Chainsaw Charlie - Kommentare

"'Dune' wird die Ankunft eines Gottes einläuten", sagt Drehbuchautor und Regisseur Alejandro Jodorowsky, der sich 1974 daran machte, ein ungeheuer ehrgeiziges, atemberaubendes Epos zu drehen, das die Wahrnehmung des Kinos für immer verändern sollte. Doch es sollte nicht sein. Die monumentale Arbeit, die über einen Zeitraum von zweieinhalb Jahren in die Konzeption eingeflossen ist, wird größtenteils in einem Buch dokumentiert, von dem es weltweit nur noch zwei Exemplare gibt, die für den Verkauf des Projekts bestimmt sind und im Haus von Alejandro Jodorowsky aufbewahrt werden. Der Film hätte "Krieg der Sterne" heißen können, bevor dieses einzigartige Meisterwerk der Weltraumoper Generationen von Menschen beeinflusste, oder größer und weitreichender als "2001: Odyssee im Weltraum". Der Dokumentarfilm "Jodorowsky's Dune" von Regisseur Frank Pavich erzählt die Geschichte des wahrscheinlich größten Science-Fiction-Films, der nie gedreht wurde.

Alejandro Jodorowsky hatte die Menschheit seit dem krawalligen "Fando und Lis" von 1967 in den Wahnsinn getrieben. Auch sein revolutionärer "El Topo" und der darauf folgende millionenschwere "Montana Sacra - Der heilige Berg" von 1973 wurden mit Ehrfurcht aufgenommen. Seine vielleicht beste Eigenschaft war die vollständige künstlerische Kontrolle über seine Arbeiten. 1974 mietete er mit dem Produzenten Michel Seydoux ein Schloss in Frankreich, um die Verfilmung von 'Dune' zu schreiben. Das Werk des Autors Frank Herbert war ein weltweiter Verlagserfolg und die heilige Bibel der Science-Fiction-Anhänger, obwohl die Rechte praktisch umsonst erworben wurden, als ob Hollywood sicher war, dass es nicht zu einem marktfähigen Film verarbeitet werden könnte.

Alejandro Jodorowsky wollte einen Film drehen, der dem Betrachter eine Vorstellung von der Wirkung von LSD vermittelt - eine visuelle Erfahrung, die der halluzinatorischen Wirkung der kristallinen Substanz so nahe wie möglich kommt, ohne dass er die Droge tatsächlich einnimmt. Um dieses hochgesteckte Ziel zu erreichen, suchte er sich kreative Mitarbeiter, von Douglas Trumbull, einem Ingenieur für visuelle Effekte, der aufgrund unterschiedlicher geistiger Wellenlängen fallen gelassen wurde, über den berühmten Künstler Jean Giraud, der mehr als 3.000 Storyboard-Panels entwarf, bis hin zu Dan O'Bannon, dem Produktionsdesigner und Cutter von John Carpenters "Dark Star - Finsterer Stern". Er wandte sich an den Schauspieler David Carradine, die Band Pink Floyd, seinen eigenen Sohn Brontis für die Hauptrolle des Paul, den Raumschiffkünstler Chris Foss, den exzentrischen Salvador Dali und seine Muse Amanda Lear, den ikonischen Schweizer Surrealisten H.R. Giger, Andy Warhols großen Schauspieler Udo Kier, den unnachahmlichen Mick Jagger und den eindrucksvollen Orson Welles, um nur einige zu nennen.

Es bedurfte schon eines gewissen Größenwahns bei allen Beteiligten, um ein solches Unterfangen zu wagen. Der Film sollte mit einer langen "Im Zeichen des Bösen"-Eröffnungsszene beginnen, die als Kamerafahrt durch die Galaxie gedacht war, bevor er sich auf die Spice-Piraten konzentrierte, und enthielt Konfrontationen mit Sandwürmern, Baron Harkonnens kopfähnliche Festung mit riesigen messerähnlichen Barrieren, Pauls messiasähnlichen Untergang und ein fesselndes Finale, das gegenüber dem Original drastisch verändert wurde. Die visionären Konzepte sind überwältigend, aber die Wahrscheinlichkeit, das Budget von 15 Millionen Dollar zu überschreiten, und die Angst der Studios vor Alejandro Jodorowskys spektakulär unkonventionellem Filmschaffen bedeuteten, dass das gesamte Produkt seiner Zeit einfach zu weit voraus war, um es zu riskieren.

Der Dokumentarfilm selbst erzählt ein wenig von Alejandro Jodorowskys Karriere, die zu 'Dune' führte, mit Ausschnitten aus seinen markant bizarren Filmen, Interviews mit faszinierten Filmemachern und Kritikern, zahlreichen Künstlern, die an der zum Scheitern verurteilten Produktion beteiligt waren, und Alejandro Jodorowsky selbst, der viele Details über seine Bemühungen preisgibt. Wichtige Handlungspunkte werden erklärt und mit Bildern und Animationen untermalt, aber die vielen verschiedenen Wege, die in dieser Version von Frank Herberts Werk eingeschlagen werden, erfordern immer eine ausführlichere Exemplifikatio. Anhand farbenfroher Abbildungen wird immer wieder deutlich, dass die optische Übertragung im Jahr 1975 nicht möglich gewesen wäre. Außerdem gibt es einen erhellenden Kommentar zur Rezeption von David Lynchs lang erwarteter Version von 1984. Doch trotz vieler beeindruckender Bilder ist "Jodorowsky's Dune" in technischer Hinsicht maximal standardisiert. Es wird unglaublich viel Zeit damit verbracht, Alejandro Jodorowsky dabei zuzuhören, wie er langsam den Prozess der Rekrutierung erzählt, es werden Sekunden damit verschwendet, dass eine Katze hochgehoben und gehalten wird, und das Fehlen prominenter aktueller Branchentalente für Interviews ist enttäuschend.

In "Dune - Der Wüstenplanet" von Regisseur David Lynch wird die Galaxie vom Padischah-Kaiser Shaddam IV (Jose Ferrer) regiert, dem Vater von Prinzessin Irulan (Virginia Madsen), die die Geschichte erzählt. Das Regieren erfolgt durch die Kontrolle der wertvollsten Substanz im Universum: ein Gewürz, das das Leben verlängert und für die Raumfahrt unerlässlich ist. Doch sie existieren nur auf einem Planeten, einem trostlosen, trockenen Ort voller Wüsten namens 'Arrakis', auch bekannt als 'Dune'. Auf dieser kargen Welt lebt ein gebeuteltes, unterdrücktes Volk, das sich an eine Prophezeiung über einen Messias klammert, der es eines Tages in die Freiheit führen wird. "Das Spice muss fließen."

Auf dem Heimatplaneten des Imperators trifft ein Sondergesandter ein, um vor der potenziellen Gefahr zu warnen, die von dem jungen Paul Atreides (Kyle MacLachlan) ausgeht, dessen Vater, Herzog Leto (Jürgen Prochnow), eine Geheimarmee aufbaut, die eine Bedrohung für den allmächtigen Herrscher darstellen könnte. Um sein Projekt abzulenken, befiehlt Shaddam dem Atreides-Clan, Spice auf 'Arrakis' abzubauen, was sie lange genug aus dem Weg räumt, damit ihr langjähriger Rivale Baron Vladimir Harkonnen (Kenneth McMillan, in seiner vielleicht denkwürdigsten Rolle als eiternder Sadist, dessen körperliches Leiden nie näher erläutert wird - ist er so etwas wie eine Gräfin Bathory in Verbindung mit einer angstmachenden Übertreibung der damaligen AIDS-Epidemie? ), um einen heimlichen Anschlag vorzubereiten. Betrug, Verrat und Sabotage lauern an jeder Ecke, und wenn es darum geht, politische Macht zu erlangen oder zu behalten, kann man praktisch niemandem trauen.

Obwohl die Eröffnungsszenen von faszinierenden, wenn auch typischen Sci-Fi-Umgebungen, Strukturen, Maschinen, Waffen, Raumschiffen, Kostümen, Make-up und Frisuren sowie Monstrositäten überschwemmt werden, zeigt eine Trainingssequenz frühe Computergrafiken, die im Vergleich zu den praktischen Effekten und Konstruktionen verblassen. Während die Bilder abwechselnd beeindruckend und die Schauplätze interessant sein mögen, ist es die Geschichte, die hier das meiste Gewicht hat und auch Nachteile in ihrer Gliederung aufweist. Basierend auf Frank Herberts bahnbrechendem Roman reiht diese vergleichsweise kurze Verfilmung in schwindelerregender Rasanz so viele Charaktere, Orte, Hintergrundgeschichten, Nebenhandlungen, Bräuche, Geräte, Technologien und andere Konzepte aneinander, darunter so unwichtige Dinge wie Krankheiten und Tiere, dass man leicht den Überblick verlieren kann. Der Fachjargon und die Substantive sind die ersten, die völlig unverständlich sind. "Kannst du uns erklären, wie sie funktionieren?"

Der Rausch der Einzelbilder ist bestechend, auch wenn er unscharf und diffus ausfällt. Aber die Expositionen werden schnell lästig, während die inneren Monologe und die telepathischen Kommunikationen, die von fast jeder Person, einschließlich der Nebendarsteller, zur Erzählung verwendet werden, leicht abträglich und manchmal völlig unwichtig sind. Fast jedes Mal, wenn jemand mit sich selbst spricht, ist es eine auffällige, bizarre Art, diese Geschichte zu erzählen. Das ist eindeutig beabsichtigt, aber es ist eine schlechte Alternative, die das Ärgernis nur noch vergrößert. An einer Stelle wird eine Zeile in ihrer Gesamtheit wiederholt. Dennoch ist "Dune - Der Wüstenplanet" nicht langweilig, sondern das Grundkonzept der Kriegsparteien, die um die Vorherrschaft über Ressourcen und Zivilisten kämpfen, hat etwas Maritimes an sich.

In vielerlei Hinsicht ist diese Science-Fiction-Variante eine Art Anti-"Krieg der Sterne" und konzentriert sich mehr auf Drama und politische Machenschaften wie Attentatsversuche und den Einsatz von Spionen als auf Weltraumschlachten und Abenteuer. Es gibt ein paar Action- und Zerstörungssequenzen, aber sie sind verstreut und irrelevant. Außerdem entwickelt sich daraus eine große Suche, die sich über Jahre hinzieht, gepaart mit einer Liebesgeschichte mit der aus 'Dune' stammenden Chani (Sean Young), die so überhastet ist, dass sie wenig Wert hat. Merkwürdigerweise ist es nicht das Tempo, das nicht stimmt, sondern die Präsentation der Informationen. David Lynch ist einfach nicht in der Lage, mit dem umfangreichen Quellenmaterial umzugehen, er weiß nicht, welche Teile er einfügen oder herausschneiden soll. Alle 10 Minuten fühlt es sich an, als ob die Erzählung 30 Minuten vorwärts gesprungen wäre, mit Aussparungen, die nur dazu dienen, Verwirrung zu stiften. Sehnsüchte und Beziehungen scheinen sich aus dem Off zu entwickeln, und schließlich entstehen Motive spontan und unerwartet, Dinge geschehen ohne spezifische Erklärung - ein seltsamer Vorgang, wenn man bedenkt, dass einzelne Gedanken zuvor mit großer Repetition gesendet wurden. Zumindest das Finale ist packend, und auf einem riesigen Sandwurm zu dröhnender Rockmusik zu reiten, ist schon ein bisschen pathetisch.

Ein COVID-entleertes Hollywood-Wahrzeichen, ein durchgedrehtes frisch verheiratetes Paar und einige seltsame Fälle von verschwundenen Hotelgästen sind der Stoff, aus dem der Albtraum "Shelter - You Will Die to Stay Here" der Regisseure Chris Beyrooty und Connor Martin ist, eine langsame, blutige psychologische Horrorgeschichte. Sarah und John, gespielt von Tatjana Marjanovic und Brendan Hines, sind die einzigen Gäste im historischen 'Roosevelt Hotel' und sitzen dort fest, während erst die Fluggesellschaften, dann der Staat und schließlich das ganze Land in den Ausnahmezustand versetzt werden.

John kann von der ursprünglichen Heimat der Academy Awards sichtlich schwärmen und sich mit Schwimmen und Drinks am Pool, Bowling und Cocktails auf der Bahn, Getränken in der Bar und einer Pulle auf dem Zimmer beschäftigen. Als Vloggerin und Online-Social Influencerin spricht Sarah immer über den Aspekt der Dankbarkeit und kann lukrative Angebote für Videoaufnahmen über ihre Füße und andere geplante Projekte einholen. Doch diese Unterbringung an Ort und Stelle bereitet ihnen Unbehagen. "Das Leben drinnen ist für Einsiedler!"

Es ist nicht so, dass sie ein schlechtes Gewissen haben, weil sie zwei Angestellte, die gezwungen sind, dort zu bleiben, in eine Falle gelockt haben und bei ihnen im Dienst sind. Der Manager, Concierge und Barkeeper Ty (Kevin Daniels) zeigt sich in der Öffentlichkeit freundlich, und das Hausmädchen und die Notköchin Adela (Ola Kaminska) ist ein Musterbeispiel an koketter Effizienz, wenn auch als Köchin nicht gerade eine Sensation. Aber Sarah hat im Moment keine Stresspillen mehr, und John hat sich schon viel zu sehr an ein Leben voller Untätigkeit und Alkohol gewöhnt, um sich Sorgen zu machen. Und sie haben die erste Szene von "Shelter - You Will Die to Stay Here" nicht gesehen, in der ein unheimlicher Unternehmer am Pool in einen Raum mit blendendem Licht gelockt wird, aus dem er nur zerfleddert und blutig wieder herauskrabbelt und entweder dem Tod oder Handschellen ins Auge sieht. "Die kleine Prinzessin, die sich in die Hose macht, ist die Königin des kuratierten Narzissmus."

Die ehemaligen 'Saturday Night Live'-Mitglieder und jetzigen Drehbuchautoren und Regisseure Chris Beyrooty und Connor Martin schlingern durch ihren ersten Spielfilm, wechseln den Blickwinkel, geben dem Betrachter mehr Informationen als den Protagonisten, lassen uns aber nie wirklich um ihre Sicherheit fürchten. Weil John ein Alkoholiker ist, und wenn er eine Flasche Jack Daniels Wahrheitsserum getrunken hat, trifft seine Darstellung der attraktiven Protzerin Sarah exakt ins Schwarze. Er ist taktlos, unverschämt und hat keine Kenntnis von ihrer Umwelt. Die neugierige Sarah erkennt eine potenzielle Bedrohung, als sie das Gästebuch des Hotels liest und sieht, dass alle Namen außer ihrem und Johns durchgestrichen sind, und beginnt, die polnische Adela auszuspionieren. "Ich hab's verstanden. Ich bin das gruselige Zimmermädchen."

Die leeren Gänge, die fast leere Barszene und die große, widerhallende Lobby verströmen den leisesten Hauch von "Shining", eine Darbietung, die leider nur einen Wimpernschlag lang anhält. Das Tempo baut keine Angst auf, die Charaktere vermitteln keine Empathie. In einem Film, in dem Ty uns an das Gefühl der Langweiligkeit in der Mitte des Films mahnt, wenn die Zeit keine Rolle mehr zu spielen scheint, macht "Shelter - You Will Die to Stay Here" die Dauer, die es braucht, um auf den Punkt zu kommen, um den Puls, wenn nicht gar das Niveau zu erhöhen, sehr deutlich. Wir wissen, dass etwas Furchtbares bevorsteht. Connor Martin und Chris Beyrooty könnten letztendlich zu ihrem Blutergebnis übergehen. Aber sie schaffen es nicht, das Interesse des Betrachters zu halten und ihn zu überzeugen: "Was da draußen ist, ist beängstigender als das, was hier drinnen ist."

In "Arthur Malediction" von Regisseur Barthélémy Grossmann war Alex als Achtjähriger ein begeisterter Fan von "Arthur und die Minimoys" und traf sich jedes Jahr an seinem Geburtstag mit seinen Freunden, um den Film zu sehen und an den Abenteuern der Fantasiewesen teilzuhaben. Der 18-jährige Alex (Mathieu Berger), der immer noch ein treuer Anhänger ist, bereitet sich darauf vor, einen weiteren Geburtstag mit seinen Kumpels zu verbringen, während Samantha (Thalia Besson) eher an erwachsenen Aktivitäten mit ihrem langjährigen Schwarm interessiert ist. Als Alex erfährt, dass zwei Freunde das Haus gefunden haben, in dem "Arthur und die Minimoys" gedreht wurde, beschließt er, mit Samantha und seinen engsten Freunden zu diesem magischen Ort zu pilgern und dort zu campen. Als sie das Haus mitten im Nirgendwo finden, macht sich Alex auf den Weg, um die Behausung zu erkunden, und entdeckt dabei seltsame Löcher und andere Anzeichen kreatürlichen Lebens. Doch auf dem Anwesen ist nicht alles in Ordnung, und schon bald werden Alex und die anderen von einem mysteriösen Agressor gejagt. "Hier passieren Jagdunfälle."

Der Sinn von "Arthur Malediction" ist nicht gänzlich klar. Alex' Liebe zum ersten Film ist die Motivation für die Geschichte, in der der junge Mann immer noch von der Welt von "Arthur und die Minimoys" fasziniert ist, einem Film von Luc Besson, von dem er als Kind besessen war. Alex hat eine Reihe von Freunden, die ihn bei seiner Sucht unterstützen und ihm helfen, seine 'Arthur'-Partys zu feiern, die immer mit einer Vorführung des Films enden. "Arthur Malediction" etabliert diese Loyalität und springt zehn Jahre vorwärts, wo Alex immer noch auf Luc Bessons Film fokussiert ist, aber ein Alter erreicht, in dem diese Konzentration natürlich nachlässt und Samantha ihn in Richtung einer sexuellen Zukunft drängt. Das Drehbuch von Luc Besson ist kein Coming-of-Age-Skript, sondern nutzt einfach Alex' jungfräuliche Vorfreude, um ihn auf die Suche nach der Heimat von 'Arthur' zu schicken, und hält die Charaktere in einem Film, der zu viele Figuren hat, relativ einfach. "Ich bin kein Kind mehr."

"Arthur Malediction" wird für eine Weile zu einem Road-Trip-Movie, das die Jugendlichen auf ihrer Suche nach dem geheimen Ort begleitet und die Aufregung darüber genießt. Sie treffen eigenartige Dorfbewohner, darunter einen alten Mann mit wütenden Hunden, der die Gruppe warnt, sich von der Gegend fernzuhalten. Natürlich hören sie nicht auf ihn, und "Arthur Malediction" erreicht schließlich das Wohnhaus, das schon seit einiger Zeit verwaist ist. Die Pilgergruppe erkundet die Räume und entdeckt dekorative Elemente aus "Arthur und die Minimoys". Sie finden auch kleine Löcher auf dem Grundstück, die darauf hinweisen, dass es sich bei dem Projekt von 2006 um eine Art Dokumentarfilm gehandelt haben könnte. Ein Campingplatz ist schnell gefunden, und Alex und seine Freunde bleiben dort, um das Beste aus ihrer Reise zu machen. Luc Besson bemüht sich um den Reifungsprozess, aber er legt sich noch nicht fest und macht den Film schließlich zu einem Horrorspektakel. "Heute ist Vollmond!"

Es dauert fast eine Stunde, bis "Arthur Malediction" in Gang kommt, und trotzdem hat der Film nicht viel Substanz. Diejenigen, die eine Rückkehr der CGI-Kreaturen und eine Art Chaos erwarten, wenn die Filmwelt mit der realen Welt kollidiert, werden enttäuscht sein, denn die Produktion hat nicht das nötige Budget. Das Beste, was Barthélémy Grossmann zu bieten hat, sind ein paar abgetrennte Gliedmaßen, ein Zwischenfall mit einer Bärenfalle und ein Bienenangriff, der den letzten 15 Minuten des Films zwar etwas Genre-Aktivität, aber nichts wirklich Enthusiastisches verleiht. Auch hier ist es nicht nachvollziehbar, warum es "Arthur Malediction" gibt, vor allem, wenn er in Bezug auf Gewalt und erzählerischen Wahnsinn nicht bis zum Äußersten geht. Luc Besson ist im Besitz einer Art von Witz, den er nicht mit den Betrachtern teilen will, die sich durch das übliche Slasher-Material quälen müssen, bevor sie zu einem Schluss gelangen, der nicht ihren Vorstellungen entspricht. "Ich will hier weg!"

"Separation" von Regisseur William Brent Bell folgt im Wesentlichen Jeff und Jenny Vahn (Rupert Friend und Violet McGraw), einem Vater und einer Tochter, die mit Trauer und übernatürlichen Kräften zu kämpfen haben, nachdem Mutter und Ehefrau Maggie (Mamie Gummer) bei einem Unfall mit Fahrerflucht ums Leben gekommen ist. Es gibt häusliche Querelen, einen übermächtigen Schwiegervater (Brian Cox) und jede Menge Puppen. Es ist eine ganze Menge von etwas, das auf eine lange Nichtigkeit hinausläuft, und nach den meisten kritischen Maßstäben könnte man dies als einen völligen Reinfall betrachten. Es gibt keine wirklichen Schreckmomente, die schauspielerischen Leistungen sind zerfahren. Mamie Gummer erinnert an die Oscar-prämierte Rolle ihrer Mutter in "Kramer gegen Kramer", während Rupert Friend Jeff wie einen coolen Vater aus "Juno" spielt, und die Handlung ist unvorstellbar inexistent. Ein städtisches Gebäude, das mit dem Zierrat eines Spukhauses geschmückt ist, ohne dass es eine Dynamik oder Bedrohung gibt, die ihm eine Logik oder einen Rhythmus verleiht.

Mit der richtigen Attitüde wird "Separation" jedoch zu etwas mehr. Andere Medien haben ihn zu Recht nicht nur als den schlechtesten Horrorfilm des Jahres bezeichnet, sondern als einen der schlechtesten überhaupt. Der Film ist frauenfeindlich, divergierend und angesichts der beteiligten Talente eine unverzeihliche Anomalie. Doch jeder minderwertige Film zieht unweigerlich eine bestimmte Art von Betrachtern an. Die Leute zu Hause, die mit angehaltenem Atem darauf warten, zu sehen, wie beschissen der Film wirklich ist. So ist "Separation" bei weitem nicht der mieseste Horrorfilm seit über einem Jahrzehnt. Wenn überhaupt, dann ist es ein unbeholfener Zusammenfall von unvorhersehbaren Marotten und cineastischem Witz.

Vielleicht ist seine Peinlichkeit seine Existenzberechtigung. Als Jeff einen neuen Job von einem alten Freund, Connor (Eric T. Miller), annimmt, wird er gefragt, wann er anfangen kann, worauf Jeff neugierig antwortet: "Danke." Der Schnitt und die Komposition lassen vermuten, dass ein ganzer Abschnitt dieses Gesprächs fehlt, aber anstatt den Dialog komplett zu streichen, wird er auf unerklärliche Weise zusammengeflickt. Ein Wortwechsel, der einem Gespräch zwischen zwei Menschen ähnelt, ohne dass es tatsächlich stattfindet. Später trifft sich Jeff mit seinem Chef Alan (Simon Quaterman), als der Film mitten in der Szene zu einer Innenaufnahme von Jeffs Haus wechselt. Hier wird kein einziger Dialog übertragen. Die Szene ist plötzlich zu Ende, und "Separation" geht unaufhaltsam weiter - dem Filmschnitt zum Fraß vorgeworfen.

Die großartig gestalteten und agierenden Monster sind nicht greifbar. Diese Biester, die die Körperlichkeit von Jeffs Cartoon-Puppen pantomimisch darstellen, sind das wirkungsvollste Element von "Separation". Obwohl es den Anschein hat, dass Jeffs Haus mit unsichtbaren, sozial distanzierenden Markierungen übersät ist, kommt nur ein einziges Mal ein Marionetten-Ghoul näher als einen Meter an ein potenzielles Opfer heran. Die Montage des letzten Aktes ist nichts anderes als eine Addition früherer Aufnahmen mit sentimentaler Musik im Hintergrund. Ein menschlicher Antagonist sagt verwirrt "Oh", wenn ihm belastende Beweise für seine Mitschuld an einem Verbrechen vorgelegt werden. Maggie wird immer wieder als Jeffs Ex-Frau bezeichnet, sogar von Jeff selbst, obwohl ihre Scheidung nie rechtskräftig war.

Diese Schwierigkeiten sind natürlich nicht bezeichnend für "Separation" in seiner Gesamtheit. Es gibt wirklich beeindruckende Bilder. Und der zentrale Ghoul, eine Art Baba Yaga, ist eines der besseren Filmmonster des Jahres 2021. Mamie Gummer und Violet McGraw sind ebenfalls ausgezeichnet und machen die Larmoyanz ihrer männlichen Kollegen zunichte. Ein weiterer Pluspunkt von "Separation" ist, dass der Film, so holprig er auch zwischen Hysterie und originellem Horror pendelt, nie wirklich langweilig ist.

"Clean - Rache ist ein schmutziges Geschäft" von Regisseur Paul Solet spielt im winterlichen Upstate New York. Dieses düstere Drama wirkt sehr vertraut, obwohl es wirklich gut gemacht ist. Unter der straffen Regie von Paul Solet und dem gefühlvollen Drehbuch von ihm und Adrien Brody gibt es auf dem Bildschirm nichts, was uns erstaunen könnte. Die Handlung folgt einfach demselben Muster wie alle anderen Rache- und Erlösungsfilme, was für Gelegenheitszuschauer vielleicht in Ordnung ist. Doch wer etwas Pointiertes oder Signifikantes erwartet, wird enttäuscht werden. "Du findest einen Weg, Frieden mit ihnen zu schließen, oder sie finden einen Weg, Krieg mit dir zu führen."

Auf der Suche nach Wiedergutmachung arbeitet 'Clean' (Adrien Brody) als Müllmann, besucht Reha-Treffen und lebt mit einem großen Hund auf einem Schrottplatz. Doch es fällt ihm nicht leicht, seine lasterhafte Vergangenheit hinter sich zu lassen, auch wenn er durch seine hilfreichen Aktivitäten zu einem beliebten Mitglied seiner Gemeinschaft wird. Derweil macht sich der skrupellose Gangsterboss Michael (Glenn Fleshler) Sorgen, dass sein exzentrischer Sohn Mikey (Richie Merritt) das Familiengeschäft nicht ernst nimmt. Und als 'Clean' die Teenagerin Dianda (Chandler DuPont) aus einem Drogenhaus rettet, gerät er in Michaels Fadenkreuz und ist gezwungen, zu seiner früheren brutalen Vorgehensweise zurückzukehren.

Neben der rauen Erzählung komponierte Adrien Brody auch die stimmungsvolle Musik. Dies ist ein schönes Echo auf den Kampf von 'Clean' mit seinen Schuldgefühlen wegen dem Tod seiner kleinen Tochter. Die Art und Weise, wie er versucht, Dianda ein Vater zu sein und sich mit ihrer Mutter (Michelle Wilson) anzufreunden, ist warmherzig, auch wenn sie dunkle Vorzeichen andeutet. Doch die Rückblenden sind ungeheuer manipulativ. Die Szenen, in denen Michael brutale Schlägereien begeht, wirken ebenso wie die Anwesenheit eines korrupten Polizisten sehr klischeehaft.

Adrien Brody gibt in "Clean - Rache ist ein schmutziges Geschäft" einen grandiosen Helden, einen Mann, der sowohl von Trauer als auch von den schrecklichen Taten, die er begangen hat, verfolgt wird. Hinter diesem sanften Erscheinungsbild verbirgt sich jedoch ein unsägliches Talent zum Aderlass. Abgesehen von dem stets großartigen Glenn Fleshler in der Rolle des prahlerischen Michael bleiben die anderen Charaktere relativ stumm, da die Dialoge ziemlich reduziert sind. Aber auch wenn das Drehbuch ihnen keinen Gefallen tut und sie nur als einfache Leute erscheinen lässt, bringen die Schauspieler ihre Rollen durch ihre Physiognomie gekonnt zum Ausdruck, und jeder von ihnen schafft es, einen eingängigen Charakter zu formen.

Während "Clean - Rache ist ein schmutziges Geschäft" visuell gelungen ist, mit einigen effektvollen Sequenzen und einer außergewöhnlich starken Darstellerriege, ist die Prämisse so kraftlos entwickelt wie bei jedem Entführungs-Thriller und verlässt sich mehr auf die vorherige Kinoerfahrung des Betrachters als auf eine narrative Logik oder Tiefe. Das Einzige, was hier ungewöhnlich ist, ist die Tatsache, dass die meisten Morde auf dem Bildschirm durch den Einsatz von Haushaltsgeräten und nicht durch Schusswaffen verursacht werden. Zumindest bis zum erwarteten Finalkampf, und auf dem Weg zu diesem ist die exzessive Brutalität zwar spektakulär, aber kaum innovativ.

In "RRR" von Regisseur S.S. Rajamouli, der im Wald von Adilabad im vorindustriellen Indien der 1920er Jahre spielt, kaufen der gefürchtete Jäger Scott Buxton (Ray Stevenson) und seine Frau Catherine (Alison Doody) ein junges Mädchen (Twinkle Sharma) von einem Stammesangehörigen, was zu Irritationen führt, da die Eltern fälschlicherweise glauben, sie würden für eine geringfügige Dienstleistung bezahlt. Als die Mutter ihr Kind zurückfordert, lässt Scott Buxton die Frau erschlagen, denn eine englische Kugel wäre zu wertvoll, um sie für diese Zwecke zu verschwenden. Kurze Zeit später stürmt am Stadtrand von Delhi eine riesige Menge von Demonstranten einen britischen Polizeiposten, woraufhin sich ein einziger Soldat, Alluri Seetharama Raju (Ram Charan Teja), der den Spitznamen 'Das Feuer' trägt, durch die Meute kämpft und sie auseinandertreibt, sehr zum Entsetzen aller, die Zeuge dieser Tortur werden. Aber das ist nicht einmal genug, um ihm eine Ehrung zu verschaffen.

Als Scott Buxton sich weigert, das Mädchen zurückzugeben, wenden sich die Dorfbewohner an Komaram Bheem (N.T. Rama Rao Jr.), bekannt als 'Das Wasser', einen Mann, der vor nichts zurückschreckt, um sie zurückzuholen. Außerdem ist es sicherlich hilfreich, dass er in seiner Freizeit mit bloßen Händen gegen Tiger und Wölfe kämpft. Doch das britische Regime hat in Raju seine eigene Waffe, um Bheem auszuschalten oder ihn lebendig zu fangen, was ihm schließlich die begehrte Beförderung einbringen würde. "Sie werden uns alle töten!"

Die Ausgangssituation erinnert auf gewisse Weise an "Departed - Unter Feinden" oder "Infernal Affairs - Die achte Hölle": Raju geht undercover, um seinen Erzfeind aufzuspüren, aber 'Feuer' und 'Wasser' tun sich schließlich zusammen, um das gemeinsame Übel der kolonialen Unterwerfung zu bekämpfen. Stilistisch orientiert sich der Auftakt mit dem Missbrauch von Zeitlupen, den der Schwerkraft trotzenden Sprüngen über verschiedene Strukturen und der überflüssigen und dramatischen Gewalt an "300", während die computeranimierten Tierduelle und die übertriebenen Rettungssequenzen auf eine unverfrorene Übernahme der Entwürfe von Michael Bay hindeuten. Doch trotz des wilden, märchenhaften Looks ändert sich der Ton schlagartig und geht über in eine Culture-Clash-Umkehrung von "Cinderella" mit seiner Liebesgeschichte um die britische Gesellschaftsdame Jenny (Olivia Morris), komplett mit einem vorweggenommenen, aber nicht minder lauten und aggressiven Tanzwettbewerb, bei dem die beiden Hauptdarsteller wie in einem hochwertigen Musikvideo über die Tanzfläche und unzählige andere Kulissen flanieren. Bheem und Raju entwickeln daraufhin eine heroische Männerfreundschaft mit vielen absurden Montagen. "Gütiger Gott!"

Der Rassismus und die Verfolgungspolitik sind beträchtlich, mit den erobernden Briten als offensichtlicher Quelle der Bösartigkeit, während die Handlung mit Rückblenden und Rückblenden innerhalb von Rückblenden, Kommunikation mit dem Stamm und Hintergrundgeschichten, einschließlich ausführlicher Berichte darüber, wie die Charaktere entstanden sind, kreuz und quer verlaufende Beziehungen, die alle unglaublich zufällig sind, und Nebenhandlungen in Hülle und Fülle, wie ein tödlicher Schlangenbiss, der so gut wie nichts bewirkt, herumspringt. Es ist klar, dass "RRR" alle nur erdenklichen Genres vereinen soll, um eine dreistündige Extravaganz an flamboyantem Heldentum zu komponieren, die so maßlos over-the-top ist, dass sie regelrecht zum Totlachen ist. Viele der Actionsequenzen sind posenlastiger, physikfeindlicher und unsterblichkeitslastiger als in den jüngsten Hollywood-Superheldenfilmen, aber sie funktionieren hier besser, weil man sich des Grades der Sinnlosigkeit bewusst ist, etwa wenn Bheem einen Leoparden auf einen feindlichen Soldaten wirft. Es ist, als ob "RRR" nie versucht, etwas buchstäblich zu betrachten. "Du bist ganz schön bösartig, meine Liebe."

Leider gibt es trotz der Freude am hyperbolischen Stil nicht wirklich viel Originalität. Die Geschichte ist recht geradlinig, auch wenn sie unter einer Unmenge von Details und Ableitungen von allerlei bekannten Stoffen begraben ist, darunter vielleicht "Die Passion Christi", "The Raid 2", "Der Patriot" und "Inglourious Basterds". Auch die Mischung aus Abenteuer und Drama sowie Romantik, garniert mit Gesang und Tanz, ist in der Welt von Bollywood nicht sonderlich einzigartig, ebenso wenig wie die Erkenntnisse über Rajus Loyalitäten, die lange vor den zahlreichen Indizien zu seinen Motiven offensichtlich sind. "RRR" hat zwar ohne Zweifel seine unterhaltsamen Aspekte und bringt durch den Einsatz echter Revolutionäre einen Hauch von Geschichte in die Handlung ein. Ebenso bietet er einige inspirierende Elemente der Rebellion gegen Unterdrückung und übermenschliche Erlösungstaten wie ein überdrehter Rambo, doch er ist einfach zu umfangreich, repetitiv und sogar vorhersehbar. "RRR" zeichnet sich jedoch durch eine hervorragende Kinematographie aus, da er seinen exzessiven Ansatz voll ausschöpft, insbesondere in seinem kolossalen, bombastischen und überdimensionalen Finale. "Da kommen überall Pfeile heraus!"

'Basierend auf einer tatsächlichen Lüge', heißt es im Vorspann, und damit reiht sich "The Farewell" von Regisseurin Lulu Wang in eine lange Reihe von Variationen des filmischen Kunstgriffs ein, den Betrachter auf eine lose Faktenbasis zu stellen. Zu Beginn der Geschichte befindet sich die Großmutter Nai Nai (Shuzhen Zhao) in einem chinesischen Krankenhaus und telefoniert mit ihrer Enkelin Billi Wang (Awkwafina), die in New York lebt. In der Klinik besteht Nai Nais Schwester darauf, dass die Ergebnisse des CT-Scans nur 'gutartige Schatten' waren. Nichts, worüber man sich Sorgen machen müsste.

In den USA treffen sich Billis Vater (Tzi Ma) und ihre Mutter (Diana Lin) zum Abendessen und erzählen Geschichten und Witze. An diesem Abend telefoniert Billi wieder mit Nai Nai. Die ältere beklagt sich über ihren Lebenspartner Li (Yang Xuejian), während die jüngere ihren Kummer über ihre finanziellen Probleme und das Fehlen eines Partners verheimlicht. Ihre Probleme werden noch größer, als sie erfährt, dass Nai Nai nicht gesund ist: Sie hat Lungenkrebs im vierten Stadium und nur noch drei Monate oder weniger zu leben. Aber die Familie will nicht, dass Nai Nai davon erfährt, weil sie befürchtet, dass sie dadurch noch früher und qualvoller sterben wird. Da Billis Cousin heiratet, wird die Feier zu einem Vorwand, um nach China zu reisen und Nai Nai ein letztes Mal zu sehen, auch wenn sie sich Sorgen machen, ob Billi wirklich die Wahrheit verbergen kann.

Shuzhen Zhao ist auf Anhieb außergewöhnlich, sie wirkt authentisch und sympathisch, die stets fröhliche und optimistische Rolle und jemand, der auch im Angesicht der düsteren Wahrheit nicht den Mut verliert und immer ein paar weise Worte parat hat. Und auch die Nebenrollen sind vergleichsweise überzeugend. Aber Awkwafina ist nicht ganz korrekt, es fällt eher auf, dass sie schauspielert, während die anderen sich ganz zu Hause zu fühlen scheinen. Ihre Aufgabe ist es jedoch, die mürrische, depressive Person zu verkörpern, die mit einem bevorstehenden Todesfall in der Familie, dem Verlust ihrer Identität und unglücklichen Erinnerungen an ihre spontane Flucht aus China als Kind fertig werden muss. Es gibt viele leichte komödiantische Momente, aber sie sind zunächst nicht stark genug, um die glorreiche Tristesse zu übertrumpfen. "Dummes Kind!"

Die Prämisse wirft ein interessantes Konzept auf: schwierige Entscheidungen im Angesicht der Sterblichkeit und die Frage, wer entscheiden darf, ob lebenswichtige Informationen zurückgehalten werden oder nicht. In Amerika wäre dies illegal, aber in China ziehen es die meisten Menschen vor, solche schlechten Nachrichten geheim zu halten, weil es die Pflicht der Familie ist, die große emotionale Last zu tragen. Das führt natürlich zu der seltsamen Vorstellung, dass Nai Nai die Versuche ihrer Familie, schlimme Botschaften zu verheimlichen, gar nicht bemerkt, obwohl sie ihrem Mann genau das Gleiche angetan hat. Aber dieses starke Thema wird auf schreckliche Weise von alltäglichen Dingen überlagert, von Ausflügen in den Massagesalon und in einen Bankettsaal, von Familientreffen, die sich oft um das Für und Wider zwischen China und Amerika drehen, und vom vielen Essen. Praktisch jede zweite Szene spielt sich an einem Tisch ab, und es stapeln sich die Teller. Selbst in den Momenten, in denen es nicht um eine Mahlzeit geht, findet das Essbare seinen Weg ins Bild. "Ist es nicht falsch zu lügen?"

All die leidvollen, alltäglichen Aktivitäten werden glücklicherweise von mitreißender, aussagekräftiger Musik unterbrochen, die sich manchmal mit melancholischen, aber kraftvollen Chorsängern abwechselt und an einer Stelle sogar dazu führt, dass Billi Klavier spielt - ein wichtiger Teil ihrer Kindheit. Dies trägt dazu bei, den 'Abschied' einzufangen, der letztlich als Beispiel dafür dient, wie verschiedene Menschen und Kulturen mit Trauer und Verlust umgehen. Für die einen ist es eine Zeit der untröstlichen Trauer, für die anderen eine Gelegenheit, den positiven Einfluss ihres verstorbenen Angehörigen zu feiern und zu ehren. Der größte Teil von "The Farewell" ist von einer sanften Süße durchdrungen, aber es ist auch ein so durchschnittliches, ereignisloses, kleines, intimes, bodenständiges Slice-of-Life-Drama, dass nur sehr wenig davon in Erinnerung bleibt. Und die Abschiedsfotos sind ein katastrophaler Fauxpas.

In "Cash Truck" von Regisseur Guy Ritchie kippt ein Zementmischer um, um ein gepanzertes Auto auf der Straße zu blockieren - ein praktischer Bestandteil eines Raubüberfalls, bei dem auch schwere Waffen, maskierte Männer, Geldsäcke und ein Fluchtfahrzeug sowie jede Menge vulgäre Kraftausdrücke zum Einsatz kommen. Es ist eine anständige Eröffnungssequenz, die keine besonderen Charaktere einführt, aber die Bühne für eine kompetente Mischung aus Spannung, effektiven dokumentarischen Schnitten und bedrohlicher Musik bereitet. Die eigentliche Geschichte handelt von Patrick 'H' Hill (Jason Statham), der sich für einen Sicherheitsjob bei 'Fortico' in Los Angeles bewirbt, wo er für einen Geldtransporter zuständig sein wird, der natürlich großen Gefahren ausgesetzt ist, wie in der Eröffnungssequenz angedeutet wird. "Er hat einmal einen Hamster getötet, weil er ihn zu fest gedrückt hat."

Terry (Eddie Marsan) warnt vor der Möglichkeit, dass er verletzt oder getötet werden könnte, während Ausbilder 'Bullet' (Holt McCallany) Prüfungen wie Schießen und Fahren überwacht, die 'H' nur knapp besteht. Und dann trifft der Neuankömmling auf seine Partner und Kollegen 'Hollow' Bob (Rocci Williams), 'Boy Sweat' Dave (Josh Hartnett) und 'Sticky' John (Alex Ferns), um nur einige zu nennen, die mit ulkigen Spitznamen, kreativen Schimpfworten und verdächtig unsympathischen Gesellen aufwarten. Jeder in der Gruppe hat eine dunkle Vergangenheit, und 'H' hat vielleicht die finsterste unter ihnen, was ihm eine besondere Motivation und besondere Talente verleiht. "Hast du eine Ahnung, wie gefährlich der Job sein kann?"

Wie nicht anders zu erwarten, dauert es nicht lange, bis Geiseln genommen, Geldsäcke ausgehandelt und Gehirne auf den Bürgersteig verspritzt werden. Protokolle für solche Situationen werden schnell über den Haufen geworfen, denn Jason Statham ist ein furchtloser, unnachgiebiger, scheinbar kugelsicherer und kompromissloser Mann der Tat. Es ist sicherlich nicht besonders originell für diesen Hauptdarsteller, aber es ist immer noch interessant, einem etwas übermenschlichen Krieger dabei zuzusehen, wie er unterschiedliche Bösewichte eliminiert, und das hat seinen Unterhaltungswert. Die kalte, emotionslose Masche nutzt sich jedoch ab, und es fällt schwierig, sich voll und ganz hinter einen so eindimensionalen Protagonisten zu stellen. "Ich fange an zu glauben, dass er ein Psychopath ist."

Zur Abwechslung ist "Cash Truck" nach Kapitelüberschriften gegliedert, springt aber auch in der Zeitspanne umher und schaltet sogar zwischen chronologischen Szenen hin und her oder zeigt die gleichen Sequenzen aus verschiedenen Perspektiven mit zusätzlichen Details. Es ist unnötig verworren, als ob es ein komplexes Mysterium sein wollte, wenn man bedenkt, dass die Enthüllungen aus verschiedenen Episoden in der Vergangenheit nicht gerade große Überraschungen sind. Der Katalysator für die Handlungen von 'H' ist vielleicht der allgemeinste aller denkbaren Einflüsse - die Prämisse ist so banal, wie sie nur sein kann. 'Hs' brutale Methoden, denen auf den Grund zu gehen, die ihm Unrecht getan haben, sind so schonungslos gewalttätig, dass sie ihn nur noch mehr davon abhalten, der inspirierende, lebenslustige Held zu sein, der das Gegenteil eines 007-Abenteurers ist. "Ich verbringe viel Zeit in Supermärkten und kaufe dort ein."

Guy Ritchie überarbeitet die Handlung eines französischen Thrillers und schafft einen Film, der sich stark von seinen früheren Werken unterscheidet. Besonders hervorzuheben ist die Seriosität, mit der der Grad an Schwere der Raubüberfälle und der damit verbundenen Gewaltexzesse kaum durch komödiantische Einlagen aufgehellt wird. Ihm fehlen die witzigen, rasanten Dialoge und die ebenso seltsamen, skurrilen Figuren, die seine Inszenierungen normalerweise auszeichnen. Tatsächlich sind sie so eklatant abwesend, dass es manchmal schwierig ist, die Rachefantasie zu genießen. Aber was "Cash Truck" richtig macht, ist, dass er die Bösewichte noch gefühlloser und barbarischer macht als 'H'. Das sorgt für einen spektakulären, intensiven und langwierigen Showdown mit Schießereien mit unbegrenzter Munition, bei denen die Soundeffekte erschütternd sind, mit detaillierten Plänen, die schiefgehen, und mit viel Blutvergießen. Trotz des manchmal mühsamen Weges zum Finale ist der Höhepunkt absolut mitreissend, ein erschreckender, aber spannender Tanz von Tod und Zerstörung, auch wenn er in gewohnter Weise mit doppelten und dreifachen Kreuzen und anderen labyrinthischen Konfrontationen gepimpt ist. "Hast du Kacka gemacht oder ist deine Windel noch sauber?"

"The Adam Project" von Regisseur Shawn Levy beginnt mit dem typischen Ryan Reynolds-Scheiß. Als er versucht, seine Chefin Maya Sorian (Catherine Keener) auszumanövrieren, gibt er ihr gleich ein paar dieser klassischen Reynolds-Scheiße-Anekdoten mit auf den Weg. Es ist erstaunlich, dass er genug Zeit hat, um den Jet zu fliegen und sich kernige Sprüche auszudenken. Doch sie versuchen, so viele wie möglich in kurzer Zeit unterzubringen. Nahezu alles an "The Adam Project", wirkt forciert und widernatürlich. Sobald aber der Science-Fiction-Film zu unterhalten beginnt, merkt man, dass es sich um eine Hochglanzmischung aus viel besserer Action-Abenteuer-Kost handelt.

Ryan Reynolds spielt Adam Reed, einen zeitreisenden Piloten, der versucht, die Welt zu retten, indem er in der Geschichte zurückreist, um Fehler der Vergangenheit zu korrigieren. Er tut dies, indem er in ein von ihm geschaffenes Wurmloch eindringt und 28 Jahre früher in der Gegenwart landet. Von dort gelangt er in einen Wald in der Nähe des Hauses, in dem er aufgewachsen ist. Er trifft seinen alten gelben Labrador und sich selbst im zarten Alter von zwölf Jahren (Walker Scobell). Man könnte meinen, dass die Landung in der Nähe seines Zuhauses ein seltsamer Zufall ist, wenn er im Jahr 2050 im Weltraum eine Art Hyperdrive-Knopf drückt. Vielleicht ein merkwürdiger Zufall? "Zeitreisen existieren. Du weißt es nur noch nicht."

Andererseits kann man im Zeitreise-Genre keine Standardgeschichte aufbauen, wenn es darum geht, Familienfehler zu beheben. Hier ist Adams Vater (Mark Ruffalo) ein oder zwei Jahre zuvor gestorben. Er wird nun von seiner alleinerziehenden Mutter Ellie (Jennifer Garner) aufgezogen. Der erwachsene Adam muss seinem jüngeren Ich noch eine Menge beibringen. Zum Beispiel, wie man seiner Mutter eine Pause gönnt. Seit er vor einigen Jahren seine Frau (Zoe Saldaña) verloren hat, empfindet er viel Kummer. Nun, eigentlich in der Zukunft, aber in der Vergangenheit des großen Adam, nicht der kleinen Version. "Mein Sohn, du solltest dir lieber Sorgen machen, denn die Zukunft kommt schneller, als du denkst."

Geschrieben von Jonathan Topper, T.S. Nowlin, Jennifer Flackett und Mark Devlin, die letzten beiden bekannt aus "Die Reise zum Mittelpunkt der Erde", kann man das Thema schon beim Lesen dieses Satzes erkennen. Es gibt zu viele Köche in der Küche, und dem Drehbuch fehlt es an einem kontinuierlichen Rhythmus. Dies ist insofern beachtlich, als "The Adam Project" die üblichen Muster aufweist. Die typischen Vater-Sohn-Streitereien, ein böser Firmenbösewicht, eine traurige Mutter und ein Mann, der den Verlust seiner Ehefrau beweint. All die Dinge, die mit Beziehungen und Familiendynamik zu tun haben. Und das sind nicht nur Zeitreiseklischees, wie sie in den meisten Genrefilmen zu finden sind, sondern auch die Standardfigur, die sich selbstlos aufopfert. "Wenn ich ehrlich zu mir selbst bin, hast du ein sehr schlagkräftiges Gesicht."

Wenn man jedoch zurückspult, ist dies völlig überflüssig. Meine Rezension ist nicht unbedingt schlecht, denn ich versuche, mich von der allzu negativen Kritik zu lösen. Es ist einfach etwas, das wir schon oft gesehen haben. Aber jetzt ist es eine Neuverpackung zum Vergnügen des Betrachters. Es gibt coole Spezialeffekte und einige nette Kampfszenen, aber sie sind choreografiert, da Dutzende von Bösewichten gegen Ryan Reynolds' Adam kämpfen, selten mehr als einer auf einmal. Außerdem gibt es das Dilemma, dass Mark Ruffalos Louis die meiste Zeit damit verbringt, den 40-jährigen Ryan Reynolds zu beschwichtigen. "Gib dir selbst die Erlaubnis, unzulänglich zu sein, und dann mach dich an die Arbeit."

Als er sich an die jüngere Version wendet, sagt er nur: "Du wirst schon klarkommen." Das größere Bedürfnis nach Sozialisierung und Wachstum wäre das des Kindes. Das Drehbuch verliert durch die Starpower von Ryan Reynold eindeutig den Fokus. "The Adam Project" richtet sich an eine Gruppe, die mit dem Genre nicht vertraut ist oder zu jung ist, um "Zurück in die Zukunft", "Terminator" oder "Frequency" zu schätzen. Meine Theorie ist, dass Mark Ruffalo und Jennifer Garner die gleichen Figuren aus "30 über Nacht" verkörpern. Wenn die Jahrzehnte vergehen und man sich "The Adam Project" noch einmal ansieht, wird man feststellen, dass man das alles schon einmal erlebt hat. "Er braucht nicht perfekt zu sein. Er braucht nur dich."

In "Vacation Friends" von Regisseur Clay Tarver treffen Marcus (Lil Rel Howery) und Emily (Yvonne Orji) während einer romantischen Reise nach Mexiko auf ihre totalen Gegensätze, und was noch schlimmer ist, sie werden sie nicht mehr los. Marcus, ein Extremplaner, beabsichtigt, Emily einen Heiratsantrag zu machen, aber natürlich geht fast sofort alles schief, vor allem dank eines Whirlpools im Zimmer über ihrem, der ein ziemliches Chaos für das Hauspersonal verursacht. Zum Glück oder Unglück für sie kommen Ron (John Cena) und Kyla (Meredith Hagner) zur Rettung und helfen ihnen bei der Unterbringung. Die beiden sind im Vergleich dazu rücksichtslos, laut und unberechenbar - alles, was Marcus nicht leiden kann.

Mit dieser zufälligen Begegnung zwischen den beiden Paaren beginnt für Marcus und Emily ein sehr unkonventioneller Urlaub, der aber genau das ist, was sie brauchen. Sie erleben ein wildes Abenteuer auf einem Boot, verbringen im Grunde keine einzige Minute nüchtern und heiraten sogar auf die denkwürdigste Weise. Emily gibt Kyla gegenüber sogar zu, dass sie Marcus zum ersten Mal entspannt gesehen hat. Wenn es an der Zeit ist, sich von ihren Urlaubsfreunden zu trennen, fällt es einem der Paare definitiv schwerer, loszulassen. Monate nachdem Marcus und Emily die verrückten Momente hinter sich gelassen haben, kommt jemand in ihre Hochzeit geplatzt. So wie es in Mexiko viele ausschweifende Experimente gab, werden auch bei ihrer Rückkehr in ihr Leben viele turbulente Situationen auf sie warten. Diesmal müssen sie sich jedoch mit Emilys strengem Vater und anderen Familienmitgliedern herumschlagen, die sich nicht mit Marcus anfreunden können und nicht auf das ungestüme Duo Ron und Kyla vorbereitet sind. "Komisch. Das Salz schmeckt überhaupt nicht salzig."

Egal, ob es sich um ein kleines Kind handelt, das man am Strand getroffen und mit dem man Sandburgen gebaut hat, um Menschen, mit denen man sich auf einer Reise angefreundet hat, oder vielleicht sogar um Einheimische, die man irgendwo auf der Welt getroffen hat - es gibt nichts Schöneres, als seine Urlaubserlebnisse mit Fremden zu teilen und dabei viel Spaß zu haben. Wenn der Urlaub zu Ende geht, enden wahrscheinlich auch die Freundschaften, aber zumindest bleiben schöne Erinnerungen. Ron und Kyla bringen es auf eine neue Ebene und können die Woche, die sie zusammen verbracht haben, einfach nicht vergessen. Es ist auch lustig zu sehen, wie Marcus und Emily versuchen, das Thema Urlaub mit ihren Familien zu umgehen, vor allem, weil Emilys Familie alles missbilligt, was sie getan haben. John Cena und Meredith Hagner wissen, wie sie ihre Figuren auf die Spitze treiben können, und die lange Liste der Autoren dieses Films sorgte dafür, dass alles, was aus ihren Mündern kam, anstößig war. Lil Rel Howery und Yvonne Orji verkörpern perfekt das schräge und reservierte Paar, aber es ist schön zu sehen, wie sie loslassen und diese durchgeknallten Freunde umarmen, die offensichtlich für immer in ihrem Leben sein wollen. "Der Vogel da, wird gleich scheißen!"

Was "Vacation Friends" an irrwitzigen Augenblicken auf dem Bildschirm hat, fehlt ihm, wenn es darum geht, etwas anderes als das übliche Schema zu machen. Schon zu Beginn des Films weiß man, dass es für Marcus und Emily nicht leicht sein wird, Ron und Kyla zu entkommen. Und wenn sie wieder in ihrem Leben auftauchen, kann man nur vermuten, dass vieles schief gehen wird, zum Beispiel etwas mit den Ringen, die Marcus vererbt wurden, oder dass die Familien von den wüsten Zeiten in Mexiko erfahren werden. Es gibt nichts, was den Betrachter überraschen könnte, und der Film geht kein Risiko ein, etwas anders zu machen. "Vacation Friends" zieht sich auch in die Länge, als Ron und Kyla die Familien von Marcus und Emily treffen und sie mit all den irrwitzigen Aktionen schockieren, die sie sagen oder tun. Diese Masche wird zunehmend obsolet, zumal so viele Szenen darauf abzielen zu zeigen, wie zügellos sie im Vergleich zu allen anderen sind. "Ich wäre froh, wenn mir jemand beim ersten Treffen Kokain in mein Glas mischen würde."

"Vacation Friends" hat seine lustigen Momente mit all den Schweinereien und Ausschweifungen, die während einer Reise nach Mexiko passieren, aber es beginnt ein wenig langweilig zu werden, wenn der Urlaubsspaß seinen Weg in die reale Welt findet. Kombiniert man das mit einem Drehbuch, das nichts Neues bietet, hat man einen Film, der einem praktisch in den ersten fünf Minuten sagt, in welche Richtung er gehen wird. Doch die vier Hauptdarsteller erwecken ihre Charaktere gut zum Leben, vor allem John Cena und Meredith Hagner, die versuchen, sich gegenseitig mit ihren Irrsinnigkeiten zu übertreffen. Es macht Spaß, neue Leute kennen zu lernen, vor allem, wenn man auf einem Entspannungsausflug ist, aber nach diesem Film wird man hoffen und beten, dass man nicht den Rons und Kylas dieser Welt begegnet. "Es ist Grapefruitsaft. Und Heroin."

In den ersten Minuten von "Die Beautiful" von Regisseur Jun Robles Lana werden wir mit einer Montage eines strahlenden und absolut fabelhaften Jungen begrüßt, der über einen provisorischen Laufsteg für eine Misswahl stolziert. Das ist alles sehr lustig und unterhaltsam, bis es das nicht mehr ist: Sein Vater platzt ins Bild, unterbricht den Moment und setzt den Ton für den Rest des Films. Wir erfahren schnell, dass der Junge, Patrick, schließlich zu Trisha (Paolo Ballesteros) heranwächst, einer transsexuellen Frau, die zusammen mit ihrer besten Freundin Barbs (Christian Bables) entschlossen ihren Traum vom Schönheitswettbewerb verfolgt. "Die Beautiful" verwebt ihre Vergangenheit mit ihrer Gegenwart und stellt dem Betrachter die vielen Menschen vor, die Trishas Leben bereichern, aber auch die vielen anderen, die versuchen, ihren Glanz zu trüben.

Jun Robles Lana und Drehbuchautor Rody Vera wenden sich dankenswerterweise von den LGBT-Klischees ab, die wir so oft im Kino sehen. Es gibt weder einen groben und großmäuligen Sidekick, der oft für bissige Sprüche an den Rand gedrängt wird, noch einen eindimensionalen besten Freund, der nur darauf wartet, zur Zielscheibe des nächsten müden Witzes zu werden. Es gibt nur Trisha und ihre Freunde, deren Charakterisierungen mit seltener Würde, Ehrlichkeit und Mitgefühl behandelt werden. Paolo Ballesteros brilliert in seiner Rolle mit bemerkenswerter Subtilität und Verletzlichkeit, unterstützt durch ebenso glaubwürdige Darbietungen von einem hervorragenden Christian Bables, Joel Torre, Gladys Reyes und Luis Alandy.

Wenn "Die Beautiful" humorvoll ist, dann ist es ein Aufstand, der weit über den Slapstick und den dämlichen Humor hinausgeht, der viele lokale Komödien plagt. Man lacht, weil es eine wirklich lustige Situation ist, vertraut in ihrer Neuartigkeit auf Pinoy-Art und raffiniert in ihrer Satire. Und wenn sie dramatisch sein will, trifft sie dort, wo man es nicht erwartet. "Die Beautiful" navigiert geschickt durch die schillernde und faszinierende Subkultur der Schönheitswettbewerbe und erkundet dabei Themen wie Widerstandsfähigkeit, Selbstakzeptanz, homophobe Vorurteile und die Gefahren einer patriarchalischen Gesellschaft. Gleichzeitig erleben wir die dauerhafte Freundschaft zwischen zwei Transfrauen, die durch ihre gemeinsamen Ziele, ihre turbulente Kindheit und ihre Sehnsucht nach Liebe und Akzeptanz geeint sind. Es ist die Geschichte von Barbs und ihrer Freundin, und ihre unerschütterliche Loyalität bleibt bis zum Abspann erhalten.

Entfernt man die grellen Kostüme und die Schichten von Make-up und Klebeband, erhält man eine intime Charakterstudie, die real und doch überlebensgroß wirkt. Trishas Weg, ihren Körper mit Stolz als ihren eigenen zu bezeichnen, war mit vielen Schwierigkeiten verbunden, und wir unterstützen sie bei jedem Schritt auf diesem Weg. Vor allem aber spielt die Freiheit der Wahl eine große Rolle in ihrer Narration. Wir sehen es an der Tatsache, dass sie ihr erzkonservatives Elternhaus verlässt, oder wenn sie beschließt, die Brutalität zu erdulden, die ihr widerfährt, weil sie so ist, wie sie ist. Wir sehen es auch in kleineren, nuancierteren Momenten, etwa wenn sie Barb erzählt, wie sie eines Tages beerdigt werden möchte, oder wenn sie darum kämpft, auf die Damentoilette gehen zu dürfen.

"Die Beautiful" lässt viel Raum für wertvolle Diskussionen, vor allem in einer Gesellschaft, die die LGBT-Gemeinschaft aus Unterhaltungsgründen umarmt, aber immer noch mit ihrer Autorität oder ihrem Verständnis konfrontiert ist. In einer Zeit, in der wir immer noch Sätze hören, die mit 'Ich habe schwule Freunde, aber...' beginnen, und in der Geschlechtsidentität für viele immer noch ein vages Konzept ist, sind es komplexe, ergreifende und wunderbar menschliche Geschichten wie die von Trisha, die es verdienen, immer wieder erzählt zu werden.

In "They Want Me Dead" von Regisseur Taylor Sheridan stürzen sich Rauchspringer auf ein rasendes Feuer, das bereits mehrere Feuerwehrleute und unschuldige Kinder, die in den riesigen Flammen gefangen sind, das Leben gekostet hat. Doch es ist nur ein Albtraum, der die Forstangestellte Hannah Faber (Angelina Jolie) im Nordwesten schwitzend aufweckt. Am nächsten Morgen ermorden in Fort Lauderdale, Florida, zwei Männer, Jack (Aidan Gillen) und Patrick (Nicholas Hoult), die sich als Beamte ausgeben, den Bezirksstaatsanwalt und inszenieren eine Gasleitungsexplosion in dessen Haus. Und ihre Mordtour hat gerade erst begonnen. Doch das nächste Ziel, Owen (Jake Weber), der forensische Buchhalter des Staatsanwalts, erkennt, dass er in Gefahr ist, und flieht mit seinem Sohn Connor (Finn Little) in die 'Soda Butte Survival School' in Montana. In der malerischen Berglandschaft leben sein langjähriger Freund und Schwager, Deputy Ethan Sawyer (Jon Bernthal), und dessen schwangere Frau Allison (Medina Senghore).

In der Zwischenzeit ist Hannah auf einem abgelegenen Feuerturm im selben Bundesstaat stationiert, wo die extreme Isolation es ihr ermöglicht, über ihre vergangenen Fehler nachzudenken, wie den vor einem Jahr, der sie in ihren Träumen verfolgt, und über die Trauer, die aus diesen Entscheidungen resultiert, sowie über ihr aktuelles Bedürfnis nach Bravour als Bewältigungsmechanismus. Aber sie findet mehr als nur Ruhe und Frieden in der Wildnis, als sie Connor trifft, der blutüberströmt um sein Leben rennt. Und ihre besonderen Kräfte kommen zum denkbar ungünstigsten Zeitpunkt zum Einsatz, als das mörderische Duo mit einer ablenkenden Brandstiftung beschäftigt ist.

Von Anfang an wirken Hannah und ihr Team aus großmäuligen Feuerwehrleuten, die mit Schimpfwörtern um sich werfen, unauthentisch, und ihre übermäßig anbiedernden Wortgefechte, scherzhaften Rivalitäten und sexuellen Avancen sind eine Zumutung. Selbst wenn sie echte Freundschaften widerspiegeln, ist dieser Einblick in ihre Verbindung filmisch übertrieben und forciert. Erfreulicherweise ist diese Kameradschaft kein wesentlicher Bestandteil dieser Geschichte. Tatsächlich geht es in der Story hauptsächlich um Hannahs Kämpfe mit ihren inneren Dämonen und darum, wie sie einem neuen Opfer, einem frustrierend weinerlichen Jungen, helfen kann, um ihre ständigen Schuldgefühle zu lindern. "Bist du jemand, dem ich vertrauen kann?"

Es gibt auch eine gewisse Schwerfälligkeit bei den Killern und ihren Morden, die durch grüblerische Rückblenden und Minuten, in denen man sich die Landschaft oder die Entwicklung der Charaktere ansieht, erschwert wird, was normalerweise eine gute Sache wäre. Hier sind die Schurken jedoch interessanter als die Helden, die viel schmollen. Die Bösewichte sind ein merkwürdiges Team, auch wenn es sich in der Regel nur um ineffiziente, sadistische Terroristen handelt, die mehr Zeit auf dem Bildschirm haben als alle anderen, so dass die Menschen hinter ihren bösen Taten alles andere als unbedeutend sind. Die Guten sind weitaus generischer, entweder von unangebrachter Reue geplagt oder von infantilen Trotzreaktionen oder nicht überzeugender Courage. "Wir gehen keine unnötigen Risiken ein."

Seltsamerweise reicht die Grundprämisse von Flüchtigen, die vor einem politischen Attentat davonlaufen, für einen Thriller aus, aber es gibt auch einen Crash-Kurs in Überlebenstaktik sowie Brandbekämpfungskatastrophen und Autofahren. Die meisten Spannungsmomente sind leider deutlich zu konstruiert, und die Charaktere und Situationen sind so angelegt, dass sie entweder eine unwahrscheinliche Fluchtmöglichkeit bieten oder das Blatt wenden können. Wenn der Realismus in "They Want Me Dead" tatsächlich zum Tragen käme, wären die Protagonisten tot, bevor irgendetwas passiert, und das wäre keine traditionelle Form der Unterhaltung. Doch die Verlogenheit ist allgegenwärtig und macht jede Chance auf echte Euphorie zunichte. Außerdem sind die Szenarien ungeheuer düster und gewalttätig, fast schon an der Grenze zur Komik, und es sind diese morbiden Konflikte mit den tödlichen Verfolgern, auf die es letztlich ankommt, da der Film im Wesentlichen aufhört, nachdem diese akute, spezifische Notlage überwunden ist.

Irische Einwanderer lernen in "The Curse of Audrey Earnshaw", dem zweiten Film von Regisseur Thomas Robert Lee, dass es unklug ist, Hexen zu verfolgen. In Anlehnung an den kunstvollen Folk-Horror von Robert Eggers' "The Witch" und mit einer Anspielung auf M. Night Shyamalans "The Village" stellt der Film sein dem Untergang geweihtes Dorf im Stil des 19. Jahrhunderts in den Schatten des Amerikas der 1970er Jahre - aus Gründen, die schwer zu erkennen sind. Diese merkwürdige Entscheidung hat jedoch kaum Auswirkungen auf den Film, der zwar einige Akzente setzt, aber nie wirklich ein Gefühl des Horrors erzeugt.

Die Titelfigur, gespielt von Jessica Reynolds, ist die Tochter einer alleinstehenden Frau, die ihre Existenz geheim gehalten hat. Agatha Earnshaw (Catherine Walker) lebt am Rande eines Dorfes, das 1873 von gläubigen irischen Christen besiedelt wurde und über die Jahrzehnte hinweg isoliert geblieben ist: Hundert Jahre später kleiden sich die Bewohner immer noch so und sprechen so wie ihre Urgroßeltern. Gelegentlich sieht man ein Flugzeug über den Himmel fliegen, aber die Charaktere interagieren nie mit der modernen Welt in einer Weise, die die Geschichte oder die Atmosphäre beeinflusst.

Das Dorf hat siebzehn Jahre lang unter einem mysteriösen Phänomen gelitten, das dazu geführt hat, dass die Felder unfruchtbar geworden sind und die Menschen nun bitterarm sind. Unerklärlicherweise waren Agathas Ländereien davon nicht betroffen: Ihr anhaltender Wohlstand gibt Anlass zu Unmut und dem Gerücht, sie sei eine Ketzerin. Zu Beginn von "The Curse of Audrey Earnshaw" beerdigt der trauernde Vater Colm (Jared Abrahamson) seinen Sohn, als Agathas Wagen mit Lebensmitteln, die sie nicht mit den Nachbarn teilen will, am Friedhof vorbeifährt. Es kommt zu einer gewalttätigen Konfrontation, und Audrey, die sich in einer Kiste versteckt, ist stocksauer. Sie beschließt, sich nicht nur an Colm zu rächen, sondern an dem gesamten Dorf. Auch dies ist eine merkwürdige Wahl, denn die kommenden Torturen wären spannender, wenn die Opfer weniger sympathisch wären. Natürlich ist die Handgreiflichkeit ungerechtfertigt, aber ihre Abneigung gegen Agathas Egoismus ist es nicht, und es ist anstrengend, ein wohlgenährtes Mädchen dabei zu beobachten, wie es die Armen und Hungrigen quält. "Ich habe dich bei mir aufgenommen!"

Der Betrachter wird bereits bemerkt haben, dass Agatha mehr als nur eine Häretikerin ist: Sie gehört einem Hexenzirkel in einer nahe gelegenen Stadt an und Audrey ist wahrscheinlich die jugendliche Ausgeburt des Teufels. Sie hat also einen guten Überblick über Pest und Seuchen. Feldfrüchte und Tiere beginnen von innen zu verfaulen, Menschen werden wahnsinnig oder bekommen Furunkel und es wird viel Blut gehustet. "Gott existiert hier nicht!"

Thomas Robert Lees mitunter bäurisches Drehbuch widmet dem Leiden einzelner Familien mehr Aufmerksamkeit als vielleicht nötig. Wir verbringen viel Zeit mit Colm und seiner Frau Bridget (Hannah Emily Anderson), mit dem Stadtprediger (Seamus Dwyer) und mit Mr. Buckley (Don McKellar), der das Pech hatte, Audrey von Angesicht zu Angesicht zu begegnen und von ihrer blassen Anmut gezeichnet wurde. Die gute Besetzung macht diese Personen interessant, aber ihre Geschichten geben Thomas Robert Lee nicht viel Raum, um das Übel hinter ihrem Verhalten zu ergründen. Während ein wenig oder viel Mystery in den letzten Horrorfilmen von Filmemachern wie Ari Aster gut funktioniert hat, verhindert es in diesem Fall, dass die Handlung zusammenläuft. Nick Thomas' ansprechende Kompositionen und sein starkes Design tragen dazu bei, "The Curse of Audrey Earnshaw" ein glaubwürdiges Ambiente zu verleihen, aber schlussendlich fehlt diesem Spuk die Seele. "Dankeschön!"

Als der berüchtigte Drogenschmuggler Andrew C. Thornton in "Cocaine Bear" von Regisseurin Elizabeth Banks 75 Pfund Kokain aus einem Flugzeug in den 'Chattahoochee National Forest' wirft und bei dem anschließenden Fallschirmsprung versehentlich stirbt, konnte er nicht ahnen, welches Chaos er damit auslösen würde. Als die Behörden, darunter der ehrgeizige Detective Bob (Isiah Whitlock Jr.), seine Leiche und einen Teil der Drogen entdecken, begeben sie sich in den Nationalpark, um den Rest zu bergen. Doch der notorische Drogendealer Syd White (Ray Liotta), der für die Beschaffung des illegalen Pulvers verantwortlich ist, schickt seinen Sohn Eddie (Alden Ehrenreich) und den Dealer Daveed (O'Shea Jackson Jr.), um die Lieferung aufzuspüren. In der Zwischenzeit schwänzt die rebellische dreizehnjährige Tochter von Krankenschwester Sari (Keri Russell), Deirdre (Brooklyn Prince), zusammen mit ihrem Klassenkameraden Henry (Christian Convery) die Schule, um zu einem tief im Park versteckten Wasserfall zu wandern und dabei versehentlich selbst ein Paket mit Drogen zu finden. Was alle Beteiligten jedoch nicht wissen, ist, dass ein 175 Pfund schwerer Schwarzbär das meiste Kokain erworben und zu sich genommen hat. Prompt beginnt er einen Amoklauf durch den Wald, durch Rucksacktouristen und Kriminelle und durch jeden anderen, der das Pech hat, den Weg des verstörten Bären zu kreuzen. "Drogen, vor allem Kokain, sind sehr, sehr schlimm."

Vielleicht ist es reiner Zufall, dass Elizabeth Banks, die zufällig die Hauptrolle in "Zack and Miri Make a Porno" spielte, wieder einmal an einem Projekt mit einem umstrittenen Wort im Titel beteiligt ist, bei dem Eltern ihren kleinen Kindern erklären müssen, was Kokain ist, oder vielleicht ist es schon Kleinkindern bekannt. Jedenfalls ist ihr neuestes Projekt, bei dem sie als Produzentin und Regisseurin fungiert, von wahren Begebenheiten inspiriert, auch wenn es sich nur um eine Überdosis Kokain bei einem Bären handelt. Das Filmplakat verspricht einen spannenden Horrorthriller, während der Kinotrailer eher auf eine Mischung aus "Ananas Express" und "Zurück nach Hause - Die unglaubliche Reise" schließen lässt.

Der Bär ist von Anfang an cartoonhaft und klamaukig, auch wenn er sich im Grindhouse-Blutrausch suhlt. Und dann folgt die Polizeiarbeit, wie sie in "Die nackte Kanone" zu beobachten ist. Schon in den ersten Szenen wird deutlich, dass viele interessierte Parteien in die Jagd nach den Drogen verwickelt sein werden, was bedeutet, dass es ein ordentliches Potenzial für einen hohen Bodycount geben wird. Leider treten auf halber Strecke von "Cocaine Bear" viel zu viele Figuren auf den Plan, weitere Personen tauchen auf, was die Zahl der Opfer erhöht, ihre Signifikanz aber deutlich reduziert. Das Problem ist, dass viele dieser Rollen unglaublich banale Dialoge erhalten oder in auffallend dämliche Gespräche verwickelt werden, etwa wenn zwei junge Teenager über die Finessen des Kokainkonsums diskutieren, was so unrealistisch klingt wie das Drehbuch in "Good Boys". "Da stimmt etwas nicht."

Es ist zwar unterhaltsam, dass es jede Menge Tod und Verderben gibt, aber wenn die Mehrzahl der Akteure unscheinbar oder unsympathisch ist, wirkt sich das negativ auf die Kreativität der dargestellten Gewaltszenen aus. Die Hintergrundgeschichten sind lediglich verkompliziert, um eine extrem einfache Prämisse aufzupolstern, in der Hoffnung, komödiantische Momente hinzuzufügen, aber um die Trivialität einer Abfolge von Interaktionen zu enthüllen. Praktisch jede Szene mit den Drogendealern ist unnötigerweise wortlastig und überhaupt nicht witzig. Sie sind nicht nur unverschämt blöd, sondern ihr ständiges Gesülze bietet auch keinen ansprechenden Kontrast zu der pelzigen Gefahr. Zu oft ist der Ton fehl am Platz, Sequenzen von exzessivem Fleischvergießen haben bereits das richtige Maß an unliebsamem Humor, ohne dass inkonsequente Charaktere für zusätzliche Gags einspringen, von denen viele schwache Computergrafiken für physische Comedy-Routinen benötigen. "Bären sind sehr friedliche Wesen."

Ein passender Soundtrack und 80er-Jahre-Horrorfilmmelodien sind das Highlight, zusammen mit unheimlichen Schreckmomenten und einigen urkomischen, brutalen Bärenschlachthieben, aber das magere Tempo und das Überangebot an menschlichem Fraß sorgen dafür, dass es nicht genug Handlung gibt, um diese Qual auf Spielfilmlänge auszudehnen. Zudem sind einige spätere Reflexionen eher disharmonisch und entbehrungsreich als humoristisch, was sicherlich so beabsichtigt war. Wäre "Cocaine Bear" eher eine erweiterte Version des bekanntesten Parts von "The Revenant - Der Rückkehrer" gewesen, die durch die Montage grausamer Angriffe für Lacher gesorgt hätte, oder wäre er stärker auf die Absurdität einiger seiner leichteren Knockabout-Comedy-Ideen gestützt, hätte er vielleicht mehr Unterhaltungswert gehabt. Die Abweichungen in der Tonalität und die Inkonsistenzen zeigen, dass die Architektonik des Werkes nicht ganz konkludent ist.

"Texas Chainsaw Massacre" von Regisseur David Blue Garcia ist der jüngste Versuch eines schonungslosen Reboots einer geliebten Horror-Franchise, und wie viele der kürzlichen Runderneuerungen im Kino ist es eine direkte Fortsetzung des Originalfilms mit einer Kombination aus wiederkehrenden Veteranen und neuen, jugendlichen Figuren. Er zeigt auch viele der Schwachpunkte und Hindernisse, die 'Franchise-Requels' - um eine Formulierung aus dem letzten "Scream" zu zitieren - oft aufweisen: verzweifelte Experimente, um das Gefühl und den Ton des Originals einzufangen, suspekte Einstreuungen aktueller brisanter Themen und eine irritierende Verehrung des ersten Films der Reihe. "Sieh dir diese Freakshow an."

Ein Quartett junger Entrepreneure (Sarah Yarkin, Elsie Fisher, Jessica Allain und Jacob Latimore) macht sich auf den Weg aus der Großstadt in das desolate, menschenleere texanische Städtchen Harlow. Ihr Plan ist es, die alten Immobilien an hippe Trendsetter zu versteigern, um eine moderne, revitalisierte Stadt zu schaffen. Einige der ursprünglichen Bewohner sind jedoch nicht so scharf darauf, ihren Besitz zu verlassen, darunter ein wortkarger, imposanter Mann (Mark Burnham), der sich als der berüchtigte, kettensägenliebende 'Leatherface' entpuppt. Als seine Mutter von der Emporkömmlingsgruppe aggressiv aus dem Haus geworfen wird, richtet 'Leatherface' seine Wut gegen diejenigen, die ungewollt versuchen, sein Leben zu zerstören. "Wir sind idealistische Menschen, die eine bessere Welt schaffen wollen."

Der aufmerksamkeitsstärkste Aspekt des Films ist die Rückkehr von Sally Hardesty (Olwen Fouéré), der einzigen Überlebenden des Originalfilms. In "Texas Chainsaw Massacre" hat sie fast 50 Jahre damit verbracht, sich auf den Mann vorzubereiten, der sie ein halbes Jahrhundert zuvor terrorisiert hat. Jeder, der sich auch nur ein bisschen mit modernem Horror auskennt, wird erkennen, wie ähnlich sich dieses Konzept zu David Gordon Greens Film "Halloween" von 2018 anfühlt. In beiden Filmen geht es um das einzige Mädchen aus dem legendären ersten Film der Reihe, das sich seit langem auf die unausweichliche Begegnung mit ihrem schicksalhaften Widersacher vorbereitet. Und ähnlich wie in "Halloween" ist dieser Handlungspunkt in "Texas Chainsaw Massacre" genauso gehirnamputiert und naheliegend in seinen Ambitionen. Der Film ist kein Spektakel für langjährige Fans der Franchise, sondern ein deprimierendes Porträt einer lädierten Frau, die mit ihrem Seelenleben nicht klarkommt. Die Filmemacher haben offenbar gehofft, dem Slasher-Klassiker aus den 70er Jahren Glaubwürdigkeit und dramatische Wirkung zu entlocken, aber das kommt nur blindgläubig rüber. "50 Jahre habe ich auf diese Nacht gewartet."

Viele der besten Horrorfilme haben ein lang anhaltendes Vermächtnis, nicht nur wegen der Effektivität des Films, sondern auch, weil sie oft, wenn auch nur beiläufig, als Allegorien für eine Vielzahl von politischen oder psychologischen Themen dienen. Der Film "Blutgericht in Texas" von 1974 ist in mehrfacher Hinsicht aufschlussreich: Er kann als Metapher für den Vietnamkrieg oder als Untersuchung der Gewalt gesehen werden, die unter der Oberfläche des amerikanischen Lebens schwelt. Und natürlich kann man den Film auch einfach als grotesken Slasher-Film betrachten, der sowohl besticht als auch verstört. Dieser neueste Film versucht, Tiefgang zu erreichen, indem er brisante soziale Themen aufgreift und thematisiert. Tatsächlich werden in den ersten 15 Minuten von "Texas Chainsaw Massacre" Waffengewalt, Rassenbeziehungen, polizeiliches Profiling und Gentrifizierung erwähnt. Dieser Ansturm von nie vollständig erforschten politischen Argumenten soll den Film nur noch konkaver erscheinen lassen, als er ohnehin schon ist. Horror funktioniert fast immer am besten als politische oder soziale Metapher und nicht durch unmittelbare Repräsentation, wie es "Texas Chainsaw Massacre" versucht. "Hey, Leatherfuck!"

"Bleibt bitte auf eurem Platz." Betrachtet man den Film jedoch lediglich als unterhaltsamen, blutigen Zeitvertreib, so kann man durchaus Spaß daran haben. Alle Morde sind herrlich brutal und dürften Horrorfans mit einer Vorliebe für Blut befriedigen. Auch wenn einige von ihnen zu gewitzt sind, bieten sie zumindest eine nette Abwechslung zu der glanzlosen Inszenierung und den unausgereiften Botschaften, mit denen der Film ansonsten überladen ist. "Texas Chainsaw Massacre" ist ein perfektes Paradebeispiel für einen sich abzeichnenden Trend im Horrorgenre - das nostalgische Reboot, das vor Ideen nur so strotzt, aber nicht in der Lage ist, sie alle auf sinnvolle Weise miteinander zu verbinden. Man kann nur hoffen, dass die Franchise, ebenso wie 'Leatherface', der das Gesicht eines anderen Menschen aufsetzt, mit dem nächsten Teil einen neuen Look bekommt. "Er trägt ihr Gesicht."

"Der denkwürdige Fall des Mr. Poe" von Regisseur Scott Cooper fängt vielversprechend an. Sein Geheimnis, so hat man das Gefühl, könnte ebenso abschreckend sein wie seine Atmosphäre. Ein frostiger New Yorker Winter begrüßt uns widerwillig, als der Film uns in die 1830er Jahre versetzt, wo ein grausames Verbrechen die Militärakademie West Point erschüttert hat. Ein Kadett wurde tot an einem Baum baumelnd aufgefunden, und als wäre das nicht schon verstörend genug, wurde seine Leiche anschließend in der Leichenhalle geschändet. Jemand hat sein Herz herausgenommen, obwohl keiner weiß, wer und aus welchem Grund.

Der pensionierte Detektiv Augustus Landor (Christian Bale) wird hinzugezogen, um die Angelegenheit aufzuklären. Er muss sich seinen eigenen Dämonen stellen, die aus seiner familiären Vergangenheit herrühren, vor allem dem Tod seiner Frau und der Flucht seiner Tochter, und stellt bald fest, dass er einen Faden entwirrt, der mit Eifersucht, Differenzen und sogar dem Okkulten verwoben ist. Ein unerwarteter Verbündeter taucht an der Akademie in Form eines anderen Kadetten auf, Edgar Allen Poe (Harry Melling), der sein Interesse an den Ermittlungen bekundet und dann beginnt, bei der Aufklärung des Falles zu helfen.

"Der denkwürdige Fall des Mr. Poe" schafft mit seiner Ästhetik aus Historiendrama und Gothic Horror eine faszinierende Aura, und der Film hat eine interessante Konzeption in Form einer filmischen Fiktion, die Ereignisse imaginiert, die die Schwärze der zukünftigen Werke eines Schriftstellers inspirieren. Doch dieser Ausgangspunkt ist nicht so attraktiv, wie man es sich wünschen würde. Der Film beginnt mit einem raffinierten Krimi, der einen in den Bann zieht, dann aber irgendwie nur noch vor sich hindümpelt, bis er das anvisierte Ende erreicht, nur um eine Wendung zu offenbaren, die man nicht ganz schlüssig finden mag, weil sie einfach falsch ist.

"Der denkwürdige Fall des Mr. Poe" schafft es nicht einmal, die makabren Elemente seiner Geschichte zu transportieren oder die Präsenz von Edgar Allan Poe voll auszureizen. Wenn das gesamte Konzept eines Projekts darin besteht, eine erfundene Story um eine bekannte Person herum aufzubauen, dann sollte sich genau diese Figur im Film nicht auswechselbar anfühlen. Selbst wenn die Handlung ins Wanken gerät, bleibt man dank der tollen Leistungen von Christian Bale und vor allem Harry Melling, der seinem Charakter sowohl Herzlichkeit als auch Unbehagen verleiht, bei der Sache. Insgesamt erzeugt der nur durchschnittliche "Der denkwürdige Fall des Mr. Poe" weder intensive Eindrücke, noch ist er spannend, geschweige denn, dass er ein Reinfall ist. Das unstete Voranschreiten hält den Film davon ab, das Optimum aus seinem Faszinosum herauszuholen, und der Film endet schließlich als Mystery-Thriller, der weitaus anspruchsvoller hätte sein können.

"Silent Twins" von Regisseurin Agnieszka Smoczynska basiert auf der wahren Geschichte von June und Jennifer Gibbons (Letitia Wright und Tamara Lawrence), Zwillingsschwestern, die sich weigerten, mit jemandem außer einander zu kommunizieren. Sie werden geächtet und drangsaliert und wegen eines minderschweren Vergehens in die psychiatrische Klinik 'Broadmoor' eingewiesen.

Die ersten Minuten von "Silent Twins" sind äußerst brilliant. Der Film beginnt in der gemeinsamen Fantasiewelt von June und Jennifer Gibbons, die als Kinder mit jugendlicher Sentimentalität von Leah Mondesir-Simmonds und Eva-Arianna Baxter interpretiert werden. Sie durchbrechen die vierte Wand, um den Vorspann zu erzählen, bevor sie mit Autarkie, Fröhlichkeit und Humor eine fiktive Radiosendung moderieren.

Dann schneidet "Silent Twins" in die Realität - ihre Welt ist farbleer, ihre Stimmen sind angestrengt. Ein effizienter Kunstgriff, der in dem englischsprachigen Debüt der polnischen Regisseurin Agnieszka Smoczynska gleich mehrfach zum Tragen kommt. Es geht um Zwillinge, die sich entschieden haben, nur miteinander zu sprechen. Das macht den Betrachter neugierig, wie es zu einem so eklatanten Kontrast zwischen ihrer realen und ihrer imaginären Existenz kommen konnte. Doch trotz der eindringlichen Bilder und der imposanten Performances leidet dieses biografische Drama darunter, dass es diesen Kontext nicht weiter ausarbeitet.

Die Fantasiewelten werden durch prachtvolle Stop-Motion-Animationssequenzen zum Leben erweckt, die alle von den Texten der Schwestern inspiriert sind. Sie sind voller Licht und rosiger Farben, und die düstere Farbpalette des Kameramanns Jakub Kijowski für die reale Welt unterstreicht nur den harten, abstoßenden Blick, den die meisten Außenstehenden auf June und Jennifer haben, wenn die Geschichte weitergeht. Doch die Tatsache, dass sich die Schwestern von der Außenwelt zurückzogen und nur miteinander sprachen, weil sie als eines der wenigen schwarzen Kinder im Wales der 1960er Jahre stark schikaniert wurden, ist ein Detail, das in Andrea Siegels Drehbuch viel öfter hätte explizit angesprochen werden sollen, da es eine entscheidende Rolle dabei spielte, wer sie wurden.

Die engagierten, körperlichen Darbietungen von Letitia Wright und Tamara Lawrence verdienen jedoch unsere Anerkennung. Ob bei schwesterlichen Auseinandersetzungen oder choreografierten Tänzen, sie sind immer im Einklang, auch wenn ihre Figuren es nicht sind. Einige wunderbare visuelle Verzierungen und zwei herausragende Protagonistinnen helfen, die Gedankenwelt der Gibbons-Schwestern zu erhellen. Doch ohne einen wichtigen Bezug bleiben echte Erkenntnisse und ein tieferes Begreifen schwer zu erreichen.

Florence Pugh legt weiterhin starke schauspielerische Darbietungen in einer unterhaltsamen und facettenreichen Vielfalt gut gewählter Rollen hin, die zahlreiche Genres umfassen. Ihr neuestes Werk ist "Das Wunder", ein historisches Drama mit einem psychologischen Thriller-Touch des chilenischen Regisseurs Sebastián Lelio. Der Film spielt im Jahr 1862, als Irland von einer großen und verheerenden Hungersnot heimgesucht wurde. Doch in einem irischen Dorf auf dem Land konnte ein junges Mädchen auf unerklärliche Weise überleben, ohne zu essen. Einige, darunter auch ihre Familie, behaupten, es sei ein Wunder Gottes. Skeptiker glauben, dass die erhöhte Aufmerksamkeit ungerechtfertigt ist und dass es sich um eine Finte handelt.

Sebastián Lelio, der das Drehbuch zusammen mit Emma Donoghue und Alice Birch geschrieben hat, nimmt sich viel Zeit, um die Konflikte zwischen Glaube und Wissenschaft zu erforschen, genauer gesagt, diejenigen, die sich einer Seite verschreiben, ohne die andere zu berücksichtigen. Florence Pugh spielt eine englische Krankenschwester namens Mrs. Elizabeth Wright, die von einem Komitee lokaler Würdenträger (Toby Jones, Ciarán Hinds und Brían F. O'Byrne) in das abgelegene Dorf gerufen wird. Dort wird sie von Schwester Michael (Josie Walker), einer Nonne, unterstützt. Das Komitee möchte, dass die beiden ein 9-jähriges Mädchen namens Anna O'Donnell (Kíla Lord Cassidy) observieren. Nach 14 Tagen sollen sie dem Rat über ihre Befunde berichten, Elizabeth aus medizinischer Sicht, Schwester Michael mit den Augen des christlichen Glaubens. "Ich brauche nichts zu essen."

Vier Monate sollen vergangen sein, seit die scheinbar gesunde junge Anna das letzte Mal Nahrung zu sich genommen hat, und die Stadtbewohner sind baff. Wie kann sie noch am Leben sein? Elizabeth und Schwester Michael beginnen ihre Hospitation in Schichten und sind angewiesen, sich nicht abzusprechen, bevor sie dem Ausschuss Bericht erstatten. Tom Burke verkörpert William Byrne, einen Reporter des 'Londoner Daily Telegraph', der ein besonderes Interesse an dem Mädchen und später an Elizabeth zeigt. Er ist dort, um eine Geschichte zu erschnüffeln. Ist es etwas Wissenschaftliches, das sie noch nicht verstehen, oder ist es etwas Spirituelles und Übernatürliches? "Ich lebe vom Manna des Himmels."

Die Wahrheit kommt langsam ans Licht, während Sebastián Lelio geduldig beginnt, die Teile des Puzzles zusammenzusetzen. Viele davon stammen aus Annas Familie, zu der ihre Mutter Rosaleen (Elaine Cassidy), ihr Vater Malachy (Caolán Byrne) und ihre ältere Schwester Kitty (eine fabelhafte Niamh Algar, die auch die unkonventionelle Erzählerin der Geschichte ist) gehören. Durch sie erfahren wir, dass die O'Donnells tief religiös sind und dass eine gewisse Familientragödie immer noch über ihrem Leben schwebt. Auch Elizabeth hat ihren eigenen, zutiefst verdrängten Schmerz, der sie antreibt, die Wahrheit zu finden.

"Das Wunder" wirft im Laufe des Films einige interessante Fragen auf und beantwortet sie von einem eher pejorativen Aspekt aus. Der letzte Akt ist ein wenig volatil, aber Sebastián Lelio hält ihn zusammen und endet schließlich an einem Ort der Benediktion, während er seine zentrale Botschaft unmissverständlich klar macht. Interessanterweise wird "Das Wunder" durch Szenen aus einem Lagerhausfilm ergänzt, in denen unsere Erzählerin über den Wert und die Überzeugungskraft von Geschichten spricht und den Betrachter auffordert, sich mit ihnen zu beschäftigen. Das ist eine interessante Kapriole, die nicht ganz so funktioniert, wie sie soll.

Der Film mag ein paar Lapsuse haben, aber sie überschatten nicht die vielen Dinge, die "Das Wunder" richtig macht. Sebastián Lelio demonstriert ein nacheifernswertes Einfühlungsvermögen für den richtigen Klang, und das Einfangen und Ausnutzen der damaligen Atmosphäre bereichert die Darstellung in vielerlei Hinsicht. Er weiß auch, was er an Florence Pugh hat, deren eminente Performance sowohl besinnlich als auch fakultativ ist. Sie sorgt dafür, dass "Das Wunder" zentriert und faszinierend bleibt, selbst in den wenigen Momenten, in denen der Film ins Straucheln gerät.

In "Ant-Man and the Wasp: Quantumania" von Regisseur Peyton Reed läuft das Leben gut für Scott Lang (Paul Rudd). Trotz seiner problematischen Vergangenheit als Kleinganove und Einbrecher ist er heute weltberühmt als der Held 'Ant-Man', als Mitglied der 'Avengers' und seit kurzem auch als Schriftsteller einer erfolgreichen Autobiografie. Nachdem die Welt gerettet ist und allmählich zur Normalität zurückkehrt, konzentriert sich Scott Lang vor allem auf die Restaurierung seiner angespannten Situation mit seiner Tochter Cassie (Kathryn Newton).

Als Cassie unter der Lektion von Dr. Hank Pym (Michael Douglas) ein Gerät baut, das Bilder aus dem Quantenbereich erzeugen kann, scheint das revolutionäre Teleskop der Katalysator zu sein, der Vater und Tochter näher zusammenbringt. Dies geschieht auch, allerdings mit dem unerwarteten Effekt, dass Cassie, Scott Lang, Hank Pym, Janet Van Dyn (Michelle Pfeiffer) und Hope Van Dyn (Evangeline Lilly) in die subatomare Welt gezogen werden. Als Scott Lang und Cassie von einer Gruppe von Freiheitskämpfern unter der Führung von Jentorra (Katy O'Brian) gefangen genommen werden, sind sie erstaunt über das Auftauchen von empfindungsfähigem Leben in einer Gegend, die Janet Van Dyn für unwirtlich hielt. Doch die Existenz einer eklektischen Artenvielfalt von intelligenten Spezies war nicht die einzige wichtige Enthüllung, denn die Gruppe der verirrten Reisenden entdeckt bald, dass sie sowohl von einer mechanisierten Tötungsmaschine (Corey Stoll) als auch von einem Kriegsherrn (Jonathan Majors) gejagt werden, der nicht nur das Quantenreich, sondern jedes erdenkliche Universum erobern will.

Der Ant-Man-Haushalt ist ausgesprochen kopflos und salopp, wenn es darum geht, seine Technologie zu missbrauchen, ähnlich wie bei "Iron Man". Es gibt auch niemanden, der sie im Zaum hält, denn die Regierungssoldaten aus den Avengers-Filmen und zuletzt aus "Black Panther: Wakanda Forever" sind unauffindbar. Dies führt zu einer Story, die sich ausschließlich um einen fahrlässigen Unfall dreht, vergleichbar mit "Spider-Man: No Way Home", in dem ein verpfuschter Zauber eine Reihe von Katastrophen in Gang setzt, die den gesamten Film ausmachen werden. Hier wäre Cassies Quanteninterferenz völlig vermeidbar, vor allem, wenn die Pym-Technologie nicht so frei verfügbar wäre, um damit zu spielen. Das ist insbesondere deshalb ennuyant, weil das Fiasko sowohl dämlich als auch völlig unergründlich ist. "Was ist das für ein Ort?"

So aber ist "Ant-Man and the Wasp: Quantumania" konzipiert. Da sie in einer von der Hauptzeitlinie völlig unabhängigen Dimension stattfindet, hat alles, was in der subatomaren Welt geschieht, keine Auswirkungen auf das reguläre Leben. Dies ermöglicht eine unbegrenzte Kreativität, aber auch eine beträchtliche Sinnleere, wenn nichts echte Konsequenzen für die Darsteller hat, kein Ereignis von Belang ist. Darin liegt letztlich eines der Kernprobleme der Quantenwelt und des damit verbundenen Multiversums: Alles kann annulliert oder neu definiert werden, wenn es von vornherein keine Vorschriften gibt. "Mein Leben macht keinen Sinn."

Folglich ist die Handlung hier kolossal trivial. Was die Gestaltung anbelangt, so reichen die Konzepte von Anleihen bei "Bestien lauern vor Caracas", "Die phantastische Reise" und "Caprona - Das vergessene Land" über die Übernahme von Bildern aus dem "Star Wars"-Universum bis hin zur Erinnerung an das Desaster von "Strange World", in dem die glibberigen, blubbernden Visuals keinem Zusammenhang folgen mussten. Genauso wie bei den Charakteren und ihren Superkräften, die ebenfalls nicht spezifiziert sind, gibt es keine Grenzen für das, was sie tun können oder was mit ihren Städten, Waffen und Technologien in der diversen Auswahl der außerirdischen Bevölkerung möglich ist. Ein brokkoliköpfiger Humanoid könnte das mächtigste Wesen auf dem Planeten sein, oder er könnte absolut wertlos sein. Einige wenige Designs sind funktional, aber die meisten dienen nur dazu, für die kurzen Augenblicke, in denen sie auf dem Bildschirm zu sehen sind, zu schillern, ähnlich wie auffällige Star Wars-Kreaturen, die am Rande des Monitors entlanglaufen. "Wovon redet er?"

Das Sci-Fi-Potenzial wird zudem durch die nervigen, inspirationslosen Dialoge gemindert, in denen die meisten Gespräche lediglich abgedroschene Klischees reproduzieren. Und wie es bei Spektakeln üblich ist, weigert sich die eine Figur, die alle Antworten kennt, bis eine Stunde nach Ende des Films Informationen zu geben, unter dem vorgeschobenen Argument der Dringlichkeit der Rettungsplanung. In der Zwischenzeit gibt es jede Menge Action und Explosionen, aber sie ergeben wenig Sinn, wenn nicht klar ist, wofür oder gegen was genau die Helden kämpfen und warum. "Es tut mir leid, dass ich es dir nie gesagt habe."

Es ist auch deprimierend, wenn mehrere Rollen spontan Kostüme anziehen, als würden sie sich um sie herum materialisieren, ähnlich wie Superman, der seinen Arbeitsanzug vom Leib reißt, um die bunte Gewandung zu enthüllen, die immer darunter ist. Kann der Bösewicht nicht einfach schon seine Gruselkleidung tragen? Und dieser neue Bösewicht ist unglaublich poesielos, wenn man bedenkt, dass er ein weiterer in einer langen Reihe von scheinbar unbesiegbaren, allmächtigen, Telekinese nutzenden Superwesen mit unendlichen Ressourcen, Armeen von Truppen und der Fähigkeit ist, Laserstrahlen aus seinen Fingerspitzen zu schießen, die nur Hintergrundfiguren beschädigen. An einer Stelle ist es wichtig, dass er Ant-Man für eine bestimmte Aufgabe einsetzt, aber es ist nicht ersichtlich, warum er es nicht selbst tun kann. Ein Großteil der Handlung basiert jedoch auf genau diesem Prinzip: Nur ein Lebewesen kann eine bestimmte Tätigkeit ausüben, und so werden eine Folge von Missionen und Zielen festgelegt. Oder es wird mit einem Begriff wie 'Wahrscheinlichkeitssturm' um sich geworfen, um zu erklären, warum etwas Erstaunliches passiert. "Sei einfach froh, dass ich dich brauche."

Schwer zu verdauen ist auch M.O.D.O.K., eine Figur, die langjährige Marvel-Fans begeistern könnte, aber sicherlich die Grenzen dessen austesten wird, was Nicht-Fans akzeptieren werden. Da hilft es auch nicht, dass der Film anerkennt, wie blöd diese Scheußlichkeit ist, dass er überhaupt da ist, und sich fast ausschließlich über sein Aussehen lustig macht. Vielleicht bringt es das Dilemma von "Ant-Man and the Wasp: Quantumania" auf den Punkt: Es ist ein Übermaß an visuellem Chaos, das von den absolut schwachsinnigen Ideen ablenken soll. Und es trägt auch nicht dazu bei, dass das Finale ein Durcheinander von sich wiederholenden Patt-Situationen ist, die beweisen, dass niemand wirklich in Schwierigkeiten steckt, während die Schlusssequenzen noch einmal deutlich machen, dass diese Episode im Grunde nur dazu dient, einen neuen Erzfeind einzuführen, der in den kommenden Avengers-Filmen eine wichtige Rolle spielen wird.

"Die Pubertät ist eine schwierige Zeit...", betont Dr. Regina Greenbaum (Swoosie Kurtz) in "Eiskalte Engel" von Regisseur Roger Kumble, während sie ihren Patienten Sebastian Valmont (Ryan Phillippe), einen einstigen Sexsüchtigen, mitfühlend tröstet. Gerade als er gehen will, erhält die Therapeutin einen Anruf von ihrer Tochter Marci (Tara Reid), die im Herbst in 'Princeton' studiert und zufällig Sebastian Valmonts jüngstes Opfer ist, das verführt und dann fotografiert wurde, um im Internet ausgebeutet zu werden. Wie sich herausstellt, ist Sebastian Valmont auch ein Hochstapler, der seinen grenzenlosen Reichtum und die damit verbundenen Beziehungen dazu nutzt, mit jedem Mädchen zu schlafen, das ihm über den Weg läuft.

Unterdessen plant Sebastian Valmonts Stiefschwester Kathryn Merteuil (Sarah Michelle Gellar), ebenfalls unter dem Deckmantel von Anstand und guter Erziehung, den Ruf einer neuen Schülerin an ihrer Eliteschule in Manchester zu ruinieren, einem Mädchen namens Cecile Caldwell (Selma Blair, am wenigsten glaubwürdig und unlogisch unintelligent), um sich für einen flüchtigen Freund zu rächen. Kathryn Merteuil will, dass ihr Stiefbruder das Mädchen untergräbt, aber Sebastian Valmont hat ein schwierigeres Ziel: die Tochter des stellvertretenden Schulleiters, Annette Hargrove (Reese Witherspoon), ein Ausbund an Keuschheit und Tugend, die er deflorieren will. Sie sei eine Nummer zu groß für ihn, versichert ihm Kathryn Merteuil, und lässt sich auf eine Wette ein, bei der es um einen 1956er Jaguar Roadster und eine Nacht der Konkupiszenz zwischen den Stiefgeschwistern geht. Doch Fairplay steht definitiv nicht zur Debatte. "Ich habe es satt, mit diesen geschmacklosen Debütantinnen aus Manhattan zu schlafen."

Inspiriert von dem Roman 'Gefährliche Liebschaften' von Choderlos de Laclos ist "Eiskalte Engel" vielleicht auf verschlagene Weise mit der modernisierten Aktualisierung des Romanklassikers 'Emma' zu "Clueless – Was sonst!" vergleichbar und bietet dem Uneingeweihten die Möglichkeit, sich mit der französischen Literatur um 1700 zu beschäftigen, ob er sie kennt oder nicht. Die meisten Namen und natürlich die Themen wurden beibehalten, aber die neue Version bietet eine überraschend hippe Besetzung, von denen viele ihre familienfreundlichen Rollen beiseite lassen, um sich an extrem krassen, sexuell expliziten Dialogen zu beteiligen, die mit dem heutigen anstößigen Slang und Anzüglichkeiten geziert sind. Das Drehbuch ist der Höhepunkt: Es ist ebenso affektiert und verstockt wie rassistisch und misogyn und adaptiert Gespräche und Handlungen aus dem Original auf maligne Weise und mit vigilantem Humor. "Wir zerstören ein unschuldiges Mädchen. Das ist dir doch klar?"

Auch wenn es keine aufrechte Moral und keine intakten Charaktere gibt - alle sind eher verdorben und korrupt oder korrumpierbar -, so ist es doch amüsant zu sehen, wie missraten und infam die beiden Hauptfiguren sein können, die sich auf teuflische Nötigungs- und Erpressungsversuche einlassen, die ihre jeweiligen Partner zu unterminieren und zu demontieren versuchen und jeden, dem sie begegnen, kontrollieren und instrumentalisieren wollen. All ihre Pläne beinhalten sexuelle Blitzkriege. Es ist ein fickeriges Drama, das sich an den Film "Wild Things" anlehnt und hofft, den Betrachter mit seinen erotisierenden Darstellern, dem aktuellen Soundtrack und den voluptuösen Themen in seinen Bann zu ziehen, auch wenn hier eher verbale als visuelle Interaktionen genutzt werden, um die Bordüren des Jugendschutzes zu erweitern. Doch bei aller Faszination für die Manipulationen und Bigotterien kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass die Stimmung weitgehend verschoben ist. Die jugendlichen Schauspieler können mit den Motiven, den Empirien und letztlich der Quintessenz nicht ganz mithalten. Das Finale kann nicht mit dem Schneid des Auftakts standhalten. Zudem erstreckt sich die Gesamtheit meiner Meinung nach ein Stück weit zu lange. "Menschen ändern sich nicht über Nacht."

Wenn man bedenkt, wie viel Zeit die Serie "Beavis und Butt-Head" seinen Protagonisten widmete, die von ihren eigenen Ständern besessen sind, könnte man meinen, dass dieser Zeichentrickfilm aus den 90ern im Jahr 2022/2023 nicht mehr aktuell ist. Aber "Beavis and Butt-Head Do the Universe" von Regisseur Mike Judge hat nicht nur Bestand, sondern unterstreicht auch die Skurrilität und den urkomischen Nihilismus, der dem jugendlichen Humor von "Beavis und Butt-Head" zugrunde liegt und der trotz aller Veränderungen in der Welt heute noch genauso lustig ist wie beim ersten Mal. Es ist hart sich vorzustellen, wie dieses Comeback noch besser hätte ausfallen können. Hehe heh heh, ich habe 'hart' gesagt.

"Beavis and Butt-Head Do the Universe" bietet in weniger als anderthalb Stunden eine ziemlich umfangreiche Handlung mit einem Science-Fiction-Bogen, in dem die Jungs ins Weltall geschickt werden, durch einen Riss in der Raumzeit fallen (heh heh heh, ich sagte 'Riss') und schließlich von korrupten Regierungsbeamten verfolgt werden. Natürlich ist das Ganze in dem edlen Bestreben begründet, zu punkten. Es wäre wahrscheinlich Zeitverschwendung, den Humor zu analysieren und zu erklären, was genau ihn so lustig macht. Sagen wir einfach, dass ich in einer Szene, in der das Wissenschaftsprojekt des Duos darin besteht, Beavis in die Eier zu treten und zu sehen, was passiert, vor Lachen geweint habe. In erster Linie ist "Beavis und Butt-Head Do the Universe" einfach eine Gelegenheit, die größten Hits wieder aufleben zu lassen: Feuer, Nachos und der Große Cornholio. Es gibt auch clevere Anspielungen auf Memes, die sich vorstellen, wie Beavis und Butt-Head aussehen würden, wenn sie realistischer dargestellt würden oder wenn sie in den Jahren, in denen sie nicht ausgestrahlt wurden, weiter gealtert wären.

Besonders erwähnenswert ist eine Szene, in der die Jungs in einem Universitätsklassenzimmer etwas über das Privileg der Weißen lernen. Diese Art der Parodie von Wortwitz und Kultur kann leicht schief gehen, doch "Beavis and Butt-Head Do the Universe" schafft es, die Aktivisten sanft auf die Schippe zu nehmen und gleichzeitig dafür zu sorgen, dass ignorante Sonderrechte zur Zielscheibe des Spotts werden. Der Film ist kantig, ohne gemein zu sein - ein heikler und beeindruckender Balanceakt für einen so albernen Zeichentrickfilm.

Trotz seiner ungenierten Schrägheit führt "Beavis und Butt-Head Do the Universe" letztlich einen einfachen, aber effektiven Trick aus: Er erklärt, wie die Jungs im Jahr 2022 in demselben Alter ankommen, in dem sie in den 90ern waren, und öffnet damit die Tür für den Neustart ihrer Serie. Und damit beweist Paramount+ den Wert des ganzen Unterfangens, indem es zeigt, dass Beavis und Butt-Head über bloße Nostalgie hinausgeht und viel lustiger ist, als erwachsene Betrachter vielleicht erwarten. "Tu es!"

"The 355" von Regisseur Simon Kinberg beginnt 150 Meilen südlich von Bogota, Kolumbien, wo ein illegales Geschäft über die neue 'Droge' des 21. Jahrhunderts abgewickelt wird: Technologie. Mit einem leistungsfähigen Hackerprogramm auf einem bestimmten Laufwerk, das an einen Laptop angeschlossen ist, kann der Disponent ein Flugzeug zum Absturz bringen oder einen sofortigen landesweiten Stromausfall verursachen. Als der Deal in eine Schießerei ausartet, treffen Bundesagenten ein, angeführt vom kolumbianischen Agenten Luis Santiago Rojas (Edgar Ramirez), der die gefährliche Waffe an sich nimmt.

Kurz darauf reisen die CIA-Agenten Mason Browne (Jessica Chastain) und Nick Fowler (Sebastian Stan) verdeckt als Hochzeitsreisende nach Paris, um sich mit dem Kontaktmann zu treffen, der die Festplatte gegen 3 Millionen Dollar austauschen soll. Leider schnappt sich die deutsche Agentin Marie Schmidt (Diane Kruger), die sich als Kellnerin ausgibt, den Rucksack mit dem Geld und verwechselt ihn mit der Festplatte, was die Mission erheblich behindert. Mit von der Partie sind auch die kolumbianische Psychologin Dr. Graciela Rivera (Penelope Cruz), die MI6-Verbündete und Cybersecurity-Spezialistin Khadijah Adiyeme (Lupita Nyong'o) und eine mysteriöse Frau, Lin Mi Sheng (Bingbing Fan), die die Bewegungen aller verfolgt. "Alles ist korrupt!"

Es gibt eine Andeutung einer Liebesgeschichte zwischen Mason Brown und Nick Fowler, aber sie ist so übereilt, dass sie nie überzeugend wirkt. Und das ist sicherlich keine Priorität. Die rasante Action ist das Hauptgericht, aber auch sie leidet unter der Wahl des Schnitts: Statt glaubwürdige Actionsequenzen zu inszenieren, versuchen hastige Schnitte und ruckelnde Kamerabewegungen, blitzschnelles Können zu suggerieren. Stattdessen hat man das Gefühl, dass die Schauspieler nicht in der Lage sind, zu kämpfen oder sich gegenseitig durch U-Bahnen und überfüllte Straßen zu verfolgen, obwohl diese Art von modernen Thrillern in der Regel eine Menge Kampftraining für ihre Stars beinhaltet.

Allerdings fällt das nicht weiter ins Gewicht. In seinem Streben nach einem cartoonhaften Abenteuer in der Art von James Bond, "3 Engel für Charlie" oder anderen polemischen Spionagefilmen wird jedes erdenkliche Klischee verwendet und überstrapaziert. Der unkonventionelle und uninspirierte Charakter dieses Plots ist erstaunlich. Die Autoren scheinen unzählige andere Actionfilme gesehen zu haben, und anstatt sich von ihnen inspirieren zu lassen, haben sie lediglich Konzepte von ihnen übernommen, wie etwa willkürliche Weltuntergangsvorrichtungen, die die Infrastruktur sofort ausradieren können. "Wir sind die Einzigen, die das verhindern können."

Von fragwürdigen Todesfällen aus dem Off, über wechselnde Identitäten, inoffizielle Racheaktionen, borniert weitreichende Datensammlungen, die jeden mit einem Klick auf eine Computertaste identifizieren können, impulsives Zusammenspiel mit feindlichen Spionen, 'Traue niemandem'-Parolen, zwecklose Weltreisen, unlimitierte Ressourcen, einfache Peilsender und Ablenkungsmanöver, dämlicher Fachjargon, eine Infiltrationsoperation, die ausgefallenes Make-up und Kleidung erfordert - "The 355" ist kaum mehr als eine Ansammlung schlaftrunkener Phrasen, die man schon zigmal gesehen hat. Die Dialoge sind ebenso einschläfernd, und der Umstand, dass es in einem Film, der voller Wendungen sein sollte, keine Überraschungen gibt, ist bedenklich. Warum sollte nicht jemand das Drehbuch mit mindestens einer prägnanten, dem Tod vorausgehenden Zeile oder einer ungewöhnlichen Location oder Requisite für den Showdown aufpolieren? Die Desillusionierungen sind konsequent, der Unterhaltungswert nimmt von den ersten Momenten an stetig ab und zieht sich über zweistündige Langeweile hin. Trotz einer guten Auswahl der Hauptdarstellerinnen ist dies einer der am wenigsten diplomatischen Spionagefilme, die je gedreht wurden.

Oberflächlich betrachtet scheint "The Stranger" von Regisseur Thomas M. Wright zu einer kleinen Gruppe von unverwechselbaren australischen Filmen zu gehören, die sich mit dem realen Verbrechen und der toxischen Männlichkeit beschäftigen, die die alltägliche Gewalt anheizt. "The Stranger", der an Filme wie Rowan Woods "The Boys" und Justin Kurzels "Die Morde von Snowtown" erinnert, kombiniert eine düstere Kameraführung mit einem Schauspielstil und einem Drehbuch, das die banalen und alltäglichen Kommunikationsweisen der Menschen hervorhebt, die umso erschreckender sind, wenn sie beiläufig in Denk- und Verhaltensweisen abgleiten, die so schockierend brutal sind. Aber so sehr "The Stranger" zu dieser Art von sozialrealistischem Thriller gehört, so sehr ist er auch ein komplexer Film über Identität, in dem sich die beiden männlichen Protagonisten so sehr in den Versionen von sich selbst, die sie projizieren wollen, und ihrer wahren Natur verlieren, dass "The Stranger" auch viel mit dem psychologischen Horror vieler Filme von David Lynch oder sogar Ingmar Bergmans "Persona" gemein hat.

Im Mittelpunkt steht zunächst Henry Teague (Sean Harris), ein mysteriöser Kleinkrimineller, der nicht nur sanftmütig und nervös zu sein scheint, sondern auch eine tickende Zeitbombe, die nur darauf wartet, zu explodieren. Auf der Suche nach einem Neuanfang und mit dem starken Wunsch, nichts mit Gewalt zu tun zu haben, freundet sich Henry zunächst mit Paul (Steve Mouzakis) an, der ihn dann in eine kleine kriminelle Organisation einführt, die zuverlässige Arbeitskräfte sucht, die sich unbemerkt in der Welt bewegen können. Als es Paul gelingt, für ein Jahr in einem anderen Bundesstaat unterzutauchen, wird Henry von der Organisation angezogen, um seine Vergangenheit zu begraben. Er wird von Mark (Joel Edgerton), einem lakonischen, schweigsamen Mann, geführt, und die beiden entwickeln langsam eine unwahrscheinliche Freundschaft.

Vieles in "The Stranger" ist so konstruiert, dass der Betrachter zunächst im Unklaren darüber gelassen wird, wer die Figuren sind und wohin der Film führt. An manchen Stellen gibt es Sprünge in die Vergangenheit, die Schnittstellen zwischen den Szenen sind oft abrupt und irritierend, es stellt sich heraus, dass die Charaktere ein völlig anderes Leben führen, als sie ursprünglich vorgestellt wurden, und zusätzlich zu Henrys und Marks Geschichte gibt es eine Erzählung über die polizeilichen Ermittlungen zum realen Mord an dem 13-jährigen Jungen Daniel Morcombe im Jahr 2003. Am Ende ergibt alles einen Sinn, und der Film umgeht die sensiblen Elemente des wirklichen Lebens mit Integrität und Würde, aber die dunkle Reise in die Psyche der Beteiligten ist das, was an "The Stranger" so reichhaltig und faszinierend ist. Sowohl Sean als auch Mark sind nicht wiederzuerkennen, und selbst wenn der Film uns Marks alternatives Leben abseits von Sean zeigt, wird er immer noch als jemand dargestellt, der vielleicht nicht einmal weiß, wer er selbst ist.

Mit einer ähnlichen Dynamik hat sich Thomas M. Wright bereits in seinem 2018 erschienenen Film "Acute Misfortune" auseinandergesetzt, in dem die beiden männlichen Hauptdarsteller ebenfalls in eine Reihe von Katz-und-Maus-Spielen und Statuskämpfen verwickelt waren, angetrieben von Wut, Testosteron und der Suche nach dem authentischen Selbst. In "The Stranger" gräbt Thomas M. Wright noch tiefer, um anzudeuten, wie ähnlich Henry und Sean sein könnten, wie sie eine merkwürdige Art von Freundschaft und Intimität bilden und wie sie beide eine doppelte Realität leben, die aus verschiedenen Formen der Verleugnung als Abwehrmechanismus besteht. Der Film fokussiert sich zunehmend auf Mark und erforscht die mentale Fragilität, die er erfährt, wenn er zwei Leben führt, und die Angst, dass eine der Wirklichkeiten in die andere überfließt.

Ein großer Teil des Erfolgs von "The Stranger" ist auch Sean Harris und Joel Edgerton zu verdanken, die Männer spielen, die der Welt eine emotional abgeschirmte Version ihrer selbst präsentieren, obwohl sie in einem Meer widersprüchlicher Emotionen ertrinken. Beide sind oft geflissentlich schwer auseinanderzuhalten, da sie so enorm weltmüde wirken und ein Großteil ihrer Gesichter durch lange Bärte verdeckt ist, dass sich die Schauspieler oft auf ihre Augen verlassen, um zu vermitteln, was unter der Oberfläche vor sich gehen könnte. Das kumulative Ergebnis ist ein hochentwickelter Film über gebrochene Persönlichkeiten und die Auswirkungen des Traumas eines Gewaltverbrechens, das über den ursprünglichen Vorfall hinaus nachwirkt. Es ist ein extrem spannendes Werk, und viele Szenen spielen sich wie in einem Horrorfilm ab. Dennoch entscheidet sich Thomas M. Wright dafür, auf Gewalt zu verzichten. Gewalttaten werden beschrieben und die Folgen dieser Akte erscheinen im Off, aber das grausame Verbrechen, auf dem "The Stranger" basiert, wird zu keinem Zeitpunkt grafisch dargestellt. Es ist eine wirkungsvolle Demonstration, wie das Kino ohne visuelles Brimborium Horror und Aversion vermitteln kann. Das alles zusammen ergibt einen der erstklassigsten, zum Nachdenken anregenden und letztlich hochgradig berührenden australischen Filme der letzten Jahre.

"Promising Young Woman" von Regisseur Emerald Fennell beginnt damit, dass Jerry (Adam Brody), Jim (Ray Nicholson) und Paul (Sam Richardson) in einem Club über ihre Arbeit fachsimpeln, als sie Cassandra Thomas (Carey Mulligan) bemerken, die sich betrunken allein in einer abgelegenen Ecke auf roten Ledersesseln windet und ihre wohlgeformten Beine unter einem kurzen Rock zur Schau stellt. Als sie ihr Handy nicht finden kann, spricht Jerry sie an und bietet ihr an, sie nach Hause zu fahren. Er hat natürlich Hintergedanken, denn sie ist zu betrunken, um rationale Entscheidungen zu treffen, also lässt er sie vom Taxifahrer zu seiner Wohnung bringen, wo er ihr einen weiteren Drink spendiert, sie auf der Couch küsst und sie ins Schlafzimmer führt. Nachdem er ihr die Unterwäsche ausgezogen hat, stellt er plötzlich fest, dass sie völlig nüchtern und im Vollbesitz ihrer geistigen Kräfte ist. "Solche Mädchen bringen sich selbst in Gefahr."

Cassandras Tagesjob bei 'Make Me Coffee' ist nicht besonders interessant, aber er erfordert auch nicht viel Mühe oder Geschick im Umgang mit den Kunden, da ihre Chefin Gail (Laverne Cox) ihr erlaubt, sich über die üblichen Regeln hinwegzusetzen, zum Beispiel nicht in den Kaffee zu spucken. Es gibt ihr jedoch die Gelegenheit, jede Woche neue Opfer - potenzielle Vergewaltiger - aufzuspüren, deren Namen in einem kleinen Notizbuch landen, nachdem ihnen etwas Unsichtbares, aber womöglich Schreckliches zugestoßen ist - ein Punkt großer Konsternation, weil die Details unklar bleiben, die Wirksamkeit buchstäblich als unzureichend dargestellt wird und die Konsequenzen oder Auswirkungen völlig ignoriert werden. Während sie sich um ihr nächstes Ziel, einen 'netten Kerl' namens Neil (Christopher Mintz-Plasse), kümmert, hat Cassie auch Zeit, mit dem Gedanken zu spielen, sich mit ihrem ehemaligen Klassenkameraden und jetzigen Kinderchirurgen Ryan Cooper (Bo Burnham) auf ein richtiges, normales Date einzulassen. Doch die psychischen Probleme sind groß, zumal die 30-Jährige noch immer bei ihren enttäuschten Eltern (Clancy Brown und Jennifer Coolidge) lebt und kein Interesse zeigt, ihr Leben weiterzuentwickeln. Ihre Wohnsituation ist eine weitere plumpe Komponente des Films, denn Cassandras Eltern sind sich des psychischen Zustands ihrer Tochter durchaus bewusst, was ihre Missbilligung äußerst unglaubwürdig und geradezu taktlos erscheinen lässt.

Da Cassandra in Selbstjustiz-Manier Namen sammelt, hat "Promising Young Woman" etwas von einem Horrorfilm, zumal nicht klar ist, wie weit sie in ihren verschiedenen Episoden gehen wird, um Männern Lektionen zu erteilen. Gleichzeitig entwickelt sich ihre Beziehung zu Ryan Cooper zu einer romantischen Komödie mit den üblichen Höhen und Tiefen, befremdlichen Flirts und beschämenden verbalen Fehltritten. Darüber hinaus ist nicht nur der Grund für ihre rachsüchtigen Missionen rätselhaft, sondern auch die Art und Weise, wie ihre Pläne ausgearbeitet und ausgeführt werden, vor allem, wenn römische Ziffern über den Bildschirm blitzen, die mit weiteren Namen in Cassandras Notizbuch verbunden sind.

Das Setting ist stringent, die Thematik aktuell und die Besetzung ausgezeichnet, einschließlich einiger kurzer, aber starker Nebenrollen. Außerdem wird die Eskalation der Spannung durch einen enthusiastischen Soundtrack unterstützt. Doch diese Rachephilosophie hat auch etwas Unplausibles an sich. Die Verantwortung liegt irgendwo in Cassandras unbegreiflicher Ansammlung von Partnern, ihrem leichtsinnigen und rechtlich inkonsequenten Gang entlang der Grenze zur Gesetzlosigkeit und den vielen übermäßig zufälligen Interaktionen. Die Beweise sind auch nicht ganz kohärent, einige davon sind zu eklatant, um sie einfach abzutun.

Je länger Cassandra auf dem Bildschirm zu sehen ist, desto faszinierender wird ihre Figur, auch wenn ihre Authentizität entsprechend abnimmt. Ihre Fähigkeit, in einem Moment kalkuliert und intentional soziopathisch zu sein und in einem anderen charmant und zurechnungsfähig, ist fast mephistophelisch. Einige Klärungen sind stichhaltig, aber die Stilisierung einiger Sequenzen und der pathetische Höhepunkt destabilisieren den Realismus ebenso wie die mahnende Botschaft oder die erhellenden moralischen Analysen. Auch das zentrale Balzverhalten der Verliebten ist äußerst nebulös und führt aufgrund der gemeinsamen Hintergrundgeschichte zu immensen Handlungslücken. Vielleicht hätte das Werk als Franchemente-Satire besser funktioniert, da einige der Witze ruchbar sind, aber morbides Belustigen wird oft echter Satisfaktion vorgezogen, oder wenn sich das unvorhersehbare Finale nicht wie ein klöteriger Plan anfühlen würde, der durch Zufall prosperiert.