Chainsaw Charlie - Kommentare

In "King Kong und die weiße Frau" von den Regisseuren Merian C. Cooper und Ernest B. Schoedsack plant der New Yorker Carl Denham (Robert Armstrong), der sich vor nichts fürchtet, eine große, waghalsige Reise mit einer Gasbombenladung und tonnenweise Munition, viel zu vielen Besatzungsmitgliedern und einem Kapitän (Frank Reicher) und seinem ersten Offizier Jack Driscoll (Bruce Cabot), die nicht wissen, wo das Ziel liegt. Als Carl Denham versucht, den Hafen schnell zu verlassen, um die problematischen Zoll- und Kontrollvorschriften zu umgehen, stößt er auf einen weiteren Stolperstein: Sein Agent Charles Weston (Sam Hardy) ist nicht in der Lage, eine Schauspielerin zu finden, die die Gruppe begleitet, da Carl Denham an einem exotischen, geheimen Ort einen Film drehen will. "Die Öffentlichkeit muss ein hübsches Gesicht sehen."

In letzter Minute durchforstet Carl Denham die Straßen nach einer naiven Frau, die nicht allzu viele Fragen stellt und der es egal ist, dass sie das einzige Mädchen auf der langen Seereise sein wird, inmitten einer Gruppe übellauniger, raubeiniger Männer. Carl Denham entführt praktisch eine hungerleidende Frau von der Straße, als sie ein Stück Obst stehlen will, und zwingt die junge Blondine Ann Darrow (Fay Wray), ihn bei der Abfahrt um 6 Uhr morgens zu begleiten. Bald stellt sich heraus, dass Carl Denham das Schiff 'Venture' beauftragt hat, zu einer unerforschten Insel zu manövrieren, auf der sich der Aberglaube der Eingeborenen über eine monströse Gottheit namens 'Kong' an die wenigen Seeleute klammert, die jemals die abgelegene Landmasse überquert haben und erfolgreich zurückgekehrt sind.

Es wird immer wieder betont, dass Ann Darrow eine nervtötende Belastung ist, die nur im Weg steht. Frauen sind nun einmal so gemacht. Der Dialog zu Beginn ist eindeutig sexistisch, auch wenn er die These unterstützt, dass die Frauen von den Bestien der Menschheit separiert werden. Die Männer sind hier besonders unhöflich oder brutal, während Ann Darrow besonders blauäugig und fragil ist. Das Thema von "Die Schöne und das Biest" mit seinen sexuellen Untertönen ist so stark, dass die Figuren solche Sätze immer wieder sagen, als ob der Betrachter zu dumm wäre, die visuellen Kontraste oder die ursprünglichen Beweggründe des Monsters auf dem 'Totenkopfberg' zu verstehen. "Dies ist kein Platz für ein Mädchen."

Die Andeutungen sind plump und unsubtil, die Musik ist aufgeblasen und laut, und das Schauspiel und das Drehbuch sind geschmacklos und verkitscht. Die meisten Vorgänge, die zu Kongs Erscheinen führen, sind in ihrer Schlappheit und ihren nicht überzeugenden Interaktionen geradezu einfältig, wobei es an Verlogenheit nicht mangelt und der Funke regelmäßig durch mangelhafte Regie oder merkwürdige Wortwahl in Gesprächen übersprungen wird. Und, in klassischer B-Movie-Manier, bewegen sich Konzepte wie Romantik unerwarteterweise zu schnell. "Ich glaube, ich liebe dich", jammert Jack. Daraufhin schnauft Ann: " Warum, Jack! Du hasst Frauen!"

Trotz der vielen erzählerischen Defizite ist die eigentliche Attraktion hier das 'Achte Weltwunder', Kong selbst. Die erste Hälfte des Films ist ungenügend ausgearbeitet, mit kläglichen schauspielerischen Leistungen und armseligen Handlungssträngen, während die zweite Hälfte ein reines Spektakel ist, mit einer gewaltigen Stammeszeremonie vor einer riesigen Kulisse und einer Schlacht nach der anderen, in der die titelgebende Kreatur keinen Moment der Ruhe findet, um ihre neue Zielperson zu umwerben oder sie ordentlich zu bedrängen, anzustupsen und teilweise zu entkleiden. Es dauert 45 Minuten, bis der überdimensionale Affe durch die Baumkronen stürzt und Fay Wray entdeckt, die sich die Lunge aus dem Leib schreit, was sicherlich ein Präzedenzfall dafür ist, die große Präsentation eines Antagonisten um der unübertroffenen Spannung willen in die Länge zu ziehen. Clevererweise verschwindet das Mädchen dann für eine kurze Sekunde aus dem Blickfeld, was es dem eindrucksvoll geschickten Kong ermöglicht, sie in Form eines Stop-Motion-Modells, das zu der behäbigen, steifgesichtigen Primatenpuppe passt, wieder aufzugreifen.

Die Spezialeffekte sind nach heutigen Kriterien recht primitiv und elementar, doch 1933 waren sie wohl überwältigend. Kongs Erscheinungsbild wird durch einen Dinosaurier, ein gummiartiges Seeungeheuer, einen boxenden und wrestelnden T-Rex und einen verdrießlichen Pterodactylus bereichert. Eigentlich hätte Kong allein ausgereicht, um den Betrachter zu begeistern, aber die Filmemacher haben sich für eine ambitioniertere Variante entschieden. Leider sind die Interpreten und der gesamte Text in Anbetracht des Zeitablaufs lückenhaft. Doch wenn Kong durch das Eingeborenendorf wütet, seine blonde Braut aufspürt und einen Mann mit einem riesigen pelzigen Fuß in den Schlamm stampft, ist der Unterhaltungswert unbestreitbar hoch. Die unbarmherzige Gewalt der Nebenschauplätze, vielleicht eine metaphorische Rache von Mutter Natur, gipfelt in der ikonischen, turbulenten Erklimmung des Empire State Building und einem Showdown in der Luft, nach dem Carl Denham wieder einmal sagen kann: "Die Schöne hat das Biest getötet."

"Carrie - Des Satans jüngste Tochter" von Regisseur Brian de Palma beginnt mit frontaler weiblicher Nacktheit, als die Kamera in Zeitlupe um die Ecken einer Mädchenumkleidekabine blickt, um die sozial schwache Carrie White (Sissy Spacek) auszuspionieren, die alleine duscht, während der eindeutig phallische Duschkopf Wasser auf sie spritzt. Sie ist traumatisiert von ihrer ersten Periode, welche sie zum Anlass nimmt, sich von ihren Mitschülern verspotten zu lassen. In ihrer irrationalen und naiven Reaktion wird sie kurzzeitig von der Sportlehrerin getröstet, bevor sie für den Rest des Tages nach Hause geschickt wird. Durch den Zwischenfall verunsichert und erbost, schlägt sie auf übernatürliche Weise auf ihre Gegner ein, was zu einer explodierenden Glühbirne, einem zerbrochenen Aschenbecher und einem störrischen Jungen führt, der von seinem Fahrrad geworfen wird.

Ihre Mutter predigt fanatisch in der Nachbarschaft, verschweigt aber, dass Carrie zu Hause grausam misshandelt wird. Die ständige Demütigung durch ihre Mutter Margaret White (Piper Laurie), die sie ohrfeigt, heftig anbrüllt und in einen klaustrophobischen Schrank sperrt, führt dazu, dass Carrie langsam eine verborgene, unkontrollierte Fähigkeit offenbart: Telekinese. Zwei der Hauptverantwortlichen für Carries Mobbing in der Schule, Chris Hargensen (Nancy Allen) und Sue Snell (Amy Irving), wollen mit Carrie abschließen, weil sie versehentlich von der gnadenlosen, aber gerechten Sportlehrerin Collins (Betty Buckley) zum Nachsitzen verdonnert wurden. Auf ihren Wunsch hin erklärt sich Sues Freund Tommy Ross (William Katt) bereit, Carrie zum Abschlussball einzuladen, um ihr Selbstwertgefühl zu stärken. Chris' Freund Billy Nolan (John Travolta) schlachtet währenddessen ein Schwein, um es für einen rücksichtslosen Streich ausbluten zu lassen.

Die Kamera bewegt sich schnell über die Schulter ihrer Motive oder drängt sich unangenehm nah an Gesichter. "Carrie - Des Satans jüngste Tochter" verwendet auch hohe und niedrige Winkel, außermittige Einstellungen, die Bewegungen auf dem Bildschirm vorwegnehmen, und entfernte Aufnahmen, die die Charaktere in Schatten verhüllen. Nahezu jede Szene soll Unwohlsein hervorrufen und reflektiert die Qualen des Erwachsenwerdens, vor allem aus der Sicht von Carrie, die von ihrer Mutter nicht über alle Aspekte der körperlichen und geistigen Reifung aufgeklärt worden ist. Die Sportlehrerin Collins versucht, die Leere zu füllen, aber ihre Beruhigung und Unterstützung fühlt sich vor allem deshalb unecht an, weil sie sich weiterhin in die Verfolgung einmischt, indem sie versucht, mit den Aufrührern zu argumentieren, als ob sie die gleiche Mentalität hätten.

Carrie ist nicht unintelligent; sie erkennt ihre eigene Unsicherheit im Umgang mit anderen und hofft, ihre Defizite in der Kommunikation mit gleichaltrigen Schülern ausgleichen zu können. Schließlich setzt sie sich sogar gegen die Tiraden ihrer Mutter zur Wehr und gewinnt ein unwahrscheinliches Selbstbewusstsein gegen das sich wiederholende, abnorme Verhalten. Doch Chris ist überdurchschnittlich wutentbrannt, während Sue als schuldige Anstifterin wenig überzeugend ist. Echte Reue ist nicht zu erkennen, obwohl sie nicht nur ihren Freund, sondern auch ihre eigene Teilnahme am Abschlussball opfert. Carries Unschuld ist dem maßlosen Schikanieren nicht gewachsen. "Du wirst es nie vergessen", sagt Miss Collins über Carries Abschlussball und deutet damit unbewusst ein schockierendes Schicksal an.

Quietschende Geigen, die stark an "Psycho" erinnern - vielleicht ist es kein Zufall, dass die Schule 'Bates' heißt -, wechseln sich ab mit leichteren, täuschend fröhlichen Melodien und deplatzierten, funkigen E-Gitarren-Riffs, die man aus Soundtracks der 70er Jahre kennt. Der Schnitt am Ende ist spektakulär effektvoll, durchsetzt mit Zeitlupen, Splitscreens, monochromen Motiven, dem Ausblenden von Geräuschen und schließlich Geschrei, Feuer und den blutigen, übernatürlichen Effekten der Verfolgung, die die Unschuldigen ebenso treffen wie die Schuldigen. Der atmosphärische und unheimliche Film brachte Regisseur Brian De Palma, Autor Stephen King und Schauspielerin Sissy Spacek sofort ins Rampenlicht der Kinowelt. "Carrie - Des Satans jüngste Tochter", die ultimative Rebellion und Rache gegen schulische Torturen und extreme, religiöse, elterliche Disziplin, ist ein Film, der für immer in Erinnerung bleiben wird, nicht wegen seiner technischen Fertigkeiten oder seiner seltenen Schocks, sondern wegen des unvorhersehbaren, horrenden Höhepunkts, der berühmt geworden ist und außergewöhnliche Abscheu und mörderischen Größenwahn ausstrahlt.

Durchtränkt von Blut, Eingeweiden und widersprüchlichen Signalen stellt "Tucker & Dale vs. Evil" von Regisseur Eli Craig die Stereotypen von Slasher-Filmen auf den Kopf und bietet eine einzigartige Perspektive und jede Menge Spaß, ohne die Kreativität zu opfern, die in solchen Parodien oft verloren geht. Die Dialoge sind witzig, die Todesfälle phantasievoll und dynamisch, und die Schauspieler sind passend lustig und liebenswert. Der Verlauf ist vorhersehbar, und manchmal verliert sich der Schliff, aber dank des gescheiten Drehbuchs und der scharfsinnigen Satire sind diese kleinen Fehltritte zu verschmerzen.

Die gutmütigen Hinterwäldler Tucker (Alan Tudyk) und Dale (Tyler Labine) machen sich auf den Weg zu ihrem neu erworbenen, renovierungsbedürftigen Ferienhaus in den Wäldern von West Virginia, als eine Bande rowdyhafter College-Kids für ein Wochenende zum Campen und zum Saufen anreist. Die Missverständnisse und vorschnellen Urteile beginnen, als der schüchterne Dale versucht, mit der schönen Allison (Katrina Bowden) zu flirten, und ihre College-Freunde annehmen, dass seine Absichten die eines Serienkillers sind. Als das junge Mädchen versehentlich in einen See fällt und von Tucker und Dale gerettet wird, überzeugt der voreingenommene und feindselige Chad (Jesse Moss) die anderen jungen Erwachsenen davon, dass die beiden Landpomeranzen gefährliche Mörder sind und getötet werden müssen. Während die verwirrten Hillbillies versuchen, Allison zu ihren Freunden zurückzubringen, geraten sie in einen erbitterten Kampf ums Überleben gegen die wütenden Kids, die einen blutigen Angriff auf das nichtsahnende Duo starten.

Das Cover zeigt ein gewisses Maß an schlechter Qualität, zusammen mit der Handkamera, die nicht immer absichtlich frenetisch wirkt, doch die Gore- und Maskeneffekte sind genau richtig. Der Aufbau ist auch nicht von vornherein besonders witzig, aber es gibt gerade genug Merkwürdigkeiten, um eine heitere Stimmung zu erzeugen. "Tucker & Dale vs. Evil" zeigt zwei Seiten jeder Geschichte, zwei Interpretationen jeder Handlung und die sehr leichten Missverständnisse, Fehlkalkulationen und Kommunikationsfehler, die in unerwarteten Situationen auftreten. Die traditionellen Elemente der Jäger, Mörder, Folterer, Verfolgten und Überlebenden werden durch eine skurrile Situationskomik auf die Spitze getrieben. "Manche Menschen sind in einer Krise einfach nicht zurechnungsfähig."

Das Konzept ist genial. Was dieser Film wirklich braucht, ist ein wenig Straffung in Schnitt, Diktion und Rhythmus. Die Entwicklung der Ereignisse ist im Allgemeinen fähig, auch wenn sie stellenweise ein wenig konstruiert wirkt. Allerdings sind Tucker und Dale sensationell zielgerichtet in der Präsentation der Geschichte, ihrer Charaktere und ihres ausgeprägten Humors. Dales erste Begegnung mit den 'normalen' College-Mädchen findet statt, während er eine bedrohliche Sense in der Hand hält und wie ein Verrückter kichert und sein Versagen auf sein dickes Gesicht und einen leichten Minderwertigkeitskomplex schiebt. Um den Kontrast ihrer Positionen noch zu verstärken, sind Tucker und Dale nicht gegen die Schikanen der örtlichen Behörden oder die gegenseitige Kritik an unmoralischen Aktivitäten gefeit, obwohl sie eine einheitliche Vorstellung von Dreck, Ignoranz und Verdorbenheit haben.

Am Ende werden sie sich als emotional, intelligent, fürsorglich und sogar romantisch erweisen. Es sind die College-Kids, die am übertriebensten und klischeehaftesten sind. Sie erfüllen zwar durchaus ihre Funktion, aber diese Rollen hätten etwas geradliniger sein können, um einen Gegenpol zu den Blödheiten der Hauptfiguren zu bilden. Der Rädelsführer ist jedoch angemessen Rambo-esk und schürt das Blutbad, das den Höhepunkt dieser Parodie auf 'Allein im Wald'-Horrorfilme und die kontinuierliche, komödiantische Verdichtung von blutrünstigen Exzessen darstellt.

Der Filmtitel "Die Nacht der lebenden Toten" von Regisseur George A. Romero mag ein wenig reißerisch sein, aber das einfache Setup, die starken Schwarzweißaufnahmen voller bedrohlicher Schatten, die begrenzten Mittel, die das kleine Budget hervorragend genutzt haben, und die unheimliche Musik - einfache, synthetisierte Klänge, wie von John Carpenter, gemischt mit klassischen Hollywood-Horrorfilmtönen - verleihen "Die Nacht der lebenden Toten" eine Effektivität, die man bei solch minimalistischen Werken nicht oft findet. George A. Romero, der oft als Schöpfer des modernen Zombies angesehen wird, leiht sich einen Stil und eine Mentalität, die an die Science-Fiction-Thriller der 1950er Jahre erinnern, die sich vor nuklearen Katastrophen und außerirdischen Invasoren fürchten - hier wird sogar angedeutet, dass die Ursache für die reanimierten Leichen die Strahlung der Venus ist - und wagt es, ein ungelöstes Rätsel und unverkennbare Schwermut zu präsentieren. Wichtiger als die Ursprünge der Mutation sind jedoch die glasigen Augen, der langsame Gang, das gutturale Röcheln, die sich windenden Gliedmaßen und die blutige Gewalt von "Psycho", die seit dem Erscheinen dieses Films im Jahr 1968 in fast jedem Zombiefilm zu finden sind.

Die Geschwister Johnny (Russell Streiner) und Barbra (Judith O'Dea) fahren fast sechs Stunden außerhalb von Pittsburgh, um einen ländlichen Friedhof zu besuchen und Blumen am Grabstein von Barbras Vater niederzulegen. Als sie ankommen, ist es 20.00 Uhr, aber die Sonne scheint noch. Kurz nachdem Barbra den Kranz niedergelegt und Johnny sie an ihre Kindheitsängste vor diesem Ort erinnert hat, hinkt ein großer Fremder zu ihnen herüber und greift sie an. Johnny wird zu Boden geworfen, während Barbra zu ihrem Auto flieht und es gerade noch schafft, wegzufahren, bevor der Unzurechnungsfähige durch das Fenster klettert. Nur ein paar Meter weiter gerät sie in Panik und prallt gegen einen Baum, so dass sie gezwungen ist, durch den Wald zu einem scheinbar verlassenen Haus zu laufen.

Als immer mehr der besessenen, seelenlosen Kreaturen über das Gelände streifen, kommt Ben (Duane Jones) zur Rettung, der geschickt mit defensiven Waffen und im Nahkampf zu Werke geht. Offenbar hat er bereits Erfahrung im Kampf gegen Zombies, denn wie er schließlich verrät, ist er in der Nacht zuvor aus 'Beakman's Diner' geflohen und in einem Lastwagen davongefahren, dem leider das Benzin ausgegangen ist. Bens Überlebensgeschichte, in der er miterlebt, wie die Raststätte überrannt wird, wie zahllose Menschen sterben, und wie er sich mit seinem Fluchtfahrzeug durch Horden dieser Wesen pflügt, wird nur erzählt und nicht ausgeführt. Der Massenangriff von Attentätern oder Kannibalen wird auch über Radiosendungen detailliert beschrieben, wodurch eine beeindruckende Prämisse und ein Gefühl der Bedrohung ohne viel Visualisierung geschaffen wird. Später, als ein Fernsehgerät entdeckt wird, berichten Militärberater und NASA-Wissenschaftler über die möglichen Ursachen des Ausbruchs und die Methoden, die erforderlich sind, um den Ausbruch wieder zu bekämpfen, ohne umfangreiche Maßnahmen zu zeigen.

Schon bald tauchen weitere Überlebende auf, die sich buchstäblich im Keller verstecken und so weitere Opfer für die hirnlosen Monster schaffen. Die wandelnden Toten tragen zwar nicht die tollsten Kostüme oder das beste Make-up, dennoch sind die Bilder sehr effektvoll. Schusswunden, verweste Leichen, abgehackte Finger und kaugummiartige Innereien sind ein faszinierender Anblick, kombiniert mit schauderhaften Soundeffekten. Das Aufflammen von Angst, Hysterie und gegensätzlichen Meinungen zum Überleben beweist auf filmische Weise, dass der Mensch dazu neigt, eine ohnehin schon schwierige Situation noch zu verschlimmern. Die Strafverfolgungsbehörden sind verwirrt, Hilfe ist nicht in Sicht, und die Nerven liegen blank. Die Charaktere machen klassische Fehler wie das Fallenlassen von Waffen, das Ignorieren ihrer Umwelt und das Unterschätzen der Geschwindigkeit und Stärke von angreifenden Feinden, obwohl solche Irrtümer notwendig sind, um den Horror zu verstärken und vielleicht auch, um in einem höchst abartigen Szenario realistisch zu reagieren. Am gravierendsten ist Barbra, die sich verständlicherweise so gedemütigt fühlt, dass sie kaum in der Lage ist zu funktionieren. Als sie das Wort ergreift, ist sie so aufgebracht, dass sie in Tränen ausbricht. Doch letztlich ist die schauspielerische Leistung ebenso angemessen wie die anderen Komponenten, mit glaubwürdiger Beklemmung und bedrohlicher Präsenz, die Eindruck hinterlässt.

Wir schreiben das Jahr 2130 in "Das schwarze Loch" von Regisseur Gary Nelson. Captain Holland (Robert Forster), Leutnant Charlie Pizer (Joseph Bottoms), Dr. Alex Durant (Anthony Perkins), Dr. Kate McCrae (Yvette Mimieux) und der Wissenschaftler Harry Booth (Ernest Borgnine) treiben an Bord des Forschungsschiffs 'Palomino' langsam auf das massivste schwarze Loch zu, das bisher in der Geschichte der Menschheit entdeckt wurde. Am Rande des Weltraumphänomens liegt ein lebloses, verlassenes Schiff, die 'U.S.S. Cignus', das auf unerklärliche Weise der Schwerkraft der tödlichsten Energie des Universums trotzt. Da die 'U.S.S. Cignus' den gleichen Auftrag wie die 'Palomino' hat, nämlich die Erforschung von Lebensraum im All, was eigentlich keinen Sinn ergibt, kann die Besatzung die Gelegenheit nicht ausschlagen, das seit über 20 Jahren vermisste Raumschiff zu untersuchen. Zudem wurde es von Kates Vater, Frank McCrae, geleitet.

Nach dem prekären Versuch, an die unbewegliche 'U.S.S. Cignus' anzudocken, wird die 'Palomino' erheblich beschädigt und verliert beinahe ihren Roboterassistenten V.I.N.CENT. Als die Gruppe es endlich an Bord schafft, sind sie überrascht, dass die Besatzung vollzählig zu sein scheint und die Systeme und die Stromversorgung funktionieren. Bald treffen sie auf den einzigen Überlebenden der Crew, Hans Reinhardt (Maximilian Schell), einen exzentrischen, mysteriösen und zwielichtigen Wissenschaftler, der behauptet, eine Reihe von Androiden geschaffen zu haben, die die verschiedenen Stationen besetzen und ihm Gesellschaft leisten.

Auch wenn "Das schwarze Loch" eine offensichtliche Derivation von "Krieg der Sterne" ist - vom bösen Roboter Maximilian über die Soundeffekte bis hin zu den farbenfrohen Laserexplosionen und dem R2-D2-Rip-Off des sprechenden V.I.N.CENT - ist die Optik des Films außergewöhnlich. Abgesehen von den Spezialeffekten, die sich mit der Zeit unweigerlich abnutzen, stellen die Kostüme, die schwebenden Roboterfiguren und die verschiedenen höhlenartigen Schauplätze an Bord der 'U.S.S. Cignus' allesamt verblüffende technische Wunderwerke dar. Nur wenige Sci-Fi-Thriller zeigen so viel Liebe für die Grafik. Auch der Ton ist ungewöhnlich düster, nicht nur für eine Weltraumoper, sondern auch für einen von 'Walt Disney Productions' inszenierten Film.

Die Schwächen des Films liegen in den Kleinigkeiten, die sich nicht gut mit den ernsteren, geerdeten Science-Fiction-Themen vereinbaren lassen. Kates telepathische Gabe erlaubt es ihr, mit Robotern zu kommunizieren, die humanoiden Wachen bewegen sich gerade steif genug, um unecht zu wirken, der Schrotthaufen B.O.B. zittert jedes Mal vor Angst, wenn ein tyrannischer Vorgesetzter zu nahe kommt, und John Barrys Filmmusik klingt zu sehr nach seinem eigenen James-Bond-Thema, was nicht weniger passend und ungewollt antiklimaktisch wirkt. Neben dem generischen Drehbuch gibt es auch eine Menge Fachterminologie und einige Tempoprobleme, da der Film zu langsam ist und sich eher auf die akademische Forschung als auf ein spannendes Abenteuer fokussiert. Das Finale wird etwas aufregender, da Tod und Zerstörung alle an Bord bedrohen, aber es hält sich auch nicht an vorgefasste Regeln, insbesondere wenn es um schwarze Löcher, Schwerkraft und künstliche Atmosphären geht, und es hat etwas von einem religiösen "2001: Odyssee im Weltraum"-Ende. Als eine Art "20.000 Meilen unter dem Meer" im Weltraum ist "Das schwarze Loch" leider eher verstörend und irritierend als faszinierend.

"Ich arbeite an etwas, das die Welt verändern wird - und das menschliche Leben, wie wir es kennen." Wenn schon nicht die gesamte Menschheit, so wird der verrückte Wissenschaftler in "Die Fliege", dem visionären Horrorfilm von Regisseur David Cronenberg, zumindest sein eigenes Leben drastisch verändern. In typischer Cronenberg-Manier ist diese Neuinterpretation des ursprünglichen B-Movie-Klassikers von 1958 überladen mit spektakulär ekelerregenden Spezialeffekten, einem rasanten Drehbuch und Charakteren, die dem sicherlich fassungslosen Betrachter Sympathie und Mitgefühl entlocken. Ungewöhnlich für das Genre, ist "Die Fliege" eine tiefgründige, symbolische und zum Nachdenken anregende Lektion über schief gelaufene Experimente, die katastrophalen Folgen des technischen Fortschritts, die Konflikte zwischen Wissenschaftlern und Probanden und den guten alten Horror. Das ist eine angenehme Abwechslung für Monsterfilme und trägt dazu bei, dass dieses Splatter-Epos zu einem der besten des Jahrzehnts wird.

Seth Brundle (Jeff Goldblum) hat die interessanteste neue Technologie entwickelt, die Reporterin Veronica Quaife (Geena Davis) je gesehen hat. Was auf den ersten Blick wie eine Designer-Telefonzelle oder ein banaler Streich aussieht, entpuppt sich als 'Telepod', der einen Gegenstand zerlegen und in einem zweiten, mehrere Meter entfernten Fach wieder zusammensetzen kann. Es ist eine unglaubliche Konstruktion, die Veronica Quaife schnell dazu bringt, eine romantische Beziehung zu Seth aufzubauen, vor allem, als er sie mit der Möglichkeit betört, seine Arbeit zu dokumentieren.

Nachdem er erfolgreich mit unbelebten Objekten experimentiert hat, testet er einen Pavian, der daraufhin von innen nach außen gekehrt wird. Sobald Seth die Problematik der Fleischbeförderung gelöst hat, testet er die Teleportation an sich selbst. Zunächst fühlt er sich völlig verjüngt, stärker, wie frisch aus dem Ei gepellt. Doch schon bald treten Nebenwirkungen auf, wie das Wachstum von zähen Haaren auf seinem Rücken und alle erdenklichen Arten von eitrigen Geschwüren. Es dauert nicht lange, bis Veronica ihn davon überzeugt, dass etwas schief gelaufen ist, und er stellt fest, dass sich während seines ersten Testlaufs eine Stubenfliege im 'Telepod' befand.

Geena Davis ist vielleicht ein bisschen zu kühn und nicht zimperlich genug für den Realismus, aber sie schafft es irgendwie, dem Betrachter ihre Verzweiflung für den Mann zu vermitteln, den sie einst liebte und der langsam von Insekteninstinkten aufgefressen wird. Echte Emotionen und glaubhafter Pathos finden ihren Weg in das, was sonst nur ein simpler Monsterstreifen hätte sein können, und verleihen ihm Tiefe und Ehrfurcht. Auch Jeff Goldblum gibt eine außergewöhnliche Performance als zum Scheitern verurteilter Forscher, der sowohl Angst vor seiner grotesken Verformung hat als auch neugierig ist, wie die Natur auf seinen genetischen Eingriff reagieren wird. Auf witzige Weise geht er sogar so weit, die verschiedenen Körperteile zu sammeln und zu protokollieren, die abfallen, wenn die Fliegengene die Herrschaft übernehmen.

David Cronenbergs Version von "Die Fliege" ist ebenso meisterhaft wie John Carpenters Remake "Das Ding aus einer anderen Welt". Beide bauen auf der Genialität der Originalgeschichten auf, weigern sich aber, die Qualität der Filme und der Erzählung herabzustufen und modernisieren sie mit Spezialeffekten und neuen Horrorebenen, die über die vorherrschenden Science-Fiction-Themen ihrer Vorgänger hinausgehen. Die praktischen Prothetik- und Maskeneffekte, die den Künstlern Chris Walas und Stephan Dupuis in "Die Fliege" einen Oscar einbrachten, haben sich im Laufe der Jahre visuell deutlich verbessert, und der Film ist immer noch so unheimlich packend, düster humorvoll und tragisch schön wie bei seiner Uraufführung. "Die Fliege" ist einer von David Cronenbergs inspirierendsten und berühmtesten Filmen und ein einzigartiges Werk des Science-Fiction-Horrors. Er nimmt sich Zeit, um Spannung aufzubauen, Charaktere zu entwickeln und mit den Ängsten und der Begeisterung des Betrachters zu spielen - und das alles begleitet von der großartigen Vertonung von Howard Shore.

"Psycho" von Regisseur Alfred Hitchcock wird am Freitag, 11. Dezember, in Phoenix, Arizona, eröffnet. Marion Crane (Janet Leigh) nutzt ihre Mittagspause, um Sam Loomis (John Gavin) in einem billigen Hotel zu treffen. Die Affäre belastet sie sehr, denn Sam Loomis muss seiner Ex-Frau Unterhalt zahlen und braucht noch ein paar Jahre, um seine Schulden zu tilgen. Marion Crane will unbedingt heiraten, braucht aber Geld, um einen Neuanfang für beide zu ermöglichen. Zurück im Büro, wo sie für den Immobilienmakler George Lowery (Vaughn Taylor) arbeitet, kauft der ältere, kokette Tom Cassidy (Frank Albertson) als Hochzeitsgeschenk für seine 18-jährige Tochter ein Haus für 40.000 Dollar in bar und legt Marion Crane das Geld vor die Nase. Das bringt sie auf eine Idee ganz anderer Art: Sie will das Geld stehlen, um es bei der Bank einzuzahlen. Es ist, als wäre es ihr vom Himmel in den Schoß gefallen und hätte ihr eine Antwort auf alle ihre Probleme gegeben.

Das ist eine faszinierende Ausgangssituation für einen Raubüberfall, der schief geht, doch wie wir wissen, kommt es nie so weit in der Handlung. Sie verlässt die Stadt und verhält sich verdächtig gegenüber einem Polizisten, der ihr nach Kalifornien folgt, wo sie ihr Auto auf einem Parkplatz gegen ein anderes eintauscht. Paranoid schaut sie sogar in die Zeitung, um zu sehen, ob ihr Verbrechen auf der Titelseite steht. Dabei ist sie so abgelenkt, dass sie fast ihr Gepäck in dem alten Fahrzeug zurücklässt. Wiederholte Voice-Overs verstärken Marion Cranes schlechtes Gewissen, gefolgt von Andeutungen von Gesprächen, die die Figuren führen könnten, während ihr Verschwinden und das fehlende Geld zu weiteren Ermittlungen führen. Als sie sich beeilt, ihre Reise fortzusetzen, gerät sie in einen Regenschauer und hält im Bates Motel, einem verschlafenen Hüttenkomplex abseits der Hauptstraße, der nur 15 Meilen von ihrem Zielort Fairvale entfernt ist und nur selten besucht wird.

"Psycho" fokussiert auf brillante Weise die Schuldgefühle von Marion Crane, ihr Misstrauen und ihr Bedürfnis, die gestohlenen Banknoten zu verstecken. Es scheint nicht einmal so merkwürdig zu sein, wenn der junge Norman Bates (Anthony Perkins), etwas schüchtern und unbehaglich, aber herzlich gastfreundlich, sie in der Herberge willkommen heißt. Er lädt sie zu einem harmlosen Abendessen ein, bei dem er ihr sein Hobby, die Taxidermie, näher bringt. Von Norman Bates gehen zwar gewisse Absonderlichkeiten aus, aber er wirkt relativ unverfänglich, vor allem wenn er von der geistigen Instabilität seiner Mutter erzählt. Die alte Frau, die in dem verdunkelten Haus gegenüber dem Motel wohnt, beschimpft ihn gnadenlos, weil er Marion Crane angesprochen hat. Er wird auch schrecklich nervös, als sie vorschlägt, seine Mutter in ein Heim einzuweisen.

Von hier an macht "Psycho" seinem Namen alle Ehre und ändert seinen Tenor plötzlich und intensiv. Der Film zeigt meisterlich, dass die gesamten Einführungssequenzen im Prinzip nur zum Schein waren. Janet Leigh ist nicht die wahre Protagonistin, und das 40.000-Dollar-Motiv spielt eine eher untergeordnete Rolle. Alfred Hitchcock, bekannt für seine Fähigkeiten zu schockieren und zu verblüffen, erzählt wieder einmal eine äußerst unkonventionelle Geschichte. Die weitreichende Irreführung setzt sich fort, bis weit über den grauenvollsten Zeitpunkt hinaus, und weigert sich, das ganze Spektrum von Norman Bates Beihilfe zu einer Welle von brutaler Gewalt zu offenbaren. Alfred Hitchcock hält in wohlweislicher Manier weitere böse Überraschungen parat.

Das temporeiche Titeldesign von Saul Bass und die abwechselnd quälende und zugleich melodiöse Titelmusik von Bernard Herrmann ergänzen das unkontrollierte Chaos der ungeahnten Entwicklungen vortrefflich. Die wundersame und nervenzehrende Musik setzt sich im zweiten und dritten Akt fort, wenn die Ermittlungen über den Verbleib von Marion Crane aufgenommen werden. Weitere Charaktere werden eingeführt, darunter ein neunmalkluger Privatdetektiv (Martin Balsam) und Marion Cranes Schwester Lila (Vera Miles), die den Betrachter in das Geschehen einbeziehen, als immer klarer wird, dass irgendjemand die sorgfältig gehüteten Heimlichkeiten des Bates-Hauses aufdecken muss, vor allem indem er Marion Cranes Bewegungen nachstellt, was zu versteinernden Wiederholungen führt, und dass der ursprüngliche Plan des großen Diebstahls nichts mit dem letztendlichen Verschwinden des Mädchens zu tun hat.

Janet Leigh verbringt den größten Teil ihrer Filmzeit in ihrer Unterwäsche, bevor sie zu ihrer berühmtesten Szene kommt: Duschen. Alfred Hitchcock verwendet eine Vielzahl einzigartiger visueller Mittel, darunter Kameratricks, die die Tiefenwahrnehmung verwirren, Spiral- und Überkopfbewegungen, invasive Nahaufnahmen, Film-Noir-Beleuchtung und schnelle Schnitte, um Nacktheiten ohne Blöße oder massive Gewalt ohne viel Blut darzustellen. "Psycho" führte mehrere filmische Aspekte ein, vor allem offene Sexualität, abartige Geschlechtlichkeit und skrupellose Machenschaften, was den Film gelegentlich mehr plakativ als effektiv macht, was in der nutzlosen Exposition am Ende klar zutage tritt, wodurch sich die Resolution hinauszögert. Im Kern handelt es sich hierbei jedoch um einen sehr spannenden Thriller nach der Romanvorlage von Robert Bloch mit einem grandiosen Finale, das seinesgleichen sucht. Die Nervosität und die Ungeduld sind fast nicht zu ertragen, und die endgültigen, makabren Fakten werden bis zum Ende von "Psycho" auf geniale und unerbittliche Weise bewahrt.

In "Der Tag des Falken" von Regisseur Richard Donner ist Andrew Powells Eröffnungsmusik viel zu E-Gitarren-lastig und Schlagzeug-getrieben, um in die Ära der Ritter in glänzender Rüstung zu passen, obwohl die schrille, eindeutig 80er-Jahre-Rockmelodie zugegebenermaßen ein Ohrwurm ist. In jedem anderen Film hätte das vielleicht prima funktioniert. Wenn sie hier vorkommt, untergräbt sie den verwegenen Charakter der Handlung beträchtlich. Es ist, als würde sich der Filmemacher Richard Donner musikalisch auf seine "Lethal Weapon"-Reihe vorbereiten, die zwei Jahre später in die Kinos kommen sollte. Der krasse Kontrast zwischen den flippigen Melodien der Erzählung und den mittelalterlichen Bildern und Themen ist aber vielleicht das größte Manko des Films. Während jeder Actionszene, in der sich die Spannung und die Schwertkampfchoreografie aufbauen, ertönt die schrecklich deplatzierte Filmmusik, um den Betrachter daran zu erinnern, dass er sich gerade einen Film ansieht. Glücklicherweise gibt es ein- oder zweimal wunderschön ergänzende Orchesterkompositionen, die als hervorragend für ein einzigartiges romantisches Mittelalterabenteuer gelten können.

Der Meistertaschendieb Phillipe Gaston (Matthew Broderick) entkommt aus seinem schlammigen Kerker vor dem gnadenlosen Bischof von Aquila (John Wood), der sein Volk unbarmherzig besteuert, während er sein prächtiges Schloss und seinen riesigen Schlosspark genießt. Phillipe Gaston wird von Aquilas oberstem Gefolgsmann, dem Hauptmann der Wache Marquet (Ken Hutchison), gejagt und kann sich befreien, indem er eine lange Strecke durch die Kanalisation stapft und durch trübes Wasser schwimmt. Nachdem er einige frisch gewaschene Anziehsachen gestohlen hat, stößt er zunächst auf ein nahe gelegenes Dorf, wo Marquet und seine Männer schon auf ihn warten. Trotz eines kurzen Versuchs, die Legion der bewaffneten Ritter zu vereiteln, wird er gefangen genommen und auf der Stelle zum Tode verurteilt. Doch gerade als man ihm die Kehle durchschneiden will, wird er von einem bewaffneten Soldaten gerettet.

Dieser Krieger ist Hauptmann Etienne Navarre (Rutger Hauer), ein ehemaliger Legionär, der von Aquila verraten wurde und der sich im Umgang mit Schwert und Armbrust auszeichnet. Er ist geheimnisvoll, gefürchtet und wird von einem eleganten Raubvogel begleitet. Außerdem ist er das Opfer eines mächtigen Fluchs, der ihn tagsüber in einen Menschen und nachts in einen bedrohlichen schwarzen Wolf verwandelt. Der Falke, den er bewacht, ist in Wirklichkeit seine Geliebte Isabeau d'Anjou (Michelle Pfeiffer), die ebenfalls verflucht ist, tagsüber ein Vogel und nachts eine schöne Frau zu sein und für immer von Navarre getrennt zu sein. Der edle Ritter will Phillipe Gaston dazu benutzen, ihn zurück in die Stadt zu führen, wo er sich am Bischof rächen und den gefürchteten Bann brechen kann. Unterstützt wird er dabei von einem mürrischen, aber treuen Mönch namens Imperius (Leo McKern).

Phillipe Gaston führt unentwegt Selbstgespräche, und zwar nicht so sehr, weil er eine seltsame, isolierte Seele ist, die in jungen Jahren gezwungen ist, für sich selbst zu sorgen, sondern weil Richard Donner der Meinung ist, dass dies die einzige Möglichkeit ist, einen Einblick in seine Gedankenwelt zu gewähren, sowie eine Charakterentwicklung und gelegentliche Erzählungen. Das lästige Geschwätz ist völlig unnötig. Selbst nachdem er Navarre kennengelernt hat, spricht er mit dem Pferd seines Befreiers, oder kümmert sich um die Hausarbeit, während er zu jeder Tätigkeit seine Meinung kundtut. In der einzigen lohnenden Anwendung dieser kommunikativen Störung gibt Phillipe Gaston vor, mehrere Personen zu sein, um einen Hinterhalt in den Wäldern abzuwehren.

Das Niveau des Abenteuers ist konstant und macht Laune. Er wird von Rutger Hauer, der einen Film im Alleingang beherrschen kann, enthusiastisch und überzeugend geführt. Später im selben Jahr spielte er die Hauptrolle in Paul Verhoevens wesentlich ausgefeilterem Film "Fleisch & Blut". Insgesamt ist "Der Tag des Falken" eine handlungskompatible Fantasy mit sympathischen Helden und perfiden Bösewichten, auch wenn die Laufzeit etwas zu lang ist und die Duelle durch Zeitlupen, nachdenklichen Gesichtsmimiken und einen auffälligen Wachpersonalmangel erdrückt werden. Bei der Verwandlung gibt es de facto keine aufwändigen technischen Tricks. Lediglich die Aufnahmen eines Falken, der über Michelle Pfeiffer hinwegfliegt, und die fassungslosen Gesichtszüge von Matthew Broderick signalisieren, dass ein Wunder geschieht - aus dem Off. Die Metamorphose von Rutger Hauer wird auch dadurch vollzogen, indem man von seiner Filmfigur wegschneidet. Und wie der unglaubliche Hulk haben auch der Wolf und der Falke Probleme mit ihrer Garderobe. Sie benötigen fortwährend neue Kleidungsstücke, die der Schlichtheit zuwiderlaufen.

In "Das Omen" von Regisseur Richard Donner ist Robert Thorn (Gregory Peck) am Boden zerstört, als er erfährt, dass sein neugeborenes Baby gestorben ist. Und was wird er seiner Ehefrau Katherine (Lee Remick) sagen, einer Frau, die sich so sehr ein eigenes Kind gewünscht hat und die, noch im Bett liegend, keine Ahnung von der Tragödie hat? Eine Adoption kommt nicht in Frage, doch ein Priester hat einen Lösungsvorschlag, der eher zufällig zustande kommt. Ein anderer Säugling, dessen Mutter bei der Geburt gestorben ist, könnte ausgetauscht werden, und Robert Thorne könnte diesen Austausch einfach geheim halten. "In dieser Nacht, Mr. Thorn, hat Gott Ihnen ein Zeichen gegeben."

Jahre später wird Robert Thorn zum Botschafter in Großbritannien ernannt. Katherine bleibt zunächst in den Vereinigten Staaten, um sich um den kleinen Damien (Harvey Stephens) zu kümmern, der sich zu einem abenteuerlustigen, lebensfrohen Fünfjährigen entwickelt, zieht aber schließlich mit der ganzen Familie in eine Botschaft in London. Leider sind der neu gewonnene Wohlstand und das Glück nur von kurzer Dauer. Während einer Geburtstagsparty erhängt sich das Kindermädchen Holly (Holly Palance) vom Dach der Thorn-Villa, was zu einer grausamen Sequenz führt. Ihre unerwartete Tat scheint durch einen streunenden Hund ausgelöst worden zu sein, der auch mit Damien in Verbindung zu stehen scheint. Die Situation der Thorns verschlimmert sich, als Pater Brennan (Patrick Troughton) auftaucht, der behauptet, Zeuge von Damiens Geburt gewesen zu sein, und darauf besteht, dass die Mutter des Jungen von zweifelhafter Herkunft war und dass die Akzeptanz von Jesus Christus der einzige Weg ist, sie alle vor dem sicheren Untergang zu retten.

Man sollte meinen, dass es ein unverzeihlicher Betrug ist, ein Kind bei der Geburt auszutauschen und diese Information vor der Mutter zu verbergen. Hier beginnen die ominösen Folgen fast sofort, als ob sie andeuten wollten, dass eine solche Tat über die irdische Ebene hinaus Konsequenzen nach sich zieht. Die musikalische Interpretation von Jerry Goldsmith unterstützt diese These: Dissonante Klänge, Geigengekreisch und plötzliche Lärmausbrüche sollen den Betrachter erschrecken und ihm Angst vor Damiens Präsenz auf dem Bildschirm machen. Als Gegengewicht zu den düsteren, beunruhigenden Melodien finden sich aber auch fröhliche Passagen in der Partitur. Letztendlich ist es der ultimative Verrat, wenn ein Kind die Kontrolle und Stabilität der Eltern usurpiert.

Harvey Stephens ist in der Rolle eines unheimlichen Jungen, der durch den Schnitt und die besondere Kameraführung abnormal wirkt, überaus interessant und tritt in die Fußstapfen des extrem verstörenden jugendlichen Antagonisten aus "Der Exorzist". Als ob die Gewalt und die morbiden Bilder nicht schon abschreckend genug wären, ist die Verwendung eines Kindes - einer Figur, die absolute Unschuld verkörpern soll - als Quelle des Bösen ebenso inspirierend wie markerschütternd. Auch wenn "Das Omen" ein Produkt der 1970er Jahre ist und durch die Technologie, die Make-up-Effekte und die kinematografischen Standards dieser Ära begrenzt wurde, ist er ein markantes Beispiel für übernatürlichen Horror, der unzählige nachfolgende Filme beeinflussen sollte. Die erzählerische Effizienz überwiegt bei weitem die technischen Elemente, auch wenn diese von Richard Donner, einem Veteranen unter den Fernsehregisseuren, dessen Arbeit hier ganz am Anfang seiner Spielfilmbemühungen steht, mit Bravour gemeistert werden.

Von Lichtern, die sich nicht einschalten lassen, über die Entwicklung gespenstischer Fotografien, das seltsame Verhalten rasender Tiere, die Aushebung von Gräbern bis hin zum unangenehmen Eindringen der strengen Mrs. Baylock (Billie Whitelaw) in das Haus der Thorns - "Das Omen" ist reich an bedrohlichen Details und imposanten Gruselstrategien. Gleichzeitig ist es ein Mysterium, denn Robert und sein Zufallskomplize, der Fotograf Jennings (David Warner), versuchen, Damiens Ursprüngen auf die Spur zu kommen, die mit der satanischen Zahl 666 und alten religiösen Dokumenten in Zusammenhang stehen. Um den Prozess noch frustraner zu machen, übernimmt Gregory Peck die Aufgabe des Unglaubens und der Rationalität, und zwar absolut überzeugend, indem er den Aberglauben und die Angst von Lee Remick widerspiegelt und die Spannung zu jeder Minute steigert. Die zerstörerische Potenz von Familiengeheimnissen und die Offenbarung eines konzertierten Plans zur Herbeiführung der Apokalypse - Motive, die auch in "Rosemaries Baby" eine zentrale Bedeutung haben - bilden die Bühne für ein packendes Finale, in dem es um die alarmierende Entscheidung geht, ein Kind zu ermorden. In der diabolischen Welt von "Das Omen" ist ein Exorzismus schlichtweg keine probate Option. "Ihr müsst kein Mitleid haben!"

"Chucky - Die Mörderpuppe" von Regisseur Tom Holland bedient eine Fantasie oder einen Nachtmahr, mit dem sich viele identifizieren können: Spielzeug wird zum Leben erweckt. Die grundsätzliche Furcht vor übernatürlichen Übeln, die etwas so Sanftmütiges wie eine Puppe dazu bringen, heimlich einen Mord zu begehen, mag abgedroschen klingen oder im Bereich des Hokuspokus angesiedelt sein, doch mit Chucky, einem mittlerweile ikonischen Bösewicht aus den 80er Jahren, hat der Filmemacher Tom Holland etwas wirklich Unheimliches geschaffen. Überaltert, aber mit herausragenden schauspielerischen Leistungen, genialen Animatronics, einer wunderbar schauerlichen Kameraführung, die die böse Figur leblos in verschiedenen Hintergründen ruhen lässt, und geschickt platzierter Hochspannung ist "Chucky - Die Mörderpuppe" einer der eingängigsten Horrorfilme aller Zeiten.

Der sechsjährige Andy Barclay (Alex Vincent) wünscht sich eine 'Good Guys'-Puppe zu seinem Geburtstag. Als seine Mutter Karen (Catherine Hicks) in letzter Minute ein Exemplar bei einem Straßenhändler ergattern kann, ist Andy überglücklich. Doch sein neuer ausgestopfter Freund namens Chucky ist nicht bloß ein gewöhnliches Kinderspielzeug. Der Serienmörder Charles Lee Ray (Brad Dourif) beherrschte unbeschreiblichen Voodoo, kurz bevor er von Officer Mike Norris (Chris Sarandon) getötet wurde, was es dem Killer ermöglichte, seine Seele in die Puppe zu übertragen. Als Andys Babysitterin (Maggie Peterson) tot aufgefunden wird, deuten alle Indizien auf das kleine Kind hin, aber Karen weiß, dass ihr Sohn unbescholten ist. Zunächst zeigt Chucky nur Andy sein Wahrheitsbild, doch als sich die Leichen häufen, beginnen Mike und Karen, den Behauptungen des Jungen über die sprechende Puppe zu glauben.

Obwohl andere Horrorfilme "Chucky - Die Mörderpuppe" in puncto blutiger Darstellung und Schockwert längst überholt haben, ist die Antizipation, die sich im Laufe des Films aufbaut, bemerkenswert gut gelungen. Alle Beteiligten halten Andy für bekloppt, und Chucky offenbart dem Betrachter seine Fähigkeiten erst in einem besonders beängstigenden Moment, als Karen entdeckt, dass Chucky auch ohne Batterien funktioniert. Wenn sich Chuckys Gesicht zu einer widernatürlichen Fratze verzieht, bestätigt sich der schreckliche Verdacht endgültig. Was das besessene Spielzeug vielleicht noch angsteinflößender macht, ist die hervorragende Vermischung von animatronischen Effekten und lebendiger Bewegung. Die meisten Bewegungsabläufe der Puppe werden zwar von winzigen Robotern gesteuert, doch gelegentlich steckt auch ein kleiner Mensch in einem Chucky-Kostüm, umgeben von überdimensionalen Hintergrundkulissen. Der Schock, zu sehen, wie sich das, was zuvor als steif kontrollierte Spielzeugpuppe definiert wurde, ultrarealistisch, geradezu menschenähnlich bewegt, ist einfach nur atemberaubend.

Wie alle bedeutenden Kinobösewichte sind sie nicht tot, wenn der Betrachter sie für endgültig erledigt hält. Vergleichbar mit "Terminator" ist Chucky hartnäckig verbissen und praktisch unbezwingbar. Der knallharte Polizist Mike Norris ist ständig am Boden, und es liegt an einem kleinen Jungen und einer verzweifelten Frau, den Untergang des bösen Spielgefährten zu kalkulieren. Manch einer mag skeptisch sein, ob eine zierliche Puppe in der Lage ist, mit dem Tod umzugehen, aber er wendet clevere Strategien an, um seine Miniaturgröße zu kompensieren. Im Übrigen verdächtigt niemand einen toten Gegenstand. Ein perfektioniertes Charakterdesign für Chucky verleiht ihm ein teuflisch furchterregendes Antlitz, zusammen mit drastischen Modifikationen der Gesichtszüge, die noch widerlichere Mimik, Mundpartien und kalte, tiefliegende Augen erzeugen. Seit "Chucky - Die Mörderpuppe" die Aufmerksamkeit von Millionen von Kinobesuchern auf sich zog, wurden zahlreiche Fortsetzungen produziert, die im Laufe der Jahre erwartungsgemäß immer blödsinniger wurden, ohne jedoch die imposante Wucht des Originals erreichen zu können.

Der systematische Aufbau von Spannung bis zu einem wirklich furchterregenden Ende ist ein seltenes Kunststück in Horrorfilmen, vor allem wenn es sich um das Slasher- oder Torture-Porn-Subgenre handelt. Nur wenige Produktionen inszenieren das Konzept so raffiniert und sadistisch wie der Psychothriller "Audition" von Regisseur Takashi Miike. Was zunächst wie eine romantische Komödie aussieht, lässt Takashi Miikes durchdachte Fassade im Handumdrehen verschwinden, um mit der vielleicht grausamsten Folterszene zu enden, die je gedreht wurde.

"Audition" hat eine täuschend leichtherzige Eingangsprämisse und ist vermutlich sogar charmant. Ein alternder Vater, dessen Frau vor einiger Zeit verstorben ist, wird von seinen Freunden und seinem Sohn gedrängt, wieder eine Beziehung einzugehen. Shigeharu (Ryo Ishibashi) erklärt sich bereit, an einem vorgetäuschten Vorsprechen teilzunehmen, das der Filmproduzent Yasuhisa Yoshikawa (Jun Kunimura) inszeniert, um potenzielle Kandidatinnen für die Partie seiner neuen Frau zu interviewen. Trotz der wohlwollenden Einwände des Filmemachers entscheidet sich Shigeharu für die attraktive Asami (Eihi Shiina), eine junge ehemalige Ballerina, die ihre Vergangenheit in Geheimnisse hüllt. Nach mehreren Verabredungen scheint Asami die perfekte Partnerin für den betagten Junggesellen zu sein. Als er beschließt, dem zaghaften Mädchen einen Heiratsantrag zu machen, geraten die Dinge jedoch schnell außer Kontrolle und werden zu einem höllischen Albtraum, dem er nicht entkommen kann.

Extreme Gewalt ist zwar weder in "Audition" noch im Repertoire von Takashi Miike ein Fremdwort, doch die effektivste Strategie des Regisseurs ist die heimtückische Manipulation der Realität. Flashbacks, verstörende Bilder und Traumsequenzen eröffnen mögliche Wahrheiten und erschreckende Körperlichkeit, während die unvorhersehbaren Momente eine abschreckende Vorahnung und ein Erschaudern darüber erzeugen, wie qualvoll Shigeharus Situation werden wird. Außerdem bietet der Gipfelpunkt einen illusorischen Weg des desperaten Ausweichens, der eine weitere willkommene Gelegenheit bietet, mit dem Betrachter zu spielen. Sie ist so raffiniert, dass sie schon oft kopiert wurde, doch wie bei den Schockbildern in "Psycho" oder "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" ist der Überraschungsfaktor kaum zu überbieten.

"Audition" ist sicherlich nichts für schwache Nerven, verdient aber dennoch Respekt für seinen realitätsnahen Horror und seine künstlerisch beängstigende Verschmelzung gegensätzlicher Genres. Dieses frühe Werk von Takashi Miike ist selbst für hartgesottene Gorehounds eine echte Härteprobe, denn es nimmt die traditionellen Taktiken westlicher Horrorfilme gekonnt auf die Schippe und läutet den Aufstieg des Torture Porn ein. Traut euch, die ungeschnittene Version anzusehen, um die vollen, gnadenlosen Segmente des unaushaltbaren Blutbades zu genießen.

"Früchte der Leidenschaft" von Regisseur Shûji Terayama beginnt in den späten 1920er Jahren, als in Hongkong und Shanghai zu den Klängen grandioser, theatralischer Opernmusik Aufstände ausbrechen. In dieses politische Chaos gerät eine junge Frau, die nur O (Isabelle Illiers) genannt wird, die mit verbundenen Augen ankommt und von einem französischsprachigen Erzähler in eine fremde Welt eingeführt wird. Um einen irren Pakt und die Festigkeit ihrer älteren Liebe zu testen, lässt der vermögende Sir Stephen (Klaus Kinski) seine junge Geliebte O in einem chinesischen Bordell anschaffen. Es ist ein heimtückischer Umweg, um die tiefsten Abgründe der Liebe zu entdecken.

Wenn sie auch bereit ist, eine angesehene, seltene, weiße Prostituierte zu werden, scheint O von ihrer neuen Situation und ihrem Beruf nicht gerade bekümmert zu sein. Sie ist den gesamten Film hindurch absolut gesichtslos. Das Etablissement ist besonders bizarr, denn es läuft eher wie ein Sexhandelsunternehmen als wie ein gewöhnlicher Puff. Die Ablehnung eines Kunden führt zu 101 Schlägen mit der Peitsche. Die Verweigerung bestimmter sexueller Dienste hat zur Konsequenz, dass man 101 Tage lang nichts zu essen bekommt, was unmöglich auszuhalten erscheint. Und jeder Versuch zu gebetieren führt zur Kopulation mit den Außenseitern, den Drogensüchtigen und anderen unkontrollierbaren Unerwünschten.

Obwohl Sir Stephen im 'Haus der Blumen', wie es genannt wird, verweilt, während O arbeitet, ist der weißhaarige, skelettierte Mann mit den tiefliegenden Augen schnell dabei, ein paar Runden mit anderen Prostituierten zu drehen. Offenbar werden alle seine Wünsche erfüllt, die Interessen von O spielen dagegen keine besondere Rolle. Es ist ein unerklärliches Arrangement, das der 'hübschen französischen Puppe' nicht gut zu tun scheint, auch wenn dieser ungleiche Kontrast die Grundlage für den vorherigen Film, "Story of O", war. Als schmierige Männerfantasie und ultimative Objektivierung von Frauen ist die Prämisse nachvollziehbar. Doch die Vorlage, ein preisgekrönter Roman, der von einer Frau verfasst wurde, der die Überzeugungen des Marquis de Sade wiedergibt und viele BDSM-Themen aufgreift, ist so etwas wie ein Mysterium, auch wenn sich seine Anziehungskraft für künftige Produktionen anbietet, von denen sich einige, wie die "Fifty Shades of Grey"-Reihe, an weibliche Zuschauende richten. Es ist zweifellos eine genaue Abart, diese Vorstellungen als romantisch oder als Ausdruck wahrer Liebe zu betrachten.

Abgesehen von der ständigen Freikörperkultur von Isabelle Illier, die faktisch den ganzen Film über unbekleidet ist, und den verschiedenen grafischen Sexualpraktiken, die manchmal nicht simuliert werden, gibt es durchgehend gesellschaftspolitische Hinweise, die sich mit der extremen Armut, dem Lebensunterhalt der einfachen Leute, den Tändeleien der Superreichen und den wachsenden Aktivitäten der Coolie-Organisation beschäftigen. Es gibt auch eine Fülle von poetischen Bildmotiven, von einem unter Wasser getauchten Klavier über eine tote Taube bis hin zu einer weggeworfenen Puppe, aber ihre Bedeutung ist angesichts der unerbittlichen Perversion weitgehend irrelevant. Es gibt auch Nebenhandlungen, die versuchen, ein eher einfaches Produkt der Ausnutzung zu verkomplizieren. Eine davon betrifft Sir Stephens neue Mätresse, Nathalie (Arielle Dombasle), die auf eine untragbare Dreiecksgeschichte zusteuert. Eine andere dreht sich um einen Teenager (Kenichi Nakamura), der hofft, O freizukaufen, weil er irrtümlicherweise glaubt, sie würde gegen ihren Willen gefangen gehalten. Die dritte Geschichte handelt von der in die Jahre gekommenen Schauspielerin und Prostituierten Aisen (Keiko Niitaka), die langsam den Sinn für die Realität verliert.

Rückblenden nehmen ebenfalls viel Zeit in Anspruch und sollen einigen der Nebenfiguren mehr Tiefe verleihen. Doch die meisten dieser bemerkenswert geschädigten oder geistesgestörten Seelen sind einfach uninteressant oder nicht besonders sympathisch, abgesehen von ihren Anomalien, die nur ein Nischenpublikum ansprechen werden. Es ist nicht untypisch, eine Liebesgeschichte vor dem Hintergrund historischer, sozialer Unruhen spielen zu lassen, unabhängig davon, wie ausgefallen die Liebe ist, aber wenn der Fokus auf extremer Erotik liegt, sind diese Unterplots einfach nur hinderlich. Angesichts der allgegenwärtigen, pulsierenden Sinnlichkeit, die jede andere Sequenz dominiert, fällt es geradezu schwer, sie richtig ernst zu nehmen. Spätestens mit dem nebulösen und wenig erquicklichen Schluss wird klar, dass "Früchte der Leidenschaft" kaum mehr ist als eine Ausrede, um Mainstream-Filme mit leichter Pornografie zu verschmelzen, in der Hoffnung, aus der Kontroverse und dem Kulterfolg des Originals Kapital zu schlagen, dessen eigener Schauwert einzig und allein aus Sex und Nuditäten bestand und nicht aus dem Fabulieren.

"Dracula" von Regisseur Tod Browning beginnt damit, dass eine Postkutsche mit müden Reisenden heftig hin und her schaukelt, als wäre sie nur eine leblose Fracht, die vor Sonnenuntergang ein Gasthaus erreichen soll. In der Pension besteht einer der Passagiere, der Geschäftsmann Mr. Renfield (Dwight Frye), darauf, zum Schloss in Transsylvanien zu fahren, um Graf Dracula persönlich zu treffen. Doch die Bewohner der Stadt warnen ihn vor den Gefahren der Dunkelheit und der Legende vom Vampir und seinen Weibern, die das verfluchte Anwesen bewohnen. Vor seiner überstürzten Abfahrt erhält der Furchtlose Mr. Renfield ein Kruzifix als persönlichen Schutz. Doch keiner glaubt, dass er die Nacht überleben wird.

In einer der ikonischsten Filmsequenzen überhaupt, öffnet sich eine Ansammlung von Gräbern, und spinnenartige Finger greifen an die Umrandung und offenbaren Graf Dracula (Bela Lugosi) und seine blutdürstigen Bräute, die aus ihrem Schlaf erwachen. Es ist eine perfekte, schaurige Präsentation einer der prägendsten Persönlichkeiten des Kinos. Und in der Tat wird der nichtsahnende Mr. Renfield in das Reich des berühmtesten aller Halsbeißer hineingezogen, nicht merkend, wie wenig einladend das Gebiet ist und wie riskant es ist, versehentlich einen Tropfen Blut in Draculas Beisein zu vergießen. "Ich heiße Sie herzlich willkommen."

Dank der Dokumente von Mr. Renfield segelt Dracula an Bord des Segelschiffs 'Vesta' nach England und bringt seine Särge und seine treuen Begleiter mit. Wie zu erwarten, schafft es die Schiffsbesatzung nicht, und ihr grauenhafter Tod wird fälschlicherweise dem verheerenden Sturm zugeschrieben. Als jedoch Leichen mit Löchern im Hals zum Vorschein kommen, durch die Blut ausgetreten ist, scheint ein mächtiger Vampir am Werk zu sein. Die jungen Frauen Lucy (Frances Dade) und Mina (Helen Chandler) werden zur Zielscheibe von Draculas Drang, als er eine Verbindung zum Sanatorium von Dr. Seward (Herbert Bunston) in Whitby entdeckt, wo sein Sklave Mr. Renfield, der einzige Überlebende, der an Bord der 'Vesta' aufgefunden wurde, festgehalten wird.

Trotz der vielen angesehenen Wissenschaftler, die Mr. Renfields Zustand erforschen, erweist sich die von Professor Van Helsing (Edward Van Sloan) aufgestellte Hypothese der Nosferatu-Implikationen als eine leicht akzeptierbare Theorie. Er erläutert sorgfältig die Details und Richtlinien der Existenz und der Vernichtung von Vampiren. Unter der Regie von Tod Browning und in Anlehnung an das Theaterstück von Garrett Fort, das auf Bram Stokers epistolischem Roman von 1897 basiert, der sich nur schwer in ein Drehbuch umschreiben ließ, legte diese frühe Version des Vampirmythos viele der Fundamente, die für quasi jede spätere Version verwendet werden sollten. Die Darstellung von Bela Lugosi, wenn auch nur eine von wenigen, ist ein unverzichtbares Archetypus. Mit hypnotisierenden Blicken und präzise akzentuierten, bedrohlichen Ausführungen hat er eine eindringliche Vision für alle Zeiten geschaffen. Er ist so exquisit in der Hauptrolle, dass es kaum ins Gewicht fällt, dass sein Nebenbuhler unscheinbar ist und Minas galanter Verlobter, John Harker (David Manners), völlig entbehrlich ist. Wie der Filmtitel schon sagt, ist der Antagonist der Star der Produktion. Auf jeden Fall hinterlassen die Protagonisten hier keinen großen Eindruck.

Eine kautschukartige Fledermausstütze, die über galoppierenden Pferden schwebt, das massive, mit Spinnweben übersäte Innere des verfallenen Schlosses Dracula. Das markerschütternde Heulen der Kinder der Nacht, die drei gespenstischen Vampirbräute, die wie grazile Zombies auf ihr Opfer zuschweben. Der mesmerische Ausdruck von Draculas Augen und das Zertrümmern eines Spiegelkastens, der das Fehlen eines Spiegelbildes des Vampirs offenbart, sind nur einige der epochalen Szenen von "Dracula". Bezeichnenderweise gibt es hier keine komödiantischen Intermezzi, was angesichts der primitiven Spezialeffekte, des Mangels an grafischen Elementen oder Jump-Scares und der schematischen Schnitttechniken dazu beiträgt, die Spannung aufrechtzuerhalten. Es handelt sich eher um Fantasy als um Horror, auch wenn eine beklemmende Gefühlslage vorherrscht. Es ist geradezu erstaunlich, dass dieses klassische Universal-Monster so bedeutend werden konnte, wenn man die unterentwickelte Strukturierung, die ungenügenden Spannungsmomente und den allgemeinen fehlenden filmischen Feinschliff bedenkt. Der Bekanntheitsgrad des Films, sein Fortbestand und sein kritischer und kommerzieller Erfolg sind definitiv auf die Darbietung von Bela Lugosi zurückzuführen.

In "Meshes of the Afternoon" der Regisseure Maya Deren und Alexander Hammid hebt eine Frau (Maya Deren) auf dem Heimweg eine Blume auf. Als sie die Haustür aufschließen will, lässt sie den Schlüssel eine Steintreppe hinunterfallen. Dies ist nur der Anfang eines unendlich kryptischen Stücks surrealistischen Kinos. Als dann eine verhüllte Gestalt mit einem Spiegel als Gesicht erscheint, die geisterhaft aus dem Haus wandelt, begleitet von krächzender Musik und unerbittlichem Schlagzeugspiel, wird alles nur noch schauriger.

Wie in einer alptraumhaften Variation von "Und täglich grüßt das Murmeltier" wiederholt die Frau die Inspektion ihres Hauses, beobachtet die wiederkehrenden Bilder eines Schlüssels, eines Messers, eines Telefons und eines Plattenspielers und folgt der gespiegelten Abscheulichkeit, die sich auf dem blumengeschmückten Weg vor ihrem Haus zurückzieht. Mit jeder Wiederholung dieser jenseitigen Prozedur bringt die Frau eine weitere Iteration ihrer selbst hervor, bis eine Kopie zwei andere in der Küche dabei beobachtet, wie sie mit Schlüsseln und Messern herumhantieren. Ist das alles nur ein wahnwitziger Traum? Der Film wurde 1943 in Schwarz-Weiß gedreht, hat keine Dialoge und eine Laufzeit von weniger als 14 Minuten. Dennoch ist "Meshes of the Afternoon" aufgrund seines virtuosen Einsatzes von Spezialeffekten, Schatten, insbesondere Silhouetten, und der Repetition ebenso faszinierend wie verstörend. Ob es nun eine Übung in pointiertem Symbolismus oder abstrakter Surrealistik ist, auf jeden Fall besitzt es mehr von einer narrativen Seite als "Ein andalusischer Hund" oder eine Manifestation von Selbstmordgedanken. Es ist in jedem Fall ein spannendes Werk.

Der Film "Zimmer 1408" von Regisseur Mikael Håfström bewegt sich zwar auf vertrautem, pseudo-autobiografischem Stephen-King-Terrain - ein Schriftsteller, der in die Schrecken des übernatürlichen Chaos gestürzt wird -, erinnert aber eher an "Shining" als an "Misery". Doch John Cusack hält auf witzige Weise die erlösende, pathosverursachende Rolle des unruhigen Schriftstellers aufrecht. Der Thriller von Regisseur Mikael Håfström setzt mehr auf Atmosphäre und Stimmung als auf Blut und Gedärme, um die Spannung zu erhöhen. Dabei verzichtet er auf billige Gruselgeschichten und geisterhafte kleine Kinder, um langsam einen psychologischen Horror aufzubauen, der den Betrachter die Fassung verlieren lässt, noch bevor es John Cusacks Figur tut.

Mike Enslins (John Cusack) tragische Vergangenheit veranlasst ihn dazu, die berüchtigtsten Spukhäuser und andere typische Spukorte aufzusuchen, um die Existenz solcher jenseitigen Wesen aufzudecken. Nachdem er mehrere wenig erfolgreiche 'Top 10'-Bücher über Spukstätten geschrieben hat, stößt Mike Enslin auf eine Postkarte mit der Warnung, sich von Zimmer 1408 im New Yorker 'Dolphin Hotel' fernzuhalten. Mike Enslin kann nicht widerstehen und besteht darauf, in dem teuflischen Raum zu bleiben, der bereits 56 Menschenleben gefordert hat und dessen Insassen eine maximale Lebenserwartung von einer Stunde haben. Er ignoriert die Appelle des Dolphin-Managers (Samuel L. Jackson) und begibt sich auf eine albtraumhafte Nacht voller übernatürlicher Pein, in der er mit einer drohenden Psychose, paranormaler Besessenheit und seinen eigenen inneren Dämonen zu kämpfen hat. Und vielleicht hält er keine zehn Minuten durch, geschweige denn eine Stunde.

Die Tatsache, dass "Zimmer 1408" mehr Wert auf das Ambiente und die Ausstattung als auf Blutkonserven und Gore-Effekte legt, ist vielleicht seine größte Kunst. Diese Konzentration auf eine eindeutig beunruhigende Aura macht den Film erfrischend anders, auch wenn seine Prämisse an die alten Horrorgeschichten denken lässt. Wer die ausgefeilten grotesken Folterungen von "Saw" oder "Hostel" erwartet, wird vielleicht von den seelischen Grauen enttäuscht sein, die in diesem Spukhaus-Schocker vorherrschen, aber genauso effektiv, wenn nicht sogar noch wirkungsvoller, ist der stetige Aufbau unerträglicher psychischer Zustände in Mike Enslins rapide bröckelnder Mentalität. Als sich die mysteriösen Vorfälle zu okkulten Störungen entwickeln, die Mike Enslin nicht mehr als clevere Tricks des Hotelpersonals abtun kann, muss er sich mit seiner eigenen Zerbrechlichkeit und seinen schwankenden Rationalisierungen auseinandersetzen, was den Jump Scares bei ihrer endgültigen Ankunft zugute kommt.

Während sich John Cusacks Charakter vom hartnäckigen Skeptiker zum gedemütigten Opfer wandelt, verändert sich auch seine Umgebung, fast wie in einer raffinierteren Version von "Silent Hill", wo die Wände knacken und bluten und eine eisige Kälte den Raum in Frost kleidet. Der Einsatz solcher visuellen Veränderungen, vor allem später, wenn stürmische Wellen den Raum überfluten, trägt dazu bei, Mike Enslin von seiner Umgebung und damit vom Betrachter zu entfremden, und das, wo der Film doch im Wesentlichen an einem einzigen kleinen Ort spielt. Der normalerweise statische Rahmen wird zu einer unbeständigen Welt, in der alles passieren kann.

"Zimmer 1408" ist praktisch eine Ein-Mann-Show, getragen von dem begnadeten John Cusack. Obwohl der Film sich selbst behauptet, bietet er einige kreative Gimmicks, die den Horror auflockern. Als die berüchtigte Frist von einer Stunde dank eines nervigen Weckers, der ein Eigenleben führt, abläuft, wird Mike Enslin klar, wie falsch seine Hypothesen waren. Dies wird durch einen genialen Trick noch erschreckender: Er diktiert seine Gedanken in ein Tonbandgerät, so dass der Betrachter an seinen anfänglich logischen Gedankengängen teilhaben kann, die sich jedoch schnell in eine drastische Umwertung der sinistren Begebenheiten verwandeln. Trotz einer gehörigen Portion zynischen Humors lässt sich das immer größer werdende Unheimnis in Mikael Håfströms feinfühliger Adaption von Stephen Kings Kurzgeschichte nicht leugnen. Der Protagonist kann sich zwar die Angst vor den seltsamen Erscheinungen zumindest für kurze Zeit schönreden, doch dem Betrachter wird das wahrscheinlich nicht gelingen.

In "Predator" von Regisseur John McTiernan wird Major Schaeffers (Arnold Schwarzenegger) Elitesoldaten-Team, bestehend aus Mac (Bill Duke), Blain (Jesse Ventura), Billy (Sonny Landham), Poncho (Richard Chaves) und Hawkins (Shane Black), von General Phillips (R.G. Armstrong) und seinem Lakaien Dillon (Carl Weathers) dazu überredet, in den glühenden Dschungel von Mittelamerika einzudringen. In einer so genannten Rettungsmission marschieren die robusten Soldaten durch das dichte Gestrüpp, um eine Guerillahochburg auszulöschen und politische Geiseln zu befreien. Doch etwas Höllisches und nicht von dieser Welt jagt Schaeffers Schwadron einen nach dem anderen und hält auf seinem Weg zum Einsammeln menschlicher Trophäen inne. Der Kampf gegen ein physisch und technologisch hochentwickeltes Wesen ist die ultimative Herausforderung für die schwer bewaffneten Profis, nicht unähnlich den 'Colonial Marines' aus "Aliens - Die Rückkehr" ein Jahr zuvor, die alle über einzigartige, einprägsame Persönlichkeiten und Waffen verfügen.

In "Predator" dreht sich alles um Waffen und Schneid, und genau das macht den Thriller so unschlagbar. Die Eröffnungsszenen, in denen die großformatigen Krieger vorgestellt werden, lassen sich Zeit, um die massive Feuerkraft und die Fähigkeit des Teams, sich schnell und lautlos zu bewegen, zu demonstrieren. Sie schleichen sich in das feindliche Lager und liefern sich eine hitzige Schießerei mit genug Munition, um den Dritten Weltkrieg auszulösen. Es ist einer der besten Action-Momente des Films, voller imponierender Zeitlupen, krachender Explosionen und chaotisch umherfliegenden Leibern, und das alles, bevor die Haupthandlung überhaupt in Gang kommt.

Trotz der besonderen Spannungsgeladenheit vergisst Regisseur John McTiernan nicht, dass sein Star auch Zeit für witzige Sprüche haben muss. Arnold Schwarzenegger spielt seinen gewohnt geradlinigen Helden, der mit roher Gewalt und prallen Muskeln arbeitet und nur dann kurz sarkastisch wird, wenn es Leben zu retten oder Attacken zu vereiteln gilt. Hier ist er etwas kalkulierend und sogar primitiv, wenn es ums Überleben geht, aber er überschreitet nie die Grenze zum Heroismus, wenn er plant, den bestialischen Feind zu besiegen. Arnold Schwarzeneggers passendes Charisma und die gewalttätigen Schießereien lenken den Betrachter gründlich von der Existenz eines außerirdischen Lebewesens ab und bieten die perfekte Erdung in der Realität und die tonale Seriosität, die in dieser Art von Filmen immer geschätzt wird, um die Geschehnisse so authentisch wie möglich zu inszenieren.

Der Tarnanzug des Predators und die speziellen Infrarot-Wärmesignatur-Effekte sind ein wenig holprig, doch das Design der Kreatur, die Waffentechnik und das Maskenbild sind nahezu zeitlos. Auch Jahrzehnte später ist der riesige humanoide Organismus mit seiner an der Schulter montierten Kanone, den scharf geschliffenen Klingen und der vierfachen Fratze immer noch furchterregend - ein sensationelles Erscheinungsbild, das Stan Winston und seinem Team zu verdanken ist, die für einen Oscar für visuelle Effekte nominiert wurden. Die Strahlungsmaske, mit der der Predator seine Jagdbeute aufspürt, sorgt für Angst und Vorfreude, ebenso wie der fulminante Kontrast zur mimischen Darstellung, dem übernatürlichen Äquivalent eines Entenrufs, wenn der Betrachter in der ersten Hälfte des Films den Jäger aus der Ferne und aus seiner Perspektive beobachtet, bevor das Monster in seiner gesamten Pracht auftaucht. Diese Taktik, den Antagonisten im Dunkeln zu lassen, ist eine ebenso begrüßenswerte wie narrensichere Spannungsmethode.

Abgesehen von dem komischen Zufall, dass sowohl Jesse Ventura als auch Arnold Schwarzenegger in der Politik landen, ist die Schauspielerei in diesem Film genau so, wie sie sein sollte: Realistische Angst, panische Reaktionen, Kameradschaftsgeist und Charakterstärke. Wer hätte gedacht, dass Arnold Schwarzenegger jemals wieder eine so passende Rolle wie in "Terminator" von 1984 finden könnte? Die schiere Intensität der versierten Kämpfer sorgt für einige sehenswerte Verfolgungsjagden und turbulente Duelle. Die dargebotene Brutalität dient zwar ausschließlich der reinen Unterhaltung, unterstreicht aber auch die Schwere und Unmittelbarkeit der Lage und steigert den nervenzerfetzenden Aspekt der Verfolgungsjagden, garniert mit der donnernden Musik von Alan Silvestri. Mit seinem Stilmix aus Action und Abenteuer, Horror und Science-Fiction hat "Predator" bewiesen, dass er viel mehr ist als nur ein kultiger Monsterfilm, der über den typischen Monsterkino hinausgeht. Diese überlegene Melange aus geballter Feuerkraft, Machismus, blutiger Raserei und einem der aufregendsten Showdowns der Filmgeschichte wird oft nachgeahmt, findet aber nur selten ihr Pendant.

In "2002 - Durchgeknallt im All" von Regisseur Allan A. Goldstein wird ein dämlicher Detektiv auf den Planeten 'Vegan' geschickt, um den echten Präsidenten der Vereinigten Staaten von Amerika zurückzuholen, dessen Klon offenbar mit ihm den Platz im Weißen Haus getauscht hat. Es sollte eigentlich lustig sein, doch dem ist leider nicht so. Wer mehr Spaß an einem Film haben will, sollte sich Stanley Kubricks "2001: Odyssee im Weltraum" ansehen, der ist viel lustiger. Zunächst das Wichtigste zu diesem Film: Er ist Scheiße! Notiert euch bitte die Namen des Regisseurs, der Produzenten und des Autors dieses Scheißhauses und achtet darauf, dass ihr nie wieder das Risiko eingeht, irgendetwas zu sehen, an dem einer von ihnen jemals beteiligt war oder noch sein wird.

Das war jetzt ein bisschen schroff, und ich bitte vielmals um Verzeihung. Ich habe diese Schande mit ansehen müssen, und wenn man so etwas wirklich schmerzlich erlebt, muss man sich irgendwie abreagieren. Einen blöden Witz nach dem anderen verhunzen zu sehen, mitzuerleben, wie 99% der so genannten 'Komik' den Bach runtergeht, und sich zutiefst zu schämen, wenn ein Mann namens Leslie Nielsen vor die Kamera tritt, wohl wissend, dass nichts, was er sagt oder tut, auch nur im Entferntesten witzig ist - das ist einfach nur betrüblich. Noch tragischer ist, dass all diese Menschen tatsächlich glaubten, dieses Projekt sei es wert, verwirklicht zu werden. Es versteht sich von selbst, dass dieser Film nichts mit "2001: Odyssee im Weltraum" zu tun hat und kaum andere Filme parodiert, sondern einfach einen lahmarschigen Handlungsfaden aufbaut und jeden noch so stumpfsinnigen, bekackten Klowitz in den Raum wirft, um zu sehen, ob er kleben bleibt.

"2002 - Durchgeknallt im All" ist auch zu lang für sein eigenes Wohl, hat eine beschissene Story, eine überdrehte Filmmusik, lächerliche Slapstick-Versuche, jede Menge Idioten, lahme musikalische Einlagen, die anscheinend eingefügt wurden, um Zeit totzuschlagen, schlampige Spezialeffekte, überflüssige Promi-Imitationen von Madonna, Prince und Hulk Hogan, ein besonders debiles und nicht enden wollendes Finale und so viele belanglose Dialoge, dass ich sie hier gar nicht alle aneinanderreihen könnte. Und so wenig man einem Schauspieler wie Leslie Nielsen die Schuld an diesem Abgrund in der Welt des komödiantischen Films geben möchte, so sehr muss der Mann einfach einen Großteil der Last auf sich nehmen, denn es war sicherlich sein Name, der dieses Problem überhaupt erst in die Wege geleitet hat. Wie er es geschafft hat, in dieser Rolle genau wie Leutnant Frank Drebin aus den "Die nackte Kanone"-Filmen zu agieren, komplett mit Erzählungen aus dem Off, aber ohne die entsprechenden Lacheinlagen, ist fast so unverschämt wie die Menge an Geld, die er für die Mitwirkung in diesem Scheißdreck bekommen hat.

Zugegeben, ich liebe diese albernen Komödien genauso wie jeder andere, ich zähle "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" zu meinen Lieblingskomödien aller Zeiten, doch dieser Abfall gehört eindeutig nicht dazu. Hier gibt es nichts zu belachen, die Verblödung macht einen im Laufe des Films nur noch zorniger, und es gibt jede Menge sexuelle Anspielungen, um die Umsätze anzukurbeln. Es gibt keine Nacktheit in diesem Film, nur jede Menge Anzüglichkeiten, und ich bin immer noch ein notgeiler Mann und wurde von all den G-String-Arschaufnahmen in dem Film angetörnt und noch mehr von der Hauptdarstellerin, einer Ophelie Winter, deren Brüste der einzige Grund sind, warum dieser Film überhaupt zwei von zehn möglichen Punkten bekommt.

Siebzehn Jahre Pause und ein deutlich größeres Budget trennen Regisseur Sam Raimi zwar von seiner "Tanz der Teufel"-Reihe, doch sein unverwechselbarer Stil dominiert eindeutig jede Facette seiner Rückkehr zu dem Genre, das ihn legendär gemacht hat. "Drag Me to Hell" schwelgt in seinen eigenen Exzessen, indem er jede Schrecksekunde mit ekelerregender Abscheu und tiefschwarzem Humor versieht. Was dabei herauskommt, ist ein irrwitziger Kampf zwischen Dämonen und jungen Mädchen, zwischen Moral und sprechenden Ziegen, mit denkwürdigen, alptraumhaften Bildern.

In ihrer Verzweiflung, den begehrten Job als Direktionsassistentin bei der 'Wilshire Pacific Bank' zu bekommen, beschließt die Kreditsachbearbeiterin Christine Brown (Alison Lohman), eine alte Zigeunerin aus ihrem Haus zu vertreiben. Beschämt und wütend verflucht die rachsüchtige Frau Christine mit dem 'Lamia', einem ziegenähnlichen Dämon, der sie nach drei Tagen der Qualen in die Hölle schicken soll. Das verängstigte, aber resolute Mädchen muss die übernatürliche Bestie abwehren und Krieg mit ihrer eigenen Seele führen, wenn sie diese retten will.

Ein pausenloses Feuerwerk an Schockmomenten ist meist übermäßig traumatisierend. Das Wunderbare an Sam Raimis Regie ist der humoristische Einschlag, der jedem intensiven Augenblick des Erschreckens gnädig und regelmäßig folgt. Das Tempo der Erzählungen ist rapide, schonungslos und voller Anspannung. Sie werden von langen Momenten der Stille eingeleitet, der Ruhe vor dem Sturm, und von brutal lauten, plötzlichen Soundeffekten mit gesteigerter Musik begleitet, klassisch angeführt von kreischenden Streichinstrumenten. "Drag Me To Hell" ist packend, schockierend und komödiantisch zugleich. Der Film ist durchaus berechenbar, jedoch höchst effizient. Sam Raimis andere Markenzeichen der Horrordirektion sind natürlich ebenfalls präsent. Jede Menge Körpersekrete und glibberige Stellen, kriechende Insekten, Fliegen und Maden, invasive Großaufnahmen und spiralförmige, zoomende Kamerafahrten.

Es ist auch erfrischend, eine starke weibliche Hauptfigur zu sehen, obwohl es nicht ungewöhnlich ist, Frauen an der Spitze von Ekel-Horrorfilmen zu sehen - ein Muster, das den Horror verstärken soll, indem man ihn dem schönen Geschlecht präsentiert. Christine wird sofort zur Zielscheibe von subtilem Sexismus und männlicher Rivalität. Umso dankenswerter ist es, dass sie lobenswerterweise Rückgrat zeigt, indem sie die Dinge selbst in die Hand nimmt und die Attacken ihres unsichtbaren Aggressors beherzt abwehrt. "Drag Me To Hell" bedient sich einer vertrauten, sich wiederholenden Formel für Angstfilme, doch mit seiner kompetenten Mixtur aus Spannung und Witz ist er einer der stabilsten Unterhaltungsfilme und eine triumphale Heimkehr zum suspensiven Horror für einen Regisseur, der für seine gewagte und erkennbare Methodik des Horrorkinos Berühmtheit erlangte.

In "La Jetée - Am Rande des Rollfelds" von Regisseur Chris Marker berichtet ein Erzähler feierlich die Geschichte eines Jungen, der kurz vor dem Ausbruch des Dritten Weltkriegs Zeuge einer Gewalttat am Hauptpier des Pariser Flughafens 'Orly' wird. Während er zu einem Mann (Davos Hanich) heranwächst, wird er weiterhin von der Erinnerung geplagt. Er ist ein Gefangener einer überlebenden unterirdischen Gemeinschaft und versteckt sich vor der trostlosen Erdoberfläche, wo alles radioaktiv kontaminiert ist. Ausgewählt von einem vermeintlich geisteskranken Wissenschaftler, wie Frankenstein, erfährt er stattdessen von einem scheinbar normalen Experimentator, dass die einzige Hoffnung zur Rettung der Menschheit darin besteht, willensstarke Individuen in die Vergangenheit zu schicken, die, auf ein Bild aus der Vergangenheit fixiert, die Tortur der Verpflanzung in eine andere Zeit überleben könnten. Gewöhnliche Momente, die durch plötzliche Katastrophen hervorgehoben werden, gewinnen an unvorstellbarer Bedeutsamkeit.

Die Einführung erfolgt durch Schwarzweißfotos, während der Sprecher den Aufbau erklärt. Auch ein Flüstern ist zu hören, was die halluzinatorische Wirkung eines Films ohne Bewegung unterstützt. Die Gespräche zwischen dem Mann und einer Frau (Hélène Chatelain), die er sieht, werden ohne Details oder präzise Wortwahl beschrieben und spiegeln den drogeninduzierten Traumzustand wider, in dem er sich an einem früheren Ort befindet. Die Reihe von Zeitreise-Experimenten eröffnet allmählich ihre Sinnhaftigkeit, indem Erinnerungen und Abbildungen in einen Zweck transformiert werden.

Es vergehen 50 Tage, an denen sich der Mann und die Frau treffen. Und täglich wird er in einen Bewusstseinszustand im Labor in der Gegenwart zurückgebracht. Er wird auch in die Zukunft versetzt, aber das ist weniger kohärent und schwieriger zu dekodieren. Die Zivilisation der Zukunft gibt ihm die Antwort auf sein Überleben, doch die Flucht vor seinen Häschern ist letztlich chancenlos. Selbst als er ein letztes Mal in die Vergangenheit zurückkehrt, um die Frau auf dem Pier zu treffen, erkennt er zu spät, dass die visionäre Erscheinung aus seiner Kinderzeit seinen eigenen Verderb für die Zukunft voraussagt.

Opernmelodien und die sensationelle Orchesterpartitur von Trevor Duncan machen "La Jetée - Am Rande des Rollfelds" auch bei einer Länge von nur 28 Minuten ausgesprochen mächtig. Der kurze Abschnitt mit tatsächlichem Filmmaterial ist fast verstörend und erinnert an eine Art fiktionalen Dokumentarfilm, geisterhaft in der Unerwartung der Bewegungsabläufe und intensiv in der Vermittlung der Informationsinhalte. Als eigenständiges Projekt sehr wirkungsvoll und experimentell, ist Chris Markers "La Jetée - Am Rande des Rollfelds" vielleicht am bekanntesten für die komplexe, kryptische, zeitreisende Handlung, die die Grundlage für Terry Gilliams Science-Fiction-Meisterwerk "12 Monkeys" von 1995 bildete.

Dieser Kommentar ist meinem Film-Buddy VisitorQ gewidmet.

"Nightmare - Mörderische Träume" ist das Slasher-Meisterwerk des Regisseurs Wes Craven, das den Betrachter auf brillante Weise mit düsterer Realität und noch grimmigerer Fantasie malträtiert. Es ist eine Exploration des ultimativen Alptraums, der mit der realen Welt verschmilzt, in der Visionen den Tod vorhersagen und ein nicht rechtzeitiges Erwachen bedeutet, die Nacht nicht zu überleben. Der unvergängliche Antagonist Freddy Krueger ist eine weitere monströse Kreation, die sofort beliebter wurde als seine Opfer und für zahlreiche Fortsetzungen sorgte, von denen die meisten nur dazu dienten, die Blutrünstigkeit der kreativen Schöpfung hinter seinem bemerkenswerten Design auszunutzen. "Das war nur ein Traum! Es ist nicht real!"

Mehrere Teenager in der 'Elm Street' werden von ähnlichen Albträumen geplagt, in denen ein grässlich verbrannter, missgestalteter Mann in einem schmutzigen rot-grünen Pullover mit einem zerfledderten Filzhut auf seinem narbenübersäten Kopf vorkommt. Er trägt einen provisorischen Handschuh, an dessen Enden rasiermesserscharfe Klingen befestigt sind. Er ist eine grauenhafte Gestalt, ein furchteinflößender Unhold, dessen gackerndes Lachen und quietschende Fingermesserspitzen auf metallischem Material so lebendig sind, dass sie fast echt wirken. Einer nach dem anderen werden die jungen Erwachsenen im Schlaf angegriffen, unfähig, den Klauen von Freddy Krueger (Robert Englund) zu entkommen, der schon bald beginnt, die Grenze zwischen Traumzustand und Realität zu durchbrechen.

Ein weiterer faszinierender Aspekt von "Nightmare - Mörderische Träume" ist die Fiktion, dass der Mörder ein Mysterium ist. Nancy Thompson (Heather Langenkamp) sammelt durch ihre Wahnvorstellungen Hinweise auf den Killer und muss seine Herkunft und Motive herausfinden, um ihn aufzuhalten, bevor alle, die sie kennt, zu seinen Opfern werden. Während in vielen Horrorfilmen die schwachsinnigen Darsteller sich selbst in Gefahr bringen, indem sie allein durch abgelegene Orte wandern, sind in diesem Film Begegnungen mit Freddy Krueger unvermeidlich - niemand kann den Schlaf für immer abwehren. "Was auch immer du tust, schlaf nicht ein."

"Nightmare - Mörderische Träume" revolutionierte die blutige Traumsequenz und sorgte für teuflisch stimmungsvolle Kulissen und Optik. Als Freddy Kruegers erstes Opfer, Tina (Amanda Wyss), von einem unsichtbaren Angreifer mit hysterischem Geschrei und bluttriefenden Stichwunden über die Zimmerdecke geschleift wird, präsentiert sich das noch folgende Blutbad auf überwältigende Weise. Freddy Kruegers Hauptquartier befindet sich in einem feuchten Heizungskeller, der vor Schlamm tropft und von Dampf umgeben ist, mit dunklen Gängen, die an Ridley Scotts "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" erinnern. Die klaustrophobische und verdreckte Atmosphäre ist die perfekte Bühne für eine unentrinnbare Hölle.

Nancy mag unglaublich kühn sein, einige der Effekte sind etwas angestaubt, und die elektronische Rockmusik verrät gelegentlich den tonangebenden Charakter, doch Freddy Kruegers Visagistik ist nach wie vor imponierend, und der Reigen an innovativen Impulsen ist absolut singulär. Der infame Bösewicht aus dem Jahr 1984 ist für immer in der Popkultur verankert. Es folgten sieben Fortsetzungen mit Robert Englund in der Hauptrolle, ein Videospiel, eine Fernsehserie und eine Neuauflage im Jahr 2010.

Der Kurzfilm "Ein andalusischer Hund", der von Regisseur Luis Buñuel inszeniert und von ihm und Salvador Dali geschrieben wurde, ist vor allem durch seine prägnante Eröffnungsszene bekannt, in der das Auge einer Frau mit einer Rasierklinge zerschnitten wird - in Wirklichkeit handelt es sich um den Augapfel eines Tieres - ein grauenerregendes Bild, das heute noch schockierend wirkt, ganz zu schweigen vom Jahr 1929, als der Film veröffentlicht wurde. Dieses Meisterwerk des provokativen Surrealismus ist mit einer Länge von etwa 17 Minuten, die kaum an eine narrative Handlung erinnert, zugleich verstörend und inspirierend und vereint einige der skandalösesten kreativen Konzepte des frühen Films. Nur wenige Minuten nach der Augenöffnung krabbeln Ameisen aus einem Loch in der Hand eines Mannes, die dann als abgetrennter Stumpf auf dem Boden liegt und von einer Menschenmenge und einem Polizisten begutachtet und inspiziert wird.

"Es war einmal ...", beginnt es wie in einem Märchen. Doch nur wenige der verwirrenden Filmaufnahmen können als skurrile Pariser Fantasie verstanden werden. Im Laufe des Films werden die Abgründe immer perverser: vom Totschlag im Auto über einen sexuellen Übergriff mit vielen Begrapschungen bis hin zum buchstäblichen Ziehen von zwei Klavieren, auf denen die Kadaver von verwesten Eseln liegen. Titelkarten suggerieren verstrichene Zeit, Rückblenden oder Zeitsprünge, aber dieses einzigartige Werk ist nicht wirklich dazu gedacht, wie eine traditionelle Geschichte verfolgt zu werden.

"Ein andalusischer Hund" ist so abgründig und unergründlich, dass seine Bilder abwechselnd makaber, obszön, spektakulär und urkomisch sind, und die orchestrale Untermalung passt perfekt zu den gezeigten Abnormitäten und kontrastiert sie. Der Film existiert einfach nicht in einer analysierbaren Dimension. Einige der Sequenzen sollen bestimmte Themen darstellen, aber es ist viel einfacher, lediglich die Spezialeffekte, das Maskenbild und die Vielfalt der abstrusen Aktivitäten zu bewundern, die sich in diesem abnormalen, unvergleichlichen Experiment des halluzinatorischen, anspruchsvollen und extremen französischen surrealistischen Kinos entfalten.

In "Eine falsche Bewegung" von Regisseur Carl Franklin arrangiert Fantasia (Cynda Williams) in Los Angeles für ihren extrem gewalttätigen Freund Ray Malcolm (Billy Bob Thornton) und ihren hochintelligenten, sadistisch-psychopathischen Freund Lenny 'Pluto' Franklyn (Michael Beach) einen Besuch im Haus von Robert Post (James D. Bridges), in der Hoffnung, einen Mitarbeiter namens Marco (Loren Tyler) ausfindig zu machen. Nachdem sie alle Bewohner des Hauses gefesselt und schließlich skrupellos hingerichtet haben, fahren sie zu Marcos Haus und ermorden auch dort alle Männer, Frauen und Kinder, nachdem sie ihr eigentliches Ziel, Bargeld und Kokain, entdeckt haben. Am nächsten Tag findet die Polizei bei ihren Ermittlungen eine Tonaufnahme, die sie nach Star City, Arkansas, führt, wo Polizeichef Dale 'Hurricane' Dixon (Bill Paxton) bereit ist, sie zu unterstützen.

In Deming, New Mexico, diktiert Lenny, dass sie die Drogen in Houston verkaufen werden, auch wenn Ray darauf besteht, dass sie einen Teil der Drogen für Freizeitzwecke verwenden. Der Widerstand formiert sich immer deutlicher. In der Zwischenzeit fliegen die LAPD-Detectives Dud Cole (Jim Metzler) und John McFeely (Earl Billings) nach Little Rock, um sich mit Dale zu treffen, dessen Taktik aus der Kleinstadt, respektlose Offenheit und unbeirrbarer Enthusiasmus die Polizisten aus der Großstadt erzürnen. Dale ist begeistert, in einen großen Mordfall involviert zu werden, zumal seine übliche Routine darin besteht, Trunkenbolde zu bändigen. Zudem hat er seit fast sechs Jahren keinen triftigen Grund gefunden, seine Schusswaffe zu zücken. Als die Behörden den Verdächtigen auf die Spur kommen, muss Dale seinen Ehrgeiz unterdrücken und sich auf seine Kompetenzen konzentrieren, um nicht nur die Schurken zu fassen, sondern auch sich selbst zu beweisen, dass er für die Ermittlungsarbeit genauso wichtig ist wie seine renommierten Vorgesetzten.

Billy Bob Thornton ist in bester Form als versiffter, tätowierter, großmäuliger Ex-Knacki, der unberechenbar alles tut, was ihm in den Sinn kommt. Er ist ungebildet und neurotisch, aber auch intuitiv und bösartig, was ihn zu einem außergewöhnlich kaltblütigen Verbrecher macht. Für Billy Bob Thornton ist es eine vergnügliche Partie, zumal er das Drehbuch mitverfasst hat. Michael Beach liefert eine ebenso unvergleichliche Darbietung als abscheulicher, menschenverachtender Gefängniswärter, der ein Messer vorzieht und keine Gnade mit seinen Opfern zeigt, von denen die meisten willkürlich massakriert werden, wenn sie ihm in die Quere kommen.

Es handelt sich zwar nicht um einen besonders temporeichen Thriller, aber es gibt einige besonders spannende Phasen, vor allem dann, wenn die Polizei unwissentlich in den Prozess der Mörder interveniert, und wenn am Ende alle Parteien zwangsläufig geeint sind. Doch leider sind diese Sequenzen sehr weit voneinander entfernt. Fast der gesamte letzte Akt ist ein Wartespiel, denn Fantasia versteckt sich am Rande der Stadt und wartet auf den richtigen Zeitpunkt. Der Schwerpunkt verlagert sich auf die Entwicklung der Charaktere und auf Beziehungskomplikationen, wenn die Vergangenheit Dale Dixon einholt und er über die Bedeutung von Respekt, Verantwortung und Kompetenz nachdenkt. Seelenvolle E-Gitarrenklänge und eine beiläufige Mundharmonika dominieren den größten Teil des Films, ohne ihm zusätzliche Spannung zu verleihen, wohingegen neuralgische Orchestermusik befremdlicherweise nicht existiert.

"Eine falsche Bewegung" ist zum Teil ein Roadmovie mit ungezählten Handlungsorten, die überflüssigerweise über die Leinwand flimmern, während die Antagonisten durch den Mittleren Westen streifen. Der Betrachter soll ungefähr wissen, wohin die Gejagten unterwegs sind, aber das ist selten ausschlaggebend, vor allem, wenn die kleineren Ortschaften der breiten Öffentlichkeit weitgehend fremd sind. Und wenn Städtenamen auf dem Bildschirm eingeblendet werden, um zu veranschaulichen, wohin die Detektive sich bewegen, ist das nahezu gegenstandslos, da ihre Jagd unverkennbar ist. Das Endziel ermöglicht einen kurzen Showdown und ein begrüßenswertes, unvorhersehbares Finale mit Denkanstößen und Charakteren, die es wert sind, betrachtet zu werden, doch insgesamt ist die Reise langwierig und müsste besser umgeschrieben werden, um mehr Nachdruck auf die Motivationen zu legen, die zu bestimmten Entwicklungen und Konflikten hinführen.

In "Vampirella" von Regisseur Jim Wynorski erfährt Ella (Talisa Soto) auf dem Planeten Drakulon vor 30 Jahrhunderten von der barbarischen Lebensweise ihrer Vorfahren, einem geheimen Drang, sich gegenseitig auszusaugen, anstatt aus den reichlich vorhandenen, organischen Flüssen und Strömen von Blut zu trinken, die in der damaligen Zeit durch das Land fließen; Wissenschaftler haben sogar eine dritte Alternative hergestellt, ein synthetisches Serum, das den Bedarf an echtem Blut ersetzt. Doch ein Teil der meist friedlichen Gesellschaft, angeführt von dem rebellischen Vlad (Roger Daltrey), will Unfrieden stiften, indem sie ihre gewalttätige Seite ausleben und unschuldigen Menschen an die Hälse schnalzen. Als Vlad vor einem Tribunal flieht, das ihn für seine Verbrechen verurteilen soll, fliegen er und seine Mitstreiter mit einer Raumfähre zur Erde, wo sie sich auf genügend Nahrung für mehrere Generationen von Vampiren freuen. "Zerstöre nicht deine Seele bei dem Versuch, diesen Akt des Wahnsinns zu rächen", röchelt Ellas Stiefvater, der Hochälteste (Angus Scrimm), als er an den Wunden stirbt, die er sich bei Vlads explosiver Flucht zugezogen hat.

Hunderte von Jahren später, im heutigen Los Angeles, wird Forry Ackerman (David B. Katz) in einer Gasse überfallen. Doch dann kommt Ella, um ihn zu retten. Sie trägt ihr typisches, freizügiges, karmesinrotes Outfit, das kaum mehr als ein Bikini ist, ziemlich dürftig zusammengenäht, und das sie auf ihrem Heimatplaneten nicht getragen hat und auf der Erde keine praktische Verwendung besitzt. Doch Ella hat eine weitere Mission zu erfüllen: Sie muss Vlad und seine Handlanger Demos (Brian Bloom), Traxx (Tom Deters) und Sallah (Corinna Harney) aufspüren und töten. "Wir sind zivilisierte Menschen, keine Monster wie Vlad und sein Kult."

Adam Van Helsing (Richard Joseph Paul), ein Agent einer verdeckten, paramilitärischen Anti-Vampir-Organisation, arbeitet ebenfalls daran, Vlad festzunehmen, auch wenn er die geheime neue Identität des Verbrechers nicht herauszufinden scheint, obwohl Vlad sich in Las Vegas als berühmter Rockstar ausgibt. Und, wie erwartet, darf Roger Daltrey einen Song auf einer Bühne vortragen, der vielleicht ein wenig zu gut für diese Art von Roger-Corman-Produktion ist, wobei sein grelles Make-up und sein zerzaustes Haar angemessen zur Lächerlichkeit beitragen. "Sag mir, dass ich träume. Vampire aus dem All?"

Weit weniger ergötzlich sind die unglaublich verbilligten Kostüme, die auf tragische Weise nicht überzeugenden Kampfchoreographien und Schnitte, die grauenhaften schauspielerischen Leistungen, die pathetischen Spezialeffekte und die banalen Plastikrequisiten, denen lustige Namen gegeben wurden, wie beispielsweise der Sonnenkanone für schwere Angriffe. "Vampirella" scheint auch kein Interesse daran zu haben, sein niedriges Budget durch vernünftige Dialoge oder eine sinnvolle Erzählung wettzumachen. Die Dialogführung ist allenfalls rudimentär, und das Drehbuch ist mit einer Vielzahl von abgedroschenen Vampirwitzen bestückt. Zumindest Roger Daltrey profitiert von seiner eigenen Exzentrik und seinem exzessiven Gehabe.

Ebenso sinnlos sind die Actionfilmsequenzen, in denen Vampirella ständig ihren langen schwarzen Mantel auszieht, bevor sie in einen Kampf verwickelt wird, Fahrzeuge kollidieren oder explodieren auf absurd dramatische Weise, und es gibt jede Menge nervtötende Hinhaltetaktiken, in denen die Zeit bleibt, impotente Schimpftiraden und Androhungen zu schmettern. Die Vampirgeschichte übernimmt zwar einige Besonderheiten der Vorlage, wie etwa Drakulon und Vampirellas Bindung an die Menschheit, behält aber die Schwächen des Sonnenlichts, des Weihwassers, der christlichen Symbole und des Knoblauchs sowie die Fähigkeit, sich in Fledermäuse zu verwandeln, bei, aber nichts davon bietet echten Reiz. Und leider scheint es, auch wegen der Pläne der Bösewichte, die Welt zu zerstören, so, als wären alle immer kurz davor, sich gegenseitig ins Gesicht zu lachen. Die unbewusste Absurdität ist schwer zu ertragen. Wenigstens sieht Talisa Soto gut aus, auch wenn ihre sexy Figur ihren leblosen Darstellungen und ihrer dämlichen Mimik nicht hilft, wenn man sich vergegenwärtigt, wie stümperhaft das Drehbuch ist. Kurioserweise endet der Film mit der Ankündigung, dass Vampirella in "Death's Dark Avenger" zurückkehren wird, einer Fortsetzung, die zum Glück nie das Sonnenlicht erblicken musste.

"Day Shift" von Regisseur J.J. Perry ist ein Vampirjäger-Film mit Jamie Foxx in der Hauptrolle als Bud Jablonski, einem Vampirjäger, der sich als Poolreiniger ausgibt. Der Film zeichnet sich durch ein schlechtes, an eine Fernsehshow erinnerndes Drehbuch und Spezialeffekte aus, obwohl er eigentlich ein Sommerfilm sein sollte und keine verlängerte Folge einer öden Streaming-Show mit gefälschten Fangzähnen.

Bud Jablonski ist knapp bei Kasse und steht kurz davor, seine Frau und sein Kind zu verlieren, weil er ein erbärmlicher Erzeuger ist. Also beschließt er, einem Verein von Vampirjägern beizutreten, um mit dem Verkauf von Vampirzähnen Geld zu verdienen. Um diese Reißzähne zu ergattern, muss er natürlich Vampire töten, die nachts aktiv werden. Bud wurde aus der Organisation ausgestoßen und ist nun auf Probe wieder eingestellt worden und muss in der 'Tagschicht' arbeiten. Dies ist auch gleichzeitig, übersetzt, der englische Originaltitel dieses beschissenen Films.

Eine weitere Bedingung seiner Probezeit ist, dass ihm ein Partner zur Seite gestellt wird, und das ist Dave Franco, ein streberhafter, verklemmter Kugelschreiber, der lieber auf einem Bürostuhl sitzt als Vampire zu pfählen. Dave Franco ist normalerweise ein sympathischer und sehr witziger Schauspieler, aber in dieser Rolle ist er ein Jammerlappen und eine Nervensäge. Dave Franco und Jamie Foxx haben offensichtlich nicht viel Spaß an dem Projekt und ihrer gemeinsamen Zusammenarbeit. Und das ist kein gutes Omen für eine Buddy-Komödie.

"Day Shift" beginnt mit dem Grundgerüst eines dünnflüssigen Vampirthrillers und versucht dann, in eine schwarze Horrorkomödie à la "American Werewolf" umzuschwenken. Regisseur J.J. Perry versteht sein Handwerk nicht, und so fühlen sich gewisse Szenen an, als stünden sie im verkehrten Film, wohingegen schlechte Kontinuitätsentscheidungen zu totaler Unordentlichkeit ausarten. Einer Hauptfigur widerfährt im Verborgenen etwas Entscheidendes, das die Handlung nachhaltig verändert. Ich habe den Film öfters zurückgespult, um zu sehen, ob ich etwas übersehen habe. Nein, das ist schlichtweg unprofessionell in der Umsetzung.

Jamie Foxx, ein bewährter Komödiendarsteller mit anständigen Actionfähigkeiten, ist gut genug, um das Bedürfnis zu wecken, sich für seine Bemühungen zu bedanken. Dave Francos Leistung hingegen ist so beschämend minderwertig, dass man sich Sorgen um die Zukunft seiner Karriere machen muss. Dieser Vampirfilm ist zum Kotzen. Trotz Jamie Foxx' bester Absichten ist "Day Shift" wirklich nicht zu empfehlen.

Mit "The House at Night" hat Regisseur David Bruckner einen psychologischen Horrorfilm gedreht, der recht solide funktioniert. "The House at Night" profitiert von der starken Performance der Hauptdarstellerin Rebecca Hall, doch es ist leicht, den viszeralen Reiz zu erkennen, der von den effektiven Jump-Scares ausgeht, die den Film durchziehen. Es ist wichtig, darauf hinzuweisen, dass es sich dabei nicht um billige Schreckmomente handelt, denn der Film ist viel intelligenter konzipiert als das. Man wünscht sich nur, dass es am Ende irgendwo hinführen würde.

Womöglich ist es die beste Strategie, Beth (Rebecca Hall) nicht von Grund auf zu sympathisieren. Das soll nicht heißen, dass sie ein schlechter Mensch ist, aber selbst in ihrem Zustand der Trauer lässt der Film Rebecca Hall die Rolle auf eine kluge Weise darstellen, die übertrieben, widerwillig und manchmal arrogant ist. Das sind alles offenkundige Faktoren der Traurigkeit über den unvorhergesehenen Suizid ihres Mannes, doch Rebecca Hall macht die Figur weitaus attraktiver, indem sie ihre Schwächen zum Ausdruck bringt.

Der Rest von "The House at Night" funktioniert jedoch gut genug, um sich mit dem Gedanken anzufreunden, dass Rebecca Halls Realität nicht immer das ist, was sie denkt. David Bruckner hat ein gutes Händchen für Traumlogik und das Surreale, wie er in "The Ritual" bewiesen hat, und zu sehen, wie er weiterhin wirksame Wege findet, um die Dinge zu enthüllen, die nicht zusammenpassen, ist eine großartige Grundlage für den Film, um seine stimmungsvolle Atmosphäre auszubauen. Daher ist es eine Schande, dass "The House at Night" kein ordentliches Ende aufweist.

Es gibt zwar eine Auflösung, doch der individuelle Anspruch des Films ist für den Horror nur partiell akzeptabel. Zugegebenermaßen ist dies auch kein Film, der ein bombastisches Ende verdient. Die gegebenen Definitionen und die geschilderte Situation werfen jedoch die Frage auf, ob ein weiterer Trip in die Traumwelt oder an einen anderen Schauplatz dem Film gut getan hätte.