Chainsaw Charlie - Kommentare

Ob beabsichtigt oder nicht, das Original "Tanz der Teufel" enthielt eine Menge Humor, vermischt mit Horror. Das Remake aus dem Jahr 2013 lässt jede Spur von Dämlichkeit hinter sich und geht mit einem Dauerfeuer an blutrünstigem Chaos und unheimlichen, besessenen Teufelsmädchen direkt an die Substanz. Ohne aufdringliche Zooms und komödiantische Einlagen, die die Spannung mindern, präsentiert "Evil Dead" von Regisseur Fede Alvarez nahezu ununterbrochene 91 Minuten handfesten Horrors, der durch die perversen physischen Schäden, die seinen Protagonisten durch ein vielfältiges Sortiment von Schneidewerkzeugen zugefügt werden, noch intensiviert wird. Von Messern und Spritzen bis hin zu Brechstangen und dem Waschbecken im Badezimmer wird alles verwendet, um ahnungslosen Personen einen grauenvollen Tod zu bescheren. Das unerbittliche Tempo in Kombination mit der brutalen Gewalt ist abstoßend, wer also kein Blut sehen kann, sollte sich einen anderen Film ansehen. Die Einbeziehung einer Hintergrundgeschichte für die Hexerei und die Fetzen der Charakterentwicklung, die dargeboten werden, bevor die Charaktere physikalisch seziert werden, sind nicht involvierend genug, um sich um ihr Wohlergehen zu sorgen.

Um seiner Schwester Mia (Jane Levy) zu helfen, von ihrer Drogensucht loszukommen, bringt David (Shiloh Fernandez) sie in die alte Hütte ihrer Eltern im Wald, wo sie sich ohne Störungen auskurieren kann. Dabei werden sie von ihren Jugendfreunden Olivia (Jessica Lucas) und Eric (Lou Taylor Pucci) sowie von Davids Freundin Natalie (Elizabeth Blackmore) unterstützt. Als die fünf jungen Erwachsenen unwissentlich eine dämonische Kraft von enormer Energie heraufbeschwören, ergreift der infernalische Geist von Mia Besitz und ein mörderischer Amoklauf beginnt, bei dem die Zahl der unversehrten Seelen schnell schwindet.

Im Grunde genommen ist dieses Remake ungefähr dasselbe wie das Original von 1981. Es gibt geringfügige Änderungen an der Geschichte, leichte Modifikationen an den Protagonisten und gelegentliche Auswechslungen beim körperlichen Leid, doch es wurde nur sehr wenig überarbeitet, um dieses Projekt lohnenswert zu machen, abgesehen von den auffallend offensichtlichen Fortschritten im Bereich des Horrors, versteht sich. Wäre das Budget nicht so niedrig gewesen, hätte Sam Raimis Film vielleicht besser zu Fede Alvarez' Vision von extremer fleischlicher Verderbnis gepasst. Die ganze Geschichte ist im Wesentlichen eine Vorbereitung für fünf Freunde, die eine Nacht voller Torturen, Höllenqualen und bizarrer gewaltsamer Tode erleben. Der zusätzliche Hinweis in der Eröffnungsszene, in der die Kräfte des Totenbuchs erklärt werden, tut dem Vergnügen keinen Abbruch, ist aber auch von geringfügiger Relevanz. Am Ende kämpft jede Figur in einem alptraumhaften Blutbad aus Schrotflinten, Rasierklingen und Kettensägen um ihr Leben.

"Evil Dead" erzählt zwar dieselben Ereignisse, ist aber zur Hälfte eine Huldigung, während der andere Teil frontal in das Reich der hypervirulenten Brutalität eintaucht und leidenschaftlich darum wirbt, nicht nur seinen Vorgänger, sondern jeden anderen Horrorfilm zu übertrumpfen, der sich in der Bekanntheit des ultimativen kulminierenden Schlachtbanketts sonnt. Es beginnt mit der bekannten Luftaufnahme der Autofahrt in den Wald, gefolgt von ähnlich übernommenen Kamerabewegungen, die eilig durch das Gestrüpp auf den Boden huschen, um die dämonische Präsenz darzustellen. Einmal angegriffen, verhalten sich die besessenen Opfer wie im Originalfilm, nicht nur in Bezug auf ihre brachiale Körperkraft und ihre Fixierung auf scharfe und spitze Objekte, sondern auch durch synthetische Stimmmuster und gesichtsverändernde Psychotricks. Der Prothetikdesigner Roger Murray übertrifft die meisten Konkurrenten mit der schieren Offensivität der muskulären Zerfleischung und den exzellenten handwerklichen Techniken für realistische, aber auch absurde Exzesse der körperlichen Verwüstung.

"Es sieht so aus, als wäre sie dort draußen in einen Dornbusch gelaufen", bemerkt Olivia ruhig. Später versucht David, den blutigen Aberwitz zu verstehen, indem er auf die mögliche Existenz eines Virus oder einer Seuche hinweist. Die Argumentation für die Resolution fühlt sich einfach nicht zweckmäßig oder erforderlich an, vor allem dann nicht, wenn jede Figur auf eigene Faust loszieht, beherzt in finstere Keller absteigt, sich blutbesudelten Leichen nähert, die von ihnen abgewandt sind, oder zig andere erwartungsgemäße Horrorfilmklischees bedient. So gibt es immer wieder die beliebten Jumpscares und langsamen Verfolgungsjagden, die durch gnadenlose Manipulation die Spannung in die Höhe treiben und die Nerven strapazieren. Die Verbesserung der grafischen Gestaltung ist die einzige erfreuliche Neuerung, doch sie ist so unbedeutend, dass es den Anschein hat, als sei die Übernahme des Namens und des Ortes nur ein Marketing-Gag für ein vorbestelltes Klientel.

Nur wenige Filme sind in der Lage, das Ausmaß des Grauens und des Schocks einer Entführung und die anschließende Spannung bis zur Ergreifung des Täters zu übermitteln. "The Call - Leg nicht auf!" von Regisseur Brad Anderson ist zumindest einer dieser Aspekte gut gelungen. Die Gesamtkonstellation ist interessant, da sie den Ablauf eines Entführungsfalls und die mentalen Anforderungen an eine Notrufmitarbeiterin und an ein Opfer beleuchtet. Halle Berry und Abigail Breslin liefern beide authentische, glaubwürdige und engagierte Leistungen ab. Es ist eine absolut mitreißende Ausgangslage, die alles daran setzt, die Spannung zu potenzieren. Dummerweise gehen den Machern nach etwa drei Vierteln des Films die Ideen aus und sie taumeln gegen ein überraschend miserables Ende.

Jordan Turner (Halle Berry) ist eine Mitarbeiterin der LAPD 911-Kommunikationsabteilung, die einen hochkarätigen Fall vermasselt. Sie trifft eine folgenschwere Entscheidung, indem sie die Nummer eines Einbruchsopfers erneut anwählt, was den Eindringling auf das Versteck von Leah Templeton (Evie Louise Thompson) aufmerksam macht und zu ihrer Verstümmelung und dem damit einhergehenden Mord führt. Sechs Monate später und immer noch von Schuldgefühlen geplagt, wird Jordan Turner einer Trainingseinheit zugewiesen, wo sie vorübergehend nicht telefonieren darf. Doch als die Teenagerin Casey Welson (Abigail Breslin) hysterisch aus dem Kofferraum eines Autos den Notruf wählt, gerät Jordan Turner wieder einmal in die Bredouille, als sie sich bemüht, das nächste mutmaßliche Opfer von Leahs Mörder zu retten.

Die Sorgfalt, mit der ein realistisches Szenario nachgebildet wird, ist bewundernswert. Die Notrufzentrale wird nachgestellt, einschließlich des Ruheraums zum Stressabbau nach einer aufwühlenden Interaktion, der separaten Arbeitsplätze mit mehreren Monitoren für die Dateneingabe und die abteilungsübergreifende Zusammenarbeit sowie des Drucks, sachlich, distanziert und ruhig zu bleiben. Jordan Turner erklärt Studenten ihre verschiedenen Regeln, die sie selbst unweigerlich bricht, wie etwa unhaltbare Versprechungen zu machen und keine Bindung mit dem Gesprächspartner einzugehen. Es muss einer der stressigsten Jobs sein, die man sich vorstellen kann, vor allem, wenn das Fehlen eines Abschlusses offensichtlich wird. Das Schlimmste ist, "dass man nicht weiß, wie das Ganze ausgeht", erklärt Jordan Turner. Sobald der Anruf beendet ist, übernimmt die Polizei und die Ergebnisse sind oft völlig ungewiss.

Realismus hilft "The Call - Leg nicht auf!" nur bei der nervenaufreibenden Promotion von Casey Welson. Das Endziel offenbart eine höchst bedenkliche Falschdarstellung polizeilicher Praktiken, die so flagrant ist, dass sie von dem Betrachter nicht einfach toleriert werden kann. Auch wenn dieser Thriller einige Konzepte aus "Das Schweigen der Lämmer" und "Sieben" entwendet, kann er sich nicht vor den unverschämt plakativen Motiven drücken. Die Nahaufnahmen und der Filmschnitt erhöhen zwar die Konzentration, und ein wenig traditionelle emotionale Manipulation verschärft die Atmosphäre, doch der Klimax von "The Call - Leg nicht auf!" ruiniert auf drastische Weise die Empfindsamkeit, die Auswirkungen der Angst und das vernünftige Furchtgefühl, die im ersten Abschnitt des Films so effektiv konstruiert wurden. Jordan Turner nimmt spontan jede Aufgabe an, die sie aufgrund ihrer fundierten Kenntnisse und Berufserfahrung nicht bewältigen kann. Beide weiblichen Darstellerinnen sind auf Horrorfilm-Stereotypen zugeschnitten, die alle üblichen Fehlentscheidungen treffen. Und dann, wie um die Wahrnehmung eines unbefriedigenden Fazits zu illustrieren, hört der Film einfach auf.

"P2 - Schreie im Parkhaus" versucht, für Parkhäuser das zu tun, was "Psycho" für Duschkabinen tat. Auch wenn Alfred Hitchcock bei diesem Film nicht Regie geführt hat, gelingt es dem Regisseur Franck Khalfoun in seinem Hollywood-Debüt, für Hochspannung zu sorgen - auch dank der Mitwirkung von Drehbuchautor und Produzent Alexandre Aja, mit Wortwitz und Gruselfaktor. Es geht nichts über einen guten Weihnachtsthriller, der temporeich und brutal ist.

Die Workaholikerin Angela Bridges (Rachel Nichols) sitzt an Heiligabend bis spät in die Nacht im Büro fest. Ihre Nacht wird noch schlimmer, als sie entdeckt, dass der trottelige Parkplatzwächter Thomas (Wes Bentley) sie in der Tiefgarage als Geisel genommen hat und eine Nacht voller Versteckspiele und verschlagener psychologischer Folter plant. Da keine Hilfe in Sicht ist, muss Angela seine Psychospielchen überlisten und dabei versuchen, aus dem labyrinthischen Inneren des Parkdecks P2 sowie aus P3 und P4 zu entkommen.

"P2 - Schreie im Parkhaus" hebt sich von den zahllosen Thrillern mit gesichts- und persönlichkeitslosen Bösewichten ab und macht den Betrachter mit einem originellen, sadistischen Psychopathen bekannt. Der wahnsinnige Antagonist, der von Wes Bentley mit deliranter Feinfühligkeit gespielt wird, sorgt mit seinen konfusen Kommentaren und seinen mörderischen Tendenzen zu gleichen Teilen für Terror und Komik. Der geistesgestörte Geiselnehmer, der an Killer wie Norman Bates aus "Psycho" oder Stuntman Mike aus Quentin Tarantinos "Death Proof - Todsicher" erinnert, scheint sich nie im Klaren darüber zu sein, wie labil er ist, und bietet mit seiner blutigen Wut schwere Ironie. Thomas hat eine Art von extremer Transparenz, die seine Inkonsequenz hervorhebt, denn er denkt nicht, dass er etwas Unrechtes tut, was ihn daran hindert zu begreifen, warum seine Opfer Vergeltung üben. Der Widerspruch, wenn er beim Abendessen das Tischgebet spricht oder ernsthaft versucht, Angela davon zu überzeugen, dass er da ist, um ihr zu helfen, trägt zu seiner merkwürdig gestörten Persönlichkeit bei.

Rachel Nichols eignet sich auch für die Figur einer selten zu sehenden resoluten Jungfrau im Horrorfilm, die in verschiedene klischeehafte Situationen gerät, ohne sich auf allzu vorhersehbare Weise zu befreien. Sie zeigt eine ausgewogene Kombination aus Panik und Mut, wobei sie sich löblicherweise davor scheut, sich in das winselnde Elend zu verwandeln, das man oft bei weiblichen Horrorhelden sieht, und gleichzeitig genug Schneid aufbringt, um moderat und damit glaubhaft findig zu sein. Mit ihren abwechselnd hilflosen und aggressiven Auftritten hält Angela die Anspannung aufrecht und schafft es zugleich, ihr tief dekolletiertes, figurbetontes weißes Kleid mehr als angemessen zu füllen.

Einige der Ereignisse sind zwar absehbar, aber die Eröffnungssequenz veranschaulicht hervorragend das schockierende Gemetzel und die Beklemmung, die der restliche Film unwillkürlich auslösen soll. Die ruhige Weihnachtsmusik, die abrupt durch das Quietschen von Metall unterbrochen wird, lässt den Betrachter nicht ahnen, welchen Pfad der Film beschreiten wird. Manches erweist sich für den durchschnittlichen Protagonisten als eher undurchschaubar, vor allem, wenn Angela nach ihrer anfänglichen Entführung etwas zu ruhig ist, oder wenn sie sich gegen einen erzürnten Hund wehren muss, beziehungsweise später, wenn sie mit einer Feuerwehraxt die Aggressorrolle übernimmt, doch "P2 - Schreie im Parkhaus" weiß mit einer packenden Charakteristik umzugehen.

Da sich der gesamte Film in einem einzigen Gebäude abspielt, nachdem die meisten Menschen das Objekt verlassen haben, ist die Zahl der Toten sehr gering, dafür ist das Ausmaß der Gewalt, die diesen wenigen widerfährt, unglaublich unbegründet. "P2 - Schreie im Parkhaus" spricht mit seinem besonders unheimlichen Setting, einer geballten Ladung an Jumpscares und fingernagelbrechenden Schockmomenten all jene an, die ihre Horrorfahrten gerne in einem blutigen Gewand sehen. Auch wenn es gelegentlich unrealistische Action oder Augenblicke von grundloser Rohheit gibt, ist der Unterhaltungswert durchweg hoch, was das Ganze zu einem brauchbaren Horrorfilm für alle macht, die im Endeffekt nicht zu sehr über die Lücken in der Handlung nachdenken.

Anbei mein Wichtel-Kommentar für dazlious.
https://www.moviepilot.de/movies/burning/kritik/2628208

Hier ist mein Wichtelgeschenk im Rahmen der Community-Kommentar Wichtelaktion 2022 für dazlious. Von deinen 3 gewünschten koreanischen Filmen habe ich diesen ausgewählt. Viel Spaß :-)

Zu Beginn von "Burning" von Regisseur Chang-dong Lee trifft Jong-soo (Ah-in Yoo) seine Jugendfreundin Haemi (Jong-seo Jun) auf den Straßen der südkoreanischen Metropole. Sie tanzt mechanisch vor einem Geschäft mit einem Mikrofon in der Hand und einem niedlichen Outfit, um Passanten in ein Elektronikgeschäft zu locken. Jong-soo erkennt sie zunächst nicht; sie könnte genauso gut überhaupt nicht existieren. Aber Haemi erinnert sich an ihn: an ihre gemeinsame Zeit in der Mittelschule und an die Tatsache, dass er sie hässlich nannte. Sie treffen sich, gehen in ein Restaurant und nehmen ein paar Drinks zu sich. Sie tut so, als würde sie eine Mandarine essen, während Jong-soo sie neugierig beobachtet, und ist sich ihrer Umwelt bewusst, aber sie fühlt sich immer wohler mit dem, was nicht da ist. "Du darfst nicht wissen, dass es keine Mandarine gibt", sagt sie ihm. "Du musst vergessen, dass es keine gibt."

Chang-dong Lees neuester Film, eine 148-minütige wache Traumwelt, ist sich dessen bewusst, was nicht gezeigt wird. Jong-soo, der als Schriftsteller um sein Auskommen kämpft, beginnt, das, was von seiner Beziehung zu Haemi übrig geblieben ist, wieder aufleben zu lassen, während auf seiner Seite die obligatorischen romantischen Gefühle aufkommen. Als sie von einer Reise nach Afrika zurückkehrt, hat sie Ben (Steven Yeun) im Schlepptau, einen anmaßenden reichen Jungen, dessen Existenz für Jong-soo nur ein Hindernis darstellt, das es zu überwinden gilt. Bens Präsenz treibt einen Keil zwischen Jong-soo und Haemi. Der Millionär und die Frau haben eine natürliche und ehrliche Verbindung, die der Schriftsteller miterleben muss, weil er weiß, dass es kontraintuitiv wäre, sich einzumischen. Doch als Haemi plötzlich verschwindet, muss er sich mit dem auseinandersetzen, was gerade passiert ist, oder was nicht passierte.

Die gesamte Logik von "Burning" funktioniert wie ein Gemälde im negativen Raum. Das Drehbuch von Chang-dong Lee und Jungmi Oh ist mäandrierend wie ein Dämmerzustand, in dem die Grenzen zwischen dem, was man sieht, und dem, was man nicht sieht, verschwimmen. Sie sind sich bewusst, dass der Kontrast zwischen den beiden bestenfalls unwesentlich ist, denn sie wissen, dass das Leben lediglich die Summe der Erfahrungen ist, die man gemacht hat. Der Punkt ist nicht, dass die gemachten Eindrücke anderer keine Rolle spielen, sondern dass man die Wahrnehmungen anderer niemals nachvollziehen kann und dass der Ansatz, dies zu tun, kaum mehr als eine masochistische Folter des Transzendentalismus ist. Dabei werden auch die männlichen Ansprüche und die weibliche Objektivierung in Jong-soos Reise eingewoben und die archetypische gequälte Seele des jungen Mannes gegen die Vision einer perfekten Partnerin ausgespielt. Haemi ist trotz der unschätzbaren Wirkung, die sie auf andere hat, ein Schatten.

Das Skript basiert auf Haruki Murakamis Kurzgeschichte 'Brandstifter', einer Neuauflage von William Faulkners gleichnamigem Werk aus dem Jahr 1939. Die Ursprünge des Skripts sind über weite Strecken der sich windenden Laufzeit geschickt verborgen, aber es gibt dennoch einige Schlussabschnitte, die sich im Vergleich zu dem, was ihnen vorausgeht, merklich hinziehen. Es entfaltet sich wie ein Gedicht in seiner Esoterik und trägt die Ambiguität auf seinen Schultern, was es zu etwas macht, das geradezu faszinierend ist. Kyung-pyo Hongs Kamerakunst ist dunstig und opulent, mit langen Einstellungen und einer bestimmten Sequenz, die den Atem des Betrachters für die Dauer von etwa zwei Minuten anhält, und wirklich jede Perspektive funktioniert synchron, während die Lichtverhältnisse, die Farbgebung und die Darsteller immer tiefer im Nebel versinken.

Während "Tanz der Teufel" versuchte, ein ernsthafter Horrorfilm zu sein und die Fortsetzung in blödsinnigen Krach ausartete, setzt Regisseur Sam Raimi in "Armee der Finsternis" auf puren Stuss. Er nimmt alles, was an dem koketten Original beängstigend war, und verwandelt es in eine selbstbewusste, satirische, unverblümte Komödie. Eine geniale Entscheidung, denn der Film hat inzwischen den Status eines Kultklassikers erreicht und eine große Fangemeinde. Diese witzige und unerwartet abenteuerlustige Horrorkomödie ist eine Kreuzung aus 'Indiana Jones' und 'Kapitän Sindbad'.

Nachdem er mit seinem Auto und einer Schrotflinte durch die Zeit ins Jahr 1300 nach Christus transportiert wurde, wird der S-Mart-Kaufhausangestellte Ash (Bruce Campbell) von Soldaten geschnappt und zur Hinrichtung in ein nahe gelegenes Schloss gebracht. Er schildert die Umstände, die zu seiner Gefangennahme durch Lord Arthur (Marcus Gilbert) führten, einschließlich des Kampfes gegen die besessenen Dämonen aus den ersten beiden Filmen. Das 'Necronomicon', das Buch der Toten, ist für seine Ankunft im Mittelalter verantwortlich, und er muss es wieder aufsuchen, um in die Gegenwart zurückzukehren. Auf seinem Weg muss er Lord Arthur und seinen Erzfeind Heinrich den Roten zusammenbringen, um ein Königreich gegen eine untote Armee der Finsternis zu verteidigen.

Wenn man bedenkt, dass der zweite Film der "Tanz der Teufel"-Trilogie so etwas wie ein Remake und eine Fortsetzung des ersten Films ist, spielen die Geschehnisse, die zu Beginn von "Armee der Finsternis" erzählt werden, praktisch keine Rolle. Der gesamte Film wird neu fokussiert und auf eine rein humoristische Basis gestellt. Die Inszenierung stellt Ashs Markenzeichen, die bissigen Sprüche und Witze, in den Vordergrund und lässt keine Gelegenheit aus, einen Joke zu reißen, indem sie die Dialoge absichtlich mit blöden Kontrasten zu dem umliegenden Schlachtfest pfeffert.

Auch der optische Humor ist reichlich vorhanden. Nachdem er sich in "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" possierlich die Hand abgehackt hat, trägt Ash nun eine Kettensäge an seinem blutigen Stumpf, und er baut sich sogar eine mechanische Metallhand, bevor er sich auf die Suche nach dem 'Necronomicon' macht. Er nutzt auch seine legendäre 'Boomstick'-Schrotflinte, um die primitiven 'Screwhead'-Eingeborenen in einem Zusammenstoß zeitentfremdeter Kulturen zu schockieren. Der Klamauk und die Gags, die sich aus seinen abstrusen Konfrontationen mit Rittern und verschiedenen besessenen Kreaturen ergeben, sind unerschöpflich - er kämpft gegen eine Armee von Mini-Ashs wie ein Sadist. Er duelliert sich mit einer bösen Version seiner selbst wie eine aufgemotzte, mutierte Variante von Denis Dimbleby Bagley in "Kopf an Kopf - Ein erfolgreicher Mann", bekämpft eine Grubenhexe wie Luke Skywalker den 'Rancor' von 'Jabba the Hutt' und entkommt mittels seines Gürtels wie ein spöttischer 'Indiana Jones' und prügelt sich mit skelettierten Kriegern wie Jason und seine Argonauten auf Koks.

Stop-Motion-Animation, frische Maskenbilder und altmodische Rotoscoping-Effekte machen einen Großteil von "Armee der Finsternis" aus, wohingegen extravagante Prothetik, ironische Trainingsmontagen und epische mittelalterliche Schlachten den Rest dieses unkalkulierbaren, schwadronierenden Horrorabenteuers ausmachen. Der Film ist eher ein düsterer Fantasy-Actioner als ein übernatürlicher Thriller, obwohl Sam Raimis Liebe zu furchterregenden Details und kräftigen Bildwelten nicht nachgelassen hat. Am Ende sagt Ash, dass er auf seine Art immer noch ein König ist, und auf seine Weise ist "Armee der Finsternis" der König der maßlosen Horrorkomödien, bei dem man einfach nach Herzenslust lachen kann.

In "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" von Regisseur Sam Raimi wurde der Legende nach das 'Necronomicon', das Buch der Toten, von den Finsteren geschrieben, um einen Durchgang zu den bösen Welten aus dem Jenseits zu schaffen. Es wurde vor 1300 nach Christus aus einem Meer des Blutes gefärbt, bevor es auf mysteriöse Weise verschwand. In der heutigen Zeit verbringen Ash (Bruce Campbell) und seine Freundin Linda (Denise Bixler) ihren Urlaub in einer abgelegenen Hütte in den Wäldern. Als die Sonne untergeht, findet Ash eine uralte Aufnahme eines Professors für alte Geschichte, der von seiner Entdeckung des Totenbuchs berichtet und verfluchte Passagen über die Wiederauferstehung von Dämonen rezitiert, welche die tief im Sumpf verborgenen Übel beschwören. Sekunden später wird seine Freundin von den leiblosen Dämonen angegriffen, und er ist gezwungen, Lindas Kopf mit einer stumpfen Schaufel beiläufig abzuschlagen und ihre Überreste im Wald zu verscharren. Ferner wird er von den antagonistischen Geistern attackiert und ist kurzzeitig besessen, bevor die Sonne aufgeht und ihm ein paar Minuten Ruhe gönnt.

Die Freude ist jedoch nur von kurzer Dauer, als Ash versucht, sich aus dem Staub zu machen und feststellt, dass die Brücke, über die sie zum Haus gelangt sind, völlig zerstört ist. Er zieht sich in die Spukhütte zurück, wo Lindas Leiche erscheint und ihn mit einem grausamen Tanz traktiert. Der dekapitierte Kopf kommt auch zurück, um ihn anzugreifen, und so muss er ihn in den Werkzeugschuppen schleppen, ihn mit einem Schraubstock fixieren und mit einer Kettensäge weiter zerstückeln. Das ist aber nur der Anfang, denn die entkörpert auftretenden Höllenwesen fahren fort, das gefangene Opfer zu foltern und zu quälen. In der Zwischenzeit findet Annie (Sarah Berry), die Tochter des Professors, einige fehlende Seiten aus dem Buch der Toten wieder und bittet Ed (Richard Domeier) um Hilfe bei der Übersetzung der Schriften. Sie machen sich auf den Weg zur Hütte ihres Vaters und heuern zwei heruntergekommene Einheimische, Jake (Dan Hicks) und Bobby Joe (Kassie Wesley), an, um sie über einen abgeschiedenen Pfad zu führen. Niemand von ihnen ist auf das kommende Unheil vorbereitet, das sie dort erwarten wird.

Sechs Jahre nach dem ersten Film ist die Qualität der Darsteller immer noch unzureichend. Diesmal ist Ash von Anfang an allein in der Hütte, spielt Psychospielchen mit sich selbst und kämpft mit einem verrückten Körperteil. Schließlich gesellt sich noch mehr Fressen für die teuflischen Seelen zu ihm, aber jetzt ist er derjenige, der im Souterrain eingesperrt ist, und in unregelmäßigen Zeitintervallen ist er selbst ein besessenes Subjekt. Der Humor ist weniger tiefschwarz, bewegt sich gelegentlich im Rahmen der Selbstreflexion und macht sich die zufällige Komik zunutze, die den Erstling zu einem so herausragenden Exponat machte. Skurrilerweise ist "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" ein Remake von Sam Raimis ursprünglichem Kultklassiker, mit einer wahnsinnig identischen Handlung und fast deckungsgleichen Abläufen, und dient zugleich als eine Art Fortsetzung. Trotz einer irritierenden Synopsis setzt der Film ungefähr dort an, wo der Vorgängerfilm aufgehört hat, jedoch scheint Ash nicht zu wissen, was vor sich geht, als hätte er das Geschehen in "Tanz der Teufel" schon wieder vergessen. Das Nachfolgewerk "Armee der Finsternis" (Rezension folgt) beendet den bizarren Ausklang dieses mittleren Kapitels, muss aber wiederum den Auftakt ändern, um einige Aspekte neu zu definieren.

Die hyperkinetische, rabiate Kameraführung kehrt zurück, oft aus der Sicht von sich rasch fortbewegenden Monstern oder sonstigen Objektiven. Ash spricht für den Betrachter mit sich selbst, und die Figuren gaukeln nicht vor, in ernsthafter Gefahr zu sein. Genau wie der erste Film mutet er immer noch unsauber an, so als wären nicht alle Motive gründlich durchdacht worden. Manches davon wirkt völlig überraschend, allerdings nicht auf eine gesunde Resonanz. War "Tanz der Teufel" ein Horrorfilm, der aufgrund seines geringen Budgets lustig wirkte, so ist "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" eine vollwertige Komödie, die dank einiger abscheulicher Blutbadereien, diverser Jumpscares und größerer, brutaler Kreaturen- und Maskeneffekte auch noch Angst einflößt. Leider handelt es sich größtenteils nur um ein lärmendes, unsägliches Remake des ersten Films, das die konfuse Thematik um eine andersweltliche Obsession verwässert und in blankem Nonsens ausartet. Neben "Tanz der Teufel" und "Armee der Finsternis" ist "Tanz der Teufel 2 - Jetzt wird noch mehr getanzt" ein missglückter Brückenschlag zwischen einem arrivierten Horrorfilm und einer persiflierenden Paradoxie des Horrorgenres.

In "Ich beichte" von Regisseur Alfred Hitchcock wird die Anwältin Villette (Ovila Légaré) mitten in der Nacht zu Tode geprügelt. Zu dieser unchristlichen Stunde geht Otto Keller (O.E. Hasse) in die Kirche von Quebec, wo er regelmäßig Gelegenheitsarbeiten annimmt, um das Verbrechen zu gestehen. Der Geistliche Michael Logan (Montgomery Clift) erklärt sich bereit, das Geständnis zu hören. Es geht um den Raub und den ungewollten Mord an Villette, der die finanziellen Sorgen von Otto und seiner Frau Alma (Dolly Haas) lindern sollte. Es ist ein schwieriges Kapitel, indem Michael Logan nun mit der Last des Wissens über den Totschlag klarkommen muss.

Es gibt Tod, Erpressung, polizeiliche Ermittlungen unter der Leitung von Inspektor Larrue (Karl Malden), eine umwerfende Blondine (Anne Baxter) und jede Menge Noir-Silhouetten und Schatten, doch Alfred Hitchcocks Markenzeichen, die Spannung, ist nicht so reichlich vorhanden, wobei Rückblenden und Montagen jedoch an der Tagesordnung sind. Vielmehr ist die zentrale These ein moralisches und religiöses Dilemma. Dennoch werden die Elemente der falschen Identität, des falschen Mannes und der hartnäckigen Befragung bald eingeführt - der perfekte Vorläufer zu " Der falsche Mann", der drei Jahre später debütiert - , kurz nachdem er zugibt, dass Verdächtige und Motive schwer zu fassen sind. "Seien sie nicht so geheimnisvoll."

Kann ein bloßes Geständnis einen Mann von einem Mord freisprechen? Das Gesetz ist da sicherlich anderer Auffassung. Der Betrachter vielleicht auch, zumal er alle wichtigen Fakten erfährt, lange bevor die Polizei auftaucht. Außerdem ist Otto Keller nicht gerade sympathisch, was durch sein Bemühen, Verdacht und Verantwortung zu vermeiden, noch bekräftigt wird. Es folgen seine Feindseligkeit und die Distanz, die er beibehält, nachdem Staatsanwalt Willy Robertson (Brian Aherne) Michael Logan als den Mörder identifiziert hat. Ein Skandal, eine heimliche Liebesaffäre und politische Peinlichkeiten verkomplizieren das Szenario, doch Michael Logans Beharrlichkeit in Bezug auf seine Glaubensvorstellungen und die Regeln des Beichtstuhls machen diese Entwicklungen nicht so schockierend. Die Komplexität der personenbezogenen Dramen kann den Mord und den Täter nicht verdrängen, die für dieses neue Terrain mühsam beiseite geschoben werden.

Sobald ein langwieriges Verhör in Gang kommt, werden größere Teile der Geschichte aufgezeichnet, damit der Betrachter die ganze Tragweite der Handlung mitbekommt, ebenso wie die Vergeblichkeit des Verleumdungsversuchs, der kein Alibi liefert und nicht einmal für Aufregung unter den Beteiligten sorgt. Ungewöhnlich reizvoll ist auf jeden Fall die Filmmusik von Dimitri Tiomkin. "In 30 Minuten kann man viel machen."

Trotz des offenkundigen Bösewichts und des augenscheinlich unschuldigen Priesters gibt es einen weiteren Antagonisten: Michael Logans Interpretation von Frömmigkeit beziehungsweise seine Hingabe an sie und seine Karriere. Wäre es gerecht, wenn er die Schuld für die Missetat eines anderen auf sich nehmen würde, nur um das Bußsakrament zu erhalten? "Ich beichte" gipfelt in einem Showdown im Gerichtssaal, aber auch hier fehlt es an der erwarteten Theatralik. Die Anwälte scheinen unfähig zu sein, die Wahrheit aus einem Mann herauszubekommen, der nicht weiß, was er mitteilen soll und was nicht. Michael Logan weicht nicht nur dem Inhalt von Otto Kellers Beichtgeheimnis aus, sondern auch dessen Faktum, dass es überhaupt existierte. Der Schluss bietet eine angenehme Brisanz, doch nur aufgrund einer ungeordneten Struktur und einer kolossalen Ränke, und nicht infolge einer ausgefuchsten detektivischen Ermittlung oder einer gerechten Justiz.

In "The Faculty" von Regisseur Robert Rodriguez greift Football-Trainer Joe Willis (Robert Patrick) die Direktorin des Schülerhorts, Valerie Drake (Bebe Neuwirth), an, die zuvor eine Versammlung abgehalten hat, um die Gelder für alle Abteilungen außer Football zu kürzen. Er sticht ihr mit einem Bleistift in die Hand, bevor eine andere Lehrerin, die länger geblieben ist, Mrs. Olson (Piper Laurie), sie wiederholt mit einer Schere attackiert. Am nächsten Morgen findet der Unterricht an der 'Herrington High School' in Ohio wie gewohnt statt, doch die Rektorin ist nirgends zu finden.

Der Schauplatz ist eine stereotypische, aber glaubwürdige Darstellung von Cliquen, Rabauken, Sportlern und Lehrkräften. Die Redaktionsleiterin der Schülerzeitung, Delilah (Jordana Brewster), ist ein populäres Mädchen, das mit jedem in herablassender Tonart spricht. Zeke (Josh Hartnett), der sein letztes Schuljahr wiederholt, ist der coole Junge, der andere Schüler mit Drogen, gefälschten Ausweisen und Pornografie aus dem Ausland versorgt. Casey (Elijah Wood) ist der schüchterne, verweichlichte Schüler, der schon vor der ersten Stunde mehrmals vermöbelt wurde. Stokely (Clea Duvall) ist das Gothic-Mädchen, das vorgibt, lesbisch zu sein, damit ihre Mitschüler sie in Ruhe lassen. Stan Rosado (Shawn Hatosy) ist der Kapitän der 'Hornets', der aufhören will, um sich auf seine Zensuren zu konzentrieren, und Marybeth Louise Hutchinson (Laura Harris) ist das neue Mädchen aus Atlanta, das einen komischen Akzent hat und eindeutig nicht dazugehört, aber unermüdlich versucht, Freunde zu finden. Die Lehrer sind ebenso heterogen, darunter die regelmäßig kränkelnde epileptische Krankenschwester Rosa Harper (Salma Hayek), die menschenscheue Englischlehrerin Elizabeth Burke (Famke Janssen), der sonderbare Wissenschaftslehrer Professor Edward Furlong (Jon Stewart) und die betagte Mrs. Brummel (Susan Willis).

Als Casey und Delilah sich in einem Schrank im Lehrerzimmer verstecken, werden sie Zeuge, wie Coach Willis und Mrs. Olson die Krankenschwester angreifen und sie offenbar in einen hypnotisierten, emotionslosen Zombie verwandeln. Sie entdecken auch die Leiche von Mrs. Brummel, die angeblich im Krankenhaus lag und an den Folgen einer Krebserkrankung litt. Casey erkennt schnell, dass es sich bei den Lehrern um amphibische, parasitäre Monster handelt, die die Stadt übernehmen, von den Berufstätigen über die Polizei bis hin zu den Schülern der High School.

Man stößt buchstäblich öfter zusammen, als man zählen kann. Einige fallen hin, stolpern, werden herumgeschubst oder kollidieren mit Gegenständen. In regelmäßigen Intervallen prallen Charaktere mit Torsos zusammen, um Jumpscares zu erzeugen. Doch schnell wird es so alltäglich, dass es verstörend sinnlos erscheint. Vielleicht ist das nicht so dämlich wie die Ideen für die Spezialeffekte, zu denen Angriffe mit abgetrennten Fingern, drahtige rote Ranken, die aus Wunden sprießen, und offensichtlich gefälschtes Blut gehören, sowie Zeke, der sich spontan in einen intelligenten Wissenschaftler verwandelt, um die Situation mit den Außerirdischen zu klären.

Mit seiner pubertären Komponente leiht sich "The Faculty" schamlos die Handlung von "Die Körperfresser kommen" aus, wobei er nicht nur die Existenz dieses Wesens anerkennt, sondern auch berühmte Science-Fiction-Autoren und -Filmemacher in das Drehbuch einbezieht, indem er erwähnt, dass Robert A. Heinleins "The Puppet Masters" als Vorlage für "Die Körperfresser kommen" diente, und andeutet, dass Roland Emmerich und Steven Spielberg von jenseitigen Heimsuchungen inspiriert wurden. Robert Rodriguez und der Drehbuchautor Kevin Williamson, aus dessen Feder auch "Scream", "Scream 2" und "Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast" stammen, glauben, dass es sich nicht um Diebstahl handelt, wenn sie Bestandteile als Hommage definieren können. Doch die Geschichte ist nicht raffiniert genug, um als respektvolle Anspielung auf das Sci-Fi-Material durchzugehen, sondern nur als recycelte Versatzstücke in einem modernen Teenager-Setting. Dann werden Sequenzen aus einem anderen Klassiker, "Das Ding aus einer anderen Welt", geklaut, in denen die paranoiden Figuren ihre Menschlichkeit immer wieder auf die Probe stellen und an ihr zweifeln.

Besonders passend ist, dass Robert Patrick, der ikonische T-1000 aus "Terminator 2 - Tag der Abrechnung", eine Hauptrolle als antagonistischer Sporttrainer hat, der seine Schüler mit markigen Schimpfworten bedroht, auch wenn sein Einsatz das Endergebnis nicht retten kann. Autoritätspersonen herauszufordern und sie schließlich mit extravaganter tödlicher Gewalt zu bekämpfen, hätte für das jugendliche Auditorium ein willkommener Zeitvertreib sein sollen, aber das Resultat ist ein behäbiges, selten angsteinflößendes, unausgereiftes Gemenge aus jämmerlichen Konzepten. Immerhin gibt es eine Handvoll Szenen mit praktischen Alien-Effekten, die kurzzeitig richtig ansehnlich sind.

"Grimcutty" ist ein Horrorfilm, bei dem John Ross, der vor allem für Kurzfilme wie "Things are Really Insane" (nicht in der MP-Datenbank) bekannt ist, Regie führte. Mit einer Besetzung, die sowohl Newcomer als auch TV-Veteranen umfasst, dreht sich der Film um eine Slenderman-ähnliche Kreatur, die durch die paranoide Energie der Eltern geschaffen wird. Der Film beginnt mit einer Mutter, die ihr Kind in seinem Zimmer einsperrt, um es scheinbar vor dem 'Grimcutty' zu schützen. Dann recherchiert sie Internet-Herausforderungen und Artikel über internetbasierte Ängste, während sie sich einen angstauslösenden Podcast über die Gefahren der Online-Welt anhört. Ihr Kind schafft es, aus seinem Zimmer zu fliehen, wird von dem Monster gejagt und ersticht dann wie aus dem Nichts seine Mutter.

Die überfürsorglichen Eltern Amir (Usman Ally) und Leah Chaudhry (Shannyn Sossamon) haben telefonfreie Familienausflüge eingeführt, nachdem ihre Teenager-Tochter Asha (Sara Wolfkind) das Leichtathletik-Team verlassen hat, um das glamouröse Leben einer ASMR-Inhaltserstellerin zu führen. Schon bald sprechen alle Eltern der Stadt mit ihren Kindern über die so genannte 'Grimcutty-Challenge'. Niemand scheint zu wissen, was es damit auf sich hat, doch die Eltern sind davon überzeugt, dass sich ihre Kinder bei diesem mysteriösen Online-Wahn selbst verletzen. Also beschließen sie logischerweise, dass die vernünftigste Lösung darin besteht, ihren Kindern alle Handys und Laptops wegzunehmen und sie in eine 'Detox-Box' zu sperren. In Wirklichkeit ist der 'Grimcutty' eine echte Bedrohung für die Kinder der Stadt, aber nicht so, wie diese Eltern es sich vorstellen.

Die Prämisse dieses Horrorfilms ist interessant, aber die Umsetzung ist minderwertig. Die darstellerische Leistung ist geradezu katastrophal. Die Eltern sind alle eindimensional und mehr als irrational. Die Handlung hat mehr Löcher als ein Laib Schweizer Käse. Es ist ein Film über Eltern, die das Internet nicht verstehen, gemacht von Menschen, die das Internet offensichtlich nicht kennen. Die Vorstellung, dass alle Eltern in einer Gemeinde die Laptops ihrer Kinder im Teenageralter aufgrund einer Art Satanspanik der 2020er Jahre komplett entfernen würden, ist mehr als absurd. Der Online-Zugang ist für die Erledigung von Schularbeiten unerlässlich. Das ist schon seit mindestens einem Jahrzehnt der Fall.

Hinsichtlich des Monsters ähnelt der 'Grimcutty' der beliebten Gruselgestalt 'Slenderman', die Ende der 2000er Jahre in einem Online-Forum erschaffen wurde. Doch im Gegensatz zum 'Slenderman' hat 'Grimcutty' ein ganz gewöhnliches, groteskes Gesicht. Der Anblick ist dank mangelhafter Computeranimation alles andere als zum Fürchten.

Wie ich bereits erwähnt habe, ist die Hauptfigur des Films, Asha, eine ASMR-Inhaltserstellerin. Keines der Werbematerialien für "Grimcutty" hat mich auf die Menge an ASMR-artigen Szenen in diesem Film vorbereitet. Die ersten 20 Minuten und die letzten fünf Minuten waren fast nicht zu ertragen, so dass ich mich gezwungen sah, den Ton abzustellen. Manche Menschen genießen ASMR-Videos, sie sind nicht ohne Grund so beliebt, aber für andere ist es eine fast qualvolle Erfahrung. Wer zur zweiten Gruppe gehört, dem würde ich raten, diesen Film nicht zu sehen. Ein Element der Internetkultur aufzunehmen, das so intensive und widersprüchliche Reaktionen auslösen kann, war gelinde gesagt eine eigenartige Wahl. Wäre der Film im Kino gelaufen, würde "Grimcutty" wahrscheinlich für seine zahlreichen Fluchtversuche berüchtigt geworden.

Insgesamt ist "Grimcutty" ein mageres Werk für das Horrorgenre. Dieser Film versucht, eine wichtige Botschaft über Kinder und soziale Medien zu vermitteln, doch er landet direkt im Spam-Ordner. Der Einsatz von ASMR war schmerzerfüllt, doch ich weiß, dass viele darauf abfahren werden. Auf jeden Fall ist es ein kreativer Weg, seine Audienz zu spalten.

Das schwarz-weiße Produktionsdesign und die Ästhetik von "Werewolf by Night" von Regisseur Michael Giacchino fangen erfolgreich die Retro-Atmosphäre von 'Universal Monsters' ein, auch wenn die Kamerabewegungen und CG-Verbesserungen das Ziel verfehlen. Vor allem digitale Blutspritzer bleiben in Schwarzweiß unsichtbar, und eine gewisse Gestalt hat eher die verräterische Leichtsinnigkeit eines digitalen Effekts als das volle Gewicht eines Mannes in einem Kostüm. Nicht, dass "Werewolf by Night" irgendjemanden täuschen würde - die leuchtend rote Aura des Blutjuwels weist auf das eigentliche Problem hin. Es ist ziemlich merkwürdig, eine Hommage zu machen, die nicht voll und ganz passt. Einige Szenen, die in einer Art Farbfilm gedreht wurden, erinnern täuschend echt an einen Fernsehfilm der 1970er Jahre, mit CG und anderen Merkmalen.

Die Handlung ist sehr einfach gehalten. Der reiche, monsterjagende Patriarch Ulysses Bloodstone ist kürzlich verstorben. Um sein Blutjuwel zu erhalten und als sein wahrer Erbe anerkannt zu werden, muss ein Jäger das in einem Freiluft-Labyrinth gefangen gehaltene Monster erschlagen und ihm das an seinem Fell befestigte Juwel entreißen. Natürlich können die verschiedenen Anwärter ihre Chancen erhöhen, indem sie sich gegenseitig umbringen, wenn sie dies wünschen. Obwohl mehrere potenzielle Jäger um den Titel wetteifern, scheinen nur der ungewöhnlich ruhige Jack Russell (Gael García Bernal) und Bloodstones verbitterte, entfremdete Tochter Elsa (Laura Donnelly), die für diesen Tag hart trainiert hat, eine echte Chance zu haben.

Der Filmtrailer hat die meisten Überraschungen bereits verraten, so dass es nicht nötig ist, sie hier zu wiederholen. Natürlich gibt es einen Werwolf, und sein Maskenbild ist klassisch, mit Wollkostüm und falschen Zähnen anstelle von digitaler Verschönerung. Er ist nicht unbedingt beängstigend im Ansehen, aber aufgrund seiner Handlungen begründet. Die moderne Technologie verleiht der Kreatur zusätzliche Sprungkraft und die Fähigkeit, schnelle, blutige Zerstückelungsaktionen zu bewirken. Außerdem taucht Marvels 'Man-Thing' auf, das in der kurzen Zeit, in dem es auf dem Bildschirm zu sehen ist, alles tut, was der Betrachter erwartet, und das Highlight des Films ist.

Als Huldigung an frühere Gruselfilme sieht "Werewolf by Night" wie ein effektives Cosplay aus. Als eigentliche Geschichte ist das Ganze nicht so überzeugend. Wir erfahren kaum etwas über Elsa, die es besser verdient hätte, Marvels Version von 'Buffy' zu repräsentieren. Gael García Bernal spielt Jack Russell gegen alle Widerstände und facettenreicher, als es das Drehbuch zu bieten scheint. Doch abgesehen von der Atmosphäre gibt es nicht viel, womit er sich beschäftigen kann. Das klingt wahrscheinlich wie eine ironische Kritik, wenn man bedenkt, dass das übliche Problem des MCU darin besteht, endlose Spinoffs mit Cliffhangern zu liefern. Doch wenn "Werewolf by Night" wirklich eine alleinstehende Reihe sein sollte, hätten die Autoren Heather Quinn und Peter Cameron Elsa und Jack Russel nicht so darstellen sollen, als wären sie Mysterien, die erst in späteren Ausgaben preisgegeben werden. Es ist relativ wahrscheinlich, dass Marvel die beiden wieder einsetzen wird, sollte der Film ein Erfolg werden.

"Twister" von Regisseur Jan de Bont ist temporeich und höchst unterhaltsam. Es ist keine Überraschung, dass Jan de Bont, der zuvor bei "Speed" Regie führte, die Regie übernahm und Michael Crichton, der das Skript für "Jurassic Park" schrieb, das Drehbuch verfasste. Auch wenn die Spezialeffekte nach heutigen Maßstäben nicht mehr ganz so knackig sind, so sind die wirbelnden Bilder doch ausreichend glaubwürdig. Anständige Schauspieler, durchschnittliche Dialoge, ein träges Familiendrama, das sich immer wieder in Katastrophenfilme einzuschleichen scheint, ein mitreißender Score von Mark Mancina und sympathische Charaktere machen "Twister" zu einem stimulierenden Film für Augen und Ohren, vorausgesetzt, der Betrachter analysiert nicht zu sehr die fragwürdigen Gründe und Methoden der Jagd auf die dunkle Seite der Natur.

Dr. Jo Harding (Helen Hunt) musste mit ansehen, wie ihr Vater in einem brutalen Tornado starb. Doch statt die tödlichen Stürme für immer zu fürchten, widmet sie ihr Leben deren Erforschung. Sie arbeitet daran, die Technologie zur Erkennung von Stürmen zu verbessern, in der Hoffnung, weitere Todesfälle durch Mutter Natur zu verhindern. Ihr Ex-Mann Bill (Bill Paxton) war ebenfalls ein Experte auf diesem Gebiet, doch nun will er nur noch, dass die Scheidungspapiere unterschrieben werden, damit er mit seinem Leben als Wetterfrosch fortfahren kann. Als er sich mit Jo trifft, zeigt sie ihm ein Gerät, an dem die beiden gearbeitet haben und das endlich fertig und voll funktionsfähig ist. Er ist fasziniert von der Entwicklung und möchte 'Dorothy' ausprobieren, die Maschine, die die Tornadowarnung und -forschung revolutionieren könnte. Bill schließt sich Jo und ihrer Gruppe von Wissenschaftlern an und begibt sich auf eine turbulente Tornadoverfolgungsjagd.

Erschwerend kommt hinzu, dass Bill von seiner Verlobten Melissa (Jami Gertz) begleitet wird, die immer deutlicher merkt, dass Jo noch immer in Bill verliebt ist. Auf ihrer Reise durch die Landschaft von Oklahoma, um zerstörerische Trichterwolken aufzuspüren, setzen Bill und Jo ständig ihr Leben aufs Spiel, um die winzige Chance zu nutzen, 'Dorothy' zum Einsatz zu bringen, was voraussetzt, dass die Maschine in der Schadensbahn eines Tornados steht. Außerdem werden sie von Jonas Miller (Cary Elwes) beeinträchtigt, einem rivalisierenden Wissenschaftler, der Bills Talent zur Wettervorhersage immer noch klar unterlegen ist, und das obwohl er von der Firma finanziert wird und über eine viel bessere Ausrüstung verfügt. Als das streitlustige Ex-Paar dem Erfolg seines Geräts immer näher kommt, wird schnell klar, wie lebensgefährlich die Jagd nach Hurrikans sein kann.

Die Action und die Spannung machen "Twister" erinnerungswürdiger und eindrucksvoller als den herkömmlichen Katastrophenfilm. Wenn das waghalsige Duo es mit einem F5-Tornado der zerstörerischsten Sorte aufnimmt, sich in rasante Verfolgungsjagden verwickelt und fliegenden Kühen, großen Sattelschleppern und landwirtschaftlichen Geräten ausweicht, sind die Intensität und der Adrenalinschub unerschütterlich. Mit den Methoden seiner gefeierten Karriere als Kameramann bei Filmen wie "Stirb Langsam" und "Jagd auf Roter Oktober" sorgt Jan de Bont dafür, dass die Geschwindigkeit nie nachlässt, die Action-Choreografie ununterbrochen ist und die Dynamik und Begeisterung für die Geschichte immer im Vordergrund stehen. Die Romanze zwischen Jo und Bill spielt zwar oft eine Rolle bei ihren Motiven und trägt zur Charakterentwicklung bei, tritt aber gegenüber dem nervenzerfetzenden Geschehen gebührend in den Hintergrund. Auch für komödiantische Abwechslung ist gesorgt, vor allem durch den Auftritt von Philip Seymour Hoffman, der auch in einer kleineren Rolle beweist, dass er weit über seine Person hinaus Talente besaß.

Die Spezialeffekte mögen sich über die Jahre nicht mehr halten, da der ständige technologische Fortschritt die Anfänge der CG-Technik in den Schatten stellt, aber "Twister" gelingt es, die gewaltigen Tornados mit bewundernswerter Präzision nahtlos in die Hintergrundkulisse zu integrieren. "Twister" wird vor allem aus technischer Sicht kritisch, wenn es um die Gründe für die Entscheidungen der Sturmjäger und das ihnen zur Verfügung stehende Material geht. Auch wenn "Twister" ein akkurates Porträt professioneller Unwetterforscher zeichnet, erscheinen fast alle ihre Konzepte weitestgehend unplausibel. Doch wie schon bei "Speed" kann der Wirklichkeitsgehalt durch beeindruckenden filmischen Eskapismus und viel Destruktivität kompensiert werden.

In "King Richard" von Regisseur Reinaldo Marcus Green hatte Richard Williams (Will Smith, der einen ganz besonderen Akzent und eine ganz spezielle Diktion an den Tag legt) schon vor der Geburt seiner Töchter deren gesamte Karriere in einem 78-seitigen Plan festgehalten. "Ich bin im Geschäft, um Champions zu machen", betont er, während er sich nach potenziellen Trainern umschaut und die Teenager Venus (Saniyya Sidney) und Serena (Demi Singleton) bei Wind und Wetter zum Training auf nahe gelegene Tennisplätze bringt. "Haben Sie schon mal an Basketball gedacht?", fragt einer der möglichen Trainer ganz barsch.

Das Schicksal von Venus und Serena, deren Namen für immer mit dem Profitennis verbunden sein werden, ist der Öffentlichkeit wohl bekannt. In den frühen Jahren, die hier beschrieben werden, war ihr Aufwachsen in Compton offensichtlich besonders gefährlich, obwohl unklar ist, wie viel von diesem biografischen Bericht reine Ausschmückung oder bloße anekdotische Übertreibung ist, wie zum Beispiel eine physische Konfrontation mit einem großmäuligen Pöbler im Park. "Sie müssen alles besser machen", gesteht Richard, während sein Zeitplan mit der begrenzten Anzahl von Stunden am Tag kämpft, die mühsam zwischen ständigem Coaching, Nachtschichten, der Erziehung aller fünf Töchter und der Aufrechterhaltung eines Familienlebens in einer heiklen Partnerschaft mit seiner Frau Brandi (Aunjanue Ellis) aufgeteilt werden.

Armut und der Mangel an Ressourcen und Verbindungen sind immer ein starkes Thema für einen Film. Die Geschichte vom Tellerwäscher zum Millionär ist eine altbewährte Formel voller emotionaler Entmutigung und letztem Triumph. Leider konzentriert sich "King Richard" in erster Linie und vielleicht erwartungsgemäß, dank des Titels, auf Richard selbst, was eine etwas belastende, irritierende Wahl ist. Im Gegensatz zu seinen Töchtern ist seine persönliche Version weit weniger erfreulich und erscheint oft problematisch. Anstatt ihn in erster Linie als unterstützenden Vater oder als exzentrische Bürde darzustellen, balanciert der Film seine positiven und negativen Seiten auf immer seltsamere Weise aus und zeigt, dass seine egoistischen, herrschsüchtigen Entscheidungen entweder verletzend, heuchlerisch oder unerwünscht sind. Soll er der Bösewicht im Leben von Venus und Serena sein? Oder nur eine Barriere, mit der sie fertig werden müssen, selbst wenn sie nie alt oder stark genug sind, um sich ihm tatsächlich zu stellen? Soll er mit all seinen fragwürdigen Entscheidungen einen meisterhaften Plan offenbaren, von dem er sicher nicht wissen konnte, dass er zu ihrem außergewöhnlichen Erfolg führen würde?

Auf dem Weg zum internationalen Ruhm der Williams-Schwestern enthält "King Richard" viel Dramatik um der Dramatik willen, einschließlich einer eher wenig überzeugenden, suspekten Darstellung des Compton-Tyrannen. Zumindest wird Richard anfangs als jemand beschrieben, der sich auf bewundernswerte Weise seine eigenen Möglichkeiten schafft, um sich einen respektablen Trainer mit Zugang zu besseren Spielfeldern und Kontakten zu wohlhabenderen Leuten zu sichern. Ihm wird einfach nichts geschenkt, während Richard sich beeilt, Türen zu öffnen. Schließlich aber folgen die obligatorischen Trainingsmontagen, angereichert mit enthusiastischer Musik und aufmunternden Worten, die familiäre Reibereien, einen Hauch von schwesterlicher Rivalität und elterliche Streitereien beiseite schieben.

Letztlich ist die Biografie von Venus und Serena sehr inspirierend. Doch die Aufmerksamkeit, die hier ihrem zuweilen arroganten und vernunftwidrigen Vater gewidmet wird, ist fast schon frappierend narzisstisch, wenn man bedenkt, dass sein unbequemes Bedürfnis, der Star zu sein, direkt mit der Hauptperspektive dieses Films zusammenhängt. Warum gibt es ein groß budgetiertes oder von Hollywood produziertes Richard-Williams-Biopic, bevor es eines über die Tennisprofis selbst gibt? Auch die Machart der Geschichte lässt sehr zu wünschen übrig. Die meisten Charaktere sind äußerst oberflächlich, und die Handlung ist denkbar banal. Mit ein wenig Humor, einer guten Portion Herz, einem Funken Spannung und der einen oder anderen Szene mit beeindruckender Schauspielkunst bietet "King Richard" einen überraschenden Mangel an Innovationen. Die rassischen Verstrickungen, einschließlich der finanziellen Schwierigkeiten und des Kampfes um den Aufstieg aus dem südkalifornischen Ghetto, sind ein schöner Kontrast zum reichen, meist weißen Tennis, aber das Training, die Wettkämpfe, die Navigation um Agenten und Sponsoren und das überdramatische und unscharf visualisierte klimatische Turnierduell sind von unglaublicher Eintönigkeit. Da hilft es auch nicht, dass die Laufzeit mindestens 20 Minuten zu lang ist und Richard permanent in einem so ungünstigen Kontext dargestellt wird, dass man sich des Verdachts nicht erwehren kann, dass die Erfolge von Venus und Serena eher trotz als wegen seiner Beteiligung erstaunlich sind.

In "Arsen und Spitzenhäubchen" von Regisseur Frank Capra steht der Theaterkritiker Mortimer Brewster (Cary Grant), das Symbol des Junggesellentums, mit Elaine Harper (Priscilla Lane) vor dem New Yorker Standesamt und erregt die Aufmerksamkeit neugieriger Zeitungsleute, die auf einen Artikel über die unerhörte Vereinigung warten. Auch wenn er es verabscheut, die Aufmerksamkeit auf seine Situation zu lenken, kann Mortimer Brewster es nicht über sich bringen, die offiziellen Dokumente zu verzögern. "Sieht aus, als würden jeden Tag dieselben Trottel heiraten."

Im Anwesen der Brewsters in Brooklyn besucht Elaines Vater, Reverend Harper (Grant Mitchell), die älteren Brewster-Schwestern, Tante Abby (Josephine Hull) und Tante Martha (Jean Adair), sowie einen übergeschnappten Bruder (John Alexander), der glaubt, er sei Teddy Roosevelt. Sie sind eine wohltätige, liebenswürdige, wenn auch etwas exzentrische Familie, die Passanten immer in ihrem Haus willkommen heißt. Auch in seinem Privatleben ist Mortimer nicht anders und strahlt eine Überschwänglichkeit aus wie ein Kind zu Weihnachten. "Er ist ein sehr interessanter Charakter."

Mortimer ist auf dem Weg zu seinen Flitterwochen an den Niagarafällen, als er eine Leiche in einer Fenstertruhe des Hauses entdeckt - es ist zwar Halloween, aber das ist zu viel. Er verdächtigt sofort Teddy Roosevelt, doch seine Tanten gestehen unverzüglich und geben vor, es sei nichts Besonderes gewesen, den armen Kerl mit einem Cocktail aus Arsen, Strychnin und Zyankali zu vergiften und die Leiche zu verstecken. Verwirrt und ratlos überlegt Mortimer, wie er das Problem lösen kann, bis die netten alten Damen beiläufig erwähnen, dass es sich bei dem letzten Mordopfer um ein gerades Dutzend handelt und sie alle im Keller begraben sind. Übrigens sammeln sie auch Trophäen: die Hüte ihrer Opfer. "Ihr seid zu alt, um euch so aufzuspielen."

Die Grundidee ist absolut originell und verbindet auf brillante Weise eine morbide Situation mit einer Prise Slapstick, Romantik und Cary Grant in seiner verzweifelten und konfusen Bestform. So sehr er sich auch bemüht, Mortimer kann nicht mit seinen blindwütigen Tanten reden, denen es nichts ausmacht, ihre Mordserie ungeniert fortzusetzen. Erschwerend kommt hinzu, dass der entstellte Neffe Jonathan (Raymond Massey, der deutlich an Boris Karloff erinnert) in Begleitung des unzuverlässigen Schönheitschirurgen Dr. Einstein (Peter Lorre) in das Haus der Familie zurückkehrt. Beide sind auf der Suche nach einem Versteck vor der Polizei, weil sie einen Bekannten von ihnen getötet haben. "Das entwickelt sich zu einer sehr schlechten Angewohnheit!"

Nach dem Vorbild von "Abbott und Costello treffen Frankenstein", gekreuzt mit "Adel verpflichtet" und einer Reihe von Hitchcock-Filmen mit lästigen Leichen, die alle nach "Arsen und Spitzenhäubchen" mit einer Prise "Lebenskünstler" uraufgeführt wurden, hat dieses einzigartige Werk eigentlich zu viel zu bieten. In diesem schnelllebigen, verstreuten Durcheinander scheinen die verschiedenen Figuren und ihre sich überlappenden Geschichten selten reibungslos zusammenzupassen. Vor allem Jonathan ist zu bedrohlich und gewalttätig für diese Formel. Keiner reagiert angemessen auf sein krankhaftes Benehmen. Wenn er auf dem Bildschirm ist, kann die Komödie nicht zur Geltung kommen und Harmonie finden. "Wir wollten schon immer eine doppelte Beerdigung abhalten."

Es gibt auch zu viele Nebenfiguren, von einem Ersatzpolizisten (Jack Carson) über den Direktor eines Sanatoriums (Edward Everett Horton) bis hin zu einem Psychiater (Chester Clute) und einem Taxifahrer (Garry Owen). Die meisten von ihnen sorgen für zusätzliche Komik und selbstreferenzielle Dämlichkeiten, auch wenn die Situationen nicht unbedingt witzig sind, vor allem wenn die schrulligen Tanten für längere Zeit verschwinden. Ebenso verschwindet Elaine für einige Zeit, womit eines der wichtigsten Elemente zur Auflockerung des düsteren Stoffes wegfällt. Und der größte Teil des letzten Akts ist eine überlange, zirkuläre Erwiderung auf die sich wiederholenden Gags davor. "Ich wusste, dass das in der Klapsmühle enden würde!"

In "Demolition Man" von Regisseur Marco Brambilla entführt 1996 ein Wahnsinniger einen Linienbus mit 30 Fahrgästen in Los Angeles und bringt sie zu einem verbarrikadierten, baufälligen Gebäude, das er in Brand steckt. Um den geisteskranken Simon Phoenix (Wesley Snipes) zu fassen, muss das LAPD seinen eigenen schusssicheren Elitesoldaten entsenden: Sergeant John Spartan (Sylvester Stallone). Er verhaftet zwar Simon Phoenix, aber die Leichen der Geiseln werden nach der Explosion des Gebäudes entdeckt, und John Spartans Anwälte können nicht bestätigen, ob sein Handeln zum Tod der Geiseln geführt hat oder nicht. Der einst hochdekorierte Offizier wird zu 70 Jahren Haft im kalifornischen Cryo-Gefängnis verurteilt, wo er bis mindestens 2046 ohne Bewährung eingefroren wird und sein Verhalten durch ein elektronisch mit seinem Gehirn verbundenes Rehabilitationsprogramm verändert wird.

Im August 2032 berichtet Direktor William Smithers vom San Angeles Police Department an Lieutenant Lenina Huxley (Sandra Bullock), eine junge Funktionärin, die sich nach Chaos und Disharmonie inmitten der derzeit ruhigen, kriminalitätsfreien Welt sehnt. Tod, Zerstörung, Waffen, Graffitis und sogar Fluchen sind dank des Verbalmoralgesetzes seit 22 Jahren praktisch nicht mehr vorhanden. Als Simon Phoenix auf mysteriöse Weise aus seinem Kryo-Zustand geholt wird, läuft er Amok, massakriert die Wärter im Gefängnis und flieht. Ohne jegliche moralische Hemmungen überfällt und ermordet der sadistische Simon Phoenix jeden, der sich ihm bei seiner sinistren Mission in den Weg stellt, Waffen zu beschaffen und den Rebellenführer Edgar Friendly (Denis Leary) im Untergrund zu ermorden. Da die Behörden mit der von Simon Phoenix angerichteten Verwüstung nicht klarkommen, bleibt ihnen nichts anderes übrig, als John Spartan aufzutauen und wieder einzusetzen, in der Hoffnung, dass er den Verbrecher wieder einfangen kann.

"Wir sind Polizeibeamte - für diese Art von Gewalt sind wir nicht ausgebildet", sagt Polizist Erwin (Rob Schneider), als er über eine Überwachungskamera Zeuge von Simon Phoenix' Weg ins Verderben wird. In dieser hysterischen Version einer halbtotalitären, futuristischen Regierung, in der die Bürger durch kodierte und implantierte Mikrochips verfolgt werden und die Fahrzeugbewegungen mit der Polizeidatenbank verknüpft sind, hat es seit über 16 Jahren keine unnatürlichen Todesfälle mehr gegeben. Waffen können nur in einem Museum besichtigt werden. Der Nachteil ist jedoch, dass Verfahren und automatisierte Regeln an die Stelle von spontanen Entscheidungen und Anpassungsfähigkeiten treten, so dass die friedlichen Bewohner von San Angeles nicht in der Lage sind, sich selbst zu verteidigen oder gegen den aggressiven Simon Phoenix zu kämpfen. Hinter der ununterbrochenen Spannung verbirgt sich ein intelligenter Kommentar zu Waffenkontrolle, Gewalt und dem Verlust des freien Willens.

Es beginnt mit Explosionen, Schießereien und Figuren, die durch Glasfenster brechen, Treppen hinunterstürzen und sich durch meterhohe Flammen schleudern - und das alles, bevor der Vorspann läuft. "Demolition Man" enthält auch krawallige komödiantische Einlagen, die die Ungewohntheit des technischen und gesellschaftlichen Fortschritts nutzen, um eine Situationskomik zu inszenieren, die immer wieder zum Brüllen komisch ist. Das selbstbewusste Eingeständnis schlagfertiger Bemerkungen vor einer feindlichen Mission, das Verwechseln von Fachwörtern durch die unerfahrene Lenina Huxley und die geschickt getimten Sprüche von John Spartan sowie die Anspielungen auf die Popkultur der 90er Jahre machen die Handlung noch lustiger.

Doch "Demolition Man" ist in erster Linie ein Action-Epos, das sich auf überlebensgroße Figuren und ihre sensationellen Zerstörungsakte konzentriert, mit Comic-Helden, Feuergefechten, Kampfsportarten und der Unbesiegbarkeit von Superhelden. Unter der obersten Schicht aus sinnloser Destruktivität und witzigem Schimpfwortgewirr verbergen sich unzählige großartige Ideen und subtile Details. Die 'Schwarzenegger Presidential Library', der 61. Verfassungszusatz, Muscheln statt Klopapier, eine übertrieben höfliche Linguistik, die Franchise Wars mit 'Taco Bell' als einzigem verbliebenen Restaurant, die obligatorische futuristische Waffe, die 'Magnetic Accelerator Gun', und Doktrinen, die besagen, dass alles, was als ungesund oder unsicher gilt, verboten ist, wie etwa scharfes Essen, Salz, Sport, sexuelle Fortpflanzung ohne Lizenz und Körperkontakt, machen "Demolition Man" zu einer vielschichtigen Science-Fiction-Kuriosität.

Der Gedanke, die Kontrolle über ein unnatürliches Werkzeug zu verlieren, a la Frankensteins Monster, taucht in all dem Gemetzel auf, aber auch Hinweise auf die wuchernde Korruption in einer utopischen Gesellschaft, den inhärenten Machtmissbrauch, die Einschränkung der Rede- und Entscheidungsfreiheit, die Kontrolle durch die Religion und die Armut der Zukunft, die auf eine unterirdische Gemeinschaft von Dieben beschränkt ist, tauchen in dem packenden Chaos auf. Aufregende Verfolgungsjagden und atemberaubende Stunts veranschaulichen das Aufeinanderprallen von krassen Gegensätzen, wenn die gewalttätige Vergangenheit mit der beschaulichen Zukunft kollidiert. Es ist eine actiongeladene, höchst unterhaltsame Mischung aus farbenfrohen Charakteren, feurigen Bildern und intensiven Sci-Fi-Themen, ergänzt durch eine humorvolle Vision von Recht und Ordnung und Zivilisation und Anarchie.... und Rambo.

"Wild Seven" von Regisseur James M. Hausler ist ein unverschämt inkompetenter Kaperfilm, der wie "Pulp Fiction" oder "Reservoir Dogs" sein will, aber stattdessen auf ein Niveau von Unverständlichkeit, Schwachsinn und Vulgarität hinabsteigt, aus dem der einzige Ausweg ein erfüllender Schluss oder unterhaltsame Charaktere sein könnten. Doch dieser Film hat weder das eine noch das andere. Was er hat, ist ein überbordender Schwall an schlichtweg schrecklichen Dialogen, der die halbwegs tolerierbaren Darbietungen der altgedienten Schauspieler lautstark übertönt, während alle anderen positiven Attribute, die er hätte haben können, durch das unerträglich niedrige Tempo und die konvolutierte, mäandernde Handlung verloren gehen.

Kürzlich aus dem Gefängnis entlassen, sinnt Wilson (Robert Forster) auf Rache. Ein Banküberfall im Mittleren Westen dient als Tarnung, um seinen alten Partner Mackey (Robert Loggia) zum Mitwirken zu animieren. Wilson rekrutiert auch den Gefängnisbusfahrer Lee Marvin (Richard Roundtree), um das Team für seinen großen Plan zu komplettieren. Unterdessen trifft eine Bande von Außenseitern in ihren Zwanzigern, die sich durch Saufen, Schimpfwörter und Schwulenwitze hervortun, auf weitere skurrile Gestalten, die sich in vergleichbar widerwärtigen Wortgefechten ergehen, was dazu führt, dass sie versehentlich einen Plan aushecken, um eine Bank in Arizona auszurauben.

Mit seiner düster-komödiantischen Eröffnungsszene, die vor vielversprechender Energie strotzt, und einem peppigen Soundtrack hätte niemand die rasante Abwärtsspirale vorhersagen können, in die sich "Wild Seven" hineinspült. Von den geschmacklosen, beschämend unreifen Dialogen voller unintelligenter rassistischer Verunglimpfungen bis zu den gefühlt stundenlangen Intrigen, die zu nichts führen, gibt es nur etwa zwei bedingt unterhaltsame Abschnitte in der gesamten Produktion. Peinlicherweise schlägt James M. Hausler den Weg der meisten Amateurfilmer ein: Er will der nächste Quentin Tarantino der Welt werden. Doch seine Anstrengungen, Film- und Schnittstile zu kopieren oder die Charakterentwicklung durch ausschweifende Konversationen voranzutreiben, muten selten wie pathetische Imitation an. Zu allem Elend ist nichts von dem, was gesprochen wird, auch nur im Entferntesten interessant, provokativ oder in sonstiger Weise für den Betrachter ansprechend. Wenn die Akteure sich nicht auf ihre Wirkung verlassen, sollten ihre Texte umso deutlicher hervorstechen und etwas Großartiges erzählen. Aber hier tun sie dies eben nicht.

Der für den Academy Award nominierte Robert Forster weiß, wie man schauspielert, aber das reicht nicht aus, um "Wild Seven" vor seiner aufgedunsenen Ensemblebesetzung oder seiner ausgelutschten Prämisse zu retten. Unbegreiflicherweise gibt es in "Wild Seven" acht Hauptfiguren: drei alte Säcke, fünf junge Kriminelle und null Personen von Interesse. Wilson ist ein Ex-Sträfling, der einen Raubüberfall plant, um sich zu rächen, Lee ist ein Ex-Sträfling, der scheinbar nichts mit Wilson zu tun hat, ihn gerade erst kennengelernt hat, aber dennoch zustimmt, an dem Raubüberfall teilzunehmen, und Mackey ist der Großkotz, den alle umbringen wollen. Von den fünf aufmüpfigen Teenagern hat nur einer eine wahrnehmbare Persönlichkeit, und das auch nur, weil er unendlich nervtötend ist. Es ist unwichtig und trivial, was mit diesen Beteiligten geschieht. Dem Betrachter bleibt es nicht nur gleichgültig, sondern der Film leistet auch vorbildliche Überzeugungsarbeit, indem er die ganze Chose nicht expliziert. Zusammen mit einem lachhaft gefakten Skorpion und einem der denkbar schlimmsten, wirrsten und doppeldeutigsten Enden, die je auf Zelluloid gebannt wurden, ist "Wild Seven" ein kompletter, unbestreitbarer und irreparabler Reinfall.

"Predator 2" von Regisseur Stephen Hopkins spielt im Jahr 1997 in Los Angeles, wo die Temperaturen 109 Grad erreichen. Ein außerirdischer Trophäenjäger kreuzt im Betondschungel auf, um eine Auswahl menschlicher Krieger zu erlegen. Auf den Straßen ist ein Krieg zwischen kolumbianischen und jamaikanischen Drogenbossen in vollem Gange, in dem sich mit Maschinengewehren bewaffnete Gangster duellieren und dabei jede Menge Kollateralschäden verursachen. Die Strafverfolgungsbehörden sind unterlegen, aber Lieutenant Michael R. Harrigan (Danny Glover) und die Detectives Danny (Ruben Blades) und Leona (Maria Conchita Alonso) setzen alles daran, die Ausschreitungen zu verhindern. Doch als sie das Hauptquartier der Scorpion-Gang erreichen, sind alle rivalisierenden Mafiosi tot, ohne dass Kugeln verwendet wurden, bevor der Angreifer sich unbemerkt an den Polizisten vorbeischleicht.

DEA Special Task Force Agent Peter J. Keyes (Gary Busey) wird die Zuständigkeit für die Bandenkämpfe übertragen, angeblich um zu verhindern, dass King Willie (Calvin Lockhart), der Voodoo-Priester der örtlichen 'Posses', die gesamte Westküste an sich reißt. Doch schnell wird klar, dass Keyes mit all seinen technischen Spielereien kein FBI-Agent ist, und dass der Neuankömmling in der Stadt nicht nur ein menschliches Wesen ist. Harrigan will den Morden und Keyes' wahren Motiven auf den Grund gehen, aber seine Mission wird von seinen Vorgesetzten erschwert und wird zu einer qualvollen, persönlichen Angelegenheit, als Danny von der außerirdischen Bestie getötet wird.

Wie der erste Film beginnt auch "Predator 2" mit einer spektakulären Actionsequenz, die versucht, die gewaltige Menge an verbrauchter Munition des Vorgängers zu übertreffen. Doch dieser Neuheit fehlt der Charme, den Arnold Schwarzenegger und seine Muskelprotze bei ihrer heroischen Rettungsaktion an den Tag legten - der Bandenkrieg hat etwas Unspezifisches und Empathieloses an sich. Es wird auch viel Blut vergossen, denn die Intention ist ganz deutlich eine Melange aus Horror und Action.

Eine stereotyp chaotische Polizeistation ist die erste von vielen nahezu komödiantischen Einlagen, gefolgt von einem U-Bahn-Gimmick, bei dem jeder Pendler eine Handfeuerwaffe entdeckt, um einen Raubüberfall zu vereiteln, was zu einem atmosphärischen, aber auch irritierenden Angriff aus dem Hinterhalt führt, und einer kleinen alten Dame, die durch die improvisierte Selbstoperation des Predator gestört wird. Bill Paxtons hitzköpfiger Cop Jerry Lambert bietet nichts als Comedy, während Gary Busey nicht so taff und seriös wirkt, wie er sein sollte. Auch Danny Glover ist weit davon entfernt, ein gebührender gefürchteter Soldat zu sein, vielmehr darf er nur bei einigen Anlässen am Leben bleiben, obwohl sein schauspielerisches Talent einem Schlachtfeld voller schemenhafter Soldaten etwas Leben einhaucht. Die sensationelle Filmmusik von Alan Silvestri wird zum Glück wiederverwendet und bringt Spannung und Ernsthaftigkeit in die ansonsten generischen Monsterfilm-Szenarien.

Die Spezialeffekte haben sich seit dem ersten Film nicht wesentlich verbessert, und die chamäleonartige Tarnkappe ist immer noch nicht zufriedenstellend, aber der Predator bekommt ein paar neue Accessoires, eine verfeinerte Technologie und einen weiteren Aktionsradius. Ein Computerverfolgungs- und -überwachungssystem lehnt sich stark an "Aliens - Die Rückkehr" an, und ein unterbrechender Sonderbericht in den Nachrichten ähnelt Konzepten aus "Robocop", aber ein Angriff auf ein Schlachthaus und eine clevere Wendung des erkennbaren Selbstzerstörungsmechanismus sind willkommene Ergänzungen. Jagdmuster, Gewohnheiten und Herkunft werden ebenfalls erklärt, und die letzten Momente an Bord des Raumschiffs werfen ein Licht auf die belustigende Tatsache, dass die anderen Alien-Franchises von '20th Century Fox' im selben Filmuniversum koexistieren...

Da mache ich doch gerne mit. Müssen es Weihnachtsfilme oder kann es auch ein Querschnitt sein?

1. Advent: -
2. Advent: dazlious
3. Advent: *frenzy_punk<3
4. Advent: ?

Nachdem Zombies, die durch einen grassierenden Virus entstanden sind, in "Train to Busan" ganz Südkorea überrannt haben, fliehen die verbliebenen Überlebenden in "Peninsula" von Regisseur Sang-ho Yeon in Panik zu den Häfen, um nach Japan oder Nordkorea zu entkommen, wo sie hoffen, Zuflucht vor den todbringenden Nagern zu finden. Jung Seok (Dong-Won Gang) und die Familie seiner Schwester (So-yeon Jang) schaffen es, an Bord eines solchen Schiffes zu gelangen, erfahren aber bald, dass sie nach Hongkong umgeleitet werden. Einer der Passagiere auf dem Unterdeck ist infiziert und verwandelt sich allmählich in einen blutgeilen Zombie.

Der klaustrophobische Zug nach Busan ist nun auf ein etwas breiteres Schiff auf See umgestiegen, wo sich fast die gleichen Tragödien abspielen. Schon in den ersten Minuten wird die Handlung von überdramatischen Todesfällen heimgesucht, die von praktisch der Schwerkraft trotzenden, breakdancenden Zombies angeheizt werden, die ohne nennenswerte Folgen mutieren und sich verrenken. Das Virus scheint sich bei den Menschen sehr unterschiedlich zu manifestieren. Doch dies ist nur die Einleitung - oder die Zusammenfassung. Die eigentliche Geschichte beginnt etwa vier Jahre nach dem ersten Zombie-Ausbruch, als Jung und der Ehemann seiner toten Schwester, der inzwischen in Hongkong gestrandet ist, beschließen, das fehlende Geld aus einem Lastwagen zu bergen, um eine Rückkehr auf die Halbinsel zu finanzieren, wo es Gerüchte gibt, dass die südliche Region ein isolierter Zufluchtsort sein könnte. Dafür haben sie nur drei Tage Zeit und erhalten dafür einen Betrag von mehreren Millionen Dollar.

Jungs vierköpfiges Team findet zunächst ein verlassenes Auto, mit dem sie durch eine postapokalyptische Einöde fahren, in der Gebäude und Fahrzeuge kaputt sind, die verrottende Natur die marode Infrastruktur übernommen hat und die allgegenwärtige Geräuschlosigkeit nur durch die spitzen, schrillen Kreischanfälle von aufgeputschten Zombies gestört wird. Es gibt zwar einige Grundregeln, wie beispielsweise, dass die Menschenfresser nachts oder bei Dunkelheit blind sind, aber es gibt auch einige Ungereimtheiten, wie etwa die Frage, was genau erforderlich ist, um schlafende Untote zu wecken, seien es irgendwelche Klänge, die Annäherung an sie oder menschliche Körperwärme. Doch es sind nicht nur die lebenden Toten, die zu Konflikten führen. Die menschlichen Charaktere verursachen größeres Chaos und verkörpern mehr furchterregende Arten des Bösen, vertreten durch den dämlichen, mitleidlosen Sergeant Hwang (Min-Jae Kim) und den durchgeknallten, schwermütigen Captain Seo (Gyo-hwan Koo).

Neben der zu erwartenden massiven Gewaltexzesse kommt auch der Humor nicht zu kurz, vor allem durch einen exzentrischen alten Kommandanten (Hae-hyo Kwon) und seine Enkelinnen Jooni (Re Lee) und die frühreife Yu Jin (Ye-Won Lee), die ihre Situation nicht ernst zu nehmen scheinen - im Gegensatz zu ihrer strengen Mutter Min Jung (Jung-hyun Lee) schaffen es die beiden mit Spielsachen und sarkastischen Dialogen, ihr morbides Dasein zu beleben. Allerdings rücken grausame Nebenhandlungen wie Gladiatorenspiele und sich bekriegende Militärfraktionen die Handlung immer wieder in die Nähe von "The Walking Dead" und anderen etablierten Zombie-Serien. Leider liegt das größte Manko von "Peninsula" darin, dass der Film es nicht versteht, sich von den bisherigen und noch laufenden Franchises zu differenzieren. Kaum etwas mutet hier originell an.

Der auf Zombies basierende Horror ist immer noch passabel, die natürlichen Darstellungsformen funktionieren besser als die weitaus vorherrschenden digitalen Bildfolgen, doch die Darsteller und ihre Szenarien haben alle Mühe, als etwas anderes zu gelten als ergänzende Kapitel einer altbekannten Geschichte. Die Protagonisten sind liebenswert und die Antagonisten verachtenswert, aber auch nur deshalb, weil sie so sein sollen. Ihre Aktionen und Charakterzüge lassen selten etwas Komplizierteres oder Nuancierteres erkennen. Das Finale ist zwar teilweise spannend, aber das Setting ergibt keinen Sinn. Ein "Mad Max"-Gefühl beschleicht einen, mit so viel Superanimation, dass die Hetzjagden wie in einem Konsolenspiel aussehen. Dabei wird der Fokus über Gebühr und unnützerweise auf den Hauptbösewicht gelegt, als wäre er der Wichtigste in diesem Film. Zudem bestätigt eine pathetisch überdramatisierte Todesszene, die eine entsprechende Stelle aus dem Vorgänger "Train to Busan" wiederholt, den Verdacht, dass dieses Sequel schlussendlich wenig zu bieten hat, was die Expansion des Portfolios oder die Implementierung brauchbarer innovativer Konzeptideen anbelangt.

In "Train to Busan" von Regisseur Sang-ho Yeon veranlasst ein winziges Leck im Biotech-Viertel die Regierung, eine Quarantänezone am Jinyang-Stausee einzurichten, die den Verkehr einschränkt und die Anwohner verärgert. Das Problem wird jedoch noch gravierender, wenn die verschüttete Chemikalie bei Wildtieren einen beachtlichen Nebeneffekt hervorruft: Sie können sich erholen und wiederbeleben, selbst wenn sie normalerweise lebensbedrohliche Verletzungen erlitten haben. Im Grunde verwandelt es ehemals lebende Organismen in Zombies.

In der Zwischenzeit müht sich Seok-woo (Yoo Gong) bei der Arbeit ab, verwaltet Gelder für eine typische blutsaugende Karriere und kämpft darum, genug Zeit mit seiner kleinen Tochter Su-an (Su-an Kim) zu verbringen, die ihn dazu drängt, ihre Mutter zu besuchen. Seok-woo und seine Frau leben schon seit einiger Zeit getrennt, da sie ihre Differenzen nicht beilegen konnten. Am nächsten Morgen erklärt er sich bereit, seine Tochter mit dem Zug 'KTX 101' nach Busan zu bringen, wo ihre Mutter Seong-kyeong (Yu-mi Jung) lebt. Die Fahrt dauert nur etwa eine Stunde, ist also nur eine kleine Unannehmlichkeit.

Was ein normales Familiendrama hätte sein können, wird zu etwas völlig anderem, als ein blutüberströmter Teenager in letzter Sekunde an Bord des abfahrenden Zuges sprintet. Obwohl die Quarantänezone und einige verdächtige Überreste zu Beginn des Films eine Andeutung waren, nimmt das Tempo des Films mit dem ersten Zombieangriff merklich zu. Die Opfer werden angegriffen, angefressen, teilweise verzehrt und erwachen dann selbst wieder zum Leben. "Beeilt euch! Rennt!"

In dieser modernen, grafischen, brutalen und actiongeladenen Version einer Zombieinvasion sind die Antagonisten flink, robust und unglaublich geschwind. Es hält die Spannung aufrecht, wenn die Killer so gut darin sind, ihre Beute zu jagen. Mit vielen Unwägbarkeiten, der Einbeziehung eines Kindes als eine der Hauptfiguren sowie einer schwangeren Frau, wenigen Erklärungen, verlassenen Gebäuden und der Tendenz, dass Zombies aus dem Nichts auftauchen, ist dies definitiv ein Film, der den Betrachter in einen Rausch versetzen wird. "Die Leute werden wahnsinnig!"

Viele der Konzepte sind zwar meist Horror, bieten aber auch Gelegenheit, die Unfähigkeit der Regierung zu kommentieren, mit weit verbreiteten Problemen wie einer sich schnell ausbreitenden Epidemie oder Pandemie umzugehen. Protokolle sind unbekannt oder werden ignoriert, und es herrscht die Angst. Doch es gibt auch das Potenzial für Mitgefühl im Angesicht von Panik und Großzügigkeit als Gegengewicht zu egoistischem Überlebenstrieb, das sich in Su-ans Unschuld und Sorge um andere und ihrer Bereitschaft, auf Selbsterhaltung zu verzichten, um Fremden zu helfen, widerspiegelt, ebenso wie in den Notizen über die Opfer, die Eltern für ihre Kinder bringen, einige mehr als andere unüberlegt. Hier ist Teamarbeit unerlässlich.

Natürlich können Menschen auch schwierige Umstände nutzen, um ihre niederen Seiten zu zeigen, und dieser Film scheut sich nicht, die scheinbar inhärenten Übel reicher, privilegierter Unternehmenstypen in einem schockierend erfolgreichen Ausmaß zu thematisieren. Wie in den meisten Horrorfilmen können die Menschen genauso böse sein wie die übernatürlichen Feinde, vor allem, wenn die Pöbelmentalität rationale Bürger ansteckt. Doch der Heroismus, die spektakulären Stunts, die Action, die verstörenden Situationen und die schonungslose Zombie-Gewalt werden wohl die denkwürdigsten Faktoren sein.

"Cloverfield" von Regisseur Matt Reeves ist eine Übung in Panik, Beklemmung und Verstörung in einem, und ein Paradebeispiel dafür, warum Ich-Erzählungen mit Handkamera oft zu vorhersehbar enttäuschenden Resultaten führen. Doch abgesehen von den Kontroversen um die Handlung ist der Film ein elektrisierender, wenn auch kurzlebiger Ritt voller Spannung, Horror und Spezialeffekte. Wenn die abrupten Schnitte und hastigen Zooms keine Migräne verursachen, so schärfen sie doch die Sinne des Betrachters in dieser erschreckend authentischen Nachstellung des Überlebens eines Monsterangriffs in New York - ein Szenario, das man schon oft im Kino gesehen hat. Der Film ist wahrscheinlich so dicht an der Realität, wie man sie nur bekommen kann.

Nach der 'Cloverfield'-Katastrophe wird ein Band sichergestellt, auf dem eine Gruppe von Partygästen die letzte Nacht feiert, in der Rob Hawkins (Michael Stahl-David) in der Stadt ist, bevor er nach Japan abreist. Er ringt mit einer diffizilen Beziehung zu seiner hoffnungsvollen Freundin Elizabeth McIntyre (Odette Yustman), während sein bester Freund Hud (T.J. Miller) alle Aktivitäten des Events auf Video aufzeichnet. Während die Gruppe versucht, den frustrierten Rob aufzumuntern, wirbelt eine Explosion in der Nähe die Feiernden durcheinander, und bald sind die Straßen unter ihrer Suite in Manhattan mit Trümmern und dem abgebrochenen, enthaupteten Kopf der Freiheitsstatue übersät. Als die Armee anrückt, um die verängstigten Zivilisten zu evakuieren, beschließt Rob, tiefer in das Kriegsgebiet vorzudringen, um Beth zu helfen, die in einem eingestürzten Wohnhaus gefangen ist. Hud, Lily (Jessica Lucas) und Marlena (Lizzy Caplan) begleiten ihn und decken unwissentlich die schockierenden Gräuel auf, die zur massiven Zerstörung der einst großartigen Stadt geführt haben.

"Cloverfield" überzeugt auf vielen Ebenen, doch am wichtigsten ist die meisterhafte Inszenierung der Atmosphäre. Aufgrund der exzellenten Spezialeffekte, der brillanten Kulissen und der sehr wackeligen Kamera hat der Betrachter das Bedürfnis, gemeinsam mit den Filmfiguren vor der gigantischen Gefahr zu fliehen. Geschickte Schnitte und fließende Übergänge sorgen für ein straffes Pensum, während die Angst vor einem unentrinnbaren Schicksal das erschwerende Geschehen dominiert. Hysterische Menschenmengen, zerstörte Straßen und eine unzureichende Militärpräsenz tragen dazu bei, den Realitätssinn eines verheerenden Angriffs auf eine bevölkerte Stadt aufrechtzuerhalten, auch wenn der Urheber völlig frei erfunden ist. Wäre da nicht die kolossale Kreatur, die durch die Szenerie rast, hätte "Cloverfield" seine Sci-Fi-Herkunft vielleicht gar nicht verraten und sich stattdessen auf die viel leichter nachvollziehbare Angst vor dem Unbekannten konzentriert.

Das Monster selbst ist einer der einzigen Kritikpunkte von "Cloverfield". Aus der Distanz und bei kurzen flüchtigen Blicken, bevor es hinter Wolkenkratzern verschwindet, bietet das hinkende Ungetüm genug Ehrfurcht, aber bei näherer Betrachtung, insbesondere beim Finale, wirkt das Konzept zu sperrig und offenbart eine forcierte, unkomfortable fremdartige Strukturierung. Das Monster, das sich mit dem schwerfälligen Gleichschritt einer Vampirfledermaus auf dem Boden bewegt, evoziert auch die Vorstellung eines riesigen, kahlrasierten Weltraum-Affen. Viele dieser Details sind jedoch auf den infantilen Zustand und die mangelnden Fähigkeiten der Kreatur zurückzuführen, die nur durch Gespräche hinter den Kulissen mit dem Kreaturendesigner Neville Page erreicht werden können. Merkwürdige, rote, pulsierende Kugeln auf seinem Kopf passen auch nicht dazu und konterkarieren eindeutig eine Mimik des Terrors. Hier ist weniger manchmal wirklich mehr.

"Bambi" von Regisseur David Hand beginnt mit einem imponierenden Schwenk über mehrere Ebenen von Waldelementen: Bäume, Wasser, durchscheinende Hintergrundfarben, eine verschlafene Eule, ein dösendes Eichhörnchen und hungrige Vogelbabys sind nur einige der farbenfrohen Bewohner, die zunächst in diesem dichten Waldstück zu sehen sind. Diese Wesen unterscheiden sich nicht allzu sehr von Disneys kurzen Zeichentrickfilmen und sehen eher wie typische anthropomorphe Kreaturen als echte Tiere aus. Die Einführung des neugeborenen 'Bambi', des Rehkitzes, ist jedoch etwas besser, da es weniger übertrieben aussieht als die anderen, trotz seiner übergroßen Augen, die ein klassischer Bestandteil niedlicher Designs sind.

Während 'Bambi' unbeholfen durch das Land wandert und sich mit einer Vielzahl von Tieren vertraut macht, trifft er auf 'Thumper', das Kaninchen, einen übermäßig lauten, kritischen Kerl, der das langbeinige Jungtier ermutigt, zu erkunden, zu springen und zu sprechen, während er ihm eine Reihe von Allgemeinplätzen über Höflichkeit und das Wiederholen von Sprüchen eines Vaters beibringt, den man nie zu Gesicht bekommt. Es ist nicht die glaubwürdigste Entwicklung, aber sie etabliert zwei Teile eines bald unzertrennlichen Trios, zu dem auch ein Stinktier namens 'Flower' gehört. Wie von Disneys abendfüllenden Animationsfilmen nicht anders zu erwarten, dauert es nicht lange, bis sich eine auffällige, tragische und - vor allem für jüngere Betrachter - traumatische Episode ereignet. Aus der Sicht eines Kindes ist dies sicherlich eine bissige Anti-Jagd-Botschaft. "Es könnte gefährlich sein."

Vor dem unvergesslichen Zwischenfall auf einer verschneiten Lichtung bleibt viel Zeit zum Toben und Spielen auf der Wiese und auf einem zugefrorenen See, und 'Bambi' trifft seine perfekte Partnerin, die Hirschkuh 'Faline'. Die Jahreszeiten kommen und gehen, und die These, dass der Mensch der ultimative Feind ist, wird immer wieder aufgestellt. Doch das Donnern eines Gewehrs, das 'Bambi' von seiner Mutter trennt, als sie in das Gestrüpp fliehen, bleibt erschütternder als die Fülle der Heiterkeit davor. Es wird nur wenig über diesen Kataklysmus gezeigt, aber das Konzept ist stark und regelmäßig das meistdiskutierte Thema in diesem Waldepos.

Die Charaktere selbst singen nicht viel, aber im Hintergrund laufen Chorarrangements, die verschiedene Situationen wie einen Aprilregen und den Beginn eines neuen Frühlings akzentuieren. Diese Sequenzen sowie die Tiere und Elemente der Natur, die sich rhythmisch zum Klirren von Zimbeln oder zum Blasen von Trompeten bewegen, wecken Assoziationen zu "Fantasia", dem vielleicht besten Beispiel für die Vermählung von Musik und Animation. Der orchestrale Soundtrack ist fraglos ein wichtiger Bestandteil, der die Atmosphäre bestimmt, eine Vorahnung vermittelt oder Affekte intensiviert.

Mit seinen wenigen Dialogen gelingt es "Bambi", eine bewegende Geschichte vor allem durch die bildliche Sprache zu vermitteln. Einige dieser künstlerischen Sequenzen sind ganz speziell, von einer Szene, in der Blätter in einen Bach fallen und Wellen in einer Spiegelung verursachen, bis hin zu einer mürrischen Eule, die doppelt (oder fünffach) sieht, nachdem ihre Sehkraft beeinträchtigt wurde. Selbst der Moment, in dem der erwachsene 'Thumper' ein attraktives weibliches Kaninchen erspäht, ist beeindruckend in seiner hochkomischen Komposition, die sich sowohl in 'Flowers' romantischem Interesse als auch in 'Bambis' Tagträumen von 'Faline' während eines ausgedehnten Abschnitts widerspiegelt, in dem die Auswirkungen von 'Gezwitscher' demonstriert werden - ein skurriler Terminus, der sich trotz seiner Bedeutung in einer langlebigen Disney-Produktion nicht erhalten hat. Die Chronik des Lebenszyklus eines Rehs ist einfach, aber gerade diese Simplizität macht "Bambi" so liebenswürdig. Von der düsteren Berührung mit dem Tod über die Freude an der Liebe bis hin zu einer abenteuerlichen Flucht vor einem lodernden Feuer, von den Folgen eines amoralischen Mannes bis hin zu einer herzergreifenden Freundschaft - diese umfassende Reise ist voll von Dramatik, Spannungskraft und großer Zufriedenheit.

Die sofort bekannte Titelmelodie eröffnet "Doctor Sleeps Erwachen" von Regisseur Mike Flanagan, der 1980 in Florida beginnt, wo Rose the Hat (Rebecca Ferguson) ein weiteres Kind in ihre tödlichen Fänge lockt. Sie ist hübsch, aber bösartig und hat es auf Teenager abgesehen, die über besondere übernatürliche Fähigkeiten verfügen, um ihnen wie ein Vampir die Lebensenergie zu rauben, damit sie ewig jung bleiben kann. "Das Shining ist wie Essen."

Sie stellt sich dem kleinen Danny Torrance vor, dessen Erlebnisse im 'Overlook Hotel' während der Geschehnisse in "Shining" ihn immer noch heimsuchen. Ausgehungerte, verzweifelte, böse Geister suchen ihn oft heim, selbst nachdem er in eine normalere Kindheit in Cedar Key, Florida, geflohen ist - so weit weg, wie seine Mutter ihn von Colorado wegbringen konnte. Doch seine Gabe ist besonders ausgeprägt, und unter der Anleitung des Geistes von Dick Hallorann (Carl Lumbly), der wie Jiminy Cricket regelmäßig als Gewissen fungiert, entwickelt Danny einige wirksame Abwehrmechanismen in seinem Bewusstsein.

Jahre später, im Jahr 2011 in New Jersey, findet der erwachsene Danny (Ewan McGregor) immer noch nicht zur Normalität zurück und greift häufig zum Alkohol, um seine zahlreichen psychischen Probleme zu ertränken. Er ist ein Durchreisender, der selten lange an einem Ort bleibt, bis er in Frazier, New Hampshire, auf den gutherzigen Billy (Cliff Curtis) trifft, der ihm eine Bleibe anbietet. Dies führt ihn zu einem Job als Krankenpfleger bei Dr. John Dalton (Bruce Greenwood), wo die Arbeit in einem Hospiz an der Tagesordnung ist. Schließlich kann Danny wahrnehmen, wenn Menschen im Sterben liegen, und tröstet sie während ihres Ablebens mit einer beruhigenden Gelassenheit, die ihm den Spitznamen 'Doctor Sleep' einbrachte. Dann vergehen 8 Jahre wie im Flug und Danny ist zum ersten Mal in seinem Leben abstinent, gesund und ausgeglichen. Doch als Rose the Hat und ihre sektenartige Bande von seelensaugenden, dämonischen, humanoiden Zigeunern die Existenz der Teenagerin Abra Stone (Kyliegh Curran) entdecken, die über ein ungewöhnlich mächtiges 'Shining' verfügt, wird Danny wieder in eine Arena von Gespenstern und Killern hineingezogen, die sich nur in dem seit langem verlassenen, mit Brettern vernagelten 'Overlook Hotel' zuspitzen kann. "Läufst du vor irgendetwas davon?"

Der erste Fehler, den viele Betrachter machen, wenn sie sich "Doctor Sleeps Erwachen" nähern, besteht darin, eine Fortsetzung von "Shining" zu erwarten, die auf dem gleichen Niveau wie Stanley Kubricks Meisterwerk ist. Dieses Sequel ist ein ganz anderer Film, der eine vollkommen eigene Geschichte erzählen will. Zunächst einmal ist das 'Shining' komplexer und besser definiert, was sich in spezifischen Fähigkeiten wie Superkräften niederschlägt, die in Bereiche wie Telekinese, Gedankenkontrolle, Gedankenlesen, Hellsehen, Hypnotisieren und ähnliches untergliedert werden können. Es ist ein bisschen wie die Macht aus "Krieg der Sterne", nur mit einer boshafteren Schlagseite.

Die vielleicht wichtigste Abweichung von Stanley Kubricks Original ist jedoch die Herangehensweise an den Horror. Von Anfang an gibt es hier unzählige Jump-Scares. Mike Flanagan ist nicht daran interessiert, das Grauen durch Atmosphäre und Charakterentwicklung aufzubauen, sondern er entscheidet sich dafür, direkt in die unheimlichen Bilder einzutauchen, die durch pochende Herzschlaggeräusche und kreischende Geigen ergänzt werden, um vor eindeutigen Angstmomenten zu warnen. Es gibt einfach keine Subtilität in diesem Horror. Außerdem weicht der Verzicht auf präzise Erklärungen des ersten Films hier erklärbaren Details, die Danny Torrances Methoden beschreiben, mit der Gabe/dem Fluch seiner Fähigkeiten umzugehen und sie zu kontrollieren, nicht anders als in "The Sixth Sense" und der Tatsache, dass er als Außenseiter gilt. Und damit einher geht ein ziemlich tiefgründiger Beitrag über Tod und Sterblichkeit und die Art und Weise, wie er Angst in Güte verwandelt, um den Geistern und anderen transzendenten Kommunikatoren, die ihn plagen, zu helfen oder sie zu bändigen.

"Doctor Sleeps Erwachen" neigt ebenfalls zu mörderischem Mystery-Thrill und dunkler Fantasie, manchmal sogar mehr als zu offenkundigem Horror. Es ist besonders spannend zu sehen, wie die Gepeinigten zu Peinigern werden, wenn sie den Spieß gegen übernatürliche Feinde umdrehen. Das Erzähltempo hätte zwar etwas strikter sein können, denn der Film ist sogar ein paar Minuten länger als sein Vorgänger, aber der Höhepunkt im 'Overlook Hotel' ist wirklich grandios. Die Antagonisten haben es nicht leicht, und es gibt keinen besseren Ort für einen Showdown als die von Terror geplagten, geisterverseuchten und bluttriefenden Wände des renommierten Urlaubsortes. Die Hommagen und Vertraulichkeiten sorgen für jede Menge Spaß, denn sie bringen identische Kameraperspektiven, Locations, Charaktere und mehr zurück, während das Gute das Böse mit einer Axt, einer Schreibmaschine und einem Heckenlabyrinth bekämpft. Der Schluss ist adäquat und zufriedenstellend, obwohl er einen Film abschließt, der unmöglich kopieren kann und mitunter auch nicht versucht, was Stanley Kubrick einst vollbrachte. "Doctor Sleeps Erwachen" funktioniert am besten als alleinstehendes Werk mit eigenem Charakter und eigener Zielrichtung, das auf "Shining" referiert, aber im Wesentlichen als eigenständige Publikation existiert.

In "Luca" von Regisseur Enrico Casarosa fahren zwei Matrosen zu einem tollen Angelplatz, doch einer hat Angst vor den Legenden über bösartige Seeungeheuer. Und tatsächlich: Innerhalb weniger Sekunden entwendet ein schleimiges, schuppiges Wesen mit Flossen ein paar Gegenstände vom Deck und erschreckt die Männer - ebenso wie das meerähnliche Geschöpf namens Luca Paguro (Jacob Tremblay). Wie sich herausstellt, ist Luca ein junger Meerjungmann in einer Zivilisation ähnlicher Lebewesen, die wie üblich ihren Pflichten als Fischzüchter, Krabbenfischer und Bauern nachgehen. Und sie haben genauso viel Angst vor den Landmonstern und ihren Booten wie die Menschen vor ihnen. "Der seltsame Fisch wird gefangen."

Luca sammelt allerlei heruntergefallenen, fremden Plunder und ist ständig wissbegierig auf das Leben über den Wellen, trotz der konstanten Warnungen seiner Mutter (Maya Rudolph) und seines Vaters (Jim Gaffigan). Als er den Meerjungmann Alberto (Jack Dylan Grazer) aus der Nachbarschaft trifft, der ihm offenbart, dass seine Spezies die Fähigkeit besitzt, sich an Land in einen Menschen zu verwandeln, ist Luca sehr angetan. Zum Glück dauert es nicht lange, bis er laufen, atmen, die Gravitation spüren, die Sonne anstarren, menschliche Gebäude erkunden, sich anziehen, neue Lebensmittel essen und sogar eine Vespa aus dem Nichts konstruieren kann. "Alles Gute liegt über der Oberfläche".

Die Geschichte spielt zwar in einer Küstenstadt an der italienischen Riviera und ist von der Musik, der Sprache, dem Stil und dem Milieu der Gegend beeinflusst, aber ein suspekter Kater mit Schnurrbart namens 'Machiavelli' ist einer der interessantesten Bewohner. Die Prämisse erinnert sofort an "Arielle, die Meerjungfrau". Der Umgangston ist lockerer und die Figuren sind jünger, wendet sich aber an einen ganz anderen Rezipientenkreis, so als würde er ein wenig mit "Findet Nemo" fusionieren, mit einer großen Odyssee und Hetzjagd vor Augen. Ähnlich verhält es sich mit der Idee der Freiheit von restriktiven Eltern und der Rebellion gegen solche elterlichen Kontrollbestrebungen, die mit dem antithetischen Status eines Waisenkindes kontrastiert werden, sowie mit althergebrachten Bräuchen, die einer Auffrischung bedürfen, auch wenn die Ambitionen sanfter und die Lovestory geringfügig sind. "Dein Leben ist viel cooler als meins!"

Die Themen Mobbing, Ausgrenzung, Teamwork, Akzeptanz, Freundschaft, einschließlich der Ableger von Eifersucht in der Kindheit, Rivalität und Besserwisserei, Erkundung und Bildung, Verrat und fehlgeleitete Vorurteile, die merkwürdigerweise an die Serie "Breaking Away" aus den 1980ern erinnern, werden mit viel Humor und Herz in einem triathlonähnlichen Rennen, das auf einem Fahrrad beginnt, behandelt. Die Anfangsphase fühlt sich sehr überhastet an, vor allem mit der Einführung der Meermenschen und ihrer fremdartigen Welt, aber es dauert nicht lange, bis der Spaß und die Emotionen in den Vordergrund treten. Leider sind selbst die bewegenden Elemente trotz einer Handvoll guter Sequenzen nicht besonders einfallsreich. "Irgendetwas ist bei euch beiden nicht in Ordnung."

Auf unerwartete Weise ist der Einsatz von Meeresungeheuern, die versuchen, sich unter die Menschen zu mischen, kaum notwendig und steht der Geschichte weitgehend im Weg. Die vermittelten Botschaften hätten auch ohne dieses märchenhafte Segment erzählt werden können, auch wenn die quirlige Dynamik und die fantasievollen Tagtraumsequenzen zu einer magischen Vorgabe beitragen. Jedenfalls ist der Rhythmus flott und der Aufbau der Handlung ansprechend, auch wenn die Aufklärung genauso hektisch ist wie der Anfang und daher nicht richtig funktioniert. Das Ergebnis ist eine einfache kleine Fabel, vielleicht zu schlicht, aber vergnüglich, besonders für ein Pixar-Werk.

Als Peter Van Garretts letzter Wille in "Sleepy Hollow" von Regisseur Tim Burton mit der Kutsche durch eine besonders dunkle und düstere Gegend gefahren wird, wird dem Kutscher der Kopf abgeschlagen, und der einzige Passagier muss sich in einem Maisfeld mit kürbisköpfigen Vogelscheuchen in Sicherheit bringen. Doch es ist eine schmerzvolle, temporäre Gnadenfrist. Ein Reiter mit einem unfassbar scharfen Schwert trennt dem armen Mann mit einem einzigen Schlag den Kopf ab.

Im New York des Jahres 1799 verlässt sich Constable Ichabod Crane (Johnny Depp, eine Fehlbesetzung, da er nicht in der Lage ist, Ichabod Crane anders als in seinen üblichen Rollen darzustellen) auf die Wissenschaft und modernste Techniken, um Morde aufzuklären, während der Rest der älteren Beamten in der Stadtwache Folter und antiquierte Prozeduren bevorzugt. "Ich trete für Vernunft und Gerechtigkeit ein!" Ichabod Crane besteht darauf, aber der Bürgermeister (Christopher Lee) befiehlt ihm, nach 'Sleepy Hollow' zu reisen, einer Stadt im Hinterland der Hudson-Inseln, die hauptsächlich von Holländern bewohnt wird. In der Bauerngemeinde sind bereits drei Menschen ermordet und enthauptet worden, was Ichabod Crane die perfekte Gelegenheit bietet, seine neumodischen Methoden der Detektivarbeit anzuwenden.

Als der trostlose Detektiv eintrifft, sieht er sich mit einer verdächtigen Ansammlung von puderperückentragenden Ältesten konfrontiert, darunter Baltus Van Tassel (Michael Gambon), Reverend Steenwyck (Jeffrey Jones), Magistrat Philipse (Richard Griffiths), Dr. Lancaster (Ian McDiarmid) und Notar Hardenbrook (Michael Gough). Lady Van Tassel (Miranda Richardson) und ihre Tochter Katrina (Christina Ricci) sowie ihr Verehrer Brom Van Brunt (Casper Van Dien) und eine Reihe besorgter Bürger bevölkern ebenfalls das belebte Gasthaus. Im Grunde ist jeder ein Tatverdächtiger. Doch Baltus Van Tassel ist überzeugt, dass der wahre Schuldige der Geist eines hessischen Söldners (Christopher Walken) ist, der vor langer Zeit selbst enthauptet wurde und nun aus Rache durch das Areal streift.

Basierend auf der bekannten Geschichte von Washington Irving, die vor allem in Disneys Zeichentrickfilm zur Geltung kommt, scheint dieses düstere, gotische Märchen wie geschaffen für Tim Burton. Brutale Gewalt, entsättigte Farben, die "Sleepy Hollow" einen fast schwarz-weißen Look verleihen, exzentrische Charaktere, Anklänge an das Übernatürliche, Fantasie- und Albtraumsequenzen und übermäßiger Nebel fühlen sich in Tim Burtons viel reiferer Neuauflage des Horrorklassikers geradezu heimisch an. Die Sets, die Ausstattung, das Maskenbild und die Kostüme sind außerdem außerordentlich, die kurzen Computeranimationen hingegen nicht. Sie verleihen der kurzweilig-gruseligen Stimmung, die gelegentlich mit krankhafter Komik aufgepeppt wird, eine visuelle Realitätsnähe.

Die Konzepte Aberglaube contra Pragmatismus, Hexerei gegen die Wissenschaft, Vernunft oder Glaube und Himmel beziehungsweise Hölle sind zwar interessant, aber sicher nicht außergewöhnlich, vor allem unter der Prämisse eines monströsen Killers oder eines furchterregenden Jägers, der 'Pumpkinhead' nicht unähnlich ist, doch reicht die Haupthandlung für einen ganzen Kinofilm offenbar nicht aus. Die Autoren sehen sich dazu bemüßigt, zusätzliche Nebenhandlungen hinzuzufügen, um die makabren Ermordungen und die Geisterlegende zu verkomplizieren. Es geht nicht nur um das mysteriöse Rätsel des Täters und die verworrenen andersweltlichen Verflechtungen, sondern auch um Ichabod Cranes leidvolle Vergangenheit, die seinen Drang nach technischer Bildung maßgeblich geprägt hat. Doch selbst wenn sich die konspirativen Verbindungen auflösen und die Verdächtigen einen nach dem anderen ihren Kopf verlieren, sind es die schöpferische Brutalität und das Dekor der Kulissen und Charaktere, die am meisten begeistern, ebenso wie der unerwartet actionreiche, aber geografisch nonsensisch krönende Abschluss.