Chainsaw Charlie - Kommentare

"Have a Nice Day" von Regisseur Liu Jian ist ein gnadenlos nervenaufreibender Gangsterthriller, der im heutigen China angesiedelt ist. Ekelhaft, brutal und 77 Minuten kurz, beschwört der animierte Neo-Noir "Have a Nice Day" eine düstere Vision des modernen chinesischen Kleinstadtlebens herauf, in dem Verzweiflung, Gier und Stupidität die Oberhand gewinnen. In diesem bitterbösen, versierten zweiten Spielfilm des chinesischen Drehbuchautors und Regisseurs Liu Jian löst ein rücksichtsloser Diebstahl einen Orkan von kontrolliertem Chaos aus, dessen gewalttätige Auswirkungen die klaren, scharfen Linien und statischen Kompositionen von Liu Jians präzise gezeichneten Bildern kaum stören. Diese visuelle Zurückhaltung, bei der manchmal eine aufsteigende Rauchwolke oder eine blinkende Leuchtreklame die einzige Quelle der Bewegung im Bild sein kann, ist für den Film sehr wichtig. Hier wird sich nichts ändern oder verbessern. Diese Gangster und ihr ganz und gar erbärmliches Schicksal sind von der ersten Szene an festgelegt. Dies ist mehr oder weniger das, was passiert, scheint Liu Jian zu sagen, wenn die harte Realität wirtschaftlicher Entbehrungen auf das schwer fassbare Versprechen von Wohlstand in einer unerbittlich materialistischen Gesellschaft trifft. Der Regisseur hat mit seiner Pokerface-Methode jegliche Freude oder Überraschung an den kriminellen Machenschaften, die er uns vorführt, zunichte gemacht. In einer nicht näher bezeichneten südchinesischen Stadt stiehlt der Bauarbeiter Xiao Zhang dem örtlichen Gangsterboss Onkel Liu eine Tasche mit Beute, um die verpfuschte Schönheitsoperation seiner Freundin zu bezahlen. Onkel Liu ist über diese Tatsache nicht sehr erfreut, nicht zuletzt wegen der Unterbrechung, die sie mit sich bringt. Wir lernen ihn zum ersten Mal kennen, als er die blutige Verprügelung eines alten Freundes beaufsichtigt, während er sich ausgiebig an die Missgeschicke ihrer Kindheit erinnert. Onkel Liu hält mitten in der Folter lange genug inne, um einen Metzger und Auftragskiller namens Bohnenstange anzuheuern, der Xiao aufspüren soll, und so beginnt eine Verfolgungsjagd, die von einem heruntergekommenen Internetcafé bis zu einem schäbigen Motelzimmer führt. Auf dem Weg dorthin fällt das Geld schnell, wenn auch nur vorübergehend, in die Hände von Yellow Eyes, der sich danach sehnt, seinen lang gehegten Traum zu verwirklichen, ein Erfinder zu werden. Aber Träume haben in dieser unerbittlich deterministischen Vision keinen Platz. Im besten Fall bleiben sie unerfüllt, und im schlimmsten Fall führen sie ihre Träumer auf fatale Weise in die Irre. In der korrosivsten und abwegigsten Sequenz des Films sehnt sich eine Frau danach, in einen Ferienort namens Shangri-La zu fliehen. Ihre Vision vom Paradies hat die Form einer farbenfrohen Karaoke-Sequenz, die mit kommunistischen Bildern der alten Schule gespickt ist. Es ist eine unbarmherzige Erinnerung daran, wie sehr die Sehnsüchte und Fantasien dieser Figuren von ihrer Umgebung geprägt wurden, und seine kitschige Helligkeit steht im Kontrast zu dem düsteren Realismus, der Liu Jians ästhetisches Markenzeichen ist. "Have a Nice Day" will weder die Aktualität seiner Geschichte noch den Facettenreichtum seiner Inspirationen betonen. Er beginnt mit einem langen Zitat aus Lew Tolstois "Auferstehung", das eine nicht ganz unbedeutende Verbindung zwischen der sozialen Korruption des vorrevolutionären Russlands und der moralischen Fäulnis des globalen 21. Jahrhunderts herstellt. Vorübergehende Erwähnungen von Bill Gates, Mark Zuckerberg und des Brexits sowie der Klang von Donald Trumps Stimme, die aus einem Autoradio ertönt, stellen einen ungefähren Zeitrahmen für die Gegenwart her, aber die gesprächigen, gelehrten Charaktere des Films lassen auch Verweise auf alles Mögliche fallen, von der fauvistischen Malerei bis zur buddhistischen Philosophie. Liu Jian gibt uns viel zu hören, aber wir sollten nicht vergessen zu sehen. Jenseits des formelhaften Plots eines Thrillers und der auffälligen Wortwahl ist es die reich strukturierte Perspektive des städtischen Verfalls, die in Erinnerung bleibt. Aus diesen malerischen Standbildern von vermüllten Straßen und mit Graffiti übersäten Gebäuden entsteht ein Gefühl der Verzweiflung, das einen fast depressiv werden lässt. Manches vom Schlimmsten, was die Menschheit zu bieten hat, hat man vielleicht schon gesehen, aber man hat es durch die frische, deutliche und klärende Betrachtungsweise eines begabten Nachwuchskünstlers erblickt.

Der Film "Possessor" von Regisseur Brandon Cronenberg ist ein Science-Fiction-Film über eine Profikillerin, die sich buchstäblich in die Köpfe anderer Menschen einnistet. Andrea Riseborough verkörpert Tasya Vos, eine Frau, die mittels eines neuronalen Implantats und einer speziellen Maschine ihr Bewusstsein in die Gehirne anderer Menschen projizieren und deren Handlungen kontrollieren kann. Sie kann in ihren eigenen Körper zurückkehren, indem sie ihren Wirtskörper zur Selbsttötung zwingt. Trotz der regelmäßigen Interventionen ihrer Vorgesetzten Girder (Jennifer Jason Leigh) beginnt Vos langsam die Kontrolle über ihre eigene Identität zu verlieren, was sie von ihrem Ehemann Michael (Rossif Sutherland) und ihrem Sohn Ira (Gage Graham-Arbuthnot) entfernt. In diesem instabilen Gleichgewicht erklärt sie sich widerwillig bereit, einen mächtigen Firmenchef (Sean Bean) zu ermorden, und gerät in eine existentielle Krise, als ihr Wirt (Christopher Abbott) sich dagegen zur Wehr setzt. "Possessor" ist ein bemerkenswert wagemutiger Film. Während eine Geschichte über eine professionelle Auftragskillerin fast schon unvermeidlich ein gewisses Maß an Gewalt enthält, hat Brandon Cronenberg seinem Film eine wahrhaft viszerale Umarmung der mörderischen Brutalität verliehen. Tasya Vos verliert die Kontrolle über ihre eigene Psyche, weil sie so viel mit der von anderen Menschen zu tun hat, und das äußert sich zum Teil in der Besessenheit, mit Messern und anderen scharfen Gegenständen zu töten, anstatt mit Schusswaffen. Das wirkt zutiefst pervers, fast wie eine Sehnsucht nach Intimität und körperlicher Vereinigung, und führt zu einigen besonders konfrontativen Szenen mit realistischer und grässlicher Darstellung von Gewalt. Dieses Ausmaß an Gewalt, das durchaus gerechtfertigt erscheint, hat offenbar einige Zuschauer und Kritiker dazu verleitet, "Possessor" als Horrorfilm zu missinterpretieren. Trotz des Blutes und der zunehmenden Paranoia fühlt sich der Film nicht nur eindeutig nach Science-Fiction an, sondern auch nach einem exzellenten Werk. Er wird von Themen wie Vertraulichkeit, Identitätsfindung und individueller Abhängigkeit beherrscht, wobei dieses Material aus einer spekulativen Technologie stammt. "Possessor" ist scharfsinnig konzipiert und aussagekräftig. Der Film profitiert enorm davon, dass der Schwerpunkt auf physischen Effekten vor der Kamera und nicht auf computergenerierten Bildern liegt. Sie verleiht der Krise von Tasya Vos eine starke Körperlichkeit und ein Gewicht, das bei einer so körperbetonten und greifbaren Geschichte dringend erforderlich ist. Außerdem wird dadurch der zimperliche Charakter des Materials erheblich gesteigert. Zuschauer, die empfindlich auf solche Kost reagieren, sollten sich zurückhalten. Andrea Riseborough ist in der Rolle der Tasya Vos kaum zu identifizieren. Sie ist schwächlich und sieht aus wie ein ausgehöhltes Wesen, das von ihrem stressigen und verstörenden Job gezeichnet ist. Es ist eine eindringliche Darbietung, sowohl monströs als auch tragisch, und vor allem durch ihre Leistung gelingt es ihr, trotz ihrer Handlungen sympathisch zu sein. Christopher Abbott liefert eine außergewöhnliche Leistung in einer schwierigen Rolle. Als Attentäter Colin Tate muss er sowohl Tate unter normalen Umständen als auch Tate unter Tasya Vos' Kontrolle spielen und dazwischen eine zwiespältige Persönlichkeit, deren eine Identität darum kämpft, die Kontrolle von einer anderen zu übernehmen. Die Nebenrollen sind durchweg fundiert, darunter Sean Bean als skrupelloser Technologiemagnat und Jennifer Jason Leigh als Tasya Vos' manipulative Chefin. Es wird hier ein so heikles Balancieren praktiziert. "Possessor" ist abwechselnd erschreckend und von tragischer Natur, packend und unausweichlich, abstoßend und verlockend. Brandon Cronenberg ist auf dem besten Weg, sich als einer der besten zeitgenössischen Filmemacher Kanadas und als meisterhafter Schöpfer düsterer, provokativer Science-Fiction zu etablieren.

"Windfall" von Regisseur Charlie McDowell ist ein gelungener hitchcockscher Thriller, der zwar nicht absolut perfekt ist, aber dank der unglaublichen schauspielerischen Leistung der drei Hauptdarsteller mehr als sehenswert. Wer einen gemütlichen Abend zu Hause verbringt und auf der Suche nach einem kurzweiligen, aber spannenden Thriller ist, für den ist "Windfall" die ideale Wahl. Der Film ist ganz klar ein durch die Pandemie entstandener Film mit einer sehr kleinen Besetzung und einem einzigen Schauplatz, der äußerst unterhaltsam ist. Jason Segel, Jesse Plemons und Lily Collins spielen die Hauptrollen, und alle drei sind unglaublich gut in ihren Parts. Sie sind alle als fantastische Darsteller bekannt, und "Windfall" belegt genau das. Die Figur des Jason Segel, der in diesem Film keinen Namen trägt, spioniert in einem Ferienhaus herum, das ihm nicht gehört, als die Besitzer (Jesse Plemons und Lily Collins) unerwartet auftauchen. Dies führt dazu, dass sich seine ursprünglichen Absichten ändern und die Situation viel komplizierter wird, als sie es wäre, wenn das Paar nicht aufgekreuzt wäre. Er verlangt Geld, das sie ihm beschaffen können, aber es wird einen Tag dauern, bis er es bekommt. Im Laufe der nächsten neunzig Minuten gestaltet sich der Tag auf sehr ungeahnte Weise. Es geschehen Dinge, die nicht mehr rückgängig gemacht werden können, und die Probleme, die dieses Paar durchmacht, werden zum Vorschein gebracht, und mittendrin steckt Jason Segels Filmfigur. "Windfall" ist kurz für diese Form von Film, aber es passt perfekt zum Tempo. Es gibt ein paar ruhige Momente, aber die sind keineswegs langweilig. Der gesamte Film ist von einer Intensität und einem Mysterium begleitet, das sich über die Vorgänge legt. Warum tut Jason Segel das? Warum hat er CEO Jesse Plemons als Ziel ausgewählt? Und wird es ihm gelingen, die Immobilie mit dem Geld zu verlassen und den Blick nicht zurückzuwerfen? Durch die Beziehungsprobleme zwischen dem CEO und seiner Frau wird der Film auf eine andere Ebene gehoben. Das macht die Sache zusätzlich spannungsvoll, wenn die Zuschauer versuchen, alle Informationen richtig zu kombinieren. Als der Gärtner (Omar Leyva) in das Geschehen verwickelt wird, verwandelt sich "Windfall" vollends in einen Thriller, und die Lage spitzt sich zu. Für einen Film, der mit so wenigen Leuten gedreht wird, an einem Ort bleibt und an nur einem Tag spielt, ist er wirklich ein Erlebnis. Jeder einzelne dieser Schauspieler bringt etwas Erstaunliches mit. Sie werden den Betrachter bis zu den letzten, extrem schockierenden und unberechenbaren Minuten im Ungewissen lassen. Alfred Hitchcock wäre stolz, denn "Windfall" ist ein subtiler, intensiver Thriller. Meine Hauptkritik ist, dass ich auf eine große Enthüllung der Verbindung zwischen Jason Segel und CEO Jesse Plemons gewartet habe, aber die gab es nicht. Das fühlt sich wie eine verpasste Gelegenheit an, aber die Erklärung, die Jason Segel für sein Handeln gibt, funktioniert, ich hatte nur das Bedürfnis, dass es mehr hätte sein müssen. Das andere Problem mit "Windfall" ist, dass er einfach irgendwie ausläuft. Die Geschichte fühlt sich zwar vollständig an, aber es war ein ziemlich abruptes Ende, vor allem, wenn man bedenkt, wie das Ganze ausgeht. Ich bin mir nicht sicher, was man dem Ende hätte hinzufügen können, aber es schien mir, als ob es ein bisschen mehr nötig hätte. "Windfall" ist ein überzeugender Thriller mit einem großartigen Score und phänomenalen Hauptdarstellern. Der Film hat ein gutes Timing und hält die Atmosphäre durchgehend interessant und lebendig, bis der Stein ins Rollen kommt. Ein bestürzendes und völlig überraschendes Ende, das die Sache gut auf die Reihe bringt. Auch wenn man das Gefühl hat, dass mehr drin gewesen wäre, lohnt es sich, den Film zu konsumieren, insbesondere wenn man einen guten Thriller schätzt.

Im neuen Film von Regisseur Wes Anderson führt Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), Sohn eines Zeitungsmannes, der die Liberty, Kansas Evening Sun gründete, die Tradition seiner Familie mit seinem geliebten "The French Dispatch" fort, einem amerikanischen Pendant in Ennui-sur-Blase, Frankreich. Arthur Howitzer, der die besten Autoren aus dem Ausland beschäftigt und ihnen einen großen Spielraum bei der Ausübung ihres Handwerks einräumt, hat eine eklektische Mischung von Autoren zusammengestellt, die im Laufe von 50 Jahren über ein breites Spektrum von Themen von menschlichem Interesse berichten. Schon in den ersten Einstellungen bietet "The French Dispatch" Eschereske Gebäude, leuchtende Farben und freche Kompositionen, die wie Gemälde angeordnet sind. Ganz augenscheinlich handelt es sich um einen Film von Wes Anderson. Außerdem ist der Rahmen seines Bildes sehr schmal, so dass alles genau im Blickfeld ist, was manchmal unrealistisch ist, da die Handlung häufig direkt in der Mitte des Bildschirms stattfindet. Der visuelle Ansatz von Wes Anderson ist zwar vertraut, aber dennoch wundersam, denn er beweist ein ungewöhnliches Gespür für Organisation, Bewegung und Lebendigkeit. Er ist sicherlich anders als jeder andere Filmemacher seiner Epoche. Auch die Erzählweise und die Dialoggestaltung sind sehr eigenwillig, und fast jede Interaktion ist von langatmigen Gesprächen und wortreichen Beschreibungen durchzogen. Es gibt auch eine Ernsthaftigkeit in den Beiträgen, die den extremen Sarkasmus und Spott noch verstärkt. Ein Großteil des Inhalts ist nach außen hin ernst, aber unter der Oberfläche liegt eine unglaubliche Skurrilität, die gelegentlich groteske Beobachtungen und Enthüllungen freisetzt. Es wird selten laut gelacht, aber der Witz ist reichlich vorhanden und anspruchsvoll. Obwohl der Film letztlich ein Liebesbrief an die Journalisten ist, wurde er als Anthologie zusammengestellt, die sich aus verschiedenen Vignetten zusammensetzt, die typische Artikel aus der titelgebenden Publikation darstellen, die von Kunst über Politik bis hin zu Ernährung reichen. Es ist auch eine Biografie, vor allem über einen geplagten Maler und seine Muse Gardienne, die das Charakteristikum der Kunst und der sie umgebenden Kuratoren und Mäzene analysiert. Gleichzeitig ist es ein Reisebericht, in dem munter über das pittoreske französische Umfeld des Magazins berichtet wird, und eine brillante Satire auf die Methoden, mit denen sich Journalisten in Missgeschicke verwickeln, um ihre Geschichten zu verstehen und zu verschönern. "The French Dispatch" enthält auch merkwürdige, künstlerische Beigaben wie eine Fernsehshow, eine Präsentation im Auditorium, ein Bühnenstück, Animationen, geteilte Bildschirme und Standbilder, die nicht wirklich statisch sind. Manchmal ist es auch fast ein Dokumentarfilm, der den Verleger und seine Mitarbeiter auf immer absurdere Weise porträtiert. Kreativität und kluge Kontraste gibt es im Überfluss, von alliterativen Inspektionen, die von schrillen Flüchen unterbrochen werden, bis hin zu poetischen Kommentaren über das Leben und die Liebe. Nur in einer von Wes Andersons wortgewaltigen Komödien vermischen sich kulinarische Überlegungen mit einem feigen Verbrechen, erfindet ein gewalttätiger Enthaupter eine neue Kunstbewegung und reflektiert eine Studentenrevolution über die Torheiten der journalistischen Neutralität. Doch trotz des durchgängigen Unterhaltungswerts, der durch ein absolut großartiges Ensemble wiedererkennbarer Gesichter hervorgehoben wird, verkörpert die zersplitterte Erzählung mit ihren einzelnen Geschichten weder unterschiedliche Schreibstile, noch verbindet sie diese mit etwas anderem als der Vorstellung, dass sie von Mitarbeitern der French Dispatch stammen. Wären da nicht Wes Andersons unverwechselbare Bildsprache und seine kinematografischen Vorlieben, hätten diese Geschichten wenig gemeinsam. Die Charakterentwicklung des Eigentümers und von Tilda Swintons Berensen ist spärlich, und nur Jeffrey Wrights Essenskolumnist ist eine Figur mit einem Hauch von emotionaler Bindung. Viele der kurz zu sehenden Nebenrollen sind in ihrem Verhalten so fremdartig, dass man sie nur als unverschämte Karikaturen betrachten kann. Dennoch, "The French Dispatch" ist ein furchtbar komisches, gelegentlich gefühlvolles und ausgesprochen wohltuendes Werk.

"Irresistible" von Regisseur Jon Steward beginnt damit, dass der republikanische Farmer und pensionierte Marineoberst Jack Hastings (Chris Cooper) auf einer Bürgerversammlung eine leidenschaftliche Rede hält. Dabei geht es um die Frage, wie seine kleine Stadt in Wisconsin mit den Einwanderern umgehen sollte, und er macht eine sehr deutliche Aussage darüber, wie dieser Teil der Stadtbewohner einen Mehrwert für die Gemeinschaft darstellt und dass sie respektiert und geschützt werden sollten. Ein heimlich gedrehtes Video seines Plädoyers geht im Internet umher und erregt die Aufmerksamkeit von Gary Zimmer (Steve Carell), einem politischen Strategen der Demokraten in Washington, der davon überzeugt ist, das neue Gesicht der Demokraten gesehen zu haben und altmodische Werte vertritt, ohne dabei rassistisch oder ausgrenzend zu sein. Gary Zimmer bietet an, die Kampagne zur Wahl von Jack Hastings zum Bürgermeister der Stadt zu leiten, nur um zu sehen, ob er es schafft. Das weckt das Interesse anderer politischer Manöverierer im ganzen Land, einschließlich seiner republikanischen Gegenspielerin Faith Brewster (Rose Byrne). Oberst Hastings will nur, dass die Menschen gut zueinander sind, und während Gary Zimmer ihn ausbildet, sucht er bei seiner erwachsenen Tochter Diana (Mackenzie Davis) nach irgendeiner Art von spiritueller Führung, während er langsam seine Seele verkauft. Der Filmemacher Jon Stewart setzt auf Lacher und erzählt gleichzeitig eine geschickte und witzige Geschichte. Das Problem ist, dass die großen Momente nicht oft zu großen Lacherfolgen führen, aber wenn man sich die kleinen Details anschaut, kann man tatsächlich den einen oder anderen Gluckslaut hervorbringen. Die Handlung ist mehr oder weniger in der realen Welt angesiedelt und basiert auf einer Sonderwahl zum sechsten Kongressbezirk in Georgia im Jahr 2017. Jon Stewart lässt also Nachrichtensprecher von CNN, CNBC und Fox News auftreten, die alle von derselben Schauspielerin mit unterschiedlichen Perücken gespielt werden und die allesamt Brooke heißen. Es gibt auch einen Moment auf zwei Straßenfesten mit Ständen verschiedener Interessengruppen, einschließlich der NRA, die alle eifrig neue Mitglieder werben, bis eine Gruppe afrikanischer Männer den Tisch betritt. Ich hätte mir gewünscht, dass solche Situationen im Mittelpunkt des Films gestanden, und nicht nur eine Aneinanderreihung von kleineren Nebengags gewesen wären. Es gibt einige interessante und unaufdringlich kluge Nebendarsteller wie Brent Sexton in der Rolle des langjährigen Bürgermeisters und Will Sasso als einer der Stadtbewohner, der sich erstaunlich gut in der Politik auskennt. "Irrestible" hat eine kuriose Sequenz, in der Gary Zimmer den Colonel nach New York bringt, um einige seiner reichen, liberalen Freunde für eine Spendenaktion zur Finanzierung des Wahlkampfes zu treffen. Die Menschen dort sind so glücklich, dass Hastings scheinbar auf "ihre Seite" gewechselt ist, dass sie nicht einmal fragen, warum. Und als er ihnen in einer Rede erklärt, dass sie und ihr Geld Teil des Problems der heutigen Politik sind, applaudieren sie ihm und werfen praktisch Millionen von Dollar in seine Kassen, was die Wendung am Ende des Films einleitet. Fast alles an Jon Stewarts Herangehensweise an dieses Thema wirkt wie Schönfärberei. Ich würde sie nicht zahnlos nennen, aber die fraglichen Zähne sind nicht besonders scharf. Und so sehr ich die Darstellung des gegenwärtigen politischen Systems, in dem Geld und Image wichtiger sind als Substanz und Inhalte, für treffend halte, so wenig aufschlussreich ist sie für einen Mann, der einen Großteil seiner Karriere damit verbracht hat, die Fassaden von Politikern und Parteien zu durchleuchten, um uns zu zeigen, woraus sie wirklich bestehen. "Irrestible" ist eher eine verpasste Chance als ein völliger Reinfall oder eine Enttäuschung. Die Hauptdarsteller sind wirklich stark, auch wenn ich mir gewünscht hätte, dass die Oberflächlichkeit von Rose Byrnes Charakter etwas mehr Motivation erhalten hätte. Rose Byrne kann mit dem richtigen Material so witzig sein, und hier scheint sie ernsthaft unterbeschäftigt zu sein. Da die Preise für viele dieser Onlineangebote zu hoch sind, weil dieser Film eigentlich für die Kinos bestimmt war, ist die Entscheidung, ihn auszuleihen, ebenso sehr eine finanzielle Entscheidung wie eine über die Qualität. Daher kann ich nur feststellen, dass die Unwiderstehlichkeit von "Irresistible" nicht so lustig oder klug ist wie die Person, die sie geschaffen hat.

Brauchen wir einen weiteren Dokumentarfilm über Nazi-Deutschland? Gerade dann, wenn sie so scharfsinnig und subtil ist wie "Final Account" von Regisseur Luke Holland. Der Film wurde über acht Jahre hinweg gedreht, während der altgediente Filmemacher mit seinem Krebsleiden kämpfte, das ihn 2020 dahinraffte. "Final Account" ist ein Sammelsurium von Interviews mit der alternden Generation, die unter Adolf Hitler lebte, und eine letzte Chance, sie vor die Kamera zu bekommen. Luke Holland, dessen Großeltern mütterlicherseits im Holocaust starben, will uns ganz normale Menschen zeigen, Funktionäre, keine Unmenschen. Es handelt sich um ganz normale Menschen, die einst vom Nationalsozialismus betört waren und nun im Ruhestand in gemütlichen Häusern oder wohlhabenden Pflegeheimen leben. So singt man ein anmutiges Kinderlied über das Wetzen des Messers, um es in den Bauch des Juden zu stecken, und erinnert daran, wie in ganz Deutschland die Glocken läuteten, als Adolf Hitler an die Macht kam. Der Regisseur befragte während seiner langen Suche nach den Ereignissen rund 300 Personen. Er hat ihre Zahl im Schnittraum reduziert, und die, die wir auf dem Bildschirm sehen, sind sehr überzeugend. Wir werden nicht von Historikern geführt, sondern von deutschen und österreichischen Bürgern, die sich an ihre Blütezeit erinnern. "Final Account" folgt einem chronologischen Faden, der vom Kristallnacht-Pogrom im Jahr '38, bei dem jüdische Synagogen, Wohnungen und Geschäfte zerstört wurden, ausgeht. Es geht um die psychiatrischen Krankenhäuser, die zu Tötungsanstalten für 100.000 behinderte Deutsche wurden, ein Vorläufer der Gaskammern in den Konzentrationslagern. Ein Befragter erinnert sich daran, wie Menschen mit Behinderungen in Bussen mit bemalten Fenstern ins Krankenhaus gebracht wurden. Sie wussten durch den Geruch des Rauchs, was mit ihnen geschah. Die Industrie nutzte die Sklavenarbeit von Häftlingen aus den Lagern im Bergbau, in der chemischen Industrie und im U-Boot-Bau. Die Mitarbeiter aus den nahe gelegenen Einrichtungen bereicherten die lokale Wirtschaft mit ihrem Bedarf an Lebensmitteln, Unterkünften und Unterhaltung. Luke Holland hält sich nicht mit den Gräueln in den Lagern selbst auf, aber gegen Ende des Films sehen wir Farbfotos von den ausgemergelten und erfrorenen Leichen der Gefangenen auf den verschneiten Zuggleisen, die von den Alliierten gegen Ende des Krieges fotografiert wurden. Die Befragten wurden meist zu Hause gefilmt, umgeben von Fotos an der Wand von Familienmitgliedern, Madonnen und Erinnerungsstücken. Beim Durchblättern eines alten Albums voller Fotos von lächelnden kleinen Mädchen erinnert sich Margarete Schwarz an ihre Arbeit als Kindermädchen bei einer SS-Familie. Sie war 14, als sie anfing, und kümmerte sich sechs Jahre lang um die Kinder, während beide Elternteile Vollzeit im Lager Melk arbeiteten. Sie lächelt, um ihre makellosen Zähne zu zeigen. Einer der Vorteile ihres Jobs bestand darin, dass sie diese von den Häftlingszahnärzten im Lager richten lassen konnte. Es ist faszinierend, die flüchtigen Veränderungen im Gesichtsausdruck der Befragten zu beobachten, während sie sprechen. Wir können sehen, wie sie vorsichtig die Reaktion von Luke Holland auf ihre Geständnisse abwägen. Diese ehemaligen SS-Offiziere und Lagerbuchhalter, Nachbarn und Bauern wählen ihre Worte mit Bedacht. Sie versuchen, ihr Verhalten zu rationalisieren, leugnen ihr Wissen und rechtfertigen sich dafür, dass sie dem Mord an Millionen von Menschen tatenlos zugesehen oder ihn indirekt gefördert haben. Wir sehen Luke Holland nie auf dem Bildschirm, und obwohl wir seine Stimme hören, wenn er Fragen stellt, ist die Präsenz des Regisseurs so stark, dass ich mich dabei erwischt habe, genau in die Augen seiner Probanden zu schauen, um zu sehen, ob ich Luke Hollands Gesicht in ihren Pupillen erkennen kann. Er war nicht nur ein großartiger Ermittler, der zu so später Stunde so viele verschiedene Zeugen und Täter aufspürte, sondern auch ein großartiger Vernehmer. Er entlockt ihnen komplexe, vielschichtige Antworten und fügt sie zu einer eleganten, unaufgeregten Erzählung zusammen. Das Archiv wird nie nur als Tapete benutzt, um Schnitte zu überdecken, einen Interviewpartner einfach in Szene zu setzen oder den müden Zuschauer zu erschüttern. Das von Declan Smith, einem der großen Archivproduzenten, meisterhaft recherchierte Filmmaterial verzichtet auf die allzu bekannten Gräueltaten und wird dezent eingesetzt. Es gibt Szenen von deutschen Jungen und Mädchen, die sich der Hitlerjugend und dem Bund Deutscher Mädel anschlossen, um Spaß zu haben, Kameradschaft zu pflegen und sich fit zu halten. Bilder von glücklichen Mädchen, die in Jugendlagern picknicken, und aktiven Jungen, die fröhlich in ein Schwimmbecken springen, werden mit einem älteren Interviewpartner zusammengeschnitten, der beschreibt, wie er als Neunjähriger vor einem jüdischen Geschäft eine menschliche Barriere bilden musste, um Kunden am Betreten zu hindern. Er wurde neugierig auf das, was in ihm vorging. Er erinnert sich, dass ihm gesagt wurde, dass man einen Juden an seinem Geruch erkennen kann. Er wuchs in einem Dorf mit 170 Einwohnern auf, in dem es keine Juden und keinen Strom gab. Die Bewohner waren begeistert, als ein mobiles Kino in die Stadt kam und ihnen antisemitische Propagandafilme zeigte. Es gibt eine Sequenz, die den Stil des direkten Interviews auf unangenehme Weise durchbricht, aber mit großer Wirkung. In der Villa in Wannsee, in der die Vernichtung geplant wurde, konfrontiert der ehemalige SS-Offizier Hans Werk 2011 junge Deutsche, die sich mit neofaschistischer Politik befassen. Er möchte, dass sie den wahren Schrecken des Nationalsozialismus kennenlernen. Die Jugendlichen mögen Hans Werk nicht, weil er sich für Deutschland schämt, schreit einer: "Warum bist du so ein Feigling? Du solltest Angst haben, von einem albanischen Flüchtling in öffentlichen Verkehrsmitteln erstochen zu werden!" Hans Werk kontert und wirft den Jugendlichen Feigheit vor, weil sie darauf bestanden haben, dass ihre Gesichter für die Kamera unkenntlich gemacht wurden, um ihre Identität zu verschleiern. Nicht alle SS-Offiziere, die sich bereit erklärt haben, mit Luke Holland zu sprechen, sind so reumütig wie Hans Werk. Ein Mann, stolz auf seine Medaillensammlung, leugnet rundheraus, dass sechs Millionen Menschen getötet wurden. Er wird die Urteile von Nürnberg nie akzeptieren, weil es kein deutsches Gericht war. Der Regisseur lässt seine Worte in der Luft hängen, um uns heimzusuchen. "Final Account" ist ein Meisterwerk, das Luke Holland in eine Reihe mit dem großen Dokumentaristen Marcel Ophüls stellt, der die Folgen des Holocausts dokumentierte. Unverzichtbar!

"Der Weiße Hai" ist der Monsterfilm, der zahllose Nachahmer hervorgebracht hat, doch nur wenige dieser Scheinfilme können es mit Steven Spielbergs großem Vorbild aufnehmen, einer davon ist "Der Horror-Alligator" von Regisseur Lewis Teague. Mit dem titelgebenden Schreckenstier und einer stabilen Besetzung lehnt sich der Film in bewährter Tradition an seine B-Qualität an und liefert ein ausgefallenes Creature-Feature, das neben dem reptilischen Amoklauf auch eine überzeugende menschliche Komponente bietet. Die Figuren wirken nicht wie archetypische Gestalten, sondern wie Menschen, die mit Sinn und Verstand agieren. Viele dieser wütenden animalischen Horrorfilme leiden, wenn die jeweilige Tierspezies nicht im Vordergrund steht, aber "Der Horror- Alligator" behält seine Sogkraft auch dann, wenn sich der Fokus auf Detective Madison (Robert Forster) verlagert, der das plötzliche Auftauchen von zahlreichen menschlichen Kadaverteilen in einer örtlichen Kläranlage untersucht.

Der Ursprung dieses semi-aquatischen Horrors ist eine Alligatorenfarm in Florida im Jahr 1968, als ein junges Mädchen ihre Eltern überredet, einen kleinen niedlichen Babygator zu kaufen, den sie Ramon nennt. Doch als die Familie nach Chicago zurückkehrt, spült ihr Vater den kleinen Alligator unverzüglich im Klo runter. 12 Jahre später ist Ramon in der Kanalisation zur Masse herangewachsen und ernährt sich von ausrangierten Versuchtieren aus einem örtlichen Labor. Den besagten Lebewesen wurde ein Wachstumshormon verabreicht, das ihren Stoffwechsel antrieb, was zu maßlosem Fressdruck führte. Jetzt ist ein großer, hungriger und aggressiver Alligator auf der Fressgier nach einem noch größeren Abendessen. Als einige Überreste von Wartungsarbeitern auftauchen, beauftragt die Polizei den erschöpften Polizisten David Madison mit der Aufklärung des Falls. Er ist überarbeitet und apathisch, hat mit verfrühter Kahlschlagbildung und einem psychischen Defekt infolge eines Unfalls in St. Louis zu kämpfen, bei dem vor Jahren sein Kollege ums Leben kam. Madisons Vorgesetzter, Chief Clark (Michael Gazzo), bringt ihn mit der Herpetologin Marisa Kendall (Robin Riker) zusammen, die sich bereit erklärt, ihm zu helfen, obwohl sie deutlich macht, dass sie kein Fan von ihm ist. Ein Fotograf wird zu einem weiteren hinterhältigen Imbiss in den Abwasserkanälen. Doch seine Kamera wird wiedergefunden und die Filmrolle entwickelt, so dass es keinen Zweifel daran gibt, was hinter diesen grausamen Morden steckt.

Quentin Tarantino hat gesagt, dass Max Cherry in "Jackie Brown" mit David Madison im Hinterkopf geschrieben wurde. Sobald man diese Informationen kennt, ist es fast unmöglich, Tarantinos Film nicht als eine Art Fortsetzung in einem anderen Universum zu betrachten. Robert Forster spielt Madison als einen Mann, der des Älterwerdens müde und von den Sünden seiner Vergangenheit gezeichnet ist. Er ist ausgebrannt, vergräbt sich aber in seiner Arbeit, auch wenn die anderen Polizisten nicht seine größten Fans sind. Wie Chief Brody in "Der weiße Hai" will niemand Madison anfangs ernst nehmen. Wenn sie es dann tun, ist es bereits zu spät. Robert Forster hält seine Figur sympathisch und gewitzt. Aber der Mann lässt sich auch nicht für dumm verkaufen und weiß, wann er das Kommando übernehmen muss. Regisseur Lewis Teague stillt den Blutdurst mit einer gehörigen Ladung Action, die in einem Massaker am Hochzeitstag gipfelt, das mehr als nur blutig und äußerst abartig ist. Der Alligator sieht auch fantastisch aus, abgesehen von den wenigen Szenen, in denen eindeutig ein echter Alligator durch die Miniaturen läuft. Aber die riesige animatronische Kreatur? Ein wahres Prachtexemplar.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Auf Wunsch von S-Patriot und trotz der aktuellen Situation habe ich mich entschlossen, einen seiner Lieblingsfilme "Tödliches Kommando - The Hurt Locker", der eher ein Actionthriller als ein reiner Kriegsfilm ist, erneut anzusehen und zu kommentieren. Seine Bewertung sowie die gewonnenen Oscars sind mehr als gerechtfertigt und auch die von mir vergebenen 9 Punkte bleiben unverändert. Im Vorfeld des Films habe ich mich per Chat mit einer Freundin unterhalten, die in dem aktuell betroffenen Land lebt (wir haben fast täglichen Kontakt, soweit es ihr möglich ist) und die den Film ebenfalls toll findet und mir quasi ein positives Gefühl für dieses Review gegeben hat.

"Tödliches Kommando - The Hurt Locker" von Regisseurin Kathryn Bigelow ist ein einzigartiger Film, der sich mit einer Gruppe von Bombenentschärfern der Armee im Irak befasst und den extremen Tribut zeigt, den die Schrecken des Krieges und das lähmende Bewusstsein des nahen Todes von ihnen fordern. Unglaublich spannungsgeladen von Anfang an, der Druck und die Paranoia, um den Job zu bewältigen, hält ungebrochen an. Obwohl sich das Gleichgewicht zwischen Realismus und personalisierter Fiktion im Laufe des Geschehens immer mehr in Richtung Letzteres zu verschieben scheint, gibt es nur wenige Filme, die Kriegsszenen von solch glorreichem Ausmaß zeigen. Nachdem der Leiter einer Bombenentschärfungseinheit der Armee im Irak auf tragische Weise ums Leben gekommen ist, wird der forsche, aber erfahrene Bombentechniker William James (Jeremy Renner) eingesetzt, um das Kommando zu übernehmen. Zu seiner neuen Truppe gehören Sergeant JT Sanborn (Anthony Mackie) und Specialist Owen Eldridge (Brian Geraghty), Soldaten, die in Sachen Entschärfung und Beseitigung von Sprengkörpern bestens ausgebildet sind. Das Trio muss lernen, einander in den verschiedenen, stets gefährlichen Missionen zu vertrauen, wobei es ständig an die Fragilität des menschlichen Lebens und die unendlichen Gefahren erinnert wird, die jeden ihrer Schritte umgeben.

Krieg ist eine Droge, heißt es im Eingangszitat des Autors Chris Hedges. Dieser Gedanke wird erst am Ende des Films wieder aufgegriffen, wenn "Tödliches Kommando -The Hurt Locker" zu einem Sprachrohr für die Mentalität der Soldaten, die strenge Reglementierung ihres Lebens und ihre stereotype Unfähigkeit wird, sich wieder in die Welt einzufügen, die sie vorher kannten. Es scheint ein unnötiger und themenfremder Aufwand zu sein, wenn man bedenkt, dass der größte Teil des Films von Spannung und nervenaufreibender Action dominiert wird. Es ist nur eine kleine Dosis an politischer Agenda, der Rest ist solide Unterhaltung für ein Kriegschaos, das einmal mehr beweist, dass Regisseurin Kathryn Bigelow Actionfilme wie die Besten beherrscht in ihrem Metier. "Tödliches Kommando - The Hurt Locker" ist zum Teil ein Biopic über einen fiktiven EOD-Spezialisten (Explosive Ordnance Disposal) und zum Teil eine Pseudo-Dokumentation über einen spannungsreichen, 40-tägigen Einsatz der Bravo Company.
Anstatt sich auf einen Handlungsbogen zu konzentrieren, der bestimmte Verbrecher und damit zusammenhängende Ereignisse voneinander trennt, schildert der Film mehrere nicht miteinander verbundene Bombeneinsätze und deren Auswirkungen auf andere Soldaten, irakische Bürger und James' Überzeugungen und Methoden. Ohne die Verantwortlichen zu fassen oder gar bestimmte Terroristen zu jagen, verlässt sich "Tödliches Kommando -The Hurt Locker" auf ungeheuer starke Bildkompositionen. Adrenalinsüchtige Rücksichtslosigkeit, psychische Belastungen, Todessehnsucht, Explosionen, die einem das Herz stocken lassen, Kameradschaftsgeist und Exekutionsgedanken, die an "Full Metal Jacket" erinnern, und genug Intensität, um ganze Lichtspielhäuser zu sprengen. Kathryn Bigelow spielt mit dem Publikum, indem sie die Vorfreude auf die nächste Detonation oder den nächsten Hinterhalt extrem steigert und wie in einem Horrorfilm auf die Sinne des Zuschauers einwirkt, was an Humor grenzt.

Ein Bombenspezialist zu sein, ist wie ein Würfelspiel. Unter Hochdruck und mit hohem Risiko, das einen gesunden Verstand und eine schwindelerregend ruhige Intelligenz erfordert. Es gibt keinen Spielraum für Fehler, und Jeremy Renner gibt einen glaubwürdigen Helden, der eine waghalsige Missachtung des Protokolls und der Sicherheit an den Tag legt, die vielleicht nur die Maske für eine Figur ist, deren perfekt geschliffene Fähigkeiten das Zeichen eines kompromisslosen Profis sind. Oder er ist einfach komplett verrückt. Die Nebenrollen sind exzellent besetzt, ebenso wie die Soundkulisse und die betäubende Kameraführung. Eine andere Seite des irakischen Kriegsgebiets zu sehen, ein neuzeitliches Schlachtfeld, gepaart mit realistischer Aufopferung und Heldentum, ist eine kraftvolle, faszinierende und aufschlussreiche Form der Unterhaltungskunst.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Als ich diesen Kommentar zu "Ed Wood" einem von Headshot77's Lieblingsfilmen, den er sich von mir gewünscht hat, beendete, musste ich erfahren, dass er ihn so schnell nicht lesen wird, denn er gönnt sich eine kleine Auszeit von MP um mal wieder in der freien Natur mit Freunden ausgiebig die Sau raus zulassen, wobei ich ihm sehr viel Spaß wünsche. Nach mehreren Jahren habe ich mir Tim Burtons Film zum dritten Mal angesehen und musste sein vielleicht bestes Werk von 7 auf 8 Punkte aufwerten. Let's shoot this fucker!

"Ed Wood" ist ein Klassiker von Regisseur Tim Burton. Der Filmemacher gilt weithin als einer der exzentrischsten und individuellsten Vertreter seiner Zunft. Sein unverkennbarer Stil und seine Ästhetik lassen keine Zweifel aufkommen, unabhängig davon, ob man sich einen seiner Filme angesehen hat oder nicht. Tim Burtons ausgeprägter Einfallsreichtum als Regisseur hat dazu geführt, dass er sich im Laufe seiner Karriere mit vielen verschiedenen Themen auseinandergesetzt hat. Gleichgültig, wie gut oder schlecht der Film ist, am Ende weiß man, dass es ein typischer Tim Burton war, den man gerade gesehen hat. Es ist daher nicht verwunderlich, dass Tim Burton 1994 ein Biopic über einen Mann drehte, der selbst ziemlich exzentrisch und individuell war, den Schauspieler und Regisseur Edward D. Wood Jr.. "Ed Wood" erzählt respektvoll die Geschichte des schlechtesten Regisseurs der Filmgeschichte und nutzt den Film trotz des Namens, um die Geschichte eines Mannes zu erzählen, der seine eigene Vision hatte, wenn auch keine sehr gute, so doch eine ernsthafte, und der am Ende erhielt, was er sich wünschte und sein eigenes Vermächtnis schuf. Edward Woods Filme wurden mit Archivmaterial, Einzelbildern und Skripten gedreht, die geradezu konfus waren.

Johnny Depps Darstellung als Edward D. Wood Jr. unterstreicht dies nicht nur durch die überzogene Theatralik, sondern auch dadurch, dass er aus Edward Woods Leidenschaft eine gehörige Portion Humor herausholt. Johnny Depp, der bereits in Tim Burtons "Edward mit den Scherenhänden" zu sehen war, gibt eine überschwängliche und wundervoll abgedrehte Interpretation seiner Figur in "Ed Wood". Das Auffälligste an seiner Verkörperung ist der unbändige, unermüdliche Enthusiasmus, den er permanent versprüht. Was Edward Wood als ernst ansieht, finden andere komödiantisch, und deshalb kann der Moment, in dem er sich mit Orson Welles vergleicht, als Urkomik und nicht als Arroganz bezeichnet werden.

Tim Burton gelingt es, aus einem erfolglosen Amateurfilmer einen charmanten Menschen hervorzubringen, der nicht nur ekstatisch darüber war, Filme zu realisieren, sondern dem auch keine Einstellung missfiel. Das Herzstück von "Ed Wood" ist die symbiotische, aber aufrichtig liebevolle Beziehung von Edward Wood zu Bela Lugosi, der von Martin Landau mit einer reichhaltigen komischen Verschrobenheit wiedergegeben wird. Als sie sich zum ersten Mal treffen, ist Bela Lugosi, wie er sagt, ein einsamer ehemaliger Bösewicht, der seit vier Jahren nicht mehr gearbeitet hat und seit zwei Jahrzehnten morphiumsüchtig ist. Edward Wood benutzt ihn, um die spärlichen Finanzmittel für seine fadenscheinigen Filme aufzubringen, begegnet dem ausgebrannten Filmstar gegenüber jedoch stets mit größtem Respekt. Bela Lugosi reagiert darauf mit bewegender Dankbarkeit und, wenn die Dreharbeiten beginnen, mit unbedingtem Professionalismus. Natürlich kann Bela Lugosi nicht so recht begreifen, was Edward Wood bei der Inszenierung von "Glen or Glenda" macht, einem Film, in dem der von ihm selbst gemimte Hauptcharakter seine Vorliebe für Damenbekleidung gegenüber seiner zukünftigen Braut offenbart, die von seiner inoffiziellen Freundin Dolores Fuller gespielt wird, die ihrerseits von Sarah Jessica Parker dargeboten wird. Doch das spielt keine Rolle, denn mit Ausnahme von Edward Wood selbst ergibt der Film für keinen der Beteiligten irgendeinen sinnvollen Zusammenhang.

Tim Burton und die Drehbuchautoren Scott Alexander und Larry Karaszewski präsentieren eine schamlos romantisierte und amüsant einfühlsame Sicht auf Edward Woods Leben, Arbeit und Exzentrik. Sie beenden ihre Geschichte, lange bevor der echte Edward D. Wood Jr. damit begann, billige Taschenbücher und pornografische Filme zu veröffentlichen, sofern er sich nicht gerade totgesoffen hat. Den Filmemachern gelingt sogar das Kunststück, Edward Woods Transvestismus als harmlose, sogar liebenswürdige Marotte zu präsentieren, ohne den Mann zu verunglimpfen. "Ed Wood" hat nichts Humorvolleres oder Sympathischeres zu bieten, als die Szene, in der Edward Wood einem minderwertigen Produzenten gegenüber klarstellt, dass er trotz seiner Vorliebe für Stöckelschuhe und Angorapullover stolz darauf ist, heterosexuell zu sein. Tatsächlich ist er so gesund, dass er tapfer im Zweiten Weltkrieg gekämpft hat. "Natürlich", gibt er zu, "trug ich die ganze Zeit Frauenunterwäsche". Neben Johnny Depp und Sarah Jessica Parker, die überaus hervorragend sind, und Martin Landau, der für die Rolle des Bela Lugosi einen Oscar als bester Nebendarsteller erhielt, sind in "Ed Wood" auch Jeffrey Jones als falscher Mentalist Criswell, Patricia Arquette als Edward Woods unglaublich akzeptierende Ehefrau und Bill Murray als verweichlichter Mitläufer und angehender Transgender zu sehen. Vincent D'Onofrio ist unschätzbar in seinem kurzen Auftritt als Orson Welles, der gerade lange genug in Erscheinung tritt, um Edward Wood einige wertvolle Ermutigungen zu geben: "Visionen sind es wert, dafür zu kämpfen." Selbstverständlich wissen wir bereits, dass er sich diesen Rat auch wirklich zu Herzen nehmen wird.

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Mitten aus einem Franchise hat sich Shepardo einen Film ausgesucht, zu dem er einen Kommentar von mir wünscht, und das ist "Saw III", den er mit 9,5 Punkten hoch gewertet hat, wohingegen meine 7,5 Punkte nach erneutem Betrachten auch weiterhin bestehen bleiben. Ich brauchte nicht sonderlich viele Vorbereitungen für den Film. Ich legte mich einfach in mein frisch bezogenes Sterbebett und drückte auf die Taste 'Play'...

"Saw III" von Regisseur Darren Lynn Bousman ist unter Umständen der letzte wirklich gute Saw-Film und der einzige, der eine Wendung bietet, die dem Original gerecht wird, auch wenn die Reihe zu einem transparenteren Fokus auf Fallen im Sinne von Kirmesattraktionen übergeht und die Argumente für die tödlichen Prüfungen zunehmend dürftiger werden. Was diesem Film ausgezeichnet gelingt, ist die Ausweitung der übergreifenden Mythologie, ohne sich mit dem Klamauk zu belasten, der seine Nachfolger heimgesucht hat. Mit einer Laufzeit von fast zwei Stunden ist er der längste Saw-Film, verwendet aber diese zusätzliche Spieldauer, um eine nuanciertere, charakterorientierte Geschichte zu entwickeln. Die parallelen Spiele zwischen Jeff (Angus MacFadyen) und Dr. Lynn Denlon (Bahar Soomekh) bedeuten, dass es keine Notwendigkeit gibt, sich auf modrige Polizeigeschichten oder stumpfsinnigen Rückblenden zu kaprizieren, denn die beiden gehören zu den interessantesten und sympathischsten Protagonisten der gesamten Filmreihe. Die Flashbacks, die eingebaut werden, wirken effektiv, um diese Welt zu erweitern, die Ereignisse der ersten beiden Filme zu vertiefen, Jigsaws (Tobin Bell) und Amandas (Shawnee Smith) Beziehung zu erforschen und vor allem dem Publikum einen Schlussstrich unter Adams (Leigh Whannell) Tod zu geben, lange bevor der Umgang mit der Thematik in ein selbstparodistisches Melodram ausartete.

Auch die tödlichen Fallen gehören wohl zu den kreativsten des Franchise, mit aufwändigerem Design und höherem Produktionswert als in den beiden Vorgängerfilmen. Die berühmte Marterbank-Falle, in der die Gelenke eines bedauernswerten armen Tropfens um 180 Grad verdreht werden, ist ausgesprochen widerlich anzusehen, während die Gewalttätigkeiten am Rande, wie die brutale Zerstörung des Fußes von Detective Matthews und die chirurgischen Eingriffe am offenen Gehirn von John Kramer, für ein willkommenes Ekelfieber sorgen. Der einzige wirkliche Wermutstropfen ist die überstürzte Tötung von Detective Kerry (Dina Meyer), die eine zu attraktive Nebenfigur war, um so schnell zu krepieren. Stilistisch findet Darren Lynn Bousman hier wirklich den richtigen Weg und bietet dabei einige der geschicktesten filmischen Beiträge innerhalb des Zyklus der Reihe an. Die Szenografie, die der Entführung von Kerry in ihrer Wohnung zugrunde liegt, ist besonders raffiniert gestaltet. Die dreckige Kameraführung, die den Wunsch nach einer Dusche weckt, und die abstoßende Farbgebung haben noch nicht ganz den Grad der Komik erreicht, und Charlie Clousers Filmmusik ist vielleicht die stimmungsvollste unter den Werken. Auch leistungstechnisch ist dies ein Hochpunkt für die Saw-Filme.

Tobin Bell stiehlt einmal mehr die Show als der sterbenskranke John Kramer, während Shawnee Smith als die gefährdete Amanda viel Einsatzzeit bekommt, um zu brillieren. An die bestechenden, unvorhersehbaren Twists der ersten beiden Filme anzuknüpfen, war offensichtlich eine enorme Herausforderung, und obwohl sie hier nicht ganz so wirkungsvoll sind, funktionieren die großen Offenbarungen zumeist recht gut. Dass Jeff und Lynn verheiratet sind, mag im Nachhinein betrachtet ziemlich eindeutig erscheinen, aber für den anspruchslosen Zuschauer ist es das nicht. Dass Jigsaw Amanda testet, ist ein interessanter klimatischer Aspekt, ebenso wie der brutale Schlusspunkt, als die Tochter von Jeff und Lynn für den Rest ihres Lebens weggesperrt wird. Es ist eine kritische Masse glorreicher Absurdität, und Amandas Tod war ein besonders schlagender Wendepunkt, da sie darauf vorbereitet zu sein schien, die neue Protagonistin des Franchise zu werden. Mit dem Tod von Jigsaw hätte die Geschichte hier enden können und wäre nicht mehr als eine nette Trilogie von Kinofilmen geworden, aber das weltweite Einspielergebnis von 164,9 Millionen Dollar sollte zu weiteren Teilen des Projekts führen, und das hat es im positiven wie im negativen Sinne auch getan. "Saw III" schließt die ursprüngliche Filmtrilogie ab und bildet gleichzeitig den Auftakt für die unmögliche Ansammlung von Sequels, die später folgen sollten.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
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Das Meisterwerk "Der Prozess" des Regisseurs Orson Welles zu kommentieren, das cine sich von mir gewünscht hatte und dem wir beide 9 Punkte gaben, erwies sich als schwieriger, als ich es mir vorgestellt hatte. Wie schreibt man eine würdige Rezension des schieren Wahnsinns? Indem man seinen persönlichen inneren Irrsinn instrumentalisiert! Ich hätte mich, bevor ich den Film erneut anschaue, wohl besser einer psychiatrischen Begutachtung unterziehen sollen, welche mir die Gewissheit verschafft, dass meine Wahrnehmungs- und Empfindungswelt pathologisch gesund ist.

In den vergangenen Tagen habe ich begriffen, dass es immer noch eine vermeintlich unüberwindbare Diskrepanz in der Wahrnehmung der Gesellschaft im Hinblick auf Orson Welles und seine Arbeit als Filmemacher und Künstler vorzufinden ist. Auf der einen Seite gibt es Leute, die "Citizen Kane" für ein unübertreffliches Meisterwerk halten, und die Tragik von Orson Welles' Karriere liegt in dem Umstand, dass er alles aufgebraucht hat, was er besaß, um diesen Film zu drehen, und der Rest seiner Filmografie ist voller armseliger, halbgare Mutationsfassungen von besseren Filmen, die alle durch faulen Wettbewerb, mangelndes Etat und die Interferenz der Filmstudios hoffnungslos gescheitert sind, doch immerhin ist "Im Zeichen des Bösen" ganz passabel gelungen. Die andere Seite sieht "Citizen Kane" als ein Meisterwerk an, das tatsächlich mindestens ein paar Mal fast erreicht wurde, und dass es eine Schande wäre, dass seine amerikanischen Filme nach 1941 alle so kompromittiert waren, aber man sollte doch nur mal sehen, was er in Europa gemacht hat. Darin sind einige der absoluten Meisterwerke des Kinos vertreten, und es ist nicht einmal besonders kompliziert, diese zu entdecken. Und die vielleicht größte von allen war Orson Welles' Lieblingsarbeit aus seinem Gesamtwerk, die Verfilmung von Franz Kafkas "Der Prozess" aus dem Jahr 1962, eine deutsch-französisch-italienisch-jugoslawische Koproduktion, die von Alexander Salkind ins Leben gerufen wurde.

Unter allen Filmen von Orson Welles ist dies vielleicht der Film mit dem vertracktesten Bildstil, selbst der schönste, obwohl Schönheit kaum mehr im Auge des Betrachters liegt als in Kombination mit der betonierten Wildnis von Zagreb, Rom, Mailand und dem entseelten Rohbau des Gare d'Orsay, eines einstigen Bahnhofs in Paris. Ein Teil der Bedeutung von "Der Prozess" besteht darin, dass die Orte und Räume, an denen der Film spielt, keinen Produktionsdesigner haben, aber der künstlerische Leiter Jean Mandaroux hat vermutlich eine Menge zu den Kulissen beigetragen, einschließlich Orson Welles selbst. Es sind allesamt unerträglich unmenschliche, grausam kantige Gebilde, denen jeglicher Organismus abhanden geht. Es sind geometrische Gefängnisse, die miteinander verwoben sind wie die verschlossenen Areale eines Albtraums. Genau das ist es auch, denn im Grunde ist "Der Prozess" ein wahrer Albtraum.

Franz Kafkas buchlange Parabel über einen Mann, der wegen eines Verbrechens vor Gericht gestellt wird, das nie benannt wird, und zwar durch eine Rechtsstruktur, die keine offensichtliche Verkörperung hat, ist im Grunde schon ein Alptraum, und Orson Welles' Drehbuch folgt der Geschichte sehr genau und beobachtet, wie der Gerichtsschreiber Josef K. (Anthony Perkins) von einem unerklärlichen Gespräch mit der Polizei, den Staatsanwälten, den Zeugen und einem leibhaftigen Monster von Anwalt (Orson Welles) ins nächste stürzt und immer paranoider und manischer wird, sobald er keine logischen Anhaltspunkte mehr hat, an die er sich festhalten kann. Theoretisch hätte sich die Geschichte durch die physisch konkrete Umsetzung realer anfühlen müssen als in der ursprünglichen prosaischen Vorlage. In der Praxis haben Orson Welles und sein Team erhebliche Bemühungen unternommen, um genau das Gegenteil zu erreichen.

"Der Prozess" hat die glatte Erzähllogik und die optische Intensität des expressionistischen Horrors, und es scheint trotz der Besetzung mit echten Schauspielern in tatsächlich gebauten Kulissen unmöglich, dass der Film jemals in einem physikalischen Raum hätte existieren können. Das ist es, was die hinreichend barocke Bildsprache bewirken soll. Als erster Film des Kameramanns Edmond Richard, der später "Falstaff" für Orson Welles drehte und schließlich mit Luis Buñuel an "Der diskrete Charme der Bourgeoisie" arbeitete, ist "Der Prozess" ein grandioses Debüt. Er ist nichts Geringeres als einer der markantesten Filme der 1960er Jahre, so etwas wie das, was wir hätten haben können, wenn die kühnen stilistischen Experimente der späten 1920er Jahre bis in die Tonära hinein fortgesetzt worden wären.

Edmond Richard und Orson Welles setzen auf Schatten und Kontraste und erschaffen den Effekt von Räumen durch maximalistische Beleuchtung und minimalistische Inszenierung. Im Großen und Ganzen ist dies ein beängstigend leerer Film, mit riesigen Räumen in der Gare d'Orsay, die nur durch Schattenflecken zu Szenenbildern werden. Die wenigen Außenaufnahmen sind wie das Eintauchen in ein Vakuum, insbesondere eine lange Kamerafahrt über eine Ebene zwischen Gebäuden, die wie riesige Monumente aus Glas und Stahl einer vergangenen Zivilisation aus dem Boden ragen. Gerade Linien in strengen Winkeln bestimmen den Inhalt des Bildes, irreale Bereiche, die sich selbst wie die kaum modellierten Räume eines schwach ausgeprägten Traums anfühlen, eingeleitet durch eine wunderschöne Diashow mit unscharfen Pinscreen-Illustrationen von Alexandre Alexeieff, die uns in einen andersweltlichen Sinneszustand versetzen, noch bevor die Handlung überhaupt beginnt.

Was mich an "Der Prozess" am meisten beeindruckt, ist, dass er sich trotz seiner Treue zu Franz Kafkas Werk nie wie eine Literaturadaption anfühlt. Alles an diesem Material fühlt sich an, als wäre es von Grund auf so konzipiert worden, dass es in diesen extremen Grafiken zum Ausdruck kommt. Selbst als Geschichte ist es unmöglich, diese Behandlung von "Der Prozess" von der Zeit und dem Kontinent zu trennen, in dem sie entstanden ist. In expliziter und impliziter Hinsicht ist das ein Film aus der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. Das Bewusstsein für den Holocaust und die Unterdrückung hinter dem Eisernen Vorhang ist in der Handlung und im Aussehen des Films allgegenwärtig, der fest in die Traditionslinie von Europa als Friedhof der modernistischen Architektur gehört, die in den 1960er Jahren explodierte.

Das emotionale Terrain, das erkundet wird, ist zeitlos, oder zumindest so zeitlos wie die Menschen, die in der Angst leben, dass sich die Machtstrukturen der sie umgebenden Kultur jeden Augenblick gegen sie wenden könnten. Diese besondere Inkarnation stützt sich auf die Verzweiflung des Lebens im Schatten der Atombombe, auf die am Ende visuell Bezug genommen wird, vielleicht in dem einen Moment, in dem ich denke, dass der Film bei der Darstellung seiner Themen zu weit geht, und mit der unmittelbaren Erinnerung an den Krieg, die ihm vielleicht in meinem ketzerischsten Moment zusätzliche Kraft verleiht, denke ich, dass ich "Der Prozess" als Film tatsächlich mehr mag als "Der Prozess" als Buch, denn die Performance von Anthony Perkins ist etwas nahezu Universelles. Der Absturz durch die Verwirrung in den Horror und die Wut, die er zum Ausdruck bringt, sind aus einer primordialen Ebene seiner selbst gerissen, und zusammen mit dem kräftigen Impuls, den wir bekommen, dass das Ganze der Nachtmahr von Josef K./Franz Kafka ist, ein Wachtraum, absorbiert vielleicht der ganze Film im Allgemeinen die Raserei von Anthony Perkins.

Orson Welles hat, vielleicht in einem Anfall seiner typischen Verschlagenheit, einmal bestritten, dass der Film ein symbolisches Element enthält. Zweifellos muss "Der Prozess" in jedem Medium allegorisch gelesen werden, aber größtenteils bin ich geneigt, Orson Welles beim Wort zu nehmen. Totalitäre Regierungen kommen und gehen, die psychischen Narben im Europa der Jahrhundertmitte sind irgendwann verheilt, aber die existenzielle Panik, das Empfinden, dass sich die Welt ausgerechnet gegen einen selbst richtet, bleibt eine Konstante. Was "Der Prozess" so wirkungsmächtig macht, ist die Darstellung dieser Panik in einigen der eindringlichsten Filmaufnahmen, die mit rein ästhetischen Augen eine zutiefst emotionale Erfahrung vermitteln. Ein wahrhaft nervenzerfetzender Film, der nur schwer zu ertragen ist. Es ist Orson Welles, einem der größten visuellen Geschichtenerzähler, den das Kino je hervorgebracht hat, am nächsten gekommen, einen Horrorfilm zu drehen, und seine gewaltige Wirkung ist dieser einmaligen Kombination von Künstler und Thema würdig.

Die kanadische Horrorkomödie "Brain Freeze" von Regisseur Julien Knafo ehrt die Tradition von George A. Romero, der die Zombies als gesellschaftliche Satire und Kulturkritik einsetzt. Julien Knafo jongliert mit mehreren Kritikpunkten zugleich, von Klassifizierung über Umweltfragen bis hin zur digitalen Spaltung. "Brain Freeze" baut auf der klassischen Methode des Ausbruchs von Zombies auf und fügt regionale Spezifika und eine fortschrittliche Wende ein, sodass die Handlung mit beißendem Humor und Selbstvertrauen voranschreitet. Es ist mitten im Winter, aber die betuchten Residenten von Peacock Island wünschen sich die Option, das ganze Jahr hindurch Golf spielen zu können. Ihr Wunsch wird in Form eines neuen Düngers erfüllt, mit dem das Gras auch unter den eisigsten Witterungsbedingungen gedeihen kann. Der Haken an der Sache ist nur, dass das experimentelle Düngemittel in die Wasserversorgung gelangt, die Population kontaminiert und einen biologischen Zombieausbruch auslöst. Julien Knafo und sein Drehbuchpartner Jean Barbe platzieren zwei ungleiche Verbündete im Kern des Wahnsinns und kombinieren ihren Generationsunterschied mit komödiantischer Effizienz. André (Iani Bédard) ist ein Teenager, der permanent an seinem Smartphone klebt, so dass er von seiner Umwelt weitestgehend nichts mehr wahrnimmt. Der Virusausbruch verbraucht jedoch den Akku seines Mobiltelefons in Form eines Stromausfalls, und nötigt ihn zur Versorgung und Pflege seiner Babyschwester. Das führt ihn zu Dan (Roy Dupuis), dem alten Wachmann der Insel, der seine Freizeit mit der Vermeidung von technischen Phänomenen und der Vorbereitung auf den Weltenbrand verbringt. Das Wechselspiel zwischen den beiden erzeugt Lustigkeit und flicht zudem einen relevanten Subtext ein, da die Situation aufgrund einer ungeprüften technologischen Basis ausgelöst wurde. Welche Ideologie erweist sich in einem hypothetischen Weltuntergangsszenario als effektiver? Julien Knafo beleuchtet beide Seiten mit Humor. André kämpft fortwährend damit, ein funktionierendes Telefon zu finden, selbst unter Verwendung abgerissener Teile des menschlichen Körpers, während Dan ohne moderne Hilfsmittel kein Feuer entfachen kann. Die peripheren Figuren stehen für andere gesellschaftliche Missstände. Die gewissenlosen Streitkräfte, die versuchen, die Verbreitung auf dem Festland zu verhindern, sowie der Unternehmensleiter, dessen wirtschaftliche Habsucht den Anstoß zu den Ereignissen gegeben hat, und der moralisch verwerfliche Radiomoderator, der die Appelle zur Solidarität abschmettert und im Keim erstickt. "Brain Freeze" geht der Frage nach, inwiefern Mitgefühl bei katastrophalen Entwicklungen, die den Planeten betreffen, förderlich oder hinderlich sein kann. Durch die bewährte Vorgehensweise des Zombiefilms schneidet "Brain Freeze" mehrere gewichtige Aspekte an, von denen viele keine deutlichen, dezidierten Definitionen enthalten. Der Zombiefaktor verhöhnt den Gesundheitsfanatismus und genmanipulierte Nahrungsmittel, indem er die Infizierten faktisch in Gras verwandelt. "Brain Freeze" bringt die Grundprinzipien und Muster gerade genug aus dem Gleichgewicht, um den Zuschauer im Ungewissen über die endgültige Zukunft von Peacock Island zu lassen. Raffiniert ist auch die Subversion des Farbtons Grün. Der für Fäule und Verwesung charakteristische kotzige Teint eines Zombies wird umgedreht, und das leuchtende Grün, das mit Leben und Gesundheit assoziiert wird, bringt die Illusion einer Erkrankung hervor. Erquickend ist auch, dass die Akteure das Zombiekonzept zu verstehen und umzusetzen wissen, selbst dann, wenn die Protagonisten viel zu lange benötigen, um das aufzuholen, was der Zuseher inzwischen längst weiß. "Brain Freeze" bietet einen nachdenklichen Dialog, der mit einer weitläufigen Leichtigkeit angesprochen wird, die den Inhalt auch über den Kontext hinaus begreifbar werden lässt. Dadurch werden André und Dan so sympathisch, was sich positiv auswirkt, wenn die Handlung in die offensichtlichen Strukturen und Schemata der traditionellen Zombiekost verfällt. Diese anämische und knochendürre Moritat ist nichts für Liebhaber offenkundiger Situationskomik, denn einige der präsentierten Konzeptionen entbehren der Stringenz und sind zu oberflächlich. Sicherlich erfindet "Brain Freeze" den Zombiefilm im modernen Gewand nicht neu, aber er bietet satirische Unterhaltung par excellence und bringt frischen Wind in die rasante und äußerst amüsante Angelegenheit.

Der actiongeladene Rachethriller "Sweet Girl" von Regisseur Brian Andrew Mendoza verlässt sich zu sehr auf seine unerwartete Wendung. Darin sind einige gute Ideen versteckt. Jason Mamoa als sympathischen, schlagkräftigen Charakter zu besetzen, ist immer ein gewiefter Schachzug. Einen Kriminellen nach dem Vorbild des Pharmabosses Martin Shkreli zu schaffen, ist ein charmanter Ansatz. "Sweet Girl" steuert auch auf eine bedeutende und völlig überraschende Handlungsentwicklung hinzu. Leider bedarf es für diese handlungsorientierte Entfaltung einer Stunde der Absurdität im Vorlauf und weiterer dreißig Minuten der Idiotie, bis schließlich der überfällige Abspann läuft. Das Motiv hierbei ist denkbar trivial. In einer überlangen Auftaktsequenz erleben der treusorgende Ehemann Ray (Jason Momoa) und seine Tochter Rachel (Isabela Merced, eindrucksvoll, wenngleich der Film es nicht ist) den Krebstod von Rachels Mutter schmerzlich und machtlos mit. Ihre Traurigkeit wird durch das Faktum verschlimmert, dass ein potenziell lebensrettender Wirkstoff von den Marktmechanismen und dem Klon von Martin Shkreli zurückgehalten wurde. Ein aufgebrachter Ray ruft live in einer Talkshow an und wird unvermittelt auf direktem Wege in die Sendung geschaltet, denn das Drehbuch von Philip Eisner, Gregg Hurwitz und Will Staples pfeift auf Feinheiten wie die Auflösung der Ungläubigkeit. Vor laufenden Fernsehkameras schwört er am Telefon, den betreffenden Pharmatypen zu jagen, ihn ausfindig zu machen und im Todesfall seiner Frau umzubringen. Eine Ankündigung, die einen merkwürdigen Investigativjournalisten ins Geschehen bringt. Eine sinistre Verwirrung bahnt sich langsam ihren Weg. Die tristen, oft kontraintuitiven, durchaus bescheidenen Kampfeinlagen sind bedauerlicherweise reine Makulatur. "Sweet Girl" mutet zu häufig wie ein Projekt für minderwertige Imitationen ikonografischer Momente im Kino an. Wenn man die Augen schließt, entsteht so ein Bild, das an das Gespräch zwischen Al Pacino und Robert de Niro im Diner von "Heat" heranreicht. Zwischendurch müssen die Zuschauer immer wieder krachende, handfeste Kampfmanöver à la "Jason Bourne" auf dem Bildschirm ertragen. Es gibt einen diffusen Schemen, der aus politischen Konspirationsklassikern der 1970er Jahre wie "Zeuge einer Verschwörung" entwendet wurde. Diese Allusionen rufen dem Betrachter nur die Erinnerungen an erheblich wertigere Werke dieser Gattung zurück ins Bewusstsein.

Der Animationsfilm "Justice League Dark: Apokolips War" von Warner Bros. unter der Regie von Matt Peters und Christina Sotta bildet den epischen Abschluss des beliebten DC-Animationsfilmuniversums und ist der 15. und letzte Film der Reihe. Ursprünglich in Jay Olivas erstem Film "Justice League: The Flashpoint Paradox" im Jahr 2013 eingeleitet, hat sich die Serie stetig weiterentwickelt und kulminiert in einem monumentalen Showdown mit Darkseid und den Mächten von Apokolips. "Justice League Dark: Apokolips War" unter der Leitung von Matt Peters und Christina Sotta handelt von einer zerstörten Erde nach Supermans gescheitertem Versuch, Darkseid in einem verheerenden Kampf zu vernichten. Nachdem etliche Superhelden getötet oder unterjocht wurden, müssen sich die verbliebenen Überlebenden, darunter Constantine (Matt Ryan), Superman (Jerry O'Connell) und Raven (Taissa Farmiga), verbünden, um dem Tyrannen ein allerletztes Mal den Kampf anzusagen, um die restliche Welt zu beschützen. Es ist eindeutig die Antithese von DC zu "Avengers: Infinity War". Die postapokalyptische Geschichte, die keine Grenzen kennt, verwebt auf imponierende Weise Fäden aus "The Flashpoint Paradox", "Justice League Dark" und "Son of Batman" zu einem heroischen Abschluss. Der Film verschwendet keine Zeit mit dem spannungsvollen und schockierenden Auftakt und steigt mit frenetischem Tempo unmittelbar in die Action ein, die in einem spektakulären Finale mit einer Fülle eindrucksvoller Schlägereien resultiert. Die vielen Kurzauftritte von Mitgliedern der Justice League, der Teen Titans und der Suicide Squad machen den Film für langjährige Fans des geteilten Universums zu einem absoluten Hochgenuss. Dafür ist "Justice League Dark: Apokolips War" unerwartet hart, mit reichlich brachialer Gewalt und phasenweise schockierendem blutigem Gemetzel. Mit der größten Superheldenbesetzung in der Geschichte der DC-Universumsfilme kehren viele der bekannten Synchronsprecher wie Jason O'Mara, Rosario Dawson und Christopher Gorham zurück, um ihre ikonischen Rollen aus der sechsjährigen Kontinuität wieder aufzunehmen. Besonders hervorzuheben sind Matt Ryan, Jerry O'Connell und Taissa Farmiga, die als Constantine, Superman und Raven den Kern der Besetzung repräsentieren. Matt Ryan setzt seine großartige Darstellung von John Constantine mit einem hervorragenden und gefühlvollen Charakterbogen für den okkulten Detektiv fort, während Taissa Farmiga Ravens internen Konflikt mit ihrem Vater, Trigon, fabelhaft einfängt. Ebenfalls zu erwähnen ist Hynden Walchs irrsinnig lustige Harley Quinn, von der ich dringend mehr hätte sehen müssen. "Justice League Dark: Apokolips War" ist sowohl von der Größe als auch vom Umfang her beeindruckend und rundet das geteilte DC Animationsfilmuniversum mit einem bittersüßen Ausklang ab. Vollgepackt mit Team-Ups, Anspielungen auf DC-Überlieferungen und wahrhaft epischen Momenten, werden altgediente Enthusiasten des Universums zweifellos in diesem Werk schwelgen.

Noomi Rapace brilliert mit totaler Souveränität in "The Secrets We Keep" von Regisseur Yuval Adler. Wie wäre es, wenn du einfach so durch die Straßen gehst und das Gesicht von jemandem siehst, von dem du überzeugt bist, dass er dir in der Vergangenheit ein schweres Trauma zugefügt hat? Die Art von Missbrauch, die die Seele für eine Ewigkeit zerfrisst und von der sich manche nie wieder ganz erholen. In einer amerikanischen Kleinstadt, weit weg von den schrecklichen Zuständen im Arbeitslager der Nazis, in dem Maja (Noomi Rapace) mit anderen Roma gefangen gehalten wurde, haben sie und ihr amerikanischer Mann Lewis (Chris Messina) ein glückliches Leben aufgebaut. Doch als Maja einen pfeifenden Fremden (Joel Kinnaman) wahrnimmt, kehrt sie in einen Albtraum zurück, der ihr Gehirn unbewusst gefangen hält. Ist er der deutsche Soldat, der sie brutal vergewaltigt und ihre jüngere Schwester ermordet hat? Kann sie sich nach 15 Jahren noch sicher sein? Das ist der Moment, in dem sich das Ganze ins Gegenteil verkehrt. In den folgenden Tagen muss Lewis mit Entsetzen zusehen, wie Maja ihren Gefangenen foltert und ihn nur freilässt, wenn er ein Geständnis ablegt. Noomi Rapace, Hauptdarstellerin und ausführende Produzentin, liefert eine gebannte, grimmige und kämpferische Darbietung als Maja ab und wirft die Frage auf, ob Rache Tragödien heilen kann und ob Frieden überhaupt möglich ist. Indem sie Maja die Realität nimmt und ihr Trauma nicht nur in der Wirklichkeit verankert, beweist Noomi Rapace, dass Frauen eine Kraft sind und immer waren, mit der man rechnen muss. Vor allem, wenn sie psychisch und emotional unter Druck geraten. Ihre furchtlose, gefühlvolle und körperlich anstrengende Rolle ist einfach phänomenal für die Augen aufbereitet. Der Spannungsaufbau und die Zuspitzung in diesem Thrillerdrama sind einfach perfekt zu beobachten. Der Drehbuchautor Ryan Covington wurde durch ein Interview inspiriert, das er mit einer Frau führte, die das berüchtigte Konzentrationslager Auschwitz-Birkenau überlebt hatte. Sie beschrieb eine posttraumatische Belastungsstörung, die dadurch ausgelöst wurde, dass sie einen wütenden Deutschen hörte, der eine öffentliche Tirade abließ. Kolja Brandt, der Kameramann, Nate Jones, der Produktionsdesigner, und Christina Flannery, die Kostümbildnerin, haben gemeinsam eine Welt geschaffen, in der das Publikum sofort in eine amerikanische Ära versetzt wird, in der Garderobe, Make-up, Haare und Umgebung makellos und schlichtweg prachtvoll sind. Jeder hat eine bestimmte Erfahrung, die er nicht preisgeben möchte. Es ist eine grundlegende Entscheidung, die weit über den Abspann hinaus in das Unterbewusstsein der Zuschauer eindringen wird.

Die britische Regisseurin Andrea Arnold hat mit "Cow" ihren ersten Dokumentarfilm gedreht. "Cow" ist eine fast wortlose Studie über das Leben von Luma, einer Milchkuh, die aus der Sicht eines Rindes aufgenommen wurde. "Cow" widersteht dem Drang, Luma zu vermenschlichen, und weckt gleichzeitig tiefes Mitgefühl für dieses nicht-menschliche Tier. Es mag das erste Werk der erfahrenen Filmemacherin sein, aber "Cow" lässt Andrea Arnold aussehen, als sei sie zum Dokumentarfilmen geboren worden. Andrea Arnold ist bekannt für ihre Nahaufnahmen, ihre Aufmerksamkeit für kleine Details und die Evokation des taktilen Drecks und des Lebensgefühls unter den Fingernägeln, und ihre Sensibilität ist gut geeignet, die spontane Authentizität der Form einzufangen. "Cow" wird im Breitbildformat 1.90:1 präsentiert, was für eine Regisseurin, die für ihre filmischeren Arbeiten eher die kastenförmigen Formate 1.37 und 1.33:1 bevorzugt, vielleicht etwas seltsam ist, aber es ist eine Wahl, die es ihr erlaubt, sich in der letzten Hälfte des Films zurückzuziehen und den Rahmen zu erweitern, wenn die Kühe für den Sommer nach draußen gehen, was in einer visuellen Gegenüberstellung mit der mechanisierten Welt des Kuhstalls nur allzu kurz das Bukolische heraufbeschwört. Der Film beginnt mit der Geburt ihres fünften Kalbes. Das mit Fruchtwasserschleim, Mist und Stroh bedeckte Kalb ist schlaff und sieht fast außerirdisch aus. In einem Augenblick öffnen sich seine Augen, und die Kamera fängt den Funken des Lebens darin ein. Es ist zu weit hergeholt zu sagen, dass die Augen des Kalbs fast menschlich sind. Der Film selbst vermeidet solche Unschärfen rigoros, aber es gibt zweifellos ein Erkennen von etwas Gemeinsamen. Eine tierische Intelligenz oder ein Gefühl für Emotionen, das sicherlich über die Grenzen der Arten hinausgeht. "Cow" spielt mit dieser Erkenntnis, indem es menschenähnliche Empfindungen suggeriert, jedoch mit dem Wissen, dass es für immer eine nicht zu schließende Lücke im Verständnis geben wird. Wir können uns vorstellen, dass Luma Trauer um das Kalb empfindet, das ihr bald weggenommen wird, oder Einsamkeit oder Freude, aber wir können nie wissen, wie diese Dinge für sie sind. Sie ist eindeutig ein empfindendes, fühlendes Wesen, aber dieses Gefühl gehört nicht zu uns. Es gibt hier keine Bekehrungsversuche, und der Film ist in der Debatte über die Ausbeutung von Tieren in der industriellen Landwirtschaft betont neutral. Viele der Vorgänge, wie das Ausbrennen der Hörner der Kälber, scheinen brutal zu sein, aber die Farmarbeiter zeigen auch eine Zärtlichkeit und Fürsorge für ihre Tiere, die viele der Grausamkeiten, von denen wir wissen, dass es sie in der Industrie gibt, Lügen straft. Infolgedessen wird der Betrachter das Gezeigte unweigerlich durch seine eigene Sichtweise relativieren. Befürworter moderner Landwirtschaftstechniken werden wahrscheinlich einen humanen, utilitaristischen Eindruck von der Landwirtschaft haben. Gegner der Nutzung von Tieren werden stattdessen die beiläufige Ausbeutung und Entsorgung von Leben durch die Industrie bemerken. Manche mögen die Neutralität von "Cow" anprangern, aber dadurch wird die Versuchung vermieden, Luma als Stellvertreter für die gesamte Branche zu verwenden. Stattdessen werden wir ermutigt, sie als Individuum kennenzulernen, was weitaus stärker ist und unabhängig von der eigenen Position zur Landwirtschaft immer herzzerreißend ist. Andrea Arnold hat über Luma als Arbeitstier berichtet, was sie natürlich auch ist, wenn auch unbewusst. Es ist auffallend, wie oft ihr Leben und das ihres Kalbes dem moderner menschlicher Arbeit ähnelt. Getrieben und gedrängt, gezügelt, instruiert, gefordert, weitergeführt, hereingelassen, herausgenommen. Während sich "Cow" durch ein ganzes Jahr ihres Lebens bewegt, ist es vielleicht am bewegendsten, wie sehr sein Rhythmus unserem eigenen gleicht.

Nicolas Cage ist in "Pig", einer fesselnden Charakterstudie von Regiedebütant Michael Sarnoski, durchweg hervorragend. Die Gabe eines unerfahrenen Regisseurs, dem normalerweise überdrehten Nicolas Cage eine gedämpfte, subtile Leistung zu entlocken, ist ein Wunder. Ein überzeugendes und höchst originelles Drama über Trauer um den radikalen Schauspieler zu inszenieren, ist ein weiteres. Während die Darsteller diszipliniert dirigiert werden, ergänzt Michael Sarnoski ihre Performances durch seinen dezenten filmischen Stil. Seine technischen Entscheidungen sorgen dafür, dass "Pig" auf unaufdringliche Weise erzählt wird, so dass das Publikum die kryptischen narrativen Punkte selbst begreifen kann. Folglich fordert "Pig" uns heraus und findet aufgrund der Originalität der Geschichte und der Umsetzung der düsteren, aber bedeutungsvollen Themen emotionale Resonanz. Nicolas Cage spielt Rob, einen struppigen Einsiedler, der allein in den Wäldern von Oregon lebt. Seine Haupteinnahmequelle ist sein geliebtes Hausschwein, mit dem er Trüffel aufspürt. Er sammelt die Produkte ein und verkauft sie an einen jungen Käufer namens Amir (Alex Wolff), der mit seinem Sportwagen anreist und Nachschub holt. Ihre Arbeitsbeziehung geht nicht über die gemeinsamen Geschäfte in den Wäldern hinaus. Eines Nachts ist Rob allein mit dem Schwein in seiner Hütte, als die Tür aufgeschlagen wird. Er wird zu Boden geschlagen und sein wertvolles Tier wird ihm gestohlen. Die Identität der Angreifer ist weitgehend unbekannt. Rob vermutet, dass es sich um zwei Junkies handeln könnte, aber die tieferen Motive bleiben unklar. Blutüberströmt und auf der Suche nach seinem Tier, ruft Rob die einzige Person an, die ihm helfen kann: Amir. Obwohl es ihnen widerstrebt, einander zu lange zu begleiten, reisen sie in die Stadt, um Antworten zu finden. Es stellt sich heraus, dass Rob einst ein ganz anderes Leben führte und sich mächtige Feinde machte. Währenddessen gerät Amir in Konflikt mit seinem eigenen Vater Darius (Adam Arkin). Die beiden trauern weiterhin über ihre eigene Familientragödie. Einige der überzeugendsten Facetten von "Pig" sind Michael Sarnoskis Regieentscheidungen. In den ersten Szenen entscheidet er sich dafür, Nicolas Cage aus langen Winkeln im Wald zu filmen. Das düstere Ambiente des Waldes und die räumliche Distanz der Kamera unterstreichen Robs Isolation und seine emotionale Abgeschiedenheit von der Gesellschaft. Rob ist von der Stadt und seiner Identität losgelöst, weil er von Trauer belastet ist. Seine Verdrängung liegt auf einem Band, das er nicht vollständig abspielen kann, weil er sich vor der Unabänderlichkeit des Lebens versteckt. Außerdem dreht Michael Sarnoski die Szenen bevorzugt in kontinuierlichen, ununterbrochenen Einstellungen. In einer frühen Szene steht Rob im Türrahmen und schaut auf sein Hausschwein, ohne Amirs Worte zu beachten. Die ausgedehnte Aufnahmedauer unterstreicht seinen Blick und seinen Widerstand gegenüber Menschen und übermäßigem Konsumverhalten. Robs Trauer und sein bedächtiger Lebensstil lassen vermuten, dass er sich der Leichtfertigkeit des Materialismus im Vergleich zur Natur, wie dem Wald und dem Tod selbst, bewusst ist. Das ist der Grund, warum Rob lange nihilistische Monologe über die Überflutung der Welt hält und warum es ihm an Selbsterhaltung mangelt. So wird beispielsweise während des gesamten Films das getrocknete Blut des Angriffs unbehandelt gelassen und über sein Gesicht verschmiert, weil er vom Tod scheinbar unberührt ist. So gelingt es Michael Sarnoski, die Akteure unaufdringlich zu filmen und gleichzeitig die psychologische Tiefe der Figuren zu betonen. Beeindruckend ist auch die Gestaltung von Michael Sarnoski und seiner Co-Autorin Vanessa Block, die die Exposition und die Enthüllungen der Handlung in Grenzen halten und langsam enthüllen. Das frühere Leben der Figuren wird vorenthalten, was bedeutet, dass das, was Rob in seinen halbselbstmörderischen Zustand versetzt hat, stark verschleiert wird. Robs Hintergrundgeschichte wird hier nicht im Detail ausgepackt, da sie ohne Vorurteile erkundet werden sollte. Wenn man die Entwicklung beobachtet, erkennt man seine Widersprüche. Er hat keine Angst vor dem Tod, ist aber wegen seines Kummers gefühlsmäßig erstarrt. In einem leise komischen Moment blutet er, während er in einem noblen Restaurant sitzt und gefragt wird, ob er ärztliche Hilfe braucht. Sein Nihilismus kommt auch in einer verstörenden, höchst kreativen Sequenz in einem illegalen Fight Club zum Ausdruck. Die brutale Situation stellt die Frage nach dem monetären Wert der Identität eines Menschen und wie viel Strafe er zu ertragen bereit ist. Der Moment unterstreicht Robs Überzeugung, dass der Tod aufgrund der schrecklichen Ereignisse, die ihn in seinem Leben verfolgen, unausweichlich ist. Die Verflechtung von Trauer und dem Kapitalismus wird durch eine klischeefreie Nebenhandlung zwischen Amir und seinem Vater beleuchtet. Ihre konfliktreiche Beziehung verdeutlicht, wie der Status und der Kapitalismus die Familien zu spalten drohen. Amir untergräbt jedoch seine verwöhnte Yuppie-Fassade, indem er sich als verletzlicher erweist als erwartet. Der Verlust eines Familienmitglieds hat ihn zutiefst erschüttert, und wie Rob ist er nicht in der Lage, sich weiterzuentwickeln. In anderen Aspekten der Geschichte ist der Kapitalismus jedoch weit verbreitet. Es gibt kleine Kaufmannslager, Spitzenrestaurants und schlecht bezahlte Küchenhilfen. Geld spielt in diesem kulinarischen Albtraum, den Michael Sarnoski geschmiedet hat, eine große Rolle. Er enthält einen provokanten Verweis darauf, wie Großunternehmen und Industrie darauf abzielen, vielversprechende kleinere Unternehmen zu zerstören. Die Gefahr, dass Robs exzessiver Jähzorn "Pig" entgleisen lässt, wird durch trockenen Humor und Gesellschaftssatire aufgefangen, die die scharfen Kanten der Filmhandlung sanft ergänzen. Es ist äußerst amüsant zu sehen, wie ein blutverschmierter, ungepflegter Nicolas Cage durch die obere Etage der High Society hinkt. Auch das unerwartet blutleere Finale lässt die Düsternis und die Schlichtheit, "Pig" als finsteren Rachethriller zu bezeichnen, noch weiter hinter sich. Der größte Gesprächsstoff rund um "Pig" ist zweifelsohne die Qualität von Nicolas Cages Leistung. Es ist eine seiner besten Rollen seit Jahren, und es gelingt ihm mühelos, das schamlose Overacting zu unterlaufen, für das der Schauspieler berüchtigt ist. Stattdessen liefert er eine zutiefst gedämpfte, zurückhaltende Leistung. Es ist eine, die von einer laserartigen Intensität für das große Ziel seiner Figur angetrieben wird. "Ich will nur mein Schwein zurück", wiederholt Rob trocken im Laufe des Films. Glücklicherweise gibt es nur einen einzigen Moment explosiver Wut, der gut gemeistert wird und den Rob auf komödiantische Weise auf Amirs Sportwagen richtet. Ansonsten ist es eine ganz und gar minimalistische, subtile Leistung von Nicolas Cage, die ihren Höhepunkt in einer furchtbar bewegenden Szene purer Emotionen findet. Während Nicolas Cages Leistung verständlicherweise für Aufsehen sorgt, beeindruckt auch Alex Wolff in der Rolle des Amir. Obwohl er zunächst als unausstehliches reiches Kind auftritt, sorgt Wolff dafür, dass Amir weitaus komplexer ist, indem er die Schwere des Kummers im Leben seiner Figur verkörpert. Adam Arkins kleine, aber essentielle Rolle als sein Vater erweist sich im Laufe der Geschichte als still und verstörend. Die Stärke von "Pig" liegt darin, dass Michael Sarnoski dem Publikum zutraut, seinen Film zu verstehen. Es gibt absichtlich schräge Momente, in denen wir versuchen, die verschiedenen Motive der Figuren zu erkennen. Die Zweideutigkeit ist entscheidend dafür, dass wir die Komplexität der Erzählung, insbesondere Robs Hintergrundgeschichte, weiter verarbeiten. Wir lernen die Faktoren zu begreifen, die ihn dazu gebracht haben, die Bedeutungslosigkeit von Status und Geld zu meiden. Darüber hinaus ist Nicolas Cages intensive Darstellung eine großartige Demonstration ruhiger, zurückhaltender Schauspielkunst. Er vermenschlicht die verschlossene Mentalität seiner Figur perfekt. Alex Wolff erweist sich als humorvoller und anrührender Gegenspieler, denn seine Figur ist von der Last seines eigenen trauernden Herzens betroffen. "Pig" deutet auf viele entbehrliche Elemente des Lebens hin, darunter materielle Güter, Lebensmittel und Geld. Unsere schmerzhaftesten und persönlichsten Erinnerungen haben eine tiefere Resonanz und gehen über Materialismus und Reichtum hinaus. In "Pig" geht es darum, die Unumkehrbarkeit der Trauer anzuerkennen und die düstersten Erinnerungen an unser Leben zu akzeptieren. Es ist ein wunderschön gespielter, komplexer Film, der es verdient, wiederholt angesehen zu werden.

"The King's Man - The Beginning" von Regisseur Matthew Vaughn ist ein sehr uneinheitlicher Actionfilm. Es fühlt sich an, als hätten die Produzenten die Geldbörsen für die britische Version von "Team America" geöffnet. Es ist ein Film, der zu oft versucht, eine ernsthafte Studie über Politik, Kriegsführung und Pazifismus zu sein, bis er einem ins Gesicht schlägt mit dem Hinweis, dass dies alles nur die Kulisse für eine der umfangreicheren, bekloppteren Action-Franchises der Neuzeit ist. Klar, man sollte nicht nach Botschaften in einem Film dieser Reihe suchen, aber Matthew Vaughn und Co-Autor Karl Gajdusek betonen sie immer wieder mit sehr ernsten Diskussionen über alles, vom Kolonialismus bis zu den menschlichen Kosten des Krieges, und es scheint klar, dass der Regisseur einen dramatischen Film über den Ersten Weltkrieg machen wollte, aber dann hat ihn jemand einfach in die Kingsman-Franchise gezwängt. Eine charismatische Besetzung und eine gelegentlich unterhaltsame Action-Choreographie bewahren "The King's Man - The Beginning" vor völliger Langeweile, aber diese seltsame Mischung aus Kriegsdrama und patriotischer Actionorgie findet nie ihren richtigen Rhythmus. "Kingsman: The Secret Service" machte schon 2014 deutlich, dass Matthew Vaughn unbedingt einen James Bond Film machen wollte, am liebsten einen aus der eher skurril anmutenden Ära, in der 007 ins All flog. Interessanterweise ist "The King's Man - The Beginning" über weite Strecken ein eher traditioneller Agentenfilm, der sich mehr auf Intrigen und Spionage als auf Gadgets und Explosionen konzentriert. Im Mittelpunkt steht außerdem ein Mann, der in einem anderen Universum eindeutig James Bond hätte sein können: Ralph Fiennes, ein Schauspieler, der immer sein Bestes gibt, selbst wenn ein Film nicht so recht weiß, wohin er damit soll. Ralph Fiennes verkörpert Orlando Oxford, den Mann, der die verdeckte Operation gründete, die im Mittelpunkt der ersten beiden Filme stand, und der offenbar eine wichtige Rolle bei mehreren Ereignissen im Zusammenhang mit dem Ersten Weltkrieg spielte. Der Herzog von Oxford ist ein wichtiger Verbündeter von König George (Tom Hollander) in einer Zeit, in der ein gewaltsamer Konflikt unvermeidlich geworden für sein Land scheint. Orlando Oxford baut mit Hilfe von Shola (Djimon Hounsou) und Polly (Gemma Arterton), zwei Genies, die zufällig auch Diener auf seinem Anwesen sind, sein eigenes Spionagenetzwerk auf, in dem sie sich verstecken können, weil so viele privilegierte weiße Männer sie ignorieren. Die Idee ist durchaus interessant, aber "The King's Man - The Beginning" macht so gut wie nichts daraus, obwohl Djimon Hounsou und Gemma Arterton zu den Stärken des Films gehören. In der Zwischenzeit schmiedet ein Bösewicht, der fast zwei Stunden lang nur von hinten zu sehen ist, Pläne, um die Welt mit Hilfe seines eigenen Spionagenetzes, zu dem auch Rasputin (Rhys Ifans) selbst gehört, ins Chaos zu stürzen. Während der Krieg immer blutiger wird, kämpft Orlando Oxford darum, seinen Sohn Conrad (Harris Dickinson) von der Front fernzuhalten, und predigt Frieden und Bewahrung, wo immer es möglich ist. Und doch sträubt sich "The King's Man - The Beginning" immer wieder dagegen, bis es fast den Anschein erweckt, als würden die Gräueltaten dieser Welt selbst die integersten Herren zu Tötungsmaschinen machen. "The King's Man - The Beginning" ist ein klangliches Fiasko. Es beginnt mit Notizen über die unmenschlichen Bedingungen der britischen Soldaten in Südafrika und dem Versprechen, einen jungen Conrad Oxford von einem Leben in Gewalt fernzuhalten. Anders formuliert: Er stellt sich als Kommentar zu den Themen Kapitalismus und Faschismus vor, zwei Dinge, die sich spätestens dann erledigt haben, wenn Ralph Fiennes im letzten Akt mit dem Fallschirm aus einem Flugzeug abspringt und mit einer Bergziege in Konflikt gerät. Und es ist nicht so, dass der Ton konsistent wäre, denn Matthew Vaughns Film springt ständig von einem ernsten Kriegsfilm, der etwas zu sagen hat, zu der abgedroschenen Ästhetik der Action, die die Fans der ersten beiden Filme erwarten und von der sie hier gerne mehr hätten. Er ist oft auf eine seltsame Selbstverständlichkeit ausgerichtet, wie es dieses Franchise eigentlich nicht sein kann. Die übertriebene Optik der ersten beiden Filme auf Kämpfe mit Rasputin und tatsächliche Ereignisse der Weltgeschichte zu übertragen, ist zwar clever, aber warum sollte man das so ernst nehmen? Es ist, als ob Matthew Vaughn und Konsorten die Beschwerden über die Misanthropie in den ersten beiden Filmen gehört hätten und deshalb in die andere Richtung gingen, bis sie merkten, dass das nicht so spaßig ist, und sie umdachten. Folglich funktioniert "The King's Man - The Beginning" nur, wenn er sich an seine wahnwitzigen Vorgänger orientiert. Eine hirnrissige Sequenz, in der Rasputin Orlando Oxfords Beinwunde leckt und die zu einer raffinierten Actionszene führt, erweckt den Film fast zum Leben, aber dann stürzt er eine weitere Stunde lang bis zum Finale ab. "The King's Man - The Beginning" wird noch widersprüchlicher, wenn sein Höhepunkt schließlich zu einem Prequel zu dem wird, was die Fans kennen. Beinahe hysterisch startet der besonnene Orlando Oxford einen der miesesten Pläne in der Geschichte des Kriegsfilms, aber er führt zu einer lustigen, langen Klippenszene und einer wirklich soliden Performance kurz vor und nach der Enthüllung des Oberschurken. Das ist etwas, worüber man sich Gedanken machen sollte. Es gehört verboten, einen so offensichtlichen Schurken so lange zu verschleiern, wie es dieser Film tut. Nach der hundertsten Aufnahme seines Hinterkopfes habe ich angefangen, mir lustige Möglichkeiten auszumalen. Vielleicht ist es Blofeld? Vielleicht ist es Begbie aus "Trainspotting"? Vielleicht ist es der Riddler! "The King's Man - The Beginning" hat mich mit diesem Blödsinn aus dem Konzept gebracht. Ich nehme an, das impliziert, dass mich dieser Film überhaupt interessiert hat. Hat er aber nicht. Es ist ein sonderbarer Film, der nicht so recht weiß, was er mit seinen unbestreitbar großartigen Darstellern anfangen soll, und es hat etwas Beunruhigendes, wie gerne er alles gehabt hätte. Actionfilme, in denen es auch um Pazifismus geht, sind für jeden schwer zu verkaufen, aber für "The King's Man - The Beginning" ist das ein Ding der Unmöglichkeit.

Jedes Quäntchen Wohlwollen, das die Katzengemeinschaft in Zeiten viraler Katzenvideos und Memes aufgebaut hat, wurde durch einen einzigen Film zerstört. Der Film "Cats" von Regisseur Tom Hooper sollte in der Weihnachtszeit die Kassen klingeln lassen, aber er ist schlicht und einfach ein Katzenjammer. Ich ging mit den geringsten Erwartungen und einer nachsichtigeren Stimmung als sonst in "Cats", gewappnet nur mit meiner katzenhaften Neugierde. Obwohl der Film diese spezifische Katze nicht tötete, hatte ich das Gefühl, dass einige, wenn nicht alle, neun Leben während der Laufzeit verloren gingen. Das einzig Positive ist, dass der Film zu Ende ging und ich mich selbst herausgefordert habe, mehr Katzen-Wortspiele in diese Rezension einzubauen, als der Film geschafft hat, und im Moment bin ich katzenmäßig ziemlich gut drauf. Ehrlich gesagt, der tiefste Punkt in der jüngeren Geschichte des Kinos kann nur als die niedrigste Form des Witzes bezeichnet werden. Tom Hooper verwandelt Andrew Lloyd Webbers Bühnenmusical, eine jahrzehntealte Katzenminze, die selbst ihren Biss verloren hat, in ein CGI-Delirium schriller Katzen-Mensch-Hybriden. Im neonbeleuchteten, menschenleeren London der 1930er Jahre trifft sich ein Stamm von Katzen, bekannt als Jellicles, um an einem jährlichen Gesangs- und Tanzwettbewerb teilzunehmen. Der Gewinner dieses Wettbewerbs darf diesem Schnurr-Gatorium entkommen und in eine Art Katzenhimmel aufsteigen, wo er in ein neues Leben wiedergeboren wird. Unter den verschiedenen Katzen, die an dem Wettbewerb teilnehmen, ist auch unsere Protagonistin, ein schüchternes weißes Kätzchen namens Victoria (Francesca Hayward), deren Geschichte uns von einem Londoner Schrottplatz zum Piccadilly Circus und zum Trafalgar Square führt. Sets mit CG-Kulissen machen jedoch selbst diese zu unansehnlichen Anblicken. Auf ihrer miau-sikalischen Reise trifft Victoria auf eine mit Stars besetzte Katzenschar. Wenn es schon erschreckend ist, zu sehen, wie Rebel Wilsons singende und tanzende Kreuzung aus Katze und Mensch eine singende und tanzende Kreuzung aus Kakerlake und Mensch frisst, dann wird das Zischen und Miauen von Sir Ian McKellen und Dame Judi Dench ein Grinsen in die Gesichter der Zuschauer zaubern. James Cordens Bustopher Jones, der aus irgendeinem Grund wie der Batman-Bösewicht Pinguin gekleidet ist, versucht ebenfalls, etwas Humor in das Geschehen zu bringen. Aber selbst diese Versuche wirken oft zahm, wenn nicht gar kastriert. Taylor Swifts Bombalurina schüttelt sich in einem Cameo-Auftritt, und Jennifer Hudson versucht, die Seele ihrer Oscar-prämierten Darbietung wiederzufinden. Aber dies ist "Cats", nicht "Dreamgirls". Idris Elba spielt das böse Kätzchen Macavity, das unter den Jellicles sein Unwesen treibt, und lässt Sie vergessen, dass er vor neun Leben Stringer Bell gespielt hat. Der geile Rum Tum Tugger von Jason Derulo verkörpert jedoch perfekt die schräge sexuelle Energie des Films. Die sexualisierten Körper der Jellicles hinterlassen ein Gefühl des Unbehagens und der Verwirrung über ihre Anatomie und ihren Sinn für Mode. Ich bin mir nicht sicher, warum einige Katzen Pelzmäntel, Hosen und Schuhe tragen, während andere splitternackt sind. Vielleicht sind die Jellicles eine körperpositive Nudistengemeinschaft. Aber das erklärt nicht, warum diese Katzen menschliche Nasen, Augen und in einigen Fällen die weiblichen Katzen Brüste haben, während die männlichen Katzen keine sichtbaren Genitalien besitzen. Vielleicht ist es das, was die verstorbene Maureen Ponderosa in der letzten Phase ihrer Verwandlung vom Menschen zur Katze zu werden hoffte, oder es ist nur ein weiterer Fall, in dem der weibliche Körper in seinem sinnlichen Potenzial objektiviert wird. Ich bin mir nicht im Klaren, ob es CGI oder der neue Lovecraft-Filter von Snapchat war, der diesen pelzigen Albtraum hervorgebracht hat. Ich hab den Abspann nicht abgewartet, um zu sehen, ob "Cats" den "No Animals Were Harmed"-Stempel von American Humane bekommen hat, aber ich bezweifle, dass selbst die People for Ethical Treatment of Animals (PETA) etwas dagegen hätten, wenn diese dämonischen Jellicles alle zum Wohle der Menschheit und des Kinos in einen Sack gesteckt und ertränkt würden. Zwischen ihren menschlichen Augen und wackelnden Katzenohren, ihren menschlichen Brüsten und winkenden Katzenschwänzen, ihrem Gesang und Miauen ist es fast unmöglich, die Leistungen der Schauspieler von der CGI-Arbeit zu trennen. Natürlich trugen die Schauspieler während der Dreharbeiten Motion-Capture-Anzüge und VFX-Punkte, ohne zu wissen, wie sie auf der Leinwand aussehen würden. Aber es wäre effektiver gewesen, den Weg über den Broadway zu gehen und sich auf Kostüme und Make-up zu verlassen. Traurigerweise gehört "Cats" nicht einmal zum Genre der so schlechten, dass sie eigentlich gut sind-Filme, die sich jeder Kritik entziehen. Er ist einfach schäbig. Diejenigen von euch, die Katzen zu Hause haben, sollten daheim in Ruhe weiter spielen. Sie werden wahrscheinlich mehr Spaß daran haben, mit einem Garnknäuel zu spielen oder den roten Punkt eines Laserpointers zu jagen.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

EudoraFletcher68 hat sich zu meiner Überraschung einen Kommentar von mir zu "Braindead" von Regisseur Peter Jackson gewünscht. Wahrscheinlich hat ihr dieser Kultfilm, den Sie mit 9 Punkten bewertet hat, genauso viel Spaß gemacht wie mir mit meinen 10 Punkten zuzüglich eines Herzens. Vor dem Film habe ich mir eine Pizza bestellt, die ich aber erst nach der Sichtung genießen konnte.

"Braindead" von Regisseur Peter Jackson beginnt auf Skull Island in den 1950er Jahren, wo ein neuseeländischer Zoowärter den legendären verfluchten Sumatra-Rattenaffen entführt, der das Ergebnis der absurd beschriebenen Vergewaltigung von Affen durch gestörte Nagetiere ist. Der Entdecker kommt zwar nicht mit dem Leben davon, aber die Ausgeburt wird wohlbehalten in die Stadt transportiert. Einige Zeit später, in der Stadt Wellington, wohnt Lionel Cosgrove (Timothy Balme) in einem riesigen Anwesen mit seiner kontrollsüchtigen betagten Mutter Vera (Elizabeth Moody), die er von vorne bis hinten bedient. In seiner Freizeit kümmert er sich unermüdlich um die Instandhaltung des beträchtlichen Anwesens und weicht den romantischen Avancen der örtlichen Ladenbesitzerin Paquita (Diana Penalver) aus, die von ihrer wahrsagenden Großmutter davon überzeugt ist, dass Lionel zu einer amourösen Verstrickung bestimmt ist. Paquitas Interesse verärgert Cosgroves Mutter, die sich über den drohenden Verlust an Aufmerksamkeit durch ihren Sohn echauffiert.

Als Lionel und Paquita zu einem Rendezvous in den Zoo gehen, folgt ihnen die spionierende, neugierige Vera dorthin, nur um versehentlich von dem gefangen gehaltenen Rattenaffen gebissen zu werden. Ihr Gesundheitszustand verschlechtert sich rapide, bis sie schließlich stirbt, aber auf übernatürliche Weise wieder zum Leben erwacht, um alles anzugreifen, was in ihrer Reichweite ist. Nachdem sie eine Krankenschwester in Stücke zerfleischt hat, die sich ihrerseits in einen Zombie verwandelt, fallen verschiedene andere Stadtbewohner Veras Bluthunger zum Opfer, was Lionel dazu zwingt, krampfhaft, die ganze Tortur zu verheimlichen. Da er seine Mutter nicht völlig im Stich lassen kann, aber mit einer schnell anwachsenden Horde untoter Gefährten zu kämpfen hat, muss er die Mutter und die sie begleitenden, achtlos gehaltenen, wiedererweckten Leichen mit starken Sedativa vollpumpen.

"Braindead" ist mit Abstand der blutigste Film, der je gedreht wurde, und das Finale ist einfach atemberaubend. Kein anderes Werk kommt auch nur annähernd an diesen Platz heran. Trotz eines sehr kitschigen, schroffen Looks, komplett mit wilden, maroden Methoden wie unregelmäßigen Zooms, unbequemen Nahaufnahmen, verzerrten Kamerawinkeln, komischer und kontrastreicher Musik, unverhohlener Symbolik und jeder Menge Blutvergießen, von dem ein Großteil nicht weit von rot gefärbtem Joghurt entfernt ist, ist "Braindead" extrem anschaulich, mit buchstäblichen Eimern voller Blut, die durch die Sets fließen.

Regisseur Peter Jackson zeigt mörderische Stop-Motion-Animationen, einige der beeindruckendsten praktischen Schminkeffekte und animatronische Elemente, die bewundernswert gealtert sind, und sogar Essensreste, wobei er eine Szene mit zuckendem Pudding und wässrigem Rührei eklig einbaut. Peter Jackson ist es nicht fremd, dass Humor den Horror ergänzt, und er gibt sich große Mühe, viel Komik in das Gemetzel einzubauen. Mitten in der Strangulation durch seine zombifizierte Mutter beendet Lionel noch ein Gespräch mit Paquita. Auf einem Friedhof kommt es zu einem abgedrehten Martial-Arts-Kampf. Schmerzhaftes Urinieren wird durch eine Toiletten-Kameraaufnahme demonstriert. Zombies machen Liebe. Lionel versucht, Vater zu spielen und geht mit einem Zombie-Baby im Park spazieren. Als Lionel einen Tierpräparator aufsucht, um illegale Beruhigungsmittel zu besorgen, entdeckt er einen sabbernden Nazi-Arzt. Und Einbalsamierer haben eine schreckliche Zeit, um Veras pochende, mutierende Leiche zu konservieren, einer Szene mit einem Cameo-Auftritt von Peter Jackson selbst. Doch trotz all dieser Momente tiefschwarzer Unterhaltung ist "Braindead" immer noch ein actiongeladener Thriller.

Viele Nebenfiguren sind ebenfalls farbenfroh und skurril illustriert, darunter Onkel Les (Ian Watkin), der Wunden im Gesicht, eine aufgeblähte Leiste und ein verfilztes, baumelndes Haarteil trägt, und Pater McGruder (Stuart Devenie), der eine laute, dozierende Predigt hält, die filmisch mit der wiederauferstandenen, grausam schleimgesättigten Vera kontrastiert wird, die durch einen Sarg bricht, um ihren Sohn anzugreifen. Darüber hinaus werden die Zuschauer mit Szenen konfrontiert, in denen Nadeln in die Augen gestochen oder in die Nasenlöcher gesteckt werden, Blut und Eiter aus offenen Wunden spritzen und alle Arten von abgetrennten Gliedmaßen und lebhaften Eingeweiden auf die schreienden Zuseher losgelassen werden. Diese sensationellen Grotesken sorgen für ein aufwändig inszeniertes, wunderbar choreographiertes Blutbad, das zu den lustigsten und unterhaltsamsten aller Horrorfilme gehört und wohl der beste Zombiefilm aller Zeiten ist.

Bemerkenswerterweise scheint es das Publikum zu sein, das in der vergänglichen femininen Gaunerkomödie "Glam Girls - Hinreißend verdorben" von Regisseur Chris Addison betrogen wird. Darin spielen die Oscar-Preisträgerin Anne Hathaway und die lustige Rebel Wilson ein Paar hübscher Betrügerinnen, die ahnungslosen Typen, die ihrem falschen Charme erliegen, das Geld aus der Tasche ziehen wollen. Die unsinnigen Possen, die sich im Laufe des Films abspielen, wirken jedoch glanzlos und lasch und ironischerweise ist das der größte Betrug, den das laue Tandem aus Anne Hathaway und Rebel Wilson in diesem eigenartigen, doch trügerischen Blindgänger durchführt. "Glam Girls - Hinreißend verdorben" existiert nur für den Zweck seines divenhaften doppelten Ärgers als Novum. Anne Hathaway darf sich verkleiden, während sie einen hochnäsigen Akzent beherbergt. Was Rebel Wilson betrifft, so zeigt sie ihre übliche überdrehte Verrücktheit, die sie in all ihren bisherigen Rollen an den Tag legt. Im Grunde genommen behindern Chris Addisons dröge Regie und Jac Schaeffers, Dale Launers, Paul Hennings und Stanley Shapiros spärliches Drehbuch jeden Rest von Impertinenz, der in dieser flauen Komödie noch vorhanden ist. Es gibt nichts Unverwechselbares oder Gewagtes an diesen weiblichen Vlieskünstlern, das als humorvoll verachtenswert oder gerissen durchgeht. Zwei konkurrierende Frauen, die den Männern, die ihnen Unrecht getan haben, das Handwerk legen wollen, hätten fantastisches Ausgangsmaterial sein müssen. Anne Hathaway ist stilvoll und kultiviert. Rebel Wilson hingegen ist aufbrausend und ungeniert. Zusammen sind sie die bewährte Gegensätzlichkeit der Komödie. "Glam Girls - Hinreißend verdorben" erweist sich jedoch nicht als der aalglatte Spaß, der er zu sein vorgibt. Anne Hathaway verkörpert hier Josephine Chesterfield, eine Gaunerin der gehobenen Klasse, die mit ihrer internationalen Erfahrung im Betrug mit Männern die ein Vermögen verdient haben soll. Rebel Wilson agiert in der Rolle von Penny Rust, einer Kleinkriminellen, die sich auf kleine Betrügereien spezialisiert hat. Penny hat eindeutig nicht das gute Aussehen oder die Anmut von Josephine, um etwas Aufwändiges durchzuziehen. Pennys unberechenbare Anwesenheit in der noblen französischen Stadt Beaumont sur Mer wirkt sich jedoch auf Josephines hinterhältiges Geschäft aus. Irgendetwas muss passieren, denn die beiden salbungsvollen Damen können sich nicht länger gegenseitig auf die Füße treten, wenn es darum geht, den reichen Narren der Stadt Luxusgüter zu entlocken. Zum Glück nimmt die elegante Josephine die plumpe Penny unter ihre Fittiche, um ihr die Kunst des Betrugs beizubringen. Als dann mit dem Milliardär und Tech-Titan Thomas Westerburg (Alex Sharp) ein geeignetes Ziel ins Spiel kommt, bietet sich den kurvenreichen Trickbetrügerinnen eine saftige Herausforderung, um ihre vergoldeten Tricks anzuwenden. Da Josephine und Penny sich ihren Platz als ortsansässige Abzocker sichern wollen, schmieden sie den Plan, dass derjenige, der Thomas erobern und um alles bringen kann, was er hat, zum Sieger erklärt wird, während der Verlierer die Stadt verlassen muss. Kann die elegante und sexy Josephine die ungeschliffene Penny überlisten, ausstechen und überdauern, um Thomas' Reichtum zu erlangen? Wird Penny ein Wunder vollbringen und Josephine ein für alle Mal die Quittung dafür geben? Wie lange wird es dauern, bis diese schmutzigen, verkommenen Männer aufwachen, den Braten riechen und erkennen, dass beide Frauen hinterlistige Heuchlerinnen sind, die auf Beutezug sind? All diese Fragen und mehr werden beantwortet. Leider sind die Antworten nicht die 93 Minuten wert, die man braucht, um sie zu bekommen, denn "Glam Girls - Hinreißend verdorben" plätschert vor sich hin wie eine angestrengte, unlustige Schmierenkomödie, die sich auf das faule Gimmick ihrer Grundlage verlässt, die sie eben ist. Die gegebenen physischen Gags der schlanken Schönheit Anne Hathaway und der cherubischen Durchschnittsfrau Rebel Wilson, der abgedroschene Humor, der vorgegaukelte mondäne europäische Lebensstil, die hanebüchenen Schwindeleien lösen allesamt einen dumpfen Knall aus. Rebel Wilsons Albernheit sorgt dafür, dass die Witze über das Gewicht bis zum Überdruss aneinandergereiht werden. Das ungleiche Gespan Anne Hathaway und Rebel Wilson ist ungefähr so appetitlich wie ein Taschendieb, der in einem überfüllten Aufzug mit Leuten mit dicken Brieftaschen gefangen ist. Ihr Räuberpaar ist einfach nur ein zahnloser Gag, der die Gelegenheit verpasst, sowohl die Anmaßungen des europäischen Jetsets als auch die zynische Weiblichkeit auf die Schippe zu nehmen und zu persiflieren.

Filme über Geisterschiffe gab es schon öfter, aber der negative Ruf des Genres wird durch den Film "The Ship - Das Böse lauert unter der Oberfläche" von Regisseur Michael Goi keineswegs besser. Es handelt sich um einen gut produzierten, aber schlaffen Thriller, der trotz einer guten Besetzung in der Bedeutungslosigkeit versinkt. Das Drehbuch von Anthony Jaswinski verkündet die Prämisse in einer einleitenden Überschrift, die von einem alten Brauch des Ertränkens von Hexen im Meer und der eventuellen Gefahr spricht, dass sie zurückkehren, um sich an Kindern zu rächen. Es handelt sich um ein Segelschiff aus dem 19. Jahrhundert, auf dessen Bug die Galionsfigur einer starren Frau zu sehen ist, die vermutlich eine der Hexen war, die auf diese Weise beseitigt wurden. Die Idee ist, dass ihr Geist das Schiff bewohnt und, wie sich nach und nach herausstellt, sich an Familien vergeht, die nicht klug genug waren, nicht an Bord zu gehen. Sie alle sind auf mysteriöse Weise auf See verschwunden. Anthony Jaswinski wurde offensichtlich von der Geschichte der Mary Celeste inspiriert, jener Brigantine, die 1872 im Atlantik treibend aufgefunden wurde und deren Besatzung einfach spurlos verschwand. Es gab viele Theorien darüber, was mit ihnen geschehen war. Der junge Arthur Conan Doyle schrieb eine Geschichte, die eine davon aufgriff. Das Schicksal der Besatzung bleibt unbekannt. Das Drehbuch vermischt diese Geschichte mit der Legende, die in der einleitenden Überschrift erzählt wird. Der Film beginnt mit einem dieser nachträglichen Prologe und stört damit die Spannung. Sarah Greer (Emily Mortimer) wird von Detective Clarkson (Jennifer Esposito) über die Geschehnisse auf dem Schiff ihrer Familie, der Mary, befragt. Sie wurde an den verbrannten Überresten des Schiffes gefunden, während ihre beiden Töchter Lindsey (Stefanie Scott) und Mary (Chloë Perrin) in einem Rettungsboot in Sicherheit waren. Aber ihr Ehemann David (Gary Oldman) und der erste Offizier Mike (Manuel Garcia-Rulfo) werden vermisst, und Sarah wird verdächtigt, an ihrem Tod beteiligt zu sein. Der Rest des Films besteht aus einer langen Rückblende, die zeigt, was passiert ist. David, der als Führer auf dem Exkursionsboot eines Freundes an der Küste Floridas arbeitet, erwirbt impulsiv die Mary, die von der Küstenwache treibend und leer aufgefunden worden war, bei einer Auktion. Er wollte schon lange sein eigenes Schiff steuern, und obwohl die Mary eine Menge Arbeit benötigt, "ruft" sie nach ihm. Sarah ist zunächst verärgert, aber sie beruhigt sich, als er darauf beharrt, dass die Mary einen Neuanfang für ihre Ehe bedeuten wird, den eine spätere Enthüllung über Sarahs Untreue nötig macht. Während der Reise verschlimmern sich die Dinge allerdings, denn die Hexe holt sich ihre Opfer und Sarah beginnt, die dunkle Vergangenheit des Schiffes zu untersuchen, in der mehrere Familien verschwunden sind, wohingegen David immer entschlossener wird, die Kreuzfahrt zu Ende zu führen. Aber die Meereshexe, wer auch immer sie war, scheint unaufhaltsam zu sein, selbst wenn das bedeutet, direkt zu handeln, ohne einen besessenen Mittelsmann einzuschalten. Gary Oldman und Emily Mortimer tauchen hier nicht einfach nur auf und kassieren ihre Gehaltsschecks. Sie zeigen eine wirklich engagierte Leistung, die weit über das hinausgeht, was das Material verdient. Die anderen Darsteller können zwar nicht mit ihnen mithalten, sind aber durchaus akzeptabel, während Michael Goi, der sowohl als Kameramann als auch als Regisseur fungiert, sich in beiden Rollen als fähig erweist, das für eine solche Geschichte notwendige Gefühl der Enge aufrechtzuerhalten und gleichzeitig einige elegante Breitwandbilder zu bieten. Aber Anthony Jaswinskis Drehbuch ist ein mageres Exemplar, und selbst mit dem Schnitt von Eric L. Beason und Jeff Betancourt, der den Film auf nur etwa achtzig Minuten bringt, zieht er sich arg in die Länge. Obwohl eine Coda, die uns in den Vernehmungsraum zurückbringt, eine unerwartete Wendung bieten soll, wirkt die Enthüllung sowohl vorhersehbar als auch einfallslos, vor allem, weil sie mit Effekten aufwartet, die, wie die vorherigen, nur mittelmäßig sind. "The Ship - Das Böse lauert unter der Oberfläche" ist so ächzend und wackelig wie das Boot, um welches es sich handelt.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Mit einem Kommentar zu "Batman" von Regisseur Tim Burton erfülle ich Static's Wunsch, etwas von mir über den Film zu erfahren. Seine 10 Punkte sind gerechtfertigt, denn auch ich muss nach meiner letzten Sichtung von 7,5 auf 8,5 Punkte aufstocken. Da ich "The Batman" wohl bald im Kino sehen werde, ist der Film somit auch eine gute Vorbereitung darauf.

Jack Nicholsons Name erscheint im Abspann an erster Stelle, und das aus gutem Grund. Er mag zwar "Batman" heißen, aber dies ist der Film des Jokers. Dass Regisseur Tim Burton, der nach einem Drehbuch von Sam Hamm und Warren Skaaren arbeitet, sich am meisten für die schrägste Figur aus dem Comic von Bob Kane interessieren würde, überrascht wohl nicht. In Anbetracht von "Beetlejuice" ist es nur logisch, dass er sich zum größten Irren der Geschichte hingezogen fühlt. Und mit Jack Nicholson in der Rolle, warum nicht in diese Richtung gehen? Nicht alle kreativen Entscheidungen funktionieren, aber das liegt nicht am mangelnden Einsatz des Schauspielers. Jack Nicholson gibt in "Batman" richtig Vollgas, dem Ruf zum Trotz. Sein Engagement zahlt sich exponentiell aus, denn wir bekommen einen großartigen, überdrehten Anfang mit Jack, der die Bühne für den späteren Jack bereitet, wenn der Joker sich immer weiter in die Abgründe begibt. Jack Nicholson bietet hier nicht nur ein brillantes Stück Selbstparodie, er tut es auch im Dienste der Figur.

Und so ist "Batman" nur zum Teil die Geschichte von Michael Keatons Bruce Wayne, einem vigilanten Millionär, der davon gezeichnet ist, dass er als Kind Zeuge der Ermordung seiner Eltern war. Der Film ist hauptsächlich die Geschichte von Jack Napier, einem Kriminellen, der sein ganzes Leben lang psychisch und physisch gezeichnet ist, weil er in einen Bottich mit blubbernden grünen Chemikalien gestürzt ist. Wie ist Tim Burton mit dieser Schwerpunktverlagerung fertig geworden? Indem er Jack Nicholson besetzte, aber auch, indem er "Batman" als eine Art Spiegelbild der Identitäten darstellte. Bruce Wayne und Jack Napier sind beide gebrochen, doch jeder von ihnen hat auf unterschiedliche Weise auf diese Zerrüttung reagiert. Während Jack Napier den Wahnsinn bis zu seinem logischen Ende, dem Chaos, angenommen hat, versucht Bruce Wayne, ihn in ein Alter Ego abzuschotten, das angeblich das Chaos in Schach halten soll. All das bedeutet, dass Michael Keaton ebenso wichtig ist. Selbst angesichts seiner früheren Zusammenarbeit mit Tim Burton bei "Beetlejuice" war Keaton eine unkonventionelle Wahl für einen Superhelden-Actionfilm.

Gut, dass es sich hier nicht um einen Superhelden-Actionfilm handelt, denn die Action ist sein Schwachpunkt, sondern um eine psychologische, düstere Komödie, in der sich Michael Keaton auszeichnet. Es gibt eine wunderbare Szene, in der Bruce Wayne Alexander Knox (Robert Wuhl) und Vicki Vale (Kim Basinger) belauscht, als sie die Waffenkammer seiner Villa besichtigen und Witze über seine Sammlung machen. Wayne lacht leise über die Späße, was darauf hindeutet, dass er ein Mann ist, der in der Lage ist, sich selbst außerhalb seiner Person zu betrachten. Ein Mann mit einer gespaltenen Persönlichkeit. In den gemeinsamen Szenen mit Michael Keaton und Jack Nicholson kommt dieses Identitätsthema besonders gut zur Geltung. Meine Lieblingskonfrontation ist vielleicht diejenige, in der am wenigsten Gadgets und Kostüme zum Einsatz kommen, und das ist in Vicki Vales Wohnung. Bruce Wayne ist kurz davor, sein Alter Ego zu offenbaren und murmelt etwas davon, kein "normaler Mensch" zu sein, als der Joker hereinplatzt. Was folgt, ist ein eskalierendes verbales Spiel voller verrückter Überbietungen. Tim Burton mag zwar kein Auge für Action haben, aber er hat ein Händchen dafür, ikonische Bilder einzufangen, was bei einem Comic noch wichtiger ist. Die Aufnahme der Hand des Jokers, die sich aus dem Chemiemüll erhebt, ist ein Bild von teuflischer Freude in leuchtendem Tageslicht.

Gotham City wurde unterdessen als verkorkstes Konzept des modernen Art Deco entworfen. Anders als die triumphierende Atlas-Statue von 1937 im Rockefeller Center tragen die gebeugten, vermummten Figuren vor dem Rathaus von Gotham City ihre Kugeln, als ob sie kurz davor stünden, von ihnen erdrückt zu werden. Das Kunstmuseum der Stadt, in dem der Unglückstanz des Jokers stattfindet, könnte eine der unterirdischen Industriefabriken in Fritz Langs "Metropolis" sein. Eine weitere bemerkenswerte Hommage findet sich auf dem Höhepunkt des Films, als Batman den Joker über eine Holztreppe zu einem Glockenturm verfolgt, ähnlich der Treppe, die Kim Novak und James Stewart am Ende von Alfred Hitchcocks "Vertigo" hinaufsteigen. Judy Barton/Madeleine Elster und Jack Napier/Joker haben ein gefährliches Identitätsspiel betrieben, das sich am Ende als unhaltbar erweist. Beide enthüllen ihr wahres Ich am Ende des jeweiligen Films, jedoch erst, als der Tod sie ereilt.

"Copshop" von Regisseur Joe Carnahan ist ein wahnsinnig unterhaltsamer, die Erwartungen unterlaufender Actionfilm, der das Beste aus dem überwiegend an einem einzigen Ort gedrehten Film herausholt. Er ist mit einem von Tarantino inspirierten Soundtrack unterlegt, trieft ebenfalls vor seinem Charme und enthält genug Humor, um die blutige Action auszugleichen. Nach einer grandiosen, an die 1970er Jahre angelehnten Partitur, die den Film in einer Art und Weise eröffnet, die den Polizeiserien der gleichen Ära nicht unähnlich ist, stellt uns "Copshop" den ersten der drei Hauptdarsteller vor, einen im Freizeitanzug gekleideten Teddy (Frank Grillo), dessen von Kugeln durchlöchertes Fahrzeug den Geist aufgegeben hat, so dass er sich zu Fuß auf der Landstraße von Nevada durchschlagen muss. Der Eröffnungsscore erweckt den Eindruck, dass vieles von dem, was passieren wird, nicht allzu ernst genommen werden sollte, und genau das macht "Copshop" so unterhaltsam, weil er genau weiß, welche Art von Stimmung er erzeugen wird, und das gelingt ihm größtenteils auch sehr gut. Nachdem Teddy die örtliche Polizei praktisch angefleht hat, ihn mit aufs Revier zu nehmen, kreuzt sich sein Weg mit Officer Valerie (Alexis Louder), und das ist der Aufhänger für die Geschichte. Sie ist zu Recht misstrauisch gegenüber seiner Person, und als der alkoholisierte Bob (Gerard Butler) in Teddys gegenüberliegende Arrestzelle gesteckt wird, zeigt sich umso deutlicher, dass die beiden Männer einander kennen und Valerie, ob sie will oder nicht, in der Zwickmühle sitzt und ihr Bestes tut, um ihre Verbindung zu dekodieren. So einfach es für Joe Carnahan gewesen wäre, Gerard Butler und Frank Grillo in ihren Archetypen von Gut und Böse zu belassen, so intelligent malt er beide Figuren in Nuancen von Grau. Beide haben Schurkentendenzen, was bedeutet, dass es umso interessanter ist, herauszufinden, wem wir wirklich im unvermeidlichen Showdown die Hand reichen sollten. So sehr "Copshop" mit ihren Temperamenten wankt, tritt Alexis Louders Valerie als einzige Heroine des Films hervor, wobei die Darstellerin mit ihrer kühlen und gefassten Art, die alle anderen um sie herum in den Schatten stellt, mehr als überzeugend als Genrevertreterin agiert. Für einen Film, der für Gerard Butler konzipiert ist, stellt sich die Frage, warum er sich dafür entscheidet, dem Chaos, das sich auf der Leinwand entfaltet, so wenig Aufmerksamkeit schenkt. Hauptsächlich wird das Blutbad von Toby Huss verursacht, der einen psychopathischen Auftragskiller spielt, der aus Gründen geschickt wird, die am besten organisch aufgedeckt werden, aber es gibt eine offensichtliche Methode für Joe Carnahans Irrsinn, denn sein Plot ist überraschend kompliziert, wenn es darum geht, herauszufinden, wer eigentlich mit wem spielt. "Copshop", der leicht als belangloses Genreprodukt hätte durchgehen können, ist ein erstaunlich humorvolles und durchweg amüsantes Werk, das davon profitiert, dass Gerard Butler und Frank Grillo ihre Charaktere wie gewohnt auf die Goldwaage legen. Joe Carnahan hat hier ein unerwartetes Glanzstück geschaffen, das in seiner Simplizität schwelgt, sich aber nie in die Enge treiben lässt.

Kann man sich vorstellen, dass eine geniale Charakterkomödie über einen gewieften Anwalt im Jahr 2022 die Welt begeistern wird? Wahrscheinlich nicht, und doch konnten in den 1990er Jahren Schläferhits wie die Komödie des Regisseurs Jonathan Lynn, die auf dem Drehbuch von Dale Launer basiert, viel Geld einspielen. "Mein Vetter Winnie" ist zwar filmisch nicht besonders anspruchsvoll, hat aber die Popkultur beeindruckt. Während die Welt über die Blamage von Sidney Powell und Rudy Giuliani schmunzelt, ist das Gesicht von Vinny Gambrini in den Köpfen der Zuschauer immer präsent. Das Drehbuch von Dale Launer fängt ganz harmlos an: Zwei Jungs (Ralph Macciho und Mitchell Whitfield) halten an einer Tankstelle in Alabama und klauen geistesabwesend eine Dose Thunfisch. Minuten später wird die Tankstelle ausgeraubt, der Besitzer ermordet und die Jungs zu Unrecht festgenommen. Wie können sie ihre Unschuld vor Gericht beweisen? Da tritt Cousin Winnie (Joe Pesci) auf den Plan, ein Anwalt mit zweifelhaftem Ruf, der sich bereit erklärt, den Fall zu übernehmen, wohl wissend, dass den Jungs die Todesstrafe droht, wenn er versagt. Aber obwohl es um Leben und Tod geht, ist "Mein Vetter Winnie" eine lockere Komödie, und das Zusammenspiel von Winnie und der Mechaniker-Tochter Mona Lisa Vito, gespielt von Marisa Tomei, bildet einen soliden Mittelpunkt, für den sie einen Oscar erhielt. Ausnahmsweise ist "Mein Vetter Winnie" ein Film über juristische Angelegenheiten, der der Aufklärung dient. Wir lernen mit dem streitlustigen Winnie, wie die Regeln des Prozesses aussehen werden, und sie werden ausführlich dargestellt. Noch besser ist, dass der Konflikt zwischen den New Yorkern aus Brooklyn und dem Establishment des Südens auf ausgewogene Weise dargestellt wird. Der Richter, die Staatsanwaltschaft und andere Gerichtsfiguren sind professionelle, aufgeschlossene Charaktere, die schließlich den Fehler der Anklage erkennen. Auch Winnie und Mona Lisa werden auf die Schippe genommen, wenn sie verschiedene Aspekte der Gastfreundschaft in den Südstaaten falsch einschätzen. Es gibt einen einfachen, aber wirkungsvollen Witz darüber, mit welchem lästigen Ereignis Winnie morgens aufwacht, weil er unklugerweise in einer Unterkunft wohnt, die er ohne viel Ortskenntnis oder Rücksichtnahme gebucht hat. Die gesamte List von Winnie hängt davon ab, dass der Richter (Fred Gwynne) seine mangelnde Erfahrung nicht bemerkt. Die Aussicht auf einen Fehlprozess schwebt über den letzten Enthüllungen im Gericht. Die Behörden brauchen Tage, um Winnies Referenzen zu überprüfen, die im Internetzeitalter in Sekundenschnelle beglaubigt wären. "Mein Vetter Winnie" hat vielleicht keine Fortsetzungen, Remakes oder gar eine Fernsehserie hervorgebracht, aber er ist immer noch ein kleines Juwel von einem Film, der sich nicht aufdrängt, sondern alle Seiten auf der Suche nach der schwer fassbaren, kostbaren Gerechtigkeit intelligent und clever zusammenbringt.