Chainsaw Charlie - Kommentare

Die Zahl im Filmtitel von "Apollo 10½: Eine Kindheit im Weltraumzeitalter" von Regisseur Richard Linklater bezieht sich auf das Alter des Helden und Erzählers Stan, eines Viertklässlers, der von der 'National Aeronautics and Space Administration' in eine streng geheime Mission gezogen wird. Im Vorfeld der Apollo-11-Mondlandung wird Stan, ein Vorstadtbewohner aus Houston, von zwei Regierungsagenten direkt vom Spielplatz aus rekrutiert, um ein Quasi-Proto-Astronaut zu werden. Das Ganze wirkt auf den ersten Blick absurd, aber Richard Linklater lässt sich nicht beirren und präsentiert Stans Geschichte auf ebenso spannende wie liebevolle Weise, mit einem phantasievollen Ton, der nur selten ins Kitschige abdriftet, und einer visuell sicheren Regie, die die Rigorosität des Animationsfilms schärft und weitaus realistischer daherkommt als die früheren Werke des Filmemachers in dieser Richtung, "Waking Life" und "A Scanner Darkly".

Es ist zu bezweifeln, dass Betrachter im Alter von Richard Linklaters Protagonisten nach dem Prolog, der zu einer ausgedehnten Reminiszenz an das amerikanische Leben in den späten 1960er Jahren wird, viel Aufmerksamkeit auf den Vorort der größten texanischen Stadt richten werden, der dank des dort verankerten Raumfahrtprogramms vor Geld und nationaler Aufmerksamkeit strotzt. Fast der gesamte Film wird kommentiert, und an manchen Stellen hat man das Gefühl, eine elegant geschnittene Diashow von bewegten Bildern zu sehen. Manchmal ist es weniger cineastisch als verbal, die Bildsprache steht meist im Dienste der Worte. Stans Gedanken springen kreuz und quer, und wir erkennen, dass es sich in Wirklichkeit um ein Sammelsurium von Erinnerungen und Sichtweisen eines erwachsenen Mannes handelt, der innerlich immer noch ein Kind ist und dessen persönliche Erfahrungen mit der Popkultur verschmolzen sind, die er konsumiert.

Glücklicherweise gibt es auch Anspielungen auf das, was in den Teilen Amerikas geschah, die sich weniger für das Weltraumrennen interessierten als für das, was in ihrer Nachbarschaft und in ihren Häusern geschah, von der Angst, junge Männer, die nicht viel älter als Stan waren, in den Dschungeln und Reisfeldern Vietnams zu verlieren, bis hin zu den aufkommenden Frauen- und Black-Power-Bewegungen, die sich dagegen wehrten, dass die Bundesregierung Milliarden ausgab, um Weiße auf dem Mond zu landen und ihn den Sowjets zu zeigen, während auf dem Boden Armut und Diskriminierung herrschten.

Richard Linklaters Film kommt nie richtig in Fahrt, und es ist nicht gerade die Art von Film, bei dem man am Ende sagt: "Ich hatte gehofft, dass er nie endet." 90 Minuten und ein paar Zerquetschte sind die Laufzeit, und das fühlt sich angesichts des persönlichen Essaycharakters des Ganzen ziemlich ordentlich an. Doch Stan ist ein ausgesprochen sympathischer Geschichtenerzähler, und in einer Zeit, in der Hollywood an keiner Idee mehr interessiert ist, die nicht auf einem bereits existierenden Film basiert, hat es eine Vorliebe für intime, persönliche Filme, die einen nicht dorthin führen, wo man denkt, dass man hin will. Stattdessen führt ein Film wie der von Richard Linklater in das Bewusstsein eines Menschen, dessen Wahrnehmung der Welt gleichzeitig begrenzt wie auch neugierig und aufgeschlossen für neue Erfahrungen ist.

In der Dokumentation "Gladbeck: Das Geiseldrama" von Regisseur Volker Heise sind einige der Ereignisse ziemlich erschreckend und doch wirken sie wie eine kleine Fernsehserie, bei der man laut sagen würde: 'Das würde nie passieren.' In etwas mehr als 90 Minuten berichtet Volker Heise von 54 Stunden der Krise und den unglaublichen Dingen, die dabei geschahen. Echte Kriminelle, Berichte, Polizisten und Geiseln sind nur eine Armlänge von den Kameras entfernt. Dann, in der Szene, in der die Reporter lachend um Hans-Jürgen Rösner, einen der Geiselnehmer, herumstehen, ist die Dreistigkeit besonders groß. Er besaß die Frechheit, mitten in der ganzen verdammten Chose eine improvisierte Pressekonferenz abzuhalten. Dabei hält er eine Waffe in der Hand und hat den Finger am Abzug.

Der Dokumentarfilm von Volker Heise ist so gewagt, dass er nur Bilder, archivierte Fernseh- und Tonaufnahmen verwendet. So entsteht ein spannendes Tempo, das sich wie ein fiktiver Thriller anfühlt. Hier gibt es keine Interviews oder Expertenaussagen, es wimmelt nur so von Intrigen und moralischen Dilemmata, was das Ergebnis noch stärker macht. Rösner und sein Partner Dieter Degowski teilen eine gefährliche Mischung aus Hybris, Überheblichkeit und Arroganz. Sie haben dieses Chaos live im Fernsehen angerichtet und sind die Stars. Und dann gibt es Reporter, die die grundlegenden Prinzipien, sich in die Geschichte einzubringen und sich selbst zu involvieren, ignorieren. Im Laufe des Films wird der Betrachter selbst zum Publikum, das unterhalten wird und sich fragt, was als Nächstes passieren wird. Würden wir uns nur an die Worte und die Menschlichkeit von Herbert Morrison erinnern, wenn wir uns dem Ende nähern.

"Gladbeck: Das Geiseldrama" fand im August 1988 statt, begann in Westdeutschland, wurde zu einer fahrenden Wanderausstellung und endete brutal in den Niederlanden. War dies der Untergang der Medien? Manche sagen, das sei zwischen den 1980er Jahren und 2000 geschehen. Vielleicht haben sie Recht, denn die Ethik trat in den Hintergrund, um die große Story für das sensationsgeile Fernsehen der 80er Jahre zu bekommen. Soll ich das beweisen? In einer Szene, die mich immer noch an der Humanität der Menschen zweifeln lässt, hält ein Journalist einer weiblichen Geisel ein Aufnahmegerät vor das Gesicht, während Rösner ihr auf unschöne und unangenehme Weise eine Pistole in den Nacken drückt. Und das alles, während die Fotografen und Journalisten um Platz und Blickwinkel kämpfen, um den idealen historischen Moment festzuhalten.

"Gladbeck: Das Geiseldrama" ist ein hochspannender und bildgewaltiger Dokumentarfilm über Ethik, Hochmut von mythischem Kaliber und strukturelle Inkompetenz. Dies war ein bedeutender Wendepunkt, der die journalistische Moral grundlegend in Frage stellte. Volker Heise zeigt, dass sich am Appetit des Betrachters auf das Unersättliche, das Makabre nicht viel geändert hat und dass das Kokettieren mit unserer eigenen moralischen Ambiguität nicht nur Unterhaltung ist, sondern unsere Realität, wie die Motte zum Licht.

"Barbarian" von Regisseur Zach Cregger ist eine moderne Version einer Geisterbahnfahrt, die einen großen Horror bietet, aber auch gerne mit dem Verstand des Betrachters spielt. Bei einer komplexen Geschichte wie dieser sind Spoiler vorprogrammiert, aber ich ziehe es vor, die Neugierigen zu warnen, als all die ruchlosen Geheimnisse zu enthüllen, die sich in und unter einem unscheinbaren Haus in einem sehr heruntergekommenen Vorort von Detroit verbergen.

Tess (Georgina Campbell) kommt in einem gemieteten Air B and B an, um sich auf ihr Vorstellungsgespräch am nächsten Tag vorzubereiten. Sie findet das Haus bereits bewohnt vor, und zwar von Keith (Bill Skarsgård), der ebenfalls angibt, er habe einen wirksamen Mietvertrag. Keith scheint ein wenig zu sehr darauf erpicht zu sein, uns zu gefallen, und als er dann noch behauptet, einen Film von einer von Tess' Freundinnen gesehen zu haben, eine Jazz-Dokumentation unter weiblicher Regie, beginnen wir uns über Keiths Motive Gedanken zu machen. Was immer auch Keith zu verbergen hat, es wird deutlich, dass Tess' Argwohn wohl zu Recht besteht.

"Barbarian" ist keine übernatürliche Geschichte, sondern ein düsterer Thriller, und Zach Creggar wandelt auf einem schmalen Grat, wenn sich die Handlung in Richtung unbequemer häuslicher Gewalt verschiebt. Dennoch ist "Barbarian" gewissermaßen mehr als die Summierung seiner erinnerungswürdigen Komponenten. Der Abstecher in das Leben des frauenfeindlichen Schauspielers Cale (Justin Long) in der Mitte des Films hat einen anderen, satirischen Ton, etabliert ihn aber als aalglatten Charakter, den man aufgrund eines Vergewaltigungsvorwurfs gegen ihn schnell verachten kann. Es wird gemartert, aber nicht so unerbittlich malträtiert und attackiert, wie man es vielleicht vermutet haben könnte. Es ist hervorzuheben, dass der Filmtitel nur eine sehr lose thematische Assoziation mit der Story hat.

"Barbarian" ist ein Film für Menschen, die sich leicht mit den peinlichen Situationen identifizieren und ein kohärentes, durchfeuchtetes Gebiet durchstreifen möchten. "Barbarian" bietet eine ungeahnte Dimension der Dunkelheit, eine "Wohin gehen wir?"-Erzählung, die den Betrachter nicht loslässt, und funktioniert in seinem prägnanten, grüblerischen Auftakt wie ein modernisierter "Psycho", wobei Georgina Campbell und Bill Skarsgård ihr exzentrisches Duo gut verkörpern. Der Weg dorthin ist nicht unbedingt originell, aber der Prozess macht den ganzen Reibach, und wenn man mit der Thematik kompatibel ist, wird man von "Barbarian" begeistert sein.

"Bonnie und Clyde" von Regisseur Arthur Penn verdient nicht nur Anerkennung für seine zentrale Rolle in der Entwicklung der Gewalt im amerikanischen Film, denn hier fließt zum ersten Mal Blut verursacht durch Kugeln, und keine Verletzung bleibt ohne das leuchtende Karminrot der Hollywood-Farbe, sondern auch für seine meisterhaft erzählte Antihelden-Romanze, die von einem Stil und einer Schärfe geprägt ist, die der französischen New-Wave-Bewegung entlehnt sind. Obwohl das unvergessliche Team auf der falschen Seite des Gesetzes steht, sind sie eindeutige Protagonisten, die als realistische Menschen mit vielschichtigen Emotionen und Antrieben dargestellt werden. Die Qualität und der Zauber des Films werden oft von seinem kultigen, over-the-top Ende überschattet, aber die Charakterentwicklung von Bonnie, Clyde und den anderen Mitgliedern der Barrow-Bande ist absolut tadellos.

Texas, 1931: Für Clyde Barrow (Warren Beatty), frisch aus dem Gefängnis für bewaffneten Raubüberfall, und Bonnie Parker (Faye Dunaway), eine Kellnerin auf der Suche nach einem Abenteuer, beginnt ein neues Kapitel der Kriminalität. Die beiden sind ein charmantes Pärchen, das es zu etwas bringen will. Sie sind keine eingefleischten Verbrecher, aber sie sehen nicht ein, dass ihre spontanen, wilden Aktionen etwas Schlechtes sind, also rauben sie Banken und Supermärkte aus und stehlen Autos - alles, um von einem Ort zum anderen zu kommen, ohne sich um etwas zu kümmern. Bald nehmen sie die Hilfe des Automechanikers und Fahrers C.W. Moss (Michael Pollard) in Anspruch, der ebenfalls nach einer Auszeit vom Alltag sucht, und kurz darauf gewinnen sie ungewollt die Hilfe von Clydes Bruder Buck (Gene Hackman) und seiner Frau Blanche (Estelle Parsons). Als die Polizei und der wütende Texas Ranger Frank Hamer (Denver Pyle) den ahnungslosen Dieben auf die Spur kommen, ist die Anspannung groß.

Weder Bonnie noch Clyde scheinen zu verstehen, warum man sie umbringen will, schließlich stehlen sie nur Geld und wollen niemanden verletzen. Ihre Wahrnehmung ihrer Delikte entspricht nicht dem Konzept des Opfers, weshalb sie nicht in der Lage sind, die unvermeidliche Vergeltung zu begreifen, die das Gesetz anstrebt und die die bittere Rache der Menschen ausdrückt, denen sie geschadet haben. Wie eine verdrehte Version von Robin Hoods Männern stehlen sie nur von den Reichen, behalten aber die Beute für sich selbst. Bonnie lernt schließlich, ihre Taten zu bereuen, vor allem angesichts der erwachenden Verachtung ihrer Mutter und, am Rande, ihres ständigen Bedürfnisses nach Zuwendung von Clyde, der dies nicht erwidert. Zu spät bemerkt sie, dass sie nirgendwohin gehen, sondern immer wieder in den Akt des Laufens vertieft sind. Clyde findet das nie heraus und stellt sich stattdessen vor, dass er, wenn er alles noch einmal machen könnte, Banken mit raffinierteren Methoden ausrauben würde.

Mehr als das umfassende Blutvergießen, das vor allem im Finale zu bewundern ist, führt "Bonnie und Clyde" den Betrachter in eine unkonventionelle Liebesgeschichte ein, die von Kameradschaft und Nervenkitzel lebt, aber keine echte Romanze enthält. Warren Beatty und Faye Dunaway bilden eines der eindrucksvollsten und erotischsten Leinwandduos, mit offensichtlicher Chemie und einer ausgesprochen unilateralen Passion. Und wie die galanten Ganoven werden sie auf eine Weise humanisiert, die ihr stark übertriebenes, grausames Schicksal weitgehend ungerechtfertigt wirken lässt. Es gibt auch großartige komödiantische Einlagen - Gene Wilder ist als unschuldiger Zuschauer besonders witzig -, kunstvolle Filmaufnahmen, wie die traumhafte Sequenz, in der Bonnie ihre entfremdete Mutter besucht, und viele rasante Verfolgungsjagden und Schießereien mit Maschinengewehren. Insgesamt ist "Bonnie und Clyde" ein beeindruckendes biografisches Werk, das es wagt, Bösewichte in heldenhafte Figuren zu verwandeln und dabei Gewalt und Sexualität auf revolutionäre Weise in das filmische Schaffen einzubeziehen, was zu 10 Oscar-Nominierungen führen und Auswirkungen auf zahlreiche andere Filme haben sollte.

In Los Angeles im Jahr 2002 ist der 15-jährige Adonis Creed sowohl in den Boxsport vernarrt als auch im Begriff, mit seinem Freund Damian Anderson in Schwierigkeiten zu geraten. Diese einleitende Sequenz von "Creed III" von Regisseur und Hauptdarsteller Michael B. Jordan ist der Beginn einer langen Rückblende, die in Stücke geschnitten und über den ganzen Film verbreitet wird, um dem Betrachter die Beweggründe für den klimatischen Kampf zwischen den Boxern zu erläutern. Aber das Wichtigste wird unnötig lange zurückgehalten, so dass es egal ist, was die Rivalität anheizt, sobald der Kampf angekündigt wird.

Nach einer lukrativen Karriere, die in einem Gürtel für den unangefochtenen Weltmeister im Schwergewicht gipfelte, setzt sich Adonis Creed (Michael B. Jordan) endlich zur Ruhe. Etwa drei Jahre später genießt er das Leben mit seiner Frau Bianca (Tessa Thompson) und der gemeinsamen Tochter Amara (Mila Davis-Kent), trainiert aber immer noch, denn er kann sich nicht ganz von dem Sport trennen, den er liebt. Während er sich auf den nächsten großen Kampf zwischen Felix Chavez (Jose Benavidez) und Viktor Drago (Florian Munteanu) vorbereitet, für den er kräftig Reklame macht, kehrt ein bekanntes Gesicht aus der Vergangenheit zurück: Damian Anderson (Jonathan Majors), der für Furore sorgen wird. Schließlich hat Damian Anderson gerade eine 18-jährige Haftstrafe hinter sich und ist damit viel älter als der herkömmliche Kämpfer, aber er ist fest entschlossen, sich die Chance auf ein Meisterschaftsduell zu sichern. "Lass ihn sparren."

Der größte Teil der Handlung ist ein Familiendrama, von Adonis Creeds gemobbtem Kind über seine kranke Mutter bis hin zu den Karriereproblemen seiner Frau und seinem eigenen Defizit an Hobbys. Es gibt auch viel Smalltalk zwischen den ehemaligen Brüdern, der schließlich in den emotional schwierigen Bereich einer unglücklichen Erziehung führt. Es ist eine Menge Beziehungsdramatik, das das Tempo drosselt und von der einzigen wirklichen Attraktion ablenkt, nämlich der actiongeladenen Choreografie im Ring. Obwohl Adonis Creed darauf besteht, dass es bei diesem Sport um Timing, Konzentration und Kontrolle geht und keinesfalls um Gewalt, ist es zweifelhaft, dass sich jemand von den schachähnlichen Elementen begeistern lässt und stattdessen auf die schweren Schläge und das Zertrümmern von Gesichtern in Zeitlupe gespannt sein wird.

Wird der Betrachter die gleiche Geschichte auch beim x-ten Mal noch schätzen? Nach einer ridikül konstruierten Szene ist die Bühne plötzlich für einen Kampf zwischen Damian Anderson und Felix Chavez bereitet, für den es kaum einen Hype gibt, was ihm eine gewisse Imponderabelkeit verleiht. Wird es ein Martheum oder ein Massaker werden? So oder so, beide sind extrem unsympathisch, was nur dazu führt, dass Adonis Creed gegen Damian Anderson antritt, was natürlich geschehen muss, um die Vergangenheit zu versöhnen - eine Vita, die nicht so diskret verschwiegen wird, bis die komplizierten Familienkrisen einfach ausgeblendet werden, wenn der finale Showdown ansteht. Es steht nicht viel auf dem Spiel, zumal das böse Blut in dieser Fortsetzung nur erfunden und definiert wird und nicht einmal die Signifikanz der Verwandten aus den Rocky-Episoden aufgreift - nicht, dass das sonderlich gewichtig wäre. "Jeder liebt die Geschichte eines Außenseiters."

Ein Schurke wird gebraucht, also wird ein Schurke bestimmt, ein passender Kämpfer wird gebraucht, also wird ein passender Kämpfer beschworen. Mit generischen, leblosen Charakteren und Verhältnissen fühlt sich "Creed III" genau so an, als wäre er nach einer Filmvorlage produziert worden, vollgepackt mit Fistpumping-Montagen, Motivationsreden und reparativen Dialogen, die trotz der guten schauspielerischen Leistungen der Darsteller holzköpfig und nicht glaubhaft wirken. Es mag ein kompetenter Boxfilm sein, aber es ist nur ein weiterer Boxfilm, der absolut nichts Neues zu sagen oder zu zeigen hat. Auch wenn in den letzten Sekunden des Endkampfes noch einmal das charakteristische "Rocky"-Theme erklingt, wird Rocky Balboa mit keinem Wort im Drehbuch erwähnt, was ausgesprochen schlau ist. Er ist hier komplett unwichtig, aber das gilt auch für dieses Creed-Abenteuer, in dem es nur um Zahlen geht. Sollte es eine weitere Fortsetzung geben, sollte diese besser von Adonis Creeds gehörloser Tochter handeln, denn es wäre erfrischend, eine weibliche Hauptfigur in der Arena kämpfen zu sehen.

Viel Action, aber wenig Handlung gibt es in "Furie" von Regisseur Le-Van Kiet, den man als vietnamesische Version von "96 Hours" bezeichnen könnte, nur dass es hier um eine wütende Mutter geht, die die Kidnapper verfolgt, die ihre Tochter entführt haben. Hai Phuong wird von Veronica Ngo gespielt, die bereits in einer Reihe von Hollywood-Blockbustern mitgewirkt hat, vor allem in "Star Wars 8 - Die letzten Jedi", und die sich hier in jeder Hinsicht zu Hause fühlt. Als wir sie schließlich kennen lernen, ist sie eine Schuldeneintreiberin in einer ländlichen vietnamesischen Stadt, die eine reizende, aber launische Tochter namens Mai (Cat Vy) allein aufzieht. Sie kümmert sich liebevoll um das Mädchen, das seine Mutter offensichtlich liebt, obwohl es von seinen Mitschülern wegen Hai Phuongs unsittlichen Praktiken schikaniert wird.

Als Mai auf der Straße von einer Schlägerbande entführt wird, schaltet Hai Phuong nicht nur einige der Entführer mit geschickten Kampfkünsten aus, sondern schnappt sich auch ein Motorrad, um sie zu verfolgen. Und als sie sieht, wie ihr Kind zusammen mit anderen Kindern in einen Lieferwagen gepfercht wird, um nach Saigon transportiert zu werden, springt sie in einen Transporter und verfolgt ihn. Die Stadt ist ihr nicht völlig unbekannt: Sie war früher die Anführerin einer Bande, verließ sie aber, als sie schwanger wurde. Jetzt ist sie zurück und hat nur ein Ziel vor Augen: Mai zu retten, die, wie sie bei einem Besuch auf einem Polizeirevier herausfindet, Opfer eines organisierten Schwarzmarkthandels mit menschlichen Organen geworden ist. Ein Polizist namens Luong (Phan Than Nhien) wird mit dem Fall betraut, aber sie beschließt, ihn auf eigene Faust zu lösen, zumindest vorerst.

Es folgt eine Reihe von Kampfsport-Episoden in Saigon, während Hai Phuong Hinweisen folgt, die sie zu immer ranghöheren Personen in der Schmugglerorganisation führen. Obwohl nicht ganz klar ist, wie sie von einer Ebene zur nächsten gelangt, sind die Actionsequenzen geschickt choreografiert und gedreht und geben Veronica Ngo reichlich Gelegenheit, ihre Kampffähigkeiten zu zeigen, auch wenn sie nicht immer siegreich ist. Schließlich trifft sie sich wieder mit Luong und organisiert zusammen mit seiner Truppe einen letzten Kampf gegen die Bösewichte, angeführt von der fiesen Nu Quai (Thanh Hoa), was zu einem Wiedersehen mit ihrer Tochter und, wie der Abspann verrät, zu einem neuen Leben führt.

"Furie" ist technisch adäquat, aber nicht wesentlich umfangreicher. Die Tristesse des Anfangs wird in den Stadtszenen durch einen in farbiges Licht und Schmutz getauchten Look ersetzt, und der Schnitt von Quyen Ngo ist nicht besonders präzise. Der Einsatz von visuellen Effekten ist spärlich und nicht immer von bester Qualität, aber insgesamt vermeiden die Filmemacher einen übermäßig trübseligen Effekt. "Furie" betritt kaum Neuland: Es ist einfach ein phlegmatischer Actionfilm, ein "96 Hours"-Abklatsch mit einer weiblichen Hauptfigur. Doch Veronica Ngo ist eine charakterstarke Titelheldin, die Liebhaber des Genres mit ihren Kompetenzen beglücken wird.

In "The Banshees of Inisherin" von Regisseur Martin McDonagh führen die Bewohner des verschlafenen irischen Inseldorfs 'Inisherin' ein bescheidenes Leben, das oft darin besteht, zwischen ihrem Haus und dem örtlichen Pub hin und her zu pendeln. Padraic Suilleabhain (Colin Farrell) und Colm Doherty (Brendan Gleeson) sind zwei dieser Männer, die regelmäßig jeden Nachmittag ein Bier in der Bar trinken. Eines Tages im April, als Padraic bei Colm zu Hause ankommt, damit die beiden ihren traditionellen Tavernenbesuch machen können, ignoriert Colm Padraic völlig. Verwirrt über sein ungewöhnliches Verhalten, stellt Padraic Colm in der Kneipe zur Rede und erfährt, dass dieser nie wieder mit ihm sprechen möchte. Konfusion und Ratlosigkeit weichen bald der Trauer, der Angst und schließlich der Gewalt, als die beiden ehemaligen Freunde durch ihre immer unüberlegteren Handlungen nicht nur ihr eigenes Leben, sondern auch das Leben der Menschen in ihrer Umgebung zerstören.

Der größte Teil von "The Banshees of Inisherin" wirkt wie ein Mikrokosmos für die Problematik, mit seiner abrupten Trennung zwischen ehemaligen Freunden und neuen Feinden, dem plötzlichen Aderlass, der die gegnerischen Seiten schockiert, und dem Gefühl, dass diese Meinungsverschiedenheit vielleicht nie wirklich gelöst wird. Es wird sogar Kritik an der Kirche geübt. Besonders bemerkenswert ist die Herangehensweise der beiden Parteien: Der eine versucht krampfhaft, in der Gewohnheit des anderen zu verharren, um ihn wieder in sein früheres Arrangement zu integrieren, während der andere einen sauberen Bruch versucht, in der Hoffnung, durch die Ausübung divergierender Interessen einen Neuanfang zu machen. "Vielleicht mag er dich einfach nicht mehr."

Natürlich ist es auch möglich, dass es sich um eine rein isolierte Studie über eine Freundschaft handelt, die zerfällt, aber dann würden viele der späteren Ereignisse nur um der Skurrilität willen immer absurder werden. In jedem Fall entsteht durch die Verwendung einer Kleinstadt mit gewöhnlichen Menschen, die banalen Tätigkeiten nachgehen, die an völlige Verblödung grenzen, eine hervorragende Persönlichkeitsanalyse, die die erstaunlichen, weitreichenden Konsequenzen einer plötzlichen Ausgrenzung untersucht. Haltungen und Verhaltensmuster verfallen unter dem Druck der drastischen Abweichung von erwarteten Gepflogenheiten, was manchmal durch die spielerischen Wiederholungen und komischen Beobachtungen von Martin McDonaghs Drehbuch zur Hysterie wird - sein Humor ist außergewöhnlich, selbst in diesem nicht so universellen Umfeld, und gelegentlich tragisch, wenn bittere Zurückweisung die Oberhand gewinnt. Der anfängliche Konflikt wird wie ein Rätsel angegangen, wobei die zentralen Rollen langsam, aber sorgfältig mit der Kraft nachvollziehbarer Wechselwirkungen aufgebaut werden, die die Sterblichkeit, das Vergehen der Zeit und das Hinterlassen eines Vermächtnisses kommentieren. Später jedoch wird ihre Begegnung unheilvoll und deutet auf die makabre Natur des titelgebenden Geistes der irischen Folklore hin. "Was ist nur los mit euch allen?"

In der Umgebung einer abgelegenen Insel, wo sich Klatsch und Tratsch schnell verbreiten und Geheimnisse nie von Dauer sind, sind menschliche Beziehungen von entscheidender Bedeutung. Für die beiden Hauptfiguren ist ihre Freundschaft der wahre Sinn des Lebens, denn sie ist für sie das Wichtigste in ihrer bedeutungslosen Existenz. Dank der großartigen Leistung von Colin Farrell, dessen Emotionen auch in langen Sequenzen der Wortlosigkeit, des Smalltalks oder der alkoholisierten Unverschämtheit nicht zu kurz kommen, ist der Anfang von "The Banshees of Inisherin" voller bewegender Betrachtungen, die zeigen, dass ihre Freundschaft ausreicht, um die gesamte Geschichte voranzutreiben - auch Barry Keoghans Nebenrolle ist großartig. Leider geht ein Teil der Botschaft für den Betrachter verloren, wenn bestimmte Demonstrationen zu sehr auf die Spitze getrieben werden oder auffallend filmisch und vielleicht in ihrer Schrägheit undurchschaubar sind und die unbefriedigenden Qualitäten von übertriebener Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit offenbaren. Wenn Martin McDonagh wirklich wollte, dass seine Geschichte das psychologische Leiden eines langjährigen ethnonationalistischen Konflikts widerspiegelt, wird der Betrachter, der mit den historischen Parallelen nicht vertraut ist, noch mehr davon verlieren. "Es gibt Dinge, über die kommt man nicht hinweg."

Das Blut fließt in Bächen, wenn in "Project Wolf Hunting" von Regisseur Kim Hong-sun Kehlen durchstochen, Gliedmaßen abgetrennt und Köpfe zertrümmert werden. Der Film scheint in erster Linie für solche brutalen Sehenswürdigkeiten zu existieren, und in gewisser Weise tut er genau das, was er beabsichtigt. Das ist natürlich nicht viel. Die Prämisse ist, um das Mindeste zu sagen, clever, und es ist überraschend, dass keine der anfänglichen Vorbereitungen wirklich von Bedeutung sind. Die Handlung beginnt mit der Einführung eines Schiffes voller gewalttätiger und extrem gefährlicher Straftäter, die von den Philippinen nach Südkorea ausgeliefert werden.

Sie sind kaltblütige Mörder und ihresgleichen. Obwohl "Project Wolf Hunting" erst im dritten Akt einen Protagonisten offenbart, scheint er sich auf zwei Kriminelle zu konzentrieren: den stark tätowierten Jong-doo (Seo In-guk), der besonders rabiat tötet, und Do-il (Jang Dong-yoon), dessen liebenswürdiges Gesicht und sanfte Art eine bösartige Vergangenheit zu verbergen scheinen. Man sollte sich nicht zu sehr an mindestens einen von ihnen gewöhnen - zusätzlich zu fast jeder anderen Figur, unabhängig davon, wie viel oder wenig Zeit die Geschichte mit ihnen verbringt. Das Drehbuch von Kim Hong-sun macht gleich zu Beginn der Story klar, dass man sich weder mit den Figuren noch mit der Handlung anfreunden soll. Natürlich geschieht das halbwegs Vorhersehbare: Die Gefangenen fliehen und führen eine blutige Meuterei gegen ihre Wärter an. Zwei überlebende Polizeibeamte, gespielt von Park Ho-san und Jung So-min, leiten die Maßnahmen zur Beendigung des Angriffs an.

Alles läuft auf ein turbulentes Schlachtfest hinaus, bei dem Kim Hong-sun in grausamer Gewalt und regelrechten Blutfontänen schwelgt, die überall herausspritzen. Der anfängliche Schock ist nicht zu leugnen, aber wie bei allem, was in moderatem Maße geschieht, lässt die Wirkung dieser Brutalität mit jeder durchgeschnittenen Gurgel oder jeder geplatzten Schusswunde nach. Ohne Charaktere, mit denen man sich identifizieren kann, nicht nur, weil die meisten von ihnen inhuman sind, sondern auch, weil Kim Hong-sun ihnen kaum eine Entwicklung jenseits ihrer Rolle oder eine Vision abseits der gewalttätigen Handlung gibt, ist "Project Wolf Hunting" nur eine Anhäufung barbarischer Bilder. Die große Abweichung in der Mitte des Films betrifft einen übernatürlichen Feind, der an Frankensteins Monster erinnert, den alle bekämpfen oder vor dem sie fliehen müssen. Und auch wenn diese Ausgeburt den Verlauf der Geschichte verändert, ist sie doch vor allem ein Grund, eine praktikablere Gewaltform anzubieten. Schließlich kann er ohne Messer eine Halsschlagader durchtrennen und ohne Hammer einen Thorax zerquetschen.

Das Kernproblem von "Project Wolf Hunting" ist vielleicht, dass Kim Hong-suns Skript zwar den Fokus der Handlung von Action zu Horror wechselt, sein Film aber im gleichen Tempo, Rhythmus und der identischen Ästhetik verharrt. Die erstgenannten Änderungen mögen verhindern, dass der Film redundant erscheint, aber das Endergebnis ist immer noch völlig repetitiv.

Der Film "Aftersun" von Regisseurin Charlotte Wells beginnt mit einem kaleidoskopischen Schnitt, der einen Schlaganfall provoziert, als ein vermeintlich schottischer Vater und seine Tochter in einem Hotel ankommen, um einen sonnigen Urlaub in der Türkei zu verbringen. Sofort gibt es jedoch kleine Unannehmlichkeiten, wie beispielsweise nur ein Einzelbett in ihrem Zimmer, obwohl das Reisebüro bestätigt hatte, dass es zwei geben würde. Sie wollen sich aber auf jeden Fall amüsieren, sich in der Sonne aalen, im Meer schwimmen, einen Vergnügungspark besuchen, in ein Spa gehen und in Restaurants dinieren. Keiner der beiden gibt sich viel Mühe, aber das hält sie nicht davon ab, Spaß zu haben.

Von Anfang an agiert die Kamera fast wie eine weitere Persönlichkeit, die das Geschehen aus nächster Nähe beobachtet, sich aber generell weigert, Gefühle zu diktieren oder aufdringlich zu werden. Es ist so, als ob sich ein Fremder zu einer Gruppe von Menschen an einem Tisch oder am Pool gesellt oder in einer Menschenmenge sitzt und betrachtet und wahrnimmt, aber nichts sagt. Er hält Alltagsaktivitäten und -gespräche fest, gelegentlich auch mit einer Videokamera auf dem Boden, wenn Vater Calum Paterson (Paul Mescal) und die junge Sophie (Frankie Corio) ihren Urlaub mit Filmaufnahmen oder Fotos dokumentieren. In vielerlei Hinsicht ist es so, als würde man sich ein hochwertiges Heimvideo ansehen. Auch das Sounddesign ist vergleichbar und beschränkt sich weitgehend auf zusätzliche Musik zugunsten von Hintergrundgeräuschen und relevanten Soundeffekten im Bild.

Calum Paterson ist geschieden, so dass diese Reise eine Gelegenheit ist, Zeit mit seiner Tochter zu verbringen. Daher stehen die klassischen touristischen Veranstaltungen auf dem Programm, und es gibt nichts besonders Interessantes. Es ist jedoch überaus realistisch, fühlt sich an wie eine Slice-of-Life-Erzählung und ist oftmals schön in seiner Simplizität und Leichtigkeit. Es braucht keine cineastischen Höhen und Tiefen, um zu gefallen und sich authentisch anzufühlen. Diese Zwei-Personen-Show besticht durch ungemein glaubwürdige Darstellungen, die zu keinem Zeitpunkt auch nur annähernd lebensecht wirken. Natürlich wird das Gewöhnliche oder Alltägliche ab einem bestimmten Punkt seltsam, auch wenn die aufkeimende Sexualität ein wenig im Mittelpunkt steht. Wird hier eine Geschichte erzählt? Wird etwas Signifikantes stattfinden? Oder ist das alles nur eine schweigende Träumerei? "Du kannst sein, wer immer du willst. Du hast Zeit."

Je länger "Aftersun" dauert, desto mehr wird die Zeitlinie durch kurze Aufnahmen aus verschiedenen Epochen unterbrochen, so dass der Eindruck entsteht, dass es sich bei dem, was der Betrachter sieht, größtenteils um eine Rückblende handelt, die durch Aufzeichnungen der erwachsenen Sophie ergänzt wird. Doch die Sinnhaftigkeit des Urlaubs nimmt eine ergreifende Wendung, als Sophies Vater darauf besteht, dass sie ihm immer alles erzählen kann - auch über Jungs. Auch die Tatsache, dass sie es vorzieht, gar nichts zu sagen, ist in Ordnung. Das ist ein tröstlicher, emotionaler Gedanke, der nachhallt, auch wenn "Aftersun" ziemlich abrupt endet und einen Teil seiner Bedeutung durch den kryptischen Schnitt und die metaphorischen Bilder versteckt, die andeuten, dass Sophies jugendliche Perspektive nicht alles erfassen kann, was im komplexen Erwachsenenleben ihres Vaters vor sich geht. Es ist auch unwahrscheinlich, dass der Betrachter alle Informationen erkennt, aber das ist sicherlich Teil der Absicht. Aus der Sicht eines Kindes sind die Verantwortung des Erwachsenseins und die Aussicht auf psychischen Stress unvorstellbar. Es ist merkwürdig rührend und eine freudige Exploration einer Vater-Tochter-Beziehung, aber letztlich zu doppelbödig und vergänglich, um wegweisend oder nachhaltig zu sein.

Das düstere isländische Volksmärchen "Lamb" von Regisseur Valdimar Jóhannsson entwickelt sich in einem eisigen Tempo und ist von einer gewissen Kälte durchdrungen. Der Film ist eine leise, geheimnisvolle Fabel über die Gefahren der gierigen Ausbeutung der Natur, die ihr Wissen an unzählige andere Filme weitergibt, die in die gleiche Richtung gehen, und weise darauf verzichtet, das Thema zu verharmlosen. Stattdessen ist der Ansatz so subtil, dass es fast unmöglich ist, "Lamb" zu durchschauen. Die ruhige, frostige Schönheit des Schauplatzes wird durch die emotionale Aufgewühltheit der Protagonisten ausgeglichen, die nur aus der Natur schöpfen, um die Leere in ihren Herzen zu füllen.

Zu Beginn von "Lamb" liegt eine elegische Stimmung über dem Ehepaar Maria (Noomi Rapace) und Ingvar (Hilmir Snaer Gudnason), so konstant wie der Schneefall auf ihrer abgelegenen Schaffarm im ländlichen Island. Der eisige Nebel vor ihrem Haus ist wie eine Verlängerung der frostigen Stille im Inneren, so dicht und beklemmend, dass er sie beide zu verschlucken droht. Sie führen abgestumpfte, oberflächliche Gespräche über die Zusammenarbeit, aber wenn "Lamb" sich Zeit lässt, etwas zu offenbaren, dann deshalb, weil das Private zu schmerzhaft ist, um darüber zu sprechen.

Noomi Rapace brilliert in diesen Momenten der Stille und vermittelt wortlos den Eindruck, dass jede Falte in ihrem Gesicht von der Hand der Trauer selbst verursacht wurde. Während "Lamb" die Ursache für die Misere des Paares andeutet - ein unbenutztes Kinderbett, das im Schuppen steht, eine beiläufige Bemerkung, die eine Sehnsucht nach der Vergangenheit ausdrückt - hängen diese stillen Andeutungen in der Luft und warten darauf, dass der Betrachter sie bemerkt und addiert. Es wird nie explizit etwas angesprochen. Als eines der Schafe des Paares ein ungewöhnliches Lamm zur Welt bringt, macht ein langer Blickkontakt zwischen den beiden klar, dass sie es als ihr eigenes aufziehen wollen.

Das Kind, das sie Ada nennen, ist ein Anblick, der immer verstörender wird, je mehr von seinem Abbild, das durch eine nahtlose Mischung aus Tieren, Schauspielern, Puppenspiel und Computeranimationen entsteht, zum Vorschein kommt. Wie alle frischgebackenen Eltern weigern sich Maria und Ingvar jedoch standhaft, sich mit dem Gedanken auseinanderzusetzen, dass das Kind alles andere als makellos ist. Doch das auf kollektivem Größenwahn aufgebaute Glück kann nicht von Dauer sein, und schon bald wird Marias Schlaf durch Albträume von Schafböcken mit durchdringenden Augen und dem kläglichen Blöken von Adas echter Mutter vor dem Fenster gestört. Das Schaf mit seinem zitternden Mund und den großen, traurigen Augen ist das ergreifendste Bild des Films, das die ungewollte Unmenschlichkeit des Ehepaars veranschaulicht, auch wenn die Agonie ihrer früheren Kinderlosigkeit sie menschlich erscheinen lässt.

Es wird klar, dass bald ein Preis zu zahlen sein wird, und größtenteils nutzt diese pastorale Version der Affenpfote und ihrer Allegorie 'sei vorsichtig, was du dir wünschst' die langen Abschnitte der Stille effektiv, um Spannung zu erzeugen und den Betrachter in den Rhythmus eines Lebens einzutauchen, das so ruhig ist, dass seine Zerrüttung unvermeidlich ist. Es könnte fast ein bäuerliches Familiendrama sein, wäre da nicht dieses eine erschütternde Bild im Zentrum des Geschehens. "Lamb" funktioniert hier am besten, als gut gezeichnetes Porträt einer ordinären Häuslichkeit, mit all ihrer Sanftheit und Wärme, all ihren Familiengeheimnissen und kleinen Eifersüchteleien. Das Regiedebüt von Valdimar Jóhannsson, der den Film gemeinsam mit dem Dichter Sigurjón Birgir Sigurðsson geschrieben hat, ist spannend bis zum kaum überzeugenden Schluss, wobei die abschließende Sequenz fast wie ein Nachgedanke wirkt. Nachdem "Lamb" so lange im Geheimen gebrütet hat, findet er leider immer noch nicht die passenden Worte, um seine Erzählung abzurunden.

In "James Bond 007 - Keine Zeit zu sterben" von Regisseur Cary Jôji Fukunaga zieht sich James Bond (Daniel Craig) mit seiner neu entdeckten Liebe Madeleine Swann (Lea Seydoux) aufs italienische Land zurück, (Spoiler) nachdem er Ernst Stavro Blofeld (Christoph Waltz), den Chef des riesigen Verbrecherimperiums 'SPECTRE', endlich enttarnt und hinter Gitter gebracht hat. Da James Bond weiß, dass sein Herz nie ganz ihr gehören wird, solange er nicht in der Lage ist, Vesper Lynds Verrat zu verzeihen, schmiedet Madeleine Swann einen Plan, damit er das Grab seiner ehemaligen Flamme besuchen kann. Als James Bonds Feinde wiederkehren und Madeleine Swanns Loyalität in Frage stellen, verlässt der Geheimagent sie und macht sich aus dem Staub. Fünf Jahre vergehen, bis der CIA-Agent Felix Leiter (Jeffrey Wright) den zurückgezogen lebenden ehemaligen Agenten aufspürt und ihn bittet, einen verschwundenen Wissenschaftler zu finden, der Verbindungen zu 'SPECTRE' hat. James Bond nimmt den Auftrag nur widerwillig an und wird schon bald in ein finsteres Komplott gegen einen Wahnsinnigen verwickelt, der 007s Verbündete, Feinde und die Frau, deren Leben er einst gerettet hat, vernichten will.

"James Bond 007 - Keine Zeit zu sterben" beginnt mit der ikonischen Musik, der Waffenrohrgrafik und der Eröffnungssequenz, aber es ist sofort anders als zuvor. Die Eröffnungsszenen stammen direkt aus einem Horrorfilm, komplett mit all den lächerlichen Elementen, die zu einem solchen Standardwerk gehören. Und dann gibt es noch Romantik, Beziehungsdetails und schnulzige Reminiszenzen und Verweise auf ältere Filmepisoden, die den Anfang so lange aufblähen, dass die schließlich obligatorische Handlung zu einer fast vergessenen Voraussetzung wird, ebenso wie der Titelsong, hier von Billie Eilish, ein vergleichsweise unscheinbares Liedchen. Die längste Einleitung eines Bond-Films ist vielleicht vom längsten aller Bond-Filme zu erwarten, denn dieses Gigantom ist 2 Stunden und 46 Minuten lang.

Endlich werden dem Betrachter Verfolgungsjagden mit Autos und Motorrädern, High-Tech-Gadgets, Explosionen und Schießereien sowie einige emotionale Momente geboten, doch "James Bond 007 - Keine Zeit zu sterben" begeht mit seiner misslungenen Zuspitzung des Abenteuers den unverzeihlichsten Fehler des Actionfilms. Die ersten paar Verfolgungsjagden und Stunts sind die besten, während der Mittelteil und das Finale nur wenig mannhaft sind. Im Gegensatz zu den vorherigen Filmen, die mit jeder Verfolgungsjagd größer und besser wurden, ist dieser letzte Daniel-Craig-Film enttäuschend illiquid an monumentalen Kulissen. Und das leider zu Gunsten eines quabbeligen, komplizierten, aber letztlich trockenen Biowaffen-Nanotechnologie-Komplotts zur Zerstörung der Welt. Die Zeiten sind passé, in denen sich der berühmteste Geheimdienstagent gegen einen knallharten Bösewicht mit skrupellosen terroristischen Ambitionen wehren konnte.

Abgesehen davon, dass der Schwerpunkt nicht mehr auf der Action liegt, verlassen sich die Filme von Daniel Craig - insbesondere dieser - viel zu sehr auf Ernsthaftigkeit und Intensität und weigern sich, genügend Witze über sich selbst zu machen, um die Bizarrerie der überirdischen Heldentaten von James Bond zu würdigen. Realismus funktioniert bei James Bond grundsätzlich nicht gut. Nörgelnde Politik und todernste Antagonisten übertönen selbst die kleinsten Versuche der Heiterkeit. Eine Außnahme von ihnen ist Ana de Armas, ein ziemlich perfektes Bond-Girl, deren Szenen die einzigen Versuche sind, den Betrachter an die fröhlicheren, ironischen Abenteuer von früher zu erinnern. Die internationalen diplomatischen Probleme kehren zurück, ebenso wie die bewährte 'Traue niemandem!'-Idee, die schockierend offensichtlichen Produktplatzierungen und die Bösewichte mit allzu eigenwilligen Deportationen oder Gesichtsverformungen. Rami Malek als Safin ist nicht schlecht, auch wenn er sicherlich effektiver hätte eingesetzt werden können, aber wenig mahnt an wirklich nostalgische Bond-Formen.

Jüngere Generationen werden sicherlich die Anspielungen auf die aktuelle politische und soziale Korrektheit genießen, während langjährige Fans die verschiedenen Bezüge, Verbindungen und Enthüllungen aufgreifen werden, die in das größere Bond-Universum passen, aber es gibt einfach zu viele sekundäre Handlungen, Charaktere und gleichzeitige Missionen, die das Gefühl der Spannung verderben. "James Bond 007 - Keine Zeit zu sterben" ist nicht nur überladen, er ist virulent inadäquat, wenn man bedenkt, dass das Ende darauf hinausläuft, dass ein Mann und eine Frau gegen einen milliardenschweren bösen Mastermind und seine monströse Festung von bewaffneten Gewalttätern kämpfen müssen. Der Höhepunkt erweist sich als enorm, aber nur in Bezug auf die Relevanz der Resultate, nicht in der Dimension der Showdowns oder Feuergefechte. Wie "James Bond 007 - Skyfall" fühlt sich auch der letzte Ausflug von Daniel Craig nicht wie ein echter James Bond-Actioner an. Stattdessen folgt er dem Prinzip der generischen, impraktikabelen Missionen, die jeden beliebigen Titel hätten tragen können - eventuell einen, der keine besonderen Ansprüche stellt.

In "James Bond 007 - Spectre" von Regisseur Sam Mendes begibt sich der britische Geheimagent James Bond (Daniel Craig) nach Mexiko-Stadt, um nach einem Mitglied einer geheimen kriminellen Organisation zu suchen, nachdem sein ehemaliger Vorgesetzter ein kryptisches Schreiben hinterlassen hat. Dort entdeckt er Mr. White (Jesper Christensen), einen abtrünnigen Agenten, der vor dem Verbrecherverein auf der Flucht ist, und schließt mit dem Überläufer einen Deal ab: Er will seine Tochter Madeleine (Lea Seydoux) beschützen, wenn er im Gegenzug den sinistren Anführer des Konglomerats, Franz Oberhauser (Christoph Waltz), findet. Doch während James Bond seinem Ziel immer näher kommt, nimmt ein mörderischer Auftragskiller (Dave Bautista) den durchtriebenen Agenten ins Visier, während mächtige Kräfte in London versuchen, das 007-Programm von innen heraus zu zerstören.

Es gibt bestimmte wesentliche Elemente, die einen James-Bond-Film ausmachen: die Pre-Credits-Sequenz, der Titelsong, die Bösewichte, die Frauen, die Drehorte, die Autos und die Stunts sind nur einige davon, irgendwo dazwischen muss ein Drink bestellt und der Name James Bond in seiner unverwechselbaren Art ausgesprochen werden. Bei "James Bond 007 - Spectre" deutet schon die Eröffnungsszene auf einen guten Start hin: Die Feierlichkeiten zum Tag der Toten in Mexiko-Stadt bieten sowohl bedrohliche als auch farbenfrohe Kostüme, jede Menge überfüllte Schauplätze für Explosionen, Schießereien und Verfolgungsjagden sowie eine Kamera, die den Bewegungen des Superspions über gefährliches, bröckelndes und mit Kugeln übersätes Gelände perfekt zu folgen scheint. Die Musik ist sensationell, hier von Thomas Newman, aber mit einem Sound, der an 'Junkie XL' denken lässt, mit donnernden Bässen und Percussions, wobei authentische Festivaltöne in die spannungsgeladenen Beats ein- und aussteigen. Der gesamte Aufbau ist einer der besten von James Bond.

Beim Titelsong sieht es leider anders aus. Der Song 'Writing's on the Wall' von Sam Smith wurde zwar viel beachtet und gelobt, klingt aber weder wie ein Bond-Song, noch ist er dynamisch genug, um in späteren Actionszenen immer wieder als musikalisches Motiv durchzugehen. Dies wird durch die Vorstellung von Monica Bellucci wettgemacht, die eine der passendsten Bond-Girls ist, die nie in einem 007-Abenteuer mitgespielt haben. Leider ist ihre Rolle minimal und es scheint, dass sie nur aufgenommen wurde, um entweder die Anzahl der weiblichen Charaktere zu erhöhen und James Bonds Fickbekanntschaften aufzuwerten oder um die Schauspielerin über die Tatsache hinwegzutrösten, dass man es vor Jahrzehnten tragischerweise versäumt hat, sie zu besetzen.

Das größte Problem von "James Bond 007 - Spectre" sind nicht die kleinen Patzer in den obligatorischen Einschüben, wie der übergroße Fiesling, der erwartungsgemäß seine Tötungsfähigkeit unter Beweis stellt oder sich mit dem Geheimagenten in einen Nahkampf begibt, sondern das allgemeine Tempo. Bei seinen umfangreichen Bestrebungen, klassische Bond-Charaktere und -Szenarien neu zu erfinden und einzuführen, lässt das Drehbuch zahlreiche Wartezeiten zu und bietet genug Subplots für mehr als einen Film. Die Kreation von 'SPECTRE' und seine Ausgestaltung in den Kinoverfilmungen der 1960er Jahre brauchte mehrere Filme, um sich vollständig zu etablieren. In diesem Film werden der Zweck und die Geschichte der bösen Organisation vollständig dargelegt, auch wenn man die permanenten Verweise auf Nebenschauplätze aus den letzten drei Episoden nicht nachvollziehen kann. Sam Mendes und sein enormes Autorengespann sind davon überzeugt, dass der Betrachter jede Minute dieses überladenen Projekts in sich aufsaugen wird, ungeachtet der vielen Minuten ereignisloser Exposition, die hauptsächlich mit bürokratischen und politischen Verwicklungen, Romantik oder Drama zu tun haben.

Egal, wie hoch die Wahrscheinlichkeit ist, dass James Bond aus einer scheinbar ausweglosen Situation herauskommt, er übersteht sie ohne Schäden. Vielleicht ist das der Grund, warum trotz der vielen ernsten Momente ein kurzer Stunt mit einer Rettung in letzter Minute durch ein gut platziertes Sofa eine der erinnerungswürdigsten und unterhaltsamsten Szenen des Films ist. Was die restliche Action angeht, so wird viel Wert auf CG-Effekte gelegt, die zugunsten von praktischen Tricks und authentischer Destruktion verschwinden, was den Charme älterer James-Bond-Abenteuer wieder aufleben lässt, in denen es quasi keine Computeranimation gab. Es ist nicht leicht, von der Präzision und Qualität der technischen Leistungen in "James Bond 007 - Spectre" nicht begeistert zu sein, auch wenn der Film nie besser wird als der überaus spektakuläre Vorspann. "Er wird einen Weg finden. Das tut er immer."

"Scream VI" von den Regisseuren Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett beginnt mit einem Telefonanruf, denn nur so kann ein "Scream"-Film wirklich beginnen, aber immerhin ist der Schauplatz ein Restaurant und eine Frau nimmt von dort aus einen zweiten Anruf entgegen, was die aus den ersten Filmen bekannte Formel nur geringfügig verändert. "Das ist alles Klischee", sagt diese Frau (Samara Weaving), eine Professorin für Filmwissenschaft, die sich auf Slasher spezialisiert hat, und versucht sofort, dem Drehbuch etwas Selbstbewusstsein einzupflanzen. Wie bei den vorherigen Teilen der Reihe trägt dieses merkwürdige, unkünstlerische Bewusstsein nicht zur Förderung der Handlung bei, sondern verstärkt lediglich die Muster, in der Hoffnung, dass der Betrachter die Überbeanspruchung solcher filmischen Mittel nicht bemerkt, wenn die Figuren ihnen zuvorkommen.

Das minderte nicht die Jubelrufe in dem Kino, in dem ich war, die ihr Bestes taten, um "Scream VI" wie einen traditionellen Slasher erscheinen zu lassen. Doch die Vorkalkulierbarkeit und die Regelmäßigkeit dieser Sequenzen erzeugen nur selten echten Terror - ein messerschwingender Psychopath, der aus dem Schatten tritt, war auch vor fünf Filmen nicht so plakativ. Um die Familiarität weiter zu erhöhen, kehren bekannte Figuren zurück, aber ihre Verstrickungen scheinen weitgehend belanglos. Samantha Carpenter (Melissa Barrera) und ihre Schwester Tara (Jenna Ortega) werden nach wie vor von den Ghostface-Morden geplagt und von der Öffentlichkeit, die Gerüchten über die fragwürdige Beteiligung der Mädchen Glauben schenkt, vielfach verachtet. Sie können kein normales Leben führen, obwohl Tara hofft, ihr Studium an der 'Blackmore University' in New York fortsetzen zu können. Wie Gale Weathers (Courteney Cox) aus der Original-Trilogie sind die Carpenter-Schwestern praktisch ein Magnet für Nachahmungstäter. "Ich habe Vertrauensprobleme."

Die Motive sind unplausibel, ebenso wie die Morde selbst, was ein großes Manko für ein Projekt ist, das den Betrachter so weit mit einbeziehen will, dass er den oder die Mörder errät. Eine Zusammenfassung an dieser Stelle ist mühsam, da so viele Charaktere auf unterschiedlichste Weise miteinander verwandt oder verbunden sind oder als direkte Folge von längst vergessenen Handlungssträngen eingeführt werden. Und da immer wieder Nebenfiguren aus früheren Jahren ausgebuddelt werden, um ihre Rollen neu zu besetzen, wird es immer wichtiger, alle vorherigen Kapitel gesehen zu haben. "Ich bin nicht daran interessiert, in der Vergangenheit zu leben!"

"Sag doch mal was Positives!" In diesem sechsten Teil sind die meisten Angriffe gravierend und absolut tödlich, die Dialoge, die sie begleiten, sind vielleicht schmalzig oder ungeschickt lächerlich, aber die visuelle Bösartigkeit ist viel akzeptabler. Der Humor aus dem ersten Reboot - dem vierten Film - ist so gut wie nicht mehr enthalten, im Gegensatz zu Ghostface's gleichbleibender Begabung, sich aus dem Nichts direkt in geschlossenen Räumen und auf Privatgrundstücken zu manifestieren, um entsetzliche Straftaten zu begehen, während die Behörden für eine Verhaftung immer um Sekunden zu spät kommen - eine Komponente, die weit mehr nervt als begeistert. Da fällt es kaum ins Gewicht, dass die Charaktere so wenig sympathisch sind, dass sie weder glaubwürdig noch realistisch oder gar menschlich wirken, dass es wieder einmal lustiger ist, Ghostface dabei zuzusehen, wie er die Protagonisten massakriert - die Quantität des Fleisches entspricht in etwa den exzessiven Telefonaten. Es ist fast enttäuschend, wenn jemand entwischt. Zudem ist er nicht mehr so unsportlich wie früher, sondern gefühlsarm gegen physikalische Gewalt und manchmal sogar kugelsicher. "Wieso lebst du noch?"

"Es gibt bestimmte Regeln für ein fortlaufendes Franchise." Wenn das unvermeidliche Gerede über die Struktur dieser neuesten Episode kommt, ist es eindeutig, dass "Scream VI" nur für eingefleischte Fans ist (nicht für mich). Das unterstreicht den Kunstgriff, unvorhersehbar zu sein, aber das ist kein großes Verkaufsargument, wenn die Handlung so hohl ist, dass es sich nicht lohnt, darüber nachzugrübeln, wer für all die Morde verantwortlich sein könnte. Die Gewaltrate wurde ohne Zweifel erhöht, wie einer der Charaktere dankenswerterweise warnt, was ein Trend für spätere Fortsetzungen sein dürfte. Allerdings erweisen sich alle Eskalationen in Form von Stichwunden und Gore-Effekten als absolut verzichtbar, um den Unterhaltungswert zu potenzieren. Trotz des erhöhten Blutvergusses ist "Scream VI" kaum von den anderen Produktionen zu unterscheiden. Das Finale zieht sich endlos in die Länge und verbaut sich jede Chance, auch nur im Mindesten im Gedächtnis zu verweilen. "Ich will nicht Teil eines dummen Vermächtnisses sein."

Zu sagen, dass "James Bond 007 - Skyfall" von Regisseur Sam Mendes eine neue Richtung für James Bond darstellt, wäre eine ziemliche Beschönigung. Die Abenteuer dieses 007 sind so weit von den typischen Aufgaben des Superspions entfernt, dass sie sich oft wie eine leere Hülle des legendären Helden anfühlen. Die traditionellen Merkmale der Filmreihe - exotische Schauplätze, aufreizende Frauen und aufwendige Actionsequenzen - kommen zwar vor, aber nur in der notwendigen Weise. Ein Racheplan gegen die Spitze des MI6, ein schwuler krimineller Superschurke und ein rückläufiges Ende sind alles neue, wenn auch fragwürdige Ergänzungen. Es ist verwirrend, wem die Drehbuchautoren es recht machen wollen. Schmerzhaft offensichtliche Bond-Muster tauchen immer wieder auf, während völlig fremde Szenarien den Bildschirm durchdringen. Viele Rückblenden und nicht ganz so subtile Anspielungen auf frühere Teile täuschen Vertrautheit vor, dienen aber eigentlich nur dazu, den Betrachter daran zu erinnern, was alles noch fehlt. Und das ist eine ganze Menge.

Nachdem eine fehlgeschlagene Mission sensible Informationen in die Hände eines Cyber-Terroristen gebracht hat, gerät MI6-Chefin 'M' (Judi Dench) erst unter Druck ihrer Vorgesetzten und dann unter den direkten Angriff eines mysteriösen Widersachers. Der britische Top-Agent James Bond (Daniel Craig) muss einen Attentäter bis nach Shanghai und Macau verfolgen, um Hinweise zu finden, die ihn zu einer entscheidenden Enthüllung und einer gefährlichen Figur aus 'M's Vergangenheit führen werden. James Bond verzichtet auf die diplomatischen Regeln der Kriegsführung und begibt sich auf eine abtrünnige Mission, um 'M' zu schützen und gleichzeitig einen tödlichen Killer anzulocken, der auf Vergeltung sinnt.

"James Bond 007 - Skyfall" beginnt mit einer stuntgeladenen, explosiven Verfolgungsjagd mit Autos, Motorrädern, Zügen und jeder Menge Schießereien. Das ist ein guter Anfang für einen sich repetierenden, abgedroschenen Prozess, einen Action-Helden zu porträtieren, dessen Ironie aus zwei Filmen stammt, die einen hammerharten Neustart einläuteten. Daniel Craigs anfängliches eiskaltes Wesen weicht schließlich feinen Sprüchen, zwanglosem Beischlaf mit mehreren Weibchen und der Etablierung von nicht überzeugend umbesetzten Stammbesetzungen, ähnlich wie bei der genierlichen Aufklärung am Ende von "The Dark Knight Rises". Der Titelsong von Adele ist bedauerlicherweise amnesisch und tritt in die Fußstapfen einiger anderer Beiträge, in denen der Titel ziellos und irreführend eingefügt wird, als ob die Komponisten vor dem Schreiben des Textes nicht wussten, was 'Skyfall' bedeutet. Dazu kommt eine eher geistlose Bildsprache, die an den verzweifelten Versuch eines Dilettanten erinnert, eine James-Bond-Titelsequenz zu kopieren.

Die Weltreise ist zwar passend, aber diese Episode strotzt nur so vor Klischees: Der Grad der Zerstörung ist ebenso hoch wie die Unglaubwürdigkeit der Ereignisse, und beides ohne jeden Grund, außer dem zweckmäßigen visuellen Aspekt. Top-Secret-Listen werden mit Selbstverständlichkeit von bösen Genies eingesehen, die viel intelligenter und finanzkräftiger sind als Regierungsbehörden, und scherzhafte Referenzen an frühere Bond-Filme kommen viel zu oft vor. Außerdem gibt es eine beträchtliche Menge an CG-Kreaturen und -Effekten. Vorbei sind die Zeiten eines Bösewichts mit einem Haken als Hand oder Metallzähnen, der so deplatziert ist wie 'M'. Sie hat viel zu viel Screentime und fungiert fast als Teilhaberin des Geheimagenten, der dafür bekannt ist, dass er keine anderen Partner hat als die Jungfrau in Nöten, von denen es viele gibt. Trotz eines talentierten Regisseurs, wiederkehrender Autoren und einer Oscar-gekrönten Nebenrolle ist die allgemeine Formel für große Explosionen nicht gleichbedeutend mit einem grandiosen Abenteuer. Die Konzepte für James Bond werden immer armseliger, während die Budgets immer gigantischer werden. Und aus einem unbegreiflichen Grund wird die klassische Titelmusik viel zu wenig eingesetzt.

"James Bond 007 - Ein Quantum Trost" von Regisseur Marc Forster ist in vielerlei Hinsicht eine Premiere für die langjährige Bond-Reihe. Es ist der erste Film, der eine direkte Fortsetzung ist; es ist der erste Film, in dem der Titelsong "Another Way to Die" von Jack White und Alicia Keys im Duett gesungen wird; es ist das erste Mal, dass Felix Leiter in zwei aufeinanderfolgenden Filmen von demselben Schauspieler gespielt wird; und es ist auch der bisher kürzeste James-Bond-Film - eine Ironie, denn sein Vorgänger "James Bond 007 - Casino Royale" war der längste. Es ist jedoch nicht der erste Bond-Film, der in einen Trott verfällt, aus dem man nur durch einen Wechsel des Hauptdarstellers wieder herauskommt.

Der Film macht fast unmittelbar da weiter, wo "James Bond 007 - Casino Royale" aufgehört hat, und beginnt sogar mitten in einer Verfolgungsjagd. In "James Bond 007 - Ein Quantum Trost" bringt ein finsterer James Bond (Daniel Craig) Mr. White (Jesper Christensen) zu 'M' (Judi Dench) vom MI6 zu einem inoffiziellen Verhör. Mit Doppelagenten in der Mitte nimmt James Bond bald seine persönlichen Ermittlungen über die Existenz einer mysteriösen kriminellen Organisation wieder auf, die mit dem plötzlichen Ableben seiner einstigen Liebe in Verbindung steht. Seine Suche führt ihn quer über den Globus, bringt ihn mit einer bildschönen Spionin (Olga Kurylenko) zusammen, die ihre eigene Form der Rache sucht, und lässt ihn gegen einen rücksichtslosen Umweltschützer und einen Militärdiktator antreten, der versucht, die Wasserversorgung eines Landes zu kontrollieren.

"James Bond 007 - Ein Quantum Trost" ist im Wesentlichen eine Actionsequenz nach der anderen, lose verbunden mit dem üblichen Unfug von Weltübernahmeplänen hochtechnisierter terroristischer Institutionen, die mit unendlichen Mitteln und Ressourcen ihre Muskeln spielen lassen. Kein Wunder, dass der Film kurz ist: Die hochoktanigen Actionszenen und aufwändigen Stuntchoreografien sind so vollgepackt mit Zerstörung, Requisiten, Fahrzeugen, Ortswechseln und wegwerfbaren Bösewichten, dass das gesamte Budget aufgebraucht ist, bevor überhaupt eine vernünftige Geschichte in Betracht kommt. Zwar waren Bond-Filme noch nie für ihre logischen oder gar sinnvollen Plots bekannt, doch "James Bond 007 - Ein Quantum Trost" versucht es erst gar nicht. Die Prämisse dient nur als Mittel, um von einer exotischen Stuntlocation zur nächsten zu gelangen. Im Mittelpunkt steht James Bond, der Fahrzeuge und Waffen zu Wasser, zu Lande und in der Luft einsetzt, verteilt auf mehrere Länder wie Österreich, Spanien, Chile, Italien und Mexiko.

Alle fünf Minuten gibt es eine weitere rasante Verfolgungsjagd oder ein gewalttätiges Duell, bei dem die Kugeln selbst die ruhigsten Unterhaltungen unterbrechen. Das ist nicht ganz untypisch für die Reihe, aber der Einsatz des Stuntkoordinators von "Das Bourne Ultimatum", Dan Bradley, und die für ihn charakteristische rasche Schnitttechnik machen diesen James Bond schneller, hektischer und visuell schwieriger zu verfolgen. Einige interessante Nebeneinanderstellungen, wie die abwechselnden Aufnahmen einer Oper und einer Schießerei oder die Kombination einer temporeichen Verfolgungsjagd durch unterirdische Tunnel mit Matadoraufnahmen, sind die Lichtblicke im Schnitt, nicht die Momente der Konfusion, die intensiv sein sollen. Selbst dann ist diese Taktik übermäßig gekünstelt, als ob die Bond-Franchise diesen Weg gehen müsste.

Am enttäuschendsten ist vielleicht das Fehlen des originalen James-Bond-Themes, das oft Monty Norman zugeschrieben wird, aber von John Barry arrangiert wurde, und das ebenso wiedererkennbar und kraftvoll ist wie John Williams' Melodien für "Krieg der Sterne" und die "Indiana Jones"-Filme. Wie konnten die Macher von "James Bond 007 - Ein Quantum Trost" nur denken, dass ihre Nichtverwendung von Vorteil wäre, zumal die neue Titelmusik so transusig ist, dass sie nicht einmal als Leitmotiv in den Film zurückgemischt werden konnte? Jeder einzelne Stunt hätte um das Zehnfache gesteigert werden können, wenn nur ein Funke dieses musikalischen Riffs hinzugefügt worden wäre.

Bei all den kinematografischen Modernisierungsmaßnahmen, die die Bond-Filme durchlaufen haben, hat man das Gefühl, dass die Verantwortlichen sich zu sehr bemühen, die vorherigen Filme zu ignorieren. Allerdings gibt es noch einige typische Bond-Merkmale, wenn auch nicht die wesentlichsten. Eine mürrische Kurtisane, die ein Auge auf den Geheimagenten werfen soll, hört auf den Namen 'Strawberry Fields' (Gemma Arterton), eine klassische Reverenz an die Damen von einst. James Bond verführt die feurige Rothaarige prompt - eine Handlung, die in jeder anderen Inkarnation des britischen Agenten nicht sonderbar erscheinen würde, aber angesichts von James Bonds jüngster Beziehung zu Vesper Lynd wirkt sie konstruiert. Und zu allem Prunk gibt es eine Szene, die an die berühmte goldbemalte Venus aus "James Bond 007 - Goldfinger" erinnert und ungewollt an die Defizite von "James Bond 007 - Ein Quantum Trost" appelliert.

Dieser 22. Bond-Film ist Action um der Action willen, was den Betrachtern gefallen dürfte, die Thrill ohne Ende suchen. Aber das pausenlose Rhythmusgebaren verhindert, dass eine einzelne Sequenz hervorsticht. Mit einem bemerkenswerten Minimum an cleveren Witzen, gehirnamputierten Pointen, geschüttelten Martinis und überbordenden Schurken sind die Bösen hier außergewöhnlich eintönig; diese Episode ist schnell vorbeigezogen und wird umgehend aus dem Gedächtnis gelöscht. "James Bond 007 - Ein Quantum Trost" ist auch der erste Bond-Film, in dem das Lieblingsgetränk des legendären Spions, seine Vorliebe für Glücksspiele und sogar sein berühmtes Pistolenlauf-Intro nicht vorkommen. Und sind das nicht einige der unverzichtbaren Elemente, die einen 007-Film ausmachen?

Wie wird der Betrachter auf eine tödlich ernste, rechtschaffene, stahlharte, intensivere Version von James Bond reagieren, die sich besser mit Kampfsportarten auskennt und weniger auf futuristische Hilfsmittel angewiesen ist? Nach dem Erfolg von "Batman Begins" ein Jahr zuvor, der den gleichen Versuch eines düsteren Reboots unternahm, sind die Reaktionen auf "James Bond 007 - Casino Royale" von Regisseur Martin Campbell durchaus positiv. Mit realistischeren, atemberaubenden Stunts, schärferen Texten, aufrichtigeren Schauspielern und einer weniger fantasievollen Handlung ist es unbestreitbar, dass James Bond auf eine neue Art und Weise zurück ist, besser und böser als je zuvor. Er ist kein witziger, ironischer Scherzkeks mehr, sondern eine eiskalte, aggressive Killermaschine, mit Femme Fatale am Arm und geschüttelten, gerührten und mit Früchten dekorierten Drinks.

Die Geschichte ist kompliziert, aber plausibel genug, um ihr zu folgen. Sie beschreibt die frühen Abenteuer von Agent 007, der eine terroristische Organisation von ihren Wurzeln in Uganda bis zu ihren Agenten in Madagaskar verfolgt. Nachdem der MI6-Agent James Bond (Daniel Craig) gewöhnlich alles in die Luft jagt, kommt er auf eigene Faust einem wichtigen Organisator auf die Spur, Alex Dimitrios (Simon Abkarian), der auf den Bahamas Kriminelle rekrutiert, um ein Verkehrsflugzeug zu bombardieren. Von Alex Dimitrios erfährt James Bond, dass der teuflische Bankier Le Chiffre (Mads Mikkelsen) darin verwickelt ist und ein Pokerspiel mit hohem Einsatz in Montenegro plant, um fehlende Terroristengelder zu ersetzen. Aufgrund seiner hervorragenden Kartenspielfähigkeiten und um Le Chiffres Plan zu vereiteln, muss auch James Bond an dem Spiel teilnehmen, das im exquisiten 'Le Casino Royale' stattfindet. Unter dem wachsamen Auge von Vesper Lynd (Eva Green), die den Einsatz der zig Millionen Dollar des MI6 überwacht, muss James Bond alles tun, um zu verhindern, dass Le Chiffre gewinnt, während sein Interesse an Vesper Lynd zusammen mit der Spannung rapide zunimmt, da das Netzwerk intriganter Schurken tückische Taktiken gegen den gewieften Superspion entwickelt.

Auch wenn "James Bond 007 - Casino Royale" versucht, das meiste, was der Betrachter über James Bond weiß, neu zu definieren, so präzisiert er doch nur die Feinheiten. Daniel Craig unterscheidet sich nicht so sehr von den früheren 007-Filmen, sondern holt die Figur auf den Boden der Tatsachen zurück, indem er den Ballast aus den bisherigen Filmen abwirft, um die Figur so geradlinig wie möglich zu spielen, aber dennoch einige clevere Bonmots einstreut. Das überträgt sich auch auf die Handlung. Obwohl sich die Mitte des Films um ein Pokerspiel dreht, das aus dem ursprünglichen Bakkarat-Spiel abgewandelt wurde, wussten die Autoren nur zu gut, dass der Betrachter ein schnelleres Erzähltempo und vereinzelte Gewaltszenen verlangen würde, und so lockern etliche Kämpfe und schmutzige Spiele das auf, was eine öde Aneinanderreihung von Calls und Bluffs hätte werden können.

Der berühmten Tradition denkwürdiger Antagonisten folgend, tritt in "James Bond 007 - Casino Royale" der besonders befremdliche Le Chiffre auf, aus dessen vernarbtem Auge häufig Blutstränen tropfen. Obwohl er nicht körperlich einschüchternd ist, hat ein Bösewicht, der keine Haken, Klauen oder Metallzähne braucht, um furchterregend zu sein, etwas sehr Bedrohliches. In der Folge ist Daniel Craig trotz blondem Haar und babyblauen Augen eine Wucht, mit der man rechnen muss, er bringt die nötige Schwere in die Rolle und einen athletischen Körperbau, den der Film nicht versteckt. Entgegen einer anderen Tradition ist der Vorspann von "James Bond 007 - Casino Royale" in Schwarz-Weiß gehalten, um die Entwicklung von James Bonds Karriere zu zeigen, und er erweist sich als einer der kürzesten und am wenigsten actiongeladenen von allen. Doch die eigentliche Eröffnungsszene wartet mit einer Abfolge von Parkour-Stunts in luftigen Höhen, über explosiven Baustellen und durch schwer bewachte Botschaftskasernen auf, die die Eintönigkeit der Gewöhnlichkeit wieder wettmachen. Passend zu den Vorgängern gibt es den Titelsong "You Know My Name" von Chris Cornell.

Eines der einzigen Probleme des Films ist die Rolle der 'M', erneut gespielt von Judi Dench, die ursprünglich als Ersatz für Bernard Lee in "James Bond 007 - GoldenEye" eingeführt wurde. Wenn man davon ausgeht, dass es sich bei "James Bond 007 - Casino Royale" um eine Art Prequel zum Franchise handelt - immerhin handelt es sich um den ersten Bond-Roman von Ian Fleming - oder um einen Reboot, bleibt unklar, warum Judi Dench noch in der entsprechenden Rolle sein sollte. Angenommen, es gibt keine anderen Bond-Filme, dann könnte dieser Film als kompletter Neustart dienen. Leider ist es bei einem Franchise mit 20 Filmen schwer, so viele Dinge zu ignorieren, die bereits fest etabliert sind. Mit einer Bezugnahme auf den 11. September in einer frühen Szene lebt James Bond plötzlich in der Gegenwart und definiert den Schauplatz als eine Art Sequel. Außerdem stellt sich der CIA-Stammgast Felix Leiter (Jeffrey Wright) als neue Persona vor, die auch ihre ethnische Zugehörigkeit ändert.

Mit seiner neuen Herangehensweise an die Hauptfigur, der Steigerung des Schwierigkeitsgrads und der Rückbesinnung auf das Ausgangsmaterial erweist sich "James Bond 007 - Casino Royale" als die Initialzündung, um die das Bond-Franchise seit "James Bond 007 - Stirb an einem anderen Tag" sehnlichst gewartet hat. Vielleicht war die Entscheidung, das Buch neu zu adaptieren, die beste Wahl, um sich von den vorangegangenen Drehbüchern inspirieren zu lassen. Wahrscheinlich war es auch die beste Lösung, den Regisseur Martin Campbell zurückzuholen, um den veränderten Ton und einen neuen Star zu dirigieren. In jedem Fall ist dieses 21. Abenteuer eine ideale Option zur Revitalisierung einer stagnierenden Anlage.

In "James Bond 007 - Stirb an einem anderen Tag" von Regisseur Lee Tamahori schießt tatsächlich eine Kugel in den berühmten Pistolenlauf zurück - wie groß sind die Chancen, dass das passiert? - zum Auftakt des 20. Teils der langjährigen Filmreihe über Großbritanniens berühmtesten Geheimagenten. Der Film beginnt mit einer äußerst spannenden Verfolgungsjagd in einem Hovercraft durch nordkoreanische Minenfelder mit überwältigender Feuerkraft, Flammenwerfern und Landminen, die ihren Höhepunkt in einem Wasserfall findet. Er zementiert die Kollektion der Pierce-Brosnan-Filme als die Riege mit den spektakulärsten Eröffnungssequenzen, auch wenn der folgende Titelsong von Madonna schlecht zu einem Actionthriller passt. Leider ist die Einführungsszene weitaus besser als alles andere in dem Film. Zum ersten Mal in der Filmreihe erzählt die Abspanngrafik einen Teil der Geschichte, in der James Bond schließlich gefangen genommen und 14 Monate lang gefoltert wird.

Der MI6-Agent James Bond (Pierce Brosnan) beginnt seine Infiltrationsmission in Pukch'ong, Nordkorea, und ist der Geldbote für einen Diamantenhandel im Austausch gegen Hightech-Waffen in einer Festung in der entmilitarisierten Zone, die von dem jungen radikalen Oberst Tan-Sun Moon (Will Yun Lee) regiert wird. Sein Vater, General Moon (Kenneth Tsang), ordnet James Bonds lange Inhaftierung an, als 007 Tan-Sun tötet. Nach mehr als einem Jahr in Gefangenschaft wird er gegen Zao (Rick Yune), einen der Verschwörer des Colonels, ausgetauscht. Es ist eine weitere Falle, die von einem Insider gestellt wurde, dessen Identität James Bond unbedingt herausfinden will, auch wenn seine Vorgesetzte 'M' (Judi Dench) ihm die Lizenz zum Töten entzieht und verlangt, dass er in eine Haft- und Untersuchungsanstalt in Hongkong verbannt wird.

Über seinen Kontaktmann beim chinesischen Geheimdienst, Chang, bittet James Bond darum, wieder nach Nordkorea einreisen zu dürfen. Doch Chang schickt ihn stattdessen nach Havanna, wo Zao zuletzt gesehen wurde, nachdem er den mit einer Sprengfalle versehenen Diamantenkoffer überlebt hatte und nun ein von Juwelensplittern entstelltes Gesicht aufweist. In Kuba folgt James Bond seiner neuesten Bekanntschaft und Liebhaberin Jinx Johnson (Halle Berry) zu einer Klinik für DNA-Veränderungen, in der Zao gerade dabei ist, seine körperlichen Merkmale zu verändern, um seiner Fahndung durch die Behörden zu entgehen. In diesem Zusammenhang wird der junge Milliardär Gustav Graves (Toby Stephens) mit den afrikanischen Konfliktdiamanten in Verbindung gebracht, die James Bond während seiner Flucht aus einem Krankenhaus von Zaos Halskette entfernt hat. Auf der Suche nach der Spur reist der Geheimagent nach Island, wo Gustav Graves' Projekt 'Icarus', ein Satellit zur Konzentration von Sonnenenergie, vorgestellt werden soll. Was James Bond nicht weiß, ist, dass Gustav Graves' Assistentin Miranda Frost (Rosamund Pike), eine Kryptologie-Expertin, ebenfalls eine verdeckte MI6-Agentin ist, die die Operation unter Kontrolle halten soll, auch wenn der frisch wiedereingesetzte 007 spontan alles in Unordnung bringt.

Als Hommage an "James Bond 007 jagt Dr. No" ist das neue Bond-Girl Jinx Johnson zum ersten Mal in einem Bikini zu sehen, der dem von Ursula Andress getragenen Exemplar so ähnlich ist, dass es in Erinnerung bleibt. Halle Berry ist auch die erste Frau, die in einer Sexszene mit James Bond zu sehen ist. Vor diesem Film wurden die üblichen Triebe nur vor oder nach der eigentlichen Tat gezeigt. Sie kreuzt immer wieder unangekündigt auf, was weit weniger attraktiv ist als die Figur James Bond. Hier muss er als dominierender Spion und Saboteur um Leinwandzeit kämpfen. Auch Halle Berry besticht durch wenig schlüssige Dialoge und eine insgesamt missratene schauspielerische Leistung, die sicherlich zu einem großen Teil dem elendigen Drehbuch geschuldet ist.

Weitere negative Aspekte sind der Identitätswechsel, wie in den "Mission: Impossible"-Filmen, schwachsinnige Konversationen und viel zu viel Futurismus, den James Bond trotz der Angst, dass seine Figur antiquiert sei, nie gebraucht hat. Ein Virtual-Reality-Trainingsraum, ein unsichtbares Auto, eine Hochspannungs-Handschuhpistole, knallrote Laser, ein jämmerlich gestalteter Eispalast, ein aufgemotzter Jaguar des Bösewichts, der mit Bonds Aston Martin Vanquish mithalten kann, ein nordkoreanischer Quartiermeister, der mit 'Q' vergleichbar ist, ein hirnrissiger "Robocop"-Anzug und eine sich regenerierende 'Traummaschine' sind nur einige der hanebüchenen Beispiele für die blamabelen Konzepte in "James Bond 007 - Stirb an einem anderen Tag". In seinem Bemühen, modern zu sein, ist der Film auch lächerlich und unnützer Science-Fiction-Schrott.

Auch der Schnitt und die Musik wurden aktualisiert, mit Techno-Beats, Opernstimmen, Zeitlupen und einer Kameraführung im Stil von "The Fast and the Furious", die völlig aus dem Rahmen fällt. Letztendlich versucht der Film zu sehr, seine Vorgänger und andere konkurrierende Actionfilme dieser Zeit zu toppen, wobei viele der Sequenzen an Blödheit grenzen und durch besonders dämliche Computergrafiken verstärkt werden, von denen einige aus einem kitschigen Fernsehfilm zu stammen scheinen. Es gibt ein paar gute Momente, wie einen außer Kontrolle geratenen Fechtkampf und James Bonds eigene Showeinlagen mit explodierenden Gastanks, aber das reicht nicht aus, um die zahlreichen oben genannten Kritikpunkte vergessen zu machen. Diese Faktoren sind extrem degradierend.

In "James Bond 007 - Die Welt ist nicht genug" von Regisseur Michael Apted untersucht der MI6-Agent James Bond (Pierce Brosnan) den Tod eines Kollegen in einer Bank in Bilbao, Spanien. Der Leiter der Bank ist kurz davor, wichtige Informationen preiszugeben, wird aber unerwartet ermordet. Als James Bond mit einem Koffer voller Geld für den Ölmagnaten Sir Robert King (David Calder) in sein britisches Hauptquartier zurückkehrt, erfährt er, dass ein älterer Mitarbeiter von 'M' (Judi Dench) ein weiteres Ziel ist und dass er nur aus Spanien fliehen durfte, um unwissentlich an einem Anschlag auf Robert King mitzuwirken.

Bei einem Briefing in Schottland gerät die Organisation von Robert King ins Visier, und es ist an James Bond, den Mann hinter den Morden aufzuspüren. Robert Kings Tochter Elektra (Sophie Marceau) könnte in Gefahr sein, nachdem sie in eine verpfuschte Lösegeldaktion verwickelt war, die durch 'M's eigenes Eingreifen rückgängig gemacht wurde, und kehrt nun nach Aserbaidschan zurück, um anstelle ihres Vaters den Bau der Ölpipeline am Kaspischen Meer zu überwachen. Der Anarchist Renard (Robert Carlyle), dem eine Kugel langsam durch die Medulla Oblongata wandert, seine Sinne betäubt und ihn von Tag zu Tag stärker macht, bis die Kugel ihn schließlich tötet, wird verdächtigt, Robert Kings Tod inszeniert zu haben und als nächstes Elektra ins Visier zu nehmen. Sie ist dickköpfig und lehnt das Angebot von James Bond ab, sie zu beschützen. Unverzüglich wird sie von Fallschirmjägern mit Maschinengewehren und Schneemobilen durch die frostigen Berge verfolgt, wo sich das Hauptquartier ihrer Operation befindet. Nach einem Besuch bei seinem dubiosen Verbündeten Valentin Zukovsky (Robbie Coltrane) fliegt James Bond mit einem feindlichen Flugzeug nach Kasachstan in Zentralasien, wo er Renard aufspürt, aber nicht vermeiden kann, dass der Terrorist eine Atombombe stiehlt, mit der Elektras Pipeline zerstört werden soll.

Die Eröffnungssequenz bietet reichlich Feuerbälle und Zerstörung mit einer großartig choreografierten Verfolgungsjagd auf der Themse, die am Ende auch Stunts in der Luft beinhaltet. Doch leider geht es mit "James Bond 007 - Die Welt ist nicht genug" ab hier nur noch abwärts. Der Titelsong ist schal und schnell wieder vergessen, begleitet von einer entsprechend flauen Musik. 'Q' (Desmond Llewelyn) geht schließlich in den Ruhestand und wird von John Cleese abgelöst, der den komischen Namen 'R' trägt und viel zu deppert ist, um in die immer dämlicher werdende Rolle von Pierce Brosnan als James Bond zu passen. Auch 'M' ist immer noch penetrant, versucht ihr Bestes, möglichst unsympathisch zu sein, und kollidiert mit James Bonds Glauben an Autorität. Selbst der Bösewicht, der nicht von aalglatten Schergen flankiert wird, ist sagenhaft hirnverbrannt, seine Kräfte sind pejorativ, und seine Beweggründe und Bösartigkeit sind artefiziell konstruiert.

Die Actionszenen sind recht aufwändig und zeichnen sich durch knifflige Choreographien aus, laufen aber meist einfach ab, ohne aufregend oder innovativ zu sein. Trotz einer Fülle visueller Subtilitäten sind sie nicht sonderlich interessant, es gibt einfach kein Leben in den Abenteuern, die periodisch den Mangel an Lebenskraft in der Story, den Charakteren und sogar das brachliegende Potenzial der weltumspannenden Settings verraten. Es fehlt an Spannung und Lebendigkeit.

Die Physikerin Dr. Christmas Jones (Denise Richards, die einen der minderbegabtesten Namen hat und nur dazu dient, ein paar Witze zu reißen) ist eines der laienhaftesten aller Bond-Girls, exorbitant schwach geschauspielert, mit unpassenden Dialogen und ständig wie ein böser Finger aus den umgebenden Soldaten und Experten herausstechend. Ihrer Rolle fehlt es an Gravität, und Denise Richards ist als Atomwissenschaftlerin nicht im Entferntesten plausibel. Sie kleidet sich sogar idiotisch, sieht Lara Croft zum Verwechseln ähnlich und setzt einen debilen Gesichtsausdruck auf, um jeden Satz von James Bond entgegenzunehmen, den sie selbst noch hohlköpfiger kommentiert. Insgesamt hat der Film nicht genug Argumente, um seine eklatanten Schwachpunkte auszugleichen, so dass "James Bond 007 - Die Welt ist nicht genug" ein entschieden visköser Vertreter der Reihe ist.

In "Don't Worry Darling" von Regisseurin Olivia Wilde feiern drei Paare ausgiebig, trinken und lachen, bevor zwei von ihnen, Jack (Harry Styles) und Alice Chambers (Florence Pugh), zu einer Spritztour in die Wüste aufbrechen, die am nächsten Morgen in ein Frühstück übergeht, bei dem sie eine weitere Party planen. Wie sich herausstellt, sind die Freunde auch Nachbarn, und die drei Frauen verabschieden sich von ihren jeweiligen Ehemännern, indem sie ihre malerischen Häuser verlassen und in bunten Autos wegfahren, wie in einer Sitcom der 1950er Jahre. Sie leben in einem experimentellen Wohnkomplex namens 'Victory Project', der einer Version aus der neuen Netflix-Serie "Resident Evil" nicht unähnlich ist. Dort sind die Männer angestellt und verrichten geheime, fortschrittliche und sehr wichtige Arbeit.

In der Zwischenzeit verbringen die Frauen in der Kleinstadt ihre Zeit damit, zu kochen, zu putzen, Wäsche aufzuhängen, sich um die Kinder zu kümmern, am Pool zu entspannen und zu tratschen oder Ballettunterricht zu nehmen. Sie haben auch die Möglichkeit, in der Mittagszeit Cocktails zu schlürfen. Doch irgendetwas stimmt nicht in diesem scheinbaren Paradies, und es kommt zu seltsamen Vorkommnissen, von verstörenden Visionen über einen quälenden Ohrwurm bis hin zu einem Karton mit hohlen Eiern. "In der Kontrolle liegt die Schönheit ..."

Es ist fast sofort klar, dass Alice Chambers' Existenz so etwas wie eine Fassade oder eine Illusion ist, da keine Fragen gestellt und keine Antworten gegeben werden, was genau das 'Victory Project' ist. Einige Verhaltensmuster sind beunruhigend, während ein mysteriöser, sektenähnlicher Anführer (Chris Pine) über jeden in der Gemeinde herrscht und vor den Gefahren warnt, die mit dem Überschreiten der Vorstadtgrenzen verbunden sind. "Das Einzige, was sie von uns verlangen, ist, hier zu bleiben, wo es sicher ist."

Es ist ein wahres Rätsel. Verliert Alice Chambers ihren Verstand? Sind einige dieser Menschen "Die Frauen von Stepford", Ghule oder "Under the Skin"-Außerirdische? Sind sie mit der "Matrix" verbunden? Sind sie in "Westworld" oder in der alternativen Realität von "Vanilla Sky"? Sind sie in "The 13th Floor" oder der "Dark City" oder einem Gefängnis aus "Fortress - Die Festung" oder Avatare aus "Surrogates - Mein zweites Ich"? Vielleicht erleben sie die Gedankenkontrolle von "Der Manchurian Kandidat" oder eine völlig neue Existenz wie in "Der Mann, der zweimal lebte". Wie dem auch sei, die Zufriedenheit der Frauen scheint, um es vorsichtig auszudrücken, relativ unwahrscheinlich zu sein, da es nur wenige Erklärungen gibt, die im Gegensatz zu den ständigen Ansprachen über die Veränderung der Welt zum Besseren stehen, die allesamt ohne jegliche Konkretheit sind. Glückselige Ignoranz ist nicht ganz authentisch, vor allem, wenn das Gegenstück dazu nur ein paar Einkaufstouren und viel Faulenzen und Freizeit ist. "Werd jetzt bitte nicht hysterisch."

Obwohl sich die Kuriositäten auf unerklärliche Weise anhäufen, umgeben von irritierenden Momenten der Blendung, ist die Prämisse überzeugend. Mit Anzeichen von Isolation, Paranoia, Indoktrination, Verrat, Unglauben von Freunden und Autoritätspersonen und Misstrauen von geliebten Menschen ist die Bühne für echte Horrorgeschichten bereitet. Da der Film größtenteils aus der Perspektive von Alice Chambers gezeigt wird, ist der Betrachter mit ihr in ihrem Alptraum gefangen und erfährt nur Bruchstücke von Indizien, während sie versucht, ihren schwachen Halt in der Realität zu sortieren - eine Entwicklung, die durch Florence Pughs Oscar-würdige Fähigkeiten als Hauptdarstellerin gut zusammengehalten wird. Mit der Fülle an Halluzinationen erhält "Don't Worry Darling" auch ein Gefühl der Schaurigkeit aufrecht, indem es unzählige Spiegelaufnahmen, Blitze bizarrer Bilder und großartige Sounddesigns mit zermürbendem Gesang verwendet. Jederzeit kann alles passieren, was zu vielen nervösen Situationen führt. "Wir sollten nicht hier sein."

Problematisch ist, dass "Don't Worry Darling" den Betrachter zwar bei der Stange hält, ihm aber auch Antworten verweigert. Oft werden sachdienliche Informationen so lange zurückgehalten, dass einige das Interesse verlieren. Das Tempo ist zwar absichtlich frustrierend, aber dennoch lästig, vor allem bei der Liebesgeschichte, in der Alice Chambers eine unerreichte Geduld mit ihrem Mann an den Tag legt. Doch noch bevor Details verraten werden, ist klar, dass die ständige Unruhe unterhaltsamen psychologischen Thrill garantiert. Dies ist die Art von gotischem Film, der genügend Komponenten aus anderen Filmen entlehnt, so dass man in vielen Szenen das Gefühl hat, sie schon einmal gesehen zu haben, aber die Bandbreite der Ableitungen macht es schwierig, sich vollständig an ein Amalgam zu erinnern, das sich gewöhnlich als faszinierend erweist, auch wenn Originalität nicht seine starke Seite ist.

In "James Bond 007 - Der Morgen stirbt nie" von Regisseur Roger Spottiswoode ist der britische Geheimagent James Bond (Pierce Brosnan) wieder einmal maßgeblich daran beteiligt, die Pläne des Feindes auf einem terroristischen Waffenbasar an der russischen Grenze zu vereiteln, indem er den Großteil der Waffen zerstört, bevor Militärraketen den Ort von der Landkarte tilgen, aber dem Ziel Henry Gupta (Ricky Jay) die Flucht ermöglicht. Es ist ein spannendes Intro, das nur darauf ausgelegt ist, zu fesseln und einen Rhythmus vorzugeben, der leider nicht beibehalten werden kann. Dennoch ist es ein solider Start für Pierce Brosnans zweiten Einsatz in der Rolle des berühmten britischen Superagenten.

Mit Hilfe eines von Henry Gupta beschafften GPS-Codierers beginnt der böse Medienmogul Elliot Carver (Jonathan Pryce, der eine fast intolerabele Leistung abliefert) vom 'Carver Media Group Network' mit Hauptsitz in Hamburg, Deutschland, seinen Plan, einen Krieg zwischen der chinesischen und der britischen Regierung anzuzetteln. Die 'HMS Devonshire' wird vom Kurs abgebracht und ins Südchinesische Meer gelenkt, wo der monströse Verbrecher Mr. Stamper (Götz Otto) einen Angriff mit einem Unterwasserbohrer koordiniert. Sie machen eine vorschnelle Eskalation durch die chinesische Luftwaffe für das Chaos verantwortlich, während ein chinesischer Jet abgeschossen wurde, was als britische Retorsion angesehen wird.

Der globale Medienbaron schmeißt daraufhin eine pompöse Party, um sein neues globales Satellitennachrichtennetzwerk vorzustellen, die James Bond demonstrativ mit der Vertreterin der 'New China News Agency', Wai Lin (Michelle Yeoh), platzen lässt. James Bond nutzt auch seine sexuelle Vergangenheit mit Elliot Carvers Frau Paris (Teri Hatcher), um mehr Informationen zu erhalten. Doch es sind Wai Lin und ihre Eigenart, immer wieder an denselben Orten aufzukreuzen, die James Bond am meisten dabei helfen, ein Komplott mit dem korrupten und beeinflussbaren General Chang aufzudecken, der versucht, die chinesische Regierung zu stürzen, indem er Pekings Führung bombardiert und Elliot Carver ein getarntes Boot in einer abgelegenen Bucht zur Verfügung stellt, auf dem er beide Seiten gegeneinander ausspielen kann.

Die Kampfsequenzen haben ein gewisses Flair, zusammen mit humorvoll-kreativen Szenen wie dem ferngesteuerten BMW, der seine Mission beendet, indem er mit dem Avis-Autovermietungsbüro kollidiert und mit einem riesigen Banner einen Wolkenkratzer zum Einsturz bringt, und einer actiongeladenen Motorradflucht, bei der James Bond an Wai Lin gefesselt ist, während er von einem Hubschrauber mit Maschinengewehr verfolgt wird. Außerdem bekommt Michelle Yeoh ihre eigene Martial-Arts-Kampfszene, die eigentlich in einen anderen Film gehört, aber ihre Fähigkeiten machen sie trotzdem zu einer beliebten Geisel. Obwohl mehr als einmal erwähnt wird, dass James Bond gequält wird, dominieren das sorglose Abenteuer und die grandiosen Gefechte den Tenor im Gegensatz zu der kontinuierlichen Brutalität von "James Bond 007 - Lizenz zum Töten".

Die kleine Rolle des Auftragskillers, Revolverhelden, Professors für Gerichtsmedizin und Folter-Hobbyisten Dr. Kaufman (Vincent Schiavelli) ist ein seltener Augenschmaus, ein sensationeller Bond-esker Akt, der mit der raren, aber machoiden Praxis von James Bonds Lizenz zum Töten endet, die in diesem markanten Moment definitiv kein Notwehrverhalten ist. "James Bond 007 - Der Morgen stirbt nie" zeigt dem Betrachter auf schmerzhafte Weise, dass der Geheimagent ein realistischer, professioneller Kämpfer sein kann, wenn es nötig ist, und dass er ein harter Knochen ist. Leider gibt Jonathan Pryce einen abgeschmackten, unbedrohlichen Bösewicht ab - sein einhändiges Keyboardspiel ist minim und sein Reichtum entschädigt für seine körperliche Unvollkommenheit. Sein Wirken und seine Karriere mögen substanziell und mondän sein, aber sein Wunsch, den Dritten Weltkrieg um der Schlagzeilen willen auszulösen, weckt nicht die abenteuerliche Intrige von James Bonds traditionellen Missionen. Das ist strategisch und offiziell brisant, aber als Handlungsgrundlage für den übermenschlichen Superagenten eher sekundär. Immerhin sind die Actionszenen immer wieder exemplarisch, auch wenn die Handlung nicht sehr illustrativ ausfällt.

Es vergingen sechs Jahre, in denen James Bond aufgrund von Rechtsstreitigkeiten und Komplikationen nicht in die Kinos kam. Doch die Zeiten änderten sich, und der Bedarf an einem seriösen, charismatischen und actiongeladenen Geheimagenten wurde immer größer. Auch der Schauspieler wurde ausgetauscht, obwohl er einen Großteil der sarkastischen Dialoge von Roger Moores Version übernommen hat, die die Strenge von Timothy Dalton auflockern. Die Musik ist synthetischer und härter geworden, und die Bilder sind schärfer, sauberer und deutlich modernisiert. Die Eröffnungssequenz in "James Bond 007 - GoldenEye" von Regisseur Martin Campbell zeigt einen spektakulären Bungee-Sprung von einem riesigen Staudamm, gefolgt von dem wohl halsbrecherischsten Stunt, der je für eine kurze Einführung in einen neuen James Bond konzipiert wurde: mehrere Fahrzeuge stürzen von einer Klippe. Die wiederholten ungläubigen Blicke des gegnerischen Generals sind unbezahlbar. Leider mündet all dies in einen der absolut unerträglichsten Titelsongs, der von Tina Turner gesungen und von unfassbar bizarren Grafiken begleitet wird, die von Daniel Kleinman anstelle der üblichen Maurice-Binder-Arbeiten entworfen wurden.

In der Chemiewaffenanlage 'Arkangel' in der UdSSR trifft sich der MI6-Kommandant James Bond (Pierce Brosnan), Codename 007, mit Agent 006, Alec Trevelyan (Sean Bean), um die Anlage zu zerstören. Alec Trevelyan wird dabei getötet, aber James Bond kann entkommen. Neun Jahre später wird er beauftragt, gegen Xenia Onatopp (Famke Janssen, mit einem eigentümlichen russischen Akzent, einem skurrilen Namen und im wahrsten Sinne des Wortes mörderischen Oberschenkeln - einer absolut einzigartigen, todbringenden Waffe) zu ermitteln, eine ehemalige sowjetische Kampfpilotin mit Verbindungen zur Waffenhandelsorganisation 'Janus'. James Bond kommt gerade noch rechtzeitig, um zu sehen, wie sie den technologisch fortschrittlichen Eurocopter Tiger-Hubschrauber bei seiner ersten Vorführung stiehlt. Das Modell ist mit Stealth-Technologie ausgestattet und immun gegen elektromagnetische Störungen und Strahlung. Das macht sie zur perfekten Hardware, um das Weltraumwaffenkontrollzentrum in Sewernaja, Russland, zu infiltrieren, wo der böse General Ourumov (Gottfried John) die Kontrolle über die geheime weltraumgestützte Satellitenwaffe 'GoldenEye' an sich gerissen hat, die einen massiven elektromagnetischen Impuls abgeben kann, bevor sie den Außenposten auslöscht.

Die einsame Überlebende Natalya Simonova (Izabella Scorupco), eine einfache Programmiererin der Stufe 2, ist die einzige Zeugin des Verbrechens, die sowohl von Ourumov als auch vom britischen Geheimdienst identifiziert und verfolgt wird. James Bond wird nach St. Petersburg beordert, um sie aufzuspüren und herauszufinden, wo die verräterische 'Janus'-Mafia, die mit dem fanatischen russischen General in Verbindung steht, sich aufhält und was sie vorhat. James Bond und Natalya Simonova werden mehrmals gefangen genommen, können aber immer wieder entkommen, bevor sie die Operationsbasis von 'Janus' in Kuba lokalisieren, wo die Kommandozentrale für die zweite 'GoldenEye'-Waffe versteckt ist.

James Bond findet zu seiner unbekümmerten Lebenseinstellung zurück, unterstützt von 'Qs' (Desmond Llewelyn) aufgerüsteter Waffenabteilung und seiner persönlichen Belustigung. James Bond spricht auch mit so ziemlich jedem, mit dem er sich trifft, darunter die kauzige neue MI6-Chefin 'M' (Judi Dench), James-Bond-Bösewichtin Xenia Onatopp, ein Bewertungsoffizier, CIA-Agent Jack Wade (Joe Don Baker, der in einer anderen Rolle in die Reihe zurückkehrt), Ex-KGB-Agent Zukovsky (Robbie Coltrane) und die neue Moneypenny (Samantha Bond). Die Dialoge behalten dementsprechend die fröhliche Intrige der späteren Filme von Roger Moore bei, und der Betrachter erfährt sogar, dass James Bonds Eltern bei einem Kletterunfall ums Leben gekommen sind, während er die ernsteren Themen der früheren Werke von Sean Connery aufgreift. Und die Spezialeffekte übertreffen alles bisher Dagewesene bei weitem.

Andere Trivialitäten sind nicht annähernd so wichtig. Es wird minutenlang ein Rennen zwischen dem legendären Aston Martin und einem Ferrari gezeigt. Der Insider Boris (Alan Cumming) und seine extravaganten Eigenheiten sowie Xenia Onatopp und ihre orgiastischen Reaktionen auf einen Mord, den sogar General Ourumov als verstörend empfindet, sind schlichtweg lachhaft karikaturistisch. Das sympathische Schicksal des Bond-Girls Natalya Simonova wird künstlich in die Länge gezogen, und die Erklärungen für die ständigen Ortswechsel von einer Hemisphäre zur anderen sowie mehrere Überblendungen, die dazu dienen, die Helden ausfindig zu machen oder die Zeit zu vertreiben, behindern das Erzähltempo. Doch die Actionszenen sind wesentlich besser geworden, mit ausgefeilten Stunts und wagemutigeren Versatzstücken. Die Panzerjagd durch St. Petersburg ist vielleicht die beste Actionszene in einem Bond-Film bis dato. Sie kombiniert die Titelmusik, historische Schauplätze, massive Feuerkraft, beispiellose Destruktivität, einen Spritzer Witz und einen unleugbaren Elan. Auch wenn Pierce Brosnans James Bond nicht so innovativ und originell ist, wie manche gehofft hatten, ist "James Bond 007 - GoldenEye" immer noch ein James Bond-Film und einer der experimentellsten der bisherigen Filmreihe.

Eine DEA-Verhaftung mit Hilfe der Küstenwache auf den Bahamas eröffnet den sechzehnten Bond-Film von Regisseur John Glen, "James Bond 007 - Lizenz zum Töten", der die dunklere, ernstere Seite von James Bond beibehält und fast vollständig auf die komödiantischen Einlagen verzichtet, die in den Roger-Moore-Filmen überhandnahmen. Doch mit diesem Wechsel im Grundton geht eine Einführungssequenz einher, die nicht so spannend ist wie die letzten beiden Filme, und auch der Titelsong ist nicht annähernd so erinnernswert. Auch die grafischen Ideen von Maurice Binder sind nicht so energisch und erotisch wie in früheren Werken.

Der langjährige Freund und Mitarbeiter von James Bond (Timothy Dalton), Felix Leiter (David Hedison), der jetzt für die DEA und nicht mehr für die CIA arbeitet, heiratet Della Churchill (Priscilla Barnes). Doch die Flitterwochen werden unterbrochen, als der kürzlich gefangene Drogenboss Franz Sanchez (Robert Davi) aus einem Hochsicherheitstransport entkommt, der von dem korrupten und bestochenen DEA-Agenten Killifer (Everett McGill) durchgeführt wird. Franz Sanchez kehrt zum Haus der Leiters zurück, um Della Chruchill zu töten und Felix Leiter an einen Hai zu verfüttern. Als James Bond die verstümmelte, aber noch lebende Leiche seines Freundes findet, macht er sich wütend auf die Suche nach Franz Sanchez und vernachlässigt dabei seinen aktuellen Auftrag in Istanbul.

Der Chef des MI6, 'M' (Robert Brown), besteht darauf, dass James Bond in den Dienst zurückkehrt, aber 007 erkennt, dass die DEA Franz Sanchez aufgrund von Zuständigkeitskonflikten nicht belangen wird. Und so verlangt James Bond, seinen persönlichen Rachefeldzug fortzusetzen. Als 'M' sich weigert, wird James Bond die Lizenz zum Töten entzogen und er ist zur Flucht gezwungen. Dann spürt er einen der kriminellen Untergebenen von Franz Sanchez, Milton Krest (Anthony Zerbe), auf, der ein Meeresforschungszentrum als Basis für den Kokainschmuggel nutzt. Mit Hilfe der DEA-Kontaktperson, Ex-CIA- und Ex-Army-Pilotin Pam Bouvier (Carey Lowell), reist James Bond in die südamerikanische Republik Isthmus, wo Franz Sanchez ein Kasino und eine Bank als Fassade betreibt. Obwohl er vom MI6 im Stich gelassen wurde, taucht der technologisch fortschrittliche Waffenmeister 'Q' (Desmond Llewelyn) auf, um während seines Urlaubs einige Ausrüstungsgegenstände zu verteilen, damit James Bond besser ausgerüstet ist, um sich zu verteidigen und die Organisation von Franz Sanchez als 'Problemlöser' zu infiltrieren.

Mit Rache als Motiv statt der typischen Verschwörungen, Spionage und politischen Verwicklungen ist "James Bond 007 - Lizenz zum Töten" drastisch blutiger und brutaler als frühere Filme, einschließlich des vorherigen Timothy-Dalton-Abenteuers, und hält sich an einen Realismus mit barbarischen Drogenbaronen, der Folter und Mutilation beinhaltet. Das Ausmaß an Gewalt ist mit keinem anderen Film der Reihe vergleichbar und macht den Hauptantagonisten furchterregender, eindrucksvoller und letztlich weniger spaßig. Im Gegensatz zu den letzten Sean-Connery- oder Roger-Moore-Filmen, die von überzogener Frivolität geprägt waren, handelt es sich bei dieser grausamen, düsteren und unheimlichen Vision um eine ganz andere Art von Action-/Abenteuerfilm, die der Reihe ihre erste FSK 16-Einstufung einbrachte - der Film wurde sogar gekürzt, um diese Klassifizierung zu erhalten.

Aber der höhere Produktionswert und die Fortschritte in der Filmtechnik ermöglichen spektakulärere Stunts, mit Unterwasserszenen, tollkühnen Kunststücken in der Luft und einigen wirklich unglaublichen Fahrzeugkunststücken, vor allem die Tanker-Verfolgungsjagd im Finale, die zu den imposantesten aller Bond-Szenarien zählt. Die anderen Momente haben nicht den adrenalingeladenen Aufbau der Actionszenen früherer Filme, sondern finden lediglich als Folge vorangegangener Aktivitäten statt. Wären da nicht die Empörung über das Ende und das bekannte, peppige James-Bond-Theme, würde man kaum von 007 ausgehen. Erneut überlang und viel lahmer als "James Bond 007 - Der Hauch des Todes", ist "James Bond 007 - Lizenz zum Töten" mehr mit dem Ausbau detaillierter Charaktere beschäftigt als mit der Inszenierung eines kontinuierlichen Erlebnisses, was dem Gesamteindruck und dem Unterhaltungswert zuwiderläuft.

Die Welt in "Crimes of the Future" von Regisseur David Cronenberg ist abartig und krank. In nicht allzu ferner Zukunft, vielleicht sogar erst in Hunderten von Jahren, wird der Mensch mit brandneuen Organen experimentieren, die im Wesentlichen Tumorwucherungen oder 'Designer-Krebs' sind. Durch Hormonmanipulation und andere genetische Eingriffe hat das Kommen und Gehen von Menschenmassen dazu geführt, dass sich chirurgische Performance-Künstler vor einem orgiastischen Publikum, das dem künstlerischen Aderlass beiwohnen möchte, gegenseitig aufschneiden. Saul Tenser (Viggo Mortensen) und Caprice (Lea Seydoux) sind zwei der bekannteren Darsteller. Als sie ihn aufschneidet und an seinen Eingeweiden rummacht, wachsen ihm unwillkürlich noch nie dagewesene Organe, während die Fans mit Kameras lüsterne Blicke erhaschen.

Es ist so etwas wie Evolution, aber es ist auch wahrscheinlich, dass es nur das Chaos der Organismen ist, die in einer postapokalyptischen Zukunft überleben, die durch synthetische Substanzen irreparabel verseucht wurden. Die Technologie hier scheint nicht fortschrittlich zu sein, die mechanischen Gegenstände sind unhandlich, rostig und primitiv. Unaufhörlich schwirren Fliegen um die mit Graffiti überzogenen, bröckelnden Strukturen, als wäre die Gesellschaft irgendwann nach der Erfindung von biomechanischen Werkzeugen, die an mit Gelatine überzogene Videospiel-Controller erinnern, zusammengebrochen. Dank David Cronenberg sind diese Erfindungen sowohl organisch als auch computergestützt, wie beispielsweise ein Bett und ein Stuhl von 'LifeFormWare', die eine physische Brücke zum Benutzer schlagen und mit dessen Körperfunktionen interagieren. In dieser Hinsicht ist "Crimes of the Future" dem Film "eXistenZ" sehr ähnlich. "Der menschliche Körper verändert sich".

Seltsamerweise ist die Geschichte aber nicht annähernd so nachvollziehbar, fassbar oder spannend. Es gibt keinen Funken Abenteuer, obwohl hin und wieder ein Mordfall hinter dreckigen, heruntergekommenen Ecken zutage tritt, wenn ein mutierter Rebell (Scott Speedman) hofft, die kulturelle Entfremdung aufzudecken, und eine aufkeimende Organisation, das Nationale Organregister, das von Wippet (Don McKellar) und Timlin (Kristen Stewart) geleitet wird, sich mit einer Reparaturmannschaft und einer mysteriösen Polizeibehörde überschneidet. Auch politische Faktoren spielen eine Rolle, denn unkontrollierte und schikanöse Vorgänge ziehen bürokratische Interventionen nach sich. Doch viele Fragen bleiben unbeantwortet, auch wenn die Charaktere sich gegenseitig immer wieder über diverse Details dieser spezifischen Zukunft aufklären müssen, um dem Betrachter zu helfen, die Prämisse zu verstehen. Die Repetition neigt dazu, die offensichtlichen Komponenten zu betonen, während relevante Themen ignoriert werden. Zumindest wird in einigen Ein-Satz-Beiträgen erwähnt, dass die Schmerzen praktisch verschwunden sind und die Infektionen ausgemerzt wurden. "Was war das denn?"

Der Filmemacher, der hier am Ruder ist, hat einen ganz eigenen Stil. "Crimes of the Future" ist sofort als Cronenberg-Film zu erkennen. Doch in seinem Bemühen, die faszinierenden, aber widerwärtigen Dimensionen von Sadomaso in einer Welt ohne Schmerz zu erkunden, sowie den Horror seiner Art von Körpermodifikation, hat er vergessen, eine Abnormität zu kommentieren, und bietet nur Gelegenheiten, zu verstören und zu ekeln. Viele Szenen sind so übertrieben grotesk, dass sie zwangsläufig lustig sind, und es gibt hier eine Ebene der Satire, die absichtlich humorvoll ist. Je tiefer er in den Kaninchenbau des Bizarren hinabsteigt, desto einzigartiger wird David Cronenbergs Reich der grafischen Verstümmelung. Aber ist es auch unterhaltsam? Er scheint sich oft so sehr auf die visuellen Abwege zu konzentrieren, dass er vergisst, die Handlung voranzutreiben. Der Betrachter wird sich fragen, warum solche unerhörten Attacken auf die Wahrnehmung sich mühsam und langweilig anfühlen. Die Sexszenen mit dem Skalpell sind geradezu archetypisch, aber manche mögen sich fragen, ob sie weit genug gehen, da so viele andere Bilder von lustvollen Manipulationen in Körperöffnungen ein weit größeres Gejohle aufweisen. "Operationen sind der neue Sex"

Am problematischsten ist jedoch die mangelnde Plausibilität dieser Zukunftsversion. Der gezeigte Extremismus verschiebt nicht so sehr die Grenzen der künstlerischen Gestaltung, sondern versetzt die Schauspieler in peinliche Szenarien, in denen sie den Betrachter nicht vollständig von der Sinnwidrigkeit innerer Schönheitswettbewerbe oder ästhetisch anmutender Autopsien überzeugen können. Da hilft es auch nicht, dass Viggo Mortensen den ganzen Film über hustet, würgt und gurgelt, weil er unter einer ausgeprägten Phlegmie leidet. Bis zum abrupten Ende ist dieses neueste Projekt von David Cronenberg, sein erstes abendfüllendes Werk seit etwa 8 Jahren, leider eher abstoßend als vergnüglich - ein einzigartiges Produkt, mit dem der Filmemacher trotz einer treuen Fangemeinde durch so einflussreiche Filme wie "Die Fliege", "Videodrome" und "Scanners - Ihre Gedanken können töten" wohl nicht ewig weitermachen kann.

In "James Bond 007 - Der Hauch des Todes" von Regisseur John Glen erhalten drei MI6-Agenten den Auftrag, im Rahmen einer geheimdienstlichen Routineübung in eine Funkstation auf dem Felsen von Gibraltar einzudringen. Darin müssen Sie mit dem Fallschirm abspringen, eine Reihe von gefährlichen Klippen erklimmen und Kugeln malen, um Menschen zu töten. Diese Aufgabe wird jedoch durch einen skrupellosen Söldner erschwert, der die Basis infiltriert hat und die Agenten tatsächlich umbringt. James Bond (Timothy Dalton) gibt jedoch nicht kampflos auf und füllt die erste Action-Sequenz mit willkürlichen Explosionen, einer Messerstecherei, einem Lastwagenüberfall und einer rasanten Verfolgungsjagd durch unwirtliche, enge Bergstraßen. Außerdem erhält die Bond-Titelmusik einen Bassaufguss und einige dominierende elektronische Vibes während der Ereignisse, James Bond ist deutlich seriöser, und der Titelsong von A-ha ist wunderbar mitreißend. John Barrys orchestrale Version während des Films ist ein absolutes Highlight.

Auf dem Weg in die Tschechoslowakei wird James Bond beauftragt, einen hochrangigen KGB-Überläufer, General Georgi Koskov (Jeroen Krabbe), zu beschützen, der auf seiner Flucht von der Scharfschützin Kara Milovy (Maryam d'Abo) verfolgt wird. Während seiner Nachbesprechung im Vereinigten Königreich taucht ein weiterer Auftragskiller in Georgi Koskovs Haus auf, dem es dieses Mal gelingt, ihn zu kidnappen. Bei dem Treffen erfährt man, dass der machtbesessene sowjetische General Leonid Pushkin (John Rhys-Davies) eine Liste mit verschiedenen Regierungsspionen hat, die er beseitigen will - ein höchst undiplomatisches Manöver, das zu einem Vergeltungskrieg führen könnte. James Bond reist daraufhin nach Tanger, um an einem nordafrikanischen Handelskongress teilzunehmen, zu dem auch Leonid Puschkin erwartet wird, und erhält den Auftrag, den Radikalisten auszuschalten, bevor er sein Ziel erreichen kann.

James Bond hat jedoch eine Vergangenheit mit Leonid Puschkin und will nicht glauben, dass der General geisteskrank geworden ist. Als er in Bratislava Kara Milovy ausfindig macht, die sich als Cellistin und Geliebte von Georgi Koskov entpuppt, richtet sich sein Verdacht wieder auf den Abtrünnigen und die Rechtmäßigkeit seines Überlaufs. James Bond überredet Kara Milovy, ihn nach Wien zu begleiten, wo sie glaubt, dass ein Wiedersehen mit Georgi Koskov unmittelbar bevorsteht. Über seinen MI6-Kontaktmann Saunders (Thomas Wheatley) findet James Bond außerdem heraus, dass Georgi Koskov mit dem amerikanischen Waffenhändler Brad Whitaker (Joe Don Baker) unter einer Decke steckt und dass keiner der Männer, die er jagte, tatsächlich seine Widersacher sind.

Timothy Dalton übernimmt die legendäre Rolle des James Bond mit unerwarteter Mühelosigkeit. Man kann ihn am besten als eine Symbiose aus Sean Connery und Roger Moore beschreiben. Er wandelt auf dem schmalen Grat zwischen ihren beiden besseren Qualitäten und schafft es, sich sehr wie ein Geheimagent zu fühlen, während er gleichzeitig die späteren Phasen sowohl von Sean Connery als auch von Roger Moore um einige Jahre reduziert. Die Geschichte entspricht viel mehr den Spionage- und Abenteuererwartungen eines Spielfilms und verzichtet auf komödiantische Gegenspieler und Verbrecher sowie auf die extrem futuristischen Elemente von Filmen wie "James Bond 007 - Moonraker - Streng geheim". "James Bond 007 - Der Hauch des Todes" erhält die nötige Bodenhaftung, um sich von den überzogenen Merkmalen von "James Bond 007 - Im Angesicht des Todes" abzuheben, der seinerseits auf eine ganz andere Weise effektiv ist.

"Wir sind frei!", schreit Kara Milovy, bevor James Bond sie daran erinnert, dass sie sich auf einem russischen Luftwaffenstützpunkt mitten in Afghanistan befinden. Das Drehbuch ist im Vergleich zu Roger Moores dämlichen Sprüchen mit subtileren Lachern gewürzt, aber es hat nicht die Schwermut von James Bonds Neuerfindung in "James Bond 007 - Casino Royale" von 2006. Ein großer Teil des Humors entsteht jedoch dadurch, dass James Bond die Tragweite der tödlichen Situationen, die er gerade überstanden hat, einfach verbal abtut - eine Taktik, die besser zu den strengeren Umgebungen und Situationen des neuen James Bond passt.

In anderen Sparten lässt die einzigartige Technik von 'Q' (Desmond Llewelyn) bereits erahnen, wie sich James Bond aus den kommenden Dilemmas befreien wird. Der Muskelprotz Necros (Andreas Wisniewski) ist an der auffälligsten und atemberaubendsten Aktion des Films beteiligt und zum ersten Mal in der Filmreihe wird Moneypenny durch eine neue Schauspielerin (Caroline Bliss) ersetzt. Außerdem ist James Bond nur mit einem einzigen Mädchen involviert, außer in der pikanten Eröffnungsszene! Die Action-Sequenzen sind wieder einmal aufwändiger, mit Stunts und Explosionen garniert und sorgen für höchst kreative, adrenalingeladene Augenblicke. In einem Auto in einer Hütte über einen zugefrorenen See zu gleiten, auf einem Cellokoffer einen verschneiten Berg hinunter zu rutschen, eine russische Festung zu Pferd zu stürmen und im Finale aus dem Heck eines Frachtflugzeugs zu baumeln - all das sind herzzerreißende Szenen von scharf choreografierter Dramatik. "James Bond 007 - Der Hauch des Todes" ist ein intelligenter Schritt hin zu mehr Wagemut in den Bond-Filmen und zu mehr Realismus bei der Ausübung von Gewalt, was sehr zu begrüßen ist.

"James Bond 007 - Im Angesicht des Todes" von Regisseur John Glen beginnt in den verschneiten Regionen Sibiriens, als Superspion James Bond (Roger Moore) die Leiche des toten Agenten 003 im Schnee entdeckt. Er schnappt sich einen versteckten Mikrochip und kämpft gegen Skifahrer, Schneemobile, Hubschrauber und jede Menge Kugeln, während er sich mit einem als Eisberg getarnten britischen Boot und einer anderen sexy Affäre in Sicherheit bringt. Es ist die mit Abstand aufregendste Einführungssequenz der gesamten Filmreihe, gepaart mit neuer Musik von John Barry und einem kreativen Zwischenspiel mit Noten von den 'Beach Boys', das mit den einzigartigen Melodien seiner früheren Werke konkurriert. Dies kulminiert in einem eindrucksvollen und energiegeladenen Titelsong von 'Duran Duran', in dem Frauen in Neonfarben die Ankunft eines der aufregendsten Bond-Filme von Roger Moore ankündigen, als ob er die Tatsache ignorieren würde, dass er 58 Jahre alt war, als "James Bond 007 - Im Angesicht des Todes" veröffentlicht wurde.

Als James Bond nach London zurückkehrt, analysiert 'Q' (Desmond Llewelyn) den Mikrochip und stellt fest, dass es sich um eine Kopie eines speziell für die britische Regierung hergestellten Chips handelt, der gegen elektromagnetische Impulse resistent ist. Die Firma 'Zorin Industries', die von dem ostdeutschen Ex-KGB-Mann Max Zorin (Christopher Walken) geleitet wird, hat das Produkt offenbar illegal vertrieben, aber die Ermittlungen des Unternehmens haben nichts ergeben. Dies hat etwas mit seinem ungewöhnlichen Erfolg bei Pferderennen zu tun, wo er trotz der Konkurrenz durch Vollblüter minderer Abstammung immer wieder gewann.

Mit Hilfe des sachkundigen Agenten Sir Godfrey Tibbett (Patrick Macnee) besucht James Bond unter dem Deckmantel des Geschäftsmanns 'James St. John Smythe' einen Pferdeverkauf auf dem riesigen Anwesen von Max Zorin. Der Geheimagent schnüffelt auf dem Gelände herum und trifft auf die neuen Bond-Girls Jenny Flex (Alison Doody), Stacey Sutton (Tanya Roberts), eine geheimnisvolle Frau, die sich weigert, sich vorzustellen, und May Day (Grace Jones), eine muskulöse Auftragskillerin, die James Bond noch mehr die kalte Schulter zeigt als Stacey. Obwohl Max Zorin Smythes Identität erkennt, gelingt James Bond die Flucht und er trifft auf den sowjetischen General Golgo (Walter Gotell) und seine Agentin Pola Iwanowa (Fiona Fullerton) sowie auf einen CIA-Kontakt. Bald erfährt er von Max Zorins Ölpumpstation und einem Plan, die Vorherrschaft des Silicon Valley in der Mikrochip-Produktion zu zerstören.

"James Bond 007 - Im Angesicht des Todes" kommt sehr schnell in Gang und stürzt sich ohne viel Federlesens direkt in die Handlung. Und es ist an der Zeit, dass die Reihe zu ihrer größten Qualität zurückkehrt: ein temporeiches Abenteuer. Die Actionszenen sind herrlich komplex, destruktiv und im Allgemeinen humorvoll und übertreffen die vorherigen Filme an Stunts und Einfallsreichtum. Die Verfolgungsjagd mit dem Feuerwehrauto ist unbestreitbar grandios, vor allem wenn man bedenkt, dass sie die unnötigste Verbindungssequenz ist. Es fehlt vielleicht die Authentizität der Darstellung von Roger Moore, aber die sich ergänzenden Komponenten sind durchaus gelungen. Außerdem ist der Hauptbösewicht ausgesprochen bösartig und wird von Christopher Walken gut gespielt, die Hintermänner und ihr Ableben sind pompös und humoristisch, und die Ausstattung ist extravagant und majestätisch. Zudem verfügt er über eine der besten Musikmischungen, die das immer noch viel zu selten verwendete James-Bond-Thema, die Titelmelodie und John Barrys Aktualisierung der sensationellen Riffs aus "James Bond 007 - Im Geheimdienst Ihrer Majestät" verwendet. Und das Finale auf der Golden Gate Bridge in einem Luftschiff ist überaus faszinierend.