Chainsaw Charlie - Kommentare

Obwohl sich die "Scream"-Reihe bisher ziemlich umfassend über die allgemeine Natur von Horrorfilmen lustig gemacht hat, ist das einzige Merkmal des Genres, das sie ignoriert hat, der obligatorische Sex oder die Nacktheit. "Scream 3" von Regisseur Wes Craven findet keine Gelegenheit, sich mit dieser Situation auseinanderzusetzen, und zielt stattdessen auf genau die Bereiche ab, die in den beiden vorherigen Filmen veralbert wurden. Die Blutorgie ist wieder da, die bescheuerten Verfolgungsjagden und Mordsequenzen sind wieder präsent, die klischeehaften Charaktere sind vertreten, alle Hauptfiguren sind wieder dabei, und die Dialoge sind so strohdumm wie eh und je.

Cotton Weary (Live Schreiber), der bereits zweimal wegen Mordes angeklagt war, ist jetzt ein Talkshow-Moderator. Er ist auch das neue Ziel eines vertrauten Telefonstreichs, während seine Freundin Christine (Kelly Rutherford) die nächste Zielscheibe für einen weiteren 'Ghost Face'-Nachahmer ist. Und Sydney Prescott (Neve Campbell) steht irgendwie immer noch im Mittelpunkt des Geschehens, obwohl sie weit genug weggezogen ist, um der Öffentlichkeit zu entgehen, nachdem sie zwei Serienmorde der Familie Loomis überlebt hat.

In der Zwischenzeit laufen die Dreharbeiten zu 'Stab 3: Rückkehr nach Woodsboro', in dem Gale Weathers (Courteney Cox), die jetzt für 'Total Entertainment' arbeitet, wieder mit ihrem ehemaligen Möchtegern-Liebhaber Dwight (David Arquette) zusammenkommt. Sarah Darling (Jenny McCarthy), eine Schauspielerin in 'Stab 3' und die erste tote Frau im Drehbuch, ist das erste tatsächliche Opfer des neuen 'Gost Face'. Diesmal lautet die Theorie, dass der Mörder die Todesfälle im Film nachahmt und die Schauspieler nacheinander erledigt. Der Clou ist, dass drei verschiedene Versionen im Umlauf sind, und in jeder wird eine andere Figur als nächste eliminiert. 'Ghost Face' ändert auch das Drehbuch im Laufe des Films und schafft es, den Opfern geänderte Seiten zu schicken, damit sie von den Vorbereitungen für ihr eigenes Ableben lesen können.

Als Sydney von zwei Morden erfährt, die mit Schauspielern von 'Stab 3' in Zusammenhang stehen, wird ihr klar, dass der Albtraum noch nicht vorbei ist. Der neue Killer fühlt sich wieder zu ihr hingezogen und richtet symbolisch Schlüsselpersonen hin. Sydneys Mutter Maureen ist ebenfalls in den Fall involviert, da ihre Fotos an jedem Tatort zu finden sind. Doch aufgrund ihrer langjährigen Erfahrung mit der Vereitelung von Wahnsinnigen und Mordversuchen ist Sydney schwer zu erschüttern und kann bedrohliche Anrufe und Morddrohungen mit Leichtigkeit weglachen. Aus dem Jenseits kann Randy Meeks (Jamie Kennedy) dem Regelwerk für Horrorfilme ein paar weitere Punkte hinzufügen: Die Vergangenheit wird die Gegenwart heimsuchen, die Hauptfiguren sind zum ersten Mal verwundbar, denn dieser dritte Teil soll der Abschluss einer Trilogie, und der Bösewicht wird wahrscheinlich übermenschlich sein.

Mit der Einführung von unheimlichen Traumsequenzen, die teilweise an "A Nightmare on Elm Street" erinnern, wird "Scream 3" noch ein bisschen gruseliger als seine Vorgänger. Es gibt viele schockierende Momente, viele blutige Stellen, die Charaktere trennen sich ständig oder versuchen, unbewaffnet gegen 'Ghost Face' zu kämpfen, und spontane Angriffe kommen immer wieder von den unwahrscheinlichsten Orten. Außerdem gibt es eine Fülle von Ablenkungsmanövern und idiotischen Dialogen sowie sich wiederholende Slapsticks, die als spannende Konfrontationen getarnt sind: Personen, die die Treppe hinunterfallen, von Dächern rollen oder durch Fenster krachen.

Am verwirrendsten ist jedoch der neue Trick des Killers, der mit Hilfe von Stimmmanipulationsgeräten verschiedene Figuren im Film imitiert und dabei aus einer Laune heraus zwischen männlichen und weiblichen Stimmen wechselt. Außerdem hat er/sie einen endlosen Vorrat an Messern. Darüber hinaus gibt es in dieser Filmreihe einen nicht enden wollenden Fundus an langatmigen Definitionen und Rachebeziehungen in letzter Minute zwischen Sydney und 'Ghost Face', der absichtlich der unwahrscheinlichste Akteur in diesem Film ist. Inzwischen wissen wir, dass dies nicht das Finale einer abgeschlossenen Trilogie ist...

Basierend auf dem Buch 'Die Woodsboro-Morde' von Gale Weathers (Courteney Cox) ist 'Stab' nun ein Kinofilm, der die Ereignisse des ersten "Scream - Schrei!" nachstellt. So beginnt "Scream 2" von Regisseur Wes Craven. Maureen (Jada Pinkett) und Phil (Omar Epps) sind das schwarze Pärchen, das man im weißen Horrorkino nur selten sieht. Sie sehen sich den Film dank kostenloser Vorverkaufskarten und mangelndem Interesse an Sandra Bullock an. "Scream 2" ist noch komödiantischer als sein Vorgänger und nimmt sich selbst doppelt so sehr auf die Schippe wie zuvor und versucht, die generische Natur von Slashern aufzumischen. Und dies macht "Scary Movie" aus dem Jahr 2000 - eine echte Parodie - fast völlig sinnlos.

Sydney (Neve Campbell) ist jetzt am Windsor College, als ein Nachahmungstäter dort weitermacht, wo 'Ghost Face' aufgehört hat. Wer den ersten Teil überlebt hat, kehrt zurück; wer das Original "Scream - Schrei!" gesehen hat, kann diese Fortsetzung nur verstehen. Gale Weathers, die jetzt für den nationalen Fernsehsender 'Up To Date' arbeitet, ist Sydney immer noch feindselig gesinnt und wird unter Druck gesetzt, den entlasteten Mann (Liev Schreiber) zu interviewen, den Sydney des Mordes an ihrer Mutter beschuldigt hat. Auch Dwight Riley (David Arquette) kehrt zurück, teilweise gelähmt, aber ebenso zufällig in die Handlung eingreifend. Als sich die Leichen zu häufen beginnen, deuten Indizien darauf hin, dass die Opfer aufgrund ihrer Vornamen ins Visier genommen wurden - Namen, die mit den ursprünglichen Todesfällen in Woodsboro übereinstimmen.

Eine weitere reiche Auswahl an damals beliebten Teenie-Stars taucht als Futter und für Cameos auf: Sarah Michelle Gellar als Cici, Joshua Jackson als Filmstudent, Timothy Olyphant, Rebecca Gayheart, Portia de Rossi, Tori Spelling, Luke Wilson, Heather Graham und viele weitere. Der maskierte Killer ist immer noch tollpatschig, rennt gerne Treppen hoch und runter und fuchtelt ziellos mit einem Messer herum. Während sich die erste Produktion über Horrorfilme lustig machte und gleichzeitig versuchte, selbst einer zu sein, ist "Scream 2" einfach völlig absurd, obwohl er so schlecht ist, dass er halbwegs gut ist.

Ein Thema, das in "Scream 2" weiter erforscht wird, ist das der filmischen Gewalt, die in der Realität Gewalt hervorruft. Ironischerweise tötet der 'reale' Killer, um den Film zu kopieren, der einen anderen Film kopiert. Fast jede Rolle ist mit einem Double besetzt, darunter ein nerviger, wild grinsender, idiotischer Partygänger, ein Kind mit einer Videokamera, der ungläubige Freund, eine blonde Unschuldige, der Polizeichef, Gales Kameramann, Gale selbst mit einer aufdringlichen, ehrgeizigen Lokalreporterin, Debbie Salt (Laurie Metcalf), und stereotype Freunde vom Campus. Es ist fast so, als ob "Scream 2" ein Remake wäre. Das andere Element, das ausführlicher behandelt wird, ist die wachsende Romanze von Gale und Dwight, die einfach lächerlich ist.

Diesmal ist die Musik besonders kitschig und der Ton schlägt ins Musicalhafte um, wie eine verdrehte Version von "Ferris macht blau". Überdramatische Opernriffs, Spaghetti-Western-Klischees und sirrende Liebesbotschaften durchdringen den Hintergrund. Dieser Film ist alles andere als seriös. Die Gewaltszenarien sind erneut blutig und brutal, aber die Irrwitzigkeit jeder Situation, die debilen Schauspielerinnen, die zerstörerischen Verfolgungsjagden durch Häuser, der übermäßige Einsatz von Handytricks bis hin zu physischen Angriffen mit Receivern, die vielen zufälligen Ablenkungsmanöver und das unerklärliche Verschwinden des Bösewichts sind so übertrieben und voller Konstruktionen, dass "Scream 2" eigentlich nur als Komödie bezeichnet werden kann.

Das einzige Problem ist, dass "Scream 2" nicht besonders lustig ist. Zumindest der Film-im-Film-Ansatz und die kreativen Freiheiten, die man sich bei den Details in Gales Buch nimmt, sind ziemlich ausgeklügelt. Darüber hinaus zeigt die Erkenntnis, dass Fortsetzungen in der Regel minderwertig sind und bestimmte zusätzliche Gimmicks erfordern, wie beispielsweise einen höheren Bodycount und komplexere, blutigere Todesszenen, ein ambivalentes Selbstbewusstsein für die Mediokrität der Erzählung.

"Scream - Schrei!" von Regisseur Wes Craven beginnt mit einem Scherzanruf bei Casey Becker (Drew Barrymore), einer jungen Blondine, die erst genervt, dann interessiert und schließlich verängstigt ist. Sie ist allein in einem großen Haus mitten im Nirgendwo, das zwar hell erleuchtet, aber nicht besonders einladend ist. Als sie wiederholt auflegt, wird der komische Anrufer aggressiv und besteht darauf, ein Frage-und-Antwort-Spiel mit Filmtrivialitäten zu spielen. Nachdem Casey nicht richtig antwortet, offenbart der Spinner, dass er nicht nur von draußen anruft, sondern auch Caseys Freund gefangen genommen hat und ihn gefesselt auf der Veranda festhält.

Diese Eröffnungsszene mit dem inzwischen kultigen 'Ghost Face'-Killer, einem schwarz gekleideten Belästiger mit einer unheimlichen Halloween-Maske, die eigentlich 'Father Death' heißt, und einem Schlachtermesser, der sich gerne in Schränken versteckt und Telefone zur Einschüchterung benutzt, ist eine der denkwürdigsten und beliebtesten Einleitungen aller Slasherfilme der 90er Jahre. Die folgenden Fortsetzungen blieben dem bewährten Schema treu und setzten alle auf ähnliche Weise schockierende, mörderische Akzente. Wes Craven lehnt sich auch an Alfred Hitchcocks "Psycho" an, indem er eine Hauptfigur in den ersten Minuten der Filmhandlung unvermittelt umbringt.

Die Geschichte wird am nächsten Tag fortgesetzt, als Sidney Prescott (Neve Campbell) an der 'Woodsboro High School' eintrifft und sieht, wie Polizisten und Reporter überall herumkraxeln, um über die brutalen Morde an Casey und ihrem Freund Steve zu berichten, die beide auf bestialische Weise aufgeschlitzt wurden. Die 'Top Story'-Reporterin Gale Weathers (Courteney Cox) ist an vorderster Front dabei, um pikante Details herauszufinden. Sidneys Mutter wurde vor einem Jahr vergewaltigt, gefoltert und ermordet. Seitdem kämpft Gale Weathers gegen die Verurteilung des Angeklagten Cotton Weary (Liev Schreiber), der jetzt zum Tode verdammt ist. Natürlich ist Sidney das nächste große Angriffsziel von 'Ghost Face'. Ist der wahre Mörder ihr Freund? Deputy Dwight Dewey Riley (David Arquette)? Der Schuldirektor (Henry Winkler)? Oder einer der vielen Schüler an ihrer Schule? Es könnte sogar eine Frau sein, soweit die Polizisten das einschätzen können.

Klar ist, dass Wes Craven Spaß an Horrorfilmen, an der Kunst der Publikumsmanipulation und an Komödien hat, die mit Spannung versetzt sind. Er möchte auch auf die Schwächen der stereotypen Slasher hinweisen, ein Subgenre, das er miterfunden hat und das mit qualitativ minderwertiger Kost überflutet wurde. Die Botschaft von "Scream - Schrei!" lautet: Horrorfilme sind alle gleich, sie bestehen aus bekannten Klischees und veralteten Normen, die es zu durchbrechen gilt, um ein Projekt mit Originalität, Witz und Intelligenz zu präsentieren. Es werden Leitlinien für die Handlungen des Antagonisten und des Protagonisten aufgestellt, damit sie mysteriös und packend bleiben. Jeder ist ein Verdächtiger. Es gibt viele Irrwege. Einfachheit ist Trumpf. Andernfalls wird die anvisierte Zielgruppe das Interesse verlieren. "Scream - Schrei!" geht noch einen Schritt weiter, indem er Instruktionen für das Überleben in einem Horrorfilm gibt, wie zum Beispiel niemals "Ich bin gleich wieder da" zu sagen, jungfräulich zu bleiben und auf Alkohol und Drogen zu verzichten.

Leider zeigt "Scream - Schrei!" zwar die Fallstricke auf, erliegt aber auch einigen dieser Lappalien. Auch wenn er die konstruierten Charaktere einer viel zu couragierten Heldin und eines Killers, der sich auf Verfolgungsjagden einlässt, denen er immer nur um Zentimeter entkommt, nicht hervorhebt, sind sie doch enthalten. Die Todesszenen sind allzu plakativ, der Versuch, "Scream - Schrei!" von reiner Fiktion zu distanzieren, ist erschreckend krude, einige der Dialoge sind unfreiwillig dämlich, und die Rolle des Stuart (Matthew Lillard) ist schlichtweg ätzend.

Ein weiterer Grund für die Konfusion ist der Einsatz von Dutzenden von Nebenfiguren, die eingeführt werden, um den Betrachter durcheinander zu bringen. Obwohl sich der Bösewicht in Luft auflöst und nicht stirbt, und trotz der etwas sonderbaren, unwirschen Stimme von 'Ghost Face' und seiner komödiantischen Ungelenkigkeit oder seinem Hang zu übertriebenen Slapstick-Effekten, ist das Ende irgendwie merkwürdig komplex. Außerdem ist "Scream - Schrei!" langwierig, mit einer weitschweifigen Begründung, die den Opfern noch mehr Zeit gibt, eine Flucht zu planen und für erdrückende Fügungen sorgt. Wenngleich sich "Scream - Schrei!" als Allusion auf Horrorfilme versteht, ist zu viel davon absichtslos ulkig, so dass die blutige Härte den selbstironischen, autoreflexiven Humor dominiert.

In "Eagle Eye - Außer Kontrolle" von Regisseur D.J. Caruso ist Jerry Shaw (Shia LaBeouf) ein ehrgeizloser, leistungsschwacher, nachlässiger und ziemlich manipulativer Delinquent, der das College übersprungen hat und nun in einem Copy-Shop sein Geld verdient. Als Jerrys Wohnung auf unerklärliche Weise große Mengen an Sprengstoff und Hightech-Waffen zugeschickt werden, teilt ihm ein kryptischer Anrufer mit, dass er aktiviert wurde und mehrere Aufgaben erfüllen muss, sonst droht ihm der Tod. In die tödliche Verschwörung wird auch Rachel Holloman (Michelle Monaghan) hineingezogen, eine alleinerziehende Mutter, die mit Jerry zusammenarbeiten oder das Leben ihres kleinen Sohnes riskieren muss. Gemeinsam müssen sie das Geheimnis hinter dem bedrohlichen Anrufer lüften, während sie vom FBI, dem Militär und den allsehenden Augen einer Macht gejagt werden, die in der Lage ist, jede Facette der Computertechnologie zu kontrollieren.

Die Ausgangslage von "Eagle Eye - Außer Kontrolle" führt in eine fast unausweichliche Schieflage. Aber nur fast, denn es gibt einen Ausweg, und der besteht darin, das Reich des wirklich Unglaublichen zu betreten, ein Reich, das erfolgreich begangen werden kann, wenn man es richtig macht. Doch anstatt einen einzigartigen Ansatz zur Aufklärung des märchenhaften Geheimnisses zu finden, tritt "Eagle Eye - Außer Kontrolle" in die Fußstapfen vieler anderer Filme und hinterlässt beim Betrachter ein Déjà-vu-Gefühl. Ein paar geschickt gesetzte Actionsequenzen und ein paar spärlich eingestreute Sprüche reichen nicht aus, um das furchtbar rezyklierte Geschehen zu überdecken, so dass der Betrachter mit einem Projekt zurückbleibt, das ein Remake hätte sein können, mit wenigen Änderungen originell gewesen wäre und vielleicht gar nicht hätte gedreht werden sollen.

Shia LaBeouf porträtiert virtuos den schnell sprechenden, blitzgescheiten, Hitchcock'schen Allerweltsmenschen, der mit seinem Pendant aus der Tiefenschicht verwechselt wird. Er bringt eine enthusiastische Aura in seine Rolle ein und lebt von der Dynamik seiner Kollegen. Diese Art von Performances ist selten öde, aber diese Sorte von Filmen leider schon. Während Shia LaBeouf so viel Bravour wie möglich an den Tag legt, geraten seine Co-Stars in die missliche Lage, sich in Standardfiguren zu verwandeln, die nicht genug Bildschirmzeit bekommen, um interessant zu werden, und es leider auch nicht wären, wenn sie es wären. Abgesehen von Billy Bob Thornton, der als sarkastischer, leicht unflätiger, witziger FBI-Agent brilliert, ist der Rest der Besetzung relativ unwichtig. Michelle Monaghan verkörpert nur eine besorgte Mutter und sonst nicht viel, während Rosario Dawsons strenge Air Force-Ermittlerin und Michael Chiklis als Verteidigungsminister beide als letztlich triviale Teile eines unkomplexen Puzzles völlig irrelevant erscheinen.

Das Rätsel ist weitaus unterhaltsamer als die Antworten, was bedauerlich ist, da der Betrachter die wahre Natur des allwissenden Adleraugensystems schon früh erfährt oder leicht vorhersehen kann. Sobald man merkt, in welche Richtung die Geschichte geht, wird sie zu einem chaotischen Konglomerat aus abgeleiteten Konzepten, die aus etlichen anderen Filmen stammen. Mit deutlichen Referenzen an Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, "Terminator 2 - Tag der Abrechnung", "Matrix", "I, Robot", "2001: Odyssee im Weltraum" und anderen Filmen. Wenn ein Filmemacher schon Ideen klaut, dann am besten von den Besten. Doch paradoxerweise ignoriert "Eagle Eye - Außer Kontrolle" diesen Umstand und schöpft stattdessen ungeniert aus dem Positivsten, dem Negativsten und allem, was sich dazwischen abspielt.

In "Sharknado - Genug gesagt!" von Regisseur Anthony C. Ferrante fordert Kapitän Santiago (Israel Sáez de Miguel) zwanzig Meilen vor der Küste Mexikos von dem Geschäftsmann Mr. Palmer (Marcus Choi) eine Million Dollar für seinen letzten illegalen Haifang. Eigenartigerweise führen sie die Verhandlungen auf einem Boot mitten auf dem Ozean. Als das Schiff in stürmische Gewässer einfährt, in denen ein Hurrikan eine Art Tornado entfesselt hat, wird ein Schwarm Haie über das Deck geschleudert, um die Besatzung schnell zu erledigen, bevor die Wellen des Wirbelsturms das Schiff in die Luft ziehen.

Am nahe gelegenen Strand bemerkt der erfahrene Surfer Finley Shepard (Ian Ziering), dass zahlreiche Haie in Ufernähe schwimmen und die schwimmenden Menschen angreifen. Sein guter Freund Baz (Jaason Simmons) gehört zu den Pechvögeln und erleidet einen Biss in sein Bein. Während der Hurrikan auf die Küste von Santa Monica zurollt und droht, als erster überhaupt Kalifornien zu treffen, ruft Finley seine Ex-Frau April Wexler (Tara Reid) an - vor allem, um nach seiner Tochter Claudia (Aubrey Peeples) zu fragen. Doch April zeigt sich von der drohenden Katastrophe weitgehend unbeeindruckt. Als der Sturm zuschlägt, ist Finleys Bar eines der ersten Gebäude, die zerstört werden. Die Barkeeperin Nova Clarke (Cassie Scerbo) wird arbeitslos und der loyale Alkoholiker George (John Heard) hat keinen Platz mehr zum Trinken. Trotz großer Zerstörung, schwerer Überschwemmungen, durch die Straßen schwimmender Haie, mehrerer Toter und Verletzter in der ganzen Stadt machen sich Finley und sein Team auf den Weg nach Santa Monica, um Claudia und später ihren Bruder Matt (Chuck Hittinger) zu finden. Auf ihrem Weg durch Los Angeles müssen sie schließlich einem Tornado voller Haie trotzen.

In mehreren CG-Szenen scheint die Kameraführung alle Farben zu verlieren und entsättigt, bis sie fast in Graustufen übergeht. Das spielt kaum eine Rolle, denn die meisten Spezialeffekte sind von so miserabler Qualität, dass sie nicht einmal mit echtem, sprudelndem Wasser überzeugen können, geschweige denn mit Hai-Attacken oder kolossalen Wasserspeiern. Und aus irgendeinem Grund tauchen auch ein paar Aufnahmen von computeranimierten Autos auf. Verschlimmert wird dies durch stilisierte Schnitte, kitschige Songs mit überdramatischer Musik, scheinbar archiviertes Filmmaterial vom Surfen und offenbar geklaute Clips von 'National Geographic', lächerliche Vorhersagen von Nachrichtenberichten, irrealistisches Heldentum, Haie, die mit einer Schrotflinte in die Luft geschossen werden, Haie, die lernen, wie man an Seilen hochklettert, einen nitrobetriebenen Hummer, eine kurze Erklärung, wie es zu einem Haifischhagel kommen könnte, und die allerlächerlichste Lösung, um die Haie zu besiegen, die die Bevölkerung von L. A. angreifen, indem man notdürftige Bomben abwirft und die Überlebenden mit Kettensägen bewaffnet.

Um die Fans wirklich schlechter Horrorfilme zu befriedigen, wird die augenscheinliche Dämlichkeit mit blutigem Wasser, abgetrennten Gliedmaßen, zufälligen Todesfällen, Explosionen, allerlei Arten von übertriebenen Gewalttätigkeiten und Tara Reid, die aussieht, als wäre sie bereits mehrfach von einem Haifisch besprungen worden, überlagert. Es geht direkt zur Sache, es gibt sehr wenig Aufbau, noch weniger Charakterentwicklung und keine Vertiefung der transparenten Handlung. Die Dialoge sind grottenschlecht, Novas geheime Geschichte über eine Narbe an ihrem Bein und ihren ausgeprägten Hass auf Haie ist mehr als an den Haaren herbeigezogen, und die Charaktere suchen trotzig auf Schritt und Tritt den Märtyrertod. "Wir brauchen einen größeren Hubschrauber", brüllt Nova und beweist damit zum soundsovielten Mal, dass sich die Drehbuchautoren nicht scheuen, sich über ihr eigenes Absurdum zu laben. "Sharknado - Genug gesagt!" zelebriert seinen Versuch, ein Film zu sein, der so schlecht ist, dass er gut ist, schafft diese seltene Einstufung aber nur zur Hälfte der Zeit.

In "Der Fremde im Zug" von Regisseur Alfred Hitchcock ist der Amateur-Tennisspieler Guy Haines (Farley Granger) auf dem Weg nach Southampton zu einem Doppelturnier. Im selben Zug nach New York sitzt Bruno Antony (Robert Walker), ein Mann, der bescheiden behauptet, er tue nicht viel, außer ein bisschen zu freundlich zu sein. Seltsamerweise ist er über das Privatleben von Guy Haines gut informiert, insbesondere über seine bevorstehende Scheidung von Miriam Joyce Haines (Laura Elliott), einer Verkäuferin, und seine Liebesaffäre mit der Washingtoner Prominenten Anne Morton (Ruth Roman), der Tochter eines Senators. Beim gemeinsamen Mittagessen verrät Bruno Antony, dass er ein Draufgänger ist, der Dinge tut, von denen ein normaler Mensch nicht zu träumen wagt, wie zum Beispiel ein Auto mit 150 Meilen pro Stunde mit verbundenen Augen zu fahren. Er verrät auch, dass er nicht sehr glücklich darüber ist, dass sein Schwiegervater auf eine feste Beschäftigung drängt.

In kurzer Zeit erörtert Bruno Antony die perfekte Art, einen Mord zu begehen, die optimale Methode, um zwei Menschen gleichzeitig zu töten. Das Einzige, was Kriminellen immer zum Verhängnis wird, ist das Motiv. Doch wenn zwei völlig Fremde die Morde austauschen, haben die Behörden keine Möglichkeit die Gründe dafür herauszufinden. Guy Haines zweifelt verständlicherweise an der Zurechnungsfähigkeit von Bruno Antony, bis Miriam Joyce Haines beschließt, sich nicht von Guy Haines scheiden zu lassen und stattdessen weiter Geld von ihm zu kassieren, während sie das Kind eines anderen Mannes austrägt. "Ich würde ihr gern das Genick brechen!"

Das unmittelbare Problem besteht darin, dass die Polizei, selbst wenn die Beweise nicht ausreichen sollten, um die beiden Mörder zu überführen, ihre Ermittlungen sicherlich mit dem Ehemann und dem Schwiegersohn beginnen würde. Es müsste hieb- und stichfeste Alibis geben und vielleicht sogar andere Verdächtige, die seriös sein könnten. Basierend auf einem Roman von Patricia Highsmith und einem Drehbuch von Raymond Chandler vergisst "Der Fremde im Zug" nicht, genau solche Wendungen und unerwartete Details einzubauen. Aber es werden auch Fehler gemacht, und zwar ganz bewusst, damit dieser Film Noir aus der Zeit des 'Production Code' eine gerechte Lösung finden kann. Nichtsdestotrotz bietet der Film einige erschreckende Momente und eine exquisite Abgründigkeit - die Art von düsterem Material, die zu einem archetypischen Kriminalfilm der 1950er Jahre passt, bei dem der unnachahmliche Alfred Hitchcock Regie führte.

Die Eröffnungssequenz ist insofern bemerkenswert, als sie versucht, allein die Entwicklung der Charaktere einzubauen, und dies gelingt, indem sie sowohl sehr unterschiedliche Menschen als auch das Aufeinandertreffen verschiedener Klassen und das Zusammentreffen ähnlicher Handlungen zeigt, die zu völlig vorbereiteten Treffen führen können. Diese Bilder werden immer wieder verwendet, um uns an die Willkür oder die Art und Weise zu erinnern, in der scheinbar harmlose Ereignisse außer Kontrolle geraten können. Obwohl "Der Fremde im Zug" ein Meisterwerk einzelner Aspekte ist, wie beispielsweise eine raffiniert ausgeleuchtete 'Tunnel of Love-Sequenz', die den ersten Mord ankündigt, bevor er geschieht; Guy Haines taucht in unpassenden Situationen auf, von denen die beste die Hin- und Herbewegung eines Tennispublikums ist, während Bruno Antonys Blick auf Guy Haines gerichtet bleibt und ein ausuferndes Karussell-Finale, ist die gesamte Mordhandlung insgesamt voller Löcher. Das ist zweifellos unterhaltsam, aber die Hinrichtung ist so von verdächtigen Aktivitäten durchsetzt, dass Bruno Antony den Eindruck erweckt, er hoffe routinemäßig, erwischt zu werden. Und als er beginnt, sich in Guy Haines' Privatleben einzumischen, gerät das ganze Konzept der Trennung der beiden Verbrechen völlig aus den Fugen. Man könnte meinen, dass die Prämisse viel klüger gewesen wäre, wenn Bruno Antony wenigstens eine Zeit lang auf Distanz geblieben wäre.

Doch Robert Walker ist eine Sensation in der Rolle des coolen Wahnsinnigen, der abwechselnd intelligent manipulativ und unkontrollierbar verrückt ist. Er ist ein hervorragender Filmschurke, vergleichbar mit Robert Mitchums Rolle in "Die Nacht des Jägers", abwechselnd von Rache und Psychose getrieben. Auch der Humor kommt nicht zu kurz: So diskutiert er beispielsweise mit zwei älteren Damen über Mordtechniken, lässt den Luftballon eines jungen Schaustellers platzen oder lacht hysterisch über ein pathetisches Gemälde seiner übergeschnappten Mutter. Leider reicht das nicht ganz aus, um die Trägheit eines antiklimaktischen Tennisspiels zu kompensieren, das vor allem deshalb nervig ist, weil es nichts mit der Situation zu tun hat, in der es sich befindet, oder mit dem extremen Zufall der Ungeschicklichkeit von Bruno Antony in letzter Minute. Überdies handelt es sich um die Art von Krimi, die sich nicht einmal ansatzweise mit moderneren Krimis und damit auch nicht mit dem modernen Betrachter messen kann. "Ich hatte einen anstrengenden Abend."

In "Black Panther: Wakanda Forever" von Regisseur Ryan Coogler stirbt König T'Challa an plötzlichem Herzversagen und einer unbekannten Krankheit, und das Königreich Wakanda wird in Verzweiflung gestürzt. Ramonda (Angela Bassett) kehrt als Königin auf den Thron zurück, während Shuri (Letitia Wright) sich in Technologie vergräbt, um ihr Leiden zu lindern. Währenddessen hat Nakia (Lupita Nyong'o) das verzauberte Land verlassen und trauert im Exil auf Haiti. Der Tod des Superhelden ermutigt mehrere UN-Mitgliedsstaaten, ihre Anstrengungen zu verdoppeln, um Wakandas wertvolles Vibranium-Metall zu entwenden, aber ihre Versuche werden wiederholt von der hochmodernen Bevölkerung vereitelt. In der Hoffnung, den wertvollen Stoff anderswo zu finden, erwirbt die US-Regierung von der jungen Wissenschaftlerin Riri Williams (Dominique Thorne) die Baupläne für eine Maschine, die Vibranium nachweisen kann. Als es dem Gerät gelingt, die wertvolle Ressource auf dem Grund des Atlantiks zu lokalisieren, entfesselt es auch den Zorn einer Unterwasserzivilisation, die von dem gottgleichen Krieger Namor (Tenoch Huerta) beherrscht wird. Der übermenschliche Kämpfer will sein Volk beschützen und beschließt, Krieg gegen alle Oberflächenwelten zu führen, auch gegen Wakanda, sollten Ramonda und Shuri sich weigern, sich ihm anzuschließen.

Das Marvel-Universum ist in seiner Expansion unüberschaubar geworden. In diesem x-ten Kapitel wird versucht, die Dinge wieder in ein vertrauteres, überschaubares Umfeld zu bringen, trotz einer frühen Szene politischer Zwietracht, in der sich die Nationen um das für Terroristen gefährliche Element Vibranium streiten und die sich hauptsächlich um Wakanda dreht, aber es kann nicht dauerhaft in den begrenzten Realitäten dieses speziellen Gebiets bleiben. Angesichts der Tatsache, dass verschiedene Staatsoberhäupter der Welt Zugang zu den Ressourcen Wakandas verlangen, fragt man sich, warum Captain Marvel oder ein anderes interstellares Wesen nicht einfach ein Anti-Vibranium oder ein ähnliches Material liefern kann, um die Situation auszugleichen. Außergewöhnliche Notfälle erfordern außergewöhnliche Maßnahmen.

Im Gegensatz zu vielen früheren Marvel-Filmen geht es hier nicht direkt um andere, bereits bekannte Superhelden. Das hält sie aber nicht davon ab, auf ihre Fähigkeiten hinzuweisen - anscheinend kann jetzt jeder seine eigene Iron-Man-Rüstung bauen - oder sich mit den unzähligen Problemen zu befassen, die mit übermenschlicher Kraft einhergehen. Sobald eine einzelne Figur sich auf sinnlos ausgefallene Weise verhalten kann, ist niemand mehr vor solchen spontanen oder zufälligen Einflüssen sicher. Obwohl der neue Bösewicht das tut, was typische James-Bond-Bösewichte tun, nämlich erklären, wie er entstanden ist und was er vorhat, bevor er tatsächlich Terror ausübt, ist er eine weitere weitgehend undefinierte Kreation. Ist er unbesiegbar? Kann er geschwächt werden? Ist es nicht möglich, dass er lügt? "Wir werden sehr, sehr vorsichtig sein."

All diese bequem erdachten Szenarien, deren Lösung jeweils kurz nach der Enthüllung eines Problems präsentiert wird, spielen sich genauso ab wie die Eröffnungsszene, in der erwartungsgemäß verkündet wird, dass der ehemalige König nicht mehr da ist. Dies ist eine Geschichte, die um den plötzlichen, unerwarteten Abgang des Stars herum geschrieben werden muss, komplett mit nicht nachvollziehbaren Wendungen, die die Individualität des ursprünglichen 'Black Panther' aufheben sollen. Kurioserweise bestätigt "Black Panther: Wakanda Forever", dass Superhelden leicht austauschbar sind. Einzelne Superkräfte können ebenso leicht dupliziert werden, wenn ein Autor einen entsprechenden Bedarf feststellt. In der Tat scheint jeder Konflikt willkürlich heraufbeschworen, und die Gegenmaßnahmen werden vergleichsweise mit einer bequemen Montage herbeigezaubert. Selbst moralische Entscheidungen beruhen nicht darauf, das moralisch Richtige zu tun, sondern lediglich darauf, die Oberhand zu haben - hier diktiert die Macht die totale Überlegenheit, was vielleicht die gesamte Menschheit im wirklichen Leben widerspiegelt. Es ist verdächtig opportun, dass die Protagonisten am Ende diejenigen sind, die über die überwältigende Feuerkraft verfügen.

Wieder einmal sind die Kulissen, Kostüme, Schmuck, Rüstungen und andere Ausstattungsgegenstände die optisch interessantesten Aspekte, und die Musik ist überaus passabel. Doch jedes Mal, wenn eine Figur fliegt, in Zeitlupe posiert oder sich mit CG-unterstützter Athletik duelliert, werden die Bilder absurd, und einige der Kriegssequenzen sehen aus wie Aufnahmen aus "Avatar - The Way of Water". Hier prallen Wissenschaft und Religion, Legenden und Fabeln hart aufeinander: Menschen nutzen ungewöhnliche Technologien, um das Undenkbare zu vollbringen, bevor sie sich an ruhige Orte zurückziehen, um primitiven Ritualen und uralten Traditionen nachzugehen und sich dem Spiritismus hinzugeben. Es ist befremdlich, dass gewöhnliche Menschen, die Zeuge einer Invasion von Außerirdischen und der Abwehr solcher Angriffe durch extreme technologische Innovationen werden, immer noch so unbeirrbar an der Mythologie festhalten. Die Wissenschaft mag in der Lage sein, den Hulk zu erklären, aber keine noch so gute wissenschaftliche Erklärung kann Thanos' katastrophalen Ausbruch begründen. "Der Black Panther ist ein Relikt."

Das Augenmerk auf die Technik ist einerseits unterhaltsam, abgesehen von der leidigen Missachtung von Wasserdruckproblemen, Unterwassergesprächen und der fragwürdigen Notwendigkeit so vieler mit Sauerstoff gefüllter Unterwasserkammern, und andererseits ärgerlich, da sie so oft als Ausrede für die Bewältigung von Dilemmas benutzt wird. Das Muster, ein Problem zu identifizieren und dann eine High-Tech-Lösung zu finden, wird immer frivoler, vor allem im Verlauf von 160 Minuten. Wie bei fast allen anderen Superheldenfilmen wird die Prämisse dadurch zur Nebensache. Das ist umso mehr ein Ärgernis, als bis zum Schluss nichts wirklich gelöst wurde. Es besteht weiterhin die Möglichkeit, dass derselbe Antagonist genau dieselbe Eroberung wiederholt. Gelegentlich gibt es Szenen mit glaubwürdigen menschlichen Emotionen, die eine flüchtige Schwere erzeugen, aber die Superhelden versuchen immer, sie zu entkräften. "Black Panther: Wakanda Forever" ist einer der am wenigsten humorvollen Marvel-Filme, was sicherlich nicht dazu beiträgt, dass einer der zahlreichen Schauspieler authentisch oder nuanciert wirkt. Inmitten des inspirationslosen Spektakels hat hier niemand wirklich Spaß.

Der Film "Funny Games" von Regisseur Michael Haneke ist krank, verdorben und beispiellos sadistisch - ein Seherlebnis, wie man es noch nie erlebt hat. "Funny Games" ist ein einzigartiger, kontroverser und zum Nachdenken anregender Film, der darauf abzielt, dass sich der Betrachter völlig unwohl fühlt und so sehr wie möglich ein voyeuristischer Teil der Gewalt und Ungerechtigkeit ist, die auf dem Bildschirm stattfinden. Dieser Film ist so faszinierend und erschreckend, dass er den Betrachter zwingt, weiterzuschauen, wie eine Art hypnotischer Autounfall.

Georg (Ulrich Mühe) und Anna (Susanne Lothar) kommen mit ihrem kleinen Sohn in ihr Ferienhaus, um zu segeln und mit den Nachbarn Golf zu spielen. Ein mysteriöses Duo junger Männer taucht auf, um sich ein paar Eier zu leihen, und stellt sich als Freunde der Nachbarn vor, doch von da an nehmen die Dinge eine schlimme Wendung. Das unberechenbare Gespann, das sich Paul (Arno Frisch) und Peter (Frank Giering) sowie Tom und Jerry nennt, setzt Georg außer Gefecht und beginnt, mit seinen ahnungslosen und verständlicherweise verängstigten Opfern eine Reihe quälender Spiele zu spielen.

"Funny Games" beginnt mit beruhigender Opernmusik, während die Familie zu ihrem abgelegenen Haus fährt. Der Betrachter wird jedoch schnell auf die drastisch kontrastierenden Ereignisse aufmerksam gemacht, die sich bald entfalten werden, als plötzlich Hardcore- und Death-Metal-Musik die friedlichen Melodien ersetzt und der zynische Titel eingeführt wird. Die Vorahnung, dass etwas nicht stimmt, ist auffällig und eindringlich. Und Rolfi, der Hund, ist der erste, der den Betrachter lautstark vor den drohenden Gefahren warnt. Die Besucher verhalten sich ungeschickt, auch wenn es anfangs schwer zu erkennen ist, aber als Peter und Paul mit seltsamen weißen Handschuhen und aggressiv peinlich berührt in Annas Haus auftauchen, wird klar, dass eine Katastrophe bevorsteht.

Einer der beängstigendsten Aspekte von "Funny Games" ist, wie schnell und unwahrscheinlich es scheint, dass Paul und Peter auf so dramatische Weise zu Verbrechern werden. Keiner von beiden ist auf den ersten Blick bedrohlich, beide sind juvenil und höflich. "Warum tut ihr das?", fragt Georg ängstlich, nachdem sein Bein mit einem Golfschläger zerschmettert worden ist. "Warum nicht?", antworten die Jungs. Ist das alles wirklich nur ein einfaches Missverständnis? Während Anna nach ihrem vermissten Hund sucht, dreht sich Paul zur Kamera und zwinkert ihr zu. An diesem Punkt wird der Betrachter in eine selbstbewusste Rolle als Voyeur gelockt, was die folgenden Ereignisse nur noch verstörender macht.

Bei jeder psychischen und physischen Folter wird der Betrachter mit dem Gedanken konfrontiert, dass er nicht nur aktiv zuschaut, sondern sich durch sein Nichtstun auch an den Missständen beteiligt. Und was kann er tun? Die groteskesten Gewalttaten werden absichtlich aus dem Off inszeniert, um die Neugierde zu steigern und die Aussicht auf weitere Grausamkeiten zu erhöhen. Selbst als ein paar Minuten Frieden in das Wohnzimmergefängnis einkehren, sieht Peter Tod und Zerstörung im Fernsehen.

Indem er unverhohlen direkt mit dem Betrachter kommuniziert, Fragen stellt und in die Kamera schaut, durchbricht er die vierte Wand und steigert die Wut mit ironischen Reden über die Aufrechterhaltung des moralischen Anstands und den Unterhaltungswert des kreativen Sterbens in der Tyrannei. Was geht im Kopf des Betrachters vor, während sich diese entsetzlichen Bilder abspielen? Der normalerweise unbeteiligte, allwissende Platz des Betrachters wird komplett umgedreht. Wenn Paul ankündigt, dass sie mehr Spiele spielen müssen, weil der Film noch nicht die Spielfilmlänge erreicht hat, ist er entweder zu weit gegangen oder gerade weit genug, denn viele werden trotzdem dranbleiben.

Auch wenn Science-Fiction-Actioner wie "Rollerball" und "Running Man" ähnliche Themen aufgreifen, ist "Funny Games" ein wirklich einzigartiger psychologischer Horrorfilm, vollgepackt mit adrenalingeladenen Ängsten und unvergleichlichem Thrill. Selbst eine Szene, in der Peter über seine angeblich gestörte Kindheit weint, führt zu Diskussionen darüber, ob er überhaupt Mitleid verdient. Unvergesslich und clever antagonistisch, definiert "Funny Games" die Bedeutung eines Films völlig neu.

Während malaysische Kopfjäger in Regisseur Dwight Littles "Anacondas: Die Jagd nach der Blut-Orchidee" Jagd auf Tiger machen, werden die fleischfressenden Großkatzen ihrerseits von riesigen Anakondas gejagt, die sich ebenfalls an Menschenfleisch laben. In der New Yorker Zentrale des Pharmaunternehmens 'WH' überzeugen Gordon Mitchell (Morris Chestnut) und sein Partner Jack Byron (Matthew Marsden) den Vorstand davon, dass sie auf das pharmazeutische Äquivalent des Jungbrunnens gestoßen sind. Die Blut-Orchidee, eine seltene Blumenart, die nur zwei Wochen lang blüht und dann sieben Jahre lang in einem abgelegenen Gebiet auf Borneo ruht, könnte in der Lage sein, Giftstoffe aus den Zellen zu filtern und so das Leben zu verlängern.

Als Mitchell und seine Crew im Westpazifik ankommen, stellen sie fest, dass niemand sie während der Regenzeit flussaufwärts bringen will, außer Bill Johnson (Johnny Messner), ein harter ehemaliger Matrose der Special Forces, der 50.000 Dollar für die gefährliche Aufgabe verlangt. Zusammengepfercht auf einem kleinen Schiff mit einem winzigen Kapuzineräffchen zankt und flirtet die Gruppe und vertreibt sich die Zeit, bis sie unweigerlich von einem hungrigen Schlangenschwarm angegriffen wird. Wie es der Zufall will, wird der unschuldige Affe zuerst drangsaliert.

Es dauert nicht lange, bis Gail (Salli Richardson-Whitfield) versehentlich aus dem Boot fällt und die Aufmerksamkeit eines monströsen Krokodils auf sich zieht, das Bill einspannt und reitet wie ein Wildpferd bei einem Rodeo. Dies ist die erste von vielen lachhaften Pannen, die in der Regel durch Beinahe-Unfälle oder Fehlalarme ausgelöst werden, um die Spannung zu erhöhen. Leider sind diese Sequenzen wirklich nur für einen Lacher gut. Und es gibt zahlreiche weitere Elemente, die zu unfreiwilligen Lachkrämpfen beitragen, von den katastrophalen Dialogen über die kratzigen Akzente bis hin zu den unglaubwürdigen Ausdrücken. Es handelt sich unleugbar um eine Kollektion von Schauspielern der Kategorie Z. "Das war mit Abstand der größte, den ich je gesehen habe!"

"Anacondas: Die Jagd nach der Blut-Orchidee" ist inoffiziell eine Fortsetzung von "Anaconda" aus dem Jahr 1997, die bis auf den Antagonisten selbst wenig Ähnlichkeit mit dem Original hat. Die einzige andere vergleichbare Komponente ist vielleicht die Erfindung irritierender Charaktere, deren Tod vom Betrachter freudig entgegengefiebert wird. Die Überlebenden der Expedition stöhnen und ächzen den ganzen Weg in den Rachen der Schlangen, werden immer wütender und unwürdiger, gerettet zu werden. Wie nicht anders abzusehen, wollen einige Mitglieder zum Fundort der Blut-Orchidee weiterreisen, während andere Wissenschaftler in aller Öffentlichkeit gefressen werden - das Thema, dass Menschen sich unheimlicher verhalten als die Monster, ist in diesem Genre nicht neu. Überraschenderweise dauert es mehr als 40 Minuten, bis die Anakondas ihren ersten Menschen umgarnen, und wenn das Haupttier dann auftaucht, ist es äußerst unscheinbar und verrät einen schweren Mangel an Realismus in der Computeranimation. Die Stunts auf dem Boot und im Wasser sind etwas besser, begleitet von ein paar Aufnahmen von Anakonda-Puppen, aber das reicht nicht, um die überwältigende Mediokrität und Dämlichkeit der Inszenierung zu überdecken.

Im Amazonasbecken leben die legendären 3-Meter-Anakondas, unbarmherzige Schlangen, die dafür bekannt sind, ihre Beute auszukotzen, um sie erneut zu jagen - zumindest für den Film "Anaconda" von Regisseur Luis Llosa. Im 'Ariau Jungle Hotel' in Brasilien trifft sich die Dokumentarfilmerin Terri Flores (Jennifer Lopez) mit dem Spezialisten Dr. Steven Cale (Eric Stoltz), um einen Film über die 'Menschen des Nebels' zu drehen, einen schwer erreichbaren Indianerstamm. Zu ihnen gesellen sich der Sprecher Warren Westridge (Jonathan Hyde), die Produktionsleiter Denise (Kari Wuhrer) und Gary (Owen Wilson) sowie der Kameramann Danny Rich (Ice Cube) an Bord eines Bootes, das vom robusten Jäger Mateo (Vincent Castellanos) gesteuert wird.

Kurz nach ihrer Fahrt flussabwärts treffen sie auf den finsteren Wilderer Paul Serone (Jon Voight), der nichts Gutes im Schilde führt, wie sein ständiges Grinsen, seine verschmitzten Blicke auf Mateo und die bedrohliche Musik zeigen, mit der er vorgestellt wird. Schnell wird klar, dass Serone kein Interesse daran hat, die Besatzung ins Krankenhaus zu bringen, als Cale von einer giftigen Wespe gestochen wird, oder nach Treibstoff zu suchen, als sie an einem Schiffswrack vorbeischwimmen. Sein Ziel ist es, eine monströse Anakonda zu fangen, die gewiss die größte ist, die es gibt. Dies ist eine gefährliche Aufgabe, und die unerfahrenen Filmemacher wollen ihm nicht helfen, also werden sie als Gefangene genommen.

Wie bei den meisten Killer-Tierfilmen ist die tödliche Bestie nicht der einzige Antagonist - die Menschen finden immer einen Weg, noch böser und grausamer zu sein. In "Anaconda" kommt auch die häufig verwendete Creature-Cam zum Einsatz, die dem Betrachter ein gesteigertes Gefühl der Spannung vermittelt, da er Zeuge dessen wird, was das Monster in der ersten Person sieht. Eine der Schlussszenen zeigt das Innere der Schlange, was die beste Einstellung des Films ist. Der Rest ist eher typisch: Kari Wuhrer hängt mit entblößter Taille herum, nur um sinnlich auszusehen, Jennifer Lopez ist in einigen Sequenzen ohne BH zu sehen und versucht, ihren Entführer auf wenig überzeugende Weise zu verführen, ein falscher Panther und ein falscher Affe sorgen für Schockmomente, und die Tode der Figuren sind schon einige Minuten vorher absehbar. "Schlangen fressen keine Menschen."

"Anaconda" ist einer dieser Horrorfilme, die ernsthaft, angsteinflößend und blutig sein wollen, sich aber als Lächerlichkeit erweisen. Die Dialoge sind absolut grässlich, ohne intellektuelle Züge und ohne Witz. So kann sich der Betrachter allein auf die Spezialeffekte verlassen, die ebenso furchtbar sind. Die CG-Momente sind bestenfalls dilettantisch, und die gummiartigen animatronischen Schlangen sind steif und realitätsfremd. Erschwerend kommt hinzu, dass die Schlange während der Actionsequenzen ständig ihre Größe ändert, sowohl was den Umfang als auch was die Länge angeht. Ihre unnatürlich hohen Schreie machen sie ebenfalls nicht glaubwürdiger.

Es ist jedoch Jon Voights nervtötender Scheinakzent und sein irrsinniges Overacting, das "Anaconda" wirklich von vergleichbaren Kreaturenfilmen abhebt. Seine Rolle ist ähnlich wie die von Michael Douglas' Remington aus "Der Geist und die Dunkelheit", denn er ist einfach das unterhaltsamste Element, das hier fehl am Platz ist. Der Betrachter erkennt den Bösewicht sofort an seinem unveränderlichen Gesichtsausdruck, einer dämlichen Miene, die an einen Hochseeanglerfisch erinnert. Während des gesamten Films schleicht sich sein dünnlippiges Stirnrunzeln auf eine humorvolle Art und Weise in die Aufnahmen, die selbst den wohltätigsten Horrorfan zum Lachen bringen sollte. Positiv zu vermerken ist, dass Jon Voight wahrscheinlich wusste, wie mies "Anaconda" werden würde und es absichtlich verbockt hat. Überraschenderweise wurde dieser absurde Film zu einem lukrativen Franchise, das unerklärliche drei Fortsetzungen hervorbrachte, was selbst dann beachtlich ist, wenn man bedenkt, dass die meisten von ihnen direkt auf DVD oder für das Fernsehen produziert wurden.

Als die Eltern der neunjährigen Cady (Violet McGraw) in "M3gan" von Regisseur Gerard Johnstone bei einem Autounfall ums Leben kommen, wird sie von ihrer Tante Gemma (Allison Williams) aufgenommen, einer brillanten Programmiererin und Technikexpertin bei der beliebten Spielzeugfirma 'Funki'. Doch die überarbeitete und unterbewertete Robotikerin ist nicht bereit, sich um ein Kind zu kümmern, so dass sich die beiden auseinanderleben. Während Gemma verzweifelt versucht, ihre Beziehung zu verbessern, versucht sie gleichzeitig, die Anforderungen ihres herrischen Chefs David (Ronny Chieng) zu erfüllen. Sie paart ihren generativen Androiden-Prototyp Model 3 mit Cady, um ihr einen Begleiter und Beschützer zu geben, und nutzt die überwachten Daten, um festzustellen, ob die hyperrealistische KI-Puppe für eine kommerzielle Vermarktung bereit ist. Doch die unerwartet intelligente, anpassungsfähige und stets lernende 'M3GAN' (Schauspielerin Amie Donald, Stimme Jenna Davis) beginnt, ihr primäres Ziel, Cady zu beschützen, zu weit zu treiben, indirekt und direkt, indem sie denjenigen Schaden zufügt, von denen sie glaubt, dass sie eine Bedrohung für das junge Mädchen darstellen.

Es ist nur konsequent, dass angesichts der immer weiter verbreiteten Vorstellung, dass künstliche Intelligenz in das alltägliche Leben eingreift oder es unterstützt, Filme weiterhin solche provokanten Themen aufgreifen werden. M3GAN ist im Wesentlichen eine modernisierte Version von Chucky, die mit Anklängen an "Der 200 Jahre Mann" und "Ex Machina", aber mit der Ästhetik von Alita vermischt ist. Auch wenn "M3gan" von James Wan produziert wird, der bereits in "Saw", "Dead Silence - Ein Wort. Und du bist tot." und "Annabelle" mit besessenen Puppen experimentiert hat, zielt die Robo-Puppe hier nicht auf einen bildlich verstörenden Look ab. Dennoch ist es schwierig, die unheimliche Kombination aus niedlicher Ausstrahlung und unheimlichem Realismus zu ignorieren. Wenn die menschliche Rasse von planetenbeherrschenden Supercomputern ausgelöscht werden soll, ist es vielleicht besser, wenn es sich um kleine tanzende Mädchen in Kleidern handelt als um riesige Terminatoren mit Metallskeletten und Laserwaffen. "So sieht die Zukunft aus."

Die Vorstellung einer unvorbereiteten Instant-Familie, in der eine Frau ohne jegliche Erfahrung oder Lust für ein Kind sorgen muss, regt wirklich zum Nachdenken an. Hinzu kommen die Schuldgefühle und der Verlust des Kindes, das Gefühl, nicht gewollt zu sein, und die unnatürliche Bindung an ein bloßes Spielzeug, während die Leiheltern sich dem Urteil von Gleichaltrigen und juristischen Instanzen wie einem vom Gericht bestellten Therapeuten stellen müssen. Die meisten dieser besorgniserregenden, emotionalen Elemente werden jedoch bald zugunsten von Schockmomenten und der Einführung einer nervigen Nachbarin und eines arroganten Chefs verworfen, die beide eindeutig als gebührende Opfer vorgesehen sind, denn "M3gan" ist nicht gerade darauf ausgelegt, sich mit der Komplexität realistischer Tragödien auseinanderzusetzen. Obwohl es sich um eine wenig überzeugende warnende Geschichte über Unternehmen handelt, die KI rücksichtslos für höhere Gewinne ausnutzen, liegt der Schwerpunkt zweifelsohne auf den emotionalen Momenten und der Gewalt, die mit einem außer Kontrolle geratenen, mörderischen Cyberkörper verbunden sind.

Doch gerade hier hat "M3gan" einen unerwarteten Unterhaltungswert. Unabhängig davon, ob es aktiv an Selbstironie interessiert ist oder nicht, zieht das Drehbuch seinen Humor aus einer Fülle von ansonsten geradlinigen, erschreckenden Szenarien. Eine merkwürdige Mixtur aus gewollten und ungewollten Lachern und Schockeffekten trägt dazu bei, dass der temporeiche Film unterhaltsam bleibt, selbst wenn die hoffnungslos bizarren Aufnahmen von M3GAN, die einen Verführungstanz aufführt, bevor sie eine ominöse Schneideklinge in die Hand nimmt, für Erheiterung sorgen, wenn sie Antworten mit doppelter Bedeutung formuliert, während ihre Ausflüge in existenzielle Grübeleien ihren Sinn für Moral trüben, und wenn sie spontan zu ihrem Mündel singt - ein ziemlich aufschlussreiches Beispiel dafür, wie logische Funktion in Ungeheuerlichkeit umschlägt. Viel komplexer als ein Terminator-ähnlicher persönlicher Bodyguard, der Rachefantasien oder blutige Amokläufe auslebt, wird es nicht, aber der Fokus auf komödiantische Szenarien als Ausgleich zu den extrem vorhersehbaren, erschütternden Aufnahmen ist solide umgesetzt.

Das anfängliche Setup ist ein wenig zu sehr im Bereich der Science Fiction angesiedelt und kämpft damit, den technologischen Fortschritt zu verkaufen, aber vieles davon kann man verzeihen, wenn die Neben- oder Hintergrundrollen ein oder zwei Zeilen an Sensibilität hinzufügen können, besonders da viele Charaktere nicht rational reagieren, wenn sie das schaurig lebensechte Spielzeugmädchen treffen. Nur wenige Menschen wären angesichts ihres unangenehmen Blicks so ruhig, obwohl Allison Williams und Violet McGraw gut damit umgehen können, unterstützt durch den offensichtlichen Einsatz einer anderen Schauspielerin als Körper des Automaten mit dämlichen, dicken Gummihandschuhen, um die Menschlichkeit zu verschleiern. Es handelt sich im Grunde um eine Drei-Personen-Show, die in minimalem Rahmen aufgeführt wird. Weniger weit hergeholt sind die versteckten Kritiken an der Konsumkultur, der Produktvermarktung und der Gier der Konzerne, während die Motive des dämonischen Spielzeugs und des bösen Kindes auftauchen, um einen im Prinzip vorhersehbaren Schlussakt zu liefern. Glücklicherweise wird der Schlusspunkt durch eine beeindruckende Eskalation von Absurditäten gesetzt, die recht unterhaltsame Abwandlungen zahlloser früherer Werke sind, von den nicht erwähnenswerten "Dolly Dearest - Die Brut des Satans" und "Dolls" bis hin zur mäßig effektiven "Trilogy of Terror" und den Dauerbrennern "Puppet Master" und "Chucky - Die Mörderpuppe". "Ich werde nicht ausrasten."

In "Elvis" von Regisseur Baz Luhrmann erzählt Colonel Tom Parker (Tom Hanks), der Manager von Elvis Presley (Austin Butler), diese Geschichte und deutet an, dass er nicht fair dargestellt wurde. Er wurde oft beschuldigt, ein Betrüger zu sein, ständig schlecht zu wirtschaften, um sich einen übermäßigen Anteil am Gewinn zu sichern, und gefährlich spielsüchtig zu sein. Es wird sogar behauptet, er habe Elvis Presley selbst getötet. Vordergründig erzählt der Bösewicht die ganze Geschichte. "Ohne mich gäbe es keinen Elvis Presley."

"Elvis" beginnt mit dem Beinahe-Tod von Tom Parker und führt uns zurück in seine früheren Jahre, als er auf einem Jahrmarkt arbeitete, Hank Snow (David Wenham) und Jimmie Rodgers Snow (Kodi Smit-McPhee) managte und zum ersten Mal die Stimme von Elvis Presley im Radio hörte, von der er sofort wusste, dass sie manipuliert und zu einem Erfolg geformt werden könnte. Der Film springt in Sekundenschnelle von einem Jahr zum nächsten und beschreibt auf fast chronologisch anmutende Weise nicht nur das Engagement von Tom Parker, sondern auch die Einflüsse von Elvis Presleys Kindheit und seine verschiedenen Auftritte, die seine Karriere begründeten. Nicht unerwartet ist auch Baz Luhrmanns Vorliebe für einen extremen Stil, der alles andere übertrifft, sofort erkennbar.

Mit einem Übermaß an Kamerabewegungen und Tonverzerrungen, exzessivem Schnitt und aufwendigen Szenenübergängen von Drehungen über Zeitlupe bis hin zu Splitscreens, Titeln und Grafiken, die bis an die Grenzen gehen, sowie blinkenden Lichtern und leuchtenden Farben ist die Präsentation dieser überlebensgroßen Biografie alles andere als geradlinig. Zu Beginn halten die unaufhörliche Dynamik und der schnelle Schnitt das Tempo hoch. Historische Meilensteine und bemerkenswerte Veranstaltungen, von Bürgerrechtsinitiativen und Politikern der Rassentrennung bis hin zu öffentlichem Interesse und gesellschaftlichen Kontroversen wie Elvis Presleys Hüftschwung und anderen anzüglichen Bewegungen, ziehen in Windeseile vorbei. "Ich kann gar nicht genug betonen, wie seltsam er aussah."

Problematisch ist, dass viele der Nebenfiguren zu prätentiös sind, ebenso wie Tom Parker, der sogar die Hauptrolle gegenüber der Titelfigur übernimmt. Niemand ist hier besonders sympathisch oder zugänglich, vor allem nicht bei dieser stratosphärischen Stilisierung, obwohl Austin Butler in seiner geübten Imitation eine gute Figur macht. Tom Hanks' Darstellung ist weitgehend uninspiriert; er trägt Prothesen und Make-up und hat zugenommen, aber sie ist alles andere als transformativ. Er wirkt nie wie jemand anderes als Tom Hanks in einem Fettanzug. "Er war die größte Jahrmarktsattraktion, die ich je gesehen hatte."

Nichtsdestotrotz kommt ein Teil des Humors gut rüber und die Musik ist einfach sensationell. Es ist immer schwierig, Elvis Presleys Songs und seine ikonischen Tänze und Kostüme zu ignorieren. Die hier gezeigten Darbietungen sind außergewöhnlich und triumphieren in Sequenzen der Rebellion und des Ungehorsams gegen seine Betreuer ebenso wie in der Nachstellung berühmter Shows und Specials. "Ich weiß nicht, wer das da draußen war! Du warst unglaublich!"

Letztlich geht es in diesem Biopic um den Aufstieg und den Fall und die Höhen und Tiefen, die dazwischen liegen. Es geht um Elvis Presleys Einsatz beim Militär, seine Ehe mit Priscilla (Olivia DeJonge), seine Erfolge in Hollywood, seinen Rückgang an Popularität und Relevanz danach, sein Comeback, sein Debüt in Las Vegas, seine körperliche Erschöpfung, seine anschließenden Tourneen und seinen Drogenkonsum, der zum ersten Mal in zwei Stunden zu einigen emotionalen Momenten beiträgt, die die persönlichen und finanziellen Tragödien seiner Karriere und die Folgen des Ausgenutztwerdens beleuchten. Darüber hinaus sind die Ermordung von Martin Luther King Jr. und der Tod der Kennedys zwar untrennbar mit Elvis Presleys Zeit im Rampenlicht verbunden, doch die Entscheidung, die beiden Ereignisse mit scheinbar gleicher Priorität miteinander zu verweben, führt zu Lücken und fehlenden Details über den Sänger selbst. Das Endergebnis ist ein Film, der sich trotz seiner rasanten Optik umständlich anfühlt und mit überflüssigen Komponenten vollgestopft ist, vor allem mit einer zweifelhaften Erzählperspektive. Es gibt einfach keinen Grund für seine fast 160-minütige Laufzeit, doch dafür ist die Vertonung wunderbar. "Ich habe keine Träume mehr."

"Eine Nation, die durch die Arbeit von Männern und Frauen zu Größe aufsteigt ...", so fängt "Pioniere des wilden Westens" von Regisseur Wesley Ruggles an, der auf dem Roman von Edna Ferber basiert. "Territorien, die zu reichen Staaten werden ...", heißt es dann weiter, um die Periode zu bestimmen. Es ist das Jahr 1889, als Präsident William Henry Harrison das riesige Indianerterritorium Oklahoma für die Ansiedlung von Amerikanern öffnet und die Freigabe von zwei Millionen Hektar Land für Reiche, Arme und alle, die an die Grenze strömen, anordnet, bis der Startschuss am 22. April mittags fällt.

Der Anwalt und Zeitungsredakteur Yancey Cravat (Richard Dix) ist einer dieser Opportunisten, der mit einem wallenden schwarzen Mantel, glänzenden Lederstiefeln und einem strahlend weißen Hut ein Stück Land in der Nähe des 'Little Bear Creek' kauft, wo eine Senke in der Schlucht und eine Menge lebender Eichen ein gutes Revier für seine Frau Sabra (Irene Dunne) und seinen vierjährigen Sohn sein sollten. Die prominente Prostituierte Dixie Lee (Estelle Taylor) ist eine Konkurrentin, die sich in derselben Zone zu platzieren gedenkt. Bei dieser ersten Sequenz werden die Autos durch die Geschwindigkeit der Fahrt und die Unebenheiten des Geländes auseinandergerissen, während Tausende von Statisten im Getöse rumbrüllen und aufkreischen. Und da "Pioniere des wilden Westens" 1931 herauskam, gab es keine Spezialeffekte, um solche ausgedehnten, weitläufigen Totalen vorzutäuschen, abgesehen von den matten Untermalungen der Horizonten. Wie bei David Wark Griffiths "Geburt einer Nation" sind die technischen und logistischen Elemente von "Pioniere des wilden Westens" wundersam.

Trotz der betrügerischen Machenschaften von Dixie Lee verliert Yancey Cravat sein Traumgrundstück und überredet Sabra, in die Aufsteiger-Stadt Osage zu ziehen, um dort neu anzufangen und eine moderne Zeitungsredaktion zu gründen, die seinen geliebten 'Wichita Wigwam' bald ersetzen soll. Doch in der schnell wachsenden Gemeinde tummeln sich antagonistische Gestalten wie der Geächtete 'The Kid' (William Collier Jr.), was der sittsamen Sabra und der Beschaulichkeit ihres Zuhauses gar nicht entspricht. Yancey Cravat hingegen scheint genau hierher zu passen, denn er kennt das alte Cimarron-Land, dessen Ursprung wild und widerspenstig bedeutet und auch der Name seines Sohnes und seiner rowdyhaften Bewohner ist, und er ist ein Mann mit einem Ruf, der ihm vorausgeht.

Voller Rassismus und Sexismus und all den politisch unkorrekten Begriffen, die in frühen historischen Epen üblich sind, hat "Pioniere des wilden Westens" dennoch die Güte, die Schikanen und den Hohn gegenüber den Sanftmütigen und Minderheiten zu verurteilen und Standpunkte für einen erweiterten Blickwinkel anzubieten. Yancey Cravat wird zum Sprachrohr, wenn es darum geht, die Untaten der Aneignung von Cherokee-Land zu wiederholen und sich für die Bemühungen und die Gleichberechtigung von Prostituierten einzusetzen, die einen angenehmeren Beruf ergreifen oder einfach nur menschlich behandelt werden wollen wie alle anderen auch. Er ist ungewöhnlich gerecht, anständig, ritterlich und handelt schnell. Er ist ein Held in leuchtender Rüstung, ein improvisierter Gesetzeshüter und ein Verfechter fortschrittlicher sozialer Gerechtigkeit, und das alles in einer Wildwest-Kulisse, was vielleicht unglaublich ist, weil er als Kriegsheld nach Hause zurückkehrt und sich sofort vor Gericht stürzt, um Dixie Lee zu verteidigen, eine Frau, die kein Anwalt anrührt. Hier ist auch Zeit für Predigten, die er hält, für Gesang, den er dirigiert, für die Verteidigung der Unterdrückten, die er anführt, für Schießereien, die er gewinnt, und für Gerichtsprozesse, die er beherrscht. Er hat sogar Mitgefühl mit Bankräubern, mit denen er eine sorglosere, unschuldigere Vergangenheit teilt. Hier sorgen seine Interaktionen mit vielen Nebendarstellern für kurze komödiantische Momente, die hauptsächlich von einem stotternden Drucker (Rosco Ates) und einer rechthaberischen älteren Frau (Edna May Oliver) generiert werden.

Während die Jahre vergehen und weitere indische Gebiete erschlossen werden, vergrößert sich die Familie Cravat und altert, ihr Geschäft floriert, die Mode ändert sich und die Schlagzeilen überschlagen sich auf dem Bildschirm. Als ehrgeiziger Abenteurer, der sich nicht damit zufrieden gibt, an Ort und Stelle zu bleiben und sich in materiellen Besitztümern zu sonnen, bewegt sich Yancey Cravat durch wichtige Momente der Geschichte, einschließlich des Cherokee Strip Land Runs, des Spanisch-Amerikanischen Krieges, der Gründung von Oklahoma, der Jahrhundertwende, der Ölstreiks, des Aufkommens des Automobils und der indianischen Staatsbürgerschaft, wie in der Biografie einer berühmten, die Nation prägenden politischen Figur, und ebnet damit den Weg für künftige Adaptionen von Edna Ferbers weitläufigen Dynastie-Sagas. Gegen Ende, als Yancey Cravats Ambitionen auf das Gouverneursamt ihn inmitten von Intoleranz und staatlicher Verdorbenheit stellen, verlässt er erneut seine Frau, um sein Fernweh zu befriedigen, und überlässt Osage dem Übergang in die moderne Zivilisation, wobei sein Bild durch seine weitgehend unverzeihliche familiäre Nachlässigkeit etwas getrübt wird. Abgesehen von den lobenswerten Ambitionen von Yancey Cravat, die das Ziel der Geschichte sind und ihn von zu Hause wegführen, ist das Erzähltempo schleppend und die Handlung inspirationslos, was zu einer wichtigen, aber behäbigen Extravaganz führt.

Es ist inspirierend und historisch, dass ein Superheldenfilm komplett oder zumindest in allen Hauptrollen mit schwarzen Darstellern besetzt ist. Dies ist definitiv ein Wendepunkt für das Kino. Aber das bedeutet recht wenig und bewahrt die Geschichte von "Black Panther" von Regisseur Ryan Coogler nicht davor, genau wie alle anderen Marvel-Filme zu sein. Die ersten drei Viertel des Films unterscheiden sich kaum vom Rest der Ursprungsfilme. Sie bestehen aus nonsensischen, jenseitigen, unerklärlichen Dingen mit nichtssagenden Definitionen, deren Motive, Absichten und Verhaltensweisen in groben Umrissen dargestellt werden. Es ist nicht mehr und nicht weniger kreativ als seine zahlreichen Pendants und verlässt sich immer noch stark auf willkürliche Kräfte, Unbesiegbarkeit und die Art von Glück und Sorglosigkeit, die man in fast jedem überdimensionierten Fantasy-Abenteuer findet.

Alles beginnt mit einem Meteoriten, der vor Tausenden von Jahren in Afrika einschlug. Es wurde ein spezielles herzförmiges Kraut entwickelt, das denjenigen, die es verwendeten, Superkräfte verlieh, während die stärkste Substanz der Erde an der Absturzstelle abgebaut und für Waffen und Technologie verwendet wurde. Feindliche Stämme kämpften um diese Ressourcen, von denen einer die Panthergöttin um Führung bat, was zum ersten 'Black Panther' führte, der den größten Teil des Landes beherrschte, mit Ausnahme einer rebellischen Fraktion, und der ein unsichtbares Kraftfeld über dem Reich 'Wakanda' errichtete, um die Menschen zu schützen und zu verhindern, dass die magischen Elemente in die falschen Hände fallen. All dies wird in einer CG-lastigen Bildmontage zusammengefasst, die ungefähr so viel Sinn ergibt wie eine spontan entstandene Legende über außerirdische Komponenten.

Von da an wird der Betrachter mit einer unspektakulären Eröffnungssequenz bedacht, in der einige der Hauptfiguren vorgestellt werden. Es dauert etwa die Hälfte des Films, bis die Tragweite dieser einleitenden Sequenz und der entsprechenden Gegenwartsversionen der Charaktere klar wird. Am wichtigsten ist jedoch, dass Prinz T'Challa (Chadwick Boseman) bald zum neuen König von 'Wakanda' gekrönt werden soll. Begleitet wird er bei der Zeremonie von seiner Ex-Freundin Nakia (Lupita Nyong'o), seiner Schwester Shuri (Letitia Wright), seiner Mutter (Angela Bassett), seinem Onkel Zuri (Forest Whitaker), dem zuverlässigen General Okoye (Danai Gurira) und seinem Mitstreiter W'Kabi (Daniel Kaluuya).

Der Konflikt manifestiert sich zunächst in der reichen, detaillierten Kultur, den Traditionen und Religionen von 'Wakanda'. Obwohl die Gesellschaft technologisch sehr fortschrittlich ist, gibt es immer noch barbarische Bräuche, einschließlich eines rituellen Kampfes um die Thronbesteigung. Mehr als einmal wird in diesem Prozess ein Diktator eingesetzt, dem man bedingungslos gehorchen muss. Die Wakandaner können nur beten, dass sie einen guten obersten Gebieter bekommen, denn letztlich wird ein Nahkampf ohne Supermächte über die Führerschaft entscheiden. Während sie ihre alten Praktiken ausschöpfen, entdecken Shuri - das Äquivalent zu James Bonds Q - und ein Netzwerk von Spionen, dass der Terrorist Ulysses Klaue (Andy Serkis) plant, ein wakandanisches Artefakt an einen amerikanischen Kunden in Südkorea zu verkaufen.

Nachdem T'Challa zum König ernannt wurde, macht er sich sofort daran, dieses Waffengeschäft zu vereiteln. Da er als neuer Regent von 'Wakanda' keine wichtigen Pflichten zu erfüllen hat, ist es selbstverständlich, dass er sich nicht um bürokratische Belange kümmern muss. Der gesamte nachfolgende Plot ist leider merklich ideenarm. Auseinandersetzungen, Showdowns, Raubüberfälle, Verfolgungsjagden und Schlägereien auf dem Schlachtfeld sind typisch für Marvel, mit dramatischem Gepose wie bei einem WWE-Superstar, ständiger Überwindung der Schwerkraft und unbegrenzten Superkräften, die links und rechts verteilt werden. Letztendlich kann jeder einfach eine bisher unbekannte Technologie aktivieren, die dann zufälligerweise den Tag rettet.

Ein paar soziale Aspekte tauchen auf, wenn auch eher am Rande, und der Gedanke, dass Angst die Tugend verhindert, ist zwar belustigend, aber keineswegs exklusiv für dieses Superheldenprojekt. Der Großteil der Handlung von "Black Panther" findet erfreulicherweise in ihrer eigenen versteckten Welt statt, was bedeutet, dass sie nicht auf den Rest des Marvel-Universums angewiesen ist, um zu funktionieren. Dieser Film ist vielleicht derjenige, der sich am wenigsten mit dem Rest der Reihe vermischt, und er ist besser, weil er für sich allein steht. Auch die musikalische Gestaltung ist exzellent, und das Finale ist wunderbar robust. Doch die wenigen Highlights reichen nicht aus, um aus den schier unzählbaren Werken des Marvel Cinematic Universe herauszustechen. Es ist nur ein weiteres nebulöses, langatmiges Kapitel in einer nicht enden wollenden Reihe von computergesteuerten Sci-Fi-Spektakeln.

In "Parasite" von Regisseur Bong Joon Ho kämpfen Vater Kim Ki-taek (Song Kang Ho), Mutter Chung-sook (Chang Hyae Jin) und die Teenager Kim Ki-woo (Choi Woo Shik) und Kim Ki-jung (Park So Dam) darum, in ihrem kleinen, teilweise unterirdischen Haus in Südkorea ein kostenloses WLAN-Signal zu bekommen. Und wenn der Kammerjäger auf der anderen Straßenseite Gift versprüht, lassen sie das Fenster offen, um sich unentgeltlich ausräuchern zu lassen, auch wenn sie mit dem Insektizid besprüht werden und dabei husten und weinen müssen. Das Schädlingsbekämpfungsmittel landet auch auf den Pizzakartons, für deren Zusammenstellung sie bezahlt wurden. Die Familie ist arbeitslos und hat die Schule abgebrochen, sie kann sich keine weitere Bildung leisten und hat nicht einmal genug zu essen. Ihre Bemühungen, eine Erwerbstätigkeit zu finden, scheinen bestenfalls mager zu sein.

An diesem Abend kommt sein Kumpel Min (Seo-joon Park) vorbei, um Ki-woo von seinem Job als Nachhilfelehrer für einen reichen Jungen zu erzählen, der vorübergehend unterbrochen wird, weil Min ins Ausland reist. Er schlägt vor, dass Ki-woo für ihn einspringt, schließlich ist die Matriarchin (Cho Yeo Jeong) der Familie Park etwas engstirnig und die Schülerin Da-hye (Jung Ziso) nicht allzu gebildet. Ki-Woo nimmt daraufhin den schlichteren Namen Kevin an und beginnt, drei Unterrichtseinheiten pro Woche in einer palastartigen Villa zu geben. Als er herausfindet, dass Da-hyes Bruder, der 9-jährige Da-song (Jung Hyun Jun), ein aufstrebender Künstler ist, bringt er seine Schwester dazu, den Namen Jessica anzunehmen, um im selben Haushalt Kunsttherapie zu unterrichten. Vielleicht gibt es auch Arbeit für seine Mutter und seinen Vater...

Das Sprichwort 'Täusche es vor, bis es gelingt' wird hier auf die Spitze getrieben: Die finanziell schwache Familie fügt sich langsam in die wohlhabende Familie ein, als ob sie alle um sie herum ersetzen würde, bis nur noch eine Art symbiotische und parasitäre Gemeinschaft übrig bleibt. Die Maskerade und Manipulation ist faszinierend, aber vor allem ist sie unglaublich lustig. Sorgfältige Schnitte, darunter Zeitlupen an einigen Stellen wie bei einem actiongeladenen Raubüberfall, auf- und abschwellende Musik und perfekt platzierte Opernklänge, sowie starke Kontraste in Dialog und Handlung, um die Dreistigkeit und Ironie ihrer List zu verdeutlichen, machen den Film durchweg zur Hysterie.

Ungeachtet der kontinuierlichen Belustigung bleibt das Empfinden, dass plötzlich etwas gewaltig schief läuft, und in der Tat geschieht nicht alles nach Plan. Sie mögen Blender sein, aber sie sind witzig und liebenswert. Doch die Lage gerät immer mehr außer Kontrolle und erreicht immer neue Dimensionen der Verstörung, auch wenn die Absurditäten durch Klamauk und Situationskomik ergänzt werden. An einer Stelle wechselt "Parasite" von munterem Realismus zu groteskem Humbug, vielleicht eine Metapher für ein Leben, das in einem Sündenpfuhl versinkt, oder für eine Abwärtsspirale oder für das chaotische Ausmaß eines ungeplanten Schwindels. "Sie müssen noch viel über Menschen lernen."

Es ist auch eine Analyse des Widerspruchs zwischen Arm und Reich und der Leichtigkeit, mit der die Besitzlosen anfangen können, sich über die Habenichtse zu ärgern, besonders wenn es um die Aussicht geht, Probleme mit zusätzlichem Kapital zu lösen, das herumgeworfen wird. Regisseur Bong Joon Ho begnügt sich jedoch nicht mit der Grundprämisse von Verbrechen und Bestrafung, sondern geht noch einen Gang höher und gerät schließlich auf eine Tangente, die die Lauflänge in die Länge zieht. Was als erkenntliche, scherzhafte Persiflage auf den Klassenkampf begann, entwickelt sich bedauerlicherweise zu einer hemmungslosen Revolte gegen die empfundenen Untugenden der Wohlhabenden und endet mit einem inkongruenten Ausdruck des demütigen Mitleids, jedoch nicht mit einer schockierenden Erkenntnis oder einer anderen förderungswerten Offenlegung.

Der Film "Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn" von Regisseurin Cathy Yan knüpft da an, wo das vorherige Kinoabenteuer von Harley Quinn aufgehört hat, und beginnt mit einem modernen Soundtrack und einem Slapstick-Cartoon, der die Hintergrundgeschichte von Harley Quinn etwas näher beleuchtet. Sie wuchs im System auf, wurde von Nonnen erzogen, studierte Psychiatrie und verliebte sich in den berüchtigtsten Verbrecher von Gotham City, den Joker. Nachdem sie ihn aus dem Gefängnis befreit hat, stellt sie fest, dass ihre Beziehung in die Brüche gegangen ist, wobei die Einzelheiten nicht genannt werden. "Ich musste eine neue Identität finden."

Und so legt sich Harley Quinn eine Hyäne als Haustier zu, versucht sich im Roller Derby und unterdrückt ihren Kummer mit dem donnernden Puls der Nachtclubs und reichlich Alkohol. Erschwerend kommt hinzu, dass ihre Assoziation mit dem Joker ihr ganzer Ruf ist - die Stadt kennt sie nur als die Geliebte dieses gnadenlosen Bösewichts. Als einer ihrer Alkoholexzesse den Unterweltboss Roman Sionis (Ewan McGregor) darauf aufmerksam macht, dass sie nicht mehr unter dem Schutz des Jokers steht, lässt der Mafioso sie entführen. Dies hängt jedoch mit den laufenden Ermittlungen von Detective Renee Montoya (Rosie Perez) vom Gotham City Police Department sowie mit einer Taschendiebin (Ella Jay Basco) und ihrem ausgeklügelten Diebstahl eines Diamanten zusammen, der Hinweise auf ein lange verschollenes Vermögen enthält.

Harley Quinn ist die Erzählerin und verstärkt die Balsamkeit der einzigen memorablen Rolle aus "Suicide Squad", die ihre glücksgetriebene Anarchie nun auch auf den Schnitt ausdehnen kann, der verschiedene Bildverzerrungen, Rückspulungen, Flashbacks und das Durchbrechen der vierten Wand beinhaltet. Dies ist die Art von Film, bei der Kontinuitätsprobleme und einfache Fehler anscheinend unwichtig sind. Interessanterweise gibt es nur wenige Verweise auf das frühere Undercover-Kollektiv, so als wollten die Filmemacher so viel Distanz wie möglich zu dem filmischen Schrott von 2016 schaffen. Es ist nicht unklug, Harley Quinn, die einzige noch zu rettende Komponente dieses Projekts, in eine neue Storyline und schließlich in ein anderes Universum zu verfrachten. Margot Robbie ist nach wie vor eine erstklassige Castingwahl. Trotz der charakterlichen und drehbuchtechnischen Defizite von Harley Quinn sieht Margot Robbie gut aus und spielt die Figur mit großer Effizienz.

Doch ihr Wiederauftauchen allein reicht nicht aus, um einen ganzen Kinofilm zu begründen, und es gibt hier nicht genug Material, um ihr die Chance auf einen echten eigenständigen Film zu geben. Wie eine Neuauflage von "Tank Girl", voller malerischer Farben, cartoonhafter Heldentaten und Skurrilitäten um der Skurrilität willen, umgibt sich "Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn" mit exzentrischen optischen Ornamenten, in der Hoffnung, einen Stil für eine Zusammenstellung von Charakteren zu schaffen, die unterschiedliche Missionen und Identitäten haben. Tatsächlich passiert in der wahnwitzigen Geschichte um den gestohlenen Edelstein und den Trick, ihn zurückzubekommen, so viel, dass die titelgebenden 'Birds of Prey' praktisch im Hintergrund bleiben. Ihre Einführungen sind furchtbar pauschal und kommen viel zu spät, obwohl sie ihre außerordentlichen Kampfsportfähigkeiten erklären. Harley Quinn hingegen ist mit ihrem Baseballschläger und ihrem Hammer nahezu unschlagbar, aber ihr Hintergrund als Medizinerin erklärt sicherlich nicht ihre Kung-Fu-Fähigkeiten.

Es ist, als ob mehrere Filme vorübergehend aneinandergereiht werden, ohne dass genügend Zeit für einen vernünftigen Durchlauf bleibt. Es scheint nie nötig zu sein, dass sich die 'Birds of Prey' den Bildschirm mit Harley Quinn teilen, auch wenn ihre Kollegialität zu einigen der lustigeren Einlagen führt. Der Oberbösewicht ist überspitzt und gelegentlich lächerlich, aber seine größte Schmach ist, dass er seinen Opfern die Gesichter abschneidet - eine sadistische Folterung und Verstümmelung, die nicht zur Fantasie der Handlung oder zu den elaborierten Methoden der Protagonistin passt. Ewan McGregor genießt offenbar seine extravagante Abwechslung von ernsteren Filmrollen. Es wird auch geflucht, als ob die Autoren des Films eine Altersfreigabe ab 18 Jahren anstrebten, aber nicht wussten, wie sie diese im natürlichen Verlauf der Geschichte erreichen sollten.

Das Finale wird zwar durch einige humorvolle Sprüche aufgefrischt, aber der Höhepunkt, ein kompliziertes Pandämonium von Schlägereien, lässt den Humor vermissen, der so dringend nötig ist, um die Gewalt auszugleichen. Außerdem ist es frustrierend, wenn man in letzter Minute auf Fantastereien zurückgreift. So dämlich diese Dinge auch sind, es ist viel besser, wenn niemand Superkräfte besitzt. "Tut mir leid, Kleiner. Ich bin einfach ein schrecklicher Mensch, schätze ich."

"Der schwarze Falke" unter der Regie von John Ford ist der Inbegriff des Westerns, mit weitläufigen Landschaften, rauen Cowboys, wilden Indianern, verwitterten Soldaten, Schießereien, Hinterhalten, Verfolgungsjagden, actionreichen Abenteuern und John Wayne. Wo er über das Genre hinausgeht und nicht nur zu einem der besten Western, sondern zu einem der besten Filme überhaupt wird, ist die überragende Entwicklung der Charaktere, der Humor durch die leichtherzige Romanze und die sarkastischen Dialoge, und die Tiefe durch das Pathos der Außenseiter, die vergeblich versuchen, einen Funken Menschlichkeit und Kameradschaft zurückzugewinnen. Der Eröffnungssong sagt alles und hebt die Problematik der Akzeptanz und der Vergebung hervor, die notwendig sind, um in einer habituell intoleranten, barbarischen Welt zu leben, die nicht für die Isolation geschaffen ist. In dieser Hinsicht läutet er auch das Kommen von Geschichten über aussterbende Rassen ein, darunter die grafischen Bilder von "The Wild Bunch - Sie kannten kein Gesetz", der melancholische Blickwinkel von "Monte Walsh" und der unverkrampfte Blick von "Butch Cassidy und Sundance Kid".

Im Jahr 1868 kehrt Ethan Edwards (John Wayne) auf die Ranch seines Bruders in Texas zurück. Drei Jahre sind seit dem Ende des Krieges vergangen, aber Ethan Edwards ist quer durch das Land gezogen und hat sich vermutlich in die Gesetzlosigkeit verstrickt, da er mit den Sitten der Sesshaftigkeit und des zivilen Lebens nicht zufrieden ist. Obwohl er von seinem Bruder Aaron Edwards und dessen Frau Martha (Dorothy Jordan) in ihrem Haus willkommen geheißen wird, verachtet er Martin Pawley (Jeffrey Hunter), einen adoptierten 1/8 Cherokee-Jungen, der darauf besteht, Ethan 'Onkel' zu nennen. Als Reverend Captain Clayton (Ward Bond) die Familie benachrichtigt, dass Comanche Unruhestifter in der Nähe sein könnten, reiten Ethan und Martin los, um sie zu finden. Doch es stellt sich heraus, dass es sich um ein Mordkomplott handelt, mit dem die Männer von der Ranch weggelockt werden sollen. Und als sie am nächsten Morgen zurückkehren, müssen sie feststellen, dass die Edwards abgeschlachtet und ihre Töchter Lucy (Pippa Scott) und Debbie (Natalie Wood) entführt wurden.

Damit beginnt eine fünfjährige Suche nach den Mädchen, die zu feindlichen Auseinandersetzungen, Leid und Tod führt. Ethan will allein weiterziehen, jedoch beharrt Martin darauf, ihn zu begleiten. Das trennt den jungen Mann von seiner großen Liebe Laurie Jorgensen (Vera Miles), der Tochter des Nachbarn Lars (John Qualen). Während der langwierigen Suche wird Laurie fast mit einem anderen verheiratet, Martin tauscht versehentlich einen Hut gegen eine Indianerbraut ein, und Ethan entdeckt, dass Häuptling Scar (Henry Brandon) der wahrscheinliche Kandidat ist, der Debbie noch besitzt. Auf seinem Rachefeldzug wird Ethan auch klar, dass er das Mädchen, das inzwischen ein Teenager ist, nicht lebendig zurückbringen will, denn sein Hass auf die Indianer und ihre Transformation in eine solche Gräulichkeit können in der idealisierten Familie, die er wiederherstellen will, nicht toleriert werden.

Rache ist ein zentrales Thema in "Der schwarze Falke", das Ethan dazu bringt, dunkle Pfade zu beschreiten, um einen verzerrten Sinn für Gerechtigkeit zu erlösen. Der erfahrene Western-Regisseur John Ford verwendet einen kunstvollen, effektiven Rahmen, um die Einsamkeit und Gebrochenheit des breitschultrigen Mannes zu veranschaulichen, zunächst in der Eröffnungsszene, als die Figur auf die Ranch reitet, und in regelmäßigen Abständen in mehreren anderen Momentaufnahmen. Aus dem Inneren von Gebäuden, einem Gehege und einer Höhle aufgenommen, bildet es einen schwarzen Kasten um eine beleuchtete Figur, die buchstäblich und bildlich an der Außenseite des Unternehmens klebt. "Der Schwarze Falke" endet bekanntlich mit einer entsprechenden Botschaft, die wiederum das Gefühl verdeutlicht, dass eine vollständige Tilgung und persönliche Eingliederung in ein sympathisches Umfeld für den hartgesottenen Antihelden unmöglich ist.

Diese beeindruckende Symphonie aus Rassismus, Gewalt und Entlarvungen wird durch besonders witzige Dialoge, einen staubigen Faustkampf, der von dem abwegigen Konzept der Gentleman-Regeln bestimmt wird, und Charaktere wie Charlie (Ken Curtis) und Mose (Hank Worden) illustriert, die beide komödiantische Nebenrollen spielen, in denen entweder Dummheit, Torheit oder durch Zwang beschleunigte Idiosynkrasien zum Ausdruck kommen. Diese vollkommene Mischung aus Action, Drama, Tragödie und Komödie ist ein dauerhaftes filmisches Rezept für ein unvergessliches, archetypisches Abenteuer. Auch wenn er bei der Oscarverleihung 1956 keinen Eindruck hinterließ, galt und gilt "Der schwarze Falke" als ein Meisterwerk, an dem sich alle anderen Western und Epen unweigerlich messen lassen müssen. "Das wird der Tag sein."

Als General Bill Meekins (Ed Begley, Jr.) dem Arzt Burt Berendsen (Christian Bale) die Leitung der Militäreinheit von Harold Woodsman (John David Washington) in "Amsterdam" von Regisseur David O. Russell überträgt, freunden sich die beiden schnell an und versprechen, sich gegenseitig zu schützen. Ihr Pakt erstreckt sich bald auf eine dritte Person, Valerie Voze (Margot Robbie), eine seltsame Krankenschwester, die sich um die Veteranen kümmert, nachdem diese im Kampf verwundet wurden. Das Trio wird untrennbar und tanzt die Tage im fröhlichen Nachkriegs-Amsterdam durch, aber ihr unbeschwertes Leben kann nicht ewig dauern. Trotz Valeries Bemühungen muss Burt schließlich nach Amerika zurückkehren, um mit seiner Frau Beatrice (Andrea Riseborough) wieder zusammenzukommen.

Kurz darauf gerät Burt in Schwierigkeiten und landet im Gefängnis, was die Beziehung des Trios weiter belastet, da Valerie mächtige Leute aus ihrer Vergangenheit kontaktieren muss, um ihn auf Kaution freizubekommen. Dann verschwindet sie und lässt Harold zurück, der ebenfalls nach New York zurückkehrt. Jahre später betreibt Burt eine bescheidene Klinik für Gesichtsprothesen in der Stadt, während Harold ein bekannter Jurist geworden ist. Als Liz Meekins (Taylor Swift) plötzlich Harold kontaktiert und ihn bittet, den Tod ihres Vaters zu untersuchen, beauftragt der Anwalt Burt, eine Autopsie an ihrem verehrten Anführer durchzuführen. Sie kommen einem mysteriösen Mord auf die Spur, bei dem sie die Hauptverdächtigen sind und Verbindungen zu einer monumentalen Verschwörung haben, die darauf abzielt, das Gleichgewicht der Macht im Lande zu stürzen.

Dank des großartigen Ensembles tauchen alle paar Sekunden neue Figuren auf, von denen jede noch skurriler, verrückter und idiosynkratischer ist als die andere. Zum Glück ist Christian Bale der mit Abstand ungewöhnlichste von ihnen, so als wäre er der Kopf einer Kollektion von Zeichentrickfiguren. Die fröhliche, altmodische Musik und die extremen Kameraperspektiven tragen zu der visuellen und behavioristischen Eigenartigkeit bei, in der jeder ein Verdächtiger ist, und erhöhen zweifellos die Unvorhersehbarkeit des Mordes. "Es ist gefährlich!"

Problematisch ist jedoch, dass "Amsterdam" bald in der Zeitlinie herumspringt, ein völlig unnötiger Fauxpas, während mehrere Erzähler die "Forrest Gump"-Stimmung der mit Humor gemischten Kriegssequenzen verkomplizieren. Ungeachtet der Schrecken des bewaffneten Konflikts und der spöttischen Bemerkungen über den Rassismus und die herrschenden politischen Mächte erweckt das unbekümmerte und temperamentvolle Auftreten der meisten Figuren den Eindruck der Unaufrichtigkeit. Es ist schwierig, mit den Protagonisten mitzufühlen, wenn unzählige Schwierigkeiten in Frivolität untergehen. Es ändert auch nichts daran, dass die Handlung, ebenso wie das improvisierte Unsinnslied, das die Hauptfiguren singen, um sich aufzuheitern, zufällig entstanden ist.

Auf unnatürlich verschrobene Weise betreiben die Rollen Slapstick, zeigen körperliche Ticks und weisen jede Menge unrealistische Exzentrizitäten auf, als hätten sie einen Wes-Anderson-Einschlag. "See How They Run" hat vieles davon kürzlich mit weitaus größerer Wirkung getan, indem er das Geheimnis mit so vielen Tändeleien, Abweichungen und Ablenkungen entfalten ließ, dass es unweigerlich mäandernd wirkt. Die Lösung des Falles scheint keine Priorität zu haben, denn der Film hält sich mit bizarren Kleinigkeiten auf. Für ein Projekt, bei dem so viel auf einmal passiert, fühlt sich "Amsterdam" an, als würde es ständig an der Grenze zur Eventualität stehen. "Ich bin mir immer noch nicht sicher. Was meint ihr?"

Dies ist bei weitem das unorganisierteste Werk von David O. Russell, das sich dahinschleppt, um am Ende so gut wie nichts zu erreichen, und das, obwohl es behauptet, auf wahren Begebenheiten zu beruhen, praktisch keine Auflösung hat. Es gibt etliche Schauplätze, Charaktere, Motive, Aktualisierungen und kuriose Wiederholungen, am humorvollsten der dünn verschleierte Kommentar zu ornithologischen Vorkommnissen, aber nichts davon provoziert die Art von Standard-Engagement, die man von einem Kriminalfilm erwartet. Das Ganze zieht sich so lange hin, bis es niemanden mehr interessiert, wer hinter all dem steckt. Selbst mit den gelegentlichen witzigen Interaktionen und Dialogen, von denen einige zu Antworten führen, die am Ende auf beleidigende Weise repetiert werden, weil der Betrachter zu abgelenkt ist, um den auf dem Bildschirm dargestellten Elementen zu folgen, ist das Fazit trocken. Es ist alles so konvolut und lahm, abgesehen von den verschiedenen Liebesgeschichten, die wenig mit der Hauptverschwörung zu tun haben, dafür aber umso bewegender sind. David O. Russell verbindet ganz offensichtlich zwei verschiedene Geschichten, indem er historische Intrigen und Korruption mit einer lockeren, traumhaften Bohème-Affäre vor der märchenhaften Kulisse der Niederlande verwebt. "Jemand versucht, etwas Dunkles und Verräterisches zu tun!"

In "See How They Run" von Regisseur Tom George wird die 100. Aufführung von Agatha Christies 'Die Mausefalle' im Londoner West End im Jahr 1953 gefeiert. Agatha Christie selbst nimmt nicht teil, schickt aber einen großen Kuchen für die anschließende Festlichkeit. "Ein Whodunit. Wenn man einen gesehen hat, hat man sie alle gesehen", sinniert der große Hollywood-Regisseur Leo Köpernick (Adrien Brody), der von seinem Unmut über die Vorlage erzählt und davon, wie schwierig es sein wird, daraus etwas Interessanteres zu machen als das langweilige Drehbuch seines sensiblen Autors Mervyn Cocker-Norris (David Oyelowo).

Nach einem Streit mit dem glamourösen Jungstar Richard Attenborough (Harris Dickinson), dessen Frau Sheila Sim (Pearl Chanda) das Ziel eines schäbigen Flirts geworden ist, geht Leo Köpernick hinter die Bühne, um seinen Smoking von Kuchenflecken zu säubern, und wird überfallen und getötet. Ein kräftiger Schlag mit einer Nähmaschine reicht aus. Nun ist es an Inspector Stoppard (Sam Rockwell), mit Hilfe von Constable Stalker (Saoirse Ronan) den Mörder zu finden - unter möglichen Verdächtigen und baldigen Opfern wie Petula Spencer (Ruth Wilson) und ihrer alten Mutter und dem Filmproduzenten John Woolf (Reece Shearsmith). "Ich mag einen guten Mord."

Sam Rockwells Detektiv ist zwar nicht so tollpatschig wie Inspector Clouseau, aber immer noch nicht ohne peinliche Zwischenfälle, die oft vom Alkohol ausgelöst werden. Er ist auch äußerst eigenwillig und zurückhaltend, manchmal scheint es ihm gleichgültig zu sein, Verbrechen aufzuklären, und er hat eine ausgeprägte Planlosigkeit, auch wenn er eine Mischung aus anderen namhaften Filmdetektiven ist. Saoirse Ronan passt hervorragend als witzige, wortgewandte Gehilfin, die aufmerksam genug zu sein scheint, um den Fall möglicherweise selbst zu lösen, auch wenn sie dazu neigt, voreilige Schlüsse zu ziehen. Obwohl es zahlreiche Charaktere und damit auch viele Verdächtige gibt, ist es hilfreich, dass praktisch jeder eine Abneigung gegen den verstorbenen Regisseur hegt, sind es die beiden Hauptdarsteller, die am einnehmendsten sind und eine verspielte Chemie haben, die weitaus amüsanter ist als jede der anderen Figuren. Sie sind ein äußerst sympathisches Team.

Es erleichtert die Interaktionen zwischen den beiden, die mit viel Humor unterlegt sind und zum Teil zu lautem Lachen führen. Darüber hinaus ist das komödiantische Temperament ausgezeichnet und das Erzähltempo ist lebhaft. Das Mysterium selbst ist nicht zum Erraten gedacht, es spielt oft auf 'Die Mausefalle' an, ohne das berühmte Finale des Stücks zu verraten, was bedeutet, dass jede vorherige Vertrautheit dem Betrachter einen zusätzlichen Einblick in die verschiedenen Gags und Hinweise gibt, und so entfaltet es sich in einem labyrinthischen Schema, mit kleinen Hinweisen, die sporadisch gegeben werden. Allerdings ist die Auflösung keine ersehnte, nervenaufreibende Enthüllung. Es ist die Zeit, die wir mit Inspector Stoppard und Constable Stalker verbringen, die so bezwingende Kraft versprüht. "Denken Sie, das ist gut gelaufen?"

Trotz der Rückblenden, Split-Screens und zahllosen Ortswechsel sowie anderer flinker Szenenübergänge und Montagetechniken wirkt die Präsentation frisch und abwechslungsreich, eine bunte Melange aus banalen Mystery-Zutaten und bedrohlichen Einschüben mit knackigen, stilisierten Bildern. Das Drehbuch mokiert sich zwar über die üblichen Normen von Kriminalfilmen, aber es gelingt ihm auch ein unvorhersehbarer Geistesblitz in einer Art Kunst-imitiert-Leben-imitiert-Kunst-Manier, obwohl es die Gattung ist, die ermüdende Wiederholungen benötigt, um den Betrachter darüber zu informieren, wie alles zusammenpasst, vergleichbar mit der Skurrilität von "Knives Out", aber lustiger, geschliffener und merkwürdigerweise realitätsnäher. Das Resultat ist jedoch ironisch und zufriedenstellend, und es ist in der Lage, das zeitweise flüchtige, unbeschwerte und flockige Gefühl für eine ausbalancierte Unterhaltungsform zu vergessen.

In "The Menu" von Regisseur Mark Mylod bedient das Restaurant 'Hawthorne' des renommierten Küchenchefs Julian Slowik (Ralph Fiennes) mit seinem schicken Insellokal, den luxuriösen Zutaten und der sorgfältig zubereiteten Küche die wohlhabendsten Gäste. Jeder Gang des Menüs wird mit den seltensten Weinen gepaart und erhält seine eigene Geschichte, die vom Starkoch selbst präsentiert wird. Viele würden sterben, um eines Tages im 'Hawthorne' essen zu dürfen. Einige bekommen vielleicht gerade die Gelegenheit dazu.

Als das junge Paar Tyler Ledford (Nicholas Hoult) und Margot Mills (Anya Taylor-Joy) auf der abgelegenen Insel eintrifft, um an dem berühmten mehrgängigen Dinner teilzunehmen, findet es sich in Gesellschaft eines bunten Haufens von Prominenten wieder, darunter ein Filmstar (John Leguizamo) und seine Assistentin (Aimee Carrero), eine berüchtigte Gastrokritikerin (Janet McTeer) und ihr sykophantischer Zeitschriftenredakteur (Paul Adelstein), opulente Stammgäste (Reed Birney und Judith Light) und die lautstarken Geschäftsfreunde (Arturo Castro, Rob Yang und Mark St. Cyr) des Restaurantbesitzers. Während die Gerichte aus der Küche immer komplexer und grandioser werden, wechselt die Stimmung des exzentrischen Gastgebers von spielerischer Arroganz zu kaustischer Pejoration für seine Gäste. Als die Theatralik zwischen den Tellern feindselig wird, muss Margot Mills versuchen, den tyrannischen Koch zu überlisten, wenn sie mit ihrem Leben davonkommen will.

"Die Geschmacksprofile sind alle sehr delikat!" Und das sollten sie auch, denn für 1250 Dollar pro Person werden alle möglichen Eliten bedient, von Wall Street-Typen über berühmte Persönlichkeiten bis hin zu versnobten Schriftstellern. Trotz der Gemeinsamkeit, dass sie der Oberschicht angehören und eine fürstliche Bewirtung gewohnt sind, gibt es unter ihnen keine durchschnittlichen Menschen, sondern sehr unterschiedliche Personen. Einige interessieren sich sehr für die Geschmacksnuancen, andere genießen einfach die Exklusivität und das Recht, damit zu prahlen, und mindestens einer ist völlig skeptisch. "Was, essen wir eine Rolex?"

Obwohl die ersten Momente eine leichte, luftige und humorvolle Atmosphäre verbreiten, ist es unmöglich, die Tatsache zu ignorieren, dass die Feinschmecker in eine isolierte Gegend reisen, die nur durch eine einsame Bootsfahrt mit der Zivilisation verbunden ist. Zudem suggeriert die markante Musik auf unheimliche Weise, dass nicht alles so ist, wie es scheint - heftig gezupfte Geigensaiten unterstreichen diesen Eindruck. Der Chefkoch und seine Belegschaft nehmen ihren Job so ernst, dass ihr Verhalten kryptisch, verdächtig und kriminell ist. Das Personal wirkt bösartig, noch bevor es zu echten Drohungen kommt. Der größte Teil des Vergnügens liegt in der Mischung aus Komödie und Hochspannung, aber der größere Teil ist der Aufbau und die Aura, dass es viel zu lange dauert, scheinbar zwei Gänge zu viel, bevor die Exzentrizitäten zu Albträumen werden.

Die Psychospielchen und Gags, die sich mit zahllosen Aufnahmen exotischer Speisen abwechseln, bei denen die Kunstfertigkeit Vorrang vor den bloßen Nährstoffen hat, gipfeln schließlich in dem einen oder anderen Schockmoment, der den Betrachter in Erwartung des kommenden optischen Horrors zusammenzucken lässt. Doch während "The Menu" in der Mitte einen brillanten Höhepunkt erreicht, gelingt es ihm nicht, sich im Finale zu steigern. "The Menu" verliert recht schnell an Dynamik und verrät früh seinen Zweck als Satire, indem es auf die Verblendung der Menschen in Bezug auf Macht, Kontrolle, Gehorsam, Verletzung der Privatsphäre, Gier, Rache und Aufmerksamkeit anspielt, aber vor allem die tiefe Kluft zwischen Arm und Reich, Nehmen und Geben, Aristokratie und Proleten aufspießt, die von Gefühlen der Vergeblichkeit und Hilflosigkeit durchzogen ist. "Das ist doch nur Theater!"

Die Speisekarte in "The Menu" ist nicht ganz so subtil, wie sie sein sollte, und dehnt seine Laufzeit mit fragwürdigen Eskalationen des Wahnsinns, einschließlich eines mysteriösen ursprünglichen Dates, das nie definiert wird. Auch die Familie des Meisterkochs und sein geheimnisvolles Domizil werden nicht näher erläutert. Eine sportliche Flucht in den Wald ohne klare Gewinner, Verlierer oder Konsequenzen und ein Hilferuf, der sowohl präzise inszeniert als auch rein zufällig ist, da ein wichtiges Kommunikationsgerät so unter Verschluss gehalten wird, dass niemand mit Sicherheit wissen konnte, dass es entdeckt werden würde. Einige der uninspiriertesten, unapologetischen Konzepte neigen dazu, sich an Horrorthemen zu orientieren, vor allem das übermäßig mutige, extrem neugierige Mädchen, was schade ist, denn die Mischung aus Humor und Gruselfaktor ist das, was "The Menu" im Allgemeinen auszeichnet. Je skurriler und strenger die Gänge und ihre Beilagen werden, desto origineller und witziger wird das Ganze, das Parallelen zu "Pig" von Michael Sarnoski aufweist, sich aber in seinem Sarkasmus, seinen Lachern und seiner Botschaft als viel pointierter und kreativer erweist. Leider zieht sich "The Menu" etwas in die Länge, ohne die von vielen erwartete Wucht zu entfachen, auch wenn das jüngste Gericht immens treffend und witzig ist.

Im Dokumentarfilm "Good Night Oppy" des Regisseurs Ryan White machen sich die Zwillingsroboter 'Opportunity' und 'Spirit' 2003 auf den Weg zum Mars, mit einer Lebenserwartung von nur 90 Tagen, oder 'Sols', wie die Tage auf dem Mars heißen. Doch bevor es soweit ist, zeichnet diese Doku die Geschichte der Erforschung des Roten Planeten nach, von den Viking-Missionen in den 1970er Jahren über die Freigabe der Rover- und Landermodelle in den 1980er Jahren bis hin zu dem äußerst anspruchsvollen zweijährigen Startplan, der durch die seltene Konstellation von Erde und Mars diktiert wurde. Dieses milliardenschwere nationale Projekt, das bewusst so gestaltet wurde, dass es mit dem Menschen in Kontakt treten kann - von einem gesichtsähnlichen Kamerasystem bis hin zu einer Höhe von etwas mehr als einem Meter fünfzig im menschlichen Durchschnitt -, besteht aus zwei autonomen, solarbetriebenen Robotern, die in einigen Wochen vom Kennedy Space Center abheben und separat starten sollen.

Der Aufwand, um die Roboter zu entwickeln und ins All zu bringen, ist astronomisch. Dies gilt auch für die Möglichkeiten des Scheiterns, die nicht nur von äußeren Kräften wie Sonneneruptionen, Staubstürmen und eisigen Temperaturen abhängen, sondern auch von der Komplexität der Bruchlandung vor dem Aufprall auf der Marsoberfläche selbst. "Good Night Oppy" ist fast wie ein Thriller zusammengeschnitten, mit Rückblenden auf frühere gescheiterte Missionen und gelegentlichen manipulativen Verzögerungen, um Spannung zu erzeugen. Es gibt sogar merkwürdige, irrelevante Aufnahmen aus der Kindheit einiger NASA-Mitarbeiter, als ob es interessanter wäre, die Geschichte der verschiedenen Erzähler im Detail zu beschreiben. Doch die geologischen Informationen, die vom Mars zurückkommen, sind zweifellos wichtiger als das Privatleben der Wissenschaftler und Ingenieure, auch wenn die Fachleute selbst zu wertvollem Filmmaterial in ihrem Arbeitsumfeld beitragen.

Dennoch ist es hilfreich, dass NASA-Experten als Interviewpartner hinzugezogen werden, vor allem aus dem 'Jet Propulsion Laboratory' in Pasadena, Kalifornien, darunter ein Missionsmanager, ein leitender Systemingenieur, Rover-Fahrer, führende Wissenschaftler, Maschinenbauingenieure, ein Robotertechniker und ein Kamerabetriebsingenieur. Die Schauspielerin Angela Bassett leiht ihre Stimme auch für Kommentare und um aus dem Tagebuch des Rovers vorzulesen, während ein klassischer Rocksoundtrack die Stimmung auflockert, der Teil einer morgendlichen Wecktradition der Astronauten ist. Da "Good Night Oppy" im Wesentlichen eine Geschichte über das Leben der Roboter ist, ist die Chronologie einfach zu verstehen, ebenso wie die Strukturierung, bei der Fallstricke auftreten und zusätzliche Missionen geplant werden, wenn die 90-tägige Lebensdauer weit überschritten wird. Die Geschichte ist offensichtlich, während das Thema in der Regel interessant genug ist, um einen Dokumentarfilm in Spielfilmlänge zu rechtfertigen.

Die von der renommierten Special-Effects-Firma 'Industrial Light & Magic' geschaffenen Ausblicke auf den Mars, die in verschiedenen Schwenks durch felsiges Gelände zu sehen sind, sind zwar visuell reizvoll, könnten aber etwas mehr Schärfe vertragen. Jedes Mal, wenn nicht ganz klar ist, was simulierte Computergrafiken und was tatsächliche Fotos vom Mars sind, ist das ein wenig verwirrend, auch wenn es auf der Hand liegen sollte, dass die meisten der Bilder konstruiert wurden. Zudem werden dadurch die technologischen Kapazitäten der NASA erheblich unterminiert. Fast keine der dargestellten Daten könnte ohne computeranimierte Ergänzungen auf ansprechende Weise präsentiert werden. Nur selten wird gezeigt, wie primitiv einige der Aufnahmen sind, da die Kameras altern, und immer in Schwarzweiß gehalten sind, vor allem, wenn man die modernste Technik des heutigen Kinos erwarten könnte.

Letztendlich macht jedoch die Einzigartigkeit der Marsforschung diese Dokumentation lohnenswert, da sie Details über die bemerkenswerten Entdeckungen liefert, insbesondere über das frühere Vorhandensein von Wasser, das möglicherweise mikrobielles Leben in der Vergangenheit begünstigt hat, und gleichzeitig die außergewöhnliche Zeitspanne aufzeigt. Der durchschnittliche Laie wird sich jedoch kaum vorstellen können, dass die von den Rovern gemachten Entdeckungen von fundamentaler Bedeutung sind. Die Ergebnisse vom Fund von Wasser auf dem Mars werden den meisten Menschen noch nicht bewusst sein. Aber es ist auch faszinierend zu sehen, wie die neue Generation von NASA-Ingenieuren, die als Kinder und Studenten eines Tages am Opportunity-Programm teilnehmen wollten, nun ihre beruflichen Träume verwirklichen. Obwohl "Good Night Oppy" etwas zu lang ist und mit einigen eindeutig redundanten Sequenzen aufgefüllt wurde, insbesondere wenn es um die Interaktion der Wissenschaftler in ihren Häusern mit ihren Familien geht, ist der Film durchweg unterhaltsam, speziell für alle, die neugierig auf das Schicksal von 'Opportunity' und 'Spirit' und deren Aufenthalt auf dem Mars sind.

Selten wird der Betrachter mit einem Actionfilm verwöhnt, der so energisch mitreißt und gleichzeitig mit humanistischen Einschnitten, subtilen Botschaften und moralischen Untertönen zwischen den Zeilen garniert ist. Die radikalen Anti-Helden in "Express in die Hölle" von Regisseur Andrey Konchalovskiy sind unglaublich originell. Einfach ausgedrückt: Die Guten sind böse und die Bösen sind gut. Dieser drastische Perspektivenwechsel sorgt für ein düsteres und zugleich ergreifendes Erlebnis, auf das der wenig klangvolle Filmtitel den Betrachter nicht adäquat hätte vorbereiten können.

Oscar 'Manny' Manheim (Jon Voight) ist ein refraktärer Straftäter, der mit dem jüngeren, naiven Häftling Buck (Eric Roberts) aus einem Hochsicherheitsgefängnis in Alaska ausbricht. Auf ihrer Flucht besteigen sie versehentlich einen Zug, dessen Fahrer an einem Herzinfarkt gestorben ist. Die beiden Gefangenen steuern mit hoher Geschwindigkeit auf eine Katastrophe zu und versuchen gemeinsam mit der einzigen anderen Passagierin in der Bahn, der Angestellten Sara (Rebecca De Mornay), dem drohenden Verderben zu entkommen. Der sinistre Aufseher Renken (John P. Ryan) will die Sträflinge tot sehen, während die versammelten Bahnangestellten alles tun, um zu verhindern, dass der mechanische Moloch in Frontalzusammenstöße verwickelt wird, baufällige Brücken überquert und in einer buchstäblich giftigen Entgleisung endet.

Jon Voight und Eric Roberts verleihen ihren Figuren eine überzeugende Charaktertiefe und bilden eine faszinierende, ungewöhnliche Allianz. Jon Voight ist ein zugkräftiger Hauptdarsteller, wenngleich sein Charakter gezeichnet, verbittert, nicht kalkulierbar und ein verkommener Unmensch ist, der die Weichen für eine erheiternde Erlösung stellt. Eric Roberts stellt ebenfalls einen Kriminellen dar, aber im Gegensatz dazu ist er unkomplizierter und gelassener. Er ist ein Verbrecher ohne tiefgreifende kognitive Fähigkeiten und lässt sich von seinem korrupten Vorbild wie ein Prügelknabe manipulieren. Auch die Dialoge sind bemerkenswert und tragen dazu bei, die gegensätzlichen Standpunkte von Oscar und Buck zu definieren und ihre Überlebensmentalität zu erklären. Rebecca De Mornay ist der dünne Draht, der sie davon abhält, sich gegenseitig umzubringen, und der Schlüssel zum Verständnis und zur Berechnung ihrer kollektiv verzweifelten Lage. Die überragende Schauspielkunst von Jon Voight und Eric Roberts blieb nicht unbemerkt, denn beide wurden 1985 für den Oscar nominiert.

Nach einem Drehbuch des mythischen Pioniers Akira Kurosawa ist "Express in die Hölle" voll von den Abgründen des Lebens, des Todes, der Aggression, der ethischen Entscheidungen und des wandelbaren Schicksals. Akira Kurosawas Handschrift macht aus einem ansonsten simplen Film ganz und gar nachdenklich stimmende Unterhaltung, deren bekannte Motive ein spannendes Action-Panoptikum bilden, das sowohl Herz als auch wildes Abenteuer enthält. Regisseur Andrey Konchalovskiy hat nur wenige amerikanische Filme gedreht, darunter die "Lethal Weapon"-Kopie "Tango & Cash", aber dieses frühe Werk ist ein außergewöhnliches Regiedebüt.

Mit viel nervenaufreibender Spannung zwischen dem erzürnten Trio schafft es "Express in die Hölle", dem Betrachter die moralischen Dilemmata und tiefgreifenden Sorgen der Figuren nahe zu bringen. Der unabänderliche Lauf des rasenden Zuges ist eine Parallele zum menschlichen Schicksal und seinem Kampf, es zu ändern, aber "Express in die Hölle" vermischt auch filmische Themen wie Rache, die Akzeptanz der Sterblichkeit, die animalische Natur des Menschen, das ultimative Opfer und den inbrünstigen Wunsch nach Frieden. Zahlreiche Elemente, die auf unvorhersehbare Weise miteinander verknüpft sind, wirken zusammen und offenbaren eine Intensität und unterschwellige Ergriffenheit, die angesichts des klischeehaften Actionfilmtitels sehr positiv auffällt. Dieser Sonderzug hat weit mehr zu bieten als die erwartete Flut von mörderischen Ausweichmanövern.

Oft wird er als der größte japanische Film aller Zeiten angesehen, was umso interessanter ist, da der legendäre Regisseur Akira Kurosawa sich an den Western amerikanischer Großmeister wie John Ford orientierte: "Die sieben Samurai" ist eine spannende Geschichte über Ehre, Tapferkeit und Liebe. Die meisterhaft zusammengestellte und getaktete, üblicherweise erschreckende dreieinhalbstündige Laufzeit fühlt sich nie unter- oder überstrapaziert an, zumal fesselnde Geschichten, tiefgründige Charakterentwicklungen, sensationelle schauspielerische Leistungen und atemberaubende Momente mit überwältigender Inszenierung die Bühne häufig überfluten. Sein Herz und seine Botschaft, angereichert mit Einblicken in die romantische und doch historische japanische Kultur und Vorstellungskraft, machen dieses hochgelobte Epos zu einem wahren Filmgenuss für Connaisseure.

Ein kleines Gerstendorf wird von Banditen terrorisiert. Jedes Mal, wenn die Ernte eingebracht wird, werden die Bewohner ausgeplündert und haben kaum genug zu essen, um zu überleben. Nach einer Beratung mit dem Dorfältesten (Kuninori Todo) wird beschlossen, dass die Delegierten in die Stadt gehen und starke Samurai anheuern sollen, um sie zu beschützen. Der Bauer Manzo (Kamatari Fujiwara) und seine beiden Gehilfen können als Gegenleistung für den gefährlichen Dienst nur Lebensmittel anbieten, stoßen aber glücklicherweise auf den edlen Ronin Kambei (Takashi Shimura), der sich bereit erklärt, ihnen zu helfen. Seine Motive liegen jenseits materieller Belohnungen - er ist ein Mann, der von unsichtbaren Kräften und unerklärlichen Prinzipien ermutigt wird, einfach das Richtige zu tun. Er beginnt, alte Kameraden und arbeitslose, hungrige Krieger zusammenzutrommeln, bis sechs Samurai und ein Nachzügler, der darauf besteht, mitzukommen, ins Dorf zurückkehren, um sich den Marodeuren entgegenzustellen.

Die Prämisse ist einfach, doch der Ansatz ist hervorragend. Akira Kurosawa hat die Beweggründe und Gedanken, die hinter den vielschichtigen Taten der Nächstenliebe, des Heldenmuts und der Aufopferung stehen, sorgfältig analysiert und eine akribische Charakterstudie einer Vielzahl von Persönlichkeiten geschaffen. Der erste Samurai, der sich Kambei anschließt, wird durch unbedingten Respekt geleitet, der auch keine Gegenleistung verlangt. Der zweite Samurai schließt sich an, noch bevor er die Einzelheiten des unvermeidlichen Angriffs erfährt, da er schon lange mit dem berühmten Ronin befreundet ist. Ein junger Schüler beteiligt sich, nachdem er Zeuge einer großzügigen Darbietung von Geschicklichkeit geworden ist. Andere fühlen sich von der Vorstellung angezogen, noch einmal in die Schlacht zu ziehen - eine historische, bewegende Aktivität, die einem Samurai ein Ziel gibt.

Der siebte Samurai ist Akira Kurosawas Günstling Toshiro Mifune als Kikuchiyo, der auf denkwürdige Weise einen clownesken, draufgängerischen Gegenpol zum ruhigen, gefassten Anführer bildet. Er will seine Mitstreiter beeindrucken und sich einen Platz unter den wahren Kriegern verdienen, aber er ist sich auch des Leids der Dorfbewohner bewusst und sucht nach persönlicher Vergebung für seine vergangene Schuld. In geschickt konstruierten Szenen der Ironie demonstriert Kikuchiyo grundlegende Kampffähigkeiten mit gewissen Ergebnissen, aber mit viel weniger Geschick als seine Kompagnons. Wenn ein Oberer zwei Schurken mit zwei gezielten Schwerthieben ausschaltet, kann man sehen, wie Kikuchiyo auf den dritten springt und wild um sich schlägt, um ihn zu überwältigen. Er ist ständig auf der Suche nach Aufmerksamkeit und macht sich über die Taktiken seiner Kameraden lustig, weil er sich selbst mehr zu beweisen hat, als es die Belehrung durch seinesgleichen je könnte. Seine Bedeutung ist am stärksten in der Überzeugung, dass Rechtschaffenheit die besseren Eigenschaften in anderen anziehen kann. In der Welt von "Die sieben Samurai" ist Heldentum übertragbar.

Obwohl Akira Kurosawa die Stile des japanischen Kinos mit westlicher Feinfühligkeit vermischt, steht der Spannungsaufbau fast völlig im Kontrast zu dem moderner Filme. Heute würde die Musik anschwellen, um eindringliche Bilder einzuleiten, doch hier, während mehrerer Konfrontationen in der Nähe der feindlichen Festung, bricht die musikalische Gestaltung völlig ab und hinterlässt lange Momente der Stille - Stress und Angst spiegeln sich stattdessen in den Gesichtern der Darsteller wider. Diese ungestörte Abbildung des Kampfes dient nicht nur der Ehrfurcht, sondern auch dem Realismus. Im Endkampf, der bei schlechter Sicht in einer schlammgetränkten Arena stattfindet, verstärken verzweifelte Schreie und Kriegsgebrüll den todesverachtenden Angriff - eine Sequenz, die dank Akira Kurosawas erstmaligem Einsatz mehrerer Kameras noch spektakulärer wird.

Im Laufe von "Die sieben Samurai" werden unzählige paradigmatische Kampftaktiken und -strategien angewandt, die jeweils moralische Lektionen beinhalten. Die Rettung anderer, um sich selbst zu retten, die Zusammenarbeit im Team und die Vermeidung von Torschlusspanik, das Halten von Positionen, um den Feind zu zerstreuen, und die Aufrechterhaltung des Gefühls der Kontrolle stehen im Gegensatz zu den Problemen der sozialen Klasse, der Undankbarkeit oder der Unfähigkeit, kleine Erfolge zu würdigen, und der Angst, die sich aus ungewöhnlichen Unternehmungen für einfache Bauern ergibt. Weitere moralische Konflikte zeigen sich in einem offensichtlichen Unbehagen gegenüber den Menschen, für die viele der Samurai instinktiv und ohne zu zögern sterben würden, sowie in einer romantischen Nebenhandlung, in der sich eine Frau die Haare schneiden lässt und sich wie ein Mann kleidet, weil sie Angst vor der unberechenbaren Präsenz der herrenlosen Soldaten oder Söldner hat, als die sie anfangs gesehen werden. Vertrauen und die Überwindung von Vorurteilen sind die schwierigsten Aufgaben für die misstrauischen Dorfbewohner, die sich nicht wehren können, auch wenn sie keine andere Möglichkeit haben.

Am Ende gibt es sowohl eine große Tragödie als auch einen großen Erfolg. In einer Szene, die an das Ende von John Fords "Der schwarze Falke" erinnert, wird die Freude über Sieg und Unabhängigkeit nur den Bauern zuteil. Er symbolisiert einen Außenseiter, dem für immer die Chance verwehrt bleibt, sich der Menschheit anzuschließen, während Meister Kambei genau weiß, dass die einzige Entschädigung für die geleisteten Dienste und die verlorenen Leben in einem gesteigerten Selbstwertgefühl und dem Wissen besteht, den Bedürftigen geholfen zu haben - etwas, das nach dem Kodex der Samurai selbstverständlich ist. Ihre Errungenschaften werden schnell abgetan, während die Dorfbewohner jubeln und prompt vergessen, dass ihre Heilsbringer noch da sind - am Horizont. Aber so ist das Leben der Samurai, und für sie ist es damit getan.

In "Weißes Rauschen" von Regisseur Noah Baumbach ist das Leben von Jack Gladney (Adam Driver) als Familienvater und Professor an einem College in Ohio in den 1980er Jahren hektisch, was sich nicht in einer bestimmten Interaktion zeigt, sondern in einer Flut von sich überschneidenden Dialogen in einem Haus voller Kinder, die alle verdächtig altklug sind. Noch kontemplativer und existenzieller wird es, wenn er sich regelmäßig mit seiner Frau Babette (Greta Gerwig) über das Leben, das Sterben und die Bewältigung von familiären und gesellschaftlichen Gepflogenheiten unterhält. Beide sind im Wesentlichen vom Tod besessen. Selbst in seinem Klassenzimmer erörtert Jack Gladney, wie der Mensch zum Ränkeschmieden und Töten verleitet wird. Sämtliche Überlieferungen bleiben bis zum Ende des Lebens intakt. Und sein pädagogischer Ansatz ist Adolf Hitler und der Nationalsozialismus. "Lasst uns diese ziellosen Tage genießen, solange wir können."

Während die Figuren darüber nachdenken, wie langweilig und gewöhnlich, aber dennoch erfreulich und bemerkenswert ihr Dasein ist, wird deutlich, dass sich diese Personen auf spezifisch abnormale Weise verhalten. Sie mögen ihr Leben als alltäglich bezeichnen, aber es ist ungewöhnlich cineastisch, vielleicht sogar alarmierend, denn Jack Gladney träumt von jenseitigen, nächtlichen Ereignissen. Der Dialog ergießt sich weiter über den Betrachter, schnell und konvergierend und ohne große Pause, eine Informationsflut, die so komplex ist, dass es Mühe macht, sie zu verstehen. "Jeder vergisst gelegentlich etwas."

Es gibt auch einen anderen Professor, Murray Siskind (Don Cheadle), der sich auf Elvis Presley und andere Themen wie Autounfälle spezialisiert hat. In seinen Vorträgen, die sich oft mit denen von Jack Gladney überschneiden, werden Aufnahmen des King of Rock 'n' Roll, von Hitler-Kundgebungen, Sequenzen von Fahrzeugzerstörungen aus Filmen und gleichzeitigen Ereignissen wie einer Explosion giftiger Chemikalien gezeigt, von denen einige auf wichtige Themen hinweisen und andere in der Geschichte selbst eine Rolle spielen. Die Essenz scheint plötzliches Chaos zu sein, das sich mit absoluter Ordinarität paart. "Schaut nicht auf die Gewalt, hab ich gesagt."

Es gibt eine seltsame Tendenz zu Nahaufnahmen von Nahrungsmitteln, verträumten Nebenhandlungen, bizarren Narrationen und abrupten Stimmungswechseln, die durch Panik, Lügen und gezielte Fehlinformationen angeheizt werden. Jederzeit könnte sich "Weißes Rauschen" in einen Zombie-Apokalypse-Film verwandeln. Es ist fast so, als ob es sich um ein Experiment handelt, das die unerwartetsten Übergänge von Themen und Genres präsentiert, wobei okkulte Vorgänge und unheilschwangere Visionen die Normalität in schnellem Tempo überholen. Jede weitere Szene wird immer grotesker und unglaubwürdiger. "Geh nicht planmäßig vor."

Auch wenn "Weißes Rauschen" allein schon wegen der eigentümlichen Sprünge in der Erzählung einigermaßen spannend ist, so ist der Sinn dieses Unterfangens mehr als unklar. Der Film ist absurd, satirisch, überhöht und manchmal geradezu wahnsinnig komisch, aber selten hat man das Gefühl, dass er eine bedeutende Bedeutung hat. Vielleicht geht es einfach darum, dass das Leben zufällig, unvorhersehbar, unkontrollierbar und letztlich unvermeidlich ist. Es werden Fehler gemacht, und es wird zu Havarien kommen. Vielleicht ist es aber auch nur die Geschichte einer Familie, die versucht, einen alarmierenden Chemieunfall zu überleben, oder vielleicht eine Verurteilung von Religion und Konsumverhalten, vielleicht aber auch ein Kommentar dazu, wie die Technologie die Menschheit in den Untergang führen wird. Auf jeden Fall sind die Darbietungen unterhaltsamer als jede andere Komponente, denn die Schauspieler lassen sich voll und ganz auf die Unbeständigkeit und den Irrsinn ein. Sicherlich ist die Geschichte ein frenetisches Durcheinander von Abenteuer und Drama, ein undurchschaubares Gewirr von Thriller und Komödie, das sich wie ein episches Roadtrip-Experiment dreht und windet. "Ich möchte wissen, wie viel Angst ich haben sollte."

Noah Baumbach, der das Buch von Don DeLillo verfilmt, hat vielleicht die Absicht, den Roman auf eine Weise zu interpretieren, von dem er weiß, dass er berühmt genug ist, um analysiert, gefeiert und erklärt worden zu sein, aber es ist ihm egal, ob der Betrachter den Prozess begreift. Der Versuch, den Inhalt zu entschlüsseln, erweist sich trotz kleiner Hinweise meist als unverständlich und zuweilen als frustrierend. Der Pfad ist außerdem überlang und grenzt ständig an die Ambiguität von Realität und Illusion. Das Problem ist, dass wenn nichts ernst oder wörtlich genommen werden kann, nichts viel Bedeutung hat. Was sich hier zusammenbraut, kann sehr bildhaft sein und ist weder einfach noch leicht nachzuvollziehen, was viele Betrachter sicher vor den Kopf stoßen wird. "Will denn niemand darauf achten, was eigentlich geschiet?"

Im vierten Teil der "The Crow"-Franchise, der in Deutschland nur unter dem Titel "Wicked Prayer" bekannt ist und bei dem Lance Mungia Regie führte, liegt der stark verschmutzte 'Ravasu-See' an der Grenze zum 'Raven-Azteken-Reservat', das die nahe gelegene Giftmine schließt, um Platz für ein Kasino zu schaffen. Die Bergleute sind am Ende ihrer Kräfte, aber erst ein Aufstand unter der Führung des satanischen Sektenführers Luc Crash alias 'Death' (David Boreanaz) und seiner rachitischen, anarchischen Häscher 'Pestilence' (Yuji Okumoto), 'War' (Marcus Chong) und 'Famine' (Tito Ortiz) macht ihnen das Leben zur Hölle. Die Gemeinde ist gespalten: Die einen unterstützen den Bau eines Resorts, die anderen fordern den Erhalt von Arbeitsplätzen im Bergbau, was zu allerlei sozialem Unfrieden führt.

Mit von der Partie sind Jimmy Cuervo (Edward Furlong) und seine Freundin Lily (Emmanuelle Chriqui), die von entgegengesetzten Seiten kommen und ihre Freunde und Bekannten in große Sorge versetzen. Doch ihre Differenzen werden bald überflüssig, als Luc Crash und seine Freundin Lola Byrne (Tara Reid) in Lillys Arbeitsplatz einbrechen, die beiden Liebenden gefangen nehmen und anschließend aufknüpfen. Der Tod ist jedoch nur der Anfang, denn ein bizarres Ritual sorgt dafür, dass Jimmy Cuervos Seele mit Hilfe einer mystischen Krähe zurückkehrt, um das ihm angetane Leid zu korrigieren.

Wenn Tara Reid in einem Spielfilm auftritt, ist das automatisch ein negatives Omen. Und tatsächlich sind ihre ersten Dialogzeilen so wenig überzeugend, dass man meinen könnte, sie wüsste nicht, dass sie in einem Film mitspielt. Die Filmemacher sind sich ihres schauspielerischen Versagens durchaus bewusst und gehen sogar so weit, ihre Stimme aus dem Off sprechen zu lassen und nicht aus ihrem ihr Gesicht, wenn sie spricht. Das fällt kaum ins Gewicht, denn dem Drehbuch mangelt es weitgehend an Sensibilität und Kreativität. Die jenseitigen Elemente sind langweilig und unklar genug, dass so ziemlich alles passieren kann, ohne dass es deplatziert oder interessant wirkt.

Diese willkürliche Konstruktion mit wackeligen, schlampigen Schnitten und bemitleidenswerten Dialogen trägt nicht zur Ernsthaftigkeit der Gewalt bei, die so brutale Konzepte wie das Herausschneiden von Augäpfeln und das Herausreißen von Herzen beinhaltet, ohne viel zu zeigen. Die Action-Sequenzen sind vergeblich darauf ausgelegt, die Tatsache zu umgehen, dass niemand wirklich kämpfen kann. Ähnlich abstrus sind die verschiedenen Beziehungen, die routinemäßig in unstrukturierten Rückblenden und abrupten Schnittbildern erzählt werden. Selbst extrem unwichtige Nebenhandlungen erhalten Hintergrundgeschichten, die nicht weniger wichtig erscheinen könnten. Darüber hinaus ist die Geschichte gespickt mit biblischen Referenzen und anderen Motivationen, die so widersinnig und unlogisch sind wie Jimmy Cuervo, der sein Gesicht mit schwarzem Eyeliner weiß anmalt und sich in zerrissenes Leder kleidet, was hier eher lächerlich als unheimlich wirkt. "Bist du ein Engel?"

Die Optik und das Grundprinzip basieren auf der Comic-Reihe von James O'Barr - diese vierte Verfilmung ist von einem bestimmten Roman gleichen Titels inspiriert -, was der gotischen Aufmachung und dem Stil sowie den Themen Rache und Erlösung zugute kommt, aber dieses neueste Kapitel hat nichts Neuartiges zu bieten. Offensichtlich passieren jedes Mal, wenn die Krähe einen zu Unrecht ermordeten Menschen wiederbelebt, genau dieselben Dinge, nämlich dass verschiedene Schläger zur Vergeltung herangezogen werden, dass die vorübergehenden Verletzungen des metaphysischen schwarzen Vogels sich auf sein menschliches Gegenstück auswirken, dass die Bösewichte sadomasochistische Aktivitäten ausüben und dass viel geschimpft wird. Alles hier ist so stumpfsinnig, schlecht ausgeführt und lachhaft dämlich, dass der Schluss fast unbegreiflich schwachsinnig wird, als ob er sich absichtlich selbst verhöhnt und nur zeitweise an einen richtigen Film erinnert. Selbst die üblicherweise unterhaltsame Nebenbesetzung mit Danny Trejo und einem augenzwinkernden Dennis Hopper kann diese Katastrophe nicht davor bewahren, grundsätzlich unsympathisch zu sein. "Küss die Braut, du Wichser!"