Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Die Brücke am Kwai" von Regisseur David Lean gräbt der sarkastische, unaufrichtige amerikanische Gefangene Navy Commander Shears (William Holden) Gräber außerhalb des von den Japanern geführten Kriegsgefangenenlagers in Thailand aus, als ein neuer, großer Zug gefangener britischer Soldaten auf das Gelände einrückt. Sie werden von Colonel Saito (Sessue Hayakawa), dem Anführer von Camp 16, ausgewählt, um beim Bau einer Brücke über den Kwai zu helfen. Entgegen dem strengen Kodex der Genfer Konvention verlangt Saito, dass die Offiziere zur Handarbeit eingesetzt werden, was den buchstabengetreuen britischen Colonel Nicholson (Alec Guinness) in Rage bringt, der wirklich nicht verstehen kann, dass die zivilen Richtlinien nicht befolgt werden. Als seinen Offizierskollegen das Ultimatum gestellt wird, sich entweder bei der Arbeit den unteren Rängen anzuschließen oder von einem Maschinengewehr umgenietet zu werden, weigert sich Nicholson, sich zu rühren, und wird in letzter Minute durch den Appell des Sanitätsoffiziers Major Clipton (James Donald) an Saitos Kriegerehre gerettet.

In Singapur erhält Nicholsons Geschwader den Befehl zur Kapitulation, woraufhin er die Bildung eines Fluchtkomitees sofort unterbindet. Doch das hält Shears nicht auf, der entschlossen ist, bei der erstbesten Gelegenheit zu fliehen und zwei andere Rebellen mitzunehmen, nur um erschossen zu werden und in den Fluss zu stürzen. Nicholson weigert sich weiterhin, den Arbeitsauftrag auszuführen, was Saito dazu zwingt, den standhaften Anführer in die 'heiße Kiste' in der prallen Sonne zu werfen, während der Rest der Offiziere in einer entsprechenden Strafbaracke untergebracht wird. Als es beim Bau der Brücke zu Sabotage und Verzögerungen kommt, weil britische Gefangene natürlich gegen Qualitätsarbeit für den Feind sind, droht Saito gegenüber Nicholson mit rituellem Selbstmord, wenn er die Männer nicht dazu bringen kann, die Arbeiten zu beschleunigen. Um Nicholson einen kleinen Vorteil zu verschaffen, indem er seine Schwäche verrät, gibt Saito schließlich nach und entlässt alle Offiziere und erlaubt ihnen, nur noch in Verwaltungspositionen zu dienen.

"Dieser Mann ist der schlechteste Befehlshaber, dem ich je begegnet bin", sagt Nicholson, als ob ein Mann der Vernunft seine Eingrenzung leitet. Für den fast wahnsinnigen Oberst ist alles eine Frage des Prinzips. Er kommentiert den Irrsinn der Flucht aufgrund des unvermeidlichen Verlusts von Menschenleben, hält aber stur an der unsachgemäßen Arbeit von Offizieren fest und opfert rücksichtslos das Wohlergehen seiner eigenen Männer, um einen Standpunkt zu beweisen. Als sein Benehmen zu einem positiven Ergebnis führt, wird sein irrationales Engagement für korrektes militärisches Verhalten nur noch verstärkt. Er hat teilweise Wahnvorstellungen und plant, Ordnung und Disziplin unter den Männern wiederherzustellen, indem er die bestmögliche Brücke baut, um die Vorstellung zu untermauern, dass britische Soldaten auch in Gefangenschaft Großes vollbringen können.

"Die Brücke am Kwai" zeigt einen besonders kooperativen Aspekt des Zweiten Weltkriegs, indem es die Entschlossenheit eines in die Enge getriebenen Anführers und die betonte psychologische Wandlung seines Geiselnehmers oder die Beugung seines Willens fiktiv darstellt. Es ist ein Kampf der Veranlagungsdisziplin, umrissen mit humorvollen Dialogen, einer spielerischen Distanzierung von der Realität und einem actiongeladenen Abenteuer in atemberaubendem Cinemascope. "Sprechen Sie mir nicht von Regeln! Das ist Krieg!", brüllt Saito und stellt die fehlerhafte Ideologie in Frage, die Nicholsons Beweggründe bestimmt. Auch wenn gelegentlich die Gefahr von Verletzungen oder Tod droht, sieht der britische Colonel in seiner beschränkten Sichtweise nur die Chance auf eine demonstrative Leistung.

Das Duell des Verstandes steht im Mittelpunkt der Geschichte, ergänzt durch Shears' rachsüchtige Rückkehr auf die Brücke als Teil der Eliteoperation der britischen Force 316 und die Wiederholung der Attitüde ihres Leiters, Major Warden (Jack Hawkins), der sich, ähnlich wie Nicholson, mit der Frage beschäftigt, wie man wie ein Gentleman oder nach den Regeln stirbt, anstatt sich damit zu beschäftigen, wie man einfach überlebt. Dies führt zu einem monumentalen Schluss voller bitterer Ironie, der durch Wardens Beobachtung eines misshandelten britischen Offiziers angedeutet wird, der auf den Knien liegt und sich abmüht, ein Blech zu nageln, während die japanischen Wachen amüsiert wirken, was in Wirklichkeit Nicholsons Beschluss ist, eine Tafel anzubringen, auf der die stolzen Erbauer der Brücke genannt werden. In den kulminierenden letzten Momenten ist die wahre Klarheit der Situation und der militärischen Beziehungen schließlich unausweichlich und tragisch zu spät.

In "The Lost City" von den Regisseuren Aaron und Adam Nee hat die Liebesromanautorin Loretta Sage (Sandra Bullock) seit dem Tod ihres Mannes, eines Archäologen, vor fünf Jahren weder in ihrem schriftstellerischen noch in ihrem privaten Leben die Leidenschaft wieder entfachen können. Unter dem wachsenden Druck der Verlegerin Beth Hatten (Da'Vine Joy Randolph), ihr neuestes Manuskript fertig zu stellen, schließt Loretta die Geschichte überstürzt ab und beginnt ihre Lesereise. Doch zu ihrem Verdruss gesellt sich Alan Caprison (Channing Tatum) zu ihr, das verweichlichte, egozentrische Covermodel, das das Gesicht ihrer Hauptfigur Dash McMahon geworden ist. Als der exaltierte Milliardär und Medienmogul Abigail Fairfax (Daniel Radcliffe) Loretta entführt und auf eine abgelegene Vulkaninsel verschleppt, in der Hoffnung, dass sie ihn zu den Juwelen der 'Krone des Feuers' führen kann, die in ihrer neuesten Saga erwähnt werden, begibt sich der verliebte Alan auf die Suche nach ihr. Obwohl er die Hilfe eines robusten Ex-Navy SEALs (Brad Pitt) in Anspruch nimmt, muss das wohlmeinende, aber schlecht vorbereitete männliche Model bald genauso gerettet werden wie Loretta, während die beiden versuchen, ihren schwer bewaffneten Verfolgern, den gefährlichen Gefahren des Dschungels und ihrer wachsenden Zuneigung füreinander zu entkommen.

Mit seinem langweiligen Titel ist "The Lost City" eine klare Kreuzung aus Indiana Jones und "Auf der Jagd nach dem grünen Diamanten", auch wenn er nicht annähernd so spannend ist. Der Film beginnt mit einer Aufnahme von gefangenen Liebenden, die sich dem sicheren Untergang durch einen bedrohlichen Rivalen und einen antiken Tempel voller Schlangen gegenübersehen, und endet mit einer Szene, in der die Hauptdarstellerin glanzlos ihre neueste verwegene Romanze abtippt und dabei unverhohlen auf die beiden oben genannten Action-Klassiker anspielt. Sie braucht dringend Inspiration, damit das Abenteuer in ihrer Geschichte wahr wird, und schon wird sie in genau dieses Szenario entführt, komplett mit einem gutaussehenden Ersatzverführer, in dem auch ein Hauch von "Jake Speed" steckt. "Das ist wie dein Buch?"

Loretta ist intellektuell, kultiviert und sapiosexuell. Alan ist begriffsstutzig, verschüchtert und wird leicht von der bedeutungslosen Aufmerksamkeit der Mädchen angezogen, die seinen markanten Körperbau bewundern. Die beiden sind sehr gegensätzlich und sie ist davon völlig unbeeindruckt, was sie zu offensichtlichen Bestandteilen der zentralen Liebesgeschichte macht. Die Romanze selbst ist leider trotz ihrer zeitweise geselligen und komischen Sprüche extrem dumpf. Es ist, als müsste das Drehbuch um ihre erotische Anziehungskraft herumtanzen, nicht nur wegen des MPAA-Ratings, sondern auch, als gäbe es eine unausgesprochene Unangemessenheit in ihrer Verbindung. "Ich liebe die Chemie zwischen euch beiden."

Problematisch ist auch die Artifizialität des Fieslings: Das unsagbar reiche, einigermaßen böse Pseudo-Genie wird bestenfalls als Karikatur dargestellt, seine Gefolgsleute als bloße Comicfiguren, die wie Nebenrollen aus den Austin Powers-Filmen wirken. Die exotischen Schauplätze, die gelegentlichen Anspielungen, mit denen man viel großzügiger hätte haushalten sollen, und die ein oder zwei Szenen mit wirkungsvollem optischem Humor, von welchen die anregendste in der Nähe des Anfangs stattfindet und den Rest des Werks in einem Debakel versinken lässt, können "The Lost City" nicht vor beträchtlicher Generizität bewahren. Die Charaktere sind vielleicht nicht darauf vorbereitet, dass sich ihre verwöhnte Routine in echte Risiken verwandelt, aber sie sind nie in irgendeiner ernstzunehmenden Gefahr. Niemand verhält sich hier so, als ob sie sich inmitten echter Unternehmungen befänden, was vielleicht funktioniert hätte, wenn der ganze Film eine Traumsequenz gewesen wäre.

Am schlimmsten ist jedoch eine völlig irrelevante Assistentin, die zusammen mit ihrer eigenen unnötigen Assistentin in leichte, getrennte Missgeschicke verwickelt wird, von denen jedes einzelne noch unbegreiflicher ist als die nonsensisch eingefädelten Notlagen der Hauptdarsteller, die in einer komplett unzusammenhängenden Fantasie zu existieren scheinen. Am Ende ist diese weichgespülte romantische Komödie genauso vergesslich wie alle neueren Actionfilme, die sich zufälligerweise ihrer eigenen Schatzsuche im Dschungel rühmen, mit ausgelutschten Liebesgeschichten und schalen Antagonisten.

"Razorback" von Regisseur Russell Mulcahy führt nach Australien, wo ein kolossales, mutiertes Schwein das Haus von Jake Cullen (Bill Kerr) durchwühlt, es im Gefecht in Brand setzt und sich mit seinem zweijährigen Enkel davonmacht. Jake Cullen wird wegen Mordes angeklagt, da nur wenige Menschen bereit sind, seine Geschichte über ein mordendes Haustier zu glauben, aber der Fall wird aus Mangel an Beweisen abgewiesen. Nach diesem Vorfall widmet sich der professionelle Kängurujäger und Wildtierexperte der Wildschweinjagd. Laut Jake sind Wildschweine mit einem dicken Schild aus Borsten bedeckt und können nicht wie die meisten anderen Tiere durch Schüsse verletzt werden, da sie kein Nervensystem haben.

In New York erhält die Nachrichtenreporterin und Tierschützerin Beth Winters (Judy Morris) den Auftrag, über einen Känguru-Schlachthof in Australien zu berichten. Sie reist mit ihrem treuen Kameramann dorthin, um die verstörende Wirklichkeit hinter der 'Petpak Cannery' aufzudecken, die von zwei unglaublich schmutzigen, widerlichen Känguru-Jäger-Brüdern betrieben wird: dem Einäugler Benny (Chris Haywood) und dem maulwurfsgesichtigen Dicko (David Argue). Ihre Anwesenheit stört viele Bewohner von Gamulla in der Nähe von Sydney. Als sie sich in Petpak herumtreibt, wird sie terrorisiert, von der Straße gedrängt und fast vergewaltigt, nur um kurzzeitig durch das Wiederauftauchen des riesigen Wildschweines gerettet zu werden, bevor es sie als Mahlzeit vertilgt.

Die Polizei besteht darauf, dass Beth in einen Minenschacht gefallen ist, aber ihr Ehemann Carl Winters (Gregory Harrison) ist anderer Meinung, und so reist er nach unten, um Antworten zu finden. Dort trifft er auf Jake, der immer noch verbittert ist und das Riesenschwein aufspüren will, und Sarah Cameron (Arkie Whiteley), eine junge Frau, die nach dem Tod ihrer Eltern von dem Trapper adoptiert wurde. Bei der Suche nach dem Mordsschwein müssen sie auch die fiese 'Petpack-Crew' ausbremsen, die einmal mehr beweist, dass es zu jedem Filmmonster auch menschliche Gegenspieler gibt, um die Bösartigkeit zu komplettieren.

Einige raffinierte Überblendungen und Szenenübergänge heben den einzigartigen Schnitt von "Razorback" hervor, kombiniert mit makabren, greulichen Kulissen und surrealistischen Visionen von Frauen mit Rüsselgesichtern, wiehernden Pferdeskeletten und Landschaften vom Mars. Leider krankt der Film an einer betont dämlichen Hauptfigur, die klassische Monsterfilm-Fehler begeht: Sie stolpert bei der Flucht, kämpft erbärmlich um ihr Leben und lässt der Kreatur viel Zeit, sich von hinten anzuschleichen. Es nützt auch nichts, dass man sich eindeutig dagegen sträubt, den riesigen Quieker zu zeigen, vor allem in Ganzkörperaufnahmen, die seine angsteinflößende Dimension verdeutlicht hätten.

Russell Mulcahy hat keine besonders ausgeprägte Profilierung, er ist vor allem für "Highlander" und einige Kultfilme wie "Talos - Die Mumie", "Resurrection - Die Auferstehung" und "Resident Evil: Extinction" bekannt, aber "Razorback" ist eines seiner frühesten und genussvollsten Werke. Ein geringes Etat und eine dürftige Besetzung können ihn nicht davon zurückhalten, eine Inszenierung mit sichtbarer Leidenschaft abzuliefern. Auch wenn gelegentlich ein griffiger Subtext über Tierquälereien in den Film eindringt, sind es die Merkmale des Monsterkinos, die eindeutig am besten gelingen. Komplett mit der obligatorischen niedrigwinkligen Schweinekameratechnik, den humoristischen Gore-Einlagen, der direkt nach dem Tod seiner Frau platzierten Lovestory zwischen Carl und Sarah und den unvorhersehbaren Schicksalsschlägen bietet "Razorback" zuverlässige B-Movie-Kost aus den 80ern. Außerdem ist es der einzige Mainstream-Horrorfilm mit einem riesengroßen Killerschwein

In "Comtesse des Grauens" von Regisseur Peter Sasdy regiert die verschrumpelte Gräfin Elisabeth (Ingrid Pitt) ihr Land mit eiserner Faust und lässt die armen Dorfbewohner verhungern und ohne Rücksicht unter die Räder ihrer vorbeifahrenden Kutsche geraten. Nach der Beerdigung ihres Mannes erlangt sie die Kontrolle über noch größere Reichtümer und Vermögenswerte, doch bei der Testamentseröffnung wird sie aufgefordert, das Erbe mit ihrer Tochter, der 19-jährigen Ilona (Lesley-Anne Down), die in Wien weilt, aufzuteilen. Das verärgert die runzlige alte Kröte zutiefst, denn sie möchte nicht damit belästigt werden, ihr riesiges Hab und Gut zu teilen.

Der Verwalter des Schlosses, Hauptmann Dobi (Nigel Green), ist über das Ableben des Grafen erfreut, denn so kann er seine Affäre mit der Gräfin in Ruhe fortsetzen. Der ältere Gelehrte Meister Fabio (Maurice Denham) erhält die prächtige Bibliothek, das Dienstmädchen Julie (Patience Collier) bekommt eine kleine Summe Geld und die Erlaubnis, im Schloss zu wohnen, und der benachbarte Leutnant Imre Toth (Sandor Eles) erwirbt den renommierten Stall. Am Abend lässt das Zimmermädchen Teri (Susan Brodrick) ein Bad für die Komtesse ein, das jedoch zu heiß ist. Dann versucht sie, einen Pfirsich aufzuschneiden, schneidet sich dabei aber aus Versehen selbst. Als das Blut von Teri auf Elisabeth kleckert, erweicht sich plötzlich das ausgetrocknete Gesicht der Gräfin und spannt sich an. "Teufelsweib!"

Begeistert stellt die intrigante alte Schachtel fest, dass sie eine verdrehte Version des Jungbrunnens entdeckt hat: Das Blut von jungfräulichen Mädchen. Mit ihrem neu gewonnenen schönen Aussehen lässt Elisabeth ihre eigene Tochter entführen und verstecken, damit sie ihren Platz einnehmen kann. Doch die Wirkung des Blutbades ist nur von kurzer Dauer, so dass die bösartige Hexe, unterstützt von Dobi und Julie, nach weiteren Opfern sucht, um ihre Vitalität zu erhalten.

Es ist immer noch eine ziemlich standardmäßige Hammer-Produktion, doch die Musik von Harry Robinson zieht einen sofort in ihren Bann. Sie ist wechselweise bedrohlich und romantisch angelegt und verleiht der einleitenden Titelsequenz weit mehr Gravität als sie verdient. Seine Erkennungsmelodie taucht nur ab und zu auf, hat aber dann einen spürbaren Einfluss. Wie die anderen Hammer-Filme der 70er Jahre zeichnet sich auch "Comtesse des Grauens" durch Gewalt und Nacktdarstellungen aus, um dem Film eine schroffe Optik zu geben, die zu den anderen Filmen des Horrorgenres passt, die immer exploitativer und grafischer werden und sich weniger um die Einhaltung der Zensur kümmern.

Zwischen leidenschaftlichem Treiben im Heu und dem Massakrieren junger Frauen flüstern die Dorfbewohner über Aberglauben, Fabio wird misstrauisch, und Elisabeth verliert und gewinnt ihre Hässlichkeit zurück. Aufgrund der begrenzten Spezialeffekte verwandelt sich die blutdürstende Verführerin nicht allmählich, sondern blitzschnell hin und her, was das Konzept weit weniger effizient macht. Außerdem wirkt das Make-up zwar morbide, doch gelegentlich nicht sehr überzeugend, da es abblättert, seltsame Trennungen zwischen den echten Hautstellen zeigt oder sogar den falschen Beigeton annimmt. Im Laufe des Films verfällt das Gesicht der Gräfin ebenso wie die Zahl der Protagonisten und die Komplexität der Geschichte.

Die Prämisse mag eine faszinierende Idee für einen Gothic-Horror-Film sein, aber es bleibt alles aufgesetzt, mit wenigen spannenden Enthüllungen oder cleveren Details. Je näher das Ende rückt, desto mehr verwandelt sich "Comtesse des Grauens" in einen Krimi und in eine Art Polizei- oder Gerichtsvollzieherprozess, auch wenn die Schuldigen bekannt sind und die Verhöre im Off stattfinden. Wie auch immer, der Schaden ist bereits angerichtet, denn der Film ist viel zu ereignisarm und antriebslos.

Inspiriert von Charles Dickens' klassischem Roman 'Oliver Twist' oder nur sehr lose darauf basierend, ist Walt Disneys "Oliver & Co.", bei dem George Scribner Regie führte, einer der anspruchsloseren Zeichentrickfilme des Studios. Die Handlung selbst bietet nicht viel Verstand, wenn man davon ausgeht, dass die besten Teile der Vorlage gemindert sind oder fehlen, und die schrillen, politisch unkorrekten Charakterdesigns sind merklich überzeichnet und extrem. Die Aufteilung der Figuren in eine Hunde- und eine Menschenhälfte, die Wahl eines veralteten Musikthemas, das den Film vorantreibt, und die Umwandlung des Schlusses in eine rasante Verfolgungsjagd durch die New Yorker U-Bahn wirken wie Entscheidungen, die aus Gründen des populären Stils und nicht der Originalität getroffen wurden.

Ein ausgesetzter, verwaister Kater (gesprochen von Joey Lawrence) kämpft darum, seine erste Nacht in den beängstigenden Straßen von New York zu überleben. Am nächsten Morgen lernt er Dodger (Billy Joel) kennen, einen Straßenköter, der das Kätzchen dazu bringt, Hotdogs für seine Bande von streunenden Hunden zu stehlen. Als die hungrige Katze Dodger zurück in sein Versteck folgt, trifft er auf die ganze Truppe: Tito der Chihuahua (Cheech Marin), ein schnell sprechender, Bandana-tragender Dieb; Francis (Roscoe Lee Browne), die zivilisierte, dramatische Bulldogge; die ruhige und übergroße Deutsche Dogge Einstein (Richard Mulligan); und die vernünftige, unabhängige persische Windhündin Rita (Sheryl Lee Ralph). Der menschliche Kleinkriminelle Fagin (Dom DeLuise) kümmert sich von Zeit zu Zeit um die Schar der Vierbeiner, ist aber im Moment mit der großen Geldsumme beschäftigt, die er dem skrupellosen Gangster Sykes (ein räuspernder Robert Loggia) schuldet.

In der Absicht, Fagin zu helfen, rekrutiert die Bande den neuen Kater und macht sich auf den Weg, um mit einer effektiven, gut eingeübten Routine einige Autos zu plündern. Ihr erster verpatzter Coup endet damit, dass Jenny (Natalie Gregory), ein reiches kleines Mädchen, die das Kätzchen anhimmelt, es zu ihrem verhätschelten, aristokratischen und preisgekrönten Pudel Georgette (Bette Midler) nach Hause bringt. Georgette will den Neuankömmling verdrängen, doch Jenny nennt ihn Oliver und gibt ihm das Gefühl, wirklich dazuzugehören. Doch Dodger und seine Gefährten sind entschlossen, Oliver zu befreien und ihn zurückzubringen, um Fagin bei seiner letzten Konfrontation mit Sykes zu helfen.

Die Rockmusik und der raue Stil in "Oliver & Co." versuchen, modern und trendig zu sein, aber wenn man sich den Film viele Jahre nach seinem Kinostart ansieht, wirkt das alles furchtbar antiquiert. Auch wenn die unpassenden Gesangs- und Tanzeinlagen nicht übermäßig lästig sind, so sind die Charakterdesigns und die Handlung für Disney-Verhältnisse doch eher minderwertig, vor allem wenn man sie mit dem ein Jahr später erschienenen "Ariel, die Meerjungfrau" vergleicht. Positiv zu vermerken ist, dass sich Sykes, obwohl "Oliver & Co." sich mehr an Kinder richtet als viele andere Animationsfilme des Studios, als einer der schrecklichsten Bösewichte erweist. Mit seiner Waffe und seinen eindringlichen Dialogen ist er ein Mensch, der gegen Tiere kämpft, auch wenn diese noch so clever sind. Daher ist es nur passend, dass er einer der wenigen Disney-Antagonisten ist, der tatsächlich stirbt, und zwar auf schockierend brutale Weise. Letztendlich hat das Projekt jedoch keinen stabilen Unterhaltungscharakter, es enthält nur einen prägnanten Song und verbessert weder die Animationstechniken noch die erzählerischen Kapazitäten der vorherigen Produktionen. "Oliver & Co." ist einer der am dünnflüssigsten und am leichtesten zu ignorierenden Beiträge des Konzerns.

In "Valentine - Schrei wenn Du kannst" von Regisseur Jamie Blanks hat der streberhafte, bockzähnige Sechstklässler Jeremy Melton beim großen Schulball nicht viel Glück mit den Mädchen. Selbst als er Dorothy dazu bringt, ihn unter der Tribüne zu küssen, schikanieren ihn die anderen Kinder gnadenlos, indem sie ihm roten Punsch auf den Kopf schütten wie in "Carrie - Des Satans jüngste Tochter". Auch die kleine Dorothy bleibt nicht verschont, obwohl sie Jeremy schnell beschuldigt, der Übeltäter zu sein, was schließlich dazu führt, dass der Junge in die Erziehungsanstalt geschickt wird.

Dreizehn Jahre später hat Shelley Fisher (Katherine Heigl) ein fürchterliches erstes Date mit Jason (Adam Harrington), das mit einem geteilten Scheck, keinem Nachtisch und der Forderung nach einem Entschädigungskuss endet. Danach kehrt Shelley jedoch in ihr Labor zurück, wo sie ganz allein und in der Dunkelheit einen Kadaver sezieren kann, um sich auf ihr Medizinstudium vorzubereiten. Unglücklicherweise trifft sie in der angrenzenden Umkleidekabine auf einen Kollegen, der nackt und kalt auf dem Operationstisch liegt, und muss feststellen, dass er noch am Leben ist und sie mit einem bedrohlichen Messer in der Hand durch die Gänge und in die Leichenhalle verfolgen will. Um seine Identität zu verschleiern, trägt er eine Maske mit dem Gesicht eines kleinen Engels. "Ich glaube nicht, dass er zu einem ausgeklügelten Racheplan fähig ist."

Die Klassenkameradinnen Paige Prescott (Denise Richards), Kate Davies (Marley Shelton), Dorothy Wheeler (Jessica Capshaw) und Lily Voight (Jessica Cauffiel) sind bestürzt über die Nachricht von Shelleys vorzeitigem Ableben, obwohl sie sich im letzten Jahr aufgrund der hohen Arbeitsbelastung der Medizinstudentin nicht sonderlich nahe gestanden haben. Sie werden jedoch von Detective Vaughn (Fulvio Cecere) befragt, der den Verdacht hegt, dass Shelleys Begleiter Jason eine Person von Interesse ist und derzeit nicht auffindbar ist. Außerdem dauert es nicht lange, bis die Mädchen gruselige Valentinstagskarten erhalten, die ihnen grausame Morde voraussagen. "Mach dir keine Sorgen. Alles wird wieder gut."

Das Setting ist nicht gerade ein Novum, aber immerhin ist der Valentinstag ein wenig genutzter Feiertag für Horrorfilme. "Blutiger Valentinstag" aus dem Jahr 1981 könnte die Frage aufwerfen, ob ein weiterer Film mit ähnlichem Thema überhaupt nötig war. "Valentine - Schrei wenn Du kannst" passt sehr treffend zu der Vorstellung, dass ahnungslose Frauen belästigt und dann von einem Killer mit Amormaske angegriffen werden, ganz im Stil der blutigen Slasher der frühen 2000er Jahre. Eine junge, dynamische Besetzung, die nach und nach auf immer rabiateren Wegen beseitigt wird, ist ein vergleichsweise vertrautes Schema, das viele seiner gleichgesinnten Vertreter kopiert, aber es gibt etwas Humorvolles an der großen Auswahl an verdächtigen Männern, die mit dem schwindenden Bestand an weiblichen Opfern interagieren. Es ist nicht leicht zu erraten, wer der Täter ist, wenn man beachtet, dass alle Zeichen auf eine offensichtliche Person hindeuten, aber es gibt eine Menge dubioser Nebenrollen mit möglichen Motiven.

Leider erweisen sich die ständigen Jump-Scares und die verschiedenen Frauen, die sich spontan an schlecht beleuchteten, abgelegenen Orten wiederfinden, nur als leidlich ingeniös. Tendenziell sterben die Freunde und Verehrer auf weitaus drastischere Arten als die anderen, vielleicht weil sie in den Drehbüchern als weniger sympathisch dargestellt werden. Ein Unterthema, das sich mit der Paarung zum Valentinstag befasst, zieht sich kurioserweise durch die ganze Geschichte: Es geht nicht nur um die Liebespaare, die amourösen Spaß haben, sondern auch um diejenigen, die sich mit außergewöhnlichen Freaks zusammentun oder über mangelnde Aufmerksamkeit schmollen. "Es ist alles in Ordnung. Es ist nur, dass Männer scheiße sind."

Am Ende jedoch treibt die Unberechenbarkeit des Killers die Geschichte nicht voran oder hält das Interesse aufrecht. Stattdessen sind es die sexuelle Anziehungskraft der Darsteller (Denise Richards schafft es, sich ständig ihrer Kleidung zu entledigen) und die Möglichkeiten für Tod und Zerstörung in der Spukhausumgebung, von denen einige so labyrinthisch sind, dass sich der Fiesling, ganz zu schweigen von den Besitzern, unmöglich darin zurechtfinden könnte, die das Auge begeistern, auch wenn diese Elemente einen 90-minütigen Film kaum tragen können. Der vielleicht frustrierendste Charakter ist der des Polizeidetektivs, dessen Routinen und Verhalten durchgängig realitätsfern sind, so als würde er nur so tun, als sei er eine Autoritätsperson. Und so ergibt das obligatorische Twist-Ende paradoxerweise praktisch keinen rechten Sinn.

"Space Invaders" von Regisseur Stephen Chiodo zeigt einen typischen Freitagabend, an dem der eigensinnige Polizist Curt Mooney (John Vernon) an den üblichen Orten patrouilliert, an denen Minderjährige sich besaufen und rummachen. Er ist ständig mit der Jugend im Allgemeinen unzufrieden, auch wenn ihre Aktivitäten in der Universitätsstadt 'Crescent Cove' nichts Neues sind. Zwei dieser jungen Erwachsenen, Mike Tobacco (Grant Cramer) und Debbie Stone (Suzanne Snyder), küssen sich auf dem Rücksitz ihres Geländewagens, als in nicht allzu weiter Entfernung der Halleysche Komet einzuschlagen scheint. Mit ungebrochenem Abenteuergeist fahren sie in den Wald, um der Sache auf den Grund zu gehen.

Farmer Green (Royal Dano) kommt ihnen jedoch zuvor, als er nach dem Rechten sehen will. Was er vorfindet, ist unerklärlich: ein riesiges Zirkuszelt, beleuchtet und umgeben von elektrifizierten Takelagen, fest verankert mitten im Nirgendwo. Als ein pausbäckiger, grinsender Clown aus dem Zirkuszelt kommt, zielt er mit einer Pistole auf den Landwirt und drückt ab. Mike und Debbie tauchen kurz darauf auf und stöbern in dem Vergnügungspark herum, der ein riesiges Raumschiff zu sein scheint. In einer der höhlenartigen Kammern hängen rosafarbene Säcke mit den Leichen der entführten Opfer aus 'Crescent Cove'.

Dieser bizarre, comicartige Horrorfilm beginnt mit durchschnittlicher Schauspielerei, nervtötender Theatralik, blödsinnigen Soundeffekten und einer kitschigen Rockmelodie von 'The Dickies' als Titelmusik. So absurd der Aufbau auch ist, eine Popcornkanone und ein Ballontierspürhund sind recht witzig, und die Kulissen sehen aus wie eine Zuckerwattefabrik oder etwas aus Willy Wonkas Reich. Die darauf folgenden Spezialeffekte sind nicht so attraktiv, aber es wird genug Aufwand in die Umgebungen gesteckt, dass der Sci-Fi-Unfug immer interessanter wird. Eine Dreiecksbeziehung mit Officer Dave Hansen (John Allen Nelson) trägt nicht zur Originalität bei, aber die teuflischen Clown-Aliens sind sicherlich eine neue Variante der außerirdischen Invasoren. "Mach dir keine Sorgen um Dave, sondern um die Clowns."

Die größte Stärke von "Space Invaders" sind die Clownskostüme, die ebenso lustig wie grotesk sind. Mit korpulenten, deformierten Rümpfen und krankhaft unproportionierten Körperpartien sind die Monster eine Mischung aus puppigen Gebilden und animatronischen Gesichtsteilen, die zusätzlich mit feuchten Lippen, zuckenden Augen, Neonhaaren, fleckiger Haut, knallbuntem Make-up und roten Nasen, natürlich übergroßen Schuhen und verfaulten Zähnen aufwarten. Und sie schrecken auch nicht davor zurück, kurz vor einer brutalen Dekapitation zu scherzen, eine Leiche in eine menschliche Marionette zu verwandeln oder mit säurehaltigen Desserts zu werfen. "Was wollt ihr mit diesen Torten machen, Jungs?"

"Space Invaders" funktioniert am besten, wenn sich Seriosität oder Blutrünstigkeit mit Slapstick abwechseln, aber es gibt zu viele komödiantische Nebenfiguren und unaufrichtige Dialoge, als dass die Horroraspekte wirklich effektiv bleiben könnten. Ein paar mehr unheimliche Elemente hätten den Schabernack kompensieren können. Die Zahl der Toten ist hoch, aber das Ausmaß des Grauens ist zu gering. Da die Antagonisten schon schwer zu verstehen sind, außer für Personen, die unter Coulrophobie leiden, hätte "Space Invaders" definitiv von einer Jugendfreigabe profitiert. Immerhin ist die Kreativität bewundernswert, auch wenn das Endergebnis mehr ein Jux ist, als es hätte sein sollen.

Bei dem wirren Film "Ein Tag blau" unter der Regie von Nick Weiss funktioniert so gut wie nichts. Bei dem Versuch, die gleichen Themen wie in "American Pie" aufzugreifen, bei dem Bemühen, zotigen Humor zu verwenden, und bei dem Mühen, exzentrische High-School-Spieler einzuführen, scheitert dieses bedauerliche kleine Projekt auf ganzer Linie. Vorhersehbar grässlich, die Komik ist enorm spärlich und die Charaktere sind Wiederverwertungen der vergesslichsten kleinen Rollen aus anderen populären Teenagerfilmen.

Adam Harris (Gary Lundy) ist ein typischer Oberstufenschüler, der regelmäßig davon träumt, mit dem Mädchen zusammen zu sein, das er nicht haben kann, der sich wünscht, mit den coolen Leuten abzuhängen, und der feststellt, dass sogar seine Mutter besser ist, wenn es um Jugendpartys geht. Angestachelt von seiner Schwester Ellen (Tara Reid) beschließt Adam, das 'Senior Skip Day'-Treffen in seinem Haus zu veranstalten, nachdem die ursprünglichen Pläne über den Haufen geworfen wurden. Der vorherige Plan war, eine riesige Party im Haus des knallharten Schulleiters Frankfurt Dickwalder (Larry Miller) zu veranstalten, bis Adam gezwungen wird, die Wahrheit zu sagen, und der rachsüchtige Direktor einem anderen Schüler Qualen zufügt.

Adam manövriert sich durch den Tag und versucht, seinen Verrat an den anderen Schülern wiedergutzumachen. Er versucht auch, seine langjährige Schwärmerei Cara (Kayla Ewell) zu umwerben, die mit einem betrügerischen Freund zu kämpfen hat, der sie unbedingt ins Bett kriegen will. Adam baut eine rekordverdächtige Bong, besorgt jede Menge Alkohol und überzeugt seine Klassenkameraden, an den Feierlichkeiten teilzunehmen, während Frankfurt Dickwalder erbarmungslos den neuen Ort für die verpönte Tradition ausfindig macht.

Adam erzählt den Film, indem er direkt in die Kamera spricht, und er wird oft von anderen Nebenfiguren begleitet, die ihre eigenen Gedanken für das Publikum einbringen, was eindeutig an "Ferris macht blau" angelehnt ist. Für eine Produktion aus dem Jahr 2008 ungewöhnlich, aber dennoch störend, ist dies die einzige Idee im Film, die nicht völlig gattungslos ist. Alles andere wirkt wie eine wiedergekäute Version der schlimmsten Momente, die die "American Pie"-Reihe im Angebot hatte. Adam hat einen kümmerlichen Gehilfen, der die widerlichsten Tätigkeiten verrichtet, wie etwa einen falschen Schnurrbart zu tragen, um einen französischen Fotografen darzustellen, der weibliche Models davon überzeugen soll, zu Adams Party zu kommen, und eine ältere Dame taucht auf, um einige peinliche Witze zu reißen.

Alle Stereotypen sind vorhanden, vom sinnentleerten Kiffer über den umweltbewussten Psychopathen bis hin zu den blöden Blondinen, die seit der Erfindung der Teenie-Komödie jede Teenie-Komödie bevölkern. Die Predigt über die wahre Liebe und der Abbau von Ängsten vor einem Traumdate stehen gegen Ende im Vordergrund, doch "Ein Tag blau" ist so unbegreiflich einfallslos und medioker, dass es schwerfällt, das Gezeigte mit dem nötigen Ernst zu betrachten. Selbst bei den Cameos ist etwas sehr Bemitleidenswertes am Werk. Clint Howard spielt den Alkoholiker, eine Darstellung, die selbst für einen Charakterdarsteller, der nie ganz oben war, wie ein tiefer Abgrund daherkommt. Norm MacDonald, der als Lehrer agiert, zeigt einmal mehr seine beschränkte Leistungsfähigkeit, indem er sich selbst spielt, und Tara Reid dürfte negativ in Erinnerung bleiben, wenn der Zuschauer sieht, wie sie sich körperlich verausgabt. Doch angesichts dessen, wie unbedeutend und belanglos "Ein Tag blau" ist, wird vielleicht doch niemand zusehen, wie sich all diese abgehalfterten Prominenten noch mehr zu Grunde richten.

"Um Kopf und Kragen" von Regisseur Budd Boetticher als einen der größten Western aller Zeiten zu bezeichnen, wäre nicht weit hergeholt. Er enthält klassisch abenteuerliche Cowboy-Momente der Bewährung, hochspannende Schießereien, ein eingängiges Thema, das den Helden begleitet und den Ernst der späteren brenzligen Situationen verrät, und einen unvergesslichen schnauzbärtigen Bösewicht. Der Gute ist immer mutig, entschlossen und aufrichtig, auch wenn er mit der verblendeten Jungfrau in Nöten ein wenig gewaltsam umgehen muss, und der Schurke bekommt genug Sendezeit und komplexe Persönlichkeitsmerkmale, dass der Betrachter ihn lieben und hassen wird. Selbst die fiesen Handlanger, Saufkumpane und selbstsüchtigen Wichtigtuer sind amüsant und gehen über die Klischees der Nebenrollen hinaus, die sie verkörpern.

Pat Brennan (Randolph Scott) reitet nach 'Contention', um von seinem früheren Arbeitgeber einen Zuchtbullen zu bekommen. An einer Haltestelle trifft er den Manager Hank und dessen Sohn, bevor er seine Reise fortsetzt und dem Jungen verspricht, ihm auf dem Rückweg gestreifte Süßigkeiten mitzubringen. Pat besucht Tenvoorde (Robert Burton), der ihn auffordert, einen beliebigen Stier zu reiten, der ihm gehören soll. Pat Brennan gibt seinem Stolz nach, nimmt die Wette an, verliert sein Pferd und macht sich zu Fuß auf den langen Weg zurück zu seinem eigenen Grundstück.

Auf dem Weg dorthin steigt er in eine Kutsche ein, die das frisch verheiratete Ehepaar Doretta (Maureen O'Sullivan) und Willard Mims (John Hubbard) befördert. Als die Droschke wieder am Bahnhof ankommt, nimmt der Film eine düstere Wendung: Eine Bande von Banditen hat Hank und seinen Sohn ermordet und wartet darauf, die Pferdekutsche auszurauben. Der feige Mims verrät seine Frau in der Hoffnung, dass ihr reicher Vater sie mit Lösegeld rettet, und die Gruppe wird in einen verlassenen Minenschacht mitten in der Wüste gebracht, um auf eine Antwort zu warten.

Der kalkulierende Rädelsführer Frank Usher (Richard Boone), der lieber andere zum Morden auffordert, als sich selbst zu besudeln, führt die schändlichen Briganten mit viel Elan an. Er hält Brennan wegen dessen sympathischer Ehrlichkeit am Leben, als wäre er ein sardonischer Hofnarr des Königs, und weil seine normale Gesellschaft nicht die verwickelnde Geselligkeit bieten kann, nach der sich Ushers ausgeprägte Intelligenz sehnt. Chink (Henry Silva) ist der kaltblütige, psychopathische Scharfrichter und Billy Jack (Skip Homeier) ist der ungebildete, langsam denkende Schnellmerker, der sich nicht als würdiger Gefährte erweist. Richard Boone stiehlt mit Leichtigkeit die Show, auch wenn Randolph Scott die besten Zeilen mit zündendem Unfrieden liefert. Wo die einleitenden Gespräche merklich angestrengt und pauschal sind, bringt das Auftauchen von Usher einen völligen Wechsel im Umgangston und verbessert die Dialoge sofort. Jede Sekunde Bildschirmzeit wird schnell zu einer sorgfältig geplanten und überzeugend zielgerichteten Angelegenheit.

Eine spannende Strategie des Aufteilens und Eroberns, die den Ganoven immer die Möglichkeit gibt, zuerst zu schießen, und eine minimale Anzahl von Figuren, die eine adäquate Charakterentwicklung ermöglicht, heben "Um Kopf und Kragen" von den meisten Genrekonkurrenten ab. Mit mehr Gewalt als in ähnlichen Filmen dieser Zeit üblich, schlägt er eine Brücke vom nüchternen Heldentum von John Waynes früheren Filmen zu den düsteren Spaghetti-Western und revisionistischen Blutbädern wie "The Wild Bunch - Sie kannten kein Gesetz", die folgten. Der Film, der mit einigen der besten verbalen Wortgefechte aufwartet, bevor er mit einem atemberaubenden Showdown endet, der den sauberen Antihelden in den Schmutz zieht und dem Antagonisten eine kernigere, witzigere und souveränere Präsenz verleiht, ist der Archetyp des Western-Thrillers und das wichtigste Projekt in der fruchtbaren Karriere von Regisseur Budd Boetticher. "Komm schon - das wird ein schöner Tag."

In "Sharkman" von Regisseur Michael Oblowitz sehen wir, wie das Schiff 'Nona' auf einer unerforschten Insel im Westpazifik friedlich durch von Hammerhaien verseuchte Gewässer segelt. Als die beiden Matrosen von etwas angegriffen und zerfleischt werden, das weder ein Hai noch ein Mensch ist, wird schnell klar, dass die Experimente des unorthodoxen Dr. King (Jeffrey Combs), der sich auf artenübergreifende Befruchtung spezialisiert hat, und des Dr. Krause (Velizar Binev), der die meiste Zeit des Films wie Frankensteins Assistent herumhumpelt, die Ursache für die Todesfälle sind. "Jetzt ist er mehr Hai als Mensch!"

Bei 'Feder Bio Tech', das von dem skrupellosen Whitney Feder (Arthur Roberts) geleitet wird, prüft die Biologin Amelia (Hunter Tylo) die Zahlen und Daten von Dr. Kings Stammzellendurchbrüchen. Dies ist eine vielversprechende Forschung, die zur Heilung von Krebs und Alzheimer führen könnte. Natürlich müssen alle führenden Investoren und Bonzen die Ergebnisse persönlich sehen, also planen sie einen Besuch vor Ort und bringen den unerklärlich zupackenden IT-Chef Tom Reed (William Forsythe), die Techniker Bernie (G.R. Johnson) und Jane (Elise Muller) sowie Feders neue Vorzeigefrau Julie (Mariya Ignatova) mit.

Das Drehbuch ist so dünn, dass die Charaktere kaum als Menschen zu identifizieren sind, sie sind nur Nahrung für die Kreatur. Obwohl William Forsythe ein echter Schauspieler ist, der jedoch seine besten Jahre schon lange hinter sich hat, haben die meisten Darsteller und Mitwirkenden diese Produktion angesichts der tropischen Schauplätze sicherlich als Gelegenheit für einen kleinen Urlaub genutzt.

Jeffrey Combs ist wieder einmal sehr passend als durchgeknallter Wissenschaftler, der seinen Dialog schreit und scheinbar niemanden hat, der ihm auf die Sprünge hilft. Er ist im Reich dieser Farce zu Hause, die im Wesentlichen eine Mischung aus "D.N.A. - Experiment des Grauens" und "Jurassic Park" ist, aber mit einem minimalen Budget auskommt und zusätzlich Elemente aus "Deep Blue Sea" und "Death Machine - Monster aus Stahl" aufnimmt. Nichts davon kann angesichts der schrecklichen Computergrafiken und der hanebüchenen Situationen richtig ernst genommen werden, auch wenn der durchgehende, absichtslose Humor recht erquicklich ist. Vom Hai-Mensch-Baby bis zur Frage, ob Amelias ehemaliger Liebhaber jetzt ein Hai-Mann ist, ist jeder erschütternde Konflikt mit einer gehörigen Portion Dummheit versehen. "Mein Gott, King! Du hast den Verstand verloren!"

Die Sequenzen mit den Fischmenschen im Anzug sind bei weitem die besten, da sie mit praktischem Maskenbild und Kostümierung aufwarten, wenngleich selbst diese in Verbindung mit der brutalen und blutigen Darstellung stark verdeckt werden müssen, um die wenig überzeugenden optischen Aspekte zu verbergen. Die Macher sollten aber wissen, dass Fans dieser Horrorfilme der Güteklasse Z gallige Prothesen einer primitiven CG-Technik vorziehen. Das Finale bietet plötzlich eine Vielzahl von Explosionen und Schießereien, was auf ein höheres Budget hindeutet als bisher angenommen. Außerdem ist Dr. Kings letzter Plan, seinen Haifischmann sich fortpflanzen zu lassen, pervers komisch, wie etwas aus "Der Re-Animator". Gelegentlich ist das Ganze jedoch so bescheuert, dass es entweder zum Totlachen oder grenzdebil öde ist.

In "Raptor" von Regisseur Jim Wynorski fahren drei College-Studenten achtlos in ihrem Jeep herum, als sie von einem puppenhaften Raptor angegriffen werden, einem prähistorischen Tier, das durch die Wüste streift. Es ist hysterisch albern, Menschen dabei zuzusehen, wie sie von einem Gummitier in Stücke gerissen werden. Die Szene soll intensiv sein, was durch schnelle Kamerabewegungen, viel buchstäbliches intestinales Gemetzel und schrille Schreie unterstützt wird. Doch dafür ist es unglaublich lustig.

Sheriff Jim Tanner (Eric Roberts) wird gerufen, um den blutigen Tod eines Trios von Mittzwanzigern in der trockenen Region zu untersuchen. Ihm zur Seite steht die Tierschutzbeauftragte Barbara Phillips (Melissa Brasselle, deren Supermodel-Figur und riesige Brüste nicht im Geringsten an realistische Professionalität erinnern), eine Spezialistin für Angriffe von Wildtieren. "Es war kein Puma", beteuert sie, während das Kreischen eines großen Reptils in der Ferne die observierenden Beamten ablenkt.

Der Übeltäter, ein 150-200 Pfund schweres Tier, ist ein abtrünniges Experiment der 'Eunice Corporation', die von dem strengen, unsympathischen Tierverhaltensforscher Dr. Hyde (Corbin Bernsen) geleitet wird, der sein Team von Wissenschaftlern anweist, die Situation unter Kontrolle zu bringen, um polizeiliche Ermittlungen zu vermeiden. Die Regierung beauftragte seine Organisation bereits vor zwölf Jahren mit dem 'Jurassic Storm Project', bevor es eingestellt und illegal im privaten Sektor wiederaufgenommen wurde. Die leitende Assistentin Karen (Teresa DePriest) engagiert einen ahnungslosen Geflügeltransporter, um die verbliebenen Neugeborenen heimlich auszusiedeln, aber ein weiteres entkommt, diesmal ein T-Rex. Der Wissenschaftler Lyle (Frank Novack) beginnt, an der Legitimität seiner Beteiligung an dem korrupten Unternehmen zu zweifeln, während der Sicherheitschef Josh McCoy (Grant Cramer) ohne Umschweife an der Vertuschung mitwirkt.

Tanners Tochter Lola (Lorissa McComas) wird von dem gentechnisch veränderten Dinosaurier angegriffen und auf der Flucht aus dem Auto geworfen. Sie ist traumatisiert und liegt eine Zeit lang im Koma, wird aber durch eine Tonaufnahme des grölenden Sauriers geweckt. Während Barbara durch die Verluste offenbar sexuell erregt wird und versucht, den Sheriff zu verführen, bevor sie zu ihrem Haus zurückkehrt, wo sie sich auf eine Dusche im Dunkeln vorbereitet und Melissa Brasselle die Gelegenheit bietet, in Unterwäsche umherzutänzeln, bricht Jim das Rendezvous ab, um im Hauptquartier von 'Eunice Corporation' ein wenig herumzuschnüffeln. Während er um einen Durchsuchungsbefehl kämpft, tauchen weitere Leichen auf, darunter einer von Tanners Stellvertretern, dem eine riesige Dinosaurierklaue in den Unterleib getrieben wurde.

Die Kameraführung mit grüner Raptorvision lässt Hinterhalte erahnen, Melissa Brasselles Uniform im Dienst zeigt immer ihre Hüften, und die Dinosaurierangriffe sind zahlreich und unfreiwillig komisch. Die Dialoge sind grotesk erbärmlich, die Schauspielerei kann man kaum als schauspielerisch bezeichnen, eine militärische Verfolgungsszene könnte nicht banaler sein, mit gebellten Befehlen, steifen Bewegungen und Gesprächen. Der Schnitt ist entsetzlich, und die Dinosauriereffekte bestehen zuweilen aus sehr kautschukartigen Kostümen, die Velociraptoren watscheln herum wie zahnbewehrte Enten. Aber jedes bisschen Low-Budget-Mittelmaß trägt spektakulär zur Unterhaltung bei.

Nur ein Film, der mit Ernsthaftigkeit und ohne Originalität hergestellt wurde, konnte zu solch einem lustigen Durcheinander von fast ausbeuterischer Dämlichkeit führen. Es ist erkennbar, dass "Raptor" versucht, die Erfolgsformel der "Jurassic Park"-Franchise und in einigen Sequenzen "Aliens - Die Rückkehr" zu kopieren, mit Schimpfwörtern speienden Marinesoldaten und einem Power-Loader-Rip-Off mit Eric Roberts in einem Bobcat, aber die schlechte Regie, die überstürzte Ausführung und das Gelddefizit schaden dem Projekt einfach zu sehr. Interessanterweise wird die Musik, die völlig uninteressant ist, James Horner zugeschrieben, nicht lange nach seinem Oscar-Gewinn für "Titanic", obwohl ein Großteil der Kompositionen aus früheren, von Roger Corman produzierten Sci-Fi-Schrottfilmen stammt.

"Briefe an Gott" von Regisseur David Nixon läuft wie ein normaler Fernsehfilm ab, mit schleppenden Momenten traurigen Dramas, allgemein fröhlichen, lustigen Augenblicken für die Familie, die mit einem krebskranken Jungen zu tun hat, und vielen Gelegenheiten, Tragödien um der Schärfe willen anzuhäufen, aber es fühlt sich nicht realistisch, inspirierend oder von Herzen kommend an. Der Film ist langatmig und versucht ständig, die Meinung des Betrachters zu beeinflussen, vor allem durch den überwältigenden Druck, an Gott zu glauben, indem er ein krankes Kind einsetzt, ein Thema, das nur wenige völlig ignorieren können. Die größte Schande ist, dass dieses Material, obwohl es nicht neu ist, so wirkungsvoll hätte sein können, stattdessen ist das Ergebnis eine unausgegorene und klischeehafte Methode der Rekrutierung.

Maddy Doherty (Robyn Lively), eine Angestellte der 'Arnold Palmer School for Children', lebt mit ihren beiden Söhnen Ben (Michael Bolten) und Tyler (Tanner Maguire) und deren Großmutter (Maree Cheatham) zusammen. Tyler hat Krebs, wurde am Gehirn operiert, bestrahlt und hat wegen der Chemotherapie keine Haare mehr. Er ist ständig krank und die Ärzte haben Maddy geraten, sich keine Hoffnungen zu machen, aber Tyler bewahrt sich seine gute Laune, indem er seiner Mutter Streiche spielt, die man geliebten Menschen nicht antun sollte, wenn der Schalk im Sterben liegt. Ben, der ältere Bruder, der nicht an Gott glaubt, hat damit zu kämpfen, dass die gesamte Zeit, das Geld und die Aufmerksamkeit der Familie an Tyler geht - er fühlt sich unsichtbar. Das scheint egoistisch, aber es ist ungerecht. Er hat auch Angst, dass sein Bruder krank bleibt und dass sie nie wieder gemeinsam Spaß haben werden. Unterstützung erhält Tyler von seiner besten Freundin Samantha (Bailee Madison) und ihrem Großvater Cornelius Perryfield (Ralph Waite), einem freundlichen älteren Herrn, dessen Theaterkarriere ihn ein wenig exzentrisch gemacht hat.

Die religiösen Töne sind unglaublich gewichtig und übertrieben. Der Film bemüht sich sehr, die Idee zu vermitteln, dass Anbetung heilsam sein kann und dass der Glaube an Gott der Schlüssel zum Glück und möglicherweise auch das Heilmittel für Krebs ist. Auf die gleiche Weise, wie eine Schnulze versucht, Emotionen für ein Drama oder eine Romanze zu instrumentalisieren, versucht "Briefe an Gott", den Zuschauer zum Glauben zu bewegen und um göttliche Intervention zu bitten. Da hilft es auch nicht, dass sich diese lästigen Themen über fast zwei Stunden hinziehen. Zumindest Tanner Maguires Darstellung ist relativ authentisch, und seine Akzeptanz der Situation und sein realistischer Blick auf die Haltung der anderen, manche mit Freundlichkeit und Verständnis, viele aber mit Angst und Hass, ist erfrischend angemessen. Aber die unüberschaubar umfangreichen Montagen und die Pausen, in denen man einem Lied lauscht, während Rückblenden zu früheren Szenen im Film abgespielt werden, machen deutlich, dass der Erzählansatz nicht gut durchdacht oder für jemanden jenseits der außergewöhnlich Andächtigen geeignet war.

1939 war ein großartiges Jahr für den Film, in dem unter anderem "Vom Winde verweht" und "Der Zauberer von Oz" in die Kinos kamen. In einem der ersten Jahre des Bestehens des Oscars mit zehn Nominierungen für den besten Film war ein weiteres ausgezeichnetes Epos der immer mehr ignorierte Film "Stürmische Höhen" von Regisseur William Wyler, der dank einer hervorragenden Besetzung und einer starken Geschichte, die auf dem gelobten Roman basiert, sofort erfolgreich war. Die Dialoge sind abwechselnd lyrisch und bösartig, mit Inbrunst und Schärfe vorgetragen, was vielleicht dank der Adaption eines so beliebten Buches am meisten berührt. Selbst die wenigen Änderungen schmälern nicht den bleibenden Reiz, obwohl sie den möglichen Ton der Beziehung der Hauptfiguren verändern und das Ende so anpassen, dass zufällig eines der besten Liebesdramen aller Zeiten entsteht.

In den Mooren von Yorkshire in England stand ein Haus, das so düster und trostlos war wie die Einöde um es herum: 'Wuthering Heights'. Es ist die Heimat einer höchst unwillkommenen Gesellschaft, die es nicht gerne sieht, wenn Fremde auf ihrem Grundstück erscheinen. Als Mr. Lockwood (Miles Mander), ein neuer Mieter des Anwesens, in einer besonders stürmischen, verschneiten Nacht das Haus betritt, wird er mit Verachtung und Groll empfangen. Widerwillig nimmt ihn der Besitzer Heathcliff (Laurence Olivier) in einem Zimmer auf. Als Lockwood mitten in der Nacht aufwacht, hört er die gedämpften Schreie einer Frau im Moor. Heathcliff wird wütend, als Lockwood das Phantasma beschreibt, und rennt sofort in die Kälte hinaus. Dies veranlasst die Haushälterin Ellen (Flora Robson), dem verunsicherten Gast die Geschichte von Heathcliff und seiner verlorenen Liebe Cathy (Merle Oberon) zu erzählen.

"Stürmische Höhen" ist ein Film über zwei Welten, die durch die Verstrickungen der Liebe, verursacht durch unbändige Eitelkeit und Gier, aufeinander prallen. Wie in vielen großen Tragödien, vor allem in zeitgenössischen Stücken, geht es um eine verbotene oder zum Scheitern verurteilte Romanze und die Trennung zwischen den Klassen: diejenigen, die gezwungen sind, zusammen zu sein, und jene, von denen erwartet wird, dass sie zusammen sind, wobei jedes Szenario maßgeblich von Klasse und Status bestimmt wird. Die Konzepte der Verfolgung von Beziehungen, der Rache, des Rollentauschs und der Verwandlung treten ebenfalls stark in Erscheinung: Heathcliffs Verachtung führt zu seiner geisterhaften Rückkehr aus der Vergangenheit, der märchenhaften Rückgewinnung eines riesigen Vermögens, um sich auf bittere Weise wieder in das Leben von Cathy und Edgar Linton (David Niven) einzugliedern, nicht weit entfernt von der heroischen Rache des Grafen von Monte Christo, und dient dem ruinierten Hindley (Hugh Williams) als feindliche Abrechnung.

Heathcliff ist opulent manipulierend und bösartig zerstörerisch, aber ebenso fluchbehaftet. Er ist dazu bestimmt, sein Leben damit zu verbringen, sich an allen zu rächen, die ihm Unrecht getan haben, einschließlich Cathy, ungeachtet oder vielleicht gerade wegen seiner absoluten Besessenheit von ihr. Eine der bewegendsten Szenen zeigt dies in einem Kampf zwischen nervösen Blicken und unnachgiebigen Starren zu den schnellen Noten von Mozarts 'Türkischem Rondo'. Dank der außergewöhnlichen Harmonie zwischen Laurence Olivier und Merle Oberon sind sie in der Lage, viele Emotionen und Kommunikationen ohne Worte allein mit ihren feuchten, aber nicht blinzelnden Augen zu vermitteln. Es ist kein Zufall, dass "Stürmische Höhen", so unbemerkt wie er inmitten der Konkurrenz von 1939 ist, 1998 auf der Liste der 100 größten amerikanischen Filme des 'American Film Institute' landete und 2007 von der 'Library of Congress' wegen seiner unbestreitbaren filmischen Bedeutung und Kunstfertigkeit für die Aufnahme in das 'National Film Registry' ausgewählt wurde, obwohl er seit mehr als einem Jahrzehnt auf Heimvideo vergriffen ist.

Die oft parodierte, äußerst majestätische Eröffnungssequenz ist vielleicht die atemberaubendste Aufnahme des gesamten Films, in der die Hauptdarstellerin Julie Andrews als Nonne Maria grandios durch die Hügel des Salzburgs in den 1930er Jahren wirbelt. "Meine Lieder, meine Träume" unter der Regie von Robert Wise ist mit einigen der einprägsamsten, fröhlichsten und unterhaltsamsten Songs aller Musicals gesegnet - eine ungewöhnliche Leistung für die Fülle von Werken aus den 50er und 60er Jahren, von denen viele kein einziges Stück enthielten, das so bedeutsam war wie die schwächste Melodie in diesem episch-romantischen Meisterwerk.

In der Abtei, in der Maria als Postulantin lebt, hat die ehrwürdige Mutter genug von der Unruhe, dem Fehlverhalten und der Flucht der jungen Frau aus der Einrichtung, um mittags im Nachbartal zu meditieren. Sie schickt sie als Gouvernante auf das nahe gelegene Landgut des Kapitäns von Trapp (Christopher Plummer), der dringend Hilfe bei der Betreuung seiner sieben Kinder benötigt, deren Mutter verstorben ist und die bereits zwölf Kindermädchen durchlaufen haben. Bei ihrer Ankunft in dem kalten, grauen, hoch aufragenden Haus wird klar, dass nicht die Kinder die Nannys vergrault haben, sondern die strenge, militaristische Erziehung, die ihr Vater ihnen angedeihen ließ. In Uniformen gekleidet, auf Pfeifsignale reagierend und wie Miniatursoldaten marschierend, haben die sieben Kinder geheime Methoden entwickelt, um mit solch drakonischer Disziplin zurechtzukommen. Sie sind unverbesserlich und unmöglich im Umgang mit ihrem neuen Au-pair-Mädchen und schikanieren es. Diese Initiation wird von der intelligenten Maria zu einer Lektion in Sachen erster Eindruck und Reue umgedreht.

Das älteste Mädchen, die sechzehnjährige Liesl (Charmian Carr), ist in den Boten Rolfe (Daniel Truhitte) verliebt, der sie im Garten besucht, nachdem er dem Kapitän Telegramme überbracht hat - eine Verbindung, die vor dem sicherlich missbilligenden Vater geheim gehalten wird. Trotz von Trapps Beharren auf einem strengen Verhaltensregime und Unterordnung ist Maria entschlossen, den Kindern beizubringen, Kinder zu sein, und zwar durch die Freuden des Singens, Tanzens, Spielens und der Fröhlichkeit - all die Bestandteile des unbeschwerten Erwachsenwerdens, die ihnen so sehr fehlen. Als der Kapitän mit der Romantikerin Baronin Schroeder (Eleanor Parker) aus Wien zurückkehrt, ist er wütend über den Übermut seiner Kinder, bis sie für die Adelige singen und eine Stimmung ins Haus bringen, die seit dem Tod seiner Frau nicht mehr da war.

Gespräche, die sich in Lieder verwandeln, haben etwas Magisches und Unaufdringliches, vor allem wenn man bedenkt, dass das typische Tanzen, das solche Sketche begleitet, erfrischend unauffällig ist. Bestimmte Sequenzen mit Charakteren, die sich niemals spontan austoben würden, werden dennoch choreographiert, aber nicht auf eine ablenkende Extravaganz hin. Wenn Liesl und Rolfe ihrer Liebe Ausdruck verleihen, geschieht dies durch einen Kuss und einen Tanz im Regen - ein weiteres natürliches Erlebnis. Wenn Maria sich bewegt, dann entweder mit den Kindern oder ganz allein, um Tagträume oder Introspektion zu visualisieren. Die Dialoge, wenn sie nicht gesungen werden, sind sorgfältig geplant und nicht selten hochkomisch, voller pfiffiger Wortwechsel und lebhafter Diskussionen.

Es ist verwunderlich, dass das unrealistischste Element des dreistündigen Films eine komplexe Marionettenshow ist, die von den Kindern aufgeführt wird und in der Talente und Utensilien gezeigt werden, die nicht so schnell hätten zusammengestellt werden können, obwohl die genaue Zeitspanne unklar ist. Ungeachtet der möglichen Konflikte, die über das Verhalten des Kapitäns hinausgehen und in die historische Schwere des Anschlusses, der Nazis und des Zweiten Weltkriegs eintauchen, ist der Film äußerst positiv, lebenslustig und hoffnungsvoll. "Meine Lieder, meine Träume" ist ein spektakuläres Vergnügen, um ein Musical zu sehen, das ein ergreifendes Thema mit einem düsteren Hintergrund behandelt, ohne die Festlichkeit seiner Imagination zu verraten. Viele werfen dem Film zwar vor, zu süßlich zu sein, darunter auch Regisseur Robert Wise, bevor er sich schließlich bereit erklärte, das Projekt zu leiten, aber "Meine Lieder, meine Träume" ist ein außerordentlicher Triumph, bei dem Charaktere, Geschichte, Kameraführung und Ton mit dauerhaften Liedern brillant ausbalanciert werden, was zu einem immensen Kassenerfolg führte, der später den Oscar für den besten Film sowie für die beste Regie und eine Nominierung für Julie Andrews einbrachte, die vor allem wegen ihres Oscar-Gewinns für "Mary Poppins" im Jahr zuvor nicht gewann.

In abwechselnd sehr enigmatischen und qualvoll langwierigen Sequenzen untersucht "The Green Knight" von Regisseur David Lowery die Mythen und Legenden, die dazu gehören, ein Mythos und eine Legende zu werden. Während der Protagonist des Films durch eine wackelige Erkenntnis der widersprüchlichen Natur des Ziels, das er anstrebt, und der wirklichen Opfer, die mit dem Erreichen dieses Ziels verbunden sind, stolpert, bläht sich jede Szene mit dramatischen Visualisierungen und donnerndem Sound auf und steuert auf eine Katharsis zu, die nie kommen wird. Wahre Absichten und konkrete Definitionen schaffen es oft nicht, den übermächtigen Nebel zu durchdringen, sowohl buchstäblich als auch symbolisch. Der einleitende Off-Kommentar warnt davor, dass es sich hier nicht um eine bekannte Geschichte von Schwertern in Steinen handelt, sondern um eine Fantasy-Neuerzählung, die leider Wirkung und Intrigen zugunsten surrealistischer Bilder und poetischen Gebrabbels opfert.

Der temperamentvolle, nichtsnutzige junge Gawain (Dev Patel) verbringt seine Tage damit, sich zu besaufen und Münzen an die laszive Essel (Alicia Vikander) zu verschwenden, während er davon träumt, ein Ritter zu werden. Als ein bedrohlicher Eindringling das Weihnachtsessen des Königs (Sean Harris) unterbricht und einen Krieger auffordert, eine unheilvolle Herausforderung anzunehmen, meldet sich Gawain sofort freiwillig. Doch das trügerische Duell hat schreckliche Folgen und zwingt den forschen jungen Mann, in den Norden zu reisen, an einen fernen Ort, an dem es von unsagbaren Gefahren, Betrug und Tod nur so wimmelt.

Basierend auf einer ritterlichen Romanze eines anonymen Autors (geschrieben und inszeniert von David Lowery), geben sich die ersten Momente große Mühe, eine besondere Atmosphäre zu schaffen - eine mit herabfallender Asche, ständigem Dunst, hoher Luftfeuchtigkeit, flackernden Lichtern, einem läutenden Glockenturm, verdreckten Tieren und zerrissener Kleidung. Eine gewisse Unsauberkeit durchzieht die Szenerie, von armseligen Gesichtern über Bordellbewohner bis hin zu baufälligen Gebäuden, bevor der runde Tisch eines kalten Steinschlosses zum Mittelpunkt für den Besuch des jenseitigen grünen Ritters wird. Die Landschaften sind atemberaubend, auch wenn sie auffällig arrangiert sind und den Anschein einer "The Witcher"-Episode erwecken. In seinen besten Momenten gleicht "The Green Knight" einem zum Leben erweckten Frazetta-Gemälde oder einem nicht jugendfreien Update der Fantasien von Ray Harryhausen. "Bist du schon ein Ritter?"

Leider wird trotz der Aufmerksamkeit für visuelle Details durch eine starke Stilisierung des Schnitts schnell klar, dass es sich hier nicht um ein traditionelles Schwert- und Hexenabenteuer handelt. In der Tat gibt es praktisch überhaupt kein Gefühl für Abenteuer, das epische Projekt ist eher von halluzinogenen Einlagen durchsetzt als von einer geradlinigen Geschichte. Da ein Jahr vergehen muss, bevor Gawain zu seinem Schicksal aufbricht, stellt sich eine merkwürdige Langsamkeit ein, die Sorgfalt der künstlerischen Kameraführung, Licht und Schatten sind ungewöhnliche Prioritäten, stimmungsvolle Kadrierungen und Umgebungsdetails verhindern, dass die Handlung in Gang kommt. Und sobald sich Gawain in den unerbittlichen Fängen von Waldbanditen wiederfindet, verflüchtigt sich jeglicher Sinn für die übliche Suche, die Geschehnisse werden so skurril und bringen ein fast schon komisches Maß an Exzentrik mit sich, dass man das Gefühl hat, die Interaktionen könnten jeden Moment in einen Monty-Python-Sketch ausarten.

"The Green Knight" ist nicht nur darauf ausgelegt, die Spannung hinauszuzögern, er ist auch keineswegs als eine Veranstaltung für verwegenen Schwulst gedacht. Eine geheimnisvolle Mission nach der anderen verlagert die Geschehnisse nicht nur weg von den bereits phantasmagorischen Qualitäten mittelalterlicher Bilder wie "Der Tag des Falken" oder "Legend" oder den mythischen Interpretationen von "Die Zeit der Wölfe", sondern auch in die Science-Fiction-Gefilde von "Zardoz" oder "Auslöschung". Es ist klar, dass diese Adaption auf eine sehr spezielle Gruppe von Kinobesuchern abzielt, das allgemeine Publikum wird völlig perplex sein. An einer Stelle frisst Gawain wilde Pilze - ein Akt, für den sich David Lowery selbst entschieden haben könnte, als er den Plot schrieb, denn die Ereignisse hier sind so routinemäßig unfassbar, dass sie genauso gut Teil eines psychedelischen Trips sein könnten. "Ich fürchte, ich bin nicht zu Großem bestimmt."

Gelegentlich wandern die separat betitelten Vignetten durch die Horrorthemen, sind aber nie ganz dem visuellen Terror verschrieben. Nach demselben Muster bauen zahllose Filmszenen ihre Spannung und Eindringlichkeit auf, nur um kurz vor der Ehrfurcht zu enden, und fast jede Sequenz endet abrupt, um in antiklimaktische Seltsamkeit zu münden. Bedeutungen und Botschaften sind vorhanden, wenn man nach ihnen sucht, im einfachsten Fall eine Lektion über idealisiertes Rittertum, aber die Charaktere sind so unsympathisch und anormal bis hin zur Irrationalität, dass die Geschichte nur in immer weniger überzeugende Visionen von fanatischer Esoterik zerfällt. "Dieses Haus ist voll von seltsamen Dingen."

In "Supergirl" von Regisseur Jeannot Szwarc ist die überraschend weitläufige, glitzernde, kristalline, silbrige Kolonie 'Argo City' wie ein Kaleidoskop aufgebaut und beherbergt ein Labyrinth aus individuellen Behausungen und Gemeinschaftsräumen, die wie ein Konglomerat aus Resten der Kulissen von "Barbarella" gestaltet sind. Dazu gehören auch die verschlungenen, korallenähnlichen Strukturen des Gründers und Künstlers Zaltar (Peter O'Toole), der einen Baum perfektioniert, eine organische Formation von der Erde, wie er Kara (Helen Slater) erklärt, die staunend zusieht. Er erläutert auch die Beziehung des Planeten zu ihrem eigenen, der im Innenraum existiert, und die Tatsache, dass Karas Cousin, Superman, früher zur Heimatwelt der Menschen gereist ist. Sie reden außerdem viel über sechstdimensionale Geometrie, während sie mit einer unschätzbaren Energiequelle, einem Zauberstab und einer beschworenen Libelle hantieren.

Als Zaltar unvorsichtigerweise das Omegahedron, die Energiekugel, die die ganze Stadt mit Strom versorgt, verliert, springt Kara in ein interdimensionales Raumschiff, das merkwürdigerweise nicht für die unvermeidliche Rückreise benötigt wird, um es von der Erde zurückzuholen, während Zaltar für seine Rücksichtslosigkeit auf ewig in die Phantomzone verbannt wird. Durch einen unerklärlichen Zufall gerät das Omegahedron in die Hände der bösartigen Hexe Madame Selena (Faye Dunaway) und ihres Handlangers Nigel (Peter Cook) und nicht in die eines wohlwollenden Bürgers. Nur wenige Sekunden später erscheint Kara in der Nähe, gekleidet in einen roten Umhang, einen hautengen blauen Anzug und einen unerhört kurzen Rock, auf dessen Brust das charakteristische "S" eingestickt ist. Außerdem hat sie außergewöhnliche Kräfte, kann fliegen und hat wallendes goldenes Haar, das länger und gepflegter ist als in 'Argo City'. "Was soll das mit dem Halloween-Kostüm?"

Die Titelmusik von Jerry Goldsmith versucht verzweifelt, Spannung zu erzeugen, aber sie schafft es nicht, sich als originell oder eingängig zu erweisen. Leider klingt er jedes Mal, wenn er anschwillt, wie eine billige Imitation eines großartigen, bekannten Abenteuersoundtracks. Das ist besonders bedauerlich, da die Musik die Handlung hätte vorantreiben können, die bald nur noch eine Gelegenheit für ein außerirdisches Wesen ist, Lachen, Liebe und Vergewaltiger bei ihrer ersten Begegnung zu finden, während sie sich an die Torheiten der Menschheit gewöhnt.

Anstatt sich eine Brille mit dicken Gläsern aufzusetzen, um ihre Identität zu verbergen, schlüpft Kara in das Alter Ego von Linda Lee, der neuen Schülerin der Midvale School in Illinois, die sich mit den typischen Jugendproblemen wie Hausaufgaben, Sport, Raufbolden, strengen Lehrern und süßen Jungs herumschlagen muss. Dank weiterer, fast unsinniger Zufälle besucht Linda einen Mathekurs, der von Nigel unterrichtet wird, und wohnt bei Lucy Lane (Maureen Teefy), der jüngeren Schwester von Lois Lane. Der Versuch, dieses Spin-Off in die Welt der damaligen laufenden Superman-Serie einzubinden, ist erschöpfend, da es eine vergleichbare Geschichte erzählt, die es absolut nicht nötig hat, ständig an ihre Angrenzung erinnert zu werden. Es wäre viel klüger gewesen, diese Anspielungen auf ein Minimum zu beschränken.

Weitere unpassende Kuriositäten gibt es zuhauf, von einem Liebestrank-Subplot mit Selena, die in einem verlassenen Gruselkabinett lebt, Hexerei mit Zaubertränken und -sprüchen studiert und eine blödsinnige Mitbewohnerin (Brenda Vaccaro) hat, mit der sie wie eine schwachsinnige Abwandlung von Elvira, der Herrin der Finsternis, Sitcom-Interaktionen führen kann, bis hin zu einem Wochenendausflug für die Schulmädchen, um sich mit ihren Freundinnen über Verabredungen zu unterhalten. Eine Spur von Action entsteht durch zerstörerisches, magisch angehauchtes Chaos, aber es ist nicht leicht für diese Sequenzen, interessant zu bleiben, wenn Kara einfach ihre Superkräfte einsetzen kann, um den Tag zu retten. Es gibt kein wirkliches Gefahrenempfinden, vor allem nicht, wenn alle Figuren - Protagonisten wie Antagonisten - ihre eigene Lächerlichkeit ausstrahlen. "Okay, jetzt mal ernsthaft."

Einige der Aufnahmen mit praktischen Effekten sind angemessen, aber viele der visuellen Spezialeffekte, die Derek Meddings gutgeschrieben werden, zeigen die begrenzten Qualitäten des Rotoscopings und der primitiven CG der damaligen Zeit. Letztlich passen die Konzepte von Autor David Odell und Regisseur Jeannot Szwarc nicht zu ihrer Umsetzung. Sie haben zwar hochtrabende Einfälle, aber sie schaffen es nicht, sie mit einem angemessenen Maß an Unterhaltung auf den Bildschirm zu bringen. Es ist fast rätselhaft, wie die Filmemacher all diese großartigen Einfälle so plakativ vergeuden konnten, denn es fehlt weitgehend an Tiefgang, die Zusammenstöße zwischen Gut und Böse sind mitunter aufgrund abwechselnd inkonsequenter und frivoler Motive äußerst blass, und Begriffe wie Aufopferung, Erlösung und Verzweiflung sind angesichts der spontanen, unerklärlichen und jenseitigen Konflikte bedeutungslos. Auch wenn zahlreiche Schnittfassungen von "Supergirl" in den Kinos und später im Fernsehen und auf Home Media veröffentlicht wurden, wobei einige internationale Fassungen zusätzliche Charakterentwicklungen enthielten und der Director's Cut mehr als eine halbe Stunde Filmmaterial hinzufügte, kann keine Version die beträchtlichen Fehler in der Erzählung, die unüberschaubaren Drehbuchentscheidungen und den eklatanten Mangel an Vergnügungswert wettmachen.

"Sucht sie nur in Büchern, denn sie ist nicht mehr als ein Traum, an den man sich erinnert ... eine Zivilisation, die vom Winde verweht wurde." Diese durchschlagende Aussage trifft auch auf diese Art des Filmemachens zu. Kein anderer Film hat eine solche Wirkung, einen derartigen Einfluss und ein so episches Gefühl wie das unverwechselbare Meisterwerk "Vom Winde verweht" von Regisseur Victor Fleming hervorgerufen. Die Mischung aus Drama, Romantik, Abenteuer, Komödie und Tragödie, die sich durch den Amerikanischen Bürgerkrieg zieht, ist mutig und bewegend zugleich und umspannt historische Kriegsereignisse wie die Schlacht von Gettysburg, Shermans Atlanta-Kampagne und die Wiedervereinigung. Die Charaktere sind ebenso lebendig und faszinierend wie die leuchtende Kameraführung, die prächtigen Kostüme und die riesigen, mit Tausenden von Statisten besetzten Kulissen. Vorbei sind auch die Zeiten der Ouvertüren, der Intermissionen, der musikalischen Einleitungen, der Abgänge, der königlichen Filmmusik von Max Steiner und natürlich des ausgedehnten Historienspiels, das in einzelne Abschnitte unterteilt wurde, um es dem Betrachter leichter zu machen.

Auf der O'Hara Plantage in Georgia ist die junge Scarlett (Vivien Leigh) schockiert, als sie von ihrem Vater (Thomas Mitchell) erfährt, dass der nahe gelegene Plantagenbesitzer Ashley Wilkes (Leslie Howard) plant, seine Cousine Melanie Hamilton (Olivia de Havilland) zu heiraten, wie es in der Familie üblich ist. Scarlett ist in Ashley verliebt, aber er scheint es nicht zu wissen. Sie kann zwar jeden Mann in der Gegend haben, aber sie ist auf den fixiert, den sie nicht haben kann. Bei der Grillparty der Wilkes am nächsten Tag sorgt Scarlett eifersüchtig für Ärger, indem sie mit allen Verehrern flirtet, aber das hält die unvermeidliche Vereinigung von Ashley und Melanie nicht auf.

Und dann ist da noch Rhett Butler (Clark Gable), der unehrenhafte, skandalöse und äußerst sarkastische Halunke, der klarer denkt und offener spricht als jeder andere Mann. Durch seine selbstbewussten, bissigen Worte und seine unerschütterliche Haltung wird ersichtlich, dass er der eigentliche Star der Party ist und perfekt zu der berechnenden, hinterhältigen Scarlett passt. Dennoch heiratet das O'Hara-Mädchen widerwillig Charles Hamilton (Rand Brooks), gerade als der Krieg erklärt wird. Ihr Mann stirbt kurz darauf an einer Lungenentzündung, was sie zu einer besonders unreifen jungen Witwe macht, die ihre schwarzen, unaufrichtigen Trauerkleider gegen schicke Partykleider eintauschen möchte. Sie reist nach Atlanta, um bei Melanie zu wohnen, in erster Linie, um der Familie näher zu sein, zu der sie nicht gehören konnte. Dort trifft sie wieder auf Rhett, der jetzt Kapitän und Blockadebrecher ist und sich herzlich wenig um die Sache oder den Patriotismus schert, den die übrigen Südstaatenmänner so sehr unterstützen.

Der Schlagabtausch zwischen Rhett und Scarlett ist phänomenal unterhaltsam. Es ist eine Freude zu sehen, wie der eingebildete, selbstsichere, ruhige, dominante Kontrollfreak die naive, selbstsüchtige, kindische, zu Wutanfällen neigende, arglistige Jungfrau überzeugend verführt. Es ist ein Playboy-Manöver, das sie für einen Moment aufrichtet und sie zwingt, angemessen zu reifen. Sie sind ein perfektes Filmpaar, bei dem Rhett nie an Charme verliert und Scarletts Charakter immer stärker wird. Vielleicht ist es ihre irische Abstammung, die sie dazu bringt, den Besitz von Eigentum als Symbol für Status, Leistung und Macht über alles andere zu stellen, was ihre Skrupellosigkeit in Bezug auf Beziehungen offenbart. Während sie vom verwöhnten Reichtum in hungernde Armut und harte körperliche Arbeit und dann auf perfide Weise wieder in den Wohlstand zurückfällt, wird sie noch viel durchtriebener und unwiderstehlicher, und es überrascht nicht, dass sie sich nicht so sehr Respekt verschaffen kann, sondern eher Angst. Selbst die Schuld kann Scarlett nicht ganz auf dem Gewissen haben, ganz gleich, wie sehr sie sich der Verachtung hingibt. Dies führt zu einem hervorragend passenden Ausklang, einer Szene, die fast so bedeutsam und berühmt ist wie "Vom Winde verweht" selbst, nämlich der Kampf zwischen Scarletts Habgier und Sturheit und Rhett's unbändiger, unangebrachter Zuneigung. Ihre Beziehung ist letztlich ein ständiger Krieg um Gefühle, die keiner der beiden für den anderen erreichen oder besitzen kann, was für beide zu einer erschreckend tragischen Entgleisung und für Scarlett zu einer plötzlichen, leider verspäteten Einsicht führt.

Die berüchtigte Vergewaltigungsszene in der Ehe und die fragwürdige Darstellung der Sklaverei, in der die Bediensteten als gut behandelte, zufriedene und ihren Besitzern treu ergebene Angestellte dargestellt werden, sind zwar nicht ganz unumstritten, aber Hattie McDaniel wurde für ihre Darstellung der Hausangestellten Mammy als erste Afroamerikanerin mit dem Oscar für die beste Nebendarstellerin ausgezeichnet. "Vom Winde verweht" wurde mit einer rekordverdächtigen Anzahl von Auszeichnungen geehrt, darunter auch der Oscar für den besten Film, um den unübertroffenen Kartenverkauf und den Erfolg an den Kinokassen zu ergänzen. Der Film gilt als einer der größten aller Kinofilme und ist ein palastartiges Spektakel, das dieses Lob auf jeden Fall verdient. Nichts an ihm ist durchschnittlich oder langweilig, und die umfangreiche Laufzeit ist ebenso wenig beschwerlich wie vergnüglich. Da David O. Selznicks Vision alles zuwege brachte, wird Margaret Mitchells monumentale Geschichte des alten Südens hoffentlich nie wieder verfilmt werden.

"The Northman" von Regisseur Robert Eggers spielt im Jahr 895 nach Christus. König Aurvandil (Ethan Hawke) ist nach einem strapaziösen Feldzug gegen seine Widersacher zu seiner Königin Gudrun (Nicole Kidman) und ihrem kleinen Sohn Amleth (Oscar Novak) zurückgekehrt. Doch sein gefährlichster Feind steht ihm noch näher: sein Bruder Fjolnir (Claes Bang), der bald darauf den Thron verrät, Aurvandil tötet und Gudrun für sich einnimmt. Amleth kann dem Martyrium nur knapp entkommen und schwört, sich an dem Mann zu rächen, der seine Welt aus den Angeln gehoben hat. Die Jahre vergehen und Amleth (Alexander Skarsgard) zieht als Erwachsener mit seiner Adoptivfamilie im Land der Rus über die Dörfer her. Als er einer geheimnisvollen Seherin (Björk Guðmundsdóttir) begegnet, die ihn an sein Racheversprechen erinnert, erkennt Amleth, dass er seinem Schicksal nicht mehr entfliehen kann. Als er erfährt, wo sich Fjolnir aufhält, tarnt sich der unerbittliche Krieger als Gefangener und besteigt ein Schiff auf dem Weg nach Island. Dort angekommen, setzt Amleth mit Hilfe der bezaubernden Jungfrau Olga aus dem Birkenwald (Anya Taylor-Joy) und dem Willen der Götter selbst seinen blutrünstigen Plan in die Tat um den Mord an seinem Vater zu rächen.

"The Northman" ähnelt zwar auf den ersten Blick dem Film "Der Leuchtturm" mit seiner Schwarz-Weiß-Farbpalette und den nebligen Wasseransichten, doch plötzlich tanzt ein Farbklecks über den Bildschirm, was darauf hindeutet, dass es sich um ein kontrastreicheres Design handelt. Trotz der kurzen Einblicke in Rot- und Grüntöne bleibt ein Großteil des Films düster und trübe und offenbart eine außergewöhnlich unglamouröse Interpretation der Wikingergeschichte, abgesehen von den körperlich robusten Darstellern. Dennoch erinnert die Kinematographie gelegentlich an Wes Anderson, da die Charaktere in der Regel perfekt im Bild zentriert sind, Hintergrundobjekte sich parallel zu taumelnden Motiven bewegen und die meisten Konversationen so geführt werden, als ob sie direkt in die Kamera sprechen würden. Es ist fast so, als ob es die Absicht ist, bei engeren Aufnahmen jegliches Gefühl von Dreidimensionalität zu beseitigen, wodurch unglaublich flache Kompositionen entstehen. In anderen, selteneren Momenten, vor allem bei Weitwinkeln, spielen die Umgebungen eine große Rolle, wobei Regen, Schnee, Feuer, Eis, Schlamm und Vegetation, oft gemischt mit Schweiß und Speichel, eingesetzt werden, um das Grauen der Zeit zu unterstreichen oder zu verstärken.

Es handelt sich eindeutig um eine äußerst künstlerische Annäherung an das neunte Jahrhundert, trotz der einfachen Anpassung der Kulissen, der Maske, der Kostüme und der Rüstungen. Sogar die vielen Riten und Rituale sind wahrscheinlich authentisch, auch wenn Autor und Regisseur Robert Eggers viel zu sehr darauf eingeht und die Kamera lange verweilen lässt, nachdem die etwas faszinierende Seltsamkeit der Gesänge, Tänze und Hexereien in Monotonie übergegangen ist. Die Laufzeit hätte deutlich verkürzt werden können, wenn man die Wiederholungen dieser alten Bräuche, die sich schlecht auf das Ehrfurchtgefühl des modernen Betrachters übertragen lassen, einfach gestrichen hätte.

Blühende, shakespearesche, zeitgenössische Dialoge verleihen dem Film einen unbestreitbaren Realismus, der vielleicht die ganze Fantasie und das Abenteuer von etwas so Übertriebenem wie "Conan der Barbar" entfernt, aber das Drehbuch hält dennoch in regelmäßigen Abständen inne, um die Charaktere die Einzelheiten ihrer Absichten und Missionen erklären zu lassen. Es ist, als ob Robert Eggers Angst hat, dass das Publikum Handlungspunkte verpasst, und sie deshalb mit weniger ausführlichen Worten wiederholen muss. Problematisch ist jedoch, dass die Handlung ungewöhnlich einfach ist, die Vorstellung eines verratenen Jugendlichen, der aufwächst, um seine Frevler zu rächen, ist einfach zu alltäglich. Die Prämisse bietet trotz der ständigen Rückblicke, Reflexionen und Halluzinationen, zu denen sich Noten von Mystik, Prophezeiungen und unabänderlichem Schicksal gesellen, wenig Neues. Robert Eggers war vielleicht nicht in der Lage, seiner Vision treu zu bleiben, denn das größere Budget, das typischerweise mit der Einmischung des Studios verbunden ist, hat ihn sicherlich dazu bewogen, komplexere, kommerziell verwertbare Kampfsequenzen zu verwenden, um das, was ansonsten ein quälend langsames Rache-Epos hätte werden können, aufzupeppen, oder vielleicht ist der Balanceakt zwischen Action und Symbolik nicht seine Stärke. "Möge diese Missetat deine lebenden Nächte heimsuchen."

Allerdings ist "The Northman" von erstaunlicher grafischer Gewalt geprägt, die mit Axtschwingen, Schwerthieben und Kehlenschlägen die Fans in ihren Bann zieht. Doch wenn die Brutalität nicht im Mittelpunkt steht, schwankt der Film zwischen der Atmosphäre und der Erzählweise von "Braveheart", "Spartacus", Roger Cormans schäbigen Schürzenfilmen "Der Todesjäger" und "Barbarian Queen", "Krull", "Sleepy Hollow", einigen der mythologischen Werke von Ray Harryhausen und dem ganz aktuellen David Lowery-Film "The Green Knight". Einige der zerstörerischen Konfrontationen bieten eine leichte Genugtuung, aber das viele Herumtrödeln und die verwirrenden Wiederholungen bizarrer Zeremonien sorgen für eine Langweiligkeit, die sicherlich nicht den Erwartungen des Mainstream-Publikums an spannende Wikinger-Beutezüge entspricht.

Die einleitende Titelsequenz in "Madman" von Regisseur Joe Giannone könnte nicht gegensätzlicher zum eigentlichen, brutal blutrünstigen Gehalt des Films sein. Sie beginnt mit röhrenlastiger elektronischer Musik, dubiosen Schriftzügen und skurrilem Titelsong, bevor sie zu den 'North Sea Cottages' führt, einem speziellen Rückzugort für begabte Kinder. Mehrere junge Männer und Frauen versammeln sich um ein Lagerfeuer, um die Geschichte von 'Madman' Marz (Paul Ehlers) zu hören, die der langjährige Betreuer Max (Carl Fredericks) erzählt. Er weist darauf hin, dass der Name, wenn er im Wald geflüstert wird, den bösen Geist von Marz heraufbeschwört und ihn dazu einlädt, jeden allein umherirrenden zu ermorden. Die Legende besagt, dass Marz ein böser, hässlicher Farmer mit einer Frau und zwei Kindern war. Er prügelte seine Ehefrau und züchtigte seine Kinder bestialisch, trank ununterbrochen in der Schenke und randalierte unentwegt. Eines Nachts drehte er völlig durch und erschlug seine schlafende Frau, hackte mit einer Axt auf seinen Sohn und seine Tochter ein, marschierte dann in die Kneipe der Stadt und bestellte sich einen Drink. Als sie merkten, was er getan hatte, stürzten sich zehn Männer auf ihn und schleppten ihn zum nächsten Baum, zerschlitzten ihm das Gesicht und hängten ihn zum Sterben auf.

Die Dialoge sind absolut furchtbar und zieren die Übergänge zwischen den Szenen nur, um die Figuren wie Menschen erscheinen zu lassen. Das funktioniert nicht, denn sie wirken trotzdem wie hölzerne, unrealistische und farblose Stereotypen. Die Inszenierung ist ebenso grauenhaft. Letztlich sind die Rollen nicht mehr als eine Häufung von Leichen, die vom Killer verstümmelt werden. Minuten nach dem Aufsagen von gesprochenen Zeilen für eine beklagenswerte Charakterentwicklung werden im Wesentlichen ununterscheidbare Rollen mit dem Fallbeil entsorgt. Zumindest ist die Reihenfolge, in der sie getötet werden, nicht vollständig vorhersehbar.

Ein paar Jumpscares sind zwar durchaus von Erfolg gekrönt. Blitzlichter beleuchten plötzlich Marz' widerliches Gesicht und es gibt eine sehr unangenehme und unerotische Sexszene. Stacy (Harriet Bass) fällt bei der Verfolgung immer wieder lustig auf den Boden. Richie (Jimmy Steele) verschwindet als erster und entgeht doch immer wieder dem Tod, während ein Kühlschrank sich als gutes Versteck erweist und ein abgeschlagener Kopf verhindert komischerweise das Anfahren eines LKWs. Aus unerfindlichen Motiven beschließt Betsy (Gaylen Ross) spontan, dass sie allein nach Überlebenden suchen muss, anstatt Hilfe von der Polizei zu holen. Am unsinnigsten ist vielleicht, dass Betsy erklärt, dass nur fünf Kinder im Camp sind, was die Anwesenheit von neun Betreuern völlig überflüssig macht, da diese vor allem daran interessiert sind, die Exerzitien als Vorwand zu nutzen, sich zu paaren und zu kopulieren. Marz selbst ist imponierend plump und im Allgemeinen langsam, aber mit genügend Make-up, verdeckten Einstellungen und hilfreichen Schatten ausgestattet, so dass er zu einigen effektiven Aufnahmen beitragen kann, obwohl das gesamte Finale ein dreister Diebstahl von "Blutgericht in Texas" ist.

In "Frau in Schwarz" von Regisseur Herbert Wise wird Arthur Kidd (Adrian Rawlins), ein junger Anwalt, der auf eine Partnerschaft mit der angesehenen Kanzlei hofft, die ihn beschäftigt, mit einem einwöchigen Projekt in einem Marktstädtchen, Crythin Gifford, an der Küste Englands beauftragt. Er soll sich um den Tod von Morgan Drablows Witwe kümmern, indem er der Beerdigung beiwohnt, die Papiere und den Nachlass der Familie ordnet und das leer stehende Haus zum Verkauf anbietet. Arthur Kidd kommt in Gifford an und trifft auf den wohlhabenden Landbesitzer Sam Toovey (Bernard Hepton), einen älteren Mann, der seine Dienste für alles anbietet, was Kidd brauchen könnte, und auf Arnold Pepperell (John Cater), einen Anwalt, der bereit ist, bei den rechtlichen Pflichten zu helfen, außer wenn es um die Reise nach 'Eel Marsh House' geht, wo der zurückgezogene, kürzlich Verstorbene wohnte.

Bevor Arthur Kidd den unwirtlichen Damm der 'Neun Leben' zum Anwesen überquert, erspäht er bei der Beerdigung eine einzelne Trauernde, eine dunkel gekleidete Frau, die während der gesamten Zeremonie auf mysteriöse Weise auftaucht und wieder verschwindet. Am nächsten Morgen wird John Keckwick (William Simons) beauftragt, Arthur Kidd zu dem Anwesen zu bringen, das aufgrund der Gezeiten den größten Teil des Tages vom Rest der Stadt abgeschnitten ist. Arthur Kidd ist in dem riesigen Herrenhaus völlig isoliert, und seine Situation verschlimmert sich noch, als er weiterhin die geisterhafte Matrone in schwarzem Gewand sieht, die ihn mit einem heftigen Spuk empfangen will, wobei die Hotelsequenz mit ein paar sehr bemerkenswerten Schreckmomenten völlig furchterregend ist.

Die Ausgangssituation ist nicht unmittelbar bedrohlich oder beängstigend. Die Szenen mit Arthur Kidds Frau und Kindern, ihrer Nanny, einer Zugfahrt, dem Einchecken in ein Zimmer und der Beobachtung des geschäftigen Markttreibens in Gifford verlaufen allesamt unaufgeregt. Es herrscht eine gewisse Vorahnung, wenn Lady Alice Drablow erwähnt wird, und es ist klar, dass die Stadtbewohner nicht viel von ihr wissen wollten. Verschiedene Personen aus dem Bekanntenkreis, die schlecht über 'Eel Marsh House' sprechen, führen zu einer gewissen Verstörung, aber erst wenn dem Betrachter das eigentliche Gelände und seine beängstigende Lage gezeigt werden, wird der übernatürliche Horror deutlich.

Was "Frau in Schwarz" wirklich unheimlich macht, ist die Unerschrockenheit des Films, den Antagonisten am helllichten Tag zu zeigen und das Fehlen von Argumenten oder Definitionen, wenn es darum geht, wozu der Geist fähig ist. Als Arthur Kidd zum ersten Mal am 'Eel Marsh House' abgesetzt wird, sieht er die geschwollene, rotäugige Erscheinung ganz klar, die sich ihm mit diabolischer Absicht nähert. Realistischerweise hält er nicht an, um zu plaudern, sondern rennt sofort ins Haus und schaltet alle Lichter ein. Danach lässt der Film den Zuschauer einige Zeit warten, bis er sie wieder sieht. Doch die Saat ist gelegt, allein das Wissen, dass sie jeden Moment auftauchen könnte, ist bedrohlich. Es gibt auch eine ziemlich langwierige Sturzaktion, die die Erwartung in die Länge zieht. Arthur Kidds Beharren auf Isolation ist ähnlich einschüchternd.

Unheimliche Klänge, der ohrenbetäubende Lärm eines Pferdekutschenunfalls im Sumpf mit einem schreienden Kind, dichter Seenebel, gespenstische Aufnahmen der letzten Tage der Witwe in der Behausung und ein Begleithund namens Spider, dem Arthur Kidd von Sam Toovey geschenkt wurde und der durch sein Bellen und sein Herumirren in unerforschten Gängen für zusätzliche Angst sorgt, verstärken die Spannung und die eindringliche Atmosphäre. Arthur Kidd versucht herauszufinden, wer genau das Phantom ist, warum es das Land plagt und was die Verwicklung von Gifford darin ist. Die meisten Details werden durch unkomplizierte Erklärungen verraten. Arthur Kidds scheinbare Paranoia und sein geistiger Verfall ersetzen einen Großteil der Fragebeantwortung, zusammen mit einem morbiden, unerwarteten Schluss, der die erschreckende Natur des Romans von Susan Hill widerspiegelt, auf dem dieser Fernsehfilm basiert. "Frau in Schwarz" wurde viermal für den BAFTA nominiert, ist auf Heimvideos bemerkenswert unbekannt geblieben und wurde 2012 von Hammer Films mit Daniel Radcliffe in der Hauptrolle neu verfilmt.

Der erste "Der Todesjäger" war kein Klassiker. Anstatt an die wenigen funktionierenden Bestandteile anzuknüpfen, entschied sich "Mystor - Der Todesjäger II" von Regisseur Jim Wynorski dafür, alles stehen und liegen zu lassen und die gelegentlich unterhaltsame Hauptfigur durch einen völlig hirnlosen, feixenden Vollidioten zu ersetzen. Der neue 'Deathstalker' (John Terlesky) ist ein mächtiger Krieger, der im ganzen Land als Meisterdieb, unparteiischer Schwertkämpfer und notorischer Schürzenjäger bekannt ist. Er schließt sich mit der Seherin Reena (Monique Gabrielle) zusammen, einem Orakel, das ihm eine wichtige Reise voraussagt, die neben "Conan der Barbar" in die Geschichte eingehen wird. Ihre Figur versucht, für humoristische Abwechslung zu sorgen, aber die Witze und die Darbietung sind so furchtbar pathetisch, dass sie jede Chance, wirklich lustig zu sein, zunichte machen.

In der Zwischenzeit hat der böse Zauberer Jarek (John La Zar) auf magische Weise Prinzessin Evie erschaffen, ein exaktes Duplikat von Reena, der einstigen Prinzessin der Stadt Jafeer, das geklont wurde, um den Thron an sich zu reißen. Aus irgendeinem Grund muss sich Evie vom Blut junger Männer ernähren, deren entstellte, entkörperte Gesichter sie auf ihr riesiges Stirnbrett legt. Chin, der einäugige Attentäter (Marcos Wolinsky), hat ein Team von Eliteschlächtern angeheuert, um Deathstalker zur Strecke zu bringen, darunter die mit Adjektiven vollgestopften Crazy Alto Rango der verrückte Preuße, Ed 'Der Kopf' Shamanski, John 'Der Täufer' Bombaso, Nick 'Der Krüppel von Cashmere' (sein Name sagt alles) und Buddy 'Fußbank' LaRosa. Natürlich hat diese gewalttätige Gruppe keine Chance gegen den Prinzen der Diebe, der seine Gegner immer wieder mit flotten Sprüchen überlistet. Sultana (Toni Naples), eine böse Zauberin, die sich nur an dem Mann rächen will, der ihr bei ihren Eroberungen immer in die Quere kommt, wendet sich an Jarek, um ihm bei der Beseitigung von Deathstalker zu helfen, nachdem seine Bande angeheuerter Killer den Job nicht zu Ende bringen kann. Während der Odyssee entkommt Deathstalker Sprengfallen, wehrt sich gegen die wandelnden Toten, kämpft gegen königliche Wachen und zaubernde Attentäter und bekämpft einen rein weiblichen Amazonen-Stamm.

"Ich werde mich rächen... und Deathstalker auch." Diese verächtliche Rede ist das Stichwort für das "Mystor - Der Todesjäger II"-Logo, das noch dämlicher wird, wenn die Figur den Titel tatsächlich ausspricht. Andere absurde Zitate sind: "Normalerweise habe ich nichts dagegen, wenn eine Frau eine ordentliche Tracht Prügel bezieht, wenn sie es verdient hat" und "Deathstalker? Ist das Ihr Vorname oder Ihr Nachname?" In dieser losen Fortsetzung wird auch viel Material aus dem ersten Film wiederverwendet, darunter die Schlammschlacht und die Gamorrean-Garde, die wie Schweinesoldaten aussehen, sowie offensichtlich ähnliche Kostüme. Sogar eine Hintergrundfigur, Wolinsky, taucht wieder auf und spielt einen ähnlichen Schurken mit einem anderen Namen, der vermutlich keine andere Arbeit findet. Leider haben sich die Produzenten für John Terlesky und Monique Gabrielle entschieden, die beiden Schauspieler, die in einem Barbaren-Epos mit Schwert und Zauberei am wenigsten Glaubwürdigkeit versprechen.

"Mystor - Der Todesjäger II" enthält schlechte Rockmusik, kläglich synthetisierte Soundeffekte, dilettantisch choreografierte Kampfszenen, die so aussehen, als wären sie in Zeitlupe aufgenommen worden, stöhnende Zombies, Zwergenbeschimpfungen, eine Synchronisation, die so miserabel ist, dass es scheint, als wären die ernsten Worte im Original absichtlich veralbert worden, lachhafte, nichtssagende Dialoge, die von katastrophalen schauspielerischen Leistungen begleitet werden, und viel weniger Nacktheit als im Vorgänger. Zur Borniertheit tragen auch der Schriftzug "Live Entertainment Nitely" an einem Taverneneingang und die Formulierung "um Himmels willen" bei, die nachlässig anachronistisch wirken. Und doch scheint es sinnlos, einen Film für kleine Fehler zu kritisieren, wenn das niedrige Budget und die Blödheit der Geschichte und der Charaktere die ganze Tortur zu einem filmischen Witz machen, der nie deutlicher wird als in den Outtakes, die während des Abspanns laufen.

In "Die Farbe des Geldes" von Meisterregisseur Martin Scorsese sind für 'Fast' Eddie Felson (Paul Newman) Jahrzehnte vergangen, aber er hat nicht aufgehört, Poolhallen zu besuchen und andere Wege zu finden, ein paar Dollar zu verdienen, indem er sich auf skrupellose Geschäfte einlässt, diesmal mit Whiskey. In einer Bar in Illinois mit seinem Partner Julian (John Turturro), dem neuesten Gauner, den er anheuert, macht Eddie den jungen Vincent Lauria (Tom Cruise) ausfindig, der einen unglaublichen Schlag hat und verschiedene andere Fähigkeiten auf dem Tisch präsentiert, die in einem speziellen Fachjargon beschrieben werden. Vincent ist jedoch zu sehr ein Wichtigtuer, und er benutzt seine Freundin Carmen (Mary Elizabeth Mastrantonio), um Spiele zu arrangieren - ein Grund mehr für seine Amateurhaftigkeit. Doch seine Begabung ist außergewöhnlich. Und mit dem richtigen Lehrer warten vielleicht Reichtum und Erfolg auf ihn.

Eddie Felson lebt und atmet das Gaunertum, er studiert die Menschen um ihn herum, findet immer Schwachstellen und Möglichkeiten, sie zu manipulieren. Und er sieht in Vincent Lauria eine jüngere Version von sich selbst. Auch wenn es 25 Jahre her ist, dass "Haie der Großstadt" gedreht wurde, hat diese Fortsetzung eine ähnliche Atmosphäre wie das Original. Die Rollen sind vertauscht: Eddie Felson fungiert nun als Mentor und nimmt sich eines neuen Schülers an, aber die Themen und Handlungen sind ziemlich identisch. "Ich scherze nie über Geld."

Trotz der Bemühungen, "Die Farbe des Geldes" zu einem wiedererkennbaren Nachfolger zu machen, gibt es ein paar zu viele Ähnlichkeiten, die genau das gleiche Problem wie beim Vorgänger hervorrufen: Keine der Charaktere ist besonders glaubwürdig oder sympathisch. Die Lernkurve des übermütigen, impulsiven Jungspundes ist enorm, selbst bei offensichtlichen Betrügereien wirkt er oft zu naiv. Er ist einfach nicht dafür gemacht, ein Abzocker zu sein, er will spielen, um zu gewinnen, nicht um Geld zu verdienen. Und seine gerissene Freundin, die ihr eigenes Ziel anvisiert, scheint ihn jeden Moment zu hintergehen. Während Eddie Felson älter und erfahrener geworden ist, hat sich sein Verhalten nicht wesentlich verändert. Seine Beweggründe sind nicht weit von denen entfernt, die ihn Jahre zuvor bewegt haben, was ihn dazu veranlasst, immer wieder Fehler zu machen und vielleicht sogar Reue zu empfinden. "Das ist das Problem mit der Gnade, Junge. Es ist einfach nicht professionell."

Die Dynamik zwischen Vater und Sohn löst hier glücklicherweise die des Meisters und des Schülers ab und schließt letztendlich den Kreis, wenn es darum geht, Lektionen zu erteilen und zu lernen, wodurch eine etwas unbeschwertere Note vermittelt wird. Das Tempo ist insgesamt auffallend langsam, vor allem durch viel zu viele Sequenzen, in denen prominente Soundtrack-Songs den Geldwechsel begleiten, oder durch entschlossene Blicke, die versenkte Würfe anzeigen, sowie durch die allseits beliebte Ball-Cam von unten auf dem Tisch. "Gewonnenes Geld ist doppelt so schön wie verdientes."

Eine der größten Veränderungen findet schließlich im Finale statt, das sich um ein Turnier in Atlantic City dreht und nicht um ein privates Duell in einer Bar. Doch selbst diese Veränderung ist ambivalent, denn Eddie Felson gegen Vincent Lauria ist nicht der Showdown, den der Zuschauer sehen möchte, da er nichts für die Hauptfiguren selbst tut. Sie waren nie Feinde, und es beweist auch nichts, wenn der eine den anderen übertrumpft. Es gibt immer noch ein paar Überraschungen, die das Zeug dazu haben, im Gedächtnis zu bleiben, doch wenn hinterhältige, unehrliche Menschen sich zwei Stunden lang gegenseitig ausnutzen, ist das Endergebnis selten zufriedenstellend.

In "Mosquito Man" unter der Regie von Tibor Takács ist ein neues Bakterium aufgetaucht, das noch tödlicher ist als das West-Nil-Virus. Es breitet sich rasch über die Vereinigten Staaten aus und infiziert Tausende von Menschen, was zu überfüllten Krankenhäusern und einer allgemeinen panischen Unruhe führt. Die Epidemie veranlasst Dr. Aaron Michaels (Jay Benedict) von 'Bellion Pharmaceuticals' in Baltimore, mit einer neuen Mückenart zu experimentieren, die die Krankheit nicht übertragen kann. Sein Einsatz von Strahlung und Sträflingen aus dem Todestrakt als menschliche Versuchspersonen ist eine schlechte Nachricht für das unwissende Versuchskaninchen Ray Erikson (Matthew Jordan), dem es gelingt, sich von seinen Handschellen zu befreien, sich in eine Schießerei im Labor zu verwickeln und die Wissenschaftlerin Liz (Christa Campbell) als Geisel zu nehmen.

Nachdem er Liz erbarmungslos getötet hat, versucht Ray, Dr. Jennifer Allen (Musetta Vander) als menschliches Schutzschild zu benutzen, aber es gelingt ihr, sich lange genug aus seinem Griff zu befreien, um unter einem Tisch Schutz zu suchen, bevor eine zweite Schießerei dazu führt, dass eine DNA-verändernde Reaktorexplosion blaue, radioaktive Moskito-Flüssigkeit über Ray ergießt. Der Verurteilte gelangt zwar in den Keller und durch die Tiefgarage wieder nach draußen, aber er erfährt sofort die Auswirkungen einer drastischen Mutation. In kürzester Zeit wird er zum Mosquitoman. Es ist also die Aufgabe des Detectives der Mordkommission, Lieutenant Thomas Randall (Corin Nemec), der zufälligerweise Jennifers Freund ist, die wütende Mensch-Moskito-Hybrid-Monstrosität aufzuspüren.

Auch wenn die Darstellung mehr als miserabel ist und die Dialoge durchweg zu Lachnummern verkommen, sind die Szenen der Detektivarbeit so banal, dass die Beamten jedes erdenkliche Verbrechen aufklären könnten, doch die Spezialeffekte sind erstaunlich gut gelungen. Einige Momente mit wenig überzeugenden Computeranimationen weichen bald riesigen Prothetiken und Zubehörteilen sowie einem überdimensionalen Mücken-Kostüm, die absolut unterhaltend und total aufbauend sind. Zum größten Teil ist "Mosquito Man" ein Abklatsch von David Cronenbergs "Die Fliege", aber es ist immer noch selten, ein derart inspiriertes Kreaturendesign in einem Low-Budget-Fernsehprojekt zu sehen. "Hören Sie, ich bin nicht schuld daran."

Die Zahl der Leichen ist ziemlich hoch, und es wird ständig geschlachtet, auch wenn das meiste außerhalb des Bildes stattfindet. Es gibt eine Fixierung auf konventionelle Inszenierungen, wie das Lauern der Mücke in den Schatten oder das Herabsteigen von der Decke auf ein Opfer, das Überkreuzen hinter einer Figur, wenn Lichtblitze die Kreatur zum Vorschein bringen, oder sogar eine obligatorische Sexszene, um Musetta Vanders Körper zur Schau zu stellen, vor allem als sie in einer lauen Nebenhandlung eine eigene Mutation durchmacht. Dennoch sind viele dieser Aufnahmen effektiv. Und da der Bösewicht so schnell in eine schleimige Kreatur verwandelt wird und die Nebenrollen so schnell erledigt sind, bleibt kaum Zeit, sich um etwas anderes zu kümmern als um die Gewalt und den damit verbundenen Horror.

Die Geschichte wurde von keinem Geringeren als Boaz Davidson geschrieben, der es liebt, Stunts und Action in seine Horrorfilme zu integrieren. Er ist der Mann hinter so epischem Schund wie "Crocodile", "Octopus", "Spiders", "Rats" und "Sharkman". So ist es nicht verwunderlich, dass sich seine Stärke von Tiermörderfilmen zu Menschenmutantenfilmen verlagerte, die alle eine ähnliche Handlung und einen vergleichsweise mittelmäßigen Produktionswert haben. Die praktischen Effekte und das Finale mit dem Amoklauf im Krankenhaus sind zum Ausgleich für die allgemein schlechte Handhabung von Drehbuch, Regie und Erzählung zum großen Vergnügen gerade noch eindrucksvoll genug. "Er ist inzwischen mehr Mücke als Mensch."

In "Ein Mann wie Dynamit" von Regisseur J. Lee Thompson ist Warren Stacy (Gene Davis) überzeugt, dass trotz seines guten Aussehens und seiner körperlichen Fitness jedes Mädchen, das er anspricht, ihn abblitzen lässt. In seinem Kopf spielt er Szenarien der Zurückweisung durch, die ihn so wütend machen, dass nur brachiale Gewalt gegen attraktive Frauen ihm Befriedigung verschaffen kann. Daher pirscht er sich an seine Beute heran, zieht sich nackt aus und greift Paare mit einem Butterflymesser an. Das mag sich unkontrolliert und psychotisch anhören, aber Warren Stacy ist intelligent genug, um sich ein denkwürdiges Alibi zu verschaffen, indem er zwei Mädchen in einem Kino belästigt.

Leo Kessler (Charles Bronson), ein altgedienter Leutnant aus Los Angeles, übernimmt die leitenden Ermittlungen und stellt sofort fest, dass der Täter ein Messer als sein Schnüffelstück benutzt. Unter der Anleitung von Captain Malone (Wilford Brimley) gewinnt Leo Kessler den jungen Detective Paul McAnn (Andrew Stevens) als Partner, der zwar über die nötige Ausbildung, nicht aber über die nötige Erfahrung verfügt, um die Aufklärung eines Serienmörders zu bewältigen. Als sich das jüngste Opfer, Betty Johnson, als ehemalige Freundin von Leo Kesslers Tochter Laurie (Lisa Eilbacher) entpuppt, wird schnell klar, dass sich auch Laurie in die Liste der Leichen einreihen könnte, die sich immer weiter auftürmen. "Lass dich nicht von deinen Gefühlen leiten."

Der Mörder wird dem Betrachter gleich offenbart, und er wird von den Behörden sofort befragt. Außerdem ist sich Leo Kessler sicher, dass Warren Stacy der Täter ist, und weigert sich, einen anderen Verdächtigen in Betracht zu ziehen, trotz des stichhaltigen Alibis des Mannes. Diese Art der Erzählung lässt keinen Raum für Geheimnisse, sondern wird zu einer verfahrenstechnischen Arbeit darüber, wie man den Täter verfolgen kann, wenn die Beweislage dünn ist und die Rechte des Einzelnen nicht verletzt werden dürfen, auch wenn es nur eine Frage der Zeit ist, bis der Killer sich verrät oder die Polizei hinterhältige Taktiken anwendet. Da dies relativ geradlinig ist, mäandert "Ein Mann wie Dynamit" über eine Nebenhandlung um eine entfremdete Tochter und eine Romanze zwischen Laurie und Leos neuem Partner - beides Abschweifungen, die im Krimi-Genre wenig originell sind. Aber es gibt auch moralische Probleme, die Leo Kesslers jahrzehntelangen makellosen öffentlichen Dienst trüben, und einen Strafverteidiger, der sich ebenso verhält und zugibt, dass Ehrlichkeit manchmal in die Gaskammer führen kann. "Vergessen Sie, was legal ist und tun Sie, was richtig ist."

In dem eher hysterischen, aber gewalttätigen ersten Mordfall jagt Warren Stacy einer jungen Blondine mitten im Wald hinterher. Beide sind komplett nackt, aber nur dem Mädchen werden die Innereien herausgeschnitten und dem Tod überlassen. Mit dieser frühen Sequenz wird "Ein Mann wie Dynamit" sowohl zu einem Krimi als auch zu einem Teenager-Slasher, was durch die zahlreichen Szenen angedeutet wird, in denen spärlich bekleidete Frauen in ihren Wohnungen beobachtet werden, bevor sich der Film in einen sehr unüblichen Rachefilm verwandelt, der mit Charles Bronson in der Hauptrolle vielleicht sogar unabdingbar ist - eine seltene Mischung von Konzepten, die in gleichem Maße und mit entsprechender Aufrichtigkeit behandelt werden. Alle drei Genreverschiebungen passen nicht so gut zusammen, wie sie sollten, auch wenn "Ein Mann wie Dynamit" mit einem Slasher-Finale endet, das den Adrenalinspiegel für das, was ein gewöhnlicher Thriller hätte sein können, erhöht. Charles Bronson verkörpert seine gewohnte, ungeschminkte, knallharte Persönlichkeit, und die Abschiedsnotizen zielen eher auf reine Rachefantasie als auf vernünftige, realistische Gerechtigkeit.

"Wonderlus" von Regisseur Johan Cronje ist äußerst dramatisch: Opernmusik untermalt die Szene einer zerstörten Hochzeitssuite mit nackten Menschen, die über das Bett verstreut sind. Ein Paar sitzt in einem geparkten Auto und ein Mann liegt bewusstlos auf einem Esstisch in einem Bankettsaal. Geschickterweise schaltet der Herr im Fahrzeug das Radio aus, das die Quelle der Chormusik ist. Leider hört die Cleverness dort auf und nimmt nie wieder Fahrt auf. Ruan (Stiaan Smith) und Lindie (Simone Nortmann) sind ein anderes Paar in einem anderen Schlafzimmer. Ersterer leidet unter einem mörderischen Kater und letztere ärgert sich über Dinge, die in der vergangenen Nacht gesagt und getan wurden. Das Problem ist, dass sich keiner dieser verschiedenen Hochzeitsgäste an alle Einzelheiten erinnern kann, außer dass die alkoholgetränkte Party viel Spaß gemacht hat.

Es ist an Gerrie (Adam Heyns), dem Vernünftigen, und Lukas (Beer Adriaanse), dem Unverantwortlichen, die Geschehnisse zu klären, angefangen damit, was mit Pietie (Edwin van der Walt) passiert ist, demjenigen, der kopfüber im Bett liegt und neben einer unbekannten Frau schläft. Als "Wonderlus" an den Vortag zurückblendet, stellt sich heraus, dass die Frau im Bett eine der Küchenangestellten (Lea Vivier) ist und nicht die Braut (Mila Guy), die Pietie geheiratet hat. Und diese Braut, die in "Wonderlus" ebenso wie die Kellnerin kurioserweise namenlos bleibt, erwacht im Auto eines Fremden, mitten in einem Sonnenblumenfeld.

Der Aufbau ähnelt auffallend dem von "Hangover", nur dass dort, wo eigentlich Komik sein sollte, eine deutliche Melancholie herrscht, fast so, als ob die an sich blödsinnigen Umstände einen traurigen Realismus darstellen sollen. Als Gerrie und Lukas zur Hochzeit auf einen Bauernhof! fahren, beklagen sie sich über die Geschwindigkeit, mit der die Zeit vergeht, und über die Freunde, die sie immer wieder an die 'Falle' der Vermählung verlieren. Sie sind nicht mehr jung und die Sesshaftigkeit ist die letzte Stufe der Domestizierung und der Aufgabe ihrer wilden Seiten. Eine weitere Wendung, die eigentlich nur komödiantisch sein sollte, ist die Tatsache, dass Lukas seit drei Wochen ein Gelübde der sexuellen Enthaltsamkeit abgelegt hat, was jedoch nur ein weiteres Detail ist, das für Ernsthaftigkeit und nicht für Slapstick sorgt.

Wenn die Teilnehmer nicht gerade in düsteren Erinnerungen schwelgen, als würden sie alle an Altersschwäche sterben, machen sich Braut und Bräutigam Gedanken darüber, ob alles in Ordnung sein wird oder nicht. Zu dieser Trübsinnigkeit gesellen sich deprimierende Lieder und Montagen, die das eheliche Unglück andeuten, insbesondere die Untreue, die in den ersten Momenten stattfand. Dazwischen kippen die Figuren Schnäpse, saufen Bier, rauchen Gras, flirten, tanzen und tanken noch mehr. "Wonderlus" könnte genauso gut eine Aufforderung zum rücksichtslosen Feiern bedeuten.

Ein weiteres Problem ergibt sich aus der Strukturierung des Films. Es soll ein wenig rätselhaft sein und durch Rückblenden allmählich aufgelöst werden. Aber die Entscheidung, abrupt zwischen den vier Zeitabschnitten der Hochzeit, des Empfangs, der Zeit danach und des Morgens darauf hin- und herzuschneiden, macht es schwierig, die Dinge zu sortieren. Das sollte bei dieser Art von Beziehungsmelodrama keine Rolle einnehmen. Leider spielt das alles kaum eine Rolle, denn als der Film sich seinem Ende zuneigt, mit Charakteren, die sich aneinander hängen, sich trennen, peinliche oder emotionale Dinge sagen, während sie hemmungslos alkoholisiert sind, und sich pausenlos streiten, wird "Wonderlus" einfach zu einem weiteren generischen Beziehungsdrama, das nichts Neues zu einer ausgelutschten Rezeptur bietet. Außerdem ist der Film überlang, unpassenderweise düster, und er endet ergebnislos, als ob er verzweifelt hofft, ein wissenschaftliches Werk zu sein, über das die Rezensenten nachdenken werden.