Chainsaw Charlie - Kommentare

"Twister" von Regisseur Jan de Bont ist temporeich und höchst unterhaltsam. Es ist keine Überraschung, dass Jan de Bont, der zuvor bei "Speed" Regie führte, die Regie übernahm und Michael Crichton, der das Skript für "Jurassic Park" schrieb, das Drehbuch verfasste. Auch wenn die Spezialeffekte nach heutigen Maßstäben nicht mehr ganz so knackig sind, so sind die wirbelnden Bilder doch ausreichend glaubwürdig. Anständige Schauspieler, durchschnittliche Dialoge, ein träges Familiendrama, das sich immer wieder in Katastrophenfilme einzuschleichen scheint, ein mitreißender Score von Mark Mancina und sympathische Charaktere machen "Twister" zu einem stimulierenden Film für Augen und Ohren, vorausgesetzt, der Betrachter analysiert nicht zu sehr die fragwürdigen Gründe und Methoden der Jagd auf die dunkle Seite der Natur.

Dr. Jo Harding (Helen Hunt) musste mit ansehen, wie ihr Vater in einem brutalen Tornado starb. Doch statt die tödlichen Stürme für immer zu fürchten, widmet sie ihr Leben deren Erforschung. Sie arbeitet daran, die Technologie zur Erkennung von Stürmen zu verbessern, in der Hoffnung, weitere Todesfälle durch Mutter Natur zu verhindern. Ihr Ex-Mann Bill (Bill Paxton) war ebenfalls ein Experte auf diesem Gebiet, doch nun will er nur noch, dass die Scheidungspapiere unterschrieben werden, damit er mit seinem Leben als Wetterfrosch fortfahren kann. Als er sich mit Jo trifft, zeigt sie ihm ein Gerät, an dem die beiden gearbeitet haben und das endlich fertig und voll funktionsfähig ist. Er ist fasziniert von der Entwicklung und möchte 'Dorothy' ausprobieren, die Maschine, die die Tornadowarnung und -forschung revolutionieren könnte. Bill schließt sich Jo und ihrer Gruppe von Wissenschaftlern an und begibt sich auf eine turbulente Tornadoverfolgungsjagd.

Erschwerend kommt hinzu, dass Bill von seiner Verlobten Melissa (Jami Gertz) begleitet wird, die immer deutlicher merkt, dass Jo noch immer in Bill verliebt ist. Auf ihrer Reise durch die Landschaft von Oklahoma, um zerstörerische Trichterwolken aufzuspüren, setzen Bill und Jo ständig ihr Leben aufs Spiel, um die winzige Chance zu nutzen, 'Dorothy' zum Einsatz zu bringen, was voraussetzt, dass die Maschine in der Schadensbahn eines Tornados steht. Außerdem werden sie von Jonas Miller (Cary Elwes) beeinträchtigt, einem rivalisierenden Wissenschaftler, der Bills Talent zur Wettervorhersage immer noch klar unterlegen ist, und das obwohl er von der Firma finanziert wird und über eine viel bessere Ausrüstung verfügt. Als das streitlustige Ex-Paar dem Erfolg seines Geräts immer näher kommt, wird schnell klar, wie lebensgefährlich die Jagd nach Hurrikans sein kann.

Die Action und die Spannung machen "Twister" erinnerungswürdiger und eindrucksvoller als den herkömmlichen Katastrophenfilm. Wenn das waghalsige Duo es mit einem F5-Tornado der zerstörerischsten Sorte aufnimmt, sich in rasante Verfolgungsjagden verwickelt und fliegenden Kühen, großen Sattelschleppern und landwirtschaftlichen Geräten ausweicht, sind die Intensität und der Adrenalinschub unerschütterlich. Mit den Methoden seiner gefeierten Karriere als Kameramann bei Filmen wie "Stirb Langsam" und "Jagd auf Roter Oktober" sorgt Jan de Bont dafür, dass die Geschwindigkeit nie nachlässt, die Action-Choreografie ununterbrochen ist und die Dynamik und Begeisterung für die Geschichte immer im Vordergrund stehen. Die Romanze zwischen Jo und Bill spielt zwar oft eine Rolle bei ihren Motiven und trägt zur Charakterentwicklung bei, tritt aber gegenüber dem nervenzerfetzenden Geschehen gebührend in den Hintergrund. Auch für komödiantische Abwechslung ist gesorgt, vor allem durch den Auftritt von Philip Seymour Hoffman, der auch in einer kleineren Rolle beweist, dass er weit über seine Person hinaus Talente besaß.

Die Spezialeffekte mögen sich über die Jahre nicht mehr halten, da der ständige technologische Fortschritt die Anfänge der CG-Technik in den Schatten stellt, aber "Twister" gelingt es, die gewaltigen Tornados mit bewundernswerter Präzision nahtlos in die Hintergrundkulisse zu integrieren. "Twister" wird vor allem aus technischer Sicht kritisch, wenn es um die Gründe für die Entscheidungen der Sturmjäger und das ihnen zur Verfügung stehende Material geht. Auch wenn "Twister" ein akkurates Porträt professioneller Unwetterforscher zeichnet, erscheinen fast alle ihre Konzepte weitestgehend unplausibel. Doch wie schon bei "Speed" kann der Wirklichkeitsgehalt durch beeindruckenden filmischen Eskapismus und viel Destruktivität kompensiert werden.

In "King Richard" von Regisseur Reinaldo Marcus Green hatte Richard Williams (Will Smith, der einen ganz besonderen Akzent und eine ganz spezielle Diktion an den Tag legt) schon vor der Geburt seiner Töchter deren gesamte Karriere in einem 78-seitigen Plan festgehalten. "Ich bin im Geschäft, um Champions zu machen", betont er, während er sich nach potenziellen Trainern umschaut und die Teenager Venus (Saniyya Sidney) und Serena (Demi Singleton) bei Wind und Wetter zum Training auf nahe gelegene Tennisplätze bringt. "Haben Sie schon mal an Basketball gedacht?", fragt einer der möglichen Trainer ganz barsch.

Das Schicksal von Venus und Serena, deren Namen für immer mit dem Profitennis verbunden sein werden, ist der Öffentlichkeit wohl bekannt. In den frühen Jahren, die hier beschrieben werden, war ihr Aufwachsen in Compton offensichtlich besonders gefährlich, obwohl unklar ist, wie viel von diesem biografischen Bericht reine Ausschmückung oder bloße anekdotische Übertreibung ist, wie zum Beispiel eine physische Konfrontation mit einem großmäuligen Pöbler im Park. "Sie müssen alles besser machen", gesteht Richard, während sein Zeitplan mit der begrenzten Anzahl von Stunden am Tag kämpft, die mühsam zwischen ständigem Coaching, Nachtschichten, der Erziehung aller fünf Töchter und der Aufrechterhaltung eines Familienlebens in einer heiklen Partnerschaft mit seiner Frau Brandi (Aunjanue Ellis) aufgeteilt werden.

Armut und der Mangel an Ressourcen und Verbindungen sind immer ein starkes Thema für einen Film. Die Geschichte vom Tellerwäscher zum Millionär ist eine altbewährte Formel voller emotionaler Entmutigung und letztem Triumph. Leider konzentriert sich "King Richard" in erster Linie und vielleicht erwartungsgemäß, dank des Titels, auf Richard selbst, was eine etwas belastende, irritierende Wahl ist. Im Gegensatz zu seinen Töchtern ist seine persönliche Version weit weniger erfreulich und erscheint oft problematisch. Anstatt ihn in erster Linie als unterstützenden Vater oder als exzentrische Bürde darzustellen, balanciert der Film seine positiven und negativen Seiten auf immer seltsamere Weise aus und zeigt, dass seine egoistischen, herrschsüchtigen Entscheidungen entweder verletzend, heuchlerisch oder unerwünscht sind. Soll er der Bösewicht im Leben von Venus und Serena sein? Oder nur eine Barriere, mit der sie fertig werden müssen, selbst wenn sie nie alt oder stark genug sind, um sich ihm tatsächlich zu stellen? Soll er mit all seinen fragwürdigen Entscheidungen einen meisterhaften Plan offenbaren, von dem er sicher nicht wissen konnte, dass er zu ihrem außergewöhnlichen Erfolg führen würde?

Auf dem Weg zum internationalen Ruhm der Williams-Schwestern enthält "King Richard" viel Dramatik um der Dramatik willen, einschließlich einer eher wenig überzeugenden, suspekten Darstellung des Compton-Tyrannen. Zumindest wird Richard anfangs als jemand beschrieben, der sich auf bewundernswerte Weise seine eigenen Möglichkeiten schafft, um sich einen respektablen Trainer mit Zugang zu besseren Spielfeldern und Kontakten zu wohlhabenderen Leuten zu sichern. Ihm wird einfach nichts geschenkt, während Richard sich beeilt, Türen zu öffnen. Schließlich aber folgen die obligatorischen Trainingsmontagen, angereichert mit enthusiastischer Musik und aufmunternden Worten, die familiäre Reibereien, einen Hauch von schwesterlicher Rivalität und elterliche Streitereien beiseite schieben.

Letztlich ist die Biografie von Venus und Serena sehr inspirierend. Doch die Aufmerksamkeit, die hier ihrem zuweilen arroganten und vernunftwidrigen Vater gewidmet wird, ist fast schon frappierend narzisstisch, wenn man bedenkt, dass sein unbequemes Bedürfnis, der Star zu sein, direkt mit der Hauptperspektive dieses Films zusammenhängt. Warum gibt es ein groß budgetiertes oder von Hollywood produziertes Richard-Williams-Biopic, bevor es eines über die Tennisprofis selbst gibt? Auch die Machart der Geschichte lässt sehr zu wünschen übrig. Die meisten Charaktere sind äußerst oberflächlich, und die Handlung ist denkbar banal. Mit ein wenig Humor, einer guten Portion Herz, einem Funken Spannung und der einen oder anderen Szene mit beeindruckender Schauspielkunst bietet "King Richard" einen überraschenden Mangel an Innovationen. Die rassischen Verstrickungen, einschließlich der finanziellen Schwierigkeiten und des Kampfes um den Aufstieg aus dem südkalifornischen Ghetto, sind ein schöner Kontrast zum reichen, meist weißen Tennis, aber das Training, die Wettkämpfe, die Navigation um Agenten und Sponsoren und das überdramatische und unscharf visualisierte klimatische Turnierduell sind von unglaublicher Eintönigkeit. Da hilft es auch nicht, dass die Laufzeit mindestens 20 Minuten zu lang ist und Richard permanent in einem so ungünstigen Kontext dargestellt wird, dass man sich des Verdachts nicht erwehren kann, dass die Erfolge von Venus und Serena eher trotz als wegen seiner Beteiligung erstaunlich sind.

In "Arsen und Spitzenhäubchen" von Regisseur Frank Capra steht der Theaterkritiker Mortimer Brewster (Cary Grant), das Symbol des Junggesellentums, mit Elaine Harper (Priscilla Lane) vor dem New Yorker Standesamt und erregt die Aufmerksamkeit neugieriger Zeitungsleute, die auf einen Artikel über die unerhörte Vereinigung warten. Auch wenn er es verabscheut, die Aufmerksamkeit auf seine Situation zu lenken, kann Mortimer Brewster es nicht über sich bringen, die offiziellen Dokumente zu verzögern. "Sieht aus, als würden jeden Tag dieselben Trottel heiraten."

Im Anwesen der Brewsters in Brooklyn besucht Elaines Vater, Reverend Harper (Grant Mitchell), die älteren Brewster-Schwestern, Tante Abby (Josephine Hull) und Tante Martha (Jean Adair), sowie einen übergeschnappten Bruder (John Alexander), der glaubt, er sei Teddy Roosevelt. Sie sind eine wohltätige, liebenswürdige, wenn auch etwas exzentrische Familie, die Passanten immer in ihrem Haus willkommen heißt. Auch in seinem Privatleben ist Mortimer nicht anders und strahlt eine Überschwänglichkeit aus wie ein Kind zu Weihnachten. "Er ist ein sehr interessanter Charakter."

Mortimer ist auf dem Weg zu seinen Flitterwochen an den Niagarafällen, als er eine Leiche in einer Fenstertruhe des Hauses entdeckt - es ist zwar Halloween, aber das ist zu viel. Er verdächtigt sofort Teddy Roosevelt, doch seine Tanten gestehen unverzüglich und geben vor, es sei nichts Besonderes gewesen, den armen Kerl mit einem Cocktail aus Arsen, Strychnin und Zyankali zu vergiften und die Leiche zu verstecken. Verwirrt und ratlos überlegt Mortimer, wie er das Problem lösen kann, bis die netten alten Damen beiläufig erwähnen, dass es sich bei dem letzten Mordopfer um ein gerades Dutzend handelt und sie alle im Keller begraben sind. Übrigens sammeln sie auch Trophäen: die Hüte ihrer Opfer. "Ihr seid zu alt, um euch so aufzuspielen."

Die Grundidee ist absolut originell und verbindet auf brillante Weise eine morbide Situation mit einer Prise Slapstick, Romantik und Cary Grant in seiner verzweifelten und konfusen Bestform. So sehr er sich auch bemüht, Mortimer kann nicht mit seinen blindwütigen Tanten reden, denen es nichts ausmacht, ihre Mordserie ungeniert fortzusetzen. Erschwerend kommt hinzu, dass der entstellte Neffe Jonathan (Raymond Massey, der deutlich an Boris Karloff erinnert) in Begleitung des unzuverlässigen Schönheitschirurgen Dr. Einstein (Peter Lorre) in das Haus der Familie zurückkehrt. Beide sind auf der Suche nach einem Versteck vor der Polizei, weil sie einen Bekannten von ihnen getötet haben. "Das entwickelt sich zu einer sehr schlechten Angewohnheit!"

Nach dem Vorbild von "Abbott und Costello treffen Frankenstein", gekreuzt mit "Adel verpflichtet" und einer Reihe von Hitchcock-Filmen mit lästigen Leichen, die alle nach "Arsen und Spitzenhäubchen" mit einer Prise "Lebenskünstler" uraufgeführt wurden, hat dieses einzigartige Werk eigentlich zu viel zu bieten. In diesem schnelllebigen, verstreuten Durcheinander scheinen die verschiedenen Figuren und ihre sich überlappenden Geschichten selten reibungslos zusammenzupassen. Vor allem Jonathan ist zu bedrohlich und gewalttätig für diese Formel. Keiner reagiert angemessen auf sein krankhaftes Benehmen. Wenn er auf dem Bildschirm ist, kann die Komödie nicht zur Geltung kommen und Harmonie finden. "Wir wollten schon immer eine doppelte Beerdigung abhalten."

Es gibt auch zu viele Nebenfiguren, von einem Ersatzpolizisten (Jack Carson) über den Direktor eines Sanatoriums (Edward Everett Horton) bis hin zu einem Psychiater (Chester Clute) und einem Taxifahrer (Garry Owen). Die meisten von ihnen sorgen für zusätzliche Komik und selbstreferenzielle Dämlichkeiten, auch wenn die Situationen nicht unbedingt witzig sind, vor allem wenn die schrulligen Tanten für längere Zeit verschwinden. Ebenso verschwindet Elaine für einige Zeit, womit eines der wichtigsten Elemente zur Auflockerung des düsteren Stoffes wegfällt. Und der größte Teil des letzten Akts ist eine überlange, zirkuläre Erwiderung auf die sich wiederholenden Gags davor. "Ich wusste, dass das in der Klapsmühle enden würde!"

In "Demolition Man" von Regisseur Marco Brambilla entführt 1996 ein Wahnsinniger einen Linienbus mit 30 Fahrgästen in Los Angeles und bringt sie zu einem verbarrikadierten, baufälligen Gebäude, das er in Brand steckt. Um den geisteskranken Simon Phoenix (Wesley Snipes) zu fassen, muss das LAPD seinen eigenen schusssicheren Elitesoldaten entsenden: Sergeant John Spartan (Sylvester Stallone). Er verhaftet zwar Simon Phoenix, aber die Leichen der Geiseln werden nach der Explosion des Gebäudes entdeckt, und John Spartans Anwälte können nicht bestätigen, ob sein Handeln zum Tod der Geiseln geführt hat oder nicht. Der einst hochdekorierte Offizier wird zu 70 Jahren Haft im kalifornischen Cryo-Gefängnis verurteilt, wo er bis mindestens 2046 ohne Bewährung eingefroren wird und sein Verhalten durch ein elektronisch mit seinem Gehirn verbundenes Rehabilitationsprogramm verändert wird.

Im August 2032 berichtet Direktor William Smithers vom San Angeles Police Department an Lieutenant Lenina Huxley (Sandra Bullock), eine junge Funktionärin, die sich nach Chaos und Disharmonie inmitten der derzeit ruhigen, kriminalitätsfreien Welt sehnt. Tod, Zerstörung, Waffen, Graffitis und sogar Fluchen sind dank des Verbalmoralgesetzes seit 22 Jahren praktisch nicht mehr vorhanden. Als Simon Phoenix auf mysteriöse Weise aus seinem Kryo-Zustand geholt wird, läuft er Amok, massakriert die Wärter im Gefängnis und flieht. Ohne jegliche moralische Hemmungen überfällt und ermordet der sadistische Simon Phoenix jeden, der sich ihm bei seiner sinistren Mission in den Weg stellt, Waffen zu beschaffen und den Rebellenführer Edgar Friendly (Denis Leary) im Untergrund zu ermorden. Da die Behörden mit der von Simon Phoenix angerichteten Verwüstung nicht klarkommen, bleibt ihnen nichts anderes übrig, als John Spartan aufzutauen und wieder einzusetzen, in der Hoffnung, dass er den Verbrecher wieder einfangen kann.

"Wir sind Polizeibeamte - für diese Art von Gewalt sind wir nicht ausgebildet", sagt Polizist Erwin (Rob Schneider), als er über eine Überwachungskamera Zeuge von Simon Phoenix' Weg ins Verderben wird. In dieser hysterischen Version einer halbtotalitären, futuristischen Regierung, in der die Bürger durch kodierte und implantierte Mikrochips verfolgt werden und die Fahrzeugbewegungen mit der Polizeidatenbank verknüpft sind, hat es seit über 16 Jahren keine unnatürlichen Todesfälle mehr gegeben. Waffen können nur in einem Museum besichtigt werden. Der Nachteil ist jedoch, dass Verfahren und automatisierte Regeln an die Stelle von spontanen Entscheidungen und Anpassungsfähigkeiten treten, so dass die friedlichen Bewohner von San Angeles nicht in der Lage sind, sich selbst zu verteidigen oder gegen den aggressiven Simon Phoenix zu kämpfen. Hinter der ununterbrochenen Spannung verbirgt sich ein intelligenter Kommentar zu Waffenkontrolle, Gewalt und dem Verlust des freien Willens.

Es beginnt mit Explosionen, Schießereien und Figuren, die durch Glasfenster brechen, Treppen hinunterstürzen und sich durch meterhohe Flammen schleudern - und das alles, bevor der Vorspann läuft. "Demolition Man" enthält auch krawallige komödiantische Einlagen, die die Ungewohntheit des technischen und gesellschaftlichen Fortschritts nutzen, um eine Situationskomik zu inszenieren, die immer wieder zum Brüllen komisch ist. Das selbstbewusste Eingeständnis schlagfertiger Bemerkungen vor einer feindlichen Mission, das Verwechseln von Fachwörtern durch die unerfahrene Lenina Huxley und die geschickt getimten Sprüche von John Spartan sowie die Anspielungen auf die Popkultur der 90er Jahre machen die Handlung noch lustiger.

Doch "Demolition Man" ist in erster Linie ein Action-Epos, das sich auf überlebensgroße Figuren und ihre sensationellen Zerstörungsakte konzentriert, mit Comic-Helden, Feuergefechten, Kampfsportarten und der Unbesiegbarkeit von Superhelden. Unter der obersten Schicht aus sinnloser Destruktivität und witzigem Schimpfwortgewirr verbergen sich unzählige großartige Ideen und subtile Details. Die 'Schwarzenegger Presidential Library', der 61. Verfassungszusatz, Muscheln statt Klopapier, eine übertrieben höfliche Linguistik, die Franchise Wars mit 'Taco Bell' als einzigem verbliebenen Restaurant, die obligatorische futuristische Waffe, die 'Magnetic Accelerator Gun', und Doktrinen, die besagen, dass alles, was als ungesund oder unsicher gilt, verboten ist, wie etwa scharfes Essen, Salz, Sport, sexuelle Fortpflanzung ohne Lizenz und Körperkontakt, machen "Demolition Man" zu einer vielschichtigen Science-Fiction-Kuriosität.

Der Gedanke, die Kontrolle über ein unnatürliches Werkzeug zu verlieren, a la Frankensteins Monster, taucht in all dem Gemetzel auf, aber auch Hinweise auf die wuchernde Korruption in einer utopischen Gesellschaft, den inhärenten Machtmissbrauch, die Einschränkung der Rede- und Entscheidungsfreiheit, die Kontrolle durch die Religion und die Armut der Zukunft, die auf eine unterirdische Gemeinschaft von Dieben beschränkt ist, tauchen in dem packenden Chaos auf. Aufregende Verfolgungsjagden und atemberaubende Stunts veranschaulichen das Aufeinanderprallen von krassen Gegensätzen, wenn die gewalttätige Vergangenheit mit der beschaulichen Zukunft kollidiert. Es ist eine actiongeladene, höchst unterhaltsame Mischung aus farbenfrohen Charakteren, feurigen Bildern und intensiven Sci-Fi-Themen, ergänzt durch eine humorvolle Vision von Recht und Ordnung und Zivilisation und Anarchie.... und Rambo.

"Wild Seven" von Regisseur James M. Hausler ist ein unverschämt inkompetenter Kaperfilm, der wie "Pulp Fiction" oder "Reservoir Dogs" sein will, aber stattdessen auf ein Niveau von Unverständlichkeit, Schwachsinn und Vulgarität hinabsteigt, aus dem der einzige Ausweg ein erfüllender Schluss oder unterhaltsame Charaktere sein könnten. Doch dieser Film hat weder das eine noch das andere. Was er hat, ist ein überbordender Schwall an schlichtweg schrecklichen Dialogen, der die halbwegs tolerierbaren Darbietungen der altgedienten Schauspieler lautstark übertönt, während alle anderen positiven Attribute, die er hätte haben können, durch das unerträglich niedrige Tempo und die konvolutierte, mäandernde Handlung verloren gehen.

Kürzlich aus dem Gefängnis entlassen, sinnt Wilson (Robert Forster) auf Rache. Ein Banküberfall im Mittleren Westen dient als Tarnung, um seinen alten Partner Mackey (Robert Loggia) zum Mitwirken zu animieren. Wilson rekrutiert auch den Gefängnisbusfahrer Lee Marvin (Richard Roundtree), um das Team für seinen großen Plan zu komplettieren. Unterdessen trifft eine Bande von Außenseitern in ihren Zwanzigern, die sich durch Saufen, Schimpfwörter und Schwulenwitze hervortun, auf weitere skurrile Gestalten, die sich in vergleichbar widerwärtigen Wortgefechten ergehen, was dazu führt, dass sie versehentlich einen Plan aushecken, um eine Bank in Arizona auszurauben.

Mit seiner düster-komödiantischen Eröffnungsszene, die vor vielversprechender Energie strotzt, und einem peppigen Soundtrack hätte niemand die rasante Abwärtsspirale vorhersagen können, in die sich "Wild Seven" hineinspült. Von den geschmacklosen, beschämend unreifen Dialogen voller unintelligenter rassistischer Verunglimpfungen bis zu den gefühlt stundenlangen Intrigen, die zu nichts führen, gibt es nur etwa zwei bedingt unterhaltsame Abschnitte in der gesamten Produktion. Peinlicherweise schlägt James M. Hausler den Weg der meisten Amateurfilmer ein: Er will der nächste Quentin Tarantino der Welt werden. Doch seine Anstrengungen, Film- und Schnittstile zu kopieren oder die Charakterentwicklung durch ausschweifende Konversationen voranzutreiben, muten selten wie pathetische Imitation an. Zu allem Elend ist nichts von dem, was gesprochen wird, auch nur im Entferntesten interessant, provokativ oder in sonstiger Weise für den Betrachter ansprechend. Wenn die Akteure sich nicht auf ihre Wirkung verlassen, sollten ihre Texte umso deutlicher hervorstechen und etwas Großartiges erzählen. Aber hier tun sie dies eben nicht.

Der für den Academy Award nominierte Robert Forster weiß, wie man schauspielert, aber das reicht nicht aus, um "Wild Seven" vor seiner aufgedunsenen Ensemblebesetzung oder seiner ausgelutschten Prämisse zu retten. Unbegreiflicherweise gibt es in "Wild Seven" acht Hauptfiguren: drei alte Säcke, fünf junge Kriminelle und null Personen von Interesse. Wilson ist ein Ex-Sträfling, der einen Raubüberfall plant, um sich zu rächen, Lee ist ein Ex-Sträfling, der scheinbar nichts mit Wilson zu tun hat, ihn gerade erst kennengelernt hat, aber dennoch zustimmt, an dem Raubüberfall teilzunehmen, und Mackey ist der Großkotz, den alle umbringen wollen. Von den fünf aufmüpfigen Teenagern hat nur einer eine wahrnehmbare Persönlichkeit, und das auch nur, weil er unendlich nervtötend ist. Es ist unwichtig und trivial, was mit diesen Beteiligten geschieht. Dem Betrachter bleibt es nicht nur gleichgültig, sondern der Film leistet auch vorbildliche Überzeugungsarbeit, indem er die ganze Chose nicht expliziert. Zusammen mit einem lachhaft gefakten Skorpion und einem der denkbar schlimmsten, wirrsten und doppeldeutigsten Enden, die je auf Zelluloid gebannt wurden, ist "Wild Seven" ein kompletter, unbestreitbarer und irreparabler Reinfall.

"Predator 2" von Regisseur Stephen Hopkins spielt im Jahr 1997 in Los Angeles, wo die Temperaturen 109 Grad erreichen. Ein außerirdischer Trophäenjäger kreuzt im Betondschungel auf, um eine Auswahl menschlicher Krieger zu erlegen. Auf den Straßen ist ein Krieg zwischen kolumbianischen und jamaikanischen Drogenbossen in vollem Gange, in dem sich mit Maschinengewehren bewaffnete Gangster duellieren und dabei jede Menge Kollateralschäden verursachen. Die Strafverfolgungsbehörden sind unterlegen, aber Lieutenant Michael R. Harrigan (Danny Glover) und die Detectives Danny (Ruben Blades) und Leona (Maria Conchita Alonso) setzen alles daran, die Ausschreitungen zu verhindern. Doch als sie das Hauptquartier der Scorpion-Gang erreichen, sind alle rivalisierenden Mafiosi tot, ohne dass Kugeln verwendet wurden, bevor der Angreifer sich unbemerkt an den Polizisten vorbeischleicht.

DEA Special Task Force Agent Peter J. Keyes (Gary Busey) wird die Zuständigkeit für die Bandenkämpfe übertragen, angeblich um zu verhindern, dass King Willie (Calvin Lockhart), der Voodoo-Priester der örtlichen 'Posses', die gesamte Westküste an sich reißt. Doch schnell wird klar, dass Keyes mit all seinen technischen Spielereien kein FBI-Agent ist, und dass der Neuankömmling in der Stadt nicht nur ein menschliches Wesen ist. Harrigan will den Morden und Keyes' wahren Motiven auf den Grund gehen, aber seine Mission wird von seinen Vorgesetzten erschwert und wird zu einer qualvollen, persönlichen Angelegenheit, als Danny von der außerirdischen Bestie getötet wird.

Wie der erste Film beginnt auch "Predator 2" mit einer spektakulären Actionsequenz, die versucht, die gewaltige Menge an verbrauchter Munition des Vorgängers zu übertreffen. Doch dieser Neuheit fehlt der Charme, den Arnold Schwarzenegger und seine Muskelprotze bei ihrer heroischen Rettungsaktion an den Tag legten - der Bandenkrieg hat etwas Unspezifisches und Empathieloses an sich. Es wird auch viel Blut vergossen, denn die Intention ist ganz deutlich eine Melange aus Horror und Action.

Eine stereotyp chaotische Polizeistation ist die erste von vielen nahezu komödiantischen Einlagen, gefolgt von einem U-Bahn-Gimmick, bei dem jeder Pendler eine Handfeuerwaffe entdeckt, um einen Raubüberfall zu vereiteln, was zu einem atmosphärischen, aber auch irritierenden Angriff aus dem Hinterhalt führt, und einer kleinen alten Dame, die durch die improvisierte Selbstoperation des Predator gestört wird. Bill Paxtons hitzköpfiger Cop Jerry Lambert bietet nichts als Comedy, während Gary Busey nicht so taff und seriös wirkt, wie er sein sollte. Auch Danny Glover ist weit davon entfernt, ein gebührender gefürchteter Soldat zu sein, vielmehr darf er nur bei einigen Anlässen am Leben bleiben, obwohl sein schauspielerisches Talent einem Schlachtfeld voller schemenhafter Soldaten etwas Leben einhaucht. Die sensationelle Filmmusik von Alan Silvestri wird zum Glück wiederverwendet und bringt Spannung und Ernsthaftigkeit in die ansonsten generischen Monsterfilm-Szenarien.

Die Spezialeffekte haben sich seit dem ersten Film nicht wesentlich verbessert, und die chamäleonartige Tarnkappe ist immer noch nicht zufriedenstellend, aber der Predator bekommt ein paar neue Accessoires, eine verfeinerte Technologie und einen weiteren Aktionsradius. Ein Computerverfolgungs- und -überwachungssystem lehnt sich stark an "Aliens - Die Rückkehr" an, und ein unterbrechender Sonderbericht in den Nachrichten ähnelt Konzepten aus "Robocop", aber ein Angriff auf ein Schlachthaus und eine clevere Wendung des erkennbaren Selbstzerstörungsmechanismus sind willkommene Ergänzungen. Jagdmuster, Gewohnheiten und Herkunft werden ebenfalls erklärt, und die letzten Momente an Bord des Raumschiffs werfen ein Licht auf die belustigende Tatsache, dass die anderen Alien-Franchises von '20th Century Fox' im selben Filmuniversum koexistieren...

Da mache ich doch gerne mit. Müssen es Weihnachtsfilme oder kann es auch ein Querschnitt sein?

1. Advent: -
2. Advent: dazlious
3. Advent: *frenzy_punk<3
4. Advent: ?

Nachdem Zombies, die durch einen grassierenden Virus entstanden sind, in "Train to Busan" ganz Südkorea überrannt haben, fliehen die verbliebenen Überlebenden in "Peninsula" von Regisseur Sang-ho Yeon in Panik zu den Häfen, um nach Japan oder Nordkorea zu entkommen, wo sie hoffen, Zuflucht vor den todbringenden Nagern zu finden. Jung Seok (Dong-Won Gang) und die Familie seiner Schwester (So-yeon Jang) schaffen es, an Bord eines solchen Schiffes zu gelangen, erfahren aber bald, dass sie nach Hongkong umgeleitet werden. Einer der Passagiere auf dem Unterdeck ist infiziert und verwandelt sich allmählich in einen blutgeilen Zombie.

Der klaustrophobische Zug nach Busan ist nun auf ein etwas breiteres Schiff auf See umgestiegen, wo sich fast die gleichen Tragödien abspielen. Schon in den ersten Minuten wird die Handlung von überdramatischen Todesfällen heimgesucht, die von praktisch der Schwerkraft trotzenden, breakdancenden Zombies angeheizt werden, die ohne nennenswerte Folgen mutieren und sich verrenken. Das Virus scheint sich bei den Menschen sehr unterschiedlich zu manifestieren. Doch dies ist nur die Einleitung - oder die Zusammenfassung. Die eigentliche Geschichte beginnt etwa vier Jahre nach dem ersten Zombie-Ausbruch, als Jung und der Ehemann seiner toten Schwester, der inzwischen in Hongkong gestrandet ist, beschließen, das fehlende Geld aus einem Lastwagen zu bergen, um eine Rückkehr auf die Halbinsel zu finanzieren, wo es Gerüchte gibt, dass die südliche Region ein isolierter Zufluchtsort sein könnte. Dafür haben sie nur drei Tage Zeit und erhalten dafür einen Betrag von mehreren Millionen Dollar.

Jungs vierköpfiges Team findet zunächst ein verlassenes Auto, mit dem sie durch eine postapokalyptische Einöde fahren, in der Gebäude und Fahrzeuge kaputt sind, die verrottende Natur die marode Infrastruktur übernommen hat und die allgegenwärtige Geräuschlosigkeit nur durch die spitzen, schrillen Kreischanfälle von aufgeputschten Zombies gestört wird. Es gibt zwar einige Grundregeln, wie beispielsweise, dass die Menschenfresser nachts oder bei Dunkelheit blind sind, aber es gibt auch einige Ungereimtheiten, wie etwa die Frage, was genau erforderlich ist, um schlafende Untote zu wecken, seien es irgendwelche Klänge, die Annäherung an sie oder menschliche Körperwärme. Doch es sind nicht nur die lebenden Toten, die zu Konflikten führen. Die menschlichen Charaktere verursachen größeres Chaos und verkörpern mehr furchterregende Arten des Bösen, vertreten durch den dämlichen, mitleidlosen Sergeant Hwang (Min-Jae Kim) und den durchgeknallten, schwermütigen Captain Seo (Gyo-hwan Koo).

Neben der zu erwartenden massiven Gewaltexzesse kommt auch der Humor nicht zu kurz, vor allem durch einen exzentrischen alten Kommandanten (Hae-hyo Kwon) und seine Enkelinnen Jooni (Re Lee) und die frühreife Yu Jin (Ye-Won Lee), die ihre Situation nicht ernst zu nehmen scheinen - im Gegensatz zu ihrer strengen Mutter Min Jung (Jung-hyun Lee) schaffen es die beiden mit Spielsachen und sarkastischen Dialogen, ihr morbides Dasein zu beleben. Allerdings rücken grausame Nebenhandlungen wie Gladiatorenspiele und sich bekriegende Militärfraktionen die Handlung immer wieder in die Nähe von "The Walking Dead" und anderen etablierten Zombie-Serien. Leider liegt das größte Manko von "Peninsula" darin, dass der Film es nicht versteht, sich von den bisherigen und noch laufenden Franchises zu differenzieren. Kaum etwas mutet hier originell an.

Der auf Zombies basierende Horror ist immer noch passabel, die natürlichen Darstellungsformen funktionieren besser als die weitaus vorherrschenden digitalen Bildfolgen, doch die Darsteller und ihre Szenarien haben alle Mühe, als etwas anderes zu gelten als ergänzende Kapitel einer altbekannten Geschichte. Die Protagonisten sind liebenswert und die Antagonisten verachtenswert, aber auch nur deshalb, weil sie so sein sollen. Ihre Aktionen und Charakterzüge lassen selten etwas Komplizierteres oder Nuancierteres erkennen. Das Finale ist zwar teilweise spannend, aber das Setting ergibt keinen Sinn. Ein "Mad Max"-Gefühl beschleicht einen, mit so viel Superanimation, dass die Hetzjagden wie in einem Konsolenspiel aussehen. Dabei wird der Fokus über Gebühr und unnützerweise auf den Hauptbösewicht gelegt, als wäre er der Wichtigste in diesem Film. Zudem bestätigt eine pathetisch überdramatisierte Todesszene, die eine entsprechende Stelle aus dem Vorgänger "Train to Busan" wiederholt, den Verdacht, dass dieses Sequel schlussendlich wenig zu bieten hat, was die Expansion des Portfolios oder die Implementierung brauchbarer innovativer Konzeptideen anbelangt.

In "Train to Busan" von Regisseur Sang-ho Yeon veranlasst ein winziges Leck im Biotech-Viertel die Regierung, eine Quarantänezone am Jinyang-Stausee einzurichten, die den Verkehr einschränkt und die Anwohner verärgert. Das Problem wird jedoch noch gravierender, wenn die verschüttete Chemikalie bei Wildtieren einen beachtlichen Nebeneffekt hervorruft: Sie können sich erholen und wiederbeleben, selbst wenn sie normalerweise lebensbedrohliche Verletzungen erlitten haben. Im Grunde verwandelt es ehemals lebende Organismen in Zombies.

In der Zwischenzeit müht sich Seok-woo (Yoo Gong) bei der Arbeit ab, verwaltet Gelder für eine typische blutsaugende Karriere und kämpft darum, genug Zeit mit seiner kleinen Tochter Su-an (Su-an Kim) zu verbringen, die ihn dazu drängt, ihre Mutter zu besuchen. Seok-woo und seine Frau leben schon seit einiger Zeit getrennt, da sie ihre Differenzen nicht beilegen konnten. Am nächsten Morgen erklärt er sich bereit, seine Tochter mit dem Zug 'KTX 101' nach Busan zu bringen, wo ihre Mutter Seong-kyeong (Yu-mi Jung) lebt. Die Fahrt dauert nur etwa eine Stunde, ist also nur eine kleine Unannehmlichkeit.

Was ein normales Familiendrama hätte sein können, wird zu etwas völlig anderem, als ein blutüberströmter Teenager in letzter Sekunde an Bord des abfahrenden Zuges sprintet. Obwohl die Quarantänezone und einige verdächtige Überreste zu Beginn des Films eine Andeutung waren, nimmt das Tempo des Films mit dem ersten Zombieangriff merklich zu. Die Opfer werden angegriffen, angefressen, teilweise verzehrt und erwachen dann selbst wieder zum Leben. "Beeilt euch! Rennt!"

In dieser modernen, grafischen, brutalen und actiongeladenen Version einer Zombieinvasion sind die Antagonisten flink, robust und unglaublich geschwind. Es hält die Spannung aufrecht, wenn die Killer so gut darin sind, ihre Beute zu jagen. Mit vielen Unwägbarkeiten, der Einbeziehung eines Kindes als eine der Hauptfiguren sowie einer schwangeren Frau, wenigen Erklärungen, verlassenen Gebäuden und der Tendenz, dass Zombies aus dem Nichts auftauchen, ist dies definitiv ein Film, der den Betrachter in einen Rausch versetzen wird. "Die Leute werden wahnsinnig!"

Viele der Konzepte sind zwar meist Horror, bieten aber auch Gelegenheit, die Unfähigkeit der Regierung zu kommentieren, mit weit verbreiteten Problemen wie einer sich schnell ausbreitenden Epidemie oder Pandemie umzugehen. Protokolle sind unbekannt oder werden ignoriert, und es herrscht die Angst. Doch es gibt auch das Potenzial für Mitgefühl im Angesicht von Panik und Großzügigkeit als Gegengewicht zu egoistischem Überlebenstrieb, das sich in Su-ans Unschuld und Sorge um andere und ihrer Bereitschaft, auf Selbsterhaltung zu verzichten, um Fremden zu helfen, widerspiegelt, ebenso wie in den Notizen über die Opfer, die Eltern für ihre Kinder bringen, einige mehr als andere unüberlegt. Hier ist Teamarbeit unerlässlich.

Natürlich können Menschen auch schwierige Umstände nutzen, um ihre niederen Seiten zu zeigen, und dieser Film scheut sich nicht, die scheinbar inhärenten Übel reicher, privilegierter Unternehmenstypen in einem schockierend erfolgreichen Ausmaß zu thematisieren. Wie in den meisten Horrorfilmen können die Menschen genauso böse sein wie die übernatürlichen Feinde, vor allem, wenn die Pöbelmentalität rationale Bürger ansteckt. Doch der Heroismus, die spektakulären Stunts, die Action, die verstörenden Situationen und die schonungslose Zombie-Gewalt werden wohl die denkwürdigsten Faktoren sein.

"Cloverfield" von Regisseur Matt Reeves ist eine Übung in Panik, Beklemmung und Verstörung in einem, und ein Paradebeispiel dafür, warum Ich-Erzählungen mit Handkamera oft zu vorhersehbar enttäuschenden Resultaten führen. Doch abgesehen von den Kontroversen um die Handlung ist der Film ein elektrisierender, wenn auch kurzlebiger Ritt voller Spannung, Horror und Spezialeffekte. Wenn die abrupten Schnitte und hastigen Zooms keine Migräne verursachen, so schärfen sie doch die Sinne des Betrachters in dieser erschreckend authentischen Nachstellung des Überlebens eines Monsterangriffs in New York - ein Szenario, das man schon oft im Kino gesehen hat. Der Film ist wahrscheinlich so dicht an der Realität, wie man sie nur bekommen kann.

Nach der 'Cloverfield'-Katastrophe wird ein Band sichergestellt, auf dem eine Gruppe von Partygästen die letzte Nacht feiert, in der Rob Hawkins (Michael Stahl-David) in der Stadt ist, bevor er nach Japan abreist. Er ringt mit einer diffizilen Beziehung zu seiner hoffnungsvollen Freundin Elizabeth McIntyre (Odette Yustman), während sein bester Freund Hud (T.J. Miller) alle Aktivitäten des Events auf Video aufzeichnet. Während die Gruppe versucht, den frustrierten Rob aufzumuntern, wirbelt eine Explosion in der Nähe die Feiernden durcheinander, und bald sind die Straßen unter ihrer Suite in Manhattan mit Trümmern und dem abgebrochenen, enthaupteten Kopf der Freiheitsstatue übersät. Als die Armee anrückt, um die verängstigten Zivilisten zu evakuieren, beschließt Rob, tiefer in das Kriegsgebiet vorzudringen, um Beth zu helfen, die in einem eingestürzten Wohnhaus gefangen ist. Hud, Lily (Jessica Lucas) und Marlena (Lizzy Caplan) begleiten ihn und decken unwissentlich die schockierenden Gräuel auf, die zur massiven Zerstörung der einst großartigen Stadt geführt haben.

"Cloverfield" überzeugt auf vielen Ebenen, doch am wichtigsten ist die meisterhafte Inszenierung der Atmosphäre. Aufgrund der exzellenten Spezialeffekte, der brillanten Kulissen und der sehr wackeligen Kamera hat der Betrachter das Bedürfnis, gemeinsam mit den Filmfiguren vor der gigantischen Gefahr zu fliehen. Geschickte Schnitte und fließende Übergänge sorgen für ein straffes Pensum, während die Angst vor einem unentrinnbaren Schicksal das erschwerende Geschehen dominiert. Hysterische Menschenmengen, zerstörte Straßen und eine unzureichende Militärpräsenz tragen dazu bei, den Realitätssinn eines verheerenden Angriffs auf eine bevölkerte Stadt aufrechtzuerhalten, auch wenn der Urheber völlig frei erfunden ist. Wäre da nicht die kolossale Kreatur, die durch die Szenerie rast, hätte "Cloverfield" seine Sci-Fi-Herkunft vielleicht gar nicht verraten und sich stattdessen auf die viel leichter nachvollziehbare Angst vor dem Unbekannten konzentriert.

Das Monster selbst ist einer der einzigen Kritikpunkte von "Cloverfield". Aus der Distanz und bei kurzen flüchtigen Blicken, bevor es hinter Wolkenkratzern verschwindet, bietet das hinkende Ungetüm genug Ehrfurcht, aber bei näherer Betrachtung, insbesondere beim Finale, wirkt das Konzept zu sperrig und offenbart eine forcierte, unkomfortable fremdartige Strukturierung. Das Monster, das sich mit dem schwerfälligen Gleichschritt einer Vampirfledermaus auf dem Boden bewegt, evoziert auch die Vorstellung eines riesigen, kahlrasierten Weltraum-Affen. Viele dieser Details sind jedoch auf den infantilen Zustand und die mangelnden Fähigkeiten der Kreatur zurückzuführen, die nur durch Gespräche hinter den Kulissen mit dem Kreaturendesigner Neville Page erreicht werden können. Merkwürdige, rote, pulsierende Kugeln auf seinem Kopf passen auch nicht dazu und konterkarieren eindeutig eine Mimik des Terrors. Hier ist weniger manchmal wirklich mehr.

"Bambi" von Regisseur David Hand beginnt mit einem imponierenden Schwenk über mehrere Ebenen von Waldelementen: Bäume, Wasser, durchscheinende Hintergrundfarben, eine verschlafene Eule, ein dösendes Eichhörnchen und hungrige Vogelbabys sind nur einige der farbenfrohen Bewohner, die zunächst in diesem dichten Waldstück zu sehen sind. Diese Wesen unterscheiden sich nicht allzu sehr von Disneys kurzen Zeichentrickfilmen und sehen eher wie typische anthropomorphe Kreaturen als echte Tiere aus. Die Einführung des neugeborenen 'Bambi', des Rehkitzes, ist jedoch etwas besser, da es weniger übertrieben aussieht als die anderen, trotz seiner übergroßen Augen, die ein klassischer Bestandteil niedlicher Designs sind.

Während 'Bambi' unbeholfen durch das Land wandert und sich mit einer Vielzahl von Tieren vertraut macht, trifft er auf 'Thumper', das Kaninchen, einen übermäßig lauten, kritischen Kerl, der das langbeinige Jungtier ermutigt, zu erkunden, zu springen und zu sprechen, während er ihm eine Reihe von Allgemeinplätzen über Höflichkeit und das Wiederholen von Sprüchen eines Vaters beibringt, den man nie zu Gesicht bekommt. Es ist nicht die glaubwürdigste Entwicklung, aber sie etabliert zwei Teile eines bald unzertrennlichen Trios, zu dem auch ein Stinktier namens 'Flower' gehört. Wie von Disneys abendfüllenden Animationsfilmen nicht anders zu erwarten, dauert es nicht lange, bis sich eine auffällige, tragische und - vor allem für jüngere Betrachter - traumatische Episode ereignet. Aus der Sicht eines Kindes ist dies sicherlich eine bissige Anti-Jagd-Botschaft. "Es könnte gefährlich sein."

Vor dem unvergesslichen Zwischenfall auf einer verschneiten Lichtung bleibt viel Zeit zum Toben und Spielen auf der Wiese und auf einem zugefrorenen See, und 'Bambi' trifft seine perfekte Partnerin, die Hirschkuh 'Faline'. Die Jahreszeiten kommen und gehen, und die These, dass der Mensch der ultimative Feind ist, wird immer wieder aufgestellt. Doch das Donnern eines Gewehrs, das 'Bambi' von seiner Mutter trennt, als sie in das Gestrüpp fliehen, bleibt erschütternder als die Fülle der Heiterkeit davor. Es wird nur wenig über diesen Kataklysmus gezeigt, aber das Konzept ist stark und regelmäßig das meistdiskutierte Thema in diesem Waldepos.

Die Charaktere selbst singen nicht viel, aber im Hintergrund laufen Chorarrangements, die verschiedene Situationen wie einen Aprilregen und den Beginn eines neuen Frühlings akzentuieren. Diese Sequenzen sowie die Tiere und Elemente der Natur, die sich rhythmisch zum Klirren von Zimbeln oder zum Blasen von Trompeten bewegen, wecken Assoziationen zu "Fantasia", dem vielleicht besten Beispiel für die Vermählung von Musik und Animation. Der orchestrale Soundtrack ist fraglos ein wichtiger Bestandteil, der die Atmosphäre bestimmt, eine Vorahnung vermittelt oder Affekte intensiviert.

Mit seinen wenigen Dialogen gelingt es "Bambi", eine bewegende Geschichte vor allem durch die bildliche Sprache zu vermitteln. Einige dieser künstlerischen Sequenzen sind ganz speziell, von einer Szene, in der Blätter in einen Bach fallen und Wellen in einer Spiegelung verursachen, bis hin zu einer mürrischen Eule, die doppelt (oder fünffach) sieht, nachdem ihre Sehkraft beeinträchtigt wurde. Selbst der Moment, in dem der erwachsene 'Thumper' ein attraktives weibliches Kaninchen erspäht, ist beeindruckend in seiner hochkomischen Komposition, die sich sowohl in 'Flowers' romantischem Interesse als auch in 'Bambis' Tagträumen von 'Faline' während eines ausgedehnten Abschnitts widerspiegelt, in dem die Auswirkungen von 'Gezwitscher' demonstriert werden - ein skurriler Terminus, der sich trotz seiner Bedeutung in einer langlebigen Disney-Produktion nicht erhalten hat. Die Chronik des Lebenszyklus eines Rehs ist einfach, aber gerade diese Simplizität macht "Bambi" so liebenswürdig. Von der düsteren Berührung mit dem Tod über die Freude an der Liebe bis hin zu einer abenteuerlichen Flucht vor einem lodernden Feuer, von den Folgen eines amoralischen Mannes bis hin zu einer herzergreifenden Freundschaft - diese umfassende Reise ist voll von Dramatik, Spannungskraft und großer Zufriedenheit.

Die sofort bekannte Titelmelodie eröffnet "Doctor Sleeps Erwachen" von Regisseur Mike Flanagan, der 1980 in Florida beginnt, wo Rose the Hat (Rebecca Ferguson) ein weiteres Kind in ihre tödlichen Fänge lockt. Sie ist hübsch, aber bösartig und hat es auf Teenager abgesehen, die über besondere übernatürliche Fähigkeiten verfügen, um ihnen wie ein Vampir die Lebensenergie zu rauben, damit sie ewig jung bleiben kann. "Das Shining ist wie Essen."

Sie stellt sich dem kleinen Danny Torrance vor, dessen Erlebnisse im 'Overlook Hotel' während der Geschehnisse in "Shining" ihn immer noch heimsuchen. Ausgehungerte, verzweifelte, böse Geister suchen ihn oft heim, selbst nachdem er in eine normalere Kindheit in Cedar Key, Florida, geflohen ist - so weit weg, wie seine Mutter ihn von Colorado wegbringen konnte. Doch seine Gabe ist besonders ausgeprägt, und unter der Anleitung des Geistes von Dick Hallorann (Carl Lumbly), der wie Jiminy Cricket regelmäßig als Gewissen fungiert, entwickelt Danny einige wirksame Abwehrmechanismen in seinem Bewusstsein.

Jahre später, im Jahr 2011 in New Jersey, findet der erwachsene Danny (Ewan McGregor) immer noch nicht zur Normalität zurück und greift häufig zum Alkohol, um seine zahlreichen psychischen Probleme zu ertränken. Er ist ein Durchreisender, der selten lange an einem Ort bleibt, bis er in Frazier, New Hampshire, auf den gutherzigen Billy (Cliff Curtis) trifft, der ihm eine Bleibe anbietet. Dies führt ihn zu einem Job als Krankenpfleger bei Dr. John Dalton (Bruce Greenwood), wo die Arbeit in einem Hospiz an der Tagesordnung ist. Schließlich kann Danny wahrnehmen, wenn Menschen im Sterben liegen, und tröstet sie während ihres Ablebens mit einer beruhigenden Gelassenheit, die ihm den Spitznamen 'Doctor Sleep' einbrachte. Dann vergehen 8 Jahre wie im Flug und Danny ist zum ersten Mal in seinem Leben abstinent, gesund und ausgeglichen. Doch als Rose the Hat und ihre sektenartige Bande von seelensaugenden, dämonischen, humanoiden Zigeunern die Existenz der Teenagerin Abra Stone (Kyliegh Curran) entdecken, die über ein ungewöhnlich mächtiges 'Shining' verfügt, wird Danny wieder in eine Arena von Gespenstern und Killern hineingezogen, die sich nur in dem seit langem verlassenen, mit Brettern vernagelten 'Overlook Hotel' zuspitzen kann. "Läufst du vor irgendetwas davon?"

Der erste Fehler, den viele Betrachter machen, wenn sie sich "Doctor Sleeps Erwachen" nähern, besteht darin, eine Fortsetzung von "Shining" zu erwarten, die auf dem gleichen Niveau wie Stanley Kubricks Meisterwerk ist. Dieses Sequel ist ein ganz anderer Film, der eine vollkommen eigene Geschichte erzählen will. Zunächst einmal ist das 'Shining' komplexer und besser definiert, was sich in spezifischen Fähigkeiten wie Superkräften niederschlägt, die in Bereiche wie Telekinese, Gedankenkontrolle, Gedankenlesen, Hellsehen, Hypnotisieren und ähnliches untergliedert werden können. Es ist ein bisschen wie die Macht aus "Krieg der Sterne", nur mit einer boshafteren Schlagseite.

Die vielleicht wichtigste Abweichung von Stanley Kubricks Original ist jedoch die Herangehensweise an den Horror. Von Anfang an gibt es hier unzählige Jump-Scares. Mike Flanagan ist nicht daran interessiert, das Grauen durch Atmosphäre und Charakterentwicklung aufzubauen, sondern er entscheidet sich dafür, direkt in die unheimlichen Bilder einzutauchen, die durch pochende Herzschlaggeräusche und kreischende Geigen ergänzt werden, um vor eindeutigen Angstmomenten zu warnen. Es gibt einfach keine Subtilität in diesem Horror. Außerdem weicht der Verzicht auf präzise Erklärungen des ersten Films hier erklärbaren Details, die Danny Torrances Methoden beschreiben, mit der Gabe/dem Fluch seiner Fähigkeiten umzugehen und sie zu kontrollieren, nicht anders als in "The Sixth Sense" und der Tatsache, dass er als Außenseiter gilt. Und damit einher geht ein ziemlich tiefgründiger Beitrag über Tod und Sterblichkeit und die Art und Weise, wie er Angst in Güte verwandelt, um den Geistern und anderen transzendenten Kommunikatoren, die ihn plagen, zu helfen oder sie zu bändigen.

"Doctor Sleeps Erwachen" neigt ebenfalls zu mörderischem Mystery-Thrill und dunkler Fantasie, manchmal sogar mehr als zu offenkundigem Horror. Es ist besonders spannend zu sehen, wie die Gepeinigten zu Peinigern werden, wenn sie den Spieß gegen übernatürliche Feinde umdrehen. Das Erzähltempo hätte zwar etwas strikter sein können, denn der Film ist sogar ein paar Minuten länger als sein Vorgänger, aber der Höhepunkt im 'Overlook Hotel' ist wirklich grandios. Die Antagonisten haben es nicht leicht, und es gibt keinen besseren Ort für einen Showdown als die von Terror geplagten, geisterverseuchten und bluttriefenden Wände des renommierten Urlaubsortes. Die Hommagen und Vertraulichkeiten sorgen für jede Menge Spaß, denn sie bringen identische Kameraperspektiven, Locations, Charaktere und mehr zurück, während das Gute das Böse mit einer Axt, einer Schreibmaschine und einem Heckenlabyrinth bekämpft. Der Schluss ist adäquat und zufriedenstellend, obwohl er einen Film abschließt, der unmöglich kopieren kann und mitunter auch nicht versucht, was Stanley Kubrick einst vollbrachte. "Doctor Sleeps Erwachen" funktioniert am besten als alleinstehendes Werk mit eigenem Charakter und eigener Zielrichtung, das auf "Shining" referiert, aber im Wesentlichen als eigenständige Publikation existiert.

In "Luca" von Regisseur Enrico Casarosa fahren zwei Matrosen zu einem tollen Angelplatz, doch einer hat Angst vor den Legenden über bösartige Seeungeheuer. Und tatsächlich: Innerhalb weniger Sekunden entwendet ein schleimiges, schuppiges Wesen mit Flossen ein paar Gegenstände vom Deck und erschreckt die Männer - ebenso wie das meerähnliche Geschöpf namens Luca Paguro (Jacob Tremblay). Wie sich herausstellt, ist Luca ein junger Meerjungmann in einer Zivilisation ähnlicher Lebewesen, die wie üblich ihren Pflichten als Fischzüchter, Krabbenfischer und Bauern nachgehen. Und sie haben genauso viel Angst vor den Landmonstern und ihren Booten wie die Menschen vor ihnen. "Der seltsame Fisch wird gefangen."

Luca sammelt allerlei heruntergefallenen, fremden Plunder und ist ständig wissbegierig auf das Leben über den Wellen, trotz der konstanten Warnungen seiner Mutter (Maya Rudolph) und seines Vaters (Jim Gaffigan). Als er den Meerjungmann Alberto (Jack Dylan Grazer) aus der Nachbarschaft trifft, der ihm offenbart, dass seine Spezies die Fähigkeit besitzt, sich an Land in einen Menschen zu verwandeln, ist Luca sehr angetan. Zum Glück dauert es nicht lange, bis er laufen, atmen, die Gravitation spüren, die Sonne anstarren, menschliche Gebäude erkunden, sich anziehen, neue Lebensmittel essen und sogar eine Vespa aus dem Nichts konstruieren kann. "Alles Gute liegt über der Oberfläche".

Die Geschichte spielt zwar in einer Küstenstadt an der italienischen Riviera und ist von der Musik, der Sprache, dem Stil und dem Milieu der Gegend beeinflusst, aber ein suspekter Kater mit Schnurrbart namens 'Machiavelli' ist einer der interessantesten Bewohner. Die Prämisse erinnert sofort an "Arielle, die Meerjungfrau". Der Umgangston ist lockerer und die Figuren sind jünger, wendet sich aber an einen ganz anderen Rezipientenkreis, so als würde er ein wenig mit "Findet Nemo" fusionieren, mit einer großen Odyssee und Hetzjagd vor Augen. Ähnlich verhält es sich mit der Idee der Freiheit von restriktiven Eltern und der Rebellion gegen solche elterlichen Kontrollbestrebungen, die mit dem antithetischen Status eines Waisenkindes kontrastiert werden, sowie mit althergebrachten Bräuchen, die einer Auffrischung bedürfen, auch wenn die Ambitionen sanfter und die Lovestory geringfügig sind. "Dein Leben ist viel cooler als meins!"

Die Themen Mobbing, Ausgrenzung, Teamwork, Akzeptanz, Freundschaft, einschließlich der Ableger von Eifersucht in der Kindheit, Rivalität und Besserwisserei, Erkundung und Bildung, Verrat und fehlgeleitete Vorurteile, die merkwürdigerweise an die Serie "Breaking Away" aus den 1980ern erinnern, werden mit viel Humor und Herz in einem triathlonähnlichen Rennen, das auf einem Fahrrad beginnt, behandelt. Die Anfangsphase fühlt sich sehr überhastet an, vor allem mit der Einführung der Meermenschen und ihrer fremdartigen Welt, aber es dauert nicht lange, bis der Spaß und die Emotionen in den Vordergrund treten. Leider sind selbst die bewegenden Elemente trotz einer Handvoll guter Sequenzen nicht besonders einfallsreich. "Irgendetwas ist bei euch beiden nicht in Ordnung."

Auf unerwartete Weise ist der Einsatz von Meeresungeheuern, die versuchen, sich unter die Menschen zu mischen, kaum notwendig und steht der Geschichte weitgehend im Weg. Die vermittelten Botschaften hätten auch ohne dieses märchenhafte Segment erzählt werden können, auch wenn die quirlige Dynamik und die fantasievollen Tagtraumsequenzen zu einer magischen Vorgabe beitragen. Jedenfalls ist der Rhythmus flott und der Aufbau der Handlung ansprechend, auch wenn die Aufklärung genauso hektisch ist wie der Anfang und daher nicht richtig funktioniert. Das Ergebnis ist eine einfache kleine Fabel, vielleicht zu schlicht, aber vergnüglich, besonders für ein Pixar-Werk.

Als Peter Van Garretts letzter Wille in "Sleepy Hollow" von Regisseur Tim Burton mit der Kutsche durch eine besonders dunkle und düstere Gegend gefahren wird, wird dem Kutscher der Kopf abgeschlagen, und der einzige Passagier muss sich in einem Maisfeld mit kürbisköpfigen Vogelscheuchen in Sicherheit bringen. Doch es ist eine schmerzvolle, temporäre Gnadenfrist. Ein Reiter mit einem unfassbar scharfen Schwert trennt dem armen Mann mit einem einzigen Schlag den Kopf ab.

Im New York des Jahres 1799 verlässt sich Constable Ichabod Crane (Johnny Depp, eine Fehlbesetzung, da er nicht in der Lage ist, Ichabod Crane anders als in seinen üblichen Rollen darzustellen) auf die Wissenschaft und modernste Techniken, um Morde aufzuklären, während der Rest der älteren Beamten in der Stadtwache Folter und antiquierte Prozeduren bevorzugt. "Ich trete für Vernunft und Gerechtigkeit ein!" Ichabod Crane besteht darauf, aber der Bürgermeister (Christopher Lee) befiehlt ihm, nach 'Sleepy Hollow' zu reisen, einer Stadt im Hinterland der Hudson-Inseln, die hauptsächlich von Holländern bewohnt wird. In der Bauerngemeinde sind bereits drei Menschen ermordet und enthauptet worden, was Ichabod Crane die perfekte Gelegenheit bietet, seine neumodischen Methoden der Detektivarbeit anzuwenden.

Als der trostlose Detektiv eintrifft, sieht er sich mit einer verdächtigen Ansammlung von puderperückentragenden Ältesten konfrontiert, darunter Baltus Van Tassel (Michael Gambon), Reverend Steenwyck (Jeffrey Jones), Magistrat Philipse (Richard Griffiths), Dr. Lancaster (Ian McDiarmid) und Notar Hardenbrook (Michael Gough). Lady Van Tassel (Miranda Richardson) und ihre Tochter Katrina (Christina Ricci) sowie ihr Verehrer Brom Van Brunt (Casper Van Dien) und eine Reihe besorgter Bürger bevölkern ebenfalls das belebte Gasthaus. Im Grunde ist jeder ein Tatverdächtiger. Doch Baltus Van Tassel ist überzeugt, dass der wahre Schuldige der Geist eines hessischen Söldners (Christopher Walken) ist, der vor langer Zeit selbst enthauptet wurde und nun aus Rache durch das Areal streift.

Basierend auf der bekannten Geschichte von Washington Irving, die vor allem in Disneys Zeichentrickfilm zur Geltung kommt, scheint dieses düstere, gotische Märchen wie geschaffen für Tim Burton. Brutale Gewalt, entsättigte Farben, die "Sleepy Hollow" einen fast schwarz-weißen Look verleihen, exzentrische Charaktere, Anklänge an das Übernatürliche, Fantasie- und Albtraumsequenzen und übermäßiger Nebel fühlen sich in Tim Burtons viel reiferer Neuauflage des Horrorklassikers geradezu heimisch an. Die Sets, die Ausstattung, das Maskenbild und die Kostüme sind außerdem außerordentlich, die kurzen Computeranimationen hingegen nicht. Sie verleihen der kurzweilig-gruseligen Stimmung, die gelegentlich mit krankhafter Komik aufgepeppt wird, eine visuelle Realitätsnähe.

Die Konzepte Aberglaube contra Pragmatismus, Hexerei gegen die Wissenschaft, Vernunft oder Glaube und Himmel beziehungsweise Hölle sind zwar interessant, aber sicher nicht außergewöhnlich, vor allem unter der Prämisse eines monströsen Killers oder eines furchterregenden Jägers, der 'Pumpkinhead' nicht unähnlich ist, doch reicht die Haupthandlung für einen ganzen Kinofilm offenbar nicht aus. Die Autoren sehen sich dazu bemüßigt, zusätzliche Nebenhandlungen hinzuzufügen, um die makabren Ermordungen und die Geisterlegende zu verkomplizieren. Es geht nicht nur um das mysteriöse Rätsel des Täters und die verworrenen andersweltlichen Verflechtungen, sondern auch um Ichabod Cranes leidvolle Vergangenheit, die seinen Drang nach technischer Bildung maßgeblich geprägt hat. Doch selbst wenn sich die konspirativen Verbindungen auflösen und die Verdächtigen einen nach dem anderen ihren Kopf verlieren, sind es die schöpferische Brutalität und das Dekor der Kulissen und Charaktere, die am meisten begeistern, ebenso wie der unerwartet actionreiche, aber geografisch nonsensisch krönende Abschluss.

In "The Wicker Man" von Regisseur Robin Hardy erhält Sergeant Howie (Edward Woodward), ein gläubiger Christ und strenger West-Highland-Polizist, der von seinen Untergebenen wenig Respekt erhält, einen anonymen Brief, in dem er um Hilfe auf der abgelegenen Insel 'Summerisle' gebeten wird, die zu einem Archipel gehört, das nur für seine Äpfel bekannt ist. Die 12-jährige Rowan, ein junges Mädchen, das nicht in der Lage ist, allein zu verreisen, wird seit vielen Monaten vermisst, sehr zum Leidwesen des unbekannten barmherzigen Samariters. Die Mutter, Mrs. May Morrison (Irene Sunter), wird angeblich angehalten, sich nicht an einer Suchaktion zu beteiligen.

Als Howie zu dem abgelegenen Ort gelangt, stößt er sofort auf den Widerwillen der Menschen, einen Fremden auf ihrem Privatgrundstück zu empfangen. Nachdem er ein Foto von Rowan im 'Green Man Inn' gezeigt hat, einer weiteren unwirtlichen Gegend voller ungastlicher Bewohner, ist der britische Offizier konsterniert, dass niemand das Mädchen zu erkennen scheint. In dieser Nacht wird er durch laute Musik, langsamen Gesang und die Laute der wollüstigen blonden Tochter des Barmanns, Willow MacGreagor (Britt Ekland), wach gehalten, die nebenan Geschlechtsverkehr praktiziert.

Am nächsten Morgen ist er noch empörter, als er Zeuge bizarrer Zeremonien, der Verehrung alter Götter, freizügiger Nacktheit und eines offenen Sexualunterrichts für Schüler wird. Auf Schritt und Tritt wird seine Autorität in Frage gestellt, er wird von missmutigen Zivilisten ausgebremst und trifft auf unkooperative Angestellte. Selbst die Mutter des Mädchens behauptet, sie habe noch nie etwas von Rowan gehört. Ein Treffen mit dem Gutsherrn (Christopher Lee) verwirrt Howie nur noch mehr, denn er hört sich heidnische Definitionen von paganer Spiritualität, okkulter Transmutation, Reinkarnation und barbarischen Vorstellungen von Jungfrauenopfern an sowie einen Verweis auf das am nächsten Tag beginnende Fruchtbarkeitsfest am 1. Mai, das sicher besonders anstößige Rituale beinhaltet, um die Göttinnen der Sonne und der Felder zu befriedigen.

Von Anfang an gibt es viel Musik, darunter zahlreiche Szenen, in denen die Figuren singen, tanzen, sich betrinken und allgemein verdorben sind, und noch wesentlich mehr in der Extended Version. Die Filmemacher versuchen eindeutig, den Betrachter genauso zu verwirren und zu verstören wie den Polizisten, und die unharmonische Mischung aus ausgelassener Musik und widerwärtigen Darstellungen erfüllt diesen Zweck. Befremdliche Bildnisse und seltsames Gebaren eröffnen jede Szene und geben den Ton und die Stimmung für ein schauerliches Mysterium an. Um die Atmosphäre noch erschreckender zu gestalten, gibt es ausdruckslose Tiermasken, obwohl der aufwändige Festzug mit all den sonderbaren Bräuchen und Kostümen so abwegig ist, dass er fast albern wirkt.

Die spezielle Wirkung wird durch ein Ensemble von scheinbar verrückten Fanatikern erzielt, die alle in eine irrsinnige Verschwörung verwickelt sind und die einzige Quelle der Besonnenheit bewusst auf Distanz halten. Es herrscht Spannung und Begeisterung, auch wenn das Tempo etwas langsam ist und die verzögerten Antworten ein wenig ärgerlich sind. Am Ende ist es ein klarer, sorgfältiger Ablauf bis hin zu einem großartigen, schockierenden, alarmierenden Finale, das die Macht der Mob-Mentalität, religiöse Intoleranz und die Gefahren irrationaler, extremisierter Glaubensvorstellungen auf beängstigende Weise veranschaulicht und an unvergessliche filmische Hexenkunst grenzt. Als genreübergreifender Kultklassiker ist "The Wicker Man" wegen seiner bemerkenswerten Authentizität und seiner Aussagekraft sehenswert, auch wenn sein Erbe stärker ist als seine tatsächlichen Minuten.

"Wir" von Regisseur Jordan Peele beginnt 1986, als die junge Adelaide (Madison Curry) bei einem Besuch des Santa Cruz Beach Boardwalk mit ihren Eltern ein traumatisches Ereignis erlebt, das einen Großteil ihrer Kindheit beeinflusst. Mehrere Dekaden später hat die erwachsene Adelaide Wilson (Lupita Nyong'o) nun eine eigene Familie. Ihr Mann Gabe (Winston Duke) und die Kinder Zora (Shahadi Wright Joseph) und Jason (Evan Alex) freuen sich auf einen Urlaub im Strandhaus der Familie, doch Adelaide ist besorgt. Eine Reihe ominöser Zufälle überzeugt die überfürsorgliche Mutter davon, dass jemand darauf aus ist, ihren Lieben wehzutun. Ihre Befürchtungen bestätigen sich, als in der Nacht ein Quartett von bedrohlichen Doppelgängern in ihrer Einfahrt auftaucht, die sich an den Händen halten und eine goldene Schere mit sich führen.

Die scheinbar unbedeutenden Handlungen eines Mädchens, das fernsieht, auf dem Rummel einen Preis auswählt oder am Strand spazieren geht, sind alle von Normalität durchdrungen. Aber mit Jordan Peele am Ruder haben selbst diese alltäglichen Aktivitäten etwas unverkennbar Gespenstisches an sich. Als die junge Adelaide auf eigene Faust loszieht, ahnt sie noch nicht, dass sie ein schreckliches und lebensveränderndes Schicksal ereilen wird. In diesen ersten Momenten ist der Spannungsaufbau meisterhaft, auch ohne die unerklärliche Überheblichkeit, die man oft in Horrorfilmen sieht. Jordan Peele weiß, wie man mit den Ansprüchen des Betrachters spielt. Während einiger Einführungsszenen passiert nicht viel, aber das Gefühl des Grauens wird immer intensiver. Eine gewöhnliche, vielleicht sogar ungewöhnlich glückliche Familie, die einen ruhigen Sommerurlaub genießt, hat sich noch nie so nervenaufreibend angefühlt.

Die Kamera verwendet lange, unangenehme, verweilende Aufnahmen von Gesichtern und Umgebungen, die das Beklemmungsgefühl noch verschärfen, so als ob sie auf ein unausweichliches, schockierendes Ereignis warten. Auch wenn dem Betrachter die typischen Jump-Scares verwehrt bleiben, gibt es doch einige an den üblichen Stellen, die umso wirkungsvoller sind. Die Manipulation ist hoch, aber sie ist keineswegs aufgesetzt, überzogen oder hart erzwungen.

Darüber hinaus hat Jordan Peele halluzinatorische Rückblenden, die oft absichtliche Ungenauigkeiten oder abrupte Schnitte, Spiegel und unvorhergesehene Reflexionen, sich wiederholende Bilder und Symbole, wieder auftauchende Orte und Figuren, plötzliche Geräusche und Bewegungen sowie eine wunderbar verstörende Vertonung von Michael Abels beinhalten. Zusätzlich enthält sein Skript eine kräftige Extraportion Komik, die häufig die Spannung so stark reduziert, dass es einige Minuten dauert, bis man wieder in den Horror versinkt. Doch der Humor ist meistens zutreffend und ergänzt die surrealen Komponenten. Vor allem Duke reagiert rational auf das Erscheinen von Unbekannten vor ihrem Haus, was einen deutlichen Kontrast zu Adelaides unkontrollierter Paranoia darstellt. Es ist eigentlich eine pfiffige Idee, die Hauptfigur mit den meisten ihrer Ängste allein fertig werden zu lassen und sie so von den Annehmlichkeiten des vernünftigen Irrglaubens zu isolieren. "Wir haben in letzter Zeit so viele verrückte Zufälle."

Während "Wir" die Konfrontation mit inneren Dämonen, eine Wir-gegen-Sie-Mentalität, die Vorstellung von zwei Seiten in jeder Person, perverse Konzepte von Dualität und Identität und die Unterdrückten, die den Spieß umdrehen, erforscht, wird der Betrachter, der an den sehenswerteren sozialen Kommentar von "Get Out" gewöhnt ist, sicher über die Ebenen dieses vielschichtigen Werks nachdenken und sie sezieren, und der psychologische Rausch wird absolut erheiternd. Die Bösewichte sind furchteinflößend und haben komplexe, kryptische Motive. Sie verbinden den Überfall auf ein Haus wie in "Funny Games" und "The Strangers" mit den übernatürlichen Ereignissen von "Auslöschung" oder sogar "Silent Hill". "Wir" funktioniert am besten, wenn der Rahmen intim ist und der Schatten auf die Familie Wilson beschränkt bleibt. Leider wird der Bogen zum Ende hin zu weit gespannt, so dass die Metaphern, der buchstäbliche Abstieg in den Wahnsinn und die Dynamik der Doppelgänger in den Hintergrund treten. Zu viel hängt von den letzten Informationen ab, so dass die Antworten in den Bereich der Fantasie abdriften, je mehr Teile des Geheimnisses ans Licht kommen und immer weniger Logik ergeben. Dennoch ist "Wir" ein technisches Kunstwerk, das optisch und funktional äußerst verblüffend ist. Dabei hilft zweifellos, dass die Darsteller hochkarätig sind, während Kinematographie, Bildgestaltung und Montage die extreme Tortur in sensationeller Manier bereichern.

"The Sadness", der erste Kinofilm von Regisseur Rob Jabbaz, stellt folgende Frage: Was wäre, wenn Zombies nicht nur hungrig und gewalttätig, sondern auch intelligent und pervers wären? Diese Frage wird mit viel Blut beantwortet. "The Sadness" mit seiner großen Pandemie-Metapher startet mit dem jungen Liebespaar Kat und Jim (Regina Lei und Berant Zhu), die in ihrer Wohnung in Taipeh aufwachen. Er bringt sie zur U-Bahn, trifft aber auf dem Heimweg auf die ersten Opfer des 'Alvin-Virus', von dem wir kurz zuvor in den Lokalnachrichten gehört haben.

Schwer auszumalen, was die Varianten 'Simon' und 'Theodore' anrichten könnten, denn wer an 'Alvin' kränkelt, greift andere mit allem an, was er in die Finger bekommt: mit siedendem Öl, Regenschirmen, Springmessern, Gartenscheren und mit seinen Zähnen. Zusätzlich zu ihren mörderischen Trieben haben sie auch sexuelle Gelüste. In beiderlei Hinsicht sind sie äußerst produktiv. Und sie sprechen darüber, bis man tot ist, was wahrscheinlich nicht mehr lange dauern wird.

Rob Jabbaz ist nicht gerade zimperlich mit seinen Möglichkeiten. Wo die meisten Regisseure die heftigeren Phasen von Sex und Gewalt wegschneiden würden, montiert er sie stattdessen ein und dann durch sie hindurch. Angeblich verbrachte das Effektteam drei Monate damit, Köpfe, die Blut sprühen, zerlaufen oder explodieren können, für einen vierwöchigen Dreh vorzubereiten. "28 Days Later", friss dein Herz, solange es noch schlägt.

Die trockene Rahmenhandlung besteht darin, dass Jim und Kat versuchen, sich wiederzufinden. Jim wird dadurch gehandicapt, dass ihm sein einst freundlich gesinnter Nachbar zwei Finger abgeschlagen hat. Kat wird von einem Geschäftsmann (Tzu-Chiang Wang) verfolgt, der schon unangenehm war, bevor er sich mit dem Virus angesteckt hat.

"The Sadness" erhielt enthusiastische Reaktionen auf verschiedenen Horrorfestivals und gewann den Preis für den besten Erstlingsfilm auf dem 'Fantasia Festival' in Montreal. Was die sexuelle Verkommenheit und die Gewaltdelikte pro Minute angeht, ist der Film kaum zu toppen. Als Beitrag zur aktuellen Pandemie ist er ein wenig zu ausufernd, um wirklich als Satire zu funktionieren. Ein seltener friedlicher Moment am Ende von "The Sadness", in dem ein Virologe erklärt, dass ihm sowieso niemand zuhören würde, verfehlt seinen Zweck. Den Rest der Zeit beißen sich alle die Nasen ab. Manche Betrachter werden die Bilder von Vergewaltigungen und Mordszenen nicht verkraften. Man kann lernen, einen gesunden Angstpegel im Kino zu würdigen, doch manche werden von ekelerregendem Horror regelrecht krank. Zartbesaitete sind gewarnt.

In "Cujo" von Regisseur Lewis Teague wird der friedliche Spaziergang eines kleinen Hasen durch den Wald durch die tosende Verfolgungsjagd eines großen Hundes jäh unterbrochen um einen unmittelbaren Kontrast zu schaffen. Das führt dazu, dass sich der Hase in einem umgestürzten Baumstumpf versteckt, während aufgebrachte Fledermäuse den schnüffelnden Bernhardiner beißen. So entsteht die nicht ganz geheime Grundlage für die Terrorherrschaft eines tollwütigen Tieres in einer kleinen Stadt in 'Maine'. Später wird seine drohende Aggressivität durch einen kurzen Clip mit Scooby-Doo und Plüschtieren visuell unterstrichen. 'Cujo' ist der Anti-'Jello' und die folgenden filmischen Schläge sind sicherlich bedrohlicher als alles in der Geschichte des goldenen Halbbluts, was natürlich auf die Grundlage des preisgekrönten Romans von Autor Stephen King zurückzuführen ist.

Der junge Tad Trenton (Danny Pintauro) wird in der Nacht von seiner Angst vor Monstern und der Dunkelheit geweckt und muss von seiner Mutter Donna (Dee Wallace) und seinem Vater Vic (Daniel Hugh-Kelly) getröstet werden. Während Tads Probleme auf eingebildeten Wahrnehmungen von Dingen beruhen, die in der Nacht spuken, sind Donnas Sorgen die Langeweile in ihrem Leben und eine anhaltende Affäre mit dem Familienfreund Steve Kemp (Christopher Stone). Als Vic davon erfährt, kommt es zu Schwierigkeiten, und er geht für zehn Tage weg, um sich auf seine Arbeit zu konzentrieren.

Bei der Reparatur von Vics Auto lernt er den Mechaniker Joe Camber (Ed Lauter) kennen, dessen Sohn Brett 'Cujo' gehört, einen sanften, aber wuchtigen Bernhardiner. Da man vermutet, dass 'Cujo' an Tollwut erkrankt ist, ändert sich sein Wesen und er greift schließlich Joes Freund Gary (Mills Watson) an, bevor er auch Joe Camber attackiert. Als Donna ihr Fahrzeug zum Mechaniker bringt, belagert der sabbernde Köter das festgefahrene Vehikel und lässt Donna und Tad ohne Proviant und ohne Aussicht auf Hilfe zurück, während ihr Wasservorrat schwindet und die Sonne erbarmungslos auf sie niederbrennt.

"Cujo" spielt zwar mit dem klassischen Horror von Monstern, indem er die Rolle des Antagonisten auf eine sehr glaubwürdige Kreatur ausrichtet, die beweist, dass Ungeheuer tatsächlich existieren können, und den Betrachter auffordert, sich nicht vor der Dunkelheit zu fürchten, aber er mischt auch den viszeralen Aspekt des Blutvergießens und die Furcht vor dem Ungewissen vor allem in 'Cujos' Taten mit ein. "Der weiße Hai" hat die Filmemacher eindeutig beeinflusst, nicht nur durch einen kurzen Verweis, sondern auch durch die Musik, den Schnitt, die Kameraperspektiven, die auf die Gliedmaßen hinunterschauen, und die unheilvollen Kulissen - dichter Nebel und dürres Geäst in grenzenlosem Dickicht ersetzen hier das endlose Wasser des Ozeans. Vermutlich waren Bernhardiner eine Zeit lang so unbeliebt wie Haie. Die grauenerregenden Schminkeffekte für den Hund, darunter tonnenweise klebriger Milchschaum, verwandeln das normalerweise liebenswürdige Haustier in eine erschreckende Bestie.

Wie auch in der Buchvorlage gibt es in "Cujo" mehrere Nebenhandlungen, die trotz der scheinbar kurzen Spielzeit von 90 Minuten viel Zeit in Anspruch nehmen: Donnas Betrug, Joe Cambers Missbrauch und der Lottogewinn seiner Frau, Vics Job in der Werbebranche und vor allem Steve Kemps Abneigung gegen Donna - all das lenkt von den Horrorelementen ab, die sich auf die Rache misshandelter Tiere oder das Thema der Amok laufenden Natur beschränken. In gewissen Momenten scheint es, als ob unvollkommene Individuen in einer verdrehten Form der Gerechtigkeit, in der das Überleben den Wert definiert, einer knurrenden Vergeltung gegenüberstehen. "Cujo" lehnt sich stark an den Roman an, auch wenn das Ende aus kommerziellen Gründen leicht verändert wurde, und die zugrunde liegenden Ideen von unzusammenhängenden Geschichten, der Unwägbarkeit des Lebens und zufälligen Resolutionen, die nicht auf eine zielgerichtete Handlung zurückgeführt werden können, wurden eindeutig nicht auf das Medium Film übertragen. Die Darstellung von Danny Pintauro ist derart authentisch, dass man den Verdacht hat, dass der kleine Junge wirklich traumatisiert wurde, um echtes Leid auf Band zu fangen, wohingegen Dee Wallace selbst glaubhaftes Entsetzen und Panik vermittelt. Doch am Ende ist "Cujo" trotz einiger wirksamer Szenen nicht ansatzweise so nervenzerreißend, wie er sein sollte, weniger facettenreich oder tiefgründig, und er wird von den meisten anderen Killertierfilmen jener Epoche deklassiert.

In "Venom: Let There Be Carnage" von Regisseur Andy Serkis ist das Leben von Eddie Brock (Tom Hardy) immer noch ein Chaos. Seine entfremdete Freundin Anne (Michelle Williams) geht ihm aus dem Weg, der Polizist Mulligan (Stephen Graham) verfolgt ihn wegen seiner Verwicklung in jüngste kriminelle Aktivitäten, und der brutale außerirdische Symbiont 'Venom' dringt weiterhin zu unpassenden Gelegenheiten in seinen Geist und Körper ein. Doch die Dinge beginnen sich für den vom Pech verfolgten Journalisten zu bessern, als der bald hingerichtete Serienkiller Cletus Kasady (Woody Harrelson) ihm anbietet, exklusiv über sein Leben und seine Verbrechen zu berichten, wenn er dafür kryptische Botschaften in der Zeitung abdruckt. Als 'Venom' auf Hinweise stößt, die zu Cletus Kasadys verstecktem Opferfriedhof führen, wird Eddie Brock als Held gefeiert, weil er den Familien einen Abschied verschafft. Wütend lockt der Irrsinnige den Reporter zu einem letzten Treffen, das ihm die Chance gibt, mit einem Teil von 'Venoms' DNA zu fliehen. Das Resultat ist die katastrophale Entfesselung des tödlichen 'Carnage', einer Symbiontenvariante, die darauf aus ist, alles zu zerstören, was Eddie Brock lieb und teuer ist.

Diese direkte Fortsetzung beginnt verwirrenderweise mit einem überstürzten Teil des Vorgängers, bevor sie in die Gegenwart wechselt, um die Hauptgegner zu rekapitulieren, die beide weit mehr Aufmerksamkeit erhalten als die Helden. Für diejenigen, die den Vorgängerfilm nicht kennen oder vergessen haben, ist diese Fortführung bestenfalls mäßig interessant. In den kurzen Szenen, die sich mit der aktuellen Situation befassen, tauchen Eddie Brock und 'Venom' gar nicht auf. Stattdessen werden sie sofort als Comedy-Duo präsentiert, wie ein weiterer Eddie Brock und sein nerviger, unzertrennlicher Kumpel aus "Falsches Spiel mit Roger Rabbit", die sich in witzigen Verunglimpfungen, schrägem Slapstick und cartoonhaftem Blödsinn ergehen.

Leider funktionieren Eddie Brock und 'Venom' immer noch nicht als effektives Filmteam. Die Dualität eines hirnfressenden Raubtiers, das den Körper eines sanftmütigen Reporters bewohnt, führt selten zu schallendem Gelächter. Ihr Geplänkel und ihre Machtkämpfe fallen im Grunde genommen in sich zusammen. 'Venom' ist etwas ergiebiger als ein böser, schalkhafter Jiminy Cricket, der seinem nichtsnutzigen Wirt ins Ohr flüstert, aber wenn sich die Muse in eine Masse von sich windenden Sehnen und Gliedmaßen verwandelt, ist das schockierend dumpf. Mit dem Aufkommen der grässlichen Ausgeburt verfliegt der geglückte Humor jedoch rasch.

Woody Harrelson und Naomie Harris (in der Rolle der verliebten Frances) verbringen die meiste Zeit des Films als bemitleidenswerte, modernisierte Gegenstücke zu Bonnie und Clyde, die darum kämpfen, keine bedeutungslosen Mörder, sondern überzeugende Serienkiller zu sein. Das Drehbuch ist schamlos uninspiriert und wird noch schwächer, als 'Carnages' Offenbarung mit der unerfreulichen Realität kollidiert, dass Mutanten bereits in der menschlichen Gesellschaft leben. Eine außerirdische Präsenz ist nahezu überflüssig. Und seine Zerstörungswut ist seltsam gewalthaltig, aber dank der Freigabe ab 12 nie grafisch, sondern bietet viel Unordnung, aber nichts Erschütterndes oder zum Nachdenken Anregendes.

Das größte Übel bei diesem Nachfolger ist jedoch wieder einmal die Computeranimation. Der Fokus liegt meist auf computeranimierten Wirbelstürmen, die für Actionsequenzen denkbar ungeeignet sind. Wenn es schwierig ist, das visuelle Gedöns zu sortieren, wird der Betrachter kaum ein Empfinden von Spannung oder Vergnügen wahrnehmen. Seltene, langsamere Momente der Gesichtsveränderung erweisen sich als weit überlegen und demonstrieren die Fortschritte in der computergestützten Bildgebung, aber wichtige Versatzstücke sind in erster Linie eine Unschärfe. Das Gleiche gilt für die sinnfreie Charakterentwicklung, die quasi nichts über das hinausbringt, was im ersten Film etabliert wurde. Es gibt hier niemanden, mit dem man sympathisieren kann, denn sie sind alle farblose, tragische Seelen, die sich mit Vernichtung und dem Chaos begnügen. Selbst die Liebesgeschichte von Eddie Brock läuft ins Leere und entmenschlicht die Figur des Eddie/Venom noch weiter. Am Ende, und das ist ein grober, inkonsequenter Schluss, wird klar, dass die Filmemacher keine Ahnung haben, was sie mit diesen Figuren und ihren Super-Antihelden-Fähigkeiten anfangen sollen.

Als der Enthüllungsjournalist Eddie Brock (Tom Hardy) in "Venom" von Regisseur Ruben Fleischer ein Interview mit dem Technologieriesen Carlton Drake (Riz Ahmed) führen soll, wählt er einen Kampf, den er nicht gewinnen kann. Anstatt sich über Drakes Weltraumforschung der 'Life Foundation' zu erkundigen, verfolgt er das wissenschaftliche Genie wegen unethischer pharmazeutischer Manöver, was dazu führt, dass Eddie Brock schnell seinen Job und die Beziehung zu seiner Verlobten Anne Weying (Michelle Williams) verliert. Monate später tritt eine verzweifelte Wissenschaftlerin, Dr. Dora Skirth (Jenny Slate), an Brock heran und bietet ihm Beweismittel für Drakes abscheuliche Praktiken an, was die Detektivarbeit des müden Journalisten wieder aufleben lässt, um den Missbrauch aufzudecken. Was er dabei entdeckt, ist weitaus schockierender als alles, was er sich hätte vorstellen können: Die Exkursionen der 'Life Foundation' in andere Welten haben außerirdische Parasiten hervorgebracht, mit denen Drake Versuche an Menschen durchgeführt hat. Bevor Brock mit den Beweisen für Carlton Drakes Gräueltaten entkommen kann, wird er von einer der Lebensformen angegriffen und infiziert, wodurch die Mutation, halb Mensch, halb Außerirdischer, bekannt als 'Venom', entsteht.

Der erste Akt von "Venom" spielt sich wie ein Zombiefilm ab, gespickt mit Horrorelementen, die einen gewissen Rahmen vorgeben. Es ist definitiv eine andere Sichtweise auf Superhelden, wenn man bedenkt, dass absichtliche Angstmacherei eine seltene Kombination für Marvels Universum ist. Natürlich handelt es sich nicht um einen traditionellen Marvel-Film, da Sony/Columbia nach wie vor die Kontrolle über Produktion und Vertrieb hat. Die Horrormomente verflüchtigen sich jedoch bald und werden durch die Dualität einer Buddy-Cop-Routine ersetzt, in der Heldentum und Schelmerei konstant im Gegensatz zueinander stehen. Auch die Komik kommt nicht zu kurz: Slapstickartige Irrungen und Wirrungen während der Integration des Wirts, die Anpassungsphase an 'Venoms' unbändigen Appetit, die Spannungen mit seiner Geliebten Anne und die düstere Stimme des Symbionten, der seine neu entdeckte Marionette steuert. An manchen Stellen gehen die Scherze so weit, dass die Filmemacher ihre Themen vielleicht etwas ernster hätten nehmen sollen.

Wie bei "Suicide Squad" muss der Antiheld dieses Projekts erlösend sein, denn nur wenige Betrachter würden einen grundbösen Charakter als einzigen Leitfaden für Drama und Abenteuer akzeptieren. Leider dauert es eine Weile, bis 'Venom' in der Form auftaucht, die es Eddie Brock erlaubt, sich mit sich selbst zu beschäftigen oder bewaffnete Schläger zu verdreschen, die versuchen, den kostbaren Außerirdischen zurückzuholen. Gut 20 Minuten sind den Einführungen gewidmet, die allgemeiner nicht sein könnten. Von der Organismusprobe, die über das menschliche Leben gestellt wird, über das Interview mit einem korrupten Milliardär bis hin zu einem Rendezvous, einer Montage der Fernsehsendung 'The Eddie Brock Report', einem Smalltalk mit einem Rezeptionisten und einer Führung durch die Einrichtung der 'Life Foundation' - die Dialoge sind alles andere als originell. Nur wenn der Begriff 'Fake News' auftaucht, wird der Betrachter eine Andeutung von etwas Ungewöhnlichem bemerken, auch wenn es sich dabei um eine weitgehend unpassende Formulierung handelt, die wahrscheinlich von der Phantastik der Science-Fiction-Geschehnisse ablenkt. Man muss in der Lage sein, sich ein Stück weit vom Glauben zu lösen, und dabei helfen diese Worte sicher nicht.

Eddie Brock ist von Anfang an unsympathisch, was es noch schwieriger macht, ihn als Protagonisten zu akzeptieren. Sein Egoismus und seine Willkür, getarnt als Mission zur Entlarvung von Korruption, werden durch eine steile Abwärtsspirale verschlimmert, in der er nicht mehr bereit ist, an der Moral festzuhalten, die er anfangs vorgab zu haben. Wie in diesen Filmen üblich, braucht er nur wenig, um eine Kehrtwende zu machen, vielleicht weil er die einzige Figur ist, die für diese Rolle vorgesehen ist. Dr. Dora Skirth wendet sich an ihn, um ihn über die anrüchigen Menschenversuche aufzuklären, doch er ist nicht in der Lage, ihre Informationen zu verwerten.

Nachdem sich der Horror und die Komödie verflüchtigt haben, geht "Venom" in einen Actionfilm über, in dem es von CG-Ranken und Schlamm nur so wimmelt. Die Gestaltung von 'Venom' ist faszinierend, wenn sich die Erregung genug verlangsamt, um die Komplexität seiner Gestaltwandlerfähigkeiten zu begreifen. Und genau diese frenetischen Qualitäten beeinträchtigen auch die Effizienz der Action-Choreografie. Ob Nahkampf oder Verfolgungsjagden, die hektischen Schnitte lenken nur von den Stunts ab - eine Motorradhatz durch San Francisco bietet immerhin einige beeindruckende Verwüstungen. Das trägt zur Mediokrität des Finales bei, das unter denselben Symptomen leidet wie "Wonder Woman": Wenn der actiongeladene Showdown ein computeranimiertes Chaos ist, wirkt er einfach nur unübersichtlich und nicht wie das sorgfältig inszenierte Duell, das er hätte sein können. Dennoch ist "Venom" ein respektabler Beitrag dazu, 'Venom' eine eigene filmische Episode zu geben und zu beweisen, dass er nicht in eine Nebenrolle oder als Antagonist eines anderen Superhelden verbannt werden muss.

In "From Dusk Till Dawn" von Regisseur Robert Rodriguez schaut Texas Ranger Earl McGraw (Michael Parks) bei 'Benny's World of Liquor' an der Route 66 vorbei, um mit dem Angestelltem Pete (John Hawkes) zu plaudern, der sich über Nadine und ihren mongoloiden Mitarbeiter im Diner beschwert. Sie erwähnen auch ein paar skrupellose Bankräuber und Mörder, die in Abilene, Texas, ihr Unwesen treiben und dem rachsüchtigen Gesetzeshüter begegnen könnten. Es stellt sich heraus, dass diese Killer, Seth Gecko (George Clooney) und sein jüngerer Bruder Richie (Quentin Tarantino), bereits im Laden sind und die Schreie zweier Geiseln ersticken.

Die von Quentin Tarantino geschriebenen Dialoge gehen sofort in die Vollen und mischen rasante Auseinandersetzungen mit beiläufigen Gesprächen, trivialen Betrachtungen und plötzlichen Gewaltausbrüchen. Die Ausgangslage hat einen gewissen Grad an unrealistischer Überintensität, noch bevor die jenseitigen Elemente eingesetzt haben. Quentin Tarantino verkörpert interessanterweise den psychotischeren, rabiateren der Gecko-Brüder, der zu aggressiven Gefühlsausbrüchen und peinlichen Phasen der Ruhe neigt. Beide sind es jedoch nicht wert, angefeuert zu werden. Dies sind keine Antihelden, sondern unmenschliche, gefühllose und unsympathische Verbrecher.

Währenddessen gehen der ehemalige Pfarrer Jacob Fuller (Harvey Keitel) und seine beiden Kinder Kate (Juliette Lewis) und Scott (Ernest Liu) in einer nahe gelegenen Stadt essen und übernachten in demselben Motel, in dem auch die Gecko-Brüder wohnen. Das bedeutet Ärger für die Familie Fuller, die als die nächsten Geiseln auf dem Weg in die Freiheit in Mexiko genommen werden. Ungeheuerlich ist, dass der Kern des Konflikts, der zu übernatürlichen Resonanzen führt, erst nach mehr als einer Stunde in "From Dusk Till Dawn" deutlich wird.

Das Drehbuch ist sehr chaotisch, und die Geschichte weicht wiederholt auf unvorhersehbare Weise ab und wechselt in den unpassendsten Situationen das Genre. Im Grunde geht es jedoch um einen Mann Gottes, dessen Glaube durch das pure Böse, sowohl menschengemacht als auch inhuman, auf die Probe gestellt wird, sowie um die Themen Schicksal und Kontrolle und die Qualen des Verlusts der Fähigkeit, sie zu kontrollieren. Im wahrsten Sinne des Wortes ist es ein Abstieg in eine feurige Unterwelt, die wie eine Bar und ein Verlies gestaltet ist, mit lauter Musik, Alkohol und sexuellen Reizen. Der Kontrast zwischen dem Pastor und seiner jungfräulichen Sippe macht diese Tortur zu einer Art religiösem Schmelztiegel.

Trotz der Skurrilität der Figuren und der Handlung fühlt es sich an wie eine "Geschichten aus der Gruft"-Folge, jeder nimmt seine Rolle ernst. Man hat nie das Gefühl, dass sie die Darstellung auf die Spitze treiben, nur um Spaß zu haben. Auch die Nebenrollen sind beachtlich, darunter Kult-Stammgäste wie Tom Savini, Fred Williamson und Danny Trejo sowie bekannte Schauspieler wie Cheech Marin, John Saxon und Kelly Preston. Selbst wenn die Starstripperin 'Santanico Pandemonium' (Salma Hayek) auf der Bühne mit einer riesigen gelben Python tanzt, bleibt eine gewisse Seriosität erhalten. Das Gleiche gilt für das sich anbahnende Blutbad, das in kurzen Augenblicken urkomisch, aber dank begrenzter Computeranimationen und umfangreicher Make-up- und Gore-Effekte auch grafisch sehr anschaulich ist.

Was als anarchischer Krimi beginnt, schlägt um in volatilen Horror mit abgetrennten Gliedmaßen und eimerweise Viszera, bevor er schließlich zu einem ziemlich dämlichen, actiongeladenen Vampirfilm verkommt. Leider sind die Protagonisten hauptsächlich amoralische Ganoven, deren Gelingen oder Scheitern praktisch ohne Belang ist. "From Dusk Till Dawn" ist ein unfassbar abwegiges, oft hässliches, mitunter widersinniges und verkorkstes Experiment von einem Film.

In "Mom and Dad" von Regisseur Brian Taylor muss Damon (Robert Cunningham) für seine Prüfungen lernen und wird von seiner Freundin, der Unruhestifterin Carly Ryan (Anne Winters), abgelenkt, die ihm verspricht, nach der Klausur einen Vorwand für eine heimliche Party zu finden. Carlys Eltern, Brent (Nicolas Cage) und Kendall (Selma Blair), sind mit dem Jungen nicht einverstanden und verlangen, dass sie den Kontakt zu ihm beendet. Die beiden sind aber auch mit der Schwangerschaft von Kendalls Schwester beschäftigt, die jeden Moment ein neues Baby erwartet. Und der jüngere Bruder Josh (Zackary Arthur) mag es einfach, seine Schwester zu quälen. "Oh mein Gott, ich werde dich umbringen!"

In der Zwischenzeit tauchen immer wieder Nachrichten über Eltern auf, die auf unerklärliche Weise ihre eigenen Kinder ermordet haben, so scheint es zumindest. Natürlich gibt es auch ein paar hinterhältige Kitzelattacken und das plötzliche Wegtreten eines Kinderspielzeugs, um den Betrachter zu überraschen. Aufnahmen einer verschlafenen kleinen Vorstadtstraße und verlassener Schulflure verströmen zudem eine Horrorfilm-Atmosphäre, die suggeriert, dass in jedem Moment etwas ins Bild springen und den Betrachter schockieren könnte, was im krassen Gegensatz zur vorgetäuschten Gelassenheit der alltäglichen Normalität steht.

Wie sich herausstellt, sind Eltern überall von etwas betroffen, das sie spontan dazu bringt, ihre Kinder aufzusuchen und sie umzubringen, sei es mit Autoschlüsseln oder mit ihren bloßen Händen. Diese Grundvoraussetzung, die bald die Form von Zombiefilmen und anderen biologischen Epidemien annimmt, ist durchaus originell und mitunter auf eine unheimlich düstere Art komisch. "Mom and Dad" ist auch satirisch und ironisch, indem er die Rolle der Eltern, die Disziplin und die Verbundenheit mit dem Tierreich analysiert, obwohl diese Aspekte so tief vergraben sind, dass der Film hauptsächlich ein Thriller ist. Die clevere Montage und der Einsatz von konträrer Musik tragen jedoch zum pechschwarzen Humor bei. "Es ist, als ob sie auf ein Buffet warten."

Besonders lustig und zugleich widerwärtig ist eine Geburtssequenz, die mit Hochspannung erwartet wird, bis die Mutter plötzlich beschließt, ihren Nachwuchs zu töten. Viele dieser Szenen sind kreativ in ihrer Darstellung von Angst und blutigen Konflikten, dem Verfall des Respekts vor Autoritätspersonen, dem Zerfall der Familieneinheit und der drohenden Depression, die mit dem Tribut der Elternschaft zusammenhängt, einschließlich des Verlusts der Identität und der Unabhängigkeit, was noch erschütternder wird, da die Kinder die Helden sind, die gezwungen sind, sich anzupassen und ständige Gefahren zu überwinden, die von genau den Menschen ausgehen, denen sie am meisten vertrauen sollten. Wie bei Horrorfilmen üblich, werden die Gründe für den Ausbruch von Kindstötungen nicht genannt, was durchaus akzeptabel ist und vielleicht sogar zum Gruselfaktor beiträgt, auch wenn das Ende merkwürdig ergebnisoffen ist.

Rückblenden auf frühere Ereignisse sind leider unnötig, abgesehen von ein paar zusätzlichen skurrilen Widersprüchen, die sich aus liebevollen Erinnerungen an die Kindererziehung ergeben, ebenso wie Verweise auf andere fiktionale Werke, aber die eskalierende Absurdität wahnsinniger Eltern, die munter darüber nachdenken, wie sie ihre Kinder abschlachten können, ist irrsinnig genial. Je mehr sich Brent und Kendall an ihren mörderischen Plänen erfreuen und über den eigenartigen Tagtraum phantasieren, sich brutal von der elterlichen Verantwortung zu befreien, desto deutlicher und humorvoller wird die allegorische Komponente. Außerdem darf Nicolas Cage wieder einmal seine verrückte Seite vor der Kamera ausleben, indem er in hysterische Tobsuchtsanfälle ausbricht und sogar heult und bellt wie ein Hund. Mit zunehmender Dauer des Terrors wird "Mom and Dad" immer empörender und erstaunlicherweise zunehmend raffinierter und mutiert zu einem wüsten, grenzüberschreitenden Spektakel. "'World War Z' bricht gerade in unserer Schule aus."

Bei Vollmond ist es der perfekte Zeitpunkt für eine Folge von "Fright Night - Die rabenschwarze Nacht" unter der Regie von Tom Holland, moderiert von Peter Vincent (Roddy McDowall), einem 'Vampirkiller' und Star aus Film und Fernsehen, der sich mit der Bekämpfung böser Wesen bestens auskennt. Zu Beginn der Sendung versucht der Teenager Charley (William Ragsdale), seine Geliebte Amy (Amanda Bearse) anzubaggern. Doch er hat wenig Erfolg, erstens, weil Amy kalte Füße bekommt, und zweitens, weil Charley mit den seltsamen nächtlichen Aktivitäten seines neuen Nachbarn beschäftigt ist, der zum Beispiel einen Sarg durch den Garten schiebt.

Charleys durchfallende Trigonometrie-Noten scheinen nicht so wichtig zu sein, als er von zwei Morden innerhalb von zwei Tagen erfährt, von denen der zweite die Entdeckung der stark verstümmelten Leiche einer bekannten Prostituierten ist, einer langbeinigen Blondine, die Charley am Nachmittag zuvor beim Betreten des Hauses seines Nachbarn beobachtet hatte. An diesem Abend sieht Charley zufällig, wie der neue Besitzer, Jerry Dandridge (Chris Sarandon), dabei ist, seine Vampirzähne in den Hals eines jungen Opfers zu schlagen. Da er überzeugt ist, dass Jerry ein wandelnder, blutsaugender Mörder ist, ruft Charley die Polizei. Das Resultat ist jedoch zu erwarten: Seine Behauptungen werden belächelt und ignoriert. Jerry macht sich einen Spaß daraus, mit den Jugendlichen zu spielen, denn die Anschuldigungen sind zu Recht ungeheuerlich.

Wie bei Teenager-Szenarien üblich, sorgen Erwachsene für Unglauben, während Gleichaltrige, darunter Stephen Geoffreys als Ed Thompson, Ratschläge erteilen, auch wenn sie ungeeignet sind. Sobald Jerrys Identität bestätigt ist, haben die humorvollen Horrorfilmsequenzen Vorrang, was eine willkommene Abwechslung zu den sehr fiktiven Highschool-Szenen und -Interaktionen darstellt. Tom Holland ist kein John Hughes. Dennoch wird die Komik geschickt eingesetzt, zumal Charley auch dann noch todernst bleibt, wenn sich alle um ihn herum gnadenlos über seine Spekulationen mokieren. "Hast du denn gar nicht zugehört, was ich gesagt habe!"

In "Fright Night - Die rabenschwarze Nacht" werden die gängigen Restriktionen für Vampire humoristisch gelöst, so dass Jerry weiterhin unverfroren die einzige Person verfolgen kann, die von seinen finsteren Machenschaften Notiz genommen hat. Und auch die Rekrutierung des 'professionellen' Vampirjägers Vincent ist ein Witz, denn er wird nicht durch seine berühmte Agenda in die Mission gelockt, sondern durch das Versprechen eines 500-Dollar-Sparbriefs. Zu den leichtherzigen Fantasyelementen gesellen sich ein fliegendes Fledermaus-Gimmick, Roddy McDowalls perfekt passende Dämlichkeit und übertriebene Mimik, die an Peter Cushings stümperhafte Professorenschaft in den Science-Fiction-Filmen der 60er und 70er Jahre erinnert, jedoch mit einem Hauch von Selbstbewusstsein, schnulzigen und dennoch witzigen Make-up- und Verwandlungseffekten und einem allgegenwärtigen Gefühl kindlicher Ungerechtigkeit, da die Älteren immer wieder die Oberhand über die Teenager gewinnen, bis hin zu eklatanter Sexualität oder ihrer Weigerung zu kooperieren. Das Finale ist ein wenig zu lang, und die Dialoge könnten ausgefeilter sein, doch die Defizite passen gut zu der Low-Budget- und B-Movie-Atmosphäre und der Prämisse, dass das Lachen immer über dem Gruseln steht. In vielerlei Hinsicht fühlt sich "Fright Night - Die rabenschwarze Nacht" wie eine moderne Adaption eines Abbott und Costello Abenteuers an, wenn sie im Reich von "Tanz der Teufel" wären.

In "Hellraiser: Judgement" von Regisseur Gary J. Tunnicliffe hat sich die Menschheit zu immer größeren Formen der Degradierung und Dekadenz entwickelt, bis hin zu dem Punkt, an dem Freude im Grunde nichts anderes als Schmerz ist. Das macht dem Dämon Pinhead (Paul T. Taylor) und seinen satanischen Zenobiten die Arbeit besonders schwer, denn sie suchen nach ausgeprägten Varianten des Sadomasochismus, um an renitenten Seelen zu laborieren. "Die Sünde bleibt unverändert."

Ihre jenseitige Domäne hat sich jedoch verlagert, denn sie scheinen nicht mehr von der geheimnisvollen Rätselkiste gerufen zu werden, die eine Brücke zum Unvorstellbaren schlägt, sondern von einer eigenen Abspaltung höllischer Entitäten, die systematisch das Abscheuliche verarbeiten. 'The Auditor' (Gary J. Tunnicliffe), ein grässlich vernarbter, bebrillter Humanoid, arbeitet in einem baufälligen Gebäude am 'Ludovico Place 55', wo er verdorbene Individuen anlockt, die dann von 'The Assessor' (John Gulager) auf ihre Sünden analysiert, von einer juristischen Jury verurteilt, von einem Trio von Reinigungskräften gebadet und schließlich von 'The Butcher' (Joel Decker) und 'The Surgeon' (Jilly Blundell) geschlachtet werden. Ihr aktuelles Exemplar ist der pädophile Exhibitionist Karl Watkins (Jeff Fenter), der auf der Suche nach einer versprochenen Gegenleistung unter seinesgleichen bei ihnen vorbeischaut.

Unterdessen kommen die Brüder und Detectives Sean (Damon Carney) und David Carter (Randy Wayne) zusammen mit ihrer Kollegin Christine Egerton (Alexandra Harris) einem Serienkiller auf die Spur, der als 'Preceptor' bekannt ist und bereits 14 Menschen auf äußerst brutale, religionspolitisch motivierte Weise getötet hat, die der in "Sieben" nicht unähnlich ist, darunter das Abschneiden von Zungen, das Entfernen von Extremitäten und das Einnähen von Säugetieren in die Bauchhöhlen. Steht diese Mordserie vielleicht in einem Zusammenhang mit Karl Watkins? Oder gar mit Pinhead? "Offenbar ist dies ein Ort, an dem die Regeln eurer Welt nicht gelten."

Die Aufmerksamkeit für spezifische Details, wie etwa ein Gebäude, auf dem einfach nur 'Police Department' steht, oder ein Büro, auf dem 'Detectives' zu lesen ist, sind überraschend dürftig. Selbst die Morde und Verbrechen sind, ungeachtet ihrer Grausamkeit und der unwahrscheinlichen Aufklärung am Ende, so belanglos, dass die Lösung und die Ergreifung des Täters bedeutungslos erscheinen. Beim Aderlass ist der Fokus jedoch hervorragend. Es ist ganz eindeutig, dass Gary J. Tunnicliffe, der auch die speziellen Make-up-Effekte entworfen und die wichtigsten Requisiten angefertigt hat, ausschließlich an visueller Ekelerregung interessiert ist, die er in enorm verstörende neue Gefilde treibt. "Ich würde gerne etwas tiefer graben."

Mit einer allgemeinen filmischen Hässlichkeit, die bis zur Farbenleere entsättigt ist, gepaart mit uninspirierten Kulissen, völlig faden Nebenfiguren und einem kuriosen Cameo-Auftritt von Heather Langenkamp, routinierten familiären und sozialen Interaktionen mit einer einzigen Zeile komödiantischer Auflockerung und generischen Dialogverweisen auf Charles Dickens, die eine Art sublime Kultur suggerieren sollen, steht außer Frage, dass es sich hier um ein Low-Budget-Projekt handelt, das durch eine recht kurze Laufzeit begünstigt wird, und letztlich um eine Produktion von 'Dimension Films', die die Rechte behalten hat. Dennoch werden alle verfügbaren Mittel in den Blutrausch und die Gewalt gesteckt, wobei selbst das die Begeisterung der Fans nicht befriedigen dürfte. Die Verschmelzung des Torture-Porn-Subgenres mit beunruhigend schöpferischer, krankhafter Zügellosigkeit führt zu abgefahrenen Konzepten, die es in der Hellraiser-Reihe noch nie gegeben hat, und dies ist das stark gekürzte Endergebnis, da das ursprüngliche Drehbuch den Produzenten viel zu hart war. Ein solcher Begriff ist die Emetophilie, ein Fetisch, der so eigenartig und bizarr ist, dass er in den gängigen Wörterbüchern nicht vorkommt. Das sorgt natürlich nicht gerade für einen hohen Unterhaltungsfaktor.

Die Verwendung der originalen Titelmusik in ihrer ganzen Pracht, nicht nur der Hauptnoten während des Vorspanns von "Der weiße Hai 4 - Die Abrechnung" von Regisseur Joseph Sargent, ist hier eine willkommene Rückkehr zur Normalität. Doch der Dauereinsatz der Familie Brody als Protagonisten ist fast unerträglich, selbst wenn die Schauspielerin Lorraine Gary wieder in Erscheinung tritt. Seltsamerweise sind sowohl Michael als auch Sean in dieser vierten und letzten Epoche des Hais zu sehen, obwohl sie von unterschiedlichen Darstellern verkörpert wurden, so dass die Verwendung ihrer Namen weitgehend sinnlos ist. Es ist fast so, als hätte Joseph Sargent gehofft, dass der Betrachter die Existenz von "Der weiße Hai 3" einfach vergessen hat.

Sean Brody (Mitchell Anderson) ist jetzt ein Bulle bei der Polizei von Amity. Das Bild seines Vaters hängt an der Wand des Reviers, was ihn einmal mehr direkt in die Fänge eines gefräßigen Weißen Hais bringt. Als der Hai ihm den Arm abreißt, in sein Boot beißt und dann den Jungen verspeist, ist Ellen Brody (Lorraine Gary) traumatisiert und fassungslos. Wie konnte diese Familie nur so viel Elend erleiden? "Er hat die ganze Zeit gewartet, und jetzt ist er da...", sagt sie zu ihrem anderen Sohn Michael (Lance Guest), der sie nach dem tragischen Tod seines Bruders besuchen kommt. Doch Haie sind keine berechnenden Mörder, sie wählen ihre Beute nicht aus Rache. Oder tun sie das doch?

Nein, tun sie nicht. Allerdings ergibt in der Welt von "Der weiße Hai 4 - Die Abrechnung" nicht immer alles einen logischen Sinn. Auch der vorige Film hatte nicht viel mit Realismus und Haifakten zu tun. Auf dem Weg in die warmen Gewässer der Bahamas, um sich zu erholen, geraten Ellen, Michael, seine Frau Carla (Karen Young), ihre Tochter Thea (Judith Barsi) und ihr treuer Pilotenkumpel Hoagie (Michael Caine) zusammen mit Michaels wissenschaftlichem Mitarbeiter Jake (Mario Van Peebles) in weiteren Hai-Unfug. Obwohl der Film eher wie ein typischer Horrorfilm abläuft, mit alptraumhaften Visionen von sich nähernden Haien, musikalischen Hinweisen auf angreifende Gegner und plötzlichen Bewegungen oder Geräuschen, die Paranoia signalisieren sollen, ist der eigentliche Kick weniger intensiv. Das liegt zum Teil daran, dass die Interaktionen der Charaktere so lasch und verkrampft sind, mit schwatzhaftem Smalltalk zwischen Michael und Jake und einer harmlosen Liebesromanze zwischen Ellen und Hoagie, die beide maximal langweilig sind.

Zwischen all der lockeren Komik, dem Schneckentragen und -sammeln und den Reden über den Missbrauch von Fördergeldern oder das Verfassen von Berichten, um einen Doktortitel zu erhalten, werden viele Minuten damit verschwendet, sich die Zeit zwischen den Hai-Angriffen zu vertreiben. Wenn die Attacken jedoch kommen, wird das Monster so deutlich und in Ganzkörperansicht gezeigt, dass der Hai, obwohl es sich um den modernsten Film der Reihe handelt, noch nie so unecht aussah. Außerdem hat jeder die tollkühnsten Pläne, von der spontanen Opferung an die Bestie über die unbegründete Landung mit einem Flugzeug im Wasser bis hin zur Rückkehr ins Gewässer als Akt des Trotzes. Wenigstens sind die Angriffe etwas blutiger als früher, und die Produktion von 1987 verzichtet auf aufwendige Computergrafiken - der Haifisch ist eine witzige, greifbare Attrappe.