Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch" von Regisseur Joel Crawford unterscheidet sich der Animationsstil merkwürdig von dem des Vorgängers "Der gestiefelte Kater" und verwirrt umgehend, da er vorsätzlich den Stil früherer, erfolgreicher DreamWorks-Veröffentlichungen kopiert. Er erinnert an Anime, allerdings in dreidimensionaler Form, aber farbenfroh und stilisiert in eher flächigen Schattierungen. Obwohl er modern und klar ist und künstlich gut hervorgehoben wird, fügt "Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch" sich nicht in den Rahmen des Ganzen ein. Die animierten Bewegungsabläufe sind nach wie vor vorhanden, aber Fell, Kleidung, Federn, Elementareffekte und andere Texturen und Gewandungen bewegen sich nicht so realistisch wie erwartet. In den Actionsequenzen werden zudem Bewegungsbilder verwendet, die an handgezeichnete Comics denken lassen. Selbst die Bösewichte haben eine bizarre Videospiel-ähnliche Szenequalität. "Vor langer Zeit fiel ein Wunschstern vom Himmel..."

Immerhin ist die Ausgangssituation recht amüsant: Der gestiefelte Kater (Antonio Banderas) hat den Überblick über die Anzahl seiner bisher verbrauchten Leben verloren und befindet sich nun in seinem neunten und letzten Lebensabschnitt, was ihn dazu veranlasst, seine Leichtsinnigkeit zu überdenken. Vielleicht sollte er Mama Luna (Da'Vine Joy Randolph) aufsuchen, die eine Katzenauffangstation betreibt, wo er als Schoßkätzchen leben könnte. Doch Kopfgeldjäger sind ihm auf den Fersen und lassen ihm keinerlei Ruhe. "Keine Abenteuer mehr für dich. Du musst in den Ruhestand gehen."

Manche Figuren kehren zurück, darunter auch einige Flashbacks zu den vergangenen Unternehmungen des Katers, wie beispielsweise mit Kitty Softpaws (Salma Hayek Pinault), doch die kreativen Referenzen an Märchen sind nicht mehr so präsent, wie sie es einst waren. Goldlöckchen (Florence Pugh) und ihre dreiköpfige Banditenfamilie sind mäßig einnehmend, aber Perro (Harvey Guillen), ein Hund, der vorgibt, eine Katze zu sein, stammt nicht aus einer nennenswerten Vorlage und ist ein integraler Bestandteil dieser Geschichte. Auch wenn Jack Horner (John Mulaney) auf einem Kinderreim basiert, lässt sein Charakterdesign zu wünschen übrig. Im Grunde sind fast alle neuen Gestalten visuell abstoßend, mit Ausnahme eines pflichtbewussten Kerbtiers, welches Jimmy Stewart imitiert. Die klassische Kombi aus gruselig sowie niedlich und lustig kommt hier nicht so ganz zum Tragen.

Am enttäuschendsten ist für mich jedoch der Humor. Es gibt ein familienfreundliches Thema, nämlich die Umarmung der eigenen sanften Seele und die Kraft und Wichtigkeit von Freundschaften, doch die dringend erforderlichen, im Normalfall zuverlässigen Lachmomente sind nicht so oft oder so geschickt wie sie sein sollten. Die zentrale Romanze zwischen Kitty Softpaws und dem gestiefelten Kater ist auch nicht sonderlich charmant, während das Gespür für den Sinn des ganzen Unterfangens immer wieder durch uninspirierte Action-Choreographien und Abschnitte eines Schatzkartenpfades konterkariert wird, die sich anfühlen wie Lückenfüller, um ein kurzes Thema zu einem Langfilm auszuweiten. Auch der Schluss krankt an seinen vielen Repetitionen und unzureichend ausgearbeiteten, farblos anmutenden Gedanken. Die gesamte Produktion ist weder witzig noch spannend genug, um eine Fortsetzung zu rechtfertigen. "Warum bist du so lächerlich?"

Mein Kommentar zu "Der gestiefelte Kater":
https://www.moviepilot.de/movies/der-gestiefelte-kater-3d/kritik/2833417

In "Red One - Alarmstufe Weihnachten" von Regisseur Jake Kasdan kehrt der Weihnachtsmann (J.K. Simmons) vor Heiligabend in sein streng geheimes Hauptquartier am Nordpol zurück, nachdem er eine dringend benötigte Pause von den ständigen Planungen, Proben und logistischen Berechnungen für die Auslieferung von Milliarden von Geschenken in einer einzigen Nacht hatte. Trotz diverser Schutzmaßnahmen und einer gut ausgebildeten E.L.F.-Sicherheitstruppe unter der Leitung des furchterregenden Commander Callum Drift (Dwayne Johnson) bricht eine Gruppe unbekannter Eindringlinge in das befestigte Gebäude ein und entführt den Weihnachtsmann. Callum Drift und Zoe Harlow (Lucy Liu), die resolute Leiterin einer Regierungsbehörde, die mit dem Schutz aller mythischen Kreaturen beauftragt ist, haben nur wenige Anhaltspunkte. Mit vereinten Kräften versuchen sie, einen berüchtigten Computerhacker (Chris Evans), der sich als Jack O'Malley heraustellt, aufzuspüren, ein skrupelloser Krimineller, der seinem Sohn Dylan (Wesley Kimmel) gegenüber meist abwesend ist. Jack O'Malley erklärt sich bereit, den Weihnachtsmann zu retten und macht sich zusammen mit Callum Drift auf die Suche nach dem Immobilienmakler, der den Aufenthaltsort des fröhlichen Geschenkebringers ausfindig machen soll. Doch schon bald wird der unwissende Halunke in ein mystisches Abenteuer mit Rentieren, Gestaltwandlern, Hexen und einem zornigen sprechenden Eisbären namens Garcia verwickelt.

Vielleicht spiegelt dies den Zynismus der damaligen Zeit wider, da die Hauptfigur allen Elementen des Karmas skeptisch gegenübersteht. Er ist ein Loser, ein degenerierter Hasardeur, unverantwortlich, faul, misstrauisch, egoistisch, leichtsinnig und ein Vielfraß, dessen einzige Mahlzeiten auf dem Bildschirm Pizza und Churros sind. Er ist auch ein Klugscheißer, ein Einzelgänger und ein Dieb, der zufällig auch einer der besten Hacker der Welt ist. Es ist unerklärlich, dass er, obwohl er diesen Ruf aus mehr als einer Quelle erhalten hat, immer noch pleite zu sein scheint, ein schrottreifes Auto fährt, in einer kleinen Wohnung lebt und nur ein kleines Vermögen besitzt. Bei "Red One - Alarmstufe Weihnachten" wurde in dem Bemühen, ihn als klischeehaften Computertypen darzustellen, irgendwie vergessen, dass seine dunklen Geschäfte im Internet ihm sicherlich ein glamouröseres Leben beschert hätten, zumindest im Privaten. "Du willst doch nicht auf die Liste der Ungezogenen kommen, oder?"

Dennoch ist das Muster offensichtlich: Der übliche ungläubige Rüpel wird in seinem weit verbreiteten Zweifel auf schockierende Weise herausgefordert, als er Zeuge übernatürlicher Wesen und magischer Wunder wird. Seine plötzlichen Konfrontationen mit dem Übernatürlichen werden von einer Person geführt, die das Gegenteil von ihm ist: Eine Person mit absolutem Glaubenseifer. Es ist ziemlich weit hergeholt, dass die Mythologien, die den Weihnachtsgeschichten zugrunde liegen, weitgehend wahr sind, abgesehen von der Tatsache, dass der Nordpol-Komplex eine futuristische Metropole mit blinkenden Lichtern, komplizierten architektonischen Strukturen und außerirdisch aussehenden Bewohnern ist, und dass niemand jemals erwähnt hat, dass der Weihnachtsmann einen übergroßen Kopiloten als Leibwächter hat, der mit ihm auf seinem Schlitten fliegt.

Das Ganze ist natürlich eine fantastische Ausrede für ein actionorientiertes Team ungleicher Soldaten, um sich der brennenden Frage zu stellen, wie es wohl wäre, wenn die Weihnachtsfiguren in die Mitte eines Marvel-Films geschoben würden. Obwohl der Weihnachtsmann selbst ein Superheld ist, ist er nicht immun gegen die Machenschaften und Angriffe äquivalenter Superschurken, denn beide Seiten verfügen über eine Vielzahl schwer bewaffneter übermenschlicher Kommandos mit modernsten Technologien und Waffen. Leider sind die Physik und die Glaubwürdigkeit der visuellen Stunts völlig widersinnig oder fehlen gänzlich, wenn man sich auf das Abenteuer konzentriert und anthropomorphe Biester und Sci-Fi-Gadgets einsetzt.

In einer realistischen Umgebung wäre Jack O'Malley zwar nicht mehr zu retten, da er in den ersten Momenten buchstäblich Süßigkeiten von einem Baby stiehlt, aber die Welt dieser Fantasy-Komödie erlaubt mehr Nachsicht, aber kein Feingefühl, weil Jack O'Malley auch beim zweiten, dritten und vierten Mal, wenn er auf jenseitige Kuriositäten trifft, schockiert reagiert. Als er sich mit einem Partner zusammentut, der die Mission sehr ernst nimmt, kommt es zu einem komödiantischen Aufeinandertreffen von nüchternem Heldentum und dämlichen Possen sowie zu einem Zusammenprall von Kulturen, Persönlichkeiten, Glaubenssystemen und Existenzen. "So viel schlechtes Benehmen..."

Doch während "Red One - Alarmstufe Weihnachten" einige Konzepte aus "Schiffsjunge ahoi!" und eine Fülle von Ideen aus den Harry-Potter-Filmen, "Dungeons & Dragons", "Hellboy" und anderen Comic-Verfilmungen aufgreift, ist es eigentlich die Nebenhandlung von Jack O'Malleys chaotischen Familienangelegenheiten, die am eindringlichsten bleibt. Seine vorhersehbare Einsicht, dass es nicht unbedingt das Beste für den Jungen ist, sich von seinem Sohn zu distanzieren, hat für eine so generische Mischung aus anderen filmischen Eigenschaften eine seltsame Authentizität. Selbst wenn naheliegende Schwierigkeiten auftauchen, wie beispielsweise ein mickriger Irdischer, der nicht sofort von gigantischen unirdischen Geschöpfen zerquetscht wird, ist die verlässliche Menschlichkeit, sich für das Gute zu entscheiden, schlichtweg sympathisch. "Red One - Alarmstufe Weihnachten" mag manchmal unoriginell und an manchen Punkten geradezu blöd daherkommen, aber die weihnachtliche Atmosphäre im Kern ist herrlich unkompliziert. "Frohe Weihnachten."

Meine Rezension zum 3. Advent im Rahmen der Wichtelaktion 2024 für MP-Buddy Chionati: https://www.moviepilot.de/movies/watchmen-die-waechter/kritik/2833952

Meine Rezension zum 3. Advent im Rahmen der Wichtelaktion 2024 für MP-Buddy Chionati:

Der einzige Nachteil von "Watchmen - Die Wächter" von Regisseur Zack Snyder könnte sein, dass die Geschichte zu komplex und brillant ist, um ein breites Spektrum von Betrachtern anzusprechen, die einen simplen, actiongeladenen Superheldenfilm erwarten. "Watchmen - Die Wächter" ist eher ein komplizierter Verschwörungsthriller als ein Actionfilm zur Verbrechensbekämpfung, der sich um ein weltbewegendes Mysterium dreht. Doch der Prozess der Aufdeckung der Wirklichkeit behält das anregende Interesse, die grellen Bilder und die faszinierende Melange aus Sensationslust und morbider Analyse der menschlichen Natur, die man von einer neuen Generation von Comic-Filmen erwartet. Es ist eine schonungslose Auslotung von unendlicher Gewalt und der daraus resultierenden Verderbnis, verpackt in die viszerale Pracht der fantasievollsten Köpfe.

"Watchmen - Die Wächter" spielt in einem alternativen Jahr 1985, in dem maskierte Superhelden die Nacht beherrschen, die Vereinigten Staaten den Vietnamkrieg gewonnen haben und Richard Nixon immer noch das Präsidentenamt innehat. Die 'Doomsday'-Uhr, die die totale nukleare Zerstörung vorhersagt, bleibt auf 5 Minuten vor Mitternacht eingestellt. Die verdrehte Handlung entfaltet sich durch die Augen des gescheiterten ehemaligen Superhelden 'Rorschach' (Jackie Earle Haley), einem maskierten Selbstjustizler, dessen paranoide Psychose nur noch von seinem kompromisslosen Streben nach Gerechtigkeit übertroffen wird. Als 'The Comedian' (Jeffrey Dean Morgan), ein 'Watchman'-Superheld mit sadistischen Vergeltungsmethoden, auf mysteriöse Weise ermordet wird, durchforstet 'Rorschach' die Schattenseiten der Stadt nach Hinweisen auf das vorzeitige Ableben seines Kameraden. Als er eine verheerende Verschwörung aufdeckt, die darauf abzielt, alle verbliebenen Superhelden zu töten, muss er die Hilfe mehrerer ehemaliger Kollegen, darunter 'Nite Owl' (Patrick Wilson) und 'Silk Spectre' (Malin Akerman), in Anspruch nehmen, um einen selbstmörderischen Krieg gegen ein kriminelles Superhirn mit nahezu unbegrenzter Macht zu führen.

"Watchmen - Die Wächter" ist in meinen Augen, nichts Geringeres als ein Superheldenfilm mit einer Mixtur aus Action, Drama, Romantik, Science Fiction, Fantasy, Krimi und Mystery, erzählt aus der Sicht von 'Rorschach'. Ihn einfach als Comicverfilmung zu bezeichnen, würde ihm nicht gerecht werden, denn das Fehlen tatsächlicher paranormaler Kräfte bedeutet, dass es sich nicht wirklich um einen Superheldenfilm handelt. "Watchmen - Die Wächter" verbindet Politik, Moral und soziale Komplexität zu einem rücksichtslosen Fantasy-Epos, das auf intelligente Weise Fragen zu Vigilantismus, Atomkrieg und Machtmissbrauch stellt. Das Superhelden-affine Publikum, das mit der 'Watchmen'-Geschichte nicht so vertraut war, hat schon längst einen solch esoterisch angehauchten und entsprechend langatmigen Film akzeptiert.

Bei so vielen Handlungssträngen, Ablenkungsmanövern und Hintergrundgeschichten, die es zu erzählen gilt, kann "Watchmen - Die Wächter" mit einer Länge von fast drei Stunden trotzdem nicht alles abdecken. Am imposantesten sind die atemberaubenden Aufnahmen und die einzigartige Bilderwelt, die Alan Moores und Dave Gibbons Graphic Novel zum Leben erwecken, gepaart mit Sex, Action und Gewalt, wie man sie noch nie in einer Comicverfilmung zuvor zu sehen bekam. An Nacktheit und Blutvergießen besteht kein Mangel, denn das Schicksal der Welt ruht auf den Schultern von Psychopathen, glorifizierten Bandenmitgliedern mit einer Neigung zu Kostümierungen und einem Opfer eines atomaren Unfalls, das abtrünnig geworden ist, um zu beenden, was dem Gesetz nicht gelingt. Die irrige These, dass es sich bei "Watchmen - Die Wächter" um eine geradlinige Comicverfilmung handelt, wäre so treffend wie das Zitat von 'Dr. Manhattan': "...eine Fotografie von Sauerstoff für einen Ertrinkenden."

Der berühmt berüchtigte gestiefelte Kater (Antonio Banderas) war nicht immer eine Legende, sondern kam aus einem armen Waisenhaus in San Ricardo. Dort wird er von der gutherzigen, mütterlichen Imelda (Constance Marie) aufgenommen und freundet sich mit Humpty Dumpty (Zach Galifianakis) an, einem vorausschauenden, erfinderischen Träumer, der die verrückte Idee hat, magische Bohnen zu finden, die eine riesige Bohnenstange hochziehen können, um sie zu einem Schloss eines Riesen zu bringen. In "Der gestiefelte Kater" von Regisseur Chris Miller warten auf sie Gefahr, Ruhm und eine goldene Gans, die pralle goldene Eier legt. Ihre Suche in der Kindheit blieb jedoch erfolglos, und stattdessen schlugen sie beide den Weg des Gelegenheitsdiebstahls ein, bis eine tragische Nacht sie für mehr als ein Jahrzehnt trennte.

Während des 'Feuerfestes' wird der gestiefelte Kater von Kitty Softpaws (Salma Hayek), einer hochbegabten Einbrecherin, Schwertkämpferin, Tänzerin und Verführerin, gebeten, bei der Suche nach den echten Zauberbohnen zu helfen. Ihr Chef ist Humpty Dumpty, und obwohl der Kater widerwillig zustimmt, sich der Gruppe anzuschließen, weigert er sich, dem übergroßen Straußenei die vergangenen Ereignisse zu verzeihen, die sie auseinandergetrieben haben. Der erste Schritt ihres Plans besteht darin, die leuchtenden grünen Hülsenfrüchte von dem widerwärtigen Duo Jack (Billy Bob Thornton) und Jill (Amy Sedaris) zu erwerben.

Es liegt auf der Hand, dass die klobigen Stiefel den Kater daran hindern würden, immer auf seinen Füßen zu landen, Gebäude zu erklimmen und sich an allen möglichen verwegenen Aktivitäten zu beteiligen, aber tatsächlich sind sie ein wichtiger Teil der visuellen Komik und des Charakterdesigns, die "Der gestiefelte Kater" zu einem so beeindruckenden Werk machen. Es gibt auch viele niedliche Katzenwitze und Gags, die die Bissigkeit des Katers mit seiner zierlichen Statur und seiner Vorliebe für das sanfte Abschlecken von Milch mit seiner winzigen Zunge kontrastieren, zusammen mit seinem charakteristischen augenzwinkernden, hypnotischen Gefeilsche. Ein besonders witziger Tanzkampf, ein ausgeklügelter Schnitt, der Live-Action-Filme imitiert, das urkomische Bild von Humpty Dumpty und Katzen mit seltsamen Stimmen im Hintergrund sind alles Elemente, die die clevere Kunstfertigkeit der Macher beweisen.

Die Lacher kommen hauptsächlich aus der Situationskomik, die "Der gestiefelte Kater" universeller macht als die popkulturell geprägten Darstellungen aus den "Shrek"-Filmen. Das Drehbuch enthält auch anspielungsreiche sexuelle Inhalte, unangemessene Tätowierungen, Drogen, Ei-Genitalien und Nacktheit, die für Kinder völlig unauffällig sind, sowie dunkle Themen wie Verrat, Gefangenschaft und Tod. Doch seine eindeutige Liebenswürdigkeit überschattet jegliche Negativität. Die Animation selbst ist von hervorragender Qualität, und das Niveau der rasanten Action übertrifft die jüngsten "Shrek"-Fortsetzungen mit beeindruckenden Grafiken, komplexen Stunts und wirklich spannenden Abenteuern, wobei die Nebendarsteller geschickt eingesetzt werden, ohne dass auch nur ein einziges Mal angedeutet wird, wie nervig 'Esel' ist. Der gestiefelte Kater hat definitiv seinen eigenen Film verdient, und die Abwesenheit von 'Shrek' schmälert den Spaßfaktor nicht im Geringsten.

Mein Kommentar zu "Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch":
https://www.moviepilot.de/movies/der-gestiefelte-kater-2-der-letzte-wunsch/kritik/2834697

In "Zauberhafte Schwestern" von Regisseur Griffin Dunne sind die Mitglieder der Familie Owens als Hexen seit 200 Jahren im Besitz von Kräften, die andere in Angst und Schrecken versetzen und oft zu Exekutionen führen. Als die Matriarchin Maria (Caprice Benedetti), die eine solche öffentliche Hinrichtung überlebt hat, die Blutlinie wegen eines verschmähten Liebhabers verflucht, ist es vorherbestimmt, dass kein Mann die Ehe mit einer Nachfahrin überleben kann. "Wir sind anders."

Als die Kinder Sally und Gillian nach dem Tod ihrer Eltern zu ihren Tanten Frances (Stockard Channing) und Jet (Dianne Wiest) ziehen, erfahren sie von ihrer Abstammung, ihren magischen Fähigkeiten und ihrem Schicksal, dass ihre zukünftigen Verehrer an gebrochenen Herzen sterben werden. Das hält die inzwischen erwachsene Gillian (Nicole Kidman) jedoch nicht davon ab, Freunde zu haben, während Sally (Sandra Bullock) es vorzieht, Single zu bleiben und ein schönes Leben als alte Jungfer zu planen. Trotz dieser burschikosen Absichten und Verhaltensweisen ist Sally diejenige, die zuerst heiraten und sogar Kinder haben möchte, während Gillian darauf bedacht ist, an einen Ort zu gelangen, an dem ihre Familie nicht wegen der unerschütterlichen Gerüchte über Hexerei geächtet wird. Das verspätete, aber unvermeidliche Omen eines zirpenden Käfers kündigt eine romantische Tragödie an. "Das war der Fluch, oder?"

Mit einem prominenten Popmusik-Soundtrack ist die Bühne für das Melodrama bereitet, mit einem deutlichen Bezug zu wollüstigen Verwicklungen, schwesterlicher Liebe und rebellischen Abwegen. Somit ist der Einsatz von Magie nicht gefährdet. Mäßig düster, aber mit einer ausgeprägten Experimentierfreude, sind selbst die gewalttätigen Momente mit Humor gespickt, besonders wenn die übernatürliche Reanimation in Mord umschlägt - eine witzigere Vision von "Zombie Graveyard". Doch das meiste ist Mumpitz, Einmischung in das Liebesleben und nächtliche Ausschweifungen. Der Großteil des übersinnlichen Stusses ist völlig frivol und führt zu einer Art tonalem Einheitsbrei.

Es dauert eine Weile, bis ein aufrichtigerer Spuk einen Konflikt heraufbeschwört, der zusätzliche Hexerei und Teamarbeit erfordert, aber im Vergleich dazu wird dies in einem larmoyanten Ton behandelt. Die ganze Chose ist so etwas wie ein Teenager-Abenteuer für junge Mädchen, auch wenn die Protagonistinnen schon etwas älter sind. Die Einführung eines Sonderermittlers (Aidan Quinn), der Konsequenzen für okkulte oder andere Straftaten aufzeigen soll, bewegt sich ebenfalls eher in Richtung einer Love-Interest-Nebenhandlung als in die Realität des reinen Verbrechens und der gerechten Justiz. Dies ist eine heikle Situation, denn es wurde eine Straftat begangen. Doch die Integration einer jenseitigen Nemesis führt zu einem Ergebnis, das sich nicht auf irgendeine Art von Vernunft stützen kann, gepaart mit zweideutigen Risiken und ungeklärten Fantasyelementen. Das mag vielleicht nachvollziehbar klingen, aber es ist dennoch eine zeitraubende Angelegenheit, die Zufälle in letzter Minute, spontane Problemlösungen und wenig glaubhafte Reaktionen verlangt. "Zauberhafte Schwestern" ist nicht ganz so dämlich wie die beiden "Hocus Pocus"-Filme, doch sein Unterhaltungswert ist, obwohl er sich an ein etwas anderes Zielpublikum richtet, genauso begrenzt. "Pass auf, was du dir wünschst."

In "Ghost in the Shell" von Regisseur Rupert Sanders sind kybernetische Verbesserungen in der Zukunft alltäglich geworden, wodurch die Grenzen zwischen Mensch und Maschine geschickt verwischt werden. Der Höhepunkt dieser harmonischen Robotisierung ist Mira Killian (Scarlett Johansson), ein junges Mädchen, das nur knapp einen Terroranschlag überlebt hat, bei dem ihre Eltern jedoch, auf bedauerliche Weise ums Leben kamen. Da ihr menschlicher Körper irreparabel geschädigt ist, wird Miras Gehirn in ein Cyborg-Gehäuse implantiert - die ultimative Waffe, die von 'Sektion 9' ausgebildet wird, einer Eliteeinheit von Soldaten, die Cyberterrorismus untersuchen sollen. Ein Jahr später vereiteln Major Killian und ihr Partner Batou (Pilou Asbaek) auf ihrer Patrouille ein Attentat auf ein Vorstandsmitglied von 'Hanka Robotics'. Weitere Nachforschungen über die ungewöhnlichen Hacking-Methoden, die bei dem Mord angewandt wurden, führen zu einem mysteriösen Wesen namens Kuze (Michael Carmen Pitt), das es auf hochrangige Mitarbeiter des Unternehmens abgesehen hat. Als die Spur zu Miras eigener kybernetischer Technikerin, Dr. Ouelet (Juliette Binoche), zurückverfolgt werden kann, wird die Majorin in eine Verschwörung verwickelt, die sie zwingt, alles in Frage zu stellen, was sie bisher kannte.

In "Ghost in the Shell" geht es um die Verschmelzung menschlicher Organe mit Robotern oder um das Verschmelzen menschlicher Gehirne mit technischen Fortschritten. Es geht nicht um hoch entwickelte künstliche Intelligenz. Trotzdem gibt es fast keinen Gegensatz in der Art und Weise, wie diese sehr gegensätzlichen Konzepte behandelt werden. Die Handlung geht den Weg, Maschinen als Werte zu definieren, was der Auffassung von der offensichtlichen Humanität der Hauptfigur sehr zuwiderläuft. Ihr Körper wurde ersetzt, aber sie kontrolliert ihn immer noch mit einem vollständig kognitiven Gehirn.

Diese widersprüchliche Konzeption, die dazu führt, dass einer der Antagonisten, ein typischer Geschäftsmann, ständig versucht, Mira als bloßes Projekt, das ihm gehört, abzuschalten, verliert weiter an Subtilität, wenn der Dialog erklärt, dass der 'Geist' des Titels die Seele und die 'Hülle' der kybernetische Körper ist. Dies wird mehrmals bekräftigt, als ob der Betrachter die ersten eklatanten Verweise übersehen würde. Die aufwändigere Interpretation von 'Geist' wird dann natürlich sofort hinfällig. Mit einer spezifischen Definition ist es nur schwer möglich, über die geisterhaften Qualitäten der Fähigkeiten des Majors zu reflektieren, wie beispielsweise das Anzapfen der Gedanken von Androiden, das Lokalisieren eines mysteriösen ätherischen Netzwerks oder einfach das Anlegen einer Tarnkleidung, die sie für ihre Feinde buchstäblich unsichtbar macht. Sogar der Titel des Films selbst wird zweimal auf dem Bildschirm angezeigt, einmal als einfacher Text und einmal als stilisierte Grafik.

Einige Gedanken haben komischerweise keinen Platz für Subtilität, während andere überhaupt keine Details enthalten. Geistige Schatten, texturierte Codes und tiefes Vertiefen sind abstrakte Inspirationen, die nicht erläutert werden können und stattdessen einfach Lösungen für das gegebene Rätsel zu liefern scheinen. Obwohl dieses Mysterium viel leichter zu begreifen ist als die überfrachtete Darstellung des Ausgangsmaterials - des Mangas und, in noch stärkerem Umfang, des Animes von 1996 -, wurde es für ein viel weniger anspruchsvolles, mutmaßliches Auditorium umgeschrieben, fast bis zu dem Grad, dass es zu simpel ist. Es gibt nur geringe Abweichungen, und die Enthüllungen haben die einst faszinierenden Erkenntnisse über Identität, Realität und Technologie, die die Menschlichkeit zerstören, ebenso entsorgt wie die Tatsache, dass alles und jeder von transdisziplinären, computergestützten Funktionalitäten abhängt, so dass alle Straftaten heute Cyberdelikte sind.

Die Kulissen sind umwerfend, auch wenn sie ein wenig an andere futuristische Welten erinnern, die von asiatischer Architektur und Werbung beeinflusst sind, die Kostüme sind originalgetreu nachgebildet und das Make-up ist lupenrein. Wie in "Sin City" und "300" sehen viele der Aufnahmen aus, als wären sie direkt den Seiten eines der eben erwähnten Comic-Romans adaptiert worden. Auch wenn es bereits eine Vielzahl von Filmen gab, die von den diversen Versionen inspiriert wurden, fühlt sich diese Live-Action-Adaption im Jahr 2017 ein wenig an wie "John Carter - Zwischen zwei Welten" aus dem Jahr 2012. Die Geschichte und die Charaktere mögen an erster Stelle stehen, aber "Ghost in the Shell" hat das nicht getan. Daher scheint "Ghost in the Shell" viele Anleihen bei Franchises zu machen, die er tatsächlich inspiriert hat.

Darüber hinaus ist das Bildmaterial nicht homogen. Während bestimmte Momente einen lebendigen, hypnotischen Charakter haben, sind die meisten Actionsequenzen und computeranimierten Bewegungen der Figuren merklich daneben. Mit dieser Bebilderung wird jedoch versucht, die zu stark vereinfachte Handlung zu modulieren, was die visuellen Defizite nur noch offenkundiger erscheinen lässt. Insgesamt handelt es sich um eine Verfilmung, die so angelegt ist, dass sie nur altgedienten Anhängern gefallen dürfte, diese aber aufgrund der vielen Umbauten an fundamentalen und nicht essentiellen Stellen eher verärgern wird.

In "Ghost in the Shell" von Regisseur Mamoru Oshii hat die fortschreitende Computerisierung in Gesellschaft und Regierung viele Probleme für Programme verursacht, die von Bugs überrannt wurden. Die Welt ist fast vollständig vernetzt, und die Menschen haben jetzt die Möglichkeit, ihre Gedanken in kybernetische Roboter einzusetzen, um Erfahrungen zu simulieren. Dies führt auch dazu, dass verschiedenen Nutzern Persönlichkeiten und Erinnerungen implantiert werden, wie in "Die totale Erinnerung - Total Recall", was zur Kontrolle und Manipulation der Realität durch andere führt. Doch die Bewandtnis der diversen Entführungen und illegalen Projekte wird fast irrelevant, sobald 'Sektion 9', eine spezialisierte Polizeitruppe, die hauptsächlich aus übermenschlichen Cyborgs besteht, hinzugezogen wird, um den Schlamassel aufzuräumen, wobei sie sich oft die Hände mit vergossenem Blut schmutzig macht.

Wir schreiben das Jahr 2029 und Major Motoko Kusanagi (Atsuko Tanaka), die im Grunde nur ein menschliches Gehirn in einem Androiden-Körper ist, hat den Auftrag, den schwer zu findenden, berüchtigten geheimnisvollen Hacker und Terroristen, der als 'Puppenspieler' bekannt ist, zu jagen und dingfest zu machen. Ihr Team, zu dem auch der Fahrer Togusa (Kôichi Yamadera) und der erfahrene Agent Bateau (Akio Otsuka) gehören, hilft ihr dabei, einen verdächtigen Abfallentsorger zu stoppen, der mit einem Hacker in Verbindung steht, der über eine schwere Feuerkraft und eine thermoptische Tarnvorrichtung verfügt, die ihn praktisch unsichtbar macht. Auch wenn seine Verhaftung nicht zum 'Puppenspieler' führt, wird vermutet, dass der gesuchte Verbrecher bei den bevorstehenden diplomatischen Gesprächen zuschlagen wird, bei denen Colonel Malice und die Korruption der politisch motivierten 'Sektion 6' eine wichtige Rolle spielen könnten, vor allem nachdem das Gehirn einer Cyborg-Dolmetscherin des Ministeriums mit der Absicht gehackt wurde, sie in eine unwissende Attentäterin umzuprogrammieren.

Mit wummernder Orchestermusik und Opernstimmen, die die Neonlichter und muffigen Gassen der asiatischen Metropole, die Hongkong nachempfunden ist, ergänzen, hat "Ghost in the Shell" den Look und die Attitüde von "Blade Runner" und ist eine sichtbare Inspiration für "Matrix", indem es den charakteristischen leuchtenden grünen Schriftkörper aufnimmt, der über die Computerbildschirme rollt. Die Verbindung zum polizeilichen Informationsnetz durch Löcher im Nacken und eine eindrucksvolle Szene, in der ein Raum mit Betonpfeilern durch Schüsse demoliert wird. Die Beleuchtung, die lügnerischen Kamerawinkel und die Kulissen vermitteln auf Anhieb ein düsteres Gothic-Ambiente, das durch den Einsatz von Zeitlupen und längeren, kontemplativen Aufnahmen, in denen die Figuren regungslos vor sich hin sinnieren, noch intensiviert wird und die fortschrittlichen kinematografischen Techniken der damaligen Zeit nachbildet. "Ghost in the Shell" basiert auf dem gleichnamigen Manga von Shirow Masamune aus dem Jahr 1989, in dem einige Konzepte aus "Terminator" umgesetzt werden, wie etwa äußerst mächtige humanoide Roboter mit künstlicher Intelligenz und autonom denkende Computer. Mit der Gedankenkontrolle und der Ergreifung des Geistes macht er auch Anleihen bei "Scanners - Ihre Gedanken können töten" von David Cronenberg.

Die Handlung scheint manchmal so komplex wie das menschliche Gehirn, und der Gedanke, es zu reprogrammieren oder Mementos zu manipulieren, ist schwierig zu begreifen. Durch die hinterfragte Identität, die Abbildung von geistigen und physischen Transitionszuständen, die Vorstellung von Robotern, die sich gegen ihre Gebieter auflehnen, und die These einer invasiven, übergreifenden staatlichen Kontrolle greift "Ghost in the Shell" die brisanten Themen eines Philip K. Dick-Romans auf. Den Cyborgs Rechte einzuräumen und zu behaupten, eine Linie für die Menschheit zu ziehen, erinnert an Isaac Asimov. "Ich kann dir nicht folgen. Ich weiß nicht, wovon zum Teufel du redest!"

Es gibt auch eine ingeniöse Obliegenheit mit der makellosen weiblichen Form, vielleicht als ein Kommentar über die Fruchtlosigkeit von Sex in dieser hauptsächlich nicht-reproduktiven Welt. Dies wird durch die Verschleierung von Motoko Kusanagi verdeutlicht, die nur wirksam ist, wenn sie unbekleidet ist. Ständig erigierte Nippel beschreiben die Bewahrung ihrer Scheide und die Verjüngung und Reinheit des entblößten Körpers. Ebenso die abtrünnige Computerkreatur, die von einer anderen nackten Roboterfrau Besitz ergreift, die sich nie ankleidet, selbst wenn sie demontiert wurde. Es könnte allgemein exploitativ sein, wenn es nicht so seriös und vertrackt wäre. Unterm Strich ist "Ghost in the Shell" ein atmosphärischer Thriller, der sich als einer der außergewöhnlichsten japanischen Anime-Filme erweist und ein actionreiches, zum Nachdenken anregendes Stück Science-Fiction ist, auch wenn er ein wenig verschachtelt ist.

Ich werde zusammen mit MP-Buddy Chionati am 3. Advent einen Film kommentieren.

Schon in den ersten Sekunden von "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" von den Regisseuren Jim Abrahams und David Zucker, einer Satire auf "Der weisse Hai", in der der Hai durch ein Flugzeug ersetzt wird, das aus den Wolken springt, wird klar, dass diese Komödie keinem bekannten Parodie-Standard entsprechen wird. Wenn Elmer Bernsteins stimmungsvolle Musik einsetzt, suggeriert sie, dass sich aus den vielen unterschiedlichen Beteiligten, die sich auf einem Flughafen drängen, etwas Unheimliches zusammenbraut, was einen weiteren scharfen Kontrast zu dem sich anbahnenden Wahnsinn darstellt. Sogar eine der Haupthandlungen, die sich um die Flugbegleiterin Elaine Dickinson (Julie Hagerty) und ihre schwankende Beziehung zu Ted Striker (Robert Hays) dreht, wird durch das Durchbrechen der vierten Wand unterbrochen, gerade als der Ton bescheiden aufrichtig erscheint.

Der 'Trans American-Flug 209' nach Chicago befördert eine bunte Mischung von Passagieren, von einem Mädchen, das eine Herztransplantation benötigt, über liebeskranke Teenager, religiöse Persönlichkeiten und ältere Menschen bis hin zu improvisierten Fechtern. Hinzu kommen ein perverser Kapitän (Peter Graves) und sein Co-Pilot, der verdächtig nach einem berühmten Basketballspieler aussieht. Je mehr Fluggäste auftauchen, desto deutlicher wird, dass keine Ethnie, Altersgruppe oder Glaubensrichtung vor deftigem Hohn und Spott sicher ist.

Mit seiner Struktur, die auf einem kontinuierlichen Ansturm von verwandten und nicht verbundenen Gags basiert, von denen einige für eine Rückblende weggeschnitten werden, nur um sich über andere ikonische Filmmomente lustig zu machen, kümmert sich "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" nicht allzu sehr um eine Handlung. Stattdessen zielen die pausenlosen Gimmicks darauf ab, ständiges Auflachen zu provozieren. Durch die exzessive Akkumulation von Nonsens gehen die kleinen Witze vielleicht verloren, aber die großen landen auf spektakuläre Weise. Auch subtilere Anspielungen auf zeitgenössische Elemente wie Werbespots oder andere Konzepte, die in den späten 70er Jahren am stärksten waren, kommen regelmäßig vor. Die komplette, pietätlose Inszenierung ist erstaunlich konsequent.

"Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" scheut sich nicht vor Slapstick, zungenbrecherischen Dialogen, unerwartet wörtlichen Interpretationen von Redewendungen und anderen gängigen Ausdrücken, inneren Monologen und sogar Gesangs- und Tanzeinlagen. Die inkohärenten Stellen, die freventlichen Soundeffekte und die tumultuarischen Einzeiler reißen nicht ab, und viele von ihnen sind absolut albern. Selbst ernste Szenen werden durch Absurditäten unterbrochen. Potenzielle Spannung wird systematisch beiseite geschoben zugunsten zusätzlicher Firlefanzen, und die Außerachtlassung von Beständigkeit und Sensibilität ist stets dogmatisch.

Vieles davon spielt sich ab, bevor Leslie Nielsen seinen Auftritt als äußerst geradliniger, völlig minderbegabter Arzt hat - eine Rolle, die so beliebt ist, dass er sie noch jahrelang in Variationen spielen sollte. Leslie Nielsens Aktionen und Dialoge sowie viele der Jokes werden illustrativ und sinnbildlich für "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" - vom aufblasbaren Autopiloten und einem Gastauftritt von Ethel Merman bis hin zu selbstmordgefährdeten Gangmitgliedern und Robert Stack als Kommandant im Kontrollzentrum, der das Flugzeug per Funk in Sicherheit bringen muss. Was das Ganze so wirkungsvoll macht, ist die Ehrlichkeit, mit der die Schauspieler ihre Rollen verkörpern. Angesichts der nicht enden wollenden Fatuosität bleiben die Darsteller geradlinig renommiert, was den Erfolg von "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" nur noch verstärkt. Auch am Ende des erlebnisreichen Abenteuers hören die Sperenzchen nicht auf. Jede zusätzliche Sekunde scheint einen weiteren Schub an Alfanzerei zu bergen. "Sieht aus, als hätte ich mir die falsche Woche ausgesucht, um mit dem Klebstoffschnüffeln aufzuhören."

In "Eine Wahnsinnsfamilie" von Regisseur Ron Howard liebte Gil als Kind Baseball, konnte aber nur einmal im Jahr ein Spiel sehen, während dessen sein Vater einen Platzanweiser bezahlte, um auf den Jungen aufzupassen. Gil Buckman (Steve Martin), inzwischen 35 Jahre alt, erklärt die mangelnden Erziehungsfähigkeiten seines Vaters damit, dass er in seiner Adoleszenz keinen positiven männlichen Einfluss hatte und das Konzept als unerfüllbare Aufgabe ansah. Gil Buckman und seine Frau Karen (Mary Steenburgen) sind jedoch wild entschlossen, ihre eigenen drei Nachkommen auf eine bessere Weise zu erziehen. Doch es wird nicht einfach werden, denn der achtjährige Kevin (Jasen Fisher), das älteste Kind, schneidet in der Schule Grimassen und offenbart damit ein grundlegendes Problem mit emotionalen Komplikationen. Tochter Taylor (Alisan Porter) küsst gerne sämtliche Jungs, und Kleinkind Justin (Zachary Lavoy) rammt alles Mögliche wie ein Dickkopfsaurier mit seinem Schädel. "Wir sind seine Eltern, wir schaffen das schon."

Gil Buckmans Schwester Helen Lampkin Brodsky (Dianne Wiest, mit einer wohlverdienten Oscar-Nominierung), inzwischen geschieden, kämpft mit dem gestörten, unkommunikativen Jungen Gary (Joaquin Phoenix) und der Teenager-Tochter Julie (Martha Plimpton), die eine sexuelle Beziehung mit dem Punk Tod Hawkes (Keanu Reeves, der die ergreifendste Zeile über die Führerscheinanforderungen für das Autofahren und das Angeln, aber das völlige Fehlen von Anforderungen für die Elternschaft liefert) geheim hält. Gil Buckmans andere Schwester Susan Buckman Merrick (Harley Kozak) und ihr herrischer Ehemann Nathan (Rick Moranis) ziehen ihre kleine Tochter Patty (Ivyann Schwan) in dem Glauben auf, dass Kinder wie Schwämme sind, die man über östliche Philosophien und diffizile Mathematik belehren muss. Sein jüngerer Bruder, Larry (Tom Hulce), ist die größte Pfeife der Familie. Er ist allzu sehr von seinem Vater (Jason Robards) abhängig, kann keine Karriere aufbauen, hat sich bei den falschen Leuten verschuldet, braucht ein Obdach und schleppt ein kleines Kind namens 'Cool' (Alex Burrall) mit sich herum.

Wenngleich "Eine Wahnsinnsfamilie" in erster Linie eine Komödie mit asketischem Slapstick und Steve Martins charakteristischen Gags ist, so ist "Eine Wahnsinnfamilie" doch letztlich eine Analyse diverser familiärer Alltagssituationen und der üblichen Widrigkeiten der Kindererziehung. Die leicht übertriebenen Szenarien sind mit viel realistischer Dramatik durchsetzt. Das Niveau der Unterhaltung und des Humors hängt weitgehend davon ab, dass man eine Außenperspektive einnimmt, denn wer sich zu sehr auf diese Umstände einlässt, könnte dahinter unbequeme Wahrheiten entdecken. Viele der Szenen könnte man als verdrossen empfinden.

Eine lau sarkastische Studie über die These, dass die Kinder anderer Eltern die Schlimmsten sind, und über die Kritik an den Praktiken anderer Eltern, die ungesittet durch Fantasiesequenzen von epischen Triumphen und massiven Ruinen, bemessen an den Verhaltensweisen der Kinder, hervorgehoben wird, ist dies eine fundierte Komödie. Eine weitere Empirie betrifft Geheimnisse, anmaßende Berufe und Vorgesetzte, Schwangerschaften, ein unbefriedigendes Sexualleben, Trennungen und Lebensgemeinschaften, Verabredungen, das Leben als Hausfrau und Mutter, das Anlügen seiner Kinder, Pessimismus, das Organisieren von Partys und alle denkbaren ehelichen Konflikte. Das Pflichtgefühl ist gewaltig, und ebenso umfangreich sind die Trugschlüsse über die Projektierung der Jugend. Auch die Kinder sind vor ihren eigenen Schwierigkeiten nicht gefeit: Grausames Mobbing, Sport, Schule, Meinungsverschiedenheiten mit Erwachsenen und die Norm der Popularität beeinflussen ihre Reifung. Am bittersüßen Ende, wenn die disparaten, aber relativen Geschichten zusammengeführt werden, vermittelt die betagte Großmutter (Helen Shaw) die verständlichste Weisheit, indem sie die ganze Tortur mit einer Achterbahnfahrt vergleicht, die zu gleichen Teilen Gänsehaut und Ergriffenheit erzeugt.

Der Vorspann ist etwas verwirrend, da er zwar den Ton angibt, aber nicht viel Licht auf das eigentliche Thema von "Kiss Kiss Bang Bang" von Regisseur Shane Black wirft. Nach einer Animationssequenz, die ein wenig an ein James-Bond-Intro erinnert, bleibt die Handlung seltsam schwer nachzuvollziehen. Wird es ein Krimi oder eine Komödie, eine Romanze beziehungsweise ein Thriller werden?

Wie sich herausstellt, ist es all das und noch einiges mehr. Die Genreelemente wechseln ständig und versuchen, einen knallharten Film-Noir-Thriller und eine rasante, extrem sarkastische romantische Komödie zu verbinden. Zudem wird die Geschichte auf eine unglaublich pompöse Weise erzählt, die völlig unnotwendig ist. Die Dialoge, die Handlungsstränge und die zielgerichtete Strukturierung mit all den übergreifenden Bezügen, die cleveres, intelligentes Schreiben auszeichnen, sind gut genug, um keine beschönigenden Kniffe zu benötigen. Dennoch gibt es sie: Zahlreiche Tricks, um die vierte Wand zu durchbrechen, das Zurückspulen und Anhalten von Filmmaterial während der Wiedergabe, Sprünge in der Zeitlinie und Schnitte zu Aufnahmen anderer Charaktere für zusätzliche Details oder Komik.

Die Hauptfigur kommentiert die einzelnen Szenen und beschwert sich sogar, wenn ein bestimmter Moment sinnlos oder primitiv erscheint. Die direkte Adressierung von Personen in Rückblenden, die sie zu Reaktionen veranlasst, und Vollwerbespots stören die Kontinuität zusätzlich. Gegen Ende greift der Erzähler ein, um die Frage zu stellen, ob der Betrachter die Dinge vor der großen Enthüllung durchschaut hat oder nicht. Letztendlich ist "Kiss Kiss Bang Bang" jedoch mehr daran interessiert, oder einfach besser darin, sympathische, exzentrische Charaktere zu formen, und macht das Mysterium selbst zu einer Art Hintergrundinszenierung, die nur dazu dient, den Sinn für Humor und Spannung zu betonen.

"Mein Name ist Harry Lockhart. Ich werde Ihr Erzähler sein." Harry Lockhart (Robert Downey Jr.) ist kein besonders vertrauensvoller Erzähler, aber er ist alles, was der Betrachter hat. Er ist ein Kleinkrimineller in Los Angeles, der auf der Flucht vor den Cops in ein Vorsprechen stolpert und eine Probeaufnahme bekommt, obwohl er glaubt, dass er nie eine Chance haben wird. Auf der Party eines Produzenten trifft er das Mädchen seiner Träume und ein Gesicht aus der Vergangenheit, Harmony Faith Lane (Michelle Monaghan), sowie den Privatdetektiv Gay Perry (Val Kilmer), der Harry Lockhart Detektivunterricht geben soll, um seine schauspielerische Authentizität zu verbessern. Doch gerade als sie mit ihren bodenlosen Ermittlungen beginnen, häufen sich die Leichen, tauchen maskierte Verbrecher auf, werden die Morde ahnungslosen Sündenböcken angehängt, und Harry Lockhart steckt bis zum Hals in einem echten Fall.

Harry Lockhart gehört eigentlich nicht in die riskante Umgebung, in der er lebt. Sein ständiger Witz scheint die Kugeln, wenn auch nicht die Verletzungen, abzuwehren und lässt ihn etliche Situationen überleben, in denen realistische Menschen sicher zu Grunde gehen würden. Ebenso lösen sich viele der Szenarien durch reinen Zufall oder zufällige, krasse Koinzidenzen positiv auf, was normalerweise ein Zeichen für schlechte Skripterstellung wäre. Doch gerade diese Winkelzüge sind es, die ein durchweg humorvolles, unvorhersehbares, kurioses, filmisches Werk ergeben. Es ist zwar eindeutig eine Farce, aber es ist auch morbide unterhaltsam. Da es in erster Linie darum geht, eine Parallele zu den Konventionen einer schmierigen Unterwelt voller Antihelden und Mafiosi aus Kriminalromanen zu ziehen, ist dies weitgehend verzeihlich, und "Kiss Kiss Bang Bang" basiert zum Teil auf einer Vorlage von Brett Halliday, dem Schöpfer von 'Michael Shayne'. Auch wenn "Kiss Kiss Bang Bang" sehr selbstkritisch ist und viele Referenzen an seine Existenz sowohl als reiner Film als auch als etwas außerhalb des streng definierten Bereichs der Invention macht, schafft er es, nicht prätentiös zu werden, und landet mehr solide Gags und skurrile Irrungen und Wirrungen als er vermisst.

Der klug betitelte Film "Martha Marcy May Marlene" von Regisseur Sean Durkin schildert die Auswirkungen einer missbräuchlichen Sekte auf ein junges Mädchen in kompromissloser Verzweiflung. Durch die interessante Gegenüberstellung von Szenen aus der Vergangenheit und der Gegenwart wird der Betrachter Zeuge der psychologischen und sozialen Schäden, die nicht nur Martha erleidet, sondern auch ihre eigentliche Familie, die versucht, sich in der Folgezeit um sie zu kümmern. Es ist düster, deprimierend und trostlos. Außerdem ist das Tempo so methodisch, dass Paranoia und Angst das eigentliche Drama übertrumpfen, dass es manchmal an Langeweile grenzt. Die schauspielerischen Leistungen sind durchweg außergewöhnlich, ebenso wie die minimalistische Filmmusik. Die vielleicht größte Besonderheit von "Martha Marcy May Marlene" und sein Verhängnis für ein mit konventionellen Lösungen rechnendes Auditorium ist jedoch seine Zweideutigkeit in Schlüsselszenen, die den Betrachter zwingt, eine unbequeme Ratlosigkeit zu erleben, die der eigenen Unsicherheit der Titelfigur ähnelt.

Nachdem sie zwei Jahre lang in einer ausbeuterischen Sekte gelebt hat, die von dem überzeugenden und charismatischen Patrick (John Hawkes) geleitet wird, flieht die junge Martha (Elizabeth Olson). Sie versucht, sich wieder in ein normales Leben bei ihrer Schwester Lucy (Sarah Paulson) zu integrieren, die sie widerwillig aufnimmt, obwohl sie nichts von ihren jüngsten Erlebnissen weiß. Doch Marthas soziologisches Trauma und ihre geschädigte Psyche bieten keinen Trost vor den Erinnerungen, die sie heimsuchen, während sie mehr und mehr in Angst und Paranoia versinkt.

Der Rhythmus ist bedächtig, aber enorm langsam. Die Stimmung der Verzweiflung und Marthas Unfähigkeit, mit den üblichen gesellschaftlichen Konzepten zurechtzukommen, wird dadurch gut dargestellt, kann aber nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Geschehnisse nicht wirklich zwei Stunden lang sind. Die dissonanten Musiknoten, die von gedämpften Klängen und verstärkten Geräuschen begleitet werden, lassen den Betrachter unvorbereitet zurück und erzeugen ein Gefühl ständiger Unruhe. Auch die Kameraführung trägt mit unheimlichen Nahaufnahmen und langen Einstellungen von verstörenden Gesichtsausdrücken zum Gefühl der Beklemmung bei. Gleichzeitig wird dem Betrachter jedoch nicht viel an Emotionen geboten, Martha erhält keine Gelegenheit zu einer Offenbarung, Lucy wird eines Schlusses beraubt, und auch das Ende ist abrupt und lässt jegliche Satisfaktion für die psychisch geschädigte Protagonistin vermissen.

"Der Tod ist der beste Teil des Lebens", lehrt Patrick, der persuasive Führer. Unabhängig davon, ob Regisseur Sean Durkin ein persönliches Interesse an der Geschichte einer zerstörerischen Sekte und ihren unheilvollen Auswirkungen auf ein gestörtes Mädchen hat oder nicht, dient "Martha Marcy May Marlene" in erster Linie als Ankündigung und Mahnung vor den geistigen und körperlichen Erschütterungen solcher Organisationen und der Konditionierung und Ausrichtung auf willensschwache, zuvor malträtierte Personen. Im Mittelpunkt stehen frühere Situationen, die zu einem "Law & Order: New York"-Tatort führen könnten, allerdings ohne die spannende Spurensuche. "Eine ganz normale Familie" ohne den Durchbruch eines Psychiaters, ein Hauch von "Zwielicht" ohne den Nervenkitzel der Rache. Oder auch "Das Haus der Vergessenen" ohne merklichen nervenaufreibenden Horror. Immerhin sind die Darbietungen beeindruckend, mit einer sehr kleinen Besetzung, die Elizabeth Olsen in einer gewagten erwachsenen Darstellung und Sarah Paulson in einer starken Nebenrolle zeigt. Auch auf dem Sundance Festival kam das Werk gut an: Sean Durkin gewann den Preis für die Regie und "Martha Marcy May Marlene" war für den Großen Preis der Jury nominiert.

In "Im Wasser der Seine" von Regisseur Xavier Gens beobachten Sophia Assalas (Berenice Bejo) und ihr Team verschiedene Haiarten im Nordpazifik rund um den riesigen schwimmenden Müllteppich voller Fischernetze, Unrat und weggeworfenem Plastik, in dem sich immer wieder Pottwalbabys verheddern und das Meeresleben gestört wird. Aktuell versuchen sie, einen markierten Hai namens 'Lilith' umzusiedeln, der auf mysteriöse Weise seine Größe mehr als verdoppelt hat, seit sie ihn zuletzt gesehen haben. Erschreckenderweise ist es nicht nur eine Gruppe weiblicher Makohaie, die sich absonderlich verhält, die ihre Mission behindert, sondern auch 'Lilith', die einen Amoklauf begeht und vier von Sophia Assalas Tauchern tötet. "Ich kann sie nicht noch einmal entkommen lassen."

Drei Jahre später leidet Sophia Assalas immer noch unter dem katastrophalen Verlust ihrer Besatzung. Doch als die 20-jährige Mika (Lea Leviant) und der Hacker Ben (Nagisa Morimoto), Mitglieder der Meeresschutzorganisation 'Save Our Seas' (S.O.S.), an sie herantreten, entdeckt sie eine weitere Möglichkeit, ihre frühere Karriere wiederzubeleben. Die 'Beacon 7', die 'Lilith' aufgespürt hat, ist in der Seine aufgetaucht, was bedeutet, dass der überdimensionale Mako in Paris sein könnte. Aufgrund des Klimawandels und der Umweltverschmutzung, die das Verhalten der Tiere verändert haben, ist es möglich, dass die Kreatur in den Süßwasserfluss migriert ist, wo es die lokale Population erneut terrorisieren dürfte.

Während sich viele Natur-Amoklauf-Monsterfilme auf die Vernachlässigung, Missachtung und von Menschen verursachte Desaster konzentrieren, die Mutter Erde dazu bringen, sich gegen aktivistische Faktoren zu wehren, ist "Im Wasser der Seine" nicht allzu sehr auf die Wissenschaft fixiert. Ein Killerhai ist automatisch ein filmischer Antagonist, der sich nicht um Realismus kümmern muss, um den Betrachter zu hypnotisieren. Dies wird nirgendwo offensichtlicher als in der Gewalt, der Abschlachtung und der Anzahl der Angriffe sowie in den ausgesprochen schlechten CG-Ausschmückungen der unnatürlich blitzschnellen Fische. Visuelle Reize, ob schwach oder nicht, wiegen fast immer schwerer als die Sensitivität. "Ist es nicht zu spät, die Ozeane zu retten?"

Unterhaltsam sind die diversen Augenblicke, in denen sich die Beutegreifer anschleichen, aber nur dann, wenn sie subtil vorgehen, indem sie Schatten und Andeutungen nutzen und sich mit einem pingenden Motion-Tracking-Gerät nähern, oder Rückenflossen, die die Oberflächenstruktur des Wassers durchschneiden. Wenn die Kamera in einem wohlfeilen Akt von Spannung und Panik aggressiv hin- und herwackelt, ist das weit weniger glaubwürdig und effizient - das gilt auch für die physikalisch fragwürdigen Haisprungpassagen. Die Unterwasseraufnahmen sind überwiegend qualitativ hochwertig und kristallklar, so dass "Im Wasser der Seine" hier besticht. "Bleib einfach ruhig."

Doch als politische Bürokratie und übermütige Beamte sich daran machen, den Zivilisten den Zugang zum Start eines Triathlons und der Olympischen Spiele zu verwehren, ähnlich wie in "Der weisse Hai", und fanatische Organisatoren Autoritäten wie den Polizisten der 'River Brigade', Adil (Nassim Lyes), ignorieren, werden die daraus resultierenden Massaker immer denaturierter. Dennoch ist es angenehm, dass alle Mitwirkenden die Szenarien ernst nehmen und sich weigern, Witze zu reißen oder humoristische Komponenten einzubauen, wo dies nicht vonnöten ist. Doch sobald sich der "Mission: Impossible"-Verschnitt dem Himmelfahrtskommando nähert und es zum klimatischen Endkampf mit dem Ungeheuer kommt, eskaliert die Peinlichkeit einer umherhüpfenden 3D-Ästhetik. Die Animationen sind höchst dilettantisch, vor allem wenn 'Lilith' den Patronen ausweicht. Zumindest bekommt der Betrachter, was er will, denn "Im Wasser der Seine" kulminiert in einem blutrünstigen, opulenten Blutbad, wie man es aus den "Piranha"-Filmen der 2010er Jahre kennt, und wird so zu einem regelrechten Katastrophenfilm. "Lass diesen kleinen Fisch verschwinden!"

In "Steel Arena - Todesmatch der Giganten" von Regisseur Peter Manoogian finden Mixed Martial Arts-Kämpfe in einer außerirdischen Arena auf einer abgelegenen Raumstation in einer fernen Galaxie statt. Mit Hilfe modernster Technologie reduziert ein Handicap-System die Stärke eines Kämpfers, um Fairness zwischen den Spezies zu schaffen, so dass massive Metallmonstrositäten gegen gehörnte Reptilienkreaturen antreten können. Die Menge johlt und jubelt, während ein Ansager (Jack Carter) die unterschiedlichen Fähigkeiten und die Starpower der Kämpfer kommentiert. Es gibt sogar eine Kontrollgruppe, die sich mit Ausschreitungen und randalierenden Fans befasst.

Der irdische Imbissbuden-Koch Steve Armstrong (Paul Satterfield) will nur ein Ticket nach Hause auf die 'United Spacelines', aber er sitzt auf der Station fest und arbeitet am Tresen für den vierarmigen Manager Shorty (Hamilton Camp). Als Steve Armstrong in eine Schlägerei mit einem widerspenstigen Kunden gerät, verliert er seinen Job und seine Koje, was ihn in eine Zwangslage bringt. Wie sich herausstellt, war dieser lästige Gönner ein Spitzenkämpfer in der Arena, der für Quinn (Claudia Christian) arbeitet, die nun einen Ersatz braucht. Welch ein Spektakel wäre es, ein menschliches Wesen in den Ring steigen zu sehen! "Keine Sorge, ich habe Freunde da oben."

Der Look von "Steel Arena - Todesmatch der Giganten" erinnert sofort an "Krieg der Sterne" und "Star Trek", mit vielen Billigkostümen, Masken und Requisiten sowie peppiger Musik und ziemlich standardmäßigen Sci-Fi-Soundeffekten. Man könnte sogar meinen, dass es sich um eine TV-Episode handelt, die zu einem Spielfilm erweitert wurde. Wie es sich für ein solches Unterfangen gehört, besuchen Shorty und Steve Armstrong eine außerirdische Bar voller Glücksspieler, Frauen, Musik, Alkohol und einer eigenartigen Sprache. Laserwaffen, gepanzerte Soldaten und Schießereien gehören ebenso zum Programm wie Hologramme und ein Gangster-Overlord. Wie es der Zufall will, haben die "Star Trek: Deep Space Nine"-Stammschauspieler Marc Alaimo und Armin Shimerman hier Nebenrollen als Mafiaboss und sein Lakai.

Bald weichen die Elemente der Weltraumoper einer Art "Mortal Kombat" oder "Double Dragon", mit kreativen, aber gummiartigen, übergroßen Kreaturen, die wie 'Rocky Balboa' in den entlegensten Winkeln des Universums in der Gladiatorenarena kämpfen. Es ist nicht sehr überzeugend, aber die Geschöpfe haben etwas Belustigendes an sich, besonders wenn sie schleimig und schäumend sind. Leider sind die Rahmenhandlungen, wie der Besuch eines Nachtclubs mit völlig unnotwendigen Gesangseinlagen und die aufkeimende Romanze zwischen Steve Armstrong und Quinn, ungewöhnlich eintönig und sorgen für immense Leerlaufzeiten zwischen den Boxkämpfen.

Auch die Tricks zur Manipulation der Meisterschaften und die Einmischung korrupter Gauner sind nicht besonders ergiebig, was vor allem an der allgemeinen Einfallslosigkeit und Banalität der Dialoge liegt, die praktisch keine Innovationen bieten. Dabei steht so wenig auf dem Spiel, dass die Erfolge und Misserfolge von Steve Armstrong kaum von Belang sind. Es gibt zu wenig Enthusiasmus und Spannung für den ultimativen Wettkampf, um Interesse zu wecken. Aber zumindest das Finale ist befriedigend, denn es endet genau so, wie man es erwartet, nämlich positiv.

In "Der Super Mario Bros. Film" von den Regisseuren Aaron Horvarth und Michael Jelenic machen Mario (Chris Pratt) und sein Bruder Luigi (Charlie Day) ihre ersten Schritte ins Unternehmertum und gründen eine Klempnerfirma in ihrer Heimatstadt Brooklyn, New York. Trotz der Verachtung ehemaliger Kollegen und des Spottes ihrer eigenen Familienmitglieder macht sich das unzertrennliche Duo auf den Weg zu seinem ersten Job, fest entschlossen, die Welt zu retten - oder zumindest die undichten Wasserhähne ihrer Kunden. Als die beiden aus den Lokalnachrichten erfahren, dass die Behörden mit einem Wasserrohrbruch zu kämpfen haben, eilen sie zur Hilfe und stoßen dabei zufällig auf ein geheimnisvolles Rohr, das sie unerwartet in das wundersame und magische Pilzkönigreich führt. Mario stürzt in 'Toad Town' ab, einer farbenfrohen, fröhlichen Stadt, die von empfindungsfähigen Pilzen bevölkert wird, während Luigi in den düsteren 'Dark Lands' gestrandet ist, einer mit Rauch und Lava gefüllten Einöde, die von dem boshaften, reptilienartigen Hünen Bowser (Jack Black) kontrolliert wird. In seiner Verzweiflung, seinen Bruder zu retten, bittet Mario den tapferen Toad (Keegan-Michael Key) um Hilfe, der ihn zum Schloss im Zentrum der Stadt bringt, wo er die gütige Regentin, Prinzessin Peach (Anya Taylor-Joy), trifft.

Auch wenn sie nur einfache Arbeiter mit übertriebenem Akzent sind, sind sie natürlich hervorragend im Parkour, der üblichen Art, sich in Brooklyn fortzubewegen. Das wird ihnen sehr gelegen kommen, wenn sie gegen Schwärme von Schildkrötensoldaten antreten müssen, die einen Krieg gegen das Pinguinvolk und das Pilzimperium geführt haben. Die Geschichte ist natürlich bekannt, doch der Prozess, sie zu etwas Sinnvollem zu formen, ist sehr anstrengend, vor allem wegen der schwebenden Hindernisse, der menschenfressenden Pflanzen, der Rennstrecken, der Anordnung der Ländereien und der Power-Up-Boxen. "Ich bin so froh, dass wir unsere Ersparnisse für diesen Werbespot ausgegeben haben!"

Es ist jedoch gut für Slapstick, was das actionreiche Abenteuer - ein Kampf um eine Nation, die nicht nur mit der Erde, sondern auch mit einer unendlichen Anzahl anderer Reiche durch mysteriös platzierte grüne Rohrportale verbunden ist - erheblich aufwertet. Langjährige Fans werden sich über die zahlreichen Anspielungen auf das Original freuen, das die Filmemacher ausgiebig als Inspiration genutzt haben. Sofort erkennbare Soundeffekte und Melodien führen zu einer Fülle von Referenzen, von musikalischen über visuelle bis hin zu konzeptionellen. Die Spielmechanik ist ebenfalls zu sehen, vor allem in den Reisemodi und den 'Mad-Max'-Levels der frenetischen Kartrennen, während Charaktere, Schauplätze, Hintergrunddekorationen, Farben, Texturen und vieles mehr die klassischen Videospielfiguren zu poliertem, dreidimensionalem Leben erwecken. "Diese Steine schweben also einfach hier rum?"

Da Mario sich für Videospiele entscheidet, um sich zu entspannen, muss er auch das Standard-Mario-Spiel als Teil seiner Existenz spielen. Im Wesentlichen sieht der Betrachter zu, wie ein unsichtbarer Spieler die Figur in dieser ausgeklügelten Arena mit kontinuierlichen Schnitten steuert. Der Nostalgiefaktor und die allgemeine Vertrautheit sowie die Tatsache, dass es seit Jahrzehnten keine Mario-Verfilmung mehr gegeben hat, sind zum Glück stark genug, um die Probleme zu mildern, die entstehen, wenn man ein Videospiel nur ansieht, anstatt es tatsächlich zu spielen. Ein paar Sequenzen sind merkwürdig unpassend, etwa wenn Bowser auf Klaviertasten hämmert, was allerdings an Jack Blacks Einflüssen liegt, ebenso wie Donkey Kong mehr als nur ein paar Sekunden lang Seth Rogens unverwechselbares Lachen präsentiert - die Sprecherriege ist in dieser Hinsicht genau richtig, aber das Tempo ist größtenteils zügig und richtet sich stark an jüngere Betrachter, während gerade genug Retro-Soundtrack-Nummern und leicht rüde Witze eingebaut werden, um ältere Betrachter zu unterhalten.

Als ob er gezwungen wäre, gesunde Werte einzubauen, weil man sich keinen Mario-Film vorstellen kann, der nur die verrückten Superkräfte der Pilze zeigt, fügt "Der Super Mario Bros. Film" Hinweise darauf ein, dass man seine Eltern stolz machen soll, dass man niemals aufgeben darf, dass man Teamwork fördern und Mut bewahren soll, neben anderen schrecklich allgemeinen Moralvorstellungen. Es ist furchtbar unnötig und unverhohlen frivol, vor allem für ein Projekt, das so wenig Überraschungen bietet, auch wenn es sich durchweg genüsslich an das Original hält. Nichts an "Der Super Mario Bros. Film" ist bahnbrechend, aber es wird für Fans schwierig sein, den Unterhaltungswert zu ignorieren, so wie "The Lego Movie" oder "Tomb Raider", "Mortal Kombat" und zahllose andere ikonische Filme während der Einführung in bekannte Welten, Missionen, Persönlichkeiten und Interaktionen dargeboten und visualisiert haben.

In "Teufelskerle" von Regisseur Norman Taurog wird Dan Farrow (Leslie Fenton) in 45 Minuten in Nebraska hingerichtet. Obwohl er aufgrund von Indizien verurteilt wurde, ist er schuldig, und er ist bereit, seine Verbrechen in letzter Minute zuzugeben. Dan Farrow bittet Pater Edward Flanagan (Spencer Tracy) um Hilfe. Er macht den Staat für seinen Zustand verantwortlich, weil er als einsames, hungerndes Kind aufgewachsen ist, das sich jede Nacht in einer Absteige in den Schlaf geweint hat. Hätte er im Alter von zwölf Jahren nur einen einzigen Freund gehabt, wäre er nicht einer Bande beigetreten und wäre nicht in die Kriminalität abgerutscht.

Dieses Geständnis berührt Pater Flanagan zutiefst, und er macht sich sofort auf, seine Zuflucht als Erwachsener zu verlassen und ein Heim für verwahrloste, obdachlose Kinder zu gründen. Mit dem Segen seines Bischofs bittet der bescheidene Prediger seinen langjährigen Freund und Ladenbesitzer Dave Morris (Henry Hull) um ein Darlehen, das es ihm ermöglicht, eine Wohnung zu mieten und bescheidene Möbel für sein Heim für Kinder zu kaufen. Doch das ist erst der Anfang, denn schon bald sucht er nach einem größeren Grundstück, um eine ganze Stadt für 500 Jungen zu bauen. "Ich garantiere für ihr Wohlverhalten."

Auch wenn Pater Flanagan tugendhafte Absichten hegt, ist der Betrachter nicht gerade begeistert, sein Anliegen zu unterstützen, das unendlich aktuell ist, auch wenn "Teufelskerle" in den späten 1930er Jahren veröffentlicht wurde. Über den Wert ausrangierter Jugendlicher kann man immer streiten. Ist jeder einlösbar? Kann jemand durch eine bessere Erziehung vor künftigem Fehlverhalten bewahrt werden? Es ist bezeichnend, dass die Machthaber die Bemühungen des Paters als Kritik an den bestehenden Verhältnissen betrachten und darauf hinweisen, dass die bestehenden Systeme verbesserungsbedürftig sind, als ob dies eine große Beleidigung wäre. Es ist ein deutlicher Kommentar zum Establishment, der noch anschaulicher wird, wenn die Jungen an ihrem ersten Weihnachtsfest kein Geld für Geschenke und Essen haben und darüber nachdenken, wie sie in der Besserungsanstalt behandelt worden wären oder wie sie zu Hause einen echten Truthahn bekommen hätten, auch wenn sie dafür von gewalttätigen Mündeln verprügelt werden.

Leider konzentriert sich "Teufelskerle" nicht in erster Linie auf das Innenleben einer innovativen Organisation, deren Selbstverwaltung für bedürftige, vernachlässigte Kinder besonders vergnüglich ist, sondern auf ein einzelnes Kind als Beispiel dafür, wie ein wenig Liebe und Zuwendung eine Seele vor einem dunklen Weg retten kann. Seine Rolle ist nicht nur übertrieben und wenig glaubhaft, sondern wird auch durch die Tatsache verkompliziert, dass er mit einem flüchtigen Gangster verwandt ist - ein auffallend theatralischer Zusatz, der Schießereien und widersprüchliche Details der polizeilichen Verfahren bei der Vernehmung eines Kindes beinhaltet, die nur von der Bedeutung und dem Zweck der Inszenierung ablenken. "Wir haben einen Jungen in Schwierigkeiten."

Im weiteren Verlauf von "Teufelskerle" wird die Schule von finanziellen Problemen geplagt, was eine weitere allgegenwärtige Frage aufwirft, wenn es um die Betreuung von Waisenkindern geht: Lässt sich ihre Integration monetarisieren? Es geht nie wirklich um die bedauernswerten Kinder oder die noble Absicht. Wenn sich zu viele Erwachsene einmischen, geht es immer um Rentabilität. Gleichwohl ist die Figur des Pater Flanagan lobenswert, weil sie auf einem realen Mann mit tatsächlichen Verdiensten basiert, auch wenn Spencer Tracy eine eher durchschnittliche Darbietung abliefert, während das Unterthema über ungewollte Vorbilder ergreifend ist. Doch das Konzept einer unabhängigen, unparteiischen Zeitung ist selbst in der heutigen Zeit lächerlich, ebenso wie der Großteil der Geschichte in einer generischen, voraussehbaren Manier abläuft, mit einem Ende, das so unplausibel und ideologisch ist, wie es nur geht.

In "Die Prophezeiung" von Regisseur John Frankenheimer flackern Schutzhelme mit Lichtern über düsteren Bäumen in einem dichten Wald, während eine Gruppe von Such- und Rettungsteam-Mitgliedern Bluthunde zu einer tiefen Schlucht führt. Als einer der Hunde über die Kante fällt, beschließen die Männer, Seile herunterzulassen und nachzusehen, was auf dem Boden liegt. Ein Flussbett erwartet uns, aber auch Schreie, Blut, Tod und eine Art gefräßiges Ungeheuer.

Am nächsten Morgen spielt Maggie Verne (Talia Shire) in einer Orchesterprobe Cello. Doch sie ist vollkommen abgelenkt, denn sie ist schwanger und hat es ihrem Ehemann Rob (Robert Foxworth) noch nicht gesagt, einem Mann, der sich zu sehr seiner Arbeit widmet und ein Kind sicher nicht gutheißen würde. In seinem Beruf als Arzt kümmert er sich ständig um kranke Babys in sehr armen Mietskasernen, in denen kleine Kinder bei lebendigem Leib von Ratten gefressen werden, während die reichen Slumbesitzer wegsehen.

Als sich die Gelegenheit ergibt, mit dem Umweltministerium von Maine zusammenzuarbeiten, um einen Landstreit zwischen Holzfällern und einigen indianischen Ureinwohnern beizulegen, ergreift Rob Verne diese Chance. Außerdem kann er Maggie mit in den Urlaub nehmen. Dort erfährt Rob Verne, dass Angestellte des Holzunternehmens 'Pitney' in den umliegenden Wäldern verschwunden sind und dass die Indianer behaupten, eine Bigfoot-ähnliche Legende namens 'Katahdin' sei daran schuld, aber die eindringenden Holzfäller halten dies für eine List, um einen Mord zu vertuschen. Das Paar wird Zeuge der äußerst spannungsgeladenen Patt-Situation zwischen den beiden Seiten: John Hawks (Armand Assante) versucht, den Zugang zur Straße zu blockieren, und Mr. Isely (Richard Dysart) ist bereit, jeden zu töten, der sein Ziel, in das wertvolle Gebiet zu gelangen, vereitelt.

Obwohl die Eröffnungsszene sofort suggeriert, dass "Die Prophezeiung" ein Monsterfilm sein wird, scheint John Frankenheimer andere Vorstellungen zu haben. Der Rest der Einleitung ist der Beschreibung der laufenden Fehde gewidmet, die in einen Kampf zwischen Kettensäge und Axt ausartet. Es ist auch Zeit, über den Egoismus nachzudenken, ein neues Leben in die Welt zu setzen, wenn so viele Kinder bereits hungern. Wenn sich dann auch noch Wildtiere fehlverhalten, wie etwa eine Schar tollwütiger Waschbären, die die Vernes in ihrer Blockhütte angreifen, ist das weniger beängstigend als seltsam komisch. Dies führt auch zu einer unfreiwilligen Komik, wenn Maggie Verne sich Sorgen über die fötalen Folgen des Verzehrs von vergiftetem Fisch macht. Es wird auch viel Wert darauf gelegt, die indigene Seite der Geschichte zu zeigen, die von rücksichtslosen Regierungsbeamten, skrupellosen Unternehmern und der Zerstörung des schönen Landes, das ihre Vorfahren seit Generationen bewohnt haben, geprägt ist. Ein weiterer Aspekt der Laufzeit ist das Innenleben der Papierfabrik selbst, das eher lehrreich als abschreckend ist.

Exzessive Vorahnungen sollen das Fehlen traditioneller Monsterfilmmomente überbrücken, während das Rätsel um die Entwicklung der Kreatur, zu der auch die mutagenen Eigenschaften von Quecksilber gehören, Minuten verschlingt, die für Spannung hätten genutzt werden können. So wirkt "Die Prophezeiung" eher wie ein Creature Feature, das so realistisch wie möglich oder zumindest wissenschaftlich machbar sein will, als packend. Kurioserweise stehen die plausiblen Erklärungen in krassem Gegensatz zu dem echten 'Katahdin', der so unecht aussieht, wie man es sich nur vorstellen kann. Auch seine Aktionen sind geradezu lachhaft, vor allem wenn er einen dösenden Camper mit solcher Wucht trifft, dass Federn aus dem Schlafsack platzen. Am Ende schlägt Mutter Natur zurück, aber es ist eher öde und dämlich als blutig und aufregend. Es gibt absolut keine Lösungsansätze, weder für die Kreatur und ihre Nachkommen, noch für das Potenzial für weitere Mutanten, noch für Maggie Verne und ihr möglicherweise verseuchtes, ungeborenes Kind. Dennoch fällt es schwer, sich nicht kurz über eine Sequenz zu belustigen, in der ein verwundeter Mann mühsam gepflegt wird, um dann auf der Flucht völlig bewegungsunfähig gemacht zu werden, damit er gefressen werden kann, oder wenn ein heldenhafter Dorfältester wie eine Stoffpuppe herumgeschleudert wird, oder wenn das übergroße Bärending auftaucht und verschwindet, als wäre es das wendigste aller Säugetiere.

In "976-Evil - Durchwahl zur Hölle", bei dem Freddy Krueger-Darsteller Robert Englund Regie führte, wird in einer dunklen und stürmischen Nacht in Garden City, Kalifornien, unter einem unheilvollen Vollmond ein ununterbrochener Horrorfilm-Marathon im kleinen El Diablo-Kino gespielt. Im Vorführraum spielt eine Bande rebellischer Jugendlicher ein Pokerspiel, bei dem Spike (Pat O'Bryan) den Schein seines Motorrads gegen Marcus' (J.J. Cohen) Asse über Könige Full House verliert. In der Zwischenzeit versucht der streberhafte, verweichlichte Highschool-Schüler Hoax (Stephen Geoffreys), Spikes Cousin, einige kurze Nacktbilder in einem National Geographic-Magazin anzuschauen, sehr zum Leidwesen seiner stets missbilligenden, übermäßig religiösen Tante Lucy (Sandy Dennis). Da die beiden nebeneinander wohnen, schleicht sich Spike gelegentlich in Lucys Haus, um Geld zu stehlen. "Noch ist Zeit, Buße zu tun!"

Als der halsstarrige Spike in einer Zeitschrift einen Flyer für ein 'Horrorscope' sieht, wählt er 976-EVIL, was merkwürdigerweise zu einem leichten Fischregen führt. Am nächsten Morgen kommt der Privatdetektiv Marty Palmer (Jim Metzler), der sich als Autor des 'Modern Miracle Magazine' ausgibt, vorbei, um Lucy über den Vorfall in der Anderswelt zu befragen. Wie es der Zufall will, ist dies nur das erste von zahlreichen okkulten Ereignissen, von denen viele zu grausamen Todesfällen führen.

Obwohl man eine Nummer wählen muss, um einen zufälligen Schocker mit unerwarteten Folgen zu bekommen, ist die Prämisse den Standard-Slashern der 80er Jahre gar nicht so unähnlich, in denen die Terrorisierung von notgeilen Teenagern von übernatürlichen Quellen ausgeht. Auch wenn die Ausstattung angemessen, aber begrenzt ist und die schauspielerischen Qualitäten akzeptabel sind, gibt es leider eine Schwerfälligkeit im Aufbau, die das Gruselpotenzial stark beeinträchtigt. Selbst die Ankunft satanischer Umtriebe, ausgelöst durch den 'Horrorskop'-Poeten, der seinen Anrufern das Schicksal diktiert, geht nicht gerade schnell vonstatten.

Unter der Führung von Robert Englund ist bei dieser Art von Projekt ein gewisses Potenzial zu erwarten. Doch die Zahl der Todesopfer und die Schockgefahr sind zu gering und zu weit verbreitet. Ein Großteil von "976-Evil - Durchwahl zur Hölle" ist Füllmaterial, das bis zum ersten wirklich heftigen Moment, der nach fast einer Stunde kommt, vor sich hindümpelt. Und selbst dann werden sie nicht direkt mit viel mehr untermauert. "Das ist Satans Werk!"

Zumindest wird die Thematik mit einer erkennbaren Aufrichtigkeit angegangen. Die Stimmung bleibt düster und es gibt praktisch keine komödiantischen Aspekte. Der Großteil der Charaktere ist jedoch lieblos gestaltet und zutiefst unsympathisch, was es schwierig macht, sich dafür zu interessieren, ob jemand das Blutbad überlebt oder eine Antwort auf die teuflischen Besessenheiten und werwolfartigen Transformationen findet. Der Protagonist Spike ist über einen längeren Zeitraum abwesend und kümmert sich höchstwahrscheinlich um seine verschwundene Freundin Suzanne Walker (Lezlie Deane), obwohl es kaum Nachforschungen über ihr Wohlergehen gibt. Am Ende gibt es jedoch schaurige Spezialeffekte und Make-up mit einigen fiesen visuellen Überraschungen und einige wilde Sequenzen mit alptraumhaftem Thrill wie in "Poltergeist" oder "Hellraiser", doch selbst in diesen blutigen Augenblicken ist die allgegenwärtige Trägheit evident. Das Ganze hat etwas von einer Rachephilosophie im Stile von "Carrie - Des Satans jüngste Tochter", als sei die Adoleszenz eine buchstäbliche Höllenerfahrung mit brutal manifestierten Episoden des Durchdrehens, doch die zaghafte Umklammerung des Horrors verhindert, dass es wirklich angsteinflößend wirkt. Schlussendlich ist es eine unfassbar vergessenswerte filmische Expedition in eine ideenlose Zwischenwelt.

In "Das Leben des Brian" von Regisseur Terry Jones nähern sich drei weise Sterndeuter mit Geschenken einer Krippe, die von einem Stern angeführt wird. Leider gehen sie in den falschen Stall und geben ihre Geschenke aus Gold, Weihrauch und Myrrhe einem einfachen Baby namens Brian. Nebenan jedoch leuchtet das haloartige Licht eines wahren Wunders. "Er ist der Sohn Gottes!"

"Das Leben des Brian" spielt in Judäa im Jahr 33 n. Chr. Der erwachsene Brian Cohen (Graham Chapman) versucht, die Predigt von Jesus zu hören, aber ein Handgemenge zwischen Schaulustigen verhindert, dass er die Ansprache mitbekommt. Das spielt aber keine Rolle, denn er ist ohnehin mehr daran interessiert, einer Steinigung in Begleitung seiner Mutter beizuwohnen.

Mit der Monty-Python-Crew am Ruder ist kein Thema gegen eine gute Parodie gefeit. Aussätzige, Blasphemie, Frauen- und Transsexuellenrechte, Grausamkeiten im Kolosseum, aufmüpfige Fraktionen, Grammatik, Vandalismus, Verachtung für die Römer, imperialistische Nahrungsmittel wie Otternasen, Infrastrukturen wie das Aquädukt und Straßen, Feilschen, Kreuzigung, Sprachbehinderungen und vieles mehr sorgen für heftige Lacher. Die Witze sind konsequent und absurd und haben oft mehr Gewicht als die eigentliche Handlung, die sich zu einer supergeheimnisvollen Mission entwickelt, die gut zu der James-Bond-artigen Titelmelodie passt, nämlich in den Palast von Pontius Pilatus einzubrechen und ein Lösegeld zu fordern. Dazu kommt noch eine Liebesgeschichte mit Judith (Sue Jones-Davies), Mitglied der Volksfront von Judäa.

Interessanterweise ist der Produktionswert recht hoch, auch wenn es hier nur darum geht, sich über religiöse und historische Geschichten lustig zu machen. Kostüme, Kulissen und Requisiten sind größtenteils überzeugend, die Qualität hat sich seit dem kultigen "Die Ritter der Kokosnuß" der Komödiantentruppe verbessert, und auch dieses zweite Kulturprojekt ist kohärenter und konzentrierter. Um mit der vernünftigen Zeitlinie zu brechen und für unerwartete Gags zu sorgen, gibt es sogar außerirdische Forscher, die sich in einem weltraumgebundenen Feuergefecht wiederfinden, das primitiv, aber in seinen Auswirkungen äußerst unterhaltsam ist. Außerdem spielen die Hauptdarsteller, darunter John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones und Michael Palin, alle mehrere Rollen und treten als hysterisch gegensätzliche Persönlichkeiten an verschiedenen Schauplätzen auf, wobei ihre Garderobenwechsel gerade so extrem sind, dass man bei den schnellen Schnitten zur nächsten Szene fast nicht merkt, wie viele Charaktere sie verkörpern.

Mit seiner kurzen Laufzeit und den minimalen Abweichungen von Brian Cohens versehentlicher Vergötterung und seinem Märtyrertod und seiner komischen, bemitleidenswerten potenziellen Erlösung ist "Das Leben des Brian" eine bemerkenswert wirksame Parodie, zumal sie die willkürliche Interpretation von Zeichen und Symbolen, die Torheiten des blinden Glaubens und die im Namen der Religion begangenen Gräueltaten entlarvt. Auf Gelächter kann man sich freuen, und das Finale ist überaus passend, mit einem munteren Lied, das perfekt mit einer Massenhinrichtung harmoniert. "Ich war blind und jetzt kann ich sehen!"

Nach einer Ouvertüre erscheint Regisseur Cecil B. DeMille persönlich auf der Bühne, um eine ungewöhnliche Einführung zu geben, und er spricht auch in regelmäßigen Abständen während seines Films "Die zehn Gebote". "Meine Damen und Herren, Jung und Alt...", beginnt er und fasst zusammen, dass die Bibel etwa 30 Jahre des Lebens von Moses auslässt, die hier durch die Arbeiten antiker Historiker aufgefüllt werden, indem längst verloren gegangene Dokumente sowie Material aus den Büchern 'Prince of Egypt' von Dorothy Clarke Wilson, 'The Pillar of Fire' von J.H. Ingraham und 'On Eagle's Wings' von Arthur E. Southon verwendet werden. Er weist sogar auf die Laufzeit hin - 3 Stunden und 39 Minuten - und dass es eine Pause gibt, die von Elmer Bernsteins begeisternder Musik eingeleitet wird. Technisch gesehen ist dieses Intro nicht in allen Fassungen vorhanden, aber es begründet die Größe und das Fundament einer seiner berühmtesten Produktionen.

Ein Baby wird in einem ägyptischen Haus geboren, und es wird geweissagt, dass es die Hebräer aus der Sklaverei befreien wird. Doch Ramses I. (Ian Keith) fürchtet sich vor diesem Potenzial und ordnet an, dass alle männlichen hebräischen Neugeborenen zu töten sind. Um dem Erlass zu entgehen, legt Joshabel (Martha Scott) ihr Baby (später Moses genannt) in einem Korb in den Nil, wo es von der Pharaonentochter Bithia (Nina Foch) entdeckt und wie ihr eigenes Kind aufgezogen wird. "Sklaven sind Reichtum, Kommandant."

Als Erwachsener erobert Moses (Charlton Heston) Völker und schließt Bündnisse, während er gleichzeitig ein Auge auf die schöne Nefretiri (Anne Baxter) wirft, die Tochter des aktuellen, älteren Pharaos Sethi (Sir Cedric Hardwicke). Doch Ramses II (Yul Brynner) will verhindern, dass sein so genannter Bruder das Mädchen bekommt oder den Thron besteigt. Zudem soll er mit Hilfe des opportunistischen Superintendenten Dathan (Edward G. Robinson) die Identität des hebräischen Befreiers herausfinden, der sich angeblich in Goschen befindet, wo der Bau einer neuen Stadt im Gange ist. Als Mose die Planung und Koordinierung der Knechte übernimmt, buhlt er um ihr Wohlwollen, indem er ihnen einen Ruhetag und Getreide aus den Vorräten gewährt, und ruft damit eine Loyalität hervor, die zu größeren Unruhen und einem verhängnisvollen Aufstand führen wird. "Blut macht schlechten Mörtel."

Dem authentischen Wortschatz, der Sprechweise und der Präsentation wird fast keine Aufmerksamkeit geschenkt. Es handelt sich eindeutig um ein Kostümdrama von altem Hollywood-Design und -Proportionen, das sich mehr auf aufwendige Gewänder, schimmernde Rüstungen, weitläufige Kulissen und Hunderte von Statisten und unzählige Tiere konzentriert. Auch ohne fortschrittliche Spezialeffekte ist "Die zehn Gebote" ein Spektakel: Er wurde in Ägypten gedreht, war der teuerste Film, der bis dahin gedreht wurde, und der profitabelste des Jahres. Gleichwohl ist es ein eindrucksvolles Epos, das einige imposante Geschichten mit transzendenten moralischen Lehren aus alten Epochen adaptiert. Ungeachtet der biblischen Referenzen ist der abrahamitische Gott hier im Grunde nur eine Hoffnung, denn Moses fragt sich verständlicherweise weiterhin, warum er sich nicht um das menschliche Leid kümmert. Erst nach der Pause und dem Entr'acte erscheinen Wunder, von denen viele eine unbarmherzige, rachsüchtige, grausame Gottheit zeigen; die Grundkonzepte von Gerechtigkeit und Heldentum sind durchweg cineastisch. Außerdem ist die Liebesgeschichte zwischen Moses und Nefretiri effizient, auch wenn sie Standardkost für diese Art von Film ist. Es gibt auch eine moderate lustige Konzeption von Sexualität, die allgegenwärtig ist, wenn Moses zum Action-Helden und Sexualobjekt für die sieben notgeilen Mädchen von 'Midian' wird.

Innerhalb der kolossalen Laufdauer bilden sich etliche Nebenstränge, in denen einige bekannte Namen eine Rolle spielen, die aber auch das Erzähltempo in Anspruch nehmen. In ihrem Bemühen, ein breites Spektrum an Prämissen und Informationen zu vermitteln, neigen die Szenen dazu, sich ein wenig zu sehr in überflüssigen Details zu versteifen. "Die zehn Gebote" ist gewiss nicht so actionreich und spannend wie Charlton Hestons Nachfolgefilm "Ben-Hur" und auch nicht so beeindruckend, da er sich eher auf unerklärliche, erdachte und phantastische Begebenheiten stützt als auf die Macht eines inspirierenden Anführers, der seine Anhänger zu einer gerechtfertigten Revolution zusammenführt. Der Realismus und die Zweckdienlichkeit nehmen fast genau zu Beginn der zweiten Hälfte erheblich ab, um der klassischen Fabel von den Plagen des Moses gegen Ramses mit einigen vergnüglichen Spezialeffekten Platz zu machen. Es ist eine klare, fast schwarz-weiße Veränderung in Ton und Atmosphäre. Je näher "Die zehn Gebote" dem erwarteten Ende zustrebt, bei dem Moses' ikonischste Aktion mit dem Roten Meer und die Einbeziehung des Berges Sinai in die titelgebenden Steintafeln im Mittelpunkt stehen, desto augenfälliger wird die Schwergängigkeit. Es ist schwierig, das Engagement der ersten Hälfte wiederzuerlangen, wenn die zweite Halbzeit die ursprüngliche Empfindsamkeit für die Narration verliert. Die heroischen Dimensionen der Regiearbeit von Cecil B. DeMille sind jedoch unverkennbar. Ob konstant unterhaltend oder nicht, das Ausmaß und der Umfang sind monumental. "Was ich getan habe, musste ich tun."

1. Real Ghostbusters
2. Alf
3. Alle unter einem Dach
4. Roseanne
5. Akte X - Die unheimlichen Fälle des FBI
6. Als die Tiere den Wald verließen
7. Buffy - Im Bann der Dämonen
8. Die Dinos
9. Emergency Room - Die Notaufnahme
10. Die Simpsons

"Nosferatu - Phantom der Nacht" von Regisseur Werner Herzog beginnt gespenstisch mit Aufnahmen mumifizierter Kinder, die grausige, zu lippenlosen Fratzen erstarrte Gesichter zeigen. Lucy Harker (Isabelle Adjani) wacht schreiend aus einem Albtraum auf. Ihr Ehemann Jonathan (Bruno Ganz) tröstet sie wieder einmal, da sie seit einiger Zeit immer wieder solche Anfälle hat. Jonathan hat auch mit anderen Problemen zu kämpfen, denn sein Chef Renfield (Roland Topor) - der sich auch unter normalen Umständen wie ein Verrückter zu benehmen scheint, was aber niemandem auffällt - schickt ihn zu einem Treffen mit dem mysteriösen Grafen Dracula (Klaus Kinski), der in der Nähe ein Haus kaufen will. "Transsilvanien. Ein wunderbarer Ort..."

Trotz der Warnungen vor Wölfen und bösen Geistern - und den Beteuerungen seiner Frau - macht sich Jonathan auf seine vierwöchige Reise durch die Karpaten zu Draculas kaltem Schloss. Ein Zwischenstopp in einem Gasthaus bringt zusätzliche Warnungen sowie einen Spritzer Weihwasser, eine Kruzifix-Halskette und ein Buch über Untote, aber Jonathan Harker hält das alles für dummen Aberglauben. Das hat nichts zu bedeuten, nur weil jeder vor diesem Ort Furcht verspürt.

Werner Herzog hält es für notwendig; viel zu oft wird pittoreske Musik zu verschiedenen Szenenübergängen gespielt, fast wie eine Allusion an den allgegenwärtigen Soundtrack eines Stummfilms. In der Tat werden in dieser modernisierten Adaption des Bram Stoker-Romans und der Neuverfilmung des Kultfilms von Friedrich Wilhelm Murnau aus dem Jahr 1922 viele denkwürdige Momente wie eine originalgetreue Neuinterpretation umgesetzt. Es wird mehr Zeit auf atmosphärische Bilder verwendet, mit leichten Abweichungen vom Original, wie zum Beispiel die erste Wanderung von Jonathan Harker zu Fuß, aber die Handlung ist praktisch identisch. Kulissen, Dekorationen und Requisiten sind vielleicht imitativer, ebenso das Make-up und die Kostüme, während Werner Herzogs Vorliebe für grandiose Orchesterbegleitung endgültig in den Vordergrund tritt.

Obwohl es praktisch unmöglich ist, Max Schrecks stumme Performance zu übertreffen, ist Klaus Kinskis Darstellung zutiefst verstörend, vielleicht sogar zu widernatürlich angesichts des modernisierten Filmdesigns, was die Frage aufwirft, warum Jonathan Harker die Ungeheuerlichkeit von Draculas Erscheinungsbild zu ignorieren scheint. Mit seinem ausgesprochen fahlen Antlitz, den bedenklich langen Fingernägeln, den scharfen Schneidezähnen, den deformierten Ohren und der unheimlichen schwarzen Kleidung könnte man annehmen, dass der durchschnittliche Gast sofort vor Angst erstarrt wäre, was zu einer gewissen komödiantischen Überspitzung führt, wenn Jonathan Harker nicht sofort die Fliege macht. Im Kontrast zu Tod Brownings Inszenierung der verführerischen Qualitäten des titelgebenden Widersachers macht sich dieser Monsterfilm die abscheulichen Merkmale zu eigen und erschafft eine höllische Kreatur, die Ekel hervorruft.

Da die Handlung keine großen Innovationen bietet, sind es vor allem bestimmte visuelle Elemente, die für Aufmerksamkeit sorgen, auch wenn es sich bei vielen Sequenzen um leicht aufpolierte Repetitionen der unverkennbaren Bilder aus dem Klassiker von Friedrich Wilhelm Murnau handelt, die teilweise nur in Zeitlupe verlängert oder auf Gesichtern und Mimik fixiert sind. Neue, eindringliche Abbildungen zeigen Lucy Harker, die von einem Friedhof am Strand aus auf das Meer blickt. Ein Kindergeiger, der über Jonathan Harkers zusammengebrochenem Körper spielt, vermehrte Rattenplage, kompliziertere und nervösere Verhandlungen zwischen Lucy Harker und Dracula und eine Variation des traditionellen Endes. Die Farbkamerabilder und die kleinen Abänderungen - selbst das Finale ist auf ungewollte Weise fast schon witzig - reichen jedoch nicht aus, um "Nosferatu - Phantom der Nacht" zu einer notwendigen Wiederholung zu machen, obwohl Isabelle Adjani perfekt zu Lucy Harker passt und Klaus Kinski als das bedrohliche Gespenst der Nacht durchaus überzeugend ist.

Kommentar zu "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens"
https://www.moviepilot.de/movies/nosferatu-eine-symphonie-des-grauens/kritik/2821591

(Nach beruflich bedingter Abwesenheit wieder da!)

In "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" von Regisseur Friedrich Wilhelm Murnau leben ein Mann namens Thomas Hutter (Gustav von Wangenheim) und seine Frau Ellen (Greta Schröder) im Jahr 1843 nach Christus in der Stadt Wisborg. Ihre Tage sind gefüllt mit Glück und Heiterkeit, Lachen und Gartenarbeit. Thomas Hutters großzügiger, aber seltsamer Arbeitgeber, der Hausmakler Knock (Alexander Granach), schickt seinen Gehilfen wissentlich nach Transsylvanien, um sich mit Fürst Graf Orlok (Max Schreck) zu treffen, der ein verlassenes Haus in Wisborg kaufen will. Doch Knock ist sich der Gefahren bewusst, die nicht nur Thomas Hutter, sondern die ganze Stadt ins Verderben stürzen werden.

Thomas Hutter begibt sich sofort in das Land der Diebe und Geister - eine ominöse Beschreibung, die niemanden davon abhält, sich in solch verbotenes Gebiet zu wagen. Als Thomas Hutter in einem Dorf in der Nähe der Karpaten einkehrt, erschreckt die bloße Erwähnung von Orloks Burg die anderen Einwohner und lässt sie verstummen, woraufhin der Gastwirt den unwissenden jungen Mann warnt. "Der Werwolf streift durch die Wälder."

Basierend auf dem Roman 'Dracula' von Bram Stoker, der zu einem Rechtsstreit führen sollte, da die Rechte nie richtig erworben wurden, ist es ziemlich offensichtlich, worauf "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" hinausläuft, vor allem als Thomas Hutter tiefer in Transsylvanien vordringt und dabei Warnungen und böse Omen ignoriert, wie etwa ein Buch über Nosferatu, einen vampirischen Dämon, der sich von menschlichem Blut ernährt, sowie die schaurig-schöne Musik, die fast jedes Bild in dem verfluchten Land dominiert. An einer Stelle lacht er sogar über den Text, in dem er Vampire und die Todsünden beschreibt. Die Übersetzung des epistolischen Originals bietet eine geradlinige Erzählung, die jedoch nicht wesentlich von der Hauptprämisse abweicht. Friedrich Wilhelm Murnau versuchte nicht, die Legende neu zu erfinden - der ursprüngliche Untertitel lautete 'Eine Symphonie des Grauens'. Stattdessen will er die Geschichte so präsentieren, dass sie dem inhärent grausamen Charakter des populären okkulten Horrors entspricht. "Und als er die Brücke überquerte, kamen ihm die Phantome entgegen."

Dieser Klassiker des deutschen Expressionismus aus dem Jahr 1922 ist zwar nicht so ausgeklügelt, wie es die moderne Technik und die kinematografischen Techniken erlauben, aber sein Arrangement von Licht, Schatten und Atmosphäre ist dennoch sehr gelungen. Die visuellen Restriktionen reichen nicht aus, um die Seriosität und Düsternis dieses epochalen Meisterwerks zu unterbrechen. Die Botschaft der Geschichte ist also unmissverständlich. "Ihre Frau hat einen schönen Hals..."

Auffallend ist auch die Erscheinung von Max Schreck, dessen hoch aufragende, dürre Gestalt, gepaart mit dunklen Augen, einer riesigen Nase, Spitzohren, buschigen Augenbrauen, gespitzten Fingern und nadelspitzen Zähnen, in ihrer Überspitzung fast schon zu überspitzt wirkt. Andere ikonische Motive gibt es zuhauf, darunter das erste Antlitz von Orlok, das durch Risse in der Sargdecke sichtbar wird. Der Deckel des Sarges, der sich wie von Geisterhand wieder hebt, die Einblendung des Schurken, der über seine Opfer wacht, die Pestratten, die von unten an Deck aufsteigen, und zwei 'Mückenstiche' am Hals von Thomas Hutter. Die Stimmung all dieser Sequenzen ist angemessen makaber, und es gelingt ihr, jegliches Potenzial für ungewollte Unaufrichtigkeit zu unterdrücken.

Orloks Schiffsreise von Galaz aus zieht die Laufzeit etwas unnötig in die Länge, obwohl sie die Aura der drohenden Verderbnis verstärkt, zusammen mit einer Pestilenz-Panik und einem paracelsischen Lehrer, der Vampire mit Venusfliegenfallen, Spinnen und anderen parasitären Organismen vergleicht, da die Popularität des fiktiven Unholds es nicht wirklich erforderlich machte, dass die Figuren versuchten, den Betrachter von der Wahrscheinlichkeit solcher höllischen Kreaturen zu überzeugen - damals wie heute. Doch das Werk als Ganzes ist nicht von der Hand zu weisen. Der Einfluss von Friedrich Wilhelm Murnaus unautorisierter Verfilmung ist nicht weniger als monumental, was vor allem an Orloks atemloser, unheimlicher Wirkung und seinen versteinernden Schatten liegt. Unvergesslich ist auch das Finale, das auf spielerische Weise auf einen Pflock im Herzen verzichtet.

Kommentar zu "Nosferatu - Phantom der Nacht"
https://www.moviepilot.de/movies/nosferatu-phantom-der-nacht/kritik/2822133

In "Anatomie eines Falls" von Regisseurin Justine Triet beschäftigt sich die Autorin und Übersetzerin Sandra Voyter (Sandra Hüller) mit einer neuen Person, Zoe Solidor (Camille Rutherford), die zu einer Figur in ihrem Buch werden könnte. Doch Zoe Solidor, ihre Literaturstudentin, interviewt Sandra Voyter für ihre eigene Arbeit über den Prozess des Geschichtenerzählens. Das Projekt wird jedoch unsanft unterbrochen und gestoppt, als aus dem oberen Stockwerk unangenehm laute Musik ertönt, für die Sandra Voyters Ehemann Samuel Maleski (Samuel Theis) verantwortlich gemacht wird, der offenbar gerade dabei ist, den Dachboden ihres Chalets in 'Grenoble' zu isolieren. Wenige Minuten später, als ihr 11-jähriger, sehbehinderter Sohn Daniel (Milo Machado Graner) vom Gassigehen mit dem Hund nach Hause kommt, wird Samuel Maleski tot aufgefunden, ausgestreckt im Schnee, mit einer Blutlache um seinen Kopf.

Man geht davon aus, dass die Todesursache ein heftiger Schlag gegen den Schädel war, bevor er auf dem Boden aufschlug. "Zum jetzigen Zeitpunkt können wir die Beteiligung Dritter nicht ausschließen", sagt der Gerichtsmediziner, während er die Leiche untersucht. Es ist durchaus möglich, dass Samuel Maleskis Sturz ein Unfall war, aber angesichts der Höhe des Fensterbretts, der Lage des Toten, der Blutspritzer und des Blutergusses am Arm von Sandra Voyter wird diese Hypothese schwerlich zu halten sein. Während Mutter und Sohn trauern, beginnen die Behörden mit einer eher routinemäßigen Untersuchung. Doch wie bei allen Todesfällen unter Ehepartnern stellt sich bald heraus, dass die Ehefrau die Hauptverdächtige ist. "Niemand wird das glauben."

So wie Sandra Voyter die Renovierungsmethoden ihres Mannes erklärt, folgt "Anatomie eines Falls" einem ähnlichen Muster: Die Umstände des Ereignisses werden analysiert, wiederholt und mit großer Sorgfalt beschrieben. Es handelt sich zweifellos um eine sorgfältige Anatomie eines Falles. Von der Repetition von Szenen über die mehrfache Befragung, das unerwartete Auftauchen von Beweisen, die Einbeziehung anderer Charaktere wie des langjährigen Freundes und Anwalts Vincent Renzi (Sann Arlaud) und der von der Richterin ernannten unparteiischen Zeugenbeobachterin Marge Berger (Jehnny Beth) bis hin zu den Gerichtsproben und vielem mehr scheint der gesamte Prozess umfassend abgedeckt zu sein. Leider geht dies manchmal auf Kosten des Tempos, auch wenn die Kamera abzuschweifen scheint oder auf verschiedenen Komponenten verweilt, als ob sie ein wenig das Interesse verliert und sich manchmal so verhält, als ob sie Material für eine Dokumentation aufnimmt. "Er war sehr vorsichtig und akribisch. Er arbeitete langsam."

Das Schauspiel, insbesondere von Sandra Hüller, ist sensationell. Tatsächlich ist die gesamte Besetzung außerordentlich glaubwürdig, von Sandra Voyters Verbündeten bis hin zu ihren Gegnern, die sich wie Feinde anfühlen, insbesondere der antagonistische Staatsanwalt, auch wenn sie lediglich ihren Job machen. Trotz der beträchtlichen Laufzeit, die mit methodischen Verhören und zahlreichen Facetten des Prozesses selbst gefüllt ist, die ein Jahr der Prozessvorbereitung überspringen, sind die eskalierenden Enthüllungen über Schuld, Schuldhaftigkeit, Beziehungskomplikationen und widersprüchliche Theorien über den Tod durch und durch faszinierend, und die musikalischen Motive sind großartig.

"Anatomie eines Falls" mag anstrengend sein, aber er zieht sich selten in die Länge. Eine der unpassendsten Sequenzen ist die, in der Vincent Renzi betrunken an alte Zeiten mit Sandra Voyter zurückdenkt, gefolgt von weiteren Szenen, die einen wichtigen Punkt der Verschlechterung in ihrer Ehe aufzeigen. Wenn sich der Fokus wieder auf den Prozess richtet, ist das Hin und Her von Vermutungen und Anschuldigungen erneut spannend, ebenso wie der stetige Aufbau des Höhepunkts. Es ist nie aufregend, aber es ist schwer, sich an der Intensität und dem Unterhaltungswert des Dramas zu satt zu sehen. Das Ganze mag sich wie eine ausgedehnte, allumfassende Episode von "Law & Order" oder die realistische Version eines reißerischen und exploitativen Films wie "Basic Instinct" abspielen, aber es ist immer noch ungemein befriedigend, selbst mit dem erwartungsgemäß langwierigen Fall-Plot, der die Vorstellung verstärkt, dass unabhängig vom Ausgang des Prozesses ein Mann immer noch tot und eine Familie unwiderruflich zerrüttet ist.