Chainsaw Charlie - Kommentare

"James Bond 007 - Sag niemals nie" von Regisseur Irvin Kershner mag zwar James Bond sein, aber ohne die Gewehrlaufgrafik, die dröhnende Titelmusik und die Silhouetten nackter weiblicher Figuren im Vorspann ist es einfach nicht dasselbe. Der vielleicht unglücklichste Aspekt dieses Films ist der Zeitpunkt seines Kinostarts, als die Fangemeinde von James Bond am Schwinden war und die wundersame Wiederbeschaffung von Sean Connery nicht ausreichte, um der Produktion neues Leben einzuhauchen. Selbst dem Titelsong fehlt es an Inspiration und Enthusiasmus. Viele bekannte Elemente sind wieder vorhanden, wenn auch in veränderter Form: Moneypenny, 'M' und 'Q' treten alle auf, wenn auch von anderen Schauspielern dargestellt (Pamela Salem, Edward Fox und Alec McCowen). James Bonds Auto wurde merklich ersetzt, und der Hauptbösewicht heißt zwar immer noch Ernst Stavro Blofeld, wird aber nun von dem großen, hageren Max Von Sydow verkörpert.

Der Kommunikationsoffizier Captain Jack Petachi (Gavan O'Herlihy) lässt sein Auge operativ so verändern, dass es mit dem des Präsidenten der Vereinigten Staaten identisch ist. Das Prozedere wird ihm von den wahnsinnigen Verbrechern der Terrororganisation 'SPECTRE' aufgezwungen, die ihn mit Drohungen gegen seine Schwester Domino (Kim Basinger) erpressen. Während der betagte britische Geheimagent James Bond (Sean Connery) eine strenge Diät einhält und auf einer Gesundheitsfarm trainiert, stößt er auf das finstere Komplott von Jack Petachi, der sich in die amerikanische Militärbasis 'Swadley Air Command' in England einschleicht und thermonukleare Sprengköpfe als Ersatz für Attrappen ordert. Sie werden im Meer versenkt, damit 'SPECTRE' sie zurückholen kann, um sie für Milliarden von Dollar an die NATO-Regierungen zu verkaufen.

Aus purer Notwendigkeit nimmt MI6-Chef 'M', der inzwischen zu einem mürrischen Idioten verkommen ist, das '007'-Programm wieder auf und schickt James Bond zurück in den Dienst. Seine Aufgabe ist es, den auf den Bahamas stationierten Milliardär Maximilian Largo (Klaus Maria Brandauer) aufzuspüren, der zufällig Domino als Geliebte hat. Der britische Botschaftskontakt Nigel Small-Fawcett (Rowan Atkinson) warnt James Bond davor, im touristischen Nassau Unruhe zu stiften, aber der Spion nimmt trotzdem sofort Kontakt mit 'SPECTRE'-Agentin Nummer 12 (Barbara Carrera) auf, die zuvor für den reibungslosen Ablauf des Sprengkopfdiebstahls verantwortlich war. Sie ist eine sportliche, selbstsüchtige, masochistische, exzentrische, ausbeuterische Frau, die es vorzieht, einen Mann zu töten, indem sie eine Schlange in sein Auto wirft, und die James Bond in eine Unterwasserfalle lockt. Trotz etlicher anstrengender Attentatsversuche, die James Bond routinemäßig unbeschadet übersteht, macht er sich auf den Weg nach Südfrankreich, wo Largos Boot 'The Flying Saucer' unterwegs ist.

James Bond knallt mit Witzen um sich, wenn auch in wesentlich abgespeckterer Form als in den bisherigen Roger-Moore-Filmen, schläft mit mehreren deutlich jüngeren Frauen und trägt einen schicken Smoking. 'Qs' Versteck für futuristische Apparaturen wird gezeigt, Kampfszenen sind unterhaltsam und zerstörerisch, Martinis werden trocken serviert, und Verfolgungsjagden werden mit praktischen Effekten und draufgängerischen Stunts durchgeführt. Doch die Verwendung eines unlogischen 3D-Spiels im Arcade-Stil, gefolgt von einem merkwürdigen Tango, in dem Barbara Carreras schiefe Überschwänglichkeit ihre Verschlagenheit und Effektivität überstrahlt, was ihr eine rätselhafte Golden-Globe-Nominierung einbrachte, Michel Legrands trompetenlastige Filmmusik, der es stark an Momentum mangelt, ein eher glanzloser Höhepunkt und eine überlange Laufzeit tragen zu den vielen Schwachpunkten bei, die nicht leicht zu tolerieren sind. Die Verfilmung des "Feuerball"-Romans ist auch eine traurige und restriktive Quellenentscheidung, denn der Originalfilm von 1965 war einer von James Bonds unspektakulärsten Abenteuern.

Mit jedem neuen Bond-Film scheint sich die Laufzeit um ein paar Minuten zu verlängern, und dieser Film ist um etwa zehn Minuten zu lang. Offensichtlich erlaubt ein größeres Budget unnötige Szenen, obwohl Regisseur John Glens "James Bond 007 - Octopussy" einige berauschende Actionsequenzen enthält, von denen einige denkwürdiger sind als alle anderen zuvor. Nach der völlig actionorientierten Introduktion, die nun nichts mehr mit der Haupthandlung zu tun hat, arbeitet James Bond undercover, entkommt in luftige Höhen und lässt sich auf ein explosives Ablenkungsmanöver ein, bevor der elegante Titelsong 'All Time High' den vielleicht skurrilsten Filmtitel ankündigt und eine weitere Anfangsinteraktion den Betrachter in die eigentliche Geschichte einführt.

In Ost-Berlin wird ein gefälschtes Faberge-Ei von dem sterbenden Agent 009 abgegeben. Der britische Agent 007, James Bond (Roger Moore), soll herausfinden, was es mit dieser Fälschung auf sich hat. Währenddessen will der fanatische russische General Orlow (Steven Berkoff) den Weltsozialismus mit Gewalt durchsetzen und prahlt damit, dass er 15 Panzerdivisionen befehligen kann, die in der Lage sind, alle feindlichen Truppen in nur fünf Tagen zu besiegen. Die Drohung der NATO, mit Atomwaffen zu kontern, wird angesichts des nuklearen Vergeltungspotenzials Russlands und seines Beharrens auf weltweiter Abrüstung als unwahrscheinlich abgetan. Doch der Vorgesetzte Gogol (Walter Gotell) will mit Orlovs extremistischen Idealen nichts zu tun haben und überlässt den machthungrigen Kommandanten seinem eigenen Plan.

Mit von der Partie ist der Kunsthändler Kamal Khan (Louis Jourdan), der das gefälschte Faberge-Ei bei einer Auktion von 'Sotheby's' ersteigert, als James Bond es gegen das echte Ei eintauscht. Magda (Kristina Wayborn) verführt James Bond, um es zurückzubekommen, und koordiniert auch seine Entführung, die ihn in die Nähe einer geheimnisvollen Frau namens 'Octopussy' (Maud Adams) bringt. Unter all den zahllosen schönen Schauspielerinnen in der Filmindustrie scheint es unvernünftig, dass die Filmemacher Maud Adams, die bereits in "James Bond 007 - Der Mann mit dem goldenen Colt" als Bond-Girl auftrat, wieder einsetzen wollen, aber sie kehrt trotzdem zurück, sieht älter aus, ist aber nicht unerkennbar und hat keine Verbindung zu ihrer früheren Rolle.

James Bonds ironische Attitüde ist auf einem Rekordniveau, wird aber bei seltenen Gelegenheiten auf erfrischende Weise umgesetzt, indem er mit Gadgets und Stunt-Choreographie auf ungewöhnlich lustige Arten umgeht, trotz einiger seiner üblichen adoleszenten Faxen mit den Bösewichten. Der neue Schauplatz Indien ist unterhaltsam, mit einer Schießerei mit einem Blasrohr, Schlangenbeschwörung, Kohlenrennen, Schwertschlucken, einer Jagdsafari mit Elefanten, majestätischen Palästen und einem furchterregenden Gefolgsmann mit Turban, der mehr als einmal ins Spiel kommt. Es gibt auch eine witzige Dinnerszene, in der scheußliche Speisen konsumiert werden, ein Jahr bevor "Indiana Jones und der Tempel des Todes" das Konzept mit größerer Effizienz aufgreift.

Zum ersten Mal in der Filmreihe entwickelt sich die Geschichte wie ein echter Krimi, bei dem die Querverbindungen zwischen den verschiedenen Verbrechern langsam aufgedeckt werden, anstatt dass ein exaltierter Milliardär einen Plan ausheckt, um die Herrschaft über die Welt zu übernehmen. Außerdem wird James Bond durch den Einbezug eines radikalen Militärs als Hauptgegner in eine etwas realitätsnähere Atmosphäre der Spionage zurückversetzt. Auch die Abfolge der Ereignisse, die James Bond zu den diversen Schauplätzen und Actionsequenzen führen, ist fließender und wirkt nicht willkürlich aneinandergereiht, nur um ein bestimmtes Ausrüstungsstück unterzubringen. Doch sobald 'Octopussy' und ihr schwimmender Palast zum Vorschein kommen - mit einem Krokodilgraben - voller Kriegerinnen in dämlichen knallroten Uniformen, die später in Pixars "Die Unglaublichen - The Incredibles" wiederkehren, nimmt "James Bond 007 - Octopussy" eine schlagartige Abkehr zum Negativen. Gleichzeitig ist der Film einer der abenteuerlichsten und blödesten, gewalttätigsten und komödiantischsten der ganzen Reihe. Zu den Höhepunkten gehören jedoch memorable Gegenspieler wie die Zirkuszwillinge mit einer Vorliebe für Messer und Kabir Bedi als der beängstigende Gobinda, der immer wieder erscheint, um sich mit James Bond zu duellieren, ein lebhafter Kampf auf dem Dach eines Zuges, die übliche Schwemme von knapp bekleideten Frauen und Stunts, die routinemäßig frühere Werke der Reihe übertrumpfen.

In diesem zwölften Film der Reihe, "James Bond 007 - In tödlicher Mission" von Regisseur John Glen, (Spoiler) besucht James Bond (Roger Moore) das Grab von Teresa Bond und bezieht sich dabei auf ihren plötzlichen Tod am Ende von "James Bond 007 - Im Geheimdienst Ihrer Majestät". Die skrupellose Organisation 'SPECTRE' und ihr Anführer Blofeld, der in den meisten Filmen als Erzfeind auftrat, sind in den letzten vier Filmen auf mysteriöse Weise nicht mehr vorgekommen, was zum Teil auf einen Rechtsstreit um geistiges Eigentum zurückzuführen ist. Doch endlich gibt es eine Lösung, auch wenn Blofelds Name und Gesicht noch nicht verwendet werden. Zum ersten Mal ist eine Sängerin in der von Maurice Binder entworfenen Titelsequenz zu sehen, nämlich Sheena Easton, die glamourös genug ist, um diese Ehre zu erhalten, und es ist ein viel ausgefeilteres Design, zusammen mit einem gut ausgearbeiteten Text und einer einprägsamen Melodie.

Das A.T.A.C.-System, das vom britischen Verteidigungsministerium zur Kommunikation mit U-Booten eingesetzt wird, befand sich an Bord der 'St. Georges', die im Ionischen Meer durch eine Seemine zerstört wurde. Sollte es auf den Markt kommen, wollen die Russen es haben, da es benutzt werden kann, um britischen Schiffen zu befehlen, befreundete Küsten anzugreifen, also ist es an James Bond, es zurückzubekommen. James Bond reist nach Spanien, um Einzelheiten über den Mord an einem griechischen Kontaktmann, Havelock, herauszufinden, der mit der Ortung des gesunkenen Schiffes beauftragt war. Seine Tochter Melina Havelock (Carole Bouquet) trifft zur gleichen Zeit ein, um den Mörder ihres Vaters auszuschalten, bevor sie mit James Bond flieht.

Obwohl der Racheakt befriedigt ist, will Melina Havelock den Mann verfolgen, der das Verbrechen finanziert hat. Nach einem informativen Besuch bei Gadget-Mann 'Q' (Desmond Llewelyn) begibt sich James Bond nach Italien, um einen Vollstrecker der Brüsseler Unterwelt aufzuspüren, der für griechische Schmuggler arbeiten soll. Emile Leopold Locque (Michael Gothard) ist ein rücksichtsloses Arschloch, das sich mit Auftragsmorden, weißer Sklaverei und Drogenhandel hervorgetan hat. Er wird von einem mysteriösen Mann angeheuert, der eine Flotte von Küstenfrachtern befehligt und über genügend Ressourcen verfügt, um hinter dem verschwundenen A.T.A.C. zu stecken.

Roger Moore zeigt sich von seiner frivolen Seite und reißt am Ende fast jeder Veranstaltung lustige Sprüche. Das Labor von 'Q' ist sogar noch abgedrehter, denn hier wird ein entscheidendes Puzzlestück mit Hilfe der Identigraphie-Technologie erstellt. Die Gerätschaften sind völlig veraltet und können den zu beschattenden Täter unmöglich ausfindig machen. Hinzu kommt eine unglaublich mangelhafte und unverschämt schwachsinnige Darstellung von Lynn-Holly Johnson als Bibi Dahl, einer Schlittschuhläuferin und unmündigen Verführerin. Um dem Zustrom federleichter Charaktereinflüsse entgegenzuwirken, sind einige der Actionszenen aufwändiger als je zuvor, mit riskanteren Stunts und weniger Greenscreen, der fast ausschließlich für Nahaufnahmen von Roger Moores Kopf reserviert ist. Einige Kämpfe entwickeln sich spontan und ohne großen Effekt, ähnlich wie in einer Komödie, in der der Betrachter mit unpassenden Scherzen überschüttet wird, in der Hoffnung, dass diese in Vergessenheit geraten, während die geschickteren ihre Wirksamkeit entfalten. Die Unterwasserszenen sind erstaunlich ausdrucksstark, trotz der auffallend trägen Bewegungen in den schweren, unhandlichen Unterwasseranzügen. Durch den Einsatz von Sauerstoffentzug und Zeitlimits zur Steigerung der Spannung werden einige visuelle Elemente aus James Camerons "Abyss" aufgegriffen.

Die Filmmusik ist viel lebendiger und moderner geworden und hat die klassische James-Bond-Suite abgelöst, die nicht nur zeitlos, sondern auch grandios berauschend ist. Wenn diese Produktionen nur eine gute Sache erkennen würden. Der Lotus bekommt ein Makeover, kurzes Glücksspiel findet seinen Weg ins Bild, und die Bösewichte, vor allem Topol aus "Anatevka" als Oberboss Columbo und Julian Glover als Kristatos, sind ziemlich passé - ebenso wie die weiblichen Nebendarsteller, insbesondere Cassandra Harris als kurzfristiges Bond-Girl. Ein Stunt durch ein haiverseuchtes Korallenriff ist zwar ein Highlight, genauso wie ein beklemmender Überfall auf ein himmelwärts strebendes Bergkloster, aber letztlich gehört "James Bond 007 - In tödlicher Mission" zu den anspruchsloseren Filmen der Reihe.

Im elften Bond-Film, "James Bond 007 - Moonraker - Streng geheim" von Regisseur Lewis Gilbert, ist wieder ein millionenschweres Objekt verschwunden. Diesmal wurde die 'Moonraker'-Raumfähre mitten in der Luft aus dem Heck einer Boeing 747 geklaut. Die Eröffnungssequenz, in der James Bond angekündigt wird, ist erfreulicherweise wieder ein rein actionorientiertes Ereignis, mit einem grandiosen Flugzeugstunt, bei dem 007 und der zurückgekehrte Bösewicht Beisser (Richard Kiel) in einem waghalsigen Griff und freien Fall von der Seite springen. Es ist merkwürdig, warum Beisser immer noch auf der Suche nach einem persönlichen Rachefeldzug ist, aber die Figur hat in "James Bond 007 - Der Spion, der mich liebte" so viel Spaß gemacht, dass es sich anbietet, diese Rolle wieder zurückzubringen. Zum dritten Mal singt Shirley Bassey die Titelmelodie, gerät aber völlig aus der Erinnerung.

Der MI6-Agent James Bond (Roger Moore) reist nach Kalifornien, um Informationen über die 'Drax Corporation' zu sammeln, die von Hugo Drax (Michael Lonsdale in seiner besten Orson Welles-Imitation) geleitet wird. Hugo Drax ist besessen von der Raumfahrt und nutzt seinen grenzenlosen Reichtum, um persönlich ein privates Astronautentrainingsprogramm auf seinem riesigen Anwesen zu finanzieren. Das 'Moonraker'-Modell wurde von Hugo Drax gebaut und befindet sich in seinem Besitz, wobei er sich auf das sichere Geleit der britischen Streitkräfte verlässt. James Bond wird von der NASA-Spezialistin Dr. Holly Goodhead (Lois Chiles) durch die Raumfahrtbehörde geführt, wo 007 in einer Zentrifugenkammer, die von dem minderbemittelten Handlanger Chang (Toshiro Suga) manipuliert wurde, fast getötet wird, wobei die hochgradig verblödeten Namen aus "James Bond 007 - Goldfinger" wieder auftauchen. Von hier aus ermittelt er in einer Glasmanufaktur in Venedig, dann in einer Import/Export-Firma in Rio de Janeiro mit der sexy Kontaktfrau Manuela (Emily Bolton), die bestätigt, dass alle weiblichen Agenten attraktiv sein müssen, was ihn direkt zurück in die Fänge von Hugo Drax bringt, wo der abstruse und futuristische Plan ausgearbeitet wird, die Menschheit in einer getarnten Raumstation zwischen den Sternen neu zu booten.

Hugo Drax ist ein weiterer dynamischer Schurke, der mehr daran interessiert ist, sich wie ein Gentleman-Killer zu verhalten, der sich lustige, paradoxe Todesfälle ausdenkt und James Bond mehrmals entkommen lässt, weil andere Menschen eine leichtere Beute sind, als den Mann zu eliminieren, der ihm zum Verhängnis werden soll. Der Killer Beisser ist jetzt noch weniger furchteinflößend und erlaubt James Bond die Flucht, als er von tanzenden Partygästen in eine Gasse gezerrt wird und sich mit einem zierlichen Mädchen (Blanche Ravalec) beschäftigt. Ein großer Teil des zweiten Akts von "James Bond 007 - Moonraker - Streng geheim" besteht darin, dass Beisser immer wieder versucht, den Geheimagenten auszuschalten, und dabei kein Glück hat, mit einem dämlichen Gag, als ob ein gewisser Kojote einen gewissen Roadrunner jagt. Es geht nicht darum, dass James Bond einfallsreich ist, sondern darum, dass Beisser einfach dumm ist.

Das Thema 'Eroberung des Weltraums' soll an die Erfolge von Science-Fiction-Spektakeln wie "Krieg der Sterne" und "Unheimliche Begegnung der dritten Art" anknüpfen, wirkt aber deplatziert für den Superspion, der besser auf dem Boden agiert, wo er in Schießereien und Verfolgungsjagden verwickelt ist, in Frauenbetten eindringt und sich im Finale mühelos an Bord eines startenden Space Shuttles schleicht. Glücklicherweise spielt sich der größte Teil des Films auf der Erde ab, auch wenn 'Qs' kurzer Einsatz einer Laserpistole eher antipathisch ist, ebenso wie der Flammenwerfer-Lippenstift, der zur Standardausrüstung der CIA zu gehören scheint, mit Ausnahme des Absurdums des Höhepunkts im Weltraum, einer Science-Fiction-Schlacht mit Laserexplosionen und Schwerelosigkeit. Ursprünglich sollte "James Bond 007 - In tödlicher Mission" auf "James Bond - Der Spion, der mich liebte" folgen, wie im Abspann zu sehen ist, aber "James Bond 007 - Moonraker - Streng geheim" wurde wegen des Weltraumthemas vorgezogen. Ich bin jedoch der Meinung, dass diese Geschichte im Bond-Kanon überhaupt nichts zu suchen hat.

Die Actionszenen sind raffinierter als sonst, sie tauchen in Venedig auf, um die Vorteile der Kanäle zu nutzen, die einen musikalischen Tonwechsel verwenden, um eine komödiantische Nuance zu demonstrieren, die eher zu jemandem wie Indiana Jones passt, oder sie brechen spontan in eine urkomisch choreografierte Fechtsequenz in einem gläsernen Museum aus, in der unbezahlbare historische Artefakte mit großer Dekoration wie ein Elefant im Porzellanladen zerschlagen werden. James Bond kämpft sogar mit einer Python. Die meiste Zeit scheinen James Bond und Dr. Holly Goodhead mit ihren Leistungen zufrieden zu sein und sehen sich kaum ernsthaften Widrigkeiten gegenüber, selbst wenn sie regelmäßig von Beisser in die Defensive gedrängt werden.

In "James Bond 007 - Der Spion, der mich liebte" von Regisseur Lewis Gilbert ist ein russisches Atom-U-Boot spurlos verschwunden. Die Agentin 'XXX' (Barbara Bach) wird in Moskau aufgefordert, sich sofort im Hauptquartier zu melden. Der britische Agent James Bond (Roger Moore) wird ebenfalls gebeten, von einem Einsatz in Österreich zu seiner Basis zurückzukehren. Es ist das erste Mal seit dem adäquaten, aber kleineren "James Bond 007 - Goldfinger", dass eine Einführungssequenz rein auf Hochspannungs-Action-Abenteuer ausgelegt ist, und das funktioniert hervorragend mit einem spektakulär auffälligen Stunt eines nervenaufreibenden Skisprungs von einer bergigen Klippe, der eigentlich aus drei Teilen besteht, einem zur Darstellung des Hauptkonflikts und zwei weiteren zur Einführung der russischen und britischen Agenten. Die Titelmusik 'Nobody Does It Better', gesungen von Carly Simon, ist eine 360-Grad-Wende gegenüber den letzten ausgesprochen unbedeutenden Titelmelodien und beweist, dass ein intelligenter, romantischer Song durchaus seinen Platz in der James Bond-Reihe haben darf.

James Bond fliegt nach Kairo und muss die Quelle des fortschrittlichen U-Boot-Ortungssystems ausfindig machen, das es dem größenwahnsinnigen Millionär Karl Stromberg (Curt Jürgens) ermöglicht hat, Atomschiffe zu entführen. Aufgrund eines internen Verrats ist eine Mikrofilmkopie des Systems in Ägypten im Umlauf, auf die konkurrierende Weltmächte bieten können. Karl Strombergs einzigartige Lakaien Beisser (Richard Kiel) und Sandor (Milton Reid) werden beauftragt, den Mikrofilm zu bergen und jeden zu töten, der ihnen über den Weg läuft. James Bond schließt sich Major Anya Amasova, auch bekannt als Agentin 'XXX', an und arbeitet mit ihr zusammen, um die fehlenden Waren zu beschaffen. Karl Strombergs Beschlagnahmung der Sprengköpfe enthüllt auch einen Plan zur Auslöschung von New York und Moskau, wobei der ultimative Plan ein Armageddon auf dem Festland ist, damit die Zivilisation in seinem persönlichen Atlantis neu beginnen kann.

"James Bond 007 - Der Spion, der mich liebte" hat endlich die optimale Formel für einen unterhaltsamen, actiongeladenen Bond-Film gefunden. Überdrehte Dialoge, spärlich bekleidete Frauen überall, Attentatsversuche, Kampfszenen, aufwändige Stuntszenen, von denen die beste eine Motorrad-, Auto- und Hubschrauberverfolgungsjagd ist, geschüttelte, aber nicht gerührte Martinis, exotische Schauplätze und imponierende Fieslinge - all das wird mit einer Qualität umgesetzt, die sich Anhänger dieses schmissigen Spionagefilm-Franchise nur wünschen können. Außerdem gibt es einen ausgezeichneten neuen Bösewicht, einen älteren, sinistren Antagonisten, der seinen Reichtum nutzt, um kräftige Schläger zu beschäftigen. Er verfügt aber auch über eine Haifalle im riesigen Speisesaal seines Unterwasserverstecks, wo er durch prächtige Portale beobachten kann, wie Hochstapler gefressen werden, während klassische Musik durch die Säle schallt. Zum ersten Mal in der Reihe erhält 'Q' (Desmond Llewelyn) einen kompletten Workshop, in dem er seine verrückten, disruptiven und tödlichen Geräte vorführen kann. Und es gibt ein brandneues Fahrgeschäft, bei dem die zu erwartende Missachtung von Vorsichtsmaßnahmen und Anweisungen im Umgang mit den Ausrüstungen unübersehbar ist.

Die Kulissen sind phänomenal und eröffnen neue Möglichkeiten für Kampfchoreografien, während sie gleichzeitig die malerische, trockene Kulisse von "Lawrence von Arabien" und die höhlenartigen Operationsbasen krimineller Drahtzieher, die die Welt zerstören wollen, parodieren - nicht unähnlich dem unterirdischen Versteck aus "James Bond 007 - Man lebt nur zweimal", wobei eine weitere Ähnlichkeit in der Darstellung eines größeren Schiffes besteht, das kleinere Schiffe verschluckt. Auch die Kameraführung ist eine Weiterentwicklung gegenüber den vorherigen Filmen. Außerdem ist der gewaltige, brutale Beisser der beste Bösewicht seit Oddjob und wohl auch der effektivste, und obwohl er besonders ineffizient ist, wenn es darum geht, es mit James Bond aufzunehmen, sind seine plötzlichen Auftritte im Laufe des Films durchaus bemerkenswert.

Auch wenn sie gegensätzliche Charaktere sind, geben Anya Amasova und James Bond ein gutes Paar ab, da sie sich immer zusammenschließen, um ein gemeinsames Ziel zu erreichen. Sie gehört nicht zu den durchschnittlichen, tollkühnen Flittchen, von denen James Bond umgeben ist, sondern wird ihrem Geheimagentenstatus gerecht, indem sie auf dem Boden der Tatsachen bleibt und sich nicht auf dämliche Albernheiten einlässt. Als sie sich schließlich auf romantische Weise verstricken, ist es eher ein humorvolles Katz-und-Maus-Spiel als die lieblose Wollust, die man von früheren Bond-Girls kennt. Die Melodie von James Bond wird zwar sparsam eingesetzt, aber nicht völlig ignoriert, sondern mit jeder Sekunde, die sie erklingt, intensiviert. In seinem zehnten Abenteuer ist 007 endlich da, wo er hingehört: in einem unterhaltsamen Film, der seinem ikonischen Image gerecht wird.

In "James Bond 007 - Der Mann mit dem goldenen Colt" von Regisseur Guy Hamilton spielt ein zwergwüchsiger Butler in einem extrem abgelegenen Herrenhaus auf einer Insel dem Besitzer und ehemaligen KGB-Killer Francisco Scaramanga (Christopher Lee) und seinem mörderischen Gast einen Streich. Das riesige Haus ist mit zirkusähnlichen Labyrinthen und Gimmicks wie Wachsfiguren, rotierenden Spiegeln und pulsierenden Lichtern ausgestattet, die an ein Gruselkabinett erinnern. Für Scaramanga, der auf seine trickreichen Schießkünste stolz ist, wird das Ganze zu einem grotesken Test seiner Fähigkeiten. Seine nächste Beute ist der MI6-Agent James Bond (Roger Moore), der Geheimdienstchef 'M' (Bernard Lee) dazu zwingt, 007 von seinem aktuellen Fall abzuziehen, weil er einen Überraschungsauftritt von Scaramanga befürchtet. Über den Aufenthaltsort des Profikillers ist nichts bekannt und es gibt auch kein Foto, aber seine charakteristische Waffe ist eine goldene Pistole, die goldene Kugeln verschießt.

Auf seiner Reise von Beirut, wo er sich eines Alfred-Hitchcock-ähnlichen Ganoven erwehren muss, nach Macau beschließt James Bond, dass er als Sieger hervorgehen wird, wenn er Scaramanga zuerst aufspüren kann. Auf der Suche nach dem Hersteller der goldenen Projektile stößt er auf Andrea Anders (Maud Adams), Scaramangas Geliebte, die ihn zum 'Bottoms Up Club' führt, wo eine weitere goldene Kugel ein Ziel findet: einen Wissenschaftler, der an der Lösung der Energiekrise arbeitet, indem er eine Schlüsselkomponente für ein Solarkraftwerk entwickelt. Er wird von Hai Fat (Richard Loo) angestellt, einem wohlhabenden Industriellen aus Bangkok, der über die nötigen kriminellen Verbindungen verfügt, um Scaramanga anzulocken. Was James Bond jedoch nicht weiß, ist, dass sich der gerissene Strippenzieher bereits auf das Anwesen geschlichen hat.

"James Bond 007 - Der Mann mit dem goldenen Colt" beginnt mit einem ziemlich dämlichen Szenario, das leider das gleiche miserable Schauspiel für den Höhepunkt vorwegnimmt und in eine der generischsten Titelsequenzen und Titelsongs der Franchise abschweift. Die Pre-Credits gehen weiter bergab und entfernen sich auf unerklärliche Weise von den intensiven, actiongeladenen Intros, die schließlich zu einer Art Wettbewerb werden, bei dem die nachfolgenden Filme versuchen, sich gegenseitig zu übertreffen. Für einen weiteren Bond-Film, der mehr als zwei Stunden dauert, ist das Tempo verabscheuungswürdig. Die Actionszenen werden noch schleppender eingebaut als die rein komödiantischen Sketche, angeführt von der Rückkehr des Charakterdarstellers Clifton James aus "James Bond 007 - Leben und sterben lassen" als rassistischer Louisiana-Cop, der zufällig in Bangkok Urlaub macht.

"James Bond 007 - Der Mann mit dem goldenen Colt" gerät rapide aus den Fugen, als James Bond zu willkürlichen Verfolgungsjagden und Fluchten genötigt wird und sowohl mit einem bösen Genie als auch mit der Verbindungsoffizierin Mary Goodnight (Britt Ekland), einer ungeeigneten jungen Frau, die von James Bond ähnlich wie Moneypenny abgelehnt wird, ein falsches Spiel spielt. Sie ist jedoch so scharfsinnig, ihn als einen Mann zu beschreiben, der Frauen als flüchtige Affären benutzt - eine lange Liste, der sich Mary Goodnight nicht anschließen möchte. Nicht unerwartet landet sie trotzdem in seinen Armen, aber in einem merkwürdigen, traurigen Szenario landet sie auch in einem Kleiderschrank im selben Zimmer, während James Bond mit Andrea Anders im Bett ist.

Christopher Lee verkörpert einen athletischen, gentlemanhaften Typus von enthusiastischem Erzfeind, während der Miniatur-Gefolgsmann Nick Nack (Herve Villechaize) nur aufgrund seiner physischen Eigenschaften und nicht als kreativ gestalteter Feind in Erinnerung bleibt. Und Roger Moore ist als Kämpfernatur absolut unglaubhaft, wenn auch als häufiger Begleiter einigermaßen glaubwürdig, selbst wenn Scaramanga am Ende einer zerstörerischen Verfolgungsjagd durch die belebten Straßen der thailändischen Primatenstadt in seinem Auto-Flugzeug-Hybrid davonfliegt. Nach einem so aufwendigen und langwierigen Aufbau ist der finale Showdown der beiden Scharfschützen ziemlich monoton und grandios antiklimaktisch.

In "James Bond 007 - Leben und sterben lassen" von Regisseur Guy Hamilton wird auf den Vertreter des Vereinigten Königreichs bei den Vereinten Nationen in New York City ein Attentat verübt. Es folgt die Hinrichtung eines MI6-Agenten in New Orleans, Louisiana, und eines weiteren auf der Insel San Monique in der Karibik. Es handelt sich um eine eher fade Eröffnungsszene, die vor der heute so beliebten Einführung von dramatisch intensiver Action, Explosionen und Schießereien spielt. Es folgt eine der beschissensten Titelsequenzen der Filmreihe, die ebenfalls von Maurice Binder entworfen wurde und von der ebenso schmählichen, aber höchst memorablen Titelmusik von Paul und Linda McCartney, begleitet wird.

Es gibt keine Jokes oder besondere Aufmerksamkeit, um den brandneuen James Bond, Roger Moore, zu begrüßen, obwohl seine Dialoge sofort mit Impertinenz durchtränkt sind. Moneypenny (Lois Maxwell) und 'M' (Bernard Lee) nehmen ihre übliche verlogene, fast desinteressierte Haltung ein, als sie den Auftrag erteilen. 'Q' wird zwar erwähnt, tritt aber nie in Erscheinung, woraufhin James Bond quer über den Globus zu einem weiteren Flughafen reist, wo es zu den allseits bekannten vergeblichen Attentatsversuchen kommt. James Bond wird mit der Beschattung von Dr. Kananga (Yaphet Kotto) in New York beauftragt, wo er unter dem Namen 'Mr. Big' eine große kriminelle Organisation leitet, die die Restaurantkette 'Fillet of Soul' als Fassade nutzt. Er verirrt sich nach Harlem, wo er nur knapp mit dem Leben davonkommt, wird aber bald von dem CIA-Agenten Strutter (Lon Satton) begleitet und reist dann nach San Monique, wo er den Plan von Dr. Kananga aufdeckt, große Mengen Heroin zu schmuggeln und zu vermarkten.

Das allgemeine Thema in "James Bond 007 - Leben und sterben lassen" ist etwas morbider als in den Vorgängerfilmen und bedient sich ausgiebig der Wahrsagerei, schlechter Vorzeichen, des Glaubens an das Okkulte, des Voodoo und der tropischen Killertiere, die man in einem stereotypen Karibik-Setting erwarten könnte. Der Film bekämpft dies mit extrem kleinfügigen Charakteren und ridikülen Dialogen, angeführt von der unerfahrenen, furchtbar nichtsnutzigen CIA-Agentin Rosie (Gloria Hendry), die fast nur dazu da ist, die Quote zu erfüllen, damit James Bond mit einem Mädchen beliebiger Ethnie schlafen kann. Solitaire (Jane Seymour) ist ein weiteres Bond-Girl, das für eine kurze Affäre ausgewählt wurde. Sie hat die ungewöhnliche Gabe, durch Tarotkarten in die Zukunft sehen zu können, wandelt sich aber schnell zu einem simplen Lustobjekt, das auch James Bond nicht bei seiner Mission helfen kann, sondern nur als Femme Fatale daherkommt. Hinzu kommen exzentrische Frisuren und aasige Kostümierungen.

Mehrere Anschläge auf James Bonds Leben, verübt von einem Jazz-Begräbniszug und einer Partygesellschaft, werden mit Selbstgefälligkeit und nonchalanter Vermeidung gehandhabt, während echte Action-Abenteuer-Arrangements enttäuschend selten sind. Hier scheint der britische Spion mehr Zeit im Bett zu verbringen, als es mit Kriminellen aufzunehmen. Zudem fehlt die aufregende, mitreißende James-Bond-Titelmusik in weiten Teilen der Produktion, stattdessen wird die kümmerliche McCartney-Titelmelodie als Instrumentalbegleitung verwendet. Bei mehreren Verfolgungsjagden ist überhaupt keine Musik zu hören, was die Intensität deutlich dämpft.

Andere typische James-Bond-Motive werden durch die obligate Hierarchie der Untergebenen ergänzt, die mit Baron Samedi (Geoffrey Holder), einem quasselnden Hexendoktor, der mit Gummischlangen hantiert, etabliert wird. Whisper (Earl Jolly Brown), ein bulliger Handwerker, der die Rolle des Fahrers, Kellners, Haifischjägers oder was auch immer gerade gebraucht wird, übernimmt und immer wieder an allen Schauplätzen aufkreuzt, und schließlich Tee Hee (Julius W. Harris), ein imposanter Mann im roten Anzug und mit Sonnenbrille, der einen auffallend langen Arm mit einer mächtigen Metallkralle hat. Obwohl seine Figur einer der furchterregendsten Bond-Bösewichte ist, ist er auf banale Weise für die berühmte Krokodilfarm-Szene verantwortlich, in der James Bond erwartungsgemäß entkommt, weil er völlig allein dem Tod überlassen wird - ein Fehler, den zu viele Feinde immer wieder machen. Als wäre es nicht schon schlimm genug, dass "James Bond 007 - Leben und sterben lassen" eine der geistloseren Bond-Episoden ist, die sich überhaupt nicht wie ein Bond-Film anfühlt, ist er auch noch vollgestopft mit humoristischen Einlagen, darunter zahlreiche Sequenzen mit dem dämlichen Sheriff Pepper (Clifton James), der unverständlicherweise in einem weiteren Bond-Film nach diesem auftreten sollte. In Anbetracht der Fadesse dieses achten Kinokapitels ist es ein Wunder, dass es überhaupt noch weitere Filme gibt, geschweige denn eine Fortsetzung mit Roger Moore in der Hauptrolle.

Es mag ein ziemlicher Verhandlungsaufwand gewesen sein, den Regisseur Guy Hamilton in "James Bond 007 - Diamantenfieber" betrieben hat, um Sean Connery zurückzuholen, aber nachdem der vormalige Bond-Darsteller George Lazenby die Reihe irrtümlich verlassen hat, scheint es nur angemessen, dass das Original um jeden Preis zurückkehrt. Die Eröffnungsszene zeigt einen rachsüchtigen James Bond, der Menschen durch Räume wirft, eine Frau mit ihrem eigenen Bikini erwürgt, mit Skalpellen auf Bewaffnete wirft und schließlich seinen langjährigen Erzfeind Blofeld (Charles Gray) ausschaltet, indem er ihn in einen Bottich mit geschmolzenem Matsch wirft - seltsamerweise gibt es keinen Hinweis auf den Mord an James Bonds Frau aus "James Bond 007 - Im Geheimdienst Ihrer Majestät". Wenn die Produzenten Harry Saltzman und Albert R. Broccoli auch nur eine Sekunde daran gedacht haben, dass dies der letzte Bond-Film sein würde, ist es besonders passend, den Anführer von 'SPECTRE', der in fast allen anderen Filmen von den britischen Streitkräften gejagt wurde, innerhalb der ersten Minuten unschädlich zu machen.

Der MI6-Agent James Bond (Sean Connery) wird nach Holland geschickt, um einen Diamantenschmuggelring zu untersuchen. Er gibt sich als der dubiose Transportberater Peter Franks aus, um sich mit der Kontaktperson Tiffany Case (Jill St. John) zu treffen, die ihn beauftragt, eine große Menge an Waren für 50.000 Dollar nach Los Angeles zu schmuggeln. Die wertvollen Juwelen sind im Sarg des echten Peter Franks versteckt, den Tiffany Case für einen ermordeten Geheimagenten hält. Bei einem Rendezvous in Las Vegas im 'Circus Circus Casino', bei dem James Bond mit der CIA unter einer Decke steckt, plant Tiffany Case, die Diamanten für sich selbst zu stehlen, weg von den Gangstern, die für den zurückgezogenen Hotelmilliardär Willard Whyte (Jimmy Dean) arbeiten. Tiffany Case, die James Bond zunächst hintergeht, beschließt schließlich, ihm zu helfen, als eine unschuldige Frau an ihrer Stelle getötet wird.

Dies könnte das letzte Mal für mehrere Spielfilme sein, dass sich James Bond tatsächlich wie ein Geheimagent fühlt. Nahkämpfe in klaustrophobischen Umgebungen, verdeckte Aktivitäten, Flüge um die Welt, das Tragen eines Smokings, das Benutzen falscher Identitäten und natürlich das Aufdecken und Vereiteln von Plänen zur Übernahme der Welt sind nur einige der Hauptbestandteile der Arbeit eines verdeckten Spions. Es gibt auch kreativ absurde, aber wirklich witzige Sequenzen, wie eine Flucht in einem Mondbuggy und eine zerstörerische Verfolgungsjagd durch die neonbeleuchteten Straßen von Las Vegas. Leider fehlt der gesamten Handlung die begeisternde Monty-Norman-Titelmusik, die den Impuls und die Intensität mit Sicherheit hätte steigern können.

Mr. Wint (Bruce Glover) und Mr. Kidd (Putter Smith) sind lachhaft eigenartige Bösewichte und doch erstaunlich passend für ein James-Bond-Abenteuer. Seltsam, nicht weil sie auf subtile Weise schwul sind, sondern weil sie, abgesehen von sporadischen, sarkastischen Kommentaren, in denen sie die Namen der anderen in beiläufigen Bemerkungen wiederholen und unheimlich von ihrem eigenen musikalischen Signal begleitet werden, eine kreative Wahl für Attentäter sind, obwohl ihr Fachwissen verwirrend erratisch ist. Sean Connery wirkt unterdessen ungeduldig und abweisend gegenüber seiner neuen Glücksgöttin. Plenty O'Toole (Lana Wood) ist eine weitere Dumpfbacke, die viel zu debil ist, um eine ebenbürtige Begleiterin zu sein, und witzige Sprüche rezitiert, als wolle sie sich in einen weniger ernsthaften Regierungsbeamten verwandeln, um den beruflichen Stress zu bewältigen. Da hilft es auch nicht, dass Nebencharaktere wie Bambi (Lola Larson) und Thumper (Trina Parks) mehr als nur abwegig sind und der Hauptantagonist so sehr James Bond spielt, dass der Superspion mehrere Gelegenheiten findet, zu entkommen und weiterhin allgemein böse Dinge zu unterbinden.

Zum ersten Mal seit sechs Filmen bekommt James Bond in "James Bond 007 - Im Geheimdienst Ihrer Majestät" von Regisseur Peter R. Hunt ein neues Gesicht. Dies ist umso überraschender, da der Rest der Besetzung der wiederkehrenden Nebenrollen gleich geblieben ist: Bernard Lee als MI6-Chef 'M', Desmond Llewelyn als Gadget-Mann 'Q' und Lois Maxwell als Sekretärin Moneypenny. 007 selbst sieht völlig anders aus, obwohl die Stimme des neuen Schauspielers dasselbe Selbstbewusstsein und dieselbe betonte Maskulinität aufweist. Seine Fähigkeit, in Actionszenen zu überzeugen, ist ebenso wenig enttäuschend wie seine schauspielerische Leistung im Allgemeinen, mit der er den Veteranen Sean Connery mit verblüffender Souveränität ablöst.

An einem portugiesischen Strand rettet James Bond (George Lazenby) die Gräfin Teresa di Vicenzo (Diana Rigg) vor einem vermeintlichen Selbstmord, gefolgt von einer versuchten Entführung durch unbekannte Gangster. Später trifft er Teresa di Vicenzo in einem Kasino wieder, die sich bei ihm für seine ungefragten Dienste bedankt und ihn in ihr Hotelzimmer einlädt. Am nächsten Morgen ist sie verschwunden und er ist wieder mit den Verbrechern konfrontiert, die immer wieder versuchen, ihn anzugreifen. James Bond wird mit vorgehaltener Waffe und einem Messer in das Versteck von Marc-Ange Draco (Gabriele Ferzetti) von 'Draco Construction' gebracht, der sich in Wirklichkeit als Chef des zweitgrößten europäischen Verbrechersyndikats ausgibt, und er soll sich weiterhin um Teresa, Dracos Tochter, kümmern.

007 liebt sein Junggesellenleben zu sehr, um freiwillig eine Beziehung mit Teresa einzugehen, aber er wird von Draco dazu verführt, sie zu heiraten, um im Gegenzug den Aufenthaltsort von James Bonds langjährigem Erzfeind Ernst Stavro Blofeld (jetzt dargestellt von Telly Savalas), dem Anführer der internationalen Terroristenorganisation 'SPECTRE', zu erfahren. Nach seiner Rückkehr in das Gebäude von 'Universal Exports' in London, das selbst eine Fassade für MI6-Aktivitäten ist, wird James Bond von seinem Auftrag, Blofeld zu fangen, abgezogen, was den Geheimagenten so erzürnt, dass er resigniert. Doch Moneypenny bittet stattdessen um einen zweiwöchigen Urlaub, der es James Bond ermöglicht, nach Portugal zurückzukehren und eine impulsive Romanze mit der zunächst äußerst widerwilligen Teresa zu beginnen. Während einer Montage, in der Louis Armstrong "We Have All the Time in the World" singt, wird klar, dass James Bond dazu bestimmt ist, die Gräfin zu heiraten - ein Akt, der sich als verspätet, tragisch und letztlich erfolglos erweist.

Nachdem er Teresa eine Zeit lang im Stich gelassen hat, gibt sich James Bond als Ahnenforscher aus, um ein Treffen in der Schweiz zu arrangieren. Dort trifft er Irma Bunt (Ilse Steppat), die persönliche Sekretärin eines zurückgezogen lebenden Grafen, der in einem Forschungszentrum in den Schweizer Alpen residiert und den man für Blofeld hält. Während seiner Infiltration erfährt James Bond von dem absurden Plan des Grafen, mit Hilfe von gehirngewaschenen 'Füchsinnen' aus der ganzen Welt einen bakteriologischen Krieg zu beginnen. Blofeld findet James Bonds Identität heraus, macht aber den Fehler, ihn am Leben zu lassen, so dass der Meister der Spionage nicht nur vor einem Trupp mit Maschinengewehren bewaffneter Skifahrer, sondern auch vor einer Lawine fliehen kann.

"James Bond 007 - Im Geheimdienst Ihrer Majestät" beginnt mit der bekannten Einführungsszene, die in den Vorspann übergeht, aber zum ersten Mal seit mehreren Filmen wird kein Lied gesungen, wenn der Abspann auf dem Bildschirm erscheint. Sensationell ist jedoch das sekundäre musikalische Motiv von John Barry, das abwechselnd mit dem standardmäßigen James-Bond-Theme verwendet wird und fast so eingängig ist wie zuvor in "James Bond 007 - Man lebt nur zweimal". Es ist sehr effektvoll, wenn die Melodie in spannenden Momenten zu hören ist. Dank dieser fetzigen Kombination hat "James Bond 007 - Im Geheimdienst Ihrer Majestät" den vielleicht unterhaltsamsten Score der gesamten Filmreihe.

Wie in den anderen Bond-Filmen üblich, kommen die Kampfszenen wie geplant und werden stets von kessen Kommentaren begleitet, die offenbar notwendig sind, um in die Fußstapfen des vorherigen James Bond zu treten, der mit jedem weiteren Film immer lustiger wurde. In der Bergklinik trifft 007 auf die 'Todesengel', ein Dutzend schöner Frauen, die in die Geschichte eingefügt wurden, nur um weitere Frauenfiguren zu haben, von denen James Bond in einer einzigen Nacht mit zwei schläft. Und obwohl sein charakteristisches Auto und seine Gadgets keinen großen Auftritt haben, gibt es zum Ausgleich ein paar Verfolgungsjagden und eine Reihe beeindruckender Skistunts - die arktische Kulisse ist einzigartig und bietet auch Platz für eine verrückte Schlittenschlacht. Leider versuchen sie zwar, alle erwarteten Komponenten eines Bond-Films einzubauen, aber viele Elemente ziehen das Tempo in die Länge, was zu einigen spürbaren Verzögerungen, der bisher längsten Laufzeit und einem enttäuschend abrupten Ende führt.

In "James Bond 007 - Man lebt nur zweimal" von Regisseur Lewis Gilbert wird das amerikanische Raumschiff Jupiter 16 von einem größeren Schiff verschluckt, die vermutlich von der UdSSR gesteuert wird. Die sowjetische Regierung bestreitet jedoch jede Kenntnis dieser Angelegenheit und betont, dass sie nicht darauf aus ist, die militärische Kontrolle über den Weltraum zu erlangen. Britische Diplomaten schlagen vor, sich auf den japanischen Luftraum und die Motive zu konzentrieren und schicken ihren besten MI6-Agenten James Bond (Sean Connery) in das Gebiet. Doch der britische Marinekommandant wird im Zimmer seiner chinesischen Geliebten ermordet; 007 ist tot! In Anbetracht der Tatsache, dass die von Nancy Sinatra gesungene musikalische Einleitung zu den besten der Reihe gehört, erhält James Bond zwei Leben als Teil eines Tricks, um die Aufmerksamkeit seiner Feinde von seiner neuen geheimen Mission abzulenken.

Um der Weltraumentführung auf den Grund zu gehen, trifft sich James Bond mit dem Kontaktmann Henderson (Charles Gray) und japanischen SIS-Agenten in Tokio, wo die Ermittlungen anhand der Start- und Landekoordinaten der Raketen beginnen sollen. Er hat nur drei Wochen Zeit, bevor die Amerikaner ein weiteres Raumschiff entsenden, und die politischen Spannungen sind groß. Klischeehaft hält James Bond zunächst bei einem Sumo-Wrestling-Kampf, wo er von Aki (Akiko Wakabayashi) zum britischen Agenten Henderson begleitet wird. Doch bevor er etwas erfahren kann, wird der Kontaktmann getötet, obwohl James Bond sich in die 'Osato Chemical and Engineering Co.' einschleicht und sich als Attentäter ausgibt. Er stiehlt einen Marinebefehl und ein Foto aus einem Safe, bevor er von Aki aufgegriffen und zu Tiger Tanaka (Tetsuro Tamba), dem Leiter des japanischen Geheimdienstes, gebracht wird. Nach der Analyse des Bildes hat er einen Hinweis, der ihn zu einer privaten Organisation führt, mit der er schon einmal zu tun hatte und die weltweit für Ärger sorgen soll: 'SPECTRE'.

James Bond, der sich als CEO von 'Empire Chemicals' ausgibt, trifft sich mit Osato selbst und seiner exotischen Sekretärin Helga Brandt (Karin Dor), muss aber wieder fliehen, als Bewaffnete versuchen, ihn zu eliminieren. Er fährt fort, verschiedene verdächtige Unternehmungen zu verfolgen, wird immer wieder erwischt, entkommt und zieht weiter zum nächsten Ort, an dem größere Gefahren und Katastrophen lauern, aber natürlich bleibt er unempfindlich gegenüber körperlichen Schäden oder dem Tod, besonders wenn er gefesselt oder anderweitig gesichert ist. Obwohl "James Bond 007 - Man lebt nur zweimal" langsamer zu sein scheint als "James Bond 007 - Goldfinger", schafft er es, das unerträglich lasche Tempo von "James Bond 007 - Feuerball" zu übertreffen, indem er regelmäßig Actionszenen und Kämpfe zwischen die Erklärungen der Offiziere, warum er sich immer wieder in anderen Umgebungen wiederfindet, einstreut.

Die Spezialeffekte sind nicht so visuell attraktiv, wie man hoffen könnte. Viele der Stunts sind eindeutig darauf ausgelegt, von Schauspielern vor Greenscreens ausgeführt zu werden, anstatt kreative Choreographien und waghalsige Kunststücke zu zeigen. Die Weltraum-Elemente sind ebenfalls nicht überzeugend, da sie nicht im Entferntesten mit der offensichtlichen Existenz einer überlegenen Technologie vergleichbar sind, die ein Jahr später in "2001: Odyssee im Weltraum" zu sehen ist. Eine Nebenhandlung, in der James Bond körperlich in einen Japaner verwandelt wird und zu einem Ninja dressiert wird, erscheint eigenartig und sinnlos, verschafft ihm aber eine Tarnfrau, Kissy Suzuki (Mie Hama), die idiotischerweise einen weißen Bikini trägt, der nicht nur zum Angeln, sondern auch zum Wandern geeignet ist, um sich unter die Einheimischen auf der Insel zu mischen, auf der sich der Stützpunkt von 'SPECTRE' befindet. Dies ist besonders merkwürdig, da die ganze Zeit, in der James Bond sein asiatisches Alter Ego annimmt, Auftragskiller im Trainingslager sind.

Zum ersten Mal ist 'SPECTRE'-Anführer Ernst Stavro Blofeld (Donald Pleasence) in seiner ganzen Gestalt zu sehen, die bisher nur durch einen Anzug symbolisiert wurde, der eine weiße Katze streichelt. Aber selbst diese bedeutsame Enthüllung wird durch die Länge des Höhepunkts heruntergespielt, einer überladenen Infiltration und eines Angriffs auf einen Vulkan, der zu einer Abschussrampe umfunktioniert wurde und von den extravaganten Bewegungen von Schwadronen von Ninjas überrannt wird. Mit seinen exzessiven Minuten aus Nahkampf, Maschinengewehrschießen, Granatenwerfen und Abseilen wird aus einem netten Stück Action ein monotones, zeitfressendes Finale, das ungemein ablenkt. Eine katastrophale Art, ein ansonsten routinemäßiges James-Bond-Abenteuer zu beenden.

Das herausstechende Element von "Casino Royale" der Regisseure Kenneth Hughes, John Huston, Val Guest, Joseph McGrath und Robert Parrish (zu viele Köche...) ist nicht die Frage, welchen Einfluss oder welches Vermächtnis diese Verfilmung auf die massiv erfolgreiche Reihe seriöser James-Bond-Filme haben könnte, die 1962 mit "James Bond 007 jagt Dr. No" begann, sondern die Musik von Burt Bacharach. Denn selbst wenn es sich nicht um eine parodistische Darstellung handeln würde, so ist sie doch nur eine Anspielung auf den Roman von Ian Fleming und basiert nicht einmal auf diesem. Der Soundtrack von Burt Bacharach ist sensationell jazzig und peppig, selbst dann, wenn der Film furchtbar öde oder in seinem Humor wirkungslos wird. Wenn man einen Film nur nach seinem Soundtrack beurteilen könnte...

Als 'M' (John Huston) in Begleitung eines CIA-Agenten, eines KGB-Agenten und eines Vertreters des 'Deuxieme Bureau' James Bonds (David Niven) weitläufiges, von Löwengärten umgebenes Anwesen besucht, hofft er, den Super-Spion im Ruhestand wieder für den nicht enden wollenden Kampf gegen das Böse gewinnen zu können. Die Kräfte der verschiedenen Sicherheitsorganisationen sind aufgebraucht und sie sind nun verzweifelt auf die Hilfe des sagenumwobenen 007 angewiesen, dessen Name und Nummer inzwischen an viele andere weitergegeben wurde. Als er sich weigert, lässt 'M' James Bonds Anwesen zerstören, um ihn zu motivieren, was ungewollt zum explosiven Tod des Agentenchefs selbst führt.

James Bond bringt seine Moral, sein Gelübde, sein zölibatäres Image und sein unverständliches Stottern zurück in die Welt der Spionage. Er reist nach Schottland, um 'M's Witwe zu besuchen, aber die gesamte Einrichtung wurde von Anhängern von 'SMERSH' überrannt, einem bösen Imperium, das die Welt destabilisieren will. Und vor allem sollen sie den Ruf von James Bond in den Dreck ziehen. Wenn das nicht klappt, sollen sie ihn einfach ermorden. Um den rücksichtslosen Machenschaften von 'SMERSH' zu trotzen, beschließt James Bond, alle restlichen Agenten 'James Bond' zu nennen, um den Feind in Verwirrung zu stürzen. Gleichzeitig beginnt er ein Trainingsprogramm, um einen Agenten zu schaffen, der immun gegen die Anziehungskraft von erotischen Frauen ist.

Was in den ersten Minuten als leicht vergnügliche Parodie auf James Bonds Beruf beginnt, entwickelt sich schnell zu unverschämten Dümmlichkeiten und skurrilen Reflexionen über seine Abenteuer, vorgetragen von hypersexualisierten Interpretationen seiner weiblichen Bekanntschaften wie der treffend benannten Giovanna Goodthighs (Jacqueline Bisset). Der restliche Teil besteht aus billigem Slapstick und dämlichen Schauspielern, die sich in scheinbar unzusammenhängenden Sketchen oder wie in einem Musical tummeln, wie die schwülstige Mata Hari/James Bond-Routine und die Psychotrip-Foltersequenz zeigen. James Bond wechselt alle paar Minuten den Aufenthaltsort und die Missionen, nur um auf eine ungewöhnlich große Anzahl von Cameos wie William Holden, Orson Welles, Woody Allen, Peter Sellers und viele andere zu treffen oder um sich zu kostümieren.

"Casino Royale" bleibt dem treu, wofür James Bond seither berühmt geworden ist: Feuerbälle, Verfolgungsjagden, bösartige Gegner, technische oder fehlerhafte Ausstattung, sein Schlagwort, Glücksspiel, immer noch Bakkato, und eine Fülle von sexuellen Andeutungen. Eine Fleischparade, die so ausgedehnt und allumfassend ist, dass diese Produktion aus der Mitte der 60er Jahre praktisch mit Softcore-Pornografie aus der Mitte der 90er Jahre gleichzusetzen ist, gehört ebenfalls dazu, zweifellos um den Betrachter von dem völligen Defizit an wertvoller Substanz abzulenken. Letzten Endes beschränken sich die Lacher auf ein Minimum, und es gibt so gut wie keine innovativen Dialoge, selbst wenn bestimmte Schauspieler wie Peter Sellers in einer einschlägigen Persiflage eine Ausnahme darstellten oder wenn eine Handvoll One-Liner dezent ablenkende Witze über James Bonds charakteristische Waffen und Verführungstechniken enthielten. Ein paar originelle Kulissen, eine Fülle knallbunter Farben und Unmengen entblößter Bauchmuskeln können dieses pubertäre Experiment in adoleszenter Fantasie nicht von seiner zermürbenden Laufzeit und seinem mangelnden unverdienten Unterhaltungswert freisprechen. Und dann ist da noch immer diese Musik...

Wenn "James Bond 007 - Goldfinger" der Beginn der immer fantasievolleren und bombastisch unrealistischen Bond-Filme war, so ist "James Bond - Feuerball" von Regisseur Terence Young die offizielle Geburtsstunde des James-Bond-Bullshits. Mit der modernsten und am besten strukturierten Eröffnungsszene, einer rasanten Einführung, spannender Action und einer unwahrscheinlichen Flucht, mit einem crossdressenden feindlichen Colonel und viel Nahkampf, der in einem eiligen Jetpack-Start von einem Dach, einer Konfrontation mit seinem subtil bewaffneten Aston Martin und einer Reihe von nackten Unterwasserfrauen, die durch die Hintergrundgrafik schwimmen, gipfelt. "James Bond 007 - Feuerball" hat auch den am wenigsten einprägsamen, unoriginellsten Titelsong, gesungen von Tom Jones und geschrieben von John Barry und Don Black.

Der französische NATO-Pilot Francois Derval (Paul Stassino), der eine Trainingsmission mit zwei Atombomben fliegen soll, wird ermordet und durch einen 'SPECTRE'-Agenten ersetzt, der sich einer plastischen Operation unterzogen hat, um sein Zwilling zu sein. Während des Fluges wird das Flugzeug sabotiert und in der Nähe der Bahamas versenkt, wo der 'SPECTRE'-Agent Emilio Largo (Adolfo Celi) die Raketen an sich nimmt. Der britische MI6-Agent James Bond (Sean Connery) wird daraufhin beauftragt, nach Nassau zu reisen, wo er herausfindet, dass Francois' Schwester Dominique Derval (Claudine Auger) die Geliebte von Emilio Largo ist. Während die skrupellose rothaarige Komplizin Fiona Volpe (Luciana Paluzzi) James Bond abwechselnd verführt und zu ermorden versucht, unterhält Emilio Largo ihn in seiner palastartigen Villa mit privatem Haifischbecken und empfängt seinen Gast als eine Methode, einen Gegner zu überlisten und mit ihm zu spielen - eine übliche Aktivität für Bond-Rivalen. In der Zwischenzeit kündigt 'SPECTRE' der NATO an, dass die Terroristen Millionen von Pfund in Diamanten benötigen, um die Zerstörung einer Großstadt zu verhindern, und nur der einzigartige Superagent kann die Bomben beschaffen.

Die Handlung ist vielleicht sogar noch wirrer als in den Vorgängerfilmen, aber auf eine langsamere, zeitraubende Weise. Die Zahl der Frauen, die benutzt und verlassen werden, hat zugenommen, die teilweise weibliche Nacktheit ist gewagter geworden, und die flapsigen Sprüche sind nervtötend gehäuft. Auch die Actionsequenzen sind zwar zahlreich, aber bedeutungslos. Sie führen von einer explosiven Situation zur nächsten, verändern den Schauplatz und führen weitere Charaktere ein, bringen die Geschichte aber nicht schnell genug voran, um das Interesse zu halten. Die wichtigste Neuerung ist die Einbeziehung umfangreicher Unterwasserszenen, die diese kurzzeitig aufregende neue Umgebung eindeutig bis zur Erschöpfung ausnutzen - die Choreografie ist zwar gelegentlich reizvoll, aber völlig zeitintensiv und konfus. "James Bond 007 - Feuerball" ist der erste Bond-Film, der die Zwei-Stunden-Marke überschreitet, und die offensichtliche Überlänge tut dem Film keinen Gefallen.

Jeder neue Bond-Film hat ein größeres Budget, aber Potenzial ist nicht gleichbedeutend mit größerer Kreativität oder besserer Filmgestaltung. Sean Connery wirkt in seiner Rolle fast gelangweilt, es fehlt ihm der Enthusiasmus und die Authentizität der drei vorangegangenen Filme. Er umwirbt immer noch die Damenwelt, kommt aber nie dazu, einen Martini zu trinken oder seinen charakteristischen Smoking mehr als einmal anzuziehen. Der neue Bösewicht hat wieder einmal eine auffällige körperliche Abnormität, diesmal eine Augenklappe, die gerade ausreicht, um typisch für einen Bond-Antagonisten zu sein, aber nicht funktionell genug, um so markant zu sein wie ein Bösewicht des Typs Oddjob. Die wiederkehrende Figur des CIA-Agenten Felix Leiter (jetzt gespielt von Rik Van Nutter) erscheint für triviale Zwecke und trägt nichts zur Handlung bei. Desmond Llewelyn kehrt als 'Q' zurück, um James Bond in neue Gerätschaften einzuweisen, und das Ende ist undurchdacht und abgegriffen. Doch die Musik ist nach wie vor exzellent. Obwohl mehrere andere Romane von Ian Fleming als Inspiration für weitere Handlungen dienen, hätte dieser Tiefpunkt das Ende der Filmreihe sein können? Nein, natürlich nicht.

Es gibt keine wirklich lohnenswerten neuen Geschichten, die mit den Charakteren dieser langjährigen Serie erzählt werden könnten, geschweige denn mit dem Sport selbst. Nichtsdestotrotz ist es witzig, dass "Creed II" von Regisseur Steven Caple Jr. in der Lage ist, wiedererkennbare Persönlichkeiten von vor mehr als 30 Jahren zurückzubringen, was alles zusammenführt, was der erste "Creed"-Film bereits mit der Einführung von Apollo Creeds Sohn tat. In dieser Fortsetzung kehrt der gefallene russische Held Ivan Drago (Dolph Lundgren) zurück. Diesmal nutzt er seinen eigenen Sohn Viktor (Florian Munteanu) aus, um stellvertretend wieder in den Ring zu steigen, in dem zufällig Rocky Balboa (Sylvester Stallone) zugegen ist.

In den Vereinigten Staaten bereitet sich Adonis Johnson (Michael B. Jordan) auf einen Titelkampf gegen Danny Wheeler (Andre Ward) vor, während Rocky Balboa aus dem Hintergrund auftaucht und mit seinem tiefen, raspeligen Mundwerk eine Motivationsrede hält, die an den Rand der Lächerlichkeit geht. Dieses Franchise ist fast schon eine Selbstparodierung. Im Handumdrehen wird Adonis Johnson, der letztlich nur als Creed bekannt ist, zum Weltmeister im Schwergewicht gekrönt. Dieser Erfolg wird nicht als erfreuliche, hart errungene Leistung dargestellt, sondern ist lediglich die Grundlage für weitere Kämpfe zur Verteidigung des Titels - eine Reihe von Auseinandersetzungen, die sich als schwieriger erweisen als die Erringung des ersten Platzes. Aber was Adonis wirklich beschäftigt, ist ein Heiratsantrag an seine Freundin Bianca Taylor (Tessa Thompson), der Rocky Balboa dazu inspiriert, sich an sein eigenes Werben um Adrian zu erinnern - kurze, aber rührende Momente, die den Betrachter fragen lassen könnten, warum er sich nicht einfach den Original-Oscar-Film von 1976 anschaut, mit dem alles begann.

Einer der interessantesten Aspekte dieses Films ist Biancas Taubheit - ein Zustand, den man selten auf dem Bildschirm sieht. Hier hat sie auch eine Auswirkung, die mit der Genetik zu tun hat, die aber tragischerweise nicht aufgelöst wird. Vielleicht ist es nicht weiter verwunderlich, dass sie nicht so sehr im Vordergrund steht, wie sie sollte. Schließlich werden all die kleinen Details für die unabdingbaren Kämpfe und Rückkämpfe beiseite geschoben. Der Hauptantagonist beginnt ungewöhnlicherweise als Außenseiter, wenn man bedenkt, dass Viktor ein hartes Leben in der Ukraine hat und ganz unten anfängt, wo einst Rocky Balboa begann. Leider ist "Creed II" nicht daran interessiert, eine Ebene emotionaler Konflikte oder Komplexität zu schaffen. Nach der Eröffnungssequenz ist klar, dass sowohl Iwan als auch Viktor als unsympathische, kaltherzige Bösewichte konzipiert sind, die nur Grimassen schneiden und grinsen können.

Anstatt den Mut aufzubringen, Rockys und Ivans Wiedersehen als eine komplizierte Mischung aus Demut und Schuldgefühlen darzustellen, wird es als banaler Groll präsentiert, auch wenn die Erwähnung von Dragos verschwundener Frau - Brigitte Nielsen als Ludmilla -, die Sylvester Stallone im selben Jahr heiratete, in dem "Rocky IV - Der Kampf des Jahrhunderts" herauskam, eine Kuriosität ist, die kurz die Augenbrauen hochzieht. Diese Prämisse der Rache erfüllt vorhersehbar ihren Zweck, indem sie zum hundertsten Mal die Publicity-Stunts, die Theatralik und die Psychospielchen hervorbringt, die nötig sind, um einen erfolgreichen Kampf zu inszenieren. Oder besser gesagt, eine weitere Gelegenheit, die Vergangenheit zu repetieren. Komischerweise braucht es praktisch nichts, damit Adonis dem ungleichen Kräftemessen zustimmt. Das Stichwort sind die Montagen, die Rap-Nummern, die frechen Warnungen, die Interviews, die Presseauftritte, die Lichtshows in der Arena, die Wiegeversuche, die zu Handgreiflichkeiten führen, und Rocky Balboa, der allein dasitzt und über die wichtigen Gründe nachdenkt, warum er weiterhin in den Ring steigt. "Das ist unsere Chance, die Geschichte neu zu schreiben!"

Alles an "Creed II" läuft wie am Schnürchen. Es gibt keinen einzigen Moment, der nicht völlig vorhersehbar ist, abgesehen von ein paar merkwürdigen Szenen, in denen es um die Familie geht - ein Thema, das viel mehr Raum einnimmt als der eigentliche Boxkampf. Trotz des großen Wertes von Drago gegen Creed ist diese Geschichte völlig konzeptlos und erbarmungslos überlang. Sogar die Kampfchoreografie wirkt stumpf, da sie sich auf bekannte Bewegungsabläufe und Trainingsroutinen beschränkt, sowie auf Zeitlupenschläge und Blutspritzer, die die schweren Schläge bekräftigen, aber nicht die Geschicklichkeit der Fußarbeit und Strategie zeigen. Letztendlich scheint die Botschaft zu sein, das zu tun, was man liebt, auch wenn es einen umbringt und die Angehörigen demütigt. Aber das eigentliche Verbrechen ist das Fehlen der ikonischen Titelmusik, die nur einmal am Ende des Films erklingt, so als hätten die Filmemacher nicht die Rechte, sie zu verwenden. "Das ist etwa eine Million Jahre her."

Die Eröffnungsszene von Regisseur Guy Hamiltons "James Bond 007 - Goldfinger" verwendet genau die richtige Menge an eingängiger Bond-Musik, als der gerissene Geheimagent einen Vorrat an Nitromethan entzündet. Er zieht den Neoprenanzug aus, mit dem er sich ans Set geschlichen hat, und trägt einen perfekt gebügelten, weiß schimmernden Smoking - ein Konzept, das Jahrzehnte später in "True Lies - Wahre Lügen" wiederverwendet wird. Nach einer Faustkampfszene wird der Betrachter von der erwarteten Titelsequenz begrüßt, die die Konturen einer spärlich bekleideten Frau zeigt, über deren glatten, goldenen Oberkörper Aufnahmen aus den vorherigen Filmen laufen. Es winkt auch eines der schlechtesten Lieder aller Zeiten mit einem absurd albernen Text: Shirley Basseys 'Goldfinger', das lustigerweise eine der beliebtesten 007-Titelmelodien ist.

Der MI6-Agent James Bond (Sean Connery), Codename '007', unterbricht seinen Urlaub in Miami Beach, als er von seinem CIA-Kontaktmann Felix Leiter (Cec Linder) darüber informiert wird, dass er einer Verschwörung auf den Grund gehen soll, bei der es um den internationalen Schmuggel von geschmolzenem Nazi-Gold geht, der von dem wohlhabenden kriminellen Superhirn Auric Goldfinger (Gert Fröbe) inszeniert wird. Bevor er nach England zurückkehrt, wird James Bond Zeuge der Bosheit dieses Verbrechers, der von allem, was mit Gold zu tun hat, besessen ist. James Bonds Bekannte, Jill Masterson (Shirley Eaton), wird exzentrisch hingerichtet, indem sie komplett mit Goldfarbe bedeckt wird - ein irrealistisches, aber eindrucksvolles filmisches Bild, das an eine urbane Legende über das Bedürfnis der Haut zu atmen erinnert.

James Bonds Mission ist eine soziale Inszenierung, bei der er mit Auric Goldfinger eine Partie Golf spielt, wobei er offenbar seine Hand verrät, indem er ein verdächtiges Goldstück auf das Feld legt. Hier trifft er auf den furchteinflößenden Gangster Oddjob (Harold Sakata), einen chinesischen Kriminellen, der unmöglich einen Golfball mit der bloßen Hand zerquetschen kann und einen metallbeschlagenen Bowlerhut trägt, mit dem er Statuen enthauptet und fliehenden Opfern die Nackenwirbel abschneidet. Nachdem er ein Attentat auf Jills Schwester Tilly Masterson (Tania Mallet) in der Schweiz vereitelt hat, wird James Bond von Auric Goldfinger gefangen genommen und nach Kentucky gebracht, wo er noch während seiner Haft weitere Informationen über die 'Operation Grand Slam' sammelt, bei der es um den Diebstahl von Gold im Wert von 50 Milliarden Dollar aus Fort Knox durch den Einsatz einer modernen Form von Nervengas geht.

"James Bond 007 - Goldfinger" ist vielleicht am besten dafür bekannt, die Formel für James-Bond-Filme zu entwickeln und den Standard für Actionfilme der 1960er Jahre zu setzen. Das unterstreicht die gesteigerten Abenteuer, denn zum ersten Mal fühlt sich die Handlung um die Weltherrschaft sehr stark in der Fantasie verwurzelt an, gespickt mit durchgeknallten Elementen von Gefahr und Chaos. Autos explodieren urplötzlich, Verfolgungsjagden werden ohne Vorwarnung ausgelöst und Scharfschützengewehre scheinen ständig zu schießen. Darüber hinaus ist James Bonds typischer Aston Martin nicht nur ein klassisches, göttliches Fahrzeug, sondern auch mit kugelsicherem Glas, reifenzerfetzenden Fähigkeiten wie Masalas Streitwagen aus "Ben-Hur" und einem witzigen Schleudersitz ausgestattet. Dies trägt zu der gewollten Komödiantik bei, die viele Situationen durchdringt, beispielsweise eine ältere Frau, die ein schweres Maschinengewehr in der Hand hält, oder Qs (Desmond Llewelyn) Kollektion von Hightech-Geräten, von denen jedes für eine einzige, individuelle Aufgabe entwickelt wurde. James Bond entgeht nur knapp einem metallschneidenden Laserstrahl, der auf seine Genitalien gerichtet ist. Obwohl er nicht als so blödsinnig wie die späteren Roger-Moore-Filme gilt, enthält dieser frühere Film zahlreiche ironische Aspekte. Häufige, süffisante Späße, vor allem in den Fängen des Feindes, lockern die Dialoge auf, und auch die typischen Erklärungen von Machenschaften fehlen nicht, wobei James Bond die Absichten des Bösewichts laut errät.

Ein weiterer, immer wichtiger werdender Faktor bei den Eskapaden von James Bond sind die Frauen und ihre bizarren Namen. Keine ist so widersinnig wie Pussy Galore (Honor Blackman), die ein Schwadron von Zirkuspilotinnen befehligt, um Tausende von Soldaten zu vergasen. James Bond soll cool und objektiv bleiben, hält sich aber nicht daran und verführt und bumst fast jede Frau im Film, außer der wiederkehrenden Sekretärin Moneypenny, die zum dritten Mal von Lois Maxwell gespielt wird, und denen, die sterben, bevor sie die Chance dazu bekommen. Der Spannungsbogen ist allerdings exzellent, und es gibt viele einprägsame Szenen, mit einer tickenden Bombe als letztem Katalysator für die Spannung und einem Schurkenpaar, das einfach nicht aufgeben will.

"James Bond 007 - Liebesgrüße aus Moskau" von Regisseur Terence Young ist der erste James-Bond-Film mit einer echten Eröffnungsszene, wenn auch nicht von dem actiongeladenen Kaliber oder der Länge späterer Filme, mit einer filmspezifischen Titelmusik, einer Instrumentalversion, die in die beliebte Trompetenmelodie übergeht, und einem kreativeren Vorspann, der diesmal eine Bauchtänzerin mit neonfarbenen Worten zeigt. Desmond Llewelyn hat einen Auftritt mit einem mit einer Sprengfalle versehenen Aktenkoffer als einzigem Gerät der 'Q-Branche', während Sean Connery in seiner ikonischen Smoking-Uniform vorgestellt wird. Schöne Frauen gibt es im Überfluss, Martinis werden nicht richtig serviert, eine Hierarchie einzigartiger Schurken wird skizziert, und der Abspann kündigt an, dass James Bond in einem weiteren Abenteuer zurückkehren wird.

Nachdem sie im letzten Film ihren wertvollen Agenten Dr. No verloren hat, hat die globale Terrororganisation 'SPECTRE' einen neuen Köderplan ausgearbeitet, um den MI6 dazu zu bringen, den Agenten James Bond (Sean Connery) in eine Falle zu locken. Unter der Leitung des Überläufers Kronsteen (Vladek Sheybal) und orchestriert von der russischen Kommandantin Rosa Klebb (Lotte Lenya) trifft sich die Istanbuler Agentin Tatiana Romanova (Daniela Bianchi) mit James Bond, in dem Glauben, sie sei an einer legitimen sowjetischen Spionageabwehrmission beteiligt. Doch Rosa Klebb hat einen Top-Attentäter, den blonden Grant (Robert Shaw), rekrutiert, der dafür sorgen soll, dass 007 für immer eliminiert wird.

James Bond freut sich auf seine Ankunft in Istanbul, obwohl er sicher ist, dass der Auftrag eine Täuschung ist. Dennoch fasziniert ihn ein Foto seiner Kontaktperson, Tatiana Romanova, die angeblich nur mit seiner Hilfe desertieren wird. In der Stadt angekommen, wird James Bond von Ali Kerim Bey (Pedro Armendariz), dem Leiter der türkischen Station, begleitet. Vor dem Hintergrund der Spannungen und Feindseligkeiten des Kalten Krieges hilft Tatiana Romanova James Bond bald, einen Kryptographen zu stehlen, hinter dem sowohl der britische als auch der amerikanische Geheimdienst seit Jahren her sind. Während 'SPECTRE' die verschiedenen Nationen gegeneinander ausspielt, bleibt James Bond das Ziel der Rache und kämpft darum, jedem neuen Anschlag auf sein Leben einen Schritt voraus zu sein.

Mit einer weitschweifigen Bauchtanz-Performance, einem Zigeuner-Zickenkrieg, komplizierten Spionage-Subplots und zu vielen Nebenfiguren leidet "James Bond 007 - Liebesgrüße aus Moskau" immer noch an vielen der gleichen Probleme wie "James Bond 007 jagt Dr. No" im Jahr zuvor. Vor allem schreitet die Geschichte zu träge vorwärts und wird durch inkonsistente und nicht handlungsorientierte Aktivitäten aufgeblasen. Die Charaktere interagieren, Erklärungen werden ausführlich gegeben, und es werden große geografische Entfernungen zurückgelegt - dies ist eine der globetrottenden Bond-Episoden, aber das ändert wenig am Resultat. Humor ist vorhanden, wird aber freundlicherweise regelmäßig gebremst. Der anhaltend unbeschwerte Ton verhindert, dass James Bond jemals wirklich in Gefahr gerät, selbst wenn er vorübergehend überrumpelt wird. Ein spannender Faustkampf in einem Zugwaggon, bei dem enge Winkel und schmale Räume für eine amüsante Choreografie genutzt werden, ist einer der besten Momente, aber ähnliche Sequenzen gibt es nur wenige.

"James Bond 007 jagt Dr. No" von Regisseur Terence Young beginnt auf die bestmögliche Weise mit der dröhnenden, jazzigen James-Bond-Titelmusik, die vom 'James Barry Orchestra' in vollem Umfang gespielt wird. Sie wechselt zu Neonsilhouetten menschlicher Körper, dem Vorläufer der üppigen nackten Frauengestalten, die in fast jeder anderen Bond-Eröffnungssequenz über den Bildschirm tanzen. Es fehlt zwar ein eindeutiger, actionorientierter Anfang, aber die Hauptfigur wird mit ihrem smarten, sofort bekannten Spruch eingeführt. "Bond. James Bond", sagt er mit unübertroffener Coolness, während er einen schicken Smoking, perfekt frisiertes Haar und ein selbstbewusstes, schelmisches Grinsen trägt. Später bittet er um einen Martini, der geschüttelt, nicht gerührt wird - sein künftiges Leibgetränk.

Der britische Geheimagent Commander Strangways, Codename '006', wird auf Jamaika ermordet, was den Chef des MI6, M (Bernard Lee), dazu zwingt, den kürzlich beförderten Geheimagenten James Bond (Sean Connery) mit den Ermittlungen zu betrauen. Er hat eine Lizenz zum Töten, die Bezeichnung '007' und eine neue verdeckte Waffe erhalten, eine ikonische Walther PPK mit Schalldämpfer, auf die die amerikanische CIA schwört. Bei seiner Ankunft auf dem jamaikanischen Flughafen wird er von einem mysteriösen Mann mit Sonnenbrille beschattet und verfolgt. Nachdem es ihm gelungen ist, dem mutmaßlichen Attentäter zu entkommen, reist James Bond zum 'Government House', wo er Strangways Quartier untersucht und die Geschäftsleute trifft, die den vermissten Spion zuletzt gesehen haben.

James Bond entdeckt ein Bild, das ihn zu Quarrel (John Kitzmiller) führt, einem Fischer mit Verbindungen zu dem sonnenbrillentragenden Agenten, der sich als CIA-Beamter Felix Leiter (Jack Lord) entpuppt, der einer Verschwörung auf den Grund gehen will, die einen bevorstehenden Raketenstart in 'Cape Canaveral' stören soll. Der verdächtige Geologe Professor Dent (Anthony Dawson) steht in Verbindung mit Strangways' ursprünglicher Mission und taucht immer wieder auf, um den lästigen 007 mit uneffektiven Taktiken und der Hilfe mehrerer unfähiger Scharfschützen auszuschalten. Doch im Zentrum des Geschehens, auf der abgelegenen Insel 'Crab Key', wartet der verhasste kriminelle Drahtzieher und Ingenieur Dr. No (Joseph Wiseman) darauf, dass James Bond sich seiner Festung nähert und seine rachitischen, terroristischen Pläne aufdeckt.

Er ist äußerst charismatisch, kann gut mit Frauen umgehen, fährt ein extravagantes Cabrio, inszeniert Autounfälle, bei denen die Fahrzeuge spontan explodieren, überlistet seine Gegner auf Schritt und Tritt und ist ein Meister im Nahkampf. James Bond gerät auch nie in Panik und hält die Not auf ein Minimum beschränkt. Mit einem so stilvollen, kultivierten und schneidigen Profi an der Spitze ist es kein Wunder, dass die Schöpfung des Autors Ian Fleming das Ausgangsmaterial für eine der am längsten laufenden Filmreihen lieferte. In "James Bond 007 jagt Dr. No" hat Ursula Andress auch einen unvergesslichen Auftritt als Muschelsammlerin Honey Ryder in einem weißen Bikini - das erste der schlecht geschriebenen, verzichtbaren und lächerlich benannten Bond-Girls, die ein fester Bestandteil der Filme sind. Obwohl diese erste Episode voller hervorragender Szenen und Ideen ist, die Dutzende von weiteren Abenteuern inspirieren sollten, verfügt sie über ein geringeres Budget, weniger Actionsequenzen und ein lahmes Tempo. Er ist wie ein Prototyp, der poliert werden muss, und mehr als zwanzig nachfolgende Filme würden diese Vorlage immer wieder umgestalten und perfektionieren. "Ich kann Ihnen versichern, dass meine Absichten absolut ehrenhaft sind"

In "Creed - Rocky's Legacy" von Regisseur Ryan Coogler im Los Angeles des Jahres 1998 kann der junge Adonis Creed einfach nicht aufhören, sich zu prügeln. Ob in den Gruppenheimen, Pflegefamilien oder Haftanstalten, zwischen denen er ständig wechselt, der Drang, sich mit seinen Fäusten zu behaupten, liegt in seiner Natur und in seinem Blut. Die Rettung kommt in Form von Mary Anne Creed (Phylicia Rashad), Apollo Creeds Frau, die beschließt, den kleinen Adonis aufzuziehen, obwohl er das Produkt von Apollos Affäre mit einer anderen Frau ist.

Siebzehn Jahre später arbeitet Adonis (Michael B. Jordan) bei der 'Smith Boardley Financial Group' und steht kurz vor einer stattlichen Beförderung. Doch anstatt das zusätzliche Geld und die Verantwortung zu akzeptieren, gibt er seine ehrliche Zukunft für das riskantere Unterfangen auf, an der 'Delphi Boxing Academy' zu trainieren, wo er hofft, Profi zu werden. Als in Los Angeles niemand bereit ist, den Halbschwergewichtler zu betreuen, reist Adonis nach Philadelphia, um den legendären Rocky Balboa (Sylvester Stallone) aufzuspüren, der ein Faible dafür haben könnte, den Sohn seines größten Gegners zu trainieren.

Ein Mensch kann nur eine bestimmte Anzahl von Trainingsmontagen durchhalten. Aber dieser siebte Teil der "Rocky"-Franchise lässt nicht nach mit seinem scheinbar endlosen Angebot an praktischen, muskelbepackten, faustpumpenden Workout-Routinen zu motivierender Musik. Tatsächlich werden Boxfilme in der Regel so häufig veröffentlicht, dass Ryan Coogler von solch formelhaftem, unoriginellem Material hätte Abstand nehmen sollen. Aber angesichts einer der unerklärlichsten Filmreihen des Kinos konnte er es nicht über sich bringen, sie abzulehnen.

Um ein neues Element einzuführen, wurde der Bearbeitungsstil geändert. Doch nicht immer zum Besseren. Schärfere Bilder und komplexere Choreografien können "Creed - Rocky's Legacy" nicht vor den Videospiel-ähnlichen Statistiken retten, die auf dem Bildschirm aufploppen - eine absolut grauenhafte Idee, die die Produktion noch weiter von dem erhofften Realitätssinn entfernt. Es ist, als wolle der Film nicht ernst genommen werden, was im Grunde genommen auch geschieht, sobald Sylvester Stallone als der berühmte Rocky auftritt und dieses Stück dramatischer Fiktion ins Reich der Fantasterei verlagert.

Es ist jedoch nicht alles negativ, da der erste echte Kampf, der irgendwo in der Mitte stattfindet, in einer kontinuierlichen Art und Weise gefilmt wird, die nie abbricht, da sie über die Schulter jedes Kämpfers schwebt, während sie sich gegenseitig Hiebe versetzen. Nur zwei Runden lang, aber die Technik ist faszinierend, weil sie den Betrachter direkt in den Ring versetzt, so als ob er jeden Schlag anstelle des Schiedsrichters genau beobachten würde, und er bleibt in diesem Moment, selbst wenn die Glocke die Kämpfer in ihre Ecken ruft. Leider wird ein klassischer Fehler begangen, wenn diese einzige, interessante Sequenz nicht durch den Höhepunkt, einen traditionellen Meisterschaftskampf mit einem austauschbaren, im Grunde willkürlichen, ungeschlagenen Gegner, übertroffen werden kann, so dass die zweite Hälfte des Films sich mit abnehmender Dynamik dahinschleppt.

Bei all den Redundanzen in Handlung und Bildsprache hätte "Creed - Rocky's Legacy" genauso gut eine lange Zusammenstellung von Szenen aus den sechs vorherigen Filmen sein können. Selbst wenn humorvolle Momente das Motiv 'Jung gegen Alt' hervorheben, wenn die Vater-Sohn-Beziehung auftaucht, wenn die notwendige Romanze zwischen Adonis und seiner aufmüpfigen Nachbarin Bianca (Tessa Thompson) aufblüht oder wenn das unvermeidliche inspirierende Sportdrama-Thema 'Gib niemals auf' sein ekliges Gesicht aufsetzt, gehen die echten Emotionen in der strapaziösen Laufzeit und den klischeehaften Interaktionen unter. Die Augenblicke des Herzens sind so tief vergraben, dass dem Betrachter nichts als das quälende Muster von Training und Kampf, Kampf und Training bleibt. Wenigstens sieht Michael B. Jordan Carl Weathers sehr ähnlich.

In "Blond" von Regisseur Andrew Dominik wird Norma Jeane Mortenson (Ana de Armas) von ihrer misshandelnden Mutter die Schuld daran gegeben, dass ihr Vater sie verlassen hat, und entgeht während ihrer tragischen Kindheit nur knapp einem Horror nach dem anderen. Allen Widrigkeiten zum Trotz wächst das junge Mädchen zu einem erfolgreichen Model und Schauspielerin heran, aber nicht ohne zuvor weitere Erniedrigungen durch lüsterne Casting-Agenten und Studio-Manager zu erleiden. Norma findet einen Moment des Friedens, als sie sich in Cass (Xavier Samuel) und Eddy (Evan Williams) verliebt, aber ihr Glück wird bald durch den Verlust ihres Kindes zunichte gemacht. Im Laufe der Jahre steigen Ruhm und Reichtum des Filmstars mit dem Künstlernamen Marilyn Monroe in die Höhe, während ihr Privatleben zwischen momentaner Glückseligkeit und erdrückendem Herzschmerz oszilliert. Beziehungen zu einem Baseball-Giganten (Bobby Cannavale), einem renommierten Theaterautor (Adrien Brody) und sogar einem Präsidenten (Caspar Phillipson) bieten wenig Schutz vor der grausamen Allianz zwischen den Dämonen ihrer Vergangenheit und ihrer alles verzehrenden Leinwandpersönlichkeit, die sich verschworen haben, sie zu zerstören.

Das Leben von Norma Jeane ist von Anfang an alles andere als ein Märchen. Als ob Armut, ein abwesender Vater und Verrat durch Erwachsene nicht schon schlimm genug wären, macht die körperliche Misshandlung durch eine psychisch labile Mutter ihre Situation noch unerträglicher und erinnert immer wieder an den Wahnsinn in Horrorfilmen. Der Slogan 'Von allen erkannt, von niemandem gesehen' bringt auf den Punkt, was Regisseur Andrew Dominik mit seiner Verfilmung des Romans von Joyce Carol Oates erreichen will: Die fiktionalisierte Interpretation der Karriere von Marilyn Monroe zieht den Vorhang zurück und enthüllt eine traumatisierte, gequälte Seele.

Aus der Vernachlässigung und den Familientragödien erwächst der Ruhm, aber die Handlung überspringt hier große Teile ihrer Geschichte völlig. Trotz seiner beträchtlichen Laufzeit ist "Blond" weit davon entfernt, eine umfassende Biografie zu sein. Marilyn Monroes Aufstieg zu nationalem Ruhm wird in Form eines sexuellen Übergriffs, einiger Zeitschriftencover und einiger Probeaufnahmen dargestellt, wobei sich die Besetzung des Films auf etwa vier Produktionen beschränkt. Mit verschiedenen historischen Elementen, die authentisch übersetzt wurden, um die zahlreichen künstlerischen Freiheiten zu ergänzen, und mit der Ersetzung des Stars Ana de Armas durch Fotos und Filmmaterial, von denen das erste "Alles über Eva" ist, in dem der Originaltext von George Sanders beibehalten wurde, da er hier keinen entsprechenden Schauspieler hat, der ihn darstellt, präsentiert "Blond" eine sehr lockere, sehr kurze Geschichtsstunde über die unnachahmliche Berühmtheit, auch wenn, wie in der Vorlage, Namen und Orte selten erwähnt werden. Die Absicht ist natürlich, dass der Betrachter sein eigenes Wissen über Marilyn Monroes Werke und Beziehungen mitbringt. "Wenn du nicht Marilyn wärst, wer wärst du dann?"

Mit Ana de Armas, die in praktisch jeder Szene auftaucht, oft buchstäblich im Mittelpunkt steht oder von der Linse gänzlich absorbiert wird, ist es eine Ein-Frau-Armee von Darstellern. Die dramaturgische Verbindung mit dem Betrachter hängt ganz von ihm ab, vor allem von der intimen, engen Konzentration des Bildes. Glücklicherweise ist sie als Imitatorin spektakulär, auch wenn es ihr nie gelingt, sich völlig in der Rolle zu verlieren - eine überzeugende Stimme, Manierismen, Kostümierung, Make-up und Haarstyling erlauben es ihr zweifellos, der Figur gerecht zu werden.

Als eine Art Hinter-den-Kulissen-Biopic widmet sich "Blond" ausgiebig den Schattenseiten und zeigt eine düstere und depressive Version von Marilyn Monroes Leben. Hier sind die Details oft grausam und werden durch kinematografische Entscheidungen noch beklemmender, die von Zeitlupen und unscharfen Aufnahmen über verschiedene Kamerawinkel, einschließlich einer Art Spiegelreflexkamera, bis hin zu Farben und Beleuchtung reichen - die Verwendung von Schwarz-Weiß-Sequenzen ist zunächst künstlerisch, aber letztlich irrelevant - und zu einer Musikauswahl, die teils für harte Kontraste und teils für moderne Abgründigkeit eingesetzt wird, beides unterstützt durch schrille Soundeffekte. Es gibt eine Handvoll typischer biografischer Sequenzen, aber der Großteil der Handlung besteht aus Normas Unwohlsein und ihrer Abgrenzung von ihrem Alter Ego, unterbrochen von Sex, Nacktheit und Missbrauch. Einige Momente sind kraftvoll und tiefgründig, aber Andrew Dominiks Beharren auf der Wiederholung von Themen und Bildern reduziert nur ihre Effektivität, für jede zum Nachdenken anregende Beobachtung gibt es zwei oder drei weitere, die die Schlagkraft ersticken.

In seinem Bemühen, den glamourösen Mythos des berühmtesten Sexsymbols der Welt zu zerstören, entwirft "Blond" eine ausgesprochen morbide Vision. Manchmal ist es aufschlussreich, aber kaum unterhaltsam. Da "Blond" die Schrecken des Hollywood-Systems entlarvt, einschließlich der überwältigenden Kontrolle und des Ungleichgewichts der Macht sowie der ekelerregenden Kehrseite der Berühmtheit, kümmert er sich wenig um den Unterhaltungswert, abgesehen von Ana de Armas' ergreifender Performance. Einige der interessanteren Themen, von angespannten Beziehungen über Zwangsabtreibungen bis hin zu Lohnunterschieden, werden zwar angesprochen, aber abrupt verworfen, da man nur daran interessiert ist, die Vorstellung zu zementieren, dass Marilyn Monroes Leben eine ewige Hölle war, und nicht daran, die ganze Geschichte oder auch nur minimale Lösungen zu präsentieren. Ihre verschiedenen Erfolge rücken gelegentlich in den Hintergrund, aber nie in den Vordergrund. Selbst der Hauptteil des letzten Akts ist im Wesentlichen ein drogengetränkter Dunst, der die Realität in einer zufälligen Ähnlichkeit mit "Don't Worry Darling" verwischt. Letztendlich ist zwischen all den Repetitionen und trödelnden Kunstgriffen ein respektabler Film entstanden. Eine fast dreistündige Laufzeit ist extrem müßig, aber Dominik Andrews Schnitt schafft es nicht, das herauszufiltern, und so bleibt eine ausgedehnte, unbefriedigende Fiktionalisierung all der ungenießbaren Details über Marilyn Monroe und der hässlichsten Gerüchte. "Ich war mein ganzes Leben lang glücklich."

"Carrie" von Regisseurin Kimberly Peirce ist der Inbegriff von sinnlosen Film-Remakes. Keine Szene verbessert das Original oder führt gar ein Element ein, das in Stephen Kings Vorlage vielleicht übersehen oder zu wenig beachtet worden wäre. Es handelt sich nicht um eine exemplarische Kopie, aber bei dem Versuch, den Themen und der Materie treu zu bleiben, wird nichts authentisch oder mit Elan präsentiert. Es gibt keine Überraschungen und der Terrorfaktor der Kinoadaption von 1976 ist irgendwie völlig ausgeblieben. Haben die Filmemacher wirklich geglaubt, sie würden jemanden finden, der die Handlung von "Carrie" oder die stetige Entwicklung hin zu einem spektakulären, turbulenten Finale nicht kennt?

Carrie White (Chloë Grace Moretz) ist schüchtern und sonderbar und versucht, sich so weit wie möglich aus dem Rampenlicht zu halten. Sie hat keine Freunde in der Schule und kommt so wenig wie möglich mit Lehrern und Schülern in Kontakt. Ihre Mutter Margaret (Julianne Moore) ist eine fanatische, missbräuchliche Züchtigerin, die durch ihre eigene ungesunde, eifrige Erziehung traumatisiert ist. Als die falsch informierte Carrie ihre erste Periode im Sportunterricht von Mrs. Desjardin (Judy Greer) hat, glaubt sie, dass sie sterben wird und wird von ihren Mitschülern gnadenlos geächtet. Die Tyrannin Sue Snell (Gabriella Wilde) wird sich ihrer Grausamkeit bewusst und überredet ihren Freund Tommy Ross (Ansel Elgort), Carrie zum Abschlussball mitzunehmen, um sie zu sühnen. Doch die Mobbing-Anführerin Chris Hargensen (Portia Doubleday) und ihr gewalttätiger Liebhaber Billy Nolan (Alex Russell) beschließen, Carrie erneut zu schikanieren, und geben ihr die Schuld für ihre Verbannung vom Abschlussball.

Die Eröffnungssequenz fügt Carries Herkunft einen zusätzlichen Hauch von Blut und Trauer hinzu, wobei Margarets Unsicherheit die eigene Naivität des Teenagers in Bezug auf ihre körperliche Reifung vorwegnimmt. Sie warnt aber auch vor dem wichtigsten visuellen Unterschied in diesem Update: höchst ineffektive Computeranimationen. "Carrie" ist die Art von Geschichte, die es nicht nötig hat, mit grellen, manipulierten Bildern aufgewertet zu werden. Daher ist es besonders frustrierend, dass der Einsatz von CG die verstörenden Qualitäten des blutüberströmten Endes nur mindert. Der Betrachter macht sich auch über die Tatsache lustig, dass es ein Fotohandy, Internet-Uploads und einen Verweis auf 'Dancing with the Stars' gibt. Leicht modernisierte Nachbildungen ikonischer Sequenzen sind geradezu absurd.

Chloë Grace Moretz ist als Carrie eine klägliche Fehlbesetzung. Sie ist eindeutig nicht in der Lage, die beängstigende Verlegenheit, die Vereinsamung und letztlich die Unheimlichkeit zu vermitteln, die für ein tödliches telekinetisches Chaos notwendig sind. Sie ist süß, kompetent, logisch, hat ihre eigene fundierte Bibelinterpretation und lernt schnell, ihre übernatürliche Gabe zu disziplinieren, die in drastischem Widerspruch zu der zuvor erschreckenden Aura einer geschundenen, an ihre Grenzen getriebenen Seele zu stehen scheint. Anstatt auszuflippen und die Kontrolle über ihren Verstand zu verlieren, ist sie eine Killerin mit klarem Kopf, die zielstrebig auf Rache aus ist. Sobald sie ihre jenseitigen Kräfte beherrscht, ist sie eine Superheldin und kein wahnsinniges, unempfängliches Medium der Vergeltung. Es hilft auch nicht, dass die Nebenfiguren alle einseitig sind: In ihren Interaktionen mit Carrie sind alle entweder aufrichtig reumütig oder ein ruchloser Serienmörder in der Entwicklung.

Julianne Moore fühlt sich in ihrer Rolle wohler und sieht überzeugend aus, aber sie hat kein Drehbuch, um neue Konzepte einzubringen. Und Judy Greer ist als Sportlehrerin eine pathetisch lächerliche Besetzung. Um das offensichtliche Nacktheitsdefizit zu kompensieren, wird eine Cronenberg-eske Body-Horror-Idee angehängt, zusammen mit einem kurzen Sketch im Gerichtssaal, vielleicht aus Gründen des Realismus, Zwillingsmädchen als Komplizinnen (Karissa und Katie Strain), weil sie so praktisch waren, und einer extrem deplatzierten Umkleidekabinen-Montage wie aus einer romantischen Komödie. Die faden, sich wiederholenden Überarbeitungen von Brian De Palmas Thrillerklassiker werfen mir die Frage auf, warum jemand auf die Idee gekommen ist, "Carrie" auf ähnliche Weise neu zu denken.

In "Trans-Amerika-Express" von Regisseur Arthur Hiller springt der Sachbuchverleger George Caldwell (Gene Wilder) aus einem Taxi in Los Angeles und besteigt den Silver-Streak-Zug nach Chicago. Er hat nur ein paar Taschen und einen Aktenkoffer für die zweieinhalbtägige Reise in der ersten Klasse zur Hochzeit seiner Schwester dabei. Als er sein Abteil erreicht, ist er schockiert und erfreut, als er versehentlich die Tür der angrenzenden Kabine öffnet und eine halb bekleidete, attraktive Frau erblickt, die nicht gerade entsetzt ist, von ihm angestarrt zu werden. "Das ist ein Puff auf Rädern!"

In der Bar lernt George den Vitaminverkäufer Bob Sweet (Ned Beatty) kennen, der behauptet, dass alle Frauen an Bord darauf aus sind, eine Affäre zu beginnen. Aber Bob ist nicht so zimperlich, vor allem nicht, als er es auf eine Frau namens Hildegard Burns (Jill Clayburgh) abgesehen hat - genau die Frau, die George schon einmal gesehen hat, teilweise bekleidet, nur um am Ende die Hose voll Eis zu haben. Hildegard schließt sich stattdessen George an, was zu einem Abendessen und ein paar Flaschen Champagner führt, bevor sie zu ihren Gemächern für die nächtlichen Aktivitäten zurückkehren. "Das ist das erste Mal, dass ich mit einem Zug fahre."

Die Dialoge sind auf Anhieb witzig. Hildegards Flirtkünste sind vorzüglich, während George ein Händchen für komische Bemerkungen und zweideutige Aussagen hat. Er greift einige der Gespräche aus "Der unsichtbare Dritte" auf, wobei er sich zwischendurch über "Um Haaresbreite" lustig macht, abwechselnd humorvoll und geradezu verträumt. Dazu trägt auch die Musik von Henry Mancini bei, die inmitten der Intrigen ein Gefühl von Abenteuer erzeugt. Was als leichte Komödie beginnt, wandelt sich in etwas entschieden Unheimlicheres, als Richard Kiel als überdimensionaler Leibwächter auftaucht, komplett mit Metallzähnen, wie in seiner berühmtesten Rolle in der James-Bond-Reihe, obwohl "Trans-Amerika-Express" zuerst kam und die Figur des zähnefletschenden Riesen als unerklärlichen Zufall markiert, der den Zielpersonen den Verstand raubt und George aus dem Zug prügelt, als er anfängt, herumzuschnüffeln. Es geht um einen mysteriösen Mord, aber George ist, vielleicht in Hitchcock'scher Manier, nicht darauf vorbereitet, ihn zu lösen. Auf dem Weg dorthin gerät er in eine Reihe bizarrer, heiterer Missgeschicke, vom Melken einer Kuh - ein Gag, der abrupt endet, als wäre er ein unvollständiger Witz - bis hin zum Fliegen in einem zweisitzigen Flugzeug und dem Weglaufen und Zurückspringen an Bord der 'Silver Streak'. "Dieser Mann wurde ermordet!"

In der Zwischenzeit tauchen zahlreiche verdächtige Personen auf, die in etwas verwickelt sind, das fast so komplex ist wie die Torturen im Orient-Express. Ein reicher Jetsetter (Patrick McGoohan), ein hinterhältiger Gauner (Ray Walston) und ein Doppelgänger-Professor (Stefan Gierasch) sind in eine Vertuschung verwickelt, und selbst Hildegard und Bob sind irgendwie Teil der Verschwörung. Niemandem ist zu trauen, doch George glaubt weiterhin die abgedrehten Geschichten der anderen. Und das lange bevor einer der Stars des Films, Richard Pryor, nach mehr als einer Stunde auftaucht und eine Rolle spielt, die eher einem Cameo-Auftritt gleicht. "Sind Sie sicher, dass Sie sich das nicht nur ausgedacht haben?"

Wie eine Mel Brooks-Komödie mit einem Hauch von Inspektor Clouseau bietet diese durchgeknallte Farce jede Menge unfreiwillige James-Bond-Scherze, Panik und Chaos der absurden Art und intelligente Slapstick-Szenarien. Die Wiederholung von Schlüsselereignissen, die außergewöhnliche Inkompetenz von Autoritätspersonen, die nie besser dargestellt wurde als von Clifton James, einem weiteren 007-Überbleibsel, und die blödsinnige Umsetzung des Themas 'Der falsche Mann' sorgen für eine gelungene Vermischung der verschiedenen Genres. "Ich mache noch einen Verbrecher aus dir."

Mit einer Reihe von weiteren Elementen, die in den Film eingestreut sind, bewegt sich "Trans-Amerika-Express" schnell und unvorhersehbar und bietet ein unterhaltsames Erlebnis trotz seiner überlangen Laufzeit und der ständigen Verringerung der Witze zugunsten der Steigerung der Spannung. Normalerweise würde die Verquickung so vieler Genres dazu führen, dass alle weniger effektiv wären, aber Gene Wilder überzeugt als Jedermann, als Ermittler, der sein Glück sucht, als Mann der Tat und als Casanova, der eine Aufrichtigkeit vermittelt, die die allgegenwärtige Dämlichkeit verdrängt. Ihm gelingt auch die übertriebenste, hysterischste Blackface-Sequenz, die je gefilmt wurde, eine Szene, die so bizarr und unglaublich unpassend ist, dass sie sich als einprägsamer erweist als alles andere im Film, vor allem, wenn es zum Finale kommt, das beginnt, einem echten James-Bond-Abenteuer zu ähneln, komplett mit einem fantastischen Abgang des Bösewichts, der Rettung eines Mädchens in Not und einer verheerenden Zuggarnitur.

Als die achtjährige Wen (Kristen Cui) und ihre Eltern Eric (Jonathan Groff) und Andrew (Ben Aldridge) in Pennsylvania in der idyllischen Hütte im Wald ankommen, die sie gemietet haben, nehmen ihre Pläne für einen friedlichen Urlaub in "Knock at the Cabin" von Regisseur M. Night Shyamalan langsam Gestalt an. Doch Ruhe und Entspannung werden schnell von Angst und Schrecken abgelöst, als sich vier unerwartete Besucher mit behelfsmäßigen Waffen der Hütte nähern und darauf bestehen, eingelassen zu werden. Der sanftmütige, stämmige Lehrer Leonard Brocht (Dave Bautista) führt die Gruppe von Eindringlingen an, zu der auch die nervöse Krankenschwester Sabrina (Nikki Amuka-Bird), der reizbare Gauner Redmond (Rupert Grint) und die quirlige Köchin Adriane (Abby Quinn) gehören. Und als die Fremden eine bizarre Geschichte mit beängstigenden Vorzeichen erzählen, bevor sie ihre Forderungen offenbaren, wird den Geiseln das Ausmaß des Albtraums bewusst, der sich vor ihnen abspielt.

"Knock at the Cabin" beginnt mit einer unangenehmen Einleitung mitten im Wald, in dem sich die titelgebende Hütte befindet, und verschwendet keine Zeit. Diese frühe Sequenz zeichnet sich durch extrem invasive Nahaufnahmen und das Gefühl aus, dass etwas Schreckliches passieren wird, was durch den hervorragend besetzten Dave Bautista noch verstärkt wird - ein Mann, der zwar eine einschüchternde Figur hat, aber sein Bestes tut, um auf seltsame Weise sympathisch und nicht monströs zu wirken. Das ist ein großartiger Kontrast und nur eine von vielen Besetzungsentscheidungen, die beweisen, dass die Leistungen hier tatsächlich überzeugend sind. "Ich bin hier, um dein Freund zu sein."

Wie die Vorboten des Todes lösen die fremden Besucher Gefühle der Panik aus. Die donnernde Horrorfilmmusik mit ihren bedrohlichen Soundeffekten und nervenaufreibenden Zwischenspielen trägt ebenfalls zur Stimmung bei und erzeugt ein unmittelbares Unbehagen, nicht unähnlich den ersten Momenten von Michael Hanekes "Funny Games". Der Auftakt ist ziemlich ausführlich, was vor allem daran liegt, dass die Erzählstruktur schließlich auf einige frühere Szenen zurückgreift, von denen einige Hintergrundinformationen liefern, während andere eher dröge Elemente wie die Ankunft der Familie auf dem Grundstück einführen. Die Rückblenden werden im Verlauf von "Knock at the Cabin" immer unerwünschter und dienen oft nur dazu, eine spannende Interaktion zu unterbrechen. Einige haben mit dem verständlichen Misstrauen der Eltern und dem Gefühl der gezielten Verfolgung zu tun, viele sind jedoch spezifisch inszeniert, um den Betrachter nach dem bedrückenden Geiselszenario aufatmen zu lassen. "Wir stehen ein wenig unter Zeitdruck."

Das wird umso störender, je länger dem Betrachter die Antworten vorenthalten werden, während die letztendlichen Enthüllungen völlig unplausibel sind, nicht nur wegen der gewollten Unlogik des Ganzen, sondern auch wegen des Mangels an Beweisen für eine so abwegige Prämisse. Zum Teil geht es darum, eine ausgeprägte Zweideutigkeit zu bewahren, um die Unruhe beim Nachdenken über die Komponenten des Hauseinbruchs und die scheinbar übernatürlichen Komplikationen zu vergrößern. Umso verrückter aber die Geschichte wird, desto weniger glaubwürdig wird sie mit ihren rituellen Regeln und der Strenge und Verdammlichkeit des unverrückbaren Glaubens, den sie schildert. Dieses Konzept wäre eher in einer "Twilight Zone"- oder "Black Mirror"-Episode zu finden, da das Format eines Spielfilms ein gewisses Maß an Strukturierung erfordert, um eine vollständige Geschichte zu erzählen, während die oben genannten Eigenschaften eine minimale Restrukturierung und eine bereits etablierte Aussetzung des Unglaubens erlauben. Die Welt hier ist viel zu groß für diese allegorische Darstellung eines biblischen Konzepts. Hätte man den Horror auf eine isolierte Gemeinschaft beschränkt und die Nachbarn in die Rolle von Opfern eines göttlichen Gerichts versetzt, wären Glaubwürdigkeit und Schreckenswirkung vielleicht noch eindrucksvoller gewesen. "Das ist psychotisch! Es ist wahnhaft!"

Dennoch ist "Knock at the Cabin" eine kompetente Arbeit in Sachen Suspense. Der Film ist unheimlich, traumatisch und brachial und nimmt Anleihen bei "Knowing", "10 Cloverfield Lane" und "Der Nebel", während er nachdenklich stimmende Themen wie Zerstörung, Erlösung und Aufopferung behandelt. Es wäre so viel mehr möglich gewesen, wenn M. Night Shyamalan, der mit Steve Desmond und Michael Sherman an der Adaption von Paul Tremblays Buch gearbeitet hat, bereit gewesen wäre, die Geschichte in eine intimere, bissigere Vision zu verwandeln, doch das Resultat ist immer noch exzellent geschauspielert und absolut packend. "Man hat immer eine Wahl!"

Wenn er locker und abenteuerlich bleibt, hat "Gangster Squad" von Regisseur Ruben Fleischer seine Minuten mit guter, spannender Unterhaltung. Aber zu oft wird versucht, andere Filme zu imitieren, während die Zügel des Überschwangs zugunsten eines viel dunkleren Ansatzes zurückgezogen werden. Im Zickzackkurs zwischen gefühlloser Ernsthaftigkeit in der einen und komischer Irrsinnigkeit in der nächsten Minute bietet der Film ein Potpourri von Nuancen, Stilen und Gangsterfilmklischees. Konsistenz ist nicht seine Stärke. Spätestens beim dritten Mal, wenn Schießereien in Zeitlupe und glamouröse Frauen im Zigarettenqualm langweiligen Bösewichtern und grüblerischen Montagen weichen, schwindet mit dem Spaß auch jeglicher Orientierungssinn.

Es ist das Los Angeles der 1940er Jahre, und der machtgierige Mafiaboss Mickey Cohen (Sean Penn) beginnt ein unerbittliches Streben nach der Übernahme der gesamten Stadt. Um ihn zu stoppen, beauftragt Polizeichef Parker (Nick Nolte) den übereifrigen Sergeant John O'Mara (Josh Brolin) mit der Bildung der 'Gangster Squad', einer geheimen Gruppe unorthodoxer Polizisten, die vor nichts zurückschrecken, um Mickey Cohen zur Strecke zu bringen. John O'Mara, Wooters (Ryan Gosling), Harris (Anthony Mackie), Kennard (Robert Patrick), Ramirez (Michael Pena) und Keeler (Giovanni Ribisi) werden schnell so skrupellos wie die Kriminellen, die sie festnehmen sollen, und beginnen, Cohens Imperium Stück für Stück zu zerstören. Doch als Wooters sich in Cohens Freundin Grace (Emma Stone) verliebt und der Gangster die Identität seiner Feinde herausfindet, muss sich das Bataillon auf einen Krieg vorbereiten, der über das Schicksal der Stadt entscheiden wird.

"Gangster Squad" weiß nicht, was er sein will. Ebenso eklektisch wie die Farben im Film, wenn auch nicht so extrem wie in "Dick Tracy", gestalten sich die ständig wechselnden Akzente und Stilrichtungen. Der Abspann erscheint als pulpige Postkartenillustration - die letzte der unerwarteten Schwankungen in der Bildsprache, die in scharfem Kontrast zu den anfänglichen Szenen ultrablutiger Gewalt stehen, in denen ein Mann von Fahrzeugen zerfetzt wird, ähnlich wie in "Hitcher, der Highway Killer", was wie eine dämliche Hinrichtung im Angesicht ernsthafter Bösartigkeit wirkt, zu den späteren Momenten der Romantik und dem kulminierenden Showdown im Plaza Hotel. Das Ganze ist so halbgar wie "Lawless - Die Gesetzlosen", der immer wieder versucht, Ernsthaftigkeit, Spannung, Abwechslung und in manchen Momenten sogar Komik zu vermitteln, aber die falschen Emotionen erzwingt. Einige Actionszenen lassen einen verwundert den Kopf schütteln, während Elemente der Brutalität ungewollt für Lacher sorgen. Die unglaublich hohe Schussrate ist im Vergleich zu den angeschlagenen Zielen lächerlich, besonders wenn die Feinde Maschinengewehre gegen Pistolen einsetzen und trotzdem fast nichts treffen.

Sean Penn will Robert De Niro und Al Pacino zugleich sein, wirkt aber stattdessen nur albern, vergisst seinen Dialekt und versagt bei seiner unnatürlichen, obligatorischen Gnadenlosigkeit. Die Sprache, die Hüte, die Mäntel, die Kleidung, die Wohnungen, die Waffen, die Autos und die Zigaretten sorgen für einen Moment der Authentizität, aber sie passen nicht zu den allzu zeitgemäßen Kamerawinkeln, die bei halsbrecherischen Verfolgungsjagden mitten in der Nacht durch die Autofenster zoomen, zu den hochauflösenden Zeitlupen und den allzu offensichtlichen Spezialeffekten, die jede Gelegenheit nutzen, um den Betrachter aus seiner Ungläubigkeit zu reißen und auf die technischen Methoden aufmerksam zu machen. Doch die Guerilla-Taktik, der Kampf gegen korrupte Cops, die Zusammenstellung eines Dreamteams, das "The Untouchables - Die Unbestechlichen" oder "Ocean's Eleven" in Nichts nachsteht, und Robert Patricks Wildwest-, Schießbuden- und One-Liner-Show machen durchaus Laune. Aber John O'Maras Zuversicht und sein Elefant-im-Porzellanladen-Ansatz bei der Strafverfolgung ist oft zu pauschal, was in toten Zivilisten, Racheattacken und massiven Schießereien gipfelt, bei denen die Beteiligten wie unerschütterliche Statuen dastehen, während die Kugeln um sie herumschwirren und jede Requisite im Hintergrund treffen.

In "American Streetfighters" von Regisseur Woo-sang Park ist eine bunt zusammengewürfelte Truppe bewaffneter Schläger mit komisch aussehenden Schnurrbärten dabei, auf einem heruntergekommenen Dock irgendwo in Miami Geschäfte zu machen. Eine große Ladung Kokain wechselt den Besitzer, als ein Team von Ninjas beginnt, Wurfsterne zu werfen und Schwerter zu schwingen. Was folgt, ist ein Blutbad dümmlichen Ausmaßes, in dem die Figuren übertriebene Todesschreie ausstoßen, abgetrennte Gliedmaßen erleiden und dramatisch von ihren Stangen springen. "Wo ist das Geld?!"

Kurz darauf wird in einem angesagten Nachtclub in Orlando mehr Koks verteilt, während eine neue Hausband - 'Dragon Sound' - vor einer ausgelassenen Menge auftritt. Groteskerweise wird ein ganzer Song wie ein Musikvideo gedreht, was darauf hindeutet, dass dieser Film auch eine Gelegenheit ist, eine Band zu promoten. Und dann wird die Szene einfach ausgeblendet, was diesen Eindruck noch verstärkt. Die nächste Sequenz beginnt an der University of Central Florida, wo die Studentin Jane (Kathy Collier) ihren schmächtigen Freund John (Vincent Hirsch), den Bassisten von 'Dragon Sound', trifft. Doch Janes Bruder Jeff (William Ergle), der mit seinem Kumpel Yashito (Si Y Jo) und deren Biker-Gang mit Koks dealt, ist sofort dagegen und zettelt einen Streit an. Niemand ist gut genug für seine Schwester, und die Existenz der Band beeinträchtigt irgendwie seine Kompetenz, sein Drogengebiet zu kontrollieren.

Die Handlung spielt kaum eine Rolle, ebenso wenig wie die Namen, denn der Keyboarder der Band heißt Jim (Maurice Smith) und der Schlagzeuger Jack (Joseph Diamond). Sekunden nachdem Jeff sich mit John angelegt hat, bricht ein weiterer Konflikt aus, dieses Mal mit unwichtigen Hintergrundrollen, dem Clubbesitzer und der ehemaligen Hausband, bevor 'Dragon Sound' einen weiteren Song präsentiert - in voller Länge. Und dann halten mehr als ein Dutzend Baseballschläger schwingende Schläger 'Dragon Sound' an, als sie von ihrem Auftritt nach Hause fahren, und verwickeln sie in ein massives Handgemenge auf der anderen Straßenseite und auf einer Baustelle, wo Gitarrist Mark (Y.K. Kim) zusammen mit dem Rest der Musikgruppe ihre Kampfsportfähigkeiten demonstriert (später heißt es, dass sie alle den schwarzen Gürtel in Taekwondo haben). Tatsächlich scheint es, als ob jeder im Film - Drogendealer, Bandenmitglieder, Musiker, Studenten und Ninjas gleichermaßen - eine Art von Kung Fu beherrscht.

Der Soundtrack ist hysterisch pathetisch und wird nur noch von den unglaublich armseligen Schauspielern übertroffen. Y.K. Kim ist besonders untauglich, denn sein fetter Akzent macht seine Dialoge weitgehend unverständlich. Es ist offensichtlich, dass die Besetzung in erster Linie aus Möchtegern-Kampfsportlern, in zweiter Linie aus Möchtegern-Musikern und in dritter Linie aus Möchtegern-Schauspielern besteht. Letztlich versagen sie in allen Punkten: Die Action-Sequenzen sind geprägt von maßlos übertriebenen Schlägen, Waffenstößen, die meilenweit daneben gehen und Schlampereien bei Zeitlupenaufnahmen. Die musikalischen Darbietungen sind zum Kotzen und wiederholen sich, während die Texte schwachsinnig sind und die Dialoge so monoton und verlogen vorgetragen werden, dass sie sich anhören, als würden sie zum ersten Mal von Leuten gelesen, die keine Wörter aussprechen können.

"American Streetfighter" ist nicht nur ein schlechter Film. Er ist in allen filmischen Aspekten so defizitär, dass er geradezu ein Witz ist. Es ist eine dieser unvorstellbar schrottigen Produktionen, die so beschissen ist, dass sie immer wieder neue Wege findet, um noch beschissener zu sein. Zu den dümmsten Momenten gehört, dass Jim weint, als er ein Geheimnis über seine Eltern preisgibt, während er Jeans ohne Schnallen trägt - eine Nebenhandlung, die nicht einfach verschwindet, wie es sich gehört, und dass Mark seinen Mitbewohnern ohne Hemd mit Weintrauben zum Frühstück füttert. Selbst der finale Showdown mit Yashitos motorradfahrender Ninja-Armee, bei dem es zu unverhoffter Gewalt kommt, kann diesen Film nicht vor kolossaler, stupider Larmoyanz retten. "Wir könnten einen weiteren Taekwondo-Song schreiben."

Ich liebe die neue Gästebuch-Funktion ;-D

Die drei ursprünglichen "Scream"-Filme boten nie eine besonders stabile Mischung aus Humor und Horror. Ja, sie enthielten beide Elemente gleichermaßen, aber oft kamen die Lacher eher durch die Blödheit der Charaktere als durch cleveres Schreiben. Und der Horror war erzwungen, vorhersehbar und wurde den vergesslichen Opfern aufoktroyiert. "Scream 4" von Regisseur Wes Craven wird zwar niemanden zum Fan machen, der nicht ohnehin schon dabei ist, aber er behebt endlich viele der Probleme, die die ersten beiden Fortsetzungen geplagt haben. Hübsche Mädchen erhalten immer noch Drohanrufe von Fremden mit rauer Stimme, gefolgt von brutalen Messerstechereien, aber dieses Mal wählt die selbstreflektierende Komödie einen klügeren Ansatz, indem sie sowohl Selbstironie als auch generische Horrorfilm-Parodien verwendet, ohne sich ausschließlich auf nervige Gurus zu verlassen, die Spoiler oder sinnlose Spekulationen verbreiten. Vielleicht liegt ein Großteil seiner Stärke in der Plattform und der Geschichte, die seine Vorgänger geschaffen haben, aber alle Teile scheinen besser aufeinander abgestimmt zu sein. "Scream 4" schafft das, was die vorherigen Filme so krampfhaft versucht haben: einen Horrorfilm zu kreieren, der weiß, wann er über sich selbst lachen kann.

Sidney Prescott (Neve Campbell) kehrt in ihre Heimatstadt zurück, um ihr neues Selbsthilfebuch zu promoten, zehn Jahre nachdem sie die berüchtigten 'Woodsboro-Morde' überlebt hat. Ihre Ankunft fällt mit dem Jahrestag der ersten Morde zusammen, und als zwei Teenager in ihrem Haus ermordet aufgefunden werden, und zwar auf eine Art und Weise, die den Angriffen von vor so langer Zeit ähnelt, wird klar, dass der Horror noch nicht vorbei ist. Wieder einmal machen sich Dwight Riley (David Arquette) und Gale Weathers (Courtney Cox) auf die Suche nach Hinweisen, um die Identität des Killers aufzudecken. Doch als die Zahl der Leichen steigt, kommen sie zu der erschreckenden Erkenntnis, dass der Mörder sich nicht mehr an die konventionellen Regeln von Horrorfilmen oder deren Fortsetzungen hält.

Laut "Scream 4" besteht der Zweck einer Fortsetzung darin, ihre Vorgänger zu übertreffen. Und das ist keine besonders schwierige Aufgabe, wenn man berücksichtigt, dass der vorherige Teil der Reihe einer der schlechtesten und am meisten reproduzierten Horrorfilme überhaupt war. Die Eröffnungsszene ist großartig und macht sich wieder einmal über Slasher und sich selbst lustig, dieses Mal mit viel Witz und Fingerspitzengefühl. Während der zweite und dritte Film eher dazu neigten, sich über sich selbst lustig zu machen als über das Horrorgenre im Allgemeinen, ist "Scream 4" wieder auf dem besten Weg, Parodie, Hommage und echte Spannung in Einklang zu bringen. Der Film ist etwas grafischer, die Blutschwemme ist exzessiver und die Gewalt ist ernster, aber die Lacher sind immer noch da, von den Facebook/Twitter/Webcam/iPhone-Apps-Witzen über die "Inception"-ähnlichen Film-im-Film-Gags bis hin zu den nackten, jungen, beliebten Starlets, die es schaffen, alle ihre Kleidungsstücke an ihrem Platz zu lassen.

"Das ist kein verdammter Film!", schreit Sydney, die von dem Stalker mit der kieseligen Stimme terrorisiert wird. "Das wird er", antwortet er und spricht damit das bekannte Klischee aus, das so oft in der Reihe thematisiert wurde. Auch die Normen für Horrorfilm-Fortsetzungen vernachlässigen vor allem die altbekannten Aspekte wie Autos, die nicht anspringen, Aufzüge, die sich nicht mehr bewegen, und verlassene, schwach beleuchtete Parkplätze. 'Ghostface' ist immer noch tölpelhaft, übermäßig destruktiv und kann sich in Luft auflösen, und Sydney, Dwight und Gale sind immer noch zu versiert im Abwehren von Messerangriffen. Glücklicherweise geht es vielen Neuzugängen nicht so gut. Außerdem gibt es, wie erwartet, Ablenkungsmanöver, verdächtige Hintergrundfiguren mit offenkundigen Mordabsichten und die Entlarvung des wahren Killers mit völlig mysteriösen Motiven. Trotz der Repetition, der gewohnt ellenlangen Exposition und mehrerer Enden schafft es "Scream 4" mühelos, besser zu sein als der letzte Teil der Franchise und ist auch der beste der Reihe.