Chainsaw Charlie - Kommentare

Vor 76 Jahren öffneten die alliierten Truppen die Tore der nationalsozialistischen Vernichtungslager, und man könnte meinen, dass nach all den Berichten und Studien, den Tagebüchern, Dokumenten und Dokumentarfilmen unsere Reaktionen inzwischen abgestumpft wären und wir die geschrumpften Gestalten in ihren gestreiften Schlafanzügen ungerührt betrachten könnten. Aber jedes Mal, wenn das Thema wieder auftaucht, wie es Albträume tun, sind wir wieder fassungslos. "Die Befreiung von Auschwitz" ist keine monumentale Studie in der Größenordnung von "Shoah". Er dauert nur etwa eine Stunde und besteht hauptsächlich aus Filmaufnahmen, die von sowjetischen Militärfotografen zwischen dem 27. Januar und dem 28. Februar 1945 gedreht wurden, als die Rote Armee in den berüchtigten Lagerkomplex Auschwitz in Polen einmarschierte, in dem 100.000 Gefangene untergebracht werden konnten. 18 Minuten des sowjetischen Filmmaterials wurden bei den Nürnberger Prozessen gegen deutsche Kriegsverbrecher als Beweismittel vorgelegt. Der Rest blieb in sowjetischen Archiven, bis ein westdeutsches Dokumentarfilmerpaar, Irmgard und Bengt von zur Mühlen, einen Vertrag mit der Sowjetunion abschloss, den Film zusammenstellte und im Westen zu zeigen begann. In die einstündige Laufzeit ist ein Interview mit Alexander Woronzow, einem der sowjetischen Kameramänner, einem würdevollen Mann im blauen, mit Orden geschmückten Anzug, und ein Bericht in englischer Sprache über die Funktionsweise des Konzentrationslagers montiert. Der Einsatz der Häftlinge als Arbeitskräfte in der Chemiefabrik der I. G. Farben, solange sie arbeitsfähig waren, die einfallsreichen Bestrafungsmethoden, die ausgeklügelten Methoden zur Ermordung derjenigen, die nicht nützlich waren. Hier gibt es keine neuen Enthüllungen, aber die Effizienz der Deutschen bleibt auch weiterhin entsetzlich eindrucksvoll. Der größte Teil des Films wurde anscheinend in Begleitung von sowjetischen Inspektionsteams gedreht. Gegen Ende des Films sehen wir eine Szene, von der Herr Woronzow zugibt, dass sie inszeniert war, in der russische Truppen die Lagermauern durchbrechen und von bemerkenswert kräftigen und energischen Gefangenen umarmt werden. Das sowjetische Kamerateam verfügte weder über Farbfilm noch über eine Tonausrüstung, und der Versuchung, Musik hinzuzufügen, wurde entschieden widerstanden.
Die Kraft von "Die Befreiung von Auschwitz" liegt in den harten, unbearbeiteten Schwarzweißbildern. Die Baracken, die nach dem Vorbild von Pferdeställen gebaut wurden, mit Feldbetten, auf denen jeweils drei oder vier Menschen, mit Haut bedeckte Skelette, wie der Erzähler sagt, zu schlafen versuchten. Die Erfrierungen an den Füßen der Kinder, die gezwungen waren, von morgens bis abends im Schnee zu stehen. Die ausdruckslosen Gesichter einiger der wenigen tausend Gefangenen, die überlebten und befreit wurden. Ein Mann, der als 42 Jahre alt beschrieben wird, sieht aus wie 80. Die Stapel von Koffern, die die Gefangenen aus vielen Ländern mitgebracht hatten, weil sie glaubten oder hofften, dass ihre Reise hier nicht enden würde. Ihre Anzüge, Kleider und Schuhe. Es gab Millionen von Schuhpaaren. Sie wurden von den Deutschen fein säuberlich aufbewahrt, darunter auch winzige Kindersachen, die die sowjetischen Soldaten nüchtern in die Höhe halten, als ob sie ihre Bedeutung begreifen wollten. Fast ausnahmslos, sagt der Erzähler, wurden jüdische Kinder ermordet. Wir sehen die Berge von Brillen, Goldzähnen und Gebetsschals. Die sortierten und aufgeschichteten Bündel von Menschenhaar, Tonnen davon, bereit für den Transport nach Deutschland, um zu Industriefilz verarbeitet zu werden. Und ein von einem SS-Mann aufgenommenes Foto von einer Gruppe geschorener Frauen. Die Fotoalben der Häftlinge, gefüllt mit fein säuberlich eingeklebten Schnappschüssen von lächelnden Familien. SS-Fotos von Menschen, die unter Bäumen auf ihre letzte "Dusche" warten. Die verbrannten Überreste von Knochen und Schädeln sowie die ausgegrabenen Leichen aus den Massengräbern. Und man sieht einige überlebende Kinder, die ihre Arme heben, offenbar auf Wunsch des Kameramanns, um die eintätowierten Nummern zu zeigen, danach die Gliedmaßen von toten Kindern, die medizinischen Experimenten unterzogen wurden, ebenfalls nummeriert. Deutsche Wissenschaftler haben den Kindern Typhus gespritzt und an ihnen Medikamente getestet. Die meisten der Versuchspersonen, so berichtet der Erzähler, starben. Sowjetische Ärzte untersuchen drei Männer, die im Rahmen eines anderen Versuchsprojektes kastriert wurden. Man möchte den Ärzten zubrüllen, sie sanfter zu behandeln, aber die Ärzte sind beschäftigt, und Sanftheit wäre jetzt nur noch eine Verstellung.

Ein ausgezeichnetes Stummfilmdrama aus China über eine hingebungsvolle und liebevolle Mutter (Lingyu Ruan), die das Beste für ihr kleines Kind will und deshalb nachts als Prostituierte arbeitet. Das führt dazu, dass sie von den anderen Frauen um sie herum schlecht behandelt wird, doch am schlimmsten ist, dass sie von einem Mann (Zhizhi Zhang) missbraucht wird, der von ihr regelrecht Besitz ergreift. "Die Göttliche" ist ohne Frage ein wahres Juwel und sicherlich einer der besten chinesischen Filme, die ich aus dieser Zeit gesehen habe. Es ist unschwer zu erkennen, warum dieser Film bei seinem Erscheinen in China ein solcher Erfolg war, vor allem wenn man erfährt, dass viele Frauen in dieser Zeit als Prostituierte arbeiteten, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Im Jahr 1934 einen Stummfilm zu drehen, war damals sicherlich nicht die Norm, aber ich glaube ehrlich gesagt nicht, dass dieser Film mit Ton gelungen wäre. Regisseur Yonggang Wu ist ein Meister darin, alles so gut fließen zu lassen, dass zusätzliche Worte die poetische Schönheit des Films nur geschmälert hätten. "Die Göttliche" hangelt sich von einer schlimmen Situation zur nächsten, und nach einer Weile merkt man, dass immer dann, wenn etwas Erfreuliches für die junge Mutter passiert, etwas Unerfreuliches folgen wird. Was "Die Göttliche" wirklich so gut macht, ist die erstaunliche Leistung von Lingyu Ruan, die offensichtlich viele der gleichen Emotionen wie diese Figur empfunden hat. Nach dem, was ich gelesen habe, hatte sie vor diesem Film mehrere Selbstmordversuche und nahm sich schließlich etwa ein Jahr nach der Veröffentlichung dieses Films das Leben. Ihre Darstellung ist einfach eine der besten aus dieser Zeit in allen Filmen, weil sie so viel Gefühl und Liebe für ihr Kind zeigt. Es ist sogar noch besser, wenn der Schmerz über ihre Situation und ihren Job sie zu quälen beginnt. Zhizhi Zhang, der den misshandelnden Mistkerl spielt, ist sicherlich eine großartige Figur, mit der die Leute keine Probleme haben werden, sie zu hassen. Das einzig Negative ist, dass "Die Göttliche" sich nie wirklich die Mühe macht, uns zu erzählen, wie die Mutter in diese Situation geraten ist, und es gibt wirklich keine Erklärung dafür, warum sie nicht versucht, etwas anderes zu tun. Dennoch ist "Die Göttliche" ohne Zweifel ein echtes Meisterwerk mit einer der besten Darstellungen, die man je in einem Film sehen kann.

Ich habe mir den Film innerhalb kürzester Zeit zweimal angesehen, weil ich herausfinden wollte, an welchem Wochentag die Erde stillsteht, und ich konnte die Antwort ergründen, aber dazu werde ich später kommen. "Der Tag, an dem die Erde stillstand" von Regisseur Robert Wise ist ein Klassiker unter den Science-Fiction-Filmen der 1950er Jahre. Die Geschichte handelt von militanten Pazifisten aus dem Weltraum, die auf die Erde kommen und wie Übereltern sagen, seid nett und kämpft nicht, sonst werden euch unsere Roboter in den Arsch treten. Den Auftakt von "Der Tag, an dem die Erde stillstand" bildet eine interaktive Sequenz, die eine Annäherung an die Erde aus dem Weltall zeigt. Hier sieht man einmal mehr, dass die Faszination der 1950er Jahre für fliegende Untertassen in einem Film verwendet wird, und zwar mehr als in einigen anderen Filme, die nur angedeutet wurden. Hier landet das UFO, das wir in der ersten Szene gesehen haben, tatsächlich in einem Park in Washington D.C. Das Militär umzingelt das Raumschiff sofort. Aus der Untertasse steigt Klaatu, ein mysteriöses außerirdisches Wesen, das aufgrund der Paranoia der Armee, die ihn festnehmen sollen, fast sofort erschossen wird. Die Raumkapsel öffnet sich erneut, und heraus kommt ein drei Meter großer Roboter, der alle auf die Untertasse gerichteten Schusswaffen zerstört und sich anschließend in eine Statue verwandelt. Klaatu wird in ein Krankenhaus gebracht, heilt sich aber selbst schneller als die irdische Medizin es könnte. Er bittet um eine Audienz bei allen Staatsoberhäuptern der Erde und wird abgewiesen. Er flüchtet aus dem Hospital, um selbst herauszufinden, was es mit den Menschen auf sich hat, die keine von der Politik bestimmten Personen sind. Obwohl "Der Tag, an dem die Erde stillstand" ein Science-Fiction-Film ist, enthält er auch Horrorelemente. Zum Beispiel die Art, wie Klaatu in den ersten Teilen des Films behandelt wird. Oft ist sein Gesicht verdeckt oder wir sehen ihn von hinten oder im Schatten. In Verbindung mit der unheilvollen Musik von Bernard Herrmann soll dies Klaatu eindeutig als Bedrohung darstellen. Und auch der Roboter wirkt beängstigend. Er tötet, wenn er muss, und steht die restliche Zeit unerbittlich da. Einige beeindruckende Szenen mit dem Roboter und die Filmmusik von Herrmann machen das meiste Gute an diesem Film aus. Bei späterer Betrachtung stellt man fest, dass der Roboter im Laufe des Films nur zwei Soldaten tötet, und das auch nur, weil sie ihn mit ihren Waffen bedrohen. "Der Tag, an dem die Erde stillstand" beinhaltet eine Anzahl von interessanten Details. Verschiedene bekannte Nachrichtenkommentatoren der damaligen Zeit haben sich bereit erklärt, als sie selbst aufzutreten, was dem Film einen Hauch von Authentizität verleiht. Namen wie Elmer Davis sind heute nicht mehr geläufig, aber zu der Zeit, als "Der Tag, an dem die Erde stillstand" veröffentlicht wurde, waren sie es gewiss. Wir werden auch mit der zeitgenössischen Paranoia des Kalten Krieges konfrontiert. Helen Benson (Patricia Neal) kommt schnell zu dem Schluss, dass Klaatu ein Spion sein könnte. Die Christus Symbolik ist auch ein wenig plakativ. Klaatu, der den Namen John Carpenter annimmt, wird trotz seiner Friedensbotschaft gehasst. Er wird getötet, kehrt aber von den Toten zurück, um sich mit den Menschen zu treffen und dann in den Himmel aufzusteigen. Die theologische Symbiose geht sogar noch tiefer, denn die Initialen von John Carpenter lauten J.C. wie auch die von Jesus Christus. Zu den phantasievollen visuellen Komponenten gehören die merkwürdige Todesstrahllinse des Roboters und ein recht anschauliches Set Design für das Innere des UFOs. Welcher Wochentag war nun der "Tag, an dem die Erde stillstand"? Bobby (Billy Gray) hatte an dem Tag, als er zu Professor Barnhardt ging, keine Schule, aber er hatte am nächsten Tag Schule, also war es vermutlich ein Sonntag. In dieser Nacht kehrt Klaatu zum Haus zurück und sagt dem Professor, dass die Kundgebung in zwei Tagen stattfinden wird. Demzufolge war "Der Tag, an dem die Erde stillstand" ein Dienstag.

Der Soziologe Edgar Morin wandte sich 1960 an Jean Rouch, der den ethnografischen Dokumentarfilm neu erfunden hatte, indem er die Selbstinszenierungen seiner afrikanischen Probanden filmte, um dasselbe für Pariser Bürger zu tun, indem er sie einfach vor der Kamera fragte: "Sind Sie glücklich?" Die Ergebnisse sind ein harter Schlag. Die Filmemacher zeigen zunächst ihre Vorgespräche mit Marceline, der jungen Frau, die die Interviews führen wird. Dann sprechen sie mit Passanten, besuchen Intellektuelle und frustrierte Arbeiter, afrikanische Einwanderer und Models aus Saint-Tropez. Sie fangen auch die psychodramatischen Aussagen einer Sekretärin über emotionale Krisen und ihre romantischen Lösungen in besonders langen Einstellungen ein und bleiben dabei auf der Bildfläche möglichst unauffällig. Doch als Marceline den Filmemachern von ihrem Leben als Überlebende von Auschwitz erzählt, beginnt ihre Erzählung "Chronicle of a Summer: Paris, 1960" zu dominieren. Rouch und Morin schaffen einen filmischen Bewusstseinsstrom, indem sie Bilder ihrer einsamen Wanderungen durch Paris mit ihren quälenden Erinnerungen an die Leiden ihrer Familie im Krieg und den Tod ihres Vaters kombinieren, die sie in ein verborgenes Mikrofon spricht. Fünf Jahre zuvor hatte Alain Resnais in "Nacht und Nebel" gezeigt, dass der Holocaust in Frankreich weitgehend vergessen war. Rouch und Morin entlarven die inneren Kosten dieses kollektiven Schweigens mit einer brillanten Wendung der Prämisse von "Chronicle of a Summer: Paris, 1960". Wenn die Franzosen neurotisch unglücklich waren, dann nicht nur wegen ihrer unterdrückten Sehnsucht, sondern auch wegen ihrer verdrängten Vergangenheit.

In "Life Without Principle" lässt uns der renommierte Hongkonger Regisseur Johnnie To eine globale Wirtschaftskrise wiedererleben. Johnnie To erzählt die Situation von drei Stadtbewohnern, die sich inmitten des dramatischen Markteinbruchs von 2010 in einer schwierigen Lage befinden. Zunächst treffen wir Cheung, einen stoischen Polizisten, der zwischen Tatorten und Maklerterminen pendelt, die von seiner gutmütigen Frau arrangiert wurden, die verzweifelt eine Wohnung sucht, bevor die Preise in die Höhe steigen. Dann ist da noch Teresa, eine junge Finanzberaterin, die unter dem Druck steht, die Bankkontingente zu erfüllen und immer ein Lächeln auf den Lippen zu haben, selbst wenn sie ahnungslose Seniorinnen übers Ohr haut oder den reichen Kredithai Yuen und seine Herablassung erträgt. Der dritte ist Panther, ein schmieriger, Sandalen und Hawaihemden tragender Untergebener der Mafia, dessen lockere Einstellung zum Geldverdienen schnell zur Zielscheibe wird, als ein lokales Großunternehmen den Marktrückgang nicht gut verkraftet. Regisseur Johnnie To setzt sein kleines Figurenpuzzle entspannt zusammen und pflegt kaum die Egalität. Die Darstellung eines vermasselten Raubüberfalls, der schließlich alle Beteiligten verbindet, ist eine ausgeklügelte Inszenierung, doch wir sind auch schon mitten in der Filmhandlung, bevor klar wird, dass die Zeitlinie der Geschichte gestört worden ist. Könnte sein, dass "Life Without Principle" es verpasst, narrative Hinweise zu geben, die er geben sollte, aber man ist geneigt zu vermuten, dass dies eher ein Grund dafür ist, dass der Regisseur sein Publikum herausfordert. Thematisch ist es genau das, was Regisseur Johnnie To tut. Er will uns dazu animieren, über Moral und unsere Überlebensinstinkte nachzudenken und darüber, was im echten Leben wichtig ist, ein Thema, das auf der ganzen Erde Anklang findet.

In "Please Stand By" von Regisseur Ben Lewin begleiten wir Wendy (Dakota Fanning), ein 21-jähriges Mädchen mit Autismus. Sie hat zwei Ziele: Sie will wieder bei ihrer Schwester einziehen und Tante sein, und sie will ihr 400 Seiten langes Star Trek Drehbuch bei Paramount Pictures einreichen, um 100.000 Dollar zu gewinnen. Natürlich gehen die beiden Ziele Hand in Hand, denn der Geldpreis würde ihren Anspruch auf Unabhängigkeit und Erwachsensein bekräftigen, auf die Fähigkeit, für sich selbst zu sorgen und nicht zur Last zu fallen. Das Herzstück von "Please Stand By" ist jedoch ihre ungeahnte Selbstständigkeit, denn Wendy, die sich einst vor allem fürchtete, macht sich auf, um ihrer Schwester, der Heimleiterin und sich selbst zu beweisen, dass sie die Welt allein meistern kann. "Please Stand By" ist eine Coming of Age Geschichte, in der man mit einem Mädchen mitfiebert, das nicht in seinem Element ist. Wer sich persönlich mit Autismus auskennt, versteht wahrscheinlich die Herausforderungen, die ein Film wie dieser mit sich bringt, da er versucht, eine zukunftsweisende Handlung mit einer ehrlichen Darstellung einer Person auf dem Spektrum zu verbinden. Wie das funktioniert, ist sehr unterschiedlich, was es ein wenig leichter macht, die Darstellung von Autismus nicht zu erkennen, aber "Please Stand By" scheitert weitgehend daran, eine einfachere Erzählung zu liefern, in der Wendy einen Konflikt nach dem anderen bewältigt, um ihr Ziel, Los Angeles zu erreichen, zu realisieren. Auch wenn "Please Stand By" im Vergleich zu anderen Darstellungen kein neuartiges oder einzigartig echtes Autismusverständnis beisteuert, so enthält der Film doch Momente der Nachdenklichkeit und, was am wichtigsten ist, eine Fülle von Liebe und Wertschätzung, trotz seiner niedrigen Messlatte für die Erreichbarkeit des Publikums. Als Wendy erfährt, dass ihr Drehbuch am Dienstag, den 16. Februar um 17 Uhr nicht rechtzeitig bei Paramount Pictures eintreffen wird, beschließt sie, aus ihrem Wohnheim zu fliehen und es selbst abzuliefern. Auf ihrer Flucht bricht sie Regeln, die sie bisher immer befolgt hat, wie zum Beispiel die Market Street zu überqueren, was ihr unter keinen Umständen erlaubt ist. Mit dieser einen trotzigen Handlung, bei der sie die belebte Kreuzung der Market Street überquert, macht Wendy ihren ersten Schritt, um sich selbst ihre Unabhängigkeit zu beweisen, dass sie etwas alleine tun kann, und vielleicht auch, um es ihrer Schwester Audrey zu beweisen. Audrey, gespielt von Alice Eve, hat eine einjährige Tochter, die sie von Wendy fernhält, um sie vor ihren unberechenbaren Wutausbrüchen zu schützen. Sie liebt ihre Schwester und ist voller Liebe und Mitgefühl, aber sie befindet sich in einer unmöglichen Situation, in der sie das Glück ihrer autistischen Schwester mit dem Schutz ihrer neugeborenen Tochter in Einklang bringen muss. An Audreys Seite bei ihrer Jagd auf die entlaufene Wendy ist Scottie, die Leiterin des Heims, gespielt von Toni Collette. Scottie ist nicht nur ein weiterer emotionaler Proxy, durch den das Publikum Wendy lieben und um sie bangen kann, sondern sie ist auch das Vehikel, durch das wir Wendys Bewunderung für Star Trek und die Bedeutung hinter ihrer Verliebtheit in die Figuren erfahren. Scottie und ihr charmanter, von Ängsten geplagter Teenager Sohn, bleiben einen Schritt hinter Wendy zurück, aber ihre Reise wird dadurch bereichert, dass Scottie auf ihrem Weg von ihrem Sohn lernt, da er die einzige andere Person ist, die die Schönheit ihres Drehbuchs versteht. Es gibt eine weitere Person, die es versteht, kurz und liebenswert gespielt von Patton Oswalt als Polizeibeamter, der auch Klingonisch spricht. "Please Stand By" wird einen nicht herausfordern, da die realen Konflikte aus Effizienzgründen überwindbar dargestellt werden, und der Film endet mit einer fein geknüpften Schleife, regt aber sicherlich zum Nachdenken an. "Please Stand By" ist ein berührender Film, und bei einer kurzen Laufzeit von 90 Minuten lohnt es sich, Wendy anzufeuern, damit sie Los Angeles erreicht und sich und anderen beweisen kann, was sie drauf hat.

In der befremdlichen Spiritualität von "Die Tanzenden" treffen ein rücksichtsloses medizinisches Gesundheitssystem und die missbräuchliche Behandlung von Frauen in der Vergangenheit durch Männer an der Macht in einem unheimlichen Tanz aufeinander. In ihrem Film wirft die Autorin, Regisseurin und Schauspielerin Mélanie Laurent einen abschreckenden Blick auf die Geschichte der Frauen, die von Medizin und Psychiatrie als Sündenböcke und Laborratten des Fortschritts benutzt wurden, ohne dass sie auf der Grundlage von Fürsorge und Verständnis behandelt wurden. Im Zentrum von "Die Tanzenden" steht die freisinnige Eugénie. Ihre Kühnheit und ihr unabhängiger Geist machen sie im Frankreich des 19. Jahrhunderts bereits zu einer Abnormität, aber es sind ihre Visionen von Geistern und ihre Kommunikation mit den Toten, die sie in eine neurologische Anstalt bringen. In der Irrenanstalt trifft Eugénie auf Frauen jeden Alters, einige suchen Hilfe wegen verschiedener Krankheiten, andere wurden dorthin gebracht, um vergessen zu werden. Was sie alle erwartet, ist ein System des Misshandels, der Herablassung und der Entmenschlichung. Wie es sich für ein Zeitdokument gehört, ist "Die Tanzenden" elegant inszeniert und nutzt den Handlungsraum zu einem glorreichen Werk. Lou de Laâge und Mélanie Laurent sind geradezu magnetisch und verleihen ihren Rollen zu gleichen Teilen Wärme und Kalkül. Das Resultat ist eine unwahrscheinliche Freundschaft, die sich auf der Leinwand gut darstellt und das Gleichgewicht von Spiritualität und Wissenschaft, gut zur Geltung bringt. In diese Geschichte über die hässlichen Wahrheiten des institutionellen Missbrauchs ist eine sanftere Geschichte darüber eingeflochten, was es bedeutet, wirklich geheilt zu werden. Fürsorge ist etwas, das aus Verbundenheit und Herzlichkeit entsteht und aus dem Wunsch, anderen zu helfen, wo immer man kann. Die poetische Ironie von "Die Tanzenden" besteht darin, dass sich jede der verrückten Frauen als eine größere Heilerin erweist als jeder der Ärzte, die ihre Therapie beaufsichtigen. Diese Frauen erzählen sich ihre Erlebnisse, beschützen sich gegenseitig und geben alles, was sie haben, um ihren Mitschwestern zu helfen. Der Film hat eine große Wirkung und ist eine Botschaft, die ins Herz trifft. "Die Tanzenden" hat mehrere Qualitäten, die ihn zu einem durchaus kompetenten Drama machen. Der Film ist eindeutig feministisch ausgerichtet und geht sogar so weit, Girl Power zu thematisieren. Das ist keine Kritik an dem Film, aber es ist ein Gedanke, der bei der Sichtung des Films in seiner Gesamtheit berücksichtigt werden sollte. Der Film ist gut, aber er ist sehr vorhersehbar. "Die Tanzenden" taucht gerade erst über die Oberfläche seiner Kernthemen auf und bietet Missstände als Interpunktion für die mäandernde Handlung. Die Laufzeit fühlt sich nicht wirklich angebracht an, da der Film bei all seiner Pompösität nicht sehr viel vermittelt. Es ist nicht leicht, ein eindeutiges Urteil über "Die Tanzenden" zu fällen. Die Darstellung des weiblichen Zusammenhalts und der gemeinsamen Erlebnisse ist großartig und gibt der Handlung einen Sinn. Jedoch wagt sich der Film nicht an die dunklere Seite seines Themas heran. Das Endprodukt ist ein ausgezeichnetes schauspielerisches Werk, das in der Mitte ein wenig ausgehöhlt wirkt.

In Bobby Millers Film "The Cleanse" geht es um Paul (Johnny Galecki), der von seiner Verlobten verlassen wird und sich für eine geheimnisvolle Heilmethode anmeldet, die von dem Guru Ken Roberts erfunden wurde. Nach einer Gruppentherapie wird er für ein "Let's Get Pure" Seminar in einer kleinen Klasse ausgewählt, zu der auch die spröde, sich selbst dramatisierende Schauspielerin Maggie, der aggressive Scherzkeks Eric und seine ruhigere Freundin Laurie gehören. In einer motelähnlichen Anlage tief im Wald stellt die strenge Mutter Lily (Anjelica Huston) das Programm auf die Beine, das fast ausschließlich aus dem Trinken von literweise einem Gebräu besteht, das auf die speziellen Anliegen der Teilnehmer zugeschnitten ist. Paul lässt sich darauf ein und verschlingt den Faulschlamm, woraufhin er ein würmförmiges Geschöpf auskotzt, das sich zu einer abstoßenden, aber gleichzeitig niedlichen Kreatur entwickelt, die seine psychischen Störungen verdeutlicht. Er entwickelt eine tiefe Zuneigung zu dem kleinen Untier und freundet sich mit Maggie an, die einen ähnlichen Homunkulus aus Fleisch und Blut hervorgebracht hat. Der zynische Eric macht eine Kehrtwende und wird in sein Ungebild verliebt und possessiv, während Laurie, die ihn zu diesem letzten Versuch überreden musste, um ihre Beziehung zu retten, eine schlechte Reaktion auf den Vorgang hat und ein frühes Opfer ist, was die Unbarmherzigkeit des Robertschen Systems zeigt. Vom Ton her ähnelt "The Cleanse" dem Film "The Lobster", in dem Außenseiter in einer waldigen Umgebung versuchen, sich in eine unvernünftige Gesellschaft einzufügen, in der extreme Biomutationen ein akzeptierter Teil des Lebens sind, obwohl er sich viel mehr auf seine Hauptcharaktere konzentriert. Das Robertsche System will eine Lektion erteilen, indem es von den gereinigten Individuen verlangt, den Prozess durch Eliminierung abzuschließen. Tatsächlich vermittelt es aber eine andere, wertvollere Botschaft, da die Klienten die ekelhaftesten, aber dennoch menschlichen Teile ihrer selbst erkennen und sogar lieben lernen. Johnny Galecki (The Big Bang Theory) ist normalerweise ein Comedy-Darsteller, aber er zügelt seinen Schnittstil, um die absurde Lage des Helden überzeugend und involvierend auf trockene Weise zu gestalten.

"Medea" ist ein Arthouse Film im wahrsten Sinne des Wortes. Es ist Pier Paolo Pasolinis Interpretation des berühmten Stücks von Euripides, das 431 v. Chr. uraufgeführt wurde. Er richtet sich nicht an ein allgemeines Publikum, sondern an diejenigen, die nicht nur die griechische Tragödie, sondern auch poetische Wendungen, kopfzerbrechendes Philosophieren, eine verworrene Geschichte und ein Tempo schätzen, das ebenso sehr von den Gefühlen der Figuren wie von ihren Aktionen bestimmt wird. Wenn es das Ziel der Kunst ist, den Betrachter die Dinge anders sehen zu lassen, dann hat Pier Paolo Pasolini es geschafft. "Medea" wirkt antik und authentisch. Es fehlt der moderne Soundtrack, der Emotionen wecken soll, und die Kostüme, die aussehen, als kämen sie direkt aus dem Kleiderschrank von Cecil B. De Mille. Außerdem gibt es in diesem Film nur sehr wenige Dialoge, wodurch die Erzählstruktur von Euripides großzügig abgeändert wird. Das Stück von Euripides beginnt damit, dass Jason bereits in Korinth mit der Barbarin Medea lebt, einer Zauberin, die ihn verhext hat und mit der er zwei Kinder hat. Im Stück verlässt Jason Medea, um die Tochter des Königs Kreon zu heiraten und seine gesellschaftliche Stellung zu verbessern. Was folgt, ist der Stoff für eine griechische Tragödie. "Medea" ist die Geschichte einer verlassenen Frau, deren Rache nur von einer Wahnsinnigen, ob barbarisch oder zivilisiert, vollzogen werden kann. Sie tötet. Und tötet. Und das Töten ist Teil der Kultur ihres Volkes, ihres Glaubenssystems. In einer Eröffnungssequenz wird ein junger Mann als Opfer ausgewählt, rituell bemalt, an ein Kreuz gebunden, dann bewusstlos geschlagen und brutal zu Tode gehackt. Sein Blut wird an eifrige Erwachsene und Kinder verteilt, die ihre Schalen hinhalten, damit sie das Blut auf die Blätter ihrer Pflanzen reiben können, um eine reiche Ernte zu sichern. Pasolini kommt zu all dem, aber erst im zweiten Akt seines Drehbuchs. Im ersten Akt wird der Zentaur vorgestellt, der mit dem jungen Jason spricht, den er während einer Säuberung gerettet hat, bei der Jasons Onkel seinem Vater den Thron entrissen hat. Jason ist der rechtmäßige Erbe, und der Zentaur legt mit seinen Überlegungen zum Leben den philosophischen Grundstein für "Medea": "Es gibt nichts Natürliches in der Natur, alles ist heilig, aber das Heilige ist auch ein Fluch. Vielleicht bin ich zu sehr ein Lügner oder zu poetisch. Spricht er zum jungen Jason. Der erwachsene Jason macht sich auf den Weg, um den Thron seines Onkels an sich zu nehmen, aber wie ihm der Zentaur ebenfalls vorausgesagt hat, wird ihm aufgetragen, zuerst das Goldene Vlies zurückzubringen, das mit seiner Familienlinie verbunden ist. Und so macht er sich auf den Weg, er marodiert, er trifft Medea, und der zweite Akt nimmt die Erzählung und die Themen von Euripides wieder auf. "Medea" wurde 1969 uraufgeführt, und Maria Callas, die Pier Paolo Pasolini für die Titelrolle besetzte, war zu dieser Zeit eine international bekannte Opernsängerin. Es war sehr gewagt, eine Sängerin für eine nicht musikalische Figur zu besetzen, und das in einer Rolle, für die sie nur wenige Zeilen hatte. Aber Pasolini gefiel ihr Aussehen, und tatsächlich verleiht sie der Darstellung eine Präsenz, eine Würde des Barbarentums, die Euripides selbst andeutete. Gedreht in Italien, der Türkei und Syrien, zeigt uns "Medea" Landschaften, wie es nur wenige Filme tun. Und er deckt ein ganz anderes Terrain ab, als wir es bei Filmen über die antike Welt gewohnt sind. Ich habe den Film genossen, aber er erfordert viel Nachdenken und Überlegung. Da der Zentaur zwei Formen annimmt, eine antike und eine neue, werden wir aufgefordert, über die Beziehung zwischen Mythos und Realität nachzudenken und über seine frühere Erklärung, dass nur diejenigen, die mythisch sind, realistisch sind. Wir werden aufgefordert, über die Implikationen von barbarisch und zivilisiert nachzudenken und die Tiefen des Leids und der Trauer zu verstehen, die einen Menschen, gleich welcher Art, dazu bringen würden, die Dinge zu tun, die Medea begangen hat. Abgesehen von der Brutalität, wer könnte die Rolle der Medea besser spielen als eine Frau, die sich selbst in der gleichen Situation befand? Vielleicht ist das ein Grund, warum Maria Callas uns ohne Worte die Tiefen von Medeas antiker Welt und ihrem ebenso antiken Selbst erkennen lässt.

"Elephant Song", eine auf die große Leinwand übertragene Theaterproduktion, ist ein psychologisches Kammerspiel mit einer guten talentierten Besetzung, darunter das Regiewunderkind Xavier Dolan (I killed my Mother) als Michael Aleen, ein spielfreudiger Psychiatriepatient, der mit Dr. Toby Green konkurriert, einem ebenfalls gestörten Psychiater, gespielt von Bruce Greenwood. Der Filmtitel bezieht sich auf Michaels Obsession mit Elefanten, eines von mehreren Merkmalen, die auf den Einfluss von Peter Shaffers Equus hinweisen. Regisseur Charles Binamé verleiht dem Stück von Nicolas Billon aus dem Jahr 2004 eine angenehm zurückhaltende Bildgestaltung und penible Kulissen im Stil der Mittsechziger, bleibt aber ansonsten seinen bühnengebundenen Wurzeln treu. Die zentrale Handlung spielt sich an einem Nachmittag nach dem plötzlichen Verschwinden des Psychiaters Dr. Lawrence ab, der zuletzt von Michael gesehen wurde. Als Chefarzt und nicht praktizierender Psychiater beschließt Dr. Green, den Fall zu untersuchen, anstatt die Polizei zu rufen, mit der wackeligen Begründung, dass sich das Hospital einen Skandal nicht leisten kann. Schon nach kurzer Zeit wird klar, dass Michael viel mehr über Dr. Greens tragische Lebensgeschichte weiß als der Arzt über seinen Patienten. Dr. Green und die Krankenschwester Susan Peterson (Catherine Keener) verhandeln geschickt die rasanten Gefühlswechsel, und Xavier Dolan ist absolut überzeugend als blasierter, mutterfixierter Erzmanipulator mit tiefen seelischen Narben. Es ist eine Glanzleistung von Dolan, die dazu verhilft, dass "Elephant Song" etwas ist, bei dem es sich lohnt, dranzubleiben. Der Film ist ein handwerklich gut umgesetztes, wenn auch nicht sonderlich einprägsames Psychodrama mit kleinem Umfang, aber großer Vision. Es ist ein Film, der neugierig macht und seine Prämisse zur vollen Zufriedenheit erfüllt.

In "Love Bites" von Regisseur Antoine de Caunes folgen wir Antoine (Guillaume Canet), einem Nachtschwärmer, der die Angewohnheit hat, die Namen anderer Personen zu benutzen, um in die besten Nachtclubs der Stadt zu gelangen. In einer Nacht benutzt er den Namen Jordan, einer mysteriösen und schwer erreichbaren Nachteule, die überall und gleichzeitig nirgends zu sein scheint, um eine aristokratische Veranstaltung zu infiltrieren. Doch die Pläne laufen nicht wie gewünscht. Er wird in das Büro des Veranstalters der Party, eines Mannes namens von Brulow, eingedrängt. Obwohl er zugibt, dass er gelogen hat, um hineinzukommen, glaubt von Brulow, dass Antoine der Mann ist, den er braucht, um den Mann zu finden, den er sucht, den bereits erwähnten mysteriösen und schwer fassbaren Jordan. Mit seinem Freund, dem Stricher Etienne, auf den er sich verlassen kann, und selbst dann nur, wenn es in seinem eigenen Interesse ist, gerät Antoine in die Untergrundwelt der Spelunken, Hundekämpfe und Fetischclubs, wo er sich auf die Suche nach dem mythologischen Jordan macht. Antoine, der eher ein Hochstapler als ein Detektiv ist, gelingt es, einige Informationen über den Mann herauszufinden. Am wichtigsten ist, dass er eine Schwester namens Violaine (Asia Argento) hat. Und dass sie zusammen zwei der letzten verbliebenen Vampire sind, deren Vater auf dem Totenbett verlangte, dass sie zusammen ein Kind zeugen, um das Überleben der Rasse und die Wiedererlangung ihrer Kräfte zu garantieren. Er erfährt jedoch, dass Violaine den letzten Willen ihres Vaters abgelehnt und die Annäherungsversuche ihres Bruders zurückgewiesen hat. Als sich die beiden schließlich begegnen, ist Antoine sofort von ihrer verruchten, lüsternen Erscheinung angetan. Es ist jedoch unklar, ob sie dasselbe empfindet oder ihn nur für ihre eigenen Interessen manipuliert. Während er immer tiefer in eine Welt eintaucht, die von einer unstillbaren Begierde getrieben wird, werden die Dinge immer obskurer, je näher er der Wahrheit kommt, oder vielleicht auch nur dem Tod. Insgesamt ist "Love Bites" ein unterhaltsamer kleiner Vampirfilm mit einer Asia Argento in erotischen Dessous, dem es gelingt, die Aufmerksamkeit des Zuschauers zu halten. Er ist keineswegs einer der besten Vampirfilme der Filmgeschichte, aber er ist gut gemacht und auf jeden Fall einen näheren Blick wert.

Der Fotojournalist Fukamachi erfährt von der Existenz einer Kamera, die angeblich George Mallory gehörte, einem Bergsteiger, der 1924 versuchte, den Everest zu besteigen, aber verschwand und ein großes Fragezeichen hinterließ, ob er es geschafft hat oder nicht. Wie viele andere vor ihm ist Fukamachi besessen von dem Berg und den Männern, die ihr Leben riskieren, um ihn zu besteigen. Besonders Habu Joji, ein berühmter Bergsteiger, der in Ungnade gefallen und aus der Öffentlichkeit verschwunden ist. "Gipfel der Götter" ist eine französischsprachige 2D-Animationsverfilmung einer Manga-Serie, die von Jiro Taniguchi geschrieben und illustriert wurde, und ist ein auffallend beeindruckendes Filmwerk, das jedoch ebenso emotional erschütternd sein kann wie seine Umgebung. Die Qualität der Animation ist außergewöhnlich hoch. Regisseur Patrick Imbert fängt die wechselnden Stimmungen des Berges mit stimmungsvollem Licht und kräftigen Farben ein. Der nüchterne Ton und das gemessene Tempo werden jüngere Zuschauer vielleicht nicht ansprechen, und auch das Thema, die hartnäckig besessene Welt des Kletterns, ist eher abgelegen. Es ist das unerwartete Angebot einer Kamera von einem zwielichtigen Straßenhändler in Nepal, das Fukamachi auf den Aufenthaltsort des mysteriösen Habu Joji aufmerksam macht. Er sieht, wie der legendäre Bergsteiger die Kamera von dem Gauner zurückfordert, der sie ihm gestohlen hat. Zurück in Japan kommt Fukamachi nicht von der Idee los, dass die Kombination aus der Kamera und dem rätselhaften Habu eine Titelgeschichte ergeben könnte, die die Kletterwelt erschüttern würde. Nachdem er den unbekümmert zuvorkommenden Redakteur einer offensichtlich ungewöhnlich wohlhabenden Publikation überzeugt hat, kehrt Fukamachi in die kleine Stadt in den Ausläufern des Himalaya zurück, wo sich Habu vermutlich aufhält. Doch was Fukamachi letztlich fasziniert, ist nicht die Kamera und ihr unentwickelter Film, sondern die Frage, was diese Männer dazu treibt, ihr Leben zu riskieren. Die Animation fängt die Persönlichkeit jedes Ortes, ob in Japan oder Nepal, so lebendig ein, dass es fast schade ist, dass ein Großteil des dritten Aktes der Geschichte auf einer schneebedeckten Bergwand stattfindet. Aber selbst das ist von einem Gefühl der Dramatik und Unvorhersehbarkeit durchdrungen. Patrick Imbert fängt die Stimmungen ein, die das Eis dem Wetter abgewinnt. Düstere Rosatöne und blaue Lavendeltöne sehen prächtig aus, weisen aber auch auf die tückisch wechselhaften Bedingungen hin. Blutige Rottöne unterstreichen Fukamachis Unsicherheit. Dasselbe gilt für das Sounddesign, das unter der Oberfläche der Schönheit ein knisterndes Gefühl der Bedrohung entstehen lässt. Dieses strukturierte Porträt des Berges ist elegant umgesetzt, aber die Konzentration des Films auf die Schaffung eines Gefühls für den Ort muss in Abwesenheit von Dialogen und menschlicher Interaktion viel leisten. Obwohl "Gipfel der Götter" im Kern eine Erlösungsgeschichte ist, ist sie am interessantesten, wenn sie die Beweggründe der Bergsteiger beleuchtet. Aber so wie der Berg seine Geheimnisse nicht so leicht preisgibt, tun das offenbar auch die Männer nicht, die alles riskieren, um ihn zu bezwingen.

Das Schöne an "The Clinic" von Regisseur James Rabbitts ist, dass er sich wie ein Film der alten Schule anfühlt. Anstatt sich auf Folterporno und Goreszenen zu konzentrieren, erleben wir stattdessen echte Spannung, denn der Film ist eher ein packender Thriller als ein schockierender Horrorfilm. An der Besetzung gibt es alles in allem wenig zu beanstanden. Jeder erfüllt seine jeweilige Rolle adäquat und die Inszenierung war zudem besser, als ich es mir gedacht hatte. Es hat nicht geschadet, dass Tabrett Bethell und die anderen Akteure sehr sympathische Charaktere sind, denn wenn es darauf ankommt, was meiner Meinung nach am schwierigsten ist, haben sie alle ihre Figuren sehr gut dargestellt. Ich habe die Mehrzahl der Protagonisten nicht gehasst, was mich positiv überrumpelt hat. Bei diesen Independent Filmen ertappe ich mich oft dabei, dass ich mich über die Masse der Leute auf dem Bildschirm aufrege, mit denen ich eigentlich sympathisieren sollte. Das war hier nicht der Fall. Die Rollen wurden alle hinreichend einfühlsam gespielt, und die Charakterentwicklung in den meisten Szenarien gab mir keinen Grund, mich auf das Ableben eines der Guten zu freuen. Mein einziger Kritikpunkt an "The Clinic" ist das Finale das dem Zuschauer mit seiner Schlussszene einen schrecklichen Abschluss beschert. Es ist eigentlich eine annehmbare, wenn auch etwas grobschlächtige Handlung, denn es gab einige überflüssige Stellen und Ungereimtheiten an einigen Punkten. "The Clinic" ist aber einen Blick wert, weil er bis zu den letzten 15 Minuten sehr abwechslungsreich ist, und es gibt ziemlich viel Morast, so dass auch die Gore-Hunde auf ihre Kosten kommen dürften. Es lohnt sich, den Film anzuschauen, aber erwartet keine üppige Entschädigung.

Eine sich kreiselnde Taschenlampe, ein Pistolenschuss, eine blutige Einschusswunde, ein angeschnittenes Streichholz, ein rotes Motorrad bei Nacht, das mit Benzin gefüllt wird, ein Absturz, eine Flucht auf einem Motorrad und eine zugedröhnte Unterkunft in einem Betonbunker. Die wortlosen ersten zehn Minuten von "Encounters" von Regiesseur Camilo Restrepo sind ein fieberhafter Vorbote der nächsten sechzig Minuten. Eine pulsierende, gewalttätige Collage von Bildern und Gefühlen, aus der wir versuchen können, einen Zusammenhang herzustellen. "Encounters" ist ein narrativer Film, und zwar ein täuschend einfacher, aber seine Kraft kommt von der Intensität seiner visuellen und auditiven Zeichen, die wie eine dichte Montage übereinandergeschichtet sind. Nachdem Pinky (Luis Felipe Lozano) den charismatischen Anführer der kriminellen Bande, deren zweiter Kommandant er war, getötet hat, ist er auf der Flucht und erzählt von den Jahren, die er mit der Bande verbracht hat, und von ihrer Philosophie der Überlegenheit über die Gesellschaft durch die Ausübung von Gewalt. In seinem Versteck wirft ein Oberlicht Schatten, die an die kantigen, rechteckigen Formen erinnern, die für die Eröffnungssequenzen der Italowestern von Sergio Leone charakteristisch sind. Es ist ein wichtiger visueller Ankerpunkt. Camilo Restrepo führt die abstrakten und magisch realistischen Qualitäten dieses imaginierten amerikanischen Westens zu ihrem logischen, rauschhaften Ende. Regisseur Camilo Restrepo und sein Stammkameramann Guillaume Mazloum nehmen die bis zur Realitätsferne gesteigerte Gewalt ihrer Filme, ihre Ultramaskulinität, ihre Momente halluzinatorischer Subjektivität, und erweitern sie in ihre eigene Welt, um eine kaleidoskopische, gestörte Realität zu schaffen. So fesselnd die Bilder von Mazloum auch sind, es ist wohl das Sounddesign von "Encounters", das sie zum Leben erweckt. Begleitet von den mechanischen, befremdlichen Geräuschen des Verkehrs, einer Bekleidungsfabrik und eines Einkaufszentrums wirkt Pinkys Erzählung wie ein Geständnis aus einem feurigen Abgrund, in dem er uns mitteilt, dass er und seine Mitkultisten die Welt um sich herum als nichts weiter als Materie betrachten, die nach ihrem Willen gebogen werden kann. Die Tätigkeit der Bande, gefälschte Marken-T-Shirts herzustellen, verwurzelt die Welt in globalisierten Märkten und sozialer Ausbeutung. "Encounters" vermeidet direkte sozioökonomische Kommentare und betont stattdessen die metabolischen Auswirkungen der Globalisierung auf die individuelle menschliche Erfahrung. Die Metaphysisierung seiner Waffe, auf deren Griff er "This is my life" eingraviert hat, steht für die verdrehte Identität des Mannes, dem sie gewidmet ist. Später erinnert eine Fabel über einen Vater und zwei Brüder, die in ein Fallloch schauen, um eine Parallelstadt zu sehen, an Jean Cocteaus Orphée. Dass "Encounters" eine Fiebervision des Fegefeuers ist, daran gibt es keinen Zweifel.

Wenn man genau auf Bernard Wesphaels Gesten während seines selbstverliebten, langatmigen Interviews achtet, geht er nahtlos vom dreifachen OK-Handzeichen zu einem anderen luziferischen Zeichen über, dem Baphomet. Kurz darauf lässt er zur Betonung zweimal das okkulte freimaurerische Notrufzeichen aufblitzen. Gleichzeitig plappert er unaufhörlich, schließlich ist er ein Politiker. Ich hatte erwartet, dass ihm der Kopf vom Hals bricht. Das hätte die Monotonie und Langweiligkeit seiner Monologe sicher aufgelockert. Ich erwähne die Handzeichen, weil Veronique Pirotton an Halloween gestorben ist, einem wichtigen okkulten Feiertag. Wurde sie geopfert? Bernard Wesphael behauptet, etwas zu oft, Atheist zu sein, aber das ist eine übliche Tarnung. Lügner neigen dazu, zu viel zu sagen, und dieser Mistkerl hält nie den Mund. Er hat auch die Angewohnheit, Dinge zweimal zu sagen. Im Laster geboren, sag es zweimal, oder wie war das noch gleich? Ich würde "Unter Verdacht: Der Fall Wesphael" mit drei 6en bewerten, wenn Moviepilot mich ließe. In den seltenen Momenten, in denen Bernard Wesphael nicht darüber quasselt, wie gut er aussieht, ist er auf eine unheimliche Art überzeugend. Unmöglicher Humor im Überfluss, der zeigt, dass die Wahrheit oft seltsamer ist als die Fiktion, denn wir erfahren, dass Bernard Wesphael von einem Herrn mit dem tatsächlichen Nachnamen De Cock betrogen wurde! Der eigentliche Leckerbissen hier ist Wesphaels umwerfende Tochter Saphia, die ein echter Fuchs ist. Leider kommt sie kaum vor die Kamera, da ihr Vater die meisten Nahaufnahmen für sich beansprucht. Die Aufnahmen der Sicherheitskamera sind ziemlich erschreckend und wahrscheinlich der beste Teil. Veronique Pirotton in ihrer ganzen Schönheit und voller Leben zu sehen, nur Stunden vor ihrem frühen Tod. Tragisches Zeug. Ich weiß nicht mehr, ob es Nietzsche war, der das gesagt hat, und ich paraphrasiere: Viel über sich selbst zu reden, kann ein Weg sein, sich zu verstecken.

"The Penalty" von Regiesseur Wallace Worsley, beginnt mit einer Titelkarte, die einen Unfall im Stadtverkehr ankündigt, und wir sehen, dass ein kleiner Junge bei einem Unglück schwer verletzt wurde. Dr. Ferris hat dem Jungen irrtümlicherweise die Beine amputiert, was der ältere Kollege des Arztes, Dr. Allen, ihm auf indiskrete Weise mitteilt. Der Junge belauscht ihr Gespräch und Dr. Allens Plan, die Eltern des Jungen zu beschwindeln, indem er behauptet, die Amputation habe das Leben des Jungen gerettet. Doch obwohl der Junge beharrlich bemüht ist, die Lüge zu erzählen, kann er nichts tun. Jahrzehnte später ist der Junge zu einem skrupellosen Herrscher der Unterwelt von San Francisco herangewachsen, der nun als Blizzard (Lon Chaney, in einer der stärksten Performances in einem Stummfilm) bekannt ist. Er treibt kuriose Geschäfte, unter anderem hält er eine Anzahl von Frauen als Geiseln, die Strohhüte weben. Jeder, der ihn verlässt, wird ermordet, und wir werden Zeuge seiner Brutalität, als er eine vagabundierende Frau vor aller Augen ermorden lässt. Die Polizei weiß, dass Blizzard, der Krüppel aus der Hölle, eine weitreichende, ruchlose Operation im Gange hat, und schickt eine Agentin um Blizzards Privatleben zu infiltrieren. Während die Agentin namens Rose sein Vertrauen gewinnt, entdeckt Blizzard einen Weg, seinen Plan zu vollenden. Er will den Arzt, der ihn verstümmelt hat, zwingen, ihm neue Beine zu implantieren, mit denen er dann in der Stadt sein großes Verbrechen begehen will. Barbara, die Tochter von Dr. Ferris, hat kürzlich eine Anzeige aufgegeben, in der sie Menschen sucht, die wie Satan aussehen und für eine Skulptur Modell stehen. Blizzard scheint der ideale Kandidat zu sein, und da er es so arrangiert, dass sich niemand anderes auf die Anzeige meldet, bekommt er den Job, sehr zum Leidwesen von Barbaras Verehrer, dessen Beine er will, und ihrem Vater, der sofort erkennt, wer Blizzard ist. Damit ist der Weg frei für einen Intensivkurs in Sachen Schicksal, und jemand muss dafür büßen. Lon Chaney, der sich für seine Rollen immer selbst ein verrücktes Make-up ausdachte, übertrifft sich hier selbst. Seine Beine sind in einer komplizierten Vorrichtung hinter ihm festgeschnallt, während er auf den Knien geht. Die Schmerzen waren so stark, dass er sie oft nicht länger als zehn Minuten am Stück tragen konnte, was zu dauerhaften Schäden an seinen Beinmuskeln führte. Hier sehen wir ihn als Hauptdarsteller in einem Stummfilm, wie er herumhumpelt und an Wänden hochkrabbelt, und man vergisst, dass er eigentlich Beine hat, die da drin stecken. Blizzard ist ein gewalttätiger, bösartiger und geistesgestörter Charakter, und doch kann man sich des Gefühls nicht verwehren, dass er mit seinen Absichten im Recht ist. Wenn er für die verzärtelte Barbara posiert und ihr mit schmerzverzerrtem Gesicht erzählt, dass er so viel über Bildhauerei weiß, weil sein Vater ihn nach seiner Verkrüppelung grausam verstoßen hat, ist das einer von vielen Momenten, die Chaneys unnachahmliches Talent für Traurigkeit, Schmerz und Wut zeigen. Jeder andere bleibt auf der Strecke, wenn Chaney auf der Leinwand zu sehen ist, denn seine bösen Pläne sind fast so albern wie die von machtgierigen Comicbösewichten. Chaney war die wütende, die verbitterte, die desillusionierte Legion. Heutzutage haben wir die Fantasie des Superhelden, doch Lon Chaney war der Star einer Reihe von Figuren, die Akzeptanz, Rache oder beides wollten.

Pier Paolo Pasolinis "Edipo Re - Bett der Gewalt" ist eine verrückte, brutale Parade von Primitivismus, Psychosen und schrägen Kopfbedeckungen. Das Schauspiel, wie es Sophokles selbst inszeniert haben könnte, wenn er unter dem Einfluss eines starken Nervengifts gestanden hätte. Diese Art der Inszenierung alter literarischer Werke als närrische Festspiele ist eine von Pasolinis Vorlieben, die von einem echten Gespür für die willkürliche Verrücktheit von Ritualen durchdrungen ist, für den Sinn der Menschen, die sich im Einklang mit unbegreiflich groteskem Aberglauben schmücken. Die Vielfalt der abstrusen Kopftrachten in diesem Film würde für ein Museum ausreichen. Meterhohe walzenförmige Goldkronen, Helme aus bogenförmigen Eisenelementen, die von der Krempe eines scheibenförmigen Hutes baumeln, Girlanden aus geflochtenem Schilf, die nicht waagerecht um den Kopf, sondern senkrecht um das Gesicht getragen werden. Sogar das Orakel von Delphi ist mit von der Partie und trägt eine große, an einen Schneemenschen erinnernde Töpfermaske, aus deren Spitze ein Pflanzenzweig emporragt. Es ist, als wäre das antike Leben ein einziger großer Akt der Übertrumpfung durch Kopfschmuck. "Edipo Re - Bett der Gewalt" bleibt trotz Pasolinis skurrilen Ansinnens intakt. Das Melodrama spielt sich mit all seiner bestürzenden Unausweichlichkeit ab und folgt Ödipus vom Findelkind über den vatermörderischen Wahnsinnigen zum inzestuösen König bis hin zum blinden, umherirrenden Narren. Pasolini inszeniert die Handlung so unverblümt, so roh, dass wir Zeugen einer uralten Aufführung sein könnten, die von den Filmkameras neugieriger Unirdischer aufgezeichnet wurde. Die schauspielerischen Leistungen sind sehr unterschiedlich. Franco Citti, ein körperlich beeindruckender, wenn auch technisch ungeschickter Schauspieler, schafft einen Ödipus, der völlig frei von psychologischen Schwächen zu sein scheint. Der buchstäblich ein übergroßes Kind ist. Als Jocasta zeigt Silvana Mangano die Art von subtiler technischer Beherrschung, die Citti gänzlich fehlt, aber sie hat nicht genug Szenen, um einen wirklichen Charakter zu zeigen. Pasolini verwendet sie hauptsächlich als die Verkörperung einer überwältigenden weiblichen Präsenz. Die zentralen psychologischen Themen des Ödipus, die seit Freud eine psychiatrische Abhandlung nach der anderen hervorgebracht haben, werden von Pasolini mit wenig Finesse angegangen. Die Emotionen werden in typischer Pasolini-Manier hemmungslos über die Leinwand gebrüllt. Ödipus ist ein rasender Wahnsinniger. Die Szene, in der er seinen Vater, Laios, den König von Theben, tötet, ist ein Wutausbruch, der selbst einen Klaus Kinski erröten lässt. Pasolini ist weniger am Melodramatischen interessiert als daran, die Idee der Psychose als eine Art universellen menschlichen Zustand zu vermitteln. Dies ist nicht Ödipus, die große tragische Figur. Dies ist Ödipus, der Psychopath. Es gibt wenig an dieser Figur, das man als erlösend bezeichnen könnte. Er ist ein feiger, kindischer, rücksichtslos vor Gewalt kochender Blender. Er trägt einen falschen Bart, um zu zeigen, dass er ein falscher König ist, und nachdem er sich selbst geblendet hat, um die Schrecken nicht sehen zu müssen, die er selbst entfesselt hat, versetzt Pasolini ihn in die moderne Welt für eine Art ironische Coda. "Edipo Re - Bett der Gewalt" ist keine Einführung in die griechische Literatur des Sophokles, sondern eine Ausgrabung von Sophokles auf die Art von Brutalität, die Pasolini antreibt. Die Frage, die man sich erneut stellen muss, lautet: Wie zum Teufel kommt Pasolini damit durch? Warum wird das Material, das in den Händen eines anderen Regisseurs als Ausbeutung und Geschmacklosigkeit erscheinen würde, in Pasolinis Werk zum Stoff primitiver, moderner Kunst? Es gibt nichts besonders Schönheitssinniges in den Bildern, abgesehen von der wilden Ästhetik der prähistorischen Kulissen. Es gibt fast nichts von dem hochkulturellen Rausch, den Symbolisten ihren filmischen Meisterwerken zu verleihen wussten. Das Geheimnis ist wohl Pasolinis Geradlinigkeit, sein völliger Verzicht auf moralische Verstellung. Er ist einer der wenigen Regisseure, denen es gelingt, Ödipus in ein Beispiel für die psychotische Natur des Menschen zu verwandeln und dennoch nicht als hochmütigen Idioten erscheinen zu lassen. Er zerreißt "Edipo Re - Bett der Gewalt" aus dem Reich der drögen Hochkultur und verwandelt ihn in einen Schrei psychopathischer Tobsucht, der in einer Welt spielt, die so unergründlich ist wie der menschliche Verstand.

"Diamanten der Nacht" von Regiesseur Jan Nemec macht merkwürdige Eindrücke auf mich. Nicht merkwürdig im surrealistischen Sinne, sondern so unverständlich, als würde man in einer großen leeren Halle jemandem zuhören, der aus einem anderen Raum in ein Mikrofon spricht. Das meiste ist ein dröhnendes Echo und statisches Rauschen, aber wenn man innehält und sich konzentriert, wird hin und wieder ein Wort hörbar, so dass sich nach einer Weile aus den Informationsfetzen ein Ganzes ergibt, das vielleicht nicht kohärent, aber sinnvoll und ganzheitlich ist. Als "Diamanten der Nacht" herauskam, kannte das Mainstream-Kino diese Sprache noch nicht. Der Film erzählt eine Geschichte, aber das ist nicht alles, was er tut, und es ist auch nicht alles, was er anstrebt. Er erzählt eine Lebenssituation als geträumt oder halluziniert. Er beschreibt es dem Zuschauer nicht einmal, sondern lässt ihn es selbst erleben. "Diamanten der Nacht" beginnt damit, dass wir durch den Wald rennen, Schüsse in der Ferne ertönen, wir werden gejagt, graben unsere Nägel in den Dreck, rennen bergauf, um Schutz zu suchen. Jetzt sind wir in der Kälte der Nacht zusammengekauert, um uns zu wärmen, und jetzt sind wir in der Zeit und in der Erinnerung zurück, um ein zerbrochenes Schrapnell des Lebens zu erleben, wie es einmal war, oder wie wir jetzt glauben, dass es war. Die tschechischen Filme der Neuen Welle waren in der Regel heitere und humorvolle Bilder des täglichen Lebens, die sich nicht von ihrem Publikum distanzierten. Soweit sie avantgardistisch waren, standen sie selten im Widerspruch zu einem Kino, das der durchschnittliche Tscheche, der den Preis für eine Kinokarte bezahlen konnte, genießen durfte. Wenn Milos Forman oder Jiri Menzel die Marotten des einfachen Volkes zeigten, dann nicht, um den Intellektuellen zu unterhalten oder zu informieren, sondern um eben dieses einfache Volk zu erreichen, das vielleicht noch einen Vater hat, der in einem Dorf lebt. Sie bejahten das Leben, wie es die Menschen, die es lebten, kannten. "Diamanten der Nacht" ist nicht so. Es ist hartes, anspruchsvolles Kino, das nicht jeden ansprechen wird. Es gibt nur sehr wenige Dialoge, und die Erzählung folgt keinem Handlungsstrang. Sie ist zyklisch und schwer fassbar, deutet andere Dinge an, die vielleicht passiert sind oder auch nicht, oder die sich wiederholen, als würde uns jemand verfolgen, und wir laufen durch den Wald, wir laufen im Kreis, und ab und zu laufen wir durch dieselbe Lichtung, die wir wiedererkennen, und wir sehen uns selbst durch diese mitlaufen. Das Besondere an "Diamanten der Nacht" ist, dass es keine Rolle spielt, dass sie aus einem Konzentrationslager geflohen sind und dass sie gegen die Nazis kämpfen. Es lässt den Prunk und die feierliche Kontemplation des Dramas des Zweiten Weltkriegs weg. Es könnte sich um zwei beliebige junge Menschen handeln, die aus irgendeinem Grund durch einen zufälligen Wald gejagt werden. Aber es wird jemand gejagt, und in dieser Jagd steckt Wahrheit und Bosheit.

"Susanna - Tochter des Lasters" von Regiesseur Luis Buñuel ist ein verstoßenes Mädchen von Film. Zu Beginn sehen wir Susana in einer Erziehungsanstalt, aber die Hintergründe, die sie dorthin gebracht haben, bleiben unklar. Wir erfahren nur, dass sie in den zwei Jahren ihrer Anwesenheit nichts Neues gelernt hat und sich genauso widerspenstig und rebellisch verhält wie bei ihrer ersten Einweisung in diese Institution. Sie wird in eine dunkle und widerwärtige Höhle gebracht, in der es von Nagetieren und Spinnen wimmelt. Wir wissen nichts über die Gründe für diese Bestrafung und können nicht anders, als mit ihr Mitleid zu haben. Was auch immer sie getan haben sollte, es entschuldigt nicht diese unmenschliche Behandlung. Susana ist fromm, und der Gott, den sie anruft, ist gutherzig und edelmütig. So geschieht das Wunder, dass die Gitterstäbe der Gefängniszelle, an der sie rüttelt, plötzlich nachgeben und es ihr gelingt, in eine Nacht voller Finsternis und unerbittlichem Niederschlag zu entkommen.

Sie kommt ins Paradies.

Die Familie eines Großgrundbesitzers nimmt sie auf, nachdem sie ihnen ein Bündel von Lügen erzählt hat. Sie darf als Dienstmädchen arbeiten und gewinnt das Vertrauen und die Zuneigung der Mutter, während der Vater ihr zunächst skeptisch gegenübersteht. Aber auch der Spross der Familie und der Verwalter leben auf dem Anwesen und es entgeht ihnen nicht, dass Susana eine besondere Attraktivität ausstrahlt. Da das Mädchen auch ihre weiblichen Reize einzusetzen weiß, fallen sie beide auf sie herein. Susana scheint jedoch nicht in der Lage zu sein, echte Emotionen zu entwickeln. Das Leben ist für sie nur ein schurkisches Spiel, bei dem sie die Regeln selbst bestimmt. Ihr Ziel ist es, die bestehende Ordnung zu zerstören. Als schließlich auch der Gutsherr den Verlockungen der Liebe erliegt, kehrt sich die Ausgangssituation um und nichts bleibt, wie es war. Die Mutter wird zur erbitterten Feindin, Vater und Sohn zu Rivalen. Das Spiel ist vorbei, und wie so oft in einem Melodrama ist es der zurückgewiesene Liebhaber, der es zum Einsturz bringt. Am Schluss bedeutet die Episode mit Susana für die Familie des Gutsbesitzers nicht mehr als die Erinnerung an einen Albtraum. Und nachdem die Ausgangslage wiederhergestellt ist, können die Charaktere nicht umhin, sich zu fragen, ob alles wirklich passiert ist. Der genaue Hinseher wird zu einem anderen Resultat kommen. Er wird die grundlegende Fragilität einer nur scheinbar konsolidierten Systematik erkennen. Und er wird nicht vermeiden können, eine alarmierende Parallele zu seinem eigenen Dasein zu ziehen, in dem ebenfalls nichts mehr gesichert und glaubwürdig ist.

"Oktober" von den Regisseuren Grigori Alexandrow und Sergei M. Eisenstein erzählt die spannende Geschichte über die Oktoberrevolution in Russland im Jahr 1917. Der Film ist nie langweilig. Die Bilder sind so innovativ, dass sie manchmal geradezu beängstigend sind. Hier begegnen wir Kerenski, dem Chef der Provisoriumsregierung, die nach dem Sturz von Zar Nikolaus die Macht übernahm. Wie in den meisten Fällen von Revolutionen gab es eine Reihe von Meutereien, Protesten, gewalttätigen Demonstrationen und all die anderen traurigen Ereignisse, bis die Bolschewiki schließlich triumphierten und einen kommunistischen Staat errichteten. Ein optisches Spektakel. Zuerst sehen wir Kerenski, in Großaufnahme, sein Gesicht niedergeschlagen und grinsend wie ein Raubtier. Dann werden er und seine Kumpane von Aufnahmen eines bronzenen Pfaus unterbrochen, der ruckartig den Kopf hebt, sich umsieht und die Federn seines prächtigen Schwanzes spreizt. Wir haben das Konzept verstanden. Und wenn nicht, keine Sorge. Eisenstein zeigt uns wenig später eine Aufnahme von Kerenski, der mit verschränkten Armen dasteht und die Stirn runzelt. Dann ein Schnitt auf eine Statue von Napoleon in genau derselben Pose. Haben wir irgendwelche Zweifel an einem bestimmten General? Die Zweifel werden zerstreut, als wir Zeuge einer kunstvollen Statue des ehemaligen Kaisers werden, die einst auseinandergerissen und nun wieder zusammengesetzt wurde, während der Film rückwärts läuft und den verhassten Zaren Stück für Stück wieder ganz macht. Etwa nach der Hälfte des Films brannte in meinem Gehirn eine Sicherung durch und ich war völlig verwirrt. Ich konnte mich nicht erinnern, wer wer war. Die Figuren gingen völlig ineinander über. Rotrussen und Weißrussen wurden zu Rosaroten Russen. "TURNCOATS!", schreit die Titelkarte. Abtrünnige gegen wen oder gegen was? Hier kommt General Kirinov auf seinem weißen Pferd. Soll ich applaudieren oder auspfeifen? Ich weiß, dass ich das eine oder das andere tun sollte, denn abgesehen von der Tatsache, dass es ein Augenschmaus ist, ist das Propaganda. "Oktober" endet mit dem Sieg der Bolschewiki und der Errichtung eines kommunistischen Staates, der auf den Theorien von Karl Marx basiert, der Russland selbst nie besucht hat. Ich frage mich, ob das Publikum 1928 genauso laut gejubelt hätte, wenn es die Jahre unter Stalin hätte voraussehen können, der vielleicht für mehr russische Tote, sinnlose Tote, verantwortlich war als Hitler?

"Orfeu Negro" unter der Regie von Marcel Camus basiert auf einem Theaterstück, das eine Adaption des griechischen Mythos von Orpheus und Eurydike darstellt. Die Geschichte ist modernisiert und spielt in einer Favela in Rio de Janeiro zur Karnevalszeit. Alle sind aufgeregt und bereiten sich auf den Karneval vor. Die Kinder tanzen, die Frauen tanzen sexy und ungehemmt, während sie ihren täglichen Aktivitäten nachgehen. In diese festliche Atmosphäre kommt die schüchterne Eurydike, die ihre Cousine Serafine besucht, um einem Mann zu entkommen, der sie angeblich umbringen will. Sie geht zur Endstation des Zuges und trifft dort auf den gut aussehenden Schaffner Orfeu, der sie anmacht, aber sie stößt ihn weg. Eurydikes Cousine ist froh, sie zu sehen, obwohl sie erwartet, dass ihr Freund Chico bald nachfolgt. Orfeu ist mit der temperamentvollen Mira verlobt, die noch am selben Tag die Heiratsurkunde erhalten möchte. Als der Mann auf dem Standesamt Orfeus Namen hört, fragt er Mira, ob sie Eurydike sei. Da Mira die Geschichte nicht kennt, wird sie eifersüchtig und will wissen, wer sie ist. Schließlich verlieben er und Eurydike sich ineinander, und die Mythologie spielt mit dem kostümierten Tod, der in der Nähe lauert. "Orfeu Negro" ist ein erstaunlich schöner, überschwänglicher Film voller Farben, Landschaften, großartiger Musik, Tänzen und fröhlichen Menschen, die den Karneval in ihren bunten Kostümen genießen. Ich wäre nachlässig, wenn ich nicht die beiden Kinder Benedito und Zeca erwähnen würde, die Orfeu überall hin folgen und glauben, dass sein Gitarrenspiel die Sonne am Morgen aufgehen lässt. Die Schlussszene, in der die beiden Jungen tanzen und sich ein kleines Mädchen zu ihnen gesellt, ist traumhaft. Oscar-Gewinner für den besten fremdsprachigen Film 1960.

Ein schönes Beispiel für den Neorealismus des italienischen Regisseurs Vittorio De Sica. Das Drehbuch wurde von Cesare Zavattini auf der Grundlage seiner Vorlage geschrieben. Die Darsteller sind Amateure, und es gibt eine wirklich herzerwärmende Leistung von Carlo Battisti, der "Umberto D." spielt. Der Schwarz-Weiß-Film behandelt die universellen Themen der Gleichgültigkeit der Gesellschaft gegenüber älteren und armen Menschen sowie die verletzende Einsamkeit und Isolation des Einzelnen. Das beklemmende großstädtische Melodrama hat bis zum Schluss keinen einzigen glücklichen Moment. "Umberto D." beginnt in Rom, wo die Polizei eine friedliche Gruppe demonstrierender Rentner auflöst, die eine Erhöhung der Sozialleistungen fordern. Unter ihnen ist auch Umberto D. Ferrari, ein älterer Beamter im Ruhestand. Er hat 30 Jahre lang als Beamter im Ministerium für öffentliche Angelegenheiten gearbeitet. Umberto's kleine Rente reicht nicht aus, um seine Miete zu bezahlen. Die einzige Person, die ihn gut behandelt, ist das Hausmädchen Maria, das für eine hochmütige und gemeine Vermieterin arbeitet. Umberto ist deprimiert, hat weder Freunde noch Verwandte und verkauft sein Hab und Gut, um die Miete bis zum Monatsende bezahlen zu können, sonst droht ihm die Zwangsräumung. Er täuscht eine Krankheit vor, um in ein katholisches Krankenhaus gebracht zu werden, aber die Ärzte entlassen ihn nach ein paar Tagen mit der Begründung, er habe eine Mandelentzündung, sei aber zu alt für eine Operation. Die Vermieterin lässt aus Bosheit seinen Hund, Flag, auf die Straße. Als er weg ist, muss er ins Tierheim eilen, um den Hund zu retten, seinen einzigen Freund in der eiskalten Welt. Maria ist zu sehr mit ihren eigenen Sorgen beschäftigt, um ihm zu helfen, denn das unverheiratete Mädchen ist schwanger und der Vater ist entweder ein Soldat aus Florenz oder Neapel. Als sie den Soldaten zur Rede stellt, wird sie abgewiesen. Der depressive Rentner, der am antiken Pantheon bettelt, scheitert, und seine ehemaligen Freunde aus der Arbeiterklasse nehmen seinen Hinweis auf einen Kredit nicht an, was ihn in Suizidgedanken stürzt. Doch schließlich kann er es nicht ertragen, Flag ohne ein liebevolles Zuhause zu lassen und beschließt widerwillig, mit Flag in einem öffentlichen Stadtpark zu spielen. Regiesseur Vittorio De Sica zeichnet ein bewegendes und sensibles Porträt eines würdevollen Mannes, dessen Notlage wirklich die des modernen Menschen ist. Er erzählt, wie dieser einfache Mann an den Abgrund gedrängt wird, bis hin zu Selbstmordideen, aber nie seine Würde verliert, während er darum kämpft, einen Weg zum Überleben zu finden, indem er einfach ein normales Leben führt. Der Einzige, der zu ihm hält, ist sein treuer und gut erzogener kleiner Hund. Regiesseur Vittorio De Sica schafft es geschickt, Sentimentalität und Banalität zu vermeiden, und seine einfache Erzählung hinterlässt eine tiefe und zeitlose Botschaft.

Im ersten Jahr der Oscarverleihung, in dem Schauspieler zum ersten Mal für ihr gesamtes Werk und nicht nur für eine bestimmte Leistung nominiert wurden, erhielt Janet Gaynor den Preis für die beste Schauspielerin. Doch wenn "Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen" von bleibender Bedeutung ist, dann deshalb, weil es das meist geehrte Werk des deutschen Regisseurs Friedrich Wilhelm Murnau ist, der den Verlockungen Hollywoods erlag und diesen Film als seine erste amerikanische Produktion schuf. Murnau drehte nur noch vier weitere Filme und starb 1931 vorzeitig bei einem Autounfall. Als homosexueller Mann hätte ihm die Atmosphäre des von den Nazis kontrollierten Kinos, das bald in sein Heimatland kommen sollte, sicher nicht gefallen, und einen Produzenten wie Joseph Goebbels nicht sehr sympathisch gefunden. Es gibt keinen Verweis auf die Nationalität der Hauptdarsteller George O'Brien und Janet Gaynor und der übrigen Darsteller. Ich glaube, das war Absicht, denn Murnau wollte eine universelle Geschichte über wahre Liebe und den Triumph der Tugend erzählen. Gaynor spielte sowohl im Stummfilm als auch im Tonfilm fast immer Landfrauen, so auch hier. Ihr Mann O'Brien hat es schwer auf der Farm und fällt einer Stummfilmverführerin, gespielt von Margaret Livingston, zum Opfer. Ihr Rat, die Frau einfach zu töten und mit ihr durchzubrennen, stößt auf Ablehnung. Doch das treibt O'Brien in den Wahnsinn. Gaynor spürt, dass etwas nicht stimmt und hat eine Zeit lang Angst vor ihrem Mann. Die Geschichte ist simpel, aber die Kameraführung ist faszinierend. "Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen" gewann sogar zwei weitere Oscars, für die beste Produktion und den ersten Oscar für die beste Kamera. Die von Murnau geschaffenen Bilder der Stadt, insbesondere der Jahrmarkt, auf dem Gaynor und O'Brien ihre Romanze wieder aufleben lassen, sind unvergesslich. Und der Film hat gute Spezialeffekte, insbesondere die Überschwemmungssequenz. Ich fand es interessant, dass Murnau in "Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen" kaum Titelkarten verwendete, weniger als in den meisten Stummfilmen. Er zog es vor, seine Bilder die Geschichte erzählen zu lassen. Und es ist eine wirklich schön erzählte Liebesgeschichte.

"Die Maske" von Malgorzata Szumowska beginnt mit dem unerquicklichen Anblick polnischer Käufer, die während eines Black Friday ähnlichen Chaos in ihrer Unterwäsche nach billigen Fernsehern suchen, und ist ein interessanter und schwarzhumoriger Blick darauf, was eine persönliche Identität in den Augen unserer Gemeinschaften, unserer Lieben und von uns selbst ausmacht. Mateusz Kosciukiewicz verkörpert Jacek, den ersten Menschen in Polen, der sich nach einem Arbeitsunfall, beim Bau einer riesigen Jesus-Statue, einer Gesichtstransplantation unterzieht. Infolgedessen muss sich Jacek mit der Ignoranz und Unbeholfenheit seiner eigenen Familie, seiner Verlobten Dagmara, der örtlichen Gemeinde und der Behörden auseinandersetzen und darüber hinaus untersuchen, wie viel von seinem eigenen Selbstverständnis mit seinem Aussehen zu tun hat. Mateusz Kosciukiewicz stellt Jacek nach seiner Transplantation hervorragend dar, auch wenn er stark geschminkt ist. Auch die übrigen Darsteller seiner Familie schalten effektiv um, obwohl sie größtenteils nicht ängstlich, sondern entsprechend unbeholfen im Vergleich zu den frei fließenden, wenn auch aggrolastigen Gesprächen des ersten Akts sind. Das Drehbuch lässt diesen Zusammenprall zwischen der früheren und der neuen Version von Jacek gut zur Geltung kommen. Die Persönlichkeit der Figur wird schon früh in klaren, wenn auch groben, Umrissen skizziert. Außerdem machen einige alarmierende rassistische Witze beim Familienessen deutlich, dass Jacek lediglich ein Opfer von Vorurteilen ist, an denen er in der Vergangenheit vielleicht passiv teilgenommen hat. Regiesseurin Malgorzata Szumowska setzt die Aufnahmen der lokalen Gemeinde geschickt in Szene, auch wenn die Unschärfe der Bilder teilweise überstrapaziert wird. Am wirkungsvollsten sind sie in den Szenen, in denen Jacek nach der Transplantation seinen Blickwinkel wieder einnimmt. Obwohl die Deformationen mehrerer Figuren, im übertragenen wie im wörtlichen Sinne, wirkungsvoll widergespiegelt werden, lenkt der Effekt oft ein wenig von den bewundernswerten schauspielerischen Leistungen ab. Klischeevorstellungen von Identitätskrisen werden wirkungsvoll ausgespart, während Kosciukiewicz noch Soloszenen hat, in denen sich Jacek fragt, was er überhaupt verloren hat und was er vielleicht nie wirklich hatte.

"Die Mutter" schildert den Kampf einer Frau gegen die zaristische Herrschaft während der russischen Revolution von 1905. Das unverfälschte und erschütternde stumme Frühwerk der geschäftigen sowjetischen Propagandafilmindustrie Mitte der 1920er Jahre ist ein Triumph auf vielen Ebenen. Regie führt Vsevolod Pudovkin, ein weniger bekannter Regisseur unter den Vordenkern des Jahrzehnts, der aber von seinen Anhängern wegen seines innovativen und oft sehr persönlichen Ansatzes als Legende gefeiert wird. Der Film wurde von einer internationalen Kritikerjury auf der Brüsseler Weltausstellung zum sechstbesten Film gewählt, verliert aber oft das Rampenlicht an Eisensteins kühnes, rohes, ungezähmtes "Panzerkreuzer Potemkin". "Die Mutter" erzwingt in seiner stillen Weisheit eine äußerst kraftvolle und lebendige Darstellung eines individuellen Kampfes in einer Zeit der sozialen Instabilität. Während sich die meisten Werke der sowjetischen Stummfilmzeit der 1920er Jahre auf die Mentalität der Massen konzentrieren und der Kampf eher wie ein Bayeux-Teppich der Verwirrung und Unterdrückung dargestellt wird, ist Pudovkins Werk wunderschön anzusehen, und von den ersten gewagten Momenten von "Die Mutter" an werden wir in unseren erfrischend kleinen Kreis von Hauptfiguren eingeführt: einen Vater, eine Mutter und einen Sohn. Nur wenige Zuschauer werden sich nicht mit einer Person in dieser Konstellation identifizieren können, da die gealterte Kameraarbeit von dem Film auch nach dem renommierten Test der Zeit einen Rahmen bietet, der einen Einblick in die einzigartigen und doch miteinander verbundenen Kämpfe jedes Familienmitglieds bietet. "Die Mutter" entfaltet sich kristallklar vor den Augen eines jeden Betrachters, ein lebendiges und atmendes Stück kraftvoller politischer Kunst zu einem verheerend langsamen Aufruhr für eine neue Zero Nation. Während die realistische Gewalt und Unterdrückung voranschreitet, ein zeitloses und formelhaftes Gut, dem ein Film wie "Die Mutter" irgendwie gerecht werden muss, liegt etwas in der Luft, das ein wenig anders riecht. Wir werden immer wieder an die mütterliche Bindung erinnert, an ihre Kraft und Macht, eine Seele in unerträgliche Qualen zu treiben, und daran, wie ein solches Regime, gegen das diese Filme Propaganda machen, sie direkt durchtrennen kann. Diese Verbindung, die "Die Mutter" erforscht, ist so flüchtig und hart, wie es das begrenzte Medium des Stummfilms, Schwarz und Weiß, und diese Formel der Zeit, die selbst von der Zeit verehrt wird, erlauben können. Pudovkins Geschick mit seinem erhabenen Meisterwerk von 1926 schafft ein überwältigendes Einfühlungsvermögen und gibt dem Publikum die völlig exklusive Möglichkeit, eine neue Revolution mit den Augen der zerbrechlichsten und emotional verletzlichsten Menschen zu sehen.