Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Raptor" von Regisseur Jim Wynorski fahren drei College-Studenten achtlos in ihrem Jeep herum, als sie von einem puppenhaften Raptor angegriffen werden, einem prähistorischen Tier, das durch die Wüste streift. Es ist hysterisch albern, Menschen dabei zuzusehen, wie sie von einem Gummitier in Stücke gerissen werden. Die Szene soll intensiv sein, was durch schnelle Kamerabewegungen, viel buchstäbliches intestinales Gemetzel und schrille Schreie unterstützt wird. Doch dafür ist es unglaublich lustig.

Sheriff Jim Tanner (Eric Roberts) wird gerufen, um den blutigen Tod eines Trios von Mittzwanzigern in der trockenen Region zu untersuchen. Ihm zur Seite steht die Tierschutzbeauftragte Barbara Phillips (Melissa Brasselle, deren Supermodel-Figur und riesige Brüste nicht im Geringsten an realistische Professionalität erinnern), eine Spezialistin für Angriffe von Wildtieren. "Es war kein Puma", beteuert sie, während das Kreischen eines großen Reptils in der Ferne die observierenden Beamten ablenkt.

Der Übeltäter, ein 150-200 Pfund schweres Tier, ist ein abtrünniges Experiment der 'Eunice Corporation', die von dem strengen, unsympathischen Tierverhaltensforscher Dr. Hyde (Corbin Bernsen) geleitet wird, der sein Team von Wissenschaftlern anweist, die Situation unter Kontrolle zu bringen, um polizeiliche Ermittlungen zu vermeiden. Die Regierung beauftragte seine Organisation bereits vor zwölf Jahren mit dem 'Jurassic Storm Project', bevor es eingestellt und illegal im privaten Sektor wiederaufgenommen wurde. Die leitende Assistentin Karen (Teresa DePriest) engagiert einen ahnungslosen Geflügeltransporter, um die verbliebenen Neugeborenen heimlich auszusiedeln, aber ein weiteres entkommt, diesmal ein T-Rex. Der Wissenschaftler Lyle (Frank Novack) beginnt, an der Legitimität seiner Beteiligung an dem korrupten Unternehmen zu zweifeln, während der Sicherheitschef Josh McCoy (Grant Cramer) ohne Umschweife an der Vertuschung mitwirkt.

Tanners Tochter Lola (Lorissa McComas) wird von dem gentechnisch veränderten Dinosaurier angegriffen und auf der Flucht aus dem Auto geworfen. Sie ist traumatisiert und liegt eine Zeit lang im Koma, wird aber durch eine Tonaufnahme des grölenden Sauriers geweckt. Während Barbara durch die Verluste offenbar sexuell erregt wird und versucht, den Sheriff zu verführen, bevor sie zu ihrem Haus zurückkehrt, wo sie sich auf eine Dusche im Dunkeln vorbereitet und Melissa Brasselle die Gelegenheit bietet, in Unterwäsche umherzutänzeln, bricht Jim das Rendezvous ab, um im Hauptquartier von 'Eunice Corporation' ein wenig herumzuschnüffeln. Während er um einen Durchsuchungsbefehl kämpft, tauchen weitere Leichen auf, darunter einer von Tanners Stellvertretern, dem eine riesige Dinosaurierklaue in den Unterleib getrieben wurde.

Die Kameraführung mit grüner Raptorvision lässt Hinterhalte erahnen, Melissa Brasselles Uniform im Dienst zeigt immer ihre Hüften, und die Dinosaurierangriffe sind zahlreich und unfreiwillig komisch. Die Dialoge sind grotesk erbärmlich, die Schauspielerei kann man kaum als schauspielerisch bezeichnen, eine militärische Verfolgungsszene könnte nicht banaler sein, mit gebellten Befehlen, steifen Bewegungen und Gesprächen. Der Schnitt ist entsetzlich, und die Dinosauriereffekte bestehen zuweilen aus sehr kautschukartigen Kostümen, die Velociraptoren watscheln herum wie zahnbewehrte Enten. Aber jedes bisschen Low-Budget-Mittelmaß trägt spektakulär zur Unterhaltung bei.

Nur ein Film, der mit Ernsthaftigkeit und ohne Originalität hergestellt wurde, konnte zu solch einem lustigen Durcheinander von fast ausbeuterischer Dämlichkeit führen. Es ist erkennbar, dass "Raptor" versucht, die Erfolgsformel der "Jurassic Park"-Franchise und in einigen Sequenzen "Aliens - Die Rückkehr" zu kopieren, mit Schimpfwörtern speienden Marinesoldaten und einem Power-Loader-Rip-Off mit Eric Roberts in einem Bobcat, aber die schlechte Regie, die überstürzte Ausführung und das Gelddefizit schaden dem Projekt einfach zu sehr. Interessanterweise wird die Musik, die völlig uninteressant ist, James Horner zugeschrieben, nicht lange nach seinem Oscar-Gewinn für "Titanic", obwohl ein Großteil der Kompositionen aus früheren, von Roger Corman produzierten Sci-Fi-Schrottfilmen stammt.

"Briefe an Gott" von Regisseur David Nixon läuft wie ein normaler Fernsehfilm ab, mit schleppenden Momenten traurigen Dramas, allgemein fröhlichen, lustigen Augenblicken für die Familie, die mit einem krebskranken Jungen zu tun hat, und vielen Gelegenheiten, Tragödien um der Schärfe willen anzuhäufen, aber es fühlt sich nicht realistisch, inspirierend oder von Herzen kommend an. Der Film ist langatmig und versucht ständig, die Meinung des Betrachters zu beeinflussen, vor allem durch den überwältigenden Druck, an Gott zu glauben, indem er ein krankes Kind einsetzt, ein Thema, das nur wenige völlig ignorieren können. Die größte Schande ist, dass dieses Material, obwohl es nicht neu ist, so wirkungsvoll hätte sein können, stattdessen ist das Ergebnis eine unausgegorene und klischeehafte Methode der Rekrutierung.

Maddy Doherty (Robyn Lively), eine Angestellte der 'Arnold Palmer School for Children', lebt mit ihren beiden Söhnen Ben (Michael Bolten) und Tyler (Tanner Maguire) und deren Großmutter (Maree Cheatham) zusammen. Tyler hat Krebs, wurde am Gehirn operiert, bestrahlt und hat wegen der Chemotherapie keine Haare mehr. Er ist ständig krank und die Ärzte haben Maddy geraten, sich keine Hoffnungen zu machen, aber Tyler bewahrt sich seine gute Laune, indem er seiner Mutter Streiche spielt, die man geliebten Menschen nicht antun sollte, wenn der Schalk im Sterben liegt. Ben, der ältere Bruder, der nicht an Gott glaubt, hat damit zu kämpfen, dass die gesamte Zeit, das Geld und die Aufmerksamkeit der Familie an Tyler geht - er fühlt sich unsichtbar. Das scheint egoistisch, aber es ist ungerecht. Er hat auch Angst, dass sein Bruder krank bleibt und dass sie nie wieder gemeinsam Spaß haben werden. Unterstützung erhält Tyler von seiner besten Freundin Samantha (Bailee Madison) und ihrem Großvater Cornelius Perryfield (Ralph Waite), einem freundlichen älteren Herrn, dessen Theaterkarriere ihn ein wenig exzentrisch gemacht hat.

Die religiösen Töne sind unglaublich gewichtig und übertrieben. Der Film bemüht sich sehr, die Idee zu vermitteln, dass Anbetung heilsam sein kann und dass der Glaube an Gott der Schlüssel zum Glück und möglicherweise auch das Heilmittel für Krebs ist. Auf die gleiche Weise, wie eine Schnulze versucht, Emotionen für ein Drama oder eine Romanze zu instrumentalisieren, versucht "Briefe an Gott", den Zuschauer zum Glauben zu bewegen und um göttliche Intervention zu bitten. Da hilft es auch nicht, dass sich diese lästigen Themen über fast zwei Stunden hinziehen. Zumindest Tanner Maguires Darstellung ist relativ authentisch, und seine Akzeptanz der Situation und sein realistischer Blick auf die Haltung der anderen, manche mit Freundlichkeit und Verständnis, viele aber mit Angst und Hass, ist erfrischend angemessen. Aber die unüberschaubar umfangreichen Montagen und die Pausen, in denen man einem Lied lauscht, während Rückblenden zu früheren Szenen im Film abgespielt werden, machen deutlich, dass der Erzählansatz nicht gut durchdacht oder für jemanden jenseits der außergewöhnlich Andächtigen geeignet war.

1939 war ein großartiges Jahr für den Film, in dem unter anderem "Vom Winde verweht" und "Der Zauberer von Oz" in die Kinos kamen. In einem der ersten Jahre des Bestehens des Oscars mit zehn Nominierungen für den besten Film war ein weiteres ausgezeichnetes Epos der immer mehr ignorierte Film "Stürmische Höhen" von Regisseur William Wyler, der dank einer hervorragenden Besetzung und einer starken Geschichte, die auf dem gelobten Roman basiert, sofort erfolgreich war. Die Dialoge sind abwechselnd lyrisch und bösartig, mit Inbrunst und Schärfe vorgetragen, was vielleicht dank der Adaption eines so beliebten Buches am meisten berührt. Selbst die wenigen Änderungen schmälern nicht den bleibenden Reiz, obwohl sie den möglichen Ton der Beziehung der Hauptfiguren verändern und das Ende so anpassen, dass zufällig eines der besten Liebesdramen aller Zeiten entsteht.

In den Mooren von Yorkshire in England stand ein Haus, das so düster und trostlos war wie die Einöde um es herum: 'Wuthering Heights'. Es ist die Heimat einer höchst unwillkommenen Gesellschaft, die es nicht gerne sieht, wenn Fremde auf ihrem Grundstück erscheinen. Als Mr. Lockwood (Miles Mander), ein neuer Mieter des Anwesens, in einer besonders stürmischen, verschneiten Nacht das Haus betritt, wird er mit Verachtung und Groll empfangen. Widerwillig nimmt ihn der Besitzer Heathcliff (Laurence Olivier) in einem Zimmer auf. Als Lockwood mitten in der Nacht aufwacht, hört er die gedämpften Schreie einer Frau im Moor. Heathcliff wird wütend, als Lockwood das Phantasma beschreibt, und rennt sofort in die Kälte hinaus. Dies veranlasst die Haushälterin Ellen (Flora Robson), dem verunsicherten Gast die Geschichte von Heathcliff und seiner verlorenen Liebe Cathy (Merle Oberon) zu erzählen.

"Stürmische Höhen" ist ein Film über zwei Welten, die durch die Verstrickungen der Liebe, verursacht durch unbändige Eitelkeit und Gier, aufeinander prallen. Wie in vielen großen Tragödien, vor allem in zeitgenössischen Stücken, geht es um eine verbotene oder zum Scheitern verurteilte Romanze und die Trennung zwischen den Klassen: diejenigen, die gezwungen sind, zusammen zu sein, und jene, von denen erwartet wird, dass sie zusammen sind, wobei jedes Szenario maßgeblich von Klasse und Status bestimmt wird. Die Konzepte der Verfolgung von Beziehungen, der Rache, des Rollentauschs und der Verwandlung treten ebenfalls stark in Erscheinung: Heathcliffs Verachtung führt zu seiner geisterhaften Rückkehr aus der Vergangenheit, der märchenhaften Rückgewinnung eines riesigen Vermögens, um sich auf bittere Weise wieder in das Leben von Cathy und Edgar Linton (David Niven) einzugliedern, nicht weit entfernt von der heroischen Rache des Grafen von Monte Christo, und dient dem ruinierten Hindley (Hugh Williams) als feindliche Abrechnung.

Heathcliff ist opulent manipulierend und bösartig zerstörerisch, aber ebenso fluchbehaftet. Er ist dazu bestimmt, sein Leben damit zu verbringen, sich an allen zu rächen, die ihm Unrecht getan haben, einschließlich Cathy, ungeachtet oder vielleicht gerade wegen seiner absoluten Besessenheit von ihr. Eine der bewegendsten Szenen zeigt dies in einem Kampf zwischen nervösen Blicken und unnachgiebigen Starren zu den schnellen Noten von Mozarts 'Türkischem Rondo'. Dank der außergewöhnlichen Harmonie zwischen Laurence Olivier und Merle Oberon sind sie in der Lage, viele Emotionen und Kommunikationen ohne Worte allein mit ihren feuchten, aber nicht blinzelnden Augen zu vermitteln. Es ist kein Zufall, dass "Stürmische Höhen", so unbemerkt wie er inmitten der Konkurrenz von 1939 ist, 1998 auf der Liste der 100 größten amerikanischen Filme des 'American Film Institute' landete und 2007 von der 'Library of Congress' wegen seiner unbestreitbaren filmischen Bedeutung und Kunstfertigkeit für die Aufnahme in das 'National Film Registry' ausgewählt wurde, obwohl er seit mehr als einem Jahrzehnt auf Heimvideo vergriffen ist.

Die oft parodierte, äußerst majestätische Eröffnungssequenz ist vielleicht die atemberaubendste Aufnahme des gesamten Films, in der die Hauptdarstellerin Julie Andrews als Nonne Maria grandios durch die Hügel des Salzburgs in den 1930er Jahren wirbelt. "Meine Lieder, meine Träume" unter der Regie von Robert Wise ist mit einigen der einprägsamsten, fröhlichsten und unterhaltsamsten Songs aller Musicals gesegnet - eine ungewöhnliche Leistung für die Fülle von Werken aus den 50er und 60er Jahren, von denen viele kein einziges Stück enthielten, das so bedeutsam war wie die schwächste Melodie in diesem episch-romantischen Meisterwerk.

In der Abtei, in der Maria als Postulantin lebt, hat die ehrwürdige Mutter genug von der Unruhe, dem Fehlverhalten und der Flucht der jungen Frau aus der Einrichtung, um mittags im Nachbartal zu meditieren. Sie schickt sie als Gouvernante auf das nahe gelegene Landgut des Kapitäns von Trapp (Christopher Plummer), der dringend Hilfe bei der Betreuung seiner sieben Kinder benötigt, deren Mutter verstorben ist und die bereits zwölf Kindermädchen durchlaufen haben. Bei ihrer Ankunft in dem kalten, grauen, hoch aufragenden Haus wird klar, dass nicht die Kinder die Nannys vergrault haben, sondern die strenge, militaristische Erziehung, die ihr Vater ihnen angedeihen ließ. In Uniformen gekleidet, auf Pfeifsignale reagierend und wie Miniatursoldaten marschierend, haben die sieben Kinder geheime Methoden entwickelt, um mit solch drakonischer Disziplin zurechtzukommen. Sie sind unverbesserlich und unmöglich im Umgang mit ihrem neuen Au-pair-Mädchen und schikanieren es. Diese Initiation wird von der intelligenten Maria zu einer Lektion in Sachen erster Eindruck und Reue umgedreht.

Das älteste Mädchen, die sechzehnjährige Liesl (Charmian Carr), ist in den Boten Rolfe (Daniel Truhitte) verliebt, der sie im Garten besucht, nachdem er dem Kapitän Telegramme überbracht hat - eine Verbindung, die vor dem sicherlich missbilligenden Vater geheim gehalten wird. Trotz von Trapps Beharren auf einem strengen Verhaltensregime und Unterordnung ist Maria entschlossen, den Kindern beizubringen, Kinder zu sein, und zwar durch die Freuden des Singens, Tanzens, Spielens und der Fröhlichkeit - all die Bestandteile des unbeschwerten Erwachsenwerdens, die ihnen so sehr fehlen. Als der Kapitän mit der Romantikerin Baronin Schroeder (Eleanor Parker) aus Wien zurückkehrt, ist er wütend über den Übermut seiner Kinder, bis sie für die Adelige singen und eine Stimmung ins Haus bringen, die seit dem Tod seiner Frau nicht mehr da war.

Gespräche, die sich in Lieder verwandeln, haben etwas Magisches und Unaufdringliches, vor allem wenn man bedenkt, dass das typische Tanzen, das solche Sketche begleitet, erfrischend unauffällig ist. Bestimmte Sequenzen mit Charakteren, die sich niemals spontan austoben würden, werden dennoch choreographiert, aber nicht auf eine ablenkende Extravaganz hin. Wenn Liesl und Rolfe ihrer Liebe Ausdruck verleihen, geschieht dies durch einen Kuss und einen Tanz im Regen - ein weiteres natürliches Erlebnis. Wenn Maria sich bewegt, dann entweder mit den Kindern oder ganz allein, um Tagträume oder Introspektion zu visualisieren. Die Dialoge, wenn sie nicht gesungen werden, sind sorgfältig geplant und nicht selten hochkomisch, voller pfiffiger Wortwechsel und lebhafter Diskussionen.

Es ist verwunderlich, dass das unrealistischste Element des dreistündigen Films eine komplexe Marionettenshow ist, die von den Kindern aufgeführt wird und in der Talente und Utensilien gezeigt werden, die nicht so schnell hätten zusammengestellt werden können, obwohl die genaue Zeitspanne unklar ist. Ungeachtet der möglichen Konflikte, die über das Verhalten des Kapitäns hinausgehen und in die historische Schwere des Anschlusses, der Nazis und des Zweiten Weltkriegs eintauchen, ist der Film äußerst positiv, lebenslustig und hoffnungsvoll. "Meine Lieder, meine Träume" ist ein spektakuläres Vergnügen, um ein Musical zu sehen, das ein ergreifendes Thema mit einem düsteren Hintergrund behandelt, ohne die Festlichkeit seiner Imagination zu verraten. Viele werfen dem Film zwar vor, zu süßlich zu sein, darunter auch Regisseur Robert Wise, bevor er sich schließlich bereit erklärte, das Projekt zu leiten, aber "Meine Lieder, meine Träume" ist ein außerordentlicher Triumph, bei dem Charaktere, Geschichte, Kameraführung und Ton mit dauerhaften Liedern brillant ausbalanciert werden, was zu einem immensen Kassenerfolg führte, der später den Oscar für den besten Film sowie für die beste Regie und eine Nominierung für Julie Andrews einbrachte, die vor allem wegen ihres Oscar-Gewinns für "Mary Poppins" im Jahr zuvor nicht gewann.

In abwechselnd sehr enigmatischen und qualvoll langwierigen Sequenzen untersucht "The Green Knight" von Regisseur David Lowery die Mythen und Legenden, die dazu gehören, ein Mythos und eine Legende zu werden. Während der Protagonist des Films durch eine wackelige Erkenntnis der widersprüchlichen Natur des Ziels, das er anstrebt, und der wirklichen Opfer, die mit dem Erreichen dieses Ziels verbunden sind, stolpert, bläht sich jede Szene mit dramatischen Visualisierungen und donnerndem Sound auf und steuert auf eine Katharsis zu, die nie kommen wird. Wahre Absichten und konkrete Definitionen schaffen es oft nicht, den übermächtigen Nebel zu durchdringen, sowohl buchstäblich als auch symbolisch. Der einleitende Off-Kommentar warnt davor, dass es sich hier nicht um eine bekannte Geschichte von Schwertern in Steinen handelt, sondern um eine Fantasy-Neuerzählung, die leider Wirkung und Intrigen zugunsten surrealistischer Bilder und poetischen Gebrabbels opfert.

Der temperamentvolle, nichtsnutzige junge Gawain (Dev Patel) verbringt seine Tage damit, sich zu besaufen und Münzen an die laszive Essel (Alicia Vikander) zu verschwenden, während er davon träumt, ein Ritter zu werden. Als ein bedrohlicher Eindringling das Weihnachtsessen des Königs (Sean Harris) unterbricht und einen Krieger auffordert, eine unheilvolle Herausforderung anzunehmen, meldet sich Gawain sofort freiwillig. Doch das trügerische Duell hat schreckliche Folgen und zwingt den forschen jungen Mann, in den Norden zu reisen, an einen fernen Ort, an dem es von unsagbaren Gefahren, Betrug und Tod nur so wimmelt.

Basierend auf einer ritterlichen Romanze eines anonymen Autors (geschrieben und inszeniert von David Lowery), geben sich die ersten Momente große Mühe, eine besondere Atmosphäre zu schaffen - eine mit herabfallender Asche, ständigem Dunst, hoher Luftfeuchtigkeit, flackernden Lichtern, einem läutenden Glockenturm, verdreckten Tieren und zerrissener Kleidung. Eine gewisse Unsauberkeit durchzieht die Szenerie, von armseligen Gesichtern über Bordellbewohner bis hin zu baufälligen Gebäuden, bevor der runde Tisch eines kalten Steinschlosses zum Mittelpunkt für den Besuch des jenseitigen grünen Ritters wird. Die Landschaften sind atemberaubend, auch wenn sie auffällig arrangiert sind und den Anschein einer "The Witcher"-Episode erwecken. In seinen besten Momenten gleicht "The Green Knight" einem zum Leben erweckten Frazetta-Gemälde oder einem nicht jugendfreien Update der Fantasien von Ray Harryhausen. "Bist du schon ein Ritter?"

Leider wird trotz der Aufmerksamkeit für visuelle Details durch eine starke Stilisierung des Schnitts schnell klar, dass es sich hier nicht um ein traditionelles Schwert- und Hexenabenteuer handelt. In der Tat gibt es praktisch überhaupt kein Gefühl für Abenteuer, das epische Projekt ist eher von halluzinogenen Einlagen durchsetzt als von einer geradlinigen Geschichte. Da ein Jahr vergehen muss, bevor Gawain zu seinem Schicksal aufbricht, stellt sich eine merkwürdige Langsamkeit ein, die Sorgfalt der künstlerischen Kameraführung, Licht und Schatten sind ungewöhnliche Prioritäten, stimmungsvolle Kadrierungen und Umgebungsdetails verhindern, dass die Handlung in Gang kommt. Und sobald sich Gawain in den unerbittlichen Fängen von Waldbanditen wiederfindet, verflüchtigt sich jeglicher Sinn für die übliche Suche, die Geschehnisse werden so skurril und bringen ein fast schon komisches Maß an Exzentrik mit sich, dass man das Gefühl hat, die Interaktionen könnten jeden Moment in einen Monty-Python-Sketch ausarten.

"The Green Knight" ist nicht nur darauf ausgelegt, die Spannung hinauszuzögern, er ist auch keineswegs als eine Veranstaltung für verwegenen Schwulst gedacht. Eine geheimnisvolle Mission nach der anderen verlagert die Geschehnisse nicht nur weg von den bereits phantasmagorischen Qualitäten mittelalterlicher Bilder wie "Der Tag des Falken" oder "Legend" oder den mythischen Interpretationen von "Die Zeit der Wölfe", sondern auch in die Science-Fiction-Gefilde von "Zardoz" oder "Auslöschung". Es ist klar, dass diese Adaption auf eine sehr spezielle Gruppe von Kinobesuchern abzielt, das allgemeine Publikum wird völlig perplex sein. An einer Stelle frisst Gawain wilde Pilze - ein Akt, für den sich David Lowery selbst entschieden haben könnte, als er den Plot schrieb, denn die Ereignisse hier sind so routinemäßig unfassbar, dass sie genauso gut Teil eines psychedelischen Trips sein könnten. "Ich fürchte, ich bin nicht zu Großem bestimmt."

Gelegentlich wandern die separat betitelten Vignetten durch die Horrorthemen, sind aber nie ganz dem visuellen Terror verschrieben. Nach demselben Muster bauen zahllose Filmszenen ihre Spannung und Eindringlichkeit auf, nur um kurz vor der Ehrfurcht zu enden, und fast jede Sequenz endet abrupt, um in antiklimaktische Seltsamkeit zu münden. Bedeutungen und Botschaften sind vorhanden, wenn man nach ihnen sucht, im einfachsten Fall eine Lektion über idealisiertes Rittertum, aber die Charaktere sind so unsympathisch und anormal bis hin zur Irrationalität, dass die Geschichte nur in immer weniger überzeugende Visionen von fanatischer Esoterik zerfällt. "Dieses Haus ist voll von seltsamen Dingen."

In "Supergirl" von Regisseur Jeannot Szwarc ist die überraschend weitläufige, glitzernde, kristalline, silbrige Kolonie 'Argo City' wie ein Kaleidoskop aufgebaut und beherbergt ein Labyrinth aus individuellen Behausungen und Gemeinschaftsräumen, die wie ein Konglomerat aus Resten der Kulissen von "Barbarella" gestaltet sind. Dazu gehören auch die verschlungenen, korallenähnlichen Strukturen des Gründers und Künstlers Zaltar (Peter O'Toole), der einen Baum perfektioniert, eine organische Formation von der Erde, wie er Kara (Helen Slater) erklärt, die staunend zusieht. Er erläutert auch die Beziehung des Planeten zu ihrem eigenen, der im Innenraum existiert, und die Tatsache, dass Karas Cousin, Superman, früher zur Heimatwelt der Menschen gereist ist. Sie reden außerdem viel über sechstdimensionale Geometrie, während sie mit einer unschätzbaren Energiequelle, einem Zauberstab und einer beschworenen Libelle hantieren.

Als Zaltar unvorsichtigerweise das Omegahedron, die Energiekugel, die die ganze Stadt mit Strom versorgt, verliert, springt Kara in ein interdimensionales Raumschiff, das merkwürdigerweise nicht für die unvermeidliche Rückreise benötigt wird, um es von der Erde zurückzuholen, während Zaltar für seine Rücksichtslosigkeit auf ewig in die Phantomzone verbannt wird. Durch einen unerklärlichen Zufall gerät das Omegahedron in die Hände der bösartigen Hexe Madame Selena (Faye Dunaway) und ihres Handlangers Nigel (Peter Cook) und nicht in die eines wohlwollenden Bürgers. Nur wenige Sekunden später erscheint Kara in der Nähe, gekleidet in einen roten Umhang, einen hautengen blauen Anzug und einen unerhört kurzen Rock, auf dessen Brust das charakteristische "S" eingestickt ist. Außerdem hat sie außergewöhnliche Kräfte, kann fliegen und hat wallendes goldenes Haar, das länger und gepflegter ist als in 'Argo City'. "Was soll das mit dem Halloween-Kostüm?"

Die Titelmusik von Jerry Goldsmith versucht verzweifelt, Spannung zu erzeugen, aber sie schafft es nicht, sich als originell oder eingängig zu erweisen. Leider klingt er jedes Mal, wenn er anschwillt, wie eine billige Imitation eines großartigen, bekannten Abenteuersoundtracks. Das ist besonders bedauerlich, da die Musik die Handlung hätte vorantreiben können, die bald nur noch eine Gelegenheit für ein außerirdisches Wesen ist, Lachen, Liebe und Vergewaltiger bei ihrer ersten Begegnung zu finden, während sie sich an die Torheiten der Menschheit gewöhnt.

Anstatt sich eine Brille mit dicken Gläsern aufzusetzen, um ihre Identität zu verbergen, schlüpft Kara in das Alter Ego von Linda Lee, der neuen Schülerin der Midvale School in Illinois, die sich mit den typischen Jugendproblemen wie Hausaufgaben, Sport, Raufbolden, strengen Lehrern und süßen Jungs herumschlagen muss. Dank weiterer, fast unsinniger Zufälle besucht Linda einen Mathekurs, der von Nigel unterrichtet wird, und wohnt bei Lucy Lane (Maureen Teefy), der jüngeren Schwester von Lois Lane. Der Versuch, dieses Spin-Off in die Welt der damaligen laufenden Superman-Serie einzubinden, ist erschöpfend, da es eine vergleichbare Geschichte erzählt, die es absolut nicht nötig hat, ständig an ihre Angrenzung erinnert zu werden. Es wäre viel klüger gewesen, diese Anspielungen auf ein Minimum zu beschränken.

Weitere unpassende Kuriositäten gibt es zuhauf, von einem Liebestrank-Subplot mit Selena, die in einem verlassenen Gruselkabinett lebt, Hexerei mit Zaubertränken und -sprüchen studiert und eine blödsinnige Mitbewohnerin (Brenda Vaccaro) hat, mit der sie wie eine schwachsinnige Abwandlung von Elvira, der Herrin der Finsternis, Sitcom-Interaktionen führen kann, bis hin zu einem Wochenendausflug für die Schulmädchen, um sich mit ihren Freundinnen über Verabredungen zu unterhalten. Eine Spur von Action entsteht durch zerstörerisches, magisch angehauchtes Chaos, aber es ist nicht leicht für diese Sequenzen, interessant zu bleiben, wenn Kara einfach ihre Superkräfte einsetzen kann, um den Tag zu retten. Es gibt kein wirkliches Gefahrenempfinden, vor allem nicht, wenn alle Figuren - Protagonisten wie Antagonisten - ihre eigene Lächerlichkeit ausstrahlen. "Okay, jetzt mal ernsthaft."

Einige der Aufnahmen mit praktischen Effekten sind angemessen, aber viele der visuellen Spezialeffekte, die Derek Meddings gutgeschrieben werden, zeigen die begrenzten Qualitäten des Rotoscopings und der primitiven CG der damaligen Zeit. Letztlich passen die Konzepte von Autor David Odell und Regisseur Jeannot Szwarc nicht zu ihrer Umsetzung. Sie haben zwar hochtrabende Einfälle, aber sie schaffen es nicht, sie mit einem angemessenen Maß an Unterhaltung auf den Bildschirm zu bringen. Es ist fast rätselhaft, wie die Filmemacher all diese großartigen Einfälle so plakativ vergeuden konnten, denn es fehlt weitgehend an Tiefgang, die Zusammenstöße zwischen Gut und Böse sind mitunter aufgrund abwechselnd inkonsequenter und frivoler Motive äußerst blass, und Begriffe wie Aufopferung, Erlösung und Verzweiflung sind angesichts der spontanen, unerklärlichen und jenseitigen Konflikte bedeutungslos. Auch wenn zahlreiche Schnittfassungen von "Supergirl" in den Kinos und später im Fernsehen und auf Home Media veröffentlicht wurden, wobei einige internationale Fassungen zusätzliche Charakterentwicklungen enthielten und der Director's Cut mehr als eine halbe Stunde Filmmaterial hinzufügte, kann keine Version die beträchtlichen Fehler in der Erzählung, die unüberschaubaren Drehbuchentscheidungen und den eklatanten Mangel an Vergnügungswert wettmachen.

"Sucht sie nur in Büchern, denn sie ist nicht mehr als ein Traum, an den man sich erinnert ... eine Zivilisation, die vom Winde verweht wurde." Diese durchschlagende Aussage trifft auch auf diese Art des Filmemachens zu. Kein anderer Film hat eine solche Wirkung, einen derartigen Einfluss und ein so episches Gefühl wie das unverwechselbare Meisterwerk "Vom Winde verweht" von Regisseur Victor Fleming hervorgerufen. Die Mischung aus Drama, Romantik, Abenteuer, Komödie und Tragödie, die sich durch den Amerikanischen Bürgerkrieg zieht, ist mutig und bewegend zugleich und umspannt historische Kriegsereignisse wie die Schlacht von Gettysburg, Shermans Atlanta-Kampagne und die Wiedervereinigung. Die Charaktere sind ebenso lebendig und faszinierend wie die leuchtende Kameraführung, die prächtigen Kostüme und die riesigen, mit Tausenden von Statisten besetzten Kulissen. Vorbei sind auch die Zeiten der Ouvertüren, der Intermissionen, der musikalischen Einleitungen, der Abgänge, der königlichen Filmmusik von Max Steiner und natürlich des ausgedehnten Historienspiels, das in einzelne Abschnitte unterteilt wurde, um es dem Betrachter leichter zu machen.

Auf der O'Hara Plantage in Georgia ist die junge Scarlett (Vivien Leigh) schockiert, als sie von ihrem Vater (Thomas Mitchell) erfährt, dass der nahe gelegene Plantagenbesitzer Ashley Wilkes (Leslie Howard) plant, seine Cousine Melanie Hamilton (Olivia de Havilland) zu heiraten, wie es in der Familie üblich ist. Scarlett ist in Ashley verliebt, aber er scheint es nicht zu wissen. Sie kann zwar jeden Mann in der Gegend haben, aber sie ist auf den fixiert, den sie nicht haben kann. Bei der Grillparty der Wilkes am nächsten Tag sorgt Scarlett eifersüchtig für Ärger, indem sie mit allen Verehrern flirtet, aber das hält die unvermeidliche Vereinigung von Ashley und Melanie nicht auf.

Und dann ist da noch Rhett Butler (Clark Gable), der unehrenhafte, skandalöse und äußerst sarkastische Halunke, der klarer denkt und offener spricht als jeder andere Mann. Durch seine selbstbewussten, bissigen Worte und seine unerschütterliche Haltung wird ersichtlich, dass er der eigentliche Star der Party ist und perfekt zu der berechnenden, hinterhältigen Scarlett passt. Dennoch heiratet das O'Hara-Mädchen widerwillig Charles Hamilton (Rand Brooks), gerade als der Krieg erklärt wird. Ihr Mann stirbt kurz darauf an einer Lungenentzündung, was sie zu einer besonders unreifen jungen Witwe macht, die ihre schwarzen, unaufrichtigen Trauerkleider gegen schicke Partykleider eintauschen möchte. Sie reist nach Atlanta, um bei Melanie zu wohnen, in erster Linie, um der Familie näher zu sein, zu der sie nicht gehören konnte. Dort trifft sie wieder auf Rhett, der jetzt Kapitän und Blockadebrecher ist und sich herzlich wenig um die Sache oder den Patriotismus schert, den die übrigen Südstaatenmänner so sehr unterstützen.

Der Schlagabtausch zwischen Rhett und Scarlett ist phänomenal unterhaltsam. Es ist eine Freude zu sehen, wie der eingebildete, selbstsichere, ruhige, dominante Kontrollfreak die naive, selbstsüchtige, kindische, zu Wutanfällen neigende, arglistige Jungfrau überzeugend verführt. Es ist ein Playboy-Manöver, das sie für einen Moment aufrichtet und sie zwingt, angemessen zu reifen. Sie sind ein perfektes Filmpaar, bei dem Rhett nie an Charme verliert und Scarletts Charakter immer stärker wird. Vielleicht ist es ihre irische Abstammung, die sie dazu bringt, den Besitz von Eigentum als Symbol für Status, Leistung und Macht über alles andere zu stellen, was ihre Skrupellosigkeit in Bezug auf Beziehungen offenbart. Während sie vom verwöhnten Reichtum in hungernde Armut und harte körperliche Arbeit und dann auf perfide Weise wieder in den Wohlstand zurückfällt, wird sie noch viel durchtriebener und unwiderstehlicher, und es überrascht nicht, dass sie sich nicht so sehr Respekt verschaffen kann, sondern eher Angst. Selbst die Schuld kann Scarlett nicht ganz auf dem Gewissen haben, ganz gleich, wie sehr sie sich der Verachtung hingibt. Dies führt zu einem hervorragend passenden Ausklang, einer Szene, die fast so bedeutsam und berühmt ist wie "Vom Winde verweht" selbst, nämlich der Kampf zwischen Scarletts Habgier und Sturheit und Rhett's unbändiger, unangebrachter Zuneigung. Ihre Beziehung ist letztlich ein ständiger Krieg um Gefühle, die keiner der beiden für den anderen erreichen oder besitzen kann, was für beide zu einer erschreckend tragischen Entgleisung und für Scarlett zu einer plötzlichen, leider verspäteten Einsicht führt.

Die berüchtigte Vergewaltigungsszene in der Ehe und die fragwürdige Darstellung der Sklaverei, in der die Bediensteten als gut behandelte, zufriedene und ihren Besitzern treu ergebene Angestellte dargestellt werden, sind zwar nicht ganz unumstritten, aber Hattie McDaniel wurde für ihre Darstellung der Hausangestellten Mammy als erste Afroamerikanerin mit dem Oscar für die beste Nebendarstellerin ausgezeichnet. "Vom Winde verweht" wurde mit einer rekordverdächtigen Anzahl von Auszeichnungen geehrt, darunter auch der Oscar für den besten Film, um den unübertroffenen Kartenverkauf und den Erfolg an den Kinokassen zu ergänzen. Der Film gilt als einer der größten aller Kinofilme und ist ein palastartiges Spektakel, das dieses Lob auf jeden Fall verdient. Nichts an ihm ist durchschnittlich oder langweilig, und die umfangreiche Laufzeit ist ebenso wenig beschwerlich wie vergnüglich. Da David O. Selznicks Vision alles zuwege brachte, wird Margaret Mitchells monumentale Geschichte des alten Südens hoffentlich nie wieder verfilmt werden.

"The Northman" von Regisseur Robert Eggers spielt im Jahr 895 nach Christus. König Aurvandil (Ethan Hawke) ist nach einem strapaziösen Feldzug gegen seine Widersacher zu seiner Königin Gudrun (Nicole Kidman) und ihrem kleinen Sohn Amleth (Oscar Novak) zurückgekehrt. Doch sein gefährlichster Feind steht ihm noch näher: sein Bruder Fjolnir (Claes Bang), der bald darauf den Thron verrät, Aurvandil tötet und Gudrun für sich einnimmt. Amleth kann dem Martyrium nur knapp entkommen und schwört, sich an dem Mann zu rächen, der seine Welt aus den Angeln gehoben hat. Die Jahre vergehen und Amleth (Alexander Skarsgard) zieht als Erwachsener mit seiner Adoptivfamilie im Land der Rus über die Dörfer her. Als er einer geheimnisvollen Seherin (Björk Guðmundsdóttir) begegnet, die ihn an sein Racheversprechen erinnert, erkennt Amleth, dass er seinem Schicksal nicht mehr entfliehen kann. Als er erfährt, wo sich Fjolnir aufhält, tarnt sich der unerbittliche Krieger als Gefangener und besteigt ein Schiff auf dem Weg nach Island. Dort angekommen, setzt Amleth mit Hilfe der bezaubernden Jungfrau Olga aus dem Birkenwald (Anya Taylor-Joy) und dem Willen der Götter selbst seinen blutrünstigen Plan in die Tat um den Mord an seinem Vater zu rächen.

"The Northman" ähnelt zwar auf den ersten Blick dem Film "Der Leuchtturm" mit seiner Schwarz-Weiß-Farbpalette und den nebligen Wasseransichten, doch plötzlich tanzt ein Farbklecks über den Bildschirm, was darauf hindeutet, dass es sich um ein kontrastreicheres Design handelt. Trotz der kurzen Einblicke in Rot- und Grüntöne bleibt ein Großteil des Films düster und trübe und offenbart eine außergewöhnlich unglamouröse Interpretation der Wikingergeschichte, abgesehen von den körperlich robusten Darstellern. Dennoch erinnert die Kinematographie gelegentlich an Wes Anderson, da die Charaktere in der Regel perfekt im Bild zentriert sind, Hintergrundobjekte sich parallel zu taumelnden Motiven bewegen und die meisten Konversationen so geführt werden, als ob sie direkt in die Kamera sprechen würden. Es ist fast so, als ob es die Absicht ist, bei engeren Aufnahmen jegliches Gefühl von Dreidimensionalität zu beseitigen, wodurch unglaublich flache Kompositionen entstehen. In anderen, selteneren Momenten, vor allem bei Weitwinkeln, spielen die Umgebungen eine große Rolle, wobei Regen, Schnee, Feuer, Eis, Schlamm und Vegetation, oft gemischt mit Schweiß und Speichel, eingesetzt werden, um das Grauen der Zeit zu unterstreichen oder zu verstärken.

Es handelt sich eindeutig um eine äußerst künstlerische Annäherung an das neunte Jahrhundert, trotz der einfachen Anpassung der Kulissen, der Maske, der Kostüme und der Rüstungen. Sogar die vielen Riten und Rituale sind wahrscheinlich authentisch, auch wenn Autor und Regisseur Robert Eggers viel zu sehr darauf eingeht und die Kamera lange verweilen lässt, nachdem die etwas faszinierende Seltsamkeit der Gesänge, Tänze und Hexereien in Monotonie übergegangen ist. Die Laufzeit hätte deutlich verkürzt werden können, wenn man die Wiederholungen dieser alten Bräuche, die sich schlecht auf das Ehrfurchtgefühl des modernen Betrachters übertragen lassen, einfach gestrichen hätte.

Blühende, shakespearesche, zeitgenössische Dialoge verleihen dem Film einen unbestreitbaren Realismus, der vielleicht die ganze Fantasie und das Abenteuer von etwas so Übertriebenem wie "Conan der Barbar" entfernt, aber das Drehbuch hält dennoch in regelmäßigen Abständen inne, um die Charaktere die Einzelheiten ihrer Absichten und Missionen erklären zu lassen. Es ist, als ob Robert Eggers Angst hat, dass das Publikum Handlungspunkte verpasst, und sie deshalb mit weniger ausführlichen Worten wiederholen muss. Problematisch ist jedoch, dass die Handlung ungewöhnlich einfach ist, die Vorstellung eines verratenen Jugendlichen, der aufwächst, um seine Frevler zu rächen, ist einfach zu alltäglich. Die Prämisse bietet trotz der ständigen Rückblicke, Reflexionen und Halluzinationen, zu denen sich Noten von Mystik, Prophezeiungen und unabänderlichem Schicksal gesellen, wenig Neues. Robert Eggers war vielleicht nicht in der Lage, seiner Vision treu zu bleiben, denn das größere Budget, das typischerweise mit der Einmischung des Studios verbunden ist, hat ihn sicherlich dazu bewogen, komplexere, kommerziell verwertbare Kampfsequenzen zu verwenden, um das, was ansonsten ein quälend langsames Rache-Epos hätte werden können, aufzupeppen, oder vielleicht ist der Balanceakt zwischen Action und Symbolik nicht seine Stärke. "Möge diese Missetat deine lebenden Nächte heimsuchen."

Allerdings ist "The Northman" von erstaunlicher grafischer Gewalt geprägt, die mit Axtschwingen, Schwerthieben und Kehlenschlägen die Fans in ihren Bann zieht. Doch wenn die Brutalität nicht im Mittelpunkt steht, schwankt der Film zwischen der Atmosphäre und der Erzählweise von "Braveheart", "Spartacus", Roger Cormans schäbigen Schürzenfilmen "Der Todesjäger" und "Barbarian Queen", "Krull", "Sleepy Hollow", einigen der mythologischen Werke von Ray Harryhausen und dem ganz aktuellen David Lowery-Film "The Green Knight". Einige der zerstörerischen Konfrontationen bieten eine leichte Genugtuung, aber das viele Herumtrödeln und die verwirrenden Wiederholungen bizarrer Zeremonien sorgen für eine Langweiligkeit, die sicherlich nicht den Erwartungen des Mainstream-Publikums an spannende Wikinger-Beutezüge entspricht.

Die einleitende Titelsequenz in "Madman" von Regisseur Joe Giannone könnte nicht gegensätzlicher zum eigentlichen, brutal blutrünstigen Gehalt des Films sein. Sie beginnt mit röhrenlastiger elektronischer Musik, dubiosen Schriftzügen und skurrilem Titelsong, bevor sie zu den 'North Sea Cottages' führt, einem speziellen Rückzugort für begabte Kinder. Mehrere junge Männer und Frauen versammeln sich um ein Lagerfeuer, um die Geschichte von 'Madman' Marz (Paul Ehlers) zu hören, die der langjährige Betreuer Max (Carl Fredericks) erzählt. Er weist darauf hin, dass der Name, wenn er im Wald geflüstert wird, den bösen Geist von Marz heraufbeschwört und ihn dazu einlädt, jeden allein umherirrenden zu ermorden. Die Legende besagt, dass Marz ein böser, hässlicher Farmer mit einer Frau und zwei Kindern war. Er prügelte seine Ehefrau und züchtigte seine Kinder bestialisch, trank ununterbrochen in der Schenke und randalierte unentwegt. Eines Nachts drehte er völlig durch und erschlug seine schlafende Frau, hackte mit einer Axt auf seinen Sohn und seine Tochter ein, marschierte dann in die Kneipe der Stadt und bestellte sich einen Drink. Als sie merkten, was er getan hatte, stürzten sich zehn Männer auf ihn und schleppten ihn zum nächsten Baum, zerschlitzten ihm das Gesicht und hängten ihn zum Sterben auf.

Die Dialoge sind absolut furchtbar und zieren die Übergänge zwischen den Szenen nur, um die Figuren wie Menschen erscheinen zu lassen. Das funktioniert nicht, denn sie wirken trotzdem wie hölzerne, unrealistische und farblose Stereotypen. Die Inszenierung ist ebenso grauenhaft. Letztlich sind die Rollen nicht mehr als eine Häufung von Leichen, die vom Killer verstümmelt werden. Minuten nach dem Aufsagen von gesprochenen Zeilen für eine beklagenswerte Charakterentwicklung werden im Wesentlichen ununterscheidbare Rollen mit dem Fallbeil entsorgt. Zumindest ist die Reihenfolge, in der sie getötet werden, nicht vollständig vorhersehbar.

Ein paar Jumpscares sind zwar durchaus von Erfolg gekrönt. Blitzlichter beleuchten plötzlich Marz' widerliches Gesicht und es gibt eine sehr unangenehme und unerotische Sexszene. Stacy (Harriet Bass) fällt bei der Verfolgung immer wieder lustig auf den Boden. Richie (Jimmy Steele) verschwindet als erster und entgeht doch immer wieder dem Tod, während ein Kühlschrank sich als gutes Versteck erweist und ein abgeschlagener Kopf verhindert komischerweise das Anfahren eines LKWs. Aus unerfindlichen Motiven beschließt Betsy (Gaylen Ross) spontan, dass sie allein nach Überlebenden suchen muss, anstatt Hilfe von der Polizei zu holen. Am unsinnigsten ist vielleicht, dass Betsy erklärt, dass nur fünf Kinder im Camp sind, was die Anwesenheit von neun Betreuern völlig überflüssig macht, da diese vor allem daran interessiert sind, die Exerzitien als Vorwand zu nutzen, sich zu paaren und zu kopulieren. Marz selbst ist imponierend plump und im Allgemeinen langsam, aber mit genügend Make-up, verdeckten Einstellungen und hilfreichen Schatten ausgestattet, so dass er zu einigen effektiven Aufnahmen beitragen kann, obwohl das gesamte Finale ein dreister Diebstahl von "Blutgericht in Texas" ist.

In "Frau in Schwarz" von Regisseur Herbert Wise wird Arthur Kidd (Adrian Rawlins), ein junger Anwalt, der auf eine Partnerschaft mit der angesehenen Kanzlei hofft, die ihn beschäftigt, mit einem einwöchigen Projekt in einem Marktstädtchen, Crythin Gifford, an der Küste Englands beauftragt. Er soll sich um den Tod von Morgan Drablows Witwe kümmern, indem er der Beerdigung beiwohnt, die Papiere und den Nachlass der Familie ordnet und das leer stehende Haus zum Verkauf anbietet. Arthur Kidd kommt in Gifford an und trifft auf den wohlhabenden Landbesitzer Sam Toovey (Bernard Hepton), einen älteren Mann, der seine Dienste für alles anbietet, was Kidd brauchen könnte, und auf Arnold Pepperell (John Cater), einen Anwalt, der bereit ist, bei den rechtlichen Pflichten zu helfen, außer wenn es um die Reise nach 'Eel Marsh House' geht, wo der zurückgezogene, kürzlich Verstorbene wohnte.

Bevor Arthur Kidd den unwirtlichen Damm der 'Neun Leben' zum Anwesen überquert, erspäht er bei der Beerdigung eine einzelne Trauernde, eine dunkel gekleidete Frau, die während der gesamten Zeremonie auf mysteriöse Weise auftaucht und wieder verschwindet. Am nächsten Morgen wird John Keckwick (William Simons) beauftragt, Arthur Kidd zu dem Anwesen zu bringen, das aufgrund der Gezeiten den größten Teil des Tages vom Rest der Stadt abgeschnitten ist. Arthur Kidd ist in dem riesigen Herrenhaus völlig isoliert, und seine Situation verschlimmert sich noch, als er weiterhin die geisterhafte Matrone in schwarzem Gewand sieht, die ihn mit einem heftigen Spuk empfangen will, wobei die Hotelsequenz mit ein paar sehr bemerkenswerten Schreckmomenten völlig furchterregend ist.

Die Ausgangssituation ist nicht unmittelbar bedrohlich oder beängstigend. Die Szenen mit Arthur Kidds Frau und Kindern, ihrer Nanny, einer Zugfahrt, dem Einchecken in ein Zimmer und der Beobachtung des geschäftigen Markttreibens in Gifford verlaufen allesamt unaufgeregt. Es herrscht eine gewisse Vorahnung, wenn Lady Alice Drablow erwähnt wird, und es ist klar, dass die Stadtbewohner nicht viel von ihr wissen wollten. Verschiedene Personen aus dem Bekanntenkreis, die schlecht über 'Eel Marsh House' sprechen, führen zu einer gewissen Verstörung, aber erst wenn dem Betrachter das eigentliche Gelände und seine beängstigende Lage gezeigt werden, wird der übernatürliche Horror deutlich.

Was "Frau in Schwarz" wirklich unheimlich macht, ist die Unerschrockenheit des Films, den Antagonisten am helllichten Tag zu zeigen und das Fehlen von Argumenten oder Definitionen, wenn es darum geht, wozu der Geist fähig ist. Als Arthur Kidd zum ersten Mal am 'Eel Marsh House' abgesetzt wird, sieht er die geschwollene, rotäugige Erscheinung ganz klar, die sich ihm mit diabolischer Absicht nähert. Realistischerweise hält er nicht an, um zu plaudern, sondern rennt sofort ins Haus und schaltet alle Lichter ein. Danach lässt der Film den Zuschauer einige Zeit warten, bis er sie wieder sieht. Doch die Saat ist gelegt, allein das Wissen, dass sie jeden Moment auftauchen könnte, ist bedrohlich. Es gibt auch eine ziemlich langwierige Sturzaktion, die die Erwartung in die Länge zieht. Arthur Kidds Beharren auf Isolation ist ähnlich einschüchternd.

Unheimliche Klänge, der ohrenbetäubende Lärm eines Pferdekutschenunfalls im Sumpf mit einem schreienden Kind, dichter Seenebel, gespenstische Aufnahmen der letzten Tage der Witwe in der Behausung und ein Begleithund namens Spider, dem Arthur Kidd von Sam Toovey geschenkt wurde und der durch sein Bellen und sein Herumirren in unerforschten Gängen für zusätzliche Angst sorgt, verstärken die Spannung und die eindringliche Atmosphäre. Arthur Kidd versucht herauszufinden, wer genau das Phantom ist, warum es das Land plagt und was die Verwicklung von Gifford darin ist. Die meisten Details werden durch unkomplizierte Erklärungen verraten. Arthur Kidds scheinbare Paranoia und sein geistiger Verfall ersetzen einen Großteil der Fragebeantwortung, zusammen mit einem morbiden, unerwarteten Schluss, der die erschreckende Natur des Romans von Susan Hill widerspiegelt, auf dem dieser Fernsehfilm basiert. "Frau in Schwarz" wurde viermal für den BAFTA nominiert, ist auf Heimvideos bemerkenswert unbekannt geblieben und wurde 2012 von Hammer Films mit Daniel Radcliffe in der Hauptrolle neu verfilmt.

Der erste "Der Todesjäger" war kein Klassiker. Anstatt an die wenigen funktionierenden Bestandteile anzuknüpfen, entschied sich "Mystor - Der Todesjäger II" von Regisseur Jim Wynorski dafür, alles stehen und liegen zu lassen und die gelegentlich unterhaltsame Hauptfigur durch einen völlig hirnlosen, feixenden Vollidioten zu ersetzen. Der neue 'Deathstalker' (John Terlesky) ist ein mächtiger Krieger, der im ganzen Land als Meisterdieb, unparteiischer Schwertkämpfer und notorischer Schürzenjäger bekannt ist. Er schließt sich mit der Seherin Reena (Monique Gabrielle) zusammen, einem Orakel, das ihm eine wichtige Reise voraussagt, die neben "Conan der Barbar" in die Geschichte eingehen wird. Ihre Figur versucht, für humoristische Abwechslung zu sorgen, aber die Witze und die Darbietung sind so furchtbar pathetisch, dass sie jede Chance, wirklich lustig zu sein, zunichte machen.

In der Zwischenzeit hat der böse Zauberer Jarek (John La Zar) auf magische Weise Prinzessin Evie erschaffen, ein exaktes Duplikat von Reena, der einstigen Prinzessin der Stadt Jafeer, das geklont wurde, um den Thron an sich zu reißen. Aus irgendeinem Grund muss sich Evie vom Blut junger Männer ernähren, deren entstellte, entkörperte Gesichter sie auf ihr riesiges Stirnbrett legt. Chin, der einäugige Attentäter (Marcos Wolinsky), hat ein Team von Eliteschlächtern angeheuert, um Deathstalker zur Strecke zu bringen, darunter die mit Adjektiven vollgestopften Crazy Alto Rango der verrückte Preuße, Ed 'Der Kopf' Shamanski, John 'Der Täufer' Bombaso, Nick 'Der Krüppel von Cashmere' (sein Name sagt alles) und Buddy 'Fußbank' LaRosa. Natürlich hat diese gewalttätige Gruppe keine Chance gegen den Prinzen der Diebe, der seine Gegner immer wieder mit flotten Sprüchen überlistet. Sultana (Toni Naples), eine böse Zauberin, die sich nur an dem Mann rächen will, der ihr bei ihren Eroberungen immer in die Quere kommt, wendet sich an Jarek, um ihm bei der Beseitigung von Deathstalker zu helfen, nachdem seine Bande angeheuerter Killer den Job nicht zu Ende bringen kann. Während der Odyssee entkommt Deathstalker Sprengfallen, wehrt sich gegen die wandelnden Toten, kämpft gegen königliche Wachen und zaubernde Attentäter und bekämpft einen rein weiblichen Amazonen-Stamm.

"Ich werde mich rächen... und Deathstalker auch." Diese verächtliche Rede ist das Stichwort für das "Mystor - Der Todesjäger II"-Logo, das noch dämlicher wird, wenn die Figur den Titel tatsächlich ausspricht. Andere absurde Zitate sind: "Normalerweise habe ich nichts dagegen, wenn eine Frau eine ordentliche Tracht Prügel bezieht, wenn sie es verdient hat" und "Deathstalker? Ist das Ihr Vorname oder Ihr Nachname?" In dieser losen Fortsetzung wird auch viel Material aus dem ersten Film wiederverwendet, darunter die Schlammschlacht und die Gamorrean-Garde, die wie Schweinesoldaten aussehen, sowie offensichtlich ähnliche Kostüme. Sogar eine Hintergrundfigur, Wolinsky, taucht wieder auf und spielt einen ähnlichen Schurken mit einem anderen Namen, der vermutlich keine andere Arbeit findet. Leider haben sich die Produzenten für John Terlesky und Monique Gabrielle entschieden, die beiden Schauspieler, die in einem Barbaren-Epos mit Schwert und Zauberei am wenigsten Glaubwürdigkeit versprechen.

"Mystor - Der Todesjäger II" enthält schlechte Rockmusik, kläglich synthetisierte Soundeffekte, dilettantisch choreografierte Kampfszenen, die so aussehen, als wären sie in Zeitlupe aufgenommen worden, stöhnende Zombies, Zwergenbeschimpfungen, eine Synchronisation, die so miserabel ist, dass es scheint, als wären die ernsten Worte im Original absichtlich veralbert worden, lachhafte, nichtssagende Dialoge, die von katastrophalen schauspielerischen Leistungen begleitet werden, und viel weniger Nacktheit als im Vorgänger. Zur Borniertheit tragen auch der Schriftzug "Live Entertainment Nitely" an einem Taverneneingang und die Formulierung "um Himmels willen" bei, die nachlässig anachronistisch wirken. Und doch scheint es sinnlos, einen Film für kleine Fehler zu kritisieren, wenn das niedrige Budget und die Blödheit der Geschichte und der Charaktere die ganze Tortur zu einem filmischen Witz machen, der nie deutlicher wird als in den Outtakes, die während des Abspanns laufen.

In "Die Farbe des Geldes" von Meisterregisseur Martin Scorsese sind für 'Fast' Eddie Felson (Paul Newman) Jahrzehnte vergangen, aber er hat nicht aufgehört, Poolhallen zu besuchen und andere Wege zu finden, ein paar Dollar zu verdienen, indem er sich auf skrupellose Geschäfte einlässt, diesmal mit Whiskey. In einer Bar in Illinois mit seinem Partner Julian (John Turturro), dem neuesten Gauner, den er anheuert, macht Eddie den jungen Vincent Lauria (Tom Cruise) ausfindig, der einen unglaublichen Schlag hat und verschiedene andere Fähigkeiten auf dem Tisch präsentiert, die in einem speziellen Fachjargon beschrieben werden. Vincent ist jedoch zu sehr ein Wichtigtuer, und er benutzt seine Freundin Carmen (Mary Elizabeth Mastrantonio), um Spiele zu arrangieren - ein Grund mehr für seine Amateurhaftigkeit. Doch seine Begabung ist außergewöhnlich. Und mit dem richtigen Lehrer warten vielleicht Reichtum und Erfolg auf ihn.

Eddie Felson lebt und atmet das Gaunertum, er studiert die Menschen um ihn herum, findet immer Schwachstellen und Möglichkeiten, sie zu manipulieren. Und er sieht in Vincent Lauria eine jüngere Version von sich selbst. Auch wenn es 25 Jahre her ist, dass "Haie der Großstadt" gedreht wurde, hat diese Fortsetzung eine ähnliche Atmosphäre wie das Original. Die Rollen sind vertauscht: Eddie Felson fungiert nun als Mentor und nimmt sich eines neuen Schülers an, aber die Themen und Handlungen sind ziemlich identisch. "Ich scherze nie über Geld."

Trotz der Bemühungen, "Die Farbe des Geldes" zu einem wiedererkennbaren Nachfolger zu machen, gibt es ein paar zu viele Ähnlichkeiten, die genau das gleiche Problem wie beim Vorgänger hervorrufen: Keine der Charaktere ist besonders glaubwürdig oder sympathisch. Die Lernkurve des übermütigen, impulsiven Jungspundes ist enorm, selbst bei offensichtlichen Betrügereien wirkt er oft zu naiv. Er ist einfach nicht dafür gemacht, ein Abzocker zu sein, er will spielen, um zu gewinnen, nicht um Geld zu verdienen. Und seine gerissene Freundin, die ihr eigenes Ziel anvisiert, scheint ihn jeden Moment zu hintergehen. Während Eddie Felson älter und erfahrener geworden ist, hat sich sein Verhalten nicht wesentlich verändert. Seine Beweggründe sind nicht weit von denen entfernt, die ihn Jahre zuvor bewegt haben, was ihn dazu veranlasst, immer wieder Fehler zu machen und vielleicht sogar Reue zu empfinden. "Das ist das Problem mit der Gnade, Junge. Es ist einfach nicht professionell."

Die Dynamik zwischen Vater und Sohn löst hier glücklicherweise die des Meisters und des Schülers ab und schließt letztendlich den Kreis, wenn es darum geht, Lektionen zu erteilen und zu lernen, wodurch eine etwas unbeschwertere Note vermittelt wird. Das Tempo ist insgesamt auffallend langsam, vor allem durch viel zu viele Sequenzen, in denen prominente Soundtrack-Songs den Geldwechsel begleiten, oder durch entschlossene Blicke, die versenkte Würfe anzeigen, sowie durch die allseits beliebte Ball-Cam von unten auf dem Tisch. "Gewonnenes Geld ist doppelt so schön wie verdientes."

Eine der größten Veränderungen findet schließlich im Finale statt, das sich um ein Turnier in Atlantic City dreht und nicht um ein privates Duell in einer Bar. Doch selbst diese Veränderung ist ambivalent, denn Eddie Felson gegen Vincent Lauria ist nicht der Showdown, den der Zuschauer sehen möchte, da er nichts für die Hauptfiguren selbst tut. Sie waren nie Feinde, und es beweist auch nichts, wenn der eine den anderen übertrumpft. Es gibt immer noch ein paar Überraschungen, die das Zeug dazu haben, im Gedächtnis zu bleiben, doch wenn hinterhältige, unehrliche Menschen sich zwei Stunden lang gegenseitig ausnutzen, ist das Endergebnis selten zufriedenstellend.

In "Mosquito Man" unter der Regie von Tibor Takács ist ein neues Bakterium aufgetaucht, das noch tödlicher ist als das West-Nil-Virus. Es breitet sich rasch über die Vereinigten Staaten aus und infiziert Tausende von Menschen, was zu überfüllten Krankenhäusern und einer allgemeinen panischen Unruhe führt. Die Epidemie veranlasst Dr. Aaron Michaels (Jay Benedict) von 'Bellion Pharmaceuticals' in Baltimore, mit einer neuen Mückenart zu experimentieren, die die Krankheit nicht übertragen kann. Sein Einsatz von Strahlung und Sträflingen aus dem Todestrakt als menschliche Versuchspersonen ist eine schlechte Nachricht für das unwissende Versuchskaninchen Ray Erikson (Matthew Jordan), dem es gelingt, sich von seinen Handschellen zu befreien, sich in eine Schießerei im Labor zu verwickeln und die Wissenschaftlerin Liz (Christa Campbell) als Geisel zu nehmen.

Nachdem er Liz erbarmungslos getötet hat, versucht Ray, Dr. Jennifer Allen (Musetta Vander) als menschliches Schutzschild zu benutzen, aber es gelingt ihr, sich lange genug aus seinem Griff zu befreien, um unter einem Tisch Schutz zu suchen, bevor eine zweite Schießerei dazu führt, dass eine DNA-verändernde Reaktorexplosion blaue, radioaktive Moskito-Flüssigkeit über Ray ergießt. Der Verurteilte gelangt zwar in den Keller und durch die Tiefgarage wieder nach draußen, aber er erfährt sofort die Auswirkungen einer drastischen Mutation. In kürzester Zeit wird er zum Mosquitoman. Es ist also die Aufgabe des Detectives der Mordkommission, Lieutenant Thomas Randall (Corin Nemec), der zufälligerweise Jennifers Freund ist, die wütende Mensch-Moskito-Hybrid-Monstrosität aufzuspüren.

Auch wenn die Darstellung mehr als miserabel ist und die Dialoge durchweg zu Lachnummern verkommen, sind die Szenen der Detektivarbeit so banal, dass die Beamten jedes erdenkliche Verbrechen aufklären könnten, doch die Spezialeffekte sind erstaunlich gut gelungen. Einige Momente mit wenig überzeugenden Computeranimationen weichen bald riesigen Prothetiken und Zubehörteilen sowie einem überdimensionalen Mücken-Kostüm, die absolut unterhaltend und total aufbauend sind. Zum größten Teil ist "Mosquito Man" ein Abklatsch von David Cronenbergs "Die Fliege", aber es ist immer noch selten, ein derart inspiriertes Kreaturendesign in einem Low-Budget-Fernsehprojekt zu sehen. "Hören Sie, ich bin nicht schuld daran."

Die Zahl der Leichen ist ziemlich hoch, und es wird ständig geschlachtet, auch wenn das meiste außerhalb des Bildes stattfindet. Es gibt eine Fixierung auf konventionelle Inszenierungen, wie das Lauern der Mücke in den Schatten oder das Herabsteigen von der Decke auf ein Opfer, das Überkreuzen hinter einer Figur, wenn Lichtblitze die Kreatur zum Vorschein bringen, oder sogar eine obligatorische Sexszene, um Musetta Vanders Körper zur Schau zu stellen, vor allem als sie in einer lauen Nebenhandlung eine eigene Mutation durchmacht. Dennoch sind viele dieser Aufnahmen effektiv. Und da der Bösewicht so schnell in eine schleimige Kreatur verwandelt wird und die Nebenrollen so schnell erledigt sind, bleibt kaum Zeit, sich um etwas anderes zu kümmern als um die Gewalt und den damit verbundenen Horror.

Die Geschichte wurde von keinem Geringeren als Boaz Davidson geschrieben, der es liebt, Stunts und Action in seine Horrorfilme zu integrieren. Er ist der Mann hinter so epischem Schund wie "Crocodile", "Octopus", "Spiders", "Rats" und "Sharkman". So ist es nicht verwunderlich, dass sich seine Stärke von Tiermörderfilmen zu Menschenmutantenfilmen verlagerte, die alle eine ähnliche Handlung und einen vergleichsweise mittelmäßigen Produktionswert haben. Die praktischen Effekte und das Finale mit dem Amoklauf im Krankenhaus sind zum Ausgleich für die allgemein schlechte Handhabung von Drehbuch, Regie und Erzählung zum großen Vergnügen gerade noch eindrucksvoll genug. "Er ist inzwischen mehr Mücke als Mensch."

In "Ein Mann wie Dynamit" von Regisseur J. Lee Thompson ist Warren Stacy (Gene Davis) überzeugt, dass trotz seines guten Aussehens und seiner körperlichen Fitness jedes Mädchen, das er anspricht, ihn abblitzen lässt. In seinem Kopf spielt er Szenarien der Zurückweisung durch, die ihn so wütend machen, dass nur brachiale Gewalt gegen attraktive Frauen ihm Befriedigung verschaffen kann. Daher pirscht er sich an seine Beute heran, zieht sich nackt aus und greift Paare mit einem Butterflymesser an. Das mag sich unkontrolliert und psychotisch anhören, aber Warren Stacy ist intelligent genug, um sich ein denkwürdiges Alibi zu verschaffen, indem er zwei Mädchen in einem Kino belästigt.

Leo Kessler (Charles Bronson), ein altgedienter Leutnant aus Los Angeles, übernimmt die leitenden Ermittlungen und stellt sofort fest, dass der Täter ein Messer als sein Schnüffelstück benutzt. Unter der Anleitung von Captain Malone (Wilford Brimley) gewinnt Leo Kessler den jungen Detective Paul McAnn (Andrew Stevens) als Partner, der zwar über die nötige Ausbildung, nicht aber über die nötige Erfahrung verfügt, um die Aufklärung eines Serienmörders zu bewältigen. Als sich das jüngste Opfer, Betty Johnson, als ehemalige Freundin von Leo Kesslers Tochter Laurie (Lisa Eilbacher) entpuppt, wird schnell klar, dass sich auch Laurie in die Liste der Leichen einreihen könnte, die sich immer weiter auftürmen. "Lass dich nicht von deinen Gefühlen leiten."

Der Mörder wird dem Betrachter gleich offenbart, und er wird von den Behörden sofort befragt. Außerdem ist sich Leo Kessler sicher, dass Warren Stacy der Täter ist, und weigert sich, einen anderen Verdächtigen in Betracht zu ziehen, trotz des stichhaltigen Alibis des Mannes. Diese Art der Erzählung lässt keinen Raum für Geheimnisse, sondern wird zu einer verfahrenstechnischen Arbeit darüber, wie man den Täter verfolgen kann, wenn die Beweislage dünn ist und die Rechte des Einzelnen nicht verletzt werden dürfen, auch wenn es nur eine Frage der Zeit ist, bis der Killer sich verrät oder die Polizei hinterhältige Taktiken anwendet. Da dies relativ geradlinig ist, mäandert "Ein Mann wie Dynamit" über eine Nebenhandlung um eine entfremdete Tochter und eine Romanze zwischen Laurie und Leos neuem Partner - beides Abschweifungen, die im Krimi-Genre wenig originell sind. Aber es gibt auch moralische Probleme, die Leo Kesslers jahrzehntelangen makellosen öffentlichen Dienst trüben, und einen Strafverteidiger, der sich ebenso verhält und zugibt, dass Ehrlichkeit manchmal in die Gaskammer führen kann. "Vergessen Sie, was legal ist und tun Sie, was richtig ist."

In dem eher hysterischen, aber gewalttätigen ersten Mordfall jagt Warren Stacy einer jungen Blondine mitten im Wald hinterher. Beide sind komplett nackt, aber nur dem Mädchen werden die Innereien herausgeschnitten und dem Tod überlassen. Mit dieser frühen Sequenz wird "Ein Mann wie Dynamit" sowohl zu einem Krimi als auch zu einem Teenager-Slasher, was durch die zahlreichen Szenen angedeutet wird, in denen spärlich bekleidete Frauen in ihren Wohnungen beobachtet werden, bevor sich der Film in einen sehr unüblichen Rachefilm verwandelt, der mit Charles Bronson in der Hauptrolle vielleicht sogar unabdingbar ist - eine seltene Mischung von Konzepten, die in gleichem Maße und mit entsprechender Aufrichtigkeit behandelt werden. Alle drei Genreverschiebungen passen nicht so gut zusammen, wie sie sollten, auch wenn "Ein Mann wie Dynamit" mit einem Slasher-Finale endet, das den Adrenalinspiegel für das, was ein gewöhnlicher Thriller hätte sein können, erhöht. Charles Bronson verkörpert seine gewohnte, ungeschminkte, knallharte Persönlichkeit, und die Abschiedsnotizen zielen eher auf reine Rachefantasie als auf vernünftige, realistische Gerechtigkeit.

"Wonderlus" von Regisseur Johan Cronje ist äußerst dramatisch: Opernmusik untermalt die Szene einer zerstörten Hochzeitssuite mit nackten Menschen, die über das Bett verstreut sind. Ein Paar sitzt in einem geparkten Auto und ein Mann liegt bewusstlos auf einem Esstisch in einem Bankettsaal. Geschickterweise schaltet der Herr im Fahrzeug das Radio aus, das die Quelle der Chormusik ist. Leider hört die Cleverness dort auf und nimmt nie wieder Fahrt auf. Ruan (Stiaan Smith) und Lindie (Simone Nortmann) sind ein anderes Paar in einem anderen Schlafzimmer. Ersterer leidet unter einem mörderischen Kater und letztere ärgert sich über Dinge, die in der vergangenen Nacht gesagt und getan wurden. Das Problem ist, dass sich keiner dieser verschiedenen Hochzeitsgäste an alle Einzelheiten erinnern kann, außer dass die alkoholgetränkte Party viel Spaß gemacht hat.

Es ist an Gerrie (Adam Heyns), dem Vernünftigen, und Lukas (Beer Adriaanse), dem Unverantwortlichen, die Geschehnisse zu klären, angefangen damit, was mit Pietie (Edwin van der Walt) passiert ist, demjenigen, der kopfüber im Bett liegt und neben einer unbekannten Frau schläft. Als "Wonderlus" an den Vortag zurückblendet, stellt sich heraus, dass die Frau im Bett eine der Küchenangestellten (Lea Vivier) ist und nicht die Braut (Mila Guy), die Pietie geheiratet hat. Und diese Braut, die in "Wonderlus" ebenso wie die Kellnerin kurioserweise namenlos bleibt, erwacht im Auto eines Fremden, mitten in einem Sonnenblumenfeld.

Der Aufbau ähnelt auffallend dem von "Hangover", nur dass dort, wo eigentlich Komik sein sollte, eine deutliche Melancholie herrscht, fast so, als ob die an sich blödsinnigen Umstände einen traurigen Realismus darstellen sollen. Als Gerrie und Lukas zur Hochzeit auf einen Bauernhof! fahren, beklagen sie sich über die Geschwindigkeit, mit der die Zeit vergeht, und über die Freunde, die sie immer wieder an die 'Falle' der Vermählung verlieren. Sie sind nicht mehr jung und die Sesshaftigkeit ist die letzte Stufe der Domestizierung und der Aufgabe ihrer wilden Seiten. Eine weitere Wendung, die eigentlich nur komödiantisch sein sollte, ist die Tatsache, dass Lukas seit drei Wochen ein Gelübde der sexuellen Enthaltsamkeit abgelegt hat, was jedoch nur ein weiteres Detail ist, das für Ernsthaftigkeit und nicht für Slapstick sorgt.

Wenn die Teilnehmer nicht gerade in düsteren Erinnerungen schwelgen, als würden sie alle an Altersschwäche sterben, machen sich Braut und Bräutigam Gedanken darüber, ob alles in Ordnung sein wird oder nicht. Zu dieser Trübsinnigkeit gesellen sich deprimierende Lieder und Montagen, die das eheliche Unglück andeuten, insbesondere die Untreue, die in den ersten Momenten stattfand. Dazwischen kippen die Figuren Schnäpse, saufen Bier, rauchen Gras, flirten, tanzen und tanken noch mehr. "Wonderlus" könnte genauso gut eine Aufforderung zum rücksichtslosen Feiern bedeuten.

Ein weiteres Problem ergibt sich aus der Strukturierung des Films. Es soll ein wenig rätselhaft sein und durch Rückblenden allmählich aufgelöst werden. Aber die Entscheidung, abrupt zwischen den vier Zeitabschnitten der Hochzeit, des Empfangs, der Zeit danach und des Morgens darauf hin- und herzuschneiden, macht es schwierig, die Dinge zu sortieren. Das sollte bei dieser Art von Beziehungsmelodrama keine Rolle einnehmen. Leider spielt das alles kaum eine Rolle, denn als der Film sich seinem Ende zuneigt, mit Charakteren, die sich aneinander hängen, sich trennen, peinliche oder emotionale Dinge sagen, während sie hemmungslos alkoholisiert sind, und sich pausenlos streiten, wird "Wonderlus" einfach zu einem weiteren generischen Beziehungsdrama, das nichts Neues zu einer ausgelutschten Rezeptur bietet. Außerdem ist der Film überlang, unpassenderweise düster, und er endet ergebnislos, als ob er verzweifelt hofft, ein wissenschaftliches Werk zu sein, über das die Rezensenten nachdenken werden.

Der Film ist Teil meiner Liste "Chainsaw Charlie's Kommentar-Wunschliste für MP-Buddys". Hier rewatche ich von mir bewertete Filme, zu denen ich keinen Kommentar geschrieben habe, meine MP-Buddys aber gerne etwas von mir zu lesen würden.
https://www.moviepilot.de/liste/kommentar-wunschliste-von-chainsaw-charlie-chainsaw-charlie

Dieser Kommentarwunsch geht an Maniac, der den Film als einen der unangenehmsten deutschsprachigen Filme aller Zeiten bezeichnete, wo ich ihm Recht gebe, und ihn mit 9 bewertete. Nach meiner zweiten Sichtung des Films muss ich meine Bewertung von 8,5 auf 7,5 senken, da ich ihn bei meiner ersten Betrachtung 'anders' gesehen habe, besser kann ich diese Einschätzung nicht beschreiben. Dies ist auch eine Warnung vor dem Weiterlesen, denn in den folgenden Textzeilen nehme ich kein Blatt vor den Mund und die Worte könnten ebenso verstörend wirken wie der Film selbst.

"Picco" der Debütfilm des 28-jährigen Regisseurs Philip Koch, setzt stark auf die Konventionen des Genres Gefängnisfilm. Der anfängliche Hauptunterschied besteht darin, dass es sich bei diesem Gefängnis um eine Art 'Jugendknast' für Teenager handelt und nicht um ein Zuchthaus für Schwerverbrecher, das normalerweise als Schauplatz für die meisten Beispiele des Mediums dient. Der andere große Unterschied ist, dass die Gewaltdarstellung in diesem Film so intensiv ist, dass sie einen Michael Haneke Film wie "Funny Games" aussehen lässt wie ein harmloses kleines Kindermärchen.

'Picco' ist ein Spitzname, den Kevin (Constantin von Jascheroff), ein neuer Junge im Gefängnis, erhält. Er wird von den anderen Häftlingen brutal behandelt und von einem mitfühlenden Betreuer verhätschelt, der befürchtet, dass er von seiner neuen Umgebung so schockiert ist, dass er Selbstmord begehen könnte. Er lernt schnell die goldene Regel des Film-Genres: Entweder ist man der Aggressor oder das Opfer. Bei beiden Positionen können allerdings gravierende psychologische Folgen auftreten.

Der Rhythmus des Films ist nie ganz überzeugend, und vieles an dem brutalen Treiben wirkt forciert und artifiziell. Er ist auch sehr musikabstinent, was dem Regisseur Philip Koch eine einfache Methode verwehrt, die Dinge flüssiger zu gestalten.

Die Jugendlichen sprechen zwanghaft über Sex auf die gewaltsamste Form und prahlen damit, wie sie ihre Freundinnen vergewaltigen werden, sobald sie entlassen in die Freiheit kommen. Das andere unaufhörliche Sexgespräch dreht sich um die homosexuelle Panik, die sie kollektiv zu erleben scheinen: Die bevorzugte Beleidigung ist eines der Dutzenden von Synonymen für 'Schwuchtel', die den Dialog durchziehen. Einer der schwächeren Jungen wird gezwungen, seinen kleinen 'Zizi' unter der Dusche zu zeigen, damit die anderen ihn auslachen können. Später wird ein Brief seiner Freundin, auf den er so sehnlichst gewartet hat, vor seinen Augen eingeäschert, bevor er ihn lesen kann.

Gelegentlich kommt ein Elternteil oder eine Freundin zu Besuch, aber das Hauptaugenmerk liegt unablässig auf den Jungs. Obwohl Kevin die Dichotomie von Opfer und Angreifer notgedrungen akzeptiert, scheint er sich moralisch darüber zu ärgern, doch wirkt sein Dilemma nie völlig glaubwürdig. Wir sehen, wie die Tage abgehakt werden: Tag 3, Tag 49, Tag 104. Die psychologische Gewalt ist allumfassend und ununterbrochen, und alles deutet auf die große Abschlussszene hin, die mehr als ein Drittel des Films einnimmt. Dies ist die Szene, in der "Picco", die beiden Haupttyrannen, mit der widerwilligen Hilfe von Kevin den schwächsten Jungen so unbarmherzig quälen, dass er gezwungen ist, sich zu erhängen, um dem Ganzen ein Ende zu setzen. Sie schlagen ihn, schneiden ihm in die Arme und verletzen ihn so sehr, dass die große Mehrheit der Zuschauer, die bis hierher durchgehalten haben, völlig verstört sein werden.

Die allzu offensichtliche Botschaft von "Picco" wird von einem der obersten Gewalttäter überbracht, als er Kevin sagt, dass sie für all das niemals Ärger bekommen werden, weil es niemanden außerhalb der Einrichtung auch nur einen Pfifferling interessiert, was mit ihnen geschieht. So kann Philip Koch mit dem Finger auf eine skrupellose Gesellschaft zeigen und sich gleichzeitig der Ultrabrutalen hingeben, wie Alex sie in Stanley Kubricks "Uhrwerk Orange" bezeichnete.

In "Der Clou" von Regisseur George Roy Hill wird Luther (Robert Earl Jones) bei einer Schuldenübergabe an die Mafia in einer Gasse von einem Ganoven niedergestochen. Unterstützt wird er von Johnny Hooker (Robert Redford), einem zufällig platzierten guten Samariter, und Mottola (James J. Sloyan), einem Kurier für ein kriminelles Wettbüro. Als Mottola sich bereit erklärt, die Übergabe der 5.000 Dollar für den Verwundeten zu vollenden mit der Absicht, sich mit der Beute aus dem Staub zu machen, bemerkt er zu spät, dass er von einem Gaunertrio ausgeraubt wurde und dass sie Mottolas aktuellen Umschlag mit 11.000 Dollar eines Gauners, der durch Chicago transportiert wird, mitgenommen haben.

"Der Clou" hält sich geschickt an ein paar zusätzliche Wendungen und weigert sich, alle Karten auf den Tisch zu legen, selbst wenn der große Reibach für den Betrachter, der die Schwindler und die Spuren gut kennt, Sinn machen soll. Die Handlung ist genial verzweigt, zusätzliche Mysterien lauern bis ganz zum Schluss. Das gilt auch für die geistreichen, witzigen Dialoge und die angenehme Chemie zwischen Robert Redford und Paul Newman, die an die Schlagfertigkeit und Kameradschaft von "Butch Cassidy und Sundance Kid" erinnern, bei dem George Roy Hill vier Jahre vor diesem Film ebenfalls Regie führte. Hier wird der Zuseher auch mit einer unkonventionellen Schnitttechnik verwöhnt, denn es werden getrennte Kapitel verwendet, die Quentin Tarantino für viele seiner Filme entlehnt hat, um besonders wichtige Ereignisse zu kennzeichnen.

Die Action ist weder explizit noch exzessiv. Dafür aber von der ungemein intelligenten Sorte, mit unkontrollierten Emotionen bis zum Siedepunkt und nervenaufreibenden Blicken, die fast mit Händen zu greifen sind. 'Spannungsgeladen' beschreibt nicht einmal ansatzweise das Spektrum der neuralgischen verbalen Duelle, die sich zwischen den Gesprächspartnern abspielen. Im Kontrast zu den versteckten Hinweisen und dem immer größer werdenden Betrug steht die Nebenhandlung, in der Lieutenant William Snyder (Charles Durning) Johnny Hooker verhaften will, der zu Fuß durch Straßen, Bahnhöfe und überfüllte Treppenhäuser fliehen muss. Unverkennbar und leicht identifizierbar ist die unverwechselbare Ragtime-Musik von Scott Joplin, die die körperliche Aufregung ebenso begleitet wie die ruhigeren romantischen Momente, in denen Eileen Brennan und Dimitra Arliss als Liebespartnerinnen auftreten. Die fröhlichen Melodien geben auf fulminante Weise den Ton und die Stimmung für die Vorgänge in diesem ultimativen Raubüberfallfilm vor oder dienen vielmehr als solide Vorlage für künftige Produktionen mit ähnlichem Thema, die 1973 verdientermaßen mit dem Oscar für den besten Film ausgezeichnet wurden.

In "Doctor Strange in the Multiverse of Madness" von Regisseur Sam Raimi wird Dr. Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) nachts von bösen Träumen von einer alternativen Realität geplagt, in der er das Leben eines Kindes opfern muss. Er erwacht in einem lebenden Albtraum, als die durch das Universum hüpfende America Chavez (Xochitl Gomez) auf der Erde eintrifft, gejagt von einem riesigen, einäugigen Tintenfischdämon. Nachdem er die Bestie besiegt und das Mädchen gerettet hat, erfährt Doctor Strange von America Chavez' unglaublicher Kraft: der Fähigkeit, Portale zwischen den Universen des Multiversums zu öffnen. Ein solch monumentales Geschenk erregt die Aufmerksamkeit der Scarlet Witch (Elizabeth Olsen), einer Ex-Avengerin, die durch ein verfluchtes Buch mit Zaubersprüchen aus der dunklen Dimension verdorben wurde.In der Absicht, ihr mystisches Talent um jeden Preis zu erlangen, beginnt die Zauberin, America und Doctor Strange quer durch das Multiversum zu jagen und hinterlässt eine Spur von Blutbädern und Leichen in ihrem Kielwasser.

"Doctor Strange in the Multiverse of Madness" beginnt mitten im Geschehen, vollgestopft mit Feuer, Eis, Rauch und Blitzen, die über bröckelnde Gebäude zucken, während die Monster auf die fliehenden Protagonisten zustürmen. Jegliches Gefühl für die Schwerkraft wird routinemäßig außer Kraft gesetzt, wenn die Charaktere über schwebendes Gelände gleiten und an Krallen vorbeispringen, vor außerirdischen Atmosphären schrammen, während sie mit magischen Geschossen um sich werfen. Wie bei den meisten Marvel-Filmen sind die Kämpfe so chaotisch, dass es unmöglich ist, genau zu bestimmen, wann die Schläge gelandet sind. Und wenn die eigentliche Geschichte erst einmal begonnen hat, dauert es nicht mehr lange, bis eine seltsam anmutende Kreatur, eine grässliche, dickflüssige Variante von etwas aus "Die Monster AG", menschliche Beute durch die modernen Straßen von Stephen Stranges Domäne jagt.

Das Multiversum ist ein Überbleibsel aus anderen Filmen, aber zumindest sind seine Existenz und seine grundlegenden Eigenschaften bekannt, ohne dass es einer großen Wiederholung bedarf. Aber wenn die Scarlet Witch auftaucht, zeigt sich schnell, dass diese "Doctor Strange"-Fortsetzung eine Weiterführung von weit mehr als nur dem Namensgeber ist. Die Betrachter sollten Wandas separate Streaming-Serie sowie eine Reihe anderer exklusiver Disney-Projekte kennen, um zu verstehen, wie sie in dieses neueste Abenteuer hineingezogen wurde. Zunächst sind es nur ein paar Dialogzeilen, die ihr bisheriges Schicksal zusammenfassen, doch dann verwandeln sich diese Anspielungen in vollständige Gespräche mit ergänzenden Verweisen und visuellen Elementen, die Fans, die nur die Marvel-Kinofilme gesehen haben, viele Details entgehen lassen werden. "Das war kein Traum ... es war ein anderes Universum."

Letzten Endes macht die Geschichte jedoch keinen großen Unterschied, da die Charaktere und ihre Fähigkeiten extrem vage gestaltet sind und innerhalb eines Multiversums sogar noch belangloser ausfallen, wenn man berücksichtigt, dass alternative Persönlichkeiten Tod und Zerstörung ermöglichen, die die primären Existenzen nicht betreffen. Alle paar Minuten sieht es so aus, als würden sich die Helden für den Krieg rüsten, wobei sie fliegen, sich in Pose werfen, Grimassen schneiden und neonfarbene Energiestrahlen aus ihren Fingerspitzen schießen, was die Konflikte ausmacht. Die beiläufigen Erwähnungen eines magischen Buches des Guten, eines Folianten der Verdammten, von Oberzauberern, verfluchten Seelen und weltübergreifender Besessenheit verstärken den Eindruck, dass die Handlung im Wesentlichen frei erfunden ist und sich an keinerlei vorher festgelegte Regeln hält. Das wird nie deutlicher als dann, wenn die Bösewichte eine komplizierte, zeitraubende Reihe altertümlicher Rituale durchführen müssen, anstatt ihre Gegner einfach zu töten oder ihnen mit einem Fingerschnippen ihre Superkräfte zu rauben.

Doch diese Hexerei entspricht eindeutig den Interessen des Regisseurs Sam Raimi, der einen Horrorfilm mit seinem Markenzeichen, dem spielerischen Schrecken, in Anlehnung an den familienfreundlichen Thrill von Filmen wie "Poltergeist", dreht. Von Kameragimmicks über kreischende Musikstücke bis hin zu Spukhauskulissen und Buh-Momenten wie dem plötzlichen Aufblitzen einer blutgetränkten Visage oder einer verstümmelten Leiche ist der Einfluss von Sam Raimi offensichtlich, auch wenn die Verwendung von Marvel-Eigenschaften die Effektivität des Autorenfilms einschränkt, was vielleicht am stärksten bei der restriktiven Altersfreigabe ab 12 Jahren auffällt. Das spielt kaum eine Rolle, da die wirkungsvolleren Sequenzen eher familiäre Enthüllungen oder Einblicke in eine Liebesgeschichte beinhalten, die wesentlich denkwürdiger sind als all die Kampfchoreographien und ausschweifenden Showdowns zwischen unbesiegbaren, zaubernden Halbgöttern, die durch auffällige, aber banale Computergrafiken völlig überladen sind.

Enttäuschend ist, dass bei all den unendlichen Möglichkeiten, die ein Multiversum bietet, in dieser Fortsetzung nur sehr wenige erforscht werden, und das auch noch mit ein paar Langweiligkeiten, die mit Löchern und Ungereimtheiten übersät sind, wie etwa ein Kommentar zu den Unterschieden zwischen den Realitäten, die weitaus mehr übereinstimmen, als es die Chancen vermuten lassen würden. Das Finale führt zwar das eine oder andere clevere Konzept ein, braucht aber viel zu lange, um zu diesem Punkt zu gelangen, und schöpft das Potenzial seiner grenzenlosen Arena nicht aus. Und da die Haupthandlung zwischen anderen Erzählsträngen existiert, während der Schluss mit zusätzlichen losen Enden und Teaser-Schnipseln für kommende Filme schließt, ähnelt "Doctor Strange in the Multiverse of Madness" der Filmreihe "Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind" und dient als bloßes Mittelstück, das dem größeren Bild nur marginal weiterhilft.

"Bank Job" von Regisseur Roger Donaldson bietet komplexe Konsequenzen für eine relativ geradlinige Handlung und bleibt durchweg faszinierend, da jede Einstellung zu immer spannenderen Wendungen für die sympathische Gruppe von zusammengewürfelten Antihelden führt. Zu ausführliche Charaktereinführungen führen zu einem langsameren Aufbau in der Anfangsphase des Raubes, aber solche Komplikationen ergeben sich wahrscheinlich aus weniger Freiheiten, die mit den auf einer wahren Geschichte basierenden Ereignissen genommen werden. Das Endergebnis ist ein Faszinosum: Kriminelle, ihre ebenso korrupten Gegenspieler auf der anderen Seite des Gesetzes und so mancher Ganove in der Grauzone, der zwar untrennbar verwickelt ist, aber über Material verfügt, das er gegen ein geringeres Maß an Schuld eintauschen kann.

Wir schreiben das Jahr 1971 im Osten Londons, und ein schicksalhafter Banküberfall nimmt Gestalt an. Um die Bedrohung durch den radikalen Gangster Michael X (Peter De Jersey) zu beseitigen, schmieden Regierungsbeamte einen Plan, um eine Bank in der Baker Street auszurauben und belastende Fotos aus seinem Fundus zu erbeuten. Damit der Raub nicht zu ihnen zurückverfolgt werden kann, wird eine unabhängige Gruppe von Dieben, angeführt von dem Autohändler Terry Leather (Jason Statham) und dem ehemaligen Model Martine Love (Saffron Burrows), unwissentlich in einen tödlichen Kampf gegen dubiose Beamte und die Londoner Gangsterunterwelt verwickelt.

Jason Statham ist kein typischer Hauptdarsteller, doch seit seinen Auftritten in den frühen Filmen von Guy Ritchie hat er es geschafft, immer wieder mit größeren und besseren Rollen zurückzukehren, vor allem, um in Actionfilmen mit seinen Kampfkünsten zu glänzen. Doch gerade in düsteren Thrillern ist er aufrichtiger, vor allem als gemeiner Schurke, aber mit realistischen menschlichen Charakterzügen. Jede moralische Verfehlung macht den Außenseiter sympathischer, und es lohnt sich, mit ihm mitzufiebern.

"Freche Sau". Zu den Charakteren kommt die einzigartige Sprache des Films hinzu, die wirklich bemerkenswert ist, da sie einen wunderbar schrägen britischen Slang einfängt. Ohne Schönfärberei machen diese scheinbar authentischen Worte den Dialog zu einem besonders wirkungsvollen Teil des Puzzles. "12-Zoll-Hammeldolch".

Um die Dinge etwas zu verlangsamen, gibt es eine ganze Nebenhandlung über Michael X und seine Erpressung der britischen Regierung, die in ihrer Verknüpfung mit anderen Fakten nützlich ist, aber als gedrehte Szenen im Film kaum notwendig ist. Die Fotos einer Prinzessin, die bei einem promiskuitiven Akt ertappt wurde, sind die Grundlage des Erpressungsplans, der weitere schädliche Materialien aus dem Bordell von Sonia Bern (Sharon Maughan) einbezieht, die ebenfalls von fiktiver historischer Bedeutung, aber ebenso verzichtbar wie das Ausgangsmaterial sind. Diese Segmente sind zwar am Rande vergnüglich, aber sie dienen im Wesentlichen nur dazu, die Laufzeit des Films in die Länge zu ziehen.

Man sagt, die Wahrheit sei seltsamer als die Fiktion, und "Bank Job" fällt definitiv in diese Kategorie oder dient zumindest als effektives Beispiel für fiktionale Ausschmückungen, die behaupten, Tatsachen zu sein. Zuhälter, Diebe, Spione und Regierungsbeamte treffen bei einem Raubüberfall aufeinander, der erst richtig und dann gewaltig schief läuft und den Neugierigen zum Nachdenken darüber anregt, wie viel oder wie wenig um des filmischen Reizes willen erfunden ist. Der Bankraub selbst ist nur die Vorstufe zu einem komplizierten Schluss, auch wenn sich "Bank Job" Zeit nimmt, um während des namensgebenden Überfalls viel Aufmerksamkeit zu generieren. Wenn der Abspann läuft und der Hinweis 'Die Namen wurden geändert, um die Schuldigen zu schützen' eingeblendet wird, ist klar, dass der Unterhaltungswert höher ist als die unverblümte Wahrheit.

"Harley Davidson and the Marlboro Man" von Regisseur Simon Wincer beginnt mit einem Haftungsausschluss, der besagt, dass weder ein Markenname eines bestehenden Unternehmens beworben wird, noch ein Unternehmen den Titel oder den Inhalt genehmigt, gesponsert oder gebilligt hat. Das war natürlich eine Sache, über die viele gestaunt haben werden. Der Film beginnt damit, dass Mickey Rourke aus dem Fenster starrt, während sich eine nackte Frau (Mitzi Martin) im Bett nebenan regt. Nach dem Vorspann gibt er sich als Harley Davidson zu erkennen, als wäre er die Bikerversion von James Bond für den amerikanischen Abschaum. Diese Information wird einem Tankstellenangestellten gegeben, als der Laden von einem bewaffneten Verbrecher überfallen wird. Eine Szene später verteidigt sich sein Partner, der ebenso raue, umtriebige Cowboy Robert 'Marlboro' Anderson (Don Johnson), bei einer Schlägerei in einer Kneipe. Und das war's dann auch schon mit der Charakterentwicklung.

Das Duo besucht die berühmte Bar ihres Freundes in Los Angeles, wo der riesige Jack Daniels (Wrestling-Legende Big John Studd) einen weiteren Streit mit Harley provoziert. Der Besitzer, 'Old Man' (Julius Harris), erklärt, dass die Bank ihm das Geschäft, das er seit '66 betreibt, wegnehmen wird, wenn er nicht 2,5 Millionen Dollar auftreiben kann. Harley, Marlboro, Jack, Jimmy Jiles (Giancarlo Esposito) und der schweigsame Jose (Eloy Casados) erkennen, dass sie den langjährigen Zufluchtsort aus sentimentalen Gründen brauchen, und beschließen, den Geldtransporter der 'Great Trust Bank' auszurauben, um schnell an Geld zu kommen. Der Raubüberfall gelingt zwar, doch werden sie kurzzeitig von einer Bande maschinengewehrbewaffneter, kugelsicherer und mit Trenchcoats ausgestatteter Wachen aufgehalten, die von dem eiskalten Leutnant Alexander (Daniel Baldwin) angeführt werden. Als Harley die gestohlene Beute untersucht, stellt er fest, dass es sich nicht um das erhoffte Bargeld handelt, sondern um die neue Droge 'Crystal Dream', ein hochgradig süchtig machendes Halluzinogen, das dem Benutzer in reiner, gefrorener Form in die Augen geträufelt wird und einen starken Rausch bewirkt. Der Distributor, Chance Wilder (Tom Sizemore), will sie um jeden Preis wiederhaben.

Der Tenor ist ironisch, die Gewalt und die Spannung werden mit wenig Aufrichtigkeit hingenommen. Niemand scheint in irgendeiner Weise wirklich in Schwierigkeiten zu sein. Wenn die stümperhaften Diebe einen Tausch aushandeln, gehen sie einfach davon, ohne sich Gedanken darüber zu machen, dass sie sich übernommen haben. Als Alexander und seine Handlanger das Geld abholen - dank des eindeutigen Peilsenders, der in der Aktentasche versteckt ist -, ist die Gruppe so überrascht, als hätten sie noch nie einen Raubüberfall gesehen, der in die Hose gegangen ist. Die Autoren scheinen auch nicht zu wissen, wie man eine Eskalation der Lage plausibel und rational gestalten kann. Wenn Alexander vorhatte, unschuldige Zivilisten vor den Augen von Zeugen zu erschießen, warum richtete er dann nicht einfach alle am ursprünglichen Austauschort hin, der ein verlassener Flugzeugfriedhof war? Selbst nach einer tragischen Situation sind keine überzeugenden Gewissensbisse zu erkennen, und die Einsicht in die eigene Sterblichkeit hält sich in Grenzen.

In der ersten Hälfte von "Harley Davidson and the Marlboro Man" werden Charaktere und Motive eingeführt, aber sobald Harley und Marlboro auf der Flucht sind, wird die anfängliche Perspektive völlig aufgegeben. Es wird zu einer schlichten Fluchtmission. Das Überleben steht im Fokus, doch gegen Ende kommt auch die Vergeltung ins Spiel. Eine bedeutungslose Nebenhandlung um Marlboros Liebesinteresse, die passenderweise Virginia Slim (Chelsea Field) heißt, taucht ebenfalls auf und hat es schwer, mit dümmlichen Sprüchen und ständigen Verweisen auf die Ratschläge von Marlboros Vater und abgegriffenen Actionszenen zu konkurrieren, wie beispielsweise der Sprung von einem Kasinodach, der unverhohlen an "Butch Cassidy und Sundance Kid" gemahnt, den der Titel dieses Films ebenfalls zu parodieren scheint. Die Filmmusik von Basil Poledouris hat Probleme, mit dem ständigen Rock'n'Roll-Soundtrack zu konkurrieren, und das Drehbuch ist absolut absurd. Auch wenn der Film im Jahr 1996 spielt, also nur wenige Jahre in der Zukunft, sind futuristische Elemente nirgends zu finden, abgesehen von den irrsinnigen kugelsicheren Schutzanzügen, die Alexander und seine Truppe tragen. Ironischerweise sind Harley und Marlboro ebenso unempfindlich gegen Geschosse, obgleich sie keinerlei Schutzvorrichtungen benötigen.

In "The Arena - Schlacht um Rom" von Regisseur Timur Bekmambetov hat Gouverneur Timarchus (Viktor Verzhbitskiy) gerade den Bau eines neuen Kolosseums in Dorostorum abgeschlossen, in dem seine mächtigen Gladiatoren zur Unterhaltung des Volkes bis zum Tod kämpfen sollen. Die Spiele sind brutal, wenngleich ihre Darstellung sofort an Schäbigkeit gewinnt. Um die Tatsache zu verschleiern, dass das Budget minimal ist, werden mit unlogischen Schnitttechniken Farben verwischt, Bilder verzerrt und eilig geschnitten, jeweils gepaart mit sich wiederholenden Soundeffekten. Sogar einige der Soldaten können ihre Helme nicht gerade aufsetzen, was ein eindeutiges Zeichen von Dilettantismus ist.

In Rom werden die Schulden des Adligen Maximus durch die Beschlagnahmung seiner wertvollen Sklavin Jessemina (Karen McDougal) beglichen, die nach Dorostorum, 'dem schlimmsten Ort der Welt', gebracht wird, wo Timarchus über den Mangel an adäquaten Kriegern für seine Arena lamentiert. Er schickt seinen Gefolgsmann Priscium (Kirill Ulyanov) nach Rom, um neue Kämpfer und einige Frauen anzuwerben. Um sich Jessemina anzuschließen, werden vier Mädchen gekauft, darunter Bodicia (Lisa Dergan), Livia (Olga Sutulova), Diedra (Yuliya Chicherina) und Lucinia (Severina Kamugish Kemirimbe), die prompt von ihrer Betreuerin Cornelia (Natalia Surkova) mit einem nassen Lappen angegriffen und anschließend von den Gladiatorensklaven vergewaltigt wird.

Es dauert nicht lange, bis die neuen Kämpfer die Arena betreten und eine absolut kümmerliche Kampfchoreographie zeigen, die eher schnelle Schnitte und Bilder von den Nachwirkungen als gekonnte Duelle zeigt. Es gibt etwas Blut und abgetrennte Körperteile, aber der Grad der Intensität ist unglaublich niedrig. Da hilft es auch nicht, dass zwischen den Kämpfen mickrige Karteneffekte, unnötige Rückblenden, die spontane Einführung eines Erzählers und unfassbar schlecht gesetzte Dialoge auftauchen, von denen sich einige wie improvisiert anhören und von anachronistischen Launen handeln. Die schauspielerische Leistung ist grässlich: Häufig wird synchronisiert oder der Text in sinnlosen Großaufnahmen wiedergegeben, die die Unfähigkeit der Beteiligten zur Darstellung von Emotionen verbergen. "Willkommen in meiner Arrestzelle".

"The Arena - Schlacht um Rom" ist zweifelsohne ein Exploitation-Film, in dem es in erster Linie um Nacktheit, einige wenig beeindruckende Fechtkämpfe und dann noch mehr Blöße geht. Dröhnende E-Gitarren klingen völlig unpassend für ein historisches Werk, auch wenn sie die Softcore-Sexszenen zwischen dem muskelbepackten Quintus (Igor Botvin) und Karen McDougal und Lisa Dergan passend begleiten. Als schließlich alle geeigneten Männer im Kolosseum ums Leben kommen, beschließt Timarchus, die Frauen in den Ring zu schmeißen, was zunächst ein umfangreiches Training durch den Instrukteur Septimus (Anatoly Mambetov) notwendig macht.

Letztlich ist "The Arena - Schlacht um Rom" kein besonderer Film. Es ist vor allem eine Ausrede, um die Körper der ehemaligen Playboy-Playmates Karen McDougal und Lisa Dergan zur Schau zu stellen. Dazu gehören Zeitlupenläufe, bei denen sich die Brüste aus den Gewändern quellen, verschiedene Sex- und Vergewaltigungsszenen und sogar eine ölige Abreibung für die nackte Leiche einer der Amazonen. Es gibt kaum genug Handlung, um einen 90-minütigen Film zu schmücken. Tatsächlich sind die Filmemacher so verzweifelt, die Laufzeit zu verlängern, dass sie Septimus eine Nebenhandlung in Form einer Liebesgeschichte geben, während sich eine feierliche, Händchen haltende, skandierende und singende Tanzsequenz für Timarchus und seine Truppen als geradezu grotesk dämlich erweist. Es wäre weniger töricht gewesen, einfach eine der Sexszenen in einer Rückblende zu wiederholen. Sogar der klimatische Showdown in der Arena ist so elendig zusammengeschnitten, dass es unmöglich ist, den völligen Fehlschlag von echten Stunts oder Kampftalenten zu verbergen. "Wie lange soll ich warten?"

"Das Halloween-Monster" von Regisseur Stan Winston beginnt im Jahr 1957. Tom Harley (Lee DeBroux), seine Frau Ellie (Peggy Walton Walker) und ihr kleiner Sohn Eddie verschanzen sich in ihrer Waldhütte, um sich vor den bösartigen Angriffen einer schrecklichen Kreatur zu schützen. Als Clayton (Richard Warlock) verängstigt zu ihrem Haus kriecht und um ein Versteck bittet, weist Tom ihn ab und lässt zu, dass das Monster die unglückliche Seele in Stücke reißt. Jahre später ist Eddie (Lance Henriksen) erwachsen, hat ein eigenes Kind und betreibt einen maroden Lebensmittelladen am Highway, mitten im Nirgendwo.

Als sechs junge Erwachsene aus der Großstadt in die Stadt kommen, um rücksichtslos mit ihren Dirt Bikes durch die hügelige Landschaft zu fahren, töten sie versehentlich Billy (Matthew Hurley), den kleinen Sohn von Eddie. In Panik fliehen zwei von ihnen sofort, der Rest bleibt zurück, wobei einige Hilfe holen wollen und nur einer bei der Leiche des Kindes bleibt. Als Eddie von einer Besorgung zurückkehrt und seinen Jungen tot auffindet, ist er fassungslos. Er wendet sich an einen anderen Einheimischen, Mr. Wallace (Buck Flower), der sich weigert, den Namen der legendären Hexe preiszugeben, die tief im Wald wohnt. Doch einer von Wallaces Söhnen belauscht ihr Gespräch und führt Eddie auf halbem Weg zum abgelegenen Haus von Haggis (Florence Schauffler), einer schwer gealterten Frau. Das vertrocknete alte Weib kann Billy nicht von den Toten auferstehen lassen, aber sie kann bei der Rache helfen. Aus dem Jenseits heraufbeschwörend, markiert Haggis die Teenager für blutige Rache durch Pumpkinhead, eine riesige Bestie, die teilweise mit Eddies Psyche verbunden ist.

Die Beleuchtung, die Kameraführung, die Musik und die unheimlichen Soundeffekte erinnern an einen Horrorfilm aus den 80er Jahren. Er ist angemessen atmosphärisch und bietet genug Gruselfaktor, um ein kompetentes Stück B-Movie-Vergnügen zu bieten. Für die Kreatureneffekte zeichnet ein Großteil des Teams von "Predator" verantwortlich, während der Film selbst unter der Regie des legendären Effektmeisters Stan Winston entstanden ist. Der Schwerpunkt liegt eindeutig auf dem Make-up, den prothetischen Elementen und den blutigen Szenen, die allesamt auch nach längerer Zeit noch gut aussehen. Die verschrumpelte Hexe ist überaus furchterregend, während Pumpkinhead ein denkwürdiger Naturgeist ist, der mit seiner missgestalteten Visage, seinen schmächtigen Gliedmaßen und seiner schwerfälligen Atmung an ein Kleinkind grenzt.

Für einen Standard-Monsterfilm wird viel zu viel Zeit damit verbracht, Eddies Liebe zu seinem Kind zu bekräftigen, die der langsame, detaillierte Katalysator für die Hexerei ist, die Pumpkinhead herbeiruft. Das ist vor allem deshalb unnötig, weil Lance Henriksens Figur nicht viel von einem Protagonisten hat und die Ankunft des blutrünstigen Monstrums fast ausschließlich das ist, wonach sich der Zuseher sehnt. Die Opfer sind im Grunde genommen nicht voneinander zu unterscheiden: drei Jungs und drei Mädchen, die sich in einer Hütte verbarrikadieren, in der Hoffnung, einen Besuch der Behörden oder Schlimmeres hinauszuzögern. Wenn Pumpkinhead schließlich auftaucht, werden die Zielpersonen schnell abgemetzelt, wobei Kamerawinkel und Kulissen jegliche Bewegungseinschränkungen für die übergroße Puppe verdecken, deren Mimik und allgemeine Artikulationen nicht enttäuschen und eine Szene in einem Schrank an Genialität heranreicht. Und wenn die wenigen Überlebenden gezwungen sind, vor verschlossenen Türen zu plädieren und damit den Anfang des Films nachzustellen, ist das unbestreitbar befriedigend, auch wenn die letzten ausharrenden Charaktere nicht vertraut genug sind, um sich für sie zu interessieren. Leider werden gegen Ende weitere Ausführungen zur Legende des Ungetüms eingefügt, was die Handlung erneut verlangsamt. Dadurch wird Pumpkinheads Rückkehr in mehreren abendfüllenden Fortsetzungen begünstigt, auch wenn sie alle direkt auf Video erschienen sind.

"Twilight 4: Breaking Dawn - Biss zum Ende der Nacht - Teil 2" von Regisseur Bill Condon knüpft fast unmittelbar an die Ereignisse von "Twilight 4: Breaking Dawn - Biss zum Ende der Nacht - Teil 1" an. Bella Swan (Kristen Stewart) und Edward Cullen (Robert Pattinson) müssen es wagen, ihr neugeborenes Kind Renesmee (Mackenzie Foy) in einer Welt aufzuziehen, in der Vampirkinder nicht geduldet werden. Als Irina (Maggie Grace) ihren engen Freund und Werwolf-Beschützer Jacob Black (Taylor Lautner) bei einem Schneespaziergang mit der schnell wachsenden Renesmee beobachtet, nimmt sie an, dass das junge Mädchen in einen Vampir verwandelt wurde, anstatt geboren zu werden, was in der Vampirüberlieferung ein unübersehbares Dilemma aus permanenter Unreife, potenziell zerstörerischen Wutanfällen und allgemeiner Unzuverlässigkeit darstellt. Indem sie diese ungenaue Vision an den starrköpfigen Volturi-Anführer Aro (Michael Sheen) verrät, zettelt sie einen Krieg zwischen den Cullens und ihren Sympathisanten und Aros Armee von fähigen Getreuen an.

Es hat etwas Erfreuliches, dass die "Twilight"-Saga endlich zu Ende geht. Taylor Lautner dabei zuzusehen, wie er dramaturgisch sein Hemd auszieht, spärlich bekleidete Waldmenschen zu sehen, die sich in überdimensionale Werwölfe verwandeln, die trotz knirschender Eckzähne viel zu knuddelig wirken, und Kirsten Stewarts leeres Gesicht zu betrachten, das verzweifelt versucht, eine Emotion zu zeigen, hat sich zu einer anstrengenden Odyssee entwickelt. Die zahlreichen Probleme, mit denen die Filmreihe zu kämpfen hat, wurden nicht behoben, was einmal mehr die quälende Absurdität der Stärke und Geschwindigkeit von Vampiren und jetzt noch auffälliger die Fütterung von Wildtieren demonstriert, die nicht überzeugende Computergrafik und ein Übermaß an Komik.

Der durchdringende Humor in "Twilight 4: Breaking Dawn - Biss zum Ende der Nacht - Teil 2" ist vielleicht die größte Geißel der Produktion. Die erste halbe Stunde ist so sehr von One-Liner-Riffs durchsetzt, dass es unmöglich ist, die Absicht zu erkennen. Diese ständigen kleinen Scherze bringen die Geschichte nicht voran und verunreinigen nur den Umgangston, der Ernsthaftigkeit erfordert, um die wild fantasievollen, märchenhaften Figuren sinnvoll zu verkörpern. Die Prägung, die Dreiecksbeziehung, eine sehr jugendfreie Sexszene, das Armdrücken von Bella, um ihre Stärke zu beweisen - all das und mehr ist rein komödiantisch, während es gleichzeitig den Anspruch erhebt, essenziell zu sein, und von der Strenge ablenkt, mit der der Blutdurst gestillt, ein rätselhaftes Kind aufgezogen und eine Armee für eine epische Schlussschlacht zusammengestellt wird.

Die Besetzung von Michael Sheen ist bei weitem die knalligste Wahl, die der debilen Rolle Mimik, Dialoge und Kalauer verleiht, die für unangenehme Heiterkeit sorgen. Später werden die besonderen Kräfte, die über das bloße Vorhandensein unsterblicher Blutgeier hinausgehen, wie die Beherrschung von Elektrizität, die Verzerrung von Elementen, Gedankenkontrolle und Ähnliches, als pathetische Anlehnung an die Mutanten der X-Men dargelegt. Der Aufwand, den die Vampire betreiben, um ihren Vampirismus zu verbergen, hat es offenbar notwendig gemacht, auffälligere Fähigkeiten zu nutzen, ähnlich wie bei Superhelden. Jacob erwähnt sogar Bellas Jedi-Ausbildung.

Zugegeben, es ist amüsant, den lang erwarteten Zusammenprall der Erbarmungslosigkeit der Volturi und der fürsorglichen Rechtschaffenheit der Cullens zu sehen. Die mit Hochspannung erwartete Kampagne ist nicht ohne ungeahnte und einschneidende Verluste. Eine unglückliche Wendung umgibt jedoch diesen momentanen Enthusiasmus und die willkommene Realisierung von Schärfe und Gewalt, die eine Methode der Irreführung preisgibt, die einem narrativen Verrat gleichkommt, der den zufälligen oder ungebildeten Betrachter unweigerlich verärgern wird, nämlich diejenigen, die mit dem Buch nicht vertraut sind, sollten sie in Massen für diese Version bestehen. Immerhin beschleunigen Bellas Erläuterungen den allzu simplen Plot, so dass das Finale des theatralischen Phänomens weniger als zwei Stunden dauert.

Nichts trübt das Eheglück so sehr wie eine unerwartete und plötzliche Schwangerschaft. In "Twilight 4: Breaking Dawn - Biss zum Ende der Nacht - Teil 1" von Regisseur Bill Condon der beliebten "Twilight"-Saga werden die Gefahren für die Familie Cullen ein wenig persönlicher. Das Gefühl der Unmittelbarkeit umgibt ihre Entscheidungen über Leben und Tod, während eine interne Bedrohung buchstäblich darauf abzielt, den engen Zusammenhalt der Gruppe zu zerstören. Die Wahl fällt schwer, aber keine Sorge, denn selbst wenn der reife Inhalt und die Intensität manchmal überhand nehmen, gibt es jede Menge dämlichen Dreiecks-Humor und billige Werwolf-Effekte, die die Gemüter aufhellen. Wenn die Fülle an Großaufnahmen und Emo-Metal-Musik endlich nachlässt, schafft es "Twilight 4: Breaking Dawn - Biss zum Ende der Nacht - Teil 1", ein paar Momente aufrichtiger Emotionen hervorzurufen, die aus einem Film hervorstechen, der von angstgetriebenen Gefühlen und sich wiederholenden Vorgängen durchzogen ist, die der Geschichte wenig nützen.

Nachdem sie ihre widersprüchlichen Gefühle geklärt hat, beschließt Bella Swan (Kristen Stewart), die Ewigkeit mit dem Vampir Edward Cullen (Robert Pattinson) zu verbringen. Ihre Hochzeit steht kurz bevor. Der Werwolf Jacob Black (Taylor Lautner) ist untröstlich über ihre Entscheidung und erklärt sich bereit, sich von ihren Angelegenheiten zu distanzieren. Als Bella während ihrer Hochzeitsreise mit Edward plötzlich schwanger wird und der schnell wachsende Fötus das Leben der jungen Frau zu bedrohen beginnt, kehrt Jacob zurück, um seine Freundin zu trösten und die Familie Cullen gegen ein Rudel Werwölfe zu unterstützen, die das Kind vernichten wollen.

"Twilight 4: Breaking Dawn - Biss zum Ende der Nacht - Teil 1" beginnt mit einer Zusammenfassung, die so kurz und unzusammenhängend ist, dass jeder, der mit der Serie nicht vertraut ist, aufgeschmissen ist. Zum Glück ist die Rahmenhandlung so simpel, dass es nicht schwer ist, die Zusammenhänge auch ohne sie zu verstehen, und der Betrachter wird sich mit den vorherigen Filmen und Büchern zweifellos gut auskennen. Ein weiterer Lichtblick ist Bellas Voice-over-Erzählung, die mit schwermütigen philosophischen Betrachtungen versehen ist, die nicht zu ihren üblichen abgehackten, einfach formulierten Sprüchen passen. Der normale Dialog bleibt erwartungsgemäß pauschal und erbärmlich. Ich hoffe, dass diese Zeilen nicht wortwörtlich aus dem Roman übernommen wurden. Der andere Aspekt, der im Vergleich zu den Vorgängern auf der Strecke bleibt, sind die Spezialeffekte, die bei einer so lukrativen Reihe aufgerüstet werden sollten: realistischere Wölfe, überzeugendere Kämpfe zwischen Vampiren und Werwölfen und eine vernünftigere Optik, um die erhöhte Geschwindigkeit und Stärke zu demonstrieren. Vielmehr ist jeder Moment mit einem hünenhaften Hund oder einem diffusen Blutsauger eine Lachnummer.

Es gibt kaum genug Stoff für einen richtigen Film. Die Kontroverse, über die viel geredet wird, rührt von den Sexszenen her, die jedoch selten mehr beinhalten als Umarmungen, Küsse und intensive Nahaufnahmen. Dazu kommen Soundtrack-Songs, die sich in Zehn-Minuten-Intervallen über die Handlung erheben, ein völliger Mangel an Spannung während der Szenen mit Edward und Jacob und die leicht belustigende Vorstellung, dass die Verbindung zwischen "Twilight" und "True Blood" darin besteht, dass es in keiner der beiden Serien um Vampire geht, die sich bei ihren wahllosen sexuellen Aktivitäten schützen. Spätestens wenn Bella durch die kräftezehrende Schwangerschaft körperlich zerfällt, wird "Twilight 4: Breaking Dawn - Biss zum Ende der Nacht - Teil 1" in seiner formelhaften Herangehensweise an Spannung, Drama, Action-Choreografie und Schnitt fast unansehnlich. Nach all dem muss das Ganze auch noch mit einer gekünstelten Botschaft enden.

Es scheint, als ob jeder "Twilight"-Film sich damit begnügt, die gleiche Geschichte immer und immer wieder zu erzählen, so auch "Eclipse - Biss zum Abendrot" (diesmal steht das 's' nicht in Klammern) von Regisseur David Slade. Bella (Kristen Stewart) kämpft weiterhin mit ihren gemischten Gefühlen zwischen Edward (Robert Pattinson) und Jacob (Taylor Lautner), die Vampire und Werwölfe nehmen ihre jahrhundertealte Fehde wieder auf, und Bösewichte aus der ganzen Welt bedrohen Bella mit dem Tod. In der "Twilight"-Saga liebt sie jeder Charakter entweder oder will sie umbringen. Mit ihren ständigen, monotonen, deprimierenden Off-Kommentaren, ihren lustlosen Darbietungen und dem permanenten Blick, der sich in ihr schlichtes Gesicht eingebrannt hat, geht es dem Betrachter vermutlich genauso.

"Eclipse - Biss zum Abendrot" beginnt dort, wo der vorherige Film aufgehört hat: auf einer romantischen, sonnigen, blumigen Wiese, wo die menschliche Highschool-Schülerin Bella Swan dem schillernden Vampir Edward Cullen ihre Liebe gesteht, sich aber immer noch weigert, ihn zu heiraten. Ihr Ziel ist es, in einen Vampir verwandelt zu werden, und er verspricht ihr die Durchführung der Transformation nach ihrem kurz bevorstehenden Schulabschluss. In der Zwischenzeit sorgt eine bizarre Mordserie in Seattle für Schlagzeilen und erregt die Aufmerksamkeit des weltweit führenden Vampirzirkels, der Volturi, deren Entscheidungen im Geheimen von dem erbarmungslosen Kind Jane (Dakota Fanning) getroffen werden. Eine erst kürzlich gegründete Gruppe neugeborener Vampire steckt hinter den grausamen Morden, und während sie sich ihren Weg zu Bella bahnen, müssen die Todfeinde von Werwölfen und Vampiren eine unheilvolle Allianz bilden, um sie vor den vielfältigen Kräften des Bösen zu schützen.

Das Drama wird etwas reifer, auch wenn es immer noch mit Witzelei überfrachtet ist, und das Liebesdreieck wird immer interessanter. Jacob, Bellas Werwolf-Freund, ist unsterblich in sie verliebt und versucht, sie Edward wegzunehmen, was den Großteil der humoristischen und teilweise melodramatischen Auseinandersetzungen zwischen den beiden Rivalen ausmacht. Bella scheint darauf bedacht zu sein, sich in der Mitte der beiden zu positionieren, indem sie die Gelegenheit nutzt, um den Zuschauer zu einer kontroversen Diskussion anzuregen und die ungünstigen Waffenstillstände zu strapazieren, die zufällig zwischen den Konkurrenten entstehen.

Obwohl Regisseur David Slade Erfahrung mit Vampiren hat und den wesentlich blutigeren "30 Days of Night" inszeniert hat, verhindern die Beschränkungen, die sich aus den Romanen und den vorangegangenen Filmen ergeben, dass die jenseitigen Kreaturen besonders eindrucksvoll in Erscheinung treten. Die glitzernde Haut, die rasanten Flüge durch die Wälder und die übermenschlichen Luftsprünge verdienen das Verdrehen der Augen und die Seufzer, die sie ernten, denn sie können die Lächerlichkeit nicht vertreiben, die die Spezialeffekte von Anfang an geplagt hat. "Eclipse - Biss zum Abendrot" führt auch Rückblenden ein, um die Geschichte der Nebenfiguren Jasper und Rosalie zu erzählen. Unnötig und nicht überzeugend, wenn man bedenkt, dass die Verwendung von historischen Kulissen und Kostümen eine Idee ist, die zu den Büchern passt, aber für den Film völlig sinnlos ist. Die Dialoge sind nach wie vor dilettantisch, das lachhaft ernste Auftreten aller Vampire ist leider ulkig, die CG-Werwölfe sind nicht überzeugend und die finale Kampf-Trainingssequenz ist geradezu pubertär. Taylor Lautner tänzelt allerdings die meiste Zeit oben ohne herum, was für viele den größten Reiz der Filmreihe ausmacht. "Besitzt er denn kein Hemd?"