Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Creed - Rocky's Legacy" von Regisseur Ryan Coogler im Los Angeles des Jahres 1998 kann der junge Adonis Creed einfach nicht aufhören, sich zu prügeln. Ob in den Gruppenheimen, Pflegefamilien oder Haftanstalten, zwischen denen er ständig wechselt, der Drang, sich mit seinen Fäusten zu behaupten, liegt in seiner Natur und in seinem Blut. Die Rettung kommt in Form von Mary Anne Creed (Phylicia Rashad), Apollo Creeds Frau, die beschließt, den kleinen Adonis aufzuziehen, obwohl er das Produkt von Apollos Affäre mit einer anderen Frau ist.

Siebzehn Jahre später arbeitet Adonis (Michael B. Jordan) bei der 'Smith Boardley Financial Group' und steht kurz vor einer stattlichen Beförderung. Doch anstatt das zusätzliche Geld und die Verantwortung zu akzeptieren, gibt er seine ehrliche Zukunft für das riskantere Unterfangen auf, an der 'Delphi Boxing Academy' zu trainieren, wo er hofft, Profi zu werden. Als in Los Angeles niemand bereit ist, den Halbschwergewichtler zu betreuen, reist Adonis nach Philadelphia, um den legendären Rocky Balboa (Sylvester Stallone) aufzuspüren, der ein Faible dafür haben könnte, den Sohn seines größten Gegners zu trainieren.

Ein Mensch kann nur eine bestimmte Anzahl von Trainingsmontagen durchhalten. Aber dieser siebte Teil der "Rocky"-Franchise lässt nicht nach mit seinem scheinbar endlosen Angebot an praktischen, muskelbepackten, faustpumpenden Workout-Routinen zu motivierender Musik. Tatsächlich werden Boxfilme in der Regel so häufig veröffentlicht, dass Ryan Coogler von solch formelhaftem, unoriginellem Material hätte Abstand nehmen sollen. Aber angesichts einer der unerklärlichsten Filmreihen des Kinos konnte er es nicht über sich bringen, sie abzulehnen.

Um ein neues Element einzuführen, wurde der Bearbeitungsstil geändert. Doch nicht immer zum Besseren. Schärfere Bilder und komplexere Choreografien können "Creed - Rocky's Legacy" nicht vor den Videospiel-ähnlichen Statistiken retten, die auf dem Bildschirm aufploppen - eine absolut grauenhafte Idee, die die Produktion noch weiter von dem erhofften Realitätssinn entfernt. Es ist, als wolle der Film nicht ernst genommen werden, was im Grunde genommen auch geschieht, sobald Sylvester Stallone als der berühmte Rocky auftritt und dieses Stück dramatischer Fiktion ins Reich der Fantasterei verlagert.

Es ist jedoch nicht alles negativ, da der erste echte Kampf, der irgendwo in der Mitte stattfindet, in einer kontinuierlichen Art und Weise gefilmt wird, die nie abbricht, da sie über die Schulter jedes Kämpfers schwebt, während sie sich gegenseitig Hiebe versetzen. Nur zwei Runden lang, aber die Technik ist faszinierend, weil sie den Betrachter direkt in den Ring versetzt, so als ob er jeden Schlag anstelle des Schiedsrichters genau beobachten würde, und er bleibt in diesem Moment, selbst wenn die Glocke die Kämpfer in ihre Ecken ruft. Leider wird ein klassischer Fehler begangen, wenn diese einzige, interessante Sequenz nicht durch den Höhepunkt, einen traditionellen Meisterschaftskampf mit einem austauschbaren, im Grunde willkürlichen, ungeschlagenen Gegner, übertroffen werden kann, so dass die zweite Hälfte des Films sich mit abnehmender Dynamik dahinschleppt.

Bei all den Redundanzen in Handlung und Bildsprache hätte "Creed - Rocky's Legacy" genauso gut eine lange Zusammenstellung von Szenen aus den sechs vorherigen Filmen sein können. Selbst wenn humorvolle Momente das Motiv 'Jung gegen Alt' hervorheben, wenn die Vater-Sohn-Beziehung auftaucht, wenn die notwendige Romanze zwischen Adonis und seiner aufmüpfigen Nachbarin Bianca (Tessa Thompson) aufblüht oder wenn das unvermeidliche inspirierende Sportdrama-Thema 'Gib niemals auf' sein ekliges Gesicht aufsetzt, gehen die echten Emotionen in der strapaziösen Laufzeit und den klischeehaften Interaktionen unter. Die Augenblicke des Herzens sind so tief vergraben, dass dem Betrachter nichts als das quälende Muster von Training und Kampf, Kampf und Training bleibt. Wenigstens sieht Michael B. Jordan Carl Weathers sehr ähnlich.

In "Blond" von Regisseur Andrew Dominik wird Norma Jeane Mortenson (Ana de Armas) von ihrer misshandelnden Mutter die Schuld daran gegeben, dass ihr Vater sie verlassen hat, und entgeht während ihrer tragischen Kindheit nur knapp einem Horror nach dem anderen. Allen Widrigkeiten zum Trotz wächst das junge Mädchen zu einem erfolgreichen Model und Schauspielerin heran, aber nicht ohne zuvor weitere Erniedrigungen durch lüsterne Casting-Agenten und Studio-Manager zu erleiden. Norma findet einen Moment des Friedens, als sie sich in Cass (Xavier Samuel) und Eddy (Evan Williams) verliebt, aber ihr Glück wird bald durch den Verlust ihres Kindes zunichte gemacht. Im Laufe der Jahre steigen Ruhm und Reichtum des Filmstars mit dem Künstlernamen Marilyn Monroe in die Höhe, während ihr Privatleben zwischen momentaner Glückseligkeit und erdrückendem Herzschmerz oszilliert. Beziehungen zu einem Baseball-Giganten (Bobby Cannavale), einem renommierten Theaterautor (Adrien Brody) und sogar einem Präsidenten (Caspar Phillipson) bieten wenig Schutz vor der grausamen Allianz zwischen den Dämonen ihrer Vergangenheit und ihrer alles verzehrenden Leinwandpersönlichkeit, die sich verschworen haben, sie zu zerstören.

Das Leben von Norma Jeane ist von Anfang an alles andere als ein Märchen. Als ob Armut, ein abwesender Vater und Verrat durch Erwachsene nicht schon schlimm genug wären, macht die körperliche Misshandlung durch eine psychisch labile Mutter ihre Situation noch unerträglicher und erinnert immer wieder an den Wahnsinn in Horrorfilmen. Der Slogan 'Von allen erkannt, von niemandem gesehen' bringt auf den Punkt, was Regisseur Andrew Dominik mit seiner Verfilmung des Romans von Joyce Carol Oates erreichen will: Die fiktionalisierte Interpretation der Karriere von Marilyn Monroe zieht den Vorhang zurück und enthüllt eine traumatisierte, gequälte Seele.

Aus der Vernachlässigung und den Familientragödien erwächst der Ruhm, aber die Handlung überspringt hier große Teile ihrer Geschichte völlig. Trotz seiner beträchtlichen Laufzeit ist "Blond" weit davon entfernt, eine umfassende Biografie zu sein. Marilyn Monroes Aufstieg zu nationalem Ruhm wird in Form eines sexuellen Übergriffs, einiger Zeitschriftencover und einiger Probeaufnahmen dargestellt, wobei sich die Besetzung des Films auf etwa vier Produktionen beschränkt. Mit verschiedenen historischen Elementen, die authentisch übersetzt wurden, um die zahlreichen künstlerischen Freiheiten zu ergänzen, und mit der Ersetzung des Stars Ana de Armas durch Fotos und Filmmaterial, von denen das erste "Alles über Eva" ist, in dem der Originaltext von George Sanders beibehalten wurde, da er hier keinen entsprechenden Schauspieler hat, der ihn darstellt, präsentiert "Blond" eine sehr lockere, sehr kurze Geschichtsstunde über die unnachahmliche Berühmtheit, auch wenn, wie in der Vorlage, Namen und Orte selten erwähnt werden. Die Absicht ist natürlich, dass der Betrachter sein eigenes Wissen über Marilyn Monroes Werke und Beziehungen mitbringt. "Wenn du nicht Marilyn wärst, wer wärst du dann?"

Mit Ana de Armas, die in praktisch jeder Szene auftaucht, oft buchstäblich im Mittelpunkt steht oder von der Linse gänzlich absorbiert wird, ist es eine Ein-Frau-Armee von Darstellern. Die dramaturgische Verbindung mit dem Betrachter hängt ganz von ihm ab, vor allem von der intimen, engen Konzentration des Bildes. Glücklicherweise ist sie als Imitatorin spektakulär, auch wenn es ihr nie gelingt, sich völlig in der Rolle zu verlieren - eine überzeugende Stimme, Manierismen, Kostümierung, Make-up und Haarstyling erlauben es ihr zweifellos, der Figur gerecht zu werden.

Als eine Art Hinter-den-Kulissen-Biopic widmet sich "Blond" ausgiebig den Schattenseiten und zeigt eine düstere und depressive Version von Marilyn Monroes Leben. Hier sind die Details oft grausam und werden durch kinematografische Entscheidungen noch beklemmender, die von Zeitlupen und unscharfen Aufnahmen über verschiedene Kamerawinkel, einschließlich einer Art Spiegelreflexkamera, bis hin zu Farben und Beleuchtung reichen - die Verwendung von Schwarz-Weiß-Sequenzen ist zunächst künstlerisch, aber letztlich irrelevant - und zu einer Musikauswahl, die teils für harte Kontraste und teils für moderne Abgründigkeit eingesetzt wird, beides unterstützt durch schrille Soundeffekte. Es gibt eine Handvoll typischer biografischer Sequenzen, aber der Großteil der Handlung besteht aus Normas Unwohlsein und ihrer Abgrenzung von ihrem Alter Ego, unterbrochen von Sex, Nacktheit und Missbrauch. Einige Momente sind kraftvoll und tiefgründig, aber Andrew Dominiks Beharren auf der Wiederholung von Themen und Bildern reduziert nur ihre Effektivität, für jede zum Nachdenken anregende Beobachtung gibt es zwei oder drei weitere, die die Schlagkraft ersticken.

In seinem Bemühen, den glamourösen Mythos des berühmtesten Sexsymbols der Welt zu zerstören, entwirft "Blond" eine ausgesprochen morbide Vision. Manchmal ist es aufschlussreich, aber kaum unterhaltsam. Da "Blond" die Schrecken des Hollywood-Systems entlarvt, einschließlich der überwältigenden Kontrolle und des Ungleichgewichts der Macht sowie der ekelerregenden Kehrseite der Berühmtheit, kümmert er sich wenig um den Unterhaltungswert, abgesehen von Ana de Armas' ergreifender Performance. Einige der interessanteren Themen, von angespannten Beziehungen über Zwangsabtreibungen bis hin zu Lohnunterschieden, werden zwar angesprochen, aber abrupt verworfen, da man nur daran interessiert ist, die Vorstellung zu zementieren, dass Marilyn Monroes Leben eine ewige Hölle war, und nicht daran, die ganze Geschichte oder auch nur minimale Lösungen zu präsentieren. Ihre verschiedenen Erfolge rücken gelegentlich in den Hintergrund, aber nie in den Vordergrund. Selbst der Hauptteil des letzten Akts ist im Wesentlichen ein drogengetränkter Dunst, der die Realität in einer zufälligen Ähnlichkeit mit "Don't Worry Darling" verwischt. Letztendlich ist zwischen all den Repetitionen und trödelnden Kunstgriffen ein respektabler Film entstanden. Eine fast dreistündige Laufzeit ist extrem müßig, aber Dominik Andrews Schnitt schafft es nicht, das herauszufiltern, und so bleibt eine ausgedehnte, unbefriedigende Fiktionalisierung all der ungenießbaren Details über Marilyn Monroe und der hässlichsten Gerüchte. "Ich war mein ganzes Leben lang glücklich."

"Carrie" von Regisseurin Kimberly Peirce ist der Inbegriff von sinnlosen Film-Remakes. Keine Szene verbessert das Original oder führt gar ein Element ein, das in Stephen Kings Vorlage vielleicht übersehen oder zu wenig beachtet worden wäre. Es handelt sich nicht um eine exemplarische Kopie, aber bei dem Versuch, den Themen und der Materie treu zu bleiben, wird nichts authentisch oder mit Elan präsentiert. Es gibt keine Überraschungen und der Terrorfaktor der Kinoadaption von 1976 ist irgendwie völlig ausgeblieben. Haben die Filmemacher wirklich geglaubt, sie würden jemanden finden, der die Handlung von "Carrie" oder die stetige Entwicklung hin zu einem spektakulären, turbulenten Finale nicht kennt?

Carrie White (Chloë Grace Moretz) ist schüchtern und sonderbar und versucht, sich so weit wie möglich aus dem Rampenlicht zu halten. Sie hat keine Freunde in der Schule und kommt so wenig wie möglich mit Lehrern und Schülern in Kontakt. Ihre Mutter Margaret (Julianne Moore) ist eine fanatische, missbräuchliche Züchtigerin, die durch ihre eigene ungesunde, eifrige Erziehung traumatisiert ist. Als die falsch informierte Carrie ihre erste Periode im Sportunterricht von Mrs. Desjardin (Judy Greer) hat, glaubt sie, dass sie sterben wird und wird von ihren Mitschülern gnadenlos geächtet. Die Tyrannin Sue Snell (Gabriella Wilde) wird sich ihrer Grausamkeit bewusst und überredet ihren Freund Tommy Ross (Ansel Elgort), Carrie zum Abschlussball mitzunehmen, um sie zu sühnen. Doch die Mobbing-Anführerin Chris Hargensen (Portia Doubleday) und ihr gewalttätiger Liebhaber Billy Nolan (Alex Russell) beschließen, Carrie erneut zu schikanieren, und geben ihr die Schuld für ihre Verbannung vom Abschlussball.

Die Eröffnungssequenz fügt Carries Herkunft einen zusätzlichen Hauch von Blut und Trauer hinzu, wobei Margarets Unsicherheit die eigene Naivität des Teenagers in Bezug auf ihre körperliche Reifung vorwegnimmt. Sie warnt aber auch vor dem wichtigsten visuellen Unterschied in diesem Update: höchst ineffektive Computeranimationen. "Carrie" ist die Art von Geschichte, die es nicht nötig hat, mit grellen, manipulierten Bildern aufgewertet zu werden. Daher ist es besonders frustrierend, dass der Einsatz von CG die verstörenden Qualitäten des blutüberströmten Endes nur mindert. Der Betrachter macht sich auch über die Tatsache lustig, dass es ein Fotohandy, Internet-Uploads und einen Verweis auf 'Dancing with the Stars' gibt. Leicht modernisierte Nachbildungen ikonischer Sequenzen sind geradezu absurd.

Chloë Grace Moretz ist als Carrie eine klägliche Fehlbesetzung. Sie ist eindeutig nicht in der Lage, die beängstigende Verlegenheit, die Vereinsamung und letztlich die Unheimlichkeit zu vermitteln, die für ein tödliches telekinetisches Chaos notwendig sind. Sie ist süß, kompetent, logisch, hat ihre eigene fundierte Bibelinterpretation und lernt schnell, ihre übernatürliche Gabe zu disziplinieren, die in drastischem Widerspruch zu der zuvor erschreckenden Aura einer geschundenen, an ihre Grenzen getriebenen Seele zu stehen scheint. Anstatt auszuflippen und die Kontrolle über ihren Verstand zu verlieren, ist sie eine Killerin mit klarem Kopf, die zielstrebig auf Rache aus ist. Sobald sie ihre jenseitigen Kräfte beherrscht, ist sie eine Superheldin und kein wahnsinniges, unempfängliches Medium der Vergeltung. Es hilft auch nicht, dass die Nebenfiguren alle einseitig sind: In ihren Interaktionen mit Carrie sind alle entweder aufrichtig reumütig oder ein ruchloser Serienmörder in der Entwicklung.

Julianne Moore fühlt sich in ihrer Rolle wohler und sieht überzeugend aus, aber sie hat kein Drehbuch, um neue Konzepte einzubringen. Und Judy Greer ist als Sportlehrerin eine pathetisch lächerliche Besetzung. Um das offensichtliche Nacktheitsdefizit zu kompensieren, wird eine Cronenberg-eske Body-Horror-Idee angehängt, zusammen mit einem kurzen Sketch im Gerichtssaal, vielleicht aus Gründen des Realismus, Zwillingsmädchen als Komplizinnen (Karissa und Katie Strain), weil sie so praktisch waren, und einer extrem deplatzierten Umkleidekabinen-Montage wie aus einer romantischen Komödie. Die faden, sich wiederholenden Überarbeitungen von Brian De Palmas Thrillerklassiker werfen mir die Frage auf, warum jemand auf die Idee gekommen ist, "Carrie" auf ähnliche Weise neu zu denken.

In "Trans-Amerika-Express" von Regisseur Arthur Hiller springt der Sachbuchverleger George Caldwell (Gene Wilder) aus einem Taxi in Los Angeles und besteigt den Silver-Streak-Zug nach Chicago. Er hat nur ein paar Taschen und einen Aktenkoffer für die zweieinhalbtägige Reise in der ersten Klasse zur Hochzeit seiner Schwester dabei. Als er sein Abteil erreicht, ist er schockiert und erfreut, als er versehentlich die Tür der angrenzenden Kabine öffnet und eine halb bekleidete, attraktive Frau erblickt, die nicht gerade entsetzt ist, von ihm angestarrt zu werden. "Das ist ein Puff auf Rädern!"

In der Bar lernt George den Vitaminverkäufer Bob Sweet (Ned Beatty) kennen, der behauptet, dass alle Frauen an Bord darauf aus sind, eine Affäre zu beginnen. Aber Bob ist nicht so zimperlich, vor allem nicht, als er es auf eine Frau namens Hildegard Burns (Jill Clayburgh) abgesehen hat - genau die Frau, die George schon einmal gesehen hat, teilweise bekleidet, nur um am Ende die Hose voll Eis zu haben. Hildegard schließt sich stattdessen George an, was zu einem Abendessen und ein paar Flaschen Champagner führt, bevor sie zu ihren Gemächern für die nächtlichen Aktivitäten zurückkehren. "Das ist das erste Mal, dass ich mit einem Zug fahre."

Die Dialoge sind auf Anhieb witzig. Hildegards Flirtkünste sind vorzüglich, während George ein Händchen für komische Bemerkungen und zweideutige Aussagen hat. Er greift einige der Gespräche aus "Der unsichtbare Dritte" auf, wobei er sich zwischendurch über "Um Haaresbreite" lustig macht, abwechselnd humorvoll und geradezu verträumt. Dazu trägt auch die Musik von Henry Mancini bei, die inmitten der Intrigen ein Gefühl von Abenteuer erzeugt. Was als leichte Komödie beginnt, wandelt sich in etwas entschieden Unheimlicheres, als Richard Kiel als überdimensionaler Leibwächter auftaucht, komplett mit Metallzähnen, wie in seiner berühmtesten Rolle in der James-Bond-Reihe, obwohl "Trans-Amerika-Express" zuerst kam und die Figur des zähnefletschenden Riesen als unerklärlichen Zufall markiert, der den Zielpersonen den Verstand raubt und George aus dem Zug prügelt, als er anfängt, herumzuschnüffeln. Es geht um einen mysteriösen Mord, aber George ist, vielleicht in Hitchcock'scher Manier, nicht darauf vorbereitet, ihn zu lösen. Auf dem Weg dorthin gerät er in eine Reihe bizarrer, heiterer Missgeschicke, vom Melken einer Kuh - ein Gag, der abrupt endet, als wäre er ein unvollständiger Witz - bis hin zum Fliegen in einem zweisitzigen Flugzeug und dem Weglaufen und Zurückspringen an Bord der 'Silver Streak'. "Dieser Mann wurde ermordet!"

In der Zwischenzeit tauchen zahlreiche verdächtige Personen auf, die in etwas verwickelt sind, das fast so komplex ist wie die Torturen im Orient-Express. Ein reicher Jetsetter (Patrick McGoohan), ein hinterhältiger Gauner (Ray Walston) und ein Doppelgänger-Professor (Stefan Gierasch) sind in eine Vertuschung verwickelt, und selbst Hildegard und Bob sind irgendwie Teil der Verschwörung. Niemandem ist zu trauen, doch George glaubt weiterhin die abgedrehten Geschichten der anderen. Und das lange bevor einer der Stars des Films, Richard Pryor, nach mehr als einer Stunde auftaucht und eine Rolle spielt, die eher einem Cameo-Auftritt gleicht. "Sind Sie sicher, dass Sie sich das nicht nur ausgedacht haben?"

Wie eine Mel Brooks-Komödie mit einem Hauch von Inspektor Clouseau bietet diese durchgeknallte Farce jede Menge unfreiwillige James-Bond-Scherze, Panik und Chaos der absurden Art und intelligente Slapstick-Szenarien. Die Wiederholung von Schlüsselereignissen, die außergewöhnliche Inkompetenz von Autoritätspersonen, die nie besser dargestellt wurde als von Clifton James, einem weiteren 007-Überbleibsel, und die blödsinnige Umsetzung des Themas 'Der falsche Mann' sorgen für eine gelungene Vermischung der verschiedenen Genres. "Ich mache noch einen Verbrecher aus dir."

Mit einer Reihe von weiteren Elementen, die in den Film eingestreut sind, bewegt sich "Trans-Amerika-Express" schnell und unvorhersehbar und bietet ein unterhaltsames Erlebnis trotz seiner überlangen Laufzeit und der ständigen Verringerung der Witze zugunsten der Steigerung der Spannung. Normalerweise würde die Verquickung so vieler Genres dazu führen, dass alle weniger effektiv wären, aber Gene Wilder überzeugt als Jedermann, als Ermittler, der sein Glück sucht, als Mann der Tat und als Casanova, der eine Aufrichtigkeit vermittelt, die die allgegenwärtige Dämlichkeit verdrängt. Ihm gelingt auch die übertriebenste, hysterischste Blackface-Sequenz, die je gefilmt wurde, eine Szene, die so bizarr und unglaublich unpassend ist, dass sie sich als einprägsamer erweist als alles andere im Film, vor allem, wenn es zum Finale kommt, das beginnt, einem echten James-Bond-Abenteuer zu ähneln, komplett mit einem fantastischen Abgang des Bösewichts, der Rettung eines Mädchens in Not und einer verheerenden Zuggarnitur.

Als die achtjährige Wen (Kristen Cui) und ihre Eltern Eric (Jonathan Groff) und Andrew (Ben Aldridge) in Pennsylvania in der idyllischen Hütte im Wald ankommen, die sie gemietet haben, nehmen ihre Pläne für einen friedlichen Urlaub in "Knock at the Cabin" von Regisseur M. Night Shyamalan langsam Gestalt an. Doch Ruhe und Entspannung werden schnell von Angst und Schrecken abgelöst, als sich vier unerwartete Besucher mit behelfsmäßigen Waffen der Hütte nähern und darauf bestehen, eingelassen zu werden. Der sanftmütige, stämmige Lehrer Leonard Brocht (Dave Bautista) führt die Gruppe von Eindringlingen an, zu der auch die nervöse Krankenschwester Sabrina (Nikki Amuka-Bird), der reizbare Gauner Redmond (Rupert Grint) und die quirlige Köchin Adriane (Abby Quinn) gehören. Und als die Fremden eine bizarre Geschichte mit beängstigenden Vorzeichen erzählen, bevor sie ihre Forderungen offenbaren, wird den Geiseln das Ausmaß des Albtraums bewusst, der sich vor ihnen abspielt.

"Knock at the Cabin" beginnt mit einer unangenehmen Einleitung mitten im Wald, in dem sich die titelgebende Hütte befindet, und verschwendet keine Zeit. Diese frühe Sequenz zeichnet sich durch extrem invasive Nahaufnahmen und das Gefühl aus, dass etwas Schreckliches passieren wird, was durch den hervorragend besetzten Dave Bautista noch verstärkt wird - ein Mann, der zwar eine einschüchternde Figur hat, aber sein Bestes tut, um auf seltsame Weise sympathisch und nicht monströs zu wirken. Das ist ein großartiger Kontrast und nur eine von vielen Besetzungsentscheidungen, die beweisen, dass die Leistungen hier tatsächlich überzeugend sind. "Ich bin hier, um dein Freund zu sein."

Wie die Vorboten des Todes lösen die fremden Besucher Gefühle der Panik aus. Die donnernde Horrorfilmmusik mit ihren bedrohlichen Soundeffekten und nervenaufreibenden Zwischenspielen trägt ebenfalls zur Stimmung bei und erzeugt ein unmittelbares Unbehagen, nicht unähnlich den ersten Momenten von Michael Hanekes "Funny Games". Der Auftakt ist ziemlich ausführlich, was vor allem daran liegt, dass die Erzählstruktur schließlich auf einige frühere Szenen zurückgreift, von denen einige Hintergrundinformationen liefern, während andere eher dröge Elemente wie die Ankunft der Familie auf dem Grundstück einführen. Die Rückblenden werden im Verlauf von "Knock at the Cabin" immer unerwünschter und dienen oft nur dazu, eine spannende Interaktion zu unterbrechen. Einige haben mit dem verständlichen Misstrauen der Eltern und dem Gefühl der gezielten Verfolgung zu tun, viele sind jedoch spezifisch inszeniert, um den Betrachter nach dem bedrückenden Geiselszenario aufatmen zu lassen. "Wir stehen ein wenig unter Zeitdruck."

Das wird umso störender, je länger dem Betrachter die Antworten vorenthalten werden, während die letztendlichen Enthüllungen völlig unplausibel sind, nicht nur wegen der gewollten Unlogik des Ganzen, sondern auch wegen des Mangels an Beweisen für eine so abwegige Prämisse. Zum Teil geht es darum, eine ausgeprägte Zweideutigkeit zu bewahren, um die Unruhe beim Nachdenken über die Komponenten des Hauseinbruchs und die scheinbar übernatürlichen Komplikationen zu vergrößern. Umso verrückter aber die Geschichte wird, desto weniger glaubwürdig wird sie mit ihren rituellen Regeln und der Strenge und Verdammlichkeit des unverrückbaren Glaubens, den sie schildert. Dieses Konzept wäre eher in einer "Twilight Zone"- oder "Black Mirror"-Episode zu finden, da das Format eines Spielfilms ein gewisses Maß an Strukturierung erfordert, um eine vollständige Geschichte zu erzählen, während die oben genannten Eigenschaften eine minimale Restrukturierung und eine bereits etablierte Aussetzung des Unglaubens erlauben. Die Welt hier ist viel zu groß für diese allegorische Darstellung eines biblischen Konzepts. Hätte man den Horror auf eine isolierte Gemeinschaft beschränkt und die Nachbarn in die Rolle von Opfern eines göttlichen Gerichts versetzt, wären Glaubwürdigkeit und Schreckenswirkung vielleicht noch eindrucksvoller gewesen. "Das ist psychotisch! Es ist wahnhaft!"

Dennoch ist "Knock at the Cabin" eine kompetente Arbeit in Sachen Suspense. Der Film ist unheimlich, traumatisch und brachial und nimmt Anleihen bei "Knowing", "10 Cloverfield Lane" und "Der Nebel", während er nachdenklich stimmende Themen wie Zerstörung, Erlösung und Aufopferung behandelt. Es wäre so viel mehr möglich gewesen, wenn M. Night Shyamalan, der mit Steve Desmond und Michael Sherman an der Adaption von Paul Tremblays Buch gearbeitet hat, bereit gewesen wäre, die Geschichte in eine intimere, bissigere Vision zu verwandeln, doch das Resultat ist immer noch exzellent geschauspielert und absolut packend. "Man hat immer eine Wahl!"

Wenn er locker und abenteuerlich bleibt, hat "Gangster Squad" von Regisseur Ruben Fleischer seine Minuten mit guter, spannender Unterhaltung. Aber zu oft wird versucht, andere Filme zu imitieren, während die Zügel des Überschwangs zugunsten eines viel dunkleren Ansatzes zurückgezogen werden. Im Zickzackkurs zwischen gefühlloser Ernsthaftigkeit in der einen und komischer Irrsinnigkeit in der nächsten Minute bietet der Film ein Potpourri von Nuancen, Stilen und Gangsterfilmklischees. Konsistenz ist nicht seine Stärke. Spätestens beim dritten Mal, wenn Schießereien in Zeitlupe und glamouröse Frauen im Zigarettenqualm langweiligen Bösewichtern und grüblerischen Montagen weichen, schwindet mit dem Spaß auch jeglicher Orientierungssinn.

Es ist das Los Angeles der 1940er Jahre, und der machtgierige Mafiaboss Mickey Cohen (Sean Penn) beginnt ein unerbittliches Streben nach der Übernahme der gesamten Stadt. Um ihn zu stoppen, beauftragt Polizeichef Parker (Nick Nolte) den übereifrigen Sergeant John O'Mara (Josh Brolin) mit der Bildung der 'Gangster Squad', einer geheimen Gruppe unorthodoxer Polizisten, die vor nichts zurückschrecken, um Mickey Cohen zur Strecke zu bringen. John O'Mara, Wooters (Ryan Gosling), Harris (Anthony Mackie), Kennard (Robert Patrick), Ramirez (Michael Pena) und Keeler (Giovanni Ribisi) werden schnell so skrupellos wie die Kriminellen, die sie festnehmen sollen, und beginnen, Cohens Imperium Stück für Stück zu zerstören. Doch als Wooters sich in Cohens Freundin Grace (Emma Stone) verliebt und der Gangster die Identität seiner Feinde herausfindet, muss sich das Bataillon auf einen Krieg vorbereiten, der über das Schicksal der Stadt entscheiden wird.

"Gangster Squad" weiß nicht, was er sein will. Ebenso eklektisch wie die Farben im Film, wenn auch nicht so extrem wie in "Dick Tracy", gestalten sich die ständig wechselnden Akzente und Stilrichtungen. Der Abspann erscheint als pulpige Postkartenillustration - die letzte der unerwarteten Schwankungen in der Bildsprache, die in scharfem Kontrast zu den anfänglichen Szenen ultrablutiger Gewalt stehen, in denen ein Mann von Fahrzeugen zerfetzt wird, ähnlich wie in "Hitcher, der Highway Killer", was wie eine dämliche Hinrichtung im Angesicht ernsthafter Bösartigkeit wirkt, zu den späteren Momenten der Romantik und dem kulminierenden Showdown im Plaza Hotel. Das Ganze ist so halbgar wie "Lawless - Die Gesetzlosen", der immer wieder versucht, Ernsthaftigkeit, Spannung, Abwechslung und in manchen Momenten sogar Komik zu vermitteln, aber die falschen Emotionen erzwingt. Einige Actionszenen lassen einen verwundert den Kopf schütteln, während Elemente der Brutalität ungewollt für Lacher sorgen. Die unglaublich hohe Schussrate ist im Vergleich zu den angeschlagenen Zielen lächerlich, besonders wenn die Feinde Maschinengewehre gegen Pistolen einsetzen und trotzdem fast nichts treffen.

Sean Penn will Robert De Niro und Al Pacino zugleich sein, wirkt aber stattdessen nur albern, vergisst seinen Dialekt und versagt bei seiner unnatürlichen, obligatorischen Gnadenlosigkeit. Die Sprache, die Hüte, die Mäntel, die Kleidung, die Wohnungen, die Waffen, die Autos und die Zigaretten sorgen für einen Moment der Authentizität, aber sie passen nicht zu den allzu zeitgemäßen Kamerawinkeln, die bei halsbrecherischen Verfolgungsjagden mitten in der Nacht durch die Autofenster zoomen, zu den hochauflösenden Zeitlupen und den allzu offensichtlichen Spezialeffekten, die jede Gelegenheit nutzen, um den Betrachter aus seiner Ungläubigkeit zu reißen und auf die technischen Methoden aufmerksam zu machen. Doch die Guerilla-Taktik, der Kampf gegen korrupte Cops, die Zusammenstellung eines Dreamteams, das "The Untouchables - Die Unbestechlichen" oder "Ocean's Eleven" in Nichts nachsteht, und Robert Patricks Wildwest-, Schießbuden- und One-Liner-Show machen durchaus Laune. Aber John O'Maras Zuversicht und sein Elefant-im-Porzellanladen-Ansatz bei der Strafverfolgung ist oft zu pauschal, was in toten Zivilisten, Racheattacken und massiven Schießereien gipfelt, bei denen die Beteiligten wie unerschütterliche Statuen dastehen, während die Kugeln um sie herumschwirren und jede Requisite im Hintergrund treffen.

In "American Streetfighters" von Regisseur Woo-sang Park ist eine bunt zusammengewürfelte Truppe bewaffneter Schläger mit komisch aussehenden Schnurrbärten dabei, auf einem heruntergekommenen Dock irgendwo in Miami Geschäfte zu machen. Eine große Ladung Kokain wechselt den Besitzer, als ein Team von Ninjas beginnt, Wurfsterne zu werfen und Schwerter zu schwingen. Was folgt, ist ein Blutbad dümmlichen Ausmaßes, in dem die Figuren übertriebene Todesschreie ausstoßen, abgetrennte Gliedmaßen erleiden und dramatisch von ihren Stangen springen. "Wo ist das Geld?!"

Kurz darauf wird in einem angesagten Nachtclub in Orlando mehr Koks verteilt, während eine neue Hausband - 'Dragon Sound' - vor einer ausgelassenen Menge auftritt. Groteskerweise wird ein ganzer Song wie ein Musikvideo gedreht, was darauf hindeutet, dass dieser Film auch eine Gelegenheit ist, eine Band zu promoten. Und dann wird die Szene einfach ausgeblendet, was diesen Eindruck noch verstärkt. Die nächste Sequenz beginnt an der University of Central Florida, wo die Studentin Jane (Kathy Collier) ihren schmächtigen Freund John (Vincent Hirsch), den Bassisten von 'Dragon Sound', trifft. Doch Janes Bruder Jeff (William Ergle), der mit seinem Kumpel Yashito (Si Y Jo) und deren Biker-Gang mit Koks dealt, ist sofort dagegen und zettelt einen Streit an. Niemand ist gut genug für seine Schwester, und die Existenz der Band beeinträchtigt irgendwie seine Kompetenz, sein Drogengebiet zu kontrollieren.

Die Handlung spielt kaum eine Rolle, ebenso wenig wie die Namen, denn der Keyboarder der Band heißt Jim (Maurice Smith) und der Schlagzeuger Jack (Joseph Diamond). Sekunden nachdem Jeff sich mit John angelegt hat, bricht ein weiterer Konflikt aus, dieses Mal mit unwichtigen Hintergrundrollen, dem Clubbesitzer und der ehemaligen Hausband, bevor 'Dragon Sound' einen weiteren Song präsentiert - in voller Länge. Und dann halten mehr als ein Dutzend Baseballschläger schwingende Schläger 'Dragon Sound' an, als sie von ihrem Auftritt nach Hause fahren, und verwickeln sie in ein massives Handgemenge auf der anderen Straßenseite und auf einer Baustelle, wo Gitarrist Mark (Y.K. Kim) zusammen mit dem Rest der Musikgruppe ihre Kampfsportfähigkeiten demonstriert (später heißt es, dass sie alle den schwarzen Gürtel in Taekwondo haben). Tatsächlich scheint es, als ob jeder im Film - Drogendealer, Bandenmitglieder, Musiker, Studenten und Ninjas gleichermaßen - eine Art von Kung Fu beherrscht.

Der Soundtrack ist hysterisch pathetisch und wird nur noch von den unglaublich armseligen Schauspielern übertroffen. Y.K. Kim ist besonders untauglich, denn sein fetter Akzent macht seine Dialoge weitgehend unverständlich. Es ist offensichtlich, dass die Besetzung in erster Linie aus Möchtegern-Kampfsportlern, in zweiter Linie aus Möchtegern-Musikern und in dritter Linie aus Möchtegern-Schauspielern besteht. Letztlich versagen sie in allen Punkten: Die Action-Sequenzen sind geprägt von maßlos übertriebenen Schlägen, Waffenstößen, die meilenweit daneben gehen und Schlampereien bei Zeitlupenaufnahmen. Die musikalischen Darbietungen sind zum Kotzen und wiederholen sich, während die Texte schwachsinnig sind und die Dialoge so monoton und verlogen vorgetragen werden, dass sie sich anhören, als würden sie zum ersten Mal von Leuten gelesen, die keine Wörter aussprechen können.

"American Streetfighter" ist nicht nur ein schlechter Film. Er ist in allen filmischen Aspekten so defizitär, dass er geradezu ein Witz ist. Es ist eine dieser unvorstellbar schrottigen Produktionen, die so beschissen ist, dass sie immer wieder neue Wege findet, um noch beschissener zu sein. Zu den dümmsten Momenten gehört, dass Jim weint, als er ein Geheimnis über seine Eltern preisgibt, während er Jeans ohne Schnallen trägt - eine Nebenhandlung, die nicht einfach verschwindet, wie es sich gehört, und dass Mark seinen Mitbewohnern ohne Hemd mit Weintrauben zum Frühstück füttert. Selbst der finale Showdown mit Yashitos motorradfahrender Ninja-Armee, bei dem es zu unverhoffter Gewalt kommt, kann diesen Film nicht vor kolossaler, stupider Larmoyanz retten. "Wir könnten einen weiteren Taekwondo-Song schreiben."

Ich liebe die neue Gästebuch-Funktion ;-D

Die drei ursprünglichen "Scream"-Filme boten nie eine besonders stabile Mischung aus Humor und Horror. Ja, sie enthielten beide Elemente gleichermaßen, aber oft kamen die Lacher eher durch die Blödheit der Charaktere als durch cleveres Schreiben. Und der Horror war erzwungen, vorhersehbar und wurde den vergesslichen Opfern aufoktroyiert. "Scream 4" von Regisseur Wes Craven wird zwar niemanden zum Fan machen, der nicht ohnehin schon dabei ist, aber er behebt endlich viele der Probleme, die die ersten beiden Fortsetzungen geplagt haben. Hübsche Mädchen erhalten immer noch Drohanrufe von Fremden mit rauer Stimme, gefolgt von brutalen Messerstechereien, aber dieses Mal wählt die selbstreflektierende Komödie einen klügeren Ansatz, indem sie sowohl Selbstironie als auch generische Horrorfilm-Parodien verwendet, ohne sich ausschließlich auf nervige Gurus zu verlassen, die Spoiler oder sinnlose Spekulationen verbreiten. Vielleicht liegt ein Großteil seiner Stärke in der Plattform und der Geschichte, die seine Vorgänger geschaffen haben, aber alle Teile scheinen besser aufeinander abgestimmt zu sein. "Scream 4" schafft das, was die vorherigen Filme so krampfhaft versucht haben: einen Horrorfilm zu kreieren, der weiß, wann er über sich selbst lachen kann.

Sidney Prescott (Neve Campbell) kehrt in ihre Heimatstadt zurück, um ihr neues Selbsthilfebuch zu promoten, zehn Jahre nachdem sie die berüchtigten 'Woodsboro-Morde' überlebt hat. Ihre Ankunft fällt mit dem Jahrestag der ersten Morde zusammen, und als zwei Teenager in ihrem Haus ermordet aufgefunden werden, und zwar auf eine Art und Weise, die den Angriffen von vor so langer Zeit ähnelt, wird klar, dass der Horror noch nicht vorbei ist. Wieder einmal machen sich Dwight Riley (David Arquette) und Gale Weathers (Courtney Cox) auf die Suche nach Hinweisen, um die Identität des Killers aufzudecken. Doch als die Zahl der Leichen steigt, kommen sie zu der erschreckenden Erkenntnis, dass der Mörder sich nicht mehr an die konventionellen Regeln von Horrorfilmen oder deren Fortsetzungen hält.

Laut "Scream 4" besteht der Zweck einer Fortsetzung darin, ihre Vorgänger zu übertreffen. Und das ist keine besonders schwierige Aufgabe, wenn man berücksichtigt, dass der vorherige Teil der Reihe einer der schlechtesten und am meisten reproduzierten Horrorfilme überhaupt war. Die Eröffnungsszene ist großartig und macht sich wieder einmal über Slasher und sich selbst lustig, dieses Mal mit viel Witz und Fingerspitzengefühl. Während der zweite und dritte Film eher dazu neigten, sich über sich selbst lustig zu machen als über das Horrorgenre im Allgemeinen, ist "Scream 4" wieder auf dem besten Weg, Parodie, Hommage und echte Spannung in Einklang zu bringen. Der Film ist etwas grafischer, die Blutschwemme ist exzessiver und die Gewalt ist ernster, aber die Lacher sind immer noch da, von den Facebook/Twitter/Webcam/iPhone-Apps-Witzen über die "Inception"-ähnlichen Film-im-Film-Gags bis hin zu den nackten, jungen, beliebten Starlets, die es schaffen, alle ihre Kleidungsstücke an ihrem Platz zu lassen.

"Das ist kein verdammter Film!", schreit Sydney, die von dem Stalker mit der kieseligen Stimme terrorisiert wird. "Das wird er", antwortet er und spricht damit das bekannte Klischee aus, das so oft in der Reihe thematisiert wurde. Auch die Normen für Horrorfilm-Fortsetzungen vernachlässigen vor allem die altbekannten Aspekte wie Autos, die nicht anspringen, Aufzüge, die sich nicht mehr bewegen, und verlassene, schwach beleuchtete Parkplätze. 'Ghostface' ist immer noch tölpelhaft, übermäßig destruktiv und kann sich in Luft auflösen, und Sydney, Dwight und Gale sind immer noch zu versiert im Abwehren von Messerangriffen. Glücklicherweise geht es vielen Neuzugängen nicht so gut. Außerdem gibt es, wie erwartet, Ablenkungsmanöver, verdächtige Hintergrundfiguren mit offenkundigen Mordabsichten und die Entlarvung des wahren Killers mit völlig mysteriösen Motiven. Trotz der Repetition, der gewohnt ellenlangen Exposition und mehrerer Enden schafft es "Scream 4" mühelos, besser zu sein als der letzte Teil der Franchise und ist auch der beste der Reihe.

Obwohl sich die "Scream"-Reihe bisher ziemlich umfassend über die allgemeine Natur von Horrorfilmen lustig gemacht hat, ist das einzige Merkmal des Genres, das sie ignoriert hat, der obligatorische Sex oder die Nacktheit. "Scream 3" von Regisseur Wes Craven findet keine Gelegenheit, sich mit dieser Situation auseinanderzusetzen, und zielt stattdessen auf genau die Bereiche ab, die in den beiden vorherigen Filmen veralbert wurden. Die Blutorgie ist wieder da, die bescheuerten Verfolgungsjagden und Mordsequenzen sind wieder präsent, die klischeehaften Charaktere sind vertreten, alle Hauptfiguren sind wieder dabei, und die Dialoge sind so strohdumm wie eh und je.

Cotton Weary (Live Schreiber), der bereits zweimal wegen Mordes angeklagt war, ist jetzt ein Talkshow-Moderator. Er ist auch das neue Ziel eines vertrauten Telefonstreichs, während seine Freundin Christine (Kelly Rutherford) die nächste Zielscheibe für einen weiteren 'Ghost Face'-Nachahmer ist. Und Sydney Prescott (Neve Campbell) steht irgendwie immer noch im Mittelpunkt des Geschehens, obwohl sie weit genug weggezogen ist, um der Öffentlichkeit zu entgehen, nachdem sie zwei Serienmorde der Familie Loomis überlebt hat.

In der Zwischenzeit laufen die Dreharbeiten zu 'Stab 3: Rückkehr nach Woodsboro', in dem Gale Weathers (Courteney Cox), die jetzt für 'Total Entertainment' arbeitet, wieder mit ihrem ehemaligen Möchtegern-Liebhaber Dwight (David Arquette) zusammenkommt. Sarah Darling (Jenny McCarthy), eine Schauspielerin in 'Stab 3' und die erste tote Frau im Drehbuch, ist das erste tatsächliche Opfer des neuen 'Gost Face'. Diesmal lautet die Theorie, dass der Mörder die Todesfälle im Film nachahmt und die Schauspieler nacheinander erledigt. Der Clou ist, dass drei verschiedene Versionen im Umlauf sind, und in jeder wird eine andere Figur als nächste eliminiert. 'Ghost Face' ändert auch das Drehbuch im Laufe des Films und schafft es, den Opfern geänderte Seiten zu schicken, damit sie von den Vorbereitungen für ihr eigenes Ableben lesen können.

Als Sydney von zwei Morden erfährt, die mit Schauspielern von 'Stab 3' in Zusammenhang stehen, wird ihr klar, dass der Albtraum noch nicht vorbei ist. Der neue Killer fühlt sich wieder zu ihr hingezogen und richtet symbolisch Schlüsselpersonen hin. Sydneys Mutter Maureen ist ebenfalls in den Fall involviert, da ihre Fotos an jedem Tatort zu finden sind. Doch aufgrund ihrer langjährigen Erfahrung mit der Vereitelung von Wahnsinnigen und Mordversuchen ist Sydney schwer zu erschüttern und kann bedrohliche Anrufe und Morddrohungen mit Leichtigkeit weglachen. Aus dem Jenseits kann Randy Meeks (Jamie Kennedy) dem Regelwerk für Horrorfilme ein paar weitere Punkte hinzufügen: Die Vergangenheit wird die Gegenwart heimsuchen, die Hauptfiguren sind zum ersten Mal verwundbar, denn dieser dritte Teil soll der Abschluss einer Trilogie, und der Bösewicht wird wahrscheinlich übermenschlich sein.

Mit der Einführung von unheimlichen Traumsequenzen, die teilweise an "A Nightmare on Elm Street" erinnern, wird "Scream 3" noch ein bisschen gruseliger als seine Vorgänger. Es gibt viele schockierende Momente, viele blutige Stellen, die Charaktere trennen sich ständig oder versuchen, unbewaffnet gegen 'Ghost Face' zu kämpfen, und spontane Angriffe kommen immer wieder von den unwahrscheinlichsten Orten. Außerdem gibt es eine Fülle von Ablenkungsmanövern und idiotischen Dialogen sowie sich wiederholende Slapsticks, die als spannende Konfrontationen getarnt sind: Personen, die die Treppe hinunterfallen, von Dächern rollen oder durch Fenster krachen.

Am verwirrendsten ist jedoch der neue Trick des Killers, der mit Hilfe von Stimmmanipulationsgeräten verschiedene Figuren im Film imitiert und dabei aus einer Laune heraus zwischen männlichen und weiblichen Stimmen wechselt. Außerdem hat er/sie einen endlosen Vorrat an Messern. Darüber hinaus gibt es in dieser Filmreihe einen nicht enden wollenden Fundus an langatmigen Definitionen und Rachebeziehungen in letzter Minute zwischen Sydney und 'Ghost Face', der absichtlich der unwahrscheinlichste Akteur in diesem Film ist. Inzwischen wissen wir, dass dies nicht das Finale einer abgeschlossenen Trilogie ist...

Basierend auf dem Buch 'Die Woodsboro-Morde' von Gale Weathers (Courteney Cox) ist 'Stab' nun ein Kinofilm, der die Ereignisse des ersten "Scream - Schrei!" nachstellt. So beginnt "Scream 2" von Regisseur Wes Craven. Maureen (Jada Pinkett) und Phil (Omar Epps) sind das schwarze Pärchen, das man im weißen Horrorkino nur selten sieht. Sie sehen sich den Film dank kostenloser Vorverkaufskarten und mangelndem Interesse an Sandra Bullock an. "Scream 2" ist noch komödiantischer als sein Vorgänger und nimmt sich selbst doppelt so sehr auf die Schippe wie zuvor und versucht, die generische Natur von Slashern aufzumischen. Und dies macht "Scary Movie" aus dem Jahr 2000 - eine echte Parodie - fast völlig sinnlos.

Sydney (Neve Campbell) ist jetzt am Windsor College, als ein Nachahmungstäter dort weitermacht, wo 'Ghost Face' aufgehört hat. Wer den ersten Teil überlebt hat, kehrt zurück; wer das Original "Scream - Schrei!" gesehen hat, kann diese Fortsetzung nur verstehen. Gale Weathers, die jetzt für den nationalen Fernsehsender 'Up To Date' arbeitet, ist Sydney immer noch feindselig gesinnt und wird unter Druck gesetzt, den entlasteten Mann (Liev Schreiber) zu interviewen, den Sydney des Mordes an ihrer Mutter beschuldigt hat. Auch Dwight Riley (David Arquette) kehrt zurück, teilweise gelähmt, aber ebenso zufällig in die Handlung eingreifend. Als sich die Leichen zu häufen beginnen, deuten Indizien darauf hin, dass die Opfer aufgrund ihrer Vornamen ins Visier genommen wurden - Namen, die mit den ursprünglichen Todesfällen in Woodsboro übereinstimmen.

Eine weitere reiche Auswahl an damals beliebten Teenie-Stars taucht als Futter und für Cameos auf: Sarah Michelle Gellar als Cici, Joshua Jackson als Filmstudent, Timothy Olyphant, Rebecca Gayheart, Portia de Rossi, Tori Spelling, Luke Wilson, Heather Graham und viele weitere. Der maskierte Killer ist immer noch tollpatschig, rennt gerne Treppen hoch und runter und fuchtelt ziellos mit einem Messer herum. Während sich die erste Produktion über Horrorfilme lustig machte und gleichzeitig versuchte, selbst einer zu sein, ist "Scream 2" einfach völlig absurd, obwohl er so schlecht ist, dass er halbwegs gut ist.

Ein Thema, das in "Scream 2" weiter erforscht wird, ist das der filmischen Gewalt, die in der Realität Gewalt hervorruft. Ironischerweise tötet der 'reale' Killer, um den Film zu kopieren, der einen anderen Film kopiert. Fast jede Rolle ist mit einem Double besetzt, darunter ein nerviger, wild grinsender, idiotischer Partygänger, ein Kind mit einer Videokamera, der ungläubige Freund, eine blonde Unschuldige, der Polizeichef, Gales Kameramann, Gale selbst mit einer aufdringlichen, ehrgeizigen Lokalreporterin, Debbie Salt (Laurie Metcalf), und stereotype Freunde vom Campus. Es ist fast so, als ob "Scream 2" ein Remake wäre. Das andere Element, das ausführlicher behandelt wird, ist die wachsende Romanze von Gale und Dwight, die einfach lächerlich ist.

Diesmal ist die Musik besonders kitschig und der Ton schlägt ins Musicalhafte um, wie eine verdrehte Version von "Ferris macht blau". Überdramatische Opernriffs, Spaghetti-Western-Klischees und sirrende Liebesbotschaften durchdringen den Hintergrund. Dieser Film ist alles andere als seriös. Die Gewaltszenarien sind erneut blutig und brutal, aber die Irrwitzigkeit jeder Situation, die debilen Schauspielerinnen, die zerstörerischen Verfolgungsjagden durch Häuser, der übermäßige Einsatz von Handytricks bis hin zu physischen Angriffen mit Receivern, die vielen zufälligen Ablenkungsmanöver und das unerklärliche Verschwinden des Bösewichts sind so übertrieben und voller Konstruktionen, dass "Scream 2" eigentlich nur als Komödie bezeichnet werden kann.

Das einzige Problem ist, dass "Scream 2" nicht besonders lustig ist. Zumindest der Film-im-Film-Ansatz und die kreativen Freiheiten, die man sich bei den Details in Gales Buch nimmt, sind ziemlich ausgeklügelt. Darüber hinaus zeigt die Erkenntnis, dass Fortsetzungen in der Regel minderwertig sind und bestimmte zusätzliche Gimmicks erfordern, wie beispielsweise einen höheren Bodycount und komplexere, blutigere Todesszenen, ein ambivalentes Selbstbewusstsein für die Mediokrität der Erzählung.

"Scream - Schrei!" von Regisseur Wes Craven beginnt mit einem Scherzanruf bei Casey Becker (Drew Barrymore), einer jungen Blondine, die erst genervt, dann interessiert und schließlich verängstigt ist. Sie ist allein in einem großen Haus mitten im Nirgendwo, das zwar hell erleuchtet, aber nicht besonders einladend ist. Als sie wiederholt auflegt, wird der komische Anrufer aggressiv und besteht darauf, ein Frage-und-Antwort-Spiel mit Filmtrivialitäten zu spielen. Nachdem Casey nicht richtig antwortet, offenbart der Spinner, dass er nicht nur von draußen anruft, sondern auch Caseys Freund gefangen genommen hat und ihn gefesselt auf der Veranda festhält.

Diese Eröffnungsszene mit dem inzwischen kultigen 'Ghost Face'-Killer, einem schwarz gekleideten Belästiger mit einer unheimlichen Halloween-Maske, die eigentlich 'Father Death' heißt, und einem Schlachtermesser, der sich gerne in Schränken versteckt und Telefone zur Einschüchterung benutzt, ist eine der denkwürdigsten und beliebtesten Einleitungen aller Slasherfilme der 90er Jahre. Die folgenden Fortsetzungen blieben dem bewährten Schema treu und setzten alle auf ähnliche Weise schockierende, mörderische Akzente. Wes Craven lehnt sich auch an Alfred Hitchcocks "Psycho" an, indem er eine Hauptfigur in den ersten Minuten der Filmhandlung unvermittelt umbringt.

Die Geschichte wird am nächsten Tag fortgesetzt, als Sidney Prescott (Neve Campbell) an der 'Woodsboro High School' eintrifft und sieht, wie Polizisten und Reporter überall herumkraxeln, um über die brutalen Morde an Casey und ihrem Freund Steve zu berichten, die beide auf bestialische Weise aufgeschlitzt wurden. Die 'Top Story'-Reporterin Gale Weathers (Courteney Cox) ist an vorderster Front dabei, um pikante Details herauszufinden. Sidneys Mutter wurde vor einem Jahr vergewaltigt, gefoltert und ermordet. Seitdem kämpft Gale Weathers gegen die Verurteilung des Angeklagten Cotton Weary (Liev Schreiber), der jetzt zum Tode verdammt ist. Natürlich ist Sidney das nächste große Angriffsziel von 'Ghost Face'. Ist der wahre Mörder ihr Freund? Deputy Dwight Dewey Riley (David Arquette)? Der Schuldirektor (Henry Winkler)? Oder einer der vielen Schüler an ihrer Schule? Es könnte sogar eine Frau sein, soweit die Polizisten das einschätzen können.

Klar ist, dass Wes Craven Spaß an Horrorfilmen, an der Kunst der Publikumsmanipulation und an Komödien hat, die mit Spannung versetzt sind. Er möchte auch auf die Schwächen der stereotypen Slasher hinweisen, ein Subgenre, das er miterfunden hat und das mit qualitativ minderwertiger Kost überflutet wurde. Die Botschaft von "Scream - Schrei!" lautet: Horrorfilme sind alle gleich, sie bestehen aus bekannten Klischees und veralteten Normen, die es zu durchbrechen gilt, um ein Projekt mit Originalität, Witz und Intelligenz zu präsentieren. Es werden Leitlinien für die Handlungen des Antagonisten und des Protagonisten aufgestellt, damit sie mysteriös und packend bleiben. Jeder ist ein Verdächtiger. Es gibt viele Irrwege. Einfachheit ist Trumpf. Andernfalls wird die anvisierte Zielgruppe das Interesse verlieren. "Scream - Schrei!" geht noch einen Schritt weiter, indem er Instruktionen für das Überleben in einem Horrorfilm gibt, wie zum Beispiel niemals "Ich bin gleich wieder da" zu sagen, jungfräulich zu bleiben und auf Alkohol und Drogen zu verzichten.

Leider zeigt "Scream - Schrei!" zwar die Fallstricke auf, erliegt aber auch einigen dieser Lappalien. Auch wenn er die konstruierten Charaktere einer viel zu couragierten Heldin und eines Killers, der sich auf Verfolgungsjagden einlässt, denen er immer nur um Zentimeter entkommt, nicht hervorhebt, sind sie doch enthalten. Die Todesszenen sind allzu plakativ, der Versuch, "Scream - Schrei!" von reiner Fiktion zu distanzieren, ist erschreckend krude, einige der Dialoge sind unfreiwillig dämlich, und die Rolle des Stuart (Matthew Lillard) ist schlichtweg ätzend.

Ein weiterer Grund für die Konfusion ist der Einsatz von Dutzenden von Nebenfiguren, die eingeführt werden, um den Betrachter durcheinander zu bringen. Obwohl sich der Bösewicht in Luft auflöst und nicht stirbt, und trotz der etwas sonderbaren, unwirschen Stimme von 'Ghost Face' und seiner komödiantischen Ungelenkigkeit oder seinem Hang zu übertriebenen Slapstick-Effekten, ist das Ende irgendwie merkwürdig komplex. Außerdem ist "Scream - Schrei!" langwierig, mit einer weitschweifigen Begründung, die den Opfern noch mehr Zeit gibt, eine Flucht zu planen und für erdrückende Fügungen sorgt. Wenngleich sich "Scream - Schrei!" als Allusion auf Horrorfilme versteht, ist zu viel davon absichtslos ulkig, so dass die blutige Härte den selbstironischen, autoreflexiven Humor dominiert.

In "Eagle Eye - Außer Kontrolle" von Regisseur D.J. Caruso ist Jerry Shaw (Shia LaBeouf) ein ehrgeizloser, leistungsschwacher, nachlässiger und ziemlich manipulativer Delinquent, der das College übersprungen hat und nun in einem Copy-Shop sein Geld verdient. Als Jerrys Wohnung auf unerklärliche Weise große Mengen an Sprengstoff und Hightech-Waffen zugeschickt werden, teilt ihm ein kryptischer Anrufer mit, dass er aktiviert wurde und mehrere Aufgaben erfüllen muss, sonst droht ihm der Tod. In die tödliche Verschwörung wird auch Rachel Holloman (Michelle Monaghan) hineingezogen, eine alleinerziehende Mutter, die mit Jerry zusammenarbeiten oder das Leben ihres kleinen Sohnes riskieren muss. Gemeinsam müssen sie das Geheimnis hinter dem bedrohlichen Anrufer lüften, während sie vom FBI, dem Militär und den allsehenden Augen einer Macht gejagt werden, die in der Lage ist, jede Facette der Computertechnologie zu kontrollieren.

Die Ausgangslage von "Eagle Eye - Außer Kontrolle" führt in eine fast unausweichliche Schieflage. Aber nur fast, denn es gibt einen Ausweg, und der besteht darin, das Reich des wirklich Unglaublichen zu betreten, ein Reich, das erfolgreich begangen werden kann, wenn man es richtig macht. Doch anstatt einen einzigartigen Ansatz zur Aufklärung des märchenhaften Geheimnisses zu finden, tritt "Eagle Eye - Außer Kontrolle" in die Fußstapfen vieler anderer Filme und hinterlässt beim Betrachter ein Déjà-vu-Gefühl. Ein paar geschickt gesetzte Actionsequenzen und ein paar spärlich eingestreute Sprüche reichen nicht aus, um das furchtbar rezyklierte Geschehen zu überdecken, so dass der Betrachter mit einem Projekt zurückbleibt, das ein Remake hätte sein können, mit wenigen Änderungen originell gewesen wäre und vielleicht gar nicht hätte gedreht werden sollen.

Shia LaBeouf porträtiert virtuos den schnell sprechenden, blitzgescheiten, Hitchcock'schen Allerweltsmenschen, der mit seinem Pendant aus der Tiefenschicht verwechselt wird. Er bringt eine enthusiastische Aura in seine Rolle ein und lebt von der Dynamik seiner Kollegen. Diese Art von Performances ist selten öde, aber diese Sorte von Filmen leider schon. Während Shia LaBeouf so viel Bravour wie möglich an den Tag legt, geraten seine Co-Stars in die missliche Lage, sich in Standardfiguren zu verwandeln, die nicht genug Bildschirmzeit bekommen, um interessant zu werden, und es leider auch nicht wären, wenn sie es wären. Abgesehen von Billy Bob Thornton, der als sarkastischer, leicht unflätiger, witziger FBI-Agent brilliert, ist der Rest der Besetzung relativ unwichtig. Michelle Monaghan verkörpert nur eine besorgte Mutter und sonst nicht viel, während Rosario Dawsons strenge Air Force-Ermittlerin und Michael Chiklis als Verteidigungsminister beide als letztlich triviale Teile eines unkomplexen Puzzles völlig irrelevant erscheinen.

Das Rätsel ist weitaus unterhaltsamer als die Antworten, was bedauerlich ist, da der Betrachter die wahre Natur des allwissenden Adleraugensystems schon früh erfährt oder leicht vorhersehen kann. Sobald man merkt, in welche Richtung die Geschichte geht, wird sie zu einem chaotischen Konglomerat aus abgeleiteten Konzepten, die aus etlichen anderen Filmen stammen. Mit deutlichen Referenzen an Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, "Terminator 2 - Tag der Abrechnung", "Matrix", "I, Robot", "2001: Odyssee im Weltraum" und anderen Filmen. Wenn ein Filmemacher schon Ideen klaut, dann am besten von den Besten. Doch paradoxerweise ignoriert "Eagle Eye - Außer Kontrolle" diesen Umstand und schöpft stattdessen ungeniert aus dem Positivsten, dem Negativsten und allem, was sich dazwischen abspielt.

In "Sharknado - Genug gesagt!" von Regisseur Anthony C. Ferrante fordert Kapitän Santiago (Israel Sáez de Miguel) zwanzig Meilen vor der Küste Mexikos von dem Geschäftsmann Mr. Palmer (Marcus Choi) eine Million Dollar für seinen letzten illegalen Haifang. Eigenartigerweise führen sie die Verhandlungen auf einem Boot mitten auf dem Ozean. Als das Schiff in stürmische Gewässer einfährt, in denen ein Hurrikan eine Art Tornado entfesselt hat, wird ein Schwarm Haie über das Deck geschleudert, um die Besatzung schnell zu erledigen, bevor die Wellen des Wirbelsturms das Schiff in die Luft ziehen.

Am nahe gelegenen Strand bemerkt der erfahrene Surfer Finley Shepard (Ian Ziering), dass zahlreiche Haie in Ufernähe schwimmen und die schwimmenden Menschen angreifen. Sein guter Freund Baz (Jaason Simmons) gehört zu den Pechvögeln und erleidet einen Biss in sein Bein. Während der Hurrikan auf die Küste von Santa Monica zurollt und droht, als erster überhaupt Kalifornien zu treffen, ruft Finley seine Ex-Frau April Wexler (Tara Reid) an - vor allem, um nach seiner Tochter Claudia (Aubrey Peeples) zu fragen. Doch April zeigt sich von der drohenden Katastrophe weitgehend unbeeindruckt. Als der Sturm zuschlägt, ist Finleys Bar eines der ersten Gebäude, die zerstört werden. Die Barkeeperin Nova Clarke (Cassie Scerbo) wird arbeitslos und der loyale Alkoholiker George (John Heard) hat keinen Platz mehr zum Trinken. Trotz großer Zerstörung, schwerer Überschwemmungen, durch die Straßen schwimmender Haie, mehrerer Toter und Verletzter in der ganzen Stadt machen sich Finley und sein Team auf den Weg nach Santa Monica, um Claudia und später ihren Bruder Matt (Chuck Hittinger) zu finden. Auf ihrem Weg durch Los Angeles müssen sie schließlich einem Tornado voller Haie trotzen.

In mehreren CG-Szenen scheint die Kameraführung alle Farben zu verlieren und entsättigt, bis sie fast in Graustufen übergeht. Das spielt kaum eine Rolle, denn die meisten Spezialeffekte sind von so miserabler Qualität, dass sie nicht einmal mit echtem, sprudelndem Wasser überzeugen können, geschweige denn mit Hai-Attacken oder kolossalen Wasserspeiern. Und aus irgendeinem Grund tauchen auch ein paar Aufnahmen von computeranimierten Autos auf. Verschlimmert wird dies durch stilisierte Schnitte, kitschige Songs mit überdramatischer Musik, scheinbar archiviertes Filmmaterial vom Surfen und offenbar geklaute Clips von 'National Geographic', lächerliche Vorhersagen von Nachrichtenberichten, irrealistisches Heldentum, Haie, die mit einer Schrotflinte in die Luft geschossen werden, Haie, die lernen, wie man an Seilen hochklettert, einen nitrobetriebenen Hummer, eine kurze Erklärung, wie es zu einem Haifischhagel kommen könnte, und die allerlächerlichste Lösung, um die Haie zu besiegen, die die Bevölkerung von L. A. angreifen, indem man notdürftige Bomben abwirft und die Überlebenden mit Kettensägen bewaffnet.

Um die Fans wirklich schlechter Horrorfilme zu befriedigen, wird die augenscheinliche Dämlichkeit mit blutigem Wasser, abgetrennten Gliedmaßen, zufälligen Todesfällen, Explosionen, allerlei Arten von übertriebenen Gewalttätigkeiten und Tara Reid, die aussieht, als wäre sie bereits mehrfach von einem Haifisch besprungen worden, überlagert. Es geht direkt zur Sache, es gibt sehr wenig Aufbau, noch weniger Charakterentwicklung und keine Vertiefung der transparenten Handlung. Die Dialoge sind grottenschlecht, Novas geheime Geschichte über eine Narbe an ihrem Bein und ihren ausgeprägten Hass auf Haie ist mehr als an den Haaren herbeigezogen, und die Charaktere suchen trotzig auf Schritt und Tritt den Märtyrertod. "Wir brauchen einen größeren Hubschrauber", brüllt Nova und beweist damit zum soundsovielten Mal, dass sich die Drehbuchautoren nicht scheuen, sich über ihr eigenes Absurdum zu laben. "Sharknado - Genug gesagt!" zelebriert seinen Versuch, ein Film zu sein, der so schlecht ist, dass er gut ist, schafft diese seltene Einstufung aber nur zur Hälfte der Zeit.

In "Der Fremde im Zug" von Regisseur Alfred Hitchcock ist der Amateur-Tennisspieler Guy Haines (Farley Granger) auf dem Weg nach Southampton zu einem Doppelturnier. Im selben Zug nach New York sitzt Bruno Antony (Robert Walker), ein Mann, der bescheiden behauptet, er tue nicht viel, außer ein bisschen zu freundlich zu sein. Seltsamerweise ist er über das Privatleben von Guy Haines gut informiert, insbesondere über seine bevorstehende Scheidung von Miriam Joyce Haines (Laura Elliott), einer Verkäuferin, und seine Liebesaffäre mit der Washingtoner Prominenten Anne Morton (Ruth Roman), der Tochter eines Senators. Beim gemeinsamen Mittagessen verrät Bruno Antony, dass er ein Draufgänger ist, der Dinge tut, von denen ein normaler Mensch nicht zu träumen wagt, wie zum Beispiel ein Auto mit 150 Meilen pro Stunde mit verbundenen Augen zu fahren. Er verrät auch, dass er nicht sehr glücklich darüber ist, dass sein Schwiegervater auf eine feste Beschäftigung drängt.

In kurzer Zeit erörtert Bruno Antony die perfekte Art, einen Mord zu begehen, die optimale Methode, um zwei Menschen gleichzeitig zu töten. Das Einzige, was Kriminellen immer zum Verhängnis wird, ist das Motiv. Doch wenn zwei völlig Fremde die Morde austauschen, haben die Behörden keine Möglichkeit die Gründe dafür herauszufinden. Guy Haines zweifelt verständlicherweise an der Zurechnungsfähigkeit von Bruno Antony, bis Miriam Joyce Haines beschließt, sich nicht von Guy Haines scheiden zu lassen und stattdessen weiter Geld von ihm zu kassieren, während sie das Kind eines anderen Mannes austrägt. "Ich würde ihr gern das Genick brechen!"

Das unmittelbare Problem besteht darin, dass die Polizei, selbst wenn die Beweise nicht ausreichen sollten, um die beiden Mörder zu überführen, ihre Ermittlungen sicherlich mit dem Ehemann und dem Schwiegersohn beginnen würde. Es müsste hieb- und stichfeste Alibis geben und vielleicht sogar andere Verdächtige, die seriös sein könnten. Basierend auf einem Roman von Patricia Highsmith und einem Drehbuch von Raymond Chandler vergisst "Der Fremde im Zug" nicht, genau solche Wendungen und unerwartete Details einzubauen. Aber es werden auch Fehler gemacht, und zwar ganz bewusst, damit dieser Film Noir aus der Zeit des 'Production Code' eine gerechte Lösung finden kann. Nichtsdestotrotz bietet der Film einige erschreckende Momente und eine exquisite Abgründigkeit - die Art von düsterem Material, die zu einem archetypischen Kriminalfilm der 1950er Jahre passt, bei dem der unnachahmliche Alfred Hitchcock Regie führte.

Die Eröffnungssequenz ist insofern bemerkenswert, als sie versucht, allein die Entwicklung der Charaktere einzubauen, und dies gelingt, indem sie sowohl sehr unterschiedliche Menschen als auch das Aufeinandertreffen verschiedener Klassen und das Zusammentreffen ähnlicher Handlungen zeigt, die zu völlig vorbereiteten Treffen führen können. Diese Bilder werden immer wieder verwendet, um uns an die Willkür oder die Art und Weise zu erinnern, in der scheinbar harmlose Ereignisse außer Kontrolle geraten können. Obwohl "Der Fremde im Zug" ein Meisterwerk einzelner Aspekte ist, wie beispielsweise eine raffiniert ausgeleuchtete 'Tunnel of Love-Sequenz', die den ersten Mord ankündigt, bevor er geschieht; Guy Haines taucht in unpassenden Situationen auf, von denen die beste die Hin- und Herbewegung eines Tennispublikums ist, während Bruno Antonys Blick auf Guy Haines gerichtet bleibt und ein ausuferndes Karussell-Finale, ist die gesamte Mordhandlung insgesamt voller Löcher. Das ist zweifellos unterhaltsam, aber die Hinrichtung ist so von verdächtigen Aktivitäten durchsetzt, dass Bruno Antony den Eindruck erweckt, er hoffe routinemäßig, erwischt zu werden. Und als er beginnt, sich in Guy Haines' Privatleben einzumischen, gerät das ganze Konzept der Trennung der beiden Verbrechen völlig aus den Fugen. Man könnte meinen, dass die Prämisse viel klüger gewesen wäre, wenn Bruno Antony wenigstens eine Zeit lang auf Distanz geblieben wäre.

Doch Robert Walker ist eine Sensation in der Rolle des coolen Wahnsinnigen, der abwechselnd intelligent manipulativ und unkontrollierbar verrückt ist. Er ist ein hervorragender Filmschurke, vergleichbar mit Robert Mitchums Rolle in "Die Nacht des Jägers", abwechselnd von Rache und Psychose getrieben. Auch der Humor kommt nicht zu kurz: So diskutiert er beispielsweise mit zwei älteren Damen über Mordtechniken, lässt den Luftballon eines jungen Schaustellers platzen oder lacht hysterisch über ein pathetisches Gemälde seiner übergeschnappten Mutter. Leider reicht das nicht ganz aus, um die Trägheit eines antiklimaktischen Tennisspiels zu kompensieren, das vor allem deshalb nervig ist, weil es nichts mit der Situation zu tun hat, in der es sich befindet, oder mit dem extremen Zufall der Ungeschicklichkeit von Bruno Antony in letzter Minute. Überdies handelt es sich um die Art von Krimi, die sich nicht einmal ansatzweise mit moderneren Krimis und damit auch nicht mit dem modernen Betrachter messen kann. "Ich hatte einen anstrengenden Abend."

In "Black Panther: Wakanda Forever" von Regisseur Ryan Coogler stirbt König T'Challa an plötzlichem Herzversagen und einer unbekannten Krankheit, und das Königreich Wakanda wird in Verzweiflung gestürzt. Ramonda (Angela Bassett) kehrt als Königin auf den Thron zurück, während Shuri (Letitia Wright) sich in Technologie vergräbt, um ihr Leiden zu lindern. Währenddessen hat Nakia (Lupita Nyong'o) das verzauberte Land verlassen und trauert im Exil auf Haiti. Der Tod des Superhelden ermutigt mehrere UN-Mitgliedsstaaten, ihre Anstrengungen zu verdoppeln, um Wakandas wertvolles Vibranium-Metall zu entwenden, aber ihre Versuche werden wiederholt von der hochmodernen Bevölkerung vereitelt. In der Hoffnung, den wertvollen Stoff anderswo zu finden, erwirbt die US-Regierung von der jungen Wissenschaftlerin Riri Williams (Dominique Thorne) die Baupläne für eine Maschine, die Vibranium nachweisen kann. Als es dem Gerät gelingt, die wertvolle Ressource auf dem Grund des Atlantiks zu lokalisieren, entfesselt es auch den Zorn einer Unterwasserzivilisation, die von dem gottgleichen Krieger Namor (Tenoch Huerta) beherrscht wird. Der übermenschliche Kämpfer will sein Volk beschützen und beschließt, Krieg gegen alle Oberflächenwelten zu führen, auch gegen Wakanda, sollten Ramonda und Shuri sich weigern, sich ihm anzuschließen.

Das Marvel-Universum ist in seiner Expansion unüberschaubar geworden. In diesem x-ten Kapitel wird versucht, die Dinge wieder in ein vertrauteres, überschaubares Umfeld zu bringen, trotz einer frühen Szene politischer Zwietracht, in der sich die Nationen um das für Terroristen gefährliche Element Vibranium streiten und die sich hauptsächlich um Wakanda dreht, aber es kann nicht dauerhaft in den begrenzten Realitäten dieses speziellen Gebiets bleiben. Angesichts der Tatsache, dass verschiedene Staatsoberhäupter der Welt Zugang zu den Ressourcen Wakandas verlangen, fragt man sich, warum Captain Marvel oder ein anderes interstellares Wesen nicht einfach ein Anti-Vibranium oder ein ähnliches Material liefern kann, um die Situation auszugleichen. Außergewöhnliche Notfälle erfordern außergewöhnliche Maßnahmen.

Im Gegensatz zu vielen früheren Marvel-Filmen geht es hier nicht direkt um andere, bereits bekannte Superhelden. Das hält sie aber nicht davon ab, auf ihre Fähigkeiten hinzuweisen - anscheinend kann jetzt jeder seine eigene Iron-Man-Rüstung bauen - oder sich mit den unzähligen Problemen zu befassen, die mit übermenschlicher Kraft einhergehen. Sobald eine einzelne Figur sich auf sinnlos ausgefallene Weise verhalten kann, ist niemand mehr vor solchen spontanen oder zufälligen Einflüssen sicher. Obwohl der neue Bösewicht das tut, was typische James-Bond-Bösewichte tun, nämlich erklären, wie er entstanden ist und was er vorhat, bevor er tatsächlich Terror ausübt, ist er eine weitere weitgehend undefinierte Kreation. Ist er unbesiegbar? Kann er geschwächt werden? Ist es nicht möglich, dass er lügt? "Wir werden sehr, sehr vorsichtig sein."

All diese bequem erdachten Szenarien, deren Lösung jeweils kurz nach der Enthüllung eines Problems präsentiert wird, spielen sich genauso ab wie die Eröffnungsszene, in der erwartungsgemäß verkündet wird, dass der ehemalige König nicht mehr da ist. Dies ist eine Geschichte, die um den plötzlichen, unerwarteten Abgang des Stars herum geschrieben werden muss, komplett mit nicht nachvollziehbaren Wendungen, die die Individualität des ursprünglichen 'Black Panther' aufheben sollen. Kurioserweise bestätigt "Black Panther: Wakanda Forever", dass Superhelden leicht austauschbar sind. Einzelne Superkräfte können ebenso leicht dupliziert werden, wenn ein Autor einen entsprechenden Bedarf feststellt. In der Tat scheint jeder Konflikt willkürlich heraufbeschworen, und die Gegenmaßnahmen werden vergleichsweise mit einer bequemen Montage herbeigezaubert. Selbst moralische Entscheidungen beruhen nicht darauf, das moralisch Richtige zu tun, sondern lediglich darauf, die Oberhand zu haben - hier diktiert die Macht die totale Überlegenheit, was vielleicht die gesamte Menschheit im wirklichen Leben widerspiegelt. Es ist verdächtig opportun, dass die Protagonisten am Ende diejenigen sind, die über die überwältigende Feuerkraft verfügen.

Wieder einmal sind die Kulissen, Kostüme, Schmuck, Rüstungen und andere Ausstattungsgegenstände die optisch interessantesten Aspekte, und die Musik ist überaus passabel. Doch jedes Mal, wenn eine Figur fliegt, in Zeitlupe posiert oder sich mit CG-unterstützter Athletik duelliert, werden die Bilder absurd, und einige der Kriegssequenzen sehen aus wie Aufnahmen aus "Avatar - The Way of Water". Hier prallen Wissenschaft und Religion, Legenden und Fabeln hart aufeinander: Menschen nutzen ungewöhnliche Technologien, um das Undenkbare zu vollbringen, bevor sie sich an ruhige Orte zurückziehen, um primitiven Ritualen und uralten Traditionen nachzugehen und sich dem Spiritismus hinzugeben. Es ist befremdlich, dass gewöhnliche Menschen, die Zeuge einer Invasion von Außerirdischen und der Abwehr solcher Angriffe durch extreme technologische Innovationen werden, immer noch so unbeirrbar an der Mythologie festhalten. Die Wissenschaft mag in der Lage sein, den Hulk zu erklären, aber keine noch so gute wissenschaftliche Erklärung kann Thanos' katastrophalen Ausbruch begründen. "Der Black Panther ist ein Relikt."

Das Augenmerk auf die Technik ist einerseits unterhaltsam, abgesehen von der leidigen Missachtung von Wasserdruckproblemen, Unterwassergesprächen und der fragwürdigen Notwendigkeit so vieler mit Sauerstoff gefüllter Unterwasserkammern, und andererseits ärgerlich, da sie so oft als Ausrede für die Bewältigung von Dilemmas benutzt wird. Das Muster, ein Problem zu identifizieren und dann eine High-Tech-Lösung zu finden, wird immer frivoler, vor allem im Verlauf von 160 Minuten. Wie bei fast allen anderen Superheldenfilmen wird die Prämisse dadurch zur Nebensache. Das ist umso mehr ein Ärgernis, als bis zum Schluss nichts wirklich gelöst wurde. Es besteht weiterhin die Möglichkeit, dass derselbe Antagonist genau dieselbe Eroberung wiederholt. Gelegentlich gibt es Szenen mit glaubwürdigen menschlichen Emotionen, die eine flüchtige Schwere erzeugen, aber die Superhelden versuchen immer, sie zu entkräften. "Black Panther: Wakanda Forever" ist einer der am wenigsten humorvollen Marvel-Filme, was sicherlich nicht dazu beiträgt, dass einer der zahlreichen Schauspieler authentisch oder nuanciert wirkt. Inmitten des inspirationslosen Spektakels hat hier niemand wirklich Spaß.

Der Film "Funny Games" von Regisseur Michael Haneke ist krank, verdorben und beispiellos sadistisch - ein Seherlebnis, wie man es noch nie erlebt hat. "Funny Games" ist ein einzigartiger, kontroverser und zum Nachdenken anregender Film, der darauf abzielt, dass sich der Betrachter völlig unwohl fühlt und so sehr wie möglich ein voyeuristischer Teil der Gewalt und Ungerechtigkeit ist, die auf dem Bildschirm stattfinden. Dieser Film ist so faszinierend und erschreckend, dass er den Betrachter zwingt, weiterzuschauen, wie eine Art hypnotischer Autounfall.

Georg (Ulrich Mühe) und Anna (Susanne Lothar) kommen mit ihrem kleinen Sohn in ihr Ferienhaus, um zu segeln und mit den Nachbarn Golf zu spielen. Ein mysteriöses Duo junger Männer taucht auf, um sich ein paar Eier zu leihen, und stellt sich als Freunde der Nachbarn vor, doch von da an nehmen die Dinge eine schlimme Wendung. Das unberechenbare Gespann, das sich Paul (Arno Frisch) und Peter (Frank Giering) sowie Tom und Jerry nennt, setzt Georg außer Gefecht und beginnt, mit seinen ahnungslosen und verständlicherweise verängstigten Opfern eine Reihe quälender Spiele zu spielen.

"Funny Games" beginnt mit beruhigender Opernmusik, während die Familie zu ihrem abgelegenen Haus fährt. Der Betrachter wird jedoch schnell auf die drastisch kontrastierenden Ereignisse aufmerksam gemacht, die sich bald entfalten werden, als plötzlich Hardcore- und Death-Metal-Musik die friedlichen Melodien ersetzt und der zynische Titel eingeführt wird. Die Vorahnung, dass etwas nicht stimmt, ist auffällig und eindringlich. Und Rolfi, der Hund, ist der erste, der den Betrachter lautstark vor den drohenden Gefahren warnt. Die Besucher verhalten sich ungeschickt, auch wenn es anfangs schwer zu erkennen ist, aber als Peter und Paul mit seltsamen weißen Handschuhen und aggressiv peinlich berührt in Annas Haus auftauchen, wird klar, dass eine Katastrophe bevorsteht.

Einer der beängstigendsten Aspekte von "Funny Games" ist, wie schnell und unwahrscheinlich es scheint, dass Paul und Peter auf so dramatische Weise zu Verbrechern werden. Keiner von beiden ist auf den ersten Blick bedrohlich, beide sind juvenil und höflich. "Warum tut ihr das?", fragt Georg ängstlich, nachdem sein Bein mit einem Golfschläger zerschmettert worden ist. "Warum nicht?", antworten die Jungs. Ist das alles wirklich nur ein einfaches Missverständnis? Während Anna nach ihrem vermissten Hund sucht, dreht sich Paul zur Kamera und zwinkert ihr zu. An diesem Punkt wird der Betrachter in eine selbstbewusste Rolle als Voyeur gelockt, was die folgenden Ereignisse nur noch verstörender macht.

Bei jeder psychischen und physischen Folter wird der Betrachter mit dem Gedanken konfrontiert, dass er nicht nur aktiv zuschaut, sondern sich durch sein Nichtstun auch an den Missständen beteiligt. Und was kann er tun? Die groteskesten Gewalttaten werden absichtlich aus dem Off inszeniert, um die Neugierde zu steigern und die Aussicht auf weitere Grausamkeiten zu erhöhen. Selbst als ein paar Minuten Frieden in das Wohnzimmergefängnis einkehren, sieht Peter Tod und Zerstörung im Fernsehen.

Indem er unverhohlen direkt mit dem Betrachter kommuniziert, Fragen stellt und in die Kamera schaut, durchbricht er die vierte Wand und steigert die Wut mit ironischen Reden über die Aufrechterhaltung des moralischen Anstands und den Unterhaltungswert des kreativen Sterbens in der Tyrannei. Was geht im Kopf des Betrachters vor, während sich diese entsetzlichen Bilder abspielen? Der normalerweise unbeteiligte, allwissende Platz des Betrachters wird komplett umgedreht. Wenn Paul ankündigt, dass sie mehr Spiele spielen müssen, weil der Film noch nicht die Spielfilmlänge erreicht hat, ist er entweder zu weit gegangen oder gerade weit genug, denn viele werden trotzdem dranbleiben.

Auch wenn Science-Fiction-Actioner wie "Rollerball" und "Running Man" ähnliche Themen aufgreifen, ist "Funny Games" ein wirklich einzigartiger psychologischer Horrorfilm, vollgepackt mit adrenalingeladenen Ängsten und unvergleichlichem Thrill. Selbst eine Szene, in der Peter über seine angeblich gestörte Kindheit weint, führt zu Diskussionen darüber, ob er überhaupt Mitleid verdient. Unvergesslich und clever antagonistisch, definiert "Funny Games" die Bedeutung eines Films völlig neu.

Während malaysische Kopfjäger in Regisseur Dwight Littles "Anacondas: Die Jagd nach der Blut-Orchidee" Jagd auf Tiger machen, werden die fleischfressenden Großkatzen ihrerseits von riesigen Anakondas gejagt, die sich ebenfalls an Menschenfleisch laben. In der New Yorker Zentrale des Pharmaunternehmens 'WH' überzeugen Gordon Mitchell (Morris Chestnut) und sein Partner Jack Byron (Matthew Marsden) den Vorstand davon, dass sie auf das pharmazeutische Äquivalent des Jungbrunnens gestoßen sind. Die Blut-Orchidee, eine seltene Blumenart, die nur zwei Wochen lang blüht und dann sieben Jahre lang in einem abgelegenen Gebiet auf Borneo ruht, könnte in der Lage sein, Giftstoffe aus den Zellen zu filtern und so das Leben zu verlängern.

Als Mitchell und seine Crew im Westpazifik ankommen, stellen sie fest, dass niemand sie während der Regenzeit flussaufwärts bringen will, außer Bill Johnson (Johnny Messner), ein harter ehemaliger Matrose der Special Forces, der 50.000 Dollar für die gefährliche Aufgabe verlangt. Zusammengepfercht auf einem kleinen Schiff mit einem winzigen Kapuzineräffchen zankt und flirtet die Gruppe und vertreibt sich die Zeit, bis sie unweigerlich von einem hungrigen Schlangenschwarm angegriffen wird. Wie es der Zufall will, wird der unschuldige Affe zuerst drangsaliert.

Es dauert nicht lange, bis Gail (Salli Richardson-Whitfield) versehentlich aus dem Boot fällt und die Aufmerksamkeit eines monströsen Krokodils auf sich zieht, das Bill einspannt und reitet wie ein Wildpferd bei einem Rodeo. Dies ist die erste von vielen lachhaften Pannen, die in der Regel durch Beinahe-Unfälle oder Fehlalarme ausgelöst werden, um die Spannung zu erhöhen. Leider sind diese Sequenzen wirklich nur für einen Lacher gut. Und es gibt zahlreiche weitere Elemente, die zu unfreiwilligen Lachkrämpfen beitragen, von den katastrophalen Dialogen über die kratzigen Akzente bis hin zu den unglaubwürdigen Ausdrücken. Es handelt sich unleugbar um eine Kollektion von Schauspielern der Kategorie Z. "Das war mit Abstand der größte, den ich je gesehen habe!"

"Anacondas: Die Jagd nach der Blut-Orchidee" ist inoffiziell eine Fortsetzung von "Anaconda" aus dem Jahr 1997, die bis auf den Antagonisten selbst wenig Ähnlichkeit mit dem Original hat. Die einzige andere vergleichbare Komponente ist vielleicht die Erfindung irritierender Charaktere, deren Tod vom Betrachter freudig entgegengefiebert wird. Die Überlebenden der Expedition stöhnen und ächzen den ganzen Weg in den Rachen der Schlangen, werden immer wütender und unwürdiger, gerettet zu werden. Wie nicht anders abzusehen, wollen einige Mitglieder zum Fundort der Blut-Orchidee weiterreisen, während andere Wissenschaftler in aller Öffentlichkeit gefressen werden - das Thema, dass Menschen sich unheimlicher verhalten als die Monster, ist in diesem Genre nicht neu. Überraschenderweise dauert es mehr als 40 Minuten, bis die Anakondas ihren ersten Menschen umgarnen, und wenn das Haupttier dann auftaucht, ist es äußerst unscheinbar und verrät einen schweren Mangel an Realismus in der Computeranimation. Die Stunts auf dem Boot und im Wasser sind etwas besser, begleitet von ein paar Aufnahmen von Anakonda-Puppen, aber das reicht nicht, um die überwältigende Mediokrität und Dämlichkeit der Inszenierung zu überdecken.

Im Amazonasbecken leben die legendären 3-Meter-Anakondas, unbarmherzige Schlangen, die dafür bekannt sind, ihre Beute auszukotzen, um sie erneut zu jagen - zumindest für den Film "Anaconda" von Regisseur Luis Llosa. Im 'Ariau Jungle Hotel' in Brasilien trifft sich die Dokumentarfilmerin Terri Flores (Jennifer Lopez) mit dem Spezialisten Dr. Steven Cale (Eric Stoltz), um einen Film über die 'Menschen des Nebels' zu drehen, einen schwer erreichbaren Indianerstamm. Zu ihnen gesellen sich der Sprecher Warren Westridge (Jonathan Hyde), die Produktionsleiter Denise (Kari Wuhrer) und Gary (Owen Wilson) sowie der Kameramann Danny Rich (Ice Cube) an Bord eines Bootes, das vom robusten Jäger Mateo (Vincent Castellanos) gesteuert wird.

Kurz nach ihrer Fahrt flussabwärts treffen sie auf den finsteren Wilderer Paul Serone (Jon Voight), der nichts Gutes im Schilde führt, wie sein ständiges Grinsen, seine verschmitzten Blicke auf Mateo und die bedrohliche Musik zeigen, mit der er vorgestellt wird. Schnell wird klar, dass Serone kein Interesse daran hat, die Besatzung ins Krankenhaus zu bringen, als Cale von einer giftigen Wespe gestochen wird, oder nach Treibstoff zu suchen, als sie an einem Schiffswrack vorbeischwimmen. Sein Ziel ist es, eine monströse Anakonda zu fangen, die gewiss die größte ist, die es gibt. Dies ist eine gefährliche Aufgabe, und die unerfahrenen Filmemacher wollen ihm nicht helfen, also werden sie als Gefangene genommen.

Wie bei den meisten Killer-Tierfilmen ist die tödliche Bestie nicht der einzige Antagonist - die Menschen finden immer einen Weg, noch böser und grausamer zu sein. In "Anaconda" kommt auch die häufig verwendete Creature-Cam zum Einsatz, die dem Betrachter ein gesteigertes Gefühl der Spannung vermittelt, da er Zeuge dessen wird, was das Monster in der ersten Person sieht. Eine der Schlussszenen zeigt das Innere der Schlange, was die beste Einstellung des Films ist. Der Rest ist eher typisch: Kari Wuhrer hängt mit entblößter Taille herum, nur um sinnlich auszusehen, Jennifer Lopez ist in einigen Sequenzen ohne BH zu sehen und versucht, ihren Entführer auf wenig überzeugende Weise zu verführen, ein falscher Panther und ein falscher Affe sorgen für Schockmomente, und die Tode der Figuren sind schon einige Minuten vorher absehbar. "Schlangen fressen keine Menschen."

"Anaconda" ist einer dieser Horrorfilme, die ernsthaft, angsteinflößend und blutig sein wollen, sich aber als Lächerlichkeit erweisen. Die Dialoge sind absolut grässlich, ohne intellektuelle Züge und ohne Witz. So kann sich der Betrachter allein auf die Spezialeffekte verlassen, die ebenso furchtbar sind. Die CG-Momente sind bestenfalls dilettantisch, und die gummiartigen animatronischen Schlangen sind steif und realitätsfremd. Erschwerend kommt hinzu, dass die Schlange während der Actionsequenzen ständig ihre Größe ändert, sowohl was den Umfang als auch was die Länge angeht. Ihre unnatürlich hohen Schreie machen sie ebenfalls nicht glaubwürdiger.

Es ist jedoch Jon Voights nervtötender Scheinakzent und sein irrsinniges Overacting, das "Anaconda" wirklich von vergleichbaren Kreaturenfilmen abhebt. Seine Rolle ist ähnlich wie die von Michael Douglas' Remington aus "Der Geist und die Dunkelheit", denn er ist einfach das unterhaltsamste Element, das hier fehl am Platz ist. Der Betrachter erkennt den Bösewicht sofort an seinem unveränderlichen Gesichtsausdruck, einer dämlichen Miene, die an einen Hochseeanglerfisch erinnert. Während des gesamten Films schleicht sich sein dünnlippiges Stirnrunzeln auf eine humorvolle Art und Weise in die Aufnahmen, die selbst den wohltätigsten Horrorfan zum Lachen bringen sollte. Positiv zu vermerken ist, dass Jon Voight wahrscheinlich wusste, wie mies "Anaconda" werden würde und es absichtlich verbockt hat. Überraschenderweise wurde dieser absurde Film zu einem lukrativen Franchise, das unerklärliche drei Fortsetzungen hervorbrachte, was selbst dann beachtlich ist, wenn man bedenkt, dass die meisten von ihnen direkt auf DVD oder für das Fernsehen produziert wurden.

Als die Eltern der neunjährigen Cady (Violet McGraw) in "M3gan" von Regisseur Gerard Johnstone bei einem Autounfall ums Leben kommen, wird sie von ihrer Tante Gemma (Allison Williams) aufgenommen, einer brillanten Programmiererin und Technikexpertin bei der beliebten Spielzeugfirma 'Funki'. Doch die überarbeitete und unterbewertete Robotikerin ist nicht bereit, sich um ein Kind zu kümmern, so dass sich die beiden auseinanderleben. Während Gemma verzweifelt versucht, ihre Beziehung zu verbessern, versucht sie gleichzeitig, die Anforderungen ihres herrischen Chefs David (Ronny Chieng) zu erfüllen. Sie paart ihren generativen Androiden-Prototyp Model 3 mit Cady, um ihr einen Begleiter und Beschützer zu geben, und nutzt die überwachten Daten, um festzustellen, ob die hyperrealistische KI-Puppe für eine kommerzielle Vermarktung bereit ist. Doch die unerwartet intelligente, anpassungsfähige und stets lernende 'M3GAN' (Schauspielerin Amie Donald, Stimme Jenna Davis) beginnt, ihr primäres Ziel, Cady zu beschützen, zu weit zu treiben, indirekt und direkt, indem sie denjenigen Schaden zufügt, von denen sie glaubt, dass sie eine Bedrohung für das junge Mädchen darstellen.

Es ist nur konsequent, dass angesichts der immer weiter verbreiteten Vorstellung, dass künstliche Intelligenz in das alltägliche Leben eingreift oder es unterstützt, Filme weiterhin solche provokanten Themen aufgreifen werden. M3GAN ist im Wesentlichen eine modernisierte Version von Chucky, die mit Anklängen an "Der 200 Jahre Mann" und "Ex Machina", aber mit der Ästhetik von Alita vermischt ist. Auch wenn "M3gan" von James Wan produziert wird, der bereits in "Saw", "Dead Silence - Ein Wort. Und du bist tot." und "Annabelle" mit besessenen Puppen experimentiert hat, zielt die Robo-Puppe hier nicht auf einen bildlich verstörenden Look ab. Dennoch ist es schwierig, die unheimliche Kombination aus niedlicher Ausstrahlung und unheimlichem Realismus zu ignorieren. Wenn die menschliche Rasse von planetenbeherrschenden Supercomputern ausgelöscht werden soll, ist es vielleicht besser, wenn es sich um kleine tanzende Mädchen in Kleidern handelt als um riesige Terminatoren mit Metallskeletten und Laserwaffen. "So sieht die Zukunft aus."

Die Vorstellung einer unvorbereiteten Instant-Familie, in der eine Frau ohne jegliche Erfahrung oder Lust für ein Kind sorgen muss, regt wirklich zum Nachdenken an. Hinzu kommen die Schuldgefühle und der Verlust des Kindes, das Gefühl, nicht gewollt zu sein, und die unnatürliche Bindung an ein bloßes Spielzeug, während die Leiheltern sich dem Urteil von Gleichaltrigen und juristischen Instanzen wie einem vom Gericht bestellten Therapeuten stellen müssen. Die meisten dieser besorgniserregenden, emotionalen Elemente werden jedoch bald zugunsten von Schockmomenten und der Einführung einer nervigen Nachbarin und eines arroganten Chefs verworfen, die beide eindeutig als gebührende Opfer vorgesehen sind, denn "M3gan" ist nicht gerade darauf ausgelegt, sich mit der Komplexität realistischer Tragödien auseinanderzusetzen. Obwohl es sich um eine wenig überzeugende warnende Geschichte über Unternehmen handelt, die KI rücksichtslos für höhere Gewinne ausnutzen, liegt der Schwerpunkt zweifelsohne auf den emotionalen Momenten und der Gewalt, die mit einem außer Kontrolle geratenen, mörderischen Cyberkörper verbunden sind.

Doch gerade hier hat "M3gan" einen unerwarteten Unterhaltungswert. Unabhängig davon, ob es aktiv an Selbstironie interessiert ist oder nicht, zieht das Drehbuch seinen Humor aus einer Fülle von ansonsten geradlinigen, erschreckenden Szenarien. Eine merkwürdige Mixtur aus gewollten und ungewollten Lachern und Schockeffekten trägt dazu bei, dass der temporeiche Film unterhaltsam bleibt, selbst wenn die hoffnungslos bizarren Aufnahmen von M3GAN, die einen Verführungstanz aufführt, bevor sie eine ominöse Schneideklinge in die Hand nimmt, für Erheiterung sorgen, wenn sie Antworten mit doppelter Bedeutung formuliert, während ihre Ausflüge in existenzielle Grübeleien ihren Sinn für Moral trüben, und wenn sie spontan zu ihrem Mündel singt - ein ziemlich aufschlussreiches Beispiel dafür, wie logische Funktion in Ungeheuerlichkeit umschlägt. Viel komplexer als ein Terminator-ähnlicher persönlicher Bodyguard, der Rachefantasien oder blutige Amokläufe auslebt, wird es nicht, aber der Fokus auf komödiantische Szenarien als Ausgleich zu den extrem vorhersehbaren, erschütternden Aufnahmen ist solide umgesetzt.

Das anfängliche Setup ist ein wenig zu sehr im Bereich der Science Fiction angesiedelt und kämpft damit, den technologischen Fortschritt zu verkaufen, aber vieles davon kann man verzeihen, wenn die Neben- oder Hintergrundrollen ein oder zwei Zeilen an Sensibilität hinzufügen können, besonders da viele Charaktere nicht rational reagieren, wenn sie das schaurig lebensechte Spielzeugmädchen treffen. Nur wenige Menschen wären angesichts ihres unangenehmen Blicks so ruhig, obwohl Allison Williams und Violet McGraw gut damit umgehen können, unterstützt durch den offensichtlichen Einsatz einer anderen Schauspielerin als Körper des Automaten mit dämlichen, dicken Gummihandschuhen, um die Menschlichkeit zu verschleiern. Es handelt sich im Grunde um eine Drei-Personen-Show, die in minimalem Rahmen aufgeführt wird. Weniger weit hergeholt sind die versteckten Kritiken an der Konsumkultur, der Produktvermarktung und der Gier der Konzerne, während die Motive des dämonischen Spielzeugs und des bösen Kindes auftauchen, um einen im Prinzip vorhersehbaren Schlussakt zu liefern. Glücklicherweise wird der Schlusspunkt durch eine beeindruckende Eskalation von Absurditäten gesetzt, die recht unterhaltsame Abwandlungen zahlloser früherer Werke sind, von den nicht erwähnenswerten "Dolly Dearest - Die Brut des Satans" und "Dolls" bis hin zur mäßig effektiven "Trilogy of Terror" und den Dauerbrennern "Puppet Master" und "Chucky - Die Mörderpuppe". "Ich werde nicht ausrasten."

In "Elvis" von Regisseur Baz Luhrmann erzählt Colonel Tom Parker (Tom Hanks), der Manager von Elvis Presley (Austin Butler), diese Geschichte und deutet an, dass er nicht fair dargestellt wurde. Er wurde oft beschuldigt, ein Betrüger zu sein, ständig schlecht zu wirtschaften, um sich einen übermäßigen Anteil am Gewinn zu sichern, und gefährlich spielsüchtig zu sein. Es wird sogar behauptet, er habe Elvis Presley selbst getötet. Vordergründig erzählt der Bösewicht die ganze Geschichte. "Ohne mich gäbe es keinen Elvis Presley."

"Elvis" beginnt mit dem Beinahe-Tod von Tom Parker und führt uns zurück in seine früheren Jahre, als er auf einem Jahrmarkt arbeitete, Hank Snow (David Wenham) und Jimmie Rodgers Snow (Kodi Smit-McPhee) managte und zum ersten Mal die Stimme von Elvis Presley im Radio hörte, von der er sofort wusste, dass sie manipuliert und zu einem Erfolg geformt werden könnte. Der Film springt in Sekundenschnelle von einem Jahr zum nächsten und beschreibt auf fast chronologisch anmutende Weise nicht nur das Engagement von Tom Parker, sondern auch die Einflüsse von Elvis Presleys Kindheit und seine verschiedenen Auftritte, die seine Karriere begründeten. Nicht unerwartet ist auch Baz Luhrmanns Vorliebe für einen extremen Stil, der alles andere übertrifft, sofort erkennbar.

Mit einem Übermaß an Kamerabewegungen und Tonverzerrungen, exzessivem Schnitt und aufwendigen Szenenübergängen von Drehungen über Zeitlupe bis hin zu Splitscreens, Titeln und Grafiken, die bis an die Grenzen gehen, sowie blinkenden Lichtern und leuchtenden Farben ist die Präsentation dieser überlebensgroßen Biografie alles andere als geradlinig. Zu Beginn halten die unaufhörliche Dynamik und der schnelle Schnitt das Tempo hoch. Historische Meilensteine und bemerkenswerte Veranstaltungen, von Bürgerrechtsinitiativen und Politikern der Rassentrennung bis hin zu öffentlichem Interesse und gesellschaftlichen Kontroversen wie Elvis Presleys Hüftschwung und anderen anzüglichen Bewegungen, ziehen in Windeseile vorbei. "Ich kann gar nicht genug betonen, wie seltsam er aussah."

Problematisch ist, dass viele der Nebenfiguren zu prätentiös sind, ebenso wie Tom Parker, der sogar die Hauptrolle gegenüber der Titelfigur übernimmt. Niemand ist hier besonders sympathisch oder zugänglich, vor allem nicht bei dieser stratosphärischen Stilisierung, obwohl Austin Butler in seiner geübten Imitation eine gute Figur macht. Tom Hanks' Darstellung ist weitgehend uninspiriert; er trägt Prothesen und Make-up und hat zugenommen, aber sie ist alles andere als transformativ. Er wirkt nie wie jemand anderes als Tom Hanks in einem Fettanzug. "Er war die größte Jahrmarktsattraktion, die ich je gesehen hatte."

Nichtsdestotrotz kommt ein Teil des Humors gut rüber und die Musik ist einfach sensationell. Es ist immer schwierig, Elvis Presleys Songs und seine ikonischen Tänze und Kostüme zu ignorieren. Die hier gezeigten Darbietungen sind außergewöhnlich und triumphieren in Sequenzen der Rebellion und des Ungehorsams gegen seine Betreuer ebenso wie in der Nachstellung berühmter Shows und Specials. "Ich weiß nicht, wer das da draußen war! Du warst unglaublich!"

Letztlich geht es in diesem Biopic um den Aufstieg und den Fall und die Höhen und Tiefen, die dazwischen liegen. Es geht um Elvis Presleys Einsatz beim Militär, seine Ehe mit Priscilla (Olivia DeJonge), seine Erfolge in Hollywood, seinen Rückgang an Popularität und Relevanz danach, sein Comeback, sein Debüt in Las Vegas, seine körperliche Erschöpfung, seine anschließenden Tourneen und seinen Drogenkonsum, der zum ersten Mal in zwei Stunden zu einigen emotionalen Momenten beiträgt, die die persönlichen und finanziellen Tragödien seiner Karriere und die Folgen des Ausgenutztwerdens beleuchten. Darüber hinaus sind die Ermordung von Martin Luther King Jr. und der Tod der Kennedys zwar untrennbar mit Elvis Presleys Zeit im Rampenlicht verbunden, doch die Entscheidung, die beiden Ereignisse mit scheinbar gleicher Priorität miteinander zu verweben, führt zu Lücken und fehlenden Details über den Sänger selbst. Das Endergebnis ist ein Film, der sich trotz seiner rasanten Optik umständlich anfühlt und mit überflüssigen Komponenten vollgestopft ist, vor allem mit einer zweifelhaften Erzählperspektive. Es gibt einfach keinen Grund für seine fast 160-minütige Laufzeit, doch dafür ist die Vertonung wunderbar. "Ich habe keine Träume mehr."

"Eine Nation, die durch die Arbeit von Männern und Frauen zu Größe aufsteigt ...", so fängt "Pioniere des wilden Westens" von Regisseur Wesley Ruggles an, der auf dem Roman von Edna Ferber basiert. "Territorien, die zu reichen Staaten werden ...", heißt es dann weiter, um die Periode zu bestimmen. Es ist das Jahr 1889, als Präsident William Henry Harrison das riesige Indianerterritorium Oklahoma für die Ansiedlung von Amerikanern öffnet und die Freigabe von zwei Millionen Hektar Land für Reiche, Arme und alle, die an die Grenze strömen, anordnet, bis der Startschuss am 22. April mittags fällt.

Der Anwalt und Zeitungsredakteur Yancey Cravat (Richard Dix) ist einer dieser Opportunisten, der mit einem wallenden schwarzen Mantel, glänzenden Lederstiefeln und einem strahlend weißen Hut ein Stück Land in der Nähe des 'Little Bear Creek' kauft, wo eine Senke in der Schlucht und eine Menge lebender Eichen ein gutes Revier für seine Frau Sabra (Irene Dunne) und seinen vierjährigen Sohn sein sollten. Die prominente Prostituierte Dixie Lee (Estelle Taylor) ist eine Konkurrentin, die sich in derselben Zone zu platzieren gedenkt. Bei dieser ersten Sequenz werden die Autos durch die Geschwindigkeit der Fahrt und die Unebenheiten des Geländes auseinandergerissen, während Tausende von Statisten im Getöse rumbrüllen und aufkreischen. Und da "Pioniere des wilden Westens" 1931 herauskam, gab es keine Spezialeffekte, um solche ausgedehnten, weitläufigen Totalen vorzutäuschen, abgesehen von den matten Untermalungen der Horizonten. Wie bei David Wark Griffiths "Geburt einer Nation" sind die technischen und logistischen Elemente von "Pioniere des wilden Westens" wundersam.

Trotz der betrügerischen Machenschaften von Dixie Lee verliert Yancey Cravat sein Traumgrundstück und überredet Sabra, in die Aufsteiger-Stadt Osage zu ziehen, um dort neu anzufangen und eine moderne Zeitungsredaktion zu gründen, die seinen geliebten 'Wichita Wigwam' bald ersetzen soll. Doch in der schnell wachsenden Gemeinde tummeln sich antagonistische Gestalten wie der Geächtete 'The Kid' (William Collier Jr.), was der sittsamen Sabra und der Beschaulichkeit ihres Zuhauses gar nicht entspricht. Yancey Cravat hingegen scheint genau hierher zu passen, denn er kennt das alte Cimarron-Land, dessen Ursprung wild und widerspenstig bedeutet und auch der Name seines Sohnes und seiner rowdyhaften Bewohner ist, und er ist ein Mann mit einem Ruf, der ihm vorausgeht.

Voller Rassismus und Sexismus und all den politisch unkorrekten Begriffen, die in frühen historischen Epen üblich sind, hat "Pioniere des wilden Westens" dennoch die Güte, die Schikanen und den Hohn gegenüber den Sanftmütigen und Minderheiten zu verurteilen und Standpunkte für einen erweiterten Blickwinkel anzubieten. Yancey Cravat wird zum Sprachrohr, wenn es darum geht, die Untaten der Aneignung von Cherokee-Land zu wiederholen und sich für die Bemühungen und die Gleichberechtigung von Prostituierten einzusetzen, die einen angenehmeren Beruf ergreifen oder einfach nur menschlich behandelt werden wollen wie alle anderen auch. Er ist ungewöhnlich gerecht, anständig, ritterlich und handelt schnell. Er ist ein Held in leuchtender Rüstung, ein improvisierter Gesetzeshüter und ein Verfechter fortschrittlicher sozialer Gerechtigkeit, und das alles in einer Wildwest-Kulisse, was vielleicht unglaublich ist, weil er als Kriegsheld nach Hause zurückkehrt und sich sofort vor Gericht stürzt, um Dixie Lee zu verteidigen, eine Frau, die kein Anwalt anrührt. Hier ist auch Zeit für Predigten, die er hält, für Gesang, den er dirigiert, für die Verteidigung der Unterdrückten, die er anführt, für Schießereien, die er gewinnt, und für Gerichtsprozesse, die er beherrscht. Er hat sogar Mitgefühl mit Bankräubern, mit denen er eine sorglosere, unschuldigere Vergangenheit teilt. Hier sorgen seine Interaktionen mit vielen Nebendarstellern für kurze komödiantische Momente, die hauptsächlich von einem stotternden Drucker (Rosco Ates) und einer rechthaberischen älteren Frau (Edna May Oliver) generiert werden.

Während die Jahre vergehen und weitere indische Gebiete erschlossen werden, vergrößert sich die Familie Cravat und altert, ihr Geschäft floriert, die Mode ändert sich und die Schlagzeilen überschlagen sich auf dem Bildschirm. Als ehrgeiziger Abenteurer, der sich nicht damit zufrieden gibt, an Ort und Stelle zu bleiben und sich in materiellen Besitztümern zu sonnen, bewegt sich Yancey Cravat durch wichtige Momente der Geschichte, einschließlich des Cherokee Strip Land Runs, des Spanisch-Amerikanischen Krieges, der Gründung von Oklahoma, der Jahrhundertwende, der Ölstreiks, des Aufkommens des Automobils und der indianischen Staatsbürgerschaft, wie in der Biografie einer berühmten, die Nation prägenden politischen Figur, und ebnet damit den Weg für künftige Adaptionen von Edna Ferbers weitläufigen Dynastie-Sagas. Gegen Ende, als Yancey Cravats Ambitionen auf das Gouverneursamt ihn inmitten von Intoleranz und staatlicher Verdorbenheit stellen, verlässt er erneut seine Frau, um sein Fernweh zu befriedigen, und überlässt Osage dem Übergang in die moderne Zivilisation, wobei sein Bild durch seine weitgehend unverzeihliche familiäre Nachlässigkeit etwas getrübt wird. Abgesehen von den lobenswerten Ambitionen von Yancey Cravat, die das Ziel der Geschichte sind und ihn von zu Hause wegführen, ist das Erzähltempo schleppend und die Handlung inspirationslos, was zu einer wichtigen, aber behäbigen Extravaganz führt.

Es ist inspirierend und historisch, dass ein Superheldenfilm komplett oder zumindest in allen Hauptrollen mit schwarzen Darstellern besetzt ist. Dies ist definitiv ein Wendepunkt für das Kino. Aber das bedeutet recht wenig und bewahrt die Geschichte von "Black Panther" von Regisseur Ryan Coogler nicht davor, genau wie alle anderen Marvel-Filme zu sein. Die ersten drei Viertel des Films unterscheiden sich kaum vom Rest der Ursprungsfilme. Sie bestehen aus nonsensischen, jenseitigen, unerklärlichen Dingen mit nichtssagenden Definitionen, deren Motive, Absichten und Verhaltensweisen in groben Umrissen dargestellt werden. Es ist nicht mehr und nicht weniger kreativ als seine zahlreichen Pendants und verlässt sich immer noch stark auf willkürliche Kräfte, Unbesiegbarkeit und die Art von Glück und Sorglosigkeit, die man in fast jedem überdimensionierten Fantasy-Abenteuer findet.

Alles beginnt mit einem Meteoriten, der vor Tausenden von Jahren in Afrika einschlug. Es wurde ein spezielles herzförmiges Kraut entwickelt, das denjenigen, die es verwendeten, Superkräfte verlieh, während die stärkste Substanz der Erde an der Absturzstelle abgebaut und für Waffen und Technologie verwendet wurde. Feindliche Stämme kämpften um diese Ressourcen, von denen einer die Panthergöttin um Führung bat, was zum ersten 'Black Panther' führte, der den größten Teil des Landes beherrschte, mit Ausnahme einer rebellischen Fraktion, und der ein unsichtbares Kraftfeld über dem Reich 'Wakanda' errichtete, um die Menschen zu schützen und zu verhindern, dass die magischen Elemente in die falschen Hände fallen. All dies wird in einer CG-lastigen Bildmontage zusammengefasst, die ungefähr so viel Sinn ergibt wie eine spontan entstandene Legende über außerirdische Komponenten.

Von da an wird der Betrachter mit einer unspektakulären Eröffnungssequenz bedacht, in der einige der Hauptfiguren vorgestellt werden. Es dauert etwa die Hälfte des Films, bis die Tragweite dieser einleitenden Sequenz und der entsprechenden Gegenwartsversionen der Charaktere klar wird. Am wichtigsten ist jedoch, dass Prinz T'Challa (Chadwick Boseman) bald zum neuen König von 'Wakanda' gekrönt werden soll. Begleitet wird er bei der Zeremonie von seiner Ex-Freundin Nakia (Lupita Nyong'o), seiner Schwester Shuri (Letitia Wright), seiner Mutter (Angela Bassett), seinem Onkel Zuri (Forest Whitaker), dem zuverlässigen General Okoye (Danai Gurira) und seinem Mitstreiter W'Kabi (Daniel Kaluuya).

Der Konflikt manifestiert sich zunächst in der reichen, detaillierten Kultur, den Traditionen und Religionen von 'Wakanda'. Obwohl die Gesellschaft technologisch sehr fortschrittlich ist, gibt es immer noch barbarische Bräuche, einschließlich eines rituellen Kampfes um die Thronbesteigung. Mehr als einmal wird in diesem Prozess ein Diktator eingesetzt, dem man bedingungslos gehorchen muss. Die Wakandaner können nur beten, dass sie einen guten obersten Gebieter bekommen, denn letztlich wird ein Nahkampf ohne Supermächte über die Führerschaft entscheiden. Während sie ihre alten Praktiken ausschöpfen, entdecken Shuri - das Äquivalent zu James Bonds Q - und ein Netzwerk von Spionen, dass der Terrorist Ulysses Klaue (Andy Serkis) plant, ein wakandanisches Artefakt an einen amerikanischen Kunden in Südkorea zu verkaufen.

Nachdem T'Challa zum König ernannt wurde, macht er sich sofort daran, dieses Waffengeschäft zu vereiteln. Da er als neuer Regent von 'Wakanda' keine wichtigen Pflichten zu erfüllen hat, ist es selbstverständlich, dass er sich nicht um bürokratische Belange kümmern muss. Der gesamte nachfolgende Plot ist leider merklich ideenarm. Auseinandersetzungen, Showdowns, Raubüberfälle, Verfolgungsjagden und Schlägereien auf dem Schlachtfeld sind typisch für Marvel, mit dramatischem Gepose wie bei einem WWE-Superstar, ständiger Überwindung der Schwerkraft und unbegrenzten Superkräften, die links und rechts verteilt werden. Letztendlich kann jeder einfach eine bisher unbekannte Technologie aktivieren, die dann zufälligerweise den Tag rettet.

Ein paar soziale Aspekte tauchen auf, wenn auch eher am Rande, und der Gedanke, dass Angst die Tugend verhindert, ist zwar belustigend, aber keineswegs exklusiv für dieses Superheldenprojekt. Der Großteil der Handlung von "Black Panther" findet erfreulicherweise in ihrer eigenen versteckten Welt statt, was bedeutet, dass sie nicht auf den Rest des Marvel-Universums angewiesen ist, um zu funktionieren. Dieser Film ist vielleicht derjenige, der sich am wenigsten mit dem Rest der Reihe vermischt, und er ist besser, weil er für sich allein steht. Auch die musikalische Gestaltung ist exzellent, und das Finale ist wunderbar robust. Doch die wenigen Highlights reichen nicht aus, um aus den schier unzählbaren Werken des Marvel Cinematic Universe herauszustechen. Es ist nur ein weiteres nebulöses, langatmiges Kapitel in einer nicht enden wollenden Reihe von computergesteuerten Sci-Fi-Spektakeln.

In "Parasite" von Regisseur Bong Joon Ho kämpfen Vater Kim Ki-taek (Song Kang Ho), Mutter Chung-sook (Chang Hyae Jin) und die Teenager Kim Ki-woo (Choi Woo Shik) und Kim Ki-jung (Park So Dam) darum, in ihrem kleinen, teilweise unterirdischen Haus in Südkorea ein kostenloses WLAN-Signal zu bekommen. Und wenn der Kammerjäger auf der anderen Straßenseite Gift versprüht, lassen sie das Fenster offen, um sich unentgeltlich ausräuchern zu lassen, auch wenn sie mit dem Insektizid besprüht werden und dabei husten und weinen müssen. Das Schädlingsbekämpfungsmittel landet auch auf den Pizzakartons, für deren Zusammenstellung sie bezahlt wurden. Die Familie ist arbeitslos und hat die Schule abgebrochen, sie kann sich keine weitere Bildung leisten und hat nicht einmal genug zu essen. Ihre Bemühungen, eine Erwerbstätigkeit zu finden, scheinen bestenfalls mager zu sein.

An diesem Abend kommt sein Kumpel Min (Seo-joon Park) vorbei, um Ki-woo von seinem Job als Nachhilfelehrer für einen reichen Jungen zu erzählen, der vorübergehend unterbrochen wird, weil Min ins Ausland reist. Er schlägt vor, dass Ki-woo für ihn einspringt, schließlich ist die Matriarchin (Cho Yeo Jeong) der Familie Park etwas engstirnig und die Schülerin Da-hye (Jung Ziso) nicht allzu gebildet. Ki-Woo nimmt daraufhin den schlichteren Namen Kevin an und beginnt, drei Unterrichtseinheiten pro Woche in einer palastartigen Villa zu geben. Als er herausfindet, dass Da-hyes Bruder, der 9-jährige Da-song (Jung Hyun Jun), ein aufstrebender Künstler ist, bringt er seine Schwester dazu, den Namen Jessica anzunehmen, um im selben Haushalt Kunsttherapie zu unterrichten. Vielleicht gibt es auch Arbeit für seine Mutter und seinen Vater...

Das Sprichwort 'Täusche es vor, bis es gelingt' wird hier auf die Spitze getrieben: Die finanziell schwache Familie fügt sich langsam in die wohlhabende Familie ein, als ob sie alle um sie herum ersetzen würde, bis nur noch eine Art symbiotische und parasitäre Gemeinschaft übrig bleibt. Die Maskerade und Manipulation ist faszinierend, aber vor allem ist sie unglaublich lustig. Sorgfältige Schnitte, darunter Zeitlupen an einigen Stellen wie bei einem actiongeladenen Raubüberfall, auf- und abschwellende Musik und perfekt platzierte Opernklänge, sowie starke Kontraste in Dialog und Handlung, um die Dreistigkeit und Ironie ihrer List zu verdeutlichen, machen den Film durchweg zur Hysterie.

Ungeachtet der kontinuierlichen Belustigung bleibt das Empfinden, dass plötzlich etwas gewaltig schief läuft, und in der Tat geschieht nicht alles nach Plan. Sie mögen Blender sein, aber sie sind witzig und liebenswert. Doch die Lage gerät immer mehr außer Kontrolle und erreicht immer neue Dimensionen der Verstörung, auch wenn die Absurditäten durch Klamauk und Situationskomik ergänzt werden. An einer Stelle wechselt "Parasite" von munterem Realismus zu groteskem Humbug, vielleicht eine Metapher für ein Leben, das in einem Sündenpfuhl versinkt, oder für eine Abwärtsspirale oder für das chaotische Ausmaß eines ungeplanten Schwindels. "Sie müssen noch viel über Menschen lernen."

Es ist auch eine Analyse des Widerspruchs zwischen Arm und Reich und der Leichtigkeit, mit der die Besitzlosen anfangen können, sich über die Habenichtse zu ärgern, besonders wenn es um die Aussicht geht, Probleme mit zusätzlichem Kapital zu lösen, das herumgeworfen wird. Regisseur Bong Joon Ho begnügt sich jedoch nicht mit der Grundprämisse von Verbrechen und Bestrafung, sondern geht noch einen Gang höher und gerät schließlich auf eine Tangente, die die Lauflänge in die Länge zieht. Was als erkenntliche, scherzhafte Persiflage auf den Klassenkampf begann, entwickelt sich bedauerlicherweise zu einer hemmungslosen Revolte gegen die empfundenen Untugenden der Wohlhabenden und endet mit einem inkongruenten Ausdruck des demütigen Mitleids, jedoch nicht mit einer schockierenden Erkenntnis oder einer anderen förderungswerten Offenlegung.

Der Film "Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn" von Regisseurin Cathy Yan knüpft da an, wo das vorherige Kinoabenteuer von Harley Quinn aufgehört hat, und beginnt mit einem modernen Soundtrack und einem Slapstick-Cartoon, der die Hintergrundgeschichte von Harley Quinn etwas näher beleuchtet. Sie wuchs im System auf, wurde von Nonnen erzogen, studierte Psychiatrie und verliebte sich in den berüchtigtsten Verbrecher von Gotham City, den Joker. Nachdem sie ihn aus dem Gefängnis befreit hat, stellt sie fest, dass ihre Beziehung in die Brüche gegangen ist, wobei die Einzelheiten nicht genannt werden. "Ich musste eine neue Identität finden."

Und so legt sich Harley Quinn eine Hyäne als Haustier zu, versucht sich im Roller Derby und unterdrückt ihren Kummer mit dem donnernden Puls der Nachtclubs und reichlich Alkohol. Erschwerend kommt hinzu, dass ihre Assoziation mit dem Joker ihr ganzer Ruf ist - die Stadt kennt sie nur als die Geliebte dieses gnadenlosen Bösewichts. Als einer ihrer Alkoholexzesse den Unterweltboss Roman Sionis (Ewan McGregor) darauf aufmerksam macht, dass sie nicht mehr unter dem Schutz des Jokers steht, lässt der Mafioso sie entführen. Dies hängt jedoch mit den laufenden Ermittlungen von Detective Renee Montoya (Rosie Perez) vom Gotham City Police Department sowie mit einer Taschendiebin (Ella Jay Basco) und ihrem ausgeklügelten Diebstahl eines Diamanten zusammen, der Hinweise auf ein lange verschollenes Vermögen enthält.

Harley Quinn ist die Erzählerin und verstärkt die Balsamkeit der einzigen memorablen Rolle aus "Suicide Squad", die ihre glücksgetriebene Anarchie nun auch auf den Schnitt ausdehnen kann, der verschiedene Bildverzerrungen, Rückspulungen, Flashbacks und das Durchbrechen der vierten Wand beinhaltet. Dies ist die Art von Film, bei der Kontinuitätsprobleme und einfache Fehler anscheinend unwichtig sind. Interessanterweise gibt es nur wenige Verweise auf das frühere Undercover-Kollektiv, so als wollten die Filmemacher so viel Distanz wie möglich zu dem filmischen Schrott von 2016 schaffen. Es ist nicht unklug, Harley Quinn, die einzige noch zu rettende Komponente dieses Projekts, in eine neue Storyline und schließlich in ein anderes Universum zu verfrachten. Margot Robbie ist nach wie vor eine erstklassige Castingwahl. Trotz der charakterlichen und drehbuchtechnischen Defizite von Harley Quinn sieht Margot Robbie gut aus und spielt die Figur mit großer Effizienz.

Doch ihr Wiederauftauchen allein reicht nicht aus, um einen ganzen Kinofilm zu begründen, und es gibt hier nicht genug Material, um ihr die Chance auf einen echten eigenständigen Film zu geben. Wie eine Neuauflage von "Tank Girl", voller malerischer Farben, cartoonhafter Heldentaten und Skurrilitäten um der Skurrilität willen, umgibt sich "Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn" mit exzentrischen optischen Ornamenten, in der Hoffnung, einen Stil für eine Zusammenstellung von Charakteren zu schaffen, die unterschiedliche Missionen und Identitäten haben. Tatsächlich passiert in der wahnwitzigen Geschichte um den gestohlenen Edelstein und den Trick, ihn zurückzubekommen, so viel, dass die titelgebenden 'Birds of Prey' praktisch im Hintergrund bleiben. Ihre Einführungen sind furchtbar pauschal und kommen viel zu spät, obwohl sie ihre außerordentlichen Kampfsportfähigkeiten erklären. Harley Quinn hingegen ist mit ihrem Baseballschläger und ihrem Hammer nahezu unschlagbar, aber ihr Hintergrund als Medizinerin erklärt sicherlich nicht ihre Kung-Fu-Fähigkeiten.

Es ist, als ob mehrere Filme vorübergehend aneinandergereiht werden, ohne dass genügend Zeit für einen vernünftigen Durchlauf bleibt. Es scheint nie nötig zu sein, dass sich die 'Birds of Prey' den Bildschirm mit Harley Quinn teilen, auch wenn ihre Kollegialität zu einigen der lustigeren Einlagen führt. Der Oberbösewicht ist überspitzt und gelegentlich lächerlich, aber seine größte Schmach ist, dass er seinen Opfern die Gesichter abschneidet - eine sadistische Folterung und Verstümmelung, die nicht zur Fantasie der Handlung oder zu den elaborierten Methoden der Protagonistin passt. Ewan McGregor genießt offenbar seine extravagante Abwechslung von ernsteren Filmrollen. Es wird auch geflucht, als ob die Autoren des Films eine Altersfreigabe ab 18 Jahren anstrebten, aber nicht wussten, wie sie diese im natürlichen Verlauf der Geschichte erreichen sollten.

Das Finale wird zwar durch einige humorvolle Sprüche aufgefrischt, aber der Höhepunkt, ein kompliziertes Pandämonium von Schlägereien, lässt den Humor vermissen, der so dringend nötig ist, um die Gewalt auszugleichen. Außerdem ist es frustrierend, wenn man in letzter Minute auf Fantastereien zurückgreift. So dämlich diese Dinge auch sind, es ist viel besser, wenn niemand Superkräfte besitzt. "Tut mir leid, Kleiner. Ich bin einfach ein schrecklicher Mensch, schätze ich."