Chainsaw Charlie - Kommentare

Scheiß auf Winnetou!

In "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" von Regisseur Jonathan Jakubowicz kämpft Roberto Duran (Edgar Ramirez) 1971 im Madison Square Garden - eine unfassbare Leistung an einem bemerkenswerten Ort, wenn man die bescheidene Herkunft von Roberto Duran berücksichtigt. Die Geschichte des späteren Leichtgewichts-Champions wird von seinem legendären Trainer Ray Arcel (Robert De Niro) erzählt, einem Mann, der schon Tausenden von Boxern geholfen hat, den Sport zu perfektionieren, und der dem Jungsportler nun Taktik und Selbstdisziplin beibringen muss, um ein richtiger Siegertyp werden zu können. Angesichts der Erfahrungen, die Robert De Niro mit Boxfilmen gemacht hat, fällt es schwer, ihm nicht alles abzukaufen, was er über den Emporkömmling sagt. Doch trotz der Starbesetzung, eines respektablen Budgets und geeigneter Performances ist der Film in Bezug auf den ästhetischen Anspruch, die technische Ausstattung und die erzählerische Gestaltung ein glatter Rohrkrepierer.

Das erste Problem ist die Erzählform, die zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart wechselt, in der Hoffnung, die Traumata zu beleuchten, die jeden einzelnen Akteur formten. Doch der Film geht zu weit und vergeudet Zeit mit Ray Arcels persönlichem Schicksal, einschließlich der Distanzierung von seiner Tochter, und stellt auch die Nebenfiguren, die mit ihm zu tun haben, sinnlos in den Fokus. Eigentlich sollte dies die Geschichte von Roberto Duran sein, doch wie gewohnt wird Ray Arcel, dem Promoter Carlos Eleta (Ruben Blades), dem Klugscheißer Frankie Carbo (John Turturro), dem Kindheitsfreund Chaflan (Oscar Jaenada) und sogar dem Hauptwidersacher Sugar Ray Leonard (Usher Raymond) unnötigerweise zu viel Beachtung geschenkt. Das ist besonders schädlich, wenn Roberto Duran unvermeidlich in Misskredit gerät. Dadurch verliert der Betrachter das Augenmerk auf den Anti-Helden, der im Zentrum der Handlung steht, da es so viele andere Gestalten zu berücksichtigen gilt. Selbst Robertos Frau Felicidad (Ana de Armas) ist sympathischer und überzeugender. Sie tritt auch in der einzigen humorvollen Szene auf, in der es um begierigen Beischlaf geht, der in eine folterartige Entbindung gipfelt.

Das Hin- und Herspringen in der Zeitachse ist völlig trivial und provozierend. Man hat das Empfinden, dass diese biografische Seifenoper so bekannt und stereotyp ist, dass die chronologische Verrenkung den Betrachter in den falschen Bann zieht und ihn glauben lässt, sie sei zeitgemäß und auf dem neuesten Entwicklungsstand. Das führt zum zweiten Problem: "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" wird zum Geschichtsunterricht, verkleidet als Boxsportfilm. Die Revolten in der Panamakanalzone von 1964 waren ein wichtiger und grundlegender Faktor in einem lang währenden Territorialkonflikt, passen aber nicht nahtlos in einen Film über Roberto Durans Karriere und seinen Niedergang im Ring. Der Gedanke, dass er sein ganzes Leben lang geboxt hat, wird auf humoristische Weise bagatellisiert, wenn man weiß, dass er buchstäblich als Jugendlicher in den armen Straßen von El Chorrillo mit dem Straßenkampf begonnen hat, bevor er von einem Trainer in einem lokalen Fitnessstudio ein formelleres Programm absolvieren konnte. Schließlich bleibt noch Zeit für eine Liebesbeziehung, die den traditionellen Weg des sorglosen Konsums von Reichtum und letztendlich des Missbrauchs im alkoholisierten Zustand einschlägt.

Es reicht nicht mehr aus, ein inspirierendes Sportdrama zu sein, schon gar nicht, wenn es um den Boxsport geht, für den es allein in den letzten Jahren eine enorme Anzahl von Verfilmungen gegeben hat. Wie Roberto Durans unmoralische Entscheidungen in der psychologischen Kriegsführung und seine Motive für den umstrittenen und berühmten Abbruch des Rückkampfs gegen Leonard, die hier eher als skrupellose Handlungen eines gierigen Agenten und als mentale Niederlage denn als mutwillige Nachlässigkeit dargestellt werden, scheint "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" aus den falschen Gründen erstellt worden zu sein. Manchmal ist es ein wenig patriotische Propaganda für Panama, die eher an Reklame oder Publicity als an Unterhaltung erinnert. An anderer Stelle ist es die Geschichte eines verachtungswürdigen Athleten, der mit Wohlstand und Popularität nicht umgehen kann und der so schlecht dargestellt ist, dass er als unrettbarer Protagonist dasteht - ein vorletzter Ringkampf um Erlösung wird als schmerzvoll belanglos dargeboten. Der Betrachter soll auch glauben, dass dieser rassistische Unmensch seine überragende Intelligenz nutzt, um seinen Kontrahenten abzuschirmen, und nicht nur in der Hektik des Gefechts mit Beleidigungen um sich wirft.

In seiner Überstürzung, den panamaischen Star zu porträtieren, versagt "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" auch bei der Schnitt- und Strukturierungstechnik: Überblendungen, Kürzungen, Kampfchoreographien und Überleitungen verraten gravierende Dilettantismen. Die Sequenzen werden aus Erwartungsgründen eingebaut, nicht aus Gründen der schöpferischen Gestaltung. Trainingsmontagen, die Aufeinanderfolge von Runden und sogar Sex und Nacktheit tauchen auf, weil die Filmschaffenden denken, dass diese Aspekte erwartet werden oder erforderlich sind. Für Zuschauer, die mit dem 'Brawl in Montreal' von 1980 und dem anschließenden Rematch nicht vertraut sind, bietet "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" zumindest eine unerwartete, wenn auch nicht ganz erfüllende, dritte Option für das jahrhundertealte Dilemma eines jeden Schlagstreits: Der Akteur kann nur gewinnen oder unterliegen, und beide Optionen sind mehrfach auf Zelluloid gepresst worden.

In "Ein Mann zu jeder Jahreszeit" unter der Regie von Fred Zinnemann schickt Kardinal Wolsey (ein unleugbar wichtigtuerischer, aber exzellent passender Orson Welles), einst ein einfacher Metzgerjunge, spät am Tag nach dem Anwalt Thomas More (Paul Scofield). Thomas More soll sofort aus Chelsea abreisen, um die Geschäfte des Königs zu erledigen, in die angeblich die Mätresse Anne Boleyn (Vanessa Redgrave) involviert sein soll. Heinrich VIII. (Robert Shaw) wünscht sich verzweifelt einen Sohn, doch Königin Catherine ist unfruchtbar. Der rot gekleidete Geistliche will dem König die Scheidung gewähren, doch Thomas More erinnert ihn daran, dass der Papst Henry eine Sondererlaubnis für die Heirat mit der Witwe seines Bruders erteilt hat, was die Kirche zu einem unfähigen, gefügigen Vasallen des Königtums macht. "Rettung durch den Schilling!", ruft Will Roper (Corin Regrave), der Mores Tochter Meg (Susannah York) ehelichen will.

Zu Kardinal Wolseys ständigem Entsetzen besitzt Thomas More eine moralische Unredlichkeit, die ihn daran hindert, die Befehle seiner Oberen Folge zu leisten. Thomas More lässt sich weder bestechen noch in Versuchung führen. Der junge, ehrgeizige Staatsmann Richard Rich (John Hurt) hingegen ist genau der Typ, der mit allen erdenklichen Mitteln aufsteigen will, einschließlich der Kollaboration mit dem intriganten Sekretär Cromwell (Leo McKern). Als Kardinal Wolsey stirbt, wird Thomas More zum Lordkanzler des Königreichs ernannt, was ihn für immer aus dem ruhigen Leben, von dem er oft träumt, verbannt und ihn in eine Stellung katapultiert, mit der der König unmittelbar konkurrieren muss, um seine Scheidung zu erreichen.

"Ein Mann zu jeder Jahreszeit" ist ein historisches, biografisches Kostümdrama mit opulenten Bühnenbildern und einer noch prunkvolleren Garderobe. Im Kern geht es aber vor allem um den Glauben, und das ist in der Tat nervtötend. Der Film, den Robert Bolt auf der Grundlage seines Theaterstücks und mit denselben wortgewaltigen, poetischen Dialogen geschrieben hat, erforscht, wie weit man gehen kann, um seinen Glauben zu bewahren. Manche Überzeugungen ändern sich mit dem Wind oder mit mächtigen Persönlichkeiten, während andere selbst unter unvorstellbarem Druck nicht ins Wanken geraten können. Es wäre zwar bewundernswert, vor allem als Charakterstudie gegen die Exkommunizierten oder die Ketzer, aber seine religiöse Grundlage verhindert, dass sein Ansinnen allgemein gewürdigt werden kann. Anstelle das Richtige zu tun, hält er sich an das Image der Kirche, auch wenn er zunächst über die Scheidung schweigt, um seine Familie zu schützen. Die einander ergänzenden Aspekte von Gesetzen und seine religiösen Einwände werden in brillanter, beinahe kommerzieller Manier widerlegt.

Paul Scofield in der Hauptrolle ist außergewöhnlich: eine unbeugsame Kraft, die entschlossen ist, sich keiner Autorität zu fügen, die die Position des Papstes oder seine individuellen Vorbehalte in Zweifel zieht, wie er irgendwann zugibt. Seine Bildschirmpräsenz ist wechselweise repräsentativ, bedarfsorientiert und gravitätisch, mit einer Sprache und Verhaltensweise, die das Selbstvertrauen, die Überzeugungskraft und die Intuition, die der Rolle gerecht werden, optimal zum Ausdruck bringt. Das Skript von Shakespeare ist selbstverständlich eine wertvolle Hilfsquelle. Wie in "Im Zeichen des Bösen" ist der überdimensionale, grollende Orson Welles ein optisch beeindruckender Oberbösewicht, selbst wenn er es nur knapp durch die erste Halbstunde schafft. Ebenfalls unvergänglich ist Robert Shaw in der Rolle des grölenden, störrischen, ichbezogenen und dünkelhaften Herrschers, der es schafft, auch dann Angst zu machen, wenn er vor Freude brüllt. Leo McKern wiederum ist ein echter Tyrann von Gehilfe.

Technisch gesehen wechselt Ted Moores Kameraführung in irritierender Regelmäßigkeit zwischen Charakteren, die von der Dämmerung direkt in die Mittagssonne laufen, und kristallklaren Forstlandschaften. Lange Einstellungen verraten mitunter den Bühnenursprung der Geschichte, und das Finale ist befremdlich plötzlicher als erwartet, so als hätten sich die Filmemacher keinen prägnanteren Ausklang oder eine effektvollere mündliche Kodierung einfallen lassen können. Doch die Erforschung von Bewusstsein, Genossenschaft, blindem Gehorsam, Nötigung, Eidbruch und sittlicher Beständigkeit ist profund und lehnt sich an Meisterwerke wie "Die Brücke am Kwai", "Mr. Smith geht nach Washington", "Ben Hur" und "Braveheart" sowie an so viele andere Werke an, in denen Helden mit ehrenhaften, kompromisslosen Prinzipien auftreten.

"Pumpkinhead: Blutfehde" von Regisseur Michael Hurst beginnt fast genauso wie der vorherige "Pumpkinhead"-Film. Dieser vierte und letzte Teil beginnt mit einer Verfolgungsjagd, bei der sich das bestialische, titelgebende Monster durch den Wald an seine Beute heranpirscht. Diesmal sitzen die Opfer jedoch auf Motorrädern und die Gewaltszenarien sind um einige Nuancen komplexer geworden, denn auf einen der Fahrer wartet eine stattliche Dekapitation. Auch hier wurde der Hauptantagonist wieder zum Leben erweckt, um sich an den Übeltätern zu rächen, und ist physisch mit dem Beschwörer verbunden, ebenso wie er sich von seinen Zielen unerbittlich angezogen fühlt.

Fünf Jahre nach den Ereignissen in der Eröffnungsszene, an denen Dallas Pope (Rob Freeman), inzwischen Sheriff der Stadt, beteiligt war, wird eine McCoy-Hochzeitsfeier zum neuesten Austragungsort der ewigen Fehde mit dem Hatfield-Clan, die ursprünglich durch einen Vorfall mit einem Auto ausgelöst wurde. Jodie Hatfield (Amy Manson) will nicht, dass die Kämpfe weitergehen, doch eine Gruppe von rauflustigen Geschwistern ist auf Krawall aus. Jodie ist die einzige Stimme der Vernunft in ihrer Familie; die anderen sind zu stolz und sauertöpfisch, um die Vergangenheit ruhen zu lassen. "Kein McCoy wird eine friedliche Hochzeit feiern ... solange es Hatfields gibt."

Wie sich herausstellt, hat auch der junge Ricky McCoy (Bradley Taylor) die Nase voll von dem ständigen Zwist und ist in Jodie verliebt. Doch es ist eine strengstens verbotene Assoziation. Und als Sarah McCoy (Maria Roman) getötet wird, während sie bei einem Rendezvous der beiden Liebenden Schmiere stand, bittet Ricky die örtliche Hexe Haggis (Lynne Verrall) um Hilfe, die nur eine außerweltliche Abhilfe kennt.

Die "Pumpkinhead"-Reihe war schon immer eine Art Hinterwäldler-Horror, der sich auf ländliche Gegenden, Lagerfeuergeschichten, rachsüchtige Hexerei und isolierte und technologisch unzulängliche Gemeinden konzentriert. Dies ist ein einzigartiger Ansatz für übernatürlichen Horror, auch wenn die Qualität der einzelnen Teile kaum eine weitere Fortführung rechtfertigt. Hier ist die Einbeziehung der historischen Familien aus West Virginia und Kentucky in die Handlung zusammen mit der Romeo-und-Julia-Romanze nur am Rande interessant und schafft einen passenden Rahmen und adäquate Darsteller. Dem Drehbuch selbst mangelt es jedoch an Einfallsreichtum. Es ist nichts Neues, wenn eine Gruppe von Menschen zum vierten Mal in dieser Reihe von einem gewaltigen Hünen in Fetzen gerissen wird.

Anders als sein direkter Vorgänger verwendet "Pumpkinhead: Blutfehde" keine aufdringlichen Farbmanipulationen, um eine visuelle Spartanität zu forcieren. Stattdessen bleibt der Look durchweg moderat, wobei das Monster in Nachtaufnahmen oft zu hell oder grobkörnig erscheint. Auch die mit CG ausgestatteten Szenen sind nicht überzeugend, vor allem die, in denen ein Computermodell für das riesige Biest eingesetzt wird. Wieder einmal sind die plastischen Effekte und das Make-up sehr gelungen, selbst wenn 'Pumpkinhead' als schwerfälliger Mann in einem Kostüm erscheint.

Wie in den vorangegangenen Kapiteln gibt es quasi keine Komik, abgesehen von der unbeabsichtigten Ironie der schlampigen Filmarbeit. Eine dieser Sequenzen ist ein unglaublich bildhafter, aber dennoch poetisch fundierter Tod, in dem McCoy eine Bärenfalle aufstellt und sich an die Zeit erinnert, als er beobachtete, wie ein Bär eines seiner Beine abbiss, um einer Falle zu entkommen, dann selbst in die Falle geriet und sein Bein amputieren musste. Eigentlich sollte das grauenhaft wirken, doch die Sache ist einfach nur lachhaft. Glücklicherweise taucht zur Abwechslung zum vorherigen Film ein hervorstechender Protagonist auf, mit dem sich der Betrachter auch identifizieren kann. Amy Manson ist eine überraschend gute Schauspielerin für diese Art von Z-Produktion. Sie mag zwar viel schreien und weinen, doch das ist immer noch besser als die unverschämt schwache schauspielerische Leistung der Nebendarsteller, von denen viele schlecht synchronisiert sind, was wahrscheinlich an den rumänischen Dreharbeiten und dem fehlenden Budget für englischsprachige Statisten liegt.

"Umständlich verliebt" von den Regisseuren Josh Gordon und Will Speck ist eine unerwartet originelle romantische Komödie. Mehrere thematische Elemente sorgen für einen kontrastierenden, seriösen Ton, der dafür sorgt, dass die leichteren Scherze nicht unplausibel werden. Die Struktur des Films ist zwar recht formelhaft, doch die Chemie zwischen den Darstellern funktioniert und die Dialoge sind schlagfertig. Jason Bateman verkörpert den besten Freund, der neurotisch ist und mehr will, ausgezeichnet, und der junge Newcomer Thomas Robinson brilliert in der Rolle des introvertierten, problembehafteten Sohnes. Auch Jennifer Aniston füllt ihre Figur gut aus, und die Nebendarsteller glänzen, vor allem Jeff Goldblum, der seine Szenen mit Genuss zelebriert.

Die New Yorkerin Kassie Larson (Jennifer Aniston) spürt, dass ihre biologische Uhr tickt, und beschließt, dass sie ein Kind haben möchte, auch wenn kein Mann in Frage kommt. Gegen den Rat ihres besten Freundes Wally Mars (Jason Bateman) entscheidet sie sich für einen Samenspender und wählt den gut aussehenden, sportlichen Roland (Patrick Wilson) als idealen Ersatzvater. Als Kassies Freundin Debbie (Juliette Lewis) eine Fertilisationsparty schmeißt, ertränkt Wally seine Missbilligung in Alkohol und tauscht im Strudel des Vollrausches Rolands Spende gegen seine eigene aus. Nachdem sie schwanger geworden ist, zieht Kassie weg, und Wally setzt seinen gewohnten Alltag fort. Sieben Jahre vergehen und Kassie kehrt mit ihrem kleinen Sohn Sebastian (Thomas Robinson) nach New York zurück, der Wally frappierend ähnlich sieht und sogar einige seiner Exzentrizitäten hat. Als Wally sich nach und nach an die schicksalhafte Nacht erinnert, muss er sich mit seinen Gefühlen für Kassie und den Konsequenzen der Lüge für die Menschen, die ihm am meisten am Herzen liegen, auseinandersetzen.

In romantischen Komödien ist es gängige Praxis, eine höchst unwahrscheinliche, abwegige Situation als Farce darzustellen. Der realistische Schweregrad der Situation wird erst dann deutlich, wenn die lang ersehnte, nervenaufreibende und unerfreuliche Wahrheit endlich ans Licht kommt. Die Enthüllung der Geheimnisse kann Wally alles kosten, aber die einzige Lösung, seinen Fehler wiedergutzumachen, besteht darin, über den akzidentellen Akt der Sabotage zu sprechen. Danach ist es an der Definition, die Grenze zwischen Realität und Fiktion zu überbrücken, was in der Regel durch eine dramatische Montage mit melancholischer Musik und die Klärung eines komplizierten Dreiecksverhältnisses unterstützt wird. "Umständlich verliebt" hält sich eng an diese Formel, doch sind die Charaktere und das Schauspiel gerade unkonventionell genug und genau so lustig, dass der Film zu einer gelungenen, aufrichtig erheiternden Zerreißprobe wird.

Die Dialoge sind wahnsinnig gewandt, bewegen sich geschwind und erinnern an Cary Grant und Audrey Hepburn, ungeachtet einer völlig redundanten, fast unkenntlichen Off-Stimme, die den Betrachter über das Schicksal belehrt. Jeff Goldblum und Juliette Lewis bestechen in jeder einzelnen Szene, in der sie als Nebenfiguren agieren und begeistern mit Situationskomik, Charakterstärke und gelegentlicher Sensitivität. Das sind die Sorte von Darstellern, die in kleinen Dosierungen ideal sind, die so konzipiert sind, dass sie Erleichterung bringen und locker daherkommen, aber niemals penetrant sind. Ein weiteres Plus ist Sebastian, dessen skurrile Neurose geschickt mit Wallys persönlichen Marotten harmoniert. Die Gespräche zwischen Vater und Sohn sind außerordentlich bezwingenswert, voller Witz und wachsendem Tiefgang, mit einer stets intakten Harmonie. Es ist vielleicht nicht die innovativste Interpretation einer widersinnig tradierten Verwirrung, doch "Umständlich verliebt" hat dennoch einen beträchtlichen Unterhaltungswert.

In "Die Brücken am Fluss" unter der Regie von Clint Eastwood ist die Mutter der Familie Johnson verstorben, und in ihrem Testament ist eindeutig festgelegt, dass ihre sterblichen Überreste eingeäschert und die Asche von der 'Roseman Bridge' gestreut werden soll. Ihre erwachsenen Kinder sind bestürzt über die Forderungen und weigern sich, sie zu akzeptieren. Als Carolyn (Annie Corley) und Michael (Victor Slezak) ihr Bankschließfach durchstöbern, entdecken sie, dass ihre Mutter eine heimliche, leidenschaftliche Affäre mit einem Mann namens Robert hatte. Dies bestätigen auch private Briefe, Notizen von Anwälten und drei Tagebücher. "Ich bin mir nicht einmal sicher, ob es christlich ist."

Vater Richard Johnson (Jim Haynie), der in den 1960er Jahren im ländlichen Iowa gelebt hat, und die Teenager Carolyn und Michael sind vier Tage lang mit einer wertvollen Kuh unterwegs, die sie auf der Bezirksmesse ausstellen wollen. Mutter Francesca (Meryl Streep) zieht es vor, zu Hause zu bleiben und den Frieden und die Ruhe zu genießen. Am ersten Tag fährt der National Geographic-Fotograf Robert Kincaid (Clint Eastwood) auf ihr Grundstück und fragt nach dem Weg zu einigen überdachten Brücken in der Gegend, die er fotografieren soll. Die Wegbeschreibung ist nicht ganz einfach, da keine der Straßen markiert ist, also steigt Francesca in seinen Wagen, um ihn persönlich zu dem Ort zu führen. Wie sich herausstellt, haben die beiden eine Menge gemeinsam.

Robert ist ein Freigeist, unbelastet von Routinen, Zeitdruck und familiären Verpflichtungen. Francesca ist eher das Gegenteil und kümmert sich ständig um ihre Liebsten. Doch vielleicht am wichtigsten ist der Kontrast zwischen ihren Persönlichkeiten - er ist kontaktfreudig und offen, während sie ein wenig schüchtern und zurückhaltend ist und es nicht gewohnt ist, mit Fremden zusammen zu sein. Seine Ankunft ist jedoch das Abenteuer, das sie so verzweifelt braucht - die Gelegenheit, aus ihrem Schneckenhaus auszubrechen, etwas Neues auszuprobieren, der Langeweile ihres weitgehend biederen Hausfrauenlebens zu entkommen. Er strahlt eine Aura aus, die so jenseitig ist wie die afrikanischen Safaris, die er beschreibt, wenn er nach dem exotischsten Ort gefragt wird, den er je besucht hat.

Es entspinnt sich eine Romanze, wie sie in Kinofilmen normalerweise nicht vorkommt. Auch wenn sie ihn ausspioniert, während er ohne Hemd herumläuft, ist dies weit entfernt von den kantigen, pubertären Liebesgeschichten dieser Zeit - ihre Anziehung beruht auf Charme, Humor und Seelenverwandtschaft. Es geht um Sex, doch beide haben ihre besten Jahre hinter sich. Es geht nicht um die übliche visuelle Verherrlichung von Waschbrettbäuchen und prallen Brüsten. Stattdessen ist ihre Beziehung so verlockend, weil Clint Eastwood und Meryl Streep so phänomenale Schauspieler sind und es schaffen, sich in ihren Rollen zu verlieren. Sie legen eine natürliche Leichtigkeit an den Tag, die diese Figuren unglaublich sympathisch macht, selbst in Momenten, in denen nichts Besonderes passiert.

Ihre Geschichte mag klein, unauffällig und im Allgemeinen unspektakulär sein, aber ihr Komfort und ihre Bedeutsamkeit lassen sich nicht in Abrede stellen. Leider schneidet der Film in dem Moment, in dem der Betrachter in die Geschichte hineingezogen wird, in die Gegenwart zurück, um zu zeigen, wie Carolyn und Michael gemeinsam die Notizbücher lesen und dabei etwas umständlich die Interpretationen der Geschehnisse diskutieren, die gerade dargestellt werden oder bald abgebildet werden sollen. Es ist ein vollkommen überflüssiger Klotz am Bein, der jedes Mal nerviger wird, je öfter er ins Bild kommt und desto intensiver ihre Einmischung wird. Wenn Francescas Stimme die Erzählung übernimmt, ist das auch etwas ungeschickt, aber zumindest ist es ein unmittelbarer, inniger Bestandteil der Geschichte.

Mit einer stimmungsvollen Filmmusik von Clint Eastwoods Stammbesetzung Lennie Niehaus und einem ruhigen, einfachen und einnehmenden Drehbuch ist "Die Brücken am Fluss" ein seltener Film voller Herzenswärme und Pathos, ohne etwas Survivalistisches oder Anderweltliches zu porträtieren. Ein glaubwürdiges, sanftes, ausgereiftes, menschliches Drama kann für sich genommen schon packend sein. "Es war ein perfekter Abend, genau so, wie er war".

Und in der Tat, wenn "Die Brücken am Fluss" die Sehnsucht, die Versuchung, das Bedauern, die Schuldgefühle, die Verleugnung, die Komplikationen und die Folgen der Liebe auf den ersten Blick erforscht, wird der Realismus ernüchternd und droht, die Fantasie einer solch verführerischen Romanze zu zerstören. Allerdings kann es nur auf eine bestimmte Richtung hinauslaufen, wenn man bedenkt, dass die Aneinanderreihung von Büchern ihr Schicksal offenbart und lange nach der Haupthandlung stattfindet, mit bedeutungslosen Nebenfiguren. Das Ende, das zu lange nach der Auflösung kommt, zieht die Laufzeit nur unnötig hinaus und reduziert die Potenz - eine unerfreuliche und negative Methode, eine ansonsten starke Lovestory abzuschließen.

"Der Killer von Alabama" wurde von Paul Gerard Smith, Al Boasberg, Charles H. Smith und Lex Neal nach dem gleichnamigen Theaterstück und unter der Regie von Buster Keaton gedreht und gilt bei vielen als der am wenigsten Keaton-typische Film seiner Karriere. Doch trotz gelegentlicher Gags, die ungewöhnlich erscheinen mögen, sind Regie und Handlung meisterhaft aufeinander abgestimmt, um einen unvergesslichen und magischen Film von herausragender künstlerischer Qualität zu schaffen. Schwarz-weiß und leise, der Slapstick ist perfekt, die Lacher sind zahlreich, und das Ende spiegelt wunderbar die Schönheit von Charlie Chaplins "Lichter der Großstadt" wider.

Alfred (Buster Keaton) ist ein stubenreiner, verwöhnter Waschlappen, der vom Reichtum seines Vaters lebt und sich ständig von seinem treuen Diener (Snitz Edwards) bewirten lässt. Alfreds Vater ist letztlich verantwortlich für die Unfähigkeit seines Sohnes, für sich selbst zu sorgen, aber er ermutigt den hilfsarmen jungen Mann dennoch, zum Zelten zu gehen, um einige lebenspraktische Erfahrungen zu sammeln. Doch Alfreds Version des harten Lebens beinhaltet immer noch die unablässige Aufmerksamkeit seines Butlers und die Verwendung von teuren Annehmlichkeiten, um über die Runden zu kommen.

Während Alfred vergeblich versucht zu jagen, hoppeln Kaninchen neckisch um ihn herum, Wachteln fliegen beiläufig an ihm vorbei, und Fische springen munter aus dem Bach. Auf seiner Exkursion trifft er ein schönes Bergmädchen (Sally O'Neil), das er versehentlich anschießt und in das er sich sofort verliebt. Er begleitet sie nach Hause, verirrt sich aber und muss sie bitten, ihn zum Camp zurückzubringen. Dort trifft er auf ihren Bruder (Bud Fine) und ihren Vater (Walter James), die sehen, dass er kaum in der Lage ist, für sich selbst zu sorgen. Am nächsten Morgen schickt Alfred seinen Bediensteten, um das Mädchen um ihre Hand zu bitten, was der Vater prompt ablehnt. Um seinen Chef zufrieden zu stellen, lügt der Dienstbote über Alfreds Leistungen und behauptet, er sei der legendäre Alfred 'Battling' Butler, der amtierende Meister im Preisboxen.

Der echte 'Battling' Butler (Francis McDonald) gewinnt weiterhin Kämpfe gegen Boxer wie den 'Alabama Killer', als sich Alfred auf den Schwindel einlässt. Alfred heiratet zwar das Bergmädchen, verhindert aber, dass sie seine Kämpfe sieht, damit er die Täuschung aufrechterhalten kann. Natürlich kreuzt sich sein Weg mit dem des echten Faustkämpfers, und im Rahmen eines Racheplans wird Alfred dazu ausgebildet, anstelle des amtierenden Champions zu kämpfen.

Die Verstrickungen sind so komplex und verzwickt, dass sie die perfekte Grundlage für Klamauk und hochkomische Situationen bilden. Aus Angst, seine große Liebe zu verlieren, wenn er die Wahrheit sagt, bleibt Alfred nichts anderes übrig, als sich an Unwahrheiten zu halten, die immer schwerer zu kontrollieren sind, vor allem, als ihn seine Frau mit einem Besuch im Fitnessstudio überrascht, was zu zahlreichen Szenen voll unbequemer Komik führt. Es ist eine klassische Verwechslungsgeschichte, gemischt mit der Idee, bis zum Exzess zu gehen, um das Mädchen für sich zu gewinnen, erweitert durch eine großzügige Portion Absurdität und Substitution.

Die Titelkarten dienen als Erzähler, da der Film stumm ist, doch Buster Keaton, der sich keine Gelegenheit zum Lachen entgehen lassen wollte, geht so weit, dass er Witze in diese schriftlichen Hinweise einbaut. Die Gags reißen nicht ab und werden durch physische Stunts unterstrichen, bei denen der akrobatische Buster Keaton in einer langen Sparringsszene um sein Leben kämpft oder einfach nur eine Glühbirne für Butlers Frau (Mary O'Brien) auswechselt. Regelmäßig werden Buster Keatons Eskapaden von Gefahren begleitet, darunter Autoexplosionen, die seine Fähigkeit zu faszinierenden Choreographien verschiedener Formen von Humor demonstrieren. Auch wenn er heute weniger bekannt ist als "Der General" oder "Sherlock Jr.", brachte "Der Killer von Alabama" von allen Stummfilmen Buster Keatons das meiste Geld ein. Obwohl der Film nicht so vertraut oder traditionell ist wie einige seiner anderen Projekte, vor allem wenn man bedenkt, dass er nach einem Bühnenerfolg und nicht nach Buster Keatons eigenem Material gedreht wurde, ist er sicherlich eines seiner unterhaltsamsten Werke.

Der Erzähler in "So grün war mein Tal" von Regisseur John Ford verlässt sein Tal nur mit einem Schal und ein paar Habseligkeiten, aber er behält rund 50 Jahre an Erinnerungen, die seine Freunde und seine Familie am Leben erhalten, solange er sich lebhaft an vergangene Ereignisse erinnern kann. Als kleiner Junge erinnert sich Huw Morgan (Roddy McDowall) an die weisen Worte seines Vaters, den Gesang seiner Schwester Angharad (Maureen O'Hara), die Scherze seiner fünf älteren Brüder und die unaufhörliche Emsigkeit seiner Mutter. Es war auch eine Zeit, in der die schwarze Schlacke die Schönheit der Landschaft noch nicht beeinträchtigt hatte. Jeder war Bergmann und stolz darauf, auch wenn die Arbeit ihren Tribut forderte, sowohl von den Körpern der Männer als auch von der Natur und dem Grün, das sie umgab.

Eine der wichtigsten Erinnerungen von Huw ist die an Bronwyn (Anna Lee), eine junge Frau aus einem nahe gelegenen Dorf, die seinen Bruder Ivor (Patric Knowles) heiratete. Hinzu kommt, dass die Löhne sinken, weil immer mehr Arbeitnehmer bereit sind, weniger Lohn zu akzeptieren, was zu Gerüchten über gewerkschaftliche Organisierung und Streiks führt. Der Prediger, Mr. Gruffydd (Walter Pidgeon), ist ebenfalls ein starker Charakter, der die Aufmerksamkeit auf sich zieht, sobald er einen Raum betritt. Nachdem sich die Lage weiter verschlechtert hat und ein langer Streik zu Misstrauen und Armut geführt hat, werden Mrs. Morgan (Sara Allgood) und Huw von einer stürmischen Nacht und eiskaltem Wasser überrascht, was dazu führt, dass Mrs. Morgan für einige Monate in ihrem Schlafzimmer im Obergeschoss eingeschlossen ist und Huw vermutlich nie wieder richtig gehen kann. Doch mit den guten Wünschen der Stadt, der Unterstützung seiner Familie und einem Regal mit klassischen Romanen, die ihn beschäftigen, hofft Huw auf eine vollständige Genesung.

Die Familie Morgan erlebt weitere Nöte und einige Segnungen, wobei sich jedes Szenario mit einem gewissen Mangel an Enthusiasmus abspielt. Die Höhen und Tiefen weichen nur selten von einer platten Darbietung ab, selbst wenn die Charaktere in großer Gefahr schweben, ist eine bescheidene Inbrunst zu spüren. So wie der Erzähler die meiste Zeit in "So grün war mein Tal" ein kleines Kind ist, so ist auch die Geschichte schlicht und harmlos und lässt die dunkleren Dramen, die sich im Hintergrund abspielen, weitgehend außen vor. Singen und Beten scheinen die Antwort auf und der Übergang zu vielen Problemen zu sein.

Merkwürdigerweise spielt sich ein Großteil der Handlung ohne Huws direkte Beteiligung ab, was seine Schilderung etwas unglaubwürdig macht, da es sich um seine Geschichte handelt und er nicht in alle Details eingeweiht ist, obwohl sie dem Betrachter ohnehin präsentiert werden. Es kommt zu traurigen Begegnungen, Familienmitglieder ziehen weg, um Arbeit zu finden, Huw wird in der Schule von der Lehrerin und seinen Mitschülern schikaniert, eine befriedigende Entschädigung erfolgt, und die Kommentare darüber, wie Männer ticken, treffen den Nagel auf den Kopf. Doch die kleinen Ungerechtigkeiten haben die gleiche Nonchalance wie die großen Tragödien, selbst in der zweiten Hälfte, in der die Figuren altern, die Schauspieler aber nicht anders aussehen und die beiden interessantesten Rollen Walter Pidgeon und Maureen O'Hara faktisch verschwinden.

Gegen Ende wird der Klatsch zum Hauptgegner und die religiösen Lehren zum Hauptkonflikt, der sogar die Katastrophe eines Einsturzes im Bergwerk überschattet. Die letzten Worte des Films sind eher spirituell als emotional ergreifend und ersticken die Hoffnungen auf Sentimentalität als Erlösung vor Anstand. Am unverständlichsten ist jedoch die Tatsache, dass "So grün war mein Tal" 1941 den Oscar für den besten Film gewann und ihn dem unermesslich besseren "Citizen Kane" stahl.

In "Pumpkinhead: Asche zu Asche" von Regisseur Jake West erwacht Bunt Wallace (Doug Roberts) aus einem schrecklichen Albtraum, in dem er von Bildern des Dämons 'Pumpkinhead' verfolgt wird, der ihn durch einen Wald jagt. Später wird er von der geisterhaften Erscheinung von Ed Harley (Lance Henriksen) besucht, dem Mann, der 'Pumpkinhead' ursprünglich herbeigerufen hat, um sich an den jungen Erwachsenen zu rächen, die seinen Sohn getötet haben. In dem Krematorium, in dem er mit seiner Familie arbeitet, wird Bunt von dem sadistischen Patriarchen Doc Fraser (Doug Bradley) gezwungen, Leichen zu horten und zu vernichten. Er pflückt die Organe von bedauernswerten Opfern - eine Arbeit, die zu der Ruhelosigkeit in seinem Schlaf führt.

Nachdem Fraser seiner letzten Beute die Niere herausgeschnitten und im Sumpf entsorgt hat, stößt die Anwohnerin Molly Sue Allen (Tess Panzer) auf das Treiben der Wallaces. Als Sheriff Bullock (Dan Astilean) hinzugezogen wird, werden Dutzende von Leichen aus dem Feuerbestattungsinstitut geborgen, was den Zorn der Stadtbewohner auf sich zieht, von denen viele Angehörige an die Mörderfamilie verloren haben. Obwohl die Behörden nur langsam eine Verbindung zwischen Doc Fraser und den Wallaces herstellen können, führt Molly Sue eine Gruppe anderer Überlebender, darunter Richie (Radu Iacoban), Ellie (Ioana Ginghina) und Ronnie (Catalin Paraschiv), in den Wald, um mit einer grässlichen alten Hexe (Lynne Verrall) zu sprechen, die die Macht hat, 'Pumpkinhead' wiederzuerwecken.

Der dritte Film der Pumpkinhead-Reihe bietet mit seinem hohen Tempo und der Torture-Porn-Atmosphäre sofort Blut und Gedärme für eifrige Enthusiasten. Inmitten von Gewalt, Unmenschlichkeit, Todesopfern, Sexualtrieb und Rauschmitteln gibt es keine lustigen Sprüche, die die Atmosphäre trüben. Die Morbidität ist absolut schonungslos. Die Geschichte bietet jedoch nichts Neuartiges und ist eher ein Remake als eine Fortsetzung, auch wenn Bunt das Bindeglied zum Original ist und ein paar Details geändert wurden, doch die Grundstruktur ist weitgehend identisch und äußerst substanzlos. Im Handumdrehen beginnt die Jagd und das Abschlachten.

"Pumpkinhead: Asche zu Asche" sieht zwar aus wie ein Film, allerdings bedient sich die Kameratechnik einiger Hilfsmittel, die die Qualität drastisch reduzieren. Durch manipulierte Zeitlupen, Acid-Trip-ähnliche Bilder, hohen Kontrast und massive Farbentsättigung wird alles dunkel und dreckig und gelegentlich fast schon Schwarzweiß. Doch bei aller digitalen Optimierung ist das Monster selbst viel zu oft mit Licht überstrahlt. Die Sequenzen mit dem Menschen im kautschukartigen Kostüm finden nicht im Schatten, sondern unter freiem Himmel statt, so dass der Betrachter alle seine Unvollkommenheiten erkennen kann.

Trotzdem sind die optischen Effekte, selbst wenn sie zu scharf dargestellt werden, unendlich viel besser als die computeranimierten Aufnahmen. Ganzkörper-CG-Sequenzen lassen 'Pumpkinhead' wie eine komplett andere Kreatur erscheinen, und sie sind obendrein noch dermaßen bemitleidenswert. Dazu kommt, dass er jetzt auch einen albernen Schwanz besitzt. Die zusätzlichen Bluttaten, wie das Abziehen der Haut und die Extraktion der Leber, sind die Momente, die am stärksten verstörenden Realitätsgehalt vermitteln.

Auch wenn 'Pumpkinhead' und seine bestialischen Schandtaten im Wesentlichen der einzige Grund sind, sich diese verzichtbare Fortsetzung anzusehen, mangelt es an Protagonisten. Bunt ist geistig umnachtet, seine drogensüchtige Schwester Dahlia (Lisa McAllister) ist in die Morde verwickelt, und Molly Sue hat nicht genug Auftritte, um etwas zu bewirken. Auch ihr Bruder Oliver (Emanuel Parvu) ist kaum eine positive Persönlichkeit. Der menschliche Bösewicht Fraser ist der markanteste der Charaktere, und er ist ein unbarmherziger Mörder. Doug Bradley spielt ihn großartig, auch ohne all die Maske und Nägel, die sein Gesicht als 'Pinhead' aus der "Hellraiser"-Franchise zieren. Am Ende bleibt zumindest der Ton konsistent, trotz einiger ungewollt komischer Momente und des Eindruckes, dass in Punkto Storytelling nur wenig erreicht wurde.

In "Hisss" von Regisseurin Jennifer Chambers Lynch besagt der Fluch der Fruchtbarkeitsgöttin Nagin, dass jede Person, die eine Kobra schändet oder vergewaltigt, dazu verdammt ist, den Versteinerungsfluch der Schlangenfrau zu erleiden, der Tod und Unfruchtbarkeit bedeutet. Das einzige Heilmittel ist Respekt. Vor über 4000 Jahren schufen die Bewohner des Indus-Tals im Fernen Osten das Bild der gestaltwandelnden Kreaturen, die halb Mensch, halb Kobra sind und in geheimnisvollen Tempeln tief in den legendären Gewürzwäldern an der Malabarküste leben. George States (Jeff Doucette) hat keine Angst vor der Legende und reist in den Dschungel, um den Gefährten der Nagin zu entführen, in der Hoffnung, dass die Göttin menschliche Gestalt annimmt, ihn verfolgt und ihm Unsterblichkeit verleiht. Dank eines Hirntumors im 3. Stadium ist er von Wahnvorstellungen zerfressen, mordlüstern und macht so wenig Sinn wie der Film, der versucht, die Handlung zu begründen.

George States gelingt es, die männliche Kobra zu fangen, woraufhin er in sein steinernes Laboratorium zurückkehrt, um das Erscheinen von Nagin abzuwarten. Die Göttin, verkörpert von Mallika Sherawat, braucht mehrere Szenen, um sich von einer Schlange in einen Menschen zu verformen. Sie räkelt sich im Schlamm, streift eine Handvoll klebriger Schuppen ab, reißt ihre netzartige Haut auf und entblößt nacktes Menschenfleisch. Die Make-up-Effekte sind nicht ganz so pathetisch und orientieren sich an der imposanteren Gestaltung in "Species". Die spätere Computergrafik, die die Rückverwandlung in ein Reptil zeigt, ist allerdings besonders lächerlich. Die Gründe und Modalitäten der Mutationen werden ebenso wenig erläutert wie die verschiedenen Stadien der Metamorphose zwischen Schlange und Mensch. Manchmal ist Nagin ganz menschlich, oder eine kleine Gummischlange, eine monströse Kobra, oder eine Frau mit Reißzähnen und gelben Augen, und manchmal sogar eine gorgonenartige Kreuzung aus Schlangenkörper und menschlichen Armen und Kopf. Die Kombination ändert sich permanent und bleibt völlig indeterminiert.

Im nahe gelegenen Dorf wird das Fest der Farben, 'Holi' genannt, ausgelassen gefeiert, während ein örtlicher Polizist (Irrfan Khan) und seine Frau (Divya Dutta) vergeblich versuchen, ein Kind zu zeugen. Das Festival ist eine hervorragende Grundlage, um die klassischen Gesangs- und Tanzsequenzen einzubauen, die man von einer Bollywood-Produktion erwartet. Als Nagin zum Tanz mit den Einheimischen erscheint, wird sie von zwei betrunkenen Männern entführt. Sie verhält sich wie ein Kind, das mit seiner Umgebung nicht vertraut ist, naiver als Mowgli, und spricht während des gesamten Films kein einziges Wort. Der anschließende Vergewaltigungsversuch führt dazu, dass beide Männer verstümmelt und verschlungen werden, was eine der einprägsamsten Szenen in "Anaconda" ist. Sie ist weiterhin auf der Suche nach ihrem Geliebten, einer täuschend echt aussehenden Schlange, die in einem Glaskasten aufbewahrt wird. Sie wird regelmäßig von George States zum Spaß mit Stromschlägen traktiert, während Nagin verschiedene Sexualstraftäter und missbrauchende Männer ermordet, die sie zufällig trifft, und die Teilnehmer der ursprünglichen Expedition aufspürt, die mit dem Fang der männlichen Kobra endete. Währenddessen versucht der Polizist, die Serienmorde aufzuklären und stellt fest, dass jede Leiche eine übermäßige Menge an Gift beinhaltet.

"Das ist ja mal verrückter Scheiß", sagt der Arzt im Leichenschauhaus, als er eine Autopsie an einer geschundenen Leiche durchführt, die so schrecklich zugerichtet ist, dass ein Handy aus ihr herausgeschnitten werden muss. Sein Klappentext fasst "Hisss" zusammen, einen Film, der absichtlich verquer und stinklangweilig ist, voller brachialer Gewalt um des Blutrunstes willen, ganz normaler Dialoge, willkürlicher Nacktszenen von vollbusigen Komparsinen und lausiger Spezialeffekte. Mallika Sherawats kontinuierliche Freizügigkeit wird die meisten zufrieden stellen, doch der Schnitt versucht, sie mit allen Mitteln zu kaschieren, zu verschleiern oder zu verdecken, so dass sie nie wirklich zu erblicken ist, allenfalls als implizite Silhouette. "Hisss" ist eine Verhöhnung des Horrorfilms, des Monsterfilms, der Indianer, die er porträtiert, und eine Blamage für die Filmemacher, die ihn gedreht haben. Kein Wunder, dass die Regisseurin Jennifer Chambers Lynch, die Tochter des genialen David Lynch, Berichten zufolge den Film verwarf, nachdem die Produzenten ihr während des Schnittprozesses die kreative Kontrolle entrissen hatten.

An "Banshee Chapter" sind so viele Dinge auszusetzen, dass ich ehrlich gesagt nicht weiß, wo ich anfangen soll. Ich fange mal damit an, dass Regisseur Blair Erickson aus einem ungeheuerlichen Kapitel der amerikanischen Geschichte einen eskapistischen Horrorfilm gemacht hat. Es handelt sich um das 'Projekt MKUltra', eine in den 1950er Jahren gegründete und von der CIA genehmigte Forschungsoperation am menschlichen Organismus. Viele Akten wurden zwar vernichtet, als das Programm 1973 eingestellt wurde, doch blieben genug übrig, um aufzudecken, dass unwissende amerikanische und kanadische Zivilisten inhumanen medizinischen Experimenten ausgesetzt wurden, darunter die Verabreichung von psychedelischen Drogen, sensorischer Deprivation, Hypnose und physischer und psychologischer Folter, um nur einige zu nennen, um die Gehirnfunktion und den mentalen Zustand zu verändern. Die Verharmlosung dieser Gräueltaten um eines billigen Thrillers willen ist empörend und eine Beleidigung für die Opfer. Warum um alles in der Welt hat Zachary Quinto beschlossen, diesen Film zu produzieren?

Von der Hintergrundgeschichte einmal abgesehen, ist "Banshee Chapter" ein wahres Fiasko. Alle Ansätze, den Film zerebral und ambivalent zu interpretieren, scheitern an den widersprüchlichen und inkonsistenten redaktionellen und erlebnispädagogischen Methoden. Es gibt zwei Grundtypen von Szenen. In einer Variante stehen die Figuren herum und brabbeln weitschweifige Dialoge, die am Ende keinerlei Erklärung liefern. Im anderen Fall schleichen die Charaktere still und leise durch dunkle Gänge und Räume, bis sich ein Monster aus der Dunkelheit auf sie stürzt. Wer schon mal durch eines der komplexen Labyrinthe gelaufen ist, die um Halloween herum in amerikanischen Vergnügungsparks und Maisfeldern auftauchen, hat bereits eine ziemlich gute Vorstellung davon, wie diese Szenen ablaufen. Es gibt tatsächlich viele Momente in dem Film, die mich erschreckt haben. Doch wozu, wenn nicht zum vorübergehenden Abschrecken? Was die Geschichte anbelangt, so gibt es keinen Anhaltspunkt für irgendetwas, das von Bedeutung wäre.

Das historische Element kommt in Form von echten Aufnahmen von Pressekonferenzen und Interviews mit Personen, die mit dem 'MKUltra-Projekt' in Verbindung stehen. Das fiktionale Prinzip kombiniert Found Footage und eine allwissende Kamera, wobei es manchmal sehr schwierig ist, die beiden Ansätze zu unterscheiden. Die Handlung dreht sich um die Internet-Journalistin Anne Roland (Katia Winter), die das Verschwinden ihres College-Freundes James (Michael McMillian) aufklären will. Aufnahmen seines Freundes, der ebenfalls verschollen ist, zeigen, dass er irgendwie in den Besitz eines Ampullariums einer Versuchsdroge kam, die während des Projekts 'MKUltra' verwendet wurde, es einnahm und sich daraufhin in ein grauenhaftes Abbild seiner selbst verwandelte. Vor dieser Transformation hörte er eine unheimliche, hohe Stimme, die ihm bedrohlich zuflüsterte, dass sie kommen würden. Unmittelbar nachdem sie dies gesagt hat, taucht eine schemenhafte Gestalt auf, und mit ihr ertönt eine gellende Musik. Dann schaltet die Kamera auf Schwarz.

Annes Nachforschungen führen sie zum Haus des gegenkulturellen Schriftstellers Thomas Blackburn (Ted Levine), einer exzentrischen, alkoholabhängigen, nikotinsüchtigen, drogengeschwängerten und mental instabilen Hunter S. Thompson-Parodie. Zusammen mit einer weiblichen Begleitung von unklarer Bedeutung hat er irgendwie das Rezept für die Projekt-MKUltra-Droge erhalten und stellt sie her. Anne und Thomas schließen sich zusammen, als es den Anschein hat, dass alle im Haus das Rauschmittel nehmen und sie eine Begegnung mit einem dunklen Wesen haben. Sie vermuten, dass die Droge das Gehirn in eine Antenne umfunktioniert und es ermöglicht, dass Wesen aus einer anderen Welt oder Dimension eindringen können. Als ich das hörte, dachte ich, wie verblüffend nah es mich an einen Film von H.P. Lovecrafts Romanvorlage erinnerte, den ich während meiner Schulzeit zwischen 1998 und 2000 und später noch einmal um 2010 oder 2011 gesehen hatte, "From Beyond - Aliens des Grauens", in der die Maschine eines Wissenschaftlers das Gehirn aktiviert und Wesen aus alternativen Realitäten sichtbar werden lässt (Rewatch wird folgen). Und siehe da, Thomas klärt Anne schließlich auf: "Schon mal was von H.P. Lovecraft gehört? Er hat diese Geschichte in den 1930er Jahren geschrieben...."

Die Bedingung an sich ist im Prinzip nicht schlecht. Dagegen ist das Drehbuch so durchsetzt mit inhaltlichen Defiziten, dass man sich schon fragen muss, ob es mit vorgehaltener Waffe erzwungen wurde. Oft sind es Kleinigkeiten, wie wenn Anne in James' Haus eindringt und die Informationen erhält, die er über die Droge zusammengetragen hat. Da ein polizeiliches Verhörvideo deutlich macht, dass die Behörden sein spurloses Verbleiben untersuchen, wäre es da nicht naheliegend, dass sein Haus versiegelt und alle Haustürschlüssel konfisziert wurden? Mindestens sollte man annehmen, dass jedes einzelne seiner Notizbücher eingesammelt und in eine Asservatenkammer verlagert wird. Man denke auch an eine Szene in einem verlassenen Wüstenbunker, in dem in den 1970er Jahren MKUltra-Experimente abgehalten wurden. Obwohl Anne bereits Aufnahmen des Ortes auf einem Video gesehen hat, das James besorgt hat, erkennt sie ihn nicht wieder, als sie ihn in natura sieht, und muss sogar Thomas fragen, was sie da sieht.

Hauptsächlich geht es aber um große Dinge, um Dinge, die für die Handlung von "Banshee Chapter" wirklich wichtig sind. Wenn die Anderswesen diese Welt nur durch eine Person betreten können, welche die Urdroge eingenommen hat, wie können sie dann aktiv Jagd auf Nichtanwender machen, wie etwa auf James' Freund, dessen Verbleib im Übrigen nicht erklärt wird? Wie kann sich der Film mit Annes Off-Stimme eröffnen, wo doch am Endpunkt deutlich gemacht wird, dass ein derartiges Ereignis nicht vorstellbar ist? Wenn wir davon ausgehen, dass Thomas und seine geringfügige Gefährtin diese Drogen schon seit geraumer Zeit zu Freizeitzwecken konsumieren, wie es ausdrücklich impliziert wird, wieso erfahren sie dann erst im Nachhinein die Nebenwirkungen? Dies führt zu einem Plot-Twist, der für das Filmende vorbehalten wurde. Hierdurch wird die Rolle, die eine bestimmte Figur zu spielen hatte, nur oberflächlich behandelt und es entsteht der fragende Gedanke, wie diese Droge im Zusammenhang mit der Rahmenhandlung funktionieren soll. Ich könnte noch viele weitere vernichtende Worte über diesen Sekundärfilm schreiben, doch ich habe inzwischen sägende Gehirnschmerzen.

Ben Hayoun-Stépanian, die Regisseurin, Produzentin und Autorin des Dokumentarfilms "I Am (Not) a Monster", ist eine echte Frau der Moderne. Ausgebildet in der Malerei, dem Design, der Humangeographie und der politischen Philosophie, ist sie eine erfahrungsorientierte Forscherin, Gründerin der gebührenfreien Universität 'University of the Underground' und Vortragsrednerin. Und dies ist nur ein Bruchteil dessen, was sie leistet.

"I Am (not) a Monster" ist so komplex und faszinierend wie seine Urheberin. Und offen gesagt, auch ein bisschen abgedreht. Die Entstehung des Wissens hätte auch auf eine trockenere Form dargestellt werden können, mit einem Haufen quasselnder Referenten und akademischer Referenzen. Doch im Sinne der Barrierefreiheit ist das hier zum Glück nicht der Fall. Die Herangehensweise ist vielmehr experimentell und bleibt selbst dann spannend, wenn das, was wir auf dem Bildschirm sehen, nicht unbedingt logisch ist, wie in einer Sequenz, in der Ben Hayoun-Stépanian am Grab von Hannah Arendt ziemlich unschön Flöte spielt, oder in einer anderen, in der sie in der Sheffielder Stadthalle mit Magid Magid recht gut um die Wette trällert. Diese skurrilen kleinen Zwischenspiele unterbrechen die Interviews, und paradoxerweise tragen sie durch ihre Perfidie dazu bei, die Konzentration des Betrachters wachzuhalten.

Die Frivolität von "I Am (Not) a Monster" zeigt sich auch in Ben Hayoun-Stépanians gewitztem Interviewstil. So werden einige Gesprächspartner mit einer japanischen Bunraku-Puppenversion von Hannah Arendt konfrontiert, während andere gebeten werden, mit einem wissenschaftlichen Abguss von Homininenresten zu sprechen, eine Wissensmaschine zu bauen oder ein Lied vorzutragen. Allerdings lenkt dieser verschrobene Aspekt weder ab noch beeinträchtigt er, sondern fügt sich in das Bild des sympathischen, auf Unkonventionalität bedachten, innovativen Werkes ein. Wie der Rest des Dokumentarfilms ist auch die musikalische Untermalung alternativer Natur, darunter äthiopischer Hip-Hop, einige Songs von 'Pussy Riot' und sogar ein rappender Shinto-Priester. Bei aller Exzentrik bleibt das zentrale und eigentliche Grundanliegen des Films, Denkanstöße zu geben, Diskussionen anzustoßen und unterschiedliche Perspektiven von Menschen zu offerieren, die in verschiedenen Berufsfeldern arbeiten und eine Bandbreite von Argumenten und Ideen in die Waagschale werfen.

"I Am (Not) a Monster" ist eine gelungene Symbiose aus Humor und unkonventionellem Gedankengut, die ein Thema aufgreift, das bei einer stringenteren Präsentation eine zu schwere Geburt gewesen wäre. Mit einer gehörigen Dosis Ironie, fast so, als würde man ein krankes Kleinkind mit einem Kniff dazu bringen, seine Medizin einzunehmen, führt Ben Hayoun-Stépanian dem Zuschauer auf unterhaltsame Weise die Bedeutung des Wissens im Zeitalter der systematischen Verblendung anschaulich vor Augen.

Hat Regisseurin Carol Frank jemals einen Slasher-Film gesehen? Während einige kurze Momente ein wenig durchdacht erscheinen, klaut der Großteil von "Death House" Elemente aus früheren, erfolgreicheren und innovativeren Horrorfilmen. Mit einem quälend lahmen Ende, das jeden dazu bringt, sich vom Killer abzuwenden, exzessiven Rückblenden und ein wenig grundloser Nacktheit, aber nicht ausreichend, um prickelnd zu sein, bietet dieser leblose Mädchen-in-Unterwäsche-Thriller nicht ein Fünkchen Unkonventionalität im mittlerweile ausgelutschten Exploitation-Subgenre.

Zerbrochenes Glas, blutende Zimmerdecken, lebensechte Schaufensterpuppen und ein tobender Psychopath mit einem riesigen Jagdmesser sind nur einige der schrecklichen Bilder, die die Träume der jungen Beth (Angela O'Neill) plagen. Nach dem Tod ihrer Tante zieht Beth in das 'Theta-Omega-Theta-Haus' und versucht, sich an das College-Leben anzupassen. Doch ihre schrecklichen Visionen werden immer lebhafter, und als eine ihrer Mitschwestern nach der anderen ermordet wird, wird klar, dass ihre wahren Albträume gerade erst begonnen haben.

Die Momente, in denen sich die Jungs an die Mädchen heranschleichen, sorgen schon früh für die meisten Überraschungseffekte, während das halbherzige Geschnetzel selbst nie einen echten Schauder hervorruft. Der Fleischhacker wählt ein schlichtes Messer, keine extravagante Morbidität, kein typisches Metzelwerkzeug. Und warum muss er oder sie immer so langsam gehen? Hat der Täter nicht Menschen umzulegen und ein Ziel zu erreichen? Um die Banalität fortzusetzen, wird ein ziemlich lehrbuchmäßiges Konzept eines Geisteskranken eingeführt. Es ist derselbe Plot wie bei "Halloween - Die Nacht des Grauens" und all den minderwertigen Horror-Spin-offs seither, gepaart mit den gequälten Träumen von "Nightmare - Mörderische Träume". Besonders anstrengend ist, dass die Prämisse so bekannt ist, denn während Beth ihre übersinnlichen Fähigkeiten entschlüsselt, ist der Betrachter gezwungen, dieselbe Geschichte zweimal zu sehen, einmal in der Rückblende und ein zweites Mal, wenn der Killer das ursprüngliche Massaker nachstellt.

Als sich Larry (Axel Roberts), der Pfleger der Nervenklinik, als der beste Schauspieler der Besetzung entpuppt, ist klar, dass "Death House" Schwierigkeiten hat. Der Smalltalk der Mädchen ist nervtötend leer, aber nicht annähernd so schrecklich wie eine armselig eingefügte 80er-Jahre-Modenschau-Montage, in der drei Mädchen munter Dutzende von Outfits anprobieren, garniert mit fröhlicher Musik und unentgeltlichem nackten Anblick. Diese Sequenz hätte nicht deplatzierter und unrealistischer sein können und steht in krassem Widerspruch zu der leicht feministischen Distanzierung, die dieser Film von seinen exploitativen Artgenossen einnimmt.

Die halluzinogenen Sequenzen sind ein wenig anmaßend, erzeugen ständig falsche Ängste und nehmen den größten Teil der Laufzeit ein. Es ist offenbar kein lohnendes Unterfangen, Heerscharen von Kommilitonen zu massakrieren. Die unbewussten Visualisierungen sind zum Glück unheimlicher als die Realität, aber sie stehen in einem unklaren Verhältnis zueinander. Beths Hellfühligkeit verschmilzt mit Zeitlupen-Rückblenden und Albträumen und schafft eine gespenstische Atmosphäre und eine desorientierende Annäherung an ihre turbulente Vergangenheit. Es ist beschämend, dass der gesamte Film im Wesentlichen eine Rückblende in Spielfilmlänge ist. Es ist lediglich eine Schande, dass die wenigen Szenen, in denen das Projekt sich selbst als ernsthaft erweist, durch frevelhafte Nuditäten und entsetzlich schlecht geführte Dialoge in die Bedeutungslosigkeit getrieben werden. "Es ist nur ein Traum. Es gibt nichts, wovor man sich fürchten muss".

In "Bullet Train" von Regisseur David Leitch nimmt ein vom Pech verfolgter Auftragskiller mit dem Codenamen 'Ladybug' (Brad Pitt) in letzter Minute den einfachen Auftrag an, einen Aktenkoffer an Bord eines Hochgeschwindigkeitszugs nach Kyoto, Japan, zu stehlen. Zu 'Ladybugs' Leidwesen wollen auch eine ganze Reihe unangenehmer Gestalten das wertvolle Portmanteau in die Finger bekommen. 'Prince' (Joey King), eine skrupellose Killerin, die sich als Schulmädchen ausgibt, begehrt den Koffer für ihre eigenen ruchlosen Zwecke, während die barbarischen Brüder 'Lemon' (Brian Tyree Henry) und 'Tangerine' (Aaron Taylor-Johnson) von dem berüchtigten Verbrecherfürsten 'Der weiße Tod' (Michael Shannon) angeheuert werden, um ihn sicherzustellen. Erschwerend kommen die rachedurstigen Killer 'Der Wolf' (Benito Antonio Martinez Ocasio) und 'Die Wespe' (Zazie Beetz) hinzu, sowie ein Vater (Andrew Koji) und ein Großvater (Hiroyuki Sanada), die einen brutalen Angriff auf ihre Familie rächen wollen. Selbst wenn es 'Ladybug' gelingt, dieses Schlangennest zu überlisten und zu umgehen, muss er sich auch noch mit einer echten Schlange herumschlagen, einer hochgiftigen Baumschlange, die sich an Bord des rasenden Transporters herumtreibt.

Die Zeitlinie ist sofort konfus und wird nur noch schlimmer, dank Zeitsprüngen in die Vergangenheit, Standard-Rückblenden und sogar Rückblicken auf frühere Szenen. Das alles soll witzig sein, ganz im Sinne des fröhlichen Hauptdarstellers, der wie ein Fixer wirkt, der alle seine Missionen außerhalb des Gesetzes mit blindem Glück erledigt - ein Motiv, das in Action-Komödien immer beliebter wird. Das Problem ist, dass es den Betrachtern jedes Mal, wenn er der Gefahr mit einem Lächeln und einem Scherz begegnet, schwer fallen wird, seine Situation als solche ernst zu nehmen. Nur wenige Menschen werden einem unbesiegbaren Witzbold die Daumen drücken wollen, zumal es weder ein Liebesinteresse noch ein Kind oder eine unschuldige Person gibt, die es zu retten gilt, oder gar ein Gefühl der unsterblichen Ehre - sein Motiv ist im Grunde nur, frühzeitig aus dem Job auszusteigen, wenn er sich nicht um sein eigenes Wohlergehen kümmern kann, warum sollte das jemand anderes tun?

'Ladybug' ist eindeutig eine Comic-Figur, was nicht viel Raum für komödiantische Nebenrollen lässt, doch darauf ist jede andere Figur zugeschnitten. Was "Bullet Train" so schmerzlich fehlt, ist ein Gradmesser. Auch wenn der eine oder andere heitere Wortwechsel hängen bleibt, ist es nicht annähernd so lustig, wenn alles mit Dämlichkeiten gepfeffert ist und nichts die nötige Schwere bewahren kann, wie bei einer nicht enden wollenden Salve von Scherzen. Wenigstens findet das Einsteigen in die 'Nippon Speedline' zügig statt und bleibt für den größten Teil der Laufzeit das Hauptschlachtfeld. Es ist ein leidlich abwechslungsreiches Setting für eine Armada von Auftragskillern, die durch die Gegend irren, sich in die Quere kommen und sich gegenseitig umbringen. Während dieser unvermeidlichen Scharmützel bevorzugt der Film den unoriginellen, aber wenig einladenden Kontrast von schneller, peppiger Musik gegenüber extremer Gewalt und Schusswechseln.

Ein Aktenkoffer als Makrofigur ist an einer Stelle mit einer Bombe ausgestattet, was dazu führt, dass sich zwei Figuren im Hintergrund fragen, ob er vor ihren Augen explodieren wird und warum die Hauptfiguren nie die Aufgabe haben, ein solches Objekt zu öffnen. Dieser Moment fasst die Selbsterkenntnis von "Bullet Train" und sein Beharren auf einem schamlosen und beiläufigen Umgang mit Tod und Zerstörung zusammen. Auch wenn jeder jederzeit sterben kann, nimmt sich niemand diese Tatsache zu Herzen. Alles ist so konstruiert, dass es unaufrichtig, sarkastisch und figurativ ist, was es unmöglich macht, sich für einen der zahlreichen Akteure zu begeistern. Es ist nicht gerade förderlich, dass jeder ein Soziopath oder Psychopath ist, was durch blutige Rückblenden unterstrichen wird, eine stilisierter und unnotwendiger als die andere. Noch sinnloser werden sie, wenn diese einzelnen Irren kurz nach ihrer Vorstellung aussterben.

Doch der größte Nachteil von "Bullet Train" ist vielleicht, dass er sich zu sehr bemüht. Der Film versucht krampfhaft, schräg und cool zu wirken, aber diese Verzweiflung ist bitter ersichtlich und führt zu meist schalen oder sich wiederholenden Verwicklungen und Intrigen, die nicht an die scharfsinnige Wildheit von "Kill Bill" oder " Brügge sehen... und sterben? " oder sogar "Shoot 'Em Up" und "Smokin' Aces" und zuletzt "Free Fire" heranreichen. Es gelingt nicht, die seltene Balance zwischen Humor und Realismus zu finden. Die Charaktere verraten häufig ihr eigenes Drehbuch und verhalten sich unrealistisch, selbst innerhalb der phantasievollen Grenzen ihrer überdrehten Situationen, die mit CG-modifizierten Actionsequenzen durchsetzt sind, die für einen Regisseur, der zuvor als Kampfsportler und Stuntdouble gearbeitet hat, nicht besonders innovativ sind.

Wenn es dann doch einmal eine kleine Überraschung gibt, wird sie schnell von erwartbaren, abgedroschenen Vorgängen in den Schatten gestellt. Das Schicksal soll hier zwar eine starke Funktion haben, indem es suggeriert, dass diese exzentrischen Menschen nie wirklich die Kontrolle über ihr Handeln haben, aber es wirkt wie eine Ansammlung von Faulheit und prätentiösen Zufällen, die auf dem Gipfel noch durch haufenweise Exposition behindert werden, wie in den Sherlock-Holmes-Filmen von 2009 und 2011. Jede Konfrontation und jeder Showdown ist letztlich nur eine Ausrede für einen Gag, so brutal sie auch sein mögen, und macht "Bullet Train" zu einer Art Live-Action-Cartoon, in dem sich inspirationslose Attentäter versehentlich abmurksen, während sie angeberische philosophische Reflexionen vortragen. "Warum benutzt ihr Arschlöcher Metaphern?!"

In "Feuerwalze" von Regisseur John Lee Thompson wird ein Jeep mit Dünenbuggys durch trostlose Wüsten gejagt, es sind der Abenteurer Max Donigan (Chuck Norris) und sein Partner Leo Porter (Louis Gossett Jr.), verfolgt von den bewaffneten Banditen eines Generals (Richard Lee-Sung). Max und Leo, die in der sengenden Sonne festsitzen und nur wenige Meter von einer kostbaren Flasche 'Perrier' entfernt sind, lassen sich nicht davon abhalten, Witze zu reißen und den Ernst der Lage völlig zu ignorieren. Nur Augenblicke später sind sie auf wundersame Weise außer Lebensgefahr und trinken ein Bier in Arizona. In der Bar werden sie von der Anwaltssekretärin Patricia Goodwin (Melody Anderson, nach einer feuchten Dschungelwanderung immer noch perfekt geschminkt) aus Los Angeles gebeten, ihr zu helfen, sich in ein Indianerreservat zu schleichen, um ein Bündel versteckten Goldes zu finden. Sie hat eine Schatzkarte, warnt aber davor, dass ein mordlustiger Mann, der wie ein roter Zyklop mit schwarzen langen Haaren aussieht, sie jagen wird.

Das Trio wandert in die Berge und betritt eine Höhle, die mit menschlichen Gebeinen übersät ist. Funde deuten darauf hin, dass in den Grotten auf nicht erklärbare Weise alte Mayas, Azteken und spanische Eroberer lebten. Als sie sich über die Entdeckung eines mit Juwelen besetzten Messers freuen, werden sie von Indianerkriegern angegriffen. Doch sie entkommen selbstredend unbeschädigt. Sie suchen Tall Eagle (Will Sampson) auf, einen Mann, der sich mit der Geschichte der Apachen und Azteken auskennt, um ihnen bei ihrer Suche nach einem Gewinnanteil von 20% behilflich zu sein. Er erzählt ihnen vom Feuerläufer, einem legendenumwobenen Mann, dessen Seele zur Sonne fliegen konnte, um große Macht zu erlangen. Er warnt auch vor El Coyote (Sonny Landham) und seinen Häschern, insbesondere vor der indianischen Mörderin Zaide Silvia Gutiérrez, und vor bösen Geistern, die Patricia heimsuchen werden, um sie entweder zu verwirren oder ihr zu helfen, die großen Reichtümer zu erlangen.

Übernatürliche Magie, Menschenopfer, giftige Tränke, eine Barschlägerei - eine erfreuliche, doch triste Karate-Szene, in der quasi alle Tische und Stühle demoliert werden - maschinengewehrbewaffnete Guerillas und skrupellose Auftragskiller können dem Rumgehampel von Chuck Norris nicht die Stirne bieten. Dem Tod zum Trotz und um Gefahren aus dem Weg zu gehen, zieht er geistreiche Bemerkungen und humoreske Observationen physischen Konfrontationen vor. Da er vorgibt, ein Komödiant zu sein, und Kampfsportarten zugunsten von Schusswaffen, Messern, romantischen Flirts und verbalem Sarkasmus meidet, verliert "Feuerwalze" allmählich seinen Reiz als ein Chuck Norris-Actionspektakel. Da hilft es auch nicht, dass er gegen Louis Gossett Jr. antritt und verzweifelt versucht, den ungleichen Cop-Teams der damaligen Zeit zu ähneln, wie sie in Filmen wie "Die Superschnüffler", "Beverly Hills Cop - Ich lös' den Fall auf jeden Fall" und "Nur 48 Stunden" zu sehen waren.

Max Donigan liebt das Suchen und Jagen mehr als das Finden, weil er sich von der Gefahr angezogen fühlt. Die verspielte Musik und die Abenteuer in der Welt stehen im Kontrast zu den potenziellen Exekutionen mit Macheten und der verlogenen Suggestion einer Vergewaltigung durch die Soldaten auf dem Lande. Schauplätze und Charakterdesign lehnen sich deutlich an "Jäger des verlorenen Schatzes" an, wobei der von dem bekannten John Rhys-Davies gespielte Rebellenführer Corky eine naheliegende Beimischung ist, doch "Feuerwalze" legt sich nicht auf eine bestimmte Richtung fest, nicht einmal auf eine verklausulierte, um eine fokussierte Handlungslinie zu realisieren. Der Humor ist nicht geistreich genug, um eine reine Filmkomödie zu sein, und das Abenteuer ist nicht dramatisch oder interessant genug, um ein Action-Epos darzustellen.

Die Vorstellung, dass ein Mädchen gegen einen besinnungslosen Chuck Norris kämpft, ist eine witzige Einbildung, doch vergeudete Vokabeln, ein dämlicher, plärrender Fiesling und okkulter zeremonieller Mummenschanz, der bequeme Verzögerungen bei simplen Tötungen mit sich bringt, drosseln das Niveau und das Gesamterlebnis dieses derivativen, vergänglichen Films. Umso eigenartiger ist es, dass Regisseur John Lee Thompson im Jahr zuvor "Quatermain - Auf der Suche nach dem Schatz der Könige" inszenierte, der wiederum ungeachtet der Vorlage von Sir Henry Rider Haggard auf 'Indiana Jones' basiert. John Lee Thompson führte aber auch bei großen Action-Klassikern der frühen 1960er Jahre Regie, darunter "Die Kanonen von Navarone", "Taras Bulba" und "Könige der Sonne".

In "Cherry 2000" von Regisseur Steve De Jarnatt bringt der Elektronikverkäufer Sam Treadwell (David Andrews) Blumen für seine schöne blonde Freundin Cherry (Pamela Gidley) mit nach Hause. Nach dem Abendessen, als die Seifenlauge aus der vernachlässigten Spülmaschine überläuft, wälzen sich die beiden in einer Pfütze aus Wasser und Schaum und vögeln miteinander rum. Doch gerade als es heiß hergeht, hat Cherry einen Kurzschluss und hinterlässt Sam mit einem völlig defekten androiden Partner. Nach einer totalen inneren Kernschmelze ist die fortschrittliche Romantik-Einheit nur noch eine Miniaturscheibe, die Erinnerungen und Persönlichkeitselemente enthält.

Wir schreiben das Jahr 2017, doch trotz des technologischen Fortschritts, vor allem bei den Sexrobotern, will Sam nur ein Ersatzmodell von Cherry 2000, das zwar veraltet, aber nicht so sehr von sexuellen Reizen getrieben ist. Als seine Kumpels ihn überreden, in den 'Glu Glu Club' zu gehen, wo es die übliche Prostituierung gibt, wird Sam nur noch trauriger und kehrt schließlich nach Hause zurück, um sich Videos von Cherrys visuellen Aufzeichnungen anzusehen. Seine einzige Hoffnung, seine verlorene Liebe zu ersetzen, besteht darin, sich in die zwielichtigen Außenbezirke von 'Anaheim' zu begeben, wo er sich nach einer Fährtenleserin namens Edith Johnson (Melanie Griffith) erkundigen soll, die über die Fähigkeiten und das Wissen verfügt, in die schwer bewachte 'Zone 7' einzudringen, um eine identische Marke und ein entsprechendes Modell vom Roboterfriedhof zu beschaffen. "Warum versuchst du es nicht mal mit echten Frauen?"

"Cherry 2000" prognostiziert mit ungewöhnlicher Voraussicht, dass die modernste künstliche Intelligenz unter anderem in hochrealistischen Sexpuppen zum Einsatz kommen wird, die zu komplexen menschlichen Interaktionen fähig sind. Es handelt sich um ein tabuisiertes, weitgehend unerforschtes Thema, vor allem im Kino und in den Medien, das hier mit einer gewissen Zurückhaltung behandelt wird, wenn es darum geht, in potenziell anschauliche und unangenehme Details zu gehen. In vielerlei Hinsicht wird das Thema mit der nötigen Sensibilität angegangen, damit solche Erfindungen alltäglich werden - die Vorstellung, dass Sam nur mit einer gekauften Frau effektiv verkehren kann, wirft ein weiteres Licht auf eine Zukunft, in der sich die Menschheit immer weiter von zwischengesellschaftlichen Verbindungen entfernt und zunehmend von digitalen abhängig wird. Wenn jeder menschliche Kontakt durch idealistische, programmierte Perfektion ersetzt werden kann, warum sollte man sich dann die Mühe machen, das Echte zu erleben?

Der Stil erinnert an "Terminator" und "Die Klapperschlange" oder "Mad Max", denn der größte Teil des Films spielt in der kargen Wüste, während die Handlung in den Bereich der Action oder eines Buddy-Cop-Films abschweift, allerdings mit einem deutlichen Hang zur Romantik. Doch David Andrews ist zu lästig und unheroisch, um ein würdiger Hauptdarsteller zu sein, während Melanie Griffiths auffallend seidenweiche Stimme nie als knallharte Söldnerin überzeugt, und ihren Dialogen fehlt die Kraft, sie authentisch roh oder einschüchternd zu machen. Wenn sie leise säuselt: "Wenn du das nächste Mal so ausrastest, überlasse ich dich den Geiern", ist das fast schon eine Ironie, denn die Drohung enthält nicht den geringsten Anflug von Seriosität. Und wenn sie eine Panzerfaust abfeuert, ist das peinlich und lässt die Begeisterung vermissen, die ein explosives Feuergefecht haben sollte.

Ein paar beeindruckende Stunts treten auf, aber die Umsetzung ist so bescheiden, dass sie kaum auffallen. Die Filmmusik von Basil Poledouris verrät Anklänge an das überragende "Robocop"-Thema aus dem Jahr zuvor, auch wenn "Cherry 2000" eigentlich vor der Veröffentlichung von "Robocop" gedreht und dann auf Eis gelegt wurde. Außerdem wirken die moderaten Sci-Fi-Elemente eher unheilvoll als visionär, vor allem wenn Sam sich in der primitiven, sektenähnlichen Gemeinschaft der 'Sky Ranch' wiederfindet, die von dem mörderischen Psychopathen Les (Tim Thomerson) und seinem enorm breitkinnigen Kumpel Chet (Robert Z'Dar) geleitet wird. Die darauf folgenden Actionszenen fallen in sich zusammen, die komödiantischen Aspekte sorgen nicht für Erheiterung, und die Chemie zwischen David Andrews und Melanie Griffith stimmt nicht - alles ist so ineffektiv, dass die Existenz dieses fertigen Films ein Fragezeichen aufwirft. Beachtenswert sind jedoch die Kulissen in den sandigen Überresten von Las Vegas, die verblüffende Ähnlichkeit mit dem Design von "Blade Runner 2049" haben, der zufällig 2017 in die Kinos kam.

In "Das Engelsgesicht - Drei Nächte des Grauens" von Regisseur Philippe Mora ergänzen unheimliche, bassige Pianoriffs den Einstieg in eine mondhelle Nacht, in der das frisch verheiratete Paar Caroline (Bibi Besch) und Eli MacCleary (Ronny Cox) durch einen ominösen Wald in Nioba, Mississippi, im Jahr 1964 fährt. Als der Wagen ins Schleudern gerät und von der nahe gelegenen Tankstelle abgeschleppt werden muss, lässt Eli Caroline und ihren Golden Retriever allein im Fahrzeug zurück. Doch als der Hund anfängt zu zappeln, lässt sie ihn frei und wandert hinter ihm her ins Dickicht, wo ein riesiges Monstrum den Hund tötet und die Frau brutal vergewaltigt.

17 Jahre später, in Jackson, Mississippi, behauptet Dr. Odom (Boyce Holleman), dass der Sohn der MacClearys, Michael (Paul Clemens), unerklärlicherweise und plötzlich verstirbt. Ein chemisches Ungleichgewicht, eine fehlgesteuerte Hirnanhangsdrüse und ein bösartiger Tumor in seinem Körper sind allesamt Faktoren, die zu seinem spontanen Gesundheitsverfall beitragen, obwohl die Mediziner sich keinen Reim auf seine genetische Vorgeschichte machen können, da Eli nie zugegeben hat, dass sein Sohn möglicherweise nicht sein leibliches Kind ist. Das Paar beschließt, zurück nach Nioba zu reisen, um Antworten und möglichst Aufschluss über Michaels Zustand zu erhalten. Aber das Archiv der Zeitung, 'Nioba Outlook', weigert sich, die ungelösten kriminellen Aktivitäten in der Stadt einzugestehen, während Richter Curwin (Don Gordon) etwas zu vertuschen versucht. Erst als sie Sheriff Bill Pool (L.Q. Jones) befragen, sickern Informationen über den grausamen Tod von Lionel Curwin vor vielen Jahren durch, die mit Michaels beunruhigender Verwandlung in eine mörderische Bestie in Verbindung gebracht werden.

Den Horrorszenen, bei denen es sich hauptsächlich um blutige Überfälle handelt, mangelt es an Kreativität, auch wenn eine Leichenschauhaussequenz ein wenig Hoffnung weckt. Sie sind auch seltsam konstruiert, mit bizarren Requisiten und unaufrichtigen Manövern - das erste Opfer schnappt sich ein Stück rohes Fleisch, das während des Kampfes über seine Hände und Füße gerieben wird, während der Leichenbestatter mit einer nackten weiblichen Leiche herumspielt, kurz bevor er bei lebendigem Leib einbalsamiert wird. Andere kurze Schreckmomente sind auf verstörende Rückblenden zurückzuführen, die den Ursprung des Sumpfmonsters beschreiben sollen. Das Geheimnis ist nicht besonders packend, da es sich vorhersehbar aus der Ansammlung verdächtiger Einwohner der Kleinstadt und Curwins Unterdrückung teuflischer Aktivitäten ergibt, in die allesamt Mitglieder seiner Familie verwickelt sind.

"Das Engelsgesicht - Drei Nächte des Grauens" ist unnötigerweise in Kapitel unterteilt, die mit 'Die erste Nacht', 'Die zweite Nacht' usw. betitelt sind, wodurch Michaels fleischfressende Jagdausflüge zu einer episodischen Veranstaltung werden, trotz der Klarheit seiner Metamorphosen. Sein Verhalten ist eine Mischung aus dem eines Werwolfs und eines Zombies, jedoch getrieben von genetischen Trieben. Inmitten des Familiendramas, des uninspirierten Blutspektrums, der dämonischen Besessenheit und der rachsüchtigen Reinkarnationsvorstellungen verbirgt sich wenig überraschend ein anständiges Konzept, das möglicherweise aus dem Roman von Edward Levy aus dem Jahr 1981 stammt und in dem es um extreme Verderbtheit und kannibalische Martyria geht. Eine wenig attraktive Liebesgeschichte, eine unerklärliche Verbindung zu Zikaden und eine ausufernde Filmmusik von Les Baxter, die einem besseren Film gut zu Gesicht gestanden hätte, können den Eindruck der sensationell grauenerregenden Make-up-Effekte am Kulminationspunkt mit Zahnimplantaten, Seifenblasen und Prothetik nicht ganz trüben, die kurzzeitig an den glorreich-grausamen Stil von "Das Ding aus einer anderen Welt" und "Die Fliege" herankommen.

In "Greenland" von Regisseur Ric Roman Waugh verlässt der Bauingenieur John Allan Garrity (Gerard Butler) wider besseres Wissen seine Baustelle, nachdem er weit über seine geplante Arbeitszeit hinaus gearbeitet hat. Es ist jedoch noch früher Nachmittag in Atlanta, was ihm die Möglichkeit gibt, seine Frau Allison Rose (Morena Baccarin) zu besuchen, mit der er versucht, eine neue Beziehung aufzubauen, in der Hoffnung, nicht nur seinen kleinen Sohn Nathan Beckett (Roger Dale Floyd) wiederzusehen. Nicht nur im Radio auf der Heimfahrt, sondern auch in Nathans Schularbeiten taucht immer wieder das Thema eines interstellaren Kometen namens 'Clarke' auf. In der Tat wird in den Nachrichten und als bedeutendes aktuelles Phänomen so viel darüber gesprochen, dass es unmöglich ist, es zu ignorieren.

'Clarke', von dem man annimmt, dass er aus einem anderen Sonnensystem stammt und scheinbar aus dem Nichts auftaucht, wird der Erde den nächstfolgenden dokumentierten Vorbeiflug des letzten Jahrhunderts bescheren. Im weiteren Verlauf wird berichtet, dass mehrere Fragmente, das erste von der Größe eines Fußballfeldes, in die Atmosphäre eindringen werden, die jedoch am Himmel verglühen dürften, bevor sie den Boden erreichen. Und so steht, wie alle Zuseher vermuten werden, die totale Vernichtung bevor.

Als eine Warnung des US-Heimatschutzministeriums, die direkt an Johns Telefon gesendet wird, die Familie Garrity auffordert, sich in einem Stützpunkt in Georgia zu melden, bricht eine regelrechte Massenpanik aus. Faszinierenderweise ist das Auswahlverfahren für den Transport in einen geheimen Militärbunker nicht sofort ersichtlich, sehr zum Leidwesen der Nachbarn, die nicht die gleichen Regierungsnachrichten erhalten wie die Garritys. Kurz darauf bitten Familien auf dem Weg zu einem Luftwaffenstützpunkt um Hilfe, die Behörden und das Weiße Haus informieren die Bevölkerung nicht ausreichend, und es kommt zu Plünderungen und kriminellen Verwüstungen. "Das hat ja nicht lange gedauert", kommentiert John die Tumulte.

Die Grundvoraussetzung ist zwar relativ glaubwürdig und das daraus resultierende Chaos durchaus realistisch, doch gibt es ein paar eklatante Missstände, die diese Geschichte schnell als reines Leinwandprodukt abstempeln. Erstens hat Nathan bestimmte gesundheitliche Probleme, für die er spezielle Medikamente benötigt, die in den unpassendsten Momenten für ideale theatralische Situationen sorgen, die aber arg verkünstelt sind. Sie bieten jedoch die Möglichkeit, sich mit dieser Sachlage auseinanderzusetzen, was in gewisser Weise interessant ist und die Augen öffnet. Und zweitens wird die Evakuierung aufgrund der extremen Unordnung bei der Umsiedlung zu einer Operation in letzter Sekunde, wie sie in Filmen vorkommt, doch die Aktionen sind indiskret überdramatisch.

"Greenland" geht geschickt mit dem groß angelegten Pandämonium um. Anarchische Verwirrung und Not wie in einem Zombie-Apokalypse-Thriller darzustellen, ist nicht gerade die schwierigste Aufgabe oder eine, die noch nie zuvor gemacht wurde, doch das Gefühl und das Ausmaß des gesellschaftlichen Zusammenbruchs wirkt hier überzeugend und fühlt sich sicherlich wie eine akkurate Antwort an. Der allgemeine menschliche Anstand bricht in Katastrophenszenarien schnell zusammen, vor allem wenn die Gefahr rechtlicher Konsequenzen spontan verschwindet. Doch was eigentlich eine nachdenkliche, emotionale, existenzielle Krise oder vielleicht eine warnende Geschichte hätte werden sollen, bedient sich stattdessen vor allem der bekannten Muster des Katastrophenfilms in der Tradition von Roland Emmerich. Aufregung und Euphorie sind in der Regel immer am wichtigsten. "Man sollte meinen, dass die Technologie in Notfällen funktionieren müsste!"

Wichtig ist selbstverständlich auch, dass man eine Familie hat, die man retten kann. Jemanden zu haben, den man nach dem Kampf um Leben und Tod in die Arme schließen kann, lässt alles überschaubar erscheinen. Es ist klar, dass eine Handlung über einen einsamen Wolf, der eine katastrophale Ausrottung überlebt, nicht die gleiche Resonanz hat. Doch gerade die intimeren Interaktionen sind es, die weniger wahrhaftig klingen, denn die ungleiche Verteilung der Aufmerksamkeit auf hochtourige Ereignisse führt dazu, dass die persönlichen Beziehungen darunter leiden oder unecht wirken. Das Schlimmste ist, dass die Protagonisten nicht besonders überzeugend sind, auch wenn das Chaos am Ende der Welt natürliches Filmmaterial ist. Und Wendungen in letzter Minute, die ein praktisches Ende wahrscheinlich unmöglich machen, verstärken nur den Eindruck, dass der Fokus auf Unterhaltung und nicht auf den Charakteren liegt.

Während der 80. Jahrestag von 'Wonder Wharf' näher rückt, hat die Familie Belcher in "Bob's Burgers - Der Film" von den Regisseuren Loren Bouchard und Bernard Derriman hoffnungsvolle Pläne für den Sommer. Bob (H. Jon Benjamin) und Linda (John Roberts) rechnen mit zusätzlichen Kunden für die Veranstaltung und damit mit einer baldigen Rückzahlung ihres Kredits für die Küchenausstattung. Tina (Dan Mintz) träumt davon, dass ihr Klassenkamerad Jimmy Jr. ihr Freund wird, während Gene (Eugene Mirman) plant, die Popmusik mit seinen einfallsreichen Instrumentalstücken zu revolutionieren. Und Louise (Kristen Schaal) ist entschlossen, ihre Unerschrockenheit denen zu beweisen, die an ihr zweifeln, indem sie sich tapfer der Gefahr stellt. Doch die Träume der Familie zerplatzen, als sich direkt vor dem Restaurant ein riesiges Erdloch auftut. Nun, da nur noch wenige Tage bis zur Rückzahlung des Kredits verbleiben, müssen sich Bob, Linda und ihr bester Freund Teddy (Larry Murphy) eine Strategie einfallen lassen, um das Geschäft zu retten. Als die problematische Vertiefungsstelle noch mehr Probleme offenbart und ein dunkles Geheimnis ans Licht bringt, in das der Besitzer der Werft, Mr. Fischoeder (Kevin Kline), verwickelt ist, müssen die Belcher-Kinder in Aktion treten, um ein Geheimnis zu lösen und den Tag zu retten.

Die Animation ist in etwa die gleiche wie in der Serie, wobei die Hintergrundgrafik, die Schatten und das räumliche Konzept deutlich besser geworden sind. Der Detailgrad ist etwas ausgeprägter und es ist unverkennbar, dass der Produktionswert gestiegen ist. Doch abgesehen von der Optik ist es vor allem die Musik, einschließlich der markanten Hintergrundorchestrierung, die auf Anhieb besticht. Das einleitende Lied, zu dem viel getanzt wird, ist ein absoluter Triumph, eine eingängige und fröhliche Melodie, die als wiederkehrendes Leitmotiv dient. Leider beginnt der Film mit einem unübertrefflichen Höhepunkt, so dass die nachfolgenden Sequenzen im Sande verlaufen könnten.

Die Begleitmusik ist eine der besten Komponenten der Fernsehserie, da viele der späteren Staffeln Episoden mit Originalsongs enthielten, die von absurd bis sehr ansprechend reichten. Das ist alles ungeheuer beschwingt, fröhlich, schwungvoll und eingängig, genau wie die Hauptfiguren, bei denen die Familie Belcher durch dick und dünn geht und die vor Gutherzigkeit, Aufrichtigkeit und Sympathie übersprudeln. Der Betrachter neigt dazu, sich in die verschiedenen liebenswerten Charakterzüge des Clans einzufühlen: Tinas unbeholfene Adoleszenz mit ihrer Verliebtheit in Jungs, Pferde und sexy Zombies, Louises Bedürfnis, als stark und unabhängig zu gelten, und Genes unerschütterlicher Individualismus, vor allem mit seinen musikalischen Interessen, die alle die üblichen Unsicherheiten und Probleme des Erwachsenwerdens zeigen.

Da diese Episode in Spielfilmlänge eindeutig für langjährige Fans gedacht ist, gibt es keine Vorstellung der Charaktere, während viele der Gaststars der Serie wie Kevin Kline, Zach Galifianakis, Aziz Ansari, Sarah Silverman und Stephanie Beatriz, alle mit bereits etablierten Manierismen, willkommene Auftritte haben. Die typischen Gags sind massenhaft vorhanden, zahlreiche Anspielungen auf frühere Episoden tauchen auf, und die zungenbrecherischen Monologe sind sehr präsent - alles Merkmale des Ausgangsmaterials. Außerdem tauchen immer wieder Wortspiele auf, die in der Emmy-gekrönten Serie immer ganz vorne mit dabei sind. "Du kannst nicht mit dem Zahn umgehen!"

Es ist vielleicht nicht viel mehr als eine verlängerte Episode, die zum Finale hin ein wenig an Fahrt verliert und etwas komplexer ist als sonst, da die Prämisse Mord/Mysterium mit bewährtem Humor und der lockeren Atmosphäre von Zeichentrick-Musicals verwoben ist, aber sie ist durchweg reizvoll. Trotz des Übergangs von der Realität der Schulhofprobleme und der instabilen Finanzlage eines Kleinstadtrestaurants zu einer Handlung mit deutlich mehr Fantasie, Abenteuer und Spannung bleibt "Bob's Burgers - Der Film" der Fernsehserie treu, hält sich an die Charaktere und ihre Familiendynamik und bietet weitere Gelegenheiten, Zeit mit diesen gut gestalteten, klug geschriebenen, moralisch erbaulichen und regelmäßig urkomischen Figuren zu verbringen. "Hebt der Typ ein Bleirohr auf? Nein, das ist nur ein Hotdog."

Mit Anleihen bei "Rosemaries Baby" und einigen visuellen Konzepten aus "Chucky - Die Mörderpuppe" und "Die Wiege des Bösen" behält "Unborn - Kind des Satans" von Regisseur Rodman Flender dennoch seinen ganz eigenen Sinn für Horror, durchdrungen von effektiver Paranoia und genetischen Verschwörungen. Auch wenn viele seiner Schreckenstaktiken nach einem intensiven Aufbau den gegenteiligen Effekt haben, schafft es der Film, mit seinem Thema, seinem Grusel und seinem Setting eine konsistente Schaueratmosphäre zu schaffen. Auch Lisa Kudrow als Empfangsdame und Kathy Griffin als Erzieherin sind in diesem obskuren kleinen Thriller in frühen Rollen zu sehen.

Nach Jahren erfolgloser Versuche, schwanger zu werden, wenden sich Virginia Marshall (Brooke Adams) und ihr Mann Brad (Jeff Hayenga) an den renommierten Dr. Meyerling (James Karen). Dank der revolutionären neuen Techniken, die der qualifizierte Wissenschaftler entwickelt hat, wird Virginia bald zur werdenden Mutter. Doch ihr Traum verwandelt sich in einen Albtraum, als sie anfängt, Wahnvorstellungen, Paranoia und die verstörende Wahrnehmung zu erleben, dass ihr Baby etwas völlig Unnatürliches an sich hat.

Wie in "Rosemaries Baby" kennt die Liebe einer Mutter offenbar keine Grenzen, selbst wenn das Kind ein blutrünstiges, mörderisches mutiertes Überkind ist. Die Vergleiche hören jedoch nicht bei Virginias Sinneswandel gegenüber ihrem Killerkind auf, denn der geliebte Ehemann Brad ist mit dem finsteren Befürworter des Humangenomprojekts, Dr. Meyerling, verstrickt, ebenso wie John Cassavetes' Antagonist Guy, der in dem erwähnten Klassiker von Roman Polanski in eine teuflische Sekte verwickelt war. Abgesehen von den sehr augenfälligen Parallelen in der Thematik, erinnern auch die Nebenhandlungen, wie die einer Mitpatientin, die von den genetischen Experimenten des Arztes erfährt und im Koma liegt, bevor sie mit Virginia darüber sprechen kann, an Roman Polanskis weitaus überlegenes Horror-Epos.

Die Vorstellung, dass in der ahnungslosen Heldin ein fremdartiges Wesen heranwächst, ist bisweilen authentisch und wird durch ihre zunehmende Isolation, ihre Albträume und die Entfremdung von der Familie noch verstärkt. Ihre depressive Vergangenheit, ihre Zusammenbrüche, ihr ekelerregender Hautausschlag und die beunruhigende Musik, die gelegentlich durch jazzige, fehl am Platz wirkende Rockbeats ersetzt wird, tragen ebenfalls zum Grauen von "Unborn - Kind des Satans" bei, doch leider ist zu viel davon unbeabsichtigterweise lustig. Ein besonders brutaler Vorgang, bei dem sich eines von Meyerlings Opfern mit einem Schlachtermesser in den geschwollenen Unterleib sticht, sowie einige andere ausgewählte Vorahnungen werden leichtfertig fallen gelassen, sobald der glitzernde Plastiksäugling endlich zum Vorschein kommt. Der Terror der Szenerie und das Unbehagen der Charaktere gehen in dem unvermeidlichen Gelächter unter. Es fällt schwer, über eine so pathetische Requisite nicht zu lachen.

Der berüchtigte Schundfilmproduzent Roger Corman sagte, er habe "Unborn - Kind des Satans" als eine Mischung aus "Rosemaries Baby" und David Cronenbergs "Die Fliege" konzipiert. Er spielte auch auf die Erfolge der pränatalen Schocker und der Slasher mit besessenen Kindern an, die in den 70er und 80er Jahren aufkamen. Ironischerweise waren alle Projekte, die als Inspiration dienten, unendlich viel prägnanter und eindrucksvoller, auch wenn "Unborn - Kind des Satans" 1994 eine kaum wahrgenommene Fortsetzung nach sich zog.

Die melodiöse Titelmelodie von Marcello Giombini leitet den Film "Sabata" von Regisseur Gianfranco Parolini dynamisch und impulsstark ein, sowie Lee Van Cleef mit seiner markanten Kontur, die im Wesenskern mit seiner Rolle in "Zwei glorreiche Halunken" korrespondiert. Die Partitur erweist sich als zweitwichtigste Triebfeder für den Erfolg des Films, gleich nach der beeindruckenden Gravitas des gleichnamigen Hauptdarstellers, einer supercoolen, besonnenen, konzentrierten Präsenz, die sich durch ein kantiges Gesicht, einen stark zerknitterten Schnurrbart, tiefliegende Augen und einer ständig gerunzelten Stirn auszeichnet, kombiniert mit einem sardonischen Grinsen und der ärgerlichen Erkenntnis, dass sich der Film bei mir in einem sagenhaft schlecht vertonten Import eingenistet hat. Er ist dem Standard-Antihelden eines Spaghetti-Westerns nicht ganz unähnlich, doch er besitzt den visuellen Twist eines Schurken und eine erfrischend ausgeprägte Charakteristik.

Ein hochdekorierter Sprengstoffexperte der Armee, jetzt ein grantiger, liederlicher Säufer, wird aus einem Saloon geworfen und landet im Dreck zu Füßen des mysteriösen, schwarz gekleideten Sabata (Lee Van Cleef). Schauplatz ist die staubige Stadt 'Daugherty City', Texas, wo Sabata Rummy Carrincha (Pedro Sanchez) aus einem Betrugsfall mit gezinkten Würfeln rettet, kurz bevor ein blutbeschmierter Soldat verkündet, dass die nahegelegene Bank ausgeraubt wurde und 100.000 Dollar an Armeegeldern verloren hat. "Meine Herren! Hat hier jemand einen Tresor verloren?", fragt Sabata sarkastisch, als er die eiserne Kiste, die mit den erschlagenen Körpern der Diebe dekoriert ist, im Alleingang zurückbringt. Kurz darauf stellt Carrincha seinen sehr nützlichen Freund Alley Cat (Nick Jordan) vor, einen stummen indianischen Akrobaten, während ein suspekter Reisender (William Berger), der Banjo und sogar Orgel spielen kann, beginnt, ihnen in der Siedlung zu folgen.

Als Sabata herausfindet, dass drei prominente Mitglieder der Stadt für die Planung des Bankraubs verantwortlich waren, nimmt er Verhandlungen über immer größere Geldbeträge für sein Schweigen auf. Doch anstatt Sabata zu bezahlen, heuern die Geschäftsleute professionelle Killer an, die sich um dieses erpresserische Verhalten kümmern sollen - von einem armen Bauernjungen bis hin zu deutlich nobleren Attentätern. Das erweist sich als eine besonders ungünstige Entscheidung, da die angeheuerten Killer wie die Fliegen fallen und Sabatas Erpressungssumme immer höher wird.

Das Abenteuer ist einerseits spannend, andererseits aber auch in seinen Auswüchsen und seinem übertriebenen Machogehabe ziemlich grenzwertig. Es beginnt damit, dass Sabata einen Wagen voller Banditen aus einer Entfernung erschießt, die so groß ist, dass die beste Winchester nicht einmal aus der Hälfte dieser Entfernung genau treffen könnte. Der Prozess geht weiter, wenn der Schnitt versucht, kreativ zu sein, insbesondere wenn der Banjospieler eine Melodie zupft, zu der Sabata die Treppe hinaufsteigt, was zu einem rasanten Tempo und einem kaputten Instrument führt. Die Bösewichte sind ebenfalls so gestaltet, dass sie besonders denkwürdig bleiben: Stengel (Franco Ressel) ist ein bleichgesichtiger, verweichlichter, steifer Adliger mit einer Vorliebe für mittelalterliche Ornamente und ungeeignete Gefolgsleute. Ferguson (Anthony Gradwell) ist ein stämmiger Bankier mit finsterer Visage und kräftiger Statur und Richter O'Hara (Gianni Rizzo) ist ein neurotischer, feiger, bespeckter Fettsack. Als 'Banjo' seine Geheimwaffe, ein in seinem Musikstück verstecktes Gewehr, enthüllt, ist klar, dass Regisseur Robert Rodriguez für seinen eigenen humorvollen modernen Thriller 'Desperado' Anleihen bei diesem mäßig obskuren Actioner genommen hat. Auch wenn "Sabata" technisch etwas hakelig ist - schließlich handelt es sich um einen ausländischen Low-Budget-Film -, die Nebenfiguren oft unglaublich unausstehlich sind und es einen Showdown zu viel gibt, bietet dieser hochoktanige, kultige Spaghetti-Western dennoch eine Menge einzigartigen, stilisierten Filmspaß.

"Das dreckige Dutzend" von Regisseur Robert Aldrich spielt im Jahr 1944. Major Reisman (Lee Marvin) sieht feierlich zu, wie ein Gefreiter im Militärgefängnis 'Marston-Tyne' durch den Strang hingerichtet werden soll. Der junge Mann entschuldigt sich ausgiebig für den angeblich versehentlichen Mord, aber es ist vergeblich. Das Seil wird ihm um den Hals gelegt und der Boden klappt unter ihm auf. "Was haben Sie persönlich dabei empfunden?"

In London besucht Reisman Major Max Armbruster (George Kennedy), einen langjährigen Freund, der ihn zu dem stets missbilligenden General Worden (Ernest Borgnine) bringt. Reisman wird in das Projekt 'Amnesty' eingeweiht, ein scheinbar schlecht durchdachtes Vorhaben, bei dem zwölf verurteilte Soldaten heimlich auf das europäische Festland gebracht werden sollen, um ein bestimmtes deutsches Ziel zu zerstören. Sie müssen ein intensives Training absolvieren und dann mit dem Fallschirm auf dem Gelände eines Schlosses abspringen, um eine Selbstmordmission zu starten, bei der die Erfolgsaussichten minimal sind, geschweige denn, dass die gesamte Truppe das Schloss lebend verlässt. Als wäre das nicht schon schlimm genug, ist der Leiter der Fallschirmschule auch noch Colonel Breed (Robert Ryan), den Reisman noch nie ausstehen konnte. Und wie nicht anders zu erwarten, wird der Major mit der Leitung der gesamten Operation betraut.

Zunächst muss der Major natürlich die zwölf Häftlinge kennenlernen, von denen viele mit der Todesstrafe oder lebenslänglicher Haft rechnen müssen. Daher sind sie wenig motiviert, Kommandos zu befolgen oder an militärischen Operationen mitzuwirken. Doch schon bald bilden die robusten Soldaten ein bunt zusammengewürfeltes Team, das seine einzigartige Mission erfolgreich meistern könnte. "Ich kann mir keinen besseren Weg vorstellen, einen Krieg zu führen."

Vor "The Wild Bunch - Sie kannten kein Gesetz", doch nach "Die glorreichen Sieben", nimmt "Das dreckige Dutzend" eine erkennbare Formel, die eine Gruppe von Außenseitern, hier eine Ansammlung von brutalen Menschen mit fragwürdiger Moral, für eine formidable, aber würdige Sache zusammenbringt, und verlegt sie in den Zweiten Weltkrieg, was zugegebenermaßen nicht einmal im Kriegsgenre einzigartig ist. Doch mit einer All-Star-Besetzung aus völlig unterschiedlichen Persönlichkeiten ist die Bühne bereitet für außergewöhnliche Kameradschaft und jede Menge Action, bei der viel riskiert wird. Charles Bronson, Jim Brown, John Cassavetes, Trini Lopez, Telly Savalas, Donald Sutherland und Clint Walker sind nur einige der unbotmäßigen Querulanten, die gezwungen sind, zusammenzuarbeiten, obwohl sie sich gegenseitig hassen und Reismans Autorität mit Verachtung strafen. Doch am Ende ihrer Vorbereitung scheinen ihre Chancen auf eine erfolgreiche Infiltration des deutschen Außenpostens deutlich größer zu sein.

Wie in "Die glorreichen Sieben" heben sich die meisten der Dutzend Szenen durch eine ausgeprägte Charakterentwicklung ab, insbesondere wenn ein Psychiater versucht, die Eigenschaften von Psychopathen mit komischen Ergebnissen zu analysieren. Spannung und Humor sind im Überfluss vorhanden und reichen von der Anspannung eines Messerkampfes über die Heiterkeit von Donald Sutherlands albern grinsendem Pinkley, der einen General verkörpert, bis hin zu dem ziemlich veralteten, wenn auch filmischen Abschlusspräsent einer Wagenladung lokaler Prostituierter. Eine Rivalität mit Breed führt zu einer äußerst spaßigen Kriegsspiel-Übung, bei der die Fähigkeiten des Dutzends unter Beweis gestellt werden.

"Bis jetzt war alles nur ein Spiel." Der Film ist umfangreich, doch sind die Minuten nie verschenkt. Als die Invasionsprobe in den tatsächlichen Überfall auf das Schloss übergeht und die ersten Opfer zu beklagen sind, steigt die Konzentration auf das Wesentliche. Es ist ein knallhartes Finale, ein halbstündiger Kampf voller Beinahe-Unfälle, verdächtiger Wachen, unerwarteter Konfrontationen, unvorhergesehene Hürden und sogar in letzter Minute geknickter Psychen. Daneben gibt es eine Fülle von Maschinengewehrschüssen und Kriegswirren, bei denen auch viele deutsche Frauen kaltblütig getötet werden. Es ist zweifellos eines der komplexesten, actiongeladensten und unvergesslichsten Kriegsepen der 1960er Jahre.

Um einen Strafzettel und mögliche Strafen für das Überfahren einer roten Ampel, rücksichtsloses Fahren und die Flucht vor der Polizei zu vermeiden, während er in einem schnittigen Ferrari durch die Gegend rast, gibt Dell Scott (Kevin Hart) vor, dass sein Fahrgast, der querschnittsgelähmte Milliardär, Autor und Geschäftsinvestor Philip Lacasse (Bryan Cranston), einen Krampfanfall hat. Die List funktioniert und entschärft eine Situation, die ziemlich gewalttätig hätte werden können, zu einer rein komödiantischen Situation, die den Rahmen für einen Großteil von "Mein Bester & Ich" von Regisseur Neil Burger bildet. Tragischerweise verschiebt der Film nach der Einlieferung ins Krankenhaus und dem Zwang, den nächsten Schritt zu planen, die Zeitlinie um sechs Monate zurück - ein fataler, unverzeihlicher narrativer Betrug, der praktisch jeden modernen Film befällt.

Dell Scott braucht einen Job, was bedeutet, dass er nach Angaben seines Bewährungshelfers mindestens drei Unterschriften von Arbeitgebern vorweisen muss, die bestätigen, dass er es zumindest probiert hat. Er ist jedoch nicht wirklich daran interessiert, Arbeit zu bekommen, und verbringt seine Zeit damit, den Einstellungsprozess absichtlich zu umgehen. Als er in das Penthouse eines noblen Gebäudes stolpert, in der Hoffnung, eine Stelle als Hausmeister zu bekommen, die er gar nicht antreten will, wird ihm unerwartet ein Hilfsjob als Pfleger von Philip Lacasse angeboten, der sich über Dells unverblümte und ungehobelte Art amüsiert, so wortgewandt sie auch sein mag. Dell Scott ist der unqualifizierteste der vielen Kandidaten, die von der Geschäftsführerin Yvonne (Nicole Kidman) eingeladen wurden, aber für Philip ist es so etwas wie ein Spiel, das ihn von der Banalität seines außerordentlich begrenzten Lebens ablenkt.

"Mein Bester & Ich" stellt ein klassisches ungleiches Paar dar, das den Gegensatz zwischen Armut und Reichtum, zwischen gesellschaftlichen Rückschlägen und grenzenlosen Möglichkeiten herstellt und gleichzeitig einen jüngeren schwarzen Mann mit einem älteren weißen Mann zusammenbringt. Auch wenn sie das Gefühl der Einsamkeit teilen, könnten die Gegensätze zwischen ihnen nicht gravierender sein. Dell Scott ist der unsympathische der beiden. Er zeigt Charakterschwächen und ist nicht in der Lage, seine Verantwortung zu übernehmen, was vor allem durch seine Ex-Freundin und den gemeinsamen Sohn deutlich wird, während er in einer frühen Szene Philip Lacasse bestiehlt, was später zu Problemen führt. Philip Lacasse leidet unterdessen unter dem Verlust nahestehender Personen, was weitaus schwerwiegender ist als seine Bewegungslosigkeit. Doch der psychologische Schweregrad ihrer Situation wird zugunsten eines unbeschwerten Zeitvertreibs weitgehend übergangen.

Ein Teil von "Mein Bester & Ich" ist ein märchenhaftes Panorama, das Dell Scotts Erfahrungen mit dem unvermuteten Zugang zu Extravaganz schildert. Der Hauptfokus liegt jedoch auf den komödiantischen Intermezzi der Krankenpflege, von unsauberen Essensgaben über Wechselduschen bis hin zum Aufrichten in Rollstühle und dem Gebrauch von Blasenkathetern. Es gibt sogar regelmäßige Slapstick-Einlagen sowie grandiose Beiträge von Opern und Aretha Franklin. Von Zeit zu Zeit gibt es aber auch ergreifende Momente mit Erinnerungen, Romantik, einer spontanen Autofahrt und einer Geburtstagsfeier. Unschöne Szenen werden jedoch meist knapp gehalten, so dass die Wucht des Themas zu Gunsten der Leichtigkeit in den Hintergrund gedrängt wird. Philip Lacasse und Dell Scott kämpfen mit Depressionen und Vater-Sohn-Problemen und lernen, wie sie bessere Menschen und Freunde werden können.

Es ist merkwürdig, Kevin Hart in einer hauptsächlich dramatischen Rolle einzusetzen, aber er ist überzeugend in dieser Funktion. Bryan Cranston ist ebenfalls geeignet für die Darstellung eines Mannes, der alles hat und doch nichts, dieses kuriose Hollywood-Dilemma, alles kaufen zu können, was er will, außer dem, was wirklich wichtig ist. "Mein Bester & Ich" funktioniert am besten, wenn er diese Persönlichkeiten nutzt, um das Leben zu feiern. Er wird zu einer Art "Green Book" der Handicap-Filme, indem er die Schwere der körperlichen Beeinträchtigungen zu Gunsten einer guten Zeit beiseite schiebt. Und er ist nicht ohne einen hohen Unterhaltungsfaktor. Der Film basiert auf einer wahren Geschichte, kann aber nicht mit Originalität punkten, denn er ist eines von mehreren Remakes des Films "Ziemlich beste Freunde" aus dem Jahr 2011, aus dem "Mein Bester & Ich" viele der ergreifenden Interaktionen zitiert.

Der Film "Wie ein einziger Tag" von Regisseur Nick Cassavetes ist zugleich eine überraschend schöne Liebesgeschichte und eine zu Tränen rührende Tragödie im Stile von "Romeo und Julia" und ist letztlich zwischen zwei ungewollt voneinander entfernten Handlungssträngen hin- und hergerissen. Jan Sardi hat den Roman von Nicholas Sparks nach einem Drehbuch von Jeremy Leven verfilmt. Eine derart ergreifende und leidenschaftliche Romanze ist in dieser Form ganz selten. Leider entsteht durch die Einbeziehung einer Nebenerzählung, in der das zentrale Paar das Ende seines Lebens erlebt, ein Bruch im Zentrum, der nicht kohärent gemacht werden kann. Die einzelnen Teile sollen sich zwar nahtlos ergänzen, aber "Wie ein einziger Tag" hätte mit den Darbietungen von Ryan Gosling und Rachel McAdams auch für sich allein stehen können, trotz der Routine einer solchen von Shakespeare inspirierten Handlung.

In den 1940er Jahren verliebt sich Noah (Ryan Gosling) auf den ersten Blick in Allie (Rachel McAdams) und umwirbt sie selbstbewusst, obwohl sie ihn abweist. Bald sind die beiden unsterblich ineinander verliebt, aber Allies Eltern wollen nicht, dass ihre Tochter einen verarmten Jungen vom Land heiratet, wie so viele Beispiele für Klassenkonflikte und jugendliche soziale Rebellion. Auch Allie sieht sich anfangs nicht als perfekte Symbiose mit Noah: Sie ist streng, ordentlich, organisiert und ehrgeizig, wohingegen Noah unbekümmert, frivol und lebenslustig ist. Als Allies Mutter beschließt, die Familie zu entwurzeln, um zu verhindern, dass die Liebenden beieinander bleiben, befürchten die Verliebten, dass sie sich nie wiedersehen werden. Doch durch die Tücken des Krieges, eine lange Trennungszeit und sogar andere Liebschaften, die zwischen zufälligen Wiederbegegnungen aufkeimen, scheint die wahre Liebe zu siegen.

Die Geschichte von Noah und Allie wird dem Betrachter von einem Mann namens Duke (James Garner) erzählt, der einer älteren, fast vegetationslosen Frau (Gena Rowlands), die in einem Pflegeheim betreut wird, aus seinem Notizbuch vorliest. Darüber hinaus leidet sie an Alzheimer und vergisst viele Passagen, die ihr vorgelesen werden, doch Duke liest weiter und weicht ihr kaum von der Seite. Ihre Interaktionen bilden den übergreifenden und abschließenden Handlungsstrang, der zwar emotional anrührend ist, aber die Direktheit und den Charme der Geschichte der jüngeren Akteure durchbricht.

Ryan Gosling und Rachel McAdams liefern echte, herzliche Darbietungen, die den vielen klassischen Liebesgeschichten, aus denen die Handlung entlehnt ist, würdig sind: "Vom Winde verweht", "Stürmische Höhen" und "Der Glanz des Hauses Amberson" sind allesamt spezifische Bestandteile. Familie und Wohlstand kommen sich immer wieder in die Quere, aber die Liebe verkürzt die Distanzen und vergibt die Differenzen. Der größte Erfolg von "Wie ein einziger Tag" liegt in der mitreißenden Entfaltung der Geschichte von Noah und Allie: zunächst in ihrer unwahrscheinlichen Verbindung und später im Eingreifen des Schicksals, das sie auf wackligem Boden wieder zusammenführt. Die Schwächen des Films liegen in jeder Sequenz, die den Zuschauer von den interessanten Begegnungen dieser beiden Figuren ablenkt. Es ist zweckmäßig für die große Offenbarung, eine Wendung, von der nur wenige wissen, aber es ist irritierend, dass die Geschichte des verführerischen jungen Paares durch erzählerische Szenen mit unbekannten, unausgereiften Antagonisten durchkreuzt wird.

Doch das vielleicht enttäuschendste Segment ist die deplatzierte Sexszene. In den früheren Jahren von Hollywood wurde die Romanze als eine alles verzehrende, betörende Freundschaft dargestellt, die nicht auf allzu körperliche Weise ausgedrückt werden konnte. Hier ist die Liebesgeschichte in "Wie ein einziger Tag" so reizvoll, weil sie eine klassische Vorlage aufgreift, dass Noahs und Allies physischer Vollzug die in der ersten Hälfte aufgebaute altmodische Reinheit betrügt. Für einen modernen Film ist das nicht unbedingt unerwartet, aber es wirkt ziemlich redundant.

Letztlich zwischen zwei Handlungssträngen aufgespalten, von denen einer den anderen bei weitem überstrahlt, ist "Wie ein einziger Tag" dennoch eine eindrückliche Präsentation, die sich auf eine gefühlsbetonte Sensibilität und starke Darbietungen verlässt, um über ihre konventionellen Grundzüge hinwegzuwischen. Der Film ist einfühlsam, leicht gefällig und voller bedeutungsvoller Bilder, die eine Momentaufnahme der Zeit darstellen. Und seine zu Tränen treibenden, weinerlichen Aspekte sind nicht so aufdringlich manipulierend wie in anderen aktuellen Filmversuchen, bei denen die Herzlichkeit länger währt als der Abspann.

In "Ist ja irre - Cäsar liebt Cleopatra" von Regisseur Gerald Thomas arbeitet Hengist Pod (Kenneth Connor) in einer antiken buddhistischen Siedlung rastlos an der Herstellung quadratischer Räder für seine neueste Erfindung, während seine Frau Senna (Sheila Hancock) ihn ständig verhöhnt. Nachbar Horsa (Jim Dale) hilft Pod zufällig, eine Verwendung für seine Erfindung als Fensterrahmen zu finden, als Julius Cäsar (Kenneth Williams) mit seiner römischen Armee unter der Führung von General Mark Anton (Sidney James) von Norden her einmarschiert. Horsa wird gefangen genommen, doch Hengist nimmt tapfer die Verfolgung auf und bittet unwissentlich darum, in dieselbe Kutsche zu steigen, die seine gefesselten Dorfbewohner geladen hat.

Zwei Monate später, als Cäsars Eroberung voranschreitet und er nach Rom zurückkehrt, wird er von einem wütenden, Tomaten werfenden Mob undankbar empfangen. Auch Calpurnia (Joan Sims) ist nicht gerade entzückt, ihn zu sehen. Und der weise Seneca (Charles Hawtrey) warnt nur vor schlechten Omen, während Brutus (Brian Oulton) im Senat Ränke spinnt. Währenddessen wird die Sorge um die ägyptische Herrscherin Kleopatra (Amanda Barrie) und ihre bevorstehende Hochzeit mit Ptolemäus immer größer.

"Ist ja irre - Cäsar liebt Cleopatra" beginnt mit eklatantem Slapstick, bevor er in ein Dauerfeuer von One-Linern, dämlichen Wortspielereien und visuellen Gags ausbricht, ehe er zum Slapstick zurückkehrt. Der Schauplatz des historischen Werks, das auf einer 'Originalidee von Shakespeare' beruht, ist ein gefundenes Fressen für Spötteleien, die sich über alles Mögliche mokieren, von Toilettentypen über Eunuchen bis hin zu giftigen Wespen. Wie bei vielen dieser Art von Komödien sind die Scherze nonstop, von denen einige gut ankommen, während andere erbarmungswürdig flattiert sind. Doch die Absicht ist, sie in einem solchen Tempo zu bringen, dass die minderwertigen zugunsten der hochwertigeren in Vergessenheit geraten, und einige ziehen sich über eine erhebliche Zeitspanne hin, nur um eine flapsige, belanglose Floskel zu bringen.

Zwischen den kleinen Lachnummern gibt es Parodien historischer Überlieferungen und das Vergnügen zu sehen, wie Pod und Horsa zufällig in den Diensten der römischen Armee aufsteigen, aus der Versklavung entkommen oder saloppe Revolten anzetteln. In der Welt von "Ist ja irre - Cäsar liebt Kleopatra" gibt es kein echtes Heldengefühl und keine richtige Bedrohung. "Wo sind meine Lorbeeren? Oh, ich Dummkopf, ich habe mich auf ihnen ausgeruht."

Doch trotz der mangelnden Gravität liegt das größte Manko letztlich in der Kleinteiligkeit der Witze. Selbst bei einem derartigen Ansturm von Absurditäten bleiben nur wenige im Bewusstsein haften oder regen zu echten Lachergebnissen an. Zudem nutzt sich die Julius-Cäsar-Geschichte schnell ab und überfordert den Humor auf ein ebenso mickriges Niveau. Als zehnter Film der "Ist ja irre"-Reihe hat sich dieser besondere Beitrag gut an die Formel angepasst und bringt bekannte Gesichter und Gags zurück. Er wird oft als einer der besten der 31 Filme umfassenden Palette angesehen, auch wenn seine Qualitäten und seine Relevanz für alle, die mit diesen Filmen nicht vertraut sind, bestenfalls trivial zu bewerten sind.