Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Dinosaurier in New York" von Regisseur Eugène Lourié ist eine wissenschaftliche Expedition von höchster Priorität weit nördlich des Polarkreises im Gange. Auf dem vorderen Beobachtungsposten nähert sich ein Flugzeug, auf das Colonel John Evans (Kenneth Tobey) und Professor Tom Nesbitt (Paul Christian) gespannt warten. Ein unsichtbarer Sprecher zählt die Sekunden herunter, um zu ermitteln, ob die Mission gelungen oder gescheitert ist. Dann ertönt eine Explosion und ein Atompilz bildet sich, der Gletscher zum Einsturz bringt und Eis und Wasser über das karge Gelände schleudert.

Nach dem gewaltigen Ausbruch erscheint ein fremdes Objekt auf dem Radarschirm, das die Militärs beunruhigt. Aber womöglich haben sie ja gar nichts gesehen. Vielleicht war der Impuls nur eine Funktionsstörung. Dann macht sich ein Team mit Strahlungszählern auf den Weg zum Explosionsort. Zwei der Männer machen sich zu Fuß auf den Weg, während die beiden anderen die Nachricht von einem aufziehenden Schneesturm erhalten. Angesichts der eingeschränkten Sichtverhältnisse und der gefährlichen Eisklippen sind die Forscher und die Welt nicht auf das Erscheinen eines dinosaurierähnlichen Ungeheuers vorbereitet, das aus den Tiefen des Meeres aufgetaucht ist.

Die technischen Effekte von Ray Harryhausen ermöglichen es dem Stop-Motion-Biest, sich zwischen den Schauspielern zu bewegen, steif und unbeholfen, aber dennoch ansprechend - dies wäre seine erste anerkannte Beteiligung an der Kreaturenanimation. Seine Einführung in die Umgebung zu Beginn erinnert an "Das Ding aus einer anderen Welt" von Regisseur Howard Hawks und damit auch an John Carpenters "Das Ding aus einer anderen Welt", bevor es wie ein abenteuerlustiges Loch-Ness-Monster über den Atlantik nach New York wandert. Später unterbricht das überdimensionale Reptil echte Aufnahmen eines Hais, der einen Oktopus frisst, in einer unvermeidlich urkomischen Zwischensequenz.

Weitere Charaktere tauchen auf, vor allem, um Rollen zu schaffen, die mit Nesbitts Entdeckung sympathisieren, darunter der führende Paläontologe Dr. Thurgood Elson (Cecil Kellaway) und seine Assistentin Lee Hunter (Paula Raymond), die praktischerweise auch als verfügbares Liebesinteresse dient. Leider wird so viel Zeit für romantisches Geschmachte verwendet, dass sogar ein Ballett besucht wird und weitere Personen auftreten, so dass das prähistorische Ungetüm einen großen Teil von "Dinosaurier in New York" unsichtbar bleibt. Das ist eine Schande, wenn man überlegt, dass seine terrorisierenden Eskapaden das Alleinstellungsmerkmal und der unterhaltsamste Bestandteil der B-Movie-Erzählung sind, die lose auf einem Ray Bradbury-Stoff basiert. "Vielleicht werde ich alt."

Als die Kreatur unweigerlich in der Nähe der Wall Street an Land klettert, um in New York City selbst Verwüstung anzurichten, ist das ein Heidenspaß. Der zerstörerische Ausklang, in dem die Menschheit für ihren Leichtsinn bei atomaren Experimenten verheerend büßen muss, ist temporeich und gravierend. Sogar die Komplikation des verseuchten Blutes des Dinosauriers ist interessant, zumal sie mit dem realistischen Szenario einer Strahlenvergiftung in Resonanz steht. Der Scharfschütze der Armee, der eine radioaktive Isotopenwaffe einsetzen soll, ist ein sehr junger, aber noch einigermaßen wiedererkennbarer Lee Van Cleef. Und seine Fortbewegungsmethode ist ein Achterbahnwagen, als ob er die Idee bekräftigen wollte, dass der Kampf gegen Ray Harryhausens kolossale Abnormität, technisch gesehen eine Achterbahnfahrt für sich ist.

Bester Film:
1. Animal Farm - Aufstand der Tiere
2. Die sieben Samurai
3. Die zwölf Geschworenen
4. Moby Dick
5. The Sun in the Last Days of the Shogunate
6. Der Untertan
7. Die unglaubliche Geschichte des Mister C.

Bester männlicher Darsteller:
1. Frankie Sakai - The Sun in the Last Days of the Shogunate
2. Heinz Rühmann - Es geschah am hellichten Tag
3. Werner Peters - Der Untertan
4. Humphrey Bogart - African Queen
5. Sidney Poitier - Flucht in Ketten

Beste weibliche Darstellerin:
1. Katharine Hepburn - African Queen
2. Tatjana Samoilowa - Wenn die Kraniche ziehen
3. Gloria Swanson - Sunset Boulevard - Boulevard der Dämmerung
4. Jeanne Moreau - Die Liebenden
5. Kim Novak - Vertigo - Aus dem Reich der Toten

Beste Musik:
1. Der unsichtbare Dritte
2. Manche mögens Heiß
3. Quo Vadis
4. Die sieben Samurai
5. Die zehn Gebote

Lieblings-Star:
1. Tony Curtis
2. Toshirô Mifune
3. James Steward
4. Marlene Dietrich
5. Grace Kelly

Lieblings-Regisseur:
1. Alfred Hitchcock
2. Akira Kurosawa
3. Stanley Kubrick

In "Die Hand" von Regisseur Oliver Stone beendet der Comiczeichner Jonathan Lansdale (Michael Caine) eine weitere Seite in seinem hellen, mit vielen Fenstern versehenen Atelier in der Landschaft von Vermont, das an das Haus angrenzt, in dem seine gelangweilte Frau Anne (Andrea Marcovicci) Yoga-Übungen betreibt. Die beiden haben einige Probleme in ihrer Ehe, die dadurch verschärft werden, dass Anne mit ihrer Tochter Lizzie (Mara Hobel) getrennt nach New York ziehen möchte. Als das Paar eine Autofahrt unternimmt, die in einen weiteren Streit über eine Wohnung in der Stadt ausartet, versucht Anne wütend, einen Lastwagen zu überholen, was zu einem irren Autounfall führt, bei dem Jonathans Hand abgetrennt wird.

Kurze Zeit später versucht Jonathan, mit dem Verlust seines Körperteils zurechtzukommen, aber die Phantomgefühle der Nervenenden, die die fehlenden Gliedmaßen nicht so leicht vergessen können, sowie die Verbitterung gegenüber seiner Frau und die spürbaren Auswirkungen auf seine künstlerische Karriere belasten seine Genesung schwer. Es ist auch nicht hilfreich, dass seine Hand nie gefunden wurde und dass der abgerissene, verwesende Vorderfuß herumhuschen könnte, wild entschlossen, mörderisch zuzuschlagen. "Mami wollte sie suchen ... aber sie ist weggelaufen."

Trotz der grotesken Sci-Fi-Horror-Handlung bringen die Darsteller eine bemerkenswerte Ernsthaftigkeit in das Geschehen ein, die zweifelsohne die Wirkkraft erhöht. Michael Caine ist richtig famos und spielt die Rolle mit großem Eifer, auch wenn er der Darstellung vielleicht mit einer gehörigen Portion Skepsis hätte begegnen können. Die Unbeholfenheit der Handkamera ist zwar zu erwarten, und die verschiedenen Handrequisiten selbst sind eher putzig und offensichtlich unecht als beängstigend, aber alle gehen mit den verstörenden Bildern aufrichtig um. Dazu gehört auch, dass die Musik von James Horner angemessen unheilvoll ist.

Vielleicht ist es die beste Strategie von "Die Hand" sich vor allem auf psychologischen Horror zu fokussieren und nicht auf klischeehaften Monsterfilm-Thrill, auch wenn sich ein paar davon in den Film drängen, oft mit Hilfe von cleveren Kameratricks. Schwarz-Weiß-Sequenzen werden für pseudozentrische Handkontroll-Attacken verwendet, die den Zusammenhang zwischen physischen Traumata und dem Unterbewusstsein sowie den geistigen Umgang mit Trauer, Schuldgefühlen und Verbitterung thematisieren. Das ergibt freilich nicht alles einen Sinn, aber das Bestreben, Jonathan Lansdales andersartige Bindung an sein todbringendes Äquivalent zu erklären, ist anerkennenswert. Auch niedrigere, halluzinatorische Jump-Scares finden sich, aber sie sind bizarr gestaltet und begünstigen die Makaberkeit. "Mit Stromausfällen ist nicht zu spaßen."

Die Richtung, in die sich die Familie auflöst, ist etwas unbefriedigend und unbequem sowie realistisch umstritten, aber sie untermauert die seelischen Qualen, die die Hauptfigur umtreiben. Die Verquickung von Realitäten und Jonathans nachlassender Beherrschung mit der Einbildung ist ziemlich einnehmend und erzeugt neben dem Gruselfaktor auch so etwas wie ein Mysterium, da die Hand das Interesse ihres Meisters wecken kann. Regisseur Oliver Stone, der in seinem erst zweiten Spielfilm ein Buch mit dem ominösen Titel "The Lizard's Tail" (Der Schwanz der Eidechse) verfilmt hat, möchte das Publikum nicht nur durch die erschreckenden Bilder eines einzelnen abgerissenen Extremitäten verstören. Es geht um die Entstehung und den katastrophalen Verfall eines umnachteten Serienkillers. Das Finale kehrt zu den Tropiken des Horrorgenres zurück, doch ist das Endresultat insgesamt betrachtet doch unvermutet erfrischend. "Man weiß nie, was man tun kann. Das Unterbewusstsein ist zu allem fähig."

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

"Komm, komm, komm Georgie-Boy!" Dieser Kommentar ist für Static, den er sich zu seinem und meinem ewigen Lieblingsfilm das brillante Meisterwerk "Uhrwerk Orange" von einem der wichtigsten Regisseure aller Zeiten gewünscht hat: Stanley Kubrick. Ein paar Moloko Plus standen bei der Sichtung natürlich auch zur Verfügung ohne Synthemese oder Drencrom. "Mir wird schlecht! Ich muss kotzen! Gebt mir was, damit ich kotzen kann…"

Es ist einer der schockierendsten, abstoßendsten, skandalösesten und zugleich fantasievollsten Filme, die je gemacht wurden. Stanley Kubricks "Uhrwerk Orange" erweckt die Fiebernovelle von Anthony Burgess auf so treffende und visuell bestechende Weise zum Leben, dass dieser zeitgenössische Klassiker von 1971 für den Oscar für den besten Film nominiert wurde, obwohl er bei seiner ersten Veröffentlichung in den USA mit einem umstrittenen "X"-Rating versehen war. "Uhrwerk Orange" enthält einen polemischen, nachdenklich stimmenden Kommentar zur dominierenden Nutzung von Verhaltenspsychologie und Konditionierung durch die Regierung sowie eine Untersuchung der Unmoral als Ausdrucksfreiheit mit unvergesslichem Science-Fiction-Schwung.

Es ist ein fast undefinierbares, aber beängstigend nicht allzu fernes, futuristisches Großbritannien, in dem lokale Gangs die Straßen beherrschen, während sie mit Drogen versetzte Vellocet-Milch schlucken und nach wahnsinniger Unterhaltung suchen. Alex DeLarge (Malcolm McDowell) ist der Anführer seiner "Droogs", die sich die Zeit damit vertreibt, Obdachlose zu verprügeln, sich mit anderen Rowdys zu duellieren und in Häuser einzubrechen, um zu stehlen und zu vergewaltigen - eine Freizeitbeschäftigung, die als "Ultrabrutale" bekannt ist. Nach einem solchen anarchischen Chaos verraten Alex' Droogs ihn, woraufhin er von der Polizei festgenommen wird. Er hat die Möglichkeit, sich einer Reihe von Untersuchungstests und einem psychologischen Korrekturexperiment, der so genannten Ludovico-Behandlung, zu unterziehen, um seine Boshaftigkeit zu heilen. Wenn er freigelassen wird, hindert ihn die erfolgreiche Gehirnwäsche effektiv daran, Entscheidungen zu treffen und seinen freien Willen einzusetzen. In seinem neuen schwachen Zustand ist er der Gnade derer ausgeliefert, denen er in seinen Tagen des kriminellen Terrors Unrecht getan hat.

Ein erschreckendes Maß an Nacktheit, Grausamkeit und beunruhigenden Situationen, die jedoch nach heutigen Standards nicht unzumutbar sind, machen "Uhrwerk Orange" zu einem anstrengenden, aber dennoch sehr lohnenswerten Film. Die Aggressionen sind wohl notwendig, um ein lebendiges Bild von aktueller Relevanz zu zeichnen, denn sie stehen in einem parallelen Kontext zu den Qualen, die Alex selbst für seine Schandtaten erleiden muss. Er entscheidet sich wissentlich für Gewalt als rebellischen Akt gegen den Konformismus und zieht dessen Übel dem der kulturellen Trägheit vor. Eine fast opernhafte Musikbegleitung mit schmetterndem Beethoven untermalt fast jede Handlung und schafft einen unbeschwerten elisabethanischen Klang, der die gezeigte Vulgarität gewagt verstärkt. Der Soundtrack ist perfekt auf jede Szene abgestimmt und hat einen hohen Wiedererkennungseffekt.

Ein weiterer eindrucksvoll übersetzter Bestandteil ist die fiktionale Sprache "Nadsat", die von allen Jugendlichen verwendet wird. Obwohl es sich um eine merkwürdige Mischung aus Russisch, Englisch, Idiomen und gereimtem Cockney-Slang und Abwandlungen dieses Jargons handelt, erzählt Alex in dieser Sprache, und trotz der zahlreichen ungewohnten und fremdartigen Ausdrücke können die Rezipienten sie dennoch problemlos verstehen. Der Dialekt ist eine brillante Verschmelzung von zweischneidigen Wörtern und humorvollen Adjektiven, die zwar im Buch viel komplexer sind, hier aber präzise eingesetzt werden.

Wie viele Produktionen, die ihrer Zeit voraus sind, verfügt auch "Uhrwerk Orange" über eine Reihe einzigartiger, einprägsamer und ehrfurchtgebietender Kunstmomente: Alex ist an einen Stuhl gefesselt, dessen Metallzangen ihm die Augen öffnen; Ein Schwenk in Richtung der Gruppe von Droogs, die in sich versunken herumlungern und saufen; Eine temperamentvolle Frau wird von einer phallischen Skulptur erschlagen; Und eine Zeitlupensequenz, in der Alex Georgie (James Marcus) in einen Kanal stößt und die ausgestreckte Hand von Dim (Warren Clarke) anmutig durch ein glitzerndes Messer ersetzt. Hinzu kommen Make-up und Kostüme, die den Bowler-Hut auf makabre Weise unsterblich machten, mit Schamkapseln, blutigen Augäpfeln, die die Ärmel der weißen Uniformen zieren, und dichten falschen Wimpern auf dem unteren Lid einer einzigen Augenhöhle. Der gesamte Look des Films ist so ausgefallen, dass Worte ihm kaum mehr genügen.

"Uhrwerk Orange" ist eine unglaubliche Reise in das glutvolle Genie von Stanley Kubrick und eine meisterhafte Interpretation eines umstrittenen, aber bedeutenden Werks, das oft als unverfilmbar galt. Als Moralstück, in dem es um die Freiheit der Wahl und den Einfluss des Staates auf das Leben der Bürger geht, sind die Themen heute noch genauso aktuell und die Figuren und Haltungen nicht weniger pointiert. Äußerlich mag es sich um Science-Fiction handeln, aber im Kern ist es bissige Satire und erlesende filmische Exquisitität.

"Fifty Shades of Grey 3 - Befreite Lust" von Regisseur James Foley beginnt mit einer Hochzeit, was bedeutet, dass es im vorherigen Kapitel einen Antrag gegeben haben muss. Die Details sind ein wenig schwierig zu sortieren, da die Zeit zwischen den einzelnen Theaterwerken und die Ähnlichkeiten mit anderen seriellen Fantasy-Dramen eine verständliche Verblödung zulassen. Hier ähnelt der pompöse Empfang dem ersten von vielen musikvideoartigen Arrangements. Hoher Reichtum kann alles und jeden zumindest vorübergehend attraktiv und aufregend erscheinen lassen.

"Das gehört dir?", plärrt Anastasia Steele (Dakota Johnson), als sie in den Privatjet von Christian Grey (Jamie Dornan) getragen wird, als wäre es eine Schwelle, die er mit seiner neuen Gemahlin überschreiten muss. Anscheinend hat sie sich nicht die Mühe gegeben, seinen Reichtum oder seine verschiedenen Besitztümer vollständig zu erfassen. Aber so ist das nun einmal mit den turbulenten Romanzen, die Filme wie dieser dem Verbraucher vorgaukeln wollen. "Wir brauchen Sicherheit", sagt Christian Grey in den Flitterwochen am französischen Paloma-Strand, worauf Anastasia entgegnet: "Warum?" Wieder einmal scheint es, als hätte sie sich nie die Zeit genommen, die richtigen Fragen zu seinem Ruhm und Reichtum zu stellen. In der Zwischenzeit bricht eine zwielichtige Gestalt in den Hauptserverraum von 'Grey Enterprises' ein, so etwas wie die Residenz von Batman, stiehlt persönliche Daten und setzt die Einrichtungen in Brand, um seine Spuren zu verwischen.

Das neue Leben der Greys besteht praktisch aus ununterbrochenen Urlauben an exotischen Orten, wobei ihre Entspannung gelegentlich durch spontanen Sex unterbrochen wird, der stets mit Handschellen und Reitgerten unterstützt wird. Kurioserweise ist dieser letzte Teil der "Fifty Shades"-Reihe der am wenigsten grafische der drei Filme. Aus der reichhaltigen Nacktheit und den Ausschweifungen taucht Anastasia Steeles hoffnungslos verdummte Persönlichkeit hervor, doch Dakota Johnson ist dafür zu würdigen, dass sie ihrem hohlköpfigen Neophyten eine angemessene Sympathie verleiht. Ihre Kollegen bei 'Seattle Independent Publishing' glauben, dass sie eher wegen ihrer Verbindungen als wegen ihres Talents befördert wurde, und die Erzählung lässt nichts anderes vermuten, aber sie ist dennoch überzeugend als teils naives, teils hartnäckiges, stetig reifendes Mädchen, das hofft, ihren neuen Ehemann zu einem geeigneten Partner zu formen. Es ist nicht überraschend, wenn das Gerede über ein Baby zu leichtem Hohn führt, zumal es sich um eine weitere wichtige Komponente der Ehe handelt, die völlig unerwähnt blieb.

Während das Bild von einem Audi-Werbespot, der als Verfolgungsjagd dient, zu einem Jet-Set-Tagtraum und wieder zurück zu einem Werbespot für Audi wechselt, gibt es anständigen Humor, weitere verborgene Geheimnisse, einen Hauch von Konflikten und Ehestreitigkeiten zu beobachten. Diese Interaktionen machen tendenziell klar, dass dieses Paar kaum mehr ist als verwöhnte Gören, die nicht auf die Realitäten einer erwachsenen Partnerschaft vorbereitet sind. Sie finden jedoch Zeit, sich gegenseitig die Augen zu verdrehen und nichts zu ernst zu nehmen, was sowohl für die Figuren als auch für die Erzählweise gut ist, da es die überdramatischen, höchst unrealistischen Szenarien viel angenehmer macht.

Der Plot erfindet abgegriffene Zwangslagen für einen filmreifen Prickler, der den Softcore-Beischlaf kompensiert, aber es ist kaum zu übersehen, wie lange es dauert, bis ein einfacher Hintergrund-Check eines alten Chefs durchgeführt wird, wie groß der Spalt unter der Tür des "Spielzimmers" ist, der die samtige Schallisolierung zunichte macht, und wie unerklärlich die Mittel und Fähigkeiten von Jack Hyde (Eric Johnson) sind, als ob er ein Geheimagent wäre. Wenn es richtig komisch wird, ist "Fifty Shades of Grey 3 - Befreite Lust" in seiner Schlechtheit immer noch sehenswert. Eigenartig und unverzeihlich ist, dass die beiden interessantesten Teile des Grey-Puzzles am Ende dieses die Trilogie abschließenden Melodramas völlig ungelöst bleiben. Es scheint, als wären alle BDSM-Komplexe von Christian Grey unbedeutend neben den unbeschränkten finanziellen Mitteln, die abenteuerliche Ausflüge quer durchs Land und ins Ausland ermöglichen.

Die Eröffnungsbilder von "Fifty Shades of Grey 2 - Gefährliche Liebe" von Regisseur James Foley deuten zunächst Christian Greys merkwürdige Vergangenheit an, aber sie sind so flüchtig, dass sich die wirklichen Auswirkungen seiner Erziehung auf seine perverse Präsenz noch nicht genau definieren lassen. Zumindest wird er aber definitiv als Sadist bezeichnet und nicht als eine sexuell dominante Person, die auf der Suche nach einer unterwürfigen Gefährtin ist. Das einzig Interessante an diesem schlecht geschriebenen, unangenehm dämlichen Franchise ist die Frage nach dem Ursprung seiner Eigenarten oder nach den physischen und psychologischen Faktoren, die ihn dazu brachten, den Schmerz anderer zur persönlichen Befriedigung zu fordern. Leider bleiben die Antworten wieder einmal weit entfernt oder gar nicht vorhanden, stattdessen werden Sexszenen gezeigt, die in weitere Sexszenen übergehen und papierdünne Charaktere mit attraktiven Körpern präsentieren.

Im weiteren Verlauf der Handlung hält sich Anastasia Steele (Dakota Johnson) von ihrem ehemaligen Liebhaber, dem Milliardär Christian Grey (Jamie Dornan), fern, nachdem dieser zuvor sein rotes Zimmer voller Peitschen und Fesselungsvorrichtungen offenbart hat. Anastasia arbeitet wieder in einem Verlag, und ihr neuer Chef Jack Hyde (Eric Johnson) ist ein auffällig verfügbarer, potenzieller Verehrer. Doch Christian Grey kann sie nicht gehen lassen. Als sein Freund Jose (Victor Rasuk) eine Fotoausstellung mit Anastasia Steele als einzigem Motiv organisiert, kauft der Milliardär jedes Stück, da er es nicht erträgt, wenn jemand anderes auf seine Beute starrt. Er konfrontiert die junge Frau auf unheimliche, aber erwartungsgemäße und unnachgiebige Weise und weigert sich, ein "Nein" als Antwort zu akzeptieren. Mit seinen unvergleichlich potenten, magischen Worten "Geh mit mir essen" holt Christian Grey Anastasia Steele zurück in sein Leben.

Obwohl Christian Grey den Eindruck erweckt, dass er seine Abhängigkeit von BDSM verringert, fällt es Anastasia Steele und dem Auditorium schwer zu glauben, dass jemand, der so sehr in dieser besonderen Welt der Dominanz und Unterwerfung verhaftet ist, sich jemals wirklich davon lösen könnte. In mehreren dieser ersten Gespräche wird ersichtlich, wie leicht der Sadismus das Blutbedürfnis eines Vampirs ersetzen kann. Und auch wenn sie sich seinen Annäherungsversuchen nur zaghaft widersetzt, ist es offensichtlich, dass die Kombination und Abwechslung von unbegrenztem Reichtum und festen Muskeln ausreicht, um alle ihre Überzeugungen gegen die seichte Wirklichkeit zu unterdrücken.

Es gibt ein bisschen Melodrama, um Konflikte zu schüren, denn es kann nicht nur um Sex und keine Probleme gehen, in Form der hoffnungslos geschädigten unterwürfigen Leila Williams (Bella Heathcote) und der gefährlich eifersüchtigen Elena Lincoln (Kim Basinger), aber die bemerkenswerteste Abweichung ist Jack Hyde, dessen Charakter frappierend verschwendet wird. Anstatt eine vernünftige Dreiecksbeziehung zu inszenieren, in der Anastasia Steele die Pervertierungen von Christian Grey gegen die Normalität eines gleichwertigen, ebenso erfolgreichen, gut aussehenden und leistungsfähigen Mannes abwägen muss, wird Jack Hyde in einen unsinnigen, verachtenswerten Antagonisten verwandelt. Außerdem ist es schwierig, mit jemandem zu konkurrieren, der die Arbeitgeber der Konkurrenten aufkaufen und das berufliche und soziale Leben manipulieren kann.

Um die Beziehung, die Anastasia Steele dankenswerterweise an einer Stelle mit dem Besitz vergleicht, noch weiter zu entwerten, wiederholt Christian Grey, dass er alle 15 Minuten 24.000 Dollar verdient, was zweifellos dazu beiträgt, seine Zielperson aus den Socken zu hauen. Das ist beeindruckend für jemanden, der mit einem "Riddick - Chroniken eines Kriegers"-Poster an seiner Schlafzimmerwand aufgewachsen ist. Für ihn besteht die Kunst der Verführung aus Geld, dann aus krummen Bauchmuskeln und schließlich aus noch mehr Geld. Der Betrachter bekommt Jamie Dornan ziemlich oft ohne Hemd zu sehen, die erste Sexszene kommt in knapp 30 Minuten, was angesichts des Materials eine humorvoll strapaziöse Vorfreude ist, während Dakota Johnson häufiger nackt zu sehen ist, was das Zielpublikum vielleicht weniger interessiert. Da die Autorin E.L. James irgendwann einmal "Geschichte der O - Untold Pleasures" oder "Eyes Wide Shut" gesehen haben muss, gibt es auch einen Maskenball, der, so ereignislos er auch ist, das größte Spektakel in "Fifty Shades of Grey 2 - Gefährliche Liebe" sein könnte. Aber Anastasia Steele wird sich in ihrem neuen Leben wahrscheinlich schnell langweilen, da sie zum ersten Mal an einer solchen Kostümparty teilnimmt, während sie gleichzeitig Metallkugeln in ihrer Vagina beherbergt.

Der Rest von "Fifty Shades of Grey 2 - Gefährliche Liebe" besteht größtenteils aus Urlaub und den Aktivitäten, die das Vermögen eines Milliardärs zulässt, unterbrochen von gelegentlichen Streitereien, Absprachen oder Feiern, die jeweils in Sex übergehen, als ob jede Interaktion emotional identisch wäre. Anastasia wandert wieder in den roten Raum und wird immer neugieriger, je mehr sie sich darum bemüht, ihren Mann zu behalten. Das einzig Wirksame an dem Ganzen ist Dakota Johnsons kontinuierlicher Kampf mit dem Lachzwang. Es ist durchaus glaubhaft, dass die Schauspielerin sich jedes Mal ein schallendes Gelächter verkneifen musste, wenn ein leicht unanständiger Geschlechtsakt vorgeschlagen wurde. Beängstigend ist, dass "Fifty Shades of Grey 2 - Gefährliche Liebe" in dem Maße, in dem sie in Christian Greys Kaninchenbau voller Abartigkeiten hinabsteigt, einer Blaupause für die Gestaltung einer Frau ähnelt, die völlig gestrandet, hilflos und ihrem Triebtäter ausgeliefert ist, wenn er ihrer überdrüssig wird und droht, sie zu verlassen. Oder vielleicht hat sie Glück, denn es wird angedeutet, dass sie während einer 45-sekündigen Fahrstuhlfahrt nur mit Hilfe von Christian Greys rechter Hand zum Orgasmus kommen kann. Zum Glück geht am Ende alles gut aus, denn bizarre oder geradezu schädliche sexuelle Neigungen lassen sich nicht mit extremem Wohlstand und muskulöser Ausprägung in Einklang bringen.

In "Fifty Shades of Grey" von Regisseurin Sam Taylor-Johnson begibt sich eine frivol gekleidete Anastasia Steele (Dakota Johnson), die mit einem Notendurchschnitt von 4,0 und englischer Literaturromantik auftrumpft, zum Grey House in Seattle, um ein Interview mit dem reichen Telekommunikationsmagnaten Christian Grey (Jamie Dornan) zu führen. Sie springt für ihre kranke Mitbewohnerin Kate (Eloise Mumford) ein, die eine Reihe hoffnungslos uninteressanter Fragestellungen vorbereitet hat, die Anastasias Unvorbereitetheit, ihre Tapsigkeit und ihr nervöses Verhalten nur noch verstärken. Dennoch ist der unterkühlte, gefasste, intensive Christian Grey von der jungen Frau fasziniert, ebenso wie sie selbst sofort in ihn vernarrt ist.

Am nächsten Tag überrascht Christian Grey Anastasia Steele bei ihrem Job als Verkäuferin in einem Eisenwarenladen. Damit beginnt eine Reihe von Flirts und Interaktionen, die zu wiederholten Besuchen in seinem luxuriösen Apartment führen. Dort offenbart sie ihre Unerfahrenheit im Umgang mit Männern und er spielt auf seine eigenen obskuren Geheimnisse an, nämlich Peitschen und Ketten. Eine der Regeln von Dominanz und Unterwerfung ist zwar die einvernehmliche Teilnahme, aber "Fifty Shades of Grey" bricht sofort seine eigenen Prinzipien, indem Christian Grey versucht, Anastasia Steele in eine Rolle zu zwingen, in der sie sich nicht wohlfühlt, und umgekehrt, da sie hofft, seine extremen sexuellen Vorlieben für die üblichen Umwerbungsgewohnheiten eines Abendessens und eines Films zu verjüngen. Die fehlende Chemie zwischen den beiden scheint zu einer Romanze zu passen, die eine fleischliche Novizin und einen gefühlsgestörten Roboter verbindet.

Bei all der Werbung und dem Hype ist es schwierig, die Hauptattraktion von "Fifty Shades of Grey", also die sadomasochistischen Tändeleien und die angedeutete überbordende Erotik sowie die vielen grafischen Nacktszenen, völlig aus den Augen zu verlieren. Bondage ist sicherlich kein Thema, das regelmäßig im Mainstream-Kino vorkommt. In den Dialogen werden häufig Andeutungen über Christian Greys ungewöhnliche Vorlieben gemacht, die bei Kennern der Materie für manchen Lacher sorgen werden. "Du bist der totale Serienkiller", scherzt Anastasia, während Christian Grey Kabelbinder, Klebeband und Seile kauft, also Werkzeuge für sein einzigartiges Spielzimmer. Wäre die Publicity um "Fifty Shades of Grey" nicht gewesen, hätte der erste Akt eine typische romantische Teenie-Komödie werden können.

Leider ähneln die Koketterien dem Geplänkel von Bella und Edward, was nicht verwunderlich ist, wenn man bedenkt, dass das Projekt als "Twilight"-Fanfiction entstanden ist. Die Ähnlichkeiten hören jedoch dort auf, wo die traumhafte Romanze, die etwas von einem aggressiveren "Pretty Woman" hat, sich von alltäglichen "Cinderella"-Träumereien in "Geschichte der O - Untold Pleasures" oder die vielen "Emmanuelle"-Filme und ihre urheberrechtsumgehenden Derivate von Laura Gemser verirrt (Emanuelle ohne 'm'). "Ich habe mit Romantik nichts am Hut", betont Christian Grey, wenngleich er dazu neigt, Anastasia Steele vor ihrer eigenen Trunkenheit zu retten oder sie auf abenteuerliche Dates mitzunehmen. Später treibt auch die Erwähnung von Genitalklemmen und Analfisting einen Keil zwischen die juvenilen Provenienzen.

Unter einer besonders wohlfeilen Prämisse ist der Hauptdarsteller ein Milliardär, der in der Lage ist, Hubschrauberflüge, schicke Autos und opulente Behausungen anzubieten. Dies vernebelt Anastasia Steeles Motive, da der Zuschauer nie sicher sein kann, inwieweit der unerschöpfliche Reichtum ihre Optionen beeinflusst. Die Versuchung zur Promiskuität geht über in eine Verlockung der wirtschaftlichen Perspektiven. Christian Grey hat auch viel Zeit, um das ganze Wochenende lang Geschlechtsverkehr zu haben. Um das Gleichgewicht zu halten, werden kleine humanistische Häppchen eingeworfen, wie eine neugierige Mutter und Geschwister, sowie eine kurze Geschichte über die Ursache von Christian Greys sexueller Normabweichung, die einen Eindruck von den wenig interessanten psychologischen Metamorphosen und den Manifestationen des Missbrauchs vermittelt - die Gründe für BDSM sind vermutlich die ergreifendsten Merkmale des Verhaltensmusters.

Die Vorstellung von Verantwortungslosigkeit und von Entscheidungsfreiheit ist relativ pikant, aber die Idee von Schmerz als Vergnügen ist außerhalb der filmischen Welt der Zenobiten aus "Hellraiser" schwer zu akzeptieren. Zumindest wird in "Fifty Shades of Grey" die Verwendung von Kondomen deutlich gemacht. Aber unabhängig von der Thematik oder dem Plunder, der die originellen Charakterdesigns ersetzt, ist der unverzeihlichste Gesichtspunkt das Ende des Films. Da es sich um den ersten Teil einer Trilogie handelt (Rezensionen folgen), ist "Fifty Shades of Grey" nicht einmal ansatzweise eine vollständige Geschichte. Dieses gesamte erste Kapitel ist nur die Einleitung, die zu etwas führt, das weit weniger als ein adäquater Film ist.

In "Ghoulies" von Regisseur Luca Bercovici soll bei einem satanischen Ritual, das von dem grün leuchtenden, mit einem Messer bestückten Malcolm Graves (Michael Des Barres) und seinen weiß gekleideten Anhängern geleitet wird, ein Baby geopfert werden. Doch die Mutter des Kindes greift in letzter Sekunde ein, so dass das Kleinkind von dem Teilnehmer Wolfgang (Jack Nance) gerettet werden kann, der schwört, die Identität und Geschichte des Jungen geheim zu halten. Der inzwischen erwachsene Jonathan Graves (Peter Liapis) und seine Freundin Rebecca (Lisa Pelikan) kehren in das alte, knarrende und heruntergekommene Herrenhaus zurück, in dem der Luzifer-Ritus einst stattfand. Wolfgang arbeitet jetzt als Platzwart und schweigt immer noch über die okkulten Ereignisse, die sich auf dem Gelände abgespielt haben.

Jonathan und Rebecca beschließen, eine Party mit Dutzenden von Freunden zu veranstalten, um das Haus zu beleben. Als die Feierlichkeiten und die Energie nachlassen, schlägt Jonathan vor, ein dämonisches Ritual durchzuführen, um einen Geist zu beschwören. Niemand stellt sich die Frage, warum sie eine so merkwürdige Absicht haben oder warum so viele Skizzenbücher mit Pentagrammen und satanischen Bildern überall auf dem Grundstück herumliegen. Keiner scheint wirklich besorgt darüber zu sein, dass Robin (Charene Cathleen) auf unerklärliche Weise verschwindet, während sich alle im Keller versammeln, um den Ablauf zu verfolgen. Später taucht sie draußen auf, bietet aber keine Erklärung für ihren körperlichen Wandel. Am nächsten Tag ist Jonathan wie besessen davon, die in den Büchern dargestellten Höllenübungen nachzumachen und das große Haus zu renovieren, und erzählt Rebecca, dass er die Schule verlässt, um das Anwesen in Ordnung zu bringen. Außerdem schmiedet er einen Talisman zu Rebeccas Schutz, beginnt zu fasten, setzt seine Studien der schwarzen Magie fort und beschwört schließlich eine Schar kleiner, böser Ghule herauf, die zum Entsetzen seiner Freundin seine Wünsche erfüllen sollen.

Während der Film kaum mehr als eine Abwandlung von "Gremlins" ist, hat "Ghoulies" einen düsteren, dunkleren Ton, der sich nicht verschiebt. Es ist routinemäßig ernst, außer dass das ständige sinnlose Gemurmel, das Geschrei und die undefinierten Kräfte des besessenen Jonathan trotz der kurzen Laufzeit abwechselnd langweilig und grob untererklärt sind. Die Monster selbst sind gummiartige Puppen, die alles andere als niedlich sind, dafür aber eine befremdliche Hässlichkeit an den Tag legen, die von ganzem Herzen lachhaft ist. Viele Szenen mit den Ghoulies sind ausgelassen und ungewollt drollig. Die Spezialeffekte sind veraltet, aber nutzbringend, mit Kreaturendesigns und Effekten von mechanischen und visuellen Künstlern, unterstützt durch anständige Kostüme, Visagen und Garnituren. Gegen all die lohnenswerten Elemente setzt "Ghoulies" jedoch banale, schnöde Dialoge und abgestandene Darsteller ein.

Da Charles Band als ausführender Produzent fungierte, hatte "Ghoulies" nie eine ausreichende Chance, über die flapsige B-Movie-Atmosphäre hinauszuwachsen, die sich durch alle seine Produkte zieht. Wolfgang kommentiert an den denkbar ungünstigsten Stellen und völlig überflüssigerweise Begriffe, die auf dem Bildschirm deutlich zu erkennen sind. Und eine junge Mariska Hargitay, die aus "Law and Order: Special Victims Unit" bekannt ist, hat eine kurze Funktion als Donna, eine Partylöwin, die eine Partie Trivial Pursuit vorschlägt, bevor die winzig kleinen, zähnefletschenden Geschöpfe aus dem Jenseits herbeigerufen werden. Letztendlich gibt es keine heldenhaften Protagonisten, keine verwerflichen Superschurken und keine großen emotionalen Gefühle, sondern nur ein paar wenig denkwürdige Gewaltszenen mit untoten Wesen und einige absolut idiotische Einfälle, wie eine dicke, mit Krallen versehene Reptilienhand, die aus dem Schlund eines Clowns austritt und grünen Glibber verspritzt.

Jeder, der mit dem Werk des Schriftstellers Tucker Max vertraut ist, kann sich denken, dass "I Hope They Serve Beer in Hell" des Regisseurs Bob Gosse mit ununterbrochenen vulgären Äußerungen ausgestattet ist. Das wahre Leben und der Humor kommen zum Vorschein, wenn auch die moralische Komponente bei solch entsetzlichen Handlungen einen unwahrscheinlichen Märchencharakter hat und das Gelächter von Abscheu und Schock herrührt. Doch wer sich von solch bissigen Possen unterhalten lassen will, wird in den Geschichten von Tucker Max fündig. Das weibliche Publikum sollte gewarnt werden, dass sexistisches und frauenfeindliches Verhalten eher geduldet als verurteilt wird. In der Welt von Tucker Max sind nicht nur die netten Jungs die Letzten, sondern auch der verachtenswerteste Anteil bekommt die Mädchen und rettet den Tag.

Es ist wie "Jackass" ohne die Stunts, was bedeutet, dass es laut, unausstehlich und abrasiv ist, aber es fehlt eine einzigartige Perspektive. Was an der vignettenartigen Vorlage innovativ war, wird auf der großen Leinwand nicht umgesetzt. Stattdessen werden die witzigsten Stellen zu einem Road-Trip-Movie zusammengeschustert, das nur so vor Konstruiertheit stinkt. Es gibt zwar unbestreitbar einige kreative Freiheiten in der Wahrheit, aber zu viel davon wurde schon einmal gemacht. Wie in "Hangover". Mit nur einem wirklich empörenden, ekelerregenden Gag wird "I Hope They Serve Beer in Hell" wahrscheinlich nur für diese eine Szene wiedererkannt werden.

Im Vorspann steht: "Basierend auf einer wahren Geschichte... Leider". Was folgt, ist ein ausgesprochen herber und bitterer Geschmack, vor allem dann, wenn Tucker Max' (Matt Czuchry) anfängliche Schlagfertigkeit, Aufmerksamkeit und Intelligenz einem Amüsement weichen, das auf der Zerstörung des Selbstwertgefühls und der Besonnenheit anderer beruht. Ein paar seiner Metaphern sind nicht ganz so abweisend, aber die einfachsten Lachnummern sind Abwehrmechanismen, die sich über Frauen, ihre nervigen Persönlichkeiten und andere unerwünschte Verhaltensweisen lustig machen, um seine Freunde zu beeindrucken. Was vielleicht noch schlimmer ist: Die Damenwelt liebt ihn, auch wenn er ein widerliches, chauvinistisches Schwein ist. Wird er sich reformieren? Wird er seine eingleisige Denkweise beibehalten? Ist es wirklich wichtig, was Tucker Max machen würde? Der Plot mit dem schiefgelaufenen Junggesellenabschied ist sicherlich nicht neu, ebenso wenig wie die stereotype Gruppe von Freunden mit gegensätzlichen Positionen oder die vorhersehbare Darstellung des letzten Endes von "I Hope They Serve Beer in Hell".

In dem Film "Barb Wire" von Regisseur David Hogan hat während des zweiten amerikanischen Bürgerkriegs eine tyrannische Gruppe namens 'Congressional Directorate' die Kontrolle übernommen und alle Städte unter Kriegsrecht gestellt. Die letzte freie Stadt, wird zwar nicht von den korrupten Machthabern überwacht, aber sie ist von Chaos und Kriminalität geprägt und macht Platz für eine neue Art von Söldnern. Im Jahr 2017 nimmt Barbara "Barb Wire" Kopetski (Pamela Anderson) einen Job als Tänzerin in einem verruchten Nachtclub an, der von Sharif (Shelly Desai) geleitet wird und in dem die Prostitution für den wohlhabenden Mr. Santo (Michael Russo) an der Tagesordnung sind. Aber Barb Wire ist nicht da, um durchgeschwitzte Kundschaft zu bespaßen, sondern sie soll eine entführte junge Frau für einen bestimmten Preis retten.

Die Vorspannsequenz zeigt Pamela Anderson beim Striptease, auf der Bühne tanzend und auf einer Schaukel wogend, während Wasser auf sie herabprasselt und ihre enormen Brüste aus ihrem schwarzen Lederkleid hervorquellen. Nach dieser Einleitung ist klar, dass "Barb Wire" nicht sonderlich an einer Geschichte interessiert ist. Der Hauptgrund für seine Existenz besteht darin, dass sein Star von einem knappen Outfit oder einer Entkleidungsart zur nächsten wechselt. An einer Stelle nimmt sie sogar ein Schaumbad in einer durchsichtigen Wanne, nur damit die Betrachter unter die Wasserlinie sehen können. Es gibt auch actionreiche Augenblicke und Feuergefechte in Zeitlupe, aber sie ragen nicht sonderlich heraus.

Die Grundlage ist ein naheliegender Diebstahl von "Casablanca", sogar mit dem minimal futuristischen Dekor und der Modernisierung von Sex, Nudismus, Misshandlung und Bluttod, die "Barb Wire" eine schärfere Kante verleihen, jedoch weit geringer als der heroische, romantische Charme. Die Noir-Sprachausgabe von Barb Wire, die alle Informationen aus dem Anfangstext wiederholt. Die Schergen unter der Führung von Colonel Pryzer (Steve Railsback), die alle wie Nationalsozialisten aussehen, werden von Alexander Willis (Xander Berkeley) angeführt, dem örtlichen Gesetzeshüter, der sich der Seite anschließt, die gerade die Oberhand hat. Es gibt Rückblenden auf kriegerische Liebesbeziehungen, und die neutrale Lobby, in der jeder willkommen ist, sind alles Anspielungen auf den Filmklassiker von 1942. Die visuellen Ähnlichkeiten sind unwesentlich, vor allem wenn Pamela Andersons praller Busen zu betrachten ist.

"Barb Wire" hat einen überwiegend seriösen Ansatz, was dem Film nicht sonderlich förderlich ist. Um diese Art von schematischem, exploitativem B-Movie zu schaffen, musste ein selbstbewusster Alkoholismus zutage treten. Jedes Mal, wenn der Film versucht, sich dem Thema mit Ernsthaftigkeit zu nähern, wird er nur noch unfreiwillig dämlicher, bis auf das Ergebnis, in dem sich der normalerweise versteinerte Antagonist in einen glucksenden Deppen transformiert. Wenigstens ist der Kulminationspunkt voll von Explosionen, Auto- und Motorradverfolgungsjagden, Ballereien, Kranfahrten und dem kurzweiligen Tod des kleinen Mistkerls Big Fatso (Andre Rosey Brown), obwohl selbst in diesem Tumult klar ist, dass Pamela Anderson keine bedeutende Filmdarstellerin ist.

Es ist schwer zu sagen, ob das Disney-Nachmittagsprogramm aus den 80er Jahren noch genügend Anhänger hat, was im Drehbuch von "Chip und Chap: Die Ritter des Rechts" von Regisseur Akiva Schaffer selbst vermerkt ist, aber diese Neuinterpretation und eine Art Neustart basiert nicht genau auf dieser Produktion. Er nutzt im Wesentlichen nur die Hauptfiguren, um seine eigene neue Welt zu erschaffen. Auf faszinierende oder absonderliche Weise kombiniert diese Perspektive Live-Action-Schauspieler, fotorealistische und stilisierte 3D-Figuren, traditionell animierte Persönlichkeiten aller Stile und Genres, Stop-Motion und sogar Puppen und Marionetten. Es gibt Miniaturgebäude für kleinere Rollen, Cartoon-Fahrzeuge und echte Tiere als Begleiter. Es handelt sich um ein unglaublich originelles und doch höchst unstimmiges Universum, in dem nichts so recht zusammenpasst, obwohl zumindest die Dialoge erkennen lassen, wie bizarr der ganze Mummenschanz ist.

Die Epochen haben sich geändert, und die Anspielungen auf die Originalserie werden den jüngeren Generationen sicherlich entgehen, aber das Drehbuch wurde vor allem für den modernen Betrachter aktualisiert. Die meisten Witze und Sticheleien basieren auf Konzepten und Entitäten der letzten Jahre, wie etwa der missgestalteten Version von Sonic, die in den sozialen Medien zu einem Gesichtslifting verhöhnt wurde. Obwohl es sich bei der Hauptgeschichte um eine nicht wiederzuerkennende und uninspirierte Entführung handelt, ist sie im Wesentlichen eine Ausrede für die Drehbuchautoren und die eigenwilligen Stars, um eine Sammlung zusammenhangsloser Gags und Spruchzeilen aneinander zu reihen, sowie eine Fülle von Cameos verschiedener Charakteristika, die sehr umfangreich und unvorhersehbar sind, wenn man bedenkt, dass Disney jetzt eine absurde Anzahl von anderen Studios und Urheberrechten besitzt.

"Chip und Chap: Die Ritter des Rechts" ist leicht abenteuerlich, die Laufzeit ist nicht übermäßig lang, aber durch die Mischung aus animierten Wirklichkeiten gibt es kein reales Gefahrengefühl oder eine unmittelbare Botschaft. Es fällt schwer zu wissen, was in einem so disharmonischen Universum möglich oder unmöglich ist. Erfreulicherweise funktioniert ein gewisses Maß an Selbstreferenz, einschließlich der Bezugnahme auf den Titelsong, der am Ende des Films auf kommerziell frustrierende Weise wiederholt wird, auch wenn es nur selten oder gar nicht zu richtigen Lacherlebnissen kommt. Letztendlich ist das Ergebnis nicht clever genug, um das Franchise tatsächlich neu zu starten, aber wenn "Chip und Chap: Die Ritter des Rechts" erfolgreich ist, könnte es die gleiche Wiederbelebungstaktik für andere vergessene Disney-Serien bieten.

"Ich trage keine Hosen!"

In "Bullets of Justice" von Regisseur Valeri Milev kotet Yuri, der halb Schwein, halb Mensch-Hybrid, plötzlich vor Angst auf die schmutzige Straße, als Kopfgeldjäger Rob Justice (Timur Turisbekov) ihm eine Waffe an den Kopf hält. Nach einer schnellen Hinrichtung taucht ein weiterer 'Muzzle' auf, so der Spitzname für die Schwein-Mensch-Kreuzung, diesmal ein Polizisten-Schwein mit Jetpack und zwei Maschinengewehren, um eine weitere Auseinandersetzung zu beginnen. Rob erzählt mitten in der Zeitlupenexplosion, wie sich die Zivilisation in das postapokalyptische Ödland verwandelt hat, das sie jetzt ist. Vor Jahren, während des Dritten Weltkriegs, starben 70% der Menschen, weil sie einem Umsturz und einer Eroberung durch die Muzzles zum Opfer fielen, deren Ursprung unbekannt ist, wobei die Amerikaner die Russen und die Russen die Amerikaner für abscheuliche genetische Experimente beschuldigten.

Letztendlich muss Rob die Bemühungen des menschlichen Widerstands anführen, um das Mutterschwein aufzuspüren und zu töten, ein Wesen, das Gerüchten zufolge die Macht über alle Muzzles besitzt. Trotz dieser irrwitzigen Ausgangslage sind die Charaktere größtenteils aufrichtig und die Schauplätze sind glaubhaft und öde, aber "Bullets of Justice" ist eine Anspielung auf den futuristischen Survival-Horror, und die Kostüme und das Make-up erinnern an "Mad Max: Fury Road". Der Schnitt unterstreicht dies durch ablenkende Einschnitte, die das Fehlen echter Stunts verbergen, und durch ein extrem entsättigtes Farbschema, das die äußerst minderwertigen Spezialeffekte verdeckt. Nichtsdestotrotz gibt es eine Konsistenz in den Bildern, auch wenn sie sich bemühen, etwas anderes als Schund zu vermitteln.

Robs erwachsene Schwester Raksha (Doroteya Toleva) trägt einen vollen Schnurrbart und Cyborgs werden als Hilfskräfte eingesetzt. Rob kann nicht aufhören, obsessive Visionen von einem männlichen Model (Semir Alkadi) mit einem wohlgeformteren Hintern als seinem eigenen zu haben. Benedict Asshole ist ein Muzzle, dessen Gesicht wie sein eigener Name aussieht, dessen Kinn wie ein Hoden geformt ist und der durch seine Flatulenzen spricht, während Danny Trejo, der aussieht wie ein Überbleibsel aus einem seiner vielen anderen Projekte, einen Auftritt als Robs Vater hat. Die schroffe Skurrilität, die erzählerischen Ungereimtheiten und die Unstimmigkeiten zwischen den Charakteren sind nur ein Teil des absichtlichen Unsinns, in der Hoffnung, auf Schritt und Tritt zu schockieren oder zu belustigen. Der Humor in all dem mag auf der Hand liegen, aber das gilt auch für die gelegentlich überzogenen Groteskapaden.

Für einen Film mit einem furchtbar generischen Titel hat "Bullets of Justice" eine ganz und gar einzigartige Geschichte. Aber das ist nicht immer etwas Gutes. Am auffälligsten ist die Gewalt, die so exzessiv und brutal ist, dass man sie kaum als gewollt komisch abtun kann. Dennoch hat die Kreativität der nackten Leichen, die als Tarnung oder als Ganzkörperverkleidung dienen, etwas makaber Humoreskes, und die blitzartigen, zombiehaften Angriffe der waffenschwingenden Schweinemonster sind einigermaßen amüsant. Aber die zerhackte Zeitlinie, unerklärliche technologische Irrwege, einschließlich Zeitreisen, und häufige inzestuöse Handlungen drohen den Unterhaltungswert von extravagantem Blutexzess, ausschweifender Nacktheit und eher traditionellen Exploitation-Elementen zu stören.

Die Schäbigkeit von "Bullets of Justice" ist Teil des Charmes, die Verschrobenheit der Figuren ist vergnüglich, und das Mutanten-Chaos, die musikalischen Gags, die sexuellen Witze und die völlige Absurdität der Handlung halten das Interesse aufrecht. Aber es ist so unglaublich kurios, dass es manchmal schwierig ist, zu erkennen, was lustig sein soll und was nicht - zum Beispiel, wenn Rob übermäßig viel Zeit damit verbringt, einen Knoten an einer Einkaufstüte mit einem abgetrennten Kopf darin zu lösen. Letztendlich ist es wie eine Kreuzung aus "Mandy", "Zoolander", "Operation: Overlord", "Time Bandits" und "Brüno", die sich schließlich in etwas verwandelt, das weniger als ein kompletter Film ist, als ob zwei verschiedene Erzählungen mit gegensätzlichen Visionen für eine Spielfilmlänge zusammengenäht wurden. Zumindest ist es unverkennbar individuell und steckt voller Potenzial.

Regisseur Kirill Sokolov zeichnet in "No Looking Back" ein wildes, genreübergreifendes Porträt dreier Mütter und von Mütterchen Russland selbst, die vergeblich vor einem gewalttätigen Vermächtnis fliehen. Der Film beginnt mit einem Querschnitt, der Vergleiche und Kontraste zeigt. Während die Teenagerin Masha (Sofya Krugova) im Freien auf einem Laufrad rennt und dabei mit grober Wildheit flucht, wird die temperamentvolle Erwachsene Olga (Viktoriya Korotkova) in einem Frauengefängnis kurz vor Ablauf ihrer vierjährigen Haftstrafe wegen des Angriffs auf einen Polizisten brutal behandelt und gefoltert. Olga kann es kaum erwarten, freigelassen und mit ihrer Tochter Mascha wiedervereint zu werden, um sie aus der Provinz in ein neues Leben und zu einem neuen Mann in die Stadt zu bringen, aber sie ist nicht die einzige Mutter in "No Looking Back". Denn der junge Gefängniswärter (Daniil Steklov), der Olga brutal verprügelt, tut dies auf Anweisung seiner Mutter, der Aufseherin (Olga Lapshina). Selbstverständlich hat Olga ihre eigene Mutter, die formidable Vera Pavlovna (Anna Mikhalkova), aus ihrer Ohut sie Masha schließlich entführt.

"No Looking Back" artikuliert seine Erkundung von Familie und Legat durch die Grammatik des Genres, da diese verschiedenen Charaktere einander gegenüberstehen und ihre verschiedenen Lektionen während einer verrückten Fahrt auf Russlands Nebenstraßen lernen. Die knallharte Matriarchin Vera ist fest entschlossen, Mascha zurückzubekommen, und ist nicht besorgt, sogar begeistert, dass Olga etwas zustoßen könnte. Sie rekrutiert den örtlichen Polizisten Oleg (Aleksandr Yatsenko), der ihr helfen soll, ihre flüchtige Tochter und Enkelin aufzuspüren. Doch Oleg, dessen fehlendes Auge der Grund dafür ist, dass Olga überhaupt ins Gefängnis kam, schwärmt immer noch für seine Ex und ist nun hin- und hergerissen zwischen dem Geld, das Vera ihm angeboten hat, und seiner anhaltenden Liebe zu Olga. Was folgt, ist ein heilloses Durcheinander von gegensätzlichen Werten und der Art von harter Liebe, die tiefe Narben hinterlässt.

In der Eröffnungsszene von "No Looking Back" sehen wir, wie Mashas Beine von dem Laufband, auf dem sie trainiert, hochfliegen und für einen Moment wie eingefroren im Bild schweben. Auch der Film endet mit einem Standbild, in dem sich Mascha noch einmal in der Luft befindet. Hier zeigt sich die widersprüchliche Dynamik, die das komplexe Porträt einer engen, aber ausgefransten Verwandtschaft vorantreibt: der Wunsch nach Flucht und Entkommen und das unvermeidliche Bedürfnis, wieder dorthin zurückzukehren, wo man angefangen hat. Dies ist ein Film über starke Frauen und schwache Männer, genauer gesagt über drei Generationen von Frauen, die sich alle ähnlicher sind, als sie zugeben wollen. Er ist hell und lebendig, mit sommerlichen Farben, die in der Nachbearbeitung auffällig übersättigt wurden. Diese stilisierte Hyperrealität ergänzt die Blitzlichter der Hyperviolenz, die dieses komisch überzeichnete Drama über Familienbande und häusliche Dysfunktion und über Kinder, die nie zu weit vom Stamm abfallen, regelmäßig unterbrechen. Es ist auf seine Weise auch ein Bild von Mütterchen Russland, das sich aus dem Gefängnis seiner gewalttätigen Vergangenheit zu befreien versucht, aber am Ende immer wieder zurückblicken und ihre Herkunft als wesentlichen Teil ihrer Identität akzeptieren, wenn nicht sogar umarmen muss.

In "Vor Morgengrauen" von Regisseur Jeff Lieberman sehen wir Vachel (Charles Bartlett) und seinen Onkel Ty (Mike Kellin) in einer klapprigen alten Kirche herumstöbern, Alkohol trinken und feiern, dass sie einen Dollar erbeutet haben. Doch ihre Freude wird von einem keuchenden, gackernden, korpulenten Fremden unterbrochen, der Vachels Truck einen Hügel hinunterstößt, so dass er in Flammen aufgeht, bevor er Vachel mit einer riesigen, gezackten Klinge in die Leiste sticht. Ty flieht in Panik, gerade als ein Quintett von College-Kids den Berghang hinauffährt, um in 4.000 Metern Höhe zu campen.

Die sensationelle Musik von Brad Fiedel klingt wie aus einem Sci-Fi-Thriller, abgesehen von den nervtötenden Pfeiflauten, die als markantes Leitmotiv gelegentlich auftauchen. Das ist eine starke Komponente für diesen relativ unbekannten Low-Budget-Slasher, in dem keine Stars zu sehen sind, der sich aber weigert, auf die erwarteten, typischen Weisen zu versagen, die vergleichbare Filme oft befallen. Ein zweiter positiver Faktor ist, dass die Akteure alle recht souverän sind. Im Gegensatz zu seinen schäbigeren exploitativen Vertretern sind die Schauspielleistungen auffallend überzeugend, trotz der verschiedenen Possen, der Sauferei, des Herumknutschens und dem kindlichen Gequatsche verraten die Charaktere nie ein Gefühl von Amateurhaftigkeit. Es gibt sogar eine Reihe von Stunts, die die Grenzen der Produktion zu sprengen scheinen.

Ein weiteres Beispiel für die hohe Wertigkeit des Films ist die gelungene Gestaltung der Kinematographie. Die Außenaufnahmen heben die Schönheit des Silver Falls State Park in Oregon hervor, der eine seltene Umgebung bietet, in der sich Angst und Entzücken abwechseln. Selbst die Nachtszenen sind kontrastreich und klar. Das Gelände bietet ein ständiges Spielvergnügen, von Abhängen, die man hinunterrutschen kann, über Wasserfälle, in denen man baden kann, bis hin zu Seilbrücken, die man überqueren und umgestürzte Baumstämme, die man umgehen muss. All das sind kleine Hindernisse, die eine Gruppe unvorbereiteter Stadtbewohner ausbremsen, die sicherlich nicht bereit sind, einen geistesgestörten, mit einer Machete hantierenden Killer zu bekämpfen.

Es ist augenfällig, dass "Vor Morgengrauen" einige seiner Horror- und Survival-Elemente aus "Beim Sterben ist jeder der Erste" entlehnt hat, während die Herangehensweise an die Dreharbeiten von "Blutgericht in Texas" beeinflusst wird. Aber der Film wirkt auch frisch in seinem Feingefühl für langsames Heranpirschen und glaubwürdige Panik und Furcht. Die Protagonisten begehen zwar die klassischen Fehler, sich zu trennen, Bedrohungen zu ignorieren und alleine herumzulaufen sowie enge Kleidung zu tragen, Nacktbaden zu gehen und zu kokettieren, aber das gleichmäßige Tempo, der subtile Realitätsgrad der Angriffe und die kreativen Einstellungen, die für Spannung sorgen, zeichnen "Vor Morgengrauen" aus. Die Zahl der Leichen ist gering und der Blutzoll minimal, die übelsten Tode finden außerhalb des Bildschirms statt, aber keiner der beiden Punkte schadet der Effizienz, auch wenn das Finale ein wenig überzogen ist. "Vor Morgengrauen" ist im Ganzen ein unerwartet geglückter Slasher.

"Fear and Loathing in Las Vegas"

"Ich werde dir jetzt erstmal ein Paar Sachen erklären. KANNST DU MICH HÖREN?!"
"Was zum... Was zum Henker haben wir hier draußen mitten in der Wüste verloren???" *angsteerfüllter blick* "Wir brauchen Hilfe, wir brauchen Hilfe" *HUUUUUUUUUP*
Ich habe Tränen gelacht bei der Szene wo Benicio Del Toro den Reporter im Aufzug mit dem Messer bedroht wobei auch Schnodder aus meiner Nase floss. "Du willst sie beeindrucken? Pinkfarbene Schwuchtel! Beeindrucke sie mit mir... Beeindrucke sie mit mir!"
"Scheiße, hast du gesehen was Gott uns gerade angetan hat, man?!"
"Das war nicht Gott das warst du! Du bist ein beschissener Drogenfahnder, ich wusste es. Das war unser Kokain du dämliche Ratte, du Mistkerl!!"

"Little Nemo - Abenteuer im Schlummerland" unter der Regie von Masami Hata und William T. Hurtz basiert größtenteils auf Konzepten von Ray Bradbury, mit einem Drehbuch, das zum Teil von Chris Columbus und Jean Giraud, einem Konzeptkünstler für "Alien", stammt, sowie einer Adaption eines Winsor McCay-Comicstrips. George Lucas und Chuck Jones wurden gebeten, den Film zu produzieren, Brad Bird steuerte einen Teil der Animationen bei, Hayao Miyazaki arbeitete an der Vorproduktion, bevor er das Projekt verließ, und die Sherman Brothers schrieben die Songs. Doch trotz einer stattlichen Anzahl fähiger Filmemacher ist die Geschichte nicht sonderlich ergreifend, keiner der Songs ist eingängig oder besonders geistreich, abgesehen vom Titelsong. Der Bösewicht ist eine grässliche, fluide Ausgeburt, die den gasförmigen Antagonisten aus "FernGully - Christa und Zaks Abenteuer im Regenwald" vorwegnimmt, und die Handlung ist eine vergessliche Melange aus allzu bekannten Fantasy-Ideen. Mit formwandelnden Goblins, fliegenden Mantarochen, Cartoon-Rauchern, gigantischen Fledermäusen und intensiven Bildern ist das Endergebnis ein Kassenflop, aber ein entschieden einzigartiges, traditionell animiertes Erlebnis.

In Anlehnung an die Werke von Lewis Carroll wandeln sich Grafiken und Konzepte ständig, um eine Welt ohne Regeln zu erschaffen, die voll von herrlich bizarren Kreaturen und attraktiven Welten ist. Prinzessin Camille (Laura Mooney) will dem neuen Gast das Schlummerland zeigen und sich amüsieren, aber Nemo (Gabriel Damon) ist ein Anwärter auf die Prinzenwürde und muss sich einer Schulung unterziehen, wenn er den Thron erben will. Flip (Mickey Rooney) ist die fleischgewordene Versuchung, die sich hinter der Maske eines in der Unterhaltungsbranche bewanderten Mannes verschanzt. Der einzige Befehl, den der König Nemo gibt, ist, eine bestimmte Tür nicht mit seinem goldenen Schlüssel zu öffnen, aber Flip überzeugt den Besucher, genau das zu tun. Ein königliches Zepter, Flips Karte von Albtraumland und der Mut eines fantasievollen Jungen sind alles, was König Morpheus (Bernard Erhard) und das Schlummerland vor dem tragischen Untergang retten kann.

Die Traumwelt transzendiert die Realität und lässt Nemos Fantasie mit seinem Wachzustand verschmelzen, nicht unähnlich Freddy Kruegers unheimlicherem Modus Operandi. Da der Junge häufig in seinen Traum hinein- und wieder herausgeholt wird, ist es schwer zu sagen, ob er jemals wirklich schläft. Er kann in die Sicherheit seines Bettes zurückgebracht werden, indem er scheinbar aufwacht, aber um nach Schlummerland zurückzukehren, ist eine Reise durch den Himmel wie ein Flug nach Nimmerland erforderlich. Das Abenteuer ist unerwartet innovativ, auch wenn die Nebenfiguren nicht sonderlich originell sind. Für einen Kinderfilm sind viele der Geschehnisse tatsächlich ziemlich schaurig und sicherlich eine Nuance düsterer als alles, was man in einem Disney-Zeichentrickfilm sieht, was ein Faktor ist, der verhindert hat, dass "Little Nemo - Abenteuer im Schlummerland" ein großes Kinopublikum findet.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

S-Patriot hat sich in dieser zweiten Runde meiner Wunschkommentare mit seinem Lieblingsfilm "Hero" eingeloggt. Nach meiner ersten Sichtung vor gut 10 Jahren habe ich mir die DVD angeschafft und war nach der zweiten Sichtung von der Ästhetik geradezu berauscht, denn ich hatte den Film nicht mehr so gut in Erinnerung wie nach dem ersten besichtigen, weshalb ich "Hero" von meinen 8 Punkten unbedingt auf 9 hochstufen muss.

Wer "Tiger & Dragon" für die Bluttrauung von Martial-Arts- und Arthouse-Filmen gehalten hat, ist mit "Hero" von Regisseur Yimou Zhang herzlich willkommen und darf sich über einen Film freuen, der das anspruchsvolle Werk von Ang Lee und James Schamus wie eine billige Klamotte aussehen lässt. Abgesehen von den superkinetischen Kämpfen ist "Hero" eine Reihe von erlesenen Gemälden, die von einem traurig singenden Cello begleitet werden. Der Film beginnt mit einer Dosis Symmetrie: Tausende chinesische Statisten in alten Militärgewändern zollen Jet Li Tribut, als er die Stufen des Palastes der Qin-Dynastie erklimmt. Berichten zufolge hat er drei Möchtegern-Attentäter des Königs getötet und darf sich nun dem zu Recht paranoiden Herrscher (Chen Dao Ming) bis auf 10 Schritte nähern. Im Laufe des Films erzählt der Namenlose (Jet Li), wie er alle Feinde des Königs tötete oder deren Ermordung organisierte. Der König vermutet, dass der Namenlose ihm etwas verschweigt und bietet seine eigene Version der Ereignisse an. Dann erfahren wir, was wirklich geschehen ist. Und damit entsteht eine Geschichte oder besser gesagt, ineinandergreifende Fabeln, deren Moral eine andere ist als die, die wir uns vorgestellt haben.

Die Kargheit von "Hero" macht einem bewusst, wie überladen manche Actionfilme sind. Er orientiert sich an dem Credo des Königsfeindes Broken Sword (Tony Leung), dass Kalligrafie und Schwertkampf demselben Prinzip der höheren Einheit folgen. Das könnte der Grund sein, warum Broken Swords große Liebe, Flying Snow (Maggie Cheung), bei ihm geblieben ist, obwohl sie wütend auf ihn ist. Heutzutage würde Broken Sword lieber schreiben als kämpfen. Unter der zustimmenden Miene seines hübschen Schützlings Moon (Zhang Ziyi) führt er feierlich Sandmalereien aus, während der namenlose Krieger und Flying Snow mit ihren Schwertern Hunderte von Pfeilen abwehren. Die Sache mit den einfliegenden Pfeilen ist eine der Spezialitäten von Yimou Zhang. Man sieht, wie die Geschosse, die wie ein Insektenschwarm aussehen, über die Kalligrafieschule von Broken Sword und Flying Snow herfallen. Der alte Meister ermahnt seine Schüler, weiter zu malen, anstatt unter ihren Schreibtischen zu verschwinden, und erklärt: "Ihre Pfeile können unsere Kultur niemals auslöschen". Man erwartet, dass jemand sagt: "Stimmt, aber sie können unsere lebenswichtigen Organe durchstechen", doch die Buddhisten haben schon immer eine längere Perspektive gehabt. Auf jeden Fall ist es ratsam, sich nicht mit dem Scharfsinn eines Abendländers zu profilieren. Das Heldentum von "Hero" dreht sich um Selbstaufopferung, nicht um die modische Rache unseres eigenen Action-Genres. Der Film verfolgt eine höhere Dimension der Gemeinschaft.

Jet Li's markante Unscheinbarkeit wird hier optimal genutzt. Der Namenlose ist keine romantische Hauptfigur, sondern ein einsamer, grobschlächtiger Rächer, der zu blitzschnellen Manövern imstande ist. Er ist keine überzeugende Hauptfigur, und das sollte er auch nicht sein: Der kantonesische Titel des Films lautet "Broken Sword". Der emotionale Kern von "Hero" ist das Spannungsfeld zwischen Maggie Cheung und Tony Leung. Maggie Cheung ist so umwerfend wie immer. Ihre seidenweichen Pirouetten verleihen ihren Kampfszenen eine zornige und lyrische Anziehungskraft. Aber es ist Tony Leungs Film. Diejenigen, die ihn noch nicht kennen, sollten neben "Hero" auch unbedingt "Infernal Affairs - Die achte Hölle" sehen, den mitreißendsten und emotional intensivsten Hongkong-Polizeithriller, den ich je gesehen habe. Bei Tony Leung herrscht eine vulkanische Stille, die selbst Kalligraphie zu einem besonderen Kunstgenuss macht.

Ich wäre überglücklich gewesen, wenn die Actionszenen von "Hero" so gut gewesen wären wie die in "Tiger & Dragon". Das Problem sind nicht die Kämpfe oder die fachmännische Drahtarbeit, sondern Yimou Zhangs Fokussierung auf schnelle Großaufnahmen gegenüber flüssiger Akrobatik. Einzelne Bilder sind sehr schön, vor allem der "Matrix"-ähnliche Moment, in dem der Namenlose und sein Schwert durch einen Wald aus schwebenden Regentropfen stürmen, sowie die sterbende Vision einer erschlagenen jungen Frau, während sich die wirbelnden Blätter von Gelb zu Blutrot verfärben. Doch im direkten Vergleich empfinde ich "Hero" als den besseren Film. Yimou Zhang scheint immer auf etwas anderes zu schwenken, bevor eine Einstellung ihre volle Wirkung entfaltet. Wenn seine Kampfszenen auch nicht ganz so berauschend sind, so machen seine Farben und seine kompositorische Präzision doch vieles wieder wett. Genießt "Hero" auf dem größtmöglichen Bildschirm, den ihr finden könnt, und setzt euch so nah heran, dass die Spiralseide eure nasalen Nervenhaare in Wallung bringt.

Der erste Akt von "Poison Ivy - Die tödliche Umarmung" hätte eine introspektive Untersuchung des Lebens, der Beziehungen, Selbstachtung, Eifersucht und des Rufs eines gestörten Teenagers sein können, zusammen mit einem gefühlvollen Blick auf die Turbulenzen zwischen einer zerstrittenen Mutter und ihrer gefühlsbetonten Tochter sowie einem verzweifelten Ehemann, der mit der verlorenen Nähe zu seiner Frau kämpft. Doch dank der Noir-Musik von David Michael Frank, die mit Saxofonklängen aus der Softcore-Erotikabteilung und romantischen Melodien aus Popsongs der damaligen Zeit sowie Ivys (Drew Barrymore) ständig blankgezogener Hüfte durchsetzt ist, fällt es schwer, sich auf die ernsteren, dramatischen Komponenten zu konzentrieren. Im Vordergrund stehen Ivys Verführungstaktiken, die im Vergleich zu den typischen Teenagerängsten am Anfang fast deplatziert wirken.

Gerade wenn der Zuschauer denken könnte, dass "Poison Ivy - Die tödliche Umarmung" intelligenter ist, als es den Anschein hat, schlendert er zurück zu dem dampfenden Material, das in jeder Sequenz lauert, in der Ivy Haut blitzen lässt. Da Drew Barrymore zur Zeit der Dreharbeiten noch minderjährig war, ist das Ganze interessanterweise viel harmloser, als es das Zielpublikum vielleicht annehmen würde. Es gibt viele Anspielungen, aber es fehlt an tatsächlich kantigem Filmmaterial - ein weiteres Indiz dafür, dass "Poison Ivy - Die tödliche Umarmung" nicht einmal einen Hauptbestandteil seiner Attraktivität in der Vermarktung aufgreift.

In der Tat schwankt der Ton so häufig, dass es augenscheinlich ist, dass "Poison Ivy - Die tödliche Umarmung" nicht wirklich weiß, welche Art von Film er sein will. Mit jeder Minute, die verstreicht, wird die Jugendfreundschaft weniger überzeugend, der Familienstreit der Coopers weniger erfrischend, und die Morbidität von Ivys Aufdringlichkeit, Manipulation und Identitätsübernahme verliert an Kraft. Wenn sich der Zeitpunkt des Abschlusses so langsam nähert, dass er sich länger anfühlt als er ist, wird die Schauspielerei kraftlos und die Enthüllungen verblassen, was zum Teil daran liegt, dass die Handlungen dem Betrachter gezeigt werden, bevor die Charaktere darüber informiert sind, und zum großen Teil daran, dass die wenigen, abschließenden, sich entfaltenden Geheimnisse keinen besonderen Anreiz zur Spannung bieten. Außerdem ist die Schlussszene absolut schrecklich. "Sie hat dich auch, nicht wahr?"

Der Humor von Regisseur James Signorellis "Elvira - Herrscherin der Dunkelheit" ist nicht unbedingt sensationell, aber die Oneliner sind konsequent und sorgen immer wieder für einen kleinen Lacher. Der Großteil der Komödie besteht aus sexuellen Anspielungen, erotischen Flirts, falschen sexgedeuteten Interpretationen, eindeutigen Sexangeboten und viel Erotik als Anschauungsmaterial. Cassandra Peterson weiß genau, worauf es bei dieser Art von Entertainment wirklich hinausläuft.

Im Mittelpunkt des Interesses stehen zweifelsohne Elviras körperliche Attribute, allen voran ihr beachtlicher Pulchritudinus. Ihr Holz vor der Hütte scheint unmöglich in ihrem tief ausgeschnittenen Kleid zu verschwinden, das sie routinemäßig gegen verschiedene Objekte drückt oder mit diversen Nahrungsmitteln und Flüssigkeiten benetzt. An anderen Stellen entledigt sie sich ihrer Kleidung, langsam, während jazzige Saxophonmusik erklingt. Gelegentlich springt sie auch einfach auf und ab und überlässt sich der Schwerkraft. Zusammen mit ihrem attraktiven Selbstvertrauen ergibt das eine meist gewinnende, wenn auch etwas eintönige Erscheinung.

Die Lücken werden durch Klamauk, komische Bildmontagen und eine flüchtige Dreiecksbeziehung überbrückt. Die Verwicklungen sind unaufrichtig, die Nebencharaktere sind nebensächlich, und die Prämisse ist fadenscheinig. Elvira ist eine absolut ansehenswerte Figur, die eine Mischung aus gothischem Prickeln und einer makabren Gestalt mit blöden Kommentaren und einem Zitat aus ikonischen Filmen kombiniert. "Elvira - Herrscherin der Dunkelheit" zieht sich zu lange hin und die Scherze werden zugunsten von dämlichen magischen und chaotischen Szenen immer schwächer, auch wenn die Rückbesinnung auf solche Streifen mit schlüpfriger Effekthascherei, blutigem Maskenbild und trotteligen Kasperletheater mittelmäßig ergötzlich ist.

In dem Dokumentarfilm "Unser Vater - Dr. Cline" von Regisseurin Lucie Jourdan ist es schwer, sich einen ungeheuerlicheren Fall vorzustellen, in dem eine Autoritätsperson unschuldige Opfer auf so widerwärtige und ekelerregende Weise, dass einem regelrecht schlecht wird, ausnutzt. Die Eröffnungssequenz von "Unser Vater - Dr. Cline" sieht aus wie etwas aus "The Shining", mit einer langsamen Kamerafahrt durch einen schmalen Flur mit senfgelben Wänden, denn dies ist die Definition einer Horrorgeschichte, in der die entsetzlichen Gräueltaten eines Dr. Donald Cline geschildert werden, eines renommierten Fruchtbarkeitsspezialisten aus Indianapolis, der in den 1980er Jahren Patienten heimlich mit seinem eigenen Sperma inseminierte, ohne dass diese davon wussten oder zustimmten, was zu mindestens 94 Kindern führte.

Lucie Jourdan zeichnet ein eindringliches, verstörendes Bild von Dr. Donald Cline, indem sie seine eigenen Worte und Taten gegen ihn verwendet, aber klug und mitfühlend macht sie aus "Unser Vater - Dr. Cline" ebenso viel über die Opfer wie über den wahnsinnigen teuflischen Dr. Cline. Lucie Jourdan kombiniert Archivmaterial mit gelegentlichen Nachstellungen und aufschlussreichen Interviews, vor allem mit Opfern wie Jacoba Ballard, die ein DNA-Kit für zu Hause kaufte und fassungslos war, als die Ergebnisse anzeigten, dass sie sieben biologische Halbgeschwister haben könnte, wobei das gesamte Audiomaterial von aufgezeichneten Gesprächen, Verhören und Gerichtsverhandlungen stammt. Jacoba Ballard setzte sich mit diesen Übereinstimmungen in Verbindung, und die daraufhin einsetzende Kommunikation und weitere DNA-Tests brachten die niederschmetternde Bestätigung zu Tage. Obwohl Dr. Donald Cline den Patienten sagte, dass die Spermaproben je nach Situation von ihren Partnern oder anonymen Spendern stammten, masturbierte er in Wirklichkeit selbst, während sie nebenan in einem Behandlungsraum waren, und verwendete buchstäblich Dutzende Male sein eigenes frisches Saatgut.

Eine Frau sagt, sie habe das Gefühl, 15 Mal von dem Mann vergewaltigt worden zu sein, den sie als ihren Arzt und Vertrauensperson bezeichnete. Eine andere erzählt, wie erschüttert ihre Eltern waren, als sie erfuhren, dass der Mann, den sie ihr ganzes Leben lang als Vater gekannt hatte, nicht ihr biologischer Vater ist. Doch selbst als sein Machtmissbrauch aufgedeckt wurde, blieb Dr. Cline distanziert und zeigte keine Schuldgefühle. Auf dem Tonband hören wir ihn sagen: "Ich sehe diese Menschen nicht an und betrachte sie nicht als meine Kinder".

Es ist erstaunlich, dass es in den Gesetzbüchern des Bundesstaates Indiana keine Regelung gab, die es erlaubte, Dr. Donald Cline für ein ernsthaftes Delikt zu verurteilen. Er wurde wegen falscher Angaben gegenüber dem Generalstaatsanwalt angeklagt, und der Richter verurteilte ihn zu einer Geldstrafe von 500 Dollar und verhängte keine Haftstrafe. Nicht zuletzt dank der unermüdlichen Arbeit einiger von Dr. Clines Opfern hat Indiana 2018 ein Gesetz verabschiedet, das die illegale Befruchtung durch Spender unter Strafe stellt, aber es gibt noch kein Bundesgesetz.

"Ich will keine Beziehung zu ihm", sagt eines der Opfer des dämonischen Dr. Cline. "Ich habe vielleicht die Hälfte seiner DNA, aber er ist nicht mein Vater und wird es nie sein."

Also ich mach da sehr gerne mit. Egal auf welchem Streaminganbieter oder Mediathek.

"Teenage Caveman" von Regisseur Larry Clark beginnt mit einer eigenartigen blauen Färbung, die die Bilder tönt, gepaart mit holpriger Kameraführung und schnellen Schnitten, in denen eine primitive, höhlenmenschähnliche Jagdgesellschaft nach Fleisch sucht, um es ihrem Stamm mitzubringen. Doch der ältere Anführer Nathaniel (Larry Clark höchstpersönlich) strapaziert mit seiner ständigen Stänkerei ein paar Nerven zu sehr, was in einem gut gezielten Speer in seinem Rücken endet.

Schon bald kehrt die Gruppe in das riesige Höhlennetz zurück, das ihren Clan beherbergt und sie vor den Gefahren der Wildnis schützt. Technologie, Wissenschaft und fortschrittliche Infrastruktur sind zerfallen und verschwunden, größtenteils aufgrund des katastrophalen Klimawandels. Gewöhnliche Annehmlichkeiten und Komfort sind nur noch Relikte der alten Welt. Der Schamane des Stammes (Paul Hipp) besteht darauf, dass die jüngeren Mitglieder sich von Büchern oder anderen Informationen fernhalten, die sie über die alten Bräuche unterrichten könnten. Im Grunde ist er ein Sektenführer, und er hat nichts dagegen, die Töchter des Clans zu vergewaltigen, während er verkündet, dass Gott seine Taten gebietet.

Wie von einem Film von Larry Clark zu erwarten, der zuvor den hervorragenden "Kids" inszeniert hat, ist die Abartigkeit allgegenwärtig und äußerst extrem. Es gibt hier Satire, die zeigt, wie Autor Christos N. Gage jugendliche Versuchung sowie Sünde und ein biblisches Maß an Konsequenzen für gottlose Experimente und die übertriebenen Horrorgeschichten von Geschlechtskrankheiten sieht, aber sie ist so direkt oder unnötig exaltiert, dass sie nie als geistreich oder kunstvoll rüberkommt. Stattdessen überstrahlen die ständigen Partys, der Alkoholkonsum, der Koitus, die Nackedeis und die Gewaltexzesse einfach alle anderen Aspekte.

Da hilft es auch nicht, dass die Darsteller im Allgemeinen wenig glaubwürdig oder gelegentlich sogar bemitleidenswert sind, während die Dialoge juvenil und der Filmschnitt erbärmlich ist. Komischerweise ist die Fotografie nicht so billig, wie der Schnitt es vermuten lässt. Die technischen Details, einschließlich der Musik, werden immer wieder durch ineffektive Schnittfolgen und laienhafte Kamerabewegungen verschlimmbessert. Leider sind die Spezialeffekte, die eigentlich der beeindruckendste Faktor hätten sein sollen, ebenso unbefriedigend. Sie beruhen größtenteils auf veralteten Computergrafiken und nur in geringem Maße auf den optischen Reizen von Make-up und Prothetik. Selbst der Schluss ist zwiespältig und unzufriedenstellend, auch wenn der Gipfelpunkt zumindest brutal explosiv ist.

"The Empty Man" ist das Debüt des Filmregisseurs David Prior. Seine bisherige Karriere war geprägt von Making-of- und Hinter-den-Kulissen-Dokumentationen für den Heimkinobereich. Er hat insbesondere für den Regisseur David Fincher gearbeitet, und der Einfluss dieses Filmemachers ist im Sound, in der Ästhetik und in der von Anastos N. Michos durchgeführten Kameraarbeit von "The Empty Man" merklich spürbar. Zumindest ist dies ein prächtig atmosphärischer und unheimlicher Film mit einer exzellenten visuellen Textur. Die Geschichte stammt aus der gleichnamigen Comic-Miniserie, die von Cullen Bunn geschrieben und von Vanesa R. Del Rey illustriert wurde. David Prior hat es für die Filmkunst adaptiert. "The Empty Man" sieht und klingt exquisit und ist mit einer starken Hauptrolle von James Badge Dale gut gecastet. Von Anfang bis Ende ist er außerdem gut strukturiert, mit soliden Dialogen und überzeugenden Charakteren. Wo der Film strauchelt, ist in seiner Handlungskonstruktion, und in der Handlungsweise selbst.

Zum einen beginnt "The Empty Man" mit einem kolossalen 22-minütigen Prolog. Lange genug, dass man sich als Beobachter so sehr in die anfänglichen Charaktere hineinversetzt, dass es ein verstörender Moment ist, wenn nach fast einer halben Stunde plötzlich der Titel auf dem Bildschirm erscheint. Hat man sich erst einmal an den Schauplatz und die Figuren gewöhnt, fühlt sich "The Empty Man" oft eiskalt entschleunigt an. Jeder, der mit den üblichen Praktiken des Folk-Horrors vertraut ist, wird jede Wendung vorhersehen, lange bevor sie eintritt. "The Empty Man" dauert insgesamt 137 Minuten und müsste dringend um 20 Minuten reduziert sein.

Das führt zu dem anderen problematischen Punkt der Erzählweise. Letztendlich ist "The Empty Man" zu derivativ, um gänzlich zu funktionieren. Für Horror- und Thrillerfans könnte man eine Auflistung früherer, qualitativ besserer Filme erstellen und diese nach und nach als Referenzen in "The Empty Man" abhaken. Ein bisschen "Zodiac - Die Spur des Killers" hier, ein Stückchen von "The Ring" dort, und Anklänge an "The Wicker Man", "Videodrome" und ähnliche Filme. Das Ergebnis ist etwas ziemlich Elegantes und Unterhaltsames, wirkt aber auch wie ein folkloristischer Horror-Milkshake. Es lohnt sich, einen Blick zu riskieren, aber vielleicht mit gedämpften Ambitionen.

"Matrix Resurrections" von Regisseurin Lana Wachowski stürzt sich voller Inbrunst in die geheimen Eingangsportale, die Schießereien mit unendlich vielen Kugeln, die Kung-Fu-Duelle, ultraschnellen Verfolgungsjagden und die vor Coolness strotzenden Selbstverteidigungsmanöver. Auch wichtige Akteure tauchen wieder auf, darunter Carrie-Anne Moss als Trinity, während Doppelgänger die Rollen von Agent Smith (Jonathan Groff) und Morpheus (Yahya Abdul-Mateen II) neu definieren. Da sich die Handlung um diese Charaktere dreht, ist es umso bedauerlicher, dass sie ersetzt wurden und nicht einfach Hugo Weaving respektive Laurence Fishburne zurückgeholt wurden. Es wäre nicht schwer gewesen, das Drehbuch so umzugestalten, dass es diesen Schauspielern gerecht wird, denn das Skript ist im Grunde genommen auf ständige Anspielungen auf die ursprüngliche Trilogie ausgerichtet und geht sogar so weit, dass unzählige Rückblenden verwendet werden, bei denen es sich um Filmausschnitte handelt, die zu verschiedenen Anzeigen innerhalb der Matrix manipuliert wurden.

Manchmal ist dieses letzte Kapitel fast eine Parodie seiner selbst, auch wenn der Ton glücklicherweise nicht zu sehr ins Dilettantische abgleitet. Es ist bei weitem nicht notwendig, die Franchise an diesem Punkt zu erweitern, aber es funktioniert zumindest, um die Realität der vorherigen Geschichte herauszufordern und gleichzeitig so viele unvergessliche Bilder wieder aufleben zu lassen - von einer Kaninchentätowierung über "Bullet Time" bis hin zu schwarz gekleideten Agenten und Sprinkleranlagen, die über Zeitlupenschießereien ausbrechen. Der Nostalgiewert ist außerordentlich hoch und clever integriert. Es ist unbestreitbar, dass den sich wiederholenden Nahkämpfen, den akrobatischen Posen vor den tödlichen Schlägen und dem Einsatz von verzerrten Spiegeln und seltsamen Reflexionen viel Aufmerksamkeit gewidmet wird, um die Schwierigkeiten bei der Unterscheidung von Wirklichkeit und Fiktion hervorzuheben, aber das tut der Unterhaltsamkeit keinen Abbruch.

Was "Matrix Resurrections" unglaublich gut macht, ist, den äußerst unbefriedigenden Schluss der dritten Episode zu korrigieren, indem es eine eindeutige Ansammlung von Untergängen und Patt-Situationen mit offenem Ende in ungeschliffene, aber angenehme zweite Chancen verwandelt. Als ob dieser Neustart eine Antwort auf die Kritik an der vorangegangenen Schlussfolgerung wäre, setzt er auf die Einfachheit und Intimität einer kondensierten, klaren Mission zur Rettung von Trinity, anstatt die Fülle von Dilemmata zu lösen, die das Ausmaß der Matrix für eine ganze Zivilisation mit sich bringt. Natürlich werden nicht immer Antworten gefunden, wenn es einfacher ist, die Dinge als große Anomalien abzutun. Die grundlegende Liebesgeschichte aus dem Blockbuster von 1999 war vielleicht die wichtigste Komponente, die durch Themen wie Identität und Freiheit in einer modernisierten, technologieabhängigen Welt, lange schwarze Mäntel und Sonnenbrillen, die zu schweren Waffen passen, spektakulär erweitert wurde. Einige der großartigsten Actionsequenzen, die je erdacht wurden, machen es zweifellos zu einer klugen Entscheidung, dabei zu bleiben, und es ist genauso bewegend wie zuvor. Die zusätzlichen Elemente wie die Bösewichte, das hochoktanige Abenteuer und die Versatzstücke sind hier nicht so anregend wie im ersten Film, aber das Endergebnis ist immer noch sehr gut, um das Gefühl der Zufriedenheit und des Spaßes wiederherzustellen, das im Finale von 2003 so sehr gefehlt hat.

"Savage Streets - Die Straße der Gewalt" von Regisseur Danny Steinmann bemüht sich nicht, seine Exploitation-Absichten zu verhehlen. Schon in den ersten Minuten wird einer Frau das Oberteil heruntergerissen und ihre Brüste werden betatscht. Bei einer Szene in der Umkleidekabine für Mädchen wird die Blöße frontal zur Schau gestellt. Des Weiteren liefern sich zwei Mädchen in den Duschen einen Zickenkampf, während sie dabei nasse T-Shirts tragen. Selbst in den engen Räumen der Schule grassiert die Rebellion. Direktor Underwood (John Vernon) kann die Schüler nicht kontrollieren, die vor seinen Augen zu rauchen beginnen und sogar auf seine Schuhe spucken. Und keiner der anderen Lehrer hat wirklich Erfolg mit der Einhaltung von Ordnung und Disziplin. Dies sind in der Tat wilde und zunehmend gewalttätige Verhältnisse.

Kurze komödiantische Anflüge ergänzen die Bösartigkeit ebenso wie Diskussionen über Poesie und das Fortpflanzungssystem, die sich zu einer Verhöhnung der Bildung und zu weiteren Schlägereien mitten im Klassenzimmer entladen, die in erneut entblößten Oberweiten resultieren. Weitere Nebenhandlungen sind die Eifersuchtsszenen zwischen Brenda (Linda Blair) und der tyrannischen Cindy (Rebecca Perle) wegen des arroganten Sportlers Wes (Brian Mann) sowie Francines (Lisa Freeman) bevorstehende Hochzeit, die jedoch von Jakes (Robert Dryer) Plänen überschattet werden, Brendas Freunde weiter zu belästigen, was sich schnell zu einem Mord wandelt. Obwohl Realismus nicht zu den Stärken von "Savage Streets - Die Straße der Gewalt" gehört, hätte es mehr Sinn gemacht, wenn die verschiedenen Anstifter zumindest im College-Alter gewesen wären.

Immerhin gibt es einige lustige Momente, wenn Brendas Rachepläne endlich beginnen, auch wenn diese mit einer bedeutungslosen Nacktszene in einer Badewanne anfangen. Dank einiger offensichtlicher Vorahnungen zu Beginn, nämlich als die Mädchenbande an einem Schaufenster mit einem Jagdbogen und einer Bärenfalle vorbeikommt, bedient sich ihr Amoklauf der Taktik des Slasherfilms, der berechtigten Provokation und einem Hauch von Aderlass, der allerdings selten gravierend ist und zum Teil im Verborgenen stattfindet. Der Höhepunkt ist geprägt von Vigilantismus und dem sich langsam heranpirschenden Killer, der hinter dem einsamen Mädchen her ist, was letztlich in einen anderen Film gehört, aber Linda Blair schafft es dennoch, eine Kinoheldin zu werden, eine starke Frau inmitten eines misogynen Durcheinanders.