Chainsaw Charlie - Kommentare

Der Film "Kull der Eroberer" unter der Regie von John Nicolella spielt zu Beginn der Zeit, als die Welt in Feuer gehüllt war und Dämonen über die Menschen herrschten. Es war das Zeitalter der bösen Hexenkönigin von Acheron, der Roten Hexe Akivasha (Tia Carrere). Obwohl ihre Herrschaft endete und den Weg für den Triumph des friedlichen Königreichs Valusia ebnete, brennt immer noch eine ewige Flamme auf einem Felsvorsprung nahe der Burgmauern als Erinnerung an die alte Gottlosigkeit. In dem Dorf am Rande der Stadt trainiert der ehemalige Pirat Kull von Atlantis (Kevin Sorbo) hart, in der Hoffnung, sich General Taligaro (Thomas Ian Griffith) und seiner Drachenlegion anschließen zu können.
Als der amtierende König (Sven Ole Thorsen) durchdreht und seine Kinder abschlachtet, um einen Streit um die Thronfolge zu schlichten, taucht Kull wie aus dem Nichts auf. Und aus einem unerklärlichen Grund wird er von den Palastsoldaten nicht aufgehalten, als er sich direkt im Thronsaal einen Schwertkampf liefert. Er ist siegreich und wird damit zum neuen Herrscher von Valusia. Unmittelbar nach der Besichtigung des königlichen Harems, wo Kull von der Sklavin und Wahrsagerin Zareta (Karina Lombard) bezaubert ist, beginnt er, Versklavte freizulassen und gewährt den Bewohnern der Stadt das Recht, alle Götter anzubeten, die sie wollen. Die Entscheidungen des Piraten verärgern Taligaro und seine treuen Männer, darunter auch der hässlich vernarbte Zauberer Enaros (Edward Tudor-Pole), die einen Plan schmieden, um den neuen Anführer zu stürzen, indem sie den bösartigen Geist von Akivasha wieder auferstehen lassen, dessen schwarze Magie das Land erneut in Finsternis hüllen wird.
Kevin Sorbo nimmt weder seine Figur noch die Situationen ernst, was dieses Schwert- und Zauberepos unweigerlich in eine Art Komödie verwandelt. Selbst Taligaro scheint ständig zu schmunzeln. Wenn es zu Actionszenen kommt, macht die konsequente Fröhlichkeit diese Momente alles andere als ernst oder spannend. Auch wenn die Choreografie etwas überzeugender ist als die Ultra-Low-Budget-Werke von Roger Cormans argentinischen Koproduktionen ("Barbarian Queen" und "Der Todesjäger"), so ist sie doch bestenfalls laienhaft.
Unpassend sind auch die sporadischen Ausbrüche von Rockmusik, die die Intensität der Schwertkämpfe verstärken sollen, aber nur anachronistische Intermezzi darstellen. Ein bestimmter Schwerpunkt ist nicht zu erkennen. Für zusätzliche Action-Sequenzen und eine längere Laufzeit werden vor Ort Mini-Abenteuer konzipiert.
Nichtsdestotrotz macht einiges davon Spaß, vor allem, wenn es gelingt, an Sindbad und seine mythologischen Abenteuer zu erinnern. Leider ist vieles davon schlecht geplant und bearbeitet, und viele der Ideen sind widersinnig. Aber die Kostüme sind akzeptabel, einige der Grafiken sind belustigend, und die Make-up-Effekte sind überdurchschnittlich gut. Seltsamerweise ist der Schluss etwas kalauernd und geistlos und kehrt wieder zu einem Zustand der unbeschwerten Komödie zurück, was die Frivolität von "Kull der Eroberer" zementiert.

In "Sheena - Königin des Dschungels" von Regisseur John Guillermin verschlägt es Phil und Betsy Ames zusammen mit ihrer kleinen Tochter Janet auf das heilige Land der Zambouli, wo eine bizarre Zeremonie stattfindet. Ein kranker, von einem Tumor befallener Mann wird bis zum Hals in der Erde eingegraben und dann herausgeholt, wobei er vollständig geheilt wird, was die Existenz der legendären Heilerde beweist. Die beiden untersuchen die nahegelegene Kaverne, von der sie annehmen, dass sie die Quelle der wundertätigen Erde ist, werden aber beim Zusammenbruch der Höhle getötet. So wird das kleine blonde Mädchen vom Stamm umsorgt und von der Hexendoktorin Shaman (Elizabeth von Toro) aufgezogen, die ihr den Namen Sheena, Königin des Dschungels, verleiht.
Auf den ersten Blick wirkt "Sheena - Königin des Dschungels" mit der Hauptdarstellerin, die in der Lage ist, telepathisch mit wilden Tieren zu kommunizieren, in spärlicher Lederkleidung herumläuft und auf Erlösung sowie Rache aus ist, wie ein weiblich orientierter, bequemer Abklatsch von "Beastmaster - Der Befreier" und, in geringerem Maße, von "Conan der Barbar". Die Ursprünge von Sheena gehen jedoch auf eine Comicfigur aus den 1930er Jahren zurück, die noch vor Wonder Woman entstand, wodurch dieser Film nur in Bezug auf das visuelle Thema eine Ableitung darstellt. Ihre Kräfte sind jedoch viel weniger fantastisch, mit realistischeren Voraussetzungen und ohne übertriebenes Voodoo. Aber die mangelnde Originalität wird nicht durch die Tatsache gemildert, dass Tanya Roberts in "Beastmaster - Der Befreier" mitspielte und dass ihre schauspielerischen Leistungen wieder einmal auffallend schwach sind.
Für jemanden, der beim Volk der Zambouli aufgewachsen ist, hat Sheena seltsamerweise keinen Akzent. Typischerweise und erwartungsgemäß ist sie nicht annähernd robust genug, um ihrer rauen Umgebung standzuhalten. Um Sie noch eindrucksvoller erscheinen zu lassen, bittet ein Charakter Sheena um Hilfe bei der Durchführung vermeintlich einfacher Handlungen zur Selbsterhaltung. Obwohl sie sich wie Tarzan von den Bäumen schwingt, eine Gruppe von Löwen zum Schutz an ihrer Seite hat und von einer temperamentvollen Musik von Richard Hartley begleitet wird, die manchmal gut genug ist, um die B-Movie-Atmosphäre dieser Produktion zu übertreffen, stehen ihre körperliche Zartheit, ihre Schönheit und ihr Dekolleté im Mittelpunkt, und die Menge ihrer Nacktheit grenzt an eine Komödie, auch wenn es nicht so sein soll.
Das Abenteuer ist bestenfalls mittelmäßig, abgesehen von der kulminierenden letzten Actionsequenz, die auch durch die Musik ergänzt wird, die tatsächlich hervorragend ist, die Romanze ist äußerst schwülstig, und die Laufzeit ist mindestens 30 Minuten zu lang. Aber der Einsatz von exotischen kenianischen Tieren ist durchaus erfreulich. Löwen entspannen sich auf einem Auto, ein riesiges Nashorn stampft ins Bild, Elefanten werfen feindliche Wächter um, Affen signalisieren Gefahr oder werfen Granaten ab, Gazellen sprinten durch das Gebüsch und Sheena reitet ohne Sattel auf einem Zebra. Gelegentlich sieht Tanya Roberts vielleicht so aus, aber schauspielern kann sie schlichtweg nicht.

"Der Todesjäger" von Regisseur John Watson beginnt auf die gleiche Weise wie "Barbarian Queen" - mit einer willkürlichen Vergewaltigung in der scheinbaren Mitte des Films. Der Unterschied ist der Held, ein sofort sympathischer, blonder Schwertkämpfer, der unerschrocken eine Jungfrau in Not vor einer Horde tobender mutierter Affenmenschen und einem gemeinen Dieb rettet. Er ist voll ausgestattet mit flapsigen Sprüchen, seiner eigenen Titelmelodie, einer verblüffenden Unbesiegbarkeit und einem unnachgiebigen Lächeln. Außerdem kümmert es ihn offensichtlich nicht im Geringsten, dass er nicht schauspielern kann.

"Der Todesjäger" hat jedenfalls Humor, der in den schlechten Dialogen und dem häufigen Aderlass reichlich vorkommt. Urkomische und billige Enthauptungen sind in jeder Kampfszene zu sehen, und zu den Schwertkämpfen gesellen sich einige wahrhaft furchterregende Schmink- und Zaubereffekte. Oger, Riesen, Geister, Zwerge, ein hünenhafter Schweinekrieger, der Menschen mit frisch abgerissenen Gliedmaßen bewusstlos prügelt, ein Muppet-ähnlicher Mutant, der Augen und Finger isst, und eine handpuppenähnliche Monstrosität, die einem entstellten Yoda ähnelt, sind die Highlights im Bereich der Kreatureneffekte. Der Film hat unvermutet Stil und Witz, sei es bei den nicht ganz so subtilen Musikwechseln, bei der lächerlichen Entwicklung der Charaktere oder auch bei der Bildgestaltung, bei der die wohlgeformten Hinterteile der Frauen immer wieder in den Vordergrund rücken.

"Der Todesjäger" rühmt sich sogar eines anständigen Produktionsniveaus mit angemessener Beleuchtung, Make-up, Charakterideen und Gags. Die Musik ist nicht einmal mittelschlecht. Im Vergleich zu den späteren Roger-Corman-Produktionen sind die Kameraführung, Kampfchoreographie, Soundeffekte, das Schauspiel und die Dialoge deutlich besser. Einer der Gladiatoren schlägt einen dürren Kerl mit einem riesigen Hammer zu einem blutigen Brei, und die Zuschauer bekommen die Folgen zu sehen, was nicht weiter verwunderlich ist. Mit einer sinnlosen, aber sehr gut beleuchteten Sexszene, einer nackten Matschschlägerei um ihrer selbst Willen, einer deplatzierten Kissenschlacht, Unmengen an zufälligen Nacktszenen und natürlich einer Orgie sind die Teile der Geschichte, die einfach keinen Sinn ergeben, schnell vergessen. Nackte Brüste und brutale Gewalt tauchen immer genau dann auf, wenn sich der Zuschauer auf die unsinnigeren Teile konzentrieren könnte.

Der von Regisseur Hector Olivera gedrehte Film "Barbarian Queen" hatte nie wirklich Potenzial. Er wurde als ausbeuterische Rachegeschichte mit Schwert und Magie konzipiert, mit kostenloser Nacktheit, generischen Kampfszenen, wilden Übeltätern und semi-erotischen Gewaltakten gegen Frauen. Was fehlt, ist die Zauberei, die Fantasie, die Kreativität und vor allem der Spaß. Aus irgendeinem Grund fehlt es auch an Humor. Das beste an dem Film ist vielleicht das farbenfrohe Filmposter von Boris Vallejo. In klassischer Exploitation-Manier beginnt "Barbarian Queen" mit einer Vergewaltigungsszene. Taramis (Dawn Dunlap) wird außerhalb ihres Dorfes von einer Gruppe wikingerähnlicher Krieger angegriffen, die die ahnungslosen Dorfbewohner töten, gefangen nehmen und ihre Hütten niederbrennen. Taramis' Schwester Amethea (Lana Clarkson) steht kurz vor ihrer Hochzeit mit dem muskulösen Argan (Frank Zagarino), als der Anschlag stattfindet. Er wird gefangen genommen und gezwungen, ein Gladiatorensklave zu werden, während sie eine waghalsige Flucht in die Wildnis unternimmt. Amethea tut sich mit zwei anderen Überlebenden zusammen: Estrild (Katt Shea) ist das überflüssige Girlie, obwohl sie mühelos mit einem riesigen Schwert umgehen kann, und Tiniara (Susana Traverso) ist diejenige mit dem perfekten Make-up, trotz ständiger Nahkämpfe. Wie durch ein Wunder schaffen sie es alle, auch nach Folter und Kampf frisch und rosig zu bleiben.
Auch bekannt als "Queen of the Naked Steel", bietet dieser schnöde Schrott dilettantische Musik von James Horner, klägliche Vertonung, die angesichts der infantilen Dialoge kaum von Bedeutung ist, und schrecklich billige Soundeffekte. Darüber hinaus ist die Qualität der darstellerischen Leistungen zweifellos erbärmlich. Die Mehrzahl der Konversationen werden langsam und unartikuliert vorgetragen, als ob ein Analphabet sie von einem Teleprompter ablesen würde, während alle Kampfgeräusche und Schreie an die typischen Sounds und Spottgesänge von Arcade-Spielen erinnern.
Der Film beginnt in der scheinbaren Mitte und endet in der vermeintlich mittleren Mitte. Selbst die Action ist eintönig, denn jeder Schwertkampf ist lieblos choreografiert. Mit einer kitschigen Mythologie, vielen Klingen für die Reproduktionsorgane, absurden Folterinstrumenten, von denen das lächerlichste ein Metallhandschuh ist, der gefährlich über Ametheas Nippeln baumelt, Orgien und ein paar groß angelegten Schlachtszenen, die nur eingebaut wurden, um den Film als Schwert- und Zauberepos zu bezeichnen, ist "Barbarian Queen" letztlich nur minderwertiger Müll.

1. Hörst du besser mit geschlossenen Augen?

Ja, nachts wache ich immer beim kleinsten Geräusch auf, aber ich sehe nie etwas.

2. Was siehst du im Spiegel?

Ich versuche, meine Blicke in ihn zu meiden
so gut ich kann
Denn im Spiegel steckt ein Mann
der schaut mich böse an
Wir führten einen harten Kampf
den Er letztlich gewann
Doch ich störe mich nicht weiter dran
Ich kaufe mir gleich morgen früh
eine extragroße Shotgun
und lass mich Leiden

3. Konnten Sie das Fenster Ihres Lebens öffnen?

Ich ziehe es vor, das Fenster geschlossen zu halten. Im Winter wird die Seele kalt und im Sommer bereichern sich Insekten an ihrem Blut.

4. Wer oder was wird dich töten?

Wenn ich ihm nicht zuvorkomme, dann befürchte ich wirklich, dass der Fremde in meinem Spiegel mein Mörder sein wird.

5. Wer wird auf deiner Beerdigung weinen?

Wenn ich allein bei meiner Grablegung
in meiner glanzlosen
doch robusten Kiste
unter rationiertem Firnis liege
wird sie niemand sehen
dann wird niemand vor meinem Erdaushub stehen
und anfangen zu weinen.
Einzig grüßt der Balzgesang
von Ringeltauben
unter rhythmischer Begleitung eines Buntspechts
zu einem Abschiedslied mit Trommelklang
den niemand hört
so kann niemand weinen
Wo keine Trauer
da auch keine Gäste
Ein kleiner Spatz sitzt auf der Mauer
und es nicken Birkenäste.

6. Hast du deinen Eltern verziehen?

Ja, das habe ich. Es hat zwar ein wenig länger gedauert, aber jetzt akzeptiere ich auch das Leben.

7. Welchen Ratschlag erhälst du immer wieder?

Ich erhalte keine immer wiederkehrenden Ratschläge.

8. Die wichtigsten Lektionen die du bisher gelernt hast?

Ich habe bisher aus keiner der Lektionen, die ich in meinem Leben gewonnen habe, wirklich etwas wichtiges dazugelernt.

9. Was würdest du eventuell an dir ändern?

Meine Gutherzigkeit.

10. Jetzt ein Sprung ins Meer: Wo?

Nein danke. Ich hasse das Meer, die Sonne und den Sommer abgrundtief, also wird das für mich nie eine Option sein, irgendwo ins Meer zu springen, es sei denn, ich mache den Kübblböck.

11. Das Telefon klingelt mitten in der Nacht: Wer ist dran?

"Was ist dein Lieblings-Horrorfilm?"

12. Ab wann bist du morgens ansprechbar?

Sobald meine Innereien gereinigt und mit der ersten Tasse Kaffee durchgespült worden sind.

13. Deine schlimmste Frisur?

Die Kurzhaarfrisur, mit der ich als Kind herumlaufen musste. Die daraus resultierenden ständigen Galgengänge durch einen grünen kalten Korridor von abgetrennten meist gesichtslosen Köpfen, die mit Frauenhaaren geschmückt waren und dann hinunter in den Foltersalon, in dem weitere Haarteile in Glasvitrinen und Schaukästen lagen zu dem großen dünnen Mann mit der großen Schere und dem weißen Kittel, der mir vor meinen Eltern unverblümt sagte, dass ich stillhalten solle, sonst würde er mir das Ohr abschneiden, so dass ich aus Angst, dass mein Kopf ohne Gesicht in seinem Schaufenster landet, nicht einmal zu atmen wagte, während er mit seinen Scheren und Messern an mir herumwerkelte und dieser riesige Spiegel mit dem fremden Mann darin hat mich dann als Kind schon sehr verstört.

14. Benenne eine Eigenschaft, die du von deiner Mutter hast?

Ihren Humor.

15. Benenne eine Eigenschaft, die du von deinem Vater hast?

Seine Gutmütigkeit.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Gordon_Gekko hat mich im Stillen um einen Kommentar zu seinem Lieblingsfilm "Moby Dick" ersucht, dem ich 9 Punkte gegeben habe, und die Bewertung bleibt unverändert. Ich habe den Roman von Herman Melville regelrecht verschlungen, als ich das Buch zufällig in einer Stadtbücherei in die Hände bekam und als ich eines Tages mit meinem Vater DEN Film sah, wusste ich, dass mein Herz für Filme schlägt. Diese gemeinsame cineastische Erfahrung hält bis heute an und "Moby Dick" gehört zu meinen Top 5 der wichtigsten Filme in meinem Leben.

Meine folgende Rezension des Films beendet auch die erste Staffel meiner Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys, die insgesamt 12 Filme umfasst. 5 Filme davon haben nach erneutem Anschauen eine höhere Bewertung von mir erhalten und 7 sind unverändert geblieben. Ich danke allen, die mitgemacht haben, es hat viel Spaß gemacht und ich hoffe, ihr konntet auch auf die Kommentare für euch ein bisschen hinfiebern. Gerne dürft ihr euch weitere Kommentare zu Filmen wünschen, Damit eine eventuelle zweite Staffel realisiert werden könnte.

Herman Melvilles berühmte Geschichte von der finsteren Obsession eines Mannes, einen Wal zu töten, die in seinem großen Roman "Moby Dick" mit enormer Bandbreite und Rhetorik erzählt wird, wurde von Regisseur John Huston in einem fulminanten und tosenden Farbfilm auf die Leinwand gebracht, der hiermit als einer der großen Kinofilme unserer Zeit nachdrücklich empfohlen wird. John Huston hat das gewaltige Werk von Herman Melville in einen Film gepackt, der weniger als zwei Stunden dauert und schafft es, all seine weiten und düsteren Bedeutungen in das fokussierte Ego eines Mannes zu pressen. Nun ist die Absicht von Ahab (Gregory Peck), dem Kapitän des Walschiffs und seiner Mannschaft, die sich auf eine Reise in den Pazifik begeben, um den weißen Wal, Moby Dick, ausfindig zu machen, die einzige Triebfeder des gewalttätigen Dramas, das sich hier entfaltet. Ahabs verzehrende Leidenschaft für Rache an der sagenhaften Kreatur, die seinen Körper auf einer früheren Reise verstümmelt und seine Seele mit Hass erfüllt hat, ist die alleinige Inspiration, die er seiner begeisterten Besatzung vermittelt. Und so finden sich all die tiefgründigen, symbolischen Erwägungen über menschliches Leid und Schicksal, die sich durch die gesamte Länge von Herman Melvilles Saga ziehen, in dieser einen Umlaufbahn des Films.

Offensichtlich hat John Huston gespürt, dass die Anziehungskraft von Herman Melvilles Geschichte in der transzendenten Mystik liegt, die er in den Weiten des Meeres fand. Die lange Zeitspanne und das leere Gewässer berührten die Psyche der Walfänger seiner Zeit. John Huston, der sowohl Regisseur als auch Co-Autor des Drehbuchs ist, verlässt New Bedford vorzeitig und lässt "Moby Dick" auf das Meer hinausfahren. Er verweilt in der alten Hafenstadt, die im Buch richtigerweise Nantucket heißt, lediglich lange genug, um die Rauheit und die Ruhelosigkeit seiner Walfangmannschaft und die Verstrickungen von Handel und religiösen Empfindungen, die mit dem Land verbunden sind, zu erahnen, doch schon bald bringt er sein Schiff auf den Ozean und seine Harpunen auf einen Wal, um die Gewissheit zu erlangen, dass dieses Gebiet der Schauplatz seiner Sage ist. Hier bewahrt er sie auf, durch lange Wachphasen, furchtbare seelische Qualen, durch Flauten und Unwetter, bis der Weiße Wal endlich festsitzt und sich der Zenit seiner Symphonie entfaltet. Ich benutze bewusst das Wort Symphonie, denn die saubere Dramaturgie von "Moby Dick" und die klanglichen und optischen Elemente des Films sind wie eine Symphonie komponiert. John Huston hat sein Drama auf handfeste, wirklichkeitsbezogene Begebenheiten aufgebaut, auf die Erlegung eines Wals, welche die Gefahr verdeutlichen soll, das unheilvolle Engagement der Besatzung, die Omen von Queequeg (Friedrich von Ledebur), auf einen Taifun und die heftigen Seeschlachten mit Moby Dick. Aber das Ziel all seiner sorgfältigen Partitur ist es, eine gewichtige Harmonie von psychischem Streben und Scheitern, von Hoffnung und Verzweiflung zu schaffen.

Es ist unmöglich, all die Dinge zu erwähnen, die in diesem Film brillant gemacht oder ausgearbeitet wurden, von der fremdartigen, gedeckten Farbgebung bis hin zur ungewöhnlichen Treue zu den Details des Walfangs, die gezeigt werden. John Huston und seine technischen Mitarbeiter haben eine beachtliche Meisterleistung vollbracht, auch wenn sie ihr New Bedford in einem eher ärmlichen kleinen irischen Hafen angesiedelt haben und die Konterfeis eindeutig irischer Frauen für ihren kurzen Auftritt als traurige Damen aus New Bedford verwendet haben. In Bezug auf die Besetzung und das Schauspiel ist hervorzuheben, dass Gregory Peck Ahab eine imposante, ausgemergelte Ausstrahlung verleiht, die unverkennbar an Abraham Lincoln erinnert, und dass er die glühenden Gefühle dieser Figur hinter einer gewöhnlich maskenhaften Fassade verbirgt. Gregory Peck speit nur dann Feuer aus seinen Nüstern, wenn er auf den Wal stößt. Der resolute Starbuck (Leo Genn) ist hingegen sehr sympathisch, und in Flask (Seamus Kelly) und Stubb (Harry Andrew) steckt viel Humor und Temperament. Friedrich Ledeburs Queequeg ist eine wunderbar groteske Darstellung von Herman Melvilles marquesanischem Harpunier, und Richard Basehart macht seine Sache gut als Ishmael, dem Walfänger, der die Geschichte beobachtet und sie erzählt. Orson Welles ist zwar gut als Pater Mapple, doch ist seine Predigt praktisch unnötig.

Mittlerweile gibt es 5 Adaptionen, die die Romanvorlage von Herman Melville auf die Leinwand brachten, und 2023 wird die sechste Verfilmung durch Regisseur Timur Bekmambetov erscheinen. Es gibt keine Notwendigkeit für eine weitere Produktion, denn es kann nicht mehr verbessert, perfektioniert oder neu interpretiert werden.

In "Im Reich der Amazonen" von Regisseur Alejandro Sessa beschwört der schwarz gekleidete, böse Magier König Kalungo (Joseph Whipp) in einer dunklen, stürmischen Nacht, die durch Geräuscheffekte angedeutet wird, da kein Wetter zu sehen ist, dunkle Magie herauf, um in ein an den Wald angrenzendes Dorf einzufallen. Während die Soldaten in den Kampf ziehen, sorgen sich die führenden Amazonenkriegerinnen Dyala (Windsor Taylor Randolph), die Generalin Tshingi (Danitza Kingsley) und ihre Tochter Tashi (Penelope Reed) um ihre fehlenden magischen Kräfte und wünschen sich, dass ein legendäres verlorenes Schwert und sein Besitzer zurückkehren, um den Tag zu retten. Doch in seiner Ermangelung müssen sie einen heiligen Geisterstein aus dem Tempel holen und ihn der Königin des Smaragdlandes (Annie Larronde) zur Aufbewahrung übergeben. Nachdem das Dorf den Plünderern des allmächtigen Fürsten Kalungo zum Opfer gefallen ist, nutzt eine überlebende Schwadron von Kämpferinnen ein unterirdisches Tunnelsystem, um in einen verwunschenen Hain zu fliehen. Als Kalungo den jenseitigen Priester Balgur (Frank Cocza) herbeiruft, um seinen letzten Angriff auf das Königreich zu starten, werden Dyala und Tashi damit beauftragt, sich durch Dämonengebiete, Lager von Geächteten und das Land der Kannibalen zu wagen, um das mystische Schwert von Azundati aus der Leuchtenden Höhle zu finden, das in einer Vision erschienen ist und sie alle vor Kalungos Gemetzel retten könnte. Dyala ist die einzige, die dazu bestimmt ist, die mächtige Waffe zu entdecken. Aber das war's dann auch schon mit den fantastischen Eindrücken. Alles an dieser Produktion von Roger Corman in Z-Qualität ist peinlich schwach. Die Aufnahmen sind primitiv, die Aufmachung der Kostüme armselig, das Waffenarsenal ist billig, die Schilde sind mit Stanniol überzogene Platten, und die Darsteller rezitieren nur abgestandene, nichtssagende Dialoge. Es gibt zahlreiche Kampfszenen, die aber dank miserabler Choreographien und noch minderer Nahkampffähigkeiten ebenfalls sehr unspektakulär daherkommen. Der größte Teil der Action ist lachhaft und überzeugt niemanden. Das ist selbstverständlich noch lange nicht alles. Die Verwandlung einer Löwin in eine Frau (gespielt von der ständig nackten Fabiana Smith) erfolgt nicht durch Spezialeffekte, sondern durch eine Reihe von Standbildern. Dyala wälzt sich auf dem Boden und stöhnt geradezu erotisch, während sich eine Boa Constrictor neckisch um ihren Hals legt. Reptiliensklavenhändler opfern rituell junge Frauen an ein klebriges Baummonster. Einige der Konzepte sind zwar moderat amüsant, aber die Umsetzung ist so suboptimal, dass das nicht gerade epische Abenteuer weitgehend stumpfsinnig verläuft. Wie viele von Roger Cormans argentinischen Schürzen- beziehungsweise Schwert-und-Sandalen-Filmen zeichnet sich auch "Im Reich der Amazonen" durch eine magere Story, wiederverwendetes Filmmaterial und jede Menge nackter, brustbetonter Blondinen aus. Vor allem Penelope Reed scheint immer ein perfekt gefettetes Dekolleté zu haben. Doch das ausgestellte Fleisch reicht nicht aus, um den Film vor seiner deprimierenden Mattigkeit zu bewahren, obwohl das Etat den Einsatz eines echten Löwen gestattete. Der Film ist dennoch für eine Fülle unfreiwilliger Komik gut, der klimatische Höhepunkt ist aus den unmöglichsten Gründen unerwartet lustig, und die Laufzeit von 75 Minuten reicht völlig aus.

"Coming Home In The Dark" von Regisseur James Ashcroft ist ein weiterer triumphaler neuseeländischer Horrorfilm. James Ashcroft, nutzt seinen Theaterhintergrund, um eine intime, von Terror geprägte Geschichte zu erzählen, die sich auf das menschliche Drama konzentriert und es nie aus dem Blick verliert. Der Film ist von Anfang an unerbittlich und erbarmungslos. Er hat ein soziales Engagement, aber die inhaltlichen Aussagen stehen in diesem brisanten Thriller aus Neuseeland nie im Mittelpunkt. Hier prallen zwei Welten aufeinander, und der Zuschauer muss sich fragen, wer Täter und wer Opfer ist. "Coming Home in the Dark" schreckt vor nichts zurück. Er stellt sich seiner eigenen Brutalität und konfrontiert damit eine wahre Geschichte des Missbrauchs auf nationaler Ebene unverblümt. Eine friedliche Familienwanderung wandelt sich schnell in einen Kampf ums Überleben, als eine vierköpfige Familie von zwei skrupellosen Vagabunden auf der Suche nach ihrem nächsten Beutezug überfallen wird. In einer schleudertraumatischen Situation, die wahrscheinlich schnell vorbei gewesen wäre, scheint der Kopf der Diebe, der sich nur als Mandrake (Daniel Gillies) vorstellt, den Spitznamen "Hoaggie" zu erkennen, als die Söhne Maika und Jordan nach ihrem Vater Alan (Erik Thomson) rufen. Vielleicht wegen nichts, vielleicht wegen irgendetwas setzt dieser besondere Impuls buchstäblich eine albtraumhafte Folge von Vorfällen in Gang, die ihr weiteres Leben in Fetzen reißen. Mandrake und sein stoischer Begleiter Tubs (Matthias Luafutu) nehmen Alan und seine traumatisierte Frau Jill (Miriama McDowell) mit auf eine geheimnisvolle Fahrt, die zu einer sehr dunklen Wahrheit führen könnte, die die gesamte Gruppe an den Rand des Abgrunds bringen könnte. Basierend auf Owen Marshalls preisgekrönter gleichnamiger Kurzgeschichte aus dem Jahr 1995 wirft "Coming Home in the Dark" auch einen scharfen und schonungslosen Blick auf die wahren Misshandlungsskandale, die sich in den letzten fünfzig Jahren in Jungenheimen und staatlichen Einrichtungen ereignet haben. Die königliche Kommission für Missbrauch in staatlicher Obhut stellte fest, dass zwischen 1950 und 1999 mehr als 250.000 junge Erwachsene Opfer schwerer Formen von Missbrauch wurden. In subtiler Form stellen Mandrake und Tubs als Landstreicher zwei Verkörperungen Neuseelands dar. Sie sind die vergessenen Produkte eines kaputten Systems, und die Lehrer Alan und Jill sind, zumindest in ihren Augen, zu den Nutznießern dieses Systems geworden. Wie jede markerschütternde Szene zeigt, sind beide Seiten kämpferisch, und es bleibt unklar, welche Partei sich im Film und im Leben letztlich durchsetzen wird. Um einen Eindruck von der wachsenden Spannung zu vermitteln, die sich im Laufe der neunzigminütigen Laufzeit aufbaut, werden die kleinen Gefechte im Inneren des Autos zu einem Krieg der Gehirne mit potenziell fatalen Konsequenzen. Die Befreiungsversuche sind zum Beispiel quälend wirklichkeitsnah, weil sie den denkbar ungünstigsten Ausgang zeigen. Die wimmernden, gebrochenen Geiseln sind meist nur ein kurzes Vergnügen oder ein kleines Ärgernis für Mandrake und seinen klobigen Kumpanen. Es ist eine Dynamik, die eine bitterböse Erkenntnis mit sich bringt. Die meisten Menschen sind nicht auf einen zufälligen Gewaltakt vorbereitet, weil sie zu sehr damit beschäftigt sind, ihre Ausrüstung zusammenzupacken und dafür zu sorgen, dass ihr Handy aufgeladen ist. Es gibt einen Subtext, in dem es um Vertrauen geht, ein Gefühl des Glaubens an den Sozialkontrakt und an den Schwur der Ehe. Mandrake ist der kaltblütige Taktiker und Tubs ist die Lanzenspitze, die ihr Ziel in der Vernichtung des gesellschaftlichen Gefüges und einer armen Familie findet, die sich zur falschen Zeit am falschen Ort befindet. Daniel Gillies als Mandrake ist sowohl bedrohlich als auch gutmütig, aber es gibt Zeiten, in denen der schwere neuseeländische Akzent ein kleines Problem darstellt, hauptsächlich, weil James Ashcroft sich dafür entscheidet, die Kamera woanders hinzudrehen, anstatt ihn auf dem Bildschirm zu haben. Dadurch ist er zwar mysteriöser, aber das Gespräch zwischen Alan, seinem neuen kranken Projekt leidet darunter. Das wird aber in nachfolgenden Konflikten im Laufe der Zeit behoben. Zunächst ist die Zufälligkeit einer letalen Begegnung das Erschreckendste an "Coming Home in the Dark". Doch dann werden die Zusammenhänge, die sich zu offenbaren beginnen, zu einem neuen Katalysator der Angst. Die bleibende Aussage von Owen Marshalls Novelle und James Ashcrofts Film lässt sich am besten mit den Worten von Edmund Burke vor über 200 Jahren zusammenfassen. "Das Einzige, was für den Triumph des Bösen notwendig ist, ist, dass gute Menschen nichts tun".

"Fresh" von Regisseurin Mimi Cave ist ein herrlich kranker Horrorfilm, der erst nach dem Vorspann, der erst nach 30 Minuten der fast zweistündigen Laufzeit abläuft, verrät, worum es wirklich geht. "Fresh" bietet ein mehrgängiges Menü, das viele Genres umfasst, aber dank der beiden Hauptdarsteller, darunter Sebastian Stan, der sich in das große Pantheon charismatischer, aber widerwärtiger Horrorbösewichte einreiht, bodenständig und ausbalanciert bleibt. "Fresh" beginnt mit einer Vorspeise und stellt Noa (Daisy Edgar-Jones) vor, wie sie sich in der brutalen, gewissenlosen Welt des modernen Online-Datings bewegt und eine Reihe von grauenhaften Männern trifft. Gerade als die Hoffnung verloren scheint, kommt die Delikatesse in Form von Steve (Sebastian Stan), der im Grunde der perfekte Mann ist: witzig, klug, liebevoll und außerdem ein gut aussehender Arzt. Regisseurin Mimi Cave zögert die unvermeidliche Offenbarung von Steves wahren Intentionen so lange wie möglich hinaus, während sie alle Regeln der Liebeskomödie auskostet, vom Kennenlernen im Supermarkt über die Vorzüge von Zuckerwattetrauben bis hin zu Gesprächen über ihre Familien bei einem schönen gemeinsamen Abendessen. Mimi Cave schafft es, das Paar Noa und Steve authentisch darzustellen und zu zeigen, warum sie sich Hals über Kopf in diesen Mann verliebt und alle offenkundigen Warnsignale ignoriert. Erst nachdem der Salat und der Fisch serviert und verzehrt wurden, präsentiert uns das Drehbuch von Lauryn Kahn den Vorspann, und die leichte Rohkostmahlzeit verwandelt sich in ein blutiges Fleischfestival als Horror-Hauptgang. Ein Viertel der Laufzeit des Films auf eine typische Liebeskomödie mit diesem Paar zu verwenden, macht die Sache noch schwieriger, zumal Daisy Edgar-Jones und Sebastian Stan eine spürbare Chemie miteinander haben und es wirklich leicht machen, mit ihnen mitzufiebern. Daisy Edgar-Jones spielt die naive Zuversicht und den Schock von Noa großartig, aber wie in den meisten Filmen über Psychopathen oder Entführungen wie in "Misery" oder "American Psycho", gehört "Fresh" dem Bösewicht. Sebastian Stan ist der Aufgabe mehr als gewachsen und zeigt eine Seite von ihm, die uns in den Marvel-Filmen jahrelang vorenthalten wurde und erst jetzt zum Vorschein kommt. Ein schillernder, energiegeladener Psychopath, der in der Küche umhertanzt und jede Menge abartiger, chargierender Energie versprüht. Weit entfernt von Christian Bales gefühlskaltem Patrick Bateman ist Steve nahbar und galant, zu gleichen Teilen Ritter in glänzender Rüstung und absolutes Monstrum. Jede neue Szene mit ihm ist ein zusätzlicher Gang zu einer ohnehin schon üppigen Portion. Um die Aromen des großen, saftigen Steaks, das Sebastian Stans Auftritt und der zweite Akt des Films sind, zu intensivieren, holt "Fresh" seine Geheimzutat hervor: Pawel Pogorzelskis Kinematografie. Nachdem er uns bereits in "Midsommar" die schrecklichen Ereignisse eines Skandinavien-Urlaubs gezeigt hat, wendet er sich nun "Fresh" zu und verleiht ihm einen beunruhigenden, aber satten visuellen Geschmack, der oft verstörende Nahaufnahmen von Steves Handwerk bietet, als wäre es Eli Roths "Hostel", nur ohne so viel blutige Details. Das Ergebnis ist der bisher makelloseste und ekelhafteste Horrorfilm des Jahres, der sowohl abstoßende Momente als auch Szenen enthält, in denen Sebastian Stan Synthie-Pop-Songs aus den 80ern interpretiert. Bedauerlicherweise erreicht "Fresh" nicht das Niveau von 3 Michelin-Sternen. Zum einen wird zwar akribisch eine riesige Welt mit vielen Beteiligten und komplizierten Regeln aufgebaut, aber das meiste davon bleibt an oberflächlicher Stelle, ohne dass erklärt wird, warum es wichtig ist oder wie es in die Geschichte eingebunden ist. Und dann ist da noch die Darstellung von Noas bester Freundin Mollie (Jonica T. Gibbs), die leider in die müde Rolle des typischen Sidekicks gesteckt wird, dessen einzige Aufgabe darin besteht, Noas Story zu unterstützen. Das ist ein schaler Nachgeschmack inmitten eines ansonsten ausgezeichneten Gerichts. Wenn "Fresh" seinen Höhepunkt erreicht, liefert er ein reichhaltiges und süßes Dessert, das sowohl eine erfrischend gewalttätige Katharsis bringt, als auch die Allegorie des Films zu einem Kreis schließt. "Fresh" mag zwar nicht den Rahmen für Horrorsatiren sprengen, aber er führt einen der besten Horrorschurken seit langem ein und bietet mit der vorzüglichen Symbiose von Daisy Edgar-Jones und Sebastian Stan ein kulinarisches Meisterwerk. Wenn der Abspann läuft, könnte man fast nach einem Nachschlag verlangen.

"The Dead Center" von Regisseur Billy Senese ist eine atmosphärische Studie über die menschliche Vergeblichkeit. Der Film steht im Einklang mit dem Bedürfnis, im Schlund der menschlichen Extreme klar und einfühlsam zu bleiben. Menschen, die in intensiven Arbeitsumgebungen arbeiten, wie zum Beispiel auf Polizeistationen, in Sozialämtern und Krankenhäusern, sind mit der Belastung vertraut, inmitten der menschlichen Not klar und empathisch bleiben zu müssen. "The Dead Center" spielt hauptsächlich in einem Krankenhaus und folgt einer Handvoll medizinischer Fachkräfte, die sich mit etwas auseinandersetzen, das ihre Angst symbolisiert, der Krankheit ihrer Patienten zu erliegen, und ist zutiefst auf dieses Gefühl der Überbelastung abgestimmt. Billy Senese und Kameramann Andy Duensing fangen das grelle weiße und kränklich gelbe Licht eines Krankenhauses mitten in der Nacht ein, ebenso wie den unheimlichen Wechsel von dröhnendem weißem Rauschen und Stille, der eine solche Umgebung ausmachen kann. Die Filmemacher lassen dieses Krankenhaus, insbesondere die psychiatrische Abteilung, in unsere Knochen kriechen. Es ist sicherlich hilfreich, dass das Personal hier nicht aus Schauspielern besteht, die wie aus einem zentralen Casting stammen, denn sie vermitteln den Eindruck von wirklich gestressten und erschöpften Mitgliedern der Arbeiterklasse. Gelegentlich wird dieses nächtliche Zwielicht von den durchdringenden Geräuschen krisengeschüttelter Patienten durchbrochen, und Billy Senese fängt dieses Auf und Ab zwischen der Erwartung von Gewalt und ihrer Bewältigung gekonnt ein. In seinen besten Momenten strahlt "The Dead Center" etwas von der konzentrierten Lockerheit des Films "Unsane - Ausgeliefert" von Steven Soderbergh aus. "The Dead Center" hat einen Horrorfilm-Haken, der oft an den Rändern der Erzählung verweilt. Der Film beginnt damit, dass ein Krankenwagen einen John Doe (Jeremy Child) ins Hospital bringt, der sich die Pulsadern und die Brust aufgeschlitzt hat. Billy Senese filmt die Fahrt des Krankenwagens aus der Sicht eines Gottes, was auf eine übernatürliche Präsenz hindeutet, die vielleicht nicht ganz so gütig ist. Später, nachdem John Doe an den Zehen markiert und eingesackt wurde, setzt er sich auf, und Billy Senese gibt einen unvergesslich furchterregenden Klangeffekt von sich. Die knisternde Oberfläche des Leichensacks, die an das Prasseln von Elektrizität erinnert. Ergänzt wird dieser Effekt durch den ergreifenden Anblick des zitternden John Doe, der sich aus dem Sack erhebt, durch das Krankenhaus irrt und in ein leeres Bett kriecht, um sich zu erwärmen. In diesem Moment erdet Billy Senese die Auferstehung in den Texturen einer sehr lebensechten Kulisse. John Doe wird vom Krankenhauspersonal entdeckt, und der Psychiater Daniel Forrester (Shane Carruth) übernimmt die Aufgabe, seine Identität und seine Erkrankung festzustellen, doch Daniel Forrester, der selbst ein Abtrünniger mit erheblichen emotionalen Problemen ist, kommt bei diesem Unterfangen nicht weit. Shane Carruth verleiht einem bekannten Typus, dem Vertreter der gehobenen Mittelklasse mit wenig Privatleben, eine eindringliche und ungewöhnlich undurchsichtige Verletzlichkeit. Er lässt uns an Daniel Forresters Verzweiflung teilhaben, mit der er versucht, seine eigenen Schwachpunkte vor seinen Angestellten zu verbergen, obwohl sein Kummer nur teilweise erläutert wird. Parallel dazu untersucht der Gerichtsmediziner Edward Graham (Bill Feehely) die Identität von John Doe. Diese Spur führt ihn zu einem Motelzimmer, das mit Blut geflutet ist, und in einem weiteren schaurigen Detail entleert Edward Graham eine Wanne mit kaltem stinkendem Blut, um eine in den Wannenboden geritzte Spirale zu entdecken. Als Edward Graham die Identität von John Doe ermittelt, entdeckt er einen vom Tod gezeichneten Mann, der sich in einen leibhaftigen Todesengel verwandelt hat. "The Dead Center" ist letztlich eine atmosphärische Studie über die menschliche Sinnlosigkeit. John Doe mag ein Untier sein, aber er ist auch das ultimative unheilbare Opfer, das jedes Maß an Kontrolle zerstört, das Daniel Forrester und Edward Graham über ihre Umgebung zu erlangen versuchen. Ähnlich wie H.P. Lovecraft gibt Billy Senese seinem Publikum das Gefühl, nur die Spitze eines bösartigen Gletschers zu sehen, und dieser unaussprechliche Eindruck von Weite ist existenziell beängstigend.

In "The Batman" von Regisseur Matt Reeves sind zwei Jahre vergangen, seit Bruce Wayne (Robert Pattinson) die Maske des Batman aufgesetzt hat und zum kriminalitätsbekämpfenden Vigilanten von Gotham City wurde. Während die Polizei, mit Ausnahme von Lt. James Gordon (Jeffrey Wright), dem Kreuzritter mit dem Umhang misstraut und die Bürger ihn ablehnen, hat Bruce Wayne gelernt, dass Angst sein stärkster Verbündeter ist, wenn es um den Kampf gegen die kriminelle Unterwelt geht. Doch als ein neuer Terror in Form des wahnsinnigen Serienmörders The Riddler (Paul Dano) über die Stadt hereinbricht, bittet James Gordon Batman um Hilfe, um das rätselhafte Geheimnis um die Identität des Mörders und seiner politisch einflussreichen Opfer zu lösen. Und als Batman schließlich den verunstalteten Gefolgsmann Oswald Cobblepot (Colin Farrell) eines der mächtigsten Mafiosi Gothams, Carmine Falcone (John Turturro), zur Rede stellt, findet er in der Einbrecherin Selina Kyle (Zoë Kravitz) eine unwahrscheinliche Verbündete. Während die Diebin, der Selbstjustizler und der Polizeileutnant nach und nach den Geheimnissen hinter dem großen Plan des Riddlers auf die Spur kommen, wird Batman bald klar, dass die Machenschaften des Verbrechers näher an seinem Privatleben liegen, als er es sich je hätte vorstellen können. "The Batman" beginnt mit dem Ave Maria, das die kommende Düsternis gut auffängt, da die Atmosphäre schnell zu Horrorfilmmustern führt, die von im Hintergrund lauernden Eindringlingen über blutige Gewalt bis hin zu nervenzerfetzenden Violinenzupfern reichen. Hier ist Gotham praktisch postapokalyptisch, mit umherziehenden Banden wie in "The Warriors", "Die Klapperschlange" und sogar "The Purge", aber auch mit Umweltverschmutzung und städtischer Dichte wie in "Blade Runner". Dies ist eine äußerst düstere Vision von Batmans Revier. Wie schon die vorangegangene Filmreihe von Christopher Nolan ist auch die neueste Verfilmung des maskierten Rächers noch düsterer, ernster und bedrückender. In seinem Bemühen, so morbide realistisch wie möglich zu sein und gleichzeitig einen auffallend moralisch aufrechten Verteidiger in einem Fledermauskostüm einzusetzen, ist der Härtegrad fast enttäuschend gering geworden. Mit dem Riddler sind die Screwball-Comedy-Scherze und das Herumtänzeln in knalligen Trikots von Jim Carreys Verkörperung aus dem Jahr 1995 längst vergessen. Er ist jetzt zu einem weitaus überzeugenderen Psychopathen geformt, komplett mit Folterfallen auf "Saw"-Niveau, Zodiac-Killer-Cyphern und extremer Social-Outcast-Radikalisierung. Würde er nicht im Laufe des Films als Riddler tituliert werden, wüssten die Zuschauer vielleicht gar nicht, dass er auf einem klassischen Batman-Bösewicht basiert. Es handelt sich jedoch um eine kreative Neuinterpretation, auch wenn sie in den früheren Welten des berühmten Superhelden kaum wiederzuerkennen ist. Aber diese unsympathische Verdunkelung von Batmans Feinden und Umgebung geht noch weiter und macht die sehr begrenzten Actionsequenzen zu vergessenswerter Kost, die dem Dunklen Ritter die Spannung aus dem Kampf mit seinen Gegnern nimmt. Wenn die Schurken überzeugende Serienmörder sind, braucht man die extravaganten Stilelemente eines Kampfsportlers in schwarzem Leder nicht unbedingt. Die Stimmung ist so trostlos geworden, dass es sich wie eine Neuauflage von "The Crow" anfühlt. Selbst Alfred Pennyworth (Andy Serkis) ist mitgenommener und gezeichneter als je zuvor. Wo das Konzept jedoch wirklich glänzt, ist der Pinguin, der wie ein Mafioso im "Sin City"-Stil wirkt, der eine angemessene Hässlichkeit besitzt, ohne ein kompletter Mutant zu sein. Aber die Abschaffung der übertriebenen Natur dieser Persönlichkeiten zugunsten modernisierter Grotesken, umgeben von einem Milieu aus Politik, Korruption, Sex, Drogen und überbordender Kriminalität, ist kein Rezept für ein actiongeladenes Abenteuer. "The Batman" ist eine beachtliche Überarbeitung, die die titelgebende Figur in einen ziemlich standardmäßigen Flattermann transformiert, der in die zeitweise ereignislosen Mysterien der Unterwelt eintaucht. Die ursprüngliche Vorlage mag unter all den Schichten der Düsternis und des Schreckens nicht zu erkennen sein, abgesehen von Zoë Kravitz' Catwoman, die vielleicht eine der besten der Riege ist, aber das hilft sicherlich, Robert Pattinsons Gepäck aus der "Twilight"-Reihe loszuwerden. Zum Glück grunzt er nicht jeden seiner Sätze und ist auch nicht gezwungen, Zeit damit zu verschwenden, anzudeuten, dass Bruce Wayne ein verwöhnter Playboy ist. Tatsächlich verbringt der Film nicht viel Zeit mit seiner Herkunftsgeschichte. Einige Szenen haben trotz des Regens, der Schatten und der allgemeinen Lichtlosigkeit einen angemessenen Biss und erinnern an "Das Schweigen der Lämmer", aber man muss sich fragen, ob diese Neuinterpretation eines beunruhigenden Mordmysteriums ein besseres Konzept ist als Tim Burtons energischeres Konzept der düsteren Unheimlichkeit. Das ist vielleicht nur etwas für eingefleischte Fans. Weniger treue Zuschauer werden sich sicher fragen, was aus der üblichen Begeisterung und dem allgemeinen Spaßgefühl geworden ist. Am Ende ist die bedauerlichste Erkenntnis, dass mit seiner völlig unnötigen, schleppenden dreistündigen Laufzeit, gepaart mit einer Richtung, die eher auf ein Krimi-Drama als auf Superhelden-Action ausgerichtet ist, der Wiederholungswert praktisch nicht vorhanden ist. Das ist etwas, was man von den vorherigen Einträgen in der Batman-Franchise selten behaupten kann.

Im Mittelpunkt des Films "Memoir Of A Murderer" des koreanischen Regisseurs Won Shin-Yun steht ein einstiger Serienkiller, der nun an Alzheimer erkrankt ist. Passend zum Titel und zur Thematik erinnert der Film auch an eine Schlüsselszene in Bong Joon-Hos Kriminaldrama "Memories Of Murder", obwohl das wahrscheinlich nur zur Verwirrung über die englischen Titel beiträgt. Der frühere Serienmörder arbeitet jetzt als Tierarzt mit ausgesprochen bemitleidenswert dreinschauenden Patienten. Kim Byeong-Soo (Sol Kyung-Gu) hält an den Erinnerungen an sein vorheriges Leben fest, solange er sie noch hat, und gedenkt der Zeiten, in denen er den menschlichen Abschaum aus dem Weg räumte, wie er sie betrachtete. Seine Tochter Eun-Hee (Kim Seol-Hyun) ist ahnungslos, meldet ihn zu einem Poesiekurs an und ermutigt ihn, ein Diktiergerät zu benutzen, um seine Bewegungen festzuhalten. Zufällig trifft er einen anderen seiner Art, einen Mörder, der gegenwärtig auf der Jagd nach jungen Frauen ist. Als der Killer sich an Byeong-Soos Tochter heranwagt, wird ihm klar, dass er seinen Verstand lange genug aufrechterhalten muss, um sie zu schützen. Doch bald merkt er, dass er sich nicht einmal auf die Erinnerungen verlassen kann, die er zu haben glaubt, wenn er nicht an der Alzheimerschen Krankheit leiden würde. Seit seinem Debüt mit dem Horrorfilm "The Wig" kann man dem Regisseur Won Shin-Yun vor allem eines nicht vorwerfen: Subtilität. Basierend auf Kim Young-Has Bestseller A Murderer's Guide to Memorization nimmt Won Shin-Yun die zentrale These eines Serienmörders auf, dessen Version der Realität kompromittiert ist, und lässt sie komplett aus dem Ruder laufen. Was folgt, ist ein unterhaltsames Katz- und Mausspiel, bei dem die Maus oft nicht mehr weiß, welche Rolle sie eigentlich spielen soll. Wenn das Kino der letzten Jahre manchmal das Gefühl hat, dass ihm die Krallen gestutzt wurden, wird "Memoir Of A Murderer" dem Ruf Koreas für Brutalität und Gewalt gerecht, da er von einem delikaten, abgründigen Humor durchzogen ist, der hauptsächlich von Byeong-Soos offenen Gedanken angetrieben wird. Es ist eine hervorragende Leistung von Sol Kyung-Gu, die in weniger guten Händen so flach hätte ausfallen können. Er bringt das richtige Maß an Bedrohlichkeit und Mitgefühl für eine Figur auf, von der man weiß, dass sie es nicht verdient, aber dennoch bekommt. Zur Besetzung gehört auch der stets zuverlässige Nebendarsteller Oh Dal-Su, hier in der Rolle eines örtlichen Polizisten. Kim Nam-Gil spielt den distanzierten jüngeren Serienkiller. In Anbetracht seiner bisherigen Arbeit überrascht es nicht, dass Won Shin-Yun sich kaum unter Kontrolle halten kann. Manche Betrachter wünschen sich vielleicht etwas mehr Cleverness von der zentralen Vorrichtung, aber Won Shin-Yun ringt ihr so viel wie möglich ab. Mir persönlich gefiel der überzogene Ansatz des Ganzen. Der einzige Punkt, an dem Won Shin-Yun wirklich zu weit geht, ist der Einbau einer Szene mit einer Prothetik für einen der Charaktere, die ich den Zusehenden überlassen werde, zumal er nie darauf zurückkommt. Wenn man an "Memoir Of A Murderer" etwas kritisieren kann, dann dass es fast so wirkt, als wolle der Film Erinnerungen an "Oldboy" wachrufen, mit Sol Kyung-Gus struppigem langen Haar und der Beziehung zu seiner Tochter. Der Drehbuchautor Hwang Jo-Yoon hat auch am Film von Park Chan-Wook mitgewirkt, vielleicht ist das kein Zufall. Er unterstreicht einen Trend der letzten Zeit, der fast so aussieht, als würde das koreanische Kino auf die großen Hits der Vergangenheit zurückblicken und sie auf eine Art und Weise neu verpacken, die sowohl das einheimische als auch das internationale Publikum anspricht, wie es auch bei Filmen wie "The Villainess" der Fall ist. Man sollte bei "Memoir Of A Murderer" keine Sensibilität für Demenz erwarten. Ein überdrehter Thriller von Won Shin-Yun, der auf reine Unterhaltung abzielt, und das ist eine Tatsache, die ihm definitiv gelungen ist.

"A House on the Bayou" von Regisseur Alex McAulay ist eine langweilige Dinnerparty, die zu sehr in ihre Wendungen investiert. Ein abgelegener Schauplatz und ungebetene Gäste sorgen für ein spannungsreiches Szenario, das für eine Vielzahl von Schauer- und Nervenkitzel sorgen könnte. "A House on the Bayou" nutzt dies zu seinem Vorteil und hüllt seine Horrorgeschichte in einen Schleier. Der Versuch, zu erraten, was passiert, hält einen eine Weile bei der Stange, aber je mehr Antworten man erhält, desto uninteressanter wird dieser Thriller. "A House on the Bayou" beginnt mit einer ehelichen Konfrontation. Jessica Chambers (Angela Sarafyan) wartet seelenruhig darauf, dass ihr Mann John (Paul Schneider) von der Arbeit nach Hause kommt, damit sie von ihm ein Geständnis seiner außerehelichen Affäre einholen kann. John gibt seinen Ehebruch erst zu, als Jessica handfeste Beweise vorlegt, und geht dann schnell auf die Forderungen seiner Frau ein. Jessica will sich nicht scheiden lassen. Sie will ihre Familie und damit ihren Lebensstil weiterführen. Jessica will ihre Tochter Anna (Lia McHugh) vor den Problemen bewahren und plant als Teil der Wiedergutmachung einen Familienurlaub auf einem abgelegenen Anwesen im Bayou von Louisiana. Die Nerven liegen blank, als die überfreundlichen Nachbarn Isaac (Jacob Lofland) und sein Großvater (Doug Van Liew) sich selbst zum Essen einladen. Der Regisseur Alex McAulay versucht von Anfang an, Mehrdeutigkeit zu erzeugen. John ist zwar der Ehebrecher, aber er wird als sanftmütig und umgänglicher dargestellt, während Jessica der eisigere, durchsetzungsfähigere der beiden ist. Um zu verhindern, dass die Loyalität ganz auf Jessica übergeht, wirkt sie emotional manipulativ. Sie benutzt Tränen und Schuldgefühle, um John zur Selbstgefälligkeit zu zwingen. Die Verunsicherung wird durch die Ankunft der ungebetenen Gäste noch verschlimmert. Isaac und Großpapa scheinen mehr über das Haus und seine derzeitigen Bewohner zu wissen, als sie sollten, aber Alex McAulay will die Hintergründe der Bedrohung für die Familie Chambers weiter beleuchten. Ist hier etwas Übernatürliches im Spiel oder einfach nur eine Psychose? Aber die Figuren und Geheimnisse sind bestenfalls oberflächlich. Sobald die ersten Antworten auftauchen, verkommt ein potenziell spannender Horrorthriller zu einer glanzlosen, ermahnenden Lektion. Jacob Lofland hat den schäbigen Charme der Südstaaten auf den Punkt gebracht, kann Isaac aber nicht die Bedrohung aus dem Jenseits verleihen, die das Drehbuch von ihm verlangt. Am schlimmsten sind Doug Van Liew und Lia McHugh als nicht vorhandene Statisten, die immer dann eingesetzt werden, wenn die Geschichte sie braucht, nicht mehr und nicht weniger. Die Tochter Anna trägt nichts zur Geschichte bei, außer dass sie Isaac einen Zugang zum Haus der Chambers verschafft und ihren Eltern einen Grund gibt, sich zu wehren. Es ist zwar klar, dass die nachfolgenden Ereignisse dazu dienen, unsere Gefühle für John und Jessica zu verändern, aber ihre Charaktere sind nicht mehr als eine Verschiebung der moralischen Maßstäbe. Alex McAulay treibt die Geschehnisse im dritten Akt mit harter Hand voran, ohne jedoch die Prinzipien dieser exzentrischen Welt zu verdeutlichen. Das blutige Ableben eines Protagonisten wird schnell durch rätselhafte Fragen nach dem Warum und Wie unterminiert. "A House on the Bayou" ist so sehr auf seine Pointe fixiert, dass alles andere flach fällt. Alex McAulay arbeitet intensiv daran, eine enigmatische Atmosphäre aufrechtzuerhalten, die alle anderen Faktoren zu diffus erscheinen lässt. Das Anwesen und der Ort, an dem der Bayou liegt, sind nur eine späte Erklärung. Die gesamte Geschichte hängt von der chaotischen Beziehung zwischen John und Jessica ab und nutzt sie, um den Spannungsbogen zu halten. Sobald die Wahrheit ans Licht kommt, entweicht die Wirkung und die Handlung fällt auseinander. Der letzte Hammer landet mit einem dumpfen Einschlag. Es sind die Versuche von Horror, die "A House on the Bayou" aus den Angeln heben. Alex McAulay versucht, etwas Neues mit einem vertrauten Setting zu machen, bei dem sich ungebetene Gäste in das vorübergehende Quartier einer krisengeschüttelten Familie einschleichen. Einmal drin, gerät er jedoch ins Stocken und scheitert an einer unterentwickelten Idee, die weder Begeisterung noch Beachtung hervorruft. Der Film konzentriert sich mehr auf seine Twists als auf seine Darsteller, was ihn zu einem tristen Alptraum für die Zuschauer macht.

"Der Mann, der sich die Haare kurz schneiden ließ" von Regisseur André Delvaux ist eine der besten Studien über die ruhelose und abnorme Natur des Menschen, die mir je in einem Film widerfahren ist. Nach einem Lolita-ähnlichen Roman des flämischen Schriftstellers Johan Daisne. Dies ist das Regiedebüt des belgischen Filmemachers André Delvaux, das er im reifen Alter von 40 Jahren ablieferte. André Delvaux ist sowohl in der flämischen als auch in der französischen Kultur Belgiens verwurzelt, da er in einem flämischsprachigen Teil Belgiens geboren wurde und schon früh eine französischsprachige Schule besuchte. André Delvaux erzählt eine teuflische, psychologisch-phantasmagorische Geschichte über den unglücklichen, schüchternen, verheirateten Lehrer und Anwalt Govert Miereveld (Senne Rouffaer), der von einer schönen, reifen, jugendlichen Absolventin der Schauspielschule namens Eufrazia Vreenman (Beata Tyszkiewicz) besessen ist und nach der Teilnahme an der Abschlussfeier nicht mehr weiß, ob er sie jemals wiedersehen wird. Govert Miereveld träumt davon, Eufrazia wiederzutreffen und ihr von seiner heimlichen Liebe zu erzählen. Da sie keine Schülerin mehr ist, beschließt er, seine Karriere als Jurist fortzusetzen, anstatt an der Mädchenschule zu unterrichten. Viele Jahre vergehen, und Eufrazia wird eine berühmte Sängerin, während Govert als Prozessanwalt scheitert und gezwungen ist, einen minderwertigen Job als Gerichtsschreiber anzunehmen. Eines Tages lädt Professor Mato (Hector Camerlynck), ein Leichenbeschauer, Govert Miereveld ein, einer Autopsie beizuwohnen, die er zusammen mit seinem Assistenten (Paul S'Jongers) außerhalb der Stadt in einem ländlichen Dorf durchführt, um festzustellen, ob es sich bei der an Land gespülten Leiche tatsächlich um die eines vermissten Bankdirektors handelt. Die bestürzende Autopsie bringt den fragilen Govert Miereveld in traumatischer Weise an den Rand seiner Kräfte. Als er gezwungen ist, in einer nahegelegenen Stadt zu übernachten, trifft er zufällig die beliebte Sängerin, die in der Stadt auftritt und in demselben Hotel wohnt. Govert Miereveld will Eufrazia von seiner heimlichen Liebe erzählen, die er all die Jahre gehegt hat, nachdem er ihren Auftritt gesehen hat, aber bei ihrem Treffen in ihrem Zimmer ändern sich die Dinge dramatisch, als sie ihm ihre schwarzen Geheimnisse erzählt. Ein Schock zu viel für Govert, er rastet aus und landet in einer psychiatrischen Anstalt, weil er versucht hat, sie umzubringen. Während er in der Anstalt eingesperrt ist, verzweifelt er daran, dass er als Vater seiner beiden Kinder und seiner treuen Frau (Annemarie va Dijck) versagt hat. Govert Miereveld denkt auch darüber nach, dass er besser als Landwirt oder Zimmermann gearbeitet hätte und nicht versucht hätte, seine Ausbildung zu nutzen, um etwas zu sein, wofür er keine großen Fähigkeiten hat. Die Dinge bleiben immer zweideutig, so dass es schwierig ist, herauszufinden, was nur ein Hirngespinst von Govert ist und was wirklich passiert. Die Geschichte, die von Anfang an in einer Rückblende erzählt wird, als unser Protagonist in einer psychiatrischen Anstalt eingesperrt ist, spielt mit dem Thema, dass wir uns selbst unglücklich machen, indem wir Illusionen nachjagen, uns unnötig innere Konflikte zufügen und in dieser allzu vagen Welt nicht mit unserem Lebensglück zufrieden sein können. Das Drama eines sanftmütigen Mannes, der an Schizophrenie leidet, wird von Senne Rouffaer brillant umgesetzt, es ist hervorragend in Schwarz-Weiß gefilmt, die Erzählung ist leidenschaftlich, hypnotisierend und intelligent, und die komplexe Natur, die erforscht wird, wie entfremdet die Hypersensiblen werden können, wenn sie mit ihren eigenen psychologischen Qualen allein gelassen werden, ist es wert, erzählt zu werden. Dieser einzigartig inszenierte, beunruhigende Film über einen psychisch labilen Mann, der versucht, seine Identität zu finden und zu bewahren, ist eine der gelungensten Darstellungen der renitenten und krankhaften Veranlagung des Menschen, die mir je in der Filmgeschichte widerfahren sind, und bleibt einer der großen, aber wenig bekannten Filme. Nachdem der Film bei seiner Wiederaufführung im Kino von den Kritikern hoch gelobt wurde, ist er außerhalb Belgiens leider immer noch wenig bekannt. Der Titel bezieht sich auf die zwanghaften Friseurbesuche von Govert Miereveld, der sich darüber ärgert, dass er aufgrund seiner Kindheitserlebnisse nicht immer ordentlich genug ist, und diese Besuche deuten auf seinen zunehmenden Irrsinn und sein Bedürfnis nach Stimulation durch eine Schwingungsdusche hin, damit er sich als ganzer Körper fühlt.

Die schauspielerische Leistung in "African Queen" von Regisseur John Huston ist makellos. Humphrey Bogart und Katharine Hepburn haben zwei der perfektesten Leinwandpersönlichkeiten aller Zeiten geschaffen. Ebenso berühmt wie ihre Auftritte sind die turbulenten Dreharbeiten in Afrika, die von Krankheiten, giftigen Kreaturen, Schwierigkeiten mit den einheimischen Crews und vielem mehr geprägt waren. Aber es hat sich zweifelsohne gelohnt. "African Queen" ist eine einfache Geschichte mit universeller Anziehungskraft, dank des überzeugenden Drehbuchs und der ergreifenden Charakterentwicklung, die Katharine Hepburn eine Oscar-Nominierung und Humphrey Bogart den einzigen Oscar-Gewinn einbrachte. Wir schreiben das Jahr 1914 in Deutsch-Ostafrika, und die sittsame Rose Sayer (Katharine Hepburn) spielt Klavier in der 1st Methodist Church of Kungdu. Sie bemüht sich, den Einheimischen das Singen beizubringen, was ihnen völlig gleichgültig ist, wie man an den desinteressierten Gesichtern und der Sorge um eine weggeworfene Zigarre eines Neuankömmlings erkennen kann. Der Besucher ist der schroffe, unrasierte, Gin trinkende Minenarbeiter und Lieferant Charlie Allnut (Humphrey Bogart), der raucht und sich auf seinem kleinen 30-Fuß-Boot, der African Queen, entspannt. Er ist nicht gerade begeistert von der Gesellschaft von Rose und ihrem Bruder, dem Reverend Samuel Sayer (Robert Morley), dem ihre Arbeit in Afrika und der Ausbruch des Krieges in Europa ziemlich am Arsch vorbeigehen. Es ist jedoch näher, als sie denken, als Truppen in die Kirche einmarschieren und sie in Brand setzen. Der Reverend ist traumatisiert, verliert den Verstand und stirbt schließlich. Charlie Allnut kehrt zu den zerfallenen Überresten der Kirche zurück und überredet Rose, ihn auf seinem Schiff zu begleiten. Charlie Allnut ist damit glücklich, den Krieg in der Provinz abzuwarten, aber Rose besteht darauf, dass sie nicht tatenlos zusehen kann. Die deutsche Armee hat ein Kanonenboot namens "Louisa" und Festungen an den Flüssen und Grenzen Afrikas errichtet, was Rose zu dem Plan inspiriert, die African Queen in einen behelfsmäßigen Torpedo zu verwandeln, um die feindlichen Schiffe zu rammen. Charlie ist von der Idee nicht begeistert und hofft, sie davon abzubringen, aber er fühlt sich auch nicht wohl dabei, sein Land in einer Zeit der Not im Stich zu lassen. Auf ihrer Reise flussabwärts müssen sie heftige Regenfälle, Stromschnellen, die mit den temperamentvollsten Predigten ihres Bruders vergleichbar sind, Krokodile, feindliche Scharfschützen, Trunkenheit, Wahnsinn, Wasserfälle und vieles mehr überstehen, und die beiden verlieben sich trotz ihrer unglaublichen Unterschiede ineinander. Wie nur wenige andere Schauspieler bilden Humphrey Bogart und Katharine Hepburn eines der größten ungleichen Paare, das sich durch seine Sympathie, seinen Witz, seinen Charme und vor allem sein Alter auszeichnet. Es ist hilfreich, dass fast der gesamte Film nur die beiden zeigt, die ihre Beziehung durch erschütternde Abenteuer und bedeutungsvolle Gespräche langsam aneinander gewöhnen. Charlie Allnut ist voller schlagfertiger, sarkastischer Kommentare und grober Bemerkungen, während Rose Sayer vorsichtig und anmutig spricht, Tee trinkt und so ziemlich alles missbilligt, was Charlie tut. Aber ihr daraus resultierendes Geplänkel ist amüsant, rührend und ausgesprochen glaubwürdig. "African Queen" ist auch mit einigen der denkwürdigsten visuellen Momente des Kinos gespickt. Rose Sayer, die Charlie Allnuts Schnaps in den Fluss kippt, die Schweigebehandlung, das Erlernen von Allnuts Vornamen, die Begegnung mit Blutegeln und der spannende Schluss auf dem Deck des deutschen Schiffes. Es ist ein Film, den man sich immer wieder ansehen kann, weil er so leichtfüßig ist, so viel Humor hat und eine magische Chemie.

"A Tale of Two Sisters" von Regisseur Kim Jee-Woon ist einer von mehreren asiatischen Horrorfilmen, die im Gefolge von "Ring" und "Ju-On" die USA erreichten. Wie diese beiden japanischen Werke wurde auch dieser südkoreanische Import in Amerika bekannt, als man sich die Rechte für ein amerikanisches Remake sicherte. Im Gegensatz zu den Vorgängern war es jedoch nicht so offensichtlich, was man aus der Geschichte machen wollte, als sie für das US-Publikum umgestaltet wurde. Im Gegensatz zu den meisten übernatürlichen Thrillern aus dem Fernen Osten, die es bis zu den Küsten der USA und nach Europa geschafft haben, handelt es sich bei "A Tale of Two Sisters" eindeutig um einen Arthouse-Film und nicht um eine populärwissenschaftliche Produktion. Regisseur Kim Jee-Woon bedient sich Techniken, die Fans östlicher Geistergeschichten bekannt vorkommen werden: die Geisterfrau mit langen schwarzen Haaren, die ihr Gesicht verdeckt. Die Schreckensszenen sind zwar recht wirkungsvoll, aber nicht der eigentliche Kern des Films. Vielmehr ist die Geschichte ein tragisches Familiendrama, in dem die übernatürlichen Erscheinungen, wenn sie denn auftauchen, was nur sporadisch der Fall ist, Ausdruck dunkler Familiengeheimnisse sind, die in der Psyche einer der Hauptfiguren vergraben sind. Ausgehend von dem, was in dem Film zu sehen ist, ist es fraglich, ob irgendetwas von den übernatürlichen Phänomenen real sein soll. Eine der Charaktere sagt: "Weißt du, was wirklich beängstigend ist? Man will etwas vergessen. Es völlig aus dem Gedächtnis streichen. Aber das kann man nie. Es kann nicht verschwinden, verstehst du? Und... es verfolgt dich wie ein Geist." Das fasst den Umgang des Films mit dem Übernatürlichen ziemlich gut zusammen. Glücklicherweise schafft Kim Jee-Woon trotz seines künstlerischen Anspruchs ein wachsendes Gefühl des Beklemmens, während sich seine Handlung fortentwickelt. Zwei Schwestern kehren nach einem Aufenthalt in einer psychiatrischen Klinik nach Hause zurück. Die Wiedereingliederung in das normale Leben ist nicht einfach. Der Vater ist distanziert und ineffektiv. Die Mutter ist tot und wurde durch eine Stiefmutter ersetzt, deren Versuche, fröhlich zu wirken, in ihrer erzwungenen Übertreibung fast psychotisch wirken, bis sie ihr freundliches Äußeres fallen lässt und ihre Stiefkinder erbarmungslos schikaniert. Als wäre das alles nicht genug, scheint es in dem abgelegenen Haus der Familie im Wald auch noch zu spuken. Das übernatürliche Phänomen wird von der älteren Tochter beobachtet, deren Aufenthalt in einer psychiatrischen Klinik ihre Wahrnehmung der Realität in Frage stellt. Kim Jee-Woon möchte, dass wir den Spuk als symptomatisch für ihren Geisteszustand und die Spannungen innerhalb der Familie sehen. Die Gespenster mögen real sein oder Halluzinationen sein. In jedem Fall liegen ihre Wurzeln in Ereignissen der Familienvergangenheit, die jeder lieber vergessen würde, und die übernatürlichen Eindringlinge sind wie buchstäbliche Beispiele für Sigmund Freuds "Die Verdrängung", visualisiert als Gespenster und nicht als neurotische Symptome. Das Ergebnis ist ein ambitionierter Horrorfilm, der von den Kritikern ernst genommen wurde. Fairerweise muss man anerkennen, dass Kim Jee-Woons seriöser Ansatz seine Vorzüge hat, aber er schafft auch einige Probleme, die die Wirksamkeit beeinträchtigen, ohne sie zu zerstören. Dies ist ein Film, der es nicht eilig hat, in Gang zu kommen. Der Schnitt zieht sich über lange Einstellungen der wunderschönen Fotos hin, entweder weil die Bilder eine versteckte Bedeutung haben sollen, die man erst mit der Zeit herausfinden muss, oder weil alles so dekorativ aussieht, dass sich niemand getraut hat, das Tempo zu drosseln. Die Geschichte ist außerdem um eine doppelte überraschende Wendung herum aufgebaut, die man kommen sieht, wenn man gut aufpasst. Das Problem ist nicht die gelungene Überraschung, die der Film bietet, indem er Hinweise gibt, damit man sich einen Reim darauf machen kann, was nach der Enthüllung passiert, sondern dass der ganze Sinn der Geschichte darin zu bestehen scheint, auf diese Enthüllung hinzuarbeiten und dann aufzuhören. In der Tat hält die Geschichte ihre Prämisse bis fast zum Ende vor dem Publikum verborgen. Dann wird die Enthüllung dieser Vorgabe als Höhepunkt behandelt, auch wenn die Enthüllung die Situation nicht auflöst. Ebenso enttäuschend ist, dass Kim Jee-Woon seine Zuschauer nach der Enthüllung der Wahrheit nicht auf festem Boden zurücklässt. Die Schlusssequenz kann eine Rückblende sein, die den Grund für die Trauer der Familie offenbart, oder sie kann die verzerrten Erinnerungen einer institutionalisierten Figur sein, sogar ihre Wunscherfüllungsfantasie nach Rache und Rechtfertigung. "A Tale of Two Sisters" ist in seinen Täuschungen clever genug, um ein interessantes intellektuelles Rätsel zu bleiben, das es wert ist, aufgeklärt zu werden, aber das ist auch alles, was es ist. Sobald man die Puzzleteile zusammengesetzt hat, glaubt man vielleicht zu wissen, was passiert ist. Was leider fehlt, ist die Antwort auf die offensichtliche Frage: Jetzt, wo wir wissen, was in der Vergangenheit passiert ist, was wird als nächstes passieren? Es ist auch Kim Jee-Woons Verdienst, dass er sich nicht für die einfache Option eines Happy Ends entschieden hat. Es ist angenehm, wenn ein Regisseur seinem Publikum zugesteht, dass es in der Lage ist, die Dinge selbst herauszufinden. Aber es wäre noch interessanter gewesen, wenn er mehr Grundlagen für die Extrapolation in die Zukunft gelegt hätte.

Für Filme wie diesen ist das Arthouse-Kino wie geschaffen. Und das nicht nur, weil "Mister Lonely" von Regisseur Harmony Korine nach der Art von Zuschauer benannt zu sein scheint, die er am ehesten anspricht. Dieses Thema wird wahrscheinlich alle Meinungen spalten. Neulinge im kultanfälligen Kanon von Harmony Korine, zu dem auch "Kids" und "Gummo" gehören, werden sich darüber streiten, ob "Mister Lonely" hohl und prätentiös oder einfach nur verdammt abgefahren ist. Die Mitglieder des Kults werden sich darüber auseinandersetzen, ob seine süße und verträumte Sentimentalität ein Verrat oder eine Weiterentwicklung von Harmony Korines früheren, schrilleren Filmen ist. Die Kritiker haben sich weiterhin über die Entweihung oder Wiedergeburt des amerikanischen Indie-Kinos ereifert. Sie sollten ein wenig mehr Vertrauen haben. Auch wenn sie sich von ihm entzweit fühlen, haben die Menschen Glauben an Harmony Korine. Man denke nur an Diego Luna und Samantha Morton, seine Hauptdarsteller in "Mister Lonely". Als Harmony Korine zu Diego Luna sagte, er werde in seinem nächsten Film einen sanftmütigen Michael Jackson Imitator spielen, der, wenn er nicht gerade mit seinem lächerlich winzigen, mit Affenpuppen geschmückten Minibike in wehmütiger Zeitlupe über eine Gokartbahn fährt, in den Straßen von Paris für sein Abendessen tanzt. Und zu Samantha Morton, die die freimütige Marilyn Monroe Imitatorin spielen wird, die sich mit Michael Jackson während seines Auftritts im Altersheim anfreundet und ihn überredet, sich Ihrer Promi-Imitatoren-Kommune in den schottischen Highlands anzuschließen, haben die beiden offenbar von Herzen zugestimmt. Harmony Korine und Kameramann Marcel Zyskind lassen sich von der Schönheit der Kamera mit so hinreißenden Nahaufnahmen verführen, dass andere Dinge, die in einem konventionellen Film keinen Sinn machen, als das Letzte erscheinen, woran man denkt. Zu den anderen Imitatoren gehören übrigens der Papst und seine Frau, Königin Elisabeth II., Sammy Davis Jr., Buckwheat, Abraham Lincoln, James Dean, Madonna, Rotkäppchen und die drei Stooges sowie Marilyns Ehemann Charlie Chaplin und ihre Tochter Shirley Temple. Gemeinsam bereiten sie sich auf eine Talentshow vor. Michael Jacksons Schrittgrätsche und sein Moonwalk sind zumindest publikumswirksam. Kein Wunder, dass auch ältere, exzentrische Filmemacher, die er bewundert, Harmony Korine das Vertrauen schenken. Werner Herzog verkörpert den Missionspriester Pater Umbrillo, der das zweimotorige Flugzeug fliegt, aus dem alle Nonnen ohne Fallschirme abspringen. Man könnte sagen, dass sich dies auf die Nebenhandlung des Films bezieht, aber natürlich ist auch die Haupthandlung eine Art Unterhandlung. Nicht, dass die Bedeutung der Handlung ausschlaggebend wäre oder dergleichen. Das Kino hat andere Möglichkeiten, sich auszudrücken, und die können auch ohne Aussagekraft mächtig sein. Vielleicht ist ein halb selbstverliebtes Loblied auf die verrückten kreativen Randgruppen, insbesondere auf die eigenwilligen Filmemacher und die von ihnen angeworbenen Glaubensverfechter, sinnvoll genug. Alles in allem hat "Mister Lonely", den Harmony Korine zusammen mit seinem Bruder Avi geschrieben hat, nicht wirklich viel über individuelle Ausdrucksformen oder unsere kulturelle Besessenheit von Berühmtheit zu sagen, und das Luzifer sei Dank, denn wer will sich schon ein abfotografiertes Positionspapier zu einem selbstverständlichen Thema ausgerechnet vom Macher von "Gummo" ansehen? Es gibt auch keine Szenen, in denen Katzen ertränkt werden, und das ist auch gut so. In "Mister Lonely" geht es allerdings um eine Herde kranker Schafe, die von den Three Stooges erschossen werden, aber dieser Moment wird diskret dargestellt, vielleicht um seine traurige und komische Absurdität besser registrieren zu können. Tatsächlich beweist Harmony Korine hier ein Händchen für tragikomische Abgründe, die er in den unverblümt intimen, unlogischen Rhythmen von Träumen präsentiert. Ich will das Ego des Mannes nicht zu sehr strapazieren, aber das ist es, was die großen Filmemacher in der Geschichte tun. Streiten wir also darüber, und zwar mit diesem seltsam betörenden Film, der weder dramaturgisch noch formal streng, aber so konsequent und ansteckend sehnsüchtig ist, dass er als Beispiel dienen kann. Unerschrocken und doch unverfroren, völlig arglos und doch von Natur aus affektiert, voller wandernder, falscher Popkultur-Ikonen und anonymer, fliegender Nonnen, deutet "Mister Lonely" an, dass selbst Harmony Korine sich selbst gegenüber gespalten fühlt. Aber er scheint zumindest aufrichtig genug zu sein, sich selbst zu vertrauen. Was könnte sehenswerter sein als das?

"Lara" von Regisseur Jan Ole Gerster ist eine düster-komische und heimlich bewegende Studie über eine 60-jährige Frau, die Schwierigkeiten hat, den Erfolg ihres Sohnes, eines Pianisten, zu akzeptieren. Eine Frau wacht auf, öffnet das Fenster ihrer Wohnung, schiebt einen Stuhl dagegen und bereitet sich auf ihren Suizid vor, als es an der Tür klingelt. Es ist Lara (Corinna Harfouch), die heute Geburtstag hat, und wir werden ihr 24 Stunden lang folgen, um herauszufinden, warum sie bereit ist, ihr Leben zu beenden. Es ist ein gewagter und wohl auch geschmackloser Einstieg, aber das Melodrama wird auf ein Minimum reduziert. Was sich stattdessen entfaltet, ist eine quälende Komödie der Unbeholfenheit, die sich zu einer berührenden Untersuchung über ein verlorenes Leben und nicht genutzte Chancen entwickelt. Regisseur Jan Ole Gerster lässt sich Zeit, um die Geheimnisse seiner Titelfigur zu lüften. "Lara" folgt einer verkrampften Struktur durch West-Berlin und die Protagonistin ist energiegeladen. Es stellt sich heraus, dass ihr Sohn Viktor (Tom Schilling), ein Pianist, an diesem Abend eine neue Komposition uraufführen wird. Lara hat die letzten Karten für das Konzert gekauft und will sie an die Menschen in ihrem Leben verschenken. Diese reichen von ihrer Mutter, die sich nicht für klassische Musik interessiert, bis hin zu einem völlig Fremden, der ihrem Outfit Komplimente macht. Dieser Akt des Altruismus wird mit kaum verhohlener Verachtung ausgeführt. Es ist, als ob diese geschenkten Eintrittskarten eine Waffe gegen ihre Lieben sind, die nicht daran gedacht haben, ihr ein Geschenk zu ihrem Sechzigsten zu machen. Die Hintergründe der Geschichte gehen jedoch viel mehr in die Tiefe. Die langsame Enthüllung von Laras Dysfunktion verleiht dieser Charakterstudie eine Thriller-ähnliche Spannung, die durch die Noir-Musik und Laras Femme-fatale-Outfit mit blutrotem Mantel und riesiger Sonnenbrille noch verstärkt wird. Das Drehbuch von Blaz Kutin ist am prägnantesten, wenn es Laras Hassliebe zum Klavier erforscht. Sie ist selbst eine Art Wunderkind und ihre Szenen, in denen sie sich mit den Talenten ihres Sohnes auseinandersetzt, bewegen sich auf dem schmalen Grat zwischen mütterlichem Stolz und professionellem Neid. Einmal platzt sie zufällig in die Klavierstunde eines 13-Jährigen und nimmt es auf sich, den desinteressierten Jungen in der Kunst des Klavierspiels zu unterrichten, bevor sie ihm boshaft vorschlägt, dass seine Ungeschicklichkeit seine Eltern beschämen wird und dass er vielleicht besser zur Trompete geeignet wäre. Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass Lara nicht die sympathischste Figur ist, auch wenn sie sich keine Gedanken darüber zu machen scheint, was die Leute von ihr denken. Als eine Ex-Kollegin Lara anvertraut, dass alle auf der Arbeit sie hassen, zuckt die unermüdliche Hauptdarstellerin bei dieser Information nicht mit der Wimper. Es ist ein Beweis für Corrina Harfouchs eiskalte Art, dass sie einen auf ihrer Seite behält. Die Schauspielerin verrät nicht viel, was dazu führt, dass man sich näher herantastet, um herauszufinden, wie diese Frau wirklich funktioniert. Der Film kann als ein Klagelied auf die Situation gelesen werden, dass Frauen oft ihre eigenen Ambitionen für ihre Kinder aufgeben müssen. In "Lara" ist es die Mutter, die im Mittelpunkt steht. Jan Ole Gerster war bis spät in die Nacht im tschechischen Karlovy Vary unterwegs, um auf die Weltpremiere seines zweiten Spielfilms "Lara" anzustoßen, der im Wettbewerb des jährlichen Filmfestivals der Kurstadt läuft. Wir können dem 41-jährigen deutschen Filmemacher verzeihen, dass er es etwas zu bunt getrieben hat. Immerhin sind sieben lange Jahre vergangen, seit sein gefeierter Debütfilm "Oh Boy" 2012 auf demselben Festival Premiere hatte. "Lara" stellt die gleichnamige Berlinerin, eindrucksvoll verkörpert von Corinna Harfouch, in den Mittelpunkt und folgt ihr über ihren 60. Geburtstag, der zufällig mit der Uraufführung des Erstlingswerks ihres pianistischen Sohnes zusammenfällt. Die Kamera von Frank Griebe verfolgt sie, wie sie zunächst alle verbliebenen Karten für das Konzert ihres Sohnes kauft und dann durch die Stadt zieht, um verschiedene Menschen in ihrem Leben zu der Aufführung an diesem Abend einzuladen. Durch diese zunehmend unangenehmen und heftigen Interaktionen beginnen wir langsam zu verstehen, wie diese komplizierte Frau tickt. Das Herzstück des Films ist Corinna Harfouch, die in der Titelrolle außergewöhnlich ist. Jan Ole Gerster kannte Corinna Harfouch natürlich aus Filmen wie "Der Untergang" von Regisseur Oliver Hirschbiegel und "Das Parfum - Die Geschichte eines Mörders" von Regisseur Tom Tykwer, aber erst als sie in Berlin auf den Brettern stand, wurde ihm klar, dass er mit ihr arbeiten würde und sieht in ihr die Isabelle Huppert aus Deutschland. Der Verweis auf Isabelle Huppert ist hier von zentraler Bedeutung. Lara ist eine stachelige, schwer zu liebende Hauptfigur, wie sie die legendäre französische Schauspielerin schon oft gespielt hat. Wenn Lara sich nicht gerade mit ihren Familienmitgliedern streitet, beleidigt sie wildfremde Menschen und sorgt allgemein für Unbehagen. Zu Beginn des Films sieht man Lara als eine Frau, die böse und manipulativ zu sein scheint und ihren Sohn, ihre Angestellten und jeden, den sie trifft, schlecht behandelt. Aber am Ende entfaltet sie sich ein bisschen mehr. Und man beginnt zu verstehen, woher all dieses Benehmen kommt. Corinna Harfouch erhielt den Preis für die beste Darstellerin des Festivals, während "Lara" den Sonderpreis der Jury erhielt. Die Juroren in Karlovy Vary waren sich also offensichtlich einig.

Der nervenaufreibende und unvorhersehbare Kalter-Krieg-Klassiker "Botschafter der Angst" von Regisseur John Frankenheimer ist zu Recht ein wichtiger Eintrag in der oberen Riege des einflussreichen Kinos geblieben. Die politische Relevanz des Films hat im Laufe der Jahre geschwankt, da bestimmte Aspekte je nach den aktuellen Ereignissen und dem Klima an Bedeutung gewonnen oder verloren haben, aber die wirklich ergreifenden schauspielerischen Leistungen und die unnachgiebige, wirksame Erzählweise haben nie nachgelassen. Und der Film verliert nicht an Schärfe in den begleitenden Themen Liebe und Rache, die auch heute noch schockieren mit ihren visionären Darstellungen von Gewalt, Gehirnwäsche, Manipulation, Opfern, Inzest und den greifbaren Spannungen anhaltender militärischer Rivalitäten. Eine Gruppe amerikanischer Soldaten wird während des Koreakriegs in der Nähe der mandschureischen Grenze gefangen genommen und in ein pawlowsches Institut gebracht, wo sie einer Gehirnwäsche unterzogen werden, um als Doppelagenten in den Vereinigten Staaten eingesetzt zu werden. Major Bennett Marco (Frank Sinatra) kann sich nicht mehr genau daran erinnern, was ihm während seiner Rettung und Wiedereingliederung in den USA widerfahren ist, aber irgendetwas stimmt ganz offensichtlich nicht. Geplagt von Träumen über brutale Konditionierung und Hypnosesitzungen ist er entschlossen, herauszufinden, wer hinter der Folter steckt und wer in den USA der kommunistische Kontaktmann sein könnte, der den gefeierten Helden Sergeant Raymond Shaw (Laurence Harvey) als Waffe gegen die Staatsführung aktiviert. Laurence Harveys Leistung ist phänomenal. Er spielt einen zum Scheitern verurteilten Mann, der sich nie von seiner beängstigend herrschsüchtigen Mutter Eleanor Iselin (Angela Lansbury in einer für den Oscar nominierten Darbietung) befreien konnte, die ihre eigenen Geheimnisse verbirgt. Anfangs wirkt er kaltherzig, emotionslos und unsensibel, und obwohl sich sein geistiger Zustand recht schnell offenbart, spürt das Publikum sofort, dass er ein allgemeines Unbehagen vorhersagt. Später, während einer Rückblende, die die Beziehung seiner Matriarchin zu seiner Jugendliebe Jocelyn Jordan (Leslie Parrish) offenbart, wird er auf eine Weise vermenschlicht, die noch mehr Angst auslöst, da er weiß, dass sich sein schlimmer Zustand als irreparabel erweisen könnte. "Botschafter der Angst", der auf dem Thriller von Richard Condon basiert, ist eine der erfolgreichsten Verfilmungen eines Romans, die die Paranoia und Spannung, die Richard Condon seiner literarischen Leserschaft vermittelte, gekonnt auf die Leinwand überträgt und von der Kritik gelobt und schließlich in das National Film Registry aufgenommen wurde. Die Wahrnehmung von Schuld und Angst im trockenen Verstand von Raymond Shaw steht im Mittelpunkt der Interaktion aller anderen Charaktere, mit Ausnahme von Eugenie Rose Chaney (Janet Leigh), die denselben urkomischen, stumpfen und aggressiven Liebeswitz an den Tag legt, den Alfred Hitchcock in "Der unsichtbare Dritte" perfektionierte. Das Gespräch zwischen Bennett Marco und Eugenie Rose Chaney, als sie sich zum ersten Mal treffen, ist der Inbegriff von Hollywoodfantasie und von Liebe-auf-den-ersten-Blick-Chemie. Sie ist das auffallend direkte Mädchen, das weiß, was sie will, und den ersten Schritt auf Bennett Marco zu macht, in einer romantischen Nebenhandlung, die schnell inmitten der Detektivarbeit und der Action verschwindet. Am unvergesslichsten ist der schockartige Höhepunkt, der in einer perfekten Mischung aus Antizipation und Improvisation resultiert. Die Kamera schwenkt von einem verschwitzten Gesicht zum anderen, während die Nervosität wächst und die Effizienz der Aufklärung und Bekämpfung des Hypnosekomplotts bis zum Schluss kryptisch bleibt. Das Chaos der Präsidentenkundgebung steht im Gegensatz zum unterkühlten und besonnenen Gebaren von Laurence Harveys Attentäter, den Bennett Marco vergeblich unter den endlosen Tribünen des Madison Square Garden hetzt. Die Kameraführung ist hier besonders mitreißend und unterstreicht Raymond Shaws Vereinsamung und seine tragische Absonderung von der Menschheit, während sie den Möglichkeiten von Verschwörungstheorien, waffengestützter Beeinflussung der menschlichen Psyche, Sicherheitsbedrohungen durch den Kalten Krieg und den Kommunismus sowie Spionage einen beklemmenden Realitätsgrad verleiht.

In "Fight Night" von Regisseur Dallas King beschließt eine Gruppe exotischer Tänzerinnen, einen 500-Dollar-Gutschein für ein Weingut mit Tiergehege einzulösen, den die Anfängerin der Gruppe, Tia (Nathalia Castellon), als Trinkgeld erhalten hat. Die Crew wird von zwei sympathischen Kerlen auf eine private Tour durch das Weingut mitgenommen, und am Abend, nach einem Tag voller Wein und Giraffenfütterung, feiern sie mit ihren Guides bis spät in die Nacht. Das ausschweifende Treiben nimmt eine unheimliche Wendung, als einer der Gastgeber den Frauen eine unter Drogen gesetzte Flasche Wein verabreicht, die angeblich aus Afghanistan stammt. Als sie aufwachen, finden sie sich in einer Situation wieder, die für Jean Claude Van Damme das A und O seiner Existenz ist. Die vier Frauen werden gezwungen, Testpersonen in einem abtrünnigen Regierungsexperiment zu sein. Sie bekommen ein Supersoldatenserum injiziert und müssen sich gegenseitig bis zum Tod bekämpfen. Die Vorstellung, dass exotische Tänzerinnen in chemisch veränderte Tötungsmaschinen verwandelt und zu Todeskämpfen gezwungen werden, ist zugegebenermaßen neu. Das stilistische Durcheinander von "Fight Night" lenkt jedoch von dem ab, was eine ziemlich geradlinige, düstere Angelegenheit hätte werden können. Dallas Kings Vorliebe für John-Wick-artige Beleuchtung und nichtssagende Montagen kommen als das rüber, was sie eindeutig sind: Füllmaterial. Selbst mit einer Vielzahl von kitschigen formalen Abschweifungen, die die Laufzeit füllen, gerät "Fight Night" immer wieder ins Stocken. Wenn der Betrachter endlich zur eigentlichen Handlung kommt, ist es viel zu wenig und kommt zu spät. Die mit Hochspannung erwarteten Sequenzen von tödlichen Kämpfen sind schlampig und stumpf. Wenn das größere Drama des Films dieses Manko ausgleichen sollte, ist es einfach nicht überzeugend genug, um dies zu tun. Robert Wagner, der Gibson darstellt, zeigt eine starke Leistung als sadistischer Marionettenspieler, der hinter all dem steckt. Der Rest der Darsteller schwankt zwischen einer zu hohen Tonlage, bei der ihre Angst an die von Volontären in einem Spukhaus erinnert, und einer Darbietung, die man am besten als allgemeine Verzweiflung bezeichnen kann. Das führt im Endeffekt dazu, dass die zweite Hälfte des Films emotional und erzählerisch unscharf bleibt. Es gibt zahlreiche Abbildungen der weiblichen Anatomie in einer Vielzahl von elastischen Materialien und sogar eine kurze Trainingssequenz, die vielleicht die inspirierteste des ganzen Films ist. Die Sexualität, die "Fight Night" vermittelt, ist weder besonders erotisch noch ausreichend schlüpfrig. Stattdessen erinnert es an die männliche Jugendlichkeit der frühen 2000er Jahre, die uns den lüsternen Konservatismus der Zeitschrift Maxim bescherte. Wie viele Exploitationfilme und von ihnen inspirierte Filme bewegt sich auch "Fight Night" irgendwo zwischen einem extrem anspruchsvollen Konzept und der Realität einer stark begrenzten Produktion. Bei diesen Filmen kommt es auf die Umsetzung an, und die besten Ergebnisse können oft visionär oder katastrophal sein, und beides hat seine Vorzüge. Leider fällt Dallas Kings Film in den gefährlichen Mittelweg zwischen gut und so schlecht, dass er wieder gut ist, und versinkt in lauem, lediglich zweckdienlichem Gewässer. In seinen besten Phasen ist "Fight Night" eine Mischung aus dem späteren John Carpenter und zehn Episoden aus der Reihe "Sexy Sport Clips", und in diesem Sinne ist es ein schuldiger Genuss. Letzten Endes ist der stilistische Ansatz des Films jedoch ziemlich konfus, und das Potenzial der trashigen Idee wird nicht ganz erfüllt.

"Up from the Depths" von Regisseur Charles B. Griffith beginnt mit einer spannungsgeladenen Szene in Anlehnung an "Der weiße Hai" von Steven Spielberg, in der die Taucherin Sandra (Dorothy Burham), die offensichtlich unerfahrenste Schauspielerin des Projekts, Opfer von etwas Bedrohlichem unter der Wasseroberfläche wird. Er scheitert jedoch kläglich, da der Moment wenig Schockwert, geringe Bedeutung für die Atmosphäre und ein antiklimaktisches Ende hat. Am nächsten Tag, in einem hawaiianischen Strandresort, dem Tropical Palace, kümmert sich der besorgte Manager Oscar Forbes (Kedric Wolfe) um die Probleme der verschiedenen Gäste, etwa als Ed (Charles Doherty) denkt, er sei in Kaugummi getreten, aber in Wirklichkeit durch frische menschliche Überreste watet. Ed und seine Frau Louellen (Helen McNeely) lassen sich von dem blutigen Matsch nicht entmutigen. Sie sind immer noch bereit, sich die Sehenswürdigkeiten des paradiesischen Archipels anzusehen. Und als er auf den jungen Greg Oliver (Sam Bottoms) trifft, einen kleinen Betrüger, der mit seinem trunksüchtigen Onkel Earl Sullivan (Virgil Frye) auf einem Boot lebt, macht sich die Gruppe auf den Weg, um zu fischen. Selbst als eine Haifischleiche und ein abgetrennter Arm auftauchen, bleiben die Urlauber des Hotels im Dunkeln und gehen unbekümmert ihren lustigen Beschäftigungen nach. Doch als die Leiterin der Öffentlichkeitsarbeit des Tropical Palace, Rachel McNamara (Susanne Reed), beobachtet, wie ein Tourist unter Wasser zu einem Blutbad gezerrt wird, ist klar, dass diese üppige Utopie etwas Teuflisches beherbergt, das erst kürzlich aus den Tiefen aufgestiegen ist. Trotz der annehmbaren Unterwasseraufnahmen, der nervtötenden Musik, der einfachen, aber passenden Prämisse und der kurzen blutigen Einlagen, die in der Regel durch schnelle Schnitte und viele Luftblasen verdeckt werden, beeinträchtigt das Tempo die Unterhaltung erheblich. Nebenhandlungen um Touristen, die Ankunft der zickigen Berühmtheit Iris Lee (Denise Hayes) und skeptische Beamte ziehen die Monsterangriffe und die sich ansammelnden Leichen in die Länge. Es wird mehr Zeit auf Zechgelage, Bauchtänzerinnen und Liebesstreitigkeiten verwendet als auf die Jagd nach dem abgründigen Angreifer. Es dauert 50 Minuten, bis das erste richtige Festmahl stattfindet und der große Fisch endlich in seiner ganzen gummiartigen Pracht zum Vorschein kommt. Der riesige Fisch ist bestenfalls komisch, ebenso wie die Reaktionen auf ihn, doch wenn er sein dicklippiges, zahnbewehrtes Maul aufreißt, hat er einen speziellen Reiz. Immerhin hat jemand die biedere, schwabbelige Attrappe tatsächlich gebaut. Doch die Wirkung ist begrenzt, ähnlich wie bei Roger Cormans früherem Werk "Piranha", das die Schäbigkeit seiner fischigen Antagonisten zu verbergen suchte. Die chaotischen Sequenzen enden abrupt, einschließlich des Finales, und gipfeln nie in einem kreativen Schlachtfest, das den Film vor seiner Mittelmäßigkeit hätte retten können. Jump-Scares kommen ebenfalls zu kurz, sind unglaublich schlecht geplant, als hätte der Kameramann noch nie einen Slasher gesehen. Es gibt genug plumpe Komik, um "Up from the Depths" als Horror/Komödien-Hybrid zu klassifizieren, der sich über "Der weiße Hai" genauso lustig macht, wie er versucht, ihn zu kopieren. Der abgehackte Schnitt entschärft ständig jede Spannung. Außerdem sind die Figuren bemerkenswert dumm, von ihren Plänen über ihre Handlungen bis hin zu ihren emotionalen Reaktionen, von denen die unerhörteste darin besteht, die Leiche eines Freundes als Köder zu benutzen.

In "Die Mumie" von Regisseur Karl Freund folgen wir Sir Joseph Whemple (Arthur Byron), der 1921 an einer Expedition des Britischen Museums teilnahm und so etwas wie ein Sprachrohr für die Archäologie ist, indem er darauf besteht, dass Wissen wichtiger ist als Abenteuer. Doch seine Mitarbeiter sind viel mehr von der mumifizierten Leiche von Imhotep (Boris Karloff) fasziniert, einem Hohepriester, der wegen Gotteslästerung gefoltert und hingerichtet wurde. Als die Wissenschaftler dann auch noch eine Schatulle entdecken, die die Schriftrolle des Thoth enthalten könnte, die die Legenden von Isis und Osiris und der Reinkarnation erklärt, ist Vorsicht geboten, aber sie wird leichtfertig missachtet. Ralph Norton (Bramwell Fletcher), der sich nicht um die Aufschrift kümmert, dass jeder, der die Kiste öffnet, dem Tod geweiht ist, wirft eilig einen Blick hinein, denn er ist sich sicher, dass ein paar tausend Jahre unter der Erde jeden Mumpitz über den Untergang weggespült haben. Doch die Warnung ist wahr, und Imhotep wird wiederbelebt und spaziert mit Bandagen bedeckt und verfaultem Fleisch in die Wüste hinaus. Jahre später, im Jahr 1932, macht Josephs Sohn Frank Whemple (David Manners) dort weiter, wo sein Vater aufgehört hat, und gräbt in der Nähe derselben Stätte ein weiteres Grab aus, das einer alten Priesterin aus der Zeit vor 3700 Jahren gehört. Und Imhotep ist in verkleideter Gestalt da, um den großen Fund zu überwachen. Obwohl es sich nicht um einen völlig originellen Moment handelt, ist die schönste Szene immer noch die, in der die regungslose Mumie langsam die Augen öffnet, nachdem die Schriftrolle des Thoth zunächst geöffnet wurde. Boris Karloff, dem Rollen des Schurkischen und Monströsen nicht fremd sind, schlurft langsam sowohl in bandagierter Form als auch in seiner verborgenen Identität als normaler, wenn auch faltiger Ägypter umher, wie die besten seiner subtilen, gruseligen Verkörperungen. Die Gewalteffekte und die Angst sind ziemlich minimal, aber es ist schwierig, nicht die Etablierung eines solch unerschütterlichen Tons der Unheimlichkeit zu schätzen. Die Morde finden im Off statt, und die Zahl der Toten ist gering, aber die Ideen der jenseitigen Besessenheit, die eine hypnotische Anziehungskraft ausübt, die an Dracula erinnert, des lebendig Begrabenseins, der Ausübung böser Beschwörungsformeln und der Entweihung verfluchter Böden werden mit Ernsthaftigkeit angegangen, auch wenn das Ergebnis ein Hauch von Albernheit ist. Wenn Boris Karloff der perfekte Darsteller für die hagere, verhärmte, ruhig und beunruhigend wirkende Mumie ist, so ist Zita Johann eine sensationelle Ergänzung als Helen, das halb-ägyptische Mädchen, das dazu bestimmt ist, als Gefäß zu dienen, um Imhoteps weibliches Gegenstück zu erwecken. "Die Mumie" aus dem Jahr 1932 war zwar einer der ersten, der die Horrorvorstellungen der Mumie auf die Leinwand brachte, aber der Konflikt ist eher untypisch. Die Protagonisten wissen zwar von Imhotep, müssen sich aber mit seinen überlegenen Kräften der Gedankenkontrolle und Unbesiegbarkeit abfinden. Ein durchgängiges Thema ist jedoch Frank Whemples Weigerung, an Legenden und Zaubersprüche zu glauben, und sein Widerwille, ein Amulett zu tragen, das ihn angeblich vor solchen Einflüssen schützen soll. Da es nur wenige Menschen gibt, die sich Imhoteps heimtückischen Plänen in den Weg stellen, wird viel Zeit vergeudet, um die Todesfälle hinauszuzögern, aber die Spezialeffekte von John P. Fulton, Boris Karloffs eindrucksvolle Visage und die mitreißende Musik machen diesen Klassiker zu einer der besseren Verfilmungen der altägyptischen Mythologie.

Devinitiv Arthur Mitchell als der Trinity-Killer, verkörpert von John Lithgow in diabolischer Form. Er ist der härteste Antagonist von Dexter in der gesamten Serie. Sein normales, bürgerliches Aussehen ähnelt dem eines Serienmörders, der unser Nachbar sein könnte. Die Szene, in der Dexter zum Essen bei Arthur Mitchell und seiner Familie eingeladen ist, bringt deutlich zum Ausdruck, was für ein Monster er ist, denn die Angst seiner Frau und seiner Tochter geht so weit, dass sie alles tun würden, um seinem Terror zu entkommen. "Was zum Teufel tut er seiner Familie an?" fragt sich Dexter und das nicht aus dem "Off".

Im Falle eines möglichen Gewinns wäre ich mit der DVD zufrieden.

"Machete Maidens Unleashed!" von Regisseur Mark Hartley ist ein brillanter Blick auf das Exploitation-Kino von den Philippinen. Dieser unglaublich unterhaltsame Dokumentarfilm ist eine wahre Wucht. Zunächst ein wenig Hintergrund. In den siebziger Jahren, unter der Herrschaft des Diktators Ferdinand Marcos und seiner von Hollywood besessenen First Lady Imelda, wurden Low-Budget-Produzenten wie Roger Corman ermutigt, ihre Filme in der exotischen Landschaft zu drehen. Sie hätten nicht nur Zugang zum Militär und zu einer unbegrenzten Anzahl von Mitarbeitern, sondern könnten den Filmen auch ein episches Aussehen verleihen, und das zu einem Preis, der fast nichts kostet. Wenn jemals Exploitation für eine Art von Film angemessen war, dann waren die philippinischen Filme im wahrsten Sinne des Wortes Exploitation. Es gibt hier viele Geschichten darüber, dass die Produzenten zu geizig waren, um die verschiedenen Stuntmen zu schützen, die nicht entsprechend ausgebildet waren. Wenn einer in Brand geraten sollte, wurde er tatsächlich angezündet. Seine einzige Instruktion war, in den Fluss zu springen, wenn es zu heiß wird. Das macht zwar viele der Leute, die an der Entstehung dieser Filme beteiligt waren, wahrscheinlich verachtenswert, aber es macht verdammt viel Spaß, davon zu hören. Mark Hartley hat hier eine wirklich interessante Gruppe von Experten zusammengestellt, darunter Persönlichkeiten, die an der Produktion dieser Filme beteiligt waren, wie Roger Corman, Joe Dante, Pam Grier, Sid Haig und viele andere. Das beste Material stammt jedoch von John Landis, der an keinem dieser Filme beteiligt war, sondern nur als Filmfan spricht. Zu den Höhepunkten des Films gehört eine ausführliche, kenntnisreiche Untersuchung des Genres "Frauen im Gefängnis", mit vielen Beiträgen von dessen größten Stars wie Pam Grier und Gloria Hendry. Wir erhalten auch einen witzigen Blick auf den größten Star, der jemals aus den Philippinen hervorgegangen ist. Dieser Megastar war der kleinwüchsige Weng Weng, ein winziger Filipino, der in einer Reihe von Spionagefilmen mitspielte, in denen er einen Minigeheimagenten mit dem Namen Agent 003 ½ darstellte. Wir werfen auch einen kurzen Blick auf den größten Film, der jemals in dieser Kulturlandschaft entstanden ist, nämlich "Apocalypse Now" von Regisseur Francis Ford Coppola. Nachdem er gehört hatte, wie Roger Corman und seine Mitstreiter so billig drehen konnten, beschloss er, sein eigenes NAM-Epos auf den Philippinen zu drehen, was sich als fataler Fehler herausstellte, denn Ferdinand Marcos' Gefolgsleute erpressten jeden Cent, den sie aus der Produktion herausholen konnten. Leider ist Francis Ford Coppola hier nicht zugegen, und wir müssen uns mit R. Lee Emery und dem Produktionsdesigner Dean Tavoularis begnügen, obwohl die Geschichte bereits an anderer Stelle behandelt wurde. Man sollte ein Auge auf "Machete Maidens Unleashed!" werfen, einen amüsanten und wertvollen Streifzug durch die Welt des philippinischen Exploitation.

Für alle, die es interessiert, hier der legale Link zu diesem erstklassigen Dokumentarfilm im englischen O-Ton:
https://archive.org/details/machete-maidens-unleashed

"Sex and Fury" von Regisseur Noribumi Suzuki führt ins Jahr 1886, in die Meiji-Periode. Ein Detektiv wird im Beisein seiner eigenen Tochter von Fremden gewaltsam ermordet und ausgeplündert. Im Sterben umklammert er drei Hanafuda-Karten, einen Hirsch, ein Wildschwein und einen Schmetterling. Anhaltspunkte für seine Tochter, um seine Mörder zu identifizieren. Im Jahr 1905 ist das junge Mädchen zu einer bildhübschen Frau herangewachsen und hat sich zu einer fähigen Taschendiebin, einer Kämpfernatur und einer erfahrenen Glücksspielerin gewandelt. Sie hat den Namen Ochô Inoshika (Reiko Ike) angenommen, ein Name, der sich auf die drei Hinweise bezieht, die ihr Vater ihr hinterlassen hat: Ochô steht für Schmetterling, Ino für Wildschwein und Shika für Hirsch, und auf ihren Wunsch, sich an den Mördern ihres Vaters zu rächen, ein Bedürfnis, das sich auch in Form von Tätowierungen von Tieren auf ihrem Körper zeigt. Eine Begegnung mit einem sterbenden Yakuza in einer Spielhölle zwingt Ochô, nach Tokio zu reisen, um ihr Versprechen einzulösen und seine Schwester Yuki (Rie Saotome) zu befreien, die in die Prostitution gezwungen werden soll. In Tokio wird Ochô in ein komplexes Machtspiel verwickelt, an dem zwei machthungrige Yakuza mittleren Alters (Seizaburo Kawazu und Hiroshi Nawa), ein junger Mann (Masatake Narusa) auf einer persönlichen und politischen Attentatsmission, ein britischer Agent (Mark Darling) und seine neueste Rekrutin Christina (Christina Lindberg) beteiligt sind, die einen zweiten Opiumkrieg planen. Wird es Ochô gelingen, sich zu rächen? Auch wenn verschiedene erzählerische Elemente eher unausgegoren bleiben und einige Optionen, wie beispielsweise die Nonnen, die ein Springmesser tragen, unerklärt bleiben, ist die Handlung von "Sex and Fury" überzeugend und erweist sich als mehr als nur eine billige Ausrede für die Inszenierung von Nacktheit, Sex, sexueller und nicht-sexueller Gewalt. Und nur durch die Inszenierung des Geschlechtlichen, der Gewaltsamkeit und der Freizügigkeit kann die Erzählung als Ausarbeitung und vielleicht sogar als Kommentar zu den Machtunterschieden zwischen Männern und Frauen gelesen werden. Die Antwort von "Sex and Fury" ist schlicht formuliert. Während die Gesellschaft die Struktur schafft, in der Männer ihre Macht nicht nur über Frauen ausüben können, liegt die wahre Macht in der weiblichen Sexualität. In dieser Hinsicht kann "Sex and Fury" als eine Dokumentation über feminines sexuelles Selbstvertrauen und reine Weiblichkeit betrachtet werden. Dennoch bleibt die Schilderung innerhalb der Beschränkungen der maskulinen Imagination. Ein kleines Indiz dafür ist die eigenartige Wahl der Musik für die Szene der rabiaten Defloration. Auch wenn "Sex and Fury" nicht beabsichtigt, eine historisch korrekte Erzählung zu sein, so gibt er uns doch einen kleinen Einblick, wie die traditionellen Formen des sozialen Austauschs im Jahr 1905 den Gebrauch von Kimono, Yukata, die Spielregeln beim Glücksspiel noch strukturierten und wie die Verwestlichung das japanische Sozialgefüge durchschnitt. Die reichen Japaner kleiden sich mit westlichen Autos, Frisuren und Kleidern, der scherzhafte Umgang mit unbekannten westlichen Produkten. Diese Gegenüberstellung von Traditionellem und Westlichem findet auch in der Kinematographie selbst ihren Ausdruck. Eine recht absonderliche narrative Entscheidung ist die, dass Ochô einige ihrer gedanklichen Ergüsse nach außen trägt und sich damit selbst gegenüber äußert. Auch wenn diese Aussage dem Betrachter mehr Informationen liefert, scheint die Präsentation als externe Aussage nichts hinzuzufügen, außer dass sie eine weitere Gelegenheit bietet, Reiko Ikes Antlitz zu bewundern. Was Christina betrifft, so übernimmt ihre Stimme oft die Funktion einer externen Erzählung, die sowohl ihren Charakter erklärt als auch ihre Begierde unterstreicht. Diese Darstellung wirkt recht unangenehm, weil Christina Lindbergs Vokalisierung ihrer englischen Sätze, die offensichtlich von Japanern geschrieben wurden, gefühlsmäßig platt klingt, was im Widerspruch zum Inhalt ihrer Ausführungen steht. Die cineastische Palette von "Sex and Fury" ist vielfältig und bietet eine breite Vielfalt an verschiedenen Techniken: Großaufnahmen, Nahaufnahmen, Weitwinkelaufnahmen, Zeitlupen, Herauszoomen, Schärfeveränderungen, Heranzoomen, Kamerabewegungen, interessante Blickwinkel und oft originelle Bildausschnitte. Durch eine durchdachte und ästhetisierte Nutzung wird jede Szene kunstvoll und elegant inszeniert. Diese Kunstfertigkeit ist bereits in der fabelhaften Eröffnungsszene spürbar, in der die kinematografisch erzeugte Rhythmik des rennenden Mädchens durch traditionelle japanische Musik und die Klänge ihrer Glocken verstärkt wird. Außerdem findet diese Kunstfertigkeit ihren Höhepunkt in der Einstellung, in der Präsident Ikamura an Yukis Obi zieht, während sie versucht, vor ihm wegzulaufen, sowie in Ochôs erster Kampfszene. In dieser Szene geht es nicht um die Nacktheit als solche, sondern um die bloße Schönheit der Verrenkungen und Winkelungen des weiblichen Körpers in Bewegung und das Zusammenspiel von Blöße, Schnee und Blut. Meiner Meinung nach ist diese Feier der weiblichen Schönheit in Zeitlupe, untermalt von energiegeladener 70er-Jahre-Musik, immer noch eine der unvergesslichsten Szenen der japanischen Filmkunst bis heute. Filmerisch wird Spannung in männlichen Actionszenen durch die Kadrierung etwas wilder und wackeliger erzeugt, aber nicht ohne die wichtigste Figur fest im Griff zu haben, auch wenn diese Person nichts anderes ist als das Chaos selbst. Noribumi Suzukis filmisches Talent zeigt sich auch in der Positionierung der Figuren in Szenen mit vielen Schauspielern, das heißt, Charaktere, die in Bezug auf die Szene wichtig sind, werden immer sichtbar im Raum platziert, um eine lebendige Interaktion zu schaffen, und in der gelungenen Inszenierung der Glücksspielszene, die die Tiefe des Charakters andeutet, abwechselnd mit Bildern, oft durch wechselnde Fokussierung, die den mentalen Inhalt dieses speziellen Charakters bilden und die Spannung eines Pokerspiels mit hohen Einsätzen einfangen. Auch wenn die Kameraführung an die besonderen Bedürfnisse der jeweiligen Szene angepasst ist, gibt es Fälle, in denen die Wahl des Bildausschnitts oder der verwendeten Techniken nichts zur Szene beiträgt. Bei der Kameraarbeit geht es nicht um Variation, sondern in erster Linie darum, die Handlung und den Sinn einer bestimmten Szene zu unterstützen. Zum Abschluss dieses Films fühle ich mich verpflichtet, Reiko Ikes strahlende Präsenz und ihre natürliche Eleganz hervorzuheben, die durch den Kimono noch unterstrichen wird. Und erst durch Noribumi Suzukis Bildgestaltung, die sich oft auf ihre schönen Augen konzentriert, kommt Reiko Ikes hypnotisierende und unwiderstehliche Präsenz voll zur Geltung. "Sex and Fury" ist eine verführerische und elegante kinematografische Erzählung. Der Film bietet eine attraktive Erfahrung, die sich um das Thema der Macht der weiblichen Sexualität in einer von männlicher Dominanz geprägten Kultur dreht. Und auch wenn einige filmische Elemente befremdlich und unnötig sind, so ist es doch die kunstvolle Filmgestaltung, die "Sex and Fury" so eindrucksvoll macht und einige der visuell imposantesten Szenen in der Geschichte des japanischen Kinos hervorbringt. Darüber hinaus ermöglicht es die Bildgestaltung, die Attraktivität von Reiko Ike voll einzusetzen und ihre filmische Präsenz so mesmerisch und irresistierend wie möglich zu machen, was den negativen Beigeschmack, den die Darbietungen von Mark Darling und Christina Lindberg hinterlassen haben, schnell verfliegen lässt.