Chainsaw Charlie - Kommentare

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"Eines der kleinen Ärgernisse des modernen Lebens ist eine Revolution", beginnt "Ein König in New York" von Regisseur Charlie Chaplin und persifliert damit das zeitgenössische politische Klima in Amerika, das von kommunistischen Drohungen und McCarthyismus geprägt ist. Der Film ist autobiografisch und reflektiert Charlie Chaplins eigenes Exil während der Veröffentlichung von "Rampenlicht" fünf Jahre zuvor und die Anschuldigungen gegen seine Regierungszugehörigkeit. Leider tragen diese Themen überhaupt nicht zum Humor bei, sondern schaden ihm sogar. "Ein König in New York", geschrieben, inszeniert, produziert, musikalisch komponiert und mit Charlie Chaplin in der Hauptrolle, sollte sein erstes europäisches Projekt und der vorletzte seiner abgeschlossenen Filme sein.

Der majestätische europäische Palast von König Shahdov (Charlie Chaplin) ist gestürmt worden. Doch der verhasste Regierungsmonarch, dessen friedliche Atompolitik mit dem Wunsch anderer Politiker nach dem Bau von Atombomben kollidierte, ist nach Amerika geflohen. Er ist mit den Geldern des Schatzamtes nach New York geflohen, wo er von seinem Premierminister Voudel (Jerry Desmonde) herzlich empfangen und aufgenommen wird. Dort wird er auch von seinem treuen Botschafter Jaume (Oliver Johnston, in einer Rolle, die geradezu danach schreit, ein Slapstick-Gegenstück zu sein, aber selten die Gelegenheit dazu hat) bedient.

König Shahdov ist zunächst begeistert, bis er erfährt, dass Voudel seine Wertpapiere geplündert hat, wofür der König verantwortlich gemacht wird. Seine Frau, Königin Irene (Maxine Audley), besucht ihn aus Paris und spricht mit ihm über ihre arrangierte Ehe, ihre allgemeine Frustration mit der Position und ihr ultimatives Anliegen, die Scheidung. In der Hoffnung, atomare Pläne für eine künftige Utopie zu entwerfen, beschließt König Shahdov, mit dem Fernsehen Geld zu verdienen, nachdem er mit der Werbefachfrau Ann Kay (Dawn Addams) zu Abend gegessen hat, die ihn überredet, an einer Dinnerparty teilzunehmen, die live für den Sender KXPA übertragen wird. Zunächst ist er angewidert von den Schikanen, aber als sein Bankkonto schrumpft und die Atomenergiekommission eine Sitzung verschiebt, legt er seine Ehre beiseite und übernimmt kleine Auftritte bei der Anpreisung diverser Fabrikate.

Charlie Chaplins Gangart und seine charakteristischen wirbelnden Tanzbewegungen haben immer noch eine bizarre Ausstrahlung, und es gibt viele Gelegenheiten für Komik, aber das Endergebnis ist in seiner Kreativität begrenzt. Das Ausspionieren einer Badenden, die Beobachtung einer fortschrittlichen Schule mit seltsamen Kindern und das Rezitieren von Hamlets berühmtem Monolog fangen vielversprechend an, aber ihre Attraktivität lässt schnell nach und gipfelt in lauwarmen oder nicht vorhandenen Pointen. Der bekannte Slapstick ist besonders schwach, mit gelegentlichen Überschlägen auf dem Boden oder Konzepten wie dem Sprung in eine Badewanne in voller Montur, dem Sitzen auf einer Torte, dem Ersticken an 'Royal Crown Whiskey', dem Verheddern in einem Feuerwehrschlauch oder der Teilnahme an einer Bühnenperformance, die an einen Sketch aus "Der Zirkus" angelehnt ist - nichts hiervon ist ernsthaft lustig.

"Ein König in New York" nimmt auch die amerikanische Kultur ins Visier und sorgt für subtilere Erheiterung, darunter das schwachsinnige Kino von Männlein oder Weiblein und ein nutzlos nerviger Western. Das Restaurant 'Cuba Club' mit seiner ebenso omnipräsenten Live-Musik und der schwer auszuhaltenden Werbespots verhöhnt sogar die Seligsprechung von Stars, die durch übertriebene Schönheitsoperationen gefördert werden. Der Altersunterschied zwischen Dawn Addams (damals 27) und Charlie Chaplin (damals 68) wirkt etwas zu groß für romantische Interessen, obwohl dies angesichts des Sujets seines vorherigen Films, "Rampenlicht", und Charlie Chaplins eigenen privaten Beziehungen nicht unerwartet ist. Gleichzeitig ist Charlie Chaplins Sohn Michael in der Rolle eines hochintellektuellen jungen Kommunisten eher lästig als unterhaltsam, und auch der Klimax, das Komitee für unamerikanische Umtriebe buchstäblich abzuspritzen, lässt den nötigen Elan vermissen, der eigentlich der Grundidee hätte innewohnen müssen. Bei diesem späten Eintrag in Charlie Chaplins Filmografie ist es ganz offensichtlich, dass das Privatleben des Magisters einen schlechten Einfluss auf seine künstlerische Arbeit hatte.

Hier ein Überblick aller Netzwerklisten:
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Hier mein Wichtel-Kommentar für *frenzy_punk<3 zum 3. Advent.
https://www.moviepilot.de/movies/knives-out/kritik/2629749

Hier ist mein Wichtelgeschenk im Rahmen der Community-Kommentar Wichtelaktion 2022 für *frenzy_punk<3. Von deinen 5 gewünschten Filmen habe ich diesen ausgewählt. Viel Spaß :-)

"Knives Out" von Regisseur Rian Johnson beginnt mit einer nebelverhangenen Aufnahme eines prächtigen Herrenhauses, wie aus "Der Hund von Baskerville", mit Hunden in Zeitlupe. Das kalte, dunkle Anwesen von Thrombey birgt viele Geheimnisse und unheimliche Dekorationen, darunter viele Puppen, die an Andrew Wykes spielzeuggeschmücktes Haus aus "Mord mit kleinen Fehlern" erinnern, aber der Schauplatz befindet sich in der Gegenwart, sodass Computer und Smartphones und andere Technologien und schöpferische Kraftausdrücke ihren Platz in der Geschichte haben. Das Dienstmädchen entdeckt die Leiche des Patriarchen Harlan Thrombey (Christopher Plummer), dem die Kehle durchgeschnitten wurde - was auf einen Suizid hindeutet. Aber nicht alles ist so, wie es scheint ...

Harlan Thrombey war ein äußerst erfolgreicher Krimiautor, der wie die Figuren in "Basic Instinct" in eine Geschichte verwickelt war, auf die er stolz gewesen wäre, mit Romanen, Verlagen, Bargeld, Immobilien und anderen Vermögenswerten im Wert von mehreren zehn Millionen Dollar. So ist es nicht verwunderlich, dass eine Woche nach seinem Tod die polizeilichen Ermittlungen unter der Leitung von Lieutenant Detective Elliott (LaKeith Stanfield) immer noch an den kleinen Details feilen und sich weigern, den Fall als reinen Selbstmord abzuschließen. Zu allem Überfluss wird der legendäre Privatdetektiv Benoit Blanc (Daniel Craig), als Berater hinzugezogen und vermutet ein mögliches Gewaltverbrechen. Marta (Ana de Armas), die Krankenschwester von Harlan Thrombey, ist die Einzige, die keinen triftigen Grund hat, ihn tot sehen zu wollen. Das macht sie zum idealen 'Watson' für Benoit Blancs 'Sherlock Holmes', und so folgen die beiden den Fährten der großen Thrombey-Familie, um sein unerklärliches Ableben aufzuklären. "Meine Anwesenheit wird nur schmückendes Beiwerk sein."

"Knives Out" ist ein authentischer Krimi, in dem die Behörden jeden der Thrombey-Verwandten verhören und der mit einer erkennbaren Besetzung von Charakterdarstellern und Stars wie Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon und Toni Collette sowie Frank Oz und M. Emmet Walsh in Nebenrollen aufwartet. Am Tod von Harlan Thrombey könnten so viele nennenswerte Personen beteiligt gewesen sein. Nicht unerwartet besteht "Knives Out" zu einem großen Teil aus Rückblenden, um die letzte Nacht von Harlan Thrombeys Leben zu schildern, die sich um seine 85. Geburtstagsfeier drehte - ein Ereignis, das durch seine Entscheidung getrübt wurde, sich den Versäumnissen seiner eigenen Kinder zu stellen, von denen viele sein Kapital veruntreuten. Zeitangaben, Berufsbezeichnungen, Aufenthaltsorte, Partner und vieles mehr werden im Laufe des Verhörs preisgegeben, gesäumt von witzigen Einschüben, die den Zeugenaussagen widersprechen und den Wahrheitsgehalt der Bekenntnisse in Frage stellen.

Jeder ist ein Verdächtiger, die Schilderungen des Abends sind bruchstückhaft, alle haben ein Motiv, die Alibis sind dünn, und im Background läuft ein jazziger Percussion-Soundtrack. Für jede Aktivität gibt es alternative Interpretationen, so dass das Kriminalstück spannend bleibt, auch wenn der Spaß überwiegt, so dass die Laune heiter und nicht bitternst ist. Interessanterweise schließt das erste Verhör keine Verdächtigen aus, sondern entlarvt einfach Lügen, die zeigen, dass jeder für das Verbrechen verantwortlich sein könnte - eine Anspielung auf "Mord im Orient Express". Und doch bietet "Knives Out" den Betrachtern noch vor der Hälfte des Films eine große Offenbarung, die so ungewöhnlich ist, dass sie die Spannung noch viel länger hätte aufrechterhalten können, wenn sie nicht so leicht verraten worden wäre. Ihre Existenz ist bezeichnend für den Wunsch von "Knives Out", rätselhaft zu sein, aber sie erzeugt auch eine Pause in der Mitte, wenn die Ereignisse nachgestellt werden, ein Gedenkgottesdienst abgehalten wird und die Testamentseröffnung stattfindet. Im Prinzip hat man das Gefühl, das Mysterium sei gelüftet und der Betrachter wisse einfach zu früh zu viele Fakten. "Der Typ lebt praktisch in einem Cluedo-Brett."

Erfreulicherweise erinnert "Knives Out" mit seiner altmodischen Herangehensweise an Mord und Mystery-Design sehr an eine Mixtur aus klassischen Noir-Filmen wie Alfred Hitchcocks "Bei Anruf: Mord", Otto Premingers "Laura" oder Woodbridge Strong Van Dyke's II. "Der dünne Mann", "Knives Out" bleibt intrigant, insbesondere mit der finalen Aufdeckung, die alle Verdächtigen wieder in einem Raum vereint. Daniel Craig setzt einen übertriebenen Akzent auf, überzeugt aber nicht als völlig neue Filmfigur mit ausgeprägtem Raucherverhalten, während Ana de Armas' ethnisch distinkte Krankenschwester eine Komponente hat, die in eine signifikante politische Debatte abschweift, aber hätte gestrichen werden können, um ein paar Minuten zu sparen, und eine ruminative Aversion gegen Verlogenheiten beinhaltet. Auch die übrigen Akteure sind sehr eigentümlich, was den zweiten Akt zu einer Art Charakterstudie macht, da sich der Kriminalfall in einen Erpressungsfall umkehrt und es darum geht, wie man mit einem Mord davonkommt oder wer etwas über den potenziellen Mörder weiß. Alle haben immerhin einen Beweggrund. Im Verlauf der Ermittlungen wird es noch bekloppter, doch die Entschlüsselung und die Abschiedssequenzen sind unwahrscheinlich beglückend. Auch wenn sich der Film an eine Reihe anderer gängiger Krimis und Kulissen anlehnt oder ihnen Tribut zollt, so ist "Knives Out" doch konsequent humoresk und angenehm erfrischend.

"The Last Duel" von Regisseur Ridley Scott spielt im Frankreich des späten 14. Jahrhunderts, wo die Knappen Jean de Carrouges (Matt Damon) und Jacques Le Gris (Adam Driver) tapfer an der Seite des anderen um die Ehre des Königs kämpfen. Doch mit seinen rücksichtslosen Strategien und seinem ungestümen Temperament fällt Jean de Carrouges bei seinem gierigen Lehnsherrn, dem Grafen Pierre d'Alencon (Ben Affleck), bald in Ungnade, während Jacques Le Gris in Ansehen und Reichtum aufsteigt. Die Freundschaft der beiden Ritter endet endgültig, als der Graf Jacques Le Gris ein wertvolles Stück Land schenkt, das Sir Robert de Thibouville (Nathaniel Parker) gehört und als Mitgift für die Hochzeit von Roberts Tochter Marguerite (Jodie Comer) mit Jean de Carrouges gedacht ist. Die beiden Rivalen werden bald zu Todfeinden, als Marguerite Jacques Le Gris der Vergewaltigung beschuldigt, was zu einem unüberlegten, aber monumentalen Duell führt, um die eindeutige Wahrheit zu finden.

Mit Aufnahmen von riesigen Menschenmengen, weitläufigen Landschaften, aufwendigen Kostümen und zahlreichen Requisiten wie Rüstungen und Waffen, die alle mit einer gehörigen Portion Dreck verziert sind, wird die Bühne für ein entscheidendes Duell bereitet, das mit dem lauten Klirren von Lanzen und Schilden beginnt. Doch dies wird durch den Filmtitel unhöflich unterbrochen, denn dies ist eigentlich gar nicht der Anfang, sondern nur ein Vorgeschmack auf das Finale. Der eigentliche Auftakt ist jedoch eine noch aufwühlendere Konfrontation in 'Limoges', die zeigt, wie gekonnt Ridley Scott mittelalterliche Gewalt filmisch umsetzt: Kehlen durchschneiden, Schwerter schwingen, Äxte schleudern, wenn Reiter von ihren Pferden in eine Flut von mit Kettenhemden bedecktem Blutbad geworfen werden.

Und selbst dieses Kräftemessen mündet in einen weiteren blutrünstigen, brutalen Feldzug, der signalisiert, dass Ridley Scott den Betrachter von Anfang an fesseln und seine Vorliebe für mittelalterliche Schlachten ausnutzen muss, bevor er zur eigentlichen Handlung übergeht. Wie sich herausstellt, hat ein Großteil des restlichen Films nichts mit dem Führen von Kriegen zu tun, so dass es nur passend ist, dass die ganze groß angelegte Action, gefolgt von Saufgelagen und schönen Maiden, in den ersten 15 Minuten gezeigt wird, mit all den erwarteten Rittern in glänzenden Rüstungen und tollkühnen Taten. Der erste Akt geht noch einen Schritt weiter und schildert die Politik der damaligen Zeit, die Machenschaften der Herren und Edelmänner, das Aufkommen von Zwistigkeiten und die Vergabe der Mitgift. In "The Last Duel" geht es unter anderem um mächtige, einflussreiche Männer und die Methode, mit der sie sich gegenseitig manipulieren, verleumden und diejenigen zurückweisen, die sie als minderwertig ansehen.

Die Drehorte sind authentisch und ästhetisch, von dichten Wäldern bis zu prächtigen Schlössern, immer mit Schmutz und Unrat bedeckt, aber dennoch mit Präzision fotografiert. Alles sieht sehr realistisch aus und fühlt sich auch so an, mit Ausnahme von Ben Afflecks Rolle, die nie ganz überzeugt, dass er ein echtes Erzeugnis der Zeit um 1300 ist. Doch die Sehenswürdigkeiten stehen nicht lange im Fokus, denn die Story verlagert sich auf eine Analyse des mittelalterlichen Rechtssystems, bei der es darum geht, wie Klagen eingereicht werden, wie Ungerechtigkeiten berichtigt werden können, wie die Wahrheit ermittelt wird, wenn keine Beweise vorliegen, und welche Konsequenzen auf die Schuldigen warten. "Gott wird diejenigen verschonen, die die Wahrheit sagen."

Noch intriganter ist die Rolle der Frau in dieser antiken Welt, ihre Stellung als Erbin und ihre eingeschränkten Mitspracherechte im Haushalt, ihr Status als Besitz und die Unterstellung, dass sie sich nicht über himmelschreiende Benachteiligungen und Inkompatibilitäten beschweren kann, einschließlich der Lehre von der Sexualität. Es ist ein seltener Zugang zu dem rauen und horrenden Alltag vieler Frauen in dieser Zeit. Die stärksten Enthüllungen kommen jedoch im letzten Akt, unterstrichen durch einen vorletzten Prozess voller sondierender Nachfragen, während die ersten zwei Drittel des Films bekanntes Terrain durch ein Handlungselement wiederholen, das an Akira Kurosawas "Rashomon - Das Lustwäldchen" erinnert, in dem dasselbe Geschehen aus verschiedenen, oft konträren Perspektiven erzählt wird, hier in drei verschiedenen Kapiteln. Im Großen und Ganzen sind die Wiederholungen ansprechend, obwohl die Laufzeit etwas entmutigend ist, da neue Informationen hinzugefügt und andere Elemente wieder aufgegriffen werden, was Zweifel an ihrer Zuverlässigkeit aufkommen lässt. Das fällt vor allem dann auf, wenn ausgewählte Dialogzeilen verschiedenen Figuren zugeordnet werden, wenn subtilere Aktionen zu alternativen Effekten führen, deren Auslassungen ebenso irritierend sind, und wenn bestimmte Abläufe eher illustriert als verbal erklärt werden, oder umgekehrt. "Der gewöhnliche Verstand hat keine Kapazität für diese Art von Nuancen."

Da vermeintliche Wahrheiten durch unterschiedliche Sichtweisen umgestaltet werden, ist es offensichtlich, dass sich "The Last Duel" stark auf seine herausragende Besetzung verlässt, wobei Matt Damon, Adam Driver und Jodie Comer (die wahrscheinlich für einen Oscar nominiert wird) außergewöhnliche Darbietungen erbringen. Trotz der Rückkehr zum titelgebenden Showdown und dem spannungsgeladenen Finale ist der größte Teil von "The Last Duel" ein emotionales, packendes Drama mit verzerrten Informationen, verdrehten Rechtfertigungen und schwerwiegenden Folgen, das von einer gesellschaftlichen Tapferkeit abhängt, die der Intensität des Schlachtfelds entspricht. Und er ist besser für seine Hingabe zu diesen Themen als für seine scheinbar obligatorischen Sequenzen von Tod und Zerstörung im Krieg. "Die Wahrheit spielt keine Rolle!"

"Hangover 3" von Regisseur Todd Phillips ist eine Steigerung gegenüber dem sich allzu sehr wiederholenden Vorgänger in der Trilogie, was die Handlung angeht, aber ein enttäuschender Rückgang des komödiantischen Werts. Die Handlung ähnelt einem Low-Budget-Actionthriller und bietet ein paar erheiternde Twists und eklatante Bezugnahmen auf die ersten beiden Teile, während sie eine ungemein spärliche Botschaft zum Thema Freundschaft enthält. Das ist schon faszinierend, aber selten ein Anlass zum Auflachen. Die größte Enttäuschung von "Hangover 3" ist die unerwartete Abkehr von der bitterbösen Komödie, für die diese Filmreihe bekannt ist, zugunsten ausladender, schwerfälliger Dialoge, in denen hauptsächlich Alan und Mr. Chow zu sehen sind. Selbst die kurzen Intermezzi mit geschätzten Schauspielern wie John Goodman und Melissa McCarthy entlocken nicht viel mehr als ein kurzes Grinsen der Wertschätzung, gefolgt von einer Fratze der Akzeptanz für einen vergeudeten Arbeitsplatz.

Nachdem Alan Garners (Zach Galifianakis) extrem dämliche Entgleisungen verheerende Dimensionen angenommen haben, beschließen seine Freunde und seine Familie, dass eine Intervention ihr letzter Ausweg ist. Obwohl er zunächst zögert, willigt der Querkopf letztendlich ein, mit seinen langjährigen Freunden Phil (Bradley Cooper), Stu (Ed Helms) und Doug (Justin Bartha) in eine Therapieeinrichtung in Arizona zu gehen. Doch ihre Expedition nimmt eine alarmierende Wendung, als Alans harmlose Kommunikation mit dem Berufsverbrecher Mr. Chow (Ken Jeong) die Gruppe zur Zielscheibe des aufgebrachten Gangsters Marshall (John Goodman) macht. Jetzt, da Doug als Geisel festgehalten wird, haben Phil, Stu und Alan nur noch wenige Stunden Zeit, um den gewieften Mr. Chow ausfindig zu machen und gefangen zu nehmen, um ihren Freund zu retten.

"Hangover 3" beginnt mit Zeitlupen und Opernmusik, die eine rasante, dramatische Verfolgungsjagd aus einem verwüsteten Bangkoker Gefängnis einleiten, die im Kontrast zum Vorspann einer Komödie steht. Abgesehen von der witzigen Eröffnung gibt es in diesem letzten Kapitel der finanziell erfolgreichen Franchise eine Unmenge an verschenkten Optionen, insbesondere bei der Vielzahl der Nebenfiguren. Phil war schon immer die vernünftigste, realistischste Rolle, Stu steht für Vorsicht und Unsicherheit, und Alan für Spontanität und Wahnsinn. Dies ist die wiederkehrende Rezeptur, die jetzt gilt, da der Gedächtnisschwund nicht mehr stattfindet. Außerhalb des ursprünglichen Trios hatten die Autoren einfach keine Lust auf den Humor von Doug und Black Doug, die Antagonisten, Melissa McCarthy, Heather Graham, die Freundinnen und Ehefrauen, und selbst Nebenrollen wie eine Apothekenhelferin scheinen nicht für Spaß zu sorgen oder sind nur um der bekannten Gesichter willen dabei. Auch wenn Alans Vater, gespielt von dem unvergesslichen Jeffrey Tambor, in einem kurzen Auftritt für einige Lacher sorgt und Ken Jeongs berechenbar durchgeknallter Mr. Chow, der zwischen schwindelerregend blöd und bösartig gestört wechselt, die Komödie unterstützen soll, ist sie im Wesentlichen eine Ein-Mann-Show geworden. Jetzt ist es eine Aneinanderreihung betrüblicher Ereignisse mit Zach Galifianakis in der Hauptrolle.

Wie Will-Ferrell-Filme, die keiner Karriere außer der von Will Ferrell dienen, ist auch dieser dritte Teil ein Zach-Galifianakis-Vehikel geworden, das dem Betrachter, der nach einem ausgewogenen Aufruhr dürstet, wenig zu bieten hat. Chaos herrscht zwar auch in "Hangover 3", doch vieles davon beruht auf überraschenden Widersprüchen, an denen Zach Galifianakis beteiligt ist: Auf eine wunderschöne Darbietung von Schuberts tränenreichem 'Ave Maria' folgt schlagartig ein piepsendes Mikrofon. Die Freude eines Kindes über ein neues Haustier wird durch ein Straßenmassaker unterbrochen, und eine augenblickliche Romanze wird durch das ungeschickte Umstoßen von Musikinstrumenten kakophonisch aufgelöst. Trotzdem ist "Hangover 3" ein rares Fortsetzungswerk, das seinen Vorgänger toppt und mit spektakulären Stunts, perversen Wendungen und neckischen Bosheiten noch mehr Spaß macht als zuvor. Es war keine besonders komplexe Leistung, und das Ende zieht sich viel zu lange hin, aber dieser letzte Akt hat sich gerade weit genug von den üblichen erkennbaren Charakteren distanziert, um plötzlich interessant zu sein.

"Hangover 2" von Regisseur Todd Phillips bietet eine weitere Dosis ausschweifender Abenteuer des lustigen Rudels, die nach dem ersten Film sicher Lust auf mehr machen werden. Eine vertraute Melange aus Seriosität und Absurdität sorgt dafür, dass das Geschehen unterhaltsam ist, wenn nicht sogar ein wenig zu ernst. Persönliche Verletzungen und drogenbedingte Eskapaden verlieren nicht gerade an Brisanz, wenn ein paar Sprüche über ihre Tragweite hinwegtäuschen sollen. Und Zach Galifianakis' konfuse Äußerungen können die abstoßenden Aspekte des Films nicht kompensieren. Wenn die zentrale Mission des Films darin bestand, den Schockwert seines Vorgängers zu übertreffen, dann ist ihm das gelungen. Ich bin mir nicht mal sicher, ob das ein Kompliment ist oder nicht.

Am Vorabend von Stus (Ed Helms) Hochzeit in Thailand überreden Phil (Bradley Cooper), Doug (Justin Bartha) und Alan (Zach Galifianakis) den sonst so sanftmütigen Zahnarzt zu einem letzten gemeinsamen Drink am Strand. Als die Freunde am nächsten Morgen in Bangkok aufwachen, ohne sich an die Schandtaten der vergangenen Nacht zu erinnern, und entdecken, dass der jüngere Bruder der Braut, Teddy (Mason Lee), verschwunden ist, müssen sie ihre Spuren zurückverfolgen, um den vermissten Jungen zu finden und Stu rechtzeitig zu seiner Hochzeit zurückzubringen. Doch als ihre Erkundungen sie zu rachsüchtigen Gangstern, zigarettenrauchenden Affen und der Rückkehr eines alten Verbrecherbosses führen, wird die Reminiszenz an ihre besoffenen Irrwege das Erste sein, was sie vergessen wollen.

Obwohl er als Fortsetzung angepriesen und als Teil 2 betitelt wurde, handelt es sich bei diesem Nachfolger der äußerst erfolgreichen vorherigen Komödie eher um ein Remake. Die Parallelen zwischen den beiden Filmen sind zahlreich, angefangen bei der identischen Besetzung, der gleichen Geschichte, dem selben Tonfall, den bekannten Anteilen an Unzucht und Chaos, der vertrauten männlichen Freikörperkultur - was ist nur aus den Tagen der uneingeschränkten weiblichen Blöße geworden -, einem lauten, aufdringlichen Soundtrack und allen erdenklichen Körpersekreten. Auch die Reaktionen des Trios auf unerwartete Situationen, Panikmache, mysteriöse Bekanntschaften, Schmuggelware, Drogen und unnatürlich nachsichtige Ehefrauen sind dem Original ebenbürtig. Wenn die Methode funktioniert und den Fans Lust auf mehr macht, sollten sie auch dabei bleiben, so die Filmemacher.

"Hangover 2" hebt die Ungezwungenheit trotz des reproduzierten Plots auf ein neues Niveau, vor allem durch sein Interesse an schweren Dilemmata. Der unbeschwerte Humor ist fast ausschließlich Zach Galifianakis vorbehalten, der mit seiner exzentrischen, verstörend idiosynkratischen Persönlichkeit und seiner Geringschätzung von Sicherheit, Sittlichkeit und Selbstdisziplin wieder einmal die Show stiehlt. Der restliche Inhalt ist eine Kombination aus dunkelkomischen Katastrophen, die von erschütternden über schockierende bis hin zu entsetzlich widerlichen Bildern reichen. Überall wird das Trio mit Gewalt, dubiosen Pharmazeutika, Bedrohungen, Unreinheiten, sexuellen Abnormitäten und Ekelzuständen konfrontiert, was das Werk zu einer seltenen Form der Komödie, einem erfolgreichen Kassenschlager und sogar zu einem kritischen Erfolg gemacht hat. "Ich kann nicht glauben, dass das schon wieder passiert!"

"Hangover" von Regisseur Todd Phillips setzt die alte Tradition der Komödien für Erwachsene mit schwachsinnigem Humor fort und beeindruckt mit einer verheißungsvollen Prämisse und einigen inspirierenden Performances der Hauptdarsteller. Doch die Kreativität der Handlung lässt nach etwa der Hälfte nach, und die Analogien zu weniger gelungenen Filmen des Genres werden immer augenfälliger. Dank der urkomischen Missgeschicke einer Truppe von trinkfreudigen Antihelden ist die Mischung aus krawalliger Vulgarität und komödiantischer Geselligkeit, welche die inhaltlichen Defizite der Vorlage weitgehend ausgleicht, zum Glück sehr ergiebig.

Vor Dougs (Justin Bartha) Hochzeit organisieren seine besten Freunde Phil (Bradley Cooper) und Stu (Ed Helms) zusammen mit dem zukünftigen Schwager des Bräutigams, Alan (Zach Galifianakis), eine wilde Junggesellenparty in Las Vegas. Als sie am nächsten Morgen aufwachen, ist Doug verschwunden, und niemand kann sich an die Ereignisse der letzten Nacht erinnern. Ein herrenloses Baby, ein verschollener Zahn, ein Krankenhausschild und ein lebender Tiger im Badezimmer sind nur einige der Hinweise, denen die verkatert wirkende Gruppe von Pechvögeln folgen muss, um ihren Freund zu finden und vor dem großen Tag nach Hause zu kommen.

"Hangover" fängt gut an, wenn die Hauptcharaktere sofort ihre disparaten Charakteristika und ihr generell dysfunktionales Problemlösungsdenken zum Besten geben. Schaft- und Sperma-Witze innerhalb der ersten 10 Minuten, ein ironischer Jock-Flash und zweifelhafte soziale Ansichten tragen ebenfalls zum puren Chaos bei. Auch wenn die Geschichte nicht ganz originell ist, so ist die Basis doch nahezu optimal für eine Komödie, und es passt, dass die Klassifizierung das unverschämte Niveau des unausgegorenen und meist minderjährigen Humors nicht schmälert. Schade, dass der Titel "What Happens in Vegas..." ins Deutsche übersetzt: "Love Vegas" bereits von einem romantischen Softie-Streifen übernommen wurde.

"Hangover" hat eine ansprechende Balance zwischen seriösen Aspekten und rüden Humoreinlagen. Es ist ein sehr brachialer Klamauk mit völlig unvermuteter, hochgradig unflätiger Wortwahl. Die grenzüberschreitende Nacktheit ist leider überwiegend männlicher Natur. Das Tempo des Films ist dadurch besser austariert und er ist ein wenig glaubwürdiger in der Realität verankert, auch wenn es den Anschein hat, dass Todd Phillips die außer Kontrolle geratenen Junggesellenabschiedsszenarien übertreibt, in der festen Gewissheit, dass es echte Partygeschichten gibt, die jedes Element von "Hangover" in den Schatten stellen würden. Mit einer barbarischen Elektroschockervorführung, einem gestohlenen Polizeiauto, einem geklauten Tiger, einem nicht abgeholten Baby, asiatischen Mafiosi, "Rain Man"-Glücksspiel und einer ungeplanten Ehe ist der Film wie Harold und Kumar auf Ecstasy und "Der Soldat James Ryan" in Las Vegas. Es ist vielleicht nicht die bahnbrechendste Komödie, aber die Taten der alkoholisierten Hauptdarsteller zu verfolgen, ist ein Rezept für gute Laune.

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Da sich die vorherigen Filme nie die Mühe gemacht haben, eine der Figuren zu töten, insbesondere die Bösewichte, tauchen in "Austin Powers in Goldständer" von Regisseur Jay Roach fast alle Rollen wieder auf, mit Ausnahme der Frauen. In 007-Manier, werden die Liebesbeziehungen in jedem Film gewechselt. Auch dieser Film beginnt mit einer selbstbewussten Verulkung seiner selbst, die sich nicht mehr so sehr auf die Parodie von James Bond konzentriert, sondern lediglich eine Hommage an die Konzepte der beiden vorangegangenen Filme darstellt. Steven Spielberg, Britney Spears, Tom Cruise und Gwyneth Paltrow sind nur einige der Gastauftritte, die in dieser letzten Ausgabe zu sehen sind.

Die eigentliche Geschichte handelt von dem tölpelhaften Irren Dr. Evil (Mike Myers), der sich in einem Versteck in Hollywood verschanzt hat und eine Zeitreise ins Jahr 1975 plant, um seinen langjährigen Rivalen Austin Powers (ebenfalls Mike Myers) zu kidnappen. Doch Austin Powers unterbricht das Meeting, um den notorischen Doktor zu verhaften, der schließlich zu Hunderten von Jahren Gefängnis verurteilt wird. Als Austin Powers von der Queen im Buckingham Palace zum Ritter geschlagen wird, erscheint sein Vater Nigel (Michael Caine) nicht, was tief sitzende elterliche Probleme auslöst, die er zu verdrängen glaubte.

Als der Leiter des Verteidigungsministeriums Basil Exposition (Michael York) Austin Powers mitteilt, dass Nigels Abwesenheit auf ein ungeklärtes Verschwinden zurückzuführen ist, erkennt Austin Powers, dass nur ein einziges kriminelles Superhirn hinter dieser Entführung stecken kann. Ein holländischer Hedonist, der Gold so sehr liebte, dass er bei einem tragischen Unfall in der Schmelze seine Genitalien verlor, was ihm den Spitznamen 'Goldständer' einbrachte (und eine weitere Rolle für Mike Myers), ist zweifellos der Mann hinter diesem Komplott. Als Gegenleistung für eine Verlegung in dasselbe Gefängnis wie sein winziger Klon Mini Me (Verne Troyer) verrät Dr. Evil, dass sich Goldständer im Jahr 1975 versteckt hält. Doch obwohl er in die Vergangenheit reist, um seinen Vater zu retten, und in der Undercover-FBI-Agentin Foxxy Cleopatra (Beyonce Knowles) eine unerwartete Begleiterin findet, muss Austin Powers ins Jahr 2002 zurückkehren, um die teuflischen Absichten des goldbesessenen Verrückten zu vereiteln.

"Austin Powers in Goldständer" hat fast den ganzen Spaß der formelhaften Spionageverarsche von einst verloren und vertraut jetzt stark auf verbale Ausbrüche, die so viel Kauderwelsch und sich wiederholenden Blödsinn enthalten, dass nur wenige auch nur im Entferntesten lustig sind, vor allem, wenn man beachtet, dass 95% des Materials rezykliert worden ist. Viele Konversationen enden einfach ohne ein Ergebnis. Jedoch ist der Produktionswert gestiegen, während der Unterhaltungswert entsprechend gesunken ist. Tanznummern und endlose Huldigungen an ihn selbst füllen den größten Teil der Laufzeit, wobei Mini Me immer noch deutlich zu viel Aufmerksamkeit erhält, da seine gesamte Rolle immer nur eine bis zur totalen Verblödung weitergeführte Witzfigur war, und Fat Bastard wiederum kreuzt auf, um unentwegt zu furzen und optisch zu jammern. Doch der vielleicht frustrierendste Neuzugang ist Goldständer selbst, der ein so unfassbar uninteressanter Bösewicht mit einem debilen Akzent und einer heillos abartigen, gänzlich unkomischen Vorliebe für den Genuss seiner eigenen Hautschuppen ist, dass es verwundert, warum die Autoren Mike Myers nicht einfach davon abgehalten haben, die Ursprungsidee zu verwirklichen. "Das ist nicht lustig", sagt Austin Powers zu seinem ignoranten Vater und zu Foxxy Cleopatra nach einer sexuellen Anzüglichkeit und bringt damit die unverzeihliche Verlogenheit dieses trivialen Finales der Trilogie auf den Punkt. Selbst die Outtakes beim Abspann sind lustlos und komplett ohne Humor.

Hab mal eine gute Auswahl an Geheimtipps zusammengestellt.

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Nach dem kommerziellen Erfolg von "Austin Powers" hat es "Austin Powers - Spion in geheimer Missionarsstellung" von Regisseur Jay Roach nicht mehr nötig, James Bond oder andere Spionagefilme zu parodieren. Der Film kann sich nur noch über sich selbst lustig machen, indem er mit seinen wiedererkennbaren Figuren herumspielt und Witze aus der Vorgängerversion wiedergibt oder modifiziert. Außerdem kann er sich voll und ganz über die Popkultur mokieren. Diesmal beginnt "Austin Powers - Spion in geheimer Missionarsstellung" mit einem 'Star Wars'-Rollentext, einem bitweisen Ausschnitt aus einem Titelsong von 'They Might Be Giants', einer Jerry-Springer-Einlage und einer Wiederholung des kaum verdeckten Nacktheitstricks aus dem vorherigen Film. Offensichtlich haben die Filmemacher erkannt, dass sie sich nicht mehr an konkrete Andeutungen halten müssen, auch wenn es im Original nur um Spionagefilme ging.

Der britische Superagent Austin Powers (Mike Myers) genießt seine Flitterwochen mit seiner neuen Braut Vanessa (Elizabeth Hurley), als er plötzlich herausfindet, dass sie ein Kamikaze-Fembot ist, der von seinem Erzfeind Dr. Evil (ebenfalls Mike Myers) angeheuert wurde, um den Geheimagenten zu vernichten. Unterdessen bestätigt eine NATO-Überwachungseinrichtung in Guam die Rückkehr des fahlgesichtigen Geisteskranken. Obwohl Vanessa scheitert, ist Austin Powers betrübt über den plötzlichen, explosiven Verlust seiner Frau. Das heißt, bis er merkt, dass er jetzt wieder Single ist.

Dr. Evil, unterstützt von Nummer 2 (Robert Wagner), Frau Farbissina (Mindy Sterling) und einem 1/8 großen Klon namens Mini Me (Verne Troyer), schmiedet einen neuen Plan, um mit einer praktischen Zeitmaschine in die Swingin' 60s zurückzureisen und Austin Powers Geist aus seinem kryogenisch eingefrorenen Körper zu stehlen. Zum Glück hat das Verteidigungsministerium auch eine Zeitmaschine und kann den nun mojolosen Austin Powers zurück in seine eigene Bude im Jahr 1969 schicken, um seine verlorene Geheimwaffe zurückzuholen. Ihm zur Seite steht die hochqualifizierte CIA-Agentin Felicity Shagwell (Heather Graham), und auf ihn ist eine Meute hoffnungslos untauglicher Killer angesetzt.

Obwohl eine Verfolgungsjagd und einige Wendungen aus Spionagefilmen kurz auftauchen, einschließlich eines weltraumgebundenen Höhepunkts im Stil von "James Bond 007 - Moonraker - Streng geheim", haben sich Humor und Action auf selbstreflexive Witzeleien und sachfremde Randbemerkungen verlagert. Die sexuellen Hinweise sind wieder da, ein erotisches Schachspiel ist einigermaßen originell und immer noch weitgehend effektiv, aber die immer gleichen Scherze aus dem ersten Film verlieren allmählich ihre Urigkeit. Unsinnige Fotoshootings, musikalische Tobsuchtsanfälle, die Vertuschung von Dr. Evils Sohn Scott (Seth Green), das Wiederauftauchen von Mustafa (Will Ferrell), die dummen Phrasen und alltäglichen Blödeleien kehren zurück, um die Geschichte mit diversen Sequenzen, vor allem mit Mini Me, zu verlängern, die zwangsläufig redundant und einfach nicht sonderlich spaßig sind. Die Erschaffung des verärgerten schottischen Sicherheitsbeamten Fat Bastard, gespielt von Mike Myers, jetzt in voller Jerry Lewis/Peter Sellers/Eddie Murphy-Manier, mit Maskeneffekten von Stan Winston, ist visuell einprägsam, wird jedoch durch einen frevelhaften Witz über die Analyse von Stuhlproben hervorgehoben, der ganz sicher nicht geschmackvoll ist.

In "Austin Powers" von Regisseur Jay Roach trifft sich Dr. Evil (Mike Myers) irgendwo außerhalb von Las Vegas im Jahr 1967 mit seiner Bande von Attentätern, um zu besprechen, warum niemand in der Lage ist, die Welt zu befreien, außer seinem Erzfeind, dem britischen Top-Geheimagenten Austin Powers (ebenfalls Mike Myers), der bekanntermaßen unwiderstehlich für Frauen und tödlich für Feinde ist. Nachdem er einige seiner weniger imponierenden Handlanger hingerichtet hat, befiehlt Dr. Evil Mustafa (Will Ferrell) und Frau Farbissina (Mindy Sterling), die Sache ein für alle Mal zu beenden. Später werden Austin Powers und seine Partnerin Mrs. Kensington (Mimi Rogers) in einem Nachtclub Zeuge, wie sich Dr. Evil kryogenisch einfriert und dann in den Weltraum fliegt, um zu einer Zeit zurückzukehren, in der Gier und Korruption wieder die Oberhand haben.

Im Jahr 1997 tritt Dr. Evils 'Big Boy'-Raumschiff schließlich wieder in die Erdatmosphäre ein, woraufhin die US-Regierung den britischen Geheimdienstchef Basil Exposition (Michael York) kontaktiert, der ihr verrät, dass Austin Powers im Verteidigungsministerium auch für genau diese Art von Katastrophe tiefgefroren worden ist. Mrs. Kensingtons Tochter, die einfühlsame Vanessa (Elizabeth Hurley), hat die Aufgabe, den Superspion an die drastisch veränderten 1990er Jahre heranzuführen. Während Dr. Evil eine neue Schar von Schergen zusammentrommelt, versucht, eine Beziehung zu seinem Sohn (Seth Green) aufzubauen, und plant, einige Atombomben zu kapern, um die Welt um satte 100 Millionen Dollar zu erpressen, testet Austin Powers seine Fähigkeiten, indem er seine Vorgesetze zu verführen und den Tag zu retten versucht.

Die Komik reicht von fetzigen Tanznummern über Slapstick bis hin zu sexuellen Anspielungen und Fäkalhumor, und oftmals werden all diese Elemente vorzüglich miteinander kombiniert. Selbstverständlich gibt es auch etliche Parallelen zu James Bond, darunter die Namen von 'Nummer Zwei' (Robert Wagner), 'Random Task' (Joe Son) und 'Alotta Fagina' (Fabiana Udenio), die Gelüste des Womanizers. Dazu zählen auch androide Fembots, die passende Musik und die Pläne zur Weltherrschaft, die von körperlich entstellten Psychopathen geschmiedet werden. Fantasievolle Kostüme, einfallsreiche Nacktaufnahmen und deftige Dialoge sind ebenfalls sehr effizient.

Ein paar hinhaltende Nebenhandlungen verlangsamen das Tempo dieser ansonsten routiniert witzigen Parodie voller wahnwitziger Verweise auf 007 und jede andere Iteration abenteuerlicher Spionageagenten wie Emma Peel und Harry Palmer. Selbst perfide Actionszenen, übertrieben elaborierte und zähe Foltermethoden oder sarkastische Bonmots, die auf das Ende folgen, treffen grundsätzlich ins Schwarze. Obwohl sich "Austin Powers" wie ein auf Spielfilmlänge gedehnter 'Saturday Night Live'-Sketch anfühlt, sind die Lachnummern gerade originell genug, um die Gesamtlaufzeit zu rechtfertigen und gleichzeitig eine neuzeitliche Legerkeit zu bewahren, die Filme wie "Casino Royale" von 1967 und die Derek-Flint-Verfilmungen meilenweit hinter sich lässt.

Kultregisseur Alex Cox hat "Straight to Hell - Fahr zur Hölle" inszeniert, eine B-Komödie über Geächtete auf der Flucht. Der Film ist weitgehend schwachsinnig, überaus verschroben und nur bedingt unterhaltsam, aber er hat seinen Platz bei eingefleischten Fans. Die Filme von Alex Cox sind nie wirklich Mainstream; er ist die Art von ausgefallenem Filmemacher, der in Skurrilität badet, aber er hat genug Kontakte und Expertise, um Gelder aufzutreiben und einige interessante Schauspieler und Cameos, darunter Dennis Hopper, Elvis Costello, Grace Jones und Jim Jarmusch.

Willy (Dick Rude) rastet aus, als seine beiden Komplizen Norwood (Sy Richardson) und Simms (Joe Strummer) zu besoffen sind, um den Mr.-Greenburg-Raub durchzuziehen. Sie kommen zu spät und verpassen ihre Chance auf schnelles Geld und die dringend benötigte Akzeptanz ihres Chefs. Auf ihrem Weg aus der Stadt nehmen sie die blonde Velma (Courtney Love), Norwoods schwangere Frau, mit und rauben eine Bank aus, wobei sie auf ihrer hastigen Flucht ungeschickt Geld am Straßenrand verstreuen. Außerdem verirren sie sich auf fatale Weise und beschließen, sich in einer Wüstenstadt mitten im Nirgendwo zu verstecken, um die Beute zu vergraben.

Nachdem die vier sich volllaufen lassen und die Nacht in einem Schuppen hinter einer Bar verbringen, wird Velma von einem freundlichen Schwachkopf vor bösen Männern gewarnt. Wenige Augenblicke später rollt eine Bande von rücksichtslosen, durchgeknallten, koffeinabhängigen Banditen im Stil von "Mad Max" in die Stadt, um die neuen Eindringlinge zu eliminieren. Das Diebestrio wird in eine Blutfehde mit dem ansässigen McMahon-Clan verwickelt und gewinnt vorübergehend die Gastfreundschaft der Stadtbewohner, die kaum von der feindlichen Bande zu unterscheiden sind, von denen alle bunt gekleidet sind und von denen einige stereotypischen Stierkämpfern oder mexikanischen Banditos ähneln, Rastafari, hawaiianische Touristen, Hinterwäldler, Geschäftsleute in Anzügen, ein Hotdog-Verkäufer, ein schmutziger Friseur mit fettigen Haaren, ein Priester, ein Limousinenfahrer, ein Typ in rosa Nazi-Uniform, südamerikanische Drogendealer, Höhlenmenschen, Cowboys, Bundespolizisten und mehr, fast alle verdreckt, staubverschmiert und potthässlich. Die Menschen baden mit ihren Klamotten, so dass sie sich nicht umziehen müssen. Jeder hat eine Schraube locker, und die meisten tun so, als ob sie geistig minderbemittelt wären.

Die Geschichte ist absolut inhaltsleer und scheint sich mit zufälligen Zwischenfällen fortzubewegen, nur um ein Zeitfenster in Spielfilmlänge zu füllen. Die Figuren singen, tanzen, feiern im Suff, schreien, genießen Kaffee, prügeln sich und erschießen sich gegenseitig um des schnöden Vergnügens willen. Im Laufe der Tage, in denen jeder Morgen mit Titelkarten gezählt wird, werden die drei Außenseiter immer merkwürdiger und machen sexuelle Verspannungen für ihre Liederlichkeit verantwortlich.

Als der alte Opa McMahon brutal ermordet wird, entscheidet die lokale Mobmentalität sofort, die einzige Person zu lynchen, die sich nicht auf dem Dorfplatz befindet: Willy. Norwood interveniert und schürt Zweifel bei allen Beteiligten. Der nächste Unbekannte, der in die Stadt kommt, wird logischerweise umgehend aufgeknüpft. I. G. Farben (Dennis Hopper) lässt sich kurz blicken, um auf mysteriöse Weise schwere Artillerie zu liefern und Norwood auf die Idee zu bringen, dass die Stadt nur einen Anführer haben kann. Dies führt zu einem finalen, blutigen Showdown, bei dem sich einige Leute in einem Saloon verschanzen, andere versuchen, mit dem gestohlenen Geld zu türmen, und es kommt zu unzähligen Verleumdungen zwischen Verwandten, Freunden und Lebensgefährten. Wenn er nicht so unfassbar absonderlich wäre, könnte man "Straight to Hell - Fahr zur Hölle" mit "Für eine Handvoll Dollar" vergleichen.

Norwood hat immer einen Kamm parat, Courtney Loves Dialoge bestehen aus dauerhaftem, quietschendem Gejohle, und die Konversationen sind so dämlich, dass sie ein bisschen lustig sind. An einer Stelle liest eine der Figuren sogar Gedichte. Wenn Norwood und sein Team ihre Uhren synchronisieren müssen, liegen sie bis zu 30 Minuten auseinander, aber er behauptet, das sei immer noch nah dran. Der ganze Film vermittelt dem Betrachter das Gefühl, dass ein Haufen alkoholisierter Menschen etwas Freizeit und zusätzliches Geld hatte und beschloss, einen Film in der Wüste zu drehen, nur um zu demonstrieren, dass sie es können. In Realität ist das Projekt aus einer abgesagten Konzerttournee entstanden, die Alex Cox die Möglichkeit gab, eine Auswahl von Musikern für einen rasch improvisierten Film einzusetzen. Genau so sieht "Straight to Hell - Fahr zur Hölle" auch aus.

In "Ich bin ein entflohener Kettensträfling" von Regisseur Mervyn LeRoy kehrt die 'Sunset Division' ins New York der 1920er Jahre zurück, wo die vielen Matrosen Karten spielen und in Erinnerungen an die verschiedenen Jobs von anno dazumal schwelgen. Der Ingenieur James Allen (Paul Muni) träumt von einem Arbeitsplatz auf der Baustelle oder von irgendetwas, das ihn vor der Plackerei in einer Fabrik bewahrt. Als seine Mutter (Louise Carter) und sein Bruder (Hale Hamilton) ihn am Bahnhof begrüßen, erfährt er zu seinem Bedauern, dass sein alter Chef, Mr. Parker (Reginald Barlow), seinen ehemaligen Posten in der Schuhfabrik gerettet hat und ihn umgehend zur Arbeit drängt. Sicher, James Allen hat kein Interesse daran, in die gleichen deprimierenden Kommandos und Routineprozesse eingebunden zu werden, die ihm das Militär vermittelt hat, aber ein attraktives Stellenangebot ist etwas, das er sich nicht entgehen lassen sollte.

Die Armee hat James Allen nachhaltig geprägt und er hat begriffen, dass es im Alltag mehr gibt als eine Uniform und einen Orden. Es dauert nicht lange, bis er seine Heimat verlässt, um in Neuengland auf dem Bau zu schuften, doch scheinen diese Tätigkeiten nie von Dauer zu sein oder ein regelmäßiges Einkommen zu gewährleisten. James Allen reist durch Boston, New Orleans, Lake Winnebago und St. Louis und ist kontinuierlich bankrott und beschäftigungslos. Irgendwann lernt er Pete (Preston Foster) kennen, der den mittellosen Mann überredet, bei einem Überfall auf ein Restaurant zu helfen - eine Tat, die James Allen in ein Arbeitslager bringt, wo er zu zehn Jahren Gefängnis verurteilt wird. "Ich habe die Hölle durchgemacht!"

"Ich bin ein entflohener Kettensträfling" ist eine warnende Lektion darüber, wie leicht ein naiver und verzweifelter Mensch auf die schiefe Bahn geraten kann. Und sobald James Allen inhaftiert ist, wird er ohne Rücksicht auf sein spezifisches Verbrechen oder die unglücklichen Umstände, die ihn in den Knast gebracht haben, als minderwertig erachtet, während andere mit ihren Dreifachmorden oder anderen Taten protzen, die ihnen ein gehobenes Renommee ermöglichen. Das Frühstück besteht aus Bratfett, frittiertem Teig, Schweinespeck und Hirse. Auch die Ketten, mit denen er beständig an seine Mithäftlinge gebunden ist, werden benutzt, um ihn zur Kooperation zu nötigen. Er muss um Erlaubnis bitten, sich den Schweiß vom Gesicht zu wischen, während er mit einem Vorschlaghammer auf Steine eindrischt, oder die Aufseher prügeln ihn mit den bloßen Fäusten auf den Erdboden. Nachdem er sich über die Misshandlung eines erkrankten Gefangenen beschwert hat, wird James Allen anschließend mit der Peitsche bestraft. Schon nach der ersten Woche wird ihm bewusst, dass es nur zwei Optionen gibt: seine Haftstrafe zu verbüßen und durch das Eingangstor zu gehen oder in einem Sarg abtransportiert zu werden.

Sobald James Allen seine Flucht geplant hat, wird "Ich bin ein entflohener Kettensträfling" sehr lebendig. Es ist richtig fesselnd, die Organisation, die Proben und das Abwarten der optimalen Gelegenheit mitzuerleben. Der Sprung aus den Stricken ist allerdings nur die erste von vielen Hürden. Die Flucht vor der Polizei, die Überquerung der Staatsgrenzen und das nackte Überleben mit minimalen Ressourcen ist eine fast unüberwindbare Herausforderung. Überdies scheint jeder, dem James Allen begegnet, auf Schritt und Tritt den Argwohn des Verrats zu hegen. "Bricht ein Mann denn nie aus?"

Mit einem stringenten Drehbuch, häufigen Beinahe-Unfällen und spektakulären Zusammenstößen ist "Ich bin ein entflohener Kettensträfling" düster und frei von jeglicher Humoristik. Die Szenarien sind anspruchsvoll, das Drama ist ausgereift, und die Charaktere sind alle darauf aus, sich zu instrumentalisieren, ihre Schwachstellen auszubeuten oder einen Rachefeldzug zu führen. Ein schonungsloser und knallharter Spiegel der Gefangenschaft, basierend auf dem autobiografischen Roman von Robert Elliott Burns. Auch "Ich bin ein entflohener Kettensträfling" stellt die Unmenschlichkeit des marternden Systems der Arbeitslager in den Fokus und thematisiert sie mit der gleichen kompromisslosen Kargheit wie die belletristischen, aber dezidiert sachlichen Relationen - selbst den Romanzen fehlt die Frivolität. Hervorzuheben ist auch das aufregende Finale, das in Anbetracht der tragischen Natur dieser bedauernswerten Substanz keineswegs zu erahnen ist.