Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Poltergeist" von Regisseur Tobe Hooper geht die kleine Carol Anne Freeling (Heather O'Rourke) an einem verschlafenen Wochenendmorgen in der Vorstadt 'Cuesta Verde' die Treppe hinunter und beginnt mit dem statischen Rauschen des Fernsehers zu sprechen. Etwas später an diesem Tag versammelt sich eine Horde von Vätern um einen anderen Fernseher, um das große Footballspiel zu sehen, was von einem Nachbarn mit einer identischen Fernbedienung gestört wird, die ein bisschen zu nah am Haus ist. Als ein Sturm aufzieht und die Nacht wieder hereinbricht, geschehen andere Dinge im Hause Freeling: Ein Vögelchen stirbt und muss beerdigt werden. Gleichgültig verdreht die ältere Schwester Dana (Dominique Dunne) die Augen und widmet sich lieber ihren Freunden zu. Ihr mittlerer Bruder Robbie (Oliver Robins) klettert auf den überdimensionierten, knorrigen Baum vor seinem Kinderzimmerfenster. Und Mutter Diane (JoBeth Williams) spendet ihnen vor dem Schlafengehen Geborgenheit, wohingegen Vater Steve (Craig T. Nelson) ein Buch liest und vor dem Spiegel herumblödelt, während seine Frau einen Joint raucht.

Der Klang der amerikanischen Nationalhymne, der aus dem Fernseher dröhnt, bietet einen gelungenen Kontrast oder vielleicht auch eine Ablenkung von dem Horror, der den Betrachter erwartet. Im Haus der Freelings geschehen merkwürdige Dinge, und es ist nicht gerade förderlich, dass eine große Clownspuppe die Kinder in ihrem Zimmer anstarrt und dass der riesige Baum neben dem Gebäude drohend auf die schlafenden Hausbewohner zu blicken scheint. Was beeindruckt, ist die vollkommene Normalität der Interaktionen und des Smalltalks der Charaktere, bis hin zu ihren idiosynkratischen Verhaltensweisen, der Art, wie sie sich einander Trost zusprechen, und sogar ihrer Bewegungsweise im Haus. Dies hilft, die potenziellen Opfer sympathisch und nachvollziehbar zu gestalten und sie als realistische, durchschnittliche Menschen darzustellen.

Wenn sich also die Möbel neu anordnen, findet Diane heraus, wie sie die 'Fernsehmenschen' dazu bringen kann, Objekte an bestimmten Stellen in der Küche zu verschieben. Musik ertönt, die Lichter flimmern von selbst und andere sanfte Phänomene suchen den Haushalt heim, was anfänglich eher verwundert als verängstigt. Die Erwachsenen sind etwas skeptisch, suchen aber schnell nach Erklärungen, die auf der Existenz von Geistern basieren. Durch interessante Schnitttechniken, wie Zeitsprünge und stoßartige Szenenwechsel, schreitet "Poltergeist" zügig voran und wächst sich ohne größere Warnung zu einem wahren Horror heran. Das unerwartete Verhalten der Kinder und das unkontrollierte Bellen des Familienhundes haben zwar etwas Verstörendes, doch genügen diese Anomalien nicht, um zu erahnen, wie aufwühlend und chronisch unerträglich die folgenden Ereignisse werden. "Sie sind hier!"

Die beschwingte, sensationell abenteuerliche Musik von Jerry Goldsmith während des Vorspanns deutet sofort darauf hin, dass Filmemacher Steven Spielberg an der Entstehung dieses Films beteiligt war - er fungierte hier als Drehbuchautor und Produzent, was einen weiteren Einblick in die Verspieltheit der anfänglichen Aktivitäten und den Fokus auf unheimlichen Dingen, die den Kindern widerfahren, gibt, gepaart mit kleinen Film-Erinnerungsstücken wie einem "Alien"-Poster an der Wand der Kinder, einem Schwarz-Weiß-Foto von Spencer Tracy in der U-Bahn und "Star Wars"-Elementen im Zimmer. Doch unter Tobe Hoopers Regie haben die Entwicklungen auch eine ausgesprochen düstere Seite, als plötzlich eine mutierte Baumkreatur versucht, Robbie zu verschlingen, und als ein Tornado aus dem Nichts auftaucht, um den Baum in den Himmel zu pusten. Vermutlich durch seine Beteiligung werden die befremdlich wirkenden Kinder zugunsten von Erwachsenen, die mit der Situation besser umgehen können, aus dem Spiel genommen. "Poltergeist" ist die wahrhaft furchterregende Variante von "Ghostbusters - Die Geisterjäger", vor allem wenn Parapsychologen und ein Exorzist zu einer konkreten Untersuchung beigezogen werden, ist die Faszination fast so unbändig wie die Angst.

Trotz des verspielten Umgangs mit derartig offensichtlichem paranormalem Schalk gibt es auch Phasen extremer Grausamkeit, die typisch sind für ein Projekt, an dem Steven Spielberg beteiligt ist. Solche Sequenzen des Körperhorrors halten sich nicht so gut wie in einem Projekt wie "Jäger des verlorenen Schatzes", sorgen aber für suggestive, alptraumhafte Impressionen. Genial ist auch die Verpflichtung der kleinwüchsigen Schauspielerin Zelda Rubinstein. Sie ist wunderbar skurril, macht aber keinen Hehl daraus und ist die ideale Besetzung für eine seriöse, morbide Quelle von Informationen. Sie allein hebt das Werk auf ein Level, das weit über dem liegt, was mehr Spezialeffekte oder Schrecksekunden hätten erreichen können. Schließlich zementiert "Poltergeist" mit seinem fulminanten, dekadenten Finish seinen Stellenwert als eines der bedeutendsten Haunted-House-Epen der Filmgeschichte.

In "Godzilla" von Regisseur Ishirô Honda wird der Südsee-Bergungsspezialist Hideto Ogata (Akira Takarada) gerufen, um eine katastrophale Situation auf dem Meer zu beurteilen. Die Küstenwache erhielt einen Notruf von der 'Eiko-maru', einem 7500-Tonnen-Frachtdampfer, bevor dieser auf mysteriöse Weise in der Bucht verschwand. Die Überlebenden geben an, dass eine plötzliche Detonation, vielleicht ein Unterwasser-Vulkanausbruch, das Schiff verschlungen hat. Die Situation eskaliert, als ein Rettungsboot ebenfalls in den trüben Gewässern verloren geht und scheinbar vom Feuer gefressen wird. Nachdem der Matrose Masaji (Ren Yamamoto) an Land geschwemmt wurde, brabbelt er halb bewusstlos, dass die Ursache der Verwüstung ein riesiges Monster war.

Einem alten Volksglauben von der 'Ohto-Insel' zufolge erschien ein riesiges Meeresgeschöpf an Land, um sich an den Menschen zu weiden. Routinemäßig wurden Mädchen als Opfer gebracht, um zu vermeiden, dass die Missgeburt das Land terrorisiert. Aufgrund der jüngsten Schiffskatastrophen glauben einige Älteste, dass Godzilla, das Riesenvieh, wieder einmal auf Menschenfleisch aus ist. Die Mehrheit greift jedoch auf wissenschaftliche Argumente zurück, indem sie beispielsweise einen heftigen Wirbelsturm dafür verantwortlich macht. Professor Yamane (Takashi Shimura) und seine Tochter Emiko (Momoko Kochi) leiten eine Erkundungsexpedition, um ein zerstörtes Küstendorf in der Nähe des Berges 'Hachiba' zu untersuchen. Sie entdecken einen längst ausgestorbenen 'Trilobiten' in der Nähe eines gewaltigen radioaktiv verseuchten Fußabdrucks, bevor sie selbst von dem dinosaurierähnlichen Koloss gejagt werden. Man stellt fest, dass Godzilla ein zwei Millionen Jahre alter Zwischengigant ist, der die Jura- und Kreidezeit überbrückt und wahrscheinlich durch die jüngsten Atomtests und Atombombenaktivitäten aus seinem natürlichen Habitat verscheucht wurde. Eine Fregattenflotte, die gegen Godzilla kämpfen soll, durchkreuzt die Gewässer, schafft es aber nicht, das Ungetüm zu lokalisieren oder zu eliminieren.

Das enorme Wesen, das sein hypnotisches Gebrüll ausstößt und sich langsam aus der Tokioter Meeresbucht erhebt, ist ein mythisches Bild. Weitaus furchterregender als die gummierten, zerklüfteten und schuppenbewachsenen Strukturen der Riesenechse und ihre Resistenz gegen Stromschläge, Maschinengewehrfeuer, Raketen und sonstige schwerwiegende Waffensysteme ist ihr ikonografisches Heulen, das stets einen unmittelbaren Angriff vorläutet. Die Soundeffekte waren so beeindruckend, dass sie in allen nachfolgenden Filmen verwendet wurden, auch in den amerikanischen Remakes. Inmitten der Monsterattacken und der in panischer Aufregung lebenden Zivilisten baut das Drehbuch eine kontraproduktive Lovestory ein: Emiko ist mit dem Wissenschaftler Daisuke Serizawa (Akihiko Hirata) verlobt, einem Kollegen ihres Vaters, der eine Augenklappe trägt und in einem Aquarium Experimente durchgeführt hat, die unzweifelhaft zur Vernichtung Godzillas beitragen werden. Als Emiko plant, ihre Verlobung aufzulösen, um Ogata zu ehelichen, wird sie nicht nur durch die Verwüstungen des Giganten, sondern auch durch Yonenes Antipathie gegenüber Ogata daran gehindert.

Als wolle er die internationalen Forscher dafür bestrafen, dass sie ihm zu Hilfe geflogen sind und schließlich den hirnrissigen Plan entwickelt haben, einen hohen Elektrozaun um die evakuierten Küstengebiete zu errichten, macht Godzilla die Gebiete dem Erdboden gleich und hinterlässt ein gewaltiges Flammenmeer. Das Zerstörungswerk ist beglückend, auch wenn einige Sequenzen nur aus einem Mann in einem aufgeplusterten Kostüm bestehen, was für den neuzeitlichen Betrachter sicherlich steif und lächerlich wirkt. Mit Miniaturen und raffinierten Kameraeinstellungen wird Godzilla zu einem historischen Feind Japans - ein Äquivalent zu King Kong, der wesentlich mehr Unruhe stiftet.

"Godzilla" konzentriert sich nicht nur auf das Gefecht, sondern behandelt auch Aspekte wie das öffentliche Recht auf Wissen oder Zensur, die Wahrheit auf Kosten des Chaotentums, die Vergeltung der Natur, den vergeistigten Denkansatz, die Kreatur aus einer radiologischen Warte zu analysieren, anstatt eine brandgefährliche neue Gattung schnell auszuradieren, und die unweigerlichen Ergebnisse einer privaten Forschung, die mächtig genügend ist, um die Ausbreitung zu stoppen. Auch wenn die Antwort auf die Frage, wie man den katastrophalen Prozess des Amoklaufs aufhalten kann, hoffnungslos einfallslos ist, die Liebesgeschichte durch Martyrium gelöst wird und eine mahnende Botschaft über die potenziellen Gefahren nuklearer Versuche auftaucht, handelt es sich doch um einen gut konzipierten, wohl ausbalancierten Monsterfilm, der einen adäquaten seriösen, pessimistischen Akzent setzt. Illustre, knallende Violinen und eine griffige Filmmusik komplettieren dieses bahnbrechende Science-Fiction-Epos, das Dutzende von Sequels und amerikanischen Intermezzi inspirieren sollte.

In "A Quiet Place" von Regisseur John Krasinski ist es der 89. Tag einer unerwarteten, post-apokalyptischen Katastrophe. Zahlreiche Menschen sind verschollen. Häuser und Geschäfte sind verwaist. Regan (Millicent Simmonds) sieht sich in einem verlassenen Larkin's-Laden um, während ihre Mutter Evelyn Abbott (Emily Blunt) nur ein paar Gänge weiter behutsam nach Medikamenten für ihren Sohn sucht. Die beiden Kinder Marcus (Noah Jupe) und Beau (Cade Woodward) sind ihnen dicht auf den Fersen und halten Ausschau nach Spielzeug. Ihr Vater Lee (John Krasinski) bemüht sich um ein Hilfsmittel, um das Signal ihres Radios zu verstärken.

Die ganze Familie ist barfuß und achtet darauf, so wenig Geräusche wie möglich zu machen. Offenbar haben sie Angst, laute Töne anzustimmen. Die Kommunikation erfolgt hauptsächlich durch Gebärdensprache, was wesentlich ruhiger ist als Geflüster. Doch das Unglück nimmt seinen Lauf, als der jüngste Sohn Beau eine batteriebetriebene Spielzeugrakete entdeckt, die gerade genug piepst und rauscht, um ein insektoides Affenmonster zu informieren, das aus dem angrenzenden Wald auf Beutefang auszieht. Am Tag 472 ist sich die Famillie Abbot nicht mehr sicher, ob sie die letzten Menschen auf dem Planeten sind, denn die Bevölkerung wurde von diesen hünenhaften, blinden, lärmenden Kreaturen überwuchert und verspeist.

"A Quiet Place" hätte auch ein Zombiefilm werden können, mit den heruntergekommenen Drehorten, der unbehaglichen Isolation und den nomadischen Wanderungen kleiner Gruppen von Überlebenden durch verlassene Städte, die stets aufmerksam ihre Umwelt beobachten und sich bemühen, aus einer möglichen Enklave der florierenden Zivilisation Hilfe zu holen. Das hinzugefügte Dilemma, die ganze Zeit zu schweigen, ist eine spezielle Herausforderung, auch wenn die Aktivitäten und Ängste mit denen einer unirdischen Plage identisch sind. Die Mimik und die Reaktionsweisen tragen hier zu den prägnantesten Szenarien bei, denn das sich anbahnende Unheil wird durch weit aufgerissene Augen und paranoische Mienen vorweggenommen.

Allerdings ist es schwierig, absolute Stille zu wahren, was zu einigen aufsehenerregenden Schockmomenten führt. Unfälle sind eine Ursache, heruntergefallene Blätter auf einem Parkettboden sind fast schon kommerziell demotivierend. Bei ihrem Streben nach Beharrlichkeit trifft die Familie Abbott selbstredend auch einige fragwürdige Entscheidungen, wie etwa den Entschluss, ein weiteres Kind zu bekommen, was in "A Quiet Place" gekonnt gemeistert wird, denn die Zeugung, dann eine Entbindung und schließlich ein neugeborener Säugling sind alles andere als ein geräuschloses Vergnügen. Ihr Leben ist schon morbide genug, ohne dass sie ein so spezifisches Risiko eingehen müssen, auch wenn dieser Zustand einen ungewohnt tiefen psychischen Stress hervorruft, selbst wenn die eigentliche Geburtshandlung nicht ihr maximales Leistungsvermögen erreicht. Immerhin ist eine sehr cineastische Komponente in diese Vorgabe integriert.

Ein Familiendrama erschwert die Situation der Abbots zusätzlich, vor allem in Bezug auf Regan, die taub ist und trotz ihres überragenden Kommunikationsvermögens ohne Schall mit ihrer Beeinträchtigung und Schuldgefühlen wegen zurückliegender Tragödien zu kämpfen hat. Kindern Emotionen wirksam zu verdeutlichen, ist schon problematisch. Hier ist der Austausch über so gravierende Themen wie Tod, Furcht und Verantwortung unerträglich, verbunden mit einer erheblichen Belastung für die Fähigkeit der Jugendlichen, mit der Lage fertig zu werden, Überlebensstrategien zu entwickeln und die Brisanz ihrer gegenwärtigen Notlage zu verstehen.

Auch der Einbezug von Vorboten ist genial dosiert und ergänzt eine ohnehin schon schwindelerregende Abfolge von Achterbahnfahrten mit zusätzlicher Dynamik. Sogar Überflutungen und die Finsternis sind ein zentrales Merkmal, als ob die konstante Bedrohung durch menschenfressende Höllenwesen nicht schon genug wäre. Gerade als ihre Schwierigkeiten übermächtig erscheinen, taucht ein zusätzliches Problem auf, und die mangelnde Kapazität, sich gegenseitig zu warnen, ist ein essentieller Baustein in dieser Nervenschlacht.

Was imponiert, ist, dass es nie eintönig wird, auch wenn die Inkonsistenzen in der Hörsensibilität der Antagonisten ein wenig anstrengend werden. Doch sobald der Horror beginnt, nimmt er kein Ende. Insgesamt ist "A Quiet Place" weniger ein ganzheitliches Abenteuer als lediglich eine limitierte Anleitung zu Horror und Suspense. Hier geht es nicht um Erläuterungen, Ursachen oder Auswege aus einer ungeordneten Ordnung, sondern um eine nahtlose Kette aus Grauen und Faszination. Ferner ist zu betonen, dass die darstellerischen Qualitäten überdurchschnittlich sind, zumal es kaum Dialoge gibt, und dass die bescheidene Auswahl an Kulissen und Charakteren dem hohen Grad an visueller Darbietung keinen Abbruch tut.

In "The Harder They Fall" von Regisseur Jeymes Samuel spürt Nat Love (Jonathan Majors) in Salinas, Texas, Jesus Cortez (Julio Cesar Cedillo) auf, einen Mann, der an der gnadenlosen Ermordung von Nat's Mutter und Vater beteiligt war und ihn auch festhielt, als ihm als kleiner Junge auf Befehl des skrupellosen Killers Rufus Buck (Idris Elba) ein Kreuz in die Stirn geritzt wurde. Als Gesetzloser, auf den ein hohes Kopfgeld ausgesetzt ist, führt Nat Love seine eigene Bande an, zu der auch Bill Pickett (Edi Gathegi) und Jim Beckwourth (R.J. Cyler) gehören, die sich darauf spezialisiert haben, Bankräuber zu überfallen, um in den Augen des Gesetzes anonym zu bleiben. Sein Kollektiv wird noch größer, als er seine frühere Flamme Mary Fields (Zazie Beetz) und die zierliche, aber fähige Türsteherin Cuffee (Danielle Deadwyler) rekrutiert, die sich als nützlich erweisen, als er sich dem US-Marshal Reeves (Delroy Lindo) entziehen und eine offene Rechnung mit dem kürzlich begnadigten Rufus Buck begleichen muss.

Schon in den ersten Momenten wird erkennbar, dass sich Regisseur und Drehbuchautor Jeymes Samuel nicht an klassischen Western orientiert, sondern sich von Quentin Tarantino und sogar Wes Anderson inspirieren lässt - mit extrem kontrastreichen, scharf kadrierten und hoch stilisierten Bildern. Die Gewalt ist maßlos übertrieben, mit Leichen, die in Zeitlupe durch die Luft segeln, während Blut aus ihnen herausspritzt, und mit grausam angerichteten Opferhäufungen an allen Ecken und Enden. Die rücksichtslose Geringschätzung des menschlichen Lebens ist überwiegend belustigend, obwohl einige Szenen von wahrer Brutalität sind. Die Montage ist jedoch in diesen und vielen anderen Punkten sehr eindrucksvoll und bedient sich zahlreicher skurriler Kunstgriffe, ausgefallener Kameraperspektiven, Verzerrungen und Split-Screens. Jeymes Samuel fügt der konventionellen Handlung unzweifelhaft seine eigenen originellen Facetten hinzu.

Auch wenn der Film von typischen Westernszenarien beherrscht wird, ist "The Harder They Fall" alles andere als charakteristisch. Trotz einer relativen Treue zu den Schauplätzen, Waffen, Gebäuden und anderen Hintergrundrequisiten wirkt der Film in fast jeder Hinsicht anachronistisch. Es handelt sich zweifellos um eine visionäre Interpretation dieser Zeit und dieses Ortes, was am deutlichsten an der komplett schwarzen Besetzung zu erkennen ist, wenn man bedenkt, dass viele der Charaktere auf realen Personen beruhen, von den Dialogen über die Dekoration der Kulissen bis hin zum Soundtrack, der außerordentlich abwechslungsreich ist und zum Humor passt. Vielleicht ist die einzige erkennbare Formel, dass die Helden heroisch oder zumindest sympathisch sind und die Bösewichte eindeutig fies sind, wobei viele von ihnen gegen ihren Typus besetzt sind, vor allem Idris Elba, der einen ruhig finsteren, monströsen Antagonisten spielt, wobei LaKeith Stanfield und Regina King auch unerwartet boshafte Lakaien sind. "Ich glaube, ihr werdet alle sterben."

Entgegen jeglicher Erwartung haben Nat Love und seine Gang keinen klaren Plan, wie sie sich an Rufus Buck rächen können. Es hat etwas Deprimierendes, wenn man, wenn auch nur temporär, daran glaubt, dass die Gutwilligen nicht so clever sind wie die Böswütigen. Das Finale ist jedoch eine ziemlich mitreißende, exzessive Ausmerzung einer enormen Anzahl von Waffenbesitzern, die ein Gespür für actiongeladene Feuergefechte beweist, auch wenn einige der lang erwarteten Konfrontationen nicht so kulminierend oder krachend sind, wie der Betrachter vielleicht zu wünschen vermag. Das Ganze ist außerdem etwas zu zeitaufwändig und ruiniert das Tempo eines spannenden Thrillers mit einem ausreichend dezidierten Fazit, insbesondere wenn sich die Gewaltexzesse und Ballerspieleinlagen mehrmals wiederholen.

Der Film "Was geschah wirklich mit Baby Jane?" von Regisseur Robert Aldrich beginnt im Jahr 1917, als die kleine Baby Jane Hudson (Julie Allred) als Varietékünstlerin mit ihren Stepptanz- und Gesangsdarbietungen regelmäßig für ausverkaufte Häuser sorgt. Sie ist so beliebt, dass man bereits Puppen mit ihrem Abbild kaufen kann. Doch privat verwandelt der Ruhm sie in ein Monster. Ihr Vater kann sie nicht bändigen und gibt ihren Gelüsten nach Eiscreme und Zuwendung regelmäßig nach. Janes Schwester Blanche ist nicht so begabt, weshalb ihre Eltern sie zugunsten ihrer erfolgreichen Schwester vernachlässigen. Auch dies hat erhebliche Folgen für die kindliche Psyche und beeinflusst das Gerechtigkeits- und Glücksempfinden des Kindes in gebührender Weise. "Ich muss keinen Mittagsschlaf machen und du kannst mich nicht dazu zwingen!"

Im Jahr 1935 ist Jane ein aufstrebendes Hollywood-Starlet, obwohl ihr Schauspieltalent vor der Kamera bestenfalls bedenklich ist. In einer schicksalhaften Wendung ist Blanche Hudson diejenige, die ein echter Filmstar wird und so viel Erfolg hat, dass sie jeden Film machen kann, der ihr beliebt. Um ihre Schwester zu schützen, besteht Blanche auf einer Klausel in ihrem Vertrag, die besagt, dass das Studio für jeden Film, der mit Blanche gedreht wird, auch einen mit Baby Jane in der Hauptrolle drehen muss. Das ist frustrierend für die Produzenten Ben Golden (Bert Freed) und Marty McDonald (Wesley Addy), die es nicht länger verkraften können, mit der unqualifizierten Jane weiteren Schund zu produzieren - ihre Tage im Rampenlicht dürften gezählt sein. Bald schon empfindet Baby Jane unersättliche Eifersucht und Zorn auf Blanches Durchbruch und findet einen Anlass, ihre Schwester mit ihrem riesigen Auto vor ihrem Haus zu überfahren und sie mitsamt dem Metalltor, der Backsteinmauer und zufällig auch einer Baby-Jane-Puppe zu zerquetschen.

Fast drei Jahrzehnte später, Anfang der 1960er Jahre, munkeln die Nachbarn, was mit den Hudson-Schwestern geschehen sein muss. Die neugierige Mrs. Bates (Anna Lee) und ihre Tochter wohnen direkt neben den Hudsons, die immer noch in ihrem ehemaligen Valentino-Anwesen leben, die sie aber nur selten zu Gesicht bekommen. Blanche (Joan Crawford) ist an den Rollstuhl gebunden und nun weitgehend angewiesen auf ihre verhärmte Schwester, oder zumindest von ihrer Gnade abhängig. Baby Jane (Bette Davis) bringt das Frühstück, macht die Haustür auf und reagiert auf den Klingelton in Blanches Zimmer, doch sie ist ausgesprochen aggressiv und gewaltbereit. Als Blanches alte Filme im Fernsehen ausgestrahlt werden, gerät Jane noch mehr in Rage, aufgeputscht durch Alkohol, Sinnestäuschungen und grenzenlose Wut. "Sie ist krank und es wird nicht besser!"

Bette Davis ist herrlich böse und zeigt eine teuflische Reinheit inmitten ihres verwelkenden Realitätssinns, oder vielleicht nur ihrer Humanität. Sie ist so bösartig, dass es zum Totlachen ist. Doch ihr Verfolgungswahn und ihre Folter sind alarmierend, vor allem weil sie ihre querschnittsgelähmte Schwester fast gänzlich in der Gewalt hat. Blanche wird zur Inhaftierten und versucht, heimlich vom Fenster im Obergeschoss aus Kontakt mit der Außenwelt herzustellen, aber Jane vereitelt immer wieder ihre Bemühungen, sich von den Missbrauchsmethoden zu befreien. "Glaubst du nicht, dass ich alles weiß, was in diesem Haus vor sich geht?"

Dieser dramatische Horrorfilm erzeugt ein unheimliches und deprimierendes Ambiente. Auch der Klavierbegleiter Edwin Flagg (Victor Buono), der sich auf eine Zeitungsannonce hin als Janes Assistent bewirbt, ist nicht vor Trübsinn gefeit, bietet aber auch einen Anflug von Komik. Die psychologischen Qualen sind allerdings auch recht interessant, vor allem dann, wenn Jane die Mahlzeiten Für Blanche aus einstigen Haustieren oder aus im Keller lebenden Nagern zubereitet und serviert, und die kurzen Lichtblicke, die sich ergeben, wenn Besucher vorbeikommen. Es gibt unverkennbare Anlehnungen an "Sunset Boulevard - Boulevard der Dämmerung", "Das Haus der Lady Alquist" und "Psycho", aber auch Echos zu "Misery", wenn der Film in einen Krimi übergeht. Der Abstieg in den unberechenbaren Wahnsinn von "Was geschah wirklich mit Baby Jane?" ist vortrefflich, auch wenn er überaus lang ist, da er den grassierenden Irrsinn sehr detailliert beschreibt. Die endgültigen Auflösungen sind jedoch betäubend und ein unvergessliches Geschenk des Kinos.

Der düstere, bedrohlich wirkende, makabre und intensive Film "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" von Regisseur Ridley Scott ist das beste Beispiel für die Verschmelzung von Horror und Science-Fiction in der Geschichte des Kinos. Oft kopiert, doch nie erreicht, schafft es diese grandiose Überlebensgeschichte, unheimlich, tödlich ernst und zweifellos ängstigend zu sein, und das alles innerhalb der Grenzen einer alptraumhaften Glaubwürdigkeit. Die Gruseleffekte sind überwältigend in ihrer Konstruktion, sorgfältig ausgeführt mit kunstvoll geformten, gespenstischen Kulissen, höchst einzigartigen biomechanischen Alien-Kompositionen und einer Fülle von Dampf, blinkenden Sirenen und dickem Schleim. Das Bühnenbild, die Kameraführung und der Schnitt sind einfach atemberaubend und schaffen eine Atmosphäre, die absolut unvergleichlich ist.

Wenn die Kamera lautlos durch lange, isolierte, schwach beleuchtete Gänge schwenkt, entsteht eine wohlige Gänsehaut. Und das ist nur die Eröffnungsszene. Statische Übertragungen, Computerstimmen, knatternde Maschinen, ein geniales, faszinierendes Motion-Tracker-Gimmick - eine Methode, die in der Fortsetzung noch weiter ausgebaut wird - und eine knallharte Heldin schaffen die Voraussetzungen für einen unvergesslichen Horrorfilm, der es wert ist, gesehen zu werden, und für die Einführung eines der fürchterlichsten Monster aller Zeiten.

In den eisigen Tiefen des Weltraums erwacht eine siebenköpfige Besatzung aus dem Hyperschlaf an Bord des kommerziellen Bergbauschiffs 'Nostromo', einem äußerst bemerkenswerten Raumschiff mit schattenhaften Gangsystemen und klaustrophobischen Öffnungen. Die Gruppe entdeckt, dass sie weit vor ihrem Ziel in der Antarktis irgendwo in der Nähe eines mysteriösen Planetoiden erwacht sind, der ein Notsignal ausstrahlt. Ein kleiner Suchtrupp begibt sich auf den Planeten, um die verlassenen Überreste eines außerirdischen Schiffes zu untersuchen, und unterliegt dabei den Vorschriften des Unternehmens, das sie beschäftigt. Captain Dallas (Tom Skerritt), Lambert (Veronica Cartwright) und Kane (John Hurt) erkennen zu spät, dass das SOS-Signal in Wirklichkeit eine Warnung ist. Während er einen riesigen Raum voller pulsierender Eier untersucht, wird Kane von einem spinnenartigen Parasiten angegriffen, der sich an seinem Gesicht festsetzt.

Er wird zurück in die Krankenstation gebracht, wo der Wissenschaftsoffizier Ash (Ian Holm) versucht, die Kreatur zu entfernen, aber nur um festzustellen, dass das langbeinige Wesen Molekularsäure blutet. Erst die dritte im Bunde, Ellen Ripley (Sigourney Weaver), versucht, das Forschertrio pflichtbewusst unter Quarantäne zu stellen. Nach ein paar Stunden fällt der 'Facehugger' jedoch von selbst ab, und Kane kommt wieder zu Sinnen. Nach der nebligen Wiederbelebung folgt eines der eindrucksvollsten und grausamsten Horrorszenarien, die je gedreht wurden. Ähnlich schockierend wie die Duschszene in "Psycho" ist die Szene in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt", in der sich ein schlangenartiges, mit Reißzähnen versehenes Ungeheuer aus Kanes Brust herausreißt und Blut und Innereien über einen Tisch mit entsetzten Kollegen spuckt. Und dann waren es nur noch sechs. Bei dem Versuch, das Monstrum zu fangen, wird die schrumpfende Schar langsam einer nach dem anderen getötet, während der Außerirdische immer größer und todbringender wird.

Die Charaktere sind sehr natürlich und neigen dazu, mäßig stereotype Persönlichkeiten zu haben: genervte Ingenieure, die sich Sorgen um ihren Gehaltsscheck machen. Die Männer der Firma, die sich an die Regeln halten. Ein nonchalanter, ordnungsliebender Captain, ein begeisterter Wissenschaftler und später Überlebende, die um ihre Gesundheit besorgt sind, oder panische Kämpfer, die mit dem Isolationsprotokoll nicht vertraut sind. Doch alle sind in diesem ungewöhnlichen, temporeichen Umfeld auf vergnügliche Weise glaubwürdig. Es ist eine spannende Steigerung zu einem der einzigartigsten Aspekte des Films: Die Ausgereiftheit der Protagonisten. In Slasher-Filmen rennen schreiende Teenager vor einem wahnsinnigen Killer davon, in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" sind es stattdessen die Erwachsenen. Vielleicht ungewollt wirkt die ältere Crew abgehärtet, erfahren und vernünftig, was dem Katz-und-Maus-Spiel eine realistischere Note verleiht. Nur wenigen Projekten ist es gelungen, die Direktheit und Intensität von antagonistischen Situationen mit Außerirdischen wirklich einzufangen. Die meisten kranken an Dämlichkeit, doch "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" umgeht jeden Makel, der ihn in Richtung Klamauk lenken könnte.

H.R. Giger, ein bekannter Schweizer Surrealist, wurde mit der gewaltigen Aufgabe betraut, die ultimative außerirdische Lebensform zu erschaffen. Sein Design ist fantastisch, vor allem wegen des ausgeklügelten Fortpflanzungszyklus, den er sich ausgedacht hat, sowie wegen der Mischung aus organischen Merkmalen und maschinenartigen äußeren Verzierungen des ausgewachsenen Monsters. Regisseur James Cameron änderte das Konzept später ab, indem er in der ersten von mehreren Fortsetzungen eine Königin schuf, aber die Grundidee bleibt dieselbe: Ein Ei trägt eine parasitäre Spinne, die ein weiteres Ei in der Brust des Opfers ablegt. Nachdem er aus dem Körper ausgebrochen war und den Wirt getötet hatte, wuchs das wurmartige Wesen zu einem zweibeinigen, humanoiden Unhold mit einem bananenförmigen Kopf und einer mit Zähnen besetzten Zunge heran. Nach den ursprünglichen Plänen sollte das Alien in der Lage sein, die Körper der Opfer in ein Ei zu verwandeln, um den Prozess neu zu starten. Es ist eine bizarre, aber faszinierende Schöpfung, die zahlreiche Fortsetzungen, Crossover, Comics, Romane, Action-Figuren, Kleidungsstücke und zahllose andere Formen von Fanartikeln hervorgebracht hat, die nun für immer in der Popkultur verankert sind.

Mehr als vier Jahrzehnte nach seiner Uraufführung, die ironischerweise am Tag nach Weihnachten stattfand, ist "Der Exorzist" von Regisseur William Friedkin immer noch äußerst verstörend und in seiner Wirkung schlichtweg schockierend. Das Skript enthält zwar mehrere separate Geschichten, doch alle kollidieren mit der Teenagerin Regan (Linda Blair), der Tochter der Schauspielerin Chris MacNeil (Ellen Burstyn). Regan beginnt plötzlich, sich unkontrolliert zu verhalten, zu fluchen und außergewöhnliche Stärke an den Tag zu legen, sehr zur Verwirrung der führenden Psychiater in Washington, D.C.. Als kein spezifisches Leiden festgestellt werden kann, werden die archaischen religiösen Praktiken des Exorzisten Pater Merrin (Max von Sydow) in Anspruch genommen, der von Pater Karras (Jason Miller) unterstützt wird, dessen eigener Glaube nach dem Tod seiner Mutter am Schwinden ist. Grotesk und unheimlich, vor allem mit einigen Szenen, die für spätere Wiederveröffentlichungen hinzugefügt wurden, darunter der berüchtigte umgekehrte Abstieg über eine Treppe, der als 'Spider Walk' bekannt ist, setzt dieser meisterhaft inszenierte Film auf unerträgliche Spannung und beängstigende Bilder, um den Betrachter in seinen Bann zu ziehen, was ihm zehn Oscar-Nominierungen einbrachte, darunter für den besten Film und die Auszeichnung als zweithöchstes Einspielergebnis des Jahres 1973.

Ursprünglich wollte William Friedkin mit "Der Exorzist" einen psychologischen Thriller drehen, doch aufgrund seiner Intensität und der ständigen neuralgischen Darstellungen dämonischer Besessenheit gilt der Film heute allgemein als der gruseligste Film aller Zeiten. Die Formel wird oft kopiert, aber nur wenige können mit ihrer virtuosen Abgründigkeit mithalten, vor allem weil sich die Filmemacher zu sehr auf Gore- und Spezialeffekte verlassen. Die regelmäßigen Jump-Scares, die auch in neueren Horrorfilmen zu finden sind, sorgen zwar für unmittelbaren Terror, dienen aber hauptsächlich dazu, den Betrachter von der Tatsache abzulenken, dass es keine intelligente Handlung gibt. Zwar gibt es auch einige erschreckende, nicht übernatürliche Momente, wie etwa eine besonders unschöne medizinische Untersuchung, bei der Regan auf ihren Zustand hin untersucht wird, und der verdächtige Tod von Chris' Chef Burke Dennings (Jack MacGowran), doch "Der Exorzist" setzt auf mentalen und emotionalen Horror, abnormales Verhalten und psychosomatische Phänomene, und das alles bei einem unschuldigen Kind. Dieses Grundmotiv hat einen Großteil der nachfolgenden Schockfilme geprägt und beweist den großen Einfluss, den "Der Exorzist" auf das Genre hatte und immer noch hat. Das Grundkonzept ist immer noch schön schaurig, auch wenn es zunehmend überstrapaziert und durch minderwertige Dialoge, dürftige schauspielerische Qualität und unterbelichtete Charaktere geschwächt wird.

"Der Exorzist" wurde von William Peter Blatty auf der Grundlage seines eigenen Romans, der auf tatsächlichen Begebenheiten aus den späten 1940er Jahren beruhte, die er recherchiert hatte, erstklassig verfilmt. Die verschiedenen Glaubensrichtungen des Films werden nacheinander erkundet, wobei darauf geachtet wird, dass die Idee der Teufelsaustreibung nicht als ein aufgesetztes, alltägliches Konzept behandelt wird, was am deutlichsten wird, als Chris Pater Karras fragt, wie man einen Exorzismus durchführt, worauf dieser mit völliger Ratlosigkeit reagiert. Selbst für einen Gläubigen ist ein solcher Ritus eine nie dagewesene Endlösung. Es ist diese Skepsis und Besorgnis, die einem Thema, das manche Betrachter sofort als absurd fiktiv interpretieren könnten, eine reißerische Dimension des Realismus verleiht.

Der Kampf zwischen Gut und Böse wirkt am Ende geradezu monumental, was vor allem an der wissenschaftlichen Betrachtungsweise des Themas und der handwerklich kompetenten Gestaltung und Inszenierung liegt. Dies hat auch dazu geführt, dass "Der Exorzist" trotz der erheblichen Fortschritte in der Technologie und Computergrafik erstaunlich gut gealtert ist. Das Make-up ist nach wie vor Spitzenklasse und sowohl für Max von Sydow als auch für Linda Blair sensationell greulich, gepaart mit Puppenspiel und abstoßenden Requisiten für einige der schockierendsten Aufnahmen im Film, darunter ein sich drehender Kopf, Levitation und projektilartiges Kotzen. Diese einprägsamen Sequenzen trugen dazu bei, die populärsten Vorstellungen von Exorzismen im Film zu definieren, während die geschickt eingesetzte unheilverkündende Beleuchtung, die stimmungsvolle Kinematographie und ein Arrangement moderner klassischer Kompositionen für den Soundtrack den elektrisierenden Ton des Horrors noch verstärken. In seiner Gänze ist "Der Exorzist" ein beispielloser, unvergleichbarer Meilenstein des zeitgeschichtlichen Horrorfilms.

In "Shining" des Regisseurs Stanley Kubrick erzeugen knarzende Klangeffekte und knirschende Musik eine schneidende Dissonanz, wenn ein kleines gelbes Auto auf dem Weg zu seinem ominösen Ziel durch eine malerische Landschaft fährt und mit minutiösen Noten kollidiert. Anschließend wird die Darstellung in Kapitel unterteilt, beginnend mit 'Das Vorstellungsgespräch', in dem Jack Torrance (Jack Nicholson) mit Stuart Ullman (Barry Nelson) über ein Beschäftigungsverhältnis spricht. Jack Torrance, ein ehemaliger Lehrer und aufstrebender Schriftsteller, ist bereit, das 'Overlook Hotel', das etwas mehr als drei Stunden von Denver entfernt liegt, während der bitterkalten Wintersaison zu betreuen.

Da das Hotel am Ende einer 25 Meilen langen Straße liegt, auf der bis zu 20 Fuß Schnee liegen kann, ist es finanziell nicht zu stemmen, das Hotel das ganze Jahr hindurch zum Skifahren zu betreiben. Der Ferienort wird daher für etwa fünf Monate geschlossen und komplett abgeschottet von der Außenwelt bleiben. Jack Torrances Pflichten bestehen darin, den Heizkessel zu bedienen, Teile des Hotels im Turnus zu beheizen und geringfügige Reparaturarbeiten vorzunehmen, um sich vor dem widrigen Klima zu schützen und dessen Schadenspotenzial zu mindern. Im Grunde genommen ganz banale Arbeit. Was allerdings abschreckt, ist der Hinweis, dass ein ehemaliger Hausmeister seine Familie mit einer Axt totgeschlagen hat, bevor er sich vor geraumer Zeit bei der Pflege des Grundstücks beide Läufe einer Schrotflinte in den Mund steckte. Lagerkoller, wie Stuart Ullman ihn bezeichnet.

Doch das dürfte für Jack Torrance kein Problem darstellen. Die Einsamkeit und die Isolierung könnten den weniger Begabten an die Substanz drängen. Doch genau diese Voraussetzungen sind es, die er anstrebt: Fünf Monate Ruhe, um sich auf die Niederschrift seines neuesten Buches zu beschränken. Und auch Frau und Kind werden bei ihm sein. Wendy Torrance (Shelley Duvall) ist ohnehin süchtig nach Spukgeschichten und Horrorfilmen. Ihr junger Sohn Danny (Danny Lloyd) ist etwas eigensinnig und hat Mühe, Freunde zu finden, doch die Nachbarschaft sieht hübsch aus und das Hotel ist ein Wunderwerk der Architektur. Was kann da schon im Argen liegen?

Etwa zwölf Minuten nach Beginn von "Shining" hat Danny die Imagination eines Korridors, aus dem eine Lache des Blutes wie eine Sintflut aus den Gleittüren eines Fahrstuhls schießt und zum ersten Mal sind zwei Mädchen in blauen Kleidern zu sehen, die nebeneinander stehen und sich an den Händen halten - sie sehen aus wie Zwillinge, doch es wird angedeutet, dass sie ein paar Jahre auseinander sind. Diese Bilder wirken Wunder für das Dekor. Jedem, dem die Richtung dieses Films nicht klar ist, wird rasch bewusst, dass "Shining" auf intensiven psychologischen Horror und einen guten traditionellen spukhaften Horror abzielt.

Danny Torrance ist ein geeigneter Sprecher des Verborgenen, vor allem, wenn sich sein imaginärer Freund Tony in seinem Mund befindet und mit einer verzerrten Stimmlage spricht. Er ist ein kleines Kind, das sich herumtreibt, regelmäßig irgendwelche Gespenster sieht und sich generell abnormal verhält, was das Ganze noch zusätzlich merkwürdig macht. Auch sein unbändiger Gesichtsausdruck lässt einen erfrieren. Dick Hallorann (Scatman Crothers), der Chefkoch, ist auch nicht besonders hilfsbereit, dafür aber ausnehmend gesellig. Im zweiten Kapitel spricht Dick Hallorann zum ersten Mal vom 'Shining', das im Grunde eine telepathische Verständigung ist.

Mit so vielen eigenartigen Zerstreuungen gelingt es dem Film, die unerklärlichen oder konvoluten Aspekte der Handlung zu kaschieren, bis hin zum 'Shining' selbst, das eine eher nebensächliche Bedeutung hat. Die Erwähnung der Donner Party und ihrer kannibalischen Probleme, eines Indianerfriedhofs und des labyrinthischen Heckenlabyrinths vor der Tür bieten weitere Ansatzpunkte für kommende Schrecken. Und dann ist da noch das Gerücht, welche furchtbaren Dinge in Raum 237 enthalten sein könnten. Obwohl es im Kontext des Jahres 1980 am bedeutsamsten ist, ist es ein merkwürdiger Zufall, dass "Amityville Horror" ein Jahr zuvor veröffentlicht wurde, wenn man bedenkt, dass diese Geschichte grundlegende Parallelen aufweist. "Der Exorzist" steuert ebenfalls eine Handvoll Themen bei, obwohl fast jeder Besessenheitsfilm ein oder zwei Elemente aus dem Klassiker von William Friedkin entlehnt.

Stanley Kubrick, der die berühmte Romanvorlage von Stephen King adaptierte, trifft bei der Inszenierung dieses Thrillers einige sehr mutige und untypische Entscheidungen, angefangen bei der Zeit, die für die Entfaltung des Horrors verwendet wird. Dank der langen Laufdauer wirkt die Geschichte weder übereilt noch gehetzt. Und mit so wenigen Schauspielern hat die Charakterisierung reichlich Gelegenheit, sich optimal zu entwickeln. Einen Großteil von "Shining" sehen wir in hellem Tageslicht und gut beleuchteten, farbintensiven Räumen. Um Gänsehaut zu erzeugen, setzt Stanley Kubrick nicht nur auf spärlich ausgeleuchtete, beengende oder sturmumtoste Umgebungen. Einige technische Details sind ebenfalls hervorzuheben, so folgt eine niedrige Kamera Danny, wenn er mit seinem Dreirad durch leere, doch leuchtstarke Flure fährt, was plötzliche Erscheinungen um so unerwarteter macht. Weite Flächen und Weitwinkelaufnahmen werden häufiger verwendet als enge Räumlichkeiten und aggressive Nahaufnahmen - ein Umstand, der in Horrorfilmen nicht oft vorkommt.

Für einen Film, in dem es um unerklärbare Phänomene, übernatürliche Invasoren, Selbsthypnose, Besessenheit, schlimme Verbrechen und Alpträume aus der Vergangenheit und schließlich einen Mord geht, setzt Stanley Kubrick nur selten auf billige Sensationslust. Es blitzen zwar einige makabre Motive auf, aber es sind keine typischen Panikmomente. Vielmehr geht es in "Shining" vor allem darum, eine Atmosphäre und ein Ungefühl aufzubauen. Jeden Moment könnte etwas passieren, aber das muss nicht sein, um den Betrachter zu verängstigen. Die meiste Zeit bewegt sich die Filmkamera im Schneckentempo und betrachtet die Szenerie mit einem besorgten Blick. Die Vorausdeutung ist kontinuierlich und energisch und gibt dem Betrachter eine Unmenge an Schreckensbildern, über die er nachdenken kann, und dann wiederum kurze, aber prägnante Sekunden lang unheimliche Impressionen.

In einer der meistgelobten Sequenzen nähert sich Wendy Jacks verlassener Schreibmaschine mit einem Baseballschläger in der Hand, besorgt über seine eskalierende Bitterkeit und sein anhaltendes Misstrauen. Die Kamera verdeckt zwar den Hintergrund in mehreren Winkeln und lugt sogar hinter einer Wand hervor, aber Jacks Erscheinen ist nicht beabsichtigt, um den Betrachter zu erschrecken. Seine Bewegung ins Zentrum des Bildes findet statt, bevor Wendy selbst durch einen Schrei aufgeschreckt wird. Und dann ist da natürlich noch die wohl berühmteste Szene mit einer Tür und einer Axt, die ein fulminantes, hochspannendes Finale einläutet.

Auch auf der künstlerischen Ebene sind die kompositorischen Inhalte der Filmaufnahmen überwältigend. Wie sorgfältig ausgearbeitete Porträts lassen sie alle Einzelheiten und Informationen einfließen, und auch die Farbgestaltung ist sehr kräftig. Sie sind weder schnell, noch druckvoll, noch offensiv, sondern vorsichtig und planvoll, pragmatisch und doch auf perverse Weise poetisch. Die Darsteller sind exzellent, und Jack Torrances sich rapide verschlimmernde Gesinnung und sein Auftreten ändern sich drastisch, als er genau den Symptomen erliegt, gegen die er behauptet hat, immun zu sein. Jack Nicholson kann mit dem Wahnsinn bestens umgehen. Und Shelley Duvall spielt die verängstigte Ehefrau grandios. Das Overlook Hotel hat eindeutig die Gabe, seine Bewohner auf sehr amüsante Weise negativ zu beeinflussen.

In vielerlei Hinsicht ist "Shining" eine Übung in nachhaltiger Anspannung. Es ist ein schleichendes, manchmal vielleicht zu langsames Experiment, aber ein größtenteils effektiver Schocker und eine Odyssee ins Delirium, die sich darauf konzentriert, eine Geschichte von unsichtbarem Bösen und tiefgreifender Psychose zu erzählen. Der Film ist nicht in jeder Minute spektakulär, aber er könnte für Hotels und Heckenlabyrinthe das werden, was "Der weiße Hai" für Haie war.

Kein Film scheint so sehr auf visuelle Strukturen zu setzen wie "Die Frau in den Dünen", das Meisterwerk des Regisseurs Hiroshi Teshigahara von 1964. Der Film spielt fast ausschließlich in einer kleinen Hütte auf dem Grund einer Sandgrube, in die durch Risse in der Decke ständig Sand eindringt. Der Boden ist mit Sand bedeckt. Alles ist mit Sand bedeckt. Es gibt eine bemerkenswerte Szene, in der Niki Jumpei (Eiji Okada) morgens neben der Hauptdarstellerin des Films (Kyoko Kishida) erwacht und ihr liegender, nackter Körper von Kopf bis Fuß mit einer glitzernden, sandigen Patina aus fast lebendigen Mineralien überzogen ist. Der Sand scheint fast eine lebhafte Verkörperung des funkelnden Korns des Kleinbildfilms zu sein.

Doch "Die Frau in den Dünen" ist weit mehr als ein opulentes visuelles Erlebnis. Es handelt sich auch um eine höchst beunruhigende Fabel des Verfalls und des fegefeuerartigen Zusammenbruchs. Der Film erzählt von einem Naturfotografen, der in einen abgelegenen Teil der Wüste reist, um Insekten zu fotografieren. Während er in Gedanken an eine Frau versunken ist, verpasst er den letzten Bus zurück in die Zivilisation. Die nomadischen Einheimischen bieten ihm eine Unterkunft in Form eines Hauses an, das an eine Grube gebunden ist. Dort lebt eine Frau, die in einem geheimnisvollen, fast übernatürlichen Patois spricht. Die Filmmusik von Toru Takemitsu strotzt vor Grausamkeit. Am nächsten Morgen, während die Frau schläft, versucht Niki, aus der Grube zu klettern. Er stellt fest, dass die Strickleiter verschwunden ist und er die sandigen Wände nicht erklimmen kann. Er sitzt in der Falle.

Niki bleibt für viele Tage gefangen. Wochen. Monate? Jahre? Die Frau schaufelt Sand und erklärt, dass sie ihn an die Produzenten von Baumaterialien verkauft. Sie erklärt aber auch, dass ihr Sand für Gebäude ungeeignet ist, weil er zu salzhaltig ist. Obwohl sie die meiste Zeit durcheinander und distanziert wirkt, dringt sie sexuell in die Psyche von Niki ein, und es gibt mehrere Sexszenen zwischen den beiden. Die körnigen Bilder ihres Fleisches sind erotisch, aufreizend und viszeral. Nur wenigen Filmen gelingt es so gut, das taktile Erlebnis der Berührung von Haut hervorzurufen.

Die schräge Mythologie erinnert sofort an Sisyphos, ein Vergleich, den Roger Ebert einst anstellte. Eine tief hängende Wolke der Sinnlosigkeit schwebt unheilvoll über Niki und der Frau. Sie hat sich mit ihrem Schicksal abgefunden, sich immer wieder aus ihrem eigenen Grab zu schaufeln, schließlich ist ihre alte Familie irgendwo da draußen in der Wüste begraben, so dass sie sozusagen ihr Ding durchzieht. Niki hingegen hat beschlossen, gegen sein eigenes Verhängnis anzukämpfen und weiter zu versuchen, irgendwie zu entkommen. Das ist das Stichwort für eine ausgedehnte intellektuelle Diskussion über die wahnsinnige Absurdität des Lebens.

"Die Frau in den Dünen" wirkt mit seiner zirkulären Sprache, den fernen mythologischen Untertönen und den dunklen meditativen Merkmalen unverkennbar japanisch. Man könnte aber auch denken, dass es auf einer verschollenen Geschichte von Franz Kafka beruht. Die Menschen sind in ihren eigenen Systemen, in ihren Denkweisen und tief in ihren Begierden gefangen. In jedem Fall ist "Die Frau in den Dünen" ein beängstigendes intellektuelles Labyrinth, auch wenn seine Charaktere frustrierend engstirnig bleiben.

"Die Frau in den Dünen" wurde 1964 für mehrere Oscars nominiert, unter anderem für die beste Regie. Danach geriet er für viele Jahre in Vergessenheit. Das ist es, was manchmal mit großartigen Filmen passiert. Sie werden in den höchsten Tönen gepriesen, erhalten Kritikerlob und viele andere Auszeichnungen, und dann scheinen sie für lange Zeit nicht mehr verfügbar zu sein.

Die Musik ist eines der berühmtesten Elemente von "Der weiße Hai", das so ziemlich jedem anderen bemerkenswerten Aspekt des zeitgenössischen Klassikers von Regisseur Steven Spielberg aus dem Jahr 1975 vorausgeht. Die von dem inzwischen legendären John Williams komponierte, schlichte, donnernde Melodie ist sofort zu erkennen und absolut unvergesslich. Er schafft es, die mordlustige Kreatur anzudeuten, uns von ihrer Anwesenheit zu überzeugen und die Sichtweise des Untiers zu verstärken, selbst wenn es nicht auf dem Bildschirm zu sehen ist.

Und dann ist da noch der Hai selbst. Obwohl er bekanntermaßen von Schwierigkeiten geplagt war, die dazu führten, dass in vielen Szenen keine Geschöpflichkeit zu sehen war, was ungewollt, aber brillant zur Spannung beitrug, verrät die konkrete animatronische Konstruktion nicht ihre fehlerhafte Mechanik oder fragmentierte Bauweise. Der Realismus einer sehr detaillierten Puppe lässt die große Offenbarung viel effektiver aussehen. Die Kombination aus einem bösartigen Monster mit Action, glaubwürdigen Charakteren, manipulativem Grusel und einer massiven Marketingkampagne machte "Der weiße Hai" zum ersten Sommerblockbuster und kurz nach seinem Kinostart zum umsatzstärksten Film aller Zeiten. Sein kritischer und kommerzieller Erfolg und seine inspirierende Popularität hatten einen großen positiven Effekt auf die Vermarktung von Filmen in den Sommermonaten und setzten die Messlatte für Horrorfilme und Thriller für die nächsten Jahrzehnte.

Das verschlafene Städtchen 'Amity Island' bereitet sich auf ein lukratives Fest zum 4. Juli vor, als die Leiche einer jungen Frau ans Ufer gespült wird, die fürchterlich verstümmelt und von Krebsen bevölkert ist. Polizeichef Martin Brody (Roy Scheider) vermutet einen Haiangriff, der die Sperrung des Strandes rechtfertigen würde, aber gierige Stadtbeamte, angeführt von Bürgermeister Vaughn (Murray Hamilton), überzeugen ihn, dass es sich um einen tragischen Bootsunfall handelt. Als ein zweites Opfer, ein kleiner Junge, in seichtem Wasser gefunden wird, gerät die Stadt in Panik. Auf den Hai wird ein Kopfgeld von 3.000 Dollar ausgesetzt, was den mürrischen Sam Quint (Robert Shaw), einen Fischer mit besonderen Qualitäten, veranlasst, seine Dienste als Haifänger für satte 10.000 Dollar anzubieten. Während die Stadt über seinem Angebot sinniert, fangen andere Bootsfahrer einen Tigerhai, einen Menschenfresser, der in diesem Gebiet selten vorkommt. Das beruhigt die Leute kurz, überzeugt aber den Meeresforscher Matt Hooper (Richard Dreyfuss) nicht, der als Experte hinzugezogen wurde, um die Ursache des ersten Todesfalls zu bestätigen.

Selbst als Matt Hooper und Martin Brody eine dritte Leiche, ein zerstörtes Boot und einen großen Zahn entdecken, der eindeutig zu einem Weißen Hai gehört, will der Bürgermeister nicht zuhören. Die Schließung des Strandes an einem wichtigen Feiertag kommt nicht in Frage, da die Stadt stark auf die Einnahmen aus dem Fremdenverkehr angewiesen ist, aber ein vierter Angriff reicht aus, um alle davon zu überzeugen, dass die Anwerbung von Sam Quint die beste Lösung ist. Der grantige Seemann ist meist betrunken und übergeschnappt, aber ein mehr als fähiger Jäger. Der Polizeichef und der Wissenschaftler begleiten ihn auf das offene Meer, um sicherzustellen, dass die Arbeit schnell und präzise erledigt wird. Von da an ist es ein Wartespiel, bei dem die drei Männer streiten, Geschichten austauschen, Karten spielen, Narben vergleichen und Köder in die trüben Tiefen werfen, was zu einem der berühmtesten Momente des gesamten Films führt: "Ihr werdet ein größeres Boot brauchen", ruft Martin Brody, nachdem der riesige Fisch seinen bezahnten Kopf aus dem Wasser reckt.

Die letzte Hälfte von "Der weiße Hai" wird komplett auf und unter Wasser gefilmt, mit niemandem außer Roy Scheider, Robert Shaw sowie Richard Dreyfuss und dem Hai. Die Spannung ist enorm hoch, und die drei Schauspieler tragen die Last der Glaubwürdigkeit auf hervorragende Weise, wobei ihre Beklemmung durch die hämmernde Titelmusik unterstützt wird. Die Handlung verschwindet fast völlig und macht Platz für einen verzweifelten Überlebenskampf auf einem sinkenden Boot mit einem unrealistischen, aber akzeptablen, aufregenden Ende. Die Zahl der Toten ist gering, der Blutverlust ist beträchtlich, die Konzepte sind wahrhaft erschreckend und experimentell, und die Atmosphäre ist phänomenal, während die Regie so elegant ist, dass man sie an Filmschulen studieren könnte, obwohl Steven Spielberg selbst zugibt, naiv und tollkühn gehandelt zu haben. "Der Weiße Hai" wird oft als einer der größten Filme aller Zeiten angesehen und führt viele Top-100-Listen an, darunter Horror, Thriller, Action, Filmhelden, Bösewichte und Musik. Der Film wurde mit drei Oscars ausgezeichnet, zog mehrere Fortsetzungen nach sich und ist das erste von Steven Spielbergs meistgelobten Werken. Er führte zu einer Regiekarriere, die "Jäger des verlorenen Schatzes", "Jurassic Park", "Schindlers Liste", "Der Soldat James Ryan" und viele weitere Filme umfasst.

Erfreulich ist die Tatsache, dass "Der weiße Hai" nicht der unter Kritikern, Wissenschaftlern und Historikern relativ weit verbreiteten Praxis erlegen ist, Handlung und Themen mit einer Subtextschicht zu versehen. Anders als die Horrorfilme der 1950er Jahre, darunter "Das Ding aus einer anderen Welt", "Formicula" und "Die Dämonischen", die mit politischen, sozioökonomischen und ideologischen Allegorien gespickt waren, die sich nicht auf den Kalten Krieg, McCarthyismus, Kommunismus und den Niedergang der Autonomie beschränkten, entzieht sich "Der Weiße Hai" einer übermäßigen Analyse, um tiefere Bedeutungsebenen zu erschließen, die sicherlich nicht vorhanden waren, als Peter Benchley das Buch schrieb oder während Steven Spielbergs Regiearbeit, obwohl der Watergate-Skandal und "Moby Dick" für kurzweilige Parallelen sorgen. Stattdessen kann das Werk allein wegen seines außergewöhnlichen Unterhaltungswerts, seiner Spannung, seines Sinns für Abenteuer und seiner altmodischen Hitchcock'schen Angstmacherei gewürdigt werden. Und ist es nicht genau das, worum es bei erstklassigen Monsterfilmen geht?

Chainsaw Charlies Horror-Oktober 2022 #22/31
https://www.moviepilot.de/liste/chainsaw-charlies-horror-oktober-2022-chainsaw-charlie

In "Get Out" von Regisseur Jordan Peele bewegt sich Andrew Logan King (Lakeith Stanfield) zu Fuß durch einen unheimlichen, verwirrenden Wohlstandsvorort. Es dauert nicht lange, bis ein weißes Auto neben ihm herfährt, als würde es den Mann verfolgen. Aus Angst vor Rassisten, die seine Anwesenheit in der Nachbarschaft negativ bewerten könnten, wendet er sich ab, um in die andere Richtung zu gehen, wird aber schnell von einem maskierten Unbekannten angegriffen, gewürgt und in den Kofferraum des Fahrzeugs geworfen.

Kurz darauf plant der 26-jährige aufstrebende Fotograf Chris Washington (Daniel Kaluuya) einen Wochenendausflug in das Elternhaus seiner Freundin. "Wissen sie, dass ich schwarz bin?" Die junge, weiße Rosie Armitage (Allison Williams) versichert Chris, dass ihre Eltern keine rassistischen Ansichten haben und dass es keinen Grund gibt, sich Sorgen zu machen, sie zu treffen. Doch die Fahrt beginnt mit einer bösen Überraschung: Ein Reh springt vor ihren Lincoln SUV und beschädigt einen Seitenspiegel und einen Scheinwerfer. Und dann befragt der herbeigerufene Polizeibeamte Chris unnötigerweise, sicher nur wegen seiner Hautfarbe. Bei ihrer Ankunft auf dem palastartigen Anwesen wirken der Neurologe Dean (Bradley Whitford) und die Therapeutin Missy Armitage (Catherine Keener) fröhlich, witzig und einladend, wenn auch ein wenig zu freundlich, als wären sie in der Nachbarschaft von "Die Frauen von Stepford".

Die Filmgestaltung und die Komposition im Allgemeinen sind ganz im Stil eines Horrorfilms gehalten, mit Jump Scares, bedrohlicher Musik, spontanen Visionen, Rückblenden, Albträumen und einer Kameraführung, die den Charakteren über die Schulter schaut, während sie langsam die schlecht beleuchteten Bereiche untersuchen. Außerdem bevorzugt das Objektiv ein wenig zu wandern, um gezielt fragwürdige Absonderlichkeiten und merkwürdige Verhaltensweisen zu beobachten, oder besser gesagt, um normale Verhaltensmuster als verstörend erscheinen zu lassen. Die Beschäftigung einiger schwarzer Hausangestellter, eine unerwartete Party, ein verschlossener Keller, Roses aggressiver Bruder Jeremy (Caleb Landry Jones) und die Klarstellung, dass sich das nächste Haus auf der anderen Seite des Sees befindet, was dem Anwesen völlige Privatsphäre verleiht, verwandeln die bescheidene Gelassenheit in etwas, das nicht ganz richtig ist.

Unsubtiler und abwechselnd unbeabsichtigter Rassismus und die oft vernachlässigten Sorgen und Ängste schwarzer Männer in einer weißen Umgebung sind vielleicht die wichtigsten unerforschten Erfahrungen der afroamerikanischen Gesellschaft im Mainstream-Kino, aber es ist schwierig, die Taktiken des Spukhausfilms zu ignorieren, die zur Ausschmückung dieser Themen verwendet werden. Der Inhalt ist offensichtlich und regt zum Nachdenken an, aber die satirische Komponente ist manchmal zu dominant. Ohne diese Hinweise würde sich die Geschichte weit weniger originell anfühlen. Die Einführung der erhöhten Suggestibilität der Hypnose fügt dem Szenario jedoch eine neue Ebene der Beklemmung hinzu und verdunkelt die Geradlinigkeit mehrerer primärer Determinanten. Die paranoiden und konspirativen Elemente werden immer ausgefallener und beängstigender.

Daniel Kaluuya ist außergewöhnlich geerdet und wirft immer wieder wirklich neugierige Blicke in die Runde, was die unheimlichen Situationen noch realistischer und humorvoller macht. Seine Performance ist exzellent, vor allem angesichts der Abnormitäten der anderen Akteure. Er hat eine ausgeprägte authentische Ausstrahlung, wie man sie im Kino nur noch selten findet. Durch ihn gelingt es "Get Out" auf vortreffliche Weise, aus der Notlage eines unkomfortablen Individuums in einer Welt der Intoleranz beträchtliche Komik zu ziehen. Seine Fassungslosigkeit ist zuweilen urkomisch und steht in schönem Kontrast zu den blutigen Ereignissen des Schlusses. Am Ende überschattet der Horror den schwarzen Humor, doch es ist immer noch ein wildes, grausames und spaßiges Erlebnis.

"El Dorado" basiert wie der Film "Rio Bravo" von Regisseur Howard Hawks und sein späterer Film "Rio Lobo" auf einer ergreifenden Kameradschaft zwischen drei Helden, die eine ernste Situation mit Leichtigkeit meistern und zusammen mit mehreren Nebendarstellern ein familiäres Band knüpfen, das ihnen hilft, Feindseligkeiten zu überwinden. Um den Vergleich noch einen Schritt weiter zu führen: Ricky Nelson spielte eine Figur namens 'Colorado', während James Caan jetzt die entsprechende Figur namens 'Mississippi' mimt. Die Analogien hören damit nicht auf, zumal mehrere andere Figuren fast exakt von verschiedenen Schauspielern verkörpert werden, was vielleicht nicht erstaunt, da die Autorin Leigh Brackett beide Drehbücher geschrieben hat und viele "El Dorado" für ein loses Remake halten. Doch wie in den meisten Filmen mit John Wayne werden sein souveräner Auftritt, sein selbstsicheres Wesen und seine humorvoll-bissigen Dialoge nie langweilig. Hinzu kommt das unvergleichliche Wechselspiel von John Wayne und dem genialen Schauspieler Robert Mitchum, das "El Dorado" zu einem lohnenden Western macht.

Cole Thornton (John Wayne) kommt in die Stadt, um einen Job bei Bart Jason (Edward Asner) anzunehmen, einem begüterten Farmer, der einen Auftragskiller benötigt. Als Cole Thornton von seinem langjährigen Freund J.P. Harrah (Robert Mitchum), jetzt Sheriff von 'El Dorado', zur Rede gestellt wird, erfährt er, dass seine Schussfertigkeit dazu benutzt wird, die angrenzende Familie MacDonald um ihr Land zu prellen. Er schlägt Jasons Offerte zwar aus, doch Cole Thorntons lästige Präsenz führt dazu, dass der junge Luke MacDonald (Johnny Crawford) in einer Notwehrsituation getötet wird und Josephine MacDonald (Michele Carey) ihm auflauert, so dass der Revolverheld eine Kugel nahe seiner Wirbelsäule abbekommt.

Es vergehen Monate, und Cole Thornton findet sich in einem Saloon in 'Sonora' wieder und hilft einem jungen Mann namens Alan Bourdillion Traherne (James Caan), kurz 'Mississippi' genannt, bei einer Vendetta. Cole Thornton findet heraus, dass einer der notorischsten Schießwütigen, Nelse McLeod (Christopher George), engagiert wurde, um J.P. Harrah zu beseitigen, der nach irreparablen Frauenproblemen zum Alkoholiker abgewrackt ist. Cole Thornton reist erneut nach 'El Dorado', dieses Mal mit Hilfe von 'Mississippi', um Bart Jason und seine Männer zu stoppen und den Sheriff auszunüchtern.

"El Dorado" weicht nicht allzu sehr von der Standardformel des John-Wayne-Westerns und der Hawks'schen Vorlage jener Zeit ab und nutzt eher dämliche Komplotte und nicht allzu ernsthafte Plots, um die sehr gemeinen Ganoven zu überlisten. Ein peppiges Erkennungslied, gesungen von George Alexander, pulsiert durch die Geschichte, die auf Harry Browns Roman 'The Stars and Their Courses' basiert, während die Helden ohne Verschnaufpause Prügel kassieren. Dieser Film ist gewalttätiger als die früheren Werke des John Wayne, vor allem wenn 'Mississippi' seine verheerende Miniaturschrotflinte einsetzt. Die Charakterentwicklung in "El Dorado" ist exzellent, und man nimmt sich die Zeit, jede Einzelperson mit Details auszustatten, so dass jede Aktion und jede Dialogzeile umfassend belegt ist. Die Nebenfiguren bekommen ebenfalls viel Einsatzzeit, was dazu führt, dass der Film gelegentlich die Gravitationskraft aus den Augen verliert und zu ungeraden Humoreinlagen greift, darunter absolut unnötigem Rassismus, Persiflagen und scherzhaften Wortgefechten, welche die Zeitspanne zwischen aufregenden Ballereien über Gebühr verlängern.

John Waynes Name und seine Begabung als blitzschneller Schütze werden immer mit ihm assoziiert werden. Aus seinem wettergegerbten Gesicht kommen immer wieder markige Kommentare. Jeder hat einen Beinamen, und die Bösewichte sind mehr als nur leblose Pappschablonen. Christopher George ist besonders besonnen und bedrohlich, während Edward Asner durchtrieben und selbstsicher ist. Es ist sicherlich nicht der beste Actionfilm von Howard Hawks, doch es wäre eine Schande, das Intermezzo zwischen dem Duke und dem unbeirrbaren, kaltblütigen Robert Mitchum zu verpassen.

Geschichten, in denen die Natur Amok läuft, waren schon immer faszinierend, vor allem wenn die Ursachen auf ein Minimum reduziert werden. Und von allen berühmten Horrorfilmen, die sich um wahnsinnige Tiere drehen, steht "Die Vögel" von Regisseur Alfred Hitchcock an vorderster Front, wenn es darum geht, den Quell des Terrors zu ergründen. Die Angstschreie sind echt, die Vogeleffekte halten sich trotz einiger offensichtlicher Szenen mit unpassenden Animationen und zusammengestückelten Aufnahmen ganz gut, und die allgegenwärtigen skeptischen Autoritätspersonen tragen zur Verschlechterung der Situation bei. Der Stoff, der auf einer Erzählung von Daphne Du Maurier basiert, ist ein äußerst packendes und ungeahnt dynamisches Werk, das durch die meist liebenswürdige Wesensart der Antagonisten noch aufgewertet wird.

Melanie Daniels (Tippi Hedren), die Tochter eines wohlhabenden Zeitungsinhabers, flirtet mit einem aufgeschlossenen Anwalt, den sie kurz in einem Vogelladen kennenlernt. Teils verärgert, aber auch fasziniert, macht sie sich auf den Weg, ihm nördlich von San Francisco nach Bodega Bay zu folgen und ihm ein Paar Unzertrennliche zu bringen. Es ist ein kleiner Scherz, der mit einem Bootsverleih, einem Besuch bei der Lehrerin Annie Hayworth (Suzanne Pleshette), die Informationen über die Familie ihres neuen Bekannten benötigt, und einer Fahrt über das Wasser zum Anwesen eines mysteriösen Mannes namens Mitch Brenner (Rod Taylor), der seine Mutter (Jessica Tandy) und seine jüngere Schwester (Veronica Cartwright) besucht, endet.

Auch wenn ein Hauch von klassischer Andeutung vorhanden ist, nämlich die Titelsequenz zu Beginn, das unheilvolle Kreischen der Vögel, eine abtrünnige Möwe und unheimliche Soundeffekte, beginnt "Die Vögel", Charaktere zu entwickeln, die dem Betrachter am Herzen liegen und die nicht nur Futter für gefräßige fliegende Biester sind. Es ist ein Wettstreit zwischen Melanie und Mitch, bei dem es darum geht, ob sie sich zueinander hingezogen fühlen, und ein Kampf zwischen Melanie und Annie, um ihre Beziehung und ihre Absichten mit dem gut aussehenden Anwalt nicht zu verraten, obwohl der Sozialarbeiter ein Zimmer bei der Lehrerin gemietet hat. Wenn man sich an "Psycho" orientiert, scheinen die Details irreführend zu sein, denn kurze Zeit später hören Hühner auf zu fressen, Möwen werden aggressiv und dadurch suizidgefährdet, und Horden von Krähen versammeln sich auf Telefonleitungen.

Annie und Melanie führen ein Gespräch, das die Vorgeschichte von Mitch und seiner verachtenden Mutter beleuchtet und die Beziehung zwischen den beiden, die zu Annies alleiniger Existenz geführt hat. Diese Rollen sind auffallend dreidimensional, mit ausgeprägten Persönlichkeiten und Eigenschaften, die alles tun, um denkwürdige Charaktere zu schaffen. Später offenbart Melanie sogar komplizierte Emotionen gegenüber ihrer eigenen Mutter, während Mrs. Brenner sich gegen die zuvor beschriebenen negativen Impressionen wehren muss. "Die Vögel" ist beileibe kein Standard-Tierhorrorfilm.

Sobald jedoch das eigentliche Chaos beginnt und der erste Vogelangriff fast eine Stunde andauert, wird Alfred Hitchcocks Vollkommenheit hinsichtlich der Suspense evident. Nach dem ursprünglichen Angriff werden die Dinge immer aufreibender, bis es schließlich zu einer der schockierendsten und grausamsten Sequenzen des Films kommt: eine Leiche mit ausgestochenen Augen. In einem blendenden Kontrast dazu zeigt eine andere bestürzende, dennoch sehr künstlerische Szene, wie Tippi Hedren ruhig auf einer Bank raucht, während sich im Bildhintergrund Dutzende von schwarzen Vögeln auf Spielplatzgeräten ansammeln, die von singenden Schulkindern flankiert werden. Mit humorvollen, verspielten Dialogen zu Beginn, einer Romanze, die mitten im Drehbuch ausbricht, und dem Horror, der sich für den Rest des Films einschleicht, ist "Die Vögel" ein Paradebeispiel für Alfred Hitchcocks Kunstfertigkeit in diesem Genre, gewürzt mit beängstigenden Aspekten und reichlich Spannung, vor allem für das Durchwandern dunkler Korridore, aber auch für Minuten, in denen man wortlos in einem Wohnzimmer sitzt und auf den nächsten unabdingbaren Vogelschlag wartet.

Seltsame Xylophonklänge, neonpinke und lila Lichter und ein blindwütiger Wissenschaftler, der von einer schleimigen, schlangenartigen Kreatur angegriffen wird, bilden den Auftakt zu "From Beyond - Aliens des Grauens" von Regisseur Stuart Gordon, einem herrlich abgedrehten Film vom Team hinter "Der Re-Animator" und "Liebling, ich habe die Kinder geschrumpft". Basierend auf einer Kurzgeschichte von H.P. Lovecraft haben Stuart Gordon und Drehbuchautor Brian Yuzna ein Cronenberg-artiges Meisterwerk aus Blutrünstigkeit, sexuellen Perversionen und abartig glibberigen Mutanten geschaffen, das sich mit John Carpenters "Das Ding aus einer anderen Welt" oder, in geringerem Maße, James Camerons "Aliens - Die Rückkehr" aus demselben Jahr messen kann. Es ist ein bizarrer, doch höchst unterhaltsamer Science-Fiction-Schocker.

Der Assistent Crawford Tillinghast (Jeffrey Combs) probiert ein neues Programm aus, das ihm sein Kollege Edward Pretorius (Ted Sorel) vorgeschlagen hat, um in das Reich der menschlichen Existenz einzudringen. "Es läuft von selbst!", schreit Crawford, als ihre Frankenstein-ähnliche Maschine, die von Metallschaltern, Hebeln und einem elektromagnetischen Feld gesteuert wird, durchdreht und es jenseitigen Monsterwesen gestattet, Edward Pretorius zu enthaupten. Crawford Tillinghast, der als paranoider Schizophrener gilt, wird für seinen Tod verantwortlich gemacht. Die Psychiaterin Katherine McMichaels (Barbara Crampton) besucht ihn auf der Station, wo er ihr erklärt, dass er bei seiner Arbeit mit Edward Pretorius die Zirbeldrüse benutzt hat, von der viele Wissenschaftler und Philosophen glauben, dass sie Zugang zu einem sechsten Sinn hat oder als drittes Auge dient, das einen visuellen Zugang zu einer anderen Dimension ermöglicht.

Ein CT-Scan zeigt, dass Crawford Tillinghasts Zirbeldrüse vergrößert und tumorähnlich ist, was seinen Entführern suggeriert, dass seine Forschung legitim war. Doch Katherine McMichaels ist die Einzige, die sich mit Crawfords Analysen befassen will. Indem sie ihn in ihre Obhut entlassen, haben sie die Möglichkeit, zur Pretorius-Stiftung zurückzukehren, um seinen Apparat, den so genannten 'Resonator', nachzubauen. Zu ihnen gesellt sich der Ex-Footballspieler Buford 'Bubba' Brownlee (Ken Foree), der jetzt als Detektiv arbeitet und die Aktivitäten als Wachmann begleiten soll. Im Keller, wo der Resonator wieder in Funktion ist, wird das Trio in die Anderswelt hineingezogen, ein Paralleluniversum, in dem sie nicht nur durch ätherische Freuden jenseits des normalen menschlichen Verständnisses sexuell stimuliert werden, sondern auch in den Bann von Edward Pretorius geraten, der sich in einen Meister der übernatürlichen, erotischen Völlerei und Transmogrifikation transformiert hat.

Die Spezialeffekte sind sensationell: Schminke, Prothesen und kitschiges Puppenspiel sorgen für hypnotisierende Grotesken und zerstückelte, fleischliche Horrorgebilde. Dass Charles Band als ausführender Produzent fungierte, mag abschreckend klingen, aber Stuart Gordon und Brian Yuzna haben einen wirklich einzigartigen, erschreckend viszeralen Horrorfilm geschaffen. Blut und Gemetzel stellen die Geduld des Betrachters gehörig auf die Probe. Auch der Humor kommt nicht zu kurz: Katherine McMichaels Kurzatmigkeit, ihr überstürzter Versuch, die wissenschaftlichen Vorzüge eines offensichtlich mörderischen Geräts zu erforschen, und ihre unbändige Neugier, weitere Experimente durchzuführen, nachdem sie fast von einem übergroßen Neunaugenmonster vergewaltigt und verschlungen wurde. Nachdem sie die exzessiven Katastrophen von Edward Pretorius' widerlicher Metamorphose miterlebt hat, besteht sie auch darauf, Eier zu braten, die ulkigerweise wie dicker Geifer in die Pfanne tropfen.

In "Tenet" von Regisseur Christopher Nolan belagern schwer bewaffnete Männer die Nationaloper in der Ukraine, stürmen die Gänge, zerschlagen Instrumente, legen Bomben und terrorisieren die Konzertbesucher. Doch nur wenige Sekunden, nachdem sie das Gebäude betreten haben, stürmen SWAT-ähnliche Soldaten, die offenbar mit der CIA zusammenarbeiten, das Objekt und versuchen, einen Agenten zu exfiltrieren, der in der Umkleidekabine ein seltsames Gerät versteckt hat. Diese Eröffnungssequenz soll offensichtlich mit dem Bankraub aus "The Dark Knight" konkurrieren, ist aber weder so überzeugend noch so geradlinig. Hier gibt es einen Austausch, kompromittierte Agenten, ein doppeltes Spiel und operative Irrtümer, die zu Kidnapping, Folter und Tod führen, wobei nichts davon im Vorfeld transparent ist. "Willkommen im Jenseits."

Letztlich ist alles eine Art Test, um festzustellen, ob ein namenloser Protagonist (John David Washington) für eine streng geheime Mission geeignet ist, die so kompliziert ist, dass es kaum möglich und vielleicht auch sinnlos ist, sie auszubuchstabieren. Im Wesentlichen geht es darum, den Dritten Weltkrieg zu verhindern. Von diesen ersten Momenten an entwickeln sich die Vorgänge rapide, zu turbulent, und es bleiben mehr Fragen als Antworten. Erschwerend kommt hinzu, dass der dröhnende, perkussive Soundtrack, der die Actionsequenzen gut unterstreicht, dazu neigt, Dialogpassagen zu übertönen, die kurze, wahrscheinlich notwendige Informationen enthalten. "Ihre Pflicht geht über nationale Interessen hinaus".

Es gibt zwar einige explizite Definitionen, aber die sind langwierig und fachspezifisch. Inverse Strahlung aus der Kernspaltung erzeugt invertierte Materialien, die als 'Detritus eines kommenden Krieges' bezeichnet werden. Wie erwartet wird die kryptische Handlung nur noch von den komplizierten Aussagen der Wissenschaftler übertroffen, die von den Charakteren selbst nicht in Frage gestellt werden. "Versuchen Sie nicht, es zu verstehen", rät eine Technikerin (Clemence Poesy), nur eine von zahlreichen Personen, die in einer einzelnen Szene auftauchen, um den Protagonisten über ein Detail zu informieren, bevor sie ganz aus dem Film verschwinden, und spricht damit eines der naheliegenden Nachteile einer verschwurbelten Prämisse laut aus.

Ähnlich verwirrend ist der Schnitt im ersten Akt, wo bestimmte Momente so beginnen, als wären sie schon zur Hälfte durch, um dann abrupt zu stoppen, als wären sie noch nicht fertig, was ein unnötiges Wettlauftempo und erhebliche Konfusion hervorruft. "Tenet" will nicht, dass der Betrachter in nennenswertem Umfang darüber reflektiert, was hier geschieht. Stattdessen soll er sich zurücklehnen und das Abenteuer genießen, als Realist in der Zukunft auf Hinweisjagd zu gehen und in actionreichen Proben mit der Vergangenheit zu interagieren. Dies wird nie klarer als in dem Moment, in dem der Protagonist ein paar Worte mit einem Waffenhändler wechseln muss und ein Bungee-Seil für die Infiltration und Flucht vor den staatlichen Instanzen benötigt.

Echte Spannung taucht zwar auf, um die weitschweifigen Dialoge zu kompensieren, aber sie sind von der überproduzierten Sorte, oft mit optisch bedrohlichen Personen mit Tätowierungen, Lederjacken, rasierten Köpfen und gleichgültigen Mienen. Wenn die Jungfrau in Nöten, Katherine Barton (Elizabeth Debicki), schließlich den Hauptbösewicht (Kenneth Branagh) konfrontiert, sind sie in einer Melange aus Erpressung, Mord, Faustkämpfen, verdeckten Ermittlungen, Aufklärungsarbeit, Diebstählen, Verfolgungsjagden und Explosionen eindeutige Vorboten. Das Budget ist gigantisch und die Bilder bestätigen dies. Exotische Drehorte und aufwendige Filmkulissen lassen an die letzten James-Bond-Abenteuer denken.

Schließlich werden die Merkmale der umgekehrten Chronologie deutlicher, als die Hauptfiguren von der Zukunft angegriffen werden, wobei sie einige Anleihen bei "Looper" und "Timecop" machen, während sie das Großvater-Paradoxon kommentieren und sich physisch mit einer vergangenen Version von sich selbst verbinden, aber das meiste davon ist völlig unverständlich. Rückwärts gespielte Filmaufnahmen und Actionsequenzen, in denen man sich in beide Zeitrichtungen gleichzeitig bewegt, sind absurd, aber zwingend und führen zu einem unfassbar spannenden Finale, auch wenn es weiterhin wenig logisch ist; selbst wenn ein Kommandeur seinen Truppen mitteilt, was sie gleich tun werden, ist es immer noch irreführend. Der Betrachter will, dass die Helden reüssieren, auch wenn er nicht exakt weiß, wann und wie sie triumphieren werden. Dies ist ein Indiz für den Sinn des Regisseurs Christopher Nolan für Innovationen. Doch viele der Lösungswege bleiben ebenso rätselhaft wie die entsprechenden Erklärungsmuster. Nur die treuen Anhänger seiner Filme werden sich "Tenet" leider noch einmal ansehen, bis sie manche der Geheimnisse verstanden haben, alle anderen werden sich vermutlich damit begnügen, verdattert und nur notdürftig beglückt worden zu sein. "Wir sehen uns am Anfang, mein Freund."

"Das Ding aus einer anderen Welt" von Regisseur John Carpenter ist wahrscheinlich das beste Horrorfilm-Remake aller Zeiten. John Carpenters Version baut auf den Ideen des Originals auf, das auf John W. Campbell Jr.'s 'Who Goes There?' basiert, verdreht sie aber mit der nihilistischen Vorliebe der 1980er Jahre für böse außerirdische Eindringlinge. Außerdem hebt John Carpenters Umsetzung die Spezialeffekte auf ein neues Niveau mit unglaublich realistischen Modellen und Animatronics, blutiger Stop-Motion-Animation und sensationellem Maskenbild von Rob Bottin, dem Meister der praktischen Effekte. Erstklassige Darstellerleistungen und traumhaft schauerliche Kulissen ergänzen diesen Kultklassiker, der sich über seine B-Movie-Slasher-Ursprünge hinaus zu einem der Inbegriffe des Science-Fiction-Horrors entwickelt hat.

Tief im Eis des Südpols vergraben, entdecken norwegische Wissenschaftler die Überreste eines parasitären Außerirdischen, der in der Lage ist, andere Lebewesen zu imitieren, mit denen er in Kontakt kommt. Mit der Fähigkeit, seine Zellstruktur so zu verändern, dass sie den physischen Eigenschaften anderer Lebensformen entspricht, kann das hässliche 'Ding' im Grunde in jeder Zivilisation unentdeckt bleiben und stellt somit eine Gefahr für die gesamte Menschheit dar. Nachdem es alle Wissenschaftler getötet hat, gelingt es einem einzigen infizierten Hund, zu einem nahegelegenen amerikanischen Außenposten zu entkommen und eine dauerhafte Inbesitznahme der dort stationierten, unwissenden Menschen zu beginnen. Unter der Führung des Hubschrauberpiloten R.J. MacReady (Kurt Russell) muss die gefangene Crew versuchen, den gestaltwandelnden Feind zu vernichten und gleichzeitig gegen die Unsicherheit und das Misstrauen ankämpfen, welche die Gruppe schnell überwältigen. Während die Leichenrate steigt und die Temperatur sinkt, bleibt eine morbide Frage: Wer wird überleben und wer wird zu diesem Ding?

Die Geschichte ist virtuos umgesetzt, mit dunkler, furchterregender Kameraarbeit, klaustrophobischen Settings und geheimnisvollen Grotesken. Wie in Ridley Scotts "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" erzeugt John Carpenter Spannung durch die Verwendung von Aufnahmen geschwärzter Korridore, düsterer Schatten und kurzer Blicke auf verstümmelte Körper und Alienkadaver. Themen wie Isolation, Argwohn und Paradoxie tragen zur Stimmung bei, während die Musik von Ennio Morricone mit ihren pulsierenden Bässen und grellen synthetischen Klängen an andere Projekte von John Carpenter erinnert, die er größtenteils selbst vertont hat.

Kurt Russell verkörpert MacReady mit gleichmäßigem Temperament und souveräner Präsenz, einen Vermittler, der die Kontrolle übernehmen und das Chaos bändigen muss, das sich anhäuft, nachdem er immer mehr Opfer entdeckt hat. Alle anderen füllen die Rollen der Besatzungsmitglieder perfekt aus, mit unterschiedlichen Graden von Psychose, Irrationalität oder Furcht. Wilford Brimley als der verrückte Dr. Blair und Keith David als der aggressive Childs führen die exzellenten Nebendarsteller an, von denen jeder ein Höchstmaß an idiosynkratischer Einzigartigkeit besitzt, die die Effektivität ihrer Tode oder ihres Durchhaltevermögens erhöht. Und ganz unverfroren tritt in "Das Ding aus einer anderen Welt" keine einzige Schauspielerin auf, sondern überlässt die stereotypische Hysterie den männlichen Darstellern. Auch eine halbherzige Lovestory, die dem Überlebenskampf im Wege steht, existiert nicht.

Die natürlichen Kreaturen und Make-up-Effekte in "Das Ding aus einer anderen Welt" übertreffen die meisten CG-Arbeiten dieser Zeit bei weitem und versetzen auch heute noch in Erstaunen. Das Originalmonster von James Arness kann mit den schleimigen, glitzernden, deformierten Monstrositäten, die hier zu sehen sind, nicht mithalten. Vom blutenden Hundehybrid mit seinen frenetischen roten Tentakeln bis hin zum wahnsinnig innovativen abgetrennten Kopf, der spinnenähnliche Beine ausspuckt, bevor er davonhuscht - Rob Bottins inspirierte Designs mit ein wenig Hilfe von Stan Winston sind der Stoff, aus dem die schönsten Albträume des Kinos sind. Noch nie zuvor sahen angsteinflößende Mutationen und blutig zerstückelte Gliedmaßen so beängstigend natürlich aus. Selbst die Szenen mit Spritzen und Blutabnahme scheinen die Grenzlinie der Empfindlichkeit zu testen. Manche interpretieren den signifikanten Stil des Films zwar als zu abstoßend oder als bloße Kompensation für die lohnenswerte Substanz, doch das Ergebnis der Mischung aus hohem Gruselfaktor, nervenraubendem Thrill und einer klassischen Sci-Fi-Prämisse ist ein unvergessliches Werk von makaberer Filmkunst.

"Rosemary's Baby", das schockierende Meisterwerk von Regisseur Roman Polanski, erzählt mit unkonventionellen Mitteln und empathischen Schauspielern eine bizarre Geschichte über Paranoia und Hexerei. Wunderbare Vorausdeutungen, innovative Kinematographie und ein erschütternder Schluss machen diesen Film zu einem Grundpfeiler des Horrorgenres, dessen Einfluss sich auf fast alle nachfolgenden Psychothriller ausgewirkt hat. Die Gedanken an Verlassenheit und Perfidie in der Ehe, in Freundschaften und schließlich im eigenen Körper sind wirklich beängstigende Konzepte, die hier mit einer Authentizität präsentiert werden, die über die filmischen okkulten Machenschaften dämonischer Kultisten weit hinausgeht.

Im New York des Jahres 1965 ziehen Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) und ihr Mann Guy (John Cassavetes) in eine neue, geheimnisumwitterte Wohnung. Dazu tragen vor allem ihre Nachbarn Minnie (Ruth Gordon) und Roman Castevet (Sydney Blackmer) bei, die eine unwiderlegbare Aura von Exzentrik und Fremdartigkeit ausstrahlen. Verdächtig sind auch die angebliche Senilität des Vormieters und das vorzeitige Ableben einer vom Glück verlassenen Drogenabhängigen.

Da Guy immer weniger Zeit mit Rosemary verbringt, muss das Paar eine bestimmte Zeit festlegen, um zu versuchen, ein Kind zu zeugen. Als Rosemary in ihrer besonderen Nacht vorzeitig einschläft, träumt sie davon, von etwas nicht ganz Menschlichem vergewaltigt zu werden. Am nächsten Morgen teilt Guy ihr mit, dass er die Gelegenheit und die geplante Aktion an diesem Abend nicht verpassen wollte und deshalb trotz ihrer Bewusstlosigkeit Sex mit ihr hatte. Doch das erklärt nicht die Kratzer auf Rosemarys Torso. Dennoch wird sie schwanger und wird von den übermäßig aufmerksamen Castevets betreut. Gordons Verwöhnprogramm ist besonders abstoßend, ebenso wie der Arzt, den sie empfehlen, Abraham Sapirstein (Ralph Bellamy). Mit fortschreitender Schwangerschaft wird sie schwächer, verliert an Gewicht und Hautfarbe und leidet unter unnatürlichen Schmerzen. Erschwert wird sie auch durch das unerklärliche Koma ihres einzigen verbliebenen, wirklich besorgten Freundes Hutch (Maurice Evans), dem es gelingt, Rosemary zu warnen, dass mit ihrem ungeborenen Kind etwas nicht in Ordnung sein könnte.

"Rosemaries Baby" beginnt mit einer schaurig-schönen, von Hauptdarstellerin Mia Farrow gesummten Melodie, die den Ton dieses teuflischen Horrorfilms perfekt vorgibt. Die Vorzeichen werden durch die Einführung rätselhafter Situationen im neuen Haus der Woodhouses sofort deutlich: Ein Sekretär wurde versetzt, um eine Schranktür zu verdecken, und eine Mieterin, die bei den Nachbarn gewohnt hat, bringt sich wenige Stunden nach Rosemaries Begegnung mit ihr um. Durch den sensationellen Gebrauch von Irreführung, Zweideutigkeit und allgemeinem Misstrauen bleibt der Film unglaublich spannend, auch ohne Blutvergießen und Gewalt. Jedes Mal, wenn sich Rosemary an einem Ort befindet, an dem sie sich wohlfühlt, wird sie durch katastrophale Ereignisse brutal erschüttert, so als wolle sie den Betrachter aus der momentanen Entspannung seiner Nerven reißen.

Die Kameraführung ist fantastisch, mit abrupten Schnitten von Szene zu Szene, fast ohne Übergänge - ein verstörender Schnittstil, der in der modernen Filmproduktion quasi nicht mehr vorkommt. Türöffnungen rahmen oft Teile der Personen mit Blick auf ihren Rücken ein und schaffen so eine unheimliche Trennung oder den Eindruck, dass der Betrachter nicht Zeuge des Gesprächs sein soll, während eine tickende Uhr Traumsequenzen auf beunruhigende Weise von der Realität zu trennen scheint. Die Stimmung und die Inszenierung stehen ganz im Zeichen des Schocks und der Angst, denn Rosemaries Schwangerschaft ist ständig von einem schleichenden Horror umgeben, der den natürlichen Unglauben über satanische Ahnungen wirksam beschwichtigt. Obwohl das Finale alles andere als ein Hollywood-Ende ist, verdient "Rosemaries Baby" Anerkennung für seine atemberaubende Verwegenheit und Innovation beim Verrat an der Moral des Betrachters und der Genugtuung der Hauptfiguren - eine Subversivität, die sich mit dem ultimativen Missbrauch von Rosemaries Verstand und Physis verbindet.

"Der Leuchtturm" von Regisseur Robert Eggers beginnt mit ausgedehnten Sekunden der Schwärze und dann düsteren Grautönen und tut sein Bestes, um visuelles Befremden und Desorientierung zu erzeugen, während sich zwei schattenhafte Gestalten an Bord eines Bootes einem Leuchtturm nähern. Die Bewegung findet in dunklen Bereichen des Bildschirms statt, etwa ganz oben oder tief in einer Ecke, während die Musik meist aus dröhnenden Nebelhörnern und gespenstischem Pfeifen des Windes besteht. Darüber hinaus bewirken das unübliche, kastenförmige Seitenverhältnis und die gedämpfte Schwarz-Weiß-Kinematographie Klaustrophobie und Unschärfe.

Es ist eine wunderbar spukhafte Umgebung für den magerbrüstigen Thomas Wake (Willem Dafoe) und den schüchternen Neuankömmling Ephraim Winslow (Robert Pattinson), zwei einsame Seelen, die vier lange Wochen auf einem scheinbar verlassenen Außenposten stationiert sind. Die Korridore sind in tiefe Finsternis gehüllt, und in beunruhigender Weise schneiden scharfe, kontrastreiche Lichtstrahlen ins Bild. Die ständige Verschleierung ist eine geniale Methode in einer so kleinen, einfachen Arena mit nur zwei Darstellern, ein paar Räumen und spärlichen Requisiten. In kurzer Zeit finden der jüngere, unerfahrene, untergeordnete Ephraim und der ältere, frustrierte, nörgelnde Thomas Mittel und Wege, sich gegenseitig zu vergrätzen, sich permanent zu beschimpfen und durch die Isolation und das Ausfransen der Nerven allmählich den Verstand zu verlieren.

Nachdem er seinen Pflichten nachgekommen ist und diverse Insultationen ausgetauscht hat, träumt Ephraim Winslow unmittelbar einen bizarren, halluzinatorischen Traum über den Tod und eine Meerjungfrau. Auch tagsüber wird er von bösen Omen geplagt, unter anderem von einer einäugigen Möwe. Möglicherweise hat es auch damit zu tun, dass der ehemalige Leuchtturmwärter wahnsinnig wurde, weil er glaubte, der Ort sei verflucht. "Ich hätte dich nicht für einen belesenen Mann gehalten."

Es ist alles sehr merkwürdig, psychosexuell, verschroben, surreal, verquer und manchmal sogar nonsensal, eine Mischung aus Luis Buñuel und Maya Deren mit David Lynch und Alejandro Jodorowsky. Doch die Dialoge sind geistreich, humorvoll und fiebrig-poetisch, und sie unterstreichen auf verrückte Weise, wie gut William Dafoe und Robert Pattinson zusammenarbeiten. Es ist ein brillantes Kräftemessen zwischen der Sensibilität von Ephraim Winslow und der Dickköpfigkeit und dem Wahnwitz von Thomas Wake, und William Dafoe und Robert Pattinson sind schlichtweg grandios. Obwohl sie nicht völlig in ihren Rollen aufgehen, nehmen sie die Exzentrik ihrer Figuren in erheblichem Maße an. Der Werdegang, die unbequeme Enge und die verbalen Auseinandersetzungen sind regelrecht explosiv. "Trübsal - schlimmer als der Teufel. Die einzige Medizin ist Alkohol."

Je mehr der Betrachter sieht, wie sich diese gesalzenen Teere geistig abwickeln, desto faszinierender und absurder wird es. Die Realität verschmilzt mit der Fantasie und dann wieder mit dem unsterblichen Wahnsinn, während die Tage und Nächte unentzifferbar werden und ein Sturm unaufhörlich wütet. Wer von den beiden ist der Verrückte? Oder wer ist noch verrückter? Hinter den verstörenden Motiven, morbiden Hirngespinsten und bröckelnden Identitäten verbirgt sich eine interessante Charakterstudie und eine Teufelskombination aus Drama und psychologischem Horror. Letztendlich könnte das alles nur ein Trugbild von jemandem sein. Dennoch ist "Der Leuchtturm" in seiner Eigenart absolut unique. "Ich habe alles durchdacht!"

1. Andrei Arsenjewitsch Tarkowski
2. Mark Calaway
3. Klaus Kinski
4. Corey Taylor
5. Edward Lee
6. Till Lindemann
7. Jackson Pollock
8. Bryan Cranston
9. Werner Herzog
10. Eiichirō Oda

Eines der vielen Dinge, die Filme erreichen können, ist, den Betrachter in eine völlig andere Welt zu versetzen, die er vielleicht noch nie gesehen hat. Diese Filme können die Geschichten einzigartiger Menschen einfangen, die aufschlussreiche und faszinierende Themen präsentieren. Dokumentarfilme eignen sich in vielerlei Hinsicht besonders gut für diese Untersuchung, da sie Geschichten über echte Menschen und ihre Interaktionen erzählen. Das ist der Fall bei "The Truffle Hunters" von den Regisseuren Michael Dweck und Gregory Kershaw, einem Film, der versucht, einen Blick in die stille Welt der traditionellen Aristokratie zu werfen, und dem es gelingt, charmante Persönlichkeiten durch einen warmen und einladenden Ton zu porträtieren.

In den Wäldern einer kleinen italienischen Stadt namens Piemont frönt eine Gruppe älterer Männer den Leidenschaften, die ihren Lebensabend bestimmen: Sie sind besessen davon, in die Wälder zu gehen und so viele weiße Alba-Trüffel wie möglich zu finden, eine seltene und teure Sorte dieser feinen Delikatesse, die ich selbst schon probieren durfte. Jeder von ihnen hat auch einen treuen Hund oder ein Rudel von Hunden als Assistenten, um die seltenen Leckereien aufzuspüren und auszugraben. Diese Männer verfügen auch über eine Reihe von Fähigkeiten, die seit Jahrzehnten genutzt werden. Doch ihre Arbeit ist nicht ohne Nachteile. Der zunehmende Wettbewerb auf dem Markt und die sich verschlechternden klimatischen Bedingungen haben die Suche nach erstklassigen Exemplaren noch schwieriger gemacht und häufig zu ernsthaften Streitigkeiten geführt. Dennoch geben sich diese Männer weiterhin ihren Passionen hin und suchen nach dem Funken, der ihrem Leben Sinn und Freude verleiht.

Michael Dweck und Gregory Kershaw gelingt es auf erstaunliche Weise, den Blick auf diese Welt zu schärfen. Die Filmaufnahmen fangen die schönen Landschaftsmotive mit Bravour ein und zeigen die einfachen Momente mit einer starken filmischen Linse. Die Bilder wirken sorgfältig inszeniert und doch authentisch für das Leben der Menschen, die sie bewohnen, und die gezeigte Ästhetik ist strukturiert und lebendig. Das spürt man vor allem in den langen Sequenzen, die die Jagd aus der Sicht der Hunde zeigen, und es sind imposante Momente, die das technische Handwerk und das Gespür für den Ort zeigen, das die Schilderung noch eindrucksvoller macht. Der Regie gelingt es auf bewundernswerte Weise, eine liebenswerte Geschichte zu erzählen, bei der es eine Freude ist, ihr zuzusehen.

"The Truffle Hunters" ist zwar voller amüsanter Stellen, aber man hat das dumpfe Gefühl, dass die Gliederung der Geschichte nicht besonders stringent ist. Es wird zwar sehr darauf geachtet, dass die Filmaufnahmen makellos sind, aber das langsame und oft mäandernde Tempo der Darstellung verhindert ein tiefgehendes Eintauchen. Es gibt eine ziellose Qualität, und es ist oft nicht möglich, den nötigen Impetus aufzubauen, um sich wirklich mit den vorgestellten Punkten zu befassen. Viele der beteiligten Personen sind aufregend anzuschauen, vor allem wegen des Charmes, den sie ausstrahlen, aber gleichzeitig führt das Hin und Her zwischen diesen Charakteren dazu, dass das Drama zerbricht und die Interessen weniger definiert werden. Man kann die Inhalte, die angesprochen werden, immer noch nachvollziehen, aber Dokumentarfilme brauchen auch Persönlichkeiten, die durch ihre Konflikte emotionale Bindungen schaffen. Hier fühlt sich diese Exploration nur oberflächlich an und ist leicht subliminal.

Die Geschichte selbst ist zwar nicht so packend, wie sie sein könnte, aber es ist schwer, sich nicht von diesen sympathischen Männern und ihren liebgewonnenen Vierbeinern in den Bann ziehen zu lassen. Ihr Eifer ist in jeder Szene ansteckend, und es ist spannend zu beobachten, wie sie sich immer weiter in ihre Arbeit vertiefen. Es sind Menschen, die in einer sich verändernden Welt leben, in der altmodische Regeln und Vereinbarungen nicht mehr gelten, und diese Frustration geht Hand in Hand mit der Befriedigung, die Früchte ihrer Arbeit zu finden. Der Leitfaden mag nicht der komplexeste oder detaillierteste sein, aber die Abbildung einer Gemeinschaft, die Innovation versteht und gleichzeitig Traditionen schätzt, macht diese Männer zu faszinierenden Persönlichkeiten und zwingt einen, sich näher zu informieren.

"The Truffle Hunters" hat einen gewaltigen Reiz, der das ganze Werk letztlich sehr attraktiv gestaltet. Die enorm starke Regie trägt dazu bei, eine intime, aber dennoch differenzierte Sichtweise zu schaffen, die eine kraftvolle Einbeziehung in diese Gesellschaft von charismatischen Menschen ermöglicht. Die Struktur der Handlung missfällt am meisten, und die emotionalen Bezüge, die notwendig sind, um einen tieferen Bedeutungsgehalt zu finden, wirken flüchtig und planlos. Dennoch ist "The Truffle Hunters" nicht gänzlich frei von thematischem Gewicht, und es gibt viel zu würdigen bei der Erforschung einer Studie über eine Schar von Männern, die angesichts einer sich entwickelnden Umwelt, die das immer schwieriger macht, stolz auf ihre Überzeugungen sind. So gelingt es dem Film, einen sehenswerten Ausflug in einen wichtigen Winkel unserer Erde zu bieten.

"Der Mann, der lacht" von Regisseur Paul Leni spielt im England des 17. Jahrhunderts: Seine Majestät König James II. wird unsanft von Barkilphedro (Brandon Hurst) geweckt, dem Hofnarren, einem teuflischen kleinen Mann mit einem falschen Lächeln und bösen Scherzen. Sein jüngstes Eindringen ist jedoch kein Witz: Der stolze Rebell Lord Clancharlie (Conrad Veidt) ist gefangen genommen worden. Clancharlie, der jetzt in Ketten liegt und dessen Gesicht mit Dreck beschmiert ist, kam zurück, um seinen kleinen Jungen zu holen, der noch am Leben ist. Doch der in Ungnade gefallene Fürst ist entsetzt, als er feststellt, dass seinem Sohn von Chirurgen aus 'Comprachico' ein hässliches Grinsen ins Gesicht geschnitzt wurde: Dabei handelt es sich um Roma, die mit gestohlenen Kindern handeln und sie als monströse Clowns und Narren missgestalten. Und mit dieser letzten, vernichtenden Bestätigung wird Clancharlie abgeführt, um in einem Stachelsarg unter dem Namen Eiserne Jungfrau hingerichtet zu werden.

Auch wenn man die 'Comprachicos' aus England verbannte, sprach Barkilphedro die Wahrheit. Der Sohn von Clancharlie, Gwynplaine (Julius Molnar Jr.), wurde im Gesicht grausam verstümmelt. Von den 'Comprachicos' im Stich gelassen, wandert Gwynplaine durch die verschneite Landschaft und trifft auf ein blindes kleines Mädchen, dessen Mutter zu Tode gefroren ist. Er bringt das Kind in das Haus des Philosophen Ursus (Cesare Gravina), der die beiden wie seine eigenen Kinder aufzieht. Das Trio reist in einer grünen Kutsche von Stadt zu Stadt und hat eine erfolgreiche Zeit, in der der inzwischen erwachsene Gwynplaine (ebenfalls Conrad Veidt) als Darsteller von 'Der lachende Mann' bekannt wird. Ihm zur Seite steht die erwachsene Dea (Mary Philbin), jetzt ein umwerfendes junges blondes Fräulein, das ihn nur als Lichtgestalt sehen kann.

"Der Mann, der lacht" basiert auf Victor Hugos klassischem Roman 'Der lachende Mann' und enthält die gleichen erschütternden Ideen wie "Der Glöckner von Notre Dame", "Das Phantom der Oper", "Die Schöne und das Biest" und sogar "Frankenstein". Kann äußere Hässlichkeit durch innere Schönheit kompensiert werden? Dieser Film ist inspirierend, traurig und kraftvoll zugleich, zumal es sich bei dieser Verfilmung aus dem Jahr 1928 unter der Regie von Paul Leni um einen Stummfilm handelt. Die beeindruckende Grafik macht das Fehlen von Audio-Interaktion jedoch mehr als wett. Die musikalische Umrahmung, das Maskenbild, die Gesichtsmimik und die originelle Kameraführung prägen diesen Film weit über seine Grenzen hinaus. Darüber hinaus wurde Conrad Veidts Aussehen in das Erscheinungsbild von Batmans Erzfeind, dem Joker, übertragen, und zwar durch ein übergroßes Gebiss, Metallhaken und Netzgewebe, die von dem Hollywood-Newcomer Jack Pierce entworfen wurden, wodurch der Einfluss des Films deutlich sichtbar wird.

Victor Hugos Faszination für menschliche Kuriositäten verleiht "Der Mann, der lacht" nicht nur einen einzigartigen Protagonisten, sondern auch eine Fülle farbenfroher Bösewichte, die in ihren Gesichtszügen und Handlungen noch widerwärtiger sind als die entstellte Visage von Gwynplaine. Auf dem Jahrmarkt von Southwark trifft das Publikum einmal mehr auf den bösen Dr. Hardquanonne (George Siegmann), der einst den lachenden Mann operierte und nun die Königin und ihren Hofstaat ruinieren will, darunter die biestige Herzogin Josiana (Olga Baclanova) und ihren Verlobten, den dämlichen Lord Dirry-Moir (Stuart Holmes). Die Widersacher sind weitaus zahlreicher als die Heroen.

Trotz seines frühen Beitrags zum dramatischen Horror behandelt "Der Mann, der lacht" einige auffallend ernste und reife Themata. Andeutungen von Freizügigkeit, Promiskuität, unzüchtigen Handlungen, mittelalterlichen Folterungen, der Misshandlung von Kindern, dem Missbrauch von Abnormitäten, falscher Inhaftierung und Mord sind nur einige der morbiden Elemente in dieser bewegenden Tragödie. Im Mittelpunkt stehen aber auch die wahre Liebe und die gravierenden Folgen von Diskriminierung, die sie zu zerstören drohen, aber nie überwunden werden. Wie in vielen großen literarischen Schriften gibt es auch in dieser Geschichte eine Erlösung und einen Triumph, wenn auch erst nach einigen qualvollen und wagemutigen Erlebnissen. Es gibt Probleme mit der Ausführung, insbesondere mit Josianas widersprüchlichen Motiven oder einer mangelnden Klärung ihrer Absichten, da ihre anfängliche Sympathie als Versuch der Manipulation ausgelegt werden könnte, aber das Finale ist ungemein prachtvoll.

In "Timerider - Die Abenteuer des Lyle Swann" von Regisseur William Dear ist das 'Projekt Timerider' der eigenständigen, geheimnisvollen Firma 'CCI' das neueste Zeitreise-Experiment, das nun mit einem weiblichen Affen als erste Probandin durchgeführt wird. Ziel ist es, sie in das Jahr 1862 zu versetzen und sie dann in die Gegenwart zurückzuholen. Um die einmischende Presse und unangenehme Erwägungen der Regierung zu vermeiden, verlegen die beteiligten Ärzte und Wissenschaftler die Mission in eine mexikanische Wüste, weit weg von neugierigen Blicken. Aber zufällig ist es nicht weit genug von der Zivilisation entfernt, um der Startnummer 82 des Baja 1000 Dirtbike-Rennens, Lyle Swann (Fred Ward), zu entgehen, der zufällig in der Nähe unterwegs ist.

Als Lyle Swann eine von Dr. Sams (Macon McCalman) Flaggen für eine Rennmarkierung hält, reist er unwissentlich in die Zeitreisezone und wird zusammen mit dem Affen transportiert, der es sich in einer zylindrischen Metallvorrichtung bequem gemacht hat. Doch gerade als der Affe in seine frühere Zeit zurückversetzt wird, überschreitet Lyle Swann versehentlich die Schwelle, so dass er in der Kleinstadt San Marcos im Jahr 1875 strandet. Seine erste Begegnung mit einem älteren Mann, der in der Wildnis zeltet, endet damit, dass der Senior einem Herzinfarkt erliegt - dank Lyle Swanns Motorrad, seiner Taschenlampe und seiner knallroten Jacke.

Die Prämisse ist zweifelsohne interessant und bietet viele Möglichkeiten für kreative oder experimentierfreudige Interaktionen mit Menschen und Orten aus der fernen Vergangenheit. Doch die Macher von "Timerider - Die Abenteuer des Lyle Swann" wissen nicht recht, wie sie aus dieser Konstellation etwas Besonderes machen können. Den anfänglichen Momenten im alten Westen fehlt nicht nur der Humor, den sie eigentlich hätten haben müssen, sondern auch die Action und die Spannung. Dies setzt sich mit der Einführung des blutgierigen Geächteten Porter Reese (Peter Coyote) und seiner Bande von Banditen fort, die in den Sequenzen, in denen sie abwechselnd lustig und furchteinflößend sein sollen, weder witzig noch bedrohlich sind.

Es dauert nicht lange, bis eine weitere Variante in Betracht gezogen wird: eine Romanze mit der etwas anachronistischen Claire Cygne (Belinda Bauer). Aber das ist nur eine weitere Komponente dieser Fisch-aus-dem-Wasser-Geschichte, die nicht gut gehandhabt wird - unvorhersehbarerweise beginnt sie mit Sex, bevor sie zum Flirten übergeht, wobei weder das eine noch das andere irgendeine Chemie oder Seriosität hat. In den grundlegenden Gedanken steckt so viel Potenzial, aber eine Szene nach der anderen plätschert vor sich hin, ohne jegliche Bedeutung hinsichtlich Spannung, Mitgefühl oder Erregung. Für einen Film über einen zeitreisenden BMX-Profi, der gegen revolverschwingende Cowboys kämpft, ist das eine ziemlich blödsinnige Veranstaltung. Selbst der ureigenste Gesichtssinn ist auffällig abwesend.

Selbst wenn es Schießereien oder Verfolgungsjagden gibt, dienen der Schnitt und die Choreographie nur dazu, sie zu dämpfen. Das Fehlen von Musik, vor allem während des Tempos, ist ebenfalls irritierend. Es ist, als ob die Filmemacher absichtlich versuchen, die langweiligste Sci-Fi-Fantasie zu produzieren, die man sich vorstellen kann. Die Western-Elemente, die Komödie und fast alle Dialoge, die Liebesgeschichte und der futuristische Besucher mit seinen technischen Errungenschaften bieten alle Möglichkeiten für Spaß. Stattdessen bietet keiner von ihnen einen Spannungsbogen oder wirkungsvolle Kontrastpunkte oder etwas besonders Individuelles. "Timerider - Die Abenteuer des Lyle Swann" ist seltsam, verstörend, und unfassbar pathetisch.

Chainsaw Charlies Horror-Oktober 2022 #15/31
https://www.moviepilot.de/liste/chainsaw-charlies-horror-oktober-2022-chainsaw-charlie

In "Tanz der Teufel" von Regisseur Sam Raimi überqueren fünf Teenager die Landesgrenze von Tennessee, um in einer alten Blockhütte in den Wäldern Urlaub zu machen. Der Handlungsort ist unmittelbar unheimlich, und es wird keine Zeit mit der Entwicklung der Charaktere oder dem Aufbau verschwendet. Das marode Gebäude hat ein dunkles, staubiges Inneres, tierische Totenschädel, Lichter, die scheinbar Falschlicht ausstrahlen, eine mysteriöse Hollywoodschaukel, eine kaputte Uhr und einen Keller, in dem eine Art teuflisches Wesen haust. Schon in den ersten fünf Minuten taucht Scotty (Richard DeManincor) in das nasskalte, unterirdische Gehäuse hinab, um Nachforschungen anzustellen, und lässt die anderen irritiert über seine lange Abwesenheit zurück. Selbstverständlich treibt er nur seinen Schabernack, um sie kurz zu erschrecken. Im Keller entdecken sie eine alte Aufzeichnung des vorherigen Bewohners über seine Forschungen zu sumerischen Relikten, darunter das Buch der Toten, die dämonische Besessenheit seiner Frau und die beste Methode zur Leichenzerlegung.

Beim Anhören der Kassetten entfachen die fünf versehentlich wütende Dämonen, die die Studenten attackieren. Cheryl (Ellen Sandweiss) wandert leichtsinnig in den Nebel und die Dunkelheit und trifft als Erste auf den Urfeind, der sich einiger verknöcherter Ranken bemächtigt, sie fesselt und vergewaltigt. Sie flieht zurück in die Hütte, doch die anderen sind skeptisch gegenüber ihrer abenteuerlichen Behauptung. Ashley 'Ash' Williams (Bruce Campbell) erklärt sich widerwillig bereit, Cheryl zu einem nahe gelegenen Hotel zu fahren, doch die Brücke, über die sie ursprünglich zur Hütte gelangt sind, ist inzwischen eingeschlagen. Als sie zu den anderen zurückkehren, macht Cheryl einige drastische Transformationen durch, darunter verwesendes Gewebe, trübe Pupillen, die Fähigkeit zu schweben und eine markerschütternde Stimmlage. Die übrigen werden bald auf unmenschliche Art von der übersinnlichen Gewalt ergriffen werden.

Geigenmusik im Wechsel mit lockeren romantischen Riffs, hallende Stimmen, schnelle Zooms, extrem enge Nahaufnahmen, Jump Scares, laute Geräusche und tonnenweise Gore machen "Tanz der Teufel" aus, einen Film, der ernsthaft versucht, furchteinflößend zu sein, aber leider mit den uneffektivsten darstellerischen und literarischen Qualitäten aufwartet. Zweimal wird Ash unter einem umgestürzten Bücherregal festgenagelt. In Ashs offenem Mund spritzen Blut und Schleim auf komödiantische Weise. Die Protagonisten bewegen sich so langsam, dass es oft so aussieht, als würden die paralysierten Opfer einfach aufhören zu reagieren. Außerdem besteht jeder darauf, sich allein in den Wald zu wagen. Auch bei den Details gibt es eine Diskrepanz: Die Gründlinge werden ohne Definition in den Bann gezogen. Unglaublich unglaubwürdig sind auch die Dialoge, die die Horrormomente mit sprachlichen Widersinnigkeiten kontrapunktieren.

Doch für alle Elemente, die nicht funktionieren, gibt es mehr, die es schaffen: "Tanz der Teufel" ist streckenweise wirklich angsteinflößend. Irritierende Kameraperspektiven, aus der Dunkelheit hervortretende Gestalten, Stop-Motion-Animationen und knarrende Soundeffekte gibt es mehr als genug. Dank der sensationellen Maskenbildner, die wahrhaftig grässliche zombieähnliche Monster kreieren, und der umfangreichen Verwendung von reichlich Blut und Organen ist dies einer der blutigsten Horrorfilme überhaupt. Das ist bemerkenswert, wenn man beachtet, dass die Produktion, bei der Regisseur Sam Raimi und sein Team wochenlang in einer abgelegenen Hütte ohne Zugang zu grundlegenden Annehmlichkeiten eingesperrt waren, mit einem erstaunlich geringen Budget verbunden war. "Tanz der Teufel" war ursprünglich nicht jugendfrei, und dank der legendären Praxiseffekte ist er auch heute noch enorm anschaulich und visuell schockierend - ein wahrer Genuss für Slasher-Fans. Das Werk war so erfolgreich, dass es ein profitables Franchise hervorbrachte, das zwei Fortsetzungen, ein Remake, eine Musical-Adaption, Comics, Spielzeug und vieles mehr umfasst und weithin als einer der besten Kultfilme der 80er Jahre gilt.

"Frankenstein" von Regisseur James Whale beginnt mit einer wirklich überflüssigen Warnung vor dem Horror, der sich nun entfalten wird, obwohl einige Sequenzen zugegebenermaßen von fragwürdiger Angemessenheit für die Kinobesucher von 1931 waren. Im Gegensatz zu den zahlreichen Fortsetzungen, die folgen sollten, enthält diese ursprüngliche Vision keinen Humor - ein Zusatz, der sich als äußerst schädlich für fast alle von ihnen erweisen sollte - und erforscht die grausamen Vorstellungen von menschlichem Sezieren, Erhängen, Strangulieren, Kindermord, Gnadentod und Brandmord. Der Film ist ein eindrucksvoller, einfallsreicher, schwarzer Thriller, der Wissenschaft und Horror auf beängstigende, kulturell und moralisch lehrreiche Weise verbindet - eine Kombination, die nur wenigen anderen Filmen gelingt.

Dr. Henry Frankenstein (Colin Clive) und sein buckliger Assistent Fritz (Dwight Frye) observieren die Beerdigung eines kürzlich verstorbenen Mannes, um nicht etwa Juwelen oder anderen Zierrat aus dem Grab zu stehlen, sondern den frischen Leichnam selbst. Nachdem es ihnen nicht gelingt, das Gehirn eines hingerichteten Sträflings in der Nähe zu finden, bricht Fritz in ein College ein, um ein konserviertes Exemplar zu stehlen. Ohne Frankensteins Wissen bringt Fritz achtlos ein abnormales Gehirn für ein obsessives, geheimes Experiment mit, das in einem verlassenen alten Wachturm stattfindet.

Elizabeth (Mae Clarke), Frankensteins Verlobte, führt ein besorgtes Gespräch mit ihrem Freund Victor (John Boles) über das wechselhafte Betragen ihres zukünftigen Ehemannes. Die beiden gehen sogar so weit, dass sie einen ehemaligen Universitätsarzt (Edward Van Sloan) um Rat fragen. Er erkennt an, dass Frankensteins Spezialisierung auf den Gebieten der chemischen Galvanik und der Elektrobiologie die Grenzen der Schule überschritten hat und dass sein wahnsinniger Eifer, Leben zu erschaffen, wahrscheinlich zu schockierend sein wird, um ihn zu begreifen. Bei einem unangekündigten Besuch in dem abgelegenen Labor auf einem trostlosen Hügel entdecken die drei, dass der durchgeknallte Mediziner einen menschlichen Körper aus verschiedenen Teilen zusammengesetzt hat und ihn mit Strom reanimieren will.

Die Geschichte von Frankenstein, die auf dem Roman von Mary Shelley, der Komposition von John L. Balderston und dem Theaterstück von Peggy Webling basiert, ist ausgesprochen schöpferisch, und so ist es nicht verwunderlich, dass diese Theateradaption, die zwar nicht die erste Verfilmung, wohl aber die erste abendfüllende Filmadaption ist, ein ebenso erfolgreiches Meisterwerk an noirischem Grusel und großartigem Unterhaltungswert darstellt. Die schauspielerischen Darbietungen sind nicht überragend, aber der Film ist zu einem legendären Vorbild für fast alle nachfolgenden Horrorfilme geworden und dient eher als eine Aneinanderreihung von memorablen, bildgewaltigen Sequenzen denn als makelloses Gesamtkunstwerk. Ein Operationstisch wird in den Himmel gehievt, um von krachenden Blitzen getroffen zu werden; "Es lebt... Es lebt! " verkündet der geisteskranke Wissenschaftler mit Vehemenz; das Monster (Boris Karloff in seiner ikonischsten Rolle) dreht sich um und zeigt ein kaltes, emotionsloses Gesicht mit Narben und Bolzen im Nacken; ein Bauer trägt den leblosen Körper seiner Tochter, des tragischsten aller Opfer, durch die überfüllten Straßen der Stadt; und das Monster wird von einem wütenden, Fackeln schwenkenden Mob in einer Windmühle in die Enge getrieben. Diese bemerkenswerten Momente verdrängen die kleinen Ärgernisse wie das Murren von Baron Frankenstein (Frederick Kerr), die verzweifelte Suche nach dem Monster in allen Zimmern außer dem, in dem Elizabeth eingesperrt ist, oder die Anschuldigungen von Marias Vater gegen einen Schuldigen, den er unmöglich erraten kann. Vor allem aber ist "Frankenstein" von monumentaler Langlebigkeit.

In "Pleasure" von Regisseurin Ninja Thyberg kommt die 22-jährige Linnea, die sich Bella Cherry (Sofia Kappel) nennt, aus Schweden nach Los Angeles, um Pornofilme zu drehen. Beim ersten Set muss sie ihren Ausweis und die Tageszeitung hochhalten und gleichzeitig eine Vielzahl von Einverständniserklärungen und Warnhinweisen zu dem, was sie vorhat, mündlich bestätigen und unterschreiben. Danach wird sie ihrem männlichen Partner für die Szene vorgestellt, zusammen mit dem Kameramann und einem weiteren Assistenten, doch sie ist schnell damit überfordert. Die meisten angehenden Pornostars haben Lampenfieber, sagt die Crew und versucht, sie zu beruhigen, aber das ist nicht weiter tragisch. "Wir brauchen diese Unschuld, diese Schüchternheit, diese Nervosität."

Nach ihrer ersten vollständigen Szene ist Bella weit weniger ängstlich und eingeschüchtert, obwohl sie weiterhin Vorbehalte hat. Ihre Wohnsituation in einem Musterhaus voller anderer Nachwuchsschauspielerinnen ist nicht ideal, aber sie ist auch nicht dort, um Freunde zu finden. Doch wenn sie sich öffnet und Kontakte zu ihren Mitbewohnerinnen knüpft, wird ihr Alltag viel leichter zu bewältigen sein, auch wenn diese zu den Konkurrenten gehören und sicherlich nicht immer ihr Bestes im Sinn haben. In der Hoffnung, sich durch bessere Agenten, zuvorkommende Regisseure und höhere Gagen hochzuarbeiten, erkundet Bella die Pornoszene von L.A. und ist gezwungen zu analysieren, was genau sie bereit ist zu tun, um der nächste große Star der Pornoindustrie zu werden.

Ähnlich wie "Red Rocket" hofft "Pleasure", mit Filmen über kontroverse, tabuisierte Themen den Mainstream anzusprechen, allerdings ohne die saftige Komik, die "Red Rocket" ausstrahlt. Die einleitenden Filmsequenzen sind sehr illustrativ, mit Großaufnahmen von sensiblen Bereichen, radikal und unverblümt. Zwischendurch wirkt "Pleasure" wie ein Found-Footage-Film mit echten Menschen in echten Situationen, und in Wirklichkeit spielen mehrere Schauspieler sich selbst, auch wenn es eine Spur von Handlung gibt. In dokumentarischer Manier wird der Vorhang über eine Branche gelüftet, von der viele glauben werden, dass sie gut bekannt ist, aber die Einblicke hinter die Kulissen sind nichtsdestotrotz verstörend und empörend. Wenn Bella sich für derbere Aufnahmen mit Bondage, simuliertem sexuellem Missbrauch und vorgetäuschter Vergewaltigung entscheidet - ein Subgenre, dessen Beliebtheit etwas über einen Teil der Gesellschaft aussagt -, verschwimmen die Grenzen zwischen Schauspiel und Präsentation.

"Nicht alles ist Sonnenschein", sagt Mitbewohnerin Katie (Revika Reustle) und bringt damit die Kernaussage des Films auf den Punkt. "Pleasure" ist nicht spezifisch wertend, zeigt aber eindeutig die Widerwärtigkeiten der Pornografie, vielleicht in der Art von "Showgirls" mit einem Hauch von "The Neon Demon", jedoch ohne längere Charakterstudien oder Prozesse, zumindest bei den professionellen Darstellern, und nur kurz auf die kommerzielle Seite eingehend, wie die Exponierung in den sozialen Medien und Faktoren der individuellen Popularität, sowie die Vermarktbarkeit von Fetisch und allgemeine Machtungleichgewichte. Zudem ist er relativ langwierig. Zwar gibt es einige dynamische Szenen, doch gibt es ein Überangebot an montierten Sequenzen und sich wiederholenden Aufnahmen von Sexualpraktiken. Diese Odyssee soll offensichtlich Bellas beängstigende, felsige Eingliederung in die Branche sowie ihre sich wandelnde Persönlichkeit vom potenziellen Opfer zur manipulierenden Instanz zeigen, und das alles mit plakativen, schockierenden und entlarvenden Methoden, deren Stellenwert jedoch extrem limitiert ist.