Chainsaw Charlie - Kommentare

1770 entdeckte Captain Cook Australien. 60 Jahre später wuchs die Stadt Sydney rasant und importierte zu Unrecht verurteilte Gefangene, die das Land entscheidend prägen sollten. Im Jahr 1831 schickt Englands König William einen neuen Gouverneur in die Kolonie, und damit beginnt die eigentliche Geschichte von "Sklavin des Herzens" von Regisseur Alfred Hitchcock. Nach einer etwas unwillkommenen Begrüßungszeremonie trifft sich der Ire Charles Adare (Michael Wilding), ein Cousin des Gouverneurs, mit dem Bankdirektor von New South Wales, Cedric Potter (John Ruddock), der den einflussreichen jungen Mann über seine Zukunft beraten will.

Im Büro von Cedric Potter lernt Charles Adare den wohlhabenden, gewieften, barschen und wortkargen Magnaten und Emanzipator Samson Flusky (Joseph Cotten) kennen, der den unerfahrenen, aber ehrgeizigen Iren sofort zu einem etwas dubiosen Landkauf drängt. Überall, wo Charles Adare hinkommt, wird er davor gewarnt, sich mit Samson Flusky einzulassen, aber diese Ermahnungen machen ihn nur noch neugieriger und ermutigen ihn, weitere Kontakte zu suchen. "Die Vergangenheit eines Mannes ist seine eigene Sache."

Da es sich um einen Alfred-Hitchcock-Film handelt, gibt es viele seltsame Vorkommnisse und unangenehme Vorahnungen, von denen einige weitaus markanter sind als andere, die darauf hindeuten, dass nichts so ist, wie es scheint, wenn es um Samson Flusky und sein Anwesen geht. Vom Auftauchen eines grässlichen Schrumpfkopfes bis hin zu einer Dinnerparty, bei der kein einziger weiblicher Gast anwesend ist, wird schnell klar, dass die Dinge im Argen liegen. Es ist zwar kein besonders spannender Thriller, aber er hat durchaus das Flair von Alfred Hitchcock, vor allem wenn die gebrechliche Henrietta Flusky (Ingrid Bergman) erscheint, die sich merkwürdig verhält und halluziniert, als stünde sie unter einem schwarzmagischen Bann.

Wie viele seiner Produktionen stellt "Sklavin des Herzens" eine bestimmte Gruppe von Menschen in einer malerischen oder imposanten Kulisse unter ungewöhnlichen Umständen dar. Es gibt sogar eine eiskalte, manipulative Haushälterin (Margaret Leighton), eine Rolle, die nur schwer als zu sehr an "Rebecca" erinnernd abgetan werden kann. Zahlreiche Heimlichkeiten über vergangene Beziehungen und liebliche Schändlichkeiten belasteten die Hoffnungen auf Erlösung und Rettung und böse Pläne zur familiären Zerstörung a la "Berüchtigt". Leider sind die Charaktere und das Mysterium nicht annähernd so spannend, und der Weg zu Henrietta Fluskys spiritueller Wiederherstellung ist langsam und repetitiv.

Die Liebesgeschichte ist vergleichsweise substanzlos, was vor allem daran liegt, dass Ingrid Bergmans Jungfrau in Nöten Mühe hat, sympathisch zu bleiben. Sie ist anfangs einfach zu schwach und ineffektiv, obwohl sie laut Drehbuch besonders sensibel sein sollte. Joseph Cottens Charakter ist ebenso blutleer, er entwickelt sich von hinterhältigem Erfolg in der Arbeiterklasse über totale Impotenz und Eifersucht bis hin zu beschämender Selbstzerstörung. Auch sind die Intrigen viel zu oberflächlich. Schließlich werden die wenig spannenden, allzu naheliegenden Rätsel immer wieder von der herkömmlichen Dramatik überlagert, so dass sie sich irrelevant anfühlen, als wären sie nur aus Erwartung hinzugefügt worden. Zum Glück gibt es ein paar lustige Momente, die für die trockenen Sequenzen entschädigen. Doch am Ende reicht das nicht aus. Die Handlung und das Tempo von "Sklavin des Herzens" schleppen sich dahin, ohne das Interesse aufrechtzuerhalten, und plätschern durch die Exposition, auch wenn es zum Finale hin überraschende Enthüllungen gibt und die Geschichte einen recht ordentlichen Abschluss hat.

In "Die Frauen von Stepford" von Regisseur Bryan Forbes überquert die aufstrebende Fotografin Joanna Eberhart (Katharine Ross) eine belebte New Yorker Straße und sieht einen Mann, der eine nackte Schaufensterpuppe trägt, deren Arm abfällt. Doch diese Aufnahme dient dazu, die scheinbar harmlosen Kuriositäten der Großstadt zu veranschaulichen und den Umzug der Familie Eberhart in das viel ruhigere und friedlichere 'Stepford' in Connecticut zu rechtfertigen. Mit ihren beiden kleinen Töchtern und dem Hund im Schlepptau fahren sie und ihr Mann, der Anwalt Walter (Peter Masterson), in das idyllische, verschlafene Städtchen, obwohl es offensichtlich ist, dass Joanna Eberhart nicht begeistert ist, fortzugehen.

Dort, in ihrer geräumigen, prächtigen weißen Villa, trifft Walter Eberhart auf seine Nachbarn Ted Van Sant (Josef Sommer) und seine Frau Carol (Nanette Newman) - eine etwas merkwürdige Begegnung, die aber keine Geheimnisse offenbart. Sicher ist, dass Joanna Eberhart sich nicht ganz zu Hause fühlt, zumal ihr Ehemann alle wichtigen Entscheidungen ohne ihre Zustimmung trifft - vom Umzug über den Kauf eines Hauses bis hin zum Beitritt zu einem angesehenen reinen Männerclub. Natürlich sind ihre Frustration und ihr Unbehagen berechtigt, sie weiß nur nicht genau, wie ungewöhnlich 'Stepford' wirklich ist. "Ihm gefällt es hier nicht. Er heult die ganze Nacht."

Mit einem Drehbuch von William Goldman, das auf dem Roman von Ira Levin basiert, gelingt es "Die Frauen von Stepford" hervorragend, das unheimliche Setting zu etablieren, ohne zu früh zu viel zu verraten. Es gibt eine meisterhafte Subtilität, die sich weigert, die ultimativen Geheimnisse zu enthüllen, und stattdessen leicht unbehagliche Szenarien voller sexueller Untertöne entwirft, die andeuten, dass so vieles in 'Stepford' nicht stimmt, verdreht ist oder eine bloße Satire auf anmaßende Maskulinität darstellt. Trotz gelegentlicher eigenartiger Interaktionen oder Betrachtungsweisen ist die Stadt nicht abgehoben oder überzeichnet, und die meisten Szenen sind eher lebhaft und fröhlich. "Es gibt keinen Grund, sich aufzuregen."

Die Einführung von Bobby Markowe (Paula Prentiss), einer etwas rebellischen, gleichgesinnten Freundin von Joanna Eberhart, die inmitten einer extrem prüden Gesellschaft lebt, macht die Situation weniger verdächtig und lenkt die Dinge in Richtung des eindeutigen Themas Sexismus, insbesondere mit einem exklusiven Männerclub und verliebten Frauen und der Abneigung der anderen 'Stepford'-Frauen, sich an Aktivitäten zu beteiligen, die Unabhängigkeit und Individualität fördern könnten. Als Joanna Eberhart versucht, ihre Mitfrauen dazu zu bringen, eine eigene Gruppe zu gründen, die sich für die Befreiung der Frau einsetzt, kehrt die Situation fast vollständig zur Normalität zurück. Glücklicherweise lässt Joanna Eberhart, die die Hauptperspektive einnimmt, die ansonsten harmlosen Ereignisse nicht völlig unverfänglich bleiben und sorgt so für ein anhaltendes Gefühl der Beklemmung. "Vielleicht sind wir ja die Verrückten."

Die Erdverbundenheit dieser Geschichte wird durch das famose, unvergessliche Ende verstärkt, das nicht annähernd so augenfällig ist wie in "Rosemaries Baby", "Westworld" oder "1984" und für das es kaum eine Vorwarnung gibt. Joanna Eberhart und Bobby Markowe fühlen sich durch die Selbstgefälligkeit der 'Stepford'-Frauen in Bezug auf Küchenarbeit und Gehorsam bedroht, und der Kommentar zu Gehirnwäsche, Überwachung und Assimilierung ist spannend und erinnert an "Die Dämonischen". Es ist so etwas wie eine dokumentarische Analyse des Verstandes einer Frau, deren Verdacht auf exzessive männliche Kontrolle und Kollusion sie ihres Verstandes und ihrer Freiheiten beraubt, was sich wie in einem Horrorfilm manifestiert und in einem verhexten Haus gipfelt. Es dauert vielleicht ein bisschen zu lange, bis der Zenit von "Die Frauen von Stepford" erreicht ist, aber das Geduldspiel zahlt sich aus. "Wenn ich Recht habe, ist es schlimmer, als wenn ich mich irre."

1997 drehte Regisseur Michael Haneke "Funny Games", einen verstörenden und zugleich nachdenklich stimmenden Thriller, der mit der Rolle des Betrachters als Voyeur spielt. Das Remake "Funny Games U.S.", ebenfalls von Michael Haneke geschrieben und inszeniert, wartet in der hollywoodreifen, englischsprachigen Version mit einer völlig neuen Besetzung auf. Das Problem ist, dass dieser neuerliche Anlauf im Wesentlichen ein originalgetreues Memorandum ist, Bild für Bild, Zeile für Zeile. Dieser Ansatz macht es überflüssig, das Original zu sehen - oder diese Aktualisierung von 2008 für jeden, der das Original gesehen hat, sinnlos. Ungeachtet der lästigen Untertitel, die das amerikanische Volk oft verärgerten, besaß die erste Vision eine raue Authentizität und eine nicht wiederzuerkennende Auswahl an Darstellern, die eindeutig überragend war.

Ann (Naomi Watts) und George (Tim Roth) kommen in ihrem Ferienhaus an, um mit ihrem Sohn (Devon Gearhart) und den Nachbarn Golf zu spielen und zu segeln. Als Ann ihre Einkäufe auspackt, wird sie von zwei jungen Männern in weißen Poloshirts und weißen Handschuhen angesprochen. Sie macht sich nichts aus ihrer Höflichkeit und ihrer harmlosen Bitte um Eier und der Erklärung, dass den Nachbarn das Kochmaterial ausgegangen sei, woraufhin Ann sofort einwilligt. Doch als die Fremden anfangen, sie zu nerven, wird ihr schnell klar, dass ihre Familie für eine schreckliche Nacht mit sadistischen Psychospielen als Geisel genommen werden soll.

Die gleiche Einstellung eines Autos, das eine einsame Straße entlangfährt, während die Familie im Inneren Melodien aus dem Radio errät, leitet den Schauplatz und die Figuren von "Funny Games U.S." ein. Es werden die selben Opernstücke, die selben Titelsequenzen und der selbe donnernde, abstrakte Death Metal verwendet. "Funny Games U.S." ist zweifelsohne erschütternd, einzigartig und atemberaubend spannend, aber für jeden, der das Original gesehen hat, gibt es einfach nichts Neuartiges. Die Hunderasse hat sich geändert, ebenso wie der Stil des Telefons, aber das weiße Tor des Hauses sieht fast völlig identisch aus, und die Küche und all ihre scheinbar zufälligen Dekorationen passen perfekt zusammen, was zweifellos beabsichtigt war. Georg und Anna wurden in ihre amerikanischen Korrelate George und Ann verwandelt, während einige der Originalübersetzungen neu interpretiert wurden, aber die Handlungen und Reaktionen widerspiegeln sich.

Dieses Remake ist nur geringfügig erfolgreicher als Gus Van Sants berüchtigte Verfilmung von Alfred Hitchcocks "Psycho", da "Funny Games" nie den gleichen Bekanntheitsgrad erreichte. Einen Film, der immer wieder als einer der besten Filme aller Zeiten angesehen wird, Szene für Szene nachzudrehen, ist unverschämt sinnwidrig. Zumindest bei "Funny Games U.S." sind die Gründe kohärenter. Es ist nicht komplett abwegig, einen deutschen Film für die amerikanische Masse zugänglicher zu machen, indem man englischsprachige Darsteller einsetzt, selbst wenn die Zielsetzung nur darin besteht, diejenigen zu erreichen, die mit dem Ausgangsmaterial nicht vertraut sind.

Ohne Soundtrack und in Echtzeit sind die Ereignisse dieser einen wahnwitzigen Nacht in einem verschlafenen Tal immer noch so beängstigend wie bei dem Originalfilm. Unabhängig davon, dass es sich um eine Neuverfilmung handelt, entbehrt diese nicht ihres Schockwerts und ihres alarmierenden Blicks auf Voyeurismus und Gewalt, denn sie ist eher eine Stellungnahme zur Beteiligung des Betrachters an qualvollen Folterungen als eine filmische Erzählung über Gut und Böse. Mit seinem erschreckenden Ende, den bizarren Wendungen und dem unangenehmen Einbruch in die vierte Wand oder der Tatsache, dass die Charaktere direkt in die Kamera sprechen, ist "Funny Games" ein Film, der in jeder Sprache schwer zu verdauen wäre.

Mein Kommentar zu "Funny Games" aus dem Jahr 1997:
https://www.moviepilot.de/movies/funny-games-2--3/kritik/2725245

"No One Will Save You" von Regisseur Brian Duffield erzählt die Geschichte einer Frau namens Brynn Adams (Kaitlyn Dever), die im Haus ihrer Kindheit lebt und mit der Entfremdung von ihrer Gemeinschaft zu kämpfen hat. Eines Tages wird sie von seltsamen Geräuschen geweckt, die sich als unirdische Wesen entpuppen. Nach einer sehr intensiven ersten Konfrontation wehrt sie sich heftig und verursacht am Ende weit mehr Ärger als erwartet. Wie der Titel schon andeutet, bieten die Stadtbewohner keine Hilfe. Brynn Adams ist völlig auf sich allein gestellt.

Brian Duffield und sein Soundteam schaffen eine faszinierende Welt. Was die Produktion und das Sounddesign angeht, ist dies warscheinlich der beste Genrefilm des Jahres 2023. Brynn Adams spricht während des gesamten Films nicht viele Worte und überlässt es vielmehr dem Komponisten und dem Tonmischteam, die Handlung dieser außerirdischen Invasion zu erzählen, was die Spannung noch erhöht. "No One Will Save You" hat einen der besten Sounds, die man seit langem in einem Film zu Gehör bekommen hat. Wäre "No One Will Save You" in einem Kino gezeigt worden, hätte man garantiert in jedem Multiplex-Kino Schreie im Gleichklang gehört. Die Stille ist hier eine solche Stärke, dass man sich der Spannung auf eine Weise nähert, die nie aufdringlich manipulativ wirkt.

Im Endeffekt ist "No One Will Save You" ein ähnliches Ergebnis wie die Highlights von "Signs - Zeichen" und "A Quiet Place". Das Fehlen von Dialogen während des größten Teils des fast stummen Films ist wirklich sehr bemerkenswert. Brynn Adams ruft nie 'Oh mein Gott', aus Angst, um Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen, und selbst wenn sie mit anderen interagiert, ist sie kaum in der Lage zu sprechen. Bei ihrer Performance geht es vor allem um Mimik, Körpersprache und die Fähigkeit, sich an gefährliche Situationen anzupassen. Doch natürlich kann es in "No One Will Save You" nicht nur um die Alien-Invasion gehen, sondern es muss auch eine Hintergrundgeschichte über Trauer, Bedauern und das Lernen, loszulassen, geben. Es gibt einen Moment der Rückblende, der einen aus dem Film herausziehen könnte und einem das Gefühl vermittelt, dass sie Brynn Adams einen Grund geben wollten, sich ihrer Vergangenheit zu stellen, damit sie für ihre eigene Zukunft einstehen kann.

Kaitlyn Dever ist wie zu erwarten großartig und der Hauptgrund, sich "No One Will Save You" anzusehen. Sie reagiert entsprechend und drückt eine Menge Furcht und Unsicherheit darüber aus, wie sie diese ganze Tortur überstehen soll. Wie bereits erwähnt, sind auch der Soundtrack, das Klangdesign und alle technischen Aspekte ausgezeichnet. Wäre das Drehbuch nur in eine andere Richtung gegangen oder hätte es nicht Elemente aus so vielen Sci-Fi-Filmen der Gegenwart übernommen. Die Filmmusik von Joseph Trapanese ist besonders lobenswert, mit schrillen, durchdringenden Geigen und düsteren Synthesizern, die eine Geräuschkulisse von keuchenden Atemzügen untermalen. Auch das Klicken und Zirpen der Außerirdischen ist einprägsam. Allerdings wird man auch hier von einem eher einfallsarmen Finale getrübt, das weder triumphierend noch schockierend ist. Der Aufbau ist viel interessanter, und bedauerlicherweise lassen die Auflösung und die Offenbarung einiges vermissen. "No One Will Save You" war zu diesem Zeitpunkt nicht mehr zu retten.

"Das macht nicht viel Sinn, oder?", sagt Ned Merrill (Burt Lancaster) zu seiner Ex-Geliebten Shirley (Janice Rule). Ein gut platzierter Satz, der den größten Teil der Prämisse zusammenfasst: Ein euphonisch verwirrender Verlauf, der den Betrachter herausfordert, esoterische Ereignisse zu sortieren und Schlussfolgerungen für sich selbst zu entschlüsseln, während er eine Menge seltsamer Selbstoffenbarungen der Charaktere und hoffnungslos wenige Erklärungen liefert. Es ist eine enigmatische Darstellung der düsteren Reise eines Mannes, der mit seiner wahren Identität, seiner Herkunft und seinem Untergang ringt, und eine Inszenierung, die eine verstörende Botschaft vermitteln will. Der nachdenklich stimmende, aber auch frustrierende Film "Der Schwimmer" des Regisseurs Frank Perry (und das Ende unter der Regie von Sydney Pollack) ist sicher nicht für jeden etwas.

Der optimistische, fröhliche Ned Merrill findet sich am Pool des Hauses eines Freundes wieder und schwelgt bald in Erinnerungen an die glorreichen Zeiten von einst. Ned Merrill, der sich auf geheimnisvolle Weise zu dem wässrigen Saphir hingezogen fühlt, plant einen Weg zurück zu seinem Haus über die Pools seiner Nachbarn, der mehr aus Fußmärschen als aus Schwimmen besteht, und nennt den Fluss der Ausgrabung liebevoll 'Lucinda', nach seiner Frau. Auf seinem Weg begegnet er vielen Figuren aus seiner Vergangenheit und erfährt Wohlwollen, Konfusion, Sympathie, Geselligkeit und sogar Anfeindungen von seinen unfreiwilligen Gastgebern, je näher er seinem mysteriösen Ziel kommt, an dem Realität und Fiktion erschreckend verschwimmen.

"Der Schwimmer", der auf einer Kurzgeschichte von John Cheever basiert, nimmt sich die gesamte Lauflänge Zeit, um Fragen über den undurchschaubaren Protagonisten aufzuwerfen, bevor er ein schockierendes Ende liefert, das viele als äußerst unbefriedigend empfinden werden. Wie ein weniger sinistrer "Mulholland Drive" für die 60er Jahre ist nichts so, wie es scheint, und die Lösung des spannenden Geheimnisses ist eine Aufgabe, bei der die Erzählung keine Hilfe ist. Durch ausgiebiges Schwelgen in Erinnerungen, zufällige Wiedersehen mit Freunden und Feinden, die Konzentration auf den Himmel und die Besessenheit vom Wasser ruft Ned Merrill Teile seines vergangenen Lebens und Erinnerungsfragmente zurück, die in seinem Unterbewusstsein schlummern. Sein Selbstbild unterscheidet sich drastisch von dem der Menschen, die er begegnet, und wird allmählich bitterer, bis ihm nur noch eine niederschmetternde Erkenntnis bleibt. Seine ruhige, selbstsichere und entspannte Haltung zerfließt langsam, während der Tag dahinschreitet und seine Wanderung zu Ende geht.

Eine gespenstische Titelmelodie des Komponisten Marvin Hamlisch steht über einer Vielzahl von Kuriositäten, darunter ein triumphales Rennen gegen ein Pferd, ein Hürdenlauf in Zeitlupe, wahllose Flashbacks, ein paar lästige Nudisten und ein nach Aufmerksamkeit gierender Junge. Die Dialoge bestehen aus vermeintlich sorgenfreien Konversationen zwischen Menschen, die nicht ausreichend Informationen über Ned Merrill preisgeben, um überzeugende Rückschlüsse zu ziehen, und sind zweifellos ein Ärgernis für diejenigen, die die gesamte Länge von "Der Schwimmer" ausharren, nur um festzustellen, dass es keine konkreten Antworten gibt. Vielleicht ist es wichtiger, den Zweck der Odyssee von Ned Merrill zu ergründen, als zu verstehen, wer er wirklich ist. Insgesamt ist "Der Schwimmer" durchaus attraktiv, aber nur für diejenigen die wirklich glauben, die Symbolik verstanden zu haben.

In "Rambo: Last Blood" von Regisseur Adrian Grunberg ist der erfolgreiche Guerillakrieger John Rambo (Sylvester Stallone) nun ein friedlicher Rancher in Bowie, Arizona. Er hat immer noch ein Waffenarsenal über seinem Bett montiert, aber er hat sein Wissen aus dem Krieg gegen einige Pferde, ein weitläufiges Tunnelsystem unter seinem Grundstück und eine Nichte namens Gabrielle (Yvette Monreal) eingetauscht, der er seine reservierte Zuneigung schenken kann. Belastende Erinnerungen an seine verschiedenen Militäreinsätze, vor allem in Vietnam, bestimmen seinen Alltag, aber sein Leben ist jetzt von Ruhe und Einsamkeit geprägt, unterbrochen von Ausritten mit Gabrielle und Abendessen mit ihrer Großmutter Maria (Adriana Barraza). "Ich wollte Soldat werden."

Bevor Gabrielle aufs College geht, will sie ihren leiblichen Vater finden, der sie vor langer Zeit verlassen hat. Sie will ihn nur fragen, warum er gegangen ist. Obwohl John Rambo sie anfleht, sich nicht über die Südgrenze zu erkühnen, trifft Gabrielle auf ihre ehemalige Freundin Jezel (Fenessa Pineda), die behauptet, ihren Vater gefunden zu haben. In Mexiko angekommen, erkennt die naive Gabrielle jedoch zu spät, dass sie sich nicht in solch gefährliches Gebiet hätte wagen dürfen. "Menschen verhalten sich nicht einfach ohne Grund schlecht."

Sylvester Stallone müht sich ab, seine begrenzten Reden zwischen seinen steifen, welken Lippen hervorzubringen, als wären die meisten seiner Gesichtsmuskeln unbeweglich geworden und hätten den Platz der jahrzehntelang ondulierten Bänder eingenommen. Doch das ist kaum von Belang, denn er ist in erster Linie da, um Bösewichte mit scharfen Objekten zu jagen, und an denen mangelt es in "Rambo: Last Blood" nicht. Mexiko wird als ein Ort dargestellt, an dem man sich sofort unwohl fühlt, an dem es von zwielichtigen Gestalten wimmelt, wo es heruntergekommene Bars und kriminelle Straßen gibt und die Aggressionen der unrühmlichen Einwohner pulsieren. Nirgendwo ist man frei von allgemeiner Roheit und Feindseligkeit. Das Land wird gewiss nicht in einem positiven Licht dargestellt. Natürlich hilft dieses Design, John Rambo vor den besonders harten Aufgaben zu bewahren, die auf ihn zukommen, wenn er seine Nichte retten muss.

Der Schauplatz ist peinlich simpel und weit entfernt von der vertrauten, vom Krieg gebeutelten Kulisse von John Rambos früheren Filmen. Trotzdem hebt er eine Klinge, steckt eine Pistole in den Halfter und reißt seinen Zielpersonen mit bloßen Händen buchstäblich das Fleisch von den Knochen. Die Detektivarbeit, die erforderlich ist, um Gabrielle aufzuspüren, besteht größtenteils aus gewaltsamer Einschüchterung. Von Zeit zu Zeit ist es fast lustig, wie brutal der Ex-Militär ist - der Weg der Lädierung, den er einschlägt, ist absolut gnadenlos. Das ist das Charakteristikum seiner Art von Selbstjustiz. Es ist gut, dass die Schurken so auffallend bösartig sind, denn je abscheulicher sie sind, desto schlimmer können John Rambos Vergeltungsmaßnahmen ausfallen, ohne dass seine Rolle als Protagonist darunter leidet. Wenn er wutentbrannt Verdächtige verhört und Widersacher mit einem Hammer vermöbelt, ist das geradezu willkommen. Je mehr er ignoriert wird, desto größer ist die Strafe, die er zur Rechtfertigung eines Actionfilms verhängen kann.

John Rambo ist immer noch eine Ein-Mann-Armee, auch wenn er kurzzeitig von einer Journalistin (Paz Vega) unterstützt wird, die sich mit einem Bulldozer einen Weg in schwer befestigte Arenen bahnt, um ein außergewöhnliches Blutbad anzurichten. Sylvester Stallone begnügt sich nicht damit, einen Standard-Rachefilm abzuliefern. Er muss alles auf besonders brachiale Weise tun - von unschuldigen Opfern bis hin zu skrupellosen Gangstern, die John Rambos rabiaten Methoden zum Opfer fallen. Das Finale ist eines der grausamsten Blutspektakel der letzten Zeit, das die Sprengfallen von "Kevin - Allein zu Haus" mit den Verstümmelungsplots der "Saw"-Filme kombiniert. Intelligent ist das Ganze definitiv nicht, aber der katastrophale Machismo ist unglaublich actionreich. Und wie bei jedem Film, der das Wort 'Last' im Titel trägt, wird dies wahrscheinlich nicht das letzte Mal sein, dass der Betrachter John Rambos schonungslose, wenn auch sich wiederholende Herrschaft der Bestrafung zu sehen bekommt.

Zwanzig Jahre nach "Rambo III" kehrt Sylvester Stallone zurück, um seinen revolutionären Actionfilm aus den 80er Jahren wieder aufleben zu lassen. Er ist ein Vietnam-Veteran, der darum kämpft, wieder ins normale Leben zurückzufinden. Um sich von der unbequemen Normalität zu distanzieren, verkriecht er sich an verschiedenen abgelegenen Orten und schlägt sich mit seinem Fachwissen über das Überleben durch. In "John Rambo", bei dem Sylvester Stallone auch Regie führte, verschlägt es ihn in das anarchische Land Birma, wo ein 60 Jahre alter Bürgerkrieg die verarmten Dorfbewohner in ständiger Angst vor tyrannischen Regimen hält. Aber wie Ein-Mann-Armeen zu zeigen pflegen, ist John Rambo (Sylvester Stallone) definitiv kein Mann, mit dem man sich anlegen sollte.

Die Darstellung von Gewalt in Filmen dient oft dazu, eine bestimmte Absicht zu demonstrieren, etwa komödiantische Übertreibung, Realismus, politische Bedeutung, die Gier nach Blut oder sogar einen hoch stilisierten Sinn für Kunst. In "John Rambo" ist die grundlose Gewalt, die ein begeistertes jugendliches Fanklientel zum Jubeln bringen soll, vielleicht der einzige Grund für solch brutales Blutvergießen. Dennoch ist es unbestreitbar faszinierend. Wurde "Rambo III" noch mit einem Stockkampf eröffnet, in dem der Titelheld gegen einen geschickten Kampfsportler antritt und Dutzende von Schlägen mit Holzknüppeln austeilt, so ist in diesem Kapitel nichts von dieser extravaganten Cartoon-Gewalt zu sehen. Stattdessen wird versucht, jede Verstümmelung und Ausweidung mit so viel Liebe zum blutigen Detail wie möglich zu zeigen. Das Gemetzel hier ist kein "Popeye"-Spaß, es ist magenverbrennend. Das ist zwar keine Kunst, aber wenn es um unverschämte Spannung geht, ist es der absolute Hammer.

Die Einführung einer hilfreichen Stütze für John Rambo ist etwas Besonderes, auch wenn er in den vorherigen Filmen nie ganz allein war. Auf den verheerenden Schlachtfeldern Birmas bietet eine Gruppe gut bezahlter Abenteurer dem einsamen Moloch kurzzeitig Kameradschaft und militärische Hilfe an, doch irgendwann ist er gezwungen, die Elitetruppen an der Seite der humanitären Helfer zu retten. Jeder Soldat hat eine eigene Persönlichkeit, ähnlich wie die kolonialen Marines in "Aliens - Die Rückkehr": Einer mit einem ausgeprägten Hang zum Fluchen, jemand mit Schuljungencharme, ein anderer mit unerschütterlichem Heldentum und ein weiterer von ständigen Zweifeln geplagt. Ihre Interaktionen mit John Rambo tragen dazu bei, seinen typisch eindimensionalen Charakter weiterzuentwickeln, und sie sind sympathische, hartgesottene Kämpfer. Die erste Antriebskraft ist die junge Frau Sarah (Julie Benz), die John Rambo überredet, sie bei sich aufzunehmen. Später treibt die Grausamkeit gegen die Dorfbewohner John Rambo dazu, "für nichts zu leben oder für etwas zu sterben."

Wer blutrünstige Action mag, kommt in Sylvester Stallones pausenlosem Reißer sicher auf seine Kosten. Eine entsprechend einfache Prämisse führt zu einer finalen Konfrontation, die derber ist als jede andere, die auf Zelluloid gebannt wurde. Das explosive Feuergefecht entfesselt fast zwanzig Minuten pures, unerbittliches Chaos, das gleichzeitig die Grenzen von Action und Aderlass verschiebt. Wie John Rambo zu Beginn sagt: "Wenn du unter Druck stehst, ist das Töten so einfach wie Atmen." Mit Maschinengewehrkämpfen, bei denen kaum mehr als menschlicher Zellstoff zurückbleibt, Minenexplosionen, die den Dschungel wie ein Atompilz auslöschen, Granaten, die Dorfbewohner mit einem roten Strahl zerstückeln, Macheten, die sie ausweiden, und Enthauptungen in Hülle und Fülle ist "John Rambo" nichts für schwache Nerven, aber sicherlich etwas für diejenigen, die Köpfe rollen sehen wollen und deren Leichenzahl auf höchst erheiternde Weise unvorstellbare Ausmaße erreicht.

"Rambo III" von Regisseur Peter MacDonald ist ein weitgehend vergessenswerter Film, übertrifft aber seinen unmittelbaren Vorgänger "Rambo II - Der Auftrag" und schafft es, ein höchst unterhaltsamer Actionfilm zu sein - zumindest beim Ansehen. Auch wenn es manchmal unnötige Dramatik gibt, sprudelt er über vor Nonstop-Action, Explosionen, Chaos und schmissigen One-Linern gegen schnippische Schurken. "Rambo III" ist so anständig wie es nur möglich ist, wenn es um hirnlosen Filmspaß geht. "Rambo III" ist die Kategorie von Schund, die das Gehirn absolut nicht beansprucht. "Wozu ist das?"

"Rambo III" ist ein Genuss für Action-Junkies und purer Eskapismus für den Betrachter in einem und bietet jede Menge destruktiver Antihelden-Energie. Der titelgebende Kraftprotz befreit russische Bösewichte mit Sprengkapseln, Raketenwerfern, Panzern und allem, was er sonst noch so ergattern kann, von ihrem grinsenden Elend. Sylvester Stallones schauspielerische Leistung ist bescheiden, aber das liegt zum Teil an den übertrieben sarkastischen und süffisanten Dialogen (die leider von Sylvester Stallone geschrieben wurden) und an der Vorstellung, dass John Rambo kaum mehr als ein 'Terminator' ist, der in schwer bewachte Stützpunkte einmarschiert, um im ahnungslosen Kreml Verwüstung anzurichten. "Das ist blaues Licht."

Sollte der Betrachter einen Helden verurteilen, der keine Schwäche, keine Achillesferse zeigt? "Wer ist dieser Mann? Gott?", fragt Oberst Zaysen (Marc de Jonge), der sowjetische Anführer, der Colonel Samuel Trautman (Richard Crenna) gnadenlos foltert und ständig einen finsteren Blick auf seinem Antlitz trägt. "Nein", antwortet der übermütige Trautman. "Gott würde sich erbarmen." Wenn John Rambo Schießpulver und Flammen benutzt, um eine Schrapnellwunde in seinem rechten Oberschenkel zu kauterisieren, ist klar, dass er ein harter Kerl ist. Trotz aller Widrigkeiten setzt er sich immer wieder gegen den Feind zur Wehr, ob er nun verletzt ist oder nicht, und unternimmt einen zweiten Rettungsversuch, auch wenn niemand mehr da ist, der ihm helfen könnte. Eine Kombination aus Glück, erstklassigen Waffen, unwahrscheinlichen Vorteilen und erstaunlich gutem Timing ist ebenfalls von Vorteil.

"Rambo III" handelt vom Kalten Krieg, ähnlich wie "Der Krieg des Charlie Wilson", nur ohne die krasse Komödie, und besteht aus einigen lehrreichen, vielleicht politisch unkorrekten außenpolitischen Themen und einem fetzigen Reiterspiel mit toten Schafen. Dies wird jedoch schnell von einem sowjetischen Angriff überschattet, der zu grandiosen Actionsequenzen und gefährlichen Stunts führt. Der erste Überfall auf den feindlichen Stützpunkt ist spektakulär und spannend, gefolgt von dem ebenso beeindruckenden Pre-Showdown in den unterirdischen Kavernen und dem finalen Kampf der verbliebenen UdSSR-Truppen. Die Actionsequenzen gehören zu den besten der 80er Jahre, auch wenn sie oftmals die Anmut zugunsten der Grandiosität opfern. "Und was macht es?"

Wenn man einen Film danach bewerten würde, wie aufsehenerregend der Tod des Hauptgegners ist, zusammen mit dem Schicksal des Haupthandlangers, ähnlich wie bei den meisten "James Bond"-Filmen, dann würde "Rambo III" ganz oben stehen. Wenn es im Kino um waghalsige Fluchten aus der Luft geht, um Trotz im Angesicht der Verfolgung, um Tapferkeit in Unterzahl, um Maschinengewehrkämpfe, Raketenangriffe, Angriffe mit Raketenwerfern, asiatische Stockduelle, explosive Hinterhalte mit Pfeil und Bogen, Panzerschlachten, große Gefechte und das Herumspielen mit einem Kampfhubschrauber, dann ist "Rambo III" der richtige Film. Er ist eine zufriedenstellende, actiongeladene B-Movie-Verarsche. "Es leuchtet blau."

Auch wenn er den tiefgründigen Stil und die moralische Komplexität des ursprünglichen "Rambo" zugunsten von Nonstop-Action opfert, schafft es "Rambo II - Der Auftrag" von Regisseur George P. Cosmatos, überraschend unterhaltsam zu bleiben. Es ist jedoch eine ganz andere Art von Erlebnis. Sylvester Stallone und Richard Crenna kehren zurück, und diesmal geht es wieder nach Vietnam zu einer waghalsigen Rettungsmission, bei der Loyalitäten und Motive so leichtfertig wechseln wie die Seriosität von "Rambo II - Der Auftrag".

Obwohl "Rambo II - Der Auftrag" weniger gesellschaftskritisch ist als sein Vorgänger, spiegelt er dennoch die katastrophalen Auswirkungen des Krieges auf die menschliche Psyche sowie die kontroversen Ereignisse in Indochina wider. Doch bis zu John Rambos (Sylvester Stallone) Schlussrede ist diese Geschichte stark von Schießereien und Explosionen geprägt. John Rambo gehört eher zur Kategorie der ununterbrochenen Action und kämpft ständig gegen Vietnamesen, Russen und sogar Blutegel. Mit bösartigen Stealth-Kills, sadistischen Foltermethoden und brutaler Rache lässt der Fokus auf gewalttätige Action, für den die Reihe bekannt ist, nie nach.

Abgesehen vom Finalsong gibt es im ganzen Film so gut wie keinen Humor, aber immerhin wird Co Bao (Julia Nickson) als Liebesinteresse eingeführt, das sich zwischen charmant und nervig bewegt, wobei Letzteres besonders in ihrem gebrochenen Englisch deutlich wird. Normalerweise wäre dieses weibliche Element eine interessante Ergänzung gewesen, die in verschiedene Richtungen hätte gehen können, aber Co Baos Präsenz wirkt eher wie ein zusätzlicher Einfall als eine sorgfältig kalkulierte Komponente. Die von der Figur ausgelöste Wirkung ist nur von kurzer Dauer und dient lediglich als Puffer für die Reaktionen der anderen. Das soll nicht heißen, dass die Grundidee nicht ein respektabler Ansatz war, aber bei einem Drehbuch, das von James Cameron mitverfasst wurde, sind höhere Ambitionen nicht unangemessen.

Die Fortsetzung verzichtet auf einen konkreten Antagonisten und bedient sich stattdessen des Actionfilm-Klischees von mehreren Hauptbösewichten und einer ganzen Reihe von sekundären Schergen, deren einziger Zweck es ist, erkennbare und kathartische Todessequenzen zu schaffen. Auch wenn diese Substitution zu weitaus weniger Handlungssubstanz führt, wird jedes Mal, wenn einer dieser boshaften Schurken einen gut platzierten Raketenschuss in den Kopf oder einen heftigen Elektroschock erhält, sein Ziel auf adäquate Weise erreicht. Man kann nicht anders, als zufrieden zu grinsen, wenn die Abfertigung erfolgreich absolviert wurde. Der Nachteil ist jedoch, dass der Betrachter zwar möchte, dass diese Antagonisten zu Tode kommen, aber es ist ihm egal, was sie tun, solange sie leben.

"Rambo II - Der Auftrag" beginnt mit einem Knall, schließt mit einem Knall und hält sich in der Mitte nicht zurück. Das Problem bei diesem Prinzip ist, dass es wenig Raum für eine eigentliche Handlung gibt, und obwohl die meisten Filmfans John Rambo nicht mehr mit einer komplizierten Historie in Verbindung bringen, ist das Potenzial dieses Charakters so viel größer. Ein idealerer Film hätte beide Faktoren mit mehr Finesse in Einklang gebracht. Letztendlich verlangt dieser zweite Teil der Franchise von seinen Betrachtern, dass sie ihren Verstand vor der Tür abgeben und sich geistlos zurücklehnen, um den viszeralen Rausch der feurigen Explosionen zu genießen. Und seid versichert, wenn John Rambo Colonel Samuel Trautman (Richard Crenna) fragt, bevor er seine selbstmörderische Mission annimmt: "Werden wir dieses Mal gewinnen?", wird die Antwort lauten: "Ja, Rambo, du wirst immer gewinnen."

Als Synonym für 'Ein-Mann-Armee' setzte der Überlebenskünstler John Rambo (Sylvester Stallone), der bis an seine Grenzen ging, die Messlatte für Action-Helden deutlich in die Höhe. Sylvester Stallones unterhaltsame, stoische Darstellung trug dazu bei, dass "Rambo" von Regisseur Ted Kotcheff zu einem der einflussreichsten Filme seiner Zeit wurde. Oberflächlich betrachtet handelt es sich um einen epischen Showdown in der Wildnis, doch unter den Schichten des Gemetzels verbirgt sich ein scharfsinniger sozialer Kommentar, der sich mit den Nöten und der Ablehnung konfrontiert, mit denen heimkehrende Vietnamveteranen zu kämpfen haben, während er gleichzeitig die Hybris und die Verachtung derer untersucht, die ihre Wiedereingliederung nicht akzeptieren. Teilweise übertrieben, aber überraschend realistisch in seiner Darstellung kriegsbedingter psychischer Traumata, ist "Rambo" sowohl ein psychologischer Thriller als auch ein packender Actioner.

Sylvester Stallone wird nicht gerade für seine schauspielerischen Qualitäten gerühmt, aber man hätte kaum eine bessere Besetzung für den gewieften, unartikulierten Soldaten finden können. Es gelingt Sylvester Stallone, den missverstandenen Moloch, der wie ein wildes Tier in die Enge getrieben wird, mit großer Ernsthaftigkeit und Authentizität darzustellen. Spätere Teile des "Rambo"-Erbes versuchten, diesen faszinierenden Einschüchterungseffekt beizubehalten, gaben diesen Stil aber zugunsten häufigerer Explosionen auf. Die erste Begegnung mit diesem ikonischen Anti-Helden offenbart eine gutmütige, wenn auch unnahbare Persönlichkeit und lässt das kommende Blutbad kaum erahnen.

Große Helden kommen selten ohne herausragende Bösewichte aus, und Brian Dennehy liefert eine exzellente Performance des egoistischen, ignoranten Cops, der vor nichts zurückschreckt, um sein Ziel zu erreichen, selbst wenn dies seine Kollegen und die Zivilbevölkerung, die er zu schützen geschworen hat, in Gefahr bringt. Nichts kann den Ehrgeiz des Sheriffs aufhalten, und er setzt seinen Feldzug fort, selbst als er von John Rambo vor dem Tod gerettet wird, wobei ein Hilfssheriff bemerkt: "Wir jagen nicht ihn, er jagt uns". Blendender Stolz wird dem Antagonisten zum Verhängnis, und er beginnt erst, seine katastrophalen Fehler zu erkennen, als seine Stadt buchstäblich um ihn herum kollabiert. "Er ist ein Mann. Und er ist verwundet."

In einer starken Nebenrolle fungiert Richard Crennas Colonel Samuel Trautman als Berater und Seher, der den unvermeidlichen Ausgang der Konfrontation erklärt und davor warnt. Er ist so etwas wie ein klares Gewissen und eine Stimme der Vernunft inmitten zweier unterschiedlicher gesellschaftspolitischer Extrempositionen, die die Emotionen und den Humanismus, die in dem geplagten Kämpfer noch vorhanden sind, noch mehr zum Vorschein bringen. Außerdem ist er der einzige Charakter, der nicht die Hauptrolle spielt und in allen drei Filmen der ursprünglichen Trilogie auftritt.

Reduziert man das Genre von "Rambo" auf reine Action, kann er immer noch mit den Besten dieser Kategorie punkten. Der größte Teil von "Rambo" besteht aus einer spannenden Verfolgungsjagd, bei der John Rambo gegen allerlei schwer bewaffnete Gesetzeshüter kämpft, sowie aus Sequenzen, in denen er Hubschrauber, Dobermänner, Ratten und Minenschächte ausmanövriert. Es kommt zu Verfolgungsfahrten, Gebäude explodieren, Maschinengewehre werden abgefeuert und eine unvorbereitete Polizeitruppe wird in die Knie gezwungen. Doch die Anmerkungen zu den widersprüchlichen Legitimationen, der Ungerechtigkeit und dem Unvermögen der Soldaten während des Vietnamkriegs sowie der fesselnde Kampf zwischen zwei Männern, die nicht bereit sind, sich zu beugen, sind meistens ergreifender als das Abenteuer, das "Rambo" zu einem breiteren Spektrum an Interessenten und einem unerwarteten kommerziellen Erfolg verhalf.

In "The Beekeeper" von Regisseur David Ayer genießt der Einzelgänger Adam Clay (Jason Statham) sein meist einsames Leben, indem er sich um Bienen kümmert und sich gelegentlich mit seiner einzigen Freundin, der pensionierten Lehrerin Eloise Parker (Phylicia Rashad), unterhält. Als die ältere Dame Opfer eines Internetbetrugs wird, der ihre Ersparnisse und die der von ihr geleiteten Kinderhilfsorganisation plündert, wählt sie den Freitod. Nachdem Adam Clay von ihrer Tochter, der FBI-Agentin Verona Parker (Emmy Raver-Lampman), über die für den Diebstahl verantwortliche Firma informiert wird, beginnt der Imker einen Rachefeldzug, der nicht enden wird, bis die Verantwortlichen vor Gericht stehen... oder sterben.

Er ist ein Mann der wenigen Worte, aber er ist so unbarmherzig gegenüber denen, die seinen Lieben schaden, wie gegenüber den Hornissen, die in sein Bienenvolk eindringen. Die zum Scheitern verurteilte Formel einer ruhigen, privaten, isolierten Persönlichkeit mit außergewöhnlichen Fähigkeiten, die zur Vergeltung eingesetzt werden müssen, bietet sicherlich nicht allzu viele neue Ideen. Doch die Ausgangssituation, in der eine nette alte Frau zur Zielscheibe von Online-Betrug und Identitätsdiebstahl wird, ist zweifelsohne aktuell und nachvollziehbar. "Es hat sich noch nie jemand um mich gekümmert."

Die warnende Botschaft zu Beginn, wie leicht Menschen ohne Computerkenntnisse von Betrügern getäuscht werden können, liefert ein sehr vernünftiges Motiv für Jason Stathams ruhigen, besonnenen Killer, Rache der besonders destruktiven Art zu üben. Die infantile Exzentrik und die komische Abscheu der Bösewichte sorgen für einen völligen Mangel an Sympathie, was sich als äußerst vorteilhaft erweist, wenn diese Antagonisten von einer Ein-Mann-Armee entstellt und eliminiert werden. Es ist meist lustig zu sehen, wie wehleidige Teenager, die dem ganzheitlichen New-Age-Hokuspokus frönen, versuchen, mit NFTs hausieren zu gehen, einen kompletten Anzug tragen, auf dem vom Kragen bis zu den Manschetten das Wort 'GOAT' aufgedruckt ist, oder eine lebensgroße 'Terminator'-Statue im Büro stehen haben, eine brutale Strafe erhalten, auch wenn das Ausmaß der Gewalt ansonsten himmelschreiend wäre. Die Rachefantasie ist morbid gut umgesetzt.

Leider gerät der Umfang von "The Beekeeper" bald außer Kontrolle, was vielleicht an der offensichtlichen Vorliebe des Autors Kurt Wimmer für unerhört fantasievolle Drehbücher (z. B. "Ultraviolet") liegt. Anstatt sich an das intimere Konzept eines Geheimagenten im Ruhestand zu halten, der wiederkehrt, um ein Unrecht an einem Freund wiedergutzumachen, gerät die Handlung zunehmend aus dem Ruder und verlagert sich von der Cyberkriminalität zum neuen Schwerpunkt des Grundkonzepts von "96 Hours", zu "Mission Impossible"-Gruppen, die mit überwältigenden militärischen Waffen einen Krieg führen, der konkreter und realistischer ist als der von Hackern, die die Welt beobachten. Diese Eskalation in eine sperrige Tangente an der Spitze der politischen Nahrungskette scheint besser zu 'James Bond', 'John Wick' oder "The Equalizer" zu passen, aber zumindest bietet sie Stoff für einige herrlich sarkastische Kommentare und reichlich knallharte Todesszenen.

"The Beekeeper" ist simpel und weitsichtig, aber vor allem unterhaltsam, weil Jason Statham sich in Rollen wohlfühlt, in denen er Horden von Spezialkräften und ein paar missratene Handlanger exekutiert, und weil es eine klare Abgrenzung zwischen Gut und Böse gibt - hier gibt es keine Grautöne. Als Actionfilm bietet er nicht viel Einfallsreichtum, aber er macht eine schonungslose Darstellung des Potenzials für eine negative Entwicklung der Regierung in den USA - vielleicht die perfekte Warnung vor den bevorstehenden Präsidentschaftswahlen im November 2024 und wie ein System der gegenseitigen Kontrolle immer wichtiger wird, selbst wenn es nicht von einem übermenschlichen Rambo-esken einsamen Wolf als Problemlöser umgesetzt wird. "Niemand ist unantastbar."

In "Stung" von Regisseur Benni Diez schwirrt eine Honigbiene fröhlich durch die bunten Herbstbaumkronen von New York, als sie plötzlich von einem größeren, schwarzen Insekt - vermutlich einer Wespenart -, angegriffen wird. Auch die angenehme Orchestermusik wird durch morbide Klänge ersetzt. Schließlich kommt es bei dem Opferinsekt zu einer heftigen Mutation, die für alle in der Umgebung eine Katastrophe bedeutet.

Mit einer Vielzahl von Hintergrundcharakteren verspricht "Stung" reichlich Fraß für die späteren Monsterangriffe zu liefern. Und tatsächlich, kurz nachdem Bürgermeister Caruthers (Lance Henriksen) über leckere Hors d'oeuvres geplaudert hat, bricht die Hölle los: Ein riesiger Wespenschwarm bricht aus einem Loch im Boden hervor und stürzt sich auf die in Panik geratenen Gäste. Unvorhersehbarerweise sterben die wenigen Charaktere, die sprechen können, als erste, so dass die verbleibende Handvoll Überlebender lediglich die Hauptrollen spielen. Vielleicht ist das gar nicht so wichtig, wenn man bedenkt, dass die Smalltalk-Dialoge ein wenig verzweifelt und banal wirken. Wenn sie dazu verwendet werden, Lücken zwischen der Handlung zu füllen, klingen sie sogar noch deutlich blasser und uninspirierter.

Glücklicherweise gibt es neben der Gewalt, die mehr als nur Verstümmelung und Geschmacklosigkeit ist, auch eine Menge Komik. Blut spritzt an die Wände, menschliche Extremitäten werden zerrissen und Schleim wabert. Wespenstiche führen dazu, dass riesige, mutierte Kreaturen aus ihren Wirten ausbrechen, wobei hauptsächlich praktische Effekte zum Einsatz kommen, vor allem, wenn die monströsen Wesen geifernd umherkrabbeln und sich auf ihre Beute stürzen. Der Look ist spektakulär und erinnert an schlockige Slasher aus den 80er Jahren, die den heutigen CG-lastigen Pendants weit überlegen sind. Der Humor, der selbst in den blutigen Sequenzen durchsticht, sorgt für den richtigen Rahmen für die Spannung. "Stung" nimmt sich zu Recht nicht allzu ernst.

Auch die Beleuchtung und die Kulissen sind gut gelungen, so dass eine interessante Szenerie entsteht, in der die Menschen gegen die Launen der Natur kämpfen. Allerdings ist die Geschichte nicht sonderlich ausgefeilt, zu oft werden Flauten für weiteres Geschwafel oder wenig überzeugende Flirtereien genutzt, bevor der nächste spontane Angriff kommt. Das Finale verbessert sich jedoch beträchtlich, da der Ekelfaktor exponentiell ansteigt, mit Anleihen bei "Braindead" und den vielen Teenie-Slashern, die sich mit Bösewichten profilieren, die sich weigern, zu sterben.

"The Lobster" von Regisseur Yorgos Lanthimos beginnt mit einer Frau, die eine Landstraße entlang fährt, dann anhält und einem Esel in den Kopf schießt. Der Grund für diese Aktion ist bis zum Ende des Films völlig unbekannt, obwohl die an diesem Ereignis beteiligten Akteure nicht genannt werden. Die Kamera blickt durch die Windschutzscheibe, um das Attentat zu beobachten, wobei das Bild durch den Regen, der auf die Windschutzscheibe prasselt, und die ruckartigen Bewegungen der Scheibenwischerblätter, die die Sicht freigeben, verdeckt wird.

Diese unerklärliche Sonderbarkeit führt dazu, dass ein Mann, David (Colin Farrell), in ein Hotel eincheckt, wo er bis zu 45 Tage Zeit hat, eine weibliche Gefährtin zu finden. Wenn er versagt, wird er in ein Tier seiner Wahl verwandelt. Er beschließt, ein Hummer zu werden, weil sie 100 Jahre alt werden können und ihr Leben lang fortpflanzungsfähig bleiben, und weil er das Meer mag. An diesem ersten Tag ist einer seiner Arme an die Rückseite seines Gürtels gefesselt, als symbolische Erinnerung daran, wie viel besser das Leben mit zwei von etwas sein kann. Am zweiten Tag trifft sich David mit John (Ben Whishaw) und Robert (John C. Reilly), zwei anderen alleinstehenden Männern, die gerade herausfinden, wie alles im Hotel funktioniert, und die ihm mit Rat und Tat zur Seite stehen. Während einige Mitglieder einen geeigneten Partner finden und in eine größere Suite umziehen, um dort probeweise ein Eheleben zu führen - wenn Probleme auftauchen, können neue Paare ein Kind geschenkt bekommen, um Probleme zu glätten -, andere werden in den Verwandlungsraum geschickt, um in ein Tier verwandelt zu werden, was in der Regel als zweite Chance dient, einen Partner zu finden. Wieder andere wollen sich aus purer Hoffnungslosigkeit das Leben nehmen.

Fast sofort meldet sich eine monotone Erzählerin zu Wort und erwähnt grob kleine Details über David, wie zum Beispiel die Wahl seiner Schuhe, seine Absichten, seine aktuellen Gedanken und deutet sogar Dinge an, die er in Zukunft lernen wird. Die Notwendigkeit dieser allwissenden Stimme ist ziemlich fragwürdig, auch wenn sie eine Quelle großer Skurrilität ist, vor allem, wenn sie Trivialitäten kommentiert, wie eine Frau, die Butterkekse mag, oder bedeutende, aber beunruhigende Aspekte, wie die Verwendung eines Betäubungsgewehrs, das über Davids Bett hängt. Sie wiederholt auch Sätze, die die Charaktere gerade gesprochen haben, oder unterbricht sie teilweise, um den genauen Dialog zu erzählen, den sie gerade führen. Die überaus eigenartigen Kommentare sind urkomisch und erinnern an die schaurig-poetischen Werke des Animators Don Hertzfeldt.

Die Dialoge sind nicht das einzige Element, das unverschämt oder maßlos untertrieben wirkt. Die Bildsprache ist oft komplementär, mit sanften Klaviermelodien und einlullendem Gesang, die sich über eine wilde Jagd im Wald legen, zusammen mit nervösen und dann düsteren Geigen. Ein Mann, der lispelt, und eine Frau, deren Nase ständig blutet, werden durch Zeitlupenaufnahmen von Toastern in actionorientierten Momenten und beiläufiger Infamie gegenüber Kindern gequält. Es ist abwechselnd widerwärtig, betrüblich, morbide, humorvoll und außerordentlich beklemmend, oder alles auf einmal, als ob das Werk eine Verknüpfung der widersprüchlichsten thematischen Materialien wäre. "Das wäre doch absurd."

Und in vielerlei Hinsicht ist es das auch. "The Lobster" zielt darauf ab, die große Ironie der Suche nach und der Anerkennung von Liebe zu zeigen, die Vortäuschung einer Beziehung, die Folgen einer unangemessenen Romanze, die verschiedenen Komponenten der Unvereinbarkeit, gemischte Signale, die Irreführung der Gefühle und den Druck der gesellschaftlichen Normen, eine Partnerschaft zu führen, oder das Urteil derer, die den Erfolg an einer intimen Verbindung messen. Er beschreibt auch die Unwägbarkeiten der Liebe auf den ersten Blick oder das Phänomen, die Schönheit zu entdecken, wenn man sie am wenigsten erwartet, und die Opfer, die man für die wahre Leidenschaft bringt. Doch all diese Ideen sind mit einem Hauch von Irrsinn und akuter Apathie versehen, so dass viele kaum wiederzuerkennen sind. Sie ist verständlicherweise zwiespältig und verstörend, erschütternd und dramatisch und letztlich triumphal.

In seinen Parallelen zur dystopischen Zukunft von "1984" zeigt "The Lobster" eine gedankenpolizeiliche Äquivalenz mit seiner Ehepolizei, die öffentliche Plätze nach verdächtig erscheinenden Singles absucht. Es zeigt auch George Orwells Thema des Verbergens wahrer Gefühle, das sich in der Manipulation des Begattungsprozesses niederschlägt, indem Eigenarten vorgetäuscht werden, damit die Kompatibilität dem Schicksal gleicht. So kommt es zu einer Revolution zwischen den Einzelgängern, die sich in den Wald flüchten, und den scheinbar glücklichen Paaren in den Städten und auf den Yachten, die mit den speziell für sie entwickelten Bequemlichkeiten des Alltags bestückt sind.

Wie so oft in solchen Orwell'schen Albträumen herrscht trotz der Originalität dieser Inszenierung eine unerschütterliche Unruhe und Brutalität, die das gesamte parabolische Spektakel umgibt, als ob satirische Botschaften auf möglichst unkomfortable Weise vermittelt werden müssten. Am Ende bleiben der Humor und die Bilder stark, aber die Erzählweise wird abgründig, was selbst jene Betrachter beunruhigen könnte, die ein bitteres, unaufgeregtes Experiment in metaphorischer Ausweglosigkeit oder zeitgenössischer Liebe erwarten. Es regt zum Nachdenken an, aber die Geschichte leidet darunter.

In "The Killing of a Sacred Deer" von Regisseur Yorgos Lanthimos versucht der begabte Kardiologe Steven Murphy (Colin Farrell), den jungen Martin Lang (Barry Keoghan) nach den tragischen Folgen einer Operation zu trösten. Zunächst verbringt der Arzt nur wenig Zeit mit dem Jungen, doch schließlich versorgt er ihn mit Geld und trifft sich mehrmals pro Woche mit ihm zum Mittagessen. Als Steven Murphy ihn zum Abendessen zu sich nach Hause einlädt und den unbeholfenen Jungen seiner Frau Anna (Nicole Kidman) und seinen Kindern Kim (Raffey Cassidy) und Bob (Sunny Suljic) vorstellt, wird das Verhalten des Jungen immer merkwürdiger und obsessiver. Bald wird Steven Murphy mit einer schockierenden Enthüllung über Martin Langs Absichten konfrontiert und muss eine undenkbare Entscheidung treffen, die seine Familie für immer verändern wird.

Opernmusik und eine bildhafte Operation am offenen Herzen eröffnen "The Killing of a Sacred Deer", ein Film, der so simpel ist wie eine Adaption von 'Iphigenie' und den Folgen des Gottesspiels, oder so abstrus wie die Ängste der Elternschaft. Leider hat sich Yorgos Lanthimos nach seiner von der Kritik gefeierten Satire "The Lobster", die selbst vor allegorischen Darstellungen strotzte, auf eine neue Ebene der künstlerischen Unverständlichkeit begeben. Es gibt wenig über dieses Projekt, über das man mit Gewissheit sprechen kann. Der Betrachter wird diese filmische Distanzierung entweder faszinierend oder irritierend finden. Es ist unwahrscheinlich, dass ein Mittelweg gefunden wird.

Der erste und vielleicht größte Fehler ist, dass die Charaktere genau so sprechen und sich verhalten wie die Figuren in "The Lobster". Anstatt neue Regeln und Vorstellungen zu definieren, sind die Dialoge wieder trocken, unverblümt und seltsam abrupt, wobei die Akteure ihre innersten Gedanken äußern - Worte, die kein normaler Mensch in der realen Welt aussprechen würde. Die anfänglichen Sequenzen wechseln ihr Thema so hastig, als ob "The Killing of a Sacred Deer" nach jeder Szene zu einem völlig anderen Film mutieren würde. Die Vorliebe für ein Lederarmband gegenüber einem Metallarmband, die Präferenz für Apfelkuchen in einem bestimmten Restaurant und die Feinheiten des Schenkens sind Konzepte, die in getrennten Bildern zu existieren scheinen, obwohl sie in Sekundenschnelle diskutiert werden. Colin Farrell und die anderen Darsteller halten monotone, mimiklose Reden, ohne Nachdruck und Interesse. Es scheint, als spiele "The Killing of a Sacred Deer" im selben Universum wie "The Lobster", aber es gibt kein Bewusstsein für Futurismus oder eine dystopische Krise.

Gedreht wie ein Horrorfilm, mit einer Filmmusik, die den Betrachter dazu anleitet, mit der Zeit immer ängstlicher und wachsamer zu werden, ist "The Killing of a Sacred Deer" sowohl hysterisch unangenehm als auch unheimlich nervenzerreißend. Diese Menschen und ihre geheimnisvollen Handlungen haben etwas zutiefst Befremdliches an sich. Die omnipräsente Stranglosigkeit, die sich vor allem aus der sexuellen Anomalie ergibt, führt zu einem sehr langsamen Anstieg, wobei die Verstörung nicht aufhören will. Das Problem bei diesem Ansatz ist, dass er einen erheblichen Druck auf das Ergebnis ausübt. Die Narration kann die Eskalation des Grauens nicht einfach eindämmen, ohne dass sich etwas ändert. Wenn das Finale dann endlich erreicht ist, sollte es besser stark und augenöffnend sein. "Darf ich dich umarmen?"

Unvorhersehbarerweise wird das Ganze nur noch unerklärlicher. Es gibt viele Hinweise, wie beispielsweise einen Ausschnitt aus "Und täglich grüßt das Murmeltier", in dem Andie MacDowells Rita ausruft: "Du bist kein Gott!", während Steven Murphys stumpfsinniges Gebaren in kurze Momente rationaler Entscheidungsfindung übergeht, was angesichts seines Verhaltens zu Beginn eher inkongruent ist, aber die Geschichte vermeidet eindeutige Antworten. "Es ist eine Metapher! Es ist symbolisch!", schreit Martin Lang an einer Stelle, obwohl seine Botschaft keines der größeren Mysterien löst.

"The Killing of a Sacred Deer" ist hervorragend gefilmt und interessant anzusehen, aber die Geschichte ist ein Konglomerat von Handlungen und Bildern, die sich nicht zu einer kohärenten Vision zusammenfügen. Geht es um Religion oder Effizienz, Gerechtigkeit, Rache oder Chaos? Ist es die Comic-Version von "Sophies Entscheidung" und "Funny Games"? Oder ist es nur eine Übung in Absurdität? Obwohl Yorgos Lanthimos sicherlich bestrebt ist, zum Nachdenken anregende Debatten zu führen, haben der Zweck und die Bedeutung dieser abstrakten Darstellung wenig Gewicht, wenn die Figuren unsympathisch und gleichförmig sind. Der Ernst der Situation der Familie Murphy erzeugt Spannung, aber die Auflösung ist inhaltsleer, was größtenteils an einem Mangel an erkennbarem Sinn liegt. Wenn der Betrachter eine Lektion lernt, dann ist es die der Geduld.

"Der letzte Tempelritter" von Regisseur Dominic Sena zielt nicht sehr hoch, was ihm aber immerhin erlaubt, das zu erreichen, was er sich vorgenommen hat. Ein paar billige Schreckmomente, einige unblutige Schwertkämpfe, ein leicht fehlbesetzter Nicolas Cage und ein perfekt besetzter Ron Perlman halten die einfache Handlung in Gang, während die Schar von Hexen, Dämonen und deformierten Priestern den minimalen Thrill nicht behindert. Vielleicht weiß "Der letzte Tempelritter" nie so recht, welche Richtung er letztlich einschlagen wird, aber diese Ungewissheit bietet eine gewisse Unvorhersehbarkeit, die den Betrachter bis zu einem bestimmten Grad im Dunkeln lässt. Ist das Mädchen eine echte Hexe oder nur ein unschuldiges Kind? Sind die Priester böse Folterknechte oder weise Retter? Gibt es ein unterschwelliges Thema der Erlösung durch Opfer oder ein Plädoyer für faire Prozesse? Nee, wahrscheinlich nicht.

Lange ist es her, dass ein Schwert- und Zauberfilm erschien, der sich strikt an die mittelalterliche Epoche des 14. Jahrhunderts hielt, mit Themen wie Hexerei, Kreuzritter, die Kirche und den Teufel. Obwohl es sich bei "Der letzte Tempelritter" um einen übernatürlichen Film handelt, gibt es glücklicherweise keine Kraken, Gorgonen oder andere mythologische Kreaturen, die die allgemein glaubhafte Vorstellung von dämonischer Besessenheit beeinträchtigen. Leider wird der wenig gruselige, klug vorhersehbare erste Akt durch den üppigen Einsatz von Computergrafiken am Ende vergessen, und die Animationen sind nicht überzeugend.

Nicolas Cage, der sein durchschnittliches Ich in einer neuen Umgebung darstellt, ist nicht annähernd so authentisch wie sein Pendant Ron Perlman, der wie ein alternder Kriegsritter in Kombination mit Will Ferrell daherkommt. Die Sprache, die zwischen Altenglisch und zeitgenössischem Geschwätz hin und her wechselt, verrät ebenfalls den Schauplatz, trotz der Kostüme und der schaurigen Make-up-Effekte, die diese Illusion vervollständigen. Die willkürlichen Rückblenden zu Szenen, die nur 15 Minuten zuvor stattgefunden haben, sind geradezu impertinent, ebenso wie die randalierenden Dämonen und Wolfsmutanten, die völlig deplatziert wirken, aber die grundlegende epische Questgeschichte hat einen besonderen atmosphärischen Charme.

Zwar gelingt es "Der letzte Tempelritter" nur knapp, Spannung aufzubauen, aber die Integration von Schwertkämpfen um des Schwertkampfes willen, Starwettbewerben, Burgen, fleischfressenden Seuchenfolgen, Massengräbern, Duellen, wilden Tieren, tückischen Brücken, lichtlosen Wäldern, Geisterstädten, unheimlichen Nebeln und kochenden Mönchen sorgt für eine frequentierte Bildsprache. Bedauerlicherweise kann "Der letzte Tempelritter" nicht ganz an den Unterhaltungswert der 80er-Jahre-Schwert-und-Zauber-Filme oder der Schwert-und-Sandalen-B-Movies heranreichen. Und dies trotz der damaligen Palette an technologischen Fortschritten.

In "Crawl" von Regisseur Alexandre Aja trainiert Haley Keller (Kaya Scodelario) Leistungsschwimmen für die 'Gators' an der Universität von Florida in 'Gainesville' und kämpft um ihr Sportstipendium. Sie ist nicht die Beste im Team, aber sie ist entschlossen, und ihr Vater Dave (Barry Pepper) hat ihr beigebracht, weder der Konkurrenz noch den Trainern gegenüber mentale Schwächen zu zeigen. Als ihre Schwester Beth (Morfydd Clark) anruft und ihr mitteilt, dass ihr Vater unerreichbar zu sein scheint, bietet sie sich an, zu seinem Haus zu fahren, um nach ihm zu sehen. Doch Hurrikan 'Wendy' kündigt sich an, und die Evakuierungsbefehle entlang der Küste haben den Verkehr zum Erliegen gebracht.

Haley Keller ignoriert die Warnungen, sich von 'Brightrock' fernzuhalten, und macht sich auf den leeren, regennassen Straßen auf die Suche nach ihrem Vater. Als sie seine Wohnung erreicht, findet sie seinen Hund 'Sugar', aber ihr Vater ist nirgends zu finden. Anstatt an Ort und Stelle zu bleiben, beschließt sie, tiefer in den Sturm hineinzufahren, zu ihrem früheren Familienhaus, wo sie seinen Lastwagen entdeckt. Das ist doch sicher ein gutes Zeichen... "Das ist seltsam, es ist wie eine Geisterstadt."

Wären da nicht die Poster und die Filmtrailer, könnte "Crawl" jede Art von Thriller sein. Das laute, dunkle, gnadenlose Wetter verursacht Gänsehaut, und Daves Verschwinden ist ziemlich beklemmend. Es bleibt auch Zeit für die obligatorischen, nicht zusammenhängenden Jump-Scares, wie ein Baum, der durch ein Fenster kracht, oder Ratten, die plötzlich über den Boden huschen. Selbst wenn Haley Keller in den feuchten Souterrain hinabsteigt, ist das Potenzial für realistischen Horror offensichtlich. Doch statt eines Geheimnisses ist es ein Wartespiel, bis die Killerreptilien aufkreuzen, denn die Haupttäter sind bereits bekannt.

Schrecklich unnotwendige Rückblenden und Streitereien über eine gescheiterte Ehe füllen die kurze Laufzeit, während andere bekannte Hinhaltetaktiken auftauchen, darunter wenig hilfreiche Behörden, fehlende Ressourcen - oder bequemerweise fallen gelassene Werkzeuge -, klaustrophobische Orte, zufällige Opfer und eine schlechte Wahl des Schuhwerks. Glücklicherweise schwillt die spannungsgeladene Musik an den richtigen Stellen an, und die sehr begrenzte Besetzung wirkt sich positiv auf "Crawl" aus, vor allem wenn Dave sich als unnahbar, ernsthaft und verbissen - wenn auch fehlgeleitet -, unabhängig erweist. Das unterirdische Labyrinth ist dicht und die unheimlichen Unterwasseraufnahmen sind ebenfalls beeindruckend, die Stunts sind scharf ausgeführt, der steigende Wasserspiegel sorgt für zusätzliche Bedrohung, viele in letzter Minute erdachte Szenarien tragen zur Aggression bei, und Momente heftigen Blutvergießens helfen der Spannung. Langweilig wird es auf jeden Fall nie.

Erfreulich ist auch, dass die übergroßen Antagonisten einigermaßen realistische Gegner sind - schließlich handelt es sich nicht um Mutanten oder genetisch veränderte Exemplare. Allerdings sind ihr aggressives Verhalten und ihre verschlagenen Bewegungen, die oft aus dem Nichts geschehen oder aus der Dunkelheit heraus zuschlagen, ein wenig weit hergeholt - vielleicht hat der Klimawandel etwas damit zu tun. Sie sind, wie nicht anders zu erwarten, die Nemesis des Horrorfilms. Die computeranimierten Alligatoren sind jedoch größtenteils überzeugend, und die grafischen Angriffe sind durchaus ansprechend. Haley Keller und ihr Vater Dave sammeln auf fast schon komische Weise immer mehr Blessuren, während sie sich stöhnend und ächzend durch unmögliche Überlebensmanöver kämpfen. Der Kampf zwischen Mensch und Alligator ist ein großer Spaß. Hinzu kommt, dass moderne Killer-Tierfilme immer seltener geworden sind, so dass gute oder auch nur mittelmäßige Filme um so unterhaltsamer sind.

In "Lake Placid 2" von Regisseur David Flores sind fünf Menschen aus einem versifften See in 'Aroostook County', Maine, verschwunden, wo Umweltwissenschaftler der 'EPA' Proben für ihre Forschung sammeln. Tillman (Michael McCoy) wird das sechste Opfer, als er von einer unbekannten Kreatur gefressen wird. Sheriff James Riley (John Schneider) wird zu den Ermittlungen hinzugezogen, was ihm eine angenehme Ablenkung von seinem jugendlichen Sohn Scott (Chad Collins) verschafft, der keinen Respekt vor seinem Vater hat und aufgrund einer strittigen Sorgerechtsvereinbarung bei ihm leben muss.

Die Einheimischen vermuten, dass ein Serienmörder am Werk ist, aber der überlebende 'EPA'-Mann Frank Mills (Robert Blush) weiß, dass es sich um eine Art von Wassermonster handelt. Als Beweis hat er das abgetrennte Bein und den Arm seines Kollegen. Die Fish and Wildlife-Agentin Emma Warner (Sarah Lafleur) trifft ein, um bei dem Fall zu helfen, obwohl sie außer Statistiken wenig Fachwissen zu bieten hat: Die Wahrscheinlichkeit, dass ein Säugetier wie ein kranker Bär einen solchen Schaden anrichten kann, liegt bei einer Milliarde zu eins. Zum Glück kennt Sheriff James Riley eine verrückte alte Dame, Sadie Bickerman (Cloris Leachman), auf der anderen Seite des Sees, die er fragen kann, ob sie etwas über übergroße Krokodile in der Gegend weiß.

Es gibt kein Mysterium in "Lake Placid 2", da die Existenz des Vorgängers und der Trailer nicht davor zurückschreckt, den reptilienartigen Delinquenten zu offenbaren. Doch aufgrund des extrem niedrigen Budgets scheut "Lake Placid 2" selbst davor zurück, das Killerkrokodil zu zeigen, abgesehen von ein paar elenden CG-Aufnahmen, die von den Tiefen des Wassers verdeckt werden. Tatsächlich werden die meisten Angriffe nur mit Reaktionen oder aus der Sicht von Schaulustigen gezeigt, damit die Kreatur nicht mit ihren menschlichen Opfern interagieren muss. Plätscherndes Wasser und zitterndes Astwerk machen den Großteil der Konfrontationen aus. Als das Monster schließlich in Erscheinung tritt und mehr und mehr Zeit auf dem Bildschirm zubringt, könnte es nicht falscher aussehen. Ein computeranimierter Doppeldecker ist natürlich noch schrecklicher und völlig überflüssig.

Emma Warner will dem Biest nichts antun, zumal es das letzte seiner Spezies sein könnte. Aber dann ist da noch Struthers (Sam McMurray), gewissermaßen ein Verschnitt von 'Crocodile Dundee' oder das Äquivalent zu Quint aus "Der weisse Hai", der eine große Trophäe erbeuten will. Für die uninformierten Betrachter liest er auch interessante Fakten über Krokodile aus einem Buch vor, sagt Todesrollen voraus und erklärt, auf welche Weise ein Krokodil die perfekte Tötungsmaschine ist. Es gibt auch zahlreiche Nebenfiguren mit unterschiedlichen Absichten, aber sie dienen meist nur als Nahrung und für gratis Nacktaufnahmen, wie eine Gruppe von Partygästen, zu der ein Mädchen gehört, das mit Lotion eingerieben werden muss, und eine Reihe von solariumgebräunten Schönheiten, die oben ohne im Wasser planschen, nur damit der Betrachter sie oben ohne im Wasser planschen sieht. "Wir machen das auf humane Weise."

Die Geschichte ist außerordentlich generisch, aber sie ist nicht der negativste Teil von "Lake Placid 2". Diese Ehre gebührt den Dialogen, die so krakeelerisch sind, dass nicht einmal die desaströsen Schauspieler etwas damit anfangen können. John Schneider rezitiert seine Texte so, als ob er im Urlaub wäre oder nur üben würde, um die richtige Aussprache zu finden. Ihm ist es offensichtlich egal, was er eigentlich sagt, oder dass er zwischen den Zeilen Pausen einbauen muss, um einen dramatischen Effekt zu erzielen, während Sarah Lafleur sich praktisch durch mehrere Phrasen lacht. Die schauspielerische Leistung ist ziemlich schwergründig, aber die spezifische Ausdrucksweise könnte kaum bildungsresistenter sein. Zumindest bietet sie eine konstante Quelle für unfreiwilligen Humor.

In "Everything Everywhere All at Once" von den Regisseuren Dan Kwan und Daniel Scheitert muss Evelyn Wang (Michelle Yeoh, zurecht mit einem Oscar gewürdigt), die ein chinesisches Neujahrsfest vorbereitet, am selben Abend auch das Abendessen für ihren betagten Vater (James Hong) kochen, sich über die Freundin ihrer Tochter Joy (Stephanie Hsu) ärgern, deren Einführung ein Schock für das altmodische Empfinden der Familie sein wird, und den Papierkram für eine laufende Steuerprüfung ihres Waschsalons in 'Simi Valley' sortieren. Zu allem Überfluss will ihr Mann (Ke Huy Quan) ihr auch noch die Scheidungspapiere vorlegen. "Wir haben keine Zeit!"

An diesem hektischen Abend kommt es zu einer Reihe von elektronischen Defekten, die darauf hindeuten, dass etwas nicht in Ordnung ist. Mitten in Evelyn Wangs erschöpfender psychischer Belastung tauchen Gestalten aus alternativen Universen auf und drängen sie dazu, an einer verrückten Mission teilzunehmen, um die Welt oder zumindest ihren Verstand zu retten, während Alphaverse-Krieger aus dem Jahr 3657 versuchen, sie zu überreden, sie anzuhören. "Vertraue niemandem!"

Oberflächlich betrachtet geht es darum, ein unaufhaltsames Böses zu vereiteln, das unendlich viele alternative Realitäten korrumpiert, aber in "Everything Everywhere All at Once" geht es eigentlich um viel bodenständigere Konzepte, die von der Wiederherstellung einer zerrütteten Mutter-Tochter-Beziehung über das Verständnis von Lebensentscheidungen und die Wertschätzung der kleinen Dinge bis hin zur Umarmung der ärgerlichen Kleinheit und Unbedeutsamkeit des Einzelnen reichen. Darüber hinaus gibt es ergreifende Kommentare über Glück, Verwirrung, Potenzial, Angst, Vergeblichkeit und Selbstakzeptanz. Zweifelsohne verbirgt sich hinter der nicht enden wollenden Wahnwitzigkeit eine erhebliche Tragweite. "Der Bagel wird dir die wahre Natur der Dinge zeigen."

'Seltsam' beschreibt nicht einmal ansatzweise die visuelle Verrücktheit von "Everything Everywhere All at Once", der bald ein Ansturm von bizarren, lustigen, gewalttätigen, manchmal ekelerregenden Einfällen ist, die im Laufe des Films exponentiell irrer werden. In gewisser Form ähnelt die Handlung einer Marvel-Superheldengeschichte, aber sie ist weitaus unerwarteter, fantasievoller und verstörender. Brillant ist, dass die hochtrabenden Sci-Fi-Themen selten den High-Tech-Look moderner Spektakel annehmen, sondern sich in ganz gewöhnlichen Umgebungen voller durchschnittlicher Büroangestellter wiederfinden. Aus so wenig wird so viel gemacht, vor allem mit Sets und Requisiten und Dekorationen und den rasanten Schnitten zwischen bunt kostümierten Gegnern, unbeholfenen Verhaltensweisen, bizarren Animationen und disparaten Gegenstücken aus dem Multiversum. Mit Anleihen bei "The One", "Matrix", "12 Monkeys", "Zurück in die Zukunft", "Ratatouille", "Southland Tales", "Das fünfte Element" und "Time Bandits" und vielen anderen spekulativen Filmen, ohne dabei etwas von seiner Frische zu verlieren, ist dieses höchst originelle Werk voller überzeugendem erzählerischem Chaos. "Das ergibt keinen Sinn!"

So abgedreht "Everything Everywhere All at Once" auch ist, er ist auch unglaublich liebenswert und erkundet Entscheidungen, Wege, Verlockungen und Möglichkeiten mit einer sanften Zärtlichkeit. Es ist sowohl eine Liebesgeschichte, die zwischen mütterlicher Liebe, ehelicher Romantik und abstruser Sexualität wechselt, als auch ein Science-Fiction-Werk der Groteske. Oft ist es ebenso sympathisch wie lächerlich und verblüffend, sowie rührend wie absolut wild. Vieles davon funktioniert dank Michelle Yeoh, die neben ihren Martial-Arts-Fähigkeiten auch eine emotionale Echtheit besitzt, die in diesem Projekt zum Tragen kommt, da es sich fast zu sehr auf Kung-Fu-Schlägereien verlässt, was gelegentlich zu Lasten der gestörten Kreativität von Frischkäse, Kulleraugen und Waschbären geht, die allesamt einprägsam sind. Die Laufzeit erstreckt sich etwas in die Länge, vor allem weil die Geschichte in drei Teile aufgeteilt ist, aber die Wiederholungen und die unvorhersehbare Skurrilität langweilen nie. Es ist schwer, nicht von einem Film beeindruckt zu sein, der sich mit unerfüllten Hoffnungen und Träumen, der Verwirklichung einer sinnvollen Existenz und dem Sinn des Lebens an sich auseinandersetzt, während er sich dem absurden Wahnsinn hingibt, Sicherheitskräfte mit riesengroßen Dildos zu verprügeln oder die evolutionären Vorteile gummiartiger, knochenloser, hot-dog-ähnlicher Finger zu postulieren.

Am besten sieht man sich "Beware the Slenderman" von Regisseurin Irene Taylor Brodsky mit so wenig Vorwissen wie möglich an. Es ist zweifellos effektiver, wenn man nicht zu viel über den Prozess weiß, denn der Dokumentarfilm dreht sich um die Entscheidung, ob die zwölfjährigen Mädchen Morgan Geyser und Anissa Weier als Erwachsene vor Gericht gestellt werden. "Weil es notwendig war."

Irene Taylor Brodsky erforscht die Kindheit von Morgan Geyser und Annisa Weier sowie das Leben und die Ansichten ihrer Eltern. "Beware the Slenderman" nimmt keine Stellung zu ihren Erziehungsfähigkeiten, aber selbst der voreingenommenste Betrachter wird den Film mit einem Schimmer von Verständnis beenden. Es ist bedauerlich, dass die Eltern von Payton Leutner in dem Dokumentarfilm nicht vorkommen. Es ist zwar nur zu verständlich, dass sie nicht wollten, dass ihr Schmerz 18 Monate lang dokumentiert wird, aber es wäre wünschenswert gewesen, wenn "Beware the Slenderman" einen Hinweis darauf gegeben hätte, warum sie nicht in die Dokumentation aufgenommen wurden. "Sorg dafür, dass sie auf dem Boden liegt."

Mit fast zwei Stunden scheint "Beware the Slenderman" seine Laufzeit mit gewissen Exkursen aufzustocken, obwohl dies eine Folge der Ausstrahlung auf HBO sein könnte, das wahrscheinlich Laufzeitquoten hat, die eingehalten werden mussten. Man wünscht sich fast, "Beware the Slenderman" hätte etwas weniger Zeit darauf verwendet, über die Moral von Kindern zu debattieren, die iPads als Teil ihrer Schulausrüstung haben müssen, und mehr Zeit auf die Einflüsse des Internets und Phänomene wie 'Creepypastas' beleuchtet. Auch die Morgan Geyser und Annisa Weier gewidmete Fankunst wird kurz gezeigt, aber nie in den Mittelpunkt gestellt. "Muss ich jetzt im Gefängnis verrotten?"

Wer sich "Beware the Slenderman" ansieht, erwartet vielleicht einen Film, in dem es mehr um 'Slenderman' selbst geht, aber der Film ist ein wirklich erschreckender Blick auf die Auswirkungen, die das Internet auf die Jugend von heute haben kann. Am Ende wirft er mehr Fragen auf als er beantwortet, aber das ist verzeihlich. Kann man wirklich begreifen, warum diese beiden Mädchen so sehr an 'Slenderman' glauben, dass sie für ihn töten würden? "Beware the Slenderman" versucht, diese Frage zu beantworten, aber da die Geschichte zu diesem Zeitpunkt technisch unvollendet ist, gibt es keine konkreten Antworten. Das beeinträchtigt den Effekt von "Beware the Slenderman" nicht, sondern macht ihn sogar noch verstörender. Es ist schwer, den Film zu kommentieren, ohne auf die Spezifika des Falles einzugehen, also sage ich einfach: Schaut euch "Beware the Slenderman" an. Ihr werdet es nicht bereuen. "In der Welt der Erwachsenen vergessen wir oft, wie beschissen es ist, ein Kind zu sein."

In "Licorice Pizza" von Regisseur Paul Thomas Anderson drängt der 15-jährige Gary Valentine (Cooper Hoffman) die 25-jährige Alana Kane (Alana Haim), mit ihm essen zu gehen, aber sie tut ihr Bestes, um desinteressiert zu wirken. Dennoch bleibt er hartnäckig und ist sich sicher, dass Alana Kane das Mädchen ist, das er eines Tages heiraten wird. Für ihn ist es Liebe auf den ersten Blick. Mit seinen stets witzigen, charmanten und koketten Anmachen dauert es nicht lange, bis aus ihr mehr als nur eine gute Freundin wird. "Ich gehe auf kein Date mit dir, Kleiner."

"Licorice Pizza" spielt im San Fernando Valley in den frühen 70er Jahren und ist langsam oder vielleicht vorsichtig, um die Richtung festzulegen, in die es geht, aber er ist sofort überzeugend in seiner Charakterentwicklung. Gary Valentine und Alana Kane sind von Anfang an äußerst sympathisch und in ihrer absoluten Normalität ungewöhnlich filmisch. Ihre Darbietungen haben eine Anmut und Authentizität, die man in anderen Filmen nur selten zu sehen bekommt. Obwohl ihr Altersunterschied für manche problematisch sein könnte, vor allem, wenn die Geschlechter vertauscht wären, ist es eher eine Situation wie in der Mittelstufe, mit wenig Betonung der sexuellen Kompatibilität, die sich hier als unglaublich relevant erweist. Das Alter von Gary Valentine hätte auf 18 Jahre angehoben werden können, aber "Licorice Pizza" basiert auf mehreren realen Personen, was sicherlich der Grund für diese Entscheidung ist. Ihre Natürlichkeit wird gekonnt durch exzentrische Nebenrollen ergänzt, von denen einige bekannte Charakterdarsteller und ein paar überraschende, größere Persönlichkeiten sind. "Barbara Strei-Sand!"

Dieser intime, amüsante Film, der ein wenig an "Ich glaub ich steh im Wald" und "Almost Famous - Fast berühmt" erinnert, bewegt sich durch scheinbar zufällige Ereignisse im Leben dieser beiden Charaktere, während sie sich durch die Pubertät, aufkeimende Karrieren, Freundschaften, Familie und junge Liebe bewegen. In erster Linie erleben sie romantische Höhen und Tiefen, da ihr Alter und ihre geschäftlichen Unternehmungen dazu führen, dass sie sich zu unterschiedlichen Zeitpunkten verbinden und trennen. Der Fokus liegt eindeutig auf der Art und Weise, wie sie sich in Rivalität und Eifersucht verlieben und wieder entlieben, während sie skurrile Missgeschicke erleben, die manchmal extreme Zufälle beinhalten. Auffallend ist, dass er unschuldig und ansprechend ist und sich von den düsteren Elementen der sexuellen Entwicklung entfernt, die man in vielen trostlosen Coming-of-Age-Filmen sieht. Viele dieser heiteren Szenen befassen sich mit bemerkenswerten historischen oder politischen Ereignissen, die durch die lustigen und manchmal melancholischen Darstellungen von Gary Valentine und Alana Kane hervorgehoben werden, vielleicht vergleichbar mit denen von "Forrest Gump".

Während die beiden Hauptdarsteller, obwohl sie im Rahmen dieses altmodischen, aber hier wunderbar funktionierenden Konzepts eindeutig zueinander passen, darum ringen, zueinander zu finden, lässt Paul Thomas Anderson eine enorme Menge an authentischem, harmonischem Humor einfließen. Die Dialoge sind geradezu äsopisch und zeigen immer ein Gefühl von Ehrlichkeit und Sanftmut. Trotz des geringen Umfangs und des autobiografischen Inhalts des Films, der in der Tat lose auf einer realen Person - Gary Goetzman - basiert, ist "Licorice Pizza" eine enorm unterhaltsame, berührende Reise mit ungebrochener Wohlfühl-Atmosphäre.

"Lake Placid - Der Schrecken aus der Tiefe" von Regisseur Steve Miner beginnt wie jeder gute Killer-Tierfilm: Einem Taucher in 'Aroostook County', Maine, wird die untere Hälfte seines Körpers von einem zahnreichen Seemonster abgebissen. Die örtliche Fischereibehörde, angeführt von Jack Wells (Bill Pullman), vermutet, dass es sich um einen Bären handelt. Sheriff Hank Keough (Brendan Gleeson) weiß nur, dass er einen Freund verloren hat. Die New Yorker Paläontologin Kelly Scott (Bridget Fonda) reist als Beraterin in das ländliche, hinterwäldlerische Sumpfgebiet von Neuengland, obwohl sie eindeutig kein Naturmensch ist. Kelly Scott ist nicht gerade begeistert von dem Zeltleben und den vielen Moskitos, aber sie braucht eine Auszeit von ihrem Freund und Chef, der sie mit ihrer Kollegin und Freundin Myra (Mariska Hargitay) betrügt.

Zur gleichen Zeit fliegt der reiche, exzentrische Mythologieprofessor, Krokodiljäger und Fallensteller Hector Cyr (Oliver Platt) mit einem privaten Hubschrauber ein, um bei der Jagd auf ein vermeintliches Riesenkrokodil zu helfen. Seine Präsenz sorgt für kostspielige Ausrüstung und mangelnden Respekt. Zu ihnen gesellt sich die flirtfreudige Polizistin Sharon Gare (Meredith Salenger), eine der wenigen Beteiligten, die als Hintergrundfigur, die mit der feindseligen Situation fertig werden muss, echt wirkt. Während das Team in den trüben Gewässern nach Spuren der Kreatur sucht, kommen sich Kelly Scott und Jack Wells immer näher, die Zahl der Leichen steigt, und als sich das gigantische Krokodil schließlich zu erkennen gibt, indem es einen aggressiven Bären in den See zerrt, schmiedet die Gruppe ernsthafte Pläne, um die mörderische Bestie zur Strecke zu bringen.

Alle Charaktere sind schräg, witzig, sarkastisch und eigenwillig, und das Drehbuch ist so raffiniert geschrieben, dass es gut zu einem Film über menschenfressende Reptilien passt. "Lake Placid - Der Schrecken aus der Tiefe" versucht nicht, seinen komödiantischen Kern zu verbergen, die Absurdität des zentralen Konzepts und den humorvollen Umgang der Figuren mit Tod und Zerstörung. Es ist Horror und Komödie zu gleichen Teilen. Bridget Fonda murrt, nörgelt und schreit unaufhörlich, Oliver Platt und Brendan Gleeson streiten, Betty White flucht und Bill Pullman bleibt auf seine übliche, wenig enthusiastische Art cool. Brendan Gleeson ist ein Stück weit zu gut, um überhaupt mitzuspielen, ebenso wie Mariska Hargitay. Vielleicht hätte sich sogar Betty White nicht in dieses Projekt einmischen sollen, aber diese interessanten Nebendarsteller tragen sicherlich zum Unterhaltungswert bei. "Ich hoffe, das Krokodil gewinnt!"

Steve Miner bietet die in Horrorfilmen üblichen Jump-Scares, Gore und spannungsgeladene Attacken, die auch mit Humor gewürzt sind, da ständig Menschen ins Wasser fallen, um den übergroßen Unhold zu ködern. Was die visuellen Effekte angeht, so sind Stan Winstons Kreaturendesigns immer faszinierend, und der schuppige Antagonist von "Lake Placid - Der Schrecken aus der Tiefe" ist da keine Ausnahme. Die Computergrafiken sind anständig, da sie sparsam eingesetzt werden, aber es ist das riesige animatronische Ungetüm, das wirklich beeindruckend aussieht. Wie eine Mischung aus dem Hai aus "Der weisse Hai" und dem T-Rex aus "Jurassic Park" hat die schleimige, gummiartige Attrappe einige überraschend unterhaltende Momente, von denen der Unterwasserangriff auf Bridget Fonda und der Angriff auf den Helikopter aus der Luft die besten sind. Auch das Finale ist nicht zu verschmähen, auch wenn "Lake Placid - Der Schrecken aus der Tiefe" mit einer auffallend kurzen Laufzeit etwas zu zügig voranschreitet.

In "Ambulance" von Regisseur Michael Bay flackert und blitzt das Sonnenlicht über die Gesichter und die Szenerie oder verdeckt sie ganz, und die Kameraführung ist sofort überfordert und überdramatisch. Dies wird durch die exzessiven Kamerabewegungen noch verschärft, die zwar in einer einleitenden Unfallszene nützlich sind, um den Thrill und die Hysterie der Arbeit der Rettungssanitäter zu demonstrieren, an anderer Stelle aber schnell penetrant und irritierend wirken. Von extremen Nahaufnahmen über dröhnende Musik und Soundeffekte bis hin zu Rückblenden in Zeitlupe - alles scheint in einer hyperintensiven Existenz präsentiert zu werden. Keine Handlung, und sei sie noch so belanglos, kann sich dem manipulierten, intensivierten Eindruck von Unmittelbarkeit entziehen.

In vielerlei Hinsicht ist es so, als wolle Michael Bay nicht, dass der Betrachter die komplizierten Ereignisse, die er inszeniert, einfach nur beobachtet. Sie sind vollständig durchdacht und ausgeführt, vor allem bei den Actionsequenzen, aber die Kamera kommt nie lange genug zur Ruhe, um die Spannung einzufangen. Stattdessen werden die Verfolgungsjagden und Schießereien durch ständige Schnitte und kreisende Bewegungen zerstückelt und verdunkelt, und selbst gewöhnliche Gespräche bleiben von der zirkulierenden Kameraführung nicht verschont. Bei den Stunts ist das wirklich bedauerlich, denn es werden viele Autos zerstört und mit Kugeln durchlöcherte Körper herumgeschleudert. Einmal mehr hofft Michael Bay, einen Orden für die rücksichtsloseste Missachtung von Fahrzeugen und Gütern zu gewinnen. Das Aufkommen der Drohnenfotografie hat den Filmemachern seltsamerweise die Mittel an die Hand gegeben, um zuvor unvorstellbare, aufwändige Aufnahmen zu machen, was ein großer Vorteil für alle ist - außer für Michael Bay, der dieses Potenzial bis zum Überdruss an visuellen Ausfransungen missbraucht.

Der Plot beginnt zwar mit generischen Konzepten, die "Speed" mit "Gefährliche Brandung" und "Heat" und einer Dosis Jason-Statham-Filmen sowie einer Unmenge dieser 'One-Last-Heist'-Storylines kombinieren, schafft es aber, sich zu etwas Komplexerem als erwartet zu entwickeln - die Entführung eines Krankenwagens kommt so spät, dass sie ohne die Filmtrailer, die Werbung und den Filmtitel eine Überraschung gewesen wäre. Dazu gehören eine Reihe moderat unterhaltender moderner Instrumente, die den Strafverfolgungsbehörden für die Verfolgung und Festnahme von Gaunern zur Verfügung stehen. Leider ist "Ambulance" immer noch voller bornierter Eingebungen, von einem abgewürgten Truck über schwächelnde Batterien bis hin zu einem Polizisten, der sich in letzter Minute einmischt, und einer betagten Dame in einem Aufzug. Die zahlreichen kurzen Zwischenfälle, die den Banküberfall und die anschließende Flucht des Krankenwagens stören, sind bestenfalls aberwitzig, zumal sie von unsäglich pathetischen Dialogen umgeben sind, die oft von fürchterlich degoutanten Nebenfiguren dargeboten werden, von denen es eindeutig zu viele gibt. Es ist geradezu paradox, wie viele Fremde hier herumlaufen, und "Ambulance" fügt in jeder zweiten Szene weitere hinzu, die jeweils eine Dialogzeile, aber keine signifikante Definition aufweisen. Da sie nicht notwendig waren, ist ihr Mangel an Resultaten ebenso trivial, wenn auch auf merkwürdige Art naheliegend. "Ich habe die bestmöglichen Leute dafür."

Am Ende ist es wirklich abominabel, wie sehr sich die Filmschaffenden abmühen, "Ambulance" spannungsreich, kantig oder gar unerwartet zu inzenieren. Je länger "Ambulance" dahinplätschert und sich weigert, die langwierige Hetzjagd zu beenden, desto dämlicher und weniger glaubwürdig wird er. Das heiß ersehnte Finale ist etwas ganz anderes, eskaliert die Spannungen auf ein explosives und tödliches Niveau, aber die Nachwehen kehren zurück in die Unbedeutsamkeit des Charakter-Overkills und Michael Bays disziplinloser Neigung zum lähmenden Over-the-Top-Drama. "Weiß deine Frau, dass du Banken ausraubst?"

In "Aquaman: Lost Kingdom" von Regisseur James Wan beginnen die Logos von Warner Bros. und DC mit wässrigen Effekten und fischartigen Lebewesen, aber die Aura wird sofort zerstört, als 'Aquaman' (Jason Momoa) auf einem riesigen Seepferdchen ins Bild reitet, um gegen Piraten zu kämpfen, die ein Schiff entführen. Der unvermeidliche Konflikt, bei dem die Bösewichte wie Putzlappen durch den Dreck geworfen werden, wohingegen der Halbgott sich in Pose wirft und einen goldenen Dreizack schwenkt, ist außerordentlich phrasenhaft, auch wenn er durch humorvolle Schnitte in 'Aquamans' Familienleben aufgehellt wird, die den Betrachter die allgemeine Dämlichkeit seiner Doppelexistenz erkennen lassen sollen. 'Superman' und 'Batman' existieren zwar noch, aber ihre Gattung passt einfach nicht in die Unterwasserwelt von Atlantis, wo alle Arten von Fisch-Mensch-Hybriden in komplexen, florierenden Gesellschaften leben. "Gott sei Dank für die globale Erwärmung!"

Der Anfang ist rasch erledigt, denn es gibt jede Menge Action oder zumindest Dynamik, unterstützt von Soundeffekten und Musik und einem Bilderchaos, das den Bildschirm überschwemmt. Die bestechenden Schauplätze sind höhlenartig und fantasievoll gestaltet, und die unzähligen Monster wecken kurzzeitig das Interesse, aber es dauert nicht lange, bis die monotone Atmosphäre der Geschichte den effektiven Unterhaltungswert zu zerstören beginnt. Die Antagonisten finden willkürlich genau das, was sie brauchen, um Kräfte zu erlangen, mit denen sie 'Aquaman' bekämpfen können, wie ein unsubtiles Kryptonit-Gegenstück, als ob niemand eine Verteidigung gegen ein solches Gerät vorbereitet hätte, trotz all der vermeintlich fortschrittlichen Laserblaster, die von gewöhnlichen Soldaten benutzt werden. Selbst die Ausführungen zu den tatsächlichen Folgen der Oberflächenbewohner für die Ozeane, wie die Erhöhung des Säuregehalts des Wassers und die Schaffung von Milieus, die giftige Algenblüten begünstigen, sind nicht sehr ergiebig, da sie eindeutig durch spontan erdachten Nonsens ergänzt werden. Ein flüchtiger Brennstoff namens 'Orichalcum', alle Arten von altertümlicher außerirdischer Technologie und Sagen von schwarzen Zaubern, die mit Blut gesprochen werden, um Werkzeuge des Bösen zu schaffen, sind zu geläufig und zu bequem. Anstatt die Vielfalt der Unterwasserwelten in ihrer Kreativität zu steigern, werden sie durch diese oberflächlichen Darlegungen und konstruierten Waffen nur noch weiter reduziert.

Ein weiterer Nachteil ist die Überfülle an CG-Aufnahmen. Praktisch alle Szenen mit computeranimierten humanoiden Figuren sind nicht überzeugend. Physikalische und realitätsnahe Verhaltensweisen werden dabei völlig außer Acht gelassen. Duelle, in denen die Bösewichte auf Zeit spielen, sich aufplustern und Witze reißen, um den Helden genau die Zeit zu geben, die sie brauchen, um zu fliehen oder zuzuschlagen, werden noch dümmer, während die allgemeine Unverwundbarkeit, die alle, auch die mickrigen Menschen, an den Tag legen, jedes Verständnis von Dringlichkeit oder Verletzlichkeit dämpft. Die ausgefeilte Optik kann nicht über eine völlig verfahrene Handlung hinwegtrösten, die durch farblose Protagonisten - 'Aquaman' ist im Grunde ein muskelbepackter Idiot - und wutentbrannte Antagonisten, die weniger von dem Empfinden getrieben werden, Unrecht erlitten zu haben, als von einer übernatürlichen Besessenheit durch einen dämonischen Geist, noch weiter abgeschwächt wird.

Schließlich sind Sprengungen und Vernichtung nichts Neues, und ausgiebige Scharmützel zwischen Armeen von Mer-Menschen werden schnell nervig, vor allem wenn die Charaktere zu dumpf sind, um Interesse oder Sympathie zu wecken. Das Ganze ist so quälend schablonenhaft, voraussehbar und einfallslos, dass es sich anfühlt wie ein "Fast and Furious"-Film unter Wasser. Eine Infiltrations- und Spionagekrake dient als Witzfigur, liefert aber nahezu nichts. Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II) vergisst nicht weniger als dreimal, die Tür zu seinem Arbeitsraum abzuschließen, so dass ein nervöser Wissenschaftler seine Machenschaften mitbekommt. Es ist nicht immer erkennbar, wie sehr Meras (Amber Heard) Rolle reduziert wurde, da 'Aquaman' und Orm (Patrick Wilson) den Großteil ihrer Spielzeit in einer schmalzigen Romanze mit fadenscheinigen Dialogen verbringen, und die Irrelevanz dieser gesamten Episode, die beginnt und endet, ohne etwas zu ändern, nagt an jedem Malheur. Ein unerträglich derivativer Abschiedsgruß bestätigt das Gefühl, dass DC alles, was sie bisher in ihrem expandierten Universum aufgebaut haben, aufgibt und feststellt, dass ihre Handlungsstränge im Sande verlaufen, anstatt sich zu einem filmübergreifenden Mash-up auf dem Niveau von "Avengers 3: Infinity War" zu entwickeln.

"Aquaman" von Regisseur James Wan beginnt mit einem Jules-Verne-Zitat, was für diese epische nautische Fantasie eine Zumutung darstellt. Dies mündet jedoch in eine Reihe furchtbar pauschaler, philosophisch klingender Aussagen wie "Das Leben, wie das Meer, bringt die Menschen zusammen." Wenige Augenblicke später, als die Königin von Atlantis vorgestellt wird, steigert sich die Blödheit. Es ist ganz eindeutig, dass "Aquaman" nicht daran interessiert ist, den Betrachter behutsam in seine märchenhafte Welt einzuführen. Stattdessen wird davon ausgegangen, dass jeder automatisch für eine Kollektion äußerst fader Mythen zu haben ist. Es wird nicht einmal der Eindruck von Realismus oder Aufrichtigkeit erweckt.

Tom Curry (Temuera Morrison) scheint sich von Anfang an nicht um die mysteriöse Anwesenheit von Atlanna (Nicole Kidman) zu scheren. Solange er mit ihr koitieren kann, ist es egal, ob sie von einem verborgenen Königreich unter dem Meer schwafelt. Doch sobald 'Aquamans' (Jason Momoa) Herkunft bekannt ist, geht die Action los. Bei dieser Art von formelhaften Unterfangen ist es ratsam, die Exposition mit einem Ausbruch von Gewalt zu unterbrechen. Lustigerweise und ganz zufällig wird diese Technik immer wieder angewendet. Die Charaktere sprechen leise, um dann von einer plötzlichen Explosion gestört zu werden. Dies geschieht so oft, dass es fast schon irre erscheint.

Vielleicht ist das auch gut so, denn die Entwicklung der Figuren ist so simpel, dass die spontane Zerstörung das Einzige ist, was den Betrachter aus seiner hypnotischen Fassungslosigkeit herausreißen könnte. Die Antagonisten nehmen bedrohlich ihre Helme ab, und im Hintergrund erklingen tiefe Basstöne, die ihre Bösartigkeit signalisieren. Oder sie exekutieren einen beliebigen Statisten, nur um zu zeigen, dass sie die Schurken sind. Der schlimmste Übeltäter ist Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II), ein Fiesling, der so absurd gestaltet ist, dass er wie eine unhandliche, instabile Puppe aussieht, die immer kurz vor dem Umkippen steht. "Du hast unschuldige Menschen getötet. Du bittest das Meer um Gnade."

Da nützt es auch nichts, dass die Helden von "Aquaman" alle unbesiegbar sind, was bedeutet, dass sie nicht nur immun gegen echte Gefahren sind, sondern auch keinerlei Empathie zeigen. Ein herkulischer Jason Momoa ohne Hemd, der immer wieder eine plakatwürdige Pose einnimmt, ist einfach kein wirksames Mittel, um emotionale Anteilnahme zu erzeugen. Und das ständige Posieren fast aller Hauptfiguren unterstreicht die erbärmliche Physik einer überwiegend mit CG gerenderten Welt, die durch antiklimatische Zeitlupen an den falschen Stellen noch deutlicher wird.

Doch zum Glück sind einige der Kreaturendesigns und -ideen mäßig unterhaltend, darunter Seepferdchen-Drachen, Alligatormonster und Haifischrückenreiten. Darüber hinaus besticht das Königreich der 'Brine' allein schon durch die Widernatur seines Namens, der eher zu einer Zivilisation von Seegurken oder einer in Salz eingelegten Bestie zu passen scheint. Doch jedes Mal bewirken die aufwändigen visuellen Effekte ein kleines Wunder: "Aquaman" erinnert nicht nur wiederholt an "Die kleine Meerjungfrau", von Meras (Amber Heard) Ariel-ähnlichem Styling über einen Oktopus-Trommler bis hin zu einem Ursula-Gegenstück und dem Kampf mit dem Dreizack, sondern klaut auch großzügig bei "Kampf der Titanen", "Abyss", "Pacific Rim" und anderen Produktionen. "Du wirst zum Ozeanmeister geweiht!"

Mit Rückblenden, Detonationen, Kampfsequenzen, farbenfrohen Kostümen - ein Quallenkleid ist eines der groteskesten -, Spezialeffekten, crescendierenden Opernsängern in der Tiefe, teuflischen Fratzen, ernsten Gesichtsausdrücken und augenfälligen Seitenblicken verwandelt sich die Geschichte schließlich in eine Art "Das Vermächtnis der Tempelritter" oder "The Da Vinci Code - Sakrileg", mit weltumspannenden Quests, die auf alten Aufzeichnungen, Schatzkarten und oft erzählten Legenden basieren. An diesem Punkt kommt es einem so vor, als sei "Aquaman" von 24 unterschiedlichen Autoren geschrieben worden, oder vielleicht von einem Dutzend Co-Regisseuren. Der Sound und das Drehbuch sind so unmethodisch, dass es den Anschein erweckt, als sei jede Szene während der Dreharbeiten verfasst worden. "Beschwörst du den Kampf der Könige?"

Eine bedeutungslose Schlacht nach der anderen überfordert die Sinne, bis selbst die Actionsequenzen langweilig wirken. Und mit solch unilateralen Charakteren haben keine der Abenteuer, Verwüstungen, Romanzen oder Risiken irgendeine Relevanz. Wenn Mera an einer Stelle sagt: "Es ist eine lange Geschichte, ich erzähle sie dir später", werden sich die Betrachter erträumen, dass dies auch für den gesamten Film zuträfe.

In "The Railway Children Return" von Regisseur Morgan Matthews bedroht fünf Jahre nach Beginn des Zweiten Weltkriegs eine neue Welle deutscher Bombenangriffe die britischen Städte und zwingt die Eltern zu der schwierigen Entscheidung, ihre Kinder zu evakuieren. Im Jahr 1944 werden drei dieser Jugendlichen (Beau Gadsdon, Eden Hamilton & Zac Cudby) in einen Zug aufs Land nach 'Salford' gesetzt, wo der Baumreichtum, die saubere Luft und eine lange Reise ohne Toilette eine völlig neue Erfahrung sind. Obwohl sie von ihrer unmittelbaren Familie getrennt sind, bietet dieser Übergang die Gelegenheit für eine Art Abenteuer, insbesondere in dem ländlichen Dorf 'Oakworth', wo die Aufsicht nicht sehr streng ist.

Trotz der etwas überdramatischen Musik zu Beginn, die den Betrachtern Tränen in die Augen treiben soll, wenn Mütter ihre verzweifelten Kinder in die Züge schieben, geht "The Railway Children Return" bald zu vernünftigeren, leichteren Abläufen über, die das jüngere Publikum mit lustigen Kapriolen ansprechen, die vom Ausrutschen im Schlamm bis zum Eiersammeln, Kämpfen mit Mehl und Teig, Kastanienwerfen und Verstecken spielen reichen. Die Heiterkeit wird gelegentlich durch Nachrichten über Verluste an der Kriegsfront oder eine kurze Sorge über deutsche Spione in den Gleisanlagen unterbrochen. "Das ist unsere Mission", rufen die Kinder und bewaffnen sich mit Rohren, Kolben und Schaufeln, um einen Landstreicher zu überfallen. Doch erwachsenere Betrachtungen werden oft zugunsten größerer Missgeschicke vernachlässigt.

Es finden sich viele Referenzen an die ursprüngliche Geschichte, zumal diese aktualisierte Version die meisten Abläufe in der Art eines Remakes widerspiegelt. Zudem handelt es sich eindeutig um eine Fortsetzung, da Jenny Agutter, inzwischen Großmutter, ihre Rolle aus dem Film von 1970 (Jeden morgen hält derselbe Zug) wieder aufnimmt, wobei der Epochenwechsel nur wenige große Unterschiede mit sich bringt. Im Kern handelt es sich wieder einmal um eine familienfreundliche Story, die sich nicht nur an ein junges Zielpublikum richtet, sondern auch an Fans des Originalmaterials und seiner Verfilmungen. Die wahren Schrecken des Krieges und die Rassenspannungen der damaligen Zeit werden anfangs etwas vernachlässigt, damit neugierige Kinder unter dem Deckmantel geheimer Missionen für die Armee und mit einem Spielberg'schen Misstrauen gegenüber der Einmischung von Erwachsenen jugendliche Aufgaben übernehmen können. Selbst die kleinen Rätsel, wie das Auftauchen des amerikanischen Soldaten Abe (Kenneth Aikens), sind leicht zu erraten, obwohl diese Nebenhandlung auf unerwartete Weise auf den systemischen Rassismus verweist, der auch den Grad der Zusammenarbeit und Koordination zwischen dem amerikanischen Militär und seinen fragwürdigen Justizbehörden berührt. Doch selbst wenn sich "The Railway Children Return" länger mit schwereren Themen beschäftigt, sind die Antworten oft uncharakteristisch flauschig. "Ich will nach Hause."

Auf der technischen Seite ist "The Railway Children Return" dank des größeren Budgets und des Zugangs zu zeitgemäßer Ausrüstung und Requisiten visuell akzeptabel, mit anständigen Schauspielern (John Bradley und Tom Courtenay sind zwei der erwähnenswerten Nebendarsteller), Kinematographie und Kulissengestaltung. Doch der Fortgang der Handlung, die hauptsächlich aus unnötigen Rückblenden und ein paar sich wiederholenden Aufnahmen besteht, die die markanten Schlussmomente des Lionel-Jeffries-Films auf ein Minimum reduzieren, ist nicht sonderlich spannend, und der altbekannte Ansatz für ein Kinderabenteuer ist alles andere als innovativ. Dennoch ist der Auftakt zum Finale, in dem sich die Eisenbahnkinder zu einem gemeinsamen Befreiungsschlag zusammentun müssen, recht vergnüglich, auch wenn die Auflösung wieder einmal viel zu banal und konstruiert ist.