Chainsaw Charlie - Kommentare

Bevor Max Rockatansky Imperator Furiosa (Anya Taylor-Joy) half, Immortan Joe (Lachy Hulme) zu stürzen und die Zitadelle zu befreien, war das rebellische Mädchen (Alyla Browne) ein Kind in 'Green Place', einem Paradies des Überflusses inmitten der sterilen Einöde der Ödnis. Doch als der machthungrige Warlord Dementus (Chris Hemsworth) sie in "Furiosa: A Mad Max Saga" von Regisseur George Miller brutal aus ihrer Familie reißt, wird sie ausschließlich mit Lektionen in Schmerz und Leid aufgezogen. Nachdem der Versuch des Tyrannen, die Zitadelle zu belagern, katastrophal scheitert, nimmt er eine andere Hochburg des Ödlands ins Visier: 'Gastown'. Mit seinem neu erworbenen Monopol auf Treibstoff erzwingt Dementus einen günstigen Handel mit Immortan Joe, verliert dabei aber Furiosa. Als eine Tragödie und eine neue Chance Furiosas Weg kreuzen, führt sie einen Krieg der Vergeltung gegen alle, die sich ihr in den Weg stellen.

Einer der besten Aspekte von "Mad Max: Fury Road" ist die Tatsache, dass der Betrachter keine Vorgeschichte braucht, um in die düstere Welt von Schöpfer George Miller einzutauchen. Er beginnt genau dort, wo er hingehört, und endet, fast schon humorvoll, an derselben Stelle. Doch in diese absichtlich zweideutige, einnehmend mystische Arena kommt eine Vorgeschichte, die sehr erklärend ist, und eine Ursprungsgeschichte, die absolut nicht erzählt werden muss. So hat man schon in den ersten Minuten von "Furiosa: A Mad Max Saga" das Gefühl, seine eigene Existenz zu rechtfertigen. Was genau kann gezeigt werden, das dieses perfekt verwüstete Reich voller grausamer, gewalttätiger, verzweifelter Überlebender aufwertet?

Wie sich herausstellt, nicht viel. Die Musik enthält einige der gleichen Komponenten und Motive, die Grafik und die Soundeffekte sind offensichtliche Anspielungen auf den vorherigen Film, und die beschleunigten Bewegungen machen die Handlung noch chaotischer und unheimlicher. Außerdem röhren die Motoren noch immer, Sanddünen breiten sich über das karge Gelände aus, und der Stil, von den Requisiten und Kulissen über die Kostüme und das Make-up bis hin zu den Eigenheiten der Charaktere, verströmt eine einzigartige Kombination aus Skurrilität und Groteske. Es mag Spaß machen, das 'Mad-Max'-Universum erneut zu besuchen, aber es hat sich wenig geändert. "Du solltest vielleicht deine Augen schließen."

Geschichten und Hintergründe gibt es im Überfluss, die Furiosas Kindheit beschreiben und sich mit langsameren, traurigeren und dunkleren Details darüber beschäftigen, wie unbarmherzig das postapokalyptische Australien sein kann. Doch wie bei so vielen Franchises, die exzessive Fortsetzungen nutzen, um tiefer in die Konstruktion ihrer Welten einzudringen, scheint fast nichts davon wesentlich zu sein - das Geheimnis von Furiosa ist vielleicht quälender als die offenbarten Wahrheiten. Die exakte Methode, mit der Furiosa ihren Arm verlor, ist für die Entwicklung ihrer Figur oder ihrer Beweggründe nicht wichtig. Das gilt auch für die einfache Rachegeschichte, die seltsamerweise weniger aufwändig wirkt als die trügerisch einfache Prämisse von "Mad Max: Fury Road". "Du hattest einen harten Tag, nicht wahr?"

Zum Glück gibt es jede Menge Fahrzeuge und entsprechendes Chaos sowie eine Handvoll neuer Gadgets und technischer Hilfsmittel. Doch mit jedem weiteren Kapitel entwickelt sich ein Erzählmuster, das das ohnehin schon durch die lange Laufzeit erschwerte Tempo noch weiter drosselt: Wiedererkennbare Regionen werden erneut besucht und lokale Charaktere wieder eingeführt, und es fühlt sich an wie eine Wiederholung des Gewohnten. Angetrieben von tosenden Motoren, baufälligen Strukturen und barbarischen Kreaturen, ist George Millers Domäne entmutigend repetitiv. Dieser aktuelle Teil ist eine Art 'Greatest Hits'-Sammlung, die zwar immer noch mit beeindruckenden Stunts und weitreichenden Schäden aufwartet, sich aber schwer tut, eine einzige Sequenz zu präsentieren, die die des Vorgängers übertrifft. Die Hauptrolle ist so etwas wie ein Reinfall, denn sie wird weitgehend mit Schweigen bestraft. Furiosa hat nicht den Luxus, die starke, ruhige Persönlichkeit zu sein, die Max Rockatansky gegenübertritt, der ebenfalls die sichere, schweigsame Figur ist, denn sie ist im Wesentlichen auf sich allein gestellt. Da sich die Zeitlinie so eng an "Mad Max: Fury Road" anlehnt, ist es eine Schande, dass Charlize Theron die Rolle nicht einfach wieder übernehmen konnte. Jemanden, der ein wenig älter ist und den Eindruck erwecken kann, in der Hölle gewesen zu sein, hat eine unbestreitbare Authentizität, die Anya Taylor-Joys makelloses, runzelfreies Gesicht nicht hat. Zumindest Chris Hemsworth scheint sich prächtig zu amüsieren, wenn er in der Unmoral eines gesetzlosen Querulanten schwelgt und Scharen von fanatischen Anhängern zur Raserei treibt. "Du bist ein Freak!"

Kommentar zu "Mad Max"
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Kommentar zu "Mad Max II - Der Vollstrecker"
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Kommentar zu "Mad Max III - Jenseits der Donnerkuppel"
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Kommentar zu "Mad Max: Fury Road"
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Während die minimalistische Handlung weitgehend an seine früheren 'Mad Max'-Filme erinnert, ist "Mad Max: Fury Road" von Regisseur George Miller weniger ein Remake als vielmehr eine Neuerfindung seines eigenen postapokalyptischen Actionfilm-Genres. Der visionäre Filmemacher mischt Elemente aus "Mad Max II - Der Vollstrecker" und "Mad Max III - Jenseits der Donnerkuppel" und steigert die sonnenversengte Atmosphäre auf ein ohrenbetäubendes Maß: Rostige Monster treffen auf lädiertes Fleisch und lebensfeindliches Terrain, während Heavy-Metal-Gitarrenakkorde und wummerndes Schlagwerk ein rhythmisches Klagelied anstimmen. Sowohl das Tempo als auch die Intensität sind unerbittlich, und in die spärlichen Dialoge sind nur Bruchstücke von Humor eingestreut, aber George Miller weiß genau, wie viel Unordnung er in seine ausgefallenen Actionsequenzen packen kann, ohne dass der abgedrehte Spaß verloren geht. Die wunderbar dämonischen Designs wirken frisch aus den Angeln gehoben, behalten aber dennoch einen Hauch von Nostalgie, denn die sich immer weiter ausbreitende Zerstörung von Mensch, Maschine und Industrie erweist sich als unendlich unterhaltsam in dieser herrlich verrückten Ode an das Chaos.

Verfolgt von den Geistern derer, die er nicht retten konnte, wandert Max Rockatansky (Tom Hardy) durch die verwilderte Ödnis einer Welt, die unter der Last von Elend, Trostlosigkeit und diabolischen Despoten, die die Schwachen ausbeuten, zusammenbricht. Als er gefangen genommen und als Blutbeutel für die ungesunden Schergen des bösartigen Tyrannen Joe (Hugh Keays-Byrne) benutzt wird, wittert er eine Chance, seinem grausamen Schicksal zu entkommen, als er die entschlossene Fahrerin Furiosa (Charlize Theron) trifft. Furiosa flieht mit der kostbaren Ladung des Irren Königs und einem riesigen Tanker aus Joes Zitadellenstadt und nimmt Max Rockatansky zur Hilfe, um auf einer gefährlichen Mission der Erlösung Hunderte von Kilometern durch die karge Wüste zu fahren.

Wie erwartet, beginnt alles mit einer Verfolgungsjagd. Dann geht es in eine Hetzjagd zu Fuß über, bevor ein weiteres Rennen mit Fahrzeugen beginnt. Es ist kein Wunder, dass "Mad Max: Fury Road" im Wesentlichen ein zweistündiges Autorennen ist, aber man muss es George Miller hoch anrechnen, dass er diese eine Idee mit einer so unbeirrbaren Energie in Angriff genommen hat, dass "Mad Max: Fury Road" im Grunde von nichts anderem leben kann. Der Filmemacher weiß, wie man schnell und furios vorgeht. Wenn es jemals einen Film gab, der diese Worte in seinem Titel verdient hat, dann ist es dieser. Obwohl das Projekt nach Max Rockatansky benannt ist, ist es in Wirklichkeit Charlize Therons Furiosa, die "Mad Max: Fury Road" ihren Stempel aufdrückt, indem sie einen sympathischeren, menschlicheren Charakter auf die Karte bringt, vor allem wenn man bedenkt, dass Tom Hardy kaum Dialogzeilen hat.

George Miller hat erkannt, dass der Betrachter mehr von dem will, was er ihm in "Mad Max II - Der Vollstrecker" gegeben hat, und lässt viele der gleichen Elemente wieder aufleben, aber mit viel mehr Esprit. Wie durch Zauberei zollt er ihm eher Tribut oder schmückt es aus, als dass er seine früheren Konzepte einfach abkupfert, was natürlich sein gutes Recht ist, denn er hat das postapokalyptische Brachland und die epischen Fahrzeugschlachten mit abgespeckten, umgerüsteten, zusammengepferchten Fahrzeugen praktisch erfunden. Motorräder, große Sattelschlepper, Lastwagen, Panzer und vieles mehr werden zusammengeschweißt und zu gigantischen Monstertrucks aus Metall und Benzin fusioniert. Dieser sensationelle Stil überträgt sich mit gleicher Exzentrizität auf die Kostüme, das Make-up und die Prothetik, die einige wunderbar passende Grotesken, Kuriositäten und Fieslinge zum Ausdruck bringen, die der Betrachter von George Millers Werken gewohnt ist. Die Menschen werden immer sonderbarer, je mehr sich die Örtlichkeiten verschieben und "Mad Max: Fury Road" voranschreitet.

In Anlehnung an den Schlagzeuger in "Birdman oder die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit", der regelmäßig in den Aufnahmen mit den Schauspielern zu sehen ist und dessen Rhythmus die Tonspur durchdringt, setzt George Miller buchstäbliche Schlagzeuger und einen E-Gitarristen ein, um die Geräuschkulisse mit krachenden Beats respektive scheppernden Riffs zu ergänzen. Die Dynamik, wenn so etwas überhaupt möglich ist, steigert er für die kolossalen Actionsequenzen, die den Betrachter mit solcher Wucht überfallen, dass sich die 120 Minuten Laufzeit wie 30 Minuten anfühlen. In jeder Einstellung geschieht so viel, abgesehen vielleicht von der Handlung, dass es unmöglich ist, alles auf Anhieb zu erfassen.

Die Stunts sind vermutlich der einzige Teil von "Mad Max: Fury Road", den man besser bewerten könnte. Leider ist es dank der immensen Fortschritte in der Computergrafik seit "Mad Max II - Der Vollstrecker" mehr als drei Jahrzehnte her, dass es notwendig war, solche Szenen akkurat und realistisch zu choreografieren. Es hatte etwas unbestreitbar Eindrucksvolles, wenn Stuntmen aus Autos geworfen wurden und sich im Dreck wälzten, denn in jedem Moment waren echte Menschen beteiligt. Heutzutage ersetzen jedoch CG-generierte Figuren und Vehikel oft reale und realitätsnahe Stunts und ermöglichen so der Schwerkraft trotzende und weit hergeholte Manöver, die in ihrer schieren Skurrilität etwas von ihrer Ehrfurcht einflößenden Kraft einbüßen, obwohl praktische Effekte einen großen Teil von "Mad Max: Fury Road" ausmachen. Dennoch ist die Ruhe vor dem Sturm des Finales absolut berauschend, wenn hochoktanige Rücksichtslosigkeit und körperliche Hingabe an die Stelle von Feingefühl und filmischer Behutsamkeit treten - ein absoluter Hochgenuss.

Kommentar zu "Mad Max"
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Kommentar zu "Mad Max II - Der Vollstrecker"
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Kommentar zu "Mad Max III - Jenseits der Donnerkuppel"
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Der Autogyro-Pilot kehrt in "Mad Max III - Jenseits der Donnerkuppel" von den Regisseuren George Miller und George Ogilvie zurück, jetzt mit dem Namen Jedediah (Bruce Spence), der ein fortschrittlicheres Flugzeug steuert und mit einem Jungen als Co-Piloten (Adam Cockburn) zusammenarbeitet. Max Rockatansky (Mel Gibson), jetzt mit langen Haaren, ist zu Fuß unterwegs und wandert durch die heiße Sonne zu der großen, aus Schrott gebauten Gemeinde namens 'Bartertown', wo er Informationen über Jedediah sucht, der seinen Kamelkarren mit seinen Habseligkeiten gestohlen hat. In dem heruntergekommenen Viertel wird Max Rockatansky zu der Anführerin 'Aunty Entity' (Tina Turner) gebracht, die seine Fähigkeiten als Krieger gegen eine Schar von tätowierten Schlägern testet.

Um seine Überlebenskünste unter Beweis zu stellen, wird Max Rockatansky heimlich von 'Aunty Entity' angeheuert, um sich mit dem Riesen 'The Blaster' (Paul Larsson) zu duellieren. 'The Blaster' ist ein monströser Leibwächter und das Transportmittel des zwergenhaften 'The Master' (Angelo Rossitto), der die Unterwelt leitet, eine unterirdische Anlage, in der durch Methan Energie für 'Bartertown' erzeugt wird. 'Aunty Entity' hofft, die Kontrolle über ihr Reich wiederzuerlangen, indem sie 'Master Blaster' in seine Schranken verweist, der sie regelmäßig mit Machtsperren zwingt, seine Dominanz über die Lautsprecher der Stadt anzuerkennen. Die barbarische Gesellschaft benutzt die Donnerkuppel, eine Gladiatorenarena, um Streitigkeiten zu schlichten, und hier hofft 'Aunty Entity', dass Max Rockatansky 'The Blaster' legal und ohne jegliche Regeln der Kriegsführung töten kann, was sich als die beste Szene in "Mad Max III - Jenseits der Donnerkuppel" herausstellt.

Tina Turner in die etablierte Ödlandwelt von 'Mad Max' zu versetzen, ist eine ziemliche Herausforderung, auch wenn sie passend zur Reihe mit Kettenhemd, wild zerzaustem Haar und extravaganten Kostümen gekleidet ist. Der visuelle Look ist immer noch paradigmatisch für postapokalyptische Thriller, mit primitiven Waffen, robusten, ledernen Ensembles, rostigen Rüstungen und allgemeinem Elend. Der übergroße Gegner 'The Blaster' trägt einen Helm, um sein Gesicht zu verbergen, genau wie 'Humungus' aus "Mad Max II - Der Vollstrecker". Doch ein Großteil des Charmes liegt in der ausgefallenen Schminke, den Klamotten und der Waffenausstattung der zähen, hartnäckigen Soldaten, die durch Verfolgungsjagden in abgeschirmten, aber zufällig zusammengebauten Fahrzeugen unterstrichen werden.

Doch die Konzepte wurden immer dämlicher und führten nicht nur zu einer an "Die Klapperschlange" gemahnenden Donnerkuppel, sondern auch zu einem Glücksrad-ähnlichen Spiel, Folter durch Schweine und einer Meute schreiender Kinder und Jugendlicher, die in einer unterentwickelten Baumgesellschaft leben, die optisch an das Ewok-Dorf aus "Die Rückkehr der Jedi-Ritter" und Elemente von 'Tarzan' und 'Peter Pan' denken lässt. Auch die biblische Ankunft von Max Rockatansky, begleitet von der Rettung und Bergung seiner kleinen Armee, nach einer millionenfachen Befreiungsaktion in den schwelenden Dünen, à la "Lawrence von Arabien", ist nicht gerade beeindruckend. Auch der lästige, unverwüstliche Bösewicht kehrt zurück, gespielt von Angry Anderson, der einen seltsamen Schaufensterpuppenkopf mit einem auf den Rücken geschnallten Stock schwingt.

Während die Tristesse von "Mad Max II - Der Vollstrecker" die ernste und gewalttätige Handlung unterstützte, wurde diesem dritten Teil ein leichteres Gefühl des spielerischen Abenteuers mit fröhlicher Musik verliehen, die deutlich an "Indiana Jones und der Tempel des Todes" angelehnt ist. Der Tenor ist zuweilen geradezu jovial. Das spiegelt sich auch in der weniger strengen Altersfreigabe wider, obwohl die Atmosphäre trotzdem gut ist und die klimatische Verfolgungsjagd mit der Eisenbahn am Ende an die anderen spektakulären Stunts der Trilogie heranreicht.

Kommentar zu "Mad Max"
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Kommentar zu "Mad Max II - Der Vollstrecker"
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Kommentar zu "Mad Max: Fury Road"
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Kommentar zu "Furiosa: A Mad Max Saga"
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"Ich erinnere mich an den Vollstrecker," verkündet der Erzähler in "Mad Max II - Der Vollstrecker" von Regisseur George Miller und erzählt die Geschichte von Max Rockatansky (Mel Gibson), einem Mann, der Frau und Kind an eine skrupellose Biker-Gang verloren hat, in die Einöde einer postapokalyptischen Welt gewandert ist und gelernt hat, als skrupelloser Überlebenskünstler zurechtzukommen. Er knüpft an den ersten Film "Mad Max" an und schildert die kurze Historie der beiden Supermächte, die sich gegenseitig bekämpften, bis die Erde zu einem Feuersturm der Angst wurde, in dem das Überleben des Stärkeren die vorherrschende Maxime ist und Banden die Wüstenautobahnen erobert haben. Diese direkte Fortsetzung hätte genauso gut ein Remake oder ein völlig neues Projekt sein können, das die Stilisierung, den Produktionswert und den Fokus auf einen gesetzlosen Kampf gegen Bösewichte steigert, um eine überlegene Vision von kriegführenden Stämmen zu schaffen, die keine Zeit mit der Hintergrundgeschichte verbringt, sondern sich direkt auf die Action konzentriert. Mel Gibsons Performance braucht keinen Rahmen, denn er verkörpert einen einsamen Schurken, der nur sich selbst dient und dabei kein Blatt vor den Mund nimmt. Die Simplizität und Festigkeit der gesamten Story wird auf spektakuläre Weise genutzt.

Max Rockatansky stößt auf einen dürren Piloten (Bruce Spence), der ihn zu einer riesigen Ölraffinerie mitten in der Wüste führt, aus der jede Gruppe, die schlau genug ist, sie zu stehlen, erhebliche Mengen an Benzin beschaffen könnte. Das Schwierige ist, dass es sich um eine streng bewachte Festung mit Dutzenden von halbzivilisierten Soldaten handelt. Ihre Hauptfeinde sind eine weitaus barbarischere Horde, die in notdürftig umgebauten und mit Waffen bestückten Fahrzeugen Jagd auf einsame Wölfe in der unbarmherzigen Sahara macht und die wichtigsten Straßen bewacht, um die Treibstoffbasis zu belagern.

Als Max Rockatansky kurzzeitig das Leben eines Mannes rettet, dessen Truck von dem brutalen Anführer 'Humungus' (Kjell Nilsson) einer kriegerischen Organisation attackiert wird, bekommt er die Gelegenheit, einen vorübergehenden Waffenstillstand mit den unbezahlbaren Benzinfressern auszuhandeln. Im Gegenzug für die Suche nach einem Fahrzeug, das stark genug ist, um den wertvollen Treibstoff zu transportieren, verlangt Max Rockatansky die Rückgabe seines eigenen Autos und aller brennbaren Materialien, die er transportieren kann. Da jeder Angriff von 'Humungus' größeren Schaden anrichtet, erkennen die Gestrandeten, dass sie wie ein Rammbock auf die sonnenverbrannten Straßen vorstoßen müssen, wenn sie mit dem Leben davonkommen wollen.

Mit schwarzem Leder und Ketten, dicken Pelzen und dunklen Federn sowie metallischen Rüstungen, die an sadomasochistische Steinzeitmenschen erinnern, bietet "Mad Max II - Der Vollstrecker" einen kostümlastigen Look, der zum Archetyp für das karge Ödland am Ende der Welt werden sollte, das durch einen Atomkrieg zerstört wurde. Entstellte Gesichter, gefärbte Irokesen, nacktes Fleisch, unvollständige Uniformen und allgemeiner Schmutz und Dreck bedecken die Charaktere, wobei die zivilisiertere Gruppe weiß gekleidet ist und feurige Amazonen umfasst, während die Antagonisten schwarz und mit Kriegsbemalung im Stil der amerikanischen Ureinwohner ausgestattet sind. Gewalt, blutige Szenen, unangemessener, aber effektiver Humor, Action und üppige Nacktheit runden dieses visuell aufregende Exploitation- oder Ozploitation-Epos ab. Am meisten Spaß macht jedoch die Kollektion halsbrecherischer Stunts, die zum Finale in ihrer ganzen Komplexität gezeigt werden, ergänzt durch mitreißende Kameraführung, gewaltige Explosionen und dröhnende Musik. Die rasante, großartig inszenierte Verfolgungsjagd auf dem Freeway zeichnet sich durch todesmutige Stuntmen, pausenlose Energie und dynamische Choreografien aus, die viele, wenn nicht alle späteren Roadmovies und postapokalyptischen Actionfilme inspirieren sollten.

Kommentar zu "Mad Max"
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Kommentar zu "Mad Max III - Jenseits der Donnerkuppel"
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Kommentar zu "Mad Max: Fury Road"
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Kommentar zu "Furiosa: A Mad Max Saga"
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In "Mad Max" von Regisseur George Miller, in einem Australien, in dem die Verhältnisse erheblich chaotischer sind, werden mehrere müßige Cops auf ein Polizistenmörder-Duo aufmerksam, das auf der Flucht ist. Sie machen sich unverzüglich auf den Weg zur 'Anarchy Road', einer besonders tödlichen Straße, auf der die wahnsinnigen Killer rücksichtslos unterwegs sind. Der grölende Fahrer, der sich 'Night Rider' (Vince Gil) nennt, ist kein Gegner für Max Rockatansky (Mel Gibson), einen Gesetzeshüter mit beachtlichen Fahrkünsten und unerschütterlicher Entschlossenheit, dessen Verfolgung dazu führt, dass das gesuchte Gespann in eine Straßensperre gerät, die in einem Feuerball endet.

Einige Tage später erfährt Max Rockatansky von seinem Kollegen Fifi MacAfee (Roger Ward), dass der 'Night Rider' gefährliche Freunde hatte: Eine Legion nomadisierender Biker, die auf der Suche nach dem Mann sind, der für das Ableben ihres Kameraden verantwortlich ist. Als die Verbrecherbande einen Autofahrer überfällt und seine junge Begleiterin vergewaltigt, lassen sie ein einziges Bandenmitglied zurück, das von Max Rockatansky und seinem Partner Jim Goose (Steve Bisley) festgenommen werden soll. Doch die verängstigten Stadtbewohner sind zu eingeschüchtert, um den Sündenbock erfolgreich zu verfolgen. Er wird schließlich freigelassen und setzt damit eine Verschwörung in Gang, die bösartige Verwüstungen anrichtet und Max Rockatanskys unvermeidlichen Abstieg in die blutige Selbstjustiz zur Folge hat.

Das Setting von "Mad Max" ist weit weniger anarchisch und postapokalyptisch als in der bedeutenderen und berühmteren Fortsetzung "Mad Max II - Der Vollstrecker", die zwei Jahre später veröffentlicht wurde und einen drastischen Verfall der Zivilisation und der sozialen Strukturen sowie Saxophonmelodien aufweist. Die extreme Gesetzlosigkeit und Unordnung sowie die Wüstengemeinden und kreativ geflickten Geländewagen passen besser zu dem unverwüstlichen Charakter des Helden, der sehr unterhaltsam ist, wenn er nicht an irgendwelche Regeln oder rechtliche Komplikationen gebunden ist. Ein signifikanter Bestandteil von "Mad Max" ist der Entwicklung einer Romanze mit Jessie Rockatansky (Joanne Samuel) gewidmet, was die Handlung von den verstaubten, desolaten Straßen wegführt.

Die Fahrzeugstunts sind grandios destruktiv, mit Motorrädern, die über den Asphalt schleudern, Autos, die durch Anhänger krachen und gelben Polizeiwagen, die Abhänge hinunterrollen. Viele dieser Sequenzen erinnern an die exzessiven Ausschweifungen in "Frankensteins Todes-Rennen", während sie gleichzeitig das Motiv der Selbstjustiz aus "Dirty Harry" aufgreifen. Das niedrige Budget von "Mad Max", die praktischen Effekte, die Darstellung einer dystopischen Zukunft und der Fokus auf das Risiko sind wichtige Impulse für "Die Klapperschlange", "Tank Girl", "Robocop", "Waterworld" und sogar "Terminator". Die Szenenübergänge und die Wahrung der Diskontinuität sind nicht gerade das Optimum, aber der Schnitt und das Framing der Actionsequenzen täuschen nicht über das Alter von "Mad Max" hinweg. Im raschen Endspurt zeigt sich immer noch ein Faible für augenfällige Metzelorgien und humorvolle Einlagen, die ein Kontrapunkt zu den schweren Tragödien und der gedrückten Atmosphäre der Story schaffen.

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Kommentar zu "Furiosa: A Mad Max Saga"
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In "The Fall Guy" von Regisseur David Leitch bekommt der professionelle Stuntman Colt Seavers (Ryan Gosling) nie die Anerkennung, die er für die beeindruckend aufwendigen und extrem gefährlichen Action-Wunder verdient, die er für die Filme des beliebten Stars Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson) auf der Leinwand vollbringt. Doch er lebt seinen Traum weiter, indem er mit der Liebe seines Lebens, Jody Moreno (Emily Blunt), zusammenarbeitet, der ehrgeizigen Kamerafrau, die eines Tages ihren eigenen Blockbuster drehen möchte. Als Colt Seavers nach einem verpfuschten Stunt mit einem gebrochenen Rücken dasteht, kämpft er darum, Hoffnung für seine Zukunft zu finden und zieht sich überstürzt von der Branche und Jody Moreno zurück.

Nach 18 Monaten hat sich Colt Seavers von seinen Verletzungen erholt, aber er hat es immer noch nicht geschafft, sein Selbstwertgefühl wiederzuerlangen. Als die Filmproduzentin Gail Meyer (Hannah Waddingham) den Stuntman mit dem Angebot kontaktiert, wieder ins Filmgeschäft einzusteigen und bei Jody Morenos Regiedebüt mitzuarbeiten, nimmt er das Angebot an. Doch als er am extravaganten australischen Set ankommt, wird ihm schnell klar, dass er nicht auf Geheiß seiner ehemaligen Geliebten dort ist, sondern um Gail Meyers Schlamassel zu bereinigen. Ihr Hauptdarsteller Tom Ryder wird vermisst und hat möglicherweise mit exzessiven Rauschgifthändlern, manischen Mätressen und skrupellosen Killern zu tun. Jetzt muss Colt Seavers mit Tom Ryders Dämonen aus dem Off und mit seinen eigenen kämpfen, wenn er den Tag retten, den Film beenden und die Liebe seines Lebens zurückgewinnen will.

"The Fall Guy" nutzt den Erzählstil des Film Noir, um eine Art Krimi zu etablieren, der den Aufstieg und Fall eines unglücklichen Protagonisten nachzeichnet, ähnlich wie ein Star-Detektiv, der als Privatermittler an dubiosen Orten nach vermissten Personen sucht. "The Fall Guy" erinnert sofort an "The Nice Guys", der wiederum "Kiss Kiss Bang Bang", "Burn After Reading - Wer verbrennt sich hier die Finger?" und andere zeitgenössische Krimis nachahmte, die sich großzügig an den Archetypen Sam Spade und Philip Marlowe orientierten. Dazu mischt er eine selbstbewusste Stimmung, voller Anspielungen nicht nur auf eine Vielzahl anderer Filme, denen er huldigt oder über die er sich lustig macht, einschließlich Product Placement und Dialogen, die Zeilen aus Filmen wie "The Fast and the Furious" und "Der letzte Mohikaner" zitieren, was nicht nur dazu dient, den Betrachter an mögliche Derivate zu verweisen, sondern auch die Film-im-Film-Ästhetik wie in "Tropic Thunder", der seine fiktiven Konzepte nutzt, um die der Hauptfiguren zu spiegeln. Das Ganze unter dem Deckmantel der Neuverfilmung einer Fernsehserie aus den 1980er Jahren, mit der dieser Film so gut wie keine Gemeinsamkeiten aufweist.

Das wichtigste Element ist jedoch die Liebesgeschichte, die stark beginnt und von der Chemie zwischen Ryan Gosling und Emily Blunt auf dem Bildschirm getragen wird. Das ist witzig, rührend und überzeugend, vor allem wenn Sequenzen von Dreharbeiten für den fingierten Film 'Metalstorm' an die Stelle von Gesprächen der Hauptfiguren über ihre Gefühle in einer traditionell intimen Umgebung treten. Mit Verkupplungen, zweiten Chancen und vielen überschwänglichen Flirts wird die romantische Normalität unverkennbar vergnüglich. Eigenartigerweise waren die Strapazen des Drehs, die durch eine offensichtliche Liebe und Wertschätzung für Stuntarbeit - Regisseur David Leitch war früher Stuntman - gezeigt werden, vielleicht eine treibende Kraft. Doch schließlich kehren die plattfüßigen Bestandteile zurück und geraten auf einen unübersichtlichen Pfad mit verworrenen Handlungslinien.

Trotz der Femme Fatales, der Drogen, der Leichen und der spannenden Verfolgungsjagden sowie der Showdowns geht es in "The Fall Guy" vor allem darum, die Stunts und die daran involvierten Menschen ins rechte Licht zu rücken. Deshalb ist es besonders enttäuschend, wenn die Choreographie dieser Stunts sowie die Planung und Inszenierung nicht immer überzeugen. Bei vielen Aufnahmen ist es schwer zu sagen, wann die eigentliche tollkühne Aktivität aufhört und die Computerverbesserung oder Schnitttechnik übernimmt. Im Gegensatz zu den Werken von Jackie Chan oder anderen Leinwandkriegern wie Tom Cruise, Keanu Reeves und - überraschenderweise - Bob Odenkirk, die sich weigern, Schnitte zu machen, um den Betrachter wissen zu lassen, dass sie in Wirklichkeit ihre eigenen ungeheuerlichen körperlichen Leistungen vollbringen, geht es in "The Fall Guy" nicht darum, irgendetwas über Ryan Goslings eigene Verstrickungen zu beweisen. Dies hat jedoch einen negativen Beigeschmack, denn es neigt zu schnellen Schnitten und Übergängen und einer überspitzten Dramaturgie, die die Grenzbereiche zwischen Realem und Irrealem verwischt. Wenn bestimmte Stunts zu abwegig sind, macht es nichts, wenn einige von ihnen glaubwürdig sind. Der Betrachter muss spüren, dass sie wirklich sind, um darin zu integrieren.

Selbst die kantigeren Momente explosiver Heldentaten vermitteln die seltsame Ansicht, dass Realismus nicht notwendig ist, wenn die Technik ihn ersetzen kann, etwa wenn Tieraufnahmen in das Filmmaterial eingefügt werden, die uns daran gemahnen, dass sie kein echtes Stuntpferd brauchen, oder die Bedeutung der im Film erwähnten Deepfakes, die die Frage der Legitimität auf eine ganz neue Ebene heben, indem sie die potenziellen Erfolge extremer Stunts in Frage stellen. Es ist kein Wunder, dass die besten Teile von "The Fall Guy" die Kontraste zwischen Colt Seavers und Jody Morenos Verhalten beinhalten, die zwischen Kämpfen und Frivolitäten hin und her springen, oder Ruinieren und Geistesblitzen, die fast vergessen sind, wenn der träge dritte Akt endlich kommt, vielleicht absichtlich mäandernd in einem selbstreferenziellen Gedanken darüber, dass man nicht weiß, wie man eine gute Romanze beendet. Es ist jedoch keine gute Idee, im Verlauf von "The Fall Guy" gezielt auf Schwachstellen in den Drehbüchern hinzuweisen, nur um dann mit eben diesen Problemen herumzustolpern, auch wenn man hofft, dass es einfacher wird, mit ihnen umzugehen, wenn man sie aufzeigt, wenn man mit ihnen konfrontiert wird. Hier ist das Finale einfach zu vertrackt und weit hergeholt und droht, das zeitweilige Amüsement einer eindeutigen Liebesbekundung an die unbesungene Kunst der Filmstunts zu ruinieren. "Es ist nur ein blöder Film!"

In "Red River" von Regisseur Howard Hawks verlässt Thomas Dunson (John Wayne) 1851 St. Louis in Begleitung seines Freundes Nadine Groot (Walter Brennan) und schließt sich einem Planwagenzug nach Kalifornien an. Einige Wochen später erreichen sie die nördliche Grenze von Texas, wo sie beschließen, sich von der Gruppe zu trennen und ihre eigene kleine Herde im Süden zu gründen. Fen (Colleen Gray), eine junge Frau, die sich in Thomas Dunson verliebt hat, besteht darauf, bei ihm zu bleiben, aber es ist zu gefährlich, vor allem wegen der Indianer in der Gegend. Also lässt er sie zurück. Es vergehen mehrere Stunden, bis der Rauch in der Ferne die Stelle markiert, an der sich der Wagenzug genähert hätte, aber er ist bereits erloschen. Ein kleiner Spähtrupp versucht ebenfalls, Thomas Dunson und Nadine Groot zu erledigen, doch es gelingt ihnen, die handvoll indianischer Aggressoren umzubringen.

Nur einer der Passagiere des Zuges überlebt, ein Teenager namens Matthew Garth. So setzt die Dreiergruppe ihre Reise fort, die sie zu einem gesunden Stück Land in der Nähe des Rio Grande führt. Ihr Plan, eine riesige Rinderherde zu gründen, wird jedoch von Don Diego vereitelt, der behauptet, alles nördlich und südlich des Flusses zu besitzen, was zu einer Schießerei um die Vorherrschaft ausartet. Mehr als ein Jahrzehnt vergeht, bis die drei Erfolg haben und ihre Viehzucht zu einer ansehnlichen Größe heranwächst, wenn auch um den Preis von Blut und Schweiß und Rivalitäten mit benachbarten Ranchern und deren gedungenen Revolverhelden. Als die Herde fast 10.000 Tiere erreicht, wird ein Trieb bis nach Missouri organisiert, mit den Scharfschützen Matthew Garth (jetzt erwachsen, gespielt von Montgomery Clift) und Cherry Valance (John Ireland) an der Spitze. Der unbeugsame, hartnäckige und entschlossene Thomas Dunson ist sich sicher, dass ihm nichts im Weg stehen wird, trotz 1.000 Meilen trockener Brunnen, wilder Indianer, Banden an der Grenze, gerissener Straßenräuber, Wind und Regen und angesichts der Tatsache, dass noch nie jemand die Reise beendet hat.

Ungewöhnlicherweise beginnt "Red River" mit einem Vorwort, das darauf hinweist, dass die Geschichte zu den Annalen des großen Staates Texas gehört und die Details des ersten Ritts auf dem legendären 'Chisholm Trail' behandelt. Dann folgt ein weiteres gedrucktes Geleitwort, in dem erklärt wird, wie Thomas Dunson und sein Kumpel auf den Planwagenzug trafen. Das ist eine Unmenge an überflüssiger Information, wenn man sich klarmacht, dass all dies auf dem Bildschirm mit genügend Exposition präsentiert wird, um vieles davon zu wiederholen. Noch merkwürdiger ist die fortwährende Verwendung von Zwischentiteln, die in Kursivschrift auf ein Blatt Papier geschrieben sind. Einige werden so schnell eingeblendet, dass man sie nicht vollständig lesen kann, und die meisten sind völlig unnütz, da wechselnde Schauplätze und Einstellungen leicht in die visuelle Erzählung hätten integriert werden können. Dann vergehen in einer etwas skurrilen Verschiebung vierzehn Jahre, aber dieses Mal wird es dadurch bestimmt, dass John Wayne genau das laut zu Walter Brennan sagt.

Obwohl es zu Beginn einen Sinn von Spannung gibt, scheint "Red River" in erster Linie eine Geschichtsstunde zu sein und weniger ein Stück abenteuerlicher Unterhaltung. Die Grundelemente des Genres sind in der Regel vorhanden, aber sie zeigen selten eine gestalterische Abkehr von der Norm. Walter Brennan ist die Hauptfigur, und zahlreiche Nebenfiguren sorgen für Smalltalk, Hoffnungen für die Zukunft und Sorgen über die Reise. Eine chaotische Stampede und halbe Rationen kommen zu den erwarteten Entbehrungen hinzu, und John Wayne wird zu einem gnadenlosen Tyrannen - eine Rarität, aber nicht untypisch, wenn man Glaubwürdigkeit, Ritterlichkeit und Wagemut Montgomery Clift und John Ireland überlässt. Die Musik und der Gesang von Dimitri Tiomkin schwellen an, und ab und zu gibt es Verrat und Konfrontationen, und es bleibt sogar Zeit für einen Funken Romantik.

Doch alle erwähnenswerten Konflikte werden durch minutenlange Routinen und sich wiederholendes Gewinsel abgeschwächt, was die Laufzeit in die Länge zieht und zu einer dokumentarischen Sensibilität beiträgt, die die Handlung und das Drama verwässert. Schließlich übertrumpft die Paranoia gegenüber einem rachsüchtigen Thomas Dunson sogar die Bedrohung durch die Apachen, während Joanne Dru spontan den zögerlichen Matthew Garth verfolgt und ihm sexuelle Avancen macht - ein unerklärliches Manöver, das zu noch mehr Widersprüchen führt, da sie sich in alle Abläufe einmischt, die zu ihrer Verwicklung und Thomas Dunsons Verfolgung führen. Seltsamerweise sind ihre Beweggründe extrem übereilt, und die Konzentration auf weniger wichtige Aspekte lässt wenig Raum für ihre Wichtigkeit, was schade ist, denn ihre Parallelen zu Fen aus der Eröffnungsszene sind die ergreifendsten in "Red River". Wenn man das strapaziöse Pensum durchhält, ist selbst der Erfolg der Tour nicht der Höhepunkt. Es ist der unvermeidliche Showdown zwischen zwei Menschen, die zu starrköpfig sind, um sich zu ändern, aber zu viel gemeinsame Vergangenheit haben, um in einer echten Tragödie zu enden. Das Finale ist ein grandioser Zusammenprall von Machismo und weiblicher Intervention, aber nicht so kraftvoll, dass es die Behäbigkeit der Story ausgleichen könnte.

Wie von Kritikern und Filmliebhabern im Nachhinein viel diskutiert wurde, ist das Ende von "Red River" etwas unzufriedenstellend, was vor allem an einem altbackenen Hollywood-Happy-End liegt. Im Quelltext wird Thomas Dunson von Cherry Valance erschossen, so dass Matthew Garth gezwungen ist, den Leichnam für ein ordentliches Begräbnis zurück nach Texas zu bringen. Doch mehr als ein glamouröser, entschärfter Abschied ist in dieser Verfilmung nicht zu spüren, denn Joanne Dru bekommt kaum eine Chance, sich zu profilieren und ihre Relevanz zu bewahren. So viel von "Red River" ist der Verdeutlichung der Hemmnisse eines Drangs und der Konfliktsituation eines durchgeknallten Anführers gewidmet, dass es zu dem Zeitpunkt, an dem Joanne Dru eingeführt wird, fast zu spät ist, um ihr eine Gelegenheit zu geben, sich hilfreich zu zeigen. Dann verliebt sie sich ganz plötzlich und aus unerklärlichen Gründen in einen Mann, den sie kaum kennt, was ein weiteres Merkmal der Hollywood-Drehbuchkonformität ist.

Die Tragweite ihrer Rolle wird erst durch die Symbolik eines Armbandes deutlich, das zwischen den Charakteren weitergereicht wird und sie an ihre ersten Momente erinnert. Doch ohne eine akzeptable Zeit für die Charakterentwicklung von Joanne Dru und die Gestaltung einer lohnenswerten Romanze ist jede Auswirkung, die sie auf das Finale hat, bestenfalls oberflächlich oder sogar humoristisch. Sicherlich hätte ihre Beteiligung an der letzten Schlacht von Belang sein können, wenn man ihrer Rolle nur die notwendige Zeit und Tiefe gegeben hätte, um ihrer Figur selbst Gewicht zu verleihen. Man stelle sich vor, sie wäre die ganze Zeit bei ihnen gewesen, dann wäre es bedeutend wichtiger geworden, anstatt dass sie diejenige ist, die sie drängt, sich zu vertragen, gerade als sie dabei sind, sich gegenseitig eine Kugel in die Brust zu jagen.

In Regisseur Edwin S. Porters 1903 urheberrechtlich geschütztem Kurz-Western "Der große Eisenbahnraub" aus der Zeit der Jahrhundertwende wird ein Bahnhofsangestellter von Banditen mit vorgehaltener Waffe überfallen. Sie warten im Büro, bis die Lokomotive einfährt, und besteigen sie dann, um die wertvolle Ladung Bargeld zu stehlen. Bankangestellte werden erschossen und über das Geländer geworfen, Passagiere werden als Geiseln genommen und die Lok wird zerlegt, um als Fluchtwagen zu dienen. In der Zwischenzeit finden in der Stadt ein Fest und ein Ball statt, und der Sheriff, der von dem Raubüberfall erfährt, stellt ein Aufgebot zusammen und macht sich auf die Jagd.

"Der große Eisenbahnraub" ist ein Kunstwerk, wenn man berücksichtigt, was damals machbar war, und ein Meilenstein für die Möglichkeiten des Filmemachens, vor allem im Bereich des Geschichtenerzählens. Auch wenn sie nicht sehr komplex sind, so sind die Abfolgen von Aufnahmen und schlichten Handlungen doch erstaunlich spannend. Die Schauspielleistung ist nicht sonderlich realistisch, aber das ist bei den meisten frühen Filmproduktionen zu erwarten. Ein Bankangestellter wird angeschossen und fällt zu Boden, wobei sein Arm steif in der Luft hängt. Er bewegt sich schließlich in eine bequemere Position und eine Geisel versucht zu fliehen, wird jedoch abgeknallt und torkelt mehrere Sekunden lang in Agonie vor sich hin, bevor er dramatisch zitternd im Staub zusammenbricht.

Der 11-minütige Actioner besticht auch durch Spezialeffekte und seltene Techniken, denn "Der große Eisenbahnraub" diente als populäre Weiterentwicklung der filmischen Inszenierung allein durch die Darstellung einer Geschichte. Doppelbelichtung, Cross-Cutting, eine bewegliche Kamera und Dreharbeiten vor Ort bilden den Kernpunkt der Entwicklung. Es ist vielleicht nicht der erste Film, der solche Methoden verwendet, aber sicherlich der bekannteste. Eine orangefarbene Explosion, ein junges Mädchen in einem roten Mantel und bräunliche Aufnahmen mit individuell gefärbten Rahmen sorgen für den nötigen Kick, während die waghalsigen Stunts einen Kampf auf einem Zug und das Überbordwerfen eines Dummys mit aller Kraft beinhalten. "Der große Eisenbahnraub" ist auch ein erstes Musterbeispiel für die elementare Montage von Szenen zu einem kohärenten fiktionalen Abenteuer.

"Der große Eisenbahnraub" wird oft unter historischen Gesichtspunkten betrachtet und stellt eine einzigartige Ausgangslage für eine kritische Analyse dar: Wie kann man etwas, das im Grunde das erste seiner Art ist, angemessen bewerten und katalogisieren? Filmschaffende, die nach längeren, umfassenderen, innovativeren Geschichten und bildlichen Glanzleistungen streben, würden unweigerlich alles überbieten, was in diesem Film präsentiert wird. Nach heutigen Standards ist an den Aufnahmen nichts Außergewöhnliches, aber wenn man ihr Alter und die extremen Limitierungen der Kunstform in den frühen 1900er Jahren bedenkt, sind die Bilder äußerst faszinierend. Mit der Schlussszene, in der ein Räuber seine Waffe direkt auf den Bildschirm abfeuert, ist "Der große Eisenbahnraub" ein Paradebeispiel für einen Film, der durch eine einzige Einstellung universell anerkannt wird.

1. Psycho
2. Bonnie & Clyde
3. Die Frau in den Dünen
4. Licht im Dunkel
5. Das Haus ist schwarz
6. Andrej Rubljow
7. Dr. Seltsam, oder wie ich lernte, die Bombe zu lieben
8. Was geschah wirklich mit Baby Jane?
9. Der Leichenverbrenner
10. Schock-Korridor

In "Chaos Walking" von Regisseur Doug Liman ist der 'Lärm' die ungefilterte Gedankenwelt eines Mannes, ein Bewusstseinsstrom, der nun mit jedem verbunden ist, der auf dem Planeten gestrandet ist, obwohl in der dystopischen Neuen Welt des Jahres 2257 n. Chr. nicht mehr viele Menschen am Leben sind, vor allem wegen eines Krieges gegen eine einheimische Spezies. Lautes Sprechen ist nicht mehr nötig, da die Menschen in unmittelbarer Nähe die Gedanken der anderen lesen können. Zudem ist es schwer, die eigene Meinung zu vernebeln - es braucht jahrelange Übung, um die Kontrolle zu erlernen. Das bedeutet, dass Landarbeiter und andere Werktätige, die in Städten im Stil des alten Westens mit ein paar futuristischen Upgrades leben, ständig in Schwierigkeiten geraten, weil ihnen kämpferische oder wertende Ansichten (im übertragenen, aber auch im wörtlichen Sinne) aus dem Hirn quellen. "Hör auf, meine Gedanken zu lesen."

Die massive Verletzung der Privatsphäre ist so etwas wie die Hölle auf Erden. Natürlich gibt es ein weiteres großes Problem: Es gibt keine Frauen mehr auf dem Planeten, da sie während des Krieges abgeschlachtet wurden. Doch das ändert sich, als mit Jahren Verspätung eine zweite Welle von Raumfahrern in der Atmosphäre der Neuen Welt eintrifft. Ihr Raumschiff geht in Flammen auf und stürzt in der Nähe des Hauses von Todd Hewitt (Tom Holland) und seinem Vater Ben (Demian Bichir) ab. Überlebt hat anscheinend nur ein Mädchen, Viola (Daisy Ridley). "Ich habe noch nie eine echte Frau gesehen."

Obwohl 'Lärm' eine seltsame Erfindung für eine Science-Fiction-Prämisse ist, ist sie sofort bizarr und umständlich zu demonstrieren. Glühende, rauchige, ätherische Computereffekte tanzen um die Köpfe der Charaktere und erzeugen manchmal präzise, bewegte Bilder wie Luftspiegelungen, während sich eine Flut von Stimmen überlagert wie die Dialogspur in einem Robert-Altman-Film - eine der Hauptfiguren trägt sogar einen flauschigen, sienafarbenen Mantel wie Warren Beatty in "McCabe & Mrs. Miller". Es ist ein unkinematisches Konzept, ermöglicht aber simple Bösewichte wie einen Prediger (David Oyelowo), dessen Schäfchen völlig vom Weg abgekommen sind, und Bürgermeister David Prentiss (Mads Mikkelsen) und seinen verwegenen Sohn Davy (Nick Jonas), die die Situation eindeutig ausnutzen wollen, um ihre Macht über die Stadtbewohner auszuweiten.

Die Melange aus Westernkostümen, Laserwaffen, Raumschiffen und fortschrittlicher Technik ist zwar interessant und erinnert schlimmstenfalls an "Timerider - Die Abenteuer des Lyle Swann", aber das Roadmovie-Design, die turbulente Suche durch eine überwucherte Wildnis und die Verfolgung durch schäbige Jäger erinnern schnell an "The Walking Dead" oder "After Earth" sowie "Bird Box" und die vielen anderen postapokalyptischen Thriller, in denen die Menschheit der ultimative Feind gegen die wenigen Nachzügler ist, die sich inmitten des oft bösartigen Gefechts ums nackte Überleben an moralischen Anstand festkrallen. Ungeachtet des Bestrebens, eine individuelle Perspektive zu schaffen, spielt sich "Chaos Walking" auf eine ziemlich gewöhnliche Basis voller konventioneller Figuren ab.

Die Zurückhaltung bei den Definitionen der Grenzen und Siedlungen der Neuen Welt, den Möglichkeiten der Raumfahrt und vielen weiteren technischen Details sind ebenfalls problematisch. Normalerweise würde mich als Betrachter die allmähliche Enthüllung von Informationen begeistern, aber hier wirken die Mysterien und die wiederholte Weigerung der Hauptcharaktere, Fragen zu stellen, eher irritierend. Erfreulicherweise findet sich gelegentlich wirksamer Humor, und die relativ kontinuierliche Handlung hält das Tempo hoch. Es ist auch angenehm zu sehen, dass Viola nicht immer ein Opfer ist, das gerettet werden muss. Sie erhält mehrere Chancen, für sich selbst einzutreten, und beweist damit, dass sie aus härterem Holz geschnitzt ist als die typische Dame in Not, insbesondere wenn man bedenkt, dass sie in einer Welt ohne Frauen das Ziel vieler finsterer, unvermeidlicher Gedanken sein würde.

Doch mit der Grundlage einer Jugendbuchreihe, dem Drehbuch von Patrick Ness, dem Autor der Bücher ab 'The Knife You Never Let Go', und einer Altersfreigabe ab 12 Jahren ist "Chaos Walking" ein auffallend zahmes Science-Fiction-Abenteuer. Es ist nicht so, dass "Chaos Walking" unbedingt eine härtere Gangart braucht, aber die darin verfolgten Themen hätten von mehr Stringenz profitieren können. Die hier lauernden Risiken fühlen sich kaum konkret an, und die besten sind weit davon entfernt, authentisch zu sein. Hinzu kommt, dass die Filmemacher offensichtlich auf weitere Kapitel hoffen, denn das Finale ist ein Zufall und hinterlässt zahllose Lücken - keine gute Voraussetzung für einen Einführungsfilm.

In "American Beauty" von Regisseur Sam Mendes erzählt der 42-jährige Lester Burnham (Kevin Spacey) die Geschichte seines gewöhnlichen und ereignislosen, aber zunehmend nervigen und unerträglichen Lebens, wobei er in den ersten zwei Minuten des Films wissentlich verrät, dass er in weniger als einem Jahr sterben wird. Er ist ein selbsternannter gigantischer Verlierer, der in einer winzigen Kabine für das 'Media Monthly Magazine' arbeitet, das kürzlich den Effizienzexperten Brad Dupree (Barry Del Sherman) als seelenlosen Exekutor eingestellt hat, um Kosten zu sparen. Lester Burnham ist mit der perfektionistischen Immobilienmaklerin Carolyn (Annette Bening) verheiratet, die selbst mit ihrem Selbstwertgefühl und beruflichen Misserfolgen zu kämpfen hat, während seine Tochter Jane (Thora Birch), ein Einzelkind, erwartungsgemäß wütend, unsicher und verwirrt ist und derzeit darüber nachdenkt, ihren Vater durch ihren Freund ermorden zu lassen.

Als Lester und Carolyn Janes Cheerleader-Auftritt in der Schule besuchen, verliebt sich Lester in die Teenager-Darstellerin Angela Hayes (Mena Suvari), die von jedem Mann, der sie anblickt, gemocht wird. In ihrem neuen Nachbarn Ricky (Wes Bentley), einem 18-jährigen Jungen, der davon besessen ist, Dinge mit seiner Videokamera zu filmen, und der angeblich in eine psychiatrische Institution eingewiesen worden ist, findet Jane ihren eigenen seltsamen Voyeur. Rickys Vater, der engstirnige, besonders homophobe US Marine Corps Colonel Frank Fitts (Chris Cooper), ist die treibende Kraft hinter den scheinbar gestörten Verhaltensweisen des Jungen und dem komplexen Netz von Schutzbehauptungen. Er führt den Hausstand mit einer militaristischen Rigorosität, die auch seine labile Frau Barbara (Allison Janney) sichtlich traumatisiert. Als Lester Ricky kennenlernt, der ihn mit Marihuana versorgt, stellt der lange Zeit deprimierte Mann überraschenderweise fest, dass er immer noch die Kontrolle über einige Entscheidungen hat, unter anderem darüber, wie er mit seiner Frau und seinem Job umgeht.

"American Beauty" ist eine seriöse, aber auch humorvolle Studie über die mysteriöse Dysfunktion des falsch-idealistischen amerikanischen Vorstadtlebens und ein ironischer Blick auf die Schönheit aus der Perspektive diverser Interpreten. Dieses Thema ist so etwas wie ein modernisiertes Update der Grotesken und verborgenen Abgründe in "Blue Velvet". "American Beauty" zeichnet sich durch offenherzige Dialoge und bissige Kritik am Schicksal, an der Fassade des Erfolgs, an Vorbildern, Versuchung, Ablehnung, Hass, Verantwortung, Schuld und Missbrauch, Disziplin und Struktur, an den Feinheiten der menschlichen Sexualität aus und bietet Episoden von verstrickten Beziehungen, dem Wiedersehen mit der Familie, unerwarteten Konfrontationen und der Rückbesinnung auf die wichtigen Elemente des Lebens. Der Kern des Films liegt in der Gegenüberstellung von Außenwahrnehmungen, Missverständnissen und nicht merkbaren inneren Wahrheiten, die wiederum mit Esprit und künstlerischem Feingefühl dargestellt werden, auch wenn manche Deutungen unangenehm schwer fassbar oder anfechtbar bleiben.

"Unterschätze niemals die Macht der Verleugnung", sagt Ricky, durch dessen Augen der Betrachter einen einzigartigen Antihelden sieht, der unter dem Bann von hypnotischer Kontrolle und Gelassenheit steht, eine weitere sorgfältig aufgebaute Fassade, gepaart mit seltener Erlesenheit in ungewöhnlich interessanter Bildsprache. Lester Burnham repräsentiert das neu gewonnene Selbstvertrauen, die Erkenntnis der durch geschickte Manipulation erworbenen Freiheiten und die aufregende Fähigkeit, die Herrschaft über seine Zukunft wiederzuerlangen. Doch ironischerweise sind die vermutlich irritierten Teenager in ihrem Lebenssinn genau so orientierungslos wie die Erwachsenen. Es ist eine Lovestory, eine Heilsgeschichte, ein Drama über zerfallende Lebensweisen und psychologische Korrosion und eine dichterische Tragödie, alles zusammen verpackt, um den universellen Normalitätsanspruch zu symbolisieren und vielleicht zu prangern, der die Realität verschleiert, dass die Menschheit alles andere als in eine spezifische Typik kategorisiert ist.

"Asteroid City" von Regisseur Wes Anderson untersucht die Entstehung, die Produktion und die visuellen Darstellungen des sehr erfolgreichen Theaterstücks des bekannten Schriftstellers Conrad Earp (Edward Norton). Ein Moderator (Bryan Cranston) erzählt Wissenswertes über die Entwicklung und den kreativen Prozess der langjährigen Show und ihren exzentrischen Regisseur Schubert Green (Adrien Brody), während die Schauspieler vor der Kulisse einer staubigen Wüstenstadt auftreten. Es ist September 1955, und der Fotograf Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) und seine vier Kinder treffen in 'Asteroid City' zum jährlichen Asteroiden-Tag ein, der zum einen an die Einschlagstelle des Meteoriten 'Arid Plains' vor 5.000 Jahren erinnert und zum anderen mehrere begabte Schüler in verschiedenen wissenschaftlichen Fachrichtungen ehrt. Sein Sohn Woodrow (Jake Ryan) ist einer dieser hellen Köpfe, die gelobt werden, ebenso wie die Tochter (Grace Edwards) der berühmten Filmdiva Midge Campbell (Scarlett Johansson). Eine Klasse junger Sternengucker unter der Aufsicht von Lehrerin June (Maya Hawke), eine Gruppe von Cowboy-Musikern unter der Führung von Montana (Rupert Friend), eine Kompanie von Soldaten unter dem Kommando von General Grif Gibson (Jeffrey Wright) und eine Gruppe von Wissenschaftlern unter der Anleitung von Dr. Hickenlooper (Tilda Swinton) vervollständigen die Teilnehmer und Zuschauer eines Ereignisses, das ihr aller Leben unerwartet für immer verändern wird.

"Es ist nicht sehr amüsant, einem Mann beim Tippen zuzusehen...", sagt 'Walter White', obwohl genau das in "Asteroid City" regelmäßig passiert. Als eine Art Dekonstruktion eines Theaterstücks und dessen Pseudo-Live-Aufführung weist Wes Andersons Komödiendrama alle typischen Merkmale des Regisseurs auf. Es ist so bunt wie immer, mit kontrastreichen Kostümen und Hintergrundkulissen. Die ungewöhnlich flächige, auffallend gedrehte Kameraführung zeichnet sich durch reichlich horizontale Schwenks und langsame Ein- und Auszoomungen aus. Die Hauptdarsteller bewegen sich über das Bild oder erscheinen perfekt in den Rändern platziert, wobei die Elemente im Bildhintergrund fast immer scharf oder unfokussiert sind, und die Besetzung ist riesig, mit zahllosen Stars, von denen viele sofort erkennbar sind, aber kaum mehr als ein oder zwei Szenen haben, um einen Eindruck zu hinterlassen. Außerdem gibt es unendlich viele Details, und die Dialoge sind kontinuierlich.

Bemerkenswert ist auch der trockene, unverblümte Humor, der manchmal wie ein Außerirdischer wirkt, vor allem wenn er Emotionen und Interaktionen durchdringt. Manchmal geht die Geschichte in der Geschichte noch einen Schritt weiter mit Szenen, in denen eine Geschichte in der Geschichte in einer Geschichte erzählt wird, etwa wenn der General der 'U.S. Military-Science Research & Experimentation Division' eine Rede hält oder wenn eine lokale Wissenschaftlerin von ihren früheren Tagen und ihren abgegrenzten Taten spricht. Selbstreferentielle Anspiele und Brüche in der vierten Wand tragen ebenfalls zur lockeren Erzählstruktur bei.

Es ist immer spannend zu erraten, wohin die Geschichte führt, aber keines der spannenden Szenarien, die man aus Wes Andersons anderen Werken der letzten Zeit kennt - insbesondere "Grand Budapest Hotel", "Isle of Dogs - Ataris Reise" oder einige der Vignetten aus "The French Dispatch" - taucht jemals auf. Merkwürdige Vorfälle, eigenwillige Zusammenhänge und sonderbare Gespräche gibt es zuhauf, aber wenig davon ist wirklich bewegend oder interessant. Trotz der entschiedenen Unvorhersehbarkeit mangelt es hier an Substanz. Es gibt ein paar poetische Bemerkungen und ergreifende Verhältnisse, aber der Großteil von "Asteroid City" ist unerklärliches, bizarres Material, das sich häufig eher wie ein experimentelles Video anfühlt als ein zusammenhängender, absichtlicher, speziell konzipierter Film.

Ob "Asteroid City" tatsächlich über die Geheimnisse des Universums oder den Sinn des Lebens philosophiert und Wes Andersons Reflexionen über eine phantasievolle Zeit, einen imaginären Ort und eine besondere Atmosphäre einfängt, ist weitgehend irrelevant. Er fühlt sich nicht wie eine konkrete Präsentation von Kunstgriffen oder gar familiären Lektionen an, obwohl die Hauptfigur mit der Liebe seines Schwiegervaters, dem Verlust und der Fähigkeit, mit seinen Kindern zu kommunizieren, hadert. Stattdessen handelt es sich um eine Sammlung trivialer Erlebnisse mit typisch Andersonschen Charakteren, die Anderson'eske Aktivitäten in Wes Andersone Settings ausführen. Es scheint, als ob der Regisseur lediglich versucht, seine eigenen filmischen Stilisierungen aus der Vergangenheit zu kopieren, und nicht in der Lage ist, den frischen Witz und den Funken zu finden, der seine Stories normalerweise so lebhaft macht. Möglicherweise ist "Asteroid City" auch das am wenigsten lustige Projekt seiner bisherigen Arbeiten. Es gibt praktisch keine Momente, in denen man sich vor Lachen in die Hose macht, was sehr bedauerlich ist. "Ich verstehe das Stück immer noch nicht."

Von den ersten Einstellungen an bietet "The French Dispatch" von Regisseur Wes Anderson Escher-eske Gebäude, leuchtende Farben und kühne Kompositionen, die wie Gemälde angeordnet sind. Es ist ganz augenscheinlich ein Wes Anderson-Film. Außerdem ist der Bildschirmausschnitt sehr flach, so dass man alles direkt im Blick hat, was manchmal unrealistisch ist, da sich die Handlung oft unmittelbar in der Mitte des Bildschirms abspielt. Der visuelle Stil von Wes Anderson ist vertraut und doch wundersam. Er beweist einen ungewöhnlichen Sinn für Organisation, Bewegung und Lebendigkeit und ist sicherlich einzigartig unter den Filmemachern seiner Zeit.

Auch die Narration und die Dialoge werden auf originelle Arten präsentiert, mit redseligen Konversationen und wortreichen Deskriptionen, die fast jede Interaktion begleiten. Es gibt auch eine gewisse Seriösität in den Beiträgen, die den extremen Sarkasmus und Hohn noch verstärkt. Ein Großteil des Inhalts ist nach außen hin ernst, aber unter der Oberfläche verbirgt sich eine unfassbare Seltsamkeit, die gelegentlich frivole Beobachtungen und Offenbarungen freisetzt. Es gibt nur selten Situationen, in denen man laut auflacht, aber der Humor ist reichhaltig und raffiniert. "Für diese Art von Zwangslage sollte es doch wohl einen doppelten Standard geben."

Obwohl "The French Dispatch" letztlich ein Liebesbrief an die Journalisten ist, die sich von den Autoren des 'New Yorker' inspirieren ließen, ist es wie eine Anthologie aufgebaut, die aus verschiedenen Vignetten besteht, die typische Artikel aus der titelgebenden Publikation darstellen, die von Kunst über Politik bis hin zu Essen reichen. Er ist auch eine Biografie, vor allem über einen gequälten Maler und seine Muse, eine Analyse des Wesens der Kunst und der sie umgebenden Kuratoren und Mäzene, ein Reisebericht, der munter die pittoreske französische Umgebung des Magazins beschreibt, und eine brillante Satire auf die Art und Weise, wie Journalisten sich auf Irrwege begeben, um ihre Geschichten zu verstehen und zu verschönern. Er enthält auch so kuriose künstlerische Elemente wie eine Fernsehshow, eine Hörsaalpräsentation, ein Bühnenstück, Animationen, Splitscreens und Standbilder, die nicht wirklich stillstehen. Zuweilen ist "The Frensh Dispatch" fast ein Dokumentarfilm, der den Verleger und seine Angestellten auf immer abwegigere Art porträtiert.

Von alliterativen Inspektionen, die von schrillen Verben unterbrochen werden, bis hin zu poetischen Kommentaren über das Leben und die Liebe - Kreativität und kluge Kontraste gibt es im Überfluss. Nur in einer von Wes Andersons wortgewandten Komödien vermischen sich kulinarische Reflexionen mit einem feigen Verbrechen, erfindet ein gewalttätiger Verstand eine neue Kunstbewegung und spiegelt eine Studentenrevolution die Torheiten der journalistischen Neutralität wider. Doch trotz des allgemeinen Unterhaltungscharakters, der durch ein absolut großartiges Ensemble wiedererkennbarer Gesichter hervorgehoben wird, verbindet die fragmentierte Erzählstruktur mit ihren individuellen Geschichten weder unterschiedliche Stilrichtungen noch etwas anderes als die Ahnung, dass sie von 'French Dispatch'-Mitarbeitern stammen. Wären da nicht Wes Andersons unverwechselbarer Bildsprache und seine kinematografischen Präferenzen, hätten diese Stories wenig miteinander zu tun. Darüber hinaus ist die Charakterentwicklung des Besitzers (Bill Murray) und von Tilda Swintons J. K. L. Berensen spärlich, so dass nur Jeffrey Wrights Lebensmittelkolumnist eine Figur mit einem Hauch von emotionaler Bindung ist. Viele der kurz zu sehenden Nebenrollen sind in ihrem Verhalten so lebensfremd, dass man sie nur als unverschämte Karikaturen betrachten kann. Dennoch ist "The French Dispatch" ein wahnsinnig witziges, mitunter sogar rührendes und enorm sympathisches Filmwerk.

1. Apocalypse Now
2. Uhrwerk Orange
3. Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt
4. Blutgericht in Texas
5. Der Spiegel
6. Unten am Fluss
7. Ein Kind zu töten
8. Der Exorzist
9. Einer flog über das Kuckucksnest
10. Das große Fressen

Von der Kombination des für Regisseur Wes Anderson typischen schrägen Humors mit einem visuell beeindruckenden Stop-Motion-Animationsstil, der an Jan Svankmajer erinnert, würde man etwas Wunderbares erwarten. "Der fantastische Mr. Fox" bietet genau das. Wes Andersons Projekt wird eher Erwachsene als Kinder unterhalten, mit seiner cleveren Kollision von Cartoon-Tieren, die in ausgewachsene Probleme verwickelt sind, obwohl es immer noch Platz für eine solide Moral und eine psychotische, mit den Fingern schnippende, die Zehen wippende, messerschwingende Ratte (Willem Dafoe) in dem verworrenen Labyrinth aus ironischen Witzen und borstigen Gesichtern gibt.

Mr. Fox (George Clooney) schwört dem Hühnerdiebstahl ab, nachdem ihm seine Frau (Meryl Streep) mitgeteilt hat, dass sie schwanger ist. Doch ein Berufswechsel, ein neues Haus und ein Kind können ihn nicht davon abhalten, das wilde Tier zu sein, das er ist, und schon bald plant der schlaue Fuchs einen dreiteiligen Raubüberfall auf die berüchtigten Bauern Boggis, Bunce und Bean. Als die rachsüchtigen Bauern die Waldbewohner mit allen Mitteln jagen, muss Mr. Fox seinen bisher kompliziertesten Plan aushecken, um seine Familie zu retten und ihre Verfolger zu überlisten.

"Ich will nicht mehr in einem Loch leben", sagt Mr. Fox. Mit dieser fuchsfeindlichen Erkenntnis beginnt ein Abenteuer, das so bizarr ist, dass nichts davon für anthropomorphe, niedliche, pelzige Waldtiere bestimmt zu sein scheint. Aber es ist eindeutig Wes Anderson. Die eigentümlichen, aber sorgfältig geplanten Eigenheiten der einzelnen Charaktere zeigen Wes Andersons Talent, dysfunktionale Familienprobleme selbst dem gemäßigtsten, mit Anzug und Krawatte geschmückten fleischfressenden Säugetier zuzuschreiben. Das gilt auch für den Dachs (Bill Murray), der teils Anwalt, teils Abriss-Experte ist.

Die Animation ist nicht sehr flüssig, aber beunruhigende Nahaufnahmen von nichtmenschlichen Augen, unverwechselbare Pfiffe, eine Phobie vor Wölfen und eine unvorhersehbare Seltsamkeit machen die ganze Prozedur faszinierend. Es herrscht eine permanente, neugierige Antizipation des nächsten komödiantischen Geniestreichs, der an absolute Absurdität grenzt. Der Wiederholungswert ist jedoch fragwürdig. Mr. Fox versucht, seine Freunde und seine Familie zu überraschen, Gefahren abzuwehren und Raubtiere in einer fantastischen, wilden Tiergeschichte zu übertölpeln. Im Gegensatz zu Mr. Fox scheint Wes Anderson eher darauf bedacht zu sein, nur seine Fans anzusprechen, indem er seinen schrulligen Humor auf Erlösung, Vergebung, Konsequenzen und Familienwerte loslässt, während die allgemeine Verrücktheit verhindert, dass "Der fantastische Mr. Fox" ein jüngeres Publikum anspricht, das wahrscheinlich wegen einer cartoonhaften Roald-Dahl-Adaption ins Haus kommt.

In "Isle of Dogs - Ataris Reise" von Regisseur Wes Anderson streiften Hunde vor zehn Jahrhunderten frei über den japanischen Archipel. Doch die Kobayashi-Katzen zettelten einen blutigen Krieg an, der die Hundekultur in Schutt und Asche zu legen drohte, wäre da nicht ein edler Samurai-Junge gewesen, der den Lauf der Dinge wendete. Im modernen, leicht futuristischen Japan steht die einst so geliebte Beziehung zwischen Mensch und Hund wieder einmal auf der Kippe. Der korrupte Bürgermeister Kobayashi (Kunichi Nomura) drängt auf den Erlass der Müllinsel-Verordnung, die vorsieht, dass alle Hunde auf einem Ödland fernab von menschlichen Kontakten angesiedelt werden sollen.

Die Argumente des Bürgermeisters treffen den Nerv der Öffentlichkeit, da die Hundepopulation schwindelerregende Ausmaße angenommen hat und die neuen Krankheiten 'Hundegrippe' und 'Schnauzenfieber' das Wohlbefinden der Menschen bedrohen. Der Oppositionsführer und Kandidat der Wissenschaftspartei, Professor Watanabe (Akira Ito), behauptet, kurz davor zu stehen, ein Heilmittel zu synthetisieren, aber seine Arbeit wird von seinem finsteren Konkurrenten unterdrückt, was dazu führt, dass alle Hunde auf der Müllinsel landen. Als Kobayashis Adoptivmündel Atari (Koyu Rankin) ein Flugzeug stiehlt und auf der Insel eine Bruchlandung hinlegt, um seinen treuen Hund Spots (Liev Schreiber) zu finden, löst er eine Rebellion gegen die herzlosen Beschlüsse des Bürgermeisters aus. Mit der Hilfe der ehemaligen Haustiere Rex (Edward Norton), Boss (Bill Murray), Duke (Jeff Goldblum) und King (Bob Balaban) sowie dem temperamentvollen Streuner Chief (Bryan Cranston) versucht Atari, seinen vierbeinigen Freund aufzuspüren - und vielleicht zu retten.

Äußerlich lässt "Isle of Dogs - Ataris Reise" eine katzenliebende Dynastie gegen dreckige, tollwütige Hunde antreten, in einer Mischung aus einem Samurai-Epos und einem postapokalyptischen Abenteuer. Doch wie bei "District 9" ist die Anti-Hund-Rhetorik eine kaum verbrämte Metapher für die Fremdenfeindlichkeit und Paranoia, die aus der Manipulation unterwanderter Führer und verzerrter Medien resultieren kann, und - noch drastischer - für die Verhaltensweisen, die mit Epidemien und Völkermorden einhergehen. Andersdenkende werden zum Schein geduldet, während sich Pro-Wissenschafts-Fraktionen für visualisierte Proteste formieren, aber die Mächtigen haben immer noch alle Karten in der Hand, angeführt von Ausschüssen zur Entsättigung von Hunden. "Was ist aus dem 'besten Freund des Menschen' geworden?"

Trotz der politischen Elemente, die in der Regel unendlich relevant oder vorausschauend sind, versteht es Wes Anderson, Fabeln zu schaffen, in denen die nicht so offensichtliche Bedeutung mit seinem unverwechselbaren Flair herrlich ausgeschmückt wird. Indem er lebendige Bilder, die durch Beleuchtung, Kamerabewegungen, Kadrierung, Schnitt und andere technische Strategien verstärkt werden, mit künstlerischen Aspekten wie Musikauswahl, Farben, wechselnden Animationsstilen und überspitztem Charakterdesign kombiniert, ist "Isle of Dogs - Ataris Reise" ein ständiger kreativer Anreiz. In jeder Szene strotzen Kulissen und höchst eigenwillige Dialoge wie Erzählungen, Übersetzungen, Rückblenden und Wiederholungen nur so vor Wes Andersons unentwirrbarer Verschrobenheit. Die meiste Zeit gibt es praktisch zu viel auf einmal zu sehen, mit den rasanten Gesprächen, anekdotischen Beobachtungen und schnellen Schnitten zwischen komplexen Versatzstücken. Einer der einzigen Makel von "Isle of Dogs - Ataris Reise" ist das Tempo, das sich ein wenig zu lang anfühlt, da die Geschichte versucht, ihre Parabel mit einem riesigen Ensemble zu erzählen, von dem jeder zu einer beträchtlichen Anzahl von Gags beiträgt.

So wie die Optik von "Isle of Dogs - Ataris Reise" berauschend ist, so ist es auch das Drehbuch. Auch wenn Wes Andersons Geschichte von Humor nur so trieft, findet er dennoch Gelegenheiten, komödiantische Nebenrollen, Slapstick à la 'Wallace & Gromit', eine brillante Verwendung einer Fremdsprache (Japanisch) als Analogie für die Kommunikationsbeschränkungen der Hunde und skurrile Haikus einzubauen - alles rein humoristische Komponenten, die eine Story betonen, die durchweg witzig ist, auch wenn sie sich mit seriösen Themen auseinandersetzt. Der Humor ist vielleicht seine größte Stärke, aber "Isle of Dogs - Ataris Reise" ist auch herzerwärmend und spannend, dank einer Rettungsmission und einer Revolte gegen Ungerechtigkeit und der Tatsache, dass Mut, Loyalität und Freundschaft ebenso menschliche wie hündische Attribute sind.

Keiner erschafft Figuren, Welten und Geschichten so gut wie Wes Anderson. In "Grand Budapest Hotel" baut der Regisseur jede Szene wie eine Stadtlandschaft oder ein Porträt auf, indem er seine Umgebungen mit prächtigem Dekor und hypnotischen Persönlichkeiten füllt, bevor er seine sensationell rhetorischen Dialoge hinzufügt. Auch wenn die Ereignisse oft zufällig erscheinen, ist nichts in den Bildern willkürlich. Vom radelnden Seitenverhältnis und den häufigen Kameraschwenks bis hin zur sorgfältigen Positionierung und Anzahl der Personen im Umfeld ist alles minutiös geplant und organisiert. "Grand Budapest Hotel" zeichnet sich durch eine noch größere Besetzung aus als die ohnehin schon herausragende schauspielerische Arbeit des Regisseurs und beinhaltet Cameos von einer Vielzahl brillanter Schauspieler, die die außergewöhnlichen Hauptdarsteller Ralph Fiennes und Newcomer Tony Revolori ergänzen. Auch wenn die Bücher des Schriftstellers Stefan Zweig als Inspiration für die folgenschwere Finte dienten, ist der Film unverkennbar Wes Anderson.

Während seines Aufenthalts im ehemaligen 'Grand Budapest Hotel' lernt ein junger Schriftsteller (Jude Law) den schwer durchschaubaren Besitzer (F. Murray Abraham) kennen, der ihn zum Abendessen einlädt und ihm die fesselnde Geschichte erzählt, wie er in den Besitz des Hotels kam. Zero Moustafa (Tony Revolori) beginnt als einfacher Lobbyist im 'Grand Budapest Hotel' und wird zum Schützling des reich parfümierten und weithin verehrten Concierge M. Gustave (Ralph Fiennes). Als M. Gustave des Mordes an einer wohlhabenden Erbin beschuldigt und ins Gefängnis gesteckt wird, hilft Zero Moustafa ihm bei der Flucht. Das Duo muss versuchen, den Namen des Managers reinzuwaschen und dabei sowohl den Polizisten (Edward Norton), der sie verfolgt, als auch den skrupellosen Killer (Willem Dafoe) überlisten, der entschlossen ist, jeden zum Schweigen zu bringen, der die Wahrheit aufdecken würde.

Wenn Quentin Tarantino der zeitgenössische Meister des filmischen Dialogs ist, dann ist Wes Anderson ein zweiter, der wie eine mäßig ordentliche Version von Quentin Tarantino aussieht, gefiltert durch Billy Wilder, Preston Sturges und Sidney Buchman. Eine skurrile, durchweg poetische Stimmung durchdringt jeden Austausch, wobei die eigentliche Unterhaltung der Figuren auf dem Bildschirm oft von einer starken Narration übertönt wird. Wes Anderson ist ein absoluter Experte, wenn es darum geht, Schrägheit und Idiosynkrasie in grenzwertige Slapstick-Aktivitäten einzubringen, bei denen jede Szene oder jedes Kapitel eine neue Erkundung einer unaufhörlichen Einführung zusätzlicher Charaktere darstellt. Wie in den Filmen von Jean-Pierre Jeunet scheinen viele der Charaktere durch ein Fischaugenobjektiv porträtiert zu werden, das sie überproportional verzerrt in wunderbar eigenwillige Gestalten verwandelt. Hier wird, vielleicht in Anlehnung an Quentin Tarantino, die Geschichte außerhalb der Reihenfolge erzählt, mit zahlreichen Zeitsprüngen, unterteilt in Kapitel.

In der Geschichte geht es um einen Mord, eine Erbschaft, ein turbulentes politisches Klima, eine Romanze, einen Raubüberfall, ein Geheimnis, einen Gefängnisausbruch und viele Wanderungen durch die malerische Landschaft. Doch es sind die technischen Elemente, die das Rampenlicht teilen oder einnehmen, wobei Wes Andersons sorgfältige Kadrierung ein merkwürdiges Unterfangen ist, da sie die Dreidimensionalität von Kinofilmen fast aufhebt, in denen sich die Schauspieler von einer Seite zur anderen bewegen und von Angesicht zu Angesicht sprechen, wobei die Kamera zwischen den Sprechern hin- und herspringt, und in denen sie inmitten weitläufiger Landschaften und Environments zentriert sind und die Handlungen in festen Positionen ins Bild gleiten. Die Struktur der Story entspricht dem Motiv des Rahmens und der Rahmung, wobei die Erzählung der primären Abenteuer von Erzählern und Erzählungen eingerahmt wird.

Ausdrücke kommunizieren ohne Sprache, jede Bewegung ist zielgerichtet, Hintergrundelemente haben bestimmte Bedeutungen und die Farben sind lebendig und cartoonhaft. Die Detailgenauigkeit ist einfach phänomenal. Von den ersten Sekunden an ist klar, dass jeder Aspekt auch mit Humor gespickt ist, einige durch ungeheuerlich unrealistische Konzepte, die meisten aber durch die subtile Spottlust von Worten, Bildern und Charakterdesigns. Anstelle von Filmbildern scheint "Grand Budapest Hotel" aus einer Abfolge von Gemälden zu bestehen, jedes mit wundersamen kleinen Details und einer erkennbaren Besetzung, die ebenso viel Spaß hat wie der Betrachter. Keine Sekunde wird vergeudet, um eine nahezu makellose Symbiose aus optischer Raffinesse und witziger Fantasie zu präsentieren.

Eventuell passt der Film "Lourdes" https://www.moviepilot.de/movies/lourdes in deine Liste. Augenzeugenberichten zufolge ist genau dies so geschehen.

"...und Gerechtigkeit für alle" von Regisseur Norman Jewison könnte kein sarkastischerer Titel sein, der die Gräueltaten und das völlige Fehlen von Gerechtigkeit, die in diesem spannenden Justizdrama dargestellt werden, perfekt anprangert. Er enthält einen berühmten Ausruf ("Du bist außer Kontrolle!"), der sofort wiedererkannt wurde und dem ähnlichen Nimbus "Du kannst die Wahrheit nicht ertragen!" von Jack Nicholsons Colonel Jessup in "Eine Frage der Ehre" vorausging, auch wenn er inzwischen von diesem überholt wurde. Mit durchweg brillanten Dialogen, einer ausgefeilten Charakterentwicklung und einer Oscar-nominierten Darbietung des unvergleichlichen Al Pacino ist "...und Gerechtigkeit für alle" ein wahrhaft sehenswerter Anti-Prozesse-Film.

Der Anwalt Arthur Kirkland (Al Pacino) aus Baltimore, der für seine hohe Wertschätzung von Wahrheit und Gerechtigkeit bekannt ist, soll Richter Henry T. Fleming (John Forsythe) in einem Rechtsstreit verteidigen. Der Haken an der Sache ist, dass Arthur Kirkland den Richter verachtet, der eine ungewöhnlich bösartige Vorliebe für Gesetze hat, die seinen Mandanten häufig schaden. In einem politischen Manöver, mit dem der Gedanke entkräftet werden soll, dass bei der Entlastung von Henry T. Fleming geheime Absprachen und Verhandlungen stattgefunden haben könnten, wird Arthur Kirkland erpresst, den Richter gegen den Vorwurf des brutalen Angriffs und der Vergewaltigung einer jungen Frau zu verteidigen. Arthur Kirkland zweifelt offen an der Ehrlichkeit von Henry T. Fleming und ist sich sicher, dass er schuldig ist. Sein Kollege Jay Porter (Jeffrey Tambor) wird zunehmend wahnsinnig, und seine Mandanten erleiden tragische Schicksale, weil sie zu Unrecht inhaftiert sind.

Von der jazzigen und peppigen Intro-Musik, die sich munter durch einen Großteil des Films zieht, bis hin zur satirischen Schlussszene auf den Stufen des Gerichtsgebäudes macht "...und Gerechtigkeit für alle" keinen Fehler, wenn es darum geht, das Rechtssystem auf zynische Weise zu verunglimpfen und zu verrohen. Unter den schillernden Persönlichkeiten, die sich in den Gerichten tummeln, grassiert die Korruption, und das Letzte, was man will, ist Fairness. Richter schießen mit Pistolen, um die Ordnung im Gerichtssaal zu gewährleisten, Ausschüsse ermitteln fälschlicherweise nur gegen die aufrechten Anwälte, und Geschäfte werden wie an der Börse gemacht und gehandelt. Doch "...und Gerechtigkeit für alle" macht sich nicht nur über Recht und Unrecht lustig und darüber, ob sie etwas mit der Feststellung von Unschuld und Schuld zu tun haben, sondern baut auch glaubwürdige Charaktere auf, die auffallend einprägsam sind.

Al Pacino verkörpert Arthur Kirkland, einen erfahrenen Anwalt, der mit seinem senilen Großvater zu kämpfen hat, dem selbstmordgefährdeten Richter Francis Rayford (Jack Warden) zur Seite steht, eine Beziehung zu seiner Freundin unterhält, die in einem Gremium sitzt, das erfolglos gegen Korruption ermittelt, und seinen Klienten, die im Gefängnis verrotten, unbeabsichtigt falsche Hoffnungen macht. Er bleibt den ganzen Film über der Außenseiter, wird von Henry T. Fleming mit Füßen getreten, fällt einem unglücklichen Timing zum Opfer und ist sogar kleiner als seine schlagfertige Freundin. Der erste Eindruck von Arthur Kirkland ist, dass er in einer Gefängniszelle sitzt, nachdem er wegen eines Angriffs auf einen Richter wegen Missachtung des Gerichts festgenommen wurde. Umso stärker und ergreifender ist der kontrastreiche Schlußpunkt, an dem er seine unterdrückten Überzeugungen endlich öffentlich zum Ausdruck bringt. "Ehrlichkeit hat nicht viel mit dem Beruf des Anwalts zu tun."

Eines der Dinge, die "...und Gerechtigkeit für alle" besser als die meisten anderen macht, ist, den Betrachter mit witzigen, messerscharfen Dialogen, vielen tief emotionalen Interaktionen und lebendigen Ereignissen zu fesseln, die sich aus der Grundhandlung ergeben. Die Haupthandlung ist zwar nicht völlig komplex, aber die vielen Nebenhandlungen, die sich ineinander verflechten, unterstützen das Hauptthema und geben "...und Gerechtigkeit für alle" ein Gefühl der Dichte. Trotz der vielen Szenen, die die Geschichte nicht vorantreiben, wird kein einziger Moment verschwendet und das Tempo ist präzise. Auf dem Weg zu seinem fulminanten Ende ist es unmöglich, nicht völlig in diese tragische Geschichte über die Suche nach Wahrheit und Gerechtigkeit in einer von Korruption und Lügen beherrschten Welt einzutauchen.

In "Ich war eine männliche Kriegsbraut" von Regisseur Howard Hawks besucht der französische Hauptmann Henri Rochard (Cary Grant) das Büro der amerikanischen WAC-Leutnantin Catherine Gates (Ann Sheridan) in Deutschland, um ihr diverse Unterwäsche zurückzugeben, die aufgrund einer angeblichen Wäscheverwechslung in seinem Besitz ist. Sie waren zwar schon auf einigen gemeinsamen Missionen, wie beispielsweise der Wiederbeschaffung gestohlener Kunstwerke und der Suche nach versteckten Dokumenten im Zusammenhang mit der Raketenforschung, aber ihr spielerisches Gezänk ist anstrengend. Henri Rochard geht davon aus, dass er bei seinem letzten Auftrag auf die Dolmetscherin und Assistentin Eloise Billings (Randy Stuart) treffen wird, doch Catherine Gates wird in letzter Minute engagiert und so muss das Duo widerwillig noch einmal zusammenarbeiten.

Henri Rochard möchte die Modalitäten ihres konkreten wirtschaftlichen Einsatzes nicht preisgeben, auch wenn sie drei Tage in der Gesellschaft des anderen verbringen müssen. Im Fuhrpark wird Henri Rochard mit der nächsten von vielen unangenehmen Optionen begrüßt: Eine 120 Kilometer lange Fahrt im Beiwagen eines Motorrads, mit Catherine Gates am Steuer aufgrund einer lästigen Vorschrift. Doch das ist nur der Anfang, denn Züge, Straßensperren, schlechtes Wetter, ein unerwarteter Wasserfall und sogar etwas nasse Farbe behindern ihr endgültiges Ziel und ihre scheinbar einfache Aufgabe, mit einem Mann namens Schindler zu verhandeln, einem ehemaligen Wissenschaftler, der zum Schwarzmarkthändler wurde.

Ein bisschen Slapstick, Situationskomik, kokette Schlagfertigkeit und jede Menge Meinungsverschiedenheiten sorgen für eine unvermeidliche Romanze. Obwohl der Franzose so tut, als würde ihn die Amerikanerin ständig auf die Nerven gehen, lässt er keine Gelegenheit aus, ihr die Beine zu massieren, ihr wohltuenden Alkohol zu verabreichen oder ihr den Rücken einzucremen. Zum Glück bleibt ihnen bei ihrem unwichtigen Militäreinsatz genug Zeit, um ihre Beziehung zu pflegen. In einem der ausgeklügelten Szenarien wird Henri Rochard versehentlich in Catherine Gates' Zimmer eingeschlossen und buhlt um einen Platz auf ihrem Bett, wird aber auf einen unbequemen Holzstuhl verbannt.

Die Chemie zwischen den beiden Hauptdarstellern ist nicht annähernd so glaubwürdig wie in ihren zahlreichen, früheren Partnerschaften, und Regisseur Howard Hawks hat mit Sicherheit schon instinktivere Teams zusammengebracht, obwohl sie offensichtlich füreinander bestimmt sind. Im Übrigen lassen ihre anfänglichen Differenzen keine natürliche Liebesbeziehung zu, was in krassem Gegensatz zu Catherine Gates' späterer Liebesbekundung für ihren Widersacher steht. Nichtsdestotrotz sind einige der Dialoge recht effektiv, und sobald sie sich entschließen, es offiziell zu machen, wird ihr Liebesgeflüster mehr und mehr überzeugend.

Faszinierenderweise basiert "Ich war eine männliche Kriegsbraut" auf einer Erzählung des echten Henri Rochard, dessen Geschichte für diesen Hollywood-Klassiker wahrscheinlich stark ausgeschmückt wurde, auch wenn die technischen Details des Kriegsbräute-Gesetzes auf Tatsachen beruhen und die Seltenheit der männlichen Ehepartner von Einwanderern dokumentiert ist. Doch das Tempo und die Witze sind zu langsam und passen nicht zu den chaotischen Umständen des Paares, die auf komödiantische Weise andeuten, dass eine einfache Ehe zwischen einem Franzosen und einer Amerikanerin nicht sein soll. Der Schauplatz des Krieges hat wenig Einfluss auf die fröhliche Gemütslage, aber die verschiedenen Hürden auf dem Weg zur Eheschließung und zur Vollendung der Hochzeitsnacht erreichen nie die Komik anderer Komödien der damaligen Zeit. Selbst die unvergleichliche Persönlichkeit von Cary Grant und einige Pannen in letzter Minute, wie eine Verwechslung und eine improvisierte Travestie, können "Ich war eine männliche Kriegsbraut" nicht vor einem beachtlichen Mittelmaß bewahren. "Viel Spaß, meine Damen!"

In "Ghostbusters: Frozen Empire" von Regisseur Gil Kenan werden die Geisterjäger, darunter Callie Spengler (Carrie Coon), ihre beiden Kinder und Gary Grooberson (Paul Rudd), vom New Yorker Bürgermeister Walter Peck (William Atherton) nach einer Reihe halsbrecherischer, beinahe tödlicher und schwer sachbeschädigender Versuche, jenseitige Unheilstifter zu fangen, auf dünnes Eis gelegt. Das jüngste Mitglied Phoebe (Mckenna Grace) wird sogar für drei Jahre aus der Gruppe ausgeschlossen, bis sie achtzehn Jahre alt ist. Während ihr Bruder Trevor (Finn Wolfhard) versucht, aufzusteigen und seine Reife zu beweisen, versucht Phoebe, ein normales Leben als gewöhnlicher Teenager zu führen. Doch es dauert nicht lange, bis sie sich mit einem schnippischen Geist (Emily Alyn Lind) anfreundet und mit einem uralten Artefakt in Kontakt kommt, das eine unvorstellbare Bosheit enthält. Als eine weitere Bedrohung des Jüngsten Gerichts auftaucht, muss die Welt auf die Geisterjäger zurückgreifen, die, wie erwartet, von der unerschrockenen Phoebe angeführt und von Freunden und Familie zusammengehalten werden, darunter auch einige Veteranen, die gegen rastlose Geister kämpfen.

Eine außerordentlich uninformative Eröffnung führt magere Konzepte ein, die später in "Ghostbusters: Frozen Empire" erscheinen werden, präsentiert aber keine greifbare Schlussfolgerung - eine merkwürdige Art, einen Film einzuleiten, obwohl dies an die Standard-Post-Credits-Sequenzen anknüpft. Der Betrachter wird nicht mit den Schauspielern bekannt gemacht, sondern die Rollen werden einfach gezeigt, wobei sie ihre charakteristischen Eigenheiten zur Schau stellen, als wären sie alle weltbekannt. Doch diese Fusion von zwei verschiedenen 'Ghostbusters'-Gangs, dem klassischen verbliebenen Trio aus den 80ern und den jungen Rollen aus "Ghostbusters: Legacy", der sich ähnlich anfühlt wie "X-Men: Zukunft ist Vergangenheit" oder "Star Wars 7: Das Erwachen der Macht", hat nichts mit einer erkennbaren Kontinuität zu tun. Sie haben einen gemeinsamen Beruf und eine weitgehend phantasievolle, rücksichtslose Geisteshaltung, und das sollte genügen, um sie recht verständlich zu machen.

Leider ist die Besetzung viel zu groß, so dass die meisten Figuren ignoriert oder vergessen werden und zahlreiche Auftritte kaum mehr als Cameos sind. Sogar Trevor, der im Wesentlichen der Star des vorherigen Films war, hat keinen wirklichen Grund, in "Ghostbusters: Frozen Empire" mitzuspielen, ganz zu schweigen von den Nebendarstellern wie Lucky (Celeste O'Connor) und 'Podcast' (Logan Kim), die nicht nur unnütz geschrieben wurden und keinen Einfluss auf die Geschichte haben, sondern auch völlig vergessenswert sind, da sie fast keinen Text haben, der sie hervorhebt. Außerdem sind die Spenglers als Unternehmerfamilie generell unglaublich lahm. "Wir retten die Welt."

Die Geschichte ist dieselbe wie zuvor: Ein ungemein mächtiges Wesen, das die Welt untergehen lassen kann, wird entfesselt, um Chaos zu stiften. In den Fußstapfen von "Hancock" und einem Ableger von Marvel-Filmen richteten die Geisterjäger in New York verheerende Schäden an, als sie versuchten, ätherische Monster in Schach zu halten, was sie zu einem Alptraum für die Öffentlichkeitsarbeit und zur Zielscheibe einer wütenden Lokalregierung machte. Der Rest ist reichlich Humor, etwas Schleim und eine Handvoll kleinerer Schreckmomente, obwohl einige der Lacher flach ausfallen, einige der Schleimspuren verschlissen sind und manche der Erschrecker uninspirierend sind, vielleicht ein Resultat der seltenen Formel des Versuchs, einen familienfreundlichen Horror-Hybriden mit schalkhaften oder sozialen Gespenstern anstelle der typischen Besessenheit und Heimsuchungen zu machen. Viele der Missgeschicke sind infantil und sorglos, auch wenn die Erwachsenen das Sagen haben. Regelmäßig wird die Zeit damit verbracht, die elterliche Bindung, die schwesterliche Beziehung und die romantische Bande zu stärken, denn trotz aller Witze und Scherze sind Gefahr und Tod nie eine ernsthafte Bedrohung.

Dennoch ist es vergnüglich, die alte Besetzung wiederzusehen, vielleicht sogar für alle, die "Ghostbusters: Legacy" wieder vergessen haben, der dasselbe tat und vertraute Gesichter, Technologien und Melodien zusammen mit dem gutmütigen, spaßigen Gefühl von Geisterjägern zurückbrachte, die sich nicht um etwas besonders Gruseliges oder Beunruhigendes kümmern müssen. Darüber hinaus sind die Spezialeffekte, darunter einige Animatronics und zappelnde Dämonen, visuell sehr gelungen. Dennoch versucht "Ghostbusters: Frozen Empire" auf Schritt und Tritt zu beweisen, dass er existieren muss, indem er seine größten Hits wieder und wieder aufwärmt, anstatt etwas Neues zu machen. In seinen schlimmsten Momenten, anstatt Spiritualität und Science-Fiction ihren eigenen Vorstellungen zu überlassen, versucht er, die Auflösung einer Seele zu definieren, was für eine Reihe, die so sehr davon abhängt, dass sich die Betrachter darüber einig sind, was genau ein menschlicher Geist ist, empörend kompliziert wird, ebenso wie seine Ablehnung der Gründe für Monstergeister - der Schlusspunkt ist wieder einmal eine sinnlose, vage, auf den Punkt gebrachte Methode, die nur funktioniert, wenn man den Leuten sagt, sie sollen nicht darüber nachdenken. "Wie ist das möglich?"

Kommentar zu "Ghostbusters - Die Geisterjäger"
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Kommentar zu "Ghostbusters 2"
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Kommentar zu "Ghostbusters"
https://www.moviepilot.de/movies/ghostbusters-3/kritik/2799543

Kommentar zu "Ghostbusters: Legacy"
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In "Ghostbusters: Legacy" von Regisseur Jason Reitman holt Callie (Carrie Coon), die gerade aus ihrer Wohnung vertrieben wurde, ihre beiden Kinder Trevor (Finn Wolfhard) und Phoebe (Mckenna Grace) ab und macht sich auf den Weg nach Oklahoma, wo ihr entfremdeter Vater ihr sein Anwesen vermacht hat. Als sie in der verschlafenen Südstaatenstadt Summerville ankommen, stellt die Familie schnell fest, dass die Farm, die ihnen vererbt wurde, in Wirklichkeit nur ein weitläufiges Stück Land mit ein paar verfallenen Gebäuden und einem klapprigen alten Haus ist, in dem es mit Sicherheit spukt. Während Phoebe versucht, sich an die Schule zu gewöhnen und in dem Sonderling 'Podcast' (Logan Kim) einen neuen Freund findet, Trevor einen Job im örtlichen Diner annimmt, um der attraktiven Lucky (Celeste O'Connor) den Hof zu machen, und Callie anfängt, mit dem charmanten, aber auffällig nachlässigen Wissenschaftslehrer Mr. Grooberson (Paul Rudd) auszugehen, scheint ihr Leben wieder in die richtige Bahn zu kommen. Zumindest bis die jahrhundertealten dämonischen Geister auftauchen, die die Welt in tiefste Finsternis stürzen wollen.

Die Fortsetzung des Originalfilms von 1984 beginnt mit einer rasanten Geisterjagd und geht dann schnell in die Standardformel einer modernen Familie über, die in ein Spukhaus mitten im Nirgendwo einzieht - die Art von Behausung, die man mit dem abgelegenen, baufälligen Gebäude aus "Blutgericht in Texas" assoziieren könnte, das einen neuen Anstrich braucht und von vergilbten Feldern, Weltuntergangsschildern und einer gespenstischen Scheune umgeben ist. Es ist der denkbar ungünstigste Standort für einen dringend benötigten Neuanfang. "Das ist viel schlimmer, als ich dachte."

Mckenna Grace in der Rolle der frühreifen Teenagerin, die schlauer ist als alle Erwachsenen im Raum, macht diese abgedroschene Geschichte schmackhafter. Es gibt jedoch eine Besonderheit: Sie ist weitgehend emotionslos, was ihren unnatürlichen Mut angesichts der unheimlichen Ereignisse unterstreicht, aber auch eine Abwandlung des typischen Designs ist. Sie ist sehr sympathisch in ihrer Verschrobenheit, die gut mit der Unbeholfenheit ihres Bruders und dem ernsteren Naturell ihrer Mutter harmoniert. Gleichzeitig ist es reizvoll, die Welt der Geisterjäger aus einer jugendlichen Perspektive zu sehen, ähnlich wie Steven Spielbergs Vorliebe, Kinder in den Mittelpunkt erwachsener Dilemmas zu stellen, was "Ghostbusters: Legacy" ein ähnliches Gefühl wie "Die Goonies", "Poltergeist" oder sogar "Jurassic Park" verleiht.

Der Kampf eines pragmatischen Wissenschaftlers gegen das Übernatürliche entfaltet sich hier mit dem Flair eines 80er-Jahre-Films, was die größte Stärke dieser Version ist. Abgesehen von der überflüssigen, hektischen Eröffnungssequenz schafft es die erste Hälfte von "Ghostbusters: Legacy", die Stimmung eines älteren, klassischen Blockbusters einzufangen, indem sie spezifische, sympathische und nachvollziehbare Charaktere etabliert, bevor sie in schaurige Verwicklungen hineingeworfen werden. Es besteht eine gute Chance, dass der Betrachter sich tatsächlich dafür interessiert, was mit diesen Figuren passiert, auch wenn es eine Weile dauert, bis die Handlung in Gang kommt, was ironischerweise das heutige Publikum abschrecken könnte. Zum Teil wird dies durch nostalgische Komponenten wie das vertraute ECTO-1-Fahrzeug, Geisterfallen, energiegeladene Musik und 'Manhattan Ghost Stories'-Notizen unterstützt, die in einer alternativen Realität spielen, in der die ursprünglichen Geisterjäger berühmte Helden und Berühmtheiten waren, aber es ist die neugierige, spielerische, humorvolle, mysteriöse, kokette und nur leicht gruselige Atmosphäre, die anfangs so angenehm ist. "Ich glaube nicht an Geister."

Sobald die Geister erscheinen, hat "Ghostbusters: Legacy" leider Schwierigkeiten, originell zu bleiben. Die Handlung des Films aus dem Jahr 1984 ist unter dem Deckmantel von Anspielungen und Rückblenden so eng aneinander angelehnt, dass "Ghostbusters: Legacy" eher wie ein Remake als eine Fortsetzung wirkt. Der letzte Akt ist so deutlich repetitiv, dass er zu einem Werk wird, das sich ausschließlich an langjährige Fans richtet, was nie deutlicher wird als während des Schlusses. Warum sollten Schlüsselelemente nicht mit cleveren neuen Variationen versehen werden, anstatt fast identische Neuauflagen ohne die Kreativität und den Reiz, den die Fortschritte in der Computeranimation bieten könnten? Es ist ohne Zweifel unterhaltsam, die "Ghostbusters"-Franchise wieder aufleben zu lassen, vor allem, wenn man auf visuelle und charakterliche Authentizität achtet, aber das Endergebnis ist hier zu viel Bekanntes und zu wenig Innovatives.

Kommentar zu "Ghostbusters - Die Geisterjäger"
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Kommentar zu "Ghostbusters 2"
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Kommentar zu "Ghostbusters"
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In "Ghostbusters" von Regisseur Paul Feig hat die Physikprofessorin Erin Gilbert (Kristen Wiig) ihren Lebenstraum, die Existenz des Übernatürlichen wissenschaftlich zu beweisen, aufgegeben und konzentriert sich nun ganz darauf, an der 'Columbia University' in New York City angenommen zu werden. Doch sie wird aus ihrem Job ausgeschlossen, als ihre ehemalige Freundin und Kollegin Abigail Yates (Melissa McCarthy), eine Expertin für Metaphysik, sie in eine ziemlich öffentliche Expedition einbezieht, um einen Geist in einem Spukhaus einzufangen. Nach dieser Erfahrung ist sie arbeitslos, hat aber eine neue Leidenschaft für das Paranormale entwickelt. Zusammen mit Abigail Yates, ihrer technikaffinen Assistentin Jillian Holtzmann (Kate McKinnon) und der ehemaligen U-Bahn-Mitarbeiterin Patty Tolan (Leslie Jones), die kürzlich mit einer unheimlichen Gestalt konfrontiert wurde, gründet die Gruppe den Verein 'Ghostbusters'. Mit einem Monopol auf die Industrie und einer ungewöhnlich hohen Anzahl von Geisterwesen, die in der Stadt auftauchen, perfektionieren sie schnell die Kunst des Gefangennehmens der Körperlosen. Als die Sichtungen rapide zunehmen, erkennen die Geisterjägerinnen, dass etwas Unheilvolles im Gange ist, und müssen versuchen, die Quelle der spukhaften Unruhen zu finden, bevor ein unaussprechliches Grauen über die Stadt hereinbricht.

Es gibt so viele Hommagen, Cameos und Anspielungen auf den Originalfilm, dass dieses Remake praktisch voraussetzt, dass der Betrachter mit der Existenz des Films von 1984 vertraut ist. Ironischerweise ist das das Letzte, was diese neueste Inkarnation benötigt. Stattdessen sollte "Ghostbusters" vielmehr darauf bedacht sein, sich von seinem Vorgänger zu distanzieren, um unwissenden Betrachtern eine neue Sichtweise auf das lustige Ermitteln und Festnehmen von paranormalen Entitäten zu bieten. Aber vor allem die Geschichte, die das 'Warum' und 'Wie' der Geistererfassung nur kurz streift, lässt vermuten, dass die Filmfans mit dem Metier der Geisterjagd in diesem Reboot von 2016 bestens bekannt sein dürften.

Bedauerlicherweise ist dies nicht das größte Problem. Die wohl enttäuschendste Komponente ist der komplette Mangel an Chemie zwischen den vier Hauptdarstellerinnen. Sie haben wenig Teamgeist, keine emotionale Bindungskraft und keine Geistesgegenwart. Wenn sie Witze machen, sind sie alle von der juvenilen, anstößigen Art, wie Kommentare über Flatulenzen und körperliche Exkretionen. Es gibt auch ein paar Referenzen an die Popkultur und moderne Technologien, aber die Unfähigkeit, solide One-Liner zu liefern, und der überzogene Gebrauch von Sci-Fi-Jargon ersticken die Lacher im Keim. Trotz einiger kurioser Katzenwitze, Grafikdesign-Parodien oder geistreicher sexueller Bemerkungen über den gut aussehenden, aber dämlichen Rezeptionisten Kevin (Chris Hemsworth), nutzt sich der Rollentausch schnell ab. Wenn dann alle vier Protagonistinnen so tun, als seien sie an verschiedenen Projekten beteiligt, Melissa McCarthy ihre übliche nervige Jammerei zum Besten gibt und Kristen Wiig die typische gemobbte Außenseiterin spielt, während Kate McKinnon die kauzige Streberin und Leslie Jones die enthusiastische Straßenkämpferin ist, wird das alles hoffnungslos inkompatibel, und niemand arbeitet auf einen harmonischen Sinn für Humor hin.

Es gibt viel Slapstick, aber nichts davon ist exzeptionell. Die Unglaubwürdigkeit ist ein größerer Gegner als die jenseitigen Intrigen, die Titelmusik wird neu abgemischt und für ein neuzeitliches Auditorium überarbeitet, obwohl sie nur an das geliebte, veraltete und kitschige Gefühl des Originals erinnert, das hier unmöglich passen kann, und die Spezialeffekte werden durch CG aufgewertet, kopieren aber im Wesentlichen dieselben Konzepte, die schon vorher zu sehen waren. Nichts an dieser Produktion ist besonders aufregend oder lustig, sie ist erstickend einfallslos und sehr, sehr schleppend. Zahlreiche Themen werden aufgegriffen, aber abrupt wieder fallen gelassen, darunter Erin Gilberts Hintergrundgeschichte, Jillian Holtzmanns Ähnlichkeit mit Q aus den 007-Filmen und Erklärungen dafür, warum die ursprünglichen Geister gequälte Seelen von Verstorbenen sind, die späteren Phantasmen aber als Gargoyles oder klebrige Bälle aus Glibber erscheinen. Die Entwürfe und Definitionen sind absurd und spiegeln einen akuten Zustand der Unlust und Planlosigkeit wider. Es ist schmerzlich erkennbar, dass Paul Feig einfach nicht wusste, was er mit dem Gedanken anfangen sollte, einen Kultklassiker wiederzubeleben. "Das hast du doch schon mal gemacht, oder?"

Kommentar zu "Ghostbusters - Die Geisterjäger"
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Kommentar zu "Ghostbusters 2"
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Kommentar zu "Ghostbusters: Legacy"
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Kommentar zu "Ghostbusters: Frozen Empire"
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Fünf Jahre nach den Ereignissen von "Ghostbusters - Die Geisterjäger" setzt die Fortsetzung "Ghostbusters 2" von Regisseur Ivan Reitman bei der Cellistin Dana Barrett (Sigourney Weaver) und ihrem neugeborenen Baby an, die erneut von übernatürlichen Einflüssen betroffen sind. Sie hat sich vor Jahren von Dr. Peter Venkman (Bill Murray) getrennt, einen anderen Mann geheiratet, sich scheiden lassen und braucht nun die Hilfe von Dr. Egon Spengler (Harold Ramis), um die Ursache für das plötzliche seltsame Verhalten ihres Kindes zu finden. Obwohl Peter Venkman der Gastgeber der kitschigen TV-Show 'World of the Psychic' ist und die Parapsychologen Raymond Stantz (Dan Aykroyd) und Winston Zeddemore (Ernie Hudson) versuchen, Kinder auf Partys zu unterhalten, nachdem das Geschäft wegen krummer Politik untergegangen ist, treffen sie sich wieder, um Dana Barretts Behauptungen zu analysieren.

Nachdem sie in den okkulten Büchern von Raymond Stantz recherchiert und das Kinderzimmer von Baby Oscar untersucht haben, entdecken sie paranormale Aktivitäten, die unter der Straße zu vernehmen sind. In einem New Yorker U-Bahn-Tunnel in der Nähe der 'First Avenue' stößt das Trio mit einem Presslufthammer in einen unterirdischen Schleimfluss, um eine Probe zu entnehmen, landet aber wegen seiner Grabungsversuche vor Gericht. Ihr Anwalt, Louis Tully (Rick Moranis), ist keine große Hilfe, und so wird jeder von ihnen zu einer Geldstrafe von 25.000 Dollar und zu 18 Monaten Haft in 'Rikers Island' verurteilt. Als die Ekelschreie des Richters gegenüber den Angeklagten dazu führen, dass das Schleim-Exponat die Geister toter Verbrecher heraufbeschwört, spitzt sich der Prozess zu. Der Fall der Geisterjäger wird fallen gelassen, sie kehren ins Rampenlicht zurück und können ihr lukratives Geschäft wieder aufnehmen.

Dana Barretts Aushilfsjob als Kunstrestauratorin in einem Museum in Manhattan bringt sie in die Fänge des finsteren Chefs Dr. Janosz Poha (Peter MacNicol), der von einem bösen Geist besessen ist, der ein großes Gemälde bewohnt. Das Porträt von Lord Vigo von Homburg Deutschendorf von den Karpaten, einem mächtigen Zauberer, moldawischen Tyrannen, psychotischen Autokraten und völkermordenden Wahnsinnigen aus dem 16. Jahrhundert, enthält die seelischen Überreste Vigos. Und es braucht ein Kindergefäß, durch das es wiedergeboren wird...

Das Geisterabenteuer ist diesmal überraschenderweise besser als im Original, denn es ist eine vernünftigere Geschichte über eine uralte Bösartigkeit, die sich in einem gespenstischen Kunstwerk verbirgt. Gegen Ende beginnt die Handlung dem Weltuntergangsszenario aus dem ersten Teil zu ähneln, fast so, als wollten die Autoren Dan Aykroyd und Harold Ramis frühere Drehbuchfehler korrigieren. Die Kulissen sind wirklichkeitsnäher, die Spezialeffekte präziser, und die Dialoge werden ausführlicher erklärt. Selbst die kleinen Gruselmomente und Slapstick-Einlagen sind geschickter inszeniert. Eine psychoreaktive Substanz, grässliche Fotografien, ein unterirdischer Strom aus konzentriertem Monsterschlamm und die Rückkehr der Protonenpacks sorgen für Abwechslung, aber "Ghostbusters 2" leidet immer noch unter der gleichen Trägheit wie sein Vorgänger.

Trotz der Wiederbelebung von Peter Venkmans andauerndem Flirt mit Dana Barrett, der Beibehaltung der witzigen Chemie zwischen den Teammitgliedern, der Hinzufügung visuell verstörender Geister, der Wiedereinführung der aufmerksamkeitsstarken Titelmusik und der Schaffung einer stärker fokussierten Prämisse ist der Humor, der wesentlich ist, weniger frequent und minder lustig. Im Großen und Ganzen ist das Erscheinungsbild gleich geblieben, aber die Dynamik und der Enthusiasmus haben nachgelassen. In seinem Bestreben, einige Aspekte zu verbessern, schaffte es "Ghostbusters 2" auch, einige Komponenten zu stark aneinander anzugleichen, das enttäuschend unerklärliche Finale beizubehalten und nicht genug neue Inhalte auf den Tisch zu bringen, wodurch letztendlich ein Teil des Unterhaltungswerts verloren ging.

Kommentar zu "Ghostbusters - Die Geisterjäger"
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Kommentar zu "Ghostbusters"
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Kommentar zu "Ghostbusters: Legacy"
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Kommentar zu "Ghostbusters: Frozen Empire"
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In "Ghostbusters - Die Geisterjäger" von Regisseur Ivan Reitman geschehen in einem schwach beleuchteten Korridor voller Bücherregale in der 'New York Public Library' an der 5th Avenue seltsame Dinge: Bücher schweben durch die Luft, der Zettelkatalog katapultiert Papier überall hin, und eine arme Angestellte (Alice Drummond) wird wahnsinnig gequält. Währenddessen führt Dr. Peter Venkman (Bill Murray) in der psychologischen Abteilung von 'Weaver Hall' ein fingiertes ESP-Experiment durch, bei dem er eine hübsche junge blonde Frau einer männlichen Testperson vorzieht. Aber sein Flirt wird unterbrochen, als der lebenslustige Dr. Raymond Stantz (Dan Aykroyd) ihn mitnimmt, um telekinetische Aktivitäten in der Bibliothek zu untersuchen. Zusammen mit Dr. Egon Spengler (Harold Ramis), der seinen Job viel zu ernst nimmt, sammeln sie Proben von ektoplasmatischen Rückständen, bevor sie auf die schwebende Erscheinung einer älteren Frau stoßen. Da sie noch nie einen realen Geist gesehen haben, sind sie unsicher, wie sie vorgehen sollen. Als das Gespenst feindselig wird, fliehen sie hysterisch aus dem Gebäude.

Doch die neu ermittelten Werte geben Aufschluss über die Möglichkeit des Einfangens und Inhaftierens von Geistern. Ihre Freude wird vorübergehend getrübt, als der Dekan der Universität ihnen das Stipendium streicht und sie aus dem Institut verweist. Peter Venkman, der sich durch nichts unterkriegen lässt, überredet Raymond Stantz, einen hohen Kredit aufzunehmen und eine verlassene Feuerwache zu mieten, um als professionelle Ermittler und paranormale Forscher zu agieren - die 'Ghostbusters'.

Ihre erste Klientin ist Dana Barrett (Sigourney Weaver), die das Team um Hilfe bittet, als sie eine seltsame Kreatur in ihrem Kühlschrank hört und sieht. Sie ändert jedoch schnell ihre Meinung, als sich Peter Venkmans romantische Annäherungsversuche als etwas zu intensiv erweisen. Durch einen glücklichen Zufall erhalten sie eine weitere vielversprechende Gelegenheit, als ein fliegender grüner Blob den 12. Stock eines stattlichen Hotels heimsucht. Ihre noch nicht getesteten Waffen, die massive Verwüstungen anrichten können, einschließlich der undenkbaren totalen protonischen Umkehrung, sind überraschend wirksam gegen das Phantasma der Klasse 5, das erfolgreich eingefangen wird. Danach boomt das Geschäft, und der Rekrut Winston Zeddemore (Ernie Hudson) wird angeheuert, um bei der Bewältigung der überbordenden Zahl von psychischen Einsätzen zu helfen. Doch ein übereifriger EPA-Agent (William Atherton) und die Rückkehr von Dana Barretts bösartigem Halbgott-Geist aus dem Tiefkühlfach bringen die jungen Geisterjäger in Turbulenzen.

"Lassen Sie mich durch, ich bin Wissenschaftler", sagt Peter Venkman, obwohl er als erster über die Idee eines echten Spuks lacht und sich eher wie ein Moderator einer Gameshow als ein erfahrener Technologe verhält. Bill Murray stiehlt die Show als Hauptdarsteller in einem gutmütigen Film, der nicht vergisst, eine leichte Liebesgeschichte, einen Hauch von haarsträubender Spannung und eine spielerische Herangehensweise an Standard-Horrorfilm-Elemente wie Spuk, dämonische Anbetung, unheimliche glühende Lichter und "Der Exorzist"-ähnliche Levitation und Besessenheit zu bieten. Rick Moranis hat eine Nebenrolle als nerdiger Nachbar und Annie Potts spielt die zynische, müde Sekretärin, aber die zusätzlichen Charaktere können nicht mit der Chemie und dem Charme des Haupttrios mithalten, auch wenn Bill Murrays Hauptrolle sich nicht immer auf Dan Aykroyd und Harold Ramis verlassen kann, um einen Sketch kompetent zu beenden.

Rockige Musik, ein eingängiger Titelsong, grandiose Kulissen, übertriebenes Heldentum, eine Fülle von technologischem Fachvokabular und Weltuntergangsfanatismus tauchen in "Ghostbusters - Die Geisterjäger" immer wieder auf und verdecken die Tatsache, dass die Geschichte abwechselnd unsinnig und konstruiert ist, um die störende Exposition zu vermeiden oder die Dinge einfach abzuschließen. Er bietet nie eine Rechtfertigung für die Geschehnisse oder die wilde Idee einer Erklärung, und wenn er es doch tut, wirft er nur noch mehr Fragen auf. "Ghostbusters - Die Geisterjäger" lässt auch keine Chance aus, Witze zu machen und sich über Religion, Politik und die Regierung zu mokieren, auch wenn es einigen der Gags an Energie fehlt und das Tempo gelegentlich zu langsam ist, um die nächste Phase der humorvollen übernatürlichen Herrschaft einzuleiten.

Veraltete Spezialeffekte wie Flash-Grafiken und Claymation sind häufig zu sehen, aber der Einsatz praktischer Puppen in mehreren Sequenzen schafft zufriedenstellend zeitlose Monstrositäten. Das Finale ist ein Paradebeispiel für ein nachhaltiges visuelles Erlebnis, bei dem der mittlerweile ikonische gigantische 'Marshmallow-Mann' die Aufgabe übernimmt, die Menschheit zu vernichten. Doch mehr als die Bildwelt sind es der Kick im Kampf gegen die Geister, das actiongeladene Chaos in der Stadt und die Heiterkeit, die die okkulten interdimensionalen Abenteuer hervorheben und dem Film ein starkes Gefühl von Originalität verleihen. Für prominente Parapsychologen ist das alles ein Kinderspiel.

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