Chainsaw Charlie - Kommentare

"Squirm - Invasion der Bestien" von Regisseur Jeff Lieberman beginnt am 29. September 1975, als ein plötzliches Gewitter an der ländlichen Küste Georgias einen längeren Stromausfall in der Stadt 'Fly Creek' verursacht und ein unglaublich bizarres Phänomen im Zusammenhang mit einer örtlichen Wurmfarm auftritt. "Squirm - Invasion der Bestien" besitzt die Dreistigkeit, auf die beliebte Formulierung 'basierend auf einer wahren Geschichte' zu verzichten und stattdessen einfach einen Text über den Bildschirm laufen zu lassen, als handele es sich um reine Fakten. Es ist klar, dass die Wahrheiten drastisch verfälscht sind, vor allem, wenn Killerwürmer die Menschen angreifen und sich in ihre Köpfe fressen. Andererseits sind es beißende Borstenwürmer, die sich in Wahrheit fleischfressend verhalten.

Der Film beginnt mit einer obligatorischen Duschszene, in der sich der verblödete Gärtner Roger Grimes (R.A. Dow) an dem ahnungslosen Mädchen aufgeilt. Sie ist die rothaarige Geri (Patricia Pearcy), die sich mit ihrem Freund treffen will, der aus New York einfliegt. Der Besucher ist Mick (Don Scardino), ein scheinbar romantischer Interessenvertreter, der aufgrund einer überschwemmten Straße, die in die Stadt führt, gezwungen ist, durch den ominösen Wald zu laufen. Geri holt ihn schließlich unversehrt ab, nachdem sie sich Rogers Lastwagen geliehen hat, der voll mit Köderwürmern ist. Als sie in die Stadt zurückkehren, sind die Würmchen auf mysteriöse Weise verschollen.

Geri und Mick stoßen bei Mr. Beardsley auf ein Skelett. Die Schilder an der Wohnung deuten darauf hin, dass die Knochen dem alten Antiquitätenhändler selbst gehören. Doch als sie Sheriff Jim Reston (Peter Mac Lean) anrufen, einen egomanischen Mann, der Fremde nicht mag und gerne mit seiner Autorität um sich wirft, sind die Beweise plötzlich verschwunden und alle werden sofort zu Detektiven. Als Mick Geris Schwester Alma (Fran Higgins) mitnimmt, um den unheimlichen Verdächtigen Willie Grimes (Carl Dagenhart) zu überprüfen, gehen Roger und Geri angeln, was dazu führt, dass ein Pappbecher voller Angelwürmern die ahnungslosen Angler angreift.

Die Vorfreude steigt stetig, weil der georgianische Dialekt so unglaublich langsam ist, genau wie die Zappelphilippe selbst, zusammen mit einigen voraussehbaren oder mild kreativen Szenen, darunter Spaghetti-Essen, Würmer, die aus einem Duschkopf quellen und eine Badewanne füllen, der unvermeidliche 'Wurm-Cam'-Blickwinkel und sogar eine sehr eigenwillige Abendessen-Szene mit der ganzen Familie, in der sie sich wie Mitglieder der "Blutgericht in Texas"-Sippe unterhalten. Die Musik von Robert Prince verleiht dem Film eine ganz eigene Spannung, mit speziellen Hornklängen und kreischenden Violinen. Die schleimigen Invertebraten selbst geben fast elektronische, rülpsende und trällernde Laute von sich und brüllen während der ständigen Nahaufnahmen von echten Würmern, um den Ekelfaktor zu erhöhen.

"Squirm - Invasion der Bestien" zeichnet sich durch spektakulär niedrige Qualität der Darsteller und schreckliche Dialoge aus, was gut zum B-Movie-Vibe und zum Low-Budget-Look passt, wobei es schmerzlich auffällig ist, dass der Busfahrer der glaubwürdigste Schauspieler ist. Trotz aller richtigen Zutaten für ein lohnenswertes Horrorfest mittlerer Güteklasse, einschließlich der ungeraden Übergänge zwischen Monsterfilm, Slasher und Spukhaus-Thriller, bewegt sich die Handlung gerade langsam genug, dass es sich selbst bei einer bescheidenen Laufzeit von 90 Minuten so anfühlt, als würden ständig Szenen und Potenzial verschenkt werden. Zumindest gibt es jede Menge ungewollten Witz und das Wiegenlied am Ende des Films ist urkomisch und inkompatibel. "Ich mag ein gutes Gewitter. Da fühlt man sich hilflos"

Seit Anbeginn der Zeit haben die Menschen die Erde durchstreift und unbekannte Gebiete nach neuen Entdeckungen abgesucht. Wissenschaftler sind jedoch die neuen Abenteurer, die die Welt nach Methoden zur Bekämpfung der Umweltverschmutzung und zur Heilung von Krankheiten durchforsten. In "Octaman - Die Bestie aus der Tiefe" von Regisseur Harry Essex untersucht Dr. Rick Torres (Kerwin Mathews) in einem trostlosen lateinamerikanischen Land Blutproben der einheimischen Bevölkerung, um genau das zu erreichen.

Wie vermutet, bestätigen die Tests, dass die weit entfernten Detonationen von Atommaterial unter Wasser auch diesen abgelegenen Ort erreicht haben, wo die starke Fischernährung der Einheimischen zu einer übermäßigen radioaktiven Belastung ihrer Körper geführt hat. Als Dr. Rick Torres mit Hilfe der wunderschönen Assistentin Susana Lowry (Pier Angeli, die wenige Wochen nach Beendigung der Dreharbeiten an einer Überdosis von Medikamenten verstarb) ein winziges, bizarres Wassertier findet, bringen sie es zu Dr. John Willard (Jeff Morrow) vom 'International Ecological Institute', der den Fund als Tintenfisch bezeichnet, wo er doch so offensichtlich ein Oktopus ist, um ihn weiter zu untersuchen. Doch die Kuriosität interessiert den Experten nicht, der sie abweist. So ist der entschlossene Dr. Rick Torres gezwungen, sich um eine zusätzliche Finanzierung durch Johnny Caruso zu bemühen, einen Freakshow-Enthusiasten, der weitaus mehr an den Legenden über eine Abscheulichkeit interessiert ist, die angeblich halb Krake, halb Mensch ist, als an weiteren Forschungen über den kleinen Oktopoden.

"Octaman - Die Bestie aus der Tiefe" ist der absolute Inbegriff des schäbigen Low-Budget-Monsterfilms mit einem Mann im Kostüm. Seine völlige Beschissenheit wird nur noch von der unvorhersehbaren ernsthaften Herangehensweise der Darsteller an solch erbärmliches Filmschaffen übertroffen. Dazu trägt zweifellos auch die schlechte Dublierung bei, die der Wahrscheinlichkeit entgegenwirkt, dass die Originalaufnahme verfälscht klingt. Die Oktopusrequisite ist ein Plüschtier, das durch an den Beinen befestigte Schnüre in Bewegung gesetzt wird und mit Geräuscheffekten, die an ein weinendes Kätzchen denken lassen, unterlegt ist. Doch die Krönung des Übels ist das Octaman-Kostüm selbst, das keine Anstalten macht, die menschlichen Beine und Schuhe in den tentakelartigen Prothesen zu verbergen. Das Filmteam ist auf jeden Fall sichtlich stolz auf ihn, denn die meisten Aufnahmen, in denen er auftaucht, sind am helllichten Tag gedreht oder werden für lange Nahaufnahmen seines Gesichts innegehalten.

"Du hast Talent", lobt der heimische Führer Davido (David Essex) einen Mann, der ihm gerade ein schlichtes, blankes, geschnitztes Holzoval überreicht hat. Später, als eine Gruppe von Überlebenden in einer Höhle gefangen ist und sich Sorgen um den schwindenden Sauerstoff macht, pfeift Davido fröhlich in der Ecke, um sich die Zeit zu vertreiben. Die Dialoge sind nicht beabsichtigt lustig, rassistisch, sexistisch und rettungslos klischiert, und die vielen Opfer in den Nebenrollen können praktisch nicht einmal schauspielern. Allerdings gibt es ein paar vergnügliche Gewaltszenen, in denen Kunstblut und herausgerissene Augen den Willen zu echtem Horror demonstrieren, auch wenn die Ausführung so dämlich ist, dass sie gar nicht wirksam sein kann. Die Einbeziehung einer Moralgeschichte über die Vergiftung der Erde und die Anspielungen auf Hiroshima und eine Nebenhandlung von "Die Schönheit und das Ungeheuer" sind ebenfalls merkwürdig, aber nur insofern, als dass sich Autor und Regisseur Harry Essex die Mühe gemacht hat, einen Film mit so wenig Tiefgang mit unnötiger Schwere zu versehen. Glücklicherweise ist "Octaman - Die Bestie aus der Tiefe" zwar eine totale Katastrophe, aber es gibt genug zufällige Lacher, etwa in den Momenten, in denen die Bemühungen des Monsters, das Mädchen zu fangen, a la "Der Schrecken vom Amazonas" so peinlich unkontrollierbar sind, dass dieser bescheuerte Thriller größtenteils über Wasser gehalten werden kann, und sei es nur, um über einen sehr, sehr miserablen Film zu spotten, dessen Laufzeit relativ kurz ist.

In der Eröffnungsszene von "Frankenhooker - Verschraubt und genagelt" von Regisseur Frank Henenlotter experimentiert der durchgeknallte Jeffrey Franken (James Lorinz), mit einem Gehirn, in dem sich ein riesiger Augapfel befindet, der auf den Computer, an den es angeschlossen ist, nicht mehr richtig zu reagieren vermag. Er optimiert seine Fähigkeiten, indem er ein Skalpell in die Substanz sticht und vorsichtig mit einem Hammer darauf herumklopft. Es handelt sich hier eindeutig um einen sorgfältig recherchierten wissenschaftlichen Vorgang. Seine Verlobte Elizabeth Shelley (Patty Mullen) findet seine Arbeit ziemlich lässig, vor allem, wenn man bedenkt, dass er von drei medizinischen Fakultäten geflogen ist und in Wirklichkeit nur ein Kraftwerksarbeiter ist, der in seiner Freizeit behauptet, Bioelektrotechniker zu sein. Auf der Geburtstagsfeier von Elizabeths Vater, bei der sie ihm einen stark modifizierten, ferngesteuerten Rasenmäher mit Superkraft schenkt, wird sie versehentlich in Stücke zerfetzt.

Um seinen Geisteszustand zu verdeutlichen, sieht man Jeffrey, wie er ein Bild seiner verblichenen Braut zurechtrückt, nur um es weiter zu verunstalten. Er tut dies, weil er einen Weg plant, sie wiederzubeleben, und zwar anhand einer Abbildung des menschlichen Körpers, die auf seinem Schreibtisch liegt. "Oh Jeffrey, ich mache mir Sorgen um dich", sagt seine Mutter, obwohl sie sich nicht um die Zeichnung oder das Gehirn mit einem Augapfel zu kümmern scheint, das jetzt in seinem Aquarium schwimmt. Nebenan, in seiner separaten Garage voller elektrischer Geräte, hat er einen behelfsmäßigen Operationstisch in der Nähe einer Kühltruhe aufgebaut, in der der Kopf und ein paar andere Gliedmaßen seiner zerstückelten Geliebten aufbewahrt werden. Jeden Abend arrangiert er die Stücke auf seinem Esstisch, um symbolisch mit ihr zu speisen - ein typisches Verhalten eines Serienmörders. Er erfährt von einem gewaltigen Sturm, der in zwei Tagen über die Stadt hereinbrechen wird, mit mehr Blitzen und Donner als je zuvor. In dieser Nacht wird er inspiriert, indem er sich direkt in sein eigenes Gehirn in einer Art Selbstlobotomie reinbohrt, und er beschließt, auf die Suche nach Prostituierten in der Nähe zu gehen, um sich von ihnen verschiedene Körperteile zu besorgen.

Die Dialoge sind absurderweise armselig, und die Schauspieler glauben kein Wort von dem Schwachsinn, den sie von sich geben, zumal die Charakterentwicklung dadurch entsteht, dass Jeffrey stimmlich genau erklärt, wie er sich fühlt und was mit seinem sich langsam verschlechternden Verstand geschieht. James Lorinz ist ein wirklich furchtbarer Schauspieler, der leider in eine Hauptrolle gesteckt wurde, in der er seine Unzulänglichkeiten voll zur Geltung bringen kann. Sogar die Nutten sind in der Formulierung ihrer Texte grenzenlos unglaubwürdig. Vielleicht hätte Jeffrey ein Pendant zu Igor gebrauchen können, um die häufigen Szenen auszugleichen, in denen er mit sich selbst spricht, damit der Betrachter seinem wahnhaften Gedankengang folgen kann. Das Tempo lässt "Frankenhooker - Verschraubt und genagelt" weiter schleifen, denn seine Handlungen werden durch langatmige Selbstgespräche oder ausgedehnte Abschnitte mit dämlichen, fröhlich tanzenden Prostituierten erzählt. Es passiert viel zu wenig Substanzielles, trotz einer am Rande interessanten Konzeption und einer kurzen Lauflänge. Das sehr magere Finanzvolumen hilft auch nicht wirklich weiter.

Als Jeffrey Franken schließlich die notwendigen Ressourcen erhält, um Elizabeth mit Hilfe von intensivierten Drogen zu rekonstruieren, die seine Gruppe von Huren zum Explodieren bringen, beginnt er den Zusammenbau mit sehr unechten, sehr plastisch aussehenden Schaufensterpuppenstücken. Das ganze Treiben ist erstaunlich blutarm, was sehr bedauerlich ist, wenn man sich bewusst macht, dass die Natur dieses Exploitation-Films eine Menge Brutalität garantiert, um das manische Verhalten und die grassierende Freizügigkeit zu ergänzen. Als Elizabeth in "Frankenhooker - Verschraubt und genagelt" reanimiert wird, erhält sie auf unerklärbare Weise die mentalen Attribute der Hauptprostituierten, die zu ihrer Herstellung verwendet wurde, was überhaupt keinen Sinn ergibt, da sie ja das Bewusstsein von Elizabeth haben soll. Sie scheint schizophren zu sein und changiert zwischen ihrer Normalität und einer Dame der Nacht. Dieser Fauxpas und das dazugehörige Grundkonzept hätten in den Händen von kreativeren und talentierteren Filmemachern ein Riesenspaß werden können.

In "Knock Off" von Regisseur Tsui Hark wird eine Kiste mit Puppen, die mit Sprengstoff gefüllt ist, im Meer zur Explosion gebracht, als die Polizei der für die Einfuhr verantwortlichen Verbrecherbande auf die Spur kommt. In der Zwischenzeit tauscht der Geschäftsmann Skinny (Glen Chin), ein berüchtigter Mafioso, der mit Fälschungen hochwertiger Waren handelt, ein paar Worte mit dem ehemaligen Gauner Marcus Ray (Jean-Claude Van Damme) aus, der als König der Fälscher bekannt ist und sich jetzt als Rikscha-Fahrer mit eben diesen glamourösen Kopien schmückt. Sein Partner, der Modedesigner Tommy Hendricks (Rob Schneider), möchte nicht, dass er sich mit zwielichtigen Gestalten einlässt, da dies ein schlechtes Licht auf ihr Unternehmen wirft, doch Marcus Ray kann nicht anders, als mit jedem freundlich umzugehen.

Als der Rennteilnehmer und langjährige Freund Eddie (Wyman Wong) mitten im Sprint angegriffen wird, lässt sich Marcus auf einen gewaltigen Kampf ein, bei dem er einen Lieferwagen, ein Lebensmittelgeschäft und ein ganzes Team von russischen Schlägertypen ausschaltet. Er bekommt auch Ärger mit der Detective Ling Ho (Carman Lee) von der Royal Hong Kong Police und der Vizepräsidentin des Vertriebs Karen Lee (Lela Rochon), die das Duo darüber informiert, dass ihre Beteiligung an der Firma 'V-Six Jeans' zu umfangreichen Plagiaten geführt hat. "Ich schwöre, wir sind einfach nur Idioten!"

Die Handlung ist sehr chaotisch und enthält scheinbar eine Fülle von Details, nur um den Betrachter zu irritieren. Die Geschichte entwickelt sich so schnell, dass es schwierig ist, alle Einzelheiten zu erkennen, von den Verbindungen zu den Unternehmen über die Beschäftigung bis hin zu Partnerschaften und verdeckten Einsätzen. Die Offenbarung kommt so schnell, dass nach nur einer halben Stunde niemand mehr derselbe ist wie zu Beginn des Films. Und die Haupthandlung, das Aufspüren fragwürdiger Lieferketten, weicht regelmäßig völlig bezugslosen Actionsequenzen. "In Hongkong gibt es Fälscher? Ich bin schockiert!"

"Knock Off" spielt interessanterweise in Hongkong im Jahr 1997, als das Gebiet nach mehr als einem Jahrhundert als britische Kolonie gerade wieder unter chinesische Herrschaft kommt. Doch selbst dieses Element ist nicht so wichtig, wie es sein sollte, sondern dient lediglich als ein weiterer Teil einer bereits grotesk vertrackten Ausgangslage. Hinzu kommen die umfangreichen technischen Überwachungsmaßnahmen, die Beteiligung der CIA, die Miniaturisierung der sowjetischen Bomben und eine viel zu große Zahl von Personengruppen, die viel zu viele verschiedene Sachverhalte untersuchen.

Als ob dieses Gewebe nicht schon verschachtelt genug wäre, und das ist es ganz gewiss, mischt der Schnitt es durch bizarre Kamerawinkel und -bewegungen, Zeitlupen und schwammige Bilder noch mehr auf. Das ist eine weitere Ebene der Kunstfertigkeit, die für einen Film, der eigentlich nicht viel mehr als ein Martial-Arts-Actioner ist, einfach nicht nötig ist. Die Action ist ziemlich ununterbrochen und kombiniert Rob Schneiders jammerndes Komödienspiel mit einem Übermaß an Explosionen und Gemetzel, während Jean-Claude Van Damme in aufwändigen Kampfsequenzen zu sehen ist, die sich über zahlreiche Schauplätze erstrecken und viele Waffen und Requisiten sowie eine komplexe Choreografie verwenden. Die Verfolgungsjagden und Stunts sind hervorragend, vielleicht zu perfekt für die Idiotie dieser Hybride aus Thriller, Action, Komödie, Krimi und Romanze. "Das waren die Russen!"

Trotz der fachkundigen Augenblicke des Abenteuers, bleibt die Geschichte unergründlich. Gerade wenn der Zuschauer denkt, dass die Szenarien nicht noch kniffliger werden können, ändern sich die Identitäten, die Loyalitäten, die Bösewichte tauchen wieder auf, und Nebenfiguren sterben. Es ist ermüdend, diesem Verwirrspiel auf den Grund zu gehen, das dem Gehirn schadet. Der Gipfel, so aufregend und abstrus er auch gestaltet sein mag, ist nicht minder sensorisch belastend.

Zuerst kam der Zusammenbruch der Zivilisation. Dann folgten Anarchie, Völkermord, Hungersnot und die Pest. In "Cyborg" von Regisseur Albert Pyun arbeiten derzeit die letzten Wissenschaftler auf der Erde an einem Heilmittel, aber Horden von chaosliebenden Piraten streifen durch die Straßen und wollen die zufälligen Überlebenden in New York City auf der Flucht und in Angst halten. "Ich mag das Elend", sagt Fender Tremolo (Vincent Klyn, der im Grunde den ganzen Film über nur knurrt), der Anführer der wilden Schläger, die zum Vergnügen Kehlen durchschneiden, Körper kreuzigen und Köpfe abschlagen.

Pearl Prophet (Dayle Haddon), ein weiblicher Cyborg mit wichtigen Informationen über die Seuche, muss nach Atlanta gelangen, wo Ärzte die in ihrem Gehirn gespeicherten Informationen nutzen können. Bevor sie von Fender gefangen genommen wird, trifft Pearl auf Gibson Rickenbacker (Jean-Claude Van Damme, mit einem fiktiven Namen, der fast so lächerlich ist wie sein Künstlername), einen Söldnerführer, der als 'Slinger' bekannt ist und der die Notwendigkeit der Mission des Cyborgs erkennt. Er tut sich mit Nady Simmons (Deborah Richter) zusammen, der einzigen Überlebenden einer kleinen Siedlung, die von Fender niedergebrannt wurde, um ein Boot zu beschaffen, mit dem er durch das Ödland fahren kann, um die Piraten am Strand aufzuspüren.

Die Geschichte beginnt mitten in der postapokalyptischen Misere, bevor der Betrachter langsam in die Vergangenheit von Gibson Rickenbacker eingeweiht wird, die seltsamerweise nichts mit der Seuche und alles mit der Rache an Fender Tremolo zu tun hat. Rückblenden sind an der Tagesordnung und werden gelegentlich wiederholt, wobei sie verwirrenderweise von mehreren Personen stammen, als ob "Cyborg" nicht wüsste, wessen Geschichte dies ist. Andere Momente wirken wie Traumsequenzen, die die ohnehin schon unzusammenhängende, unübersichtliche Erzählung noch mehr verkomplizieren. Die verschiedenen Charaktere werden nach dem Zufallsprinzip eingeführt und dann in Rückblenden erklärt, so dass der Zuseher nicht völlig den Überblick verliert. Doch im Wesentlichen handelt es sich nur um eine Vorbereitung für einen martialischen Kampf, bei dem Action wichtiger ist als kompetente Science-Fiction. Der Anfang ist nichts weiter als die Grundlage für eine Verfolgungsjagd und einen Endkampf, während sich der Mittelteil widersprüchlicherweise über Monate zu erstrecken scheint: Gibson Rickenbacker erholt sich von seinen Wunden und reist durch die Region, um seine Gegner trotz ihres mehrtägigen Vorsprungs zu überraschen. Und der Schluss ist lediglich eine Reihe von langwierigen, sich wiederholenden Auseinandersetzungen, die so dämlich sind, dass sie schon wieder zum Fremdschämen animieren.

Mit Graffiti beschmierte Zementbauten, verfallene Stahlkonstruktionen und feuchte Abwasserkanäle bieten eine wirkungsvolle Spielwiese für Zeitlupen-Kampfsequenzen mit passend dümmlicher Choreografie. Ein paar nette Kameraperspektiven verschönern die ansonsten sehr durchschnittlichen Schlägereien. Die Kostüme sind offensichtliche Kopien von "Mad Max II - Der Vollstrecker", "Conan der Barbar" und "Terminator", andere Elemente sind sogar aus Albert Pyuns eigenem Film "Talon im Kampf gegen das Imperium" geklaut, während das Schauspiel vergleichsweise aus Fratzen und machohaftem Gehabe besteht. Die Dialoge sind nie anstrengend, da die meisten Akteure nur Kriegsgeschrei oder einwortige Bestätigungen von sich geben. Ironischerweise ist der glaubwürdigste Cyborg Jean-Claude Van Damme selbst - in seiner Darstellung als Mensch.

Ein breiter, stämmiger, blonder, Terminator-ähnlicher Ex-Soldat, professioneller Söldner und Martial-Arts-Psychopath namens Bobby Kell (Jimmy Broome) heuert in "Angel of Destruction" von Regisseur Charles Philip Moore eine Nutte an, bevor er ein Nachbarzimmer aufsucht, um mehrere alte Geschäftspartner zu eliminieren. Unnötigerweise kehrt er Minuten später zurück, um auch die Prostituierte zu liquidieren. Wenig später ist er besessen von der Rocksängerin Delilah (Jessica Mark), die im S&M-Club 'Midnight Bell' performt, und schickt ihr einen abgeschnittenen Finger mit seiner Visitenkarte und einem Ring als Präsent.

In der Annahme, dass es sich um eine Morddrohung handelt, engagiert Delilah den sehr zu empfehlenden Exekutor Brit Alwood (Charlie Spradling) zu ihrem Schutz. Kurz darauf, während Brit mit seiner Schwester Jo (Maria Ford) telefoniert, die zufälligerweise verdeckte Ermittlerin ist, tritt Bobby Kell in Brit Alwoods Büro und dreht ihm den Hals um. Auf der Suche nach Rache und vielleicht auch nach Antworten beschattet Jo die Sängerin, während Detective Aaron Sayles (Antonio Bacci), ihr Freund, nach möglichen Indizien sucht. Schon bald durchforstet das Gespann die Stadt und verhört Kriegsveteranen, die etwas über den Aufenthaltsort von Bobby Kell wissen könnten.

Danny Marcus (James Paolelli), Delilahs Manager und gewalttätiger Liebhaber, bringt das Supertalent in Bedrängnis, als der große Produzent Sonny Luso (Bob McFarland) will, dass Delilah ihr böses Mädchen-Image ablegt und Danny braucht, um sie zu überzeugen. Sonny Luso kann 2 Millionen Dollar verlieren, wenn sie die Angelegenheit nicht so sieht, wie er es will, könnte aber 1,5 Millionen Dollar aus einer Versicherungspolice kassieren, wenn sie stirbt, was zu einem Mordanschlag führt. Aber das wird sowohl von Jo als auch überraschend von Bobby Kell vereitelt, der sicherlich alles daran setzt, Delilah für ein krankhaftes und abgedrehtes Fantasy-Finale zu retten.

Viele Szenen sind einfach nur ein Alibi, um mangelhaft choreografierte Martial-Arts-Kämpfe zu zeigen, mit Sofortwiederholungen und Zeitlupen für die imposantesten Bewegungen und Takedowns - der Höhepunkt ist eigentlich eine Reihe von überlangen Nahkampfduellen, Schießereien und Explosionen. Andere sind nur wegen der weiblichen Nacktheit enthalten, darunter mehrere musikalische Darbietungen mit Stripperinnen und Oben-ohne-Sängerinnen sowie eine stimmungsvolle, hyperaktive Sexszene. Maria Ford trägt einen Sport-BH oder ein halbiertes Hemd sowie knallenge Hosen in verschiedenen Farben, während Delilah sich mit einem einfachen Büstenhalter abfindet. Diese Momente sind nur aus einem Grund vorhanden: Sie stören die wenig unterhaltsamen Szenen des Serienkillers - nicht, dass sich jemand "Angel of Destruction" wegen seiner Krimivorzüge ansehen würde. Es ist jedoch lobenswert, wenn sich die Filmemacher dafür entschlossen haben, die beiden Ideen zu einem Kampf mit freiem Oberkörper zwischen Maria Ford und einer Schwadron von Schlägern zu kombinieren.

Ob ihr es glaubt oder nicht, zwischen Gewalt, Sexualität und Striptease verbirgt sich ein sich allmählich entfaltender Kriminalfall, bei dem es darum geht, herauszufinden, wie Bobby Kell tickt, und vorsichtig in sein verrostetes Boot einzudringen, das zu einer kerkerartigen Residenz umgestaltet wurde. Jimmy Broome ist eigentlich ein ziemlich glaubwürdiger Psychopath. Schade, dass die Schauspieler und Situationen um ihn herum nicht das Mindeste an Authentizität besitzen. Gerade als es etwas komplexer wird - man bedenke, dass es sich um ein von Roger Corman produziertes Maria-Ford-Projekt handelt - wechselt die Geschichte die Richtung, um mehr Fruchtfleisch zur Schau zu stellen. Als Bobby Kell Reena Jacobs (Chanda) entführt, verlangt er als Lösegeld, dass Jo nackt auf der Bühne des Clubs auftritt. Hier kommt natürlich ihre Vorgeschichte als ehemalige Stripperin ins Spiel, mit der sie sich über Wasser gehalten hat.

Außerdem werden lächerlicherweise zahllose Tische zerstört, indem Körper darauf geschleudert werden, denn so gut wie jede Figur wird entweder von einem Tisch getroffen, auf eine solche Oberfläche katapultiert oder am Ende auf einem solchen zerschmettert, während Maria Ford auf einen behelfsmäßigen Tisch aus Kisten geknallt wird, und zwar zumeist in Zeitlupe. Dafür gibt es aber zumindest Action und viel FKK. So schlecht er auch ist, kann ich, ohne Maria Fords gesamte Filmreihe gesehen zu haben, wohl sagen, dass "Angel of Destruction" einer ihrer Bestleistungen ist.

"Vor langer, langer Zeit, als die Menschen noch an Hexen glaubten...", so beginnt "Meine Frau, die Hexe" von Regisseur René Clair, während sich ein erbitterter Mob an einem Berghang drängt. Die Familie Wooley wird seit Jahrhunderten von der jenseitigen Präsenz einer Okkultistin namens Jennifer (Veronica Lake) und ihres Vaters Daniel (Cecil Kellaway, der in seinen dunkelsten Momenten wie Imperator Palpatine klingt) geplagt, seit der Puritaner Jonathan (Fredric March) sie wegen Hexerei auf dem Scheiterhaufen verbrannte. In ihren letzten Worten verfluchte sie die Wooley-Männer, die für immer dazu verdammt sein würden, die falsche Frau zu heiraten und unglücklich zu bleiben. Jennifers Geist wurde in einem abscheulichen Baum gefangen, um für immer über ihre Leiden zu wachen. In den Jahren 1770, 1861, 1904 und schließlich in der Gegenwart ist die Verdammung unverwüstlich.

Der Nachfahre Wallace Wooley (erneut Fredric March), der mit der unwillkommenen finanziellen Hilfe seines künftigen Schwiegervaters für das Amt des Gouverneurs kandidiert, ist mit Estelle Masterson (Susan Hayward) verlobt, und die beiden liegen ständig im Streit. Während eines feierlichen Abends schlägt ein Blitz in den massiven Baum vor dem Haus der Wooleys ein und setzt die bösen Geister in Form des sich schlängelnden Rauchs von Jennifer und Daniel frei, die nichts unversucht lassen, um weiteres Unheil und Verderben anzurichten. Als die schelmenhaften Phantome das 'Pilgrim Hotel' in Brand setzen, kommt Wallace Jennifer zu Hilfe, die sich plötzlich in eine knackige, zierliche Blondine verwandelt, um mit Wallace zu liebäugeln, sein Gouverneursamt zu skandalisieren und ihn schließlich in den Wahnsinn zu treiben.

Köstlich gehässig, aber mit einer engelsgleichen, koketten Stimme, hat Veronica Lake einen auffallenden visuellen Auftritt als ihr ikonisches Ebenbild, indem sie ihr wallendes Haar um ihre ausgeprägten, filigranen Gesichtszüge wirbelt - ein starker Kontrast, nachdem der Film nur mit einer Voiceover-Erzählung beginnt. In "Meine Frau, die Hexe" ist Veronica Lake die perfekte Wahl, um zu zeigen, dass Liebe schrecklich kompliziert sein kann: Zuerst glaubt Wallace, dass Jennifer in ihren Retter vernarrt ist, bevor er erkennt, dass sie wahrscheinlich von seinen politischen Rivalen geschickt wurde, um ihm die Wahl und seine Karriere zu vermiesen. Vielleicht läuft sie aber auch nur vor ihrem missbräuchlich agierenden Vater weg. Als er sie nicht überreden kann, ihn zu verlassen, setzt sie ihre Verführung fort, indem sie die unschicklichsten Szenarien inszeniert, angefangen damit, dass sie die Nacht in seinem Bett verbringt. Doch ihre Mission wird immer schwieriger, als sie versehentlich den Liebestrank zu sich nimmt, den sie schalkhaft für Wallace zubereitet hat.

Der Film ist kein Meisterwerk, aber "Meine Frau, die Hexe" bietet jede Menge sprühende Romantik, verspielte Magie, verpatzte Hexerei, leichten Gesang und eine urkomische Störung von Wallaces Hochzeit mit Estelle, der falschen Frau, die er durch den Fluch der Hexe heiraten soll, die ihn ursprünglich vernichten wollte und nun hoffnungslos verliebt ist. Es ist eine brillante Sequenz, in der Wallace darum kämpft, seine Hochzeit durchzuziehen, selbst nachdem er Zeuge eines Selbstmordes geworden ist und sich abwechselnd mit seiner streitlustigen Frau und seiner besessenen Verehrerin auseinandersetzt. Ein Effekt der Repetition mit einer Hochzeitssängerin ist ebenfalls bemerkenswert humoristisch. Außerdem ist der Ton durchweg luftig und die Situationen sind töricht, was zu einer Auflösung führt, die die Grenzen einer typischen romantischen Komödie überschreitet und weitaus frivoler und weniger dramatisch ist. Wäre da nicht Veronica Lake, die ihre Sexualität auf die beiläufigste erotische Schiene bringt, wäre der Film geradezu infantil. "Bloße körperliche Schönheit ist nicht alles", behauptet Wallace wenig glaubhaft, als er Jennifer erstmals in einem Kleid sieht, einem prächtig funkelnden Gewand, das für ihren hohen Wiedererkennungswert auf der Leinwand steht.

Der Film "Elvira's Haunted Hills" von Regisseur Sam Irvin beginnt mit einem blöden Slapstick-Auftakt: Elvira (Cassandra Peterson) und ihre korpulente Partnerin Zou Zou (Mary Jo Smith) fliehen vor einem wütenden Wirt, der sich die Übernachtungskosten nicht leisten kann. Zu ihrer Rettung kommt der Psychiater Dr. Bradley Bradley (Scott Atkinson) und bietet ihnen eine Fahrt in seiner Kutsche in den Norden an. Wir schreiben das Jahr 1851, auch wenn es viele Anachronismen gibt, in 'Carpathia', und ihr Ziel ist Schloss 'Hellsubus', ein dunkler, abweisender, labyrinthischer Ort voller exzentrischer Bewohner.

Elvira will lediglich eine weltberühmte Pariser Revue aufführen, doch die Gefangenschaft in dem gespenstischen Herrenhaus bedeutet zumindest kostenlose Unterkunft und Verpflegung. "Dieses Schloss und seine Bewohner sind verflucht", betont Bradley und warnt vor den seltsamen und unnatürlichen Aktivitäten, die das Anwesen heimsuchen. Der teiggesichtige, vampirisierte Lord Vladimere Hellsubus (Richard O'Brien) ist der Patriarch der Merkwürdigkeiten und rastet beim Anblick von Elvira aus, die eine verblüffende Ähnlichkeit mit Lady Elura, Vladimeres früherer Frau, aufweist. Die ebenso absonderliche Lady Roxanna (Heather Hopper), Vladimeres Nichte, und Lady Ema (Mary Scheer), eine gestrenge, mürrische, voyeuristische Frau (und Vladimeres zweite Ehefrau), vervollständigen die Schar der verstörten Verwandtschaft.

In Anlehnung an den Stil von Elviras vorherigem Film, der ganze 13 Jahre zurückliegt, ist dieser Nachfolger gespickt mit Doppeldeutigkeiten, unverhohlenen sexuellen Witzen, Seitenhieben, die jede vierte Barriere durchbrechen, und der für sie typischen Ungeschicklichkeit beziehungsweise Unbeholfenheit der Menschen in ihrer Umgebung, die oft dazu führt, dass die Figuren ihren prallen Busen anfassen, um Stabilität zu gewinnen. Auch hier ergänzen absurde Dialoge, viele Wortspiele und ausgelassene Lustbarkeiten den unaufrichtigen Horror und die physikalische Komik. Es gibt auch ein oder zwei peinliche Späße mit Körperflüssigkeiten, die aber, wie der Rest der Scherze, eher zurückhaltend sind und sicher unter die Freigabe ab 16 Jahren fallen. "Ich bin ein bisschen zaghaft, wenn es um Wölfe geht."

Einmal mehr ist "Elvira's Haunted Hills" nicht sonderlich amüsant, trotz einer Fülle von Versen, ständigen komödiantischen Interaktionen, einschließlich einiger cartoonartiger Wechselwirkungen, die an die 3 Stooges erinnern, fröhlichen musikalischen Einsprengseln und sogar einer Gesangs- und Tanznummer. Der begrenzte Charme des Films kommt in erster Linie von Elvira selbst, die eine sympathische, selbstbewusste und muntere Persönlichkeit ist, die eine gewisse Promiskuität gepaart mit Einfältigkeit voll auslebt. Schließlich dient die Handlung, die einen Hauch von Mystery enthält, hauptsächlich dazu, Sexwitze und andere Referenzen einzubauen. Leider ähnelt er dem ersten Film, in dem Elviras eintönige Masche fast vollständig ausgeschöpft wurde, obwohl eine raffinierte Szene mit Grube und Pendel durchaus ihre Momente hat und die Filme von Roger Corman, Hammer und Vincent Price auf nette Weise parodiert. "Vorsichtig! Das Ding könnte in deiner Hand explodieren."

In "Sugarland Express" von Regisseur Steven Spielberg steigt Lou Jean Poplin (Goldie Hawn) aus einem Bus der 'Continental Trailways' und fährt zu einer Abteilung des 'Texas Department of Corrections', um ihren Ehemann Clovis (William Atherton) zu besuchen, der gerade aus dem Gefängnis verlegt wurde. Dort überbringt sie ihm eine schlechte Nachricht: Sie lässt sich von ihm scheiden. Darüber hinaus befindet sich ihr Baby derzeit in einer Pflegefamilie, und es besteht die Wahrscheinlichkeit, dass es in einen anderen Staat vermittelt wird. In ihrer Verzweiflung, ihr Kind zu retten, hat sie einen ausgeklügelten oder besser gesagt simplen Fluchtplan ausgeheckt, ungeachtet der Tatsache, dass Clovis nur noch vier Monate im Gefängnis verbleiben, bevor er entlassen wird. Der Ausbruch ist der unkomplizierte Part, doch den Behörden zu entkommen und das Kind zurückzuholen, ist die wahre Strapaze.

Das auf einer wahren Begebenheit aus dem Jahr 1969 basierende Road Adventure macht sich die Idee zunutze, dass äußerst unbeholfene Kriminelle aus Versehen erfolgreich sind, wenn es um tollkühne Komplotte geht. Lustigerweise ist der leitende Beamte bei der Verfolgung, Streifenpolizist Maxwell Slide (Michael Sacks), ebenso wenig auf die laienhafte Planlosigkeit seiner Zielpersonen vorbereitet und wird in deren ausufernde Verbrechensserie verwickelt. "Du hast ja keine Ahnung, was mit dir passieren wird."

In seinem ersten Kinofilm zeigt Steven Spielberg gleich einige seiner Markenzeichen, nicht nur den Humor inmitten dramatischer Momente, die durch verschrobene musikalische Einlagen ergänzt werden, sondern auch seine Vorliebe für Action und unglaublich authentische Nebenfiguren, die sich in überlebensgroße Geschichten einfügen, welche in geerdeten Szenarien angesiedelt sind, selbst wenn diese auf überspitzte Weise unkontrollierbar werden. Die Hauptdarsteller haben auch ein ausgeprägtes Feingefühl und eine gute Ausstrahlung. Das womöglich todsichere Geiseldrama hat nie die Schwere, die es in vergleichbaren Filmen wie "Thelma & Louise" oder "Hundstage" aufweist. Die Dialoge sind durchsetzt mit Heiterkeit, wie sie zwischen Menschen vorkommt, die sich keine ernsthaften Konsequenzen für ihre Handlungen vorstellen können, ähnlich wie in "Arizona Junior". "Wir haben hier einen böswilligen Hombre."

Andere Elemente, die Steven Spielberg in zukünftigen Projekten wieder aufgreifen würde, sind die Verwendung eines Kindes als Haupthandlungselement und die Perspektive der Unreife, um sowohl den Nervenkitzel als auch die Komik zu steigern, sowie ein allgemeiner Spott über die Medien. Die gefährliche Irrfahrt der Poplins verwandelt sich in einen medialen Zirkus und inspiriert ein naives, abgöttisches Publikum, das sich vielleicht von "Reporter des Satans", rücksichtslosem Vigilantismus und Autoritätsfiguren inspirieren lässt, auch wenn der verantwortliche Veteran, Captain Tanner (Ben Johnson), nicht die gnadenlose Art von Vollstrecker ist, die man oft in Kriminalfilmen findet. Captain Tanner ist ein Leuchtturm der Besonnenheit und des Friedens - zum Nachteil des Images der Polizei. In Steven Spielbergs Vision von Räuber und Gendarm ist jeder ein Durchschnittsmensch mit rationalen Beweggründen und Ansprüchen sowie einem Hang zum Verzeihen, auch wenn die Umstände eher unverschämte Reaktionen verlangen. Hier ist niemand ein Held vom Typ Dirty Harry oder Brannigan und auch nicht Popeye Doyle. Es hilft, dass Goldie Hawn und William Atherton durchaus sympathisch sind, gleichzeitig aber zahllose dumme Entscheidungen treffen, von denen sie so viele anhäufen, dass ihr Überleben an sich schon eine unglaubliche Leistung ist, was zu einem Finale und einer bizarren, unbefriedigenden und ungerechten Kodierung führt, die die Tragik nicht ewig hinauszögern kann.

In "Barb and Star go to Vista Del Mar" von Regisseur Josh Greenbaum steigt der Oberbösewicht Yoyo (Reyn Doi) in ein geheimes Versteck in einem Baum hinab, um an einem Treffen mit dem bösen Superhirn Dr. Lady, ihrem unfähigen Freund und rechten Hand Edgar Paget (Jamie Dornan) und dem Wissenschaftler Bradley (Patrick Bristow) teilzunehmen, der endlich genetisch veränderte Moskitos mit todbringenden Stichen entwickelt hat. Und niemand kann sie stoppen. Diese unerwartete, an Austin Powers erinnernde Eröffnungssequenz zeigt zwei beste Freundinnen in den Vierzigern, Star (Kristen Wiig) und Barb (Annie Mumolo), wie sie auf einer Couch in dem Möbelgeschäft 'Jennifer Convertibles', in dem sie arbeiten, miteinander klönen.

Leider wird das Geschäft geschlossen und ihre geliebten Arbeitsplätze sind weg, was sie in eine besonders schwierige Lage bringt. Die neuen Karrieren dieses Duos mittleren Alters dürften kein Zuckerschlecken werden. Doch als ein langjähriger Freund die paradiesischen Qualitäten von 'Vista Del Mar' in Florida erwähnt, lassen sie alles stehen und liegen, einschließlich des unangenehm intimen Clubs, aus dem sie aufgrund einer einzigen kleinen Lüge kurzerhand verbannt wurden, packen ihre Culottes und Lockenwickler ein und fliegen für einen erholsamen Urlaub mit sechs Übernachtungen in die Sonne. "Ich habe das Gefühl, dass wir uns auflösen."

Mit einem Hotelmanager als Pseudo-Nemesis a la "Schlaflos in New York", einer Sauf- und Drogenparty wie in jedem Teenie-Film der 90er Jahre oder jüngst in "Booksmart" und einem abgemilderten Blödsinn, der an "Dumm und Dümmer" und die Filme von Andy Samberg und einen Hauch von "Kill the Boss" erinnert, verrät diese knallbunte, unbeschwerte Komödie sofort einen verqueren oder verkorksten Ton. Soll es eine Spionageparodie sein? Ein abenteuerliches Roadmovie? Eine Slapstick-Komödie? Eine skurrile Romanze? Ein partielles Musical? Oder ein Saturday Night Live-Sketch als Spielfilm? "Hast du schon mal von Reisediarrhöe gehört?"

Die meiste Zeit verwebt der Film ein Austin-Powers-Kapitel und eine Eskapade der besten Freunde nach dem Bill und Ted mit Fetzen von "Thelma & Louise" und "Nach 7 Tagen - Ausgeflittert" mit vielen althergebrachten Referenzen und einem ziemlich kontinuierlichen Soundtrack aus Popsongs, die Flashbacks und zunehmend absurden Humor bevölkern. Leider fehlt es den verschiedenen kleinen Missgeschicken trotz der wichtigen, wenn auch nicht ganz effektiven Themen wie Freundschaft, Lebensgefühl, Risikobereitschaft und Wahrheitsliebe an Substanz. "Ich fühle mich, als bräuchte ich einen Seelendoktor."

Wenn die Darsteller nicht den Anschein erwecken, als würden sie den Film nur als Anlass nehmen, um Urlaub zu machen, ist der Humor bestenfalls inkonsequent. Vielleicht ist die Freigabe ab 12 Jahren zu einschränkend, oder die Charaktere und Situationen sind einfach nicht so inspiriert, wie sie sein könnten, oder die Witze sind nicht gewagt genug. Damon Wayans Jr. in einer völlig missratenen Nebenrolle ist eine der größten Pannen, und dass niemand den Kontrast zu den überdrehten Figuren herstellt, ist die größte Beeinträchtigung der Lachtätigkeit. Jedenfalls ist ein Großteil von "Barb and Star Go to Vista Del Mar" ärgerlich witzlos. Hinzu kommt, dass bei einem derartigen Realitätsverlust die Fantasie regelmäßig alle sinnvollen Komponenten der Handlung unterbricht. Selbst bei einem sympathischen, zumeist harmlosen Paar fällt es schwer, sich für ihre Miseren zu engagieren, so trivial sie anfangs auch sind; größere Konflikte fühlen sich nie auch nur entfernt relevant an. Die Unmöglichkeit, dass die Würze der Dialoge auf fruchtbaren Boden fällt, ist jedoch der größte Hemmschuh des Films.

"Babys" von Regisseur Thomas Balmès kommt ohne Erzähler aus, es fehlt ihm zwar nicht völlig an Struktur, aber der informative Charakter, den man in den meisten Dokumentarfilmen findet, ist nicht vorhanden. Dem Betrachter wird nur ein visueller Leitfaden an die Hand gegeben, wobei zwar die Möglichkeit besteht, sich auf die wirklich faszinierenden kulturellen Unterschiede zu konzentrieren, doch geschieht dies nur sporadisch. Viele humorvolle Momente lockern die Monotonie auf, und man kann sich dem Charme nicht entziehen, wenn man die ersten Begegnungen der Babys mit Tieren und ihre Frustrationen mit verwirrendem Spielzeug und sogar anderen Kleinkindern miterlebt. Wie bei der Betrachtung von Babyfotos, die mehr als eine Stunde dauert, wird jedoch nicht jeder in der Lage sein, das Interesse aufrechtzuerhalten.

Der Dokumentarfilm von Thomas Balmès zeigt vier Kleinkinder aus aller Welt und fängt ihre ersten Atemzüge bis hin zu ihren ersten Gehversuchen ein. Er beleuchtet wichtige Erfahrungen und gibt einen Einblick in die oft drastischen Unterschiede zwischen den Kulturen und Erziehungsmethoden. Ponijao aus Namibia, Bayar aus der Mongolei, Mari aus Japan und Hattie aus den Vereinigten Staaten mögen Welten voneinander entfernt sein, aber ihre Erlebnisse sind universell für die Lebensweise der Menschen.

Die Veröffentlichung am Muttertagswochenende, um das meiste aus der Zielgruppe herauszuholen, ist zumindest ein strategisches Timing. Doch die Gliederung und das Format dieses wenig temporeichen Dokumentarfilms lassen viel zu wünschen übrig. Da es keine Erzählung, keine Untertitel und keine Anleitung gibt, ist der Zuschauer als außenstehender Beobachter vorgesehen und muss sich selbst ein Bild davon machen, wie diese Neugeborenen aufgezogen werden. Leider werden sich viele wahrscheinlich dabei ertappen, wie sie die Besitzenden mit den Benachteiligten vergleichen. Ohne viele Informationen ist "Babys" buchstäblich nur Filmmaterial von Babys, die Babys sind, wobei ihre Diversifizierung nur einen angedeuteten Aspekt der Entwicklung der hochentwickelten pädiatrischen Technologie darstellt.

Die interessantesten Kontraste gibt es bei den sanitären Einrichtungen und der Art und Weise, wie einige der Kinder gebadet werden: Zungenbad oder Spuckbad oder Duschen in den Armen der Eltern, Haarschnitt mit der Schere oder mit dem Messer, Haustiere wie Bauernhoftiere, Katzen, Hunde oder Fliegen und Spielzeug wie Bücher, Legosteine, Steine, Knochen oder sogar nur die Lippen. Es gibt jedoch keine Informationen über ihr Umfeld, ihre Eltern, ihren finanziellen Status oder ihr Alter zu bestimmten Zeitpunkten. Das macht es schwierig, ihre Fortschritte zu vergleichen, denn wenn man sie nur beobachtet, könnte man annehmen, dass das namibische Kind am schnellsten heranwächst, obwohl es keine modernen Bequemlichkeiten hat. Unabhängig davon, ob die Meinungen stark von bestimmten, tendenziösen Bildern beeinflusst werden oder nicht, reichen die humorvollen Situationen mit pummeligen, fettbackigen Kleinkindern oft aus, um zumindest in der ersten halben Stunde von dem nicht pädagogischen Rahmen abzulenken. Danach werden sich wahrscheinlich viele darüber wundern, wie regelmäßig das Thema Stillen auftaucht.

"Mary Poppins" von Regisseur Robert Stevenson ist eines der besten Musicals von Disney und ein unvergesslicher Kinderklassiker. Er kombiniert äußerst eingängige Songs, die vorwärtsdrängenden und sarkastischen Dialoge der unübertrefflichen Julie Andrews und eine psychedelische Handlung, die sauber integrierte, traditionell animierte Figuren verwendet. Der Film ist teils Märchen, teils Tagtraum, teils Magie. Julie Andrews gewann den Oscar als beste Darstellerin, und der Film wurde für sage und schreibe 13 Goldjungen nominiert - so viele wie kein anderer Disney-Film - und steht damit ganz oben auf der Liste der besten Familienfilme aller Zeiten.

Die Geschichte beginnt mit Bert (Dick Van Dyke) in der Rolle des Fremdenführers und Erzählers, der den Betrachter zu einem Haus in der Cherry Tree Lane 17 führt, als wäre er unerfahren in dieser Technik. Das sechste Kindermädchen in vier Monaten steht vor der Tür, verärgert über die ständig beschäftigte Winifred Banks (Glynis Johns) und ihre beiden verhaltensauffälligen Kinder, die wieder einmal verschwunden sind. Als Mr. George Banks (David Tomlinson) nach Hause kommt, ist er wütend über die Unordnung, gibt den Kindern und seiner Frau die Schuld und besteht darauf, das nächste Kindermädchen persönlich einzustellen. Die beiden Kinder, Jane (Karen Dotrice) und Michael (Matthew Garber), erstellen ihre eigene Liste mit Anforderungen an die zukünftige Bewerberin, doch George macht sich über die Vorschläge lustig und wirft das Papier in den Feuerschein.

Am nächsten Morgen stehen Dutzende von älteren Damen im Vorgarten und warten auf ein Vorstellungsgespräch für die neu zu besetzende Stelle. Doch mit einem kräftigen Windstoß werden sie alle von Mary Poppins (Julie Andrews) abgelöst, die mit ihrem Regenschirm, ihrer Reisetasche und auf mysteriöse Weise auch mit der Wunschliste der Kinder aus den Wolken herabsteigt. Mr. Banks ist seriös und professionell, aber er hat keine Chance gegen Mary Poppins, die sich nicht nur selbst einstellt, sondern auch zunächst nur zu einem Probelauf bereit ist. Nachdem sie den verdutzten Hausherrn abgefertigt hat, rutscht sie in einer merkwürdig umgekehrten "Der Exorzist"-Manier die Treppe hinauf, um die Querulanten zu treffen, und packt ihre leere Reisetasche aus, indem sie eine Hutablage, einen Spiegel, eine Lampe und andere Dinge hervorholt.

Mary Poppins räumt mit Thaumaturgie und Gesang die Tische in ihrem Zimmer auf, Spielzeuge und Türen klappern in einer weiteren verspielten Szene, die seltsamerweise an "Der Exorzist" erinnert, bevor das Trio in den Park aufbricht. Dort treffen sie auf Bert, der mit Kreide Meisterwerke auf den Bürgersteig malt, und mit ein wenig magischer Hilfe von Mary Poppins begibt sich die Gruppe auf ein fröhliches Abenteuer in seine Kunstwerke. Zunächst geht es in einen malerischen Urlaub auf dem englischen Land, wo die Kinder kurioserweise während der ersten beiden langen Sequenzen mit tanzenden Pinguinen und Tieren auf dem Bauernhof nicht anwesend sind, um dann eine Karussellfahrt durch den Park zu machen, die sich in eine Fuchsjagd und ein Derby verwandelt.

Zunächst sieht es so aus, als sei die beinahe perfekte und ziemlich eitle Mary Poppins dazu da, die verschlagenen Kinder zurechtzuweisen. Aber im Laufe von "Mary Poppins" wird klar, dass Mr. und Mrs. Banks diejenigen sind, die sie in die Schranken weisen soll. George ist ein ordentlicher Mann, der in seine Arbeit vertieft ist und nur selten Zeit für seine Kinder und deren unangebrachtes Getöse und das überzuckerte feminine Denken seiner Frau hat, während Winifred die Frauenrechtsbewegung anführt, was in auffälligem Widerspruch zu ihrer unterwürfigen Verhaltensweise gegenüber ihrem Mann steht, und ebenfalls alles andere als eine aufmerksame Erziehungsarbeit in den Vordergrund stellt.

Eine heitere Kreativität umgibt das ganze Projekt, von der heiteren Teeparty an der Decke von Onkel Alberts (Ed Wynn) Haus, über den senilen, aber pünktlichen Admiral (Reginald Owen), der ein Schiff auf seinem Haus kommandiert, bis hin zu den zungenbrecherischen Absurditäten von 'Supercalifragilisticexpialidocious'. Die Songs gehören zu den besten aus Disneys Kanon, die Mischung aus Zeichentrick und Live-Action ist visuell geschickt, und Julie Andrews' Performance ist goldrichtig. Auch wenn die Laufzeit für einen Familienfilm auffallend lang ist - das im Jahr darauf erschienene "Meine Lieder, meine Träume" war sogar noch länger - und das Drehbuch von "Mary Poppins" drastisch von der Originalfassung von Pamela Lynwood Travers abweicht, so ist es doch eines der kultigsten und wunderbarsten Musicals von Walt Disney, das gut gealtert ist und nach wie vor universell für Begeisterung sorgt.

Tyler Burns (Seth Green), ein problembelasteter Jugendlicher mit alptraumhaften Reflexen, die seine nerdige Normalität plagen, wird von seinem Vater in das 'Inner City Wilderness Project' gebracht. Die Organisation hat sich zum Ziel gesetzt, aufgewühlte Jugendliche aus Los Angeles zusammenzuführen, um sich in der freien Natur zu treffen. Angeführt wird die Gruppe von der erfahrenen Rucksacktouristin Holly Lambert (Rosalind Allen) und ihrem Partner und Liebhaber Charles Danson (Peter Scolari).

Weitere Akteure sind der völlig unglaubwürdige Draufgänger und Möchtegern-Straßengangster Darrel "Panic" Lumley, gespielt von Alfonso Ribeiro aus "Der Prinz von Bel-Air", der in jedem Satz das Wort 'Homes' benutzt und von seinem Hund Brutus unterstützt wird. Charles' Tochter Melissa (Virginya Keehne) schließt sich ebenfalls den Festivitäten an, gefolgt von allen nur erdenklichen Stereotypen, die mit einer schüchternen Asiatin (Dina Dayrit), einem zerrissenen Hispanoamerikaner (Ray Oriel), der eine Weste und kaum etwas anderes trägt, und einer dünnen, großmäuligen, dummen Blondine (Ami Dolenz) mit ständig entblößter Taille über Bord gehen. Leider sind sie alle zu generischen Opferrollen entwickelt worden.

Die chemisch veränderten Holzzecken beginnen sich überall zu vermehren und bilden gelatinöse, glibberige Eier in den Hütten und den angrenzenden Gehölzen. Einer der Bazillatoren greift Brutus an, woraufhin dieser in Panik davonläuft, woraufhin Charles das tote Tier in die Praxis von Dr. Kates (Judy Jean Burns) bringt, wo der Betrachter erfährt, dass die Neurotoxine der Zecken halluzinogen sind. "Manchmal habe ich das Gefühl, dass etwas wirklich Schlimmes passieren wird."

Von hier aus greifen Wellen von Baseball-großen Kriechtieren die Einheimischen an und nehmen die verängstigten Camper ins Visier, um sie zu überrennen. In der Tradition des Kopierens wirklich großer Horrorfilme gibt es auch menschliche Fieslinge, um die man sich kümmern muss. Absichtlich problematisch sind aber nicht nur die Mutantenzecken. Sir (Barry Lynch) und Jerry (Michael Medeiros) sind Proleten, die Marihuana anbauen und illegale Steroide verwenden, um das Pflanzenwachstum zu steigern. Sie haben keine Angst, die Kinder zu terrorisieren, um ihre Geschäftsgeheimnisse zu wahren, und richten dabei gelegentlich mehr Zerstörung an als die Schädlinge.

Die Dialoge sind absolut schrecklich und liefern den Großteil des unfreiwilligen Humors. Unterstützung findet dies durch eine ausgefallene Zeckenkamera, die die Sichtweise der Zecken zeigt, sowie durch jede Menge schmierige Flüssigkeiten, spritzendes Blut, Sezierungen und allerlei urkomisches, widerliches Getier. Charles und Holly verwickeln sich lustigerweise in anstößige Aktivitäten, während die Kinder an einem Feuer herumwerkeln, während Clint Howard als Jarvis, ein Arbeiter in der Grasfabrik, das perfekte Gegenstück zur Besetzung ist.

Das Finale zieht sich ein wenig in die Länge und lässt vergessen, dass die winzigen Krebse im Mittelpunkt eines Horrorfilms namens "C2 - Killerinsect" stehen sollten. Die Taktik des Monsterfilms wird zugunsten des Kriminaldramas vielfach zurückgestellt, wenngleich das rasante Überschwappen der Zecken in die Kabine und die unangenehmen, eigentümlich lauten Kriechgeräusche frappierend an die 'Facehugger' aus "Aliens - Die Rückkehr" heranreichen. Der Soundtrack leiht sich auch die donnernden Töne der militärischen Melodien aus dem bereits erwähnten Meisterwerk von James Cameron.

Die Ausgangslage ist nicht sonderlich originell, zumal in der Einleitung eine Hütte mitten im Wald gezeigt wird, in der Maschinen in Betrieb sind, die Überstunden machen, um giftige Chemikalien zu produzieren, die sich auf einen häutigen Eiersack ergießen. Das Besondere an dem Low-Budget-Science-Fiction/Horror-Spektakel ist vielmehr, dass das Insekt zu einer gigantischen Tötungsmaschine wird - etwas, das furchteinflößender und Angst einflößender ist als andere Monsterfilm-Schädlinge. Die begleitenden Spezialeffekte und das Grauen sind spektakulär. Praktisches Gewebe und kaugummiartige Formen kommen wesentlich häufiger zum Einsatz als die immer noch überzeugenden Stop-Motion-Bilder, die einige unvergessliche Momente des grausigen Tumults schaffen. Die Höllenviecher selbst ergeben nicht viel Sinn, vor allem nicht die 'Mutterzecke', und die Zahl der Opfer ist verschwindend gering, aber die clevere Optik macht "C2 - Killerinsect" zu einer der unerklärlichsten Killer-Tier-Veröffentlichungen des Jahrzehnts, die für Liebhaber von Insektenfilmen sicherlich einen Ausflug wert ist.

In "Der Giftzwerg" von Regisseur Peter Faiman war Natalie (JoBeth Williams) zuvor mit dem versnobten, wahnwitzig reichen Reed Standish (Christopher McDonald) verheiratet, bevor er ihrer überdrüssig wurde und sie sitzen ließ. Bei einer verschwenderischen Dinnerparty, die von Reeds reichen Kollegen veranstaltet wird, erhält Natalie die Gelegenheit, ihren neuen Freund aus der Arbeiterschicht, Dutch Dooley (Ed O'Neill), vorzustellen, der sich offensichtlich nicht mit der extremen Oberschicht verträgt, der aber auch eine Rebellion und eine gewisse Schroffheit verkörpert, die Natalie bereitwillig zur Schau stellt. Natürlich ist Natalie nicht ohne ein paar Dinge von Reed abgereist, darunter ein Haus, einen Gehaltsscheck und das gemeinsame Sorgerecht für ihren Sohn Doyle (Ethan Randall), einen unerträglichen, görenhaften, freundlosen Gymnasiasten, der sich in seinem Nobelinternat allen überlegen fühlt und der seiner liebenden Mutter gegenüber keinen Respekt hat, da er ihr fälschlicherweise die alleinige Schuld an der Trennung gibt. Seine schlechte Moral wird durch das Triezen von Mitschülern noch verschlimmert.

Als Reed Standish zu Thanksgiving nach London reisen muss, anstatt seinen Sohn in Atlanta abzuholen, bietet Dutch an, den Jungen für Natalie abzuholen. Schließlich hat er so die Möglichkeit, eine Beziehung zu dem Kind aufzubauen. Doch Doyle ist so sehr von Hass zerfressen und zieht sich immer weiter von der Gesellschaft zurück, dass Dutch es nicht gerade leicht hat. Sein erstes Treffen beginnt mit einem Angriff mit einem Golfschläger und einem Schuss aus einem Luftdruckgewehr. Doch Dutch überredet Doyle schließlich, ihn geknebelt und an einen Hockeyschläger gefesselt zu begleiten. Entgegen ihrer ersten gewalttätigen Vorstellungen schlägt Dutch einige interessante Ideen vor, um die Reise nach Chicago für die beiden zu einem kurzweiligen Vergnügen zu machen.

"Der Giftzwerg" folgt der altbewährten Formel, ein verwöhntes Balg mit einer lebenslustigen, knallharten Vaterfigur zu kombinieren. Die darauf folgenden Schlachten sind durchweg unterhaltsam, gespickt mit Beleidigungen aus dem Klassenkampf und unsoliden Streichen, von denen einer darin besteht, Doyle am Rande einer verschneiten Straße auszusetzen, über fünfzig Meilen vom nächsten Hotel entfernt, was zu einem großen Autodiebstahl führt. Mit jedem Stunt eskalieren die Vergeltungsmaßnahmen und Reaktionen, die zum Teil recht gefährlich und völlig unvorbereitet erfolgen. In einem zeitgemäßeren Film würde Doyle ernsthafte psychiatrische Hilfe benötigen, statt der erfrischend altmodischen Disziplinierung, die heutzutage als Kindesmisshandlung gelten könnte. Er ist hinterhältiger und intelligenter als der durchschnittliche Filmterror, was zu komplexen Konflikten und Machenschaften und angenehmeren, slapstickartigen Auflösungen führt.

Dutch ist ein äußerst sympathischer Protagonist, der sowohl sensibel als auch vulgär ist. Er ist im Grunde seines Herzens ein Kind und hat keine Angst davor, sich kindisch zu verhalten, wenn sich die Gelegenheit ergibt. Und wenn die teuflisch harte Schale von Doyle geknackt wird, gibt es jede Menge Gelegenheiten, sich mit seinem allgegenwärtigen, jugendlichen Abenteurertum auseinanderzusetzen. Doch Dutch verkörpert nicht nur einen authentischen Kerl, sondern spricht auch viele Wahrheiten aus, die sich andere Theaterrollen nicht trauen würden zu sagen. Das liegt vor allem an den kompositorischen Fähigkeiten von John Hughes, der ein Händchen für Humanismus und glaubwürdige Charaktere und Beziehungen hat, selbst wenn sie filmisch übertrieben oder turbulent sind. Dutch ist ein ehrlicher, respektabler und realistischer Held, der Doyles hartnäckiger, unreifer Rivalität mit Witz und Köpfchen begegnet. Am Ende wird Doyle, wie erwartet und gewürdigt, ein oder zwei Dinge von Dutchs Mitgefühl, seinem Glauben an Muskelkraft, Selbstständigkeit und männlichem Stolz lernen. Und auch wenn es etwa 15 Minuten länger dauert, als es sollte, ist es das Erlebnis wert.

"Carrie 2 - Die Rache" von Regisseurin Katt Shea beginnt mit einer verhaltensgestörten Frau, die ihr Haus rot anstreicht. Daraufhin schlägt sie ihre kleine Tochter mit der öligen Bürste ins Gesicht. Dies führt dazu, dass die Polizei die irrlichternde Mutter mitnimmt und das junge Mädchen, Rachel, in eine Pflegefamilie bringt. Als sie erwachsen wird, verachtet Rachel (Emily Bergl) ihre Adoptiveltern, kleidet sich in düstere Gothic-Klamotten und wird nur von ihrem Hund Walter getröstet. In der Schule ist ihre beste Freundin Lisa (Mena Suvari), eine ähnlich distanzierte Person, die ihr im Bus offenbart, dass sie ihre Jungfräulichkeit an einen Typen verloren hat, dem Rachel einfach nicht glauben will.

Am nächsten Morgen springt Lisa vom Dach der Schule auf die Windschutzscheibe eines Autos. Ihr Tod erschreckt ihren scheinbaren Freund Eric Stark (Zachary Ty Bryan), ein beliebtes Mitglied der Highschool-Footballmannschaft, den 'Bulldogs'. Er bittet den Anführer Mark Bing (Dylan Bruno) um Hilfe, um im örtlichen Fotoladen, in dem Rachel arbeitet, einige Fotografien zu beschaffen, die Eric und Lisa zusammen zeigen. Lisa hatte den Eindruck, dass sie dem Kerl etwas bedeutete, aber sie war nur eines von vielen Mädchen, mit denen die Footballmannschaft ein Punktespiel auf einer Skala der Sexualpartner veranstaltete. Je mehr Stressfaktoren in Rachels Leben eindringen, desto mehr gerät ihr Verstand ins Wanken. Dazu gehören Beliebtheitsprobleme, Unbehagen in Bezug auf den Sportler, den sie mag, Jesse Ryan (Jason London), und die Nachricht, dass ihr richtiger Vater auch der Vater von Carrie White war, einem Mädchen, das beschuldigt wurde, die alte High School niedergebrannt zu haben, indem es die gleiche genetisch rezessive Fähigkeit der Telekinese nutzte, die auch Rachel besitzt, und die das Szenario für "Carrie - Des Satans jüngste Tochter" von 1976 war.

Der vielleicht einzige vergnügliche Aspekt von "Carrie 2 - Die Rache", der irgendeine Relevanz oder Verbindung zum ursprünglichen Kultklassiker von Stephen King aus den 70er Jahren hat, ist die Rückkehr der Schauspielerin Amy Irving als Sue Snell, der einzigen signifikanten Überlebenden des vorherigen Films. Lächerlicherweise erwähnt sie ihr eigenes psychisches Trauma, das zu einem Aufenthalt im 'Arkham Asylum' führte, das, ungeachtet der Schreibweise, Batmans berühmter Zufluchtsstätte für Psychopathen nur allzu ähnlich ist. Jetzt ist sie eine Schulberaterin, die Rachels Begabungen identifiziert und sie zur Bearbeitung in ein Labor in Princeton bringen will.

Diese lose Fortsetzung, die 23 Jahre nach dem Erfolg des Thrillers von Brian de Palma erscheint, verzichtet im Wesentlichen auf den Horror und den Unterhaltungswert des Vorgängers und wiederholt eine ähnliche Handlung mit einer neuen Hauptdarstellerin. Ihre Qualen sind etwas moderner gestaltet, auch wenn sich die Kreativität auf eine Parodie auf "Scream" beschränkt, während Rückblenden innerhalb und außerhalb des Films die anderen sporadischen Rückblicke in die Vergangenheit andeuten. Auf bizarre Weise werden Schwarz-Weiß-Aufnahmen in das Bild eingefügt, von denen einige Rachels Sichtweise und andere scheinbar eine Außenperspektive darstellen. Es ist, als ob der Film sich nicht an seine eigenen Regeln der kinematografischen Formatierung halten kann. Zeitlupen werden missbraucht, funky Jazz-Musik erklingt in den lächerlichsten Momenten, und der krönende Abschluss ist durchzogen von komödiantisch übertriebener, grafischer Gewalt. Die Dämlichkeit wird durch schlechte schauspielerische Leistungen, absurde Mimiken und zu viele "American Pie"-Darsteller aufrechterhalten, was diesen Film zu einer höchst unnotwendigen Rekonstruktion eines bahnbrechenden Horror-Meisterwerks macht.

"Für alle, die zu spät gekommen sind ..." leitet "Das Phantom" von Regisseur Simon Wincer ein, was zugegebenermaßen eine der merkwürdigsten Arten ist, einen Film zu beginnen, auch wenn er dem Betrachter eine Menge Hintergrundgeschichte zu vermitteln hat. Vor vielen Jahren tötete ein böser Piratenanführer den Vater eines kleinen Jungen. Der Knabe überlebt, wird aber auf der Insel 'Bengalla' angespült, wo eine uralte Zeremonie eines Stammesschamanen dem Kind einen Ring mit großer Bedeutung und großer Macht verleiht. Während dieses Übergangsrituals erkennt der Knirps, dass es seine Bestimmung ist, seinen Vater zu rächen und das Böse zu bekämpfen.

Im Jahr 1938 begibt sich eine vierköpfige Gruppe moderner Piraten auf Schatzsuche im bengalischen Dschungel in eine Höhle, die angeblich von einem Geist bewacht wird. Während sie antike Ruinen entweihen, um Schmuck und Gold zu stehlen, in einer Sequenz, die unverkennbar die Abenteuer von 'Indiana Jones' nachahmt, werden sie einer nach dem anderen durch übernatürliche Mittel ausgeschaltet, darunter ein Skelett, das lebendig wird und einen der Diebe erwürgt. Quill (James Remar) ist der Anführer der Schurken, ein Mann, der schon einmal mit dem geisterhaften Phantom (Billy Zane), dem kleinen Jungen, der erwachsen geworden ist und nun das heilige Land beschützt, aneinandergeraten ist.

Ganz in Lila gekleidet, in einem auffallend lebhaften Kostüm, das an Warren Beattys farbenfrohen "Dick Tracy" erinnert, mit einer schwarzen Maske über den Augen, die seine Identität nur wenig verbirgt, verfügt dieser Superheld über Waffen und kolossale Ausdauer, reitet auf einem weißen Hengst und wird von einem Wolfsgefährten namens 'Devil' begleitet. Und unsterblich ist er auch noch. Außerdem wird er vom Geist seines alten Vaters (Patrick McGoohan) aufgesucht, der ihn um Rat fragt, wie er eine geheimnisvolle Bruderschaft von Räubern aufhalten kann, einen alten Orden des Bösen, der versucht, die Kontrolle über ein Trio von allmächtigen Silberschädeln zu erlangen.

Ungeachtet der Vorliebe des Phantoms für grimmige Gesichtsausdrücke und schlagfertige Bonmots ist der violette, hautenge Körperanzug einfach zu viel für die flüchtige Ernsthaftigkeit des Films. Die Optik des Bildes ist durchweg dämlicher als das, was durch actionorientierte Schießereien und Kämpfe konterkariert werden kann. Es hilft auch nicht, dass Billy Zanes Dialoge alle so klingen, als stecke seine Zunge fest in der Fresse. In diesem oberflächlichen Superhelden befindet sich einfach ein Zuviel an Komik. "Es gibt ein altes Dschungelsprichwort ..."

Es gibt einige markante Ähnlichkeiten zu "Shadow und der Fluch des Khan" von vor ein paar Jahren, wie etwa eine Nebenhandlung in der New Yorker High-Society, in der ein Liebespaar Desinteresse am wohlhabenden Leben zeigt. Die korrupte Politik und die großen Kapitalisten streben nach mehr Geld und Einfluss. Der maskierte Verbrechensbekämpfer wird von übernatürlichen Kräften bei der Verfolgung von Kriminellen unterstützt. Das Phantom hat sogar einen Taxifahrer zu seiner Verfügung, trägt zwei Handfeuerwaffen bei sich und stellt sich dem Abkömmling eines mächtigen Konquistadors. Auch viele der Sets sind praktisch identisch. Einige der Stunts sind zwar eindrucksvoll, erinnern aber stark an Elemente aus den 'Indiana Jones'- Filmen. Es gibt auch ein einheimisches Kind, das sich herumtreibt und sich als hilfreich entpuppt, von Sprengfallen über kurze Flüge mit dem Flugzeug bis hin zu Verfolgungsjagden mit dem Auto - das Setting in den 30er Jahren sorgt für einige unliebsame Übereinstimmungen. Selbst Quills Bekleidung ist mit seinem braunen Filzhut und dem zerfledderten Hemd allzu vertraut.

Zu den weiteren Details gehört, dass Catherine Zeta-Jones eine Nebenrolle als Gefolgsfrau übernimmt und eine Gruppe von Söldnerinnen anführt. Der steinerne Thron des Phantoms befindet sich in einer Höhle, die wie ein Totenkopf geformt ist, und Treat Williams ist der sarkastische, arrogante Ganove Xander Drax, der die Weltherrschaft durch Chaos erreichen will und bereit ist, Untergebene hinzurichten, um seine Überlegenheit zu demonstrieren. Die Handlung ist sinnlos, passend zur Ursprungsgeschichte, die recht mitleiderregend aus Lee Falks Comicstrip übersetzt wurde. Verständlicherweise scheint niemand irgendetwas davon ernst zu nehmen, zumal die Dialoge verdummte Konversationen und stupide Repetitionen zum Wohle der unaufmerksamen Beobachter darstellen. "Das Phantom" bräuchte für seine Wirkung zwingend einen charakterstarken Helden, einen überzeugenden Antagonisten, eine zündende Erkennungsmelodie und eine geballte Ladung Aufrichtigkeit, doch der Tonfall ändert sich nie vom Klugscheißerischen, was die Action und das Abenteuer stark eindämmt - das Phantom scheint nie einen Plan zu haben, wenn es eine feindliche Festung stürmt, und trägt zu unfreiwilligen Lachern bei. "In der Schädelhöhle wird nicht geraucht."

In "Fast Food Family" von Regisseur Stephen Herek fährt die Mutter von Sue Ellen Crandell (Christina Applegate) den Sommer über nach Australien. Das bedeutet, dass die 17-jährige Sue das Auto zur Verfügung hat, dass sie so lange wach bleiben kann, wie sie will, dass sie an den Strand gehen kann und dass ihre vier Geschwister auf sich gegenseitig aufpassen werden. Sie hat dann endlich völlige Freiheit, so dass es keine Rolle spielt, dass alle ihre Freunde zum Schulabschluss nach Europa fliegen und sie keinen Freund hat - Stichwort: mögliche Romanze. Bis sie feststellt, dass ihre Mutter eine Babysitterin eingestellt hat, Mrs. Sturak (Eda Reiss Merin), eine elende alte Dame, die darauf besteht, zu brüllen, Befehle zu erteilen und den Kindern Namensschilder anzuheften. Zu ihrem Glück stirbt die garstige Furie über Nacht, so dass sie ihre Leiche in einen Kofferraum packen und in einer nahe gelegenen Leichenhalle abliefern. Dann fahren sie in ihrem klassischen Buick herum.

Zum Pech der rücksichtslosen Jugendlichen hatte Mrs. Sturak das Geld für die Lebensmittel bei sich. Sue wird schnell klar, dass sie in den nächsten zwei Monaten finanziell auf sich allein gestellt sein werden. Sie lassen sich davon nicht abschrecken, denn sie haben keinen Bedarf an stinkigen Erwachsenen. Alles, was sie tun muss, ist, sich einen Job zu suchen. Aber der Job in einem schmierigen Laden für 'Clown Dogs' ist zu ekelhaft, so dass Sue ihren Lebenslauf fälscht und wie durch ein Wunder eine Stelle bei 'General Apparel West' bekommt, als Rose Lindsey (Joanna Cassidy), die stellvertretende Leiterin der Abteilung, sie als Verwaltungsassistentin einstellt. Die Empfangsdame, die sich um die Stelle beworben hat, Carolyn (Jayne Brook), ist nicht gerade begeistert, ebenso wenig wie ihr Kollege Bruce (David Duchovny). Der Haken an der Sache ist, dass der Junge, den Sue mag und den sie bei 'Clown Dog' kennen gelernt hat, Carolyns jüngerer Bruder ist.

Auf dubiose Weise plündert Sue Ellen die Portokasse, gerät in eine gefährliche Dreiecksbeziehung mit dem Verehrer ihrer Chefin und muss auf prekäre Weise Geheimnisse vor ihrem Freund und ihren Kollegen bewahren. Mit einem überwältigenden Geschäftsjargon oder zumindest einem, der für die Zielgruppe gedacht ist, Beziehungsproblemen, Lügen über Scheidungen, Kindererziehung, Geldmanagement und der Vertuschung von Betrügereien ist es unglaublich unangenehm, ein mündiger Mensch zu sein. Das gilt auch für Karrieren, Rechnungen, Steuern und Lebensmitteleinkäufe, auch wenn das alles nur vorgetäuscht ist. Die Folgen scheinen immer noch sehr real. Die Idee eines Kindes, das gezwungen ist, schnell in die Rolle eines Erwachsenen zu schlüpfen, ähnelt auf riskante Weise dem Film "Big". Auch ohne das Element der reinen Fantasie hat "Fast Food Family" eine Prämisse, die sich unvermeidlich abgeleitet anfühlt, vielleicht auch ein wenig an "Die Waffen der Frauen" angelehnt.

Als ihr elaboriertes Alter Ego zurück in die Wirklichkeit stürzt, wird schmerzvoll klar, wie sinnwidrig das alles war, vor allem die Rollenumkehrungen und -parallelen, die Wendungen im Leben, die Prüfung eines immensen Maßes an Verantwortungslosigkeit, die Lösung von Problemen und die Tatsache, dass jede einzelne große Katastrophe auf eine wahnwitzig saubere Formel gebracht wird. Es ist eine Mischung aus Alptraum und Fantasie, und obwohl die Absichten offensichtlich sind, ist "Fast Food Family", dessen Titel so klingt, als basiere er auf einem Buch, dennoch völlig unglaubwürdig, denn es handelt sich um ein Originaldrehbuch von Neil Landau und Tara Ison. Doch mit viel modischem Beiwerk, regelmäßigen Bildmontagen, einem pausenlosen Soundtrack und einer Prise Humor an den richtigen Stellen wird der Film sicherlich das aufmüpfige Teenager-Publikum ansprechen, für das er konzipiert wurde. "Genießt eure Kindheit!"

In "Bad Girls" unter der Regie von Jonathan Kaplan führt eine merkwürdig romantische Musik Anita Crown (Mary Stuart Masterson), eine Prostituierte in der Old West-Stadt 'Echo City', Colorado, ein, als sie einen Stammkunden in ihrem Schlafzimmer empfängt. Auf der Straße darunter protestieren Demonstranten gegen die Existenz des Bordells über dem Saloon und prangern die Sünden des Fleisches an. Im Erdgeschoss muss sich die Besitzerin Cody Zamora (Madeleine Stowe) mit ungehobelten Alkoholikern herumschlagen, aber sie hat weitaus größere Probleme, als ein pöbelnder Freier zu schießen beginnt. Cody tötet den Mann, wohl in Notwehr, doch sie wird sofort auf ein Pferd gesetzt, um für die Tat aufgeknüpft zu werden. Die befreundeten Nutten Eileen Spenser (Andie MacDowell) und Lilly Laronette (Drew Barrymore) kommen jedoch zur rettenden Tat und bringen Cody Zamora in die vorübergehende Freiheit der verstaubten Peripherie der Stadt.

Im Handumdrehen ist ihnen die Detektei Pinkerton auf den Fersen, die ein beträchtliches Kopfgeld von der Witwe des Toten ausgesetzt hat. Mit Codys Ersparnissen, die an eine Bank in 'Agua Dulce', Texas, überwiesen wurden, wollen die vier Frauen ein Landgut in Oregon nutzen, um ein Sägewerk zu eröffnen und ein neues Leben und einen wirtschaftlichen Neuanfang zu beginnen. "Wir haben unsere Körper verkauft, warum können wir nicht auch etwas Holz verkaufen?"

Dass übermäßig religiöse Gruppen versuchen, gegen die Unmoral der Huren vorzugehen, ist nicht neu, aber einen Western aus der Sicht der weiblichen Protagonisten zu gestalten, hat durchaus seine Reize. Trotz der gewalttätigen Auseinandersetzungen, dem einen oder anderen flammenden Schimpfwort und der kurzen Nacktheit ist die Strenge nur von kurzer Dauer. Offensichtlich haben die Filmemacher beschlossen, dass die von ihnen gewählte Perspektive mit Samthandschuhen angefasst werden muss. Und dieser Grundtenor bleibt bestehen, auch wenn Banküberfälle verübt und Pistolen in Gesichter gedrückt werden. "Ich werfe Ihnen vor, einen Skorpion zwischen den Beinen zu haben!"

Mit dem Ziel, eine Vielfalt an klassischen Westernmotiven einzubauen, gibt es auch Schießereien, Konfrontationen mit der Exekutive und spontane Abordnungen, gerissene Banditen, Zugüberfälle, Geiselnahmen, Sprengstoffexplosionen, Pferdestunts und Hochgeschwindigkeitsverfolgungen. Ungünstigerweise ist die Zeit auch für Situationskomik und triviale weibliche Manipulationen wie geschaffen. Letzteres passt zur demonstrativen Pracht der Hauptdarstellerinnen, die das Leuchten ihrer geraden, blendend weißen Zähne und ihrer makellosen Haut nicht unter einem Minimum an sorgfältig platziertem Schmutz und Dreck zu vertuschen vermögen, als ob der eine oder andere Fleck alles plötzlich authentischer machen würde.

Der primäre Effekt ist, dass die Männer im Film nur sekundäre Charaktere oder Ganoven sind, einschließlich des verliebten Goldsuchers Joshua McCoy (Dermot Mulroney) und des Bandenchefs Kid Jarrett (James Russo), während die Frauen sie nie wirklich um Hilfe bitten. Das vierköpfige Frauengespann mag zwar zuweilen Opfer sein, aber sie sind formidabel genug, um sich selbst zu verteidigen, Männer zu Bauern zu machen oder sie auf ihrer halbwegs gefahrvollen Wanderung zu umgehen. Unabhängig vom Szenario haben sie meist die Oberhand, und es sind die maskulinen Akteure, die gravierende Fehlentscheidungen treffen.

Mit der spielerischen Hintergrundmusik, die immer wieder auftaucht, würde Jerry Goldsmiths Partitur auch in einem anderen Film gut passen. Die Verwicklungen behalten eine Lockerheit, die vermuten lässt, dass keiner der Hauptdarsteller ein vorzeitiges Ende finden wird, obwohl es eine ziemlich negative Wendung gibt, als Lilly kurzfristig gefangen genommen wird. Am Ende sind diese 'bösen Mädchen' selbst mit einer zerstörerischen Gatling-Gun definitiv keine 'Wilden Kerle' - die Action ist einfach zu flach, um großes Potenzial zu wecken. Die wertvollen Darsteller können nicht über eine lieblose Geschichte und ein inspirationsloses Drehbuch hinwegtrösten.

In der Welt der Mode gibt es "Frühstück bei Tiffany" und es gibt 'Bergdorf Goodman'. Es ist ein ikonisches Gebäude in New York mit Blick auf die Fifth Avenue und ein elitäres Ziel für High-Fashion-Designer und anspruchsvolle Kunden gleichermaßen. Es lässt sich nicht verbergen, dass das Unternehmen speziell auf die Reichen ausgerichtet ist, aber es schafft einen sozialen Status, den man anstrebt, und einen finanziellen Reichtum, den jeder erreichen möchte. Regelmäßiges Einkaufen an einem so exklusiven, hochwertigen und teuren Ort ist eine erstklassige Gelegenheit für alle, die den amerikanischen Traum verfolgen. Der Film "Scatter My Ashes at Bergdorf's" des Regisseurs Matthew Miele hat seinen Titel von einem berühmten Cartoon von Victoria Roberts, der in der Zeitschrift 'The New Yorker' veröffentlicht wurde und ein älteres Damenpaar zeigt, das über ihre einzige gewünschte letzte Ruhestätte nachdenkt.

Der Dokumentarfilm zeigt eine äußerst kurze Geschichte des Designers Michael Kors und einen noch knapperen Bericht über Herman Bergdorf und Edwin Goodman, die beim Aufbau des Unternehmens zusammenarbeiteten. Das Hauptaugenmerk liegt auf Dutzenden von Kommentaren bekannter Künstler und Prominenter, die darüber berichten, was der Einzelhändler für sie bedeutet. Der Aufbau von Schaufenstern unter der Leitung von Produktionsleitern, ein Einblick in die Wohnsituation der Goodmans über ihrem Geschäft in einem luxuriösen 16-Zimmer-Apartment, Elizabeth Taylors und John Lennons Sonderbestellungen, die Vorgänge um die sardonische Einkaufsberaterin Betty Halbreich, die Anmerkungen europäischer Designer zu dem kultigen Unternehmen und verschiedene andere damit verbundene Interessen werden beiläufig gestreift. Diese werden durch Anmerkungen und Meinungen von bekannten Designern und Hollywood-Kunden wie Christian Louboutin, Oscar de la Renta, Joan Rivers, Diane von Fürstenberg, Marc Jacobs, Vera Wang, Rachel Zoe, Mary-Kate und Ashley Olsen, Candice Bergen, Karl Lagerfeld und unzähligen anderen illustriert.

Der Erzähler William Fichtner schaltet sich etwa 15 Minuten nach Beginn des Films ein, sagt ein paar Worte in einer teilweise erkennbaren Intonation und verschwindet dann auf mysteriöse Weise wieder für lange Zeit - es ist seltsam, die allwissende Stimme überhaupt zu hören, und jedes Mal, wenn er sich meldet, wird es noch sonderbarer. Aus technischer Sicht ist die Zusammenstellung der Daten und Interviews bestenfalls dilettantisch, als ob das Material nicht die Beachtung eines aufwändigeren Rahmens oder Arrangements lohne. Der Film ist lose in Kapitel unterteilt, wobei die Themen und Interviews spontan wechseln und ungeschickt zu den vorherigen Informationen zurückkehren, ohne dass die üblichen Abschnitte verwendet werden. Der Schnitt bietet viel Bewegung, blinkende Lichter, flippige Musik und ein kalauerndes Finale, das auf der trockenen Enthüllung der fünf großen Schaufenster von Bergdorf's basiert, wobei sich die zwischenzeitliche Gestaltung der Produktion als weitaus interessanter erweist, was den Eindruck erweckt, dass dieser Dokumentarfilm krampfhaft versucht, ein jüngeres Publikum mit visuellen Mitteln anzusprechen, anstelle eines ansprechenden Konzepts.

"Scatter My Ashes at Bergdorf's" zeigt auf, dass es eine Menge Politik, fragwürdige Exklusivitätserwartungen und eine Handvoll mächtiger Modedirektoren gibt, die das Schicksal der meisten leidenschaftlichen Nachwuchsdesigner bestimmen. Mehrere der vorgestellten Künstler sind mit bereits erfolgreichen, bekannten Kunstschaffenden verwandt. Privilegierte Schichten sind sicherlich weniger inspirierend als diejenigen, die von ganz unten kommen. In anderen Berichten werden die ebenso belanglosen Geschichten von mühelosem Erfolg, der zu weiterem Reichtum führt, hervorgehoben, während in ein paar interessant erscheinenden Sekunden die Dimensionen der Wirtschaft und der Zusammenhang mit den Ausgaben der Oberschicht an einem so aristokratischen Ort erwähnt werden, aber kein einziger diesbezüglicher Punkt wird mit bedeutsamer Tiefgründigkeit untersucht.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Chionati bat mich um einen Kommentar zu "Antichrist", dem ich die maximale Bewertung von 10 Punkten gab und von ihm die Note 8 erhielt. Lars von Triers Meisterwerk ist heftig umstritten und zeugt von seiner geistigen Abwegigkeit des Menschseins. Das ist großartig, denn hier blickt der Abgrund auf einen herab.

Der eigenwillige dänische Filmemacher Lars von Trier erzählt mit "Antichrist" eine traumatische Geschichte über einen psychischen und ehelichen Zusammenbruch in den tiefen, dunklen Wäldern. "Es gibt nichts Untypisches an Ihrem Kummer", erklärt ein namenloser kognitiver Therapeut (Willem Dafoe) einer namenlosen Patientin (Charlotte Gainsbourg), die zufällig auch seine Frau ist und deren Gram, zumindest theoretisch, auch sein eigener ist. Doch in "Antichrist" des Provokateurs Lars von Trier wird der optimistische, geradezu arrogante Glaube dieses Psychologen an die Messbarkeit, Quantifizierung und Rationalität von Ängsten auf eine harte Probe gestellt, denn sowohl er als auch der Betrachter werden in die tiefsten Abgründe menschlicher Verzweiflung und Verdorbenheit geführt und dort ohne eine sinnvolle Landkarte zurückgelassen, um den Weg zurück nach Hause zu finden.

Wenn es in "Antichrist" um rohe, ursprüngliche Emotionen geht, dann ist der formale Prolog, der wie alle Abschnitte des Films mit einem in kindlicher Kreide gekritzelten Zwischentitel eingeleitet wird, sowohl im freudschen als auch im biblischen Sinne die ultimative Urszene. Ein Kleinkind klettert aus seinem Bettchen, beobachtet seine Eltern beim explizit dargestellten Sex und klettert dann an drei Spielzeugen vorbei, die mit 'Pain' (Schmerz), 'Grief' (Trauer) und 'Despair' (Verzweiflung) beschriftet sind, was auch die Titel der folgenden Kapitel des Films sind, zu einem offenen Fenster, aus dem es mit verstörender Gelassenheit auf die winterliche Straße hinunterstürzt. Diese berauschende Mischung aus Sex und Tod, voyeuristischen Tabus und dem Sündenfall ist umso grausamer, als sie in einer hyperdetaillierten, monochromen Zeitlupe gedreht wurde, die jeden Wassertropfen und jede Schneeflocke einfängt, und mit den barocken Klängen einer Arie aus Georg Friedrich Händels 'Rinaldo' unterlegt ist. Diese Kombination aus sexuellen Praktiken und todbringenden Ereignissen, revoyeuristischen tabuisierenden Handlungen und dem Sturz ist umso erschreckender, als sie kühl und ästhetisch stilisiert ist und nicht, wie man es erwarten könnte, auf den orgasmischen Gesichtern der Eltern oder dem schlaffen Körper des Kindes endet, sondern auf dem unpassend häuslichen Bild weißer Wäsche, die sich in einer Waschmaschine dreht.

"Antichrist" ist zwar Lars von Triers erster Ausflug ins Horrorgenre, aber nicht so sehr der Horror des billigen Schreckens und der Buhmänner in den Schränken, sondern die Fähigkeit der Phantasie zu Gewalt, Perversion und Zerstörung. Wie der Therapeut und Ehemann uns zwitschernd daran erinnert, "Was der Verstand sich vorstellen kann, kann er auch erreichen", ist dies ein alptraumhafter Film, der die schwärzesten Gedanken und Gefühle des einen oder anderen traumatisierten Probanden als erzählerische Handlungen auf der Leinwand präsentiert, umgesetzt in Anthony Dod Mantles scharfer, gelegentlich verzerrter, digitaler Farbkinematographie.

Wie das Paar in "Wenn die Gondeln Trauer tragen" reist auch dieses Ehepaar an einen Ort, an dem es sich mit ungelösten Schuldgefühlen und Schuldvorwürfen wegen des Todes ihres Kindes konfrontiert sieht. Doch auch wenn die abgelegene Hütte im Wald mit dem dazugehörigen Geräteschuppen und dem gespenstischen Dachstuhl, auf dem eine verrückte Hexe hausen könnte, aus vielen Horrorfilmen oder Kindermärchen bekannt ist, so sind hier doch auch weitergehende Aspekte im Spiel. Schon der Name ihres waldigen Refugiums 'Eden' lässt bei all den zur Schau gestellten fleischlichen Übertretungen auf die Erbsünde schließen, ebenso wie das Beharren der Ehefrau darauf, dass "Die Natur die Kirche des Satans ist". Hier wird das Böse, wenn es denn überhaupt existiert, bis zu seiner primären skripturalen Quelle zurückgeführt, während der Titel des Films und die Besetzung mit dem Mann, der einst Jesus in "Die letzte Versuchung Christi" spielte, auf die Qualen eines neueren Testaments hinweisen.

In der Tat mangelt es in "Antichrist" nicht an fleischgewordenen Torturen, obwohl unklar bleibt, ob all die körperlichen Leiden und Genitalverstümmelungen für bare Münze genommen werden sollen oder als kathartische Dramatisierungen "Wie ein Rollenspiel", um den Ehemann des Schmerzes zu zitieren, der wirklich innerlich ist. Wie wörtlich kann man einen Film nehmen, in dem ein sprechender Fuchs, eine Krähe, die nicht stirbt, und ein Sternbild, das ausdrücklich nicht existiert, vorkommen? Lars von Trier markiert seine idyllischen Gärten als Spielplatz für hypnotische Zustände und Entgleisungen des Geistes, in denen Geschichte, Mythos, Biologie, Psychologie, Astrologie, Religion und Sexualität als ideologischer Rahmen für das sich entfaltende (un)menschliche Drama miteinander konkurrieren. Es ist der Traum oder zumindest der Alptraum eines Symbolisten, der durchquert und durchlebt werden muss, um weiterzukommen, aber anstatt uns einen Weg zu weisen, führt Lars von Trier uns im Kreis herum, bis auch wir in dem dunklen Wald gefangen sind und an den Selbstquälereien dieser verlorenen Seelen teilhaben.

"Antichrist" wurde von Lars von Trier geschrieben und gedreht, als er sich noch von seiner eigenen lähmenden Depression erholte, und der Film ermöglichte es ihm, seine persönlichen Probleme zu verarbeiten, einschließlich seiner Abneigung, jemals wieder Regie zu führen, und bot ihm gleichzeitig eine kontrollierte und moderierte Arena, in der er die äußeren Grenzen des Elends erforschen konnte - in seinen späteren Szenen verweist der Film sogar auf Rob Reiners "Misery", auf Angst und Therapie. Beim Abspann kann man fast hören, wie der Regisseur dämonisch gurrt und wie Charlotte Gainsbourgs Figur in der Mitte des Films oder wie Alex am Ende von "Uhrwerk Orange" verkündet, dass er 'geheilt' ist. Lars von Trier so widersprüchlich, erschütternd und konfrontierend wie immer. Lars von Triers doppelbödiger Horrorfilm ist eine wunderbare Ansammlung verdorbener Bilder und irrationaler Assoziationen, die so ablenkend und betäubend sind wie die Depression selbst.

"The Power of the Dog" von Regisseurin Jane Campion spielt im Jahr 1925 in Montana, wo die Brüder George (Jesse Plemons) und Phil Burbank (Benedict Cumberbatch) gemeinsam eine Rinderfarm betreiben. Als sie eine Herde in die Stadt 'Beech' treiben, halten sie zum Abendessen in der 'Red Mill', wo Rose Gordon (Kirsten Dunst) und ihr halbwüchsiger Sohn Peter (Kodi Smit-McPhee) arbeiten und wohnen. Während George im Allgemeinen ruhiger und zurückhaltender ist, aber dennoch so etwas wie ein gleichberechtigter Anführer, ist Phil lauter und angriffslustig und geht sogar so weit, den femininen Peter zu beleidigen, was Rose schließlich zu Tränen rührt. Der kalte, harte Mann ist es offensichtlich gewohnt, seinen Willen durchzusetzen, seine Meinung zu sagen und verehrt oder gefürchtet zu werden. Doch Phil trifft keine Entscheidungen ohne George.

Am nächsten Morgen bleibt George in der 'Red Mill', um mehr Zeit mit Rose zu verbringen, was zu einer Romanze führt, die in einer Heirat mündet. Das verärgert Phil sehr, denn er ist gegen jeden Bruch in seinem gewohnten Lebensstil. Außerdem sieht er Rose aus unerfindlichen Gründen als unwürdige Frau oder als Bedrohung an, da sie jemanden darstellt, der die Aufmerksamkeit von der Einfachheit der unkomplizierten Karriere, die er mit seinem Bruder teilt, ablenken würde. Sobald sie mit ihrem neuen Ehemann auf dessen großem Anwesen lebt, kommen unweigerlich Animositäten, Neidgefühle und einige weitere, komplexere Empfindungen ins Spiel.

Ein angenehm finsterer, von einer Geige begleiteter Soundtrack beherrscht die Szenarien, während Phil versucht, jegliche Harmonie zwischen den Brüdern zu stören. Wenn er eine Absicht oder ein Ziel hat, dann ist es, dafür zu sorgen, dass Rose nie dazugehört und dass die Frischvermählten nie die Gelegenheit bekommen, sich zu erleichtern. Ähnlich wie bei den Figuren auf dem Bildschirm ist das Unbehagen allgegenwärtig und für den Betrachter praktisch greifbar. Die Richtung, in die sich die Geschichte entwickelt, scheint von Anfang an klar zu sein, aber die verschiedenen Episoden von Schikanen, Verachtung und unaufhörlicher feindseliger Stimmung werfen Fragen darüber auf, was letztendlich passieren wird. Es bedarf gewiss einiger sich wiederholender Sequenzen von Abneigung, um eine ausreichend intensive Aversion gegen die Figuren und ihre Handlungen aufzubauen, wobei sich die Perspektiven und Sympathien und mit der Zeit auch die Absichten ändern, insbesondere gegenüber dem auffälligen Außenseiter Peter.

Es gibt ein paar morbide Wendungen und einige Erkenntnisse über Verhaltensweisen, die oft von Sexualität durchdrungen sind und die Normen und Erwartungen an Männlichkeit und persönliche Fähigkeiten kommentieren, doch das dunkle Element des Reizes und der Manipulation bleibt immer erhalten. Phil führt nichts Gutes im Schilde, auch wenn er sich verdeckt bemüht, herzlich zu erscheinen. Die Musik, die subtile Mimik und das wachsame Auge der anderen Figuren sorgen dafür, dass sich das Auditorium der drohenden Gefahren und bösen Absichten bewusst ist. Dies ist die Gattung von Filmen, bei denen die Zuseher verunsichert bleiben sollen. Es gibt nur wenige Minuten der Gelassenheit. Es handelt sich zwar nicht um einen traditionellen Thriller, doch die Atmosphäre ist unleugbar packend und spannungsgeladen.

Unheimliche Dinge brauen sich ständig zusammen, brisante Situationen drohen ständig zu explodieren. Problematisch ist jedoch, dass "The Power of the Dog" ein langer, beständiger Aufbau ist, der ein katastrophales Finale prophezeit. Zwei Stunden lang die Konzentration auf den Ausgang der Geschichte zu erhöhen, ist jedoch sehr belastend, vor allem, wenn es sich um ein kleines Geheimnis handelt. Hier sind die Charakterstudie und die Analyse einer sich ständig wandelnden Bindung spannender als die Handlung selbst, die eher antiklimaktisch und mystifizierend endet. Doch die Darsteller sind hervorragend, allen voran Benedict Cumberbatch, der eine völlig unerwartete Abkehr von seiner jüngsten Superheldenrolle zeigt. Doch anstatt die Dinge und Interaktionen so darzustellen, dass ihre Bedeutung klar ist, wird ein zentrales Konzept der Rache bis zu den Abschiedsbildern in Unklarheit gekleidet, und dann ist es meist schon zu spät, um die Genialität oder, wie hier, die zufällige Unvorhersehbarkeit des langen Betrugs zu erkennen. Würden die Zuschauer nur ein bisschen länger in die List eingeweiht, wäre die Auflösung nicht nur ungewohnt befriedigend, sondern auch kurzweilig gewesen.

"Krass" von Regisseur Ryan Murphy beschreibt die Kindheit von Augusten Burroughs, die 1971 begann, als er sechs Jahre alt war. Seine Mutter Deirdre (Annette Bening) ist eine geplagte Poetin, die davon träumt, vor ausverkauften Theatern aufzutreten, aber von den lokalen Zeitungen und Zeitschriften abgelehnt wird und sich damit trösten muss, dass sie die Poesie anderer herabwürdigt. Augustens Vater Norman (Alec Baldwin) ist ein alkoholkranker Lehrer, der es schon lange aufgegeben hat, seine ehelichen Probleme zu lösen. Als sich die häuslichen Auseinandersetzungen verschlimmern, schlägt Deirdre Dr. Finch (Brian Cox) vor, einen anomalen Therapeuten, der überhaupt nichts zu heilen vermag. Augustens Eltern trennen sich für immer, Deirdre zieht in ein Hotel, wo sie sich in aller Ruhe in eine umfangreiche Drogensammlung stürzen kann, während Augusten in der Obhut von Dr. Finch und seinen ebenso abweichenden Verwandten bleibt. Auf irgendeine Weise gelingt es Augusten (Joseph Cross), in seiner zunehmend abscheulichen Situation Verständnis und Entschlossenheit sowie die Kraft zu finden, lebensverändernde Entscheidungen zu treffen.

Was wie eine bestechend düstere Version von "Eine Reihe betrüblicher Ereignisse" beginnt, taucht schließlich zu tief in die nicht ganz so humorvolle Welt des Drogenkonsums, sexuellen Missbrauchs und psychotischer Nonkonformität ein. Annette Bening liefert eine herausragende Leistung in der Rolle der emotional instabilen und drogensüchtigen Matriarchin, die neben ihrem eigenen Leben auch das von Augusten ungewollt zerstört. Sie balanciert mit Oscar-würdiger Präzision zwischen humorvollen Wahnvorstellungen und peinigenden Persönlichkeitsveränderungen. Joseph Cross liefert ebenfalls eine bewundernswerte Performance in der Verkörperung des verwirrten Augusten, einer unglücklichen Seele, die in der Hoffnungslosigkeit von schlechten Einflüssen und noch schlechteren Vorbildern gefangen ist. Es wäre ungerecht, fast alle Mitglieder des Ensembles, das die Anti-Brady-Bunch-Familie bildet, nicht zu erwähnen. Evan Rachel Wood spielt Natalie, die desillusionierte und rebellische Tochter, die die Einzige zu sein scheint, mit der Augusten wirklich in Kontakt treten kann. Gwyneth Paltrow spielt Hope, die religiös 'gute' Tochter, die glaubt, dass sie mit ihrer toten Katze kommunizieren kann. Jill Clayburgh ist Agnes, die treue Ehefrau von Dr. Finch, die sich die Stunden damit vertreibt, alte Horrorfilme zu schauen und Hundefutter zu essen. Jede Figur wird deutlich zum Leben erweckt und ist anfangs faszinierend zu beobachten, sogar wenn sie auf die Selbstzerstörung zusteuern.

So vielversprechend das auch klingen mag, die Probleme sind so zahlreich wie die hervorragende Besetzung. Basierend auf den Memoiren des echten Augusten Burroughs werden die skurrilen Gestalten recht comichaft dargestellt, während seine Kindheit in Wirklichkeit absolut grauenhaft gewesen sein muss. Da die Handlung die Reihe von kuriosen Umständen verfolgt, die Augusten umgeben, bis er etwa 15 Jahre alt ist, ist der Schluss alles andere als zufriedenstellend. Die meisten Vorkommnisse sind zwar unerwarteter Natur, führen aber nicht zu einem Ziel, denn sein Leben ist noch lange nicht auserzählt. Und da dies nur ein kleiner Teil seines Abenteuers ist, kommt das Projekt zu einem abrupten Ende. Viele Szenen sind vorsätzlich witzig, aber die meisten Episoden sind so derangiert, dass der Betrachter ständig zwischen einem schiefen Grinsen und einer Grimasse pendelt. Exzentrisch und grotesk sind nicht einmal im Ansatz geeignet, die albtraumartigen und melancholischen Grausamkeiten zu charakterisieren, die Augusten und dem Anwesen der Finchs widerfahren.

Zu gleichen Teilen saukomisch, manisch, mysteriös und ernsthaft deprimierend, ist es schwierig, den Unterhaltungswert zu ignorieren, der nach der ersten halben Stunde schnell abflaut. Fans von Augusten Burroughs' Werk werden "Krass" wahrscheinlich sehen wollen, um die Treue der Adaption zu beurteilen, doch für alle anderen werden die Stimmungsschwankungen und die unangenehme Fremdartigkeit des Ganzen sicherlich zu viel des Guten sein. Ein paar hysterische Szenen können nicht für die anhaltende Verschrobenheit entschädigen, die das Bild überzieht und zu konstanter Unklarheit darüber führt, was absichtlich absurd und was zufällig lustig ist.

Wer glaubt, dass das Leben nicht noch schlimmer werden kann, sollte es den Filmen überlassen, neue Figuren einzuführen, deren verzweifelte Lage alles Vorstellbare übertrifft. Solche Persönlichkeiten gedeihen in "Zeiten des Aufruhrs" des Regisseurs Sam Mendes, einem Film, dessen Perspektive so weit in das Reich der erdrückenden Depression reicht, dass das Resultat nur völlige Erschöpfung sein kann. Hätte Sam Mendes bei der Verfilmung des Romans von Richard Yates nur die Möglichkeit gehabt, diese Menschen in irgendeiner Weise sympathisch oder glaubwürdig zu machen, wäre ihre Qual vielleicht nicht so müssig und zermürbend gewesen. Hätte...

Für April (Kate Winslet) und Frank (Leonardo DiCaprio) ist es Liebe auf den ersten Blick und kurz darauf der unentrinnbare Strudel der Wiederholung. Frank nimmt einen tristen Tagesjob als Geschäftsmann an, schlafwandelt durch sinnlose, unbefriedigende Arbeit, ist dazu genötigt, die Sekretärinnen zu verführen und seine Pflichten zu vernachlässigen, nur um sich die Zeit zu vertreiben. April ist eine Hausfrau und Mutter, die in ihrer Pflicht feststeckt und das Gefühl hat, dass sie ihr Leben nicht voll auskosten kann. Während das Paar einen erfrischenden, aber weit entfernten Weg zu einem idyllischen Leben in der utopischen Stadt Paris plant, ersetzen harte Realitäten die hoffnungslosen Träume, und schwierige Optionen ruinieren zunehmend ihre Chancen, mit der elenden Identität zu brechen, die sie geschaffen haben.

Es gibt wahrhaftig nichts, was man an "Zeiten des Aufruhrs" mögen könnte. Die Charaktere sind allesamt demotivierend, dysfunktional und nervig, aber vor allem werden sie so dargestellt, dass Empathie praktisch nicht in Betracht kommt. Da April in den Wahnsinn abdriftet und Frank unkontrollierbar kocht, kommt die einzige Sensibilität von dem klinisch verrückten John (Michael Shannon), der so unausstehlich ist, dass selbst seine Ausführungen über ihre Situation beklemmend sind. Die beiden Kinder, die ebenfalls Mitleid erheischen könnten, sind oftmals fern, was den Kontakt des Betrachters mit dem brüchigen Gewissen der Hauptfiguren noch weiter kappt. Es ist, als würde man die Zuseher dazu bringen, alle Personen im Film zu hassen um auf ihre Störungen und Defekte nur mit negativer Resonanz zu reagieren.

Auch das Drehbuch ist misslungen und lässt Leonardo DiCaprio und Kate Winslet so unprofessionell aussehen wie in "Titanic", der ein Jahrzehnt zuvor gedreht wurde. Manche mögen argumentieren, dass es sich bei ihnen um vollendete Schauspieler in ihren besten Jahren handelt und dass ihre Darbietungen eine Auszeichnung wert sind, aber selbst der Höhepunkt von "Zeiten des Aufruhrs" ist lächerlich, ebenso wie fast jede ergänzende Sequenz, in der sie sich ständig zanken und einander anschreien. Und ihr Streit nimmt den größten Teil der Laufzeit ein, so dass dieses unendlich dialoglastige, melodramatische Projekt nur aus Zitronen und keinem Zucker besteht. An diversen Stellen ist "Zeiten des Aufruhrs" so dermaßen peinlich-traurig, dass es schon fast lustig ist. Dieser Film wird die Zuschauer sicherlich dazu veranlassen, die schlechtesten Filme des vergangenen Jahres neu zu evaluieren. Doch so sehr es auch jene Zusehenden aufmuntern mag, die dankbar sein können, dass ihr eigenes Leben nicht so sozial beeinträchtigt ist, so sehr könnte es auch anderen zu nahe gehen.

"88 Minuten" von Regisseur Jon Avnet ist ein Film, der so viele Mängel aufweist, dass man sie nicht alle in einer einzigen Rezension aufgreifen kann. Amateurhaftes Talent, das dem Film einen entsprechend juvenilen Einschlag verleiht, umgibt den altgedienten Schauspieler Al Pacino, der im Prinzip in allem, was er tut, eine beeindruckende Performance abliefert. Doch hier kann er die Leistungen der anderen nicht konterkarieren. Der vergebliche Versuch, spannend zu sein, und das viel zu große Bemühen, den Betrachter in ein Ratespiel zu verwickeln, machen "88 Minuten" bisweilen schlicht zur Farce. Der Film ist einfach nicht geistreich genug, um 88 Minuten lang zu funktionieren, geschweige denn die tatsächliche Laufzeit von 108 Minuten zu garantieren.

In Seattle ist Jack Gramm (Al Pacino) der forensische Psychiater des FBI, der hauptverantwortlich für die Verurteilung des Serienmörders Jon Forster (Neal McDonough), des 'Seattle Slayer', war. Als Jon Forster kurz vor seiner Exekution steht, erhält Jack Gramm einen mysteriösen Drohanruf, der ihn warnt, dass er nur noch 88 Minuten zu leben hat. Jack Gramm wird folglich von Paranoia befallen und verdächtigt jeden Vertrauten, während er die diversen Tathergänge, die zum Tod mehrerer Opfer des Killers geführt haben, zurückverfolgt und dabei einen Trittbrettfahrer entlarvt, der scheinbar von dem inhaftierten Jon Forster gelenkt wird. Verstrickt in ein perfides Katz- und Mausspiel muss Jack Gramm, dem die Zeit davonläuft, seinen potenziellen Mörder zu fangen trachten.

Anfangs wirkt die Handlung von "88 Minuten" noch interessant, doch schnell kollabiert die Geschichte in ihren Grundfesten. Der Film hat erhebliche Defizite bei der Beibehaltung einer hinlänglichen Spannungsgrundlage, da die meisten Charaktere keine Sympathiewerte aufweisen, wohingegen Al Pacino zumindest bis zu den letzten Sekunden seiner 88-minütigen Ermittlungen unantastbar ist. Um die Dichte noch weiter zu reduzieren, wird jede Szene mit einem Übermaß an fabrizierter paranoider Verfolgungswut zugekleistert. Der Aufbau ist reine Fanfaronade, mit einer Unzahl von uninspirierten Nebenfiguren, die als mögliche Verdächtige in Frage kommen, bis hin zu einem Campus-Sicherheitspolizisten und einem Empfangsmitarbeiter, die ihre jeweiligen Partien bis zur totalen Absurdität ausschmücken.

Zu viele kleine Statisten sorgen dafür, dass diejenigen, auf die es ankommt, nicht die nötige Spielzeit bekommen, was zu einem geplanten und chaotischen Gewirr führt. Selbst wenn der Betrachter nicht in der Lethargie ist, den Urheber des Verbrechens zu erkennen, bevor die letzten Sekunden verstrichen sind, ist die Entlohnung bestenfalls banal. Obgleich Al Pacino eine begrenzte Charakterentwicklung zuteil wird, spielen sich fast 90% des Films auf Mobiltelefonen ab, was den Bezug des Verbrauchers zu signifikanten Persönlichkeiten zusätzlich behindert. Jack Gramm wird in "88 Minuten" auch von fast jedem bevormundet, er ist umgeben von Studenten und Kollegen, die definitiv nicht so lupenrein oder integer sind, wie sie sich zu geben bemühen, was den Argwohn verstärkt, der über den Verfolgungswahn hinausreicht und es letztendlich erschwert, das Ganze als ernst anzusehen.

Wäre Jack Gramm einer Autobombe, einem Motorradfahrer mit Unfallflucht oder einem fanatischen Heckenschützen zum Opfer gefallen - lauter blödsinnige Einfälle - hätte er nicht lange genug überlebt, um dem Film seinen Titel gerecht zu werden, was wiederum verhindert, dass einer dieser nervenaufreibenden Aspekte echte Zugkraft entfaltet. Derweil tragen viele Zoomaufnahmen, eingeblendete Rückblenden, zusammengeschnittenes Leichenmaterial und entnervende Schnittteile zu den unappetitlichen Charakteristika des Films bei, ganz zu schweigen von den umfangreichen Logiklücken oder den sträflich inhaltsleeren Abzweigungen, die als rote Fäden dienen. Der Zuschauer ist nicht dazu aufgerufen, das Rätsel an der Seite von Jack Gramm zu ergründen, zumal die Charaktere ihre Untaten beichten oder vorsätzlich in die Irre führen, was die Interaktivität von "88 Minuten" im Endeffekt zunichtemacht. Im Gegenteil, es ist ein Tippspiel, bei dem man gleich zu Beginn resignieren möchte.

"Was ist das für ein Ort?" Als Jacob Yi (Steven Yeun) seiner Frau Monica (Yeri Han) in "Minari - Wo wir Wurzeln schlagen" von Regisseur Lee Isaac Chung ihr neues Zuhause in Arkansas zeigt, erwartet sie eine Überraschung. Ihre Kinder David (Alan Kim) und Anne (Noel Kate Cho) untersuchen das Haus zwar mit Freude, doch Monica ist angewidert von seinem hinterwäldlerischen Äußeren, denn es ist ein Wohnmobil mit faszinierenden Rädern und Klötzen zur Stabilisierung. Wenigstens haben sie ein großes Grundstück von etwa 50 Hektar, auf dem Jacob einen koreanischen Gemüsegarten anlegen will. "Das ist der beste Dreck in Amerika!"

Die Yis arbeiten bei Wilkinson Hatcheries, nachdem sie zuvor in einem ähnlichen Betrieb in Kalifornien geschuftet haben, wo sie den ganzen Tag auf Hühnerärsche starrten, ein Sortierverfahren, das als Geschlechtsbestimmung bezeichnet wird und die unverwertbaren männlichen Tiere aussortiert, die dann anschließend getötet werden. Allerdings hatten sie dort nichts, und das meiste von Jacobs Ersparnissen ging für den Unterhalt seiner Eltern drauf, ein Brauch seiner koreanischen Herkunft. Hier haben sie eine enorme Menge an Eigentum und die Chance, neu anzufangen und den fehlgeleiteten oder trügerischen amerikanischen Traum zu verfolgen. Mit etwas Glück und genügend Zielstrebigkeit könnten sie es schaffen.

Trotz einiger anfangs entbrannter Querelen über ihre Lebenssituation strahlen die Yis einen gewissen Optimismus aus, der sich wie ein Segen anfühlt, obwohl sie im Grunde allein in der Wildnis leben und eine Stunde von einem Krankenhaus entfernt sind, was wegen der Herzprobleme des kleinen David Besorgnis erregend ist. Außerdem sind ein paar Bekanntschaften unerwarteterweise sehr merkwürdig. Wäre dies ein Horrorfilm, hätten die Dinge schnell in die Binsen gehen können, insbesondere der Landarbeiter Paul (Will Patton), dessen religiöse Warmherzigkeit ebenso alarmierend wie harmlos und grenzwertig freundlich ist. Als Monicas Mutter (Yuh-jung Youn) kommt, um beim Kinderhüten behilflich zu sein, um einen Ausgleich für Jacobs Obsession mit der Landwirtschaft zu schaffen, ist das eine weitere Quelle für angespannte Beziehungen und für Davids Exzesse, zum Teil, weil er gezwungen ist, sein Zimmer zu teilen, aber vor allem, weil diese neue Person nicht seinen großmütterlichen Normen entspricht.

Während "Minari - Wo wir Wurzeln schlagen" die einfachen Freuden der Wildnis, die Freiheiten und Möglichkeiten unternehmerischer Selbstständigkeit und neue Freundschaften erkundet, werden gleichzeitig düstere Konzepte wie kulturelle Identitätskonflikte, Disziplin, das Erfüllen von Erwartungen, der Kampf mit dem Gefühl der Zugehörigkeit, die Monotonie der körperlichen Arbeit und die Qualen des drohenden finanziellen Scheiterns sowie die demoralisierenden Aktionen, die aus dem Kampf gegen diese Möglichkeit resultieren, unter die Lupe genommen. Der Umfang des Films mag begrenzt sein, vor allem wegen des kleinstädtischen Settings der 80er Jahre mit wenigen Schauplätzen und der bescheidenen Besetzung, aber die Herzenswärme und die Sanftmut der Figuren sind eindrücklich. Sämtliche Rollen zeichnen sich durch eine hohe Authentizität aus, die durch die intime Umgebung und Situation noch zusätzlich betont wird. Mehr als alles andere ist "Minari - Wo wir Wurzeln schlagen" eine Charakterstudie. "Warum ist dein Gesicht so schmal?

Die vielleicht berührendste Darbietung kommt von Yuh-jung Youn, einer ungewöhnlichen Stimme der Vernunft und doch ein wenig rebellisch. Die auffallende Menschlichkeit, die sie in alltäglichen Routinen und einfachen Beobachtungen vermittelt, ist zutiefst bezwingend. In ihrer kompromisslosen Ganzheitlichkeit ist sie eine sensationelle filmische Präsenz. Ihre Entwicklung ist am glaubwürdigsten, die von Monica dagegen am wenigsten, der mehrere Sequenzen gegeben werden, um verständliche Einwände zu entwickeln, die gegen Ende unerklärlicherweise und frustrierend verworfen werden, als ob sie dauerhaft durch nicht miteinander verbundene Tragödien besänftigt würden. Bis zum Ende, das einen kraftvollen Klimax bietet, auch wenn er inszeniert ist, da unangebrachte Erfolgsmessungen gegen persönliche Stärken und den Herzeleid des familiären Streits abgewägt werden, wird dies ein eklatanter Fehltritt mit emotionalen Beweggründen. "Minari - Wo wir Wurzeln schlagen" mag hoffen, dass bestimmte Ambiguitäten wirklichkeitsnah sind, aber es ist äußerst unzureichend, wenn diese Subtilitäten zahlreiche, zuvor definierte Motivationen und Mentalitäten sowie Konflikte und die Offenbarungen ignorieren, die dringend notwendig waren, damit die beiden Hauptfiguren wahre Genugtuung erfahren.