Chainsaw Charlie - Kommentare

In "The Wicker Man" von Regisseur Robin Hardy erhält Sergeant Howie (Edward Woodward), ein gläubiger Christ und strenger West-Highland-Polizist, der von seinen Untergebenen wenig Respekt erhält, einen anonymen Brief, in dem er um Hilfe auf der abgelegenen Insel 'Summerisle' gebeten wird, die zu einem Archipel gehört, das nur für seine Äpfel bekannt ist. Die 12-jährige Rowan, ein junges Mädchen, das nicht in der Lage ist, allein zu verreisen, wird seit vielen Monaten vermisst, sehr zum Leidwesen des unbekannten barmherzigen Samariters. Die Mutter, Mrs. May Morrison (Irene Sunter), wird angeblich angehalten, sich nicht an einer Suchaktion zu beteiligen.

Als Howie zu dem abgelegenen Ort gelangt, stößt er sofort auf den Widerwillen der Menschen, einen Fremden auf ihrem Privatgrundstück zu empfangen. Nachdem er ein Foto von Rowan im 'Green Man Inn' gezeigt hat, einer weiteren unwirtlichen Gegend voller ungastlicher Bewohner, ist der britische Offizier konsterniert, dass niemand das Mädchen zu erkennen scheint. In dieser Nacht wird er durch laute Musik, langsamen Gesang und die Laute der wollüstigen blonden Tochter des Barmanns, Willow MacGreagor (Britt Ekland), wach gehalten, die nebenan Geschlechtsverkehr praktiziert.

Am nächsten Morgen ist er noch empörter, als er Zeuge bizarrer Zeremonien, der Verehrung alter Götter, freizügiger Nacktheit und eines offenen Sexualunterrichts für Schüler wird. Auf Schritt und Tritt wird seine Autorität in Frage gestellt, er wird von missmutigen Zivilisten ausgebremst und trifft auf unkooperative Angestellte. Selbst die Mutter des Mädchens behauptet, sie habe noch nie etwas von Rowan gehört. Ein Treffen mit dem Gutsherrn (Christopher Lee) verwirrt Howie nur noch mehr, denn er hört sich heidnische Definitionen von paganer Spiritualität, okkulter Transmutation, Reinkarnation und barbarischen Vorstellungen von Jungfrauenopfern an sowie einen Verweis auf das am nächsten Tag beginnende Fruchtbarkeitsfest am 1. Mai, das sicher besonders anstößige Rituale beinhaltet, um die Göttinnen der Sonne und der Felder zu befriedigen.

Von Anfang an gibt es viel Musik, darunter zahlreiche Szenen, in denen die Figuren singen, tanzen, sich betrinken und allgemein verdorben sind, und noch wesentlich mehr in der Extended Version. Die Filmemacher versuchen eindeutig, den Betrachter genauso zu verwirren und zu verstören wie den Polizisten, und die unharmonische Mischung aus ausgelassener Musik und widerwärtigen Darstellungen erfüllt diesen Zweck. Befremdliche Bildnisse und seltsames Gebaren eröffnen jede Szene und geben den Ton und die Stimmung für ein schauerliches Mysterium an. Um die Atmosphäre noch erschreckender zu gestalten, gibt es ausdruckslose Tiermasken, obwohl der aufwändige Festzug mit all den sonderbaren Bräuchen und Kostümen so abwegig ist, dass er fast albern wirkt.

Die spezielle Wirkung wird durch ein Ensemble von scheinbar verrückten Fanatikern erzielt, die alle in eine irrsinnige Verschwörung verwickelt sind und die einzige Quelle der Besonnenheit bewusst auf Distanz halten. Es herrscht Spannung und Begeisterung, auch wenn das Tempo etwas langsam ist und die verzögerten Antworten ein wenig ärgerlich sind. Am Ende ist es ein klarer, sorgfältiger Ablauf bis hin zu einem großartigen, schockierenden, alarmierenden Finale, das die Macht der Mob-Mentalität, religiöse Intoleranz und die Gefahren irrationaler, extremisierter Glaubensvorstellungen auf beängstigende Weise veranschaulicht und an unvergessliche filmische Hexenkunst grenzt. Als genreübergreifender Kultklassiker ist "The Wicker Man" wegen seiner bemerkenswerten Authentizität und seiner Aussagekraft sehenswert, auch wenn sein Erbe stärker ist als seine tatsächlichen Minuten.

"Wir" von Regisseur Jordan Peele beginnt 1986, als die junge Adelaide (Madison Curry) bei einem Besuch des Santa Cruz Beach Boardwalk mit ihren Eltern ein traumatisches Ereignis erlebt, das einen Großteil ihrer Kindheit beeinflusst. Mehrere Dekaden später hat die erwachsene Adelaide Wilson (Lupita Nyong'o) nun eine eigene Familie. Ihr Mann Gabe (Winston Duke) und die Kinder Zora (Shahadi Wright Joseph) und Jason (Evan Alex) freuen sich auf einen Urlaub im Strandhaus der Familie, doch Adelaide ist besorgt. Eine Reihe ominöser Zufälle überzeugt die überfürsorgliche Mutter davon, dass jemand darauf aus ist, ihren Lieben wehzutun. Ihre Befürchtungen bestätigen sich, als in der Nacht ein Quartett von bedrohlichen Doppelgängern in ihrer Einfahrt auftaucht, die sich an den Händen halten und eine goldene Schere mit sich führen.

Die scheinbar unbedeutenden Handlungen eines Mädchens, das fernsieht, auf dem Rummel einen Preis auswählt oder am Strand spazieren geht, sind alle von Normalität durchdrungen. Aber mit Jordan Peele am Ruder haben selbst diese alltäglichen Aktivitäten etwas unverkennbar Gespenstisches an sich. Als die junge Adelaide auf eigene Faust loszieht, ahnt sie noch nicht, dass sie ein schreckliches und lebensveränderndes Schicksal ereilen wird. In diesen ersten Momenten ist der Spannungsaufbau meisterhaft, auch ohne die unerklärliche Überheblichkeit, die man oft in Horrorfilmen sieht. Jordan Peele weiß, wie man mit den Ansprüchen des Betrachters spielt. Während einiger Einführungsszenen passiert nicht viel, aber das Gefühl des Grauens wird immer intensiver. Eine gewöhnliche, vielleicht sogar ungewöhnlich glückliche Familie, die einen ruhigen Sommerurlaub genießt, hat sich noch nie so nervenaufreibend angefühlt.

Die Kamera verwendet lange, unangenehme, verweilende Aufnahmen von Gesichtern und Umgebungen, die das Beklemmungsgefühl noch verschärfen, so als ob sie auf ein unausweichliches, schockierendes Ereignis warten. Auch wenn dem Betrachter die typischen Jump-Scares verwehrt bleiben, gibt es doch einige an den üblichen Stellen, die umso wirkungsvoller sind. Die Manipulation ist hoch, aber sie ist keineswegs aufgesetzt, überzogen oder hart erzwungen.

Darüber hinaus hat Jordan Peele halluzinatorische Rückblenden, die oft absichtliche Ungenauigkeiten oder abrupte Schnitte, Spiegel und unvorhergesehene Reflexionen, sich wiederholende Bilder und Symbole, wieder auftauchende Orte und Figuren, plötzliche Geräusche und Bewegungen sowie eine wunderbar verstörende Vertonung von Michael Abels beinhalten. Zusätzlich enthält sein Skript eine kräftige Extraportion Komik, die häufig die Spannung so stark reduziert, dass es einige Minuten dauert, bis man wieder in den Horror versinkt. Doch der Humor ist meistens zutreffend und ergänzt die surrealen Komponenten. Vor allem Duke reagiert rational auf das Erscheinen von Unbekannten vor ihrem Haus, was einen deutlichen Kontrast zu Adelaides unkontrollierter Paranoia darstellt. Es ist eigentlich eine pfiffige Idee, die Hauptfigur mit den meisten ihrer Ängste allein fertig werden zu lassen und sie so von den Annehmlichkeiten des vernünftigen Irrglaubens zu isolieren. "Wir haben in letzter Zeit so viele verrückte Zufälle."

Während "Wir" die Konfrontation mit inneren Dämonen, eine Wir-gegen-Sie-Mentalität, die Vorstellung von zwei Seiten in jeder Person, perverse Konzepte von Dualität und Identität und die Unterdrückten, die den Spieß umdrehen, erforscht, wird der Betrachter, der an den sehenswerteren sozialen Kommentar von "Get Out" gewöhnt ist, sicher über die Ebenen dieses vielschichtigen Werks nachdenken und sie sezieren, und der psychologische Rausch wird absolut erheiternd. Die Bösewichte sind furchteinflößend und haben komplexe, kryptische Motive. Sie verbinden den Überfall auf ein Haus wie in "Funny Games" und "The Strangers" mit den übernatürlichen Ereignissen von "Auslöschung" oder sogar "Silent Hill". "Wir" funktioniert am besten, wenn der Rahmen intim ist und der Schatten auf die Familie Wilson beschränkt bleibt. Leider wird der Bogen zum Ende hin zu weit gespannt, so dass die Metaphern, der buchstäbliche Abstieg in den Wahnsinn und die Dynamik der Doppelgänger in den Hintergrund treten. Zu viel hängt von den letzten Informationen ab, so dass die Antworten in den Bereich der Fantasie abdriften, je mehr Teile des Geheimnisses ans Licht kommen und immer weniger Logik ergeben. Dennoch ist "Wir" ein technisches Kunstwerk, das optisch und funktional äußerst verblüffend ist. Dabei hilft zweifellos, dass die Darsteller hochkarätig sind, während Kinematographie, Bildgestaltung und Montage die extreme Tortur in sensationeller Manier bereichern.

"The Sadness", der erste Kinofilm von Regisseur Rob Jabbaz, stellt folgende Frage: Was wäre, wenn Zombies nicht nur hungrig und gewalttätig, sondern auch intelligent und pervers wären? Diese Frage wird mit viel Blut beantwortet. "The Sadness" mit seiner großen Pandemie-Metapher startet mit dem jungen Liebespaar Kat und Jim (Regina Lei und Berant Zhu), die in ihrer Wohnung in Taipeh aufwachen. Er bringt sie zur U-Bahn, trifft aber auf dem Heimweg auf die ersten Opfer des 'Alvin-Virus', von dem wir kurz zuvor in den Lokalnachrichten gehört haben.

Schwer auszumalen, was die Varianten 'Simon' und 'Theodore' anrichten könnten, denn wer an 'Alvin' kränkelt, greift andere mit allem an, was er in die Finger bekommt: mit siedendem Öl, Regenschirmen, Springmessern, Gartenscheren und mit seinen Zähnen. Zusätzlich zu ihren mörderischen Trieben haben sie auch sexuelle Gelüste. In beiderlei Hinsicht sind sie äußerst produktiv. Und sie sprechen darüber, bis man tot ist, was wahrscheinlich nicht mehr lange dauern wird.

Rob Jabbaz ist nicht gerade zimperlich mit seinen Möglichkeiten. Wo die meisten Regisseure die heftigeren Phasen von Sex und Gewalt wegschneiden würden, montiert er sie stattdessen ein und dann durch sie hindurch. Angeblich verbrachte das Effektteam drei Monate damit, Köpfe, die Blut sprühen, zerlaufen oder explodieren können, für einen vierwöchigen Dreh vorzubereiten. "28 Days Later", friss dein Herz, solange es noch schlägt.

Die trockene Rahmenhandlung besteht darin, dass Jim und Kat versuchen, sich wiederzufinden. Jim wird dadurch gehandicapt, dass ihm sein einst freundlich gesinnter Nachbar zwei Finger abgeschlagen hat. Kat wird von einem Geschäftsmann (Tzu-Chiang Wang) verfolgt, der schon unangenehm war, bevor er sich mit dem Virus angesteckt hat.

"The Sadness" erhielt enthusiastische Reaktionen auf verschiedenen Horrorfestivals und gewann den Preis für den besten Erstlingsfilm auf dem 'Fantasia Festival' in Montreal. Was die sexuelle Verkommenheit und die Gewaltdelikte pro Minute angeht, ist der Film kaum zu toppen. Als Beitrag zur aktuellen Pandemie ist er ein wenig zu ausufernd, um wirklich als Satire zu funktionieren. Ein seltener friedlicher Moment am Ende von "The Sadness", in dem ein Virologe erklärt, dass ihm sowieso niemand zuhören würde, verfehlt seinen Zweck. Den Rest der Zeit beißen sich alle die Nasen ab. Manche Betrachter werden die Bilder von Vergewaltigungen und Mordszenen nicht verkraften. Man kann lernen, einen gesunden Angstpegel im Kino zu würdigen, doch manche werden von ekelerregendem Horror regelrecht krank. Zartbesaitete sind gewarnt.

In "Cujo" von Regisseur Lewis Teague wird der friedliche Spaziergang eines kleinen Hasen durch den Wald durch die tosende Verfolgungsjagd eines großen Hundes jäh unterbrochen um einen unmittelbaren Kontrast zu schaffen. Das führt dazu, dass sich der Hase in einem umgestürzten Baumstumpf versteckt, während aufgebrachte Fledermäuse den schnüffelnden Bernhardiner beißen. So entsteht die nicht ganz geheime Grundlage für die Terrorherrschaft eines tollwütigen Tieres in einer kleinen Stadt in 'Maine'. Später wird seine drohende Aggressivität durch einen kurzen Clip mit Scooby-Doo und Plüschtieren visuell unterstrichen. 'Cujo' ist der Anti-'Jello' und die folgenden filmischen Schläge sind sicherlich bedrohlicher als alles in der Geschichte des goldenen Halbbluts, was natürlich auf die Grundlage des preisgekrönten Romans von Autor Stephen King zurückzuführen ist.

Der junge Tad Trenton (Danny Pintauro) wird in der Nacht von seiner Angst vor Monstern und der Dunkelheit geweckt und muss von seiner Mutter Donna (Dee Wallace) und seinem Vater Vic (Daniel Hugh-Kelly) getröstet werden. Während Tads Probleme auf eingebildeten Wahrnehmungen von Dingen beruhen, die in der Nacht spuken, sind Donnas Sorgen die Langeweile in ihrem Leben und eine anhaltende Affäre mit dem Familienfreund Steve Kemp (Christopher Stone). Als Vic davon erfährt, kommt es zu Schwierigkeiten, und er geht für zehn Tage weg, um sich auf seine Arbeit zu konzentrieren.

Bei der Reparatur von Vics Auto lernt er den Mechaniker Joe Camber (Ed Lauter) kennen, dessen Sohn Brett 'Cujo' gehört, einen sanften, aber wuchtigen Bernhardiner. Da man vermutet, dass 'Cujo' an Tollwut erkrankt ist, ändert sich sein Wesen und er greift schließlich Joes Freund Gary (Mills Watson) an, bevor er auch Joe Camber attackiert. Als Donna ihr Fahrzeug zum Mechaniker bringt, belagert der sabbernde Köter das festgefahrene Vehikel und lässt Donna und Tad ohne Proviant und ohne Aussicht auf Hilfe zurück, während ihr Wasservorrat schwindet und die Sonne erbarmungslos auf sie niederbrennt.

"Cujo" spielt zwar mit dem klassischen Horror von Monstern, indem er die Rolle des Antagonisten auf eine sehr glaubwürdige Kreatur ausrichtet, die beweist, dass Ungeheuer tatsächlich existieren können, und den Betrachter auffordert, sich nicht vor der Dunkelheit zu fürchten, aber er mischt auch den viszeralen Aspekt des Blutvergießens und die Furcht vor dem Ungewissen vor allem in 'Cujos' Taten mit ein. "Der weiße Hai" hat die Filmemacher eindeutig beeinflusst, nicht nur durch einen kurzen Verweis, sondern auch durch die Musik, den Schnitt, die Kameraperspektiven, die auf die Gliedmaßen hinunterschauen, und die unheilvollen Kulissen - dichter Nebel und dürres Geäst in grenzenlosem Dickicht ersetzen hier das endlose Wasser des Ozeans. Vermutlich waren Bernhardiner eine Zeit lang so unbeliebt wie Haie. Die grauenerregenden Schminkeffekte für den Hund, darunter tonnenweise klebriger Milchschaum, verwandeln das normalerweise liebenswürdige Haustier in eine erschreckende Bestie.

Wie auch in der Buchvorlage gibt es in "Cujo" mehrere Nebenhandlungen, die trotz der scheinbar kurzen Spielzeit von 90 Minuten viel Zeit in Anspruch nehmen: Donnas Betrug, Joe Cambers Missbrauch und der Lottogewinn seiner Frau, Vics Job in der Werbebranche und vor allem Steve Kemps Abneigung gegen Donna - all das lenkt von den Horrorelementen ab, die sich auf die Rache misshandelter Tiere oder das Thema der Amok laufenden Natur beschränken. In gewissen Momenten scheint es, als ob unvollkommene Individuen in einer verdrehten Form der Gerechtigkeit, in der das Überleben den Wert definiert, einer knurrenden Vergeltung gegenüberstehen. "Cujo" lehnt sich stark an den Roman an, auch wenn das Ende aus kommerziellen Gründen leicht verändert wurde, und die zugrunde liegenden Ideen von unzusammenhängenden Geschichten, der Unwägbarkeit des Lebens und zufälligen Resolutionen, die nicht auf eine zielgerichtete Handlung zurückgeführt werden können, wurden eindeutig nicht auf das Medium Film übertragen. Die Darstellung von Danny Pintauro ist derart authentisch, dass man den Verdacht hat, dass der kleine Junge wirklich traumatisiert wurde, um echtes Leid auf Band zu fangen, wohingegen Dee Wallace selbst glaubhaftes Entsetzen und Panik vermittelt. Doch am Ende ist "Cujo" trotz einiger wirksamer Szenen nicht ansatzweise so nervenzerreißend, wie er sein sollte, weniger facettenreich oder tiefgründig, und er wird von den meisten anderen Killertierfilmen jener Epoche deklassiert.

In "Venom: Let There Be Carnage" von Regisseur Andy Serkis ist das Leben von Eddie Brock (Tom Hardy) immer noch ein Chaos. Seine entfremdete Freundin Anne (Michelle Williams) geht ihm aus dem Weg, der Polizist Mulligan (Stephen Graham) verfolgt ihn wegen seiner Verwicklung in jüngste kriminelle Aktivitäten, und der brutale außerirdische Symbiont 'Venom' dringt weiterhin zu unpassenden Gelegenheiten in seinen Geist und Körper ein. Doch die Dinge beginnen sich für den vom Pech verfolgten Journalisten zu bessern, als der bald hingerichtete Serienkiller Cletus Kasady (Woody Harrelson) ihm anbietet, exklusiv über sein Leben und seine Verbrechen zu berichten, wenn er dafür kryptische Botschaften in der Zeitung abdruckt. Als 'Venom' auf Hinweise stößt, die zu Cletus Kasadys verstecktem Opferfriedhof führen, wird Eddie Brock als Held gefeiert, weil er den Familien einen Abschied verschafft. Wütend lockt der Irrsinnige den Reporter zu einem letzten Treffen, das ihm die Chance gibt, mit einem Teil von 'Venoms' DNA zu fliehen. Das Resultat ist die katastrophale Entfesselung des tödlichen 'Carnage', einer Symbiontenvariante, die darauf aus ist, alles zu zerstören, was Eddie Brock lieb und teuer ist.

Diese direkte Fortsetzung beginnt verwirrenderweise mit einem überstürzten Teil des Vorgängers, bevor sie in die Gegenwart wechselt, um die Hauptgegner zu rekapitulieren, die beide weit mehr Aufmerksamkeit erhalten als die Helden. Für diejenigen, die den Vorgängerfilm nicht kennen oder vergessen haben, ist diese Fortführung bestenfalls mäßig interessant. In den kurzen Szenen, die sich mit der aktuellen Situation befassen, tauchen Eddie Brock und 'Venom' gar nicht auf. Stattdessen werden sie sofort als Comedy-Duo präsentiert, wie ein weiterer Eddie Brock und sein nerviger, unzertrennlicher Kumpel aus "Falsches Spiel mit Roger Rabbit", die sich in witzigen Verunglimpfungen, schrägem Slapstick und cartoonhaftem Blödsinn ergehen.

Leider funktionieren Eddie Brock und 'Venom' immer noch nicht als effektives Filmteam. Die Dualität eines hirnfressenden Raubtiers, das den Körper eines sanftmütigen Reporters bewohnt, führt selten zu schallendem Gelächter. Ihr Geplänkel und ihre Machtkämpfe fallen im Grunde genommen in sich zusammen. 'Venom' ist etwas ergiebiger als ein böser, schalkhafter Jiminy Cricket, der seinem nichtsnutzigen Wirt ins Ohr flüstert, aber wenn sich die Muse in eine Masse von sich windenden Sehnen und Gliedmaßen verwandelt, ist das schockierend dumpf. Mit dem Aufkommen der grässlichen Ausgeburt verfliegt der geglückte Humor jedoch rasch.

Woody Harrelson und Naomie Harris (in der Rolle der verliebten Frances) verbringen die meiste Zeit des Films als bemitleidenswerte, modernisierte Gegenstücke zu Bonnie und Clyde, die darum kämpfen, keine bedeutungslosen Mörder, sondern überzeugende Serienkiller zu sein. Das Drehbuch ist schamlos uninspiriert und wird noch schwächer, als 'Carnages' Offenbarung mit der unerfreulichen Realität kollidiert, dass Mutanten bereits in der menschlichen Gesellschaft leben. Eine außerirdische Präsenz ist nahezu überflüssig. Und seine Zerstörungswut ist seltsam gewalthaltig, aber dank der Freigabe ab 12 nie grafisch, sondern bietet viel Unordnung, aber nichts Erschütterndes oder zum Nachdenken Anregendes.

Das größte Übel bei diesem Nachfolger ist jedoch wieder einmal die Computeranimation. Der Fokus liegt meist auf computeranimierten Wirbelstürmen, die für Actionsequenzen denkbar ungeeignet sind. Wenn es schwierig ist, das visuelle Gedöns zu sortieren, wird der Betrachter kaum ein Empfinden von Spannung oder Vergnügen wahrnehmen. Seltene, langsamere Momente der Gesichtsveränderung erweisen sich als weit überlegen und demonstrieren die Fortschritte in der computergestützten Bildgebung, aber wichtige Versatzstücke sind in erster Linie eine Unschärfe. Das Gleiche gilt für die sinnfreie Charakterentwicklung, die quasi nichts über das hinausbringt, was im ersten Film etabliert wurde. Es gibt hier niemanden, mit dem man sympathisieren kann, denn sie sind alle farblose, tragische Seelen, die sich mit Vernichtung und dem Chaos begnügen. Selbst die Liebesgeschichte von Eddie Brock läuft ins Leere und entmenschlicht die Figur des Eddie/Venom noch weiter. Am Ende, und das ist ein grober, inkonsequenter Schluss, wird klar, dass die Filmemacher keine Ahnung haben, was sie mit diesen Figuren und ihren Super-Antihelden-Fähigkeiten anfangen sollen.

Als der Enthüllungsjournalist Eddie Brock (Tom Hardy) in "Venom" von Regisseur Ruben Fleischer ein Interview mit dem Technologieriesen Carlton Drake (Riz Ahmed) führen soll, wählt er einen Kampf, den er nicht gewinnen kann. Anstatt sich über Drakes Weltraumforschung der 'Life Foundation' zu erkundigen, verfolgt er das wissenschaftliche Genie wegen unethischer pharmazeutischer Manöver, was dazu führt, dass Eddie Brock schnell seinen Job und die Beziehung zu seiner Verlobten Anne Weying (Michelle Williams) verliert. Monate später tritt eine verzweifelte Wissenschaftlerin, Dr. Dora Skirth (Jenny Slate), an Brock heran und bietet ihm Beweismittel für Drakes abscheuliche Praktiken an, was die Detektivarbeit des müden Journalisten wieder aufleben lässt, um den Missbrauch aufzudecken. Was er dabei entdeckt, ist weitaus schockierender als alles, was er sich hätte vorstellen können: Die Exkursionen der 'Life Foundation' in andere Welten haben außerirdische Parasiten hervorgebracht, mit denen Drake Versuche an Menschen durchgeführt hat. Bevor Brock mit den Beweisen für Carlton Drakes Gräueltaten entkommen kann, wird er von einer der Lebensformen angegriffen und infiziert, wodurch die Mutation, halb Mensch, halb Außerirdischer, bekannt als 'Venom', entsteht.

Der erste Akt von "Venom" spielt sich wie ein Zombiefilm ab, gespickt mit Horrorelementen, die einen gewissen Rahmen vorgeben. Es ist definitiv eine andere Sichtweise auf Superhelden, wenn man bedenkt, dass absichtliche Angstmacherei eine seltene Kombination für Marvels Universum ist. Natürlich handelt es sich nicht um einen traditionellen Marvel-Film, da Sony/Columbia nach wie vor die Kontrolle über Produktion und Vertrieb hat. Die Horrormomente verflüchtigen sich jedoch bald und werden durch die Dualität einer Buddy-Cop-Routine ersetzt, in der Heldentum und Schelmerei konstant im Gegensatz zueinander stehen. Auch die Komik kommt nicht zu kurz: Slapstickartige Irrungen und Wirrungen während der Integration des Wirts, die Anpassungsphase an 'Venoms' unbändigen Appetit, die Spannungen mit seiner Geliebten Anne und die düstere Stimme des Symbionten, der seine neu entdeckte Marionette steuert. An manchen Stellen gehen die Scherze so weit, dass die Filmemacher ihre Themen vielleicht etwas ernster hätten nehmen sollen.

Wie bei "Suicide Squad" muss der Antiheld dieses Projekts erlösend sein, denn nur wenige Betrachter würden einen grundbösen Charakter als einzigen Leitfaden für Drama und Abenteuer akzeptieren. Leider dauert es eine Weile, bis 'Venom' in der Form auftaucht, die es Eddie Brock erlaubt, sich mit sich selbst zu beschäftigen oder bewaffnete Schläger zu verdreschen, die versuchen, den kostbaren Außerirdischen zurückzuholen. Gut 20 Minuten sind den Einführungen gewidmet, die allgemeiner nicht sein könnten. Von der Organismusprobe, die über das menschliche Leben gestellt wird, über das Interview mit einem korrupten Milliardär bis hin zu einem Rendezvous, einer Montage der Fernsehsendung 'The Eddie Brock Report', einem Smalltalk mit einem Rezeptionisten und einer Führung durch die Einrichtung der 'Life Foundation' - die Dialoge sind alles andere als originell. Nur wenn der Begriff 'Fake News' auftaucht, wird der Betrachter eine Andeutung von etwas Ungewöhnlichem bemerken, auch wenn es sich dabei um eine weitgehend unpassende Formulierung handelt, die wahrscheinlich von der Phantastik der Science-Fiction-Geschehnisse ablenkt. Man muss in der Lage sein, sich ein Stück weit vom Glauben zu lösen, und dabei helfen diese Worte sicher nicht.

Eddie Brock ist von Anfang an unsympathisch, was es noch schwieriger macht, ihn als Protagonisten zu akzeptieren. Sein Egoismus und seine Willkür, getarnt als Mission zur Entlarvung von Korruption, werden durch eine steile Abwärtsspirale verschlimmert, in der er nicht mehr bereit ist, an der Moral festzuhalten, die er anfangs vorgab zu haben. Wie in diesen Filmen üblich, braucht er nur wenig, um eine Kehrtwende zu machen, vielleicht weil er die einzige Figur ist, die für diese Rolle vorgesehen ist. Dr. Dora Skirth wendet sich an ihn, um ihn über die anrüchigen Menschenversuche aufzuklären, doch er ist nicht in der Lage, ihre Informationen zu verwerten.

Nachdem sich der Horror und die Komödie verflüchtigt haben, geht "Venom" in einen Actionfilm über, in dem es von CG-Ranken und Schlamm nur so wimmelt. Die Gestaltung von 'Venom' ist faszinierend, wenn sich die Erregung genug verlangsamt, um die Komplexität seiner Gestaltwandlerfähigkeiten zu begreifen. Und genau diese frenetischen Qualitäten beeinträchtigen auch die Effizienz der Action-Choreografie. Ob Nahkampf oder Verfolgungsjagden, die hektischen Schnitte lenken nur von den Stunts ab - eine Motorradhatz durch San Francisco bietet immerhin einige beeindruckende Verwüstungen. Das trägt zur Mediokrität des Finales bei, das unter denselben Symptomen leidet wie "Wonder Woman": Wenn der actiongeladene Showdown ein computeranimiertes Chaos ist, wirkt er einfach nur unübersichtlich und nicht wie das sorgfältig inszenierte Duell, das er hätte sein können. Dennoch ist "Venom" ein respektabler Beitrag dazu, 'Venom' eine eigene filmische Episode zu geben und zu beweisen, dass er nicht in eine Nebenrolle oder als Antagonist eines anderen Superhelden verbannt werden muss.

In "From Dusk Till Dawn" von Regisseur Robert Rodriguez schaut Texas Ranger Earl McGraw (Michael Parks) bei 'Benny's World of Liquor' an der Route 66 vorbei, um mit dem Angestelltem Pete (John Hawkes) zu plaudern, der sich über Nadine und ihren mongoloiden Mitarbeiter im Diner beschwert. Sie erwähnen auch ein paar skrupellose Bankräuber und Mörder, die in Abilene, Texas, ihr Unwesen treiben und dem rachsüchtigen Gesetzeshüter begegnen könnten. Es stellt sich heraus, dass diese Killer, Seth Gecko (George Clooney) und sein jüngerer Bruder Richie (Quentin Tarantino), bereits im Laden sind und die Schreie zweier Geiseln ersticken.

Die von Quentin Tarantino geschriebenen Dialoge gehen sofort in die Vollen und mischen rasante Auseinandersetzungen mit beiläufigen Gesprächen, trivialen Betrachtungen und plötzlichen Gewaltausbrüchen. Die Ausgangslage hat einen gewissen Grad an unrealistischer Überintensität, noch bevor die jenseitigen Elemente eingesetzt haben. Quentin Tarantino verkörpert interessanterweise den psychotischeren, rabiateren der Gecko-Brüder, der zu aggressiven Gefühlsausbrüchen und peinlichen Phasen der Ruhe neigt. Beide sind es jedoch nicht wert, angefeuert zu werden. Dies sind keine Antihelden, sondern unmenschliche, gefühllose und unsympathische Verbrecher.

Währenddessen gehen der ehemalige Pfarrer Jacob Fuller (Harvey Keitel) und seine beiden Kinder Kate (Juliette Lewis) und Scott (Ernest Liu) in einer nahe gelegenen Stadt essen und übernachten in demselben Motel, in dem auch die Gecko-Brüder wohnen. Das bedeutet Ärger für die Familie Fuller, die als die nächsten Geiseln auf dem Weg in die Freiheit in Mexiko genommen werden. Ungeheuerlich ist, dass der Kern des Konflikts, der zu übernatürlichen Resonanzen führt, erst nach mehr als einer Stunde in "From Dusk Till Dawn" deutlich wird.

Das Drehbuch ist sehr chaotisch, und die Geschichte weicht wiederholt auf unvorhersehbare Weise ab und wechselt in den unpassendsten Situationen das Genre. Im Grunde geht es jedoch um einen Mann Gottes, dessen Glaube durch das pure Böse, sowohl menschengemacht als auch inhuman, auf die Probe gestellt wird, sowie um die Themen Schicksal und Kontrolle und die Qualen des Verlusts der Fähigkeit, sie zu kontrollieren. Im wahrsten Sinne des Wortes ist es ein Abstieg in eine feurige Unterwelt, die wie eine Bar und ein Verlies gestaltet ist, mit lauter Musik, Alkohol und sexuellen Reizen. Der Kontrast zwischen dem Pastor und seiner jungfräulichen Sippe macht diese Tortur zu einer Art religiösem Schmelztiegel.

Trotz der Skurrilität der Figuren und der Handlung fühlt es sich an wie eine "Geschichten aus der Gruft"-Folge, jeder nimmt seine Rolle ernst. Man hat nie das Gefühl, dass sie die Darstellung auf die Spitze treiben, nur um Spaß zu haben. Auch die Nebenrollen sind beachtlich, darunter Kult-Stammgäste wie Tom Savini, Fred Williamson und Danny Trejo sowie bekannte Schauspieler wie Cheech Marin, John Saxon und Kelly Preston. Selbst wenn die Starstripperin 'Santanico Pandemonium' (Salma Hayek) auf der Bühne mit einer riesigen gelben Python tanzt, bleibt eine gewisse Seriosität erhalten. Das Gleiche gilt für das sich anbahnende Blutbad, das in kurzen Augenblicken urkomisch, aber dank begrenzter Computeranimationen und umfangreicher Make-up- und Gore-Effekte auch grafisch sehr anschaulich ist.

Was als anarchischer Krimi beginnt, schlägt um in volatilen Horror mit abgetrennten Gliedmaßen und eimerweise Viszera, bevor er schließlich zu einem ziemlich dämlichen, actiongeladenen Vampirfilm verkommt. Leider sind die Protagonisten hauptsächlich amoralische Ganoven, deren Gelingen oder Scheitern praktisch ohne Belang ist. "From Dusk Till Dawn" ist ein unfassbar abwegiges, oft hässliches, mitunter widersinniges und verkorkstes Experiment von einem Film.

In "Mom and Dad" von Regisseur Brian Taylor muss Damon (Robert Cunningham) für seine Prüfungen lernen und wird von seiner Freundin, der Unruhestifterin Carly Ryan (Anne Winters), abgelenkt, die ihm verspricht, nach der Klausur einen Vorwand für eine heimliche Party zu finden. Carlys Eltern, Brent (Nicolas Cage) und Kendall (Selma Blair), sind mit dem Jungen nicht einverstanden und verlangen, dass sie den Kontakt zu ihm beendet. Die beiden sind aber auch mit der Schwangerschaft von Kendalls Schwester beschäftigt, die jeden Moment ein neues Baby erwartet. Und der jüngere Bruder Josh (Zackary Arthur) mag es einfach, seine Schwester zu quälen. "Oh mein Gott, ich werde dich umbringen!"

In der Zwischenzeit tauchen immer wieder Nachrichten über Eltern auf, die auf unerklärliche Weise ihre eigenen Kinder ermordet haben, so scheint es zumindest. Natürlich gibt es auch ein paar hinterhältige Kitzelattacken und das plötzliche Wegtreten eines Kinderspielzeugs, um den Betrachter zu überraschen. Aufnahmen einer verschlafenen kleinen Vorstadtstraße und verlassener Schulflure verströmen zudem eine Horrorfilm-Atmosphäre, die suggeriert, dass in jedem Moment etwas ins Bild springen und den Betrachter schockieren könnte, was im krassen Gegensatz zur vorgetäuschten Gelassenheit der alltäglichen Normalität steht.

Wie sich herausstellt, sind Eltern überall von etwas betroffen, das sie spontan dazu bringt, ihre Kinder aufzusuchen und sie umzubringen, sei es mit Autoschlüsseln oder mit ihren bloßen Händen. Diese Grundvoraussetzung, die bald die Form von Zombiefilmen und anderen biologischen Epidemien annimmt, ist durchaus originell und mitunter auf eine unheimlich düstere Art komisch. "Mom and Dad" ist auch satirisch und ironisch, indem er die Rolle der Eltern, die Disziplin und die Verbundenheit mit dem Tierreich analysiert, obwohl diese Aspekte so tief vergraben sind, dass der Film hauptsächlich ein Thriller ist. Die clevere Montage und der Einsatz von konträrer Musik tragen jedoch zum pechschwarzen Humor bei. "Es ist, als ob sie auf ein Buffet warten."

Besonders lustig und zugleich widerwärtig ist eine Geburtssequenz, die mit Hochspannung erwartet wird, bis die Mutter plötzlich beschließt, ihren Nachwuchs zu töten. Viele dieser Szenen sind kreativ in ihrer Darstellung von Angst und blutigen Konflikten, dem Verfall des Respekts vor Autoritätspersonen, dem Zerfall der Familieneinheit und der drohenden Depression, die mit dem Tribut der Elternschaft zusammenhängt, einschließlich des Verlusts der Identität und der Unabhängigkeit, was noch erschütternder wird, da die Kinder die Helden sind, die gezwungen sind, sich anzupassen und ständige Gefahren zu überwinden, die von genau den Menschen ausgehen, denen sie am meisten vertrauen sollten. Wie bei Horrorfilmen üblich, werden die Gründe für den Ausbruch von Kindstötungen nicht genannt, was durchaus akzeptabel ist und vielleicht sogar zum Gruselfaktor beiträgt, auch wenn das Ende merkwürdig ergebnisoffen ist.

Rückblenden auf frühere Ereignisse sind leider unnötig, abgesehen von ein paar zusätzlichen skurrilen Widersprüchen, die sich aus liebevollen Erinnerungen an die Kindererziehung ergeben, ebenso wie Verweise auf andere fiktionale Werke, aber die eskalierende Absurdität wahnsinniger Eltern, die munter darüber nachdenken, wie sie ihre Kinder abschlachten können, ist irrsinnig genial. Je mehr sich Brent und Kendall an ihren mörderischen Plänen erfreuen und über den eigenartigen Tagtraum phantasieren, sich brutal von der elterlichen Verantwortung zu befreien, desto deutlicher und humorvoller wird die allegorische Komponente. Außerdem darf Nicolas Cage wieder einmal seine verrückte Seite vor der Kamera ausleben, indem er in hysterische Tobsuchtsanfälle ausbricht und sogar heult und bellt wie ein Hund. Mit zunehmender Dauer des Terrors wird "Mom and Dad" immer empörender und erstaunlicherweise zunehmend raffinierter und mutiert zu einem wüsten, grenzüberschreitenden Spektakel. "'World War Z' bricht gerade in unserer Schule aus."

Bei Vollmond ist es der perfekte Zeitpunkt für eine Folge von "Fright Night - Die rabenschwarze Nacht" unter der Regie von Tom Holland, moderiert von Peter Vincent (Roddy McDowall), einem 'Vampirkiller' und Star aus Film und Fernsehen, der sich mit der Bekämpfung böser Wesen bestens auskennt. Zu Beginn der Sendung versucht der Teenager Charley (William Ragsdale), seine Geliebte Amy (Amanda Bearse) anzubaggern. Doch er hat wenig Erfolg, erstens, weil Amy kalte Füße bekommt, und zweitens, weil Charley mit den seltsamen nächtlichen Aktivitäten seines neuen Nachbarn beschäftigt ist, der zum Beispiel einen Sarg durch den Garten schiebt.

Charleys durchfallende Trigonometrie-Noten scheinen nicht so wichtig zu sein, als er von zwei Morden innerhalb von zwei Tagen erfährt, von denen der zweite die Entdeckung der stark verstümmelten Leiche einer bekannten Prostituierten ist, einer langbeinigen Blondine, die Charley am Nachmittag zuvor beim Betreten des Hauses seines Nachbarn beobachtet hatte. An diesem Abend sieht Charley zufällig, wie der neue Besitzer, Jerry Dandridge (Chris Sarandon), dabei ist, seine Vampirzähne in den Hals eines jungen Opfers zu schlagen. Da er überzeugt ist, dass Jerry ein wandelnder, blutsaugender Mörder ist, ruft Charley die Polizei. Das Resultat ist jedoch zu erwarten: Seine Behauptungen werden belächelt und ignoriert. Jerry macht sich einen Spaß daraus, mit den Jugendlichen zu spielen, denn die Anschuldigungen sind zu Recht ungeheuerlich.

Wie bei Teenager-Szenarien üblich, sorgen Erwachsene für Unglauben, während Gleichaltrige, darunter Stephen Geoffreys als Ed Thompson, Ratschläge erteilen, auch wenn sie ungeeignet sind. Sobald Jerrys Identität bestätigt ist, haben die humorvollen Horrorfilmsequenzen Vorrang, was eine willkommene Abwechslung zu den sehr fiktiven Highschool-Szenen und -Interaktionen darstellt. Tom Holland ist kein John Hughes. Dennoch wird die Komik geschickt eingesetzt, zumal Charley auch dann noch todernst bleibt, wenn sich alle um ihn herum gnadenlos über seine Spekulationen mokieren. "Hast du denn gar nicht zugehört, was ich gesagt habe!"

In "Fright Night - Die rabenschwarze Nacht" werden die gängigen Restriktionen für Vampire humoristisch gelöst, so dass Jerry weiterhin unverfroren die einzige Person verfolgen kann, die von seinen finsteren Machenschaften Notiz genommen hat. Und auch die Rekrutierung des 'professionellen' Vampirjägers Vincent ist ein Witz, denn er wird nicht durch seine berühmte Agenda in die Mission gelockt, sondern durch das Versprechen eines 500-Dollar-Sparbriefs. Zu den leichtherzigen Fantasyelementen gesellen sich ein fliegendes Fledermaus-Gimmick, Roddy McDowalls perfekt passende Dämlichkeit und übertriebene Mimik, die an Peter Cushings stümperhafte Professorenschaft in den Science-Fiction-Filmen der 60er und 70er Jahre erinnert, jedoch mit einem Hauch von Selbstbewusstsein, schnulzigen und dennoch witzigen Make-up- und Verwandlungseffekten und einem allgegenwärtigen Gefühl kindlicher Ungerechtigkeit, da die Älteren immer wieder die Oberhand über die Teenager gewinnen, bis hin zu eklatanter Sexualität oder ihrer Weigerung zu kooperieren. Das Finale ist ein wenig zu lang, und die Dialoge könnten ausgefeilter sein, doch die Defizite passen gut zu der Low-Budget- und B-Movie-Atmosphäre und der Prämisse, dass das Lachen immer über dem Gruseln steht. In vielerlei Hinsicht fühlt sich "Fright Night - Die rabenschwarze Nacht" wie eine moderne Adaption eines Abbott und Costello Abenteuers an, wenn sie im Reich von "Tanz der Teufel" wären.

In "Hellraiser: Judgement" von Regisseur Gary J. Tunnicliffe hat sich die Menschheit zu immer größeren Formen der Degradierung und Dekadenz entwickelt, bis hin zu dem Punkt, an dem Freude im Grunde nichts anderes als Schmerz ist. Das macht dem Dämon Pinhead (Paul T. Taylor) und seinen satanischen Zenobiten die Arbeit besonders schwer, denn sie suchen nach ausgeprägten Varianten des Sadomasochismus, um an renitenten Seelen zu laborieren. "Die Sünde bleibt unverändert."

Ihre jenseitige Domäne hat sich jedoch verlagert, denn sie scheinen nicht mehr von der geheimnisvollen Rätselkiste gerufen zu werden, die eine Brücke zum Unvorstellbaren schlägt, sondern von einer eigenen Abspaltung höllischer Entitäten, die systematisch das Abscheuliche verarbeiten. 'The Auditor' (Gary J. Tunnicliffe), ein grässlich vernarbter, bebrillter Humanoid, arbeitet in einem baufälligen Gebäude am 'Ludovico Place 55', wo er verdorbene Individuen anlockt, die dann von 'The Assessor' (John Gulager) auf ihre Sünden analysiert, von einer juristischen Jury verurteilt, von einem Trio von Reinigungskräften gebadet und schließlich von 'The Butcher' (Joel Decker) und 'The Surgeon' (Jilly Blundell) geschlachtet werden. Ihr aktuelles Exemplar ist der pädophile Exhibitionist Karl Watkins (Jeff Fenter), der auf der Suche nach einer versprochenen Gegenleistung unter seinesgleichen bei ihnen vorbeischaut.

Unterdessen kommen die Brüder und Detectives Sean (Damon Carney) und David Carter (Randy Wayne) zusammen mit ihrer Kollegin Christine Egerton (Alexandra Harris) einem Serienkiller auf die Spur, der als 'Preceptor' bekannt ist und bereits 14 Menschen auf äußerst brutale, religionspolitisch motivierte Weise getötet hat, die der in "Sieben" nicht unähnlich ist, darunter das Abschneiden von Zungen, das Entfernen von Extremitäten und das Einnähen von Säugetieren in die Bauchhöhlen. Steht diese Mordserie vielleicht in einem Zusammenhang mit Karl Watkins? Oder gar mit Pinhead? "Offenbar ist dies ein Ort, an dem die Regeln eurer Welt nicht gelten."

Die Aufmerksamkeit für spezifische Details, wie etwa ein Gebäude, auf dem einfach nur 'Police Department' steht, oder ein Büro, auf dem 'Detectives' zu lesen ist, sind überraschend dürftig. Selbst die Morde und Verbrechen sind, ungeachtet ihrer Grausamkeit und der unwahrscheinlichen Aufklärung am Ende, so belanglos, dass die Lösung und die Ergreifung des Täters bedeutungslos erscheinen. Beim Aderlass ist der Fokus jedoch hervorragend. Es ist ganz eindeutig, dass Gary J. Tunnicliffe, der auch die speziellen Make-up-Effekte entworfen und die wichtigsten Requisiten angefertigt hat, ausschließlich an visueller Ekelerregung interessiert ist, die er in enorm verstörende neue Gefilde treibt. "Ich würde gerne etwas tiefer graben."

Mit einer allgemeinen filmischen Hässlichkeit, die bis zur Farbenleere entsättigt ist, gepaart mit uninspirierten Kulissen, völlig faden Nebenfiguren und einem kuriosen Cameo-Auftritt von Heather Langenkamp, routinierten familiären und sozialen Interaktionen mit einer einzigen Zeile komödiantischer Auflockerung und generischen Dialogverweisen auf Charles Dickens, die eine Art sublime Kultur suggerieren sollen, steht außer Frage, dass es sich hier um ein Low-Budget-Projekt handelt, das durch eine recht kurze Laufzeit begünstigt wird, und letztlich um eine Produktion von 'Dimension Films', die die Rechte behalten hat. Dennoch werden alle verfügbaren Mittel in den Blutrausch und die Gewalt gesteckt, wobei selbst das die Begeisterung der Fans nicht befriedigen dürfte. Die Verschmelzung des Torture-Porn-Subgenres mit beunruhigend schöpferischer, krankhafter Zügellosigkeit führt zu abgefahrenen Konzepten, die es in der Hellraiser-Reihe noch nie gegeben hat, und dies ist das stark gekürzte Endergebnis, da das ursprüngliche Drehbuch den Produzenten viel zu hart war. Ein solcher Begriff ist die Emetophilie, ein Fetisch, der so eigenartig und bizarr ist, dass er in den gängigen Wörterbüchern nicht vorkommt. Das sorgt natürlich nicht gerade für einen hohen Unterhaltungsfaktor.

Die Verwendung der originalen Titelmusik in ihrer ganzen Pracht, nicht nur der Hauptnoten während des Vorspanns von "Der weiße Hai 4 - Die Abrechnung" von Regisseur Joseph Sargent, ist hier eine willkommene Rückkehr zur Normalität. Doch der Dauereinsatz der Familie Brody als Protagonisten ist fast unerträglich, selbst wenn die Schauspielerin Lorraine Gary wieder in Erscheinung tritt. Seltsamerweise sind sowohl Michael als auch Sean in dieser vierten und letzten Epoche des Hais zu sehen, obwohl sie von unterschiedlichen Darstellern verkörpert wurden, so dass die Verwendung ihrer Namen weitgehend sinnlos ist. Es ist fast so, als hätte Joseph Sargent gehofft, dass der Betrachter die Existenz von "Der weiße Hai 3" einfach vergessen hat.

Sean Brody (Mitchell Anderson) ist jetzt ein Bulle bei der Polizei von Amity. Das Bild seines Vaters hängt an der Wand des Reviers, was ihn einmal mehr direkt in die Fänge eines gefräßigen Weißen Hais bringt. Als der Hai ihm den Arm abreißt, in sein Boot beißt und dann den Jungen verspeist, ist Ellen Brody (Lorraine Gary) traumatisiert und fassungslos. Wie konnte diese Familie nur so viel Elend erleiden? "Er hat die ganze Zeit gewartet, und jetzt ist er da...", sagt sie zu ihrem anderen Sohn Michael (Lance Guest), der sie nach dem tragischen Tod seines Bruders besuchen kommt. Doch Haie sind keine berechnenden Mörder, sie wählen ihre Beute nicht aus Rache. Oder tun sie das doch?

Nein, tun sie nicht. Allerdings ergibt in der Welt von "Der weiße Hai 4 - Die Abrechnung" nicht immer alles einen logischen Sinn. Auch der vorige Film hatte nicht viel mit Realismus und Haifakten zu tun. Auf dem Weg in die warmen Gewässer der Bahamas, um sich zu erholen, geraten Ellen, Michael, seine Frau Carla (Karen Young), ihre Tochter Thea (Judith Barsi) und ihr treuer Pilotenkumpel Hoagie (Michael Caine) zusammen mit Michaels wissenschaftlichem Mitarbeiter Jake (Mario Van Peebles) in weiteren Hai-Unfug. Obwohl der Film eher wie ein typischer Horrorfilm abläuft, mit alptraumhaften Visionen von sich nähernden Haien, musikalischen Hinweisen auf angreifende Gegner und plötzlichen Bewegungen oder Geräuschen, die Paranoia signalisieren sollen, ist der eigentliche Kick weniger intensiv. Das liegt zum Teil daran, dass die Interaktionen der Charaktere so lasch und verkrampft sind, mit schwatzhaftem Smalltalk zwischen Michael und Jake und einer harmlosen Liebesromanze zwischen Ellen und Hoagie, die beide maximal langweilig sind.

Zwischen all der lockeren Komik, dem Schneckentragen und -sammeln und den Reden über den Missbrauch von Fördergeldern oder das Verfassen von Berichten, um einen Doktortitel zu erhalten, werden viele Minuten damit verschwendet, sich die Zeit zwischen den Hai-Angriffen zu vertreiben. Wenn die Attacken jedoch kommen, wird das Monster so deutlich und in Ganzkörperansicht gezeigt, dass der Hai, obwohl es sich um den modernsten Film der Reihe handelt, noch nie so unecht aussah. Außerdem hat jeder die tollkühnsten Pläne, von der spontanen Opferung an die Bestie über die unbegründete Landung mit einem Flugzeug im Wasser bis hin zur Rückkehr ins Gewässer als Akt des Trotzes. Wenigstens sind die Angriffe etwas blutiger als früher, und die Produktion von 1987 verzichtet auf aufwendige Computergrafiken - der Haifisch ist eine witzige, greifbare Attrappe.

In "Der weiße Hai 3" von Regisseur Joe Alves ist Ausstellungswoche in 'Sea World'. Wasserakrobaten üben für ihre Auftritte, neue Rekruten werden von einem Trainer unterrichtet, und Chef Calvin Bouchard (Louis Gossett Jr.) wirbt gerne für das Unterwasserreich und seine vier unter Druck stehenden Aussichtstunnel, die atemberaubende Ausblicke bieten. In der Zwischenzeit bereiten sich die Orcapflegerin und leitende Biologin Dr. Kay Morgan (Bess Armstrong) und ihr Freund und Sea-World-Mitarbeiter Mike Brody (Dennis Quaid) auf die große Eröffnung vor, bei der es mehr ums Feiern als um die Einhaltung von Sicherheitsvorkehrungen geht. Und während einer Nacht in einer Bar macht Mikes jüngerer Bruder Sean (John Putch) der Wasserskifahrerin Kelly Ann Bukowski (Lea Thompson) schnell den Hof.

In derselben Nacht schleichen sich ein paar Korallenjäger - wenn es diesen Beruf überhaupt gibt - mit einem Schlauchboot in den Park, um einige wertvolle Proben zu stehlen. Doch sie werden Opfer eines Unterwasserangriffs - nachdem ein Zaunreparateur erfasst wird - wobei keine ihrer Leichen sofort entdeckt wird. Der Schuldige wird jedoch rasch als Weißer Hai überführt, als dieser versucht, Mike Brody und Kay Morgan zu verspeisen. Doch anstatt in einen Panikzustand zu verfallen, ist Kay Morgan begeistert von der Perspektive, das Tier zu betäuben und zu fangen, um Schlagzeilen und Ruhm zu ernten, die dieses Husarenstück sicherlich mit sich bringen würde. Der Abenteurer und Fotograf Philip FitzRoyce (Simon MacCorkindale) schließt sich der Expedition an, um einzigartige Fotomotive zu schaffen. Dies ist eine ziemlich dürftige Motivationsgrundlage, die nach blutgieriger Retorsion durch einen bissigen Menschenfresser schreit.

Mit dem Originaltitel "Jaws 3-D" ist es klar, dass dieses Franchise wirklich zu einem reinen Markenprodukt geworden ist - eine ideale Chance, aus den bereits erreichten Verkaufszahlen und dem Trend zu 3-D-Gimmicks nicht nur bei Fortsetzungsfilmen, sondern vor allem bei Horrorfilmen zu profitieren. Hier bewegen sich oder schießen diverse Objekte direkt auf den Bildschirm, darunter ein dekapitierter Fischkopf, ein abgetrennter Arm, die Hand eines Skeletts, eine sich abspritzende Kanüle, ein Pfeil und einiges mehr, was nichts mit der Filmhandlung zu tun hat und geradezu nutzlos ist, wenn man es nicht in 3D betrachtet. Darüber hinaus gibt es eine Vielzahl von Aufnahmen geschädigter Leichname, auch wenn sie noch so künstlich aussehen mögen, was darauf hindeutet, dass der Hai allein nicht genug weiche Schockwellen hervorbringen kann. Ironischerweise wurden viele der Qualitäten des Themenparks zehn Jahre später in Steven Spielbergs "Jurassic Park" mit weitaus mehr Effekt wiederverwendet, wenngleich es unwahrscheinlich ist, dass irgendetwas davon tatsächlich das letztgenannte Projekt inspirierte.

Wieder einmal sind die Hauptfiguren ein Pulk junger Erwachsener, was dazu führt, dass die Dialoge juvenil und gattungslos sind, wohingegen der Thrill durch die leichtsinnigen, verweichlichten und hysterischen Opfer geringfügiger erscheint. Auch wenn das Grundsetting etwas anders ist und Parallelen zu "Die Höllenfahrt der Poseidon" aufweist, sind die Handlungen des Killerfisches vertraut und vorhersehbar, so dass wenig Raum für wirklich verstörende Bilder bleibt, auch wenn ein gefilmter Blick in das Maul der Bestie einer der Glanzpunkte ist. Auch die musikalische Begleitung hat sich verschlimmert, vor allem weil John Williams nicht mehr zurückkehrte, um neue Kompositionen zu entwerfen. Als ob Martin Brody (Roy Scheider) aus den ersten beiden Filmen nicht schon das unglücklichste von allen Haiopfern wäre, machen seine Nachkommen Mike und Sean die ganze Familie zur Zielscheibe einiger sehr unsympathischer Weißhaie. Gut, dass die Delfine so gescheit sind, dass sie immer zur rechten Zeit zur Rettung kommen können, und blöd, dass dieser konkrete Betonhai die Gabe hat, rückwärts entgegen der Strömung zu schwimmen.

In "Der weiße Hai 2" von Regisseur Jeannot Szwarc werden zwei Taucher bei der Begutachtung des Wracks des Orca-Schiffs von einem vermeintlichen Hai angegriffen. Meilen entfernt, auf dem Festland, hören Polizeichef Martin C. Brody (Roy Scheider) und seine Frau Ellen (Lorraine Gary) eine Rede von Bürgermeister Larry Vaughn (Murray Hamilton) anlässlich der Benefizveranstaltung des Amity-Stipendienfonds und der Eröffnung eines neuen Hotels. Im Hintergrund spielt die Band der Amity High School, die Gäste nehmen Erfrischungen zu sich und die Brodys schleichen sich davon, um ihren Spaß zu haben. Entlang der Küste, wo die Boote aufgereiht sind, sticht die Rückenflosse eines Weißen Hais durch die Oberfläche des kräuselnden Wassers.

Diesmal geht es um Teenager, die sich in pubertäre Romanzen verstricken. Zwei Schwachköpfe machen sich an die Damenwelt heran, und die 17-jährige Miss Amity Island (Ann Dusenberry) stiehlt die Herzen und Libido aller. Eine Schar ungehobelter Jungs redet offen über die neue Jackie Peters (Donna Wilkes), die ein Blind Date mit Martins Sohn Mike (Mark Gruner) hat, und die Möglichkeit eines Sommerjobs dämpft das sorglose Treiben der braungebrannten Strandbesucher. Das macht den gefräßigen Hai zwar sympathisch, führt aber auch dazu, dass viele der Interaktionen ausgesprochen kindisch oder anspruchslos sind. Selbst als ein Killerwal mit einem großen abgebissenen Stück Fleisch an die Küste gespült wird, denken die Jugendlichen nur daran, wie sich das auf ihre Dates auswirken könnte.

Das Hauptaugenmerk liegt jedoch auf frische Hai-Attacken und den mutilierten Leichen, die die arglosen Ermittler schockieren. Die Spannung der Beinahe-Zusammenstöße, die Wiederbelebung der Originalmusik von John Williams und die Hai-Kameras, die den Blickwinkel des übergroßen Raubtiers nachahmen, bleiben erhalten. In einer nicht ganz so überraschenden, aber dennoch kuriosen Wendung taucht der echte mechanische Hai oder die tatsächliche Haifischattrappe nach etwa 20 Minuten auf. Jetzt gibt es keine Pannen mehr wie in den Jahren zuvor. Das Problem ist, dass die Nebendarsteller nicht so interessant sind und die Seefahrtsabenteuer, einschließlich der Hai-Momente selbst, nicht annähernd so spannend sind, obwohl eine Sequenz mit einem Hubschrauber nett gemacht ist.

Wieder einmal will niemand die Situation ernst nehmen, außer Martin C. Brody, der durch die Wahrscheinlichkeit eines zweiten menschenfressenden Terroristen so aufgeregt ist, dass er sich kaum auf die Personen um ihn herum konzentrieren kann. Er scheut sich auch nicht davor, Panik zu verbreiten oder potenzielle Immobilieninvestoren zu vergraulen. "Ich habe einige Erfahrungen mit Haien gemacht", sagt er zu Dr. Elkins (Collin Wilcox), die den toten Orca untersuchen soll. "Haie nehmen nichts persönlich, Mr. Brody", erwidert sie. Angesichts der sich wiederholenden Todesfälle unter den Matrosen, der öffentlichen Unruhe, die durch Brodys Fehlalarm-Hysterie ausgelöst wurde, und der lokalen Politiker, die über Brodys Beteiligung verärgert sind, ist es leider zu viel verlangt, sich vorzustellen, dass ein und derselbe Polizeichef ein solcher Pechvogel sein könnte. Es ist verständlich, dass 'Universal Pictures' aus dem Erfolg von Steven Spielbergs Meisterwerk aus dem Jahr 1975 Kapital schlagen wollte, aber es war schon ein fast unmögliches Wagnis, auch nur ansatzweise an die Brillanz des Originals heranzukommen. Indem "Der weiße Hai 2" dieselbe Geschichte noch einmal erzählt und eine Laufzeit von zwei Stunden hat, verstärkt er lediglich die These, dass die Vision von Steven Spielberg vollkommen und vollständig war.

Der russische Horrorfilm "Philosophy of a Knife" des Regisseurs Andrey Iskanov hält tatsächlich, was er verspricht: Er ist einer der verstörendsten Filme, die je gedreht wurden. Dieser Film steht in einer Linie mit meisterhaften, zum Weiterdenken anregenden Werken wie Pier Paolo Pasolinis "Die 120 Tage von Sodom" und Tun Fei Mous ähnlichem "Men Behind The Sun". Und ebenso wie seine Vorgänger kann man ihm keineswegs vorwerfen, sich zurückzuhalten. Stilistisch könnten die Filme nicht weiter voneinander entfernt sein, doch das Thema ist das gleiche wie bei Tun Fei Mou, nämlich die schwärzesten Eiterbeulen der japanischen Geschichte: die grausamen Experimente der 'Einheit 731' in den 1930er und 40er Jahren.

Die abgelegene Anlage, die offiziell als Holzfällerfabrik bekannt ist, war eigentlich eine japanische Forschungseinrichtung, die mit biologischer Kriegsführung experimentierte und eine Reihe von Menschentests durchführte. Kriegsgefangene, Einheimische, die der Konteraktivität verdächtigt wurden, sogar Säuglinge und schwangere Frauen gehörten zu den mehr als zehntausend Menschen, hauptsächlich chinesischer und russischer Abstammung, die unter dem Kommando von General Shiro Ishii verschiedenen Versuchen unterzogen wurden.

"Philosophy of a Knife" ist teils Dokumentarfilm, teils Dramatisierung und teils Fiktion. Er mischt Kriegsfilmmaterial mit Interviewausschnitten des letzten bekannten Augenzeugen, des ehemaligen Arztes und Dolmetschers Anatoly Protasov, und drastischen Nachstellungen der Gräueltaten, die dort stattfanden. Andrey Iskanov verwendet stabilisierte Schwarz-Weiß-Fotografie, die nahtlose Übergänge zwischen Archiv- und aufgezeichnetem Material ermöglicht. Sein untrügliches Gespür für die Ästhetik des Stummfilms lässt die ununterbrochenen Szenen von Qual und Schmerzen verblüffend realistisch erscheinen, obwohl sie in einem Schwarzweißbild mit nachträglich eingespieltem Ton dargestellt sind.

Der Umstand, dass das alles wirklich passiert ist, macht es noch ekelerregender und unterstreicht den Fakt, dass Andrey Iskanov nicht nur darauf aus war, in der lukrativen Folterporno-Industrie zu punkten, die manche als modernen Horror betitelten. Im Gegenteil, der Regisseur hat eine sehr realistische, konfrontative Agenda. Einerseits will er, wie Tun Fei Mou, darauf hinweisen, dass solche Untaten nie in Vergessenheit geraten dürfen, andererseits erklärt er im Stil eines dokumentarischen Films, dass viele der beteiligten Wissenschaftler in Wirklichkeit nie vor Gericht gestellt oder bestraft wurden, einige wurden sogar von den Vereinigten Staaten im Austausch für ihre Forschungsergebnisse angeworben.

Man muss jedoch hinter diese offensichtlichen Aspekte und eindeutigen Anklagepunkten blicken, um die wahre Leidenschaft des Regisseurs Andrey Iskanov zu entdecken. Was den Macher dieses vierstündigen Epos wirklich zu faszinieren scheint, ist die menschliche Verfassung. Es gibt eine morbide Begeisterung, die sich durch jede Szene zieht, sowie den Wunsch zu widern, zu ergründen, was Menschen dazu bringt, in Zeiten von Krieg und Idealismus abscheuliche Dinge zu tun, und ein redliches Interesse daran, warum wir derartige Erzählungen so unerhört spannend finden.

"Philosophy of a Knife" ist im Kern eine chronologische Schilderung der damaligen Tatbestände, von der Errichtung des Stützpunkts bis zu den Gerichtsverhandlungen gegen die Beschuldigten, doch die Geschichte hat auch einen humanen Anstrich. Es gibt einen japanischen Offizier, der für einen der russischen Gefangenen Mitleid empfindet, eine Krankenschwester, die schuldbeladene Texte in ihr Tagebuch schreibt, und es gibt Kommentare von Anatoly Protasov zu den sozialen Begebenheiten im Lager, die selbst dem sonst so monströs zynischen General Shiro Ishii ein Menschheitsbild geben. Andrey Iskanov nutzt die enorme Filmdauer, um den Betrachter sowohl zu schockieren als auch nachdenklich zu machen. Die Entfaltung des Morbiden, Makabren, Abartigen ist zunächst widerwärtig, dann wird es richtig übel, und irgendwann merkt man, ohne darüber nachzudenken, dass man gegenüber den greulichen Details auf dem Bildschirm ein wenig abgestumpft ist, und das ist verdammt beunruhigend.

Sicherlich hätte "Philosophy of a Knife" kürzer sein können, aber das hätte den ganzen Sinn des Films unterminiert. Wenn einem Gefangenen ohne Betäubung die Zähne gezogen werden, haben wir nicht das Privileg, nach einem kurzen Blick einen oder zwei Zähne wegzuschneiden, sondern wir sehen jeden einzelnen gezogenen Zahn in unerträglichen Detailaufnahmen. Wenn ein hilfloses Opfer unter dem Röntgengerät verbrannt wird, sehen wir minutenlang zu, wie es schmort, und wenn wir Zeuge der wohl grauenvollsten Abtreibung der Filmgeschichte werden, bleibt der Betrachter minutenlang dabei, was ihm wie Stunden vorkommt. Dies ist keine Geschichte mit einer Dramakurve oder einem Handlungsstrang, sondern ein Konfrontationsfilm, ein Werk des Kunstkinos, das seine kolossale Laufzeit nutzt, um den Betrachter mit seinem eigenen psychischen Zustand zu verunsichern. Wer das übersteht, ohne sich emotional ausgelaugt und körperlich ermattet zu fühlen, sollte sich wirklich mit der unempfindlichen Wahrnehmung von Horrorfilmen befassen. Dies ist nämlich keineswegs ein Horrorfilm im herkömmlichen Sinne, sondern einer, für den man sich fast schämt.

Viele werden sich in der erschöpfenden Filmdauer, der ultrakünstlerischen Kameraführung, die in ihrer Ästhetik das Stummfilmkino nachahmt und in ihrer ungezügelten Wucht auf postmoderne Filmemacher wie Shinya Tsukamoto verweist, den manchmal deutlichen Budgetrestriktionen und der Brutalität des Themas hilflos verausgaben. Andere werden in der gleichen Morbidität schwelgen, die bestimmt auch das Herz von Andrey Iskanov höher schlagen ließ. "Philosophy of a Knife" ist zweifellos nichts für schwache Gemüter, aber garantiert ein unvergessliches Filmerlebnis.

"Rogue - Im falschen Revier" von Regisseur Greg McLean beginnt mit prachtvollen, farbenfrohen Aufnahmen im Stil von 'National Geographic' über die Tierwelt und die natürliche Schönheit der australischen Natur. Während des gesamten Films tauchen immer wieder Landschaftsaufnahmen auf, darunter viele Aufnahmen aus der Luft. Es besteht eine offensichtliche Vorliebe für die visuellen Naturschönheiten des Ortes. Insekten, Spinnen, Eidechsen, Vögel und verschiedene Vegetationsarten sind in regelmäßigen Abständen zu sehen. Was die humanistischen Aspekte betrifft, so liebt der Kameramann extreme Nahaufnahmen und den Wechsel von hellem Sonnenlicht und pechschwarzer Dunkelheit, um die Figuren zu umkreisen. Es entsteht ein pseudodokumentarischer Eindruck, der an "Open Water" erinnert und die Monstrosität der Handlung ergänzt.

Kate (Radha Mitchell) betreibt 'Ryan's Wildlife River Cruise' im australischen Nordterritorium und zeigt einer Vielzahl von Touristen die malerischen Flussabschnitte der 'Kingston Gorge'. Pete McKell (Michael Vartan) ist ein amerikanischer Reiseschriftsteller, der ein Ticket kauft, um die Zeit totzuschlagen, nachdem er wegen eines verlorenen Gepäckstücks im australischen Outback gestrandet ist. Mit an Bord sind auch Kates Hund Kevin, ein Fotografienarr, eine Familie mit ihrer pubertierenden Tochter Sherry (Mia Wasikowska), ein übergewichtiger Kettenraucher, ein verärgertes Ehepaar mittleren Alters und ein schnauzbärtiger Gentleman, der die Asche seiner verstorbenen Frau in den Fluss streuen will. Auf der Tour wird das Schiff von den örtlichen Tyrannen Neil Kelly (Sam Worthington) und seinem Kumpel Collin (Damien Richardson) angegriffen, einem Duo, das zu den ungünstigsten Zeitpunkten immer wieder erscheint.

Als Kate gerade im Begriff ist, den Rückweg anzutreten, sehen die Passagiere einige Kilometer vor ihnen ein Signallicht. Als sie beschließt, der Sache nachzugehen, wird das Boot von einem riesigen Salzwasserkrokodil angegriffen, und die gesamte Reisegruppe erleidet Schiffbruch auf einer kleinen Gezeiteninsel, die in wenigen Stunden vollständig unter Wasser stehen wird. Nachdem das Killerkrokodil seine erste Beute gemacht hat, taucht Neil wieder auf, nur um ebenfalls auf demselben Stück Felsen festzusitzen. Als es dunkel wird und der Wasserpegel steigt, planen die Überlebenden, ein Seil zwischen zwei Bäumen zu spannen, damit sie hinüberklettern können, anstatt das trübe grüne Wasser zu durchqueren.

Erschwerend kommt hinzu, dass alle Nebenfiguren ein glaubwürdiges Verhalten an den Tag legen: Panik, Nervenzusammenbrüche, alkoholbedingte Paranoia und Mob-Mentalität. Teamwork scheint der letzte Ausweg zu sein. Auch die Menschen halten sich oft gefährlich nahe am Wasser auf, was sowohl den aufmerksamen Betrachter als auch den schuppenbewehrten Gegner in Versuchung führt. Da die Zahl der Personen in der Reisegruppe abnimmt und die Ausweglosigkeit ihren Zenith erreicht, werden die finsteren Konzepte des Überlebens des Stärkeren, des potenziellen Köders und der Rangordnung der menschlichen Existenz erforscht. Letztendlich werden sie sogar getrennt. Es gibt nur wenige Ruhephasen und keine lustigen Situationen.

"Sie greifen nichts an, was größer ist als sie selbst", beruhigt Kate die Touristen. Doch dieses spezielle Reptil fühlt sich durch die Anwesenheit von Menschen besonders bedroht und ist aggressiver und territorialistischer als erwartet. Zudem ist es um einiges größer. Clevererweise zeigt Greg McLean das Ungetüm nur, wenn es unbedingt nötig ist, und selbst dann ist es nicht zu sehen. So sehen die Animatronics und die Computergrafiken besser aus. Hinzu kommen spannungsreiche Musik, spärliche Beleuchtung in unheimlicher Schwärze, schaurige Kulissen und blutrünstige Gewaltexzesse. Das ist wider Erwarten effizient und durchaus unterhaltsam, denn "Rogue - Im falschen Revier" ist mit Ausnahme des Abspanns, in dem das widersprüchliche, sarkastische und zynische Lied 'Never Smile at a Crocodile' zu hören ist, sehr ernsthaft - ein ungewöhnlicher Ansatz für moderne Horrorthriller.

"ES Kapitel 2" von Regisseur Andy Muschietti beginnt im September 1989. Nachdem sie das böse Clownsmonster Pennywise (Bill Skarsgard) besiegt haben, schließen die sieben jungen Freunde, die den Club der Verlierer bilden, einen Blutpakt, indem sie sich mit einer zerbrochenen Flasche auf unnötig tiefe und bildhafte Weise schneiden, um sich wieder zu vereinen, sollte 'es' jemals zurückkehren. Und tatsächlich, nach 27 Jahren verschwinden wieder Kinder, und die Leichen stapeln sich, alle mit verschiedenen Formen der Verstümmelung. Seltsamerweise ist einer der ersten Toten das Opfer eines Hassverbrechens, bevor er Opfer einer Clownsverstümmelung wird, was beweist, dass Pennywise niemandem gegenüber wohlwollend ist. Mike (Isaiah Mustafa), der einzige der Clique, der in Derry, Maine, geblieben ist, ruft die übrigen sechs an, die sich auf mysteriöse Weise nicht an ihr Leben vor fast drei Jahrzehnten erinnern können, aber auch nicht gerade begeistert sind, in die Stadt in Neuengland zurückzureisen.

Bill (James McAvoy), jetzt Drehbuchautor in Hollywood, kann keinen zufriedenstellenden Schluss für seine Kollegen formulieren - vielleicht ein unsubtiler Hinweis darauf, wie der Film selbst enden könnte. Eddie (James Ransone) ist jetzt ein Risikoanalyst und Ben (Jay Ryan) ist ein Immobilienspezialist. Beverly (Jessica Chastain) hat einen erfolgreichen Ehemann, der sie jedoch missbraucht, was darauf hindeutet, dass ihre ebenfalls gewalttätige Beziehung zu ihrem Vater sie bis ins Erwachsenenalter verfolgt hat. Richie (Bill Hader) ist ein Stand-up-Comedian und Stanley (Andy Bean) hat kaum Gelegenheit, sein Berufsleben zu offenbaren, da er der einzige ist, der sich weigert, nach Derry zurückzukehren. Auch Henry Bowers (Teach Grant) kehrt zurück, doch er ist in einer Nervenheilanstalt eingesperrt und muss mit übernatürlicher Hilfe ausbrechen, um weiteres Unheil anzurichten. "Jeder will ein Happy End, jeder will einen Abschluss."

Kindern dabei zuzusehen, wie sie von einem überirdischen Clown in Todesängste versetzt werden, war klar interessanter als Erwachsenen beim Bewältigen ihrer eingebildeten Urängste beizuwohnen. Die Chancen, sich zu schocken, sind nach wie vor gegeben, doch Kinder als Adressaten eines imaginären Horrors haben etwas mehr Natürlichkeit und Überzeugungskraft. Damals hatte der Horrorfilm eine fast spielbergsche Aura, ein zeitweise auftretendes Hochgefühl, das sich mit pubertärem Enthusiasmus in das Ungemach einschlich. Die humoristischen Abschnitte sind zwar zielführend, aber die Abfolge von Brüchen und Lachnummern ist jetzt seltener kohärent oder merklich. Beim ersten Treffen des Verliererclubs sieht der Betrachter Andeutungen von vergessenem Herumtoben und zarten romantischen Gefühlen, aber es ist nicht dasselbe, wie wenn die echten Kinder dabei sind. Die erwachsenen Versionen dieser Figuren sind perfekt besetzt und nehmen ihre Rollen ernst, selbst in den absurdesten Angstszenen.

Der größte Teil des Horrors ist jedoch ziemlich fratzenhaft, da die scheinbar unaufhaltsame Kreatur bestimmte Ängste aufgreift und arglosen Kindern nachstellt, die immer wieder erstaunlich ungeniert durch finstere, klaustrophobische Gänge wandern. Pennywise nutzt endlose Spielwiesen unheimlicher, atmosphärischer Locations und hat keinen Mangel an Orten, an denen er pirschen und martern kann. Seine Existenz und die Art seiner Bedrohung sind nie klar definiert, vor allem, wenn es um das Sammeln von Artefakten und ein uraltes Ritual geht, das seiner Schreckensherrschaft ein Ende setzen könnte, sowie um die Todeslichter, die ihm Macht verleihen, obwohl das Horrorgenre dazu neigt, mit unerklärten Komponenten viel besser umzugehen als andere. Wenn "ES Kapitel 2" mit seinen ausgeprägten Science-Fiction-Elementen nicht so viel Spannung bieten würde, könnte man es wahrscheinlich für seine Arbitrarität kritisieren, ähnlich wie "Silent Hill", das sich der Skurrilität um der Skurrilität willen hingab.

Die Protagonisten müssen das Wesen schnell aufhalten, aber die Filmemacher haben es nicht eilig, diesen zweiten Teil zu beenden. Mit einer Länge von fast drei Stunden verweilt der Film in ruhigen Einstellungen für lange Momente des Aufputschens. Glücklicherweise tauchen die Kinder auf, wenn auch nur für kurze, periodische Schübe, die den Betrachter daran erinnern, wie sympathisch die Kinderdarsteller aus dem ersten Kapitel von 2017 waren. Junge Helden sind im Horror seltener und im Allgemeinen effektiver, und diese spezielle Gruppe (Jaeden Martell, Wyatt Oleff, Jack Dylan Grazer, Finn Wolfhard, Sophia Lillis, Chosen Jacobs und Jeremy Ray Taylor) gehört zu den besten. Es war eine kühne Entscheidung des Autors Stephen King im Jahr 1986, seine Geschichte in zwei Handlungsstränge aufzuteilen, in denen dieselben Charaktere durch Jahrzehnte getrennt sind, aber es ist schade, dass diese Verfilmung die Zeitebenen nicht gleichmäßiger vermischen konnte, zumal die Charakterentwicklung im ersten Kapitel so stark war. Die Erwachsenen sind faszinierend, vor allem wegen ihrer Hartnäckigkeit angesichts solch entmutigender, anstrengender Umstände, doch die Kinder waren einfach viel interessanter. "Wir haben nicht viel Zeit ..."

Die Laufzeit wird wahrscheinlich einer der größten Nachteile sein. Der kontinuierliche Ansturm des Grauens mit Zombies, seltsamen alten Damen, verstörenden Halluzinationen und allen möglichen kulrophobischen Bildern wird bald repetitiv und mühsam, und viele der ausgenutzten Schocks aus dem vorherigen Film werden hier wiederholt. Alle sechs Hauptcharaktere bekommen Zeit für individuelle Verfolgungsjagden und Bombardements durch einzigartige Ängste, aber es gibt nur so viele verzerrte, blutige Clownsgesichter, wie man sehen kann, bevor eine gewisse Desensibilisierung einsetzt. Das Muster aus unheimlicher Musik, Stille und einem lauten Angriff wird ebenso vorhersehbar. Romantik, Kameradschaft und die Bewältigung von Schuldgefühlen machen nur einen Bruchteil der Interaktionen aus, aber der Großteil des Geschehens führt lediglich zu einem weiteren Schuss beklemmender Symbolik. Es ist ein langer, schleichender Prozess, der zu einem epischen Showdown führt, der selbst fast eine Stunde dauert. "ES Kapitel 2" enthält viel Anregendes, fast schon komödiantisch Unheimliches, wird aber auch stark durch wiederkehrendes, bekanntes Bildmaterial bereichert.

In "Es" von Regisseur Andy Muschietti geht der kleine Georgie Denbrough (Jackson Robert Scott) im Oktober 1988 in den unheimlichen Keller seines Hauses, um etwas Golfwachs zu holen, mit dem er den Boden eines Papierbootes säumen will, das sein älterer Bruder Billy (Jaeden Lieberher) für ihn gebaut hat. Als Georgie das Boot den flussähnlichen Strom von Regenwasser, der sich am Straßenrand sammelt, hinunterfährt, stürzt es in einen Kanalisationsschacht. Gerade als Georgie in die Schwärze des Lochs blickt, erscheint darin eine gruselige Gestalt, die sich Pennywise der tanzende Clown (Bill Skarsgard) nennt. Pennywise unterbricht das kurze Gespräch, das sie beginnen, und verleitet den Jungen dazu, seinen Arm auszustrecken, der prompt von den monströsen Zähnen des Clowns abgebissen wird.

Im Juni des folgenden Jahres ist Georgie Teil einer Statistik: In der ganzen Stadt Derry scheinen Kinder zu verschwinden, was zu einer strengen, von der Polizei verhängten Ausgangssperre ab 19 Uhr führt. Trotz Georgies blutigem Ableben, das offiziell als Vermisstenfall gilt, wird Billy, der stottert, in der Schule zur Zielscheibe von rücksichtslosem Mobbing. Der Neuling Ben (Jeremy Ray Taylor), die große Rothaarige Beverly (Sophia Lillis), der zu Hause unterrichtete Mike (Chosen Jacobs) und der Sohn des Rabbiners, Stanley (Wyatt Oleff), sind ebenfalls Gegenstand des jugendlichen Spotts. Diese Kinder fallen aus unerklärlichen Gründen negativ gegenüber ihren Altersgenossen auf. Der redselige Richie (Finn Wolfhard) und der hypochondrische Eddie (Jack Dylan Grazer) vervollständigen die Gruppe der uncoolen Kids, die ihre Sommerferien mit einer weiteren bizarren Begegnung mit alptraumhaften Visionen von Pennywise beginnen, der sie durch die Stadt jagt.

Nach dem anfänglichen Schock über den überproportional geformten Kopf des teuflischen Clowns sind die ersten interessanten Elemente von "Es" die Konzeption der Gruselstory. Auch wenn lichtlose Eingänge und schummrige Nischen aufgesucht werden, neigt Pennywise dazu, seine Opfer am helllichten Tag zu verhöhnen - ein Zeichen für eine düstere Art der Horrorfilmkonstruktion. Leider werden diese neuralgischen Momente bald von billigeren Extras überschattet, darunter routinemäßige Jump-Scares mit lauten Geräuschen, leuchtenden Blutspritzern und Charakteren, die über den Bildschirm rasen oder beim Laufen zu Boden fallen. Später werden die Bewegungen von Pennywise durch computergenerierte Grafiken verstärkt, wodurch sie seltsam unnatürlich wirken, aber auch zu realitätsfern, um effektiv zu sein.

Während die Bande den möglichen Aufenthaltsort von Georgie untersucht, unter anderem in einem Abwasserkanal in den Barrens, müssen sie sich weiterhin mit Albträumen herumschlagen, die durch die Frustration der ungläubigen Erwachsenen noch zusätzlich angeheizt werden. Außerdem stellt der Anführer der Mobber, Henry (Nicholas Hamilton), regelmäßig eine größere terroristische Bedrohung dar als der Killerclown. Henry ist so sadistisch, dass er nicht davor zurückschreckt, seinen Namen mit einem Messer in Bens Bauch zu schnitzen, obgleich er seinerseits von seinem eigenen jähzornigen Vater misshandelt wird. Eine weitere unpassenderweise strenge Dimension von "Es" ist die Sexualität, aber nicht die knospende junge Liebe zwischen den Teenagern. Vor allem Beverly wird zu Hause sexuell missbraucht, was selbst inmitten einer kinderfressenden Alien-Situation zu abscheulich erscheint.

Dem üblichen Horror steht ein seltsamer Sinn für Abenteuer gegenüber, wie in "Die Goonies", der gut mit dem irrationalen Mut der Kinder harmoniert, die zum ortsansässigen Geisterhaus gehen, sich aufteilen und es irgendwie schaffen, eine Begegnung mit dem namenlosen Monster ohne echte Waffen zu vereiteln. Die Jugendlichen, die auf unerklärliche Weise mit dem schmalen Grat zwischen Fantasie und Realität hadern, kommen mit den absolut beängstigenden Torturen gut zurecht. Wenigstens fluchen sie. Je näher das Finale rückt, desto deutlicher wird, dass "Es" keine Antworten auf Pennywise' Motive, seine Herkunft oder gar seine Fähigkeiten und Grenzen geben will. Wieso nimmt er die Form eines Clowns an? Weshalb ernährt er sich von Kindern? Warum nutzt er Ihre Ängste aus? Und was soll das mit dem Schweben? Die vielleicht wichtigste Erkenntnis ist, dass die Filmemacher eine Besetzung mit sehr glaubwürdigen, fähigen Kinderdarstellern gefunden haben - eine Seltenheit im Allgemeinen, aber noch seltener im Horrorgenre -, die eine sensationelle Leinwandchemie haben, selbst wenn sie in einer unlogischen Geschichte miteinander agieren.

In "Stephen Kings Es" von Regisseur Tommy Lee Wallace erspäht die kleine Laurie Ann Winterbarger (Chelan Simmons) einen Clown in ihrem Garten, der sich zwischen den an der Wäscheleine baumelnden Kleidungsstücken versteckt. Merkwürdigerweise hat sie keine Angst - bis sie angegriffen wird. Sie ist das sechste Kind, das in den letzten Wochen gestorben ist, was Michael Hanlon (Tim Reid) dazu veranlasst, sich an tragische Ereignisse aus seiner eigenen Vergangenheit zu erinnern. Unterdessen schreibt Bill Denbrough (Richard Thomas) in England an seinem neuesten Drehbuch, während seine Frau Audra (Olivia Hussey) ungeduldig am Esstisch wartet. Als Hanlon Bill aus seiner Heimatstadt Derry, Maine, anruft, wird der Autor an die schrecklichen Erinnerungen aus ihrer gemeinsamen Jugendzeit zurückgeholt und an den Pakt, den sie geschlossen haben, um zurückzukehren, falls ihr alter Erzfeind wieder aufersteht.

Vor Jahrzehnten, als er noch ein Kind war (Jonathan Brandis), liegt Bill krank im Bett und sieht zu, wie sein kleiner Bruder Georgie (Tony Dakota) in einen Regensturm hinausgeht, um mit seinem Papierboot zu spielen. Als das Boot in die Kanalisation fällt, muss der Junge mit Entsetzen feststellen, dass sich ein Clown namens Pennywise (Tim Curry) sein Spielzeug geschnappt hat. Als Georgie danach greift, stürzen sich die Zähne des Clowns auf ihn und reißen ihm den Arm ab wie einen Flügel einer Fliege. Dieser brutale Mord ist der erste von vielen ungelösten, seltsamen Todesfällen.

Ben Hanscom (John Ritter), inzwischen ein erfolgreicher Architekt in New York, erhält ebenfalls einen Anruf, der ihn an seine Beteiligung an der Ergreifung von Georgies Killer erinnert. Als Kind ist Ben (Brandon Crane) übergewichtig und wird von einem Punk namens Henry Bowers gnadenlos schikaniert, was ihn dazu bringt, sich einer Gruppe anderer Ausgestoßener oder selbsternannter Verlierer anzuschließen. Eddie (Adam Faraizl), Richie (Seth Green), Stanley (Ben Heller) und Beverly (Emily Perkins) bilden zusammen mit Bill und dem 12-jährigen Mike (Marlon Taylor) einen Club von Detektiven, die das Verschwinden und den Tod mehrerer Kinder aus der Gegend untersuchen. Und der Täter hat sicherlich etwas mit dem unheimlichen Clown zu tun.

Alle sieben Kinder haben erwachsene Gegenstücke, denn die Geschichte erstreckt sich über fast 30 Jahre. Anstatt die Geschichte in zwei Teilen zu erzählen, zuerst als Kinder, als sie Pennywise begegnen, und dann als Erwachsene, als sie sich wieder treffen, um erneut in den Kampf zu ziehen, schneidet "Stephen Kings Es" zwischen den beiden Zeitabschnitten hin und her. Dank des geschickten Schnitts, der vor allem Rückblenden verwendet, ist dies nie verwirrend, zumal die jeweiligen Darsteller gewisse Gemeinsamkeiten aufweisen. Aber dadurch wird die Zeit, die Charaktere in ihren verschiedenen Umgebungen kennenzulernen, vergeudet, und der Betrachter wird daran gehindert, zu begreifen, wie furchtbar ihre gemeinsamen Qualen und Katastrophen sind, wenn es darum geht, das bösartige Clownmonster zu identifizieren und zu vernichten. Außerdem sind die Kinderdarsteller und ihre Schicksale, die faszinierende Ursprünge haben, viel interessanter als die der Erwachsenen.

Ein Teil des Problems liegt in den individualistischen, beängstigenden Visionen, denen die Jugendlichen ausgesetzt sind. Sie sind unangenehm und traumatisch, aber sie funktionieren wirklich nur bei Kindern. Als Erwachsene sind die schrecklichen Erlebnisse nicht annähernd so wirksam. Und da ein Großteil ihrer Kindheit ihre erwachsenen Versionen prägt, ist es ihre Jugend, die am unterhaltsamsten ist. Wie es der Zufall will, sind die erwachsenen Schauspieler, die sich unberechenbarer und panischer verhalten, weit weniger überzeugend als die 12-Jährigen, die sich erstaunlich gut beherrschen. Es liegt auf der Hand, dass es besser wäre, sich auf den 'Club der Verlierer' zu konzentrieren, um den Gruselfaktor und die Charakterentwicklung behutsam zu erhöhen. Auch die Interaktionen der Erwachsenen sind unfreiwillig komisch, wenn man sie aus dem Kontext reißt. "Verdammt noch mal, Bev! Bist du das da drinnen oder ist das der Clown?"

Da "Stephen Kings Es" ursprünglich als Miniserie für das Fernsehen produziert wurde, ist sein Schweregrad bestenfalls bescheiden. Der Spannungsbogen ist eher psychologisch als visuell, und der Produktionswert ist beschränkt. Die Soundeffekte sind in der Regel eindrucksvoller als die Musik oder das Filmmaterial. Auch die Blutbilder und das Schminkkonzept sind unauffällig. Tim Curry als Pennywise hingegen ist lustig, denn er ist sowohl verspielt als auch bedrohlich, auch wenn sein Clownskostüm nicht explizit auf Groteske ausgelegt ist - übertrieben vielleicht, aber nicht extrem. Basierend auf Stephen Kings aufwändigem Roman ist die Laufzeit trotz der Fülle an Nebenhandlungen und Details ebenfalls überzogen lang. Dennoch bleibt vieles ungeklärt, etwa warum sich die Erwachsenen nicht an eine so psychisch belastende Kindheit erinnern, wozu genau Pennywise fähig ist, warum diese sieben Menschen die einzigen sind, die alptraumhafte Halluzinationen zu haben scheinen, und was genau Pennywise und seine 'Todeslichter' sein sollen. In diesem Fall macht das Fehlen von Fakten "Stephen Kings Es" nicht unbedingt angsteinflößender. Letztlich ist das Mosaik einfach zu unübersichtlich.

Diejenigen, die sich an den Horrorfilm "Conjuring - Die Heimsuchung" von Regisseur James Wan erinnern, der angeblich auf den wahren Ereignissen der paranormalen Ermittler Ed und Lorraine Warren basiert, werden sich an eine kurze Nebenhandlung mit einer Puppe entsinnen, die mit dämonischen Phänomenen zu tun haben könnte. Diese Puppe, die so unheimlich ist, dient nun als Grundlage für den Spin-off-Film "Annabelle" von Regisseur John R. Leonetti, bei dem James Wan als einer der Produzenten an Bord bleibt, aber seine Position in der Regie abgibt. Wenn man bedenkt, wie erfolgreich "Conjuring - Die Heimsuchung" war, sowohl finanziell als auch in der Kritik, war dies vielleicht nicht der klügste Schachzug von James Wan. "Annabelle" ist sehr atmosphärisch, aber es fehlt das gewisse Etwas, das es möglich gemacht hätte, die vielen Konventionen und Kunstgriffe zu akzeptieren, die in diesem speziellen Horror-Subgenre so weit verbreitet sind.

Ich persönlich finde, es fehlt eine solide Geschichte. Ich denke, dass "Conjuring - Die Heimsuchung" funktioniert hat, weil er zwar jedes erdenkliche Klischee eines Geisterfilms bedient und einen sehr routinemäßigen Ansatz für Charaktere und Handlung verfolgt, aber zumindest eine von Anfang bis Ende konsistente Storyline hat. "Annabelle" spielt sich eher wie eine Verkettung einzelner Handlungsstränge ab, von denen keiner voll ausgearbeitet ist oder die Gesamtheit des Films sehr weit tragen kann. Die Stränge werden lose durch Schreckensszenen zusammengehalten, die zwar alle geschickt inszeniert, aber so vergänglich und zufällig sind wie die herausspringenden Gespenster in einer Geisterbahn auf einem Kirmesplatz. Da hilft es auch nicht, dass die narrative Bedeutung der Puppe erst fast im letzten Akt enthüllt wird. Bis zu diesem Punkt dient der Film in erster Linie als nerviges Versatzstück, wobei John R. Leonetti auf quälend lange Nahaufnahmen ihres Gesichts fixiert ist.

Die Geschichte, die ebenfalls auf der Ermittlungsarbeit der Warrens basieren soll, spielt in den 1970er Jahren, genauer gesagt ein Jahr vor den Ereignissen von "Conjuring - Die Heimsuchung", und ist in Los Angeles angesiedelt. Dort lernen wir ein junges Ehepaar kennen, John und Mia Gordon (Ward Horton und Annabelle Wallis). Wie alle Figuren in diesem Film sind auch die Gordons kaum mehr als Standardgestalten, die den üblichen ungeschriebenen, aber gut verständlichen Gesetzen des Horrorfilms unterliegen. John zum Beispiel hat gerade sein Medizinstudium abgeschlossen und steht kurz vor dem Beginn seiner Facharztausbildung, was bedeutet, dass es immer eine berufliche Ausrede geben wird, um ihn aus der Handlung herauszuhalten, weg vom Geschehen und im Wesentlichen unwissend über die Situation. Mia steht kurz vor der Geburt, und wir alle wissen, dass werdende Mütter und Babys seit langem mit dem Horrorgenre in Verbindung gebracht werden, insbesondere wenn es um dämonische oder satanische Kräfte geht.

John schenkt Mia, die Puppensammlerin ist, eine rare, alte Puppe, die sie anscheinend schon seit langem begehrt. Als die Schachtel zum ersten Mal geöffnet wird, sehen wir zunächst Mias Reaktion, die von Begeisterung, Glück und Dankbarkeit gezeichnet ist. Dann wird auf die Puppe selbst geschnitten, die in ihrer Verpackung liegt. Obwohl das Gesicht noch nicht verwittert und mit Dreck beschmiert ist, sind die glasigen, stechenden Augen und das irrsinnige, an den Joker grenzende Lächeln so abscheulich, dass es schwer vorstellbar ist, dass Mia für die Puppe überhaupt dankbar wäre oder sie gar besitzen wollte. Etwa zur gleichen Zeit werden die Nachbarn der Gordons von ihrer entfremdeten Tochter Annabelle, die weggelaufen ist und sich einer Teufelssekte angeschlossen hat, brutal ermordet. Nachdem sie Mia und ihr ungeborenes Baby angegriffen und fast umgebracht hat, begeht Annabelle Suizid, indem sie sich die Kehle durchschneidet. Und siehe da, sie hielt Mias neue Puppe in der Hand, als sie dies tat, und ein Tropfen ihres Blutes fiel in ein Puppenauge.

Während Mia sich von der Attacke erholt, wird ihr Haus von paranormalen Aktivitäten heimgesucht, beispielsweise von elektronischen Geräten, die von selbst in Betrieb gehen, einem Stuhl, der sich selbst wippt, und einem Herd, der sich einschaltet, während Mia in einem anderen Raum ist, und eine vergessene Pfanne mit Instant-Popcorn entzündet, die wiederum die Küche in Brand setzt. Nach der Geburt ihres Kindes, einer Tochter, ziehen die Gordons in einen Wohnkomplex, in dem die Paranormalität natürlich weitergeht und sich auf Besuche von etwas ausweitet, das der Geist von Annabelle zu sein scheint. Es sei darauf hingewiesen, dass Mia vor dem Umzug ihre Meinung über ihre neue Puppe änderte und verlangte, dass sie entsorgt wird. Irgendwie fand sie ihren Weg aus der Mülltonne in einen der Umzugskartons der Gordons. Wie dem auch sei, die eskalierenden Vorgänge erfordern die Einschaltung eines Priesters (Tony Amendola) und einer seltsam intuitiven Nachbarin (Alfre Woodard), zusammen mit einer Menge Gerede über Dämonen, Klempnerarbeiten und das Opfern der eigenen Seele.

Fairerweise muss man sagen, dass viele der gruseligeren Szenen auf technischer Ebene sehr effektiv sind. Eine meiner Lieblingsszenen zeigt Mia, die versucht, dem dunklen Keller ihres Hauses zu entkommen, indem sie einen Aufzug besteigt. Sie drückt zwar eindeutig den Knopf für das Stockwerk, in dem sich ihre Wohnung befindet, und die Aufzugskabine fährt nach oben, doch die Türen öffnen sich und zeigen, dass sie sich immer noch im Keller befindet. Und die Stimmung, die durch Joseph Bisharas Partitur erzeugt wird, die hauptsächlich aus dissonanten Streichern und plötzlichen lauten Orchesterausbrüchen besteht, ist unüberhörbar. Das Problem bei "Annabelle" ist, dass die Angstmomente knapp bemessen sind und durch lange Passagen mit kaum nennenswerten Dialogen unterbrochen werden. Wenn "Conjuring - Die Heimsuchung" etwas bewiesen hat, dann, dass selbst die klischeehaftesten Spukgeschichten eine Menge Spaß machen können, solange man sich beim Skript ordentlich Gedanken macht.

"Freitag der 13." von Regisseur Sean S. Cunningham ist einer der berühmtesten Slasher-Filme aller Zeiten, der bis zur Willkürlichkeit Fortsetzungen hervorgebracht hat, wobei sich die nachfolgenden Teile der Reihe praktisch selbst parodierten. Nach einem Muster, das noch erstaunlicher ist als das Phänomen der "Saw"-Filme, gab es ein ganzes Jahrzehnt lang jedes Jahr einen neuen Jason-Film, mit nur einem einzigen übersprungenen Jahr zwischen "Freitag der 13. - Jason lebt" (1986) und "Freitag der 13. - Jason im Blutrausch" (1988). Dennoch ist keine der filmischen Ideen wirklich einzigartig, die Musik ist eine groteske Kreuzung aus "Psycho" und "Der weiße Hai", und die Schauspielleistung und die Dialoge sind schlichtweg armseelig. Der Grund, sich einen solchen Horrorfilm anzusehen, ist natürlich die Spannung, die Gewalt, die Freizügigkeit, das Grauen und der ultimative Leichenberg, der in diesem B-Movie-Kultklassiker aus den 80er Jahren mit exzellenten Blut- und Make-up-Effekten des legendären Tom Savini großzügig serviert wird.

Im Jahr 1958 wurde Camp Crystal Lake bei den Einheimischen als 'Camp Blood' bekannt, als ein kleiner Junge ertrank und kurz darauf mehrere grauenvolle Morde geschahen. In der Gegenwart arbeitet eine Gruppe von Betreuern hart, um den heruntergekommenen Campingplatz für eine neue Generation von Kindern wiederzueröffnen, was bedeutet, dass sie sich im Heu wälzen. Doch kaum haben sie begonnen, den Platz wieder herzurichten, wird einer nach dem anderen von einem machetenschwingenden Wahnsinnigen abgeschlachtet.

"Freitag der 13." hat Mühe mit der Glaubwürdigkeit und greift meist auf lahme Gespräche und miserable Schauspielkunst zurück, um die Serie von brutalen Todesfällen zu verbinden. Der Humor zieht sich durch die Mehrheit der Mordtaten, auch wenn vor spritzendem Blut nicht zurückgeschreckt wird. Und wenn die Tötungen erst einmal begonnen haben, sind die winzigen Handlungsfetzen völlig sinnlos, jede Szene wechselt geschmacklos von einem Angriff zum nächsten. Am Ende wird klar, dass der Betrachter die wahre Identität des Mörders nicht einmal erraten soll. Die Abgänger scheinen alle eine blutrünstige Vorliebe für Kehlen zu haben, sei es durch Aufschneiden, Aufschlitzen oder Aufspießen mit einem Pfeil - man beachte den jungen Kevin Bacon als eines der ersten Opfer. Die Kameraführung in der ersten Person wird häufig eingesetzt, um den Betrachter in die Lage des Schlächters zu versetzen, wodurch die Reaktionen der Betroffenen noch erschreckender werden und der eigentliche Killer unsichtbar bleibt.

Der berüchtigte Filmbösewicht Jason Voorhees ist vor allem für seine hässliche Eishockeymaske bekannt, doch in diesem ersten Film wurde dieses essenzielle Accessoire nicht einmal eingeführt. Erst im dritten Teil der Filmreihe zieht er schließlich die charakteristische Maske an. Obwohl nichts an "Freitag der 13." besonders fantasievoll ist und die nervige Musik entweder eine schlechte Hommage oder ein Abklatsch bekannter Filmkompositionen ist, mangelt es der Produktion nicht an einem gewissen Unterhaltungswert. Entweder offenbart es die tief verwurzelte Eigenart in jedem von uns, oder es ist einfach zu viel Firlefanz, um etwas anderes als oberflächlichen Thrill zu bieten.

Null Chance Xatar. The Rock muss bei Wrestlemania 39 gegen Roman Reigns um den Undisputed WWE Universal Champion antreten.

In "Tödliche Nähe" von Regisseur Rowdy Herrington nimmt sich der Würger von Pittsburgh Polish Hill, 1991, sein fünftes weibliches Opfer vor, wobei er wieder einmal seinen ungewöhnlichen Modus Operandi anwendet, indem er die Polizei anruft, um sie mit Geräuschen des Mordes und einer Aufnahme des Liedes 'Li'l Red Riding Hood' von 'Sam the Sham and the Pharaohs' zu verhöhnen. Detective Tom Hardy (Bruce Willis) vom Morddezernat glaubt, dass es sich bei dem Täter um einen Polizisten handeln muss, da es dem Killer immer wieder gelingt, der Polizei zu entkommen. Auf dem Weg zum Polizeiball mit seinem Vater Vincent (John Mahoney) geht ein Anruf ein, dass ein mutmaßlicher Strangulierer auf der Flucht ist.

Das Duo liefert sich eine langwierige, rasante, feurige, zerstörerische und tödliche Verfolgungsjagd, bei der niemand daran denkt, dem Täter in letzter Minute durch Dutzende von Fahrzeugen, Zeitlupen und spektakuläre Stunts die Reifen zu zerschießen. Es endet in einer Tragödie, als der Mörder Vincent erschießt und anschließend entwischt. Tom muss sich dann nicht nur mit seinen Blessuren und Krücken auseinandersetzen, sondern auch mit einem karriereschädigenden Skandal um seinen betrügerischen Ex-Partner, der den Freitod dem Gefängnisaufenthalt vorzieht.

Zwei Jahre später hat Tom ein Alkoholproblem, lebt auf einem Hausboot und ist wütend, unfreundlich, aufmüpfig und frech. Des Weiteren wird er in die monotone Flussrettungsabteilung versetzt. Auch wenn der Mörder seines Vaters gefasst und zur Hinrichtung verurteilt wurde, hatte Tom immer seine Zweifel. Als eine frische Leiche, Toms Ex-Freundin Cheryl, im Fluss vorgefunden wird, bestätigt sich sein Verdacht. Der Würger ist zurück und hat es auf Frauen abgesehen, die dem in Ungnade gefallenen Beamten nahestehen.

Tom Hardy wird auch eine neue Taucherin zugeteilt, Jo Christman (Sarah Jessica Parker), die er im Allgemeinen nicht respektiert, vielleicht sogar noch mehr als sonst, weil sie eine Frau ist. Bei einer nicht ganz üblichen Bootsentführung, in der Bruce Willis seine traditionelle, regelwidrige Ein-Mann-Armee zeigt, wird er durch Jo's unerwartete Aufmerksamkeiten gerettet. Sie verdient den winzigsten Anflug von Dankbarkeit, aber Tom hat immer noch eine gehörige Portion Verachtung für alle um ihn herum übrig. Letztendlich muss er sich ihr anvertrauen, um den wahren Mörder seines Vaters zu finden, der immer wieder seine Opfer in den Fluss wirft, damit Tom sie findet.

Zu den Nebendarstellern und erkennbaren Charakterdarstellern gehören Dennis Farina als Polizeihauptmann, Tom Sizemore als Polizeikollege und Brion James als antagonistischer Polizeibeamter. Jeder könnte ein Verdächtiger sein, denn es ist klar, dass eine Verschwörung im Gange ist, und die Zugehörigkeiten wechseln fortwährend, so dass es wichtig ist, ein breites Portfolio mit einzelnen Gesichtern zu haben. Bruce Willis und Sarah Jessica Parker sind auch nicht die typische Paarung, auch wenn es dem Anti-Helden an markigen Worten und einem originellen Gegenspieler mangelt, was in generischen Actionfilmen eine Notwendigkeit ist.

"Tödliche Nähe" entstand während Bruce Willis' erfolgreicher Zeit der Actionfilme, genauer gesagt zwischen "Stirb langsam 2" und "Stirb langsam - Jetzt erst recht", wobei er immer noch Haare und einen gewissen Machoton hat. Doch antiquierte E-Gitarren garnieren den Soundtrack, und blecherne Saxophonmusik durchbricht die zwingende Sexszene zwischen Menschen, die sich kaum kennen. Das Grundkonzept ist zwar interessant, und die Methoden des Serienkillers sind nachvollziehbar, doch das Erzähltempo ist merklich mager. Einzelne hervorstechende Actionszenen können die ineffektive Liebesromanze, die unglaubwürdige Darstellung von Sarah Jessica Parker und die dumpfen Phasen der Charakterentwicklung nicht retten, die der Spannung des Thrillers zu sehr abträglich sind. Diese Art von Thrillern sind von der Sorte 'wie Sand am Meer', die keinerlei Spuren hinterlassen und nur geringe Einspielergebnisse und Rezensionen vorweisen können.

Chainsaw Charlies Horror-Oktober 2022 #31/31
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In "Halloween - Die Nacht des Grauens" zoomt die Kamera während des Vorspanns langsam auf ein leuchtendes Jack-O-Lantern-Gesicht, während die von Regisseur John Carpenter selbst komponierte Synthesizermusik dominiert. Man kann sie als plump interpretieren oder als repräsentativ für die Reaktion des Betrachters auf die bevorstehenden Ereignisse werten. Jedenfalls ist "Halloween - Die Nacht des Grauens" einer der ersten, markantesten und unbestreitbar einflussreichsten Slasherfilme der 70er Jahre. Er brachte etliche Fortsetzungen, Remakes und Kopien hervor, lieferte effektive Klischees für Low-Budget-Horrorfilme und gilt heute als absoluter Klassiker des Genres. Der Film ist wohl eher ikonisch als wirklich unterhaltend oder gruselig.

1963, in der Halloween-Nacht in Haddonfield, Illinois, spielt der sechsjährige Michael Myers die Duschszene aus "Psycho" an seiner Schwester nach, die sich nackt vor einem Spiegel rasiert, vermutlich so, wie sich alle heranwachsenden Männer damals junge Frauen vorstellten. Er wird in die nahe gelegene Irrenanstalt 'Smith's Grove' eingewiesen, bis ihm am 30. Oktober 1978 zufällig die Flucht gelingt. Sein Arzt, Sam Loomis (Donald Pleasence), weiß, dass der geistesgestörte Insasse in seine Heimatstadt zurückkehren wird, um blutige Vergeltungsmaßnahmen zu ergreifen. Kein Wunder also, wenn Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) von einem braunen Kombi beschattet wird und ein mysteriöser Fremder mit weißem Gesicht und schwarzem Mantel willkürlich in ihrem Garten, hinter Büschen und in der Nachbarschaft auftaucht. Sobald die Nacht hereinbricht, beginnt der wahre Terror, denn Laurie passt auf den kleinen Tommy (Brian Andrews) auf, der sich vor dem Bösen zu Tode fürchtet, das obligatorische Kind, dem niemand glaubt, und Sheriff Leigh Brackett (Charles Cyphers), der sich immer wieder an seine Kollegen heranschleicht, bemüht sich vergeblich, den Killer zu finden.

Die Spannung wird bis ins Unermessliche gesteigert, während die dämlichen Charaktere durch die Gegend watscheln, ohne den messerschwingenden Wahnsinnigen zu bemerken, der direkt hinter ihnen steht. Das Nachstellen zieht sich in die Länge, ebenso wie die eigentlichen Übergriffe, von denen viele merkwürdig lustig oder schlichtweg dumm sind. Wie viele Minuten dauert es, ein Mädchen zu erwürgen? Michael Myers ist dafür bekannt, dass er sich sehr langsam bewegt, Faustschläge und Patronen wegstecken kann, in den Schatten verschwindet und selbst am helllichten Tag unauffällig bleibt. Das Wichtigste ist jedoch, dass er immer wieder zurückkehrt, vor allem, wenn Laurie ihren Schutz aufgibt.

Die Kamera ist ein Voyeur, der den Betrachter dazu auffordert, sich am invasiven Lauschangriff zu beteiligen. Die Eröffnungsszene wird durch die Maske von Michael Myers gefilmt, oft aus der Schulterperspektive, und Blicke durch Fenster und Türen sind Teil der Praxis. Es gibt auch viele Ego-Perspektiven, Aufnahmen von Michael Myers, der im Hintergrund ahnungsloser Menschen steht, und Personen, die in den Bildausschnitt springen, um ihre Zielobjekte zu erschrecken, auch wenn sie selbstverständlich im Blickfeld der Darsteller sind. Und wie um die Quote für Teenie-Thriller zu erfüllen, gibt es auch ein paar Brüste zu sehen.

Zu den weiteren Tricks gehört, dass Michael Myers so lange wie möglich nur vom Hals abwärts gezeigt wird, um die nun erkennbare Visage zu verbergen, die aus einer preisgünstigen Captain-Kirk-Maske besteht. Zu bequem verschlossene Türen und Hindernisse, über die man stolpern kann, und der Delinquent, der direkt hinter dem Arzt im Auto fährt, wird schmerzhaft übersehen. Verbale Beschreibungen grausiger Bilder, plötzliche laute Geräusche und ein kristallklarer Ausschnitt aus Howard Hawks' "Das Ding aus einer anderen Welt", den John Carpenter in ein paar Jahren neu verfilmen würde. Aus technischer Sicht ist die Tonmischung unpassend, die Dialoge sind in den besseren Passagen simplistisch und den Rest der Zeit recht pubertär, die Nebendarsteller sind grässliche Gestalten, die Zahl der Leichen ist relativ gering, Gewalt ist praktisch nicht vorhanden, und die Handkamera wirkt nicht immer aufrichtig. Die Wahl von Jamie Lee Curtis in ihrem Filmdebüt war jedoch eine intelligente Investition. Sie ist nicht nur die geschickteste der geistig zerstreuten weiblichen Opfer, sondern ihre sympathische Art und ihre etwas vernünftigere Haltung gegenüber Selbstverteidigung und Krisenbewältigung machen sie zu einer überlegenen Überlebenden. Wenn sie nicht derart symmetrisch wäre, würde man nur Michael Myers anfeuern.

In "Blutgericht in Texas" von Regisseur Tobe Hooper wird in dem etwas überlangen, dokumentarisch anmutenden Prolog nicht darauf hingewiesen, dass die folgenden Ereignisse 'auf einer wahren Geschichte' beruhen. Aber der Clou ist dennoch vorhanden, denn er beschreibt das bevorstehende Szenario des 18. August 1973, als wäre es völlig real. Eine Radiomeldung über Grabräuber, die Leichen ausbuddeln, erweckt sofort eine gewisse Vorahnung. Angenehm verstörende Kamerablitze zeigen verwesende Leichen und Diskussionen über den nahe gelegenen Schlachthof. Die Musik ist einschüchternd, die Kameraführung effizient und die ohrenbetäubenden Vibrationen der Kettensäge unbestreitbar furchteinflößend.

Eine Gruppe von fünf Teenagern fährt nach Texas, um den Grabstein eines Verwandten zu besuchen und festzustellen, ob er bei der jüngsten Welle von Friedhofsvandalismus nicht beschädigt wurde. Sie nehmen einen merkwürdigen Anhalter (Edwin Neal) mit, den sie wegen der unerträglichen Hitze bemitleiden, aber der Mann ist eindeutig gestört. Er schneidet sich mit einem Messer und schließlich den an den Rollstuhl gefesselten Fahrgast Franklin (Paul A. Partain) mit einem Rasiermesser. Nachdem sie ihn aus dem Auto geworfen und zum Dank mit Blut beschmiert wurden, fahren die fünf weiter zum alten Franklin-Haus, das der Familie gehört. Sally Hardesty (Marilyn Burns) und Jerry (Allen Danziger) sind die ersten, die das heruntergekommene Gebäude unter die Lupe nehmen.

Kirk (William Vail) und Pam (Teri Mcminn) machen sich auf die Suche nach einem Bach, in dem sie schwimmen können, werden aber von einer Scheune abgelenkt, in der der Lärm eines Generators unüberhörbar dröhnt. Sie halten auch am nahe gelegenen Haus, doch es scheint niemand anwesend zu sein. Die gespenstische Behausung ist fast identisch mit dem Bates-Haus aus "Psycho", und so ist es keine große Verwunderung, als Kirk plötzlich mit einem Vorschlaghammer attackiert wird. Pam folgt ihm und stolpert in einen Raum, in dem menschliche Überreste zu Möbeln verarbeitet wurden, bevor sie von einem riesigen Menschenmonster, das eine zusammengenähte Maske aus Menschenfetzen und eine blutbefleckte gelbe Schürze trägt, wortwörtlich in die Höhe gehoben und an einen riesigen Fleischhaken gehängt wird, um sie zu fixieren. Es ist eine der bedeutendsten und grauenvollsten Filmsequenzen in der Geschichte des Horrorfilms, die den Betrachter mit einer kurzen Warnung und einer schmerzhaften Drohung überfällt. 'Leatherface' schleift Kirks toten Leib durch eine Tür und schlägt die metallische Pforte zu seinem Arbeitsbereich mit unvorstellbarer Wucht zu. Er ist auf Anhieb ein memorables Filmmonster, das noch faszinierender wird, wenn er zum ersten Mal seine charakteristische mechanisierte Kettensäge in die Hand nimmt.

Die Kreation des legendären Bösewichts 'Leatherface' (Gunnar Hansen) ist eine der seltenen Beispiele dafür, dass die Details und die Tiefe eines Killers durch die Vermenschlichung noch entsetzlicher werden. Es ist beunruhigend realitätsnah, ihn als kaum mehr als ein übergroßes Kind darzustellen, geistig zurückgeblieben, aber körperlich widerstandsfähig. Im Grunde ist er nur der Scherge eines Clans von Irren, die so grausam sind, dass man sie sehen muss, um es zu begreifen. Fast ununterbrochenes Geschrei kennzeichnet die zweite Hälfte des Films, in der sich Panik, Einbruch der Dunkelheit und eine berauschende Ohnmacht ohne eine Minute vergeudete Sendezeit ereignen. Wie in einem Exploitation-Film gibt es eine starke Mixtur aus Sexualität und Horror. Partielle Nacktheit und flüchtige Blicke auf wohlproportionierte weibliche Charaktere charakterisieren die Introduktion, während offene Gewalt und blutige Aktivitäten den Schluss füllen, auch wenn die eigentlichen Minuten des Blutes niedrig gehalten werden und die meisten Tätigkeiten der Kettensäge nur angedeutet werden.

"Blutgericht in Texas" ist mit unbekannten Schauspielern besetzt, die enorm glaubhaft sind und eine aufsehenerregende Mischform aus zutiefst beunruhigten Eigenbrötlern und glaubwürdigen normalen Heranwachsenden darstellen. Jim Siedow gibt eine besonders authentische Vorstellung als Anführer der kannibalistischen Familie, eine sadistisch unkalkulierbare Darbietung, die vor dem nächsten markerschütternden Ansturm für schnelle Entspannung sorgt. Das Budget ist gering, die Spezialeffekte sind auf ein Minimum beschränkt, und der insgesamt bescheidene Produktionswert steht in perfektem Einklang mit dem Sinn des Films. Die Soundeffekte hingegen sind halsbrecherisch und bieten eine fantastische Kulisse, Licht und ungemütliche Requisiten, die den Horror subtil untermalen. Die Wirkung, das Vermächtnis und der Effekt von "Blutgericht in Texas" ist nichts weniger als monumental: Er gilt als der Urvater des Slasher-Genres, ist einer der furchterregendsten Filme, die je gedreht wurden, und hat den Horrorfans ein ganz neues, sensationell wirkmächtiges Gesicht gegeben, das immer wieder Fortsetzungen und Remakes nach sich ziehen wird.

Bester Film:
1. The Dark Knight
2. No Country for Old Men
3. Donnie Darko
4. Collateral
5. Das Leben der Anderen
6. American Psycho
7. Der letzte König von Schottland - In den Fängen der Macht
8. Hero
9. Ein Prophet
10. Dancer in the Dark

Bester Animationsfilm:
1. Mary & Max – oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet?
2. Waltz with Bashir
3. Paprika
4. Das große Rennen von Belleville
5. Team America

Beste Serie:
1. Breaking Bad
2. Dexter
3. Californication
4. It's Always Sunny in Philadelphia
5. Lost

Bester Soundtrack:
1. Collateral
2. Dancer in the Dark
3. Der Herr der Ringe: Die Gefährten
4. Fluch der Karibik
5. Walk the Line

Bester Schauspieler:
1. Jake Gyllenhaal - Donnie Darko
2. Forest Whitaker - Der letzte König von Schottland - In den Fängen der Macht
3. Heath Ledger - The Dark Knight
4. Tim Robbins - Mystic River
5. Colin Firth - A Single Man

Beste Schauspielerin:
1. Björk - Dancer in the Dark
2. Jennifer Connelly - Requiem for a Dream
3. Abigail Breslin - Little Miss Sunshine
4. Naomi Watts - 21 Gramm
5. Sibel Kekilli - Gegen die Wand