Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Ghost in the Shell" von Regisseur Mamoru Oshii hat die fortschreitende Computerisierung in Gesellschaft und Regierung viele Probleme für Programme verursacht, die von Bugs überrannt wurden. Die Welt ist fast vollständig vernetzt, und die Menschen haben jetzt die Möglichkeit, ihre Gedanken in kybernetische Roboter einzusetzen, um Erfahrungen zu simulieren. Dies führt auch dazu, dass verschiedenen Nutzern Persönlichkeiten und Erinnerungen implantiert werden, wie in "Die totale Erinnerung - Total Recall", was zur Kontrolle und Manipulation der Realität durch andere führt. Doch die Bewandtnis der diversen Entführungen und illegalen Projekte wird fast irrelevant, sobald 'Sektion 9', eine spezialisierte Polizeitruppe, die hauptsächlich aus übermenschlichen Cyborgs besteht, hinzugezogen wird, um den Schlamassel aufzuräumen, wobei sie sich oft die Hände mit vergossenem Blut schmutzig macht.

Wir schreiben das Jahr 2029 und Major Motoko Kusanagi (Atsuko Tanaka), die im Grunde nur ein menschliches Gehirn in einem Androiden-Körper ist, hat den Auftrag, den schwer zu findenden, berüchtigten geheimnisvollen Hacker und Terroristen, der als 'Puppenspieler' bekannt ist, zu jagen und dingfest zu machen. Ihr Team, zu dem auch der Fahrer Togusa (Kôichi Yamadera) und der erfahrene Agent Bateau (Akio Otsuka) gehören, hilft ihr dabei, einen verdächtigen Abfallentsorger zu stoppen, der mit einem Hacker in Verbindung steht, der über eine schwere Feuerkraft und eine thermoptische Tarnvorrichtung verfügt, die ihn praktisch unsichtbar macht. Auch wenn seine Verhaftung nicht zum 'Puppenspieler' führt, wird vermutet, dass der gesuchte Verbrecher bei den bevorstehenden diplomatischen Gesprächen zuschlagen wird, bei denen Colonel Malice und die Korruption der politisch motivierten 'Sektion 6' eine wichtige Rolle spielen könnten, vor allem nachdem das Gehirn einer Cyborg-Dolmetscherin des Ministeriums mit der Absicht gehackt wurde, sie in eine unwissende Attentäterin umzuprogrammieren.

Mit wummernder Orchestermusik und Opernstimmen, die die Neonlichter und muffigen Gassen der asiatischen Metropole, die Hongkong nachempfunden ist, ergänzen, hat "Ghost in the Shell" den Look und die Attitüde von "Blade Runner" und ist eine sichtbare Inspiration für "Matrix", indem es den charakteristischen leuchtenden grünen Schriftkörper aufnimmt, der über die Computerbildschirme rollt. Die Verbindung zum polizeilichen Informationsnetz durch Löcher im Nacken und eine eindrucksvolle Szene, in der ein Raum mit Betonpfeilern durch Schüsse demoliert wird. Die Beleuchtung, die lügnerischen Kamerawinkel und die Kulissen vermitteln auf Anhieb ein düsteres Gothic-Ambiente, das durch den Einsatz von Zeitlupen und längeren, kontemplativen Aufnahmen, in denen die Figuren regungslos vor sich hin sinnieren, noch intensiviert wird und die fortschrittlichen kinematografischen Techniken der damaligen Zeit nachbildet. "Ghost in the Shell" basiert auf dem gleichnamigen Manga von Shirow Masamune aus dem Jahr 1989, in dem einige Konzepte aus "Terminator" umgesetzt werden, wie etwa äußerst mächtige humanoide Roboter mit künstlicher Intelligenz und autonom denkende Computer. Mit der Gedankenkontrolle und der Ergreifung des Geistes macht er auch Anleihen bei "Scanners - Ihre Gedanken können töten" von David Cronenberg.

Die Handlung scheint manchmal so komplex wie das menschliche Gehirn, und der Gedanke, es zu reprogrammieren oder Mementos zu manipulieren, ist schwierig zu begreifen. Durch die hinterfragte Identität, die Abbildung von geistigen und physischen Transitionszuständen, die Vorstellung von Robotern, die sich gegen ihre Gebieter auflehnen, und die These einer invasiven, übergreifenden staatlichen Kontrolle greift "Ghost in the Shell" die brisanten Themen eines Philip K. Dick-Romans auf. Den Cyborgs Rechte einzuräumen und zu behaupten, eine Linie für die Menschheit zu ziehen, erinnert an Isaac Asimov. "Ich kann dir nicht folgen. Ich weiß nicht, wovon zum Teufel du redest!"

Es gibt auch eine ingeniöse Obliegenheit mit der makellosen weiblichen Form, vielleicht als ein Kommentar über die Fruchtlosigkeit von Sex in dieser hauptsächlich nicht-reproduktiven Welt. Dies wird durch die Verschleierung von Motoko Kusanagi verdeutlicht, die nur wirksam ist, wenn sie unbekleidet ist. Ständig erigierte Nippel beschreiben die Bewahrung ihrer Scheide und die Verjüngung und Reinheit des entblößten Körpers. Ebenso die abtrünnige Computerkreatur, die von einer anderen nackten Roboterfrau Besitz ergreift, die sich nie ankleidet, selbst wenn sie demontiert wurde. Es könnte allgemein exploitativ sein, wenn es nicht so seriös und vertrackt wäre. Unterm Strich ist "Ghost in the Shell" ein atmosphärischer Thriller, der sich als einer der außergewöhnlichsten japanischen Anime-Filme erweist und ein actionreiches, zum Nachdenken anregendes Stück Science-Fiction ist, auch wenn er ein wenig verschachtelt ist.

Ich werde zusammen mit MP-Buddy Chionati am 3. Advent einen Film kommentieren.

Schon in den ersten Sekunden von "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" von den Regisseuren Jim Abrahams und David Zucker, einer Satire auf "Der weisse Hai", in der der Hai durch ein Flugzeug ersetzt wird, das aus den Wolken springt, wird klar, dass diese Komödie keinem bekannten Parodie-Standard entsprechen wird. Wenn Elmer Bernsteins stimmungsvolle Musik einsetzt, suggeriert sie, dass sich aus den vielen unterschiedlichen Beteiligten, die sich auf einem Flughafen drängen, etwas Unheimliches zusammenbraut, was einen weiteren scharfen Kontrast zu dem sich anbahnenden Wahnsinn darstellt. Sogar eine der Haupthandlungen, die sich um die Flugbegleiterin Elaine Dickinson (Julie Hagerty) und ihre schwankende Beziehung zu Ted Striker (Robert Hays) dreht, wird durch das Durchbrechen der vierten Wand unterbrochen, gerade als der Ton bescheiden aufrichtig erscheint.

Der 'Trans American-Flug 209' nach Chicago befördert eine bunte Mischung von Passagieren, von einem Mädchen, das eine Herztransplantation benötigt, über liebeskranke Teenager, religiöse Persönlichkeiten und ältere Menschen bis hin zu improvisierten Fechtern. Hinzu kommen ein perverser Kapitän (Peter Graves) und sein Co-Pilot, der verdächtig nach einem berühmten Basketballspieler aussieht. Je mehr Fluggäste auftauchen, desto deutlicher wird, dass keine Ethnie, Altersgruppe oder Glaubensrichtung vor deftigem Hohn und Spott sicher ist.

Mit seiner Struktur, die auf einem kontinuierlichen Ansturm von verwandten und nicht verbundenen Gags basiert, von denen einige für eine Rückblende weggeschnitten werden, nur um sich über andere ikonische Filmmomente lustig zu machen, kümmert sich "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" nicht allzu sehr um eine Handlung. Stattdessen zielen die pausenlosen Gimmicks darauf ab, ständiges Auflachen zu provozieren. Durch die exzessive Akkumulation von Nonsens gehen die kleinen Witze vielleicht verloren, aber die großen landen auf spektakuläre Weise. Auch subtilere Anspielungen auf zeitgenössische Elemente wie Werbespots oder andere Konzepte, die in den späten 70er Jahren am stärksten waren, kommen regelmäßig vor. Die komplette, pietätlose Inszenierung ist erstaunlich konsequent.

"Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" scheut sich nicht vor Slapstick, zungenbrecherischen Dialogen, unerwartet wörtlichen Interpretationen von Redewendungen und anderen gängigen Ausdrücken, inneren Monologen und sogar Gesangs- und Tanzeinlagen. Die inkohärenten Stellen, die freventlichen Soundeffekte und die tumultuarischen Einzeiler reißen nicht ab, und viele von ihnen sind absolut albern. Selbst ernste Szenen werden durch Absurditäten unterbrochen. Potenzielle Spannung wird systematisch beiseite geschoben zugunsten zusätzlicher Firlefanzen, und die Außerachtlassung von Beständigkeit und Sensibilität ist stets dogmatisch.

Vieles davon spielt sich ab, bevor Leslie Nielsen seinen Auftritt als äußerst geradliniger, völlig minderbegabter Arzt hat - eine Rolle, die so beliebt ist, dass er sie noch jahrelang in Variationen spielen sollte. Leslie Nielsens Aktionen und Dialoge sowie viele der Jokes werden illustrativ und sinnbildlich für "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" - vom aufblasbaren Autopiloten und einem Gastauftritt von Ethel Merman bis hin zu selbstmordgefährdeten Gangmitgliedern und Robert Stack als Kommandant im Kontrollzentrum, der das Flugzeug per Funk in Sicherheit bringen muss. Was das Ganze so wirkungsvoll macht, ist die Ehrlichkeit, mit der die Schauspieler ihre Rollen verkörpern. Angesichts der nicht enden wollenden Fatuosität bleiben die Darsteller geradlinig renommiert, was den Erfolg von "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" nur noch verstärkt. Auch am Ende des erlebnisreichen Abenteuers hören die Sperenzchen nicht auf. Jede zusätzliche Sekunde scheint einen weiteren Schub an Alfanzerei zu bergen. "Sieht aus, als hätte ich mir die falsche Woche ausgesucht, um mit dem Klebstoffschnüffeln aufzuhören."

In "Eine Wahnsinnsfamilie" von Regisseur Ron Howard liebte Gil als Kind Baseball, konnte aber nur einmal im Jahr ein Spiel sehen, während dessen sein Vater einen Platzanweiser bezahlte, um auf den Jungen aufzupassen. Gil Buckman (Steve Martin), inzwischen 35 Jahre alt, erklärt die mangelnden Erziehungsfähigkeiten seines Vaters damit, dass er in seiner Adoleszenz keinen positiven männlichen Einfluss hatte und das Konzept als unerfüllbare Aufgabe ansah. Gil Buckman und seine Frau Karen (Mary Steenburgen) sind jedoch wild entschlossen, ihre eigenen drei Nachkommen auf eine bessere Weise zu erziehen. Doch es wird nicht einfach werden, denn der achtjährige Kevin (Jasen Fisher), das älteste Kind, schneidet in der Schule Grimassen und offenbart damit ein grundlegendes Problem mit emotionalen Komplikationen. Tochter Taylor (Alisan Porter) küsst gerne sämtliche Jungs, und Kleinkind Justin (Zachary Lavoy) rammt alles Mögliche wie ein Dickkopfsaurier mit seinem Schädel. "Wir sind seine Eltern, wir schaffen das schon."

Gil Buckmans Schwester Helen Lampkin Brodsky (Dianne Wiest, mit einer wohlverdienten Oscar-Nominierung), inzwischen geschieden, kämpft mit dem gestörten, unkommunikativen Jungen Gary (Joaquin Phoenix) und der Teenager-Tochter Julie (Martha Plimpton), die eine sexuelle Beziehung mit dem Punk Tod Hawkes (Keanu Reeves, der die ergreifendste Zeile über die Führerscheinanforderungen für das Autofahren und das Angeln, aber das völlige Fehlen von Anforderungen für die Elternschaft liefert) geheim hält. Gil Buckmans andere Schwester Susan Buckman Merrick (Harley Kozak) und ihr herrischer Ehemann Nathan (Rick Moranis) ziehen ihre kleine Tochter Patty (Ivyann Schwan) in dem Glauben auf, dass Kinder wie Schwämme sind, die man über östliche Philosophien und diffizile Mathematik belehren muss. Sein jüngerer Bruder, Larry (Tom Hulce), ist die größte Pfeife der Familie. Er ist allzu sehr von seinem Vater (Jason Robards) abhängig, kann keine Karriere aufbauen, hat sich bei den falschen Leuten verschuldet, braucht ein Obdach und schleppt ein kleines Kind namens 'Cool' (Alex Burrall) mit sich herum.

Wenngleich "Eine Wahnsinnsfamilie" in erster Linie eine Komödie mit asketischem Slapstick und Steve Martins charakteristischen Gags ist, so ist "Eine Wahnsinnfamilie" doch letztlich eine Analyse diverser familiärer Alltagssituationen und der üblichen Widrigkeiten der Kindererziehung. Die leicht übertriebenen Szenarien sind mit viel realistischer Dramatik durchsetzt. Das Niveau der Unterhaltung und des Humors hängt weitgehend davon ab, dass man eine Außenperspektive einnimmt, denn wer sich zu sehr auf diese Umstände einlässt, könnte dahinter unbequeme Wahrheiten entdecken. Viele der Szenen könnte man als verdrossen empfinden.

Eine lau sarkastische Studie über die These, dass die Kinder anderer Eltern die Schlimmsten sind, und über die Kritik an den Praktiken anderer Eltern, die ungesittet durch Fantasiesequenzen von epischen Triumphen und massiven Ruinen, bemessen an den Verhaltensweisen der Kinder, hervorgehoben wird, ist dies eine fundierte Komödie. Eine weitere Empirie betrifft Geheimnisse, anmaßende Berufe und Vorgesetzte, Schwangerschaften, ein unbefriedigendes Sexualleben, Trennungen und Lebensgemeinschaften, Verabredungen, das Leben als Hausfrau und Mutter, das Anlügen seiner Kinder, Pessimismus, das Organisieren von Partys und alle denkbaren ehelichen Konflikte. Das Pflichtgefühl ist gewaltig, und ebenso umfangreich sind die Trugschlüsse über die Projektierung der Jugend. Auch die Kinder sind vor ihren eigenen Schwierigkeiten nicht gefeit: Grausames Mobbing, Sport, Schule, Meinungsverschiedenheiten mit Erwachsenen und die Norm der Popularität beeinflussen ihre Reifung. Am bittersüßen Ende, wenn die disparaten, aber relativen Geschichten zusammengeführt werden, vermittelt die betagte Großmutter (Helen Shaw) die verständlichste Weisheit, indem sie die ganze Tortur mit einer Achterbahnfahrt vergleicht, die zu gleichen Teilen Gänsehaut und Ergriffenheit erzeugt.

Der Vorspann ist etwas verwirrend, da er zwar den Ton angibt, aber nicht viel Licht auf das eigentliche Thema von "Kiss Kiss Bang Bang" von Regisseur Shane Black wirft. Nach einer Animationssequenz, die ein wenig an ein James-Bond-Intro erinnert, bleibt die Handlung seltsam schwer nachzuvollziehen. Wird es ein Krimi oder eine Komödie, eine Romanze beziehungsweise ein Thriller werden?

Wie sich herausstellt, ist es all das und noch einiges mehr. Die Genreelemente wechseln ständig und versuchen, einen knallharten Film-Noir-Thriller und eine rasante, extrem sarkastische romantische Komödie zu verbinden. Zudem wird die Geschichte auf eine unglaublich pompöse Weise erzählt, die völlig unnotwendig ist. Die Dialoge, die Handlungsstränge und die zielgerichtete Strukturierung mit all den übergreifenden Bezügen, die cleveres, intelligentes Schreiben auszeichnen, sind gut genug, um keine beschönigenden Kniffe zu benötigen. Dennoch gibt es sie: Zahlreiche Tricks, um die vierte Wand zu durchbrechen, das Zurückspulen und Anhalten von Filmmaterial während der Wiedergabe, Sprünge in der Zeitlinie und Schnitte zu Aufnahmen anderer Charaktere für zusätzliche Details oder Komik.

Die Hauptfigur kommentiert die einzelnen Szenen und beschwert sich sogar, wenn ein bestimmter Moment sinnlos oder primitiv erscheint. Die direkte Adressierung von Personen in Rückblenden, die sie zu Reaktionen veranlasst, und Vollwerbespots stören die Kontinuität zusätzlich. Gegen Ende greift der Erzähler ein, um die Frage zu stellen, ob der Betrachter die Dinge vor der großen Enthüllung durchschaut hat oder nicht. Letztendlich ist "Kiss Kiss Bang Bang" jedoch mehr daran interessiert, oder einfach besser darin, sympathische, exzentrische Charaktere zu formen, und macht das Mysterium selbst zu einer Art Hintergrundinszenierung, die nur dazu dient, den Sinn für Humor und Spannung zu betonen.

"Mein Name ist Harry Lockhart. Ich werde Ihr Erzähler sein." Harry Lockhart (Robert Downey Jr.) ist kein besonders vertrauensvoller Erzähler, aber er ist alles, was der Betrachter hat. Er ist ein Kleinkrimineller in Los Angeles, der auf der Flucht vor den Cops in ein Vorsprechen stolpert und eine Probeaufnahme bekommt, obwohl er glaubt, dass er nie eine Chance haben wird. Auf der Party eines Produzenten trifft er das Mädchen seiner Träume und ein Gesicht aus der Vergangenheit, Harmony Faith Lane (Michelle Monaghan), sowie den Privatdetektiv Gay Perry (Val Kilmer), der Harry Lockhart Detektivunterricht geben soll, um seine schauspielerische Authentizität zu verbessern. Doch gerade als sie mit ihren bodenlosen Ermittlungen beginnen, häufen sich die Leichen, tauchen maskierte Verbrecher auf, werden die Morde ahnungslosen Sündenböcken angehängt, und Harry Lockhart steckt bis zum Hals in einem echten Fall.

Harry Lockhart gehört eigentlich nicht in die riskante Umgebung, in der er lebt. Sein ständiger Witz scheint die Kugeln, wenn auch nicht die Verletzungen, abzuwehren und lässt ihn etliche Situationen überleben, in denen realistische Menschen sicher zu Grunde gehen würden. Ebenso lösen sich viele der Szenarien durch reinen Zufall oder zufällige, krasse Koinzidenzen positiv auf, was normalerweise ein Zeichen für schlechte Skripterstellung wäre. Doch gerade diese Winkelzüge sind es, die ein durchweg humorvolles, unvorhersehbares, kurioses, filmisches Werk ergeben. Es ist zwar eindeutig eine Farce, aber es ist auch morbide unterhaltsam. Da es in erster Linie darum geht, eine Parallele zu den Konventionen einer schmierigen Unterwelt voller Antihelden und Mafiosi aus Kriminalromanen zu ziehen, ist dies weitgehend verzeihlich, und "Kiss Kiss Bang Bang" basiert zum Teil auf einer Vorlage von Brett Halliday, dem Schöpfer von 'Michael Shayne'. Auch wenn "Kiss Kiss Bang Bang" sehr selbstkritisch ist und viele Referenzen an seine Existenz sowohl als reiner Film als auch als etwas außerhalb des streng definierten Bereichs der Invention macht, schafft er es, nicht prätentiös zu werden, und landet mehr solide Gags und skurrile Irrungen und Wirrungen als er vermisst.

Der klug betitelte Film "Martha Marcy May Marlene" von Regisseur Sean Durkin schildert die Auswirkungen einer missbräuchlichen Sekte auf ein junges Mädchen in kompromissloser Verzweiflung. Durch die interessante Gegenüberstellung von Szenen aus der Vergangenheit und der Gegenwart wird der Betrachter Zeuge der psychologischen und sozialen Schäden, die nicht nur Martha erleidet, sondern auch ihre eigentliche Familie, die versucht, sich in der Folgezeit um sie zu kümmern. Es ist düster, deprimierend und trostlos. Außerdem ist das Tempo so methodisch, dass Paranoia und Angst das eigentliche Drama übertrumpfen, dass es manchmal an Langeweile grenzt. Die schauspielerischen Leistungen sind durchweg außergewöhnlich, ebenso wie die minimalistische Filmmusik. Die vielleicht größte Besonderheit von "Martha Marcy May Marlene" und sein Verhängnis für ein mit konventionellen Lösungen rechnendes Auditorium ist jedoch seine Zweideutigkeit in Schlüsselszenen, die den Betrachter zwingt, eine unbequeme Ratlosigkeit zu erleben, die der eigenen Unsicherheit der Titelfigur ähnelt.

Nachdem sie zwei Jahre lang in einer ausbeuterischen Sekte gelebt hat, die von dem überzeugenden und charismatischen Patrick (John Hawkes) geleitet wird, flieht die junge Martha (Elizabeth Olson). Sie versucht, sich wieder in ein normales Leben bei ihrer Schwester Lucy (Sarah Paulson) zu integrieren, die sie widerwillig aufnimmt, obwohl sie nichts von ihren jüngsten Erlebnissen weiß. Doch Marthas soziologisches Trauma und ihre geschädigte Psyche bieten keinen Trost vor den Erinnerungen, die sie heimsuchen, während sie mehr und mehr in Angst und Paranoia versinkt.

Der Rhythmus ist bedächtig, aber enorm langsam. Die Stimmung der Verzweiflung und Marthas Unfähigkeit, mit den üblichen gesellschaftlichen Konzepten zurechtzukommen, wird dadurch gut dargestellt, kann aber nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Geschehnisse nicht wirklich zwei Stunden lang sind. Die dissonanten Musiknoten, die von gedämpften Klängen und verstärkten Geräuschen begleitet werden, lassen den Betrachter unvorbereitet zurück und erzeugen ein Gefühl ständiger Unruhe. Auch die Kameraführung trägt mit unheimlichen Nahaufnahmen und langen Einstellungen von verstörenden Gesichtsausdrücken zum Gefühl der Beklemmung bei. Gleichzeitig wird dem Betrachter jedoch nicht viel an Emotionen geboten, Martha erhält keine Gelegenheit zu einer Offenbarung, Lucy wird eines Schlusses beraubt, und auch das Ende ist abrupt und lässt jegliche Satisfaktion für die psychisch geschädigte Protagonistin vermissen.

"Der Tod ist der beste Teil des Lebens", lehrt Patrick, der persuasive Führer. Unabhängig davon, ob Regisseur Sean Durkin ein persönliches Interesse an der Geschichte einer zerstörerischen Sekte und ihren unheilvollen Auswirkungen auf ein gestörtes Mädchen hat oder nicht, dient "Martha Marcy May Marlene" in erster Linie als Ankündigung und Mahnung vor den geistigen und körperlichen Erschütterungen solcher Organisationen und der Konditionierung und Ausrichtung auf willensschwache, zuvor malträtierte Personen. Im Mittelpunkt stehen frühere Situationen, die zu einem "Law & Order: New York"-Tatort führen könnten, allerdings ohne die spannende Spurensuche. "Eine ganz normale Familie" ohne den Durchbruch eines Psychiaters, ein Hauch von "Zwielicht" ohne den Nervenkitzel der Rache. Oder auch "Das Haus der Vergessenen" ohne merklichen nervenaufreibenden Horror. Immerhin sind die Darbietungen beeindruckend, mit einer sehr kleinen Besetzung, die Elizabeth Olsen in einer gewagten erwachsenen Darstellung und Sarah Paulson in einer starken Nebenrolle zeigt. Auch auf dem Sundance Festival kam das Werk gut an: Sean Durkin gewann den Preis für die Regie und "Martha Marcy May Marlene" war für den Großen Preis der Jury nominiert.

In "Im Wasser der Seine" von Regisseur Xavier Gens beobachten Sophia Assalas (Berenice Bejo) und ihr Team verschiedene Haiarten im Nordpazifik rund um den riesigen schwimmenden Müllteppich voller Fischernetze, Unrat und weggeworfenem Plastik, in dem sich immer wieder Pottwalbabys verheddern und das Meeresleben gestört wird. Aktuell versuchen sie, einen markierten Hai namens 'Lilith' umzusiedeln, der auf mysteriöse Weise seine Größe mehr als verdoppelt hat, seit sie ihn zuletzt gesehen haben. Erschreckenderweise ist es nicht nur eine Gruppe weiblicher Makohaie, die sich absonderlich verhält, die ihre Mission behindert, sondern auch 'Lilith', die einen Amoklauf begeht und vier von Sophia Assalas Tauchern tötet. "Ich kann sie nicht noch einmal entkommen lassen."

Drei Jahre später leidet Sophia Assalas immer noch unter dem katastrophalen Verlust ihrer Besatzung. Doch als die 20-jährige Mika (Lea Leviant) und der Hacker Ben (Nagisa Morimoto), Mitglieder der Meeresschutzorganisation 'Save Our Seas' (S.O.S.), an sie herantreten, entdeckt sie eine weitere Möglichkeit, ihre frühere Karriere wiederzubeleben. Die 'Beacon 7', die 'Lilith' aufgespürt hat, ist in der Seine aufgetaucht, was bedeutet, dass der überdimensionale Mako in Paris sein könnte. Aufgrund des Klimawandels und der Umweltverschmutzung, die das Verhalten der Tiere verändert haben, ist es möglich, dass die Kreatur in den Süßwasserfluss migriert ist, wo es die lokale Population erneut terrorisieren dürfte.

Während sich viele Natur-Amoklauf-Monsterfilme auf die Vernachlässigung, Missachtung und von Menschen verursachte Desaster konzentrieren, die Mutter Erde dazu bringen, sich gegen aktivistische Faktoren zu wehren, ist "Im Wasser der Seine" nicht allzu sehr auf die Wissenschaft fixiert. Ein Killerhai ist automatisch ein filmischer Antagonist, der sich nicht um Realismus kümmern muss, um den Betrachter zu hypnotisieren. Dies wird nirgendwo offensichtlicher als in der Gewalt, der Abschlachtung und der Anzahl der Angriffe sowie in den ausgesprochen schlechten CG-Ausschmückungen der unnatürlich blitzschnellen Fische. Visuelle Reize, ob schwach oder nicht, wiegen fast immer schwerer als die Sensitivität. "Ist es nicht zu spät, die Ozeane zu retten?"

Unterhaltsam sind die diversen Augenblicke, in denen sich die Beutegreifer anschleichen, aber nur dann, wenn sie subtil vorgehen, indem sie Schatten und Andeutungen nutzen und sich mit einem pingenden Motion-Tracking-Gerät nähern, oder Rückenflossen, die die Oberflächenstruktur des Wassers durchschneiden. Wenn die Kamera in einem wohlfeilen Akt von Spannung und Panik aggressiv hin- und herwackelt, ist das weit weniger glaubwürdig und effizient - das gilt auch für die physikalisch fragwürdigen Haisprungpassagen. Die Unterwasseraufnahmen sind überwiegend qualitativ hochwertig und kristallklar, so dass "Im Wasser der Seine" hier besticht. "Bleib einfach ruhig."

Doch als politische Bürokratie und übermütige Beamte sich daran machen, den Zivilisten den Zugang zum Start eines Triathlons und der Olympischen Spiele zu verwehren, ähnlich wie in "Der weisse Hai", und fanatische Organisatoren Autoritäten wie den Polizisten der 'River Brigade', Adil (Nassim Lyes), ignorieren, werden die daraus resultierenden Massaker immer denaturierter. Dennoch ist es angenehm, dass alle Mitwirkenden die Szenarien ernst nehmen und sich weigern, Witze zu reißen oder humoristische Komponenten einzubauen, wo dies nicht vonnöten ist. Doch sobald sich der "Mission: Impossible"-Verschnitt dem Himmelfahrtskommando nähert und es zum klimatischen Endkampf mit dem Ungeheuer kommt, eskaliert die Peinlichkeit einer umherhüpfenden 3D-Ästhetik. Die Animationen sind höchst dilettantisch, vor allem wenn 'Lilith' den Patronen ausweicht. Zumindest bekommt der Betrachter, was er will, denn "Im Wasser der Seine" kulminiert in einem blutrünstigen, opulenten Blutbad, wie man es aus den "Piranha"-Filmen der 2010er Jahre kennt, und wird so zu einem regelrechten Katastrophenfilm. "Lass diesen kleinen Fisch verschwinden!"

In "Steel Arena - Todesmatch der Giganten" von Regisseur Peter Manoogian finden Mixed Martial Arts-Kämpfe in einer außerirdischen Arena auf einer abgelegenen Raumstation in einer fernen Galaxie statt. Mit Hilfe modernster Technologie reduziert ein Handicap-System die Stärke eines Kämpfers, um Fairness zwischen den Spezies zu schaffen, so dass massive Metallmonstrositäten gegen gehörnte Reptilienkreaturen antreten können. Die Menge johlt und jubelt, während ein Ansager (Jack Carter) die unterschiedlichen Fähigkeiten und die Starpower der Kämpfer kommentiert. Es gibt sogar eine Kontrollgruppe, die sich mit Ausschreitungen und randalierenden Fans befasst.

Der irdische Imbissbuden-Koch Steve Armstrong (Paul Satterfield) will nur ein Ticket nach Hause auf die 'United Spacelines', aber er sitzt auf der Station fest und arbeitet am Tresen für den vierarmigen Manager Shorty (Hamilton Camp). Als Steve Armstrong in eine Schlägerei mit einem widerspenstigen Kunden gerät, verliert er seinen Job und seine Koje, was ihn in eine Zwangslage bringt. Wie sich herausstellt, war dieser lästige Gönner ein Spitzenkämpfer in der Arena, der für Quinn (Claudia Christian) arbeitet, die nun einen Ersatz braucht. Welch ein Spektakel wäre es, ein menschliches Wesen in den Ring steigen zu sehen! "Keine Sorge, ich habe Freunde da oben."

Der Look von "Steel Arena - Todesmatch der Giganten" erinnert sofort an "Krieg der Sterne" und "Star Trek", mit vielen Billigkostümen, Masken und Requisiten sowie peppiger Musik und ziemlich standardmäßigen Sci-Fi-Soundeffekten. Man könnte sogar meinen, dass es sich um eine TV-Episode handelt, die zu einem Spielfilm erweitert wurde. Wie es sich für ein solches Unterfangen gehört, besuchen Shorty und Steve Armstrong eine außerirdische Bar voller Glücksspieler, Frauen, Musik, Alkohol und einer eigenartigen Sprache. Laserwaffen, gepanzerte Soldaten und Schießereien gehören ebenso zum Programm wie Hologramme und ein Gangster-Overlord. Wie es der Zufall will, haben die "Star Trek: Deep Space Nine"-Stammschauspieler Marc Alaimo und Armin Shimerman hier Nebenrollen als Mafiaboss und sein Lakai.

Bald weichen die Elemente der Weltraumoper einer Art "Mortal Kombat" oder "Double Dragon", mit kreativen, aber gummiartigen, übergroßen Kreaturen, die wie 'Rocky Balboa' in den entlegensten Winkeln des Universums in der Gladiatorenarena kämpfen. Es ist nicht sehr überzeugend, aber die Geschöpfe haben etwas Belustigendes an sich, besonders wenn sie schleimig und schäumend sind. Leider sind die Rahmenhandlungen, wie der Besuch eines Nachtclubs mit völlig unnotwendigen Gesangseinlagen und die aufkeimende Romanze zwischen Steve Armstrong und Quinn, ungewöhnlich eintönig und sorgen für immense Leerlaufzeiten zwischen den Boxkämpfen.

Auch die Tricks zur Manipulation der Meisterschaften und die Einmischung korrupter Gauner sind nicht besonders ergiebig, was vor allem an der allgemeinen Einfallslosigkeit und Banalität der Dialoge liegt, die praktisch keine Innovationen bieten. Dabei steht so wenig auf dem Spiel, dass die Erfolge und Misserfolge von Steve Armstrong kaum von Belang sind. Es gibt zu wenig Enthusiasmus und Spannung für den ultimativen Wettkampf, um Interesse zu wecken. Aber zumindest das Finale ist befriedigend, denn es endet genau so, wie man es erwartet, nämlich positiv.

In "Der Super Mario Bros. Film" von den Regisseuren Aaron Horvarth und Michael Jelenic machen Mario (Chris Pratt) und sein Bruder Luigi (Charlie Day) ihre ersten Schritte ins Unternehmertum und gründen eine Klempnerfirma in ihrer Heimatstadt Brooklyn, New York. Trotz der Verachtung ehemaliger Kollegen und des Spottes ihrer eigenen Familienmitglieder macht sich das unzertrennliche Duo auf den Weg zu seinem ersten Job, fest entschlossen, die Welt zu retten - oder zumindest die undichten Wasserhähne ihrer Kunden. Als die beiden aus den Lokalnachrichten erfahren, dass die Behörden mit einem Wasserrohrbruch zu kämpfen haben, eilen sie zur Hilfe und stoßen dabei zufällig auf ein geheimnisvolles Rohr, das sie unerwartet in das wundersame und magische Pilzkönigreich führt. Mario stürzt in 'Toad Town' ab, einer farbenfrohen, fröhlichen Stadt, die von empfindungsfähigen Pilzen bevölkert wird, während Luigi in den düsteren 'Dark Lands' gestrandet ist, einer mit Rauch und Lava gefüllten Einöde, die von dem boshaften, reptilienartigen Hünen Bowser (Jack Black) kontrolliert wird. In seiner Verzweiflung, seinen Bruder zu retten, bittet Mario den tapferen Toad (Keegan-Michael Key) um Hilfe, der ihn zum Schloss im Zentrum der Stadt bringt, wo er die gütige Regentin, Prinzessin Peach (Anya Taylor-Joy), trifft.

Auch wenn sie nur einfache Arbeiter mit übertriebenem Akzent sind, sind sie natürlich hervorragend im Parkour, der üblichen Art, sich in Brooklyn fortzubewegen. Das wird ihnen sehr gelegen kommen, wenn sie gegen Schwärme von Schildkrötensoldaten antreten müssen, die einen Krieg gegen das Pinguinvolk und das Pilzimperium geführt haben. Die Geschichte ist natürlich bekannt, doch der Prozess, sie zu etwas Sinnvollem zu formen, ist sehr anstrengend, vor allem wegen der schwebenden Hindernisse, der menschenfressenden Pflanzen, der Rennstrecken, der Anordnung der Ländereien und der Power-Up-Boxen. "Ich bin so froh, dass wir unsere Ersparnisse für diesen Werbespot ausgegeben haben!"

Es ist jedoch gut für Slapstick, was das actionreiche Abenteuer - ein Kampf um eine Nation, die nicht nur mit der Erde, sondern auch mit einer unendlichen Anzahl anderer Reiche durch mysteriös platzierte grüne Rohrportale verbunden ist - erheblich aufwertet. Langjährige Fans werden sich über die zahlreichen Anspielungen auf das Original freuen, das die Filmemacher ausgiebig als Inspiration genutzt haben. Sofort erkennbare Soundeffekte und Melodien führen zu einer Fülle von Referenzen, von musikalischen über visuelle bis hin zu konzeptionellen. Die Spielmechanik ist ebenfalls zu sehen, vor allem in den Reisemodi und den 'Mad-Max'-Levels der frenetischen Kartrennen, während Charaktere, Schauplätze, Hintergrunddekorationen, Farben, Texturen und vieles mehr die klassischen Videospielfiguren zu poliertem, dreidimensionalem Leben erwecken. "Diese Steine schweben also einfach hier rum?"

Da Mario sich für Videospiele entscheidet, um sich zu entspannen, muss er auch das Standard-Mario-Spiel als Teil seiner Existenz spielen. Im Wesentlichen sieht der Betrachter zu, wie ein unsichtbarer Spieler die Figur in dieser ausgeklügelten Arena mit kontinuierlichen Schnitten steuert. Der Nostalgiefaktor und die allgemeine Vertrautheit sowie die Tatsache, dass es seit Jahrzehnten keine Mario-Verfilmung mehr gegeben hat, sind zum Glück stark genug, um die Probleme zu mildern, die entstehen, wenn man ein Videospiel nur ansieht, anstatt es tatsächlich zu spielen. Ein paar Sequenzen sind merkwürdig unpassend, etwa wenn Bowser auf Klaviertasten hämmert, was allerdings an Jack Blacks Einflüssen liegt, ebenso wie Donkey Kong mehr als nur ein paar Sekunden lang Seth Rogens unverwechselbares Lachen präsentiert - die Sprecherriege ist in dieser Hinsicht genau richtig, aber das Tempo ist größtenteils zügig und richtet sich stark an jüngere Betrachter, während gerade genug Retro-Soundtrack-Nummern und leicht rüde Witze eingebaut werden, um ältere Betrachter zu unterhalten.

Als ob er gezwungen wäre, gesunde Werte einzubauen, weil man sich keinen Mario-Film vorstellen kann, der nur die verrückten Superkräfte der Pilze zeigt, fügt "Der Super Mario Bros. Film" Hinweise darauf ein, dass man seine Eltern stolz machen soll, dass man niemals aufgeben darf, dass man Teamwork fördern und Mut bewahren soll, neben anderen schrecklich allgemeinen Moralvorstellungen. Es ist furchtbar unnötig und unverhohlen frivol, vor allem für ein Projekt, das so wenig Überraschungen bietet, auch wenn es sich durchweg genüsslich an das Original hält. Nichts an "Der Super Mario Bros. Film" ist bahnbrechend, aber es wird für Fans schwierig sein, den Unterhaltungswert zu ignorieren, so wie "The Lego Movie" oder "Tomb Raider", "Mortal Kombat" und zahllose andere ikonische Filme während der Einführung in bekannte Welten, Missionen, Persönlichkeiten und Interaktionen dargeboten und visualisiert haben.

In "Teufelskerle" von Regisseur Norman Taurog wird Dan Farrow (Leslie Fenton) in 45 Minuten in Nebraska hingerichtet. Obwohl er aufgrund von Indizien verurteilt wurde, ist er schuldig, und er ist bereit, seine Verbrechen in letzter Minute zuzugeben. Dan Farrow bittet Pater Edward Flanagan (Spencer Tracy) um Hilfe. Er macht den Staat für seinen Zustand verantwortlich, weil er als einsames, hungerndes Kind aufgewachsen ist, das sich jede Nacht in einer Absteige in den Schlaf geweint hat. Hätte er im Alter von zwölf Jahren nur einen einzigen Freund gehabt, wäre er nicht einer Bande beigetreten und wäre nicht in die Kriminalität abgerutscht.

Dieses Geständnis berührt Pater Flanagan zutiefst, und er macht sich sofort auf, seine Zuflucht als Erwachsener zu verlassen und ein Heim für verwahrloste, obdachlose Kinder zu gründen. Mit dem Segen seines Bischofs bittet der bescheidene Prediger seinen langjährigen Freund und Ladenbesitzer Dave Morris (Henry Hull) um ein Darlehen, das es ihm ermöglicht, eine Wohnung zu mieten und bescheidene Möbel für sein Heim für Kinder zu kaufen. Doch das ist erst der Anfang, denn schon bald sucht er nach einem größeren Grundstück, um eine ganze Stadt für 500 Jungen zu bauen. "Ich garantiere für ihr Wohlverhalten."

Auch wenn Pater Flanagan tugendhafte Absichten hegt, ist der Betrachter nicht gerade begeistert, sein Anliegen zu unterstützen, das unendlich aktuell ist, auch wenn "Teufelskerle" in den späten 1930er Jahren veröffentlicht wurde. Über den Wert ausrangierter Jugendlicher kann man immer streiten. Ist jeder einlösbar? Kann jemand durch eine bessere Erziehung vor künftigem Fehlverhalten bewahrt werden? Es ist bezeichnend, dass die Machthaber die Bemühungen des Paters als Kritik an den bestehenden Verhältnissen betrachten und darauf hinweisen, dass die bestehenden Systeme verbesserungsbedürftig sind, als ob dies eine große Beleidigung wäre. Es ist ein deutlicher Kommentar zum Establishment, der noch anschaulicher wird, wenn die Jungen an ihrem ersten Weihnachtsfest kein Geld für Geschenke und Essen haben und darüber nachdenken, wie sie in der Besserungsanstalt behandelt worden wären oder wie sie zu Hause einen echten Truthahn bekommen hätten, auch wenn sie dafür von gewalttätigen Mündeln verprügelt werden.

Leider konzentriert sich "Teufelskerle" nicht in erster Linie auf das Innenleben einer innovativen Organisation, deren Selbstverwaltung für bedürftige, vernachlässigte Kinder besonders vergnüglich ist, sondern auf ein einzelnes Kind als Beispiel dafür, wie ein wenig Liebe und Zuwendung eine Seele vor einem dunklen Weg retten kann. Seine Rolle ist nicht nur übertrieben und wenig glaubhaft, sondern wird auch durch die Tatsache verkompliziert, dass er mit einem flüchtigen Gangster verwandt ist - ein auffallend theatralischer Zusatz, der Schießereien und widersprüchliche Details der polizeilichen Verfahren bei der Vernehmung eines Kindes beinhaltet, die nur von der Bedeutung und dem Zweck der Inszenierung ablenken. "Wir haben einen Jungen in Schwierigkeiten."

Im weiteren Verlauf von "Teufelskerle" wird die Schule von finanziellen Problemen geplagt, was eine weitere allgegenwärtige Frage aufwirft, wenn es um die Betreuung von Waisenkindern geht: Lässt sich ihre Integration monetarisieren? Es geht nie wirklich um die bedauernswerten Kinder oder die noble Absicht. Wenn sich zu viele Erwachsene einmischen, geht es immer um Rentabilität. Gleichwohl ist die Figur des Pater Flanagan lobenswert, weil sie auf einem realen Mann mit tatsächlichen Verdiensten basiert, auch wenn Spencer Tracy eine eher durchschnittliche Darbietung abliefert, während das Unterthema über ungewollte Vorbilder ergreifend ist. Doch das Konzept einer unabhängigen, unparteiischen Zeitung ist selbst in der heutigen Zeit lächerlich, ebenso wie der Großteil der Geschichte in einer generischen, voraussehbaren Manier abläuft, mit einem Ende, das so unplausibel und ideologisch ist, wie es nur geht.

In "Die Prophezeiung" von Regisseur John Frankenheimer flackern Schutzhelme mit Lichtern über düsteren Bäumen in einem dichten Wald, während eine Gruppe von Such- und Rettungsteam-Mitgliedern Bluthunde zu einer tiefen Schlucht führt. Als einer der Hunde über die Kante fällt, beschließen die Männer, Seile herunterzulassen und nachzusehen, was auf dem Boden liegt. Ein Flussbett erwartet uns, aber auch Schreie, Blut, Tod und eine Art gefräßiges Ungeheuer.

Am nächsten Morgen spielt Maggie Verne (Talia Shire) in einer Orchesterprobe Cello. Doch sie ist vollkommen abgelenkt, denn sie ist schwanger und hat es ihrem Ehemann Rob (Robert Foxworth) noch nicht gesagt, einem Mann, der sich zu sehr seiner Arbeit widmet und ein Kind sicher nicht gutheißen würde. In seinem Beruf als Arzt kümmert er sich ständig um kranke Babys in sehr armen Mietskasernen, in denen kleine Kinder bei lebendigem Leib von Ratten gefressen werden, während die reichen Slumbesitzer wegsehen.

Als sich die Gelegenheit ergibt, mit dem Umweltministerium von Maine zusammenzuarbeiten, um einen Landstreit zwischen Holzfällern und einigen indianischen Ureinwohnern beizulegen, ergreift Rob Verne diese Chance. Außerdem kann er Maggie mit in den Urlaub nehmen. Dort erfährt Rob Verne, dass Angestellte des Holzunternehmens 'Pitney' in den umliegenden Wäldern verschwunden sind und dass die Indianer behaupten, eine Bigfoot-ähnliche Legende namens 'Katahdin' sei daran schuld, aber die eindringenden Holzfäller halten dies für eine List, um einen Mord zu vertuschen. Das Paar wird Zeuge der äußerst spannungsgeladenen Patt-Situation zwischen den beiden Seiten: John Hawks (Armand Assante) versucht, den Zugang zur Straße zu blockieren, und Mr. Isely (Richard Dysart) ist bereit, jeden zu töten, der sein Ziel, in das wertvolle Gebiet zu gelangen, vereitelt.

Obwohl die Eröffnungsszene sofort suggeriert, dass "Die Prophezeiung" ein Monsterfilm sein wird, scheint John Frankenheimer andere Vorstellungen zu haben. Der Rest der Einleitung ist der Beschreibung der laufenden Fehde gewidmet, die in einen Kampf zwischen Kettensäge und Axt ausartet. Es ist auch Zeit, über den Egoismus nachzudenken, ein neues Leben in die Welt zu setzen, wenn so viele Kinder bereits hungern. Wenn sich dann auch noch Wildtiere fehlverhalten, wie etwa eine Schar tollwütiger Waschbären, die die Vernes in ihrer Blockhütte angreifen, ist das weniger beängstigend als seltsam komisch. Dies führt auch zu einer unfreiwilligen Komik, wenn Maggie Verne sich Sorgen über die fötalen Folgen des Verzehrs von vergiftetem Fisch macht. Es wird auch viel Wert darauf gelegt, die indigene Seite der Geschichte zu zeigen, die von rücksichtslosen Regierungsbeamten, skrupellosen Unternehmern und der Zerstörung des schönen Landes, das ihre Vorfahren seit Generationen bewohnt haben, geprägt ist. Ein weiterer Aspekt der Laufzeit ist das Innenleben der Papierfabrik selbst, das eher lehrreich als abschreckend ist.

Exzessive Vorahnungen sollen das Fehlen traditioneller Monsterfilmmomente überbrücken, während das Rätsel um die Entwicklung der Kreatur, zu der auch die mutagenen Eigenschaften von Quecksilber gehören, Minuten verschlingt, die für Spannung hätten genutzt werden können. So wirkt "Die Prophezeiung" eher wie ein Creature Feature, das so realistisch wie möglich oder zumindest wissenschaftlich machbar sein will, als packend. Kurioserweise stehen die plausiblen Erklärungen in krassem Gegensatz zu dem echten 'Katahdin', der so unecht aussieht, wie man es sich nur vorstellen kann. Auch seine Aktionen sind geradezu lachhaft, vor allem wenn er einen dösenden Camper mit solcher Wucht trifft, dass Federn aus dem Schlafsack platzen. Am Ende schlägt Mutter Natur zurück, aber es ist eher öde und dämlich als blutig und aufregend. Es gibt absolut keine Lösungsansätze, weder für die Kreatur und ihre Nachkommen, noch für das Potenzial für weitere Mutanten, noch für Maggie Verne und ihr möglicherweise verseuchtes, ungeborenes Kind. Dennoch fällt es schwer, sich nicht kurz über eine Sequenz zu belustigen, in der ein verwundeter Mann mühsam gepflegt wird, um dann auf der Flucht völlig bewegungsunfähig gemacht zu werden, damit er gefressen werden kann, oder wenn ein heldenhafter Dorfältester wie eine Stoffpuppe herumgeschleudert wird, oder wenn das übergroße Bärending auftaucht und verschwindet, als wäre es das wendigste aller Säugetiere.

In "976-Evil - Durchwahl zur Hölle", bei dem Freddy Krueger-Darsteller Robert Englund Regie führte, wird in einer dunklen und stürmischen Nacht in Garden City, Kalifornien, unter einem unheilvollen Vollmond ein ununterbrochener Horrorfilm-Marathon im kleinen El Diablo-Kino gespielt. Im Vorführraum spielt eine Bande rebellischer Jugendlicher ein Pokerspiel, bei dem Spike (Pat O'Bryan) den Schein seines Motorrads gegen Marcus' (J.J. Cohen) Asse über Könige Full House verliert. In der Zwischenzeit versucht der streberhafte, verweichlichte Highschool-Schüler Hoax (Stephen Geoffreys), Spikes Cousin, einige kurze Nacktbilder in einem National Geographic-Magazin anzuschauen, sehr zum Leidwesen seiner stets missbilligenden, übermäßig religiösen Tante Lucy (Sandy Dennis). Da die beiden nebeneinander wohnen, schleicht sich Spike gelegentlich in Lucys Haus, um Geld zu stehlen. "Noch ist Zeit, Buße zu tun!"

Als der halsstarrige Spike in einer Zeitschrift einen Flyer für ein 'Horrorscope' sieht, wählt er 976-EVIL, was merkwürdigerweise zu einem leichten Fischregen führt. Am nächsten Morgen kommt der Privatdetektiv Marty Palmer (Jim Metzler), der sich als Autor des 'Modern Miracle Magazine' ausgibt, vorbei, um Lucy über den Vorfall in der Anderswelt zu befragen. Wie es der Zufall will, ist dies nur das erste von zahlreichen okkulten Ereignissen, von denen viele zu grausamen Todesfällen führen.

Obwohl man eine Nummer wählen muss, um einen zufälligen Schocker mit unerwarteten Folgen zu bekommen, ist die Prämisse den Standard-Slashern der 80er Jahre gar nicht so unähnlich, in denen die Terrorisierung von notgeilen Teenagern von übernatürlichen Quellen ausgeht. Auch wenn die Ausstattung angemessen, aber begrenzt ist und die schauspielerischen Qualitäten akzeptabel sind, gibt es leider eine Schwerfälligkeit im Aufbau, die das Gruselpotenzial stark beeinträchtigt. Selbst die Ankunft satanischer Umtriebe, ausgelöst durch den 'Horrorskop'-Poeten, der seinen Anrufern das Schicksal diktiert, geht nicht gerade schnell vonstatten.

Unter der Führung von Robert Englund ist bei dieser Art von Projekt ein gewisses Potenzial zu erwarten. Doch die Zahl der Todesopfer und die Schockgefahr sind zu gering und zu weit verbreitet. Ein Großteil von "976-Evil - Durchwahl zur Hölle" ist Füllmaterial, das bis zum ersten wirklich heftigen Moment, der nach fast einer Stunde kommt, vor sich hindümpelt. Und selbst dann werden sie nicht direkt mit viel mehr untermauert. "Das ist Satans Werk!"

Zumindest wird die Thematik mit einer erkennbaren Aufrichtigkeit angegangen. Die Stimmung bleibt düster und es gibt praktisch keine komödiantischen Aspekte. Der Großteil der Charaktere ist jedoch lieblos gestaltet und zutiefst unsympathisch, was es schwierig macht, sich dafür zu interessieren, ob jemand das Blutbad überlebt oder eine Antwort auf die teuflischen Besessenheiten und werwolfartigen Transformationen findet. Der Protagonist Spike ist über einen längeren Zeitraum abwesend und kümmert sich höchstwahrscheinlich um seine verschwundene Freundin Suzanne Walker (Lezlie Deane), obwohl es kaum Nachforschungen über ihr Wohlergehen gibt. Am Ende gibt es jedoch schaurige Spezialeffekte und Make-up mit einigen fiesen visuellen Überraschungen und einige wilde Sequenzen mit alptraumhaftem Thrill wie in "Poltergeist" oder "Hellraiser", doch selbst in diesen blutigen Augenblicken ist die allgegenwärtige Trägheit evident. Das Ganze hat etwas von einer Rachephilosophie im Stile von "Carrie - Des Satans jüngste Tochter", als sei die Adoleszenz eine buchstäbliche Höllenerfahrung mit brutal manifestierten Episoden des Durchdrehens, doch die zaghafte Umklammerung des Horrors verhindert, dass es wirklich angsteinflößend wirkt. Schlussendlich ist es eine unfassbar vergessenswerte filmische Expedition in eine ideenlose Zwischenwelt.

In "Das Leben des Brian" von Regisseur Terry Jones nähern sich drei weise Sterndeuter mit Geschenken einer Krippe, die von einem Stern angeführt wird. Leider gehen sie in den falschen Stall und geben ihre Geschenke aus Gold, Weihrauch und Myrrhe einem einfachen Baby namens Brian. Nebenan jedoch leuchtet das haloartige Licht eines wahren Wunders. "Er ist der Sohn Gottes!"

"Das Leben des Brian" spielt in Judäa im Jahr 33 n. Chr. Der erwachsene Brian Cohen (Graham Chapman) versucht, die Predigt von Jesus zu hören, aber ein Handgemenge zwischen Schaulustigen verhindert, dass er die Ansprache mitbekommt. Das spielt aber keine Rolle, denn er ist ohnehin mehr daran interessiert, einer Steinigung in Begleitung seiner Mutter beizuwohnen.

Mit der Monty-Python-Crew am Ruder ist kein Thema gegen eine gute Parodie gefeit. Aussätzige, Blasphemie, Frauen- und Transsexuellenrechte, Grausamkeiten im Kolosseum, aufmüpfige Fraktionen, Grammatik, Vandalismus, Verachtung für die Römer, imperialistische Nahrungsmittel wie Otternasen, Infrastrukturen wie das Aquädukt und Straßen, Feilschen, Kreuzigung, Sprachbehinderungen und vieles mehr sorgen für heftige Lacher. Die Witze sind konsequent und absurd und haben oft mehr Gewicht als die eigentliche Handlung, die sich zu einer supergeheimnisvollen Mission entwickelt, die gut zu der James-Bond-artigen Titelmelodie passt, nämlich in den Palast von Pontius Pilatus einzubrechen und ein Lösegeld zu fordern. Dazu kommt noch eine Liebesgeschichte mit Judith (Sue Jones-Davies), Mitglied der Volksfront von Judäa.

Interessanterweise ist der Produktionswert recht hoch, auch wenn es hier nur darum geht, sich über religiöse und historische Geschichten lustig zu machen. Kostüme, Kulissen und Requisiten sind größtenteils überzeugend, die Qualität hat sich seit dem kultigen "Die Ritter der Kokosnuß" der Komödiantentruppe verbessert, und auch dieses zweite Kulturprojekt ist kohärenter und konzentrierter. Um mit der vernünftigen Zeitlinie zu brechen und für unerwartete Gags zu sorgen, gibt es sogar außerirdische Forscher, die sich in einem weltraumgebundenen Feuergefecht wiederfinden, das primitiv, aber in seinen Auswirkungen äußerst unterhaltsam ist. Außerdem spielen die Hauptdarsteller, darunter John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones und Michael Palin, alle mehrere Rollen und treten als hysterisch gegensätzliche Persönlichkeiten an verschiedenen Schauplätzen auf, wobei ihre Garderobenwechsel gerade so extrem sind, dass man bei den schnellen Schnitten zur nächsten Szene fast nicht merkt, wie viele Charaktere sie verkörpern.

Mit seiner kurzen Laufzeit und den minimalen Abweichungen von Brian Cohens versehentlicher Vergötterung und seinem Märtyrertod und seiner komischen, bemitleidenswerten potenziellen Erlösung ist "Das Leben des Brian" eine bemerkenswert wirksame Parodie, zumal sie die willkürliche Interpretation von Zeichen und Symbolen, die Torheiten des blinden Glaubens und die im Namen der Religion begangenen Gräueltaten entlarvt. Auf Gelächter kann man sich freuen, und das Finale ist überaus passend, mit einem munteren Lied, das perfekt mit einer Massenhinrichtung harmoniert. "Ich war blind und jetzt kann ich sehen!"

Nach einer Ouvertüre erscheint Regisseur Cecil B. DeMille persönlich auf der Bühne, um eine ungewöhnliche Einführung zu geben, und er spricht auch in regelmäßigen Abständen während seines Films "Die zehn Gebote". "Meine Damen und Herren, Jung und Alt...", beginnt er und fasst zusammen, dass die Bibel etwa 30 Jahre des Lebens von Moses auslässt, die hier durch die Arbeiten antiker Historiker aufgefüllt werden, indem längst verloren gegangene Dokumente sowie Material aus den Büchern 'Prince of Egypt' von Dorothy Clarke Wilson, 'The Pillar of Fire' von J.H. Ingraham und 'On Eagle's Wings' von Arthur E. Southon verwendet werden. Er weist sogar auf die Laufzeit hin - 3 Stunden und 39 Minuten - und dass es eine Pause gibt, die von Elmer Bernsteins begeisternder Musik eingeleitet wird. Technisch gesehen ist dieses Intro nicht in allen Fassungen vorhanden, aber es begründet die Größe und das Fundament einer seiner berühmtesten Produktionen.

Ein Baby wird in einem ägyptischen Haus geboren, und es wird geweissagt, dass es die Hebräer aus der Sklaverei befreien wird. Doch Ramses I. (Ian Keith) fürchtet sich vor diesem Potenzial und ordnet an, dass alle männlichen hebräischen Neugeborenen zu töten sind. Um dem Erlass zu entgehen, legt Joshabel (Martha Scott) ihr Baby (später Moses genannt) in einem Korb in den Nil, wo es von der Pharaonentochter Bithia (Nina Foch) entdeckt und wie ihr eigenes Kind aufgezogen wird. "Sklaven sind Reichtum, Kommandant."

Als Erwachsener erobert Moses (Charlton Heston) Völker und schließt Bündnisse, während er gleichzeitig ein Auge auf die schöne Nefretiri (Anne Baxter) wirft, die Tochter des aktuellen, älteren Pharaos Sethi (Sir Cedric Hardwicke). Doch Ramses II (Yul Brynner) will verhindern, dass sein so genannter Bruder das Mädchen bekommt oder den Thron besteigt. Zudem soll er mit Hilfe des opportunistischen Superintendenten Dathan (Edward G. Robinson) die Identität des hebräischen Befreiers herausfinden, der sich angeblich in Goschen befindet, wo der Bau einer neuen Stadt im Gange ist. Als Mose die Planung und Koordinierung der Knechte übernimmt, buhlt er um ihr Wohlwollen, indem er ihnen einen Ruhetag und Getreide aus den Vorräten gewährt, und ruft damit eine Loyalität hervor, die zu größeren Unruhen und einem verhängnisvollen Aufstand führen wird. "Blut macht schlechten Mörtel."

Dem authentischen Wortschatz, der Sprechweise und der Präsentation wird fast keine Aufmerksamkeit geschenkt. Es handelt sich eindeutig um ein Kostümdrama von altem Hollywood-Design und -Proportionen, das sich mehr auf aufwendige Gewänder, schimmernde Rüstungen, weitläufige Kulissen und Hunderte von Statisten und unzählige Tiere konzentriert. Auch ohne fortschrittliche Spezialeffekte ist "Die zehn Gebote" ein Spektakel: Er wurde in Ägypten gedreht, war der teuerste Film, der bis dahin gedreht wurde, und der profitabelste des Jahres. Gleichwohl ist es ein eindrucksvolles Epos, das einige imposante Geschichten mit transzendenten moralischen Lehren aus alten Epochen adaptiert. Ungeachtet der biblischen Referenzen ist der abrahamitische Gott hier im Grunde nur eine Hoffnung, denn Moses fragt sich verständlicherweise weiterhin, warum er sich nicht um das menschliche Leid kümmert. Erst nach der Pause und dem Entr'acte erscheinen Wunder, von denen viele eine unbarmherzige, rachsüchtige, grausame Gottheit zeigen; die Grundkonzepte von Gerechtigkeit und Heldentum sind durchweg cineastisch. Außerdem ist die Liebesgeschichte zwischen Moses und Nefretiri effizient, auch wenn sie Standardkost für diese Art von Film ist. Es gibt auch eine moderate lustige Konzeption von Sexualität, die allgegenwärtig ist, wenn Moses zum Action-Helden und Sexualobjekt für die sieben notgeilen Mädchen von 'Midian' wird.

Innerhalb der kolossalen Laufdauer bilden sich etliche Nebenstränge, in denen einige bekannte Namen eine Rolle spielen, die aber auch das Erzähltempo in Anspruch nehmen. In ihrem Bemühen, ein breites Spektrum an Prämissen und Informationen zu vermitteln, neigen die Szenen dazu, sich ein wenig zu sehr in überflüssigen Details zu versteifen. "Die zehn Gebote" ist gewiss nicht so actionreich und spannend wie Charlton Hestons Nachfolgefilm "Ben-Hur" und auch nicht so beeindruckend, da er sich eher auf unerklärliche, erdachte und phantastische Begebenheiten stützt als auf die Macht eines inspirierenden Anführers, der seine Anhänger zu einer gerechtfertigten Revolution zusammenführt. Der Realismus und die Zweckdienlichkeit nehmen fast genau zu Beginn der zweiten Hälfte erheblich ab, um der klassischen Fabel von den Plagen des Moses gegen Ramses mit einigen vergnüglichen Spezialeffekten Platz zu machen. Es ist eine klare, fast schwarz-weiße Veränderung in Ton und Atmosphäre. Je näher "Die zehn Gebote" dem erwarteten Ende zustrebt, bei dem Moses' ikonischste Aktion mit dem Roten Meer und die Einbeziehung des Berges Sinai in die titelgebenden Steintafeln im Mittelpunkt stehen, desto augenfälliger wird die Schwergängigkeit. Es ist schwierig, das Engagement der ersten Hälfte wiederzuerlangen, wenn die zweite Halbzeit die ursprüngliche Empfindsamkeit für die Narration verliert. Die heroischen Dimensionen der Regiearbeit von Cecil B. DeMille sind jedoch unverkennbar. Ob konstant unterhaltend oder nicht, das Ausmaß und der Umfang sind monumental. "Was ich getan habe, musste ich tun."

1. Real Ghostbusters
2. Alf
3. Alle unter einem Dach
4. Roseanne
5. Akte X - Die unheimlichen Fälle des FBI
6. Als die Tiere den Wald verließen
7. Buffy - Im Bann der Dämonen
8. Die Dinos
9. Emergency Room - Die Notaufnahme
10. Die Simpsons

"Nosferatu - Phantom der Nacht" von Regisseur Werner Herzog beginnt gespenstisch mit Aufnahmen mumifizierter Kinder, die grausige, zu lippenlosen Fratzen erstarrte Gesichter zeigen. Lucy Harker (Isabelle Adjani) wacht schreiend aus einem Albtraum auf. Ihr Ehemann Jonathan (Bruno Ganz) tröstet sie wieder einmal, da sie seit einiger Zeit immer wieder solche Anfälle hat. Jonathan hat auch mit anderen Problemen zu kämpfen, denn sein Chef Renfield (Roland Topor) - der sich auch unter normalen Umständen wie ein Verrückter zu benehmen scheint, was aber niemandem auffällt - schickt ihn zu einem Treffen mit dem mysteriösen Grafen Dracula (Klaus Kinski), der in der Nähe ein Haus kaufen will. "Transsilvanien. Ein wunderbarer Ort..."

Trotz der Warnungen vor Wölfen und bösen Geistern - und den Beteuerungen seiner Frau - macht sich Jonathan auf seine vierwöchige Reise durch die Karpaten zu Draculas kaltem Schloss. Ein Zwischenstopp in einem Gasthaus bringt zusätzliche Warnungen sowie einen Spritzer Weihwasser, eine Kruzifix-Halskette und ein Buch über Untote, aber Jonathan Harker hält das alles für dummen Aberglauben. Das hat nichts zu bedeuten, nur weil jeder vor diesem Ort Furcht verspürt.

Werner Herzog hält es für notwendig; viel zu oft wird pittoreske Musik zu verschiedenen Szenenübergängen gespielt, fast wie eine Allusion an den allgegenwärtigen Soundtrack eines Stummfilms. In der Tat werden in dieser modernisierten Adaption des Bram Stoker-Romans und der Neuverfilmung des Kultfilms von Friedrich Wilhelm Murnau aus dem Jahr 1922 viele denkwürdige Momente wie eine originalgetreue Neuinterpretation umgesetzt. Es wird mehr Zeit auf atmosphärische Bilder verwendet, mit leichten Abweichungen vom Original, wie zum Beispiel die erste Wanderung von Jonathan Harker zu Fuß, aber die Handlung ist praktisch identisch. Kulissen, Dekorationen und Requisiten sind vielleicht imitativer, ebenso das Make-up und die Kostüme, während Werner Herzogs Vorliebe für grandiose Orchesterbegleitung endgültig in den Vordergrund tritt.

Obwohl es praktisch unmöglich ist, Max Schrecks stumme Performance zu übertreffen, ist Klaus Kinskis Darstellung zutiefst verstörend, vielleicht sogar zu widernatürlich angesichts des modernisierten Filmdesigns, was die Frage aufwirft, warum Jonathan Harker die Ungeheuerlichkeit von Draculas Erscheinungsbild zu ignorieren scheint. Mit seinem ausgesprochen fahlen Antlitz, den bedenklich langen Fingernägeln, den scharfen Schneidezähnen, den deformierten Ohren und der unheimlichen schwarzen Kleidung könnte man annehmen, dass der durchschnittliche Gast sofort vor Angst erstarrt wäre, was zu einer gewissen komödiantischen Überspitzung führt, wenn Jonathan Harker nicht sofort die Fliege macht. Im Kontrast zu Tod Brownings Inszenierung der verführerischen Qualitäten des titelgebenden Widersachers macht sich dieser Monsterfilm die abscheulichen Merkmale zu eigen und erschafft eine höllische Kreatur, die Ekel hervorruft.

Da die Handlung keine großen Innovationen bietet, sind es vor allem bestimmte visuelle Elemente, die für Aufmerksamkeit sorgen, auch wenn es sich bei vielen Sequenzen um leicht aufpolierte Repetitionen der unverkennbaren Bilder aus dem Klassiker von Friedrich Wilhelm Murnau handelt, die teilweise nur in Zeitlupe verlängert oder auf Gesichtern und Mimik fixiert sind. Neue, eindringliche Abbildungen zeigen Lucy Harker, die von einem Friedhof am Strand aus auf das Meer blickt. Ein Kindergeiger, der über Jonathan Harkers zusammengebrochenem Körper spielt, vermehrte Rattenplage, kompliziertere und nervösere Verhandlungen zwischen Lucy Harker und Dracula und eine Variation des traditionellen Endes. Die Farbkamerabilder und die kleinen Abänderungen - selbst das Finale ist auf ungewollte Weise fast schon witzig - reichen jedoch nicht aus, um "Nosferatu - Phantom der Nacht" zu einer notwendigen Wiederholung zu machen, obwohl Isabelle Adjani perfekt zu Lucy Harker passt und Klaus Kinski als das bedrohliche Gespenst der Nacht durchaus überzeugend ist.

Kommentar zu "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens"
https://www.moviepilot.de/movies/nosferatu-eine-symphonie-des-grauens/kritik/2821591

(Nach beruflich bedingter Abwesenheit wieder da!)

In "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" von Regisseur Friedrich Wilhelm Murnau leben ein Mann namens Thomas Hutter (Gustav von Wangenheim) und seine Frau Ellen (Greta Schröder) im Jahr 1843 nach Christus in der Stadt Wisborg. Ihre Tage sind gefüllt mit Glück und Heiterkeit, Lachen und Gartenarbeit. Thomas Hutters großzügiger, aber seltsamer Arbeitgeber, der Hausmakler Knock (Alexander Granach), schickt seinen Gehilfen wissentlich nach Transsylvanien, um sich mit Fürst Graf Orlok (Max Schreck) zu treffen, der ein verlassenes Haus in Wisborg kaufen will. Doch Knock ist sich der Gefahren bewusst, die nicht nur Thomas Hutter, sondern die ganze Stadt ins Verderben stürzen werden.

Thomas Hutter begibt sich sofort in das Land der Diebe und Geister - eine ominöse Beschreibung, die niemanden davon abhält, sich in solch verbotenes Gebiet zu wagen. Als Thomas Hutter in einem Dorf in der Nähe der Karpaten einkehrt, erschreckt die bloße Erwähnung von Orloks Burg die anderen Einwohner und lässt sie verstummen, woraufhin der Gastwirt den unwissenden jungen Mann warnt. "Der Werwolf streift durch die Wälder."

Basierend auf dem Roman 'Dracula' von Bram Stoker, der zu einem Rechtsstreit führen sollte, da die Rechte nie richtig erworben wurden, ist es ziemlich offensichtlich, worauf "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" hinausläuft, vor allem als Thomas Hutter tiefer in Transsylvanien vordringt und dabei Warnungen und böse Omen ignoriert, wie etwa ein Buch über Nosferatu, einen vampirischen Dämon, der sich von menschlichem Blut ernährt, sowie die schaurig-schöne Musik, die fast jedes Bild in dem verfluchten Land dominiert. An einer Stelle lacht er sogar über den Text, in dem er Vampire und die Todsünden beschreibt. Die Übersetzung des epistolischen Originals bietet eine geradlinige Erzählung, die jedoch nicht wesentlich von der Hauptprämisse abweicht. Friedrich Wilhelm Murnau versuchte nicht, die Legende neu zu erfinden - der ursprüngliche Untertitel lautete 'Eine Symphonie des Grauens'. Stattdessen will er die Geschichte so präsentieren, dass sie dem inhärent grausamen Charakter des populären okkulten Horrors entspricht. "Und als er die Brücke überquerte, kamen ihm die Phantome entgegen."

Dieser Klassiker des deutschen Expressionismus aus dem Jahr 1922 ist zwar nicht so ausgeklügelt, wie es die moderne Technik und die kinematografischen Techniken erlauben, aber sein Arrangement von Licht, Schatten und Atmosphäre ist dennoch sehr gelungen. Die visuellen Restriktionen reichen nicht aus, um die Seriosität und Düsternis dieses epochalen Meisterwerks zu unterbrechen. Die Botschaft der Geschichte ist also unmissverständlich. "Ihre Frau hat einen schönen Hals..."

Auffallend ist auch die Erscheinung von Max Schreck, dessen hoch aufragende, dürre Gestalt, gepaart mit dunklen Augen, einer riesigen Nase, Spitzohren, buschigen Augenbrauen, gespitzten Fingern und nadelspitzen Zähnen, in ihrer Überspitzung fast schon zu überspitzt wirkt. Andere ikonische Motive gibt es zuhauf, darunter das erste Antlitz von Orlok, das durch Risse in der Sargdecke sichtbar wird. Der Deckel des Sarges, der sich wie von Geisterhand wieder hebt, die Einblendung des Schurken, der über seine Opfer wacht, die Pestratten, die von unten an Deck aufsteigen, und zwei 'Mückenstiche' am Hals von Thomas Hutter. Die Stimmung all dieser Sequenzen ist angemessen makaber, und es gelingt ihr, jegliches Potenzial für ungewollte Unaufrichtigkeit zu unterdrücken.

Orloks Schiffsreise von Galaz aus zieht die Laufzeit etwas unnötig in die Länge, obwohl sie die Aura der drohenden Verderbnis verstärkt, zusammen mit einer Pestilenz-Panik und einem paracelsischen Lehrer, der Vampire mit Venusfliegenfallen, Spinnen und anderen parasitären Organismen vergleicht, da die Popularität des fiktiven Unholds es nicht wirklich erforderlich machte, dass die Figuren versuchten, den Betrachter von der Wahrscheinlichkeit solcher höllischen Kreaturen zu überzeugen - damals wie heute. Doch das Werk als Ganzes ist nicht von der Hand zu weisen. Der Einfluss von Friedrich Wilhelm Murnaus unautorisierter Verfilmung ist nicht weniger als monumental, was vor allem an Orloks atemloser, unheimlicher Wirkung und seinen versteinernden Schatten liegt. Unvergesslich ist auch das Finale, das auf spielerische Weise auf einen Pflock im Herzen verzichtet.

Kommentar zu "Nosferatu - Phantom der Nacht"
https://www.moviepilot.de/movies/nosferatu-phantom-der-nacht/kritik/2822133

In "Anatomie eines Falls" von Regisseurin Justine Triet beschäftigt sich die Autorin und Übersetzerin Sandra Voyter (Sandra Hüller) mit einer neuen Person, Zoe Solidor (Camille Rutherford), die zu einer Figur in ihrem Buch werden könnte. Doch Zoe Solidor, ihre Literaturstudentin, interviewt Sandra Voyter für ihre eigene Arbeit über den Prozess des Geschichtenerzählens. Das Projekt wird jedoch unsanft unterbrochen und gestoppt, als aus dem oberen Stockwerk unangenehm laute Musik ertönt, für die Sandra Voyters Ehemann Samuel Maleski (Samuel Theis) verantwortlich gemacht wird, der offenbar gerade dabei ist, den Dachboden ihres Chalets in 'Grenoble' zu isolieren. Wenige Minuten später, als ihr 11-jähriger, sehbehinderter Sohn Daniel (Milo Machado Graner) vom Gassigehen mit dem Hund nach Hause kommt, wird Samuel Maleski tot aufgefunden, ausgestreckt im Schnee, mit einer Blutlache um seinen Kopf.

Man geht davon aus, dass die Todesursache ein heftiger Schlag gegen den Schädel war, bevor er auf dem Boden aufschlug. "Zum jetzigen Zeitpunkt können wir die Beteiligung Dritter nicht ausschließen", sagt der Gerichtsmediziner, während er die Leiche untersucht. Es ist durchaus möglich, dass Samuel Maleskis Sturz ein Unfall war, aber angesichts der Höhe des Fensterbretts, der Lage des Toten, der Blutspritzer und des Blutergusses am Arm von Sandra Voyter wird diese Hypothese schwerlich zu halten sein. Während Mutter und Sohn trauern, beginnen die Behörden mit einer eher routinemäßigen Untersuchung. Doch wie bei allen Todesfällen unter Ehepartnern stellt sich bald heraus, dass die Ehefrau die Hauptverdächtige ist. "Niemand wird das glauben."

So wie Sandra Voyter die Renovierungsmethoden ihres Mannes erklärt, folgt "Anatomie eines Falls" einem ähnlichen Muster: Die Umstände des Ereignisses werden analysiert, wiederholt und mit großer Sorgfalt beschrieben. Es handelt sich zweifellos um eine sorgfältige Anatomie eines Falles. Von der Repetition von Szenen über die mehrfache Befragung, das unerwartete Auftauchen von Beweisen, die Einbeziehung anderer Charaktere wie des langjährigen Freundes und Anwalts Vincent Renzi (Sann Arlaud) und der von der Richterin ernannten unparteiischen Zeugenbeobachterin Marge Berger (Jehnny Beth) bis hin zu den Gerichtsproben und vielem mehr scheint der gesamte Prozess umfassend abgedeckt zu sein. Leider geht dies manchmal auf Kosten des Tempos, auch wenn die Kamera abzuschweifen scheint oder auf verschiedenen Komponenten verweilt, als ob sie ein wenig das Interesse verliert und sich manchmal so verhält, als ob sie Material für eine Dokumentation aufnimmt. "Er war sehr vorsichtig und akribisch. Er arbeitete langsam."

Das Schauspiel, insbesondere von Sandra Hüller, ist sensationell. Tatsächlich ist die gesamte Besetzung außerordentlich glaubwürdig, von Sandra Voyters Verbündeten bis hin zu ihren Gegnern, die sich wie Feinde anfühlen, insbesondere der antagonistische Staatsanwalt, auch wenn sie lediglich ihren Job machen. Trotz der beträchtlichen Laufzeit, die mit methodischen Verhören und zahlreichen Facetten des Prozesses selbst gefüllt ist, die ein Jahr der Prozessvorbereitung überspringen, sind die eskalierenden Enthüllungen über Schuld, Schuldhaftigkeit, Beziehungskomplikationen und widersprüchliche Theorien über den Tod durch und durch faszinierend, und die musikalischen Motive sind großartig.

"Anatomie eines Falls" mag anstrengend sein, aber er zieht sich selten in die Länge. Eine der unpassendsten Sequenzen ist die, in der Vincent Renzi betrunken an alte Zeiten mit Sandra Voyter zurückdenkt, gefolgt von weiteren Szenen, die einen wichtigen Punkt der Verschlechterung in ihrer Ehe aufzeigen. Wenn sich der Fokus wieder auf den Prozess richtet, ist das Hin und Her von Vermutungen und Anschuldigungen erneut spannend, ebenso wie der stetige Aufbau des Höhepunkts. Es ist nie aufregend, aber es ist schwer, sich an der Intensität und dem Unterhaltungswert des Dramas zu satt zu sehen. Das Ganze mag sich wie eine ausgedehnte, allumfassende Episode von "Law & Order" oder die realistische Version eines reißerischen und exploitativen Films wie "Basic Instinct" abspielen, aber es ist immer noch ungemein befriedigend, selbst mit dem erwartungsgemäß langwierigen Fall-Plot, der die Vorstellung verstärkt, dass unabhängig vom Ausgang des Prozesses ein Mann immer noch tot und eine Familie unwiderruflich zerrüttet ist.

In "Father Stu" von Regisseurin Rosalind Ross bekommt der junge Stuart Long in Montana von seinem Vater Bill (Mel Gibson), der ihn nicht unterstützt, nur sarkastische Bemerkungen zu hören. Deshalb gibt er die Hoffnung auf, der nächste Elvis zu werden, und nutzt stattdessen seine Körperkraft, um seine Gegner im Ring zu verdreschen. Doch auch eine Karriere als Boxer wird durch medizinische Komplikationen unterbrochen, und er kommt nicht sehr weit, nachdem er aus dem Bereich herausgefallen ist, den Profis normalerweise ausnutzen. "Ist es dafür nicht ein bisschen spät?", fragt ihn seine Mutter (Jacki Weaver) und erinnert ihn nicht nur an das Profiboxen, sondern auch an seinen späteren Wunsch, Filmstar zu werden. Das treibt den erwachsenen Stuart Long (Mark Wahlberg) nach Hollywood, wo er jede Andeutung einer Arbeiterkarriere zurückweist. "Ich wurde geboren, um aufzutreten!"

Er ist ehrgeizig, charismatisch und sympathisch, aber diese Eigenschaften bringen ihn nur in einen Werbespot und hinter die Frischetheke eines Lebensmittelladens. Als er eine attraktive Kundin (Teresa Ruiz) erspäht, schlägt Stuart Long einen anderen Weg ein, der ihn diesmal in eine katholische Kirche führt, wo seine Flirt- und Verführungstaktiken nicht annähernd so effektiv sind. Hier vervollkommnet "Father Stu" seinen Humor, der sich stark auf Stuart Longs Derbheit und krude Formulierungen stützt, um einen Kontrast zu seiner neuen kirchlichen Umgebung zu schaffen und zu Bill Longs ausgeprägter Unsympathie und seinem Atheismus zu passen. Allerdings geht "Father Stu" mit diesen Widersprüchen merkwürdigerweise nicht weit genug, trotz eines leisen Winkes von "Asphalt-Cowboy", wenn Stuart Long selbstsicher und unvorbereitet auf den Staub nach Hollywood schlendert. Stuart Long mag ein paar Mal unter Alkoholeinfluss gefahren sein, aber er ist weit davon entfernt, ein scheinbar unausrottbarer Mörder zu sein. Als er dem Alkohol und anderen Sünden abschwört, um Priester zu werden, ist das nicht das große Opfer und die beträchtliche Kehrtwendung, die man bei einer Filmadaption erwarten würde. "Ich kremple mein Leben um."

"Pater Stu" basiert auf dem realen Pater Stuart Long, mit den üblichen theatralischen Ausschmückungen und Konzepten des Leidens, um den Glauben zu testen, aber keine sind bedeutend genug, um diesem Film den tiefgründigen Geschmack von "Das Lied von Bernadette" oder "Das Gewand" oder "Ein Mann zu jeder Jahreszeit" oder sogar "Mein linker Fuß" oder "Schmetterling und Taucherglocke", a la das biblische Buch Hiob, zu geben. Die beste Stimmung herrscht in den Kombinationen "Beinahe ein Engel" oder vielleicht "Sister Act", in denen unflätige Anekdoten und harte Jungs gegen die Korrektheit von Monsignore und Soutane antreten. Der Gedanke, dass sich Hochstapler in die kirchlichen Prozesse einmischen, deutet also auf eine gewichtige persönliche Offenbarung und eine echte Veränderung hin. Dies steht im Zusammenhang mit Mark Wahlbergs viel beachteter Transformation und einer beachtlichen Pause von seinem berühmten Fitnessprogramm, während der er ein paar Pfunde zugelegt hat. Der Großteil von "Father Stu" ist jedoch eine typischere Geschichte über negative Entscheidungen, die zu einem Richtungswechsel für eine eigensinnige Psyche führen. "Father Stu" mäandert eine Weile auf kleinen Weisheiten herum, bevor er den wichtigsten Aspekt von Stuart Longs Reise enthüllt: Eine gesundheitliche Komplikation, die es Mark Wahlberg erlaubt, alles zu geben und in einigen überraschend herzerweichenden Situationen inständig zu bitten.

Szenen von sich wiederholenden Irrtümern und bedauerlichen Umständen werden in eine religiöse Berufung und einen zielgerichteten Plan des Allmächtigen übersetzt, was nicht gerade innovativ ist, vor allem, wenn man sich überlegt, dass eine Nahtoderfahrung Ungläubige über die Tragweite sinnieren lässt. "Father Stu" ist kein überragender Film, der emotional nicht so zwingend ist, wie er sein sollte. Das liegt vor allem daran, dass er sich in erster Linie auf biografische Episoden konzentriert und nicht auf bestimmte Menschen, denen der Priester geholfen hat, wie beispielsweise die Gefangenen oder andere in Ungnade gefallene Bürger, mit denen er eine einzigartige Fähigkeit zur Kommunikation besaß. Vieles an "Father Stu" ist unbedeutend und undramatisch, verweilt in banalen Sitten und Thematiken, die sehr konkrete Betrachter anziehen werden, die bereits auf genau diese Belange fixiert sind, und verschenkt auf schmerzliche Weise eine potenzielle Liebesgeschichte, die eine größere Universalität hätte ausdrücken können. "Father Stu" mag eine hervorragende Botschaft und gute Darsteller haben, aber das Erzähltempo und die Story sind schlichtweg zu lasch. "Du hattest schon einige verrückte Einfälle..."

Als Low-Budget-"Waterworld" ohne Wasser zeichnet sich "Wastelander" von Regisseur Angelo Lopes dadurch aus, dass er die typischen Elemente der besten Filme des Genres aufgreift. Momente aus "Die Klapperschlange", "Mad Max II - Der Vollstrecker", "The Book of Eli" und so ziemlich jedem anderen nennenswerten postapokalyptischen Actioner finden ihren Weg in den Film - viele davon als gelungene Hommage, ein bedauerlicher Teil als banale Imitation. Es ist unnötig, die technischen Einschränkungen von "Wastelander" aufgrund von Budgetbeschränkungen zu kritisieren. Liebhaber des Genres werden über solche Mängel hinwegsehen und sich auf die Qualität der vorgestellten Konzepte und die Effizienz der geschaffenen Atmosphäre konzentrieren. Schwerer zu übersehen sind jedoch die schwankenden schauspielerischen Leistungen, die instabile Kohärenz des Science-Fiction-Designs und die hohe Dosis an erschreckend schlechten Dialogen.

Obwohl die Prämisse von "Wastelander" zum Ende hin an Nonsens grenzt, bleibt sie dem Grundgerüst des postapokalyptischen Adventures treu. Der einsame Nomadenkrieger Rhyous Solidore (Brendan Guy Murphy) durchstreift die trockene Wüste des 27. Jahrhunderts auf der Suche nach dem legendären 'Eden'. Mörder, Schläger und Verbrecher sind eine tägliche Bedrohung für den lakonischen Sucher, aber als er den ominösen Regenten Dr. Caldwell Benedict (Angelo Lopes) trifft, der dasselbe verbotene Rätsel sucht, kommt der Ödländer der Entdeckung des gelobten Landes und der entsetzlichen Wahrheit näher. Mit seinen Gefährten, darunter der Söldner Solek (Jon Proudstar) und die Banditin Neve (Carol Cardenas), muss Rhyous Solidore gegen Gesetzlose, Cyborg-Gladiatoren und bösartige Kriegsherren kämpfen, um seine Mission zu erfüllen.

Trotz der Tatsache, dass der größte Teil des Films in verwaschener, zu greller Sonne getaucht ist, bietet "Wastelander" immer noch malerische Wüstenlandschaften in Arizona, die manchmal hervorgehoben oder gelegentlich durch digitale Hintergründe verdeckt werden. Der übermäßige Rückgriff auf computergenerierte Bilder reduziert die Produktion oft auf das Niveau eines Syfy Channel-Exklusivfilms, obwohl die überwiegende Mehrheit der trostlosen, verfallenen Sets visuell ansprechend ist. Oxidierende Gebäude und mit Graffiti besprühte Tunnel sind die Highlights, aber auch Innenraumsequenzen wie ein nebelverhangener Gladiatorenkampf bieten vergleichbar attraktive, düstere Kulissen.

Das Science-Fiction-Design von "Wastelander" bietet ebenso viele verblüffende wie konfuse Motive. Viele der Cyberpunk- und Steampunk-Kostüme sind aufwendig und gut durchdacht; einige der Filmfiguren würden sich auch in den Welten von George Miller zu Hause fühlen. Doch ein paar merkwürdig widersprüchliche Aspekte trüben die Gesamtästhetik, nämlich der übermäßige Einsatz von CG-Verzierungen, die überstrapazierten Roboterstimmen und eine wenig überzeugende Mischung aus moderner und futuristischer Technologie. Accessoires aus dem Wilden Westen, Macheten und Nunchaku wirken fehl am Platz in einer Welt, die mit Laserblastern, kryogenen Kapseln, Virtual-Reality-Helmen und kybernetischen Upgrades wirbt.

Es gibt definitiv eine Nachfrage nach 'Mad Max'-Imitationen, und "Wastelander" füllt eine Nische in diesem Subgenre, das selten große Produktionen anzieht. Was "Wastelander" mehr schadet als sein mageres Budget, ist sein übertriebener Wunsch, sich selbst ernst zu nehmen. Faszinierende Kostüme und Sets, ausgedehnte Kampfszenen und einige solide praktische Effekte können nicht über eine chaotische Erzählung und grauenhafte Dialoge hinwegtrösten - ein Lagerfeuergespräch zwischen Rhyous Solidore und Neve über Zeit und Alter ist der Inbegriff der Hirnlosigkeit. Ein wenig mehr an Transparenz wäre willkommen gewesen. Ungeachtet des restriktiven Drehbuchs brilliert Jon Proudstar als komödiantische Nebenfigur Solek. Deshalb ist es eine Schande, dass der 'Wastelander' ihn auf seiner Reise immer wieder im Stich lässt.

Wieder einmal ist es eine Freude und eine Seltenheit, dass die gesamte große Besetzung einer Filmreihe für den vierten Teil zurückkehrt, darunter Regisseur Richard Donner und mindestens acht bekannte Haupt- und Nebendarsteller. Darüber hinaus behält "Lethal Weapon 4 - Zwei Profis räumen auf" weitgehend denselben Ton und die gleichen Motive bei, obwohl zwischen dem letzten Teil eine Pause von sechs Jahren lag. Mit dem größten Budget, den komplexesten Actionsequenzen, noch mehr Komik und der willkommenen Erweiterung um wirklich memorable Bösewichte ist "Lethal Weapon 4 - Zwei Profis räumen auf" einer der besten der Reihe und ein wunderbarer Einstieg in das Blockbuster-Niveau des Action-Komödien-Subgenres.

Sergeant Roger Murtaugh (Danny Glover) wird Großvater, sein Partner Sergeant Martin Riggs (Mel Gibson) bekommt mit seiner Freundin Lorna Cole (Rene Russo) ein Kind. Bei der Arbeit werden sie wegen ihrer eklatanten Missachtung von öffentlichem Eigentum aufgrund eines Versicherungsproblems und einer Formalität bei der Einstellung vorübergehend zu Captains befördert. Die ganze Meute arbeitet wieder zusammen, als Leo Getz (Joe Pesci), jetzt Privatdetektiv, und der neue Detektiv Lee Butters (Chris Rock) sich den betagten Verbrechensbekämpfern anschließen, um einen asiatischen Sklavenschmugglerring zu stoppen, der mit dem lokalen Verbrecherboss Benny Chan (Kim Chane) und dem chinesischen Triadengangster Wah Sing Ku (Jet Li) zusammenarbeitet.

Von der Eröffnungsszene, in der Martin Riggs und Roger Murtaugh mitten auf einer Tankstelle einen Pyromanen in einem gepanzerten Metallanzug mit einem Maschinengewehr und einem Flammenwerfer abwehren müssen, bis hin zur absolut überwältigenden Verfolgungsjagd auf der Autobahn, bei der Martin Riggs auf einem Küchentisch liegt und von einem Sattelschlepper hinter ein Ausstellungshaus geschleift wird, als ob es sich dabei um "Mad Max'" Version des Wasserskifahrens handeln würde, hat sich die Action noch einmal gesteigert, um die Erwartungen der geifernden Fans zu erfüllen. Diese spezielle Verfolgungsjagd ist ein bemerkenswerter Vorläufer des beeindruckenden Highway-Sets aus "Matrix Reloaded", nur mit viel mehr Realismus. Mit dem legendären Kampfsportler Jet Li und der Kampfchoreografie von Cory Yuen ist die Intensität am höchsten, die Stunts sind noch packender und die Kämpfe sind viel länger.

Jet Li ist ein guter Fang für den Hauptbösewicht. Wie in "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis" hat der antagonistische Anführer einen denkwürdigen oder zumindest wiedererkennbaren Gefolgsmann, und Jet Li liefert einen nahezu unaufhaltsamen, sicherlich visuell beeindruckenden Widersacher, der einige der eindrücklichsten filmischen Schandtaten vollbringen darf. Der zweite neue Co-Star, Chris Rock, ist weniger unterhaltsam, aber nicht ohne seine Momente. Chris Rock tut sich mit Joe Pesci zusammen, um die Witze zu verkomplizieren und die zynischen Dialoge zu intensivieren. Da die Verknüpfung von Humor und Abenteuer zum Ziel von 'Lethal Weapon' gehört, ist dies eine voraussichtliche, aber positive Entscheidung. In der Zwischenzeit schneidet sich Mel Gibson endlich die Haare, Roger Murtaughs Haus wird weiterhin verwüstet, das Polizeirevier ist immer noch der ideale Ort für Gags, und die neuen Captains akzeptieren beide, dass sie "zu alt für diesen Scheiß" sind. Insgesamt ist "Lethal Weapon 4 - Zwei Profis räumen auf" ein hervorragender Schlusspunkt der Filmreihe(?), der beweist, dass manche Formen von Overkill nie zu alt werden.

Kommentar zu "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis"
https://www.moviepilot.de/movies/lethal-weapon-zwei-stahlharte-profis/kritik/2808864

Kommentar zu "Lethal Weapon 2 - Brennpunkt L.A."
https://www.moviepilot.de/movies/lethal-weapon-2-brennpunkt-l-a/kritik/2808954

Kommentar zu "Lethal Weapon 3 - Die Profis sind zurück"
https://www.moviepilot.de/movies/lethal-weapon-3-die-profis-sind-zurueck/kritik/2809458

"Lethal Weapon 3 - Die Profis sind zurück" ist zwar um einiges dämlicher, aber Regisseur Richard Donner und die Darsteller aus den ersten beiden Filmen kehren zurück und bleiben den Grundelementen der ursprünglichen Figuren und Themen treu. Die Mannschaft wird größer, als die taffe Rene Russo zum Team stößt, das Abenteuer wird intensiver, da die Bösewichte härter werden, auch wenn die Zahl der Toten deutlich sinkt, und die Komik ist dank Joe Pesci größer. Wie schon bei den Vorgängern ist das Beste an dieser Reihe der ironische Dialog und das unbeschwerte Polizistengeplänkel, das jede Actionsequenz durchdringt, selbst wenn die Waffen gezogen und Geiseln genommen werden.

Roger Murtaugh (Danny Glover) hat nur noch acht Tage bis zu seiner Pensionierung, aber sein suizidgefährdeter Partner Martin Riggs (Mel Gibson) scheint (un)absichtlich alles zu tun, um diese zu vereiteln. Da das Bombenentschärfungskommando nie pünktlich erscheint, beschließt Martin Riggs, einen Sprengsatz in einem Auto zu entschärfen und dabei nur seinen Instinkten zu folgen. Dieser Impuls erweist sich als Fehler - rote und blaue Drähte sind immerhin irritierend - und das Duo wird zu Streifenpolizisten degradiert, als das Gebäude, in dem das Fahrzeug untergebracht ist, in Schutt und Asche gelegt wird.

Wie bei allen "Lethal Weapon"-Filmen ist jeder Bösewicht irgendwie mit den anderen Verbrechern im Film verbunden. Als Martin Riggs und Roger Murtaugh einen Raubüberfall auf einen Geldtransporter verhindern, führt die Spur zu dem korrupten Ex-Cop Lt. Jack Travis (Stuart Wilson), der konfiszierte illegale Schusswaffen zurück auf die Straße schmuggelt. Mit Hilfe von Lorna Cole (Rene Russo) von der Dienstaufsicht, die sie zunächst mit einer Wand aus geheimen Informationen bedroht, kommt die ungleiche Truppe dem skrupellosen Polizistenmörder auf die Spur und bahnt sich einen Weg aus Chaos und Patronen.

Leider fehlt es "Lethal Weapon 3 - Die Profis sind zurück" an einem Antagonisten mit Charisma oder einem Ziel, das über die typische Grausamkeit und willkürliche Gewalt hinausgeht. Doch die Stunts sind immer noch energiegeladen, die Schießereien rasant und mitreißend, die Verfolgungsjagden aufwändiger und die Vernichtung ungeheuerlicher. Die meisten Actionfilme sind zwar nur so stark, wie der Bösewicht im Gedächtnis bleibt, aber die humorvolle, rücksichtslose Teamarbeit von Martin Riggs und Roger Murtaugh bleibt weiterhin interessant, auch wenn einige der weinerlichen, betrunkenen Männerbekanntschaften ein wenig zu dick aufgetragen sind. Je komplexer die Chemie zwischen den beiden wird, desto geringer ist die Wahrscheinlichkeit, dass sie resistent sind. Der Plan ist nach wie vor, sich einfach mit Waffengewalt in die Lage zu begeben. Es macht also keinen Unterschied, dass alle Anhänger modernere und schärfere Schusswaffen tragen.

Es ist schwierig, die vorangegangenen Teile einer Franchise zu übertreffen. Da die Oneliner immer platter werden, müssen die flotten Sprüche und das witzige Geschacher als unwirksame Schläge herhalten, vor allem, wenn der Komiker Leo Getz (Joe Pesci) zurückkehrt, um sich in offizielle Polizeiangelegenheiten einzumischen. Fast jede Szene endet in einem Schusswechsel, manchmal verbal, aber meistens mit Munition. Martin Riggs und Roger Murtaugh können sich vor filmischen Problemen nicht retten, auch wenn ein Hamburger zu einer Drogenverhaftung und einem Todesfall führt. Zum Glück überwiegen der Humor und der Elan die pikanten Momente, was "Lethal Weapon 3 - Die Profis sind zurück" zu einer befriedigenden, aber nicht herausragenden Ergänzung der beliebten Action-Reihe macht.

Kommentar zu "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis"
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Kommentar zu "Lethal Weapon 2 - Brennpunkt L.A."
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Kommentar zu "Lethal Weapon 4 - Zwei Profis räumen auf"
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"Lethal Weapon 2 - Brennpunkt L.A." ist eine beachtliche Leistung für eine Actionfilm-Fortsetzung. Regisseur Richard Donner kehrt zurück, mit der gesamten Originalbesetzung und noch mehr von derselben Buddy-Cop-Chemie und den wilden Eskapaden, die "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis" so unterhaltsam machten. Martin Riggs ist immer noch an der Grenze zum Wahnsinn, Roger Murtaugh bemüht sich weiterhin, seine Frau nicht zu verärgern, der Sarkasmus ist nach wie vor witzig und die Action intensiv. Gitarren- und Saxophonriffs fügen der rohen Gewalt, dem Chaos und dem vorherrschenden Humor weiterhin einen Hauch von Kitsch hinzu, tragen aber dazu bei, eine angemessene Stimmung und einen adäquaten Ton beizubehalten.

Eine simple Drogenrazzia verwandelt sich in eine explosive Verfolgungsjagd, dank der rücksichtslosen Manöver von LAPD Detective Martin Riggs (Mel Gibson) und der gescheiterten Selbstbeherrschung von Sergeant Roger Murtaugh (Danny Glover). Zurück auf dem Revier, das immer noch ein Ort des Gaudiums ist, erhalten die beiden Ermittler die eintönige Aufgabe, einen Zeugen der Anklage, Leo Getz (Joe Pesci), zu beaufsichtigen. Der ständig vagabundierende Leo Getz wäscht Geld für verschiedene illegale Organisationen, von denen eine möglicherweise mit den südafrikanischen Gangstern in Verbindung steht, die Martin Riggs und Roger Murtaugh zuvor erfolglos gejagt hatten. Nachdem sie einer Reihe von Hinweisen gefolgt sind, treffen sie auf den Minister für diplomatische Angelegenheiten Südafrikas, einen besonders kaltherzigen Mann namens Arjen Rudd (Joss Ackland), der sich hinter seiner diplomatischen Immunität versteckt, um goldene Krugerrands und eine Menge Bargeld zu stehlen. Als Arjen Rudds Mörderbande Roger Murtaughs Familie, Martin Riggs' neue Freundin Rika (Patsy Kensit), die Sekretärin des Konsulats und die anderen Polizeibeamten ihrer Abteilung bedroht, wird die Situation zu einer persönlichen Angelegenheit.

Wenn es dann persönlich wird, wird es brutal. Martin Riggs hat sich noch nie um die Einhaltung von Vorschriften geschert, und seine Vendetta grenzt oft schon an das Illegale. Obwohl sich Roger Murtaugh normalerweise an die Gesetze hält, ist sein ebenmäßiges Temperament kein Ersatz für Drohungen gegen seine Familie. Der Plan? Mit Waffengewalt vorgehen. "Lethal Weapon 2 - Brennpunkt L.A." beweist einmal mehr, dass die beiden Supercops unvergleichlich viel einstecken und ebenso gekonnt austeilen können. Richard Donner hat mit dem Sequel zu seinem ursprünglichen Action-Abenteuer so ziemlich alles richtig gemacht und darauf geachtet, die Begeisterung der Filmfreunde nicht zu enttäuschen, indem er die Einstellung der Figuren, den Geist der Verbrechensbekämpfung oder das Niveau der farbenfrohen Ablenkungen, Witzeleien und dämlichen Oneliner mit tödlichen Sprüchen veränderte.

Joe Pesci trägt zweifellos zum komödiantischen Element bei, indem er einen Mann spielt, der zu allem eine Meinung hat und fast nur zur Belustigung beiträgt. Je besser die skurrile Kameradschaft wird, desto stärker wird die Chemie, und die Nebenhandlungen, von denen viele nur zum Lachen sind, werden immer zahlreicher. Der von Joe Pesci gespielte Leo Getz ist eine schräge, sympathische Figur, die auch in den nächsten beiden Teilen der Filmreihe wiederkehren wird. Während viele der Szenen verbale und visuelle Gags enthalten, behält die Story die nötige Seriosität und den erforderlichen Biss, den man in vergleichbaren Filmen der 80er und 90er Jahre oft findet. Da die Stunts immer imposanter, die Ereignisse immer adrenalingeladener und die Verwüstungen immer bombastischer werden, ist es klar, dass dieses unaufhaltsame Duo einen bleibenden Eindruck bei Cineasten und Filmschaffenden gleichermassen hinterlassen hat.

Kommentar zu "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis"
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Kommentar zu "Lethal Weapon 3 - Die Profis sind zurück"
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Kommentar zu "Lethal Weapon 4 - Zwei Profis räumen auf"
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1. Andrei Tarkowski
2. Stanley Kubrick
3. Quentin Tarantino
4. Werner Herzog
5. Alfred Hitchcock
6. Martin Scorsese
7. Takashi Miike
8. Charlie Chaplin
9. Hayao Miyazaki
10. Lars von Trier

Wie "Stirb Langsam" spielt auch "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis" von Regisseur Richard Donner in der Weihnachtszeit, wenn auch in so geringem Umfang, dass dieser Aspekt oft vergessen wird. Dabei gilt "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis", der ein Jahr zuvor gedreht wurde, nicht durchgängig als Feiertagsfilm. Es scheint, dass Festtage und knallharte Macho-Abenteuer einfach Hand in Hand gehen. In Anlehnung an "Nur 48 Stunden" und "Beverly Hills Cop - Ich lös' den Fall auf jeden Fall" geht es in "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis" um eine unwahrscheinliche Partnerschaft, die aus anfänglichen Gegensätzen besteht, die sich langsam an die Unterschiede ihres unwilligen Partners in Sachen Ethik, Gewaltanwendung und Risikobereitschaft anpassen. Ein Konzept, das in zeitgenössischen Actionfilmen wie "Speed" und "Rush Hour" immer wieder aufgegriffen und weiterentwickelt wurde. Es ist offensichtlich, dass das Buddy-Cop-Duo, das sich durch intensives Chaos, Mord- und Verbrecherthemen am Rande und regelmäßiges witziges Necken auszeichnet, immer noch eine beliebte Wahl für packende Thriller ist.

Roger Murtaugh (Danny Glover) ist ein alternder Familienvater und sensibler Polizeiveteran, der nur versucht, unbeschadet durch den Tag zu kommen. Martin Riggs (Mel Gibson) ist ein suizidaler Polizist, dem es gleichgültig ist, ob er das Ende des Tages noch erlebt. Das ungleiche Duo wird widerwillig zusammengebracht, um den seltsamen Tod der Tochter eines Bankiers aufzuklären und einen gefährlichen Ring von Drogenschmugglern aufzudecken, die ehemalige Militärsöldner beschäftigen. Nach einer tragischen Wendung der Ereignisse wird die Mission persönlich, und die ungleichen Ermittler müssen lernen, einander zu vertrauen, während sie einen Zweimannkrieg gegen eine tödliche kriminelle Organisation führen.

"Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis", der drei Fortsetzungen hervorgebracht hat, die dem Original in Ton und Stil treu geblieben sind, profitiert von der unterhaltsamen Begegnung zwischen zwei unterschiedlichen Menschen, die das Leben und ihre Arbeit mit sehr gegensätzlichen Haltungen betrachten. Es ist lustig zu sehen, wie ein so sonderbares Gespann gezwungen ist, zusammenzuarbeiten, vor allem, wenn ihre Situation immer prekärer wird. Die ganze Sache lässt sich auf die einfachsten Widersprüche herunterbrechen: Roger Murtaugh ist gerade 50 geworden, Martin Riggs ist jünger und fitter. Roger Murtaugh hat eine stabile Familie und eine liebende Frau, Martin Riggs ist allein, hat seine wahre Liebe verloren und trauert nun bitterlich bis hin zum selbstmörderischen Verhalten. Während Roger Murtaugh ein ausgeglichener Denker ist und sich an die Regeln hält, ist Martin Riggs ein todesmutiger Draufgänger und zeitweiliger Selbstjustizler. Der Erfolg von "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis" beruht zu einem großen Teil auf der Entwicklung der Charaktere, der familiären Beziehungen und der Glaubwürdigkeit des Zusammenhalts der harten Jungs, die unter zermürbender Folter, in anhaltenden körperlichen Konfrontationen und im Nahkampf bemerkenswerte Standfestigkeit beweisen. Die Action-Choreografie und die Versatzstücke tauchen in der Regel nur dann auf, wenn die Hauptfiguren nicht gerade ihre Freundschaft vertiefen, so dass sich die humorvolle Humanität mit den strafrechtlichen Abgründen vermischt.

Die Protagonisten sind recht sympatisch, aber ein überzeugender Antagonist fehlt merklich. Der skrupellose Schattenkompanie-Killer Mr. Joshua (Gary Busey) ist ein einprägsamer Sidekick, aber sein Vorgesetzter, der konspirative General (Mitchell Ryan), ist völlig uninteressant. Dennoch ist "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis" trotz veralteter E-Gitarren- und stimmungsvoller Saxophon-Riffs ein langlebiger Buddy-Movie, der Drama, Komödie, Abenteuer, Blutvergießen, Maschinengewehr-Showdowns mitten auf viel befahrenen Autobahnen und exzessive Sachschäden brillant verbindet. Dank Regisseur Richard Donner und Drehbuchautor Shane Black, die eine gelungene Balance zwischen Witz, Spannung und Stunts halten, ist "Lethal Weapon - Zwei stahlharte Profis" einer der eindrucksvollsten Actionfilme der 80er Jahre.

Kommentar zu "Lethal Weapon 2 - Brennpunkt L.A."
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Kommentar zu "Lethal Weapon 3 - Die Profis sind zurück"
https://www.moviepilot.de/movies/lethal-weapon-3-die-profis-sind-zurueck/kritik/2809458

Kommentar zu "Lethal Weapon 4 - Zwei Profis räumen auf"
https://www.moviepilot.de/movies/lethal-weapon-4-zwei-profis-raeumen-auf/kritik/2810373