Chainsaw Charlie - Kommentare

Trotz einiger anfänglicher Science-Fiction Anklänge ist "Das Himmelsschiff" eine romantische Fantasy mit starken religiösen Untertönen. Der Abenteurer Avanti Planetaros, dessen Name so viel bedeutet wie Auf zu den Planeten, beschließt, eine Reise zum Mars zu unternehmen. Seine Pläne werden von einem Skeptiker mit dem treffenden Namen Professor Dubius verspottet, der in Wirklichkeit eifersüchtig und rachsüchtig ist. Nach zwei Jahren ist das Raumschiff Excelsior, ein interplanetarisches Flugzeug mit zwei Propellern, das nicht annähernd so cool aussieht wie einige der Versionen auf den Filmplakaten, fertig und eine internationale Besatzung reist zum roten Planeten, wo sie eine ruhige, erdähnliche Welt vorfindet, die von friedlichen Vegetariern bevölkert wird, die den Krieg schon vor langen Zeiten hinter sich gelassen hat. Der Film wurde zu einer Zeit gedreht, als der Erste Weltkrieg blutig geführt wurde, und die Botschaft "Gebt dem Frieden eine Chance" ist nicht allzu subtil. Die Marsmenschen leben in einer idyllischen Gesellschaft, führen keinen Krieg, haben keine Waffen und scheinen sich nur von Früchten zu ernähren. Die Männer sehen sehr päpstlich aus in langen weißen Gewändern, die mit Ankhs verziert sind, sie tragen Stäbe und haben Hüte auf, die wie päpstliche Mitren aussehen, während die Frauen neoklassische weiße Kleider tragen und mit Blumen geschmückt sind. Ein älterer Marsianer findet das Essen und den Wein der Erde geschmacklos und fragt, woher wir das tote Fleisch bekommen. Avanti antwortet, indem er einen marsianischen Vogel aus der Luft abschießt, der vor den entsetzten und verachteten Füßen des Alten tot zu Boden fällt. Die Entdecker sehen die Erde als das, was sie ist, nämlich korrupt, sündig und gewalttätig. Avanti verliebt sich auch in Marya, die Tochter des Anführers der Marsianer, und möchte, dass sie sich ihm anschließt, wenn er zur Erde zurückkehrt.
Der Film ist offenkundig religiös. Marya hat einen sehr marianischen Blick, die Besatzung des Raumschiffs betet häufig, und der marsianische Glaube schließt ein Leben nach dem Tod ein. Als Science-Fiction-Film ist "Das Himmelsschiff" eine bizarre Mischung aus fantasievoll und hart. Die Reise wird sechs Monate dauern, und die psychologischen Auswirkungen der langen Isolation in einem beengten Raumschiff werden zum Problem. Es gibt einige schöne Beispiele für Schwarzweißaufnahmen, vor allem auf dem Mars, aber die Schauspieler sind typische Stummfilm Histrioniker. Die Geschichte ist langatmig und fade, und die Spezialeffekte beschränken sich auf die absurde Excelsior, ein interplanetarisches Flugzeug mit zwei Propellern, das nicht annähernd so cool aussieht wie einige der Versionen auf den Filmplakaten.

In "Camp - Tödliche Ferien" reisen vier junge Amerikaner nach Spanien, um als Betreuer in einem Sommercamp zu arbeiten, aber ein unsichtbares Grauen schleicht sich an die Gruppe heran und schlägt zu. Noch bevor die Kinder in dem europäischen Ferienlager ankommen, bricht im Streichelzoo unter den Tieren, vor allem einem harmlosen Hund, eine Raserei aus. Die Gruppe findet bald heraus, dass ein unerklärlicher Virus die Ursache für die Aggression sowohl der Menschen als auch der Tiere ist. Eines nach dem anderen werden die Tiere gebissen und mit dem tödlichen Virus infiziert, während die Gruppenmitglieder vor der schrecklichen Plage fliehen. Die Folge ist der Biss gegen einen der Betreuer, der die fatale Seuche in der Gruppe auslöst. Die Mitglieder versuchen daraufhin verzweifelt, der Gefahr zu entkommen. Doch das Camp befindet sich in der Wildnis und ist weit weg von der Zivilisation.
"Camp - Tödliche Ferien" entfaltet sich mit dem gleichen Gefühl paranoider Umnachtung wie die Infektion, deren Auswirkungen er beobachtet, und bleibt geschickt in seinem Erzähltempo und seinen endlosen narrativen Überraschungen, selbst wenn seine Figuren zunehmend durch eine Reihe von Verletzungen an ihren Beinen, Füßen und anderen Körperteilen beeinträchtigt werden. Der Film mischt Merkmale von Camp-Slashern und Zombiefilmen in sein eigenes berauschendes Gebräu und ist uns immer ein paar Schritte voraus, und dabei urkomisch böse.

"Pity" des griechischen Regisseurs Babis Makridis ist ein verstörendes und oft sehr komisches satirisches Drama aus Griechenland/Polen. Das zweite gemeinsame Drehbuch von Makridis und Efthimis Filippou der auch die Drehbücher zu Yorgos Lanthimos' "Dogtooth" und "The Lobster" schrieb, beschäftigt sich mit dem komplexen, urmenschlichen Wunsch nach Empathie und der Distanz, die wir bereit sind zu gehen, um sie von unseren Mitmenschen zu erlangen. Ein zunehmend verzweifelter Mann, der ausdrückliches Mitgefühl benötigt, ist ein namenloser Held, der zum Bösewicht wird, überzeugend gespielt vom griechischen Komiker Yannis Drakopoulos. Er lebt in einer malerischen Küstenstadt in Griechenland in einer symmetrischen, hochwertigen Wohnung mit seinem Sohn und seinem treuen Hund. Er arbeitet in einem Büro, kümmert sich routinemäßig um seinen Sohn, geht gelegentlich an den Strand und besucht seine komatöse Frau, die vor kurzem einen schweren Unfall hatte, im Krankenhaus. Die anhaltende Tragödie seiner Frau kommt ihm gerade recht, denn er ist süchtig nach Mitgefühl und egoistischer Zuwendung zu anderen. Sei es eine mitfühlende Kollegin, die ihn umarmen will, oder eine besorgte Nachbarin, die ihm jeden Morgen einen Orangenkuchen backt. Doch als seine Frau zu gegebener Zeit erwacht und das Wohlwollen der Fremden stirbt, muss er Situationen erfinden, um die Mitleidsparty in die Länge zu ziehen.
"Pity" zeichnet sich durch eine ruhige Farbpalette aus, die mit den spärlichen Kompositionen harmoniert. Makridis' Verwendung von negativem Raum in jedem Bild alarmiert und isoliert den Zuschauer absichtlich. Der Film verdüstert sich allmählich zwischen zum Lachen witzigen und grenzwertig lustigen Momenten und erinnert unweigerlich an den roboterhaften Rhythmus und den unbequemen Humor der Filme von Yorgos Lanthimos, denen Paolo Filippou als Drehbuchautor seinen unverwechselbaren Stempel aufdrückt. Am Ende wirkt der Film eher wie ein gelungenes Experiment als eine ausgefeilte Erzählung mit einer gewichtigen Pointe. Doch hinter der makellosen Fassade verbirgt sich ein fast zufälliger Subtext, über den es sich nachzudenken lohnt. Sind wir alle süchtig nach ständiger Dramatik und konsequenter Bestätigung in unserem täglichen Leben? Eine berechtigte Frage.

Im Mittelpunkt von "A Classic Horror Story" steht eine Gruppe ungleicher Charaktere, darunter Elisa und Mark, die von einer mysteriösen, unheimlichen Gruppe gesichtsloser Bösewichte angegriffen werden. Die Regisseure Roberto De Feo und Paolo Strippoli nutzen dieses vertraute Setting anfangs mit entschiedener und frustrierender Unzulänglichkeit, denn die erste Hälfte des Films leidet unter einer absichtlichen und ungeheuer generischen Sensibilität, die durch einen völligen Mangel an überzeugenden Charakteren noch verstärkt wird. Die völlige Langeweile wird allerdings gelegentlich durch einige angenehm grausame Tötungssequenzen unterbrochen. Es besteht auch wenig Zweifel daran, dass die alles andere als überzeugende Stimmung von "A Classic Horror Story" zu Beginn durch die Betonung surrealer Ereignisse verstärkt wird, wobei De Feo und Strippoli bestimmte Teile des Films mit einer "Ist das alles real oder ist das nur das Fegefeuer"-Haltung versehen, die sich als ziemlich verhängnisvoll erweist. Das heißt, es ist schwer, in einem solchen Kontext viel Sympathie für die gefährlichen Handlungen der Figuren aufzubringen. Es ist also klar, dass der Film von einem letzten Drittel profitiert, das die Dinge komplett auf den Kopf stellt, obwohl die zugegebenermaßen faszinierenden Entwicklungen letztendlich viel zu spät kommen, um einen wirklichen Unterschied in der Gesamtwirkung von "A Classic Horror Story" zu machen, was in Kombination mit einer augenrollenden, albernen und selbstverliebten Schlussszene den Platz des Films als ein fast erfolgreiches Unterfangen zementiert, das einfach nicht ganz funktioniert.

"The Manor", geschrieben und inszeniert von Axelle Carolyn, spielt mit vielen Ängsten des Alterns, vom Verlust der eigenen Fähigkeiten bis zum Verlust der Familie und allem, was dazwischen liegt. Judith ist eine Frau, die für ihr Alter körperlich noch recht gesund ist, doch schon bald wird bei ihr Demenz diagnostiziert. Während sie mit dieser Diagnose und der Tatsache kämpft, dass ihre Familie sie lieber in einem Heim unterbringt, als sie in ihrem eigenen Haus zu pflegen, lernt sie, mit ihrer neuen Situation zu leben und mit möglichen übernatürlichen Ereignissen umzugehen. Auch die Menschen in ihrem Umfeld tragen dazu bei, die Geschichte voranzutreiben, in deren Mittelpunkt sie steht. Die Tatsache, dass die Hauptfigur und viele andere Charaktere über 70 Jahre alt sind, ist eine schöne Abwechslung zu den meisten übernatürlichen Filmen, die es gibt. Allein diese Abwechslung verleiht dem Film einen frischen Wind und gibt dem Publikum etwas Neues zu sehen. Natürlich bringt diese Gruppe von alternden Charakteren ihre eigenen Schwierigkeiten mit sich, die sich von den üblichen Problematiken in Horrorfilmen unterscheiden. All dies wird mit Sorgfalt und Respekt für die Hauptfiguren und das Thema inszeniert.

Die Rolle der Judith wird von Barbara Hershey gespielt, die großartig ist. Sie gibt ihrer Figur Persönlichkeit und Verletzlichkeit und verleiht ihr Dimension und Emotion. Sie spielt diese Figur mit genau den richtigen Nuancen und dem richtigen Touch. Ihre neuen Freunde werden von Bruce Davison, Fran Bennett, Jill Larson und Nancy Linehan Charles gespielt. Jeder von ihnen bringt etwas völlig anderes mit und zeigt die verschiedenen Facetten des Alterns. Diese Nebendarsteller sind wunderbar zu beobachten.

Die Kameraarbeit von Andrés Sánchez verleiht der Geschichte und dem Schauplatz ein altes, fast gothisches Gefühl. Andrés Sánchez' Arbeit lässt das Herrenhaus manchmal wie eine eigene Figur erscheinen, mit imposanter Statur und furchterregender Erscheinung. Diese Arbeit hier ist ein großer Teil des Films und ein wesentlicher Aspekt der Geschichte.

"The Manor" ist ein gelungener Beitrag zum Subgenre der Spukhäuser. Der Film ist nicht besonders angsteinflößend, aber er hat viel mehr zu bieten als Jump Scares, was ihn zu einem viel stärkeren Film macht. Die Angst vor dem Älterwerden und dem Alleinsein ist etwas, das die meisten Erwachsenen irgendwann einmal durchmachen. Der Film spielt damit, indem er übernatürliche Elemente hinzufügt und etwas Unbekanntes schafft, vor dem man Angst haben kann.

Der 1946 gedrehte und 1947 veröffentlichte Film "Die Lady von Shanghai" war einer der großen Filme, die Regiesseur Orson Welles nach seiner Rückkehr aus dem relativen Exil für "Citizen Kane" drehte. Dieser düstere, brütende Film, der die frühe Paranoia des Kalten Krieges zum Ausdruck bringt, ist ein typischer Film-Noir-Thriller. Die Kameraführung dieses Films ist voll von Welles' charakteristischen Eigenheiten wie seltsamen Blickwinkeln, schnellen Schnitten, langen Schwenks und unheimlicher Beleuchtung. In vielerlei Hinsicht können die atmosphärische Straßenmusik und die geheimnisvollen chinesischen Figuren und Sequenzen in Chinatown nur als Inspiration für Roman Polanskis "Chinatown" angesehen werden. Leider ist es Welles' Besessenheit vom technischen Filmemachen, die den Film als Ganzes beeinträchtigt. Die Handlung dieser Geschichte verliert sich oft in einem manchmal unverständlichen Wirrwarr von Filmtechniken.
Doch trotz dieser Kritikpunkte macht die Geschichte in Verbindung mit den wunderbaren Leistungen von Welles, Hayworth und vor allem Glenn Anders "Die Lady von Shanghai" zu einem Vergnügen. Orson Welles beherrscht nicht nur den irischen Brogue, sondern auch die zerrissenen Identitäten des ehrlichen, aber gefährlichen Seemanns. Rita Hayworth, die damals mit Welles verheiratet war, bricht mit ihren üblichen Rollen als Sexgöttin und übernimmt eine Rolle mit echter Tiefe und Widersprüchen. Glenn Anders' seltsame und bizarre Darstellung des Anwaltspartners von Elsas Ehemann ist geradezu klassisch. Das Ende ist eine ikonische, Dali-eske Darbietung von Funhouse-Spaß und extremer filmischer Extravaganz bis zum Äußersten. Woody Allen zollt diesem Film am Ende von "Manhattan Murder Mystery" sogar Tribut.

"The Tale of the Fox", einer der ersten Animationsfilme der Welt, ist auch 90 Jahre nach seiner Fertigstellung noch aktuell. Die Geschichte basiert auf alten Fabeln über den großen anthropomorphen Fuchsschwindler Reynard. Der schlaue und wortgewandte Fuchs verdient seinen Lebensunterhalt, indem er die anderen Tiere des Königreichs betrügt und bestiehlt, was den König der Löwen schließlich dazu veranlasst, mehrere seiner Diener auszusenden, um den Fuchs zu fangen und seinem sorglosen Lebensstil ein Ende zu setzen. Der Fuchs erweist sich als alles andere als leicht zu stoppen, selbst für die besten Männer des Königs.
Ich war schon immer ein Fan von Animationsfilmen, und die charmante Stop-Motion-Technik von "The Tale of the Fox" lässt einen Fan nicht im Stich. Die Macher haben sich sichtlich Mühe gegeben, die Puppen lebensecht aussehen zu lassen. Vor allem der Löwenkönig und seine zurückhaltende Löwenkönigin sehen mit all den Details in ihren Gesichtern und Kostümen nicht nur hervorragend, sondern auch witzig aus. Auch die Bewegungen der Figuren und der Kamera sind gut durchdacht. Die actiongeladenen komödiantischen Szenen und der niedliche kleine Karneval der Frösche und Mäuse haben mich vor Begeisterung zum Lachen gebracht. Die Kampfszenen und die ausgeklügelten Fallen des Fuchses im Schloss am Ende sind purer Slapstick, der sich mit vielen Live-Action-Komödien dieser Zeit messen kann. Auch die Musik und die französischen Stimmen sind erstklassig und in keiner Weise veraltet. So lustig die Possen des Fuchses auch sind, man kann mit seinen leichtgläubigen Opfern mitfühlen, denn sie wirken lebensecht. Seien es Bären, Wölfe oder Katzen. Zwischen den mittelalterlichen Schauplätzen gibt es auch einige offensichtliche Anspielungen auf die moderne Gesellschaft, die dem Film seine anhaltende Relevanz verleihen. Die Zeitungsanzeige, das kommentierte Sportduell und der übermäßig talentierte Anwalt Badger, der die Wahrheit verdreht wie die besten Strafverteidiger ala Saul Goodman.
Da das Ende die vorhersehbare Botschaft, dass das Böse belohnt wird, vermeidet, kann "The Tale of the Fox" allen Liebhabern klassischer Filme nur wärmstens empfohlen werden. Es ist zu hoffen, dass dem Film mehr Aufmerksamkeit geschenkt wird, denn er ist vielen modernen Animationsfilmen, die nur auf lautes Geplapper oder bunte CGI setzen, sicherlich überlegen.

"Mandabi - Die Überweisung" schildert den Werdegang eines armen muslimischen Mannes aus dem Senegal, der bei dem Versuch, eine Zahlungsanweisung auf dem Postamt seines Dorfes einzulösen, mit überwältigenden bürokratischen und sozialen Zwängen konfrontiert wird. Der Protagonist, Ibrahim (Makhouredia Gueye, bescheiden und komisch würdevoll), ist ein fauler und eitler, aber im Grunde genommen anständiger Mann, ein ungebildeter Dorfbewohner, dessen unerwarteter Geldsegen zum Katalysator seines Untergangs wird. Dieser einfache, mehr oder weniger ehrliche und von Schwächen geplagte Mann wird mit der Gleichgültigkeit und Korruption der modernen Welt konfrontiert. Seine Geschichte nimmt die Qualität einer Fabel an, einer leichten, manchmal komischen Fabel. Regiesseur Ousmane Sembene, ein Beobachter der menschlichen Natur, hält seine Figuren auf Armeslänge, und durch die sorgfältige Beobachtung aus dieser mittleren Distanz gelingt es ihm, ihre grundsätzliche Gleichheit als Geschöpfe zu vermitteln, die versuchen, in einer verwirrenden, ungerechten Welt zu überleben. Es ist auch der Fall, dass diese mittlere Distanz perfekt ist, um eine absichtliche, unaufdringliche Komödie zu schaffen, in der die menschliche Torheit sanft enthüllt wird.

"Mandabi - Die Überweisung" ist auch ein Fenster in die Kultur des postkolonialen Senegal, eine Welt, die zwischen Tradition und Moderne zu schwanken scheint. Es steht außer Frage, dass Ousmane Sembene auf der Seite der kleinen Leute steht. Er tadelt Ibrahim zwar dafür, dass er sein Leben von seinen Frauen bestimmen lässt, dass er verantwortungslos mit Geld umgeht, aber er lobt ihn auch für seine Hartnäckigkeit und seinen Glauben. Dinge, auf die sich arme Menschen immer verlassen müssen. Ein bescheidener Film, aber ein kluger, trotz einer etwas erzwungenen Auflösung.

Achtung: "Cruel Summer" macht wütend!

Ich kann mich nicht erinnern, wann ich das letzte Mal Schwierigkeiten hatte, einen Film durchzuhalten. Die Brutalität gegen Danny war so schwer mit anzusehen, dass ich zweimal pausieren und weggehen musste. Ich mochte Danny, und es gab Momente, in denen ich mich abwenden musste, weil ich nicht sehen wollte, was mit ihm als nächstes passiert. Ich reagierte intuitiv, schwankte zwischen Traurigkeit und Wut, oft innerhalb von Sekunden. Das abrupte Ende war eine Enttäuschung, aber "Cruel Summer" ist exzellent gedreht, das Drehbuch ist stark, die Schauspieler sind außergewöhnlich - doch ich möchte diesen Film nie wieder sehen.

"The Trip - Ein mörderisches Wochenende", eine schwarze Komödie des norwegischen Regisseurs Tommy Wirkola. Wir treffen Lisa, eine Schauspielerin, und Lars, einen Fernsehregisseur, in einer schwierigen Phase ihrer Ehe. Sie streiten sich über ihre schwächelnden Karrieren, sind eifersüchtig aufeinander und hegen auch einen Groll gegeneinander. Lars hat eine Lösung parat: Er wird Lisa während eines Wochenendausflugs in die Hütte seines Vaters umbringen. Dort angekommen, lässt sich Wirkola Zeit, die Spannung aufzubauen, indem er sie in eine Partie Scrabble und ein Abendessen am See einbaut. Lisa enthüllt schließlich, dass sie von Lars' Plan weiß und mit ihrer eigenen Verteidigung angereist ist. Als der unbeholfene Auftragskiller, den Lars angeheuert hat, auftaucht, wird er in ihre Auseinandersetzungen hineingezogen.
Ehegeschichten gibt es heutzutage zuhauf, aber "The Trip - Ein mörderisches Wochenende" hält sich glücklicherweise von der Traurigkeit einer bröckelnden Beziehung fern und zeigt stattdessen ihre chaotische Kehrseite. Im zweiten Akt verwandelt sich der Film in einen Einbruchsthriller, als drei entflohene Sträflinge, die sich auf dem Dachboden verschanzt haben, in das Leben von Lisa und Lars eindringen. Es gibt einige Gewaltszenen, die sich lange hinziehen, vor allem eine, in der Lars mit Vergewaltigung bedroht wird. Gegen Ende gibt es ein paar zu viele plötzliche Wiederbelebungen von Figuren, von denen man dachte, sie seien bereits tot. Von einigen notwendigen Kürzungen abgesehen, macht der Film jedoch Spaß. Noomi Rapace hat mit Wirkola bereits bei Netflix' "What Happened to Monday" zusammengearbeitet, und es ist ein Vergnügen, sie im komödiantischen Modus zu sehen.
Trotz all der Gewalt und des Blutes betrachtet Wirkola Lisa und Lars immer noch mit Empathie. Es gibt einige zärtliche Momente inmitten des Chaos, aber er scheut sich auch nicht, sie ihre Wut und ihren Groll ausleben zu lassen und ihre traumatischen Erlebnisse in ein böses Ende zu verpacken. Eine rabenschwarze Komödie, die Action- und Horrorfans zufriedenstellen wird.

"Beneath - Abstieg in die Dunkelheit" ist besser als erwartet, denn seien wir mal ehrlich, wir haben einen Film über eine Gruppe von Bergleuten, die unter Felsen eingeschlossen werden, und wenn der Terror beginnt, sind keine Monster im Spiel. Es geht um den Schrecken der Situation, darum, wie die Menschen dort reagieren, was sie tun, wie sie die Dinge sehen, und genau so fühlt sich dieser Film an.
Wenn man Horrorfilme mag, schafft "Beneath - Abstieg in die Dunkelheit" eine angenehme Atmosphäre. Er ist sehr unheimlich und dunkel und spielt mit vielen unserer schlimmsten Ängste. Regisseur Ben Ketai gelingt es gut, die Spannung aufzubauen und aufrechtzuerhalten. Was das Drehbuch angeht, so ist es ein wenig abgeleitet, da es den Descent-Filmen so ähnlich ist. Außerdem fällt es mir schwer, mir vorzustellen, dass die Mine einen Besucher in die Schächte lässt, um mit den Arbeitern herumzuhängen. Dennoch, wenn man einen Film mit Nervenkitzel mag, hat dieser Film eine Menge davon. Vertraut, aber ich muss zugeben, dass er trotzdem ziemlich creepy ist.

Für viele Menschen scheint das Sprichwort, dass Schönheit nur oberflächlich ist, ziemlich offensichtlich zu sein. Wie könnte man das Wunder der Natur, sei es in Form eines Berges, einer Quelle oder einer schönen Frau, wirklich schätzen, wenn man nicht in der Lage ist, diese Dinge so zu sehen, wie sie dem Auge erscheinen? Regisseur Hiroshi Shimzu wendet diese Idee der Schönheit als etwas, das nur dem Betrachter bekannt ist, auf die Ich-Perspektive eines blinden Masseurs an, der eine kleine Stadt besucht und in das Treiben seiner Kunden verwickelt wird. Der Rest des Films spielt sich wie ein Krimi im Noir-Stil ab, nachdem Geld aus den Zimmern des örtlichen Gasthauses verschwindet, und das ist faszinierend genug, aber eine solche Handlung tritt gegenüber den Figuren und den Nuancen im Ton, die durch die Betonung der Sinne entstehen, immer in den Hintergrund. Das Ergebnis ist ein einzigartig melancholischer und nachdenklicher Film, der in einem Tempo abläuft, das damals als normal galt, auch wenn Zuschauer, die sich den Film heute ansehen, das Tempo vielleicht als unerträglich langsam empfinden, aber er mildert diesen ausgeprägt meditativen Ton mit einem unbeschwerten Sinn für Humor und Charme. Obwohl "The Masseurs and a Woman" nur etwas mehr als eine Stunde dauert, schafft es Hiroshi Shimzu, in dieser Zeit genügend Figuren und Bilder zu zeigen, um einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen, auch wenn in dieser Stunde nicht viel passiert. Das größte Highlight ist die Hauptfigur Toku, die Shimzus Themen perfekt verkörpert und eine überzeugende Mischung aus Humor, Charme und Emotionen in einem für die Zeit zufriedenstellenden Ausmaß bietet.
"The Masseurs and a Woman" kommt zu einem Schluss, der das Gefühl der vergeblichen Ironie des gesamten Films in Bezug auf die Liebe zum Detail und die schöne Cinematographie für die Augen treffend einfängt. Es handelt sich um ein zartes, fast leicht zu übersehendes Kleinod aus einem Land, das kurz vor dem Krieg stand und das sowohl das gesellschaftliche Klima als auch die Filmlandschaft verändern sollte. Im Gegensatz zu den meisten späteren Filmen des Landes gibt es hier kaum einen sozialen Kommentar, aber es gibt dennoch viel zu sehen, was paradoxerweise auf das ruhige und minimalistische Tempo des Films zurückzuführen ist. Die Kamerabewegungen und das Wissen, wann man stehen bleiben muss, sind bemerkenswert und typisch für die Virtuosität des frühen japanischen Kinostils. Sie hinterlassen unvergessliche Bilder von einer Frau, die einen Regenschirm hält und mit gesenktem Blick in einen Fluss blickt, von Regentropfen auf dem Wasser und von einer Pferdekutsche, die einen klapprigen Weg hinunterrollt, weg von dem Ort, an dem die Geschichte spielt. Schönheit, so scheint es, kann jeden überwältigen, unabhängig davon, wie gut er sie hören oder sehen kann.

Ein alter Mann liegt im Sterben und beschuldigt seine Verwandten, über ihn zu wachen wie Katzen über einen Kanarienvogel. Zwanzig Jahre nach seinem Tod versammeln sich seine Verwandten um Punkt Mitternacht in einer dunklen und windigen Nacht in seinem unheimlichen Herrenhaus, um sein Testament zu verlesen. Eine Person bekommt das ganze Geld und den gesamten Nachlass, es sei denn, sie wird für unzurechnungsfähig erklärt. Und was ist mit dem entflohenen Verrückten aus der nahe gelegenen Irrenanstalt?
"Spuk im Schloss" ist wahrscheinlich einer der ersten Filme, in denen es um eine Testamentseröffnung, ein dunkles, vermeintlich verfluchtes Haus und den Mord an Menschen geht. Von der Handlung her ist er nichts Neues und enthält einige furchtbar unlustige Komödien. Trotzdem ist er sehenswert.
Die Regie von Paul Leni ist sehr gut. Die Gegenüberstellung der Bilder war clever und er hat Spaß mit den Titelkarten. Die Darsteller sind ein wenig übertrieben, aber das ist bei Stummfilmen üblich. Der Film hat eine hervorragende Filmmusik, die den Film noch unterstreicht. Es lohnt sich also, ihn anzusehen. Wunderbar gedreht. Sicherlich ein zeitloser Klassiker des Stummfilms.

Als ich "Me and My Mates vs. The Zombie Apocalypse" sah, hoffte ich auf eine würdige Zombie-Komödie nach dem Vorbild von "Shaun of the Dead". Obwohl es gute komödiantische Momente gibt, traf der meiste Humor nicht ins Schwarze. Die Handlung ist einfach: Eine Gruppe von Freunden versteckt sich in einer Telefonzentrale, während Zombies das Gebäude umzingeln. An Geplänkel mangelt es nicht, und die Figuren unterhalten sich über die üblichen australischen Themen wie Cricket und Bier. In typisch australischer Manier werden sogar ein paar spärlich bekleidete Frauen gezeigt. Der wirkliche Wermutstropfen war das Timing einiger Handlungen. Einige der Zombies brauchten ewig, um ein paar Meter zu watscheln, aber wenn das der Witz sein sollte, hat er versagt. "Me and My Mates vs. The Zombie Apocalypse" hat keine Ahnung, wohin er will, kein Gefühl dafür, ob er eine leichte Komödie, ein Spaß für Jungs, Gore oder was auch immer sein will, und erreicht überhaupt nichts.

"Der Clan, der seine Feinde lebendig einmauert" beginnt damit, dass der Polizeihauptmann von Palermo (Martin Balsam) die Entlassung eines bekannten Kriminellen aus einer Irrenanstalt arrangiert und in aller Ruhe beobachtet, wie der Mann ein Maschinengewehr kauft, sich als Polizist verkleidet und in das Büro eines örtlichen Gangsterbosses eindringt, was zu einem Blutbad mit vier Toten führt. Der Mafiaboss scheint jedoch Wind davon bekommen zu haben und war bei der Schießerei nicht anwesend.
Franco Nero taucht daraufhin als neuer Staatsanwalt auf, der sich an die Regeln halten und den Geschehnissen auf den Grund gehen will. Wer hat dem Mafiaboss einen Tipp gegeben, dass der Typ aus der Klapsmühle entlassen wurde? Wer hat dafür gesorgt, dass der Kerl überhaupt freigelassen wurde? Franco, der Staatsanwalt, traut Balsam, dem Polizeihauptmann, nicht, und verschiedene Gespräche mit dem Mafiaboss und anderen deuten darauf hin, dass der Staatsanwalt auf der Gehaltsliste der Mafia steht oder dass der Polizeihauptmann von rivalisierenden Mafiabanden dafür bezahlt wurde, den Gefangenen freizulassen, um den Mafiaboss zu töten.
Die beiden bilden eine sehr unangenehme Allianz, in der der Polizeihauptmann andeutet, dass die meisten städtischen Angestellten von Palermo auf der Gehaltsliste der Mafia stehen, und erklärt, dass er unorthodoxe Methoden anwendet, weil der Mafiaboss und er selbst vor Jahren in einem Dorf aufgewachsen sind und der Mafiaboss einen Mann erschossen hat, der gegen die miserablen Löhne protestierte, die die Mafia den Steinbrucharbeitern zahlte. Der Staatsanwalt antwortet, er wisse, dass der Polizeihauptmann zur gleichen Zeit zwei Millionen Lire von einem Konto abgehoben habe, aber wird er ihm glauben, dass er das Geld verwendet hat, um die Leiche von Prete zu finden, der von der Mafia ermordet wurde? Obwohl der Film lang ist und wenig Action bietet, ist es leicht, sich von den schauspielerischen Leistungen der beiden Hauptdarsteller mitreißen zu lassen. Es ist noch seltener, dass Franco Nero von der Leinwand gespielt wird, aber genau das passiert hier. Man kennt Martin Balsam vielleicht als den Polizisten aus "Psycho" oder Alan Arkins Vorgesetzten in "Catch 22", aber hier bekommen wir sein ganzes Spektrum der Schauspielerei. Er ist ein harter und effizienter Polizist, aber er zeigt auch Mitgefühl für Menschen, die Dummheiten begangen haben, und ist freundlich zu seinen Kollegen, sogar zu denen, die auf der Gehaltsliste der Mafia stehen. Wo immer er in diesem Film auftaucht, wird er an seine Grenzen gebracht, und das bittersüße Lächeln auf seinem Gesicht, als ein ganzer Raum voller Mafia-Mitarbeiter über ihn lacht, ist unbezahlbar. Und er toppt diese Szene später noch.
"Der Clan, der seine Feinde lebendig einmauert" ist ein Film, der Fans von düsterem Kultkino und Liebhabern von subtiler Spannung gleichermaßen ansprechen dürfte. Mir persönlich fällt kein einziger negativer Aspekt an diesem Film ein, der einen mehr als berechtigten Kultstatus genießt. Ein Meisterwerk. Für Fans des italienischen Genrekinos wäre es ein Verbrechen, ihn zu verpassen.

Mit einer exzellenten Prämisse, die den aufstrebenden Künstler Mark in seinem Apartmentkomplex mit anderen Bewohnern unter Quarantäne stellt, und der allgegenwärtigen Bedrohung durch einen tödlichen Virus liefert "Containment" einen grüblerischen Sinn für Spannung und Horror, der den Herzschlag pochen und den Schweiß fließen lässt.
Es ist erfrischend zu sagen, dass vieles vor dem Publikum verborgen bleibt. Es wird nichts gesagt, niemand weiß, was das Virus ist, woher es kommt, und niemand wird Zeuge, was es wirklich tut. Und genau hier liegt die größte Stärke von "Containment". Regisseur Neil Mcenery-West weiß, dass nicht alle Fragen zufriedenstellend beantwortet werden können, wie es bei vielen anderen Filmen mit ähnlich faszinierenden Konzepten der Fall ist. Der Film kultiviert durchgehend eine rätselhafte Atmosphäre und macht in jeder Szene Lust, sich zu beeilen, nicht weil der Film ein Ende haben muss, sondern weil er Appetit auf Vorfreude weckt. Auch wenn dieser Appetit nie ganz gestillt wird, ist der Film dennoch ein spannendes Erlebnis.
Mark, die Hauptfigur, zieht den Zuschauer nicht sofort mit seiner Persönlichkeit in seinen Bann. Gegen Ende des Films wird jedoch deutlich, dass Mark ein mitfühlender Mann ist, der mit dem Patenkind des Films zusammenlebt und es beschützen will. Er sehnt sich danach, seinen eigenen Sohn zu finden, wenn auch nicht auf die typisch überdrehte, melodramatische Weise. Gabriel Seniors Leistung als Nicu ist eine angenehme Überraschung. Obwohl er kein einziges Wort spricht, liefert er die herzzerreißendste und wohl auch beste Leistung des Films ab.
Trotz alledem hat man das Gefühl, dass dem Film eine weitere Hälfte fehlt. Vielleicht hat die fehlende Auflösung das gute Urteilsvermögen getrübt, aber "Containment" fehlt etwas, das den Film zu einem vollständigen Erlebnis gemacht hätte. Obwohl der Film manchmal durch klischeehafte Charaktere und ein schlampiges Drehbuch getrübt wird, weckt er den brennenden Wunsch, mehr von der Welt zu sehen, die Regisseur Neil Mcenery-West geschaffen hat. Andererseits würde eine Fortsetzung nichts anderes tun, als das Geheimnis zu verderben. Es scheint eine der Zwickmühlen des Lebens zu sein.

"Tatort ... Hauptbahnhof Kairo" ist ein ziemlich gewagter Film aus einem so religiösen und strengen Land wie Ägypten, vor allem natürlich für seine Zeit. Nicht, dass es irgendetwas Schockierendes gäbe, aber die Hauptfigur ist sowohl geistig als auch körperlich behindert und die weibliche Hauptrolle ist ziemlich kokett und freizügig. Der Film behandelt auch andere Themen wie die Rechte der Frauen und den Missbrauch, nicht nur gegenüber Frauen, sondern auch den Missbrauch von einfachen Arbeitern durch die Chefs und die Verweigerung ihrer gleichen Rechte. Aber der Film ist nicht mahnend in Bezug auf eines dieser Themen, und wie gesagt, er behandelt sie nur am Rande, während die Haupthandlung des Films voranschreitet. Und der Film schreitet ziemlich schnell voran, was nicht unbedingt an seinem Tempo liegt, sondern eher daran, dass immer irgendetwas mit einer der vielen Figuren in der Geschichte passiert.
Das alles ist ziemlich geschickt und effektiv mit der Hauptgeschichte des körperlich behinderten Hausierers verwoben, der sich in die sehr attraktive Hanuma verliebt, die viel mehr Frau ist, als er je bewältigen kann. Es ist also auch eine Liebesgeschichte, die von Anfang an zum Scheitern verurteilt ist, und zum Glück hat der Film auch keine märchenhafte Geschichte.
Es ist ein etwas altmodisch gemachter Film, der auch einige ungewöhnliche Schauspielstile aufweist, aber gerade das macht ihn gleichzeitig sehr erfrischend. Es ist immer interessant, Filme aus verschiedenen Kontinenten zu vergleichen, die im gleichen Zeitraum entstanden sind. Jedes Land hat seine eigene starke Gegenwartskultur und auch eine andere Art des Filmemachens, die damit einhergeht. "Tatort ... Hauptbahnhof Kairo" wurde in der Zeit gedreht, die als das goldene Zeitalter des ägyptischen Kinos bekannt ist. Viele Menschen scheinen das nicht zu wissen, aber in den 40er und 50er Jahren wurden in Ägypten viele von der Kritik hochgelobte Filme gedreht, und dieser Film ist einer von ihnen.

Der Dokumentarfilm "Directed by Andrei Tarkovsky", der die Entstehung seines letzten Films "Das Opfer" dokumentiert und mehrere Interviews mit Tarkovskij und seiner Frau enthält, die auch aus seinen persönlichen Tagebüchern vorliest, sollte von jedem gesehen werden, der sich für die Köpfe hinter großen Filmen interessiert. Der Schwerpunkt liegt nicht so sehr auf Tarkowskijs Werk, sondern auf dem Mann selbst, seinen Ideen und seiner Persönlichkeit. In einem Interview macht er die etwas selbstironische Bemerkung, er erlebe die Welt wie Kinder und Tiere und halte sich nicht für andere Menschen, die denken und Schlüsse ziehen. Wenn man ihm zuhört, wird klar, dass er ein unglaublich analytischer Denker war und besonders gut darin, Schlussfolgerungen zu ziehen. Unabhängig von der Situation drückte er sich mit einer solchen Präzision aus, dass seine Ideen bereits vollständig ausgearbeitet zu sein schienen, bevor er überhaupt sprach. Diese Gabe des Ausdrucks ist der Grund dafür, dass jedes Bild in einem Tarkowskij-Film perfekt konzipiert und ausgeführt ist. Es herrschte nie Unklarheit über das, was er schuf, und aus den Aufnahmen vom Drehort geht klar hervor, dass seine Genauigkeit auf alle um ihn herum abfärbte. Selbst in seinem Krankenhausbett beschrieb er akribisch, wie die Farbe einer Szene im endgültigen Schnitt aussehen sollte. Nichts konnte seine Hingabe schmälern.
Dieser Dokumentarfilm lässt sich am besten genießen, nachdem man sich mit den sieben großen, komplexen und beeindruckenden Filmen Tarkowskijs vertraut gemacht hat. "Directed by Andrei Tarkovsky" ist ein hervorragender Einblick in die Gedankenwelt eines Genies und eine rührende Laudatio auf seinen Abschied. Abgesehen davon ist er auch einer der besten Filme über das Filmemachen, die je gemacht wurden. Andrej Tarkowskijs Werke haben meine gesamte Sicht auf Film, Kunst und Leben verändert

"Ausgerechnet Wolkenkratzer" ist eine der am besten konstruierten abendfüllenden Komödien der zwanziger Jahre. Harold Lloyd war weder so unverschämt einfallsreich wie Chaplin, noch so sentimental. Sein Stil war eine Art Minimalismus. Er nahm eine einfache Idee, wie die eines gescheiterten Verkäufers in einem Bekleidungsgeschäft, der dringend erfolgreich werden muss, und baute auf dieser kleinen Situation auf, bis er sich auf dem urkomischen Höhepunkt am verbogenen Minutenzeiger einer überdimensionalen Uhr an der Seite eines Gebäudes viele Stockwerke über der Straße schwingend wiederfindet. Als eine Maus an seinem Hosenbein hochkrabbelt, führt Loyd nicht nur eine Art Breakdance auf, um sie loszuwerden, sondern als er sie schließlich abschüttelt, fällt die Maus an der Seite des Gebäudes herunter und löst das Toupet eines Mannes, der aus einem unteren Fenster schaut. Und das alles geschieht ohne Matten, Netze oder Seiltechniken. Loyd hatte ein sehr bewegliches Gesicht und, wie die meisten stummen Komödianten, eine geschickte Körperhaltung. Er gibt einen entzückenden, kriecherischen Verkäufer ab.
"Ausgerechnet Wolkenkratzer" ist eine solide Stummfilmkomödie mit einer der fesselndsten Schlusssequenzen, die je in einem Film gedreht wurden. Der Film ist ein Wunderwerk der Filmkomödie der 1920er Jahre. Harold Lloyd, der manchmal als drittes Genie nach dem unglaublichen Charles Chaplin und dem unnachahmlichen Buster Keaton bezeichnet wird, war zu seiner Zeit zwar der kommerziell erfolgreichste der drei, stand aber oft im Schatten der beiden. Er war keine wandelnde Karikatur, sondern ein gutmütiger Charakter und musste für seine Lacher härter arbeiten. Aber wenn man sich die Popularität seiner Zeit ansieht, ist es offensichtlich, dass er oft die bevorzugte realistischere Alternative war, und in diesem Werk landet er auf dem ersten Platz.

1. The Clergy
2. Die Verachtung
3. Die tiefe Sehnsucht der Götter
4. Good Will Hunting
5. Die obskuren Geschichten eines Zugreisenden
6. Die Tochter
7. Johnny zieht in den Krieg
8. Kahlschlag (Regie: Max Gleschinski)
9. Die Maßnahme
10. Do Not Split

"Der Golem, wie er in die Welt kam" ist ein Kernstück des frühen deutschen expressionistischen Films, der auf Mythen und Legenden basiert. Dieser Film ist einer der wichtigsten Horrorfilme der deutschen Stummfilmzeit. Als solcher gehört er nach den Werken von F.W. Murnau und Fritz Lang zu den besten Filmen dieser Zeit. Paul Wagener spielt die Rolle des Golems und führte bei diesem Film auch Regie.
Im mittelalterlichen Prag wird ein Rundschreiben verschickt, dass alle Juden aus dem Ghetto, in dem sie leben, verbannt werden sollen, und zwar aus Gründen, die jedem, der mit Antisemitismus vertraut ist, bekannt sind. Ein prominenter und angesehener Rabbiner beschließt, sein Volk zu retten, indem er eine lange überlieferte Geschichte über Magie und Okkultismus wiederbelebt. Sein Plan geht auf und alles läuft wie am Schnürchen, bis sich seine Schöpfung als Dynamit entpuppt, das alles in Brand zu setzen droht. Mit seinen rohen, unansehnlichen Kulissen stellt "Der Golem, wie er in die Welt kam" die trostlose Armut eines mittelalterlichen Ghettos nach, und die dunklen Farben und Töne des restaurierten Films vermitteln das Gefühl und die Stimmung von traumhafter Klarheit und ästhetischer Schönheit. Der Film bewegt sich langsam, mit den üblichen ruckartigen Bewegungen und übermäßig theatralischen Schauspielern der damaligen Zeit, aber er ist trotzdem gut anzusehen.
Ich würde jedem, der sich für Horror interessiert, auf jeden Fall empfehlen, sich diesen Film anzusehen. Lasst euch nicht von der Tatsache abschrecken, dass es sich um einen Stummfilm handelt. Ich habe keine 20 Sekunden gebraucht, um das völlig zu vergessen und den Film einfach zu genießen.

"Der Teufel führt Regie" ist vielleicht einer der besten Mafia-Filme, die je gedreht wurden! Dieser Film ist 100%ige Hardcore-Spannung, mit ultrasadistischen Charakteren, fiesen Betrügereien, gnadenlosen Hinrichtungen und explosiven Rachefeldzügen, die dringend und blutig beigelegt werden müssen. In Fernando Di Leos Darstellung der Mafia von Palermo gibt es keine guten oder loyalen Charaktere. Es gibt nur bösartige und emotionslose Gangster, die ihre eigenen Eltern abschlachten würden, um auf der sizilianischen Leiter der Macht und des Einflusses einen kleinen Schritt nach oben zu kommen. Sogar die Hauptfigur, makellos und eiskalt dargestellt von der italienischen Kultikone Henry Silva, ist ein völlig unbarmherziger Bastard, der Frauen vergewaltigt und seine engsten Verwandten im Austausch für mehr Geld und Macht verrät. Wenn man sich diesen Film in seiner ganzen düsteren und gewalttätigen Pracht ansieht, ist es fast schon deprimierend zu erkennen, dass große Teile des Drehbuchs auf tatsächlichen Ereignissen beruhen, wie sie sich im kriminalitätsgeplagten Italien der frühen 70er Jahre zugetragen haben.
Die messerscharfe Kameraarbeit von Franco Villa verleiht dem Film einen attraktiven Hochglanzlook. Luis Enriquez Bacalovs groovige, stimmungsvolle, synkopierte Filmmusik trifft genau den Punkt.
Bei den Dreharbeiten, so heißt es, waren einige der Situationen so verdammt realistisch, dass Regisseur Fernando Di Leo und andere Mitglieder der Crew mit der Angst vor Vergeltungsmaßnahmen der örtlichen Mafia leben mussten. "Der Teufel führt Regie" übertrifft bei weitem den Status eines Unterhaltungsfilms und ist sogar mehr als nur ein Kultfilm. Er ist unverzichtbares revolutionäres Kino!

"Ein Polizei-Film" ist ein Doku-Drama mit echten Schauspielern, das aber auf realen Situationen beruht. Dieses Format ist gut und neu, wie die Handlung, die es erzählt, aber es gibt eine Botschaft, die nicht sehr gut ist. Diese Botschaft sagt uns, warum einige Polizisten korrupt sind. Es wird erklärt so das man es versteht. Doch sie erwähnen auch den korrupten Teil der Bürger in einem Land, in dem Korruption sehr verbreitet ist. Ich glaube nicht, dass die Korruption der Bürger gerechtfertigt werden kann, wenn sie nicht für ihre Vergehen bezahlen oder nicht für das Verbrechen, das sie begangen haben, verantwortlich sind. Ich glaube auch nicht, dass es dem Doku-Drama gelingt, die Rechtfertigung der Korruption durch einige Polizeibeamte aufzudecken. Ihre Gründe werden zwar verstanden, aber die Bürger glauben nicht, dass sie eine gültige Rechtfertigung für ihre Korruption haben. Dennoch muss man anerkennen, dass der Film und sein neuartiges Format hervorstechen und ihn zu einem Produkt von visueller Qualität machen und dass die dargestellte Hauptsituation trotz ihrer heuchlerischen und negativen Botschaft verstanden wird.
Das Thema der gerechtfertigten Korruption ist ein Gegenstand, der in einem Film nicht dargestellt werden sollte, der viele Teile der Welt erreicht und einen Einfluss darauf haben kann, wie die Menschen über die mexikanische Gesellschaft denken. "Ein Polizei-Film" ist nicht schlecht, aber seine Botschaft macht ihn für mich unsympathisch.

In "Invasion" sehen wir Nicole Kidman und Daniel Craig in einem Film, in dem ein außerirdischer Virus die Menschen in besessene, monotone Wesen verwandelt, die den Konflikten ein Ende setzen und für weltweiten Frieden sorgen. Natürlich ist die zentrale Prämisse der Handlung, dass etwas nicht stimmt, dass die Menschen sich anders verhalten. Kidman muss den Körperfressern immer einen Schritt voraus sein und ihren Sohn beschützen, wobei sie von Craig unterstützt wird.
Eine Raumfährenkatastrophe setzt eine tödliche Kette von Ereignissen für das Leben auf der Erde in Gang, als außerirdisches, mit Sporen verseuchtes Material aus dem Wrack auf den Boden fällt und von Menschen berührt wird. Bald übernimmt eine ähnlich aussehende Rasse die Kontrolle und kontaminiert andere gewaltsam mit ihren Körpersäften. Die ganze Handlung sollte von Anfang bis Ende von stacheliger Paranoia und urbanen Ängsten durchzogen sein, ist aber zu glatt und glänzend, um das zu erreichen. Kidman ist sehr gut in der Rolle der Psychiaterin, die in dem alptraumhaften Netz gefangen ist, auch wenn die Figur nicht durch das Drehbuch definiert ist. Auf der anderen Seite haben wir Daniel Craig und Jeffrey Wright in undankbaren Rollen, und das abrupte Finale ist schrecklich unsicher.

Ein junger Regisseur, der David Lynch verehrt, will die transzendentale Meditation erlernen. Er nähert sich der TM mit einer unvoreingenommenen Naivität, die ein wenig schockierend ist. Doch schon bald entdeckt er mehr und mehr Unstimmigkeiten in der TM-Organisation. Die TM-Leute, einschließlich Mr. Lynch, die anfangs sehr kooperativ waren, wollen nun, dass er aufhört zu filmen. Als Regiesseur David Sieveking beginnt, TM-Abtrünnige zu treffen, wird die Organisation regelrecht feindselig. Lynch droht, ihn zu verklagen. "David Wants to Fly" bleibt jedoch eine reine Aufzeichnung der Ereignisse. Und David Sieveking wendet sich an die Quelle. Er fliegt nach Indien, um das Kloster zu besuchen, in dem Marashiri seine Meditation gelernt hat. Der Nachfolger von Marashiris Lehrer sagt, dass Marashiri ein Gauner war, der kein Recht hatte, Meditation zu lehren, und schickt Sieveking zur Quelle des Ganges, um Erleuchtung zu finden. Auch hier stellt Sieveking die Worte des Gurus nicht in Frage. "David Wants to Fly" nimmt den Zuschauer mit auf eine Reise. Es ist Sievekings Reise. Sieveking hat nicht versucht, das frühere Material im Lichte seiner späteren Erfahrungen zu bearbeiten. Und genau das macht diesen Dokumentarfilm so lebendig.