Chainsaw Charlie - Kommentare

In "The Crow 3: Tödliche Erlösung" von Regisseur Bharat Nalluri suchen Nathan Randall (William Atherton) und seine Tochter Erin (Kirsten Dunst) Gerechtigkeit für den Tod von Lauren (Jodi Lyn O'Keefe), Erins Schwester, die drei Jahre zuvor mit 53 Messerstichen ermordet wurde. Der einundzwanzigjährige Alexander Frederick Corvis (Eric Mabius) sitzt wegen dieses Verbrechens in der Todeszelle, obwohl er immer seine Unschuld beteuert hat und einen unbekannten Mann mit einer Reihe von Narben entlang seines Unterarms beschuldigt. Die Geschworenen glaubten ihm jedoch nicht, weil die Mordwaffe bei ihm gefunden wurde, und so droht ihm die Exekution. In einer dunklen und stürmischen Nacht wird er auf den elektrischen Stuhl geführt, festgeschnallt und vor einer kleinen Versammlung von Zeugen gegrillt. "Ich bin unschuldig."

Wie sich herausstellt, ist die Geschichte von Alexander Frederick Corvis noch nicht zu Ende, zumal der eigentliche Mörder im Observationsraum sitzt und kurz seinen entstellten Arm zeigt. Dank einer übernatürlichen Intervention und dem Auftauchen einer großen schwarzen Krähe erwacht Alexander Frederick Corvis lebend aus dem Leichenschauhaus, auch wenn sein Gesicht bis zur Unkenntlichkeit verbrannt ist, weil ihm bei der Hinrichtung eine komisch-düstere Metallmaske aufgesetzt wurde. Doch wenn man eine Hautschicht abzieht, kommt ein vertrauteres Gesicht zum Vorschein, abgesehen von der dunklen Schminke um die Augen, dem pastellweißen Fleisch und den blutigen Furchen auf seinen Wangen und Lippen. Alexander Frederick Corvis hat die Fähigkeit, sich nach Belieben in eine Krähe zu verwandeln. Er fliegt vom Gefängnis zum Polizeirevier, um seine neue Bestimmung, den Mord an Lauren aufzuklären, anzutreten. Außerdem ist er unbesiegbar, was seinen detektivischen Aktivitäten sicher nicht abträglich sein wird.

Die Handlung dieses dritten Films der Reihe ist praktisch dieselbe wie zuvor: Ein Mann kehrt von den Toten zurück, um eine geliebte Person zu sühnen und sich an denen zu rächen, die ihm Unrecht getan haben. Dazu kommen eine unschuldige junge Frau, die in den Schlamassel verwickelt ist, eine Reihe böser Nebenfiguren, die schändliche Taten vollbringen, und jede Menge schäbige Schauplätze, gotische Gewandungen und gewalttätige Szenen. Da es so wenige Protagonisten gibt, ist es unglaublich schwierig, sich dafür zu interessieren, wer in diesem Film lebt oder stirbt. Da Alexander Frederick Corvis eine unbezwingbare übermenschliche Kraft ist, ist es nie eine Option, ob es ihm gelingen wird, seine Widersacher aufzuspüren oder nicht.

Interessanterweise hat "The Crow 3: Tödliche Erlösung" einen ähnlichen Ton wie seine Vorgänger und greift viele vergleichbare Szenen und Themen auf. Von der Musik über die Beleuchtung bis hin zu den Kulissen, dem Make-up und den Kostümen - zumindest das Aussehen und die Atmosphäre stimmen mit dem überein, was 1994 mit dem auf einer Comicserie basierenden Film begonnen wurde. Die blutigen Bilder und die damit verbundenen Grotesken sind ebenfalls passend, auch wenn das Geheimnis weniger offensichtlich sein soll, da die Hauptschuldigen nicht sofort offenbart werden. Dummerweise ist die Hierarchie der Schurken so bieder, dass die finalen Aufklärungen nicht besonders erbaulich sind.

Abgesehen von den Wiederholungen, leidet dieser dritte Teil immer wieder an den dürftigen schauspielerischen Leistungen, insbesondere von Eric Mabius, dessen fehlendes Ausstrahlungsvermögen ein großes Manko ist. Kirsten Dunst ist weitaus besser, doch muss sie noch an ihrer Performance feilen, während fast alle Spießgesellen absolut unfähig sind. Das ist jedoch kein großes Problem, wenn der Fokus des Films auf actionorientierten Showdowns, Schießereien und Explosionen liegt. Ein paar Kampfsequenzen und die dazugehörigen Stunts sind zwar teilweise ganz unterhaltsam, aber letztlich kann diese formelhafte, morbide und gelegentlich seltsam bösartige Rachefantasie dem Franchise kaum etwas Neues abgewinnen.

In "The Crow - Die Rache der Krähe" von Regisseur Tim Pope wird die Tätowiererin Sarah (Mia Kirshner) von Albträumen über einen traumatischen Vorfall auf einem Dock heimgesucht, der Tod und Zerstörung durch die Hand des Verbrecherkönigs Judah Earl (Richard Brooks) bringt, der ihre Stadt mit Drogen, Prostitution und Angst beherrscht. Außerhalb dieser Stadt, in ständiger Dunkelheit und Unordnung, glaubt Sarah an eine Art Fegefeuer, einen Ort, an dem ruhelose Seelen umherwandern und auf eine Chance warten, das Unrecht in ihrem Leben wiedergutzumachen. Und für Judah Earl steht eine ganze Reihe von Vergeltungsmaßnahmen auf dem Programm.

Das Opfer in Sarahs Träumen war Ashe Corven (Vincent Perez), der erschossen, zusammen mit seinem kleinen Sohn an Stacheldraht gebunden und in den Fluss geworfen wurde. Doch dank einiger übernatürlicher Einflüsse und einem unstillbaren Verlangen nach Rache ist Ashe Corven von den Toten auferstanden. Eine große schwarze Krähe, die Sarahs Haus besucht, inspiriert sie dazu, Ashe Corven zurückzubringen und ihm eine Bleibe zu geben.

Basierend auf der Comicserie von James O'Barr, behält diese Fortsetzung die Morbidität, Gewalt und BDSM-Thematik des Originals bei, zusammen mit kontrastierenden religiösen Komponenten, die tatsächlich gut gegen die unerbittliche Devianz anspielen. Leider gibt es auch viele Wiederholungen von Bekanntem und die gleiche Geschichte wird in abgehackten Rückblenden und verschwommenen Visionen erzählt. Es ist genauso unheimlich und düster, mit der gleichen Paarung aus einer jungen Frau und einem blassen Selbstjustizler, die eine Hierarchie von Bösewichten aufspüren, alle in schwarzes Leder und clowneskes Make-up gekleidet, während im Hintergrund Rockmusik dröhnt. Zudem gibt es sogar eine asiatische Bösewichtin (Thuy Trang), die Bai Lings Nebenrolle aus dem Jahr 1994 dupliziert - eine merkwürdige Wahl für eine Reproduktion. "The Crow - Die Rache der Krähe" ist im Prinzip eine Neuverfilmung.

Dieser rabenschwarze Neo-Noir-Superheldenfilm erinnert auch an Tim Burtons "Batman"-Filme, in denen die überlebensgroßen Heldentaten und bunten Farben gegen Blutrünstigkeit und allgemeine Verschrobenheit eingetauscht wurden. Hier sind die Folterungen und die Freikörperkultur etwas radikaler, aber der Mangel an Komik, die Gothic-Garderobe und das gedämpfte Farbschema sind unverkennbar identisch. Tatsächlich ist es schwer, den Stil von 'The Crow' nicht mit dem von Batmans Erzfeind, dem Joker, zu vergleichen. "Wir haben dich getötet, Mann!"

In die Düsternis mischt sich aber auch unfreiwilliger Humor, vor allem wenn Thomas Jane als untergebener 'Nemo' fast eine Minute lang in Echtzeit masturbiert. Ebenso besteht ein Großteil des Films aus Wiederholungen, vor allem durch sich überschneidende Reflexionen, die den allzu simplen Racheplan in die Länge ziehen. Schließlich gibt es nicht so viele Sündenböcke, und Ashe Corven hat kein großes Interesse daran, irgendetwas zu tun, außer Namen auf seiner Todesliste abzuhaken.

Zugegeben, es hat einen gewissen Unterhaltungswert, wenn ein skrupelloser Protagonist eine Bande von besonders kaltherzigen Gegnern gnadenlos malträtiert und exekutiert, aber es ist sicherlich nicht genug, um einen Langspielfilm zu rechtfertigen. Und das ist nicht das erste Mal, dass all dies mit denselben Personen in fast identischen Szenarien geschieht. "Wie kann man einen Mann aufhalten, der bereits tot ist?"

Der Legende nach trägt eine Krähe die Seelen der Verstorbenen in das Reich der Toten. Wenn aber etwas so Schreckliches passiert, dass die Seele nicht ruhen kann, bringt die Krähe sie zurück in das Land der Lebenden, um die Dinge wieder in Ordnung zu bringen. Genau das passiert in "The Crow - Die Krähe" von Regisseur Alex Proyas, als Eric Draven (Brandon Lee) und seine Verlobte Shelly Webster (Sofia Shinas) in einer Halloween-Nacht von einer Bande mörderischer Brandstifter brutal überfallen werden. Stunden vor ihrer Hochzeit wird Shelly verprügelt, vergewaltigt und dem Tod überlassen, während Eric erstochen, erschossen und aus einem Fenster geworfen wird - ein ikonisches Portal, das für sein wachsames Auge über die Stadt, die kriminellen Aktivitäten und die geliebten Menschen steht, sowie für die Vision seiner Wächterkrähe. Ein Jahr später erhebt sich Eric Draven aus seinem Grab, legt ein schwarz-weißes Make-up auf, um einen Pantomimen aus der Hölle zu imitieren und macht sich in der selben Verkleidung, die er als Frontmann seiner Rockband 'Hangman's Joke' trug, auf den Weg, um seinen Mord zu vergelten. "Sie sind alle tot. Sie wissen es nur noch nicht."

Die kleine Sarah (Rochelle Davis) erzählt uns zaghaft, dass sie ein junges Mädchen mit einer drogenabhängigen, prostituierten Mutter (Anna Thomson) ist, die auf der Straße lebt und gezwungen ist, für sich selbst zu sorgen, aber von einem freundlichen Polizisten namens Sergeant Albrecht (Ernie Hudson) unterstützt wird. Beide Figuren sind regelmäßig in die Handlung verwickelt, können sich aber nicht gegen das mächtige, korrupte Gangsternetzwerk behaupten, das hinter allen filmreifen Verbrechen in der Stadt steckt. Wie in jeder guten Rachegeschichte beginnt Eric Draven am unteren Ende der Nahrungskette der Bösewichte und arbeitet sich nach oben, wobei er jeden einzelnen Ganoven mit gewalttätigem, potenziertem Elan ausschaltet. Die Verbrecher, die er jagt, sind genauso überdreht wie der gezeichnete Anti-Held - jeder von ihnen wird immer psychotischer, verrückter, überheblicher und verabscheuungswürdiger.

Sie haben auch einprägsame Spitznamen, die sie als minderwertige Menschen charakterisieren. 'Tin-Tin' (Laurence Mason), von dem Eric Draven einen dicken schwarzen Mantel stiehlt, ist das erste Ziel, gefolgt von 'Funboy' (Michael Massee), 'T-Bird' (David Patrick Kelly) und einigen anderen. Schließlich muss sich Eric Draven mit dem turmhohen 'Grange' (Tony Todd) und dem langhaarigen, schwertschwingenden Anführer 'Top Dollar' (Michael Wincott) auseinandersetzen, der einige witzige Macho-Dialoge führt und immer seine geistesgestörte asiatische Schwester/Geliebte Myca (Bai Ling) an seiner Seite hat - eine emotionslose Frau, die mit äußerster Ernsthaftigkeit absoluten Blödsinn von sich gibt und ihren Opfern gerne die Augäpfel herausschneidet. Sie alle sind im Grunde genommen Wahnsinnige, schwer bewaffnet und mit bizarren Anomalien begabt, doch glücklicherweise ist Eric Draven zusätzlich mit Unbesiegbarkeit gesegnet.

Alles scheint sich in der Nacht abzuspielen, so dass die morbiden Bilder in Schwärze getaucht sind. Besonders wirkungsvoll ist die Bildkomposition mit schnellen Schnitten und intensiven Lichtblitzen, um die Angriffe darzustellen, sowie mit spasmodischen Stroboskopeffekten und mit dem Einsatz von Regen und Rauch in einigen der Actionsequenzen. Die Kostüme, das Maskenbild und die Kulissen haben einen starken Gothic-Charakter, ähnlich wie in Tim Burtons "Edward mit den Scherenhänden" und "Batman", aber noch vor "Matrix", "Sin City" und "The Dark Knight". Brandon Lee als Eric Draven in "The Crow - Die Krähe" ist eine der unvergesslichsten Filmfiguren aus den 90er Jahren.

Der Held darf die schamlos brutale, unbarmherzige Selbstjustiz ausüben, was "The Crow - Die Krähe" zu einer erstklassigen Rachephilosophie und einer spannenden Adaption der zugrundeliegenden Comic-Reihe macht. Allerdings wird ein so großer Teil der Produktion für optisch beeindruckende Action und Gestaltung aufgewendet, dass der Kern der Handlung und die Ausarbeitung der Charaktere merklich zu kurz kommen. Zwar sind einige der Dialoge im günstigsten Fall dämlich und das Tempo ist etwas zu brütend, aber Eric Dravens Sätze sind stets zitierfähig und die schauspielerische Leistung ist überdurchschnittlich gut für diese ziemlich ausgeflippten Figuren. Begleitet wird das Werk von einem sehr präsenten Soundtrack, angereichert mit Orchestermusik mit weiblichen Opernstimmen von 'Graeme Revell', viel Rock 'n' Roll von 'Stone Temple Pilots' bis 'Rage Against the Machine' und sogar einem Originalsong von 'The Cure'. Selbstverständlich enthält "The Crow - Die Krähe" auch viel typische Erwachsenenkost: Explosionen, akrobatische Stunts, einen "Scarface"-ähnlichen Haufen Kokain, Nacktheit, Messer und Nadeln, Handkanonen, blutige Gewalt, Zeitlupe, Gassenkämpfe, automatische Waffen, Schwertkämpfe und Personen die nachts coole Sonnenbrillen tragen.

In "Nightmare Alley" von Regisseur Guillermo del Toro besteigt Stan Carlisle (Bradley Cooper), ein Mann mit zwielichtiger Vergangenheit, einen Bus ins Nirgendwo, der ihn schließlich an einem kleinen Bahnhof am Rande eines Rummelplatzes ablädt. In den späten 1930er Jahren zieht der Marktschreier Clem (Willem Dafoe) die Zuschauer in den Bann eines Freaks, dessen animalisches Verhalten ans Unmenschliche grenzt, zumal er vor den Augen der entsetzten Menge lebenden Hühnern den Kopf abbeißt. Stan Carlisle ist darüber schockiert, aber auch fasziniert, und so arbeitet er mit der Wandergruppe zusammen, während sie ihre Zelte und Waren zusammenpackt, um zu einem anderen, nicht allzu weit entfernten Standort zu gelangen.

Von den Kulissen über die Kostüme bis hin zum Charakterdesign ist hier alles visuell aufwändiger und grotesker als im Originalfilm "Der Scharlatan" von 1947, wobei die Fortschritte in der Technologie und die Maskeneffekte genutzt werden, um das blutige und grafische Material hervorzuheben. Das ist von Guillermo del Toro zu erwarten, der in seinen bisherigen Produktionen vor allem das Makabre mit dem Fantastischen verbunden hat. Doch das kreative Gespür des Filmemachers scheitert an diesem Werk. Die Geschichte selbst entspricht in etwa der ersten Kinofassung, die Beibehaltung des Zeitrahmens ermöglicht interessante Requisiten, schränkt aber die Möglichkeiten für wilde Modifikationen ein, indem nur eine minimale Summe von Elementen verändert wird, nur um dem modernen Betrachter veraltete Ideen zu vermitteln, aber dennoch die Gelegenheit genutzt wird, Flüche und Gewalt zu verstärken, was ungewollt von den Horroraspekten ablenkt, da die gezeigten grausamen Bilder den Provokationen des Geistes nicht gerecht werden können.

Schon bald findet sich Stan inmitten einer Menagerie von Freaks und exotischen Künstlern wieder, darunter die Hellseherin Zeena (Toni Collette) und ihr hingebungsvoller Ehemann Pete (David Strathairn), der Muskelmann Bruno (Ron Perlman) und sein Mündel Molly (Rooney Mara) sowie der kleinwüchsige Wrestler Major Mosquito (Mark Povinelli). Manchmal hat Stan sogar Mitleid mit dem verwahrlosten 'Geek', der so sehr von Drogen und Alkohol abhängig ist, dass er die meiste Zeit in einem Käfig eingesperrt ist. Nachdem sie sich eingearbeitet und ihre Routine perfektioniert haben, versuchen sich Stan und Molly schließlich im Mentalismus, der ihnen Ruhm und Reichtum bringen könnte.

Letztlich ist diese Geschichte ein Moralstück, das den Aufstieg und Fall eines Hochstaplers schildert, der die vielen leichtgläubigen Menschen ausnutzen will, die einfach nur an etwas glauben wollen. Auf seinem Weg zu immer größerem Erfolg gerät Stan in Konflikt mit einer argwöhnischen Psychologin (Cate Blanchett) und einflussreichen Persönlichkeiten, die alle das Potenzial für großen Wohlstand und erhebliche Gefahren in sich tragen. Die überlange Laufzeit von "Nightmare Alley" gibt den Charakteren zwar eine detaillierte Hintergrundgeschichte, aber es fehlt an bedeutenden Enthüllungen und mehr Zeit, um Motive und Beziehungen aufzubauen. Aber er ist immer noch langsam und schwerfällig, verrät zu viel mit seinen unnötigen Erklärungen über das Innenleben der 'Geek-Show' - einem veralteten, aber integralen Bestandteil der Handlung - und verschwendet Momente mit alptraumhaften Rückblenden und unpassenden Szenenübergängen. Die Entwicklung der Charaktere und die spezifischen Interaktionen sind tiefgründiger und düsterer und heben einmal mehr allgemein unsympathische Personen und Konstellationen hervor. Es ist schwer, sich für irgendjemanden in "Nightmare Alley" zu interessieren, wenn es sich fast ausschließlich um manipulative Anwender und weitgehend inkorrekte Antihelden handelt. "Die Leute wollen dir unbedingt mitteilen, wer sie sind."

Das Ambiente ist leider zu geradlinig und bodenständig, als dass Guillermo del Toro viel von seiner Handschrift hätte einfließen lassen können, obwohl die Jahrmarktskulissen und die neblige Atmosphäre eine angemessene Bühne für die bedrohlichen Aktivitäten der Täuschung und des Unheils darstellen. Abgesehen von ein paar blutigen Aufnahmen ist "Nightmare Alley" für den Regisseur nicht ohne weiteres wahrnehmbar. Und mit solch geringfügigen Anpassungen an die ursprüngliche Prämisse gibt es nicht viele Überraschungen, selbst wenn man bedenkt, dass die meisten Betrachter nicht mit dem Hauptfilm von Edmund Goulding aus den 1940er Jahren vertraut sein werden, der selbst etwas vorhersehbar war, was zu einer vergleichsweise unbefriedigenden dramatischen Tragödie führt, die die Klassifizierung als Film Noir effektiv über Bord wirft, aber abgesehen von dem beklemmenden Finale, kein Werk von großer Kraft ist. "Ich wurde dafür geboren."

"Guillermo del Toro's Pinocchio" zeigt uns eine düstere Version: Nachdem er seinen Sohn Carlo im Ersten Weltkrieg verloren hat, fühlt sich der betagte Geppetto (David Bradley) leer und allein. Als Carlo noch lebte, waren die beiden unzertrennlich und vollkommen glücklich. Geppetto war ein vorbildlicher italienischer Bürger, ein Meister der Holzschnitzerei und ein guter Vater, während Carlo ein treuer Gehilfe und ein temperamentvoller Junge war. Ein schicksalhafter, vermeintlich zufälliger Bombenanschlag raubt dem Kind das Leben und stürzt den Vater in eine schwere, lang anhaltende Depression.

Hier kommt der Erzähler ins Spiel, ein Schriftsteller, der ein Insekt namens Sebastian J. Cricket (Ewan McGregor) ist, und schließlich einen perfekten Baum findet, in dem er seine Memoiren schreiben kann. Doch als Geppetto genau diesen Kiefernwald abholzt, um ein hölzernes Äquivalent für Carlo zu schnitzen, wird Sebastian Zeuge sowohl der gequälten Schaffung der Kreatur als auch des Eingreifens uralter Geister, die in den Bergen und Wäldern leben und mit ihrer ungewöhnlichen Magie die Marionette namens Pinocchio (Gregory Mann) zum Leben erwecken. "Du bist nicht mein Sohn!"

Dies ist von der ersten Sekunde an, eine dunklere Variante von "Die Legende von Pinocchio", aber das ist mit Guillermo del Toro als Regisseur auch nicht anders zu erwarten. Die Details sind hässlich und morbide, von Geppettos streitsüchtigen Saufgelagen über die Unheimlichkeit des Waldgeistes bis hin zum Schauplatz des Krieges. Sogar Pinocchios Bewegungen ähneln denen eines von einem Dämon besessenen Jungen oder eines wandelnden Zombies, während seine Kraft unheimlich ist, sein Aussehen fast grotesk, mit Nägeln, die aus seinem Rücken ragen und einem gezackten Loch in seiner Brust. Sein Kopf schwenkt auch herum wie Regan in "Der Exorzist", und sein Ungehorsam ist stur. Auch die anderen menschlichen Charaktere und die Nebentiere sind abscheulich gestaltet, und zu den Umgebungen gehört das unerwartete Leben nach dem Tod, das von skelettierten schwarzen Kaninchenleichen ausgefüllt wird. "Das ist eine Missgeburt!"

Darüber hinaus spielt der aufkommende Faschismus im Hintergrund eine Rolle, während Pinocchio über Verlust und Tod nachdenkt und darüber, was es bedeutet, am Leben zu sein. Existenzielle Gedanken waren schon immer Teil dieses Märchens, aber mit der Popularität von Disneys Version von 1940 ist es eine ziemliche Veränderung, strengere Konzepte einzubeziehen. Auch die Religion wird hier unter die Lupe genommen, ebenso wie die Gräuel der Nazis, die versuchen, Andersdenkende zu unterdrücken. Der Gesang wird beibehalten, aber die Gesangsstücke sind weder besonders einprägsam oder wichtig, noch lockern sie die Stimmung allzu sehr auf. Ein gewisser Realismus wird in das Geschehen hineingebracht, einschließlich harter Proklamationen, Pinocchios rechtsverbindlichem Vertrag mit dem mörderischen Jahrmarktsleiter Graf Volpe (Christoph Waltz) und dem Beharren darauf, dass Pinocchios angebliche Unsterblichkeit ihn zum perfekten Soldaten für die Schlacht macht. "Das Leben ist ein grässlicher Schmerz!"

Wichtige, vertraute Elemente der Geschichte wurden übernommen, obwohl sich keine Adaption eng an das Buch von 1883 hält, das eher an "Alice im Wunderland" oder "Sturm in den Weiden" erinnert als an Disneys berühmteste Verfilmung, aber die neuen Ergänzungen sind typischerweise skurril und schwerwiegend - von Kriegssymbolik wie dem Auftauchen von Mussolini, dem wiederholten Sieg-Heil-Gruß und Gasmasken bis hin zu einem erbärmlichen kleinen Affen (Cate Blanchett als Spazzatura, die kein Wort sagt, sondern nur hohe Tierlaute von sich gibt und herumschreit) und der ständigen Missbilligung durch die Vaterfiguren. "Guillermo del Toro's Pinocchio" mag Anklänge an eine traditionelle Pinocchio-Nacherzählung haben, aber das Gesamtbild ist eine weitaus originellere, markantere und stringentere Interpretation. Es ist Pinocchio in einem Kriegsgebiet inmitten des gotischen Horrors. "Ewiges Leben kann ewiges Leid mit sich bringen."

Die Stop-Motion-Animation, die Bewegungsabläufe und die Umgebungseffekte des Films sind spektakulär. Auch die Charakterdesigns sind attraktiv, wenn auch nicht von der humorvoll-schrägen Sorte wie in "Nightmare Before Christmas", "Tim Burton's Corpse Bride - Hochzeit mit einer Leiche" oder "Rango" von Gore Verbinski. Der gesteigerte Heroismus und die Opferbereitschaft sind hier besonders eindrucksvoll. Diese einzigartige, berührende und gewaltige Inszenierung eines zeitlosen Klassikers zeichnet sich durch ihre besonnene und ausgereifte Gestaltung aus. "Nimm dieses unheilige Ding weg!"

In "Glass Onion: A Knives Out Mystery" von Regisseur Rian Johnson sehen wir, wie die Gouverneurin von Connecticut, Claire Debella (Kathryn Hahn), über ihre Kampagne am 13. Mai 2020 spricht. Sie steckt mit dem milliardenschweren Philanthropen Miles Bron (Edward Norton) unter einer Decke, dessen Top-Wissenschaftler Dr. Lionel Toussaint (Leslie Odom Jr.) sich mit den ständigen Marotten des Magnaten herumschlagen muss. Die leichtlebige Dauerpartylöwin und ehemalige Modeikone Birdie Jay (Kate Hudson), die von ihrer Assistentin Peg (Jessica Henwick) begleitet wird, sowie der maskuline Twitch-Streamer Duke Cody (Dave Bautista) und seine formschöne Freundin Whiskey (Madelyn Cline) vervollständigen eine Gruppe von Menschen, die von Miles Bron eine große Rätselkiste erhalten, die auf komplizierte Weise gelöst werden muss, um eine Einladung auf eine private Insel zu erhalten. Die letzte Empfängerin, Cassandra Brand (Janelle Monae), eine ehemalige Geschäftspartnerin, die schmählich abserviert wurde, ist eine Überraschung, vor allem für die anderen Beteiligten. "Was für ein außergewöhnliches Treffen."

Es ist der achte jährliche exotische Wochenendtrip, und alle prominenten Gäste sind alte Bekannte, mit Ausnahme des laut Google größten Detektivs der Welt, Benoit Blanc (Daniel Craig), der auf mysteriöse Weise zum ersten Mal am Killer-Dinner teilnimmt, um bei der Aufklärung des Mordes an Miles Bron mitzuhelfen - eine Art immersives Krimispiel für reiche Leute. Das dreitägige Wochenendprogramm, das in einer Kommune namens 'Glass Onion' auf einer Privatinsel stattfindet, wird mit Sicherheit hochmoderne Technologie und alle Arten von avantgardistischem Dekor und Design bieten. "Das Letzte, was ich brauche, ist Urlaub. Ich brauche einen großen Fall."

Sobald alle Akteure bekannt sind, sind als Nächstes die Beweggründe zu nennen. Jeder ist verdächtig. Doch alle haben so viele Details und so viel Hintergrundwissen, dass sie Bron Miles verachten und den korrupten Tech-Mogul nachweislich liquidieren könnten. Und kein einziger von ihnen ist sympathisch oder interessant. Der unvermeidliche Mordfall kommt zwar schließlich in Bewegung, ist aber so langsam und schwerfällig, dass man das Interesse zu verlieren befürchtet, bevor er in Gang kommt. Es dauert tatsächlich eine Stunde, bis überhaupt irgendetwas passiert. "Soll denn etwas passieren?"

Es gibt kurze Rückblenden, nicht um den Betrachter an kleine Hinweise zu erinnern, die er beim ersten Mal nicht bemerkt hat, sondern um zu zeigen, wie Benoit Blanc wie ein überirdischer Detektiv zu verschiedenen Erkenntnissen kam. Das Ganze ist erschreckend unrealistisch, auch wenn Realismus für Autor und Regisseur Rian Johnson kein Thema ist. Dazu kommen ausgedehnte Rückblenden und wiederholte Aufnahmen aus verschiedenen Perspektiven, die Zusammenhänge und Beziehungen offenbaren, die nur ausgewählten Figuren bekannt sind und den Betrachter auf Distanz hält - nicht unähnlich den theatralischen Sherlock-Holmes-Verfilmungen von Guy Ritchie. "Das ergibt alles Sinn."

Problematisch ist, dass eine Geschichte, die zu Beginn so viele Informationen zurückhält, ein gewisses Misstrauen gegenüber späteren Beweisen und, schlimmer noch, eine gewisse Apathie hervorruft. Wie die titelgebende 'Zwiebel', die in umgekehrter Reihenfolge Schicht für Schicht abgezogen wird, um die verschiedenen Verbindungen und Machenschaften aufzuzeichnen, kämpft "Glass Onion: A Knives Out Mystery" damit, das Interesse aufrechtzuerhalten. Wenn zu viel kryptisch und unsymmetrisch ist, fühlt sich der Betrachter außerhalb des Geschehens, und das ist genau das Mittel, das ihn gleichgültig, desinteressiert und frustriert zurücklässt. Immerhin gibt es hier und da ein bisschen Humor, aber das ist nicht annähernd genug, um der Veranstaltung und den Akteuren mehr Glaubwürdigkeit zu verleihen. Es gibt auch unendlich viele Wendungen, die aber vergleichsweise bedeutungslos sind, wenn nichts so ist, wie es scheint - Irreführung im Überfluss. Am Ende wirkt das, was ein cleverer Krimi hätte sein können, eher idyllisch, da alles jederzeit umdefiniert und umgestaltet werden kann, wie die Todesfälle in Superheldenfilmen, mit dämlichen Koinzidenzen, die in letzter Minute um des Schocks willen erfunden werden. "Das ist so dumm, dass es schon wieder brilliant ist."

In "The Suicide Squad" von Regisseur James Gunn, der auch das Drehbuch geschrieben hat, steht der Soundtrack im Vordergrund, wie die Musik von Johnny Cash beweist, wenn er Savant (Michael Rooker) vorstellt, einen Häftling mit übermenschlicher Akkuratesse, beim Ballspielen auf dem Gefängnishof. Die Musikkulisse, die in der Regel einen Gegenpol zum Geschehen auf dem Bildschirm bildet, orientiert sich am Vorbild "Guardians of the Galaxy", vor allem weil wiedererkennbare Melodien verwendet werden, um bestimmte Situationen oder Gefühle auszugleichen. Bekannt ist auch der kaum vorhandene Kontext mit der gnadenlosen Regierungsagentin Amanda Waller (Viola Davis), die Gefangene mit besonderen Fähigkeiten auswählt, um sie in Selbstmordmissionen einzusetzen, die der Rettung der Welt dienen sollen.

Erneut wird ihnen eine Strafminderung angeboten, die nach Erpressung klingt, dann wird ihnen ein Sprengkörper in den Nacken gepflanzt, und Colonel Flag (Joel Kinnaman) befehligt diese desorganisierten Streitkräfte in einem feindlichen Gebiet, in diesem Fall in der südamerikanischen Region 'Corto Maltese', die von einem Militärputsch bedroht ist. Der erste Platoon besteht aus einer eklektischen Auswahl von Superkriminellen, die aus einigen der unbeliebtesten und dubiosesten Bösewichten besteht, die aus den letzten Ecken der DC-Schöpfungen gekrochen sind, und den Auftrag haben, eine schwer bewachte Küstengarnison zu infiltrieren. Einer von ihnen ist ein abgenutztes Wiesel, ein übergroßes, anthropomorphisiertes Nagetier, das 27 Kinder ermordet haben soll, doch seine Teamkollegen sind von seiner neu entdeckten, kooperativen Natur überzeugt.

Es war erst ein paar Jahre her, als der ursprüngliche "Suicide Squad" damals in die Kinos kam, so war es jedenfalls etwas zu früh, dieses Konzept wieder aufzugreifen, aber es erlaubt James Gunns Version, die Wiederholung der Prämisse weitgehend zu vermeiden, da es offensichtlich ist, dass dies immer noch eine modernisierte, von Superhelden inspirierte Fassung von "Das dreckige Dutzend" ist. Die Hauptfiguren sind allesamt auffallend schuldbeladene, aber nur bedingt sympathische Fehlschläge, die entweder zur Erlösung oder zu einem dreckigen, zergliederten Ableben verdammt sind. Und man braucht keine Begründung, um Margot Robbie in ihrer Paraderolle als Harley Quinn zu erleben, denn nach drei Filmen ist sie immer noch die ideale Frau für die Figur. Zu den weiteren Hauptfiguren gehört 'Bloodsport' (Idris Elba), dessen Wirken ein optimierter Gegenpart zu Will Smiths agilitätslosen 'Deadshot' ist. Dann gibt es noch den 'Peacemaker' (John Cena), der mit seinem standhaften Chauvinismus eine krankhaft flexible Persönlichkeit aufweist, und den 'Polka-Dot Man' (David Dastmalchian), der über komische, unerklärbare doch für seinen Namen sprechende Superkräfte verfügt. Hinzu kommen noch 'King Shark' (Sylvester Stallone), ein zweibeiniges, fleischfressendes Fischmonster, das sich nur eingeschränkt artikulieren kann, und 'Ratcatcher 2' (Daniela Melchior), eine junge Frau, die Schwärme von winzigen, nagenden Wächtern beschwören kann. "Ich habe... vier Finger!"

Die Missionen sind nach wie vor allgemeine Geheimdiensteinsätze, die Infiltrationen, Extraktionen, Exekutionen und Detonationen ermöglichen. Die Story ist nicht sonderlich inspirativ, ebenso wenig wie die Zusatzmissionen, deren geheimes Ziel es ist, das Projekt 'Starfish' in einem extraterrestrialen Forschungslabor in Jotunheim aufzudecken. Doch die Charaktere werden fast alle für den Humor eingespannt, mit dem James Gunn sehr gut umgehen kann. Superheldenfilme funktionieren gewöhnlich besser, wenn sie nicht zu ernst genommen werden. Die Freiheit, die dieses Reboot mit einer strengen Altersfreigabe genießt, bietet reichlich Material für Gewalteinwirkung, Fluchwörter und sogar ein wenig Nacktheit. Das Ganze ist wirklich anspruchsvoll, wobei die optische Verblödung bestehen bleibt. "Ich würde alles für den Frieden tun. Egal, wie viele Frauen, Männer oder Kinder dabei sterben."

Die Chemie zwischen 'Bloodsport' und 'Peacemaker' stimmt erstaunlich gut, denn sie liefern sich einen ständigen Wettstreit wie in einer langjährigen Rivalität. Pausenlose Gimmicks, verrückte Wendungen, durchgeknallte Persönlichkeiten, zufällige Verwüstungen, exzentrische Hintergrundgeschichten, CG-Ungetüme und chaotische Actionsequenzen, alles mit einer Prise Komik, sorgen für gute Laune. "The Suicide Squad" macht mehr Spaß, als gedacht, da die extravagante Gewalt dazu neigt, sich zu repetieren und schnell langweilig werden kann. Die spitzen Winkelzüge und bildlichen Grotesken verlieren ihre Kraft, wenn ein Großteil des Films eine Orgie aus Tod, Chaos und Sarkasmus ist. Aber "Suicide Squad" von 2016 hat die Messlatte so niedrig gelegt, dass alles eine große Verbesserung ist, und diese Neuinterpretation ist wahrscheinlich das Beste, was man sich von der mageren Geschichte erhoffen kann. Die Antihelden sind adäquat heroisch, die Antagonisten sind so widerwärtig, dass selbst Überschurken im Vergleich dazu salonfähig erscheinen, und das Finale, in dem das Ausmaß der nonsensischen Superkräfte endlich erforscht wird, ist wie eine turbogeladene Version von Baron Münchhausens Versammlung der seltenen Landbewohner - eine berauschende Erfahrung in Exzessivität. Nichts davon wird die Zeit überdauern, aber für den Augenblick ist es jedenfalls ziemlich erquicklich. "Es geht nichts über ein Blutbad, um in den Tag zu starten."

"Suicide Squad" von Regisseur David Ayer zeigt dem Betrachter eine obskure Stätte in den Sümpfen von Louisiana, in der die grausamsten Mörder und die gefährlichsten Verbrecher eingelagert werden. Dieses Mosaik von Psychopathen ist derart unmenschlich und vorsätzlich letal, dass eine moralische Governance für ihre Kooperation notwendig ist, um die außerweltlichen Terroristen zu eliminieren. Ein Song nach dem anderen, von Grace bis hin zu Eminem, wird als Einführung für jede Rolle eingespielt, aber die Statistiken, die auf dem Bildschirm zu sehen sind, bieten wenig Stoff für den Aufbau fundierter Vorgeschichten. Später wird der Betrachter mit abundanten Rückblenden konfrontiert, um weitere Informationen zu erhalten, was die Charaktere noch weniger authentisch und sympathisch aussehen lässt, ebenso wie die Todsünde des Schnitts: Die Rückblende zu einer Szene, die bereits im Film gezeigt wurde. Die Gesellschaft der unzurechnungsfähigen Delinquenten besteht aus Harley Quinn (Margot Robbie), Deadshot (Will Smith), Boomerang (Jai Courtney), Diablo (Jay Hernandez) und Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje), von denen jeder eine besondere Fähigkeit, eine Superkraft oder einfach nur eine Kampfsportart beherrscht oder über enorme Muskelkraft verfügt.

Die Montage in der Art eines Musikvideos ist ein wesentlicher Faktor, der dieses ganze Theater so eintönig macht. Etliche Stellen werden ausgespart, als ob sie nicht aus Zeitgründen, sondern wegen des unerfreulichen Inhalts gekürzt worden wären. Es wird posiert, Zeitlupen werden missbräuchlich verwendet, und einzelne Sequenzen bauen sich zu einer Pointe auf, die entweder gänzlich verfliegt oder in einen Bastard aus Lichtern, Geräuschen und CG-Klimbim aggraviert. David Ayer wollte offenbar einen knallharten Film mit einer Altersfreigabe ab 18 Jahren drehen, nur um dann alle heikleren Passagen zu entfernen und abrupte Wendungen und eine gewisse Makulatur an Stelle der Seriosität und letztlich gegen die eigene Würde des Filmemachers zu stellen. "Suicide Squad" ist nicht annähernd so ernst, wie er sein müsste, vor allem, wenn der Betrachter Ehrfurcht vor dem Tun dieser Wahnwitzigkeiten haben soll. Die Dialoge sind vorwiegend klischeebeladen, die Invektiven zu ärmlich und die Action wird durch computeranimierte Monstrositäten verdeckt.

Amanda Waller (Viola Davis), die menschliche Leiterin der Geheimoperation, erinnert daran, dass in jedem Superheldenfilm die US-Regierung immer die erste Bedrohung ist. Am existentiellsten ist vielleicht das Konzept der Antagonisten, das sich jeder Charakterisierung, geschweige denn einer Definition durch den Film selbst entzieht. Fetischistische Hexen und Andersweltler fügen sich einfach nicht in das Batman-Universum ein. Wenn es irgendetwas auch nur im Ansatz Realistisches an einem maskierten Selbstjustizler und seinem geisteskanken Rivalen gab, wird in dieser Version des dunklen Ritters alles zu einem maßlosen Kräftemessen mit übernatürlichen Gottheiten. Der drohende Tod und der Kampf um eine Mission fallen nicht ins Gewicht, wenn Magie für alles eingesetzt werden kann und die Figuren sterben und ohne Erklärungsbedarf wieder lebendig werden können. "Die Welt hat sich verändert, als Superman über den Himmel flog"

Es erstaunt mich schon, dass "Suicide Squad" so sehr mit seiner Handlung haderte. Es hätte das simple Schema von "Con Air" oder "Das dreckige Dutzend" mit den Ganoven aus den 'Batman'-Filmen sein können. Doch es genügte nicht, ein 'A-Team' von Superschurken zusammenzustellen. "Suicide Squad" musste auch eine Liebesgeschichte mit dem Joker (Jared Leto), eine weitere zwischen der Enchantress (Cara Delevingne) und dem Militärangehörigen Rick Flag (Joel Kinnaman), eine Erpressung, einen motivierenden Sprengsatz, der unwilligen Wehrpflichtigen in den Nacken gepflanzt wird, gestohlen aus "Die Klapperschlange", und einen Nebenplot umfassen, in dem die Seele des toten Bruders der Enchantress beschworen wird. Es gibt so viele unnötige Nebensächlichkeiten und völlig stupide Charaktere, dass einige nur deshalb eingeführt werden, um eine einzige Vorstellung zu erfüllen, wie Adam Beachs Figur 'Slipknot', der nicht einmal dazu kommt, seine Stärken auszuspielen, und Karen Fukuharas 'Katana', die einfach beim Aufmarsch der Truppen vorbeischaut, ohne vorher eine ordentliche mit Musik unterlegte Einführung von Kanye West zu erhalten. Es wird auch nie erklärt, warum die Regierung nicht einfach zuverlässige Meta-Menschen wie Superman rekrutieren kann. Es kann ja nicht sein, dass nur noch bösartige Superhelden unterwegs sind wie in "The Boyz".

Auch wenn die Strukturierung von "Suicide Squad" unerträglich ist, die Charakterdesigns und Ursprünge würdelos sind und das Finale so bescheuert ist, dass es beweist, dass alles, was davor passierte, keinerlei Relevanz hat, ist Margot Robbie als Harley Quinn goldrichtig. Es ist unmöglich, sich eine bessere Besetzung für diese Rolle vorzustellen, die nahezu oscarwürdig war. Sie sieht aus wie das Original, benimmt sich wie die Figur und spricht in Einzeilern mit dieser gehässigen, unbekümmerten, koketten Demonstration von Bipolarität und geistiger Dysfunktion, die so treffend für die Vorlage ist. Sie ist inzwischen so erfolgreich, dass sie endlich ihren eigenen Film verdient hat. Alles andere an "Suicide Squad" ist leider so kümmerlich, dass ihre überwältigende Darstellung wahrscheinlich durch den Rest der Minderwertigkeit getrübt wurde.

Die Akzeptanz des Neustarts der Horror-Franchise wird darüber entscheiden, wie der Betrachter diesen Teil der "Freitag der 13."-Reihe unter der Regie von Marcus Nispel aufnehmen wird. Ein paar böse Worte von Kritikern werden die Gemüter nicht umstimmen. Doch es scheint, als wären den Machern dieser Slasher-Remakes die neuen Möglichkeiten, Menschen zu töten, fast ausgegangen. Die grausamen Morde des Serienkillers mit der Hockeymaske, dem der Betrachter mangels interessanter Opfer die Daumen drücken muss, fühlen sich düster an, auch wenn der blutige Realismus durch verbesserte Spezialeffekte aufgewertet wurde. Wer mehr als extreme Brutalität und Gratis-Nacktheit sucht, muss sich anderswo umsehen, denn hier gibt es nur eine Handvoll Horrorfilm-Klischees und Stereotypen, die sich darüber lustig machen, dass man ihre Monotonie nicht schneller erkennt. Aber vielleicht ist es minderbemittelt, zu viele Hoffnungen in den zwölften Film zu setzen, der auf demselben infamen Mörder basiert.

In einer der längsten Eröffnungssequenzen der Filmgeschichte entdecken fünf harmlose Camper die entsetzliche Wahrheit hinter der infernalischen Legende vom 'Crystal Lake', als sie von einem maskierten Geistesgestörten mit einer Machete kaltblütig dahingemetzelt werden. Über einen Monat später, als der Bruder eines der ersten Urlauber nach seiner vermissten Schwester sucht, trifft er auf eine Bande wilder College-Partylöwen auf der Suche nach Sex, Drogen und noch mehr Sex. Sie ahnen nicht, dass sie schon sehr bald vor einem gefährlichen Killer, der keine Augenzeugen duldet, um ihr Leben laufen müssen.

"Freitag der 13." ist sowohl eine Fortsetzung als auch ein Remake, und zwar nicht nur des Originalfilms von 1980. Die extrem lange Vorspannszene fasst im Grunde die Ereignisse der ersten beiden Filme zusammen, und im weiteren Verlauf werden auch die besten Aspekte der Teile 3 bis 9 in den Kontext integriert. Jason Voorhees erhält seine charakteristische Feldhockeymaske und unvergessliche Todesszenen werden stetig wiederholt. Es ist unbestreitbar eine Formel, die nie drastisch variiert, und so vorhersehbar das Ende eines jeden Opfers auch geworden ist, es gibt Unterhaltung für diejenigen, die gerne auf ihren Plätzen aufspringen und bei jedem lauten Geräusch und plötzlichen Regungen zusammenzucken.

Die Stereotypen sind so weit fortgeschritten, dass Filme wie "Scary Movie" sie nicht einmal mehr parodieren müssen - dieser Film macht sich über seine eigene ethnische Darstellung, die dümmlichen Dialoge, die übertriebene Gewalt und das leichtsinnige Gehabe lustig. Alles, was sich ankündigt, findet statt, und was passieren soll, tritt unweigerlich ein: Der Einzelgänger in der Hauptrolle klaut dem verkrampften Idioten die Freundin, was natürlich alle gegen ihn aufbringt. Die Mädchen sind alle nackt, die Jungs, die in abgelegene Gegenden laufen, sterben dementsprechend, und jeder ist sofort bereit, sich auf eigene Faust auf Entdeckungstour zu begeben. Es scheint, als wollten die Charaktere genauso gerne verrecken, wie es dem Betrachter Spaß macht, sie dabei zu beobachten, wie sie sich krümmen und quälen. Der wahre Protagonist ist also Jason Voorhees, die einzige Figur, die nie enttäuscht, wie das vorausschauende Ende beweist. Er ist der Einzige, der fortleben muss.

Wie alle fantasievollen Kinobösewichte zuvor und danach ist Jason Voorhees der Hauptgrund, warum die Anhänger immer wieder einschalten. Freddy Krueger, Pinhead, Leatherface und Michael Myers sind da keine Ausnahme. Zumindest eine unbeabsichtigte subliminale Botschaft ist scherzhaft positiv: Wenn du dich auf Sex, Drogen und jedes andere Tabu der freigeistigen Teenager einlässt, wird dich ein wahnsinniger, Machete-schwingender Mutant töten.

In "Nymphomaniac 1" von Regisseur Lars von Trier lernten wir Joe (Charlotte Gainsbourg) kennen, die von einem Mann namens Seligman (Stellan Skarsgård) mit Blutergüssen versehen irgendwo auf der Straße liegend vorgefunden wurde. Als sie sich in seiner Wohnung erholt, eröffnet sie ihm die erste Hälfte ihrer Lebensgeschichte, einen detaillierten sexuellen Ostrazismus, der bis in ihr drittes Lebensjahr zurückreicht. "Nymphomaniac 2", in dem sie den Kern ihrer Geschichte wiedergibt, setzt genau an der Stelle an, an dem der erste Teil endete, mitten in einem Kapitel, in dem die jüngere Joe (Stacy Martin) mit Grauen bemerkt, dass ihre Geschlechtsorgane keine sexuellen Sinnesreize mehr verspüren. "Ich spüre nichts!", schreit sie beim Vögeln mit Jerome (Shia LaBeouf), dem Mann, der sie mit fünfzehn Jahren deflorierte, sie dann einige Jahre lang als Assistentin einstellte und letztendlich zu einem fleischlichen Segment eines geschlechtlichen Konzerns degenerierte.

Indem sie ihre Episoden erzählt, versucht Joe, ihre Minderwertigkeit als menschliches Objekt zu demonstrieren. Bislang war Seligman nicht gewillt, sich auf ihre Position einzuschwören. Er tendiert sogar dazu, bestimmte Aspekte ihrer Schilderung als Inspiration für seine persönlichen Tangenten zu verwenden, die er aus seiner gründlichen Lektüre über eine Vielfalt von Thematiken schöpft und die in ihrer Korrelation mit ihren Worten merkwürdigerweise konsequent sind. In "Nymphomaniac 1" wirkte der Dialog weniger wie ein persönliches Geständnis von Joe als vielmehr wie ein interdisziplinäres Telefongespräch zwischen ihr und Seligman - eine Gehirnverschmelzung, wenn man es so ausdrücken kann. In "Nymphomaniac 2" sehen wir, dass Joe ihre Exkurse nicht so sehr akzeptieren kann, wie man uns anfänglich weismachen wollte. Sie fängt an, sich zu fragen, ob er ihr überhaupt zuhört, wenn sie zu ihm spricht. Sie findet es auch verstörend, dass er der einzige Mann ist, der von den Informationen aus ihrer unkeuschen Vergangenheit nicht in Ekstase versetzt wird.

"Nymphomaniac 2" belegt eindrucksvoll, dass in Seligman mehr steckt, als man auf den ersten Blick sieht, auch wenn das, was er schon recht frühzeitig über sich selbst verrät, in der allerletzten Szene schlagartig widerlegt wird. Doch dieser Handlungsaspekt, so interessant er auch sein mag, ist nicht so bedeutungsvoll wie Joes Lebensweg, der in drei zusätzliche Kapitel und ein Unterkapitel strukturiert wurde. Als neue Details ans Licht kommen, beginnt der Betrachter schließlich zu begreifen, warum sie sich selbst so hingebungsvoll verachtet. Wir könnten sogar langsam anfangen, ihr beizupflichten. Das war für mich sehr verwirrend. Es ist eine Sache, eine unterentwickelte Person in einem zweitklassigen Film nicht zu mögen, aber es ist etwas ganz anderes, von einer komplizierten Persönlichkeit in einer ebenso diffizilen Geschichte in Verlegenheit gebracht zu werden, die mich dazu nötigt, mir darüber Gedanken zu machen, ob ich ein derartiges Individuum im Privatleben überhaupt tolerieren könnte.

Der Weggang von Joes Orgasmusfunktion würde sich tiefgreifend auf ihr persönliches Leben auswirken und sie auf immer unbequemere Bahnen führen. Es folgt eine Periode, in der sie sich in ein häusliches Umfeld mit Jerome einlebt und einen kleinen Sohn großzieht, den sie per Kaiserschnitt zur Welt gebracht hat, um ihre Vagina nicht weiter zu beschädigen. Im Laufe der Jahre wird klar, dass der Drang, ihre sexuelle Wahrnehmung wiederzufinden, stärker ist als ihre Muttertriebe. Sie überlässt ihren Sohn einem unzuverlässigen Babysitter und wendet sich in ihrer Verdüsterung an einen Sadisten, der nur als K (Jamie Bell) identifiziert wird. An einem geheimen Ort missbraucht er mehrere gleichsam desperate Damen mit Lederpeitschen, mit blutigen Kordelknoten und mit Geldmünzen gefüllten Handschuhen. Er gibt ihnen sogar herabwürdigende Kosenamen, wie 'Fido' für Joe. Was er davon hat, lässt sich nur erahnen, denn er vergnügt sich weder bei seinen Gewaltakten, noch entledigt er sich seiner Klamotten. Doch selbst als Joe mit Zwang über die Armlehne einer Couch gebeugt und gestriegelt wird, ihre Taille mit einem Lederriemen fixiert und ihre Handgelenke mit einem Seil gefesselt sind, lernt sie schnell, ihr Becken in die gewünschte Richtung zu bewegen.

In späteren Jahren, nachdem sowohl Jerome als auch ihr Sohn von der Bildfläche verschwunden sind, wird Joe in ein Erpressungsgeschäft verwickelt, das von einem widerwärtigen Mann geleitet wird, der nur als L (Willem Dafoe) identifiziert wird. Ihr Job ist es, Leute aufzuspüren, die anderen Geld schuldig sind, und sie zum Zahlungsverkehr zu bewegen. Ihr guter Ruf bei den Männern, insbesondere bei K, macht sie ideal für diese Tätigkeit. Doch dann erreicht sie auf Geheiß von L, der weiß, dass selbst die besten Schuldeneintreiber jüngere Mündel brauchen, um ihre Position zu übernehmen, einen neuen Tiefengrad. Joe führt den Auftrag von L aus, einen problembelasteten Teenager aufzusuchen und ihn durch Aufmunterung und Zuneigung für sich selbst vorteilhaft zu gewinnen. Hier kommt ein Mädchen mit einem deformierten Ohr, das nur als P (Mia Goth) identifiziert wird, ins Spiel, dessen Interesse an Joe erst wächst, als sie endgültig mündig wird. Das bedeutet jedoch nicht, dass P eindimensional wäre.

Beide "Nymphomaniac"-Werke rufen überlaute Reaktionen hervor, zum Teil wegen der selektiven Darstellung nicht figurierter sexueller Prozeduren, vor allem aber wegen Lars von Triers Aufbietung, in die dunkelsten, oft unergründeten Abgründe der psychischen Organismen abzusteigen. "Nymphomaniac 2" ist allerdings ein besonders couragiertes Meisterwerk. Jenseits dessen, was wir sehen, werden wir mit unappetitlichen Axiomen über bestimmte Facetten der Menschennatur konfrontiert. Lars von Trier macht darüber hinaus auf seine ganz eigene und unnachahmliche Methode unglaublich intelligente und scharfkantige Aussagen über Sexismus und Geschlechterrollen. Ich vermute, dass diejenigen, die Lars von Triers Filme als frauenfeindlich bezeichnen, nicht bemerken, was hinter den provozierenden Botschaften steckt. Egal, was man von ihm hält, er gab dem weiblichen Geschlecht interessantere und anspruchsvollere Rollen als der Großteil der Regisseure der momentanen Generation.

Es spricht für Regisseur Lars von Trier, dass sein Film "Nymphomaniac 1" weitaus komplexer provoziert, als der Titel es suggeriert. Die bildliche Komponente der grafischen, nicht simulierten Pornografie ist zwar präsent, aber das, was wir sehen, ist nicht so schockierend wie die vom Titel abgeleiteten Gedanken und Gefühle der Protagonistin. Ihr richtiger Name ist Joe (Charlotte Gainsbourg), und indem sie die Stationen ihrer sexuellen Odyssee schildert, die im Alter von drei Jahren mit der Neuentdeckung ihrer Genitalien begann, enthüllt sie gleichzeitig und ziemlich unverblümt den Charakter ihres Wesens. Ungeachtet ihres offensichtlichen Defizits an gesellschaftlicher Doppelmoral und trotz der Befriedigung, die sie immer empfunden hat, wenn sie sich den körperlichen Begierden der Männer hingab, scheint sie nicht imstande zu sein, Emotionen auszudrücken oder gar zu fühlen, und hält sich für einen unverbesserlich schlechten Menschen.

Die Figur der Frau aus Lars von Triers "Antichrist", die ebenfalls von Charlotte Gainsbourg gespielt wird, hat sich auf ähnliche Weise abgewertet wie Joe und ist nach dem Studium der Hexerei und dem Tod ihres kleinen Sohnes zu dem Schluss gekommen, dass Frauen von Natur aus böse sind. Die Sexualkomponente ist in beiden Filmen gegenwärtig. Die Polarität zu "Nymphomaniac 1" besteht darin, dass die männliche Hauptfigur mit Joes Selbstanalyse nicht konform geht und deshalb nicht versucht, sie zu pönalisieren. Gemeint ist Seligman (Stellan Skarsgård), der in Joes Leben tritt, als er sie verletzt und blutverschmiert mitten auf der Straße liegen sieht und ihr seine Wohnung als Schutzraum anbietet. Auf einem Doppelbett entspannt sie sich bei einer Tasse Tee und erzählt ihm im Wesentlichen ihre Lebensgeschichte, in der diverse Sexualerfahrungen zu ihrer Selbstidentifikation avancieren.

Wie der Filmtitel deutlich macht, wird sie nur den ersten Teil ihrer Geschichte erzählen, der zweite Teil wird in "Nymphomaniac 2" zu Ende geführt. "Nymphomaniac 1" ist in fünf Kapitel gegliedert, in denen Joe überwiegend als jüngere Frau (Stacy Martin) dargestellt wird. Spannend ist, dass Seligman sich nicht nur die Geschichte der älteren Joe anhört. Er unterhält sich aktiv mit ihr, und anstatt ihre eindringlichen Darlegungen in perverse erotische Utopien zu verkehren, demonstriert er sein Einfühlungsvermögen mit metaphorischen Bezügen zu seinen eigenen Vorlieben, vor allem zum Fliegenfischen, auf eine überraschend einleuchtende und folgerichtige Weise. Vielleicht ist das auch der Punkt, warum Joe nie signalisiert, dass sie unterbrochen wurde. Vielmehr nutzt sie seine Dialogpassagen gekonnt als Vorlage für die weiterführenden Kapitel ihrer Geschichte. Es ist faszinierend, diese Fusion der Sektoren in den Blick zu nehmen.

Als Kind sehen wir, wie Joe und ein anderes Mädchen ihren Körper entdecken, indem sie in einem Badezimmer ihre Unterwäsche ausziehen, den Boden mit einem Duschkopf nass machen und auf dem Boden herumrutschen und so tun, als wären sie Frösche. Als junge Frau, die ihre Jungfräulichkeit bereits verloren hat, sehen wir, wie Joe und eine weitere Freundin ein Spiel daraus machen, mit wie vielen Männern sie während einer Zugfahrt Sex haben können, wobei der Gewinner eine Tüte mit Schokoladenbonbons als Preis erhält. Wir sehen auch, wie sie einen kritischen Grad der sexuellen Aktivität erreicht, bei dem sie mit sieben bis acht Männern pro Tag intim wird. Es geht nicht um Liebe, die die arme alte Frau negativ sieht. Und doch wurde ihr schon in jungen Jahren gesagt, dass die geheime Zutat zum Sex die Liebe ist. Die Ausnahme von der Regel war zu diesem Zeitpunkt in ihrem Leben vielleicht ein Junge aus der Gegend namens Jerome (Shia LaBeouf), der sie im Alter von fünfzehn Jahren entjungferte, sie einige Jahre später aus naheliegenden Interessen als seine Sekretärin einstellte und später noch ein Drittel eines sexuellen 'Cantus Firmus' wurde, wobei jeder ihrer Männer eine eigene musikalische Melodie darstellt, die zusammen eine Polyphonie bilden.

Von den fünf Kapiteln von "Nymphomaniac 1" sind zwei nicht nur die ergreifendsten, sondern es sind auch zwei etablierte Schauspieler, die die wohl besten Performances ihrer Karrieren zeigen. Im dritten Kapitel, 'Mrs. H.', trifft einer von Joes Stammgästen die Entscheidung, seine Familie zugunsten von ihr zu verlassen. Als er mit seinem Gepäck zurückkehrt, kommt seine Frau (Uma Thurman) unerwartet mit ihren drei Söhnen vorbei. Sie will nicht nur, dass ihr Mann kapiert, was er verloren hat, sondern auch, dass ihre Jungen verstehen, für wen ihr Vater sie im Stich lässt, und sie verlangt von ihnen, dass sie gedankliche Erinnerungsfotos von Joes Bett machen. In 'Delirium', dem vierten Kapitel, das in Schwarz-Weiß gedreht wurde, wird Joe mit der Realität ihres sterbenden Vaters (Christian Slater) konfrontiert, der in einem Krankenhauszimmer in den letzten Atemzügen in einem nicht spezifizierten Gebresten dahinsiecht. Trotz der demütigenden Wirkung und des Verlusts der Körperkontrollmöglichkeiten, die er erfährt, kommt ein Augenblick, in dem Joe keine Empfindungen mehr verspürt. Ihre einzige Reaktion ist rein physischer Natur, da sich ihre Vagina automatisch selbst befriedigt.

Gelegentlich versucht Seligman, Joes Vorgehensweise zu legitimieren, wogegen sich Joe sträubt, meist mit leisem Zorn in ihrer Stimme. Es ist nicht seine Aufgabe, sie von ihrem Wert zu überzeugen, sondern ihre Destination ist es, ihn von ihrer Wertlosigkeit zu bekunden. An diesem Wendepunkt ihrer Biografie ist er nicht geneigt, sie so zu nehmen, wie sie sich selbst wahrnimmt. Doch ihre Geschichte ist noch nicht abgeschlossen. Was wird er von ihr denken, nachdem sie ihm alles über sich preisgegeben hat? Von allen Fragen, die "Nymphomaniac 1" aufwirft, wiegt diese Nachfrage am schwersten. In einer idealen Welt würde es selbstverständlich keine Bedeutung haben, was Seligman oder irgendjemand anderweitig über Joe denkt. Es käme nur darauf an, was sie von sich selbst hielte, und sie würde bewusst auf ein positiveres Eigenbild hinarbeiten. Doch Lars von Trier, der in Filmkreisen für seine heftigen depressiven Störungen bekannt ist, hält nicht viel von Idealen. Es gibt Gründe, warum die letzten Zeilen verzweifelte Hilferufe sind: "Ich kann nichts fühlen!"

In "Geheimauftrag Hollywood" von Regisseur Steve Rash wird Otto Kriegling (Billy Barty) vom Führer beauftragt, sich mit einem Japaner im weißen Anzug zu treffen, um eine verdeckte Operation in den Vereinigten Staaten durchzuführen. Zur gleichen Zeit wird der Secret Service Special Agent Bruce Thorpe (Chevy Chase) beauftragt, den verbannten und unglaublich paranoiden Herzog Leopold (Joseph Maher) und die fast blinde Herzogin (Eve Arden) mit dem Zug nach 'Culver City' zu eskortieren und dabei geheimnisvoll und inkognito zu bleiben. Nach der Ankunft von Bruce Thorpe strandet eine japanische Gruppe von Amateurfotografen, die zufällig alle in Weiß gekleidet sind, im Hotel, als ihr Bus eine Panne hat.

In der Zwischenzeit muss die Casting-Direktorin Annie Clark (Carrie Fisher) die Statisten von 'Der Zauberer von Oz' beaufsichtigen. Für die Dauer der Dreharbeiten müssen 150 kleine Menschen im Hotel untergebracht werden. Ihre einzige Hilfe ist der extrem hochgewachsene Homer (Peter Isacksen), der dämliche Neffe des Produzenten. Der kleine Rollo Sweet (Cork Hubbert) kommt aus Los Angeles in die 'Culver Studios' in der hoffnungsvollen Erwartung, groß rauszukommen. Und schließlich taucht ein italienischer Auftragskiller auf, um den Herzog zu töten. Tragischerweise ist trotz der vielen Charaktere und Nebenhandlungen, die nur dazu da sind, um miteinander verwechselt zu werden, keiner von ihnen wirklich relevant.

Dank einer der genialsten verbalen Missverständnisse der Filmgeschichte vertraut sich Otto Kriegling dem falschen japanischen Geschäftsmann an und gibt ihm eine für eine Invasion wichtige Karte. Von hier aus folgen verschiedene Parteien einander, um ihre Missionen zu erfüllen, mit permanenten Veränderungen, zufälligen Todesfällen, willkürlichen Unterbrechungen und irrtümlichen Morden. Zu den weiteren Blödsinnigkeiten gehören eine überflüssige Romanze, das regelmäßige Töten und Ersetzen eines Hundes, die wachsende Zahl japanischer Touristen, die an Fleischhaken in einem Kühlhaus aufbewahrt werden, dumme Schwertkämpfe zwischen Liliputanern und unendliche Partys.

Mit tendenziell rassistischen Untertönen, Kurz-und-Klein-Witzen, Zwergenrippchen und allerlei politischer Unkorrektheit und anderen geschmacklosen Dialogen, die von debilen Nebenfiguren vorgetragen werden, gibt es in dieser altmodischen, lustlosen Komödie nur wenig zu lachen. Selbst der niedliche, flauschige Hund 'Strudel' und ein beeindruckender Stunt, bei dem eine kleine Person eine Treppe hinunterstürzt, können der einzigartigen, aber sehr schlecht montierten Prämisse nicht viel Leben einhauchen. Insbesondere ist es merkwürdig, dass kurz nach "Caddyshack - Wahnsinn ohne Handicap" und "Das Imperium schlägt zurück" Chevy Chase respektive Carrie Fisher die Hauptrollen in diesem inspirationsarmen Schrott übernahmen, den sie beide später als einen der miesesten Filme ihres Lebens bezeichneten. Zufälligerweise, oder vielleicht auch nicht, ist Carrie Fisher vor dem Erfolg von Prinzessin Leia in ihrem Blechbüstenhalter bis auf die Unterwäsche entkleidet - eines der einzigen denkwürdigen Elemente dieses äußerst vergessenswerten Films.

War "Geheimauftrag Hollywood" ein Vorwand, um einen Film mit vielen kleinwüchsigen Menschen zu drehen? Oder hielten die Produzenten dieses Material tatsächlich für lustig? Zugegeben, die Krönung aller Handlungsteile, die Verfolgungsjagd mit Bus, Buggy, Hund, Pferd und einem kleinen Menschen durch die Kulissen von "Vom Winde verweht" und "Der Zauberer von Oz" und die Schlussszenen, die einen wirklich verstimmen lassen, sind in ihrer filmischen Tolldreistigkeit halbwegs ergötzlich.

In "Zehn - Die Traumfrau" von Regisseur Blake Edwards trifft der Songwriter George Webber (Dudley Moore) im dunklen Strandhaus seines Partners Hugh (Robert Webber) ein, das nur von einer Kerze beleuchtet wird, weil eine Sicherung durchgebrannt sein muss. Aber es ist eine Falle, denn drinnen wartet eine große Gruppe von Freunden, die bereit sind, eine Überraschungsparty für den 42-Jährigen zu schmeißen. Nachdem der Alkohol getrunken und die Kerzen auf der Torte gelöscht sind, versucht George Webbers Freundin, die 38-jährige Samantha Taylor (Julie Andrews), das aufgelöste Geburtstagskind zu trösten. Bei den Feierlichkeiten wurde Georges nahende Midlife-Crisis nur noch offensichtlicher. Die Zeit lässt sich nicht zurückdrehen.

Auf der Rückfahrt nach Beverly Hills am nächsten Tag wird George mit Ablenkungen bombardiert, die die Grenzen seines wandernden Geistes und seiner Treue testen. Von Strandmädchen über spärlich bekleidete Joggerinnen bis hin zu einer jungen Frau im Hochzeitskleid - alle wecken sein sexuelles Verlangen. Da hilft es auch nicht, dass er ein Fernrohr auf seiner Terrasse hat, das direkt auf seinen promiskuitiven Nachbarn gerichtet ist, der immer eine nackte Frau im Pool oder über den Billardtisch gebeugt zu haben scheint, oder sogar mitten am Tag eine Orgie veranstaltet. "Mit 40 beginnt das Leben".

Als George von der Frau im Hochzeitskleid, Jennifer Miles (Bo Derek, die Inkarnation der Versuchung), fasziniert ist, der er in die Kapelle gefolgt ist, um sie besser kennen zu lernen, beginnt er, ihr Leben zu erforschen und verliebt sich immer mehr in sie. Nach einigen angespannten Gesprächen und Interaktionen mit Samantha beschließt George, nach Mexiko zu fliegen, wo Jenny ihre Flitterwochen verbringt, ohne einen Plan zu haben, was er nach seiner Ankunft tun soll, da er immer noch stark unter dem Einfluss von Schmerztabletten und Wein steht. "Du wirst besessen von der Hässlichkeit des Alterns!"

Neben den dramatischen Konfrontationen und Beziehungen gibt es auch jede Menge Komik im Hintergrund, etwa wenn eine ältere Frau Tee serviert, ein Priester versucht, George Webber mit einem Lied zu beeindrucken, und in einer langen Slapstick-Nummer, in der George Webber hinfällt, den Hügel hinter seinem Haus erklimmt und dann in seinen Pool fällt. Sogar ein Erkundungsbesuch beim Zahnarzt, um Informationen über Jenny einzuholen, mündet mit unvorhergesehenen zahnmedizinischen Behandlungen, die durch eine nervige Zahnarzthelferin noch verschlimmert werden, mit Getränken, die er aufgrund eines geschwollenen Mundes verschüttet, und mit einem Besuch bei der Exekutive endet. Die Komödie nimmt gelegentlich groteske Auswüchse an und überschreitet die Grenzen des Realismus, obwohl sie ein sehr realistisches Szenario unter die Lupe nimmt. Sie ist jedoch sorgfältig geplant, um die Vermischung von Signalen und die These zu unterstreichen, dass George und Samantha auf entgegengesetzten Wellenlängen liegen, insbesondere wenn er sich dafür entscheidet, Lösungen für seine Ängste im mittleren Alter zu finden.

Bewundernswert ist, dass Julie Andrews' Figur nicht dumm oder leicht zu manipulieren ist, sondern stark und unabhängig bleibt und sich dennoch um das Wohl ihres Freundes sorgt. Es ist eine bemerkenswerte Rolle für die Schauspielerin, die rund fünf Jahre lang von der Leinwand verschwunden war. Blake Edwards stellt sein komödiantisches Talent und das seiner Schauspieler unter Beweis, indem er die schwergewichtigen Momente des Dramas mit Witzen aus dem Stegreif auflockert. Auch die Vorstellungskraft wird durch die Widrigkeiten der Wirklichkeit erschüttert.

"Zehn - Die Traumfrau" lebt auch von den therapeutischen Weisheiten eines freundlichen Barkeepers (Brian Dennehy), einer unglücklichen Urlauberin (Dee Wallace), dem Klavierspiel mit der Musik von Henry Mancini und dem Gesang von Julie Andrews. George Webber ist eigentlich kein Sympathieträger, und das Drehbuch hofft, dass sein Leiden den Nerv des Betrachters trifft. Seine machtlose Persönlichkeit macht ihn zu einer Art Antagonisten, wobei die Handlung im Wesentlichen eine Bewährungsprobe für seinen schwachen Willen ist. Allein die Tatsache, dass er nach Gelegenheiten zum Fremdgehen sucht, so lustig sie auch sein mögen, macht ihn ein wenig unbelehrbar, vor allem, wenn er davon ausgeht, dass Jenny, sollte er mit ihr im Bett landen, seine Gesellschaft als etwas mehr als nur einen Seitensprung schätzen wird. Dennoch ist "Zehn - Die Traumfrau" eine interessante Charakterstudie, bittersüß und aufschlussreich, aber auch mit vielen Lachern durchsetzt.

"Der Vagabund und das Kind" beginnt mit einer kurzen Charakteristik, die die exquisite Einfachheit von Charlie Chaplins üblichen Werken widerspiegelt: 'Ein Bild mit einem Lächeln - und vielleicht einer Träne'. Es ist in der Tat ein starker Film und der erste Auftritt des berühmten Komikers in voller Länge. Er gilt als einer der ersten Filme, der Komödie und Drama miteinander verbindet, wobei die ernsteren dramatischen Töne ein großer Vorteil der längeren Laufzeit sind. Charlie Chaplins frühere Kurzfilme setzten meist auf rasante Action mit reinem Slapstick. "Der Vagabund und das Kind" hatte einen unglaublichen Erfolg an den Kinokassen und war nach "The Four Horseman of the Apocalypse" (nicht in der MP-Datenbank) der zweitumsatzstärkste Film des Jahres 1921.

Eine arme junge Frau (Edna Purviance) verlässt sich bei der Geburt ihres kleinen Jungen auf ein Wohltätigkeitskrankenhaus, da sie weiß, dass er, wenn sie ihn behält, an ihrer Not teilhaben wird. Schweren Herzens lässt sie das Neugeborene auf dem Rücksitz eines teuren Autos zurück, das auf dem Gehweg eines luxuriösen Hauses geparkt ist. Zu ihrem Entsetzen, vor allem nachdem sie es sich anders überlegt hat und zurückfährt, um das Kind zurückzuholen, wird das Fahrzeug von zwei bewaffneten Schlägern mit bemalten Gesichtern gestohlen, und der weinende Waise wird in einer Gasse zurückgelassen. Ein argloser Vagabund (Charlie Chaplin) kommt vorbei und beschließt, das Kind zu behalten und ihm den Namen John zu geben, da er es durch eine Reihe von lustigen Pannen nicht einfach zurücklegen kann.

Fünf Jahre später versucht der Landstreicher, John (Jackie Coogan) in seiner baufälligen Behausung aufzuziehen. Er erträgt all die pittoresken Elemente des Vaterseins, einschließlich der Aufsicht über die Sauberkeit seines Sohnes, ihm das Beten beibringt und ihn bei einem Kampf mit einem benachbarten Tyrannen anfeuert. Das Duo hat auch Erfolg mit einer Masche, bei der der Junge für den Vagabunden Fensterscheiben einwirft, die dieser dann schätzt und gewinnbringend repariert. Letztendlich zwingen die schlechten Lebensbedingungen John und seinen Vater dazu, sich auf die Flucht zu begeben. Als sie sich in einer Absteige verstecken, bringt der Besitzer, der eine Zeitung entdeckt hat, in der eine Belohnung von 1000 Dollar für den Fünfjährigen ausgesetzt ist, ihn zu seiner rechtmäßigen Mutter zurück. Doch der Stadtstreicher ist fest entschlossen, seinen Adoptivsohn ausfindig zu machen und ihn zurückzuholen.

Der große Koinzidenzfall oder das wiederholte Zusammentreffen bedeutender Menschen ist ein Hauptthema in "Der Vagabund und das Kind", das Charlie Chaplin auch in seinen späteren Stummfilmen verwenden sollte. Diese schicksalhaften Ereignisse tragen auf dramatische Weise zu den vielen Emotionen bei, die Charlie Chaplins Themen beim Betrachter hervorrufen können. Eine besonders herzzerreißende Szene entsteht, als die Behörden John in ein Waisenhaus einweisen, weil der Herumtreiber nicht in der Lage ist, ein Kind zu versorgen, das in einem ikonischen Standbild verewigt wurde. Perfekt unterstützt wird jeder zu Tränen rührende Moment durch die mitreißende Musik, die von Charlie Chaplin selbst meisterhaft orchestriert wurde.

Die typische Ein-Mann-Show, die Drehbuchautor, Produzent, Hauptdarsteller und Regisseur ist, teilt sich die Leinwand mit einer außergewöhnlichen Leistung von Jackie Coogan, der Emotionen durch Mimik ebenso effektiv zu manipulieren weiß wie Charlie Chaplin durch eine berührende Erzählung. Der Filmemacher verwendet auch seine Technik, direkt in die Kamera zu schauen, als ob ein Insider-Witz mit dem Betrachter im Gange wäre, cartoonhafte Gewalt mit einem Box-Dodge-Gimmick, das später und einprägsamer in "Lichter der Großstadt" verwendet wird, und eine rätselhafte Traumsequenz, die auf den wahrscheinlich vorübergehenden Zustand des Glücks hinweist, den er am Ende des Films findet. So endet "Der Vagabund und das Kind" glücklicherweise mit einer positiven, wohltuenden Botschaft, die die Schönheit seiner würdevollen Beziehung zu seinem Ersatzsohn unterstreicht.

In "Tod aus dem All" von Regisseur Terence Gross zieht Dr. Jennifer Stillman (Nastassja Kinski, die ihren Akzent von Szene zu Szene wechselt) immer wieder ihre Landkarte zu Rate, aber die hilft ihr nicht viel, als sie planlos durch bergiges Gelände in die Kleinstadt Sierra Vista in Nevada fährt. Als sie an einem Zebrastreifen an einer Schule ankommt, stellt ein fremder Junge einen stechenden Blickkontakt her - der erste von vielen beunruhigenden Vorfällen, denn schon bald findet sie sich in der Kleinstadt nicht mehr zurecht. Sie soll die neue Therapeutin für die Grundschule sein, aber niemand scheint sie willkommen zu heißen oder gar freundlich zu empfangen. Am unsympathischsten ist Sheriff Ken (Harry Groener), der die junge Frau unnötig belästigt, als würde er ein Initiationsritual durchführen.

Schulleiter Ed Turner (Stephen Tobolowsky) führt Jennifer herum, aber selbst er scheint nicht zu wissen, was sie in Sierra Vista zu suchen hat. Zusammen mit der herrischen Krankenschwester Della (Debra Christofferson) richtet er ein Büro ein, in dem Benjamin James McCann (Bobby Edner) von einem anderen Schüler schikaniert wird und sich bald in der Obhut von Jennifer Stillman wiederfindet. Der Junge redet nicht viel, ebenso wenig wie sein Vater, der Arzt Michael McCann (Randy Quaid), der nicht begeistert ist, dass sich eine Psychologin für seinen Sohn interessiert. Als sie einige der lokalen Charaktere kennenlernt, werden die Dinge noch sonderbarer. Ben hat einige dunkle Geheimnisse aus seiner Vergangenheit, und die Stadtbewohner mögen keine neuen Bewohner, insbesondere keine, die sich in die Angelegenheiten anderer einmischen. "Da würde ich mir keine Gedanken machen."

Wie mehrere andere Filme der 'Creature Features'-Reihe, die für 'Cinemax' gedreht wurden und ihren Namen von 'American International Pictures'-Veröffentlichungen aus den 1950er Jahren übernommen haben, verwendet dieses Sci-Fi-Horror-Projekt ein in die Geschichte eingewobenes Comicbuch, das als eine Art erzählerischer Leitfaden dient. Außerdem werden Notizen aus alten Schwarzweiß-B-Filmen verwendet, die im Kontext des Films betrachtet werden, um monströse Elemente anzudeuten. Und diese glitschigen, furchterregenden Wesen werden von dem großartigen 'Stan Winston Studio' zum Leben erweckt.

Allerdings scheint das finanzielle Volumen von "Tod aus dem All" begrenzter zu sein als das seiner ehrgeizigen Brüder, und er sieht eindeutig nach einer Fernsehproduktion aus. Trotzdem sind die Momente, in denen die Augäpfel aus ihren Höhlen quellen, ein besonders einnehmendes Design, das sowohl kreativ als auch angemessen ausgeführt ist, während die Kreatur in einem Kostüm lustig ist, selbst wenn sie systematisch verdeckt wird, um ihre nicht vorhandenen Qualitäten zu verraten. Die Ungläubigkeit der Erwachsenen ergänzt die überirdischen Vorkommnisse, wobei die Zahl der Todesopfer steigt und die Stadtbewohner in panische Angst geraten, bevor sie zu ihren Mistgabeln greifen. Doch die Handlung ist ein wenig zu simpel und zu flink, um die Selbstverständlichkeit des Ungläubigen zu überwinden. Ihre Aussetzung hat keine Aussicht auf Bestandskraft. Infolgedessen hat der Schluss, der wechselweise spannend und lächerlich ist, auch nicht viel Substanz, obwohl die verschiedenen Offenbarungen Anregungen geben, die mit größerer Erfahrung im Bereich des Monsterfilms aufgearbeitet werden könnten und auch schon wurden.

"Man hat den Krieg nicht gesehen, bevor man ihn nicht durch die Augen von Quentin Tarantino betrachtet hat." Der Slogan für "Inglourious Basterds" ist sehr treffend, denn Quentin Tarantinos Darstellung der Schlachten des Zweiten Weltkriegs ist definitiv anders als alles, was es bisher gab. Wenn er jedoch die Ereignisse und Erkenntnisse, von denen viele wissen, dass sie historisch korrekt sind, durcheinanderbringt, fügt er ein weiteres Konzept hinzu, das die ohnehin schon schwierige Aufgabe, die Ungläubigkeit zu überwinden, erschwert. Aber Quentin Tarantino wäre nicht Quentin Tarantino ohne diese ausgefallenen Erzähltechniken, und Fans seines ausgefeilten Filmstils werden ihre helle Freude an den vielen cleveren Dialogen, den brutalen Gewaltausbrüchen und einer Rachegeschichte haben, die auf ein wirklich explosives Ende hin angelegt ist.

Es war einmal im von den Nazis besetzten Frankreich, als die junge Jüdin Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) Zeugin wurde, wie ihre Familie von Oberst Hans Landa (Christoph Waltz) ermordet wurde. Sie entkommt nur knapp mit dem Leben und sinnt einige Jahre später auf Vergeltung, als der deutsche Kriegsheld Fredrick Zoller (Daniel Brühl) sich für sie interessiert und eine illustre Filmpremiere in dem von ihr betriebenen Kino arrangiert. Da alle wichtigen Nazi-Offiziere ihre Teilnahme zugesagt haben, erregt die Veranstaltung die Aufmerksamkeit der 'Basterds', einer Gruppe jüdisch-amerikanischer Guerillasoldaten unter der Führung des skrupellosen Leutnants Aldo Raine (Brad Pitt). Während die unerbittlichen Mörder vorrücken und die Pläne des verschwörerischen jungen Mädchens in Gang gesetzt werden, kreuzen sich ihre Wege an einem schicksalhaften Abend, der die Geschichte erschüttern wird. "Hugo Stiglitz!"

Quentin Tarantinos Filmstil hat sich zwischen seinen letzten Filmen nicht wesentlich verändert. Er hat eine ziemlich einzigartige Herangehensweise an das Geschichtenerzählen, die gut funktioniert, so dass die Wiederholungen verzeihlich sind. "Inglourious Basterds" ist typisch Quentin Tarantino: langatmige, durchdachte und witzige Dialoge, übertriebene Detailverliebtheit, Kapitelüberschriften und blitzendes Namedropping sowie eine sarkastische, schwarzhumorige Sicht auf exzessive Gewalt. Einige Szenen ziehen sich erheblich in die Länge, und die Dialoge sind aufgemotzt, aber die Eskalation der Geschehnisse, die sich kreuzenden Wege der Charaktere und der schockierende Höhepunkt machen die zusätzliche Zeit, die Quentin Tarantino das Publikum im Kinosessel hält, mehr als wett. Es ist unerwartet, historisch inkorrekt und immens unterhaltsam. Und Christoph Waltz liefert eine absolut atemberaubende Performance als kalkulierender Bösewicht. "Die Deutschen werden von uns angewidert sein!"

Quentin Tarantinos offensichtliche Vorliebe für Manipulationen und Filme findet ihren Weg in diesen skurrilen Kriegsfilm, zusammen mit ausgedehnten Gesprächen über Max Linder vs. Charlie Chaplin, Strudel, Milch und den erwarteten rassistischen Bemerkungen. Er beweist seine Fähigkeit, mit dem Betrachter zu spielen, indem er großartige Musik auswählt, unangenehme Witze macht, um die Spannung zu brechen, Zufälle geschickt arrangiert und die Spannung extrem erhöht. Zuweilen ist der Spannungsbogen genüsslich ausufernd. In Anbetracht des großen popkulturellen Einflusses, den Quentin Tarantino auf Cineasten in aller Welt ausübt, kann man davon ausgehen, dass die Menschen in den kommenden Jahren "Inglorious" und "Bastards" falsch schreiben und nicht in der Lage sein werden, die wichtigsten Ereignisse des Zweiten Weltkriegs korrekt wiederzugeben. "Sag deinen Nazi-Eiern auf Wiedersehen"

In "Bad Boys - Harte Jungs" von Regisseur Michael Bay werden Drogen im Wert von 150 Millionen Dollar aus einer Hochsicherheitseinrichtung der Polizei gestohlen, die von einem einzigen verschlafenen Wachmann beaufsichtigt wird, und zwar von einer professionellen Gang, die mit modernster Hightech-Ausrüstung für Banküberfälle ausgestattet ist. Zwei angesagte Polizisten aus Miami werden von ihrem großmäuligen, unflätigen Rauschgiftdezernenten Conrad Howard (Joe Pantoliano) auf den Fall angesetzt, selbst als sich die DEA und das FBI einschalten, um die niedere Polizei als Sündenbock für den mutmaßlichen Insider-Job zu hinterlassen. Mike Lowrey (Will Smith) ist der Sportwagen fahrende, geschmeidig redende Playboy, während Marcus Burnett (Martin Lawrence) der strenge Sergeant mit Familiensinn ist. Sie ähneln Riggs und Murtaugh aus "Lethal Weapon", nur ohne die witzigen Kontraste oder die intelligente Chemie. Einige ihrer Gespräche sind durchaus witzig, aber viele fallen merklich in sich zusammen.

Die heldenhaften Partner werden durch eine Reihe von Antagonisten ergänzt, die ständig unschöne Fratzen ziehen und nicht davor zurückschrecken, Zeugen mit Vorschlaghämmern zu ermorden. Die Diebesbande wird von Fouchet (Tcheky Karyo) angeführt, einem Mann, der angeblich intelligent genug ist, um einen komplexen Raubüberfall zu planen, der aber einen irrationalen Ex-Cop als Komplizen hat, der sofort eine Party mit ein paar Nutten für sich selbst organisiert. Die eine ist eine gute Freundin von Lowrey, die andere ist ihre Mitbewohnerin Julie Mott (Tea Leoni), eine naive Frau, die sich für zusätzliches Geld als Prostituierte ausgibt und die einzige ist, die die Festivitäten lebend übersteht.

Sie ist nun eine dringend benötigte Zeugin und die einzige Verbindung zu Fouchet und seinem Drogenlabor, das schnell daran arbeitet, ein Feuchtigkeitsdefizit zu beheben und das illegale Gut zu reduzieren. Julie verlangt zunächst, nur mit Mike zu sprechen, was dazu führt, dass Marcus seine Identität annimmt, als der gerissene Detektiv nirgendwo auffindbar ist. Der Rollentausch ist zwar lustig, trägt aber auch zur Absurdität bei, was die Wahrscheinlichkeit von Wirklichkeitsnähe weiter verringert. Es hilft auch nicht, dass Tea Leoni jeden ihrer Sätze mit einer ohnmächtig vibrierenden Lippe zu sprechen scheint, so als hätte sie vor dem Aussprechen der Worte Angst.

Ein bassiger Rockbeat begleitet fast jede Szene, auch die mit zufälligen Gewaltexzessen, verschiedenen Szenenübergängen, Einleitungen zu gewitzten Neckereien und Spaziergängen durch das Polizeirevier. Es ist protzig, unpraktisch und völlig grundlos. Abgerundet werden die unzeitgemäßen, aber fetzigeren Sektionen der Partitur durch altmodische melodramatische Riffs, die tragische und traurige Momente begleiten. Es ist, als ob "Bad Boys - Harte Jungs" zu sehr versucht, sowohl cool als auch dramatisch zu sein, und der Betrachter verzweifelt daran interessiert ist, das zu erfahren. Auch der Schnitt ist eigenartig, mit Überblendungen auf Schwarz, Zeitlupenaufnahmen in aktionsfreien Momenten - Will Smith rennt während der verlangsamten Aufnahmen mit offenem Hemd -, irrelevanten Rückblenden und abrupten Schnitten, die grotesk antiklimaktisch sind und definitiv nichts für das heterosexuelle Klientel taugen. Kameras, die das Duo häufig umkreisen, während sie in Macho-Posen mit gezogenen Waffen dastehen, tragen ebenfalls massiv zur Spottlust bei.

Doch die technischen Defizite sind nebensächlich neben den Dialogproblemen, die gelegentlich von Inkonsistenzen in der Geschichte ablenken. Wenn Schlägertypen in Nebenrollen Zeit bekommen, sich gegenseitig zu beleidigen, ein Schreibtischangestellter einen Monolog über seine Karriere hält und Julie Selbstgespräche führt, während sie mit Handschellen an das Lenkrad gefesselt ist, wird klar, dass das Drehbuch versucht, Füllmaterial zu schaffen. Unzählige andere Sequenzen halten sich viel zu lange mit irrelevanten Dialogen auf, nur um einen zusätzlichen Witz mit einem kurzen Spruch einzubauen. Glücklicherweise sind die heftigen Streitereien, die beißenden Witzeleien und die Auseinandersetzungen zwischen dem Polizei-Captain, Mike Lowrey, Marcus Burnett und verschiedenen anderen Nebenrollen lustig genug, um das Tempo einigermaßen aufrecht zu erhalten.

Einige der Actionszenen sind auch geschickt mit Humor verbunden, wie eine Schlägerei im Club 'Hell' und eine Good-Cop/Bad-Cop-Routine in einer Reifenwerkstatt. Die allgemeine Theatralik, die jeder der Polizisten sowie der Ersatzmann und der Captain an den Tag legen, ist jedoch bemitleidenswert, vor allem, wenn Will Smith und Martin Lawrence dazu angehalten werden, ihren Text zu brüllen, um die mangelnde Intensität zu überdecken. "Bad Boys - Harte Jungs" versucht, sowohl ein Actioner als auch eine Komödie zu sein, was ihm aber nur sporadisch gelingt, da die blöden Schnittfolgen und deplatzierten Dialoge jede Sekunde des Erlebnisses gründlich trüben.

In "Brokeback Mountain" von Regisseur Ang Lee hält Ennis Del Mar (Heath Ledger) auf seinem Weg nach Signal, Wyoming, im Jahr 1963 im Wohnwagenbüro von Joe Aguirre (Randy Quaid), um nach Arbeit für den Sommer zu suchen. Auf dem Parkplatz wartet Jack Twist (Jake Gyllenhaal), der ebenfalls auf der Suche nach einem Job ist. Wie sich herausstellt, wartet ein Arbeitsangebot auf ihn: Dank der strengen Regularien der Forstbehörde muss Joe Aguirre mit inakzeptablen Einbußen bei seinen Schafen durch Wildtiere rechnen, doch er ist gewillt, alle anderen Risiken für sein Einkommen auf dem 'Brokeback Mountain' zu minimieren, wo seine Herde grasiert. Beide Männer kümmern sich um die Schafsherde und treiben sie durch die Landschaft, doch einer bewacht die Tiere intensiver und verbringt die Nacht in ihrer Mitte, während der andere aus der Distanz heraus kampiert, die Lebensmittelvorräte regelt und die Mahlzeiten kocht.

Tagsüber träumen die beiden Cowboys davon, in Zukunft eine eigene Farm zu besitzen, niemandem außer sich selbst Rechenschaft abzulegen und etwas Deftigeres zu essen als die Bohnen aus der Dose, die den überwiegenden Teil ihrer täglichen Verpflegung ausmachen. Doch es ist nicht immer friedlich auf dem Gebirge, denn Wölfe und Kojoten stellen eine ständige Gefahr für die Tierbestände dar, und Kollisionen mit Bären sind nicht ungewöhnlich. Die Alltagsroutine und die Isolation geben den beiden viele Anreize, sich besser kennenzulernen, was sie einander näher als vermutet bringt und eine Anziehungskraft weckt, mit der keiner von ihnen gerechnet hat.

Von der ersten Minute an setzt "Brokeback Mountain" auf lange und dialogarme Pausen, die dem Betrachter die Deutung von Mimik und sprachlosen Interaktionen selbst überlassen. Heath Ledger und Jake Gyllenhaal schlüpfen mit bemerkenswerter Natürlichkeit in ihre Rollen, und auch die Nebenfiguren sind anerkennenswert. Natürlich ist es nicht nur die Schauspielkunst, die "Brokeback Mountain" zu einer außerordentlichen Meisterleistung macht, sondern auch die Tatsache, dass es sich um eine mit Stars besetzte Mainstream-Darstellung einer homo- oder bisexuellen Liebesbeziehung handelt, die auch einige recht grafische Illustrationen enthält - etwas, das Hollywood selten tut. Interessanterweise sind nicht die zentrale Romanze oder die Begleitumstände, die sie umrahmen, besonders ungewöhnlich. Vielmehr sind es lediglich die Geschlechter der Akteure, die zunächst für Furore sorgten. Ihre Auffassung von Sexualität ist weitaus universeller und emotionsbetonter, als dass sie sich an simple, anschauliche Definitionen hält. Die Infragestellung herkömmlicher Maskulinitätskonzepte ist zweifellos pointiert und fordert den Betrachter auf, die Ungewissheit und die Ängstlichkeit derjenigen zu teilen, deren Lifestyle nicht den gängigen Tendenzen entspricht. "Jungs sollten Fußball gucken."

Die Liebesgeschichte selbst hat zum Glück Bestand. Wie in klassischen Liebesfilmen haben die Protagonisten damit zu kämpfen, sich selbst zu negieren und zugleich von anderen angeprangert zu werden, was hier durch eine sehr glaubwürdige Didaktik unterlegt wird. Geheimnisse zu bewahren ist keine leichte Übung, vor allem, wenn noch gesellschaftlicher und innerfamiliärer Druck, Hoffnungen und Widerstände dazukommen. Ihr Leben soll einen geregelten Rhythmus haben, insbesondere in Bezug auf Ehe und Kinder, doch dies steht in krassem Kontrast zu ihrem gehemmten, aber unbändigen Begehren. "Ihr Jungs habt es wirklich geschafft, euch die Zeit da oben zu vertreiben."

Auch wenn sich Ennis Del Mar und Jack Twist vorstellen können, wieder zusammenzufinden, am liebsten in der Einsamkeit der stillen, grünen Berglandschaft, driftet ihr Leben weiter auseinander. Es vergehen Jahre, in denen ihre Freundinnen Alma (Michelle Williams) und Lureen (Anne Hathaway) mehr physischen Abstand zwischen die Männer bringen, verbunden mit Beschäftigungsaussichten und kulturell traditionellen, akzeptierten Bindungen, die es ihnen erlauben, sich vorübergehend einzureden, dass das, was beim Hüten der Schafe geschah, bloß ein Fehltritt war oder sie in konventionellen Existenzen gefangen hielt. Wie es sich für tragische Liebesdramen gehört, sind schicksalhafte Begegnungen jedoch völlig unvermeidbar und zwangsläufig mit traurigen Wendungen und absehbaren, aber nicht unglückseligen Komplikationen behaftet. Es ist auch vielschichtiger als die beiden Cowboys, die darum kaprizieren, ihre wahren Emotionen zu verbergen. Die unschuldigen Bezugspersonen leiden unter den Klüften, die durch fortwährendes Verheimlichen und ungünstige Fakten geschaffen werden, was hier durch die jahrzehntelange Zeitebene, die etliche markante und entscheidende Etappen umfasst, noch verschlimmert wird. Auch wenn "Brokeback Mountain" etwas überlang ist, so sind es doch die Darbietungen von Heath Ledger und Jake Gyllenhaal, die aus einer im Grunde einfachen, vielleicht nicht gerade berauschenden, aber doch liebevollen Lovestory etwas Beachtliches und Erinnerungswürdiges machen.

In "Strange World" der Regisseure Don Hall und Qui Nguyen ist das Land Avalonia von unwegsamen Bergen umgeben, die die kleine Gesellschaft der Bewohner isoliert. Doch der berühmte Abenteurer Jaeger Clade (Dennis Quaid) und sein kleiner Junge, der bald ein tollpatschiger Teenager namens Searcher (Jake Gyllenhaal) sein wird, machen sich auf, die unüberwindbaren Gipfel zu bezwingen. Während die beiden Spitzenbergsteiger zusammen mit einem Team von drei weiteren Bergsteigern versuchen, die andere Seite der Schneekappen zu erreichen, stellt sich heraus, dass Searcher in Wirklichkeit ein unbeholfener Narr ist, dessen neugieriger Geist den körperlichen Gefahren der eisigen Wanderungen durch unbekanntes Terrain nicht gewachsen ist - sehr zum Leidwesen von Jaeger, der schließlich beschließt, die Reise allein zu bewältigen. "Wir sind Entdecker, keine Gärtner!"

Fünfundzwanzig Jahre später wird Avalonia durch eine Entdeckung verändert, die Searcher während der schicksalhaften Suche mit seinem Vater machte, bevor er sich für immer von ihm trennte: eine geheimnisvolle Pflanze namens Pando, die eine Quelle für Elektrizität und fortschrittliche Technologien ist. Was einst ein primitives Dorf war, ist heute eine Hightech-Megastadt, in der es von schwebenden Fahrzeugen und riesigen Flugzeugen wimmelt. Searcher ist inzwischen Farmer und hat eine eigene Familie: Frau Meridian (Gabrielle Union) und Sohn Ethan (Jaboukie Young-White). Doch als die Pando-Pflanzen von einer Krankheit befallen zu sein scheinen, wird Searcher aufgefordert, in einen unterirdischen Abgrund zu reisen, um Avalonias unschätzbare Energiequelle zu retten.

Kaum ist der Aufbau abgeschlossen, zeichnet sich dieser neueste Disney-Zeichentrickfilm durch eine Reihe von Neuerungen aus: eine männliche Hauptfigur mit einem männlichen Liebespartner, eine Hauptfigur in einer gemischtrassigen Ehe und sogar ein dreibeiniger Hund, der mehr Zeit auf dem Bildschirm bekommt als die meisten anderen menschlichen Rollen. Aber in seinem Bemühen, alle einzubeziehen, vergisst "Strange World", authentisch zu sein. Ein späterer Moment, in dem ein Großvater seinem Enkel Tipps gibt, wie man mit einem anderen Jungen flirtet, mag zwar lobenswert idealistisch sein, fühlt sich aber auch furchtbar unaufrichtig an, zumal diese Figur einen sturen älteren Mann verkörpert, der in seinen Gewohnheiten feststeckt, die klassisch machohaft und männlich sind, bis hin zu dem Punkt, dass er sich für die unmännliche Vorliebe seines eigenen Sohnes für die Landwirtschaft schämt, selbst wenn ihre Körperlichkeit auf traditionelle Stereotypen hindeutet. Natürlich sind diese Figuren vielleicht nicht wirklich menschlich, aber wenn das der Fall wäre, müssten ihre gemeinsamen menschlichen Gefühle sowie die Themen der Vater-Sohn-Bindung, der Erfüllung von Erwartungen und der Nachfolge der Eltern, der Zusammenarbeit im Einklang mit der Umwelt, des Erbes und der Treue zu sich selbst nicht perfekt die Motive von Familienfilmen imitieren. "Ich erinnere mich an meinen ersten Schwarm."

Problematischer als die Fülle von Fragen zu diesem Sci-Fi-Ökosystem, vor allem angesichts der letztendlichen Enthüllung, die Avalonia in ein völliges Chaos stürzen würde, wie es die Mikrokosmen des Widerstands der Brückenbesatzung und Jaegers Beharren darauf, die Wahrheit mit eigenen Augen zu sehen, nahelegen, ist der Dialog. Trotz der einzigartigen Darstellung der sozialen Gleichheit könnte das Drehbuch nicht langweiliger sein. Keine der Figuren ist originell, überzeugend oder gar sympathisch. Viele gehen so weit, dass sie unerträglich nervtötend sind, insbesondere in der erwarteten Form von Eigensinn und Ungehorsam. Ihre erschwerenden Verhaltensweisen können nur dank des überraschend anspruchslosen Abenteuers bestehen, in dem es keine ernsthaften Schwierigkeiten gibt, die nicht sofort in ein paar aufeinanderfolgenden Sequenzen gelöst werden, und jedes Hindernis wird ohne den Hauch einer echten Gefahr überwunden. Einige der Dialogstörungen sind beabsichtigt, denn in den Gesprächen wird oft genau gesagt, was die Figuren denken, oder schlimmer noch, es wird genau erklärt, was gerade gezeigt wurde, so dass der Betrachter nichts mehr selbst interpretieren muss. Und einer der wichtigsten Punkte ist, dass nicht jedes Szenario einen Bösewicht haben muss, der den Konflikt in den Bereich der Trivialität lenkt. "Wir befinden uns eindeutig auf unbekanntem Terrain."

Außerdem ist "Strange World" für einen Film, der unendlich viele Möglichkeiten bietet, entsetzlich trocken. Das visuelle Design ist die Stärke des Films und lehnt sich an Fantasy-Abenteuer der 50er und 60er Jahre wie "Die phantastische Reise", "Die Reise zum Mittelpunkt der Erde", "Weltraumschiff MR-1 gibt keine Antwort" und "Die geheimnisvolle Insel" an, während es mit hochmodernen animierten Simulationen von gelatineartigen, klebrigen, glibberigen, sprudelnden, leuchtenden und pulsierenden Kreationen aufwartet. Aber die interessanten außerirdischen Bewohner reichen nicht aus, um die routinemäßigen Pointen und den beklagenswerten fehlenden Humor wettzumachen. Sogar der Schnitt scheint dem visuellen Schliff zu schaden, da er zu früh von den Aktivitäten abschneidet und die Versuche der physischen und verbalen Komik im Keim erstickt. Es mag wichtige und offensichtliche Botschaften in "Strange World" geben, doch die Umsetzung ist einfach nur grauenhaft.

In "Coriolanus" von Regisseur und Hauptdarsteller Ralph Fiennes rechtfertigt eine römische Lebensmittelkrise den Ausnahmezustand, der General Caius Martius (Ralph Fiennes) dazu veranlasst, die bürgerlichen Freiheiten aufzuheben und gegen Aufständische im zentralen Getreidelager vorzugehen. Nach einer weiterhin aggressiven Konfrontation wird er durch Nachrichten über seinen langjährigen Rivalen, den volskischen Heerführer Tullus Aufidius (Gerard Butler), abgelenkt und reist in die Stadt Corioles, um gegen ihn zu kämpfen. In der Auseinandersetzung zwischen Martius und Aufidius überwiegt ein gewisses wenig überzeugendes Kriegerzeremoniell, das den Vorstellungen des 17. Jahrhunderts entspricht, aber für eine militärische Konfliktaustragung in der Gegenwart nicht mehr zeitgemäß erscheint. Nach dieser erfolgreichen Belagerung erhält Martius für seine Tapferkeit im Kampf den Beinamen 'Coriolanus'.

Auf Geheiß seiner Mutter Volumnia (Vanessa Redgrave) und mit Hilfe des Politikers Menenius (Brian Cox) kandidiert Coriolanus als Konsul. Trotz eines anfänglichen Sieges über den Senat und die Bürgerlichen gelingt es ihm nicht, seine Gesinnung zu festigen und vor den Tribunen und einem wütenden Pulk von Plebejern seinem Wesen treu zu bleiben. Daraufhin wird er im nationalen Fernsehen für seine frevelhaften Tiraden verbannt. Wie ein einsamer Drache wandert er in das Hauptquartier der Volsker in Antium, um durch die Hand seines Erzfeindes den Tod zu finden. Bewegt von dem legendären Feldherrn, schließt sich Aufidius mit dem verstoßenen Krieger zusammen, und die beiden organisieren einen neuen Überfall auf Rom, getrieben von Vergeltung und bewehrt mit Panzern.

Diese Adaption eines Stücks von William Shakespeare hält sich wie kaum eine Zweite an die poetischen Dialoge des Originals, verschiebt die Handlung aber in die moderne Ära. Es ist ein eklatanter Widerspruch, der sich teilweise als künstlerischer Aspekt erweist, zumeist aber ablenkende Effekte hat. Die Kulissen, die Ausstattung, Waffen, Garderobe, die Soundeffekte, Techniken, inklusive der Einbindung von TV-Nachrichtenmaterial, und das Maskenbild entsprechen der zeitgenössischen Ästhetik und Qualität, doch die gesprochenen Wörter sind lyrisch archaisch. "Coriolanus" ist kreativ, aber schwer zu verstehen und definitiv nichts für ein Massenpublikum, das wahrscheinlich nur die optischen Gewalttätigkeiten im Stil eines 'Call of Duty'-Spiels mit viel Über-die-Schulter-Kameraführung verarbeiten und die tiefgründige, einschlägige und epochale Thematik des politischen Umbruchs ignorieren wird. Auch die Vertrautheit mit dem Bühnenwerk wäre eine große Erleichterung.

Es ist eine etwas befremdliche Überlegung, "Coriolanus" zu adaptieren, der oft als eines der weniger erfolgreichen Werke William Shakespeares angesehen wird und in der Tat viel seltener aufgeführt wird als die bekannten Namen 'Hamlet', 'Macbeth' und 'Romeo und Julia'. Wenn dieser Film nur weit genug verbreitet wäre, könnte der Begriff 'Coriolanus' nicht so fern sein. Ralph Fiennes beweist in seinem Regiedebüt, das weder technisch noch filmisch bemerkenswert ist und vor allem durch seine wackelige Kameraführung auffällt, ein Gespür für starke Darstellungen. Hinzu kommt, dass er sich mit einer würdigen Eskorte umgeben hat. Die visuelle Gestaltung ist gut gelungen, mit eindrucksvollen Bildern von Martius' stechenden Augen, die aus Blut- und Schmutzspritzern hervortreten und für repräsentative Bilder wie aus "Apocalypse Now" sorgen. Bedauerlicherweise sind die Atmosphäre und die Intensität karg, stattdessen stützt man sich so weit wie möglich auf die Dialoge der Vorlage, was zu einem schwerfälligen Film führt, der an ein Theaterstück erinnert, dem einfach die strikten Regeln der Bühne fehlen.

"Violent Night" von Regisseur Tommy Wirkola spielt an Heiligabend, und auf dem Gelände der Familie Lightstone ist nichts los, außer einer bewaffneten Gruppe von Söldnern, die Millionen von Dollar aus dem unterirdischen Tresorraum stehlen wollen. Als die Lightstone-Matriarchin Gertrude (Beverly D'Angelo) wieder einmal versucht, ihre Kinder zu zwingen, während des alljährlichen Weihnachtsfestes um ihre Zuneigung zu wetteifern und zu konkurrieren, fügen sich Tochter Alva (Edi Patterson) und ihr Ehemann Morgan (Cam Gigandet) gerne, aber Sohn Jason (Alex Hassell) beschließt, dass dies das letzte Weihnachten für belanglose Familienstreitigkeiten ist und konzentriert sich stattdessen darauf, die angespannte Beziehung zu seiner Frau Linda (Alexis Louder) und seiner kleinen Tochter Trudy (Leah Brady) zu kitten. Als die Diebe, angeführt von dem weihnachtshassenden Stimmungskiller Mr. Scrooge (John Leguizamo), das vornehme Haus belagern und die Lightstones quälen, stellt sich ihnen nur ein Mann in den Weg: ein gemütlicher alter dicker Mann (David Harbour) in seinem rot-weißen Gewand.

Es beginnt mit dem "Bad Santa"-Potenzial, als der verbitterte Weihnachtsmann die Gier der Kinder, ihre kurze Aufmerksamkeitsspanne und ihr lässiges Abonnement der Konsumkultur thematisiert, während er Bier trinkt, rülpst und vor sich hin nörgelt. Es wird fast skurril, wenn die Weihnachtsmusik in Medleys erklingt, doch es ist auch himmlisch vulgär auf eine erwartete, aber nicht weniger absurde Weise. Es hat etwas Faszinierendes, einen schmutzigen, liederlichen, fluchenden, Whiskey saufenden und einen Vorschlaghammer schwingenden Weihnachtsmann zu verkörpern, der in der Weihnachtszeit zur Selbstjustiz greift, um Ungerechtigkeiten zu beseitigen. Interessanterweise haben die Fernsehserien "Futurama" und "Invader Zim" etwas Ähnliches getan, als sie sich den fröhlichen Geschenkgeber als monströsen Mörder vorstellten, der wie Jason Voorhees oder Michael Myers hinter Bösewichten her ist.

An Schurken, die ihre Gesinnung ändern müssen, mangelt es hier nicht. Sogar die bedrängte Familie besteht aus komischen, leicht zu verabscheuenden Stereotypen, die wahrscheinlich den Zorn des Weihnachtsmanns zu spüren bekommen sollten. Und gleich zu Beginn macht "Violent Night" seinem Namen alle Ehre und beweist ein Gespür für übertriebene Gewalt, während die Handlung ohne Rücksicht auf Vergleiche an "Stirb langsam" vorbeischrammt. Immerhin tragen alle zur Komödie bei, was auch nötig ist, wenn sich das Blutbad zu wiederholen beginnt. Der Film ist nicht frei von einigen Macken, die deutlich werden, wenn die Antagonisten lieber reden als töten oder wenn verschiedene Szenenübergänge genutzt werden, um Zeit zu schinden. "Willkommen zu eurem schlimmsten Weihnachten aller Zeiten."

Kurioserweise entscheidet sich "Violent Night" dafür, eine Geschichte über übernatürliche Wesen zu erzählen, anstatt einfach ein Familienmitglied mit silbrigem Bart und karmesinrotem Mantel auftauchen zu lassen, das heimlich ehemalige Fähigkeiten einer Geheimorganisation besitzt. Bei einer mythologischen Schöpfung gibt es nur wenige feste Definitionen; der Weihnachtsmann ist nicht nur nicht wirklich verwundbar, sondern seine Fähigkeiten und Grenzen sind völlig unbekannt - ein Phänomen, mit dem viele Superhelden konfrontiert sind. Dies führt zu zahlreichen Sequenzen, die auf eine Erklärung wie "Ich verstehe auch nicht wirklich, wie es funktioniert" angewiesen sind.

Dennoch sind die Nahkämpfe mitreißend, und die Dialoge sind überaus erheiternd. Alles ist ziemlich bescheuert, aber auf eine unterhaltsame und groß angelegte Methode, vor allem, wenn unzählige Weihnachtsmotive auf die Schippe genommen und ins Lächerliche gezogen werden. Es ist schwer, nicht über die Kreativität eines Nussknackers oder einer Zuckerstangenwaffe zu lachen, oder über die Verwendung von Geschenkpapier und Zierbändern zum Verbinden einer blutenden Wunde. Leider gehen einige Szenen zu weit, vor allem wenn die kleine Trudy einige ausgesprochen sadistische "Kevin - Allein zu Haus"-ähnliche Fallen entwirft, die nicht so lustig wie verstörend sind. Es ist natürlich belustigend, wenn hochtechnisierte und schwer ausgerüstete Soldaten einem unbewaffneten Weihnachtsmann unterliegen, aber es ist etwas ganz anderes, wenn man mit ansehen muss, wie Handlanger und Handlangerinnen zur Freude eines Kindes verstümmelt werden. Der Großteil der komödiantischen Momente ist jedoch effektiv, und David Harbour bleibt durchweg überzeugend und unterhaltsam, wenn er Bösewichte niedermäht, während er zunehmend blutige, winterliche und weihnachtliche Verwüstungen anrichtet.

In "Stirb langsam" von Regisseur John McTiernan begibt sich der New Yorker Polizist John McClane (Bruce Willis) an Heiligabend zum Nakatomi Plaza in L.A., um seine entfremdete Frau Holly (Bonnie Bedelia) zu treffen und hoffentlich ihre Beziehung zu reparieren. Doch die Dinge entwickeln sich unerwartet, als das Gebäude von Hans Gruber (Alan Rickman) und seiner Terroristenbande übernommen wird, die die im Tresor gelagerten Inhaberschuldverschreibungen im Wert von über 600 Millionen Dollar rauben wollen. Womit sie nicht gerechnet haben, ist der renitente Cop John McClane, der sich der Gefangennahme entzieht und mit List und Tücke einen Ein-Mann-Krieg führt, um sowohl seine Frau als auch den Tag zu retten.

Ob es nun der erste oder der beste Film seiner Art war, "Stirb langsam" machte Bruce Willis sofort zum Leinwandhelden und prägte das Genre nachhaltig, auch wenn die frühen 80er Jahre bereits die Grundzüge künftiger Actionfilme mitbestimmten. Das Motiv des einsamen Wolfs, bei dem der Protagonist vor unüberwindbaren Hindernissen steht und praktisch keine Hilfe erhält, weil John McClanes Gefolgsleute außen vor sind und nur sehr begrenzt physische Unterstützung leisten können, wurde durch die ständige Aufgabe der antagonistischen Kontrolle über mehrere scheinbar unausweichliche Situationen perfektioniert. Die fehlerhafte Hauptfigur, die sich tapfer verhält, vor allem, wenn sie gegen ihren natürlichen Überlebensinstinkt handelt, und das Konzept des richtigen Mannes am falschen Ort sind scharfsinnig umgesetzt. Hinzu kommen die kryptischen Motive der Bösewichte, wobei die Täuschung trotz der erwarteten Einmischung und Anerkennung durch die Behörden eine entscheidende Rolle bei der Übernahme spielt - ein Thema, das im dritten Teil der Franchise weiter ausgebaut wird. Genauso wie Hans Gruber nie weiß, was John McClane als Nächstes tun wird, bleiben die Vorbereitungen der Antagonisten auf die Strafverfolgung, ihr Umgang mit Geiselszenarien und ihre letztendliche Fluchtstrategie ein Rätsel, das den Detektiv zwingt, die Indizien zusammenzusetzen, während er die Kriminellen ausschaltet. Und der Betrachter ist mittendrin im Geschehen.

Eine erfrischende Dosis zynischen Humors, vor allem durch bissige Bonmots und die verblüffende Furchtlosigkeit und Flexibilität von Hans Gruber, wird zwischen Pistolenfeuer und blutiger Action eingestreut. Die geschickte Kombination aus Witz und heftigen Explosionen sorgt dafür, dass ein Adrenalinstoß oft direkt in ein herzhaftes Lachen übergeht. Und natürlich hebt sich "Stirb langsam" durch seine schonungslosen Actionsequenzen von weniger überzeugenden Versuchen mit Shoot-'em-Ups ab, darunter Arnold Schwarzeneggers "Das Phantom Kommando", für das "Stirb langsam" ursprünglich als Fortsetzung geplant war. Gebäude eruptieren, Hubschrauber stürzen ab und Polizeiautos werden zu Schweizer Käse, und das alles mit Oscar-nominierten Bild- und Toneffekten sowie Schnitten. Es gibt auch eine offensichtliche Abneigung gegen die ineffiziente Strafverfolgungshierarchie und die Presse, die gleichzeitig die Inkompetenz der Bundesbehörden und die schädliche Einmischung und Manipulation der Medien kommentiert - eine interessante Idee, die zu dieser Art von Film passt.

Viele erinnern sich an "Stirb langsam" wegen seiner ununterbrochenen Wucht, aber die wirklich einzigartigen Grundlagen, die den Film über alle anderen des Genres erheben, sind die sorgfältige Entwicklung und die zusätzlichen Exzentrizitäten der Charaktere. Der Protagonist ist eine Art Antiheld, da er sich den Befehlen widersetzt und in wahrer Selbstjustiz die Bewaffneten auf eine Weise ausschaltet, die dem Filmtitel gerecht wird. Durch seine Gespräche mit seinem Kollegen Sergeant Al Powell (Reginald Veljohnson) lernt der Betrachter jedoch einen Mann kennen, dessen Leben sehr real ist. Er hat zwei Kinder, die er nur selten sieht, Eheprobleme, die durch sein jähzorniges Temperament noch verschlimmert werden, und Zuständigkeitskonflikte mit Autoritäten, die seine Anstrengungen weder wollen noch respektieren. Das FBI, klischeehaft verkörpert durch eine witzige Nebenrolle von Robert Davi, ist manchmal noch kaltherziger als Hans Gruber und seine Mitstreiter. John McClane ist auch clever, einfallsreich und schnell auf den Beinen, selbst wenn die Böden mit Glassplittern bedeckt sind, und erleidet während der Torturen körperliche Schäden, ganz anders als viele der konkurrierenden Actionrollen dieser Zeit. In vielerlei Hinsicht ist er nicht bombastisch überlebensgroß, sondern moderat realitätsgetreu.

Natürlich gibt es keine Action-Helden ohne Gegenspieler, und Alan Rickmans brillante Darstellung des Hans Gruber ist einer der besten Bösewichte, die je auf der Leinwand zu sehen waren. Er ist höflich, kultiviert, reißt Witze, zitiert Literatur und kann sogar einen amerikanischen Akzent anschlagen, wenn es ihm passt. Er mordet rücksichtslos, aber mit einer raffinierten, sardonischen Ader. Gerade als John McClane mit den Terroristen spielt, kontert Hans Gruber und es kommt zu einem hinterhältigen Wettstreit zwischen Schlagfertigkeit und Willensstärke. In der Masse der hirnlosen Filmschurken, die nur als Widerstand dienen, um besiegt zu werden, sticht ein solch verheerend intelligenter Antagonist ganz besonders hervor. "Ich zähle bis 3. Eine 4 wird es nicht geben."

John McTiernan hat einen spektakulär spannenden Film gedreht, der ebenso viel Hirn wie Muskeln enthält. Hochoktanige Showdowns, zitierfähige Sprüche und eine packende Grundlage für klaustrophobische Abenteuer lassen "Stirb langsam" mühelos in die obersten Ränge der knallharten Unterhaltung aufsteigen. Als einer der einflussreichsten Actionfilme aller Zeiten, der eine lukrative Blockbuster-Reihe hervorbrachte, dient er auch als eine Art Bibel für jedes nachfolgende Explosions-Epos. Zudem ist er ein wunderbar passender Weihnachts- oder Anti-Weihnachtsfilm für die Feiertage.

Neuverfilmungen gab es immer dann, wenn der technische Fortschritt ein besseres Bild versprach oder wenn eine Geschichte auf eine neuartige Weise erzählt werden konnte. Bei der Geschwindigkeit, mit der Remakes gemacht werden, und wie Regisseur Samuel Bayers Version von "A Nightmare on Elm Street" aus dem Jahr 2010 beweist, braucht es keinen vernünftigen Grund mehr, einen Film zu removieren. Sicherlich gibt es ein vorgeprägtes Auditorium, aber dieser Film ist zu eng an das Original angelehnt, ohne die Handlung zu verbessern. Das Blut sprudelt in Strömen, die Gewalt ist brutaler und die schauspielerische Leistung ist glaubhafter, doch die Gelegenheit, die Figur des Freddy Krueger in eine andere Richtung zu lenken, blieb ungenutzt. Auch das Maskenbild von Freddy Krueger ist weniger verstörend geworden, und obwohl Jackie Earle Haley ein ausgezeichneter Schauspieler ist, kann nichts die Eigenheiten des ersten Auftrittes von Robert Englund übertreffen.

Dean Russell (Kellan Lutz) hat bizarre Albträume, in denen er von einem missgestalteten Mann gejagt wird, der einen Handschuh mit messergleichen Fingerspitzen trägt und ihn durch verschiedene grauenhafte Gebiete jagt. Er schläft in einem Café ein und wacht auf, um zu erkennen, dass seine Hand von den Schneiden des unbekannten Mannes zerschnitten wurde, der sein Werk kurz darauf vollendet. Deans Freundin Kris (Katie Cassidy) wird Augenzeugin des Mordes und hat bei der Beerdigung furchtbare Wahnvorstellungen, in denen meist kleine Mädchen vorkommen. Als sie mit einigen von Deans Klassenkameraden spricht, stellt sie fest, dass Jesse (Thomas Dekker), Quentin (Kyle Gallner) und Nancy (Rooney Mara) in ähnlicher Weise von Träumen über denselben klitternen Mann heimgesucht wurden.

Letztendlich kann Kris nicht mehr wach bleiben und erliegt den brutalen Aggressionen von Freddy Krueger. Jesse wird für das Verbrechen festgenommen und in den Knast gebracht, wo er ebenfalls einschläft und in seine Bestandteile zerlegt wird. Es obliegt nun Nancy und Quentin, Freddy Kruegers Wurzeln herauszufinden und den Schlaf lange genug zu ignorieren, um diesen grenzübergreifenden Albtraum zu überleben. Da der Originalfilm 1984 gedreht wurde, kennt fast jeder, der sich das Remake ansieht, Freddy Krueger, seinen Ruf als vermeintlicher Kinderschänder und seine Befähigung, Menschen im Traum zu ermorden. Unnötigerweise folgt diese Version fast genau der gleichen Handlung, mit einem Äquivalent für jede Figur und sogar abgestimmten Todesszenen, die die bereits vertrauten Jump-Scares nur noch berechenbarer werden lassen.

Diese Neukonzeption war eine Eventualität, ingeniös zu sein. Freddy Krueger hat bereits den Status eines Horrorklassikers erlangt. Wo sind also all die innovativen, unkonventionellen und furchterregenden Gedanken hingegangen? Freddy Kruegers Stoß durch eine Latexwand, seine behandschuhte Hand, die in einem Seifenbad zwischen Nancys gespreizten Beinen hervorkommt, Kris' Leiche, die in einem blutverschmierten Leichensack gezogen wird, und Nancys Spurt durch einen viskosen Korridor sind allesamt neu inszeniert, mit halb so viel Schockkraft wie zuvor. Freddy Kruegers Hintergrundgeschichte wird visualisiert, eine illusorische Halb-Liebesgeschichte führt Quentin und Nancy zusammen, es werden Affinitäten zwischen Freddy Krueger und dem Rattenfänger von Hameln gezogen, und die Ergriffenheiten von Schlafentzug und Sekundenschlaf verändert irrelevante Elemente des grundlegenden Themas. Allerdings sind die Abtriftungen nicht sehr dogmatisch. Die Musik funktioniert immer noch hervorragend, auch wenn es praktisch derselbe Soundtrack ist, die Locations sind immer noch unheimlich, von der Schule über die Bibliothek bis hin zum Schlafzimmer und dem Heizungsraum, die jetzt alle mehr an "Silent Hill" erinnern, und der Horror ist noch erbarmungsloser. Doch im Endeffekt ist "A Nightmare on Elm Street" nur ein Falsifikat, wie die unendlichen Male, in denen ein penetrantes Geräusch den Betrachter ablenkt, Freddy Kruegers narbenübersätes Profil auf der Bildfläche erscheint oder er mit seinen Fingerkuppen an funkenschlagenden Metallrohren kratzt.

"Freddy vs. Jason" von Regisseur Ronny Yu beginnt mit einem Rückblick auf die vorangegangenen sieben Freddy-Krueger-Filme sowie einer sehr lockeren Prämisse, um Jason Voorhees aus seiner eigenen langjährigen Filmreihe aus den Innereien der Hölle heraufzuholen. Freddy Kruegers legendäre Terrorherrschaft als Schlitzer von Springwood fand mehrmals ein Ende, und auch Jason Voorhees fand im Laufe der "Freitag der 13."-Filme mehr als einmal ein vorzeitiges Ableben. Doch das hindert sie nicht daran, in der gleichen irdischen Welt wieder aufzutauchen, wo eine Meute von Teenagern verschiedenen Aktivitäten nachgeht, die sie nur noch attraktiver für die gefährlichen Macheten und Fingermesser der Antagonisten machen. "Es waren die Kinder, die mir die Kraft gaben."

Ein Treffen im Haus von Lori (Monica Keena), das zufällig in der Elm Street liegt, ist die erste Anlaufstelle für Jason Voorhees (Ken Kirzinger), der sofort einen jungen Mann (Jesse Hutch) mit seiner charakteristischen scharfen Mordwaffe abschlachtet. Als Deputy Stubbs (Lochlyn Munro) eintrifft und feststellt, dass die überlebenden Teenager Blake (David Kopp), Gibb (Katharine Isabelle), Charlie (Chris Marquette) und Kia (Kelly Rowland) zwar von der Polizei verhört, aber nicht geschützt werden, geht es der örtlichen Polizei nur darum, die Berühmtheit des Kindermörders zu vertuschen, der einst die Bewohner dieser Adresse tyrannisierte. In der Zwischenzeit gelingt Will (Jason Ritter) und Mark (Brendan Fletcher) die Flucht aus einer psychiatrischen Klinik, in der Annahme, Lori wiederzutreffen und ihr zu helfen, sowohl von Jason Voorhees als auch Freddy Krueger (Robert Englund) in ihrer neuen Lage zu entkommen.

Jason Voorhees hat sich in diesem letzten Kapitel nicht allzu sehr weiterentwickelt. Er hackt und zerstückelt seine Opfer, manchmal mit harmonischem Humor, aber immer mit einer Einbuße an Realismus. In den ersten Minuten von "Freddy vs. Jason" badet eine wohlgeformte Frau nackt im See, nur um Nacktheit zu zeigen, was nicht nur erwartet wird, sondern auch im Rahmen der grafischen, viszeralen Natur dieser beiden Franchises liegt. Abgerundet wird das Ganze durch eine Menge grausamer Gewaltexzesse, die in fast jeder zweiten Szene vorkommen. "Alles kann passieren!"

Doch trotz des Blutvergießens, der Sexualität und der Schreckensmomente gibt es immer noch eine Vielzahl von unlustigen Dämlichkeiten und eine Überdosis an künstlicher Bildbearbeitung. Die gesamte Detektivarbeit wird nicht von der Polizei, sondern von erstaunlich einfallsreichen Teenagern erledigt, die alle viel zu alt aussehen, um noch zur Schule zu gehen, und der Besuch eines Raves direkt nach der Ermordung von einigen ihrer Freunde scheint das Standardmittel gegen Kummer zu sein. Alleine in der Dunkelheit und im Regen zu wandern oder angesichts der Gefahr besonders selbstmörderisch vorzugehen, ist ein Rezept für Aufregung, während die menschliche Verdorbenheit noch verheerender ist als die von Serienmördern. Und sich eine kleine Verschnaufpause zu gönnen, um einen Joint zu rauchen, hat immer Vorrang vor dem Verbleib in der Gruppe. "Der Schlussmann war wegen irgendetwas angepisst."

Wenigstens gibt es einen Showdown zwischen den beiden Ikonen des Horrorfilms, mit nachgestellten Sequenzen in Camp Crystal Lake und im Heizungskeller, sowie bekannten Musikstücken, Sprüchen und Jason Voorhees' unpassend langsamer Schrittgeschwindigkeit, und einem kleinen Wettbewerb, wer die meisten schreienden Teenager abmurksen kann. Der eigentliche Endkampf, der wie ein hyper-stilisierter, völlig überdrehter Kampf zwischen Frankensteins Monster und Dracula oder der Mumie und dem Wolfsmenschen aussieht, ist in seiner blutigen Extremität wirklich zum Brüllen komisch. Dieser chaotische, blutgetränkte Reigen hat wieder einmal eine unterhaltsame Balance zwischen Gewalt und Humor gefunden.

"Freddy's New Nightmare", diesmal wieder unter der Regie von Wes Craven, ist eigentlich nicht der siebte Teil. Er ist nicht einmal wirklich ein Remake oder ein Reboot, obwohl er als beides durchgehen könnte. Stattdessen handelt es sich um einen Film im Film, in dem die Hauptdarsteller sich selbst spielen und damit zugeben, dass die Filme, in denen sie bis zu diesem Zeitpunkt mitgewirkt haben, reine Fiktion waren. Er geht sogar so weit, dass er mit einem Traum im Film im Film beginnt.

Heather Langenkamp ist mit Chase Porter (David Newsom), einem Spezialeffekttechniker, verheiratet und hat einen kleinen Sohn namens Dylan (Miko Hughes). Sie bemüht sich darum, ihre Schauspielkarriere wieder in Gang zu bringen, und hat mit lebhaften Träumen zu kämpfen, in denen der Freddy-Krueger-Requisitenhandschuh eine Fehlfunktion hat, lebendig wird und Menschen tötet. Sie muss sich auch mit den ständigen Erdbeben in Kalifornien, mit Telefonstreichen, die eindeutig auf das noch kommen sollende Projekt von Wes Craven, "Scream", hindeuten, und mit Dylans Schreiattacken auseinandersetzen. Als Chase übers Wochenende wegfährt und Heather zu einem Fernsehinterview muss, lässt sie ihre Freundin Julie (Tracy Middendorf) auf ihren Sohn aufpassen, auch wenn sie ein sehr ungutes Gefühl beim Verlassen des Hauses hat und befürchtet, dass Freddy Krueger nicht nur ein Hirngespinst sein könnte.

Als Robert Englund bei Heathers Vorstellungsgespräch auftaucht - in vollem Freddy-Krueger-Make-up und -Kostüm - nimmt die Sache eine wirklich unheimliche Wendung. Das selbe gilt auch für die Absurdität. Als ob es nicht schon schwer genug wäre, dieses Projekt ernst zu nehmen, vor allem nach den letzten Filmen, die immer grotesker wurden, macht die Prämisse, dass die Schauspieler in der realen Welt leben, während Freddy Krueger versucht, sie in der Realität heimzusuchen, wenig Unterschied. In Anbetracht des geringen Bekanntheitsgrads der Schauspieler und der Tatsache, dass nicht jeder sich selbst spielt, sowie der Überbetonung von Rückblenden und Schnitttechniken, könnte es sich genauso gut um eine völlig neue Gruppe von Menschen handeln, die von Freddy Krueger getötet werden. Es ist ja nicht so, dass 'New Line Cinema' einen legitimen Weg brauchte, um ihr wertvolles Unternehmen zurückzubringen. Vielmehr sind Heather Langenkamp und Robert Englund, die als sie selbst auftreten, vielleicht der größte Schwachpunkt von "Freddy's New Nightmare". Und am stärksten ist Miko Hughes als Dylan, der seltsam übernatürlich und mit Komponenten aus "Der Exorzist" auf diese stets lästige, kriecherische Weise besessen wirkt. "Die Fans, Gott segne sie, schreien nach mehr!"

Ein Großteil der praktischen Utensilien, der Schminke, der Prothesen und der Stop-Motion-Animation wurde durch digitale Bildbearbeitung ersetzt, was zwar nicht unansehnlich ist, aber nicht so überzeugend oder einnehmend. Der Gore hat sich trotz des geringeren Leichenbestands gesteigert, die Kameraführung ist etwas schärfer geworden und die Atmosphäre ist etwas unheimlicher, aber die Geschichte ist immer noch genauso repetitiv und unoriginell, während sie sich für clever hält, indem sie Konzepte aus "Misery", "Jack allein im Serienwahn" und "Last Action Hero" übernimmt und außerdem mehr als eine der besten Sequenzen aus dem ursprünglichen "Nightmare - Mörderische Träume" klaut. Außerdem kommt Robert Englund zu witzig rüber, um einen "normalen" Menschen darzustellen, auch wenn er sich redlich bemüht, ernsthaft aufzutreten. Immerhin ist die Darstellung von Freddy Krueger wesentlich düsterer geworden, auch sein Erscheinungsbild hat sich leicht verändert, er bewegt sich ungestümer und besser koordiniert, und er verzichtet auf die flapsigen Kalauer, zumindest bis zum Ende des Films.