Chainsaw Charlie - Kommentare

Die britische Regisseurin Andrea Arnold hat mit "Cow" ihren ersten Dokumentarfilm gedreht. "Cow" ist eine fast wortlose Studie über das Leben von Luma, einer Milchkuh, die aus der Sicht eines Rindes aufgenommen wurde. "Cow" widersteht dem Drang, Luma zu vermenschlichen, und weckt gleichzeitig tiefes Mitgefühl für dieses nicht-menschliche Tier. Es mag das erste Werk der erfahrenen Filmemacherin sein, aber "Cow" lässt Andrea Arnold aussehen, als sei sie zum Dokumentarfilmen geboren worden. Andrea Arnold ist bekannt für ihre Nahaufnahmen, ihre Aufmerksamkeit für kleine Details und die Evokation des taktilen Drecks und des Lebensgefühls unter den Fingernägeln, und ihre Sensibilität ist gut geeignet, die spontane Authentizität der Form einzufangen. "Cow" wird im Breitbildformat 1.90:1 präsentiert, was für eine Regisseurin, die für ihre filmischeren Arbeiten eher die kastenförmigen Formate 1.37 und 1.33:1 bevorzugt, vielleicht etwas seltsam ist, aber es ist eine Wahl, die es ihr erlaubt, sich in der letzten Hälfte des Films zurückzuziehen und den Rahmen zu erweitern, wenn die Kühe für den Sommer nach draußen gehen, was in einer visuellen Gegenüberstellung mit der mechanisierten Welt des Kuhstalls nur allzu kurz das Bukolische heraufbeschwört. Der Film beginnt mit der Geburt ihres fünften Kalbes. Das mit Fruchtwasserschleim, Mist und Stroh bedeckte Kalb ist schlaff und sieht fast außerirdisch aus. In einem Augenblick öffnen sich seine Augen, und die Kamera fängt den Funken des Lebens darin ein. Es ist zu weit hergeholt zu sagen, dass die Augen des Kalbs fast menschlich sind. Der Film selbst vermeidet solche Unschärfen rigoros, aber es gibt zweifellos ein Erkennen von etwas Gemeinsamen. Eine tierische Intelligenz oder ein Gefühl für Emotionen, das sicherlich über die Grenzen der Arten hinausgeht. "Cow" spielt mit dieser Erkenntnis, indem es menschenähnliche Empfindungen suggeriert, jedoch mit dem Wissen, dass es für immer eine nicht zu schließende Lücke im Verständnis geben wird. Wir können uns vorstellen, dass Luma Trauer um das Kalb empfindet, das ihr bald weggenommen wird, oder Einsamkeit oder Freude, aber wir können nie wissen, wie diese Dinge für sie sind. Sie ist eindeutig ein empfindendes, fühlendes Wesen, aber dieses Gefühl gehört nicht zu uns. Es gibt hier keine Bekehrungsversuche, und der Film ist in der Debatte über die Ausbeutung von Tieren in der industriellen Landwirtschaft betont neutral. Viele der Vorgänge, wie das Ausbrennen der Hörner der Kälber, scheinen brutal zu sein, aber die Farmarbeiter zeigen auch eine Zärtlichkeit und Fürsorge für ihre Tiere, die viele der Grausamkeiten, von denen wir wissen, dass es sie in der Industrie gibt, Lügen straft. Infolgedessen wird der Betrachter das Gezeigte unweigerlich durch seine eigene Sichtweise relativieren. Befürworter moderner Landwirtschaftstechniken werden wahrscheinlich einen humanen, utilitaristischen Eindruck von der Landwirtschaft haben. Gegner der Nutzung von Tieren werden stattdessen die beiläufige Ausbeutung und Entsorgung von Leben durch die Industrie bemerken. Manche mögen die Neutralität von "Cow" anprangern, aber dadurch wird die Versuchung vermieden, Luma als Stellvertreter für die gesamte Branche zu verwenden. Stattdessen werden wir ermutigt, sie als Individuum kennenzulernen, was weitaus stärker ist und unabhängig von der eigenen Position zur Landwirtschaft immer herzzerreißend ist. Andrea Arnold hat über Luma als Arbeitstier berichtet, was sie natürlich auch ist, wenn auch unbewusst. Es ist auffallend, wie oft ihr Leben und das ihres Kalbes dem moderner menschlicher Arbeit ähnelt. Getrieben und gedrängt, gezügelt, instruiert, gefordert, weitergeführt, hereingelassen, herausgenommen. Während sich "Cow" durch ein ganzes Jahr ihres Lebens bewegt, ist es vielleicht am bewegendsten, wie sehr sein Rhythmus unserem eigenen gleicht.

Nicolas Cage ist in "Pig", einer fesselnden Charakterstudie von Regiedebütant Michael Sarnoski, durchweg hervorragend. Die Gabe eines unerfahrenen Regisseurs, dem normalerweise überdrehten Nicolas Cage eine gedämpfte, subtile Leistung zu entlocken, ist ein Wunder. Ein überzeugendes und höchst originelles Drama über Trauer um den radikalen Schauspieler zu inszenieren, ist ein weiteres. Während die Darsteller diszipliniert dirigiert werden, ergänzt Michael Sarnoski ihre Performances durch seinen dezenten filmischen Stil. Seine technischen Entscheidungen sorgen dafür, dass "Pig" auf unaufdringliche Weise erzählt wird, so dass das Publikum die kryptischen narrativen Punkte selbst begreifen kann. Folglich fordert "Pig" uns heraus und findet aufgrund der Originalität der Geschichte und der Umsetzung der düsteren, aber bedeutungsvollen Themen emotionale Resonanz. Nicolas Cage spielt Rob, einen struppigen Einsiedler, der allein in den Wäldern von Oregon lebt. Seine Haupteinnahmequelle ist sein geliebtes Hausschwein, mit dem er Trüffel aufspürt. Er sammelt die Produkte ein und verkauft sie an einen jungen Käufer namens Amir (Alex Wolff), der mit seinem Sportwagen anreist und Nachschub holt. Ihre Arbeitsbeziehung geht nicht über die gemeinsamen Geschäfte in den Wäldern hinaus. Eines Nachts ist Rob allein mit dem Schwein in seiner Hütte, als die Tür aufgeschlagen wird. Er wird zu Boden geschlagen und sein wertvolles Tier wird ihm gestohlen. Die Identität der Angreifer ist weitgehend unbekannt. Rob vermutet, dass es sich um zwei Junkies handeln könnte, aber die tieferen Motive bleiben unklar. Blutüberströmt und auf der Suche nach seinem Tier, ruft Rob die einzige Person an, die ihm helfen kann: Amir. Obwohl es ihnen widerstrebt, einander zu lange zu begleiten, reisen sie in die Stadt, um Antworten zu finden. Es stellt sich heraus, dass Rob einst ein ganz anderes Leben führte und sich mächtige Feinde machte. Währenddessen gerät Amir in Konflikt mit seinem eigenen Vater Darius (Adam Arkin). Die beiden trauern weiterhin über ihre eigene Familientragödie. Einige der überzeugendsten Facetten von "Pig" sind Michael Sarnoskis Regieentscheidungen. In den ersten Szenen entscheidet er sich dafür, Nicolas Cage aus langen Winkeln im Wald zu filmen. Das düstere Ambiente des Waldes und die räumliche Distanz der Kamera unterstreichen Robs Isolation und seine emotionale Abgeschiedenheit von der Gesellschaft. Rob ist von der Stadt und seiner Identität losgelöst, weil er von Trauer belastet ist. Seine Verdrängung liegt auf einem Band, das er nicht vollständig abspielen kann, weil er sich vor der Unabänderlichkeit des Lebens versteckt. Außerdem dreht Michael Sarnoski die Szenen bevorzugt in kontinuierlichen, ununterbrochenen Einstellungen. In einer frühen Szene steht Rob im Türrahmen und schaut auf sein Hausschwein, ohne Amirs Worte zu beachten. Die ausgedehnte Aufnahmedauer unterstreicht seinen Blick und seinen Widerstand gegenüber Menschen und übermäßigem Konsumverhalten. Robs Trauer und sein bedächtiger Lebensstil lassen vermuten, dass er sich der Leichtfertigkeit des Materialismus im Vergleich zur Natur, wie dem Wald und dem Tod selbst, bewusst ist. Das ist der Grund, warum Rob lange nihilistische Monologe über die Überflutung der Welt hält und warum es ihm an Selbsterhaltung mangelt. So wird beispielsweise während des gesamten Films das getrocknete Blut des Angriffs unbehandelt gelassen und über sein Gesicht verschmiert, weil er vom Tod scheinbar unberührt ist. So gelingt es Michael Sarnoski, die Akteure unaufdringlich zu filmen und gleichzeitig die psychologische Tiefe der Figuren zu betonen. Beeindruckend ist auch die Gestaltung von Michael Sarnoski und seiner Co-Autorin Vanessa Block, die die Exposition und die Enthüllungen der Handlung in Grenzen halten und langsam enthüllen. Das frühere Leben der Figuren wird vorenthalten, was bedeutet, dass das, was Rob in seinen halbselbstmörderischen Zustand versetzt hat, stark verschleiert wird. Robs Hintergrundgeschichte wird hier nicht im Detail ausgepackt, da sie ohne Vorurteile erkundet werden sollte. Wenn man die Entwicklung beobachtet, erkennt man seine Widersprüche. Er hat keine Angst vor dem Tod, ist aber wegen seines Kummers gefühlsmäßig erstarrt. In einem leise komischen Moment blutet er, während er in einem noblen Restaurant sitzt und gefragt wird, ob er ärztliche Hilfe braucht. Sein Nihilismus kommt auch in einer verstörenden, höchst kreativen Sequenz in einem illegalen Fight Club zum Ausdruck. Die brutale Situation stellt die Frage nach dem monetären Wert der Identität eines Menschen und wie viel Strafe er zu ertragen bereit ist. Der Moment unterstreicht Robs Überzeugung, dass der Tod aufgrund der schrecklichen Ereignisse, die ihn in seinem Leben verfolgen, unausweichlich ist. Die Verflechtung von Trauer und dem Kapitalismus wird durch eine klischeefreie Nebenhandlung zwischen Amir und seinem Vater beleuchtet. Ihre konfliktreiche Beziehung verdeutlicht, wie der Status und der Kapitalismus die Familien zu spalten drohen. Amir untergräbt jedoch seine verwöhnte Yuppie-Fassade, indem er sich als verletzlicher erweist als erwartet. Der Verlust eines Familienmitglieds hat ihn zutiefst erschüttert, und wie Rob ist er nicht in der Lage, sich weiterzuentwickeln. In anderen Aspekten der Geschichte ist der Kapitalismus jedoch weit verbreitet. Es gibt kleine Kaufmannslager, Spitzenrestaurants und schlecht bezahlte Küchenhilfen. Geld spielt in diesem kulinarischen Albtraum, den Michael Sarnoski geschmiedet hat, eine große Rolle. Er enthält einen provokanten Verweis darauf, wie Großunternehmen und Industrie darauf abzielen, vielversprechende kleinere Unternehmen zu zerstören. Die Gefahr, dass Robs exzessiver Jähzorn "Pig" entgleisen lässt, wird durch trockenen Humor und Gesellschaftssatire aufgefangen, die die scharfen Kanten der Filmhandlung sanft ergänzen. Es ist äußerst amüsant zu sehen, wie ein blutverschmierter, ungepflegter Nicolas Cage durch die obere Etage der High Society hinkt. Auch das unerwartet blutleere Finale lässt die Düsternis und die Schlichtheit, "Pig" als finsteren Rachethriller zu bezeichnen, noch weiter hinter sich. Der größte Gesprächsstoff rund um "Pig" ist zweifelsohne die Qualität von Nicolas Cages Leistung. Es ist eine seiner besten Rollen seit Jahren, und es gelingt ihm mühelos, das schamlose Overacting zu unterlaufen, für das der Schauspieler berüchtigt ist. Stattdessen liefert er eine zutiefst gedämpfte, zurückhaltende Leistung. Es ist eine, die von einer laserartigen Intensität für das große Ziel seiner Figur angetrieben wird. "Ich will nur mein Schwein zurück", wiederholt Rob trocken im Laufe des Films. Glücklicherweise gibt es nur einen einzigen Moment explosiver Wut, der gut gemeistert wird und den Rob auf komödiantische Weise auf Amirs Sportwagen richtet. Ansonsten ist es eine ganz und gar minimalistische, subtile Leistung von Nicolas Cage, die ihren Höhepunkt in einer furchtbar bewegenden Szene purer Emotionen findet. Während Nicolas Cages Leistung verständlicherweise für Aufsehen sorgt, beeindruckt auch Alex Wolff in der Rolle des Amir. Obwohl er zunächst als unausstehliches reiches Kind auftritt, sorgt Wolff dafür, dass Amir weitaus komplexer ist, indem er die Schwere des Kummers im Leben seiner Figur verkörpert. Adam Arkins kleine, aber essentielle Rolle als sein Vater erweist sich im Laufe der Geschichte als still und verstörend. Die Stärke von "Pig" liegt darin, dass Michael Sarnoski dem Publikum zutraut, seinen Film zu verstehen. Es gibt absichtlich schräge Momente, in denen wir versuchen, die verschiedenen Motive der Figuren zu erkennen. Die Zweideutigkeit ist entscheidend dafür, dass wir die Komplexität der Erzählung, insbesondere Robs Hintergrundgeschichte, weiter verarbeiten. Wir lernen die Faktoren zu begreifen, die ihn dazu gebracht haben, die Bedeutungslosigkeit von Status und Geld zu meiden. Darüber hinaus ist Nicolas Cages intensive Darstellung eine großartige Demonstration ruhiger, zurückhaltender Schauspielkunst. Er vermenschlicht die verschlossene Mentalität seiner Figur perfekt. Alex Wolff erweist sich als humorvoller und anrührender Gegenspieler, denn seine Figur ist von der Last seines eigenen trauernden Herzens betroffen. "Pig" deutet auf viele entbehrliche Elemente des Lebens hin, darunter materielle Güter, Lebensmittel und Geld. Unsere schmerzhaftesten und persönlichsten Erinnerungen haben eine tiefere Resonanz und gehen über Materialismus und Reichtum hinaus. In "Pig" geht es darum, die Unumkehrbarkeit der Trauer anzuerkennen und die düstersten Erinnerungen an unser Leben zu akzeptieren. Es ist ein wunderschön gespielter, komplexer Film, der es verdient, wiederholt angesehen zu werden.

"The King's Man - The Beginning" von Regisseur Matthew Vaughn ist ein sehr uneinheitlicher Actionfilm. Es fühlt sich an, als hätten die Produzenten die Geldbörsen für die britische Version von "Team America" geöffnet. Es ist ein Film, der zu oft versucht, eine ernsthafte Studie über Politik, Kriegsführung und Pazifismus zu sein, bis er einem ins Gesicht schlägt mit dem Hinweis, dass dies alles nur die Kulisse für eine der umfangreicheren, bekloppteren Action-Franchises der Neuzeit ist. Klar, man sollte nicht nach Botschaften in einem Film dieser Reihe suchen, aber Matthew Vaughn und Co-Autor Karl Gajdusek betonen sie immer wieder mit sehr ernsten Diskussionen über alles, vom Kolonialismus bis zu den menschlichen Kosten des Krieges, und es scheint klar, dass der Regisseur einen dramatischen Film über den Ersten Weltkrieg machen wollte, aber dann hat ihn jemand einfach in die Kingsman-Franchise gezwängt. Eine charismatische Besetzung und eine gelegentlich unterhaltsame Action-Choreographie bewahren "The King's Man - The Beginning" vor völliger Langeweile, aber diese seltsame Mischung aus Kriegsdrama und patriotischer Actionorgie findet nie ihren richtigen Rhythmus. "Kingsman: The Secret Service" machte schon 2014 deutlich, dass Matthew Vaughn unbedingt einen James Bond Film machen wollte, am liebsten einen aus der eher skurril anmutenden Ära, in der 007 ins All flog. Interessanterweise ist "The King's Man - The Beginning" über weite Strecken ein eher traditioneller Agentenfilm, der sich mehr auf Intrigen und Spionage als auf Gadgets und Explosionen konzentriert. Im Mittelpunkt steht außerdem ein Mann, der in einem anderen Universum eindeutig James Bond hätte sein können: Ralph Fiennes, ein Schauspieler, der immer sein Bestes gibt, selbst wenn ein Film nicht so recht weiß, wohin er damit soll. Ralph Fiennes verkörpert Orlando Oxford, den Mann, der die verdeckte Operation gründete, die im Mittelpunkt der ersten beiden Filme stand, und der offenbar eine wichtige Rolle bei mehreren Ereignissen im Zusammenhang mit dem Ersten Weltkrieg spielte. Der Herzog von Oxford ist ein wichtiger Verbündeter von König George (Tom Hollander) in einer Zeit, in der ein gewaltsamer Konflikt unvermeidlich geworden für sein Land scheint. Orlando Oxford baut mit Hilfe von Shola (Djimon Hounsou) und Polly (Gemma Arterton), zwei Genies, die zufällig auch Diener auf seinem Anwesen sind, sein eigenes Spionagenetzwerk auf, in dem sie sich verstecken können, weil so viele privilegierte weiße Männer sie ignorieren. Die Idee ist durchaus interessant, aber "The King's Man - The Beginning" macht so gut wie nichts daraus, obwohl Djimon Hounsou und Gemma Arterton zu den Stärken des Films gehören. In der Zwischenzeit schmiedet ein Bösewicht, der fast zwei Stunden lang nur von hinten zu sehen ist, Pläne, um die Welt mit Hilfe seines eigenen Spionagenetzes, zu dem auch Rasputin (Rhys Ifans) selbst gehört, ins Chaos zu stürzen. Während der Krieg immer blutiger wird, kämpft Orlando Oxford darum, seinen Sohn Conrad (Harris Dickinson) von der Front fernzuhalten, und predigt Frieden und Bewahrung, wo immer es möglich ist. Und doch sträubt sich "The King's Man - The Beginning" immer wieder dagegen, bis es fast den Anschein erweckt, als würden die Gräueltaten dieser Welt selbst die integersten Herren zu Tötungsmaschinen machen. "The King's Man - The Beginning" ist ein klangliches Fiasko. Es beginnt mit Notizen über die unmenschlichen Bedingungen der britischen Soldaten in Südafrika und dem Versprechen, einen jungen Conrad Oxford von einem Leben in Gewalt fernzuhalten. Anders formuliert: Er stellt sich als Kommentar zu den Themen Kapitalismus und Faschismus vor, zwei Dinge, die sich spätestens dann erledigt haben, wenn Ralph Fiennes im letzten Akt mit dem Fallschirm aus einem Flugzeug abspringt und mit einer Bergziege in Konflikt gerät. Und es ist nicht so, dass der Ton konsistent wäre, denn Matthew Vaughns Film springt ständig von einem ernsten Kriegsfilm, der etwas zu sagen hat, zu der abgedroschenen Ästhetik der Action, die die Fans der ersten beiden Filme erwarten und von der sie hier gerne mehr hätten. Er ist oft auf eine seltsame Selbstverständlichkeit ausgerichtet, wie es dieses Franchise eigentlich nicht sein kann. Die übertriebene Optik der ersten beiden Filme auf Kämpfe mit Rasputin und tatsächliche Ereignisse der Weltgeschichte zu übertragen, ist zwar clever, aber warum sollte man das so ernst nehmen? Es ist, als ob Matthew Vaughn und Konsorten die Beschwerden über die Misanthropie in den ersten beiden Filmen gehört hätten und deshalb in die andere Richtung gingen, bis sie merkten, dass das nicht so spaßig ist, und sie umdachten. Folglich funktioniert "The King's Man - The Beginning" nur, wenn er sich an seine wahnwitzigen Vorgänger orientiert. Eine hirnrissige Sequenz, in der Rasputin Orlando Oxfords Beinwunde leckt und die zu einer raffinierten Actionszene führt, erweckt den Film fast zum Leben, aber dann stürzt er eine weitere Stunde lang bis zum Finale ab. "The King's Man - The Beginning" wird noch widersprüchlicher, wenn sein Höhepunkt schließlich zu einem Prequel zu dem wird, was die Fans kennen. Beinahe hysterisch startet der besonnene Orlando Oxford einen der miesesten Pläne in der Geschichte des Kriegsfilms, aber er führt zu einer lustigen, langen Klippenszene und einer wirklich soliden Performance kurz vor und nach der Enthüllung des Oberschurken. Das ist etwas, worüber man sich Gedanken machen sollte. Es gehört verboten, einen so offensichtlichen Schurken so lange zu verschleiern, wie es dieser Film tut. Nach der hundertsten Aufnahme seines Hinterkopfes habe ich angefangen, mir lustige Möglichkeiten auszumalen. Vielleicht ist es Blofeld? Vielleicht ist es Begbie aus "Trainspotting"? Vielleicht ist es der Riddler! "The King's Man - The Beginning" hat mich mit diesem Blödsinn aus dem Konzept gebracht. Ich nehme an, das impliziert, dass mich dieser Film überhaupt interessiert hat. Hat er aber nicht. Es ist ein sonderbarer Film, der nicht so recht weiß, was er mit seinen unbestreitbar großartigen Darstellern anfangen soll, und es hat etwas Beunruhigendes, wie gerne er alles gehabt hätte. Actionfilme, in denen es auch um Pazifismus geht, sind für jeden schwer zu verkaufen, aber für "The King's Man - The Beginning" ist das ein Ding der Unmöglichkeit.

Jedes Quäntchen Wohlwollen, das die Katzengemeinschaft in Zeiten viraler Katzenvideos und Memes aufgebaut hat, wurde durch einen einzigen Film zerstört. Der Film "Cats" von Regisseur Tom Hooper sollte in der Weihnachtszeit die Kassen klingeln lassen, aber er ist schlicht und einfach ein Katzenjammer. Ich ging mit den geringsten Erwartungen und einer nachsichtigeren Stimmung als sonst in "Cats", gewappnet nur mit meiner katzenhaften Neugierde. Obwohl der Film diese spezifische Katze nicht tötete, hatte ich das Gefühl, dass einige, wenn nicht alle, neun Leben während der Laufzeit verloren gingen. Das einzig Positive ist, dass der Film zu Ende ging und ich mich selbst herausgefordert habe, mehr Katzen-Wortspiele in diese Rezension einzubauen, als der Film geschafft hat, und im Moment bin ich katzenmäßig ziemlich gut drauf. Ehrlich gesagt, der tiefste Punkt in der jüngeren Geschichte des Kinos kann nur als die niedrigste Form des Witzes bezeichnet werden. Tom Hooper verwandelt Andrew Lloyd Webbers Bühnenmusical, eine jahrzehntealte Katzenminze, die selbst ihren Biss verloren hat, in ein CGI-Delirium schriller Katzen-Mensch-Hybriden. Im neonbeleuchteten, menschenleeren London der 1930er Jahre trifft sich ein Stamm von Katzen, bekannt als Jellicles, um an einem jährlichen Gesangs- und Tanzwettbewerb teilzunehmen. Der Gewinner dieses Wettbewerbs darf diesem Schnurr-Gatorium entkommen und in eine Art Katzenhimmel aufsteigen, wo er in ein neues Leben wiedergeboren wird. Unter den verschiedenen Katzen, die an dem Wettbewerb teilnehmen, ist auch unsere Protagonistin, ein schüchternes weißes Kätzchen namens Victoria (Francesca Hayward), deren Geschichte uns von einem Londoner Schrottplatz zum Piccadilly Circus und zum Trafalgar Square führt. Sets mit CG-Kulissen machen jedoch selbst diese zu unansehnlichen Anblicken. Auf ihrer miau-sikalischen Reise trifft Victoria auf eine mit Stars besetzte Katzenschar. Wenn es schon erschreckend ist, zu sehen, wie Rebel Wilsons singende und tanzende Kreuzung aus Katze und Mensch eine singende und tanzende Kreuzung aus Kakerlake und Mensch frisst, dann wird das Zischen und Miauen von Sir Ian McKellen und Dame Judi Dench ein Grinsen in die Gesichter der Zuschauer zaubern. James Cordens Bustopher Jones, der aus irgendeinem Grund wie der Batman-Bösewicht Pinguin gekleidet ist, versucht ebenfalls, etwas Humor in das Geschehen zu bringen. Aber selbst diese Versuche wirken oft zahm, wenn nicht gar kastriert. Taylor Swifts Bombalurina schüttelt sich in einem Cameo-Auftritt, und Jennifer Hudson versucht, die Seele ihrer Oscar-prämierten Darbietung wiederzufinden. Aber dies ist "Cats", nicht "Dreamgirls". Idris Elba spielt das böse Kätzchen Macavity, das unter den Jellicles sein Unwesen treibt, und lässt Sie vergessen, dass er vor neun Leben Stringer Bell gespielt hat. Der geile Rum Tum Tugger von Jason Derulo verkörpert jedoch perfekt die schräge sexuelle Energie des Films. Die sexualisierten Körper der Jellicles hinterlassen ein Gefühl des Unbehagens und der Verwirrung über ihre Anatomie und ihren Sinn für Mode. Ich bin mir nicht sicher, warum einige Katzen Pelzmäntel, Hosen und Schuhe tragen, während andere splitternackt sind. Vielleicht sind die Jellicles eine körperpositive Nudistengemeinschaft. Aber das erklärt nicht, warum diese Katzen menschliche Nasen, Augen und in einigen Fällen die weiblichen Katzen Brüste haben, während die männlichen Katzen keine sichtbaren Genitalien besitzen. Vielleicht ist es das, was die verstorbene Maureen Ponderosa in der letzten Phase ihrer Verwandlung vom Menschen zur Katze zu werden hoffte, oder es ist nur ein weiterer Fall, in dem der weibliche Körper in seinem sinnlichen Potenzial objektiviert wird. Ich bin mir nicht im Klaren, ob es CGI oder der neue Lovecraft-Filter von Snapchat war, der diesen pelzigen Albtraum hervorgebracht hat. Ich hab den Abspann nicht abgewartet, um zu sehen, ob "Cats" den "No Animals Were Harmed"-Stempel von American Humane bekommen hat, aber ich bezweifle, dass selbst die People for Ethical Treatment of Animals (PETA) etwas dagegen hätten, wenn diese dämonischen Jellicles alle zum Wohle der Menschheit und des Kinos in einen Sack gesteckt und ertränkt würden. Zwischen ihren menschlichen Augen und wackelnden Katzenohren, ihren menschlichen Brüsten und winkenden Katzenschwänzen, ihrem Gesang und Miauen ist es fast unmöglich, die Leistungen der Schauspieler von der CGI-Arbeit zu trennen. Natürlich trugen die Schauspieler während der Dreharbeiten Motion-Capture-Anzüge und VFX-Punkte, ohne zu wissen, wie sie auf der Leinwand aussehen würden. Aber es wäre effektiver gewesen, den Weg über den Broadway zu gehen und sich auf Kostüme und Make-up zu verlassen. Traurigerweise gehört "Cats" nicht einmal zum Genre der so schlechten, dass sie eigentlich gut sind-Filme, die sich jeder Kritik entziehen. Er ist einfach schäbig. Diejenigen von euch, die Katzen zu Hause haben, sollten daheim in Ruhe weiter spielen. Sie werden wahrscheinlich mehr Spaß daran haben, mit einem Garnknäuel zu spielen oder den roten Punkt eines Laserpointers zu jagen.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

EudoraFletcher68 hat sich zu meiner Überraschung einen Kommentar von mir zu "Braindead" von Regisseur Peter Jackson gewünscht. Wahrscheinlich hat ihr dieser Kultfilm, den Sie mit 9 Punkten bewertet hat, genauso viel Spaß gemacht wie mir mit meinen 10 Punkten zuzüglich eines Herzens. Vor dem Film habe ich mir eine Pizza bestellt, die ich aber erst nach der Sichtung genießen konnte.

"Braindead" von Regisseur Peter Jackson beginnt auf Skull Island in den 1950er Jahren, wo ein neuseeländischer Zoowärter den legendären verfluchten Sumatra-Rattenaffen entführt, der das Ergebnis der absurd beschriebenen Vergewaltigung von Affen durch gestörte Nagetiere ist. Der Entdecker kommt zwar nicht mit dem Leben davon, aber die Ausgeburt wird wohlbehalten in die Stadt transportiert. Einige Zeit später, in der Stadt Wellington, wohnt Lionel Cosgrove (Timothy Balme) in einem riesigen Anwesen mit seiner kontrollsüchtigen betagten Mutter Vera (Elizabeth Moody), die er von vorne bis hinten bedient. In seiner Freizeit kümmert er sich unermüdlich um die Instandhaltung des beträchtlichen Anwesens und weicht den romantischen Avancen der örtlichen Ladenbesitzerin Paquita (Diana Penalver) aus, die von ihrer wahrsagenden Großmutter davon überzeugt ist, dass Lionel zu einer amourösen Verstrickung bestimmt ist. Paquitas Interesse verärgert Cosgroves Mutter, die sich über den drohenden Verlust an Aufmerksamkeit durch ihren Sohn echauffiert.

Als Lionel und Paquita zu einem Rendezvous in den Zoo gehen, folgt ihnen die spionierende, neugierige Vera dorthin, nur um versehentlich von dem gefangen gehaltenen Rattenaffen gebissen zu werden. Ihr Gesundheitszustand verschlechtert sich rapide, bis sie schließlich stirbt, aber auf übernatürliche Weise wieder zum Leben erwacht, um alles anzugreifen, was in ihrer Reichweite ist. Nachdem sie eine Krankenschwester in Stücke zerfleischt hat, die sich ihrerseits in einen Zombie verwandelt, fallen verschiedene andere Stadtbewohner Veras Bluthunger zum Opfer, was Lionel dazu zwingt, krampfhaft, die ganze Tortur zu verheimlichen. Da er seine Mutter nicht völlig im Stich lassen kann, aber mit einer schnell anwachsenden Horde untoter Gefährten zu kämpfen hat, muss er die Mutter und die sie begleitenden, achtlos gehaltenen, wiedererweckten Leichen mit starken Sedativa vollpumpen.

"Braindead" ist mit Abstand der blutigste Film, der je gedreht wurde, und das Finale ist einfach atemberaubend. Kein anderes Werk kommt auch nur annähernd an diesen Platz heran. Trotz eines sehr kitschigen, schroffen Looks, komplett mit wilden, maroden Methoden wie unregelmäßigen Zooms, unbequemen Nahaufnahmen, verzerrten Kamerawinkeln, komischer und kontrastreicher Musik, unverhohlener Symbolik und jeder Menge Blutvergießen, von dem ein Großteil nicht weit von rot gefärbtem Joghurt entfernt ist, ist "Braindead" extrem anschaulich, mit buchstäblichen Eimern voller Blut, die durch die Sets fließen.

Regisseur Peter Jackson zeigt mörderische Stop-Motion-Animationen, einige der beeindruckendsten praktischen Schminkeffekte und animatronische Elemente, die bewundernswert gealtert sind, und sogar Essensreste, wobei er eine Szene mit zuckendem Pudding und wässrigem Rührei eklig einbaut. Peter Jackson ist es nicht fremd, dass Humor den Horror ergänzt, und er gibt sich große Mühe, viel Komik in das Gemetzel einzubauen. Mitten in der Strangulation durch seine zombifizierte Mutter beendet Lionel noch ein Gespräch mit Paquita. Auf einem Friedhof kommt es zu einem abgedrehten Martial-Arts-Kampf. Schmerzhaftes Urinieren wird durch eine Toiletten-Kameraaufnahme demonstriert. Zombies machen Liebe. Lionel versucht, Vater zu spielen und geht mit einem Zombie-Baby im Park spazieren. Als Lionel einen Tierpräparator aufsucht, um illegale Beruhigungsmittel zu besorgen, entdeckt er einen sabbernden Nazi-Arzt. Und Einbalsamierer haben eine schreckliche Zeit, um Veras pochende, mutierende Leiche zu konservieren, einer Szene mit einem Cameo-Auftritt von Peter Jackson selbst. Doch trotz all dieser Momente tiefschwarzer Unterhaltung ist "Braindead" immer noch ein actiongeladener Thriller.

Viele Nebenfiguren sind ebenfalls farbenfroh und skurril illustriert, darunter Onkel Les (Ian Watkin), der Wunden im Gesicht, eine aufgeblähte Leiste und ein verfilztes, baumelndes Haarteil trägt, und Pater McGruder (Stuart Devenie), der eine laute, dozierende Predigt hält, die filmisch mit der wiederauferstandenen, grausam schleimgesättigten Vera kontrastiert wird, die durch einen Sarg bricht, um ihren Sohn anzugreifen. Darüber hinaus werden die Zuschauer mit Szenen konfrontiert, in denen Nadeln in die Augen gestochen oder in die Nasenlöcher gesteckt werden, Blut und Eiter aus offenen Wunden spritzen und alle Arten von abgetrennten Gliedmaßen und lebhaften Eingeweiden auf die schreienden Zuseher losgelassen werden. Diese sensationellen Grotesken sorgen für ein aufwändig inszeniertes, wunderbar choreographiertes Blutbad, das zu den lustigsten und unterhaltsamsten aller Horrorfilme gehört und wohl der beste Zombiefilm aller Zeiten ist.

Bemerkenswerterweise scheint es das Publikum zu sein, das in der vergänglichen femininen Gaunerkomödie "Glam Girls - Hinreißend verdorben" von Regisseur Chris Addison betrogen wird. Darin spielen die Oscar-Preisträgerin Anne Hathaway und die lustige Rebel Wilson ein Paar hübscher Betrügerinnen, die ahnungslosen Typen, die ihrem falschen Charme erliegen, das Geld aus der Tasche ziehen wollen. Die unsinnigen Possen, die sich im Laufe des Films abspielen, wirken jedoch glanzlos und lasch und ironischerweise ist das der größte Betrug, den das laue Tandem aus Anne Hathaway und Rebel Wilson in diesem eigenartigen, doch trügerischen Blindgänger durchführt. "Glam Girls - Hinreißend verdorben" existiert nur für den Zweck seines divenhaften doppelten Ärgers als Novum. Anne Hathaway darf sich verkleiden, während sie einen hochnäsigen Akzent beherbergt. Was Rebel Wilson betrifft, so zeigt sie ihre übliche überdrehte Verrücktheit, die sie in all ihren bisherigen Rollen an den Tag legt. Im Grunde genommen behindern Chris Addisons dröge Regie und Jac Schaeffers, Dale Launers, Paul Hennings und Stanley Shapiros spärliches Drehbuch jeden Rest von Impertinenz, der in dieser flauen Komödie noch vorhanden ist. Es gibt nichts Unverwechselbares oder Gewagtes an diesen weiblichen Vlieskünstlern, das als humorvoll verachtenswert oder gerissen durchgeht. Zwei konkurrierende Frauen, die den Männern, die ihnen Unrecht getan haben, das Handwerk legen wollen, hätten fantastisches Ausgangsmaterial sein müssen. Anne Hathaway ist stilvoll und kultiviert. Rebel Wilson hingegen ist aufbrausend und ungeniert. Zusammen sind sie die bewährte Gegensätzlichkeit der Komödie. "Glam Girls - Hinreißend verdorben" erweist sich jedoch nicht als der aalglatte Spaß, der er zu sein vorgibt. Anne Hathaway verkörpert hier Josephine Chesterfield, eine Gaunerin der gehobenen Klasse, die mit ihrer internationalen Erfahrung im Betrug mit Männern die ein Vermögen verdient haben soll. Rebel Wilson agiert in der Rolle von Penny Rust, einer Kleinkriminellen, die sich auf kleine Betrügereien spezialisiert hat. Penny hat eindeutig nicht das gute Aussehen oder die Anmut von Josephine, um etwas Aufwändiges durchzuziehen. Pennys unberechenbare Anwesenheit in der noblen französischen Stadt Beaumont sur Mer wirkt sich jedoch auf Josephines hinterhältiges Geschäft aus. Irgendetwas muss passieren, denn die beiden salbungsvollen Damen können sich nicht länger gegenseitig auf die Füße treten, wenn es darum geht, den reichen Narren der Stadt Luxusgüter zu entlocken. Zum Glück nimmt die elegante Josephine die plumpe Penny unter ihre Fittiche, um ihr die Kunst des Betrugs beizubringen. Als dann mit dem Milliardär und Tech-Titan Thomas Westerburg (Alex Sharp) ein geeignetes Ziel ins Spiel kommt, bietet sich den kurvenreichen Trickbetrügerinnen eine saftige Herausforderung, um ihre vergoldeten Tricks anzuwenden. Da Josephine und Penny sich ihren Platz als ortsansässige Abzocker sichern wollen, schmieden sie den Plan, dass derjenige, der Thomas erobern und um alles bringen kann, was er hat, zum Sieger erklärt wird, während der Verlierer die Stadt verlassen muss. Kann die elegante und sexy Josephine die ungeschliffene Penny überlisten, ausstechen und überdauern, um Thomas' Reichtum zu erlangen? Wird Penny ein Wunder vollbringen und Josephine ein für alle Mal die Quittung dafür geben? Wie lange wird es dauern, bis diese schmutzigen, verkommenen Männer aufwachen, den Braten riechen und erkennen, dass beide Frauen hinterlistige Heuchlerinnen sind, die auf Beutezug sind? All diese Fragen und mehr werden beantwortet. Leider sind die Antworten nicht die 93 Minuten wert, die man braucht, um sie zu bekommen, denn "Glam Girls - Hinreißend verdorben" plätschert vor sich hin wie eine angestrengte, unlustige Schmierenkomödie, die sich auf das faule Gimmick ihrer Grundlage verlässt, die sie eben ist. Die gegebenen physischen Gags der schlanken Schönheit Anne Hathaway und der cherubischen Durchschnittsfrau Rebel Wilson, der abgedroschene Humor, der vorgegaukelte mondäne europäische Lebensstil, die hanebüchenen Schwindeleien lösen allesamt einen dumpfen Knall aus. Rebel Wilsons Albernheit sorgt dafür, dass die Witze über das Gewicht bis zum Überdruss aneinandergereiht werden. Das ungleiche Gespan Anne Hathaway und Rebel Wilson ist ungefähr so appetitlich wie ein Taschendieb, der in einem überfüllten Aufzug mit Leuten mit dicken Brieftaschen gefangen ist. Ihr Räuberpaar ist einfach nur ein zahnloser Gag, der die Gelegenheit verpasst, sowohl die Anmaßungen des europäischen Jetsets als auch die zynische Weiblichkeit auf die Schippe zu nehmen und zu persiflieren.

Filme über Geisterschiffe gab es schon öfter, aber der negative Ruf des Genres wird durch den Film "The Ship - Das Böse lauert unter der Oberfläche" von Regisseur Michael Goi keineswegs besser. Es handelt sich um einen gut produzierten, aber schlaffen Thriller, der trotz einer guten Besetzung in der Bedeutungslosigkeit versinkt. Das Drehbuch von Anthony Jaswinski verkündet die Prämisse in einer einleitenden Überschrift, die von einem alten Brauch des Ertränkens von Hexen im Meer und der eventuellen Gefahr spricht, dass sie zurückkehren, um sich an Kindern zu rächen. Es handelt sich um ein Segelschiff aus dem 19. Jahrhundert, auf dessen Bug die Galionsfigur einer starren Frau zu sehen ist, die vermutlich eine der Hexen war, die auf diese Weise beseitigt wurden. Die Idee ist, dass ihr Geist das Schiff bewohnt und, wie sich nach und nach herausstellt, sich an Familien vergeht, die nicht klug genug waren, nicht an Bord zu gehen. Sie alle sind auf mysteriöse Weise auf See verschwunden. Anthony Jaswinski wurde offensichtlich von der Geschichte der Mary Celeste inspiriert, jener Brigantine, die 1872 im Atlantik treibend aufgefunden wurde und deren Besatzung einfach spurlos verschwand. Es gab viele Theorien darüber, was mit ihnen geschehen war. Der junge Arthur Conan Doyle schrieb eine Geschichte, die eine davon aufgriff. Das Schicksal der Besatzung bleibt unbekannt. Das Drehbuch vermischt diese Geschichte mit der Legende, die in der einleitenden Überschrift erzählt wird. Der Film beginnt mit einem dieser nachträglichen Prologe und stört damit die Spannung. Sarah Greer (Emily Mortimer) wird von Detective Clarkson (Jennifer Esposito) über die Geschehnisse auf dem Schiff ihrer Familie, der Mary, befragt. Sie wurde an den verbrannten Überresten des Schiffes gefunden, während ihre beiden Töchter Lindsey (Stefanie Scott) und Mary (Chloë Perrin) in einem Rettungsboot in Sicherheit waren. Aber ihr Ehemann David (Gary Oldman) und der erste Offizier Mike (Manuel Garcia-Rulfo) werden vermisst, und Sarah wird verdächtigt, an ihrem Tod beteiligt zu sein. Der Rest des Films besteht aus einer langen Rückblende, die zeigt, was passiert ist. David, der als Führer auf dem Exkursionsboot eines Freundes an der Küste Floridas arbeitet, erwirbt impulsiv die Mary, die von der Küstenwache treibend und leer aufgefunden worden war, bei einer Auktion. Er wollte schon lange sein eigenes Schiff steuern, und obwohl die Mary eine Menge Arbeit benötigt, "ruft" sie nach ihm. Sarah ist zunächst verärgert, aber sie beruhigt sich, als er darauf beharrt, dass die Mary einen Neuanfang für ihre Ehe bedeuten wird, den eine spätere Enthüllung über Sarahs Untreue nötig macht. Während der Reise verschlimmern sich die Dinge allerdings, denn die Hexe holt sich ihre Opfer und Sarah beginnt, die dunkle Vergangenheit des Schiffes zu untersuchen, in der mehrere Familien verschwunden sind, wohingegen David immer entschlossener wird, die Kreuzfahrt zu Ende zu führen. Aber die Meereshexe, wer auch immer sie war, scheint unaufhaltsam zu sein, selbst wenn das bedeutet, direkt zu handeln, ohne einen besessenen Mittelsmann einzuschalten. Gary Oldman und Emily Mortimer tauchen hier nicht einfach nur auf und kassieren ihre Gehaltsschecks. Sie zeigen eine wirklich engagierte Leistung, die weit über das hinausgeht, was das Material verdient. Die anderen Darsteller können zwar nicht mit ihnen mithalten, sind aber durchaus akzeptabel, während Michael Goi, der sowohl als Kameramann als auch als Regisseur fungiert, sich in beiden Rollen als fähig erweist, das für eine solche Geschichte notwendige Gefühl der Enge aufrechtzuerhalten und gleichzeitig einige elegante Breitwandbilder zu bieten. Aber Anthony Jaswinskis Drehbuch ist ein mageres Exemplar, und selbst mit dem Schnitt von Eric L. Beason und Jeff Betancourt, der den Film auf nur etwa achtzig Minuten bringt, zieht er sich arg in die Länge. Obwohl eine Coda, die uns in den Vernehmungsraum zurückbringt, eine unerwartete Wendung bieten soll, wirkt die Enthüllung sowohl vorhersehbar als auch einfallslos, vor allem, weil sie mit Effekten aufwartet, die, wie die vorherigen, nur mittelmäßig sind. "The Ship - Das Böse lauert unter der Oberfläche" ist so ächzend und wackelig wie das Boot, um welches es sich handelt.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Mit einem Kommentar zu "Batman" von Regisseur Tim Burton erfülle ich Static's Wunsch, etwas von mir über den Film zu erfahren. Seine 10 Punkte sind gerechtfertigt, denn auch ich muss nach meiner letzten Sichtung von 7,5 auf 8,5 Punkte aufstocken. Da ich "The Batman" wohl bald im Kino sehen werde, ist der Film somit auch eine gute Vorbereitung darauf.

Jack Nicholsons Name erscheint im Abspann an erster Stelle, und das aus gutem Grund. Er mag zwar "Batman" heißen, aber dies ist der Film des Jokers. Dass Regisseur Tim Burton, der nach einem Drehbuch von Sam Hamm und Warren Skaaren arbeitet, sich am meisten für die schrägste Figur aus dem Comic von Bob Kane interessieren würde, überrascht wohl nicht. In Anbetracht von "Beetlejuice" ist es nur logisch, dass er sich zum größten Irren der Geschichte hingezogen fühlt. Und mit Jack Nicholson in der Rolle, warum nicht in diese Richtung gehen? Nicht alle kreativen Entscheidungen funktionieren, aber das liegt nicht am mangelnden Einsatz des Schauspielers. Jack Nicholson gibt in "Batman" richtig Vollgas, dem Ruf zum Trotz. Sein Engagement zahlt sich exponentiell aus, denn wir bekommen einen großartigen, überdrehten Anfang mit Jack, der die Bühne für den späteren Jack bereitet, wenn der Joker sich immer weiter in die Abgründe begibt. Jack Nicholson bietet hier nicht nur ein brillantes Stück Selbstparodie, er tut es auch im Dienste der Figur.

Und so ist "Batman" nur zum Teil die Geschichte von Michael Keatons Bruce Wayne, einem vigilanten Millionär, der davon gezeichnet ist, dass er als Kind Zeuge der Ermordung seiner Eltern war. Der Film ist hauptsächlich die Geschichte von Jack Napier, einem Kriminellen, der sein ganzes Leben lang psychisch und physisch gezeichnet ist, weil er in einen Bottich mit blubbernden grünen Chemikalien gestürzt ist. Wie ist Tim Burton mit dieser Schwerpunktverlagerung fertig geworden? Indem er Jack Nicholson besetzte, aber auch, indem er "Batman" als eine Art Spiegelbild der Identitäten darstellte. Bruce Wayne und Jack Napier sind beide gebrochen, doch jeder von ihnen hat auf unterschiedliche Weise auf diese Zerrüttung reagiert. Während Jack Napier den Wahnsinn bis zu seinem logischen Ende, dem Chaos, angenommen hat, versucht Bruce Wayne, ihn in ein Alter Ego abzuschotten, das angeblich das Chaos in Schach halten soll. All das bedeutet, dass Michael Keaton ebenso wichtig ist. Selbst angesichts seiner früheren Zusammenarbeit mit Tim Burton bei "Beetlejuice" war Keaton eine unkonventionelle Wahl für einen Superhelden-Actionfilm.

Gut, dass es sich hier nicht um einen Superhelden-Actionfilm handelt, denn die Action ist sein Schwachpunkt, sondern um eine psychologische, düstere Komödie, in der sich Michael Keaton auszeichnet. Es gibt eine wunderbare Szene, in der Bruce Wayne Alexander Knox (Robert Wuhl) und Vicki Vale (Kim Basinger) belauscht, als sie die Waffenkammer seiner Villa besichtigen und Witze über seine Sammlung machen. Wayne lacht leise über die Späße, was darauf hindeutet, dass er ein Mann ist, der in der Lage ist, sich selbst außerhalb seiner Person zu betrachten. Ein Mann mit einer gespaltenen Persönlichkeit. In den gemeinsamen Szenen mit Michael Keaton und Jack Nicholson kommt dieses Identitätsthema besonders gut zur Geltung. Meine Lieblingskonfrontation ist vielleicht diejenige, in der am wenigsten Gadgets und Kostüme zum Einsatz kommen, und das ist in Vicki Vales Wohnung. Bruce Wayne ist kurz davor, sein Alter Ego zu offenbaren und murmelt etwas davon, kein "normaler Mensch" zu sein, als der Joker hereinplatzt. Was folgt, ist ein eskalierendes verbales Spiel voller verrückter Überbietungen. Tim Burton mag zwar kein Auge für Action haben, aber er hat ein Händchen dafür, ikonische Bilder einzufangen, was bei einem Comic noch wichtiger ist. Die Aufnahme der Hand des Jokers, die sich aus dem Chemiemüll erhebt, ist ein Bild von teuflischer Freude in leuchtendem Tageslicht.

Gotham City wurde unterdessen als verkorkstes Konzept des modernen Art Deco entworfen. Anders als die triumphierende Atlas-Statue von 1937 im Rockefeller Center tragen die gebeugten, vermummten Figuren vor dem Rathaus von Gotham City ihre Kugeln, als ob sie kurz davor stünden, von ihnen erdrückt zu werden. Das Kunstmuseum der Stadt, in dem der Unglückstanz des Jokers stattfindet, könnte eine der unterirdischen Industriefabriken in Fritz Langs "Metropolis" sein. Eine weitere bemerkenswerte Hommage findet sich auf dem Höhepunkt des Films, als Batman den Joker über eine Holztreppe zu einem Glockenturm verfolgt, ähnlich der Treppe, die Kim Novak und James Stewart am Ende von Alfred Hitchcocks "Vertigo" hinaufsteigen. Judy Barton/Madeleine Elster und Jack Napier/Joker haben ein gefährliches Identitätsspiel betrieben, das sich am Ende als unhaltbar erweist. Beide enthüllen ihr wahres Ich am Ende des jeweiligen Films, jedoch erst, als der Tod sie ereilt.

"Copshop" von Regisseur Joe Carnahan ist ein wahnsinnig unterhaltsamer, die Erwartungen unterlaufender Actionfilm, der das Beste aus dem überwiegend an einem einzigen Ort gedrehten Film herausholt. Er ist mit einem von Tarantino inspirierten Soundtrack unterlegt, trieft ebenfalls vor seinem Charme und enthält genug Humor, um die blutige Action auszugleichen. Nach einer grandiosen, an die 1970er Jahre angelehnten Partitur, die den Film in einer Art und Weise eröffnet, die den Polizeiserien der gleichen Ära nicht unähnlich ist, stellt uns "Copshop" den ersten der drei Hauptdarsteller vor, einen im Freizeitanzug gekleideten Teddy (Frank Grillo), dessen von Kugeln durchlöchertes Fahrzeug den Geist aufgegeben hat, so dass er sich zu Fuß auf der Landstraße von Nevada durchschlagen muss. Der Eröffnungsscore erweckt den Eindruck, dass vieles von dem, was passieren wird, nicht allzu ernst genommen werden sollte, und genau das macht "Copshop" so unterhaltsam, weil er genau weiß, welche Art von Stimmung er erzeugen wird, und das gelingt ihm größtenteils auch sehr gut. Nachdem Teddy die örtliche Polizei praktisch angefleht hat, ihn mit aufs Revier zu nehmen, kreuzt sich sein Weg mit Officer Valerie (Alexis Louder), und das ist der Aufhänger für die Geschichte. Sie ist zu Recht misstrauisch gegenüber seiner Person, und als der alkoholisierte Bob (Gerard Butler) in Teddys gegenüberliegende Arrestzelle gesteckt wird, zeigt sich umso deutlicher, dass die beiden Männer einander kennen und Valerie, ob sie will oder nicht, in der Zwickmühle sitzt und ihr Bestes tut, um ihre Verbindung zu dekodieren. So einfach es für Joe Carnahan gewesen wäre, Gerard Butler und Frank Grillo in ihren Archetypen von Gut und Böse zu belassen, so intelligent malt er beide Figuren in Nuancen von Grau. Beide haben Schurkentendenzen, was bedeutet, dass es umso interessanter ist, herauszufinden, wem wir wirklich im unvermeidlichen Showdown die Hand reichen sollten. So sehr "Copshop" mit ihren Temperamenten wankt, tritt Alexis Louders Valerie als einzige Heroine des Films hervor, wobei die Darstellerin mit ihrer kühlen und gefassten Art, die alle anderen um sie herum in den Schatten stellt, mehr als überzeugend als Genrevertreterin agiert. Für einen Film, der für Gerard Butler konzipiert ist, stellt sich die Frage, warum er sich dafür entscheidet, dem Chaos, das sich auf der Leinwand entfaltet, so wenig Aufmerksamkeit schenkt. Hauptsächlich wird das Blutbad von Toby Huss verursacht, der einen psychopathischen Auftragskiller spielt, der aus Gründen geschickt wird, die am besten organisch aufgedeckt werden, aber es gibt eine offensichtliche Methode für Joe Carnahans Irrsinn, denn sein Plot ist überraschend kompliziert, wenn es darum geht, herauszufinden, wer eigentlich mit wem spielt. "Copshop", der leicht als belangloses Genreprodukt hätte durchgehen können, ist ein erstaunlich humorvolles und durchweg amüsantes Werk, das davon profitiert, dass Gerard Butler und Frank Grillo ihre Charaktere wie gewohnt auf die Goldwaage legen. Joe Carnahan hat hier ein unerwartetes Glanzstück geschaffen, das in seiner Simplizität schwelgt, sich aber nie in die Enge treiben lässt.

Kann man sich vorstellen, dass eine geniale Charakterkomödie über einen gewieften Anwalt im Jahr 2022 die Welt begeistern wird? Wahrscheinlich nicht, und doch konnten in den 1990er Jahren Schläferhits wie die Komödie des Regisseurs Jonathan Lynn, die auf dem Drehbuch von Dale Launer basiert, viel Geld einspielen. "Mein Vetter Winnie" ist zwar filmisch nicht besonders anspruchsvoll, hat aber die Popkultur beeindruckt. Während die Welt über die Blamage von Sidney Powell und Rudy Giuliani schmunzelt, ist das Gesicht von Vinny Gambrini in den Köpfen der Zuschauer immer präsent. Das Drehbuch von Dale Launer fängt ganz harmlos an: Zwei Jungs (Ralph Macciho und Mitchell Whitfield) halten an einer Tankstelle in Alabama und klauen geistesabwesend eine Dose Thunfisch. Minuten später wird die Tankstelle ausgeraubt, der Besitzer ermordet und die Jungs zu Unrecht festgenommen. Wie können sie ihre Unschuld vor Gericht beweisen? Da tritt Cousin Winnie (Joe Pesci) auf den Plan, ein Anwalt mit zweifelhaftem Ruf, der sich bereit erklärt, den Fall zu übernehmen, wohl wissend, dass den Jungs die Todesstrafe droht, wenn er versagt. Aber obwohl es um Leben und Tod geht, ist "Mein Vetter Winnie" eine lockere Komödie, und das Zusammenspiel von Winnie und der Mechaniker-Tochter Mona Lisa Vito, gespielt von Marisa Tomei, bildet einen soliden Mittelpunkt, für den sie einen Oscar erhielt. Ausnahmsweise ist "Mein Vetter Winnie" ein Film über juristische Angelegenheiten, der der Aufklärung dient. Wir lernen mit dem streitlustigen Winnie, wie die Regeln des Prozesses aussehen werden, und sie werden ausführlich dargestellt. Noch besser ist, dass der Konflikt zwischen den New Yorkern aus Brooklyn und dem Establishment des Südens auf ausgewogene Weise dargestellt wird. Der Richter, die Staatsanwaltschaft und andere Gerichtsfiguren sind professionelle, aufgeschlossene Charaktere, die schließlich den Fehler der Anklage erkennen. Auch Winnie und Mona Lisa werden auf die Schippe genommen, wenn sie verschiedene Aspekte der Gastfreundschaft in den Südstaaten falsch einschätzen. Es gibt einen einfachen, aber wirkungsvollen Witz darüber, mit welchem lästigen Ereignis Winnie morgens aufwacht, weil er unklugerweise in einer Unterkunft wohnt, die er ohne viel Ortskenntnis oder Rücksichtnahme gebucht hat. Die gesamte List von Winnie hängt davon ab, dass der Richter (Fred Gwynne) seine mangelnde Erfahrung nicht bemerkt. Die Aussicht auf einen Fehlprozess schwebt über den letzten Enthüllungen im Gericht. Die Behörden brauchen Tage, um Winnies Referenzen zu überprüfen, die im Internetzeitalter in Sekundenschnelle beglaubigt wären. "Mein Vetter Winnie" hat vielleicht keine Fortsetzungen, Remakes oder gar eine Fernsehserie hervorgebracht, aber er ist immer noch ein kleines Juwel von einem Film, der sich nicht aufdrängt, sondern alle Seiten auf der Suche nach der schwer fassbaren, kostbaren Gerechtigkeit intelligent und clever zusammenbringt.

In "Rebels of the Neon God", dem bemerkenswert starken ersten Kinofilm des taiwanesischen Regisseurs Tsai Ming-Liang, knüpft er sofort an das Thema an, das sein bislangiges Schaffen dominiert hat. Es geht um die zusammenhanglose Verzweiflung, die aus dem Verfall der Städte resultiert. Mit sehr wenig bewegten Bildern und viel Humor, Pathos und verregneten Stadtlandschaften gelingt dem Regisseur ein unterhaltsamer, temporeicher und dennoch ergreifender Blick auf die moderne Einsamkeit. Tsai Ming-Liang verfolgt die Irrungen und Wirrungen von drei problematischen Jugendlichen und den Menschen, die ihnen am nächsten stehen, und schafft so eine Geschichte, die sich größer anfühlt, als sie eigentlich ist. Indem Tsai Ming-Liang immer wieder den jungen Ganoven Ah Bing zeigt, wie er in seiner durchnässten Wohnung aus dem Bett stapft, verdeutlicht er die Wiederholbarkeit der planlosen Routinen der Jungen. Indem er ihnen in die Spielhallen folgt, die mit zahllosen Jugendlichen gefüllt sind, die sich offensichtlich in der gleichen Geisteshaltung befinden, stellt er ihren Zustand als nationale Epidemie dar. Jede Facette des visuellen Designs von "Rebels of the Neon God" scheint einzig und allein dazu da zu sein, den hässlichen Exzess der großstädtischen Zersiedelung zu kritisieren. Überschüssige Beschilderung, die sowohl in chinesischer als auch in englischer Sprache verfasst ist, um die visuelle Wirkung zu verstärken, dominiert die Straßen von Taipeh in einem Maße, dass die Gebäude, an denen sie hängen, kaum sichtbar sind. Fahrradständer, Klassenzimmer und Straßen sind allesamt überfüllte Tummelplätze der Aktivität. Die Videospielhallen und Rollschuhbahnen, die als Vergnügungsstätten dienen, heben sich von der Kakophonie der realen Welt nur dadurch ab, dass sie die visuellen und akustischen Reize, die sie bieten, in noch unwirklichere Höhen schrauben. Hier und da gibt es kleine Andeutungen von traditioneller Kultur, aber da sie mit dem Schönen und Neuen konkurrieren muss, fühlt sie sich unweigerlich an den Rand gedrängt. Die Wohnungen, die angeblich Zuflucht vor all dem bieten, sind unscheinbare, funktionale Kästen, ohne viel Persönlichkeit, abgesehen von der Wahl des Fernsehprogramms. Das Schlimmste ist vielleicht die unaufhaltsame Überschwemmung, die das Stockwerk einer Figur jede Nacht füllt, und die den Eindruck erweckt, dass die Flut der Außenwelt nicht einmal zulässt, dass dieser Raum ohne den Einfluss von außen existiert. Die Handlung von "Rebels of the Neon God" konzentriert sich vor allem auf den allmählichen, unvermeidlichen sozialen Rückzug von Hsaio Kang, gespielt von dem Laienschauspieler Lee Kang-sheng, der in jedem von Tsai Ming-Liang's nachfolgenden Filmen mitgewirkt hat, einem jungen Faulenzer, der noch bei seinen frustrierten Eltern lebt. Zu Beginn des Films scheint er keine Freunde zu haben, doch im Laufe der Geschichte zieht er sich immer mehr in seine isolierte Welt zurück. Jeder Versuch, eine andere Person zu erreichen, sei es sein Vater, ein Altersgenosse oder ein Mädchen, wird unterbunden, was dazu führt, dass er sich emotional fast völlig ausgeschlossen fühlt. Bis "Rebels of the Neon God" seinen schockierenden Höhepunkt erreicht hat, präsentiert er in seiner Hauptfigur eine wahre Fülle von asozialem Verhalten. Da Tsai Ming-Liang jedoch das Umfeld, in dem Hsaio Kang lebt, so gut untersucht, wirken seine Übertretungen weniger wie die Handlungen eines sozial Abtrünnigen als vielmehr wie die eines Menschen, der auf seine Umwelt so reagiert, wie es in seiner Welt konditioniert wurde.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Für Chionati habe ich mir "The Strangers", das Regiedebüt von Bryan Bertino, noch einmal angeschaut, zu dem er sich einen Kommentar von mir gewünscht hat. Mit seinen 9 und meinen 10 Punkten liegen unsere beiden Meinungen zu diesem nervenaufreibenden Film wohl nicht weit auseinander. Nach meiner zweiten Sichtung bleiben die 10 Punkte weiterhin bestehen. Vor dem Film habe ich dafür gesorgt, dass meine Haustür und alle Fenster fest verschlossen waren.

Klopft in einem Horrorfilm ein Fremder an das Tor, steht demjenigen, der es öffnet, höchstwahrscheinlich eine Nacht voller Terror und blutiger Ereignisse bevor. In "The Strangers", von Regisseur Bryan Bertino, ist es ein deutliches Klopfen an einer schweren Holztür, das die Geschehnisse des Films in Gang setzt. Diese Nacht ist nicht mehr lang. Es ist 4 Uhr morgens, als James Hoyt (Scott Speedman) mit seiner Freundin Kristen McKay (Liv Tyler) in dem abgelegenen Sommerhaus seiner Familie eintrifft, nachdem er an der Hochzeit eines Freundes teilgenommen hat. Er hat Rosenblätter verstreut und den Champagner gekühlt. Doch seine romantischen Pläne werden durchkreuzt, noch bevor das Paar durch die Tür kommt, und das nicht, weil ein Psychokiller mit Hockeymaske und Kettensäge aus dem Gebüsch auf sie zustürmt.

"The Strangers" ist eine willkommene Abwechslung zu den übernatürlichen Fluchgeschichten und vor allem zu den Folterpornos, die die Horrorszene während der vergangenen Jahre dominiert haben. Obwohl er im Jahr 2005 spielt, erinnert er an eine sanftere Ära des Terrorfilms. Um uns in die richtige Stimmung zu versetzen, ist das Sommerhaus der Hoyts eine weitläufige Behausung im Landhausstil der 1970er Jahre, dekoriert mit dunklen Holzmöbeln, angemessen kitschigem Nippes und einem tragbaren Plattenspieler. Der Film selbst hat hervorragende Reminiszenzen zu bieten, beispielsweise in Form einer Schallplatte, die während einer extrem spannungsgeladenen Sequenz eine knisternde Phrase von 'Girly Folk' in hoher Lautstärke wiederholt. Sowohl Scott Speedman als auch Liv Tyler liefern solide, nuancierte Darbietungen als ein Paar, das sich im zerbrechlichsten Moment seiner Beziehung befindet.

Während des wunderbar langatmigen Eröffnungsakts erfahren wir in einer Rückblende, wie James seiner Freundin Kristen auf der Hochzeitsfeier von ihrem Freund einen Heiratsantrag machte und sie ihn abwies, weil sie noch nicht bereit war. Ihre gegenseitige, meist unausgesprochene Unbeholfenheit und ihre Wehmut zeugen von großer Fürsorge. Ihre unmittelbare Zukunft ist jedoch ein kurzes, aber intensives Erlebnis von schierem, unerklärlichem Grauen. Als sie auf das laute Klopfen antworten, finden sie eine zierliche Frau vor, deren Gesicht im Dunkeln liegt, die nach einer Tamara fragt und dann wieder geht. Als James kurz verschwindet, wird Kristens private Introspektion durch merkwürdige Geräusche von draußen gestört, die wiederum durch das Erscheinen einer maskierten Gestalt am Fenster durchbrochen wird. Als James zurückkommt, ist Kristen ganz irritiert, klammert sich an ein Messer und kauert in einer Ecke, obwohl eigentlich nur wenig geschehen ist.

Das Geheimnis eines guten Horrorfilms liegt in der Inszenierung, und Bryan Bertino, der nach seinem Studium der Kinematographie als Ausstatter bei Independent-Filmen in Los Angeles arbeitete, während er das Drehbuch schrieb, gibt uns viele gute Anhaltspunkte dafür, was dem Paar widerfährt. Er hält die Prämisse der drei maskierten Personen, der titelgebenden Fremden, die das Paar als Opfer auswählen, nur weil sie zu Hause sind, recht simpel. Das übliche Gemetzel ist auf ein Minimum beschränkt, und der Zeitrahmen ist mit 4 Uhr morgens realistisch kurz, was bedeutet, dass der Sonnenaufgang nur ein paar Stunden entfernt ist. "The Strangers" baut sich langsam auf, bleibt aber kompakt und behält ein gutes Zeittempo bei. Die Geschehnisse werden immer bedrohlicher und rücken für das Paar und auch für uns als Zuschauer immer näher, so dass es einem den Angstschweiß auf die Stirn treibt. Selbst wenn die Sonne endlich aufgeht, bleibt das Unbehagen immer noch an den Knochen haften. Der Film erinnert daran, dass die überzeugendsten und schaurigsten Horrorfilme uns nicht in Vorfreude auf extreme Qualen und Blutrünstigkeit versetzen, sondern uns vielmehr das Fürchten lehren, was direkt vor unserem Fenster lauert, in einer Umgebung, die so alltäglich ist wie die vor unserer Haustür.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
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Der Dude von Nebenan hat sich von mir gewünscht, etwas über seinen Lieblingsfilm "The Big Lebowski" der Regie-Brüder Ethan und Joel Coen zu schreiben, dem ich gerne nachkomme. Auch ich liebe dieses geniale Meisterwerk, das ich schon mehrmals gesehen und unverständlicherweise mit nur 9 Punkten bewertet habe, die ich nun nach Rewatch auf 10 Punkte erhöhe und zu meinen Lieblingsfilmen hinzufügen muss. Während des Films genehmigte ich mir auch einige Drinks.

"The Big Lebowski" spielt in den frühen 90er Jahren in L.A. und handelt von einem der faulsten Männer der Welt, Jeff 'The Dude' Lebowski (Jeff Bridges), der auf dem Weg in seine Wohnung von zwei großen Schlägern überfallen wird. Sie fordern Geld, das die Ehefrau Bunnie Lebowski (Tara Reid) dem Pornoproduzenten Jackie Treehorn (Ben Gazzara) schuldet, und urinieren zur Einschüchterung auf seinen Teppich, der den Raum eigentlich zu einem Ganzen zusammenhält und ihn gemütlich macht. Leider ist der Dude der falsche Lebowski. Der echte Lebowski (David Huddleston) ist ein invalider und verschlagener Millionär und Philanthrop mit vielen Verbindungen zur Gemeinde, Auszeichnungen der Handelskammer für unternehmerische Leistungen und einem Schlüssel zur Stadt Pasadena, neben zahllosen anderen Anerkennungen, zusammen mit seiner rücksichtslosen jungen Vorzeigefrau. Als der Dude erkennt, dass es sich um eine Verwechslung handelt, macht er sich auf den Weg zum richtigen Lebowski, um nach einem Ersatzteppich zu fragen, wird aber wegen seines vagabundierenden Aussehens hinausgeworfen. Als Vergeltung stiehlt der Dude einen zufälligen Wandteppich, bevor er geht, wird aber später zurückbeordert, um als Kurier für eine Lösegeldübergabe von 1.000.000 Dollar zu helfen, als Bunnie entführt wird. Er erhält 20.000 Dollar, darf den Teppich behalten, bekommt einen Pager und wird gebeten, zu warten, bis Forderungen für Bunnies Leben gestellt werden. Als die ursprüngliche Geldübergabe schief geht, wird der abgetrennte Zeh der Ehefrau als weitere Drohung in einem Umschlag verschickt. Und zu allem Überfluss wird der Dude von Nihilisten mit einem aggressiven Murmeltier besucht, was seine Situation noch viel schwieriger macht.

"The Big Lebowski" wird von der tiefen, rauen Stimme von Sam Elliott, der auch kurz im Film auftritt, einprägsam erzählt. Wie das wogende Steppengras, das zu Beginn durch die Straßen von Los Angeles rollt, scheint der Hauptdarsteller, der ausdrücklich kein Held, sondern einfach der richtige Mann für die Zeit ist, durch unkonventionelle Missgeschicke zu schlendern, ohne allzu viel Aufsehen zu erregen, sondern lediglich durch die Ereignisse hindurch. Er ist arbeitslos, trinkt ununterbrochen White Russians, raucht Marihuana und scheint sich um nichts zu kümmern, auch nicht, wenn er mitten in einem Kriminalfall steckt. Es ist wie ein abgebrühter Detektivfilm im Stil des Film Noir, nur ohne die üblichen, intelligenten Beteiligten.

Am Ende löst der Dude den Fall praktisch nur noch in kurzen Anfällen von wiedererlangtem Bewusstsein. Ein einfacher Plan wird ungeheuer kompliziert, als Details, Motive und Beteiligte unkontrollierbar durcheinander geraten. Angetrieben von mehreren halluzinogenen Traumsequenzen, einschließlich einer großartigen Musicalnummer, ist "The Big Lebowski" absolut, frappierend einzigartig. Und die ganze Tortur wird durch die wunderbar idiosynkratischen Nebendarsteller noch lustiger. John Goodman ist das Highlight als durchgeknallter Vietnamveteran Walter Sobchak, der sich versehentlich in so ziemlich alles einmischt. Steve Buscemi ist Donny, der ständig gescholtene Mitspieler in der Bowlingliga. John Turturro bekommt eine urkomische Nebenrolle als aufbrausender, unsportlicher Gegner. Und Julianne Moore ist die ungemein sonderbare und feministische Tochter des echten Lebowski, Maude.

Die Dialoge sind durchsetzt mit geistreichen, witzigen Beleidigungen, unvergleichlichem Wortwitz und allerlei sarkastischem Blödsinn, und die Mimik in Zeitlupe ist unbezahlbar. Die Gespräche über eine Vielzahl von Themen, die nichts miteinander zu tun haben, scheinen sich immer wieder zu überschneiden, mit zahlreichen Personen und Inhalten, die sich gegenseitig überlagern, im Prinzip wie in einer derben Screwball-Komödie. Am Ende wird die Geschichte zu einer über Freundschaft und die Einfachheit des Lebens und nicht zu einem umständlichen Geheimnis, das in seiner Verwirrung fast folgenlos ist. Das ist Teil der Absicht der Filmemacher, mit dem Genre zu spielen, auch wenn der Spieß umgedreht wird, Lügen aufgedeckt werden und ein doppeltes Spiel betrieben wird. Der durchweg unterhaltsame Film ist eine der witzigsten Komödien überhaupt und eine Bereicherung für die vielfältige Filmografie der legendären Coen-Brüder.

"Cannibal" ist ein äußerst verstörender Film, der die Begegnung von Armin Meiwes (The Man) und Bernd Jürgen Brandes (The Flesh) und die darauf folgenden Ereignisse sehr bildhaft darstellt. Die erste Einstellung beginnt mit der Stimme einer Mutter, die einem kleinen Kind mit großen Augen Hänsel und Gretel vorliest. Während der Vorspann läuft, schwenkt die Kamera über verschiedene Bücher, beginnend mit Kinderbüchern und langsam übergehend in Bücher über die Nazis, Jeffrey Dahmer und das Thema Anatomie. Zunächst sieht es so aus, als würde 'The Man' versuchen, online Männer zu treffen. Wir sehen, wie er Anzeigen aufgibt, die wie Kontaktanzeigen aussehen, und seine verschiedenen Treffen scheitern. Einmal trifft er einen Junkie mit frischen einstichen auf seinem Arm. 'The Man' starrt ihn an und geht schließlich mit einem enttäuschten Gesichtsausdruck davon. Als er endlich den Richtigen mit 'The Flesh' trifft, liegt eine Spannung in der Luft, die man mit einem Fleischermesser durchschneiden könnte. Er rasiert sich, bügelt seine Hose, entstaubt und fegt seine Wohnung und geht dann zu seinem Treffen.

"Cannibal" ist von einer düsteren Atmosphäre geprägt. Voller unzüchtiger Homosexualität und realistischer blutiger Gewalt ist dies kein Film für den Gelegenheitszuschauer. Wenn man einen Schritt zurücktritt und sich an das Thema erinnert, das in den Fall eingebettet ist, kann man Marian Doras künstlerische Einsprengsel erkennen. Kaum Dialoge, dafür viel Bildmaterial. Jede Szene ist in einem körnigen, ausgewaschenen Grünton gehalten. Die Schauspieler werden stark in Anspruch genommen, um den grotesken Handlungen lustvolle Ausdrücke zu verleihen. In Anbetracht der Geschichte und des Budgets gut gemacht. Es gibt seltsam schöne Momente, in denen der Regisseur versucht, etwas Tiefgründiges über den Menschen und die Gesellschaft zu sagen. Am Anfang schafft es Marian Dora sogar, dass wir mit 'The Man' mitfühlen, als er seine erste Ablehnung erfährt. Die Botschaft des Films wird jedoch von starken visuellen Störimpulsen überschattet. Dies ist einer der, wenn nicht DER, verstörendste Film, den ich je gesehen habe. Ich könnte jedes nachfolgende Detail aufzählen, jeden Spoiler, und man wäre immer noch nicht bereit für die grafischen Details und das realistische Aussehen des Höhepunkts in diesem Film.

Es gibt harten, detailiert gezeigten Sex, der von Pferdegeräuschen begleitet wird, und blutige Szenen, die an Snuff erinnern, einschließlich einer langen Penisentfernungsszene, auf die sofort das folgt, was ich mir in der Küche der Hölle vorstellen kann, wenn der Penis gebraten und dann zwischen den beiden Männern geteilt wird. Von hier an wird es nur noch schlimmer. Der erste Film seit langem, der mich zutiefst verstört hat. Die gesamte zweite Hälfte des Films besteht aus ununterbrochenem menschlichem Leid, Betrübnis, Verstümmelung und Kannibalismus. Es fühlt sich sehr real an, als würde der Betrachter aus dem Nebenzimmer zuschauen, aber auch als würde man etwas Reales sehen. Das Beängstigende ist, dass es irgendwo da draußen ein Video von den tatsächlichen Ereignissen gibt. Vielleicht besitzt Marian Dora das besagte Video und hat einfach ein Remake davon gedreht.

Ich kann nicht genug betonen, wie sehr meine Haut immer noch kribbelt, jetzt, zwei Tage nachdem ich diesen Film gesehen habe. Es gibt Bilder und Geräusche, die sich für immer in mein Gedächtnis eingebrannt haben und für lange Zeit nicht mehr verschwinden werden. Sie verdrängen die Schildkrötenverstümmelung aus "Nackt und zerfleischt". Wie kann man aus dieser Anschauung mit einem Gefühl des Friedens herausgehen, wenn man weiß, dass es Menschen wie 'The Man' tatsächlich gibt? Vielleicht durch den beruhigenden Gedanken, dass Armin Meiwes, die reale Version von 'The Man', jetzt überzeugter Veganer ist.

Das eindringliche Coming-of-Age-Drama "11 Blumen", das in der Endphase der chinesischen Kulturrevolution spielt, ist einer der besten Filme von Regisseur Wang Xiaoshuai. Der Filmemacher der sechsten Generation schildert ein kurioses Kapitel seiner eigenen Kindheit auf dem Lande und bietet eine persönliche Perspektive auf eine unruhige und chaotische Zeit, wobei er einen bedeutenden historischen Kontext mit einer bewegenden Beschwörung der Kindheit verbindet. Das genaue Jahr wird zwar nie genannt, aber aus einem Schwarz-Weiß-Prolog kann man schließen, dass der Film 1975 spielt, ein Jahr bevor der Tod von Mao Tsetung und Premierminister Zhou Enlai das Ende der Kulturrevolution einläutete. Wang konzentriert sich hier auf die zahllosen Festlandbewohner, die auf Geheiß von Mao die großen Hafenstädte Chinas verlassen und in Fabriken in verarmten ländlichen Gebieten arbeiten sollten, um die Verteidigungsanlagen des Landes gegen einen möglichen Angriff der Sowjetunion zu stärken. In "11 Blumen" geht es um eine Familie, die in einem kleinen Dorf in der Provinz Guizhou am Fluss lebt. Ohne in Geiz zu verfallen, sind die ersten Szenen von einem fast schwärmerischen Gefühl der Entbehrung geprägt und zeigen, wie die Familie sich bemüht, trotz der widrigen Umstände über die Runden zu kommen und dabei optimistisch zu bleiben. Da sein Vater (Wang Jingchun) in der Fabrik arbeitet, ist der 11-jährige Wang Han (Liu Wenqing) oft mit seiner Mutter (Yan Ni) und seiner jüngeren Schwester (Zhao Shiqi) allein. Als der Junge als Übungsleiter für die Schule bestimmt wird, wofür er ein neues Hemd braucht, kommt es zu Konflikten. Seine Mutter weigert sich zwar, die Stoffgutscheine eines ganzen Jahres für einen solchen Komfort auszugeben, willigt aber schließlich ein. Eines Nachmittags, als er mit seinen Freunden im Fluss spielt, wird Wang Han plötzlich ohnmächtig, und als er wieder zu sich kommt, ist das Hemd weg. Der Junge vertreibt seine Freunde mit dem Vorwurf, einer von ihnen habe es gestohlen, und gerät plötzlich in die blutigen Klauen von Jueqiang (Wang Ziyi), einem jungen Mann auf der Flucht vor der Polizei. Wang Hans Schicksal wird mit dem des Flüchtigen verwoben, der wegen Mordes an einem Mann und dem Versuch, die Fabrik in die Luft zu sprengen, gesucht wird. Das Drehbuch des Regisseurs und von Lao Ni hat eine fast surreale Qualität. Alles, was passiert, nachdem Wang Han das Bewusstsein verloren hat, könnte sich in einem verschobenen Traumzustand abspielen. China selbst scheint in einer kollektiven Benommenheit versunken zu sein, während es auf eine ungewisse und bedenkliche Entwicklung zusteuert, in der Gerüchte über Komplotte immer am Horizont auftauchen und die Polizei nur eine schwache Kontrolle über die lokalen Bandenaktivitäten behält. Der Autor Dong Jinsong zeigt immer wieder suggestive Bilder wie den Dampf eines Badehauses, in dem Wang Han dem neuesten Geschwätz lauscht, oder den Frost am Fenster, durch den er und seine Eltern einen Blick auf zwei Seelen erhaschen, denen es deutlich schlechter geht als ihnen selbst. "11 Blumen" vermittelt ein umfassendes Verständnis von Zeit, Ort und historischen Details, ohne die kindliche Perspektive aufzugeben. Wenn einige der Ereignisse an einem vorbeizurasen beginnen, bevor man ihre Bedeutung voll erfassen kann, ist ein gewisses Maß an spielerischer Unverständlichkeit durchaus angebracht. Der Ton des Films ist wechselweise wehmütig, hoffnungsvoll und manchmal sogar lustig, vor allem dank der energischen Clownerie von Wang Hans Freunden, die nicht nur für Komik, sondern auch für einen Sinn für das Universelle sorgen. Wenqing Liu hinterlässt einen gefühlvollen Eindruck als temperamentvolles, schelmisches, aber gut erzogenes Kind und als winziges Abbild des Regisseurs. Wang Jingchun ist ein ruppiger, aber liebenswürdiger Vater, der versucht, seinem Sohn die Liebe zur Kunst beizubringen, indem er ihm das Malen beibringt, während Yan Ni als Mutter, die hart arbeitet, um es ihren Kindern recht zu machen, aber nicht in der Lage ist, ihre Wut beim kleinsten Anzeichen von Undankbarkeit zu zügeln, energisch Wut und Zuwendung vermittelt. Die Kamera fängt klare Bilder und die trostlose Schönheit der Provinzstadt ein, in der Wang Han lebt, vom tückischen Flussufer bis zu den Wohnblocks, deren harte Bedingungen dennoch einen starken Gemeinschaftssinn fördern. Wenn man den Titel des Films aus dem Chinesischen übersetzt, hat er überhaupt nichts mit Blumen zu tun, sondern heißt schlicht und treffender: "Ich bin 11".

Sechs Jahre lang recherchierte der serbische Regisseur Ognjen Glavonić zu einem verborgenen Ereignis aus dem Kosovo-Krieg für einen geplanten Kinofilm, den er jedoch aus Geldmangel nicht realisieren konnte. Dieses Ziel erreichte er schließlich 2018 mit dem stillen, aber grandiosen "The Load". Seine Arbeit führte jedoch zu diesem eindrucksvollen Dokumentarfilm "Depth Two", den er bereits 2016 veröffentlichte und der auf der Berlinale seine Weltpremiere erleben durfte. Mit seinem ersten Langspielfilm erzählt er von einem Massenmord aus dem Kosovo-Krieg 1999, als ein Tiefkühltransporter mit 55 Leichen albanischer Zivilisten, die von der serbischen Polizei und Armee ermordet wurden, nahe der serbisch-rumänischen Grenze von der Straße abkam und in die Donau stürzte. Ognjen Glavonić beruft sich auf die Aussagen der Täter, von Zeugen und einem Opfer, das den Tod vorgetäuscht hat, um das Blutbad zu überleben. In einem Vorort von Belgrad wurden zwischen 2001 und 2002 fünf Massengräber entdeckt, und zwar an dem Ort, an dem sich damals der Übungsplatz der Antiterror-Sondereinheiten befand. "Depth Two" untersucht, wie diese zwei Vorfälle auf außergewöhnlich effiziente Weise miteinander einhergehen. Der Film beginnt an der Donau, in der Nähe der Stadt Tekija, wo der Transporter aus dem Wasser gezogen wurde. Die Worte eines Polizisten, der als erster am Tatort war, kommen aus dem Off, wie alle Zeugenaussagen im Film, und werden visuell mit Aufnahmen des Ortes am Fluss verbunden. Auch die Berichte anderer Zeugen werden mit Szenen verknüpft, die nur 17 Jahre später an den jeweiligen Orten gedreht wurden. Diese reichen von der Donau über Priština und zwei Kleinstädte im Kosovo bis nach Zentralserbien und schließlich nach Batajnica, dem Ort der Massengräber. Die Kombination aus den beunruhigenden, tragischen und bestürzenden Geschehnissen und den Aufnahmen von den Tatorten unterstützt den Betrachter anfangs dabei, sich auf die Stimmen zu konzentrieren. Dann aber geschieht etwas Neues für den Zuschauer. Unsere Imaginationsfähigkeit wird angeregt und es entstehen Bilder in unserem Kopf, die fast wie Hypnose zu wirken scheinen. Und diese Vorstellungen sind schlichtweg grausam. Darüber hinaus ermöglicht es die Thrillerstruktur dem Zuseher, die Zusammenhänge selbst zu erkennen, was wiederum das Empfinden von Konzentration und schließlich des Schocks verstärkt. Im Zentrum von "Depth Two" stehen abwechselnd die Schilderungen des albanischen Überlebenden und eines der Soldaten, die das Massaker auf dem Balkan begangen haben. Hört man dem Soldaten zu, kommt man nicht umhin zu begreifen, dass auch er ein Opfer ist. Ognjen Glavonić lässt jedoch keinen Raum für die Entschuldigungsgründe, die selbst die besten Filme aus dem balkanischen Sektor, die sich mit Kriegsverbrechen befassen, für ihre eigenen Nationen formulieren. Hier ist endlich ein international beachteter Film, in dem ein Regisseur aus einem der ehemaligen jugoslawischen Länder sagt, dass sie schuldig sind, und sich in Grund und Boden schämen sollten. Und wenn es jemals einen perfekten Ort gab, um diese Aussage zu machen, dann gewiss in Berlin. Die meisten Tonaufnahmen wurden bei den Prozessen gegen Milošević und seine Untergebenen vor dem Internationalen Gerichtshof für das ehemalige Jugoslawien in Den Haag gemacht. Die Editorin Jelena Maksimović schafft einen unerbittlichen Rhythmus, in dem es keinen Moment der Entspannung gibt, auch nicht in den Szenen, die keine Zeugenberichte beinhalten. Das Tempo von "Depth Two" ist zwar gemächlich, aber der Inhalt ist zu gewaltig, um den Zuschauer atmen zu lassen. Das sollte man sich für die Zeit nach dem Filmerlebnis aufheben, das noch lange nachhallt.

Das tschechische Historiendrama "Die Hexenjagd" des Regisseurs Otakar Vávra handelt von der Panik, die die Gesellschaft ergreift, wenn die Hysterie der Hexenverfolgung einsetzt. "Die Hexenjagd" ist eine schonungslose allegorische Fabel über den Kommunismus und die totale moralische Korruption des Machtstrebens. Als eine ältere Frau töricht versucht, eine Hostie aus der Kirche zu rauben, verdichten sich die Ereignisse zu einer Untersuchung, bei der fast jeder in einem Umkreis von einigen Städten beschuldigt wird, sich mit dem Teufel eingelassen zu haben. Am Ende stehen sich zwei Männer von Angesicht zu Angesicht gegenüber, und zwar Lautner (Elo Romančík), ein unvollkommener Gottesmann, und der monströse Inquisitor Boblig (Vladimír Šmeral). "Die Hexenjagd" zeichnet die historisch korrekten Ereignisse der Prozesse nach, in denen eine unschuldige Frau und ein ebenso unschuldiger Mann nach brutaler Folter die Hexerei gestehen, damit ihre Qualen endlich ein Ende haben. Obwohl "Die Hexenjagd" mit Szenen von Gewalt und Nacktdarstellungen nicht spart, gibt es hier kein exploitatives Element. Stattdessen handelt es sich um einen anspruchsvollen Film mit einer klaren Botschaft über politische Repression und die Gewalt gegen Frauen. Es ist fast unmöglich, nicht wütend zu werden über die grassierende Hypokrisie, die stattfindet, nicht zuletzt, weil es etwas ist, was wir Menschen immer wieder getan haben, weil wir uns scheinbar weigern, die Lehren aus der Geschichte zu ziehen. Elo Romančík ist ein überragender, faszinierender Hauptdarsteller, der sich hoffnungslos an seinen Glauben klammert, der auf verheerende Weise schwindet, als er sich im Zentrum eines Rachefeldzugs von Boblig wiederfindet. Als eitler, käuflicher und machthungriger Boblig ist Vladimír Šmeral beängstigend realistisch und gibt einen der bösartigsten und sittenwidrigsten Bösewichte der Filmgeschichte. Otakar Vávra, der gemeinsam mit Ester Krumbachová Regie führte und das Drehbuch verfasste, präsentiert uns einen bedächtigen, gefühlskalten und objektiven Film, der in vielen Momenten visuelle und schwermütige Poesie ausdrückt. Die Kameraführung von Josef Illík ist beachtlich, und das Produktionsdesign ist vorbildhaft gestaltet. Das Werk ist subversiv, verstörend und höchst einprägsam inszeniert. Im Vergleich mit anderen Filmen wie dem außergewöhnlichen "Die Teufel" von Regisseur Ken Russel kann "Die Hexenjagd" durchaus standhalten.

Es handelt sich bei dieser Liste um Filme, die WIR schon gesehen haben, über die ihr aber etwas von mir lesen wollt. Ich freue mich, dass die Idee mit der Liste hier gut ankommt. Ich werde mir die von euch gewünschten Filme noch einmal ansehen, soweit ich noch Zugang zu ihnen habe. Parallel dazu schreibe ich an anderen Filmen, die ich gerade sehe, also wird es ein paar Tage dauern, bis die Kommentare dazu erscheinen.

Bei einem Filmtitel wie "Jug Face" von Regisseur Chad Crawford Kinkle ist so ziemlich alles denkbar. Das Gute an einem ungewöhnlichen Titel ist, dass er einen dazu zwingt, sich dem Film mit einer gewissen Vorsicht und einer Prise Neugierde zu nähern. "Jug Face" ist eine bizarre, aber selbstbewusste und eigenartige, aber grimmige Geschichte über falsche Religion, böse Geister und sehr schlechtes Verhalten. Genauer gesagt geht es in "Jug Face" um einen hinterwäldlerischen Clan, der eine mysteriöse Senke tief im Wald verehrt. Ihr Glaubenssystem sieht vor, dass ein spezieller Töpfer einen Krug modelliert und derjenige, dem das Gefäß ähnelt, der nächste ist, der der Grube geopfert wird. Unsere Antipathin Ada (Lauren Ashley Carter) ist offenbar dazu auserkoren, die nächste Opfergabe der Grube zu werden, aber sie wirft ihr getöpfertes Krug-Gesicht in den Wald und schmiedet einen Plan, um den Töpfer dazu zu bringen, ein neues Stück präkognitiver Keramik herzustellen. Übrigens ist die gute Ada schwanger, was den Plänen der Töpferbande einen Strich durch die Rechnung machen dürfte. Falls diese Kurzbeschreibung sich interessant und bizarr anhört, wirst du sicherlich viel Vergnügen bei dem Bemühen haben, die tiefgründigen Motive zu erkunden, die in Chad Crawford Kinkles wunderbarem, abgedrehtem "Jug Face" zum Tragen kommen. Am spannendsten ist wohl die Perspektive des Zusehers, der die Handlung aus der Innensicht des gläubigen Clans der Grubenfanatiker betrachten darf. Obwohl praktisch jede einzelne Figur auf sehr spezifische Weise unziemlich oder verabscheuungswürdig ist, wirken ihre Glaubensüberzeugungen verhältnismäßig wohlbegründet. In anderen Worten ausgedrückt haben diese blutschänderischen Schweinehirten wirklich eine wahnwitzige Glaubensrichtung im Kopf inne und was ist, wenn in dieser widerwärtigen Grube tatsächlich etwas existiert? "Jug Face" ist vielmehr ein Film mit erschreckenden Gedanken als mit Jumpscares, und es ist die sachliche Charakteristik, mit der die Hinterwaldbewohner porträtiert werden, durch die der Film über eine relativ begrenzte Anzahl von Schwachstellen hinaus attraktiv bleibt. Die Hauptdarstellerin Lauren Ashley Carter ist fabelhaft in der Verkörperung eines rehäugigen Mädchens, das unsere Empathie zu verdienen scheint, aber im fortschreitenden Filmverlauf könnte man beginnen, Bedenken zu hegen. Der gesamte Cast ist ziemlich kompakt, wenngleich Sean Bridgers, der in "The Woman" großartig war, als Referenz auffällt. Sean Young, die Adas autoritäres und sexuell repressives Muttertier spielt, ist ebenfalls ausgesprochen lobenswert! "Jug Face" wird nach der ersten Sichtung zu einer äußerst intensiven Erfahrung, da alle Aspekte endlich aus dem düsteren Gewand hervortreten. Ich persönlich war beim Betrachten von Chad Crawford Kinkles Film wie hypnotisiert von Adas Odyssee und fokussierte mich auf das kultische Entsetzen und die abgründigen Ereignisse in der Kruggrube. Chad Crawford Kinkle erhielt auch tatkräftige Unterstützung von Larry Fessenden, einem Experten des Low-Budget-Horrors, und dem ausführenden Produzenten Lucky McKee, doch vor allem das konsequente Insistieren des Regisseurs darauf, eine potenziell bissige Horrormär so simpel und authentisch wie möglich zu präsentieren, hebt "Jug Face" über den Status einer bloßen Kuriosität hinaus.

Der irische Slasherfilm, in dem die Opfer Schüler sind, die auf Psychedelika trippen, mag vielleicht 10 Minuten lang reizvoll sein. Aber im weiteren Verlauf wird "Shrooms" von Regisseur Paddy Breathnach zu einem langweiligen Schundfilm, der durch einige visuelle Effekte unterstrichen wird, die das Erlebnis der Einnahme von Magic Mushrooms imitieren sollen. Hinter der Handlung verbirgt sich die übliche unerträgliche Ansammlung junger Klischees. Ein Sportler, ein gesunder Typ Cheerleader, ein angeblicher Kampfsportler und so fort, die trotz des Schauplatzes in einer nebligen irischen Landschaft Amerikaner sind. Sie sind auf die Smaragdinsel gereist, um Jake (Jack Huston) zu besuchen, der ihnen erzählt hat, dass es in Irland die besten Magic Mushrooms auf Erden gibt. Die Amerikaner werden von Tara (Lindsey Haun) angeführt, die Jake bei einem früheren Urlaub kennen gelernt hat und in ihn verknallt ist. Das Waldstück, das für den Drogenausflug der Gruppe ausgewählt wurde, hat naturgemäß eine unheimliche Bewandtnis, von der Jake am Lagerfeuer erzählt. Offenbar befand sich in der Nähe ein Gefängnis für Jugendliche, das für die miserable Behandlung seiner Bewohner berüchtigt war, ein Ort, der Geschichten über Folterungen und Morde hervorgebracht hat, angeblich durch die Hand eines Schwarzen Bruders, einer Kapuzengestalt, die vielleicht immer noch in der Gegend herumgeistert. Ein paar sabbernde Hohlköpfe, die sich in großem Maße aus der Zivilisation abgesetzt haben, sorgen für noch mehr Panikmache. Bevor die Zwerge durchdrehen und so sterben, gibt Jake noch einen Ratschlag in die Runde: Iss nicht die Totenkopfpilze. Die verliebte Tara ignoriert diese Weisheit fast sofort, mit sehr unbequemen Konsequenzen. Merkwürdiges ereignet auf einmal. Gegenstände beginnen zu vibrieren und zu pochen. Die Kids glauben, im Wald seltsame Dinge zu sehen und fangen an zu zanken. Passiert das wirklich? Oder sind das alles Halluzinationen? Was kümmert das eigentlich? Fairerweise muss man sagen, dass Regisseur Paddy Breathnach und Drehbuchautor Pearse Elliott mit ein paar netten Einfällen aufwarten können, darunter eine geniale Dummheit mit einem sprechenden Tier, die darauf schließen lässt, dass sie eine gewisse Perspektive für diesen abgedroschenen Stoff haben. Pilze schmecken am besten, wenn man sie kurz bei hoher Temperatur in etwas Butterschmalz mit Zwiebeln und ein wenig Speck anbrät. Temperatur reduzieren und etwa 5 Minuten unter Wenden weiterbraten. Wegen ihres hohen Wassergehalts können sie schnell matschig werden. Aber das wussten die Filmemacher nicht und tischen uns mit diesem halbgegarten Werk einen Wässrigen Mürbling auf.

Das makabre Meisterwerk "Die blinde Bestie" von Regisseur Yasuzô Masumura zeichnet das verstörende Porträt eines Künstlers und seiner Muse. Diese Geschichte wird von Schwarz-Weiß-Bildern von Aki (Mako Midori) flankiert, die der Fotograf Yamana für eine Ausstellung aufgenommen hat, die großes Aufsehen erregte. Auf diesen Fotografien ist Aki sowohl nackt als auch in Ketten gefesselt, und auf einigen ist ihr Konterfei vervielfältigt, so dass ein psychedelisches Pastiche der 60er Jahre entsteht, das ihren Körper entblößt und gleichzeitig ihre Identität verwirrt und ihre Innerlichkeit verdeckt. Damit werden Themen vorweggenommen, die den Rest des Films beherrschen werden, denn ein anderer Künstler reduziert Aki auf das bloße Fleisch, setzt sie verschiedenen Arten von Fesseln aus und zerlegt sie schließlich in ihre Einzelteile. Sogar die monochrome Präsentation dieser fotografischen Stills in einem Film, der ansonsten in Farbe gedreht wird, führt das Schlüsselthema der eingeschränkten Empfindung auf raffinierte Weise ein. Als Aki früh zu einer Besprechung in die Galerie kommt, sieht sie einen einsamen Mann, der seine Hände langsam über eine Skulptur ihres nackten Körpers streicht. Sie macht die seltsame synästhetische Erfahrung, dass sie das Gefühl hat, seine Hände seien tatsächlich auf ihr. Später, erschöpft von einem langen Tag als Model, ruft sie einen örtlichen Masseur an, der ihr in ihrer Wohnung eine wohltuende Rückenmassage gibt. Als sie merkt, dass dieser blinde Mann, Michio (Eiji Funakoshi), dieselbe Person ist, die sie in der Galerie gesehen hatte, betäubt er sie mit Chloroform und bringt Aki mit Hilfe seiner Mutter (Norika Sengoku) in sein abgelegenes, privates Lager. Aki erwacht in der Dunkelheit, um sich und den Zuschauer an Michios Welt der Blindheit zu gewöhnen. Michio erscheint mit einer Taschenlampe, offensichtlich eher zu Akis Nutzen als zu seinem eigenen. Während sie versucht, ihm in diesem großen Atelierraum auszuweichen, beleuchtet er die verschiedenen Wandabschnitte, an denen sie vorbeikommt, die mit überdimensionalen Skulpturen von Augen, Nasen, Ohren, Lippen, Armen, Beinen und Brüsten verziert sind, während in der Mitte des Raumes zwei gigantische Ganzkörperstatuen stehen, eine auf dem Rücken, die andere auf dem Bauch. Michio ist ein Künstler, seine bevorzugte Form ist der weibliche Körper. Und dieses weltfremde, etwas naive Muttersöhnchen will, dass Aki als Modell für sein Meisterwerk dient, ob sie will oder nicht. Die Einrichtung von Michios Atelier mit all den körperlosen Teilen erinnert an das Gleichnis vom blinden Mann und dem Elefanten. Michio, der von Geburt an blind ist und dessen Erfahrung mit dem Weiblichen auf seine Mutter beschränkt ist, reduziert die Frauen auf ihre physische Form, die er in einzelne Gliedmaßen zerlegt und als greifbare Dekoration aufbläst, um seine Fantasien und Wünsche zu befeuern. Nun, da er Aki in seinen Fängen hat, hofft Michio, aus einer rohen Tonmasse eine synthetische Nachbildung von ihr zu formen, Glied für Glied, wie Pygmalion seine perfekte Geliebte, bevor Aki ihm die größere Anziehungskraft einer echten, lebenden, atmenden Frau zeigt. Die Beziehung von Michio und Aki wechselt ständig zwischen Gefangener und Entführer, Katz und Maus, Künstler und Muse, Mörder und Komplize und perversem, sich selbst verzehrendem Liebespaar, in einer Erzählung, die sich an den paradoxen Einflüssen des Stockholm-Syndroms und der BDSM-Bindung orientiert.Michio behauptet, dass seine Arbeit mit Aki ein völlig neues Kunstgenre schaffen wird. Man vermutet, dass der Regisseur Yasuzô Masumura diesen Anspruch teilt. Nachdem er sich bereits in Filmen wie "The Red Angel" mit Sex und Begehren auseinandergesetzt hatte, wandte sich Yasuzô Masumura für "Die blinde Bestie" dem von Edogawa Rampo verfassten "ero guro nansensu" zu. Auf der Grundlage einer Rampo-Adaption seines Drehbuchautors Ishio Shirasaka reduziert Yasuzô Masumura Sex und sexuelle Beziehungen auf ihre körperlichen Grundlagen und findet dabei Wege, die Flüchtigkeit und Exklusivität des Begehrens auszudrücken. Auch Yasuzô Masumura stellt taktile Empfindungen in den Vordergrund, und zwar mit Hilfe eines Mediums, das normalerweise dem Sehen und dem Ton den Vorzug gibt und die tatsächliche Berührung ausschließt. Masumuras Strategie zur Verwirklichung eines haptischen Kinos besteht darin, die Figuren ständig von der Erfahrung des Tastens, Ertastens und Sondierens erzählen zu lassen oder ihre Dramen auf und um Skulpturen von Körpern und Körperteilen zu inszenieren. Während Aki allmählich ihr Augenlicht verliert und sich in diese dunkle, hermetische Umgebung flüchtet, führt Yasuzô Masumura einen Tunnelblick-Effekt ein, indem er die intimen Umarmungen der Liebenden vor einen Hintergrund stellt, der immer schattiger und undeutlicher wird, so dass wir praktisch nur noch den engen Kontakt von Fleisch auf Haut sehen, losgelöst von jedem größeren Kontext. Das Atelier des Künstlers und Filmemachers wird zu einem mythischen, psychologischen Raum. In Vorwegnahme der obsessiven, abartigen Leidenschaft von Nagisa Oshimas skandalösem "Im Reich der Sinne" ist "Die blinde Bestie" ein reflexiver Film über Kunst und Liebesbeziehungen. Seine irrationale Geschichte endet, wie sie beginnt. Mit einer Frau, die zerstückelt und auf ihr sexualisiertes Abbild verkürzt wird, als ein Kunstwerk und ein Objekt, auch wenn ihre Erzählerstimme sie als Individuum aus Fleisch und Blut kennzeichnet und uns daran erinnert, dass sie die ganze Zeit über diese Darstellung ihrer eigenen Gefangenschaft kontrolliert hat. Aki ist wie eine Venus, die zum Lustobjekt wird, gerade weil sie unter dem männlichen Blick oder zumindest der Berührung zerstückelt und zu einer Liste von verdinglichten Segmenten verdichtet wurde. Und doch ist sie mehr als die Summe ihrer Teile, und "Die blinde Bestie" haucht ihr neues Leben ein, auch wenn sie zulässt, ja sogar will, dass man es ihr nimmt. Dieser Widerspruch ist das Herzstück von Yasuzô Masumuras seltsamem, surrealem Film. Frauen sind eingebildet und müssen dominieren, sagt Aki zu Michio, der die Frauen in Wirklichkeit überhaupt nicht versteht. Und Aki tut es, indem sie ihre eigenen Wünsche einer Geschichte aufzwingt, die sich angeblich um Michio dreht, und sich weigert, das Opfer, das Spielzeug oder das Subjekt von jemand anderem zu sein. Letztendlich ist es eine Geschichte von Liebestod, die ganz im Sinne der Protagonistin erzählt wird, und in den letzten Szenen ist alles auf das Abstrakteste und Animalischste reduziert. Was bleibt, ist ein sinnliches, sensationslüsternes Werk, wie man es noch nie zuvor gesehen hat.

In dem Meisterwerk "Der Diener" des Regisseurs Joseph Losey sieht man vor dem Haus, das der reiche Tony (James Fox) gerade gekauft hat, Schnee fallen, der genauso gut von der Decke kommen könnte, wenn man die Kälte bedenkt, die diesen Film über psychologische Machtspiele umgibt. Sein Geld ist veraltet, seine Haltung ungehobelt, kein Wunder also, dass die Idee, einen Diener zu haben, verlockend ist. Er bräuchte das alles, sagt er lässig zu Barrett (Dirk Bogarde), dem Mann, der den Job bekommt und dessen nördliche Vokale und fast zuckende Ehrerbietung seinen Platz in der Hackordnung markieren. Dies war der erste von drei Filmen, in denen Joseph Losey und sein Drehbuchpartner Harold Pinter, der hier eine Novelle von Robin Maugham adaptierte, einen scharfen Blick auf das Thema Klasse und damit auch auf den sozialen Status warfen. Um zu sehen, welchen nachhaltigen Einfluss dieser Film auf andere Filmemacher hat, muss man sich nur Bong Joon Hos "Parasite" ansehen. Nicht nur die Architektur der Beziehungen, sondern auch der Raum, den sie einnehmen, ist von entscheidender Bedeutung. Das Haus, das zu Beginn nicht viel mehr als eine Hülle ist, entwickelt sich zu einem vergoldeten Käfig, in dem Tony zunehmend durch seine eigenen Abhängigkeiten gefangen ist. Dirk Bogarde, der nicht zum ersten Mal beweist, dass er mehr als nur ein Schönling ist, verleiht Barrett eine echte Subtilität und Prägnanz. Er mag zwar zurückhaltend sein, und sein leichtes Auftreten schmälert auch seine Bedrohlichkeit in Tonys Augen, aber der Schauspieler lässt gerade genug von seinem Machiavellismus durchscheinen, um uns wissen zu lassen, dass mehr dahintersteckt, als man auf den ersten Blick sieht. Auch Tonys Freundin Susan (Wendy Craig, in einer Glanzleistung) ist misstrauisch. Harold Pinter zeigt durch das Drehbuch, dass sie als jemand, der aufgrund ihres Geschlechts viel mehr damit vertraut ist, am falschen Ende von Machtspielen zu stehen als Tony, die Machenschaften von Barrett viel besser durchschaut und ebenso mehr daran gewöhnt ist, eigene Manipulationen anwenden zu müssen. Als Barrett Tony überredet, seine "Schwester" Vera (Sarah Miles) als Dienstmädchen einziehen zu lassen, ahnt der reiche Mann nicht, dass er in eine Honigfalle getappt ist. Schon bald zeigt sich, dass Dirk Bogardes Barrett ein Meister darin ist, das Richtige zum passenden Zeitpunkt bereitzustellen, sei es der Schokoriegel, auf dem Vera kurz nach ihrer Ankunft aufgeregt herumkaut, oder die Zigarre, die genau im richtigen Moment in Tonys Hand gelangt. Das sind nur kleine Ausschnitte aus der Handlung, die sich mit reizvoller Präzision dreht und wendet, während Beziehungen entgleiten und verzerrt werden wie die Reflexionen, die wir immer wieder in einem konvexen Spiegel an einer der Wände des Hauses sehen. Kameramann Douglas Slocombe trägt mit niedrigen und hohen Kamerawinkeln, Licht und Schatten zur allgemeinen Beunruhigung bei. Auch die Filmmusik von John Dankworth und insbesondere das von seiner Frau Cleo Laine gesungene Lied "All Gone" erweisen sich mit jedem Refrain als zunehmend zweideutig. Einige Szenen zwischen James Fox und Dirk Bogarde sind homoerotisch aufgeladen, aber Joseph Losey und Harold Pinter interessieren sich weniger für die sexuellen Manöver selbst als für die Frage, wer die Oberhand hat. Alles wird schlüpfrig und nicht mehr ganz so, wie es zunächst schien. Nehmen wir zum Beispiel das Geländer, durch das wir oft in Barretts Zimmer blicken. Zunächst mögen sie an ein Gefängnis erinnern, doch später wird deutlich, dass sie vielleicht etwas viel Wilderes einschließen. Barrett spielt schließlich nicht dasselbe Spiel wie Tony, der so sehr in seinem Glauben an die Zwänge des Klassensystems gefangen ist, dass er den Aktionsradius des anderen erst erkennt, wenn es zu spät ist.

"Sans Soleil", ein experimenteller Dokumentarfilm des Regisseurs Chris Marker, gehört in die Kategorie des prätentiösen Blödsinns, den man lieben oder hassen kann. "Sans Soleil" ist eine 100-minütige Collage unzusammenhängender Bilder aus der ganzen Welt mit Schwerpunkt auf Japan und Afrika und wird von den existenziellen, elliptischen Betrachtungen einer Erzählerin begleitet, der die Schriften eines fiktiven Kameramanns namens Sandor Krasna vorliest. Man könnte zwar argumentieren, dass der Film lose von Erinnerung und Zeit handelt, aber das wäre ein Versuch, dem, was im Wesentlichen eine zufällige Reihe von philosophischen Abschweifungen ist, eine Ordnung zuzuschreiben. Fairerweise muss man sagen, dass einiges von dem, was Chris Marker zu sagen hat, wenn nicht interessant, so doch zumindest unterhaltsam ist. Er bleibt jedoch nie lange genug bei einem Thema, um es fruchtbar zu machen, sondern zieht es vor, zu etwas anderem überzugehen. Seine Monologe sind philosophisch und pedantisch. Er hält viele Vorträge, und ein Großteil der Dialoge hat etwas Elitäres an sich, was darauf hindeutet, dass der Filmemacher glaubt, erstaunliche Wahrheiten zu verkünden. Die Bilder sind absichtlich banal. Nur wenige, wenn überhaupt, bleiben im Gedächtnis haften. "Sans Soleil" springt von Thema zu Thema wie ein verrückter Schmetterling, der in der einen Minute Einblicke in die revolutionäre Denkweise gewährt und in der nächsten eine Dekonstruktion von "Vertigo" bietet. Es gibt keine nennenswerte Handlung. Der Film besteht aus einer Erzählerin, die aus Briefen liest, die Sandor Krasna, ein Pseudonym für Chris Marker, an sie geschrieben hat, während auf dem Bildschirm von ihm gedrehte Clips abgespielt werden. So hat Chris Marker die Freiheit, über jedes Thema zu referieren, das ihm gerade in den Sinn kommt. Der Titel "Sans Soleil" bezieht sich auf einen Science-Fiction-Film, den er plant, aber nicht zu realisieren gedenkt. Wie viele seiner Diskurse berührt er Ideen über Zeit, Erinnerung und deren Verflechtung. Chris Markers Film wurde als Reisebericht, als Dokumentarfilm und als Sammlung von filmischen Essays bezeichnet. Keine dieser Beschreibungen ist ganz zutreffend, aber zusammengenommen vermitteln sie ein gutes Bild von dem, was "Sans Soleil" ist. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung wurden vier Versionen von "Sans Soleil" produziert. Visuell gibt es keine Unterschiede, aber jede hat eine völlig andere Tonspur. Der Film wurde auf Englisch (Alexandra Stewart als Erzählerin), Französisch (Florence Delay), Japanisch (Riyoko Ikeda) und Deutsch (Charlotte Kerr) veröffentlicht. Es gibt keinen Grund, die eine der anderen vorzuziehen. "Sans Soleil" wurde für die Elite der Cineasten gedreht und erfreut sich in Programmkinos und Filmschulen großer Beliebtheit. Viele Kritiker haben ihn gelobt. Der Daily Telegraph zählte ihn zu den 100 besten Filmen aller Zeiten, und die Ausgabe 2014 von Sight & Sound setzte ihn auf Platz drei ihrer Liste der besten Dokumentarfilme überhaupt. Chris Marker untersucht die Qualität des heutigen Lebens, obwohl er eigentlich nur seine eigenen Reaktionen auf unsere Welt erforscht, die nicht immer logisch oder besonders aufschlussreich sind. "Sans Soleil" ist ein völlig selbstverliebter Film, der alle ausschließt, außer die eifrigsten Chris Marker Fans. Die meiste Zeit über schwankt sein Verhalten zwischen dem eines herablassenden Touristen und dem eines Amateuranthropologen. Ich weiß, das ist eine brutale Abrechnung mit dem Film, aber sie trifft den Kern dessen, was den Film zu einem langweiligen Erlebnis macht. Obwohl seine zahlreichen ausschweifenden Reden eindeutig die Abschweifungen von jemandem sind, der über einen umfangreichen Sprachschatz verfügt und sich selbst für einen tiefgründigen Denker hält, sind sie in erster Linie nur für ihn selbst und für diejenigen von Interesse, die behaupten, seine Jünger zu sein. Nachdem ich "Sans Soleil" gesehen hatte, spürte ich, dass ich zwar einiges über Chris Markers Weltanschauung erfahren hatte, aber keine neuen oder überraschenden Ideen kennengelernt habe. Vielleicht waren einige seiner Konzepte in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren revolutionär gewesen. Wenn sie es jemals waren, sind sie es heute nicht mehr. Lässt man die verbalen Aspekte des Films beiseite und wendet sich den banalen Bildern zu, hat "Sans Soleil" einen gewissen historischen Wert. Obwohl er 1983 in die Kinos kam, wurde der Großteil der Dreharbeiten in früheren Jahren, vor allem in den 1970er Jahren, durchgeführt und stellt somit eine Zeitkapsel dieser Ära dar. Chris Marker hat den Film heruntergespielt und ihm nicht den Glanz verliehen, den einige seiner Befürworter für ihn beanspruchen. In einem Essay auf seiner Website bezeichnete er den Film sogar als reinen Heimatfilm. Aus dieser Perspektive ist er eine beeindruckende, vielleicht sogar bemerkenswerte Leistung. Ich gebe freimütig zu, dass ich mir nicht gerne meine eigenen "Homevideos" ansehe, geschweige denn solche, die von jemandem gemacht wurden, den ich nicht kenne.

Ein kräftiger Applaus für Netflix, das dem Meister der düsteren französischen Skurrilität, Regisseur Jean-Pierre Jeunet, dem Schöpfer von "Delicatessen", "Die fabelhafte Welt der Amélie" und "Die Stadt der verlorenen Kinder", Geld für die Verfilmung einer seiner abgedrehten Geschichten in seinem unnachahmlichen visuellen Stil gegeben haben. Schade nur, dass "Bigbug" so plastisch wie Frischhaltefolie, so warm wie Packpapier und so amüsant wie ein in Klarsichtfolie eingewickeltes Huhn ist. Seine große Idee für den Streaming-Dienst ist eine weitere Geschichte, in der Menschen in der Zukunft, die in absurder Weise von der KI abhängig sind, in ihren Häusern eingesperrt werden, während die KI-Singularität erreicht wird und plötzlich "Terminator" beginnt. Die Drehbuchautoren versuchen, den lächerlichen Menschen, die sich bemühen, die Maschinen zu überlisten, Pathos, Nervenkitzel und Lacher abzuringen, mit dem zusätzlichen Bonus, dass ihre mechanischen Haushaltsmekas, die Roboter, mit den Menschen sympathisieren und menschlich sein wollen, also helfen sie, so gut sie können. Die Candy Bots, die Mode, die Haushaltsgeräte und alles andere sind so beeindruckend, dass der Filmemacher innehält, um sich den schlauen Bot Einstein oder Monique (Claude Perron) anzusehen, das Dienstmädchen, das sich anpasst, um seinen menschlichen Besitzern zu gefallen, auch auf sexuelle Weise. Das ist es, was mit den Haushaltsrobotern vor sich geht. Sie verhätscheln sich und schmeicheln sich bei den Menschen ein, die in ihnen gefangen sind, als sich der große Stau, ein massiver Verkehrsstau mit selbstfahrenden Autos, als Vorbote der Roboter-Apokalypse entpuppt. Können die Familienroboter ihre Menschlichkeit unter Beweis stellen und den Menschen helfen, die Situation zu retten? Die Cyborg-Sicherheitsroboter des Hightech-Unternehmens Yonyx sehen alle aus wie Francois Levantal, der sich als RoboCop-Mitglied der Borg verkleidet hat. Diese Cyborgs moderieren beliebte Reality-TV-Shows und kandidieren für das Präsidentenamt. Und sie sind äußerst gefährlich, ausgestattet mit Lasern und neuen Regeln und Gesetzen, die sie selbst geschaffen haben, um ihre Machtübernahme zu erleichtern. Aber warum sollten sie sich über Menschen ärgern, die sich wehren? Keiner von ihnen kann aus seinem schmucken Gehäuse entkommen. Die Witze sind dürftig. Jean-Pierre Jeunet ist eher für abgedrehte Gags bekannt, und es gibt nur einen davon, der sich für mich wirklich gelohnt hat. Ein hypnotisiertes Dummchen (Claire Chust) wird von einem Cyborg zu etwas gezwungen, von dem sie überzeugt ist, grenzenlose Kraft zu entwickeln. Daraufhin schleppt sie alle anderen geschiedenen Eltern, ihre abhängigen Teeniekinder und eine Nachbarin quer durch das Wohnzimmer, um den Auftrag der bösen Yonyx Corp zu erfüllen. Französische Pantomimen und ihre Kunst. Die Menschen, die Maschinen spielen, stechen aus der Besetzung heraus, aber nicht, weil sie etwas Neues mit dem "Ich bin steif und zucke herum, weil ich ein Roboter bin." Sie stechen vor allem deshalb hervor, weil die Menschen, die menschliche Charaktere spielen, meist langweilig sind, selbst der Trottel. Nicht einmal über einen geklonten, ewig unausstehlichen Jack-Russell-Terrier, den Hund des Nachbarn, kann Jean-Pierre Jeunet etwas Lustiges finden, nachdem er ihn eingeführt hat. Aber ich applaudiere Netflix dafür, ihm eine letzte Chance zu geben. Auch wenn er es vermasselt hat, sieht "BigBug" immer noch aus wie nichts anderes, das seit Jahren auf dem Bildschirm erschienen ist. Es ist nur so, dass er früher berührendere und skurrilere Geschichten mit diesen schrulligen Settings erzählt hat.

Man kann natürlich einen italienischen Doppelgänger von Robert Pattinson als Nachwuchs für einen romantischen Thriller engagieren. Das heißt aber nicht, dass Sie mit Feenstaub, Funkeln und so weiter glänzen müssen. Es brauchte nur einen der sechs Drehbuchautoren, die für "Töte mich nicht" von Regisseurin Andrea De Sica vorgesehen waren, um eine neue Kreuzung aus Vampir und Zombie für diejenigen zu erfinden, die nicht ohne großen Aufwand getötet werden können. Sechs Drehbuchautoren, und einer von ihnen sagte: "Nennen wir sie die Übertoten" und verdiente damit sein Stipendium. In diesem italienischen Thriller, der eher blutrünstig als packend ist, geht es um die jungfräuliche Teenagerin Mirta (Alice Pagani), die sich mit dem grüblerischen Robin (Robert Pattinson... ähm.. ich meinte Rocco Fasano) einlässt. Sie hat fast sofort Gewissensbisse, als er sie überredet, etwas mit schwarzem Teer durch Augentropfen einzunehmen, und ihre Welt mit dem einzigen Sex, den sie je hatte, ins Wanken bringt. Denn das bringt sie beide in den Sarg. Nur dass sie diejenige ist, die aufwacht und sieht, wie sich ihre Augen in riesige schwarze Puppenkugeln, ihre Finger in hexenhafte Knorren und ihre Vorlieben auf Menschenfleisch richten. "Ich kann mir vorstellen, dass du mit den schmackhafteren Teilen des Körpers vertraut bist", sagt ihre erste Auslegungshilfe, Sara (Silvia Calderoni) zu Mirta, die durch die Gegend stolpert, um sich an verheirateten Raubtieren zu laben, die sich in Clubs herumtreiben, und an der lüsternen Haushälterin, die ihr Vater ausgewählt hat. Was funktioniert, sind die einleitenden Kapitel dieses langsamen Thrillers von einem Schreiberling und Enkel von Vittorio De Sica. Wir sehen, wie rücksichtslose Teenager in einem GTI über die kurvenreichen Straßen der norditalienischen Dolomiten rasen, er fährt, mit geschlossenen Augen, wie ein Dämon, sie versucht verzweifelt, ihm die Richtung zuzurufen, damit er sie nicht von einer Klippe oder in einen entgegenkommenden Traktor stürzt. Wir hören die Aufforderung, ihre Bemühungen, ihren Junkie-Schönling von dem Zeug wegzubringen, das er mit einem Löffel kocht und in ihre Augen träufelt. Und wir sehen die Leichen, nachdem sie sich nach dieser Mutprobe ins Grab gelegt hat. Lasst die Finger von Drogen, Kinder! Und von Vampiren, die sich selbst als Zombies bezeichnen! Am faszinierendsten sind die ersten Tage, in denen Mirta mit ihrer Fähigkeit zu kämpfen hat, ein Grab zu öffnen und wieder ins Leben auf der Erde zurückzukehren. Ihre Augen, ihre knorpeligen Glieder, ihre Nosferatu-Finger und ihr Appetit verändern sich auf drastische Weise. Wo ist ihr Gefährte im Tod? Ohne ihn hat sie keinen Grund für alles, was sie geopfert hat, keinen Wegweiser. Für den Moment. Wie viele Horrorfilme über Untote verliert sich auch "Töte mich nicht" in den Ausführungen zur Geschichte der Übertoten und ihrer Jäger, der Benandanti. Sie sind eine Art katholische Sekte mit schallgedämpften Pistolen und Elektroschocker. Der Versuch, das Unmögliche logisch zu machen, ist wenig überzeugend, und die sechs Drehbuchautoren von Andrea De Sica geben sich auch nicht viel Mühe. Wir sehen, wie Mirta beschützt und sogar übermäßig protektiert wird, wenn die Bösen sich ihr zum ersten Mal nähern, nur damit dieser großschwesterliche Beschützer sie plötzlich im Stich lässt, sobald sie einen Club betreten, der für ihren Geschmack etwas zu wild und zügellos ist. Nichts, was nun folgt, macht mehr Sinn als dieser Punkt.