ThomasCine - Kommentare

Sehr merkwürdige Liste. Keine Ahnung was Ethan Hawke da treibt und seit wann kleiner Filme und Independetfilme gleich B-Movies sind

Heute per Zufall gefunden. Ein Brief des großen Roger Eber (RiP) an den Großen Werner Herzog:

A letter to Werner Herzog:
In praise of rapturous truth

November 17, 2007

Dear Werner,

You have done me the astonishing honor of dedicating your new film, “Encounters at the End of the World,” to me. Since I have admired your work beyond measure for the almost 40 years since we first met, I do not need to explain how much this kindness means to me. When I saw the film at the Toronto Film Festival and wrote to thank you, I said I wondered if it would be a conflict of interest for me to review the film, even though of course you have made a film I could not possibly dislike. I said I thought perhaps the solution was to simply write you a letter.

But I will review the film, my friend, when it arrives in theaters on its way to airing on the Discovery Channel. I will review it, and I will challenge anyone to describe my praise as inaccurate.

I will review it because I love great films and must share my enthusiasm.

This is not that review. It is the letter. It is a letter to a man whose life and career have embodied a vision of the cinema that challenges moviegoers to ask themselves questions not only about films but about lives. About their lives, and the lives of the people in your films, and your own life.

Without ever making a movie for solely commercial reasons, without ever having a dependable source of financing, without the attention of the studios and the oligarchies that decide what may be filmed and shown, you have directed at least 55 films or television productions, and we will not count the operas. You have worked all the time, because you have depended on your imagination instead of budgets, stars or publicity campaigns. You have had the visions and made the films and trusted people to find them, and they have. It is safe to say you are as admired and venerated as any filmmaker alive—among those who have heard of you, of course. Those who do not know your work, and the work of your comrades in the independent film world, are missing experiences that might shake and inspire them.

I have not seen all your films, and do not have a perfect memory, but I believe you have never made a film depending on sex, violence or chase scenes. Oh, there is violence in “Lessons of Darkness,” about the Kuwait oil fields aflame, or “Grizzly Man,” or “Rescue Dawn.” But not “entertaining violence.” There is sort of a chase scene in “Even Dwarfs Started Small.” But there aren’t any romances.

You have avoided this content, I suspect, because it lends itself so seductively to formulas, and you want every film to be absolutely original.

You have also avoided all “obligatory scenes,” including artificial happy endings. And special effects (everyone knows about the real boat in “Fitzcarraldo,” but even the swarms of rats in “Nosferatu” are real rats, and your strong man in “Invincible” actually lifted the weights). And you don’t use musical scores that tell us how to feel about the content. Instead, you prefer free-standing music that evokes a mood: You use classical music, opera, oratorios, requiems, aboriginal music, the sounds of the sea, bird cries, and of course Popol Vuh.

All of these decisions proceed from your belief that the audience must be able to believe what it sees. Not its “truth,” but its actuality, its ecstatic truth.

You often say this modern world is starving for images. That the media pound the same paltry ideas into our heads time and again, and that we need to see around the edges or over the top. When you open “Encounters at the End of the World” by following a marine biologist under the ice floes of the South Pole, and listening to the alien sounds of the creatures who thrive there, you show me a place on my planet I did not know about, and I am richer. You are the most curious of men. You are like the storytellers of old, returning from far lands with spellbinding tales.

I remember at the Telluride Film Festival, ten or 12 years ago, when you told me you had a video of your latest documentary. We found a TV set in a hotel room and I saw “Bells from the Deep,” a film in which you wandered through Russia observing strange beliefs.

There were the people who lived near a deep lake, and believed that on its bottom there was a city populated by angels. To see it, they had to wait until winter when the water was crystal clear, and then creep spread-eagled onto the ice. If the ice was too thick, they could not see well enough. Too thin, and they might drown. We heard the ice creaking beneath them as they peered for their vision.

Then we met a monk who looked like Rasputin. You found that there were hundreds of “Rasputins,” some claiming to be Jesus Christ, walking through Russia with their prophecies and warnings. These people, and their intense focus, and the music evoking another world (as your sound tracks always do) held me in their spell, and we talked for some time about the film, and then you said, “But you know, Roger, it is all made up.” I did not understand. “It is not real. I invented it.”

I didn’t know whether to believe you about your own film. But I know you speak of “ecstatic truth,” of a truth beyond the merely factual, a truth that records not the real world but the world as we dream it.

Your documentary “Little Dieter Needs to Fly” begins with a real man, Dieter Dengler, who really was a prisoner of the Viet Cong, and who really did escape through the jungle and was the only American who freed himself from a Viet Cong prison camp. As the film opens, we see him entering his house, and compulsively opening and closing windows and doors, to be sure he is not locked in. “That was my idea,” you told me. “Dieter does not really do that. But it is how he feels.”

The line between truth and fiction is a mirage in your work.

Some of the documentaries contain fiction, and some of the fiction films contain fact. Yes, you really did haul a boat up a mountainside in “Fitzcarraldo,” even though any other director would have used a model, or special effects. You organized the ropes and pulleys and workers in the middle of the Amazonian rain forest, and hauled the boat up into the jungle. And later, when the boat seemed to be caught in a rapids that threatened its destruction, it really was. This in a fiction film. The audience will know if the shots are real, you said, and that will affect how they see the film.

I understand this. What must be true, must be true. What must not be true, can be made more true by invention. Your films, frame by frame, contain a kind of rapturous truth that transcends the factually mundane. And yet when you find something real, you show it.

You based “Grizzly Man” on the videos that Timothy Treadwell took in Alaska during his summers with wild bears. In Antarctica, in “Encounters at the End of the World,” you talk with real people who have chosen to make their lives there in a research station. Some are “linguists on a continent with no language,” you note, others are “PhDs working as cooks.” When a marine biologist cuts a hole in the ice and dives beneath it, he does not use a rope to find his way back to the small escape circle in the limitless shelf above him, because it would restrict his research. When he comes up, he simply hopes he can find the hole. This is all true, but it is also ecstatic truth.

In the process of compiling your life’s work, you have never lost your sense of humor. Your narrations are central to the appeal of your documentaries, and your wonder at human nature is central to your fiction. In one scene you can foresee the end of life on earth, and in another show us country musicians picking their guitars and banjos on the roof of a hut at the South Pole. You did not go to Antarctica, you assure us at the outset, to film cute penguins. But you did film one cute penguin, a penguin that was disoriented, and was steadfastly walking in precisely the wrong direction—into an ice vastness the size of Texas. “And if you turn him around in the right direction,” you say, “he will turn himself around, and keep going in the wrong direction, until he starves and dies.” The sight of that penguin waddling optimistically toward his doom would be heartbreaking, except that he is so sure he is correct.

But I have started to wander off like the penguin, my friend.

I have started out to praise your work, and have ended by describing it. Maybe it is the same thing. You and your work are unique and invaluable, and you ennoble the cinema when so many debase it. You have the audacity to believe that if you make a film about anything that interests you, it will interest us as well. And you have proven it.

With admiration,
Roger

Heute per Zufall gefunden, ein Brief vom großen Roger Ebert (RiP) an den großen Werner Herzog:

A letter to Werner Herzog:
In praise of rapturous truth

November 17, 2007

Dear Werner,

You have done me the astonishing honor of dedicating your new film, “Encounters at the End of the World,” to me. Since I have admired your work beyond measure for the almost 40 years since we first met, I do not need to explain how much this kindness means to me. When I saw the film at the Toronto Film Festival and wrote to thank you, I said I wondered if it would be a conflict of interest for me to review the film, even though of course you have made a film I could not possibly dislike. I said I thought perhaps the solution was to simply write you a letter.

But I will review the film, my friend, when it arrives in theaters on its way to airing on the Discovery Channel. I will review it, and I will challenge anyone to describe my praise as inaccurate.

I will review it because I love great films and must share my enthusiasm.

This is not that review. It is the letter. It is a letter to a man whose life and career have embodied a vision of the cinema that challenges moviegoers to ask themselves questions not only about films but about lives. About their lives, and the lives of the people in your films, and your own life.

Without ever making a movie for solely commercial reasons, without ever having a dependable source of financing, without the attention of the studios and the oligarchies that decide what may be filmed and shown, you have directed at least 55 films or television productions, and we will not count the operas. You have worked all the time, because you have depended on your imagination instead of budgets, stars or publicity campaigns. You have had the visions and made the films and trusted people to find them, and they have. It is safe to say you are as admired and venerated as any filmmaker alive—among those who have heard of you, of course. Those who do not know your work, and the work of your comrades in the independent film world, are missing experiences that might shake and inspire them.

I have not seen all your films, and do not have a perfect memory, but I believe you have never made a film depending on sex, violence or chase scenes. Oh, there is violence in “Lessons of Darkness,” about the Kuwait oil fields aflame, or “Grizzly Man,” or “Rescue Dawn.” But not “entertaining violence.” There is sort of a chase scene in “Even Dwarfs Started Small.” But there aren’t any romances.

You have avoided this content, I suspect, because it lends itself so seductively to formulas, and you want every film to be absolutely original.

You have also avoided all “obligatory scenes,” including artificial happy endings. And special effects (everyone knows about the real boat in “Fitzcarraldo,” but even the swarms of rats in “Nosferatu” are real rats, and your strong man in “Invincible” actually lifted the weights). And you don’t use musical scores that tell us how to feel about the content. Instead, you prefer free-standing music that evokes a mood: You use classical music, opera, oratorios, requiems, aboriginal music, the sounds of the sea, bird cries, and of course Popol Vuh.

All of these decisions proceed from your belief that the audience must be able to believe what it sees. Not its “truth,” but its actuality, its ecstatic truth.

You often say this modern world is starving for images. That the media pound the same paltry ideas into our heads time and again, and that we need to see around the edges or over the top. When you open “Encounters at the End of the World” by following a marine biologist under the ice floes of the South Pole, and listening to the alien sounds of the creatures who thrive there, you show me a place on my planet I did not know about, and I am richer. You are the most curious of men. You are like the storytellers of old, returning from far lands with spellbinding tales.

I remember at the Telluride Film Festival, ten or 12 years ago, when you told me you had a video of your latest documentary. We found a TV set in a hotel room and I saw “Bells from the Deep,” a film in which you wandered through Russia observing strange beliefs.

There were the people who lived near a deep lake, and believed that on its bottom there was a city populated by angels. To see it, they had to wait until winter when the water was crystal clear, and then creep spread-eagled onto the ice. If the ice was too thick, they could not see well enough. Too thin, and they might drown. We heard the ice creaking beneath them as they peered for their vision.

Then we met a monk who looked like Rasputin. You found that there were hundreds of “Rasputins,” some claiming to be Jesus Christ, walking through Russia with their prophecies and warnings. These people, and their intense focus, and the music evoking another world (as your sound tracks always do) held me in their spell, and we talked for some time about the film, and then you said, “But you know, Roger, it is all made up.” I did not understand. “It is not real. I invented it.”

I didn’t know whether to believe you about your own film. But I know you speak of “ecstatic truth,” of a truth beyond the merely factual, a truth that records not the real world but the world as we dream it.

Your documentary “Little Dieter Needs to Fly” begins with a real man, Dieter Dengler, who really was a prisoner of the Viet Cong, and who really did escape through the jungle and was the only American who freed himself from a Viet Cong prison camp. As the film opens, we see him entering his house, and compulsively opening and closing windows and doors, to be sure he is not locked in. “That was my idea,” you told me. “Dieter does not really do that. But it is how he feels.”

The line between truth and fiction is a mirage in your work.

Some of the documentaries contain fiction, and some of the fiction films contain fact. Yes, you really did haul a boat up a mountainside in “Fitzcarraldo,” even though any other director would have used a model, or special effects. You organized the ropes and pulleys and workers in the middle of the Amazonian rain forest, and hauled the boat up into the jungle. And later, when the boat seemed to be caught in a rapids that threatened its destruction, it really was. This in a fiction film. The audience will know if the shots are real, you said, and that will affect how they see the film.

I understand this. What must be true, must be true. What must not be true, can be made more true by invention. Your films, frame by frame, contain a kind of rapturous truth that transcends the factually mundane. And yet when you find something real, you show it.

You based “Grizzly Man” on the videos that Timothy Treadwell took in Alaska during his summers with wild bears. In Antarctica, in “Encounters at the End of the World,” you talk with real people who have chosen to make their lives there in a research station. Some are “linguists on a continent with no language,” you note, others are “PhDs working as cooks.” When a marine biologist cuts a hole in the ice and dives beneath it, he does not use a rope to find his way back to the small escape circle in the limitless shelf above him, because it would restrict his research. When he comes up, he simply hopes he can find the hole. This is all true, but it is also ecstatic truth.

In the process of compiling your life’s work, you have never lost your sense of humor. Your narrations are central to the appeal of your documentaries, and your wonder at human nature is central to your fiction. In one scene you can foresee the end of life on earth, and in another show us country musicians picking their guitars and banjos on the roof of a hut at the South Pole. You did not go to Antarctica, you assure us at the outset, to film cute penguins. But you did film one cute penguin, a penguin that was disoriented, and was steadfastly walking in precisely the wrong direction—into an ice vastness the size of Texas. “And if you turn him around in the right direction,” you say, “he will turn himself around, and keep going in the wrong direction, until he starves and dies.” The sight of that penguin waddling optimistically toward his doom would be heartbreaking, except that he is so sure he is correct.

But I have started to wander off like the penguin, my friend.

I have started out to praise your work, and have ended by describing it. Maybe it is the same thing. You and your work are unique and invaluable, and you ennoble the cinema when so many debase it. You have the audacity to believe that if you make a film about anything that interests you, it will interest us as well. And you have proven it.

With admiration,
Roger

Achtung! Sehr spannendes Interview mit Ethan Hawke:
Teil 1:
http://www.youtube.com/watch?v=zQ855coJz8M
Teil 2:
http://www.youtube.com/watch?v=daoKkpBmDMw

Teil 1 meiner großen Coen Brothers Werkschau: http://thomasschroers.wordpress.com/2013/10/20/inside-the-coen-brothers-teil-1-ein-furioses-debut/

Wenn Blut involviert ist, dann ist es nie einfach. Mit diesem Werbespruch wurde „Blood Simple.“ im Jahre 1984 vorgestellt. Für die Betrachtung des Filmes könnte man ihn umformulieren: Wenn Herzblut involviert ist, dann ist es nie einfach. Denn genau dieses Herzblut findet sich in dem allerersten Werk der Gebrüder Coen. Es ist die Leidenschaft für ihren Film und ihren Traum, die sie von Haustür zu Haustür gehen ließ um das nötige Kleingeld für die Produktion aufzutreiben. So ist es nicht verwunderlich, dass „Blood Simple.“ mehr ist als eine Fingerübung. Auf dem Papier scheint es ein gewöhnlicher Genrefilm zu sein, doch in der Ausführung lässt sich erkennen, dass hier nichts einfach gewöhnlich ist.

Im weitesten Sinne werden dem Zuschauer vier Figuren vorgestellt. Eine junge Frau namens Abby (Frances McDormand), ihr Ehemann Julian Marty (Dan Hedaya), ihr heimlicher Liebhaber Ray (John Getz) und der skurrile Privatdetektiv Loren Visser (M. Emmet Walsh). Nachdem Julian herausfindet, dass seine Frau einen anderen Mann hat beschließt er seinen Privatdetektiv mit dem Mord an Ray zu beauftragen. Auf diese Weise bewegt sich der Film klar in den Grenzen des Film Noirs und es wird ein düsterer Krimi erwartet. „Blood Simple.“ ist dabei konsequent durchdacht und ohne Lücken erstklassig konstruiert. Jede Szene hat ihren Sinn und zu keiner Zeit ertappt sich der Zuschauer beim Däumchen drehen. Vielmehr geben die Coen Brüder uns stets mehr Informationen als den Charakteren auf der Leinwand. Sie machen uns zu allwissenden Mitwissern jeglicher Wendungen und Geheimnisse und erzeugen so die Spannung des Filmes. Nach einiger Zeit werden die nächsten Plotpunkte deshalb mit Angst vorhergesehen, da der negative Ausgang vorheriger Szenen bekannt ist. Dieses erste Werk der Brüder hat keine Jugendfreigabe erhalten, was unter anderem auf die explizite Gewalt zurückzuführen ist. Schon im Titel befindet sich Blut und dieses Blut fließt auch im fertigen Film. Durch diese Explizität wird der Zuschauer schonungslos der Realität ausgeliefert und weiter emotional involviert, was zur größten Stärke des Filmes wird.

Doch es gibt einen Fakt, der diesen Film wirklich besonders macht: Nie fühlt sich „Blood Simple.“ wie das Werk zweier Menschen an die noch nie zuvor einen Film gedreht haben. Vielmehr fühlt sich dieser Erstling wie ein richtiger Coen Film an und lässt einige Merkmale erkennen, die die Brüder später berühmt gemacht haben. Es lässt sich der Hang zu außergewöhnlichen, verschrobenen Charaktere finden, die in diesem Film klar von dem merkwürdigen Privatdetektiv angeführt werden. Weiterhin wird Musik, ob Songs oder Score, auf eine Weise genutzt die die Geschichte weitererzählt aber auch mit schwarzem Humor kontrastiert. Die Kamera wird in diesem Film von Barry Sonnenfeld (später Regisseur von „Men in Black“) geführt, doch ist es offensichtlich, dass die besonderen Fahrten und Winkel aus den Storyboardzeichnungen der Coens stammen. Die Titelsequenz ist hierbei zusammen mit einer wunderschönen Barszene repräsentativ. In letzterer Szene fährt die Kamera ganz nah auf einer langen Bartheke entlang und hebt dabei kurz ab um einen schlafenden Betrunken zu überfliegen und dann wieder sanft auf der Bar weiterzugleiten. Schließlich ist es der Genreaspekt, der das Coenartige an „Blood Simple.“ verdeutlicht. Wie bei den meisten ihrer Filme lässt sich ein Genre erkennen, doch ist die Art und Weise außerhalb der jeweiligen Konventionen zu arbeiten einzigartig. Bei heutiger Betrachtung ist aus diesem Grund von der ersten Minute an klar, dass es sich um einen Film der Coen Brüder handelt.

So sehr diese technischen Details klasse sind, so braucht es doch eine Geschichte mit Kern um ein gutes Debüt abliefern zu können. Diesen erhält das Werk nach 90 Minuten, indem dem Zuschauer einleuchtet, dass es sich eigentlich, trotz mehrer Hauptcharaktere, um Abbys Film handelt. Auf dem Grunde der Blutlachen muss sie mit vergangener Liebe zu Recht kommen und sich von der Angst befreien, die sie an alte Beziehungen bindet. In dieser Konsequenz liefern Joel und Ethan Coen uns sogar ein Happy End und stellen eine Frau in den Mittelpunkt des Krimis. „Blood Simple.“ ist also weit mehr als eine Fingerübung oder ein simpler Film. Er ist geradlining erzählt und doch auf seine Art komplex. Er ist schonungslos und beschönigt nichts. Er ist ein Coen Brüder Film durch und durch und er ist ihr ganz persönliches furioses Debüt.

Einzigartig!

In Zeiten wo alles immer schneller, lauter und vordergründig beeindruckender sein muss, kommt „Prisoners“ wie eine filmische Erlösung daher. So gibt Denis Villeneuve seinem Film und dessen Handlung gute zweieinhalb Stunden Zeit sich zu entfalten. Diese langsame Erzählweise tut einer Geschichte, die auf ihrer Thrillerebene von überraschenden Wendungen lebt sehr gut. In „Prisoners“ verschwinden in der Exposition die Töchter zweier Elternpaare (Hugh Jackman/Maria Bello und Terrence Howard/Viola Davis). Nach einer kurzen eigenständigen Suche der Eltern übernimmt Detective Loki (Jake Gyllenhaal) den Fall. Er versichert den Eltern, das er ihre Kinder finden wird, unter anderem da er bisher jeden seiner Fälle lösen konnte. Doch trotz der Bemühungen des Detectives schaltet sich Keller Dover (Hugh Jackman) in Eigenregie in die Suche seiner Tochter ein. An dieser Stelle sei genug zur Handlung des Filmes gesagt. Die Ausgangssituation ist also eine nicht Unbekannte, sondern eine die wir aus vielen anderen Filmen in ähnlicher Form kennen. Aus diesem Grund könnte „Prisoners“ schnell in das Thrillergenre eingeordnet werden, oder unter „Serienkillerfilm“ abgestempelt werden. Bei diesem Werk handelt es sich jedoch um mehr. Denis Villeneuve hat kein Genrefilm gedreht, er hat einen Film gedreht.

Ein guter Film beginnt mit einem guten Drehbuch und „Prisoners“ hat ein Großartiges. Es ist beeindruckend zu sehen wie ein Ensemble, welches aus acht interessanten Charakteren besteht schlüssig zusammen gehalten wird. Aaron Guzikowski manifestiert das Dilemma seiner Geschichte in jeder dieser Personen, welche vielschichtig und komplex präsentiert werden. Keller Dover und Detective Loki stechen hierbei als Hauptcharaktere heraus. Für Hugh Jackman, der die Rolle des hart arbeitenden Familienvaters bekleidet ist diese Rolle eine Chance sich von einer neuen Seite zu zeigen. Selten war er so gut und nie konnte er einen Charakter derart emotional mitreißend zum Leben bringen. Keller Dover ist es auch, der durch sein ambivalentes Handeln immer wieder sicher stellt, das der Zuschauer nicht wissen kann was wirklich passiert (ist). Jake Gyllenhaal brilliert als Detective Loki. Wie einige andere Personen in diesem Film stellt auch er das titelgebende Motiv des Gefangenen dar. Er kann nicht aufhören zu suchen und ist vollkommen in seinem Job gefangen. Loki wird als gebrochener Mann gezeigt, der seinen Fällen immer weiter hinterherjagen muss. Jake Gyllenhaal gibt seiner Rolle eine vordergründig ruhige Fassade, doch durch diese Professionalität und repräsentierte Stärke überspielt er nur die Abgründe die sich in ihm befinden. Immer wieder blitzen diese auf und verleihen dem Detective beängstigende Tiefe. Gyllenhaal und Jackman stehen in diesem Review stellvertretend für die gesamte Arbeit eines perfekten Ensembles. Die Schlüssigkeit des Filmes liegt auf diese Weise nicht nur auf der Erzählebene und in der Suche nach den Kindern. Es ist die Konsquenz mit der alle Charaktere zu Ende gedacht werden die ihm weitere Ebenen verschafft. Auf die ein oder andere Art bekommt jede Figur (inklusive der Kinder) auf einer klaren moralischen Basis das passende Ende, das gerechte Ende. „Prisoners“ präsentiert auf diese Weise einen komplexen moralischen Kodex und lässt uns gleichermaßen über die moralischen Aspekte unserer Welt nachdenken. Ist es richtig auf der Basis von Vermutungen Entscheidungen zu treffen?

Prisoners1

Zu guter Letzt besitzt ein Film eine inszenatorische Ebene. Auf Dieser arbeitet Denis Villeneuve mit einigen unkonventionellen Schnitten. So lässt er mitten in wichtigen Szenen das Bild schwarz werden. Hiermit fordert er den Zuschauer auf sich das betreffende Bild und den weiteren Verlauf solcher Szenen selber zu formulieren, bevor er uns das Resultat wieder offenbart. „Prisoners“ ist souverän ruhig und derart besonnen langsam, dass der Zuschauer nicht merkt wie sich mehr und mehr Spannung aufbaut und der Druck anwächst. Doch ist es sicher gestellt, dass im letzten Drittel auch der Zuschauer im Kino gefangen sein wird. In aus der Reihe fallenden, aber dadurch besonders starken Momenten wird diese Erzählatmosphäre mehrmals effektiv durchbrochen. Als wäre all das versammelte Talent am Set nicht genug krönt sich dieser Film mit der Arbeit des zur Legende gewachsenen Kameramanns Roger Deakins. Deakins der für sein Nutzen von natürlichem Licht bekannt ist kann diese, seine einzigartige Stärke hier voll ausleben. Unnzählige Zusammenspiele zwischen Licht und Schatten kommentieren effektiv die Handlung des Filmes. Taschenlampen durchschneiden Wälder und staubige Kellerräume, während sie von gleißend hellen Verhörzimmern kontrastiert werden. Schließlich übertrifft sich Deakins selbst in einer der letzten Szenen des Filmes und markiert in diesen Bilder den überwältigenden Höhepunkt eines großen Filmes.

Denn auch wenn verschiedene Aspekte, wie eine nicht ganz auserzählte religiöse Ebene, nicht hundertprozentig gelungen sind, so liegt es bei “Prisoners” (wie bei allen anderen Filmen) nahe zu betrachten was der Film ist und nicht was er nicht ist. „Prisoners“ ist großartig, da er die perfekte Symbiose aus allen Zutaten die beim Filmemachen verwendet werden ist.

http://thomasschroers.wordpress.com/

Für „To the Wonder“ ist es nicht nötig die Handlung zu beschreiben, denn diese ist zum einen kaum verhanden und zum anderen für die Kraft des Filmes vollkommen zu vernachlässigen. Im weitesten Sinne präsentiert uns Malick einen Mann (Ben Affleck) und eine Frau (Olga Kurylenko). Zu diesen „Charakteren“ gesellt sich noch ein Priester (Javier Bardem) und eine weitere Frau (Rachel McAdams). Bei dem Verfassen dieses Artikels bekommt man schon an dieser Stelle erste sprachliche Probleme, da keine der Personen im Film mit Namen benannt wird. Hier geht es nicht um klar definierte Personen, die in den limitierten Grenzen ihrer Eigenschaften handeln. Die Personen in „To the Wonder“ sind nur Bilder, die in verschiedenen größeren Bildern leben sollen. So beginnt Malick auf seine spezielle Art damit, dass er den Start einer romantischen Beziehung eines Amerikaners und einer Französin in Frankreich zeigt. Nach einer Weile wechselt das Geschehen in die Vereinigten Staaten wo das weitere Zusammenleben der Beiden bebildert wird. Dort treffen sie ebenfalls auf den Priester, der in stummen Sequenzen seine Gedanken aus dem Off schildert. Doch auch wenn man soweit vielleicht eine Handlung entwerfen kann, so geht es nicht darum Motivationen zu verstehen. Der Frage ob die beiden Menschen auf Dauer zueinander finden ist schlicht von keiner Bedeutung.

Bedeutung wird in diesem Film nur der Visualisierung der Emotion beigemessen. „To the Wonder“ ist somit ein traumähnliches Nachdenken über das Thema Liebe. Es ist ein Nachdenken über den Mythos Liebe und wie er sich entwickeln kann. Terrence Malick gibt seinem Werk aus diesem Grund einen auffallend mythischen Klang. So ist es kein Zufall, dass sich in Frankreich verliebt wird. Malick beginnt hier damit den Zuschauer in seine Vision zu ziehen. Frankreich, genauer Mont St. Michel, ist aufgrund kultureller Ansichten für die meisten Zuschauer der ultimativ romantische Ort. An diesem Punkt sammelt Malick seinen Zuschauer ein. Weiterhin ist es Malicks einzigartiger filmischer Stil, der den Mythos Liebe verstärkt. „To the Wonder“ kommt über fast die gesamte Länge ohne jegliche Dialoge aus, was eine Idee von Liebe ohne Worte unterstreicht. Durch diese sprachliche Stille vermittelt uns Malick eine reine Emotion, die nicht durch das gesprochene Wort getrübt werden kann. Ebenfalls in seiner Sprache als Filmemacher liegt die fließende Kamera. Zusammen mit seinem sehr talentierten Kameramann Emmanuel Lubezki („Gravity“, 2013) schafft er einen Film der aus einem Guss ist. Szenen fließen ineinander und Lubezkis Kamera ist immer in Bewegung. Sie tanzt mit den Personen durch weite naturbelassene Felder und enge Kleinstadthäuser. Sie besucht zusammen mit Javier Bardems nachdenklichem Priester die Armen und Kranken und nie ist sie statisch. Das Gespann Malick/Lubezki manifestiert dadurch das Gefühl, dass der Zuschauer nur ein Gast ist. Dieser Gast darf für zwei Stunden mit in diesem Fluss schwimmen und wird sich am Ende wieder in einen Anderen verabschieden. Diese weite Form des Filmes ist hier auch Funktion, da der Mythos Liebe für niemanden greifbar oder definierbar wird.

Schließlich ist es die Bindung zur Natur, die „To the Wonder“ zu einem wahren Malick werden lässt. Immer wieder löst sich Malicks Kamera von dem Geschehen ab und zeigt uns Aufnahmen von faszinierender Natur und verschiedene Objekte in ihr. Diese scheinen wahrlos gewählt, doch bei genauem Hinsehen erkennt man, dass keines der Bilder zufällig existiert. Gegen Ende zeigt uns „To the Wonder“ das Bild einer alten steinernen Treppe, die aus dem Kamerawinkel in den Himmel aufragt. Dies ist ein Bild, welches schon für sich allein genommen Emotionen hervorruft, ist es doch die schiere Endlosigkeit der Stufen und das Emporsteigen in die Weite des Himmels, das hier dargestellt wird. Jedes einzelne dieser Bilder findet seinen Platz in Malicks Gesamtkunstwerk und erlaubt diesem Bauwerk eine umfassende Eindringlichkeit. In der Tat präsentiert sich Malick durch seine Filmsprache als einer der romantischsten und spirituellsten Filmemacher. „To the Wonder“ kann dabei sehr wörtlich („Zu dem Wunder“) als Annäherung an Liebe verstanden werden. Terrence Malick weiß, dass dies der einzige Weg ist. Denn Liebe ist nicht zu definieren und nicht zu verstehen. Sie ist nicht greifbar, noch ist sie erklärbar. Sowohl in Malicks Film, als auch in unserem Leben kann man sie nur fühlen.

http://thomasschroers.wordpress.com/2013/10/07/himmelstreppe-stairway-to-heaven/

Menschen mögen die Geschichte eines Underdogs, der etwas bewegen kann. Das war schon immer so. Die Gladiatoren im alten Rom, die sich in unzähligen Kämpfen in der Arena ihr Leben erschlachtet haben wissen das. Jeder Sportler weiß das. Politiker wissen es auch. Vor allem, wenn sie durch eine solche Geschichte Wähler an sich reißen können. In der Filmbranche gibt es auch unzählige Erfolgsgeschichten von Menschen, die es mit bloßem Talent zu etwas gebracht haben. In der Filmbranche gibt es ebenfalls Underdog Filme. Diese werden fern von großen Budgets (Was ist "groß"?) produziert, ziehen keine fest geplanten Marketingstrategien mit sich und finden oft auch nur ein kleines Publikum. Doch wann immer ein solcher Underdog auftaucht und noch dazu gelungen ist hat diese Entdeckung einen höheren Stellenwert als eine erfolgreiche Umsetzung mancher Großproduktion.

"Smashed" (2012, Regie: James Ponsoldt) zeigt uns Mary Elizabeth Winsted und Aaron Paul als alkoholisiertes Ehepaar und wurde mit einem Budget von ungefähr 500.000 $ gedreht.

"Smashed" erzählt die Geschichte des jungen Ehepaares Kate (Winsted) und Charlie (Paul). Wir steigen zu einem Zeitpunkt ein, an dem beide offensichtlich ein Alkoholproblem haben. Sie sind jung, frei und leben diese Freiheit durch ihren Alkoholkonsum aus. Sie ist eine Grundschullehrerin und er ist ein freischaffender Journalist. Selbst wenn sie betrunken Fahrrad fahren ist klar, dass sie sich lieben und das sie aus den richtigen Gründen zusammen gefunden haben. Man kann sich die Vorgeschichte ihres Alkoholismus gut vorstellen. Schon früh einmal an Papas Bierglas genippt, in der Teenagerzeit oft genug spät/früh nach Hause gekommen und so immer weiter, jedoch unmerklich abhängig geworden. Wir treffen sie zu Hause an einem ganz normalen Morgen, aber mit einem tigergroßen Kater im Körper. Kate schlurft mehr schlecht als recht mit diesem an ihren Arbeitsplatz, wo sie sich während einer zunächst normalen Schulstunde vor den Schülern übergeben muss. Nach diesem und einem weiteren einschneidenden Erlebnis entschließt sich Kate ihre Sucht zu bekämpfen. Wer nach dieser recht langatmig geratenen Inhaltsangabe denkt, dass "Smashed" genauso wie sie ist, der sollte sich nicht täuschen lassen. Hier liegt ein weiteres Merkmal des Underdogs aka. des Independentfilms. Der Independentfilm muss sich keine Labels aufdrücken lassen. Er muss sich nicht von vorn herein einem bestimmten Thema verschreiben, welches am Besten auf ein Plakat passt. "Smashed" darf einfach seine Geschichte erzählen, muss nicht werten und man fühlt es diesem Film nach, dass es ihm egal ist ob er eine Zielgruppe trifft.

Aus diesem Grund geht der Entzug einer Wertung dem Entzug Kates einher. "Smashed" will uns nicht davon überzeugen, dass Alkohol der Teufel ist. James Ponsoldt, der auch das Drehbuch schrieb zeigt uns gleichermaßen intensiv traurige Szenen, aber ebenso intensiv lustige Szenen. "Smashed" gibt zu, das Alkohol Spaß machen kann. So schafft es der Film mit Hilfe diese Balance uns von der Last der Suchtproblematik zu befreien und unseren Kopf für die Geschichte zu öffnen. Dies unterscheidet "Smashed" von einem Film wie "Flight" (2012, Regie: Robert Zemeckis), der die Alkoholsucht plakativer herausstellt. "Smashed" öffnet uns für seine Charaktere, sodass wir ein Paar erkennen können, welches eine Gemeinsamkeit verliert. Deshalb geht es ebenfalls darum wie ein Paar mit einschneidenden Veränderungen umgehen kann.

Die Mischung aus Drama und Komödie wird getragen von den beiden Hauptdarstellern. Während Mary Elizabeth Winsted die größere Rolle einnimmt und durch die Veränderung ihres Charakters den weiteren Spielraum hat, besteht für Aaron Paul die Schwierigkeit darin eine wesentlich gesetztere Rolle zum Leben zu erwecken. Beide Schauspieler bringen eine bewundernswerte Ehrlichkeit zu ihren Rollen, die sich auf den Zuschauer auswirkt. Winsted ist für uns jederzeit einfühlbar und aus diesem Grund fällt eine emotionale Identifikation nicht schwer. Paul dagegen spielt versteckter und auch sein Charakter lebt mehr im Hintergrund. Er schaut zu während sie Karaoke singt und beteiligt sich nicht an ihrem Entzug. Trotzdem wird er uns durch Pauls natürliche Offenheit nahe und schafft es gleichermaßen, dass sich sein Handlungsstrang am Ende des Films emotional auszahlt. Für beide Charaktere endet der Film mit einer Erkenntnis, doch im Gegensatz zu Kate sieht sich Charlie zusätzlich noch mit einer unbeantworteten Frage konfrontiert. Dieses Fragezeichen ist indes nicht das Letzte, was von "Smashed" übrig bleibt, denn jeder Zuschauer wird dazu seine eigene Antwort finden. Auf diese Weise leben Kate und Charlie im Zuschauer weiter, nicht durch eine Message die sie überbringen sollen, sondern durch ihre offene Ehrlichkeit.

Diese Ehrlichkeit zeichnet "Smashed" aus und auch wenn James Ponsoldts Werk Schwächen besitzt, verhindert die Intimität der Geschichte jede Negativität. Der Underdog gewinnt also und seine Entdeckung lohnt sich. Bei der Erstaufführung im Rahmen des Sundance Film Festivals 2012 gab es dafür minutenlange Standing Ovations. Dieser Artikel ist nichts anderes.

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Mein Blogeintrag zum großartigen Film. Für besseres Lesen bitte: http://thomasschroers.wordpress.com/2013/07/02/spring-breakers-breakdown/

Auf eine Art ist es gut, dass bei "Spring Breakers" von Harmony Korine nicht zu Anfang ein großer Warnhinweis aufleuchtet. Das bedeutet aber nicht, das es nicht jede Berechtigung dazu gäbe. Gerade bei dem heutigen Kinopublikum. Doch diesen Feststellungen zum Trotz wurde bei "Spring Breakers" auf jede Warnung verzichtet und sogar das Gegenteil gemacht und ein vollkommen anderer Film beworben. Sei es nun ein genialer Marketingschachzug oder ein Fehler gewesen. Fakt bleibt, dass "Spring Breakers" sich allem bekannten und logischen entzieht und erst dadurch wirklich greifbar wird. Korine und sein Film fordern. So bleibt gar keine Wahl, als über die verschiedenen Ebenen und Aspekte zu reflektieren. Man muss sich zu diesem weitreichenden Werk positionieren. Ein einfaches anderthalbstündiges Anschauen wäre vollkommene Verschwendung. Bei "Spring Breakers" geht es jedoch nicht darum eine Handlung zu analysieren. Hier geht es auch nicht mehr um richtig oder falsch oder realistisch und unlogisch. Die Rahmenhandlung befindet sich irgendwo zwischen Fantasy und fluoreszierendem Fiebertraum und gerade das Motiv des Traums, auf das ich später noch zurück kommen werde, beschreibt diesen Film wohl passend. "Spring Breakers", das ist mehr ein Realitätskommentar, der sich im Subtext versteckt. Es ist eine Idee, die sich erst im Kopf des Zuschauers bilden kann und deshalb seine Aufmerksamkeit verdient. Harmony Korines' "Spring Breakers" ist ebenfalls ein Experiment, ein großartig gewagtes Experiment.

Leere

Nachdem die letzte Bierdose sich auf einen nackten Körper ergossen hat, die letzten Kugeln geflogen sind und das letzte Geräusch einer nachladenden Waffe, welches Korine bei Schnitten benutzt, ertönt ist bleibt allen Beteiligten dieser eindringlichen Erfahrungen etwas sehr Eigentümliches. Etwas, dass nichts ist. Am Ende dieses Werks bleibt den Charakteren, dem Film selbst, dem Kino als solches und auch dem Zuschauer nur noch Leere. Es ist schlichtweg nichts mehr übrig geblieben von Erwartungen, Hoffnungen und Träumen. Korine entzieht allem den vermeintlichen Sinn und lässt ein klaffendes Loch zurück. Auf der Handlungsebene verabschieden sich nach und nach auf verschiedenste Arten Charaktere aus dem Film. Manchmal aus freien Stücken, wie die gläubige Faith, aber manchmal auch aus Zwang, wie der Drogendealer und Gangster Alien. Korine widmet diesen Ausstiegen Momente der Ratlosigkeit und der Leere, da für diese Person immer etwas zu Ende geht. All ihre Bemühungen etwas zu erreichen sind im Sande verlaufen und das Zugeständnis, dass ihre Absichten und Realitäten hohl waren muss angenommen werden.

In "Spring Breakers" treffen vier junge Studentinnen, auf der Suche nach ihren Träumen auf den wahren Träumer Alien, der sie in eine surreale Welt aus Drogen, Spaß, Waffen, Zärtlichkeit und Kriminalität mitnimmt. Doch all das Begehren nach der endlosen Ausgelassenheit, welches die frustrierten Studentinnen zu Beginn des Films aufgebaut haben verläuft ins Nichts. Das verlangen nach Freiheit endet somit passenderweise in einer großen Leere und Schwerelosigkeit. Es ist nichts mehr übrig und auch der große Traum von Alien entpuppt sich als leer und einsam. Die strahlende Medaille die in den Köpfen steckte wendet sich also um in ein schwarzes Loch.

Einhergehend mit diesen Bildern verabschiedet sich auch der Zuschauer von allem Bekannten und taucht in den Sog des Films ein. "Spring Breakers" zeigt zuhauf Askpekte des heutigen Lebens und entwirft ein Bild dieses Lebens und auch seiner Gesellschaft, welches sich nur in Leere auflösen kann. Dieses Bild wird später noch genauer skizziert werden, doch für den Moment ist die entscheidende Frage: Wodurch kommt es zu dieser Leere?

Traum

Wo immer es Menschen gibt, dort gibt es auch Sehnsüchte und Träume. Doch was passiert wenn diese Träume vorbelastet sind, wenn diese Träume vielleicht nicht wirklich existieren, sondern nur vorgetäuscht werden? In dem Momemnt indem ein solcher Traum platzt bleibt nur noch Leere, denn alle Hoffnungen die mit ihm entstanden waren zerbersten.

In und um "Spring Breakers" zerplatzen eine Menge Träume, sowohl auf der Leinwand, als auch davor. Zwei der Mädchen erfahren dies noch vor unseren Augen. Durch plötzliche, enschneidende Erlebnisse wird ihnen der Spiegel vorgehalten und sie erkennen die Sinnlosigkeit ihres Verlangens. Korine inszeniert ihre Heimreisen sehr ausführlich und metaphorisch fahren die beiden über eine große Brücke zurück ins Land der Realität. Am Ende des Films fahren auch die anderen beiden Mädchen über diese Brücke. Im gegensatz zu den beiden ersten haben sie aber noch nicht erfahren, wie es um ihre Träume steht. Hier liegt die Tragik für den Zuschauer, will man sich doch retten und ihnen etwas zurufen, aber kann das nicht. Diese Handlungsunfähigkeit unterstützt weiterhin auch das Gefühl der Leere im Zuschauer.

Das brutalste Aufwachen erfährt aber der interessanteste Charakter des Films, Alien. Bis zur Unkenntlichkeit versteckt, befindet sich James Franco in dieser Rolle in Hochform. Sein Traum, er nennt es sogar "American Dream", ist um einiges größer, als der der Mädchen. Aus diesem Grund muss auch sein Aufwachen explosiver sein, endgültiger. Hinter all dem Verlangen nach Geld und Waffen steckt dei Angst eines kleinen Jungen. Hier ist jemand, der seinen Traum lebt, aber schon langsam merkt wie dieser sich auflöst und was dahinter liegt. Immer wieder wird er gegen Ende des Films gefragt ob er sich fürchte und auch wenn er dies sarkastisch verneint, so spricht Francos differenzierte Mimik Bände. Als er dann schließlich vollends wach gerüttelt wird, ist es auch auf vielerlei Hinsicht eine Erlösung für ihn.

Auf formeller Ebene erfindet Korine das Kino neu und erzählt, wie der Autor dieses Textes es noch nie gesehen hat. Man kann diese Erzählstruktur wohl am ehesten, als fließende Erzählung oder elliptisches Erzählen bezeichnen. Mitten in einer Szene beginnt Korine Momente der nächsten einzustreuen. So greift jede Szene in die nächste über. Dialoge aus der letzten Szene liegen über Bildern aus der nächsten und Harmony Korine hält diesen Erzählstil bis zum Ende durch. Dieses Erzählen ist es, was fesselt und in den Bann zieht. Dieses Erzählen erlaubt es auch mitträumen zu können und am Ende mit zu zerplatzen. Auch der Zuschauer hatte seine Erwartungen und Hoffnungen, seinen Traum. "Spring Breakers" ist nun anders als dieser Traum und entlarvt auch das größere Bild einer veräußerlichten Gesellschaft als hohl und leer. Zn diesen Realitätsbezug darzustellen bedarf es noch einer letzten Frage und Antwort: Wie entstehen diese leeren Träume?

Oberfläche

Es gibt den schönen Wortlaut, dass man den Menschen nur vor das Gesicht schaut. Impliziert wird dabei, dass man nicht sehen kann, was dahinter liegt. "Spring Breakers" wendet dieses Anschauen von Oberflächen konsequent an und weitet es auf mehr, als die Charaktere aus.

Für die Mädchen gibt es die strahlende, hochglänzende Oberfläche namens Spring Break, nach der sie sich sehnen. Es gibt für sie auch de eintönige langweilige Oberfläche ihres Studiums, die sie hinter sich lassen wollen. Aus dem reinen Bestaunen dieser Spring Break Oberfläche entwickelt sich der Traum teilnehmen zu können. Die Mädchen selbst sind in diesen Momenten auch für den Zuschauer Oberflächen, auf die Gefühle projiziert werden. Diese Projektion von eigenem Denken erlaubt es dem Zuschaer weiter in den Film involviert zu sein.

Dieses Motiv eine Oberfläche, aber nicht darunter sehen zu können prägt auch Alien. Gerade bei ihm können wir sehen wie die Oberfläche langsam Risse bekommt und anfängt zu bröckeln. Immer wieder erlaubt es uns Franco einen Blick in sein verletztes und fast schon hilfloses Inneres zu werfen. Schließlich erstrahlt die Szene, die alles offen legt. Die Szene, die schlichtweg genial ist und nicht nur im Rahmen dieses Films ein Höhepunkt des Kinos darstellt. In jener Szene spielt und singt Alien, an einem großen, weißen Flügel sitzend, der an seinem Pool steht vor untergehender Sonne die Ballade "Everytime" von Britney Spears. Maskiert tanzen die Mädchen mit Waffen in dieser Szenerie umher und Korine schneidet immer wieder gewalttätige Szenen zwischen diesen ruhigen Moment, während die Musik weiterspielt. Hier sieht man in Aliens Gesicht, wie er beinahe weint und wie ihn sein Leben innerlich zerreißt. Seine Oberfläche bricht und so bricht auch die des Films, obwohl dieser gerade mit dem Einsatz des Liedes eine neue erschafft. Es wird entgültig entlarvt was darunter liegt und ab diesem Moment ist jedem klar, dass es kein zurück mehr gibt. Franco veredelt seinen komplexen Charakter in dieser Szene und stellt den zentralen Moment des Films dar.

Schließlich kommt man nicht mehr umhin sich zu fragen wie man die Täuschung durch Oberflächen vermeiden kann. In dieser, unserer schnelllebigen Welt, die aus jeder Ecke in Neonfarben auf uns leuchtet, wird alles zur Oberfläche, wenn man es zulässt. Doch ist es Vergeudung dies geschehen zu lassen. Nicht nur Vergeudung von dem was dahinter steckt, sondern auch von uns. Ein Leben welches sich nicht mehr mit Menschen und Dingen auseinander setzt und sich nur noch treiben lässt endet unter dem Strich in Leere. Aus diesem Grund wollen wir Menschen wirklich kennen lernen oder den Weltraum verstehen. Wollen wissen, welche Gefühle in Anderen schlummern und wie die Natur funktioniert. Wollen die Wahrheit in unseren Mitmenschen finden und schätzen. "Spring Breakers" macht darauf aufmerksam, dass sich heutezutage überall Täuschungen befinden die uns verblenden und falsch träumen lassen. Deshalb ist dies ein wichtiger Film. Ein wichtiger Film, der mit subtiler Kraft strotzt und hinter dessen Oberfläche tiefe Gedanken lauern. Eines Warnhinweises bedarf es hier wirklich nicht, sondern eher einer direkten Shuttleverbindung zum nächsten Kino.

Was für ein Verlust! Rest in Peace großer Mann.

Meine James Gandolfini geschichte:
http://thomasschroers.wordpress.com/2013/06/26/con-te-partiro/

Alles in allem ein sehr großer Film. Weitere Gedanken zum Film in meinem Blog:
http://thomasschroers.wordpress.com/2013/06/20/derek-cianfrance-erben/