Chainsaw Charlie - Kommentare

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Hier mein Wichtel-Kommentar für *frenzy_punk<3 zum 3. Advent.
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Hier ist mein Wichtelgeschenk im Rahmen der Community-Kommentar Wichtelaktion 2022 für *frenzy_punk<3. Von deinen 5 gewünschten Filmen habe ich diesen ausgewählt. Viel Spaß :-)

"Knives Out" von Regisseur Rian Johnson beginnt mit einer nebelverhangenen Aufnahme eines prächtigen Herrenhauses, wie aus "Der Hund von Baskerville", mit Hunden in Zeitlupe. Das kalte, dunkle Anwesen von Thrombey birgt viele Geheimnisse und unheimliche Dekorationen, darunter viele Puppen, die an Andrew Wykes spielzeuggeschmücktes Haus aus "Mord mit kleinen Fehlern" erinnern, aber der Schauplatz befindet sich in der Gegenwart, sodass Computer und Smartphones und andere Technologien und schöpferische Kraftausdrücke ihren Platz in der Geschichte haben. Das Dienstmädchen entdeckt die Leiche des Patriarchen Harlan Thrombey (Christopher Plummer), dem die Kehle durchgeschnitten wurde - was auf einen Suizid hindeutet. Aber nicht alles ist so, wie es scheint ...

Harlan Thrombey war ein äußerst erfolgreicher Krimiautor, der wie die Figuren in "Basic Instinct" in eine Geschichte verwickelt war, auf die er stolz gewesen wäre, mit Romanen, Verlagen, Bargeld, Immobilien und anderen Vermögenswerten im Wert von mehreren zehn Millionen Dollar. So ist es nicht verwunderlich, dass eine Woche nach seinem Tod die polizeilichen Ermittlungen unter der Leitung von Lieutenant Detective Elliott (LaKeith Stanfield) immer noch an den kleinen Details feilen und sich weigern, den Fall als reinen Selbstmord abzuschließen. Zu allem Überfluss wird der legendäre Privatdetektiv Benoit Blanc (Daniel Craig), als Berater hinzugezogen und vermutet ein mögliches Gewaltverbrechen. Marta (Ana de Armas), die Krankenschwester von Harlan Thrombey, ist die Einzige, die keinen triftigen Grund hat, ihn tot sehen zu wollen. Das macht sie zum idealen 'Watson' für Benoit Blancs 'Sherlock Holmes', und so folgen die beiden den Fährten der großen Thrombey-Familie, um sein unerklärliches Ableben aufzuklären. "Meine Anwesenheit wird nur schmückendes Beiwerk sein."

"Knives Out" ist ein authentischer Krimi, in dem die Behörden jeden der Thrombey-Verwandten verhören und der mit einer erkennbaren Besetzung von Charakterdarstellern und Stars wie Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon und Toni Collette sowie Frank Oz und M. Emmet Walsh in Nebenrollen aufwartet. Am Tod von Harlan Thrombey könnten so viele nennenswerte Personen beteiligt gewesen sein. Nicht unerwartet besteht "Knives Out" zu einem großen Teil aus Rückblenden, um die letzte Nacht von Harlan Thrombeys Leben zu schildern, die sich um seine 85. Geburtstagsfeier drehte - ein Ereignis, das durch seine Entscheidung getrübt wurde, sich den Versäumnissen seiner eigenen Kinder zu stellen, von denen viele sein Kapital veruntreuten. Zeitangaben, Berufsbezeichnungen, Aufenthaltsorte, Partner und vieles mehr werden im Laufe des Verhörs preisgegeben, gesäumt von witzigen Einschüben, die den Zeugenaussagen widersprechen und den Wahrheitsgehalt der Bekenntnisse in Frage stellen.

Jeder ist ein Verdächtiger, die Schilderungen des Abends sind bruchstückhaft, alle haben ein Motiv, die Alibis sind dünn, und im Background läuft ein jazziger Percussion-Soundtrack. Für jede Aktivität gibt es alternative Interpretationen, so dass das Kriminalstück spannend bleibt, auch wenn der Spaß überwiegt, so dass die Laune heiter und nicht bitternst ist. Interessanterweise schließt das erste Verhör keine Verdächtigen aus, sondern entlarvt einfach Lügen, die zeigen, dass jeder für das Verbrechen verantwortlich sein könnte - eine Anspielung auf "Mord im Orient Express". Und doch bietet "Knives Out" den Betrachtern noch vor der Hälfte des Films eine große Offenbarung, die so ungewöhnlich ist, dass sie die Spannung noch viel länger hätte aufrechterhalten können, wenn sie nicht so leicht verraten worden wäre. Ihre Existenz ist bezeichnend für den Wunsch von "Knives Out", rätselhaft zu sein, aber sie erzeugt auch eine Pause in der Mitte, wenn die Ereignisse nachgestellt werden, ein Gedenkgottesdienst abgehalten wird und die Testamentseröffnung stattfindet. Im Prinzip hat man das Gefühl, das Mysterium sei gelüftet und der Betrachter wisse einfach zu früh zu viele Fakten. "Der Typ lebt praktisch in einem Cluedo-Brett."

Erfreulicherweise erinnert "Knives Out" mit seiner altmodischen Herangehensweise an Mord und Mystery-Design sehr an eine Mixtur aus klassischen Noir-Filmen wie Alfred Hitchcocks "Bei Anruf: Mord", Otto Premingers "Laura" oder Woodbridge Strong Van Dyke's II. "Der dünne Mann", "Knives Out" bleibt intrigant, insbesondere mit der finalen Aufdeckung, die alle Verdächtigen wieder in einem Raum vereint. Daniel Craig setzt einen übertriebenen Akzent auf, überzeugt aber nicht als völlig neue Filmfigur mit ausgeprägtem Raucherverhalten, während Ana de Armas' ethnisch distinkte Krankenschwester eine Komponente hat, die in eine signifikante politische Debatte abschweift, aber hätte gestrichen werden können, um ein paar Minuten zu sparen, und eine ruminative Aversion gegen Verlogenheiten beinhaltet. Auch die übrigen Akteure sind sehr eigentümlich, was den zweiten Akt zu einer Art Charakterstudie macht, da sich der Kriminalfall in einen Erpressungsfall umkehrt und es darum geht, wie man mit einem Mord davonkommt oder wer etwas über den potenziellen Mörder weiß. Alle haben immerhin einen Beweggrund. Im Verlauf der Ermittlungen wird es noch bekloppter, doch die Entschlüsselung und die Abschiedssequenzen sind unwahrscheinlich beglückend. Auch wenn sich der Film an eine Reihe anderer gängiger Krimis und Kulissen anlehnt oder ihnen Tribut zollt, so ist "Knives Out" doch konsequent humoresk und angenehm erfrischend.

"The Last Duel" von Regisseur Ridley Scott spielt im Frankreich des späten 14. Jahrhunderts, wo die Knappen Jean de Carrouges (Matt Damon) und Jacques Le Gris (Adam Driver) tapfer an der Seite des anderen um die Ehre des Königs kämpfen. Doch mit seinen rücksichtslosen Strategien und seinem ungestümen Temperament fällt Jean de Carrouges bei seinem gierigen Lehnsherrn, dem Grafen Pierre d'Alencon (Ben Affleck), bald in Ungnade, während Jacques Le Gris in Ansehen und Reichtum aufsteigt. Die Freundschaft der beiden Ritter endet endgültig, als der Graf Jacques Le Gris ein wertvolles Stück Land schenkt, das Sir Robert de Thibouville (Nathaniel Parker) gehört und als Mitgift für die Hochzeit von Roberts Tochter Marguerite (Jodie Comer) mit Jean de Carrouges gedacht ist. Die beiden Rivalen werden bald zu Todfeinden, als Marguerite Jacques Le Gris der Vergewaltigung beschuldigt, was zu einem unüberlegten, aber monumentalen Duell führt, um die eindeutige Wahrheit zu finden.

Mit Aufnahmen von riesigen Menschenmengen, weitläufigen Landschaften, aufwendigen Kostümen und zahlreichen Requisiten wie Rüstungen und Waffen, die alle mit einer gehörigen Portion Dreck verziert sind, wird die Bühne für ein entscheidendes Duell bereitet, das mit dem lauten Klirren von Lanzen und Schilden beginnt. Doch dies wird durch den Filmtitel unhöflich unterbrochen, denn dies ist eigentlich gar nicht der Anfang, sondern nur ein Vorgeschmack auf das Finale. Der eigentliche Auftakt ist jedoch eine noch aufwühlendere Konfrontation in 'Limoges', die zeigt, wie gekonnt Ridley Scott mittelalterliche Gewalt filmisch umsetzt: Kehlen durchschneiden, Schwerter schwingen, Äxte schleudern, wenn Reiter von ihren Pferden in eine Flut von mit Kettenhemden bedecktem Blutbad geworfen werden.

Und selbst dieses Kräftemessen mündet in einen weiteren blutrünstigen, brutalen Feldzug, der signalisiert, dass Ridley Scott den Betrachter von Anfang an fesseln und seine Vorliebe für mittelalterliche Schlachten ausnutzen muss, bevor er zur eigentlichen Handlung übergeht. Wie sich herausstellt, hat ein Großteil des restlichen Films nichts mit dem Führen von Kriegen zu tun, so dass es nur passend ist, dass die ganze groß angelegte Action, gefolgt von Saufgelagen und schönen Maiden, in den ersten 15 Minuten gezeigt wird, mit all den erwarteten Rittern in glänzenden Rüstungen und tollkühnen Taten. Der erste Akt geht noch einen Schritt weiter und schildert die Politik der damaligen Zeit, die Machenschaften der Herren und Edelmänner, das Aufkommen von Zwistigkeiten und die Vergabe der Mitgift. In "The Last Duel" geht es unter anderem um mächtige, einflussreiche Männer und die Methode, mit der sie sich gegenseitig manipulieren, verleumden und diejenigen zurückweisen, die sie als minderwertig ansehen.

Die Drehorte sind authentisch und ästhetisch, von dichten Wäldern bis zu prächtigen Schlössern, immer mit Schmutz und Unrat bedeckt, aber dennoch mit Präzision fotografiert. Alles sieht sehr realistisch aus und fühlt sich auch so an, mit Ausnahme von Ben Afflecks Rolle, die nie ganz überzeugt, dass er ein echtes Erzeugnis der Zeit um 1300 ist. Doch die Sehenswürdigkeiten stehen nicht lange im Fokus, denn die Story verlagert sich auf eine Analyse des mittelalterlichen Rechtssystems, bei der es darum geht, wie Klagen eingereicht werden, wie Ungerechtigkeiten berichtigt werden können, wie die Wahrheit ermittelt wird, wenn keine Beweise vorliegen, und welche Konsequenzen auf die Schuldigen warten. "Gott wird diejenigen verschonen, die die Wahrheit sagen."

Noch intriganter ist die Rolle der Frau in dieser antiken Welt, ihre Stellung als Erbin und ihre eingeschränkten Mitspracherechte im Haushalt, ihr Status als Besitz und die Unterstellung, dass sie sich nicht über himmelschreiende Benachteiligungen und Inkompatibilitäten beschweren kann, einschließlich der Lehre von der Sexualität. Es ist ein seltener Zugang zu dem rauen und horrenden Alltag vieler Frauen in dieser Zeit. Die stärksten Enthüllungen kommen jedoch im letzten Akt, unterstrichen durch einen vorletzten Prozess voller sondierender Nachfragen, während die ersten zwei Drittel des Films bekanntes Terrain durch ein Handlungselement wiederholen, das an Akira Kurosawas "Rashomon - Das Lustwäldchen" erinnert, in dem dasselbe Geschehen aus verschiedenen, oft konträren Perspektiven erzählt wird, hier in drei verschiedenen Kapiteln. Im Großen und Ganzen sind die Wiederholungen ansprechend, obwohl die Laufzeit etwas entmutigend ist, da neue Informationen hinzugefügt und andere Elemente wieder aufgegriffen werden, was Zweifel an ihrer Zuverlässigkeit aufkommen lässt. Das fällt vor allem dann auf, wenn ausgewählte Dialogzeilen verschiedenen Figuren zugeordnet werden, wenn subtilere Aktionen zu alternativen Effekten führen, deren Auslassungen ebenso irritierend sind, und wenn bestimmte Abläufe eher illustriert als verbal erklärt werden, oder umgekehrt. "Der gewöhnliche Verstand hat keine Kapazität für diese Art von Nuancen."

Da vermeintliche Wahrheiten durch unterschiedliche Sichtweisen umgestaltet werden, ist es offensichtlich, dass sich "The Last Duel" stark auf seine herausragende Besetzung verlässt, wobei Matt Damon, Adam Driver und Jodie Comer (die wahrscheinlich für einen Oscar nominiert wird) außergewöhnliche Darbietungen erbringen. Trotz der Rückkehr zum titelgebenden Showdown und dem spannungsgeladenen Finale ist der größte Teil von "The Last Duel" ein emotionales, packendes Drama mit verzerrten Informationen, verdrehten Rechtfertigungen und schwerwiegenden Folgen, das von einer gesellschaftlichen Tapferkeit abhängt, die der Intensität des Schlachtfelds entspricht. Und er ist besser für seine Hingabe zu diesen Themen als für seine scheinbar obligatorischen Sequenzen von Tod und Zerstörung im Krieg. "Die Wahrheit spielt keine Rolle!"

"Hangover 3" von Regisseur Todd Phillips ist eine Steigerung gegenüber dem sich allzu sehr wiederholenden Vorgänger in der Trilogie, was die Handlung angeht, aber ein enttäuschender Rückgang des komödiantischen Werts. Die Handlung ähnelt einem Low-Budget-Actionthriller und bietet ein paar erheiternde Twists und eklatante Bezugnahmen auf die ersten beiden Teile, während sie eine ungemein spärliche Botschaft zum Thema Freundschaft enthält. Das ist schon faszinierend, aber selten ein Anlass zum Auflachen. Die größte Enttäuschung von "Hangover 3" ist die unerwartete Abkehr von der bitterbösen Komödie, für die diese Filmreihe bekannt ist, zugunsten ausladender, schwerfälliger Dialoge, in denen hauptsächlich Alan und Mr. Chow zu sehen sind. Selbst die kurzen Intermezzi mit geschätzten Schauspielern wie John Goodman und Melissa McCarthy entlocken nicht viel mehr als ein kurzes Grinsen der Wertschätzung, gefolgt von einer Fratze der Akzeptanz für einen vergeudeten Arbeitsplatz.

Nachdem Alan Garners (Zach Galifianakis) extrem dämliche Entgleisungen verheerende Dimensionen angenommen haben, beschließen seine Freunde und seine Familie, dass eine Intervention ihr letzter Ausweg ist. Obwohl er zunächst zögert, willigt der Querkopf letztendlich ein, mit seinen langjährigen Freunden Phil (Bradley Cooper), Stu (Ed Helms) und Doug (Justin Bartha) in eine Therapieeinrichtung in Arizona zu gehen. Doch ihre Expedition nimmt eine alarmierende Wendung, als Alans harmlose Kommunikation mit dem Berufsverbrecher Mr. Chow (Ken Jeong) die Gruppe zur Zielscheibe des aufgebrachten Gangsters Marshall (John Goodman) macht. Jetzt, da Doug als Geisel festgehalten wird, haben Phil, Stu und Alan nur noch wenige Stunden Zeit, um den gewieften Mr. Chow ausfindig zu machen und gefangen zu nehmen, um ihren Freund zu retten.

"Hangover 3" beginnt mit Zeitlupen und Opernmusik, die eine rasante, dramatische Verfolgungsjagd aus einem verwüsteten Bangkoker Gefängnis einleiten, die im Kontrast zum Vorspann einer Komödie steht. Abgesehen von der witzigen Eröffnung gibt es in diesem letzten Kapitel der finanziell erfolgreichen Franchise eine Unmenge an verschenkten Optionen, insbesondere bei der Vielzahl der Nebenfiguren. Phil war schon immer die vernünftigste, realistischste Rolle, Stu steht für Vorsicht und Unsicherheit, und Alan für Spontanität und Wahnsinn. Dies ist die wiederkehrende Rezeptur, die jetzt gilt, da der Gedächtnisschwund nicht mehr stattfindet. Außerhalb des ursprünglichen Trios hatten die Autoren einfach keine Lust auf den Humor von Doug und Black Doug, die Antagonisten, Melissa McCarthy, Heather Graham, die Freundinnen und Ehefrauen, und selbst Nebenrollen wie eine Apothekenhelferin scheinen nicht für Spaß zu sorgen oder sind nur um der bekannten Gesichter willen dabei. Auch wenn Alans Vater, gespielt von dem unvergesslichen Jeffrey Tambor, in einem kurzen Auftritt für einige Lacher sorgt und Ken Jeongs berechenbar durchgeknallter Mr. Chow, der zwischen schwindelerregend blöd und bösartig gestört wechselt, die Komödie unterstützen soll, ist sie im Wesentlichen eine Ein-Mann-Show geworden. Jetzt ist es eine Aneinanderreihung betrüblicher Ereignisse mit Zach Galifianakis in der Hauptrolle.

Wie Will-Ferrell-Filme, die keiner Karriere außer der von Will Ferrell dienen, ist auch dieser dritte Teil ein Zach-Galifianakis-Vehikel geworden, das dem Betrachter, der nach einem ausgewogenen Aufruhr dürstet, wenig zu bieten hat. Chaos herrscht zwar auch in "Hangover 3", doch vieles davon beruht auf überraschenden Widersprüchen, an denen Zach Galifianakis beteiligt ist: Auf eine wunderschöne Darbietung von Schuberts tränenreichem 'Ave Maria' folgt schlagartig ein piepsendes Mikrofon. Die Freude eines Kindes über ein neues Haustier wird durch ein Straßenmassaker unterbrochen, und eine augenblickliche Romanze wird durch das ungeschickte Umstoßen von Musikinstrumenten kakophonisch aufgelöst. Trotzdem ist "Hangover 3" ein rares Fortsetzungswerk, das seinen Vorgänger toppt und mit spektakulären Stunts, perversen Wendungen und neckischen Bosheiten noch mehr Spaß macht als zuvor. Es war keine besonders komplexe Leistung, und das Ende zieht sich viel zu lange hin, aber dieser letzte Akt hat sich gerade weit genug von den üblichen erkennbaren Charakteren distanziert, um plötzlich interessant zu sein.

"Hangover 2" von Regisseur Todd Phillips bietet eine weitere Dosis ausschweifender Abenteuer des lustigen Rudels, die nach dem ersten Film sicher Lust auf mehr machen werden. Eine vertraute Melange aus Seriosität und Absurdität sorgt dafür, dass das Geschehen unterhaltsam ist, wenn nicht sogar ein wenig zu ernst. Persönliche Verletzungen und drogenbedingte Eskapaden verlieren nicht gerade an Brisanz, wenn ein paar Sprüche über ihre Tragweite hinwegtäuschen sollen. Und Zach Galifianakis' konfuse Äußerungen können die abstoßenden Aspekte des Films nicht kompensieren. Wenn die zentrale Mission des Films darin bestand, den Schockwert seines Vorgängers zu übertreffen, dann ist ihm das gelungen. Ich bin mir nicht mal sicher, ob das ein Kompliment ist oder nicht.

Am Vorabend von Stus (Ed Helms) Hochzeit in Thailand überreden Phil (Bradley Cooper), Doug (Justin Bartha) und Alan (Zach Galifianakis) den sonst so sanftmütigen Zahnarzt zu einem letzten gemeinsamen Drink am Strand. Als die Freunde am nächsten Morgen in Bangkok aufwachen, ohne sich an die Schandtaten der vergangenen Nacht zu erinnern, und entdecken, dass der jüngere Bruder der Braut, Teddy (Mason Lee), verschwunden ist, müssen sie ihre Spuren zurückverfolgen, um den vermissten Jungen zu finden und Stu rechtzeitig zu seiner Hochzeit zurückzubringen. Doch als ihre Erkundungen sie zu rachsüchtigen Gangstern, zigarettenrauchenden Affen und der Rückkehr eines alten Verbrecherbosses führen, wird die Reminiszenz an ihre besoffenen Irrwege das Erste sein, was sie vergessen wollen.

Obwohl er als Fortsetzung angepriesen und als Teil 2 betitelt wurde, handelt es sich bei diesem Nachfolger der äußerst erfolgreichen vorherigen Komödie eher um ein Remake. Die Parallelen zwischen den beiden Filmen sind zahlreich, angefangen bei der identischen Besetzung, der gleichen Geschichte, dem selben Tonfall, den bekannten Anteilen an Unzucht und Chaos, der vertrauten männlichen Freikörperkultur - was ist nur aus den Tagen der uneingeschränkten weiblichen Blöße geworden -, einem lauten, aufdringlichen Soundtrack und allen erdenklichen Körpersekreten. Auch die Reaktionen des Trios auf unerwartete Situationen, Panikmache, mysteriöse Bekanntschaften, Schmuggelware, Drogen und unnatürlich nachsichtige Ehefrauen sind dem Original ebenbürtig. Wenn die Methode funktioniert und den Fans Lust auf mehr macht, sollten sie auch dabei bleiben, so die Filmemacher.

"Hangover 2" hebt die Ungezwungenheit trotz des reproduzierten Plots auf ein neues Niveau, vor allem durch sein Interesse an schweren Dilemmata. Der unbeschwerte Humor ist fast ausschließlich Zach Galifianakis vorbehalten, der mit seiner exzentrischen, verstörend idiosynkratischen Persönlichkeit und seiner Geringschätzung von Sicherheit, Sittlichkeit und Selbstdisziplin wieder einmal die Show stiehlt. Der restliche Inhalt ist eine Kombination aus dunkelkomischen Katastrophen, die von erschütternden über schockierende bis hin zu entsetzlich widerlichen Bildern reichen. Überall wird das Trio mit Gewalt, dubiosen Pharmazeutika, Bedrohungen, Unreinheiten, sexuellen Abnormitäten und Ekelzuständen konfrontiert, was das Werk zu einer seltenen Form der Komödie, einem erfolgreichen Kassenschlager und sogar zu einem kritischen Erfolg gemacht hat. "Ich kann nicht glauben, dass das schon wieder passiert!"

"Hangover" von Regisseur Todd Phillips setzt die alte Tradition der Komödien für Erwachsene mit schwachsinnigem Humor fort und beeindruckt mit einer verheißungsvollen Prämisse und einigen inspirierenden Performances der Hauptdarsteller. Doch die Kreativität der Handlung lässt nach etwa der Hälfte nach, und die Analogien zu weniger gelungenen Filmen des Genres werden immer augenfälliger. Dank der urkomischen Missgeschicke einer Truppe von trinkfreudigen Antihelden ist die Mischung aus krawalliger Vulgarität und komödiantischer Geselligkeit, welche die inhaltlichen Defizite der Vorlage weitgehend ausgleicht, zum Glück sehr ergiebig.

Vor Dougs (Justin Bartha) Hochzeit organisieren seine besten Freunde Phil (Bradley Cooper) und Stu (Ed Helms) zusammen mit dem zukünftigen Schwager des Bräutigams, Alan (Zach Galifianakis), eine wilde Junggesellenparty in Las Vegas. Als sie am nächsten Morgen aufwachen, ist Doug verschwunden, und niemand kann sich an die Ereignisse der letzten Nacht erinnern. Ein herrenloses Baby, ein verschollener Zahn, ein Krankenhausschild und ein lebender Tiger im Badezimmer sind nur einige der Hinweise, denen die verkatert wirkende Gruppe von Pechvögeln folgen muss, um ihren Freund zu finden und vor dem großen Tag nach Hause zu kommen.

"Hangover" fängt gut an, wenn die Hauptcharaktere sofort ihre disparaten Charakteristika und ihr generell dysfunktionales Problemlösungsdenken zum Besten geben. Schaft- und Sperma-Witze innerhalb der ersten 10 Minuten, ein ironischer Jock-Flash und zweifelhafte soziale Ansichten tragen ebenfalls zum puren Chaos bei. Auch wenn die Geschichte nicht ganz originell ist, so ist die Basis doch nahezu optimal für eine Komödie, und es passt, dass die Klassifizierung das unverschämte Niveau des unausgegorenen und meist minderjährigen Humors nicht schmälert. Schade, dass der Titel "What Happens in Vegas..." ins Deutsche übersetzt: "Love Vegas" bereits von einem romantischen Softie-Streifen übernommen wurde.

"Hangover" hat eine ansprechende Balance zwischen seriösen Aspekten und rüden Humoreinlagen. Es ist ein sehr brachialer Klamauk mit völlig unvermuteter, hochgradig unflätiger Wortwahl. Die grenzüberschreitende Nacktheit ist leider überwiegend männlicher Natur. Das Tempo des Films ist dadurch besser austariert und er ist ein wenig glaubwürdiger in der Realität verankert, auch wenn es den Anschein hat, dass Todd Phillips die außer Kontrolle geratenen Junggesellenabschiedsszenarien übertreibt, in der festen Gewissheit, dass es echte Partygeschichten gibt, die jedes Element von "Hangover" in den Schatten stellen würden. Mit einer barbarischen Elektroschockervorführung, einem gestohlenen Polizeiauto, einem geklauten Tiger, einem nicht abgeholten Baby, asiatischen Mafiosi, "Rain Man"-Glücksspiel und einer ungeplanten Ehe ist der Film wie Harold und Kumar auf Ecstasy und "Der Soldat James Ryan" in Las Vegas. Es ist vielleicht nicht die bahnbrechendste Komödie, aber die Taten der alkoholisierten Hauptdarsteller zu verfolgen, ist ein Rezept für gute Laune.

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Da sich die vorherigen Filme nie die Mühe gemacht haben, eine der Figuren zu töten, insbesondere die Bösewichte, tauchen in "Austin Powers in Goldständer" von Regisseur Jay Roach fast alle Rollen wieder auf, mit Ausnahme der Frauen. In 007-Manier, werden die Liebesbeziehungen in jedem Film gewechselt. Auch dieser Film beginnt mit einer selbstbewussten Verulkung seiner selbst, die sich nicht mehr so sehr auf die Parodie von James Bond konzentriert, sondern lediglich eine Hommage an die Konzepte der beiden vorangegangenen Filme darstellt. Steven Spielberg, Britney Spears, Tom Cruise und Gwyneth Paltrow sind nur einige der Gastauftritte, die in dieser letzten Ausgabe zu sehen sind.

Die eigentliche Geschichte handelt von dem tölpelhaften Irren Dr. Evil (Mike Myers), der sich in einem Versteck in Hollywood verschanzt hat und eine Zeitreise ins Jahr 1975 plant, um seinen langjährigen Rivalen Austin Powers (ebenfalls Mike Myers) zu kidnappen. Doch Austin Powers unterbricht das Meeting, um den notorischen Doktor zu verhaften, der schließlich zu Hunderten von Jahren Gefängnis verurteilt wird. Als Austin Powers von der Queen im Buckingham Palace zum Ritter geschlagen wird, erscheint sein Vater Nigel (Michael Caine) nicht, was tief sitzende elterliche Probleme auslöst, die er zu verdrängen glaubte.

Als der Leiter des Verteidigungsministeriums Basil Exposition (Michael York) Austin Powers mitteilt, dass Nigels Abwesenheit auf ein ungeklärtes Verschwinden zurückzuführen ist, erkennt Austin Powers, dass nur ein einziges kriminelles Superhirn hinter dieser Entführung stecken kann. Ein holländischer Hedonist, der Gold so sehr liebte, dass er bei einem tragischen Unfall in der Schmelze seine Genitalien verlor, was ihm den Spitznamen 'Goldständer' einbrachte (und eine weitere Rolle für Mike Myers), ist zweifellos der Mann hinter diesem Komplott. Als Gegenleistung für eine Verlegung in dasselbe Gefängnis wie sein winziger Klon Mini Me (Verne Troyer) verrät Dr. Evil, dass sich Goldständer im Jahr 1975 versteckt hält. Doch obwohl er in die Vergangenheit reist, um seinen Vater zu retten, und in der Undercover-FBI-Agentin Foxxy Cleopatra (Beyonce Knowles) eine unerwartete Begleiterin findet, muss Austin Powers ins Jahr 2002 zurückkehren, um die teuflischen Absichten des goldbesessenen Verrückten zu vereiteln.

"Austin Powers in Goldständer" hat fast den ganzen Spaß der formelhaften Spionageverarsche von einst verloren und vertraut jetzt stark auf verbale Ausbrüche, die so viel Kauderwelsch und sich wiederholenden Blödsinn enthalten, dass nur wenige auch nur im Entferntesten lustig sind, vor allem, wenn man beachtet, dass 95% des Materials rezykliert worden ist. Viele Konversationen enden einfach ohne ein Ergebnis. Jedoch ist der Produktionswert gestiegen, während der Unterhaltungswert entsprechend gesunken ist. Tanznummern und endlose Huldigungen an ihn selbst füllen den größten Teil der Laufzeit, wobei Mini Me immer noch deutlich zu viel Aufmerksamkeit erhält, da seine gesamte Rolle immer nur eine bis zur totalen Verblödung weitergeführte Witzfigur war, und Fat Bastard wiederum kreuzt auf, um unentwegt zu furzen und optisch zu jammern. Doch der vielleicht frustrierendste Neuzugang ist Goldständer selbst, der ein so unfassbar uninteressanter Bösewicht mit einem debilen Akzent und einer heillos abartigen, gänzlich unkomischen Vorliebe für den Genuss seiner eigenen Hautschuppen ist, dass es verwundert, warum die Autoren Mike Myers nicht einfach davon abgehalten haben, die Ursprungsidee zu verwirklichen. "Das ist nicht lustig", sagt Austin Powers zu seinem ignoranten Vater und zu Foxxy Cleopatra nach einer sexuellen Anzüglichkeit und bringt damit die unverzeihliche Verlogenheit dieses trivialen Finales der Trilogie auf den Punkt. Selbst die Outtakes beim Abspann sind lustlos und komplett ohne Humor.

Hab mal eine gute Auswahl an Geheimtipps zusammengestellt.

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Nach dem kommerziellen Erfolg von "Austin Powers" hat es "Austin Powers - Spion in geheimer Missionarsstellung" von Regisseur Jay Roach nicht mehr nötig, James Bond oder andere Spionagefilme zu parodieren. Der Film kann sich nur noch über sich selbst lustig machen, indem er mit seinen wiedererkennbaren Figuren herumspielt und Witze aus der Vorgängerversion wiedergibt oder modifiziert. Außerdem kann er sich voll und ganz über die Popkultur mokieren. Diesmal beginnt "Austin Powers - Spion in geheimer Missionarsstellung" mit einem 'Star Wars'-Rollentext, einem bitweisen Ausschnitt aus einem Titelsong von 'They Might Be Giants', einer Jerry-Springer-Einlage und einer Wiederholung des kaum verdeckten Nacktheitstricks aus dem vorherigen Film. Offensichtlich haben die Filmemacher erkannt, dass sie sich nicht mehr an konkrete Andeutungen halten müssen, auch wenn es im Original nur um Spionagefilme ging.

Der britische Superagent Austin Powers (Mike Myers) genießt seine Flitterwochen mit seiner neuen Braut Vanessa (Elizabeth Hurley), als er plötzlich herausfindet, dass sie ein Kamikaze-Fembot ist, der von seinem Erzfeind Dr. Evil (ebenfalls Mike Myers) angeheuert wurde, um den Geheimagenten zu vernichten. Unterdessen bestätigt eine NATO-Überwachungseinrichtung in Guam die Rückkehr des fahlgesichtigen Geisteskranken. Obwohl Vanessa scheitert, ist Austin Powers betrübt über den plötzlichen, explosiven Verlust seiner Frau. Das heißt, bis er merkt, dass er jetzt wieder Single ist.

Dr. Evil, unterstützt von Nummer 2 (Robert Wagner), Frau Farbissina (Mindy Sterling) und einem 1/8 großen Klon namens Mini Me (Verne Troyer), schmiedet einen neuen Plan, um mit einer praktischen Zeitmaschine in die Swingin' 60s zurückzureisen und Austin Powers Geist aus seinem kryogenisch eingefrorenen Körper zu stehlen. Zum Glück hat das Verteidigungsministerium auch eine Zeitmaschine und kann den nun mojolosen Austin Powers zurück in seine eigene Bude im Jahr 1969 schicken, um seine verlorene Geheimwaffe zurückzuholen. Ihm zur Seite steht die hochqualifizierte CIA-Agentin Felicity Shagwell (Heather Graham), und auf ihn ist eine Meute hoffnungslos untauglicher Killer angesetzt.

Obwohl eine Verfolgungsjagd und einige Wendungen aus Spionagefilmen kurz auftauchen, einschließlich eines weltraumgebundenen Höhepunkts im Stil von "James Bond 007 - Moonraker - Streng geheim", haben sich Humor und Action auf selbstreflexive Witzeleien und sachfremde Randbemerkungen verlagert. Die sexuellen Hinweise sind wieder da, ein erotisches Schachspiel ist einigermaßen originell und immer noch weitgehend effektiv, aber die immer gleichen Scherze aus dem ersten Film verlieren allmählich ihre Urigkeit. Unsinnige Fotoshootings, musikalische Tobsuchtsanfälle, die Vertuschung von Dr. Evils Sohn Scott (Seth Green), das Wiederauftauchen von Mustafa (Will Ferrell), die dummen Phrasen und alltäglichen Blödeleien kehren zurück, um die Geschichte mit diversen Sequenzen, vor allem mit Mini Me, zu verlängern, die zwangsläufig redundant und einfach nicht sonderlich spaßig sind. Die Erschaffung des verärgerten schottischen Sicherheitsbeamten Fat Bastard, gespielt von Mike Myers, jetzt in voller Jerry Lewis/Peter Sellers/Eddie Murphy-Manier, mit Maskeneffekten von Stan Winston, ist visuell einprägsam, wird jedoch durch einen frevelhaften Witz über die Analyse von Stuhlproben hervorgehoben, der ganz sicher nicht geschmackvoll ist.

In "Austin Powers" von Regisseur Jay Roach trifft sich Dr. Evil (Mike Myers) irgendwo außerhalb von Las Vegas im Jahr 1967 mit seiner Bande von Attentätern, um zu besprechen, warum niemand in der Lage ist, die Welt zu befreien, außer seinem Erzfeind, dem britischen Top-Geheimagenten Austin Powers (ebenfalls Mike Myers), der bekanntermaßen unwiderstehlich für Frauen und tödlich für Feinde ist. Nachdem er einige seiner weniger imponierenden Handlanger hingerichtet hat, befiehlt Dr. Evil Mustafa (Will Ferrell) und Frau Farbissina (Mindy Sterling), die Sache ein für alle Mal zu beenden. Später werden Austin Powers und seine Partnerin Mrs. Kensington (Mimi Rogers) in einem Nachtclub Zeuge, wie sich Dr. Evil kryogenisch einfriert und dann in den Weltraum fliegt, um zu einer Zeit zurückzukehren, in der Gier und Korruption wieder die Oberhand haben.

Im Jahr 1997 tritt Dr. Evils 'Big Boy'-Raumschiff schließlich wieder in die Erdatmosphäre ein, woraufhin die US-Regierung den britischen Geheimdienstchef Basil Exposition (Michael York) kontaktiert, der ihr verrät, dass Austin Powers im Verteidigungsministerium auch für genau diese Art von Katastrophe tiefgefroren worden ist. Mrs. Kensingtons Tochter, die einfühlsame Vanessa (Elizabeth Hurley), hat die Aufgabe, den Superspion an die drastisch veränderten 1990er Jahre heranzuführen. Während Dr. Evil eine neue Schar von Schergen zusammentrommelt, versucht, eine Beziehung zu seinem Sohn (Seth Green) aufzubauen, und plant, einige Atombomben zu kapern, um die Welt um satte 100 Millionen Dollar zu erpressen, testet Austin Powers seine Fähigkeiten, indem er seine Vorgesetze zu verführen und den Tag zu retten versucht.

Die Komik reicht von fetzigen Tanznummern über Slapstick bis hin zu sexuellen Anspielungen und Fäkalhumor, und oftmals werden all diese Elemente vorzüglich miteinander kombiniert. Selbstverständlich gibt es auch etliche Parallelen zu James Bond, darunter die Namen von 'Nummer Zwei' (Robert Wagner), 'Random Task' (Joe Son) und 'Alotta Fagina' (Fabiana Udenio), die Gelüste des Womanizers. Dazu zählen auch androide Fembots, die passende Musik und die Pläne zur Weltherrschaft, die von körperlich entstellten Psychopathen geschmiedet werden. Fantasievolle Kostüme, einfallsreiche Nacktaufnahmen und deftige Dialoge sind ebenfalls sehr effizient.

Ein paar hinhaltende Nebenhandlungen verlangsamen das Tempo dieser ansonsten routiniert witzigen Parodie voller wahnwitziger Verweise auf 007 und jede andere Iteration abenteuerlicher Spionageagenten wie Emma Peel und Harry Palmer. Selbst perfide Actionszenen, übertrieben elaborierte und zähe Foltermethoden oder sarkastische Bonmots, die auf das Ende folgen, treffen grundsätzlich ins Schwarze. Obwohl sich "Austin Powers" wie ein auf Spielfilmlänge gedehnter 'Saturday Night Live'-Sketch anfühlt, sind die Lachnummern gerade originell genug, um die Gesamtlaufzeit zu rechtfertigen und gleichzeitig eine neuzeitliche Legerkeit zu bewahren, die Filme wie "Casino Royale" von 1967 und die Derek-Flint-Verfilmungen meilenweit hinter sich lässt.

Kultregisseur Alex Cox hat "Straight to Hell - Fahr zur Hölle" inszeniert, eine B-Komödie über Geächtete auf der Flucht. Der Film ist weitgehend schwachsinnig, überaus verschroben und nur bedingt unterhaltsam, aber er hat seinen Platz bei eingefleischten Fans. Die Filme von Alex Cox sind nie wirklich Mainstream; er ist die Art von ausgefallenem Filmemacher, der in Skurrilität badet, aber er hat genug Kontakte und Expertise, um Gelder aufzutreiben und einige interessante Schauspieler und Cameos, darunter Dennis Hopper, Elvis Costello, Grace Jones und Jim Jarmusch.

Willy (Dick Rude) rastet aus, als seine beiden Komplizen Norwood (Sy Richardson) und Simms (Joe Strummer) zu besoffen sind, um den Mr.-Greenburg-Raub durchzuziehen. Sie kommen zu spät und verpassen ihre Chance auf schnelles Geld und die dringend benötigte Akzeptanz ihres Chefs. Auf ihrem Weg aus der Stadt nehmen sie die blonde Velma (Courtney Love), Norwoods schwangere Frau, mit und rauben eine Bank aus, wobei sie auf ihrer hastigen Flucht ungeschickt Geld am Straßenrand verstreuen. Außerdem verirren sie sich auf fatale Weise und beschließen, sich in einer Wüstenstadt mitten im Nirgendwo zu verstecken, um die Beute zu vergraben.

Nachdem die vier sich volllaufen lassen und die Nacht in einem Schuppen hinter einer Bar verbringen, wird Velma von einem freundlichen Schwachkopf vor bösen Männern gewarnt. Wenige Augenblicke später rollt eine Bande von rücksichtslosen, durchgeknallten, koffeinabhängigen Banditen im Stil von "Mad Max" in die Stadt, um die neuen Eindringlinge zu eliminieren. Das Diebestrio wird in eine Blutfehde mit dem ansässigen McMahon-Clan verwickelt und gewinnt vorübergehend die Gastfreundschaft der Stadtbewohner, die kaum von der feindlichen Bande zu unterscheiden sind, von denen alle bunt gekleidet sind und von denen einige stereotypischen Stierkämpfern oder mexikanischen Banditos ähneln, Rastafari, hawaiianische Touristen, Hinterwäldler, Geschäftsleute in Anzügen, ein Hotdog-Verkäufer, ein schmutziger Friseur mit fettigen Haaren, ein Priester, ein Limousinenfahrer, ein Typ in rosa Nazi-Uniform, südamerikanische Drogendealer, Höhlenmenschen, Cowboys, Bundespolizisten und mehr, fast alle verdreckt, staubverschmiert und potthässlich. Die Menschen baden mit ihren Klamotten, so dass sie sich nicht umziehen müssen. Jeder hat eine Schraube locker, und die meisten tun so, als ob sie geistig minderbemittelt wären.

Die Geschichte ist absolut inhaltsleer und scheint sich mit zufälligen Zwischenfällen fortzubewegen, nur um ein Zeitfenster in Spielfilmlänge zu füllen. Die Figuren singen, tanzen, feiern im Suff, schreien, genießen Kaffee, prügeln sich und erschießen sich gegenseitig um des schnöden Vergnügens willen. Im Laufe der Tage, in denen jeder Morgen mit Titelkarten gezählt wird, werden die drei Außenseiter immer merkwürdiger und machen sexuelle Verspannungen für ihre Liederlichkeit verantwortlich.

Als der alte Opa McMahon brutal ermordet wird, entscheidet die lokale Mobmentalität sofort, die einzige Person zu lynchen, die sich nicht auf dem Dorfplatz befindet: Willy. Norwood interveniert und schürt Zweifel bei allen Beteiligten. Der nächste Unbekannte, der in die Stadt kommt, wird logischerweise umgehend aufgeknüpft. I. G. Farben (Dennis Hopper) lässt sich kurz blicken, um auf mysteriöse Weise schwere Artillerie zu liefern und Norwood auf die Idee zu bringen, dass die Stadt nur einen Anführer haben kann. Dies führt zu einem finalen, blutigen Showdown, bei dem sich einige Leute in einem Saloon verschanzen, andere versuchen, mit dem gestohlenen Geld zu türmen, und es kommt zu unzähligen Verleumdungen zwischen Verwandten, Freunden und Lebensgefährten. Wenn er nicht so unfassbar absonderlich wäre, könnte man "Straight to Hell - Fahr zur Hölle" mit "Für eine Handvoll Dollar" vergleichen.

Norwood hat immer einen Kamm parat, Courtney Loves Dialoge bestehen aus dauerhaftem, quietschendem Gejohle, und die Konversationen sind so dämlich, dass sie ein bisschen lustig sind. An einer Stelle liest eine der Figuren sogar Gedichte. Wenn Norwood und sein Team ihre Uhren synchronisieren müssen, liegen sie bis zu 30 Minuten auseinander, aber er behauptet, das sei immer noch nah dran. Der ganze Film vermittelt dem Betrachter das Gefühl, dass ein Haufen alkoholisierter Menschen etwas Freizeit und zusätzliches Geld hatte und beschloss, einen Film in der Wüste zu drehen, nur um zu demonstrieren, dass sie es können. In Realität ist das Projekt aus einer abgesagten Konzerttournee entstanden, die Alex Cox die Möglichkeit gab, eine Auswahl von Musikern für einen rasch improvisierten Film einzusetzen. Genau so sieht "Straight to Hell - Fahr zur Hölle" auch aus.

In "Ich bin ein entflohener Kettensträfling" von Regisseur Mervyn LeRoy kehrt die 'Sunset Division' ins New York der 1920er Jahre zurück, wo die vielen Matrosen Karten spielen und in Erinnerungen an die verschiedenen Jobs von anno dazumal schwelgen. Der Ingenieur James Allen (Paul Muni) träumt von einem Arbeitsplatz auf der Baustelle oder von irgendetwas, das ihn vor der Plackerei in einer Fabrik bewahrt. Als seine Mutter (Louise Carter) und sein Bruder (Hale Hamilton) ihn am Bahnhof begrüßen, erfährt er zu seinem Bedauern, dass sein alter Chef, Mr. Parker (Reginald Barlow), seinen ehemaligen Posten in der Schuhfabrik gerettet hat und ihn umgehend zur Arbeit drängt. Sicher, James Allen hat kein Interesse daran, in die gleichen deprimierenden Kommandos und Routineprozesse eingebunden zu werden, die ihm das Militär vermittelt hat, aber ein attraktives Stellenangebot ist etwas, das er sich nicht entgehen lassen sollte.

Die Armee hat James Allen nachhaltig geprägt und er hat begriffen, dass es im Alltag mehr gibt als eine Uniform und einen Orden. Es dauert nicht lange, bis er seine Heimat verlässt, um in Neuengland auf dem Bau zu schuften, doch scheinen diese Tätigkeiten nie von Dauer zu sein oder ein regelmäßiges Einkommen zu gewährleisten. James Allen reist durch Boston, New Orleans, Lake Winnebago und St. Louis und ist kontinuierlich bankrott und beschäftigungslos. Irgendwann lernt er Pete (Preston Foster) kennen, der den mittellosen Mann überredet, bei einem Überfall auf ein Restaurant zu helfen - eine Tat, die James Allen in ein Arbeitslager bringt, wo er zu zehn Jahren Gefängnis verurteilt wird. "Ich habe die Hölle durchgemacht!"

"Ich bin ein entflohener Kettensträfling" ist eine warnende Lektion darüber, wie leicht ein naiver und verzweifelter Mensch auf die schiefe Bahn geraten kann. Und sobald James Allen inhaftiert ist, wird er ohne Rücksicht auf sein spezifisches Verbrechen oder die unglücklichen Umstände, die ihn in den Knast gebracht haben, als minderwertig erachtet, während andere mit ihren Dreifachmorden oder anderen Taten protzen, die ihnen ein gehobenes Renommee ermöglichen. Das Frühstück besteht aus Bratfett, frittiertem Teig, Schweinespeck und Hirse. Auch die Ketten, mit denen er beständig an seine Mithäftlinge gebunden ist, werden benutzt, um ihn zur Kooperation zu nötigen. Er muss um Erlaubnis bitten, sich den Schweiß vom Gesicht zu wischen, während er mit einem Vorschlaghammer auf Steine eindrischt, oder die Aufseher prügeln ihn mit den bloßen Fäusten auf den Erdboden. Nachdem er sich über die Misshandlung eines erkrankten Gefangenen beschwert hat, wird James Allen anschließend mit der Peitsche bestraft. Schon nach der ersten Woche wird ihm bewusst, dass es nur zwei Optionen gibt: seine Haftstrafe zu verbüßen und durch das Eingangstor zu gehen oder in einem Sarg abtransportiert zu werden.

Sobald James Allen seine Flucht geplant hat, wird "Ich bin ein entflohener Kettensträfling" sehr lebendig. Es ist richtig fesselnd, die Organisation, die Proben und das Abwarten der optimalen Gelegenheit mitzuerleben. Der Sprung aus den Stricken ist allerdings nur die erste von vielen Hürden. Die Flucht vor der Polizei, die Überquerung der Staatsgrenzen und das nackte Überleben mit minimalen Ressourcen ist eine fast unüberwindbare Herausforderung. Überdies scheint jeder, dem James Allen begegnet, auf Schritt und Tritt den Argwohn des Verrats zu hegen. "Bricht ein Mann denn nie aus?"

Mit einem stringenten Drehbuch, häufigen Beinahe-Unfällen und spektakulären Zusammenstößen ist "Ich bin ein entflohener Kettensträfling" düster und frei von jeglicher Humoristik. Die Szenarien sind anspruchsvoll, das Drama ist ausgereift, und die Charaktere sind alle darauf aus, sich zu instrumentalisieren, ihre Schwachstellen auszubeuten oder einen Rachefeldzug zu führen. Ein schonungsloser und knallharter Spiegel der Gefangenschaft, basierend auf dem autobiografischen Roman von Robert Elliott Burns. Auch "Ich bin ein entflohener Kettensträfling" stellt die Unmenschlichkeit des marternden Systems der Arbeitslager in den Fokus und thematisiert sie mit der gleichen kompromisslosen Kargheit wie die belletristischen, aber dezidiert sachlichen Relationen - selbst den Romanzen fehlt die Frivolität. Hervorzuheben ist auch das aufregende Finale, das in Anbetracht der tragischen Natur dieser bedauernswerten Substanz keineswegs zu erahnen ist.

Ob beabsichtigt oder nicht, das Original "Tanz der Teufel" enthielt eine Menge Humor, vermischt mit Horror. Das Remake aus dem Jahr 2013 lässt jede Spur von Dämlichkeit hinter sich und geht mit einem Dauerfeuer an blutrünstigem Chaos und unheimlichen, besessenen Teufelsmädchen direkt an die Substanz. Ohne aufdringliche Zooms und komödiantische Einlagen, die die Spannung mindern, präsentiert "Evil Dead" von Regisseur Fede Alvarez nahezu ununterbrochene 91 Minuten handfesten Horrors, der durch die perversen physischen Schäden, die seinen Protagonisten durch ein vielfältiges Sortiment von Schneidewerkzeugen zugefügt werden, noch intensiviert wird. Von Messern und Spritzen bis hin zu Brechstangen und dem Waschbecken im Badezimmer wird alles verwendet, um ahnungslosen Personen einen grauenvollen Tod zu bescheren. Das unerbittliche Tempo in Kombination mit der brutalen Gewalt ist abstoßend, wer also kein Blut sehen kann, sollte sich einen anderen Film ansehen. Die Einbeziehung einer Hintergrundgeschichte für die Hexerei und die Fetzen der Charakterentwicklung, die dargeboten werden, bevor die Charaktere physikalisch seziert werden, sind nicht involvierend genug, um sich um ihr Wohlergehen zu sorgen.

Um seiner Schwester Mia (Jane Levy) zu helfen, von ihrer Drogensucht loszukommen, bringt David (Shiloh Fernandez) sie in die alte Hütte ihrer Eltern im Wald, wo sie sich ohne Störungen auskurieren kann. Dabei werden sie von ihren Jugendfreunden Olivia (Jessica Lucas) und Eric (Lou Taylor Pucci) sowie von Davids Freundin Natalie (Elizabeth Blackmore) unterstützt. Als die fünf jungen Erwachsenen unwissentlich eine dämonische Kraft von enormer Energie heraufbeschwören, ergreift der infernalische Geist von Mia Besitz und ein mörderischer Amoklauf beginnt, bei dem die Zahl der unversehrten Seelen schnell schwindet.

Im Grunde genommen ist dieses Remake ungefähr dasselbe wie das Original von 1981. Es gibt geringfügige Änderungen an der Geschichte, leichte Modifikationen an den Protagonisten und gelegentliche Auswechslungen beim körperlichen Leid, doch es wurde nur sehr wenig überarbeitet, um dieses Projekt lohnenswert zu machen, abgesehen von den auffallend offensichtlichen Fortschritten im Bereich des Horrors, versteht sich. Wäre das Budget nicht so niedrig gewesen, hätte Sam Raimis Film vielleicht besser zu Fede Alvarez' Vision von extremer fleischlicher Verderbnis gepasst. Die ganze Geschichte ist im Wesentlichen eine Vorbereitung für fünf Freunde, die eine Nacht voller Torturen, Höllenqualen und bizarrer gewaltsamer Tode erleben. Der zusätzliche Hinweis in der Eröffnungsszene, in der die Kräfte des Totenbuchs erklärt werden, tut dem Vergnügen keinen Abbruch, ist aber auch von geringfügiger Relevanz. Am Ende kämpft jede Figur in einem alptraumhaften Blutbad aus Schrotflinten, Rasierklingen und Kettensägen um ihr Leben.

"Evil Dead" erzählt zwar dieselben Ereignisse, ist aber zur Hälfte eine Huldigung, während der andere Teil frontal in das Reich der hypervirulenten Brutalität eintaucht und leidenschaftlich darum wirbt, nicht nur seinen Vorgänger, sondern jeden anderen Horrorfilm zu übertrumpfen, der sich in der Bekanntheit des ultimativen kulminierenden Schlachtbanketts sonnt. Es beginnt mit der bekannten Luftaufnahme der Autofahrt in den Wald, gefolgt von ähnlich übernommenen Kamerabewegungen, die eilig durch das Gestrüpp auf den Boden huschen, um die dämonische Präsenz darzustellen. Einmal angegriffen, verhalten sich die besessenen Opfer wie im Originalfilm, nicht nur in Bezug auf ihre brachiale Körperkraft und ihre Fixierung auf scharfe und spitze Objekte, sondern auch durch synthetische Stimmmuster und gesichtsverändernde Psychotricks. Der Prothetikdesigner Roger Murray übertrifft die meisten Konkurrenten mit der schieren Offensivität der muskulären Zerfleischung und den exzellenten handwerklichen Techniken für realistische, aber auch absurde Exzesse der körperlichen Verwüstung.

"Es sieht so aus, als wäre sie dort draußen in einen Dornbusch gelaufen", bemerkt Olivia ruhig. Später versucht David, den blutigen Aberwitz zu verstehen, indem er auf die mögliche Existenz eines Virus oder einer Seuche hinweist. Die Argumentation für die Resolution fühlt sich einfach nicht zweckmäßig oder erforderlich an, vor allem dann nicht, wenn jede Figur auf eigene Faust loszieht, beherzt in finstere Keller absteigt, sich blutbesudelten Leichen nähert, die von ihnen abgewandt sind, oder zig andere erwartungsgemäße Horrorfilmklischees bedient. So gibt es immer wieder die beliebten Jumpscares und langsamen Verfolgungsjagden, die durch gnadenlose Manipulation die Spannung in die Höhe treiben und die Nerven strapazieren. Die Verbesserung der grafischen Gestaltung ist die einzige erfreuliche Neuerung, doch sie ist so unbedeutend, dass es den Anschein hat, als sei die Übernahme des Namens und des Ortes nur ein Marketing-Gag für ein vorbestelltes Klientel.

Nur wenige Filme sind in der Lage, das Ausmaß des Grauens und des Schocks einer Entführung und die anschließende Spannung bis zur Ergreifung des Täters zu übermitteln. "The Call - Leg nicht auf!" von Regisseur Brad Anderson ist zumindest einer dieser Aspekte gut gelungen. Die Gesamtkonstellation ist interessant, da sie den Ablauf eines Entführungsfalls und die mentalen Anforderungen an eine Notrufmitarbeiterin und an ein Opfer beleuchtet. Halle Berry und Abigail Breslin liefern beide authentische, glaubwürdige und engagierte Leistungen ab. Es ist eine absolut mitreißende Ausgangslage, die alles daran setzt, die Spannung zu potenzieren. Dummerweise gehen den Machern nach etwa drei Vierteln des Films die Ideen aus und sie taumeln gegen ein überraschend miserables Ende.

Jordan Turner (Halle Berry) ist eine Mitarbeiterin der LAPD 911-Kommunikationsabteilung, die einen hochkarätigen Fall vermasselt. Sie trifft eine folgenschwere Entscheidung, indem sie die Nummer eines Einbruchsopfers erneut anwählt, was den Eindringling auf das Versteck von Leah Templeton (Evie Louise Thompson) aufmerksam macht und zu ihrer Verstümmelung und dem damit einhergehenden Mord führt. Sechs Monate später und immer noch von Schuldgefühlen geplagt, wird Jordan Turner einer Trainingseinheit zugewiesen, wo sie vorübergehend nicht telefonieren darf. Doch als die Teenagerin Casey Welson (Abigail Breslin) hysterisch aus dem Kofferraum eines Autos den Notruf wählt, gerät Jordan Turner wieder einmal in die Bredouille, als sie sich bemüht, das nächste mutmaßliche Opfer von Leahs Mörder zu retten.

Die Sorgfalt, mit der ein realistisches Szenario nachgebildet wird, ist bewundernswert. Die Notrufzentrale wird nachgestellt, einschließlich des Ruheraums zum Stressabbau nach einer aufwühlenden Interaktion, der separaten Arbeitsplätze mit mehreren Monitoren für die Dateneingabe und die abteilungsübergreifende Zusammenarbeit sowie des Drucks, sachlich, distanziert und ruhig zu bleiben. Jordan Turner erklärt Studenten ihre verschiedenen Regeln, die sie selbst unweigerlich bricht, wie etwa unhaltbare Versprechungen zu machen und keine Bindung mit dem Gesprächspartner einzugehen. Es muss einer der stressigsten Jobs sein, die man sich vorstellen kann, vor allem, wenn das Fehlen eines Abschlusses offensichtlich wird. Das Schlimmste ist, "dass man nicht weiß, wie das Ganze ausgeht", erklärt Jordan Turner. Sobald der Anruf beendet ist, übernimmt die Polizei und die Ergebnisse sind oft völlig ungewiss.

Realismus hilft "The Call - Leg nicht auf!" nur bei der nervenaufreibenden Promotion von Casey Welson. Das Endziel offenbart eine höchst bedenkliche Falschdarstellung polizeilicher Praktiken, die so flagrant ist, dass sie von dem Betrachter nicht einfach toleriert werden kann. Auch wenn dieser Thriller einige Konzepte aus "Das Schweigen der Lämmer" und "Sieben" entwendet, kann er sich nicht vor den unverschämt plakativen Motiven drücken. Die Nahaufnahmen und der Filmschnitt erhöhen zwar die Konzentration, und ein wenig traditionelle emotionale Manipulation verschärft die Atmosphäre, doch der Klimax von "The Call - Leg nicht auf!" ruiniert auf drastische Weise die Empfindsamkeit, die Auswirkungen der Angst und das vernünftige Furchtgefühl, die im ersten Abschnitt des Films so effektiv konstruiert wurden. Jordan Turner nimmt spontan jede Aufgabe an, die sie aufgrund ihrer fundierten Kenntnisse und Berufserfahrung nicht bewältigen kann. Beide weiblichen Darstellerinnen sind auf Horrorfilm-Stereotypen zugeschnitten, die alle üblichen Fehlentscheidungen treffen. Und dann, wie um die Wahrnehmung eines unbefriedigenden Fazits zu illustrieren, hört der Film einfach auf.

"P2 - Schreie im Parkhaus" versucht, für Parkhäuser das zu tun, was "Psycho" für Duschkabinen tat. Auch wenn Alfred Hitchcock bei diesem Film nicht Regie geführt hat, gelingt es dem Regisseur Franck Khalfoun in seinem Hollywood-Debüt, für Hochspannung zu sorgen - auch dank der Mitwirkung von Drehbuchautor und Produzent Alexandre Aja, mit Wortwitz und Gruselfaktor. Es geht nichts über einen guten Weihnachtsthriller, der temporeich und brutal ist.

Die Workaholikerin Angela Bridges (Rachel Nichols) sitzt an Heiligabend bis spät in die Nacht im Büro fest. Ihre Nacht wird noch schlimmer, als sie entdeckt, dass der trottelige Parkplatzwächter Thomas (Wes Bentley) sie in der Tiefgarage als Geisel genommen hat und eine Nacht voller Versteckspiele und verschlagener psychologischer Folter plant. Da keine Hilfe in Sicht ist, muss Angela seine Psychospielchen überlisten und dabei versuchen, aus dem labyrinthischen Inneren des Parkdecks P2 sowie aus P3 und P4 zu entkommen.

"P2 - Schreie im Parkhaus" hebt sich von den zahllosen Thrillern mit gesichts- und persönlichkeitslosen Bösewichten ab und macht den Betrachter mit einem originellen, sadistischen Psychopathen bekannt. Der wahnsinnige Antagonist, der von Wes Bentley mit deliranter Feinfühligkeit gespielt wird, sorgt mit seinen konfusen Kommentaren und seinen mörderischen Tendenzen zu gleichen Teilen für Terror und Komik. Der geistesgestörte Geiselnehmer, der an Killer wie Norman Bates aus "Psycho" oder Stuntman Mike aus Quentin Tarantinos "Death Proof - Todsicher" erinnert, scheint sich nie im Klaren darüber zu sein, wie labil er ist, und bietet mit seiner blutigen Wut schwere Ironie. Thomas hat eine Art von extremer Transparenz, die seine Inkonsequenz hervorhebt, denn er denkt nicht, dass er etwas Unrechtes tut, was ihn daran hindert zu begreifen, warum seine Opfer Vergeltung üben. Der Widerspruch, wenn er beim Abendessen das Tischgebet spricht oder ernsthaft versucht, Angela davon zu überzeugen, dass er da ist, um ihr zu helfen, trägt zu seiner merkwürdig gestörten Persönlichkeit bei.

Rachel Nichols eignet sich auch für die Figur einer selten zu sehenden resoluten Jungfrau im Horrorfilm, die in verschiedene klischeehafte Situationen gerät, ohne sich auf allzu vorhersehbare Weise zu befreien. Sie zeigt eine ausgewogene Kombination aus Panik und Mut, wobei sie sich löblicherweise davor scheut, sich in das winselnde Elend zu verwandeln, das man oft bei weiblichen Horrorhelden sieht, und gleichzeitig genug Schneid aufbringt, um moderat und damit glaubhaft findig zu sein. Mit ihren abwechselnd hilflosen und aggressiven Auftritten hält Angela die Anspannung aufrecht und schafft es zugleich, ihr tief dekolletiertes, figurbetontes weißes Kleid mehr als angemessen zu füllen.

Einige der Ereignisse sind zwar absehbar, aber die Eröffnungssequenz veranschaulicht hervorragend das schockierende Gemetzel und die Beklemmung, die der restliche Film unwillkürlich auslösen soll. Die ruhige Weihnachtsmusik, die abrupt durch das Quietschen von Metall unterbrochen wird, lässt den Betrachter nicht ahnen, welchen Pfad der Film beschreiten wird. Manches erweist sich für den durchschnittlichen Protagonisten als eher undurchschaubar, vor allem, wenn Angela nach ihrer anfänglichen Entführung etwas zu ruhig ist, oder wenn sie sich gegen einen erzürnten Hund wehren muss, beziehungsweise später, wenn sie mit einer Feuerwehraxt die Aggressorrolle übernimmt, doch "P2 - Schreie im Parkhaus" weiß mit einer packenden Charakteristik umzugehen.

Da sich der gesamte Film in einem einzigen Gebäude abspielt, nachdem die meisten Menschen das Objekt verlassen haben, ist die Zahl der Toten sehr gering, dafür ist das Ausmaß der Gewalt, die diesen wenigen widerfährt, unglaublich unbegründet. "P2 - Schreie im Parkhaus" spricht mit seinem besonders unheimlichen Setting, einer geballten Ladung an Jumpscares und fingernagelbrechenden Schockmomenten all jene an, die ihre Horrorfahrten gerne in einem blutigen Gewand sehen. Auch wenn es gelegentlich unrealistische Action oder Augenblicke von grundloser Rohheit gibt, ist der Unterhaltungswert durchweg hoch, was das Ganze zu einem brauchbaren Horrorfilm für alle macht, die im Endeffekt nicht zu sehr über die Lücken in der Handlung nachdenken.

Anbei mein Wichtel-Kommentar für dazlious.
https://www.moviepilot.de/movies/burning/kritik/2628208

Hier ist mein Wichtelgeschenk im Rahmen der Community-Kommentar Wichtelaktion 2022 für dazlious. Von deinen 3 gewünschten koreanischen Filmen habe ich diesen ausgewählt. Viel Spaß :-)

Zu Beginn von "Burning" von Regisseur Chang-dong Lee trifft Jong-soo (Ah-in Yoo) seine Jugendfreundin Haemi (Jong-seo Jun) auf den Straßen der südkoreanischen Metropole. Sie tanzt mechanisch vor einem Geschäft mit einem Mikrofon in der Hand und einem niedlichen Outfit, um Passanten in ein Elektronikgeschäft zu locken. Jong-soo erkennt sie zunächst nicht; sie könnte genauso gut überhaupt nicht existieren. Aber Haemi erinnert sich an ihn: an ihre gemeinsame Zeit in der Mittelschule und an die Tatsache, dass er sie hässlich nannte. Sie treffen sich, gehen in ein Restaurant und nehmen ein paar Drinks zu sich. Sie tut so, als würde sie eine Mandarine essen, während Jong-soo sie neugierig beobachtet, und ist sich ihrer Umwelt bewusst, aber sie fühlt sich immer wohler mit dem, was nicht da ist. "Du darfst nicht wissen, dass es keine Mandarine gibt", sagt sie ihm. "Du musst vergessen, dass es keine gibt."

Chang-dong Lees neuester Film, eine 148-minütige wache Traumwelt, ist sich dessen bewusst, was nicht gezeigt wird. Jong-soo, der als Schriftsteller um sein Auskommen kämpft, beginnt, das, was von seiner Beziehung zu Haemi übrig geblieben ist, wieder aufleben zu lassen, während auf seiner Seite die obligatorischen romantischen Gefühle aufkommen. Als sie von einer Reise nach Afrika zurückkehrt, hat sie Ben (Steven Yeun) im Schlepptau, einen anmaßenden reichen Jungen, dessen Existenz für Jong-soo nur ein Hindernis darstellt, das es zu überwinden gilt. Bens Präsenz treibt einen Keil zwischen Jong-soo und Haemi. Der Millionär und die Frau haben eine natürliche und ehrliche Verbindung, die der Schriftsteller miterleben muss, weil er weiß, dass es kontraintuitiv wäre, sich einzumischen. Doch als Haemi plötzlich verschwindet, muss er sich mit dem auseinandersetzen, was gerade passiert ist, oder was nicht passierte.

Die gesamte Logik von "Burning" funktioniert wie ein Gemälde im negativen Raum. Das Drehbuch von Chang-dong Lee und Jungmi Oh ist mäandrierend wie ein Dämmerzustand, in dem die Grenzen zwischen dem, was man sieht, und dem, was man nicht sieht, verschwimmen. Sie sind sich bewusst, dass der Kontrast zwischen den beiden bestenfalls unwesentlich ist, denn sie wissen, dass das Leben lediglich die Summe der Erfahrungen ist, die man gemacht hat. Der Punkt ist nicht, dass die gemachten Eindrücke anderer keine Rolle spielen, sondern dass man die Wahrnehmungen anderer niemals nachvollziehen kann und dass der Ansatz, dies zu tun, kaum mehr als eine masochistische Folter des Transzendentalismus ist. Dabei werden auch die männlichen Ansprüche und die weibliche Objektivierung in Jong-soos Reise eingewoben und die archetypische gequälte Seele des jungen Mannes gegen die Vision einer perfekten Partnerin ausgespielt. Haemi ist trotz der unschätzbaren Wirkung, die sie auf andere hat, ein Schatten.

Das Skript basiert auf Haruki Murakamis Kurzgeschichte 'Brandstifter', einer Neuauflage von William Faulkners gleichnamigem Werk aus dem Jahr 1939. Die Ursprünge des Skripts sind über weite Strecken der sich windenden Laufzeit geschickt verborgen, aber es gibt dennoch einige Schlussabschnitte, die sich im Vergleich zu dem, was ihnen vorausgeht, merklich hinziehen. Es entfaltet sich wie ein Gedicht in seiner Esoterik und trägt die Ambiguität auf seinen Schultern, was es zu etwas macht, das geradezu faszinierend ist. Kyung-pyo Hongs Kamerakunst ist dunstig und opulent, mit langen Einstellungen und einer bestimmten Sequenz, die den Atem des Betrachters für die Dauer von etwa zwei Minuten anhält, und wirklich jede Perspektive funktioniert synchron, während die Lichtverhältnisse, die Farbgebung und die Darsteller immer tiefer im Nebel versinken.

Während "Tanz der Teufel" versuchte, ein ernsthafter Horrorfilm zu sein und die Fortsetzung in blödsinnigen Krach ausartete, setzt Regisseur Sam Raimi in "Armee der Finsternis" auf puren Stuss. Er nimmt alles, was an dem koketten Original beängstigend war, und verwandelt es in eine selbstbewusste, satirische, unverblümte Komödie. Eine geniale Entscheidung, denn der Film hat inzwischen den Status eines Kultklassikers erreicht und eine große Fangemeinde. Diese witzige und unerwartet abenteuerlustige Horrorkomödie ist eine Kreuzung aus 'Indiana Jones' und 'Kapitän Sindbad'.

Nachdem er mit seinem Auto und einer Schrotflinte durch die Zeit ins Jahr 1300 nach Christus transportiert wurde, wird der S-Mart-Kaufhausangestellte Ash (Bruce Campbell) von Soldaten geschnappt und zur Hinrichtung in ein nahe gelegenes Schloss gebracht. Er schildert die Umstände, die zu seiner Gefangennahme durch Lord Arthur (Marcus Gilbert) führten, einschließlich des Kampfes gegen die besessenen Dämonen aus den ersten beiden Filmen. Das 'Necronomicon', das Buch der Toten, ist für seine Ankunft im Mittelalter verantwortlich, und er muss es wieder aufsuchen, um in die Gegenwart zurückzukehren. Auf seinem Weg muss er Lord Arthur und seinen Erzfeind Heinrich den Roten zusammenbringen, um ein Königreich gegen eine untote Armee der Finsternis zu verteidigen.

Wenn man bedenkt, dass der zweite Film der "Tanz der Teufel"-Trilogie so etwas wie ein Remake und eine Fortsetzung des ersten Films ist, spielen die Geschehnisse, die zu Beginn von "Armee der Finsternis" erzählt werden, praktisch keine Rolle. Der gesamte Film wird neu fokussiert und auf eine rein humoristische Basis gestellt. Die Inszenierung stellt Ashs Markenzeichen, die bissigen Sprüche und Witze, in den Vordergrund und lässt keine Gelegenheit aus, einen Joke zu reißen, indem sie die Dialoge absichtlich mit blöden Kontrasten zu dem umliegenden Schlachtfest pfeffert.

Auch der optische Humor ist reichlich vorhanden. Nachdem er sich in "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" possierlich die Hand abgehackt hat, trägt Ash nun eine Kettensäge an seinem blutigen Stumpf, und er baut sich sogar eine mechanische Metallhand, bevor er sich auf die Suche nach dem 'Necronomicon' macht. Er nutzt auch seine legendäre 'Boomstick'-Schrotflinte, um die primitiven 'Screwhead'-Eingeborenen in einem Zusammenstoß zeitentfremdeter Kulturen zu schockieren. Der Klamauk und die Gags, die sich aus seinen abstrusen Konfrontationen mit Rittern und verschiedenen besessenen Kreaturen ergeben, sind unerschöpflich - er kämpft gegen eine Armee von Mini-Ashs wie ein Sadist. Er duelliert sich mit einer bösen Version seiner selbst wie eine aufgemotzte, mutierte Variante von Denis Dimbleby Bagley in "Kopf an Kopf - Ein erfolgreicher Mann", bekämpft eine Grubenhexe wie Luke Skywalker den 'Rancor' von 'Jabba the Hutt' und entkommt mittels seines Gürtels wie ein spöttischer 'Indiana Jones' und prügelt sich mit skelettierten Kriegern wie Jason und seine Argonauten auf Koks.

Stop-Motion-Animation, frische Maskenbilder und altmodische Rotoscoping-Effekte machen einen Großteil von "Armee der Finsternis" aus, wohingegen extravagante Prothetik, ironische Trainingsmontagen und epische mittelalterliche Schlachten den Rest dieses unkalkulierbaren, schwadronierenden Horrorabenteuers ausmachen. Der Film ist eher ein düsterer Fantasy-Actioner als ein übernatürlicher Thriller, obwohl Sam Raimis Liebe zu furchterregenden Details und kräftigen Bildwelten nicht nachgelassen hat. Am Ende sagt Ash, dass er auf seine Art immer noch ein König ist, und auf seine Weise ist "Armee der Finsternis" der König der maßlosen Horrorkomödien, bei dem man einfach nach Herzenslust lachen kann.

In "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" von Regisseur Sam Raimi wurde der Legende nach das 'Necronomicon', das Buch der Toten, von den Finsteren geschrieben, um einen Durchgang zu den bösen Welten aus dem Jenseits zu schaffen. Es wurde vor 1300 nach Christus aus einem Meer des Blutes gefärbt, bevor es auf mysteriöse Weise verschwand. In der heutigen Zeit verbringen Ash (Bruce Campbell) und seine Freundin Linda (Denise Bixler) ihren Urlaub in einer abgelegenen Hütte in den Wäldern. Als die Sonne untergeht, findet Ash eine uralte Aufnahme eines Professors für alte Geschichte, der von seiner Entdeckung des Totenbuchs berichtet und verfluchte Passagen über die Wiederauferstehung von Dämonen rezitiert, welche die tief im Sumpf verborgenen Übel beschwören. Sekunden später wird seine Freundin von den leiblosen Dämonen angegriffen, und er ist gezwungen, Lindas Kopf mit einer stumpfen Schaufel beiläufig abzuschlagen und ihre Überreste im Wald zu verscharren. Ferner wird er von den antagonistischen Geistern attackiert und ist kurzzeitig besessen, bevor die Sonne aufgeht und ihm ein paar Minuten Ruhe gönnt.

Die Freude ist jedoch nur von kurzer Dauer, als Ash versucht, sich aus dem Staub zu machen und feststellt, dass die Brücke, über die sie zum Haus gelangt sind, völlig zerstört ist. Er zieht sich in die Spukhütte zurück, wo Lindas Leiche erscheint und ihn mit einem grausamen Tanz traktiert. Der dekapitierte Kopf kommt auch zurück, um ihn anzugreifen, und so muss er ihn in den Werkzeugschuppen schleppen, ihn mit einem Schraubstock fixieren und mit einer Kettensäge weiter zerstückeln. Das ist aber nur der Anfang, denn die entkörpert auftretenden Höllenwesen fahren fort, das gefangene Opfer zu foltern und zu quälen. In der Zwischenzeit findet Annie (Sarah Berry), die Tochter des Professors, einige fehlende Seiten aus dem Buch der Toten wieder und bittet Ed (Richard Domeier) um Hilfe bei der Übersetzung der Schriften. Sie machen sich auf den Weg zur Hütte ihres Vaters und heuern zwei heruntergekommene Einheimische, Jake (Dan Hicks) und Bobby Joe (Kassie Wesley), an, um sie über einen abgeschiedenen Pfad zu führen. Niemand von ihnen ist auf das kommende Unheil vorbereitet, das sie dort erwarten wird.

Sechs Jahre nach dem ersten Film ist die Qualität der Darsteller immer noch unzureichend. Diesmal ist Ash von Anfang an allein in der Hütte, spielt Psychospielchen mit sich selbst und kämpft mit einem verrückten Körperteil. Schließlich gesellt sich noch mehr Fressen für die teuflischen Seelen zu ihm, aber jetzt ist er derjenige, der im Souterrain eingesperrt ist, und in unregelmäßigen Zeitintervallen ist er selbst ein besessenes Subjekt. Der Humor ist weniger tiefschwarz, bewegt sich gelegentlich im Rahmen der Selbstreflexion und macht sich die zufällige Komik zunutze, die den Erstling zu einem so herausragenden Exponat machte. Skurrilerweise ist "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" ein Remake von Sam Raimis ursprünglichem Kultklassiker, mit einer wahnsinnig identischen Handlung und fast deckungsgleichen Abläufen, und dient zugleich als eine Art Fortsetzung. Trotz einer irritierenden Synopsis setzt der Film ungefähr dort an, wo der Vorgängerfilm aufgehört hat, jedoch scheint Ash nicht zu wissen, was vor sich geht, als hätte er das Geschehen in "Tanz der Teufel" schon wieder vergessen. Das Nachfolgewerk "Armee der Finsternis" (Rezension folgt) beendet den bizarren Ausklang dieses mittleren Kapitels, muss aber wiederum den Auftakt ändern, um einige Aspekte neu zu definieren.

Die hyperkinetische, rabiate Kameraführung kehrt zurück, oft aus der Sicht von sich rasch fortbewegenden Monstern oder sonstigen Objektiven. Ash spricht für den Betrachter mit sich selbst, und die Figuren gaukeln nicht vor, in ernsthafter Gefahr zu sein. Genau wie der erste Film mutet er immer noch unsauber an, so als wären nicht alle Motive gründlich durchdacht worden. Manches davon wirkt völlig überraschend, allerdings nicht auf eine gesunde Resonanz. War "Tanz der Teufel" ein Horrorfilm, der aufgrund seines geringen Budgets lustig wirkte, so ist "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" eine vollwertige Komödie, die dank einiger abscheulicher Blutbadereien, diverser Jumpscares und größerer, brutaler Kreaturen- und Maskeneffekte auch noch Angst einflößt. Leider handelt es sich größtenteils nur um ein lärmendes, unsägliches Remake des ersten Films, das die konfuse Thematik um eine andersweltliche Obsession verwässert und in blankem Nonsens ausartet. Neben "Tanz der Teufel" und "Armee der Finsternis" ist "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" ein missglückter Brückenschlag zwischen einem arrivierten Horrorfilm und einer persiflierenden Paradoxie des Horrorgenres.

In "Ich beichte" von Regisseur Alfred Hitchcock wird die Anwältin Villette (Ovila Légaré) mitten in der Nacht zu Tode geprügelt. Zu dieser unchristlichen Stunde geht Otto Keller (O.E. Hasse) in die Kirche von Quebec, wo er regelmäßig Gelegenheitsarbeiten annimmt, um das Verbrechen zu gestehen. Der Geistliche Michael Logan (Montgomery Clift) erklärt sich bereit, das Geständnis zu hören. Es geht um den Raub und den ungewollten Mord an Villette, der die finanziellen Sorgen von Otto und seiner Frau Alma (Dolly Haas) lindern sollte. Es ist ein schwieriges Kapitel, indem Michael Logan nun mit der Last des Wissens über den Totschlag klarkommen muss.

Es gibt Tod, Erpressung, polizeiliche Ermittlungen unter der Leitung von Inspektor Larrue (Karl Malden), eine umwerfende Blondine (Anne Baxter) und jede Menge Noir-Silhouetten und Schatten, doch Alfred Hitchcocks Markenzeichen, die Spannung, ist nicht so reichlich vorhanden, wobei Rückblenden und Montagen jedoch an der Tagesordnung sind. Vielmehr ist die zentrale These ein moralisches und religiöses Dilemma. Dennoch werden die Elemente der falschen Identität, des falschen Mannes und der hartnäckigen Befragung bald eingeführt - der perfekte Vorläufer zu " Der falsche Mann", der drei Jahre später debütiert - , kurz nachdem er zugibt, dass Verdächtige und Motive schwer zu fassen sind. "Seien sie nicht so geheimnisvoll."

Kann ein bloßes Geständnis einen Mann von einem Mord freisprechen? Das Gesetz ist da sicherlich anderer Auffassung. Der Betrachter vielleicht auch, zumal er alle wichtigen Fakten erfährt, lange bevor die Polizei auftaucht. Außerdem ist Otto Keller nicht gerade sympathisch, was durch sein Bemühen, Verdacht und Verantwortung zu vermeiden, noch bekräftigt wird. Es folgen seine Feindseligkeit und die Distanz, die er beibehält, nachdem Staatsanwalt Willy Robertson (Brian Aherne) Michael Logan als den Mörder identifiziert hat. Ein Skandal, eine heimliche Liebesaffäre und politische Peinlichkeiten verkomplizieren das Szenario, doch Michael Logans Beharrlichkeit in Bezug auf seine Glaubensvorstellungen und die Regeln des Beichtstuhls machen diese Entwicklungen nicht so schockierend. Die Komplexität der personenbezogenen Dramen kann den Mord und den Täter nicht verdrängen, die für dieses neue Terrain mühsam beiseite geschoben werden.

Sobald ein langwieriges Verhör in Gang kommt, werden größere Teile der Geschichte aufgezeichnet, damit der Betrachter die ganze Tragweite der Handlung mitbekommt, ebenso wie die Vergeblichkeit des Verleumdungsversuchs, der kein Alibi liefert und nicht einmal für Aufregung unter den Beteiligten sorgt. Ungewöhnlich reizvoll ist auf jeden Fall die Filmmusik von Dimitri Tiomkin. "In 30 Minuten kann man viel machen."

Trotz des offenkundigen Bösewichts und des augenscheinlich unschuldigen Priesters gibt es einen weiteren Antagonisten: Michael Logans Interpretation von Frömmigkeit beziehungsweise seine Hingabe an sie und seine Karriere. Wäre es gerecht, wenn er die Schuld für die Missetat eines anderen auf sich nehmen würde, nur um das Bußsakrament zu erhalten? "Ich beichte" gipfelt in einem Showdown im Gerichtssaal, aber auch hier fehlt es an der erwarteten Theatralik. Die Anwälte scheinen unfähig zu sein, die Wahrheit aus einem Mann herauszubekommen, der nicht weiß, was er mitteilen soll und was nicht. Michael Logan weicht nicht nur dem Inhalt von Otto Kellers Beichtgeheimnis aus, sondern auch dessen Faktum, dass es überhaupt existierte. Der Schluss bietet eine angenehme Brisanz, doch nur aufgrund einer ungeordneten Struktur und einer kolossalen Ränke, und nicht infolge einer ausgefuchsten detektivischen Ermittlung oder einer gerechten Justiz.

In "The Faculty" von Regisseur Robert Rodriguez greift Football-Trainer Joe Willis (Robert Patrick) die Direktorin des Schülerhorts, Valerie Drake (Bebe Neuwirth), an, die zuvor eine Versammlung abgehalten hat, um die Gelder für alle Abteilungen außer Football zu kürzen. Er sticht ihr mit einem Bleistift in die Hand, bevor eine andere Lehrerin, die länger geblieben ist, Mrs. Olson (Piper Laurie), sie wiederholt mit einer Schere attackiert. Am nächsten Morgen findet der Unterricht an der 'Herrington High School' in Ohio wie gewohnt statt, doch die Rektorin ist nirgends zu finden.

Der Schauplatz ist eine stereotypische, aber glaubwürdige Darstellung von Cliquen, Rabauken, Sportlern und Lehrkräften. Die Redaktionsleiterin der Schülerzeitung, Delilah (Jordana Brewster), ist ein populäres Mädchen, das mit jedem in herablassender Tonart spricht. Zeke (Josh Hartnett), der sein letztes Schuljahr wiederholt, ist der coole Junge, der andere Schüler mit Drogen, gefälschten Ausweisen und Pornografie aus dem Ausland versorgt. Casey (Elijah Wood) ist der schüchterne, verweichlichte Schüler, der schon vor der ersten Stunde mehrmals vermöbelt wurde. Stokely (Clea Duvall) ist das Gothic-Mädchen, das vorgibt, lesbisch zu sein, damit ihre Mitschüler sie in Ruhe lassen. Stan Rosado (Shawn Hatosy) ist der Kapitän der 'Hornets', der aufhören will, um sich auf seine Zensuren zu konzentrieren, und Marybeth Louise Hutchinson (Laura Harris) ist das neue Mädchen aus Atlanta, das einen komischen Akzent hat und eindeutig nicht dazugehört, aber unermüdlich versucht, Freunde zu finden. Die Lehrer sind ebenso heterogen, darunter die regelmäßig kränkelnde epileptische Krankenschwester Rosa Harper (Salma Hayek), die menschenscheue Englischlehrerin Elizabeth Burke (Famke Janssen), der sonderbare Wissenschaftslehrer Professor Edward Furlong (Jon Stewart) und die betagte Mrs. Brummel (Susan Willis).

Als Casey und Delilah sich in einem Schrank im Lehrerzimmer verstecken, werden sie Zeuge, wie Coach Willis und Mrs. Olson die Krankenschwester angreifen und sie offenbar in einen hypnotisierten, emotionslosen Zombie verwandeln. Sie entdecken auch die Leiche von Mrs. Brummel, die angeblich im Krankenhaus lag und an den Folgen einer Krebserkrankung litt. Casey erkennt schnell, dass es sich bei den Lehrern um amphibische, parasitäre Monster handelt, die die Stadt übernehmen, von den Berufstätigen über die Polizei bis hin zu den Schülern der High School.

Man stößt buchstäblich öfter zusammen, als man zählen kann. Einige fallen hin, stolpern, werden herumgeschubst oder kollidieren mit Gegenständen. In regelmäßigen Intervallen prallen Charaktere mit Torsos zusammen, um Jumpscares zu erzeugen. Doch schnell wird es so alltäglich, dass es verstörend sinnlos erscheint. Vielleicht ist das nicht so dämlich wie die Ideen für die Spezialeffekte, zu denen Angriffe mit abgetrennten Fingern, drahtige rote Ranken, die aus Wunden sprießen, und offensichtlich gefälschtes Blut gehören, sowie Zeke, der sich spontan in einen intelligenten Wissenschaftler verwandelt, um die Situation mit den Außerirdischen zu klären.

Mit seiner pubertären Komponente leiht sich "The Faculty" schamlos die Handlung von "Die Körperfresser kommen" aus, wobei er nicht nur die Existenz dieses Wesens anerkennt, sondern auch berühmte Science-Fiction-Autoren und -Filmemacher in das Drehbuch einbezieht, indem er erwähnt, dass Robert A. Heinleins "The Puppet Masters" als Vorlage für "Die Körperfresser kommen" diente, und andeutet, dass Roland Emmerich und Steven Spielberg von jenseitigen Heimsuchungen inspiriert wurden. Robert Rodriguez und der Drehbuchautor Kevin Williamson, aus dessen Feder auch "Scream", "Scream 2" und "Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast" stammen, glauben, dass es sich nicht um Diebstahl handelt, wenn sie Bestandteile als Hommage definieren können. Doch die Geschichte ist nicht raffiniert genug, um als respektvolle Anspielung auf das Sci-Fi-Material durchzugehen, sondern nur als recycelte Versatzstücke in einem modernen Teenager-Setting. Dann werden Sequenzen aus einem anderen Klassiker, "Das Ding aus einer anderen Welt", geklaut, in denen die paranoiden Figuren ihre Menschlichkeit immer wieder auf die Probe stellen und an ihr zweifeln.

Besonders passend ist, dass Robert Patrick, der ikonische T-1000 aus "Terminator 2 - Tag der Abrechnung", eine Hauptrolle als antagonistischer Sporttrainer hat, der seine Schüler mit markigen Schimpfworten bedroht, auch wenn sein Einsatz das Endergebnis nicht retten kann. Autoritätspersonen herauszufordern und sie schließlich mit extravaganter tödlicher Gewalt zu bekämpfen, hätte für das jugendliche Auditorium ein willkommener Zeitvertreib sein sollen, aber das Resultat ist ein behäbiges, selten angsteinflößendes, unausgereiftes Gemenge aus jämmerlichen Konzepten. Immerhin gibt es eine Handvoll Szenen mit praktischen Alien-Effekten, die kurzzeitig richtig ansehnlich sind.

"Grimcutty" ist ein Horrorfilm, bei dem John Ross, der vor allem für Kurzfilme wie "Things are Really Insane" (nicht in der MP-Datenbank) bekannt ist, Regie führte. Mit einer Besetzung, die sowohl Newcomer als auch TV-Veteranen umfasst, dreht sich der Film um eine Slenderman-ähnliche Kreatur, die durch die paranoide Energie der Eltern geschaffen wird. Der Film beginnt mit einer Mutter, die ihr Kind in seinem Zimmer einsperrt, um es scheinbar vor dem 'Grimcutty' zu schützen. Dann recherchiert sie Internet-Herausforderungen und Artikel über internetbasierte Ängste, während sie sich einen angstauslösenden Podcast über die Gefahren der Online-Welt anhört. Ihr Kind schafft es, aus seinem Zimmer zu fliehen, wird von dem Monster gejagt und ersticht dann wie aus dem Nichts seine Mutter.

Die überfürsorglichen Eltern Amir (Usman Ally) und Leah Chaudhry (Shannyn Sossamon) haben telefonfreie Familienausflüge eingeführt, nachdem ihre Teenager-Tochter Asha (Sara Wolfkind) das Leichtathletik-Team verlassen hat, um das glamouröse Leben einer ASMR-Inhaltserstellerin zu führen. Schon bald sprechen alle Eltern der Stadt mit ihren Kindern über die so genannte 'Grimcutty-Challenge'. Niemand scheint zu wissen, was es damit auf sich hat, doch die Eltern sind davon überzeugt, dass sich ihre Kinder bei diesem mysteriösen Online-Wahn selbst verletzen. Also beschließen sie logischerweise, dass die vernünftigste Lösung darin besteht, ihren Kindern alle Handys und Laptops wegzunehmen und sie in eine 'Detox-Box' zu sperren. In Wirklichkeit ist der 'Grimcutty' eine echte Bedrohung für die Kinder der Stadt, aber nicht so, wie diese Eltern es sich vorstellen.

Die Prämisse dieses Horrorfilms ist interessant, aber die Umsetzung ist minderwertig. Die darstellerische Leistung ist geradezu katastrophal. Die Eltern sind alle eindimensional und mehr als irrational. Die Handlung hat mehr Löcher als ein Laib Schweizer Käse. Es ist ein Film über Eltern, die das Internet nicht verstehen, gemacht von Menschen, die das Internet offensichtlich nicht kennen. Die Vorstellung, dass alle Eltern in einer Gemeinde die Laptops ihrer Kinder im Teenageralter aufgrund einer Art Satanspanik der 2020er Jahre komplett entfernen würden, ist mehr als absurd. Der Online-Zugang ist für die Erledigung von Schularbeiten unerlässlich. Das ist schon seit mindestens einem Jahrzehnt der Fall.

Hinsichtlich des Monsters ähnelt der 'Grimcutty' der beliebten Gruselgestalt 'Slenderman', die Ende der 2000er Jahre in einem Online-Forum erschaffen wurde. Doch im Gegensatz zum 'Slenderman' hat 'Grimcutty' ein ganz gewöhnliches, groteskes Gesicht. Der Anblick ist dank mangelhafter Computeranimation alles andere als zum Fürchten.

Wie ich bereits erwähnt habe, ist die Hauptfigur des Films, Asha, eine ASMR-Inhaltserstellerin. Keines der Werbematerialien für "Grimcutty" hat mich auf die Menge an ASMR-artigen Szenen in diesem Film vorbereitet. Die ersten 20 Minuten und die letzten fünf Minuten waren fast nicht zu ertragen, so dass ich mich gezwungen sah, den Ton abzustellen. Manche Menschen genießen ASMR-Videos, sie sind nicht ohne Grund so beliebt, aber für andere ist es eine fast qualvolle Erfahrung. Wer zur zweiten Gruppe gehört, dem würde ich raten, diesen Film nicht zu sehen. Ein Element der Internetkultur aufzunehmen, das so intensive und widersprüchliche Reaktionen auslösen kann, war gelinde gesagt eine eigenartige Wahl. Wäre der Film im Kino gelaufen, würde "Grimcutty" wahrscheinlich für seine zahlreichen Fluchtversuche berüchtigt geworden.

Insgesamt ist "Grimcutty" ein mageres Werk für das Horrorgenre. Dieser Film versucht, eine wichtige Botschaft über Kinder und soziale Medien zu vermitteln, doch er landet direkt im Spam-Ordner. Der Einsatz von ASMR war schmerzerfüllt, doch ich weiß, dass viele darauf abfahren werden. Auf jeden Fall ist es ein kreativer Weg, seine Audienz zu spalten.

Das schwarz-weiße Produktionsdesign und die Ästhetik von "Werewolf by Night" von Regisseur Michael Giacchino fangen erfolgreich die Retro-Atmosphäre von 'Universal Monsters' ein, auch wenn die Kamerabewegungen und CG-Verbesserungen das Ziel verfehlen. Vor allem digitale Blutspritzer bleiben in Schwarzweiß unsichtbar, und eine gewisse Gestalt hat eher die verräterische Leichtsinnigkeit eines digitalen Effekts als das volle Gewicht eines Mannes in einem Kostüm. Nicht, dass "Werewolf by Night" irgendjemanden täuschen würde - die leuchtend rote Aura des Blutjuwels weist auf das eigentliche Problem hin. Es ist ziemlich merkwürdig, eine Hommage zu machen, die nicht voll und ganz passt. Einige Szenen, die in einer Art Farbfilm gedreht wurden, erinnern täuschend echt an einen Fernsehfilm der 1970er Jahre, mit CG und anderen Merkmalen.

Die Handlung ist sehr einfach gehalten. Der reiche, monsterjagende Patriarch Ulysses Bloodstone ist kürzlich verstorben. Um sein Blutjuwel zu erhalten und als sein wahrer Erbe anerkannt zu werden, muss ein Jäger das in einem Freiluft-Labyrinth gefangen gehaltene Monster erschlagen und ihm das an seinem Fell befestigte Juwel entreißen. Natürlich können die verschiedenen Anwärter ihre Chancen erhöhen, indem sie sich gegenseitig umbringen, wenn sie dies wünschen. Obwohl mehrere potenzielle Jäger um den Titel wetteifern, scheinen nur der ungewöhnlich ruhige Jack Russell (Gael García Bernal) und Bloodstones verbitterte, entfremdete Tochter Elsa (Laura Donnelly), die für diesen Tag hart trainiert hat, eine echte Chance zu haben.

Der Filmtrailer hat die meisten Überraschungen bereits verraten, so dass es nicht nötig ist, sie hier zu wiederholen. Natürlich gibt es einen Werwolf, und sein Maskenbild ist klassisch, mit Wollkostüm und falschen Zähnen anstelle von digitaler Verschönerung. Er ist nicht unbedingt beängstigend im Ansehen, aber aufgrund seiner Handlungen begründet. Die moderne Technologie verleiht der Kreatur zusätzliche Sprungkraft und die Fähigkeit, schnelle, blutige Zerstückelungsaktionen zu bewirken. Außerdem taucht Marvels 'Man-Thing' auf, das in der kurzen Zeit, in dem es auf dem Bildschirm zu sehen ist, alles tut, was der Betrachter erwartet, und das Highlight des Films ist.

Als Huldigung an frühere Gruselfilme sieht "Werewolf by Night" wie ein effektives Cosplay aus. Als eigentliche Geschichte ist das Ganze nicht so überzeugend. Wir erfahren kaum etwas über Elsa, die es besser verdient hätte, Marvels Version von 'Buffy' zu repräsentieren. Gael García Bernal spielt Jack Russell gegen alle Widerstände und facettenreicher, als es das Drehbuch zu bieten scheint. Doch abgesehen von der Atmosphäre gibt es nicht viel, womit er sich beschäftigen kann. Das klingt wahrscheinlich wie eine ironische Kritik, wenn man bedenkt, dass das übliche Problem des MCU darin besteht, endlose Spinoffs mit Cliffhangern zu liefern. Doch wenn "Werewolf by Night" wirklich eine alleinstehende Reihe sein sollte, hätten die Autoren Heather Quinn und Peter Cameron Elsa und Jack Russel nicht so darstellen sollen, als wären sie Mysterien, die erst in späteren Ausgaben preisgegeben werden. Es ist relativ wahrscheinlich, dass Marvel die beiden wieder einsetzen wird, sollte der Film ein Erfolg werden.