Chainsaw Charlie - Kommentare

Es ist mir nicht klar, warum "Æon Flux" unter der Regie von Karyn Kusama keine gute Produktion ist. Das Filmdesign von Andrew McAlpine ist einfach großartig, auf jeden Fall gut genug, um einen gewissen Mangel an Inspiration im Drehbuch auszugleichen. Obwohl, um fair zu sein, das Drehbuch deutlich schlechter ist als uninspiriert. Und die Inszenierung von Regisseurin Karyn Kusama ist, alles in allem, ziemlich schick.
Trotzdem ist es beschissen. Es kann kein Zweifel daran bestehen, dass zumindest ein Teil dieses Misserfolgs den Paramount-Managern zuzuschreiben ist, die darauf bestanden, den Film so umzubauen, dass er mainstream-freundlicher ist als Karyn Kusamas Originalschnitt: Er hat das unverkennbare ausgehöhlte, ruckelige Tempo, das entsteht, wenn Szenen mehr aus Gründen der Laufzeit als der erzählerischen Klarheit herausgeschnitten wurden. Das Ergebnis ist nicht gerade verwirrend, aber es ist konfuser und planloser, als es die Geschichte in irgendeiner Weise rechtfertigt. Dennoch, ich will nicht sagen, dass es sich um eine Einmischung von Dritten handelt, aber es gibt vieles in "Æon Flux", das sich irgendwie unpassend anfühlt, so als ob die verschiedenen Beteiligten nicht alle dieselbe Sprache sprechen würden. Der Film hat in vielerlei Hinsicht eine unmenschliche Rigidität, insbesondere in Charlize Therons Darstellung der ehrwürdigen Æon Flux selbst. Der Film wurde 2005 veröffentlicht, zwei Jahre nach Charlize Therons Oscar-Gewinn für "Monster" und in derselben Saison wie "Kaltes Land", für den sie ihre zweite Oscar-Nominierung erhielt. Wir befinden uns also definitiv im Bereich "Theron ist eine angesehene, etablierte Schauspielerin", aber das merkt man ihrer Darstellung nicht an, die mit Sicherheit zu den schlechtesten ihrer Karriere gehört.
Die Methode, die Karyn Kusama anwendet, um ihre Schauspieler zu platzieren, hat eine äußerst spröde, formalistische Qualität, die zur Atmosphäre des Sets passt. Speziell die Art wie die Schauspieler und Stuntleute in den Actionszenen aufgefordert werden, ihre Körper zu bewegen und zu halten, suggeriert eine völlig fremde Art, nicht nur physische Räume zu bewohnen, sondern auch das eigene Fleisch. Die Handlung selbst ist ziemlich behäbig und banal, aber der Rhythmus der Choreografie, die ebenso sehr moderner Tanz wie Action-Kino ist, verleiht ihr eine einzigartige Persönlichkeit.
Warum also ist "Æon Flux", abgesehen von der Abgehacktheit, ein so langweiliges Stück Scheiße? Die schwerfällige Darstellung der Exposition ist ein Teil davon. Der flache, tote Ton ist auch ein Bestandteil davon, und wahrscheinlich ein viel größerer Faktor. Der Film ist verflucht langsam, und ein Großteil der Schuld daran geht leider direkt auf das Konto von Charlize Theron. Sie ist nur in der Lage oder daran interessiert, die Figur der glamourösen, eiskalten Attentäterin mit ihren schwarzen, elasthanartigen Outfits und Frisuren an die Oberfläche zu bringen. Der Charakter, den sie verkörpert, ist farblos und unsympathisch, und verzieht keine Miene, und alle Linien und Handlungselemente, die auf etwas anderes abzielen, fallen völlig ab. Mit einer solchen Protagonistin ist es kein Wunder, dass "Æon Flux" trist ist. Aber sie ist ebenso sehr ein Symptom wie eine Ursache. "Æon Flux" ist zu mechanisch, um zum Nachdenken anzuregen, trotz einer zumindest einigermaßen geistreichen Hintergrundgeschichte. Zu fragmentarisch und süchtig nach Großaufnahmen, um spannend zu sein, trotz seiner ballettartigen Action-Choreografie. Die Kulissen sehen schön aus, aber wenn ein Film so bitter und trostlos ist, können hübsche Dekorationen nicht viel ausrichten, und obwohl er kaum ein grafisches Desaster ist, muss man sich nicht dafür schämen, dass "Æon Flux" auf dem besten Weg ist, der Zeit zum Opfer zu fallen.

"Warrior Queen - Die Geschichte einer Kriegerin" von Regisseur Matt Cimber ist eines jener schwachsinnigen Werke, die versuchen, aus dem Erfolg populärer Filme wie "Conan der Barbar" Kapital zu schlagen. In seinen besten Momenten ist er jedoch nur in der Lage, entweder ideale Elemente zu klauen oder ungewollt erkennbare Konzepte zu parodieren, während er versucht, das Gefühl einer ernsthaften Produktion zu erzeugen. Die erste Hälfte funktioniert als Exploitation-Pulp, aber die zweite Hälfte fällt schnell in absolute Absurdität ab. Das Ergebnis ist ein humorvolles Schlamassel, das weitgehend als so missraten akzeptiert werden kann, dass es eigentlich amüsant ist.
Im Wesentlichen ist "Warrior Queen - Die Geschichte einer Kriegerin" ein Statement zur Frauenbefreiung, das mit Gewalt, Gefechten und knackigen Blondinen verziert ist, um die Gegenseite anzusprechen. Zudem werden die Frauen entmenschlicht, um die wilde Rebellion und die blutgierige Niederschlagung zu rechtfertigen und zu bejubeln. Es ist zum Teil ein Aufschrei gegen die rüpelhafte Natur der Männer, aber auch ein ironischer Scherz, der den männerfeindlichen Ton der Handlung ein wenig kaschiert. Eine Kampfszene zwischen den Frauen ist das barbarische Äquivalent einer Kissenschlacht, und Hundras (Laurene Landon) erste Wahl für die Paarung ist das schmutzigste und abscheulichste Biest in den Außenbezirken der Stadt. Seltsamerweise fällt es ihr schwer, einen passenden Imprägnierer zu finden. Vor allem eine unsinnige Szene lohnt den Blick auf diesen schlampigen Actioner: Nachdem ein tyrannischer Herrscher gefangen genommen wurde, hält ihn eine Gruppe rebellierender Sklavinnen fest, während sich eine fettleibige Frau auf sein Gesicht setzt, bis er verreckt.
Der Film beginnt mit einem relativ eindrucksvollen Angriff auf das Amazonendorf, bei dem mehrere beeindruckende Stuntaufnahmen und stilisierte Bilder zum Einsatz kommen, die an die Eröffnungsszene von "Conan der Barbar" angelehnt sind. Es wird sogar so viel Zeitlupe in den Film eingebaut, dass es möglich ist, dass Zack Snyder während der Arbeit an "300" "Warrior Queen - Die Geschichte einer Kriegerin" in seinem Unterbewusstsein hatte. Pferde, die auf Reiter stürzen, aufgespießte Schwertkämpfer und wahnsinnige Zwerge, die Mistgabeln schwingen, sorgen für ein unterhaltsames erstes Viertel des Filmes bis er sich aus dem Nichts heraus in eine Schönheitskur für Mädchen verwandelt. Die abenteuerliche Aura des Anfangs verflüchtigt sich abrupt und verhindert, dass die turbulente Auflösung das Bild als Ganzes beleben kann. Der drastische Wechsel im Tonfall ist zu viel für jede Überleitung.
Die Schauspielerei und die Dialoggestaltung sind grauenhaft, und die meisten Wortwechsel bestehen aus lautem Geschrei und Gebrüll. Die Filmmusik von Ennio Morricone hingegen ist mit ihrer eingängigen Melodie, den stampfenden Rhythmen und der notwendigen Verstärkung der Handlung äußerst abwechslungsreich. "Warum können Männer nicht so logisch und geradlinig sein wie wir?", fragt Hundra, während sie mehrere Frauen beobachtet, die von der Zerlegung einer Gruppe von Wächtern schwindlig wie Kindergartenkinder sind. Diese Szene und der gesamte Film sind nicht gerade hilfreich, vor allem, wenn die gelbhaarige Meisterin nackt auf einem Pferd durch einen Fluss spaziert, um sich von den Wunden zu erholen, die sie sich bei einer Zwergenoffensive zugezogen hat.

Der Film "Black as Night" von Regisseurin Maritte Lee Go ist Horror für Jugendliche und ein Vergleich zu "Vampires vs. the Bronx", der diese Geschichte über entrechtete Vampire in Louisiana strukturiert. Es handelt sich um eine Blumhouse Television-Produktion, die auf digitale Animationen zurückgreift und den begrenzten Möglichkeiten des Studios sehr entgegenkommt, aber das wird die richtige Zielgruppe nicht davon abhalten, über Buffy-Rückrufe zu feixen. Das soll keine Kränkung sein für diejenigen, die in waffenfähigen Pizzeria-Knoblauchspendern Trost finden. Maritte Lee Go zapft die pulsierenden Adern der Gentrifizierung und der benachteiligten Gemeinden an und sorgt dabei für einige Lacher. "Black as Night" kämpft gegen eine allgemeine Flächigkeit an, die mit erkennbar geringem Einsatz durch die narrativen Intrigen gleitet, selbst in Anbetracht einiger umgestalteter historischer Veränderungen, die Sklavenhandel mit Blutrache kombinieren.
Die Vampire in "Black as Night" sehen mit ihren verfärbten, eng aneinanderliegenden Reißzähnen und den rubinroten Augen, die das Dunkel durchbohren, überzeugend aus. Das ist das wichtigste Element des Vampirkinos, und Maritte Lee Go verwandelt in ihrer Vision vergessene Einwohner von New Orleans in wütende Bestien, die ihre Zähne fletschen. Kostümierung und Visagistik sind erforderlich, denn ihr Ableben ist nicht besonders spektakulär, wenn sich die gepfählten Kreaturen in digitale Asche und computergesteuerten Rauch auflösen oder Knoblauchwolken wie verpixelte grünliche Klümpchen durch die Luft schweben. Die Abteilung für Spezialeffekte von Maritte Lee Go beschwört im Mondlicht Monster herauf, die ihre umherstreifenden Stammeszugehörigkeiten und ihre fauchende Bösartigkeit zum Ausdruck bringen, um ein Gegengewicht zu den glanzlosen visuellen Akzenten zu schaffen.
"Black as Night" bekommt eine besondere Atmosphäre, wenn die Charaktere ihren inneren Vampirjägern freien Lauf lassen und gegen ihre rassistische Vergangenheit wettern, während auf dem ehemaligen Plantagengelände Blut vergossen wird. Maritte Lee Go verbindet die Ausgrenzung der emotional und finanziell angeschlagenen Bürger von New Orleans, die noch immer von den Verwüstungen durch Katrina gezeichnet sind, mit den Rassenunterschieden in Louisiana vor der Abschaffung der Sklaverei. Die Charaktere von Maritte Lee Go balancieren auf dem schmalen Grat zwischen sozialer Authentizität und Stereotypie, aber sie bleiben der Stimmung des Films treu, die an die Schulbuchproteste der Vergangenheit und Gegenwart erinnert.
"Black as Night" ist ein repräsentativer, anregender Einstiegshorror, der bei mir nicht funktioniert hat. Horror wird oft durch das Gefühl definiert, das wir nach dem Abspann haben, und ich habe nicht viel dabei empfunden. Es ist eine komödienhafte Kombination aus "Vampire Diaries" und "Geschichten aus der Gruft" und evoziert die blutigen Gräueltaten des skelettierten New Orleans im Laufe der Jahrhunderte. Es ist auch nachhaltig eintönig und beschränkt sich auf eine gewisse Opulenz, wie satinierte Vampirbettwäsche, elegante Züchter mit eigenen zentralen Räumlichkeiten und schmiedeeiserne Tore, die so manches Grundstück rein halten sollen. Andererseits ist "Black as Night" für Kindergeburtstage und weniger erfahrene Horrorfans gedacht, die wahrscheinlich eine lebhaftere und enthusiastischere Meinung haben werden, was sie auch dürfen.

Am Anfang von "Tod auf dem Nil", bei dem Kenneth Branagh, der auch wieder die Hauptrolle übernimmt, Regie führt, steht eine kleine Vorgeschichte, die im Buch nicht vorkommt: Der Infanterist Hercule Poirot (Kenneth Branagh) nutzt seine außergewöhnliche Beobachtungsgabe, um den Angriff auf eine Brücke während der Grabenkämpfe in Belgien im Jahr 1914 zu beobachten und erweist sich schon dort als wahres Genie. 23 Jahre später, in London, ist dieser gewiefte Soldat nun ein berühmter Detektiv, der sich zufällig in einem schicken Nachtclub aufhält, Desserts probiert und den jazzigen Songs von Salome Otterbourne (Sophie Okonedo) lauscht. Er ist auch eingeweiht in eine Interaktion zwischen der Gesellschaftsdame Jacqueline de Bellefort (Emma Mackey), die verführerisch mit ihrem Verlobten Simon Doyle (Armie Hammer) tanzt, und der Erbin Linnet Ridgeway (Gal Gadot), einer langjährigen Freundin. Doch nur sechs Wochen später sind die romantischen Verwicklungen vertauscht: Am Nil, als Poirot im Urlaub die Pyramiden bewundert, taucht Simon Doyle mit seiner neuen Braut Linnet auf, sehr zum Leidwesen von Jacqueline, die die Aktivitäten der beiden scharf beäugt. Diese Konstellation bietet die perfekte Gelegenheit, Linnet Ridgeway etwas Heimtückisches anzutun, die Jacquelines Mann in einem sehr kurzen Zeitraum geraubt zu haben scheint. Aber die Erbin hat noch viele andere Menschen um sich, die ebenfalls böse Absichten haben könnten. Die Hotelbewohner stellen eine sich ständig erweiternde, breite Palette von Verdächtigen dar, die eines möglichen Mordes beschuldigt werden.
Sehenswürdigkeiten und Schwelgereien nehmen nur wenige Minuten in Anspruch, aber die zahlreichen Verliebten und Feiernden beanspruchen einen großen Teil der Spielzeit. Die Fülle der potenziellen Tatverdächtigen, die den zentralen Mord und die anschließende, meisterhafte Detektivarbeit effektiv verzögern, erhält zusätzlich, individuell, präzise Verbindungen sowie Beziehungen und Gespräche, wodurch das Gefühl entsteht, dass Linnet Ridgeway einen eklatanten Mangel an echten Freunden hat. Und das, bevor sie Poirots typische Verhöre über sich ergehen lassen müssen, bei denen seine Ermittlungen noch mehr Details über schmutzige Vergangenheiten und unbekannte Verbindungen zwischen den Passagieren zutage fördern. Für ein klassisches, aber älteres Kriminalstück ist diese moderne Nacherzählung mit Tempoproblemen behaftet.
Obwohl er kein David Suchet ist, verkörpert Kenneth Branagh den geliebten Detektiv von Agatha Christie absolut überzeugend. Er schafft es, in genau den richtigen Momenten nachdenklich, sympathisch, weise, energisch und sensibel zu sein. Wäre da nicht die Fülle an Nebenfiguren, von denen einige nur dazu da sind, den Kreis der Verdächtigen so weit zu verkomplizieren, dass der Zuschauer Mühe hat, das Ende zu erraten, hätte Kenneth Branaghs Hercule Poirot vielleicht sogar zusätzliche Sequenzen verdient, um seine unvergleichliche Cleverness zu genießen. Selbst bei den sich häufenden Verbrechen, die in der Enge eines Schiffes, das mehr Gelegenheit für hitzige Debatten als für eskalierende Morde bietet, so spannend wie erwartet aufbereitet werden, ist die Handlung zu langsam, um die Spannung aufrechtzuerhalten. Es ist ein bemerkenswerter Krimi von einer der berühmtesten Bestsellerautorinnen aller Zeiten, aber hier ist der Fluss unausgewogen, unfähig, als durchgängig nagelnd oder fesselnd intellektuell visualisiert zu werden. Der letzte Akt ist im Grunde eine langwierige, uninspirierte Verschleppung, um die große Enthüllung zu arretieren bei der es für Hercule Poirot nichts weiter zu tun gibt, als auffallend kleine Vergehen wie Unterschlagung und versuchten Mord zu ignorieren.

John Wayne Gacy ist nach wie vor der Stoff, aus dem Albträume sind, ein Sinnbild des Bösen, das sich wie ein Clown verkleidet, um sich einen festen Platz im Genre der wahren Verbrechen zu sichern. "John Wayne Gacy: Selbstporträt eines Serienmörders" von Filmemacher Joe Berlinger ist der ideale Beitrag zu dieser Dokumentation, die sich auf 60 Stunden ausgegrabener Tonaufnahmen stützt, die in dieser dreiteiligen Doku-Serie verstreut sind. Das Problem mit den von Gacys Anwälten durchgeführten Aufzeichnungen ist, dass John Wayne Gacy versucht, die Schuld für alles von sich zu weisen, wofür er bekannt war. In einem Artikel im New Yorker von 1994, dem Jahr, in dem Gacy durch die Giftspritze hingerichtet wurde, fasste der Schriftsteller Alec Wilkinson die Schwierigkeiten eines Interviews mit ihm wie folgt zusammen: "Mit Gacy zu sprechen erfordert Geduld. Er hört nicht zu, was man sagt, denkt nicht nach und antwortet dann. Er verteidigt sich lediglich. Es ist schwierig, ihm eine Frage zu stellen, die ihm nicht schon ein Detektiv oder ein Staatsanwalt ein Verteidiger oder ein Psychiater gestellt hat und auf die er keine Antwort weiß."
Angesichts dessen trägt das Hören von John Wayne Gacys Stimme nicht wirklich zum Verständnis seiner Beweggründe oder der abscheulichen Natur seiner Verbrechen bei, eine Aufgabe, die den üblichen Verdächtigen zufällt, einschließlich der noch lebenden Polizisten und Staatsanwälte, die in den 1970er Jahren an der Aufklärung des Falls beteiligt waren. Außerdem gibt es Interviews mit Angehörigen der Getöteten und einem Überlebenden von Gacys Gewalttaten. Ihre Geschichten sind erschütternd. Sie erzählen, wie der Geruch von verwesendem Fleisch John Wayne Gacy schließlich verriet und seine Mordserie mit 33 Opfern beendete, was zu seiner Verurteilung im Jahr 1980 führte.
Was jedoch bei diesem Projekt von Regisseur Joe Berlinger hervorsticht, ist der historische Kontext, in dem John Wayne Gacy die Verletzlichkeit junger Männer und Jugendlicher ausnutzte, insbesondere derjenigen, die von zu Hause weggegangen waren oder von ihren Familien verstoßen wurden. Ansonsten gibt es hier nicht wirklich viel Neues. Aber Netflix bietet sowohl eine breitere Plattform als auch einen etwas zeitgemäßeren Aufhänger für das Projekt, da die Suche nach den Opfern von John Wayne Gacy weitergeht, von denen einige nach wie vor nicht identifiziert sind. Da der Serienmörder in seiner Gemeinde und in der lokalen Politik aktiv war, war eine der bleibenden Fragen immer, wie eine öffentliche Person wie John Wayne Gacy so lange mit dem Morden davonkommen konnte.
Das sorgfältig recherchierte Werk "John Wayne Gacy: Selbstporträt eines Serienmörders" bietet auf dieser Ebene einen willkommenen Kontext, einschließlich der Homophobie, die sich in John Wayne Gacys eigenen Gesprächen widerspiegelt, in denen er seine Anziehungskraft sowohl auf Männer als auch auf Frauen erklärt. Warum sich Serienmörder wie Ted Bundy und John Wayne Gacy so nachhaltig im öffentlichen Bewusstsein festgesetzt haben, ist eine traurige Tatsache des True-Crime-Genres, die in dieser Hinsicht keiner Erklärung bedarf.

Der stärkste Teil von "The Heretics" von Regisseur Chad Archibald ist die Grundidee. Die Thematik ist insofern interessant, als sie die Erwartungshaltung quasi sofort auf den Kopf stellt. Wenn man sieht, wie ein junges Mädchen von einer Sekte entführt wird, rechnet man eigentlich damit, dass sie für einen Dämon oder eine Gottheit geopfert werden soll. Das ist hier nicht der Fall. Die Sekte selbst opfert sich und lässt das Mädchen allein auf dem Altar zurück, damit sie den Heimweg antreten kann. Erst Jahre später setzt das wirkliche Unheil ein. "The Heretics" wechselt zwischen den Geschehnissen um das entführte Mädchen und ihren Entführer sowie den Menschen, die nach ihr suchen, ständig hin und her. Das ermöglicht es den Filmemachern, im Verlauf der Handlung langsam Details zu offenbaren. Es gibt auch eine recht ansehnliche Ebene surrealer Halluzinationen, sobald die Dämmerung naht. Das Konzept hinter dem Film ist zwar gut, aber "The Heretics" neigt eher zu Melodrama und Komödie in einem Film, der ansonsten einen sehr ernsthaften und düsteren Beiklang hat.
Die Schauspielleistungen sind ein ziemlich uneinheitliches Gemisch. Nina Kiri verkörpert Gloria, das Opfer von zwei Kidnappings. Nina Kiris Darstellung von Gloria hält das Interesse und die Sympathie des Zuschauers wach, vor allem, als wir erfahren, dass sie nach der ersten Entführung an einer posttraumatischen Belastungsstörung leidet. Später gibt es einige Momente in ihrem Auftritt, in denen sie ein wenig behaucht rüberkommt. Das hört sich vielleicht merkwürdig an, aber es ist das Wort, das mir spontan dazu im Kopf erscheint. Manchmal spricht sie sanft und mit dem Hauch von jemandem, der nach einem langen Marathonlauf zu sprechen versucht. Auch wenn dies in Anbetracht der Umstände, in denen sie sich befindet, technisch funktioniert, wirkt es eher wie ein schauspielerisches Mittel als eine echte Reaktion auf die Situation. Ry Barrett übernimmt die Rolle des Kidnappers Thomas. Dieser Charakter ist wahrscheinlich der komplexeste. Er war Mitglied der Sekte, und in einem Akt des Mitgefühls und der Mutlosigkeit verzichtet er darauf, sich mit den anderen zu opfern. Ry Barrett gelingt es gut, die komplizierten Emotionen zu vermitteln, die Thomas durchlebt, während er versucht, seine Mitschuld zu verarbeiten. Und dann ist da noch Jorja Cadence, die Glorias Geliebte, Joan, darstellt. Die Performance von Jorja Cadence fängt gut an, aber als sie nach der Entführung von Gloria in Hysterie verfällt, wird ihr Auftritt ein wenig überzogen. Sie brüllt und schreit viel und übertreibt dabei so sehr, dass es fast schon humoristisch wirkt.
Einer der stärksten Faktoren in "The Heretics" sind die praktischen Effekte. Im Laufe der Zeit, in der Gloria in der abgelegenen Hütte eingesperrt ist, beginnt sie sich zu transformieren. Die Filmemacher lassen sich mit der Verwandlung Zeit, so dass sich im Laufe der Handlung subtile Verschiebungen ergeben. Diese Entwicklungen werden schließlich regelrecht zur Groteske. Die bizarren Züge, die eine so schöne junge Frau entstellen, machen die Wandlung noch verstörender. Bei der abschließenden Umformung wird von praktischen Effekten abgesehen und auf computergenerierte Effekte zurückgegriffen, was leider die schockierenden Bilder beeinträchtigt und den Gesamteindruck schmälert.
"The Heretics" ist ein Film, der das Zeug zu einem spannenden Plot hat, der aber nicht optimal umgesetzt wurde. Die Idee, die dahinter steckt, ist gut und die Filmhandlung hat einige überraschende Momente, die das Potenzial haben, das Bewusstsein des Betrachters zu wecken. Auch die Darsteller sind größtenteils überzeugend, aber auch hier gibt es einige Phasen, in denen die schauspielerische Leistung in den Bereich der B-Movies abdriftet. Die Spezialeffekte sind ein Höhepunkt, bis zum Ende, als die Filmemacher die Entscheidung treffen, von praktischen auf digitale Computeranimationen umzusteigen. Es ist augenscheinlich, dass "The Heretics" in der Mitte gespalten ist, wenn es um Höhen und Tiefen geht, was ihn zu einem ganz gewöhnlichen Film macht.

"Willkommen in der Welt der Gewalt", beginnt der seltsam betitelte Film "Die Satansweiber von Tittfield" von Regisseur Russ Meyer, der das Publikum gleichzeitig warnt und auf das kommende Filmmaterial einstimmt. Drei Tänzerinnen präsentieren sich in einem Go-Go-Club vor grölenden Blicken, bevor sie in schnellen kleinen Karossen auf die Piste düsen und an einem See haltmachen. Als die blonde Billie (Lori Williams) schwimmen geht, ordnet die bedrohlich wirkende Rädelsführerin Varla (Tura Satana) an, dass die rabenhaarige Rosie (Haji) sie zurück an den Strand zerrt, wo sie sich eine Schlägerei im Sand liefern.

Der Soundtrack ist lauter als alles andere in "Die Satansweiber von Tittfield" und dröhnt unaufhörlich über die Dialoge hinweg, bis zu einem nervtötenden Punkt. Das Drehbuch von Jack Moran strebt nach der knallharten Wortgewandtheit des Film Noir, aber nichts davon ist überzeugend oder wird passend umgesetzt. Das meiste wird einfach rezitiert oder gebrüllt, wodurch der Reiz des zynischen Wortgefüges verflogen geht. Und es gibt nicht wirklich eine Handlung, um die Balance auszugleichen, so dass der Zweck nur das Reizen von schwellenden Brüsten und entblößten Körpern ist, während die kurvenreichen Frauen immer unordentlicher werden.

Dies ist die Art von Low-Budget-Produktion, bei der die Mädchen in einem klar erkennbaren, bewegungslosen Vehikel sitzen und krampfhaft das Lenkrad herumdrehen, um in eine gerade Spur zu kommen. Niedrige Kamerawinkel glotzen nach oben auf ausladende Brüste oder betrachten von hinten, wie formschöne Ärsche wippen. Varla und Billie nutzen die Gunst der Stunde, um grundlos zu baden, auch wenn sie kaum etwas dabei preisgeben. Die Vorfreude wächst, als die drei todbringenden Frauen das Anwesen des unzüchtigen alten Greises (Stuart Lancaster) frequentieren und sich letztendlich mit ihm und seinen zwei Söhnen zu einem Mittagsschmaus gesellen. Aber die Ausbeute ist bestenfalls bescheiden, trotz der Tatsache, dass alle Charaktere ein vorzeitiges, furioses Ableben durchaus gerechtfertigt hätten.

Die Persönlichkeiten sind alle auf unerfindliche Weise absonderlich. Varla lacht regelmäßig wie eine Besessene und hat sichtlich Vergnügen an ihrem abfälligen, aggressiven Wesen. Zudem brüllt sie alle ihre Dialogpassagen. Nicht nur einen Bruchteil dessen, sondern wirklich jedes einzelne Wort. Eine der wenigen interessanten Entwicklungen findet statt, als die Hysterikerin Linda (Sue Bernard) kurzzeitig aus der Gefangenschaft entkommt, um dann direkt in die Arme ihres Bruders Kirk (Paul Trinka) zu laufen, der sie zur Ranch seines Vaters zurückbringt. Es ist ein relativ beängstigendes Konzept, das Jahre später in "Blutgericht in Texas" noch weitaus effizienter umgesetzt werden sollte. "Die Satansweiber von Tittfield" ist ein bizarres Werk, das anderen Filmemachern, vor allem Quentin Tarantino, mehr als Vorbild dienen könnte und würde, denn als reine Unterhaltungsform. Als Exploitation-Kultklassiker enthält er Sex, Physik und schnelle Autos, aber er ist gnadenlos frei von Nacktheit, Blutschuld und beeindruckenden Autowracks, obwohl ein Mord mit einem Kraftfahrzeug verhältnismäßig aufregend ist, wie es "Frankensteins Todes-Rennen" von Regisseur Paul Bartel ein Jahrzehnt später in besserer, polierterer Qualität demonstrieren würde.

In "Drüber, drunter und drauf" von Regisseur Russ Meyer werden voluminöse Heldinnen, brachiale Gewalt, blasierte Schönheiten und gut bestückte Damen zu einer erotischen Komödie epischen Ausmaßes vermischt. Dass es sich bei der Handlung um einen Mordfall handelt, dessen Auflösung niemanden interessiert, dass die von Kitten Natividad vorgetragene Erzählung vor Shakespeare'scher Poesie nur so strotzt, die Figuren erklärt, deren Profil keinen Sinn ergeben, und dass zu Beginn jeder Szene immer wieder unwichtige Zeitangaben genannt werden, fällt kaum ins Gewicht. Wer sich "Drüber, drunter und drauf" reinzieht, ist eindeutig wegen der übertriebenen Exploitation und der großzügigen Dosis an weiblicher Nacktheit dabei.
Kitten Natividad ist die Griechin, eine nackte Erzählerin, die aufgeregt die vielen unterschiedlichen Charaktere vorstellt, die in den verschiedenen Handlungssträngen präsent sind. Häufig rekapituliert sie die Geschehnisse mit leicht veränderten Ausschnitten aus dem Filmmaterial und vielen ausgefeilten, lyrischen Beobachtungen voller Mysterien. Adolf Schwartz (Edward Schaaf), ein verdorbener nationalsozialistischer Hexenmeister und Sadomasochist, wird in seinem Schaumbad mit dem giftigen Fisch Harry brutal ermordet. Es gibt viele mutmaßliche Täter, wie Kitten Natividad höflich ankündigt, aber wenig Beweggründe und weniger Anschuldigungen. Es ist ein kniffliges Geduldsspiel mit dem einzigen Hinweis auf einen Täter mit schwarzen Lederhandschuhen.
Wie bei den meisten von Russ Meyers nicht jugendfreien, wollüstigen Höllenextravaganzen sind die extreme sexualisierte Gewalt, das überquellende Testosteron und die Unmengen an unzüchtiger Freikörperkultur auf eine so ausgelassene und unbestreitbar humorvolle Weise dargestellt. "Drüber, drunter und drauf" ist übertrieben, pornografisch und schwelgt in einem Meer von Animalität, aber sehr effektiv in seiner Mischung aus unkultivierter Erotik und maßloser Extase. Als Alice (Janet Wood) und Margot (Raven De La Croix) ihre unterdrückte, leidenschaftliche Bisexualität erkennen, während sie sich gegenseitig mit einer symbolträchtigen Geste besänftigen, nachdem sie nur haarscharf einem traumatischen sexuellen Zwischenfall entkommen sind, ist es naheliegend, dass es sich bei der ganzen Tortur um ein gut geplantes Experiment für eine pikante, intime Begegnung unter Frauen handelt.
"Drüber, drunter und drauf" beginnt mit aberwitzig fröhlicher Begleitmusik, die in dramatische, orchestrale, countryeske, traditionelle Rockmusik, Patriotik, Schwulst und alles, was dazwischen liegt, übergeht und sogar einen pfiffigen Beethoven einbringt. Peinlich schlechte Synchronisation und dürftige Soundeffekte runden die beachtenswerten technischen Aspekte ab, obwohl es fast unfair ist, die Produktion von "Drüber, drunter und drauf" zu kritisieren, wenn man den Grund für seine Erschaffung mit einbezieht. Mit einer kreativen Reißverschlusskamera, jeder Menge willkürlichem Sex, einem durchgeknallten Holzfäller mit Axt, Fesselspielchen, Lesbentum, permanent freigelegten Titten, abgrundtiefer Ekstase, einem Übermaß an brustgefüllten Pulchritudinen und jeder Menge unnützer Dialoge und Erklärungen während der finalen, kilometerlangen Verfolgungsjagd im Adamskostüm ist Russ Meyers "Drüber, drunter und drauf", der im Original "Up!" heißt, nicht zu verwechseln mit Pixars computeranimiertem Familienfilm von 2009.

"Bad Vegan: Berühmt und betrogen" von Regisseur Chris Smith erzählt in 4 Episoden zwischen 45 und 60 Minuten die Geschichte der New Yorker Veganerin Sarma Meilgailis. Am Anfang von Episode 1 ist es 2019 und Sarma wendet sich an die Kamera: "Ich werde in einer Woche nach Rikers Island gehen. Viele Leute haben mich längst abgeschrieben." Wir schreiben das Jahr 1994, als Sarma, frisch von der UPenn's Wahrton School of Business, einen Job an der Wall Street annimmt. Sie findet schnell heraus, dass ihr dieses Leben nicht behagt, kündigt deshalb und schreibt sich am Französischen Institut für Kulinarik ein. Zu diesem Zeitpunkt sind wir 10 Minuten in Episode 1.
Dies ist das jüngste Werk von Chris Smith. Hier blickt er darauf zurück, wie Sarma Meilgailis, eine echte Berühmtheit in der New Yorker Gastronomieszene, einem Mann vorgestellt wird, der sich als manipulativer Psychopath entpuppt, was schließlich zu ihrem völligen Ruin und zu Schlimmerem führt. Wie in solchen Geschichten üblich, wäre dies niemals denkbar, wenn es nicht tatsächlich stattgefunden hätte. Und da es sich um einen Prominenten handelt, gibt es tonnenweise Audio- und Videomaterial, das Chris Smith durchforstet und mit gutem Effekt auf den Bildschirm überträgt. Einige, wenn nicht sogar alle, fragen sich, warum Sarma dem Ganzen nicht schon viel früher den Riegel vorgeschoben hat. Das geht leider völlig an der Realität vorbei. Sarma war das Opfer von psychologischem Missbrauch und einfach nicht in der Lage, ihn zu unterbinden, ähnlich wie die Opfer von sexuellem Missbrauch nicht in der Lage sind, ihn aufzuhalten. Wie Sarma bei mehr als einer Gelegenheit erwähnt: "Ich kann es nicht erklären." Letztendlich ist "Bad Vegan: Berühmt und betrogen" im Geiste der ebenfalls sehenswerten Dokumentar-Miniserie "The Tinder Swindler" sehr ähnlich.
Obwohl diese Miniserie an sich nichts Revolutionäres hat, war ich doch von Anfang bis Ende davon angetan. Wer wahre Verbrechen und Dokumentarfilme mag, dem empfehle ich, sich selbst ein Bild davon zu machen.

In "Bad Company" unter der Regie von Joel Schumacher überzeugt Anthony Hopkins auf Anhieb als taffer, erfahrener Spionageveteran. Er muss kaum etwas anderes tun als zu starren. Chris Rock hingegen ist in jeder Rolle nur schwer ernst zu nehmen. Diese Einschätzung funktioniert bis zu einem gewissen Grad, da er auf die Rolle eines Geheimagenten nicht vorbereitet ist. Aber es spricht auch gegen die Aufrichtigkeit der Mission und der Vorgesetzten, die sich diesen verqueren Plan ausgedacht haben. Glücklicherweise ist Chris Rock die einzige Quelle der Komik, und seine Einzeiler sind meist erfolgreich und in seltenen Fällen auch saukomisch.
Obwohl ein wenig überdramatisch, ist die Mischung aus Komödie und Action oft geschickter als fragwürdig. Der Grundgedanke des Ortswechsels, des Rollenspiels und des Zusammenschlusses von Gegensätzen nach dem Vorbild von " Der Staatsfeind Nr. 1 " oder "Rush Hour" sorgt für amüsante Verwechslungen und Missgeschicke, während die Stuntsequenzen gekonnt umgesetzt sind. Die Action ist nicht von sich aus komisch, was auch angemessen ist. Stattdessen ist es Chris Rock, der den Humor in die Momente zwischen Verfolgungsjagden und Schießereien bringt. Und wenn es dann zu den Feuergefechten kommt, ist es Anthony Hopkins, der die Show stiehlt, indem er lässig Kaugummi kaut und zusätzliche Kugeln in Leichen verteilt.
Einige Szenen sind unnötig komödiantisch, etwa wenn Chris Rock eine Entführungsübung zur Prüfung seiner Wachsamkeit erlebt. Das Manko dieser Art von Zusatzstoffen ist, dass Chris Rocks Figur nie in Selbstverteidigung, Aufklärungsarbeit oder militärischen Taktiken ausgebildet wurde, was seine verschiedenen Erfolge unglaubwürdig und unpraktikabel macht. Als er später in ein gefährliches Geflecht verwickelt wird, scheint sein Überleben entweder zufällig oder einfach nur vorgetäuscht. Wenn er einen Fluchtwagen fährt und dabei einige Stunts und waghalsige Manöver vollführt, wäre es viel glaubwürdiger gewesen, wenn er einen entsprechenden Lehrgang besucht hätte, und sei er noch so knapp. Man hätte ihn besser als reinen Glückspilz darstellen sollen, oder man hätte ihn als gewieften Ganoven charakterisieren müssen.
Aufgrund dieser Diskrepanz beginnt die Geschichte auseinanderzufallen, was durch die unlogischen Verbindungen der Bösewichte und die eilig erfundenen Gründe für das Pendeln zwischen der Tschechischen Republik und New Jersey mit einer Atombombe noch verstärkt wird, die durch einen kurzen Satz über den Transport per Luftfracht beschönigt werden. Am Ende verliert "Bad Company" viel von seinem Schwung und seiner Eindringlichkeit, da er sich zu einem Weltrettungsszenario entwickelt, das durch das Winken mit Pistolen und die Beförderung von Geiseln gewaltig abgewürgt wird. Man kann Anthony Hopkins jedoch nur schwerlich seiner unglaublichen Leinwandpräsenz berauben.

"Nobody" von Regisseur Ilya Naishuller beginnt an einem typischen Montag von Hutch Mansells (Bob Odenkirk) eintöniger Routine, die Woche für Woche zu seinem morgendlichen Lauf, seinem täglichen Pendeln, seinem ermüdenden Job als Wirtschaftsprüfer, dem Nachhausekommen, um von seinen Kindern ignoriert zu werden, und schließlich dem Einschlafen neben seiner Frau führt, die ihm ebenfalls keine Aufmerksamkeit schenkt, geschützt durch eine Barrikade aus Kopfkissen. Anschließend wird das Ganze noch einmal wiederholt. Doch als eines Nachts zwei Einbrecher bei ihm eindringen, gerät Hutch in eine besonders prekäre Situation, die er auf äußerst unkonventionelle Weise angeht. Obwohl er die Oberhand gewinnt, weil es seinem Sohn Blake (Gage Munroe) gelingt, einen der Eindringlinge zu überwältigen, entschließt sich Hutch, die Angreifer mit einer Handvoll Bargeld und seiner wertlosen, aber geschätzten Armbanduhr gehen zu lassen.
Obwohl Hutch wie ein abgehalfterter, kaputter, depressiver Familienvater erscheint, verloren in einer Flut von Normalität und ermattender Uniformität, dauert es nicht lange, bis "Nobody" enthüllt, dass er nicht so gewöhnlich ist. In der Tat ist er ziemlich außergewöhnlich, nicht unähnlich dem grundlegenden Prinzip in "96 Hours", in dem ein vermeintlich durchschnittlicher Mensch eine Reihe von erstaunlichen Fähigkeiten verbirgt. Alternativ dazu gibt es einen Wink mit dem Zaunpfahl in "Die Unglaublichen", in denen Superhelden ihre übermenschlichen Qualitäten hinter weltlichen Alter Egos verbergen. Doch selbst diese gemeinsame Präsentation wird schon bald über Bord geworfen, denn unter dem Deckmantel der Mediokrität verbirgt sich noch mehr Wahnsinn.
Während "Nobody" eine Rachephilosophie im Stile von "John Wick", "The Equalizer" oder den verschiedenen Abenteuern von Rambo ermöglicht, ist der erste Akt ein kleines Puzzle. Es ist ein wenig zu zwiespältig, zu familiär und unwahrscheinlich weit hergeholt. Im Wesentlichen handelt es sich um eine verschlungene, etwas exzentrische Variante des klassischen Spionagefilms. Ein gut vernetzter, bestens informierter und hochqualifizierter Agent muss gegen einen ebenso gut ausgestatteten und gut organisierten Gangster mit unbegrenzten Ressourcen und Schlägern kämpfen. So unoriginell "Nobody" auch ist, so wenig faszinierend ist er auch, wenn das Bluttheater voranschreitet und zunehmend eskaliert. Die eingängige, unharmonische Musik, die Zeitlupen und die gelegentlichen Aufnahmen kreativer Schnitte reichen nicht aus, um zu verhindern, dass die zunehmende Morbidität den Hauch von Humor und die wohltuende Brutalität überwältigt.
Es ist manchmal schwierig, das Spektakel nicht zu genießen, vor allem, wenn es sich um typische Bösewichte handelt, aber seine Exzessivität grenzt an die gleiche Langeweile wie Hutchs Arbeitsalltag. Wenigstens wirkt die Unverfrorenheit des Helden lachhaft gegen die Strenge, aber die komödiantische Sensibilität, vor allem mit Bob Odenkirk in der Hauptrolle, kann die allgegenwärtige Barbarei kaum aufwiegen. Der sympathische Schauspieler hat nicht die Chance, sich wie in seinen früheren Rollen mit klugen Dialogen in Szene zu setzen. Das Finale, das von zu vielen anderen Filmen inspiriert ist, um es hier aufzuzählen, ist zwar durch sein unnötiges Blutbad und die geballte Waffengewalt unterhaltsam, bestätigt aber einen auffälligen Mangel an Erzählkunst zu Gunsten von actiongeladenem Tumult.

Der Wikipedia-Eintrag über das afrikanische Land Burundi ist weitaus interessanter als der Film "Die Fährte des Grauens" von Regisseur Michael Katleman, der dort angesiedelt ist. Da "Die Fährte des Grauens" versucht, zwei Dinge auf einmal zu sein nämlich ein blutrünstiger Horrorfilm und ein drastischer sozialer Artikel, gelingt es ihm hauptsächlich, matt und monoton zu wirken.
Die Werbesprache für "Die Fährte des Grauens" wollte uns glauben machen, dass es um einen Serienkiller geht, doch dem ist nicht so. Es ist ein gigantisches Krokodil, das die Plage von Burundi ist und sich regelmäßig in und an den Flüssen und Seen des Landes an Menschen gütlich tut. Die einheimische Bevölkerung hat ihn Gustave getauft.
Gustave existiert tatsächlich, weshalb "Die Fährte des Grauens" auch von realen Begebenheiten herrührt. Der amerikanische TV-Nachrichtenproduzent Tim Manfrey (Dominic Purcell) wird nach Burundi beordert, um eine Berichterstattung über das Wildtier zu machen und den Einfang des Krokodils durch den Naturschutzaktivisten Mathew Collins (Gideon Emery) zu dokumentieren, falls er es überhaupt einfangen kann, was aber fraglich ist. Eine unscheinbare Nachrichtenreporterin namens Aviva Masters (Brooke Langton) kommt hinzu, ebenso wie der scharfsinnige Kameramann Steven Johnson (Orlando Jones), der für die notwendige komische Auflockerung sorgt.
Burundi befindet sich inmitten eines Bürgerkriegs, als das Gespann eintrifft. Ein Großteil des Volkes fürchtet sich vor einem Kriegstreiber, der den Spitznamen Little Gustave trägt. Seinen Namen hat er von jenem Krokodil. Es ist nicht so einfach zu sagen, wessen Kreislauf am kältesten ist, erklärt ein lokaler Funktionär in einer seltsam komischen Dialogpassage.
Gemeinsam macht sich das Team auf die Suche nach Gustave und hegt dabei die Hoffnung, nicht auf die Soldaten von Little Gustave zu stoßen. Sie stellen fest, dass beide Gustaves bestialisch und mordlustig handeln. An dieser Stelle will "Die Fährte des Grauens" verweilen und reflektieren: Wer ist hier das eigentliche Untier? Es ist total abgründig.
Michael Katleman inszeniert den Film mit "Der weiße Hai" Ehrgeiz, aber es kommt nie auch nur in die Nähe dieses Levels der Angst, ein paar gelungene tense Augenblicke abgesehen. Die Darsteller sind platt, und die Dialogführung ist, abgesehen von einigen der Sprüche von Orlando Jones, holzschnittartig. Die Nebenhandlung um den Kriegsherrn war eindeutig dazu vorgesehen, die trockene Atmosphäre der Geschichte aufzupeppen, aber Little Gustave ist auch eher langweilig und noch weit weniger überzeugend. Menschen, die von einem Krokodil zerfleischt werden, sind zwar mit der Zeit altmodisch, aber es macht immer noch mehr Laune, ihnen dabei zuzusehen, als wenn sich die Menschen untereinander abknallen und abstechen.

Die Geschichte in "Scream" von den Regisseuren Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett beginnt - wie könnte es anders sein - mit einem Festnetzanruf. Wieder einmal versucht eine junge Frau, die ganz allein in einem abgelegenen Haus in Woodsboro lebt, die quälenden Fragen eines unsichtbaren Stalkers abzuwehren, bevor sie merkt, dass der Anrufer in ihrem Haus ist, ein Messer in der Hand hält und mit einer Geistermaske vermummt ist.

Diese Slasher-Fakten beziehen sich auf "Stab", den fiktiven Film, der auf den Ereignissen rund um die erste "Scream"-Veröffentlichung basiert. Allerdings ist es schwierig, ein genaues Universum zu bestimmen, in dem all dies stattfindet, wenn man bedenkt, dass "Der Babadook" und "Freitag der 13." ebenfalls reale Filme sind, die von den Hauptfiguren gesehen und erwähnt werden. Das ist vielleicht nicht weiter bedenklich, da es in diesem Franchise weitgehend darum geht, Slasher-Muster zu analysieren, sie den Figuren vor Augen zu führen und sie dann trotzdem diesen Mustern zum Opfer fallen zu lassen. Wenigstens wurde der Schauplatz aktualisiert, um der Verbreitung von SMS, dem Klonen von Nummern und Smartphone-gesteuerten Sicherheitssystemen Rechnung zu tragen, obwohl sich diese technologischen Fortschritte angesichts des unrealistisch technikaffinen und flinken Killers Ghostface als wertlos erweisen.

Trotz einiger amüsanter Kameraeinstellungen, die sich auf Weitwinkelaufnahmen konzentrieren, um leere Räume zu zeigen, aus denen sich der Mörder stürzen oder einfach spontan auftauchen könnte, sowie erschwerend eindringlicher Nahaufnahmen, die den Zuschauer daran hindern, die umliegenden Bereiche zu sehen, in denen sich der messerschwingende Psychopath ebenso gut aufhalten könnte, dauert es nicht lange, bis "Scream" auf allzu vertrautes Terrain zurückgreift. Ghostface ist tollpatschig, aber nicht auf eine offensichtliche Slapstick-Art. Grafische Gewalt ist das Ergebnis verzweifelter Versuche, scharfen Gegenständen auszuweichen. Und moderne Rock/Pop-Musik leitet von Todesfällen zum nächsten Schauplatz oder zur nächsten Charaktereinführung über. Ebenso erwartungsvoll ist die neue Besetzung, eine Gruppe junger Erwachsener, die in ihren unverschämt stereotypen Zügen kaum voneinander zu unterscheiden sind, so sehr, dass es unmöglich ist, irgendeine ihrer Interaktionen ernst zu nehmen.

Die Protagonisten sind sich sofort bewusst, dass sie in einem Slasher-Plot vorkommen. Sie geben verbal zu, dass sie die Hauptopfer für Ghostface sind, dass jeder von ihnen Ghostface sein könnte und dass in der Vergangenheit immer zwei Personen unter einer Decke steckten, um die Morde zu begehen. Bei so vielen Wiederholungen, insbesondere bei der allgemeinen Annahme, dass die Prämisse den Regeln eines Serienkiller-Streifens folgt, ist es für "Scream" ein ständiger Kampf, den Zuschauern zu erklären, warum sich dieses neueste Kapitel von den vorherigen unterscheidet. Und traurigerweise ist das absolut nicht der Fall. Es ist nicht mehr oder weniger grausam. Die Schreckmomente sind genau so wie in den vorherigen Teilen. Und das Mysterium, das auf tief miteinander verwobenen Familiengeheimnissen beruht, ist absichtlich unlösbar und unsinnig. Selbst wenn die Zuschauer das Resultat vor der finalen Entlarvung erahnen könnten, besteht der größte Nachteil von "Scream" darin, dass sie sich vermutlich nicht genug dafür interessieren werden, es zu versuchen. So viele abgeleitete, wiederverwendete Elemente kommen so häufig vor, dass es schwierig ist, sich nicht von den Gesprächen zu langweilen und vom Blutvergießen völlig unberührt zu bleiben.

Als Produkt, das irgendwo zwischen einer Fortsetzung und einer Neuauflage angesiedelt ist, kehren Neve Campbell, Courteney Cox und David Arquette in diesem bedauernswerten Nachfolgefilm zurück. Allerdings sind ihre Auftritte weit weniger charmant, wenn man sie mit denen von Jamie Lee Curtis in "Halloween" von 2018 vergleicht. Es ist lediglich der nächste Schritt in der Evolution des vergeblichen Versuchs, abgegriffene Horrorserien zu verjüngen, aber es ist weniger effektiv, wenn es den Zuschauern erklärt wird, die einfach nur unterhalten werden wollen, indem sie die alternden Stars eines 26 Jahre alten Films in ihren Rollen wiedersehen. Im Gegensatz zur humorvollen Veralberung in Wes Cravens letzter Version, die den selbstreflexiven Standpunkt bis zur totalen Parodie ausbaute, ist diese Version weder lustig noch erfrischend. Niemand verhält sich so, als wäre er sich seiner Einordnung in einen Slasher-Kontext durchweg bewusst, während die Zeit stillsteht und frei von der Einmischung der Strafverfolgungsbehörden oder anderer Personen während der Terrorszenen ist, komplett mit einfachem Zugang zu gesperrten Orten oder bequemer Einsamkeit in typisch belebten Umgebungen. Es gibt ständig Gelegenheiten für hochnäsige Begründungen seitens der Bösewichte oder Frechheiten von Opfern, die kurz davor sind, ein Messer an die Kehle zu bekommen.

Eigentlich sollte es frustrierend sein, dass der Killer immer unverwundbar und intelligenter als die Protagonisten ist, aber diese sind so unfassbar asympathisch und geradezu dämlich, dass sie nur Gleichgültigkeit hervorrufen. Dies ist definitiv die Art von Film, bei der man dem Bösewicht die Daumen drückt. Egal, wer es ist, er sollte immer mehr Menschen eliminieren, bis niemand mehr übrig ist. Wie unerwartet wäre es, wenn alle umkämen! Da "Scream" so tut, als sei es eine zielgerichtete, raffinierte Methode, möglichst unoriginell und extrem repetitiv zu sein, ist er am Ende einfach nur höchst einfallslos und wiederholt sich ständig.

"Spider-Man: No Way Home" von Regisseur Jon Watts knüpft fast direkt an die Ereignisse des Vorgängerfilms an. Spider-Man (Tom Holland) wird vom Daily Bugle, der von J. Jonah Jameson (J.K. Simmons) geleitet wird, zum Staatsfeind Nr. 1 erklärt, der den Superhelden für den Tod von Mysterio während des Drohnenangriffs in London verantwortlich macht. Außerdem deckt Jameson die Identität von Spider-Man als Peter Parker auf, was bei seinen Freunden, seiner Familie und seiner Freundin Michelle Jones (Zendaya) für reichlich Konsternation sorgt. Als dann auch noch Bundesagenten eine Untersuchung einleiten, wird Peter Parkers Privatleben vollends offengelegt und sein früherer Ruf in eine traurige Berühmtheit verwandelt.
Verzweifelt darüber, dass er nicht in das College seiner Wahl aufgenommen wird und sein Ruf andere daran hindert, ebenfalls zugelassen zu werden, sucht er Doktor Strange (Benedict Cumberbatch) auf, der ihm ein paar ausgewählte Zaubersprüche anbietet, die jedoch schnell ins Gegenteil umschlagen. Ironischerweise beruht der Großteil der Handlung in diesem dritten Auftritt von Tom Holland auf der fadenscheinigsten Ausrede, um mit mehreren Universen zu spielen, was die Manipulationen noch frustrierender und vergeblicher macht und zu einer Reihe von eskalierenden Konflikten und Tragödien führt, die wenig Sympathie hervorrufen. Die Selbstüberschätzung hat einen beträchtlichen Grad überschritten.
Auch die Charaktere und ihre Hintergrundgeschichten werden immer komplizierter, wenn man bedenkt, dass es allein in den Spider-Man-Filmen eine Vielzahl von Inhalten gibt, und das bei den häufigen Neuauflagen. Aber für diejenigen, die auf dem Laufenden geblieben sind, bietet dieses neueste Kapitel die Rückkehr vieler altbekannter Charaktere, die ein effektives Jahrgangstreffen inszenieren, während sie das Grundgerüst der Wirklichkeit in Frage stellen. Insbesondere das Wiederauftauchen früherer Bösewichte, darunter Otto Octavius (Alfred Molina) und Norman Osborn (Willem Dafoe), die den Netzschwinger in früheren Versionen drangsalierten, ist erwähnenswert. Aber "Spider-Man: No Way Home" belässt es nicht bei den erinnerungswürdigen Antagonisten, sondern lässt auch einige durchschnittliche wieder aufleben. So kommen sowohl die Guten als auch die Bösen zurück, um mehr Leinwandzeit zu gewinnen. Zugegebenermaßen macht es trotzdem Freude, namhafte Bösewichte in glücklicherweise überschaubaren Nebenrollen zu sehen.
Die Existenz der Avengers und ihrer raumfahrenden Unternehmungen ist allerdings etwas lästig, da sie den mickrigen Erdenbewohnern ein Bild der Bedeutungslosigkeit und des Mangels an Lebensqualität vermittelt. Noch misslicher sind das Multiversum und die schier grenzenlosen Kräfte von Doctor Strange, die die Möglichkeit bieten, so gut wie alles rückgängig zu machen, wodurch jede Entscheidung oder das Resultat praktisch irrelevant wird. Ruin und Tragödien sind nur dann von Dauer, wenn eine zufällige Entscheidung getroffen wird, die sie dazu zwingt. Viele andere Schwierigkeiten lassen sich leicht mit ein wenig unerklärlicher Technologie oder einer magischen Beschwörung beheben oder mit einem praktischen Portal in eine andere Dimension. Fast alle actiongeladenen Showdowns sind immer noch mit computeranimiertem Chaos überladen.
Die Prämisse, die die Überfülle früherer Spider-Man-Filme überbrückt und anspricht, ist dennoch relativ vergnüglich und bringt die Truppe zu einem gewissen Maß für eine kurzweilige Praxis der zweiten Chancen wieder zusammen. Zudem sind Peter Parker und Michelle Jones in dieser etwas reiferen Liebesgeschichte weitaus ansprechender, auch wenn ihre Beziehung auf albernen Gegebenheiten beruht, die durch absichtlich verstärkte Fehler noch ernster werden. Der Humor, der das Skript begleitet, ist zwar nicht ganz so schrill wie bei vielen anderen Marvel-Filmen, hilft aber dabei, die Fakten zu verschleiern, dass der Tod und die Verwüstung im Wesentlichen von Peter Parkers fehlgeleiteten Prinzipien des Heldenmuts ausgelöst werden.

In "Beastmaster - Der Befreier" von Regisseur Don Coscarelli prophezeien drei Hexen mit sexy Figuren und runzligen Gesichtern den Tod des Zauberers Maax (Rip Torn) durch das ungeborene Kind der Königin (Vanna Bonta). Als König Zed (Rod Loomis) von der Absicht Maax' erfährt, den Sprössling zu opfern, verbannt er den bösen Zauberer aus dem Land. Aber nicht bevor eine warzige Hexe mit dem Körper eines Playmates das Baby auf magische Weise aus dem Schoß der Königin in den Leib einer Kuh transferiert. Kurz bevor die Geisterbeschwörerin den Säugling ermorden kann, wird sie von einem seltsamen Reisenden (Ben Hammer) umgebracht, der den kleinen Jungen mitnimmt, um ihn in einem nahe gelegenen Dorf großzuziehen.
Es ist deutlich, dass das Kind eine Gabe hat, die scheinbar mit der umgebenden Tierwelt verbunden ist. Es ist in der Lage, gefährliche Tiere zu beruhigen, durch die Augen von Vögeln zu sehen und den Schmerz seines hündischen Gefährten zu spüren. Als er zum Mann heranwächst, führt Dar (Marc Singer) ein friedliches Leben unter den Dorfbewohnern, bis Maax und seine Legion gnadenloser Marodeure der Jun-Horde zurückkehren und das Land verwüsten. Dar macht sich auf den Weg in die Stadt, um sich zu rächen. Auf dem Weg dorthin gerät er in Treibsand und verfeinert seine Fähigkeit, Tiere zu manipulieren, indem er Frettchen zur Rettung zwingt, nur um später die Unterwäsche von zwei badenden Schönheiten zu stehlen.
Die Ausgangssituation gleicht gelegentlich der von "Conan der Barbar" aus demselben Jahr. Der unfreiwillige Humor ist in "Beastmaster - Der Befreier" etwas ausgeprägter, mit peinlichen Dialogen und einer Darbietung, die regelmäßig zum Lachen animiert. Statt einer Trainingsmontage fuchtelt Dar mit einem Schwert um seinen Kopf, während er allein auf dem Gipfel einer zerklüfteten Felsformation steht, bis er vermutlich der Meinung ist, es mit den Besten aufnehmen zu können. Und als Dar die Tempelsklavin Kiri (Tanya Roberts) kennenlernt, probiert er ein paar wahnsinnig geschmeidige Bewegungen aus, die er unmöglich im Dorf hätte lernen können. Später, bei der Opferpyramide, liefern sich Maax und Dar einen hysterischen Wettstreit der Blicke, der völlig absurd ist.
Die Titelmusik von Lee Holdridge klingt wie eine Kombination aus mehreren erfolgreichen Abenteuermelodien, die Kinematografie setzt auf penetrante Nahaufnahmen von bizarr verzerrten, entstellten Gesichtern, und ungeachtet der actionbetonten Schwert- und Zauberei-Elemente gibt es zahlreiche Schreckmomente und verstörende Gewalttaten wie Kinderopfer in flammenden Gruben. Regisseur Don Coscarelli lässt keine Gelegenheit aus, fantasievolle Skurrilitäten einzubauen, darunter einen schwarzen Teergraben, einen Augapfelring, kultische glatzköpfige Meuchelmörder, grün leuchtende Gehirnblutegel und so viel unentgeltliche Nacktheit, wie man in einen Film mit Jugendfreigabe packen kann.
Die visuelle Ausschmückung des generischen Abenteuerplots macht Spaß und bietet unterhaltsame Fantasy-Monster wie Schleimmenschen, die ihre Opfer bis auf die Knochen auflösen, und Kampfszenarien mit einzigartiger Choreographie. Bei der Stuntarbeit fehlt es jedoch an einem angemessenen Schnitt, außer bei den geschickten Feuersequenzen, die die schwachen Arrangements schlampig überdecken. Die Bühnenbilder, vor allem im Inneren der Pyramide, sind mäßig effektiv, während Kostüme, Make-up und Beleuchtung dem Film eine angemessene Gestaltung verleihen.
Es gibt einige unverzeihliche Lücken in der Handlung. Aber es ist tatsächlich der überambitionierte Umfang, der den Film ausbremst, was sich in einer langweiligen Laufzeit von 2 Stunden niederschlägt. In seinem Versuch, jedes andere Fantasy-Epos zu übertreffen, schafft es "Beastmaster - Der Befreier" nur, einer der vergessenswertesten Filme des Genres überhaupt zu sein.

Der Film "Kull der Eroberer" unter der Regie von John Nicolella spielt zu Beginn der Zeit, als die Welt in Feuer gehüllt war und Dämonen über die Menschen herrschten. Es war das Zeitalter der bösen Hexenkönigin von Acheron, der Roten Hexe Akivasha (Tia Carrere). Obwohl ihre Herrschaft endete und den Weg für den Triumph des friedlichen Königreichs Valusia ebnete, brennt immer noch eine ewige Flamme auf einem Felsvorsprung nahe der Burgmauern als Erinnerung an die alte Gottlosigkeit. In dem Dorf am Rande der Stadt trainiert der ehemalige Pirat Kull von Atlantis (Kevin Sorbo) hart, in der Hoffnung, sich General Taligaro (Thomas Ian Griffith) und seiner Drachenlegion anschließen zu können.
Als der amtierende König (Sven Ole Thorsen) durchdreht und seine Kinder abschlachtet, um einen Streit um die Thronfolge zu schlichten, taucht Kull wie aus dem Nichts auf. Und aus einem unerklärlichen Grund wird er von den Palastsoldaten nicht aufgehalten, als er sich direkt im Thronsaal einen Schwertkampf liefert. Er ist siegreich und wird damit zum neuen Herrscher von Valusia. Unmittelbar nach der Besichtigung des königlichen Harems, wo Kull von der Sklavin und Wahrsagerin Zareta (Karina Lombard) bezaubert ist, beginnt er, Versklavte freizulassen und gewährt den Bewohnern der Stadt das Recht, alle Götter anzubeten, die sie wollen. Die Entscheidungen des Piraten verärgern Taligaro und seine treuen Männer, darunter auch der hässlich vernarbte Zauberer Enaros (Edward Tudor-Pole), die einen Plan schmieden, um den neuen Anführer zu stürzen, indem sie den bösartigen Geist von Akivasha wieder auferstehen lassen, dessen schwarze Magie das Land erneut in Finsternis hüllen wird.
Kevin Sorbo nimmt weder seine Figur noch die Situationen ernst, was dieses Schwert- und Zauberepos unweigerlich in eine Art Komödie verwandelt. Selbst Taligaro scheint ständig zu schmunzeln. Wenn es zu Actionszenen kommt, macht die konsequente Fröhlichkeit diese Momente alles andere als ernst oder spannend. Auch wenn die Choreografie etwas überzeugender ist als die Ultra-Low-Budget-Werke von Roger Cormans argentinischen Koproduktionen ("Barbarian Queen" und "Der Todesjäger"), so ist sie doch bestenfalls laienhaft.
Unpassend sind auch die sporadischen Ausbrüche von Rockmusik, die die Intensität der Schwertkämpfe verstärken sollen, aber nur anachronistische Intermezzi darstellen. Ein bestimmter Schwerpunkt ist nicht zu erkennen. Für zusätzliche Action-Sequenzen und eine längere Laufzeit werden vor Ort Mini-Abenteuer konzipiert.
Nichtsdestotrotz macht einiges davon Spaß, vor allem, wenn es gelingt, an Sindbad und seine mythologischen Abenteuer zu erinnern. Leider ist vieles davon schlecht geplant und bearbeitet, und viele der Ideen sind widersinnig. Aber die Kostüme sind akzeptabel, einige der Grafiken sind belustigend, und die Make-up-Effekte sind überdurchschnittlich gut. Seltsamerweise ist der Schluss etwas kalauernd und geistlos und kehrt wieder zu einem Zustand der unbeschwerten Komödie zurück, was die Frivolität von "Kull der Eroberer" zementiert.

In "Sheena - Königin des Dschungels" von Regisseur John Guillermin verschlägt es Phil und Betsy Ames zusammen mit ihrer kleinen Tochter Janet auf das heilige Land der Zambouli, wo eine bizarre Zeremonie stattfindet. Ein kranker, von einem Tumor befallener Mann wird bis zum Hals in der Erde eingegraben und dann herausgeholt, wobei er vollständig geheilt wird, was die Existenz der legendären Heilerde beweist. Die beiden untersuchen die nahegelegene Kaverne, von der sie annehmen, dass sie die Quelle der wundertätigen Erde ist, werden aber beim Zusammenbruch der Höhle getötet. So wird das kleine blonde Mädchen vom Stamm umsorgt und von der Hexendoktorin Shaman (Elizabeth von Toro) aufgezogen, die ihr den Namen Sheena, Königin des Dschungels, verleiht.
Auf den ersten Blick wirkt "Sheena - Königin des Dschungels" mit der Hauptdarstellerin, die in der Lage ist, telepathisch mit wilden Tieren zu kommunizieren, in spärlicher Lederkleidung herumläuft und auf Erlösung sowie Rache aus ist, wie ein weiblich orientierter, bequemer Abklatsch von "Beastmaster - Der Befreier" und, in geringerem Maße, von "Conan der Barbar". Die Ursprünge von Sheena gehen jedoch auf eine Comicfigur aus den 1930er Jahren zurück, die noch vor Wonder Woman entstand, wodurch dieser Film nur in Bezug auf das visuelle Thema eine Ableitung darstellt. Ihre Kräfte sind jedoch viel weniger fantastisch, mit realistischeren Voraussetzungen und ohne übertriebenes Voodoo. Aber die mangelnde Originalität wird nicht durch die Tatsache gemildert, dass Tanya Roberts in "Beastmaster - Der Befreier" mitspielte und dass ihre schauspielerischen Leistungen wieder einmal auffallend schwach sind.
Für jemanden, der beim Volk der Zambouli aufgewachsen ist, hat Sheena seltsamerweise keinen Akzent. Typischerweise und erwartungsgemäß ist sie nicht annähernd robust genug, um ihrer rauen Umgebung standzuhalten. Um Sie noch eindrucksvoller erscheinen zu lassen, bittet ein Charakter Sheena um Hilfe bei der Durchführung vermeintlich einfacher Handlungen zur Selbsterhaltung. Obwohl sie sich wie Tarzan von den Bäumen schwingt, eine Gruppe von Löwen zum Schutz an ihrer Seite hat und von einer temperamentvollen Musik von Richard Hartley begleitet wird, die manchmal gut genug ist, um die B-Movie-Atmosphäre dieser Produktion zu übertreffen, stehen ihre körperliche Zartheit, ihre Schönheit und ihr Dekolleté im Mittelpunkt, und die Menge ihrer Nacktheit grenzt an eine Komödie, auch wenn es nicht so sein soll.
Das Abenteuer ist bestenfalls mittelmäßig, abgesehen von der kulminierenden letzten Actionsequenz, die auch durch die Musik ergänzt wird, die tatsächlich hervorragend ist, die Romanze ist äußerst schwülstig, und die Laufzeit ist mindestens 30 Minuten zu lang. Aber der Einsatz von exotischen kenianischen Tieren ist durchaus erfreulich. Löwen entspannen sich auf einem Auto, ein riesiges Nashorn stampft ins Bild, Elefanten werfen feindliche Wächter um, Affen signalisieren Gefahr oder werfen Granaten ab, Gazellen sprinten durch das Gebüsch und Sheena reitet ohne Sattel auf einem Zebra. Gelegentlich sieht Tanya Roberts vielleicht so aus, aber schauspielern kann sie schlichtweg nicht.

"Der Todesjäger" von Regisseur John Watson beginnt auf die gleiche Weise wie "Barbarian Queen" - mit einer willkürlichen Vergewaltigung in der scheinbaren Mitte des Films. Der Unterschied ist der Held, ein sofort sympathischer, blonder Schwertkämpfer, der unerschrocken eine Jungfrau in Not vor einer Horde tobender mutierter Affenmenschen und einem gemeinen Dieb rettet. Er ist voll ausgestattet mit flapsigen Sprüchen, seiner eigenen Titelmelodie, einer verblüffenden Unbesiegbarkeit und einem unnachgiebigen Lächeln. Außerdem kümmert es ihn offensichtlich nicht im Geringsten, dass er nicht schauspielern kann.

"Der Todesjäger" hat jedenfalls Humor, der in den schlechten Dialogen und dem häufigen Aderlass reichlich vorkommt. Urkomische und billige Enthauptungen sind in jeder Kampfszene zu sehen, und zu den Schwertkämpfen gesellen sich einige wahrhaft furchterregende Schmink- und Zaubereffekte. Oger, Riesen, Geister, Zwerge, ein hünenhafter Schweinekrieger, der Menschen mit frisch abgerissenen Gliedmaßen bewusstlos prügelt, ein Muppet-ähnlicher Mutant, der Augen und Finger isst, und eine handpuppenähnliche Monstrosität, die einem entstellten Yoda ähnelt, sind die Highlights im Bereich der Kreatureneffekte. Der Film hat unvermutet Stil und Witz, sei es bei den nicht ganz so subtilen Musikwechseln, bei der lächerlichen Entwicklung der Charaktere oder auch bei der Bildgestaltung, bei der die wohlgeformten Hinterteile der Frauen immer wieder in den Vordergrund rücken.

"Der Todesjäger" rühmt sich sogar eines anständigen Produktionsniveaus mit angemessener Beleuchtung, Make-up, Charakterideen und Gags. Die Musik ist nicht einmal mittelschlecht. Im Vergleich zu den späteren Roger-Corman-Produktionen sind die Kameraführung, Kampfchoreographie, Soundeffekte, das Schauspiel und die Dialoge deutlich besser. Einer der Gladiatoren schlägt einen dürren Kerl mit einem riesigen Hammer zu einem blutigen Brei, und die Zuschauer bekommen die Folgen zu sehen, was nicht weiter verwunderlich ist. Mit einer sinnlosen, aber sehr gut beleuchteten Sexszene, einer nackten Matschschlägerei um ihrer selbst Willen, einer deplatzierten Kissenschlacht, Unmengen an zufälligen Nacktszenen und natürlich einer Orgie sind die Teile der Geschichte, die einfach keinen Sinn ergeben, schnell vergessen. Nackte Brüste und brutale Gewalt tauchen immer genau dann auf, wenn sich der Zuschauer auf die unsinnigeren Teile konzentrieren könnte.

Der von Regisseur Hector Olivera gedrehte Film "Barbarian Queen" hatte nie wirklich Potenzial. Er wurde als ausbeuterische Rachegeschichte mit Schwert und Magie konzipiert, mit kostenloser Nacktheit, generischen Kampfszenen, wilden Übeltätern und semi-erotischen Gewaltakten gegen Frauen. Was fehlt, ist die Zauberei, die Fantasie, die Kreativität und vor allem der Spaß. Aus irgendeinem Grund fehlt es auch an Humor. Das beste an dem Film ist vielleicht das farbenfrohe Filmposter von Boris Vallejo. In klassischer Exploitation-Manier beginnt "Barbarian Queen" mit einer Vergewaltigungsszene. Taramis (Dawn Dunlap) wird außerhalb ihres Dorfes von einer Gruppe wikingerähnlicher Krieger angegriffen, die die ahnungslosen Dorfbewohner töten, gefangen nehmen und ihre Hütten niederbrennen. Taramis' Schwester Amethea (Lana Clarkson) steht kurz vor ihrer Hochzeit mit dem muskulösen Argan (Frank Zagarino), als der Anschlag stattfindet. Er wird gefangen genommen und gezwungen, ein Gladiatorensklave zu werden, während sie eine waghalsige Flucht in die Wildnis unternimmt. Amethea tut sich mit zwei anderen Überlebenden zusammen: Estrild (Katt Shea) ist das überflüssige Girlie, obwohl sie mühelos mit einem riesigen Schwert umgehen kann, und Tiniara (Susana Traverso) ist diejenige mit dem perfekten Make-up, trotz ständiger Nahkämpfe. Wie durch ein Wunder schaffen sie es alle, auch nach Folter und Kampf frisch und rosig zu bleiben.
Auch bekannt als "Queen of the Naked Steel", bietet dieser schnöde Schrott dilettantische Musik von James Horner, klägliche Vertonung, die angesichts der infantilen Dialoge kaum von Bedeutung ist, und schrecklich billige Soundeffekte. Darüber hinaus ist die Qualität der darstellerischen Leistungen zweifellos erbärmlich. Die Mehrzahl der Konversationen werden langsam und unartikuliert vorgetragen, als ob ein Analphabet sie von einem Teleprompter ablesen würde, während alle Kampfgeräusche und Schreie an die typischen Sounds und Spottgesänge von Arcade-Spielen erinnern.
Der Film beginnt in der scheinbaren Mitte und endet in der vermeintlich mittleren Mitte. Selbst die Action ist eintönig, denn jeder Schwertkampf ist lieblos choreografiert. Mit einer kitschigen Mythologie, vielen Klingen für die Reproduktionsorgane, absurden Folterinstrumenten, von denen das lächerlichste ein Metallhandschuh ist, der gefährlich über Ametheas Nippeln baumelt, Orgien und ein paar groß angelegten Schlachtszenen, die nur eingebaut wurden, um den Film als Schwert- und Zauberepos zu bezeichnen, ist "Barbarian Queen" letztlich nur minderwertiger Müll.

1. Hörst du besser mit geschlossenen Augen?

Ja, nachts wache ich immer beim kleinsten Geräusch auf, aber ich sehe nie etwas.

2. Was siehst du im Spiegel?

Ich versuche, meine Blicke in ihn zu meiden
so gut ich kann
Denn im Spiegel steckt ein Mann
der schaut mich böse an
Wir führten einen harten Kampf
den Er letztlich gewann
Doch ich störe mich nicht weiter dran
Ich kaufe mir gleich morgen früh
eine extragroße Shotgun
und lass mich Leiden

3. Konnten Sie das Fenster Ihres Lebens öffnen?

Ich ziehe es vor, das Fenster geschlossen zu halten. Im Winter wird die Seele kalt und im Sommer bereichern sich Insekten an ihrem Blut.

4. Wer oder was wird dich töten?

Wenn ich ihm nicht zuvorkomme, dann befürchte ich wirklich, dass der Fremde in meinem Spiegel mein Mörder sein wird.

5. Wer wird auf deiner Beerdigung weinen?

Wenn ich allein bei meiner Grablegung
in meiner glanzlosen
doch robusten Kiste
unter rationiertem Firnis liege
wird sie niemand sehen
dann wird niemand vor meinem Erdaushub stehen
und anfangen zu weinen.
Einzig grüßt der Balzgesang
von Ringeltauben
unter rhythmischer Begleitung eines Buntspechts
zu einem Abschiedslied mit Trommelklang
den niemand hört
so kann niemand weinen
Wo keine Trauer
da auch keine Gäste
Ein kleiner Spatz sitzt auf der Mauer
und es nicken Birkenäste.

6. Hast du deinen Eltern verziehen?

Ja, das habe ich. Es hat zwar ein wenig länger gedauert, aber jetzt akzeptiere ich auch das Leben.

7. Welchen Ratschlag erhälst du immer wieder?

Ich erhalte keine immer wiederkehrenden Ratschläge.

8. Die wichtigsten Lektionen die du bisher gelernt hast?

Ich habe bisher aus keiner der Lektionen, die ich in meinem Leben gewonnen habe, wirklich etwas wichtiges dazugelernt.

9. Was würdest du eventuell an dir ändern?

Meine Gutherzigkeit.

10. Jetzt ein Sprung ins Meer: Wo?

Nein danke. Ich hasse das Meer, die Sonne und den Sommer abgrundtief, also wird das für mich nie eine Option sein, irgendwo ins Meer zu springen, es sei denn, ich mache den Kübblböck.

11. Das Telefon klingelt mitten in der Nacht: Wer ist dran?

"Was ist dein Lieblings-Horrorfilm?"

12. Ab wann bist du morgens ansprechbar?

Sobald meine Innereien gereinigt und mit der ersten Tasse Kaffee durchgespült worden sind.

13. Deine schlimmste Frisur?

Die Kurzhaarfrisur, mit der ich als Kind herumlaufen musste. Die daraus resultierenden ständigen Galgengänge durch einen grünen kalten Korridor von abgetrennten meist gesichtslosen Köpfen, die mit Frauenhaaren geschmückt waren und dann hinunter in den Foltersalon, in dem weitere Haarteile in Glasvitrinen und Schaukästen lagen zu dem großen dünnen Mann mit der großen Schere und dem weißen Kittel, der mir vor meinen Eltern unverblümt sagte, dass ich stillhalten solle, sonst würde er mir das Ohr abschneiden, so dass ich aus Angst, dass mein Kopf ohne Gesicht in seinem Schaufenster landet, nicht einmal zu atmen wagte, während er mit seinen Scheren und Messern an mir herumwerkelte und dieser riesige Spiegel mit dem fremden Mann darin hat mich dann als Kind schon sehr verstört.

14. Benenne eine Eigenschaft, die du von deiner Mutter hast?

Ihren Humor.

15. Benenne eine Eigenschaft, die du von deinem Vater hast?

Seine Gutmütigkeit.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Gordon_Gekko hat mich im Stillen um einen Kommentar zu seinem Lieblingsfilm "Moby Dick" ersucht, dem ich 9 Punkte gegeben habe, und die Bewertung bleibt unverändert. Ich habe den Roman von Herman Melville regelrecht verschlungen, als ich das Buch zufällig in einer Stadtbücherei in die Hände bekam und als ich eines Tages mit meinem Vater DEN Film sah, wusste ich, dass mein Herz für Filme schlägt. Diese gemeinsame cineastische Erfahrung hält bis heute an und "Moby Dick" gehört zu meinen Top 5 der wichtigsten Filme in meinem Leben.

Meine folgende Rezension des Films beendet auch die erste Staffel meiner Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys, die insgesamt 12 Filme umfasst. 5 Filme davon haben nach erneutem Anschauen eine höhere Bewertung von mir erhalten und 7 sind unverändert geblieben. Ich danke allen, die mitgemacht haben, es hat viel Spaß gemacht und ich hoffe, ihr konntet auch auf die Kommentare für euch ein bisschen hinfiebern. Gerne dürft ihr euch weitere Kommentare zu Filmen wünschen, Damit eine eventuelle zweite Staffel realisiert werden könnte.

Herman Melvilles berühmte Geschichte von der finsteren Obsession eines Mannes, einen Wal zu töten, die in seinem großen Roman "Moby Dick" mit enormer Bandbreite und Rhetorik erzählt wird, wurde von Regisseur John Huston in einem fulminanten und tosenden Farbfilm auf die Leinwand gebracht, der hiermit als einer der großen Kinofilme unserer Zeit nachdrücklich empfohlen wird. John Huston hat das gewaltige Werk von Herman Melville in einen Film gepackt, der weniger als zwei Stunden dauert und schafft es, all seine weiten und düsteren Bedeutungen in das fokussierte Ego eines Mannes zu pressen. Nun ist die Absicht von Ahab (Gregory Peck), dem Kapitän des Walschiffs und seiner Mannschaft, die sich auf eine Reise in den Pazifik begeben, um den weißen Wal, Moby Dick, ausfindig zu machen, die einzige Triebfeder des gewalttätigen Dramas, das sich hier entfaltet. Ahabs verzehrende Leidenschaft für Rache an der sagenhaften Kreatur, die seinen Körper auf einer früheren Reise verstümmelt und seine Seele mit Hass erfüllt hat, ist die alleinige Inspiration, die er seiner begeisterten Besatzung vermittelt. Und so finden sich all die tiefgründigen, symbolischen Erwägungen über menschliches Leid und Schicksal, die sich durch die gesamte Länge von Herman Melvilles Saga ziehen, in dieser einen Umlaufbahn des Films.

Offensichtlich hat John Huston gespürt, dass die Anziehungskraft von Herman Melvilles Geschichte in der transzendenten Mystik liegt, die er in den Weiten des Meeres fand. Die lange Zeitspanne und das leere Gewässer berührten die Psyche der Walfänger seiner Zeit. John Huston, der sowohl Regisseur als auch Co-Autor des Drehbuchs ist, verlässt New Bedford vorzeitig und lässt "Moby Dick" auf das Meer hinausfahren. Er verweilt in der alten Hafenstadt, die im Buch richtigerweise Nantucket heißt, lediglich lange genug, um die Rauheit und die Ruhelosigkeit seiner Walfangmannschaft und die Verstrickungen von Handel und religiösen Empfindungen, die mit dem Land verbunden sind, zu erahnen, doch schon bald bringt er sein Schiff auf den Ozean und seine Harpunen auf einen Wal, um die Gewissheit zu erlangen, dass dieses Gebiet der Schauplatz seiner Sage ist. Hier bewahrt er sie auf, durch lange Wachphasen, furchtbare seelische Qualen, durch Flauten und Unwetter, bis der Weiße Wal endlich festsitzt und sich der Zenit seiner Symphonie entfaltet. Ich benutze bewusst das Wort Symphonie, denn die saubere Dramaturgie von "Moby Dick" und die klanglichen und optischen Elemente des Films sind wie eine Symphonie komponiert. John Huston hat sein Drama auf handfeste, wirklichkeitsbezogene Begebenheiten aufgebaut, auf die Erlegung eines Wals, welche die Gefahr verdeutlichen soll, das unheilvolle Engagement der Besatzung, die Omen von Queequeg (Friedrich von Ledebur), auf einen Taifun und die heftigen Seeschlachten mit Moby Dick. Aber das Ziel all seiner sorgfältigen Partitur ist es, eine gewichtige Harmonie von psychischem Streben und Scheitern, von Hoffnung und Verzweiflung zu schaffen.

Es ist unmöglich, all die Dinge zu erwähnen, die in diesem Film brillant gemacht oder ausgearbeitet wurden, von der fremdartigen, gedeckten Farbgebung bis hin zur ungewöhnlichen Treue zu den Details des Walfangs, die gezeigt werden. John Huston und seine technischen Mitarbeiter haben eine beachtliche Meisterleistung vollbracht, auch wenn sie ihr New Bedford in einem eher ärmlichen kleinen irischen Hafen angesiedelt haben und die Konterfeis eindeutig irischer Frauen für ihren kurzen Auftritt als traurige Damen aus New Bedford verwendet haben. In Bezug auf die Besetzung und das Schauspiel ist hervorzuheben, dass Gregory Peck Ahab eine imposante, ausgemergelte Ausstrahlung verleiht, die unverkennbar an Abraham Lincoln erinnert, und dass er die glühenden Gefühle dieser Figur hinter einer gewöhnlich maskenhaften Fassade verbirgt. Gregory Peck speit nur dann Feuer aus seinen Nüstern, wenn er auf den Wal stößt. Der resolute Starbuck (Leo Genn) ist hingegen sehr sympathisch, und in Flask (Seamus Kelly) und Stubb (Harry Andrew) steckt viel Humor und Temperament. Friedrich Ledeburs Queequeg ist eine wunderbar groteske Darstellung von Herman Melvilles marquesanischem Harpunier, und Richard Basehart macht seine Sache gut als Ishmael, dem Walfänger, der die Geschichte beobachtet und sie erzählt. Orson Welles ist zwar gut als Pater Mapple, doch ist seine Predigt praktisch unnötig.

Mittlerweile gibt es 5 Adaptionen, die die Romanvorlage von Herman Melville auf die Leinwand brachten, und 2023 wird die sechste Verfilmung durch Regisseur Timur Bekmambetov erscheinen. Es gibt keine Notwendigkeit für eine weitere Produktion, denn es kann nicht mehr verbessert, perfektioniert oder neu interpretiert werden.

In "Im Reich der Amazonen" von Regisseur Alejandro Sessa beschwört der schwarz gekleidete, böse Magier König Kalungo (Joseph Whipp) in einer dunklen, stürmischen Nacht, die durch Geräuscheffekte angedeutet wird, da kein Wetter zu sehen ist, dunkle Magie herauf, um in ein an den Wald angrenzendes Dorf einzufallen. Während die Soldaten in den Kampf ziehen, sorgen sich die führenden Amazonenkriegerinnen Dyala (Windsor Taylor Randolph), die Generalin Tshingi (Danitza Kingsley) und ihre Tochter Tashi (Penelope Reed) um ihre fehlenden magischen Kräfte und wünschen sich, dass ein legendäres verlorenes Schwert und sein Besitzer zurückkehren, um den Tag zu retten. Doch in seiner Ermangelung müssen sie einen heiligen Geisterstein aus dem Tempel holen und ihn der Königin des Smaragdlandes (Annie Larronde) zur Aufbewahrung übergeben. Nachdem das Dorf den Plünderern des allmächtigen Fürsten Kalungo zum Opfer gefallen ist, nutzt eine überlebende Schwadron von Kämpferinnen ein unterirdisches Tunnelsystem, um in einen verwunschenen Hain zu fliehen. Als Kalungo den jenseitigen Priester Balgur (Frank Cocza) herbeiruft, um seinen letzten Angriff auf das Königreich zu starten, werden Dyala und Tashi damit beauftragt, sich durch Dämonengebiete, Lager von Geächteten und das Land der Kannibalen zu wagen, um das mystische Schwert von Azundati aus der Leuchtenden Höhle zu finden, das in einer Vision erschienen ist und sie alle vor Kalungos Gemetzel retten könnte. Dyala ist die einzige, die dazu bestimmt ist, die mächtige Waffe zu entdecken. Aber das war's dann auch schon mit den fantastischen Eindrücken. Alles an dieser Produktion von Roger Corman in Z-Qualität ist peinlich schwach. Die Aufnahmen sind primitiv, die Aufmachung der Kostüme armselig, das Waffenarsenal ist billig, die Schilde sind mit Stanniol überzogene Platten, und die Darsteller rezitieren nur abgestandene, nichtssagende Dialoge. Es gibt zahlreiche Kampfszenen, die aber dank miserabler Choreographien und noch minderer Nahkampffähigkeiten ebenfalls sehr unspektakulär daherkommen. Der größte Teil der Action ist lachhaft und überzeugt niemanden. Das ist selbstverständlich noch lange nicht alles. Die Verwandlung einer Löwin in eine Frau (gespielt von der ständig nackten Fabiana Smith) erfolgt nicht durch Spezialeffekte, sondern durch eine Reihe von Standbildern. Dyala wälzt sich auf dem Boden und stöhnt geradezu erotisch, während sich eine Boa Constrictor neckisch um ihren Hals legt. Reptiliensklavenhändler opfern rituell junge Frauen an ein klebriges Baummonster. Einige der Konzepte sind zwar moderat amüsant, aber die Umsetzung ist so suboptimal, dass das nicht gerade epische Abenteuer weitgehend stumpfsinnig verläuft. Wie viele von Roger Cormans argentinischen Schürzen- beziehungsweise Schwert-und-Sandalen-Filmen zeichnet sich auch "Im Reich der Amazonen" durch eine magere Story, wiederverwendetes Filmmaterial und jede Menge nackter, brustbetonter Blondinen aus. Vor allem Penelope Reed scheint immer ein perfekt gefettetes Dekolleté zu haben. Doch das ausgestellte Fleisch reicht nicht aus, um den Film vor seiner deprimierenden Mattigkeit zu bewahren, obwohl das Etat den Einsatz eines echten Löwen gestattete. Der Film ist dennoch für eine Fülle unfreiwilliger Komik gut, der klimatische Höhepunkt ist aus den unmöglichsten Gründen unerwartet lustig, und die Laufzeit von 75 Minuten reicht völlig aus.

"Coming Home In The Dark" von Regisseur James Ashcroft ist ein weiterer triumphaler neuseeländischer Horrorfilm. James Ashcroft, nutzt seinen Theaterhintergrund, um eine intime, von Terror geprägte Geschichte zu erzählen, die sich auf das menschliche Drama konzentriert und es nie aus dem Blick verliert. Der Film ist von Anfang an unerbittlich und erbarmungslos. Er hat ein soziales Engagement, aber die inhaltlichen Aussagen stehen in diesem brisanten Thriller aus Neuseeland nie im Mittelpunkt. Hier prallen zwei Welten aufeinander, und der Zuschauer muss sich fragen, wer Täter und wer Opfer ist. "Coming Home in the Dark" schreckt vor nichts zurück. Er stellt sich seiner eigenen Brutalität und konfrontiert damit eine wahre Geschichte des Missbrauchs auf nationaler Ebene unverblümt. Eine friedliche Familienwanderung wandelt sich schnell in einen Kampf ums Überleben, als eine vierköpfige Familie von zwei skrupellosen Vagabunden auf der Suche nach ihrem nächsten Beutezug überfallen wird. In einer schleudertraumatischen Situation, die wahrscheinlich schnell vorbei gewesen wäre, scheint der Kopf der Diebe, der sich nur als Mandrake (Daniel Gillies) vorstellt, den Spitznamen "Hoaggie" zu erkennen, als die Söhne Maika und Jordan nach ihrem Vater Alan (Erik Thomson) rufen. Vielleicht wegen nichts, vielleicht wegen irgendetwas setzt dieser besondere Impuls buchstäblich eine albtraumhafte Folge von Vorfällen in Gang, die ihr weiteres Leben in Fetzen reißen. Mandrake und sein stoischer Begleiter Tubs (Matthias Luafutu) nehmen Alan und seine traumatisierte Frau Jill (Miriama McDowell) mit auf eine geheimnisvolle Fahrt, die zu einer sehr dunklen Wahrheit führen könnte, die die gesamte Gruppe an den Rand des Abgrunds bringen könnte. Basierend auf Owen Marshalls preisgekrönter gleichnamiger Kurzgeschichte aus dem Jahr 1995 wirft "Coming Home in the Dark" auch einen scharfen und schonungslosen Blick auf die wahren Misshandlungsskandale, die sich in den letzten fünfzig Jahren in Jungenheimen und staatlichen Einrichtungen ereignet haben. Die königliche Kommission für Missbrauch in staatlicher Obhut stellte fest, dass zwischen 1950 und 1999 mehr als 250.000 junge Erwachsene Opfer schwerer Formen von Missbrauch wurden. In subtiler Form stellen Mandrake und Tubs als Landstreicher zwei Verkörperungen Neuseelands dar. Sie sind die vergessenen Produkte eines kaputten Systems, und die Lehrer Alan und Jill sind, zumindest in ihren Augen, zu den Nutznießern dieses Systems geworden. Wie jede markerschütternde Szene zeigt, sind beide Seiten kämpferisch, und es bleibt unklar, welche Partei sich im Film und im Leben letztlich durchsetzen wird. Um einen Eindruck von der wachsenden Spannung zu vermitteln, die sich im Laufe der neunzigminütigen Laufzeit aufbaut, werden die kleinen Gefechte im Inneren des Autos zu einem Krieg der Gehirne mit potenziell fatalen Konsequenzen. Die Befreiungsversuche sind zum Beispiel quälend wirklichkeitsnah, weil sie den denkbar ungünstigsten Ausgang zeigen. Die wimmernden, gebrochenen Geiseln sind meist nur ein kurzes Vergnügen oder ein kleines Ärgernis für Mandrake und seinen klobigen Kumpanen. Es ist eine Dynamik, die eine bitterböse Erkenntnis mit sich bringt. Die meisten Menschen sind nicht auf einen zufälligen Gewaltakt vorbereitet, weil sie zu sehr damit beschäftigt sind, ihre Ausrüstung zusammenzupacken und dafür zu sorgen, dass ihr Handy aufgeladen ist. Es gibt einen Subtext, in dem es um Vertrauen geht, ein Gefühl des Glaubens an den Sozialkontrakt und an den Schwur der Ehe. Mandrake ist der kaltblütige Taktiker und Tubs ist die Lanzenspitze, die ihr Ziel in der Vernichtung des gesellschaftlichen Gefüges und einer armen Familie findet, die sich zur falschen Zeit am falschen Ort befindet. Daniel Gillies als Mandrake ist sowohl bedrohlich als auch gutmütig, aber es gibt Zeiten, in denen der schwere neuseeländische Akzent ein kleines Problem darstellt, hauptsächlich, weil James Ashcroft sich dafür entscheidet, die Kamera woanders hinzudrehen, anstatt ihn auf dem Bildschirm zu haben. Dadurch ist er zwar mysteriöser, aber das Gespräch zwischen Alan, seinem neuen kranken Projekt leidet darunter. Das wird aber in nachfolgenden Konflikten im Laufe der Zeit behoben. Zunächst ist die Zufälligkeit einer letalen Begegnung das Erschreckendste an "Coming Home in the Dark". Doch dann werden die Zusammenhänge, die sich zu offenbaren beginnen, zu einem neuen Katalysator der Angst. Die bleibende Aussage von Owen Marshalls Novelle und James Ashcrofts Film lässt sich am besten mit den Worten von Edmund Burke vor über 200 Jahren zusammenfassen. "Das Einzige, was für den Triumph des Bösen notwendig ist, ist, dass gute Menschen nichts tun".

"Fresh" von Regisseurin Mimi Cave ist ein herrlich kranker Horrorfilm, der erst nach dem Vorspann, der erst nach 30 Minuten der fast zweistündigen Laufzeit abläuft, verrät, worum es wirklich geht. "Fresh" bietet ein mehrgängiges Menü, das viele Genres umfasst, aber dank der beiden Hauptdarsteller, darunter Sebastian Stan, der sich in das große Pantheon charismatischer, aber widerwärtiger Horrorbösewichte einreiht, bodenständig und ausbalanciert bleibt. "Fresh" beginnt mit einer Vorspeise und stellt Noa (Daisy Edgar-Jones) vor, wie sie sich in der brutalen, gewissenlosen Welt des modernen Online-Datings bewegt und eine Reihe von grauenhaften Männern trifft. Gerade als die Hoffnung verloren scheint, kommt die Delikatesse in Form von Steve (Sebastian Stan), der im Grunde der perfekte Mann ist: witzig, klug, liebevoll und außerdem ein gut aussehender Arzt. Regisseurin Mimi Cave zögert die unvermeidliche Offenbarung von Steves wahren Intentionen so lange wie möglich hinaus, während sie alle Regeln der Liebeskomödie auskostet, vom Kennenlernen im Supermarkt über die Vorzüge von Zuckerwattetrauben bis hin zu Gesprächen über ihre Familien bei einem schönen gemeinsamen Abendessen. Mimi Cave schafft es, das Paar Noa und Steve authentisch darzustellen und zu zeigen, warum sie sich Hals über Kopf in diesen Mann verliebt und alle offenkundigen Warnsignale ignoriert. Erst nachdem der Salat und der Fisch serviert und verzehrt wurden, präsentiert uns das Drehbuch von Lauryn Kahn den Vorspann, und die leichte Rohkostmahlzeit verwandelt sich in ein blutiges Fleischfestival als Horror-Hauptgang. Ein Viertel der Laufzeit des Films auf eine typische Liebeskomödie mit diesem Paar zu verwenden, macht die Sache noch schwieriger, zumal Daisy Edgar-Jones und Sebastian Stan eine spürbare Chemie miteinander haben und es wirklich leicht machen, mit ihnen mitzufiebern. Daisy Edgar-Jones spielt die naive Zuversicht und den Schock von Noa großartig, aber wie in den meisten Filmen über Psychopathen oder Entführungen wie in "Misery" oder "American Psycho", gehört "Fresh" dem Bösewicht. Sebastian Stan ist der Aufgabe mehr als gewachsen und zeigt eine Seite von ihm, die uns in den Marvel-Filmen jahrelang vorenthalten wurde und erst jetzt zum Vorschein kommt. Ein schillernder, energiegeladener Psychopath, der in der Küche umhertanzt und jede Menge abartiger, chargierender Energie versprüht. Weit entfernt von Christian Bales gefühlskaltem Patrick Bateman ist Steve nahbar und galant, zu gleichen Teilen Ritter in glänzender Rüstung und absolutes Monstrum. Jede neue Szene mit ihm ist ein zusätzlicher Gang zu einer ohnehin schon üppigen Portion. Um die Aromen des großen, saftigen Steaks, das Sebastian Stans Auftritt und der zweite Akt des Films sind, zu intensivieren, holt "Fresh" seine Geheimzutat hervor: Pawel Pogorzelskis Kinematografie. Nachdem er uns bereits in "Midsommar" die schrecklichen Ereignisse eines Skandinavien-Urlaubs gezeigt hat, wendet er sich nun "Fresh" zu und verleiht ihm einen beunruhigenden, aber satten visuellen Geschmack, der oft verstörende Nahaufnahmen von Steves Handwerk bietet, als wäre es Eli Roths "Hostel", nur ohne so viel blutige Details. Das Ergebnis ist der bisher makelloseste und ekelhafteste Horrorfilm des Jahres, der sowohl abstoßende Momente als auch Szenen enthält, in denen Sebastian Stan Synthie-Pop-Songs aus den 80ern interpretiert. Bedauerlicherweise erreicht "Fresh" nicht das Niveau von 3 Michelin-Sternen. Zum einen wird zwar akribisch eine riesige Welt mit vielen Beteiligten und komplizierten Regeln aufgebaut, aber das meiste davon bleibt an oberflächlicher Stelle, ohne dass erklärt wird, warum es wichtig ist oder wie es in die Geschichte eingebunden ist. Und dann ist da noch die Darstellung von Noas bester Freundin Mollie (Jonica T. Gibbs), die leider in die müde Rolle des typischen Sidekicks gesteckt wird, dessen einzige Aufgabe darin besteht, Noas Story zu unterstützen. Das ist ein schaler Nachgeschmack inmitten eines ansonsten ausgezeichneten Gerichts. Wenn "Fresh" seinen Höhepunkt erreicht, liefert er ein reichhaltiges und süßes Dessert, das sowohl eine erfrischend gewalttätige Katharsis bringt, als auch die Allegorie des Films zu einem Kreis schließt. "Fresh" mag zwar nicht den Rahmen für Horrorsatiren sprengen, aber er führt einen der besten Horrorschurken seit langem ein und bietet mit der vorzüglichen Symbiose von Daisy Edgar-Jones und Sebastian Stan ein kulinarisches Meisterwerk. Wenn der Abspann läuft, könnte man fast nach einem Nachschlag verlangen.

"The Dead Center" von Regisseur Billy Senese ist eine atmosphärische Studie über die menschliche Vergeblichkeit. Der Film steht im Einklang mit dem Bedürfnis, im Schlund der menschlichen Extreme klar und einfühlsam zu bleiben. Menschen, die in intensiven Arbeitsumgebungen arbeiten, wie zum Beispiel auf Polizeistationen, in Sozialämtern und Krankenhäusern, sind mit der Belastung vertraut, inmitten der menschlichen Not klar und empathisch bleiben zu müssen. "The Dead Center" spielt hauptsächlich in einem Krankenhaus und folgt einer Handvoll medizinischer Fachkräfte, die sich mit etwas auseinandersetzen, das ihre Angst symbolisiert, der Krankheit ihrer Patienten zu erliegen, und ist zutiefst auf dieses Gefühl der Überbelastung abgestimmt. Billy Senese und Kameramann Andy Duensing fangen das grelle weiße und kränklich gelbe Licht eines Krankenhauses mitten in der Nacht ein, ebenso wie den unheimlichen Wechsel von dröhnendem weißem Rauschen und Stille, der eine solche Umgebung ausmachen kann. Die Filmemacher lassen dieses Krankenhaus, insbesondere die psychiatrische Abteilung, in unsere Knochen kriechen. Es ist sicherlich hilfreich, dass das Personal hier nicht aus Schauspielern besteht, die wie aus einem zentralen Casting stammen, denn sie vermitteln den Eindruck von wirklich gestressten und erschöpften Mitgliedern der Arbeiterklasse. Gelegentlich wird dieses nächtliche Zwielicht von den durchdringenden Geräuschen krisengeschüttelter Patienten durchbrochen, und Billy Senese fängt dieses Auf und Ab zwischen der Erwartung von Gewalt und ihrer Bewältigung gekonnt ein. In seinen besten Momenten strahlt "The Dead Center" etwas von der konzentrierten Lockerheit des Films "Unsane - Ausgeliefert" von Steven Soderbergh aus. "The Dead Center" hat einen Horrorfilm-Haken, der oft an den Rändern der Erzählung verweilt. Der Film beginnt damit, dass ein Krankenwagen einen John Doe (Jeremy Child) ins Hospital bringt, der sich die Pulsadern und die Brust aufgeschlitzt hat. Billy Senese filmt die Fahrt des Krankenwagens aus der Sicht eines Gottes, was auf eine übernatürliche Präsenz hindeutet, die vielleicht nicht ganz so gütig ist. Später, nachdem John Doe an den Zehen markiert und eingesackt wurde, setzt er sich auf, und Billy Senese gibt einen unvergesslich furchterregenden Klangeffekt von sich. Die knisternde Oberfläche des Leichensacks, die an das Prasseln von Elektrizität erinnert. Ergänzt wird dieser Effekt durch den ergreifenden Anblick des zitternden John Doe, der sich aus dem Sack erhebt, durch das Krankenhaus irrt und in ein leeres Bett kriecht, um sich zu erwärmen. In diesem Moment erdet Billy Senese die Auferstehung in den Texturen einer sehr lebensechten Kulisse. John Doe wird vom Krankenhauspersonal entdeckt, und der Psychiater Daniel Forrester (Shane Carruth) übernimmt die Aufgabe, seine Identität und seine Erkrankung festzustellen, doch Daniel Forrester, der selbst ein Abtrünniger mit erheblichen emotionalen Problemen ist, kommt bei diesem Unterfangen nicht weit. Shane Carruth verleiht einem bekannten Typus, dem Vertreter der gehobenen Mittelklasse mit wenig Privatleben, eine eindringliche und ungewöhnlich undurchsichtige Verletzlichkeit. Er lässt uns an Daniel Forresters Verzweiflung teilhaben, mit der er versucht, seine eigenen Schwachpunkte vor seinen Angestellten zu verbergen, obwohl sein Kummer nur teilweise erläutert wird. Parallel dazu untersucht der Gerichtsmediziner Edward Graham (Bill Feehely) die Identität von John Doe. Diese Spur führt ihn zu einem Motelzimmer, das mit Blut geflutet ist, und in einem weiteren schaurigen Detail entleert Edward Graham eine Wanne mit kaltem stinkendem Blut, um eine in den Wannenboden geritzte Spirale zu entdecken. Als Edward Graham die Identität von John Doe ermittelt, entdeckt er einen vom Tod gezeichneten Mann, der sich in einen leibhaftigen Todesengel verwandelt hat. "The Dead Center" ist letztlich eine atmosphärische Studie über die menschliche Sinnlosigkeit. John Doe mag ein Untier sein, aber er ist auch das ultimative unheilbare Opfer, das jedes Maß an Kontrolle zerstört, das Daniel Forrester und Edward Graham über ihre Umgebung zu erlangen versuchen. Ähnlich wie H.P. Lovecraft gibt Billy Senese seinem Publikum das Gefühl, nur die Spitze eines bösartigen Gletschers zu sehen, und dieser unaussprechliche Eindruck von Weite ist existenziell beängstigend.