Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Der Giftzwerg" von Regisseur Peter Faiman war Natalie (JoBeth Williams) zuvor mit dem versnobten, wahnwitzig reichen Reed Standish (Christopher McDonald) verheiratet, bevor er ihrer überdrüssig wurde und sie sitzen ließ. Bei einer verschwenderischen Dinnerparty, die von Reeds reichen Kollegen veranstaltet wird, erhält Natalie die Gelegenheit, ihren neuen Freund aus der Arbeiterschicht, Dutch Dooley (Ed O'Neill), vorzustellen, der sich offensichtlich nicht mit der extremen Oberschicht verträgt, der aber auch eine Rebellion und eine gewisse Schroffheit verkörpert, die Natalie bereitwillig zur Schau stellt. Natürlich ist Natalie nicht ohne ein paar Dinge von Reed abgereist, darunter ein Haus, einen Gehaltsscheck und das gemeinsame Sorgerecht für ihren Sohn Doyle (Ethan Randall), einen unerträglichen, görenhaften, freundlosen Gymnasiasten, der sich in seinem Nobelinternat allen überlegen fühlt und der seiner liebenden Mutter gegenüber keinen Respekt hat, da er ihr fälschlicherweise die alleinige Schuld an der Trennung gibt. Seine schlechte Moral wird durch das Triezen von Mitschülern noch verschlimmert.

Als Reed Standish zu Thanksgiving nach London reisen muss, anstatt seinen Sohn in Atlanta abzuholen, bietet Dutch an, den Jungen für Natalie abzuholen. Schließlich hat er so die Möglichkeit, eine Beziehung zu dem Kind aufzubauen. Doch Doyle ist so sehr von Hass zerfressen und zieht sich immer weiter von der Gesellschaft zurück, dass Dutch es nicht gerade leicht hat. Sein erstes Treffen beginnt mit einem Angriff mit einem Golfschläger und einem Schuss aus einem Luftdruckgewehr. Doch Dutch überredet Doyle schließlich, ihn geknebelt und an einen Hockeyschläger gefesselt zu begleiten. Entgegen ihrer ersten gewalttätigen Vorstellungen schlägt Dutch einige interessante Ideen vor, um die Reise nach Chicago für die beiden zu einem kurzweiligen Vergnügen zu machen.

"Der Giftzwerg" folgt der altbewährten Formel, ein verwöhntes Balg mit einer lebenslustigen, knallharten Vaterfigur zu kombinieren. Die darauf folgenden Schlachten sind durchweg unterhaltsam, gespickt mit Beleidigungen aus dem Klassenkampf und unsoliden Streichen, von denen einer darin besteht, Doyle am Rande einer verschneiten Straße auszusetzen, über fünfzig Meilen vom nächsten Hotel entfernt, was zu einem großen Autodiebstahl führt. Mit jedem Stunt eskalieren die Vergeltungsmaßnahmen und Reaktionen, die zum Teil recht gefährlich und völlig unvorbereitet erfolgen. In einem zeitgemäßeren Film würde Doyle ernsthafte psychiatrische Hilfe benötigen, statt der erfrischend altmodischen Disziplinierung, die heutzutage als Kindesmisshandlung gelten könnte. Er ist hinterhältiger und intelligenter als der durchschnittliche Filmterror, was zu komplexen Konflikten und Machenschaften und angenehmeren, slapstickartigen Auflösungen führt.

Dutch ist ein äußerst sympathischer Protagonist, der sowohl sensibel als auch vulgär ist. Er ist im Grunde seines Herzens ein Kind und hat keine Angst davor, sich kindisch zu verhalten, wenn sich die Gelegenheit ergibt. Und wenn die teuflisch harte Schale von Doyle geknackt wird, gibt es jede Menge Gelegenheiten, sich mit seinem allgegenwärtigen, jugendlichen Abenteurertum auseinanderzusetzen. Doch Dutch verkörpert nicht nur einen authentischen Kerl, sondern spricht auch viele Wahrheiten aus, die sich andere Theaterrollen nicht trauen würden zu sagen. Das liegt vor allem an den kompositorischen Fähigkeiten von John Hughes, der ein Händchen für Humanismus und glaubwürdige Charaktere und Beziehungen hat, selbst wenn sie filmisch übertrieben oder turbulent sind. Dutch ist ein ehrlicher, respektabler und realistischer Held, der Doyles hartnäckiger, unreifer Rivalität mit Witz und Köpfchen begegnet. Am Ende wird Doyle, wie erwartet und gewürdigt, ein oder zwei Dinge von Dutchs Mitgefühl, seinem Glauben an Muskelkraft, Selbstständigkeit und männlichem Stolz lernen. Und auch wenn es etwa 15 Minuten länger dauert, als es sollte, ist es das Erlebnis wert.

"Carrie 2 - Die Rache" von Regisseurin Katt Shea beginnt mit einer verhaltensgestörten Frau, die ihr Haus rot anstreicht. Daraufhin schlägt sie ihre kleine Tochter mit der öligen Bürste ins Gesicht. Dies führt dazu, dass die Polizei die irrlichternde Mutter mitnimmt und das junge Mädchen, Rachel, in eine Pflegefamilie bringt. Als sie erwachsen wird, verachtet Rachel (Emily Bergl) ihre Adoptiveltern, kleidet sich in düstere Gothic-Klamotten und wird nur von ihrem Hund Walter getröstet. In der Schule ist ihre beste Freundin Lisa (Mena Suvari), eine ähnlich distanzierte Person, die ihr im Bus offenbart, dass sie ihre Jungfräulichkeit an einen Typen verloren hat, dem Rachel einfach nicht glauben will.

Am nächsten Morgen springt Lisa vom Dach der Schule auf die Windschutzscheibe eines Autos. Ihr Tod erschreckt ihren scheinbaren Freund Eric Stark (Zachary Ty Bryan), ein beliebtes Mitglied der Highschool-Footballmannschaft, den 'Bulldogs'. Er bittet den Anführer Mark Bing (Dylan Bruno) um Hilfe, um im örtlichen Fotoladen, in dem Rachel arbeitet, einige Fotografien zu beschaffen, die Eric und Lisa zusammen zeigen. Lisa hatte den Eindruck, dass sie dem Kerl etwas bedeutete, aber sie war nur eines von vielen Mädchen, mit denen die Footballmannschaft ein Punktespiel auf einer Skala der Sexualpartner veranstaltete. Je mehr Stressfaktoren in Rachels Leben eindringen, desto mehr gerät ihr Verstand ins Wanken. Dazu gehören Beliebtheitsprobleme, Unbehagen in Bezug auf den Sportler, den sie mag, Jesse Ryan (Jason London), und die Nachricht, dass ihr richtiger Vater auch der Vater von Carrie White war, einem Mädchen, das beschuldigt wurde, die alte High School niedergebrannt zu haben, indem es die gleiche genetisch rezessive Fähigkeit der Telekinese nutzte, die auch Rachel besitzt, und die das Szenario für "Carrie - Des Satans jüngste Tochter" von 1976 war.

Der vielleicht einzige vergnügliche Aspekt von "Carrie 2 - Die Rache", der irgendeine Relevanz oder Verbindung zum ursprünglichen Kultklassiker von Stephen King aus den 70er Jahren hat, ist die Rückkehr der Schauspielerin Amy Irving als Sue Snell, der einzigen signifikanten Überlebenden des vorherigen Films. Lächerlicherweise erwähnt sie ihr eigenes psychisches Trauma, das zu einem Aufenthalt im 'Arkham Asylum' führte, das, ungeachtet der Schreibweise, Batmans berühmter Zufluchtsstätte für Psychopathen nur allzu ähnlich ist. Jetzt ist sie eine Schulberaterin, die Rachels Begabungen identifiziert und sie zur Bearbeitung in ein Labor in Princeton bringen will.

Diese lose Fortsetzung, die 23 Jahre nach dem Erfolg des Thrillers von Brian de Palma erscheint, verzichtet im Wesentlichen auf den Horror und den Unterhaltungswert des Vorgängers und wiederholt eine ähnliche Handlung mit einer neuen Hauptdarstellerin. Ihre Qualen sind etwas moderner gestaltet, auch wenn sich die Kreativität auf eine Parodie auf "Scream" beschränkt, während Rückblenden innerhalb und außerhalb des Films die anderen sporadischen Rückblicke in die Vergangenheit andeuten. Auf bizarre Weise werden Schwarz-Weiß-Aufnahmen in das Bild eingefügt, von denen einige Rachels Sichtweise und andere scheinbar eine Außenperspektive darstellen. Es ist, als ob der Film sich nicht an seine eigenen Regeln der kinematografischen Formatierung halten kann. Zeitlupen werden missbraucht, funky Jazz-Musik erklingt in den lächerlichsten Momenten, und der krönende Abschluss ist durchzogen von komödiantisch übertriebener, grafischer Gewalt. Die Dämlichkeit wird durch schlechte schauspielerische Leistungen, absurde Mimiken und zu viele "American Pie"-Darsteller aufrechterhalten, was diesen Film zu einer höchst unnotwendigen Rekonstruktion eines bahnbrechenden Horror-Meisterwerks macht.

"Für alle, die zu spät gekommen sind ..." leitet "Das Phantom" von Regisseur Simon Wincer ein, was zugegebenermaßen eine der merkwürdigsten Arten ist, einen Film zu beginnen, auch wenn er dem Betrachter eine Menge Hintergrundgeschichte zu vermitteln hat. Vor vielen Jahren tötete ein böser Piratenanführer den Vater eines kleinen Jungen. Der Knabe überlebt, wird aber auf der Insel 'Bengalla' angespült, wo eine uralte Zeremonie eines Stammesschamanen dem Kind einen Ring mit großer Bedeutung und großer Macht verleiht. Während dieses Übergangsrituals erkennt der Knirps, dass es seine Bestimmung ist, seinen Vater zu rächen und das Böse zu bekämpfen.

Im Jahr 1938 begibt sich eine vierköpfige Gruppe moderner Piraten auf Schatzsuche im bengalischen Dschungel in eine Höhle, die angeblich von einem Geist bewacht wird. Während sie antike Ruinen entweihen, um Schmuck und Gold zu stehlen, in einer Sequenz, die unverkennbar die Abenteuer von 'Indiana Jones' nachahmt, werden sie einer nach dem anderen durch übernatürliche Mittel ausgeschaltet, darunter ein Skelett, das lebendig wird und einen der Diebe erwürgt. Quill (James Remar) ist der Anführer der Schurken, ein Mann, der schon einmal mit dem geisterhaften Phantom (Billy Zane), dem kleinen Jungen, der erwachsen geworden ist und nun das heilige Land beschützt, aneinandergeraten ist.

Ganz in Lila gekleidet, in einem auffallend lebhaften Kostüm, das an Warren Beattys farbenfrohen "Dick Tracy" erinnert, mit einer schwarzen Maske über den Augen, die seine Identität nur wenig verbirgt, verfügt dieser Superheld über Waffen und kolossale Ausdauer, reitet auf einem weißen Hengst und wird von einem Wolfsgefährten namens 'Devil' begleitet. Und unsterblich ist er auch noch. Außerdem wird er vom Geist seines alten Vaters (Patrick McGoohan) aufgesucht, der ihn um Rat fragt, wie er eine geheimnisvolle Bruderschaft von Räubern aufhalten kann, einen alten Orden des Bösen, der versucht, die Kontrolle über ein Trio von allmächtigen Silberschädeln zu erlangen.

Ungeachtet der Vorliebe des Phantoms für grimmige Gesichtsausdrücke und schlagfertige Bonmots ist der violette, hautenge Körperanzug einfach zu viel für die flüchtige Ernsthaftigkeit des Films. Die Optik des Bildes ist durchweg dämlicher als das, was durch actionorientierte Schießereien und Kämpfe konterkariert werden kann. Es hilft auch nicht, dass Billy Zanes Dialoge alle so klingen, als stecke seine Zunge fest in der Fresse. In diesem oberflächlichen Superhelden befindet sich einfach ein Zuviel an Komik. "Es gibt ein altes Dschungelsprichwort ..."

Es gibt einige markante Ähnlichkeiten zu "Shadow und der Fluch des Khan" von vor ein paar Jahren, wie etwa eine Nebenhandlung in der New Yorker High-Society, in der ein Liebespaar Desinteresse am wohlhabenden Leben zeigt. Die korrupte Politik und die großen Kapitalisten streben nach mehr Geld und Einfluss. Der maskierte Verbrechensbekämpfer wird von übernatürlichen Kräften bei der Verfolgung von Kriminellen unterstützt. Das Phantom hat sogar einen Taxifahrer zu seiner Verfügung, trägt zwei Handfeuerwaffen bei sich und stellt sich dem Abkömmling eines mächtigen Konquistadors. Auch viele der Sets sind praktisch identisch. Einige der Stunts sind zwar eindrucksvoll, erinnern aber stark an Elemente aus den 'Indiana Jones'- Filmen. Es gibt auch ein einheimisches Kind, das sich herumtreibt und sich als hilfreich entpuppt, von Sprengfallen über kurze Flüge mit dem Flugzeug bis hin zu Verfolgungsjagden mit dem Auto - das Setting in den 30er Jahren sorgt für einige unliebsame Übereinstimmungen. Selbst Quills Bekleidung ist mit seinem braunen Filzhut und dem zerfledderten Hemd allzu vertraut.

Zu den weiteren Details gehört, dass Catherine Zeta-Jones eine Nebenrolle als Gefolgsfrau übernimmt und eine Gruppe von Söldnerinnen anführt. Der steinerne Thron des Phantoms befindet sich in einer Höhle, die wie ein Totenkopf geformt ist, und Treat Williams ist der sarkastische, arrogante Ganove Xander Drax, der die Weltherrschaft durch Chaos erreichen will und bereit ist, Untergebene hinzurichten, um seine Überlegenheit zu demonstrieren. Die Handlung ist sinnlos, passend zur Ursprungsgeschichte, die recht mitleiderregend aus Lee Falks Comicstrip übersetzt wurde. Verständlicherweise scheint niemand irgendetwas davon ernst zu nehmen, zumal die Dialoge verdummte Konversationen und stupide Repetitionen zum Wohle der unaufmerksamen Beobachter darstellen. "Das Phantom" bräuchte für seine Wirkung zwingend einen charakterstarken Helden, einen überzeugenden Antagonisten, eine zündende Erkennungsmelodie und eine geballte Ladung Aufrichtigkeit, doch der Tonfall ändert sich nie vom Klugscheißerischen, was die Action und das Abenteuer stark eindämmt - das Phantom scheint nie einen Plan zu haben, wenn es eine feindliche Festung stürmt, und trägt zu unfreiwilligen Lachern bei. "In der Schädelhöhle wird nicht geraucht."

In "Fast Food Family" von Regisseur Stephen Herek fährt die Mutter von Sue Ellen Crandell (Christina Applegate) den Sommer über nach Australien. Das bedeutet, dass die 17-jährige Sue das Auto zur Verfügung hat, dass sie so lange wach bleiben kann, wie sie will, dass sie an den Strand gehen kann und dass ihre vier Geschwister auf sich gegenseitig aufpassen werden. Sie hat dann endlich völlige Freiheit, so dass es keine Rolle spielt, dass alle ihre Freunde zum Schulabschluss nach Europa fliegen und sie keinen Freund hat - Stichwort: mögliche Romanze. Bis sie feststellt, dass ihre Mutter eine Babysitterin eingestellt hat, Mrs. Sturak (Eda Reiss Merin), eine elende alte Dame, die darauf besteht, zu brüllen, Befehle zu erteilen und den Kindern Namensschilder anzuheften. Zu ihrem Glück stirbt die garstige Furie über Nacht, so dass sie ihre Leiche in einen Kofferraum packen und in einer nahe gelegenen Leichenhalle abliefern. Dann fahren sie in ihrem klassischen Buick herum.

Zum Pech der rücksichtslosen Jugendlichen hatte Mrs. Sturak das Geld für die Lebensmittel bei sich. Sue wird schnell klar, dass sie in den nächsten zwei Monaten finanziell auf sich allein gestellt sein werden. Sie lassen sich davon nicht abschrecken, denn sie haben keinen Bedarf an stinkigen Erwachsenen. Alles, was sie tun muss, ist, sich einen Job zu suchen. Aber der Job in einem schmierigen Laden für 'Clown Dogs' ist zu ekelhaft, so dass Sue ihren Lebenslauf fälscht und wie durch ein Wunder eine Stelle bei 'General Apparel West' bekommt, als Rose Lindsey (Joanna Cassidy), die stellvertretende Leiterin der Abteilung, sie als Verwaltungsassistentin einstellt. Die Empfangsdame, die sich um die Stelle beworben hat, Carolyn (Jayne Brook), ist nicht gerade begeistert, ebenso wenig wie ihr Kollege Bruce (David Duchovny). Der Haken an der Sache ist, dass der Junge, den Sue mag und den sie bei 'Clown Dog' kennen gelernt hat, Carolyns jüngerer Bruder ist.

Auf dubiose Weise plündert Sue Ellen die Portokasse, gerät in eine gefährliche Dreiecksbeziehung mit dem Verehrer ihrer Chefin und muss auf prekäre Weise Geheimnisse vor ihrem Freund und ihren Kollegen bewahren. Mit einem überwältigenden Geschäftsjargon oder zumindest einem, der für die Zielgruppe gedacht ist, Beziehungsproblemen, Lügen über Scheidungen, Kindererziehung, Geldmanagement und der Vertuschung von Betrügereien ist es unglaublich unangenehm, ein mündiger Mensch zu sein. Das gilt auch für Karrieren, Rechnungen, Steuern und Lebensmitteleinkäufe, auch wenn das alles nur vorgetäuscht ist. Die Folgen scheinen immer noch sehr real. Die Idee eines Kindes, das gezwungen ist, schnell in die Rolle eines Erwachsenen zu schlüpfen, ähnelt auf riskante Weise dem Film "Big". Auch ohne das Element der reinen Fantasie hat "Fast Food Family" eine Prämisse, die sich unvermeidlich abgeleitet anfühlt, vielleicht auch ein wenig an "Die Waffen der Frauen" angelehnt.

Als ihr elaboriertes Alter Ego zurück in die Wirklichkeit stürzt, wird schmerzvoll klar, wie sinnwidrig das alles war, vor allem die Rollenumkehrungen und -parallelen, die Wendungen im Leben, die Prüfung eines immensen Maßes an Verantwortungslosigkeit, die Lösung von Problemen und die Tatsache, dass jede einzelne große Katastrophe auf eine wahnwitzig saubere Formel gebracht wird. Es ist eine Mischung aus Alptraum und Fantasie, und obwohl die Absichten offensichtlich sind, ist "Fast Food Family", dessen Titel so klingt, als basiere er auf einem Buch, dennoch völlig unglaubwürdig, denn es handelt sich um ein Originaldrehbuch von Neil Landau und Tara Ison. Doch mit viel modischem Beiwerk, regelmäßigen Bildmontagen, einem pausenlosen Soundtrack und einer Prise Humor an den richtigen Stellen wird der Film sicherlich das aufmüpfige Teenager-Publikum ansprechen, für das er konzipiert wurde. "Genießt eure Kindheit!"

In "Bad Girls" unter der Regie von Jonathan Kaplan führt eine merkwürdig romantische Musik Anita Crown (Mary Stuart Masterson), eine Prostituierte in der Old West-Stadt 'Echo City', Colorado, ein, als sie einen Stammkunden in ihrem Schlafzimmer empfängt. Auf der Straße darunter protestieren Demonstranten gegen die Existenz des Bordells über dem Saloon und prangern die Sünden des Fleisches an. Im Erdgeschoss muss sich die Besitzerin Cody Zamora (Madeleine Stowe) mit ungehobelten Alkoholikern herumschlagen, aber sie hat weitaus größere Probleme, als ein pöbelnder Freier zu schießen beginnt. Cody tötet den Mann, wohl in Notwehr, doch sie wird sofort auf ein Pferd gesetzt, um für die Tat aufgeknüpft zu werden. Die befreundeten Nutten Eileen Spenser (Andie MacDowell) und Lilly Laronette (Drew Barrymore) kommen jedoch zur rettenden Tat und bringen Cody Zamora in die vorübergehende Freiheit der verstaubten Peripherie der Stadt.

Im Handumdrehen ist ihnen die Detektei Pinkerton auf den Fersen, die ein beträchtliches Kopfgeld von der Witwe des Toten ausgesetzt hat. Mit Codys Ersparnissen, die an eine Bank in 'Agua Dulce', Texas, überwiesen wurden, wollen die vier Frauen ein Landgut in Oregon nutzen, um ein Sägewerk zu eröffnen und ein neues Leben und einen wirtschaftlichen Neuanfang zu beginnen. "Wir haben unsere Körper verkauft, warum können wir nicht auch etwas Holz verkaufen?"

Dass übermäßig religiöse Gruppen versuchen, gegen die Unmoral der Huren vorzugehen, ist nicht neu, aber einen Western aus der Sicht der weiblichen Protagonisten zu gestalten, hat durchaus seine Reize. Trotz der gewalttätigen Auseinandersetzungen, dem einen oder anderen flammenden Schimpfwort und der kurzen Nacktheit ist die Strenge nur von kurzer Dauer. Offensichtlich haben die Filmemacher beschlossen, dass die von ihnen gewählte Perspektive mit Samthandschuhen angefasst werden muss. Und dieser Grundtenor bleibt bestehen, auch wenn Banküberfälle verübt und Pistolen in Gesichter gedrückt werden. "Ich werfe Ihnen vor, einen Skorpion zwischen den Beinen zu haben!"

Mit dem Ziel, eine Vielfalt an klassischen Westernmotiven einzubauen, gibt es auch Schießereien, Konfrontationen mit der Exekutive und spontane Abordnungen, gerissene Banditen, Zugüberfälle, Geiselnahmen, Sprengstoffexplosionen, Pferdestunts und Hochgeschwindigkeitsverfolgungen. Ungünstigerweise ist die Zeit auch für Situationskomik und triviale weibliche Manipulationen wie geschaffen. Letzteres passt zur demonstrativen Pracht der Hauptdarstellerinnen, die das Leuchten ihrer geraden, blendend weißen Zähne und ihrer makellosen Haut nicht unter einem Minimum an sorgfältig platziertem Schmutz und Dreck zu vertuschen vermögen, als ob der eine oder andere Fleck alles plötzlich authentischer machen würde.

Der primäre Effekt ist, dass die Männer im Film nur sekundäre Charaktere oder Ganoven sind, einschließlich des verliebten Goldsuchers Joshua McCoy (Dermot Mulroney) und des Bandenchefs Kid Jarrett (James Russo), während die Frauen sie nie wirklich um Hilfe bitten. Das vierköpfige Frauengespann mag zwar zuweilen Opfer sein, aber sie sind formidabel genug, um sich selbst zu verteidigen, Männer zu Bauern zu machen oder sie auf ihrer halbwegs gefahrvollen Wanderung zu umgehen. Unabhängig vom Szenario haben sie meist die Oberhand, und es sind die maskulinen Akteure, die gravierende Fehlentscheidungen treffen.

Mit der spielerischen Hintergrundmusik, die immer wieder auftaucht, würde Jerry Goldsmiths Partitur auch in einem anderen Film gut passen. Die Verwicklungen behalten eine Lockerheit, die vermuten lässt, dass keiner der Hauptdarsteller ein vorzeitiges Ende finden wird, obwohl es eine ziemlich negative Wendung gibt, als Lilly kurzfristig gefangen genommen wird. Am Ende sind diese 'bösen Mädchen' selbst mit einer zerstörerischen Gatling-Gun definitiv keine 'Wilden Kerle' - die Action ist einfach zu flach, um großes Potenzial zu wecken. Die wertvollen Darsteller können nicht über eine lieblose Geschichte und ein inspirationsloses Drehbuch hinwegtrösten.

In der Welt der Mode gibt es "Frühstück bei Tiffany" und es gibt 'Bergdorf Goodman'. Es ist ein ikonisches Gebäude in New York mit Blick auf die Fifth Avenue und ein elitäres Ziel für High-Fashion-Designer und anspruchsvolle Kunden gleichermaßen. Es lässt sich nicht verbergen, dass das Unternehmen speziell auf die Reichen ausgerichtet ist, aber es schafft einen sozialen Status, den man anstrebt, und einen finanziellen Reichtum, den jeder erreichen möchte. Regelmäßiges Einkaufen an einem so exklusiven, hochwertigen und teuren Ort ist eine erstklassige Gelegenheit für alle, die den amerikanischen Traum verfolgen. Der Film "Scatter My Ashes at Bergdorf's" des Regisseurs Matthew Miele hat seinen Titel von einem berühmten Cartoon von Victoria Roberts, der in der Zeitschrift 'The New Yorker' veröffentlicht wurde und ein älteres Damenpaar zeigt, das über ihre einzige gewünschte letzte Ruhestätte nachdenkt.

Der Dokumentarfilm zeigt eine äußerst kurze Geschichte des Designers Michael Kors und einen noch knapperen Bericht über Herman Bergdorf und Edwin Goodman, die beim Aufbau des Unternehmens zusammenarbeiteten. Das Hauptaugenmerk liegt auf Dutzenden von Kommentaren bekannter Künstler und Prominenter, die darüber berichten, was der Einzelhändler für sie bedeutet. Der Aufbau von Schaufenstern unter der Leitung von Produktionsleitern, ein Einblick in die Wohnsituation der Goodmans über ihrem Geschäft in einem luxuriösen 16-Zimmer-Apartment, Elizabeth Taylors und John Lennons Sonderbestellungen, die Vorgänge um die sardonische Einkaufsberaterin Betty Halbreich, die Anmerkungen europäischer Designer zu dem kultigen Unternehmen und verschiedene andere damit verbundene Interessen werden beiläufig gestreift. Diese werden durch Anmerkungen und Meinungen von bekannten Designern und Hollywood-Kunden wie Christian Louboutin, Oscar de la Renta, Joan Rivers, Diane von Fürstenberg, Marc Jacobs, Vera Wang, Rachel Zoe, Mary-Kate und Ashley Olsen, Candice Bergen, Karl Lagerfeld und unzähligen anderen illustriert.

Der Erzähler William Fichtner schaltet sich etwa 15 Minuten nach Beginn des Films ein, sagt ein paar Worte in einer teilweise erkennbaren Intonation und verschwindet dann auf mysteriöse Weise wieder für lange Zeit - es ist seltsam, die allwissende Stimme überhaupt zu hören, und jedes Mal, wenn er sich meldet, wird es noch sonderbarer. Aus technischer Sicht ist die Zusammenstellung der Daten und Interviews bestenfalls dilettantisch, als ob das Material nicht die Beachtung eines aufwändigeren Rahmens oder Arrangements lohne. Der Film ist lose in Kapitel unterteilt, wobei die Themen und Interviews spontan wechseln und ungeschickt zu den vorherigen Informationen zurückkehren, ohne dass die üblichen Abschnitte verwendet werden. Der Schnitt bietet viel Bewegung, blinkende Lichter, flippige Musik und ein kalauerndes Finale, das auf der trockenen Enthüllung der fünf großen Schaufenster von Bergdorf's basiert, wobei sich die zwischenzeitliche Gestaltung der Produktion als weitaus interessanter erweist, was den Eindruck erweckt, dass dieser Dokumentarfilm krampfhaft versucht, ein jüngeres Publikum mit visuellen Mitteln anzusprechen, anstelle eines ansprechenden Konzepts.

"Scatter My Ashes at Bergdorf's" zeigt auf, dass es eine Menge Politik, fragwürdige Exklusivitätserwartungen und eine Handvoll mächtiger Modedirektoren gibt, die das Schicksal der meisten leidenschaftlichen Nachwuchsdesigner bestimmen. Mehrere der vorgestellten Künstler sind mit bereits erfolgreichen, bekannten Kunstschaffenden verwandt. Privilegierte Schichten sind sicherlich weniger inspirierend als diejenigen, die von ganz unten kommen. In anderen Berichten werden die ebenso belanglosen Geschichten von mühelosem Erfolg, der zu weiterem Reichtum führt, hervorgehoben, während in ein paar interessant erscheinenden Sekunden die Dimensionen der Wirtschaft und der Zusammenhang mit den Ausgaben der Oberschicht an einem so aristokratischen Ort erwähnt werden, aber kein einziger diesbezüglicher Punkt wird mit bedeutsamer Tiefgründigkeit untersucht.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Chionati bat mich um einen Kommentar zu "Antichrist", dem ich die maximale Bewertung von 10 Punkten gab und von ihm die Note 8 erhielt. Lars von Triers Meisterwerk ist heftig umstritten und zeugt von seiner geistigen Abwegigkeit des Menschseins. Das ist großartig, denn hier blickt der Abgrund auf einen herab.

Der eigenwillige dänische Filmemacher Lars von Trier erzählt mit "Antichrist" eine traumatische Geschichte über einen psychischen und ehelichen Zusammenbruch in den tiefen, dunklen Wäldern. "Es gibt nichts Untypisches an Ihrem Kummer", erklärt ein namenloser kognitiver Therapeut (Willem Dafoe) einer namenlosen Patientin (Charlotte Gainsbourg), die zufällig auch seine Frau ist und deren Gram, zumindest theoretisch, auch sein eigener ist. Doch in "Antichrist" des Provokateurs Lars von Trier wird der optimistische, geradezu arrogante Glaube dieses Psychologen an die Messbarkeit, Quantifizierung und Rationalität von Ängsten auf eine harte Probe gestellt, denn sowohl er als auch der Betrachter werden in die tiefsten Abgründe menschlicher Verzweiflung und Verdorbenheit geführt und dort ohne eine sinnvolle Landkarte zurückgelassen, um den Weg zurück nach Hause zu finden.

Wenn es in "Antichrist" um rohe, ursprüngliche Emotionen geht, dann ist der formale Prolog, der wie alle Abschnitte des Films mit einem in kindlicher Kreide gekritzelten Zwischentitel eingeleitet wird, sowohl im freudschen als auch im biblischen Sinne die ultimative Urszene. Ein Kleinkind klettert aus seinem Bettchen, beobachtet seine Eltern beim explizit dargestellten Sex und klettert dann an drei Spielzeugen vorbei, die mit 'Pain' (Schmerz), 'Grief' (Trauer) und 'Despair' (Verzweiflung) beschriftet sind, was auch die Titel der folgenden Kapitel des Films sind, zu einem offenen Fenster, aus dem es mit verstörender Gelassenheit auf die winterliche Straße hinunterstürzt. Diese berauschende Mischung aus Sex und Tod, voyeuristischen Tabus und dem Sündenfall ist umso grausamer, als sie in einer hyperdetaillierten, monochromen Zeitlupe gedreht wurde, die jeden Wassertropfen und jede Schneeflocke einfängt, und mit den barocken Klängen einer Arie aus Georg Friedrich Händels 'Rinaldo' unterlegt ist. Diese Kombination aus sexuellen Praktiken und todbringenden Ereignissen, revoyeuristischen tabuisierenden Handlungen und dem Sturz ist umso erschreckender, als sie kühl und ästhetisch stilisiert ist und nicht, wie man es erwarten könnte, auf den orgasmischen Gesichtern der Eltern oder dem schlaffen Körper des Kindes endet, sondern auf dem unpassend häuslichen Bild weißer Wäsche, die sich in einer Waschmaschine dreht.

"Antichrist" ist zwar Lars von Triers erster Ausflug ins Horrorgenre, aber nicht so sehr der Horror des billigen Schreckens und der Buhmänner in den Schränken, sondern die Fähigkeit der Phantasie zu Gewalt, Perversion und Zerstörung. Wie der Therapeut und Ehemann uns zwitschernd daran erinnert, "Was der Verstand sich vorstellen kann, kann er auch erreichen", ist dies ein alptraumhafter Film, der die schwärzesten Gedanken und Gefühle des einen oder anderen traumatisierten Probanden als erzählerische Handlungen auf der Leinwand präsentiert, umgesetzt in Anthony Dod Mantles scharfer, gelegentlich verzerrter, digitaler Farbkinematographie.

Wie das Paar in "Wenn die Gondeln Trauer tragen" reist auch dieses Ehepaar an einen Ort, an dem es sich mit ungelösten Schuldgefühlen und Schuldvorwürfen wegen des Todes ihres Kindes konfrontiert sieht. Doch auch wenn die abgelegene Hütte im Wald mit dem dazugehörigen Geräteschuppen und dem gespenstischen Dachstuhl, auf dem eine verrückte Hexe hausen könnte, aus vielen Horrorfilmen oder Kindermärchen bekannt ist, so sind hier doch auch weitergehende Aspekte im Spiel. Schon der Name ihres waldigen Refugiums 'Eden' lässt bei all den zur Schau gestellten fleischlichen Übertretungen auf die Erbsünde schließen, ebenso wie das Beharren der Ehefrau darauf, dass "Die Natur die Kirche des Satans ist". Hier wird das Böse, wenn es denn überhaupt existiert, bis zu seiner primären skripturalen Quelle zurückgeführt, während der Titel des Films und die Besetzung mit dem Mann, der einst Jesus in "Die letzte Versuchung Christi" spielte, auf die Qualen eines neueren Testaments hinweisen.

In der Tat mangelt es in "Antichrist" nicht an fleischgewordenen Torturen, obwohl unklar bleibt, ob all die körperlichen Leiden und Genitalverstümmelungen für bare Münze genommen werden sollen oder als kathartische Dramatisierungen "Wie ein Rollenspiel", um den Ehemann des Schmerzes zu zitieren, der wirklich innerlich ist. Wie wörtlich kann man einen Film nehmen, in dem ein sprechender Fuchs, eine Krähe, die nicht stirbt, und ein Sternbild, das ausdrücklich nicht existiert, vorkommen? Lars von Trier markiert seine idyllischen Gärten als Spielplatz für hypnotische Zustände und Entgleisungen des Geistes, in denen Geschichte, Mythos, Biologie, Psychologie, Astrologie, Religion und Sexualität als ideologischer Rahmen für das sich entfaltende (un)menschliche Drama miteinander konkurrieren. Es ist der Traum oder zumindest der Alptraum eines Symbolisten, der durchquert und durchlebt werden muss, um weiterzukommen, aber anstatt uns einen Weg zu weisen, führt Lars von Trier uns im Kreis herum, bis auch wir in dem dunklen Wald gefangen sind und an den Selbstquälereien dieser verlorenen Seelen teilhaben.

"Antichrist" wurde von Lars von Trier geschrieben und gedreht, als er sich noch von seiner eigenen lähmenden Depression erholte, und der Film ermöglichte es ihm, seine persönlichen Probleme zu verarbeiten, einschließlich seiner Abneigung, jemals wieder Regie zu führen, und bot ihm gleichzeitig eine kontrollierte und moderierte Arena, in der er die äußeren Grenzen des Elends erforschen konnte - in seinen späteren Szenen verweist der Film sogar auf Rob Reiners "Misery", auf Angst und Therapie. Beim Abspann kann man fast hören, wie der Regisseur dämonisch gurrt und wie Charlotte Gainsbourgs Figur in der Mitte des Films oder wie Alex am Ende von "Uhrwerk Orange" verkündet, dass er 'geheilt' ist. Lars von Trier so widersprüchlich, erschütternd und konfrontierend wie immer. Lars von Triers doppelbödiger Horrorfilm ist eine wunderbare Ansammlung verdorbener Bilder und irrationaler Assoziationen, die so ablenkend und betäubend sind wie die Depression selbst.

"The Power of the Dog" von Regisseurin Jane Campion spielt im Jahr 1925 in Montana, wo die Brüder George (Jesse Plemons) und Phil Burbank (Benedict Cumberbatch) gemeinsam eine Rinderfarm betreiben. Als sie eine Herde in die Stadt 'Beech' treiben, halten sie zum Abendessen in der 'Red Mill', wo Rose Gordon (Kirsten Dunst) und ihr halbwüchsiger Sohn Peter (Kodi Smit-McPhee) arbeiten und wohnen. Während George im Allgemeinen ruhiger und zurückhaltender ist, aber dennoch so etwas wie ein gleichberechtigter Anführer, ist Phil lauter und angriffslustig und geht sogar so weit, den femininen Peter zu beleidigen, was Rose schließlich zu Tränen rührt. Der kalte, harte Mann ist es offensichtlich gewohnt, seinen Willen durchzusetzen, seine Meinung zu sagen und verehrt oder gefürchtet zu werden. Doch Phil trifft keine Entscheidungen ohne George.

Am nächsten Morgen bleibt George in der 'Red Mill', um mehr Zeit mit Rose zu verbringen, was zu einer Romanze führt, die in einer Heirat mündet. Das verärgert Phil sehr, denn er ist gegen jeden Bruch in seinem gewohnten Lebensstil. Außerdem sieht er Rose aus unerfindlichen Gründen als unwürdige Frau oder als Bedrohung an, da sie jemanden darstellt, der die Aufmerksamkeit von der Einfachheit der unkomplizierten Karriere, die er mit seinem Bruder teilt, ablenken würde. Sobald sie mit ihrem neuen Ehemann auf dessen großem Anwesen lebt, kommen unweigerlich Animositäten, Neidgefühle und einige weitere, komplexere Empfindungen ins Spiel.

Ein angenehm finsterer, von einer Geige begleiteter Soundtrack beherrscht die Szenarien, während Phil versucht, jegliche Harmonie zwischen den Brüdern zu stören. Wenn er eine Absicht oder ein Ziel hat, dann ist es, dafür zu sorgen, dass Rose nie dazugehört und dass die Frischvermählten nie die Gelegenheit bekommen, sich zu erleichtern. Ähnlich wie bei den Figuren auf dem Bildschirm ist das Unbehagen allgegenwärtig und für den Betrachter praktisch greifbar. Die Richtung, in die sich die Geschichte entwickelt, scheint von Anfang an klar zu sein, aber die verschiedenen Episoden von Schikanen, Verachtung und unaufhörlicher feindseliger Stimmung werfen Fragen darüber auf, was letztendlich passieren wird. Es bedarf gewiss einiger sich wiederholender Sequenzen von Abneigung, um eine ausreichend intensive Aversion gegen die Figuren und ihre Handlungen aufzubauen, wobei sich die Perspektiven und Sympathien und mit der Zeit auch die Absichten ändern, insbesondere gegenüber dem auffälligen Außenseiter Peter.

Es gibt ein paar morbide Wendungen und einige Erkenntnisse über Verhaltensweisen, die oft von Sexualität durchdrungen sind und die Normen und Erwartungen an Männlichkeit und persönliche Fähigkeiten kommentieren, doch das dunkle Element des Reizes und der Manipulation bleibt immer erhalten. Phil führt nichts Gutes im Schilde, auch wenn er sich verdeckt bemüht, herzlich zu erscheinen. Die Musik, die subtile Mimik und das wachsame Auge der anderen Figuren sorgen dafür, dass sich das Auditorium der drohenden Gefahren und bösen Absichten bewusst ist. Dies ist die Gattung von Filmen, bei denen die Zuseher verunsichert bleiben sollen. Es gibt nur wenige Minuten der Gelassenheit. Es handelt sich zwar nicht um einen traditionellen Thriller, doch die Atmosphäre ist unleugbar packend und spannungsgeladen.

Unheimliche Dinge brauen sich ständig zusammen, brisante Situationen drohen ständig zu explodieren. Problematisch ist jedoch, dass "The Power of the Dog" ein langer, beständiger Aufbau ist, der ein katastrophales Finale prophezeit. Zwei Stunden lang die Konzentration auf den Ausgang der Geschichte zu erhöhen, ist jedoch sehr belastend, vor allem, wenn es sich um ein kleines Geheimnis handelt. Hier sind die Charakterstudie und die Analyse einer sich ständig wandelnden Bindung spannender als die Handlung selbst, die eher antiklimaktisch und mystifizierend endet. Doch die Darsteller sind hervorragend, allen voran Benedict Cumberbatch, der eine völlig unerwartete Abkehr von seiner jüngsten Superheldenrolle zeigt. Doch anstatt die Dinge und Interaktionen so darzustellen, dass ihre Bedeutung klar ist, wird ein zentrales Konzept der Rache bis zu den Abschiedsbildern in Unklarheit gekleidet, und dann ist es meist schon zu spät, um die Genialität oder, wie hier, die zufällige Unvorhersehbarkeit des langen Betrugs zu erkennen. Würden die Zuschauer nur ein bisschen länger in die List eingeweiht, wäre die Auflösung nicht nur ungewohnt befriedigend, sondern auch kurzweilig gewesen.

"Krass" von Regisseur Ryan Murphy beschreibt die Kindheit von Augusten Burroughs, die 1971 begann, als er sechs Jahre alt war. Seine Mutter Deirdre (Annette Bening) ist eine geplagte Poetin, die davon träumt, vor ausverkauften Theatern aufzutreten, aber von den lokalen Zeitungen und Zeitschriften abgelehnt wird und sich damit trösten muss, dass sie die Poesie anderer herabwürdigt. Augustens Vater Norman (Alec Baldwin) ist ein alkoholkranker Lehrer, der es schon lange aufgegeben hat, seine ehelichen Probleme zu lösen. Als sich die häuslichen Auseinandersetzungen verschlimmern, schlägt Deirdre Dr. Finch (Brian Cox) vor, einen anomalen Therapeuten, der überhaupt nichts zu heilen vermag. Augustens Eltern trennen sich für immer, Deirdre zieht in ein Hotel, wo sie sich in aller Ruhe in eine umfangreiche Drogensammlung stürzen kann, während Augusten in der Obhut von Dr. Finch und seinen ebenso abweichenden Verwandten bleibt. Auf irgendeine Weise gelingt es Augusten (Joseph Cross), in seiner zunehmend abscheulichen Situation Verständnis und Entschlossenheit sowie die Kraft zu finden, lebensverändernde Entscheidungen zu treffen.

Was wie eine bestechend düstere Version von "Eine Reihe betrüblicher Ereignisse" beginnt, taucht schließlich zu tief in die nicht ganz so humorvolle Welt des Drogenkonsums, sexuellen Missbrauchs und psychotischer Nonkonformität ein. Annette Bening liefert eine herausragende Leistung in der Rolle der emotional instabilen und drogensüchtigen Matriarchin, die neben ihrem eigenen Leben auch das von Augusten ungewollt zerstört. Sie balanciert mit Oscar-würdiger Präzision zwischen humorvollen Wahnvorstellungen und peinigenden Persönlichkeitsveränderungen. Joseph Cross liefert ebenfalls eine bewundernswerte Performance in der Verkörperung des verwirrten Augusten, einer unglücklichen Seele, die in der Hoffnungslosigkeit von schlechten Einflüssen und noch schlechteren Vorbildern gefangen ist. Es wäre ungerecht, fast alle Mitglieder des Ensembles, das die Anti-Brady-Bunch-Familie bildet, nicht zu erwähnen. Evan Rachel Wood spielt Natalie, die desillusionierte und rebellische Tochter, die die Einzige zu sein scheint, mit der Augusten wirklich in Kontakt treten kann. Gwyneth Paltrow spielt Hope, die religiös 'gute' Tochter, die glaubt, dass sie mit ihrer toten Katze kommunizieren kann. Jill Clayburgh ist Agnes, die treue Ehefrau von Dr. Finch, die sich die Stunden damit vertreibt, alte Horrorfilme zu schauen und Hundefutter zu essen. Jede Figur wird deutlich zum Leben erweckt und ist anfangs faszinierend zu beobachten, sogar wenn sie auf die Selbstzerstörung zusteuern.

So vielversprechend das auch klingen mag, die Probleme sind so zahlreich wie die hervorragende Besetzung. Basierend auf den Memoiren des echten Augusten Burroughs werden die skurrilen Gestalten recht comichaft dargestellt, während seine Kindheit in Wirklichkeit absolut grauenhaft gewesen sein muss. Da die Handlung die Reihe von kuriosen Umständen verfolgt, die Augusten umgeben, bis er etwa 15 Jahre alt ist, ist der Schluss alles andere als zufriedenstellend. Die meisten Vorkommnisse sind zwar unerwarteter Natur, führen aber nicht zu einem Ziel, denn sein Leben ist noch lange nicht auserzählt. Und da dies nur ein kleiner Teil seines Abenteuers ist, kommt das Projekt zu einem abrupten Ende. Viele Szenen sind vorsätzlich witzig, aber die meisten Episoden sind so derangiert, dass der Betrachter ständig zwischen einem schiefen Grinsen und einer Grimasse pendelt. Exzentrisch und grotesk sind nicht einmal im Ansatz geeignet, die albtraumartigen und melancholischen Grausamkeiten zu charakterisieren, die Augusten und dem Anwesen der Finchs widerfahren.

Zu gleichen Teilen saukomisch, manisch, mysteriös und ernsthaft deprimierend, ist es schwierig, den Unterhaltungswert zu ignorieren, der nach der ersten halben Stunde schnell abflaut. Fans von Augusten Burroughs' Werk werden "Krass" wahrscheinlich sehen wollen, um die Treue der Adaption zu beurteilen, doch für alle anderen werden die Stimmungsschwankungen und die unangenehme Fremdartigkeit des Ganzen sicherlich zu viel des Guten sein. Ein paar hysterische Szenen können nicht für die anhaltende Verschrobenheit entschädigen, die das Bild überzieht und zu konstanter Unklarheit darüber führt, was absichtlich absurd und was zufällig lustig ist.

Wer glaubt, dass das Leben nicht noch schlimmer werden kann, sollte es den Filmen überlassen, neue Figuren einzuführen, deren verzweifelte Lage alles Vorstellbare übertrifft. Solche Persönlichkeiten gedeihen in "Zeiten des Aufruhrs" des Regisseurs Sam Mendes, einem Film, dessen Perspektive so weit in das Reich der erdrückenden Depression reicht, dass das Resultat nur völlige Erschöpfung sein kann. Hätte Sam Mendes bei der Verfilmung des Romans von Richard Yates nur die Möglichkeit gehabt, diese Menschen in irgendeiner Weise sympathisch oder glaubwürdig zu machen, wäre ihre Qual vielleicht nicht so müssig und zermürbend gewesen. Hätte...

Für April (Kate Winslet) und Frank (Leonardo DiCaprio) ist es Liebe auf den ersten Blick und kurz darauf der unentrinnbare Strudel der Wiederholung. Frank nimmt einen tristen Tagesjob als Geschäftsmann an, schlafwandelt durch sinnlose, unbefriedigende Arbeit, ist dazu genötigt, die Sekretärinnen zu verführen und seine Pflichten zu vernachlässigen, nur um sich die Zeit zu vertreiben. April ist eine Hausfrau und Mutter, die in ihrer Pflicht feststeckt und das Gefühl hat, dass sie ihr Leben nicht voll auskosten kann. Während das Paar einen erfrischenden, aber weit entfernten Weg zu einem idyllischen Leben in der utopischen Stadt Paris plant, ersetzen harte Realitäten die hoffnungslosen Träume, und schwierige Optionen ruinieren zunehmend ihre Chancen, mit der elenden Identität zu brechen, die sie geschaffen haben.

Es gibt wahrhaftig nichts, was man an "Zeiten des Aufruhrs" mögen könnte. Die Charaktere sind allesamt demotivierend, dysfunktional und nervig, aber vor allem werden sie so dargestellt, dass Empathie praktisch nicht in Betracht kommt. Da April in den Wahnsinn abdriftet und Frank unkontrollierbar kocht, kommt die einzige Sensibilität von dem klinisch verrückten John (Michael Shannon), der so unausstehlich ist, dass selbst seine Ausführungen über ihre Situation beklemmend sind. Die beiden Kinder, die ebenfalls Mitleid erheischen könnten, sind oftmals fern, was den Kontakt des Betrachters mit dem brüchigen Gewissen der Hauptfiguren noch weiter kappt. Es ist, als würde man die Zuseher dazu bringen, alle Personen im Film zu hassen um auf ihre Störungen und Defekte nur mit negativer Resonanz zu reagieren.

Auch das Drehbuch ist misslungen und lässt Leonardo DiCaprio und Kate Winslet so unprofessionell aussehen wie in "Titanic", der ein Jahrzehnt zuvor gedreht wurde. Manche mögen argumentieren, dass es sich bei ihnen um vollendete Schauspieler in ihren besten Jahren handelt und dass ihre Darbietungen eine Auszeichnung wert sind, aber selbst der Höhepunkt von "Zeiten des Aufruhrs" ist lächerlich, ebenso wie fast jede ergänzende Sequenz, in der sie sich ständig zanken und einander anschreien. Und ihr Streit nimmt den größten Teil der Laufzeit ein, so dass dieses unendlich dialoglastige, melodramatische Projekt nur aus Zitronen und keinem Zucker besteht. An diversen Stellen ist "Zeiten des Aufruhrs" so dermaßen peinlich-traurig, dass es schon fast lustig ist. Dieser Film wird die Zuschauer sicherlich dazu veranlassen, die schlechtesten Filme des vergangenen Jahres neu zu evaluieren. Doch so sehr es auch jene Zusehenden aufmuntern mag, die dankbar sein können, dass ihr eigenes Leben nicht so sozial beeinträchtigt ist, so sehr könnte es auch anderen zu nahe gehen.

"88 Minuten" von Regisseur Jon Avnet ist ein Film, der so viele Mängel aufweist, dass man sie nicht alle in einer einzigen Rezension aufgreifen kann. Amateurhaftes Talent, das dem Film einen entsprechend juvenilen Einschlag verleiht, umgibt den altgedienten Schauspieler Al Pacino, der im Prinzip in allem, was er tut, eine beeindruckende Performance abliefert. Doch hier kann er die Leistungen der anderen nicht konterkarieren. Der vergebliche Versuch, spannend zu sein, und das viel zu große Bemühen, den Betrachter in ein Ratespiel zu verwickeln, machen "88 Minuten" bisweilen schlicht zur Farce. Der Film ist einfach nicht geistreich genug, um 88 Minuten lang zu funktionieren, geschweige denn die tatsächliche Laufzeit von 108 Minuten zu garantieren.

In Seattle ist Jack Gramm (Al Pacino) der forensische Psychiater des FBI, der hauptverantwortlich für die Verurteilung des Serienmörders Jon Forster (Neal McDonough), des 'Seattle Slayer', war. Als Jon Forster kurz vor seiner Exekution steht, erhält Jack Gramm einen mysteriösen Drohanruf, der ihn warnt, dass er nur noch 88 Minuten zu leben hat. Jack Gramm wird folglich von Paranoia befallen und verdächtigt jeden Vertrauten, während er die diversen Tathergänge, die zum Tod mehrerer Opfer des Killers geführt haben, zurückverfolgt und dabei einen Trittbrettfahrer entlarvt, der scheinbar von dem inhaftierten Jon Forster gelenkt wird. Verstrickt in ein perfides Katz- und Mausspiel muss Jack Gramm, dem die Zeit davonläuft, seinen potenziellen Mörder zu fangen trachten.

Anfangs wirkt die Handlung von "88 Minuten" noch interessant, doch schnell kollabiert die Geschichte in ihren Grundfesten. Der Film hat erhebliche Defizite bei der Beibehaltung einer hinlänglichen Spannungsgrundlage, da die meisten Charaktere keine Sympathiewerte aufweisen, wohingegen Al Pacino zumindest bis zu den letzten Sekunden seiner 88-minütigen Ermittlungen unantastbar ist. Um die Dichte noch weiter zu reduzieren, wird jede Szene mit einem Übermaß an fabrizierter paranoider Verfolgungswut zugekleistert. Der Aufbau ist reine Fanfaronade, mit einer Unzahl von uninspirierten Nebenfiguren, die als mögliche Verdächtige in Frage kommen, bis hin zu einem Campus-Sicherheitspolizisten und einem Empfangsmitarbeiter, die ihre jeweiligen Partien bis zur totalen Absurdität ausschmücken.

Zu viele kleine Statisten sorgen dafür, dass diejenigen, auf die es ankommt, nicht die nötige Spielzeit bekommen, was zu einem geplanten und chaotischen Gewirr führt. Selbst wenn der Betrachter nicht in der Lethargie ist, den Urheber des Verbrechens zu erkennen, bevor die letzten Sekunden verstrichen sind, ist die Entlohnung bestenfalls banal. Obgleich Al Pacino eine begrenzte Charakterentwicklung zuteil wird, spielen sich fast 90% des Films auf Mobiltelefonen ab, was den Bezug des Verbrauchers zu signifikanten Persönlichkeiten zusätzlich behindert. Jack Gramm wird in "88 Minuten" auch von fast jedem bevormundet, er ist umgeben von Studenten und Kollegen, die definitiv nicht so lupenrein oder integer sind, wie sie sich zu geben bemühen, was den Argwohn verstärkt, der über den Verfolgungswahn hinausreicht und es letztendlich erschwert, das Ganze als ernst anzusehen.

Wäre Jack Gramm einer Autobombe, einem Motorradfahrer mit Unfallflucht oder einem fanatischen Heckenschützen zum Opfer gefallen - lauter blödsinnige Einfälle - hätte er nicht lange genug überlebt, um dem Film seinen Titel gerecht zu werden, was wiederum verhindert, dass einer dieser nervenaufreibenden Aspekte echte Zugkraft entfaltet. Derweil tragen viele Zoomaufnahmen, eingeblendete Rückblenden, zusammengeschnittenes Leichenmaterial und entnervende Schnittteile zu den unappetitlichen Charakteristika des Films bei, ganz zu schweigen von den umfangreichen Logiklücken oder den sträflich inhaltsleeren Abzweigungen, die als rote Fäden dienen. Der Zuschauer ist nicht dazu aufgerufen, das Rätsel an der Seite von Jack Gramm zu ergründen, zumal die Charaktere ihre Untaten beichten oder vorsätzlich in die Irre führen, was die Interaktivität von "88 Minuten" im Endeffekt zunichtemacht. Im Gegenteil, es ist ein Tippspiel, bei dem man gleich zu Beginn resignieren möchte.

"Was ist das für ein Ort?" Als Jacob Yi (Steven Yeun) seiner Frau Monica (Yeri Han) in "Minari - Wo wir Wurzeln schlagen" von Regisseur Lee Isaac Chung ihr neues Zuhause in Arkansas zeigt, erwartet sie eine Überraschung. Ihre Kinder David (Alan Kim) und Anne (Noel Kate Cho) untersuchen das Haus zwar mit Freude, doch Monica ist angewidert von seinem hinterwäldlerischen Äußeren, denn es ist ein Wohnmobil mit faszinierenden Rädern und Klötzen zur Stabilisierung. Wenigstens haben sie ein großes Grundstück von etwa 50 Hektar, auf dem Jacob einen koreanischen Gemüsegarten anlegen will. "Das ist der beste Dreck in Amerika!"

Die Yis arbeiten bei Wilkinson Hatcheries, nachdem sie zuvor in einem ähnlichen Betrieb in Kalifornien geschuftet haben, wo sie den ganzen Tag auf Hühnerärsche starrten, ein Sortierverfahren, das als Geschlechtsbestimmung bezeichnet wird und die unverwertbaren männlichen Tiere aussortiert, die dann anschließend getötet werden. Allerdings hatten sie dort nichts, und das meiste von Jacobs Ersparnissen ging für den Unterhalt seiner Eltern drauf, ein Brauch seiner koreanischen Herkunft. Hier haben sie eine enorme Menge an Eigentum und die Chance, neu anzufangen und den fehlgeleiteten oder trügerischen amerikanischen Traum zu verfolgen. Mit etwas Glück und genügend Zielstrebigkeit könnten sie es schaffen.

Trotz einiger anfangs entbrannter Querelen über ihre Lebenssituation strahlen die Yis einen gewissen Optimismus aus, der sich wie ein Segen anfühlt, obwohl sie im Grunde allein in der Wildnis leben und eine Stunde von einem Krankenhaus entfernt sind, was wegen der Herzprobleme des kleinen David Besorgnis erregend ist. Außerdem sind ein paar Bekanntschaften unerwarteterweise sehr merkwürdig. Wäre dies ein Horrorfilm, hätten die Dinge schnell in die Binsen gehen können, insbesondere der Landarbeiter Paul (Will Patton), dessen religiöse Warmherzigkeit ebenso alarmierend wie harmlos und grenzwertig freundlich ist. Als Monicas Mutter (Yuh-jung Youn) kommt, um beim Kinderhüten behilflich zu sein, um einen Ausgleich für Jacobs Obsession mit der Landwirtschaft zu schaffen, ist das eine weitere Quelle für angespannte Beziehungen und für Davids Exzesse, zum Teil, weil er gezwungen ist, sein Zimmer zu teilen, aber vor allem, weil diese neue Person nicht seinen großmütterlichen Normen entspricht.

Während "Minari - Wo wir Wurzeln schlagen" die einfachen Freuden der Wildnis, die Freiheiten und Möglichkeiten unternehmerischer Selbstständigkeit und neue Freundschaften erkundet, werden gleichzeitig düstere Konzepte wie kulturelle Identitätskonflikte, Disziplin, das Erfüllen von Erwartungen, der Kampf mit dem Gefühl der Zugehörigkeit, die Monotonie der körperlichen Arbeit und die Qualen des drohenden finanziellen Scheiterns sowie die demoralisierenden Aktionen, die aus dem Kampf gegen diese Möglichkeit resultieren, unter die Lupe genommen. Der Umfang des Films mag begrenzt sein, vor allem wegen des kleinstädtischen Settings der 80er Jahre mit wenigen Schauplätzen und der bescheidenen Besetzung, aber die Herzenswärme und die Sanftmut der Figuren sind eindrücklich. Sämtliche Rollen zeichnen sich durch eine hohe Authentizität aus, die durch die intime Umgebung und Situation noch zusätzlich betont wird. Mehr als alles andere ist "Minari - Wo wir Wurzeln schlagen" eine Charakterstudie. "Warum ist dein Gesicht so schmal?

Die vielleicht berührendste Darbietung kommt von Yuh-jung Youn, einer ungewöhnlichen Stimme der Vernunft und doch ein wenig rebellisch. Die auffallende Menschlichkeit, die sie in alltäglichen Routinen und einfachen Beobachtungen vermittelt, ist zutiefst bezwingend. In ihrer kompromisslosen Ganzheitlichkeit ist sie eine sensationelle filmische Präsenz. Ihre Entwicklung ist am glaubwürdigsten, die von Monica dagegen am wenigsten, der mehrere Sequenzen gegeben werden, um verständliche Einwände zu entwickeln, die gegen Ende unerklärlicherweise und frustrierend verworfen werden, als ob sie dauerhaft durch nicht miteinander verbundene Tragödien besänftigt würden. Bis zum Ende, das einen kraftvollen Klimax bietet, auch wenn er inszeniert ist, da unangebrachte Erfolgsmessungen gegen persönliche Stärken und den Herzeleid des familiären Streits abgewägt werden, wird dies ein eklatanter Fehltritt mit emotionalen Beweggründen. "Minari - Wo wir Wurzeln schlagen" mag hoffen, dass bestimmte Ambiguitäten wirklichkeitsnah sind, aber es ist äußerst unzureichend, wenn diese Subtilitäten zahlreiche, zuvor definierte Motivationen und Mentalitäten sowie Konflikte und die Offenbarungen ignorieren, die dringend notwendig waren, damit die beiden Hauptfiguren wahre Genugtuung erfahren.

In "Die Brücke am Kwai" von Regisseur David Lean gräbt der sarkastische, unaufrichtige amerikanische Gefangene Navy Commander Shears (William Holden) Gräber außerhalb des von den Japanern geführten Kriegsgefangenenlagers in Thailand aus, als ein neuer, großer Zug gefangener britischer Soldaten auf das Gelände einrückt. Sie werden von Colonel Saito (Sessue Hayakawa), dem Anführer von Camp 16, ausgewählt, um beim Bau einer Brücke über den Kwai zu helfen. Entgegen dem strengen Kodex der Genfer Konvention verlangt Saito, dass die Offiziere zur Handarbeit eingesetzt werden, was den buchstabengetreuen britischen Colonel Nicholson (Alec Guinness) in Rage bringt, der wirklich nicht verstehen kann, dass die zivilen Richtlinien nicht befolgt werden. Als seinen Offizierskollegen das Ultimatum gestellt wird, sich entweder bei der Arbeit den unteren Rängen anzuschließen oder von einem Maschinengewehr umgenietet zu werden, weigert sich Nicholson, sich zu rühren, und wird in letzter Minute durch den Appell des Sanitätsoffiziers Major Clipton (James Donald) an Saitos Kriegerehre gerettet.

In Singapur erhält Nicholsons Geschwader den Befehl zur Kapitulation, woraufhin er die Bildung eines Fluchtkomitees sofort unterbindet. Doch das hält Shears nicht auf, der entschlossen ist, bei der erstbesten Gelegenheit zu fliehen und zwei andere Rebellen mitzunehmen, nur um erschossen zu werden und in den Fluss zu stürzen. Nicholson weigert sich weiterhin, den Arbeitsauftrag auszuführen, was Saito dazu zwingt, den standhaften Anführer in die 'heiße Kiste' in der prallen Sonne zu werfen, während der Rest der Offiziere in einer entsprechenden Strafbaracke untergebracht wird. Als es beim Bau der Brücke zu Sabotage und Verzögerungen kommt, weil britische Gefangene natürlich gegen Qualitätsarbeit für den Feind sind, droht Saito gegenüber Nicholson mit rituellem Selbstmord, wenn er die Männer nicht dazu bringen kann, die Arbeiten zu beschleunigen. Um Nicholson einen kleinen Vorteil zu verschaffen, indem er seine Schwäche verrät, gibt Saito schließlich nach und entlässt alle Offiziere und erlaubt ihnen, nur noch in Verwaltungspositionen zu dienen.

"Dieser Mann ist der schlechteste Befehlshaber, dem ich je begegnet bin", sagt Nicholson, als ob ein Mann der Vernunft seine Eingrenzung leitet. Für den fast wahnsinnigen Oberst ist alles eine Frage des Prinzips. Er kommentiert den Irrsinn der Flucht aufgrund des unvermeidlichen Verlusts von Menschenleben, hält aber stur an der unsachgemäßen Arbeit von Offizieren fest und opfert rücksichtslos das Wohlergehen seiner eigenen Männer, um einen Standpunkt zu beweisen. Als sein Benehmen zu einem positiven Ergebnis führt, wird sein irrationales Engagement für korrektes militärisches Verhalten nur noch verstärkt. Er hat teilweise Wahnvorstellungen und plant, Ordnung und Disziplin unter den Männern wiederherzustellen, indem er die bestmögliche Brücke baut, um die Vorstellung zu untermauern, dass britische Soldaten auch in Gefangenschaft Großes vollbringen können.

"Die Brücke am Kwai" zeigt einen besonders kooperativen Aspekt des Zweiten Weltkriegs, indem es die Entschlossenheit eines in die Enge getriebenen Anführers und die betonte psychologische Wandlung seines Geiselnehmers oder die Beugung seines Willens fiktiv darstellt. Es ist ein Kampf der Veranlagungsdisziplin, umrissen mit humorvollen Dialogen, einer spielerischen Distanzierung von der Realität und einem actiongeladenen Abenteuer in atemberaubendem Cinemascope. "Sprechen Sie mir nicht von Regeln! Das ist Krieg!", brüllt Saito und stellt die fehlerhafte Ideologie in Frage, die Nicholsons Beweggründe bestimmt. Auch wenn gelegentlich die Gefahr von Verletzungen oder Tod droht, sieht der britische Colonel in seiner beschränkten Sichtweise nur die Chance auf eine demonstrative Leistung.

Das Duell des Verstandes steht im Mittelpunkt der Geschichte, ergänzt durch Shears' rachsüchtige Rückkehr auf die Brücke als Teil der Eliteoperation der britischen Force 316 und die Wiederholung der Attitüde ihres Leiters, Major Warden (Jack Hawkins), der sich, ähnlich wie Nicholson, mit der Frage beschäftigt, wie man wie ein Gentleman oder nach den Regeln stirbt, anstatt sich damit zu beschäftigen, wie man einfach überlebt. Dies führt zu einem monumentalen Schluss voller bitterer Ironie, der durch Wardens Beobachtung eines misshandelten britischen Offiziers angedeutet wird, der auf den Knien liegt und sich abmüht, ein Blech zu nageln, während die japanischen Wachen amüsiert wirken, was in Wirklichkeit Nicholsons Beschluss ist, eine Tafel anzubringen, auf der die stolzen Erbauer der Brücke genannt werden. In den kulminierenden letzten Momenten ist die wahre Klarheit der Situation und der militärischen Beziehungen schließlich unausweichlich und tragisch zu spät.

In "The Lost City" von den Regisseuren Aaron und Adam Nee hat die Liebesromanautorin Loretta Sage (Sandra Bullock) seit dem Tod ihres Mannes, eines Archäologen, vor fünf Jahren weder in ihrem schriftstellerischen noch in ihrem privaten Leben die Leidenschaft wieder entfachen können. Unter dem wachsenden Druck der Verlegerin Beth Hatten (Da'Vine Joy Randolph), ihr neuestes Manuskript fertig zu stellen, schließt Loretta die Geschichte überstürzt ab und beginnt ihre Lesereise. Doch zu ihrem Verdruss gesellt sich Alan Caprison (Channing Tatum) zu ihr, das verweichlichte, egozentrische Covermodel, das das Gesicht ihrer Hauptfigur Dash McMahon geworden ist. Als der exaltierte Milliardär und Medienmogul Abigail Fairfax (Daniel Radcliffe) Loretta entführt und auf eine abgelegene Vulkaninsel verschleppt, in der Hoffnung, dass sie ihn zu den Juwelen der 'Krone des Feuers' führen kann, die in ihrer neuesten Saga erwähnt werden, begibt sich der verliebte Alan auf die Suche nach ihr. Obwohl er die Hilfe eines robusten Ex-Navy SEALs (Brad Pitt) in Anspruch nimmt, muss das wohlmeinende, aber schlecht vorbereitete männliche Model bald genauso gerettet werden wie Loretta, während die beiden versuchen, ihren schwer bewaffneten Verfolgern, den gefährlichen Gefahren des Dschungels und ihrer wachsenden Zuneigung füreinander zu entkommen.

Mit seinem langweiligen Titel ist "The Lost City" eine klare Kreuzung aus Indiana Jones und "Auf der Jagd nach dem grünen Diamanten", auch wenn er nicht annähernd so spannend ist. Der Film beginnt mit einer Aufnahme von gefangenen Liebenden, die sich dem sicheren Untergang durch einen bedrohlichen Rivalen und einen antiken Tempel voller Schlangen gegenübersehen, und endet mit einer Szene, in der die Hauptdarstellerin glanzlos ihre neueste verwegene Romanze abtippt und dabei unverhohlen auf die beiden oben genannten Action-Klassiker anspielt. Sie braucht dringend Inspiration, damit das Abenteuer in ihrer Geschichte wahr wird, und schon wird sie in genau dieses Szenario entführt, komplett mit einem gutaussehenden Ersatzverführer, in dem auch ein Hauch von "Jake Speed" steckt. "Das ist wie dein Buch?"

Loretta ist intellektuell, kultiviert und sapiosexuell. Alan ist begriffsstutzig, verschüchtert und wird leicht von der bedeutungslosen Aufmerksamkeit der Mädchen angezogen, die seinen markanten Körperbau bewundern. Die beiden sind sehr gegensätzlich und sie ist davon völlig unbeeindruckt, was sie zu offensichtlichen Bestandteilen der zentralen Liebesgeschichte macht. Die Romanze selbst ist leider trotz ihrer zeitweise geselligen und komischen Sprüche extrem dumpf. Es ist, als müsste das Drehbuch um ihre erotische Anziehungskraft herumtanzen, nicht nur wegen des MPAA-Ratings, sondern auch, als gäbe es eine unausgesprochene Unangemessenheit in ihrer Verbindung. "Ich liebe die Chemie zwischen euch beiden."

Problematisch ist auch die Artifizialität des Fieslings: Das unsagbar reiche, einigermaßen böse Pseudo-Genie wird bestenfalls als Karikatur dargestellt, seine Gefolgsleute als bloße Comicfiguren, die wie Nebenrollen aus den Austin Powers-Filmen wirken. Die exotischen Schauplätze, die gelegentlichen Anspielungen, mit denen man viel großzügiger hätte haushalten sollen, und die ein oder zwei Szenen mit wirkungsvollem optischem Humor, von welchen die anregendste in der Nähe des Anfangs stattfindet und den Rest des Werks in einem Debakel versinken lässt, können "The Lost City" nicht vor beträchtlicher Generizität bewahren. Die Charaktere sind vielleicht nicht darauf vorbereitet, dass sich ihre verwöhnte Routine in echte Risiken verwandelt, aber sie sind nie in irgendeiner ernstzunehmenden Gefahr. Niemand verhält sich hier so, als ob sie sich inmitten echter Unternehmungen befänden, was vielleicht funktioniert hätte, wenn der ganze Film eine Traumsequenz gewesen wäre.

Am schlimmsten ist jedoch eine völlig irrelevante Assistentin, die zusammen mit ihrer eigenen unnötigen Assistentin in leichte, getrennte Missgeschicke verwickelt wird, von denen jedes einzelne noch unbegreiflicher ist als die nonsensisch eingefädelten Notlagen der Hauptdarsteller, die in einer komplett unzusammenhängenden Fantasie zu existieren scheinen. Am Ende ist diese weichgespülte romantische Komödie genauso vergesslich wie alle neueren Actionfilme, die sich zufälligerweise ihrer eigenen Schatzsuche im Dschungel rühmen, mit ausgelutschten Liebesgeschichten und schalen Antagonisten.

"Razorback" von Regisseur Russell Mulcahy führt nach Australien, wo ein kolossales, mutiertes Schwein das Haus von Jake Cullen (Bill Kerr) durchwühlt, es im Gefecht in Brand setzt und sich mit seinem zweijährigen Enkel davonmacht. Jake Cullen wird wegen Mordes angeklagt, da nur wenige Menschen bereit sind, seine Geschichte über ein mordendes Haustier zu glauben, aber der Fall wird aus Mangel an Beweisen abgewiesen. Nach diesem Vorfall widmet sich der professionelle Kängurujäger und Wildtierexperte der Wildschweinjagd. Laut Jake sind Wildschweine mit einem dicken Schild aus Borsten bedeckt und können nicht wie die meisten anderen Tiere durch Schüsse verletzt werden, da sie kein Nervensystem haben.

In New York erhält die Nachrichtenreporterin und Tierschützerin Beth Winters (Judy Morris) den Auftrag, über einen Känguru-Schlachthof in Australien zu berichten. Sie reist mit ihrem treuen Kameramann dorthin, um die verstörende Wirklichkeit hinter der 'Petpak Cannery' aufzudecken, die von zwei unglaublich schmutzigen, widerlichen Känguru-Jäger-Brüdern betrieben wird: dem Einäugler Benny (Chris Haywood) und dem maulwurfsgesichtigen Dicko (David Argue). Ihre Anwesenheit stört viele Bewohner von Gamulla in der Nähe von Sydney. Als sie sich in Petpak herumtreibt, wird sie terrorisiert, von der Straße gedrängt und fast vergewaltigt, nur um kurzzeitig durch das Wiederauftauchen des riesigen Wildschweines gerettet zu werden, bevor es sie als Mahlzeit vertilgt.

Die Polizei besteht darauf, dass Beth in einen Minenschacht gefallen ist, aber ihr Ehemann Carl Winters (Gregory Harrison) ist anderer Meinung, und so reist er nach unten, um Antworten zu finden. Dort trifft er auf Jake, der immer noch verbittert ist und das Riesenschwein aufspüren will, und Sarah Cameron (Arkie Whiteley), eine junge Frau, die nach dem Tod ihrer Eltern von dem Trapper adoptiert wurde. Bei der Suche nach dem Mordsschwein müssen sie auch die fiese 'Petpack-Crew' ausbremsen, die einmal mehr beweist, dass es zu jedem Filmmonster auch menschliche Gegenspieler gibt, um die Bösartigkeit zu komplettieren.

Einige raffinierte Überblendungen und Szenenübergänge heben den einzigartigen Schnitt von "Razorback" hervor, kombiniert mit makabren, greulichen Kulissen und surrealistischen Visionen von Frauen mit Rüsselgesichtern, wiehernden Pferdeskeletten und Landschaften vom Mars. Leider krankt der Film an einer betont dämlichen Hauptfigur, die klassische Monsterfilm-Fehler begeht: Sie stolpert bei der Flucht, kämpft erbärmlich um ihr Leben und lässt der Kreatur viel Zeit, sich von hinten anzuschleichen. Es nützt auch nichts, dass man sich eindeutig dagegen sträubt, den riesigen Quieker zu zeigen, vor allem in Ganzkörperaufnahmen, die seine angsteinflößende Dimension verdeutlicht hätten.

Russell Mulcahy hat keine besonders ausgeprägte Profilierung, er ist vor allem für "Highlander" und einige Kultfilme wie "Talos - Die Mumie", "Resurrection - Die Auferstehung" und "Resident Evil: Extinction" bekannt, aber "Razorback" ist eines seiner frühesten und genussvollsten Werke. Ein geringes Etat und eine dürftige Besetzung können ihn nicht davon zurückhalten, eine Inszenierung mit sichtbarer Leidenschaft abzuliefern. Auch wenn gelegentlich ein griffiger Subtext über Tierquälereien in den Film eindringt, sind es die Merkmale des Monsterkinos, die eindeutig am besten gelingen. Komplett mit der obligatorischen niedrigwinkligen Schweinekameratechnik, den humoristischen Gore-Einlagen, der direkt nach dem Tod seiner Frau platzierten Lovestory zwischen Carl und Sarah und den unvorhersehbaren Schicksalsschlägen bietet "Razorback" zuverlässige B-Movie-Kost aus den 80ern. Außerdem ist es der einzige Mainstream-Horrorfilm mit einem riesengroßen Killerschwein

In "Comtesse des Grauens" von Regisseur Peter Sasdy regiert die verschrumpelte Gräfin Elisabeth (Ingrid Pitt) ihr Land mit eiserner Faust und lässt die armen Dorfbewohner verhungern und ohne Rücksicht unter die Räder ihrer vorbeifahrenden Kutsche geraten. Nach der Beerdigung ihres Mannes erlangt sie die Kontrolle über noch größere Reichtümer und Vermögenswerte, doch bei der Testamentseröffnung wird sie aufgefordert, das Erbe mit ihrer Tochter, der 19-jährigen Ilona (Lesley-Anne Down), die in Wien weilt, aufzuteilen. Das verärgert die runzlige alte Kröte zutiefst, denn sie möchte nicht damit belästigt werden, ihr riesiges Hab und Gut zu teilen.

Der Verwalter des Schlosses, Hauptmann Dobi (Nigel Green), ist über das Ableben des Grafen erfreut, denn so kann er seine Affäre mit der Gräfin in Ruhe fortsetzen. Der ältere Gelehrte Meister Fabio (Maurice Denham) erhält die prächtige Bibliothek, das Dienstmädchen Julie (Patience Collier) bekommt eine kleine Summe Geld und die Erlaubnis, im Schloss zu wohnen, und der benachbarte Leutnant Imre Toth (Sandor Eles) erwirbt den renommierten Stall. Am Abend lässt das Zimmermädchen Teri (Susan Brodrick) ein Bad für die Komtesse ein, das jedoch zu heiß ist. Dann versucht sie, einen Pfirsich aufzuschneiden, schneidet sich dabei aber aus Versehen selbst. Als das Blut von Teri auf Elisabeth kleckert, erweicht sich plötzlich das ausgetrocknete Gesicht der Gräfin und spannt sich an. "Teufelsweib!"

Begeistert stellt die intrigante alte Schachtel fest, dass sie eine verdrehte Version des Jungbrunnens entdeckt hat: Das Blut von jungfräulichen Mädchen. Mit ihrem neu gewonnenen schönen Aussehen lässt Elisabeth ihre eigene Tochter entführen und verstecken, damit sie ihren Platz einnehmen kann. Doch die Wirkung des Blutbades ist nur von kurzer Dauer, so dass die bösartige Hexe, unterstützt von Dobi und Julie, nach weiteren Opfern sucht, um ihre Vitalität zu erhalten.

Es ist immer noch eine ziemlich standardmäßige Hammer-Produktion, doch die Musik von Harry Robinson zieht einen sofort in ihren Bann. Sie ist wechselweise bedrohlich und romantisch angelegt und verleiht der einleitenden Titelsequenz weit mehr Gravität als sie verdient. Seine Erkennungsmelodie taucht nur ab und zu auf, hat aber dann einen spürbaren Einfluss. Wie die anderen Hammer-Filme der 70er Jahre zeichnet sich auch "Comtesse des Grauens" durch Gewalt und Nacktdarstellungen aus, um dem Film eine schroffe Optik zu geben, die zu den anderen Filmen des Horrorgenres passt, die immer exploitativer und grafischer werden und sich weniger um die Einhaltung der Zensur kümmern.

Zwischen leidenschaftlichem Treiben im Heu und dem Massakrieren junger Frauen flüstern die Dorfbewohner über Aberglauben, Fabio wird misstrauisch, und Elisabeth verliert und gewinnt ihre Hässlichkeit zurück. Aufgrund der begrenzten Spezialeffekte verwandelt sich die blutdürstende Verführerin nicht allmählich, sondern blitzschnell hin und her, was das Konzept weit weniger effizient macht. Außerdem wirkt das Make-up zwar morbide, doch gelegentlich nicht sehr überzeugend, da es abblättert, seltsame Trennungen zwischen den echten Hautstellen zeigt oder sogar den falschen Beigeton annimmt. Im Laufe des Films verfällt das Gesicht der Gräfin ebenso wie die Zahl der Protagonisten und die Komplexität der Geschichte.

Die Prämisse mag eine faszinierende Idee für einen Gothic-Horror-Film sein, aber es bleibt alles aufgesetzt, mit wenigen spannenden Enthüllungen oder cleveren Details. Je näher das Ende rückt, desto mehr verwandelt sich "Comtesse des Grauens" in einen Krimi und in eine Art Polizei- oder Gerichtsvollzieherprozess, auch wenn die Schuldigen bekannt sind und die Verhöre im Off stattfinden. Wie auch immer, der Schaden ist bereits angerichtet, denn der Film ist viel zu ereignisarm und antriebslos.

Inspiriert von Charles Dickens' klassischem Roman 'Oliver Twist' oder nur sehr lose darauf basierend, ist Walt Disneys "Oliver & Co.", bei dem George Scribner Regie führte, einer der anspruchsloseren Zeichentrickfilme des Studios. Die Handlung selbst bietet nicht viel Verstand, wenn man davon ausgeht, dass die besten Teile der Vorlage gemindert sind oder fehlen, und die schrillen, politisch unkorrekten Charakterdesigns sind merklich überzeichnet und extrem. Die Aufteilung der Figuren in eine Hunde- und eine Menschenhälfte, die Wahl eines veralteten Musikthemas, das den Film vorantreibt, und die Umwandlung des Schlusses in eine rasante Verfolgungsjagd durch die New Yorker U-Bahn wirken wie Entscheidungen, die aus Gründen des populären Stils und nicht der Originalität getroffen wurden.

Ein ausgesetzter, verwaister Kater (gesprochen von Joey Lawrence) kämpft darum, seine erste Nacht in den beängstigenden Straßen von New York zu überleben. Am nächsten Morgen lernt er Dodger (Billy Joel) kennen, einen Straßenköter, der das Kätzchen dazu bringt, Hotdogs für seine Bande von streunenden Hunden zu stehlen. Als die hungrige Katze Dodger zurück in sein Versteck folgt, trifft er auf die ganze Truppe: Tito der Chihuahua (Cheech Marin), ein schnell sprechender, Bandana-tragender Dieb; Francis (Roscoe Lee Browne), die zivilisierte, dramatische Bulldogge; die ruhige und übergroße Deutsche Dogge Einstein (Richard Mulligan); und die vernünftige, unabhängige persische Windhündin Rita (Sheryl Lee Ralph). Der menschliche Kleinkriminelle Fagin (Dom DeLuise) kümmert sich von Zeit zu Zeit um die Schar der Vierbeiner, ist aber im Moment mit der großen Geldsumme beschäftigt, die er dem skrupellosen Gangster Sykes (ein räuspernder Robert Loggia) schuldet.

In der Absicht, Fagin zu helfen, rekrutiert die Bande den neuen Kater und macht sich auf den Weg, um mit einer effektiven, gut eingeübten Routine einige Autos zu plündern. Ihr erster verpatzter Coup endet damit, dass Jenny (Natalie Gregory), ein reiches kleines Mädchen, die das Kätzchen anhimmelt, es zu ihrem verhätschelten, aristokratischen und preisgekrönten Pudel Georgette (Bette Midler) nach Hause bringt. Georgette will den Neuankömmling verdrängen, doch Jenny nennt ihn Oliver und gibt ihm das Gefühl, wirklich dazuzugehören. Doch Dodger und seine Gefährten sind entschlossen, Oliver zu befreien und ihn zurückzubringen, um Fagin bei seiner letzten Konfrontation mit Sykes zu helfen.

Die Rockmusik und der raue Stil in "Oliver & Co." versuchen, modern und trendig zu sein, aber wenn man sich den Film viele Jahre nach seinem Kinostart ansieht, wirkt das alles furchtbar antiquiert. Auch wenn die unpassenden Gesangs- und Tanzeinlagen nicht übermäßig lästig sind, so sind die Charakterdesigns und die Handlung für Disney-Verhältnisse doch eher minderwertig, vor allem wenn man sie mit dem ein Jahr später erschienenen "Ariel, die Meerjungfrau" vergleicht. Positiv zu vermerken ist, dass sich Sykes, obwohl "Oliver & Co." sich mehr an Kinder richtet als viele andere Animationsfilme des Studios, als einer der schrecklichsten Bösewichte erweist. Mit seiner Waffe und seinen eindringlichen Dialogen ist er ein Mensch, der gegen Tiere kämpft, auch wenn diese noch so clever sind. Daher ist es nur passend, dass er einer der wenigen Disney-Antagonisten ist, der tatsächlich stirbt, und zwar auf schockierend brutale Weise. Letztendlich hat das Projekt jedoch keinen stabilen Unterhaltungscharakter, es enthält nur einen prägnanten Song und verbessert weder die Animationstechniken noch die erzählerischen Kapazitäten der vorherigen Produktionen. "Oliver & Co." ist einer der am dünnflüssigsten und am leichtesten zu ignorierenden Beiträge des Konzerns.

In "Valentine - Schrei wenn Du kannst" von Regisseur Jamie Blanks hat der streberhafte, bockzähnige Sechstklässler Jeremy Melton beim großen Schulball nicht viel Glück mit den Mädchen. Selbst als er Dorothy dazu bringt, ihn unter der Tribüne zu küssen, schikanieren ihn die anderen Kinder gnadenlos, indem sie ihm roten Punsch auf den Kopf schütten wie in "Carrie - Des Satans jüngste Tochter". Auch die kleine Dorothy bleibt nicht verschont, obwohl sie Jeremy schnell beschuldigt, der Übeltäter zu sein, was schließlich dazu führt, dass der Junge in die Erziehungsanstalt geschickt wird.

Dreizehn Jahre später hat Shelley Fisher (Katherine Heigl) ein fürchterliches erstes Date mit Jason (Adam Harrington), das mit einem geteilten Scheck, keinem Nachtisch und der Forderung nach einem Entschädigungskuss endet. Danach kehrt Shelley jedoch in ihr Labor zurück, wo sie ganz allein und in der Dunkelheit einen Kadaver sezieren kann, um sich auf ihr Medizinstudium vorzubereiten. Unglücklicherweise trifft sie in der angrenzenden Umkleidekabine auf einen Kollegen, der nackt und kalt auf dem Operationstisch liegt, und muss feststellen, dass er noch am Leben ist und sie mit einem bedrohlichen Messer in der Hand durch die Gänge und in die Leichenhalle verfolgen will. Um seine Identität zu verschleiern, trägt er eine Maske mit dem Gesicht eines kleinen Engels. "Ich glaube nicht, dass er zu einem ausgeklügelten Racheplan fähig ist."

Die Klassenkameradinnen Paige Prescott (Denise Richards), Kate Davies (Marley Shelton), Dorothy Wheeler (Jessica Capshaw) und Lily Voight (Jessica Cauffiel) sind bestürzt über die Nachricht von Shelleys vorzeitigem Ableben, obwohl sie sich im letzten Jahr aufgrund der hohen Arbeitsbelastung der Medizinstudentin nicht sonderlich nahe gestanden haben. Sie werden jedoch von Detective Vaughn (Fulvio Cecere) befragt, der den Verdacht hegt, dass Shelleys Begleiter Jason eine Person von Interesse ist und derzeit nicht auffindbar ist. Außerdem dauert es nicht lange, bis die Mädchen gruselige Valentinstagskarten erhalten, die ihnen grausame Morde voraussagen. "Mach dir keine Sorgen. Alles wird wieder gut."

Das Setting ist nicht gerade ein Novum, aber immerhin ist der Valentinstag ein wenig genutzter Feiertag für Horrorfilme. "Blutiger Valentinstag" aus dem Jahr 1981 könnte die Frage aufwerfen, ob ein weiterer Film mit ähnlichem Thema überhaupt nötig war. "Valentine - Schrei wenn Du kannst" passt sehr treffend zu der Vorstellung, dass ahnungslose Frauen belästigt und dann von einem Killer mit Amormaske angegriffen werden, ganz im Stil der blutigen Slasher der frühen 2000er Jahre. Eine junge, dynamische Besetzung, die nach und nach auf immer rabiateren Wegen beseitigt wird, ist ein vergleichsweise vertrautes Schema, das viele seiner gleichgesinnten Vertreter kopiert, aber es gibt etwas Humorvolles an der großen Auswahl an verdächtigen Männern, die mit dem schwindenden Bestand an weiblichen Opfern interagieren. Es ist nicht leicht zu erraten, wer der Täter ist, wenn man beachtet, dass alle Zeichen auf eine offensichtliche Person hindeuten, aber es gibt eine Menge dubioser Nebenrollen mit möglichen Motiven.

Leider erweisen sich die ständigen Jump-Scares und die verschiedenen Frauen, die sich spontan an schlecht beleuchteten, abgelegenen Orten wiederfinden, nur als leidlich ingeniös. Tendenziell sterben die Freunde und Verehrer auf weitaus drastischere Arten als die anderen, vielleicht weil sie in den Drehbüchern als weniger sympathisch dargestellt werden. Ein Unterthema, das sich mit der Paarung zum Valentinstag befasst, zieht sich kurioserweise durch die ganze Geschichte: Es geht nicht nur um die Liebespaare, die amourösen Spaß haben, sondern auch um diejenigen, die sich mit außergewöhnlichen Freaks zusammentun oder über mangelnde Aufmerksamkeit schmollen. "Es ist alles in Ordnung. Es ist nur, dass Männer scheiße sind."

Am Ende jedoch treibt die Unberechenbarkeit des Killers die Geschichte nicht voran oder hält das Interesse aufrecht. Stattdessen sind es die sexuelle Anziehungskraft der Darsteller (Denise Richards schafft es, sich ständig ihrer Kleidung zu entledigen) und die Möglichkeiten für Tod und Zerstörung in der Spukhausumgebung, von denen einige so labyrinthisch sind, dass sich der Fiesling, ganz zu schweigen von den Besitzern, unmöglich darin zurechtfinden könnte, die das Auge begeistern, auch wenn diese Elemente einen 90-minütigen Film kaum tragen können. Der vielleicht frustrierendste Charakter ist der des Polizeidetektivs, dessen Routinen und Verhalten durchgängig realitätsfern sind, so als würde er nur so tun, als sei er eine Autoritätsperson. Und so ergibt das obligatorische Twist-Ende paradoxerweise praktisch keinen rechten Sinn.

"Space Invaders" von Regisseur Stephen Chiodo zeigt einen typischen Freitagabend, an dem der eigensinnige Polizist Curt Mooney (John Vernon) an den üblichen Orten patrouilliert, an denen Minderjährige sich besaufen und rummachen. Er ist ständig mit der Jugend im Allgemeinen unzufrieden, auch wenn ihre Aktivitäten in der Universitätsstadt 'Crescent Cove' nichts Neues sind. Zwei dieser jungen Erwachsenen, Mike Tobacco (Grant Cramer) und Debbie Stone (Suzanne Snyder), küssen sich auf dem Rücksitz ihres Geländewagens, als in nicht allzu weiter Entfernung der Halleysche Komet einzuschlagen scheint. Mit ungebrochenem Abenteuergeist fahren sie in den Wald, um der Sache auf den Grund zu gehen.

Farmer Green (Royal Dano) kommt ihnen jedoch zuvor, als er nach dem Rechten sehen will. Was er vorfindet, ist unerklärlich: ein riesiges Zirkuszelt, beleuchtet und umgeben von elektrifizierten Takelagen, fest verankert mitten im Nirgendwo. Als ein pausbäckiger, grinsender Clown aus dem Zirkuszelt kommt, zielt er mit einer Pistole auf den Landwirt und drückt ab. Mike und Debbie tauchen kurz darauf auf und stöbern in dem Vergnügungspark herum, der ein riesiges Raumschiff zu sein scheint. In einer der höhlenartigen Kammern hängen rosafarbene Säcke mit den Leichen der entführten Opfer aus 'Crescent Cove'.

Dieser bizarre, comicartige Horrorfilm beginnt mit durchschnittlicher Schauspielerei, nervtötender Theatralik, blödsinnigen Soundeffekten und einer kitschigen Rockmelodie von 'The Dickies' als Titelmusik. So absurd der Aufbau auch ist, eine Popcornkanone und ein Ballontierspürhund sind recht witzig, und die Kulissen sehen aus wie eine Zuckerwattefabrik oder etwas aus Willy Wonkas Reich. Die darauf folgenden Spezialeffekte sind nicht so attraktiv, aber es wird genug Aufwand in die Umgebungen gesteckt, dass der Sci-Fi-Unfug immer interessanter wird. Eine Dreiecksbeziehung mit Officer Dave Hansen (John Allen Nelson) trägt nicht zur Originalität bei, aber die teuflischen Clown-Aliens sind sicherlich eine neue Variante der außerirdischen Invasoren. "Mach dir keine Sorgen um Dave, sondern um die Clowns."

Die größte Stärke von "Space Invaders" sind die Clownskostüme, die ebenso lustig wie grotesk sind. Mit korpulenten, deformierten Rümpfen und krankhaft unproportionierten Körperpartien sind die Monster eine Mischung aus puppigen Gebilden und animatronischen Gesichtsteilen, die zusätzlich mit feuchten Lippen, zuckenden Augen, Neonhaaren, fleckiger Haut, knallbuntem Make-up und roten Nasen, natürlich übergroßen Schuhen und verfaulten Zähnen aufwarten. Und sie schrecken auch nicht davor zurück, kurz vor einer brutalen Dekapitation zu scherzen, eine Leiche in eine menschliche Marionette zu verwandeln oder mit säurehaltigen Desserts zu werfen. "Was wollt ihr mit diesen Torten machen, Jungs?"

"Space Invaders" funktioniert am besten, wenn sich Seriosität oder Blutrünstigkeit mit Slapstick abwechseln, aber es gibt zu viele komödiantische Nebenfiguren und unaufrichtige Dialoge, als dass die Horroraspekte wirklich effektiv bleiben könnten. Ein paar mehr unheimliche Elemente hätten den Schabernack kompensieren können. Die Zahl der Toten ist hoch, aber das Ausmaß des Grauens ist zu gering. Da die Antagonisten schon schwer zu verstehen sind, außer für Personen, die unter Coulrophobie leiden, hätte "Space Invaders" definitiv von einer Jugendfreigabe profitiert. Immerhin ist die Kreativität bewundernswert, auch wenn das Endergebnis mehr ein Jux ist, als es hätte sein sollen.

Bei dem wirren Film "Ein Tag blau" unter der Regie von Nick Weiss funktioniert so gut wie nichts. Bei dem Versuch, die gleichen Themen wie in "American Pie" aufzugreifen, bei dem Bemühen, zotigen Humor zu verwenden, und bei dem Mühen, exzentrische High-School-Spieler einzuführen, scheitert dieses bedauerliche kleine Projekt auf ganzer Linie. Vorhersehbar grässlich, die Komik ist enorm spärlich und die Charaktere sind Wiederverwertungen der vergesslichsten kleinen Rollen aus anderen populären Teenagerfilmen.

Adam Harris (Gary Lundy) ist ein typischer Oberstufenschüler, der regelmäßig davon träumt, mit dem Mädchen zusammen zu sein, das er nicht haben kann, der sich wünscht, mit den coolen Leuten abzuhängen, und der feststellt, dass sogar seine Mutter besser ist, wenn es um Jugendpartys geht. Angestachelt von seiner Schwester Ellen (Tara Reid) beschließt Adam, das 'Senior Skip Day'-Treffen in seinem Haus zu veranstalten, nachdem die ursprünglichen Pläne über den Haufen geworfen wurden. Der vorherige Plan war, eine riesige Party im Haus des knallharten Schulleiters Frankfurt Dickwalder (Larry Miller) zu veranstalten, bis Adam gezwungen wird, die Wahrheit zu sagen, und der rachsüchtige Direktor einem anderen Schüler Qualen zufügt.

Adam manövriert sich durch den Tag und versucht, seinen Verrat an den anderen Schülern wiedergutzumachen. Er versucht auch, seine langjährige Schwärmerei Cara (Kayla Ewell) zu umwerben, die mit einem betrügerischen Freund zu kämpfen hat, der sie unbedingt ins Bett kriegen will. Adam baut eine rekordverdächtige Bong, besorgt jede Menge Alkohol und überzeugt seine Klassenkameraden, an den Feierlichkeiten teilzunehmen, während Frankfurt Dickwalder erbarmungslos den neuen Ort für die verpönte Tradition ausfindig macht.

Adam erzählt den Film, indem er direkt in die Kamera spricht, und er wird oft von anderen Nebenfiguren begleitet, die ihre eigenen Gedanken für das Publikum einbringen, was eindeutig an "Ferris macht blau" angelehnt ist. Für eine Produktion aus dem Jahr 2008 ungewöhnlich, aber dennoch störend, ist dies die einzige Idee im Film, die nicht völlig gattungslos ist. Alles andere wirkt wie eine wiedergekäute Version der schlimmsten Momente, die die "American Pie"-Reihe im Angebot hatte. Adam hat einen kümmerlichen Gehilfen, der die widerlichsten Tätigkeiten verrichtet, wie etwa einen falschen Schnurrbart zu tragen, um einen französischen Fotografen darzustellen, der weibliche Models davon überzeugen soll, zu Adams Party zu kommen, und eine ältere Dame taucht auf, um einige peinliche Witze zu reißen.

Alle Stereotypen sind vorhanden, vom sinnentleerten Kiffer über den umweltbewussten Psychopathen bis hin zu den blöden Blondinen, die seit der Erfindung der Teenie-Komödie jede Teenie-Komödie bevölkern. Die Predigt über die wahre Liebe und der Abbau von Ängsten vor einem Traumdate stehen gegen Ende im Vordergrund, doch "Ein Tag blau" ist so unbegreiflich einfallslos und medioker, dass es schwerfällt, das Gezeigte mit dem nötigen Ernst zu betrachten. Selbst bei den Cameos ist etwas sehr Bemitleidenswertes am Werk. Clint Howard spielt den Alkoholiker, eine Darstellung, die selbst für einen Charakterdarsteller, der nie ganz oben war, wie ein tiefer Abgrund daherkommt. Norm MacDonald, der als Lehrer agiert, zeigt einmal mehr seine beschränkte Leistungsfähigkeit, indem er sich selbst spielt, und Tara Reid dürfte negativ in Erinnerung bleiben, wenn der Zuschauer sieht, wie sie sich körperlich verausgabt. Doch angesichts dessen, wie unbedeutend und belanglos "Ein Tag blau" ist, wird vielleicht doch niemand zusehen, wie sich all diese abgehalfterten Prominenten noch mehr zu Grunde richten.

"Um Kopf und Kragen" von Regisseur Budd Boetticher als einen der größten Western aller Zeiten zu bezeichnen, wäre nicht weit hergeholt. Er enthält klassisch abenteuerliche Cowboy-Momente der Bewährung, hochspannende Schießereien, ein eingängiges Thema, das den Helden begleitet und den Ernst der späteren brenzligen Situationen verrät, und einen unvergesslichen schnauzbärtigen Bösewicht. Der Gute ist immer mutig, entschlossen und aufrichtig, auch wenn er mit der verblendeten Jungfrau in Nöten ein wenig gewaltsam umgehen muss, und der Schurke bekommt genug Sendezeit und komplexe Persönlichkeitsmerkmale, dass der Betrachter ihn lieben und hassen wird. Selbst die fiesen Handlanger, Saufkumpane und selbstsüchtigen Wichtigtuer sind amüsant und gehen über die Klischees der Nebenrollen hinaus, die sie verkörpern.

Pat Brennan (Randolph Scott) reitet nach 'Contention', um von seinem früheren Arbeitgeber einen Zuchtbullen zu bekommen. An einer Haltestelle trifft er den Manager Hank und dessen Sohn, bevor er seine Reise fortsetzt und dem Jungen verspricht, ihm auf dem Rückweg gestreifte Süßigkeiten mitzubringen. Pat besucht Tenvoorde (Robert Burton), der ihn auffordert, einen beliebigen Stier zu reiten, der ihm gehören soll. Pat Brennan gibt seinem Stolz nach, nimmt die Wette an, verliert sein Pferd und macht sich zu Fuß auf den langen Weg zurück zu seinem eigenen Grundstück.

Auf dem Weg dorthin steigt er in eine Kutsche ein, die das frisch verheiratete Ehepaar Doretta (Maureen O'Sullivan) und Willard Mims (John Hubbard) befördert. Als die Droschke wieder am Bahnhof ankommt, nimmt der Film eine düstere Wendung: Eine Bande von Banditen hat Hank und seinen Sohn ermordet und wartet darauf, die Pferdekutsche auszurauben. Der feige Mims verrät seine Frau in der Hoffnung, dass ihr reicher Vater sie mit Lösegeld rettet, und die Gruppe wird in einen verlassenen Minenschacht mitten in der Wüste gebracht, um auf eine Antwort zu warten.

Der kalkulierende Rädelsführer Frank Usher (Richard Boone), der lieber andere zum Morden auffordert, als sich selbst zu besudeln, führt die schändlichen Briganten mit viel Elan an. Er hält Brennan wegen dessen sympathischer Ehrlichkeit am Leben, als wäre er ein sardonischer Hofnarr des Königs, und weil seine normale Gesellschaft nicht die verwickelnde Geselligkeit bieten kann, nach der sich Ushers ausgeprägte Intelligenz sehnt. Chink (Henry Silva) ist der kaltblütige, psychopathische Scharfrichter und Billy Jack (Skip Homeier) ist der ungebildete, langsam denkende Schnellmerker, der sich nicht als würdiger Gefährte erweist. Richard Boone stiehlt mit Leichtigkeit die Show, auch wenn Randolph Scott die besten Zeilen mit zündendem Unfrieden liefert. Wo die einleitenden Gespräche merklich angestrengt und pauschal sind, bringt das Auftauchen von Usher einen völligen Wechsel im Umgangston und verbessert die Dialoge sofort. Jede Sekunde Bildschirmzeit wird schnell zu einer sorgfältig geplanten und überzeugend zielgerichteten Angelegenheit.

Eine spannende Strategie des Aufteilens und Eroberns, die den Ganoven immer die Möglichkeit gibt, zuerst zu schießen, und eine minimale Anzahl von Figuren, die eine adäquate Charakterentwicklung ermöglicht, heben "Um Kopf und Kragen" von den meisten Genrekonkurrenten ab. Mit mehr Gewalt als in ähnlichen Filmen dieser Zeit üblich, schlägt er eine Brücke vom nüchternen Heldentum von John Waynes früheren Filmen zu den düsteren Spaghetti-Western und revisionistischen Blutbädern wie "The Wild Bunch - Sie kannten kein Gesetz", die folgten. Der Film, der mit einigen der besten verbalen Wortgefechte aufwartet, bevor er mit einem atemberaubenden Showdown endet, der den sauberen Antihelden in den Schmutz zieht und dem Antagonisten eine kernigere, witzigere und souveränere Präsenz verleiht, ist der Archetyp des Western-Thrillers und das wichtigste Projekt in der fruchtbaren Karriere von Regisseur Budd Boetticher. "Komm schon - das wird ein schöner Tag."

In "Sharkman" von Regisseur Michael Oblowitz sehen wir, wie das Schiff 'Nona' auf einer unerforschten Insel im Westpazifik friedlich durch von Hammerhaien verseuchte Gewässer segelt. Als die beiden Matrosen von etwas angegriffen und zerfleischt werden, das weder ein Hai noch ein Mensch ist, wird schnell klar, dass die Experimente des unorthodoxen Dr. King (Jeffrey Combs), der sich auf artenübergreifende Befruchtung spezialisiert hat, und des Dr. Krause (Velizar Binev), der die meiste Zeit des Films wie Frankensteins Assistent herumhumpelt, die Ursache für die Todesfälle sind. "Jetzt ist er mehr Hai als Mensch!"

Bei 'Feder Bio Tech', das von dem skrupellosen Whitney Feder (Arthur Roberts) geleitet wird, prüft die Biologin Amelia (Hunter Tylo) die Zahlen und Daten von Dr. Kings Stammzellendurchbrüchen. Dies ist eine vielversprechende Forschung, die zur Heilung von Krebs und Alzheimer führen könnte. Natürlich müssen alle führenden Investoren und Bonzen die Ergebnisse persönlich sehen, also planen sie einen Besuch vor Ort und bringen den unerklärlich zupackenden IT-Chef Tom Reed (William Forsythe), die Techniker Bernie (G.R. Johnson) und Jane (Elise Muller) sowie Feders neue Vorzeigefrau Julie (Mariya Ignatova) mit.

Das Drehbuch ist so dünn, dass die Charaktere kaum als Menschen zu identifizieren sind, sie sind nur Nahrung für die Kreatur. Obwohl William Forsythe ein echter Schauspieler ist, der jedoch seine besten Jahre schon lange hinter sich hat, haben die meisten Darsteller und Mitwirkenden diese Produktion angesichts der tropischen Schauplätze sicherlich als Gelegenheit für einen kleinen Urlaub genutzt.

Jeffrey Combs ist wieder einmal sehr passend als durchgeknallter Wissenschaftler, der seinen Dialog schreit und scheinbar niemanden hat, der ihm auf die Sprünge hilft. Er ist im Reich dieser Farce zu Hause, die im Wesentlichen eine Mischung aus "D.N.A. - Experiment des Grauens" und "Jurassic Park" ist, aber mit einem minimalen Budget auskommt und zusätzlich Elemente aus "Deep Blue Sea" und "Death Machine - Monster aus Stahl" aufnimmt. Nichts davon kann angesichts der schrecklichen Computergrafiken und der hanebüchenen Situationen richtig ernst genommen werden, auch wenn der durchgehende, absichtslose Humor recht erquicklich ist. Vom Hai-Mensch-Baby bis zur Frage, ob Amelias ehemaliger Liebhaber jetzt ein Hai-Mann ist, ist jeder erschütternde Konflikt mit einer gehörigen Portion Dummheit versehen. "Mein Gott, King! Du hast den Verstand verloren!"

Die Sequenzen mit den Fischmenschen im Anzug sind bei weitem die besten, da sie mit praktischem Maskenbild und Kostümierung aufwarten, wenngleich selbst diese in Verbindung mit der brutalen und blutigen Darstellung stark verdeckt werden müssen, um die wenig überzeugenden optischen Aspekte zu verbergen. Die Macher sollten aber wissen, dass Fans dieser Horrorfilme der Güteklasse Z gallige Prothesen einer primitiven CG-Technik vorziehen. Das Finale bietet plötzlich eine Vielzahl von Explosionen und Schießereien, was auf ein höheres Budget hindeutet als bisher angenommen. Außerdem ist Dr. Kings letzter Plan, seinen Haifischmann sich fortpflanzen zu lassen, pervers komisch, wie etwas aus "Der Re-Animator". Gelegentlich ist das Ganze jedoch so bescheuert, dass es entweder zum Totlachen oder grenzdebil öde ist.

In "Raptor" von Regisseur Jim Wynorski fahren drei College-Studenten achtlos in ihrem Jeep herum, als sie von einem puppenhaften Raptor angegriffen werden, einem prähistorischen Tier, das durch die Wüste streift. Es ist hysterisch albern, Menschen dabei zuzusehen, wie sie von einem Gummitier in Stücke gerissen werden. Die Szene soll intensiv sein, was durch schnelle Kamerabewegungen, viel buchstäbliches intestinales Gemetzel und schrille Schreie unterstützt wird. Doch dafür ist es unglaublich lustig.

Sheriff Jim Tanner (Eric Roberts) wird gerufen, um den blutigen Tod eines Trios von Mittzwanzigern in der trockenen Region zu untersuchen. Ihm zur Seite steht die Tierschutzbeauftragte Barbara Phillips (Melissa Brasselle, deren Supermodel-Figur und riesige Brüste nicht im Geringsten an realistische Professionalität erinnern), eine Spezialistin für Angriffe von Wildtieren. "Es war kein Puma", beteuert sie, während das Kreischen eines großen Reptils in der Ferne die observierenden Beamten ablenkt.

Der Übeltäter, ein 150-200 Pfund schweres Tier, ist ein abtrünniges Experiment der 'Eunice Corporation', die von dem strengen, unsympathischen Tierverhaltensforscher Dr. Hyde (Corbin Bernsen) geleitet wird, der sein Team von Wissenschaftlern anweist, die Situation unter Kontrolle zu bringen, um polizeiliche Ermittlungen zu vermeiden. Die Regierung beauftragte seine Organisation bereits vor zwölf Jahren mit dem 'Jurassic Storm Project', bevor es eingestellt und illegal im privaten Sektor wiederaufgenommen wurde. Die leitende Assistentin Karen (Teresa DePriest) engagiert einen ahnungslosen Geflügeltransporter, um die verbliebenen Neugeborenen heimlich auszusiedeln, aber ein weiteres entkommt, diesmal ein T-Rex. Der Wissenschaftler Lyle (Frank Novack) beginnt, an der Legitimität seiner Beteiligung an dem korrupten Unternehmen zu zweifeln, während der Sicherheitschef Josh McCoy (Grant Cramer) ohne Umschweife an der Vertuschung mitwirkt.

Tanners Tochter Lola (Lorissa McComas) wird von dem gentechnisch veränderten Dinosaurier angegriffen und auf der Flucht aus dem Auto geworfen. Sie ist traumatisiert und liegt eine Zeit lang im Koma, wird aber durch eine Tonaufnahme des grölenden Sauriers geweckt. Während Barbara durch die Verluste offenbar sexuell erregt wird und versucht, den Sheriff zu verführen, bevor sie zu ihrem Haus zurückkehrt, wo sie sich auf eine Dusche im Dunkeln vorbereitet und Melissa Brasselle die Gelegenheit bietet, in Unterwäsche umherzutänzeln, bricht Jim das Rendezvous ab, um im Hauptquartier von 'Eunice Corporation' ein wenig herumzuschnüffeln. Während er um einen Durchsuchungsbefehl kämpft, tauchen weitere Leichen auf, darunter einer von Tanners Stellvertretern, dem eine riesige Dinosaurierklaue in den Unterleib getrieben wurde.

Die Kameraführung mit grüner Raptorvision lässt Hinterhalte erahnen, Melissa Brasselles Uniform im Dienst zeigt immer ihre Hüften, und die Dinosaurierangriffe sind zahlreich und unfreiwillig komisch. Die Dialoge sind grotesk erbärmlich, die Schauspielerei kann man kaum als schauspielerisch bezeichnen, eine militärische Verfolgungsszene könnte nicht banaler sein, mit gebellten Befehlen, steifen Bewegungen und Gesprächen. Der Schnitt ist entsetzlich, und die Dinosauriereffekte bestehen zuweilen aus sehr kautschukartigen Kostümen, die Velociraptoren watscheln herum wie zahnbewehrte Enten. Aber jedes bisschen Low-Budget-Mittelmaß trägt spektakulär zur Unterhaltung bei.

Nur ein Film, der mit Ernsthaftigkeit und ohne Originalität hergestellt wurde, konnte zu solch einem lustigen Durcheinander von fast ausbeuterischer Dämlichkeit führen. Es ist erkennbar, dass "Raptor" versucht, die Erfolgsformel der "Jurassic Park"-Franchise und in einigen Sequenzen "Aliens - Die Rückkehr" zu kopieren, mit Schimpfwörtern speienden Marinesoldaten und einem Power-Loader-Rip-Off mit Eric Roberts in einem Bobcat, aber die schlechte Regie, die überstürzte Ausführung und das Gelddefizit schaden dem Projekt einfach zu sehr. Interessanterweise wird die Musik, die völlig uninteressant ist, James Horner zugeschrieben, nicht lange nach seinem Oscar-Gewinn für "Titanic", obwohl ein Großteil der Kompositionen aus früheren, von Roger Corman produzierten Sci-Fi-Schrottfilmen stammt.

"Briefe an Gott" von Regisseur David Nixon läuft wie ein normaler Fernsehfilm ab, mit schleppenden Momenten traurigen Dramas, allgemein fröhlichen, lustigen Augenblicken für die Familie, die mit einem krebskranken Jungen zu tun hat, und vielen Gelegenheiten, Tragödien um der Schärfe willen anzuhäufen, aber es fühlt sich nicht realistisch, inspirierend oder von Herzen kommend an. Der Film ist langatmig und versucht ständig, die Meinung des Betrachters zu beeinflussen, vor allem durch den überwältigenden Druck, an Gott zu glauben, indem er ein krankes Kind einsetzt, ein Thema, das nur wenige völlig ignorieren können. Die größte Schande ist, dass dieses Material, obwohl es nicht neu ist, so wirkungsvoll hätte sein können, stattdessen ist das Ergebnis eine unausgegorene und klischeehafte Methode der Rekrutierung.

Maddy Doherty (Robyn Lively), eine Angestellte der 'Arnold Palmer School for Children', lebt mit ihren beiden Söhnen Ben (Michael Bolten) und Tyler (Tanner Maguire) und deren Großmutter (Maree Cheatham) zusammen. Tyler hat Krebs, wurde am Gehirn operiert, bestrahlt und hat wegen der Chemotherapie keine Haare mehr. Er ist ständig krank und die Ärzte haben Maddy geraten, sich keine Hoffnungen zu machen, aber Tyler bewahrt sich seine gute Laune, indem er seiner Mutter Streiche spielt, die man geliebten Menschen nicht antun sollte, wenn der Schalk im Sterben liegt. Ben, der ältere Bruder, der nicht an Gott glaubt, hat damit zu kämpfen, dass die gesamte Zeit, das Geld und die Aufmerksamkeit der Familie an Tyler geht - er fühlt sich unsichtbar. Das scheint egoistisch, aber es ist ungerecht. Er hat auch Angst, dass sein Bruder krank bleibt und dass sie nie wieder gemeinsam Spaß haben werden. Unterstützung erhält Tyler von seiner besten Freundin Samantha (Bailee Madison) und ihrem Großvater Cornelius Perryfield (Ralph Waite), einem freundlichen älteren Herrn, dessen Theaterkarriere ihn ein wenig exzentrisch gemacht hat.

Die religiösen Töne sind unglaublich gewichtig und übertrieben. Der Film bemüht sich sehr, die Idee zu vermitteln, dass Anbetung heilsam sein kann und dass der Glaube an Gott der Schlüssel zum Glück und möglicherweise auch das Heilmittel für Krebs ist. Auf die gleiche Weise, wie eine Schnulze versucht, Emotionen für ein Drama oder eine Romanze zu instrumentalisieren, versucht "Briefe an Gott", den Zuschauer zum Glauben zu bewegen und um göttliche Intervention zu bitten. Da hilft es auch nicht, dass sich diese lästigen Themen über fast zwei Stunden hinziehen. Zumindest Tanner Maguires Darstellung ist relativ authentisch, und seine Akzeptanz der Situation und sein realistischer Blick auf die Haltung der anderen, manche mit Freundlichkeit und Verständnis, viele aber mit Angst und Hass, ist erfrischend angemessen. Aber die unüberschaubar umfangreichen Montagen und die Pausen, in denen man einem Lied lauscht, während Rückblenden zu früheren Szenen im Film abgespielt werden, machen deutlich, dass der Erzählansatz nicht gut durchdacht oder für jemanden jenseits der außergewöhnlich Andächtigen geeignet war.

1939 war ein großartiges Jahr für den Film, in dem unter anderem "Vom Winde verweht" und "Der Zauberer von Oz" in die Kinos kamen. In einem der ersten Jahre des Bestehens des Oscars mit zehn Nominierungen für den besten Film war ein weiteres ausgezeichnetes Epos der immer mehr ignorierte Film "Stürmische Höhen" von Regisseur William Wyler, der dank einer hervorragenden Besetzung und einer starken Geschichte, die auf dem gelobten Roman basiert, sofort erfolgreich war. Die Dialoge sind abwechselnd lyrisch und bösartig, mit Inbrunst und Schärfe vorgetragen, was vielleicht dank der Adaption eines so beliebten Buches am meisten berührt. Selbst die wenigen Änderungen schmälern nicht den bleibenden Reiz, obwohl sie den möglichen Ton der Beziehung der Hauptfiguren verändern und das Ende so anpassen, dass zufällig eines der besten Liebesdramen aller Zeiten entsteht.

In den Mooren von Yorkshire in England stand ein Haus, das so düster und trostlos war wie die Einöde um es herum: 'Wuthering Heights'. Es ist die Heimat einer höchst unwillkommenen Gesellschaft, die es nicht gerne sieht, wenn Fremde auf ihrem Grundstück erscheinen. Als Mr. Lockwood (Miles Mander), ein neuer Mieter des Anwesens, in einer besonders stürmischen, verschneiten Nacht das Haus betritt, wird er mit Verachtung und Groll empfangen. Widerwillig nimmt ihn der Besitzer Heathcliff (Laurence Olivier) in einem Zimmer auf. Als Lockwood mitten in der Nacht aufwacht, hört er die gedämpften Schreie einer Frau im Moor. Heathcliff wird wütend, als Lockwood das Phantasma beschreibt, und rennt sofort in die Kälte hinaus. Dies veranlasst die Haushälterin Ellen (Flora Robson), dem verunsicherten Gast die Geschichte von Heathcliff und seiner verlorenen Liebe Cathy (Merle Oberon) zu erzählen.

"Stürmische Höhen" ist ein Film über zwei Welten, die durch die Verstrickungen der Liebe, verursacht durch unbändige Eitelkeit und Gier, aufeinander prallen. Wie in vielen großen Tragödien, vor allem in zeitgenössischen Stücken, geht es um eine verbotene oder zum Scheitern verurteilte Romanze und die Trennung zwischen den Klassen: diejenigen, die gezwungen sind, zusammen zu sein, und jene, von denen erwartet wird, dass sie zusammen sind, wobei jedes Szenario maßgeblich von Klasse und Status bestimmt wird. Die Konzepte der Verfolgung von Beziehungen, der Rache, des Rollentauschs und der Verwandlung treten ebenfalls stark in Erscheinung: Heathcliffs Verachtung führt zu seiner geisterhaften Rückkehr aus der Vergangenheit, der märchenhaften Rückgewinnung eines riesigen Vermögens, um sich auf bittere Weise wieder in das Leben von Cathy und Edgar Linton (David Niven) einzugliedern, nicht weit entfernt von der heroischen Rache des Grafen von Monte Christo, und dient dem ruinierten Hindley (Hugh Williams) als feindliche Abrechnung.

Heathcliff ist opulent manipulierend und bösartig zerstörerisch, aber ebenso fluchbehaftet. Er ist dazu bestimmt, sein Leben damit zu verbringen, sich an allen zu rächen, die ihm Unrecht getan haben, einschließlich Cathy, ungeachtet oder vielleicht gerade wegen seiner absoluten Besessenheit von ihr. Eine der bewegendsten Szenen zeigt dies in einem Kampf zwischen nervösen Blicken und unnachgiebigen Starren zu den schnellen Noten von Mozarts 'Türkischem Rondo'. Dank der außergewöhnlichen Harmonie zwischen Laurence Olivier und Merle Oberon sind sie in der Lage, viele Emotionen und Kommunikationen ohne Worte allein mit ihren feuchten, aber nicht blinzelnden Augen zu vermitteln. Es ist kein Zufall, dass "Stürmische Höhen", so unbemerkt wie er inmitten der Konkurrenz von 1939 ist, 1998 auf der Liste der 100 größten amerikanischen Filme des 'American Film Institute' landete und 2007 von der 'Library of Congress' wegen seiner unbestreitbaren filmischen Bedeutung und Kunstfertigkeit für die Aufnahme in das 'National Film Registry' ausgewählt wurde, obwohl er seit mehr als einem Jahrzehnt auf Heimvideo vergriffen ist.