Schockierendes gäbe, aber die Hauptfigur ist sowohl geistig als auch körperlich behindert und die weibliche Hauptrolle ist ziemlich kokett und freizügig. Der Film behandelt auch andere Themen wie die Rechte der Frauen und den Missbrauch, nicht nur gegenüber Frauen, sondern auch den Missbrauch von einfachen Arbeitern durch die Chefs und die Verweigerung ihrer gleichen Rechte. Aber der Film ist nicht mahnend in Bezug auf eines dieser Themen, und wie gesagt, er behandelt sie nur am Rande, während die Haupthandlung des Films voranschreitet. Und der Film schreitet ziemlich schnell voran, was nicht unbedingt an seinem Tempo liegt, sondern eher daran, dass immer irgendetwas mit einer der vielen Figuren in der Geschichte passiert.
Das alles ist ziemlich geschickt und effektiv mit der Hauptgeschichte des körperlich behinderten Hausierers verwoben, der sich in die sehr attraktive Hanuma verliebt, die viel mehr Frau ist, als er je bewältigen kann. Es ist also auch eine Liebesgeschichte, die von Anfang an zum Scheitern verurteilt ist, und zum Glück hat der Film auch keine märchenhafte Geschichte.
Es ist ein etwas altmodisch gemachter Film, der auch einige ungewöhnliche Schauspielstile aufweist, aber gerade das macht ihn gleichzeitig sehr erfrischend. Es ist immer interessant, Filme aus verschiedenen Kontinenten zu vergleichen, die im gleichen Zeitraum entstanden sind. Jedes Land hat seine eigene starke Gegenwartskultur und auch eine andere Art des Filmemachens, die damit einhergeht. "Tatort ... Hauptbahnhof Kairo" wurde in der Zeit gedreht, die als das goldene Zeitalter des ägyptischen Kinos bekannt ist. Viele Menschen scheinen das nicht zu wissen, aber in den 40er und 50er Jahren wurden in Ägypten viele von der Kritik hochgelobte Filme gedreht, und dieser Film ist einer von ihnen.

Der Dokumentarfilm "Directed by Andrei Tarkovsky", der die Entstehung seines letzten Films "Das Opfer" dokumentiert und mehrere Interviews mit Tarkovskij und seiner Frau enthält, die auch aus seinen persönlichen Tagebüchern vorliest, sollte von jedem gesehen werden, der sich für die Köpfe hinter großen Filmen interessiert. Der Schwerpunkt liegt nicht so sehr auf Tarkowskijs Werk, sondern auf dem Mann selbst, seinen Ideen und seiner Persönlichkeit. In einem Interview macht er die etwas selbstironische Bemerkung, er erlebe die Welt wie Kinder und Tiere und halte sich nicht für andere Menschen, die denken und Schlüsse ziehen. Wenn man ihm zuhört, wird klar, dass er ein unglaublich analytischer Denker war und besonders gut darin, Schlussfolgerungen zu ziehen. Unabhängig von der Situation drückte er sich mit einer solchen Präzision aus, dass seine Ideen bereits vollständig ausgearbeitet zu sein schienen, bevor er überhaupt sprach. Diese Gabe des Ausdrucks ist der Grund dafür, dass jedes Bild in einem Tarkowskij-Film perfekt konzipiert und ausgeführt ist. Es herrschte nie Unklarheit über das, was er schuf, und aus den Aufnahmen vom Drehort geht klar hervor, dass seine Genauigkeit auf alle um ihn herum abfärbte. Selbst in seinem Krankenhausbett beschrieb er akribisch, wie die Farbe einer Szene im endgültigen Schnitt aussehen sollte. Nichts konnte seine Hingabe schmälern.
Dieser Dokumentarfilm lässt sich am besten genießen, nachdem man sich mit den sieben großen, komplexen und beeindruckenden Filmen Tarkowskijs vertraut gemacht hat. "Directed by Andrei Tarkovsky" ist ein hervorragender Einblick in die Gedankenwelt eines Genies und eine rührende Laudatio auf seinen Abschied. Abgesehen davon ist er auch einer der besten Filme über das Filmemachen, die je gemacht wurden. Andrej Tarkowskijs Werke haben meine gesamte Sicht auf Film, Kunst und Leben verändert

"Ausgerechnet Wolkenkratzer" ist eine der am besten konstruierten abendfüllenden Komödien der zwanziger Jahre. Harold Lloyd war weder so unverschämt einfallsreich wie Chaplin, noch so sentimental. Sein Stil war eine Art Minimalismus. Er nahm eine einfache Idee, wie die eines gescheiterten Verkäufers in einem Bekleidungsgeschäft, der dringend erfolgreich werden muss, und baute auf dieser kleinen Situation auf, bis er sich auf dem urkomischen Höhepunkt am verbogenen Minutenzeiger einer überdimensionalen Uhr an der Seite eines Gebäudes viele Stockwerke über der Straße schwingend wiederfindet. Als eine Maus an seinem Hosenbein hochkrabbelt, führt Loyd nicht nur eine Art Breakdance auf, um sie loszuwerden, sondern als er sie schließlich abschüttelt, fällt die Maus an der Seite des Gebäudes herunter und löst das Toupet eines Mannes, der aus einem unteren Fenster schaut. Und das alles geschieht ohne Matten, Netze oder Seiltechniken. Loyd hatte ein sehr bewegliches Gesicht und, wie die meisten stummen Komödianten, eine geschickte Körperhaltung. Er gibt einen entzückenden, kriecherischen Verkäufer ab.
"Ausgerechnet Wolkenkratzer" ist eine solide Stummfilmkomödie mit einer der fesselndsten Schlusssequenzen, die je in einem Film gedreht wurden. Der Film ist ein Wunderwerk der Filmkomödie der 1920er Jahre. Harold Lloyd, der manchmal als drittes Genie nach dem unglaublichen Charles Chaplin und dem unnachahmlichen Buster Keaton bezeichnet wird, war zu seiner Zeit zwar der kommerziell erfolgreichste der drei, stand aber oft im Schatten der beiden. Er war keine wandelnde Karikatur, sondern ein gutmütiger Charakter und musste für seine Lacher härter arbeiten. Aber wenn man sich die Popularität seiner Zeit ansieht, ist es offensichtlich, dass er oft die bevorzugte realistischere Alternative war, und in diesem Werk landet er auf dem ersten Platz.

1. The Clergy
2. Die Verachtung
3. Die tiefe Sehnsucht der Götter
4. Good Will Hunting
5. Die obskuren Geschichten eines Zugreisenden
6. Die Tochter
7. Johnny zieht in den Krieg
8. Kahlschlag (Regie: Max Gleschinski)
9. Die Maßnahme
10. Do Not Split

"Der Golem, wie er in die Welt kam" ist ein Kernstück des frühen deutschen expressionistischen Films, der auf Mythen und Legenden basiert. Dieser Film ist einer der wichtigsten Horrorfilme der deutschen Stummfilmzeit. Als solcher gehört er nach den Werken von F.W. Murnau und Fritz Lang zu den besten Filmen dieser Zeit. Paul Wagener spielt die Rolle des Golems und führte bei diesem Film auch Regie.
Im mittelalterlichen Prag wird ein Rundschreiben verschickt, dass alle Juden aus dem Ghetto, in dem sie leben, verbannt werden sollen, und zwar aus Gründen, die jedem, der mit Antisemitismus vertraut ist, bekannt sind. Ein prominenter und angesehener Rabbiner beschließt, sein Volk zu retten, indem er eine lange überlieferte Geschichte über Magie und Okkultismus wiederbelebt. Sein Plan geht auf und alles läuft wie am Schnürchen, bis sich seine Schöpfung als Dynamit entpuppt, das alles in Brand zu setzen droht. Mit seinen rohen, unansehnlichen Kulissen stellt "Der Golem, wie er in die Welt kam" die trostlose Armut eines mittelalterlichen Ghettos nach, und die dunklen Farben und Töne des restaurierten Films vermitteln das Gefühl und die Stimmung von traumhafter Klarheit und ästhetischer Schönheit. Der Film bewegt sich langsam, mit den üblichen ruckartigen Bewegungen und übermäßig theatralischen Schauspielern der damaligen Zeit, aber er ist trotzdem gut anzusehen.
Ich würde jedem, der sich für Horror interessiert, auf jeden Fall empfehlen, sich diesen Film anzusehen. Lasst euch nicht von der Tatsache abschrecken, dass es sich um einen Stummfilm handelt. Ich habe keine 20 Sekunden gebraucht, um das völlig zu vergessen und den Film einfach zu genießen.

"Der Teufel führt Regie" ist vielleicht einer der besten Mafia-Filme, die je gedreht wurden! Dieser Film ist 100%ige Hardcore-Spannung, mit ultrasadistischen Charakteren, fiesen Betrügereien, gnadenlosen Hinrichtungen und explosiven Rachefeldzügen, die dringend und blutig beigelegt werden müssen. In Fernando Di Leos Darstellung der Mafia von Palermo gibt es keine guten oder loyalen Charaktere. Es gibt nur bösartige und emotionslose Gangster, die ihre eigenen Eltern abschlachten würden, um auf der sizilianischen Leiter der Macht und des Einflusses einen kleinen Schritt nach oben zu kommen. Sogar die Hauptfigur, makellos und eiskalt dargestellt von der italienischen Kultikone Henry Silva, ist ein völlig unbarmherziger Bastard, der Frauen vergewaltigt und seine engsten Verwandten im Austausch für mehr Geld und Macht verrät. Wenn man sich diesen Film in seiner ganzen düsteren und gewalttätigen Pracht ansieht, ist es fast schon deprimierend zu erkennen, dass große Teile des Drehbuchs auf tatsächlichen Ereignissen beruhen, wie sie sich im kriminalitätsgeplagten Italien der frühen 70er Jahre zugetragen haben.
Die messerscharfe Kameraarbeit von Franco Villa verleiht dem Film einen attraktiven Hochglanzlook. Luis Enriquez Bacalovs groovige, stimmungsvolle, synkopierte Filmmusik trifft genau den Punkt.
Bei den Dreharbeiten, so heißt es, waren einige der Situationen so verdammt realistisch, dass Regisseur Fernando Di Leo und andere Mitglieder der Crew mit der Angst vor Vergeltungsmaßnahmen der örtlichen Mafia leben mussten. "Der Teufel führt Regie" übertrifft bei weitem den Status eines Unterhaltungsfilms und ist sogar mehr als nur ein Kultfilm. Er ist unverzichtbares revolutionäres Kino!

"Ein Polizei-Film" ist ein Doku-Drama mit echten Schauspielern, das aber auf realen Situationen beruht. Dieses Format ist gut und neu, wie die Handlung, die es erzählt, aber es gibt eine Botschaft, die nicht sehr gut ist. Diese Botschaft sagt uns, warum einige Polizisten korrupt sind. Es wird erklärt so das man es versteht. Doch sie erwähnen auch den korrupten Teil der Bürger in einem Land, in dem Korruption sehr verbreitet ist. Ich glaube nicht, dass die Korruption der Bürger gerechtfertigt werden kann, wenn sie nicht für ihre Vergehen bezahlen oder nicht für das Verbrechen, das sie begangen haben, verantwortlich sind. Ich glaube auch nicht, dass es dem Doku-Drama gelingt, die Rechtfertigung der Korruption durch einige Polizeibeamte aufzudecken. Ihre Gründe werden zwar verstanden, aber die Bürger glauben nicht, dass sie eine gültige Rechtfertigung für ihre Korruption haben. Dennoch muss man anerkennen, dass der Film und sein neuartiges Format hervorstechen und ihn zu einem Produkt von visueller Qualität machen und dass die dargestellte Hauptsituation trotz ihrer heuchlerischen und negativen Botschaft verstanden wird.
Das Thema der gerechtfertigten Korruption ist ein Gegenstand, der in einem Film nicht dargestellt werden sollte, der viele Teile der Welt erreicht und einen Einfluss darauf haben kann, wie die Menschen über die mexikanische Gesellschaft denken. "Ein Polizei-Film" ist nicht schlecht, aber seine Botschaft macht ihn für mich unsympathisch.

In "Invasion" sehen wir Nicole Kidman und Daniel Craig in einem Film, in dem ein außerirdischer Virus die Menschen in besessene, monotone Wesen verwandelt, die den Konflikten ein Ende setzen und für weltweiten Frieden sorgen. Natürlich ist die zentrale Prämisse der Handlung, dass etwas nicht stimmt, dass die Menschen sich anders verhalten. Kidman muss den Körperfressern immer einen Schritt voraus sein und ihren Sohn beschützen, wobei sie von Craig unterstützt wird.
Eine Raumfährenkatastrophe setzt eine tödliche Kette von Ereignissen für das Leben auf der Erde in Gang, als außerirdisches, mit Sporen verseuchtes Material aus dem Wrack auf den Boden fällt und von Menschen berührt wird. Bald übernimmt eine ähnlich aussehende Rasse die Kontrolle und kontaminiert andere gewaltsam mit ihren Körpersäften. Die ganze Handlung sollte von Anfang bis Ende von stacheliger Paranoia und urbanen Ängsten durchzogen sein, ist aber zu glatt und glänzend, um das zu erreichen. Kidman ist sehr gut in der Rolle der Psychiaterin, die in dem alptraumhaften Netz gefangen ist, auch wenn die Figur nicht durch das Drehbuch definiert ist. Auf der anderen Seite haben wir Daniel Craig und Jeffrey Wright in undankbaren Rollen, und das abrupte Finale ist schrecklich unsicher.

Ein junger Regisseur, der David Lynch verehrt, will die transzendentale Meditation erlernen. Er nähert sich der TM mit einer unvoreingenommenen Naivität, die ein wenig schockierend ist. Doch schon bald entdeckt er mehr und mehr Unstimmigkeiten in der TM-Organisation. Die TM-Leute, einschließlich Mr. Lynch, die anfangs sehr kooperativ waren, wollen nun, dass er aufhört zu filmen. Als Regiesseur David Sieveking beginnt, TM-Abtrünnige zu treffen, wird die Organisation regelrecht feindselig. Lynch droht, ihn zu verklagen. "David Wants to Fly" bleibt jedoch eine reine Aufzeichnung der Ereignisse. Und David Sieveking wendet sich an die Quelle. Er fliegt nach Indien, um das Kloster zu besuchen, in dem Marashiri seine Meditation gelernt hat. Der Nachfolger von Marashiris Lehrer sagt, dass Marashiri ein Gauner war, der kein Recht hatte, Meditation zu lehren, und schickt Sieveking zur Quelle des Ganges, um Erleuchtung zu finden. Auch hier stellt Sieveking die Worte des Gurus nicht in Frage. "David Wants to Fly" nimmt den Zuschauer mit auf eine Reise. Es ist Sievekings Reise. Sieveking hat nicht versucht, das frühere Material im Lichte seiner späteren Erfahrungen zu bearbeiten. Und genau das macht diesen Dokumentarfilm so lebendig.

"Old" ist der neueste Mysterythriller des umstrittenen Regisseurs M. Night Shyamalan. Er basiert lose auf einer Schweizer Graphic Novel, die er von einer seiner Töchter erhalten hat. Die Geschichte dreht sich um eine Gruppe von Touristen, die an einem einsamen Strand, aus dem es kein Entrinnen gibt, schnell altert.
Die Prämisse des Films mit seiner faszinierenden Handlung ist vielversprechend und fesselt den Zuschauer bis zum Ende. Die Kameraführung ist großartig, da Shyamalan mit interessanten Kamerawinkeln und Drehungen experimentiert.
Der erste Akt hat mich in seinen Bann gezogen und ich habe ihn wirklich genossen. Aber als der zweite Akt stark begann, begannen sich die Dinge zu entwirren. Ich begann, einige der Ungereimtheiten im Film zu hinterfragen, was bedeutete, dass ich nicht mehr ungläubig war. Den dritten Akt empfand ich als eine komplette M. Night Shyamalan-Trope, die in seinen Filmen vorhersehbar ist. Das Ende von "Old" hat mich nicht überrascht. Es geht um die Frage, ob es ethisch vertretbar ist, etwas zum Wohle der Allgemeinheit auf Kosten einiger weniger zu tun. Es ist eine Frage, die wir uns in unserem Streben nach Wissenschaft und in einem Zeitalter der Globalisierung und Pandemien stellen. Ist es in Ordnung, die Bedürfnisse einiger weniger für das Wohl der vielen zu opfern? Heiligt der Zweck die Mittel?
Die Schauspieler waren manchmal ein wenig steif, aber anständig, und die Charaktere hatten eine gewisse Tiefe. Man könnte den Film als eine Art Metapher für die Kürze des menschlichen Lebens und die Entwicklung von Beziehungen sehen. Aber ich bin mir nicht sicher, ob das beabsichtigt war, oder ob ich nur etwas in den Film hineinlese, was nicht wirklich da war. Aber vielleicht bin ich auch nur zu alt.

"Ainbo - Hüterin des Amazonas" ist eine abgedroschene Abenteuergeschichte für Kinder, viele Dinge ergeben keinen Sinn und vor allem in der zweiten Hälfte geht es drunter und drüber. Man sieht deutlich den Einfluss von Disney/Pixar, aber es geht nicht weiter als Ideen zu kopieren, ohne sich wirklich darum zu kümmern, ob es storytechnisch Sinn macht.
Eine der schlimmsten Stellen, die mich sehr geärgert hat, ist, dass die Hauptfigur Ainbo keines der Probleme zu lösen scheint, vor denen sie steht. Es sind immer die Waldgeister, die die Antwort liefern. Ein eklatanter Timon und Pumbaa Abklatsch bis zu dem Punkt, an dem sie buchstäblich klassische König der Löwen Aufnahmen kopiert haben.
Es ist etwas frustrierend, zu sehen wie die "Heldin" zu keinem Zeitpunkt in der Lage ist, Dinge selbst zu tun. Selbst als sie sich dem großen Bösen stellt, bekommt sie einfach nur die richtigen Werkzeuge in die Hand gedrückt, ohne eine wirkliche Erklärung.
"Ainbo - Hüterin des Amazonas" hätte Potenzial gehabt, wenn sie etwas mehr Zeit in die Entwicklung einer anständigen Geschichte und eines Charakterbogens investiert hätten.

"Dark House" ist eine kleine Überraschung für einen Horrorfilm mit diesem speziellen Thema, einem Thema, das schon hundertmal wiederholt wurde.
Die Geschichte ist jedem bekannt, deshalb werde ich sie nicht erwähnen. Dieser Film hat viele Elemente, die man schon einmal gesehen hat. Aber er schafft es, sie effektiv zu kombinieren und eine einzigartige Atmosphäre zu schaffen. "Dark House" hat eine interessante Handlung, mit sehr gutem Fluss und intensiver Atmosphäre. Sie hält das Interesse die ganze Zeit aufrecht. Es gibt viele düstere Szenen, die die Atmosphäre der Geschichte unterstützen und den Zuschauer in die richtige Stimmung versetzen. "Dark House" hat einige Klischees und Schwächen, die alle Filme haben, aber er ist keineswegs enttäuschend oder nervtötend.
Regiesseur Victor Salva (Jeepers Creepers I - III) hat seinen besten Film gedreht, zumindest im Horrorgenre. Er bietet eine überzeugend gute Atmosphäre hat eine gute Handlung, Bedeutung und einige schaurige Momente. Die Spannung ist durchgehend vorhanden. Ein großes Plus ist die Leistung von Tobin Bell, der mit seiner großartigen Schauspielerei und seiner unglaublich tiefen Stimme in einer Rolle, die es leicht schafft, den Zuschauer auszutricksen und zu erschrecken. Genau wie er es kann.

Ein Film in einer Zeitschleife, in der ein Taxifahrer immer wieder denselben Fahrgast mitnimmt. Eine elegante Porzellanschönheit, die in einer lieblosen Ehe überfordert ist, und ein Taxifahrer, der in seinem Leben feststeckt. Ein einfacher Film mit hauptsächlich zwei Schauspielern, aber er hat mich gut unterhalten und wurde während der Sichtung immer besser. In Anbetracht des geringen Budgets für "The Fare" ist die Qualität des Films recht gut. Die Kinematographie war sauber und effektiv. Einige Szenen waren schön koloriert und trugen zur geheimnisvollen Stimmung des Films bei. Trotz der sich wiederholenden Handlung bleibt der Film während der gesamten Laufzeit unterhaltsam, und das liegt vor allem an dem Mysterium, das einen nicht loslässt. Die Geschichte von "The Fare" ist gut konstruiert. Eine Art Variante des Märchens Die Schöne und das Biest mit der zusätzlichen Verwirrung der Science-Fiction. Selbst wenn es anfängt, langweilig zu werden, bleibt es nicht lange so. Sobald man anfängt, der Liebe die Daumen zu drücken, ist man natürlich gefesselt!

Es dauert eine Weile, bis man sich in diesem Werk zurechtfindet, aber das spricht für seine emotionale und thematische Komplexität. "Das Verbrechen des Herrn Lange" hat das konstante Tempo, die Lebendigkeit und Heiterkeit, die man stereotyp mit dem Regisseur Jean Renoir verbindet. Der Film ist eine Art romantischer Strudel, in dem die Beziehungen zwischen Männern und Frauen in all ihrem flüchtigen Glanz betörend dramatisiert werden. Selbst die Szenen mit dem bösen Chef haben eine anfängliche Lebensfreude. Lange selbst bewahrt inmitten des Geschehens eine verhaltene Ruhe, bis er den normalen Mann darstellt, der sich verzweifelt und aufopferungsvoll für das Wohl der anderen einsetzt. Obwohl er ein Idealist ist, stehen seine Handlungen im Widerspruch zu dem explizit karikaturistischen Heldentum der Figur des Arizona Jim, und der Film lebt von der starken Beschwörung linker kollektivistischer Sympathien. Dieser Aspekt kommt in den fast idyllischen Szenen nach dem Zusammenbruch des Kapitalismus mit glücklichen Arbeitern und ungebundenen Liebenden stark zum Tragen.
Das Ende des Films ist sehr rätselhaft.

"Der Reigen" nimmt in der Filmographie von Max Ophüls einen besonderen Platz ein. Vor diesem Film hatte es noch niemand gewagt, eine umfassende Studie über Liebe und Sex zu drehen. Max Ophüls zeigt die feine Linie, die Liebe und Sex voneinander trennt. Es ist ein Zeichen, das er benutzt, um zwischen verschiedenen Dichotomien zu unterscheiden, nämlich reich und arm, heilig und obszön. Die Mimik aller Schauspieler ist gut gefilmt, ihre Frustrationen sind deutlich sichtbar.
Beim Betrachten der verschiedenen Geschichten von "Der Reigen" wird der Zuschauer immer wieder daran erinnert, dass das Konzept der Liebe im Rahmen einer Beziehung zwischen einem Mann und einer Frau nicht dasselbe bleibt. Schließlich bleibt der Film eine düstere Erinnerung an die Tatsache, dass gesellschaftliche Konventionen in Frage gestellt wurden und viele Menschen aus allen Gesellschaftsschichten an der Verbreitung der unerlaubten Liebe beteiligt waren. All dies geschah in einer Zeit, in der die Geheimnisse anderer Menschen niemandem fremd waren. Hier gibt es einen Haufen von Liebhabern, die sich gegenseitig betrügen, es gibt keine Treue, keine tiefen Gefühle, sie ziehen einfach von einem Bett zum nächsten und niemand wird auch nur verletzt. Es gibt einen verheirateten Ehemann, der es ein wenig enttäuschend findet, dass seine Geliebte nicht wie vereinbart auftaucht, aber das ist nicht das schlimmste Gefühl in dem ganzen Karussell der amourösen Übungen.
Das Wichtigste ist die überaus meisterhafte Regie und die Kamera von Max Ophüls, die sich ständig auf und ab bewegt und bei ihrer enthusiastischen Erkundung von Beziehungen niemals ruht. Die Kulissen sind gelinde gesagt exquisit, und zwar auf ganzer Linie. Einige werden vielleicht seine verträumten Schauplätze des alten Wien aus seinen früheren Filmen kennen. Seine späteren französischen Filme, hingegen sind alle exquisite Meisterwerke des raffinierten Geschmacks, und dies war der erste von ihnen. Dabei hatte er viele der wertvollsten Filme gedreht, die je in Kontinentaleuropa entstanden sind.

"Ein Bulle sieht rot" ist ein knallharter Cop-Thriller aus einem nicht ganz so schönen Frankreich. Yves Boissets Gespür für düstere, urbane Gewalt und seine kraftvolle Regie sorgen für angemessen beklemmende und ohrenbetäubende Unterhaltung. Michel Bouquet ist ein echtes Monster in der Rolle des hartgesottenen Cops, dessen amoralischer und brutaler Weg, den sinnlosen Tod eines Kollegen zu rächen, ihn tief in einen gewalttätigen existenziellen Albtraum führt.
"Ein Bulle sieht rot" ist ein hervorragend dunkles, philosophisches Krimidrama aus Frankreich, das als schonungslose Demaskierung der polizeilichen Barbarei glänzt und sich unbeirrt mit dem ultimativen gesellschaftlichen Rätsel auseinandersetzt: Muss man wie die Bestie werden, um mit der Bestie fertig zu werden?

Bis zum 02.12.2021 in der ARTE Mediathek zu sehen

Eine pantheistische Gesellschaft auf einer abgelegenen Insel im Pazifischen Ozean braucht dringend frisches Wasser. Sie bitten Kariya, einen Ingenieur aus Tokio, die besten Wasserquellen in der Gegend zu finden, um es zu fördern. Im Verlauf der Geschichte hebt Regisseur Shôhei Imamura die gegensätzlichen Aspekte der menschlichen Natur hervor, indem er das rationale, wissenschaftliche Denken Kariyas mit der intuitiven, spirituellen Weltsicht der Inselbewohner vergleicht.
"Die tiefe Sehnsucht der Götter" wird noch interessanter, als der Ingenieur Kariya zu seiner größten Überraschung mit einigen sehr ursprünglichen Bedürfnissen konfrontiert wird. Gleichzeitig scheinen einige der Inselbewohner bereit zu sein, ihre Götterverehrung (die manchmal als Aberglaube abgetan wird) hinter sich zu lassen und sich auf praktischere Dinge zu konzentrieren. Andere, wie die Futori, eine inzestuöse Familie, die selbst nach den Maßstäben ihrer Nachbarn als bestialisch gilt, erweisen sich als besonders resistent gegen Veränderungen.
Der Film lässt den Zuschauer fast drei Stunden lang in die Gemeinde Kurage eintauchen, die in den Tropen auf einer kleinen Insel mit zerklüfteten Klippen inmitten des Pazifiks liegt. Es ist erstaunlich, von der riesigen und exotischen Bilderwelt bis hin zu den allegorischen Darstellungen des menschlichen Daseins. Surreal und komisch, hinterlässt "Die tiefe Sehnsucht der Götter" ein Gefühl von psychischer Intensität.
Shôhei Imamura durfte mit einem relativ großen Budget arbeiten, aber der Film erwies sich als zu merkwürdig und intellektuell, um ein großes Publikum anzusprechen. Dies führte zu finanziellen Verlusten, und der Regisseur schwor sich, nie wieder mit einem großen Studio zusammenzuarbeiten.

"Mortal Kombat" ist kein schlechter Film. Nun, eigentlich ist er ein sehr schlechter Film, aber er macht so viel Spaß, dass es einem egal sein muss. Die Geschichte, die keinen Sinn ergibt, und die dummen Einzeiler werden in einem Film wie diesem lustig. Sogar die grauenhaften Darsteller sind perfekt für einen Film wie diesen, insbesondere Christopher Lambert ist brillant schlecht als Lord Rayden.
Ich muss zugeben, dass die Action ziemlich gut aussah und das ist wahrscheinlich einer der Gründe, warum "Mortal Kombat" bei mir so gut funktionierte. Das Videospiel besteht natürlich auch aus nichts anderem als Action und ein paar Hintergrundgeräuschen. Die Musik, vor allem das Mortal Kombat Theme, klingt auch ziemlich gut. Ohne nachzudenken, ist der Film ein hirnloser Spaß.

Die Geschichte von "Das Motiv" ist einfach. Ein 14-jähriger Junge tötet seine Eltern und seine beiden Schwestern. Er gesteht die Tat, aber nicht das Motiv.
Meiner Meinung nach, nachdem ich Dutzende von Dokumentarfilmen/serien mit Mördern gesehen habe, ist er einfach ein Psychopath. Meine Theorie wird von Polizeibeamten, Ärzten und Menschen, die den Jungen nach den Morden kannten, bestätigt, und sie alle sagten, dass er keine Reue zeigte. Keine Tränen, nichts.
Dem Menschen liegt es in der Natur, Motive und Gründe für jede Handlung zu finden. Aber ein Psychopath braucht nicht unbedingt einen Grund, um jemanden zu töten. Ich glaube wirklich, dass der Junge seine Eltern und Schwestern getötet hat, weil er es wollte und konnte. So einfach ist das. Die Dokumentarserie hätte das wahre Motiv und alle Gründe für die Morde deutlicher herausstellen müssen. Wenn der Inhalt nicht ausreichend geklärt wird, kann die Tragödie zu einem Motiv für weitere ähnliche Vorfälle werden. Es gibt auf jeden Fall einen intensiven Hintergrund dafür, warum er seine Familie getötet hat und dennoch freigelassen wurde.

"Colonia Dignidad: Eine deutsche Sekte in Chile" vermittelt Eindrücke aus erster Hand dank einer Fülle von klarem, erschreckendem Archivmaterial und Zeugenaussagen von Überlebenden der Sekte und denen, die noch in der aktuellen Version involviert sind. Die Serie wirft ein Licht auf die abscheulichen, unmenschlichen Dinge, die Menschen im Namen Gottes tun. Sexueller Missbrauch und Folter in einer Sekte sind keine neuen Erkenntnisse, aber was in der Colonia Dignidad hinter verschlossenen Türen vor sich ging, ist besonders entsetzlich. Diese Nazis wurden in Chile mit offenen Armen empfangen, erhielten von der Regierung Land und Privilegien, und sie nutzten diese Geschenke und Großzügigkeit, um für so viele Menschen, die dort lebten, einen lebenden Albtraum zu schaffen. Kinder, die jetzt erwachsen sind und immer noch die Narben dessen tragen, was ihnen vor all den Jahren angetan wurde. Mit 6 Episoden, die etwa eine Stunde dauern und voller fesselnder und erschreckender Details sind, wird "Colonia Dignidad: Eine deutsche Sekte in Chile" vor allem diejenigen ansprechen, die sich für Sekten und wahre Verbrechen interessieren. Spannende, gut gemachte Dokumentarserie, aber sie ist zu lang und langsam. Einige der Interviews mit bestimmten Personen ziehen sich viel zu lange hin, bis zu dem Punkt, an dem sie langweilig und manchmal lächerlich werden. Die letzte Folge nimmt jedoch an Fahrt auf und verrät mehr über die einzelnen Geschichten. Die Zwischenclips von den gehirngewaschenen Anhängern wirken manchmal etwas unnötig und aus dem Zusammenhang gerissen.

"Die Hamburger Krankheit" ist keine geradlinige Geschichte über eine Pandemie, sondern eine chaotische, surreale Erzählung, bei der man das Gefühl hat, dass die Charaktere eher verschiedene Elemente der Gesellschaft darstellen als echte Menschen. Es ist ein unterhaltsamer Plot, aber er erhebt nicht den Anspruch, Teil einer vorausschauenden Programmierung oder einer ernsthaften Auseinandersetzung mit einer Pandemie zu sein. "Die Hamburger Krankheit" hat eine gewisse Aktualität, ist aber größtenteils nur ein Abenteuer in einer Psychiatrie. Manche Schnitte machen einen verrückt, aber die Überlänge ist herrlich. Man sollte einem Toten nicht die Covid-Maske klauen, und es ist erst vorbei, wenn es vorbei ist.

Da ich bereits den ersten Teil gesehen habe, wusste ich, was ich vom zweiten Film zu erwarten hatte, und ich wurde keineswegs enttäuscht. Er war genauso lustig wie der erste Film und enthielt viele lustige Szenen sowie eine einfache, aber interessante Handlung. Jamie Uys, der auch das Drehbuch schrieb, führte gut Regie und stellte seine Hauptfiguren und ihre Reisen durch die Kalahariwüste mit Hilfe von Paddy O'Byrne als Erzähler sehr gut dar. Die Interpretation von N!xau, der die Rolle des Xixo spielte, war wieder einmal sehr gut. Es gibt einige erstaunliche Aufnahmen von Wildtieren, verrückte Stunts mit einem Ultraleichtflugzeug in einem Sturm, doch die Buschkinder stehlen wirklich die Show. "Die Götter müssen verrückt sein II" hat etwas von dem aufgesetzten Gefühl, das die meisten Fortsetzungen haben. Aber es ist trotzdem ein Vergnügen, ihn anzusehen. Wie oft sieht man schon echte Freude in einem Film, Familienliebe, Unschuld und hat jede Menge Lacher?

Im Mittelpunkt von "The Dance of Reality" stehen Alejandro Jodorowskys Kindheit in Tocopilla, Chile, und die Misshandlungen, denen seine Familie durch seinen Vater Jamie ausgesetzt war. Die Geschichte dreht sich auch um Jamies Liebe zum Kommunismus, die ihn auf die Suche nach Erleuchtung führt. In einem Szenario wird er zum Pferdepfleger, um den rechtsgerichteten Präsidenten Carlos Ibanez del Campo zu ermorden.
Wie üblich laufen die Szenarien aus dem Ruder, was zu einem Film von visueller Pracht führt. Ich würde "The Dance of Reality" jedoch nur denjenigen empfehlen, die mit den früheren Werken des Regisseurs vertraut sind. Die Arbeit am Drehbuch ist bewundernswert, ein Großteil der Symbolik wird von Jodorowsky selbst dargestellt und dann so subtil eingefügt, dass man sie erst einmal finden und entschlüsseln muss. Brontis Jodorowsky (Alejandro Jodorowskys Sohn) gibt eine fantastische Vorstellung, und ich hoffe, dass ich mehr von ihm finde.
Wenn es eine Sache gibt, unter der "The Dance of Reality" leidet, dann ist es ein Problem mit dem Tempo, aber wenn man darüber nachdenkt, hinterlassen bestimmte Szenen wirklich einen Eindruck. Jodorowskys zauberhaftes Biopic ist eine bewundernswerte Rückkehr zur Form und ist bunt genug, um den Charme des Films noch nach vielen Jahren zu gewährleisten.

Die schauspielerische Leistung von Jake Gyllenhaal in "The Guilty" ist erstklassig. Er schafft es, einen ganzen Film mit nur wenigen Figuren auf der Leinwand zu tragen. Er muss sich ausschließlich auf seine schauspielerische Leistung verlassen, um die Spannung, das Drama und die aufregenden Momente aufrechtzuerhalten, denn man sieht buchstäblich von Anfang bis Ende nichts anderes, als dass er am Telefon spricht. Der Zuschauer muss auch gar nichts sehen und kann mit verbundenen Augen durch den Film gehen, denn alles, was passiert, wird nur gehört. Pluspunkte bekommt der Film für seine Einzigartigkeit und die authentische Schauspielkunst von Jake Gyllenhaal. Allerdings sind die Elemente, die den Film einzigartig und interessant machen, auch seine Grenzen. Die Tatsache, dass sich der Film ausschließlich auf den auditiven Input verlässt, hat ihn ein wenig enttäuschend und langweilig gemacht. Ich hatte nicht das Gefühl, dass es Zeitverschwendung war, ihn anzusehen, aber ich würde ihn mir auch nicht noch einmal ansehen oder anhören.

Bevor ich irgendetwas zu "Haus der Geheimnisse: Die Toten von Burari" sage fühle ich mich verpflichtet euch zu warnen, denn ich wünschte, ich hätte die Serie nicht um Mitternacht allein in meinem Zimmer gesehen. Die True Crime Serie ist wirklich unheimlich und zutiefst verstörend. Es war so erschreckend, dass ich nicht schlafen konnte. Am nächsten Tag schien zwar die Sonne, aber der ganze Tag war verdorben.

Die Todesfälle in Burari haben mich im Jahr 2018 schon erschüttert, als die Nachricht von einem Massenselbstmord aller 11 Mitglieder einer Familie bekannt wurde. Diese Dokumentarserie schneidet fast alle Aspekte ab, zeichnet die Geschichte der Familie nach und zeigt das Warum und Wie des Selbstmordes.
Von den Abgründen des abergläubischen Wahnsinns bis hin zu den Machenschaften der Massenmedien. "Haus der Geheimnisse: Die Toten von Burari" geht auf jede Kleinigkeit ein, die auf die eine oder andere Weise mit diesem ungewöhnlichen Fall zusammenhängt. Es handelt sich um eine Art Fallstudie über die gesellschaftlichen Perspektiven, die bei diesem schrecklichen Vorfall eine wichtige Rolle gespielt haben. Neben einer dominanten und gründlichen Darstellung der Ermittlungen selbst konzentriert sich die Serie auch auf die wahrscheinlichen Gründe, die zu diesem Vorfall geführt haben könnten. Alle psychologischen Faktoren werden von den Fachleuten, die über viel Wissen verfügen und zu den entsprechenden Bereichen gehören, gut erklärt.
Kurz gesagt, es handelt sich um eine faszinierende Erzählung, die dafür sorgt, dass man die ganze Zeit an seinem Platz kleben bleibt.