Chainsaw Charlie - Kommentare

"Berkshire County" von Regisseurin Audrey Cummings ist eine kontemporäre Interpretation des Subgenres Babysitting. Babysitter, die in Gefahr sind, haben eine lange Horror-Tradition. Am bekanntesten ist die unaufmerksame Babysitterin, die zu ihrem Entsetzen feststellt, dass die Anrufe aus dem Inneren des Hauses kommen, in "Das Grauen kommt um Zehn" von Regisseur Fred Walton aus dem Jahr 1979. Es gibt zahlreiche andere Varianten. Was Audrey Cummings' Regiedebüt "Berkshire County" so bedeutend macht, ist seine Gegenwartsnähe der Geschichte. Auch wenn der Film bereits 2014 gedreht wurde und dann mehrere Jahre lang auf Festivals lief, wirkt er dank der geschickten Umkehrung von Mustern des Surrealismus immer noch aktuell und relevant. Wir lernen Kylie Winters (Alysa King) auf einer Halloween-Party kennen, bevor sie in einen Skandal um ein Sexvideo verwickelt wird, in das der hiesige Scheißkerl Marcus (Aaron Chartrand) eingebunden ist. Naturgemäß ist Marcus von der Schmach unbehelligt, während Kylie sowohl persönlich als auch über das Internet tyrannisiert wird. Nach einem ungünstigen Dialog mit ihrer Mutter wird Kylie für eine Nacht aufs Land geschickt, um bei einer wohlhabenden Familie irgendwo im Nirgendwo in Berkshire County als Babysitterin Dienst zu leisten. Das Haus ist ein Charakter für sich. Ein bizarres Gewirr aus kreisförmigen Räumen, Glasmalereien und Balustraden, das durch die Tatsache, dass es bis auf die Umzugskartons fast leer ist, noch unheimlicher wirkt. Es vergeht kein Moment, in dem Kylie nicht von einem Trio von Schweinemaskenträgern bedrängt wird, und von da an gibt "Berkshire County" Gas und lässt nicht mehr nach. Der Rest des Films ist ein Katz- und Mausspiel, das Kylies früheres Versteckspiel mit den Kindern widerspiegelt. In kürzester Zeit sind die Killer mit den Schweinemasken in das Haus eingedrungen, mit Messern, vor deren Einsatz sie sich nicht fürchten. Was "Berkshire County" von anderen Home Invasion/Slasher-Filmen unterscheidet, sind Kylies Defizite. Während die Eröffnungsszenen deutlich machen, dass sie zu dem fleischlichen Akt, der ihren Ruf ruiniert, genötigt wurde, ist sie im Umgang mit den Kindern leicht temperamentvoll und sogar abweisend. Als die Gewaltexzesse beginnen, ist Kylie ganz und gar menschlich. Sie weint, sie versteckt sich, sie will sogar weglaufen und die Kinder im Stich lassen, bis Roberta (Samora Smallwood), die Polizistin am Telefon, sie wieder in Richtung Final Girl lenkt. Selbst dann bedarf es extremer Maßnahmen und einer Umkehrung der Regeln des Genres, damit Kylie endlich die Kontrolle über ihre eigene Handlungsweise übernimmt. Leider wird am Ende des Films nur die Hälfte von Kylies Reise belohnt. Anstatt sich mit der Dummheit und der verurteilenden Natur des Slut Shaming auseinanderzusetzen, das ihr Selbstvertrauen untergraben hat, entscheidet sich "Berkshire County" für eine aus dem Nichts entstandene Fortsetzung, die sich weder verdient noch gerechtfertigt anfühlt. Hätte Audrey Cummings bei der Vorführung nicht klargestellt, dass sie den Film mit ihrem eigenen Geld gemacht hat, wäre es nicht schwer, sich die Auflösung als unüberlegte Studionotiz vorzustellen. Zum Glück funktioniert so viel vom restlichen Teil des Films. Kylies Weg vom Sanftmütigen zum Durchsetzungsfähigen ist vertraut, aber gut ausgeführt, die Action ist von Audrey Cummings großartig gefilmt und das Haus bleibt durchgehend ein optisches Bizarrium. Wenn die Leichen fallen und das Blut in Strömen vergossen wird, ist "Berkshire County" der Gipfel des Grauens. Was das Publikum vielleicht nicht erwartet, ist die raffinierte feministische Kritik, die sich zwischen den Schweinemasken, den zirkulären Zimmern und dem Eindringen in ein Haus versteckt.

Bester Film:
1. Pulp Fiction
2. American History X
3. GoodFellas – Drei Jahrzehnte in der Mafia
4. Das Schweigen der Lämmer
5. The Big Lebowski

Bester Animationsfilm:
1. Perfect Blue
2. Ninja Scroll
3. Felidae
4. Meine Nachbarn die Yamadas
5. Beavis & Butt-Head machen's in Amerika

Beste Serie:
1. Die Simpsons
2. One Piece
3. Akte X - Die unheimlichen Fälle des FBI
4. Als die Tiere den Wald verliessen
5. Die Dinos

Bester Schauspieler:
1. Edward Norton: American History X
2. Tim Robbins: Die Verurteilten
3. Anthony Hopkins: Das Schweigen der Lämmer
4. Liam Neeson: Schindlers Liste
5. Michael Douglas: Falling Down - Ein ganz normaler Tag

Beste Schauspielerin:
1. Natalie Portman: Leon - Der Profi
2. Jodie Foster: Das Schweigen der Lämmer
3. Pam Grier: Jackie Brown
4. Kathy Bates: Misery
5. Emily Watson: Breaking the Waves

Bester Soundtrack:
1. Pulp Fiction
2. Braveheart
3. The Crow
4. Philadelphia
5. Jurassic Park

Im Film von Regisseur Elia Kazan trifft die KGRK-Radiojournalistin Marcia Jeffries (Patricia Neal) im Tommy-Hawk-Grafschaftsgefängnis im Nordosten von Arkansas ein, um eine Folge ihrer Sendung "Ein Gesicht in der Menge" aufzunehmen. Menschen sind faszinierend, wo immer man sie findet, betont sie mit ihrem Standardspruch, als sie die letzte Sitzung in der schmutzigen, schweißgetränkten Einrichtung voller widerspenstiger Gestalten beginnt. Larry "Lonesome" Rhodes (Andy Griffith) ist ein solcher wortkarger Gefangener, der wegen Trunkenheit und ungebührlichem Verhalten eine einwöchige Haftstrafe verbüßt. Nach einigen Verhandlungen, die auch eine Reduzierung des Pensums beinhalten, erklärt er sich bereit, ein Lied zu singen und seine Gitarre für die hübsche Musikstudentin zu zupfen, die sofort von diesem zufälligen Fremden hingerissen ist. Die Aussicht auf Freiheit ist ein starker Motivator für ein freundliches Entgegenkommen. Als Marcia ihrem Chef, Onkel J.B. Jeffries (Howard Smith), Meldung erstattet, überredet sie ihn, Larry Rhodes in ihrer Morgensendung auftreten zu lassen. Obwohl er bereits aus dem Gefängnis entlassen wurde und auf dem Weg nach Florida ist, findet Marcia ihn, macht ihn zurecht und bringt ihn in einem Hotelzimmer unter. Aus irgendeinem Grund ist sie davon überzeugt, dass der alkoholkranke Herumtreiber zu einem Superstar werden kann. Er ist rüde, vulgär und geradezu unverschämt, aber seine Gastrolle im Sender hat einen gewissen Unterhaltungswert. Und als Briefe eintrudeln, in denen Larry Rhodes Musik und seine Meinung über das Leben unterstützt werden, und Werbekunden anrufen, um Sendezeit zu kaufen, ist die Familie Jeffries begeistert. Andy Griffith ist bei seinen Auftritten abwechselnd laut, vor allem wenn er aus dem Bauch heraus lacht, aggressiv, lebensfroh und überschwänglich enthusiastisch. Er ist perfekt für diese Rolle geeignet, denn er verkörpert einen Mann ohne Ambitionen, der die seltene Gelegenheit erhält, die Massen zu beeinflussen. Und die Macht steigt ihm immer mehr zu Kopf. Von einem Theateragenten über Fernsehspots bis hin zu offiziellen Sponsoren und der zunehmenden Fähigkeit, die öffentliche Meinung zu manipulieren, wird der Einfluss zu einem äußerst mächtigen Instrument. Ebenso sensationell ist Patricia Neal, die den Standpunkt des Idealismus vertritt, der leider im Angesicht der schleichenden Korruption schwindet. Ihre widersprüchlichen Gefühle sind verheerend. Die Verwandlung der beiden ist hinreißend, und ihre aufgewühlte Romanze ist eine der auffälligsten Komponenten, die über die Verurteilung von Ruhm und schwachen Prinzipien hinaus anklingt. Und die Nebenrollen von Walter Matthau, Anthony Franciosa, Rod Brasfield und Lee Remick sind gleichermaßen beachtenswert. Larry Rhodes' Lässigkeit und Unbekümmertheit sowie seine Fähigkeit, die Worte des einfachen Volkes zu sprechen, begünstigen seinen kometenhaften Aufstieg zum Demagogen. Seine Hartnäckigkeit, alles zu tun und zu sagen, was ihm gerade in den Sinn kommt, und seinen Werten treu zu bleiben, bringt ihn zusätzlich in Schwierigkeiten. Diese Grundwerte können jedoch für den richtigen Preis erworben werden. Eine kompromittierte Moral kann zu einem Aufstieg beitragen, aber auch zu einem selbstzerstörerischen, chaotischen Fall. In seiner einfachsten Form ist Larry Rhodes ein Vertreter von Scheinheiligkeit. Wenn er mit dem chemisch fragwürdigen Vitajex hausieren geht, geht die Satire in die Vollen, vor allem mit einem Werbespot, in dem eine üppige Blondine eine 10-Jahres-Vorratspackung der Pillen streichelt. Das größte Überzeugungsmittel der Massen, das Fernsehen, wird bald zur Plattform für Larry Rhodes' politische Machenschaften. Mit der Berühmtheit kommt auch eine überwältigende Befugnis und ihr zwangsläufiger Missbrauch, der nicht nur für Larry Rhodes, sondern auch für die Menschen, die ihm wichtig sind, oder für diejenigen, die ihn umgeben, eine Gefahr darstellt. Der Regisseur Elia Kazan greift mit seinem Film einmal mehr ein kontroverses und nachdenklich stimmendes Thema auf. Nach einer Geschichte und einem Drehbuch von Budd Schulberg übt er eine intelligente, vernichtende Kritik an den politischen Intrigen und den Menschen, die von einem System selbstsüchtiger Aufsteiger ausgebeutet und pervertiert werden. Es ist die Art von warnendem Märchen mit einem staunenswerten, wenn auch unwahrscheinlich optimistischen Finale, das nie seine Aktualität verliert.

Nachdem der Film Noir "Der vierte Mann" von Regisseur Phil Karlson aus dem Jahr 1952 in die Öffentlichkeit gelangt war, wurde er zu Unrecht in die Kategorie der B-Movies eingeordnet, was in Anbetracht der merkwürdigen Geschichte und des Einflusses, den der Film auf zeitgenössische Filmemacher hatte, ein Unding war. Phil Karlson, der sich in den 1960er- und 1970er-Jahren dem Mainstream zuwandte und mit Stars wie Dean Martin und Elvis Presley arbeitete, steuerte in den 1950er-Jahren mehrere unterhaltsame Noir-Filme bei. Dazu gehörten 1952 "Skandalblatt" mit Donna Reed und Broderick Crawford, Kim Novaks Casino-Raubzug "5 Against the House" und im selben Jahr "In die Enge getrieben" mit einer besonderen Rolle für Ginger Rogers. Aber keiner von ihnen hat sich so lange gehalten wie dieses besondere Raubdrama. Der Kansas-City-Lieferant Joe Rolfe (John Payne) ist zur falschen Zeit am falschen Ort, als er von den Cops als Fahrer eines Raubüberfalls auf einen Geldtransporter festgenommen wird. Wütend über die Tortur, in die er hineingestoßen wird, folgt er der Spur von Auftragskillern, drei Männern, die von einem mysteriösen maskierten Mann, Mr. Big (Preston Foster), heimlich angeheuert wurden. Joe Rolfe stiehlt die Identität eines ihrer Kameraden (Jack Elam) und gibt sich als Mitglied der Bande aus, in der Annahme, dass er einen Teil der erbeuteten Summe erhält. Doch als die schöne Helen Foster (Coleen Gray) im Resort auftaucht, wird es für Joe Rolfe plötzlich sehr kompliziert. John Payne ist immer noch am besten als romantische Hauptrolle gegenüber Maureen O'Hara in dem Weihnachtsfilm "Das Wunder von Manhattan" von 1947 bekannt, aber er begann Mitte der 1930er Jahre als potenzielles Matinee-Idol mit kleinen Rollen in Filmen wie "Zeit der Liebe, Zeit des Abschieds", bevor er Hauptrollen in billigen B-Movies übernahm. Bevor er sich Ende der 1950er Jahre dem Fernsehen zuwandte, schien John Payne auf dem besten Weg zu sein, es Dana Andrews gleichzutun und in anderen Noir-Kuriositäten wie Allan Dwans "Straße des Verbrechens" aufzutreten. Hier ist er der lässige und besonnene Mann, der zu Unrecht eines Verbrechens bezichtigt wird, an dem er nicht mitgewirkt hat, was ihn dazu antreibt, die wahren Schuldigen zu ermitteln und sich selbst ein Stück vom Gewinn abzuschneiden. John Payne ist eine ziemlich imposante Figur, deren Reserviertheit am besten zur Geltung kommt, wenn sie in die eigentliche Handlung eingebunden ist und nicht in eine Liebesunterhandlung mit der Kollegin Coleen Gray, die in der Kategorie B tätig ist. Die beiden Schauspieler waren zu dieser Zeit auch im wirklichen Leben zusammen, beide sind sehr konservativ, was dank der manchmal reißerischen Qualität ihrer Filmarbeit komisch ist. Aber wenn wir uns nicht gerade mit der gestelzten Romantik beschäftigen, die fast auf halber Strecke der Erzählung auftaucht, spielt "Der vierte Mann" schnell und locker mit einer bemerkenswerten Nebenrolle. Als die drei Schwerverbrecher besetzt Phil Karlson ein Trio von markanten Darstellern, die später zu bekannten Charakterdarstellern werden sollten, hier aber noch jung genug sind, um als jung bezeichnet zu werden. Jack Elam, Neville Brand und Lee Van Cleef sind das böswillige Triptychon, das in Preston Fosters heimtückischen, ausgeklügelten Plan verwickelt ist. "Der vierte Mann" war bekanntlich die Grundlage für Quentin Tarantinos "Reservoir Dogs", aber auch an anderer Stelle in seiner Filmografie finden sich Hommagen, insbesondere die Verwendung der Hitliste der Braut in "Kill Bill", die von Phil Karlson in ähnlicher Weise hervorgehoben wurde. Während das Drehbuch von George Bruce und Harry Essex in einen überstürzten Showdown mit anschließender pathetischer Auflösung mündet, wirkt diese Kaskade von Figuren, die in einem mexikanischen Ferienort auf ihre Abrechnung warten, wie die nüchterne Version von John Hustons "Hafen des Lasters". Fans des Film Noir sind zweifellos mit Phil Karlsons sehenswertem "Der vierte Mann" einverstanden.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Eigentlich wollte ich diesen Kommentar zu Rob Zombies "Haus der 1000 Leichen", den Maniac zu seinem Lieblingsfilm von mir gewünscht hat, schon früher veröffentlichen, aber ich musste mit Entsetzen feststellen, dass ich die zerstückelte Version dieses Films besitze. Also kontaktierte ich meinen Filmdealer und 2 Wochen später bekam ich endlich die ungeschnittene Fassung aus Österreich. Ich konnte mich nicht mehr an den Film erinnern und kann meine Bewertung mit 6 Punkten nur so erklären, dass ich entweder betrunken oder zu abgelenkt war, weshalb ich meine Bewertung auf 8 Punkte erhöhen muss.

"Haus der 1000 Leichen" ist eine liebevolle Hommage an den Grindhouse-Sleaze vergangener Jahre. Das Spielfilmdebüt von Regisseur Rob Zombie ebnete ihm den Weg zu einer der umstrittensten Stimmen des Genrekinos. "Haus der 1000 Leichen" ist vieles. Aber in erster Linie ist es ein gewalttätiger Liebesbrief an das Exploitation-Kino der Vergangenheit. Rob Zombie lässt den Ton und den Geist von Filmen wie "The Texas Chain Saw Massacre" wieder aufleben, in denen junge Leute auf die Straße gehen und auf ihrem Weg ins Unglück stürzen. Und von da an zollt der umstrittene Regisseur den Videofilmen vergangener Jahre Tribut und schafft es gleichzeitig, das einzubringen, was schließlich zu seinem Markenzeichen, dem exzessiven Film, werden sollte. Fast 20 Jahre nach der ersten Verbeugung des Films vor den Kinobesuchern ist "Haus der 1000 Leichen" immer noch ein ausgefallener, blutgetränkter Rückblick, der das Wesen einer vergangenen Ära einfängt.

Darüber hinaus begründete der Film die Regiekarriere einer starken, wenn auch widersprüchlichen Stimme des Genrekinos. "Haus der 1000 Leichen" folgt vier jungen Freunden auf einem Road Trip. Als die Freunde den schicksalhaften Entschluss fassen, an einer Straßenattraktion anzuhalten, kreuzen sich ihre Wege unwissentlich mit einer Gruppe geisteskranker Killer, die eine Vorliebe für verwerfliche und unvorstellbare Gewalttaten haben. Obwohl "Haus der 1000 Leichen" viele Anspielungen auf die Filme enthält, von denen Rob Zombie inspiriert wurde, bricht der Regisseur fast sofort mit den Erwartungen. Der Schöpfer verschwendet keine Zeit damit, dem Publikum genau zu zeigen, wozu die gestörte Familie des Firefly-Clans, mit der die reisenden Autofahrer zusammentreffen, fähig ist. Anstatt ihre gewalttätige Natur langsam zu enthüllen, führt Rob Zombie dem Zuschauer ihre unaussprechlichen Taten vor Augen, bevor die Protagonisten überhaupt realisieren, worauf sie sich eingelassen haben. Das ist eine gewagte Strategie, wenn man bedenkt, dass die übliche Vorgehensweise in solchen Situationen darin besteht, Informationen anzudeuten und nach und nach zu enthüllen, und die Betrachtenden nicht damit zu überrumpeln. Rob Zombies plumpe Herangehensweise trägt jedoch dazu bei, ein klares Bild von der Gefahr zu zeichnen, in der sich die Figuren befinden. Außerdem ermöglicht es dem Publikum, die Protagonisten als wehrlose Objekte zu sehen. Und das erhöht natürlich den Quotienten des Horrors.

Was die Antagonisten des Films betrifft, so hat Rob Zombie eine besonders beeindruckende Arbeit geleistet, indem er ein Ensemble von Widersachern erschaffen hat, die so bedrohlich sind, dass die meisten in der realen Welt auf die andere Straßenseite gehen würden, um ihnen zu entgehen. Doch wenn die Firefly-Familie sicher in den Grenzen des Fernsehbildschirms gefangen ist, sind sie ziemlich faszinierend. Baby Firefly und Otis Driftwood, gespielt von Sheri Moon Zombie und Bill Moseley, sowie Captain Spaulding, der vom verstorbenen Sid Haig in ikonischer Perfektion verkörpert wird, wirken bedrohlich und psychisch instabil und tragen zum düsteren, aus den Fugen geratenen Ton des Films bei. Genre-Ikone Bill Mosely ist als Otis Driftwood absolut furchterregend. Otis kennt ganz klar den Unterschied zwischen richtig und falsch. So gibt er sich genüsslich seinen mörderischen Impulsen und Folterfantasien hin, ohne Rücksicht auf den Wert des menschlichen Lebens. Sheri Moon Zombie ist als Baby Firefly ebenfalls sehr effektiv. Auf den ersten Blick ist sie fast charmant. Aber sie wirkt immer angsteinflößender, je mehr Schichten ihrer verdrehten Persönlichkeit zum Vorschein kommen. Ebenso beeindruckend ist der leider zu früh verstorbene Sid Haig als Captain Spaulding. Sid Haig wird die Zuschauer in einem ständigen Zustand der Unbeständigkeit halten, denn seine Laune schwankt von jovial bis hin zu blutrünstig, ohne dass er es merkt. Meine einzige Beanstandung ist, dass wir bei diesem ersten Auftritt mit der Firefly-Crew nicht mehr von ihm sehen. Glücklicherweise spielt der Kultschauspieler in Rob Zombies gefeierterem Nachfolger "The Devil's Rejects" von 2005 eine größere Rolle.

Bei einer derartigen Leistung der Antihelden kann man es niemandem verdenken, wenn Rob Zombie mehr in sie investiert als in ihre arglosen Ziele. Die skrupellosen Antihiraten erinnern an eine viel buntere Version des skrupellosen Frank Zito in William Lustigs "Maniac". Sie besitzen ein vergleichbares Maß an Verderbtheit. Und doch stehlen sie irgendwie jede einzelne Szene, in der sie auftreten. Alles in allem ist das Spielfilmdebüt von Rob Zombie nicht ohne Probleme. Aber der Film bietet einen dreckigen Ton und eine visuelle Ästhetik, die ihn wie einen verlorenen Export aus der Zeit der Grindhouse-Produktionen erscheinen lassen. "Haus der 1000 Leichen" fängt die Essenz einer vergangenen Ära ein und ist eine liebevolle Anspielung auf die Filme, mit denen viele Exploitation-Fans aufgewachsen sind.

"The Bubble" von Regisseur Judd Apatow ist eine schlappe Verhöhnung von Hollywood. Der starbesetzte Film folgt den Darstellern und der Crew eines Blockbuster-Films, der während der Pandemie gedreht wird, als die Situation schnell außer Kontrolle gerät. Der König der männlichen Kinderkomödien, Judd Apatow, wendet sich mit "The Bubble", einer schlaffen Geschichte über die katastrophale Geburt eines Möchtegern-Blockbusters, der selbstreferentiellen Filmkomödie zu. In Judd Apatows neuestem Film, der lose von der realen Produktion von Universals neuem Jurassic Park inspiriert ist, geht es um die Entstehung der Franchise-Fortsetzung Cliff Beasts 6 während einer weltweiten Pandemie, die die Darsteller und die Crew dazu zwingt, sich monatelang in einem englischen Herrenhaus zu verschanzen, um das Saurierprojekt unter strengen Quarantänevorschriften fertigzustellen. Was folgt, ist Lagerkoller, Chaos und Gemetzel, sowohl am Set als auch außerhalb. Weniger allgegenwärtig sind leider tatsächliche Witze oder, besser gesagt, Gags, die das Publikum nicht schon hunderte Male über Narzissmus, Rücksichtslosigkeit und Verrücktheiten im Showgeschäft gehört hat. Auf einem abgelegenen englischen Landsitz trifft Carol (Karen Gillan) ein, um ihre Rolle als Dr. Lacey Nightingale im sechsten Teil der beliebten Cliff Beasts-Reihe wieder aufzunehmen, nachdem sie das vorherige Kapitel sausen ließ, um einen Blindgänger namens Jerusalem Rising zu drehen, in dem sie eine halb israelische, halb palästinensische Heldin spielte, die während einer Alien-Invasion den Frieden im Nahen Osten schmieden sollte. Dass Carol ihre Cliff Beasts-Kollegen im Stich gelassen hat, bringt ihr zwar einen anfänglichen Tadel von Co-Star Lauren (Leslie Mann) ein, wird dann aber fast sofort wieder fallen gelassen, wie es sich für ein Drehbuch von Judd Apatow und Pam Brady gehört, das keinen roten Faden lange genug kultiviert, um durchgängig Spaß zu machen. Zu Carol und Lauren gesellt sich Laurens notgeiler Ex-Ehemann Dustin (David Duchovny), der sich kaum für ihren adoptierten, straffälligen Sohn Rafael (Zander Emlano) interessiert und Cliff Beasts 6 umschreiben will, um es umweltfreundlicher zu machen. Sean (Keegan-Michael Key), der während seiner COVID-19-Auszeit beschlossen hat, eine Art Sekte zu gründen. Krystal (Iris Apatow), eine TikTok-Sensation, die den Zuschauern der Zielgruppe Z imponieren will. Außerdem Dieter (Pedro Pascal), ein Schauspieler, dessen Hauptbeschäftigung darin besteht, Unmengen von Drogen zu konsumieren und die Hotelangestellte Anika (Maria Bakalova) anzubaggern. Sie werden alle von dem eierlegenden Wollmilchsau-Produzenten Gavin (Peter Serafinowicz) und dem verblödeten Regisseur Darren (Fred Armisen) bei der Stange gehalten, die beide der Studiochefin Paula (Kate McKinnon) unterstellt sind. Diese plaudert mit Gavin auf dem Bildschirm von Skigebieten und tropischen Orten, die sie gefahrlos besuchen kann, weil sie als reiche Person den Impfstoff schon Monate vor der öffentlichen Bekanntgabe erhalten hat. "The Bubble" beginnt damit, dass sich mit Bola (Samson Kayo) und Gunther (Harry Trevaldwyn) zwei unbedeutende Mitarbeiter für das Team der Cliff Beasts melden, obwohl Judd Apatow nicht viel von der Treppchen-Dynamik in seinem Szenario hält. Andererseits ist nicht ganz klar, was ihm wirklich wichtig ist. Lauren und Dustin sind ein ungleiches Paar, das sich schnell wieder in den Armen liegt, aber ihre Hassliebe ist so zerstreut und wird schließlich durch einen letalen Unfall, der einen der beiden buchstäblich von der Bildfläche verschwinden lässt, wieder verworfen, dass sie nie in Schwung kommt. Das Gleiche gilt für Dieter und Anika. Während letztere beweisen will, dass sie ein romantisches Paar sein können und nicht nur eine schnelle Affäre, wird so wenig Zeit damit verbracht, sie zusammen in einen Raum zu bringen, dass sie keine Verbindung entwickeln. In diesen und anderen Fällen beendet Judd Apatow die Dinge, bevor er sie überhaupt begonnen hat, was dem Ganzen eine gewisse Ziellosigkeit verleiht. Der Schwerpunkt liegt auf Carols zunehmender Abneigung gegen Cliff Beasts 6 und ihren Versuchen, damit fertig zu werden, indem sie mit einem attraktiven Fußballspieler schläft, der im selben Hotel unter Quarantäne steht, und später eine Revolte der Darsteller inszeniert, die prompt in die Hose geht. Es gibt auch etwas über die Generationenspannung zwischen Carol und Krystal, doch "The Bubble" hat kaum etwas Lustiges oder Pointiertes zu den gewählten Themen zu sagen. Stattdessen wird die meiste Energie auf aufwendige TikTok-Tänze mit Krystal und ihren Kollegen und CGI-Mittelstücke aus Cliff Beasts 6 verwendet, die durch und durch albern sind und die Judd Apatow wegschneidet, um die Schauspieler zu zeigen, die dasselbe Material auf lächerlich aussehenden grünen Bildschirmen aufführen. Witze, die ins Leere laufen, da jeder bereits um die surreale Künstlichkeit solcher digital verbesserten Produktionen weiß. Der gutmütige Spott über Studiofilme und Starruhm ist nichts Neues, auch nicht von Judd Apatow, dessen Lustige Vögel vor allem durch eine Reihe falscher Filmplakate mit dem von Adam Sandler dargestellten Hauptdarsteller in Erinnerung geblieben ist. Und sporadisch beißt "The Bubble" die Hand, die ihn füttert, wenn Paula Gavin ausschimpft, dann von ihrem eigenen Chef, gespielt von John Lithgow, zurechtgewiesen wird, der dann von seinem chinesischen Vorgesetzten eine strenge Standpauke erhält. Ähnlich verhält es sich mit einer Szene, in der Beck den Darstellern ein Ständchen mit Ladies Night bringt, das er mit den Worten einleitet: "Danke, dass ihr eure Verträge erfüllt habt! Nur noch 37 Drehtage, dann haben wir das Ding im Kasten!" Er fängt auf ironische Weise die seltsame Synergie zwischen Kunst und Handel in der Branche ein. Im Großen und Ganzen besteht die einzige Idee von "The Bubble" darin, dass Schauspieler eigennützige Idioten und Schwachköpfe sind, deren theatralische Unternehmungen von Geld getrieben werden, was kaum ein inspirierender Ausgangspunkt für Heiterkeit ist. "The Bubble" stellt sein eigenes Budget durchgehend zur Schau, macht es aber selten zum Ziel seiner Satire. Im Gegenteil, er bemüht sich vergeblich darum, durch Sequenzen von Rennen, Schreien, Explosionen und Hubschrauberflügen für Lacher zu sorgen. Judd Apatow holt auch eine Reihe von Berühmtheiten für kurze Gastauftritte ins Boot, darunter einen, der in erster Linie auf Spezialeffekten beruht, aber in fast jedem Fall besteht der Witz einfach in der überraschenden Teilnahme dieser Person. Die Tatsache, dass so viele talentierte Schauspieler auf diese Weise vergeudet werden konnten, spricht weniger für ihre Fähigkeiten als für ein Drehbuch, dessen Figuren bestenfalls mit einem einzigen erkennbaren Charakterzug und nicht annähernd mit einer ausgefallenen Persönlichkeit ausgestattet sind. Schauspieler mögen fade und eitel sein, jeder in Hollywood mag verzweifelt versuchen, den Anschein einer Karriere zu bewahren, den er hat, und die Studios mögen jetzt Teil von Konglomeraten sein, die von Monstern geführt werden, aber die Wiederholung dieser bekannten Wahrheiten auf plumpe Weise macht noch keinen denkwürdigen Film.

"Nach Hause" von den Regisseuren Pedro Kos und Jon Shenk versucht, die Wohnungskrise in den USA zu vermenschlichen. Anstatt in die Tiefe zu gehen und das Thema aus politischer Sicht zu beleuchten, zeigt der kurze Dokumentarfilm in nur 40 Minuten das Leben von Menschen, die in Städten wie San Francisco, Los Angeles und Seattle von Obdachlosigkeit betroffen sind, sowie die häufig festgefahrenen Gespräche zwischen den Verantwortlichen. Es mag nicht immer angenehm sein, das zu sehen, aber es ist absolut notwendig. In jeder gegebenen Nacht sind über eine halbe Million Amerikaner von Obdachlosigkeit betroffen. Los Angeles, San Francisco und Seattle haben in den letzten Jahren den Notstand in Bezug auf Obdachlosigkeit ausgerufen, und in "Nach Hause" erfahren wir aus erster Hand, wie dies zwischen 2017 und 2020 aussah. Es handelt sich um Menschen, die auf der Suche nach grundlegenden Dingen sind, wie einer Wohnung oder einem Haus, psychiatrischer Betreuung, Duschen, einem Platz zum Schlafen. Wir hören von Menschen, die eine Zeit lang bei ihrer Familie gelebt haben, sich aber nicht mehr als Last fühlen wollten, die von ihrer Familie verlassen wurden, nachdem sie sich als Transgender geoutet hatten, die ihre Wohnung verloren, nachdem sie gezwungen waren, zwischen einem Dach über dem Kopf und der Möglichkeit, ihre Kinder zu ernähren, zu wählen. Sie sind auf der Straße gelandet, weil die Lebenshaltungskosten absurd hoch sind, weil sie psychisch krank sind, inhaftiert wurden, familiäre Probleme haben oder ihren Arbeitsplatz verloren haben. Wir lernen einige der Menschen kennen, die versuchen, den Obdachlosen zu helfen, sei es, indem sie sie in sicherere Unterkünfte bringen, ihnen zu essen geben oder einfach nur eine Dusche oder eine Waschgelegenheit anbieten. "Nach Hause" stellt die wohlhabende Bevölkerung, die ihr Geld in teuren Restaurants ausgibt, den Obdachlosen gegenüber, die in der Schlange auf einen Teller warten, oder die darüber sprechen, dass sie so hungrig sind, dass ihnen der Magen fast bis zum Rücken reicht. Dies sind Städte mit einem der größten Wohlstandsgefälle der Welt, in denen die 1 % in Hochhäusern leben, während der Rest in Zelten haust, wo auch immer sie können. Ein Mann namens Luis erzählt, dass er zwar eine Wohnung hat, aber er weiß, dass er in sechs Monaten wieder obdachlos sein wird, weil er die Miete nicht mehr bezahlen kann. All diese Geschichten sind eindrücklich, aber in der kurzen Zeit, die wir mit Politikern und Entscheidungsträgern zugebracht haben, wurde deutlich, dass sich für diese Menschen nichts ändern kann, wenn die Mächtigen nichts gegen diese Epidemie unternehmen. Jeder, der in "Nach Hause" interviewt wird, ist absolut einnehmend, vielleicht weil er ganz er selbst ist. Da ist Luis, der für eine Frau, mit der er sich trifft, von der Straße weg will, sich aber in einem Kreislauf gefangen fühlt, Patti, die ihrem misshandelnden Partner entkommen will, aber zugibt, dass sie nichts anderes kennt als das Leben auf der Straße, und die unzähligen anderen, die ihre Erfahrungen mit Verlust, Trauma und Widerstandskraft teilen. "Nach Hause" ist ein unglaublich besonderer Film. Mit einer Länge von nur rund 40 Minuten sagt er in kurzer Zeit sehr viel aus, denn er lässt Bilder und Menschen für sich selbst sprechen, anstatt sich auf bestimmte Themen und Personen zu konzentrieren. Viele werden die im Film gezeigten Orte Skid Row in Los Angeles, Pioneer Square in Seattle, Division Street in San Francisco, um nur einige zu nennen, kennen, aber in "Nach Hause" geht es weniger um die Besonderheit dieser Orte, die nicht genannt werden, als vielmehr darum, wie weit verbreitet diese Krise wirklich ist. Der Film zeigt uns echte Menschen, die ihr Bestes tun, um jeden Tag zu überstehen, um Arbeit zu finden, sich den Bauch vollzuschlagen und in Sicherheit zu sein, wenn die Sonne untergeht. Da "Nach Hause" Namen und Schauplätze vage lässt und Bilder ohne Erklärungen präsentiert, werden wir dazu gebracht, unsere eigenen Schlüsse zu ziehen, um die volle emotionale Wirkung dessen zu erleben, was wir sehen. Viele dieser stillen Bilder oder ruhigen Momente mit emotionalen Gesprächspartnern sagen mehr aus, als jeder Experte oder Politiker zu diesem Thema sagen könnte. Das Ganze hat etwas fast düster Meditatives, eine poetische Qualität, die nicht darauf abzielt, auf ausbeuterische Weise an unseren Herzen zu zerren, sondern vielmehr versucht, ein Porträt des Lebens von etwa einer halben Million Menschen in den Vereinigten Staaten zu zeichnen. "Nach Hause" ist nicht immer einfach anzuschauen. Es ist erschütternd, von diesen Traumata und dem Versagen, diese Menschen zu unterstützen, zu hören, aber es ist ein absolut unverzichtbarer Film. "Nach Hause" ist ein notwendiges, herzzerreißendes Kunstwerk, eine lebenswichtige, poetische Untersuchung der Wohnungskrise und der sehr realen Menschen, die sie jeden Tag betrifft.

"The Seventh Day" von Regisseur Justin P. Lange ist ein lahmer Exorzismus-Thriller, der vielversprechend beginnt und ziemlich genau in dem Moment versiegt, in dem die Hauptfigur ins Rampenlicht tritt. Keith David spielt einen standhaften Priester, der 1995 in Baltimore versucht, ein besessenes Kind zu retten, während Papst Johannes Paul zu den Menschen in der Stadt spricht, die nur eine Straße weiter sind. Guy Pearce ist der beste Exorzist der Kirche, und das zu einer Zeit, in der sich die Institution von der durch Hollywood sensibilisierten katholischen Praxis verabschiedet hat. Und Stephen Lang ist der Erzbischof, der unseren jungen Rekruten aufmuntert, der Beste seiner Klasse, und verleiht diesem neuesten Thriller, der auf einem uralten Ritus beruht, Gravität. Doch diese Voraussetzungen und ein paar halbwegs passable Effekte machen diesen konventionellen Plunder weder gruselig noch spannend oder auch nur ein Fünkchen glaubwürdiger. Wenn der Hauptdarsteller sich nicht darauf einlässt und entsetzt scheint, wenn er zum ersten Mal Zeuge des Übernatürlichen und des Schreckens wird, aus welchem Grund sollten wir es dann tun? Die Anwesenheit oder das Fehlen von Vadhir Derbez als junger Exorzist in der Ausbildung von Pater Daniel ist also nur in einer Hinsicht aufschlussreich. Vetternwirtschaft in der Filmbranche ist nicht nur eine Sache von Hollywood. Sie kommt auch in Mexiko vor. Ich will ihm nicht den Schwarzen Peter zuschieben, aber Vadhir Derbez scheint in seinen Szenen mit dem knallharten Guy Pearce körperlich zu verkümmern. Da sie sich die meisten ihrer Szenen teilen, ist das ein gewisses problematisches Kriterium. Ein anderer Junge (Brady Jenness) ist nach Einschätzung der Kirche vom Teufel besessen. Er ist mit einer Axt auf seine Familie losgegangen und befindet sich in Polizeigewahrsam, wo er auf ein psychologisches Gutachten wartet. Doch bevor Pater Daniel dem Einsatzteam beitreten kann, um ihn zu erretten, muss er sich mit dem Kettenraucher und Querulanten Pater Peter (Guy Pearce) arrangieren. Und Peter ist nicht beeindruckt, dass Daniel zwei anstrengende Wochen im Exorzisten-Kindergarten absolvierte. Er stellt den Rekruten auf die Probe, indem er ihn in ein Obdachlosenlager schleppt und ihn herausfordert, dort das Böse zu finden. Ein Exorzist versteckt sich nicht vor dem Bösen. Er rennt darauf zu, spürt das Böse in seinen Knochen und erkennt, wenn es in der Nähe ist. Sie treffen den Jungen, befragen ihn und machen sich auf den Weg, um Kontakt aufzunehmen, die Krankheit des kleinen Charlie zurückzuverfolgen und herauszufinden, wo er sich die Teufelsgrippe eingefangen hat. Aber in erster Linie ist es einfach nur Vadhir Derbez, der auf alles zu wenig reagiert, der sich nicht mit besseren Schauspielern messen kann und der generell jeden Grund dafür abtötet, dass wir uns für die Geschichte interessieren sollten, in die wir hier involviert werden sollen. Das Geschäft mit den Praktikanten ist vielversprechend, aber "The Seventh Day" scheint die Tatsache zu verraten, dass die größten Namen nur für kurze Zeit am Set waren. Der Daniel von Vadhir Derbez gerät in viele Situationen auf sich allein gestellt, und Guy Pearce hat nur wenig Zeit, sich zu zeigen. Es gibt eine ziemlich gruselige Verhörsituation mit einem schwebenden Jungen, einem Bleistift, der zu einer Waffe umfunktioniert wird, und Polizisten, die in den Verhörraum gelockt werden, um dann von einer Präsenz angegriffen zu werden. Drehbuchautor und Regisseur Justin P. Lange hat vor ein paar Jahren mit "The Dark" für Furore gesorgt. Dieses Machwerk hat Probleme mit dem Plot, leblose Szenen und das lächerlichste Gimmick in der Geschichte des dämonischen Besessenheitskinos. Und Justin P. Lange ist derjenige, der das Kind eines großen mexikanischen Stars als Hauptdarsteller engagiert hat. Nach dem vielversprechenden ersten Akt häufen sich die Misserfolge schnell, und "The Seventh Day" hält das Interesse nicht über den zweiten Tag hinaus.

Nachdem ich jetzt nun zwei Wochen über den Film nachgedacht habe, muss ich leider erkennen, dass mir keine passenden Worte mehr zu "Eternals" von Regisseurin Chloé Zhao einfallen werden.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Dieser Kommentarwunsch für MareikeHB bezieht sich auf ihren Lieblingsfilm "Lolita" von Meisterregisseur Stanley Kubrick, für den ich mich bedanken muss, dass ich seit Oktober 2021 die vielleicht beste, wenn nicht sogar die wichtigste Rezension von mir zu einem Film auf MP schreiben durfte. Bevor ich mir den Film noch einmal angesehen habe, blätterte ich den Roman von Vladimir Nabokov noch einmal durch, weshalb ich etwas länger brauchte, um diese Rezension zu schreiben. Meine 8 vergebenen Punkte bleiben bestehen.

Wie konnten sie jemals "Lolita" verfilmen? schrie die atemlose, mit dem Augenzwinkern versehene Werbekampagne 1962 dem Regisseur Stanley Kubrick zu. Und diese Aussage war offensichtlich als Frage gemeint. Wie konnte unter den moralischen Vorzeichen der damaligen amerikanischen Filmindustrie ein Film über einen Roman aus dem Jahr 1952 gedreht werden, in dem es um einen Literaturwissenschaftler mittleren Alters und seine systematische Vergewaltigung eines 12-jährigen Mädchens geht? Denn während diese Art von Geschichte zu jedem Zeitpunkt der Filmgeschichte schwierig zu präsentieren gewesen wäre, bedurfte es einer besonders elliptischen Form des Erzählens, um ein solches Material in den Tagen zu präsentieren, als der Produktionskodex nominell noch existierte. Aber ich möchte der Frage noch eine weitere Ebene hinzufügen: Wie konnte aus einem Buch wie "Lolita", Vladimir Nabokovs komplizierter Hommage an die englische Sprache und die Unzuverlässigkeit der Ich-Erzählung, eine ephebophile Fantasie, die aus der Sicht eines Mannes erzählt wird, dem nur seine Worte zur Verfügung stehen, um aus Details, die ihm vielleicht nie passiert sind, eine lebendige, sich selbst dienende Geschichte zusammenzubasteln, die unter Schichten von Metafiktion begraben ist, jemals einen Film zu machen? Es ist ein Buch, das sich schon in seinem glorreichen ersten Absatz dem Rausch des Sprachgebrauchs verschrieben hat:

"Lolita, Licht meines Lebens, Feuer meiner Lenden. Meine Sünde, meine Seele. Lo-lee-ta: die Zungenspitze macht eine Reise von drei Schritten den Gaumen hinunter, um bei drei auf die Zähne zu tippen. Lo. Lee. Ta."

Diese Art von Prosa lässt im Buch nirgendwo wirklich nach, und die Geschichte selbst ist eine so offensichtliche Halluzination von zerbrochenen und ungeschickt wieder zusammengesetzten Erinnerungen, dass es schon zweifelhaft ist, sie eine Erzählung zu nennen. Eine Erzählung über den Akt des Erinnerns, schon, aber eine Erzählung über die Ereignisse, die den Menschen zu einem bestimmten Zeitpunkt widerfahren sind, wahrscheinlich nicht. Wie hat man also "Lolita" jemals verfilmt? So gut sie konnten, aber das war nicht wirklich genug. Davon abgesehen sind Filme keine Bücher, Bücher sind keine Filme, und ein halbes Jahrhundert später können wir hoffentlich etwas Besseres tun, als zu sagen, dass Stanley Kubricks Lolita als Adaption von Nabokovs literarischem Triumph problematisch ist. Wir könnten zum Beispiel sagen, dass Stanley Kubricks "Lolita" eine andere Sache ist, die auf einer anderen Ebene betrachtet werden muss. Ich bin zwar nicht so reif, dass ich nicht bemerken würde, dass Vladimir Nabokovs "Lolita" ein viel besserer Roman ist als Stanley Kubricks "Lolita" ein Film, aber ich will ganz offen sein. Das Buch ist höchstwahrscheinlich mein liebstes Werk der Belletristik der Nachkriegszeit. Wie dem auch sei, sparen wir uns die ganze Kritik an dieser unproduktiven Stelle.

Stanley Kubricks "Lolita", dessen Drehbuch Vladimir Nabokov selbst zugeschrieben wird, obwohl es vom Regisseur und Produzenten James B. Harris erheblich überarbeitet wurde, um es auf eine filmtaugliche Form und Länge zu bringen, ist im Allgemeinen ein saubereres und geradlinigeres Werk als sein Vorbild. Es wird geschickt mit einer Szene eröffnet, in der ein hagerer Europäer, Humbert Humbert (James Mason), das katastrophal überladene Herrenhaus des Dramatikers Clare Quilty (Peter Sellers) betritt, den Hausherrn betrunken und zusammenhangslos vorfindet und zu wahnhaften, fantasievollen Tiraden neigt, und ihn erschießt, wobei er eine Person namens "Lolita" als Grund für seinen Racheakt angibt. Diese Eröffnung im Stil eines Thrillers gibt dem Film mehr dramatischen Fokus und Schwung als dem Roman, und wir können vier Jahre zurückspringen, um einen viel geschliffeneren und eleganteren Humbert zu sehen, der in Ramsdale, New Hampshire, ankommt, um sich einen Sommer lang zu erholen und zu schreiben, bevor er nach Ohio reist, um französische Literatur zu unterrichten. Hier wohnt er bei einer Witwe namens Charlotte Haze (Shelley Winters), einer unerträglichen intellektuellen Wichtigtuerin, die Humbert nur duldet, um in der Nähe ihrer wunderschönen Tochter Dolores (Sue Lyon) zu sein, die den Spitznamen Lolita trägt. Das Verhältnis zwischen den Haze Frauen ist ziemlich angespannt, wobei beide auf den europäischen Gentleman in ihrer Mitte eher warmherzig reagieren. Schließlich heiratet Humbert die Frau Charlotte, damit er weiterhin in der Nähe von Lolita sein kann. Die Dinge werden vorher immer dreckiger. Sie werden eigentlich nie richtig gesund. Wir wissen ja bereits, dass Humbert am Ende einen Menschen töten wird. Und da wir wissen, dass Quilty diese Figur ist, können wir gut beobachten, wie oft Quilty sich mit Humbert und den Hazes zu verstricken scheint, was dem Film "Lolita" den Aspekt einer fatalistischen Tragödie verleiht, während das Buch ein unberechenbares, rückwärtsgewandtes Rätsel ist.

Die geltenden Normen machten es Stanley Kubrick nicht nur unmöglich, offen zu sagen, dass Humbert seine Stieftochter vergewaltigt, sondern es war ihm auch fast unmöglich, dies überhaupt anzudeuten. Sicherlich war es notwendig, den pubertätsbesessenen Lustmolch des Buches, der sein ganzes Leben lang mit einer verbogenen Sexualität zu kämpfen hatte, fast vollständig aus dem Buch zu werfen und ihn durch eine Figur zu ersetzen, die so erbärmlich ist, dass man fast Mitleid mit ihr haben könnte. Und das erklärt vielleicht das wichtigste Merkmal des Films "Lolita", das ihn von der Buchvorlage unterscheidet. Er zeichnet die Entwicklung von Stanley Kubricks Stil nach und fügt sich einfach in den expandierenden Modernismus des Kinos der 1960er Jahre ein. Sein untrüglicher Sinn für schwarzen Humor und seine bitterironische Behandlung von ernsten Themen. "Lolita" ist eine Travestie von Liebesgeschichten, Melodramen und der relativ neuen Form der TV-Sitcoms, und das alles in einem flachen, bösartig absurden Ton, in dem der eingebildete Trauerkloß, dessen Leidensweg mit so verdrehtem Amüsement behandelt wird, sich wohl der beiden schlimmsten Verbrechen schuldig macht, die ein Mensch begehen kann: Mord und sexueller Missbrauch einer Minderjährigen. Das gilt vor allem für die erste Hälfte des über zweieinhalbstündigen Films, als Charlotte noch lebt und Lolitas Reinheit zumindest von Humbert nicht angetastet wird. In einem faszinierenden und praktisch unbeschreiblichen Ausmaß ist "Lolita" ein Film, der fast ausschließlich durch Doppeldeutigkeiten und Wortspiele erzählt wird, sowohl verbal als auch visuell. Da Humbert nicht direkt sagen kann, dass er Lolita ficken will, macht Kubrick stattdessen Witze aus den Momenten, in denen Humbert sich seiner Begierden und des schrecklichen Universums, das es ihm so leicht macht, sie auszuleben, am unmittelbarsten bewusst ist. Die einzige Möglichkeit, die Pointe zu verstehen, besteht darin, zu begreifen, was der Film nicht sagen kann, und die einzige Möglichkeit, das herauszufinden, besteht darin, die Information in einen Witz einzuschmuggeln.

Es ist unmöglich, sich vorzustellen, dass irgendetwas davon auf irgendeiner Ebene ohne James Masons tadellose Ausdrücke der Verwirrung und des Unbehagens funktioniert, der Inbegriff des Hetero in einer verrückten Welt; und natürlich ist es die bloße Tatsache, dass der Hetero auch objektiv ein Bösewicht ist, die Lolita denselben Kick moralisch hoffnungsloser Komödie verleiht, den Stanley Kubrick in seinem nächsten Film, dem majestätischen "Dr. Seltsam, oder wie ich lernte, die Bombe zu lieben", noch weiter ausbauen würde. Davon abgesehen hält sich "Lolita" ziemlich zurück, um nicht in den rabenschwarzen Nihilismus zu verfallen, den "Dr. Seltsam, oder wie ich lernte, die Bombe zu lieben" so rücksichtslos ausnutzen würde. Er versteht auf intellektuelle Weise, dass Humbert eine schlechte Botschaft ist, tut aber eine ganze Menge, um seine schlimmsten Züge zu verbergen. Das hat zum Teil mit der Zensur zu tun. Er kann nicht so besessen von Sex sein, kann nicht so aktiv nach "Lolita" streben und kann nicht so abscheulich sein, wenn er von ihr Besitz ergreift, und so fühlt er sich die meiste Zeit des Films weniger wie ein Raubtier als ein normaler Mann mittleren Alters, der zufällig in eine langfristige sexuelle Beziehung mit seiner minderjährigen Stieftochter verwickelt ist, die ihm offensichtlich nicht gefällt.

Ein weiterer Faktor ist die Darstellung von Quilty in der Eröffnungsszene, der in der energischen Darbietung von Sellers so ausschweifend und reptilienhaft ist, dass es schwerfällt, Humbert nicht vorzuziehen, nur weil er ein relativ stabiler und gesunder Mensch ist. Der wichtigste Faktor ist die physische Verkörperung der Frauen in Humberts Leben. Shelley Winters, eine Schauspielerin, für die ich im Allgemeinen wenig Begeisterung empfinde, hat etwas, das ihr absolut niemand absprechen kann, nämlich dass sie keine Peinlichkeiten kennt. Immer wieder spielte sie Frauen, die weinerliche, triebgesteuerte Waschweiber waren, absolut erniedrigende Muschis und Flittchen, und nie hatte man das Gefühl, dass sie sich in solchen Rollen eingeengt oder persönlich angegriffen fühlte. Und Charlotte Haze ist vielleicht die beste von allen. Ein verzweifeltes Nichts aus der Mittelschicht, das mit aller Kraft versucht, mit einer leicht luftigen Stimmlage, selbstbewussten Gesten und einer Reihe anzüglicher, verschwörerischer Blicke die Lüge zu verkaufen, dass sie in Wirklichkeit kultiviert, weltgewandt und sexy ist. Das Einzige, was sie mit Sicherheit nicht ist, ist sympathisch. Eher traurig als erschreckend, aber in jedem Fall zutiefst abstoßend, und die Art und Weise, wie Stanley Kubrick sie filmt, macht es wirklich unmöglich, kein Mitleid mit Humbert zu haben, der sie ertragen muss. Was "Lolita" selbst betrifft, so gibt Sue Lyon die erste wirklich große Stanley-Kubrick-Darstellung im Film, wie ich finde: Der Großteil ihrer Arbeit besteht darin, Dinge auf eine flache Art und Weise zu tun, zu starren, zu sitzen, zu schreien, zu lächeln und den Schnitt und die Kamerabewegung um sie herum arbeiten zu lassen, um sich die Mühe zu machen, ihre Figur zu erschaffen. Besonders deutlich wird dies bei ihrer berühmten Vorstellung, bei der sie einen Bikini, einen breiten Hut und eine Sonnenbrille trägt und mit einem völlig neutralen Gesichtsausdruck aus dem Off schaut. Es ist der Schnitt zu James Masons nervösem, überhitztem Blick, der die Lust, die den Rest des Films antreibt, nach den besten Lehren von Lev Kuleshov verkauft. Damit werden zwei Dinge bewirkt. Zum einen wird die Sorge ausgeräumt, dass Lolita in dieser stark entsexualisierten "Lolita" zu sehr auf Sex ausgerichtet sein könnte. Zum anderen bleibt sie eine hübsche, aber völlig unscheinbare junge Frau ohne besondere Persönlichkeit, nur mit einer Art frustriertem, lautstarkem Teenager-Dasein. In Verbindung mit der Tatsache, dass der Film die sexuelle Beziehung zwischen den Figuren nicht in den Vordergrund stellt, fühlt sie sich eher wie das bockige Kind an, mit dem Humbert zusammen ist, statt wie im Buch als das biestige Kind, das er durch die Linse der selbstsüchtigen Erotik verzerrt. Und auch dies lässt uns ein wenig Mitleid mit Humbert empfinden. All dies führt dazu, dass der Film nur auf der Ebene einer moralisch verzerrten Sitcom wirklich erfolgreich ist, obwohl er in dieser Eigenschaft verdammt gut ist. Im Vergleich zu seinem unmittelbaren Nachfolger in Stanley Kubricks Karriere hat man jedoch ständig das Gefühl, dass er keine Komödie sein will. Er hat eine sehr ernste Ästhetik. Da ist zum einen der unglaublich schöne, schlichte Look des Films, dessen Kameraführung Oswald Morris zugeschrieben wird und wie immer bei Stanley Kubrick, der den Häusern, Straßen und Landschaften, aus denen der Film besteht, einen winzigen Hauch von malerischer Eleganz verleiht. Und natürlich ist auch der Anfang in Quiltys Herrenhaus ein echter Gothic-Mystery-Film, mit einer nebligen Kamerafahrt hinter einem Auto, die den ganzen Film einleitet und eine direkte Vorwegnahme von "Shining" ist, 18 Jahre später.

Der Film rühmt sich auch eines scheinbar grenzenlosen Vorrats an anmutigen, geschmeidigen Kameraschwenks, die vom ersten in den zweiten Stock, durch Wände und Türen und um Räume herum führen und die einfachen, allgemeinen Bereiche des Films mit der Erhabenheit eines Balletts oder Walzers behandeln. Der Stil ist in der Tat überwältigend romantisch, mit großen, sehnigen Gesten und tief suggestiver, spiritueller Beleuchtung. Und auch das könnte ein Witz sein, wenn auch ein übertrieben ehrlicher. Dennoch wird der Sarkasmus deutlich. James Masons ständig enttäuschte Blicke, Sellers Sammelsurium an Akzenten und Karikaturen, die plumpen Doppeldeutigkeiten und der Wechsel vom schmerzhaften, von Bob Harris komponierten "Lolita's Theme" im Vorspann zu dem faden, höllisch eingängigen Pop-Nonsens "Lolita Ya Ya" von Nelson Riddle, vielleicht das erste Mal in Stanley Kubricks Filmografie, dass er sich der direkten musikalischen Ironie bedient. Es ist ein kaustischer Film, der sich als Liebesgeschichte tarnt, und ein durchaus respektabler Versuch, unter unmöglichen Bedingungen einen Weg zu finden, mit dem Ausgangsmaterial umzugehen. Als Stanley Kubrick-Film finde ich jedoch, dass praktisch alles, was er gut macht, in seiner Filmografie besser gemacht wurde, und es ist möglicherweise der visuell geradlinigste Film, den er mit professionellem Geld gemacht hat. Die Lehren, die er daraus zog, liegen jedoch auf der Hand, insbesondere die, die er in seinem nächsten Film anwenden würde, dem ersten seiner voll ausgereiften Werke und dem Beginn einer ununterbrochenen Reihe von Meisterwerken von Weltrang, die erst mit dem Tod des Filmemachers endete.

"Have a Nice Day" von Regisseur Liu Jian ist ein gnadenlos nervenaufreibender Gangsterthriller, der im heutigen China angesiedelt ist. Ekelhaft, brutal und 77 Minuten kurz, beschwört der animierte Neo-Noir "Have a Nice Day" eine düstere Vision des modernen chinesischen Kleinstadtlebens herauf, in dem Verzweiflung, Gier und Stupidität die Oberhand gewinnen. In diesem bitterbösen, versierten zweiten Spielfilm des chinesischen Drehbuchautors und Regisseurs Liu Jian löst ein rücksichtsloser Diebstahl einen Orkan von kontrolliertem Chaos aus, dessen gewalttätige Auswirkungen die klaren, scharfen Linien und statischen Kompositionen von Liu Jians präzise gezeichneten Bildern kaum stören. Diese visuelle Zurückhaltung, bei der manchmal eine aufsteigende Rauchwolke oder eine blinkende Leuchtreklame die einzige Quelle der Bewegung im Bild sein kann, ist für den Film sehr wichtig. Hier wird sich nichts ändern oder verbessern. Diese Gangster und ihr ganz und gar erbärmliches Schicksal sind von der ersten Szene an festgelegt. Dies ist mehr oder weniger das, was passiert, scheint Liu Jian zu sagen, wenn die harte Realität wirtschaftlicher Entbehrungen auf das schwer fassbare Versprechen von Wohlstand in einer unerbittlich materialistischen Gesellschaft trifft. Der Regisseur hat mit seiner Pokerface-Methode jegliche Freude oder Überraschung an den kriminellen Machenschaften, die er uns vorführt, zunichte gemacht. In einer nicht näher bezeichneten südchinesischen Stadt stiehlt der Bauarbeiter Xiao Zhang dem örtlichen Gangsterboss Onkel Liu eine Tasche mit Beute, um die verpfuschte Schönheitsoperation seiner Freundin zu bezahlen. Onkel Liu ist über diese Tatsache nicht sehr erfreut, nicht zuletzt wegen der Unterbrechung, die sie mit sich bringt. Wir lernen ihn zum ersten Mal kennen, als er die blutige Verprügelung eines alten Freundes beaufsichtigt, während er sich ausgiebig an die Missgeschicke ihrer Kindheit erinnert. Onkel Liu hält mitten in der Folter lange genug inne, um einen Metzger und Auftragskiller namens Bohnenstange anzuheuern, der Xiao aufspüren soll, und so beginnt eine Verfolgungsjagd, die von einem heruntergekommenen Internetcafé bis zu einem schäbigen Motelzimmer führt. Auf dem Weg dorthin fällt das Geld schnell, wenn auch nur vorübergehend, in die Hände von Yellow Eyes, der sich danach sehnt, seinen lang gehegten Traum zu verwirklichen, ein Erfinder zu werden. Aber Träume haben in dieser unerbittlich deterministischen Vision keinen Platz. Im besten Fall bleiben sie unerfüllt, und im schlimmsten Fall führen sie ihre Träumer auf fatale Weise in die Irre. In der korrosivsten und abwegigsten Sequenz des Films sehnt sich eine Frau danach, in einen Ferienort namens Shangri-La zu fliehen. Ihre Vision vom Paradies hat die Form einer farbenfrohen Karaoke-Sequenz, die mit kommunistischen Bildern der alten Schule gespickt ist. Es ist eine unbarmherzige Erinnerung daran, wie sehr die Sehnsüchte und Fantasien dieser Figuren von ihrer Umgebung geprägt wurden, und seine kitschige Helligkeit steht im Kontrast zu dem düsteren Realismus, der Liu Jians ästhetisches Markenzeichen ist. "Have a Nice Day" will weder die Aktualität seiner Geschichte noch den Facettenreichtum seiner Inspirationen betonen. Er beginnt mit einem langen Zitat aus Lew Tolstois "Auferstehung", das eine nicht ganz unbedeutende Verbindung zwischen der sozialen Korruption des vorrevolutionären Russlands und der moralischen Fäulnis des globalen 21. Jahrhunderts herstellt. Vorübergehende Erwähnungen von Bill Gates, Mark Zuckerberg und des Brexits sowie der Klang von Donald Trumps Stimme, die aus einem Autoradio ertönt, stellen einen ungefähren Zeitrahmen für die Gegenwart her, aber die gesprächigen, gelehrten Charaktere des Films lassen auch Verweise auf alles Mögliche fallen, von der fauvistischen Malerei bis zur buddhistischen Philosophie. Liu Jian gibt uns viel zu hören, aber wir sollten nicht vergessen zu sehen. Jenseits des formelhaften Plots eines Thrillers und der auffälligen Wortwahl ist es die reich strukturierte Perspektive des städtischen Verfalls, die in Erinnerung bleibt. Aus diesen malerischen Standbildern von vermüllten Straßen und mit Graffiti übersäten Gebäuden entsteht ein Gefühl der Verzweiflung, das einen fast depressiv werden lässt. Manches vom Schlimmsten, was die Menschheit zu bieten hat, hat man vielleicht schon gesehen, aber man hat es durch die frische, deutliche und klärende Betrachtungsweise eines begabten Nachwuchskünstlers erblickt.

Der Film "Possessor" von Regisseur Brandon Cronenberg ist ein Science-Fiction-Film über eine Profikillerin, die sich buchstäblich in die Köpfe anderer Menschen einnistet. Andrea Riseborough verkörpert Tasya Vos, eine Frau, die mittels eines neuronalen Implantats und einer speziellen Maschine ihr Bewusstsein in die Gehirne anderer Menschen projizieren und deren Handlungen kontrollieren kann. Sie kann in ihren eigenen Körper zurückkehren, indem sie ihren Wirtskörper zur Selbsttötung zwingt. Trotz der regelmäßigen Interventionen ihrer Vorgesetzten Girder (Jennifer Jason Leigh) beginnt Vos langsam die Kontrolle über ihre eigene Identität zu verlieren, was sie von ihrem Ehemann Michael (Rossif Sutherland) und ihrem Sohn Ira (Gage Graham-Arbuthnot) entfernt. In diesem instabilen Gleichgewicht erklärt sie sich widerwillig bereit, einen mächtigen Firmenchef (Sean Bean) zu ermorden, und gerät in eine existentielle Krise, als ihr Wirt (Christopher Abbott) sich dagegen zur Wehr setzt. "Possessor" ist ein bemerkenswert wagemutiger Film. Während eine Geschichte über eine professionelle Auftragskillerin fast schon unvermeidlich ein gewisses Maß an Gewalt enthält, hat Brandon Cronenberg seinem Film eine wahrhaft viszerale Umarmung der mörderischen Brutalität verliehen. Tasya Vos verliert die Kontrolle über ihre eigene Psyche, weil sie so viel mit der von anderen Menschen zu tun hat, und das äußert sich zum Teil in der Besessenheit, mit Messern und anderen scharfen Gegenständen zu töten, anstatt mit Schusswaffen. Das wirkt zutiefst pervers, fast wie eine Sehnsucht nach Intimität und körperlicher Vereinigung, und führt zu einigen besonders konfrontativen Szenen mit realistischer und grässlicher Darstellung von Gewalt. Dieses Ausmaß an Gewalt, das durchaus gerechtfertigt erscheint, hat offenbar einige Zuschauer und Kritiker dazu verleitet, "Possessor" als Horrorfilm zu missinterpretieren. Trotz des Blutes und der zunehmenden Paranoia fühlt sich der Film nicht nur eindeutig nach Science-Fiction an, sondern auch nach einem exzellenten Werk. Er wird von Themen wie Vertraulichkeit, Identitätsfindung und individueller Abhängigkeit beherrscht, wobei dieses Material aus einer spekulativen Technologie stammt. "Possessor" ist scharfsinnig konzipiert und aussagekräftig. Der Film profitiert enorm davon, dass der Schwerpunkt auf physischen Effekten vor der Kamera und nicht auf computergenerierten Bildern liegt. Sie verleiht der Krise von Tasya Vos eine starke Körperlichkeit und ein Gewicht, das bei einer so körperbetonten und greifbaren Geschichte dringend erforderlich ist. Außerdem wird dadurch der zimperliche Charakter des Materials erheblich gesteigert. Zuschauer, die empfindlich auf solche Kost reagieren, sollten sich zurückhalten. Andrea Riseborough ist in der Rolle der Tasya Vos kaum zu identifizieren. Sie ist schwächlich und sieht aus wie ein ausgehöhltes Wesen, das von ihrem stressigen und verstörenden Job gezeichnet ist. Es ist eine eindringliche Darbietung, sowohl monströs als auch tragisch, und vor allem durch ihre Leistung gelingt es ihr, trotz ihrer Handlungen sympathisch zu sein. Christopher Abbott liefert eine außergewöhnliche Leistung in einer schwierigen Rolle. Als Attentäter Colin Tate muss er sowohl Tate unter normalen Umständen als auch Tate unter Tasya Vos' Kontrolle spielen und dazwischen eine zwiespältige Persönlichkeit, deren eine Identität darum kämpft, die Kontrolle von einer anderen zu übernehmen. Die Nebenrollen sind durchweg fundiert, darunter Sean Bean als skrupelloser Technologiemagnat und Jennifer Jason Leigh als Tasya Vos' manipulative Chefin. Es wird hier ein so heikles Balancieren praktiziert. "Possessor" ist abwechselnd erschreckend und von tragischer Natur, packend und unausweichlich, abstoßend und verlockend. Brandon Cronenberg ist auf dem besten Weg, sich als einer der besten zeitgenössischen Filmemacher Kanadas und als meisterhafter Schöpfer düsterer, provokativer Science-Fiction zu etablieren.

"Windfall" von Regisseur Charlie McDowell ist ein gelungener hitchcockscher Thriller, der zwar nicht absolut perfekt ist, aber dank der unglaublichen schauspielerischen Leistung der drei Hauptdarsteller mehr als sehenswert. Wer einen gemütlichen Abend zu Hause verbringt und auf der Suche nach einem kurzweiligen, aber spannenden Thriller ist, für den ist "Windfall" die ideale Wahl. Der Film ist ganz klar ein durch die Pandemie entstandener Film mit einer sehr kleinen Besetzung und einem einzigen Schauplatz, der äußerst unterhaltsam ist. Jason Segel, Jesse Plemons und Lily Collins spielen die Hauptrollen, und alle drei sind unglaublich gut in ihren Parts. Sie sind alle als fantastische Darsteller bekannt, und "Windfall" belegt genau das. Die Figur des Jason Segel, der in diesem Film keinen Namen trägt, spioniert in einem Ferienhaus herum, das ihm nicht gehört, als die Besitzer (Jesse Plemons und Lily Collins) unerwartet auftauchen. Dies führt dazu, dass sich seine ursprünglichen Absichten ändern und die Situation viel komplizierter wird, als sie es wäre, wenn das Paar nicht aufgekreuzt wäre. Er verlangt Geld, das sie ihm beschaffen können, aber es wird einen Tag dauern, bis er es bekommt. Im Laufe der nächsten neunzig Minuten gestaltet sich der Tag auf sehr ungeahnte Weise. Es geschehen Dinge, die nicht mehr rückgängig gemacht werden können, und die Probleme, die dieses Paar durchmacht, werden zum Vorschein gebracht, und mittendrin steckt Jason Segels Filmfigur. "Windfall" ist kurz für diese Form von Film, aber es passt perfekt zum Tempo. Es gibt ein paar ruhige Momente, aber die sind keineswegs langweilig. Der gesamte Film ist von einer Intensität und einem Mysterium begleitet, das sich über die Vorgänge legt. Warum tut Jason Segel das? Warum hat er CEO Jesse Plemons als Ziel ausgewählt? Und wird es ihm gelingen, die Immobilie mit dem Geld zu verlassen und den Blick nicht zurückzuwerfen? Durch die Beziehungsprobleme zwischen dem CEO und seiner Frau wird der Film auf eine andere Ebene gehoben. Das macht die Sache zusätzlich spannungsvoll, wenn die Zuschauer versuchen, alle Informationen richtig zu kombinieren. Als der Gärtner (Omar Leyva) in das Geschehen verwickelt wird, verwandelt sich "Windfall" vollends in einen Thriller, und die Lage spitzt sich zu. Für einen Film, der mit so wenigen Leuten gedreht wird, an einem Ort bleibt und an nur einem Tag spielt, ist er wirklich ein Erlebnis. Jeder einzelne dieser Schauspieler bringt etwas Erstaunliches mit. Sie werden den Betrachter bis zu den letzten, extrem schockierenden und unberechenbaren Minuten im Ungewissen lassen. Alfred Hitchcock wäre stolz, denn "Windfall" ist ein subtiler, intensiver Thriller. Meine Hauptkritik ist, dass ich auf eine große Enthüllung der Verbindung zwischen Jason Segel und CEO Jesse Plemons gewartet habe, aber die gab es nicht. Das fühlt sich wie eine verpasste Gelegenheit an, aber die Erklärung, die Jason Segel für sein Handeln gibt, funktioniert, ich hatte nur das Bedürfnis, dass es mehr hätte sein müssen. Das andere Problem mit "Windfall" ist, dass er einfach irgendwie ausläuft. Die Geschichte fühlt sich zwar vollständig an, aber es war ein ziemlich abruptes Ende, vor allem, wenn man bedenkt, wie das Ganze ausgeht. Ich bin mir nicht sicher, was man dem Ende hätte hinzufügen können, aber es schien mir, als ob es ein bisschen mehr nötig hätte. "Windfall" ist ein überzeugender Thriller mit einem großartigen Score und phänomenalen Hauptdarstellern. Der Film hat ein gutes Timing und hält die Atmosphäre durchgehend interessant und lebendig, bis der Stein ins Rollen kommt. Ein bestürzendes und völlig überraschendes Ende, das die Sache gut auf die Reihe bringt. Auch wenn man das Gefühl hat, dass mehr drin gewesen wäre, lohnt es sich, den Film zu konsumieren, insbesondere wenn man einen guten Thriller schätzt.

Im neuen Film von Regisseur Wes Anderson führt Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), Sohn eines Zeitungsmannes, der die Liberty, Kansas Evening Sun gründete, die Tradition seiner Familie mit seinem geliebten "The French Dispatch" fort, einem amerikanischen Pendant in Ennui-sur-Blase, Frankreich. Arthur Howitzer, der die besten Autoren aus dem Ausland beschäftigt und ihnen einen großen Spielraum bei der Ausübung ihres Handwerks einräumt, hat eine eklektische Mischung von Autoren zusammengestellt, die im Laufe von 50 Jahren über ein breites Spektrum von Themen von menschlichem Interesse berichten. Schon in den ersten Einstellungen bietet "The French Dispatch" Eschereske Gebäude, leuchtende Farben und freche Kompositionen, die wie Gemälde angeordnet sind. Ganz augenscheinlich handelt es sich um einen Film von Wes Anderson. Außerdem ist der Rahmen seines Bildes sehr schmal, so dass alles genau im Blickfeld ist, was manchmal unrealistisch ist, da die Handlung häufig direkt in der Mitte des Bildschirms stattfindet. Der visuelle Ansatz von Wes Anderson ist zwar vertraut, aber dennoch wundersam, denn er beweist ein ungewöhnliches Gespür für Organisation, Bewegung und Lebendigkeit. Er ist sicherlich anders als jeder andere Filmemacher seiner Epoche. Auch die Erzählweise und die Dialoggestaltung sind sehr eigenwillig, und fast jede Interaktion ist von langatmigen Gesprächen und wortreichen Beschreibungen durchzogen. Es gibt auch eine Ernsthaftigkeit in den Beiträgen, die den extremen Sarkasmus und Spott noch verstärkt. Ein Großteil des Inhalts ist nach außen hin ernst, aber unter der Oberfläche liegt eine unglaubliche Skurrilität, die gelegentlich groteske Beobachtungen und Enthüllungen freisetzt. Es wird selten laut gelacht, aber der Witz ist reichlich vorhanden und anspruchsvoll. Obwohl der Film letztlich ein Liebesbrief an die Journalisten ist, wurde er als Anthologie zusammengestellt, die sich aus verschiedenen Vignetten zusammensetzt, die typische Artikel aus der titelgebenden Publikation darstellen, die von Kunst über Politik bis hin zu Ernährung reichen. Es ist auch eine Biografie, vor allem über einen geplagten Maler und seine Muse Gardienne, die das Charakteristikum der Kunst und der sie umgebenden Kuratoren und Mäzene analysiert. Gleichzeitig ist es ein Reisebericht, in dem munter über das pittoreske französische Umfeld des Magazins berichtet wird, und eine brillante Satire auf die Methoden, mit denen sich Journalisten in Missgeschicke verwickeln, um ihre Geschichten zu verstehen und zu verschönern. "The French Dispatch" enthält auch merkwürdige, künstlerische Beigaben wie eine Fernsehshow, eine Präsentation im Auditorium, ein Bühnenstück, Animationen, geteilte Bildschirme und Standbilder, die nicht wirklich statisch sind. Manchmal ist es auch fast ein Dokumentarfilm, der den Verleger und seine Mitarbeiter auf immer absurdere Weise porträtiert. Kreativität und kluge Kontraste gibt es im Überfluss, von alliterativen Inspektionen, die von schrillen Flüchen unterbrochen werden, bis hin zu poetischen Kommentaren über das Leben und die Liebe. Nur in einer von Wes Andersons wortgewaltigen Komödien vermischen sich kulinarische Überlegungen mit einem feigen Verbrechen, erfindet ein gewalttätiger Enthaupter eine neue Kunstbewegung und reflektiert eine Studentenrevolution über die Torheiten der journalistischen Neutralität. Doch trotz des durchgängigen Unterhaltungswerts, der durch ein absolut großartiges Ensemble wiedererkennbarer Gesichter hervorgehoben wird, verkörpert die zersplitterte Erzählung mit ihren einzelnen Geschichten weder unterschiedliche Schreibstile, noch verbindet sie diese mit etwas anderem als der Vorstellung, dass sie von Mitarbeitern der French Dispatch stammen. Wären da nicht Wes Andersons unverwechselbare Bildsprache und seine kinematografischen Vorlieben, hätten diese Geschichten wenig gemeinsam. Die Charakterentwicklung des Eigentümers und von Tilda Swintons Berensen ist spärlich, und nur Jeffrey Wrights Essenskolumnist ist eine Figur mit einem Hauch von emotionaler Bindung. Viele der kurz zu sehenden Nebenrollen sind in ihrem Verhalten so fremdartig, dass man sie nur als unverschämte Karikaturen betrachten kann. Dennoch, "The French Dispatch" ist ein furchtbar komisches, gelegentlich gefühlvolles und ausgesprochen wohltuendes Werk.

"Irresistible" von Regisseur Jon Steward beginnt damit, dass der republikanische Farmer und pensionierte Marineoberst Jack Hastings (Chris Cooper) auf einer Bürgerversammlung eine leidenschaftliche Rede hält. Dabei geht es um die Frage, wie seine kleine Stadt in Wisconsin mit den Einwanderern umgehen sollte, und er macht eine sehr deutliche Aussage darüber, wie dieser Teil der Stadtbewohner einen Mehrwert für die Gemeinschaft darstellt und dass sie respektiert und geschützt werden sollten. Ein heimlich gedrehtes Video seines Plädoyers geht im Internet umher und erregt die Aufmerksamkeit von Gary Zimmer (Steve Carell), einem politischen Strategen der Demokraten in Washington, der davon überzeugt ist, das neue Gesicht der Demokraten gesehen zu haben und altmodische Werte vertritt, ohne dabei rassistisch oder ausgrenzend zu sein. Gary Zimmer bietet an, die Kampagne zur Wahl von Jack Hastings zum Bürgermeister der Stadt zu leiten, nur um zu sehen, ob er es schafft. Das weckt das Interesse anderer politischer Manöverierer im ganzen Land, einschließlich seiner republikanischen Gegenspielerin Faith Brewster (Rose Byrne). Oberst Hastings will nur, dass die Menschen gut zueinander sind, und während Gary Zimmer ihn ausbildet, sucht er bei seiner erwachsenen Tochter Diana (Mackenzie Davis) nach irgendeiner Art von spiritueller Führung, während er langsam seine Seele verkauft. Der Filmemacher Jon Stewart setzt auf Lacher und erzählt gleichzeitig eine geschickte und witzige Geschichte. Das Problem ist, dass die großen Momente nicht oft zu großen Lacherfolgen führen, aber wenn man sich die kleinen Details anschaut, kann man tatsächlich den einen oder anderen Gluckslaut hervorbringen. Die Handlung ist mehr oder weniger in der realen Welt angesiedelt und basiert auf einer Sonderwahl zum sechsten Kongressbezirk in Georgia im Jahr 2017. Jon Stewart lässt also Nachrichtensprecher von CNN, CNBC und Fox News auftreten, die alle von derselben Schauspielerin mit unterschiedlichen Perücken gespielt werden und die allesamt Brooke heißen. Es gibt auch einen Moment auf zwei Straßenfesten mit Ständen verschiedener Interessengruppen, einschließlich der NRA, die alle eifrig neue Mitglieder werben, bis eine Gruppe afrikanischer Männer den Tisch betritt. Ich hätte mir gewünscht, dass solche Situationen im Mittelpunkt des Films gestanden, und nicht nur eine Aneinanderreihung von kleineren Nebengags gewesen wären. Es gibt einige interessante und unaufdringlich kluge Nebendarsteller wie Brent Sexton in der Rolle des langjährigen Bürgermeisters und Will Sasso als einer der Stadtbewohner, der sich erstaunlich gut in der Politik auskennt. "Irrestible" hat eine kuriose Sequenz, in der Gary Zimmer den Colonel nach New York bringt, um einige seiner reichen, liberalen Freunde für eine Spendenaktion zur Finanzierung des Wahlkampfes zu treffen. Die Menschen dort sind so glücklich, dass Hastings scheinbar auf "ihre Seite" gewechselt ist, dass sie nicht einmal fragen, warum. Und als er ihnen in einer Rede erklärt, dass sie und ihr Geld Teil des Problems der heutigen Politik sind, applaudieren sie ihm und werfen praktisch Millionen von Dollar in seine Kassen, was die Wendung am Ende des Films einleitet. Fast alles an Jon Stewarts Herangehensweise an dieses Thema wirkt wie Schönfärberei. Ich würde sie nicht zahnlos nennen, aber die fraglichen Zähne sind nicht besonders scharf. Und so sehr ich die Darstellung des gegenwärtigen politischen Systems, in dem Geld und Image wichtiger sind als Substanz und Inhalte, für treffend halte, so wenig aufschlussreich ist sie für einen Mann, der einen Großteil seiner Karriere damit verbracht hat, die Fassaden von Politikern und Parteien zu durchleuchten, um uns zu zeigen, woraus sie wirklich bestehen. "Irrestible" ist eher eine verpasste Chance als ein völliger Reinfall oder eine Enttäuschung. Die Hauptdarsteller sind wirklich stark, auch wenn ich mir gewünscht hätte, dass die Oberflächlichkeit von Rose Byrnes Charakter etwas mehr Motivation erhalten hätte. Rose Byrne kann mit dem richtigen Material so witzig sein, und hier scheint sie ernsthaft unterbeschäftigt zu sein. Da die Preise für viele dieser Onlineangebote zu hoch sind, weil dieser Film eigentlich für die Kinos bestimmt war, ist die Entscheidung, ihn auszuleihen, ebenso sehr eine finanzielle Entscheidung wie eine über die Qualität. Daher kann ich nur feststellen, dass die Unwiderstehlichkeit von "Irresistible" nicht so lustig oder klug ist wie die Person, die sie geschaffen hat.

Brauchen wir einen weiteren Dokumentarfilm über Nazi-Deutschland? Gerade dann, wenn sie so scharfsinnig und subtil ist wie "Final Account" von Regisseur Luke Holland. Der Film wurde über acht Jahre hinweg gedreht, während der altgediente Filmemacher mit seinem Krebsleiden kämpfte, das ihn 2020 dahinraffte. "Final Account" ist ein Sammelsurium von Interviews mit der alternden Generation, die unter Adolf Hitler lebte, und eine letzte Chance, sie vor die Kamera zu bekommen. Luke Holland, dessen Großeltern mütterlicherseits im Holocaust starben, will uns ganz normale Menschen zeigen, Funktionäre, keine Unmenschen. Es handelt sich um ganz normale Menschen, die einst vom Nationalsozialismus betört waren und nun im Ruhestand in gemütlichen Häusern oder wohlhabenden Pflegeheimen leben. So singt man ein anmutiges Kinderlied über das Wetzen des Messers, um es in den Bauch des Juden zu stecken, und erinnert daran, wie in ganz Deutschland die Glocken läuteten, als Adolf Hitler an die Macht kam. Der Regisseur befragte während seiner langen Suche nach den Ereignissen rund 300 Personen. Er hat ihre Zahl im Schnittraum reduziert, und die, die wir auf dem Bildschirm sehen, sind sehr überzeugend. Wir werden nicht von Historikern geführt, sondern von deutschen und österreichischen Bürgern, die sich an ihre Blütezeit erinnern. "Final Account" folgt einem chronologischen Faden, der vom Kristallnacht-Pogrom im Jahr '38, bei dem jüdische Synagogen, Wohnungen und Geschäfte zerstört wurden, ausgeht. Es geht um die psychiatrischen Krankenhäuser, die zu Tötungsanstalten für 100.000 behinderte Deutsche wurden, ein Vorläufer der Gaskammern in den Konzentrationslagern. Ein Befragter erinnert sich daran, wie Menschen mit Behinderungen in Bussen mit bemalten Fenstern ins Krankenhaus gebracht wurden. Sie wussten durch den Geruch des Rauchs, was mit ihnen geschah. Die Industrie nutzte die Sklavenarbeit von Häftlingen aus den Lagern im Bergbau, in der chemischen Industrie und im U-Boot-Bau. Die Mitarbeiter aus den nahe gelegenen Einrichtungen bereicherten die lokale Wirtschaft mit ihrem Bedarf an Lebensmitteln, Unterkünften und Unterhaltung. Luke Holland hält sich nicht mit den Gräueln in den Lagern selbst auf, aber gegen Ende des Films sehen wir Farbfotos von den ausgemergelten und erfrorenen Leichen der Gefangenen auf den verschneiten Zuggleisen, die von den Alliierten gegen Ende des Krieges fotografiert wurden. Die Befragten wurden meist zu Hause gefilmt, umgeben von Fotos an der Wand von Familienmitgliedern, Madonnen und Erinnerungsstücken. Beim Durchblättern eines alten Albums voller Fotos von lächelnden kleinen Mädchen erinnert sich Margarete Schwarz an ihre Arbeit als Kindermädchen bei einer SS-Familie. Sie war 14, als sie anfing, und kümmerte sich sechs Jahre lang um die Kinder, während beide Elternteile Vollzeit im Lager Melk arbeiteten. Sie lächelt, um ihre makellosen Zähne zu zeigen. Einer der Vorteile ihres Jobs bestand darin, dass sie diese von den Häftlingszahnärzten im Lager richten lassen konnte. Es ist faszinierend, die flüchtigen Veränderungen im Gesichtsausdruck der Befragten zu beobachten, während sie sprechen. Wir können sehen, wie sie vorsichtig die Reaktion von Luke Holland auf ihre Geständnisse abwägen. Diese ehemaligen SS-Offiziere und Lagerbuchhalter, Nachbarn und Bauern wählen ihre Worte mit Bedacht. Sie versuchen, ihr Verhalten zu rationalisieren, leugnen ihr Wissen und rechtfertigen sich dafür, dass sie dem Mord an Millionen von Menschen tatenlos zugesehen oder ihn indirekt gefördert haben. Wir sehen Luke Holland nie auf dem Bildschirm, und obwohl wir seine Stimme hören, wenn er Fragen stellt, ist die Präsenz des Regisseurs so stark, dass ich mich dabei erwischt habe, genau in die Augen seiner Probanden zu schauen, um zu sehen, ob ich Luke Hollands Gesicht in ihren Pupillen erkennen kann. Er war nicht nur ein großartiger Ermittler, der zu so später Stunde so viele verschiedene Zeugen und Täter aufspürte, sondern auch ein großartiger Vernehmer. Er entlockt ihnen komplexe, vielschichtige Antworten und fügt sie zu einer eleganten, unaufgeregten Erzählung zusammen. Das Archiv wird nie nur als Tapete benutzt, um Schnitte zu überdecken, einen Interviewpartner einfach in Szene zu setzen oder den müden Zuschauer zu erschüttern. Das von Declan Smith, einem der großen Archivproduzenten, meisterhaft recherchierte Filmmaterial verzichtet auf die allzu bekannten Gräueltaten und wird dezent eingesetzt. Es gibt Szenen von deutschen Jungen und Mädchen, die sich der Hitlerjugend und dem Bund Deutscher Mädel anschlossen, um Spaß zu haben, Kameradschaft zu pflegen und sich fit zu halten. Bilder von glücklichen Mädchen, die in Jugendlagern picknicken, und aktiven Jungen, die fröhlich in ein Schwimmbecken springen, werden mit einem älteren Interviewpartner zusammengeschnitten, der beschreibt, wie er als Neunjähriger vor einem jüdischen Geschäft eine menschliche Barriere bilden musste, um Kunden am Betreten zu hindern. Er wurde neugierig auf das, was in ihm vorging. Er erinnert sich, dass ihm gesagt wurde, dass man einen Juden an seinem Geruch erkennen kann. Er wuchs in einem Dorf mit 170 Einwohnern auf, in dem es keine Juden und keinen Strom gab. Die Bewohner waren begeistert, als ein mobiles Kino in die Stadt kam und ihnen antisemitische Propagandafilme zeigte. Es gibt eine Sequenz, die den Stil des direkten Interviews auf unangenehme Weise durchbricht, aber mit großer Wirkung. In der Villa in Wannsee, in der die Vernichtung geplant wurde, konfrontiert der ehemalige SS-Offizier Hans Werk 2011 junge Deutsche, die sich mit neofaschistischer Politik befassen. Er möchte, dass sie den wahren Schrecken des Nationalsozialismus kennenlernen. Die Jugendlichen mögen Hans Werk nicht, weil er sich für Deutschland schämt, schreit einer: "Warum bist du so ein Feigling? Du solltest Angst haben, von einem albanischen Flüchtling in öffentlichen Verkehrsmitteln erstochen zu werden!" Hans Werk kontert und wirft den Jugendlichen Feigheit vor, weil sie darauf bestanden haben, dass ihre Gesichter für die Kamera unkenntlich gemacht wurden, um ihre Identität zu verschleiern. Nicht alle SS-Offiziere, die sich bereit erklärt haben, mit Luke Holland zu sprechen, sind so reumütig wie Hans Werk. Ein Mann, stolz auf seine Medaillensammlung, leugnet rundheraus, dass sechs Millionen Menschen getötet wurden. Er wird die Urteile von Nürnberg nie akzeptieren, weil es kein deutsches Gericht war. Der Regisseur lässt seine Worte in der Luft hängen, um uns heimzusuchen. "Final Account" ist ein Meisterwerk, das Luke Holland in eine Reihe mit dem großen Dokumentaristen Marcel Ophüls stellt, der die Folgen des Holocausts dokumentierte. Unverzichtbar!

"Der Weiße Hai" ist der Monsterfilm, der zahllose Nachahmer hervorgebracht hat, doch nur wenige dieser Scheinfilme können es mit Steven Spielbergs großem Vorbild aufnehmen, einer davon ist "Der Horror-Alligator" von Regisseur Lewis Teague. Mit dem titelgebenden Schreckenstier und einer stabilen Besetzung lehnt sich der Film in bewährter Tradition an seine B-Qualität an und liefert ein ausgefallenes Creature-Feature, das neben dem reptilischen Amoklauf auch eine überzeugende menschliche Komponente bietet. Die Figuren wirken nicht wie archetypische Gestalten, sondern wie Menschen, die mit Sinn und Verstand agieren. Viele dieser wütenden animalischen Horrorfilme leiden, wenn die jeweilige Tierspezies nicht im Vordergrund steht, aber "Der Horror- Alligator" behält seine Sogkraft auch dann, wenn sich der Fokus auf Detective Madison (Robert Forster) verlagert, der das plötzliche Auftauchen von zahlreichen menschlichen Kadaverteilen in einer örtlichen Kläranlage untersucht.

Der Ursprung dieses semi-aquatischen Horrors ist eine Alligatorenfarm in Florida im Jahr 1968, als ein junges Mädchen ihre Eltern überredet, einen kleinen niedlichen Babygator zu kaufen, den sie Ramon nennt. Doch als die Familie nach Chicago zurückkehrt, spült ihr Vater den kleinen Alligator unverzüglich im Klo runter. 12 Jahre später ist Ramon in der Kanalisation zur Masse herangewachsen und ernährt sich von ausrangierten Versuchtieren aus einem örtlichen Labor. Den besagten Lebewesen wurde ein Wachstumshormon verabreicht, das ihren Stoffwechsel antrieb, was zu maßlosem Fressdruck führte. Jetzt ist ein großer, hungriger und aggressiver Alligator auf der Fressgier nach einem noch größeren Abendessen. Als einige Überreste von Wartungsarbeitern auftauchen, beauftragt die Polizei den erschöpften Polizisten David Madison mit der Aufklärung des Falls. Er ist überarbeitet und apathisch, hat mit verfrühter Kahlschlagbildung und einem psychischen Defekt infolge eines Unfalls in St. Louis zu kämpfen, bei dem vor Jahren sein Kollege ums Leben kam. Madisons Vorgesetzter, Chief Clark (Michael Gazzo), bringt ihn mit der Herpetologin Marisa Kendall (Robin Riker) zusammen, die sich bereit erklärt, ihm zu helfen, obwohl sie deutlich macht, dass sie kein Fan von ihm ist. Ein Fotograf wird zu einem weiteren hinterhältigen Imbiss in den Abwasserkanälen. Doch seine Kamera wird wiedergefunden und die Filmrolle entwickelt, so dass es keinen Zweifel daran gibt, was hinter diesen grausamen Morden steckt.

Quentin Tarantino hat gesagt, dass Max Cherry in "Jackie Brown" mit David Madison im Hinterkopf geschrieben wurde. Sobald man diese Informationen kennt, ist es fast unmöglich, Tarantinos Film nicht als eine Art Fortsetzung in einem anderen Universum zu betrachten. Robert Forster spielt Madison als einen Mann, der des Älterwerdens müde und von den Sünden seiner Vergangenheit gezeichnet ist. Er ist ausgebrannt, vergräbt sich aber in seiner Arbeit, auch wenn die anderen Polizisten nicht seine größten Fans sind. Wie Chief Brody in "Der weiße Hai" will niemand Madison anfangs ernst nehmen. Wenn sie es dann tun, ist es bereits zu spät. Robert Forster hält seine Figur sympathisch und gewitzt. Aber der Mann lässt sich auch nicht für dumm verkaufen und weiß, wann er das Kommando übernehmen muss. Regisseur Lewis Teague stillt den Blutdurst mit einer gehörigen Ladung Action, die in einem Massaker am Hochzeitstag gipfelt, das mehr als nur blutig und äußerst abartig ist. Der Alligator sieht auch fantastisch aus, abgesehen von den wenigen Szenen, in denen eindeutig ein echter Alligator durch die Miniaturen läuft. Aber die riesige animatronische Kreatur? Ein wahres Prachtexemplar.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Auf Wunsch von S-Patriot und trotz der aktuellen Situation habe ich mich entschlossen, einen seiner Lieblingsfilme "Tödliches Kommando - The Hurt Locker", der eher ein Actionthriller als ein reiner Kriegsfilm ist, erneut anzusehen und zu kommentieren. Seine Bewertung sowie die gewonnenen Oscars sind mehr als gerechtfertigt und auch die von mir vergebenen 9 Punkte bleiben unverändert. Im Vorfeld des Films habe ich mich per Chat mit einer Freundin unterhalten, die in dem aktuell betroffenen Land lebt (wir haben fast täglichen Kontakt, soweit es ihr möglich ist) und die den Film ebenfalls toll findet und mir quasi ein positives Gefühl für dieses Review gegeben hat.

"Tödliches Kommando - The Hurt Locker" von Regisseurin Kathryn Bigelow ist ein einzigartiger Film, der sich mit einer Gruppe von Bombenentschärfern der Armee im Irak befasst und den extremen Tribut zeigt, den die Schrecken des Krieges und das lähmende Bewusstsein des nahen Todes von ihnen fordern. Unglaublich spannungsgeladen von Anfang an, der Druck und die Paranoia, um den Job zu bewältigen, hält ungebrochen an. Obwohl sich das Gleichgewicht zwischen Realismus und personalisierter Fiktion im Laufe des Geschehens immer mehr in Richtung Letzteres zu verschieben scheint, gibt es nur wenige Filme, die Kriegsszenen von solch glorreichem Ausmaß zeigen. Nachdem der Leiter einer Bombenentschärfungseinheit der Armee im Irak auf tragische Weise ums Leben gekommen ist, wird der forsche, aber erfahrene Bombentechniker William James (Jeremy Renner) eingesetzt, um das Kommando zu übernehmen. Zu seiner neuen Truppe gehören Sergeant JT Sanborn (Anthony Mackie) und Specialist Owen Eldridge (Brian Geraghty), Soldaten, die in Sachen Entschärfung und Beseitigung von Sprengkörpern bestens ausgebildet sind. Das Trio muss lernen, einander in den verschiedenen, stets gefährlichen Missionen zu vertrauen, wobei es ständig an die Fragilität des menschlichen Lebens und die unendlichen Gefahren erinnert wird, die jeden ihrer Schritte umgeben.

Krieg ist eine Droge, heißt es im Eingangszitat des Autors Chris Hedges. Dieser Gedanke wird erst am Ende des Films wieder aufgegriffen, wenn "Tödliches Kommando -The Hurt Locker" zu einem Sprachrohr für die Mentalität der Soldaten, die strenge Reglementierung ihres Lebens und ihre stereotype Unfähigkeit wird, sich wieder in die Welt einzufügen, die sie vorher kannten. Es scheint ein unnötiger und themenfremder Aufwand zu sein, wenn man bedenkt, dass der größte Teil des Films von Spannung und nervenaufreibender Action dominiert wird. Es ist nur eine kleine Dosis an politischer Agenda, der Rest ist solide Unterhaltung für ein Kriegschaos, das einmal mehr beweist, dass Regisseurin Kathryn Bigelow Actionfilme wie die Besten beherrscht in ihrem Metier. "Tödliches Kommando - The Hurt Locker" ist zum Teil ein Biopic über einen fiktiven EOD-Spezialisten (Explosive Ordnance Disposal) und zum Teil eine Pseudo-Dokumentation über einen spannungsreichen, 40-tägigen Einsatz der Bravo Company.
Anstatt sich auf einen Handlungsbogen zu konzentrieren, der bestimmte Verbrecher und damit zusammenhängende Ereignisse voneinander trennt, schildert der Film mehrere nicht miteinander verbundene Bombeneinsätze und deren Auswirkungen auf andere Soldaten, irakische Bürger und James' Überzeugungen und Methoden. Ohne die Verantwortlichen zu fassen oder gar bestimmte Terroristen zu jagen, verlässt sich "Tödliches Kommando -The Hurt Locker" auf ungeheuer starke Bildkompositionen. Adrenalinsüchtige Rücksichtslosigkeit, psychische Belastungen, Todessehnsucht, Explosionen, die einem das Herz stocken lassen, Kameradschaftsgeist und Exekutionsgedanken, die an "Full Metal Jacket" erinnern, und genug Intensität, um ganze Lichtspielhäuser zu sprengen. Kathryn Bigelow spielt mit dem Publikum, indem sie die Vorfreude auf die nächste Detonation oder den nächsten Hinterhalt extrem steigert und wie in einem Horrorfilm auf die Sinne des Zuschauers einwirkt, was an Humor grenzt.

Ein Bombenspezialist zu sein, ist wie ein Würfelspiel. Unter Hochdruck und mit hohem Risiko, das einen gesunden Verstand und eine schwindelerregend ruhige Intelligenz erfordert. Es gibt keinen Spielraum für Fehler, und Jeremy Renner gibt einen glaubwürdigen Helden, der eine waghalsige Missachtung des Protokolls und der Sicherheit an den Tag legt, die vielleicht nur die Maske für eine Figur ist, deren perfekt geschliffene Fähigkeiten das Zeichen eines kompromisslosen Profis sind. Oder er ist einfach komplett verrückt. Die Nebenrollen sind exzellent besetzt, ebenso wie die Soundkulisse und die betäubende Kameraführung. Eine andere Seite des irakischen Kriegsgebiets zu sehen, ein neuzeitliches Schlachtfeld, gepaart mit realistischer Aufopferung und Heldentum, ist eine kraftvolle, faszinierende und aufschlussreiche Form der Unterhaltungskunst.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
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Als ich diesen Kommentar zu "Ed Wood" einem von Headshot77's Lieblingsfilmen, den er sich von mir gewünscht hat, beendete, musste ich erfahren, dass er ihn so schnell nicht lesen wird, denn er gönnt sich eine kleine Auszeit von MP um mal wieder in der freien Natur mit Freunden ausgiebig die Sau raus zulassen, wobei ich ihm sehr viel Spaß wünsche. Nach mehreren Jahren habe ich mir Tim Burtons Film zum dritten Mal angesehen und musste sein vielleicht bestes Werk von 7 auf 8 Punkte aufwerten. Let's shoot this fucker!

"Ed Wood" ist ein Klassiker von Regisseur Tim Burton. Der Filmemacher gilt weithin als einer der exzentrischsten und individuellsten Vertreter seiner Zunft. Sein unverkennbarer Stil und seine Ästhetik lassen keine Zweifel aufkommen, unabhängig davon, ob man sich einen seiner Filme angesehen hat oder nicht. Tim Burtons ausgeprägter Einfallsreichtum als Regisseur hat dazu geführt, dass er sich im Laufe seiner Karriere mit vielen verschiedenen Themen auseinandergesetzt hat. Gleichgültig, wie gut oder schlecht der Film ist, am Ende weiß man, dass es ein typischer Tim Burton war, den man gerade gesehen hat. Es ist daher nicht verwunderlich, dass Tim Burton 1994 ein Biopic über einen Mann drehte, der selbst ziemlich exzentrisch und individuell war, den Schauspieler und Regisseur Edward D. Wood Jr.. "Ed Wood" erzählt respektvoll die Geschichte des schlechtesten Regisseurs der Filmgeschichte und nutzt den Film trotz des Namens, um die Geschichte eines Mannes zu erzählen, der seine eigene Vision hatte, wenn auch keine sehr gute, so doch eine ernsthafte, und der am Ende erhielt, was er sich wünschte und sein eigenes Vermächtnis schuf. Edward Woods Filme wurden mit Archivmaterial, Einzelbildern und Skripten gedreht, die geradezu konfus waren.

Johnny Depps Darstellung als Edward D. Wood Jr. unterstreicht dies nicht nur durch die überzogene Theatralik, sondern auch dadurch, dass er aus Edward Woods Leidenschaft eine gehörige Portion Humor herausholt. Johnny Depp, der bereits in Tim Burtons "Edward mit den Scherenhänden" zu sehen war, gibt eine überschwängliche und wundervoll abgedrehte Interpretation seiner Figur in "Ed Wood". Das Auffälligste an seiner Verkörperung ist der unbändige, unermüdliche Enthusiasmus, den er permanent versprüht. Was Edward Wood als ernst ansieht, finden andere komödiantisch, und deshalb kann der Moment, in dem er sich mit Orson Welles vergleicht, als Urkomik und nicht als Arroganz bezeichnet werden.

Tim Burton gelingt es, aus einem erfolglosen Amateurfilmer einen charmanten Menschen hervorzubringen, der nicht nur ekstatisch darüber war, Filme zu realisieren, sondern dem auch keine Einstellung missfiel. Das Herzstück von "Ed Wood" ist die symbiotische, aber aufrichtig liebevolle Beziehung von Edward Wood zu Bela Lugosi, der von Martin Landau mit einer reichhaltigen komischen Verschrobenheit wiedergegeben wird. Als sie sich zum ersten Mal treffen, ist Bela Lugosi, wie er sagt, ein einsamer ehemaliger Bösewicht, der seit vier Jahren nicht mehr gearbeitet hat und seit zwei Jahrzehnten morphiumsüchtig ist. Edward Wood benutzt ihn, um die spärlichen Finanzmittel für seine fadenscheinigen Filme aufzubringen, begegnet dem ausgebrannten Filmstar gegenüber jedoch stets mit größtem Respekt. Bela Lugosi reagiert darauf mit bewegender Dankbarkeit und, wenn die Dreharbeiten beginnen, mit unbedingtem Professionalismus. Natürlich kann Bela Lugosi nicht so recht begreifen, was Edward Wood bei der Inszenierung von "Glen or Glenda" macht, einem Film, in dem der von ihm selbst gemimte Hauptcharakter seine Vorliebe für Damenbekleidung gegenüber seiner zukünftigen Braut offenbart, die von seiner inoffiziellen Freundin Dolores Fuller gespielt wird, die ihrerseits von Sarah Jessica Parker dargeboten wird. Doch das spielt keine Rolle, denn mit Ausnahme von Edward Wood selbst ergibt der Film für keinen der Beteiligten irgendeinen sinnvollen Zusammenhang.

Tim Burton und die Drehbuchautoren Scott Alexander und Larry Karaszewski präsentieren eine schamlos romantisierte und amüsant einfühlsame Sicht auf Edward Woods Leben, Arbeit und Exzentrik. Sie beenden ihre Geschichte, lange bevor der echte Edward D. Wood Jr. damit begann, billige Taschenbücher und pornografische Filme zu veröffentlichen, sofern er sich nicht gerade totgesoffen hat. Den Filmemachern gelingt sogar das Kunststück, Edward Woods Transvestismus als harmlose, sogar liebenswürdige Marotte zu präsentieren, ohne den Mann zu verunglimpfen. "Ed Wood" hat nichts Humorvolleres oder Sympathischeres zu bieten, als die Szene, in der Edward Wood einem minderwertigen Produzenten gegenüber klarstellt, dass er trotz seiner Vorliebe für Stöckelschuhe und Angorapullover stolz darauf ist, heterosexuell zu sein. Tatsächlich ist er so gesund, dass er tapfer im Zweiten Weltkrieg gekämpft hat. "Natürlich", gibt er zu, "trug ich die ganze Zeit Frauenunterwäsche". Neben Johnny Depp und Sarah Jessica Parker, die überaus hervorragend sind, und Martin Landau, der für die Rolle des Bela Lugosi einen Oscar als bester Nebendarsteller erhielt, sind in "Ed Wood" auch Jeffrey Jones als falscher Mentalist Criswell, Patricia Arquette als Edward Woods unglaublich akzeptierende Ehefrau und Bill Murray als verweichlichter Mitläufer und angehender Transgender zu sehen. Vincent D'Onofrio ist unschätzbar in seinem kurzen Auftritt als Orson Welles, der gerade lange genug in Erscheinung tritt, um Edward Wood einige wertvolle Ermutigungen zu geben: "Visionen sind es wert, dafür zu kämpfen." Selbstverständlich wissen wir bereits, dass er sich diesen Rat auch wirklich zu Herzen nehmen wird.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
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Mitten aus einem Franchise hat sich Shepardo einen Film ausgesucht, zu dem er einen Kommentar von mir wünscht, und das ist "Saw III", den er mit 9,5 Punkten hoch gewertet hat, wohingegen meine 7,5 Punkte nach erneutem Betrachten auch weiterhin bestehen bleiben. Ich brauchte nicht sonderlich viele Vorbereitungen für den Film. Ich legte mich einfach in mein frisch bezogenes Sterbebett und drückte auf die Taste 'Play'...

"Saw III" von Regisseur Darren Lynn Bousman ist unter Umständen der letzte wirklich gute Saw-Film und der einzige, der eine Wendung bietet, die dem Original gerecht wird, auch wenn die Reihe zu einem transparenteren Fokus auf Fallen im Sinne von Kirmesattraktionen übergeht und die Argumente für die tödlichen Prüfungen zunehmend dürftiger werden. Was diesem Film ausgezeichnet gelingt, ist die Ausweitung der übergreifenden Mythologie, ohne sich mit dem Klamauk zu belasten, der seine Nachfolger heimgesucht hat. Mit einer Laufzeit von fast zwei Stunden ist er der längste Saw-Film, verwendet aber diese zusätzliche Spieldauer, um eine nuanciertere, charakterorientierte Geschichte zu entwickeln. Die parallelen Spiele zwischen Jeff (Angus MacFadyen) und Dr. Lynn Denlon (Bahar Soomekh) bedeuten, dass es keine Notwendigkeit gibt, sich auf modrige Polizeigeschichten oder stumpfsinnigen Rückblenden zu kaprizieren, denn die beiden gehören zu den interessantesten und sympathischsten Protagonisten der gesamten Filmreihe. Die Flashbacks, die eingebaut werden, wirken effektiv, um diese Welt zu erweitern, die Ereignisse der ersten beiden Filme zu vertiefen, Jigsaws (Tobin Bell) und Amandas (Shawnee Smith) Beziehung zu erforschen und vor allem dem Publikum einen Schlussstrich unter Adams (Leigh Whannell) Tod zu geben, lange bevor der Umgang mit der Thematik in ein selbstparodistisches Melodram ausartete.

Auch die tödlichen Fallen gehören wohl zu den kreativsten des Franchise, mit aufwändigerem Design und höherem Produktionswert als in den beiden Vorgängerfilmen. Die berühmte Marterbank-Falle, in der die Gelenke eines bedauernswerten armen Tropfens um 180 Grad verdreht werden, ist ausgesprochen widerlich anzusehen, während die Gewalttätigkeiten am Rande, wie die brutale Zerstörung des Fußes von Detective Matthews und die chirurgischen Eingriffe am offenen Gehirn von John Kramer, für ein willkommenes Ekelfieber sorgen. Der einzige wirkliche Wermutstropfen ist die überstürzte Tötung von Detective Kerry (Dina Meyer), die eine zu attraktive Nebenfigur war, um so schnell zu krepieren. Stilistisch findet Darren Lynn Bousman hier wirklich den richtigen Weg und bietet dabei einige der geschicktesten filmischen Beiträge innerhalb des Zyklus der Reihe an. Die Szenografie, die der Entführung von Kerry in ihrer Wohnung zugrunde liegt, ist besonders raffiniert gestaltet. Die dreckige Kameraführung, die den Wunsch nach einer Dusche weckt, und die abstoßende Farbgebung haben noch nicht ganz den Grad der Komik erreicht, und Charlie Clousers Filmmusik ist vielleicht die stimmungsvollste unter den Werken. Auch leistungstechnisch ist dies ein Hochpunkt für die Saw-Filme.

Tobin Bell stiehlt einmal mehr die Show als der sterbenskranke John Kramer, während Shawnee Smith als die gefährdete Amanda viel Einsatzzeit bekommt, um zu brillieren. An die bestechenden, unvorhersehbaren Twists der ersten beiden Filme anzuknüpfen, war offensichtlich eine enorme Herausforderung, und obwohl sie hier nicht ganz so wirkungsvoll sind, funktionieren die großen Offenbarungen zumeist recht gut. Dass Jeff und Lynn verheiratet sind, mag im Nachhinein betrachtet ziemlich eindeutig erscheinen, aber für den anspruchslosen Zuschauer ist es das nicht. Dass Jigsaw Amanda testet, ist ein interessanter klimatischer Aspekt, ebenso wie der brutale Schlusspunkt, als die Tochter von Jeff und Lynn für den Rest ihres Lebens weggesperrt wird. Es ist eine kritische Masse glorreicher Absurdität, und Amandas Tod war ein besonders schlagender Wendepunkt, da sie darauf vorbereitet zu sein schien, die neue Protagonistin des Franchise zu werden. Mit dem Tod von Jigsaw hätte die Geschichte hier enden können und wäre nicht mehr als eine nette Trilogie von Kinofilmen geworden, aber das weltweite Einspielergebnis von 164,9 Millionen Dollar sollte zu weiteren Teilen des Projekts führen, und das hat es im positiven wie im negativen Sinne auch getan. "Saw III" schließt die ursprüngliche Filmtrilogie ab und bildet gleichzeitig den Auftakt für die unmögliche Ansammlung von Sequels, die später folgen sollten.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
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Das Meisterwerk "Der Prozess" des Regisseurs Orson Welles zu kommentieren, das cine sich von mir gewünscht hatte und dem wir beide 9 Punkte gaben, erwies sich als schwieriger, als ich es mir vorgestellt hatte. Wie schreibt man eine würdige Rezension des schieren Wahnsinns? Indem man seinen persönlichen inneren Irrsinn instrumentalisiert! Ich hätte mich, bevor ich den Film erneut anschaue, wohl besser einer psychiatrischen Begutachtung unterziehen sollen, welche mir die Gewissheit verschafft, dass meine Wahrnehmungs- und Empfindungswelt pathologisch gesund ist.

In den vergangenen Tagen habe ich begriffen, dass es immer noch eine vermeintlich unüberwindbare Diskrepanz in der Wahrnehmung der Gesellschaft im Hinblick auf Orson Welles und seine Arbeit als Filmemacher und Künstler vorzufinden ist. Auf der einen Seite gibt es Leute, die "Citizen Kane" für ein unübertreffliches Meisterwerk halten, und die Tragik von Orson Welles' Karriere liegt in dem Umstand, dass er alles aufgebraucht hat, was er besaß, um diesen Film zu drehen, und der Rest seiner Filmografie ist voller armseliger, halbgare Mutationsfassungen von besseren Filmen, die alle durch faulen Wettbewerb, mangelndes Etat und die Interferenz der Filmstudios hoffnungslos gescheitert sind, doch immerhin ist "Im Zeichen des Bösen" ganz passabel gelungen. Die andere Seite sieht "Citizen Kane" als ein Meisterwerk an, das tatsächlich mindestens ein paar Mal fast erreicht wurde, und dass es eine Schande wäre, dass seine amerikanischen Filme nach 1941 alle so kompromittiert waren, aber man sollte doch nur mal sehen, was er in Europa gemacht hat. Darin sind einige der absoluten Meisterwerke des Kinos vertreten, und es ist nicht einmal besonders kompliziert, diese zu entdecken. Und die vielleicht größte von allen war Orson Welles' Lieblingsarbeit aus seinem Gesamtwerk, die Verfilmung von Franz Kafkas "Der Prozess" aus dem Jahr 1962, eine deutsch-französisch-italienisch-jugoslawische Koproduktion, die von Alexander Salkind ins Leben gerufen wurde.

Unter allen Filmen von Orson Welles ist dies vielleicht der Film mit dem vertracktesten Bildstil, selbst der schönste, obwohl Schönheit kaum mehr im Auge des Betrachters liegt als in Kombination mit der betonierten Wildnis von Zagreb, Rom, Mailand und dem entseelten Rohbau des Gare d'Orsay, eines einstigen Bahnhofs in Paris. Ein Teil der Bedeutung von "Der Prozess" besteht darin, dass die Orte und Räume, an denen der Film spielt, keinen Produktionsdesigner haben, aber der künstlerische Leiter Jean Mandaroux hat vermutlich eine Menge zu den Kulissen beigetragen, einschließlich Orson Welles selbst. Es sind allesamt unerträglich unmenschliche, grausam kantige Gebilde, denen jeglicher Organismus abhanden geht. Es sind geometrische Gefängnisse, die miteinander verwoben sind wie die verschlossenen Areale eines Albtraums. Genau das ist es auch, denn im Grunde ist "Der Prozess" ein wahrer Albtraum.

Franz Kafkas buchlange Parabel über einen Mann, der wegen eines Verbrechens vor Gericht gestellt wird, das nie benannt wird, und zwar durch eine Rechtsstruktur, die keine offensichtliche Verkörperung hat, ist im Grunde schon ein Alptraum, und Orson Welles' Drehbuch folgt der Geschichte sehr genau und beobachtet, wie der Gerichtsschreiber Josef K. (Anthony Perkins) von einem unerklärlichen Gespräch mit der Polizei, den Staatsanwälten, den Zeugen und einem leibhaftigen Monster von Anwalt (Orson Welles) ins nächste stürzt und immer paranoider und manischer wird, sobald er keine logischen Anhaltspunkte mehr hat, an die er sich festhalten kann. Theoretisch hätte sich die Geschichte durch die physisch konkrete Umsetzung realer anfühlen müssen als in der ursprünglichen prosaischen Vorlage. In der Praxis haben Orson Welles und sein Team erhebliche Bemühungen unternommen, um genau das Gegenteil zu erreichen.

"Der Prozess" hat die glatte Erzähllogik und die optische Intensität des expressionistischen Horrors, und es scheint trotz der Besetzung mit echten Schauspielern in tatsächlich gebauten Kulissen unmöglich, dass der Film jemals in einem physikalischen Raum hätte existieren können. Das ist es, was die hinreichend barocke Bildsprache bewirken soll. Als erster Film des Kameramanns Edmond Richard, der später "Falstaff" für Orson Welles drehte und schließlich mit Luis Buñuel an "Der diskrete Charme der Bourgeoisie" arbeitete, ist "Der Prozess" ein grandioses Debüt. Er ist nichts Geringeres als einer der markantesten Filme der 1960er Jahre, so etwas wie das, was wir hätten haben können, wenn die kühnen stilistischen Experimente der späten 1920er Jahre bis in die Tonära hinein fortgesetzt worden wären.

Edmond Richard und Orson Welles setzen auf Schatten und Kontraste und erschaffen den Effekt von Räumen durch maximalistische Beleuchtung und minimalistische Inszenierung. Im Großen und Ganzen ist dies ein beängstigend leerer Film, mit riesigen Räumen in der Gare d'Orsay, die nur durch Schattenflecken zu Szenenbildern werden. Die wenigen Außenaufnahmen sind wie das Eintauchen in ein Vakuum, insbesondere eine lange Kamerafahrt über eine Ebene zwischen Gebäuden, die wie riesige Monumente aus Glas und Stahl einer vergangenen Zivilisation aus dem Boden ragen. Gerade Linien in strengen Winkeln bestimmen den Inhalt des Bildes, irreale Bereiche, die sich selbst wie die kaum modellierten Räume eines schwach ausgeprägten Traums anfühlen, eingeleitet durch eine wunderschöne Diashow mit unscharfen Pinscreen-Illustrationen von Alexandre Alexeieff, die uns in einen andersweltlichen Sinneszustand versetzen, noch bevor die Handlung überhaupt beginnt.

Was mich an "Der Prozess" am meisten beeindruckt, ist, dass er sich trotz seiner Treue zu Franz Kafkas Werk nie wie eine Literaturadaption anfühlt. Alles an diesem Material fühlt sich an, als wäre es von Grund auf so konzipiert worden, dass es in diesen extremen Grafiken zum Ausdruck kommt. Selbst als Geschichte ist es unmöglich, diese Behandlung von "Der Prozess" von der Zeit und dem Kontinent zu trennen, in dem sie entstanden ist. In expliziter und impliziter Hinsicht ist das ein Film aus der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. Das Bewusstsein für den Holocaust und die Unterdrückung hinter dem Eisernen Vorhang ist in der Handlung und im Aussehen des Films allgegenwärtig, der fest in die Traditionslinie von Europa als Friedhof der modernistischen Architektur gehört, die in den 1960er Jahren explodierte.

Das emotionale Terrain, das erkundet wird, ist zeitlos, oder zumindest so zeitlos wie die Menschen, die in der Angst leben, dass sich die Machtstrukturen der sie umgebenden Kultur jeden Augenblick gegen sie wenden könnten. Diese besondere Inkarnation stützt sich auf die Verzweiflung des Lebens im Schatten der Atombombe, auf die am Ende visuell Bezug genommen wird, vielleicht in dem einen Moment, in dem ich denke, dass der Film bei der Darstellung seiner Themen zu weit geht, und mit der unmittelbaren Erinnerung an den Krieg, die ihm vielleicht in meinem ketzerischsten Moment zusätzliche Kraft verleiht, denke ich, dass ich "Der Prozess" als Film tatsächlich mehr mag als "Der Prozess" als Buch, denn die Performance von Anthony Perkins ist etwas nahezu Universelles. Der Absturz durch die Verwirrung in den Horror und die Wut, die er zum Ausdruck bringt, sind aus einer primordialen Ebene seiner selbst gerissen, und zusammen mit dem kräftigen Impuls, den wir bekommen, dass das Ganze der Nachtmahr von Josef K./Franz Kafka ist, ein Wachtraum, absorbiert vielleicht der ganze Film im Allgemeinen die Raserei von Anthony Perkins.

Orson Welles hat, vielleicht in einem Anfall seiner typischen Verschlagenheit, einmal bestritten, dass der Film ein symbolisches Element enthält. Zweifellos muss "Der Prozess" in jedem Medium allegorisch gelesen werden, aber größtenteils bin ich geneigt, Orson Welles beim Wort zu nehmen. Totalitäre Regierungen kommen und gehen, die psychischen Narben im Europa der Jahrhundertmitte sind irgendwann verheilt, aber die existenzielle Panik, das Empfinden, dass sich die Welt ausgerechnet gegen einen selbst richtet, bleibt eine Konstante. Was "Der Prozess" so wirkungsmächtig macht, ist die Darstellung dieser Panik in einigen der eindringlichsten Filmaufnahmen, die mit rein ästhetischen Augen eine zutiefst emotionale Erfahrung vermitteln. Ein wahrhaft nervenzerfetzender Film, der nur schwer zu ertragen ist. Es ist Orson Welles, einem der größten visuellen Geschichtenerzähler, den das Kino je hervorgebracht hat, am nächsten gekommen, einen Horrorfilm zu drehen, und seine gewaltige Wirkung ist dieser einmaligen Kombination von Künstler und Thema würdig.

Die kanadische Horrorkomödie "Brain Freeze" von Regisseur Julien Knafo ehrt die Tradition von George A. Romero, der die Zombies als gesellschaftliche Satire und Kulturkritik einsetzt. Julien Knafo jongliert mit mehreren Kritikpunkten zugleich, von Klassifizierung über Umweltfragen bis hin zur digitalen Spaltung. "Brain Freeze" baut auf der klassischen Methode des Ausbruchs von Zombies auf und fügt regionale Spezifika und eine fortschrittliche Wende ein, sodass die Handlung mit beißendem Humor und Selbstvertrauen voranschreitet. Es ist mitten im Winter, aber die betuchten Residenten von Peacock Island wünschen sich die Option, das ganze Jahr hindurch Golf spielen zu können. Ihr Wunsch wird in Form eines neuen Düngers erfüllt, mit dem das Gras auch unter den eisigsten Witterungsbedingungen gedeihen kann. Der Haken an der Sache ist nur, dass das experimentelle Düngemittel in die Wasserversorgung gelangt, die Population kontaminiert und einen biologischen Zombieausbruch auslöst. Julien Knafo und sein Drehbuchpartner Jean Barbe platzieren zwei ungleiche Verbündete im Kern des Wahnsinns und kombinieren ihren Generationsunterschied mit komödiantischer Effizienz. André (Iani Bédard) ist ein Teenager, der permanent an seinem Smartphone klebt, so dass er von seiner Umwelt weitestgehend nichts mehr wahrnimmt. Der Virusausbruch verbraucht jedoch den Akku seines Mobiltelefons in Form eines Stromausfalls, und nötigt ihn zur Versorgung und Pflege seiner Babyschwester. Das führt ihn zu Dan (Roy Dupuis), dem alten Wachmann der Insel, der seine Freizeit mit der Vermeidung von technischen Phänomenen und der Vorbereitung auf den Weltenbrand verbringt. Das Wechselspiel zwischen den beiden erzeugt Lustigkeit und flicht zudem einen relevanten Subtext ein, da die Situation aufgrund einer ungeprüften technologischen Basis ausgelöst wurde. Welche Ideologie erweist sich in einem hypothetischen Weltuntergangsszenario als effektiver? Julien Knafo beleuchtet beide Seiten mit Humor. André kämpft fortwährend damit, ein funktionierendes Telefon zu finden, selbst unter Verwendung abgerissener Teile des menschlichen Körpers, während Dan ohne moderne Hilfsmittel kein Feuer entfachen kann. Die peripheren Figuren stehen für andere gesellschaftliche Missstände. Die gewissenlosen Streitkräfte, die versuchen, die Verbreitung auf dem Festland zu verhindern, sowie der Unternehmensleiter, dessen wirtschaftliche Habsucht den Anstoß zu den Ereignissen gegeben hat, und der moralisch verwerfliche Radiomoderator, der die Appelle zur Solidarität abschmettert und im Keim erstickt. "Brain Freeze" geht der Frage nach, inwiefern Mitgefühl bei katastrophalen Entwicklungen, die den Planeten betreffen, förderlich oder hinderlich sein kann. Durch die bewährte Vorgehensweise des Zombiefilms schneidet "Brain Freeze" mehrere gewichtige Aspekte an, von denen viele keine deutlichen, dezidierten Definitionen enthalten. Der Zombiefaktor verhöhnt den Gesundheitsfanatismus und genmanipulierte Nahrungsmittel, indem er die Infizierten faktisch in Gras verwandelt. "Brain Freeze" bringt die Grundprinzipien und Muster gerade genug aus dem Gleichgewicht, um den Zuschauer im Ungewissen über die endgültige Zukunft von Peacock Island zu lassen. Raffiniert ist auch die Subversion des Farbtons Grün. Der für Fäule und Verwesung charakteristische kotzige Teint eines Zombies wird umgedreht, und das leuchtende Grün, das mit Leben und Gesundheit assoziiert wird, bringt die Illusion einer Erkrankung hervor. Erquickend ist auch, dass die Akteure das Zombiekonzept zu verstehen und umzusetzen wissen, selbst dann, wenn die Protagonisten viel zu lange benötigen, um das aufzuholen, was der Zuseher inzwischen längst weiß. "Brain Freeze" bietet einen nachdenklichen Dialog, der mit einer weitläufigen Leichtigkeit angesprochen wird, die den Inhalt auch über den Kontext hinaus begreifbar werden lässt. Dadurch werden André und Dan so sympathisch, was sich positiv auswirkt, wenn die Handlung in die offensichtlichen Strukturen und Schemata der traditionellen Zombiekost verfällt. Diese anämische und knochendürre Moritat ist nichts für Liebhaber offenkundiger Situationskomik, denn einige der präsentierten Konzeptionen entbehren der Stringenz und sind zu oberflächlich. Sicherlich erfindet "Brain Freeze" den Zombiefilm im modernen Gewand nicht neu, aber er bietet satirische Unterhaltung par excellence und bringt frischen Wind in die rasante und äußerst amüsante Angelegenheit.

Der actiongeladene Rachethriller "Sweet Girl" von Regisseur Brian Andrew Mendoza verlässt sich zu sehr auf seine unerwartete Wendung. Darin sind einige gute Ideen versteckt. Jason Mamoa als sympathischen, schlagkräftigen Charakter zu besetzen, ist immer ein gewiefter Schachzug. Einen Kriminellen nach dem Vorbild des Pharmabosses Martin Shkreli zu schaffen, ist ein charmanter Ansatz. "Sweet Girl" steuert auch auf eine bedeutende und völlig überraschende Handlungsentwicklung hinzu. Leider bedarf es für diese handlungsorientierte Entfaltung einer Stunde der Absurdität im Vorlauf und weiterer dreißig Minuten der Idiotie, bis schließlich der überfällige Abspann läuft. Das Motiv hierbei ist denkbar trivial. In einer überlangen Auftaktsequenz erleben der treusorgende Ehemann Ray (Jason Momoa) und seine Tochter Rachel (Isabela Merced, eindrucksvoll, wenngleich der Film es nicht ist) den Krebstod von Rachels Mutter schmerzlich und machtlos mit. Ihre Traurigkeit wird durch das Faktum verschlimmert, dass ein potenziell lebensrettender Wirkstoff von den Marktmechanismen und dem Klon von Martin Shkreli zurückgehalten wurde. Ein aufgebrachter Ray ruft live in einer Talkshow an und wird unvermittelt auf direktem Wege in die Sendung geschaltet, denn das Drehbuch von Philip Eisner, Gregg Hurwitz und Will Staples pfeift auf Feinheiten wie die Auflösung der Ungläubigkeit. Vor laufenden Fernsehkameras schwört er am Telefon, den betreffenden Pharmatypen zu jagen, ihn ausfindig zu machen und im Todesfall seiner Frau umzubringen. Eine Ankündigung, die einen merkwürdigen Investigativjournalisten ins Geschehen bringt. Eine sinistre Verwirrung bahnt sich langsam ihren Weg. Die tristen, oft kontraintuitiven, durchaus bescheidenen Kampfeinlagen sind bedauerlicherweise reine Makulatur. "Sweet Girl" mutet zu häufig wie ein Projekt für minderwertige Imitationen ikonografischer Momente im Kino an. Wenn man die Augen schließt, entsteht so ein Bild, das an das Gespräch zwischen Al Pacino und Robert de Niro im Diner von "Heat" heranreicht. Zwischendurch müssen die Zuschauer immer wieder krachende, handfeste Kampfmanöver à la "Jason Bourne" auf dem Bildschirm ertragen. Es gibt einen diffusen Schemen, der aus politischen Konspirationsklassikern der 1970er Jahre wie "Zeuge einer Verschwörung" entwendet wurde. Diese Allusionen rufen dem Betrachter nur die Erinnerungen an erheblich wertigere Werke dieser Gattung zurück ins Bewusstsein.

Der Animationsfilm "Justice League Dark: Apokolips War" von Warner Bros. unter der Regie von Matt Peters und Christina Sotta bildet den epischen Abschluss des beliebten DC-Animationsfilmuniversums und ist der 15. und letzte Film der Reihe. Ursprünglich in Jay Olivas erstem Film "Justice League: The Flashpoint Paradox" im Jahr 2013 eingeleitet, hat sich die Serie stetig weiterentwickelt und kulminiert in einem monumentalen Showdown mit Darkseid und den Mächten von Apokolips. "Justice League Dark: Apokolips War" unter der Leitung von Matt Peters und Christina Sotta handelt von einer zerstörten Erde nach Supermans gescheitertem Versuch, Darkseid in einem verheerenden Kampf zu vernichten. Nachdem etliche Superhelden getötet oder unterjocht wurden, müssen sich die verbliebenen Überlebenden, darunter Constantine (Matt Ryan), Superman (Jerry O'Connell) und Raven (Taissa Farmiga), verbünden, um dem Tyrannen ein allerletztes Mal den Kampf anzusagen, um die restliche Welt zu beschützen. Es ist eindeutig die Antithese von DC zu "Avengers: Infinity War". Die postapokalyptische Geschichte, die keine Grenzen kennt, verwebt auf imponierende Weise Fäden aus "The Flashpoint Paradox", "Justice League Dark" und "Son of Batman" zu einem heroischen Abschluss. Der Film verschwendet keine Zeit mit dem spannungsvollen und schockierenden Auftakt und steigt mit frenetischem Tempo unmittelbar in die Action ein, die in einem spektakulären Finale mit einer Fülle eindrucksvoller Schlägereien resultiert. Die vielen Kurzauftritte von Mitgliedern der Justice League, der Teen Titans und der Suicide Squad machen den Film für langjährige Fans des geteilten Universums zu einem absoluten Hochgenuss. Dafür ist "Justice League Dark: Apokolips War" unerwartet hart, mit reichlich brachialer Gewalt und phasenweise schockierendem blutigem Gemetzel. Mit der größten Superheldenbesetzung in der Geschichte der DC-Universumsfilme kehren viele der bekannten Synchronsprecher wie Jason O'Mara, Rosario Dawson und Christopher Gorham zurück, um ihre ikonischen Rollen aus der sechsjährigen Kontinuität wieder aufzunehmen. Besonders hervorzuheben sind Matt Ryan, Jerry O'Connell und Taissa Farmiga, die als Constantine, Superman und Raven den Kern der Besetzung repräsentieren. Matt Ryan setzt seine großartige Darstellung von John Constantine mit einem hervorragenden und gefühlvollen Charakterbogen für den okkulten Detektiv fort, während Taissa Farmiga Ravens internen Konflikt mit ihrem Vater, Trigon, fabelhaft einfängt. Ebenfalls zu erwähnen ist Hynden Walchs irrsinnig lustige Harley Quinn, von der ich dringend mehr hätte sehen müssen. "Justice League Dark: Apokolips War" ist sowohl von der Größe als auch vom Umfang her beeindruckend und rundet das geteilte DC Animationsfilmuniversum mit einem bittersüßen Ausklang ab. Vollgepackt mit Team-Ups, Anspielungen auf DC-Überlieferungen und wahrhaft epischen Momenten, werden altgediente Enthusiasten des Universums zweifellos in diesem Werk schwelgen.

Noomi Rapace brilliert mit totaler Souveränität in "The Secrets We Keep" von Regisseur Yuval Adler. Wie wäre es, wenn du einfach so durch die Straßen gehst und das Gesicht von jemandem siehst, von dem du überzeugt bist, dass er dir in der Vergangenheit ein schweres Trauma zugefügt hat? Die Art von Missbrauch, die die Seele für eine Ewigkeit zerfrisst und von der sich manche nie wieder ganz erholen. In einer amerikanischen Kleinstadt, weit weg von den schrecklichen Zuständen im Arbeitslager der Nazis, in dem Maja (Noomi Rapace) mit anderen Roma gefangen gehalten wurde, haben sie und ihr amerikanischer Mann Lewis (Chris Messina) ein glückliches Leben aufgebaut. Doch als Maja einen pfeifenden Fremden (Joel Kinnaman) wahrnimmt, kehrt sie in einen Albtraum zurück, der ihr Gehirn unbewusst gefangen hält. Ist er der deutsche Soldat, der sie brutal vergewaltigt und ihre jüngere Schwester ermordet hat? Kann sie sich nach 15 Jahren noch sicher sein? Das ist der Moment, in dem sich das Ganze ins Gegenteil verkehrt. In den folgenden Tagen muss Lewis mit Entsetzen zusehen, wie Maja ihren Gefangenen foltert und ihn nur freilässt, wenn er ein Geständnis ablegt. Noomi Rapace, Hauptdarstellerin und ausführende Produzentin, liefert eine gebannte, grimmige und kämpferische Darbietung als Maja ab und wirft die Frage auf, ob Rache Tragödien heilen kann und ob Frieden überhaupt möglich ist. Indem sie Maja die Realität nimmt und ihr Trauma nicht nur in der Wirklichkeit verankert, beweist Noomi Rapace, dass Frauen eine Kraft sind und immer waren, mit der man rechnen muss. Vor allem, wenn sie psychisch und emotional unter Druck geraten. Ihre furchtlose, gefühlvolle und körperlich anstrengende Rolle ist einfach phänomenal für die Augen aufbereitet. Der Spannungsaufbau und die Zuspitzung in diesem Thrillerdrama sind einfach perfekt zu beobachten. Der Drehbuchautor Ryan Covington wurde durch ein Interview inspiriert, das er mit einer Frau führte, die das berüchtigte Konzentrationslager Auschwitz-Birkenau überlebt hatte. Sie beschrieb eine posttraumatische Belastungsstörung, die dadurch ausgelöst wurde, dass sie einen wütenden Deutschen hörte, der eine öffentliche Tirade abließ. Kolja Brandt, der Kameramann, Nate Jones, der Produktionsdesigner, und Christina Flannery, die Kostümbildnerin, haben gemeinsam eine Welt geschaffen, in der das Publikum sofort in eine amerikanische Ära versetzt wird, in der Garderobe, Make-up, Haare und Umgebung makellos und schlichtweg prachtvoll sind. Jeder hat eine bestimmte Erfahrung, die er nicht preisgeben möchte. Es ist eine grundlegende Entscheidung, die weit über den Abspann hinaus in das Unterbewusstsein der Zuschauer eindringen wird.