Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Der weiße Hai 3" von Regisseur Joe Alves ist Ausstellungswoche in 'Sea World'. Wasserakrobaten üben für ihre Auftritte, neue Rekruten werden von einem Trainer unterrichtet, und Chef Calvin Bouchard (Louis Gossett Jr.) wirbt gerne für das Unterwasserreich und seine vier unter Druck stehenden Aussichtstunnel, die atemberaubende Ausblicke bieten. In der Zwischenzeit bereiten sich die Orcapflegerin und leitende Biologin Dr. Kay Morgan (Bess Armstrong) und ihr Freund und Sea-World-Mitarbeiter Mike Brody (Dennis Quaid) auf die große Eröffnung vor, bei der es mehr ums Feiern als um die Einhaltung von Sicherheitsvorkehrungen geht. Und während einer Nacht in einer Bar macht Mikes jüngerer Bruder Sean (John Putch) der Wasserskifahrerin Kelly Ann Bukowski (Lea Thompson) schnell den Hof.

In derselben Nacht schleichen sich ein paar Korallenjäger - wenn es diesen Beruf überhaupt gibt - mit einem Schlauchboot in den Park, um einige wertvolle Proben zu stehlen. Doch sie werden Opfer eines Unterwasserangriffs - nachdem ein Zaunreparateur erfasst wird - wobei keine ihrer Leichen sofort entdeckt wird. Der Schuldige wird jedoch rasch als Weißer Hai überführt, als dieser versucht, Mike Brody und Kay Morgan zu verspeisen. Doch anstatt in einen Panikzustand zu verfallen, ist Kay Morgan begeistert von der Perspektive, das Tier zu betäuben und zu fangen, um Schlagzeilen und Ruhm zu ernten, die dieses Husarenstück sicherlich mit sich bringen würde. Der Abenteurer und Fotograf Philip FitzRoyce (Simon MacCorkindale) schließt sich der Expedition an, um einzigartige Fotomotive zu schaffen. Dies ist eine ziemlich dürftige Motivationsgrundlage, die nach blutgieriger Retorsion durch einen bissigen Menschenfresser schreit.

Mit dem Originaltitel "Jaws 3-D" ist es klar, dass dieses Franchise wirklich zu einem reinen Markenprodukt geworden ist - eine ideale Chance, aus den bereits erreichten Verkaufszahlen und dem Trend zu 3-D-Gimmicks nicht nur bei Fortsetzungsfilmen, sondern vor allem bei Horrorfilmen zu profitieren. Hier bewegen sich oder schießen diverse Objekte direkt auf den Bildschirm, darunter ein dekapitierter Fischkopf, ein abgetrennter Arm, die Hand eines Skeletts, eine sich abspritzende Kanüle, ein Pfeil und einiges mehr, was nichts mit der Filmhandlung zu tun hat und geradezu nutzlos ist, wenn man es nicht in 3D betrachtet. Darüber hinaus gibt es eine Vielzahl von Aufnahmen geschädigter Leichname, auch wenn sie noch so künstlich aussehen mögen, was darauf hindeutet, dass der Hai allein nicht genug weiche Schockwellen hervorbringen kann. Ironischerweise wurden viele der Qualitäten des Themenparks zehn Jahre später in Steven Spielbergs "Jurassic Park" mit weitaus mehr Effekt wiederverwendet, wenngleich es unwahrscheinlich ist, dass irgendetwas davon tatsächlich das letztgenannte Projekt inspirierte.

Wieder einmal sind die Hauptfiguren ein Pulk junger Erwachsener, was dazu führt, dass die Dialoge juvenil und gattungslos sind, wohingegen der Thrill durch die leichtsinnigen, verweichlichten und hysterischen Opfer geringfügiger erscheint. Auch wenn das Grundsetting etwas anders ist und Parallelen zu "Die Höllenfahrt der Poseidon" aufweist, sind die Handlungen des Killerfisches vertraut und vorhersehbar, so dass wenig Raum für wirklich verstörende Bilder bleibt, auch wenn ein gefilmter Blick in das Maul der Bestie einer der Glanzpunkte ist. Auch die musikalische Begleitung hat sich verschlimmert, vor allem weil John Williams nicht mehr zurückkehrte, um neue Kompositionen zu entwerfen. Als ob Martin Brody (Roy Scheider) aus den ersten beiden Filmen nicht schon das unglücklichste von allen Haiopfern wäre, machen seine Nachkommen Mike und Sean die ganze Familie zur Zielscheibe einiger sehr unsympathischer Weißhaie. Gut, dass die Delfine so gescheit sind, dass sie immer zur rechten Zeit zur Rettung kommen können, und blöd, dass dieser konkrete Betonhai die Gabe hat, rückwärts entgegen der Strömung zu schwimmen.

In "Der weiße Hai 2" von Regisseur Jeannot Szwarc werden zwei Taucher bei der Begutachtung des Wracks des Orca-Schiffs von einem vermeintlichen Hai angegriffen. Meilen entfernt, auf dem Festland, hören Polizeichef Martin C. Brody (Roy Scheider) und seine Frau Ellen (Lorraine Gary) eine Rede von Bürgermeister Larry Vaughn (Murray Hamilton) anlässlich der Benefizveranstaltung des Amity-Stipendienfonds und der Eröffnung eines neuen Hotels. Im Hintergrund spielt die Band der Amity High School, die Gäste nehmen Erfrischungen zu sich und die Brodys schleichen sich davon, um ihren Spaß zu haben. Entlang der Küste, wo die Boote aufgereiht sind, sticht die Rückenflosse eines Weißen Hais durch die Oberfläche des kräuselnden Wassers.

Diesmal geht es um Teenager, die sich in pubertäre Romanzen verstricken. Zwei Schwachköpfe machen sich an die Damenwelt heran, und die 17-jährige Miss Amity Island (Ann Dusenberry) stiehlt die Herzen und Libido aller. Eine Schar ungehobelter Jungs redet offen über die neue Jackie Peters (Donna Wilkes), die ein Blind Date mit Martins Sohn Mike (Mark Gruner) hat, und die Möglichkeit eines Sommerjobs dämpft das sorglose Treiben der braungebrannten Strandbesucher. Das macht den gefräßigen Hai zwar sympathisch, führt aber auch dazu, dass viele der Interaktionen ausgesprochen kindisch oder anspruchslos sind. Selbst als ein Killerwal mit einem großen abgebissenen Stück Fleisch an die Küste gespült wird, denken die Jugendlichen nur daran, wie sich das auf ihre Dates auswirken könnte.

Das Hauptaugenmerk liegt jedoch auf frische Hai-Attacken und den mutilierten Leichen, die die arglosen Ermittler schockieren. Die Spannung der Beinahe-Zusammenstöße, die Wiederbelebung der Originalmusik von John Williams und die Hai-Kameras, die den Blickwinkel des übergroßen Raubtiers nachahmen, bleiben erhalten. In einer nicht ganz so überraschenden, aber dennoch kuriosen Wendung taucht der echte mechanische Hai oder die tatsächliche Haifischattrappe nach etwa 20 Minuten auf. Jetzt gibt es keine Pannen mehr wie in den Jahren zuvor. Das Problem ist, dass die Nebendarsteller nicht so interessant sind und die Seefahrtsabenteuer, einschließlich der Hai-Momente selbst, nicht annähernd so spannend sind, obwohl eine Sequenz mit einem Hubschrauber nett gemacht ist.

Wieder einmal will niemand die Situation ernst nehmen, außer Martin C. Brody, der durch die Wahrscheinlichkeit eines zweiten menschenfressenden Terroristen so aufgeregt ist, dass er sich kaum auf die Personen um ihn herum konzentrieren kann. Er scheut sich auch nicht davor, Panik zu verbreiten oder potenzielle Immobilieninvestoren zu vergraulen. "Ich habe einige Erfahrungen mit Haien gemacht", sagt er zu Dr. Elkins (Collin Wilcox), die den toten Orca untersuchen soll. "Haie nehmen nichts persönlich, Mr. Brody", erwidert sie. Angesichts der sich wiederholenden Todesfälle unter den Matrosen, der öffentlichen Unruhe, die durch Brodys Fehlalarm-Hysterie ausgelöst wurde, und der lokalen Politiker, die über Brodys Beteiligung verärgert sind, ist es leider zu viel verlangt, sich vorzustellen, dass ein und derselbe Polizeichef ein solcher Pechvogel sein könnte. Es ist verständlich, dass 'Universal Pictures' aus dem Erfolg von Steven Spielbergs Meisterwerk aus dem Jahr 1975 Kapital schlagen wollte, aber es war schon ein fast unmögliches Wagnis, auch nur ansatzweise an die Brillanz des Originals heranzukommen. Indem "Der weiße Hai 2" dieselbe Geschichte noch einmal erzählt und eine Laufzeit von zwei Stunden hat, verstärkt er lediglich die These, dass die Vision von Steven Spielberg vollkommen und vollständig war.

Der russische Horrorfilm "Philosophy of a Knife" des Regisseurs Andrey Iskanov hält tatsächlich, was er verspricht: Er ist einer der verstörendsten Filme, die je gedreht wurden. Dieser Film steht in einer Linie mit meisterhaften, zum Weiterdenken anregenden Werken wie Pier Paolo Pasolinis "Die 120 Tage von Sodom" und Tun Fei Mous ähnlichem "Men Behind The Sun". Und ebenso wie seine Vorgänger kann man ihm keineswegs vorwerfen, sich zurückzuhalten. Stilistisch könnten die Filme nicht weiter voneinander entfernt sein, doch das Thema ist das gleiche wie bei Tun Fei Mou, nämlich die schwärzesten Eiterbeulen der japanischen Geschichte: die grausamen Experimente der 'Einheit 731' in den 1930er und 40er Jahren.

Die abgelegene Anlage, die offiziell als Holzfällerfabrik bekannt ist, war eigentlich eine japanische Forschungseinrichtung, die mit biologischer Kriegsführung experimentierte und eine Reihe von Menschentests durchführte. Kriegsgefangene, Einheimische, die der Konteraktivität verdächtigt wurden, sogar Säuglinge und schwangere Frauen gehörten zu den mehr als zehntausend Menschen, hauptsächlich chinesischer und russischer Abstammung, die unter dem Kommando von General Shiro Ishii verschiedenen Versuchen unterzogen wurden.

"Philosophy of a Knife" ist teils Dokumentarfilm, teils Dramatisierung und teils Fiktion. Er mischt Kriegsfilmmaterial mit Interviewausschnitten des letzten bekannten Augenzeugen, des ehemaligen Arztes und Dolmetschers Anatoly Protasov, und drastischen Nachstellungen der Gräueltaten, die dort stattfanden. Andrey Iskanov verwendet stabilisierte Schwarz-Weiß-Fotografie, die nahtlose Übergänge zwischen Archiv- und aufgezeichnetem Material ermöglicht. Sein untrügliches Gespür für die Ästhetik des Stummfilms lässt die ununterbrochenen Szenen von Qual und Schmerzen verblüffend realistisch erscheinen, obwohl sie in einem Schwarzweißbild mit nachträglich eingespieltem Ton dargestellt sind.

Der Umstand, dass das alles wirklich passiert ist, macht es noch ekelerregender und unterstreicht den Fakt, dass Andrey Iskanov nicht nur darauf aus war, in der lukrativen Folterporno-Industrie zu punkten, die manche als modernen Horror betitelten. Im Gegenteil, der Regisseur hat eine sehr realistische, konfrontative Agenda. Einerseits will er, wie Tun Fei Mou, darauf hinweisen, dass solche Untaten nie in Vergessenheit geraten dürfen, andererseits erklärt er im Stil eines dokumentarischen Films, dass viele der beteiligten Wissenschaftler in Wirklichkeit nie vor Gericht gestellt oder bestraft wurden, einige wurden sogar von den Vereinigten Staaten im Austausch für ihre Forschungsergebnisse angeworben.

Man muss jedoch hinter diese offensichtlichen Aspekte und eindeutigen Anklagepunkten blicken, um die wahre Leidenschaft des Regisseurs Andrey Iskanov zu entdecken. Was den Macher dieses vierstündigen Epos wirklich zu faszinieren scheint, ist die menschliche Verfassung. Es gibt eine morbide Begeisterung, die sich durch jede Szene zieht, sowie den Wunsch zu widern, zu ergründen, was Menschen dazu bringt, in Zeiten von Krieg und Idealismus abscheuliche Dinge zu tun, und ein redliches Interesse daran, warum wir derartige Erzählungen so unerhört spannend finden.

"Philosophy of a Knife" ist im Kern eine chronologische Schilderung der damaligen Tatbestände, von der Errichtung des Stützpunkts bis zu den Gerichtsverhandlungen gegen die Beschuldigten, doch die Geschichte hat auch einen humanen Anstrich. Es gibt einen japanischen Offizier, der für einen der russischen Gefangenen Mitleid empfindet, eine Krankenschwester, die schuldbeladene Texte in ihr Tagebuch schreibt, und es gibt Kommentare von Anatoly Protasov zu den sozialen Begebenheiten im Lager, die selbst dem sonst so monströs zynischen General Shiro Ishii ein Menschheitsbild geben. Andrey Iskanov nutzt die enorme Filmdauer, um den Betrachter sowohl zu schockieren als auch nachdenklich zu machen. Die Entfaltung des Morbiden, Makabren, Abartigen ist zunächst widerwärtig, dann wird es richtig übel, und irgendwann merkt man, ohne darüber nachzudenken, dass man gegenüber den greulichen Details auf dem Bildschirm ein wenig abgestumpft ist, und das ist verdammt beunruhigend.

Sicherlich hätte "Philosophy of a Knife" kürzer sein können, aber das hätte den ganzen Sinn des Films unterminiert. Wenn einem Gefangenen ohne Betäubung die Zähne gezogen werden, haben wir nicht das Privileg, nach einem kurzen Blick einen oder zwei Zähne wegzuschneiden, sondern wir sehen jeden einzelnen gezogenen Zahn in unerträglichen Detailaufnahmen. Wenn ein hilfloses Opfer unter dem Röntgengerät verbrannt wird, sehen wir minutenlang zu, wie es schmort, und wenn wir Zeuge der wohl grauenvollsten Abtreibung der Filmgeschichte werden, bleibt der Betrachter minutenlang dabei, was ihm wie Stunden vorkommt. Dies ist keine Geschichte mit einer Dramakurve oder einem Handlungsstrang, sondern ein Konfrontationsfilm, ein Werk des Kunstkinos, das seine kolossale Laufzeit nutzt, um den Betrachter mit seinem eigenen psychischen Zustand zu verunsichern. Wer das übersteht, ohne sich emotional ausgelaugt und körperlich ermattet zu fühlen, sollte sich wirklich mit der unempfindlichen Wahrnehmung von Horrorfilmen befassen. Dies ist nämlich keineswegs ein Horrorfilm im herkömmlichen Sinne, sondern einer, für den man sich fast schämt.

Viele werden sich in der erschöpfenden Filmdauer, der ultrakünstlerischen Kameraführung, die in ihrer Ästhetik das Stummfilmkino nachahmt und in ihrer ungezügelten Wucht auf postmoderne Filmemacher wie Shinya Tsukamoto verweist, den manchmal deutlichen Budgetrestriktionen und der Brutalität des Themas hilflos verausgaben. Andere werden in der gleichen Morbidität schwelgen, die bestimmt auch das Herz von Andrey Iskanov höher schlagen ließ. "Philosophy of a Knife" ist zweifellos nichts für schwache Gemüter, aber garantiert ein unvergessliches Filmerlebnis.

"Rogue - Im falschen Revier" von Regisseur Greg McLean beginnt mit prachtvollen, farbenfrohen Aufnahmen im Stil von 'National Geographic' über die Tierwelt und die natürliche Schönheit der australischen Natur. Während des gesamten Films tauchen immer wieder Landschaftsaufnahmen auf, darunter viele Aufnahmen aus der Luft. Es besteht eine offensichtliche Vorliebe für die visuellen Naturschönheiten des Ortes. Insekten, Spinnen, Eidechsen, Vögel und verschiedene Vegetationsarten sind in regelmäßigen Abständen zu sehen. Was die humanistischen Aspekte betrifft, so liebt der Kameramann extreme Nahaufnahmen und den Wechsel von hellem Sonnenlicht und pechschwarzer Dunkelheit, um die Figuren zu umkreisen. Es entsteht ein pseudodokumentarischer Eindruck, der an "Open Water" erinnert und die Monstrosität der Handlung ergänzt.

Kate (Radha Mitchell) betreibt 'Ryan's Wildlife River Cruise' im australischen Nordterritorium und zeigt einer Vielzahl von Touristen die malerischen Flussabschnitte der 'Kingston Gorge'. Pete McKell (Michael Vartan) ist ein amerikanischer Reiseschriftsteller, der ein Ticket kauft, um die Zeit totzuschlagen, nachdem er wegen eines verlorenen Gepäckstücks im australischen Outback gestrandet ist. Mit an Bord sind auch Kates Hund Kevin, ein Fotografienarr, eine Familie mit ihrer pubertierenden Tochter Sherry (Mia Wasikowska), ein übergewichtiger Kettenraucher, ein verärgertes Ehepaar mittleren Alters und ein schnauzbärtiger Gentleman, der die Asche seiner verstorbenen Frau in den Fluss streuen will. Auf der Tour wird das Schiff von den örtlichen Tyrannen Neil Kelly (Sam Worthington) und seinem Kumpel Collin (Damien Richardson) angegriffen, einem Duo, das zu den ungünstigsten Zeitpunkten immer wieder erscheint.

Als Kate gerade im Begriff ist, den Rückweg anzutreten, sehen die Passagiere einige Kilometer vor ihnen ein Signallicht. Als sie beschließt, der Sache nachzugehen, wird das Boot von einem riesigen Salzwasserkrokodil angegriffen, und die gesamte Reisegruppe erleidet Schiffbruch auf einer kleinen Gezeiteninsel, die in wenigen Stunden vollständig unter Wasser stehen wird. Nachdem das Killerkrokodil seine erste Beute gemacht hat, taucht Neil wieder auf, nur um ebenfalls auf demselben Stück Felsen festzusitzen. Als es dunkel wird und der Wasserpegel steigt, planen die Überlebenden, ein Seil zwischen zwei Bäumen zu spannen, damit sie hinüberklettern können, anstatt das trübe grüne Wasser zu durchqueren.

Erschwerend kommt hinzu, dass alle Nebenfiguren ein glaubwürdiges Verhalten an den Tag legen: Panik, Nervenzusammenbrüche, alkoholbedingte Paranoia und Mob-Mentalität. Teamwork scheint der letzte Ausweg zu sein. Auch die Menschen halten sich oft gefährlich nahe am Wasser auf, was sowohl den aufmerksamen Betrachter als auch den schuppenbewehrten Gegner in Versuchung führt. Da die Zahl der Personen in der Reisegruppe abnimmt und die Ausweglosigkeit ihren Zenith erreicht, werden die finsteren Konzepte des Überlebens des Stärkeren, des potenziellen Köders und der Rangordnung der menschlichen Existenz erforscht. Letztendlich werden sie sogar getrennt. Es gibt nur wenige Ruhephasen und keine lustigen Situationen.

"Sie greifen nichts an, was größer ist als sie selbst", beruhigt Kate die Touristen. Doch dieses spezielle Reptil fühlt sich durch die Anwesenheit von Menschen besonders bedroht und ist aggressiver und territorialistischer als erwartet. Zudem ist es um einiges größer. Clevererweise zeigt Greg McLean das Ungetüm nur, wenn es unbedingt nötig ist, und selbst dann ist es nicht zu sehen. So sehen die Animatronics und die Computergrafiken besser aus. Hinzu kommen spannungsreiche Musik, spärliche Beleuchtung in unheimlicher Schwärze, schaurige Kulissen und blutrünstige Gewaltexzesse. Das ist wider Erwarten effizient und durchaus unterhaltsam, denn "Rogue - Im falschen Revier" ist mit Ausnahme des Abspanns, in dem das widersprüchliche, sarkastische und zynische Lied 'Never Smile at a Crocodile' zu hören ist, sehr ernsthaft - ein ungewöhnlicher Ansatz für moderne Horrorthriller.

"ES Kapitel 2" von Regisseur Andy Muschietti beginnt im September 1989. Nachdem sie das böse Clownsmonster Pennywise (Bill Skarsgard) besiegt haben, schließen die sieben jungen Freunde, die den Club der Verlierer bilden, einen Blutpakt, indem sie sich mit einer zerbrochenen Flasche auf unnötig tiefe und bildhafte Weise schneiden, um sich wieder zu vereinen, sollte 'es' jemals zurückkehren. Und tatsächlich, nach 27 Jahren verschwinden wieder Kinder, und die Leichen stapeln sich, alle mit verschiedenen Formen der Verstümmelung. Seltsamerweise ist einer der ersten Toten das Opfer eines Hassverbrechens, bevor er Opfer einer Clownsverstümmelung wird, was beweist, dass Pennywise niemandem gegenüber wohlwollend ist. Mike (Isaiah Mustafa), der einzige der Clique, der in Derry, Maine, geblieben ist, ruft die übrigen sechs an, die sich auf mysteriöse Weise nicht an ihr Leben vor fast drei Jahrzehnten erinnern können, aber auch nicht gerade begeistert sind, in die Stadt in Neuengland zurückzureisen.

Bill (James McAvoy), jetzt Drehbuchautor in Hollywood, kann keinen zufriedenstellenden Schluss für seine Kollegen formulieren - vielleicht ein unsubtiler Hinweis darauf, wie der Film selbst enden könnte. Eddie (James Ransone) ist jetzt ein Risikoanalyst und Ben (Jay Ryan) ist ein Immobilienspezialist. Beverly (Jessica Chastain) hat einen erfolgreichen Ehemann, der sie jedoch missbraucht, was darauf hindeutet, dass ihre ebenfalls gewalttätige Beziehung zu ihrem Vater sie bis ins Erwachsenenalter verfolgt hat. Richie (Bill Hader) ist ein Stand-up-Comedian und Stanley (Andy Bean) hat kaum Gelegenheit, sein Berufsleben zu offenbaren, da er der einzige ist, der sich weigert, nach Derry zurückzukehren. Auch Henry Bowers (Teach Grant) kehrt zurück, doch er ist in einer Nervenheilanstalt eingesperrt und muss mit übernatürlicher Hilfe ausbrechen, um weiteres Unheil anzurichten. "Jeder will ein Happy End, jeder will einen Abschluss."

Kindern dabei zuzusehen, wie sie von einem überirdischen Clown in Todesängste versetzt werden, war klar interessanter als Erwachsenen beim Bewältigen ihrer eingebildeten Urängste beizuwohnen. Die Chancen, sich zu schocken, sind nach wie vor gegeben, doch Kinder als Adressaten eines imaginären Horrors haben etwas mehr Natürlichkeit und Überzeugungskraft. Damals hatte der Horrorfilm eine fast spielbergsche Aura, ein zeitweise auftretendes Hochgefühl, das sich mit pubertärem Enthusiasmus in das Ungemach einschlich. Die humoristischen Abschnitte sind zwar zielführend, aber die Abfolge von Brüchen und Lachnummern ist jetzt seltener kohärent oder merklich. Beim ersten Treffen des Verliererclubs sieht der Betrachter Andeutungen von vergessenem Herumtoben und zarten romantischen Gefühlen, aber es ist nicht dasselbe, wie wenn die echten Kinder dabei sind. Die erwachsenen Versionen dieser Figuren sind perfekt besetzt und nehmen ihre Rollen ernst, selbst in den absurdesten Angstszenen.

Der größte Teil des Horrors ist jedoch ziemlich fratzenhaft, da die scheinbar unaufhaltsame Kreatur bestimmte Ängste aufgreift und arglosen Kindern nachstellt, die immer wieder erstaunlich ungeniert durch finstere, klaustrophobische Gänge wandern. Pennywise nutzt endlose Spielwiesen unheimlicher, atmosphärischer Locations und hat keinen Mangel an Orten, an denen er pirschen und martern kann. Seine Existenz und die Art seiner Bedrohung sind nie klar definiert, vor allem, wenn es um das Sammeln von Artefakten und ein uraltes Ritual geht, das seiner Schreckensherrschaft ein Ende setzen könnte, sowie um die Todeslichter, die ihm Macht verleihen, obwohl das Horrorgenre dazu neigt, mit unerklärten Komponenten viel besser umzugehen als andere. Wenn "ES Kapitel 2" mit seinen ausgeprägten Science-Fiction-Elementen nicht so viel Spannung bieten würde, könnte man es wahrscheinlich für seine Arbitrarität kritisieren, ähnlich wie "Silent Hill", das sich der Skurrilität um der Skurrilität willen hingab.

Die Protagonisten müssen das Wesen schnell aufhalten, aber die Filmemacher haben es nicht eilig, diesen zweiten Teil zu beenden. Mit einer Länge von fast drei Stunden verweilt der Film in ruhigen Einstellungen für lange Momente des Aufputschens. Glücklicherweise tauchen die Kinder auf, wenn auch nur für kurze, periodische Schübe, die den Betrachter daran erinnern, wie sympathisch die Kinderdarsteller aus dem ersten Kapitel von 2017 waren. Junge Helden sind im Horror seltener und im Allgemeinen effektiver, und diese spezielle Gruppe (Jaeden Martell, Wyatt Oleff, Jack Dylan Grazer, Finn Wolfhard, Sophia Lillis, Chosen Jacobs und Jeremy Ray Taylor) gehört zu den besten. Es war eine kühne Entscheidung des Autors Stephen King im Jahr 1986, seine Geschichte in zwei Handlungsstränge aufzuteilen, in denen dieselben Charaktere durch Jahrzehnte getrennt sind, aber es ist schade, dass diese Verfilmung die Zeitebenen nicht gleichmäßiger vermischen konnte, zumal die Charakterentwicklung im ersten Kapitel so stark war. Die Erwachsenen sind faszinierend, vor allem wegen ihrer Hartnäckigkeit angesichts solch entmutigender, anstrengender Umstände, doch die Kinder waren einfach viel interessanter. "Wir haben nicht viel Zeit ..."

Die Laufzeit wird wahrscheinlich einer der größten Nachteile sein. Der kontinuierliche Ansturm des Grauens mit Zombies, seltsamen alten Damen, verstörenden Halluzinationen und allen möglichen kulrophobischen Bildern wird bald repetitiv und mühsam, und viele der ausgenutzten Schocks aus dem vorherigen Film werden hier wiederholt. Alle sechs Hauptcharaktere bekommen Zeit für individuelle Verfolgungsjagden und Bombardements durch einzigartige Ängste, aber es gibt nur so viele verzerrte, blutige Clownsgesichter, wie man sehen kann, bevor eine gewisse Desensibilisierung einsetzt. Das Muster aus unheimlicher Musik, Stille und einem lauten Angriff wird ebenso vorhersehbar. Romantik, Kameradschaft und die Bewältigung von Schuldgefühlen machen nur einen Bruchteil der Interaktionen aus, aber der Großteil des Geschehens führt lediglich zu einem weiteren Schuss beklemmender Symbolik. Es ist ein langer, schleichender Prozess, der zu einem epischen Showdown führt, der selbst fast eine Stunde dauert. "ES Kapitel 2" enthält viel Anregendes, fast schon komödiantisch Unheimliches, wird aber auch stark durch wiederkehrendes, bekanntes Bildmaterial bereichert.

In "Es" von Regisseur Andy Muschietti geht der kleine Georgie Denbrough (Jackson Robert Scott) im Oktober 1988 in den unheimlichen Keller seines Hauses, um etwas Golfwachs zu holen, mit dem er den Boden eines Papierbootes säumen will, das sein älterer Bruder Billy (Jaeden Lieberher) für ihn gebaut hat. Als Georgie das Boot den flussähnlichen Strom von Regenwasser, der sich am Straßenrand sammelt, hinunterfährt, stürzt es in einen Kanalisationsschacht. Gerade als Georgie in die Schwärze des Lochs blickt, erscheint darin eine gruselige Gestalt, die sich Pennywise der tanzende Clown (Bill Skarsgard) nennt. Pennywise unterbricht das kurze Gespräch, das sie beginnen, und verleitet den Jungen dazu, seinen Arm auszustrecken, der prompt von den monströsen Zähnen des Clowns abgebissen wird.

Im Juni des folgenden Jahres ist Georgie Teil einer Statistik: In der ganzen Stadt Derry scheinen Kinder zu verschwinden, was zu einer strengen, von der Polizei verhängten Ausgangssperre ab 19 Uhr führt. Trotz Georgies blutigem Ableben, das offiziell als Vermisstenfall gilt, wird Billy, der stottert, in der Schule zur Zielscheibe von rücksichtslosem Mobbing. Der Neuling Ben (Jeremy Ray Taylor), die große Rothaarige Beverly (Sophia Lillis), der zu Hause unterrichtete Mike (Chosen Jacobs) und der Sohn des Rabbiners, Stanley (Wyatt Oleff), sind ebenfalls Gegenstand des jugendlichen Spotts. Diese Kinder fallen aus unerklärlichen Gründen negativ gegenüber ihren Altersgenossen auf. Der redselige Richie (Finn Wolfhard) und der hypochondrische Eddie (Jack Dylan Grazer) vervollständigen die Gruppe der uncoolen Kids, die ihre Sommerferien mit einer weiteren bizarren Begegnung mit alptraumhaften Visionen von Pennywise beginnen, der sie durch die Stadt jagt.

Nach dem anfänglichen Schock über den überproportional geformten Kopf des teuflischen Clowns sind die ersten interessanten Elemente von "Es" die Konzeption der Gruselstory. Auch wenn lichtlose Eingänge und schummrige Nischen aufgesucht werden, neigt Pennywise dazu, seine Opfer am helllichten Tag zu verhöhnen - ein Zeichen für eine düstere Art der Horrorfilmkonstruktion. Leider werden diese neuralgischen Momente bald von billigeren Extras überschattet, darunter routinemäßige Jump-Scares mit lauten Geräuschen, leuchtenden Blutspritzern und Charakteren, die über den Bildschirm rasen oder beim Laufen zu Boden fallen. Später werden die Bewegungen von Pennywise durch computergenerierte Grafiken verstärkt, wodurch sie seltsam unnatürlich wirken, aber auch zu realitätsfern, um effektiv zu sein.

Während die Bande den möglichen Aufenthaltsort von Georgie untersucht, unter anderem in einem Abwasserkanal in den Barrens, müssen sie sich weiterhin mit Albträumen herumschlagen, die durch die Frustration der ungläubigen Erwachsenen noch zusätzlich angeheizt werden. Außerdem stellt der Anführer der Mobber, Henry (Nicholas Hamilton), regelmäßig eine größere terroristische Bedrohung dar als der Killerclown. Henry ist so sadistisch, dass er nicht davor zurückschreckt, seinen Namen mit einem Messer in Bens Bauch zu schnitzen, obgleich er seinerseits von seinem eigenen jähzornigen Vater misshandelt wird. Eine weitere unpassenderweise strenge Dimension von "Es" ist die Sexualität, aber nicht die knospende junge Liebe zwischen den Teenagern. Vor allem Beverly wird zu Hause sexuell missbraucht, was selbst inmitten einer kinderfressenden Alien-Situation zu abscheulich erscheint.

Dem üblichen Horror steht ein seltsamer Sinn für Abenteuer gegenüber, wie in "Die Goonies", der gut mit dem irrationalen Mut der Kinder harmoniert, die zum ortsansässigen Geisterhaus gehen, sich aufteilen und es irgendwie schaffen, eine Begegnung mit dem namenlosen Monster ohne echte Waffen zu vereiteln. Die Jugendlichen, die auf unerklärliche Weise mit dem schmalen Grat zwischen Fantasie und Realität hadern, kommen mit den absolut beängstigenden Torturen gut zurecht. Wenigstens fluchen sie. Je näher das Finale rückt, desto deutlicher wird, dass "Es" keine Antworten auf Pennywise' Motive, seine Herkunft oder gar seine Fähigkeiten und Grenzen geben will. Wieso nimmt er die Form eines Clowns an? Weshalb ernährt er sich von Kindern? Warum nutzt er Ihre Ängste aus? Und was soll das mit dem Schweben? Die vielleicht wichtigste Erkenntnis ist, dass die Filmemacher eine Besetzung mit sehr glaubwürdigen, fähigen Kinderdarstellern gefunden haben - eine Seltenheit im Allgemeinen, aber noch seltener im Horrorgenre -, die eine sensationelle Leinwandchemie haben, selbst wenn sie in einer unlogischen Geschichte miteinander agieren.

In "Stephen Kings Es" von Regisseur Tommy Lee Wallace erspäht die kleine Laurie Ann Winterbarger (Chelan Simmons) einen Clown in ihrem Garten, der sich zwischen den an der Wäscheleine baumelnden Kleidungsstücken versteckt. Merkwürdigerweise hat sie keine Angst - bis sie angegriffen wird. Sie ist das sechste Kind, das in den letzten Wochen gestorben ist, was Michael Hanlon (Tim Reid) dazu veranlasst, sich an tragische Ereignisse aus seiner eigenen Vergangenheit zu erinnern. Unterdessen schreibt Bill Denbrough (Richard Thomas) in England an seinem neuesten Drehbuch, während seine Frau Audra (Olivia Hussey) ungeduldig am Esstisch wartet. Als Hanlon Bill aus seiner Heimatstadt Derry, Maine, anruft, wird der Autor an die schrecklichen Erinnerungen aus ihrer gemeinsamen Jugendzeit zurückgeholt und an den Pakt, den sie geschlossen haben, um zurückzukehren, falls ihr alter Erzfeind wieder aufersteht.

Vor Jahrzehnten, als er noch ein Kind war (Jonathan Brandis), liegt Bill krank im Bett und sieht zu, wie sein kleiner Bruder Georgie (Tony Dakota) in einen Regensturm hinausgeht, um mit seinem Papierboot zu spielen. Als das Boot in die Kanalisation fällt, muss der Junge mit Entsetzen feststellen, dass sich ein Clown namens Pennywise (Tim Curry) sein Spielzeug geschnappt hat. Als Georgie danach greift, stürzen sich die Zähne des Clowns auf ihn und reißen ihm den Arm ab wie einen Flügel einer Fliege. Dieser brutale Mord ist der erste von vielen ungelösten, seltsamen Todesfällen.

Ben Hanscom (John Ritter), inzwischen ein erfolgreicher Architekt in New York, erhält ebenfalls einen Anruf, der ihn an seine Beteiligung an der Ergreifung von Georgies Killer erinnert. Als Kind ist Ben (Brandon Crane) übergewichtig und wird von einem Punk namens Henry Bowers gnadenlos schikaniert, was ihn dazu bringt, sich einer Gruppe anderer Ausgestoßener oder selbsternannter Verlierer anzuschließen. Eddie (Adam Faraizl), Richie (Seth Green), Stanley (Ben Heller) und Beverly (Emily Perkins) bilden zusammen mit Bill und dem 12-jährigen Mike (Marlon Taylor) einen Club von Detektiven, die das Verschwinden und den Tod mehrerer Kinder aus der Gegend untersuchen. Und der Täter hat sicherlich etwas mit dem unheimlichen Clown zu tun.

Alle sieben Kinder haben erwachsene Gegenstücke, denn die Geschichte erstreckt sich über fast 30 Jahre. Anstatt die Geschichte in zwei Teilen zu erzählen, zuerst als Kinder, als sie Pennywise begegnen, und dann als Erwachsene, als sie sich wieder treffen, um erneut in den Kampf zu ziehen, schneidet "Stephen Kings Es" zwischen den beiden Zeitabschnitten hin und her. Dank des geschickten Schnitts, der vor allem Rückblenden verwendet, ist dies nie verwirrend, zumal die jeweiligen Darsteller gewisse Gemeinsamkeiten aufweisen. Aber dadurch wird die Zeit, die Charaktere in ihren verschiedenen Umgebungen kennenzulernen, vergeudet, und der Betrachter wird daran gehindert, zu begreifen, wie furchtbar ihre gemeinsamen Qualen und Katastrophen sind, wenn es darum geht, das bösartige Clownmonster zu identifizieren und zu vernichten. Außerdem sind die Kinderdarsteller und ihre Schicksale, die faszinierende Ursprünge haben, viel interessanter als die der Erwachsenen.

Ein Teil des Problems liegt in den individualistischen, beängstigenden Visionen, denen die Jugendlichen ausgesetzt sind. Sie sind unangenehm und traumatisch, aber sie funktionieren wirklich nur bei Kindern. Als Erwachsene sind die schrecklichen Erlebnisse nicht annähernd so wirksam. Und da ein Großteil ihrer Kindheit ihre erwachsenen Versionen prägt, ist es ihre Jugend, die am unterhaltsamsten ist. Wie es der Zufall will, sind die erwachsenen Schauspieler, die sich unberechenbarer und panischer verhalten, weit weniger überzeugend als die 12-Jährigen, die sich erstaunlich gut beherrschen. Es liegt auf der Hand, dass es besser wäre, sich auf den 'Club der Verlierer' zu konzentrieren, um den Gruselfaktor und die Charakterentwicklung behutsam zu erhöhen. Auch die Interaktionen der Erwachsenen sind unfreiwillig komisch, wenn man sie aus dem Kontext reißt. "Verdammt noch mal, Bev! Bist du das da drinnen oder ist das der Clown?"

Da "Stephen Kings Es" ursprünglich als Miniserie für das Fernsehen produziert wurde, ist sein Schweregrad bestenfalls bescheiden. Der Spannungsbogen ist eher psychologisch als visuell, und der Produktionswert ist beschränkt. Die Soundeffekte sind in der Regel eindrucksvoller als die Musik oder das Filmmaterial. Auch die Blutbilder und das Schminkkonzept sind unauffällig. Tim Curry als Pennywise hingegen ist lustig, denn er ist sowohl verspielt als auch bedrohlich, auch wenn sein Clownskostüm nicht explizit auf Groteske ausgelegt ist - übertrieben vielleicht, aber nicht extrem. Basierend auf Stephen Kings aufwändigem Roman ist die Laufzeit trotz der Fülle an Nebenhandlungen und Details ebenfalls überzogen lang. Dennoch bleibt vieles ungeklärt, etwa warum sich die Erwachsenen nicht an eine so psychisch belastende Kindheit erinnern, wozu genau Pennywise fähig ist, warum diese sieben Menschen die einzigen sind, die alptraumhafte Halluzinationen zu haben scheinen, und was genau Pennywise und seine 'Todeslichter' sein sollen. In diesem Fall macht das Fehlen von Fakten "Stephen Kings Es" nicht unbedingt angsteinflößender. Letztlich ist das Mosaik einfach zu unübersichtlich.

Diejenigen, die sich an den Horrorfilm "Conjuring - Die Heimsuchung" von Regisseur James Wan erinnern, der angeblich auf den wahren Ereignissen der paranormalen Ermittler Ed und Lorraine Warren basiert, werden sich an eine kurze Nebenhandlung mit einer Puppe entsinnen, die mit dämonischen Phänomenen zu tun haben könnte. Diese Puppe, die so unheimlich ist, dient nun als Grundlage für den Spin-off-Film "Annabelle" von Regisseur John R. Leonetti, bei dem James Wan als einer der Produzenten an Bord bleibt, aber seine Position in der Regie abgibt. Wenn man bedenkt, wie erfolgreich "Conjuring - Die Heimsuchung" war, sowohl finanziell als auch in der Kritik, war dies vielleicht nicht der klügste Schachzug von James Wan. "Annabelle" ist sehr atmosphärisch, aber es fehlt das gewisse Etwas, das es möglich gemacht hätte, die vielen Konventionen und Kunstgriffe zu akzeptieren, die in diesem speziellen Horror-Subgenre so weit verbreitet sind.

Ich persönlich finde, es fehlt eine solide Geschichte. Ich denke, dass "Conjuring - Die Heimsuchung" funktioniert hat, weil er zwar jedes erdenkliche Klischee eines Geisterfilms bedient und einen sehr routinemäßigen Ansatz für Charaktere und Handlung verfolgt, aber zumindest eine von Anfang bis Ende konsistente Storyline hat. "Annabelle" spielt sich eher wie eine Verkettung einzelner Handlungsstränge ab, von denen keiner voll ausgearbeitet ist oder die Gesamtheit des Films sehr weit tragen kann. Die Stränge werden lose durch Schreckensszenen zusammengehalten, die zwar alle geschickt inszeniert, aber so vergänglich und zufällig sind wie die herausspringenden Gespenster in einer Geisterbahn auf einem Kirmesplatz. Da hilft es auch nicht, dass die narrative Bedeutung der Puppe erst fast im letzten Akt enthüllt wird. Bis zu diesem Punkt dient der Film in erster Linie als nerviges Versatzstück, wobei John R. Leonetti auf quälend lange Nahaufnahmen ihres Gesichts fixiert ist.

Die Geschichte, die ebenfalls auf der Ermittlungsarbeit der Warrens basieren soll, spielt in den 1970er Jahren, genauer gesagt ein Jahr vor den Ereignissen von "Conjuring - Die Heimsuchung", und ist in Los Angeles angesiedelt. Dort lernen wir ein junges Ehepaar kennen, John und Mia Gordon (Ward Horton und Annabelle Wallis). Wie alle Figuren in diesem Film sind auch die Gordons kaum mehr als Standardgestalten, die den üblichen ungeschriebenen, aber gut verständlichen Gesetzen des Horrorfilms unterliegen. John zum Beispiel hat gerade sein Medizinstudium abgeschlossen und steht kurz vor dem Beginn seiner Facharztausbildung, was bedeutet, dass es immer eine berufliche Ausrede geben wird, um ihn aus der Handlung herauszuhalten, weg vom Geschehen und im Wesentlichen unwissend über die Situation. Mia steht kurz vor der Geburt, und wir alle wissen, dass werdende Mütter und Babys seit langem mit dem Horrorgenre in Verbindung gebracht werden, insbesondere wenn es um dämonische oder satanische Kräfte geht.

John schenkt Mia, die Puppensammlerin ist, eine rare, alte Puppe, die sie anscheinend schon seit langem begehrt. Als die Schachtel zum ersten Mal geöffnet wird, sehen wir zunächst Mias Reaktion, die von Begeisterung, Glück und Dankbarkeit gezeichnet ist. Dann wird auf die Puppe selbst geschnitten, die in ihrer Verpackung liegt. Obwohl das Gesicht noch nicht verwittert und mit Dreck beschmiert ist, sind die glasigen, stechenden Augen und das irrsinnige, an den Joker grenzende Lächeln so abscheulich, dass es schwer vorstellbar ist, dass Mia für die Puppe überhaupt dankbar wäre oder sie gar besitzen wollte. Etwa zur gleichen Zeit werden die Nachbarn der Gordons von ihrer entfremdeten Tochter Annabelle, die weggelaufen ist und sich einer Teufelssekte angeschlossen hat, brutal ermordet. Nachdem sie Mia und ihr ungeborenes Baby angegriffen und fast umgebracht hat, begeht Annabelle Suizid, indem sie sich die Kehle durchschneidet. Und siehe da, sie hielt Mias neue Puppe in der Hand, als sie dies tat, und ein Tropfen ihres Blutes fiel in ein Puppenauge.

Während Mia sich von der Attacke erholt, wird ihr Haus von paranormalen Aktivitäten heimgesucht, beispielsweise von elektronischen Geräten, die von selbst in Betrieb gehen, einem Stuhl, der sich selbst wippt, und einem Herd, der sich einschaltet, während Mia in einem anderen Raum ist, und eine vergessene Pfanne mit Instant-Popcorn entzündet, die wiederum die Küche in Brand setzt. Nach der Geburt ihres Kindes, einer Tochter, ziehen die Gordons in einen Wohnkomplex, in dem die Paranormalität natürlich weitergeht und sich auf Besuche von etwas ausweitet, das der Geist von Annabelle zu sein scheint. Es sei darauf hingewiesen, dass Mia vor dem Umzug ihre Meinung über ihre neue Puppe änderte und verlangte, dass sie entsorgt wird. Irgendwie fand sie ihren Weg aus der Mülltonne in einen der Umzugskartons der Gordons. Wie dem auch sei, die eskalierenden Vorgänge erfordern die Einschaltung eines Priesters (Tony Amendola) und einer seltsam intuitiven Nachbarin (Alfre Woodard), zusammen mit einer Menge Gerede über Dämonen, Klempnerarbeiten und das Opfern der eigenen Seele.

Fairerweise muss man sagen, dass viele der gruseligeren Szenen auf technischer Ebene sehr effektiv sind. Eine meiner Lieblingsszenen zeigt Mia, die versucht, dem dunklen Keller ihres Hauses zu entkommen, indem sie einen Aufzug besteigt. Sie drückt zwar eindeutig den Knopf für das Stockwerk, in dem sich ihre Wohnung befindet, und die Aufzugskabine fährt nach oben, doch die Türen öffnen sich und zeigen, dass sie sich immer noch im Keller befindet. Und die Stimmung, die durch Joseph Bisharas Partitur erzeugt wird, die hauptsächlich aus dissonanten Streichern und plötzlichen lauten Orchesterausbrüchen besteht, ist unüberhörbar. Das Problem bei "Annabelle" ist, dass die Angstmomente knapp bemessen sind und durch lange Passagen mit kaum nennenswerten Dialogen unterbrochen werden. Wenn "Conjuring - Die Heimsuchung" etwas bewiesen hat, dann, dass selbst die klischeehaftesten Spukgeschichten eine Menge Spaß machen können, solange man sich beim Skript ordentlich Gedanken macht.

"Freitag der 13." von Regisseur Sean S. Cunningham ist einer der berühmtesten Slasher-Filme aller Zeiten, der bis zur Willkürlichkeit Fortsetzungen hervorgebracht hat, wobei sich die nachfolgenden Teile der Reihe praktisch selbst parodierten. Nach einem Muster, das noch erstaunlicher ist als das Phänomen der "Saw"-Filme, gab es ein ganzes Jahrzehnt lang jedes Jahr einen neuen Jason-Film, mit nur einem einzigen übersprungenen Jahr zwischen "Freitag der 13. - Jason lebt" (1986) und "Freitag der 13. - Jason im Blutrausch" (1988). Dennoch ist keine der filmischen Ideen wirklich einzigartig, die Musik ist eine groteske Kreuzung aus "Psycho" und "Der weiße Hai", und die Schauspielleistung und die Dialoge sind schlichtweg armseelig. Der Grund, sich einen solchen Horrorfilm anzusehen, ist natürlich die Spannung, die Gewalt, die Freizügigkeit, das Grauen und der ultimative Leichenberg, der in diesem B-Movie-Kultklassiker aus den 80er Jahren mit exzellenten Blut- und Make-up-Effekten des legendären Tom Savini großzügig serviert wird.

Im Jahr 1958 wurde Camp Crystal Lake bei den Einheimischen als 'Camp Blood' bekannt, als ein kleiner Junge ertrank und kurz darauf mehrere grauenvolle Morde geschahen. In der Gegenwart arbeitet eine Gruppe von Betreuern hart, um den heruntergekommenen Campingplatz für eine neue Generation von Kindern wiederzueröffnen, was bedeutet, dass sie sich im Heu wälzen. Doch kaum haben sie begonnen, den Platz wieder herzurichten, wird einer nach dem anderen von einem machetenschwingenden Wahnsinnigen abgeschlachtet.

"Freitag der 13." hat Mühe mit der Glaubwürdigkeit und greift meist auf lahme Gespräche und miserable Schauspielkunst zurück, um die Serie von brutalen Todesfällen zu verbinden. Der Humor zieht sich durch die Mehrheit der Mordtaten, auch wenn vor spritzendem Blut nicht zurückgeschreckt wird. Und wenn die Tötungen erst einmal begonnen haben, sind die winzigen Handlungsfetzen völlig sinnlos, jede Szene wechselt geschmacklos von einem Angriff zum nächsten. Am Ende wird klar, dass der Betrachter die wahre Identität des Mörders nicht einmal erraten soll. Die Abgänger scheinen alle eine blutrünstige Vorliebe für Kehlen zu haben, sei es durch Aufschneiden, Aufschlitzen oder Aufspießen mit einem Pfeil - man beachte den jungen Kevin Bacon als eines der ersten Opfer. Die Kameraführung in der ersten Person wird häufig eingesetzt, um den Betrachter in die Lage des Schlächters zu versetzen, wodurch die Reaktionen der Betroffenen noch erschreckender werden und der eigentliche Killer unsichtbar bleibt.

Der berüchtigte Filmbösewicht Jason Voorhees ist vor allem für seine hässliche Eishockeymaske bekannt, doch in diesem ersten Film wurde dieses essenzielle Accessoire nicht einmal eingeführt. Erst im dritten Teil der Filmreihe zieht er schließlich die charakteristische Maske an. Obwohl nichts an "Freitag der 13." besonders fantasievoll ist und die nervige Musik entweder eine schlechte Hommage oder ein Abklatsch bekannter Filmkompositionen ist, mangelt es der Produktion nicht an einem gewissen Unterhaltungswert. Entweder offenbart es die tief verwurzelte Eigenart in jedem von uns, oder es ist einfach zu viel Firlefanz, um etwas anderes als oberflächlichen Thrill zu bieten.

Null Chance Xatar. The Rock muss bei Wrestlemania 39 gegen Roman Reigns um den Undisputed WWE Universal Champion antreten.

In "Tödliche Nähe" von Regisseur Rowdy Herrington nimmt sich der Würger von Pittsburgh Polish Hill, 1991, sein fünftes weibliches Opfer vor, wobei er wieder einmal seinen ungewöhnlichen Modus Operandi anwendet, indem er die Polizei anruft, um sie mit Geräuschen des Mordes und einer Aufnahme des Liedes 'Li'l Red Riding Hood' von 'Sam the Sham and the Pharaohs' zu verhöhnen. Detective Tom Hardy (Bruce Willis) vom Morddezernat glaubt, dass es sich bei dem Täter um einen Polizisten handeln muss, da es dem Killer immer wieder gelingt, der Polizei zu entkommen. Auf dem Weg zum Polizeiball mit seinem Vater Vincent (John Mahoney) geht ein Anruf ein, dass ein mutmaßlicher Strangulierer auf der Flucht ist.

Das Duo liefert sich eine langwierige, rasante, feurige, zerstörerische und tödliche Verfolgungsjagd, bei der niemand daran denkt, dem Täter in letzter Minute durch Dutzende von Fahrzeugen, Zeitlupen und spektakuläre Stunts die Reifen zu zerschießen. Es endet in einer Tragödie, als der Mörder Vincent erschießt und anschließend entwischt. Tom muss sich dann nicht nur mit seinen Blessuren und Krücken auseinandersetzen, sondern auch mit einem karriereschädigenden Skandal um seinen betrügerischen Ex-Partner, der den Freitod dem Gefängnisaufenthalt vorzieht.

Zwei Jahre später hat Tom ein Alkoholproblem, lebt auf einem Hausboot und ist wütend, unfreundlich, aufmüpfig und frech. Des Weiteren wird er in die monotone Flussrettungsabteilung versetzt. Auch wenn der Mörder seines Vaters gefasst und zur Hinrichtung verurteilt wurde, hatte Tom immer seine Zweifel. Als eine frische Leiche, Toms Ex-Freundin Cheryl, im Fluss vorgefunden wird, bestätigt sich sein Verdacht. Der Würger ist zurück und hat es auf Frauen abgesehen, die dem in Ungnade gefallenen Beamten nahestehen.

Tom Hardy wird auch eine neue Taucherin zugeteilt, Jo Christman (Sarah Jessica Parker), die er im Allgemeinen nicht respektiert, vielleicht sogar noch mehr als sonst, weil sie eine Frau ist. Bei einer nicht ganz üblichen Bootsentführung, in der Bruce Willis seine traditionelle, regelwidrige Ein-Mann-Armee zeigt, wird er durch Jo's unerwartete Aufmerksamkeiten gerettet. Sie verdient den winzigsten Anflug von Dankbarkeit, aber Tom hat immer noch eine gehörige Portion Verachtung für alle um ihn herum übrig. Letztendlich muss er sich ihr anvertrauen, um den wahren Mörder seines Vaters zu finden, der immer wieder seine Opfer in den Fluss wirft, damit Tom sie findet.

Zu den Nebendarstellern und erkennbaren Charakterdarstellern gehören Dennis Farina als Polizeihauptmann, Tom Sizemore als Polizeikollege und Brion James als antagonistischer Polizeibeamter. Jeder könnte ein Verdächtiger sein, denn es ist klar, dass eine Verschwörung im Gange ist, und die Zugehörigkeiten wechseln fortwährend, so dass es wichtig ist, ein breites Portfolio mit einzelnen Gesichtern zu haben. Bruce Willis und Sarah Jessica Parker sind auch nicht die typische Paarung, auch wenn es dem Anti-Helden an markigen Worten und einem originellen Gegenspieler mangelt, was in generischen Actionfilmen eine Notwendigkeit ist.

"Tödliche Nähe" entstand während Bruce Willis' erfolgreicher Zeit der Actionfilme, genauer gesagt zwischen "Stirb langsam 2" und "Stirb langsam - Jetzt erst recht", wobei er immer noch Haare und einen gewissen Machoton hat. Doch antiquierte E-Gitarren garnieren den Soundtrack, und blecherne Saxophonmusik durchbricht die zwingende Sexszene zwischen Menschen, die sich kaum kennen. Das Grundkonzept ist zwar interessant, und die Methoden des Serienkillers sind nachvollziehbar, doch das Erzähltempo ist merklich mager. Einzelne hervorstechende Actionszenen können die ineffektive Liebesromanze, die unglaubwürdige Darstellung von Sarah Jessica Parker und die dumpfen Phasen der Charakterentwicklung nicht retten, die der Spannung des Thrillers zu sehr abträglich sind. Diese Art von Thrillern sind von der Sorte 'wie Sand am Meer', die keinerlei Spuren hinterlassen und nur geringe Einspielergebnisse und Rezensionen vorweisen können.

Chainsaw Charlies Horror-Oktober 2022 #31/31
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In "Halloween - Die Nacht des Grauens" zoomt die Kamera während des Vorspanns langsam auf ein leuchtendes Jack-O-Lantern-Gesicht, während die von Regisseur John Carpenter selbst komponierte Synthesizermusik dominiert. Man kann sie als plump interpretieren oder als repräsentativ für die Reaktion des Betrachters auf die bevorstehenden Ereignisse werten. Jedenfalls ist "Halloween - Die Nacht des Grauens" einer der ersten, markantesten und unbestreitbar einflussreichsten Slasherfilme der 70er Jahre. Er brachte etliche Fortsetzungen, Remakes und Kopien hervor, lieferte effektive Klischees für Low-Budget-Horrorfilme und gilt heute als absoluter Klassiker des Genres. Der Film ist wohl eher ikonisch als wirklich unterhaltend oder gruselig.

1963, in der Halloween-Nacht in Haddonfield, Illinois, spielt der sechsjährige Michael Myers die Duschszene aus "Psycho" an seiner Schwester nach, die sich nackt vor einem Spiegel rasiert, vermutlich so, wie sich alle heranwachsenden Männer damals junge Frauen vorstellten. Er wird in die nahe gelegene Irrenanstalt 'Smith's Grove' eingewiesen, bis ihm am 30. Oktober 1978 zufällig die Flucht gelingt. Sein Arzt, Sam Loomis (Donald Pleasence), weiß, dass der geistesgestörte Insasse in seine Heimatstadt zurückkehren wird, um blutige Vergeltungsmaßnahmen zu ergreifen. Kein Wunder also, wenn Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) von einem braunen Kombi beschattet wird und ein mysteriöser Fremder mit weißem Gesicht und schwarzem Mantel willkürlich in ihrem Garten, hinter Büschen und in der Nachbarschaft auftaucht. Sobald die Nacht hereinbricht, beginnt der wahre Terror, denn Laurie passt auf den kleinen Tommy (Brian Andrews) auf, der sich vor dem Bösen zu Tode fürchtet, das obligatorische Kind, dem niemand glaubt, und Sheriff Leigh Brackett (Charles Cyphers), der sich immer wieder an seine Kollegen heranschleicht, bemüht sich vergeblich, den Killer zu finden.

Die Spannung wird bis ins Unermessliche gesteigert, während die dämlichen Charaktere durch die Gegend watscheln, ohne den messerschwingenden Wahnsinnigen zu bemerken, der direkt hinter ihnen steht. Das Nachstellen zieht sich in die Länge, ebenso wie die eigentlichen Übergriffe, von denen viele merkwürdig lustig oder schlichtweg dumm sind. Wie viele Minuten dauert es, ein Mädchen zu erwürgen? Michael Myers ist dafür bekannt, dass er sich sehr langsam bewegt, Faustschläge und Patronen wegstecken kann, in den Schatten verschwindet und selbst am helllichten Tag unauffällig bleibt. Das Wichtigste ist jedoch, dass er immer wieder zurückkehrt, vor allem, wenn Laurie ihren Schutz aufgibt.

Die Kamera ist ein Voyeur, der den Betrachter dazu auffordert, sich am invasiven Lauschangriff zu beteiligen. Die Eröffnungsszene wird durch die Maske von Michael Myers gefilmt, oft aus der Schulterperspektive, und Blicke durch Fenster und Türen sind Teil der Praxis. Es gibt auch viele Ego-Perspektiven, Aufnahmen von Michael Myers, der im Hintergrund ahnungsloser Menschen steht, und Personen, die in den Bildausschnitt springen, um ihre Zielobjekte zu erschrecken, auch wenn sie selbstverständlich im Blickfeld der Darsteller sind. Und wie um die Quote für Teenie-Thriller zu erfüllen, gibt es auch ein paar Brüste zu sehen.

Zu den weiteren Tricks gehört, dass Michael Myers so lange wie möglich nur vom Hals abwärts gezeigt wird, um die nun erkennbare Visage zu verbergen, die aus einer preisgünstigen Captain-Kirk-Maske besteht. Zu bequem verschlossene Türen und Hindernisse, über die man stolpern kann, und der Delinquent, der direkt hinter dem Arzt im Auto fährt, wird schmerzhaft übersehen. Verbale Beschreibungen grausiger Bilder, plötzliche laute Geräusche und ein kristallklarer Ausschnitt aus Howard Hawks' "Das Ding aus einer anderen Welt", den John Carpenter in ein paar Jahren neu verfilmen würde. Aus technischer Sicht ist die Tonmischung unpassend, die Dialoge sind in den besseren Passagen simplistisch und den Rest der Zeit recht pubertär, die Nebendarsteller sind grässliche Gestalten, die Zahl der Leichen ist relativ gering, Gewalt ist praktisch nicht vorhanden, und die Handkamera wirkt nicht immer aufrichtig. Die Wahl von Jamie Lee Curtis in ihrem Filmdebüt war jedoch eine intelligente Investition. Sie ist nicht nur die geschickteste der geistig zerstreuten weiblichen Opfer, sondern ihre sympathische Art und ihre etwas vernünftigere Haltung gegenüber Selbstverteidigung und Krisenbewältigung machen sie zu einer überlegenen Überlebenden. Wenn sie nicht derart symmetrisch wäre, würde man nur Michael Myers anfeuern.

In "Blutgericht in Texas" von Regisseur Tobe Hooper wird in dem etwas überlangen, dokumentarisch anmutenden Prolog nicht darauf hingewiesen, dass die folgenden Ereignisse 'auf einer wahren Geschichte' beruhen. Aber der Clou ist dennoch vorhanden, denn er beschreibt das bevorstehende Szenario des 18. August 1973, als wäre es völlig real. Eine Radiomeldung über Grabräuber, die Leichen ausbuddeln, erweckt sofort eine gewisse Vorahnung. Angenehm verstörende Kamerablitze zeigen verwesende Leichen und Diskussionen über den nahe gelegenen Schlachthof. Die Musik ist einschüchternd, die Kameraführung effizient und die ohrenbetäubenden Vibrationen der Kettensäge unbestreitbar furchteinflößend.

Eine Gruppe von fünf Teenagern fährt nach Texas, um den Grabstein eines Verwandten zu besuchen und festzustellen, ob er bei der jüngsten Welle von Friedhofsvandalismus nicht beschädigt wurde. Sie nehmen einen merkwürdigen Anhalter (Edwin Neal) mit, den sie wegen der unerträglichen Hitze bemitleiden, aber der Mann ist eindeutig gestört. Er schneidet sich mit einem Messer und schließlich den an den Rollstuhl gefesselten Fahrgast Franklin (Paul A. Partain) mit einem Rasiermesser. Nachdem sie ihn aus dem Auto geworfen und zum Dank mit Blut beschmiert wurden, fahren die fünf weiter zum alten Franklin-Haus, das der Familie gehört. Sally Hardesty (Marilyn Burns) und Jerry (Allen Danziger) sind die ersten, die das heruntergekommene Gebäude unter die Lupe nehmen.

Kirk (William Vail) und Pam (Teri Mcminn) machen sich auf die Suche nach einem Bach, in dem sie schwimmen können, werden aber von einer Scheune abgelenkt, in der der Lärm eines Generators unüberhörbar dröhnt. Sie halten auch am nahe gelegenen Haus, doch es scheint niemand anwesend zu sein. Die gespenstische Behausung ist fast identisch mit dem Bates-Haus aus "Psycho", und so ist es keine große Verwunderung, als Kirk plötzlich mit einem Vorschlaghammer attackiert wird. Pam folgt ihm und stolpert in einen Raum, in dem menschliche Überreste zu Möbeln verarbeitet wurden, bevor sie von einem riesigen Menschenmonster, das eine zusammengenähte Maske aus Menschenfetzen und eine blutbefleckte gelbe Schürze trägt, wortwörtlich in die Höhe gehoben und an einen riesigen Fleischhaken gehängt wird, um sie zu fixieren. Es ist eine der bedeutendsten und grauenvollsten Filmsequenzen in der Geschichte des Horrorfilms, die den Betrachter mit einer kurzen Warnung und einer schmerzhaften Drohung überfällt. 'Leatherface' schleift Kirks toten Leib durch eine Tür und schlägt die metallische Pforte zu seinem Arbeitsbereich mit unvorstellbarer Wucht zu. Er ist auf Anhieb ein memorables Filmmonster, das noch faszinierender wird, wenn er zum ersten Mal seine charakteristische mechanisierte Kettensäge in die Hand nimmt.

Die Kreation des legendären Bösewichts 'Leatherface' (Gunnar Hansen) ist eine der seltenen Beispiele dafür, dass die Details und die Tiefe eines Killers durch die Vermenschlichung noch entsetzlicher werden. Es ist beunruhigend realitätsnah, ihn als kaum mehr als ein übergroßes Kind darzustellen, geistig zurückgeblieben, aber körperlich widerstandsfähig. Im Grunde ist er nur der Scherge eines Clans von Irren, die so grausam sind, dass man sie sehen muss, um es zu begreifen. Fast ununterbrochenes Geschrei kennzeichnet die zweite Hälfte des Films, in der sich Panik, Einbruch der Dunkelheit und eine berauschende Ohnmacht ohne eine Minute vergeudete Sendezeit ereignen. Wie in einem Exploitation-Film gibt es eine starke Mixtur aus Sexualität und Horror. Partielle Nacktheit und flüchtige Blicke auf wohlproportionierte weibliche Charaktere charakterisieren die Introduktion, während offene Gewalt und blutige Aktivitäten den Schluss füllen, auch wenn die eigentlichen Minuten des Blutes niedrig gehalten werden und die meisten Tätigkeiten der Kettensäge nur angedeutet werden.

"Blutgericht in Texas" ist mit unbekannten Schauspielern besetzt, die enorm glaubhaft sind und eine aufsehenerregende Mischform aus zutiefst beunruhigten Eigenbrötlern und glaubwürdigen normalen Heranwachsenden darstellen. Jim Siedow gibt eine besonders authentische Vorstellung als Anführer der kannibalistischen Familie, eine sadistisch unkalkulierbare Darbietung, die vor dem nächsten markerschütternden Ansturm für schnelle Entspannung sorgt. Das Budget ist gering, die Spezialeffekte sind auf ein Minimum beschränkt, und der insgesamt bescheidene Produktionswert steht in perfektem Einklang mit dem Sinn des Films. Die Soundeffekte hingegen sind halsbrecherisch und bieten eine fantastische Kulisse, Licht und ungemütliche Requisiten, die den Horror subtil untermalen. Die Wirkung, das Vermächtnis und der Effekt von "Blutgericht in Texas" ist nichts weniger als monumental: Er gilt als der Urvater des Slasher-Genres, ist einer der furchterregendsten Filme, die je gedreht wurden, und hat den Horrorfans ein ganz neues, sensationell wirkmächtiges Gesicht gegeben, das immer wieder Fortsetzungen und Remakes nach sich ziehen wird.

Bester Film:
1. The Dark Knight
2. No Country for Old Men
3. Donnie Darko
4. Collateral
5. Das Leben der Anderen
6. American Psycho
7. Der letzte König von Schottland - In den Fängen der Macht
8. Hero
9. Ein Prophet
10. Dancer in the Dark

Bester Animationsfilm:
1. Mary & Max – oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet?
2. Waltz with Bashir
3. Paprika
4. Das große Rennen von Belleville
5. Team America

Beste Serie:
1. Breaking Bad
2. Dexter
3. Californication
4. It's Always Sunny in Philadelphia
5. Lost

Bester Soundtrack:
1. Collateral
2. Dancer in the Dark
3. Der Herr der Ringe: Die Gefährten
4. Fluch der Karibik
5. Walk the Line

Bester Schauspieler:
1. Jake Gyllenhaal - Donnie Darko
2. Forest Whitaker - Der letzte König von Schottland - In den Fängen der Macht
3. Heath Ledger - The Dark Knight
4. Tim Robbins - Mystic River
5. Colin Firth - A Single Man

Beste Schauspielerin:
1. Björk - Dancer in the Dark
2. Jennifer Connelly - Requiem for a Dream
3. Abigail Breslin - Little Miss Sunshine
4. Naomi Watts - 21 Gramm
5. Sibel Kekilli - Gegen die Wand

In "Poltergeist" von Regisseur Tobe Hooper geht die kleine Carol Anne Freeling (Heather O'Rourke) an einem verschlafenen Wochenendmorgen in der Vorstadt 'Cuesta Verde' die Treppe hinunter und beginnt mit dem statischen Rauschen des Fernsehers zu sprechen. Etwas später an diesem Tag versammelt sich eine Horde von Vätern um einen anderen Fernseher, um das große Footballspiel zu sehen, was von einem Nachbarn mit einer identischen Fernbedienung gestört wird, die ein bisschen zu nah am Haus ist. Als ein Sturm aufzieht und die Nacht wieder hereinbricht, geschehen andere Dinge im Hause Freeling: Ein Vögelchen stirbt und muss beerdigt werden. Gleichgültig verdreht die ältere Schwester Dana (Dominique Dunne) die Augen und widmet sich lieber ihren Freunden zu. Ihr mittlerer Bruder Robbie (Oliver Robins) klettert auf den überdimensionierten, knorrigen Baum vor seinem Kinderzimmerfenster. Und Mutter Diane (JoBeth Williams) spendet ihnen vor dem Schlafengehen Geborgenheit, wohingegen Vater Steve (Craig T. Nelson) ein Buch liest und vor dem Spiegel herumblödelt, während seine Frau einen Joint raucht.

Der Klang der amerikanischen Nationalhymne, der aus dem Fernseher dröhnt, bietet einen gelungenen Kontrast oder vielleicht auch eine Ablenkung von dem Horror, der den Betrachter erwartet. Im Haus der Freelings geschehen merkwürdige Dinge, und es ist nicht gerade förderlich, dass eine große Clownspuppe die Kinder in ihrem Zimmer anstarrt und dass der riesige Baum neben dem Gebäude drohend auf die schlafenden Hausbewohner zu blicken scheint. Was beeindruckt, ist die vollkommene Normalität der Interaktionen und des Smalltalks der Charaktere, bis hin zu ihren idiosynkratischen Verhaltensweisen, der Art, wie sie sich einander Trost zusprechen, und sogar ihrer Bewegungsweise im Haus. Dies hilft, die potenziellen Opfer sympathisch und nachvollziehbar zu gestalten und sie als realistische, durchschnittliche Menschen darzustellen.

Wenn sich also die Möbel neu anordnen, findet Diane heraus, wie sie die 'Fernsehmenschen' dazu bringen kann, Objekte an bestimmten Stellen in der Küche zu verschieben. Musik ertönt, die Lichter flimmern von selbst und andere sanfte Phänomene suchen den Haushalt heim, was anfänglich eher verwundert als verängstigt. Die Erwachsenen sind etwas skeptisch, suchen aber schnell nach Erklärungen, die auf der Existenz von Geistern basieren. Durch interessante Schnitttechniken, wie Zeitsprünge und stoßartige Szenenwechsel, schreitet "Poltergeist" zügig voran und wächst sich ohne größere Warnung zu einem wahren Horror heran. Das unerwartete Verhalten der Kinder und das unkontrollierte Bellen des Familienhundes haben zwar etwas Verstörendes, doch genügen diese Anomalien nicht, um zu erahnen, wie aufwühlend und chronisch unerträglich die folgenden Ereignisse werden. "Sie sind hier!"

Die beschwingte, sensationell abenteuerliche Musik von Jerry Goldsmith während des Vorspanns deutet sofort darauf hin, dass Filmemacher Steven Spielberg an der Entstehung dieses Films beteiligt war - er fungierte hier als Drehbuchautor und Produzent, was einen weiteren Einblick in die Verspieltheit der anfänglichen Aktivitäten und den Fokus auf unheimlichen Dingen, die den Kindern widerfahren, gibt, gepaart mit kleinen Film-Erinnerungsstücken wie einem "Alien"-Poster an der Wand der Kinder, einem Schwarz-Weiß-Foto von Spencer Tracy in der U-Bahn und "Star Wars"-Elementen im Zimmer. Doch unter Tobe Hoopers Regie haben die Entwicklungen auch eine ausgesprochen düstere Seite, als plötzlich eine mutierte Baumkreatur versucht, Robbie zu verschlingen, und als ein Tornado aus dem Nichts auftaucht, um den Baum in den Himmel zu pusten. Vermutlich durch seine Beteiligung werden die befremdlich wirkenden Kinder zugunsten von Erwachsenen, die mit der Situation besser umgehen können, aus dem Spiel genommen. "Poltergeist" ist die wahrhaft furchterregende Variante von "Ghostbusters - Die Geisterjäger", vor allem wenn Parapsychologen und ein Exorzist zu einer konkreten Untersuchung beigezogen werden, ist die Faszination fast so unbändig wie die Angst.

Trotz des verspielten Umgangs mit derartig offensichtlichem paranormalem Schalk gibt es auch Phasen extremer Grausamkeit, die typisch sind für ein Projekt, an dem Steven Spielberg beteiligt ist. Solche Sequenzen des Körperhorrors halten sich nicht so gut wie in einem Projekt wie "Jäger des verlorenen Schatzes", sorgen aber für suggestive, alptraumhafte Impressionen. Genial ist auch die Verpflichtung der kleinwüchsigen Schauspielerin Zelda Rubinstein. Sie ist wunderbar skurril, macht aber keinen Hehl daraus und ist die ideale Besetzung für eine seriöse, morbide Quelle von Informationen. Sie allein hebt das Werk auf ein Level, das weit über dem liegt, was mehr Spezialeffekte oder Schrecksekunden hätten erreichen können. Schließlich zementiert "Poltergeist" mit seinem fulminanten, dekadenten Finish seinen Stellenwert als eines der bedeutendsten Haunted-House-Epen der Filmgeschichte.

In "Godzilla" von Regisseur Ishirô Honda wird der Südsee-Bergungsspezialist Hideto Ogata (Akira Takarada) gerufen, um eine katastrophale Situation auf dem Meer zu beurteilen. Die Küstenwache erhielt einen Notruf von der 'Eiko-maru', einem 7500-Tonnen-Frachtdampfer, bevor dieser auf mysteriöse Weise in der Bucht verschwand. Die Überlebenden geben an, dass eine plötzliche Detonation, vielleicht ein Unterwasser-Vulkanausbruch, das Schiff verschlungen hat. Die Situation eskaliert, als ein Rettungsboot ebenfalls in den trüben Gewässern verloren geht und scheinbar vom Feuer gefressen wird. Nachdem der Matrose Masaji (Ren Yamamoto) an Land geschwemmt wurde, brabbelt er halb bewusstlos, dass die Ursache der Verwüstung ein riesiges Monster war.

Einem alten Volksglauben von der 'Ohto-Insel' zufolge erschien ein riesiges Meeresgeschöpf an Land, um sich an den Menschen zu weiden. Routinemäßig wurden Mädchen als Opfer gebracht, um zu vermeiden, dass die Missgeburt das Land terrorisiert. Aufgrund der jüngsten Schiffskatastrophen glauben einige Älteste, dass Godzilla, das Riesenvieh, wieder einmal auf Menschenfleisch aus ist. Die Mehrheit greift jedoch auf wissenschaftliche Argumente zurück, indem sie beispielsweise einen heftigen Wirbelsturm dafür verantwortlich macht. Professor Yamane (Takashi Shimura) und seine Tochter Emiko (Momoko Kochi) leiten eine Erkundungsexpedition, um ein zerstörtes Küstendorf in der Nähe des Berges 'Hachiba' zu untersuchen. Sie entdecken einen längst ausgestorbenen 'Trilobiten' in der Nähe eines gewaltigen radioaktiv verseuchten Fußabdrucks, bevor sie selbst von dem dinosaurierähnlichen Koloss gejagt werden. Man stellt fest, dass Godzilla ein zwei Millionen Jahre alter Zwischengigant ist, der die Jura- und Kreidezeit überbrückt und wahrscheinlich durch die jüngsten Atomtests und Atombombenaktivitäten aus seinem natürlichen Habitat verscheucht wurde. Eine Fregattenflotte, die gegen Godzilla kämpfen soll, durchkreuzt die Gewässer, schafft es aber nicht, das Ungetüm zu lokalisieren oder zu eliminieren.

Das enorme Wesen, das sein hypnotisches Gebrüll ausstößt und sich langsam aus der Tokioter Meeresbucht erhebt, ist ein mythisches Bild. Weitaus furchterregender als die gummierten, zerklüfteten und schuppenbewachsenen Strukturen der Riesenechse und ihre Resistenz gegen Stromschläge, Maschinengewehrfeuer, Raketen und sonstige schwerwiegende Waffensysteme ist ihr ikonografisches Heulen, das stets einen unmittelbaren Angriff vorläutet. Die Soundeffekte waren so beeindruckend, dass sie in allen nachfolgenden Filmen verwendet wurden, auch in den amerikanischen Remakes. Inmitten der Monsterattacken und der in panischer Aufregung lebenden Zivilisten baut das Drehbuch eine kontraproduktive Lovestory ein: Emiko ist mit dem Wissenschaftler Daisuke Serizawa (Akihiko Hirata) verlobt, einem Kollegen ihres Vaters, der eine Augenklappe trägt und in einem Aquarium Experimente durchgeführt hat, die unzweifelhaft zur Vernichtung Godzillas beitragen werden. Als Emiko plant, ihre Verlobung aufzulösen, um Ogata zu ehelichen, wird sie nicht nur durch die Verwüstungen des Giganten, sondern auch durch Yonenes Antipathie gegenüber Ogata daran gehindert.

Als wolle er die internationalen Forscher dafür bestrafen, dass sie ihm zu Hilfe geflogen sind und schließlich den hirnrissigen Plan entwickelt haben, einen hohen Elektrozaun um die evakuierten Küstengebiete zu errichten, macht Godzilla die Gebiete dem Erdboden gleich und hinterlässt ein gewaltiges Flammenmeer. Das Zerstörungswerk ist beglückend, auch wenn einige Sequenzen nur aus einem Mann in einem aufgeplusterten Kostüm bestehen, was für den neuzeitlichen Betrachter sicherlich steif und lächerlich wirkt. Mit Miniaturen und raffinierten Kameraeinstellungen wird Godzilla zu einem historischen Feind Japans - ein Äquivalent zu King Kong, der wesentlich mehr Unruhe stiftet.

"Godzilla" konzentriert sich nicht nur auf das Gefecht, sondern behandelt auch Aspekte wie das öffentliche Recht auf Wissen oder Zensur, die Wahrheit auf Kosten des Chaotentums, die Vergeltung der Natur, den vergeistigten Denkansatz, die Kreatur aus einer radiologischen Warte zu analysieren, anstatt eine brandgefährliche neue Gattung schnell auszuradieren, und die unweigerlichen Ergebnisse einer privaten Forschung, die mächtig genügend ist, um die Ausbreitung zu stoppen. Auch wenn die Antwort auf die Frage, wie man den katastrophalen Prozess des Amoklaufs aufhalten kann, hoffnungslos einfallslos ist, die Liebesgeschichte durch Martyrium gelöst wird und eine mahnende Botschaft über die potenziellen Gefahren nuklearer Versuche auftaucht, handelt es sich doch um einen gut konzipierten, wohl ausbalancierten Monsterfilm, der einen adäquaten seriösen, pessimistischen Akzent setzt. Illustre, knallende Violinen und eine griffige Filmmusik komplettieren dieses bahnbrechende Science-Fiction-Epos, das Dutzende von Sequels und amerikanischen Intermezzi inspirieren sollte.

In "A Quiet Place" von Regisseur John Krasinski ist es der 89. Tag einer unerwarteten, post-apokalyptischen Katastrophe. Zahlreiche Menschen sind verschollen. Häuser und Geschäfte sind verwaist. Regan (Millicent Simmonds) sieht sich in einem verlassenen Larkin's-Laden um, während ihre Mutter Evelyn Abbott (Emily Blunt) nur ein paar Gänge weiter behutsam nach Medikamenten für ihren Sohn sucht. Die beiden Kinder Marcus (Noah Jupe) und Beau (Cade Woodward) sind ihnen dicht auf den Fersen und halten Ausschau nach Spielzeug. Ihr Vater Lee (John Krasinski) bemüht sich um ein Hilfsmittel, um das Signal ihres Radios zu verstärken.

Die ganze Familie ist barfuß und achtet darauf, so wenig Geräusche wie möglich zu machen. Offenbar haben sie Angst, laute Töne anzustimmen. Die Kommunikation erfolgt hauptsächlich durch Gebärdensprache, was wesentlich ruhiger ist als Geflüster. Doch das Unglück nimmt seinen Lauf, als der jüngste Sohn Beau eine batteriebetriebene Spielzeugrakete entdeckt, die gerade genug piepst und rauscht, um ein insektoides Affenmonster zu informieren, das aus dem angrenzenden Wald auf Beutefang auszieht. Am Tag 472 ist sich die Famillie Abbot nicht mehr sicher, ob sie die letzten Menschen auf dem Planeten sind, denn die Bevölkerung wurde von diesen hünenhaften, blinden, lärmenden Kreaturen überwuchert und verspeist.

"A Quiet Place" hätte auch ein Zombiefilm werden können, mit den heruntergekommenen Drehorten, der unbehaglichen Isolation und den nomadischen Wanderungen kleiner Gruppen von Überlebenden durch verlassene Städte, die stets aufmerksam ihre Umwelt beobachten und sich bemühen, aus einer möglichen Enklave der florierenden Zivilisation Hilfe zu holen. Das hinzugefügte Dilemma, die ganze Zeit zu schweigen, ist eine spezielle Herausforderung, auch wenn die Aktivitäten und Ängste mit denen einer unirdischen Plage identisch sind. Die Mimik und die Reaktionsweisen tragen hier zu den prägnantesten Szenarien bei, denn das sich anbahnende Unheil wird durch weit aufgerissene Augen und paranoische Mienen vorweggenommen.

Allerdings ist es schwierig, absolute Stille zu wahren, was zu einigen aufsehenerregenden Schockmomenten führt. Unfälle sind eine Ursache, heruntergefallene Blätter auf einem Parkettboden sind fast schon kommerziell demotivierend. Bei ihrem Streben nach Beharrlichkeit trifft die Familie Abbott selbstredend auch einige fragwürdige Entscheidungen, wie etwa den Entschluss, ein weiteres Kind zu bekommen, was in "A Quiet Place" gekonnt gemeistert wird, denn die Zeugung, dann eine Entbindung und schließlich ein neugeborener Säugling sind alles andere als ein geräuschloses Vergnügen. Ihr Leben ist schon morbide genug, ohne dass sie ein so spezifisches Risiko eingehen müssen, auch wenn dieser Zustand einen ungewohnt tiefen psychischen Stress hervorruft, selbst wenn die eigentliche Geburtshandlung nicht ihr maximales Leistungsvermögen erreicht. Immerhin ist eine sehr cineastische Komponente in diese Vorgabe integriert.

Ein Familiendrama erschwert die Situation der Abbots zusätzlich, vor allem in Bezug auf Regan, die taub ist und trotz ihres überragenden Kommunikationsvermögens ohne Schall mit ihrer Beeinträchtigung und Schuldgefühlen wegen zurückliegender Tragödien zu kämpfen hat. Kindern Emotionen wirksam zu verdeutlichen, ist schon problematisch. Hier ist der Austausch über so gravierende Themen wie Tod, Furcht und Verantwortung unerträglich, verbunden mit einer erheblichen Belastung für die Fähigkeit der Jugendlichen, mit der Lage fertig zu werden, Überlebensstrategien zu entwickeln und die Brisanz ihrer gegenwärtigen Notlage zu verstehen.

Auch der Einbezug von Vorboten ist genial dosiert und ergänzt eine ohnehin schon schwindelerregende Abfolge von Achterbahnfahrten mit zusätzlicher Dynamik. Sogar Überflutungen und die Finsternis sind ein zentrales Merkmal, als ob die konstante Bedrohung durch menschenfressende Höllenwesen nicht schon genug wäre. Gerade als ihre Schwierigkeiten übermächtig erscheinen, taucht ein zusätzliches Problem auf, und die mangelnde Kapazität, sich gegenseitig zu warnen, ist ein essentieller Baustein in dieser Nervenschlacht.

Was imponiert, ist, dass es nie eintönig wird, auch wenn die Inkonsistenzen in der Hörsensibilität der Antagonisten ein wenig anstrengend werden. Doch sobald der Horror beginnt, nimmt er kein Ende. Insgesamt ist "A Quiet Place" weniger ein ganzheitliches Abenteuer als lediglich eine limitierte Anleitung zu Horror und Suspense. Hier geht es nicht um Erläuterungen, Ursachen oder Auswege aus einer ungeordneten Ordnung, sondern um eine nahtlose Kette aus Grauen und Faszination. Ferner ist zu betonen, dass die darstellerischen Qualitäten überdurchschnittlich sind, zumal es kaum Dialoge gibt, und dass die bescheidene Auswahl an Kulissen und Charakteren dem hohen Grad an visueller Darbietung keinen Abbruch tut.

In "The Harder They Fall" von Regisseur Jeymes Samuel spürt Nat Love (Jonathan Majors) in Salinas, Texas, Jesus Cortez (Julio Cesar Cedillo) auf, einen Mann, der an der gnadenlosen Ermordung von Nat's Mutter und Vater beteiligt war und ihn auch festhielt, als ihm als kleiner Junge auf Befehl des skrupellosen Killers Rufus Buck (Idris Elba) ein Kreuz in die Stirn geritzt wurde. Als Gesetzloser, auf den ein hohes Kopfgeld ausgesetzt ist, führt Nat Love seine eigene Bande an, zu der auch Bill Pickett (Edi Gathegi) und Jim Beckwourth (R.J. Cyler) gehören, die sich darauf spezialisiert haben, Bankräuber zu überfallen, um in den Augen des Gesetzes anonym zu bleiben. Sein Kollektiv wird noch größer, als er seine frühere Flamme Mary Fields (Zazie Beetz) und die zierliche, aber fähige Türsteherin Cuffee (Danielle Deadwyler) rekrutiert, die sich als nützlich erweisen, als er sich dem US-Marshal Reeves (Delroy Lindo) entziehen und eine offene Rechnung mit dem kürzlich begnadigten Rufus Buck begleichen muss.

Schon in den ersten Momenten wird erkennbar, dass sich Regisseur und Drehbuchautor Jeymes Samuel nicht an klassischen Western orientiert, sondern sich von Quentin Tarantino und sogar Wes Anderson inspirieren lässt - mit extrem kontrastreichen, scharf kadrierten und hoch stilisierten Bildern. Die Gewalt ist maßlos übertrieben, mit Leichen, die in Zeitlupe durch die Luft segeln, während Blut aus ihnen herausspritzt, und mit grausam angerichteten Opferhäufungen an allen Ecken und Enden. Die rücksichtslose Geringschätzung des menschlichen Lebens ist überwiegend belustigend, obwohl einige Szenen von wahrer Brutalität sind. Die Montage ist jedoch in diesen und vielen anderen Punkten sehr eindrucksvoll und bedient sich zahlreicher skurriler Kunstgriffe, ausgefallener Kameraperspektiven, Verzerrungen und Split-Screens. Jeymes Samuel fügt der konventionellen Handlung unzweifelhaft seine eigenen originellen Facetten hinzu.

Auch wenn der Film von typischen Westernszenarien beherrscht wird, ist "The Harder They Fall" alles andere als charakteristisch. Trotz einer relativen Treue zu den Schauplätzen, Waffen, Gebäuden und anderen Hintergrundrequisiten wirkt der Film in fast jeder Hinsicht anachronistisch. Es handelt sich zweifellos um eine visionäre Interpretation dieser Zeit und dieses Ortes, was am deutlichsten an der komplett schwarzen Besetzung zu erkennen ist, wenn man bedenkt, dass viele der Charaktere auf realen Personen beruhen, von den Dialogen über die Dekoration der Kulissen bis hin zum Soundtrack, der außerordentlich abwechslungsreich ist und zum Humor passt. Vielleicht ist die einzige erkennbare Formel, dass die Helden heroisch oder zumindest sympathisch sind und die Bösewichte eindeutig fies sind, wobei viele von ihnen gegen ihren Typus besetzt sind, vor allem Idris Elba, der einen ruhig finsteren, monströsen Antagonisten spielt, wobei LaKeith Stanfield und Regina King auch unerwartet boshafte Lakaien sind. "Ich glaube, ihr werdet alle sterben."

Entgegen jeglicher Erwartung haben Nat Love und seine Gang keinen klaren Plan, wie sie sich an Rufus Buck rächen können. Es hat etwas Deprimierendes, wenn man, wenn auch nur temporär, daran glaubt, dass die Gutwilligen nicht so clever sind wie die Böswütigen. Das Finale ist jedoch eine ziemlich mitreißende, exzessive Ausmerzung einer enormen Anzahl von Waffenbesitzern, die ein Gespür für actiongeladene Feuergefechte beweist, auch wenn einige der lang erwarteten Konfrontationen nicht so kulminierend oder krachend sind, wie der Betrachter vielleicht zu wünschen vermag. Das Ganze ist außerdem etwas zu zeitaufwändig und ruiniert das Tempo eines spannenden Thrillers mit einem ausreichend dezidierten Fazit, insbesondere wenn sich die Gewaltexzesse und Ballerspieleinlagen mehrmals wiederholen.

Der Film "Was geschah wirklich mit Baby Jane?" von Regisseur Robert Aldrich beginnt im Jahr 1917, als die kleine Baby Jane Hudson (Julie Allred) als Varietékünstlerin mit ihren Stepptanz- und Gesangsdarbietungen regelmäßig für ausverkaufte Häuser sorgt. Sie ist so beliebt, dass man bereits Puppen mit ihrem Abbild kaufen kann. Doch privat verwandelt der Ruhm sie in ein Monster. Ihr Vater kann sie nicht bändigen und gibt ihren Gelüsten nach Eiscreme und Zuwendung regelmäßig nach. Janes Schwester Blanche ist nicht so begabt, weshalb ihre Eltern sie zugunsten ihrer erfolgreichen Schwester vernachlässigen. Auch dies hat erhebliche Folgen für die kindliche Psyche und beeinflusst das Gerechtigkeits- und Glücksempfinden des Kindes in gebührender Weise. "Ich muss keinen Mittagsschlaf machen und du kannst mich nicht dazu zwingen!"

Im Jahr 1935 ist Jane ein aufstrebendes Hollywood-Starlet, obwohl ihr Schauspieltalent vor der Kamera bestenfalls bedenklich ist. In einer schicksalhaften Wendung ist Blanche Hudson diejenige, die ein echter Filmstar wird und so viel Erfolg hat, dass sie jeden Film machen kann, der ihr beliebt. Um ihre Schwester zu schützen, besteht Blanche auf einer Klausel in ihrem Vertrag, die besagt, dass das Studio für jeden Film, der mit Blanche gedreht wird, auch einen mit Baby Jane in der Hauptrolle drehen muss. Das ist frustrierend für die Produzenten Ben Golden (Bert Freed) und Marty McDonald (Wesley Addy), die es nicht länger verkraften können, mit der unqualifizierten Jane weiteren Schund zu produzieren - ihre Tage im Rampenlicht dürften gezählt sein. Bald schon empfindet Baby Jane unersättliche Eifersucht und Zorn auf Blanches Durchbruch und findet einen Anlass, ihre Schwester mit ihrem riesigen Auto vor ihrem Haus zu überfahren und sie mitsamt dem Metalltor, der Backsteinmauer und zufällig auch einer Baby-Jane-Puppe zu zerquetschen.

Fast drei Jahrzehnte später, Anfang der 1960er Jahre, munkeln die Nachbarn, was mit den Hudson-Schwestern geschehen sein muss. Die neugierige Mrs. Bates (Anna Lee) und ihre Tochter wohnen direkt neben den Hudsons, die immer noch in ihrem ehemaligen Valentino-Anwesen leben, die sie aber nur selten zu Gesicht bekommen. Blanche (Joan Crawford) ist an den Rollstuhl gebunden und nun weitgehend angewiesen auf ihre verhärmte Schwester, oder zumindest von ihrer Gnade abhängig. Baby Jane (Bette Davis) bringt das Frühstück, macht die Haustür auf und reagiert auf den Klingelton in Blanches Zimmer, doch sie ist ausgesprochen aggressiv und gewaltbereit. Als Blanches alte Filme im Fernsehen ausgestrahlt werden, gerät Jane noch mehr in Rage, aufgeputscht durch Alkohol, Sinnestäuschungen und grenzenlose Wut. "Sie ist krank und es wird nicht besser!"

Bette Davis ist herrlich böse und zeigt eine teuflische Reinheit inmitten ihres verwelkenden Realitätssinns, oder vielleicht nur ihrer Humanität. Sie ist so bösartig, dass es zum Totlachen ist. Doch ihr Verfolgungswahn und ihre Folter sind alarmierend, vor allem weil sie ihre querschnittsgelähmte Schwester fast gänzlich in der Gewalt hat. Blanche wird zur Inhaftierten und versucht, heimlich vom Fenster im Obergeschoss aus Kontakt mit der Außenwelt herzustellen, aber Jane vereitelt immer wieder ihre Bemühungen, sich von den Missbrauchsmethoden zu befreien. "Glaubst du nicht, dass ich alles weiß, was in diesem Haus vor sich geht?"

Dieser dramatische Horrorfilm erzeugt ein unheimliches und deprimierendes Ambiente. Auch der Klavierbegleiter Edwin Flagg (Victor Buono), der sich auf eine Zeitungsannonce hin als Janes Assistent bewirbt, ist nicht vor Trübsinn gefeit, bietet aber auch einen Anflug von Komik. Die psychologischen Qualen sind allerdings auch recht interessant, vor allem dann, wenn Jane die Mahlzeiten Für Blanche aus einstigen Haustieren oder aus im Keller lebenden Nagern zubereitet und serviert, und die kurzen Lichtblicke, die sich ergeben, wenn Besucher vorbeikommen. Es gibt unverkennbare Anlehnungen an "Sunset Boulevard - Boulevard der Dämmerung", "Das Haus der Lady Alquist" und "Psycho", aber auch Echos zu "Misery", wenn der Film in einen Krimi übergeht. Der Abstieg in den unberechenbaren Wahnsinn von "Was geschah wirklich mit Baby Jane?" ist vortrefflich, auch wenn er überaus lang ist, da er den grassierenden Irrsinn sehr detailliert beschreibt. Die endgültigen Auflösungen sind jedoch betäubend und ein unvergessliches Geschenk des Kinos.

Der düstere, bedrohlich wirkende, makabre und intensive Film "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" von Regisseur Ridley Scott ist das beste Beispiel für die Verschmelzung von Horror und Science-Fiction in der Geschichte des Kinos. Oft kopiert, doch nie erreicht, schafft es diese grandiose Überlebensgeschichte, unheimlich, tödlich ernst und zweifellos ängstigend zu sein, und das alles innerhalb der Grenzen einer alptraumhaften Glaubwürdigkeit. Die Gruseleffekte sind überwältigend in ihrer Konstruktion, sorgfältig ausgeführt mit kunstvoll geformten, gespenstischen Kulissen, höchst einzigartigen biomechanischen Alien-Kompositionen und einer Fülle von Dampf, blinkenden Sirenen und dickem Schleim. Das Bühnenbild, die Kameraführung und der Schnitt sind einfach atemberaubend und schaffen eine Atmosphäre, die absolut unvergleichlich ist.

Wenn die Kamera lautlos durch lange, isolierte, schwach beleuchtete Gänge schwenkt, entsteht eine wohlige Gänsehaut. Und das ist nur die Eröffnungsszene. Statische Übertragungen, Computerstimmen, knatternde Maschinen, ein geniales, faszinierendes Motion-Tracker-Gimmick - eine Methode, die in der Fortsetzung noch weiter ausgebaut wird - und eine knallharte Heldin schaffen die Voraussetzungen für einen unvergesslichen Horrorfilm, der es wert ist, gesehen zu werden, und für die Einführung eines der fürchterlichsten Monster aller Zeiten.

In den eisigen Tiefen des Weltraums erwacht eine siebenköpfige Besatzung aus dem Hyperschlaf an Bord des kommerziellen Bergbauschiffs 'Nostromo', einem äußerst bemerkenswerten Raumschiff mit schattenhaften Gangsystemen und klaustrophobischen Öffnungen. Die Gruppe entdeckt, dass sie weit vor ihrem Ziel in der Antarktis irgendwo in der Nähe eines mysteriösen Planetoiden erwacht sind, der ein Notsignal ausstrahlt. Ein kleiner Suchtrupp begibt sich auf den Planeten, um die verlassenen Überreste eines außerirdischen Schiffes zu untersuchen, und unterliegt dabei den Vorschriften des Unternehmens, das sie beschäftigt. Captain Dallas (Tom Skerritt), Lambert (Veronica Cartwright) und Kane (John Hurt) erkennen zu spät, dass das SOS-Signal in Wirklichkeit eine Warnung ist. Während er einen riesigen Raum voller pulsierender Eier untersucht, wird Kane von einem spinnenartigen Parasiten angegriffen, der sich an seinem Gesicht festsetzt.

Er wird zurück in die Krankenstation gebracht, wo der Wissenschaftsoffizier Ash (Ian Holm) versucht, die Kreatur zu entfernen, aber nur um festzustellen, dass das langbeinige Wesen Molekularsäure blutet. Erst die dritte im Bunde, Ellen Ripley (Sigourney Weaver), versucht, das Forschertrio pflichtbewusst unter Quarantäne zu stellen. Nach ein paar Stunden fällt der 'Facehugger' jedoch von selbst ab, und Kane kommt wieder zu Sinnen. Nach der nebligen Wiederbelebung folgt eines der eindrucksvollsten und grausamsten Horrorszenarien, die je gedreht wurden. Ähnlich schockierend wie die Duschszene in "Psycho" ist die Szene in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt", in der sich ein schlangenartiges, mit Reißzähnen versehenes Ungeheuer aus Kanes Brust herausreißt und Blut und Innereien über einen Tisch mit entsetzten Kollegen spuckt. Und dann waren es nur noch sechs. Bei dem Versuch, das Monstrum zu fangen, wird die schrumpfende Schar langsam einer nach dem anderen getötet, während der Außerirdische immer größer und todbringender wird.

Die Charaktere sind sehr natürlich und neigen dazu, mäßig stereotype Persönlichkeiten zu haben: genervte Ingenieure, die sich Sorgen um ihren Gehaltsscheck machen. Die Männer der Firma, die sich an die Regeln halten. Ein nonchalanter, ordnungsliebender Captain, ein begeisterter Wissenschaftler und später Überlebende, die um ihre Gesundheit besorgt sind, oder panische Kämpfer, die mit dem Isolationsprotokoll nicht vertraut sind. Doch alle sind in diesem ungewöhnlichen, temporeichen Umfeld auf vergnügliche Weise glaubwürdig. Es ist eine spannende Steigerung zu einem der einzigartigsten Aspekte des Films: Die Ausgereiftheit der Protagonisten. In Slasher-Filmen rennen schreiende Teenager vor einem wahnsinnigen Killer davon, in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" sind es stattdessen die Erwachsenen. Vielleicht ungewollt wirkt die ältere Crew abgehärtet, erfahren und vernünftig, was dem Katz-und-Maus-Spiel eine realistischere Note verleiht. Nur wenigen Projekten ist es gelungen, die Direktheit und Intensität von antagonistischen Situationen mit Außerirdischen wirklich einzufangen. Die meisten kranken an Dämlichkeit, doch "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" umgeht jeden Makel, der ihn in Richtung Klamauk lenken könnte.

H.R. Giger, ein bekannter Schweizer Surrealist, wurde mit der gewaltigen Aufgabe betraut, die ultimative außerirdische Lebensform zu erschaffen. Sein Design ist fantastisch, vor allem wegen des ausgeklügelten Fortpflanzungszyklus, den er sich ausgedacht hat, sowie wegen der Mischung aus organischen Merkmalen und maschinenartigen äußeren Verzierungen des ausgewachsenen Monsters. Regisseur James Cameron änderte das Konzept später ab, indem er in der ersten von mehreren Fortsetzungen eine Königin schuf, aber die Grundidee bleibt dieselbe: Ein Ei trägt eine parasitäre Spinne, die ein weiteres Ei in der Brust des Opfers ablegt. Nachdem er aus dem Körper ausgebrochen war und den Wirt getötet hatte, wuchs das wurmartige Wesen zu einem zweibeinigen, humanoiden Unhold mit einem bananenförmigen Kopf und einer mit Zähnen besetzten Zunge heran. Nach den ursprünglichen Plänen sollte das Alien in der Lage sein, die Körper der Opfer in ein Ei zu verwandeln, um den Prozess neu zu starten. Es ist eine bizarre, aber faszinierende Schöpfung, die zahlreiche Fortsetzungen, Crossover, Comics, Romane, Action-Figuren, Kleidungsstücke und zahllose andere Formen von Fanartikeln hervorgebracht hat, die nun für immer in der Popkultur verankert sind.

Mehr als vier Jahrzehnte nach seiner Uraufführung, die ironischerweise am Tag nach Weihnachten stattfand, ist "Der Exorzist" von Regisseur William Friedkin immer noch äußerst verstörend und in seiner Wirkung schlichtweg schockierend. Das Skript enthält zwar mehrere separate Geschichten, doch alle kollidieren mit der Teenagerin Regan (Linda Blair), der Tochter der Schauspielerin Chris MacNeil (Ellen Burstyn). Regan beginnt plötzlich, sich unkontrolliert zu verhalten, zu fluchen und außergewöhnliche Stärke an den Tag zu legen, sehr zur Verwirrung der führenden Psychiater in Washington, D.C.. Als kein spezifisches Leiden festgestellt werden kann, werden die archaischen religiösen Praktiken des Exorzisten Pater Merrin (Max von Sydow) in Anspruch genommen, der von Pater Karras (Jason Miller) unterstützt wird, dessen eigener Glaube nach dem Tod seiner Mutter am Schwinden ist. Grotesk und unheimlich, vor allem mit einigen Szenen, die für spätere Wiederveröffentlichungen hinzugefügt wurden, darunter der berüchtigte umgekehrte Abstieg über eine Treppe, der als 'Spider Walk' bekannt ist, setzt dieser meisterhaft inszenierte Film auf unerträgliche Spannung und beängstigende Bilder, um den Betrachter in seinen Bann zu ziehen, was ihm zehn Oscar-Nominierungen einbrachte, darunter für den besten Film und die Auszeichnung als zweithöchstes Einspielergebnis des Jahres 1973.

Ursprünglich wollte William Friedkin mit "Der Exorzist" einen psychologischen Thriller drehen, doch aufgrund seiner Intensität und der ständigen neuralgischen Darstellungen dämonischer Besessenheit gilt der Film heute allgemein als der gruseligste Film aller Zeiten. Die Formel wird oft kopiert, aber nur wenige können mit ihrer virtuosen Abgründigkeit mithalten, vor allem weil sich die Filmemacher zu sehr auf Gore- und Spezialeffekte verlassen. Die regelmäßigen Jump-Scares, die auch in neueren Horrorfilmen zu finden sind, sorgen zwar für unmittelbaren Terror, dienen aber hauptsächlich dazu, den Betrachter von der Tatsache abzulenken, dass es keine intelligente Handlung gibt. Zwar gibt es auch einige erschreckende, nicht übernatürliche Momente, wie etwa eine besonders unschöne medizinische Untersuchung, bei der Regan auf ihren Zustand hin untersucht wird, und der verdächtige Tod von Chris' Chef Burke Dennings (Jack MacGowran), doch "Der Exorzist" setzt auf mentalen und emotionalen Horror, abnormales Verhalten und psychosomatische Phänomene, und das alles bei einem unschuldigen Kind. Dieses Grundmotiv hat einen Großteil der nachfolgenden Schockfilme geprägt und beweist den großen Einfluss, den "Der Exorzist" auf das Genre hatte und immer noch hat. Das Grundkonzept ist immer noch schön schaurig, auch wenn es zunehmend überstrapaziert und durch minderwertige Dialoge, dürftige schauspielerische Qualität und unterbelichtete Charaktere geschwächt wird.

"Der Exorzist" wurde von William Peter Blatty auf der Grundlage seines eigenen Romans, der auf tatsächlichen Begebenheiten aus den späten 1940er Jahren beruhte, die er recherchiert hatte, erstklassig verfilmt. Die verschiedenen Glaubensrichtungen des Films werden nacheinander erkundet, wobei darauf geachtet wird, dass die Idee der Teufelsaustreibung nicht als ein aufgesetztes, alltägliches Konzept behandelt wird, was am deutlichsten wird, als Chris Pater Karras fragt, wie man einen Exorzismus durchführt, worauf dieser mit völliger Ratlosigkeit reagiert. Selbst für einen Gläubigen ist ein solcher Ritus eine nie dagewesene Endlösung. Es ist diese Skepsis und Besorgnis, die einem Thema, das manche Betrachter sofort als absurd fiktiv interpretieren könnten, eine reißerische Dimension des Realismus verleiht.

Der Kampf zwischen Gut und Böse wirkt am Ende geradezu monumental, was vor allem an der wissenschaftlichen Betrachtungsweise des Themas und der handwerklich kompetenten Gestaltung und Inszenierung liegt. Dies hat auch dazu geführt, dass "Der Exorzist" trotz der erheblichen Fortschritte in der Technologie und Computergrafik erstaunlich gut gealtert ist. Das Make-up ist nach wie vor Spitzenklasse und sowohl für Max von Sydow als auch für Linda Blair sensationell greulich, gepaart mit Puppenspiel und abstoßenden Requisiten für einige der schockierendsten Aufnahmen im Film, darunter ein sich drehender Kopf, Levitation und projektilartiges Kotzen. Diese einprägsamen Sequenzen trugen dazu bei, die populärsten Vorstellungen von Exorzismen im Film zu definieren, während die geschickt eingesetzte unheilverkündende Beleuchtung, die stimmungsvolle Kinematographie und ein Arrangement moderner klassischer Kompositionen für den Soundtrack den elektrisierenden Ton des Horrors noch verstärken. In seiner Gänze ist "Der Exorzist" ein beispielloser, unvergleichbarer Meilenstein des zeitgeschichtlichen Horrorfilms.

In "Shining" des Regisseurs Stanley Kubrick erzeugen knarzende Klangeffekte und knirschende Musik eine schneidende Dissonanz, wenn ein kleines gelbes Auto auf dem Weg zu seinem ominösen Ziel durch eine malerische Landschaft fährt und mit minutiösen Noten kollidiert. Anschließend wird die Darstellung in Kapitel unterteilt, beginnend mit 'Das Vorstellungsgespräch', in dem Jack Torrance (Jack Nicholson) mit Stuart Ullman (Barry Nelson) über ein Beschäftigungsverhältnis spricht. Jack Torrance, ein ehemaliger Lehrer und aufstrebender Schriftsteller, ist bereit, das 'Overlook Hotel', das etwas mehr als drei Stunden von Denver entfernt liegt, während der bitterkalten Wintersaison zu betreuen.

Da das Hotel am Ende einer 25 Meilen langen Straße liegt, auf der bis zu 20 Fuß Schnee liegen kann, ist es finanziell nicht zu stemmen, das Hotel das ganze Jahr hindurch zum Skifahren zu betreiben. Der Ferienort wird daher für etwa fünf Monate geschlossen und komplett abgeschottet von der Außenwelt bleiben. Jack Torrances Pflichten bestehen darin, den Heizkessel zu bedienen, Teile des Hotels im Turnus zu beheizen und geringfügige Reparaturarbeiten vorzunehmen, um sich vor dem widrigen Klima zu schützen und dessen Schadenspotenzial zu mindern. Im Grunde genommen ganz banale Arbeit. Was allerdings abschreckt, ist der Hinweis, dass ein ehemaliger Hausmeister seine Familie mit einer Axt totgeschlagen hat, bevor er sich vor geraumer Zeit bei der Pflege des Grundstücks beide Läufe einer Schrotflinte in den Mund steckte. Lagerkoller, wie Stuart Ullman ihn bezeichnet.

Doch das dürfte für Jack Torrance kein Problem darstellen. Die Einsamkeit und die Isolierung könnten den weniger Begabten an die Substanz drängen. Doch genau diese Voraussetzungen sind es, die er anstrebt: Fünf Monate Ruhe, um sich auf die Niederschrift seines neuesten Buches zu beschränken. Und auch Frau und Kind werden bei ihm sein. Wendy Torrance (Shelley Duvall) ist ohnehin süchtig nach Spukgeschichten und Horrorfilmen. Ihr junger Sohn Danny (Danny Lloyd) ist etwas eigensinnig und hat Mühe, Freunde zu finden, doch die Nachbarschaft sieht hübsch aus und das Hotel ist ein Wunderwerk der Architektur. Was kann da schon im Argen liegen?

Etwa zwölf Minuten nach Beginn von "Shining" hat Danny die Imagination eines Korridors, aus dem eine Lache des Blutes wie eine Sintflut aus den Gleittüren eines Fahrstuhls schießt und zum ersten Mal sind zwei Mädchen in blauen Kleidern zu sehen, die nebeneinander stehen und sich an den Händen halten - sie sehen aus wie Zwillinge, doch es wird angedeutet, dass sie ein paar Jahre auseinander sind. Diese Bilder wirken Wunder für das Dekor. Jedem, dem die Richtung dieses Films nicht klar ist, wird rasch bewusst, dass "Shining" auf intensiven psychologischen Horror und einen guten traditionellen spukhaften Horror abzielt.

Danny Torrance ist ein geeigneter Sprecher des Verborgenen, vor allem, wenn sich sein imaginärer Freund Tony in seinem Mund befindet und mit einer verzerrten Stimmlage spricht. Er ist ein kleines Kind, das sich herumtreibt, regelmäßig irgendwelche Gespenster sieht und sich generell abnormal verhält, was das Ganze noch zusätzlich merkwürdig macht. Auch sein unbändiger Gesichtsausdruck lässt einen erfrieren. Dick Hallorann (Scatman Crothers), der Chefkoch, ist auch nicht besonders hilfsbereit, dafür aber ausnehmend gesellig. Im zweiten Kapitel spricht Dick Hallorann zum ersten Mal vom 'Shining', das im Grunde eine telepathische Verständigung ist.

Mit so vielen eigenartigen Zerstreuungen gelingt es dem Film, die unerklärlichen oder konvoluten Aspekte der Handlung zu kaschieren, bis hin zum 'Shining' selbst, das eine eher nebensächliche Bedeutung hat. Die Erwähnung der Donner Party und ihrer kannibalischen Probleme, eines Indianerfriedhofs und des labyrinthischen Heckenlabyrinths vor der Tür bieten weitere Ansatzpunkte für kommende Schrecken. Und dann ist da noch das Gerücht, welche furchtbaren Dinge in Raum 237 enthalten sein könnten. Obwohl es im Kontext des Jahres 1980 am bedeutsamsten ist, ist es ein merkwürdiger Zufall, dass "Amityville Horror" ein Jahr zuvor veröffentlicht wurde, wenn man bedenkt, dass diese Geschichte grundlegende Parallelen aufweist. "Der Exorzist" steuert ebenfalls eine Handvoll Themen bei, obwohl fast jeder Besessenheitsfilm ein oder zwei Elemente aus dem Klassiker von William Friedkin entlehnt.

Stanley Kubrick, der die berühmte Romanvorlage von Stephen King adaptierte, trifft bei der Inszenierung dieses Thrillers einige sehr mutige und untypische Entscheidungen, angefangen bei der Zeit, die für die Entfaltung des Horrors verwendet wird. Dank der langen Laufdauer wirkt die Geschichte weder übereilt noch gehetzt. Und mit so wenigen Schauspielern hat die Charakterisierung reichlich Gelegenheit, sich optimal zu entwickeln. Einen Großteil von "Shining" sehen wir in hellem Tageslicht und gut beleuchteten, farbintensiven Räumen. Um Gänsehaut zu erzeugen, setzt Stanley Kubrick nicht nur auf spärlich ausgeleuchtete, beengende oder sturmumtoste Umgebungen. Einige technische Details sind ebenfalls hervorzuheben, so folgt eine niedrige Kamera Danny, wenn er mit seinem Dreirad durch leere, doch leuchtstarke Flure fährt, was plötzliche Erscheinungen um so unerwarteter macht. Weite Flächen und Weitwinkelaufnahmen werden häufiger verwendet als enge Räumlichkeiten und aggressive Nahaufnahmen - ein Umstand, der in Horrorfilmen nicht oft vorkommt.

Für einen Film, in dem es um unerklärbare Phänomene, übernatürliche Invasoren, Selbsthypnose, Besessenheit, schlimme Verbrechen und Alpträume aus der Vergangenheit und schließlich einen Mord geht, setzt Stanley Kubrick nur selten auf billige Sensationslust. Es blitzen zwar einige makabre Motive auf, aber es sind keine typischen Panikmomente. Vielmehr geht es in "Shining" vor allem darum, eine Atmosphäre und ein Ungefühl aufzubauen. Jeden Moment könnte etwas passieren, aber das muss nicht sein, um den Betrachter zu verängstigen. Die meiste Zeit bewegt sich die Filmkamera im Schneckentempo und betrachtet die Szenerie mit einem besorgten Blick. Die Vorausdeutung ist kontinuierlich und energisch und gibt dem Betrachter eine Unmenge an Schreckensbildern, über die er nachdenken kann, und dann wiederum kurze, aber prägnante Sekunden lang unheimliche Impressionen.

In einer der meistgelobten Sequenzen nähert sich Wendy Jacks verlassener Schreibmaschine mit einem Baseballschläger in der Hand, besorgt über seine eskalierende Bitterkeit und sein anhaltendes Misstrauen. Die Kamera verdeckt zwar den Hintergrund in mehreren Winkeln und lugt sogar hinter einer Wand hervor, aber Jacks Erscheinen ist nicht beabsichtigt, um den Betrachter zu erschrecken. Seine Bewegung ins Zentrum des Bildes findet statt, bevor Wendy selbst durch einen Schrei aufgeschreckt wird. Und dann ist da natürlich noch die wohl berühmteste Szene mit einer Tür und einer Axt, die ein fulminantes, hochspannendes Finale einläutet.

Auch auf der künstlerischen Ebene sind die kompositorischen Inhalte der Filmaufnahmen überwältigend. Wie sorgfältig ausgearbeitete Porträts lassen sie alle Einzelheiten und Informationen einfließen, und auch die Farbgestaltung ist sehr kräftig. Sie sind weder schnell, noch druckvoll, noch offensiv, sondern vorsichtig und planvoll, pragmatisch und doch auf perverse Weise poetisch. Die Darsteller sind exzellent, und Jack Torrances sich rapide verschlimmernde Gesinnung und sein Auftreten ändern sich drastisch, als er genau den Symptomen erliegt, gegen die er behauptet hat, immun zu sein. Jack Nicholson kann mit dem Wahnsinn bestens umgehen. Und Shelley Duvall spielt die verängstigte Ehefrau grandios. Das Overlook Hotel hat eindeutig die Gabe, seine Bewohner auf sehr amüsante Weise negativ zu beeinflussen.

In vielerlei Hinsicht ist "Shining" eine Übung in nachhaltiger Anspannung. Es ist ein schleichendes, manchmal vielleicht zu langsames Experiment, aber ein größtenteils effektiver Schocker und eine Odyssee ins Delirium, die sich darauf konzentriert, eine Geschichte von unsichtbarem Bösen und tiefgreifender Psychose zu erzählen. Der Film ist nicht in jeder Minute spektakulär, aber er könnte für Hotels und Heckenlabyrinthe das werden, was "Der weiße Hai" für Haie war.

Kein Film scheint so sehr auf visuelle Strukturen zu setzen wie "Die Frau in den Dünen", das Meisterwerk des Regisseurs Hiroshi Teshigahara von 1964. Der Film spielt fast ausschließlich in einer kleinen Hütte auf dem Grund einer Sandgrube, in die durch Risse in der Decke ständig Sand eindringt. Der Boden ist mit Sand bedeckt. Alles ist mit Sand bedeckt. Es gibt eine bemerkenswerte Szene, in der Niki Jumpei (Eiji Okada) morgens neben der Hauptdarstellerin des Films (Kyoko Kishida) erwacht und ihr liegender, nackter Körper von Kopf bis Fuß mit einer glitzernden, sandigen Patina aus fast lebendigen Mineralien überzogen ist. Der Sand scheint fast eine lebhafte Verkörperung des funkelnden Korns des Kleinbildfilms zu sein.

Doch "Die Frau in den Dünen" ist weit mehr als ein opulentes visuelles Erlebnis. Es handelt sich auch um eine höchst beunruhigende Fabel des Verfalls und des fegefeuerartigen Zusammenbruchs. Der Film erzählt von einem Naturfotografen, der in einen abgelegenen Teil der Wüste reist, um Insekten zu fotografieren. Während er in Gedanken an eine Frau versunken ist, verpasst er den letzten Bus zurück in die Zivilisation. Die nomadischen Einheimischen bieten ihm eine Unterkunft in Form eines Hauses an, das an eine Grube gebunden ist. Dort lebt eine Frau, die in einem geheimnisvollen, fast übernatürlichen Patois spricht. Die Filmmusik von Toru Takemitsu strotzt vor Grausamkeit. Am nächsten Morgen, während die Frau schläft, versucht Niki, aus der Grube zu klettern. Er stellt fest, dass die Strickleiter verschwunden ist und er die sandigen Wände nicht erklimmen kann. Er sitzt in der Falle.

Niki bleibt für viele Tage gefangen. Wochen. Monate? Jahre? Die Frau schaufelt Sand und erklärt, dass sie ihn an die Produzenten von Baumaterialien verkauft. Sie erklärt aber auch, dass ihr Sand für Gebäude ungeeignet ist, weil er zu salzhaltig ist. Obwohl sie die meiste Zeit durcheinander und distanziert wirkt, dringt sie sexuell in die Psyche von Niki ein, und es gibt mehrere Sexszenen zwischen den beiden. Die körnigen Bilder ihres Fleisches sind erotisch, aufreizend und viszeral. Nur wenigen Filmen gelingt es so gut, das taktile Erlebnis der Berührung von Haut hervorzurufen.

Die schräge Mythologie erinnert sofort an Sisyphos, ein Vergleich, den Roger Ebert einst anstellte. Eine tief hängende Wolke der Sinnlosigkeit schwebt unheilvoll über Niki und der Frau. Sie hat sich mit ihrem Schicksal abgefunden, sich immer wieder aus ihrem eigenen Grab zu schaufeln, schließlich ist ihre alte Familie irgendwo da draußen in der Wüste begraben, so dass sie sozusagen ihr Ding durchzieht. Niki hingegen hat beschlossen, gegen sein eigenes Verhängnis anzukämpfen und weiter zu versuchen, irgendwie zu entkommen. Das ist das Stichwort für eine ausgedehnte intellektuelle Diskussion über die wahnsinnige Absurdität des Lebens.

"Die Frau in den Dünen" wirkt mit seiner zirkulären Sprache, den fernen mythologischen Untertönen und den dunklen meditativen Merkmalen unverkennbar japanisch. Man könnte aber auch denken, dass es auf einer verschollenen Geschichte von Franz Kafka beruht. Die Menschen sind in ihren eigenen Systemen, in ihren Denkweisen und tief in ihren Begierden gefangen. In jedem Fall ist "Die Frau in den Dünen" ein beängstigendes intellektuelles Labyrinth, auch wenn seine Charaktere frustrierend engstirnig bleiben.

"Die Frau in den Dünen" wurde 1964 für mehrere Oscars nominiert, unter anderem für die beste Regie. Danach geriet er für viele Jahre in Vergessenheit. Das ist es, was manchmal mit großartigen Filmen passiert. Sie werden in den höchsten Tönen gepriesen, erhalten Kritikerlob und viele andere Auszeichnungen, und dann scheinen sie für lange Zeit nicht mehr verfügbar zu sein.

Die Musik ist eines der berühmtesten Elemente von "Der weiße Hai", das so ziemlich jedem anderen bemerkenswerten Aspekt des zeitgenössischen Klassikers von Regisseur Steven Spielberg aus dem Jahr 1975 vorausgeht. Die von dem inzwischen legendären John Williams komponierte, schlichte, donnernde Melodie ist sofort zu erkennen und absolut unvergesslich. Er schafft es, die mordlustige Kreatur anzudeuten, uns von ihrer Anwesenheit zu überzeugen und die Sichtweise des Untiers zu verstärken, selbst wenn es nicht auf dem Bildschirm zu sehen ist.

Und dann ist da noch der Hai selbst. Obwohl er bekanntermaßen von Schwierigkeiten geplagt war, die dazu führten, dass in vielen Szenen keine Geschöpflichkeit zu sehen war, was ungewollt, aber brillant zur Spannung beitrug, verrät die konkrete animatronische Konstruktion nicht ihre fehlerhafte Mechanik oder fragmentierte Bauweise. Der Realismus einer sehr detaillierten Puppe lässt die große Offenbarung viel effektiver aussehen. Die Kombination aus einem bösartigen Monster mit Action, glaubwürdigen Charakteren, manipulativem Grusel und einer massiven Marketingkampagne machte "Der weiße Hai" zum ersten Sommerblockbuster und kurz nach seinem Kinostart zum umsatzstärksten Film aller Zeiten. Sein kritischer und kommerzieller Erfolg und seine inspirierende Popularität hatten einen großen positiven Effekt auf die Vermarktung von Filmen in den Sommermonaten und setzten die Messlatte für Horrorfilme und Thriller für die nächsten Jahrzehnte.

Das verschlafene Städtchen 'Amity Island' bereitet sich auf ein lukratives Fest zum 4. Juli vor, als die Leiche einer jungen Frau ans Ufer gespült wird, die fürchterlich verstümmelt und von Krebsen bevölkert ist. Polizeichef Martin Brody (Roy Scheider) vermutet einen Haiangriff, der die Sperrung des Strandes rechtfertigen würde, aber gierige Stadtbeamte, angeführt von Bürgermeister Vaughn (Murray Hamilton), überzeugen ihn, dass es sich um einen tragischen Bootsunfall handelt. Als ein zweites Opfer, ein kleiner Junge, in seichtem Wasser gefunden wird, gerät die Stadt in Panik. Auf den Hai wird ein Kopfgeld von 3.000 Dollar ausgesetzt, was den mürrischen Sam Quint (Robert Shaw), einen Fischer mit besonderen Qualitäten, veranlasst, seine Dienste als Haifänger für satte 10.000 Dollar anzubieten. Während die Stadt über seinem Angebot sinniert, fangen andere Bootsfahrer einen Tigerhai, einen Menschenfresser, der in diesem Gebiet selten vorkommt. Das beruhigt die Leute kurz, überzeugt aber den Meeresforscher Matt Hooper (Richard Dreyfuss) nicht, der als Experte hinzugezogen wurde, um die Ursache des ersten Todesfalls zu bestätigen.

Selbst als Matt Hooper und Martin Brody eine dritte Leiche, ein zerstörtes Boot und einen großen Zahn entdecken, der eindeutig zu einem Weißen Hai gehört, will der Bürgermeister nicht zuhören. Die Schließung des Strandes an einem wichtigen Feiertag kommt nicht in Frage, da die Stadt stark auf die Einnahmen aus dem Fremdenverkehr angewiesen ist, aber ein vierter Angriff reicht aus, um alle davon zu überzeugen, dass die Anwerbung von Sam Quint die beste Lösung ist. Der grantige Seemann ist meist betrunken und übergeschnappt, aber ein mehr als fähiger Jäger. Der Polizeichef und der Wissenschaftler begleiten ihn auf das offene Meer, um sicherzustellen, dass die Arbeit schnell und präzise erledigt wird. Von da an ist es ein Wartespiel, bei dem die drei Männer streiten, Geschichten austauschen, Karten spielen, Narben vergleichen und Köder in die trüben Tiefen werfen, was zu einem der berühmtesten Momente des gesamten Films führt: "Ihr werdet ein größeres Boot brauchen", ruft Martin Brody, nachdem der riesige Fisch seinen bezahnten Kopf aus dem Wasser reckt.

Die letzte Hälfte von "Der weiße Hai" wird komplett auf und unter Wasser gefilmt, mit niemandem außer Roy Scheider, Robert Shaw sowie Richard Dreyfuss und dem Hai. Die Spannung ist enorm hoch, und die drei Schauspieler tragen die Last der Glaubwürdigkeit auf hervorragende Weise, wobei ihre Beklemmung durch die hämmernde Titelmusik unterstützt wird. Die Handlung verschwindet fast völlig und macht Platz für einen verzweifelten Überlebenskampf auf einem sinkenden Boot mit einem unrealistischen, aber akzeptablen, aufregenden Ende. Die Zahl der Toten ist gering, der Blutverlust ist beträchtlich, die Konzepte sind wahrhaft erschreckend und experimentell, und die Atmosphäre ist phänomenal, während die Regie so elegant ist, dass man sie an Filmschulen studieren könnte, obwohl Steven Spielberg selbst zugibt, naiv und tollkühn gehandelt zu haben. "Der Weiße Hai" wird oft als einer der größten Filme aller Zeiten angesehen und führt viele Top-100-Listen an, darunter Horror, Thriller, Action, Filmhelden, Bösewichte und Musik. Der Film wurde mit drei Oscars ausgezeichnet, zog mehrere Fortsetzungen nach sich und ist das erste von Steven Spielbergs meistgelobten Werken. Er führte zu einer Regiekarriere, die "Jäger des verlorenen Schatzes", "Jurassic Park", "Schindlers Liste", "Der Soldat James Ryan" und viele weitere Filme umfasst.

Erfreulich ist die Tatsache, dass "Der weiße Hai" nicht der unter Kritikern, Wissenschaftlern und Historikern relativ weit verbreiteten Praxis erlegen ist, Handlung und Themen mit einer Subtextschicht zu versehen. Anders als die Horrorfilme der 1950er Jahre, darunter "Das Ding aus einer anderen Welt", "Formicula" und "Die Dämonischen", die mit politischen, sozioökonomischen und ideologischen Allegorien gespickt waren, die sich nicht auf den Kalten Krieg, McCarthyismus, Kommunismus und den Niedergang der Autonomie beschränkten, entzieht sich "Der Weiße Hai" einer übermäßigen Analyse, um tiefere Bedeutungsebenen zu erschließen, die sicherlich nicht vorhanden waren, als Peter Benchley das Buch schrieb oder während Steven Spielbergs Regiearbeit, obwohl der Watergate-Skandal und "Moby Dick" für kurzweilige Parallelen sorgen. Stattdessen kann das Werk allein wegen seines außergewöhnlichen Unterhaltungswerts, seiner Spannung, seines Sinns für Abenteuer und seiner altmodischen Hitchcock'schen Angstmacherei gewürdigt werden. Und ist es nicht genau das, worum es bei erstklassigen Monsterfilmen geht?

Chainsaw Charlies Horror-Oktober 2022 #22/31
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In "Get Out" von Regisseur Jordan Peele bewegt sich Andrew Logan King (Lakeith Stanfield) zu Fuß durch einen unheimlichen, verwirrenden Wohlstandsvorort. Es dauert nicht lange, bis ein weißes Auto neben ihm herfährt, als würde es den Mann verfolgen. Aus Angst vor Rassisten, die seine Anwesenheit in der Nachbarschaft negativ bewerten könnten, wendet er sich ab, um in die andere Richtung zu gehen, wird aber schnell von einem maskierten Unbekannten angegriffen, gewürgt und in den Kofferraum des Fahrzeugs geworfen.

Kurz darauf plant der 26-jährige aufstrebende Fotograf Chris Washington (Daniel Kaluuya) einen Wochenendausflug in das Elternhaus seiner Freundin. "Wissen sie, dass ich schwarz bin?" Die junge, weiße Rosie Armitage (Allison Williams) versichert Chris, dass ihre Eltern keine rassistischen Ansichten haben und dass es keinen Grund gibt, sich Sorgen zu machen, sie zu treffen. Doch die Fahrt beginnt mit einer bösen Überraschung: Ein Reh springt vor ihren Lincoln SUV und beschädigt einen Seitenspiegel und einen Scheinwerfer. Und dann befragt der herbeigerufene Polizeibeamte Chris unnötigerweise, sicher nur wegen seiner Hautfarbe. Bei ihrer Ankunft auf dem palastartigen Anwesen wirken der Neurologe Dean (Bradley Whitford) und die Therapeutin Missy Armitage (Catherine Keener) fröhlich, witzig und einladend, wenn auch ein wenig zu freundlich, als wären sie in der Nachbarschaft von "Die Frauen von Stepford".

Die Filmgestaltung und die Komposition im Allgemeinen sind ganz im Stil eines Horrorfilms gehalten, mit Jump Scares, bedrohlicher Musik, spontanen Visionen, Rückblenden, Albträumen und einer Kameraführung, die den Charakteren über die Schulter schaut, während sie langsam die schlecht beleuchteten Bereiche untersuchen. Außerdem bevorzugt das Objektiv ein wenig zu wandern, um gezielt fragwürdige Absonderlichkeiten und merkwürdige Verhaltensweisen zu beobachten, oder besser gesagt, um normale Verhaltensmuster als verstörend erscheinen zu lassen. Die Beschäftigung einiger schwarzer Hausangestellter, eine unerwartete Party, ein verschlossener Keller, Roses aggressiver Bruder Jeremy (Caleb Landry Jones) und die Klarstellung, dass sich das nächste Haus auf der anderen Seite des Sees befindet, was dem Anwesen völlige Privatsphäre verleiht, verwandeln die bescheidene Gelassenheit in etwas, das nicht ganz richtig ist.

Unsubtiler und abwechselnd unbeabsichtigter Rassismus und die oft vernachlässigten Sorgen und Ängste schwarzer Männer in einer weißen Umgebung sind vielleicht die wichtigsten unerforschten Erfahrungen der afroamerikanischen Gesellschaft im Mainstream-Kino, aber es ist schwierig, die Taktiken des Spukhausfilms zu ignorieren, die zur Ausschmückung dieser Themen verwendet werden. Der Inhalt ist offensichtlich und regt zum Nachdenken an, aber die satirische Komponente ist manchmal zu dominant. Ohne diese Hinweise würde sich die Geschichte weit weniger originell anfühlen. Die Einführung der erhöhten Suggestibilität der Hypnose fügt dem Szenario jedoch eine neue Ebene der Beklemmung hinzu und verdunkelt die Geradlinigkeit mehrerer primärer Determinanten. Die paranoiden und konspirativen Elemente werden immer ausgefallener und beängstigender.

Daniel Kaluuya ist außergewöhnlich geerdet und wirft immer wieder wirklich neugierige Blicke in die Runde, was die unheimlichen Situationen noch realistischer und humorvoller macht. Seine Performance ist exzellent, vor allem angesichts der Abnormitäten der anderen Akteure. Er hat eine ausgeprägte authentische Ausstrahlung, wie man sie im Kino nur noch selten findet. Durch ihn gelingt es "Get Out" auf vortreffliche Weise, aus der Notlage eines unkomfortablen Individuums in einer Welt der Intoleranz beträchtliche Komik zu ziehen. Seine Fassungslosigkeit ist zuweilen urkomisch und steht in schönem Kontrast zu den blutigen Ereignissen des Schlusses. Am Ende überschattet der Horror den schwarzen Humor, doch es ist immer noch ein wildes, grausames und spaßiges Erlebnis.