Chainsaw Charlie - Kommentare

Fans der "Twilight"-Saga haben sich auf den neuen Teil der heroischen Vampirgeschichte gefreut, denn "New Moon - Bis(s) zur Mittagsstunde" von Regisseur Chris Weitz bietet eine bessere Balance aus Drama, Komödie, Action und Romantik als sein Vorgänger. Diejenigen, die sich weigern, die oft übertrieben dramatischen und superernsten Liebeserklärungen zu glauben, werden leicht die Schwächen des Films herauspicken, wie zum Beispiel die mehr oder weniger mangelhaften Spezialeffekte, aber selbst die härteste Negativität hat die Millionen kreischenden Mädchen nicht davon abgehalten, ihre Unterstützung zu zeigen. Die heißblütige Dreiecksbeziehung zwischen Bella Swan (Kristen Stewart), Edward Cullen (Robert Pattinson) und Jacob Black (Taylor Lautner) hat die große Fangemeinde von "Twilight" immer wieder aufs Neue begeistert. Das und die zahlreichen Szenen, in denen die männlichen Hauptdarsteller ihre Hemden ausziehen mussten.

An ihrem 18. Geburtstag wird Bella im Haus der Cullens von Jasper (Jackson Rathbone) angefallen, nachdem sie sich versehentlich geschnitten hat. Edward sieht erneut die Zerbrechlichkeit des Aufeinandertreffens von Vampir- und Menschenwelt und verlässt Forks, Washington, um seine wahre Liebe zu schützen. Bella bleibt mit gebrochenem Herzen und allein zurück, nur ihre Albträume erinnern sie daran, dass es ihn wirklich gab. Als sie wieder mit ihrem Jugendfreund Jacob zusammenkommt, hilft ihr die sich entwickelnde Beziehung, die emotionale Leere in ihr auszufüllen, doch Bella stellt fest, dass die Gedanken an Edward sie immer noch heimsuchen, wenn ihr Leben in Gefahr ist. In ihrer Verzweiflung, ihn wiederzusehen, geht Bella immer größere Risiken ein, bis das Schicksal sie zwischen der Welt der Vampire und der eines geheimnisvollen neuen Untiers zerreißt.

Die Originalität bleibt der Fortsetzung "New Moon - Bis(s) zur Mittagsstunde" versagt. Diesmal scheuen sich die Filmemacher nicht, die Ähnlichkeiten zu "Romeo & Julia" aufzugreifen, zumal Bella in ihrem letzten Highschool-Jahr gezwungen ist, den Literaturklassiker zu lesen. Es ist schockierend, dass so viele Fans die epochale Vorlage nur dann zu würdigen wissen, wenn moderne, gut aussehende Gestalten und übernatürliche Fähigkeiten hinzukommen. Auch wenn sich "New Moon - Bis(s) zur Mittagsstunde" im Vergleich zum ersten Film durchaus verbessert hat, gibt es immer noch viele schmerzhaft peinliche Aspekte. Die Charaktere sind unterentwickelt, die Dialoge dauernd dämlich, und die Schauspielkunst und die suboptimalen Spezialeffekte sind für einen solchen Big-Budget-Film bedenklich. Nachdem schon so viele andere Geschichten und Filme die Grundelemente der "Twilight"-Romane verwendet haben, fühlt sich fast alles an dieser Verfilmung grauenvoll rezykliert an.

Edward wird in Zeitlupe eingeführt, Michael Sheen findet sich in einer Rolle wieder, die seiner Darstellung in "Underworld" nicht unähnlich ist. Die Werwölfe sind gewissermaßen eine Notwendigkeit in Vampirfilmen, und alle paar Minuten sind entblößte, muskulöse Torsos zu sehen, die vom Regen glänzen. Zweifellos gibt es etwas für Teenager-Mädchen, aber "New Moon - Bis(s) zur Mittagsstunde" schafft es nicht, zu begründen, warum sich der Betrachter für die Liebe von Bella und Edward interessieren sollte. Es gibt so gut wie keine Romantik, und sie verbringen so viel Zeit damit, sich entweder voneinander zu entfernen oder sich aneinander zu klammern und unglücklich auszusehen. Die verschiedenen Liebesdreiecke sind einigermaßen unterhaltsam, aber jede Beziehung wirkt wie ein durchschnittlicher, von Ängsten geplagter Teenagerschwarm. Warum sollten sich Verbraucher für diese mürrischen Figuren begeistern? Warum verwandelt Edward Bella nicht einfach in einen Vampir? Und warum liest du diese gefakte Rezension mit dem Titel "Face Punch", die so viel ansprechender klingt als die "Twilight"-Reihe selbst?

Die größte Meisterleistung von Regisseurin Catherine Hardwicke ist vielleicht die Tatsache, dass ihr Film "Twilight - Bis(s) zum Morgengrauen" nicht völlig unerträglich ist. Dies gilt vor allem für ein Publikum, das nicht mit der unglaublich großen Fangemeinde vertraut ist, die die Romane erreicht haben und die von Teenagern bis zu Müttern mittleren Alters reicht. Aber nach dem Anschauen dieser langweiligen, kontemporären Variante von "Romeo & Julia" ist es absolut klar, dass es zumindest für die Designer der visuellen Effekte dieser trostlosen Produktion keinen geeigneten Weg gibt, die enorme Kraft und Lichtgeschwindigkeit eines Vampirs darzustellen.

Bella Swan (Kristen Stewart) verlässt die sonnige Vertrautheit von Phoenix, Arizona, um bei ihrem unzufriedenen Vater Charlie (Billy Burke), dem Polizeichef in Forks, Washington, zu leben. Mitten im Semester auf eine neue Schule zu gehen, ist für Bella zunächst entmutigend, auch wenn sich eine Gruppe ungewöhnlich geselliger Mitschüler sofort mit ihr anfreundet. Im Allgemeinen zieht sie die Einsamkeit vor, aber sie hat ein Auge auf den Biologiepartner Edward Cullen (Robert Pattinson) geworfen, einen 17-jährigen Jungen, dessen nervtötende Stimmungsschwankungen, komische Farbwechsel der Augen, unmenschliche Rasanz und unglaubliche Stärke, um es vorsichtig auszudrücken, einfach nur abstoßend sind.

Als ihre Faszination für ihn wächst, erwidert er ihre gelegentlichen Gefühle, wird übermäßig beschützend und verliebt sich im Gegenzug in sie. Nach über einer Stunde Film wird das dunkle Geheimnis hinter Edwards Abnormitäten endlich gelüftet - er ist ein jahrhundertealter Vampir. Doch Edwards Verwandtschaft ist nicht die übliche Sorte von sargschlafenden und blutsaugenden Vampiren. Sie brauchen keinen Schlaf, verfügen über eine erstaunliche Beweglichkeit und Schnelligkeit und haben gelernt, ihren Appetit auf Blut nur auf Tiere zu lenken - eine Art von Vampirvegetariern. Edward kann auch Gedanken lesen, während seine anderen Familienmitglieder übernatürliche Kräfte haben und beispielsweise die Zukunft voraussehen können. Während sich Bella und Edward immer mehr ineinander verlieben, beschließt eine gefährliche Gruppe von Außenseiter-Vampiren oder Standard-Vampiren, sich auf einen spannenden Wettlauf um Bellas köstliches Menschenblut einzulassen.

Aus der Sicht von Bella erzählt, scheint "Twilight - Bis(s) zum Morgengrauen" den Reiz des Romans nicht ganz einzufangen, vor allem nicht in den ausgedehnten romantischen Sequenzen zwischen dem unglückseligen Liebespärchen. Wenn die schwülstigen Liebesszenen die Fans zum Kichern bringen, wird deutlich, dass das, was im Film ernst gemeint ist, nicht immer so von dem Zuschauer aufgenommen wird. "Twilight - Bis(s) zum Morgengrauen" ist im Grunde eine einzige lange Liebesgeschichte, die Shakespeares Klassiker "Romeo & Julia" ziemlich konsequent imitiert, wobei die einzige, kleine Komponente der Originalität in der Verwendung von Monsterelementen liegt, die es schon oft gegeben hat, etwa mit Werwölfen in "Blood & Chocolate - Die Nacht der Werwölfe" und mit Vampiren in "Underworld" und "Near Dark - Die Nacht hat ihren Preis". Hier zeigen sich die mythischen Kreaturen der Nacht von einer etwas menschlicheren Seite, denn die Cullen-Vampire versuchen vehement zu vermeiden, die Bösewichter zu sein. Aber die große Wendung, das überraschende Ende oder die unvorhersehbaren Enthüllungen, von denen man annehmen könnte, dass sie in dieser Saga des unbeschreiblichen Fandoms enthalten sein müssen, kommen nie. Trotz einer beachtlichen Dosis Humor, einer glaubwürdigen Atmosphäre und unterhaltsamen Darbietungen bleibt "Twilight - Bis(s) zum Morgengrauen" ein einfaches romantisches Melodrama.

Da bereits vor der Fertigstellung des ersten Films über Fortsetzungen gesprochen wurde, bestand kein Zweifel daran, dass "Twilight - Bis(s) zum Morgengrauen" ungeachtet negativer Kritiken ungeheure Summen einspielte, allein schon aufgrund der Tatsache, wie viele Menschen bereits mit dem Ausgangsmaterial vertraut sind. Aber trotz seiner verwirrenden Anziehungskraft auf junge Mädchen und ältere Frauen gleichermaßen und seines eklatanten Mangels an Innovation ist das größte Manko die Spezialeffekte: Drahtgeflechte durch Bäume, Kondensstreifen zur Darstellung der Geschwindigkeit, Glitzer für diamantenartige Haut sowie Zeitraffer und Gurte für die der Schwerkraft trotzende Gewandtheit. Einige der Szenen, in denen Edward seine Superfähigkeiten einsetzen muss, werden selbst von den eingefleischtesten Fans belächelt. Und man sollte meinen, dass sie es eigentlich am ernsthaftesten nehmen würden.

"Mosquito" von Regisseur Gary Jones trieft vor Blut, Eingeweiden und riesigen Ungeziefer. Der Film ist so nah dran, ein großartiger Horrorfilm zu sein, dass es wirklich deprimierend ist, dass er sich selbst nicht ernster genommen hat und dass die Darsteller nicht mehr Unterrichtsstunden absolviert haben. "Mosquito" setzt auf ein hohes Maß an Humor, driftet aber nie weit genug in den Bereich der cleveren, selbstbewussten Komödie von "Arachnophobia" oder "Im Land der Raketenwürmer" ab, um den Status eines prestigeträchtigen Kultklassikers zu erlangen. Vielmehr handelt es sich um einen der obskursten Sci-Fi-Thriller der 90er Jahre.

Als herkömmliche Moskitos beginnen, das Blut toter Außerirdischer aus einem abgestürzten Raumschiff zu trinken, wachsen sie zu gigantischen Proportionen heran. Für die Urlauber, die sich auf den nahe gelegenen Campingplätzen erholen, bricht daraufhin die Hölle aus. Ray (Tim Lovelace) und seine Park Ranger-Freundin Megan (Rachel Loiselle) tun sich mit dem Meteorologen Parks (Steve Dixon) und dem nerdigen Polizisten Hendricks (Ron Asheton) zusammen, um sowohl die mutierten Mücken als auch die beiden streitsüchtigen Kriminellen Junior (Mike Hard) und Earl (Gunnar Hansen) abzuwehren. Hier sehen wir Gunnar Hansen in bester, überdrehter Manier, der seinen eigenen "Blutgericht in Texas"-Auftritt verspottet.

"Mosquito" macht sich nicht die Mühe, eine ausgefeilte Theorie dafür zu entwickeln, warum riesige Insekten durch das Gelände streifen, aber der impulsiv gewählte Grund ist wahrscheinlich besser als die typischen biologischen Gefahrentests durch nachlässige Regierungsangestellte, die vergleichbare Werke inspirieren. In Anlehnung an "Aliens - Die Rückkehr", "Predator" und andere nachahmungswürdige Horrorfilme geht der Film stattdessen mit beeindruckenden Actionsequenzen ins Schlachtgetümmel, die sich durchaus hervorheben könnten, wäre da nicht der spürbare Mangel an Seriosität. Die Bedrohung durch die abscheulichen mutierten Plagegeister und ihre blutdürstige Nahrungsaufnahme sorgen von Anfang an für eine nachvollziehbare, angespannte Atmosphäre, doch durch die floskelhaften Dialoge werden Spannungsbögen und Angstgefühle schnell durch Lachanfälle ersetzt.

Regisseur Gary Jones hat seine Anfänge im Bereich Visagistik und Spezialeffekte gemacht, und das zeigt sich. Die Mehrzahl der Aufnahmen der Viecher besteht aus bestechend grotesken praktischen Tricks. Sie sehen so authentisch aus, wie es nur zwei Meter große Insektenpuppen vermögen. Die Gore-Szenen haben das gewagte Gefühl der frühen 90er Jahre, mit rasiermesserscharfen Rüsseln in den Brustkorb und in die Augen, die für einige abstoßende Erlebnisse sorgen, wie bei den besten Slashern des Jahrzehnts. Bei einer so schnellen Einleitung in das Blutbad werden nur wenige Todesfälle von Umstehenden gezeigt, aber Gary Jones setzt sie gut ein, vor allem in einer Sequenz, in der ein Zelt angegriffen wird und die geschickt den ironischen Charakter von "Mosquito" widerspiegelt. Während ein Killerinsekt seine Frau befällt, nimmt ein dusseliger Camper immer wieder einen Schluck von seinem Bier, während er ihr zu Hilfe eilt.

Bei solch bewundernswerten Bemühungen um die Moskito-Komponenten ist es enttäuschend, schlecht gemachte Greenscreen-Momente und ein paar minderwertige Stop-Motion-Animationen zu sehen, obwohl diese kurzen Mängel verziehen werden können, sobald die übergroßen Stechrüsselträger zu ihrer grausamen Art des Flüssigkeitsentzugs in all ihrer Puppenpracht zurückkehren. Die bedauernswerten Schauspielleistungen werden jedoch dafür sorgen, dass dieser vergessene Killer-Bug-Film bei gelegentlichen Horrorfans kein großes Interesse finden wird. Produziert von Andre Blay, dem Kopf hinter "Die Fürsten der Dunkelheit", "Der Blob" aus dem Jahr 1988 und "Sie leben!", und mit dem Special-Effects-Team, das für "Batmans Rückkehr", "Armee der Finsternis" und "Darkman" verantwortlich war, ist "Mosquito" einer der wenigen Filme, die einen Vorgeschmack auf die Perfektion eines exploitativen B-Movies bieten und deshalb definitiv eine Betrachtung wert sind.

"In der Gewalt der Riesenameisen" von Regisseur Bert I. Gordon beginnt wie eine Tierdokumentation. Eine tiefe, unheilverkündende Stimme zeigt auf, dass Ameisen intelligent, triebgesteuert, leistungsstark, gut strukturiert und vielleicht sogar in der Lage sind, mit Hilfe von Pheromonen die Psyche zu kontrollieren. Sie könnten fast mit den Menschen um die Vorherrschaft auf dem Planeten rivalisieren, wenn sie nur größer wären und vom Geist des Schriftstellers Herbert George Wells unterstützt würden, um ihr furchterregendes Potenzial zu steigern. "Das ist die Ameise. Behandelt sie mit Respekt ..."

In Anlehnung an eine Kurzgeschichte von Herbert George Wells braucht es nur ein paar illegal abgelagerte radioaktive Abfälle, um die Dominanz der Ameisen zu festigen. Marilyn Fryser (Joan Collins) chartert zusammen mit ihrem Partner Charlie Pearson (Edward Power) ein Boot für eine Gruppe möglicher Kapitalgeber, um die Grundstücke am Meer in 'Dreamland Shores' zu besichtigen. Mehrere Pärchen und einige attraktive Singles bilden die rund ein Dutzend Seefahrer, die in ein abgelegenes Paradies entführt werden, das die Wartungsarbeiter als Sumpfgebiet bezeichnen. Während die Gruppe am Strand diniert, billigen Scotch genießt, Smalltalk hält und sich in schwächere Fraktionen aufteilt, beobachtet eine Armada wachsender Proteine vom Rand des Dschungels aus das Treiben.

Durch eine Kombination von Soundeffekten, die an "Formicula" und musikalische Elemente wie in "Der weiße Hai" gemahnen, bereitet "In der Gewalt der Riesenameisen" eine unvermeidliche, verheerende Konfrontation zwischen Mensch und Insekt vor. Doch bevor das Blut fließt, wird den recht zahlreichen Charakteren Zeit für eine leichte Entwicklung gegeben, als ob sie dadurch zu sympathischeren Verlusten werden. Doch letztlich sind sie nur klammerndes Ballastfutter, dessen Hoffnungen und Träume angesichts der menschenfleischfressenden Insekten irrelevant sind, außer dass sie erkennbar sind, wenn sie von übergroßen Kiefern auseinandergerissen werden.

Sobald die Angriffe beginnen, wird "In der Gewalt der Riesenameisen" etwas konkreter, und sei es nur wegen der eigentümlichen Konstellation verschiedener Spezialeffekte der Kerbtiere. In Nahaufnahmen kämpfen die Akteure gegen die riesigen, haarigen Häupter partieller Ameisenpuppen, die sich mit echten Ameisenaufnahmen abwechseln, die ebenfalls in Nahaufnahme oder mit Miniaturen gezeigt werden, um sie größer erscheinen zu lassen, und mit Ameisenaugen, die den Bildschirm in winzige Kreise teilen, um zusammengesetzte Augäpfel zu repräsentieren. Obwohl die gummierten Ameisenrequisiten alles andere als überzeugend sind, sind sie doch lustiger als die lebenden Ameisen im Greenscreen, vor allem, wenn reichlich rote Wandfarbe auf die strampelnden Körper spritzt. Ruckartige, verwirrende Kamerabewegungen vervollständigen den optischen Anblick. "Nicht mich! Ich bin ein alter Mann!"

Nervigerweise wird viel gekreischt, sowohl von den verängstigten Überlebenden als auch von den Ameisen, die die schreienden Frauen während der Angriffe ziemlich unrealistisch reproduzieren, um die Angst zu schüren. Um die Sache weiter anzuheizen, nimmt die Handlung auf halber Strecke eine wilde Linkskurve und verwandelt "In der Gewalt der Riesenameisen" von einer einfachen Killertierprämisse in eine viel sinistere, in der sich die Menschen als ebenso monströs erweisen wie die Emsen. "Die treiben uns wie Vieh!"

In "Monster aus der Galaxis" von Regisseur Fred Olen Ray verirrt sich ein Truck der U.S. Army auf den kurvenreichen Straßen der kalifornischen Wüste auf dem Weg zu einem geheimen Rendezvous mit einem General und ein paar Senatoren. Ihr Ziel ist eine Geheimforschungseinrichtung, in der Lisa Martyn (Angelique Pettyjohn) psychische Impulstests durchführt. Ihre ungewöhnliche Fähigkeit, Dinge jenseits ihres Sehvermögens zu sehen, ermöglicht es den Wissenschaftlern, Materie aus einer unbekannten Dimension zu übertragen und wieder zusammenzusetzen. Das zumindest behauptet General Randolph (Aldo Ray), der als Zeuge anwesend ist.

Nachdem Lisa Martyn mit einem Gerät ausgestattet wurde, das ihre Gehirnwellen verstärken soll, beginnt das Experiment von Dr. Williams (Arthur Payton), und sie kann ein massives, trapezförmiges Metallobjekt in das Labor bringen. Doch ein Außendienstmitarbeiter, der eine beschädigte Leitung reparieren soll, schafft es nicht rechtzeitig, seinen Auftrag zu erfüllen, so dass sein Körper bis auf die Knochen verbrennt und er für den Rest des Films bequemerweise vergessen wird. Obwohl der General möchte, dass der materialisierte Gegenstand ohne Untersuchung direkt zu seiner Basis gebracht wird, halten Williams und Martyn es für verfrüht, mit dem jenseitigen Koffer, der ein Lebewesen zu umhüllen scheint, zu verschwinden.

Unmittelbar auffällig ist der Soundtrack, der stark an John Carpenters Synthesizer-Riffs erinnert, mit lauten, einfachen Melodien, die nie zu verschwinden scheinen. Das ist das erste offensichtliche Anzeichen für ein niedriges Budget. Das nächste wären die enorm minderwertigen Dialoge, die von einem Ensemble untalentierter Darsteller, abgesehen von ein paar Namen, die zur Aufwertung des Werks beigetragen haben, äußerst ungeschickt vorgetragen werden. Das biologische Missgebilde, das schließlich in Erscheinung tritt, wird von dem jungen Sohn des Regisseurs Fred Olen Ray gespielt. Es ist eine etwas merkwürdige Wahl, den außerirdischen Antagonisten als vier Fuß großen, kindlichen Humanoiden mit Pinzetten und einem insektoiden Kopf darzustellen.

Da "Monster aus der Galaxis" einer Handlung folgt, die nur geringfügig mit der von "From Beyond - Aliens des Grauens" vergleichbar ist, der ein Jahr später in die Kinos kam, bastelt Fred Olen Ray einen Sci-Fi-Horrorfilm ohne wirkliche Science-Fiction. Die meisten Kulissen befinden sich in einer erdgebundenen Anlage, im Inneren eines Hauses oder auf einer staubigen Straße. Bei einigen wenigen Einstellungen ist es evident, dass "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" als Inspiration diente, obwohl es praktisch unredlich ist, dieses Meisterwerk bei meiner Rezension von "Monster aus der Galaxis" zu zitieren. Die meiste Zeit, wenn die ungleichen Protagonisten nicht krampfhaft versuchen, harte Hunde zu sein und dabei elendig vor die Hunde gehen oder sich in langweilige Wissenschaftskonversationen verstricken, sind sie in so hochgradig dämliche extraterrestrische Unfugigkeiten vertieft, dass die ganze Produktion im Prinzip zu einer Komödie wird, was durch die lange Pannenrolle am Ende unterstrichen wird. Das ist unfassbar armseliges Filmhandwerk in seiner höchsten Perfektion.

In "Fatale Begierde" von Regisseur Jonathan Kaplan plaudert Michael Carr (Kurt Russell) eines späten Abends streitlustig am Telefon mit einem Arbeitskollegen, während Ehefrau Karen (Madeleine Stowe) allein im Schlafzimmer mit der orangefarbenen Katze Tiny schmust. Wahrscheinlich ist es der Wind, doch Michael durchsucht das Haus, gewappnet mit einem Golfschläger. Das reicht jedoch nicht aus, um den sehr realen Eindringling zu vereiteln, der sich Karen schnappt und ihr kurz ein Messer an den Hals hält, bevor er erfolgreich flüchtet. "Ich habe ein Geräusch von unten gehört."

Die LAPD-Beamten Pete Davis (Ray Liotta) und Roy Cole (Roger E. Mosley) treffen kurz darauf ein, um Nachforschungen anzustellen, raten aber vor allem davon ab, eine Schusswaffe zu kaufen, wie Michael sofort vorschlägt. Es werden stets die falschen Menschen geschädigt. Vielleicht bekommen sie stattdessen eine Alarmanlage und einen bösartigen Hund. "Wir hatten in letzter Zeit eine Reihe von Einbrüchen in dieser Gegend."

Karen ist verständlicherweise verunsichert, aber als sie am nächsten Tag die Polizei anruft, veranlasst Pete Davis bereitwillig die Abnahme von Fingerabdrücken und die Installation eines umfassenden Sicherheitssystems, was sie wiederum besänftigt. Er bleibt an diesem Abend sogar zum Abendessen und bietet Michael an, ihn mitzunehmen, um ihm Mut zu machen, denn er muss sich sehr hilflos gefühlt haben, als er sah, wie seine Frau kurzzeitig als Geisel genommen wurde. Das erweist sich als eine erstaunliche abenteuerliche Erfahrung. "Ich glaube, ich kann hier nicht mehr leben."

Interessanterweise bereitet der Aufbau den Zuseher nicht auf das vor, was kommen wird. Es dauert fast 30 Minuten, bis der eigentliche Thriller beginnt und die Sprunghaftigkeit des einen und die Abneigung des anderen gegen Gewalt deutlich wird. Es ist ein epischer Test von Männlichkeit, Beherrschung und Stärke. Der Magistrale gegen den Sanftmütigen, der auf Themen aus "Wer Gewalt sät" anspielt. Die Schreckmomente während des ersten Einbruchs sind nichts im Vergleich zu den psychologischen Ängsten, Provokationen, Demütigungen, Manipulationen, dem extremen Eindringen in die Privatsphäre, den schwindenden Ressourcen von außen und der hinterhältigen Aussaat von Misstrauen, die sich im Laufe der Handlung unerträglich verdichten. Hinzu kommt die feinsinnige, aber exzellente Musik von James Horner, die in den richtigen Momenten die Spannung steigert oder ein falsches Gefühl von Leichtigkeit erzeugt. "Meinst du nicht, dass du vielleicht ein bisschen überreagierst?"

"Fatale Begierde" ist ein straffer und wirkungsvoller Psychothriller, der Unruhe und Unbehagen erzeugt und den Betrachter in die gleichen seelischen Qualen wie die Protagonisten eintauchen lässt. Der Bösewicht ist interessanterweise kein totaler Psychopath, sondern ein sich langsam auflösender, wahnhafter Charakter, der seine Machtposition berechnend missbraucht, um zu bekommen, was er will. Das ist umso besorgniserregender, wenn man seine ungezügelte Wut, seine Verbindungen und seine mangelnde Disziplin berücksichtigt. "Was werden Sie tun? Die Bullen rufen?"

Es handelt sich zwar nur um einen Film, aber das Realitätspotenzial, das diese Szenarien unerbittlicher Strapazen im wirklichen Leben haben, ist absolut überwältigend. Dadurch entsteht natürlich ein mitreißender Film. Das Ende geht erwartungsgemäß in Richtung exzessiver Rachefantasie und Home-Invasion-Horror, nicht unähnlich "Fremde Schatten" von Regisseur John Schlesinger ein paar Jahre zuvor, der zwar den Horror verstärkt, aber die Sensibilität vermissen lässt. Es ist ein befriedigendes, ausgelassenes, filmisches Ende eines beunruhigenden Dilemmas, das sowohl authentisch geerdet als auch für die große Leinwand geeignet ist.

"Mit Motorsägen spaßt man nicht" beginnt mit einer Warnung vor der Verwendung von Kettensägen, die für diesen Film eingesetzt wurden, vor allem, wenn man nackt und im Begriff ist, anstrengenden Sex zu haben, damit Regisseur Fred Olen Ray ein reines Gewissen haben kann. Die nächste Szene zeigt die Prostituierte Lori (Dawn Wildsmith), die der Polizei ihre Geschichte von einem Freier erzählt, der nicht zahlen konnte, nachdem sie ihre Dienste zur Verfügung gestellt hatte. Daraufhin ging sie zum Schrank, um sich ein Potenzmittel zu besorgen und ihre treue Kettensäge für ein wenig Motivation zu nutzen.

In der Zwischenzeit beginnt der in Los Angeles lebende Privatdetektiv Jack Chandler (Jay Richardson) mit seiner eigenen Geschichte, in der er auf noirische Weise von einer Reihe seltsamer Ereignisse erzählt, die ihren Ursprung in einer Bar an der West Side haben, die gleichzeitig ein Stripclub ist und in der immer wieder jemand tot aufgefunden wird. Er wurde beauftragt, die entlaufene Teenagerschönheit Samantha Kelso (Linnea Quigley) aus Oxnard aufzuspüren, die sich wahrscheinlich in eine schlechte Gesellschaft begeben hat. Die ersten Hinweise sind wortwörtlich kleine Stücke des Bauarbeiters Bo Hanson (Jimmy Williams), der zufällig auf die sinnliche Mercedes (Michelle Bauer) trifft, eine Art selbsternannte Sozialarbeiterin, die ihm einige Möglichkeiten zum Abbau von Spannungen anbietet. In einer Rückblende in ihrer Wohnung legt sie Musik auf und zieht sich eine Duschhaube an. Außerdem spannt sie eine Plane über ein Elvis-Gemälde, das an der Wand hängt. Das verheißt nichts Gutes für Bo, der schnell Opfer eines brutalen Kettensägenmordes wird. "Oh nein!"

Es dauert nicht lange, bis sich Michelle Bauer ihres Kleides entledigt und eine umwerfende Figur zum Vorschein bringt - der einzige Grund, warum sie gecastet wurde. Der dazugehörige Gore ist extrem übertrieben, mit unglaubwürdig abgesägten Körperteilen und eimerweise wässrigem Blut. Aber wenigstens sind diese Eimer voller Blut auf Michelle Bauers nacktem Körper verteilt. Ein paar Szenen später tritt Jacks Freundin (Susie Wilson) als eine weitere unverhüllte Frau auf, deren Dialog sinnlos ist, die aber durch ihre Üppigkeit den Rahmen sprengt. In der nächsten Einstellung ist Lisa (Esther Alise) zu sehen, eine Prostituierte, die demselben Mörderkult wie Mercedes angehört. Sie erledigt einen perversen Fotografen, indem sie ihn mit einem Baseballschläger niederschlägt, bevor sie selbst die Kettensäge anwirft.

Die Darsteller sind sagenhaft schlecht, was aber kaum ins Gewicht fällt, wenn man sich klarmacht, dass das Drehbuch reiner Blödsinn ist, voll von Doppelbödigkeiten und falsch formulierten One-Linern. Die Gesamtheit von "Mit Motorsägen spaßt man nicht" besteht einzig und allein aus der Kombination von weiblicher Nacktheit und Kettensägengemetzel, wobei keine der beiden Komponenten qualitativ hochwertig oder zweckmäßig genug präsentiert wird, um eine abendfüllende Produktion zu rechtfertigen. Die Mädchen sehen gut aus, aber ihre Sequenzen in voller Montur werden durch fruchtlose Exposition ausgedünnt. Die Gewalt ist von einer komischen Abartigkeit, die aber ebenso unregelmäßig vorkommt. "Sehr feindselig, aber eine großartige Reihe von ..."

Gunnar Hansen, bekannt aus "Blutgericht in Texas", hat zwar einen Auftritt als Herr der Sekte, aber das reicht nicht aus, um diesen schrottigen Film in bescheidene Unterhaltungsqualität zu verwandeln. "Mit Motorsägen spaßt man nicht" ist extrem Low-Budget, wie viele seiner 42nd Street Grindhouse Brüder, doch die Konzentration auf Exploitation-Material, das mit begrenzten finanziellen Mitteln erreicht werden kann, ist nicht konsequent genug, um dies als eine notable Anstrengung zu bezeichnen, sondern es ist vor allem eine Verschwendung von Sets, Kostüme, Requisiten, und Zeit im Allgemeinen. Selbst Linnea Quigleys 'Jungfrauentanz der doppelten Kettensägen' ist eher lächerlich als erotisch, während das abschließende Kettensägenduell grandios fingiert und gelinde gesagt schwachsinnig ist. "Mit Motorsägen spaßt man nicht" wird oft als Kultklassiker bezeichnet, aber das Filmdesign ist so bemitleidenswert, dass der Film kaum in die Kategorie Film hineinpasst. Im Abspann wird eine Fortsetzung mit dem Titel "Student Chainsaw Nurses" angedroht, die jedoch nie produziert wurde - ein Schicksal, das auch diesen Film hätte ereilen müssen.

In "Der Schnüffler" unter der Regie von Gordon Douglas pendelt der pensionierte Bulle Anthony "Tony" Rome (Frank Sinatra) zwischen einem örtlichen Boxstudio in Miami, wo er Karten spielt, und dem Leben an Bord seines Bootes, der 'Straight Pass'. Als sein ehemaliger Partner Ralph (Robert J. Wilke), der jetzt als Hausdetektiv für das 'Corsair Hotel' arbeitet, in der Klemme steckt, wird Tony um einen Gefallen gebeten. Diana Pines (Sue Lyon), die Tochter eines wohlhabenden Baumagnaten (Simon Oakland), hat sich selbst in das Hotel eingecheckt, praktisch bewusstlos vom teuren Alkohol, und muss weggebracht werden, bevor es zu einem großen Eklat kommt. Für 200 Dollar bringt Tony Rome sie zu ihrem Ehemann in eine exquisite Villa, wo der Detektiv eine andere feierfreudige Dame, Ann Archer (Jill St. John), aufgabelt, die einfach nur mitfahren will.

Diese Ausgangssituation ist nicht sonderlich düster oder außergewöhnlich, aber Frank Sinatra und Jill St. John tauschen einige dunkel kokette Sticheleien aus, die "Der Schnüffler" einen Film-Noir-Einschlag verpassen. Als Tony jedoch kurz darauf zu seinem Boot zurückkehrt, wird er mit einer Pistole im Gesicht und einem mit Chloroform getränkten Taschentuch empfangen, und es ist klar, dass er unwissentlich in ein großes Geheimnis verwickelt ist. Es wird immer prekärer, als Diana sich am nächsten Tag bei Tony nach einer verschwundenen Diamantbrosche im Wert von 5.000 Dollar erkundigt, die er gegen eine kleine Gebühr von 10% des Wertes wiederbeschaffen will. Andere Parteien wollen den Gegenstand natürlich auch erwerben und vielleicht sogar dafür töten.

Die üblichen Schnüffelarbeiten, eine Verfolgungsjagd, ein Faustkampf, etwas vergossenes Blut, politische Korruption und ein paar Leichen verkomplizieren die Dinge, machen sie aber nicht zu dem spannenden Thriller, der "Der Schnüffler" eigentlich sein sollte. Zigaretten werden an der Kette geraucht, Femme fatales stehen Schlange, um Tony Rome einen Antrag zu machen, und es gibt einen Funken echter Romantik, auch wenn es ihm gelingt, viele Interaktionen mit Zynismus zu überspielen. Gleichzeitig verfügt er über einen bewundernswerten ethischen Kodex, der ihn davor bewahrt, zu einem Antihelden zu werden, mit dem der Betrachter nichts anfangen kann. Die Gefahren und Hindernisse sind jedoch so gering, dass er nie wirklich in Schwierigkeiten zu geraten scheint. Dieser Mangel an handlungsorientierten Plagen hat eine gewisse Sensibilität, die Tony Rome dazu zwingt, eher intelligent als physisch formidabel zu sein. "Im Moment gibt es noch zu viele offene Fragen".

Leider gibt es an einigen Stellen unnötige Komik, obwohl die Dialoge dank Tony Romes Coolness unter Druck von Natur aus witzig sind, sowie aufdringliche Musik, die dazu neigt, die Ereignisse zu übertönen, die sie untermalen soll, einschließlich der wiederkehrenden Titelmelodie, die von Nancy Sinatra während des Vor- und Abspanns gesungen wird. Darüber hinaus gibt es jede Menge zwielichtiger Gestalten, die fast alle 10 Minuten eine neue Rolle spielen und von denen einige so eigenartig sind, dass sie eher komisch als ernst daherkommen. Aufgrund der Herangehensweise von Tony Rome an das Rätsel, der mehr Informationen erhält als ausgräbt, wirkt die Geschichte so, als ob sie routinemäßig an Ort und Stelle ausgeschmückt wurde, was die Fähigkeiten des Detektivs weiter herabsetzt. Das Glück ist ein hervorragender Verbündeter in der Kunst der Schlussfolgerung. Selbst wenn Tony Rome sich als verdienter Filmdetektiv erweist, beeinträchtigt das langsame Tempo von "Der Schnüffler" den allgemeinen Unterhaltungswert. Nichtsdestotrotz bleibt Frank Sinatra als mäßig abgebrühter Neo-Noir-Privatdetektiv liebenswert, der sicherlich zum Stil von "Chinatown" beigetragen hat.

"Malibu Moon" von Regisseur Robert Veze beginnt wie eine Folge von "Baywatch", mit vollbusigen Frauen, die Frisbee spielen, mit Hunden spazieren gehen, Sonnencreme auftragen, am Strand joggen und mit ihren Fingerspitzen Umrisse auf ihren Körpern nachzeichnen, vervollständigt durch einen albernen Titelsong. Dann geht es in etwas über, das an "Barb Wire" erinnert: Völlig nackte Frauen springen aus Pools, bespritzen sich mit Wasser und befummeln sich selbst. Der Eröffnungssong und die dazugehörige Bildmontage sind so lang, dass sie in eine Traumsequenz übergehen, in der sich herausstellt, dass der dämliche Chester Marley (David Millbern) während eines Malereivortrags über vertikale und horizontale Pinselstriche eingenickt ist.

Das ältere Ehepaar Patterson wird für kurze Zeit nach Grönland verreisen, und Chet (David Millbern) soll in dieser Zeit das Haus des Paares in Malibu streichen. Unterstützt wird er von einer Gruppe von Freunden, von denen jeder ein Zimmer in dem Gebäude hat, so als wären sie alle Mieter in einer Art Wohngemeinschaft. Es macht nicht viel Sinn, aber ihre Lebenssituation ist kaum von Bedeutung. Tatsächlich ist die Handlung selbst für die Filmemacher von geringer Bedeutung. "Malibu Moon" ist ausschließlich dazu bestimmt, eine Schar von Schönheiten zu versammeln, um sich in der Sonne zu aalen und zu präsentieren. Chets umweltbewusster Freund Richard (Alex Smith) will die Menschen vor der Schädlichkeit ultravioletter Strahlen warnen. Die rockige Mitbewohnerin Jazz (Shelley Michelle) übt E-Bass für einen bevorstehenden Auftritt und der übergewichtige Mad Dog (Kent Lipham) lehnt sich auf der Couch zurück, kippt wortlos ein Bier hinunter und lässt ab und zu einen kräftigen Rülpser los. Cheryl (Melinda Armstrong) präpariert sich im Badezimmer, was zu einer kleinen Verlegenheit führt, als Chet sie und ihre exponierten, strammen Brustpartien erblickt. Diese Nebenrollen sind jedoch ebenso wie die Hauptrollen von flüchtiger Natur.

Chets neuester Plan, sich unter die üppigen Blondinen zu mischen, indem er eine Kamera umklammert und den Strandbesuchern Angebote macht, ist nicht so erfolglos und bietet den spärlich bekleideten Mädchen zusätzliche Gelegenheiten, sexy zu posieren und sich aneinander zu reiben. Es gibt noch weitere Nebenhandlungen, darunter Streikposten, die Proben einer reinen Mädchen-Rockband, in die der perverse Schleimscheißer und Manager Max (Ken Davitian) verwickelt ist, die erfolglose Badeanzug-Designerin Renee (Kelli Konop), die um den Verkauf ihrer Produkte kämpft, Cheryl, die dem Playboy Brad (Jason Clow) nachstellt, und zwei Strandläufer, die erfolglos jeden anbaggern, der ihnen in die Quere kommt. Doch bei all den planlosen Handlungsabweichungen ist nichts auch nur annähernd von besonderem Belang. "Was haltet ihr davon, auf dem Cover eines nationalen Magazins zu sein?"

Da wirkt es sich nicht gerade positiv aus, dass die Dialoge fadenscheinig, die schauspielerischen Qualitäten miserabel und der Humor unterirdisch ist. An einer Stelle ist "Malibu Moon" nicht wirklich ein richtiger Film, eine Figur lässt einen Geldstapel aufblitzen, der nur auf einer Seite bedruckt ist, so sehr ist es ein Versuch, von der Leichtigkeit zu profitieren, mit der sich Hautstreifen aus den 90ern vermarkten lassen, der Schluss enthält wiederholte Aufnahmen, die darauf hindeuten, dass es inhaltlich nicht für einen ganzen Langfilm gereicht hat. Und das ist einer der schlechtesten oder besten, wenn man überlegt, dass es sich im Grunde genommen um ein Playboy-Videokalender-Special handelt, das nur selten versucht, seine "Gentleman-Pornografie"-Absichten hinter einer Handlung zu kaschieren. Dies wird durch verschiedene, praktisch nicht zusammenhängende Nebenschauplätze veranschaulicht, die vier Mädchen beim Duschen zeigen, eines nach dem anderen. Eine Zeitlupenaufnahme beim Nackttauchen und ein Fotoshooting in Bademontur. Außerdem gibt es eine Wasserschlacht in weißen T-Shirts und einen heißen Bikini-Wettbewerb, der länger und unzüchtiger ist als der vorherige. "Sie haben wirklich nur das eine im Kopf, nicht wahr?"

In "Fear City" von Regisseur Abel Ferrara kommen der ehemalige Boxer Matt Rossi (Tom Berenger) und sein Geschäftspartner Nicky Parzeno (Jack Scalia) in einem Nachtclub an, als Loretta (Melanie Griffith) gerade einen unglaublich langsamen Striptease vorführt. Aber sie sind nicht wegen der Show dort, sondern treffen sich mit dem Besitzer Mike (Michael V. Gazzo), um Geld einzutreiben. Es hat den Anschein, dass es sich um Mafiosi oder korrupte Polizisten handelt, die einen Erpressungsversuch unternehmen, doch die Verwicklungen werden durch einen plötzlichen Gewaltausbruch unterbrochen. Draußen in einer Gasse wird eine Stripperin von einem Mann attackiert, einem Angreifer, der klar und deutlich gezeigt wird, so dass jedes Element des Mysteriums beseitigt ist, und der wiederholt mit einer Schere auf sie einsticht, bis sie fast bewusstlos in einer Lache ihres eigenen Blutes liegt.

Am nächsten Tag wird geklärt, dass Matt Rossi und Nicky Parzeno ein New Yorker Unternehmen namens 'Starlite Talent Agency' betreiben, das Tänzerinnen an verschiedene Stripclubs vermittelt. Als sie erfahren, dass eines ihrer Mädchen, Honey Washington (Ola Ray), dem Angriff zum Opfer gefallen ist, eilen sie ins Krankenhaus. Sie überlebte die Begegnung zwar, wurde aber schwer verstümmelt, vor allem wurden ihr mehrere Finger abgetrennt. Und sie wurde nicht einmal ausgeraubt.

Die Schauplätze sind rauchig, zwielichtig und schäbig, bevölkert von Syndikatsganoven, Spielern, Prostituierten und Sonderlingen. Die zahlreichen Nacktszenen mit dem aufsteigenden Star Melanie Griffith sind keine Ausnahme, um das Ganze plausibler zu machen. Dies ist nicht die Art von Film, die in die Schattenseiten der Großstadt eintaucht und dabei vor nicht jugendfreien Themen zurückschreckt. Tatsächlich gibt es so viele irrelevante Stripsequenzen, dass es fraglich ist, ob "Fear City" ohne sie Spielfilmlänge hätte. Die Gewalt und die Sprache, sowohl Flüche als auch Rassismus, sind vergleichsweise heftig. Ersteres ist verstörend anschaulich, letzteres verleiht den im Allgemeinen unsympathischen Charakteren zusätzliche Authentizität.

Detective Al Wheeler (Billy Dee Williams) vom Morddezernat ist ein weiterer dreckiger Akteur, der die eskalierenden Verbrechen aufklären soll und auf der richtigen Seite des Gesetzes steht, aber nicht weniger brutal ist. Die allgemeine Härte mag zu dieser Geschichte passen, aber ohne starke Protagonisten ist es schwierig, sich für die handelnden Personen zu erwärmen. Die Opfer sind aufgrund der Scheußlichkeit ihrer Verletzungen ansprechend, aber alle sind von der Stange, auch der Bösewicht, genannt 'New York Knifer', dessen Motive weder erfindungsreich noch komplex sind, sondern lediglich psychotisch und Ähnlichkeiten mit "Ein Mann wie Dynamit" aufweisen.

Besonders enttäuschend ist die Figur des Tom Berenger, der seine Boxkarriere aufgibt, nachdem er versehentlich einen Gegner getötet hat. Flashbacks füllen die Details auf, aber es ist ein uninspiriertes Klischee für den starken, schweigsamen Typ. Bei dem Mordfall sieht es nicht viel besser aus, wenn man sich vor Augen hält, dass der Täter von Anbeginn der Geschichte bereits feststeht. Trotz der visuellen Echtheit seines unglamourösen New Yorker Settings, einer Stärke von Regisseur Abel Ferrara, ist "Fear City" nicht sicher, was er überhaupt darstellen will. Das wird nie deutlicher als im Finale, das im Grunde ein abstruser Kickbox-Showdown ist, der direkt aus einem Kung-Fu-Film stammt.

"Spinnen des Todes" von Regisseur Scott Ziehl beginnt wie eine seriöse Comicverfilmung, arrangiert mit peppiger, jazziger Musik. Der Ton ist der eines leichten, flippigen Coming-of-Age-Superheldenfilms, der den ein Jahr später anlaufenden "Spider-Man"-Film fast parodiert. Wäre da nicht der Gore-Faktor, der nicht als jugendfrei eingestuft ist, hätte dies eine fröhliche Komödie werden können. Auf witzige Weise mischt er den Humor mit Horrorelementen und bietet so ein effektives Unterhaltungserlebnis.

Der 23-jährige Quentin Kemmer (Devon Gummersall), ein einfacher Sicherheitsbeamter bei 'Biochemco', toastet Brot, füttert seinen Hund Thor und flirtet mit seiner Nachbarin Stephanie Lewis (Amelia Heinle), einer echten Augenweide. Das Wohnhaus, in dem sie leben, ist heruntergekommen, aber das ist alles, was sie sich leisten können. Er hat nur ein geringes monatliches Einkommen und sie besucht eine Krankenpflegeschule. Obwohl sie wenig gemeinsam haben, sind sie beide besorgt über die Nachricht vom siebten Opfer des Midtown Mörders. "Ich hasse es, wenn die Bösen gewinnen."

Wenn er nicht gerade Stephanie hinterherschmachtet, besucht Quentin den örtlichen Comic-Laden, der von seinem Freund Han (John Cho) geführt wird. Bei der Arbeit plaudert er mit seinem Kollegen Nick (Mario Roccuzzo) über ihre jeweiligen Liebesinteressen und über die Experimente des Labors mit Taranteln. Wie es der Zufall will, wird Quentins Tag aufregend und erschreckend zugleich: Bewaffnete Männer brechen in die Firma 'Biochemco' ein, um Daten über die neueste Forschung zur Waffenresistenz zu stehlen. Es kommt zu einer tödlichen Schießerei, bei der sich der junge Mann ein streng geheimes Präparat injizieren kann.

Dass ein comicbesessener Teenager zu dem Superhelden wird, von dem er immer geträumt hat, ist nicht ganz neu. In diesem Fall nimmt er buchstäblich die Gestalt seines fiktiven Idols an, obwohl sein Wunsch, auf das Image des netten Kerls zu verzichten und für sich selbst einzustehen, stattdessen alle Merkmale eines Superschurken aufweist. In der Tat verändert sich Quentins Zustand unerwartet für ihn selbst, nicht für den Betrachter, und er entwickelt eine neue Identität als Verbrechensbekämpfer oder Unruhestifter. Wie in "Die Fliege" bemerkt der Protagonist zunächst positive Begleiterscheinungen, bevor es zu einer auffälligen Veränderung oder Metamorphose kommt.

Der Hauptdetektiv, Jack Grillo, wird von Dan Akyroyd gespielt, dem ersten der großen Segnungen von "Spinnen des Todes". Er nimmt seine Rolle unglaublich ernst, was nicht nötig zu sein scheint, aber seine Einbeziehung ist eine kluge Wahl, und er bekommt sogar eine düstere Hintergrundgeschichte, gepaart mit einer untreuen Ehefrau. Die Mischung aus typischen Horrorfilm-Merkmalen wie Jumpscares, bedrohlicher Musik, markerschütternden Schreien, verstörenden Bildern, vor allem Rückblenden, mysteriösen Schatten und plötzlichen Angriffen funktioniert gut mit der Komödie und der Action. Hinter der selbstironischen Atmosphäre des Science-Fiction-Films verbirgt sich ein Gefühl der Verzweiflung und Angst, das den Helden und seine Notlage noch sympathischer macht. Er ist eine tragische Figur, die dem Untergang geweiht ist und eine vernünftige, einigermaßen realistische Variante des Superheldentums darstellt. "Es ist noch nicht zu spät!"

Weniger beeindruckend ist der Einsatz von Computergrafiken, die sich zum Glück in Grenzen halten. Da Stan Winston an der Produktion beteiligt war, sind die praktischen Effekte, die Prothesen und das Make-up viel besser gelungen, vor allem, wenn es um das Glibberzeug geht. Spinnweben, wachsende Unterkiefer, zusätzliche Extremitäten und vertrocknete Kadaver sehen entweder großartig oder angemessen geschmacklos aus. Im Verlauf von "Spinnen des Todes" gibt es merkwürdigerweise fast zu viel Charakterentwicklung, auch wenn dadurch subjektive Figuren entstehen. Für einen Hybriden aus Sci-Fi und Horror sind Spannung und Gewalt ziemlich weit voneinander entfernt. Letztlich handelt es sich jedoch um einen überzeugenden kleinen Schocker, der mit seinen begrenzten Mitteln bemerkenswert gut funktioniert, weil er oft weniger ist als mehr.

In "Der Komet" von Regisseur Thom Eberhardt wird ein Komet, dessen elliptische Umlaufbahn so groß ist, dass er Jahrtausende lang völlig unbeobachtet blieb, nun für kurze Zeit sichtbar, wenn die Erde den Bogen des Schweifs durchquert. Dieses Phänomen verspricht eine Lichtshow von stellaren Ausmaßen, wie sie seit 65 Millionen Jahren nicht mehr gesehen wurde. In der Weihnachtszeit fiebern die Menschen in Kalifornien dem großen, einmaligen Ereignis entgegen, ohne sich um den allmählichen Verlust der Telekommunikation zu kümmern, wenn der 'Festtagsgast' vorbeifliegt.

Die 18-jährige Regina Belmont (Catherine Mary Stewart), die im Kino 'El Rey' arbeitet, ist mehr damit beschäftigt, ihren Highscore in der Spielhalle aufrechtzuerhalten oder sich mit Larry (Michael Bowen) in den Vorführraum zu schleichen, als die Aufgaben zu erfüllen, für die sie bezahlt wird. Ihre Schwester Samantha (Kelli Maroney) ist nicht verantwortungsbewusster, auch wenn sie sich gemeinsam gegen die missbräuchliche Stiefmutter Doris (Sharon Farrell) wehren, die strenge Ausgangssperren verhängt und eine eigene heuchlerische Agenda hat, wenn es darum geht, weitere Männer zu finden, mit denen sie sich vergnügen kann. Doch die beiden Mädchen haben größere Probleme als die elterliche Führung, als nach dem Vorbeiflug des Kometen die ganze Stadt spontan zu verschwinden scheint und dann als blutrünstige Zombies wieder in Erscheinung tritt.

Mit einem besonders abrupten Bildwechsel wie dem schockierendsten Moment in "Blutgericht in Texas", als Leatherface das erste Mal auftaucht, findet das erste Opfer in "Der Komet" ein plötzliches, markant brutales Ende mit einem kräftigen Schraubenschlüssel. Das ist völlig unerwartet, denn die Eröffnungssequenzen lassen auf eine schmutzige Teenie-Komödie schließen, in der es um Rebellion, herrschsüchtige Erwachsene und Sex geht. Wenn Regina auf ihrem Motorrad die verlassenen Straßen entlangfährt und dabei Bilder und eine Anspielung auf "The Last Man on Earth" zu den Klängen von E-Gitarren aufgreift, wechselt der Grundtenor wieder zu einem leichteren, hipperen und punkigen Abenteuerstil.

Mit seiner jugendlichen Besetzung, darunter Robert Beltran aus "Star Trek: Voyager", dem modernen Soundtrack und der fast greifbaren sexuellen Spannung zwischen den adoleszenten Überlebenden ist "Der Komet" einer der untypischsten aller Zombiefilme. Mit Wissenschaftlern, die im Hintergrund experimentieren und analysieren, einigen Alptraumsequenzen und extremer Isolation, die sich mit alltäglichen Aktivitäten die Zeit vertreiben, schafft es dieser Film, Anleihen bei "Zombie - Dawn of the Dead" zu machen. Es gibt sogar einen Verweis auf das Konsumverhalten, das in George A. Romeros Kultklassiker persifliert wurde, während er gleichzeitig Konventionen etabliert, die Jahrzehnte später von dystopischen/postapokalyptischen Thrillern wiederverwendet werden sollten. "Der Komet" ist sowohl kreativ in seiner Fusion von Genres und Themen als auch abgeleitet in seinen schwerfälligen, torkelnden Antagonisten und Bühnenbildern.

Doch inmitten der halbgaren Bedrohung gibt es auch immer wieder Humor, selbst wenn eine pubertäre, mädchenhafte Verkleidungsmontage in eine Schießerei mit Maschinengewehren und sadistischen, ungebildeten Lagerarbeitern ausbricht. Oder wenn Personen anfangen, sich aus depressiver Trostlosigkeit umzubringen. Der vielleicht stärkste Clou ist der Einsatz von unwahrscheinlichen Helden, die sich schwer tun, den Ernst der Lage zu begreifen, allerdings verkehren sie auf erfrischende Weise die Rollen in Bezug auf die gesellschaftlichen Erwartungen an die Reife und die Gesinnung oder die instrumentellen Beweggründe der Menschen, denen sie begegnen. Sie schaffen es irgendwie, ein bisschen Optimismus und Furchtlosigkeit auszustrahlen, während sie sich mit Autoritätspersonen und unheimlichen Erwachsenen im Generellen anlegen. Doch selbst mit seiner unvergleichlichen Mischung aus teils schrägen, teils morbiden Konzepten ist "Der Komet" gerade so widersprüchlich, dass es schwerfällt, sich mit ganzem Herzen darauf einzulassen.

In "Versuchung auf 809" des Regisseurs Roy Ward Baker wartet die Loungesängerin Lyn Lesley (Anne Bancroft) im McKinley Hotel in New York auf einen Mann aus Chicago, der aber wohl nicht kommen wird, denn die zwei haben sich nicht unter den besten Bedingungen getrennt. Es stellt sich heraus, dass dieser Mann, der Pilot Jed Towers (Richard Widmark), im Obergeschoss sitzt und darüber nachdenkt, seiner ehemaligen Geliebten gegenüberzutreten. In der Zwischenzeit schickt der Fahrstuhlführer Eddie Forbes (Elisha Cook Jr.) seine Nichte Nell (Marilyn Monroe), um auf die kleine Bunny Jones (Donna Corcoran) aufzupassen, deren Eltern zu einer Preisverleihung im Ballsaal im Erdgeschoss müssen. Nell hat keine Erfahrung mit Kindern, aber das Hotel hat viele Kunden, die einen Babysitter brauchen, was bedeutet, dass die Forbes, wenn alles gut läuft, einen regelmäßigen bezahlten Nebenjob haben könnten.

Die Voraussetzungen scheinen auf den ersten Blick harmlos zu sein, doch die Kameraführung verströmt einen Hauch von Film Noir, vor allem, wenn Jed Towers sich mit dickem Zigarettenrauch umgibt und Lyn Lesley heimlich vom anderen Ende des Raums aus beobachtet. Auch Marilyn Monroe verbirgt offenbar eine Fülle von dunklen Geheimnissen und tut so, als sei die Betreuung eines kleinen Mädchens ein Beruf, der weit von ihrem wahren Metier entfernt ist. Keiner von beiden scheint zu einem Lächeln fähig zu sein. Pessimismus umweht sie wie der graue Dunst, der zwischen den Fingerspitzen jeder Hintergrundfigur hervorquillt.

Es dauert zwar etwas länger als erwartet, aber die Angelegenheit spitzt sich zu, als Jed Nell durch sein Fenster auf der anderen Seite des Hofes beobachtet und sie aus Frustration über seine Unstimmigkeiten mit Lyn anruft. "Am Telefon kann man sich nicht verletzen", schimpft er, als sie über seinen Vorschlag, eine Flasche Whisky zu trinken und ein oder zwei Geschichten zu erzählen, erschrocken ist. Natürlich ist ihre Situation nicht ganz klar, denn sie befindet sich im Zimmer ihres Arbeitgebers, hat Schmuck und Parfüm von Mrs. Jones aufgesetzt und ist durch eine frühere schlechte Beziehung psychisch angeschlagen.

Marilyn Monroe soll eine unsichere, instabile Frau sein, obwohl sie viel zu gut gekleidet ist, um völlig glaubwürdig zu funktionieren. Sie spricht auch mit einer Zuversicht und einer Vorsicht, die nichts mit der Unbeständigkeit ihrer Handlungen zu tun haben. "Du bist ein Mädchen mit vielen Variationen", meint Jed, der den Zynismus, mit dem er an alles im Leben herangeht, nicht ablegen kann, aber auch nicht in der Lage ist, Nells äußerer Attraktivität zu entfliehen, obwohl diese untrennbar mit dem Wahnsinn verbunden ist.

Es ist ein Verdienst von "Versuchung auf 809", dass Nell größtenteils sympathisch ist, auch wenn ihre pathologischen Lügen zunehmen und ihre geistige Stabilität immer fragwürdiger wird. Wären Nells Brüche mit der Realität nicht, hätten viele der Geschehnisse in ihrem Zimmer aus einer Slapstick-Komödie stammen können, vor allem wenn Männer hinter Türen hin- und hergeschoben werden, um den Anstand zu wahren. Am Ende entwickelt sich "Versuchung auf 809" zu einem regelrechten Thriller, der sich auf das intensive Drama eines psychologischen Traumas konzentriert und darauf, dass es nicht einfach als Bösartigkeit eingestuft werden kann. Der Schluss ist vielleicht ein wenig zu sauber, aber das Porträt ist von faszinierender Authentizität.

"Die Bestie aus dem Weltraum" unter der Regie von Nathan Juran beginnt mit einer seriösen Schilderung, die an eine Naturdokumentation heranreicht, und erklärt auf bedrohliche Weise die Bedeutung der umfangreichen Kilometerzahl des englischen Originaltitels, ohne jedoch konkrete Angaben zu liefern. Auf der Erde in einem sizilianischen Fischerdorf beobachten mehrere Männer auf Booten, wie eine Rakete vom Himmel fällt und in die weiten Gewässer stürzt. Es ist ein spektakulärer Anblick, denn das Flugzeug, das eindeutig ein Raumschiff ist, hat kolossale Ausmaße und ragt aus dem Meer heraus, als wäre das Gebiet kaum mehr als eine Pfütze. Als die Fischer durch ein Loch in der Seite des Wracks an Bord kommen, werden sie von Dampf, vielen mechanischen Strukturen und zahlreichen menschlichen Leichen begrüßt.

In einer der frühen Produktionen des Special-Effects-Zauberers Ray Harryhausen wird eine Monstrosität erschaffen, deren Design eindeutig an den Kraken aus "Kampf der Titanen" denken lässt. Auch wenn es sich um eine seiner simpleren Schöpfungen handelt, ist dieser Entwurf eindeutig weniger ehrgeizig als seine Vorläufer aus der Mitte der 50er Jahre, die nur zwei Beine, zwei Arme und einen Schwanz haben, ist die Stop-Motion-Technik hervorragend und fügt sich gut in die menschliche Umwelt ein. Die venusische Erscheinung fängt klein an, wächst aber schnell zu enormen Ausmaßen heran, explodiert schließlich aus ihrem Käfig und läuft vor dem Professor (Frank Puglia) und seiner Enkelin (Joan Taylor) herum wie die brustbrechende Kreatur aus "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" - ein atemberaubender Effekt, der zu dem Meisterstück von 1979 beigetragen haben könnte -, bevor sie in ein Feld flüchtet. Zufälligerweise ähneln einige der folgenden Sequenzen auch Motiven aus "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt", gepaart mit bekannten Aspekten. "Die Kreatur muss lebend gefangen werden."

Die Handlung ist simpel, und es gibt nur wenige Charaktere, so dass die primäre Quelle der Unterhaltung die zweibeinige Bedrohung ist, die sich brüllend und krallend ihren Weg über den Bildschirm bahnt. Eigenartigerweise hätte das Monster, wenn es ungefähr die Größe eines Menschen hat, auch von einem Menschen in einem Kostüm dargestellt werden können, doch aus Gründen der Konsistenz und Ray Harryhausens Meisterschaft bleibt es ein animiertes Wesen. Ebenfalls imposant ist ein menschliches Opfer in Stop-Motion-Technik, das so nah gezeigt wird, dass man es als Knetfigur identifizieren kann, die im Allgemeinen aus der Ferne aufgenommen wurde, um die unrealistischen Züge zu minimieren.

Klugerweise verhalten sich die italienischen Soldaten und Polizisten mit einem gewissen Realitätssinn, erkennen die Gefahren des Viehs und bestehen auf dessen Vernichtung. Es sind die US-Wissenschaftler, die ihren teuren und potenziell unschätzbaren extraterristischen Schatz bergen wollen, indem sie ihn einfangen, untersuchen und möglicherweise verwerten. Zum Ende hin beginnt der Film enttäuschend, "King Kong" zu spiegeln, nicht nur mit der gigantischen Größe der Kreatur, sondern auch mit einem schwindelerregenden Aufstieg und einem unvermeidlichen Sturz und versagenden Fesseln, obwohl dies zu einem lang erwarteten, altmodischen Titanen-Chaos mit einem sehr überzeugenden Stop-Motion-Elefanten führt, jede Menge panische Schaulustige, zerquetschte Fahrzeuge und militärische Macht, die hier zu den verlässlichen Wahrzeichen der Zerstörung zurückkehrt, insbesondere zum Kolosseum in Rom aus Ray Harryhausens früheren Sci-Fi-Werken "Das Grauen aus der Tiefe" und "Fliegende Untertassen greifen an". "Wir brauchen sofort Artillerie und Panzer!"

"Der Prinz und die Tänzerin" von Regisseur Laurence Olivier beginnt, die politischen Spannungen in Europa abzubauen. Die königliche Familie aus den Karpaten erhält eine Sonderbehandlung und einen persönlichen Verbindungsmann, den Beamten Northbrook (Richard Wattis), während ihres Aufenthalts in England. Der Großregent (oder Prinz) von Karpathia, Charles (Laurence Olivier), kommt zu einer Krönungszeremonie und wird zu der Show 'The Coconut Girl' mit Masie Springfield (Jean Kent) gebracht. Hier entdeckt er Elsie Marina (Marilyn Monroe), eine junge blonde Darstellerin und Ersatzbesetzung. Sie ist beileibe kein Star, aber der Regent erkennt ihre Fähigkeit, sich von der Masse abzuheben. Daraufhin wird sie in die Botschaft, in der er sich aufhält, zu einem privaten Abendessen für zwei Personen eingeladen. Elsie hat sich an das übliche stufenweise Umwerben von Männern gewöhnt und will das nicht akzeptieren. Aber nach drei oder vier Gläsern Wodka wird sie wesentlich gefügiger.

Marilyn Monroe ist die typische helläugige, strahlende, kokette, lebenslustige Verführernatur, die nur selten von ihrem einzigen reizvollen Charakter abweicht. Doch ohne sie wäre "Der Prinz und die Tänzerin" in Wahrheit stinklangweilig. Sie scheint sogar in den ruhigen Momenten zu leuchten, was vielleicht daran liegt, dass ihre eigentliche schauspielerische Leistung nur wenig Spektrum bietet. Dazu gehört auch, dass sie den gesamten, mehrere Tage umspannenden Film in immer demselben weißen Abendkleid verbringt. Laurence Olivier hingegen übertreibt es ein wenig mit seiner akzentlastigen Darbietung, die sich in eine stetige Wut verwandelt, während Königin Dowager (Sybil Thorndike) die humoristischsten Dialoge erhält. Die Vorgänge in der Show kommen mit wenigen Kulissen, Ortswechseln und Darstellern aus und verlassen sich weitgehend auf ein paar Szenen mit Slapstick, flirtigen Worten und der zaghaften Romanze der Hauptdarsteller, die geschickt hin und her wechselt, bis sie schließlich diejenige ist, die ihm Wodka in den Kopf schüttet und ihn auf das Sofa lockt.

In "Der Prinz und die Tänzerin" gibt es im Grunde keinen wirklichen Konflikt, auch wenn ein minutiös ausgearbeiteter Umsturzplan angedeutet wird. Der Einsatz des 16-jährigen Königs Nicolas (Jeremy Spenser), dem Sohn von Charles, zur Schaffung eines Liebesdreiecks ist besonders witzig, und der Einsatz eines Geigers und dann der ganzen Band ist einer der intelligentesten Gags des Films. Leider ist der Film ein wenig zu lang und das Ende, das eigentlich hoffnungsvoll sein sollte, ist relativ beunruhigend. Dennoch erhielt er fünf BAFTA-Nominierungen, darunter für den besten Film, den besten Schauspieler und die beste ausländische Schauspielerin. Interessanter als "Der Prinz und die Tänzerin" selbst sind vielleicht die Vorgänge hinter den Kulissen, die vor allem Laurence Oliviers Verärgerung über Marilyn Monroes exzentrische Art zu schauspielern und sich zu gebärden betreffen. Diese kontroversen Ereignisse bilden die Grundlage für den Film "My Week with Marilyn" aus dem Jahr 2011, in dem Michelle Williams die blonde Schönheit spielt (Rezension folgt).

In "Dinosaurier in New York" von Regisseur Eugène Lourié ist eine wissenschaftliche Expedition von höchster Priorität weit nördlich des Polarkreises im Gange. Auf dem vorderen Beobachtungsposten nähert sich ein Flugzeug, auf das Colonel John Evans (Kenneth Tobey) und Professor Tom Nesbitt (Paul Christian) gespannt warten. Ein unsichtbarer Sprecher zählt die Sekunden herunter, um zu ermitteln, ob die Mission gelungen oder gescheitert ist. Dann ertönt eine Explosion und ein Atompilz bildet sich, der Gletscher zum Einsturz bringt und Eis und Wasser über das karge Gelände schleudert.

Nach dem gewaltigen Ausbruch erscheint ein fremdes Objekt auf dem Radarschirm, das die Militärs beunruhigt. Aber womöglich haben sie ja gar nichts gesehen. Vielleicht war der Impuls nur eine Funktionsstörung. Dann macht sich ein Team mit Strahlungszählern auf den Weg zum Explosionsort. Zwei der Männer machen sich zu Fuß auf den Weg, während die beiden anderen die Nachricht von einem aufziehenden Schneesturm erhalten. Angesichts der eingeschränkten Sichtverhältnisse und der gefährlichen Eisklippen sind die Forscher und die Welt nicht auf das Erscheinen eines dinosaurierähnlichen Ungeheuers vorbereitet, das aus den Tiefen des Meeres aufgetaucht ist.

Die technischen Effekte von Ray Harryhausen ermöglichen es dem Stop-Motion-Biest, sich zwischen den Schauspielern zu bewegen, steif und unbeholfen, aber dennoch ansprechend - dies wäre seine erste anerkannte Beteiligung an der Kreaturenanimation. Seine Einführung in die Umgebung zu Beginn erinnert an "Das Ding aus einer anderen Welt" von Regisseur Howard Hawks und damit auch an John Carpenters "Das Ding aus einer anderen Welt", bevor es wie ein abenteuerlustiges Loch-Ness-Monster über den Atlantik nach New York wandert. Später unterbricht das überdimensionale Reptil echte Aufnahmen eines Hais, der einen Oktopus frisst, in einer unvermeidlich urkomischen Zwischensequenz.

Weitere Charaktere tauchen auf, vor allem, um Rollen zu schaffen, die mit Nesbitts Entdeckung sympathisieren, darunter der führende Paläontologe Dr. Thurgood Elson (Cecil Kellaway) und seine Assistentin Lee Hunter (Paula Raymond), die praktischerweise auch als verfügbares Liebesinteresse dient. Leider wird so viel Zeit für romantisches Geschmachte verwendet, dass sogar ein Ballett besucht wird und weitere Personen auftreten, so dass das prähistorische Ungetüm einen großen Teil von "Dinosaurier in New York" unsichtbar bleibt. Das ist eine Schande, wenn man überlegt, dass seine terrorisierenden Eskapaden das Alleinstellungsmerkmal und der unterhaltsamste Bestandteil der B-Movie-Erzählung sind, die lose auf einem Ray Bradbury-Stoff basiert. "Vielleicht werde ich alt."

Als die Kreatur unweigerlich in der Nähe der Wall Street an Land klettert, um in New York City selbst Verwüstung anzurichten, ist das ein Heidenspaß. Der zerstörerische Ausklang, in dem die Menschheit für ihren Leichtsinn bei atomaren Experimenten verheerend büßen muss, ist temporeich und gravierend. Sogar die Komplikation des verseuchten Blutes des Dinosauriers ist interessant, zumal sie mit dem realistischen Szenario einer Strahlenvergiftung in Resonanz steht. Der Scharfschütze der Armee, der eine radioaktive Isotopenwaffe einsetzen soll, ist ein sehr junger, aber noch einigermaßen wiedererkennbarer Lee Van Cleef. Und seine Fortbewegungsmethode ist ein Achterbahnwagen, als ob er die Idee bekräftigen wollte, dass der Kampf gegen Ray Harryhausens kolossale Abnormität, technisch gesehen eine Achterbahnfahrt für sich ist.

Bester Film:
1. Animal Farm - Aufstand der Tiere
2. Die sieben Samurai
3. Die zwölf Geschworenen
4. Moby Dick
5. The Sun in the Last Days of the Shogunate
6. Der Untertan
7. Die unglaubliche Geschichte des Mister C.

Bester männlicher Darsteller:
1. Frankie Sakai - The Sun in the Last Days of the Shogunate
2. Heinz Rühmann - Es geschah am hellichten Tag
3. Werner Peters - Der Untertan
4. Humphrey Bogart - African Queen
5. Sidney Poitier - Flucht in Ketten

Beste weibliche Darstellerin:
1. Katharine Hepburn - African Queen
2. Tatjana Samoilowa - Wenn die Kraniche ziehen
3. Gloria Swanson - Sunset Boulevard - Boulevard der Dämmerung
4. Jeanne Moreau - Die Liebenden
5. Kim Novak - Vertigo - Aus dem Reich der Toten

Beste Musik:
1. Der unsichtbare Dritte
2. Manche mögens Heiß
3. Quo Vadis
4. Die sieben Samurai
5. Die zehn Gebote

Lieblings-Star:
1. Tony Curtis
2. Toshirô Mifune
3. James Steward
4. Marlene Dietrich
5. Grace Kelly

Lieblings-Regisseur:
1. Alfred Hitchcock
2. Akira Kurosawa
3. Stanley Kubrick

In "Die Hand" von Regisseur Oliver Stone beendet der Comiczeichner Jonathan Lansdale (Michael Caine) eine weitere Seite in seinem hellen, mit vielen Fenstern versehenen Atelier in der Landschaft von Vermont, das an das Haus angrenzt, in dem seine gelangweilte Frau Anne (Andrea Marcovicci) Yoga-Übungen betreibt. Die beiden haben einige Probleme in ihrer Ehe, die dadurch verschärft werden, dass Anne mit ihrer Tochter Lizzie (Mara Hobel) getrennt nach New York ziehen möchte. Als das Paar eine Autofahrt unternimmt, die in einen weiteren Streit über eine Wohnung in der Stadt ausartet, versucht Anne wütend, einen Lastwagen zu überholen, was zu einem irren Autounfall führt, bei dem Jonathans Hand abgetrennt wird.

Kurze Zeit später versucht Jonathan, mit dem Verlust seines Körperteils zurechtzukommen, aber die Phantomgefühle der Nervenenden, die die fehlenden Gliedmaßen nicht so leicht vergessen können, sowie die Verbitterung gegenüber seiner Frau und die spürbaren Auswirkungen auf seine künstlerische Karriere belasten seine Genesung schwer. Es ist auch nicht hilfreich, dass seine Hand nie gefunden wurde und dass der abgerissene, verwesende Vorderfuß herumhuschen könnte, wild entschlossen, mörderisch zuzuschlagen. "Mami wollte sie suchen ... aber sie ist weggelaufen."

Trotz der grotesken Sci-Fi-Horror-Handlung bringen die Darsteller eine bemerkenswerte Ernsthaftigkeit in das Geschehen ein, die zweifelsohne die Wirkkraft erhöht. Michael Caine ist richtig famos und spielt die Rolle mit großem Eifer, auch wenn er der Darstellung vielleicht mit einer gehörigen Portion Skepsis hätte begegnen können. Die Unbeholfenheit der Handkamera ist zwar zu erwarten, und die verschiedenen Handrequisiten selbst sind eher putzig und offensichtlich unecht als beängstigend, aber alle gehen mit den verstörenden Bildern aufrichtig um. Dazu gehört auch, dass die Musik von James Horner angemessen unheilvoll ist.

Vielleicht ist es die beste Strategie von "Die Hand" sich vor allem auf psychologischen Horror zu fokussieren und nicht auf klischeehaften Monsterfilm-Thrill, auch wenn sich ein paar davon in den Film drängen, oft mit Hilfe von cleveren Kameratricks. Schwarz-Weiß-Sequenzen werden für pseudozentrische Handkontroll-Attacken verwendet, die den Zusammenhang zwischen physischen Traumata und dem Unterbewusstsein sowie den geistigen Umgang mit Trauer, Schuldgefühlen und Verbitterung thematisieren. Das ergibt freilich nicht alles einen Sinn, aber das Bestreben, Jonathan Lansdales andersartige Bindung an sein todbringendes Äquivalent zu erklären, ist anerkennenswert. Auch niedrigere, halluzinatorische Jump-Scares finden sich, aber sie sind bizarr gestaltet und begünstigen die Makaberkeit. "Mit Stromausfällen ist nicht zu spaßen."

Die Richtung, in die sich die Familie auflöst, ist etwas unbefriedigend und unbequem sowie realistisch umstritten, aber sie untermauert die seelischen Qualen, die die Hauptfigur umtreiben. Die Verquickung von Realitäten und Jonathans nachlassender Beherrschung mit der Einbildung ist ziemlich einnehmend und erzeugt neben dem Gruselfaktor auch so etwas wie ein Mysterium, da die Hand das Interesse ihres Meisters wecken kann. Regisseur Oliver Stone, der in seinem erst zweiten Spielfilm ein Buch mit dem ominösen Titel "The Lizard's Tail" (Der Schwanz der Eidechse) verfilmt hat, möchte das Publikum nicht nur durch die erschreckenden Bilder eines einzelnen abgerissenen Extremitäten verstören. Es geht um die Entstehung und den katastrophalen Verfall eines umnachteten Serienkillers. Das Finale kehrt zu den Tropiken des Horrorgenres zurück, doch ist das Endresultat insgesamt betrachtet doch unvermutet erfrischend. "Man weiß nie, was man tun kann. Das Unterbewusstsein ist zu allem fähig."

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

"Komm, komm, komm Georgie-Boy!" Dieser Kommentar ist für Static, den er sich zu seinem und meinem ewigen Lieblingsfilm das brillante Meisterwerk "Uhrwerk Orange" von einem der wichtigsten Regisseure aller Zeiten gewünscht hat: Stanley Kubrick. Ein paar Moloko Plus standen bei der Sichtung natürlich auch zur Verfügung ohne Synthemese oder Drencrom. "Mir wird schlecht! Ich muss kotzen! Gebt mir was, damit ich kotzen kann…"

Es ist einer der schockierendsten, abstoßendsten, skandalösesten und zugleich fantasievollsten Filme, die je gemacht wurden. Stanley Kubricks "Uhrwerk Orange" erweckt die Fiebernovelle von Anthony Burgess auf so treffende und visuell bestechende Weise zum Leben, dass dieser zeitgenössische Klassiker von 1971 für den Oscar für den besten Film nominiert wurde, obwohl er bei seiner ersten Veröffentlichung in den USA mit einem umstrittenen "X"-Rating versehen war. "Uhrwerk Orange" enthält einen polemischen, nachdenklich stimmenden Kommentar zur dominierenden Nutzung von Verhaltenspsychologie und Konditionierung durch die Regierung sowie eine Untersuchung der Unmoral als Ausdrucksfreiheit mit unvergesslichem Science-Fiction-Schwung.

Es ist ein fast undefinierbares, aber beängstigend nicht allzu fernes, futuristisches Großbritannien, in dem lokale Gangs die Straßen beherrschen, während sie mit Drogen versetzte Vellocet-Milch schlucken und nach wahnsinniger Unterhaltung suchen. Alex DeLarge (Malcolm McDowell) ist der Anführer seiner "Droogs", die sich die Zeit damit vertreibt, Obdachlose zu verprügeln, sich mit anderen Rowdys zu duellieren und in Häuser einzubrechen, um zu stehlen und zu vergewaltigen - eine Freizeitbeschäftigung, die als "Ultrabrutale" bekannt ist. Nach einem solchen anarchischen Chaos verraten Alex' Droogs ihn, woraufhin er von der Polizei festgenommen wird. Er hat die Möglichkeit, sich einer Reihe von Untersuchungstests und einem psychologischen Korrekturexperiment, der so genannten Ludovico-Behandlung, zu unterziehen, um seine Boshaftigkeit zu heilen. Wenn er freigelassen wird, hindert ihn die erfolgreiche Gehirnwäsche effektiv daran, Entscheidungen zu treffen und seinen freien Willen einzusetzen. In seinem neuen schwachen Zustand ist er der Gnade derer ausgeliefert, denen er in seinen Tagen des kriminellen Terrors Unrecht getan hat.

Ein erschreckendes Maß an Nacktheit, Grausamkeit und beunruhigenden Situationen, die jedoch nach heutigen Standards nicht unzumutbar sind, machen "Uhrwerk Orange" zu einem anstrengenden, aber dennoch sehr lohnenswerten Film. Die Aggressionen sind wohl notwendig, um ein lebendiges Bild von aktueller Relevanz zu zeichnen, denn sie stehen in einem parallelen Kontext zu den Qualen, die Alex selbst für seine Schandtaten erleiden muss. Er entscheidet sich wissentlich für Gewalt als rebellischen Akt gegen den Konformismus und zieht dessen Übel dem der kulturellen Trägheit vor. Eine fast opernhafte Musikbegleitung mit schmetterndem Beethoven untermalt fast jede Handlung und schafft einen unbeschwerten elisabethanischen Klang, der die gezeigte Vulgarität gewagt verstärkt. Der Soundtrack ist perfekt auf jede Szene abgestimmt und hat einen hohen Wiedererkennungseffekt.

Ein weiterer eindrucksvoll übersetzter Bestandteil ist die fiktionale Sprache "Nadsat", die von allen Jugendlichen verwendet wird. Obwohl es sich um eine merkwürdige Mischung aus Russisch, Englisch, Idiomen und gereimtem Cockney-Slang und Abwandlungen dieses Jargons handelt, erzählt Alex in dieser Sprache, und trotz der zahlreichen ungewohnten und fremdartigen Ausdrücke können die Rezipienten sie dennoch problemlos verstehen. Der Dialekt ist eine brillante Verschmelzung von zweischneidigen Wörtern und humorvollen Adjektiven, die zwar im Buch viel komplexer sind, hier aber präzise eingesetzt werden.

Wie viele Produktionen, die ihrer Zeit voraus sind, verfügt auch "Uhrwerk Orange" über eine Reihe einzigartiger, einprägsamer und ehrfurchtgebietender Kunstmomente: Alex ist an einen Stuhl gefesselt, dessen Metallzangen ihm die Augen öffnen; Ein Schwenk in Richtung der Gruppe von Droogs, die in sich versunken herumlungern und saufen; Eine temperamentvolle Frau wird von einer phallischen Skulptur erschlagen; Und eine Zeitlupensequenz, in der Alex Georgie (James Marcus) in einen Kanal stößt und die ausgestreckte Hand von Dim (Warren Clarke) anmutig durch ein glitzerndes Messer ersetzt. Hinzu kommen Make-up und Kostüme, die den Bowler-Hut auf makabre Weise unsterblich machten, mit Schamkapseln, blutigen Augäpfeln, die die Ärmel der weißen Uniformen zieren, und dichten falschen Wimpern auf dem unteren Lid einer einzigen Augenhöhle. Der gesamte Look des Films ist so ausgefallen, dass Worte ihm kaum mehr genügen.

"Uhrwerk Orange" ist eine unglaubliche Reise in das glutvolle Genie von Stanley Kubrick und eine meisterhafte Interpretation eines umstrittenen, aber bedeutenden Werks, das oft als unverfilmbar galt. Als Moralstück, in dem es um die Freiheit der Wahl und den Einfluss des Staates auf das Leben der Bürger geht, sind die Themen heute noch genauso aktuell und die Figuren und Haltungen nicht weniger pointiert. Äußerlich mag es sich um Science-Fiction handeln, aber im Kern ist es bissige Satire und erlesende filmische Exquisitität.

"Fifty Shades of Grey 3 - Befreite Lust" von Regisseur James Foley beginnt mit einer Hochzeit, was bedeutet, dass es im vorherigen Kapitel einen Antrag gegeben haben muss. Die Details sind ein wenig schwierig zu sortieren, da die Zeit zwischen den einzelnen Theaterwerken und die Ähnlichkeiten mit anderen seriellen Fantasy-Dramen eine verständliche Verblödung zulassen. Hier ähnelt der pompöse Empfang dem ersten von vielen musikvideoartigen Arrangements. Hoher Reichtum kann alles und jeden zumindest vorübergehend attraktiv und aufregend erscheinen lassen.

"Das gehört dir?", plärrt Anastasia Steele (Dakota Johnson), als sie in den Privatjet von Christian Grey (Jamie Dornan) getragen wird, als wäre es eine Schwelle, die er mit seiner neuen Gemahlin überschreiten muss. Anscheinend hat sie sich nicht die Mühe gegeben, seinen Reichtum oder seine verschiedenen Besitztümer vollständig zu erfassen. Aber so ist das nun einmal mit den turbulenten Romanzen, die Filme wie dieser dem Verbraucher vorgaukeln wollen. "Wir brauchen Sicherheit", sagt Christian Grey in den Flitterwochen am französischen Paloma-Strand, worauf Anastasia entgegnet: "Warum?" Wieder einmal scheint es, als hätte sie sich nie die Zeit genommen, die richtigen Fragen zu seinem Ruhm und Reichtum zu stellen. In der Zwischenzeit bricht eine zwielichtige Gestalt in den Hauptserverraum von 'Grey Enterprises' ein, so etwas wie die Residenz von Batman, stiehlt persönliche Daten und setzt die Einrichtungen in Brand, um seine Spuren zu verwischen.

Das neue Leben der Greys besteht praktisch aus ununterbrochenen Urlauben an exotischen Orten, wobei ihre Entspannung gelegentlich durch spontanen Sex unterbrochen wird, der stets mit Handschellen und Reitgerten unterstützt wird. Kurioserweise ist dieser letzte Teil der "Fifty Shades"-Reihe der am wenigsten grafische der drei Filme. Aus der reichhaltigen Nacktheit und den Ausschweifungen taucht Anastasia Steeles hoffnungslos verdummte Persönlichkeit hervor, doch Dakota Johnson ist dafür zu würdigen, dass sie ihrem hohlköpfigen Neophyten eine angemessene Sympathie verleiht. Ihre Kollegen bei 'Seattle Independent Publishing' glauben, dass sie eher wegen ihrer Verbindungen als wegen ihres Talents befördert wurde, und die Erzählung lässt nichts anderes vermuten, aber sie ist dennoch überzeugend als teils naives, teils hartnäckiges, stetig reifendes Mädchen, das hofft, ihren neuen Ehemann zu einem geeigneten Partner zu formen. Es ist nicht überraschend, wenn das Gerede über ein Baby zu leichtem Hohn führt, zumal es sich um eine weitere wichtige Komponente der Ehe handelt, die völlig unerwähnt blieb.

Während das Bild von einem Audi-Werbespot, der als Verfolgungsjagd dient, zu einem Jet-Set-Tagtraum und wieder zurück zu einem Werbespot für Audi wechselt, gibt es anständigen Humor, weitere verborgene Geheimnisse, einen Hauch von Konflikten und Ehestreitigkeiten zu beobachten. Diese Interaktionen machen tendenziell klar, dass dieses Paar kaum mehr ist als verwöhnte Gören, die nicht auf die Realitäten einer erwachsenen Partnerschaft vorbereitet sind. Sie finden jedoch Zeit, sich gegenseitig die Augen zu verdrehen und nichts zu ernst zu nehmen, was sowohl für die Figuren als auch für die Erzählweise gut ist, da es die überdramatischen, höchst unrealistischen Szenarien viel angenehmer macht.

Der Plot erfindet abgegriffene Zwangslagen für einen filmreifen Prickler, der den Softcore-Beischlaf kompensiert, aber es ist kaum zu übersehen, wie lange es dauert, bis ein einfacher Hintergrund-Check eines alten Chefs durchgeführt wird, wie groß der Spalt unter der Tür des "Spielzimmers" ist, der die samtige Schallisolierung zunichte macht, und wie unerklärlich die Mittel und Fähigkeiten von Jack Hyde (Eric Johnson) sind, als ob er ein Geheimagent wäre. Wenn es richtig komisch wird, ist "Fifty Shades of Grey 3 - Befreite Lust" in seiner Schlechtheit immer noch sehenswert. Eigenartig und unverzeihlich ist, dass die beiden interessantesten Teile des Grey-Puzzles am Ende dieses die Trilogie abschließenden Melodramas völlig ungelöst bleiben. Es scheint, als wären alle BDSM-Komplexe von Christian Grey unbedeutend neben den unbeschränkten finanziellen Mitteln, die abenteuerliche Ausflüge quer durchs Land und ins Ausland ermöglichen.

Die Eröffnungsbilder von "Fifty Shades of Grey 2 - Gefährliche Liebe" von Regisseur James Foley deuten zunächst Christian Greys merkwürdige Vergangenheit an, aber sie sind so flüchtig, dass sich die wirklichen Auswirkungen seiner Erziehung auf seine perverse Präsenz noch nicht genau definieren lassen. Zumindest wird er aber definitiv als Sadist bezeichnet und nicht als eine sexuell dominante Person, die auf der Suche nach einer unterwürfigen Gefährtin ist. Das einzig Interessante an diesem schlecht geschriebenen, unangenehm dämlichen Franchise ist die Frage nach dem Ursprung seiner Eigenarten oder nach den physischen und psychologischen Faktoren, die ihn dazu brachten, den Schmerz anderer zur persönlichen Befriedigung zu fordern. Leider bleiben die Antworten wieder einmal weit entfernt oder gar nicht vorhanden, stattdessen werden Sexszenen gezeigt, die in weitere Sexszenen übergehen und papierdünne Charaktere mit attraktiven Körpern präsentieren.

Im weiteren Verlauf der Handlung hält sich Anastasia Steele (Dakota Johnson) von ihrem ehemaligen Liebhaber, dem Milliardär Christian Grey (Jamie Dornan), fern, nachdem dieser zuvor sein rotes Zimmer voller Peitschen und Fesselungsvorrichtungen offenbart hat. Anastasia arbeitet wieder in einem Verlag, und ihr neuer Chef Jack Hyde (Eric Johnson) ist ein auffällig verfügbarer, potenzieller Verehrer. Doch Christian Grey kann sie nicht gehen lassen. Als sein Freund Jose (Victor Rasuk) eine Fotoausstellung mit Anastasia Steele als einzigem Motiv organisiert, kauft der Milliardär jedes Stück, da er es nicht erträgt, wenn jemand anderes auf seine Beute starrt. Er konfrontiert die junge Frau auf unheimliche, aber erwartungsgemäße und unnachgiebige Weise und weigert sich, ein "Nein" als Antwort zu akzeptieren. Mit seinen unvergleichlich potenten, magischen Worten "Geh mit mir essen" holt Christian Grey Anastasia Steele zurück in sein Leben.

Obwohl Christian Grey den Eindruck erweckt, dass er seine Abhängigkeit von BDSM verringert, fällt es Anastasia Steele und dem Auditorium schwer zu glauben, dass jemand, der so sehr in dieser besonderen Welt der Dominanz und Unterwerfung verhaftet ist, sich jemals wirklich davon lösen könnte. In mehreren dieser ersten Gespräche wird ersichtlich, wie leicht der Sadismus das Blutbedürfnis eines Vampirs ersetzen kann. Und auch wenn sie sich seinen Annäherungsversuchen nur zaghaft widersetzt, ist es offensichtlich, dass die Kombination und Abwechslung von unbegrenztem Reichtum und festen Muskeln ausreicht, um alle ihre Überzeugungen gegen die seichte Wirklichkeit zu unterdrücken.

Es gibt ein bisschen Melodrama, um Konflikte zu schüren, denn es kann nicht nur um Sex und keine Probleme gehen, in Form der hoffnungslos geschädigten unterwürfigen Leila Williams (Bella Heathcote) und der gefährlich eifersüchtigen Elena Lincoln (Kim Basinger), aber die bemerkenswerteste Abweichung ist Jack Hyde, dessen Charakter frappierend verschwendet wird. Anstatt eine vernünftige Dreiecksbeziehung zu inszenieren, in der Anastasia Steele die Pervertierungen von Christian Grey gegen die Normalität eines gleichwertigen, ebenso erfolgreichen, gut aussehenden und leistungsfähigen Mannes abwägen muss, wird Jack Hyde in einen unsinnigen, verachtenswerten Antagonisten verwandelt. Außerdem ist es schwierig, mit jemandem zu konkurrieren, der die Arbeitgeber der Konkurrenten aufkaufen und das berufliche und soziale Leben manipulieren kann.

Um die Beziehung, die Anastasia Steele dankenswerterweise an einer Stelle mit dem Besitz vergleicht, noch weiter zu entwerten, wiederholt Christian Grey, dass er alle 15 Minuten 24.000 Dollar verdient, was zweifellos dazu beiträgt, seine Zielperson aus den Socken zu hauen. Das ist beeindruckend für jemanden, der mit einem "Riddick - Chroniken eines Kriegers"-Poster an seiner Schlafzimmerwand aufgewachsen ist. Für ihn besteht die Kunst der Verführung aus Geld, dann aus krummen Bauchmuskeln und schließlich aus noch mehr Geld. Der Betrachter bekommt Jamie Dornan ziemlich oft ohne Hemd zu sehen, die erste Sexszene kommt in knapp 30 Minuten, was angesichts des Materials eine humorvoll strapaziöse Vorfreude ist, während Dakota Johnson häufiger nackt zu sehen ist, was das Zielpublikum vielleicht weniger interessiert. Da die Autorin E.L. James irgendwann einmal "Geschichte der O - Untold Pleasures" oder "Eyes Wide Shut" gesehen haben muss, gibt es auch einen Maskenball, der, so ereignislos er auch ist, das größte Spektakel in "Fifty Shades of Grey 2 - Gefährliche Liebe" sein könnte. Aber Anastasia Steele wird sich in ihrem neuen Leben wahrscheinlich schnell langweilen, da sie zum ersten Mal an einer solchen Kostümparty teilnimmt, während sie gleichzeitig Metallkugeln in ihrer Vagina beherbergt.

Der Rest von "Fifty Shades of Grey 2 - Gefährliche Liebe" besteht größtenteils aus Urlaub und den Aktivitäten, die das Vermögen eines Milliardärs zulässt, unterbrochen von gelegentlichen Streitereien, Absprachen oder Feiern, die jeweils in Sex übergehen, als ob jede Interaktion emotional identisch wäre. Anastasia wandert wieder in den roten Raum und wird immer neugieriger, je mehr sie sich darum bemüht, ihren Mann zu behalten. Das einzig Wirksame an dem Ganzen ist Dakota Johnsons kontinuierlicher Kampf mit dem Lachzwang. Es ist durchaus glaubhaft, dass die Schauspielerin sich jedes Mal ein schallendes Gelächter verkneifen musste, wenn ein leicht unanständiger Geschlechtsakt vorgeschlagen wurde. Beängstigend ist, dass "Fifty Shades of Grey 2 - Gefährliche Liebe" in dem Maße, in dem sie in Christian Greys Kaninchenbau voller Abartigkeiten hinabsteigt, einer Blaupause für die Gestaltung einer Frau ähnelt, die völlig gestrandet, hilflos und ihrem Triebtäter ausgeliefert ist, wenn er ihrer überdrüssig wird und droht, sie zu verlassen. Oder vielleicht hat sie Glück, denn es wird angedeutet, dass sie während einer 45-sekündigen Fahrstuhlfahrt nur mit Hilfe von Christian Greys rechter Hand zum Orgasmus kommen kann. Zum Glück geht am Ende alles gut aus, denn bizarre oder geradezu schädliche sexuelle Neigungen lassen sich nicht mit extremem Wohlstand und muskulöser Ausprägung in Einklang bringen.

In "Fifty Shades of Grey" von Regisseurin Sam Taylor-Johnson begibt sich eine frivol gekleidete Anastasia Steele (Dakota Johnson), die mit einem Notendurchschnitt von 4,0 und englischer Literaturromantik auftrumpft, zum Grey House in Seattle, um ein Interview mit dem reichen Telekommunikationsmagnaten Christian Grey (Jamie Dornan) zu führen. Sie springt für ihre kranke Mitbewohnerin Kate (Eloise Mumford) ein, die eine Reihe hoffnungslos uninteressanter Fragestellungen vorbereitet hat, die Anastasias Unvorbereitetheit, ihre Tapsigkeit und ihr nervöses Verhalten nur noch verstärken. Dennoch ist der unterkühlte, gefasste, intensive Christian Grey von der jungen Frau fasziniert, ebenso wie sie selbst sofort in ihn vernarrt ist.

Am nächsten Tag überrascht Christian Grey Anastasia Steele bei ihrem Job als Verkäuferin in einem Eisenwarenladen. Damit beginnt eine Reihe von Flirts und Interaktionen, die zu wiederholten Besuchen in seinem luxuriösen Apartment führen. Dort offenbart sie ihre Unerfahrenheit im Umgang mit Männern und er spielt auf seine eigenen obskuren Geheimnisse an, nämlich Peitschen und Ketten. Eine der Regeln von Dominanz und Unterwerfung ist zwar die einvernehmliche Teilnahme, aber "Fifty Shades of Grey" bricht sofort seine eigenen Prinzipien, indem Christian Grey versucht, Anastasia Steele in eine Rolle zu zwingen, in der sie sich nicht wohlfühlt, und umgekehrt, da sie hofft, seine extremen sexuellen Vorlieben für die üblichen Umwerbungsgewohnheiten eines Abendessens und eines Films zu verjüngen. Die fehlende Chemie zwischen den beiden scheint zu einer Romanze zu passen, die eine fleischliche Novizin und einen gefühlsgestörten Roboter verbindet.

Bei all der Werbung und dem Hype ist es schwierig, die Hauptattraktion von "Fifty Shades of Grey", also die sadomasochistischen Tändeleien und die angedeutete überbordende Erotik sowie die vielen grafischen Nacktszenen, völlig aus den Augen zu verlieren. Bondage ist sicherlich kein Thema, das regelmäßig im Mainstream-Kino vorkommt. In den Dialogen werden häufig Andeutungen über Christian Greys ungewöhnliche Vorlieben gemacht, die bei Kennern der Materie für manchen Lacher sorgen werden. "Du bist der totale Serienkiller", scherzt Anastasia, während Christian Grey Kabelbinder, Klebeband und Seile kauft, also Werkzeuge für sein einzigartiges Spielzimmer. Wäre die Publicity um "Fifty Shades of Grey" nicht gewesen, hätte der erste Akt eine typische romantische Teenie-Komödie werden können.

Leider ähneln die Koketterien dem Geplänkel von Bella und Edward, was nicht verwunderlich ist, wenn man bedenkt, dass das Projekt als "Twilight"-Fanfiction entstanden ist. Die Ähnlichkeiten hören jedoch dort auf, wo die traumhafte Romanze, die etwas von einem aggressiveren "Pretty Woman" hat, sich von alltäglichen "Cinderella"-Träumereien in "Geschichte der O - Untold Pleasures" oder die vielen "Emmanuelle"-Filme und ihre urheberrechtsumgehenden Derivate von Laura Gemser verirrt (Emanuelle ohne 'm'). "Ich habe mit Romantik nichts am Hut", betont Christian Grey, wenngleich er dazu neigt, Anastasia Steele vor ihrer eigenen Trunkenheit zu retten oder sie auf abenteuerliche Dates mitzunehmen. Später treibt auch die Erwähnung von Genitalklemmen und Analfisting einen Keil zwischen die juvenilen Provenienzen.

Unter einer besonders wohlfeilen Prämisse ist der Hauptdarsteller ein Milliardär, der in der Lage ist, Hubschrauberflüge, schicke Autos und opulente Behausungen anzubieten. Dies vernebelt Anastasia Steeles Motive, da der Zuschauer nie sicher sein kann, inwieweit der unerschöpfliche Reichtum ihre Optionen beeinflusst. Die Versuchung zur Promiskuität geht über in eine Verlockung der wirtschaftlichen Perspektiven. Christian Grey hat auch viel Zeit, um das ganze Wochenende lang Geschlechtsverkehr zu haben. Um das Gleichgewicht zu halten, werden kleine humanistische Häppchen eingeworfen, wie eine neugierige Mutter und Geschwister, sowie eine kurze Geschichte über die Ursache von Christian Greys sexueller Normabweichung, die einen Eindruck von den wenig interessanten psychologischen Metamorphosen und den Manifestationen des Missbrauchs vermittelt - die Gründe für BDSM sind vermutlich die ergreifendsten Merkmale des Verhaltensmusters.

Die Vorstellung von Verantwortungslosigkeit und von Entscheidungsfreiheit ist relativ pikant, aber die Idee von Schmerz als Vergnügen ist außerhalb der filmischen Welt der Zenobiten aus "Hellraiser" schwer zu akzeptieren. Zumindest wird in "Fifty Shades of Grey" die Verwendung von Kondomen deutlich gemacht. Aber unabhängig von der Thematik oder dem Plunder, der die originellen Charakterdesigns ersetzt, ist der unverzeihlichste Gesichtspunkt das Ende des Films. Da es sich um den ersten Teil einer Trilogie handelt (Rezensionen folgen), ist "Fifty Shades of Grey" nicht einmal ansatzweise eine vollständige Geschichte. Dieses gesamte erste Kapitel ist nur die Einleitung, die zu etwas führt, das weit weniger als ein adäquater Film ist.

In "Ghoulies" von Regisseur Luca Bercovici soll bei einem satanischen Ritual, das von dem grün leuchtenden, mit einem Messer bestückten Malcolm Graves (Michael Des Barres) und seinen weiß gekleideten Anhängern geleitet wird, ein Baby geopfert werden. Doch die Mutter des Kindes greift in letzter Sekunde ein, so dass das Kleinkind von dem Teilnehmer Wolfgang (Jack Nance) gerettet werden kann, der schwört, die Identität und Geschichte des Jungen geheim zu halten. Der inzwischen erwachsene Jonathan Graves (Peter Liapis) und seine Freundin Rebecca (Lisa Pelikan) kehren in das alte, knarrende und heruntergekommene Herrenhaus zurück, in dem der Luzifer-Ritus einst stattfand. Wolfgang arbeitet jetzt als Platzwart und schweigt immer noch über die okkulten Ereignisse, die sich auf dem Gelände abgespielt haben.

Jonathan und Rebecca beschließen, eine Party mit Dutzenden von Freunden zu veranstalten, um das Haus zu beleben. Als die Feierlichkeiten und die Energie nachlassen, schlägt Jonathan vor, ein dämonisches Ritual durchzuführen, um einen Geist zu beschwören. Niemand stellt sich die Frage, warum sie eine so merkwürdige Absicht haben oder warum so viele Skizzenbücher mit Pentagrammen und satanischen Bildern überall auf dem Grundstück herumliegen. Keiner scheint wirklich besorgt darüber zu sein, dass Robin (Charene Cathleen) auf unerklärliche Weise verschwindet, während sich alle im Keller versammeln, um den Ablauf zu verfolgen. Später taucht sie draußen auf, bietet aber keine Erklärung für ihren körperlichen Wandel. Am nächsten Tag ist Jonathan wie besessen davon, die in den Büchern dargestellten Höllenübungen nachzumachen und das große Haus zu renovieren, und erzählt Rebecca, dass er die Schule verlässt, um das Anwesen in Ordnung zu bringen. Außerdem schmiedet er einen Talisman zu Rebeccas Schutz, beginnt zu fasten, setzt seine Studien der schwarzen Magie fort und beschwört schließlich eine Schar kleiner, böser Ghule herauf, die zum Entsetzen seiner Freundin seine Wünsche erfüllen sollen.

Während der Film kaum mehr als eine Abwandlung von "Gremlins" ist, hat "Ghoulies" einen düsteren, dunkleren Ton, der sich nicht verschiebt. Es ist routinemäßig ernst, außer dass das ständige sinnlose Gemurmel, das Geschrei und die undefinierten Kräfte des besessenen Jonathan trotz der kurzen Laufzeit abwechselnd langweilig und grob untererklärt sind. Die Monster selbst sind gummiartige Puppen, die alles andere als niedlich sind, dafür aber eine befremdliche Hässlichkeit an den Tag legen, die von ganzem Herzen lachhaft ist. Viele Szenen mit den Ghoulies sind ausgelassen und ungewollt drollig. Die Spezialeffekte sind veraltet, aber nutzbringend, mit Kreaturendesigns und Effekten von mechanischen und visuellen Künstlern, unterstützt durch anständige Kostüme, Visagen und Garnituren. Gegen all die lohnenswerten Elemente setzt "Ghoulies" jedoch banale, schnöde Dialoge und abgestandene Darsteller ein.

Da Charles Band als ausführender Produzent fungierte, hatte "Ghoulies" nie eine ausreichende Chance, über die flapsige B-Movie-Atmosphäre hinauszuwachsen, die sich durch alle seine Produkte zieht. Wolfgang kommentiert an den denkbar ungünstigsten Stellen und völlig überflüssigerweise Begriffe, die auf dem Bildschirm deutlich zu erkennen sind. Und eine junge Mariska Hargitay, die aus "Law and Order: Special Victims Unit" bekannt ist, hat eine kurze Funktion als Donna, eine Partylöwin, die eine Partie Trivial Pursuit vorschlägt, bevor die winzig kleinen, zähnefletschenden Geschöpfe aus dem Jenseits herbeigerufen werden. Letztendlich gibt es keine heldenhaften Protagonisten, keine verwerflichen Superschurken und keine großen emotionalen Gefühle, sondern nur ein paar wenig denkwürdige Gewaltszenen mit untoten Wesen und einige absolut idiotische Einfälle, wie eine dicke, mit Krallen versehene Reptilienhand, die aus dem Schlund eines Clowns austritt und grünen Glibber verspritzt.

Jeder, der mit dem Werk des Schriftstellers Tucker Max vertraut ist, kann sich denken, dass "I Hope They Serve Beer in Hell" des Regisseurs Bob Gosse mit ununterbrochenen vulgären Äußerungen ausgestattet ist. Das wahre Leben und der Humor kommen zum Vorschein, wenn auch die moralische Komponente bei solch entsetzlichen Handlungen einen unwahrscheinlichen Märchencharakter hat und das Gelächter von Abscheu und Schock herrührt. Doch wer sich von solch bissigen Possen unterhalten lassen will, wird in den Geschichten von Tucker Max fündig. Das weibliche Publikum sollte gewarnt werden, dass sexistisches und frauenfeindliches Verhalten eher geduldet als verurteilt wird. In der Welt von Tucker Max sind nicht nur die netten Jungs die Letzten, sondern auch der verachtenswerteste Anteil bekommt die Mädchen und rettet den Tag.

Es ist wie "Jackass" ohne die Stunts, was bedeutet, dass es laut, unausstehlich und abrasiv ist, aber es fehlt eine einzigartige Perspektive. Was an der vignettenartigen Vorlage innovativ war, wird auf der großen Leinwand nicht umgesetzt. Stattdessen werden die witzigsten Stellen zu einem Road-Trip-Movie zusammengeschustert, das nur so vor Konstruiertheit stinkt. Es gibt zwar unbestreitbar einige kreative Freiheiten in der Wahrheit, aber zu viel davon wurde schon einmal gemacht. Wie in "Hangover". Mit nur einem wirklich empörenden, ekelerregenden Gag wird "I Hope They Serve Beer in Hell" wahrscheinlich nur für diese eine Szene wiedererkannt werden.

Im Vorspann steht: "Basierend auf einer wahren Geschichte... Leider". Was folgt, ist ein ausgesprochen herber und bitterer Geschmack, vor allem dann, wenn Tucker Max' (Matt Czuchry) anfängliche Schlagfertigkeit, Aufmerksamkeit und Intelligenz einem Amüsement weichen, das auf der Zerstörung des Selbstwertgefühls und der Besonnenheit anderer beruht. Ein paar seiner Metaphern sind nicht ganz so abweisend, aber die einfachsten Lachnummern sind Abwehrmechanismen, die sich über Frauen, ihre nervigen Persönlichkeiten und andere unerwünschte Verhaltensweisen lustig machen, um seine Freunde zu beeindrucken. Was vielleicht noch schlimmer ist: Die Damenwelt liebt ihn, auch wenn er ein widerliches, chauvinistisches Schwein ist. Wird er sich reformieren? Wird er seine eingleisige Denkweise beibehalten? Ist es wirklich wichtig, was Tucker Max machen würde? Der Plot mit dem schiefgelaufenen Junggesellenabschied ist sicherlich nicht neu, ebenso wenig wie die stereotype Gruppe von Freunden mit gegensätzlichen Positionen oder die vorhersehbare Darstellung des letzten Endes von "I Hope They Serve Beer in Hell".

In dem Film "Barb Wire" von Regisseur David Hogan hat während des zweiten amerikanischen Bürgerkriegs eine tyrannische Gruppe namens 'Congressional Directorate' die Kontrolle übernommen und alle Städte unter Kriegsrecht gestellt. Die letzte freie Stadt, wird zwar nicht von den korrupten Machthabern überwacht, aber sie ist von Chaos und Kriminalität geprägt und macht Platz für eine neue Art von Söldnern. Im Jahr 2017 nimmt Barbara "Barb Wire" Kopetski (Pamela Anderson) einen Job als Tänzerin in einem verruchten Nachtclub an, der von Sharif (Shelly Desai) geleitet wird und in dem die Prostitution für den wohlhabenden Mr. Santo (Michael Russo) an der Tagesordnung sind. Aber Barb Wire ist nicht da, um durchgeschwitzte Kundschaft zu bespaßen, sondern sie soll eine entführte junge Frau für einen bestimmten Preis retten.

Die Vorspannsequenz zeigt Pamela Anderson beim Striptease, auf der Bühne tanzend und auf einer Schaukel wogend, während Wasser auf sie herabprasselt und ihre enormen Brüste aus ihrem schwarzen Lederkleid hervorquellen. Nach dieser Einleitung ist klar, dass "Barb Wire" nicht sonderlich an einer Geschichte interessiert ist. Der Hauptgrund für seine Existenz besteht darin, dass sein Star von einem knappen Outfit oder einer Entkleidungsart zur nächsten wechselt. An einer Stelle nimmt sie sogar ein Schaumbad in einer durchsichtigen Wanne, nur damit die Betrachter unter die Wasserlinie sehen können. Es gibt auch actionreiche Augenblicke und Feuergefechte in Zeitlupe, aber sie ragen nicht sonderlich heraus.

Die Grundlage ist ein naheliegender Diebstahl von "Casablanca", sogar mit dem minimal futuristischen Dekor und der Modernisierung von Sex, Nudismus, Misshandlung und Bluttod, die "Barb Wire" eine schärfere Kante verleihen, jedoch weit geringer als der heroische, romantische Charme. Die Noir-Sprachausgabe von Barb Wire, die alle Informationen aus dem Anfangstext wiederholt. Die Schergen unter der Führung von Colonel Pryzer (Steve Railsback), die alle wie Nationalsozialisten aussehen, werden von Alexander Willis (Xander Berkeley) angeführt, dem örtlichen Gesetzeshüter, der sich der Seite anschließt, die gerade die Oberhand hat. Es gibt Rückblenden auf kriegerische Liebesbeziehungen, und die neutrale Lobby, in der jeder willkommen ist, sind alles Anspielungen auf den Filmklassiker von 1942. Die visuellen Ähnlichkeiten sind unwesentlich, vor allem wenn Pamela Andersons praller Busen zu betrachten ist.

"Barb Wire" hat einen überwiegend seriösen Ansatz, was dem Film nicht sonderlich förderlich ist. Um diese Art von schematischem, exploitativem B-Movie zu schaffen, musste ein selbstbewusster Alkoholismus zutage treten. Jedes Mal, wenn der Film versucht, sich dem Thema mit Ernsthaftigkeit zu nähern, wird er nur noch unfreiwillig dämlicher, bis auf das Ergebnis, in dem sich der normalerweise versteinerte Antagonist in einen glucksenden Deppen transformiert. Wenigstens ist der Kulminationspunkt voll von Explosionen, Auto- und Motorradverfolgungsjagden, Ballereien, Kranfahrten und dem kurzweiligen Tod des kleinen Mistkerls Big Fatso (Andre Rosey Brown), obwohl selbst in diesem Tumult klar ist, dass Pamela Anderson keine bedeutende Filmdarstellerin ist.