Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Parasite" von Regisseur Bong Joon Ho kämpfen Vater Kim Ki-taek (Song Kang Ho), Mutter Chung-sook (Chang Hyae Jin) und die Teenager Kim Ki-woo (Choi Woo Shik) und Kim Ki-jung (Park So Dam) darum, in ihrem kleinen, teilweise unterirdischen Haus in Südkorea ein kostenloses WLAN-Signal zu bekommen. Und wenn der Kammerjäger auf der anderen Straßenseite Gift versprüht, lassen sie das Fenster offen, um sich unentgeltlich ausräuchern zu lassen, auch wenn sie mit dem Insektizid besprüht werden und dabei husten und weinen müssen. Das Schädlingsbekämpfungsmittel landet auch auf den Pizzakartons, für deren Zusammenstellung sie bezahlt wurden. Die Familie ist arbeitslos und hat die Schule abgebrochen, sie kann sich keine weitere Bildung leisten und hat nicht einmal genug zu essen. Ihre Bemühungen, eine Erwerbstätigkeit zu finden, scheinen bestenfalls mager zu sein.

An diesem Abend kommt sein Kumpel Min (Seo-joon Park) vorbei, um Ki-woo von seinem Job als Nachhilfelehrer für einen reichen Jungen zu erzählen, der vorübergehend unterbrochen wird, weil Min ins Ausland reist. Er schlägt vor, dass Ki-woo für ihn einspringt, schließlich ist die Matriarchin (Cho Yeo Jeong) der Familie Park etwas engstirnig und die Schülerin Da-hye (Jung Ziso) nicht allzu gebildet. Ki-Woo nimmt daraufhin den schlichteren Namen Kevin an und beginnt, drei Unterrichtseinheiten pro Woche in einer palastartigen Villa zu geben. Als er herausfindet, dass Da-hyes Bruder, der 9-jährige Da-song (Jung Hyun Jun), ein aufstrebender Künstler ist, bringt er seine Schwester dazu, den Namen Jessica anzunehmen, um im selben Haushalt Kunsttherapie zu unterrichten. Vielleicht gibt es auch Arbeit für seine Mutter und seinen Vater...

Das Sprichwort 'Täusche es vor, bis es gelingt' wird hier auf die Spitze getrieben: Die finanziell schwache Familie fügt sich langsam in die wohlhabende Familie ein, als ob sie alle um sie herum ersetzen würde, bis nur noch eine Art symbiotische und parasitäre Gemeinschaft übrig bleibt. Die Maskerade und Manipulation ist faszinierend, aber vor allem ist sie unglaublich lustig. Sorgfältige Schnitte, darunter Zeitlupen an einigen Stellen wie bei einem actiongeladenen Raubüberfall, auf- und abschwellende Musik und perfekt platzierte Opernklänge, sowie starke Kontraste in Dialog und Handlung, um die Dreistigkeit und Ironie ihrer List zu verdeutlichen, machen den Film durchweg zur Hysterie.

Ungeachtet der kontinuierlichen Belustigung bleibt das Empfinden, dass plötzlich etwas gewaltig schief läuft, und in der Tat geschieht nicht alles nach Plan. Sie mögen Blender sein, aber sie sind witzig und liebenswert. Doch die Lage gerät immer mehr außer Kontrolle und erreicht immer neue Dimensionen der Verstörung, auch wenn die Absurditäten durch Klamauk und Situationskomik ergänzt werden. An einer Stelle wechselt "Parasite" von munterem Realismus zu groteskem Humbug, vielleicht eine Metapher für ein Leben, das in einem Sündenpfuhl versinkt, oder für eine Abwärtsspirale oder für das chaotische Ausmaß eines ungeplanten Schwindels. "Sie müssen noch viel über Menschen lernen."

Es ist auch eine Analyse des Widerspruchs zwischen Arm und Reich und der Leichtigkeit, mit der die Besitzlosen anfangen können, sich über die Habenichtse zu ärgern, besonders wenn es um die Aussicht geht, Probleme mit zusätzlichem Kapital zu lösen, das herumgeworfen wird. Regisseur Bong Joon Ho begnügt sich jedoch nicht mit der Grundprämisse von Verbrechen und Bestrafung, sondern geht noch einen Gang höher und gerät schließlich auf eine Tangente, die die Lauflänge in die Länge zieht. Was als erkenntliche, scherzhafte Persiflage auf den Klassenkampf begann, entwickelt sich bedauerlicherweise zu einer hemmungslosen Revolte gegen die empfundenen Untugenden der Wohlhabenden und endet mit einem inkongruenten Ausdruck des demütigen Mitleids, jedoch nicht mit einer schockierenden Erkenntnis oder einer anderen förderungswerten Offenlegung.

Der Film "Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn" von Regisseurin Cathy Yan knüpft da an, wo das vorherige Kinoabenteuer von Harley Quinn aufgehört hat, und beginnt mit einem modernen Soundtrack und einem Slapstick-Cartoon, der die Hintergrundgeschichte von Harley Quinn etwas näher beleuchtet. Sie wuchs im System auf, wurde von Nonnen erzogen, studierte Psychiatrie und verliebte sich in den berüchtigtsten Verbrecher von Gotham City, den Joker. Nachdem sie ihn aus dem Gefängnis befreit hat, stellt sie fest, dass ihre Beziehung in die Brüche gegangen ist, wobei die Einzelheiten nicht genannt werden. "Ich musste eine neue Identität finden."

Und so legt sich Harley Quinn eine Hyäne als Haustier zu, versucht sich im Roller Derby und unterdrückt ihren Kummer mit dem donnernden Puls der Nachtclubs und reichlich Alkohol. Erschwerend kommt hinzu, dass ihre Assoziation mit dem Joker ihr ganzer Ruf ist - die Stadt kennt sie nur als die Geliebte dieses gnadenlosen Bösewichts. Als einer ihrer Alkoholexzesse den Unterweltboss Roman Sionis (Ewan McGregor) darauf aufmerksam macht, dass sie nicht mehr unter dem Schutz des Jokers steht, lässt der Mafioso sie entführen. Dies hängt jedoch mit den laufenden Ermittlungen von Detective Renee Montoya (Rosie Perez) vom Gotham City Police Department sowie mit einer Taschendiebin (Ella Jay Basco) und ihrem ausgeklügelten Diebstahl eines Diamanten zusammen, der Hinweise auf ein lange verschollenes Vermögen enthält.

Harley Quinn ist die Erzählerin und verstärkt die Balsamkeit der einzigen memorablen Rolle aus "Suicide Squad", die ihre glücksgetriebene Anarchie nun auch auf den Schnitt ausdehnen kann, der verschiedene Bildverzerrungen, Rückspulungen, Flashbacks und das Durchbrechen der vierten Wand beinhaltet. Dies ist die Art von Film, bei der Kontinuitätsprobleme und einfache Fehler anscheinend unwichtig sind. Interessanterweise gibt es nur wenige Verweise auf das frühere Undercover-Kollektiv, so als wollten die Filmemacher so viel Distanz wie möglich zu dem filmischen Schrott von 2016 schaffen. Es ist nicht unklug, Harley Quinn, die einzige noch zu rettende Komponente dieses Projekts, in eine neue Storyline und schließlich in ein anderes Universum zu verfrachten. Margot Robbie ist nach wie vor eine erstklassige Castingwahl. Trotz der charakterlichen und drehbuchtechnischen Defizite von Harley Quinn sieht Margot Robbie gut aus und spielt die Figur mit großer Effizienz.

Doch ihr Wiederauftauchen allein reicht nicht aus, um einen ganzen Kinofilm zu begründen, und es gibt hier nicht genug Material, um ihr die Chance auf einen echten eigenständigen Film zu geben. Wie eine Neuauflage von "Tank Girl", voller malerischer Farben, cartoonhafter Heldentaten und Skurrilitäten um der Skurrilität willen, umgibt sich "Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn" mit exzentrischen optischen Ornamenten, in der Hoffnung, einen Stil für eine Zusammenstellung von Charakteren zu schaffen, die unterschiedliche Missionen und Identitäten haben. Tatsächlich passiert in der wahnwitzigen Geschichte um den gestohlenen Edelstein und den Trick, ihn zurückzubekommen, so viel, dass die titelgebenden 'Birds of Prey' praktisch im Hintergrund bleiben. Ihre Einführungen sind furchtbar pauschal und kommen viel zu spät, obwohl sie ihre außerordentlichen Kampfsportfähigkeiten erklären. Harley Quinn hingegen ist mit ihrem Baseballschläger und ihrem Hammer nahezu unschlagbar, aber ihr Hintergrund als Medizinerin erklärt sicherlich nicht ihre Kung-Fu-Fähigkeiten.

Es ist, als ob mehrere Filme vorübergehend aneinandergereiht werden, ohne dass genügend Zeit für einen vernünftigen Durchlauf bleibt. Es scheint nie nötig zu sein, dass sich die 'Birds of Prey' den Bildschirm mit Harley Quinn teilen, auch wenn ihre Kollegialität zu einigen der lustigeren Einlagen führt. Der Oberbösewicht ist überspitzt und gelegentlich lächerlich, aber seine größte Schmach ist, dass er seinen Opfern die Gesichter abschneidet - eine sadistische Folterung und Verstümmelung, die nicht zur Fantasie der Handlung oder zu den elaborierten Methoden der Protagonistin passt. Ewan McGregor genießt offenbar seine extravagante Abwechslung von ernsteren Filmrollen. Es wird auch geflucht, als ob die Autoren des Films eine Altersfreigabe ab 18 Jahren anstrebten, aber nicht wussten, wie sie diese im natürlichen Verlauf der Geschichte erreichen sollten.

Das Finale wird zwar durch einige humorvolle Sprüche aufgefrischt, aber der Höhepunkt, ein kompliziertes Pandämonium von Schlägereien, lässt den Humor vermissen, der so dringend nötig ist, um die Gewalt auszugleichen. Außerdem ist es frustrierend, wenn man in letzter Minute auf Fantastereien zurückgreift. So dämlich diese Dinge auch sind, es ist viel besser, wenn niemand Superkräfte besitzt. "Tut mir leid, Kleiner. Ich bin einfach ein schrecklicher Mensch, schätze ich."

"Der schwarze Falke" unter der Regie von John Ford ist der Inbegriff des Westerns, mit weitläufigen Landschaften, rauen Cowboys, wilden Indianern, verwitterten Soldaten, Schießereien, Hinterhalten, Verfolgungsjagden, actionreichen Abenteuern und John Wayne. Wo er über das Genre hinausgeht und nicht nur zu einem der besten Western, sondern zu einem der besten Filme überhaupt wird, ist die überragende Entwicklung der Charaktere, der Humor durch die leichtherzige Romanze und die sarkastischen Dialoge, und die Tiefe durch das Pathos der Außenseiter, die vergeblich versuchen, einen Funken Menschlichkeit und Kameradschaft zurückzugewinnen. Der Eröffnungssong sagt alles und hebt die Problematik der Akzeptanz und der Vergebung hervor, die notwendig sind, um in einer habituell intoleranten, barbarischen Welt zu leben, die nicht für die Isolation geschaffen ist. In dieser Hinsicht läutet er auch das Kommen von Geschichten über aussterbende Rassen ein, darunter die grafischen Bilder von "The Wild Bunch - Sie kannten kein Gesetz", der melancholische Blickwinkel von "Monte Walsh" und der unverkrampfte Blick von "Butch Cassidy und Sundance Kid".

Im Jahr 1868 kehrt Ethan Edwards (John Wayne) auf die Ranch seines Bruders in Texas zurück. Drei Jahre sind seit dem Ende des Krieges vergangen, aber Ethan Edwards ist quer durch das Land gezogen und hat sich vermutlich in die Gesetzlosigkeit verstrickt, da er mit den Sitten der Sesshaftigkeit und des zivilen Lebens nicht zufrieden ist. Obwohl er von seinem Bruder Aaron Edwards und dessen Frau Martha (Dorothy Jordan) in ihrem Haus willkommen geheißen wird, verachtet er Martin Pawley (Jeffrey Hunter), einen adoptierten 1/8 Cherokee-Jungen, der darauf besteht, Ethan 'Onkel' zu nennen. Als Reverend Captain Clayton (Ward Bond) die Familie benachrichtigt, dass Comanche Unruhestifter in der Nähe sein könnten, reiten Ethan und Martin los, um sie zu finden. Doch es stellt sich heraus, dass es sich um ein Mordkomplott handelt, mit dem die Männer von der Ranch weggelockt werden sollen. Und als sie am nächsten Morgen zurückkehren, müssen sie feststellen, dass die Edwards abgeschlachtet und ihre Töchter Lucy (Pippa Scott) und Debbie (Natalie Wood) entführt wurden.

Damit beginnt eine fünfjährige Suche nach den Mädchen, die zu feindlichen Auseinandersetzungen, Leid und Tod führt. Ethan will allein weiterziehen, jedoch beharrt Martin darauf, ihn zu begleiten. Das trennt den jungen Mann von seiner großen Liebe Laurie Jorgensen (Vera Miles), der Tochter des Nachbarn Lars (John Qualen). Während der langwierigen Suche wird Laurie fast mit einem anderen verheiratet, Martin tauscht versehentlich einen Hut gegen eine Indianerbraut ein, und Ethan entdeckt, dass Häuptling Scar (Henry Brandon) der wahrscheinliche Kandidat ist, der Debbie noch besitzt. Auf seinem Rachefeldzug wird Ethan auch klar, dass er das Mädchen, das inzwischen ein Teenager ist, nicht lebendig zurückbringen will, denn sein Hass auf die Indianer und ihre Transformation in eine solche Gräulichkeit können in der idealisierten Familie, die er wiederherstellen will, nicht toleriert werden.

Rache ist ein zentrales Thema in "Der schwarze Falke", das Ethan dazu bringt, dunkle Pfade zu beschreiten, um einen verzerrten Sinn für Gerechtigkeit zu erlösen. Der erfahrene Western-Regisseur John Ford verwendet einen kunstvollen, effektiven Rahmen, um die Einsamkeit und Gebrochenheit des breitschultrigen Mannes zu veranschaulichen, zunächst in der Eröffnungsszene, als die Figur auf die Ranch reitet, und in regelmäßigen Abständen in mehreren anderen Momentaufnahmen. Aus dem Inneren von Gebäuden, einem Gehege und einer Höhle aufgenommen, bildet es einen schwarzen Kasten um eine beleuchtete Figur, die buchstäblich und bildlich an der Außenseite des Unternehmens klebt. "Der Schwarze Falke" endet bekanntlich mit einer entsprechenden Botschaft, die wiederum das Gefühl verdeutlicht, dass eine vollständige Tilgung und persönliche Eingliederung in ein sympathisches Umfeld für den hartgesottenen Antihelden unmöglich ist.

Diese beeindruckende Symphonie aus Rassismus, Gewalt und Entlarvungen wird durch besonders witzige Dialoge, einen staubigen Faustkampf, der von dem abwegigen Konzept der Gentleman-Regeln bestimmt wird, und Charaktere wie Charlie (Ken Curtis) und Mose (Hank Worden) illustriert, die beide komödiantische Nebenrollen spielen, in denen entweder Dummheit, Torheit oder durch Zwang beschleunigte Idiosynkrasien zum Ausdruck kommen. Diese vollkommene Mischung aus Action, Drama, Tragödie und Komödie ist ein dauerhaftes filmisches Rezept für ein unvergessliches, archetypisches Abenteuer. Auch wenn er bei der Oscarverleihung 1956 keinen Eindruck hinterließ, galt und gilt "Der schwarze Falke" als ein Meisterwerk, an dem sich alle anderen Western und Epen unweigerlich messen lassen müssen. "Das wird der Tag sein."

Als General Bill Meekins (Ed Begley, Jr.) dem Arzt Burt Berendsen (Christian Bale) die Leitung der Militäreinheit von Harold Woodsman (John David Washington) in "Amsterdam" von Regisseur David O. Russell überträgt, freunden sich die beiden schnell an und versprechen, sich gegenseitig zu schützen. Ihr Pakt erstreckt sich bald auf eine dritte Person, Valerie Voze (Margot Robbie), eine seltsame Krankenschwester, die sich um die Veteranen kümmert, nachdem diese im Kampf verwundet wurden. Das Trio wird untrennbar und tanzt die Tage im fröhlichen Nachkriegs-Amsterdam durch, aber ihr unbeschwertes Leben kann nicht ewig dauern. Trotz Valeries Bemühungen muss Burt schließlich nach Amerika zurückkehren, um mit seiner Frau Beatrice (Andrea Riseborough) wieder zusammenzukommen.

Kurz darauf gerät Burt in Schwierigkeiten und landet im Gefängnis, was die Beziehung des Trios weiter belastet, da Valerie mächtige Leute aus ihrer Vergangenheit kontaktieren muss, um ihn auf Kaution freizubekommen. Dann verschwindet sie und lässt Harold zurück, der ebenfalls nach New York zurückkehrt. Jahre später betreibt Burt eine bescheidene Klinik für Gesichtsprothesen in der Stadt, während Harold ein bekannter Jurist geworden ist. Als Liz Meekins (Taylor Swift) plötzlich Harold kontaktiert und ihn bittet, den Tod ihres Vaters zu untersuchen, beauftragt der Anwalt Burt, eine Autopsie an ihrem verehrten Anführer durchzuführen. Sie kommen einem mysteriösen Mord auf die Spur, bei dem sie die Hauptverdächtigen sind und Verbindungen zu einer monumentalen Verschwörung haben, die darauf abzielt, das Gleichgewicht der Macht im Lande zu stürzen.

Dank des großartigen Ensembles tauchen alle paar Sekunden neue Figuren auf, von denen jede noch skurriler, verrückter und idiosynkratischer ist als die andere. Zum Glück ist Christian Bale der mit Abstand ungewöhnlichste von ihnen, so als wäre er der Kopf einer Kollektion von Zeichentrickfiguren. Die fröhliche, altmodische Musik und die extremen Kameraperspektiven tragen zu der visuellen und behavioristischen Eigenartigkeit bei, in der jeder ein Verdächtiger ist, und erhöhen zweifellos die Unvorhersehbarkeit des Mordes. "Es ist gefährlich!"

Problematisch ist jedoch, dass "Amsterdam" bald in der Zeitlinie herumspringt, ein völlig unnötiger Fauxpas, während mehrere Erzähler die "Forrest Gump"-Stimmung der mit Humor gemischten Kriegssequenzen verkomplizieren. Ungeachtet der Schrecken des bewaffneten Konflikts und der spöttischen Bemerkungen über den Rassismus und die herrschenden politischen Mächte erweckt das unbekümmerte und temperamentvolle Auftreten der meisten Figuren den Eindruck der Unaufrichtigkeit. Es ist schwierig, mit den Protagonisten mitzufühlen, wenn unzählige Schwierigkeiten in Frivolität untergehen. Es ändert auch nichts daran, dass die Handlung, ebenso wie das improvisierte Unsinnslied, das die Hauptfiguren singen, um sich aufzuheitern, zufällig entstanden ist.

Auf unnatürlich verschrobene Weise betreiben die Rollen Slapstick, zeigen körperliche Ticks und weisen jede Menge unrealistische Exzentrizitäten auf, als hätten sie einen Wes-Anderson-Einschlag. "See How They Run" hat vieles davon kürzlich mit weitaus größerer Wirkung getan, indem er das Geheimnis mit so vielen Tändeleien, Abweichungen und Ablenkungen entfalten ließ, dass es unweigerlich mäandernd wirkt. Die Lösung des Falles scheint keine Priorität zu haben, denn der Film hält sich mit bizarren Kleinigkeiten auf. Für ein Projekt, bei dem so viel auf einmal passiert, fühlt sich "Amsterdam" an, als würde es ständig an der Grenze zur Eventualität stehen. "Ich bin mir immer noch nicht sicher. Was meint ihr?"

Dies ist bei weitem das unorganisierteste Werk von David O. Russell, das sich dahinschleppt, um am Ende so gut wie nichts zu erreichen, und das, obwohl es behauptet, auf wahren Begebenheiten zu beruhen, praktisch keine Auflösung hat. Es gibt etliche Schauplätze, Charaktere, Motive, Aktualisierungen und kuriose Wiederholungen, am humorvollsten der dünn verschleierte Kommentar zu ornithologischen Vorkommnissen, aber nichts davon provoziert die Art von Standard-Engagement, die man von einem Kriminalfilm erwartet. Das Ganze zieht sich so lange hin, bis es niemanden mehr interessiert, wer hinter all dem steckt. Selbst mit den gelegentlichen witzigen Interaktionen und Dialogen, von denen einige zu Antworten führen, die am Ende auf beleidigende Weise repetiert werden, weil der Betrachter zu abgelenkt ist, um den auf dem Bildschirm dargestellten Elementen zu folgen, ist das Fazit trocken. Es ist alles so konvolut und lahm, abgesehen von den verschiedenen Liebesgeschichten, die wenig mit der Hauptverschwörung zu tun haben, dafür aber umso bewegender sind. David O. Russell verbindet ganz offensichtlich zwei verschiedene Geschichten, indem er historische Intrigen und Korruption mit einer lockeren, traumhaften Bohème-Affäre vor der märchenhaften Kulisse der Niederlande verwebt. "Jemand versucht, etwas Dunkles und Verräterisches zu tun!"

In "See How They Run" von Regisseur Tom George wird die 100. Aufführung von Agatha Christies 'Die Mausefalle' im Londoner West End im Jahr 1953 gefeiert. Agatha Christie selbst nimmt nicht teil, schickt aber einen großen Kuchen für die anschließende Festlichkeit. "Ein Whodunit. Wenn man einen gesehen hat, hat man sie alle gesehen", sinniert der große Hollywood-Regisseur Leo Köpernick (Adrien Brody), der von seinem Unmut über die Vorlage erzählt und davon, wie schwierig es sein wird, daraus etwas Interessanteres zu machen als das langweilige Drehbuch seines sensiblen Autors Mervyn Cocker-Norris (David Oyelowo).

Nach einem Streit mit dem glamourösen Jungstar Richard Attenborough (Harris Dickinson), dessen Frau Sheila Sim (Pearl Chanda) das Ziel eines schäbigen Flirts geworden ist, geht Leo Köpernick hinter die Bühne, um seinen Smoking von Kuchenflecken zu säubern, und wird überfallen und getötet. Ein kräftiger Schlag mit einer Nähmaschine reicht aus. Nun ist es an Inspector Stoppard (Sam Rockwell), mit Hilfe von Constable Stalker (Saoirse Ronan) den Mörder zu finden - unter möglichen Verdächtigen und baldigen Opfern wie Petula Spencer (Ruth Wilson) und ihrer alten Mutter und dem Filmproduzenten John Woolf (Reece Shearsmith). "Ich mag einen guten Mord."

Sam Rockwells Detektiv ist zwar nicht so tollpatschig wie Inspector Clouseau, aber immer noch nicht ohne peinliche Zwischenfälle, die oft vom Alkohol ausgelöst werden. Er ist auch äußerst eigenwillig und zurückhaltend, manchmal scheint es ihm gleichgültig zu sein, Verbrechen aufzuklären, und er hat eine ausgeprägte Planlosigkeit, auch wenn er eine Mischung aus anderen namhaften Filmdetektiven ist. Saoirse Ronan passt hervorragend als witzige, wortgewandte Gehilfin, die aufmerksam genug zu sein scheint, um den Fall möglicherweise selbst zu lösen, auch wenn sie dazu neigt, voreilige Schlüsse zu ziehen. Obwohl es zahlreiche Charaktere und damit auch viele Verdächtige gibt, ist es hilfreich, dass praktisch jeder eine Abneigung gegen den verstorbenen Regisseur hegt, sind es die beiden Hauptdarsteller, die am einnehmendsten sind und eine verspielte Chemie haben, die weitaus amüsanter ist als jede der anderen Figuren. Sie sind ein äußerst sympathisches Team.

Es erleichtert die Interaktionen zwischen den beiden, die mit viel Humor unterlegt sind und zum Teil zu lautem Lachen führen. Darüber hinaus ist das komödiantische Temperament ausgezeichnet und das Erzähltempo ist lebhaft. Das Mysterium selbst ist nicht zum Erraten gedacht, es spielt oft auf 'Die Mausefalle' an, ohne das berühmte Finale des Stücks zu verraten, was bedeutet, dass jede vorherige Vertrautheit dem Betrachter einen zusätzlichen Einblick in die verschiedenen Gags und Hinweise gibt, und so entfaltet es sich in einem labyrinthischen Schema, mit kleinen Hinweisen, die sporadisch gegeben werden. Allerdings ist die Auflösung keine ersehnte, nervenaufreibende Enthüllung. Es ist die Zeit, die wir mit Inspector Stoppard und Constable Stalker verbringen, die so bezwingende Kraft versprüht. "Denken Sie, das ist gut gelaufen?"

Trotz der Rückblenden, Split-Screens und zahllosen Ortswechsel sowie anderer flinker Szenenübergänge und Montagetechniken wirkt die Präsentation frisch und abwechslungsreich, eine bunte Melange aus banalen Mystery-Zutaten und bedrohlichen Einschüben mit knackigen, stilisierten Bildern. Das Drehbuch mokiert sich zwar über die üblichen Normen von Kriminalfilmen, aber es gelingt ihm auch ein unvorhersehbarer Geistesblitz in einer Art Kunst-imitiert-Leben-imitiert-Kunst-Manier, obwohl es die Gattung ist, die ermüdende Wiederholungen benötigt, um den Betrachter darüber zu informieren, wie alles zusammenpasst, vergleichbar mit der Skurrilität von "Knives Out", aber lustiger, geschliffener und merkwürdigerweise realitätsnäher. Das Resultat ist jedoch ironisch und zufriedenstellend, und es ist in der Lage, das zeitweise flüchtige, unbeschwerte und flockige Gefühl für eine ausbalancierte Unterhaltungsform zu vergessen.

In "The Menu" von Regisseur Mark Mylod bedient das Restaurant 'Hawthorne' des renommierten Küchenchefs Julian Slowik (Ralph Fiennes) mit seinem schicken Insellokal, den luxuriösen Zutaten und der sorgfältig zubereiteten Küche die wohlhabendsten Gäste. Jeder Gang des Menüs wird mit den seltensten Weinen gepaart und erhält seine eigene Geschichte, die vom Starkoch selbst präsentiert wird. Viele würden sterben, um eines Tages im 'Hawthorne' essen zu dürfen. Einige bekommen vielleicht gerade die Gelegenheit dazu.

Als das junge Paar Tyler Ledford (Nicholas Hoult) und Margot Mills (Anya Taylor-Joy) auf der abgelegenen Insel eintrifft, um an dem berühmten mehrgängigen Dinner teilzunehmen, findet es sich in Gesellschaft eines bunten Haufens von Prominenten wieder, darunter ein Filmstar (John Leguizamo) und seine Assistentin (Aimee Carrero), eine berüchtigte Gastrokritikerin (Janet McTeer) und ihr sykophantischer Zeitschriftenredakteur (Paul Adelstein), opulente Stammgäste (Reed Birney und Judith Light) und die lautstarken Geschäftsfreunde (Arturo Castro, Rob Yang und Mark St. Cyr) des Restaurantbesitzers. Während die Gerichte aus der Küche immer komplexer und grandioser werden, wechselt die Stimmung des exzentrischen Gastgebers von spielerischer Arroganz zu kaustischer Pejoration für seine Gäste. Als die Theatralik zwischen den Tellern feindselig wird, muss Margot Mills versuchen, den tyrannischen Koch zu überlisten, wenn sie mit ihrem Leben davonkommen will.

"Die Geschmacksprofile sind alle sehr delikat!" Und das sollten sie auch, denn für 1250 Dollar pro Person werden alle möglichen Eliten bedient, von Wall Street-Typen über berühmte Persönlichkeiten bis hin zu versnobten Schriftstellern. Trotz der Gemeinsamkeit, dass sie der Oberschicht angehören und eine fürstliche Bewirtung gewohnt sind, gibt es unter ihnen keine durchschnittlichen Menschen, sondern sehr unterschiedliche Personen. Einige interessieren sich sehr für die Geschmacksnuancen, andere genießen einfach die Exklusivität und das Recht, damit zu prahlen, und mindestens einer ist völlig skeptisch. "Was, essen wir eine Rolex?"

Obwohl die ersten Momente eine leichte, luftige und humorvolle Atmosphäre verbreiten, ist es unmöglich, die Tatsache zu ignorieren, dass die Feinschmecker in eine isolierte Gegend reisen, die nur durch eine einsame Bootsfahrt mit der Zivilisation verbunden ist. Zudem suggeriert die markante Musik auf unheimliche Weise, dass nicht alles so ist, wie es scheint - heftig gezupfte Geigensaiten unterstreichen diesen Eindruck. Der Chefkoch und seine Belegschaft nehmen ihren Job so ernst, dass ihr Verhalten kryptisch, verdächtig und kriminell ist. Das Personal wirkt bösartig, noch bevor es zu echten Drohungen kommt. Der größte Teil des Vergnügens liegt in der Mischung aus Komödie und Hochspannung, aber der größere Teil ist der Aufbau und die Aura, dass es viel zu lange dauert, scheinbar zwei Gänge zu viel, bevor die Exzentrizitäten zu Albträumen werden.

Die Psychospielchen und Gags, die sich mit zahllosen Aufnahmen exotischer Speisen abwechseln, bei denen die Kunstfertigkeit Vorrang vor den bloßen Nährstoffen hat, gipfeln schließlich in dem einen oder anderen Schockmoment, der den Betrachter in Erwartung des kommenden optischen Horrors zusammenzucken lässt. Doch während "The Menu" in der Mitte einen brillanten Höhepunkt erreicht, gelingt es ihm nicht, sich im Finale zu steigern. "The Menu" verliert recht schnell an Dynamik und verrät früh seinen Zweck als Satire, indem es auf die Verblendung der Menschen in Bezug auf Macht, Kontrolle, Gehorsam, Verletzung der Privatsphäre, Gier, Rache und Aufmerksamkeit anspielt, aber vor allem die tiefe Kluft zwischen Arm und Reich, Nehmen und Geben, Aristokratie und Proleten aufspießt, die von Gefühlen der Vergeblichkeit und Hilflosigkeit durchzogen ist. "Das ist doch nur Theater!"

Die Speisekarte in "The Menu" ist nicht ganz so subtil, wie sie sein sollte, und dehnt seine Laufzeit mit fragwürdigen Eskalationen des Wahnsinns, einschließlich eines mysteriösen ursprünglichen Dates, das nie definiert wird. Auch die Familie des Meisterkochs und sein geheimnisvolles Domizil werden nicht näher erläutert. Eine sportliche Flucht in den Wald ohne klare Gewinner, Verlierer oder Konsequenzen und ein Hilferuf, der sowohl präzise inszeniert als auch rein zufällig ist, da ein wichtiges Kommunikationsgerät so unter Verschluss gehalten wird, dass niemand mit Sicherheit wissen konnte, dass es entdeckt werden würde. Einige der uninspiriertesten, unapologetischen Konzepte neigen dazu, sich an Horrorthemen zu orientieren, vor allem das übermäßig mutige, extrem neugierige Mädchen, was schade ist, denn die Mischung aus Humor und Gruselfaktor ist das, was "The Menu" im Allgemeinen auszeichnet. Je skurriler und strenger die Gänge und ihre Beilagen werden, desto origineller und witziger wird das Ganze, das Parallelen zu "Pig" von Michael Sarnoski aufweist, sich aber in seinem Sarkasmus, seinen Lachern und seiner Botschaft als viel pointierter und kreativer erweist. Leider zieht sich "The Menu" etwas in die Länge, ohne die von vielen erwartete Wucht zu entfachen, auch wenn das jüngste Gericht immens treffend und witzig ist.

Im Dokumentarfilm "Good Night Oppy" des Regisseurs Ryan White machen sich die Zwillingsroboter 'Opportunity' und 'Spirit' 2003 auf den Weg zum Mars, mit einer Lebenserwartung von nur 90 Tagen, oder 'Sols', wie die Tage auf dem Mars heißen. Doch bevor es soweit ist, zeichnet diese Doku die Geschichte der Erforschung des Roten Planeten nach, von den Viking-Missionen in den 1970er Jahren über die Freigabe der Rover- und Landermodelle in den 1980er Jahren bis hin zu dem äußerst anspruchsvollen zweijährigen Startplan, der durch die seltene Konstellation von Erde und Mars diktiert wurde. Dieses milliardenschwere nationale Projekt, das bewusst so gestaltet wurde, dass es mit dem Menschen in Kontakt treten kann - von einem gesichtsähnlichen Kamerasystem bis hin zu einer Höhe von etwas mehr als einem Meter fünfzig im menschlichen Durchschnitt -, besteht aus zwei autonomen, solarbetriebenen Robotern, die in einigen Wochen vom Kennedy Space Center abheben und separat starten sollen.

Der Aufwand, um die Roboter zu entwickeln und ins All zu bringen, ist astronomisch. Dies gilt auch für die Möglichkeiten des Scheiterns, die nicht nur von äußeren Kräften wie Sonneneruptionen, Staubstürmen und eisigen Temperaturen abhängen, sondern auch von der Komplexität der Bruchlandung vor dem Aufprall auf der Marsoberfläche selbst. "Good Night Oppy" ist fast wie ein Thriller zusammengeschnitten, mit Rückblenden auf frühere gescheiterte Missionen und gelegentlichen manipulativen Verzögerungen, um Spannung zu erzeugen. Es gibt sogar merkwürdige, irrelevante Aufnahmen aus der Kindheit einiger NASA-Mitarbeiter, als ob es interessanter wäre, die Geschichte der verschiedenen Erzähler im Detail zu beschreiben. Doch die geologischen Informationen, die vom Mars zurückkommen, sind zweifellos wichtiger als das Privatleben der Wissenschaftler und Ingenieure, auch wenn die Fachleute selbst zu wertvollem Filmmaterial in ihrem Arbeitsumfeld beitragen.

Dennoch ist es hilfreich, dass NASA-Experten als Interviewpartner hinzugezogen werden, vor allem aus dem 'Jet Propulsion Laboratory' in Pasadena, Kalifornien, darunter ein Missionsmanager, ein leitender Systemingenieur, Rover-Fahrer, führende Wissenschaftler, Maschinenbauingenieure, ein Robotertechniker und ein Kamerabetriebsingenieur. Die Schauspielerin Angela Bassett leiht ihre Stimme auch für Kommentare und um aus dem Tagebuch des Rovers vorzulesen, während ein klassischer Rocksoundtrack die Stimmung auflockert, der Teil einer morgendlichen Wecktradition der Astronauten ist. Da "Good Night Oppy" im Wesentlichen eine Geschichte über das Leben der Roboter ist, ist die Chronologie einfach zu verstehen, ebenso wie die Strukturierung, bei der Fallstricke auftreten und zusätzliche Missionen geplant werden, wenn die 90-tägige Lebensdauer weit überschritten wird. Die Geschichte ist offensichtlich, während das Thema in der Regel interessant genug ist, um einen Dokumentarfilm in Spielfilmlänge zu rechtfertigen.

Die von der renommierten Special-Effects-Firma 'Industrial Light & Magic' geschaffenen Ausblicke auf den Mars, die in verschiedenen Schwenks durch felsiges Gelände zu sehen sind, sind zwar visuell reizvoll, könnten aber etwas mehr Schärfe vertragen. Jedes Mal, wenn nicht ganz klar ist, was simulierte Computergrafiken und was tatsächliche Fotos vom Mars sind, ist das ein wenig verwirrend, auch wenn es auf der Hand liegen sollte, dass die meisten der Bilder konstruiert wurden. Zudem werden dadurch die technologischen Kapazitäten der NASA erheblich unterminiert. Fast keine der dargestellten Daten könnte ohne computeranimierte Ergänzungen auf ansprechende Weise präsentiert werden. Nur selten wird gezeigt, wie primitiv einige der Aufnahmen sind, da die Kameras altern, und immer in Schwarzweiß gehalten sind, vor allem, wenn man die modernste Technik des heutigen Kinos erwarten könnte.

Letztendlich macht jedoch die Einzigartigkeit der Marsforschung diese Dokumentation lohnenswert, da sie Details über die bemerkenswerten Entdeckungen liefert, insbesondere über das frühere Vorhandensein von Wasser, das möglicherweise mikrobielles Leben in der Vergangenheit begünstigt hat, und gleichzeitig die außergewöhnliche Zeitspanne aufzeigt. Der durchschnittliche Laie wird sich jedoch kaum vorstellen können, dass die von den Rovern gemachten Entdeckungen von fundamentaler Bedeutung sind. Die Ergebnisse vom Fund von Wasser auf dem Mars werden den meisten Menschen noch nicht bewusst sein. Aber es ist auch faszinierend zu sehen, wie die neue Generation von NASA-Ingenieuren, die als Kinder und Studenten eines Tages am Opportunity-Programm teilnehmen wollten, nun ihre beruflichen Träume verwirklichen. Obwohl "Good Night Oppy" etwas zu lang ist und mit einigen eindeutig redundanten Sequenzen aufgefüllt wurde, insbesondere wenn es um die Interaktion der Wissenschaftler in ihren Häusern mit ihren Familien geht, ist der Film durchweg unterhaltsam, speziell für alle, die neugierig auf das Schicksal von 'Opportunity' und 'Spirit' und deren Aufenthalt auf dem Mars sind.

Selten wird der Betrachter mit einem Actionfilm verwöhnt, der so energisch mitreißt und gleichzeitig mit humanistischen Einschnitten, subtilen Botschaften und moralischen Untertönen zwischen den Zeilen garniert ist. Die radikalen Anti-Helden in "Express in die Hölle" von Regisseur Andrey Konchalovskiy sind unglaublich originell. Einfach ausgedrückt: Die Guten sind böse und die Bösen sind gut. Dieser drastische Perspektivenwechsel sorgt für ein düsteres und zugleich ergreifendes Erlebnis, auf das der wenig klangvolle Filmtitel den Betrachter nicht adäquat hätte vorbereiten können.

Oscar 'Manny' Manheim (Jon Voight) ist ein refraktärer Straftäter, der mit dem jüngeren, naiven Häftling Buck (Eric Roberts) aus einem Hochsicherheitsgefängnis in Alaska ausbricht. Auf ihrer Flucht besteigen sie versehentlich einen Zug, dessen Fahrer an einem Herzinfarkt gestorben ist. Die beiden Gefangenen steuern mit hoher Geschwindigkeit auf eine Katastrophe zu und versuchen gemeinsam mit der einzigen anderen Passagierin in der Bahn, der Angestellten Sara (Rebecca De Mornay), dem drohenden Verderben zu entkommen. Der sinistre Aufseher Renken (John P. Ryan) will die Sträflinge tot sehen, während die versammelten Bahnangestellten alles tun, um zu verhindern, dass der mechanische Moloch in Frontalzusammenstöße verwickelt wird, baufällige Brücken überquert und in einer buchstäblich giftigen Entgleisung endet.

Jon Voight und Eric Roberts verleihen ihren Figuren eine überzeugende Charaktertiefe und bilden eine faszinierende, ungewöhnliche Allianz. Jon Voight ist ein zugkräftiger Hauptdarsteller, wenngleich sein Charakter gezeichnet, verbittert, nicht kalkulierbar und ein verkommener Unmensch ist, der die Weichen für eine erheiternde Erlösung stellt. Eric Roberts stellt ebenfalls einen Kriminellen dar, aber im Gegensatz dazu ist er unkomplizierter und gelassener. Er ist ein Verbrecher ohne tiefgreifende kognitive Fähigkeiten und lässt sich von seinem korrupten Vorbild wie ein Prügelknabe manipulieren. Auch die Dialoge sind bemerkenswert und tragen dazu bei, die gegensätzlichen Standpunkte von Oscar und Buck zu definieren und ihre Überlebensmentalität zu erklären. Rebecca De Mornay ist der dünne Draht, der sie davon abhält, sich gegenseitig umzubringen, und der Schlüssel zum Verständnis und zur Berechnung ihrer kollektiv verzweifelten Lage. Die überragende Schauspielkunst von Jon Voight und Eric Roberts blieb nicht unbemerkt, denn beide wurden 1985 für den Oscar nominiert.

Nach einem Drehbuch des mythischen Pioniers Akira Kurosawa ist "Express in die Hölle" voll von den Abgründen des Lebens, des Todes, der Aggression, der ethischen Entscheidungen und des wandelbaren Schicksals. Akira Kurosawas Handschrift macht aus einem ansonsten simplen Film ganz und gar nachdenklich stimmende Unterhaltung, deren bekannte Motive ein spannendes Action-Panoptikum bilden, das sowohl Herz als auch wildes Abenteuer enthält. Regisseur Andrey Konchalovskiy hat nur wenige amerikanische Filme gedreht, darunter die "Lethal Weapon"-Kopie "Tango & Cash", aber dieses frühe Werk ist ein außergewöhnliches Regiedebüt.

Mit viel nervenaufreibender Spannung zwischen dem erzürnten Trio schafft es "Express in die Hölle", dem Betrachter die moralischen Dilemmata und tiefgreifenden Sorgen der Figuren nahe zu bringen. Der unabänderliche Lauf des rasenden Zuges ist eine Parallele zum menschlichen Schicksal und seinem Kampf, es zu ändern, aber "Express in die Hölle" vermischt auch filmische Themen wie Rache, die Akzeptanz der Sterblichkeit, die animalische Natur des Menschen, das ultimative Opfer und den inbrünstigen Wunsch nach Frieden. Zahlreiche Elemente, die auf unvorhersehbare Weise miteinander verknüpft sind, wirken zusammen und offenbaren eine Intensität und unterschwellige Ergriffenheit, die angesichts des klischeehaften Actionfilmtitels sehr positiv auffällt. Dieser Sonderzug hat weit mehr zu bieten als die erwartete Flut von mörderischen Ausweichmanövern.

Oft wird er als der größte japanische Film aller Zeiten angesehen, was umso interessanter ist, da der legendäre Regisseur Akira Kurosawa sich an den Western amerikanischer Großmeister wie John Ford orientierte: "Die sieben Samurai" ist eine spannende Geschichte über Ehre, Tapferkeit und Liebe. Die meisterhaft zusammengestellte und getaktete, üblicherweise erschreckende dreieinhalbstündige Laufzeit fühlt sich nie unter- oder überstrapaziert an, zumal fesselnde Geschichten, tiefgründige Charakterentwicklungen, sensationelle schauspielerische Leistungen und atemberaubende Momente mit überwältigender Inszenierung die Bühne häufig überfluten. Sein Herz und seine Botschaft, angereichert mit Einblicken in die romantische und doch historische japanische Kultur und Vorstellungskraft, machen dieses hochgelobte Epos zu einem wahren Filmgenuss für Connaisseure.

Ein kleines Gerstendorf wird von Banditen terrorisiert. Jedes Mal, wenn die Ernte eingebracht wird, werden die Bewohner ausgeplündert und haben kaum genug zu essen, um zu überleben. Nach einer Beratung mit dem Dorfältesten (Kuninori Todo) wird beschlossen, dass die Delegierten in die Stadt gehen und starke Samurai anheuern sollen, um sie zu beschützen. Der Bauer Manzo (Kamatari Fujiwara) und seine beiden Gehilfen können als Gegenleistung für den gefährlichen Dienst nur Lebensmittel anbieten, stoßen aber glücklicherweise auf den edlen Ronin Kambei (Takashi Shimura), der sich bereit erklärt, ihnen zu helfen. Seine Motive liegen jenseits materieller Belohnungen - er ist ein Mann, der von unsichtbaren Kräften und unerklärlichen Prinzipien ermutigt wird, einfach das Richtige zu tun. Er beginnt, alte Kameraden und arbeitslose, hungrige Krieger zusammenzutrommeln, bis sechs Samurai und ein Nachzügler, der darauf besteht, mitzukommen, ins Dorf zurückkehren, um sich den Marodeuren entgegenzustellen.

Die Prämisse ist einfach, doch der Ansatz ist hervorragend. Akira Kurosawa hat die Beweggründe und Gedanken, die hinter den vielschichtigen Taten der Nächstenliebe, des Heldenmuts und der Aufopferung stehen, sorgfältig analysiert und eine akribische Charakterstudie einer Vielzahl von Persönlichkeiten geschaffen. Der erste Samurai, der sich Kambei anschließt, wird durch unbedingten Respekt geleitet, der auch keine Gegenleistung verlangt. Der zweite Samurai schließt sich an, noch bevor er die Einzelheiten des unvermeidlichen Angriffs erfährt, da er schon lange mit dem berühmten Ronin befreundet ist. Ein junger Schüler beteiligt sich, nachdem er Zeuge einer großzügigen Darbietung von Geschicklichkeit geworden ist. Andere fühlen sich von der Vorstellung angezogen, noch einmal in die Schlacht zu ziehen - eine historische, bewegende Aktivität, die einem Samurai ein Ziel gibt.

Der siebte Samurai ist Akira Kurosawas Günstling Toshiro Mifune als Kikuchiyo, der auf denkwürdige Weise einen clownesken, draufgängerischen Gegenpol zum ruhigen, gefassten Anführer bildet. Er will seine Mitstreiter beeindrucken und sich einen Platz unter den wahren Kriegern verdienen, aber er ist sich auch des Leids der Dorfbewohner bewusst und sucht nach persönlicher Vergebung für seine vergangene Schuld. In geschickt konstruierten Szenen der Ironie demonstriert Kikuchiyo grundlegende Kampffähigkeiten mit gewissen Ergebnissen, aber mit viel weniger Geschick als seine Kompagnons. Wenn ein Oberer zwei Schurken mit zwei gezielten Schwerthieben ausschaltet, kann man sehen, wie Kikuchiyo auf den dritten springt und wild um sich schlägt, um ihn zu überwältigen. Er ist ständig auf der Suche nach Aufmerksamkeit und macht sich über die Taktiken seiner Kameraden lustig, weil er sich selbst mehr zu beweisen hat, als es die Belehrung durch seinesgleichen je könnte. Seine Bedeutung ist am stärksten in der Überzeugung, dass Rechtschaffenheit die besseren Eigenschaften in anderen anziehen kann. In der Welt von "Die sieben Samurai" ist Heldentum übertragbar.

Obwohl Akira Kurosawa die Stile des japanischen Kinos mit westlicher Feinfühligkeit vermischt, steht der Spannungsaufbau fast völlig im Kontrast zu dem moderner Filme. Heute würde die Musik anschwellen, um eindringliche Bilder einzuleiten, doch hier, während mehrerer Konfrontationen in der Nähe der feindlichen Festung, bricht die musikalische Gestaltung völlig ab und hinterlässt lange Momente der Stille - Stress und Angst spiegeln sich stattdessen in den Gesichtern der Darsteller wider. Diese ungestörte Abbildung des Kampfes dient nicht nur der Ehrfurcht, sondern auch dem Realismus. Im Endkampf, der bei schlechter Sicht in einer schlammgetränkten Arena stattfindet, verstärken verzweifelte Schreie und Kriegsgebrüll den todesverachtenden Angriff - eine Sequenz, die dank Akira Kurosawas erstmaligem Einsatz mehrerer Kameras noch spektakulärer wird.

Im Laufe von "Die sieben Samurai" werden unzählige paradigmatische Kampftaktiken und -strategien angewandt, die jeweils moralische Lektionen beinhalten. Die Rettung anderer, um sich selbst zu retten, die Zusammenarbeit im Team und die Vermeidung von Torschlusspanik, das Halten von Positionen, um den Feind zu zerstreuen, und die Aufrechterhaltung des Gefühls der Kontrolle stehen im Gegensatz zu den Problemen der sozialen Klasse, der Undankbarkeit oder der Unfähigkeit, kleine Erfolge zu würdigen, und der Angst, die sich aus ungewöhnlichen Unternehmungen für einfache Bauern ergibt. Weitere moralische Konflikte zeigen sich in einem offensichtlichen Unbehagen gegenüber den Menschen, für die viele der Samurai instinktiv und ohne zu zögern sterben würden, sowie in einer romantischen Nebenhandlung, in der sich eine Frau die Haare schneiden lässt und sich wie ein Mann kleidet, weil sie Angst vor der unberechenbaren Präsenz der herrenlosen Soldaten oder Söldner hat, als die sie anfangs gesehen werden. Vertrauen und die Überwindung von Vorurteilen sind die schwierigsten Aufgaben für die misstrauischen Dorfbewohner, die sich nicht wehren können, auch wenn sie keine andere Möglichkeit haben.

Am Ende gibt es sowohl eine große Tragödie als auch einen großen Erfolg. In einer Szene, die an das Ende von John Fords "Der schwarze Falke" erinnert, wird die Freude über Sieg und Unabhängigkeit nur den Bauern zuteil. Er symbolisiert einen Außenseiter, dem für immer die Chance verwehrt bleibt, sich der Menschheit anzuschließen, während Meister Kambei genau weiß, dass die einzige Entschädigung für die geleisteten Dienste und die verlorenen Leben in einem gesteigerten Selbstwertgefühl und dem Wissen besteht, den Bedürftigen geholfen zu haben - etwas, das nach dem Kodex der Samurai selbstverständlich ist. Ihre Errungenschaften werden schnell abgetan, während die Dorfbewohner jubeln und prompt vergessen, dass ihre Heilsbringer noch da sind - am Horizont. Aber so ist das Leben der Samurai, und für sie ist es damit getan.

In "Weißes Rauschen" von Regisseur Noah Baumbach ist das Leben von Jack Gladney (Adam Driver) als Familienvater und Professor an einem College in Ohio in den 1980er Jahren hektisch, was sich nicht in einer bestimmten Interaktion zeigt, sondern in einer Flut von sich überschneidenden Dialogen in einem Haus voller Kinder, die alle verdächtig altklug sind. Noch kontemplativer und existenzieller wird es, wenn er sich regelmäßig mit seiner Frau Babette (Greta Gerwig) über das Leben, das Sterben und die Bewältigung von familiären und gesellschaftlichen Gepflogenheiten unterhält. Beide sind im Wesentlichen vom Tod besessen. Selbst in seinem Klassenzimmer erörtert Jack Gladney, wie der Mensch zum Ränkeschmieden und Töten verleitet wird. Sämtliche Überlieferungen bleiben bis zum Ende des Lebens intakt. Und sein pädagogischer Ansatz ist Adolf Hitler und der Nationalsozialismus. "Lasst uns diese ziellosen Tage genießen, solange wir können."

Während die Figuren darüber nachdenken, wie langweilig und gewöhnlich, aber dennoch erfreulich und bemerkenswert ihr Dasein ist, wird deutlich, dass sich diese Personen auf spezifisch abnormale Weise verhalten. Sie mögen ihr Leben als alltäglich bezeichnen, aber es ist ungewöhnlich cineastisch, vielleicht sogar alarmierend, denn Jack Gladney träumt von jenseitigen, nächtlichen Ereignissen. Der Dialog ergießt sich weiter über den Betrachter, schnell und konvergierend und ohne große Pause, eine Informationsflut, die so komplex ist, dass es Mühe macht, sie zu verstehen. "Jeder vergisst gelegentlich etwas."

Es gibt auch einen anderen Professor, Murray Siskind (Don Cheadle), der sich auf Elvis Presley und andere Themen wie Autounfälle spezialisiert hat. In seinen Vorträgen, die sich oft mit denen von Jack Gladney überschneiden, werden Aufnahmen des King of Rock 'n' Roll, von Hitler-Kundgebungen, Sequenzen von Fahrzeugzerstörungen aus Filmen und gleichzeitigen Ereignissen wie einer Explosion giftiger Chemikalien gezeigt, von denen einige auf wichtige Themen hinweisen und andere in der Geschichte selbst eine Rolle spielen. Die Essenz scheint plötzliches Chaos zu sein, das sich mit absoluter Ordinarität paart. "Schaut nicht auf die Gewalt, hab ich gesagt."

Es gibt eine seltsame Tendenz zu Nahaufnahmen von Nahrungsmitteln, verträumten Nebenhandlungen, bizarren Narrationen und abrupten Stimmungswechseln, die durch Panik, Lügen und gezielte Fehlinformationen angeheizt werden. Jederzeit könnte sich "Weißes Rauschen" in einen Zombie-Apokalypse-Film verwandeln. Es ist fast so, als ob es sich um ein Experiment handelt, das die unerwartetsten Übergänge von Themen und Genres präsentiert, wobei okkulte Vorgänge und unheilschwangere Visionen die Normalität in schnellem Tempo überholen. Jede weitere Szene wird immer grotesker und unglaubwürdiger. "Geh nicht planmäßig vor."

Auch wenn "Weißes Rauschen" allein schon wegen der eigentümlichen Sprünge in der Erzählung einigermaßen spannend ist, so ist der Sinn dieses Unterfangens mehr als unklar. Der Film ist absurd, satirisch, überhöht und manchmal geradezu wahnsinnig komisch, aber selten hat man das Gefühl, dass er eine bedeutende Bedeutung hat. Vielleicht geht es einfach darum, dass das Leben zufällig, unvorhersehbar, unkontrollierbar und letztlich unvermeidlich ist. Es werden Fehler gemacht, und es wird zu Havarien kommen. Vielleicht ist es aber auch nur die Geschichte einer Familie, die versucht, einen alarmierenden Chemieunfall zu überleben, oder vielleicht eine Verurteilung von Religion und Konsumverhalten, vielleicht aber auch ein Kommentar dazu, wie die Technologie die Menschheit in den Untergang führen wird. Auf jeden Fall sind die Darbietungen unterhaltsamer als jede andere Komponente, denn die Schauspieler lassen sich voll und ganz auf die Unbeständigkeit und den Irrsinn ein. Sicherlich ist die Geschichte ein frenetisches Durcheinander von Abenteuer und Drama, ein undurchschaubares Gewirr von Thriller und Komödie, das sich wie ein episches Roadtrip-Experiment dreht und windet. "Ich möchte wissen, wie viel Angst ich haben sollte."

Noah Baumbach, der das Buch von Don DeLillo verfilmt, hat vielleicht die Absicht, den Roman auf eine Weise zu interpretieren, von dem er weiß, dass er berühmt genug ist, um analysiert, gefeiert und erklärt worden zu sein, aber es ist ihm egal, ob der Betrachter den Prozess begreift. Der Versuch, den Inhalt zu entschlüsseln, erweist sich trotz kleiner Hinweise meist als unverständlich und zuweilen als frustrierend. Der Pfad ist außerdem überlang und grenzt ständig an die Ambiguität von Realität und Illusion. Das Problem ist, dass wenn nichts ernst oder wörtlich genommen werden kann, nichts viel Bedeutung hat. Was sich hier zusammenbraut, kann sehr bildhaft sein und ist weder einfach noch leicht nachzuvollziehen, was viele Betrachter sicher vor den Kopf stoßen wird. "Will denn niemand darauf achten, was eigentlich geschiet?"

Im vierten Teil der "The Crow"-Franchise, der in Deutschland nur unter dem Titel "Wicked Prayer" bekannt ist und bei dem Lance Mungia Regie führte, liegt der stark verschmutzte 'Ravasu-See' an der Grenze zum 'Raven-Azteken-Reservat', das die nahe gelegene Giftmine schließt, um Platz für ein Kasino zu schaffen. Die Bergleute sind am Ende ihrer Kräfte, aber erst ein Aufstand unter der Führung des satanischen Sektenführers Luc Crash alias 'Death' (David Boreanaz) und seiner rachitischen, anarchischen Häscher 'Pestilence' (Yuji Okumoto), 'War' (Marcus Chong) und 'Famine' (Tito Ortiz) macht ihnen das Leben zur Hölle. Die Gemeinde ist gespalten: Die einen unterstützen den Bau eines Resorts, die anderen fordern den Erhalt von Arbeitsplätzen im Bergbau, was zu allerlei sozialem Unfrieden führt.

Mit von der Partie sind Jimmy Cuervo (Edward Furlong) und seine Freundin Lily (Emmanuelle Chriqui), die von entgegengesetzten Seiten kommen und ihre Freunde und Bekannten in große Sorge versetzen. Doch ihre Differenzen werden bald überflüssig, als Luc Crash und seine Freundin Lola Byrne (Tara Reid) in Lillys Arbeitsplatz einbrechen, die beiden Liebenden gefangen nehmen und anschließend aufknüpfen. Der Tod ist jedoch nur der Anfang, denn ein bizarres Ritual sorgt dafür, dass Jimmy Cuervos Seele mit Hilfe einer mystischen Krähe zurückkehrt, um das ihm angetane Leid zu korrigieren.

Wenn Tara Reid in einem Spielfilm auftritt, ist das automatisch ein negatives Omen. Und tatsächlich sind ihre ersten Dialogzeilen so wenig überzeugend, dass man meinen könnte, sie wüsste nicht, dass sie in einem Film mitspielt. Die Filmemacher sind sich ihres schauspielerischen Versagens durchaus bewusst und gehen sogar so weit, ihre Stimme aus dem Off sprechen zu lassen und nicht aus ihrem ihr Gesicht, wenn sie spricht. Das fällt kaum ins Gewicht, denn dem Drehbuch mangelt es weitgehend an Sensibilität und Kreativität. Die jenseitigen Elemente sind langweilig und unklar genug, dass so ziemlich alles passieren kann, ohne dass es deplatziert oder interessant wirkt.

Diese willkürliche Konstruktion mit wackeligen, schlampigen Schnitten und bemitleidenswerten Dialogen trägt nicht zur Ernsthaftigkeit der Gewalt bei, die so brutale Konzepte wie das Herausschneiden von Augäpfeln und das Herausreißen von Herzen beinhaltet, ohne viel zu zeigen. Die Action-Sequenzen sind vergeblich darauf ausgelegt, die Tatsache zu umgehen, dass niemand wirklich kämpfen kann. Ähnlich abstrus sind die verschiedenen Beziehungen, die routinemäßig in unstrukturierten Rückblenden und abrupten Schnittbildern erzählt werden. Selbst extrem unwichtige Nebenhandlungen erhalten Hintergrundgeschichten, die nicht weniger wichtig erscheinen könnten. Darüber hinaus ist die Geschichte gespickt mit biblischen Referenzen und anderen Motivationen, die so widersinnig und unlogisch sind wie Jimmy Cuervo, der sein Gesicht mit schwarzem Eyeliner weiß anmalt und sich in zerrissenes Leder kleidet, was hier eher lächerlich als unheimlich wirkt. "Bist du ein Engel?"

Die Optik und das Grundprinzip basieren auf der Comic-Reihe von James O'Barr - diese vierte Verfilmung ist von einem bestimmten Roman gleichen Titels inspiriert -, was der gotischen Aufmachung und dem Stil sowie den Themen Rache und Erlösung zugute kommt, aber dieses neueste Kapitel hat nichts Neuartiges zu bieten. Offensichtlich passieren jedes Mal, wenn die Krähe einen zu Unrecht ermordeten Menschen wiederbelebt, genau dieselben Dinge, nämlich dass verschiedene Schläger zur Vergeltung herangezogen werden, dass die vorübergehenden Verletzungen des metaphysischen schwarzen Vogels sich auf sein menschliches Gegenstück auswirken, dass die Bösewichte sadomasochistische Aktivitäten ausüben und dass viel geschimpft wird. Alles hier ist so stumpfsinnig, schlecht ausgeführt und lachhaft dämlich, dass der Schluss fast unbegreiflich schwachsinnig wird, als ob er sich absichtlich selbst verhöhnt und nur zeitweise an einen richtigen Film erinnert. Selbst die üblicherweise unterhaltsame Nebenbesetzung mit Danny Trejo und einem augenzwinkernden Dennis Hopper kann diese Katastrophe nicht davor bewahren, grundsätzlich unsympathisch zu sein. "Küss die Braut, du Wichser!"

In "The Crow 3: Tödliche Erlösung" von Regisseur Bharat Nalluri suchen Nathan Randall (William Atherton) und seine Tochter Erin (Kirsten Dunst) Gerechtigkeit für den Tod von Lauren (Jodi Lyn O'Keefe), Erins Schwester, die drei Jahre zuvor mit 53 Messerstichen ermordet wurde. Der einundzwanzigjährige Alexander Frederick Corvis (Eric Mabius) sitzt wegen dieses Verbrechens in der Todeszelle, obwohl er immer seine Unschuld beteuert hat und einen unbekannten Mann mit einer Reihe von Narben entlang seines Unterarms beschuldigt. Die Geschworenen glaubten ihm jedoch nicht, weil die Mordwaffe bei ihm gefunden wurde, und so droht ihm die Exekution. In einer dunklen und stürmischen Nacht wird er auf den elektrischen Stuhl geführt, festgeschnallt und vor einer kleinen Versammlung von Zeugen gegrillt. "Ich bin unschuldig."

Wie sich herausstellt, ist die Geschichte von Alexander Frederick Corvis noch nicht zu Ende, zumal der eigentliche Mörder im Observationsraum sitzt und kurz seinen entstellten Arm zeigt. Dank einer übernatürlichen Intervention und dem Auftauchen einer großen schwarzen Krähe erwacht Alexander Frederick Corvis lebend aus dem Leichenschauhaus, auch wenn sein Gesicht bis zur Unkenntlichkeit verbrannt ist, weil ihm bei der Hinrichtung eine komisch-düstere Metallmaske aufgesetzt wurde. Doch wenn man eine Hautschicht abzieht, kommt ein vertrauteres Gesicht zum Vorschein, abgesehen von der dunklen Schminke um die Augen, dem pastellweißen Fleisch und den blutigen Furchen auf seinen Wangen und Lippen. Alexander Frederick Corvis hat die Fähigkeit, sich nach Belieben in eine Krähe zu verwandeln. Er fliegt vom Gefängnis zum Polizeirevier, um seine neue Bestimmung, den Mord an Lauren aufzuklären, anzutreten. Außerdem ist er unbesiegbar, was seinen detektivischen Aktivitäten sicher nicht abträglich sein wird.

Die Handlung dieses dritten Films der Reihe ist praktisch dieselbe wie zuvor: Ein Mann kehrt von den Toten zurück, um eine geliebte Person zu sühnen und sich an denen zu rächen, die ihm Unrecht getan haben. Dazu kommen eine unschuldige junge Frau, die in den Schlamassel verwickelt ist, eine Reihe böser Nebenfiguren, die schändliche Taten vollbringen, und jede Menge schäbige Schauplätze, gotische Gewandungen und gewalttätige Szenen. Da es so wenige Protagonisten gibt, ist es unglaublich schwierig, sich dafür zu interessieren, wer in diesem Film lebt oder stirbt. Da Alexander Frederick Corvis eine unbezwingbare übermenschliche Kraft ist, ist es nie eine Option, ob es ihm gelingen wird, seine Widersacher aufzuspüren oder nicht.

Interessanterweise hat "The Crow 3: Tödliche Erlösung" einen ähnlichen Ton wie seine Vorgänger und greift viele vergleichbare Szenen und Themen auf. Von der Musik über die Beleuchtung bis hin zu den Kulissen, dem Make-up und den Kostümen - zumindest das Aussehen und die Atmosphäre stimmen mit dem überein, was 1994 mit dem auf einer Comicserie basierenden Film begonnen wurde. Die blutigen Bilder und die damit verbundenen Grotesken sind ebenfalls passend, auch wenn das Geheimnis weniger offensichtlich sein soll, da die Hauptschuldigen nicht sofort offenbart werden. Dummerweise ist die Hierarchie der Schurken so bieder, dass die finalen Aufklärungen nicht besonders erbaulich sind.

Abgesehen von den Wiederholungen, leidet dieser dritte Teil immer wieder an den dürftigen schauspielerischen Leistungen, insbesondere von Eric Mabius, dessen fehlendes Ausstrahlungsvermögen ein großes Manko ist. Kirsten Dunst ist weitaus besser, doch muss sie noch an ihrer Performance feilen, während fast alle Spießgesellen absolut unfähig sind. Das ist jedoch kein großes Problem, wenn der Fokus des Films auf actionorientierten Showdowns, Schießereien und Explosionen liegt. Ein paar Kampfsequenzen und die dazugehörigen Stunts sind zwar teilweise ganz unterhaltsam, aber letztlich kann diese formelhafte, morbide und gelegentlich seltsam bösartige Rachefantasie dem Franchise kaum etwas Neues abgewinnen.

In "The Crow - Die Rache der Krähe" von Regisseur Tim Pope wird die Tätowiererin Sarah (Mia Kirshner) von Albträumen über einen traumatischen Vorfall auf einem Dock heimgesucht, der Tod und Zerstörung durch die Hand des Verbrecherkönigs Judah Earl (Richard Brooks) bringt, der ihre Stadt mit Drogen, Prostitution und Angst beherrscht. Außerhalb dieser Stadt, in ständiger Dunkelheit und Unordnung, glaubt Sarah an eine Art Fegefeuer, einen Ort, an dem ruhelose Seelen umherwandern und auf eine Chance warten, das Unrecht in ihrem Leben wiedergutzumachen. Und für Judah Earl steht eine ganze Reihe von Vergeltungsmaßnahmen auf dem Programm.

Das Opfer in Sarahs Träumen war Ashe Corven (Vincent Perez), der erschossen, zusammen mit seinem kleinen Sohn an Stacheldraht gebunden und in den Fluss geworfen wurde. Doch dank einiger übernatürlicher Einflüsse und einem unstillbaren Verlangen nach Rache ist Ashe Corven von den Toten auferstanden. Eine große schwarze Krähe, die Sarahs Haus besucht, inspiriert sie dazu, Ashe Corven zurückzubringen und ihm eine Bleibe zu geben.

Basierend auf der Comicserie von James O'Barr, behält diese Fortsetzung die Morbidität, Gewalt und BDSM-Thematik des Originals bei, zusammen mit kontrastierenden religiösen Komponenten, die tatsächlich gut gegen die unerbittliche Devianz anspielen. Leider gibt es auch viele Wiederholungen von Bekanntem und die gleiche Geschichte wird in abgehackten Rückblenden und verschwommenen Visionen erzählt. Es ist genauso unheimlich und düster, mit der gleichen Paarung aus einer jungen Frau und einem blassen Selbstjustizler, die eine Hierarchie von Bösewichten aufspüren, alle in schwarzes Leder und clowneskes Make-up gekleidet, während im Hintergrund Rockmusik dröhnt. Zudem gibt es sogar eine asiatische Bösewichtin (Thuy Trang), die Bai Lings Nebenrolle aus dem Jahr 1994 dupliziert - eine merkwürdige Wahl für eine Reproduktion. "The Crow - Die Rache der Krähe" ist im Prinzip eine Neuverfilmung.

Dieser rabenschwarze Neo-Noir-Superheldenfilm erinnert auch an Tim Burtons "Batman"-Filme, in denen die überlebensgroßen Heldentaten und bunten Farben gegen Blutrünstigkeit und allgemeine Verschrobenheit eingetauscht wurden. Hier sind die Folterungen und die Freikörperkultur etwas radikaler, aber der Mangel an Komik, die Gothic-Garderobe und das gedämpfte Farbschema sind unverkennbar identisch. Tatsächlich ist es schwer, den Stil von 'The Crow' nicht mit dem von Batmans Erzfeind, dem Joker, zu vergleichen. "Wir haben dich getötet, Mann!"

In die Düsternis mischt sich aber auch unfreiwilliger Humor, vor allem wenn Thomas Jane als untergebener 'Nemo' fast eine Minute lang in Echtzeit masturbiert. Ebenso besteht ein Großteil des Films aus Wiederholungen, vor allem durch sich überschneidende Reflexionen, die den allzu simplen Racheplan in die Länge ziehen. Schließlich gibt es nicht so viele Sündenböcke, und Ashe Corven hat kein großes Interesse daran, irgendetwas zu tun, außer Namen auf seiner Todesliste abzuhaken.

Zugegeben, es hat einen gewissen Unterhaltungswert, wenn ein skrupelloser Protagonist eine Bande von besonders kaltherzigen Gegnern gnadenlos malträtiert und exekutiert, aber es ist sicherlich nicht genug, um einen Langspielfilm zu rechtfertigen. Und das ist nicht das erste Mal, dass all dies mit denselben Personen in fast identischen Szenarien geschieht. "Wie kann man einen Mann aufhalten, der bereits tot ist?"

Der Legende nach trägt eine Krähe die Seelen der Verstorbenen in das Reich der Toten. Wenn aber etwas so Schreckliches passiert, dass die Seele nicht ruhen kann, bringt die Krähe sie zurück in das Land der Lebenden, um die Dinge wieder in Ordnung zu bringen. Genau das passiert in "The Crow - Die Krähe" von Regisseur Alex Proyas, als Eric Draven (Brandon Lee) und seine Verlobte Shelly Webster (Sofia Shinas) in einer Halloween-Nacht von einer Bande mörderischer Brandstifter brutal überfallen werden. Stunden vor ihrer Hochzeit wird Shelly verprügelt, vergewaltigt und dem Tod überlassen, während Eric erstochen, erschossen und aus einem Fenster geworfen wird - ein ikonisches Portal, das für sein wachsames Auge über die Stadt, die kriminellen Aktivitäten und die geliebten Menschen steht, sowie für die Vision seiner Wächterkrähe. Ein Jahr später erhebt sich Eric Draven aus seinem Grab, legt ein schwarz-weißes Make-up auf, um einen Pantomimen aus der Hölle zu imitieren und macht sich in der selben Verkleidung, die er als Frontmann seiner Rockband 'Hangman's Joke' trug, auf den Weg, um seinen Mord zu vergelten. "Sie sind alle tot. Sie wissen es nur noch nicht."

Die kleine Sarah (Rochelle Davis) erzählt uns zaghaft, dass sie ein junges Mädchen mit einer drogenabhängigen, prostituierten Mutter (Anna Thomson) ist, die auf der Straße lebt und gezwungen ist, für sich selbst zu sorgen, aber von einem freundlichen Polizisten namens Sergeant Albrecht (Ernie Hudson) unterstützt wird. Beide Figuren sind regelmäßig in die Handlung verwickelt, können sich aber nicht gegen das mächtige, korrupte Gangsternetzwerk behaupten, das hinter allen filmreifen Verbrechen in der Stadt steckt. Wie in jeder guten Rachegeschichte beginnt Eric Draven am unteren Ende der Nahrungskette der Bösewichte und arbeitet sich nach oben, wobei er jeden einzelnen Ganoven mit gewalttätigem, potenziertem Elan ausschaltet. Die Verbrecher, die er jagt, sind genauso überdreht wie der gezeichnete Anti-Held - jeder von ihnen wird immer psychotischer, verrückter, überheblicher und verabscheuungswürdiger.

Sie haben auch einprägsame Spitznamen, die sie als minderwertige Menschen charakterisieren. 'Tin-Tin' (Laurence Mason), von dem Eric Draven einen dicken schwarzen Mantel stiehlt, ist das erste Ziel, gefolgt von 'Funboy' (Michael Massee), 'T-Bird' (David Patrick Kelly) und einigen anderen. Schließlich muss sich Eric Draven mit dem turmhohen 'Grange' (Tony Todd) und dem langhaarigen, schwertschwingenden Anführer 'Top Dollar' (Michael Wincott) auseinandersetzen, der einige witzige Macho-Dialoge führt und immer seine geistesgestörte asiatische Schwester/Geliebte Myca (Bai Ling) an seiner Seite hat - eine emotionslose Frau, die mit äußerster Ernsthaftigkeit absoluten Blödsinn von sich gibt und ihren Opfern gerne die Augäpfel herausschneidet. Sie alle sind im Grunde genommen Wahnsinnige, schwer bewaffnet und mit bizarren Anomalien begabt, doch glücklicherweise ist Eric Draven zusätzlich mit Unbesiegbarkeit gesegnet.

Alles scheint sich in der Nacht abzuspielen, so dass die morbiden Bilder in Schwärze getaucht sind. Besonders wirkungsvoll ist die Bildkomposition mit schnellen Schnitten und intensiven Lichtblitzen, um die Angriffe darzustellen, sowie mit spasmodischen Stroboskopeffekten und mit dem Einsatz von Regen und Rauch in einigen der Actionsequenzen. Die Kostüme, das Maskenbild und die Kulissen haben einen starken Gothic-Charakter, ähnlich wie in Tim Burtons "Edward mit den Scherenhänden" und "Batman", aber noch vor "Matrix", "Sin City" und "The Dark Knight". Brandon Lee als Eric Draven in "The Crow - Die Krähe" ist eine der unvergesslichsten Filmfiguren aus den 90er Jahren.

Der Held darf die schamlos brutale, unbarmherzige Selbstjustiz ausüben, was "The Crow - Die Krähe" zu einer erstklassigen Rachephilosophie und einer spannenden Adaption der zugrundeliegenden Comic-Reihe macht. Allerdings wird ein so großer Teil der Produktion für optisch beeindruckende Action und Gestaltung aufgewendet, dass der Kern der Handlung und die Ausarbeitung der Charaktere merklich zu kurz kommen. Zwar sind einige der Dialoge im günstigsten Fall dämlich und das Tempo ist etwas zu brütend, aber Eric Dravens Sätze sind stets zitierfähig und die schauspielerische Leistung ist überdurchschnittlich gut für diese ziemlich ausgeflippten Figuren. Begleitet wird das Werk von einem sehr präsenten Soundtrack, angereichert mit Orchestermusik mit weiblichen Opernstimmen von 'Graeme Revell', viel Rock 'n' Roll von 'Stone Temple Pilots' bis 'Rage Against the Machine' und sogar einem Originalsong von 'The Cure'. Selbstverständlich enthält "The Crow - Die Krähe" auch viel typische Erwachsenenkost: Explosionen, akrobatische Stunts, einen "Scarface"-ähnlichen Haufen Kokain, Nacktheit, Messer und Nadeln, Handkanonen, blutige Gewalt, Zeitlupe, Gassenkämpfe, automatische Waffen, Schwertkämpfe und Personen die nachts coole Sonnenbrillen tragen.

In "Nightmare Alley" von Regisseur Guillermo del Toro besteigt Stan Carlisle (Bradley Cooper), ein Mann mit zwielichtiger Vergangenheit, einen Bus ins Nirgendwo, der ihn schließlich an einem kleinen Bahnhof am Rande eines Rummelplatzes ablädt. In den späten 1930er Jahren zieht der Marktschreier Clem (Willem Dafoe) die Zuschauer in den Bann eines Freaks, dessen animalisches Verhalten ans Unmenschliche grenzt, zumal er vor den Augen der entsetzten Menge lebenden Hühnern den Kopf abbeißt. Stan Carlisle ist darüber schockiert, aber auch fasziniert, und so arbeitet er mit der Wandergruppe zusammen, während sie ihre Zelte und Waren zusammenpackt, um zu einem anderen, nicht allzu weit entfernten Standort zu gelangen.

Von den Kulissen über die Kostüme bis hin zum Charakterdesign ist hier alles visuell aufwändiger und grotesker als im Originalfilm "Der Scharlatan" von 1947, wobei die Fortschritte in der Technologie und die Maskeneffekte genutzt werden, um das blutige und grafische Material hervorzuheben. Das ist von Guillermo del Toro zu erwarten, der in seinen bisherigen Produktionen vor allem das Makabre mit dem Fantastischen verbunden hat. Doch das kreative Gespür des Filmemachers scheitert an diesem Werk. Die Geschichte selbst entspricht in etwa der ersten Kinofassung, die Beibehaltung des Zeitrahmens ermöglicht interessante Requisiten, schränkt aber die Möglichkeiten für wilde Modifikationen ein, indem nur eine minimale Summe von Elementen verändert wird, nur um dem modernen Betrachter veraltete Ideen zu vermitteln, aber dennoch die Gelegenheit genutzt wird, Flüche und Gewalt zu verstärken, was ungewollt von den Horroraspekten ablenkt, da die gezeigten grausamen Bilder den Provokationen des Geistes nicht gerecht werden können.

Schon bald findet sich Stan inmitten einer Menagerie von Freaks und exotischen Künstlern wieder, darunter die Hellseherin Zeena (Toni Collette) und ihr hingebungsvoller Ehemann Pete (David Strathairn), der Muskelmann Bruno (Ron Perlman) und sein Mündel Molly (Rooney Mara) sowie der kleinwüchsige Wrestler Major Mosquito (Mark Povinelli). Manchmal hat Stan sogar Mitleid mit dem verwahrlosten 'Geek', der so sehr von Drogen und Alkohol abhängig ist, dass er die meiste Zeit in einem Käfig eingesperrt ist. Nachdem sie sich eingearbeitet und ihre Routine perfektioniert haben, versuchen sich Stan und Molly schließlich im Mentalismus, der ihnen Ruhm und Reichtum bringen könnte.

Letztlich ist diese Geschichte ein Moralstück, das den Aufstieg und Fall eines Hochstaplers schildert, der die vielen leichtgläubigen Menschen ausnutzen will, die einfach nur an etwas glauben wollen. Auf seinem Weg zu immer größerem Erfolg gerät Stan in Konflikt mit einer argwöhnischen Psychologin (Cate Blanchett) und einflussreichen Persönlichkeiten, die alle das Potenzial für großen Wohlstand und erhebliche Gefahren in sich tragen. Die überlange Laufzeit von "Nightmare Alley" gibt den Charakteren zwar eine detaillierte Hintergrundgeschichte, aber es fehlt an bedeutenden Enthüllungen und mehr Zeit, um Motive und Beziehungen aufzubauen. Aber er ist immer noch langsam und schwerfällig, verrät zu viel mit seinen unnötigen Erklärungen über das Innenleben der 'Geek-Show' - einem veralteten, aber integralen Bestandteil der Handlung - und verschwendet Momente mit alptraumhaften Rückblenden und unpassenden Szenenübergängen. Die Entwicklung der Charaktere und die spezifischen Interaktionen sind tiefgründiger und düsterer und heben einmal mehr allgemein unsympathische Personen und Konstellationen hervor. Es ist schwer, sich für irgendjemanden in "Nightmare Alley" zu interessieren, wenn es sich fast ausschließlich um manipulative Anwender und weitgehend inkorrekte Antihelden handelt. "Die Leute wollen dir unbedingt mitteilen, wer sie sind."

Das Ambiente ist leider zu geradlinig und bodenständig, als dass Guillermo del Toro viel von seiner Handschrift hätte einfließen lassen können, obwohl die Jahrmarktskulissen und die neblige Atmosphäre eine angemessene Bühne für die bedrohlichen Aktivitäten der Täuschung und des Unheils darstellen. Abgesehen von ein paar blutigen Aufnahmen ist "Nightmare Alley" für den Regisseur nicht ohne weiteres wahrnehmbar. Und mit solch geringfügigen Anpassungen an die ursprüngliche Prämisse gibt es nicht viele Überraschungen, selbst wenn man bedenkt, dass die meisten Betrachter nicht mit dem Hauptfilm von Edmund Goulding aus den 1940er Jahren vertraut sein werden, der selbst etwas vorhersehbar war, was zu einer vergleichsweise unbefriedigenden dramatischen Tragödie führt, die die Klassifizierung als Film Noir effektiv über Bord wirft, aber abgesehen von dem beklemmenden Finale, kein Werk von großer Kraft ist. "Ich wurde dafür geboren."

"Guillermo del Toro's Pinocchio" zeigt uns eine düstere Version: Nachdem er seinen Sohn Carlo im Ersten Weltkrieg verloren hat, fühlt sich der betagte Geppetto (David Bradley) leer und allein. Als Carlo noch lebte, waren die beiden unzertrennlich und vollkommen glücklich. Geppetto war ein vorbildlicher italienischer Bürger, ein Meister der Holzschnitzerei und ein guter Vater, während Carlo ein treuer Gehilfe und ein temperamentvoller Junge war. Ein schicksalhafter, vermeintlich zufälliger Bombenanschlag raubt dem Kind das Leben und stürzt den Vater in eine schwere, lang anhaltende Depression.

Hier kommt der Erzähler ins Spiel, ein Schriftsteller, der ein Insekt namens Sebastian J. Cricket (Ewan McGregor) ist, und schließlich einen perfekten Baum findet, in dem er seine Memoiren schreiben kann. Doch als Geppetto genau diesen Kiefernwald abholzt, um ein hölzernes Äquivalent für Carlo zu schnitzen, wird Sebastian Zeuge sowohl der gequälten Schaffung der Kreatur als auch des Eingreifens uralter Geister, die in den Bergen und Wäldern leben und mit ihrer ungewöhnlichen Magie die Marionette namens Pinocchio (Gregory Mann) zum Leben erwecken. "Du bist nicht mein Sohn!"

Dies ist von der ersten Sekunde an, eine dunklere Variante von "Die Legende von Pinocchio", aber das ist mit Guillermo del Toro als Regisseur auch nicht anders zu erwarten. Die Details sind hässlich und morbide, von Geppettos streitsüchtigen Saufgelagen über die Unheimlichkeit des Waldgeistes bis hin zum Schauplatz des Krieges. Sogar Pinocchios Bewegungen ähneln denen eines von einem Dämon besessenen Jungen oder eines wandelnden Zombies, während seine Kraft unheimlich ist, sein Aussehen fast grotesk, mit Nägeln, die aus seinem Rücken ragen und einem gezackten Loch in seiner Brust. Sein Kopf schwenkt auch herum wie Regan in "Der Exorzist", und sein Ungehorsam ist stur. Auch die anderen menschlichen Charaktere und die Nebentiere sind abscheulich gestaltet, und zu den Umgebungen gehört das unerwartete Leben nach dem Tod, das von skelettierten schwarzen Kaninchenleichen ausgefüllt wird. "Das ist eine Missgeburt!"

Darüber hinaus spielt der aufkommende Faschismus im Hintergrund eine Rolle, während Pinocchio über Verlust und Tod nachdenkt und darüber, was es bedeutet, am Leben zu sein. Existenzielle Gedanken waren schon immer Teil dieses Märchens, aber mit der Popularität von Disneys Version von 1940 ist es eine ziemliche Veränderung, strengere Konzepte einzubeziehen. Auch die Religion wird hier unter die Lupe genommen, ebenso wie die Gräuel der Nazis, die versuchen, Andersdenkende zu unterdrücken. Der Gesang wird beibehalten, aber die Gesangsstücke sind weder besonders einprägsam oder wichtig, noch lockern sie die Stimmung allzu sehr auf. Ein gewisser Realismus wird in das Geschehen hineingebracht, einschließlich harter Proklamationen, Pinocchios rechtsverbindlichem Vertrag mit dem mörderischen Jahrmarktsleiter Graf Volpe (Christoph Waltz) und dem Beharren darauf, dass Pinocchios angebliche Unsterblichkeit ihn zum perfekten Soldaten für die Schlacht macht. "Das Leben ist ein grässlicher Schmerz!"

Wichtige, vertraute Elemente der Geschichte wurden übernommen, obwohl sich keine Adaption eng an das Buch von 1883 hält, das eher an "Alice im Wunderland" oder "Sturm in den Weiden" erinnert als an Disneys berühmteste Verfilmung, aber die neuen Ergänzungen sind typischerweise skurril und schwerwiegend - von Kriegssymbolik wie dem Auftauchen von Mussolini, dem wiederholten Sieg-Heil-Gruß und Gasmasken bis hin zu einem erbärmlichen kleinen Affen (Cate Blanchett als Spazzatura, die kein Wort sagt, sondern nur hohe Tierlaute von sich gibt und herumschreit) und der ständigen Missbilligung durch die Vaterfiguren. "Guillermo del Toro's Pinocchio" mag Anklänge an eine traditionelle Pinocchio-Nacherzählung haben, aber das Gesamtbild ist eine weitaus originellere, markantere und stringentere Interpretation. Es ist Pinocchio in einem Kriegsgebiet inmitten des gotischen Horrors. "Ewiges Leben kann ewiges Leid mit sich bringen."

Die Stop-Motion-Animation, die Bewegungsabläufe und die Umgebungseffekte des Films sind spektakulär. Auch die Charakterdesigns sind attraktiv, wenn auch nicht von der humorvoll-schrägen Sorte wie in "Nightmare Before Christmas", "Tim Burton's Corpse Bride - Hochzeit mit einer Leiche" oder "Rango" von Gore Verbinski. Der gesteigerte Heroismus und die Opferbereitschaft sind hier besonders eindrucksvoll. Diese einzigartige, berührende und gewaltige Inszenierung eines zeitlosen Klassikers zeichnet sich durch ihre besonnene und ausgereifte Gestaltung aus. "Nimm dieses unheilige Ding weg!"

In "Glass Onion: A Knives Out Mystery" von Regisseur Rian Johnson sehen wir, wie die Gouverneurin von Connecticut, Claire Debella (Kathryn Hahn), über ihre Kampagne am 13. Mai 2020 spricht. Sie steckt mit dem milliardenschweren Philanthropen Miles Bron (Edward Norton) unter einer Decke, dessen Top-Wissenschaftler Dr. Lionel Toussaint (Leslie Odom Jr.) sich mit den ständigen Marotten des Magnaten herumschlagen muss. Die leichtlebige Dauerpartylöwin und ehemalige Modeikone Birdie Jay (Kate Hudson), die von ihrer Assistentin Peg (Jessica Henwick) begleitet wird, sowie der maskuline Twitch-Streamer Duke Cody (Dave Bautista) und seine formschöne Freundin Whiskey (Madelyn Cline) vervollständigen eine Gruppe von Menschen, die von Miles Bron eine große Rätselkiste erhalten, die auf komplizierte Weise gelöst werden muss, um eine Einladung auf eine private Insel zu erhalten. Die letzte Empfängerin, Cassandra Brand (Janelle Monae), eine ehemalige Geschäftspartnerin, die schmählich abserviert wurde, ist eine Überraschung, vor allem für die anderen Beteiligten. "Was für ein außergewöhnliches Treffen."

Es ist der achte jährliche exotische Wochenendtrip, und alle prominenten Gäste sind alte Bekannte, mit Ausnahme des laut Google größten Detektivs der Welt, Benoit Blanc (Daniel Craig), der auf mysteriöse Weise zum ersten Mal am Killer-Dinner teilnimmt, um bei der Aufklärung des Mordes an Miles Bron mitzuhelfen - eine Art immersives Krimispiel für reiche Leute. Das dreitägige Wochenendprogramm, das in einer Kommune namens 'Glass Onion' auf einer Privatinsel stattfindet, wird mit Sicherheit hochmoderne Technologie und alle Arten von avantgardistischem Dekor und Design bieten. "Das Letzte, was ich brauche, ist Urlaub. Ich brauche einen großen Fall."

Sobald alle Akteure bekannt sind, sind als Nächstes die Beweggründe zu nennen. Jeder ist verdächtig. Doch alle haben so viele Details und so viel Hintergrundwissen, dass sie Bron Miles verachten und den korrupten Tech-Mogul nachweislich liquidieren könnten. Und kein einziger von ihnen ist sympathisch oder interessant. Der unvermeidliche Mordfall kommt zwar schließlich in Bewegung, ist aber so langsam und schwerfällig, dass man das Interesse zu verlieren befürchtet, bevor er in Gang kommt. Es dauert tatsächlich eine Stunde, bis überhaupt irgendetwas passiert. "Soll denn etwas passieren?"

Es gibt kurze Rückblenden, nicht um den Betrachter an kleine Hinweise zu erinnern, die er beim ersten Mal nicht bemerkt hat, sondern um zu zeigen, wie Benoit Blanc wie ein überirdischer Detektiv zu verschiedenen Erkenntnissen kam. Das Ganze ist erschreckend unrealistisch, auch wenn Realismus für Autor und Regisseur Rian Johnson kein Thema ist. Dazu kommen ausgedehnte Rückblenden und wiederholte Aufnahmen aus verschiedenen Perspektiven, die Zusammenhänge und Beziehungen offenbaren, die nur ausgewählten Figuren bekannt sind und den Betrachter auf Distanz hält - nicht unähnlich den theatralischen Sherlock-Holmes-Verfilmungen von Guy Ritchie. "Das ergibt alles Sinn."

Problematisch ist, dass eine Geschichte, die zu Beginn so viele Informationen zurückhält, ein gewisses Misstrauen gegenüber späteren Beweisen und, schlimmer noch, eine gewisse Apathie hervorruft. Wie die titelgebende 'Zwiebel', die in umgekehrter Reihenfolge Schicht für Schicht abgezogen wird, um die verschiedenen Verbindungen und Machenschaften aufzuzeichnen, kämpft "Glass Onion: A Knives Out Mystery" damit, das Interesse aufrechtzuerhalten. Wenn zu viel kryptisch und unsymmetrisch ist, fühlt sich der Betrachter außerhalb des Geschehens, und das ist genau das Mittel, das ihn gleichgültig, desinteressiert und frustriert zurücklässt. Immerhin gibt es hier und da ein bisschen Humor, aber das ist nicht annähernd genug, um der Veranstaltung und den Akteuren mehr Glaubwürdigkeit zu verleihen. Es gibt auch unendlich viele Wendungen, die aber vergleichsweise bedeutungslos sind, wenn nichts so ist, wie es scheint - Irreführung im Überfluss. Am Ende wirkt das, was ein cleverer Krimi hätte sein können, eher idyllisch, da alles jederzeit umdefiniert und umgestaltet werden kann, wie die Todesfälle in Superheldenfilmen, mit dämlichen Koinzidenzen, die in letzter Minute um des Schocks willen erfunden werden. "Das ist so dumm, dass es schon wieder brilliant ist."

In "The Suicide Squad" von Regisseur James Gunn, der auch das Drehbuch geschrieben hat, steht der Soundtrack im Vordergrund, wie die Musik von Johnny Cash beweist, wenn er Savant (Michael Rooker) vorstellt, einen Häftling mit übermenschlicher Akkuratesse, beim Ballspielen auf dem Gefängnishof. Die Musikkulisse, die in der Regel einen Gegenpol zum Geschehen auf dem Bildschirm bildet, orientiert sich am Vorbild "Guardians of the Galaxy", vor allem weil wiedererkennbare Melodien verwendet werden, um bestimmte Situationen oder Gefühle auszugleichen. Bekannt ist auch der kaum vorhandene Kontext mit der gnadenlosen Regierungsagentin Amanda Waller (Viola Davis), die Gefangene mit besonderen Fähigkeiten auswählt, um sie in Selbstmordmissionen einzusetzen, die der Rettung der Welt dienen sollen.

Erneut wird ihnen eine Strafminderung angeboten, die nach Erpressung klingt, dann wird ihnen ein Sprengkörper in den Nacken gepflanzt, und Colonel Flag (Joel Kinnaman) befehligt diese desorganisierten Streitkräfte in einem feindlichen Gebiet, in diesem Fall in der südamerikanischen Region 'Corto Maltese', die von einem Militärputsch bedroht ist. Der erste Platoon besteht aus einer eklektischen Auswahl von Superkriminellen, die aus einigen der unbeliebtesten und dubiosesten Bösewichten besteht, die aus den letzten Ecken der DC-Schöpfungen gekrochen sind, und den Auftrag haben, eine schwer bewachte Küstengarnison zu infiltrieren. Einer von ihnen ist ein abgenutztes Wiesel, ein übergroßes, anthropomorphisiertes Nagetier, das 27 Kinder ermordet haben soll, doch seine Teamkollegen sind von seiner neu entdeckten, kooperativen Natur überzeugt.

Es war erst ein paar Jahre her, als der ursprüngliche "Suicide Squad" damals in die Kinos kam, so war es jedenfalls etwas zu früh, dieses Konzept wieder aufzugreifen, aber es erlaubt James Gunns Version, die Wiederholung der Prämisse weitgehend zu vermeiden, da es offensichtlich ist, dass dies immer noch eine modernisierte, von Superhelden inspirierte Fassung von "Das dreckige Dutzend" ist. Die Hauptfiguren sind allesamt auffallend schuldbeladene, aber nur bedingt sympathische Fehlschläge, die entweder zur Erlösung oder zu einem dreckigen, zergliederten Ableben verdammt sind. Und man braucht keine Begründung, um Margot Robbie in ihrer Paraderolle als Harley Quinn zu erleben, denn nach drei Filmen ist sie immer noch die ideale Frau für die Figur. Zu den weiteren Hauptfiguren gehört 'Bloodsport' (Idris Elba), dessen Wirken ein optimierter Gegenpart zu Will Smiths agilitätslosen 'Deadshot' ist. Dann gibt es noch den 'Peacemaker' (John Cena), der mit seinem standhaften Chauvinismus eine krankhaft flexible Persönlichkeit aufweist, und den 'Polka-Dot Man' (David Dastmalchian), der über komische, unerklärbare doch für seinen Namen sprechende Superkräfte verfügt. Hinzu kommen noch 'King Shark' (Sylvester Stallone), ein zweibeiniges, fleischfressendes Fischmonster, das sich nur eingeschränkt artikulieren kann, und 'Ratcatcher 2' (Daniela Melchior), eine junge Frau, die Schwärme von winzigen, nagenden Wächtern beschwören kann. "Ich habe... vier Finger!"

Die Missionen sind nach wie vor allgemeine Geheimdiensteinsätze, die Infiltrationen, Extraktionen, Exekutionen und Detonationen ermöglichen. Die Story ist nicht sonderlich inspirativ, ebenso wenig wie die Zusatzmissionen, deren geheimes Ziel es ist, das Projekt 'Starfish' in einem extraterrestrialen Forschungslabor in Jotunheim aufzudecken. Doch die Charaktere werden fast alle für den Humor eingespannt, mit dem James Gunn sehr gut umgehen kann. Superheldenfilme funktionieren gewöhnlich besser, wenn sie nicht zu ernst genommen werden. Die Freiheit, die dieses Reboot mit einer strengen Altersfreigabe genießt, bietet reichlich Material für Gewalteinwirkung, Fluchwörter und sogar ein wenig Nacktheit. Das Ganze ist wirklich anspruchsvoll, wobei die optische Verblödung bestehen bleibt. "Ich würde alles für den Frieden tun. Egal, wie viele Frauen, Männer oder Kinder dabei sterben."

Die Chemie zwischen 'Bloodsport' und 'Peacemaker' stimmt erstaunlich gut, denn sie liefern sich einen ständigen Wettstreit wie in einer langjährigen Rivalität. Pausenlose Gimmicks, verrückte Wendungen, durchgeknallte Persönlichkeiten, zufällige Verwüstungen, exzentrische Hintergrundgeschichten, CG-Ungetüme und chaotische Actionsequenzen, alles mit einer Prise Komik, sorgen für gute Laune. "The Suicide Squad" macht mehr Spaß, als gedacht, da die extravagante Gewalt dazu neigt, sich zu repetieren und schnell langweilig werden kann. Die spitzen Winkelzüge und bildlichen Grotesken verlieren ihre Kraft, wenn ein Großteil des Films eine Orgie aus Tod, Chaos und Sarkasmus ist. Aber "Suicide Squad" von 2016 hat die Messlatte so niedrig gelegt, dass alles eine große Verbesserung ist, und diese Neuinterpretation ist wahrscheinlich das Beste, was man sich von der mageren Geschichte erhoffen kann. Die Antihelden sind adäquat heroisch, die Antagonisten sind so widerwärtig, dass selbst Überschurken im Vergleich dazu salonfähig erscheinen, und das Finale, in dem das Ausmaß der nonsensischen Superkräfte endlich erforscht wird, ist wie eine turbogeladene Version von Baron Münchhausens Versammlung der seltenen Landbewohner - eine berauschende Erfahrung in Exzessivität. Nichts davon wird die Zeit überdauern, aber für den Augenblick ist es jedenfalls ziemlich erquicklich. "Es geht nichts über ein Blutbad, um in den Tag zu starten."

"Suicide Squad" von Regisseur David Ayer zeigt dem Betrachter eine obskure Stätte in den Sümpfen von Louisiana, in der die grausamsten Mörder und die gefährlichsten Verbrecher eingelagert werden. Dieses Mosaik von Psychopathen ist derart unmenschlich und vorsätzlich letal, dass eine moralische Governance für ihre Kooperation notwendig ist, um die außerweltlichen Terroristen zu eliminieren. Ein Song nach dem anderen, von Grace bis hin zu Eminem, wird als Einführung für jede Rolle eingespielt, aber die Statistiken, die auf dem Bildschirm zu sehen sind, bieten wenig Stoff für den Aufbau fundierter Vorgeschichten. Später wird der Betrachter mit abundanten Rückblenden konfrontiert, um weitere Informationen zu erhalten, was die Charaktere noch weniger authentisch und sympathisch aussehen lässt, ebenso wie die Todsünde des Schnitts: Die Rückblende zu einer Szene, die bereits im Film gezeigt wurde. Die Gesellschaft der unzurechnungsfähigen Delinquenten besteht aus Harley Quinn (Margot Robbie), Deadshot (Will Smith), Boomerang (Jai Courtney), Diablo (Jay Hernandez) und Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje), von denen jeder eine besondere Fähigkeit, eine Superkraft oder einfach nur eine Kampfsportart beherrscht oder über enorme Muskelkraft verfügt.

Die Montage in der Art eines Musikvideos ist ein wesentlicher Faktor, der dieses ganze Theater so eintönig macht. Etliche Stellen werden ausgespart, als ob sie nicht aus Zeitgründen, sondern wegen des unerfreulichen Inhalts gekürzt worden wären. Es wird posiert, Zeitlupen werden missbräuchlich verwendet, und einzelne Sequenzen bauen sich zu einer Pointe auf, die entweder gänzlich verfliegt oder in einen Bastard aus Lichtern, Geräuschen und CG-Klimbim aggraviert. David Ayer wollte offenbar einen knallharten Film mit einer Altersfreigabe ab 18 Jahren drehen, nur um dann alle heikleren Passagen zu entfernen und abrupte Wendungen und eine gewisse Makulatur an Stelle der Seriosität und letztlich gegen die eigene Würde des Filmemachers zu stellen. "Suicide Squad" ist nicht annähernd so ernst, wie er sein müsste, vor allem, wenn der Betrachter Ehrfurcht vor dem Tun dieser Wahnwitzigkeiten haben soll. Die Dialoge sind vorwiegend klischeebeladen, die Invektiven zu ärmlich und die Action wird durch computeranimierte Monstrositäten verdeckt.

Amanda Waller (Viola Davis), die menschliche Leiterin der Geheimoperation, erinnert daran, dass in jedem Superheldenfilm die US-Regierung immer die erste Bedrohung ist. Am existentiellsten ist vielleicht das Konzept der Antagonisten, das sich jeder Charakterisierung, geschweige denn einer Definition durch den Film selbst entzieht. Fetischistische Hexen und Andersweltler fügen sich einfach nicht in das Batman-Universum ein. Wenn es irgendetwas auch nur im Ansatz Realistisches an einem maskierten Selbstjustizler und seinem geisteskanken Rivalen gab, wird in dieser Version des dunklen Ritters alles zu einem maßlosen Kräftemessen mit übernatürlichen Gottheiten. Der drohende Tod und der Kampf um eine Mission fallen nicht ins Gewicht, wenn Magie für alles eingesetzt werden kann und die Figuren sterben und ohne Erklärungsbedarf wieder lebendig werden können. "Die Welt hat sich verändert, als Superman über den Himmel flog"

Es erstaunt mich schon, dass "Suicide Squad" so sehr mit seiner Handlung haderte. Es hätte das simple Schema von "Con Air" oder "Das dreckige Dutzend" mit den Ganoven aus den 'Batman'-Filmen sein können. Doch es genügte nicht, ein 'A-Team' von Superschurken zusammenzustellen. "Suicide Squad" musste auch eine Liebesgeschichte mit dem Joker (Jared Leto), eine weitere zwischen der Enchantress (Cara Delevingne) und dem Militärangehörigen Rick Flag (Joel Kinnaman), eine Erpressung, einen motivierenden Sprengsatz, der unwilligen Wehrpflichtigen in den Nacken gepflanzt wird, gestohlen aus "Die Klapperschlange", und einen Nebenplot umfassen, in dem die Seele des toten Bruders der Enchantress beschworen wird. Es gibt so viele unnötige Nebensächlichkeiten und völlig stupide Charaktere, dass einige nur deshalb eingeführt werden, um eine einzige Vorstellung zu erfüllen, wie Adam Beachs Figur 'Slipknot', der nicht einmal dazu kommt, seine Stärken auszuspielen, und Karen Fukuharas 'Katana', die einfach beim Aufmarsch der Truppen vorbeischaut, ohne vorher eine ordentliche mit Musik unterlegte Einführung von Kanye West zu erhalten. Es wird auch nie erklärt, warum die Regierung nicht einfach zuverlässige Meta-Menschen wie Superman rekrutieren kann. Es kann ja nicht sein, dass nur noch bösartige Superhelden unterwegs sind wie in "The Boyz".

Auch wenn die Strukturierung von "Suicide Squad" unerträglich ist, die Charakterdesigns und Ursprünge würdelos sind und das Finale so bescheuert ist, dass es beweist, dass alles, was davor passierte, keinerlei Relevanz hat, ist Margot Robbie als Harley Quinn goldrichtig. Es ist unmöglich, sich eine bessere Besetzung für diese Rolle vorzustellen, die nahezu oscarwürdig war. Sie sieht aus wie das Original, benimmt sich wie die Figur und spricht in Einzeilern mit dieser gehässigen, unbekümmerten, koketten Demonstration von Bipolarität und geistiger Dysfunktion, die so treffend für die Vorlage ist. Sie ist inzwischen so erfolgreich, dass sie endlich ihren eigenen Film verdient hat. Alles andere an "Suicide Squad" ist leider so kümmerlich, dass ihre überwältigende Darstellung wahrscheinlich durch den Rest der Minderwertigkeit getrübt wurde.

Die Akzeptanz des Neustarts der Horror-Franchise wird darüber entscheiden, wie der Betrachter diesen Teil der "Freitag der 13."-Reihe unter der Regie von Marcus Nispel aufnehmen wird. Ein paar böse Worte von Kritikern werden die Gemüter nicht umstimmen. Doch es scheint, als wären den Machern dieser Slasher-Remakes die neuen Möglichkeiten, Menschen zu töten, fast ausgegangen. Die grausamen Morde des Serienkillers mit der Hockeymaske, dem der Betrachter mangels interessanter Opfer die Daumen drücken muss, fühlen sich düster an, auch wenn der blutige Realismus durch verbesserte Spezialeffekte aufgewertet wurde. Wer mehr als extreme Brutalität und Gratis-Nacktheit sucht, muss sich anderswo umsehen, denn hier gibt es nur eine Handvoll Horrorfilm-Klischees und Stereotypen, die sich darüber lustig machen, dass man ihre Monotonie nicht schneller erkennt. Aber vielleicht ist es minderbemittelt, zu viele Hoffnungen in den zwölften Film zu setzen, der auf demselben infamen Mörder basiert.

In einer der längsten Eröffnungssequenzen der Filmgeschichte entdecken fünf harmlose Camper die entsetzliche Wahrheit hinter der infernalischen Legende vom 'Crystal Lake', als sie von einem maskierten Geistesgestörten mit einer Machete kaltblütig dahingemetzelt werden. Über einen Monat später, als der Bruder eines der ersten Urlauber nach seiner vermissten Schwester sucht, trifft er auf eine Bande wilder College-Partylöwen auf der Suche nach Sex, Drogen und noch mehr Sex. Sie ahnen nicht, dass sie schon sehr bald vor einem gefährlichen Killer, der keine Augenzeugen duldet, um ihr Leben laufen müssen.

"Freitag der 13." ist sowohl eine Fortsetzung als auch ein Remake, und zwar nicht nur des Originalfilms von 1980. Die extrem lange Vorspannszene fasst im Grunde die Ereignisse der ersten beiden Filme zusammen, und im weiteren Verlauf werden auch die besten Aspekte der Teile 3 bis 9 in den Kontext integriert. Jason Voorhees erhält seine charakteristische Feldhockeymaske und unvergessliche Todesszenen werden stetig wiederholt. Es ist unbestreitbar eine Formel, die nie drastisch variiert, und so vorhersehbar das Ende eines jeden Opfers auch geworden ist, es gibt Unterhaltung für diejenigen, die gerne auf ihren Plätzen aufspringen und bei jedem lauten Geräusch und plötzlichen Regungen zusammenzucken.

Die Stereotypen sind so weit fortgeschritten, dass Filme wie "Scary Movie" sie nicht einmal mehr parodieren müssen - dieser Film macht sich über seine eigene ethnische Darstellung, die dümmlichen Dialoge, die übertriebene Gewalt und das leichtsinnige Gehabe lustig. Alles, was sich ankündigt, findet statt, und was passieren soll, tritt unweigerlich ein: Der Einzelgänger in der Hauptrolle klaut dem verkrampften Idioten die Freundin, was natürlich alle gegen ihn aufbringt. Die Mädchen sind alle nackt, die Jungs, die in abgelegene Gegenden laufen, sterben dementsprechend, und jeder ist sofort bereit, sich auf eigene Faust auf Entdeckungstour zu begeben. Es scheint, als wollten die Charaktere genauso gerne verrecken, wie es dem Betrachter Spaß macht, sie dabei zu beobachten, wie sie sich krümmen und quälen. Der wahre Protagonist ist also Jason Voorhees, die einzige Figur, die nie enttäuscht, wie das vorausschauende Ende beweist. Er ist der Einzige, der fortleben muss.

Wie alle fantasievollen Kinobösewichte zuvor und danach ist Jason Voorhees der Hauptgrund, warum die Anhänger immer wieder einschalten. Freddy Krueger, Pinhead, Leatherface und Michael Myers sind da keine Ausnahme. Zumindest eine unbeabsichtigte subliminale Botschaft ist scherzhaft positiv: Wenn du dich auf Sex, Drogen und jedes andere Tabu der freigeistigen Teenager einlässt, wird dich ein wahnsinniger, Machete-schwingender Mutant töten.

In "Nymphomaniac 1" von Regisseur Lars von Trier lernten wir Joe (Charlotte Gainsbourg) kennen, die von einem Mann namens Seligman (Stellan Skarsgård) mit Blutergüssen versehen irgendwo auf der Straße liegend vorgefunden wurde. Als sie sich in seiner Wohnung erholt, eröffnet sie ihm die erste Hälfte ihrer Lebensgeschichte, einen detaillierten sexuellen Ostrazismus, der bis in ihr drittes Lebensjahr zurückreicht. "Nymphomaniac 2", in dem sie den Kern ihrer Geschichte wiedergibt, setzt genau an der Stelle an, an dem der erste Teil endete, mitten in einem Kapitel, in dem die jüngere Joe (Stacy Martin) mit Grauen bemerkt, dass ihre Geschlechtsorgane keine sexuellen Sinnesreize mehr verspüren. "Ich spüre nichts!", schreit sie beim Vögeln mit Jerome (Shia LaBeouf), dem Mann, der sie mit fünfzehn Jahren deflorierte, sie dann einige Jahre lang als Assistentin einstellte und letztendlich zu einem fleischlichen Segment eines geschlechtlichen Konzerns degenerierte.

Indem sie ihre Episoden erzählt, versucht Joe, ihre Minderwertigkeit als menschliches Objekt zu demonstrieren. Bislang war Seligman nicht gewillt, sich auf ihre Position einzuschwören. Er tendiert sogar dazu, bestimmte Aspekte ihrer Schilderung als Inspiration für seine persönlichen Tangenten zu verwenden, die er aus seiner gründlichen Lektüre über eine Vielfalt von Thematiken schöpft und die in ihrer Korrelation mit ihren Worten merkwürdigerweise konsequent sind. In "Nymphomaniac 1" wirkte der Dialog weniger wie ein persönliches Geständnis von Joe als vielmehr wie ein interdisziplinäres Telefongespräch zwischen ihr und Seligman - eine Gehirnverschmelzung, wenn man es so ausdrücken kann. In "Nymphomaniac 2" sehen wir, dass Joe ihre Exkurse nicht so sehr akzeptieren kann, wie man uns anfänglich weismachen wollte. Sie fängt an, sich zu fragen, ob er ihr überhaupt zuhört, wenn sie zu ihm spricht. Sie findet es auch verstörend, dass er der einzige Mann ist, der von den Informationen aus ihrer unkeuschen Vergangenheit nicht in Ekstase versetzt wird.

"Nymphomaniac 2" belegt eindrucksvoll, dass in Seligman mehr steckt, als man auf den ersten Blick sieht, auch wenn das, was er schon recht frühzeitig über sich selbst verrät, in der allerletzten Szene schlagartig widerlegt wird. Doch dieser Handlungsaspekt, so interessant er auch sein mag, ist nicht so bedeutungsvoll wie Joes Lebensweg, der in drei zusätzliche Kapitel und ein Unterkapitel strukturiert wurde. Als neue Details ans Licht kommen, beginnt der Betrachter schließlich zu begreifen, warum sie sich selbst so hingebungsvoll verachtet. Wir könnten sogar langsam anfangen, ihr beizupflichten. Das war für mich sehr verwirrend. Es ist eine Sache, eine unterentwickelte Person in einem zweitklassigen Film nicht zu mögen, aber es ist etwas ganz anderes, von einer komplizierten Persönlichkeit in einer ebenso diffizilen Geschichte in Verlegenheit gebracht zu werden, die mich dazu nötigt, mir darüber Gedanken zu machen, ob ich ein derartiges Individuum im Privatleben überhaupt tolerieren könnte.

Der Weggang von Joes Orgasmusfunktion würde sich tiefgreifend auf ihr persönliches Leben auswirken und sie auf immer unbequemere Bahnen führen. Es folgt eine Periode, in der sie sich in ein häusliches Umfeld mit Jerome einlebt und einen kleinen Sohn großzieht, den sie per Kaiserschnitt zur Welt gebracht hat, um ihre Vagina nicht weiter zu beschädigen. Im Laufe der Jahre wird klar, dass der Drang, ihre sexuelle Wahrnehmung wiederzufinden, stärker ist als ihre Muttertriebe. Sie überlässt ihren Sohn einem unzuverlässigen Babysitter und wendet sich in ihrer Verdüsterung an einen Sadisten, der nur als K (Jamie Bell) identifiziert wird. An einem geheimen Ort missbraucht er mehrere gleichsam desperate Damen mit Lederpeitschen, mit blutigen Kordelknoten und mit Geldmünzen gefüllten Handschuhen. Er gibt ihnen sogar herabwürdigende Kosenamen, wie 'Fido' für Joe. Was er davon hat, lässt sich nur erahnen, denn er vergnügt sich weder bei seinen Gewaltakten, noch entledigt er sich seiner Klamotten. Doch selbst als Joe mit Zwang über die Armlehne einer Couch gebeugt und gestriegelt wird, ihre Taille mit einem Lederriemen fixiert und ihre Handgelenke mit einem Seil gefesselt sind, lernt sie schnell, ihr Becken in die gewünschte Richtung zu bewegen.

In späteren Jahren, nachdem sowohl Jerome als auch ihr Sohn von der Bildfläche verschwunden sind, wird Joe in ein Erpressungsgeschäft verwickelt, das von einem widerwärtigen Mann geleitet wird, der nur als L (Willem Dafoe) identifiziert wird. Ihr Job ist es, Leute aufzuspüren, die anderen Geld schuldig sind, und sie zum Zahlungsverkehr zu bewegen. Ihr guter Ruf bei den Männern, insbesondere bei K, macht sie ideal für diese Tätigkeit. Doch dann erreicht sie auf Geheiß von L, der weiß, dass selbst die besten Schuldeneintreiber jüngere Mündel brauchen, um ihre Position zu übernehmen, einen neuen Tiefengrad. Joe führt den Auftrag von L aus, einen problembelasteten Teenager aufzusuchen und ihn durch Aufmunterung und Zuneigung für sich selbst vorteilhaft zu gewinnen. Hier kommt ein Mädchen mit einem deformierten Ohr, das nur als P (Mia Goth) identifiziert wird, ins Spiel, dessen Interesse an Joe erst wächst, als sie endgültig mündig wird. Das bedeutet jedoch nicht, dass P eindimensional wäre.

Beide "Nymphomaniac"-Werke rufen überlaute Reaktionen hervor, zum Teil wegen der selektiven Darstellung nicht figurierter sexueller Prozeduren, vor allem aber wegen Lars von Triers Aufbietung, in die dunkelsten, oft unergründeten Abgründe der psychischen Organismen abzusteigen. "Nymphomaniac 2" ist allerdings ein besonders couragiertes Meisterwerk. Jenseits dessen, was wir sehen, werden wir mit unappetitlichen Axiomen über bestimmte Facetten der Menschennatur konfrontiert. Lars von Trier macht darüber hinaus auf seine ganz eigene und unnachahmliche Methode unglaublich intelligente und scharfkantige Aussagen über Sexismus und Geschlechterrollen. Ich vermute, dass diejenigen, die Lars von Triers Filme als frauenfeindlich bezeichnen, nicht bemerken, was hinter den provozierenden Botschaften steckt. Egal, was man von ihm hält, er gab dem weiblichen Geschlecht interessantere und anspruchsvollere Rollen als der Großteil der Regisseure der momentanen Generation.

Es spricht für Regisseur Lars von Trier, dass sein Film "Nymphomaniac 1" weitaus komplexer provoziert, als der Titel es suggeriert. Die bildliche Komponente der grafischen, nicht simulierten Pornografie ist zwar präsent, aber das, was wir sehen, ist nicht so schockierend wie die vom Titel abgeleiteten Gedanken und Gefühle der Protagonistin. Ihr richtiger Name ist Joe (Charlotte Gainsbourg), und indem sie die Stationen ihrer sexuellen Odyssee schildert, die im Alter von drei Jahren mit der Neuentdeckung ihrer Genitalien begann, enthüllt sie gleichzeitig und ziemlich unverblümt den Charakter ihres Wesens. Ungeachtet ihres offensichtlichen Defizits an gesellschaftlicher Doppelmoral und trotz der Befriedigung, die sie immer empfunden hat, wenn sie sich den körperlichen Begierden der Männer hingab, scheint sie nicht imstande zu sein, Emotionen auszudrücken oder gar zu fühlen, und hält sich für einen unverbesserlich schlechten Menschen.

Die Figur der Frau aus Lars von Triers "Antichrist", die ebenfalls von Charlotte Gainsbourg gespielt wird, hat sich auf ähnliche Weise abgewertet wie Joe und ist nach dem Studium der Hexerei und dem Tod ihres kleinen Sohnes zu dem Schluss gekommen, dass Frauen von Natur aus böse sind. Die Sexualkomponente ist in beiden Filmen gegenwärtig. Die Polarität zu "Nymphomaniac 1" besteht darin, dass die männliche Hauptfigur mit Joes Selbstanalyse nicht konform geht und deshalb nicht versucht, sie zu pönalisieren. Gemeint ist Seligman (Stellan Skarsgård), der in Joes Leben tritt, als er sie verletzt und blutverschmiert mitten auf der Straße liegen sieht und ihr seine Wohnung als Schutzraum anbietet. Auf einem Doppelbett entspannt sie sich bei einer Tasse Tee und erzählt ihm im Wesentlichen ihre Lebensgeschichte, in der diverse Sexualerfahrungen zu ihrer Selbstidentifikation avancieren.

Wie der Filmtitel deutlich macht, wird sie nur den ersten Teil ihrer Geschichte erzählen, der zweite Teil wird in "Nymphomaniac 2" zu Ende geführt. "Nymphomaniac 1" ist in fünf Kapitel gegliedert, in denen Joe überwiegend als jüngere Frau (Stacy Martin) dargestellt wird. Spannend ist, dass Seligman sich nicht nur die Geschichte der älteren Joe anhört. Er unterhält sich aktiv mit ihr, und anstatt ihre eindringlichen Darlegungen in perverse erotische Utopien zu verkehren, demonstriert er sein Einfühlungsvermögen mit metaphorischen Bezügen zu seinen eigenen Vorlieben, vor allem zum Fliegenfischen, auf eine überraschend einleuchtende und folgerichtige Weise. Vielleicht ist das auch der Punkt, warum Joe nie signalisiert, dass sie unterbrochen wurde. Vielmehr nutzt sie seine Dialogpassagen gekonnt als Vorlage für die weiterführenden Kapitel ihrer Geschichte. Es ist faszinierend, diese Fusion der Sektoren in den Blick zu nehmen.

Als Kind sehen wir, wie Joe und ein anderes Mädchen ihren Körper entdecken, indem sie in einem Badezimmer ihre Unterwäsche ausziehen, den Boden mit einem Duschkopf nass machen und auf dem Boden herumrutschen und so tun, als wären sie Frösche. Als junge Frau, die ihre Jungfräulichkeit bereits verloren hat, sehen wir, wie Joe und eine weitere Freundin ein Spiel daraus machen, mit wie vielen Männern sie während einer Zugfahrt Sex haben können, wobei der Gewinner eine Tüte mit Schokoladenbonbons als Preis erhält. Wir sehen auch, wie sie einen kritischen Grad der sexuellen Aktivität erreicht, bei dem sie mit sieben bis acht Männern pro Tag intim wird. Es geht nicht um Liebe, die die arme alte Frau negativ sieht. Und doch wurde ihr schon in jungen Jahren gesagt, dass die geheime Zutat zum Sex die Liebe ist. Die Ausnahme von der Regel war zu diesem Zeitpunkt in ihrem Leben vielleicht ein Junge aus der Gegend namens Jerome (Shia LaBeouf), der sie im Alter von fünfzehn Jahren entjungferte, sie einige Jahre später aus naheliegenden Interessen als seine Sekretärin einstellte und später noch ein Drittel eines sexuellen 'Cantus Firmus' wurde, wobei jeder ihrer Männer eine eigene musikalische Melodie darstellt, die zusammen eine Polyphonie bilden.

Von den fünf Kapiteln von "Nymphomaniac 1" sind zwei nicht nur die ergreifendsten, sondern es sind auch zwei etablierte Schauspieler, die die wohl besten Performances ihrer Karrieren zeigen. Im dritten Kapitel, 'Mrs. H.', trifft einer von Joes Stammgästen die Entscheidung, seine Familie zugunsten von ihr zu verlassen. Als er mit seinem Gepäck zurückkehrt, kommt seine Frau (Uma Thurman) unerwartet mit ihren drei Söhnen vorbei. Sie will nicht nur, dass ihr Mann kapiert, was er verloren hat, sondern auch, dass ihre Jungen verstehen, für wen ihr Vater sie im Stich lässt, und sie verlangt von ihnen, dass sie gedankliche Erinnerungsfotos von Joes Bett machen. In 'Delirium', dem vierten Kapitel, das in Schwarz-Weiß gedreht wurde, wird Joe mit der Realität ihres sterbenden Vaters (Christian Slater) konfrontiert, der in einem Krankenhauszimmer in den letzten Atemzügen in einem nicht spezifizierten Gebresten dahinsiecht. Trotz der demütigenden Wirkung und des Verlusts der Körperkontrollmöglichkeiten, die er erfährt, kommt ein Augenblick, in dem Joe keine Empfindungen mehr verspürt. Ihre einzige Reaktion ist rein physischer Natur, da sich ihre Vagina automatisch selbst befriedigt.

Gelegentlich versucht Seligman, Joes Vorgehensweise zu legitimieren, wogegen sich Joe sträubt, meist mit leisem Zorn in ihrer Stimme. Es ist nicht seine Aufgabe, sie von ihrem Wert zu überzeugen, sondern ihre Destination ist es, ihn von ihrer Wertlosigkeit zu bekunden. An diesem Wendepunkt ihrer Biografie ist er nicht geneigt, sie so zu nehmen, wie sie sich selbst wahrnimmt. Doch ihre Geschichte ist noch nicht abgeschlossen. Was wird er von ihr denken, nachdem sie ihm alles über sich preisgegeben hat? Von allen Fragen, die "Nymphomaniac 1" aufwirft, wiegt diese Nachfrage am schwersten. In einer idealen Welt würde es selbstverständlich keine Bedeutung haben, was Seligman oder irgendjemand anderweitig über Joe denkt. Es käme nur darauf an, was sie von sich selbst hielte, und sie würde bewusst auf ein positiveres Eigenbild hinarbeiten. Doch Lars von Trier, der in Filmkreisen für seine heftigen depressiven Störungen bekannt ist, hält nicht viel von Idealen. Es gibt Gründe, warum die letzten Zeilen verzweifelte Hilferufe sind: "Ich kann nichts fühlen!"

In "Geheimauftrag Hollywood" von Regisseur Steve Rash wird Otto Kriegling (Billy Barty) vom Führer beauftragt, sich mit einem Japaner im weißen Anzug zu treffen, um eine verdeckte Operation in den Vereinigten Staaten durchzuführen. Zur gleichen Zeit wird der Secret Service Special Agent Bruce Thorpe (Chevy Chase) beauftragt, den verbannten und unglaublich paranoiden Herzog Leopold (Joseph Maher) und die fast blinde Herzogin (Eve Arden) mit dem Zug nach 'Culver City' zu eskortieren und dabei geheimnisvoll und inkognito zu bleiben. Nach der Ankunft von Bruce Thorpe strandet eine japanische Gruppe von Amateurfotografen, die zufällig alle in Weiß gekleidet sind, im Hotel, als ihr Bus eine Panne hat.

In der Zwischenzeit muss die Casting-Direktorin Annie Clark (Carrie Fisher) die Statisten von 'Der Zauberer von Oz' beaufsichtigen. Für die Dauer der Dreharbeiten müssen 150 kleine Menschen im Hotel untergebracht werden. Ihre einzige Hilfe ist der extrem hochgewachsene Homer (Peter Isacksen), der dämliche Neffe des Produzenten. Der kleine Rollo Sweet (Cork Hubbert) kommt aus Los Angeles in die 'Culver Studios' in der hoffnungsvollen Erwartung, groß rauszukommen. Und schließlich taucht ein italienischer Auftragskiller auf, um den Herzog zu töten. Tragischerweise ist trotz der vielen Charaktere und Nebenhandlungen, die nur dazu da sind, um miteinander verwechselt zu werden, keiner von ihnen wirklich relevant.

Dank einer der genialsten verbalen Missverständnisse der Filmgeschichte vertraut sich Otto Kriegling dem falschen japanischen Geschäftsmann an und gibt ihm eine für eine Invasion wichtige Karte. Von hier aus folgen verschiedene Parteien einander, um ihre Missionen zu erfüllen, mit permanenten Veränderungen, zufälligen Todesfällen, willkürlichen Unterbrechungen und irrtümlichen Morden. Zu den weiteren Blödsinnigkeiten gehören eine überflüssige Romanze, das regelmäßige Töten und Ersetzen eines Hundes, die wachsende Zahl japanischer Touristen, die an Fleischhaken in einem Kühlhaus aufbewahrt werden, dumme Schwertkämpfe zwischen Liliputanern und unendliche Partys.

Mit tendenziell rassistischen Untertönen, Kurz-und-Klein-Witzen, Zwergenrippchen und allerlei politischer Unkorrektheit und anderen geschmacklosen Dialogen, die von debilen Nebenfiguren vorgetragen werden, gibt es in dieser altmodischen, lustlosen Komödie nur wenig zu lachen. Selbst der niedliche, flauschige Hund 'Strudel' und ein beeindruckender Stunt, bei dem eine kleine Person eine Treppe hinunterstürzt, können der einzigartigen, aber sehr schlecht montierten Prämisse nicht viel Leben einhauchen. Insbesondere ist es merkwürdig, dass kurz nach "Caddyshack - Wahnsinn ohne Handicap" und "Das Imperium schlägt zurück" Chevy Chase respektive Carrie Fisher die Hauptrollen in diesem inspirationsarmen Schrott übernahmen, den sie beide später als einen der miesesten Filme ihres Lebens bezeichneten. Zufälligerweise, oder vielleicht auch nicht, ist Carrie Fisher vor dem Erfolg von Prinzessin Leia in ihrem Blechbüstenhalter bis auf die Unterwäsche entkleidet - eines der einzigen denkwürdigen Elemente dieses äußerst vergessenswerten Films.

War "Geheimauftrag Hollywood" ein Vorwand, um einen Film mit vielen kleinwüchsigen Menschen zu drehen? Oder hielten die Produzenten dieses Material tatsächlich für lustig? Zugegeben, die Krönung aller Handlungsteile, die Verfolgungsjagd mit Bus, Buggy, Hund, Pferd und einem kleinen Menschen durch die Kulissen von "Vom Winde verweht" und "Der Zauberer von Oz" und die Schlussszenen, die einen wirklich verstimmen lassen, sind in ihrer filmischen Tolldreistigkeit halbwegs ergötzlich.

In "Zehn - Die Traumfrau" von Regisseur Blake Edwards trifft der Songwriter George Webber (Dudley Moore) im dunklen Strandhaus seines Partners Hugh (Robert Webber) ein, das nur von einer Kerze beleuchtet wird, weil eine Sicherung durchgebrannt sein muss. Aber es ist eine Falle, denn drinnen wartet eine große Gruppe von Freunden, die bereit sind, eine Überraschungsparty für den 42-Jährigen zu schmeißen. Nachdem der Alkohol getrunken und die Kerzen auf der Torte gelöscht sind, versucht George Webbers Freundin, die 38-jährige Samantha Taylor (Julie Andrews), das aufgelöste Geburtstagskind zu trösten. Bei den Feierlichkeiten wurde Georges nahende Midlife-Crisis nur noch offensichtlicher. Die Zeit lässt sich nicht zurückdrehen.

Auf der Rückfahrt nach Beverly Hills am nächsten Tag wird George mit Ablenkungen bombardiert, die die Grenzen seines wandernden Geistes und seiner Treue testen. Von Strandmädchen über spärlich bekleidete Joggerinnen bis hin zu einer jungen Frau im Hochzeitskleid - alle wecken sein sexuelles Verlangen. Da hilft es auch nicht, dass er ein Fernrohr auf seiner Terrasse hat, das direkt auf seinen promiskuitiven Nachbarn gerichtet ist, der immer eine nackte Frau im Pool oder über den Billardtisch gebeugt zu haben scheint, oder sogar mitten am Tag eine Orgie veranstaltet. "Mit 40 beginnt das Leben".

Als George von der Frau im Hochzeitskleid, Jennifer Miles (Bo Derek, die Inkarnation der Versuchung), fasziniert ist, der er in die Kapelle gefolgt ist, um sie besser kennen zu lernen, beginnt er, ihr Leben zu erforschen und verliebt sich immer mehr in sie. Nach einigen angespannten Gesprächen und Interaktionen mit Samantha beschließt George, nach Mexiko zu fliegen, wo Jenny ihre Flitterwochen verbringt, ohne einen Plan zu haben, was er nach seiner Ankunft tun soll, da er immer noch stark unter dem Einfluss von Schmerztabletten und Wein steht. "Du wirst besessen von der Hässlichkeit des Alterns!"

Neben den dramatischen Konfrontationen und Beziehungen gibt es auch jede Menge Komik im Hintergrund, etwa wenn eine ältere Frau Tee serviert, ein Priester versucht, George Webber mit einem Lied zu beeindrucken, und in einer langen Slapstick-Nummer, in der George Webber hinfällt, den Hügel hinter seinem Haus erklimmt und dann in seinen Pool fällt. Sogar ein Erkundungsbesuch beim Zahnarzt, um Informationen über Jenny einzuholen, mündet mit unvorhergesehenen zahnmedizinischen Behandlungen, die durch eine nervige Zahnarzthelferin noch verschlimmert werden, mit Getränken, die er aufgrund eines geschwollenen Mundes verschüttet, und mit einem Besuch bei der Exekutive endet. Die Komödie nimmt gelegentlich groteske Auswüchse an und überschreitet die Grenzen des Realismus, obwohl sie ein sehr realistisches Szenario unter die Lupe nimmt. Sie ist jedoch sorgfältig geplant, um die Vermischung von Signalen und die These zu unterstreichen, dass George und Samantha auf entgegengesetzten Wellenlängen liegen, insbesondere wenn er sich dafür entscheidet, Lösungen für seine Ängste im mittleren Alter zu finden.

Bewundernswert ist, dass Julie Andrews' Figur nicht dumm oder leicht zu manipulieren ist, sondern stark und unabhängig bleibt und sich dennoch um das Wohl ihres Freundes sorgt. Es ist eine bemerkenswerte Rolle für die Schauspielerin, die rund fünf Jahre lang von der Leinwand verschwunden war. Blake Edwards stellt sein komödiantisches Talent und das seiner Schauspieler unter Beweis, indem er die schwergewichtigen Momente des Dramas mit Witzen aus dem Stegreif auflockert. Auch die Vorstellungskraft wird durch die Widrigkeiten der Wirklichkeit erschüttert.

"Zehn - Die Traumfrau" lebt auch von den therapeutischen Weisheiten eines freundlichen Barkeepers (Brian Dennehy), einer unglücklichen Urlauberin (Dee Wallace), dem Klavierspiel mit der Musik von Henry Mancini und dem Gesang von Julie Andrews. George Webber ist eigentlich kein Sympathieträger, und das Drehbuch hofft, dass sein Leiden den Nerv des Betrachters trifft. Seine machtlose Persönlichkeit macht ihn zu einer Art Antagonisten, wobei die Handlung im Wesentlichen eine Bewährungsprobe für seinen schwachen Willen ist. Allein die Tatsache, dass er nach Gelegenheiten zum Fremdgehen sucht, so lustig sie auch sein mögen, macht ihn ein wenig unbelehrbar, vor allem, wenn er davon ausgeht, dass Jenny, sollte er mit ihr im Bett landen, seine Gesellschaft als etwas mehr als nur einen Seitensprung schätzen wird. Dennoch ist "Zehn - Die Traumfrau" eine interessante Charakterstudie, bittersüß und aufschlussreich, aber auch mit vielen Lachern durchsetzt.

"Der Vagabund und das Kind" beginnt mit einer kurzen Charakteristik, die die exquisite Einfachheit von Charlie Chaplins üblichen Werken widerspiegelt: 'Ein Bild mit einem Lächeln - und vielleicht einer Träne'. Es ist in der Tat ein starker Film und der erste Auftritt des berühmten Komikers in voller Länge. Er gilt als einer der ersten Filme, der Komödie und Drama miteinander verbindet, wobei die ernsteren dramatischen Töne ein großer Vorteil der längeren Laufzeit sind. Charlie Chaplins frühere Kurzfilme setzten meist auf rasante Action mit reinem Slapstick. "Der Vagabund und das Kind" hatte einen unglaublichen Erfolg an den Kinokassen und war nach "The Four Horseman of the Apocalypse" (nicht in der MP-Datenbank) der zweitumsatzstärkste Film des Jahres 1921.

Eine arme junge Frau (Edna Purviance) verlässt sich bei der Geburt ihres kleinen Jungen auf ein Wohltätigkeitskrankenhaus, da sie weiß, dass er, wenn sie ihn behält, an ihrer Not teilhaben wird. Schweren Herzens lässt sie das Neugeborene auf dem Rücksitz eines teuren Autos zurück, das auf dem Gehweg eines luxuriösen Hauses geparkt ist. Zu ihrem Entsetzen, vor allem nachdem sie es sich anders überlegt hat und zurückfährt, um das Kind zurückzuholen, wird das Fahrzeug von zwei bewaffneten Schlägern mit bemalten Gesichtern gestohlen, und der weinende Waise wird in einer Gasse zurückgelassen. Ein argloser Vagabund (Charlie Chaplin) kommt vorbei und beschließt, das Kind zu behalten und ihm den Namen John zu geben, da er es durch eine Reihe von lustigen Pannen nicht einfach zurücklegen kann.

Fünf Jahre später versucht der Landstreicher, John (Jackie Coogan) in seiner baufälligen Behausung aufzuziehen. Er erträgt all die pittoresken Elemente des Vaterseins, einschließlich der Aufsicht über die Sauberkeit seines Sohnes, ihm das Beten beibringt und ihn bei einem Kampf mit einem benachbarten Tyrannen anfeuert. Das Duo hat auch Erfolg mit einer Masche, bei der der Junge für den Vagabunden Fensterscheiben einwirft, die dieser dann schätzt und gewinnbringend repariert. Letztendlich zwingen die schlechten Lebensbedingungen John und seinen Vater dazu, sich auf die Flucht zu begeben. Als sie sich in einer Absteige verstecken, bringt der Besitzer, der eine Zeitung entdeckt hat, in der eine Belohnung von 1000 Dollar für den Fünfjährigen ausgesetzt ist, ihn zu seiner rechtmäßigen Mutter zurück. Doch der Stadtstreicher ist fest entschlossen, seinen Adoptivsohn ausfindig zu machen und ihn zurückzuholen.

Der große Koinzidenzfall oder das wiederholte Zusammentreffen bedeutender Menschen ist ein Hauptthema in "Der Vagabund und das Kind", das Charlie Chaplin auch in seinen späteren Stummfilmen verwenden sollte. Diese schicksalhaften Ereignisse tragen auf dramatische Weise zu den vielen Emotionen bei, die Charlie Chaplins Themen beim Betrachter hervorrufen können. Eine besonders herzzerreißende Szene entsteht, als die Behörden John in ein Waisenhaus einweisen, weil der Herumtreiber nicht in der Lage ist, ein Kind zu versorgen, das in einem ikonischen Standbild verewigt wurde. Perfekt unterstützt wird jeder zu Tränen rührende Moment durch die mitreißende Musik, die von Charlie Chaplin selbst meisterhaft orchestriert wurde.

Die typische Ein-Mann-Show, die Drehbuchautor, Produzent, Hauptdarsteller und Regisseur ist, teilt sich die Leinwand mit einer außergewöhnlichen Leistung von Jackie Coogan, der Emotionen durch Mimik ebenso effektiv zu manipulieren weiß wie Charlie Chaplin durch eine berührende Erzählung. Der Filmemacher verwendet auch seine Technik, direkt in die Kamera zu schauen, als ob ein Insider-Witz mit dem Betrachter im Gange wäre, cartoonhafte Gewalt mit einem Box-Dodge-Gimmick, das später und einprägsamer in "Lichter der Großstadt" verwendet wird, und eine rätselhafte Traumsequenz, die auf den wahrscheinlich vorübergehenden Zustand des Glücks hinweist, den er am Ende des Films findet. So endet "Der Vagabund und das Kind" glücklicherweise mit einer positiven, wohltuenden Botschaft, die die Schönheit seiner würdevollen Beziehung zu seinem Ersatzsohn unterstreicht.