Chainsaw Charlie - Kommentare

Die Schauspielleistung in "Wall Street 2: Geld schläft nicht" unter der Regie von Oliver Stone ist phänomenal. Geschichte wie Charaktere sind sehr interessant. Und vieles ist besser als beim Vorgänger. Doch das begehrteste Thema, das 'Familiengeschäft' der Rache, wird durch eine Untersuchung von Sühne, Vergebung und Veränderung in Schach gehalten. Die Opposition zu Fall zu bringen, ist der schnellste Weg zu einem kathartischen Abschluss, der besser und glaubwürdiger ist als jede Alternative, die den Betrachter durch die Notwendigkeit eines positiven Abschlusses aufgezwungen wird.

In dieser gar nicht so fiktiven Welt, die von Gier und Macht beherrscht wird, sollten die Lektionen, die man gelernt hat, drastische und nachhaltige Auswirkungen haben, während Vergebung und Vertrauen fast unerreichbare Errungenschaften sind. Die Charaktere aus "Wall Street" scheinen nur dann wirklich zu Hause zu sein, wenn sie damit beschäftigt sind, rücksichtslose Rachepläne auszuhecken und sich zu verschwören, um die Konkurrenz zu vernichten. Vielleicht ist Spekulation der Fluch der Existenz, aber man muss sich fragen, wie viel stärker der Film hätte sein können, wenn Rache und moralisches Risiko die Erlösung nicht zugelassen hätten.

Der junge Wall-Street-Händler Jacob Moore (Shia LaBeouf) arbeitet für die große Investmentfirma 'KZI' unter seinem geliebten Mentor Lewis Zabel (Frank Langella). Als das Unternehmen schnell zusammenbricht und Zabel zum Verkauf gezwungen ist, nimmt er sich das Leben. Nach dem Verlust seines Lehrers ist Jacob entschlossen, sich an Bretton James (Josh Brolin) zu rächen, dem Mann, der für die Zerstörung seiner Firma verantwortlich ist, und nimmt die Hilfe des berüchtigten ehemaligen Firmenriesen Gordon Gekko (Michael Douglas) in Anspruch. Indem er seine Verlobte Winnie (Carey Mulligan), Gekkos entfremdete Tochter, als Druckmittel einsetzt, um die Hilfe des intriganten Investors zu erlangen, begibt sich Jacob in einen Krieg des Intellekts, der Egos und der Millionen von Dollar gegen einen Gegner mit praktisch unbegrenzten Ressourcen.

Auch hier muss sich der Zuschauer mit einem Finanzjargon und einer Anlageterminologie auseinandersetzen, mit der der Durchschnittsbürger nicht vertraut ist. Diesmal fügt Regisseur Oliver Stone auch wissenschaftlichen Fachjargon hinzu, begleitet von störenden Computeranimationen und Split-Screen-Schnitten. Die Geldsummen sind so immens und das Bankgeschäft so riskant, dass nur wenige Menschen etwas damit anfangen können, doch die meisten werden das Grundkonzept der Gier verstehen und wissen, wie sich Menschen in den Abgrund stürzen, um eine Chance auf die große, reiche Karriere zu haben. Für Figuren wie Gordon Gekko ist das Kapital selbst nicht mehr der Reiz, sondern das Spiel, der Wettbewerb und die Rivalität, das Streben nach immer mehr Geld. Das sind die Menschen, die mehr Geld haben, als sie in ihrem Leben ausgeben können, oder die Menschen, die einmal alles hatten und nun verzweifelt wieder nach Reichtum um des Reichtums willen suchen.

"Wall Street 2: Geld schläft nicht" ist in vielerlei Hinsicht besser als das Original, von der Strukturierung bis zur Regie, vor allem aber bei den Schauspielern. Michael Douglas hat wieder einmal die interessanteste Rolle: Er vergräbt seine Gefühle, um gegen ebenso herzlose Gegner zu bestehen. Die Rache treibt viele der Charaktere an, aber auch die Erlösung. In dieser Fortsetzung gibt es viel mehr Charakterentwicklung, die das menschliche Drama ebenso wie die finanziellen Machenschaften etabliert. Computer haben sich weiterentwickelt, die Mode hat sich geändert und die Technologie hat sich gewandelt, doch die Wall Street ist immer noch dieselbe - die Charts, die Websites, die obsessiven Telefonanrufe und die verrückten, energiegeladenen Etagen der Investmentfirmen sind immer noch präsent und zeigen, dass jeder versucht, der nächste Gordon Gekko zu werden. Die größte Schwäche des Films ist das Ende, das sich durch den Druck der Studios, die ein Gefühl der psychologischen Sicherheit verlangen, stark belastet anfühlt. Wenn es nach Oliver Stone gegangen wäre, hätte er sicherlich ein viel weniger schmackhaftes Ende gewählt.

"Wall Street" von Regisseur Oliver Stone zeichnet sich durch mehrere brillante Leistungen aus, darunter die von Michael Douglas, der 1987 den Oscar als bester Schauspieler und den Golden Globe gewann, sowie durch faszinierende Ideen, welche die Welt der Börsenmakler und ihre Verstrickung in Geldgier und fragwürdige Ethik beleuchten. Das sind keine ungewöhnlichen Themen, doch die Untersuchung einer Gruppe, die nur selten in Spielfilmen vorkommt, wirft ein Licht auf eine Branche, die normalerweise nur die Wohlhabenden bedient. Jeder Handel hat Konsequenzen und zieht Reaktionen nach sich, und er wird von vielen unsympathischen, mächtigen Oberherren kontrolliert, was eine dynamische, cineastische Umgebung schafft. Doch so wie die Börse selbst in erster Linie für die New Yorker Oberschicht zu existieren scheint, bevorzugt auch der Film "Wall Street" diejenigen, die über Vorkenntnisse in Sachen Firmenüberfälle, Insiderhandel und mehr als nur ein Grundverständnis von Geldmanagement und Investitionen verfügen.

Bud Fox (Charlie Sheen) ist ein Börsenmakler, der sich von einem kleinen Angestellten in einer mittelgroßen Firma zu einem Investmentbanker emporgearbeitet hat. Bei der Zusammenarbeit mit seinem Freund Marv (John C. McGinley) und seinem alten Bekannten Lou (Hal Holbrook) wird Bud klar, dass er den profitgierigen Millionär Gordon Gekko (Michael Douglas) auf seine Kundenliste setzen muss, um ganz an die Spitze zu kommen. Als er endlich einen Fuß in die Tür bekommt, stellt er fest, dass der bedrohlich wohlhabende Mann keinen weiteren Makler braucht, sondern einen internen Berater.

Buds erster Arbeitsauftrag besteht darin, Sir Larry Wildman (Terence Stamp) zu observieren, einen auffallend begüterten Finanzier, der in New York ganz sicher mit Aktien handelt. Diese Aktivität führt zu weiteren heimtückischen Praktiken, darunter das Durchsickern von Insiderinformationen über den Arbeitgeber seines Vaters (Martin Sheen), 'Blue Star Airlines', die Gordon Gekko als perfekte Gelegenheit sieht, um sie auszubeuten. Der rücksichtslose Kapitalist bringt Bud zwar alles bei, was er weiß, und zeigt ihm, wie man die Kunst des Krieges auf den Aktienhandel anwendet, doch der junge Broker beginnt zu erkennen, dass Raffgier nicht immer von Vorteil ist.

Der Minuspunkt des Films ist der schwere Wall-Street-Jargon, der recht schnell einsetzt und nicht mehr nachlässt. Das Vorenthalten von Definitionen komplizierterer Begriffe ist ebenfalls nicht förderlich, vor allem dann nicht, wenn ein Großteil der Begeisterung auf einem recht soliden Wissensstand über den Aktienmarkt beruht. Die US-Börsenaufsichtsbehörde 'Securities and Exchange Commission' ist ständig auf der Suche nach Anzeichen, die auf Insiderhandel hindeuten, aber es wäre nicht unangebracht, sich zu fragen, was genau legal oder illegal ist an den vielen zweifelhaften Unternehmungen, die die Gesellschaft 'Fox' unternimmt. Mit Insider-Informationen lässt sich viel Geld verdienen, doch die "Wall Street" gibt nicht allzu viele Interpretationen preis, damit die Bevölkerung nicht weiß, was Gordon Gekko und 'Fox' vorhaben, außerdem ist der Begriff selbst Gegenstand weit gefasster und manchmal nicht durchsetzbarer Umschreibungen.

Was die Darsteller betrifft, so spielt Daryl Hannah Darien Taylor in einer erstaunlich wenig ansprechenden Rolle als Buds Innenarchitektin, die ihn liebt. James Spader hat einen kurzen Einsatz als junger Advokat. Charlie Sheen wirkt in der Hauptrolle ein wenig überdramatisch, da sein Reichtum seine Moral untergräbt. Martin Sheen ist in der Rolle des arbeitsamen Vaters wesentlich prägnanter. Michael Douglas stiehlt jedoch die Show als der reiche Mann, den der Betrachter zu hassen liebt. Mit 800.000 Dollar pro Tag ist er ein durchaus realistischer Bösewicht für einen Film über Gier und Völlerei sowie die Mühelosigkeit, mit der Kinopublika aller Wirtschaftsschichten die oberen 1% dämonisieren können. "Warum verbraten wir diesen Kerl? Sind uns die Menschen ausgegangen?"

Im Jahr 1975 wurde "Dark Star" in 40 Kinosälen aufgeführt. Die Filmemacher John Carpenter und Dan O'Bannon wollten wissen, wie das Publikum reagiert, mussten aber zu ihrem Leidwesen feststellen, dass bei einigen Vorführungen nur fünf Personen anwesend waren, die aussahen, als würden sie einer Beerdigung beiwohnen. Außerdem hat niemand gelacht, obwohl "Dark Star" eigentlich eine Komödie sein sollte. Entmutigt, aber hartnäckig, dachte sich Dan O'Bannon, wenn er die Leute schon nicht zum Lachen bringen kann, dann vielleicht zum Schreien, und so war sein nächstes Projekt "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt". "Dark Star", der als Studentenfilm begann und über einen Zeitraum von dreieinhalb Jahren gedreht wurde, wobei einer der Schauspieler auf LSD agierte, kostete etwa 55.000 Dollar und gilt heute als eine Art Kultklassiker, obwohl er meist in schlechter Qualität auf VHS vor sich hin schmachtet und wenig kulturelle Bedeutung hat, außer für Fans, die nach frühen Werken von Filmemachern suchen, die später Meisterwerke im Science-Fiction- und Horror-Genre schaffen sollten.

In der Zukunft brechen riesige Raumschiffe mit Generationen von Kolonisten an Bord auf, um in den Weiten des Weltraums nach einer neuen Erde, einer zweiten Heimat und einem Neuanfang zu suchen. Das 'Advance Exploration Corps' hat die Aufgabe, instabile Welten in den dunklen Weiten des Kosmos zu zerstören, die die Besiedelung gefährden könnten. Das Aufklärungsschiff 'Dark Star' ist ein solches Schiff, das einen instabilen Planeten in der Nähe eines Raumnebels erkundet. Die Besatzung besteht aus Corporal Boiler (Cal Kuniholm), Lieutenant Doolittle (Brian Narelle) und Sergeant Pinback (Dan O'Bannon) sowie dem Spezialisten Talby (Dre Pahich), der es vorzieht, sich von den anderen zu isolieren. Das Raumschiff und seine wichtigsten Systeme sind von schwerwiegenden Fehlfunktionen betroffen, von denen eine bereits Commander Powell getötet und eine andere den gesamten Vorrat an Klopapier zerstört hat. Da die Hardware und die Programme immer schlechter werden, macht sich die Besatzung der 'Dark Star' zunehmend Sorgen.

Ein Asteroidensturm hilft nicht weiter, Langeweile führt zu Verletzungen und zu üblen Pranks, und die übertrieben ruhige, doch irgendwie sexy wirkende Computerstimme (Cookie Knapp) bleibt beunruhigend. Man erfährt auch, dass sich ein Außerirdischer an Bord des Schiffes befindet, der als Maskottchen fungiert. Auf den ersten Blick scheint es harmlos zu sein, aber die unbekannte Natur des strandballartigen Wesens sorgt für Schüttelfrost, auch wenn es seine Beute lieber durchkitzelt, als sie zu fressen. Und bei John Carpenters Musik ist es schwer vorherzusagen, ob und wann die Situation ins Bodenlose eskalieren wird.

Es ist sofort klar, warum "Dark Star" anfangs nicht als Komödie aufgenommen wurde: Der Film ist einfach nicht lustig. Tatsächlich sind viele der Witze so stumpfsinnig, dass sie wie allgemeine Routinen wirken, mit denen die Figuren die Stimmung auflockern wollen, während sie von etwas Blutträchtigem terrorisiert werden. In der Tat weht ein unheimlicher Wind durch die Aktivitäten der Besatzung, der das Gefühl vermittelt, dass eine tödlich ernste Situation immer in greifbarer Nähe ist. Die Charaktere durchqueren lichtlose Korridore und klaustrophobische Kriechräume, wandern in Luftschleusen und hangeln sich durch Aufzugsschächte - alles Unternehmungen, die ebenso versteinernd wie prosaisch sein können.

Wären da nicht die absolut primitiven Spezialeffekte und das für das Budget anständige Setdesign, wäre der Film vielleicht als reiner Horror gelungen. Viele der Situationen sind von Natur aus gruselig, wie etwa eine kryogene Gefrierkammer, eine durchgedrehte Aufzugskabine und eine thermostellare Bombe, die von einer künstlichen Intelligenz gesteuert wird - eine klare Ableitung von HAL 9000 aus "2001: Odyssee im Weltraum", während das Finale außerdem an "Dr. Seltsam, oder wie ich lernte, die Bombe zu lieben" angelehnt ist. Trotz der visuellen und strukturellen Mängel, der Probleme mit dem Tempo und des monumental misslungenen Humors bietet "Dark Star" einen amüsanten Einblick in viele der Ideen, die in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" von 1979 sowie in der Fortsetzung "Aliens - Die Rückkehr" spektakulär umgesetzt werden sollten. Ansonsten ist der Film jedoch unglaublich langweilig.

In "Blaubart" der Regisseure Luciano Sacripanti und Edward Dmytryk kommt der österreichische Baron Kurt von Sepper (Richard Burton) in seinem eigenen Flugzeug nach Hause und trifft auf eine große Gruppe begeisterter Bürger. Als er seinen Mundschutz aufknöpft, kommt ein deutlich bläulicher Bart zum Vorschein, der ein kleines Mädchen erschreckt, das ihn mit Blumen begrüßt. Und das aus einem triftigen Grund, auch wenn sie es nicht wissen kann: Er ist ein durchtriebener, wahnsinniger Frauenmörder.

Auf einem prunkvollen Ball umwirbt von Sepper die schöne junge Greta (Karin Schubert), die er kurz darauf heiratet. Bei einem gemeinsamen Jagdausflug anlässlich ihres zweiten Jahrestages wird die Baronin erschossen und stirbt. Der Tod wird für einen Unfall gehalten, aber Sepper hat sie eindeutig ermordet und bewahrt ihre Leiche heimlich wie eine Trophäe in seinem riesigen Anwesen auf. Es dauert nicht lange, bis er die reisende amerikanische Tänzerin Anne (Joey Heatherton) kennenlernt, und auch zwischen den beiden beginnt eine leidenschaftliche Romanze, die bald zu einer weiteren Hochzeit führt.

Während Anne sich in ihrem luxuriösen, aber isolierten neuen Zuhause und Leben einrichtet, macht sie sich Sorgen über merkwürdige knarzende Geräusche, Schatten, mögliche Geister und die verwesende Leiche von Seppers Mutter, deren totes Haar von der älteren Frau Marka (Mag Avril) gestrichen wird, die in einem höhlenartigen, mit Spinnweben übersäten Turm des Schlosses versteckt ist, der dem Material aus "Psycho" nicht unähnlich ist. Anne wird unrealistisch mit einer fadenscheinigen Geschichte über Markas Geisteszustand getröstet, kurz bevor der Baron eine Reise nach Wien plant. Die Baronin möchte eigentlich nur ihre Ruhe haben, wird aber dennoch von dem hübschen blonden Dienstmädchen Rosa (Doka Bukova) bedient. Anne fragt sich auch, warum Champagner, ein Nervenzusammenbruch und ständige Ablenkungen einen sexuellen Vollzug ihrer Ehe verhindern. Als ihr bester Freund Sergio (Edward Meeks) zu Besuch kommt, erzählt sie ihm von ihrem Verdacht, doch er reist ab, bevor irgendetwas dabei herauskommt. Als Sepper schließlich abreist, ist Anne ihrer eigenen Neugierde überlassen, da sie zwar die Schlüssel zum Schloss erhalten hat, aber angewiesen wurde, den einzigen goldenen Schlüssel nicht zu benutzen. Es dauert selbstverständlich nicht lange, bis sie jeden einzelnen leicht zugänglichen Raum untersucht hat, und als Rosa in die Stadt geht, um Medizin zu kaufen, durchwühlt sie jedes Loch im Palast, um den Behälter für den goldenen Schlüssel zu finden.

Zum Glück gibt es reichlich unheilschwangere Orgelmusik, eine Partitur mit quäkenden Geigen, ein prächtiges gotisches Schloss, einen teuflischen Falken, riesige Kronleuchter, opulente Kostüme, gepuderte Perücken, eine böse einäugige weiße Katze, eine ausgestopfte Eulenuhr, Folterwerkzeuge, Tierköpfe an den Wänden unbewohnter Gänge und Blitz, Regen und Staub in jeder Szene. Die Bühnenbilder und Milieus sind wunderbar passgenau. Als Anne schließlich Blaubarts grausige, kühl gelagerte Kollektion von Leichen früherer Ehefrauen entdeckt, wird der Betrachter mit ergreifenden Rückblicken auf das Ableben jeder einzelnen Frau konfrontiert, während er Anne erklärt, wie und warum er jede einzelne ermordet hat, bevor er beabsichtigt, auch Anne zu töten. Jede der schönen Frauen verbirgt eine innere Unattraktivität und rechtfertigt damit Blaubarts mörderisches Ansinnen. Eine Sängerin (Virna Lisi), die nervigerweise nicht aufhört zu singen, ist die erste, die ein blutiges Ende mit einem abgetrennten Kopf findet, der eine Attrappe ist. Erika (Nathalie Delon) ist ein mittelloses, unerfahrenes Mädchen, das sich auf verstörend frühkindliche Weise austobt und eine lesbische Geliebte (Sybil Danning) zum Nachhilfeunterricht hinzuzieht. Eine Nonne (Raquel Welch) deckt ihre anstößige, enorm sexbesessene Vergangenheit auf. Die österreichische Angeberin, Männerhasserin und Sadomasochistin Brigitt (Marilu Tolo) ist fast schon eine Provokation, bösartig und gewalttätig, aber immer rotweintrunken, und die rothaarige Caroline (Agostina Belli) genießt es, den lieben langen Tag tatenlos in der Sonne zu liegen und einfach nur zu faulenzen. Die Preisgabe von Annes geplantem Schicksal entfacht einen Kampf der Intelligenz, wie ein klassisches Duell oder eine kecke Katze, die sich an eine clevere Maus heranpirscht.

Interessanterweise ist Blaubart in dieser Verfilmung des gruseligen Märchens von Charles Perrault aus dem Jahr 1972 kein hässlicher Mann, sondern ein Charmeur mit eleganten Konversationsfähigkeiten. Er ist ein Kriegsheld, dessen Flugzeug abgeschossen wurde und der bei der anschließenden explosiven Bruchlandung nur am Kinn schwere Verbrennungen erlitt. Narbengewebe hindert ihn daran, sich zu rasieren, und eine nicht erklärbare, ungewöhnliche chemische Reaktion hat die Verfärbung seiner Gesichtsbehaarung verursacht. "Du bist reich, gutaussehend und mächtig", sagt Anne, als Sepper sie zwingt, ihm ihre Liebe zu gestehen. Ein buchstäblich blauer Bart ist nicht genug, um seine Männlichkeit zu verletzen.

Sepper fotografiert Anne in freizügigen Dessous, nachdem jede Braut ausgeschieden ist, und Blaubart hängt liebevoll ein Foto mit kryptischen Baumzweigen auf, nur um sie zu betören. Außerdem wird Delon beigebracht, wie man richtig strippt, Welch ist in einer Kirche nimmersatt, Tolo will nackt ausgepeitscht werden, und Belli sonnt sich am liebsten völlig nackt auf der Wiese. Der Film ist angenehm freizügig, aber weitgehend langatmig, da es nicht genug Exploitation gibt, um eine zweistündige Laufzeit zu sättigen. Am Ende besteht Annes einzige Hoffnung darin, Sepper eine günstige Gelegenheit zur Flucht zu entlocken, indem sie ihn dazu bringt, ihr die Geschichten seiner früheren Eroberungen zu erzählen. Doch trotz des Aufgebots an reinen Fleisch- und internationalen Sexsymbolen erweist sich der Prozess als überlang und grenzwertig anbiedernd, da er nicht in der Lage ist, neben der Augenlust auch noch Suspense zu erzeugen. "Blaubart" ist zum Trost auch witzig, und zwar mehr als einmal versehentlich, vor allem dann, wenn Blaubarts Männlichkeit in Frage gestellt wird, auch wenn der Humor die schlechte Strukturierung der Reflexionen oder das bleierne Drehbuch nicht wettmachen kann.

In "Abominable" von Regisseur Ryan Schifrin hören Ethel (Dee Wallace Stone) und Billy Hoss (Rex Linn) unheimliche Lärmquellen, die von draußen an ihr Haus dringen. Als sie zum Hof eilen, um der Sache auf den Grund zu gehen, entdecken sie eines ihrer Pferde in zerfledderter Pracht. Dann läuft auch ihr Hund Sparky an den lichtarmen Rand des Waldes und erleidet das gleiche Schicksal. Als das Paar zitternd in die Geborgenheit ihres Hauses zurückkehrt, flaniert ein riesiges Wesen auf die Veranda und hinterlässt große Fußspuren im frischen Schnee, bevor es wieder in der Dunkelheit verschwindet.

Am nächsten Morgen unternehmen Preston Rogers (Matt McCoy) und der Krankenpfleger Otis Wilhelm (Christien Tinsley) auf ärztlichen Rat hin einen Wochenendtrip in die baumbestandenen Berge von 'Flatwoods'. Nach einem traumatischen Kletterunfall am 'Suicide Rock', bei dem seine Frau umkam und er seine Beine nicht mehr benutzen kann, ist Rogers stark überfordert. Beunruhigt und beklommen kehrt er in das Haus zurück, wo er belastende Erlebnisse, unliebsame Abgeschiedenheit und einen Mangel an Erholungsmöglichkeiten vorfindet, selbst wenn der Arzt sie angeordnet hat. Kaum hat Otis ihn abgesetzt und sich auf den Weg zurück in die Stadt gemacht, um Sojamilch zu kaufen, fährt eine lautstarke Partytruppe von College-Mädchen zur angrenzenden Hütte, um ordentlich die Sau rauszulassen.

Mit dieser Gruppe durchtrainierter, attraktiver Frauen geht Prestons "Das Fenster zum Hof"-ähnlicher Voyeurismus einher, wenn er mit seinem Fernglas durch das Haus rollt und das Badezimmer der Mädchen im Visier hat. Dann, als die Nacht ihren dunklen Schleier über das Firmament wirft und Otis immer noch nicht zurückgekehrt ist, leuchtet Rogers mit seiner Taschenlampe in das dichte Unterholz und entdeckt nicht nur das fallengelassene Handy der blonden Karen (Ashley Hartman), sondern auch zwei animalische Augen, die ihn durch die Wogen der Äste beobachten. "Was glotzt du so, du Perversling!"

Nach dem Motto weniger ist mehr vertraut Drehbuchautor und Regisseur Ryan Schifrin auf sich wiegende Bäume, bedrohliche Silhouetten, eine Kamera, die die Perspektive des Ungetüms einnimmt, und kurze Blicke auf das versteckte Monster, das hin und her schlurft, um Atmosphäre zu schaffen. In der Tat gibt es keinen triftigen Anlass, das Biest in voller Größe zu zeigen, zumal es nicht wirklich imposant wirkt, auch wenn der Großteil der Maskierungseffekte ausreichend originell gestaltet ist. Rogers, der seinen einzigen Verbündeten nicht davon überzeugen kann, dass die neue Nachbarin durch irgendein Ding entführt worden sein könnte, wird jedoch mit der Heulsusen-Nummer abgefertigt. Dank der schauspielerischen Fähigkeiten von Matt McCoy wirkt die unplausible Handlung nicht zu töricht, auch wenn die Dialoge suboptimal sind. "Du verlierst den Verstand, Mann!"

In der Zwischenzeit wandern die Charaktere allein umher, B-Movie-Stammgäste haben Cameo-Auftritte, darunter Jeffrey Combs und Lance Henriksen, bluttriefende Verzierungen und Fleischwunden ersetzen sichtbare Übergriffe bis zum dritten Akt, wenn extreme physische Gewaltexzesse und die steife Mimik des Geschöpfs ins Spiel kommen, und Prestons Gafferei fruchtet, als eines der Mädchen aus etlichen Blickwinkeln duscht, die dank geschickt gesetzter Fenster zu sehen ist. Aus irgendeinem Grund hat die Hauptdarstellerin Amanda (Haley Joel) konstant feuchte Lippen oder einen einwandfrei deckenden Lippenstift. Mit dem Design eines Slashers, der Schwerfälligkeit eines Low-Budget-Monsterfilms und einer selbstkritischen Parodie des realen Horrors schafft es "Abominable", trotz seiner Momente unabsichtlichen Humors und dem auffallend ulkigen Gesichtsausdruck und den Bewegungsabläufen von 'Bigfoot', gründlich zu unterhalten. "Abominable" hat vielleicht nicht den Feinschliff einer raffinierteren Umsetzung, doch der Film bereitet ungeheuren Unterhaltungswert.

In "Rawhead Rex" von Regisseur George Pavlou sind der Schriftsteller Howard Hallenbeck (David Dukes), seine Frau Elaine (Kelly Piper), Sohn Robbie (Hugh O'Conor) und Tochter Minty (Cora Lunny) gerade in 'Rathmorne', Irland, angekommen, wo Howard seine erste Zeit damit verbringt, eine alte Kirche zu fotografieren. Er trifft auf den strengherzigen, unfreundlich gesinnten Küster Declan O'Brien (Ronan Wilmot), der ihn kaltherzig zurück in den Regen schickt, um mit Reverend Coot (Niall Toibin) zu sprechen, einem wesentlich geselligeren Mann, der Howard Zugang zu den Gemeindearchiven verspricht. Howard untersucht verschiedene Gebiete in Europa auf das, was er als 'Fortbestehen heiliger Stätten' bezeichnet. Er interessiert sich für historische, neolithische Fundorte, die faszinierendes wissenschaftliches Material für sein neues Buch liefern könnten.

Unterdessen kämpft Bauer Dennis (John Olohan) unaufhörlich damit, einen massiven, uralten Zementmonolithen zu fällen. Als seine beiden Helfer aufgeben, setzt er seine Tätigkeit fort, bis ein Gewitter über dem Monument losbricht und ein brüllendes anthropoides Monster auftaucht. Bei der Kreatur handelt es sich um 'Rawhead Rex', eine heidnische Bestie oder Inkarnation des Teufels, die die Menschen auf dem Lande abschlachtet und willensschwache Individuen hypnotisiert, damit sie nach ihrer Pfeife tanzen. Während es eine blutige Opferspur zieht, können die Ermittler der Polizei nur einen flüchtigen Blick auf das fauchende Biest erhaschen.

Im Film wird überraschend viel rumgeknutscht, was merkwürdigerweise Zeitlücken füllt und an die Stelle einer interessanteren Charakterentwicklung tritt. Sogar Fernsehbilder zeigen Knutschereien. Aber der wahrscheinlich schwachsinnigste Moment ist der, in dem 'Rawhead Rex' eine Frau durch das Fenster eines Wohnmobils zieht und dabei versehentlich das Kleid vom Leib reißt, was eine ausgesprochen sinnlose Nacktheit offenbart. Wie um die Dämlichkeit noch zu verstärken, werden die Nebenfiguren aus einer Aufwärtsperspektive aufgenommen, während für die Hauptrollen eine nach unten gerichtete Kamera verwendet wird. Bei 'Rawhead Rex' funktioniert das ganz gut, aber die meisten Ich-Perspektiven nehmen dem Film seine Intensität. Religiöse Implikationen und unerklärliche Motivationen und Auflösungen verkomplizieren die Schlagkraft anderer, gängiger Horrorfilmkonzepte zusätzlich.

Neblige, dicht bewaldete Schauplätze und Spukhäuser dienen als Kulisse für Rex' Schlachtfest, doch die durchgehend helle Kameraführung, selbst wenn es eigentlich Nacht sein sollte, wirft zu viel Licht auf Elemente, die normalerweise Furcht einflößen würden. Ein Gewusel von Blitzlichtern beleuchtet lediglich den einen oder anderen Blutfleck. "Die Dunkelheit kann trügerisch sein", sagt Detective Inspector Isaac Gissing (Niall O'Brien), als Howard seine erste Beobachtung des mutmaßlichen Killers beschreibt.

'Rex' selbst ist stets so scharf zu sehen, dass er mit seinen glühend roten Augen nicht mehr durch die Kulissen blicken kann, weil die gesamte Umgebung sichtlich ausgeleuchtet ist. Seine Gestalt sollte scheinbar nie ein Geheimnis sein. Das ist schade, denn Peter Littens Kreatureneffekte werden kaum gewürdigt, auch wenn einige Details den "Predator" des folgenden Jahres vorwegnehmen, und sie hätten von der Düsternis profitiert. Wie ein sehniges Werwolfwesen trägt der Unhold zerfetzte Kleidung und eine Lederrüstung, hat einen Büschel grober schwarzer Haare in Form eines Irokesen, ist geifernd und hat ein markantes Knautschgesicht. Leider ist es kaum mehr als ein Mann in einem elaborierten Halloween-Kostüm. Der Drehbuchautor Clive Barker, dessen Kurzgeschichte aus 'Books of Blood: Volume 3' die Grundlage bildete, war von dem Ergebnis ebenfalls nicht begeistert. Unter dem Strich ist "Rawhead Rex" ein größtenteils mittelprächtiger Monsterfilm mit ideenlosem Inhalt und einer unpassenden Schlusssequenz als krönende Spitze.

In "The Gray Man" von den Regisseuren Anthony und Joe Russo entscheidet sich Court Gentry (Ryan Gosling) zwischen lebenslanger Haft und einem lebenslangen Dienst bei der CIA für Letzteres. Unter dem wachsamen Auge von Donald Fitzroy (Billy Bob Thornton) wird Gentry zu 'Sierra Six', einem veritablen Geist, der zu unglaublichen Spionage-, Extraktions- und Zerstörungsleistungen fähig ist. Die Jahre vergehen und Fitzroy wird durch Denny Carmichael (Rege-Jean Page) ersetzt, einen gewissenslosen Anführer mit schwindender moralischer Integrität. Während eines Angriffs in Bangkok arbeitet Six mit der Agentin Dani Miranda (Ana de Armas) zusammen, um einen unberechenbaren Feind zu töten. Doch als sich die Zielperson als 'Sierra Four' zu erkennen gibt und Six ein verschlüsseltes Laufwerk mit Beweisen für Carmichaels illegale Aktivitäten übergibt, wird der Agent von Zweifeln an seinem Arbeitgeber geplagt. Six widersetzt sich dem Befehl seines Chefs, die Festplatte auszuhändigen, und wendet sich hilfesuchend an Fitzroy. In seiner Hoffnungslosigkeit, jeden zum Schweigen zu bringen, der die Wahrheit kennt, heuert Carmichael den soziopathischen, freiberuflichen Auftragskiller Lloyd Hansen (Chris Evans) an, um den abtrünnigen Sierra und seine Komplizen aufzuspüren und zu eliminieren. Jetzt, wo Hansen und eine Reihe von Attentätern ihm auf die Pelle rücken, muss Six der Gefangennahme und dem Tod entkommen und gleichzeitig seine sinkende Verbündetenzahl schützen.

Und schon läuft ein Killer frei herum, vorausgesetzt, er heuert als Top-Attentäter bei einer zwielichtigen Abteilung der CIA an, ähnlich wie bei "Nikita". Es folgt das obligatorische streng geheime Regierungsgeschwätz, während einige Bösewichte, die ausgeschaltet werden müssen, zum nächsten Ziel für den geläuterten Sträfling werden. Natürlich ist er auch ein Mann mit Prinzipien, wie Luc Bessons "Leon - Der Profi", der Kinder als Kollateralschaden ausschließt.

"The Gray Man" leiht sich Konzepte aus praktisch jedem Spionagefilm der letzten Jahrzehnte und versammelt so viele Klischees, dass es gut möglich ist, dass nichts an diesem neuesten Projekt der Russo-Brüder originell ist. In den ersten 30 Minuten häufen sich die Anspielungen in rasantem Tempo, von "Die Bourne Identität" über "Der Staatsfeind Nr. 1" und "The Replacement Killers - Die Ersatzkiller" bis hin zu "The Equalizer" und "John Wick" - es wird einem schnell unübersichtlich. Sie begnügen sich nicht damit, Handlungspunkte, Interaktionen oder Motive zu stehlen, sondern borgen sich auch Schauspieler und faktisch dieselben Figuren, die sie zuvor dargestellt haben, um sie direkt in das Drehbuch einzufügen. Ryan Gosling ist ein Duplikat seiner Rolle in "Blade Runner 2049", und die gesamte Eröffnungssequenz könnte auch in dieser Science-Fiction-Sause spielen. Chris Evans ist identisch mit seiner Figur aus "Knives Out", und Ana de Armas ist nicht weit entfernt von ihrer Anfängerrolle in "James Bond 007 - Keine Zeit zu sterben". Dies ist jedoch nicht völlig abträglich, da diese Hauptfiguren ein moderates Unterhaltungsniveau bieten. Sie tragen aber sicher nicht dazu bei, ein Projekt zu entwerfen, das sich von der Konkurrenz differenziert.

Unglücklich ist auch, dass die Filmemacher dazu neigen, Drohnenaufnahmen bis zur Zerstreuung zu überstrapazieren. Sie sind auch keine Fans des Jackie-Chan-Ansatzes bei der Kampfchoreografie, die sich nicht von wirklich geübten Kampfkünstlern unterscheidet, denn fast jede Nahkampfsequenz wird irritierenderweise durch Feuerwerk, Rauch, Leuchtgeschosse, fliegende Bruchstücke, unruhige Kameraführung und hastige Montagesequenzen verunziert. Die Actionszenen leiden unter zu umfangreichen Schnitt- und Formatierungsentscheidungen. Das Kreativteam ist wohl der Auffassung, dass der Betrachter gefakte Stunts, CG-Eingriffe oder visuelle choreografische Inszenierungen authentischen Schlägereien und Feindseligkeiten vorzieht. "Das war unerwartet."

Es gibt auch ein paar triviale erzählerische Einmischungen, bei denen die Zeitlinien anstelle von Flashbacks variieren. Immerhin gibt es ein paar humorvolle Dialoge zwischen den Killer-Rivalen, und Ana de Armas bekommt eine weitere Gelegenheit, sich als intelligente, effiziente und physisch imponierende Spionin zu profilieren. Viele der Interaktionen zwischen dem Führungstrio sind nur bedingt erbaulich. Jeder wird immer nur Sekunden vor dem sicheren Ableben gerettet oder kann ohne Zeitverlust entkommen. Die Handlung ist beträchtlich bequem und vermeidet es, mit einem Übermaß an explosiven Verwüstungen, rasanten Jagdfluchten, exzessiver Waffengewalt und machohaften Schaukämpfen konsequent zu sein. "The Gray Man" mag zwar alle richtigen oder erwarteten Zutaten haben, von lieblichen Mentoren über mitfühlende Geiseln und eine kleine Spur von Tortur bis hin zu schmissigen Sprüchen und einer himmelschreienden Respektlosigkeit gegenüber öffentlichem Gut, doch diese simple Addition ergibt keinen tauglichen Thriller, sondern nur eine lose Aneinanderreihung der größten Erfolge des Actionfilms. Doch obwohl der Film überlange Strecken hat und mit zu vielen Kodierungen endet, die keine wirkliche Klärung herbeiführen, macht es doch noch Spaß, Ryan Gosling und Ana de Armas bei ihrer energischen Kollaboration zuzusehen. Von ihren gewalttätigen, kombinierten Angriffen gegen Heerscharen von namen- und facettenlosen, mit Sturmhauben maskierten und hochgerüsteten Kriegern kann man sich fast nicht satt sehen.

In "Ich glaub ich steh im Wald" von Regisseurin Amy Heckerling sehen wir in der 'Ridgemont Mall', wie Teenager-Mädchen die Jungs beobachten, während die Jungs die Mädchen beäugen und auf ein bisschen Spaß hoffen. Dank des typischen Gruppenzwangs will jeder seine Jungfräulichkeit verlieren. Stacy Hamilton (Jennifer Jason Leigh) ist eine solche 15-Jährige, die von ihrer erfahreneren Freundin Linda Barrett (Phoebe Cates, die vielleicht ungewollt mit einer ikonischen Nacktszene in der Mitte des Films die Show stiehlt) angestachelt wird. Zu den anderen Fraktionen gehören der Möchtegern-Surfer und Marihuana-Konsument Jeff Spicoli (Sean Penn) und seine Mitläufer, der rotzfreche 'All American Burger'-Angestellte des Monats Brad Hamilton (Richter Reinhold) und seine Arbeitskollegen, darunter auch seine Freundin Lisa (Amanda Wyss). Hinzu kommen Mike Damone (Robert Romanus), der ortsansässige Ticketverkäufer und Buchmacher, und sein Kumpel Mark Ratner (Brian Backer), der Nerd, der immer wieder Ziel von Schikanen und Mobbing ist, sowie eine Unmenge anderer charakteristischer Cluster und Stereotypen.

Mit Beginn des neuen Schuljahres an der 'Ridgemont High School' herrscht eine unveränderte Grundhaltung, da es ständig um das Thema der sexuellen Vereinigung geht. Zwischen extensivem Schwatz, Debatten über Oraltaktiken und andere Sexualtipps sowie klandestinen Schäferstündchen ohne Begleitung sind diese jungen Leute begierig auf Fortpflanzung und pfeifen auf das Wissen und die Bildung, um sich auf das Berufsleben und die bevorstehende Zukunft vorzubereiten. In vielfacher Hinsicht handelt sich "Ich glaub ich steh im Wald" um eine Modernisierung von "American Graffiti", in der Missgeschicke und Schadenfreude an die Stelle ernsthafter Sorgen über drohende Verbindlichkeiten in den Fokus rücken. Es gibt auch die klassischen Autoritätsfeinde, die nirgendwo besser zum Vorschein kommen als bei dem skrupellosen, rigorosen Mr. Hand (Ray Walston).

Mit einem Drehbuch von Cameron Crowe, das auf seinem Buch basiert, bietet "Ich glaub ich steh im Wald" viele lustige und unbequeme Situationen, die die Unerfahrenheit und Unsicherheit des jugendlichen Verhaltens, die vorübergehende Verspieltheit und die meist sorglosen Szenarien der Adoleszenz hervorheben, die sich in dieser Zeit als äußerst wichtig erweisen, aber im Erwachsenenleben weit weniger relevant sind. Noch nie waren Schulklima, sportliche Rivalitäten, Image und Zusammengehörigkeit so lebendig wie in diesem Film. In der Welt von 'Ridgemont High' ist die Peinlichkeit ein besonderer Unterhaltungsfaktor. "Zeig ein wenig Stolz."

Typisch für den Einfluss von Cameron Crowe ist auch der passende Soundtrack, der Hits der damaligen Epoche präsentiert und die Beziehungen und Trennungen sowie die oft ungeschickte Navigation durch die Sexualität und den Pubertätsprozess gut ergänzt. Interessanterweise gibt es keine große Handlung - die musikalische Begleitung der Figuren ist im Prinzip eine Collage von Highschool-Routinen, auch wenn sie die wichtigsten Erfahrungen dieser formativen Jahre einigermaßen umfassend abdeckt. Es handelt sich eher um eine Wahrnehmung und eine zeitliche Dokumentierung als um einen konkreten Erfahrungsbericht. Mit einem Hauch von Fantasie und einem Funken Romantik erweist sich diese kleine, aber einprägsame Komödie am Ende als ungemein wohltuend und findet mit 'Goodbye, Goodbye' von Oingo Boingo einen der treffendsten Songs für die abschließende Phase.

In "Katzenmenschen" von Regisseur Paul Schrader wird in einem alten Stammesritual die Opferung einer jungen Frau an einen schwarzen Panther gefordert, der irgendwie mit der Werbegrafikerin Irena Gallier (Nastassja Kinski) verbunden ist, die in der Gegenwart in New Orleans ankommt. Sie wird von ihrem Bruder Paul (Malcolm McDowell) abgeholt, der sie in ein großes Haus bringt, das von einer herzensguten Frau (Ruby Dee) geführt wird. Nachdem die Geschwister in Erinnerungen an ihre Kindheit schwelgten und sich in ihren Zimmern eingerichtet haben, schleicht sich Paul in Irenas Raum und hüpft katzengleich auf das Ende des Bettes.

Am selben Abend wird eine Nutte von einem riesigen schwarzen Leoparden angefallen, der sich auf unerfindlichen Gründen in einem schäbigen Motel ausruht. Wie um den Exploitation-Ansatz des Films zu untermauern, reißt der BH der Prostituierten auf, als sie sich aus den Fängen der Raubkatze befreit. Gleichzeitig verweilt die Kamera auf blutigen Wunden an ihrem Knöchel - eine weitere erwartungsgemäße Exploitation-Komponente. Und Nastassja Kinskis Kleiderschrank scheint keine herkömmliche Unterwäsche zu enthalten.

Drei Zoologen, Dr. Oliver Yates (John Heard), Alice Perrin (Annette O'Toole) und Joe Creigh (Ed Begley Jr.), werden hinzugezogen, um die Bestie zu betäuben. In der folgenden Nacht macht sich Irena auf die Suche nach Paul, der den ganzen Tag vermisst wurde, und stößt dabei auf den eingefangenen Panther, der jetzt im Zoo eingesperrt ist. Oliver findet sofort Gefallen an der jungen Frau und bietet ihr einen Job als Kassiererin im Geschenkeladen an, um sie in seiner Nähe zu haben. "Ich ziehe Tiere den Menschen vor", scherzt er und bemüht sich, seine Verzückung zu verbergen.

Speziell mit dem unzeitgemäßen Titelsong von David Bowie, der immer wieder auftaucht, weiß "Katzenmenschen" nicht, ob er ein Slasher-Film ist, ein Erotikthriller, ein Psychothriller oder ein Liebesdrama. Der Grundton und die Thematik wechseln ständig, werden immer fremdartiger und weniger kongruent. In einem Moment flirten Oliver und Irena beim Abendessen, im nächsten wird Joes Arm auf grausame, aber sehr dubiose Weise abgetrennt. Auch der Dialog wird immer transparenter und salbungsvoller.

Schon früh wird klar, dass die bösartige Katze und die unsicheren Personen eine Art von Katzenmenschen sind, was den Filmtitel und den Verweis auf den gleichnamigen Film von 1942 erklärt. Doch das aktualisierte Setting und der Fokus auf Blutrünstigkeiten, Nacktheit - praktisch jede Hauptfigur ist irgendwann einmal nackt -, Nastassja Kinski und sexuelle Gewalt haben es schwer, ihren Platz in der vertrauten Handlung zu finden. Anstatt sich auf das Mysterium und die zunehmende Zahl der Leichen zu konzentrieren, verweilt diese Modernisierung bei der zentralen Romantisierung, der verderblichen Beziehung zwischen den verfluchten Geschwistern und den verstümmelten Leichen - alles visuelle Faktoren, die wenig Resonanz haben.

Mit der Absicht, den Realismus zu erneuern, hat es "Katzenmenschen" relativ schwer, denn trotz der zahlreichen grafischen Adaptionen gelingt es dem Film nicht, den bizarren Verwandlungen und dem Anpirschen an die Beute einen unfreiwillig komischen Unterton zu verleihen. In seinen besten Momenten erinnert dieser Film an "American Werewolf" oder "Das Ding aus einer anderen Welt", obwohl er mit den technischen Effekten und dem Make-up nie weit genug geht, um ein brauchbarer Monsterfilm zu sein. Am gravierendsten ist vermutlich der Umstand, dass keine der Charaktere sympathisch ist - sie sind entweder mordlüstern, geistesgestört oder von Wollust komplett verblendet. Ihr Gelingen oder Scheitern hat keine Bedeutung. Letztlich fällt dieses Unterfangen in die Kategorie der Werke, die nicht hätten neu verfilmt werden sollen, oder zumindest hätte man sich nicht die Mühe machen dürfen, das Originaldrehbuch als Ausgangsbasis zu verwenden, zumal jeder, der den Klassiker von Jacques Tourneur kennt, die duplizierten Szenen, insbesondere eine Schwimmbadsequenz, nicht besonders ergötzlich finden wird.

Die einleitende Titelsequenz in "Killing Me Softly" von Regisseur Kaige Chen, die Aufnahmen von schneebedeckten Bergen und zwei Menschen beim Sex mit einem deutlich gezeigten Schal um den Hals der Frau kombiniert, ist kein Musterbeispiel für grafische Umsetzung, erzählerische Kunst oder gar vorausschauende Präsentation. Vielmehr wirkt es fast komödiantisch. Wenn Alice (Heather Graham) mit einer Stimme aus dem Off über extreme Höhen spricht, bei denen die Gehirnzellen aufgrund von Sauerstoffmangel abzusterben beginnen, wird der Film sogar noch unbeholfener.

In der ursprünglichen Geschichte geht es um Alice, ein Mädchen aus Indiana, das jetzt in London lebt und CD-ROMs und Websites für Firmenkunden entwirft. Sie hat den Ingenieur Jake (Jason Hughes) kennengelernt, bei dem sie sich sicher und geborgen fühlt. Nach einiger Zeit des Zusammenlebens stößt sie wortwörtlich auf Adam (Joesph Fiennes), einen verhaltenen Typen, der sich als Bergsteiger entpuppt und mit dem sie sich ein Taxi zu seinem Haus teilt. Bei diesem ersten Treffen erfährt sie nicht einmal seinen Namen. Dort angekommen, stürzt er sich auf sie, und die zwei verkommen zu einem Bündel nacktes Körperwerk, reißen und verkrallen sich ineinander mit einer leidenschaftlichen Gier, die sie mit Jake nie verspürt hat. Passend zur Stimmungslage der Auftaktsequenz wird sie abrupt von einer starrenden Katze unterbrochen, die über die gerade gesehene animalische Aktivität schockiert zu sein scheint. "Warum fängst du nicht am Anfang an? Das ist immer das Einfachste."

Die Affäre von Alice, die von einer nimmermüden Wollust angefacht, aber von Schuldgefühlen blockiert wird, nimmt eine Film-Noir-Atmosphäre an, nicht nur durch ihre Darstellung, sondern auch durch die kryptischen Gespräche, die unheilverkündende Musik von Patrick Doyle, die manchmal auch recht romantisch ist, mit einem eingängigen, aber unveränderlichen Motto, das sich nicht um geringfügige Variationen schert, was paradoxerweise der beste Gesichtspunkt dieses Films ist, und durch tragische Schicksale. Daneben gibt es eine übermässig freundliche Schwester (Natascha McElhone), eine wissbegierige beste Freundin (Amy Robbins) und sehr wenige Details über Adams Lebensgeschichte. Alice hat keine einzige Frage gestellt, auch nicht zu Adams Beziehungsstatus. Es interessiert sie offensichtlich nicht, denn sie ist so wahnsinnig verliebt, dass es ihr völlig ohne Bedeutung erscheint, welche Leichen in seinem Keller vergraben sind.

Dieser Mystery-Thriller, der auf dem Roman von Nicci French basiert, birgt viele Geheimnisse, vor allem durch die Gestaltung der Zeitlinie, die den überwiegenden Teil des Films zu einer Retrospektive macht. Es ist auch eine absonderliche Liebesgeschichte, denn Alice schmachtet nach Adam, folgt ihm wie ein verirrtes Welpentier und versucht inständig, seine Aufmerksamkeit zu erregen und ihn mit Stolz zu erfüllen. Dabei experimentieren sie mit der erotischen Asphyxie beim Sex, die eine Parallele zu den Risiken von Extremsportarten bilden soll, aber das Mysterium in den Schatten stellt. Zusätzlich tauchen unheimliche, bedruckte Notizen auf, die vor Adams früheren Beschäftigungen und Eroberungszügen warnen und auf einen unbekannten Dritten hinweisen, der die vertrauensselige junge Frau ausspioniert.

Heather Grahams Darbietung ist leider stark verbesserungswürdig. Sie kann ihre Zeilen nicht mit der gebührenden Lauttreue formulieren, die notwendig wäre, um auch nur im Mindesten so zu klingen, wie es bei einem solchen erotischen Thriller zu erwarten wäre. Und in dieser Wirbelwindbeziehung, in der das Vertrauen schrumpft und der Verfolgungswahn zunimmt, ist Authentizität unerlässlich. Hier wirkt ihre Notlage eher aufgesetzt und fabrikiert, als dass sie sich biologisch entwickelt, wie in einem Werk von Alfred Hitchcock. Heather Graham verbringt das letzte Drittel des Films damit, sorgenvoll zu blicken, selbst wenn sie ihr Frühstück isst, mit der U-Bahn fährt oder eine Tasse Tee trinkt. Sie eignet sich viel besser für Komödien, doch wahrscheinlich wurde sie in "Killing Me Softly" vor allem wegen ihrer grazilen Körperformen besetzt, die sie gerne zur Schau stellt.

Zum Ende hin nehmen die spannungsreichen Szenerien zu, ebenso wie der Quatsch mit den BDSM-Neigungen des Hauptdarstellerpaares. An einer Stelle unterbricht Alice, während sie festgebunden auf einem Tisch liegt, Adams Tirade, um zu verkünden, dass sie dringend Wasser lassen muss. Und das wiederum nimmt dem ganzen mysteriösen Treiben, das sich durchaus vermuten lässt, den letzten Biss, indem es sich vielmehr in etwas Abwegiges, Triviales und Perverses wendet als in etwas Nachvollziehbares oder Faszinierendes. "Ich könnte dir das Genick brechen, so sehr liebe ich dich."

In einer Zeit, als die Welt noch frisch war, die Zauberei blühte und große Abenteuer vorprogrammiert waren, beginnt die Geschichte von "Talon im Kampf gegen das Imperium" von Regisseur Albert Pyun. In einer lichtlosen Höhle auf 'Tomb Island' wird ein Tross von gepanzerten Kriegern Zeuge, wie eine Hexe den höllischen Dämon Xusia (Richard Moll) wiedererweckt. Der tyrannische König Titus Cromwell von 'Aragon' (Richard Lynch) will 'Aedan' erobern, das wohlhabendste Königreich der Welt, das unter der Führung von dem liebenswürdigen und rechtschaffenen Anführer Richard (Christopher Cary) steht. Unterstützt von dem mächtigen Zauberer Xusia kann Cromwell nicht davon abgehalten werden, die schwindenden Streitkräfte von 'Aedan' mit Plagen und Leid zu verseuchen. Diese "Conan"-ähnliche Introduktion und Auftaktsequenz enthält auch die witzigste Szene, in der Xusia der Hexe ein noch klopfendes Herz herausreißt, um seine Befugnisse zu bekräftigen.

Nachdem Cromwell das kostbare Land endgültig niedergewalzt hat, muss der Sohn des ehemaligen Herrschers, Talon (Lee Horsley), mit ansehen, wie sein Vater und seine Mutter ihr Leben lassen, bevor er sich zur Exilierung genötigt sieht. Jahrelang verfolgten ihn Cromwells Männer, und Talons Existenz wurde Material für Legenden, da er zu einem einflussreichen General der schwarzafrikanischen Stämme avancierte. Unterdessen initiiert Prinz Mikah (Simon MacCorkindale) eine Revolte gegen Cromwell, um ihn an der Vermählung mit Prinzessin Alana (Kathleen Beller) zu hindern, während das gottlose Missgebilde Xusia, ein weiteres Opfer des verräterischen Tyrannen, sich in den tiefsten Schwärzungen des Unterreichs kuriert. Cromwells loyale Marionette Machelli (George Maharis) heckt ebenfalls einen Plan aus, um alle Menschen, denen er über den Weg läuft, dreifach zu hintergehen, um an Einfluss zu gewinnen. So hat Talon die notwendige Zeit, um von Alana aufgespürt und zum Kampf für die Rebellion motiviert zu werden.

David Whitaker komponiert unbändige Trompetenklänge und donnernde Beckenspiele für die Actionsequenzen und flötenlastige Melodien für die grenzdebile Fröhlichkeit des Klassizismus. Die Themenmusik ist gar nicht mal so übel, auch wenn sie nicht hinreichend Verwendung findet. Albert Pyun, bekannt für seine "Nemesis"-Filmprojekte und seine grotesken, futuristischen Science-Fiction-Fantasy-Filme, ist mit der Thematik und dem anspruchslosen Sujet bereits vertraut, ungeachtet dessen, dass dieses Werk sein Spielfilmdebüt darstellt. Seine Lieblingswaffen sind 'Jungfrauen in Nöten', 'Schwertschwingende Ritter", 'Wildäugige Nekromanten' und 'Fratzenhafte menschähnliche Dämonen', die er allesamt mit äußerster Akribie anwendet, auch wenn es in manchen Situationen in bezeichnender Manier an Schneidigkeit fehlt.

Auch außerhalb der traditionellen, eher harmloseren Schwertkämpfe gibt es eine signifikante Dosis Gewalt, als ob sie einen Kontrapunkt zum versehentlichen Humor setzen soll. Die Kostüme aus langen, fließenden Pelzen und polierten Kettenhemden, die praktischen Make-up-Effekte, darunter viele Verwandlungs- und Blutszenen, die ausgefeilten Kulissen in nebligen Schlössern und dampfenden Kerkern und die mittelalterlichen Waffen, mit Ausnahme von Talons technologisch fortschrittlichem dreizinkigem Schwert, das Klingen abschießt, sind auf spielerische und zweckmäßige Weise zur Anwendung gekommen. Die Inszenierung hingegen ist ein wenig überdramatisiert. Die Bösewichte haben alle einen permanenten Finsterblick und sprechen mit tiefen, kieselhaltigen Stimmen, die Frauen haben makellose Visagen und bevorzugen es, Männern zur Selbstverteidigung die Knie in die Weichteile zu treiben, und die Kampfchoreografie besteht aus vielen hohen Schwüngen und langsamen Schlägen, die dem Helden viel Bewegungsfreiheit lassen - er schafft es, mit dem Schwert recht geschickt zu kämpfen, selbst nachdem er mit Nägeln in den Händen gekreuzigt wurde. Ein generisches Sprachrohr mit der Stimme eines Filmtrailers führt durch die Zeitsprünge und verleiht dem Ganzen einen Low-Budget-Schliff. Wie im Nachspann vermerkt, hatte Albert Pyun bereits 1982 Pläne für eine Fortsetzung, aber sein Nachfolger "The Sword and the Sorcerer 2" hat erstaunliche 28 Jahre gebraucht, um Früchte zu ernten, und er ist nur im übertragenen Sinne ein Nachfolger.

In "Terminal Invasion" von Regisseur Sean S. Cunningham findet sich der zum Tode verurteilte Mörder Jack (Bruce Campbell) in einem Gefangenentransport wieder, der während eines Schneesturms eine entlegene Straße entlang fährt. Als der Fahrer, der Vollzugsbeamte Tommy (Jake Simmons), eine heiße Flüssigkeit auf sich kleckert, erleidet er einen Kontrollverlust und kollidiert mit einem herannahenden Baum. Zusammen mit seinem Partner Red (Scott Wickware) macht sich das humpelnde, doch unverletzte Trio auf den Weg zum örtlichen Flughafen, wo die Pilotin Cathy Garrett (Chase Masterson) unter Dauerbeschuss von ungeduldigen Passagieren steht, die darauf warten, von dem kleinen, 17 Meilen von der nächsten Stadt entfernten Charterflugplatz abzuheben.

Ein kurzer Abstecher aufs Klo führt zu einer wilden Ballerei mit einem unheimlichen Prediger (Ian Downie), der zufälligerweise ein ausserirdischer Invasionist ist, der die Ausrottung der menschlichen Spezies anpeilt. Niemand, der diese Toilette betritt, kommt dort lebendig wieder heraus, mit Ausnahme von Jack, der mit zwei Pistolen aufkreuzt und keine Antworten für die in panischem Aktionismus befangenen Menschen im Terminal hat, darunter der Vorstandsvorsitzende der 'Fortune 500', David Higgins (C. David Johnson), der Gefreite Griffin (Jason Jones), das Ehepaar Andrew (Andrew Tarbet) und Sarah (Sarah Lafleur), ein moppeliger Sicherheitsmann, ein betagter Flugbegleiter, eine attraktive Blondine und mittendrin zwei Kinder. "Du Tier!"

Die Ausgangslage ist unkompliziert und deutet auf "Der versteinerte Wald" und "Hafen des Lasters" oder, in aktuellerer Zeit, "Pitch Black - Planet der Finsternis" hin, in denen eine Ansammlung verärgerter fremder Individuen miteinander arbeiten muss, um zu überleben, während sie sich mit einem potenziellen Mörder in ihren Reihen auseinandersetzen muss. Der Aspekt der Außerirdischen ist jedoch ein Problem, da er im Verhältnis zum realitätsnahen, terrestrischen Ambiente so abwegig ist, bringt allerdings ein vielschichtigeres Szenario ins Spiel, das an "Das letzte Wochenende" oder, mit den Sci-Fi-Elementen, an "Das Ding aus einer anderen Welt" anklingt. "Was kümmert dich das? Vielleicht sind es nicht einmal Menschen. Sie könnten alle Aliens sein."

Als die gestrandeten Reisenden streitsüchtig werden, um die Verfügungsgewalt über die Waffen zu erlangen, die laufend den Besitzer wechseln, und aneinander Experimente zur Feststellung der Existenz von außerirdischen Infiltratoren durchführen, schwindet ihre Zahl stetig, und sie werden von einer nicht minder umfangreichen Population von Monstern heimgesucht. Um die Leichenfledderer von den menschlichen Wesen zu separieren, gibt es diverse clevere Lösungen, darunter ein Röntgengerät, das Fotos von Skeletten aufnimmt, und ein defektes Kamerasystem. Doch die Mehrheit der Spezialeffekte ist merklich limitiert, wodurch die Bedeutung des Spannungsbogens beeinträchtigt wird. Das ausgetretene Blut ist dürftig authentisch, ebenso wie die diversen CG-Effekte, die Eindringlinge markieren, die magisch verschwinden, wenn sie draufgehen. Ein paar konkrete Gore-Effekte funktionieren dagegen besser, werden aber zu spärlich eingesetzt.

Die Filmhandlung kommt nur gemächlich in Gang und besitzt alle Merkmale eines Fernsehfilms, wie periodische Cliffhanger-Szenen, Werbeeinblendungen und künstliche Übergänge oder Wischblenden. Mit wenigen Sets, nur einer Handvoll Charakteren und reichlich verzichtbarem Scripting und Editing, um teure Interaktionen zu obskurieren, bemüht sich "Terminal Invasion", der im Wortsinne fast comicartig tituliert ist, wie "Enemy Mine - Geliebter Feind", mit möglichst nichts zu arbeiten. Und es ist garantiert ohne innovative Impulse. Der unverkennbare Humor von Bruce Campbell ist trotzdem leicht zu spüren, auch wenn die Verhaltensmuster der Außerirdischen keinen erkennbaren Sinn ergeben und der finale Showdown für seine beabsichtigte Spontanität ungeheuer verkompliziert wurde.

Quentin Tarantino sagte einmal, dass man seinen eigenen "Pulp Fiction" oder "Reservoir Dogs" erschaffen müsse, um in der Filmindustrie erfolgreich zu sein. Regisseur Larry Bishop scheint diesen Ratschlag mit "Hell Ride" ein wenig zu konkret aufgenommen zu haben, denn er hat eine verkorkste Hommage inszeniert, die in Bezug auf Optik, Filmmusik, Kameraarbeit und Zeitsprünge in der Erzählstruktur viele Parallelen aufzeigt. Wer einen Quentin-Tarantino-Film richtig imitieren will, der sollte ein feines Gespür für den konstruktiven Gesprächsaufbau haben. Das primäre entgleisende Glied in "Hell Ride" ist leider das fürchterliche Gequake und die ordinären Monologe, die nur zum Widerwillen und zur Desorientierung des Betrachters taugen, während sie zugleich auch noch Mitgefühl mit den beteiligten Akteuren evozieren, die an diesem Unrat Anteil haben.

Die protagonistische Antagonisten-Biker-Gang, genannt die 'Victors', besteht aus mehreren witterungsgestählten Vigilanten, die ihre eigene Vorstellung von Blutjustiz auf die rechtlosen Pfade der Gesellschaft projizieren. Ihr Anführer, Pistolero (Larry Bishop), ist versessen auf Vergeltung und darauf, Brände zu löschen. The Gent (Michael Madsen) versucht nur, seine chronisch psychotische Lebenssinfonie auszubalancieren, indem er jeden, der seinem Chef in die Quere kommt, mit Kugeln durchlöchert. Und Comanche (Eric Balfour) folgt ihnen mit verbissener Loyalität und einer mystischen Vergangenheit.

An der schurkischen Front ist Deuce (David Carradine) das zentrale Gehirn, das aus der Distanz operiert, wenn auch nicht ausreichend weit, um unantastbar zu sein. Billy Wings (Vinnie Jones) speit Gift und erklärt seine Tätowierungen auf höchst obszöne Weise, während er zugleich eine Harpunierkanone und eine ausgeprägte Geringschätzung des menschlichen Daseins an den Tag legt. Wenn man sie liest, mögen diese Buchstaben interessant aussehen, aber sobald man sie zu undurchdachten Sätzen zusammenfügt, verpufft jeglicher Harley-Davidson Optimismus rascher als die Finanzierung von Larry Bishops nächstem Film, sollte er sich jemals wieder hinter die Kamera wagen, was zum großen Dank noch nicht geschah.

Einerseits ist "Hell Ride" voller Schwachpunkte und ungenutzter Potenziale, andererseits liegt die Wurzel des Verschuldens in den unausgearbeiteten Gesprächsabläufen. Da die wichtigsten Referenzen von Larry Bishop die redseligen Filme von Quentin Tarantino waren, gibt es davon eine beträchtliche Fülle. Die ersten zwanzig Minuten von "Hell Ride" sind nur sehr eingeschränkt zu begreifen und würden vermutlich genauso viel Sinn ergeben, wenn der Ton stumm geschaltet wäre. Wenn Pistoleros Engpass bekannt wird und gewisse Floskeln bis zum Brechreiz missbraucht werden, betet der Betrachter um den sofortigen Abgang für die elenden Gestalten, wenn nicht wenigstens für den seinigen, nur um den Hörsinn nicht weiter wahrnehmen zu müssen. Selbst einem Dennis Hopper bereitet es sichtlich Kopfschmerzen, wenn er solch gehirnverblödende Aneinanderreihungen von Worten aus seinem Mund absondern muss.

Wer die Erfahrung kennt, ein Wort oder einen Satz so oft zu wiederholen, dass er nicht mehr richtig klingt oder gar keinen Sinn mehr ergibt, dem wird es so vorkommen, als habe Larry Bishop dort angefangen und dann den Verrückungsprozess fortgesetzt, in der fatalen Annahme, sein Text würde dadurch schlagartig wieder begreiflich und verständlicher werden. Eine solche Vorgehensweise ist mit Sicherheit nicht zielführend. Wenn die Dialoge dann endlich eine Ruhephase einlegen, entscheidet sich Larry Bishop für sich wiederholende Filmsequenzen von nackten Frauen, die in Öl ringen, und von aufgeschlitzten Hälsen, als ob das infantilste und exploitativste Bildmaterial den Zuseher erobern könnte.

"Hell Ride" ist eine Liebeserklärung an die Filme von Quentin Tarantino, Robert Rodriguez und alle anderen Werke, in denen die Gewaltbereitschaft und Unbekümmertheit fragwürdiger Rebellen oder klischeehafter abtrünniger Renegaten verehrt wird. Doch obwohl die Ambitionen von "Hell Ride" markttauglich sein mögen, werden der horrende, unerträgliche Diskurs und die stilisierende, die Zeitachse verdrehende Gestaltung selbst Eingefleischte nicht zum Narren halten. Bis der Zuschauende das geheimnisvolle Motiv der Charaktere herausgefunden hat - und bis jemand realisiert, dass es ein zu lösendes Rätsel gibt, kann es einige Zeiterfahrung beanspruchen - ist es einfach zu aufwändig, sich mit diesen grundsoliden Männern, ihren unorthodoxen Verhaltensweisen und dem schablonenhaften Charisma des gesamten Projekts zu befassen.

Vielleicht ist es für Dolph Lundgren unmöglich, einen guten Film zu machen, vor allem, wenn er selbst heute noch mit der einmonatigen Straight-to-DVD-Karriere von Steven Seagal mithalten kann. "Diamond Dogs" unter seiner Regie ist genau so ein Indiz. Der Film ist so generisch wie nur möglich, mit uninventioneller Action, unterdurchschnittlichen Charakteren, verkümmerter Charakterentwicklung und vielen leidigen Vorkommnissen, die keinen Effekt auf die Handlung haben. Dieses bescheidene Projekt ist Dolph Lundgrens Version von "Jäger des verlorenen Schatzes", was bedeutet, dass es um Schatzsuche und halbherzige Anlehnungen an Abenteuer im Stil von Indiana Jones geht. Doch mit seinen penetranten Gewaltausbrüchen, den Sprengungen und den daraus resultierenden Ableitungen bettelt er darum, dass der geneigte Betrachter einfach auf den bereits angesprochenen, traditionellen Actionhelden zurückgreift.

Ronson (Dolph Lundgren) arbeitet als bezahlter Sicherheitsmann und als Betrüger, der mit Hilfe eines asiatischen Komplizen Glücksspieler über den Tisch zieht, wenn er in illegalen Untergrundturnieren kämpft. Sein Beruf führt dazu, dass er wegen permanenter Insolvenzen, diverser Altlasten und regelmäßiger Zwistigkeiten in der Inneren Mongolei in die Haftanstalten kommt. Nach seiner Festnahme während eines Kampfes mit dem mongolischen Champion Urga in einem klassischen Faustkampf hat Ronson vier Wochen Zeit, um seine hohe Beute von fast 20.000 Dollar bei der örtlichen Polizei zu begleichen.

Der vom Glück verlassene und mit Alkohol vollgepfropfte Ronson wird von dem mysteriösen Geschäftsmann Mr. Chambers (William Shriver) angesprochen, der ihm eine obskure Schatzsuche vorschlägt, um die Tangka, einen alten buddhistischen Wandteppich, zu finden. Ronson nimmt den Auftrag gegen ein großzügiges Honorar gerne an und führt den eigenartigen Klienten und seine Equipe aus Leibwächtern, Dolmetschern und Stieftochter (Nan Yu als Anika) in die verödeten mongolischen Berge. Wie nicht anders zu erwarten, sind sie nicht die einzige Clique, die nach der Rarität sucht, denn schon bald werden sie von willkürlichen Banditen und einem böswilligen Ex-Militärgangster gemobbt, der das lukrative Artefakt für sich haben will.

"Diamond Dogs" macht alle erdenklichen Fehlschläge, von der unsauberen Kameraführung bis hin zu den erbärmlichsten Dialogen. Selbst die Actionszenen, die bieder und redundant sind, liefern das Optimum dessen, was man als unzulänglich choreografierte Outtakes interpretieren kann. Diese schwergängigen und unpräzise editierten Momente sind sorgfältig darauf optimiert, jeden Fan von Actionfilmen zu brüskieren.

Angesichts all der sekundären Charaktere, wie der kryptischen Sängerin, die keine Hintergrundgeschichte hat, um zu begründen, warum sie für Ronson eine passende Partnerin ist, der fehlenden Überzeugungskraft der Darsteller, dem groben Handlungsdefizit und dem Eindruck, dass jede Szene ein Residuum aus bedeutenderen Schatzsucherfilmen ist, fällt es schwer zu sagen, was genau den Zuseher an "Diamond Dogs" erfreuen könnte. Besonders scheußlich ist William Shriver, der wohl vorsätzlich als Störfaktor eingebaut wurde. Sogar die Lektionen, die es über die Befleckung sakraler Reliquien zu vermitteln bemüht, sind fahrlässig und bleiben folgenlos. Eine deplatzierte Film-Noir-Erzählung drängt sich routinemäßig dazwischen, falls die Unzahl an inkongruenten filmischen Komponenten den Beobachter nicht schon zutiefst anwidern.

"Dieser Teil könnte ein wenig merkwürdig werden", bemerkt George Clooneys Frank Walker, als sein Trio unerschrockener Reisender sich auf die Satellitenteleportation vorbereitet. Ironischerweise ist nahezu der gesamte Film "A World Beyond" von Regisseur Brad Bird ein wenig zu bizarr, dank seiner kuriosen Nebeneinanderstellung verschiedener Genres und Konzepte. Magische Stecknadeln und altkluge Kinder vermischen sich mit robotischen Bedrohungen und subatomarer Teilchentechnologie zu einem Wust von suspekten Gedanken und Lebenswelten, der unendlich viele Fragen aufwirft, aber bei den Antworten quälend hinterherhinkt.

Viele dieser wissenschaftlichen Begriffe, die sich hinter dem glattpolierten Design von "A World Beyond" verbergen, sind interessant und eine detaillierte Erörterung wert. Doch in dem exzessiv koloristischen Ambiente bestehend aus aufsässigen Jugendlichen und sorglosen Auseinandersetzungen mit dämlich greinenden Androiden-Attentätern können sich die meisten nicht adäquat behaupten. Wären die Irrwege nur mit mehr Ehrlichkeit und Gravitationskraft angegangen worden, oder alternativ mit einer größeren Flut an cartoonesken Unfugs, hätte die Perspektive immerhin etwas aufregender sein können.

Als der junge Frank Walker (Thomas Robinson) 1964 zur New Yorker Weltausstellung reist, will er seine Kreation, ein fast funktionierendes Jetpack, bei einem Erfinderwettbewerb einreichen. Der strenge Richter Nix (Hugh Laurie) verwehrt ihm zwar den Zutritt, doch Frank weigert sich, seine Arbeit aufzugeben, was das enigmatische Mädchen Athena (Raffey Cassidy) dazu beflügelt, ihn in eine geheime Welt voller futuristischer Phänomene einzuladen. Doch nach Jahrzehnten der innovativen Schaffenskraft stellt der mündige Frank (George Clooney) fest, dass Desillusionierung und Niedergeschlagenheit an die Seite seines einst unverwüstlichen Erfinderwillens gesellt haben. Als eine Kraft aus seiner Vergangenheit ihn mit der unbeirrbar positiven Casey Newton (Britt Robertson) bekannt macht, begibt sich Frank auf das Abenteuer seines Lebens, um zwei Welten vor der scheinbar unabdingbaren Auslöschung zu retten.

Der Film beginnt damit, dass Walker darauf besteht, dass die Zukunft unheimlich sein kann. Doch die übrigen Ausführungen unterstreichen diese These in keiner Hinsicht. Im Grunde ist "A World Beyond" viel mehr ein Kinderfilm, als der Betrachter vielleicht annimmt, mit Disney-Moral und Botschaften wie der Kraft der Hoffnung und einem übergroßen Grad an kindlicher Euphorie. Aus fast jeder Interaktion und jedem Dialog sickert ein dicker Schwall von rührseliger Empfindlichkeit heraus.

Die Anfangsminuten ähneln einem pubertären Fernsehspiel aus den 60er Jahren, übersät mit exaltierten Gesichtsausdrücken, überbetonten Lautäußerungen und einem fingierten Sinn für Ehrfurcht vor der Wahrnehmung durch einen kleinen Jungen. Es werden auch Fahrgeschäfte mit starkem Wiedererkennungseffekt aus Disneyland zum Einsatz gebracht, als ob es sich bei der Inszenierung um einen Werbespot für ein bestimmtes Unternehmen und nicht um einen Film handeln würde. Beim Betrachten von "A World Beyond" fühlt man sich ungefähr so, als würde man Wildfremden dabei zugucken, wie sie eine Disneyland Attraktion nach der anderen bestücken und jede Menge Spaß haben, ohne diesen Genuss mit dem Zuschauer zu teilen.

Dies geht Hand in Hand mit dem eklatanten Versagen des Handlungsablaufs. Abgesehen von dem nichtssagenden Erzähltheater hoppelt die Filmhandlung immer weiter in den sprichwörtlichen Kaninchenbau hinab, ohne dass ein Ende erkennbar wäre. Es dauert fast 105 Minuten, bevor irgendeine Erklärung gegeben wird, was so weit geht, dass sich niemand mehr für die Charaktere oder deren Schicksalsschläge interessiert, wenn man so viele Konfrontationen und leichtfertige Wagnisse erlebt hat. Frank Walker ruft an dieser Stelle sogar aus: "Muss ich denn alles erklären? Kannst du nicht einfach nur staunen und mich fortfahren lassen?" Doch wer hirnlos mit sinnwidrigen Visualisierungen, Zeitreisevorstellungen, tachyonischen Fusionierungen, interdimensionären Traversen, sich selbst bedingenden Weissagungen und hochentwickelten Kunstintelligenzen mit empathischer Interoperabilität traktiert wird, muss sich zwischendurch auch mal mit den Feinheiten arrangieren. Es ist, als hätte Regisseur Brad Bird all die Idyllen zusammengetragen, die Philip Kindred Dick, Herbert George Wells und Jules Verne für unfilmbare Konzepte hielten, und sie dann als Grundstein für sein Manuskript verwendet.

In "Pumpkinhead II" von Regisseur Jeff Burr sehen wir in 'Ferren Woods' im Jahr 1958, wie eine alte Hexe Tommy Parnell füttert, einen entsetzlich missgebildeten jungen Mann, der regelmäßig von den Schülern der örtlichen High School gehänselt wird. Als eine Bande aufmüpfiger Jugendlicher den Jungen erwischt, ihn mit einem Baseballschläger windelweich prügelt, über einem alten Minenschacht aufhängt und mit einem Springmesser auf ihn einsticht, scheint die Hexe alle Folterungen zu spüren, als wäre sie psychisch mit ihm verbunden. Diese Anfangssequenz ist in einer Art Sepiatönung gedreht, ein schlechter Scherz, um einen alten Film zu imitieren, denn das Bild ist so scharf, dass der Filter überhaupt nicht greift. Außerdem ist das Verhalten der Darsteller übertrieben und vollkommen realitätsfremd.

Jahre später, in der Gegenwart, ziehen Sean Braddock (Andrew Robinson) und seine Frau von einer großen Stadt im Osten in das verschlafene kleine 'Ferren Woods' in Thomas County, damit er dort eine Stelle als Sheriff antreten kann. Ihre Tochter Jenny (Ami Dolenz) spricht mit keinem der beiden viel, denn sie ist zu modern und rebellisch, um sich um ihre antiquierten Normen und Gepflogenheiten zu scheren. In der Schule trifft Jenny sofort auf den primären Hooligan Danny Dixon (J. Trevor Edmond) und seine Gruppe, zu der auch Marcie (Soleil Moon Frye9), Pete (Hill Harper) und Paul (Alexander Polinsky) gehören, welche die Schule schwänzen, indem sie am gleichen Schauplatz in die Eisenmine gehen, denn mehr als ein Set konnte sich "Pumpkinhead II" wahrscheinlich auch nicht leisten. Die Aktion wird jedoch abgebrochen, als Braddock auftaucht, um sie nach Hause zu geleiten.

Voller Vorfreude auf weitere Schandtaten trifft sich das Quintett später in der Nacht zu einer Spritztour in Dannys Cabrio, bei der sie achtlos eine alte Frau (Lilyan Chauvin) mitten auf der Straße überfahren - vermutlich eines der konstruiertesten Filmereignisse schlechthin. Als sie durch ihre Hütte im Wald schlendern, stößt Marcie auf ein Zauberbuch mit einem Spruch, der Tote wieder zum Leben erweckt, was darauf hindeutet, dass die ausgemergelte Frau mit hoher Wahrscheinlichkeit eine echte Hexe ist. Auf unerklärliche Weise gelingt es den Teenagern nicht nur, den Zauber zu entziffern, sondern auch ein verfluchtes Ritual an einem Grab durchzuführen, das sie anscheinend mehrere Stunden lang ausschaufelten, um den 'Pumpkinhead' für eine typische Racheaktion der 90er Jahre zu beschwören.

Die Schauspielkunst ist mit Ausnahme von Andrew Robinson, der ein bisschen zu gut, aber nicht großartig für dieses Straight-to-Video-Projekt ist, erbärmlich, doch die Dialoge sind noch widersprüchlicher und geben den Akteuren wenig, womit sie sich auseinandersetzen können. Der größte Schandfleck ist Joe Unger als Bauer Ernst, der so sehr mit der Darstellung seines Textes hadert, dass es natürlicher geklungen hätte, wenn er den Text von einem Blatt Papier vorgelesen hätte. Auch die Jugendlichen sind allesamt scheußlich, insbesondere Hill Harper, der kaum in der Verfassung ist, seinen Text herauszuschreien, ohne ständig zu kichern. Auch der laienhafte Soundtrack und der unprofessionelle Schnitt verraten den minderwertigen Produktcharakter. Als sich dann die Leichen anhäufen, gibt jeder sofort 'Pumpkinhead' die alleinige Verantwortung dafür - eine weitere betrübliche Offenbarung für einen geerdeten Thriller.

Die Bewohner der Stadt kennen sich mit der Legende von 'Pumpkinhead' bestens aus. "Es gibt ein Kinderlied darüber, nicht wahr?", mischt sich Braddock ein, der eigentlich gar keine Ahnung von dem rachsüchtigen Dämon haben sollte. Zumindest die Ärztin (Gloria Hendry), die neben Autopsien auch Routineuntersuchungen durchführt, vermutet einen Serienmörder, aber erst, nachdem sie darauf hingewiesen hat, dass die Kratzspuren an den Opfern von etwas nicht Diesseitigem herrühren könnten.

Die vielleicht einzigen Elemente, die mit moderatem Amüsement dargeboten werden, sind die Kreatureneffekte, die fast ausschließlich auf das Pumpkinhead-Kostüm selbst zurückzuführen sind. Er ist überdimensioniert, kaubar, graziös, nicht sehr mobil und drängt sich immer wieder in die Kamera, ohne viel zu verdecken, als ob die Filmemacher wahnsinnig stolz auf sein Erscheinungsbild wären und es nicht für notwendig hielten, es mit trickreichen Montagetechniken oder Pechschwärze zu kaschieren. Doch es ist auf eine unbeabsichtigte, lachhafte Form der Humorisierung reduziert. Der dazugehörige blutige Anteil ist durchaus vergnüglich, allerdings kommen diese Sequenzen nicht ausreichend oft vor, so dass "Pumpkinhead II" einen Großteil der vorhandenen Spielzeit mit Expositionen und Konspirationstheorien hinter Pumpkinheads todbringende Tobsuchtsanfällen verplempert. Die Tötungsszenen und Hetzjagden haben tatsächlich Potenzial, abgesehen von einem 'Cockfighter', der von seinen eigenen Kampfhähnen totgepickt wird, doch zahlreiche andere Aspekte sind schlichtweg unbegreiflich.

Wäre Éric Rohmer nicht schon tot, würde er sich jetzt wünschen, er wäre es. "Ich glaub, ich lieb meine Frau" unter der Regie von Hauptdarsteller Chris Rock ist eine groteske und größtenteils nicht wiederzuerkennende Adaption des französischen Filmklassikers "Die Liebe am Nachmittag", die versucht, Themen wie Liebe und Versuchung zu behandeln, aber bei fast allem, was sie zu erreichen bestrebt, gründlich versagt. Eine lachlose Komödie, ein bewegungsloses Drama und ein Gesindel aus schwachen Charakteren, die pathetische Dialoge sprechen: "Ich glaub, ich lieb meine Frau" ist ein kompletter, irreparabler Murks.

Richard Cooper (Chris Rock) ist verheiratet und hat zwei reizende Kinder. Doch er langweilt sich in seinem ach so routinierten Familienleben, und der Sex mit seiner Frau Brenda (Gina Torres) wird ihm sinnlos verweigert. Trotz seines zeitaufwändigen, aber angenehmen Bankjobs und der nutzlosen Termine bei einer unverheirateten Eheberaterin kann er nicht anders, als jede attraktive Frau zu begaffen, die ihm über den Weg läuft. Als Nikki (Kerry Washington), eine alte Freundin, eines Tages in seinem Büro auftaucht, hinreißend aussieht und ihm auf nicht ganz so subtile Weise Avancen macht, muss er sich entscheiden, ob eine leidenschaftliche Affäre einige seiner Probleme lösen oder sie um ein Zehnfaches vergrößern könnte. Immerhin liebt er seine Frau ... denkt er zumindest.

Trotz der interessanten Themen wie Promiskuität, Begierde, wahre Liebe und Versuchung ist "Ich glaub, ich lieb meine Frau" nicht imstande, beim Betrachter emotionale Reaktionen, eine gewisse Sympathie oder gar mitleidiges Verlachen hervorzurufen. Diese von Kritikern hochgelobte Neuauflage ist ein verachtenswertes Konglomerat von verschiedenen Stilrichtungen, von denen keine nennenswert ist. Zunächst hat man das Gefühl, dass Chris Rock mit seiner alleinigen kreativen Kontrolle den Film zu einem Schaufenster für seine schrägen und lauthalsigen Standup-Comedy-Nummern machen wird, aber das wird schnell von einer Szene nach der anderen mit inspirationslosem Melodrama verdrängt. Was sich im Normalfall als vertretbarer menschlicher Konflikt entwickeln könnte, wird durch Seifenopernpossen und hirnrissigen Handlungsabläufen überstrapaziert. Der Großteil davon wird in der vergeblichen Hoffnung gemacht, ein paar Leute zum Lachen zu bringen, doch ist der Humor so gut wie nicht existent.

Es ist ein wenig irreführend, Chris Rock in einem Film dieser Art zu sehen. Nach der Vertrautheit mit seinem Humor zu urteilen, hätte dieser Film ein kompromissloser Knaller werden können. Viele Fans bevorzugen ihn, wenn er am derbsten und vulgärsten ist, doch dieser ambitionierte Exkurs in ein romantisches Drama wirkt unausgereift und unüberlegt.

An mehreren Stellen des Films gerät das Geschehen völlig aus dem Takt und unzählige Situationen und Figuren wirken plötzlich irrelevant oder deplatziert. Steve Buscemi mag der trostlose und einsame Schauspieler sein, der in der Lage ist, ein wenig Komik in diese befremdlich anmutende, inhärent inhaltslose Atmosphäre zu bringen, doch er ist zu kurz und kommt zu spät. Als Betrachtung der Mittlebenskrise ist "Ich glaub, ich lieb meine Frau" zwar bierernst, doch als Abrechnung mit Beziehungskonflikten hat er allerbeste Sitcom-Qualitäten und ist selbst für hartgesottene Chris-Rock-Fans ungeeignet. Darüber hinaus gehört "Ich glaub, ich lieb meine Frau" zu einem der längenstärksten 90-Minuten-Filme, den ich jemals gesehen habe.

Die Diskussion über die Zensur von Kunst ist seit vielen Jahren im Gange, auch wenn sich die öffentliche Meinung je nach den aktuellen Ereignissen und der Kultur ändert. Das Horrorgenre wird stark von den Vorschriften der Zensurbehörden beeinflusst, die sich ständig zu ändern scheinen. "Censor" von Regisseurin Prano Bailey-Bond wurzelt in dieser Welt, in einer Ära des Filmemachens, als die Underground-Horror-Szene aus körnigen VHS-Kassetten bestand, die zur Seherfahrung beitrugen. Prano Bailey-Bond gibt ihr Regiedebüt mit diesem schleichenden, visionären Spielfilm, in dem sie die Entwicklung einer Frau verfolgt, die sich von der Realität distanziert.

Enid (Niamh Algar) arbeitet in den 1980er Jahren als Zensorin und hat die Aufgabe, Kinder vor dem gewalttätigen Treiben in Filmen zu schützen. Sie nimmt ihre Arbeit sehr ernst, da die Medien nach wie vor direkt für die gesellschaftliche Gewalt verantwortlich gemacht werden. Währenddessen stellt sich Enid ihrer Vergangenheit und versucht, das mysteriöse Verschwinden ihrer jüngeren Schwester aufzuklären. Die Kombination aus Enids Arbeit und ihrem vergangenen Trauma bringt sie auf einen Weg, der die Grenzen zwischen Realität und Fiktion verwischt.

Prano Bailey-Bond legt gleich los, indem sie einige der blutigsten Szenen aus klassischen Horrorkultfilmen zeigt, die viele Zuschauer bis heute schockieren und anwidern, trotz der offensichtlich gefälschten Blutspritzer, wie im Film sogar erwähnt wird. Es gibt einige Gespräche über die Inhaltszensur, die in den Film eingestreut sind, obwohl sie nie wirklich zum Tragen kommt. Prano Bailey-Bond und Co-Autor Anthony Fletcher erkunden viele der Themen der Geschichte eher auf symbolische als auf narrativem Wege. Trotz seiner kurzen Laufzeit von 84 Minuten hat man bei diesem langsamen Horrorfilm nie das Gefühl, dass er überhastet ist. Manchmal krankt der Film daran, dass er in seiner Erzählung zu nebulös ist und es nicht schafft, den Betrachter in Enids mentalen Modus zu versetzen.

"Censor" ist eindeutig auf der Arthouse-Seite des Horrorgenres angesiedelt, obwohl er eine eigene Identität hat. Der Film hat einen schwarzen Humor, der für einige ungemütliche Überraschungen sorgen wird. Diese Momente entsprechen jedoch dem Wesen und der zentralen Botschaft des Films. Die leichten Tonverschiebungen sind vor allem dank der großartigen Kinematographie sehr gelungen. Die Veränderungen der Farbgebung, des Seitenverhältnisses und der Kameraführung erzeugen die Illusion einer Welt zwischen Fantasie und Realität, in der Enids Psyche immer wieder auf die Probe gestellt wird.

Die größte Enttäuschung an "Censor" ist die Tatsache, dass der Film sich selbst übertrifft. Der Film hält sich selbst davon ab, so weit zu gehen, wie er hätte hingehen können und sollen. Es gibt ein paar blutrünstige Aspekte, aber die schockierendsten Szenen des Films sind Ausschnitte aus anderen Horrorfilmen, die gezeigt werden. Außerdem wird nicht wirklich auf die Filmzensur eingegangen, was wie eine verpasste Gelegenheit wirkt. Enids Arbeitsplatz dient mehr als Kulisse denn als aktiver Teil der Erzählung.

Trotzdem ist "Censor" ein solides Debüt von Prano Bailey-Bond. Er fühlt sich an wie ein Arthouse-B-Film, der beide Teile seiner Identität durch seine bestechenden Bilder, den immersiven Score und die starke Leistung von Niamh Algar in sich vereint. Im Kern geht es in dieser schwelenden Charakterstudie um Traumata und darum, wie wir mit dem wirklichen Horror in unserem eigenen Leben umgehen, auch wenn der Film noch ein bisschen tiefer in die Tasche greifen könnte. Mit seiner knappen 84-minütigen Filmdauer ist er nicht zu lang geraten. "Censor" ist erzählerisch und symbolisch zögerlich, aber seine Prämisse, die auf der Zensur der 1980er Jahre basiert, macht den Film sehenswert.

Offenbar ist die Welt der männlichen Stripper nicht so lustig, wie die Filmtrailer glauben machen wollten. "Magic Mike" von Regisseur Steven Soderbergh beginnt mit all den zu erwartenden Lachern, Blödeleien und komödiantischen Einlagen, doch nach der Hälfte des Films erhebt das Drama sein hässliches Haupt. Normalerweise wäre ein kleiner Konflikt nicht so unerwünscht, doch hier dämpft er den Impuls der temperamentvollen Atmosphäre und erweist sich letztlich als nutzlos. Vielleicht wusste man von Anfang an, dass die Heiterkeit einer gewissen Ernsthaftigkeit weichen musste, zumal es sich um einen Film von Steven Soderbergh handelt, aber durch das plötzliche Eintreten und die Trivialisierung fühlt es sich umso überflüssiger an.

Tagsüber Bauarbeiter, nachts männlicher Stripper: 'Magic Mike' Martingano (Channing Tatum) führt ein sorgloses Leben voller Partys, Promiskuität und schnellem Geld. Als er durch eine zufällige Begegnung den rebellischen Adam (Alex Pettyfer) unter seine Fittiche nimmt, bringt Mike dem jungen Mann bei, wie er trotz der Missbilligung von Adams Schwester Brooke (Cody Horn) im Geschäft erfolgreich sein kann. Während der Aufsteiger von den verlockenden Vorteilen seines neuen Berufes fasziniert ist, beginnt der Veteran Mike, sich in Brooke zu verlieben, und sehnt sich nach einer Möglichkeit, seine kultivierteren Träume zu verfolgen, die außerhalb des Reiches der Ekdysiasten liegen.

Die erste Hälfte von "Magic Mike" macht eine Menge Spaß - vielleicht mehr Spaß, als das heterosexuelle männliche Publikum erwarten würde, wenn man bedenkt, für welche Zielgruppe der Film gedacht ist. Er kombiniert die erwartete Zurschaustellung von glitzerndem, herkulischem Fleisch mit lautem Humor, der mehr von sexueller Offenheit als von irgendetwas anderem inspiriert ist, einschließlich einer Einschränkung der Vorbehalte gegenüber Nacktheit und ungehemmten, expliziten Dialogen. Aber die Skurrilität, mit der ein normalerweise düster-erotisches Thema durch extravagante Tänze und Beckenstöße dargestellt wird, die sich aufrichtig über einen Beruf lustig machen, der von Urteilsvermögen, Objektivität und Traurigkeit geprägt ist, scheint den Sektor zu verherrlichen. Es ist einzigartig und unterhaltsam zu sehen, wie sich männliche Stripper vergnügen, im Gegensatz zu den Themen Verrat, Erpressung, Depression oder geistiger Verwesung in ähnlichen Filmen wie "Showgirls", "Striptease" oder "The Wrestler".

"Magic Mike" ähnelt eher "Ganz oder gar nicht" mit seiner Unbeholfenheit gegenüber dem Handwerk, der Peinlichkeit eindeutiger Bilder und der humorvollen Perspektive eines Anfängers, der in ein Leben geworfen wird, das nicht für Unvorbereitete gedacht ist. Matthew McConaughey ist ebenso wie Channing Tatum saukomisch, und die Gespräche, so grob sie auch sein mögen, klingen natürlich und improvisiert. Warum also muss der Film nach der Hälfte der Laufzeit so drastisch in ein bitteres Drama umschwenken? Als hätte man zu spät gemerkt, dass es keine wirklichen Probleme gibt, schafft "Magic Mike" ein paar, die alle hoffnungslos stereotyp, weitgehend unbedeutend und seltsamerweise nie aufgelöst werden. Warum können sich Striptease-Tänzer nicht einfach amüsieren, ohne meckernde Liebschaften, die darauf bestehen, dass ihr Beruf etwas für junge Leute ohne Ehrgeiz und Visionen ist? Warum kommen immer wieder Drogen und Gewalt ins Spiel? Warum müssen Kommentare über den Zustand der Wirtschaft, die Ausbeutung, den Selbstwert und den Aufstieg unter Alkoholeinfluss kommen? Warum kann exotischer Tanz nicht völlig zufriedenstellend sein?

Kommentar zu "Magic Mike XXL":
https://www.moviepilot.de/movies/magic-mike-2/kritik/2795056

Kommentar zu "Magic Mike - The Last Dance"
https://www.moviepilot.de/movies/magic-mike-s-last-dance/kritik/2795730

Mit "Madres - Der Fluch" von Regisseur Ryan Zaragoza endete die letztjährige 'Welcome to the Blumhouse'-Reihe und damit auch das Bestreben, weniger bekannte Geschichten zu erzählen. Die Autoren Mario Miscione und Marcella Ochoa erinnern an Gerichtsverfahren, die in den 1970er Jahren eine nationale Eugenik-Bewegung unter amerikanischem Einfluss aufdeckten. Praktiker sterilisierten etwa 64.000 Frauen und Kinder ohne Zustimmung, und ein Untersuchungsgefängnis im heutigen Georgia wurde ähnlicher Methoden bezichtigt. Die von mexikanischen Einwanderinnen angestrengten Prozesse führten zu keinerlei Gerechtigkeit. Dies ist die Grundlage für Ryan Zaragozas Schwangerschaftsthriller über ein mexikanisches Paar auf der Suche nach dem amerikanischen Traum, der zu einer fremdenfeindlichen Behandlung in unwillkommenen Gefilden führt.

Beto (Tenoch Huerta) und Diana (Ariana Guerra) sind die werdenden mexikanisch-amerikanischen Eltern, die neu in der kalifornischen Migrantengemeinde 'Golden Valley' leben. Beto assimiliert sich leichter als Diana, da letztere amerikanischer aufgewachsen ist, was zu 'weißen' Beleidigungen in der Sprache führt, da Diana nur das spärliche Spanisch übersetzen kann. Jeder Umzug ist anstrengend, doch Diana fühlt sich zusätzlich zu ihren Schwangerschaftssymptomen, die von Dr. Bell (Robert Larriviere) überwacht werden, isoliert und ausgegrenzt. Die Situation verschlimmert sich noch, als Diana nächtliche Visionen über ihr ungeborenes Baby hat und befürchtet, dass Pestizide den Frauen in der Umgebung schaden, die eifersüchtig auf ihr Baby zu sein scheinen, während die Geister einer kleinen Stadt die jüngste Einwohnerin heimsuchen.

Der Horror von "Madres - Der Fluch" wird am besten in einem einleitenden Titeltext vermittelt, in dem es heißt 'basierend auf einer wahren Geschichte', gefolgt von einem Schlusstext, der die oben erwähnten Informationen über den reproduktiven Missbrauch von Immigranten enthält. Wie in der Episode 'Kulturschock' aus der Serie "Into the Dark", in der Patriotismus und rote Mützen zur Motivation eines Monsters werden, bewahrt sich Ryan Zaragoza Albträume der Domestizierung. Die Gespenster und wahnsinnigen Ärzte, die im Kino zu sehen sind, sind nicht annähernd so beängstigend wie die Vorstellung, dass solche Gräueltaten in der Realität geschehen könnten. Die Vermischung von Fakten und Fiktion wird zu etwas, das zusammen gekocht wird, da die Bedeutung des Drehbuchs von Mario Miscione und Marcella Ochoa durch die Genreverzierungen hindurchscheint.

"Madres - Der Fluch" gelingt es, die Tragödie unter dem Deckmantel schiefgelaufener amerikanischer Ideale zu beleuchten. Mario Miscione und Marcella Ochoa verpacken Dianas körperliche Autonomie in das Schicksal mexikanischer Einwanderer, die trotz ihrer Bemühungen um einen komfortableren Lebensstil nicht gewinnen können, bis hin zu der traumatischen Erkenntnis, dass mexikanische Frauen ohne ihre Zustimmung ihrer mütterlichen Rechte beraubt werden. Es ist der Inbegriff des staatlichen Terrors, der aus einer rassistischen Geschichte hervorgegangen ist, was zu einer Enttäuschung führt, wenn man Ryan Zaragozas Film als ein unzureichendes Ganzes betrachtet. Intentionen und Tatsachen stehen in "Madres - Der Fluch" im Widerspruch zueinander, einem Film, der aufgrund narrativer Anklagen gesehen werden will, aber durchweg die mittelmäßige, nicht die höchstmögliche Qualität seiner Horror-Darstellung erreicht.

"Impostor" von Regisseur Gary Fleder spielt im Jahr 2050, sechs Jahre nach dem ersten Angriff der genetisch überlegenen, gnadenlosen, außerirdischen Invasoren namens 'Centauri'. Spencer John Olham (Gary Sinise) erinnert sich an den andauernden Krieg. Die Menschheit hat dank elektromagnetischer Kuppeln, die den Planeten vor regelmäßigen Luftangriffen schützen, den Himmel verloren, die Atmosphäre schwirrt vor Raumschiffen, Umweltverschmutzung und flimmernden, kaskadenartigen Stromstößen, unzählige unbedeckte Städte wurden in Schutt und Asche gelegt und die Demokratie wurde durch eine autoritäre globale Führung ersetzt. Spencer John Olham hat seinen Vater an den Feind verloren, der keine Hoffnung auf Frieden hat, denn sein Bestreben ist es, die Erde gänzlich zu erobern.

Im Jahr 2079 hat Spencer seine Erlösung in seiner schönen Frau Maya June (Madeleine Stowe) gefunden, die ihm einen Grund zum Leben gibt. Die düstere, raue Architektur der schwer bewachten Gebäude, die faden, grauen Uniformen und die ständige Bedrohung durch die Vernichtung können Spencer nicht davon abhalten, sich in der Zufriedenheit ihres Lächelns zu verlieren. Seine Arbeit bei 'The Project' für Spezialwaffenforschung ist auch nicht sonderlich erfüllend, während sein bester Freund Nelson (Tony Shalhoub) die Monotonie durch allgemeine Leichtsinnigkeit kompensiert. Mayas Arbeit als stellvertretende Leiterin der Intensivstation des Veteranenkrankenhauses ist weitaus lohnender, da sie ständig in Bewegung ist und darauf bedacht ist, Leben zu retten.

Doch Spencers scheinbar ereignislose Routine wird radikal auf den Kopf gestellt, als Major D.H. Hathaway (Vincent D'Onofrio), der Leiter einer feindlichen Infiltrationseinheit der gefürchteten 'Earth Security Agency', den Wissenschaftler beschuldigt, einer der genetischen Cyborg-Attentäter der 'Centauri' zu sein, der als Replikant' tituliert wird und mit einer internen, organischen Bombe bewaffnet ist, die bei einem bevorstehenden Treffen mit dem Kanzler der Regierung eingesetzt werden soll. Doch wie könnte er nicht der Mann sein, für den er sich hält, mit intimen Erinnerungen und unzähligen Details eines gelebten Lebens? So oder so wird er fliehen müssen, um den maßgeblichen Vorwürfen auf den Grund zu gehen.

In dieser "Blade Runner"-artigen Welt, gekreuzt mit einem Hauch von "Brazil" und "Total Recall", sind die Sci-Fi-Elemente ziemlich beeindruckend, gemischt mit altmodischen Motiven, militaristischer Propaganda und sogar zweideutiger Religion. Bühnenbild, Requisiten, Kostüme und Technologie - alles ist sprachgesteuert, aber kalt und klinisch scharf gestaltet, eine gut aussehende, glaubwürdige Vision einer erschütternden, dystopischen Zukunft. Die Grundlage ist eine Kurzgeschichte von Philip K. Dick aus dem Jahr 1953, die mit ihrer Angst und Verzweiflung die Prämisse von einem Flüchtigen auf der Flucht zwar nicht neu, aber durchaus einnehmend erscheinen lässt. Die Manipulation des Zugehörigkeitsgefühls und der Identität durch außerirdische Gehirnwäsche (oder Psychopharmaka) sorgt für ein ausgeprägtes filmisches Unwohlsein und Sympathie für den Protagonisten.

Obwohl dieses Projekt ursprünglich als ein kurzes Segment für eine Fernsehanthologie gedacht war, ist seine Ausweitung zu einem Kinospielfilm nicht so ersichtlich. Einige der Computeranimationen sind primitiv, aber sie werden sparsam eingesetzt, während die praktischen Bilder deutlich häufiger zu sehen sind und überzeugen. Die Jagd nach dem Flüchtigen ist rasant und actionreich, gespickt mit überflüssigen Zeitlupen und Unschärfeeffekten, aber intensiv und gewalttätig während der Schießereien und Verfolgungsjagden. In diesen Momenten erinnert "Impostor" an "Minority Report" und, in geringerem Maße, an "Equilibrium", trotz des kleineren Budgets und der geringeren Besetzung.

Die Geschichte ruft die typischen apokalyptischen Perspektiven auf futuristische Unterdrückung, Fremdenfeindlichkeit, unausweichliche staatliche Überwachung und gesellschaftlichen Verfall hervor. Doch die Bekanntheit dieser Themen trübt nicht den Unterhaltungswert eines zerbrechlichen Außenseiters gegen überwältigende Kräfte. Es gibt viel Antizipation und Turbulenzen, während Spencer danach strebt, die Wahrheit über seine Existenz herauszufinden. Und natürlich sind die Antworten nicht leicht zu finden. Wenn sie schließlich gefunden werden, sind sie ziemlich faszinierend.

In "Fantastische Pilze - Die magische Welt zu unseren Füssen" von Regisseur Louie Schwartzberg geht es um viel mehr als Penicillin, vergammelte Sandwiches im Kühlschrank und die illegalen Halluzinogene des Mitbewohners im Studentenwohnheim, denn es geht darum, unser Verständnis für die enorme Vielfalt der Pilze zu vertiefen, die diesen Planeten vielleicht mehr beherrschen, als wir Menschen behaupten können. Vollgestopft mit filmischen Augenweiden, von denen die berühmten Zeitraffersequenzen des Regisseurs nur ein Teil sind, ist der Film mehr schillernd als umfassend und wird für manche schon vor Ende der kurzen Laufzeit anstrengend. Dennoch ist dieser Dokumentarfilm lohnenswert, denn er ist ein weiterer Beitrag zu der Kategorie von Naturfilmen, die sich so gut für das hochauflösende Fernsehbild eignen.

Louie Schwartzberg dreht seit Jahrzehnten Zeitrafferfilme, führte bei einer Reihe von Naturdokumentationen Regie und steuerte Hochglanzmaterial für Hollywood-Blockbuster bei. So ist es nicht verwunderlich, dass seine Arbeit hier unsere Aufmerksamkeit leicht erregt: Wir sehen, wie sich Pilze jeder Form und Größe aus dem Boden wölben und in Sekundenschnelle reifen, und sehen, wie sich ihre Ranken schlängeln und wieder zurückziehen. Wer zart besaitet ist, wird nur ein oder zwei Szenen ertragen, in denen Schimmelpilze ein einst lebendiges Säugetier zersetzen. Doch die alten fotografischen Techniken sind nur ein Teil der Faszination. Während die Forscher die Funktionsweise der riesigen unterirdischen Myzelnetzwerke beschreiben, bieten die Filmemacher eine ebenso ausgefeilte und farbenfrohe CG-Technik wie bei den Zeitraffern. Es ist sogar gespenstisch schön, vor allem wenn man sich vorstellt, was unter alten Wäldern verborgen liegt.

Unser Reiseführer für einen Großteil des Films ist Paul Stamets, ein weitgehend autodidaktischer Enthusiast, der Entdeckungen gemacht hat, die denen professioneller Mykologen in nichts nachstehen, und der sein Hobby zu einem regelrechten Geschäftszweig gemacht hat. Paul Stamets' Begeisterung ist ansteckend. Neben bekannteren Interviewpartnern wie Michael Pollan und der Lebensmitteljournalistin Eugenia Bone erörtert er viele Möglichkeiten, wie verschiedene Pilzarten die Welt, wie wir sie kennen, aufgebaut haben und auf unerwartete Weise zur Lösung von Problemen beitragen könnten. Beispielsweise hat Paul Stamets Pilzextrakte verwendet, um Bienen zu helfen, die die rätselhafte Krankheit überleben können, die Bienenvölker auf der ganzen Welt tötet. Auf der anderen Seite des Spektrums hat er Extrakte verwendet, um neuartige Pestizide zur Vernichtung von Termitennestern herzustellen. Paul Stamets inspirierte auch eine Figur in einem Star Trek-Spinoff, der außerirdische Sporen als eine Art Ersatz für den Warp-Antrieb seines Schiffs verwendet.

Ein langer Abschnitt des Dokuments befasst sich mit der besser bekannten, wenn auch noch nicht ausreichend erforschten Fähigkeit einiger Pilze, die menschliche Wahrnehmung zu verändern. Wir erfahren von der 'stoned ape'-Hypothese, die besagt, dass Magic Mushrooms den Übergang vom Homo erectus zum Homo sapiens ausgelöst haben könnten. Hier und heute sprechen wir jedoch mit Wissenschaftlern, die die Verwendung von Psilocybin als legitime Behandlungsmethode für verschiedene Krankheiten untersuchen. Dazu gehört unter anderem das Gefühl, dass die Welt um einen herum größtenteils ein einziger gigantischer, hasserfüllter Scheißhaufen ist.

Obwohl sich "Fantastische Pilze - Die magische Welt zu unseren Füssen" wohl zu sehr auf seine atemberaubenden Bilder stützt, könnte er sicherlich auf den Großteil von Mark Monroes Erzählung verzichten, die gelegentlich auftaucht, um uns mit vagen, großartigen Erklärungen über unsere Pilzfreunde abzulenken. Diese mit einstudierter Verwunderung vorgetragenen Reden klingen genau wie jene Fernsehspots, in denen Großbanken uns an das Gute erinnern, das sie in verarmten Gemeinden tun, und Petrochemieunternehmen schwören, dass sie die Welt verbessern und nicht vergiften. Wenn man es nicht schon vorher weiß, werden die meisten Betrachter im Abspann überrascht sein, dass dies die Stimme von Schauspielerin Brie Larson ist. Vermutlich wollte Brie Larson ihre Starpower für eine würdige Förderung der wissenschaftlichen Forschung einsetzen, aber in diesem Fall kamen die Wissenschaftler ganz gut allein zurecht.

"Grizzly" von Regisseur William Girdler beginnt im Nationalpark in der Nähe des 'Indian Springs Trading Post', wo Ranger Michael Kelly (Christopher George) sein Team über den Zustrom von Rucksacktouristen und Campern informiert, der nach der Saison einsetzt. Sie haben einfach nicht genug Mitarbeiter, um all diese Menschen zu versorgen. Doch die Arbeitsbelastung hält weder Gail (Vicki Johnson) davon ab, mit Michael zu flirten, noch Michael davon, mit der Tochter eines Restaurantbesitzers, der Fotografin Allison Corwin (Joan McCall), zu schäkern.

Ihre Gelassenheit wird jedoch auf eine harte Probe gestellt, als ein gefräßiger Grizzlybär zwei junge Frauen (Catherine Rickman und Mary Ann Hearn) angreift, die an einem stark bewaldeten Ort picknicken. Dieser erste Angriff ist beeindruckend gestaltet und verbindet die Bären-Cam-Perspektive und heftiges Schnaufen mit dem Schwingen einer überdimensionalen, krallenbewehrten Pfote sowie mit einer ordentlichen Portion Aderlass. In den Fußstapfen von "Der weiße Hai" und trotz einiger kurzer Einblicke in übertriebene Gewalttätigkeit bleibt "Grizzly" im Rahmen der Altersfreigabe und ergötzt sich an dem Blutbad. Selbst die Leichen sind großzügig mit karmesinroter Farbe übergossen. Und wenige Augenblicke später stolpert Allison ellenbogentief in eine große Lache der glitschigen roten Brühe.

Auch wenn das Tier von einem Menschenfresser auf dem Meer zu einer Monstrosität an Land umgewandelt wurde, schafft es "Grizzly" nicht, eine andere Identität als "Der weiße Hai" im Wald zu entwickeln. Hübsche Mädchen sind immer noch die besten Opfer. Der Schuldige bleibt bis zum Schluss meist verborgen. Der verantwortliche Ranger muss sich mit politischer Bürokratie, restriktiven Regeln und Vorschriften und einer Öffentlichkeit auseinandersetzen, die sich nicht um Warnungen kümmert, die das ausgelassene Fest stören könnten. Entsprechend routiniert sind auch die Dialoge, gespickt mit den erwarteten Anfällen von Wut, Trauer, Beziehungsdrama und Gezanke darüber, wie der Antagonist am besten zu erlegen ist. Und nachdem ausreichend Leichen aufgetaucht sind, wird der harte, eigenbrötlerische, professionelle Fährtenleser Arthur Scott (Richard Jaeckel) zu Hilfe gerufen. "Das hat uns gerade noch gefehlt: ein Killer-Bär, der frei herumläuft."

Der größte Unterschied ist leider der absichtslose Witz. Das 15 Fuß große und 2.000 Pfund schwere Untier hat eine beängstigende Präsenz, doch einige der Angriffe aus dem Hinterhalt sind einfach nur dumm, insbesondere, wenn sich eine hübsche Rangerin bis auf die Unterwäsche auszieht, um in einem Wasserfall zu schwimmen, in dem sich das riesige Fleischfresserchen verstecken kann. Und wenn er einen Aussichtsturm umkippt, als ob er in der Lage wäre, einen intelligenten Angriffsplan zu entwerfen. Schließlich hat "Grizzly" die Eier, ein kleines Kind in den Amoklauf des Bären zu integrieren, was nicht nur unerwartet ist, sondern auch zu den grauenhaftesten Sequenzen des Films gehört.

Die Szenen sind zwar kurz, aber "Grizzly" verwendet echte Bären und Bärenfilmmaterial in Verbindung mit den Aufnahmen vom Mann im Pelzanzug. Dies verleiht dem Film einen leichten Realismus, der den begrenzten Spezialeffekten entgegenwirkt, und die Schnitttechniken sind weitaus effektiver. Seltsamerweise passt die Musik von Robert O. Ragland nie zu den Ereignissen oder dem Horror, sondern bleibt schwungvoll und verspielt, als ob es sich um einen rasanten, klassischen Western und nicht um einen von der Natur betriebenen Amok-Thriller handeln würde. Und am Ende ist es evident, dass Michael Kelly und sein Hubschrauberpilot Don (Andrew Prine) nie einen Plan hatten, um das Biest auszuschalten. Stattdessen greifen sie immer wieder auf eine einfache Verfolgungs- und Umzingelungstaktik zurück, die zu immer mehr Toten und immer weniger Unterhaltung führt.

In "Doom Asylum" von Regisseur Richard Friedman führen Alkohol, Autofahren und Knutschen zu einem schweren Verkehrsunfall, bei dem Judy (Patty Mullen) ums Leben kommt, während ihr Liebhaber, der millionenschwere Anwalt Mitch Hansen (Michael Rogen), sich verzweifelt an ihre abgetrennte Hand am Straßenrand klammert. Als die Ärzte des Leichenschauhauses, von denen einer unerklärlicherweise eine Sonnenbrille trägt, mit der Autopsie von Mitch Hansen beginnen, der kurz nach dem Eintreffen der Sanitäter am Unfallort verstorben ist, müssen sie zu ihrer großen Enttäuschung feststellen, dass Mitch nicht ganz tot ist. In seiner Raserei greift der schwer verunstaltete Mann, der spontan zu Bewusstsein kommt, die Ärzte mit in der Nähe greifbaren medizinischen Utensilien an. "Dieser Mann ist nicht tot, Sir!"

10 Jahre später fahren Judys Tochter Kiki (ebenfalls Patty Mullen) und ihr Freund Mike (William Hay), den sie als eine Art bizarre, tröstliche Vorstellung 'Mama' nennt, zusammen mit einer Gruppe von College-Freunden, darunter Darnell (Harrison White), Jane (Kristin Davis) und Dennis (Kenny L. Price), genau die Strecke entlang, auf der sich der tödliche Unfall vor so langer Zeit ereignet hat. Zwar wird Kiki von der Tragödie heimgesucht, doch die anderen interessieren sich nicht für die weit verbreiteten Gerüchte über einen mörderischen Leichenbeschauer, der in der verlassenen Anstalt sein Unwesen treibt und Menschen mit Autopsiewerkzeugen tötet. "Es wird schon gut gehen. Zumindest glaube ich, dass es gut gehen wird."

Von Anfang an plagen die schlechten schauspielerischen Leistungen und die noch minderwertigeren Dialoge der Protagonisten, die ununterbrochen mit sich selbst reden, die Produktionswerte von "Doom Asylum". Es ist schwierig, den gezielten Humor zu genießen, wie etwa die mörderischen Sprüche des Leichenbeschauers oder das wilde Blutvergießen, wenn die Äußerungen so erbärmlich vorgetragen werden und der Ton im Allgemeinen nicht richtig abgemischt ist. Es trägt auch nicht dazu bei, dass die sinnlosen Fantasietraumsequenzen das Tempo bremsen. Sie dienen lediglich als romantische Nebenhandlung mit einem Trio weiblicher Rocker, sind aber völlig deplatziert. Wenn Tina (Ruth Collins) und ihre Band nicht gerade Schach spielen, sind mit Wasser gefüllte Kondome die Hauptquelle für Scherzanschläge. Die Geschichte neigt dazu, sich in keiner bestimmten Reihenfolge zu entfalten. An einer Stelle sieht sich eine Figur einen Schwarz-Weiß-Film mit langen Ausschnitten aus "Sweeney Todd" von Regisseur George King an, der sicherlich unterhaltsamer ist, was "Doom Asylum", wenn man ihn herausnimmt, so kurz machen würde, dass er sich nicht als Spielfilm qualifizieren könnte, obwohl anfangs unklar ist, wer er ist, wann er ihn sich ansehen soll oder warum er das tut.

Die einzigen nennenswerten Elemente sind die Gore- und Make-up-Effekte, die ein gewisses Low-Budget-Vergnügen bieten - der Killer ist so eine Art 'Leatherface'. Schädel werden zertrümmert, Gesichter mit ätzender Säure weggeschmolzen, Gewebe wird herausgerissen, Stirnen werden ausgebohrt, Zehen werden abgehackt, und eine rosige Fresse wird von einer Knochensäge zerfleischt. Es gibt sogar ein unnatürlich langes Handgemenge zwischen Mike und Tina, das dem bemerkenswerten Duell aus "Sie leben!" in nichts nachsteht, auch wenn dieses irgendwie dämlicher ist. Die Kulissen, die angeblich ein echtes, verlassenes Krankenhaus darstellen, sind auch nicht zu schäbig, wenn man einmal von der großen Menge an natürlichem Licht absieht, das die Möglichkeiten des Horrors minimiert.

Auch wenn es sich um eine bloße Ausrede für schreiende Teenager handelt, die sich trennen und abschlachten lassen, weist die Handlung unzählige Löcher und Sprünge im logischen Ablauf auf, die vermeidbar gewesen wären, da das Drehbuch nicht durch das Budget geschmälert werden musste. Am unerklärlichsten ist vielleicht, warum ein ehemaliger Anwalt plötzlich ein metzelnder Gerichtsmediziner wird. Die zweitwichtigste Frage ist, warum Mike und Kiki ihre Flucht verzögern, um in der Kapelle der Anstalt nicht nur für ihre gefallenen Kameraden zu beten, sondern auch um ihr Überleben zu betteln, wobei Kiki anbietet, Gott jeden Betrag zu zahlen ... oder mit ihm Sex zu haben, um gerettet zu werden.

"Woody, der Unglücksrabe" von Regisseur und Hauptdarsteller Woody Allen beginnt wie eine True-Crime-Doku, in der ein strenger Erzähler (Jackson Beck) Fakten und Statistiken über das Leben eines Verbrechers ausbreitet. Der Gauner, um den es geht, ist Virgil Starkwell (Woody Allen), geboren am 1. Dezember 1935, der im Alter von 6 Jahren bereits in 6 Staaten gesucht wird. Inmitten von Mobbing und einem harten Leben auf der Straße, der Gewalt und der Armut der Slums, greift der Junge zu Kleinkriminalität, vor allem zu Diebstahl. Im Alter von 18 Jahren bricht er die Schule ab und will sich einer Gang anschließen. Als das scheitert, versucht er sich als Billardspieler.

Das Ulkige an dieser Fake-Doku liegt in der beträchtlichen Dummheit des zentralen Schwindlers. Er hat einfach nicht die Voraussetzungen für ein Leben als Verbrecher. Das hindert ihn jedoch nicht daran, unermüdlich jede Art von Gaunerei zu verfolgen, die ihm spontan einfällt - vom Überfall auf ein Pfandhaus bis hin zum Diebstahl der Geldsäcke eines Geldtransporters. Letztendlich landet er wegen seiner eigenen Inkompetenz im Zuchthaus, doch die kalten Stahlstreben können ihn nicht lange aufhalten. In dieser verlogenen Welt der possierlichen Ganoven und Polizisten wird einfach nichts ernst genommen.

Um den dokumentarischen Aspekt zu erhöhen, ist "Woody, der Unglücksrabe" mit Archivmaterial, Schwarz-Weiß-Fotos, der weiterhin bedrückenden Erzählung und Interviews mit Gesprächspartnern wie einer Lehrerin, einem Cellolehrer, einem Bewährungshelfer, seinen aus Gründen der Beschämung verschleierten Eltern und vielen anderen unterlegt. Ihre Äußerungen sind sehr witzig, die gezielten Wortwiederholungen sind effektiv, und die Musik von Marvin Hamlisch ist punktgenau und fetzig. Im Gegensatz zu den leichtherzigen Raubüberfällen gibt es auch etwas Tiefgründiges, vor allem in den Notizen über die Problematik der Wiedereingliederung in die Gesellschaft nach einem Strafvollzug und in Woody Allens typischer, neurotischer Version einer Liebesgeschichte mit der Waschfrau Louise (Janet Margolin). Nach außen hin mag es krawallig sein, doch darunter verbirgt sich echte bittersüße Energie.

Abgesehen von den unlogischen, widersinnigen Brüchen in der Realität, die diese Geschichte als etwas kennzeichnen, das über eine normale Narration hinausgeht, sowie von Slapstick-Montagen und Szenen schockierender Dämlichkeit, wird die Handlung schließlich normalisiert. Virgil Starkwell übernimmt die Rolle des Nebenerzählers - ein Kunstgriff, der Jahre später in "Der Stadtneurotiker" viel besser funktionieren würde, um die Nebenhandlung der Romanze zu lenken, obwohl er seine Neigung zum Diebstahl nicht ablegen kann. Eine der blödesten, aber auch schönsten Sequenzen ist, als Virgil Starkwells Banküberfall so unverständlich formuliert ist, dass zahlreiche Bankangestellte herbeigerufen werden, um über den Inhalt der Nachricht zu diskutieren.

"Woody, der Unglücksrabe" ist nicht nur eine Parodie auf Gefängnisfilme oder Krimis wie "Der Unbeugsame", sondern auch eine ganz individuelle Liebeskomödie, die sich mit den Tragödien und den Konsequenzen eines verbrecherischen Lebens für Freunde, Familie und Beziehungen beschäftigt - gewöhnlich bedrückende Situationen, die jedoch mit reichlich Komik aufgelockert werden. Nichts davon soll vordergründig unhaltbar sein, aber es ist schwierig, die gutartigen, herzerfrischenden, zu Herzen gehenden und glaubwürdigen Facetten der Liebesgeschichte zu übersehen. Selbst diese Momente werden immer wieder durch optische Unlogik aufgelockert, die sich über Gefängnisausbrüche, Wiederholungstaten und die Probleme von Ausbrechern mokiert. "Ich brauche eine Torte mit einer Knarre drin."

Schließlich nutzt "Woody, der Unglücksrabe" das Format der halbsatirischen Dokumentationen und absurden Komödie, um eine Abfolge von kontinuierlichen Dialogen und unerschöpflichen Witzeleien zu entwickeln. Die meisten der Witze funktionieren, auch wenn sie alle relativ klein sind. Nur wenige sind zum Lachen, wenn man bedenkt, dass sie sich um flüchtige Ideen drehen, wie Vorstellungsgespräche, Erpressung, die Verantwortung der Familie und die Flucht vor den Behörden. Kleine Streitgespräche verdeutlichen die Groteske, mit der die Aktivitäten angegangen werden. Das beste Beispiel dafür ist Virgil Starkwell, der sich über die fehlende Ausstattung mit seinem Hemd beschwert. Am Ende zeigt "Woody, der Unglücksrabe" zwar die vielversprechenden Qualitäten und das gewaltige Potenzial des Autors, doch fühlt er sich eher wie ein Sprungbrett für Woody Allens kommende Filme an, indem er die Konzepte und Techniken von "Bananas", "Der Schläfer", "Die letzte Nacht des Boris Gruschenko" und anderen wiederverwendet und umsetzt.