Chainsaw Charlie - Kommentare

Es ist schwer zu sagen, ob das Disney-Nachmittagsprogramm aus den 80er Jahren noch genügend Anhänger hat, was im Drehbuch von "Chip und Chap: Die Ritter des Rechts" von Regisseur Akiva Schaffer selbst vermerkt ist, aber diese Neuinterpretation und eine Art Neustart basiert nicht genau auf dieser Produktion. Er nutzt im Wesentlichen nur die Hauptfiguren, um seine eigene neue Welt zu erschaffen. Auf faszinierende oder absonderliche Weise kombiniert diese Perspektive Live-Action-Schauspieler, fotorealistische und stilisierte 3D-Figuren, traditionell animierte Persönlichkeiten aller Stile und Genres, Stop-Motion und sogar Puppen und Marionetten. Es gibt Miniaturgebäude für kleinere Rollen, Cartoon-Fahrzeuge und echte Tiere als Begleiter. Es handelt sich um ein unglaublich originelles und doch höchst unstimmiges Universum, in dem nichts so recht zusammenpasst, obwohl zumindest die Dialoge erkennen lassen, wie bizarr der ganze Mummenschanz ist.

Die Epochen haben sich geändert, und die Anspielungen auf die Originalserie werden den jüngeren Generationen sicherlich entgehen, aber das Drehbuch wurde vor allem für den modernen Betrachter aktualisiert. Die meisten Witze und Sticheleien basieren auf Konzepten und Entitäten der letzten Jahre, wie etwa der missgestalteten Version von Sonic, die in den sozialen Medien zu einem Gesichtslifting verhöhnt wurde. Obwohl es sich bei der Hauptgeschichte um eine nicht wiederzuerkennende und uninspirierte Entführung handelt, ist sie im Wesentlichen eine Ausrede für die Drehbuchautoren und die eigenwilligen Stars, um eine Sammlung zusammenhangsloser Gags und Spruchzeilen aneinander zu reihen, sowie eine Fülle von Cameos verschiedener Charakteristika, die sehr umfangreich und unvorhersehbar sind, wenn man bedenkt, dass Disney jetzt eine absurde Anzahl von anderen Studios und Urheberrechten besitzt.

"Chip und Chap: Die Ritter des Rechts" ist leicht abenteuerlich, die Laufzeit ist nicht übermäßig lang, aber durch die Mischung aus animierten Wirklichkeiten gibt es kein reales Gefahrengefühl oder eine unmittelbare Botschaft. Es fällt schwer zu wissen, was in einem so disharmonischen Universum möglich oder unmöglich ist. Erfreulicherweise funktioniert ein gewisses Maß an Selbstreferenz, einschließlich der Bezugnahme auf den Titelsong, der am Ende des Films auf kommerziell frustrierende Weise wiederholt wird, auch wenn es nur selten oder gar nicht zu richtigen Lacherlebnissen kommt. Letztendlich ist das Ergebnis nicht clever genug, um das Franchise tatsächlich neu zu starten, aber wenn "Chip und Chap: Die Ritter des Rechts" erfolgreich ist, könnte es die gleiche Wiederbelebungstaktik für andere vergessene Disney-Serien bieten.

"Ich trage keine Hosen!"

In "Bullets of Justice" von Regisseur Valeri Milev kotet Yuri, der halb Schwein, halb Mensch-Hybrid, plötzlich vor Angst auf die schmutzige Straße, als Kopfgeldjäger Rob Justice (Timur Turisbekov) ihm eine Waffe an den Kopf hält. Nach einer schnellen Hinrichtung taucht ein weiterer 'Muzzle' auf, so der Spitzname für die Schwein-Mensch-Kreuzung, diesmal ein Polizisten-Schwein mit Jetpack und zwei Maschinengewehren, um eine weitere Auseinandersetzung zu beginnen. Rob erzählt mitten in der Zeitlupenexplosion, wie sich die Zivilisation in das postapokalyptische Ödland verwandelt hat, das sie jetzt ist. Vor Jahren, während des Dritten Weltkriegs, starben 70% der Menschen, weil sie einem Umsturz und einer Eroberung durch die Muzzles zum Opfer fielen, deren Ursprung unbekannt ist, wobei die Amerikaner die Russen und die Russen die Amerikaner für abscheuliche genetische Experimente beschuldigten.

Letztendlich muss Rob die Bemühungen des menschlichen Widerstands anführen, um das Mutterschwein aufzuspüren und zu töten, ein Wesen, das Gerüchten zufolge die Macht über alle Muzzles besitzt. Trotz dieser irrwitzigen Ausgangslage sind die Charaktere größtenteils aufrichtig und die Schauplätze sind glaubhaft und öde, aber "Bullets of Justice" ist eine Anspielung auf den futuristischen Survival-Horror, und die Kostüme und das Make-up erinnern an "Mad Max: Fury Road". Der Schnitt unterstreicht dies durch ablenkende Einschnitte, die das Fehlen echter Stunts verbergen, und durch ein extrem entsättigtes Farbschema, das die äußerst minderwertigen Spezialeffekte verdeckt. Nichtsdestotrotz gibt es eine Konsistenz in den Bildern, auch wenn sie sich bemühen, etwas anderes als Schund zu vermitteln.

Robs erwachsene Schwester Raksha (Doroteya Toleva) trägt einen vollen Schnurrbart und Cyborgs werden als Hilfskräfte eingesetzt. Rob kann nicht aufhören, obsessive Visionen von einem männlichen Model (Semir Alkadi) mit einem wohlgeformteren Hintern als seinem eigenen zu haben. Benedict Asshole ist ein Muzzle, dessen Gesicht wie sein eigener Name aussieht, dessen Kinn wie ein Hoden geformt ist und der durch seine Flatulenzen spricht, während Danny Trejo, der aussieht wie ein Überbleibsel aus einem seiner vielen anderen Projekte, einen Auftritt als Robs Vater hat. Die schroffe Skurrilität, die erzählerischen Ungereimtheiten und die Unstimmigkeiten zwischen den Charakteren sind nur ein Teil des absichtlichen Unsinns, in der Hoffnung, auf Schritt und Tritt zu schockieren oder zu belustigen. Der Humor in all dem mag auf der Hand liegen, aber das gilt auch für die gelegentlich überzogenen Groteskapaden.

Für einen Film mit einem furchtbar generischen Titel hat "Bullets of Justice" eine ganz und gar einzigartige Geschichte. Aber das ist nicht immer etwas Gutes. Am auffälligsten ist die Gewalt, die so exzessiv und brutal ist, dass man sie kaum als gewollt komisch abtun kann. Dennoch hat die Kreativität der nackten Leichen, die als Tarnung oder als Ganzkörperverkleidung dienen, etwas makaber Humoreskes, und die blitzartigen, zombiehaften Angriffe der waffenschwingenden Schweinemonster sind einigermaßen amüsant. Aber die zerhackte Zeitlinie, unerklärliche technologische Irrwege, einschließlich Zeitreisen, und häufige inzestuöse Handlungen drohen den Unterhaltungswert von extravagantem Blutexzess, ausschweifender Nacktheit und eher traditionellen Exploitation-Elementen zu stören.

Die Schäbigkeit von "Bullets of Justice" ist Teil des Charmes, die Verschrobenheit der Figuren ist vergnüglich, und das Mutanten-Chaos, die musikalischen Gags, die sexuellen Witze und die völlige Absurdität der Handlung halten das Interesse aufrecht. Aber es ist so unglaublich kurios, dass es manchmal schwierig ist, zu erkennen, was lustig sein soll und was nicht - zum Beispiel, wenn Rob übermäßig viel Zeit damit verbringt, einen Knoten an einer Einkaufstüte mit einem abgetrennten Kopf darin zu lösen. Letztendlich ist es wie eine Kreuzung aus "Mandy", "Zoolander", "Operation: Overlord", "Time Bandits" und "Brüno", die sich schließlich in etwas verwandelt, das weniger als ein kompletter Film ist, als ob zwei verschiedene Erzählungen mit gegensätzlichen Visionen für eine Spielfilmlänge zusammengenäht wurden. Zumindest ist es unverkennbar individuell und steckt voller Potenzial.

Regisseur Kirill Sokolov zeichnet in "No Looking Back" ein wildes, genreübergreifendes Porträt dreier Mütter und von Mütterchen Russland selbst, die vergeblich vor einem gewalttätigen Vermächtnis fliehen. Der Film beginnt mit einem Querschnitt, der Vergleiche und Kontraste zeigt. Während die Teenagerin Masha (Sofya Krugova) im Freien auf einem Laufrad rennt und dabei mit grober Wildheit flucht, wird die temperamentvolle Erwachsene Olga (Viktoriya Korotkova) in einem Frauengefängnis kurz vor Ablauf ihrer vierjährigen Haftstrafe wegen des Angriffs auf einen Polizisten brutal behandelt und gefoltert. Olga kann es kaum erwarten, freigelassen und mit ihrer Tochter Mascha wiedervereint zu werden, um sie aus der Provinz in ein neues Leben und zu einem neuen Mann in die Stadt zu bringen, aber sie ist nicht die einzige Mutter in "No Looking Back". Denn der junge Gefängniswärter (Daniil Steklov), der Olga brutal verprügelt, tut dies auf Anweisung seiner Mutter, der Aufseherin (Olga Lapshina). Selbstverständlich hat Olga ihre eigene Mutter, die formidable Vera Pavlovna (Anna Mikhalkova), aus ihrer Ohut sie Masha schließlich entführt.

"No Looking Back" artikuliert seine Erkundung von Familie und Legat durch die Grammatik des Genres, da diese verschiedenen Charaktere einander gegenüberstehen und ihre verschiedenen Lektionen während einer verrückten Fahrt auf Russlands Nebenstraßen lernen. Die knallharte Matriarchin Vera ist fest entschlossen, Mascha zurückzubekommen, und ist nicht besorgt, sogar begeistert, dass Olga etwas zustoßen könnte. Sie rekrutiert den örtlichen Polizisten Oleg (Aleksandr Yatsenko), der ihr helfen soll, ihre flüchtige Tochter und Enkelin aufzuspüren. Doch Oleg, dessen fehlendes Auge der Grund dafür ist, dass Olga überhaupt ins Gefängnis kam, schwärmt immer noch für seine Ex und ist nun hin- und hergerissen zwischen dem Geld, das Vera ihm angeboten hat, und seiner anhaltenden Liebe zu Olga. Was folgt, ist ein heilloses Durcheinander von gegensätzlichen Werten und der Art von harter Liebe, die tiefe Narben hinterlässt.

In der Eröffnungsszene von "No Looking Back" sehen wir, wie Mashas Beine von dem Laufband, auf dem sie trainiert, hochfliegen und für einen Moment wie eingefroren im Bild schweben. Auch der Film endet mit einem Standbild, in dem sich Mascha noch einmal in der Luft befindet. Hier zeigt sich die widersprüchliche Dynamik, die das komplexe Porträt einer engen, aber ausgefransten Verwandtschaft vorantreibt: der Wunsch nach Flucht und Entkommen und das unvermeidliche Bedürfnis, wieder dorthin zurückzukehren, wo man angefangen hat. Dies ist ein Film über starke Frauen und schwache Männer, genauer gesagt über drei Generationen von Frauen, die sich alle ähnlicher sind, als sie zugeben wollen. Er ist hell und lebendig, mit sommerlichen Farben, die in der Nachbearbeitung auffällig übersättigt wurden. Diese stilisierte Hyperrealität ergänzt die Blitzlichter der Hyperviolenz, die dieses komisch überzeichnete Drama über Familienbande und häusliche Dysfunktion und über Kinder, die nie zu weit vom Stamm abfallen, regelmäßig unterbrechen. Es ist auf seine Weise auch ein Bild von Mütterchen Russland, das sich aus dem Gefängnis seiner gewalttätigen Vergangenheit zu befreien versucht, aber am Ende immer wieder zurückblicken und ihre Herkunft als wesentlichen Teil ihrer Identität akzeptieren, wenn nicht sogar umarmen muss.

In "Vor Morgengrauen" von Regisseur Jeff Lieberman sehen wir Vachel (Charles Bartlett) und seinen Onkel Ty (Mike Kellin) in einer klapprigen alten Kirche herumstöbern, Alkohol trinken und feiern, dass sie einen Dollar erbeutet haben. Doch ihre Freude wird von einem keuchenden, gackernden, korpulenten Fremden unterbrochen, der Vachels Truck einen Hügel hinunterstößt, so dass er in Flammen aufgeht, bevor er Vachel mit einer riesigen, gezackten Klinge in die Leiste sticht. Ty flieht in Panik, gerade als ein Quintett von College-Kids den Berghang hinauffährt, um in 4.000 Metern Höhe zu campen.

Die sensationelle Musik von Brad Fiedel klingt wie aus einem Sci-Fi-Thriller, abgesehen von den nervtötenden Pfeiflauten, die als markantes Leitmotiv gelegentlich auftauchen. Das ist eine starke Komponente für diesen relativ unbekannten Low-Budget-Slasher, in dem keine Stars zu sehen sind, der sich aber weigert, auf die erwarteten, typischen Weisen zu versagen, die vergleichbare Filme oft befallen. Ein zweiter positiver Faktor ist, dass die Akteure alle recht souverän sind. Im Gegensatz zu seinen schäbigeren exploitativen Vertretern sind die Schauspielleistungen auffallend überzeugend, trotz der verschiedenen Possen, der Sauferei, des Herumknutschens und dem kindlichen Gequatsche verraten die Charaktere nie ein Gefühl von Amateurhaftigkeit. Es gibt sogar eine Reihe von Stunts, die die Grenzen der Produktion zu sprengen scheinen.

Ein weiteres Beispiel für die hohe Wertigkeit des Films ist die gelungene Gestaltung der Kinematographie. Die Außenaufnahmen heben die Schönheit des Silver Falls State Park in Oregon hervor, der eine seltene Umgebung bietet, in der sich Angst und Entzücken abwechseln. Selbst die Nachtszenen sind kontrastreich und klar. Das Gelände bietet ein ständiges Spielvergnügen, von Abhängen, die man hinunterrutschen kann, über Wasserfälle, in denen man baden kann, bis hin zu Seilbrücken, die man überqueren und umgestürzte Baumstämme, die man umgehen muss. All das sind kleine Hindernisse, die eine Gruppe unvorbereiteter Stadtbewohner ausbremsen, die sicherlich nicht bereit sind, einen geistesgestörten, mit einer Machete hantierenden Killer zu bekämpfen.

Es ist augenfällig, dass "Vor Morgengrauen" einige seiner Horror- und Survival-Elemente aus "Beim Sterben ist jeder der Erste" entlehnt hat, während die Herangehensweise an die Dreharbeiten von "Blutgericht in Texas" beeinflusst wird. Aber der Film wirkt auch frisch in seinem Feingefühl für langsames Heranpirschen und glaubwürdige Panik und Furcht. Die Protagonisten begehen zwar die klassischen Fehler, sich zu trennen, Bedrohungen zu ignorieren und alleine herumzulaufen sowie enge Kleidung zu tragen, Nacktbaden zu gehen und zu kokettieren, aber das gleichmäßige Tempo, der subtile Realitätsgrad der Angriffe und die kreativen Einstellungen, die für Spannung sorgen, zeichnen "Vor Morgengrauen" aus. Die Zahl der Leichen ist gering und der Blutzoll minimal, die übelsten Tode finden außerhalb des Bildschirms statt, aber keiner der beiden Punkte schadet der Effizienz, auch wenn das Finale ein wenig überzogen ist. "Vor Morgengrauen" ist im Ganzen ein unerwartet geglückter Slasher.

"Fear and Loathing in Las Vegas"

"Ich werde dir jetzt erstmal ein Paar Sachen erklären. KANNST DU MICH HÖREN?!"
"Was zum... Was zum Henker haben wir hier draußen mitten in der Wüste verloren???" *angsteerfüllter blick* "Wir brauchen Hilfe, wir brauchen Hilfe" *HUUUUUUUUUP*
Ich habe Tränen gelacht bei der Szene wo Benicio Del Toro den Reporter im Aufzug mit dem Messer bedroht wobei auch Schnodder aus meiner Nase floss. "Du willst sie beeindrucken? Pinkfarbene Schwuchtel! Beeindrucke sie mit mir... Beeindrucke sie mit mir!"
"Scheiße, hast du gesehen was Gott uns gerade angetan hat, man?!"
"Das war nicht Gott das warst du! Du bist ein beschissener Drogenfahnder, ich wusste es. Das war unser Kokain du dämliche Ratte, du Mistkerl!!"

"Little Nemo - Abenteuer im Schlummerland" unter der Regie von Masami Hata und William T. Hurtz basiert größtenteils auf Konzepten von Ray Bradbury, mit einem Drehbuch, das zum Teil von Chris Columbus und Jean Giraud, einem Konzeptkünstler für "Alien", stammt, sowie einer Adaption eines Winsor McCay-Comicstrips. George Lucas und Chuck Jones wurden gebeten, den Film zu produzieren, Brad Bird steuerte einen Teil der Animationen bei, Hayao Miyazaki arbeitete an der Vorproduktion, bevor er das Projekt verließ, und die Sherman Brothers schrieben die Songs. Doch trotz einer stattlichen Anzahl fähiger Filmemacher ist die Geschichte nicht sonderlich ergreifend, keiner der Songs ist eingängig oder besonders geistreich, abgesehen vom Titelsong. Der Bösewicht ist eine grässliche, fluide Ausgeburt, die den gasförmigen Antagonisten aus "FernGully - Christa und Zaks Abenteuer im Regenwald" vorwegnimmt, und die Handlung ist eine vergessliche Melange aus allzu bekannten Fantasy-Ideen. Mit formwandelnden Goblins, fliegenden Mantarochen, Cartoon-Rauchern, gigantischen Fledermäusen und intensiven Bildern ist das Endergebnis ein Kassenflop, aber ein entschieden einzigartiges, traditionell animiertes Erlebnis.

In Anlehnung an die Werke von Lewis Carroll wandeln sich Grafiken und Konzepte ständig, um eine Welt ohne Regeln zu erschaffen, die voll von herrlich bizarren Kreaturen und attraktiven Welten ist. Prinzessin Camille (Laura Mooney) will dem neuen Gast das Schlummerland zeigen und sich amüsieren, aber Nemo (Gabriel Damon) ist ein Anwärter auf die Prinzenwürde und muss sich einer Schulung unterziehen, wenn er den Thron erben will. Flip (Mickey Rooney) ist die fleischgewordene Versuchung, die sich hinter der Maske eines in der Unterhaltungsbranche bewanderten Mannes verschanzt. Der einzige Befehl, den der König Nemo gibt, ist, eine bestimmte Tür nicht mit seinem goldenen Schlüssel zu öffnen, aber Flip überzeugt den Besucher, genau das zu tun. Ein königliches Zepter, Flips Karte von Albtraumland und der Mut eines fantasievollen Jungen sind alles, was König Morpheus (Bernard Erhard) und das Schlummerland vor dem tragischen Untergang retten kann.

Die Traumwelt transzendiert die Realität und lässt Nemos Fantasie mit seinem Wachzustand verschmelzen, nicht unähnlich Freddy Kruegers unheimlicherem Modus Operandi. Da der Junge häufig in seinen Traum hinein- und wieder herausgeholt wird, ist es schwer zu sagen, ob er jemals wirklich schläft. Er kann in die Sicherheit seines Bettes zurückgebracht werden, indem er scheinbar aufwacht, aber um nach Schlummerland zurückzukehren, ist eine Reise durch den Himmel wie ein Flug nach Nimmerland erforderlich. Das Abenteuer ist unerwartet innovativ, auch wenn die Nebenfiguren nicht sonderlich originell sind. Für einen Kinderfilm sind viele der Geschehnisse tatsächlich ziemlich schaurig und sicherlich eine Nuance düsterer als alles, was man in einem Disney-Zeichentrickfilm sieht, was ein Faktor ist, der verhindert hat, dass "Little Nemo - Abenteuer im Schlummerland" ein großes Kinopublikum findet.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

S-Patriot hat sich in dieser zweiten Runde meiner Wunschkommentare mit seinem Lieblingsfilm "Hero" eingeloggt. Nach meiner ersten Sichtung vor gut 10 Jahren habe ich mir die DVD angeschafft und war nach der zweiten Sichtung von der Ästhetik geradezu berauscht, denn ich hatte den Film nicht mehr so gut in Erinnerung wie nach dem ersten besichtigen, weshalb ich "Hero" von meinen 8 Punkten unbedingt auf 9 hochstufen muss.

Wer "Tiger & Dragon" für die Bluttrauung von Martial-Arts- und Arthouse-Filmen gehalten hat, ist mit "Hero" von Regisseur Yimou Zhang herzlich willkommen und darf sich über einen Film freuen, der das anspruchsvolle Werk von Ang Lee und James Schamus wie eine billige Klamotte aussehen lässt. Abgesehen von den superkinetischen Kämpfen ist "Hero" eine Reihe von erlesenen Gemälden, die von einem traurig singenden Cello begleitet werden. Der Film beginnt mit einer Dosis Symmetrie: Tausende chinesische Statisten in alten Militärgewändern zollen Jet Li Tribut, als er die Stufen des Palastes der Qin-Dynastie erklimmt. Berichten zufolge hat er drei Möchtegern-Attentäter des Königs getötet und darf sich nun dem zu Recht paranoiden Herrscher (Chen Dao Ming) bis auf 10 Schritte nähern. Im Laufe des Films erzählt der Namenlose (Jet Li), wie er alle Feinde des Königs tötete oder deren Ermordung organisierte. Der König vermutet, dass der Namenlose ihm etwas verschweigt und bietet seine eigene Version der Ereignisse an. Dann erfahren wir, was wirklich geschehen ist. Und damit entsteht eine Geschichte oder besser gesagt, ineinandergreifende Fabeln, deren Moral eine andere ist als die, die wir uns vorgestellt haben.

Die Kargheit von "Hero" macht einem bewusst, wie überladen manche Actionfilme sind. Er orientiert sich an dem Credo des Königsfeindes Broken Sword (Tony Leung), dass Kalligrafie und Schwertkampf demselben Prinzip der höheren Einheit folgen. Das könnte der Grund sein, warum Broken Swords große Liebe, Flying Snow (Maggie Cheung), bei ihm geblieben ist, obwohl sie wütend auf ihn ist. Heutzutage würde Broken Sword lieber schreiben als kämpfen. Unter der zustimmenden Miene seines hübschen Schützlings Moon (Zhang Ziyi) führt er feierlich Sandmalereien aus, während der namenlose Krieger und Flying Snow mit ihren Schwertern Hunderte von Pfeilen abwehren. Die Sache mit den einfliegenden Pfeilen ist eine der Spezialitäten von Yimou Zhang. Man sieht, wie die Geschosse, die wie ein Insektenschwarm aussehen, über die Kalligrafieschule von Broken Sword und Flying Snow herfallen. Der alte Meister ermahnt seine Schüler, weiter zu malen, anstatt unter ihren Schreibtischen zu verschwinden, und erklärt: "Ihre Pfeile können unsere Kultur niemals auslöschen". Man erwartet, dass jemand sagt: "Stimmt, aber sie können unsere lebenswichtigen Organe durchstechen", doch die Buddhisten haben schon immer eine längere Perspektive gehabt. Auf jeden Fall ist es ratsam, sich nicht mit dem Scharfsinn eines Abendländers zu profilieren. Das Heldentum von "Hero" dreht sich um Selbstaufopferung, nicht um die modische Rache unseres eigenen Action-Genres. Der Film verfolgt eine höhere Dimension der Gemeinschaft.

Jet Li's markante Unscheinbarkeit wird hier optimal genutzt. Der Namenlose ist keine romantische Hauptfigur, sondern ein einsamer, grobschlächtiger Rächer, der zu blitzschnellen Manövern imstande ist. Er ist keine überzeugende Hauptfigur, und das sollte er auch nicht sein: Der kantonesische Titel des Films lautet "Broken Sword". Der emotionale Kern von "Hero" ist das Spannungsfeld zwischen Maggie Cheung und Tony Leung. Maggie Cheung ist so umwerfend wie immer. Ihre seidenweichen Pirouetten verleihen ihren Kampfszenen eine zornige und lyrische Anziehungskraft. Aber es ist Tony Leungs Film. Diejenigen, die ihn noch nicht kennen, sollten neben "Hero" auch unbedingt "Infernal Affairs - Die achte Hölle" sehen, den mitreißendsten und emotional intensivsten Hongkong-Polizeithriller, den ich je gesehen habe. Bei Tony Leung herrscht eine vulkanische Stille, die selbst Kalligraphie zu einem besonderen Kunstgenuss macht.

Ich wäre überglücklich gewesen, wenn die Actionszenen von "Hero" so gut gewesen wären wie die in "Tiger & Dragon". Das Problem sind nicht die Kämpfe oder die fachmännische Drahtarbeit, sondern Yimou Zhangs Fokussierung auf schnelle Großaufnahmen gegenüber flüssiger Akrobatik. Einzelne Bilder sind sehr schön, vor allem der "Matrix"-ähnliche Moment, in dem der Namenlose und sein Schwert durch einen Wald aus schwebenden Regentropfen stürmen, sowie die sterbende Vision einer erschlagenen jungen Frau, während sich die wirbelnden Blätter von Gelb zu Blutrot verfärben. Doch im direkten Vergleich empfinde ich "Hero" als den besseren Film. Yimou Zhang scheint immer auf etwas anderes zu schwenken, bevor eine Einstellung ihre volle Wirkung entfaltet. Wenn seine Kampfszenen auch nicht ganz so berauschend sind, so machen seine Farben und seine kompositorische Präzision doch vieles wieder wett. Genießt "Hero" auf dem größtmöglichen Bildschirm, den ihr finden könnt, und setzt euch so nah heran, dass die Spiralseide eure nasalen Nervenhaare in Wallung bringt.

Der erste Akt von "Poison Ivy - Die tödliche Umarmung" hätte eine introspektive Untersuchung des Lebens, der Beziehungen, Selbstachtung, Eifersucht und des Rufs eines gestörten Teenagers sein können, zusammen mit einem gefühlvollen Blick auf die Turbulenzen zwischen einer zerstrittenen Mutter und ihrer gefühlsbetonten Tochter sowie einem verzweifelten Ehemann, der mit der verlorenen Nähe zu seiner Frau kämpft. Doch dank der Noir-Musik von David Michael Frank, die mit Saxofonklängen aus der Softcore-Erotikabteilung und romantischen Melodien aus Popsongs der damaligen Zeit sowie Ivys (Drew Barrymore) ständig blankgezogener Hüfte durchsetzt ist, fällt es schwer, sich auf die ernsteren, dramatischen Komponenten zu konzentrieren. Im Vordergrund stehen Ivys Verführungstaktiken, die im Vergleich zu den typischen Teenagerängsten am Anfang fast deplatziert wirken.

Gerade wenn der Zuschauer denken könnte, dass "Poison Ivy - Die tödliche Umarmung" intelligenter ist, als es den Anschein hat, schlendert er zurück zu dem dampfenden Material, das in jeder Sequenz lauert, in der Ivy Haut blitzen lässt. Da Drew Barrymore zur Zeit der Dreharbeiten noch minderjährig war, ist das Ganze interessanterweise viel harmloser, als es das Zielpublikum vielleicht annehmen würde. Es gibt viele Anspielungen, aber es fehlt an tatsächlich kantigem Filmmaterial - ein weiteres Indiz dafür, dass "Poison Ivy - Die tödliche Umarmung" nicht einmal einen Hauptbestandteil seiner Attraktivität in der Vermarktung aufgreift.

In der Tat schwankt der Ton so häufig, dass es augenscheinlich ist, dass "Poison Ivy - Die tödliche Umarmung" nicht wirklich weiß, welche Art von Film er sein will. Mit jeder Minute, die verstreicht, wird die Jugendfreundschaft weniger überzeugend, der Familienstreit der Coopers weniger erfrischend, und die Morbidität von Ivys Aufdringlichkeit, Manipulation und Identitätsübernahme verliert an Kraft. Wenn sich der Zeitpunkt des Abschlusses so langsam nähert, dass er sich länger anfühlt als er ist, wird die Schauspielerei kraftlos und die Enthüllungen verblassen, was zum Teil daran liegt, dass die Handlungen dem Betrachter gezeigt werden, bevor die Charaktere darüber informiert sind, und zum großen Teil daran, dass die wenigen, abschließenden, sich entfaltenden Geheimnisse keinen besonderen Anreiz zur Spannung bieten. Außerdem ist die Schlussszene absolut schrecklich. "Sie hat dich auch, nicht wahr?"

Der Humor von Regisseur James Signorellis "Elvira - Herrscherin der Dunkelheit" ist nicht unbedingt sensationell, aber die Oneliner sind konsequent und sorgen immer wieder für einen kleinen Lacher. Der Großteil der Komödie besteht aus sexuellen Anspielungen, erotischen Flirts, falschen sexgedeuteten Interpretationen, eindeutigen Sexangeboten und viel Erotik als Anschauungsmaterial. Cassandra Peterson weiß genau, worauf es bei dieser Art von Entertainment wirklich hinausläuft.

Im Mittelpunkt des Interesses stehen zweifelsohne Elviras körperliche Attribute, allen voran ihr beachtlicher Pulchritudinus. Ihr Holz vor der Hütte scheint unmöglich in ihrem tief ausgeschnittenen Kleid zu verschwinden, das sie routinemäßig gegen verschiedene Objekte drückt oder mit diversen Nahrungsmitteln und Flüssigkeiten benetzt. An anderen Stellen entledigt sie sich ihrer Kleidung, langsam, während jazzige Saxophonmusik erklingt. Gelegentlich springt sie auch einfach auf und ab und überlässt sich der Schwerkraft. Zusammen mit ihrem attraktiven Selbstvertrauen ergibt das eine meist gewinnende, wenn auch etwas eintönige Erscheinung.

Die Lücken werden durch Klamauk, komische Bildmontagen und eine flüchtige Dreiecksbeziehung überbrückt. Die Verwicklungen sind unaufrichtig, die Nebencharaktere sind nebensächlich, und die Prämisse ist fadenscheinig. Elvira ist eine absolut ansehenswerte Figur, die eine Mischung aus gothischem Prickeln und einer makabren Gestalt mit blöden Kommentaren und einem Zitat aus ikonischen Filmen kombiniert. "Elvira - Herrscherin der Dunkelheit" zieht sich zu lange hin und die Scherze werden zugunsten von dämlichen magischen und chaotischen Szenen immer schwächer, auch wenn die Rückbesinnung auf solche Streifen mit schlüpfriger Effekthascherei, blutigem Maskenbild und trotteligen Kasperletheater mittelmäßig ergötzlich ist.

In dem Dokumentarfilm "Unser Vater - Dr. Cline" von Regisseurin Lucie Jourdan ist es schwer, sich einen ungeheuerlicheren Fall vorzustellen, in dem eine Autoritätsperson unschuldige Opfer auf so widerwärtige und ekelerregende Weise, dass einem regelrecht schlecht wird, ausnutzt. Die Eröffnungssequenz von "Unser Vater - Dr. Cline" sieht aus wie etwas aus "The Shining", mit einer langsamen Kamerafahrt durch einen schmalen Flur mit senfgelben Wänden, denn dies ist die Definition einer Horrorgeschichte, in der die entsetzlichen Gräueltaten eines Dr. Donald Cline geschildert werden, eines renommierten Fruchtbarkeitsspezialisten aus Indianapolis, der in den 1980er Jahren Patienten heimlich mit seinem eigenen Sperma inseminierte, ohne dass diese davon wussten oder zustimmten, was zu mindestens 94 Kindern führte.

Lucie Jourdan zeichnet ein eindringliches, verstörendes Bild von Dr. Donald Cline, indem sie seine eigenen Worte und Taten gegen ihn verwendet, aber klug und mitfühlend macht sie aus "Unser Vater - Dr. Cline" ebenso viel über die Opfer wie über den wahnsinnigen teuflischen Dr. Cline. Lucie Jourdan kombiniert Archivmaterial mit gelegentlichen Nachstellungen und aufschlussreichen Interviews, vor allem mit Opfern wie Jacoba Ballard, die ein DNA-Kit für zu Hause kaufte und fassungslos war, als die Ergebnisse anzeigten, dass sie sieben biologische Halbgeschwister haben könnte, wobei das gesamte Audiomaterial von aufgezeichneten Gesprächen, Verhören und Gerichtsverhandlungen stammt. Jacoba Ballard setzte sich mit diesen Übereinstimmungen in Verbindung, und die daraufhin einsetzende Kommunikation und weitere DNA-Tests brachten die niederschmetternde Bestätigung zu Tage. Obwohl Dr. Donald Cline den Patienten sagte, dass die Spermaproben je nach Situation von ihren Partnern oder anonymen Spendern stammten, masturbierte er in Wirklichkeit selbst, während sie nebenan in einem Behandlungsraum waren, und verwendete buchstäblich Dutzende Male sein eigenes frisches Saatgut.

Eine Frau sagt, sie habe das Gefühl, 15 Mal von dem Mann vergewaltigt worden zu sein, den sie als ihren Arzt und Vertrauensperson bezeichnete. Eine andere erzählt, wie erschüttert ihre Eltern waren, als sie erfuhren, dass der Mann, den sie ihr ganzes Leben lang als Vater gekannt hatte, nicht ihr biologischer Vater ist. Doch selbst als sein Machtmissbrauch aufgedeckt wurde, blieb Dr. Cline distanziert und zeigte keine Schuldgefühle. Auf dem Tonband hören wir ihn sagen: "Ich sehe diese Menschen nicht an und betrachte sie nicht als meine Kinder".

Es ist erstaunlich, dass es in den Gesetzbüchern des Bundesstaates Indiana keine Regelung gab, die es erlaubte, Dr. Donald Cline für ein ernsthaftes Delikt zu verurteilen. Er wurde wegen falscher Angaben gegenüber dem Generalstaatsanwalt angeklagt, und der Richter verurteilte ihn zu einer Geldstrafe von 500 Dollar und verhängte keine Haftstrafe. Nicht zuletzt dank der unermüdlichen Arbeit einiger von Dr. Clines Opfern hat Indiana 2018 ein Gesetz verabschiedet, das die illegale Befruchtung durch Spender unter Strafe stellt, aber es gibt noch kein Bundesgesetz.

"Ich will keine Beziehung zu ihm", sagt eines der Opfer des dämonischen Dr. Cline. "Ich habe vielleicht die Hälfte seiner DNA, aber er ist nicht mein Vater und wird es nie sein."

Also ich mach da sehr gerne mit. Egal auf welchem Streaminganbieter oder Mediathek.

"Teenage Caveman" von Regisseur Larry Clark beginnt mit einer eigenartigen blauen Färbung, die die Bilder tönt, gepaart mit holpriger Kameraführung und schnellen Schnitten, in denen eine primitive, höhlenmenschähnliche Jagdgesellschaft nach Fleisch sucht, um es ihrem Stamm mitzubringen. Doch der ältere Anführer Nathaniel (Larry Clark höchstpersönlich) strapaziert mit seiner ständigen Stänkerei ein paar Nerven zu sehr, was in einem gut gezielten Speer in seinem Rücken endet.

Schon bald kehrt die Gruppe in das riesige Höhlennetz zurück, das ihren Clan beherbergt und sie vor den Gefahren der Wildnis schützt. Technologie, Wissenschaft und fortschrittliche Infrastruktur sind zerfallen und verschwunden, größtenteils aufgrund des katastrophalen Klimawandels. Gewöhnliche Annehmlichkeiten und Komfort sind nur noch Relikte der alten Welt. Der Schamane des Stammes (Paul Hipp) besteht darauf, dass die jüngeren Mitglieder sich von Büchern oder anderen Informationen fernhalten, die sie über die alten Bräuche unterrichten könnten. Im Grunde ist er ein Sektenführer, und er hat nichts dagegen, die Töchter des Clans zu vergewaltigen, während er verkündet, dass Gott seine Taten gebietet.

Wie von einem Film von Larry Clark zu erwarten, der zuvor den hervorragenden "Kids" inszeniert hat, ist die Abartigkeit allgegenwärtig und äußerst extrem. Es gibt hier Satire, die zeigt, wie Autor Christos N. Gage jugendliche Versuchung sowie Sünde und ein biblisches Maß an Konsequenzen für gottlose Experimente und die übertriebenen Horrorgeschichten von Geschlechtskrankheiten sieht, aber sie ist so direkt oder unnötig exaltiert, dass sie nie als geistreich oder kunstvoll rüberkommt. Stattdessen überstrahlen die ständigen Partys, der Alkoholkonsum, der Koitus, die Nackedeis und die Gewaltexzesse einfach alle anderen Aspekte.

Da hilft es auch nicht, dass die Darsteller im Allgemeinen wenig glaubwürdig oder gelegentlich sogar bemitleidenswert sind, während die Dialoge juvenil und der Filmschnitt erbärmlich ist. Komischerweise ist die Fotografie nicht so billig, wie der Schnitt es vermuten lässt. Die technischen Details, einschließlich der Musik, werden immer wieder durch ineffektive Schnittfolgen und laienhafte Kamerabewegungen verschlimmbessert. Leider sind die Spezialeffekte, die eigentlich der beeindruckendste Faktor hätten sein sollen, ebenso unbefriedigend. Sie beruhen größtenteils auf veralteten Computergrafiken und nur in geringem Maße auf den optischen Reizen von Make-up und Prothetik. Selbst der Schluss ist zwiespältig und unzufriedenstellend, auch wenn der Gipfelpunkt zumindest brutal explosiv ist.

"The Empty Man" ist das Debüt des Filmregisseurs David Prior. Seine bisherige Karriere war geprägt von Making-of- und Hinter-den-Kulissen-Dokumentationen für den Heimkinobereich. Er hat insbesondere für den Regisseur David Fincher gearbeitet, und der Einfluss dieses Filmemachers ist im Sound, in der Ästhetik und in der von Anastos N. Michos durchgeführten Kameraarbeit von "The Empty Man" merklich spürbar. Zumindest ist dies ein prächtig atmosphärischer und unheimlicher Film mit einer exzellenten visuellen Textur. Die Geschichte stammt aus der gleichnamigen Comic-Miniserie, die von Cullen Bunn geschrieben und von Vanesa R. Del Rey illustriert wurde. David Prior hat es für die Filmkunst adaptiert. "The Empty Man" sieht und klingt exquisit und ist mit einer starken Hauptrolle von James Badge Dale gut gecastet. Von Anfang bis Ende ist er außerdem gut strukturiert, mit soliden Dialogen und überzeugenden Charakteren. Wo der Film strauchelt, ist in seiner Handlungskonstruktion, und in der Handlungsweise selbst.

Zum einen beginnt "The Empty Man" mit einem kolossalen 22-minütigen Prolog. Lange genug, dass man sich als Beobachter so sehr in die anfänglichen Charaktere hineinversetzt, dass es ein verstörender Moment ist, wenn nach fast einer halben Stunde plötzlich der Titel auf dem Bildschirm erscheint. Hat man sich erst einmal an den Schauplatz und die Figuren gewöhnt, fühlt sich "The Empty Man" oft eiskalt entschleunigt an. Jeder, der mit den üblichen Praktiken des Folk-Horrors vertraut ist, wird jede Wendung vorhersehen, lange bevor sie eintritt. "The Empty Man" dauert insgesamt 137 Minuten und müsste dringend um 20 Minuten reduziert sein.

Das führt zu dem anderen problematischen Punkt der Erzählweise. Letztendlich ist "The Empty Man" zu derivativ, um gänzlich zu funktionieren. Für Horror- und Thrillerfans könnte man eine Auflistung früherer, qualitativ besserer Filme erstellen und diese nach und nach als Referenzen in "The Empty Man" abhaken. Ein bisschen "Zodiac - Die Spur des Killers" hier, ein Stückchen von "The Ring" dort, und Anklänge an "The Wicker Man", "Videodrome" und ähnliche Filme. Das Ergebnis ist etwas ziemlich Elegantes und Unterhaltsames, wirkt aber auch wie ein folkloristischer Horror-Milkshake. Es lohnt sich, einen Blick zu riskieren, aber vielleicht mit gedämpften Ambitionen.

"Matrix Resurrections" von Regisseurin Lana Wachowski stürzt sich voller Inbrunst in die geheimen Eingangsportale, die Schießereien mit unendlich vielen Kugeln, die Kung-Fu-Duelle, ultraschnellen Verfolgungsjagden und die vor Coolness strotzenden Selbstverteidigungsmanöver. Auch wichtige Akteure tauchen wieder auf, darunter Carrie-Anne Moss als Trinity, während Doppelgänger die Rollen von Agent Smith (Jonathan Groff) und Morpheus (Yahya Abdul-Mateen II) neu definieren. Da sich die Handlung um diese Charaktere dreht, ist es umso bedauerlicher, dass sie ersetzt wurden und nicht einfach Hugo Weaving respektive Laurence Fishburne zurückgeholt wurden. Es wäre nicht schwer gewesen, das Drehbuch so umzugestalten, dass es diesen Schauspielern gerecht wird, denn das Skript ist im Grunde genommen auf ständige Anspielungen auf die ursprüngliche Trilogie ausgerichtet und geht sogar so weit, dass unzählige Rückblenden verwendet werden, bei denen es sich um Filmausschnitte handelt, die zu verschiedenen Anzeigen innerhalb der Matrix manipuliert wurden.

Manchmal ist dieses letzte Kapitel fast eine Parodie seiner selbst, auch wenn der Ton glücklicherweise nicht zu sehr ins Dilettantische abgleitet. Es ist bei weitem nicht notwendig, die Franchise an diesem Punkt zu erweitern, aber es funktioniert zumindest, um die Realität der vorherigen Geschichte herauszufordern und gleichzeitig so viele unvergessliche Bilder wieder aufleben zu lassen - von einer Kaninchentätowierung über "Bullet Time" bis hin zu schwarz gekleideten Agenten und Sprinkleranlagen, die über Zeitlupenschießereien ausbrechen. Der Nostalgiewert ist außerordentlich hoch und clever integriert. Es ist unbestreitbar, dass den sich wiederholenden Nahkämpfen, den akrobatischen Posen vor den tödlichen Schlägen und dem Einsatz von verzerrten Spiegeln und seltsamen Reflexionen viel Aufmerksamkeit gewidmet wird, um die Schwierigkeiten bei der Unterscheidung von Wirklichkeit und Fiktion hervorzuheben, aber das tut der Unterhaltsamkeit keinen Abbruch.

Was "Matrix Resurrections" unglaublich gut macht, ist, den äußerst unbefriedigenden Schluss der dritten Episode zu korrigieren, indem es eine eindeutige Ansammlung von Untergängen und Patt-Situationen mit offenem Ende in ungeschliffene, aber angenehme zweite Chancen verwandelt. Als ob dieser Neustart eine Antwort auf die Kritik an der vorangegangenen Schlussfolgerung wäre, setzt er auf die Einfachheit und Intimität einer kondensierten, klaren Mission zur Rettung von Trinity, anstatt die Fülle von Dilemmata zu lösen, die das Ausmaß der Matrix für eine ganze Zivilisation mit sich bringt. Natürlich werden nicht immer Antworten gefunden, wenn es einfacher ist, die Dinge als große Anomalien abzutun. Die grundlegende Liebesgeschichte aus dem Blockbuster von 1999 war vielleicht die wichtigste Komponente, die durch Themen wie Identität und Freiheit in einer modernisierten, technologieabhängigen Welt, lange schwarze Mäntel und Sonnenbrillen, die zu schweren Waffen passen, spektakulär erweitert wurde. Einige der großartigsten Actionsequenzen, die je erdacht wurden, machen es zweifellos zu einer klugen Entscheidung, dabei zu bleiben, und es ist genauso bewegend wie zuvor. Die zusätzlichen Elemente wie die Bösewichte, das hochoktanige Abenteuer und die Versatzstücke sind hier nicht so anregend wie im ersten Film, aber das Endergebnis ist immer noch sehr gut, um das Gefühl der Zufriedenheit und des Spaßes wiederherzustellen, das im Finale von 2003 so sehr gefehlt hat.

"Savage Streets - Die Straße der Gewalt" von Regisseur Danny Steinmann bemüht sich nicht, seine Exploitation-Absichten zu verhehlen. Schon in den ersten Minuten wird einer Frau das Oberteil heruntergerissen und ihre Brüste werden betatscht. Bei einer Szene in der Umkleidekabine für Mädchen wird die Blöße frontal zur Schau gestellt. Des Weiteren liefern sich zwei Mädchen in den Duschen einen Zickenkampf, während sie dabei nasse T-Shirts tragen. Selbst in den engen Räumen der Schule grassiert die Rebellion. Direktor Underwood (John Vernon) kann die Schüler nicht kontrollieren, die vor seinen Augen zu rauchen beginnen und sogar auf seine Schuhe spucken. Und keiner der anderen Lehrer hat wirklich Erfolg mit der Einhaltung von Ordnung und Disziplin. Dies sind in der Tat wilde und zunehmend gewalttätige Verhältnisse.

Kurze komödiantische Anflüge ergänzen die Bösartigkeit ebenso wie Diskussionen über Poesie und das Fortpflanzungssystem, die sich zu einer Verhöhnung der Bildung und zu weiteren Schlägereien mitten im Klassenzimmer entladen, die in erneut entblößten Oberweiten resultieren. Weitere Nebenhandlungen sind die Eifersuchtsszenen zwischen Brenda (Linda Blair) und der tyrannischen Cindy (Rebecca Perle) wegen des arroganten Sportlers Wes (Brian Mann) sowie Francines (Lisa Freeman) bevorstehende Hochzeit, die jedoch von Jakes (Robert Dryer) Plänen überschattet werden, Brendas Freunde weiter zu belästigen, was sich schnell zu einem Mord wandelt. Obwohl Realismus nicht zu den Stärken von "Savage Streets - Die Straße der Gewalt" gehört, hätte es mehr Sinn gemacht, wenn die verschiedenen Anstifter zumindest im College-Alter gewesen wären.

Immerhin gibt es einige lustige Momente, wenn Brendas Rachepläne endlich beginnen, auch wenn diese mit einer bedeutungslosen Nacktszene in einer Badewanne anfangen. Dank einiger offensichtlicher Vorahnungen zu Beginn, nämlich als die Mädchenbande an einem Schaufenster mit einem Jagdbogen und einer Bärenfalle vorbeikommt, bedient sich ihr Amoklauf der Taktik des Slasherfilms, der berechtigten Provokation und einem Hauch von Aderlass, der allerdings selten gravierend ist und zum Teil im Verborgenen stattfindet. Der Höhepunkt ist geprägt von Vigilantismus und dem sich langsam heranpirschenden Killer, der hinter dem einsamen Mädchen her ist, was letztlich in einen anderen Film gehört, aber Linda Blair schafft es dennoch, eine Kinoheldin zu werden, eine starke Frau inmitten eines misogynen Durcheinanders.

Wie eine Vorführung auf der Disneyland-Fahrt "Fluch der Karibik" zeigt "Abbott und Costello als Piraten wider Willen" von Regisseur Charles Lamont, viele Frauen, die ständig von betrunkenen Rowdys gehetzt werden, wahllose Fechtkämpfe und Prügeleien ohne triftigen Anlass. Dazu kommen singende Bardamen mit Totenkopfhüten und Peter-Pan-Shorts, begleitet von Bruce Martingale (Bill Shirley) und dem grantigen Captain William Kidd (ein übergewichtiger, stämmiger Charles Laughton mit geschwollenen Augen und zerzausten Haaren) in der Deaths Head Tavern, der den armen Kellnern, die ihm das Abendessen bringen, das Leben schwer macht. Zwei von ihnen sind Rocky Stonebridge (Bud Abbott) und Puddin' Head Feathergill (Lou Costello), die aus Versehen das Essen versauen. Während des Streits vertauscht Puddin' Head einen Liebesbrief von Lady Jane (Fran Warren) mit einer unbezahlbaren Schatzkarte von Skull Island und vereitelt damit einen Plan von Kidd und seiner neuen Partnerin Captain Bonney (Hillary Brooke), die Beute zu stehlen.

Die vielleicht bedenklichste Besonderheit ist die Vielzahl generischer Musical-Nummern, die den Rahmen des Films aufblähen, das Tempo drosseln und die Handlung weniger erlebnisorientiert gestalten. Die Nebenhandlung mit Bruce Martingale (Bill Shirley) und Lady Jane, die heimlich ihre Romanze aufrechterhalten, dient zwar als Ausrede für die Gesangseinlagen, trägt aber in keiner Hinsicht zur Entwicklung bei, zumal Jane für keinen der beiden Hauptdarsteller eine Liebesbeziehung begründet. Die Lieder ändern sich fast bei jedem Szenenwechsel. Alle sind munter, aber wirkungslos, was dem Humor von "Abbott und Costello als Piraten wider Willen" erwarteten Routinen zuwiderläuft, wobei mehrere Auszeiten genutzt werden, um die Duette hervorzuheben.

Da alles an "Abbott und Costello als Piraten wider Willen" substandard ist, scheint auch Charles Laughton eine Auszeit von seinen bekannten und geschätzten Werken zu nehmen. Es ist eine Art Konkurrenzkampf, bei dem jeder versucht, seine Emotionen oder den Dialog zu überzeichnen und maßlos übertrieben zu reagieren, wobei jedoch keine Person ernstlich lustig ist. Ganz so abwegig ist das nicht, wenn man in Betracht zieht, dass das berühmte Team Abbott und Costello bereits auf das Ende ihrer Karriere zuging. Merkwürdig ist auch, dass Charles Laughtons Rolle, die 1945 in "Unter schwarzer Flagge" nicht sehr populär war, sieben Jahre später in dieser Komödie erneut übernommen wurde.

"Manche mögen's heiß" von Regisseur Billy Wilder beginnt mit einer stuntreichen Verfolgungsjagd durch verregnete Straßen, bei der die Bootlegger der Polizei entkommen, die das Feuer auf ein verdächtiges Fahrzeug eröffnet hat, das eine Kiste mit Schnaps mitführt. Wir schreiben das Jahr 1929 in Chicago, und Billy Wilder ist sich der Brisanz der Gangsteraktivitäten stets bewusst. Die Kriminellen sitzen in Mozarellas Beerdigungsinstitut fest, das sich als exklusiver Nachtclub ausgibt und in dem Bundesagenten für eine Mitternachtsrazzia bereit sind. Für eine abrupte, völlig humoristische Wendung sorgen der Bassist der Bühnenband Jerry (Jack Lemmon) und der Saxophonist Joe (Tony Curtis), die sich um ihren Lohn streiten und erst kurz vor der Razzia merken, dass sie in der Klemme stecken und es trotzdem schaffen, sich hinauszuschleichen. Da es ihnen in finanzieller Hinsicht schlecht geht, suchen sie verzweifelt nach einem neuen Gig, landen aber unglücklicherweise nur im Lauf eines Maschinengewehrs der gleichen Verbrecher aus dem Nachtclub.

Jack Lemmon verkörpert seinen üblichen, hochtönigen, krächzenden Nörgler, der gelegentlich auf die Leinwand blitzt, als wolle er mit dem Publikum korrespondieren - ein Wegbereiter für seinen bedeutenderen C.C. Baxter ein Jahr später in "Das Appartement" - beide Rollen wurden für den Oscar als bester Darsteller nominiert. Er spielt die zweite Geige neben Tony Curtis, der trotz unglaublich dämlicher Dialoge, geschürzter Lefzen, einer nicht gerade überzeugenden femininen Stimme und einer im Allgemeinen fehlenden Seriosität versucht, die Hauptrolle zu mimen. Als Frau ist er ein bisschen grotesk, während Jack Lemmon das pure Gegenteil darstellt. Sie werden zur Zielscheibe der anderen Seite des sexuellen Spektrums, stoßen auf aggressive Greise, couragierte Hotelbedienstete und sextremistische Verwirrungen, erlangen unvorhergesehenen Zutritt zu privaten Frauenwelten und landen immer wieder zur Unzeit am falschen Ort.

"Manche mögen's heiß" bietet viele eindrucksvolle Aufnahmen, in denen die Rollenumkehr, das Transvestitentum und die ausgeprägte Geschlechtlichkeit zur Geltung kommen, die nicht so stark abgemildert werden, wie man es bei einem Film aus den 50er Jahren erwarten könnte. Das vielleicht beste Beispiel ist, als Tony Curtis vorgibt, immun gegen die Wirkung von Frauen zu sein, die er phantasievoll auf ein Missgeschick am Grand Canyon zurückführt, bei dem eine Freundin einen Schritt in die falsche Richtung gemacht hat, nachdem sie ihre Brille abgenommen hatte, und Sugar Kane (Marylin Monroe) überredet, wiederholt zu versuchen, ihn zu verführen, während Jerry eine höchst humorvolle Misshandlung eines Freundes auf sich nimmt, indem er den koketten echten Millionär Osgood Fielding III (Joe E. Brown) unterhält. Der Schnitt ist einfach krawallig.

Billy Wilder, der weder Figuren noch unliebsame Konfrontationen oder Gelegenheiten für mehr Chaos verschmäht, lässt die Gangsterbande von Beginn an bis zum Ende mitmischen, das in einem Showdown im Seminole-Ritz Hotel gegipfelt ist. Dieser Blödsinn verschafft den Protagonisten zusätzliche Slapstick-Momente, streckt aber leider auch die Zeitspanne zwischen den guten Aspekten. Marylin Monroe singt auch einige Songs und fällt im Laufe des Films förmlich aus ihren Kleidchen, was zwar angenehm ist, aber die Filmdauer wiederum erhöht. Während Jack Lemmon sich in seiner Scharade mit Joe E. Brown verbeißt, kommt es zu einem der wohl berühmtesten Kinoenden, das beweist, dass "Manche mögen's heiß", auch wenn das Erzähltempo nicht optimal ist, ein seltenes, ungemein erheiterndes Spektakel darstellt.

"The Sun in the Last Days of the Shogunate" ist eine japanische Komödie von 1957 unter der Regie von Yûzô Kawashima. In seinem Heimatland gilt er seit vielen Jahrzehnten als absoluter Klassiker. Trotz seines lokalen Erfolgs ist er erst seit kurzem im japanischen Original mit englischen Untertiteln verfügbar. "The Sun in the Last Days of the Shogunate" ist eine fantastische Filmkomödie. Es dauert zwar ein wenig, bis sie in Fahrt kommt, aber sie ist eine wunderschön gespielte Farce mit einer ordentlichen politischen Note und einem wunderbaren Hauptdarsteller, dem Stand-up-Comedian und Schauspieler Frankie Sakai.

1957 bereitete die japanische Regierung die Verabschiedung eines Gesetzes vor, das die Sexarbeit unter Strafe stellen und der langen Tradition der japanischen Bordelle ein Ende setzen sollte. "The Sun in the Last Days of the Shogunate" beginnt mit einer Erklärung dieser Tatsache, bevor er ein Jahrhundert zurückspringt, um solche Unternehmen in ihrer kulturellen Blütezeit zu zeigen. Ab hier werden die politischen Ansichten des Films ein wenig kompliziert. Einerseits scheint es eine echte Wertschätzung für sie zu geben: das Gemeinschaftsgefühl, die gemeinsame Zeit der Männer im Badehaus, das Ritual des Trinkens mit der Geisha und dergleichen. Andererseits widmet Yûzô Kawashima den weiblichen Figuren des Films ebenso viel Aufmerksamkeit wie den Männern: Man sieht sie, wie sie die Schulden der Familie durch Sexarbeit abstottern, wie sie von ihren glücksspielsüchtigen Vätern in die Sklaverei verkauft werden und wie sie ständig auf der Suche nach einem Mann sind, der von ihnen so hingerissen ist, dass er sie heiratet und sie aus ihrem Leben rettet. Es ist ein heikler Balanceakt, Nostalgie zu präsentieren und gleichzeitig diese zu durchlöchern.

Frankie Sakai ist einfach genial. Sein komödiantisches Gespür ist nahezu perfekt, und er hat die Begabung, aus jeder Situation und jedem Spruch den maximalen Nutzen zu ziehen. Während "The Sun in the Last Days of the Shogunate" letztlich ein Ensemble-Stück ist, ist es seine Leistung, die alles zusammenhält und den Film von einem sehr guten zu einem grandiosen Film werden lässt.

"The Sun in the Last Days of the Shogunate" ist in vielerlei Hinsicht die japanische Version einer englischen Persiflage. Charaktere, die sich missverstehen, Situationen, die außer Kontrolle geraten, und Täuschungen, die im ungünstigsten Moment zusammenfallen. Er perfektioniert diese Art von Humor nicht nur, sondern schafft es, ihn zu übertreffen. Am Ende des Winters wacht Saheji (Frankie Sakai) früh auf, packt seine Sachen und verlässt leise und ungesehen das Haus. Es ist ein überraschend zärtlicher und zu Herzen gehender Moment. Er hört auf, eine Witzfigur zu sein und fühlt sich plötzlich wie ein reeller Mensch an. Diese bemerkenswerte Szene ist in meinen Augen die Glanzleistung des Films. "The Sun in the Last Days of the Shogunate" ist schlichtweg ein gelungener und makelloser Film.

In dem Animationsfilm "Rot" von der Regisseurin Domi Shee folgen wir der 13-jährigen Meilin Lee (Rosalie Chiang) aus Toronto, die keine Angst hat, die achte Klasse zu erobern. Sie sagt, was sie denkt, vergöttert eine beliebte Boyband und führt ihre Freundesclique in diverse Missgeschicke. Natürlich ist sie durch ihr freimütiges, enthusiastisches Auftreten nicht davor gefeit, von anderen ausgegrenzt und abgestempelt zu werden - von unternehmungslustig über strebsam bis hin zu merkwürdig.

Als verantwortungsbewusste junge Erwachsene hat Meilin Verpflichtungen, die sie davon abhalten, mit ihren Freundinnen Miriam (Ava Morse), Priya (Maitreyi Ramakrishnan) und Abby (Hyein Park) abzuhängen oder Karaoke zu singen. Dazu gehört auch, dass sie viel putzt und ihrer Mutter Ming (Sandra Oh) bei den Führungen im alten Tempel ihrer Familie hilft, wo sie die stellvertretende Tempelwächterin ist. Doch Meilin hat weitaus größere Probleme, als für ihr übermäßiges Engagement für ihre überhebliche Mutter verurteilt zu werden: Eine unangenehme, aufkeimende Anziehungskraft auf einen Verkäufer des Daisy Mart führt zu einem Vorfall, der sie beschämt und der noch unbeherrschbarer wird, als ihre Angst eine große körperliche Verwandlung in einen riesigen, flauschigen, roten Panda bewirkt.

Meilins außer Kontrolle geratene Manifestationen sind eindeutige Metaphern für die Pubertät und die Ängste von Teenagern. Ihre übertriebenen Affekte und ihre verstärkte Beunruhigung umfassen auf recht komische Weise viele der üblichen Probleme der Adoleszenz und des Weges zur Frau. Doch die magischen Komponenten sind etwas frustran. Sie sind nicht sonderlich kreativ, vielmehr fühlt es sich so an, als seien sie nur für den visuellen Slapstick und für die sehr offensichtliche Parabel inszeniert worden, die präsentiert wird. Die Beherrschung von Meilins hormonell bedingter Leidenschaft und Raserei durch meditative Gedanken ist eindeutig die Lehre und eine etwas vergebliche Botschaft über die Kontrolle des eigenen Verhaltens in einer praktisch unkontrollierbaren Lebensphase.

Ähnlich problematisch ist das spezifische familiäre Szenario, das die Hinweise auf den Gehorsam gegenüber Älteren und den Verzicht auf persönliche Freiheiten geradezu ärgerlich macht, da sowohl Meilins Mutter als auch ihre Großmutter monströser und wütender sind als die Tatsache, dass sie gelegentlich der normalen Teenager-Hysterie und Rebellion nachgeben. Die Vergrößerung von Situationen, die man nachempfinden kann, ist evident, aber die Prämisse ist dennoch nicht überzeugend: Von Mobbing auf dem Schulhof über Schuldzuweisungen bis hin zu der angespannten Beziehung zwischen Mutter und Tochter, die hauptsächlich auf dem Druck beruht, den Erwartungen gerecht werden zu müssen, über die blinde Treue zu einer diktatorischen Matriarchin bis hin zu unsinnigen Ritualen, die letztlich nichts bewirken, fühlt sich Meilins Leben nicht normal an. Vielmehr handelt es sich um eine Art Rahmenlehrplan für den Umgang mit heranwachsenden Mädchen oder die Austreibung der Dämonen der weiblichen Pubertät. Daher ist es immer wieder irritierend, dass Meilins Familie das Kind nicht einfach Kind sein lassen kann, mit sanfter Führung statt Unterdrückung.

Immerhin gibt es einen halbwegs effektiven Humor und ein lustig chaotisches Monsterfilm-Finale, während Pixars Animation wie erwartet erstklassig ist, die Charakterdesigns jedoch zu wünschen übrig lassen. Leider fehlt dem Film trotz der Action und der vielen treffenden Darstellungen pubertärer Unbeholfenheit das, wofür das Studio am besten bekannt ist: Herz und Pathos. "Rot" ist ein wenig zu plakativ und formelhaft, um so clever und originell zu sein wie viele der früheren Produktionen des Studios.

Der Film "Possession" des Regisseurs Andrzej Żuławski aus dem Jahr 1981 hat einen notorischen Ruf und eine bewegte Geschichte. Es handelt sich um eine französisch-westdeutsche Koproduktion, die in Berlin gedreht und in englischer Sprache vorgetragen wird und in der es um das Scheitern einer Ehe zwischen einem Spion (Sam Neill) und seiner Frau (Isabelle Adjani) geht. Der Film ist schon von Anfang an ziemlich verstörend, geht dann aber noch einen Schritt weiter, indem er in einen besonders bizarren Horrorfilm übergeht. Es gibt nur wenige Faktoren, die den Horror so effektiv vorantreiben wie die Angst vor dem Unbekannten, und letztendlich wird "Possession" zu einem Film, der nicht nur vom Ungewissen beherrscht wird, sondern auch aktiv unerklärbar ist. Es liegt wirklich an dem Betrachter, ob er die Geschichte als metaphorisch oder real akzeptieren will. In jedem Fall ist er einer der anspruchsvolleren Filme, die es zu erkunden gilt, und einer von mehreren eindeutigen Vorläufern der neuen französischen Extremismusbewegung in Frankreich. Im Vereinigten Königreich wurde der Film verboten, da er als eines der bösartigen Werke angesehen wurde, gegen die die Thatcher-Regierung unbedingt vorgehen wollte. In den USA wurde der Film erst veröffentlicht, nachdem die Laufzeit von 124 Minuten durch einen brutalen Schnitt auf 84 Minuten reduziert worden war. Glücklicherweise ist die Originalfassung von Andrzej Żuławski jetzt restauriert und weithin verfügbar und kann so erlebt werden, wie sie ursprünglich intendiert war. Trotz seines fast 40-jährigen Bestehens hat "Possession" nichts von seiner Wucht und seinem Reiz der Provokation verloren.

"Possession" ist eine absolute Sensation, und das auf die bestmögliche Art und Weise. Der Film ist im Wesentlichen eine Darstellung des schlimmsten Ehezusammenbruchs, den das Kino je gesehen hat: Von Sam Neills erstem untröstlichem Alkoholkonsum bis zu den dramatischen Schlussszenen bewegt sich "Possession" in einem nahezu konstanten Stadium von Wut, Panik und psychologischer Irrationalität. Diese schier endlose Hysterie hat eine kräftezehrende Wirkung. Im Laufe der Entwicklung des Filmbaus kriecht er unter die Haut, wobei jede Weiterentwicklung oder Aufdeckung seine heimtückische Kraft noch weiter forciert. Ziemlich genau an dem Punkt, an dem die meisten Zuschauer "Possession" wegen übertriebener Darbietungen und überzogener Aufmachung abtun würden, kommen die wirklich belastenden Elemente zum Vorschein.

Um ehrlich zu sein, je weniger man die Handlung von "Possession" kennt, desto effizienter ist der Film. Das macht ihn zu einer komplizierten Rezension, aber auch zu einem empfehlenswerten Film. Es gibt so viele unterschiedliche Facetten, mit denen hier experimentiert wird, und mehrere Interpretationen für fast alle Szenarien. Die Handlungen können sowohl echt als auch hypothetisch sein. Eines der herausragenden Merkmale von Andrzej Żuławskis Film ist, dass beide Varianten durchaus ihre Berechtigung haben.

Vor allem Isabelle Adjanis Performance ist spektakulär gestört und bisweilen wirklich furchterregend. Im Nachhinein wurde viel darüber geschrieben, wie schwer ihr die Dreharbeiten fielen und dass sie mehrere Jahre brauchte, um sich davon zu erholen. Es gibt sogar Behauptungen, die nicht von Isabelle Adjani stammen, dass sie kurzzeitig selbstmordgefährdet war. Das scheint angesichts ihrer Leistung wirklich glaubhaft zu sein. Es ist eine sehr herausfordernde Auseinandersetzung mit einem stark psychisch labilen und instabilen Charakter.

"Possession" ist ein gewagtes, provokatives und einzigartiges Werk, das allerdings nicht leicht zu bewältigen ist. Es ist meisterhaft gelungen. Die Entscheidung liegt beim Betrachter, ob er diese Erfahrung machen möchte oder nicht.

Ein Mann im Geschäftsanzug spaziert fast direkt ins Wasser in "The Bikini Carwash Company" von Regisseur Ed Hansen, als er Surfer und andere Strandbesucher fragt, wo die Waschanlage Sunshine Car Wash zu finden ist. Der einfältige Jack McCowan (Joe Dusic) macht Sommerferien in Iowa und hofft, die Firma seines Onkels Elmer (Michael Wright) für die nächsten Monate zu managen, aber er hat seine Schwierigkeiten, das Firmengebäude zu finden, das er aus unerklärlichen Ursachen an einem Strand bei Los Angeles vermutet. "Lass mich und meine Titten in Ruhe, du Idiot!", schreit eine vollbusige Sonnenanbeterin, die nicht auf Jacks kindische Mätzchen anspringt.

Jack McCowan befragt sogar einen Exhibitionisten, gerade als der Mann mit Strumpfhosen und Trenchcoat sein Gemächt lüftet. Glücklicherweise stößt Jack auf eine Schar von Bikini-Babes, angeführt von Melissa Reese (Kristi Ducati), deren Ambitionen im Geschäft mit essbarer Badebekleidung schon dahinschmelzen, bevor sie überhaupt angefangen haben. Sie gibt ihm eine Wegbeschreibung und arrangiert eine Verabredung am Strand für später in derselben Nacht. Er glaubt, dass sie mit Mädchenpfadfindern zusammenarbeitet, aber Melissa hofft, dass er ihr einen Teil des Gewinns für eine neuartige Idee zugesteht: Melissa und ihre Truppe wohlproportionierter Girls werden in der Autowaschanlage arbeiten und dabei besonders freizügige Badeanzüge tragen, um einen großen Zustrom von Kunden zu erzielen.

Zwischen den zufälligen Aufnahmen von Autos, die gewaschen werden, gibt es viele Aufnahmen von nackten oder halbnackten Frauen. Beiläufige Sexszenen, Oberteile, die ausgezogen oder losgebunden werden, einer der Strandpenner, der die Mädchen überlistet, damit sie ihre Bikinis als Angelwerkzeug hergeben, ein Lieferwagen voller Stripperinnen, Mädchen, die Dehnübungen machen und sich mit Wasserflaschen und klatschnassen Schwämmen nassspritzen, und schließlich eine der Mädchen, die mit ihren prallen Brüsten Autoscheiben bohnert, sind nur einige der Sequenzen, die allesamt völlig ungeniert sind. Der Film besteht hauptsächlich aus Montagen, in denen immer wieder spontane Nacktaufnahmen zu sehen sind. Unter den komödiantischen Hautfilmen der 90er Jahre ist "The Bikini Carwash Company" vielleicht der freizügigste.

Schließlich kommt es zu einem kleinen Konflikt, als der stellvertretende Bezirksstaatsanwalt Donovan Drake (Matthew Cory Dunn) und ein Polizeibeamter auftauchen, um das Geschäft wegen der ungebührlichen Garderobe der Mädchen und des Fehlens von Feuerlöschern zu belästigen. Angeblich wurden zahlreiche Unfälle verursacht, weil unbekleidete, wabbelnde Brüste ablenkend wirkten. Praktischerweise hat Melissa eine taffe Anwältin (Kimberly Bee) praktisch auf Kurzwahl, obwohl niemand ein Handy besitzt, die in Sekundenschnelle auf dem Parkplatz erscheinen kann, um die rechtlichen Komplikationen zu torpedieren.

Die eigentliche Handlung spielt hierbei selbstverständlich keine Rolle. Es ist lediglich ein Vorwand, um von einer Striptease-Sequenz zur nächsten zu wechseln, von denen einige in der Pause zu passieren scheinen, in der es keine zu bespritzenden Vehikel gibt. Obwohl die ständige Fleischbeschau für das Zielpublikum genau das Richtige ist, stört das Drehbuch den Unterhaltungswert, während der dilettantische Schnitt, der an einen Werbeclip mit schlüpfrigen Kameraschwenks grenzt, den Film noch mehr zu einer Angelegenheit der Güteklasse Z verkommen lässt. "The Bikini Carwash Company" ist nicht hochkarätig, aber als Softcore-Mitternachtsfilm durchaus brauchbar. Sogar die Schlussmontage, eine ausgedehnte Sequenz vor dem Abspann, zeigt die Mädchen, die sich entkleiden und mit Wasser beträufeln, nur um ein paar extra Fummeleien und nackte Tatsachen zu präsentieren.

Nach einer 10-jährigen Regiepause kehrte Regisseur Francis Ford Coppola mit seiner Inszenierung von "Jugend ohne Jugend", die auf einer Novelle des rumänischen Philosophen Mircea Eliade basiert, endlich auf die Bühne zurück. Francis Ford Coppola gestand jedoch vor den erwartungsvollen Zuschauern, dass sein neuer Film nicht für das große Massenpublikum bestimmt ist. Vielmehr handelt es sich um ein sehr persönliches Projekt, das er schlussendlich zu seiner eigenen Befriedigung umgesetzt hat. Leider ist dieser Umstand nicht zu leugnen, denn "Jugend ohne Jugend" ringt darum, seinen Platz zwischen den unterschiedlichen Genren und Stilrichtungen zu finden, verzettelt sich immer wieder in einem monotonen Dialog und wird von zusammenhanglosen Illustrationen und einer konvolutiven Handlung erdrückt.

Wenn das jetzt ungewöhnlich komplex oder irrational klingt, dann ist es das auch. Es ist eigentlich so unlogisch, dass die Geschichte oft zwischen Unlogik und absoluter Absurdität schwankt. Dominic (Tim Roth) macht am Ende des Films eine Andeutung über einen König, der davon träumt, ein Schmetterling zu sein, der davon träumt, ein König zu sein. Wahrscheinlich hat es irgendeine Bedeutung für dieses grauenhaft unsinnige Sammelsurium, in dem es im Prinzip um die Unfähigkeit geht, die Zeit zu erobern, aber es fasst die Unnahbarkeit des ganzen Werks zusammen. Symbolismus mit drei Rosen kommt im Film häufig vor, ebenso wie ein Doppelgänger für Dominic, ähnlich wie Jekyll und Hyde, nur dass sein Duplikat meist nur in Spiegeln erkennbar ist und beide zur Zeit parallel existieren. Bei dem Versuch, die Gründe für Dominics und Lauras (Alexandra Maria Lara) Zustand zu ergründen, werden wissenschaftliche Begriffe wie 'Seelenwanderung' und 'Psychose' angeboten, aber es ist unwahrscheinlich, dass sich der Zuschauer zu diesem Zeitpunkt noch für irgendwelche Definitionen interessieren wird.

"Jugend ohne Jugend" verfügt über attraktive optische Details, darunter subtile Hakenkreuze auf Notizbüchern und Strumpfbändern, die den misstrauischen Dominic alarmieren und dem Betrachter einen Anhaltspunkt für die Epoche des Geschehens verschaffen. Umgekehrte Kameraperspektiven sowie seitliche und schräge Aufnahmen sehen individuell aus, obwohl sie eigentlich keinen Zweck verfolgen. Die Kinematographie schwächelt unter den vielen Informationen und dem umständlichen Fachchinesisch, die den Rhythmus durcheinander wirbeln. Auch das Fehlen eines bestimmten Mediums schmerzt, denn es gibt eindeutig Science-Fiction-Aspekte, aber der Handlungsort ist der Zweite Weltkrieg, und die Grundstimmung entspricht dem Film Noir und dem Melodrama. Der vielleicht am wenigsten Science-Fiction-lastige aller Science-Fiction-Filme, "Jugend ohne Jugend", birgt auch Aspekte von Schizophrenie und Echokardiographie, um das Verwirrspiel zu verstärken.

Da der Film nicht zu verstehen vermag, was er sein will, wird auch der Zuseher nicht in der Lage sein, die Situation richtig zu bewerten. Wenn es sich tatsächlich um ein Werk handelt, das nur dazu dient, seinem Schöpfer zu gefallen, dann sollten das Studio und Francis Ford Coppola die unvermeidbaren negativen Kritiken einkalkuliert, die den mangelnden Fokus, das Ausbleiben von Sinn und Verstand anklagen und beklagt haben. Vielleicht hätte der einstmals großartige Filmemacher dieses Risiko aber auch ganz für sich behalten sollen, um die Irritationen bei der Vermarktung an ein externes Publikum zu vermeiden, das vielleicht etwas Großartiges von ihm erwartet habe.

Jeremiasz Angust (Tomasz Kot) ist ein perfektionistischer Mensch. Als wir diesen gepflegten, international anerkannten Architekten zu Beginn von "Kosmetik des Bösen" des Regisseurs Kike Maíllo kennenlernen, besucht er Paris, eine Stadt, die mehrere Jahre lang seine Heimat war, um einen inspirierenden Vortrag über sein lebenslanges Streben nach architektonischer Perfektion zu halten. In dieser Zeit führte eine schwere persönliche Krise dazu, dass er nicht mehr an Prestigeprojekten im Westen arbeitete, sondern Krankenhäuser für verarmte Regionen Afrikas baute. Der gebürtige Pole ist heute ein Mann von Welt, ein Philanthrop, ein Kämpfer für soziale Belange, ein guruähnlicher Megastar und Single, auch wenn der Ehering, den er zwei Jahrzehnte nach dem Verschwinden seiner Frau immer noch am Finger trägt, ein Bruchstück seiner ansonsten makellosen Fassade ist. Ihr Verlust ist ein Scheitern, das er immer noch mit sich herumschleppt, selbst nachdem er sich scheinbar weiterentwickelt und sich guten Zwecken in einer globalen Familie verpflichtet hat.

Auf dem Weg zum Pariser Flughafen, den er einst mitgestaltet hat, wird Jeremiasz' Wagen von einer jungen Niederländerin requiriert, die vor dem Regen fliehen will und dringend eine Mitfahrgelegenheit zum Flughafen wünscht. Sobald Texel Textor (Athena Strates) sich an Jeremiasz geklammert hat, lässt sie ihn so schnell nicht wieder los. Texel weist darauf hin, dass ihr Nachname sie über das Lateinische als diejenige kennzeichnet, die Texte webt, und als dieses seltsame Paar beim Warten auf ein Flugzeug festsitzt, besteht Texel darauf, sich die Zeit zu vertreiben, wobei sie eine dreiteilige Version ihrer Lebensgeschichte für Jeremiasz spinnt. Die drei Kapitel dieser Geschichte - das erste, wie Texel sagt, ekelhaft, das zweite, gruselig, und das dritte, das mit der Liebe endet - werden die Unterschiede und Gemeinsamkeiten zwischen der Erzählerin und ihrem unmittelbaren, nicht ganz willigen Zuhörer aufzeigen. Denn wo Jeremiasz akribisch, raffiniert, zurückhaltend und jemand ist, der die Dinge nur konkret sieht, ist Texel impulsiv, widerspenstig und eine Liebhaberin von Abstraktionen. Und doch wird sich Texels Lebenslauf durch eine Frau (Marta Nieto), die beiden bekannt ist, allmählich mit dem von Jeremeiasz kreuzen, und so wird die sorgfältig konstruierte Perfektion von Jeremeiasz' Leben Stück für Stück bis auf die Fundamente dekonstruiert.

Basierend auf dem Roman 'Cosmétique de l'ennemi' der Belgierin Amélie Nothomb aus dem Jahr 2001 ist Kike Maíllos Film gleichzeitig eine dicht geknüpfte Anthologie, ein dynamisches Charakterporträt und eine psychologische Studie über Verdrängung und den Dämon der Schuld. Texel spricht davon, dass sie einen inneren Feind hat, der tausendmal mächtiger ist als Gott, der sie dazu bringt, sich auf bestimmte Weise zu verhalten und schlimme Taten zu begehen. Es ist das, was einem jeden Tag über den Weg läuft, wie sie erläutert. Jeremiasz ist atheistisch, findet aber in Texel seinen perfekten Feind, einen Dialogpartner, der alle Schwachstellen in seiner vernunftbetonten, materialspezifischen Ordnung aufdeckt. "Kosmetik des Bösen" ist ein surrealer Thriller, der in einer Dialektik zwischen Ungleichen wurzelt, und auch wenn einige Betrachter Jeremiasz weit voraus sein werden, was die kommenden Wendungen angeht, so ist es doch ein Genuss, die großartige architektonische Konstruktion des Plots mit all seinen spiegelnden Oberflächen und mehrstöckigen Symmetrien zu bewundern, und auch zu sehen, wie all diese hervorragend gearbeitete Inszenierung sehr chaotisch dargestellt wird, wenn die Perfektion eines Mannes durchbrochen wird, um die darunter verborgenen Defekte bloßzulegen.

In "Renaissance" von Regisseur Christian Volckman schreiben wir das Jahr 2054, und Paris ist ein Netzwerk von Firmenimperien, hoch aufragenden Gebäuden und einer verwinkelten Unterwelt. Doch mit dem technologischen Fortschritt hat sich auch die organisierte Kriminalität weiterentwickelt, und für den problembelasteten Polizisten Karas (mit der Stimme von Daniel Craig) bringt jede Nacht eine neue gefährliche Mission mit sich, um die ständig zunehmende Flut von Verbrechern einzudämmen. Sein neuester Auftrag ist die Suche nach der verschwundenen Genetikerin Ilona (Romola Garai). Ein Unterfangen, das ihn gegen die betrügerische Avalon Corporation, Hightech-Gangster und eine mysteriöse Konspiration zur Vertuschung einer verheerenden Entdeckung konfrontiert.

Auf den ersten Blick wird der beeindruckend kreative visuelle Stil von Christian Volckmans "Renaissance" die Zuschauer entweder begeistern oder frustrieren, je nachdem, wie viel Toleranz man für starke Kontraste aufbringt, aber dahinter verbirgt sich ein raffinierter Noir-Thriller, der die ausgefallenen Bildkompositionen gut ergänzt. Auch wenn das bedächtige Tempo den Eindruck erwecken mag, dass der stilistische Aspekt überwiegt und es schwer ist, ihn abzulegen, bis der Höhepunkt die Puzzlestücke passend zusammenfügt, ist der künstlerische Ansatz von "Renaissance" mit Abstand das innovativste Merkmal des Films. Markante Schwarz-Weiß-Grafiken wuchern über den Bildschirm und erinnern sofort an die rotoskopierten Werke von Richard Linklaters "Waking Life" und "A Scanner Darkly", obwohl eine genauere Betrachtung eine weitaus komplexere Technik zum Vorschein bringt.

Anstatt einfach nur Live-Action zu animieren, beschlossen die Macher von "Renaissance", bei ihrem Experiment noch einen Gang hochzuschalten. Zunächst wurden die Szenen mit echten Schauspielern gedreht, deren Bewegungen mit Motion-Capture-Ausrüstung aufgenommen wurden. Die computergenerierten Charaktermodelle wurden dann auf die Bewegungen der Schauspieler abgebildet, und schließlich wurde alles in CG-Umgebungen platziert und mit dem einzigartigen, graulosen Schwarz-Weiß-Look des Films schattiert. Dieser fast schon übermäßig komplizierte Aufbau ist gleichzeitig hilfreich und hinderlich für die Erzählung.

"Renaissance" ähnelt in seinem Gesamtbild zeitweise einem Comic, einem Videospiel und einer Versicherungswerbung. Auch die spektakuläre Gestaltung von "Sin City" mag zu Beginn in den Sinn kommen, doch die Unterschiede werden schnell deutlich, wenn man feststellt, dass es nur Schwarz und Weiß gibt und keine oder nur wenige weichere Töne dazwischen oder aufblitzende unterschiedliche Farben. Diese extremen Kontraste können bei Nahaufnahmen und heftiger Action störend wirken, während sie bei gleichmäßigen Schwenks und Landschaftsaufnahmen detailliert und ästhetisch sind. Den Gesichtern wird in Bezug auf Schattierung und Linienführung viel weniger Aufmerksamkeit geschenkt, während halsbrecherische Actionsequenzen unter den Unwägbarkeiten des monochromen Designs leiden. Framing und Kamerawinkel profitieren sicherlich von der Freiheit, die sich aus der umfangreichen Verwendung von Computergrafiken ergibt, und die Noir-Stimmung wird durch das Gefühl der ständigen Nacht noch betont. Obwohl die Optik von Person zu Person variiert, sorgt der Stil für einen stets frischen und interessanten Look, da die Grafikdesigner ein glaubhaftes futuristisches Setting schaffen, das an "Minority Report" oder "Blade Runner" verweist. Solche Zusätze tragen dazu bei, den eher langsamen Aufbau der Geschichte zu kompensieren, der bis zum Ende dauern kann, bevor der Zuschauer ihre verschlungenen Feinheiten voll zu spüren bekommt.

Die Handlung von "Renaissance" nimmt reichlich Anleihen bei den Besten, schafft es aber dennoch, dem Ganzen eine eigene, charakteristische Signatur zu verleihen. Eine solide Sprachbesetzung gleicht die manchmal klischeehaften Dialoge aus, während das zukunftsorientierte Mysterium den Betrachter in Atem hält, während er dem charismatischen Antihelden auf seiner Reise zur gehüteten Wahrheit folgt, die für alle, die vom Genre fasziniert sind, das Ausharren lohnt. Die Chancen stehen gut, dass das Publikum schon nach wenigen Minuten weiß, ob ihm das, was "Renaissance" zu zeigen hat, behagt oder missfällt. Entweder werden die kinetischen Bilder sofortige Ehrfurcht oder schnelle Verärgerung hervorrufen. Nur weil jährlich wenige Sci-Fi-Noir-Thriller erscheinen, wenn überhaupt, die so aussehen, heißt das nicht, dass die Thematik bahnbrechend genug ist, um ein Empfinden von Repetitivität zu vermeiden. Aber dieser beispiellose Sehstil, der sich durch eine enorme technologische Innovationskraft auszeichnet, ist bestimmt sehr hilfreich.

Ich habe gerade festgestellt, dass "Hellraiser: Hellworld" und "Hellraiser: Judgement" fehlen, um meine Werkschau zu vervollständigen. Aber das ist mir herzlich egal, denn ich habe die Faxen dicke von diesem Franschiß, das mit "Hellraiser - Die Offenbarung" von Regisseur Víctor García die Krone aller Untiefen erobert hat. Ich werde also dem Rat von Maniac folgen und es nach dieser Rezension einfach sein lassen. Ich habe mich sogar dabei erwischt, wie ich meine Pinhead-Figur aus meiner Funko Pop! Horror-Sammlung weiter nach hinten ins Regal gestellt habe, damit sie nicht ständig in meinem Blickfeld liegt.

Nico Bradley (Jay Gillespie) und Steven Craven (Nick Eversman) machen sich auf den Weg nach Mexiko, um entweder eine Prostituierte oder eine Esel-Show zu finden. Doch ihre sehr stereotype Fantasie endet in einem Albtraum, als ihr Auto gestohlen wird und die Nutte, die Nico aufgabelt, am nächsten Morgen abgeschlachtet in einer Bar-Toilette gefunden wird. In der Hoffnung, sich unter die Gäste des Stripclubs zu mischen, um den Verdacht der Polizei zu vermeiden, nippt das Duo nervös an seinen Getränken und denkt über die Mordrate in der Gegend nach. Als ein Landstreicher (Daniel Buran) ihnen die ikonische Rätselkiste anbietet, entfesselt Nico einen Dämon der besonderen Art: Pinhead (Stephan Smith Collins), der in einer Art interdimensionalem Reich voller glühender Lichter, Fesseln und Ketten und bestialischer Folterungen mit den Grenzen von Lust und Schmerz experimentiert.

Alles beginnt damit, dass eine Handkamera zwei Teenagerpartys dokumentiert, was eine böse Vorahnung auf ein mögliches Found Footage-Projekt erzeugt. Nachdem die Jungen verschwunden sind, schaut Stevens Mutter Sarah (Devon Sorvari) auf den Rekorder und weint über den mysteriösen Weggang ihres Sohnes. Aber abgesehen von einem hyperaktiven Kameramann mit ruckartigen Bewegungen ist die gesamte Anfangssequenz recht spasshaft montiert, wobei Ausschnitte aus dem Camcorder mit detaillierten Flashbacks der komplexeren Vorgänge kombiniert werden.

Die schauspielerische Leistung ist nicht katastrophal, wenn auch manchmal bestimmt überzogen, mit Ausnahme von Stephan Smith Collins, der nicht annähernd so aussieht wie sein Vorgänger (Doug Bradley) und nicht ähnlich klingt wie dieser. Die Dialoge und Themen, mit Ausnahme der elterlichen Rebellion, sind ebenfalls treffend, aber es ist regelmäßig hart, an Pinheads Verwandlung vorbeizukommen, auch wenn schnelle Schnittfolgen und unscharfe Bildmotive versuchen, die Inkonsistenzen zu übertünchen. Ungeachtet des geringen Finanzvolumens und des geradlinigen DVD-Vertriebs wäre dieser synoptische Abschluss der "Hellraiser"-Reihe um ein Vielfaches besser geeignet gewesen, wenn man Doug Bradley hätte akquirieren können.

Die jugendlichen Hauptdarsteller sind in ihren Verhaltensweisen nicht unbedingt überzeugend, was zu einem komödiantisch-morbiden Resultat führt, aber die Spannkraft ist konstant und die Spezialeffekte sind mehr als angemessen, wobei die Gesichtsabschürfung das Mittel der Wahl ist. Merkwürdigerweise werden mehrere Szenen wiederholt, was die ohnehin schon rasante Laufzeit von 75 Minuten weiter einschränkt, während die Handlung immer wieder zwischen diversen inkohäsiven Konzeptionen von Reinkarnation, Vergeltung, Betrug und Entfliehen changiert. Dimension Films hat aus dem Hintergrund dieses überhasteten Vorgehens kein großes Geheimnis gemacht - "Hellraiser - Die Offenbarung" wurde einzig und allein produziert, um eine vertragliche Bedingung zu erfüllen und nicht die Lizenz für weitere Teile der Reihe zu verpassen. Das Studio muss sich also nicht wundern, wenn es nicht mehr viele begeisterte Fans gibt, die für einen nächsten zehnten Teil wiederkehren.