Chainsaw Charlie - Kommentare

Der erste Spielfilm von Regisseur Gilles Mimouni, "Lügen der Liebe", ist ein rätselhafter, von Alfred Hitchcock inspirierter romantischer Thriller und eine technische Meisterleistung. Die Handlung ist spannend, durchweg aufregend, gut geschauspielert und raffiniert umgesetzt. Max (Vincent Cassel) ist ein junger, aufstrebender Firmenchef, der gerade aus New York in seine Heimatstadt Paris zurückgekehrt ist. In New York hat er sich frisch in Muriel (Sandrine Kiberlain), die Schwester seines Chefs, verliebt und will ihr einen Verlobungsring schenken. In einem Café trinkt Max mit seinem Chef und seinem japanischen Kunden und will gerade zu einer Geschäftsreise nach Tokio fliegen, als er die Stimme von Lisa (Monica Bellucci) aus einer Telefonzelle hört. Sie ist die schöne Schauspielerin, die ihn vor ein paar Jahren sitzen gelassen hat und verschwunden ist. Aber Lisa ist zur Tür hinaus, bevor er sie erreichen kann, und so beschließt Max impulsiv, nach seiner verlorenen Liebe zu suchen, anstatt die Geschäftsreise anzutreten, und bittet seinen besten Freund Lucien (Jean-Philippe Ecoffey), den Besitzer eines Damenschuhgeschäfts, um Hilfe. Man merkt, dass dies ein französischer Film ist, denn die Romantik kommt vor dem geschäftlichen Teil. In der Gegenwart erleben wir, wie Max in Hochstimmung gerät, als er glaubt, Lisa gefunden zu haben. Sie entpuppt sich jedoch als Alice (Romane Bohringer), die Doppelgängerin von Lisas Mitbewohnerin, die die Dinge noch verwirrender macht, indem sie Max nicht sagt, dass sie diejenige ist, in die sich Lucien verliebt hat, und andere Lügen. Die liebeskranke Alice nutzt nun ihre Verletzlichkeit, um den empfänglichen Max zu verführen, den sie noch nie getroffen, aber immer begehrt hat. In der Zwischenzeit hat Lisa eine heftige Affäre mit dem reichen, verheirateten Daniel (Olivier Granier), einem besessenen Mann, der von Lisa so angetan ist, dass er sogar einen Mord begehen würde, um sie nicht zu verlieren. Nahtlos verwebt Gilles Mimouni Vergangenheit und Gegenwart zu einer ebenso komischen wie spannenden Geschichte mit vielen Wendungen und einem schockierenden Ende, das nicht ganz befriedigend ist, aber durchaus Sinn macht, weil es dem entspricht, was Gilles Mimouni bezweckt hat. In Amerika wurde er als "Sehnsüchtig" mit einem fehlbesetzten Josh Hartnett in der Hauptrolle schwach neu verfilmt.

Der neue Dokumentarfilm des oscarnominierten Regisseurs Rory Kennedy mag eine recht nüchterne Aufarbeitung des Skandals um die Boeing 737 MAX bieten, doch die Fakten des Films mit dem bezeichnenden Titel "Absturz: Der Fall gegen Boeing" sind einfach zu erdrückend, um nicht ins Schwarze zu treffen. Es versteht sich von selbst, dass alle außer den Flugangstgeplagten unter uns die Sicherheit von Flugzeugen für selbstverständlich halten. Schließlich ist es um Größenordnungen wahrscheinlicher, dass wir in unserer täglichen Hektik sterben, als dass wir bei einem Flugzeugabsturz ums Leben kommen. Bis 2018 stand die Wertschätzung der Öffentlichkeit für Boeing, den führenden Flugzeughersteller, nie in Frage. Doch nach den tödlichen Abstürzen zweier Boeing 737 MAX im Oktober 2018 und März 2019, bei denen insgesamt 346 Menschen ums Leben kamen, wurde der Ruf des Unternehmens von Ermittlern, den Medien, der Öffentlichkeit und natürlich den Familien der Opfer in Frage gestellt. Was folgt, ist eine zutiefst erschütternde und entsetzliche Enthüllung von Boeings emsigen Versuchen, die Schuld des Unternehmens an den Abstürzen zu verbergen, die beide mit ethischeren Geschäftspraktiken völlig vermeidbar gewesen wären. Rory Kennedys Dokumentarfilm zeichnet effizient die Mittel nach, mit denen die beiden Abstürze von der Weltöffentlichkeit analysiert wurden. Nach dem Absturz in Jakarta 2018 wurde in den Massenmedien die Schuld auf die Fluggesellschaft, auf angeblich inkompetente Piloten, die, wie sich herausstellte, in den USA ausgebildet wurden, und auf fast jeden außer Boeing selbst geschoben. Die Öffentlichkeit konnte sich einfach nicht vorstellen, dass der Absturz durch ein Problem auf Seiten von Boeing verursacht wurde, so groß war das unerschütterliche Vertrauen in das Luftfahrtunternehmen. Als Absturzursache wurde schließlich ein Konstruktionsfehler in der MCAS-Flugstabilisierungssoftware festgestellt, über dessen Existenz Boeing viele Piloten nicht einmal informiert hatte. Sowohl die Gesellschaft als auch die Pilotengewerkschaften reagierten schnell und zu Recht heftig, doch Boeing blieb entrüstet und weigerte sich trotz des wachsenden Drucks, die 737 MAX-Linie aus dem Programm zu nehmen. Der zweite Absturz in Äthiopien, 19 Wochen später, war dann der Tropfen, der das Fass zum Überlaufen brachte. Da Boeing sich immer noch weigerte, ein Konstruktionsproblem mit seinen Flugzeugen zu akzeptieren, und die FAA nicht bereit war, ein pauschales Flugverbot zu verhängen, mussten die einzelnen Länder ihre eigenen Maßnahmen ergreifen. Der Großteil von "Absturz: Der Fall gegen Boeing" befasst sich mit den Bemühungen von Journalisten, Politikern und Angehörigen der Opfer, Boeing für die Geschehnisse zur Rechenschaft zu ziehen, obwohl das Unternehmen unweigerlich Washingtoner PR-Fritzen anheuerte, um die Piloten zu verleumden und sicherzustellen, dass der Aktienkurs des Unternehmens so wenig wie möglich beeinträchtigt wurde. Rory Kennedy stellt diesem Abriss des Rufs von Boeing in der Öffentlichkeit einen Reisebericht über die Ursprünge des Unternehmens und den unvergleichlichen Ruf gegenüber, den es sich über viele Jahrzehnte durch Innovation und Sicherheit erworben hat. Mit ihren großen Verkehrsflugzeugen machten sie das Reisen für Millionen Menschen erschwinglich, aber nach der Fusion von Boeing mit dem Luft- und Raumfahrtriesen McDonnell Douglas im Jahr 1996 änderte sich die Unternehmenskultur völlig. Mit der Vereidigung einer neuen Führungsriege wurde Boeing fleißig auf die Anhäufung von Reichtum ausgerichtet und war pathologisch auf die Steigerung der vierteljährlichen Aktionärsrenditen fixiert. Während es mehr als zwei Jahrzehnte später dauern sollte, bis der Ruf von Boeing in der Öffentlichkeit in Mitleidenschaft gezogen wurde, stellte sich innerhalb des Unternehmens schnell heraus, dass die Sicherheit dem Geld geopfert wurde. Die Kosten wurden gesenkt, Mitarbeiter wurden massenhaft entlassen, und wie ein ehemaliger Mitarbeiter sagt, war es, als würden sie Waschmaschinen herstellen. Diese Probleme verschärften sich noch, als der Konkurrent Airbus im Jahr 2003 den Marktanteil von Boeing überholte, was zu Verzweiflung auf der Führungsebene führte. Unliebsame Mitarbeiter, die Bedenken äußerten, wurden gefeuert, versetzt oder sogar um ihr Gehalt gebracht, und anstatt einen echten Nachfolger für die 737 zu entwickeln, um mit Airbus zu konkurrieren, beschlossen die Verantwortlichen bei Boeing stattdessen, die jahrzehntealte 737 zu ihrem Derivat MAX umzubauen. Dadurch waren weniger FAA-Zulassungen erforderlich und die Piloten mussten nicht umgeschult werden, auch wenn die fatale Stabilisierungssoftware heimlich eingebaut wurde. Der Plan schien sich mit rekordverdächtigen Bestellungen für die 737 MAX auszuzahlen, doch weniger als 18 Monate nach ihrer Inbetriebnahme kam es zur Katastrophe. Die anschließende Untersuchung trug nicht dazu bei, das Ansehen von Boeing in der Öffentlichkeit zu verbessern. Belastende Dokumente belegen, dass sich das Unternehmen des Risikos des Flugzeugs voll bewusst war und eine Kultur der Ausflüchte pflegte, die darauf abzielte, die Aufsichtsbehörden mit "Jedi-Gedanken" (ihre eigene Wortschöpfung) auszutricksen, um die Zulassung des Flugzeugs zu erhalten. Es ist eine ekelerregende Informationsflut, die mit erschütternden Aufnahmen von Familien, die die Absturzstellen besuchen und trauern, unterbrochen wird. Rory Kennedy spricht auch mit mehreren Angehörigen der bei den Abstürzen Getöteten und fängt die weit verbreitete Trauer ein, die ein Flugzeugunglück auslösen kann und die Hunderte von Familien auf der ganzen Welt auseinanderreißt. Das ist die Last der Verantwortung, die ein Flugzeughersteller trägt, und deshalb ist es so wichtig zu sehen, wie der damalige CEO von Boeing, Dennis Muilenburg, vor dem Kongress im Beisein der Hinterbliebenen angeklagt wird. Auch wenn es einfach ist, zu behaupten, das Unternehmen habe mit Menschenleben gespielt und es habe sich nicht ausgezahlt, wie hat es wirklich gelitten, abgesehen von Geldstrafen und einem Rückgang des Aktienkurses? Wie eine abschließende Titelkarte bestätigt, hat sich Boeing von den strafrechtlichen Vorwürfen freigekauft. Und obwohl die 737 MAX jetzt wieder in der Luft ist, bleibt uns der Rat eines Journalisten, nicht nur Boeing, sondern jedem Unternehmen gegenüber skeptisch zu bleiben, das den Wert eines Menschenlebens gegen eine Zahl in der Bilanz abwägt. Rory Kennedys Film geht zwar größtenteils recht sachlich und neutral an die Darstellung des Falles heran, aber es gibt einen großen stilistischen Fehler, nämlich die Einbeziehung kitschiger, greller CGI-Nachbildungen der Abstürze, die mit dramatischer Musik unterlegt sind. Während die Absicht darin besteht, die unmögliche Situation zu demonstrieren, in die die Piloten während des Fluges versetzt wurden, haben diese Nebenschauplätze eine durchdringend geschmacklose, fragwürdige Wirkung. Bei einer derart erdrückenden Datenlage wäre es fast unmöglich gewesen, mit dieser Doku nicht einen Volltreffer gegen Boeing zu landen, auch wenn das gediegene Format der Vortragenden manchmal dagegen arbeitet. In relativ programmatischer Weise präsentiert, zeigt "Absturz: Der Fall gegen Boeing" effektiv eine wütende Unternehmensverschwörung an, die Aktienkurse über Menschenleben stellt.

Es ist ein seltenes Vergnügen in einem Film, wenn die Figuren, die eindeutig von einer Katastrophe bedroht sind, so unausstehlich und dämlich sind, dass ihre unvermeidliche Reihe unglücklicher Ereignisse, was auch immer ihr Schicksal sein mag, völlig selbstverschuldet ist. So ergeht es der Familie Halsey in Regisseur MJ Bassetts Film "Danger Park". Sie besteht aus dem strauchelnden Ölmanager Jack (Phillip Winchester) und seiner Gattin Lauren (Rebecca Romijn), die ihre medizinische Karriere aufgegeben hat, als sie zu einem überteuerten Urlaub in Kenia aufbrechen. Selbstverständlich sind sie auf einer Safari, und verständlicherweise geht etwas schief, und sie werden von den wilden Tieren dort zerfleischt und verfolgt. Abgerundet wird das Rudel aus der Mittelschicht durch Tochter Zoe (Isabel Bassett), die die Ivy League abgebrochen hat, und ihren Hipster-Freund Billy (Chris Fisher) sowie den homosexuellen Sohn Noah (Michael Johnston), einen Footballstar. Sie alle sind eine Belastung, wenn es darauf ankommt, wie zum Beispiel, wenn sie von einer Reihe schlecht animierter Tiere bedrängt werden, die kaum mit ihnen interagieren. Nicht, dass sie wirklich zusätzliche Bedrohungen bräuchten, denn nach einer halben Stunde, in der sie einfach nur furchtbar und reich sind, brechen sie in einen Safaripark in Kenia ein, lassen ihren Van von einem Nashorn umkippen und treffen spektakulär schlechte Entscheidungen, die scheinbar dafür sorgen, dass jemand gefressen, aufgespießt oder zerquetscht wird. Wenigstens ist es eine Abwechslung zu ihrem ständigen Gezänk. Denn was wäre das für ein Plot für reiche weiße Leute in Schwierigkeiten, wenn diese ganze Angelegenheit nicht nur ein Hintergrundgeräusch wäre, während sie ihre Probleme klären? Wenn es eine Moral gibt, dann die, dass Anspruchsdenken tödlich ist, worauf die Filmemacher nur bedingt abzielen. Es gibt eine Menge scheinheiliger Belehrungen darüber, dass die Ölindustrie schlimmer ist als Wilderer, und eine sich dahinschleppende Handlung über die Familie, die durch Widrigkeiten zusammenkommt. Es ist nicht so, dass "Danger Park" nicht mit guten Absichten gemacht wurde, denn die Geschichte der klassischen hässlichen Amerikaner, die wichtige Lektionen über die bedrohte Tierwelt Ostafrikas lernen, ist zweifellos gut gemeint. Leider ist der Film auch rücksichtslos und vorhersehbar und bietet keine Überraschungen zwischen dem Beginn des Familienabenteuers im freien Gelände und ihrer unvermeidlichen Rettung durch die Parkranger. Wenn überhaupt, dann gibt es zumindest etwas Komik in den vorhersehbaren Actionsequenzen. Es gibt einen Jump-Scare, der genau wie ein Family Guy Cutaway Gag getimed ist. Die Hyänen tauchen auf, um sie zu bedrohen, und Jerry O'Connells hornstehlender Scheißkerl bekommt die Strafe, die man schon bei seiner Einführung erwarten kann. Ehrlich gesagt, wenn man bedenkt, dass "Danger Park" das Bewusstsein für die Wilderei von Nashörnern schärfen soll, wäre es wahrscheinlich besser gewesen, das Geld für den Film einer seriösen Naturschutzorganisation zukommen zu lassen.

Stephen Emmott scheint in dem Dokumentarfilm "Zehn Milliarden" des Regisseurs Peter Webber im Wesentlichen von seiner Hoffnungslosigkeit zu sprechen, dass die Bevölkerungszahl eine grundlegende Verhaltensänderung bewirken wird. Ebenso, dass die Welt bereits zu weit fortgeschritten ist, entweder mit der Bevölkerungsnachfrage oder damit, dass jeder zusätzliche Güter will. Angesichts seiner Hoffnungslosigkeit frage ich mich, warum er es überhaupt versucht. Wie er sagte, hat er einen Großteil seines Lebens der Erforschung der Zukunft des Planeten Erde gewidmet. Er versucht eindeutig, das Verhalten und den Verstand seiner Anhänger zu ändern, und es ist wichtig, dass dieser Punkt deutlich gemacht wird. Und warum? Weil es deutlicher zu erkennen ist, dass seine Hoffnungslosigkeit eine emotionale Strategie ist, um JETZT Veränderungen bei seinen Zuhörern zu bewirken. Wie kann dies bewiesen werden? Nun, warum sollte jemand einen Wandel herbeiführen wollen, wenn die potenzielle chronische Zukunft unausweichlich ist. Dieser Mann nennt 3 Hauptargumente zur Bekämpfung des Wandels: 1. Radikaler politischer Kurswechsel der Regierung. 2. Technologie 3. Verhaltensänderung. Es ist offensichtlich, dass er Punkt 2 als Lösung ausschließt. Und das, obwohl er für ein Technologieunternehmen arbeitet, das buchstäblich unvorstellbare Fortschritte in der Technologie vollbracht hat. Es stellt sich auch heraus, dass sein so genannter Arbeitgeber ein paar Dollar wert sein könnte und buchstäblich in einer der besten Positionen ist, um diese so genannten Regenschirme im Weltraum oder Salzwasserreinigungstechnologien und dergleichen zu finanzieren, zu innovieren und voranzutreiben. Er schreibt es jedoch ab. Er verbringt erbärmlich wenig Zeit mit diesem Thema. Er hat es so schnell abgeschrieben, als ob es einen Grund dafür gäbe. Habe ich schon erwähnt, dass dieser Typ hoffnungslos zu sein scheint? Es ist ironisch und eigentlich witzig, für einen Menschen, der die Welt retten will. Man sollte eigentlich annehmen, dass jemand, der motiviert, hoffnungsvoll und positiv ist, die ersten Voraussetzungen für eine solche Aufgabe mitbringt. Deshalb will er eine drastische staatliche Regulierung der Bevölkerung. Das reicht von der Populationskontrolle bis hin zu einer grundlegenden Umstellung unserer Kultur, Ernährung und Freizeitgestaltung. Zum Beispiel die rigorose oder vollständige Abschaffung bestimmter wasserhungriger Pflanzen, von Rindfleisch, Hühnchen und dergleichen. Glaubt er wirklich, dass die Menschen aufhören werden, Chicken Wings, Burger und Hot Dogs zu essen, und kann er sich buchstäblich eine Welt vorstellen, in der alles, was aus Fleisch besteht, gelehrig ist? Was ist mit den Menschen, die medizinische und psychische Probleme haben und auf eine Ernährung mit Fleisch und Grünzeug schwören? Diese Ernährungsweisen sind gesund und werden von Ärzten empfohlen, und er will die Art und Weise, wie sich die Menschen ernähren, und die Mittel, mit denen Unternehmen Geld verdienen und Millionen von Menschen beschäftigen, völlig verändern. Es ist an der Zeit, dass die Menschen praktizieren, was sie predigen. Die Menschen wissen nicht, was sie zu leisten haben, und wollen alles, was sie tun, als Tugend darstellen. Noch wichtiger ist, dass diese Leute erkennen müssen, dass sich die normalen Menschen nicht ändern werden. Wir Menschen sind nicht stur, wir haben uns an einen bestimmten Lebensstandard gewöhnt. Al Gore verbraucht offenbar 20 Mal so viel Strom wie der Normalbürger, und natürlich werden wir nie wieder in den 1920er Jahren leben, und die Linksaktivisten auch nicht.

TRASHMOB 22

In "Slime City" von Regisseur Greg Lamberson geht es um Alex (Robert C. Sabin), einen erfolglosen Künstler, der ein billiges Apartmenthaus mietet. Im Laufe der Geschichte stellt sich heraus, dass dieses Wohnhaus einst die Heimat einer Sekte war, die sich daran ergötzte, Menschen in Schleim zu verwandeln und dann einen Wirtskörper für den ganzen Schleim zu finden. Die Handlung umfasst alle klassischen Nebenhandlungen wie Reinkarnation, Mord, Selbstmord und Satanismus und verliert dabei nie ihre Kohärenz. Mary Huner spielt eine ungewöhnliche Doppelrolle, sowohl die Antagonistin als auch die Protagonistin von Alex. Ihre Figur Lori ist süß, rein und die Art von Mädchen, die sich mit dem Leben Zeit lässt. Nicole hingegen ist skurril, promiskuitiv, verrückt und nimmt das Leben praktisch jeden Tag aufs Neue an. Sie wird das Objekt von Alex' Faszination, als er sie als seine neue Mieterin kennenlernt. Ihre sexy Art, sich zu kleiden und zu präsentieren, macht sie zur perfekten Nachbarin, komplett mit ihrer eigenen, seltsam dekorierten Kerkerausstattung. Es hilft wahrscheinlich nicht, dass Lori den Einzug hinausgezögert hat und Probleme mit Sex und seinen Beziehungswerten hat. Nicole ist die Tochter eines Alchimisten, der sich mit schwarzen Künsten und seltsamen Gebräuen beschäftigte. Sein Erbe hat einen Keller voller köstlicher neonfarbener Getränke und Puddings hinterlassen. Die Art, die einen Menschen in eine schleimige, gewalttätige Tötungsmaschine verwandelt. Als Alex Roman (Dennis Embry) trifft, erhält er eine Probe, der Alex nicht widerstehen kann. Und so beginnt unsere schleimige Transformationssitzung, die Alex in einen zerfließenden Menschen verwandelt. Robert C. Sabin liefert eine großartige Leistung ab, bei der er zwischen dem netten Mann von nebenan und dem Wahnsinnigen auf freiem Fuß wechselt. Mary Huner wird zum Sexsymbol auf dem Bildschirm und verströmt die Ausstrahlung eines bösen Mädchens, nach der jeder Mann sucht. Ein besonderes Highlight ist ihr Tanz im Apartment, bei dem sie die Kamera mit ihrer Palette an erotischen Bewegungen verführt. Ungeachtet der Tatsache, dass die Geschichte insgesamt etwas zerstreut ist, funktioniert sie im Wesentlichen trotzdem. Regisseur Gregory Lamberson hat mit den unzureichenden Mitteln, die ihm vermutlich zur Verfügung standen, eine gute Arbeit geleistet. Der männliche Hauptdarsteller, Roberty C. Sabin, ist solide in seiner Rolle. Er bringt gegen Ende, als der unaufhaltsame Schleim die Oberhand gewinnt, ein Element der Traurigkeit ein. Die Kameraperspektiven sind bisweilen gut, obwohl die kompositorische Qualität der Darstellung noch recht jung ist. Und es tauchen Ungereimtheiten am Schauplatz auf, die den Zuschauer vor leichte Fragen stellen, aber das lenkt nicht von Mary Huners Charakter und der Prämisse ab. "Slime City" ist zu einem Underdog-Klassiker seiner Zeit gereift. Der Look und die Atmosphäre des Films erinnern stark an den damaligen Stil und machen ihn zu einem zukünftigen Retroprodukt, das Fans der alten Schule zufriedenstellen wird.

"Bloody Hell" von Regisseur Alister Grierson ist über weite Strecken erstaunlich temporeich, wenn man bedenkt, dass sein Protagonist Rex (Ben O'Toole) mehr als die Hälfte des Films gefesselt im Keller des Hauses einer wahnsinnigen Familie außerhalb von Helsinki verbringt. "Bloody Hell" weist viele Merkmale des Exploitation-Films auf, und Alister Grierson entlockt Rex' Entführung und der anschließenden Folterung eine gehörige Portion an schrägem Humor und nervenzerfetzender Spannung, nicht zuletzt dank der Leistung des charismatischen Ben O'Toole. Sei es durch Rex' zunehmend absurde und gewalttätige Begegnungen mit seinen Entführern oder sein temperamentvolles Zusammenspiel mit der physischen Verkörperung seines inneren Bewusstseins. In "Bloody Hell" kann Ben O'Toole sein komödiantisches Timing und seine körperlichen Fähigkeiten als überdrehter Selbstjustizler unter Beweis stellen, der von anderen mit John Wick und Jason Bourne verglichen wird. "Bloody Hell" beginnt in Boise, Idaho, wo Rex, ein Militärveteran in der Schlange vor einer Bank wartet, um mit der Kassiererin Maddy (Ashlee Lollback) zu plaudern, von der man annimmt, dass sie bereits mit ihm zusammen ist. Doch seine Chance, mit ihr zu flirten, wird vereitelt, als eine Gruppe von Räubern erscheint, und Rex, ermutigt durch seinen inneren Schweinehund, in Aktion tritt und den Tag rettet. Er wird sofort zum Volkshelden, landet aber für acht Jahre im Gefängnis, und das aus Gründen, die erst gegen Ende des Films vollständig enthüllt werden. Die kinetische Action und der derbe Humor des einleitenden Banküberfalls geben den Ton von "Bloody Hell" vor, ebenso wie Rex' unheimliche Fähigkeit, Bösewichte auszuschalten, was unweigerlich unsere Wahrnehmung seines Dilemmas färbt, nachdem er nach Finnland reist, um in die völlige Anonymität zu schlüpfen, nur um sich in einem Keller gefesselt wiederzufinden. Am besten ist "Bloody Hell", wenn er sich einfach nur auf Rex' Überlebenskampf konzentriert und langsam die Abgründe der Verderbtheit seiner Entführer und die psychologischen Turbulenzen unseres Helden aufdeckt, ohne jemals seine respektlos komische Sichtweise auf seine entsetzliche Situation aufzugeben. Leider besteht "Bloody Hell" darauf, in Rückblenden immer wieder auf den Banküberfall zurückzukommen, sich auf die Exposition zu stützen und unnötigerweise zu erläutern, wie Rex seine romantische Verletzung verarbeitet hat. Zwar spielt dieser Faden schließlich in seine Beziehung zu Alia (Meg Fraser) hinein, dem einzigen Nachkommen der finnischen Familie, der nicht völlig verrückt ist, aber es ist ein ziemlich langer Weg für so wenig Gewinn. Durch die ständigen Schnitte von Rex' angespannter, herzzerreißender Notlage wird "Bloody Hell" so verworren, dass seine manische Mischung aus Gore und frecher Komik verwässert wird. Was bedeutet, dass "Bloody Hell" am Ende weniger Grindhouse Kino als vielmehr Schrottwerk ist.

So viel man auch über Quentin Tarantino sagen und über seine Moralvorstellungen diskutieren mag, niemand kann bestreiten, dass Tarantino eine wahre Liebe für die Kunstform Film hegt. Von seiner Arbeit mit dem New Beverly Cinema in Los Angeles bis hin zu den zahllosen Referenzen und Inspirationen, die in seinen Filmen zu sehen sind, hat Tarantino immer wieder bewiesen, dass er das Medium verehrt, wofür der Film "Django & Django" von Regisseur Luca Rea ein weiteres Beispiel ist. Der Film, ist eine 80-minütige Geschichtsstunde von Quentin Tarantino, die das Publikum durch die Geschichte des italienischen Westerns führt. Ein Genre, in das er sich im Vorfeld von "Once Upon a Time in Hollywood" vertieft hat. Für Fans sowohl von Quentin Tarantino als auch von ausländischem Kino ist es einfach zu sehen, wie "Django & Django" ein fast orgasmisches Seherlebnis wird. Eine der wichtigsten Überlieferungen Tarantinos ist seine Liebe zum klassischen Kino. Zu sehen, wie er im Grunde eine Vorlesung hält, in der er nicht nur die objektiven Fakten, sondern auch seine persönlichen Gefühle zu einem oft übersehenen Bereich des Kinos mitteilt, ist fast alles, was man von einem Regisseur verlangen kann. Tarantino ist nicht nur sachkundig, er ist auch leidenschaftlich. Im Laufe des Films sieht man ihn vor Aufregung aufblühen, wenn er seine Gedanken und Theorien über die Denkweise der Filmemacher dieser Zeit auf eine beflügelnde und heilsame Weise mitteilt. Dazu trägt auch bei, dass der Schnitt des Films außergewöhnlich gut ist. Durch die Mischung von Filmmaterial aus den besprochenen Filmen selbst, aber auch von Aufnahmen hinter den Kulissen, wirkt der Film dynamisch und besonders. Die besprochenen Werke fühlen sich nicht einfach wie alte Filme an, die besprochen werden, sondern wie lebendige und atmende künstlerische Ausdrucksformen. Obwohl "Django & Django" zweifellos am besten für diejenigen geeignet ist, die sich bereits für das Thema interessieren und die Hauptakteure bis zu einem gewissen Grad kennen, ist es schwer vorstellbar, dass selbst diejenigen, die sich zunächst nicht für das Genre interessieren, aus dem Film nicht mit dem Wunsch herauskommen, diese Filme zu erleben und die dazugehörigen Künstler zu bewundern. Das einzige Problem, das einige mit dem Film haben könnten, ist, dass man sich während der gesamten 80-minütigen Laufzeit mit ihm beschäftigen muss. Der Film kann sich nicht nur ein wenig wiederholen, sondern für diejenigen, die sich nicht ohnehin schon für das Thema interessieren, kann es manchmal schwierig sein, etwas zu finden, an dem man sich wirklich festhalten und darin verlieren kann. Der Film ist zwar im Großen und Ganzen fesselnd, aber er fühlt sich dennoch bis zu einem gewissen Grad wie eine Universitätsvorlesung an. Zugegeben, er kommt mir vor wie eine wirklich gute Vorlesung, aber im Grunde ist es immer noch eine Lehre. Der Schnitt und die Persönlichkeit, die Tarantino dem Projekt verliehen hat, helfen glücklicherweise drastisch dabei, und im Vergleich zu ähnlichen Filmen stört dieses Problem bei "Django & Django" viel weniger. Insgesamt ist es schwer, den Film nicht ohne eine Wertschätzung sowohl für das behandelte Genre als auch für Tarantino selbst zu verlassen. Der Film, der eindeutig ein leidenschaftliches Projekt ist, bietet genug Inspiration und echtes Interesse, um für die meisten Zuschauer sehenswert und insgesamt ansprechend zu sein. Dies ist die Art von Programm und Stimme, die letztlich weiterhin Anhänger für die Welt des klassischen Kinos kultivieren wird und dient wie der Criterion Channel, der oft versucht, ähnliche Retrospektiven zu kuratieren, sollte wirklich zur Kenntnis nehmen, wie dieser Film gelungen ist.

Der Zweite Weltkrieg war keine besonders gute Zeit für den Regisseur Yasujiro Ozu, denn seine Möglichkeiten, Filme zu drehen, die er seit den späten 1920er Jahren in einem Rhythmus von drei bis sechs Filmen pro Jahr gedreht hatte, wurden durch seine zweimalige Einberufung zum Militär stark beeinträchtigt. Zuerst diente er in den 1930er Jahren zwei Jahre lang als Gefreiter in der Infanterie im besetzten China, später drehte er Propagandafilme in Singapur. Daher ist "Es war einmal ein Vater" schon allein deshalb ein interessanter Film, weil er einer der wenigen ist, die er in dieser Zeit realisieren konnte. Er ist jedoch umso faszinierender, weil Yasujiro Ozu es geschafft hat, den Film an der Oberfläche nationalistisch genug zu gestalten, um die Forderung der Regierung nach nationalpolitischen Filmen zu erfüllen, und dabei zu verschleiern, dass es sich in Wirklichkeit um ein ergreifendes, tragisches Porträt der Opfernatur handelt. "Es war einmal ein Vater" verfolgt die Beziehung zwischen einem verwitweten Vater namens Shuhei Horikawa (Chishu Ryu) und seinem Sohn Ryohei (Shuji Sano) über einen Zeitraum von 15 Jahren. Als wir die beiden zum ersten Mal treffen, ist Ryohei ein fleißiges Kind im Vorschulalter (Haruhiko Tsuda) und sein Vater ein beliebter Geometrielehrer an der Mittelschule. Doch als während eines Ausflugs, den Shuhei beaufsichtigt, ein Schüler ertrinkt, übernimmt er die Verantwortung für den Vorfall, obwohl er wirklich nichts falsch gemacht hat, und tritt von seinem Posten zurück, da er sich nicht mehr in der Lage fühlt, die Verantwortung für die Kinder anderer Leute zu übernehmen. Stattdessen geht er in einer Fabrik in Tokio arbeiten, um genug Geld zu verdienen, damit Ryohei weiter zur Schule gehen kann, was aus Gründen, die nie ganz geklärt werden, die Trennung der beiden zur Folge hat, etwas, das keiner von ihnen will, aber beide notwendigerweise ertragen müssen. Wie sich herausstellt, wird diese Trennung zum bestimmenden Faktor ihrer Beziehung, da sie ständig an verschiedenen Orten leben müssen, um den kulturellen Auftrag zu erfüllen, ihr Maximum zu leisten und die Nation zu unterstützen. Während des gesamten Films sind die Dialoge gespickt mit vermeintlich erbaulichen Phrasen über die Notwendigkeit, sein Bestes zu geben und Elemente des persönlichen Glücks für ein vages höheres Wohl zu opfern, aber die Art und Weise, wie diese so hohl klingen, vor allem im Nachhinein, wenn man weiß, wie der Krieg ausgehen wird, lässt vermuten, dass Yasujiro Ozu sorgfältig und bewusst mit beiden Seiten der Grenze gespielt hat. Er feiert gleichzeitig die edlen Aufopferungen der Elternschaft und betrachtet die militaristische Durchsetzung solcher Tugenden mit angemessener Skepsis. Es ist jedoch nicht so, dass Yasujiro Ozu die nationalpolitische Rhetorik des Films über die Pflicht und die Bedeutung der japanischen Tradition explizit unterminiert. Vielmehr tut er das, was er am besten kann: Er konzentriert sich konsequent auf die Charaktere und ihre Beziehungen, wodurch alles andere an den Rand geschoben wird. Außerhalb des Kriegskontextes ist "Es war einmal ein Vater" ein typischer Yasujiro Ozu-Film, der sich bequem in die zunehmend ausgetretenen Pfade der kontemplativen, traurigen Familiendramen einfügt, welche die zweite Hälfte seiner Karriere prägten. Der Film über die elterliche Hingabe ist ein Beispiel für den Wandel im Kino von Yasujiro Ozu um diese Zeit, weg von der komischen Verspottung der elterlichen Figuren in seinen Stummfilmkomödien hin zu einer tiefen Ehrfurcht vor ihnen in seinen Dramen. Dies mag durch die Tatsache verstärkt worden sein, dass sein eigener Vater, der während seiner Kindheit weitgehend abwesend war, einige Jahre vor dem Dreh von "Es war einmal ein Vater" gestorben war. Man muss nicht allzu tief in die Fassade von "Es war einmal ein Vater" eindringen, um zu erkennen, dass es sich um einen zutiefst skeptischen Film handelt, was durch Yasujiro Ozus stilistische Verwendung von langen Einstellungen, einer statischen Kamera und Kamerafahrten zwischen den Sequenzen noch verstärkt wird, die alle zu einem schweren Gefühl von Verlust und Enttäuschung beitragen. Das Gleiche gilt für die Darsteller, vor allem für Chishu Ryu, der auf dem Bildschirm mit nur minimalem Make-up so drastisch altert, dass man schwören könnte, dass die Figur an unterschiedlichen Stellen der Geschichte von verschiedenen Schauspielern verkörpert wird. Selbst wenn der Film in untypisch melodramatische Gefilde vordringt, wie beispielsweise in einer kulminierenden Szene am Sterbebett, genau der Art von Dingen, die Yasujiro Ozu normalerweise nicht auf dem Bildschirm zeigt, gibt er nie ganz dem Augenscheinlichen nach und hält uns auf genügend Distanz, so dass wir gezwungen sind, die Diskrepanz zwischen den Bekenntnissen der Personen und dem, was ihr Leben letztendlich zeigt, zu hinterfragen.

"Skandal" zeigt, dass der japanische Regisseur Akira Kurosawa mit Leidenschaft ein Thema verfolgte und es durch seine Sichtweise der Fiktion zeigen wollte, die näher an der Wirklichkeit war, als manche Leute wahrnahmen. Akira Kurosawa steckte mitten in einem Eklat, bevor er den Film drehte. Er war mit einer Schauspielerin liiert und gleichzeitig verheiratet und hatte mehrere Kinder zu Hause. Er hasste diese Form der Verleumdung und beschloss, seine ganze Wut in einen Nachrichtenfilm zu stecken, in dem ein Boulevardblatt, ein Maler (Toshirô Mifune) und eine Sängerin (Shirley Yamaguchi) in das Fadenkreuz eines Skandals geraten, weil ein kontextloses Foto der beiden veröffentlicht wurde. Akira Kurosawa baut eine Situation auf, die zu einem gefährlichen Terrain werden könnte. Egal, wie stark er die filmischen Tricks aus Journalismusdramen nutzen kann, mit den schnellen Zeitungsblitzen und dem dynamischen Schnitt, bei dem jede Seite ihre Sicht der Dinge an die Presse weitergibt, könnte es potenziell belehrend werden, da der Redakteur im Film als wirklich korrupt und böswillig mit seiner Macht als billiger Ausbeuter dargestellt wird. Doch wenn Takashi Shimura als Anwalt Hiruta ins Spiel kommt, scheinen sich die Dinge auszugleichen, und zwar auf wundersame Weise, denn er spielt einen kleinkarierten und willensschwachen Rechtsanwalt mit einer körperlich und geistig behinderten Tochter, die an Tuberkulose erkrankt ist. Er wird mehr als jeder andere zum emotionalen Fixpunkt des Films, denn er hat eine echte Gewissenskrise, die ihm einen Gesichtsausdruck verleiht. Er hat sich bestechen lassen, und er ist nicht der Mensch, der damit leicht leben kann. Er säuft, er schimpft darüber, was für ein Halunke er ist, und versucht dann sogar, es zu verdrängen, indem er nach den Sternen weint und in der Weihnachtsnacht mit allen in einem Restaurant "Auld Lang Syne" singt. In gewisser Hinsicht ist Takashi Shimura Akira Kurosawas Zugpferd, der in jeder Szene funktioniert und bestimmte Momente allein durch seine Mimik untergräbt. Wenn Akira Kurosawa mit "Skandal" am stärksten ist, schafft er einen Blick auf die Realität, der nur einen Hauch von Surrealismus hat, einen Ansatz für das, was eigentlich geschlossen sein sollte, und durch seine Form der Unterhaltung, die seine üblichen Tricks der Schnittwischungen und erhabenen Kompositionen einschließt, aufrührerisch ist, ohne wirklich so moralisierend zu sein, wie man vielleicht denken könnte. Wenn überhaupt, dann ist Akira Kurosawas Sicht auf den Boulevardjournalismus ähnlich prophetisch wie die von "Das Leben ist schön", der einzige Unterschied ist die Reaktion. Während heute ein Skandal um ein Foto mit einem Prominenten auf einem Bild mit einem anderen Prominenten, als ob er eine Beziehung hätte, als Klatsch abgetan wird, ist Akira Kurosawas Sicht pessimistischer. Der einzige Fehler, den Akira Kurosawa bei der Umsetzung des Stoffes begeht, ist die Nebenhandlung mit der Tochter des Anwalts. Hier wird es rührselig, wie eine Art Märchenfigur, die als reine Seele ein Glanzlicht um sich schimmern lassen soll. Keine falsche Absicht, aber sie wird nicht mit der gleichen Qualität wie der Rest des Films umgesetzt.

Der Regisseur und ehemalige Veteran des Zweiten Weltkriegs Samuel Fuller ging mit großen, mächtigen Händen an das Kino heran, um es zu erwürgen. Er wählte die Versager, die Außenseiter, die Verstoßenen. Im Jahr 1963 schaute sich Samuel Fuller in dem Land um, für das er gekämpft hatte, und sah ein Irrenhaus. Der krude und brillante "Schock-Korridor" war das Ergebnis. Natürlich würden die USA bald noch weiter in die Schockstarre abrutschen. "Schock-Korridor" wurde anderthalb Monate vor dem Anschlag auf den Präsidenten JFK auf dem Dealey Plaza veröffentlicht. Aber in den frühen 60er Jahren rüttelten die Schrecken des Rassismus, der roten Hetze und der Bombe noch an den maroden Dachböden der USA. So stehen in diesem surrealen Film Noir die drei Zeugen eines Mordes in der Küche einer Verrückten für die Übel des Landes. Der Enthüllungsjournalist Johnny Barrett (Peter Breck) lässt sich in eine Nervenheilanstalt einweisen, wo er seine Stripperfreundin Cathy (Constance Towers) als seine Schwester ausgibt und inzestuöses Begehren vortäuscht. In der Anstalt sucht Johnny die Zeugen auf und wartet darauf, dass sie in Momenten der Klarheit auftauchen, damit er ihnen die Frage stellen kann, wer Sloan in der Küche getötet hat. Diese zu beantwortende Aufgabe wird zu einer Art Mantra, mit dem Johnny hofft, seiner Erfahrung einen Sinn zu geben und seine eigene manische Fahrt durch den Korridor zu verhindern. Für Uneingeweihte ist ein Film von Samuel Fuller etwas gewöhnungsbedürftig. Er neigte dazu, Dialoge so zu schreiben, als wären sie Schlagzeilen auf irgendwelchen Titelseiten. Bei Samuel Fuller wird alles in hartgesottenen, knallharten Stil überhöht. Wenn es in "Schock-Korridor" einen wahren Bösewicht gibt, dann ist es der Sex. Johnnys innerer Monolog kündigt sich entsetzt an, als er in einen Raum voller gieriger, notgeiler Insassinnen hineinstolpert, die ihn überwältigen und sein Gesicht zerfetzt zurücklassen. Cathy ist einige Male in der Absteige zu sehen, in der sie ihr Gewerbe ausübt, wobei die Kamera einen verwirrten Abstand hält. Nachdem er genug Zeit in der Klapsmühle verbracht hat, schreckt Johnny vor Cathys Kuss auf den Mund zurück und das nicht, weil es seine Tarnung auffliegen lassen könnte, wie wir zunächst vermuten, sondern weil er beginnt, die Geschichte zu glauben, dass sie wirklich seine Schwester ist. Aber vielleicht kommentiert Samuel Fuller damit auch die amerikanische Scheinheiligkeit in Bezug auf Sex und deren Anziehungskraft. Ein Angestellter sagt, dass es ihm nichts ausmachen würde, von Nymphomaninnen angegriffen zu werden, und die Kundschaft in Cathys Spelunke könnte ihm zustimmen. Und Johnnys ganze erfundene Neurose dreht sich um seine Eifersucht auf seine Schwester, die mit anderen Männern zusammen ist. Und dann sind da noch die drei Zeugen. James Best als Südstaatenjunge, dem seine Eltern die Bigotterie der Antikommunisten eingeimpft haben, hält sich für einen General der Konföderierten. Hari Rhodes als Trent, einer der wenigen Afroamerikaner, die eine integrierte Schule besuchen durften, wurde unter dem Druck verrückt und verwandelte sich geistig in einen weißen rassistischen Redneck. Gene Evans als Dr. Boden reagierte auf den Wahnsinn der nuklearen Entwicklung, indem er sich in ein spielendes Kind zurückentwickelte. Jeder Mann erhält einen langen Monolog, in dem er seine Scham und seine Qualen schildert, als ob sein Fieber für ein paar Minuten unterbrochen wäre und er sich mit gesunden Augen betrachten könnte. Mit jedem Gespräch fügt sich ein Teil des Puzzles an seinen Platz. Alles, was Johnny tun muss, ist, etwas mit den Informationen anzufangen, und das wird schwieriger, als er es sich vorgestellt hat. In "Schock-Korridor" kann Samuel Fuller sich austoben und experimentieren, indem er seine eigenen farbigen Urlaubsaufnahmen verwendet, um die Geschichten der Zeugen zu illustrieren, und sich allen möglichen stilisierten Irrwitzigkeiten hingibt. Ein durchschnittliches Publikum wird ein gewisses Maß an Wahnsinn tolerieren, wenn darunter noch ein sichtbares Rückgrat an Rationalität zu erkennen ist. Im weiteren Verlauf des Films rückt das Geheimnis in den Hintergrund, und ein beunruhigenderer Schwerpunkt bildet Johnnys eigener Kampf mit der Realität, ganz zu schweigen von einem ungewöhnlichen Verlust der Sprache. Cathy ist empört über Johnnys Plan, sich das alles für den journalistischen Ruhm anzutun, und hat Angst, dass die Erfahrung ihn wirklich um den Verstand bringen könnte. Aber es drängt sich der Verdacht auf, dass Johnny von Anfang an dorthin gehört hat oder zumindest genauso wie die anderen Insassen. Ein Klassiker mit Dreck unter den Fingernägeln, der seine Irren für eine verstörende "Wir sind alle verrückt hier"-Botschaft nutzt. Wenn man sich Samuel Fullers Biografie ansieht, kann man nie an seiner Glaubwürdigkeit als Patriot zweifeln, denn für ihn bedeutete das vor allem, die Wahrheit zu sagen. Die dämonische Macht der Lüge hatte er in Falkenau am eigenen Leib erfahren. Dort hatte er auch den Wahnsinn gesehen und wusste, wovon er sprach. "Schock-Korridor" ist eine überragende pulpistische Meisterleistung.

Regisseur Jacques Tourneur stützt sich bei diesem vom Studio RKO für Val Lewton gedrehten Film "Ich folgte einem Zombie" auf einen Zeitschriftenartikel von Inez Wallace, fügt dieser Geschichte über Voodoo-Magie in Westindien jedoch die Romanvorlage von Jane Eyre hinzu. Ihm gelang ein potenzielles Meisterwerk, sein wohl bester Film, der auf poetische Weise eine fragwürdige B-Movie Handlung überwindet. "Ich folgte einem Zombie" hält wahrscheinlich den Ehrenplatz als groteskester Filmtitel inne, der je gedreht wurde. Es handelt sich um eine Fortsetzung von "Katzenmenschen", und RKO Pictures wollte einen angemessenen Horrorfilm, auch wenn das, was Jacques Tourneur und Produzent Val Lewton ihnen gaben, im Grunde eine tropische Version von Jane Eyre war, mit einigen Voodoo-Elementen, die Charlotte Brontë in ihrem Roman nicht vorgesehen hatte. Die Krankenschwester Betsy Connell (Frances Dee) kommt auf die Insel San Sebastian, um die fast katatonische Jessica Holland (Christine Gordon) zu pflegen. Das Horrorelement ist vorhanden, aber es wird mit einer Subtilität gehandhabt, die wirklich poetisch ist. In vielerlei Hinsicht ist "Ich folgte einem Zombie" eine Verbesserung gegenüber "Katzenmenschen", auch wenn er nicht ganz das Niveau des schieren Grauens der Schwimmbadszene, der berühmten Schockeffektszene im Bus oder der nächtlichen Begegnung mit dem Monster in einem Bürogebäude erreicht. Am nahesten kommt "Ich folgte einem Zombie" der ersten Begegnung von Frances Dee mit ihrem Patienten und dem titelgebenden Spaziergang, aber diese sind weniger schockierend als zutiefst verstörend. Alles in allem ist es ein Film, der durch die Schaffung einer unheimlichen Atmosphäre funktioniert. Die Stärken des Drehbuchs von "Ich folgte einem Zombie" liegen in der Gestaltung einer Geschichte über lokalen Aberglauben, die sich um das moralische Dilemma des christlichen Konzepts von Recht und Unrecht dreht. Dadurch werden die geringeren Darbietungen einiger der Akteure durch eine unverwechselbare und eindringliche Mischung aus Atmosphäre und Dramatik kompensiert. Die Regie von Jacques Tourneau ist zugleich eindrucksvoll wie magisch anzuschauen.

"Königin Christine" von Regisseur Rouben Mamoulian ist historischer Blödsinn, aber ein großartiger Starauftritt für die legendäre Greta Garbo. In bester Hollywood Tradition und aufwendig produziert im MGM-Stil tänzelt die rastlose und unruhige Greta Garbo in der Rolle der schwedischen Königin Christine aus dem 17. Jahrhundert während des Dreißigjährigen Krieges herum. Rouben Mamoulians dynamische Regie, seine schwungvollen Kamerabewegungen und sein künstlerisches Auge für Details überwinden die manchmal gestelzten Filmaufnahmen und heben das Historiendrama über sein literarisches, aber uneinheitliches Drehbuch von H.M. Harwood, Salka Viertel, Margaret P. Levino und S.N. Behrman. Im Kern geht es um die protestantische Königin von Schweden, die zu einer politisch korrekten Heirat mit ihrem heldenhaften Cousin Prinz Charles gedrängt wird, um Schweden einen Thronfolger zu verschaffen. Doch sie verliebt sich in den gut aussehenden katholischen Abgesandten aus Spanien, Don Antonio de la Prada (John Gilbert). Dies ist ein Wiedersehen mit den beiden Legenden der Stummfilmzeit. John Gilbert, dem vorgeworfen wurde, den Sprung zum Tonfilm nicht geschafft zu haben, ersetzte Laurence Olivier nach einer enttäuschenden Probe mit Greta Garbo, die sich nicht mit dem Engländer anfreunden konnte und über die Einwände des Studios hinweg darauf bestand, dass John Gilbert ihr richtiger Partner sei. Am Ende muss sich die Königin zwischen der Loyalität gegenüber ihrem Volk und ihrem eigenen Herzen entscheiden. Eine der wenigen Darbietungen von Greta Garbo, die sich noch gut gehalten haben. Das Werk ist nicht unumstritten, da Königin Christine einen Großteil des Films in einer Travestie steckt und ihre Figur als bisexuell dargestellt wird. In Wirklichkeit war Christine tatsächlich bisexuell, konvertierte zum Katholizismus, weigerte sich zu heiraten und verzichtete auf ihren Thron. Als Schwedens König Gustavus Adolphus 1632 nach vierzehn Jahren Dreißigjährigem Krieg in der Schlacht ums Leben kommt, wird die sechsjährige Christine, die von ihrem Vater wie ein Junge erzogen wurde, zur Herrscherin gekrönt. Der Kanzler Oxenstierna (Lewis Stone) rät ihr, dass Schweden so lange kämpfen wird, bis es den Krieg gewinnt. Die erwachsene Christine, die es liebt, Männerkleidung zu tragen, bespricht sich mit ihrem Rat über den immer noch todbringenden Krieg und beschließt, dass zum Wohle des Landes ein Friedensvertrag ausgehandelt werden muss. "Königin Christine" endet mit einer denkwürdigen Großaufnahme, in der sie geheimnisvoll ins Leere blickt und der Beobachter aufgefordert wird, ihre Gedanken zu ergründen.

Wer ist Machine Gun Kelly?

Der ukrainische Film "Feuerpferde" gewann 1964 auf den Filmfestspielen fast alle Preise, die in Sicht waren. In den letzten Jahren ist er jedoch noch wichtiger geworden, denn er erinnert nicht nur an den talentierten Regisseur Sergej Parajanow, sondern auch an die restriktive sowjetische Haltung gegenüber der Kunst. Nachdem er einen Film gedreht hatte, der in London, New York, San Francisco und Montreal ausgezeichnet wurde, avancierte Sergej Parajanow nicht zu einem der führenden russischen Regisseure. Er wurde ein politischer Gefangener, dem die üblichen Vergehen vorgeworfen wurden, für die sowjetische Dissidenten inhaftiert wurden. Er wurde zu einer fünfjährigen Haftstrafe verurteilt, die er sich mehr oder weniger selbst zuzog, als er auf einer Künstlerkonferenz eine flammende Rede hielt, in der er das Ende des sozialistischen Realismus und den Beginn eines subjektiveren, persönlicheren sowjetischen Films forderte. "Feuerpferde" könnte als Beispiel für die Art von Film stehen, die er forderte. Es ist einer der ungewöhnlichsten Filme, die ich je gesehen habe, eine Flut von Bildern, Musik und Geräuschen, gedreht mit einer so aktiven Kamera, dass man fast Sicherheitsgurte braucht. In der Sowjetunion sind Nationalismus und regionale Identitäten immer noch hoch aufgeladen. Und Sergej Parajanovs Film ist offenkundig regional. Er zelebriert die Geburten, Hochzeiten, Todesfälle und Volksbräuche der Menschen in den Karpaten. Ihre Feiertage und Feste scheinen von der Energie zahlloser Zorbas erfüllt zu sein, doch dann gibt es die langen Tage der Arbeit, und Sergej Parajanov begleitet sie durch lange Winter, sturmgepeitschte Frühlinge und glühende Sommer. Seine Geschichte folgt dem Leben und Tod von Iwan, dessen Jugendliebe von einem Bergpfad abrutscht und im Fluss ertrinkt. Iwan wird mürrisch und verschlossen, aber schließlich wird er sesshaft und heiratet eine auffallend schöne Frau. Aber auch dann ist er nicht glücklich. Sie können keine Kinder bekommen, und in ihrem Aberglauben konsultieren sie Hexen und das Übernatürliche. Iwan selbst ist von der Vorstellung besessen, dass ihm seine erste Geliebte auf wundersame Weise wiedergegeben wird, und es gibt eine spannungsgeladene Szene, in der er mit seiner Frau betet und nach dem Gebet für die Toten die Worte der Ertrunkenen hinzufügt. Der visuelle Stil von Sergej Parajanov ist manchmal voller Leben, andererseits aber auch einfach nur überdreht. In einer Perspektive schwenkt die Kamera zum Beispiel direkt nach unten, als ein Baum auf den Vater des jungen Ivan fällt. Andere Aufnahmen zoomen in Wälder, Höfe und Feste hinein und wieder heraus, und bei Gewaltszenen unterbricht er die Aufnahmen manchmal mit Standbildern und färbt seinen Film ein. Bei einer Todesszene springen blutüberströmte Pferde über den Bildschirm. Ein paar dieser pyrotechnischen Effekte können viel bewirken, und es gab Zeiten in "Feuerpferde", in denen ich dachte, sie gingen zu weit. Aber Sergej Parajanov hat eine echte Gabe. Er hat die Art von rücksichtsloser Energie, die man in einigen der frühen Arbeiten von Martin Scorsese sieht, und eine Kameraführung, die so von sich selbst erfüllt ist, dass sie die Geschichte kaum fassen kann. Und für jeden, der sich für die ukrainische Kultur und die Bräuche von vor vielleicht einem Jahrhundert interessiert, ist "Feuerpferde" ein Schatz, eine Fundgrube für Kostüme, Masken, Aberglauben und Überzeugungen, Bräuche der Brautwerbung und die Leiden eines kurzen Lebens mit zu viel Arbeit darin.

ACHTUNG: SPOILER IM TEXT

"X-Tro" von Regisseur Harry Bromley Davenport ist ein widerlicher, bösartiger und verzweifelter Thriller, der mich tief deprimiert hat. Welche Vision beseelte die Filmemacher mit dem Wunsch, dieses Werk mit einem Publikum zu teilen? Ich erwarte keinen großartigen Film, wenn ich mir einen Film namens "X-Tro" ansehe, aber ich hoffe, dass der Film etwas Humor, Stil oder Spannung enthält. "X-Tro" ist das Werk von inkompetenten Zynikern. Der britische Film beginnt damit, dass ein Raumschiff den Vater eines kleinen Jungen entführt. Drei Jahre später hat der Junge immer noch Albträume davon. Jetzt lebt seine Mutter mit einem anderen Mann zusammen, und der Junge spielt mit seiner Schlange als Haustier. Dann kommen die Außerirdischen wieder und setzen eine ihrer Kreaturen am Straßenrand ab. Die außerirdische Lebensform ist eines dieser Standardmonster mit Spezialeffekten, die aus Plastik, Schleim, Zähnen und Gestöhne bestehen. Durch einen Prozess, den "X-Tro" kompliziert macht, ohne ihn besonders interessant zu machen, hat diese Kreatur die Fähigkeit, Personen anzugreifen und sie in Dinge zu verwandeln, die wie Menschen aussehen, aber keine sind. Eine der Kreaturen ist der Vater des kleinen Jungen, der in einer der unangenehmsten Szenen auf einer Dinnerparty zu sehen ist, die je gedreht wurden. "X-Tro" folgt einem merkwürdigen Muster. Die Szenen mit alltäglichen Ereignissen sind als eine Art bitterer, unaufdringlicher britischer Lebensabschnitt inszeniert. Sie wechseln sich mit den Spezialeffektszenen ab, die mit Zähnen, Schleim, pulsierenden Eiern und Dingen, die einen ins Gesicht beißen, gespickt sind. Es gibt flüchtige Momente der Zärtlichkeit, wenn der kleine Junge mit seiner kleinen Haustierschlange Harry spielt, aber diese Idylle endet, wenn der Vater die Eier von Harry frisst. Es gibt auch Momente, die der Vernunft zuwiderlaufen. In einem dieser Momente dreht die Mutter die Decke ihres Sohnes zurück und stellt fest, dass er völlig mit Blut bedeckt ist. Ein Arzt wird gerufen, aber es wird keine Wunde gefunden. Am nächsten Morgen beim Frühstück sagt der Freund, es sei Zeit, dass das Kind zur Schule geht. Aber was ist mit letzter Nacht? Die meisten Exploitation-Filme sind schlecht, aber nicht unbedingt schmerzhaft anzusehen. Sie mögen inkompetent sein, sie mögen vorhersehbar sein, sie mögen schlecht gespielt oder ungeschickt inszeniert sein, aber auf einer gewissen Ebene haben die Filmemacher Spaß und versuchen zumindest, das Publikum zu unterhalten. "X-Tro" ist eine Ausnahme, ein völlig deprimierender, nihilistischer Film, eine Übung in Tristesse.

Die Nachricht, dass sich die langjährige Pop-Diva Britney Spears auf legalem Wege aus der Vormundschaft befreien konnte, die ihrem Vater Jamie P. Spears ein lächerliches Maß an Kontrolle über ihr Leben verschafft hat, war für alle Fans und Bewunderer eine großartige Nachricht. Großartig für alle, außer für die engagierten Macher des Dokumentarfilms "Britney Vs. Spears", darunter die Regisseurin Erin Lee Carr und die Rolling Stone Reporterin Jenny Eliscu, in dem untersucht wird, wie Britney Spears in eine so unattraktive Lage geraten ist, und in dem behauptet wird, dass sie ungerecht behandelt und rücksichtslos ausgenutzt wurde. Jetzt, da der Gerechtigkeit Genüge getan wurde und Britney Spears tatsächlich frei ist, haben die Ereignisse den lautstarken Aufruf des Films zur Gerechtigkeit etwas überflüssig gemacht. Es ist auch schade, dass "Britney Vs. Spears" nur zwei Tage vor dem Urteilsspruch veröffentlicht wurde, was seine Bedeutung als Aufruf zu den Waffen für Britney schmälert. Dennoch ist das, was übrig geblieben ist, für Fans und Neugierige interessant, die wissen wollen, was eine Vormundschaft ist, wie sie funktionieren soll und wie sie in Britneys Fall funktioniert hat. Es zeigt auf jeden Fall, wie Jamie Spears die Situation für seine eigenen Zwecke ausgenutzt hat, so dass es unwahrscheinlich ist, dass er in nächster Zeit Nominierungen für den Vater des Jahres erhalten wird. Die Regisseurin Erin Lee Carr, ein großer Fan aus Kindertagen, und die Reporterin Jenny Eliscu, die für den Rolling Stone über Britney berichtete, schildern Britneys Probleme, die zu ihrem Debakel mit der Vormundschaft führten. Es gibt jede Menge hässliches Filmmaterial, das die Paparazzi bei der Arbeit zeigt, wie sie Britney hetzten, und viele dokumentierte Details über die schmutzigen Machenschaften hinter Britneys Rücken, wie sie um Geld gepresst und zu Touren gezwungen wurde. Ein ziemlich armseliges Verhalten von denen, die sich eigentlich um sie kümmern sollten. Um "Brintney Vs. Spears" einen gewissen Reiz zu verleihen, bedienen sich die Regisseure der Metamethode, sich gegenseitig Dinge zu erklären, als wäre die Kamera zufällig dabei gewesen, als sie ihre neueste Enthüllung diskutierten. Das ist kein schlechtes Mittel, obwohl es, wie in diesem Fall, ein wenig erzwungen wirken kann. Natürlich wird auch über Britneys Heer von flamboyanten Fans berichtet, von denen wir in der allgemeinen Berichterstattung über Britneys Sieg viel gesehen haben. So dient "Britney Vs. Spears" nun als Hintergrundinformation zu dem Ereignis, das es überholt hat und datiert ist. Für echte Britney-Liebhaber ist es sicherlich eine gute Sache, dass die im Film aufgestellten Forderungen nach Gerechtigkeit #freeBritney innerhalb von zwei Tagen nach der Veröffentlichung des Films erfüllt wurden. Diejenigen, die ein mildes, aber aufrichtiges Interesse an Britneys turbulentem Leben seit den späten 1990er Jahren haben, als sie die Popkultur erschütterte, indem sie die Sexualität von Teenagern neu verpackte und auf den Massenmarkt brachte, werden den Film auch als informativen, wenn auch langweiligen Bericht über das letzte Kapitel in Britneys bemerkenswerter Reise empfinden. Und wenn man bedenkt, dass sie am 2. Dezember 40 geworden ist. Diese Frau hat eine Menge durchgemacht und überlebt. Großes Kompliment, Britney.

Mindestens zweimal im Jahr begebe ich mich mit Freunden auf einen expliziten und visionären Drogentrip mit "Fear and Loathing in Las Vegas".

ACHTUNG: SPOILER IM TEXT

"Später Frühling" von Regisseur Yasujiro Ozu beginnt vor dem Bahnhof von Kita Kamakura, einem Ort der Stille und Bewegung, der durch einen Wegweiser in japanischer und englischer Sprache gekennzeichnet ist, während eine Brise durch die umliegenden Bäume streicht. Dieser frische Wind bringt auch Tante Masa (Haruko Sugimura) mit sich, deren wohlmeinende und ganz und gar traditionelle Sorge um den unverheirateten Status ihrer 27-jährigen Nichte Noriko Somiya (Setsuko Hara) zu einer Menge stillen Unglücks führen wird. Noriko und ihr Vater, der verwitwete Professor Shukichi (Chishu Ryu), sind beide damit zufrieden, dass ihre Beziehung, die auf gegenseitiger Abhängigkeit, aber auch auf tief verwurzelter Liebe beruht, bis in alle Ewigkeit andauert, aber sie sind auch zu höflich, zu respektvoll und zu konventionell, um sich lautstark gegen den Druck von Tante Masa und der Gesellschaft zu wehren, während Shukichi sich seines fortschreitenden Alters und seiner väterlichen Pflicht nur allzu bewusst ist. Am Ende wird Noriko für immer mit dem Zug in eine arrangierte Ehe fahren, die sie nie wirklich gewollt hat, und Shukichi wird zurückbleiben, um über die Einsamkeit und den Verlust nachzudenken, die er selbst mit verursacht hat. Dies mag im Wesentlichen ein humanitäres Drama sein, das mit großer Sparsamkeit geschrieben, mit ungeheurer Subtilität gespielt und mit der besonnenen Zurückhaltung gedreht wurde, für die Yasujiro Ozu berühmt geworden ist, aber es wird von poetischen Bildern umrahmt, in denen der Mensch völlig abwesend ist, die aber das thematische Anliegen des Films, nämlich Zeit und Veränderung, unterstreichen. Da ist der windgepeitschte Bahnhof am Anfang, und am Ende sieht man die Wellen, die nachts an einen Strand gespült werden. Derselbe Strand, an dem Noriko zuvor erfahren hat, dass der Mann (Jun Usami), den sie eigentlich heiraten sollte, sich mit einer anderen, jüngeren Frau verlobt hat. In einer anderen Szene, als Noriko ihre durch und durch moderne Freundin, die geschiedene Stenografin Aya (Yumeji Tsukioka), in ihrem verwestlichten Haus besucht, um über Ehe und Unabhängigkeit zu sprechen, lässt Yasujiro Ozu seine Kamera in einem leeren Raum laufen, während eine Standuhr schlägt. Die Zeit vergeht wie im Flug, wird Shukichi sagen, als er mit Noriko in Kyoto Urlaub macht. Es ist diese Vergänglichkeit, sowohl in den Beziehungen als auch in der Weltgeschichte, die das eigentliche Thema des Films bildet, und es ist Yasujiro Ozus Ambivalenz ihr gegenüber, als ob er sowohl in den Zug einsteigen als auch auf dem Bahnsteig bleiben möchte, die "Später Frühling" letztlich seinen bittersüßen Nachhall verleiht.

Regisseur Dario Argento hat sich mit Dracula in 3D angelegt. Nicht buchstäblich, aber nahe genug. Die Dracula Geschichte ist schon zu Tode erzählt worden. Wenn man uns also schon wieder eine neue Interpretation von Bram Stokers Originalbuch aus dem Jahr 1897 liefert, dann sollte man besser etwas machen, was man noch nicht gesehen hat. Davon abgesehen, und ungeachtet all meiner anderen inneren Kritikpunkte, hat Dario Argento diese Anforderung mit diesem Film erfüllt. Tatsächlich hält sich Dario Argento relativ eng an die Romanvorlage, zumindest enger als die meisten anderen Filmemacher auf diesem Gebiet. Er siedelt den Film als Historienfilm an, und er folgt den Grundzügen der Geschichte mit Jonathan Harkers (Unax Ugalde) Besuch beim Grafen, der Besessenheit von Lucy (Asia Argento) und der allgemeinen antiken Gewalttätigkeit von Vampiren. Es gibt einige Abweichungen von der Vorlage, vor allem in Bezug auf den Anteil, den Dracula (Thomas Kretschmann) an den anderen Figuren hat. Sein Charakter wird in etwa so stark ausgebaut, wie Van Helsing (Rutger Hauer) heruntergespielt wird. "Dario Argento's Dracula" bewegt sich zwar auf vertrautem Terrain, ist aber für Fans des Regisseurs dennoch interessant. Dario Argento, der vor allem für seine Giallo-Horrorfilme der 70er und 80er Jahre wie "Profondo Rosso - Die Farbe des Todes", "Phenomena" und "Suspira" bekannt ist, beweist, dass er noch immer über eine Menge kreativen Saft in seinem Aderwerk verfügt. Sein Film mag bei vielen nicht so populär zu sein wie seine Klassiker, aber der Mann bleibt sich in vielerlei Hinsicht treu. Die schauspielerische Leistung in "Dario Argento's Dracula" ist bestenfalls punktuell. Thomas Kretschmann ist fantastisch in der Rolle des Grafen und bringt eine Qualität in die Rolle, die Rutger Hauer vergeudet, der seine Leistung einfach nur abspult. Dario Argentos eigene Tochter Asia Argento gibt sich ebenfalls die Ehre, mit einer erneuten Nacktszene unter den Händen ihres Vaters, was mir selbst für das italienische Kino sehr merkwürdig vorkommt. Der Rest der Besetzung hat seine Höhen und Tiefen, aber in wahrer Argento-Manier wird einiges davon durch ausladende Aktszenen kaschiert, womit ich kein Problem hatte. Die Kameraführung ist nicht besonders spektakulär, sondern wirkt oft amateurhaft. Ein großer Teil des Films ist zu hell ausgeleuchtet, so dass es aussieht, als wäre er für billiges Fernsehen gedreht worden. Vielleicht wollte man damit den 3D-Look des Films maximieren, indem man die Dinge nicht zu dunkel machte. Allerdings geht viel von der gotischen Horroratmosphäre des Films in den übermäßig beleuchteten Kulissen verloren. Auch die visuellen Effekte sind etwas dürftig und sehen manchmal zu niedrig aufgelöst und unfertig aus. Wo "Dario Argento's Dracula" jedoch glänzt, ist der Rückgriff auf seine brillante und brutale Gewaltdarstellung. Die Gewaltszenen explodieren fast aus dem Nichts, mit vielen Zerstückelungen und knallrotem, farbigem Blut. Ich bin mir nicht sicher, ob dies eine bewusste Entscheidung von Dario Argento war, um dem kirschroten Aussehen des Blutes in seinen früheren Filmen zu huldigen, oder ob er einfach seit Jahrzehnten leicht farbenblind geworden ist. Auf jeden Fall trägt es zum Spaß und zur Übertreibung der Szenen bei. Schließlich gibt es einen Moment im Film, der völlig aus dem Ruder läuft, indem Draculas Kräfte ins Lächerliche gesteigert werden. Ich will nichts verraten, es genügt zu sagen, dass Dario Argento diese Szene als ernsthaften Horrormoment inszeniert, aber sie endet möglicherweise als eine der hysterischsten und respektlosesten Stellen in einem Film, den ich je gesehen habe, und das mit Vorsatz. Der Gelegenheitszuschauer mag diese Version von Dracula verwirrend und abstoßend finden, aber als jemand, der viele Filme von Dario Argento gesehen hat, fand ich ein gewisses Maß an dekadenter Unterhaltung in seiner Verfilmung der Legende.

Bevor ich mit meiner Rezension zu "Paranormal Activity 5: Ghost Dimension" von Regisseur Gregory Plotkin beginne, muss ich kurz meine Meinung zu den vorherigen Filmen darlegen, die ich unkommentiert gelassen habe. Ich habe Paranormal Activity 1-3 absolut geliebt. Sie haben mich zu Tode erschreckt, und jeder Film baute mehr und mehr auf der Mythologie dahinter auf. "Paranormal Activity 4" hingegen fand ich zum kotzen. Er war völlig sinnlos, und es gab mehrere Handlungslöcher. "Paranormal Activity: Die Gezeichneten" war wieder anständig. Er hatte ein bisschen mehr Humor als die vorherigen Filme und baute definitiv ein Stück weit mehr auf die alten Geschichten auf. Dieser Teil des Paranormal Activity-Franchise rundet die Reihe erfolgreich ab, beendet die Filme aber mit einer eher mittelmäßigen Note. Was die ersten drei Filme so intensiv und furchteinflößend machte, war die Art und Weise, wie der Terror präsentiert wurde. Die Szenen fingen sehr langsam und subtil an, so diskret, dass man beim ersten Mal vielleicht etwas verpasst hat. Von da an wurden die Schreckmomente immer größer, bis hin zu den grausamen Schlußsequenzen. In dieser Fortsetzung wurde ein etwas anderer Ansatz gewählt. Durch den Einsatz einer speziellen Videokamera kann man das als Toby bekannte Wesen sehen. Zu Beginn ist er als transparente Störung auf der Kamera zu sehen, nimmt aber schnell eine undurchsichtige Form an. Es war zwar sehr interessant, endlich eine Vorstellung davon zu bekommen, wie der legendäre Toby aussieht, aber ihn tatsächlich zu sehen, hat den Effekt auch ein wenig ruiniert. Es ist viel beängstigender, von etwas verfolgt zu werden, das man nicht sehen kann. Ich habe auch das Gefühl, dass sie sich zu früh im Film auf die großen Jump Scares gestürzt haben. Die vorherigen Filme bauten die Spannung viel mehr auf, bevor sie die Jump Scares einsetzten. In diesem Teil wurde der Aufbau der Angst fast vollständig übersprungen. Die Jump Scares haben mich zwar mehrfach erschrocken, aber wenn man sie als alleinige Ursache für das Erschrecken der Zuschauer einsetzt, ist der Film nicht erfolgreich. Der erfolgreichste Faktor dieses Films war, wie er die Mythologie, die sich seit 6 Filmen aufgebaut hat, ergänzt hat. ACHTUNG: Wenn ihr die Vorgängerfilme nicht gesehen habt, könnte es sich jetzt um Spoiler handeln. In den vorangegangenen Filmen haben wir erfahren, dass Toby ein Dämon und kein Geist ist, warum also heißt dieser Film Ghost Dimension? Ein Hexenzirkel, die Hebammen, hat alles inszeniert, und Katie und Kristi wurden auserwählt, eine wichtige Rolle im bösen Plan der Hebammen zu spielen. Der Film enthüllt mehr Informationen. Wir erfahren nicht nur mehr darüber, was Katie und Kristi als Kinder nach dem dritten Film widerfahren ist, sondern wir erfahren auch das eigentliche Ziel der Hebammen. Fortsetzungen sind sinnlos, es sei denn, sie fügen der Geschichte etwas Neues hinzu und helfen uns, das Warum hinter der Handlung besser zu verstehen. In dieser Hinsicht hat "Paranormal Activity: Ghost Dimension" eine hervorragende Arbeit geleistet. Ich habe gemischte Gefühle, wenn es um die Spezialeffekte in diesem Film geht. Im Großen und Ganzen hat mir die Darstellung von Toby durch die spezielle Videokamera gefallen. Besonders gut hat mir der Effekt der schwarzen Flüssigkeit gefallen, aus der er zu bestehen scheint. Doch als Toby am Ende aussieht, als sei er aus schwarzem Rauch gemacht, haben sie mich ein wenig enttäuscht. Die Filmemacher sind von einem Look, der sowohl stilvoll als auch einzigartig war, zu einem Optikstil übergegangen, den man in einem kitschigen Geisterfilm erwarten würde. Sie hätten bei dem flüssigeren Aussehen bleiben sollen, das viel origineller und unheimlicher war als der Rauch. "Paranormal Activity: Ghost Dimension" ist ein unterhaltsamer Film mit einer Menge guter Gruseleffekte. Er hatte auch eine interessante Handlung, die ein passendes Ende für die Paranormal Activity-Reihe darstellt. Es gibt definitiv Raum für Verbesserungen. Die Spezialeffekte wurden ein bisschen zu viel eingesetzt, und der Film hatte nicht die gleiche Intensität wie die vorherigen Filme. Er mag als eigenständiger Film gut gewesen sein, aber wenn man bedenkt, dass "Paranormal Activity: Ghost Dimension" das Ende einer Reihe von Filmen ist, kommt man nicht umhin, ihn mit seinen Vorläufern zu vergleichen. Wer die Vorgängerfilme mochte, wird die Geschichte wahrscheinlich genießen, aber enttäuscht sein, dass dieser Film zu schnell mit den großen Schreckensszenarien begann, so dass sie am Ende des Films fast banal wurden.

Es ist zwar lobenswert, dass die Regisseurin von "Bingo Hell", Gigi Saúl Guerrero, die Gentrifizierung mit einem Horrorfilm thematisieren will, doch die Umsetzung dieser hehren Absicht lässt enorm zu wünschen übrig. Am problematischsten ist die Tatsache, dass "Bingo Hell" nicht besonders angsterregend ist. Eine ausgedehnte Szene, in der Lupita (Adriana Barraza) zusieht, wie die Bingokugeln langsam über den Küchenboden gleiten, während sie eine unheilvolle Botschaft buchstabieren, ist nicht gerade beängstigend. Sowas will man in einem Horrorfilm nicht unbedingt sehen. Gigi Saúl Guerrero tunkt einen Großteil von "Bingo Hell" in helles Licht und greift immer wieder auf niedrigere Einstellungen zurück, aber keine dieser milden visuellen Verzierungen belebt ein Drehbuch, dem es an Gruselfaktor fehlt. Ein Teil des Mangels an Schrecken rührt von der Unfähigkeit des Films her, die verschiedenen Figuren zu echten Menschen zu machen. Es ist schwer, mit den Personen mitzufiebern, die in Gefahr sind, wenn ich ihre Persönlichkeiten nicht beschreiben kann. Es hätte der Geschichte gut getan, ein oder zwei der doktrinären Reden zu streichen, in denen die zentralen Themen der Handlung dargelegt werden, und stattdessen einfach nur Szenen zu zeigen, in denen Lupita und ihre Freunde vorgestellt werden. "Bingo Hell" ist schon in Sachen Horror und Charaktere unzureichend, daher ist es schade, dass der Film auch in Bezug auf seinen gesellschaftspolitischen Kommentar eine Katastrophe ist. Vor allem die Tatsache, dass die Quelle der Gentrifizierung in "Bingo Hell" von einem übernatürlichen Bösewicht ausgeht, der wie eine Jackie Earl Haley-Kopie aussieht, lässt privilegierte Zuschauer vom Haken. Die Quelle der Gentrifikation ist keine der Realität entstammende Kraft, sondern ein Typ, der eindeutig einer anderen Existenzebene entspringt. Eine seltsame Besessenheit von der Darstellung armer Menschen, die auf grausame Weise zu Tode kommen, einschließlich einer Frau, die sich einfach die Haut abzieht, reduziert die Opfer der Gentrifizierung auf Leichen, die die Zuschauer anglotzen können. Zumindest dieser Teil der Produktion macht Sinn, wenn es darum geht, zu erklären, warum "Bingo Hell" auf Amazon Prime gelandet ist. Sucht nach anderen Quellen des Horrors oder nach gehaltvollen Rollen, die von Adriana Barraza gespielt werden.

Das Bild, das die meisten Menschen von Regisseur Fred Zinnemanns "Verdammt in alle Ewigkeit" im Kopf haben, ist das von Sgt. Milton Warden (Burt Lancaster), der Karen Holmes (Deborah Kerr) am Strand von Hawaii umarmt, während die Brandung um sie herum tobt. Dieser ikonische Moment, der sich in das Gedächtnis derjenigen einbrennt, die den Film gesehen haben, wird wahrscheinlich eher in Erinnerung bleiben als die Geschichte, die Darsteller oder die acht Oscars, die die Schauspieler und die Crew mit nach Hause nehmen konnten, einschließlich des besten Films, ganz zu schweigen von weiteren fünf Nominierungen. Rückblickend wirkt "Verdammt in alle Ewigkeit" jedoch nicht mehr so ausgefeilt wie bei seiner Verleihung im Jahr 1954. Obwohl der Film durchweg unterhaltsam und bisweilen bewegend ist, handelt es sich weniger um ein episches Drama als um eine historisch angelegte Seifenoper. Die Produktion, die auf dem Roman von James Jones basiert, blickt ein Dutzend Jahre zurück nach Hawaii vor dem japanischen Überraschungsangriff. "Verdammt in alle Ewigkeit" ist ein Film über das Leben in der Armee im vorstaatlichen Gebiet kurz vor dem Ausbruch der Feindseligkeiten und konzentriert sich auf das Leben und die Liebe dreier Soldaten. Den sturen, zuverlässigen Warden, den hartgesottenen, trinkfesten Prewitt (Montgomery Clift) und den weniger ernsthaften Maggio (Frank Sinatra). Das Ende zeigt Bilder von der Bombardierung und den unmittelbaren Folgen. Dies dient nicht nur dazu, die Erzählung abzuschließen, sondern auch um zu betonen, dass der militärische Lebensstil, wie er während des größten Teils des Films dargestellt wird, ebenso plötzlich und dramatisch starb wie die vielen Soldaten auf den sinkenden Schiffen. Es handelt sich jedoch nicht um eine als Kriegsfilm getarnte Liebesgeschichte. Der Krieg wird erst in der letzten Viertelstunde erwähnt, obwohl der Schatten des historischen Ereignisses über die gesamte Laufzeit von 117 Minuten hängt. Die Hauptrolle erhielt Burt Lancaster, doch Montgomery Clifts Prewitt ist die Figur mit der meisten Spielzeit. Prewitt, der vor kurzem zu einer Schützenkompanie auf Oahu versetzt wurde, ist ein ausgezeichneter Trompeter und war einst ein vielversprechender Boxer im Mittelgewicht. Trotz des Drängens seines neuen kommandierenden Offiziers, Captain Dana Holmes (Philip Ober), dem Regimentsboxteam beizutreten, bleibt Prewitt bei seiner Entscheidung, dem Sport nicht wieder beizutreten. Das bringt ihm den Zorn einiger anderer ein, obwohl er seinen alten Freund Maggio wiedertrifft und ein Band des gegenseitigen Respekts mit seinem Sergeant knüpft. Prewitt wird durch Schikanen unter Druck gesetzt, sich zu fügen, aber er bleibt hartnäckig. Eines Abends lernt er in einem Club die attraktive Gastgeberin Lorene (Donna Reed) kennen. Die beiden verlieben sich ineinander, aber es fällt ihnen schwer, Zeit zusammen zu verbringen. Der Regisseur von "Verdammt in alle Ewigkeit", Fred Zinnemann, kam zu diesem Projekt in der fruchtbarsten Phase seiner 50-jährigen Karriere. Zwischen 1948 und 1953 drehte Zinnemann drei hochgelobte Filme, für die er persönlich für den Oscar nominiert war. "Verdammt in alle Ewigkeit" brachte ihm den ersten von zwei Oscars ein. Fred Zinnemanns Fingerabdrücke sind überall in dem Film zu sehen. Der waagerechte Strandkorb war seine Idee. Wie geschrieben, stand er hochkant. Er hat auch dafür gekämpft, dass der Film in Schwarz-Weiß und im Seitenverhältnis 1,33:1 gedreht wird und nicht im Breitbildformat, das gerade in Mode kam. Fred Zinnemann stritt sich mit Columbia-Chef Harry Cohn über die Besetzung von Montgomery Clift. Der Regisseur drohte zu kündigen, wenn sein Wunschdarsteller nicht engagiert würde. Apropos Montgomery Clift: "Verdammt in alle Ewigkeit" stellte einen Höhepunkt in seiner Karriere dar. Der intensive Schauspieler, dessen Popularität in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren nachließ, wurde in manchen Kreisen als einer von nur zwei Schauspielern beschrieben, die sowohl gut aussehen als auch talentiert sind. Der andere war Marlon Brando. Montgomery Clift wurde dreimal für den Preis als bester Schauspieler nominiert. Es wird allgemein angenommen, dass er 1954 den Oscar verpasste, weil er sich die Stimmen mit seinem Mitkandidaten Burt Lancaster teilte und so den Weg für William Holden frei machte. Zu der Zeit, als er "Verdammt in alle Ewigkeit" drehte, war Montgomery Clift bereits ein Alkoholiker. In mehreren Szenen, in denen Prewitt betrunken ist, war Montgomery Clift es auch wirklich. Für viele der anderen Darsteller in "Verdammt in alle Ewigkeit" bedeutete die Produktion eine Abkehr vom Typus. Vor diesem Film war Burt Lancaster vor allem als Leichtgewicht gesehen worden. Seine Arbeit hier trug dazu bei, seine Karriere in eine ernsthafte Richtung zu lenken. Deborah Kerr, die für ihre prüden und korrekten Rollen bekannt war, bekam die Chance, sich von einer sexy und sinnlichen Seite zu zeigen. Frank Sinatra, der einen Oscar für die beste Nebenrolle gewann, entfernte sich von den Komödien und Musicals, die bis dahin sein tägliches Brot gewesen waren. Zum Zeitpunkt seines Castings befand sich seine Karriere auf einem Tiefpunkt. Seine Arbeit hier trug dazu bei, seinen Ruf wiederherzustellen. Und schließlich wurde Donna Reed als Prostituierte gegen ihren Willen besetzt. Viele in Hollywood hielten den Roman von James Jones für unverfilmbar. Zahlreiche Kürzungen und Kompromisse mussten gemacht werden, um den 800 Seiten starken Wälzer auf eine vernünftige Länge zu bringen. Harry Cohn verlangte von Fred Zinnemann eine Endfassung, die nicht länger als zwei Stunden sein sollte. Die Profanität des Buches wurde gestrichen, und die Prostituierten in einem Bordell wurden in Hostessen in einem Gesellschaftsclub umgewandelt, obwohl man zwischen den Zeilen lesen kann, was sie tatsächlich darstellen. Auch wenn die Darstellung des Militärs in "Verdammt in alle Ewigkeit" nicht so negativ und zynisch ist wie in der Zeit nach dem Vietnamkrieg, werden die Streitkräfte nicht gerade gelobt. Kleinliche Aspekte der Armeekultur werden hervorgehoben, und obwohl das Ende des Films Beispiele von Heldentum zeigt, werden auch dunklere Elemente hervorgehoben, wie der Egoismus von Captain Holmes und die Brutalität von Sergeant Judson. "Verdammt in alle Ewigkeit" erzählt eine fesselnde Geschichte mit vielen Elementen, die das Publikum ansprechen. Doch 69 Jahre später gibt es wenig, was "Verdammt in alle Ewigkeit" von anderen gut gemachten Produktionen seiner Zeit unterscheidet.

Als Cecilie Fjellhøy auf Tinder nach rechts wischte, um Simon Leviev zu treffen, hatte sie keine Ahnung, dass dies ihr gemeinsames Leben verändern würde. Eine schnelle Recherche bei Google ergab, dass Simon der Sohn eines Diamantenmoguls ist, und nachdem ihr erstes Date eine romantische Hotelreise nach Bulgarien beinhaltete, dachte Cecilie, sie hätte den Richtigen gefunden. In den folgenden Monaten wurde Cecilie von Simon betrogen und verschuldete sich mit Hunderttausenden von Dollar. Pernilla Sjöholm und Ayleen Charlotte gehörten ebenfalls zu Simons Opfern, und alle drei erzählen hier, wie sie den Tinder-Schwindler kennenlernten und wie er seine eigene Medizin zu schmecken bekam. "Der Tinder Schwindler" von Regisseurin Felicity Morris zieht den Zuschauer wirklich effektiv in diese scheinbare Geschichte von Romantik und Luxus hinein. Cecilie erzählt von der Suche nach der Liebe und dem Glauben, dass es mit Simon endlich geklappt hat, während Clips aus Filmen wie "Die Schöne und das Biest" ihren Dialog untermalen. In Pernillas Geschichte geht es noch glamouröser zu, denn Privatjets, coole Autos und extravagante Partys kommen häufig vor, auch wenn ihre Beziehung eher platonisch ist. Der Dokumentarfilm schildert wirkungsvoll, wie sich ein wahr gewordener Traum in einen Albtraum verwandelte und wie leicht der falsche Eindruck täuschen kann. Ich möchte nicht zu viel verraten, denn ein großer Teil des Schocks und der Faszination von "Der Tinder Schwindler" besteht darin, diese unfassbare Geschichte zu verfolgen. Es genügt zu sagen, dass die Angelegenheit bei der Produzentin und Regisseurin von "Don't Fuck with Cats", Felicity Morris, und dem irischen Produzenten Bernie Higgins nicht besser hätte aufgehoben sein können. Der Film ist hervorragend inszeniert und löst bei den Zuschauern eine intuitive, emotionale Reaktion aus, wie es schon bei "Don't Fuck with Cats" der Fall war. Es ist erschütternd, aber auch ermutigend, wenn wir sehen, wie diese Frauen Maßnahmen ergreifen, während in vielen Fällen nur wenig für solche Verbrechen getan werden kann. Kompetent geschnitten und packend, werden die Wendungen, die die Geschichte nimmt, immer verrückter und empörender. Die Erzählung hat etwas Intimes und ist dennoch in der Lage, eine sehr weltumspannende Thematik zu erzählen. Neben den Opfern kommen auch Ermittler, Journalisten und Behörden zu Wort. Man spürt förmlich den Schmerz, der diesen Frauen zugefügt wurde, und obwohl es eine gewisse Erlösung gibt, bleibt beim Zuschauer zweifelsohne der Wunsch nach weiteren Maßnahmen zurück. Ein Dokumentarfilm, den man unbedingt gesehen haben muss und aus dem man mehr mitnehmen kann, als man denkt.

ACHTUNG: SPOILER IM TEXT

"Schach dem Teufel" von Regisseur John Huston sieht aus, als würde er eine Menge Spaß machen, aber es gibt fast keine Lachstellen. John Huston hatte Schwierigkeiten, das Drehbuch zu schreiben, und Truman Capote wurde in letzter Minute hinzugezogen, um es zu verbessern. Truman Capote, so John Huston, habe den Hauptdarsteller Humphrey Bogart dreimal im Armdrücken besiegt, aber er hätte seine Zeit besser damit verbracht, das verworrene Drehbuch zu korrigieren, das er in fieberhaftem Tempo schrieb, damit es den Szenen, die gedreht wurden, knapp vorauseilte. Der schlecht aufgenommene Film wurde jedoch später wegen seiner Einzigartigkeit zum Kultfilm. Das Drehbuch basierte auf dem Roman von Claud Cockburn, der unter dem Pseudonym James Helvick schrieb. John Hustons langjährige Mitarbeiter Anthony Veiller und Peter Viertel arbeiteten ursprünglich an dem Drehbuch, wurden aber entlassen, als es sich als unzureichend erwies und die Zensur des Produktionskodex nicht überstand. Der geheimnisvolle Herumtreiber Billy Dannreuther (Humphrey Bogart) und seine Frau Maria (Gina Lollobrigida) leben in einer kleinen italienischen Hafenstadt, wo er mit vier zwielichtigen Geschäftsleuten unterschiedlicher Nationalität zusammenarbeitet: Petersen (Robert Morley), Julius O'Hara (Peter Lorre), Major Jack Ross (Ivor Barnard) und Ravello (Marco Tulli), den Billy bei einem Plan vertritt, heimlich uranhaltiges Land in Britisch-Ostafrika zu erwerben. Als das heruntergekommene Schiff, das sie nach Ostafrika bringen soll, wegen eines Motorschadens Verspätung hat, lernen Billy und seine Frau ein englisches Paar kennen, das ebenfalls für die Überfahrt angemeldet ist, und freunden sich mit ihnen an. Gwendolen Chelm (Jennifer Jones) ist eine Spinnerin und eine Lügnerin, während ihr hochnäsiger Ehemann Harry (Edward Underdown) in Wirklichkeit eine Pension in Earl's Court, London, leitet, sich aber als Mitglied des Landadels ausgibt. Billys verzweifelte Geschäftspartner hören, wie sie vor Billy damit prahlt, dass ihr Mann nach Ostafrika fährt, um dort in Uran zu investieren, und schmieden auf dem Boot einen Plan, um ihn zu ermorden. In der Zwischenzeit verfällt Billys Frau, eine Anglophile, dem Charme des Engländers, während Gwendolen sich an Billy ranschmeißt. Als das Boot auf See in Flammen aufgeht, überleben alle Passagiere bis auf Harry, und die sieben Überlebenden landen in der Polizeistation eines aggressiven arabischen Polizeichefs. Aber Billy verspricht ihm, ihm sein Idol Rita Hayworth vorzustellen, und sie werden aus der Haft entlassen. Zurück im italienischen Hafen erfahren sie per Telegramm, dass Harry in Ostafrika lebt, wo er das uranhaltige Land gekauft hat. Die vier dubiosen Geschäftspartner werden von einem Scotland-Yard-Detektiv, der den Hafen besucht, wegen des Mordes an einer Londoner Person festgenommen, von der sie dachten, sie würde ihre ostafrikanischen Pläne vereiteln. All das bringt Billy am Ende zum Lachen, aber ich als Zuschauer fand diese unsinnige Geschichte über Habgier und unentdeckte Beweggründe nicht zum Lachen.

"Berlin: Die Sinfonie der Großstadt" von Regisseur Walther Ruttmann war eine Art Reaktion auf den stark stilisierten deutschen Expressionismus, der das deutsche Kino in den 1920er Jahren stark beeinflusste. Carl Mayer ließ sich von der Entwicklung inspirieren, das einen eher naturalistischen Blick auf das deutsche Kleinbürgertum warf, und konzipierte eine Melodie von Bildern, die das tägliche Leben in der Stadt würdigen sollten. Die so genannte Kammerspiel-Bewegung war nur von kurzer Dauer, aber zu ihren Anhängern gehörten Persönlichkeiten wie Friedrich Wilhelm Murnau und Georg Wilhelm Pabst. Carl Mayer verfolgte eine ganz andere Vision, eine Art Dokumentarfilm, der den ultimativen Realismus anstrebte und das wahre Leben im Berlin der Weimarer Zeit darstellte. Diese Stadtsinfonien waren kein neues Konzept, Paul Strands und Charles Sheelers "Manhatta" war etwa sechs Jahre älter, aber "Berlin: Die Sinfonie der Großstadt" geht Dziga Vertovs bahnbrechendem Avantgarde-Dokumentarfilm "Der Mann mit der Kamera" von 1929 voraus, und ist in vielerlei Hinsicht ein Vorläufer. "Berlin: Die Sinfonie der Großstadt" lässt uns mit einem Zug ins Herz der deutschen Hauptstadt fahren, wobei der rhythmische Schnitt nicht nur die Geschwindigkeit der Lokomotive, sondern auch den schnellen Herzschlag der Stadt selbst suggeriert. Walther Ruttmann konzentriert sich in erster Linie auf die industriellen Elemente der Stadt und nicht auf die Menschen, wobei er den technischen Fortschritt und die wirtschaftliche Macht über die persönliche Geschichte stellt. Er bietet einen faszinierenden Einblick in das Leben im Deutschland der Zeit der Weimarer Republik, der durch das, was danach geschah, noch ergreifender und erschreckender wird. Rückblickend wirft der spätere Aufstieg Hitlers und der Untergang der liberalen Demokratie in Deutschland einen dunklen Schatten auf Ruttmanns Film. Das Deutschland, das wir hier sehen, ist fortschrittlich, zukunftsorientiert, ein leuchtendes Beispiel für industrielle und kulturelle Innovation. Es wird nicht überleben. Trotz Carl Mayers Vision einer naturalistischen Tour durch Berlin, ist "Berlin: Die Sinfonie der Großstadt" alles andere als naturalistisch, denn der Schnitt im sowjetischen Stil verleiht dem Film eine eher expressionistische Note. Doch Walther Ruttmann war nicht auf das Studio beschränkt, sondern hatte die Freiheit, die Welt um ihn herum zu erkunden. Es ist ein Film, der vor Leben sprudelt, voll von der Energie einer ungestümen und pulsierenden Metropole. Er ist nach wie vor ein äußerst einflussreicher Dokumentarfilm, der seine dramatische Kraft eher durch Bilder und Montagen als durch sprechende Köpfe oder Erzählungen erhält. Dies ist pures Kino, ein Werk der visuellen Entrückung, das sich oft anfühlt, als würde man in eine Zeitmaschine steigen und uns in eine längst vergangene Welt einlädt. Er bleibt einer der wichtigsten, eindrucksvollsten und wirkungsvollsten Dokumentarfilme, die je gedreht wurden.