Chainsaw Charlie - Kommentare

Als erster Marvel-Film mit einem asiatischen Hauptdarsteller lastet viel auf den Schultern von "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" von Regisseur Destin Daniel Cretton. Obwohl der Film einen der überzeugendsten Bösewichte vorstellt, die Marvel je hatte, kann selbst die Magie von Tony Leung nicht verhindern, dass der Film dank eines uninspirierten Drehbuchs und eines stümperhaften dritten Akts in die Mittelmäßigkeit abrutscht. Der Film "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" mit Simu Liu in der Hauptrolle folgt Shang-Chi (Simu Liu), dem Sohn des alten Kriegsherrn Wenwu (Tony Leung), der das Geheimnis des ewigen Lebens besitzt und mit Hilfe der mystischen zehn Ringe eine geheime Söldnerarmee befehligt. Shang-Chi oder Sean, für seine beste Freundin Katy (Awkafina), versucht, ein normales, verstecktes Leben in San Francisco zu führen, als er eine mysteriöse Postkarte erhält, die ihn in das brutale, kampfgetriebene Leben zurückholt, vor dem er vor Jahren geflohen ist. Zusammen mit seiner entfremdeten Schwester Xialing (Meng'er Zhang) und Katy kämpft Shang-Chi gegen die Zeit, um seinen Vater daran zu hindern, ein den Planeten zerstörendes Übel zu entfesseln. Was die Herkunftsgeschichten von Helden angeht, ist die von Shang-Chi vielleicht die interessanteste und komplizierteste im MCU. Sie umfasst ein verstecktes Dorf voller magischer Kreaturen und mystischer Kräfte, einen jahrhundertealten Kriegsherrn, der ihn von Geburt an zu einem skrupellosen Killer ausbildete, ein seelenfressendes Monster, das dazu bestimmt ist, das Dorf seiner Mutter zu verschlingen, und natürlich die zehn Ringe selbst, die dem Träger alle möglichen raffinierten Kräfte verleihen, darunter auch Unsterblichkeit. Der erste Akt von "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" ist dementsprechend temporeich und geschichtsträchtig und macht ausgiebig Gebrauch von Rückblenden und praktischen Erklärungen, um so viele Informationen wie möglich unterzubringen. Die erste Stunde von Shang-Chi funktioniert wirklich gut. Die ersten beiden großen Actionszenen sind raffinierte, gut choreografierte Kampfsequenzen, die das Setting und die Kampfstile auf interessante Weise nutzen und typische MCU-Kampfszenen mit klassischen Martial-Arts-Filmtechniken kombinieren. Die zumindest im Vergleich zu den MCU-Kampfszenen einzigartigen Szenen, verbunden mit einer stärkeren Betonung des Humors, auch wenn dieser nicht immer zündet, verleihen dem ersten Akt mehr als genug Lebendigkeit und Versprechen, um den Film für eine zufriedenstellende zweite Hälfte vorzubereiten, aber sobald die Handlung in Gang kommt, werden die Dinge etwas uninspiriert. "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" ist auffallend träge, wenn man bedenkt, wie schnell der erste Akt voranschreitet, aber sobald Shang-Chi, Xialing und Katy auf Wenwus Anwesen ankommen, fühlt sich alles von da an wie eine willkürliche Verfolgungsjagd an, die sowohl den Charakteren als auch der Erzählung selbst einen bedeutsamen Bärendienst erweist. Der zentrale Gedanke hinter Shang-Chis dramatischer Spannkraft ist, dass es sich um eine Familienangelegenheit handelt. Sowohl Shang-Chi als auch Xialing sorgen sich sehr um den Bösewicht Wenwu und umgekehrt, denn auch wenn er ein massenmordender, unsterblicher Kriegsherr mit einer geheimen Armee von Elitekriegern ist, ist er immer noch ihr Vater, und das Einzige, was er sich mehr als alles andere wünscht, ist die glückliche Wiedervereinigung ihrer Familie und er ist bereit, zu jedem Mittel zu greifen, um sicherzustellen, dass er, seine Kinder und seine tote Frau wieder zusammenkommen können. Es ist eine zutiefst persönliche Verbindung zwischen Held und Bösewicht, der wir bisher nur bei Thor begegnet sind, und selbst dort ist der Konflikt angesichts von Lokis Herkunft ein wenig vorprogrammiert, was für einen niederschmetternden letzten Akt sorgen sollte, unabhängig vom Ausgang. Alle drei Hauptfiguren haben etwas zu verlieren und sorgen sich sehr um einander und ihr Wohlergehen, auch wenn sie auf entgegengesetzten Seiten stehen. Shang-Chi durchkreuzt dieses Konzept jedoch komplett und macht Wenwu stattdessen zu einem cartoonhaften, zielstrebigen Bösewicht, obwohl Tony Leung viele Versuche unternimmt, der Rolle Tiefe zu verleihen, und jede Gelegenheit auslässt, die reichhaltigen Spannungslinien zwischen Vater, Sohn und Tochter zu erkunden. Noch schlimmer ist, dass "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" nach zwei Akten geerdeter, cleverer und gut inszenierter Action, die in der Rangliste der MCU-Kampfszenen ganz oben steht, seinen Ton komplett über Bord wirft und der dritte Akt ein CGI-lastiges Durcheinander eines Kampfes ist, der sich mehr für riesige fliegende Drachen und Awkwafina, die lernt, wie man ein Bogenschütze ist, interessiert als für Shang-Chi oder Xialing, die eine besonders interessante Konfrontation mit ihrem Vater haben. Der bereits erwähnte Tony Leung ist zwar zweifellos der Höhepunkt der Besetzung, doch Simu Liu ist ein blasser, biederer Hauptdarsteller, der versucht, ihm irgendeine Art von Persönlichkeit zu verleihen. Seine Vorgeschichte ist zwar unglaublich düster, doch scheint sie ihn als Erwachsenen nur oberflächlich zu beeinflussen, und Shang-Chi entscheidet sich stattdessen dafür, die meisten Charaktereigenschaften durch Humor zu vermitteln, wobei er meist auf Awkwafinas Katy anspielt. Leider fallen die meisten Witze jedoch flach, und Awkafinas eintönige Comedy-Masche wird schnell öde. Die beiden geben ein passables Duo ab, aber wenn die einzigen wirklichen Momente des Charismas des Hauptdarstellers darin bestehen, die zweite Geige nach dem komischen Relief zu spielen, ist es schwierig, sich in die Figur zu versetzen. "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" ist sicherlich nicht unverzeihlich schlecht oder gar schrecklich, aber er ist auch nicht gerade vertrauenserweckend, wenn es um die Fähigkeit des MCU geht, eine neue, fesselnde Generation von Helden zu schaffen, die in die Fußstapfen der ursprünglichen Rächer treten. Während ein interessanter Bösewicht und kreative Kampfszenen dazu beitragen, "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" von der typischen Genrekost abzuheben, lassen ein lausiger dritter Akt und verworrene Charaktereigenschaften für eine Ursprungsgeschichte von Superhelden viel zu wünschen übrig.

Der Film "Harmonium" von Regisseur Kôji Fukada beginnt mit den Klängen des gleichnamigen Instruments, das verstimmt gespielt wird. Die junge Hotaru (Momonemeta Shinakawa), die für ein Konzert übt, erkennt ihre eigenen Unzulänglichkeiten als angehende Musikerin und schaltet ein Metronom ein, um all den verpatzten Noten einen Anschein von Ordnung zu verleihen. Dies steht auch als Metapher für Hotarus Familienleben. Ihre Mutter Akie (Mariko Tsutsui), eine Protestantin, spricht vor dem Frühstück das Tischgebet und plaudert dann mit Hotaru. Ihr atheistischer Ehemann Toshio (Kanji Furutachi) vergräbt sich derweil am Tisch in seine Zeitung und ignoriert die beiden. Er und seine Frau lassen ihre lieblose Ehe einfach weiterlaufen und hoffen, dass die Routine allein ausreicht, um die unterschwelligen und quälenden Dissonanzen in diesem Haushalt zu überdecken. In einer späteren Szene wird sich herausstellen, dass Toshio trotz seiner angeblichen Unbeteiligtheit in Wirklichkeit dem Geschwätz seiner Tochter über eine Spinnenart zugehört hat, deren Junge ihre willige Mutter verschlingen. Dieses trivial anmutende Gespräch wirft unerwartet theologische Fragen über das Wesen von Gut und Böse auf. Kommt die sich aufopfernde Mutter in den Himmel? Werden ihre Kinder in die Hölle kommen? Und war die Mutter nicht selbst einmal ein Kind? Gleichzeitig setzt sie einen Kontrapunkt zu einer Erzählung, in der die Sünden der Eltern auf die Kinder gemünzt werden. Die häusliche Disharmonie der Familie wird durch die Ankunft von Yasaka (Tadanobu Asano) aufgedeckt, einem alten Freund von Toshio, der gerade aus einem 11-jährigen Gefängnisaufenthalt wegen Mordes entlassen wurde. Mit seinem zugeknöpften Hemd, seiner Ordentlichkeit und seiner steifen Art fällt Yasaka sofort als Außenseiter auf, aber er ist auch freundlich, aufmerksam und hilfsbereit, mit anderen Worten, alles, was Toshio nicht ist. Auf ihre unterschiedliche Sichtweise hin lieben Akie und Hotaru ihn beide. Toshio hingegen fühlt, dass er die Rückkehr eines schlechten Gewissens und eines lange vergrabenen Geheimnisses bedeutet. "Harmonium", der an die Familienfilme von Hirokazu Koreeda oder auch Yasujiro Ozu erinnert, mit seiner Kamera als distanziertem Begleiter subtiler und unauffälliger Interaktionen, ist sicherlich ein Familiendrama, aber auch etwas viel Dunkleres, das die in Familienstrukturen verborgene Gewalt und Rachsucht mit einer strengen Spannung einfängt. "Harmonium" ist in zwei diskrete Hälften unterteilt, die durch acht Jahre voneinander getrennt sind und in denen Wiederholungen und Entsprechungen eine Art strukturellen Rhythmus bilden. Der Fokus liegt immer wieder auf den Müttern und einem besonders leuchtenden Scharlachrot der Kleidung, der Blumen und des Blutes. Die metronomischen Impulse früherer Szenen werden durch das ängstliche, zwanghafte Zählen von Akie in späteren Szenen wieder aufgegriffen. Durch die Anwesenheit von zwei Männern verschiedener Generationen, die in Toshios Werkstatt aushelfen, wird der Rhythmus der Familie durcheinander gebracht. Und das fotografische Bild von vier Figuren, die an einem Fluss liegen, wird in der zweiten Hälfte des Films wiederkehren und radikal überarbeitet werden. Wenn man genau hinschaut, so Akie zu Yasake, findet man in dem schönen roten Kleid, das sie gerade für ihre kleine Tochter genäht hat, viele Unvollkommenheiten. Auch "Harmonium" lädt das Publikum dazu ein, die Unstimmigkeiten zu betrachten, die tief im Gewebe der oberflächlichen Symmetrien einer Familie stecken.

Leere Seiten oder leere Bildschirme haben etwas an sich, das verlangt, dass wir sie mit ein wenig von uns selbst füllen. Aus diesem Grund hat sich die Schreibblockade in Filmen wie "Barton Fink" und "Swimming Pool", die sich mit dem kreativen Prozess selbst befassen und ihre eigene phantasievolle Konstruktion von etwas aus dem Nichts dramatisieren, als so gängiges erzählerisches Mittel erwiesen. Im Film "Poetry" des südkoreanischen Regisseurs Lee Chang-dong steht die rüstige sechzigjährige Mija (Yun Jeong-hie) vor ihrem eigenen leeren Blatt. Sie hat gerade einen Poesiekurs belegt, um ihr in der Schulzeit erkanntes und dann aufgegebenes Talent wiederzubeleben, und soll bis zum Ende des Monats ein Gedicht schreiben. Die Inspiration kommt nicht von ungefähr. Ihre Bemühungen, sich selbst auszudrücken, werden durch die ersten Symptome einer Demenzerkrankung behindert, während ihre Bestrebungen, das Schöne im Alltag zu finden, durch die Entdeckung, dass ihr unbeholfener jugendlicher Enkel Wook (Lee Da-wit) eine widerwärtige und skrupellose Rolle bei dem kürzlichen Selbstmord eines 16-jährigen Mädchens spielte, ernsthaft in Frage gestellt werden. Doch aus all ihren Gefühlen der Trauer und des Leids, der Schuld und des Bedauerns wird Mija ihr erstes und womöglich letztes Gedicht schreiben. Ein Lied von Unschuld und Erfahrung, das, wie einer ihrer Dichterkollegen es ausdrückt, einen Wald der Leere schaffen wird. In Mijas erster Poesiestunde hält der Lehrer einen einfachen Apfel hoch und sagt zu seinen Schülern, wenn man etwas wirklich sieht, kann man es natürlich auch fühlen. Ein solcher Naturalismus bestimmt auch die Poetik von Lee Chang-dongs Film, in dem auf übersteigerte Ästhetik, Spezialeffekte und sogar auf eine musikalische Untermalung verzichtet wird, um sich auf das Gewöhnliche zu konzentrieren und es uns zu überlassen, unsere eigenen Gefühle in all der leeren Alltäglichkeit von Mijas Leben zu finden. Die bekannteste koreanische Schauspielerin, Yun Jeong-hie, kehrte aus ihrem 16-jährigen Ruhestand zurück, um Mija zu spielen, und ihre Darstellung ist der Mittelpunkt des kompletten Films. Doch paradoxerweise bezieht die Schlusssequenz von "Poetry" ihre emotionale Wirkung aus ihrer Abwesenheit. Wo ist sie hin? fragt der Lehrer, wenn alles, was von Mija übrig bleibt, Poesie ist, und wie bei jeder anderen Lyrik auch, wird diese am besten von denen verstanden, die bereit sind, zwischen den Zeilen zu lesen.

Wer hier noch nie über die wörtliche Bedeutung des Begriffs "Kniefall" nachgedacht hat, könnte etwas aus dem inszenierten Dokumentarfilm "Paths of the Soul" des chinesischen Regisseurs Zhang Yang lernen, der ein gutes Dutzend tibetischer Dorfbewohner auf einer 1.200 Meilen langen Pilgerreise durch den Himalaya nach Lhasa begleitet, die der buddhistischen Tradition folgt. Dies wäre schon eine beschwerliche Wanderung, aber die Herausforderung wird noch dadurch erhöht, dass sich die Pilger alle paar Schritte auf den Bauch fallen lassen und die Stirn auf die Erde legen müssen. Um ihren Körper zu schützen, tragen sie Lederschürzen und haben Holzbretter an ihre Hände geschnallt, die ein Geräusch wie das Klicken von Kastagnetten erzeugen. In Ermangelung einer konventionellen Filmmusik wird dieses Geräusch zum zentralen Bestandteil des Soundtracks des gesamten Films. "Paths of the Soul" ist nicht ganz Fiktion, nicht ganz Dokumentarfilm. Aus Berichten geht hervor, dass die Reise, die wir sehen, real ist, und die Laiendarsteller Versionen ihrer selbst spielen. Aber es hat auch den Anschein, dass Yang Zhang die Ereignisse in der Manier eines Reality-TV-Produzenten manipuliert hat, indem er beispielsweise dafür sorgte, dass eine schwangere Frau Teil der Gruppe war, um eine Sequenz rund um die Geburt ihres Kindes aufzubauen. Allerdings entspringt die begrenzte Dramatik hier eher der Natur, etwa einer drohenden Lawine oder Überschwemmung, als den Konflikten zwischen den Charakteren, die sowohl in der erklärten Fiktion als auch im Reality-TV üblich sind. Während die Pilger nach Alter und Geschlecht variieren, erfahren wir wenig über sie als Individuen. Der Großteil der Handlung ist in Totalen gefilmt, als ob es wichtiger wäre, die Berge im Blick zu behalten, als uns die Gesichter der Figuren sehen zu lassen. Auch spirituell bleibt "Paths of the Soul" auf Distanz und geht schnell an der Frage vorbei, warum sich jemand überhaupt auf diese anstrengende und riskante Reise begibt. Yang Zhang, der selbst nicht religiös ist, scheint das Beste aus beiden Welten haben zu wollen, indem er ein vages Gefühl von Erhabenheit erzeugt und gleichzeitig buddhistische Rituale als charmant und wunderlich darstellt. Es überrascht nicht, dass in einem chinesischen Film über Tibet politische Themen völlig außen vor bleiben, obwohl es bemerkenswert ist, dass die Charaktere keine Probleme zu haben scheinen, ihre traditionelle Lebensweise beizubehalten. Kurz gesagt, es ist ein beruhigender Film mit wenig Substanz. Dass man zwei Stunden lang das Interesse aufrechterhalten kann, hängt von der Begeisterung für Berglandschaften und für das Beobachten von Menschen ab, die sich anbiedern. Für mich hat der Reiz schnell nachgelassen. Der unpolitische buddhistische Dokumentarfilm franst schon nach kurzer Zeit aus.

"Ryna" von Regisseurin Ruxandra Zenide spielt in einer kleinen rumänischen Stadt im Donaudelta, wo ein Fluss auf das Meer trifft, einem Dorf, das stellvertretend für jede arme und etwas rückständige Gemeinde irgendwo stehen könnte, wo ein 16-jähriges Mädchen aufgrund seines Reifegrades zu einer lebenswichtigen Identitätsfrage gelangt ist, die gelöst werden muss. Auch sie gilt als Stellvertreterin. Einerseits ist Ryna (Doroteea Petre) das kleine Mädchen ihres Vaters, dessen Fähigkeiten im Bereich der Automechanik inzwischen die seinen übertreffen. Sie ist sich ihrer Rolle als der Sohn, den er sich immer gewünscht hat, voll bewusst und erfüllt sie in jeder Hinsicht, bis hin zum Tragen von Arbeitsanzügen und anderen weiten Kleidungsstücken, um die Merkmale ihres Geschlechts zu verbergen, die nun im Konflikt mit dem burschikosen Wesen stehen, das dem Vater so gut gefällt. Selbst als er darauf besteht, ihr wunderschönes, lockiges schwarzes Haar auf eine Knabenlänge abzuschneiden, unterwirft sie sich. Ohne die Locken hat sie einen Teil ihrer weiblichen Anziehungskraft eingebüßt, aber die natürliche Schönheit und das mutige Temperament ihrer Persönlichkeit bleiben unangetastet. Man kann seine Blicke einfach nicht von diesem Mädchen abwenden. Biri, ihr Vater (Valentin Popescu), ist ein rauer Kleinbauer, der zum Alkohol, zur Habgier und zum schlechten Urteilsvermögen neigt. Als Mann und Ernährer seiner Familie besteht seine einzige Tugend offenbar in der Sensibilität und angeblichen Liebe, die er seiner Tochter entgegenbringt. Seine Frau und Rynas Mutter (Aura Calarasu) und Großvater George (Matthieu Roz'), dessen Liebe und Schutz verlässlich und umfassend sind, vervollständigen den Familienkreis. Aber je mehr sie heranwächst, desto deutlicher wird, dass sie der Stadtfang ist, auf den die Männer ein Auge geworfen haben. Der Briefträger (Theodor Delciu), für den sie eine Vorliebe zeigt, gesteht ihr seine Liebe, Marcu (Constantin Ghenescu), ein französischer Arzt, kommt mit einem Motorproblem an den Straßenrand und wird bald zu einem ihrer Höflinge, und der schleimige Bürgermeister lässt sein lüsternes Interesse und seine Schikanen erkennen. Was Biris geschäftliche Sorgen nur noch vergrößert, denn es wird deutlich, dass immer weniger Menschen Reparaturen benötigen, was zu einer Reihe von Maßnahmen führt, die die Situation der Familie nachhaltig beeinflussen dürften. Zunächst nimmt er Ryna mit auf einen seiner nächtlichen Streifzüge, bei denen Papas kleiner Schmieraffe unter Autos krabbelt, um sie auf irgendeine Weise mechanisch zu verunstalten. Die Idee spricht Rynas Gefühl dafür an, wer sie jetzt ist, und sie behauptet ihr Frausein gegenüber einem Vater, der es nicht wahrhaben will und einen weiteren drohenden Verlust nicht verkraften kann. Aber sie ist in größerer Gefahr, als sie ahnt, denn sie muss im Lastwagen warten, wenn ihr Vater die Dorfkneipe besucht, wo er sich besäuft. Sie wartet, ausgeliefert jeglicher Gefahr, bis sie feststellt, dass er nach Hause gefahren werden kann. All dies ist eine Demonstration der kreativen Magie, die möglich ist, wenn es eine perfekte Synergie zwischen Geschichte und Star gibt. Drehbuchautorin und Regisseurin Ruxandra Zenide hätte die Familientragödie von ihr und Co-Autor Marek Epstein nicht besser umsetzen können als durch die Augen, das Temperament und die Entwicklung dieser jugendlichen Figur, die von Doroteea Petre so ausdrucksstark zum Leben erweckt wird. Wenn "Ryna" so viele Zuschauer findet, wie er es verdient, sollte er sich als ein Talent auszeichnen, das dazu bestimmt ist, einen tiefen Eindruck im internationalen Kino zu hinterlassen. Wie gesagt, ich konnte meine Augen nicht von diesem Mädchen lassen. Und alle Faktoren, die ihr Schicksal beeinflussten, konnten mich nicht mehr aus der Fassung bringen.

In "Nymph" des thailändischen Regisseurs Pen-Ek Ratanaruang gleitet die Kamera flüssig durch die Baumkronen eines Dschungels hinab zum Boden und zeichnet beiläufig den Weg einer verzweifelten Frau auf der Flucht und ihrer beiden männlichen Verfolger auf. Dann kehrt sie die Richtung um und umkreist einen Baum bis zum sandigen Ufer eines Baches, wo sie wieder in die Baumkronen aufsteigt. Sie bewegt sich durch die Luft über das Wasser zu den gegenüberliegenden Baumkronen, bevor sie sich wieder einer Luftaufnahme des Baches zuwendet, in der die Leichen der beiden mutmaßlichen Vergewaltiger schwimmen, bevor die Kamera wieder abtaucht und auf einige umgestürzte Bäume am Flussufer zusteuert. Selten sind Eröffnungssequenzen so bravourös wie diese. In dieser einzigen, ungeschnittenen Einstellung, die mehrere Minuten dauert, scheint es fast unmöglich zu sein, handgeführte Aufnahmen, fahrende Drohnen und Kranarbeiten zu kombinieren und gleichzeitig ein Ereignis einzufangen, dessen Einzelheiten im Dunkeln bleiben. Mehr noch, trotz der unheimlich kantigen Richtungswechsel der Kamera und der unnatürlichen Sprünge vom Waldboden zur Krone des Laubes und wieder zurück, macht das gelegentliche Geräusch weiblichen Atmens, das sich in das Ächzen und Vogelgezwitscher des Dschungels einmischt, deutlich, dass das, was wir beobachten, in all seiner rätselhaften Paradoxie den Standpunkt einer unsichtbaren und scheinbar übernatürlichen Gestalt inmitten der Bäume darstellt. Dieser Auftakt könnte den Eindruck erwecken, dass "Nymph" ein Horrorfilm ist. Dieser Gedanke wird durch die anschließende Einführung des männlichen Protagonisten Nop (Jayanama Nopachai) verstärkt, der mit einer altmodischen Kamera Fotos von einem Mann auf dem Lande macht, der von Geistern spricht. Der Umstand, dass Nop dann gezeigt wird, wie er seinen eigenen Film in einer privaten Dunkelkammer entwickelt, scheint der entscheidende Hinweis auf das Genre zu sein, denn es handelt sich bis auf das fotografische Thema und das thailändische Setting um ein Remake von "Shutter" der Regisseure Banjong Pisanthanakun und Parkpoom Wongpoom aus dem Jahr 2004. Ist es aber nicht. Denn während das, was in diesem siebten Spielfilm von Pen-Ek Ratanaruang folgt, sicherlich creepy und mysteriös ist, liegt der wahre Fokus hier auf der Fäulnis, die in einer städtischen Ehe Wurzeln geschlagen hat. Die Beziehung zwischen Nop und seiner Frau May (Wanida Termtanaporn) hat schon lange den Geist aufgegeben, und sie hat schon seit einiger Zeit eine Affäre mit ihrem Chef Korn (Chamanum Wanwinwatsara). Doch als das Paar einen Campingausflug in den Dschungel unternimmt und Nop kurz darauf verschwindet, nachdem er einen uralten Baum fotografiert und umarmt hat, findet sich May in ihren anhaltenden Gefühlen für ihren Mann nicht weniger verloren wieder, als sie es im Dschungel war, bevor sie sich schließlich der Urgewalt stellte, die ihn von ihr weggelockt hat. In "Nymph" werden wir durch eine berauschende, atavistische Landschaft geführt, die dem Verstand und dem Herzen ebenso gehört wie den konventionellen Räumen der Topografie, obwohl hier die manische Trauer und Wut durch die ruhigeren, aber ebenso zerstörerischen Kräfte der Zeit, der Natur und des Verfalls ersetzt wurden, die Fabrice Du Welz' ähnlichen Film "Vinyan" antrieben. "Nymph" besticht durch wunderschöne Aufnahmen und ein atemberaubendes Sounddesign, bei dem sich das Waldambiente nahtlos mit Koichi Shimizus elektro-perkussiver Filmmusik vermischt. Der Film ist letztlich wie die lange Eröffnungssequenz bedächtig, schematisch und etwas irreführend, aber gerade deshalb kunstvoll, weil er nur das zeigt, was er wirklich enthält, und es dem Betrachter überlässt, die Bedeutung dessen, was er gesehen hat, und das, was in den schattenhaften Ellipsen, die im Off geblieben sind, passiert sein könnte, zu ergründen.

Regisseur Nathan Grossmans "I am Greta" über Greta Thunberg und ihre leidenschaftliche Aufforderung an die Staats- und Regierungschefs der Welt, sich mit dem Klimawandel auseinanderzusetzen, ist weniger ein Dokumentarfilm über eine Aktivistin als vielmehr ein Film über eine Akteurin. Wie der Titel schon andeutet, konzentriert sich der Film weniger auf die globale Erwärmungskrise oder die von Jugendlichen angeführte Umweltbewegung als vielmehr auf die Person, die sich in den letzten zwei Jahren an die Spitze dieser Bewegung katapultiert hat und dabei sowohl den Zorn als auch die gönnerhafte Bewunderung von Staatsoberhäuptern auf sich gezogen hat. Dieser individuelle Ansatz hat seinen eigenen Wert. Es ist sicherlich sinnvoll, eine junge Frau zu vermenschlichen, deren bekannte Asperger-Diagnose zu grausamen Unterstellungen von rechtsextremen Schurken wie Lou Dobbs und Rush Limbaugh über ihre geistige Gesundheit und ihre angebliche Manipulierbarkeit durch ihre Eltern, durch die Sozialisten, durch George Soros und durch jeden vagen antisemitischen Unruhestifter geführt hat, den die Rechte für den Moment ausgeheckt hat. Grossmans Kamera begleitet Greta Thunberg von April 2019 bis zu ihrer Reise mit dem Segelboot in die Vereinigten Staaten zu einer Konferenz der Vereinten Nationen im September 2019 und gewährt einen umfassenden Einblick in ihr Leben, das in mancher Hinsicht immer noch dem eines typischen Teenagers gleicht. Wir sehen, wie ihr Vater Svante sein Leben an ihren Zeitplan und ihre Ambitionen anpasst, wie er früh aufsteht, um sie zu Gipfeln zu fahren, als wäre sie in einer Sportmannschaft, und wie ihre Mutter Malena ihr Mittagessen einpackt und vor Stolz darüber weint, dass ihre Tochter mit 16 Jahren bereits eine bedeutende Frau geworden ist. Als ständiger Begleiter von Greta Thunberg steht ihr Vater im Film mehr im Mittelpunkt als ihre Mutter. Das bewegendste Bild, das Grossman in einem so intimen Moment einfängt, ist das von Svante, der Lebensrettungskurse besucht, für den Fall, dass ein Anschlag auf Thunbergs Leben verübt wird. Im Übrigen entpuppt sich "I am Greta" fast als ein Film über die tiefe Selbstlosigkeit guter Väter. Svante erzählt, wie Greta Thunberg, die sich oft überfordert fühlt und zeitweise abschalten muss, fast vier Jahre lang an selektivem Mutismus litt und nur mit ihrer Schwester und ihren Eltern sprach. Der Sinn, den sie im Klimaaktivismus gefunden hat, scheint sie für den Moment vom Schlimmsten ihrer Widerspenstigkeit geheilt zu haben. Das zeigt sich nicht nur daran, dass sie in der Lage ist, auf einigen der größten Bühnen der Welt selbstbewusst zu sprechen, sondern auch an den neuen Verbindungen, die sie mit anderen jungen Klimaaktivisten in ganz Europa knüpfen kann. "I am Greta" zeigt, dass ihre unwahrscheinliche Verwandlung in die faktische Anführerin einer Millionenbewegung die heroische, poetische Ironie in sich trägt, dass der Zustand, der ihr das gesellschaftliche Leben zum Kampf machen kann, auch einen Teil ihrer Persönlichkeit bildet, der ihren kompromisslosen Antrieb und damit ihren Aufstieg ermöglicht. Weniger inspirierend sind die Einblicke, die Grossman uns in die Diplomatie hinter Greta Thunbergs mitreißenden Reden gewährt. Wir erhalten zum Beispiel ausführliche Aufnahmen von Thunbergs vielbeachtetem Treffen mit Emmanuel Macron. Die plumpen, herablassenden Fragen des französischen Präsidenten zeigen, wie ernst er den schwedischen Teenager nimmt, aber auch Thunberg kommt in solchen Aufnahmen nicht besonders gut weg, da sie zumindest in den Aufnahmen, die Grossman zeigt, in großen Allgemeinplätzen spricht. In jedem Fall wird deutlicher als je zuvor, zumindest für den Betrachter, dass die europäischen Staats- und Regierungschefs in Thunberg nicht mehr als einen bloßen Fototermin sehen, eine Requisite, die den Anschein erwecken soll, sie würden etwas unternehmen. Das hat auch Greta Thunberg erkannt: "Ich verstehe ehrlich gesagt nicht, warum ich überhaupt eingeladen bin", gesteht sie verzweifelt, nachdem Jean-Claude Juncker, der ehemalige Präsident der Europäischen Kommission, ihre Rede vor dem EU-Parlament im Wesentlichen unbeachtet lässt. Mit seinen aufmunternden Bildern von Greta Thunberg, die sowohl vor einer Menge von Demonstranten als auch vor führenden Politikern der Welt steht, hat man das Gefühl, dass "I Am Greta" inspirierend sein will, aber wenn es darum geht, Hoffnung auf Maßnahmen gegen den Klimawandel zu wecken, provoziert es hauptsächlich Frustration. Genau das Gefühl, das Greta Thunberg vor der UN-Generalversammlung zu Tränen treibt. Was der Film, vielleicht unbeabsichtigt, offenbart, ist, dass die Machthaber, so mutig und selbstlos Thunberg auch ist, ihr nicht zuhören. Selbst diejenigen, die scheinbar gute Absichten haben, wie Arnold Schwarzenegger, antworten auf ihr Argument für einen ganzheitlichen Ansatz zum Klimawandel mit leerem Gewäsch wie: "Nein, absolut, die Punkte zu verbinden ist ein sehr guter Punkt". Solche Momente sind zweifellos aufschlussreich, aber an solchen Stellen fühlt sich "I Am Greta" auch weniger substanziell an, als es hätte sein können. Der Film konzentriert sich zu sehr darauf, eine Ode an sein Thema zu verfassen, etwas, das bereits durch eine Million Denkanstöße und Tweets erreicht wurde. Die Verherrlichung einer Person lässt es ein wenig zu sehr so aussehen, als sei sie gekommen, um uns alle zu retten, als sei ihr Einsatz genug. Auch wenn es um eine Person geht, die mit Mut über die Dringlichkeit der globalen Krise spricht, besitzt "I Am Greta" selbst nicht genug von dieser Dringlichkeit.

Es gibt so viel zu bewundern an Jean-Xavier de Lestrades langer Dokumentarserie "The Staircase", dass man leicht die Frage aus den Augen verliert, die im Mittelpunkt der Serie steht. Diese Frage steht am Anfang, und sie taucht sporadisch wieder auf, aber die meiste Zeit der etwa achtstündigen Laufzeit der Serie wird der Zuschauer von der zermürbenden Logik des Prozesses abgelenkt sein. Es handelt sich um eine Vorführung über einen Mord, einen echten Mord, ein echtes Opfer, aber die Frage was geschehen ist scheint in diesem Krimi in einer Flut von juristischen Wertungen unterzugehen. Zudem ist die Serie kein neutraler Teilnehmer. Anfangs sieht es so aus, da sowohl der Angeklagte als auch die Ermittler zu Wort kommen, doch im weiteren Verlauf wird die Dokumentation zu einem Bericht über die Verteidigung und die Bemühungen, den Beschuldigten zu entlasten. Es gibt viele Fakten, auch wenn das Fehlen von Zeugen in diesem Fall einige davon anfechtbar macht. Unstrittig ist der Tod von Kathleen Peterson, die von ihrem Ehemann, dem Schriftsteller Michael Peterson, am Fuße einer Treppe in ihrem Haus in Durham, North Carolina, gefunden wurde. Es ist Michaels Stimme, die man beim Notruf hört, und seine Version der Ereignisse zu diesem Zeitpunkt ist, dass Kathleen die Treppe hinuntergefallen ist und im Sterben liegt, wenn auch noch nicht tot ist. Michael, ein Geschichtenerzähler, fügt später noch einige Details hinzu. Es war ein schöner Abend, sie hatten sich eine DVD angesehen und waren nach draußen an den Pool gegangen. Nach einer Weile ging Kathleen ins Bett, und das, sagt Michael, war das letzte Mal, dass er seine Frau lebend gesehen hat. Dann korrigiert er sich. Nein, sie war noch am Leben, als er sie gefunden hat. Hat er es getan? An dieser Stelle in der Geschichte könnte man das annehmen. Die Polizei ist sich sicher. Art Holland, der leitende Ermittler, stellt fest, dass sie sehr viel Blut auf dem Boden und an den Wänden verloren hat. Das passt einfach nicht zu ihrem Sturz die Treppe hinunter. Jim Hardin, der Bezirksstaatsanwalt, glaubt, dass sie zu Tode geprügelt wurde. Die Fotos der Toten sind wirklich grausam und zeigen zahlreiche Platzwunden am Kopf. Und so beginnt das Gerichtsverfahren. Langsam, aber stetig scheint die Frage, wer es getan hat, zu verschwinden und durch eine andere, subtil andere Frage ersetzt zu werden, die durch die Bemühungen seines Anwalts David Rudolf neu formuliert wurde. Stattdessen geht es nun darum, zweifelsfrei zu beweisen, dass Peterson seine Frau nicht ermordet hat. So funktioniert natürlich das Rechtssystem, und es ist nicht unbedingt dasselbe wie die Wahrheitsfindung. An einer Stelle spricht Rudolf über das schottische Urteil "nicht bewiesen", obwohl das in North Carolina keine Option ist. "The Staircase" ist eine merkwürdige Form des Krimis. Er hat nichts von der Kunstfertigkeit fiktiver Mordgeschichten, obwohl es einige schockierende narrative Wendungen gibt. Man beachte das Fehlen eines Feuerhakens. Juristisch gesehen ist "The Staircase" interessant. Im Kern geht es um eine außergewöhnliche Studie über den Charakter eines Mannes, Michael Peterson, einen Geschichtenerzähler, der in seinem eigenen Drama gefangen ist und mitspielt. Ist er schuldig? In einigen Dingen sicherlich. Wird ihm Gerechtigkeit widerfahren? Technisch gesehen, vielleicht, am Ende. Auf manche Fragen gibt es keine guten Antworten, aber wenn man sich mit ihnen beschäftigt, kann der neutrale Beobachter zu einem Experten für die Analyse von Blutspuren werden. Wird hier Gerechtigkeit geübt, oder sehen wir, wie man mit einem Mord davonkommt?

"Invisible Waves" ist die zweite Zusammenarbeit des Regisseurs Pen-Ek Ratanaruang mit der Autorin Prabda Yoon, dem Kameramann Chris Doyle und dem Schauspieler Tadanobu Asano. Es ist die scheinbar einfache Geschichte eines Japaners im Exil und auf der Flucht. Die Erzählung von "Invisible Waves" ist "scheinbar einfach", denn wie die zarten Bilder, aus denen sie sich zusammensetzt, ist die Geschichte eine Reihe von Andeutungen und Ellipsen, die der Betrachter selbst ergänzen und ausmalen muss. Alles sind entsättigte Weitwinkelaufnahmen oder schräge Nahaufnahmen von allem, was kein Gesicht hat. Jede Beschreibung der Handlung ist notwendigerweise vorläufig und provisorisch. Auf dem Papier mag "Invisible Waves" wie ein weiterer asiatischer Action-Polizei- oder Rachethriller klingen, aber in Wirklichkeit ist er viel abstrakter und schwer fassbarer, denn der Film zeigt nur ein indirektes Interesse an der Darstellung von Gewalt, und wenn er auch ein launischer Film Noir ist, ist er auch teils absurde Komödie, teils erlösendes Psychodrama, teils Geistergeschichte, teils melancholisches Porträt der Entfremdung mit drei verschiedenen Inseln als Schauplätzen und einem Mann aus einem vierten Inselstaat als Protagonisten und teils metaphysischer Reisebericht über die stygische Überfahrt vom Leben zum Tod. Es bleibt die Frage offen, ob Tadanobu Asanos Figur zu Beginn der Ereignisse tot sein könnte. Eine Unklarheit, die an den geplagten Protagonisten von John Boormans ähnlich rachsüchtigem "Point Blank" erinnert. Die Idee, dass Kyoji (Tadanobu Asano) in einer Vorhölle verloren sein könnte, in der sich kriminelle und höllische Unterwelten treffen, wird durch die Besetzung von Eric Tsang als Mönch und durch Anspielungen auf "Gozu" unterstützt. "Gozu" wurde von Ratanaruangs altem Freund Takashi Miike inszeniert und handelt wie "Invisible Waves" von einem kleinen Gangster, der zu einem Ausflug in eine alptraumhafte Zwischenwelt verdonnert wird, und vom ausgiebigen Trinken von Milch. Diese Auffassung von "Invisible Waves" als einem Film, der in einem fließenden Raum zwischen Leben und Tod spielt, wird durch seinen prominentesten Bezugspunkt, Stanley Kubricks erschreckendem Übernaturenthriller "The Shining", noch unterstrichen. Der wechselnde Schauplatz von Kyojis Gespräch mit dem jenseitigen Barkeeper, das in einer ansonsten leeren Bar beginnt und im angeschlossenen Badezimmer endet, ist eindeutig an Jack Nicholsons unheimliches Gespräch mit dem zum Barmann umfunktionierten Hausmeister Grady angelehnt. Die verwinkelten Straßen von Macao, die verschiedenen Decks des Kreuzfahrtschiffs und die sich schlängelnden Korridore des thailändischen Hotels verschmelzen zu einem einzigen höllischen Labyrinth, ähnlich wie die Hotelkorridore und das Gartenlabyrinth in Kubricks Film, und das Graffitogramm "Redrum" prangt auffällig auf einem Bild in Kyojis Hotelzimmer und wird in einem Spiegel wiederholt seitenverkehrt gezeigt. Doch "Invisible Waves" ist nur der leiseste Hauch eines Horrorfilms, ohne die für dieses Genre typischen reißerischen Elemente oder Spezialeffekte, auch wenn er bei aller Zurückhaltung nicht weniger eindringlich ist. Im Laufe der Jahre hat sich der Schauspieler Tadanobu Asano als einer der besten Vertreter der Ruhe im Kino etabliert, und die Stille, die er hier ausstrahlt, unterstützt durch den vibrierenden Soundtrack von Hualampong Riddim, durchdringt den Film mit einer gedämpften Stille, die durch die düstere Farbgebung von Chris Doyle ergänzt wird. Dieses melancholische Unterniveau verleiht "Invisible Waves" seine Poesie, die auf ungeahnte Tiefen unter der kräuselnden Oberfläche hindeutet. Es sind Gewässer, die es wert sind, mehr als einmal durchquert zu werden.

Der erste Spielfilm von Regisseur Gilles Mimouni, "Lügen der Liebe", ist ein rätselhafter, von Alfred Hitchcock inspirierter romantischer Thriller und eine technische Meisterleistung. Die Handlung ist spannend, durchweg aufregend, gut geschauspielert und raffiniert umgesetzt. Max (Vincent Cassel) ist ein junger, aufstrebender Firmenchef, der gerade aus New York in seine Heimatstadt Paris zurückgekehrt ist. In New York hat er sich frisch in Muriel (Sandrine Kiberlain), die Schwester seines Chefs, verliebt und will ihr einen Verlobungsring schenken. In einem Café trinkt Max mit seinem Chef und seinem japanischen Kunden und will gerade zu einer Geschäftsreise nach Tokio fliegen, als er die Stimme von Lisa (Monica Bellucci) aus einer Telefonzelle hört. Sie ist die schöne Schauspielerin, die ihn vor ein paar Jahren sitzen gelassen hat und verschwunden ist. Aber Lisa ist zur Tür hinaus, bevor er sie erreichen kann, und so beschließt Max impulsiv, nach seiner verlorenen Liebe zu suchen, anstatt die Geschäftsreise anzutreten, und bittet seinen besten Freund Lucien (Jean-Philippe Ecoffey), den Besitzer eines Damenschuhgeschäfts, um Hilfe. Man merkt, dass dies ein französischer Film ist, denn die Romantik kommt vor dem geschäftlichen Teil. In der Gegenwart erleben wir, wie Max in Hochstimmung gerät, als er glaubt, Lisa gefunden zu haben. Sie entpuppt sich jedoch als Alice (Romane Bohringer), die Doppelgängerin von Lisas Mitbewohnerin, die die Dinge noch verwirrender macht, indem sie Max nicht sagt, dass sie diejenige ist, in die sich Lucien verliebt hat, und andere Lügen. Die liebeskranke Alice nutzt nun ihre Verletzlichkeit, um den empfänglichen Max zu verführen, den sie noch nie getroffen, aber immer begehrt hat. In der Zwischenzeit hat Lisa eine heftige Affäre mit dem reichen, verheirateten Daniel (Olivier Granier), einem besessenen Mann, der von Lisa so angetan ist, dass er sogar einen Mord begehen würde, um sie nicht zu verlieren. Nahtlos verwebt Gilles Mimouni Vergangenheit und Gegenwart zu einer ebenso komischen wie spannenden Geschichte mit vielen Wendungen und einem schockierenden Ende, das nicht ganz befriedigend ist, aber durchaus Sinn macht, weil es dem entspricht, was Gilles Mimouni bezweckt hat. In Amerika wurde er als "Sehnsüchtig" mit einem fehlbesetzten Josh Hartnett in der Hauptrolle schwach neu verfilmt.

Der neue Dokumentarfilm des oscarnominierten Regisseurs Rory Kennedy mag eine recht nüchterne Aufarbeitung des Skandals um die Boeing 737 MAX bieten, doch die Fakten des Films mit dem bezeichnenden Titel "Absturz: Der Fall gegen Boeing" sind einfach zu erdrückend, um nicht ins Schwarze zu treffen. Es versteht sich von selbst, dass alle außer den Flugangstgeplagten unter uns die Sicherheit von Flugzeugen für selbstverständlich halten. Schließlich ist es um Größenordnungen wahrscheinlicher, dass wir in unserer täglichen Hektik sterben, als dass wir bei einem Flugzeugabsturz ums Leben kommen. Bis 2018 stand die Wertschätzung der Öffentlichkeit für Boeing, den führenden Flugzeughersteller, nie in Frage. Doch nach den tödlichen Abstürzen zweier Boeing 737 MAX im Oktober 2018 und März 2019, bei denen insgesamt 346 Menschen ums Leben kamen, wurde der Ruf des Unternehmens von Ermittlern, den Medien, der Öffentlichkeit und natürlich den Familien der Opfer in Frage gestellt. Was folgt, ist eine zutiefst erschütternde und entsetzliche Enthüllung von Boeings emsigen Versuchen, die Schuld des Unternehmens an den Abstürzen zu verbergen, die beide mit ethischeren Geschäftspraktiken völlig vermeidbar gewesen wären. Rory Kennedys Dokumentarfilm zeichnet effizient die Mittel nach, mit denen die beiden Abstürze von der Weltöffentlichkeit analysiert wurden. Nach dem Absturz in Jakarta 2018 wurde in den Massenmedien die Schuld auf die Fluggesellschaft, auf angeblich inkompetente Piloten, die, wie sich herausstellte, in den USA ausgebildet wurden, und auf fast jeden außer Boeing selbst geschoben. Die Öffentlichkeit konnte sich einfach nicht vorstellen, dass der Absturz durch ein Problem auf Seiten von Boeing verursacht wurde, so groß war das unerschütterliche Vertrauen in das Luftfahrtunternehmen. Als Absturzursache wurde schließlich ein Konstruktionsfehler in der MCAS-Flugstabilisierungssoftware festgestellt, über dessen Existenz Boeing viele Piloten nicht einmal informiert hatte. Sowohl die Gesellschaft als auch die Pilotengewerkschaften reagierten schnell und zu Recht heftig, doch Boeing blieb entrüstet und weigerte sich trotz des wachsenden Drucks, die 737 MAX-Linie aus dem Programm zu nehmen. Der zweite Absturz in Äthiopien, 19 Wochen später, war dann der Tropfen, der das Fass zum Überlaufen brachte. Da Boeing sich immer noch weigerte, ein Konstruktionsproblem mit seinen Flugzeugen zu akzeptieren, und die FAA nicht bereit war, ein pauschales Flugverbot zu verhängen, mussten die einzelnen Länder ihre eigenen Maßnahmen ergreifen. Der Großteil von "Absturz: Der Fall gegen Boeing" befasst sich mit den Bemühungen von Journalisten, Politikern und Angehörigen der Opfer, Boeing für die Geschehnisse zur Rechenschaft zu ziehen, obwohl das Unternehmen unweigerlich Washingtoner PR-Fritzen anheuerte, um die Piloten zu verleumden und sicherzustellen, dass der Aktienkurs des Unternehmens so wenig wie möglich beeinträchtigt wurde. Rory Kennedy stellt diesem Abriss des Rufs von Boeing in der Öffentlichkeit einen Reisebericht über die Ursprünge des Unternehmens und den unvergleichlichen Ruf gegenüber, den es sich über viele Jahrzehnte durch Innovation und Sicherheit erworben hat. Mit ihren großen Verkehrsflugzeugen machten sie das Reisen für Millionen Menschen erschwinglich, aber nach der Fusion von Boeing mit dem Luft- und Raumfahrtriesen McDonnell Douglas im Jahr 1996 änderte sich die Unternehmenskultur völlig. Mit der Vereidigung einer neuen Führungsriege wurde Boeing fleißig auf die Anhäufung von Reichtum ausgerichtet und war pathologisch auf die Steigerung der vierteljährlichen Aktionärsrenditen fixiert. Während es mehr als zwei Jahrzehnte später dauern sollte, bis der Ruf von Boeing in der Öffentlichkeit in Mitleidenschaft gezogen wurde, stellte sich innerhalb des Unternehmens schnell heraus, dass die Sicherheit dem Geld geopfert wurde. Die Kosten wurden gesenkt, Mitarbeiter wurden massenhaft entlassen, und wie ein ehemaliger Mitarbeiter sagt, war es, als würden sie Waschmaschinen herstellen. Diese Probleme verschärften sich noch, als der Konkurrent Airbus im Jahr 2003 den Marktanteil von Boeing überholte, was zu Verzweiflung auf der Führungsebene führte. Unliebsame Mitarbeiter, die Bedenken äußerten, wurden gefeuert, versetzt oder sogar um ihr Gehalt gebracht, und anstatt einen echten Nachfolger für die 737 zu entwickeln, um mit Airbus zu konkurrieren, beschlossen die Verantwortlichen bei Boeing stattdessen, die jahrzehntealte 737 zu ihrem Derivat MAX umzubauen. Dadurch waren weniger FAA-Zulassungen erforderlich und die Piloten mussten nicht umgeschult werden, auch wenn die fatale Stabilisierungssoftware heimlich eingebaut wurde. Der Plan schien sich mit rekordverdächtigen Bestellungen für die 737 MAX auszuzahlen, doch weniger als 18 Monate nach ihrer Inbetriebnahme kam es zur Katastrophe. Die anschließende Untersuchung trug nicht dazu bei, das Ansehen von Boeing in der Öffentlichkeit zu verbessern. Belastende Dokumente belegen, dass sich das Unternehmen des Risikos des Flugzeugs voll bewusst war und eine Kultur der Ausflüchte pflegte, die darauf abzielte, die Aufsichtsbehörden mit "Jedi-Gedanken" (ihre eigene Wortschöpfung) auszutricksen, um die Zulassung des Flugzeugs zu erhalten. Es ist eine ekelerregende Informationsflut, die mit erschütternden Aufnahmen von Familien, die die Absturzstellen besuchen und trauern, unterbrochen wird. Rory Kennedy spricht auch mit mehreren Angehörigen der bei den Abstürzen Getöteten und fängt die weit verbreitete Trauer ein, die ein Flugzeugunglück auslösen kann und die Hunderte von Familien auf der ganzen Welt auseinanderreißt. Das ist die Last der Verantwortung, die ein Flugzeughersteller trägt, und deshalb ist es so wichtig zu sehen, wie der damalige CEO von Boeing, Dennis Muilenburg, vor dem Kongress im Beisein der Hinterbliebenen angeklagt wird. Auch wenn es einfach ist, zu behaupten, das Unternehmen habe mit Menschenleben gespielt und es habe sich nicht ausgezahlt, wie hat es wirklich gelitten, abgesehen von Geldstrafen und einem Rückgang des Aktienkurses? Wie eine abschließende Titelkarte bestätigt, hat sich Boeing von den strafrechtlichen Vorwürfen freigekauft. Und obwohl die 737 MAX jetzt wieder in der Luft ist, bleibt uns der Rat eines Journalisten, nicht nur Boeing, sondern jedem Unternehmen gegenüber skeptisch zu bleiben, das den Wert eines Menschenlebens gegen eine Zahl in der Bilanz abwägt. Rory Kennedys Film geht zwar größtenteils recht sachlich und neutral an die Darstellung des Falles heran, aber es gibt einen großen stilistischen Fehler, nämlich die Einbeziehung kitschiger, greller CGI-Nachbildungen der Abstürze, die mit dramatischer Musik unterlegt sind. Während die Absicht darin besteht, die unmögliche Situation zu demonstrieren, in die die Piloten während des Fluges versetzt wurden, haben diese Nebenschauplätze eine durchdringend geschmacklose, fragwürdige Wirkung. Bei einer derart erdrückenden Datenlage wäre es fast unmöglich gewesen, mit dieser Doku nicht einen Volltreffer gegen Boeing zu landen, auch wenn das gediegene Format der Vortragenden manchmal dagegen arbeitet. In relativ programmatischer Weise präsentiert, zeigt "Absturz: Der Fall gegen Boeing" effektiv eine wütende Unternehmensverschwörung an, die Aktienkurse über Menschenleben stellt.

Es ist ein seltenes Vergnügen in einem Film, wenn die Figuren, die eindeutig von einer Katastrophe bedroht sind, so unausstehlich und dämlich sind, dass ihre unvermeidliche Reihe unglücklicher Ereignisse, was auch immer ihr Schicksal sein mag, völlig selbstverschuldet ist. So ergeht es der Familie Halsey in Regisseur MJ Bassetts Film "Danger Park". Sie besteht aus dem strauchelnden Ölmanager Jack (Phillip Winchester) und seiner Gattin Lauren (Rebecca Romijn), die ihre medizinische Karriere aufgegeben hat, als sie zu einem überteuerten Urlaub in Kenia aufbrechen. Selbstverständlich sind sie auf einer Safari, und verständlicherweise geht etwas schief, und sie werden von den wilden Tieren dort zerfleischt und verfolgt. Abgerundet wird das Rudel aus der Mittelschicht durch Tochter Zoe (Isabel Bassett), die die Ivy League abgebrochen hat, und ihren Hipster-Freund Billy (Chris Fisher) sowie den homosexuellen Sohn Noah (Michael Johnston), einen Footballstar. Sie alle sind eine Belastung, wenn es darauf ankommt, wie zum Beispiel, wenn sie von einer Reihe schlecht animierter Tiere bedrängt werden, die kaum mit ihnen interagieren. Nicht, dass sie wirklich zusätzliche Bedrohungen bräuchten, denn nach einer halben Stunde, in der sie einfach nur furchtbar und reich sind, brechen sie in einen Safaripark in Kenia ein, lassen ihren Van von einem Nashorn umkippen und treffen spektakulär schlechte Entscheidungen, die scheinbar dafür sorgen, dass jemand gefressen, aufgespießt oder zerquetscht wird. Wenigstens ist es eine Abwechslung zu ihrem ständigen Gezänk. Denn was wäre das für ein Plot für reiche weiße Leute in Schwierigkeiten, wenn diese ganze Angelegenheit nicht nur ein Hintergrundgeräusch wäre, während sie ihre Probleme klären? Wenn es eine Moral gibt, dann die, dass Anspruchsdenken tödlich ist, worauf die Filmemacher nur bedingt abzielen. Es gibt eine Menge scheinheiliger Belehrungen darüber, dass die Ölindustrie schlimmer ist als Wilderer, und eine sich dahinschleppende Handlung über die Familie, die durch Widrigkeiten zusammenkommt. Es ist nicht so, dass "Danger Park" nicht mit guten Absichten gemacht wurde, denn die Geschichte der klassischen hässlichen Amerikaner, die wichtige Lektionen über die bedrohte Tierwelt Ostafrikas lernen, ist zweifellos gut gemeint. Leider ist der Film auch rücksichtslos und vorhersehbar und bietet keine Überraschungen zwischen dem Beginn des Familienabenteuers im freien Gelände und ihrer unvermeidlichen Rettung durch die Parkranger. Wenn überhaupt, dann gibt es zumindest etwas Komik in den vorhersehbaren Actionsequenzen. Es gibt einen Jump-Scare, der genau wie ein Family Guy Cutaway Gag getimed ist. Die Hyänen tauchen auf, um sie zu bedrohen, und Jerry O'Connells hornstehlender Scheißkerl bekommt die Strafe, die man schon bei seiner Einführung erwarten kann. Ehrlich gesagt, wenn man bedenkt, dass "Danger Park" das Bewusstsein für die Wilderei von Nashörnern schärfen soll, wäre es wahrscheinlich besser gewesen, das Geld für den Film einer seriösen Naturschutzorganisation zukommen zu lassen.

Stephen Emmott scheint in dem Dokumentarfilm "Zehn Milliarden" des Regisseurs Peter Webber im Wesentlichen von seiner Hoffnungslosigkeit zu sprechen, dass die Bevölkerungszahl eine grundlegende Verhaltensänderung bewirken wird. Ebenso, dass die Welt bereits zu weit fortgeschritten ist, entweder mit der Bevölkerungsnachfrage oder damit, dass jeder zusätzliche Güter will. Angesichts seiner Hoffnungslosigkeit frage ich mich, warum er es überhaupt versucht. Wie er sagte, hat er einen Großteil seines Lebens der Erforschung der Zukunft des Planeten Erde gewidmet. Er versucht eindeutig, das Verhalten und den Verstand seiner Anhänger zu ändern, und es ist wichtig, dass dieser Punkt deutlich gemacht wird. Und warum? Weil es deutlicher zu erkennen ist, dass seine Hoffnungslosigkeit eine emotionale Strategie ist, um JETZT Veränderungen bei seinen Zuhörern zu bewirken. Wie kann dies bewiesen werden? Nun, warum sollte jemand einen Wandel herbeiführen wollen, wenn die potenzielle chronische Zukunft unausweichlich ist. Dieser Mann nennt 3 Hauptargumente zur Bekämpfung des Wandels: 1. Radikaler politischer Kurswechsel der Regierung. 2. Technologie 3. Verhaltensänderung. Es ist offensichtlich, dass er Punkt 2 als Lösung ausschließt. Und das, obwohl er für ein Technologieunternehmen arbeitet, das buchstäblich unvorstellbare Fortschritte in der Technologie vollbracht hat. Es stellt sich auch heraus, dass sein so genannter Arbeitgeber ein paar Dollar wert sein könnte und buchstäblich in einer der besten Positionen ist, um diese so genannten Regenschirme im Weltraum oder Salzwasserreinigungstechnologien und dergleichen zu finanzieren, zu innovieren und voranzutreiben. Er schreibt es jedoch ab. Er verbringt erbärmlich wenig Zeit mit diesem Thema. Er hat es so schnell abgeschrieben, als ob es einen Grund dafür gäbe. Habe ich schon erwähnt, dass dieser Typ hoffnungslos zu sein scheint? Es ist ironisch und eigentlich witzig, für einen Menschen, der die Welt retten will. Man sollte eigentlich annehmen, dass jemand, der motiviert, hoffnungsvoll und positiv ist, die ersten Voraussetzungen für eine solche Aufgabe mitbringt. Deshalb will er eine drastische staatliche Regulierung der Bevölkerung. Das reicht von der Populationskontrolle bis hin zu einer grundlegenden Umstellung unserer Kultur, Ernährung und Freizeitgestaltung. Zum Beispiel die rigorose oder vollständige Abschaffung bestimmter wasserhungriger Pflanzen, von Rindfleisch, Hühnchen und dergleichen. Glaubt er wirklich, dass die Menschen aufhören werden, Chicken Wings, Burger und Hot Dogs zu essen, und kann er sich buchstäblich eine Welt vorstellen, in der alles, was aus Fleisch besteht, gelehrig ist? Was ist mit den Menschen, die medizinische und psychische Probleme haben und auf eine Ernährung mit Fleisch und Grünzeug schwören? Diese Ernährungsweisen sind gesund und werden von Ärzten empfohlen, und er will die Art und Weise, wie sich die Menschen ernähren, und die Mittel, mit denen Unternehmen Geld verdienen und Millionen von Menschen beschäftigen, völlig verändern. Es ist an der Zeit, dass die Menschen praktizieren, was sie predigen. Die Menschen wissen nicht, was sie zu leisten haben, und wollen alles, was sie tun, als Tugend darstellen. Noch wichtiger ist, dass diese Leute erkennen müssen, dass sich die normalen Menschen nicht ändern werden. Wir Menschen sind nicht stur, wir haben uns an einen bestimmten Lebensstandard gewöhnt. Al Gore verbraucht offenbar 20 Mal so viel Strom wie der Normalbürger, und natürlich werden wir nie wieder in den 1920er Jahren leben, und die Linksaktivisten auch nicht.

TRASHMOB 22

In "Slime City" von Regisseur Greg Lamberson geht es um Alex (Robert C. Sabin), einen erfolglosen Künstler, der ein billiges Apartmenthaus mietet. Im Laufe der Geschichte stellt sich heraus, dass dieses Wohnhaus einst die Heimat einer Sekte war, die sich daran ergötzte, Menschen in Schleim zu verwandeln und dann einen Wirtskörper für den ganzen Schleim zu finden. Die Handlung umfasst alle klassischen Nebenhandlungen wie Reinkarnation, Mord, Selbstmord und Satanismus und verliert dabei nie ihre Kohärenz. Mary Huner spielt eine ungewöhnliche Doppelrolle, sowohl die Antagonistin als auch die Protagonistin von Alex. Ihre Figur Lori ist süß, rein und die Art von Mädchen, die sich mit dem Leben Zeit lässt. Nicole hingegen ist skurril, promiskuitiv, verrückt und nimmt das Leben praktisch jeden Tag aufs Neue an. Sie wird das Objekt von Alex' Faszination, als er sie als seine neue Mieterin kennenlernt. Ihre sexy Art, sich zu kleiden und zu präsentieren, macht sie zur perfekten Nachbarin, komplett mit ihrer eigenen, seltsam dekorierten Kerkerausstattung. Es hilft wahrscheinlich nicht, dass Lori den Einzug hinausgezögert hat und Probleme mit Sex und seinen Beziehungswerten hat. Nicole ist die Tochter eines Alchimisten, der sich mit schwarzen Künsten und seltsamen Gebräuen beschäftigte. Sein Erbe hat einen Keller voller köstlicher neonfarbener Getränke und Puddings hinterlassen. Die Art, die einen Menschen in eine schleimige, gewalttätige Tötungsmaschine verwandelt. Als Alex Roman (Dennis Embry) trifft, erhält er eine Probe, der Alex nicht widerstehen kann. Und so beginnt unsere schleimige Transformationssitzung, die Alex in einen zerfließenden Menschen verwandelt. Robert C. Sabin liefert eine großartige Leistung ab, bei der er zwischen dem netten Mann von nebenan und dem Wahnsinnigen auf freiem Fuß wechselt. Mary Huner wird zum Sexsymbol auf dem Bildschirm und verströmt die Ausstrahlung eines bösen Mädchens, nach der jeder Mann sucht. Ein besonderes Highlight ist ihr Tanz im Apartment, bei dem sie die Kamera mit ihrer Palette an erotischen Bewegungen verführt. Ungeachtet der Tatsache, dass die Geschichte insgesamt etwas zerstreut ist, funktioniert sie im Wesentlichen trotzdem. Regisseur Gregory Lamberson hat mit den unzureichenden Mitteln, die ihm vermutlich zur Verfügung standen, eine gute Arbeit geleistet. Der männliche Hauptdarsteller, Roberty C. Sabin, ist solide in seiner Rolle. Er bringt gegen Ende, als der unaufhaltsame Schleim die Oberhand gewinnt, ein Element der Traurigkeit ein. Die Kameraperspektiven sind bisweilen gut, obwohl die kompositorische Qualität der Darstellung noch recht jung ist. Und es tauchen Ungereimtheiten am Schauplatz auf, die den Zuschauer vor leichte Fragen stellen, aber das lenkt nicht von Mary Huners Charakter und der Prämisse ab. "Slime City" ist zu einem Underdog-Klassiker seiner Zeit gereift. Der Look und die Atmosphäre des Films erinnern stark an den damaligen Stil und machen ihn zu einem zukünftigen Retroprodukt, das Fans der alten Schule zufriedenstellen wird.

"Bloody Hell" von Regisseur Alister Grierson ist über weite Strecken erstaunlich temporeich, wenn man bedenkt, dass sein Protagonist Rex (Ben O'Toole) mehr als die Hälfte des Films gefesselt im Keller des Hauses einer wahnsinnigen Familie außerhalb von Helsinki verbringt. "Bloody Hell" weist viele Merkmale des Exploitation-Films auf, und Alister Grierson entlockt Rex' Entführung und der anschließenden Folterung eine gehörige Portion an schrägem Humor und nervenzerfetzender Spannung, nicht zuletzt dank der Leistung des charismatischen Ben O'Toole. Sei es durch Rex' zunehmend absurde und gewalttätige Begegnungen mit seinen Entführern oder sein temperamentvolles Zusammenspiel mit der physischen Verkörperung seines inneren Bewusstseins. In "Bloody Hell" kann Ben O'Toole sein komödiantisches Timing und seine körperlichen Fähigkeiten als überdrehter Selbstjustizler unter Beweis stellen, der von anderen mit John Wick und Jason Bourne verglichen wird. "Bloody Hell" beginnt in Boise, Idaho, wo Rex, ein Militärveteran in der Schlange vor einer Bank wartet, um mit der Kassiererin Maddy (Ashlee Lollback) zu plaudern, von der man annimmt, dass sie bereits mit ihm zusammen ist. Doch seine Chance, mit ihr zu flirten, wird vereitelt, als eine Gruppe von Räubern erscheint, und Rex, ermutigt durch seinen inneren Schweinehund, in Aktion tritt und den Tag rettet. Er wird sofort zum Volkshelden, landet aber für acht Jahre im Gefängnis, und das aus Gründen, die erst gegen Ende des Films vollständig enthüllt werden. Die kinetische Action und der derbe Humor des einleitenden Banküberfalls geben den Ton von "Bloody Hell" vor, ebenso wie Rex' unheimliche Fähigkeit, Bösewichte auszuschalten, was unweigerlich unsere Wahrnehmung seines Dilemmas färbt, nachdem er nach Finnland reist, um in die völlige Anonymität zu schlüpfen, nur um sich in einem Keller gefesselt wiederzufinden. Am besten ist "Bloody Hell", wenn er sich einfach nur auf Rex' Überlebenskampf konzentriert und langsam die Abgründe der Verderbtheit seiner Entführer und die psychologischen Turbulenzen unseres Helden aufdeckt, ohne jemals seine respektlos komische Sichtweise auf seine entsetzliche Situation aufzugeben. Leider besteht "Bloody Hell" darauf, in Rückblenden immer wieder auf den Banküberfall zurückzukommen, sich auf die Exposition zu stützen und unnötigerweise zu erläutern, wie Rex seine romantische Verletzung verarbeitet hat. Zwar spielt dieser Faden schließlich in seine Beziehung zu Alia (Meg Fraser) hinein, dem einzigen Nachkommen der finnischen Familie, der nicht völlig verrückt ist, aber es ist ein ziemlich langer Weg für so wenig Gewinn. Durch die ständigen Schnitte von Rex' angespannter, herzzerreißender Notlage wird "Bloody Hell" so verworren, dass seine manische Mischung aus Gore und frecher Komik verwässert wird. Was bedeutet, dass "Bloody Hell" am Ende weniger Grindhouse Kino als vielmehr Schrottwerk ist.

So viel man auch über Quentin Tarantino sagen und über seine Moralvorstellungen diskutieren mag, niemand kann bestreiten, dass Tarantino eine wahre Liebe für die Kunstform Film hegt. Von seiner Arbeit mit dem New Beverly Cinema in Los Angeles bis hin zu den zahllosen Referenzen und Inspirationen, die in seinen Filmen zu sehen sind, hat Tarantino immer wieder bewiesen, dass er das Medium verehrt, wofür der Film "Django & Django" von Regisseur Luca Rea ein weiteres Beispiel ist. Der Film, ist eine 80-minütige Geschichtsstunde von Quentin Tarantino, die das Publikum durch die Geschichte des italienischen Westerns führt. Ein Genre, in das er sich im Vorfeld von "Once Upon a Time in Hollywood" vertieft hat. Für Fans sowohl von Quentin Tarantino als auch von ausländischem Kino ist es einfach zu sehen, wie "Django & Django" ein fast orgasmisches Seherlebnis wird. Eine der wichtigsten Überlieferungen Tarantinos ist seine Liebe zum klassischen Kino. Zu sehen, wie er im Grunde eine Vorlesung hält, in der er nicht nur die objektiven Fakten, sondern auch seine persönlichen Gefühle zu einem oft übersehenen Bereich des Kinos mitteilt, ist fast alles, was man von einem Regisseur verlangen kann. Tarantino ist nicht nur sachkundig, er ist auch leidenschaftlich. Im Laufe des Films sieht man ihn vor Aufregung aufblühen, wenn er seine Gedanken und Theorien über die Denkweise der Filmemacher dieser Zeit auf eine beflügelnde und heilsame Weise mitteilt. Dazu trägt auch bei, dass der Schnitt des Films außergewöhnlich gut ist. Durch die Mischung von Filmmaterial aus den besprochenen Filmen selbst, aber auch von Aufnahmen hinter den Kulissen, wirkt der Film dynamisch und besonders. Die besprochenen Werke fühlen sich nicht einfach wie alte Filme an, die besprochen werden, sondern wie lebendige und atmende künstlerische Ausdrucksformen. Obwohl "Django & Django" zweifellos am besten für diejenigen geeignet ist, die sich bereits für das Thema interessieren und die Hauptakteure bis zu einem gewissen Grad kennen, ist es schwer vorstellbar, dass selbst diejenigen, die sich zunächst nicht für das Genre interessieren, aus dem Film nicht mit dem Wunsch herauskommen, diese Filme zu erleben und die dazugehörigen Künstler zu bewundern. Das einzige Problem, das einige mit dem Film haben könnten, ist, dass man sich während der gesamten 80-minütigen Laufzeit mit ihm beschäftigen muss. Der Film kann sich nicht nur ein wenig wiederholen, sondern für diejenigen, die sich nicht ohnehin schon für das Thema interessieren, kann es manchmal schwierig sein, etwas zu finden, an dem man sich wirklich festhalten und darin verlieren kann. Der Film ist zwar im Großen und Ganzen fesselnd, aber er fühlt sich dennoch bis zu einem gewissen Grad wie eine Universitätsvorlesung an. Zugegeben, er kommt mir vor wie eine wirklich gute Vorlesung, aber im Grunde ist es immer noch eine Lehre. Der Schnitt und die Persönlichkeit, die Tarantino dem Projekt verliehen hat, helfen glücklicherweise drastisch dabei, und im Vergleich zu ähnlichen Filmen stört dieses Problem bei "Django & Django" viel weniger. Insgesamt ist es schwer, den Film nicht ohne eine Wertschätzung sowohl für das behandelte Genre als auch für Tarantino selbst zu verlassen. Der Film, der eindeutig ein leidenschaftliches Projekt ist, bietet genug Inspiration und echtes Interesse, um für die meisten Zuschauer sehenswert und insgesamt ansprechend zu sein. Dies ist die Art von Programm und Stimme, die letztlich weiterhin Anhänger für die Welt des klassischen Kinos kultivieren wird und dient wie der Criterion Channel, der oft versucht, ähnliche Retrospektiven zu kuratieren, sollte wirklich zur Kenntnis nehmen, wie dieser Film gelungen ist.

Der Zweite Weltkrieg war keine besonders gute Zeit für den Regisseur Yasujiro Ozu, denn seine Möglichkeiten, Filme zu drehen, die er seit den späten 1920er Jahren in einem Rhythmus von drei bis sechs Filmen pro Jahr gedreht hatte, wurden durch seine zweimalige Einberufung zum Militär stark beeinträchtigt. Zuerst diente er in den 1930er Jahren zwei Jahre lang als Gefreiter in der Infanterie im besetzten China, später drehte er Propagandafilme in Singapur. Daher ist "Es war einmal ein Vater" schon allein deshalb ein interessanter Film, weil er einer der wenigen ist, die er in dieser Zeit realisieren konnte. Er ist jedoch umso faszinierender, weil Yasujiro Ozu es geschafft hat, den Film an der Oberfläche nationalistisch genug zu gestalten, um die Forderung der Regierung nach nationalpolitischen Filmen zu erfüllen, und dabei zu verschleiern, dass es sich in Wirklichkeit um ein ergreifendes, tragisches Porträt der Opfernatur handelt. "Es war einmal ein Vater" verfolgt die Beziehung zwischen einem verwitweten Vater namens Shuhei Horikawa (Chishu Ryu) und seinem Sohn Ryohei (Shuji Sano) über einen Zeitraum von 15 Jahren. Als wir die beiden zum ersten Mal treffen, ist Ryohei ein fleißiges Kind im Vorschulalter (Haruhiko Tsuda) und sein Vater ein beliebter Geometrielehrer an der Mittelschule. Doch als während eines Ausflugs, den Shuhei beaufsichtigt, ein Schüler ertrinkt, übernimmt er die Verantwortung für den Vorfall, obwohl er wirklich nichts falsch gemacht hat, und tritt von seinem Posten zurück, da er sich nicht mehr in der Lage fühlt, die Verantwortung für die Kinder anderer Leute zu übernehmen. Stattdessen geht er in einer Fabrik in Tokio arbeiten, um genug Geld zu verdienen, damit Ryohei weiter zur Schule gehen kann, was aus Gründen, die nie ganz geklärt werden, die Trennung der beiden zur Folge hat, etwas, das keiner von ihnen will, aber beide notwendigerweise ertragen müssen. Wie sich herausstellt, wird diese Trennung zum bestimmenden Faktor ihrer Beziehung, da sie ständig an verschiedenen Orten leben müssen, um den kulturellen Auftrag zu erfüllen, ihr Maximum zu leisten und die Nation zu unterstützen. Während des gesamten Films sind die Dialoge gespickt mit vermeintlich erbaulichen Phrasen über die Notwendigkeit, sein Bestes zu geben und Elemente des persönlichen Glücks für ein vages höheres Wohl zu opfern, aber die Art und Weise, wie diese so hohl klingen, vor allem im Nachhinein, wenn man weiß, wie der Krieg ausgehen wird, lässt vermuten, dass Yasujiro Ozu sorgfältig und bewusst mit beiden Seiten der Grenze gespielt hat. Er feiert gleichzeitig die edlen Aufopferungen der Elternschaft und betrachtet die militaristische Durchsetzung solcher Tugenden mit angemessener Skepsis. Es ist jedoch nicht so, dass Yasujiro Ozu die nationalpolitische Rhetorik des Films über die Pflicht und die Bedeutung der japanischen Tradition explizit unterminiert. Vielmehr tut er das, was er am besten kann: Er konzentriert sich konsequent auf die Charaktere und ihre Beziehungen, wodurch alles andere an den Rand geschoben wird. Außerhalb des Kriegskontextes ist "Es war einmal ein Vater" ein typischer Yasujiro Ozu-Film, der sich bequem in die zunehmend ausgetretenen Pfade der kontemplativen, traurigen Familiendramen einfügt, welche die zweite Hälfte seiner Karriere prägten. Der Film über die elterliche Hingabe ist ein Beispiel für den Wandel im Kino von Yasujiro Ozu um diese Zeit, weg von der komischen Verspottung der elterlichen Figuren in seinen Stummfilmkomödien hin zu einer tiefen Ehrfurcht vor ihnen in seinen Dramen. Dies mag durch die Tatsache verstärkt worden sein, dass sein eigener Vater, der während seiner Kindheit weitgehend abwesend war, einige Jahre vor dem Dreh von "Es war einmal ein Vater" gestorben war. Man muss nicht allzu tief in die Fassade von "Es war einmal ein Vater" eindringen, um zu erkennen, dass es sich um einen zutiefst skeptischen Film handelt, was durch Yasujiro Ozus stilistische Verwendung von langen Einstellungen, einer statischen Kamera und Kamerafahrten zwischen den Sequenzen noch verstärkt wird, die alle zu einem schweren Gefühl von Verlust und Enttäuschung beitragen. Das Gleiche gilt für die Darsteller, vor allem für Chishu Ryu, der auf dem Bildschirm mit nur minimalem Make-up so drastisch altert, dass man schwören könnte, dass die Figur an unterschiedlichen Stellen der Geschichte von verschiedenen Schauspielern verkörpert wird. Selbst wenn der Film in untypisch melodramatische Gefilde vordringt, wie beispielsweise in einer kulminierenden Szene am Sterbebett, genau der Art von Dingen, die Yasujiro Ozu normalerweise nicht auf dem Bildschirm zeigt, gibt er nie ganz dem Augenscheinlichen nach und hält uns auf genügend Distanz, so dass wir gezwungen sind, die Diskrepanz zwischen den Bekenntnissen der Personen und dem, was ihr Leben letztendlich zeigt, zu hinterfragen.

"Skandal" zeigt, dass der japanische Regisseur Akira Kurosawa mit Leidenschaft ein Thema verfolgte und es durch seine Sichtweise der Fiktion zeigen wollte, die näher an der Wirklichkeit war, als manche Leute wahrnahmen. Akira Kurosawa steckte mitten in einem Eklat, bevor er den Film drehte. Er war mit einer Schauspielerin liiert und gleichzeitig verheiratet und hatte mehrere Kinder zu Hause. Er hasste diese Form der Verleumdung und beschloss, seine ganze Wut in einen Nachrichtenfilm zu stecken, in dem ein Boulevardblatt, ein Maler (Toshirô Mifune) und eine Sängerin (Shirley Yamaguchi) in das Fadenkreuz eines Skandals geraten, weil ein kontextloses Foto der beiden veröffentlicht wurde. Akira Kurosawa baut eine Situation auf, die zu einem gefährlichen Terrain werden könnte. Egal, wie stark er die filmischen Tricks aus Journalismusdramen nutzen kann, mit den schnellen Zeitungsblitzen und dem dynamischen Schnitt, bei dem jede Seite ihre Sicht der Dinge an die Presse weitergibt, könnte es potenziell belehrend werden, da der Redakteur im Film als wirklich korrupt und böswillig mit seiner Macht als billiger Ausbeuter dargestellt wird. Doch wenn Takashi Shimura als Anwalt Hiruta ins Spiel kommt, scheinen sich die Dinge auszugleichen, und zwar auf wundersame Weise, denn er spielt einen kleinkarierten und willensschwachen Rechtsanwalt mit einer körperlich und geistig behinderten Tochter, die an Tuberkulose erkrankt ist. Er wird mehr als jeder andere zum emotionalen Fixpunkt des Films, denn er hat eine echte Gewissenskrise, die ihm einen Gesichtsausdruck verleiht. Er hat sich bestechen lassen, und er ist nicht der Mensch, der damit leicht leben kann. Er säuft, er schimpft darüber, was für ein Halunke er ist, und versucht dann sogar, es zu verdrängen, indem er nach den Sternen weint und in der Weihnachtsnacht mit allen in einem Restaurant "Auld Lang Syne" singt. In gewisser Hinsicht ist Takashi Shimura Akira Kurosawas Zugpferd, der in jeder Szene funktioniert und bestimmte Momente allein durch seine Mimik untergräbt. Wenn Akira Kurosawa mit "Skandal" am stärksten ist, schafft er einen Blick auf die Realität, der nur einen Hauch von Surrealismus hat, einen Ansatz für das, was eigentlich geschlossen sein sollte, und durch seine Form der Unterhaltung, die seine üblichen Tricks der Schnittwischungen und erhabenen Kompositionen einschließt, aufrührerisch ist, ohne wirklich so moralisierend zu sein, wie man vielleicht denken könnte. Wenn überhaupt, dann ist Akira Kurosawas Sicht auf den Boulevardjournalismus ähnlich prophetisch wie die von "Das Leben ist schön", der einzige Unterschied ist die Reaktion. Während heute ein Skandal um ein Foto mit einem Prominenten auf einem Bild mit einem anderen Prominenten, als ob er eine Beziehung hätte, als Klatsch abgetan wird, ist Akira Kurosawas Sicht pessimistischer. Der einzige Fehler, den Akira Kurosawa bei der Umsetzung des Stoffes begeht, ist die Nebenhandlung mit der Tochter des Anwalts. Hier wird es rührselig, wie eine Art Märchenfigur, die als reine Seele ein Glanzlicht um sich schimmern lassen soll. Keine falsche Absicht, aber sie wird nicht mit der gleichen Qualität wie der Rest des Films umgesetzt.

Der Regisseur und ehemalige Veteran des Zweiten Weltkriegs Samuel Fuller ging mit großen, mächtigen Händen an das Kino heran, um es zu erwürgen. Er wählte die Versager, die Außenseiter, die Verstoßenen. Im Jahr 1963 schaute sich Samuel Fuller in dem Land um, für das er gekämpft hatte, und sah ein Irrenhaus. Der krude und brillante "Schock-Korridor" war das Ergebnis. Natürlich würden die USA bald noch weiter in die Schockstarre abrutschen. "Schock-Korridor" wurde anderthalb Monate vor dem Anschlag auf den Präsidenten JFK auf dem Dealey Plaza veröffentlicht. Aber in den frühen 60er Jahren rüttelten die Schrecken des Rassismus, der roten Hetze und der Bombe noch an den maroden Dachböden der USA. So stehen in diesem surrealen Film Noir die drei Zeugen eines Mordes in der Küche einer Verrückten für die Übel des Landes. Der Enthüllungsjournalist Johnny Barrett (Peter Breck) lässt sich in eine Nervenheilanstalt einweisen, wo er seine Stripperfreundin Cathy (Constance Towers) als seine Schwester ausgibt und inzestuöses Begehren vortäuscht. In der Anstalt sucht Johnny die Zeugen auf und wartet darauf, dass sie in Momenten der Klarheit auftauchen, damit er ihnen die Frage stellen kann, wer Sloan in der Küche getötet hat. Diese zu beantwortende Aufgabe wird zu einer Art Mantra, mit dem Johnny hofft, seiner Erfahrung einen Sinn zu geben und seine eigene manische Fahrt durch den Korridor zu verhindern. Für Uneingeweihte ist ein Film von Samuel Fuller etwas gewöhnungsbedürftig. Er neigte dazu, Dialoge so zu schreiben, als wären sie Schlagzeilen auf irgendwelchen Titelseiten. Bei Samuel Fuller wird alles in hartgesottenen, knallharten Stil überhöht. Wenn es in "Schock-Korridor" einen wahren Bösewicht gibt, dann ist es der Sex. Johnnys innerer Monolog kündigt sich entsetzt an, als er in einen Raum voller gieriger, notgeiler Insassinnen hineinstolpert, die ihn überwältigen und sein Gesicht zerfetzt zurücklassen. Cathy ist einige Male in der Absteige zu sehen, in der sie ihr Gewerbe ausübt, wobei die Kamera einen verwirrten Abstand hält. Nachdem er genug Zeit in der Klapsmühle verbracht hat, schreckt Johnny vor Cathys Kuss auf den Mund zurück und das nicht, weil es seine Tarnung auffliegen lassen könnte, wie wir zunächst vermuten, sondern weil er beginnt, die Geschichte zu glauben, dass sie wirklich seine Schwester ist. Aber vielleicht kommentiert Samuel Fuller damit auch die amerikanische Scheinheiligkeit in Bezug auf Sex und deren Anziehungskraft. Ein Angestellter sagt, dass es ihm nichts ausmachen würde, von Nymphomaninnen angegriffen zu werden, und die Kundschaft in Cathys Spelunke könnte ihm zustimmen. Und Johnnys ganze erfundene Neurose dreht sich um seine Eifersucht auf seine Schwester, die mit anderen Männern zusammen ist. Und dann sind da noch die drei Zeugen. James Best als Südstaatenjunge, dem seine Eltern die Bigotterie der Antikommunisten eingeimpft haben, hält sich für einen General der Konföderierten. Hari Rhodes als Trent, einer der wenigen Afroamerikaner, die eine integrierte Schule besuchen durften, wurde unter dem Druck verrückt und verwandelte sich geistig in einen weißen rassistischen Redneck. Gene Evans als Dr. Boden reagierte auf den Wahnsinn der nuklearen Entwicklung, indem er sich in ein spielendes Kind zurückentwickelte. Jeder Mann erhält einen langen Monolog, in dem er seine Scham und seine Qualen schildert, als ob sein Fieber für ein paar Minuten unterbrochen wäre und er sich mit gesunden Augen betrachten könnte. Mit jedem Gespräch fügt sich ein Teil des Puzzles an seinen Platz. Alles, was Johnny tun muss, ist, etwas mit den Informationen anzufangen, und das wird schwieriger, als er es sich vorgestellt hat. In "Schock-Korridor" kann Samuel Fuller sich austoben und experimentieren, indem er seine eigenen farbigen Urlaubsaufnahmen verwendet, um die Geschichten der Zeugen zu illustrieren, und sich allen möglichen stilisierten Irrwitzigkeiten hingibt. Ein durchschnittliches Publikum wird ein gewisses Maß an Wahnsinn tolerieren, wenn darunter noch ein sichtbares Rückgrat an Rationalität zu erkennen ist. Im weiteren Verlauf des Films rückt das Geheimnis in den Hintergrund, und ein beunruhigenderer Schwerpunkt bildet Johnnys eigener Kampf mit der Realität, ganz zu schweigen von einem ungewöhnlichen Verlust der Sprache. Cathy ist empört über Johnnys Plan, sich das alles für den journalistischen Ruhm anzutun, und hat Angst, dass die Erfahrung ihn wirklich um den Verstand bringen könnte. Aber es drängt sich der Verdacht auf, dass Johnny von Anfang an dorthin gehört hat oder zumindest genauso wie die anderen Insassen. Ein Klassiker mit Dreck unter den Fingernägeln, der seine Irren für eine verstörende "Wir sind alle verrückt hier"-Botschaft nutzt. Wenn man sich Samuel Fullers Biografie ansieht, kann man nie an seiner Glaubwürdigkeit als Patriot zweifeln, denn für ihn bedeutete das vor allem, die Wahrheit zu sagen. Die dämonische Macht der Lüge hatte er in Falkenau am eigenen Leib erfahren. Dort hatte er auch den Wahnsinn gesehen und wusste, wovon er sprach. "Schock-Korridor" ist eine überragende pulpistische Meisterleistung.

Regisseur Jacques Tourneur stützt sich bei diesem vom Studio RKO für Val Lewton gedrehten Film "Ich folgte einem Zombie" auf einen Zeitschriftenartikel von Inez Wallace, fügt dieser Geschichte über Voodoo-Magie in Westindien jedoch die Romanvorlage von Jane Eyre hinzu. Ihm gelang ein potenzielles Meisterwerk, sein wohl bester Film, der auf poetische Weise eine fragwürdige B-Movie Handlung überwindet. "Ich folgte einem Zombie" hält wahrscheinlich den Ehrenplatz als groteskester Filmtitel inne, der je gedreht wurde. Es handelt sich um eine Fortsetzung von "Katzenmenschen", und RKO Pictures wollte einen angemessenen Horrorfilm, auch wenn das, was Jacques Tourneur und Produzent Val Lewton ihnen gaben, im Grunde eine tropische Version von Jane Eyre war, mit einigen Voodoo-Elementen, die Charlotte Brontë in ihrem Roman nicht vorgesehen hatte. Die Krankenschwester Betsy Connell (Frances Dee) kommt auf die Insel San Sebastian, um die fast katatonische Jessica Holland (Christine Gordon) zu pflegen. Das Horrorelement ist vorhanden, aber es wird mit einer Subtilität gehandhabt, die wirklich poetisch ist. In vielerlei Hinsicht ist "Ich folgte einem Zombie" eine Verbesserung gegenüber "Katzenmenschen", auch wenn er nicht ganz das Niveau des schieren Grauens der Schwimmbadszene, der berühmten Schockeffektszene im Bus oder der nächtlichen Begegnung mit dem Monster in einem Bürogebäude erreicht. Am nahesten kommt "Ich folgte einem Zombie" der ersten Begegnung von Frances Dee mit ihrem Patienten und dem titelgebenden Spaziergang, aber diese sind weniger schockierend als zutiefst verstörend. Alles in allem ist es ein Film, der durch die Schaffung einer unheimlichen Atmosphäre funktioniert. Die Stärken des Drehbuchs von "Ich folgte einem Zombie" liegen in der Gestaltung einer Geschichte über lokalen Aberglauben, die sich um das moralische Dilemma des christlichen Konzepts von Recht und Unrecht dreht. Dadurch werden die geringeren Darbietungen einiger der Akteure durch eine unverwechselbare und eindringliche Mischung aus Atmosphäre und Dramatik kompensiert. Die Regie von Jacques Tourneau ist zugleich eindrucksvoll wie magisch anzuschauen.

"Königin Christine" von Regisseur Rouben Mamoulian ist historischer Blödsinn, aber ein großartiger Starauftritt für die legendäre Greta Garbo. In bester Hollywood Tradition und aufwendig produziert im MGM-Stil tänzelt die rastlose und unruhige Greta Garbo in der Rolle der schwedischen Königin Christine aus dem 17. Jahrhundert während des Dreißigjährigen Krieges herum. Rouben Mamoulians dynamische Regie, seine schwungvollen Kamerabewegungen und sein künstlerisches Auge für Details überwinden die manchmal gestelzten Filmaufnahmen und heben das Historiendrama über sein literarisches, aber uneinheitliches Drehbuch von H.M. Harwood, Salka Viertel, Margaret P. Levino und S.N. Behrman. Im Kern geht es um die protestantische Königin von Schweden, die zu einer politisch korrekten Heirat mit ihrem heldenhaften Cousin Prinz Charles gedrängt wird, um Schweden einen Thronfolger zu verschaffen. Doch sie verliebt sich in den gut aussehenden katholischen Abgesandten aus Spanien, Don Antonio de la Prada (John Gilbert). Dies ist ein Wiedersehen mit den beiden Legenden der Stummfilmzeit. John Gilbert, dem vorgeworfen wurde, den Sprung zum Tonfilm nicht geschafft zu haben, ersetzte Laurence Olivier nach einer enttäuschenden Probe mit Greta Garbo, die sich nicht mit dem Engländer anfreunden konnte und über die Einwände des Studios hinweg darauf bestand, dass John Gilbert ihr richtiger Partner sei. Am Ende muss sich die Königin zwischen der Loyalität gegenüber ihrem Volk und ihrem eigenen Herzen entscheiden. Eine der wenigen Darbietungen von Greta Garbo, die sich noch gut gehalten haben. Das Werk ist nicht unumstritten, da Königin Christine einen Großteil des Films in einer Travestie steckt und ihre Figur als bisexuell dargestellt wird. In Wirklichkeit war Christine tatsächlich bisexuell, konvertierte zum Katholizismus, weigerte sich zu heiraten und verzichtete auf ihren Thron. Als Schwedens König Gustavus Adolphus 1632 nach vierzehn Jahren Dreißigjährigem Krieg in der Schlacht ums Leben kommt, wird die sechsjährige Christine, die von ihrem Vater wie ein Junge erzogen wurde, zur Herrscherin gekrönt. Der Kanzler Oxenstierna (Lewis Stone) rät ihr, dass Schweden so lange kämpfen wird, bis es den Krieg gewinnt. Die erwachsene Christine, die es liebt, Männerkleidung zu tragen, bespricht sich mit ihrem Rat über den immer noch todbringenden Krieg und beschließt, dass zum Wohle des Landes ein Friedensvertrag ausgehandelt werden muss. "Königin Christine" endet mit einer denkwürdigen Großaufnahme, in der sie geheimnisvoll ins Leere blickt und der Beobachter aufgefordert wird, ihre Gedanken zu ergründen.

Wer ist Machine Gun Kelly?

Der ukrainische Film "Feuerpferde" gewann 1964 auf den Filmfestspielen fast alle Preise, die in Sicht waren. In den letzten Jahren ist er jedoch noch wichtiger geworden, denn er erinnert nicht nur an den talentierten Regisseur Sergej Parajanow, sondern auch an die restriktive sowjetische Haltung gegenüber der Kunst. Nachdem er einen Film gedreht hatte, der in London, New York, San Francisco und Montreal ausgezeichnet wurde, avancierte Sergej Parajanow nicht zu einem der führenden russischen Regisseure. Er wurde ein politischer Gefangener, dem die üblichen Vergehen vorgeworfen wurden, für die sowjetische Dissidenten inhaftiert wurden. Er wurde zu einer fünfjährigen Haftstrafe verurteilt, die er sich mehr oder weniger selbst zuzog, als er auf einer Künstlerkonferenz eine flammende Rede hielt, in der er das Ende des sozialistischen Realismus und den Beginn eines subjektiveren, persönlicheren sowjetischen Films forderte. "Feuerpferde" könnte als Beispiel für die Art von Film stehen, die er forderte. Es ist einer der ungewöhnlichsten Filme, die ich je gesehen habe, eine Flut von Bildern, Musik und Geräuschen, gedreht mit einer so aktiven Kamera, dass man fast Sicherheitsgurte braucht. In der Sowjetunion sind Nationalismus und regionale Identitäten immer noch hoch aufgeladen. Und Sergej Parajanovs Film ist offenkundig regional. Er zelebriert die Geburten, Hochzeiten, Todesfälle und Volksbräuche der Menschen in den Karpaten. Ihre Feiertage und Feste scheinen von der Energie zahlloser Zorbas erfüllt zu sein, doch dann gibt es die langen Tage der Arbeit, und Sergej Parajanov begleitet sie durch lange Winter, sturmgepeitschte Frühlinge und glühende Sommer. Seine Geschichte folgt dem Leben und Tod von Iwan, dessen Jugendliebe von einem Bergpfad abrutscht und im Fluss ertrinkt. Iwan wird mürrisch und verschlossen, aber schließlich wird er sesshaft und heiratet eine auffallend schöne Frau. Aber auch dann ist er nicht glücklich. Sie können keine Kinder bekommen, und in ihrem Aberglauben konsultieren sie Hexen und das Übernatürliche. Iwan selbst ist von der Vorstellung besessen, dass ihm seine erste Geliebte auf wundersame Weise wiedergegeben wird, und es gibt eine spannungsgeladene Szene, in der er mit seiner Frau betet und nach dem Gebet für die Toten die Worte der Ertrunkenen hinzufügt. Der visuelle Stil von Sergej Parajanov ist manchmal voller Leben, andererseits aber auch einfach nur überdreht. In einer Perspektive schwenkt die Kamera zum Beispiel direkt nach unten, als ein Baum auf den Vater des jungen Ivan fällt. Andere Aufnahmen zoomen in Wälder, Höfe und Feste hinein und wieder heraus, und bei Gewaltszenen unterbricht er die Aufnahmen manchmal mit Standbildern und färbt seinen Film ein. Bei einer Todesszene springen blutüberströmte Pferde über den Bildschirm. Ein paar dieser pyrotechnischen Effekte können viel bewirken, und es gab Zeiten in "Feuerpferde", in denen ich dachte, sie gingen zu weit. Aber Sergej Parajanov hat eine echte Gabe. Er hat die Art von rücksichtsloser Energie, die man in einigen der frühen Arbeiten von Martin Scorsese sieht, und eine Kameraführung, die so von sich selbst erfüllt ist, dass sie die Geschichte kaum fassen kann. Und für jeden, der sich für die ukrainische Kultur und die Bräuche von vor vielleicht einem Jahrhundert interessiert, ist "Feuerpferde" ein Schatz, eine Fundgrube für Kostüme, Masken, Aberglauben und Überzeugungen, Bräuche der Brautwerbung und die Leiden eines kurzen Lebens mit zu viel Arbeit darin.

ACHTUNG: SPOILER IM TEXT

"X-Tro" von Regisseur Harry Bromley Davenport ist ein widerlicher, bösartiger und verzweifelter Thriller, der mich tief deprimiert hat. Welche Vision beseelte die Filmemacher mit dem Wunsch, dieses Werk mit einem Publikum zu teilen? Ich erwarte keinen großartigen Film, wenn ich mir einen Film namens "X-Tro" ansehe, aber ich hoffe, dass der Film etwas Humor, Stil oder Spannung enthält. "X-Tro" ist das Werk von inkompetenten Zynikern. Der britische Film beginnt damit, dass ein Raumschiff den Vater eines kleinen Jungen entführt. Drei Jahre später hat der Junge immer noch Albträume davon. Jetzt lebt seine Mutter mit einem anderen Mann zusammen, und der Junge spielt mit seiner Schlange als Haustier. Dann kommen die Außerirdischen wieder und setzen eine ihrer Kreaturen am Straßenrand ab. Die außerirdische Lebensform ist eines dieser Standardmonster mit Spezialeffekten, die aus Plastik, Schleim, Zähnen und Gestöhne bestehen. Durch einen Prozess, den "X-Tro" kompliziert macht, ohne ihn besonders interessant zu machen, hat diese Kreatur die Fähigkeit, Personen anzugreifen und sie in Dinge zu verwandeln, die wie Menschen aussehen, aber keine sind. Eine der Kreaturen ist der Vater des kleinen Jungen, der in einer der unangenehmsten Szenen auf einer Dinnerparty zu sehen ist, die je gedreht wurden. "X-Tro" folgt einem merkwürdigen Muster. Die Szenen mit alltäglichen Ereignissen sind als eine Art bitterer, unaufdringlicher britischer Lebensabschnitt inszeniert. Sie wechseln sich mit den Spezialeffektszenen ab, die mit Zähnen, Schleim, pulsierenden Eiern und Dingen, die einen ins Gesicht beißen, gespickt sind. Es gibt flüchtige Momente der Zärtlichkeit, wenn der kleine Junge mit seiner kleinen Haustierschlange Harry spielt, aber diese Idylle endet, wenn der Vater die Eier von Harry frisst. Es gibt auch Momente, die der Vernunft zuwiderlaufen. In einem dieser Momente dreht die Mutter die Decke ihres Sohnes zurück und stellt fest, dass er völlig mit Blut bedeckt ist. Ein Arzt wird gerufen, aber es wird keine Wunde gefunden. Am nächsten Morgen beim Frühstück sagt der Freund, es sei Zeit, dass das Kind zur Schule geht. Aber was ist mit letzter Nacht? Die meisten Exploitation-Filme sind schlecht, aber nicht unbedingt schmerzhaft anzusehen. Sie mögen inkompetent sein, sie mögen vorhersehbar sein, sie mögen schlecht gespielt oder ungeschickt inszeniert sein, aber auf einer gewissen Ebene haben die Filmemacher Spaß und versuchen zumindest, das Publikum zu unterhalten. "X-Tro" ist eine Ausnahme, ein völlig deprimierender, nihilistischer Film, eine Übung in Tristesse.

Die Nachricht, dass sich die langjährige Pop-Diva Britney Spears auf legalem Wege aus der Vormundschaft befreien konnte, die ihrem Vater Jamie P. Spears ein lächerliches Maß an Kontrolle über ihr Leben verschafft hat, war für alle Fans und Bewunderer eine großartige Nachricht. Großartig für alle, außer für die engagierten Macher des Dokumentarfilms "Britney Vs. Spears", darunter die Regisseurin Erin Lee Carr und die Rolling Stone Reporterin Jenny Eliscu, in dem untersucht wird, wie Britney Spears in eine so unattraktive Lage geraten ist, und in dem behauptet wird, dass sie ungerecht behandelt und rücksichtslos ausgenutzt wurde. Jetzt, da der Gerechtigkeit Genüge getan wurde und Britney Spears tatsächlich frei ist, haben die Ereignisse den lautstarken Aufruf des Films zur Gerechtigkeit etwas überflüssig gemacht. Es ist auch schade, dass "Britney Vs. Spears" nur zwei Tage vor dem Urteilsspruch veröffentlicht wurde, was seine Bedeutung als Aufruf zu den Waffen für Britney schmälert. Dennoch ist das, was übrig geblieben ist, für Fans und Neugierige interessant, die wissen wollen, was eine Vormundschaft ist, wie sie funktionieren soll und wie sie in Britneys Fall funktioniert hat. Es zeigt auf jeden Fall, wie Jamie Spears die Situation für seine eigenen Zwecke ausgenutzt hat, so dass es unwahrscheinlich ist, dass er in nächster Zeit Nominierungen für den Vater des Jahres erhalten wird. Die Regisseurin Erin Lee Carr, ein großer Fan aus Kindertagen, und die Reporterin Jenny Eliscu, die für den Rolling Stone über Britney berichtete, schildern Britneys Probleme, die zu ihrem Debakel mit der Vormundschaft führten. Es gibt jede Menge hässliches Filmmaterial, das die Paparazzi bei der Arbeit zeigt, wie sie Britney hetzten, und viele dokumentierte Details über die schmutzigen Machenschaften hinter Britneys Rücken, wie sie um Geld gepresst und zu Touren gezwungen wurde. Ein ziemlich armseliges Verhalten von denen, die sich eigentlich um sie kümmern sollten. Um "Brintney Vs. Spears" einen gewissen Reiz zu verleihen, bedienen sich die Regisseure der Metamethode, sich gegenseitig Dinge zu erklären, als wäre die Kamera zufällig dabei gewesen, als sie ihre neueste Enthüllung diskutierten. Das ist kein schlechtes Mittel, obwohl es, wie in diesem Fall, ein wenig erzwungen wirken kann. Natürlich wird auch über Britneys Heer von flamboyanten Fans berichtet, von denen wir in der allgemeinen Berichterstattung über Britneys Sieg viel gesehen haben. So dient "Britney Vs. Spears" nun als Hintergrundinformation zu dem Ereignis, das es überholt hat und datiert ist. Für echte Britney-Liebhaber ist es sicherlich eine gute Sache, dass die im Film aufgestellten Forderungen nach Gerechtigkeit #freeBritney innerhalb von zwei Tagen nach der Veröffentlichung des Films erfüllt wurden. Diejenigen, die ein mildes, aber aufrichtiges Interesse an Britneys turbulentem Leben seit den späten 1990er Jahren haben, als sie die Popkultur erschütterte, indem sie die Sexualität von Teenagern neu verpackte und auf den Massenmarkt brachte, werden den Film auch als informativen, wenn auch langweiligen Bericht über das letzte Kapitel in Britneys bemerkenswerter Reise empfinden. Und wenn man bedenkt, dass sie am 2. Dezember 40 geworden ist. Diese Frau hat eine Menge durchgemacht und überlebt. Großes Kompliment, Britney.