Chainsaw Charlie - Kommentare

"Das Leben des Emile Zola" von Regisseur William Dieterle spielt im Paris des Jahres 1862. Der verarmte Schriftsteller Emile Zola (Paul Muni) kämpft mit seinem Mitbewohner, dem Maler Paul Cezanne (Vladimir Sokoloff), ums Überleben. Er muss die Miete und den Metzger begleichen. Seine Mutter verschafft ihm eine Stelle als Angestellter beim Buchverlag 'Monsieur La Rue', aber die Beschäftigung ist nur von kurzer Dauer, da sich die Behörden an ihn wenden, weil er hetzerische Artikel über die Regierung und verschiedene soziale Ungerechtigkeiten der Zeit schreibt. Er wird vor ein Ultimatum gestellt: Entweder er hört auf, über seine Lieblingsthemen zu schreiben, oder er verliert seinen Job. Emile Zola weigert sich, seine künstlerische Perspektive aufzugeben und wird erneut in die Arbeitslosigkeit entlassen. "Bald wird die Welt mich anerkennen."

Unbeeindruckt von der Strafverfolgung macht Emile Zola weiterhin auf die Themen öffentliche Sicherheit, Korruption und Bestechung, bewaffnete Konflikte und die Problematik der Wirtschaftskrise aufmerksam. Als er eine unglückliche Frau trifft, die vor der Polizei flieht, wird er inspiriert, auch über ihre schändliche Vergangenheit zu schreiben. Der Roman 'Nana', der auf kontroverse Weise ein Leben in der Gosse offenbart, verkauft sich in den ersten drei Tagen 36.000 Mal. Mit dem Eintritt Frankreichs in den Krieg von 1870 eröffnen sich für Emile Zola neue Themen. In 'Der Zusammenbruch' übt er scharfe Kritik an der Armee und fordert die Verhängung von Strafen durch den Obersten Zensor. Doch Emile Zola ist nicht aufzuhalten. Indem er weiterhin das Elend, das Leid und die Blutschuld des Volkes durch die Fehler der Regierung aufdeckt, wird er reich, weltberühmt und ein kleines bisschen dicker.

Der Übergang von einem jungen Menschen in Armut zu einem erfolgreichen älteren Mann ist faszinierend schnell. Innerhalb einer halben Stunde scheint das Leben von Emile Zola resümiert zu sein und sich seinem Ende zu nähern. Und dann, in einer eher ungewöhnlichen erzählerischen Entwicklung, verlagert sich der Fokus des Films auf eine völlig neue Gruppe von Charakteren, die im Jahr 1894 interagieren: Der jüdische Berufskapitän Alfred Dreyfus (Joseph Schildkraut) wird in eine Hexenjagd verwickelt, als der ungarische Graf Esterhazy einem deutschen Gesandten Staatsgeheimnisse verrät, was eine Reihe hochrangiger Militärs zu Überreaktionen, Spionage und übereilten Schlussfolgerungen anspornt. Der Antisemitismus wird zwar angedeutet, aber dieses Hauptmotiv wird überwiegend ignoriert.

Obwohl es eine Weile dauert, bis Emile Zola auf den Bildschirm zurückkehrt, wird deutlich, dass ein großer Skandal im Gange ist und dass jemand wie der geschätzte Autor die einzige Person sein könnte, die in der Lage ist, die Situation zu korrigieren. In der Welt von Emile Zola ist die Macht einer lauten Stimme oder die Freiheit der Presse überzeugender als die Gesamtheit eines einseitigen Gerichtssystems. Im weiteren Verlauf des Films, der sich immer mehr wie eine Biografie von Alfred Dreyfus anfühlt, sind es Joseph Schildkraut und Gale Sondergaard, die seine Frau Lucie darstellt, die die tiefgreifendsten Sequenzen tragen, da die Wahrung des Ansehens der Verantwortlichen und der dadurch verursachte Individualschaden gegen die schwerwiegenden Auswirkungen der Wahrheit kämpfen, die das Vertrauen in die Armee und ihre Ehre zu schwächen droht. Als Sprachrohr der Konfrontation mit dem französischen Militär riskiert Emile Zola jedoch viel, darunter auch eine gerichtliche Vorladung zur Vergeltung, was die Löschung seines Lebenswerkes bedeuten könnte. "Die französische Justiz macht keine Fehler."

"Das Leben des Emile Zola" hat eine historische Grundlage, doch die Geschichte ist zu Unterhaltungszwecken fiktionalisiert worden. Der Unterhaltungswert ist dabei hoch, zumal der Film die Korruption auf oberster Ebene entlarvt und die dringende Notwendigkeit aufzeigt, unfaire Justizpraktiken zu revidieren. Es ist eines der frühesten Gerichtsdramen und militärischen Verschwörungsfilme und sogar politischen Kriegsfilme, die ihre Themen und Reden sowohl für bedeutsame Bürgerrechtsgeschichten als auch für kleine, familiäre Gerichtsprozesse von "Wer die Nachtigall stört" und "Anatomie eines Mordes" über "Kramer gegen Kramer" bis hin zu "Wege zum Ruhm" und "Eine Frage der Ehre" verwenden. Auch sein Maskenbild und die Alterungseffekte sind grandios. Wenngleich die Botschaft wichtig und das Ergebnis signifikant ist, wird die Handlung trotz ihrer Nutzung als Vorlage für andere Projekte zu schematisch erzählt, was der Produktion insgesamt einen unausgewogenen Stempel aufdrückt. Der Mann und seine Werke sind weitaus frappierender als die Darstellung und fachliche Bearbeitung seiner Biographie.

"Candy" von Regisseur Christian Marquand beginnt mit einer sehr langen Eröffnungsszene, die durch die Galaxie zoomt, sich auf die Erde fokussiert und die Planeten mit psychedelischen Farben und greller Überbelichtung auskleidet. Die Kamera schwenkt über den Ozean, über den Strand und schließlich durch die Wüste, um auf einer jungen blonden Frau zu landen, die unter einem weißen Laken hervorkommt. Offenbar war alles nur ein Traum, denn die naive Candy Christian (Ewa Aulin) wacht im Unterricht auf und wird von ihrem Vater, dem Lehrer, belehrt. Später besucht sie einen Vortrag des berühmten Dichters MacPhisto (Richard Burton), eines versoffenen Schauspielers, der sie anschließend in seiner Limousine zu vergewaltigen versucht. Als er zu betrunken ist, um etwas anderes zu tun, als auf den Boden zu fallen, hat Candy stattdessen Sex mit dem schwachsinnigen Landschaftsgärtner (Ringo Starr) ihres Vaters.

Es wird beschlossen, Candy wegen ihres abnormalen Verhaltens nach New York zu schicken, mit ihrem Vater, ihrem Onkel T.M. Christian (John Astin) und seiner Frau Livia (Elsa Martinelli) als Begleitpersonen. Auf dem Weg dorthin wird die Familie von den drei Schwestern des Gärtners, Lolita (Florinda Bolkan), Conchita (Marilù Tolo) und Marquita (Nicoletta Machiavelli), die Schlagringe, ein Springmesser und einen Dreschflegel bei sich tragen, überfallen, und in dem daraus resultierenden Streit fällt Candys Vater ins Koma. Es gelingt ihnen, an Bord eines Militärflugzeugs zu steigen, das von Brigadegeneral Smight (Walter Matthau) kommandiert wird, der eine Bluttransfusion gegen eine patriotische Stripshow von Candy eintauscht, was zu einem versehentlichen Einsatz der Truppen des Militärs und einer wackeligen Landung durch T.M.s Frau führt. Von dort aus wird ein Hirnchirurg (James Coburn) in rosa Kittel zur Operation gerufen, der sich lustigerweise Blut ins Gesicht spritzt, während er mit Skalpellen und Knochensägen in Candys bewusstlosem Vater herumstochert, während eine Schar von Schaulustigen ihm dabei zujubelt. Nach einer erfolgreichen Operation begeben sich der Arzt und seine Fans sowie der sedierte Patient in den Partyraum, wo sie ihren Triumph feiern. In der Zwischenzeit erlebt Candy auf der Suche nach ihrem Vater weitere aberwitzige Zwischenfälle. Und das ist nur die Spitze des Eisbergs, denn das rehäugige Mädchen setzt ihre bizarre Odyssee mit seltsamen Menschen und noch eigenartigeren sexuellen Begegnungen fort, die ihren Höhepunkt in einer ätherischen Leere findet.

Die Nebendarsteller können praktisch nicht schauspielern, abgesehen von den überraschenden Gastauftritten einiger sehr großer Namen, die wahrscheinlich alle ihr Engagement nach der Veröffentlichung des Films in Frage gestellt haben. Richard Burton ist MacPhisto, der überdramatische, alkoholkranke Theaterschauspieler. In der Rolle von Emmanuel, dem eifrigen mexikanischen Gärtner, ist Ringo Starr zu sehen. Der Gehirnchirurg, der sich auf Affen spezialisiert hat, wird von James Coburn dargestellt. John Huston ist der Chefarzt der Nervenheilanstalt. In der Rolle des kommandierenden, kläffenden Generals ist Walter Matthau zu bewundern. Der Sänger Charles Aznavour ist der bucklige Gaukler, der auch mit der blauäugigen Frau zu tun hat. Anita Pallenberg ist eine gestörte Krankenschwester und Marlon Brando ist Grindl, ein Guru, der in einem Wohnwagen lebt und keine materiellen Sorgen hat, außer Candy zu besteigen. Die Boxlegende Sugar Ray Robinson absolviert ebenfalls einen kurzen Aufgalopp.

Die Musik ist sehr 60er Jahre, tamburinlastig, fröhlich, blöd und von dem gleichen Niveau wie in einem Porno. Die Dialoge sind ähnlich pathetisch, wenn auch nicht ohne einige versteckte Kleinode des rasanten Sprachwitzes. Vereinzelt ist es jedoch kaum mehr als unverhohlener Blödsinn, eklatanter Rassismus und politische Unkorrektheit mit verstärktem Dialekt. "Candy" ist außerdem gespickt mit kreativ-schräger Kameraführung, darunter eine Aufnahme von unten, die als Glas gezeigt wird, Handkameraaufnahmen, die torkelnde Charaktere verfolgen, abwechselnde Schnitte von MacPhisto, der eine Schaufensterpuppe befummelt, während Emmanuel sich an der titelgebenden Blondine gütlich tut, und die Augen von Ärzten und Krankenschwestern, die Bilder von blutigen chirurgischen Instrumenten zum Takt von Rockmusik verfolgen. Selbst die Kulissen und Requisiten sind abenteuerlich, verstörend und völlig deplatziert.

Die Figuren scheinen Gedanken und Gefühle zu verkörpern, ohne jemals klar als solche definiert zu sein, und die Geschichte schreitet voran, als wäre sie an Ort und Stelle erfunden worden, mit zufälligen Abbildungen und ohne Richtung oder Ziel. Der Grund dafür ist die Verfilmung des Romans von Terry Southern, einer erotischen Komödie, die lose auf Voltaires Candide basiert. Ist es eine geschickte Satire, eine Provokation des Optimismus, eine Anspielung auf die klassische Literatur, ein surrealistisches Fiasko oder eine sinnlose Sexposse? Ist das Kunst oder kann das weggeworfen werden? Der enigmatische, hemmungslos groteske Film, der heute als Kultfilm gilt, ähnelt in seiner expliziten Sexualität, seiner allgemeinen Abartigkeit und seinen wahnwitzigen Sets stark an "The Rocky Horror Picture Show". Mit seinen wilden Partys, den britischen Einflüssen, den wechselnden Schauplätzen, den sonderbaren Charakteren und der umfangreichen Besetzung erinnert der Film auch an "Casino Royale" von 1967. Doch letztendlich ist "Candy" zu unübersichtlich, zu konfus und zu sinnentleert, um ein breites Fanklientel anzusprechen.

In "Clerks 2 - Die Abhänger" von Regisseur Kevin Smith brennt der 'Quick Stop Groceries' in New Jersey vor den Augen von Dante Hicks (Brian O'Halloran), der anscheinend den größten Teil seines bisherigen Lebens dort gearbeitet hat, und seinem Mitarbeiter Randal Graves (Jeff Anderson) nieder. Ihr beträchtlicher Mangel an Erfolg oder vielmehr ihre Unfähigkeit, voranzukommen, oder vielleicht ihr völliges Desinteresse, die Karriereleiter zu erklimmen, führt dazu, dass sie in derselben Stadt bleiben, mit denselben Leuten abhängen und immer wieder dieselben Routinen durchlaufen. "Ich habe die Kaffeemaschine wieder angelassen, oder?"

Nun, da sie ihre langjährigen Jobs verloren haben, beschließen beide, in die Fast-Food-Branche einzusteigen und bei 'Mooby's' in der Gegend Burger zu braten. Sogar die Drogendealer Jay (Jason Mewes) und Silent Bob (Kevin Smith) ziehen an die Seite des Gebäudes, um mit ihren ironischen Kommentaren über Außerirdische und Jesus einen Neuanfang zu starten, während sie Gras an diverse Kunden verkaufen. Doch Dantes Leben ist nicht mehr hundertprozentig dasselbe, denn er hat jetzt eine Verlobte, die überehrgeizige und rechthaberische Emma Bunting (Jennifer Schwalbach), deren Eltern hoffen, ihren Erfolg zu verbessern, indem sie ihnen ein Haus und ein Geschäft schenken, nachdem sie zusammen nach Florida gezogen sind. In der Zwischenzeit schlagen sich Dante und Randal die Zeit damit tot, dass sie sich über den streberhaften Arbeiter Elias (Trevor Fehrman) lustig machen, mit ihrer Chefin Becky (Rosario Dawson) quatschen und über die Unterschiede zwischen beliebten Filmtrilogien diskutieren.

In dieser Fortsetzung wird wieder einmal viel Wert auf die Dialoge gelegt. Der Schauplatz ist von geringer Bedeutung und dient lediglich als Kulisse für alle möglichen kontroversen, streitlustigen und vulgären Diskussionen, die sich fast alle um sexuelle Themen drehen. Trotz des lockeren Slapsticks, der musikalischen Einlagen, der wiedererkennbaren Cameos und der Andeutung einer Dreiecksbeziehung bleibt der größte Teil des Films bei rüpelhaften Wortgefechten hängen, die sich zu exzessiven Debatten über tabuisierte oder pikante Sachverhalte zuspitzen. Anzeichen von Reue, die Sinnlosigkeit bescheidener Veränderungen, die Befriedigung sozialer Bedürfnisse und in der Schwebe befindliche Freundschaften können die Dominanz der Obszönitäten einfach nicht ausgleichen.

Dieser klare Fokus wäre normalerweise kein Problem, außer dass das Drehbuch Mühe hat, durchgängig lustig zu bleiben. Etliche Sequenzen wirken ausgesprochen flapsig. Wie bei so vielen leidenschaftlichen Projekten von Filmemachern, die keinen Durchblick haben, hat man oft das Gefühl, dass die Schauspieler beim Drehen mehr Spaß haben als der Betrachter beim Ansehen - eine Ironie, wenn man bedenkt, dass Autor und Regisseur Kevin Smith ausführlich darüber gesprochen hat, wie viel Spaß er beim Filmdreh hatte. Selbst die überschäumende Flut an Verweisen auf frühere Kinofilme in Kevin Smiths Universum und einzelne Entitäten darin sowie auf Filme im Allgemeinen, die sich noch weitgehend auf "Star Wars" beziehen, kann "Clerks 2 - Die Abhänger" nicht vor einem flauen Beigeschmack bewahren. Immerhin ist das Finale ziemlich abgefahren. Doch die permanenten Repetitionen, die nicht ganz an die Genialität des Originals von 1994 heranreichen, lassen dieses Machwerk komplett redundant aussehen.

Einer der gefährlichsten Filme, die je für Kinder gemacht wurden, bekommt eine Fortsetzung?! Das sollte strafrechtliche Konsequenzen nach sich ziehen!

Es verwundert mich nicht, dass "Robert Altman's Last Radio Show" von eben diesem Regisseur Robert Altman nicht einmal die geringste Spur einer Handlung enthält. Achtet auch darauf, dass ihr nicht nach einer guten Charakterentwicklung, interessanten Konfliktsituationen oder zufriedenstellenden Lösungen sucht. Garrison Keillor, Kevin Kline, Meryl Streep, L.Q. Jones, Maya Rudolph, Woody Harrelson, John C. Reilly und viele mehr bilden das Ensemble aus talentierten Sängern und Musikern, die als Truppe einer langjährigen Live-Radiosendung auftreten, die aufgrund des Wandels der Zeiten und der Notwendigkeit, das nostalgische Theater in einen Parkplatz zu verwandeln, zum letzten Mal ausgestrahlt wird. Die Sendung ist nicht mehr willkommen, und das Ensemble weiß das. Im Laufe von etwa zwei Stunden schwelgen die Charaktere in Erinnerungen darüber, wie sie alle in der Branche gelandet sind, wie sie sich kennengelernt haben, über ihre früheren und heutigen Beziehungen zu allen möglichen Leuten und über alle möglichen anderen langweiligen Themen, während sie abwechselnd auf die Bühne gehen und vor einem vollen Publikum singen.

Im Trubel hinter den Kulissen stirbt eine der älteren Sängerinnen, wahrscheinlich aus Reue darüber, dass sie an dem Projekt mitwirken musste. Ein Engel (Virginia Madsen), der ironischerweise als gefährliche Frau dargestellt wird, besucht das Set und der Axtmann (Tommy Lee Jones), der das Ende der Show miterleben soll, trifft ein, um den Deal zu besiegeln. Jedes Ereignis ist inszeniert und soll lustig oder bedeutsam sein, wirkt aber geradezu schockierend unlustig und geradezu stumpfsinnig. Dem Betrachter wird es leicht fallen, einige der Figuren zu hassen und den Rest gänzlich zu ignorieren. Ein paar gute Einfälle und schlagfertige Dialoge lockern das trübe Spektakel auf und bieten eine kurze, qualvolle Ruhepause von der absoluten Tristesse.

"Robert Altman's Last Radio Show" ist zwar intelligent geschrieben, das kann aber nicht verhindern, dass das Endresultat phänomenal öde ist. Kevin Kline spielt eine der wenigen Rollen, die halbwegs unterhaltsam sind, und sorgt für einen Gutteil der voraussagbaren, doch vergnüglichen Komödie, während Meryl Streep nichts weiter zu tun hat, als sich zu bemühen, zu singen. Garrison Keillor porträtiert sich selbst, während Lily Tomlin als maulfaules Gespött besonders unwirsch ist. Woody Harrelson und John C. Reilly sind ebenfalls leidlich ergötzlich, obwohl man schon ein hartgesottener Fan sein muss, um diesen Film nur wegen ihnen zu sehen. Und Lindsay Lohan ist eigentlich ganz niedlich und begabt, nur hier scheint sie davon abhängig zu sein, dass sie nicht schauspielern oder gar singen kann.

"Robert Altman's Last Radio Show" ist im Kern so strukturiert, dass namhafte Interpreten einzeln für ihre bislang weniger anerkannten Gesangstalente oder, in einigen Fällen, für ihre weitgehend unbedeutenden Schauspieltalente geehrt werden. Liebhaber der Originalsendung können in Nostalgie versinken. Mit Robert Altman als Regisseur, einem Filmemacher, der seine Vorliebe für Country-Musik und Promi-Dramen bereits in "Nashville" bewiesen hat, ist es nicht schwer zu erkennen, in welche Himmelsrichtung dieses künstlerische Desaster gehen wird, lange bevor es überhaupt anläuft.

Wie so viele andere Filme, die auf Themen basieren, die nicht für jedes Spektrum geeignet sind, bietet auch dieser Film leider keinerlei Anreiz für Filmsehende, die mit dem Original nicht vertraut sind. Die meisten der Witze, Redewendungen und Segmente sind nur als Nachahmungen oder Würdigungen des Entwurfs, der Geräuschkulisse und des Formats der Serie, die in den 80er und 90er Jahren unter verschiedenen Namen lief, erwähnenswert. Selbst wenn der Rezipient über all die übertriebene Gefühlsduselei hinwegsehen kann, um die dämliche Metaphorik für den Zyklus des Lebens oder den Tragikbogen des Showbusiness zu entschlüsseln, ist "Robert Altman's Last Radio Show" im günstigsten Fall dumm.

In "American Diner" von Regisseur Barry Levinson ist es Weihnachtsabend in Baltimore, 1959, als Modell (Paul Reiser) auf der Suche nach seinem Kumpel Boogie (Mickey Rourke) auf einer Party auftaucht und bald den Querulanten Timothy (Kevin Bacon) findet, der sich mit dem Einschlagen von Scheiben im Keller des Diners die Zeit vertreibt. Als sie kurz darauf in getrennten Fahrzeugen wegfahren, finden die anderen Freunde Shrevie (Daniel Stern) und Beth (Ellen Barkin), die neben Modell halten, Timothys Cabrio umgestürzt und sein Gesicht verschmiert mit Blut. Doch es ist nur einer von vielen Routinestreichen: Das Auto wurde absichtlich umgeworfen und das Blut ist Ketchup. Sie treffen sich mit einem anderen Mitglied der Clique, Eddie (Steve Guttenberg), im örtlichen Diner, wo sie gemeinsam etwas speisen, sich unterhalten und einander niedermachen.

Mit einem hippen Soundtrack aus vertrauten Melodien, der das ungezwungene, freie Treiben und die willkürlichen Gespräche über alles, was einem in den Sinn kommt, unterstreicht, ist "American Diner" so etwas wie ein Update von "American Graffiti" und fängt die Mentalität und das Verhalten der Jugend einer bestimmten Ära ein. Sie stehen an der Schwelle zum Erwachsensein, klammern sich aber an den sorglosen, verantwortungsfreien Lebensstil von Teenagern und versuchen krampfhaft, alles Ernsthafte und Ausgereifte zu vermeiden. Eddie, dessen Trauzeuge Billy (Tim Daly) versucht, die Nervosität und den Freiheitsdrang in letzter Minute in den Griff zu bekommen, steht kurz vor der Hochzeit, doch alle jungen Leute müssen vor den Ferien wichtige Entscheidungen in Bezug auf College, Karriere und Beziehungen treffen.

Ein paar herzhafte Lacher mischen sich mit kleineren humoristischen Häppchen, aber es ist die fast kontinuierliche, intuitive und organische Gestaltung der Dialoge, die am meisten in den Vordergrund tritt. Drehbuchautor und Regisseur Barry Levinson, der hier eine Art autobiografisches Märchen erzählt, hat eine erstklassige Besetzung zusammengestellt, bei der die Chemie stimmt und die es versteht, die zahlreichen Szenen zu inszenieren, bei denen es um nichts anderes geht als um improvisiertes Abhängen, Smalltalk, der oft in den Bereich der Sexualkunde abdriftet, und Wetteinsätze bei verschiedenen Gelegenheiten. Die eigentliche Handlung wird oft hinausgezögert oder in den Hintergrund gedrängt, um die Charaktere zu entwickeln und dem Betrachter ein tieferes Gefühl für ihre innere Verwirrung und ihre abstoßenden Verhaltensweisen zu verschaffen. Das Wetten wird zu einem der Konfliktherde für Boogie, während das verminderte Streben nach Geschlechtsverkehr für Shrevie zu einer Bürde wird, ebenso wie seine steigende Kommunikationsunfähigkeit mit seiner Frau, und eine außerplanmäßige Trächtigkeit stellt eine zusätzliche Last für Billy dar. Es handelt sich dabei um alltägliche, bescheidene Belange, die jedoch dank der detaillierten Charakterisierung der Protagonisten einen gewissen Realitätsgrad aufweisen. "Dein Ding ist gerade in eine Schachtel Popcorn eingedrungen?"

Da die verschiedenen Freunde versuchen, die nächsten Etappen ihres Lebens zu planen und dabei eine Abfolge frivoler Streiche spielen, ähnelt das Werk eher einer Observation in Form von Vignetten aus dem Leben als einem fiktiven Erzählstrang. Es ist eine flüchtige Zeit, in der man über die Liebe, das Bedauern, die Aussichten, die Versäumnisse, die Identität, die Lektionen und die hoffnungsvollen Versöhnungen und Freundschaften in einer Übergangsperiode zwischen jugendlichem Leichtsinn und erwachsener Kultiviertheit nachdenkt, einschließlich des Verzichts auf Kosenamen, wenn man eine solche Phase so genau definieren kann. Die Stärke des Films liegt in der Besetzung und dem Drehbuch, aber wie bei jedem Projekt, das sich mit einem bestimmten Zeitgeist auseinandersetzt, wird die Resonanz je nach Betrachter sehr unterschiedlich ausfallen. Bedauerlicherweise ist der Humor, der zum Teil von Nostalgie und Sentimentalität gekennzeichnet ist, selbst in den berühmt-berüchtigten Sequenzen, nie stark genug, um die Beschränkungen des minimalen Umfangs und Schauplatzes und das Ermangeln einer tradierten Erzählung zu überwinden.

Als in "Nope" von Regisseur Jordan Peele Otis Haywood Sr. (Keith David), Besitzer des angesehenen Film- und Fernsehpferdeunternehmens 'Haywood's Hollywood Horses', durch herabfallende Granatsplitter ums Leben kommt, gerät die Zukunft seines Unternehmens und seiner Kinder ins Wanken. Ein halbes Jahr später erwägt Otis Jr. (Daniel Kaluuya), das schwächelnde Geschäft an den zum Kinderstar gewordenen Unternehmer Ricky Park (Steven Yeun) zu verkaufen, während seine flatterhafte, verantwortungslose Schwester Emerald (Keke Palmer) die staubige, abgelegene Stadt Agua Dulce in Kalifornien hinter sich lassen möchte. Doch als die Geschwister Zeuge eines unerklärlichen Phänomens in der Nähe ihrer Ranch werden, erkennt Emerald das finanzielle Potenzial und setzt Pläne in Gang, um die Erscheinung mit der Kamera einzufangen. Mit Hilfe des Spezialisten für Überwachungsausrüstung Angel Torres (Brandon Perea) und des extrovertierten Kameramanns Antlers Holst (Michael Wincott), die das Ereignis dokumentieren sollen, begeben sich Otis und Emerald auf eine gefährliche Suche, um das Unbekannte erfolgreich auf Film festzuhalten: Ein außerirdisches Raumschiff.

"Nope" beginnt mit einem bedrohlichen Zitat aus der Bibel, die sich rühmt, die Hauptquelle zahlloser Grausamkeiten zu sein, mit bizarren Bildern, die schließlich aussagekräftig werden, und mit einem Blutregen, der die Bühne für ein großes Maß an Beklemmung bereitet. Regisseur Jordan Peele will sein Publikum eindeutig in Angst und Schrecken versetzen, aber er ist clever genug, die visuellen Reize nicht zu früh zu enthüllen. Auf geschickte und raffinierte Art lässt er den Betrachter die kommenden Ereignisse durch Vorahnungen und eine besondere Atmosphäre erahnen. Nervenzerreißende Soundeffekte und unheimliche Musik, wie in seinem vorherigen Film "Wir", unterstützen dies, während die eigentliche Geschichte keine Zeit damit verschwendet, das Unheil heraufzubeschwören.

Auf brillante Weise macht "Nope" schon früh klar, dass alles geschehen kann. Wenn es um übernatürliche Komponenten geht, gelten keine Normen. Gerade dann, wenn man es am wenigsten erwartet, sind ungeahnte Seherlebnisse garantiert. Die lebensnahe Wahrnehmung von "Get Out" schränkt die Realität hier nicht ein, denn die Sichtung eines Weltraumschiffs lässt sofort vermuten, dass am Horizont fremdartige Gefahren heraufziehen. Die erste Reaktion des Regisseurs, der gewöhnliche, unscheinbare Protagonisten hat, die alle eher unwahrscheinliche Helden sind, was sie noch realistischer macht, die Instrumentalisierung jenseitiger Zustände für den Profit, ist glaubwürdiger als die übliche Furcht. "Vielleicht seid ihr in einem UFO-Hotspot."

Jordan Peele präsentiert erwartungsgemäß einen Kommentar zur Erfahrung der Schwarzen, nicht nur mit den Besonderheiten der Führung eines Unternehmens mit Familienstreitigkeiten und unterschiedlichen Herangehensweisen an Einnahmen und Verhandlungen, sondern auch mit der komisch stereotypen Vorstellung, dass Schwarze anders auf Horrorszenarien reagieren würden als ihre weißen Gegenstücke - eine Überlegung, die bei zahlreichen Gelegenheiten zu einem grandiosen komödiantischen Effekt führt und auch dem Filmtitel gerecht wird. Es ist jedoch etwas subtiler als in seinen früheren Werken und konzentriert sich stattdessen vor allem auf die universellen Themen Verlust, Trauer, Bewältigungsmechanismen, Trauma, Verantwortungsbewusstsein und Entbehrungen. Die Charaktere müssen sowohl mit seelischen Belastungen als auch mit Angriffen von außerirdischen Eindringlingen fertig werden.

Faszinierend ist auch die Entscheidung von Jordan Peele für eine kleine Gruppe von Hauptdarstellern und eine intime Darstellung von Mensch gegen Monster, ganz im Sinne von "Der weiße Hai", ohne dabei das große Ganze zu ignorieren, wie in "Kampf der Welten", der wiederum die Perspektive von der Masse auf die Not einiger weniger verengt. Außerdem setzt er den Kontext des Konflikts auf eine unbewohnte Ranch, die als Kulisse für packende Szenen dient. Die Spannung wird durch den bewährten Einsatz von Humor gesteigert, der in starkem Kontrast zur Abgründigkeit steht und zu witzigen, beängstigenden Interaktionen und lautstarken Schockmomenten führt. Die zwischenzeitlichen Rückblenden sind etwas störend, unterbrechen aber die Haupthandlung mit diversen Schockeffekten und machen das Optimum aus dem lästigen Schnitt, der zum Teil die Sinnhaftigkeit des Aufbaus selbst unterstreicht.

"Nope" erstreckt sich ein wenig in die Länge, doch es wird nie wirklich langweilig. Jordan Peeles wiederkehrende Symbolik und Anspielungen auf andere Filme, seine Verwendung von popkulturellen Faktoren - von der Aktualität der Musik und der Technologie bis hin zu den irrwitzigen, zappelnden, aufblasbaren Schlauchmännern am Schluss - und die Hybris der Figuren, die er als durchgeknallte Kunstschaffende oder wohlmeinende Bürger mit unstillbarer Neugier definiert, sind allesamt beachtenswerte Elemente, die eine Reihe erschreckender Begebenheiten in ein ausgewogenes Abenteuer mit transzendenten Konfrontationen und Lektionen über die erstaunliche Ungewissheit des Kosmos verwandeln. Am wirkungsvollsten ist jedoch die Unvorhersehbarkeit seiner Erzählung und seines Films. Er ist hypnotisch alptraumhaft, zugleich aber auch ausgelassen, wechselweise gespenstisch und besänftigend couragiert, von hoher Kreativität - ein schwieriges Kunststück für diese Epoche des modernen Films - und durchweg unterhaltsam, sowohl als turbulente Berg- und Talfahrt der Gefühle wie auch als Popcorn-Kino.

"Ich spuck' auf dein Grab" von Regisseur Meir Zarchi beginnt mit einer Handkameraaufnahme einer Frau, die ihre New Yorker Wohnung verlässt und in ein Taxi steigt. Es ist ein wenig seltsam, dass diese Sequenz verwackelt ist, da das Budget durchaus ein Stativ hergibt. Wenn die Dialoge einsetzen, klingt es, als ob sie auf einer Theaterbühne aufgenommen worden wären. Doch leider sind die Aufnahmen alle im Freien entstanden, was einen weiteren Mangel an technischer Qualität offenbart. Die Frau heißt Jennifer Hills (Camille Keaton) und ist auf dem Weg zu einem Ferienhaus auf dem Lande in Connecticut, wo sie sich auf das Schreiben eines neuen Romans konzentrieren kann. Sie zieht sich unbeabsichtigt aufreizend an, und als sie an ihrem Zielort ankommt, nimmt sie sofort ein Nacktbad im See und sonnt sich später im Bikini. Viele argumentieren, dass "Ich spuck' auf dein Grab" in erster Linie ein Exploitation-Film ist, und diese Szenen helfen sicherlich nicht denen, die behaupten, dass sich unter die exzessive Gewalt echte Themen der weiblichen Selbstbestimmung und der gerechtfertigten feministischen Rache mischen.

Es trägt auch nicht dazu bei, dass die Dialoge und die Schauspielerei so minderwertig sind. Vier klischeehafte Bauernjungen, die alle über die üblichen Horrorfilme reden und bissige Bemerkungen machen, spionieren Jennifer aus. Es vergehen einige Tage, bis sie beginnt, sich Sorgen um ihre Umgebung zu machen. Die Abgeschiedenheit schafft eine Atmosphäre, in der sie in Ruhe schreiben kann, bietet aber auch die dringend benötigte Distanz zu den Autoritäten. Zwei ihrer Nachbarn werden zu Peinigern, als sie sie auf ihrem Boot foppen, was schnell unschön wird, als sie ihr durch die baumbestandene Landschaft nachstellen. Sie wehrt sich, aber vergeblich. Als sie von dem Duo eingeholt wird, gesellt sich ein dritter Mann zu ihnen, ebenso wie Mathew Lucas (Richard Pace), ein geistig zurückgebliebener Lebensmittellieferant, der als einziger nicht bereit ist, sich an dem Angriff zu beteiligen. Jennifer kann kurzzeitig entkommen, wird dann aber wieder gefasst und von einem anderen Mitglied der Gruppe brutal angegriffen, vergewaltigt und verprügelt.

In vielerlei Hinsicht erinnert der Film an "Beim Sterben ist jeder der Erste", bis hin zu einem Musiker, den einer ihrer Angreifer auf unheimliche Weise mit Melodien auf seiner Mundharmonika verhöhnt. Die Übergriffe sind ebenso verstörend und realistisch wie in "Beim Sterben ist jeder der Erste", allerdings sind sie hier noch hartnäckiger, bildhafter und schonungsloser, und sie richten sich gegen eine Frau. Nach dem zweiten Übergriff muss Jennifer blutüberströmt und kaum bei Bewusstsein in ihr Haus zurückkriechen. Gerade als sie zum Telefon greift, um Hilfe zu holen, taucht die wilde Vierergruppe wieder bei ihr zu Hause auf, um sie erneut zu verdreschen, diesmal mit dem unbeholfenen Matthew, der von seinen Kameraden zur Teilnahme gezwungen wird. Als die Bande schließlich mit ihr fertig ist, ist er dazu genötigt, sie abzustechen, um ein juristisches Nachspiel zu vermeiden. Matthew bringt es nicht über sich, das Messer mit Jennifers Blut zu beschmieren, ehe er seinen Kameraden Bericht erstattet.

Obwohl sie schwer verletzt ist, ist Jennifer außerordentlich willensstark und sogar entschlossen genug, um weiter zu schreiben. Sie reißt sich zusammen und setzt zwei Wochen später einen komplizierten Racheplan in Gang, der fast so grausam ist wie die an ihr verübten Vergehen. Johnny (Eron Tabor), der Tankwart, Stanley (Anthony Nichols), der Glatzkopf, und Andy (Gunter Kleemann), der mit den Hosenträgern, die aufgrund ihrer ununterscheidbaren Funktionen unnötige Namen erhalten haben, beschließen, eine Aufklärungsmission zu starten, um die Leiche zu inspizieren, nur um festzustellen, dass Jennifer gesund und munter ist. Kurz darauf betritt die rachsüchtige Frau eine Kirche, um Gott um Vergebung zu bitten, und geht dann auf eigene Faust auf Erkundungstour, um herauszufinden, dass einer der Vergewaltiger eine Frau und Kinder hat. Dies würde normalerweise zu einem moralischen Dilemma führen, wenn es nicht so wäre, dass die Täter keine wirkliche Charakterentwicklung durchlaufen. Letztlich sind sie ein unentzifferbarer Haufen von Serienkillern, die um Gnade betteln, wenn sie mit einer Waffe bedroht werden, und die kein schlechtes Gewissen haben. Ethik, Mitgefühl und Verzeihen sind daher ausgeschlossen. Der Rest von "Ich spuck' auf dein Grab" ist der wahnhaften Rachsucht gewidmet, die ebenso kompromisslos dargestellt wird wie die initiale Brutalität. Jennifer nutzt ihre sexuelle Natur, um die Bösewichte auf die denkbar unwahrscheinlichste Weise zu überlisten, was die Absurdität ihres Planes noch verstärkt. Die berüchtigte Kastrationsszene ist absolut dämlich und blutrünstig, wenn man berücksichtigt, dass die Toilette von außen verriegelt ist.

Der Unterhaltungswert von "Ich spuck' auf dein Grab" ist wirklich nur für Horror- und Exploitation-Fans geeignet und wird trotz der vielen gnadenlosen Strafmaßnahmen für die Übeltäter kaum Frauen oder Feministinnen ansprechen. Die Geschichte ist eine bloße Aneinanderreihung grauenvoller Geschehnisse, ohne wirklichen Anfang oder Ende, wobei Sadismus und Rache nie aufgesetzt wirken und stets mit Schonungslosigkeit und Seriosität angegangen werden. Der Film wurde ursprünglich ab 18 Jahren freigegeben, dann auf 16 Jahre heruntergeschnitten, in mehreren Ländern mit einem Verbot belegt und schließlich auf DVD als ungeschnittener Film veröffentlicht, der aufgrund seiner schlechten kinematografischen Qualitäten veraltet ist und ein viel besseres Remake verdient, das im Oktober 2010 veröffentlicht wurde und noch verstörender, blutiger und rundum ekelerregender ist.

Als in "Lightyear" von Regisseur Angus MacLane ein Raumschiff des 'Star Command' Signale von unbekannten Lebensformen auf einem nahen Planeten auffängt, beschließt der Space Ranger Captain Buzz Lightyear (Chris Evans), dem nachzugehen. Nachdem er auf der Oberfläche nur feindliche Gewächse und Insekten entdeckt hat, versucht Buzz Lightyear eine überstürzte Flucht, doch eine Fehlkalkulation führt zu einer Bruchlandung. Da ihr einziger Treibstoffkristall beschädigt ist, sitzt die gesamte Besatzung auf unbestimmte Zeit fest. Unbeirrt von seinem Ethos, die Mission um jeden Preis zu erfüllen, erklärt sich Buzz Lightyear bereit, jeden weiteren Hyperspeed-Testflug zu fliegen, bis eine geeignete Ersatzstromquelle gefunden ist. Die Zeit vergeht, aber Buzz Lightyears Engagement für die Sache ist ungebrochen. Als eine verheerende neue Bedrohung auftaucht, muss er sich mit den ehrgeizigen, aber unerfahrenen Rekruten Izzy (Keke Palmer), Darby (Dale Soules) und Mo (Taika Waititi) zusammenschließen, um das Leben der gesamten menschlichen Kolonie zu retten.

Buzz Lightyear ist jetzt so etwas wie eine reale Person oder zumindest ein Schauspieler in einem Film, der zufällig stark stilisiert ist. Oder vielleicht soll es ein computeranimierter Film sein, was die Frage aufwerfen würde, warum die Menschen hier realistischer sind als im echten Leben. Möglicherweise ist die Plastik-Actionfigur aber auch einfach eines der fotorealistischsten Modelle, die jemals in Kinderhände gelangt sind, weil dieser Film die Grundlage für das Spielzeug in den "Toy Story"-Filmen ist. Egal, wie kitschig die Grundidee auch sein mag, es handelt sich nicht einfach um eine Ursprungsgeschichte oder ein Prequel - das Endergebnis ist eine umfassende Weltraumoper mit einer enormen Menge an Action, die vielleicht sogar die von "Die Unglaublichen - The Incredibles" in den Schatten stellt. Da "Wall-E - Der Letzte räumt die Erde auf" mehr Anleihen bei Stummfilmen und Musicals als bei Sci-Fi-Extravaganzen aus den 80er und 90er Jahren macht, fühlt sich "Lightyear" nie wie ein Abklatsch von Pixars früherer spekulativer Fiktion an.

Die Menschlichkeit von Buzz Lightyear ist zwar ungewohnt, die Hintergrundelemente sind es jedoch nicht. Die Umgebungen, die Atmosphäre, die Bekleidung, die Rüstungen, die Waffen, die Requisiten, die Kulissen und jedes andere leblose Element sind äußerst beeindruckend. Hier bewegen sich karikaturistische Figuren in erstaunlich realistischen Welten. Das funktioniert oft noch besser mit der Vielzahl von Robotern und Raumschiffen, die eine Dreidimensionalität erzeugen, die mit der von Live-Action-Thrillern, die im Weltraum spielen, konkurriert.

Am faszinierendsten sind jedoch die anspruchsvollen Science-Fiction-Konzepte, die mit familienfreundlichen Bildern und Humor verwoben sind. Zu Beginn wird ein einjähriger Aufenthalt auf einem fremden Planeten als Lappalie abgetan, bevor ein weiterer Vier-Jahres-Sprung und noch größere Strecken danach in Angriff genommen werden, wobei die in "Interstellar" zu sehende Zeitdilatation gelegentlich zu leichten Witzen führt, meist aber in düstere Töne über Isolation, den Verlust von Freunden, Hoffnungslosigkeit, Vergeblichkeit und das zerstörte Potenzial sinnvoller Beziehungen übersetzt wird. Dank Pixars Vorliebe für reifere, stärkere Themen inmitten eines fröhlichen Abenteuers ist "Lightyear" nicht ohne emotionale Momente, obwohl die besten an andere Projekte desselben Studios denken lassen.

Zum Ausgleich für die unangenehmen Faktoren gibt es eine Art Nebenrolle des gestiefelten Katers, hier in Form des therapeutischen Robo-Begleiters Sox, der so ziemlich jede Szene stiehlt. Es ist ein bisschen schade, dass Sox nicht die Hauptquelle der Komik ist, denn Buzz Lightyears kunterbunte Gruppe unausgebildeter Frischlinge, die unter anderem auf "Das dreckige Dutzend" anspielen, fungieren weniger als spezialisierte Helfer denn als frustran inkompetente Konfliktverursacher. Bei zahlreichen Gelegenheiten beschwören die Junior Ranger ihre eigenen Schwierigkeiten herauf, die sie auf dem Weg zum ultimativen Ziel lösen müssen, wobei sie mit ihrer Geradlinigkeit ausschließlich für Lacher sorgen oder in selteneren Szenen Konzepte wie Vertrauensbildung, Ermutigung, das Eingestehen von Fehlern, Beharrlichkeit, die zähneknirschende Akzeptanz von Teamarbeit und die Offenbarung, dass katastrophale Fehler tatsächlich ein Segen sein können, wiederholen.

Auch wenn die Handlung formelhaft abläuft und es nicht an Herausforderungen mangelt, sondern nur Action, Exposition und Humor gleichmäßig verteilt sind, bleibt es durch das Gefühl der unbegrenzten Möglichkeiten spannend. Das Universum von Buzz Lightyear ist weitgehend anonym und undefiniert und strotzt nur so vor ausgeklügelten technologischen Spielereien, die alle Science-Fiction-Klassiker aufmischen. Selbst wenn der Film nicht immer plausibel ist und eine Handvoll extremer Zufälle enthält, sind die Weltraumbilder und die actiongeladenen Kampfsequenzen zweifellos packend. "Lightyear" erreicht zwar nicht die sentimentale Wirkung der vorangegangenen "Toy Story"-Filme, ist aber dennoch hervorragend gelungen, fantasievoll gezeichnet und sehr unterhaltsam.

In "The Rhythm Section" von Regisseur Reed Morano steht ein Mord in 'Tangier' bevor. Doch gerade als sich das Verbrechen seinem Höhepunkt nähert, wird ein Standbild eingeblendet, das ungeschickt in die Zeit acht Monate zuvor überleitet. Es ist das x-te Mal, dass ein Thriller mitten in einer Actionsequenz beginnt, nur um dann abzubrechen und zum Anfang zurückzukehren. Es ist eine völlig identische Formel, die mich immer wieder zum Seufzen anregt.

Und das ist noch nicht einmal der Anfang, denn "The Rhythm Section" beginnt in London, drei Jahre nach dem Absturz von 'Northeastern Airlines Flug 147' in den Atlantik, bei dem alle Menschen an Bord ums Leben kamen, darunter auch Stephanie Patricks (Blake Lively) makellose Familie. Verständlicherweise ist sie verzweifelt, doch sie hat keinen klaren Überblick über den totalen Abriss ihres Lebens und wendet sich den Rauschmitteln und der prostitutionellen Beschäftigung zu. Doch als der freiberufliche Journalist Keith Proctor (Raza Jaffrey) sie aufspürt und ihr buchstäblich Zeit verschafft, um zu beweisen, dass der Flugzeugabsturz tatsächlich durch eine Bombe verursacht wurde, erlebt sie einen merkwürdigen Moment der Klarheit, eine irgendwie widersinnige 180-Grad-Wendung, um den Drogen und dem Freudenhaus den Rücken zu kehren und der Komplotte und dem explosiven Mord an ihren Lieben auf den Grund zu gehen.

Genialerweise ist Blake Lively so abgehärmt und ungepflegt, dass man sie nicht sofort erkennt. Ihr üblicher Prunk und ihre modische Erscheinung werden zugunsten einer ramponierten, gebeutelten, verdreckten, erbärmlichen Frau ohne Hollywood-Make-up und -Styling völlig über Bord geworfen. Es ist wirklich das erste Mal, dass sie eine Rolle spielt, die sich von ihrer bekanntesten Rolle als Serena van der Woodsen in "Gossip Girl" unterscheidet. Weniger erfreulich ist jedoch ihr Akzent, der so häufig auftaucht und wieder verschwindet, dass es leichter ist, so zu tun, als sei er nur ein Teil ihrer möglichen Alternatividentitäten.

Anstatt sie in die Aufklärung zu extremistischen Aktivitäten einzubeziehen, wird sie bald zur federführenden Ermittlungsleiterin. Anfangs mag sie wie ein Brechmittel aussehen, aber es hilft, dass sie intelligent und entschlossen ist. Sobald sie auf Rache sinnt, dauert es nicht lange, bis sie zu einer weiblichen Superagentin im Stil von 007 wird. Zusätzlich sorgen die angstvoll kreischenden Violinen für Gänsehaut, wenn die Situation der Assassine außer Kontrolle gerät und sie in die Hände eines einstigen MI6-Spions (Jude Law) gerät. "Du bist ein weiteres Opfer. Du bist nur noch nicht tot."

In Wirklichkeit ist "The Rhythm Section" - ein Titel, der nie vollständig erklärt wird - ein Derivat von "Nikita", mit Anklängen an "Léon - Der Profi" und sogar "V wie Vendetta" und "Verblendung" sowie zu viele davon, um sie zu zählen, wenn man die männlichen Spione hinzurechnet. Der Film ist auch auf enttäuschende Weise mit "Red Sparrow" verwandt, aber mit nur einem winzigen Bruchteil der Raffinesse. Wo jener Film in seiner Unzivilisiertheit und Brutalität über die Stränge schlug, neigt "The Rhythm Section" dazu, an jeder Kreuzung zu scheitern, in der irrigen Erwartung, Seriosität zu suggerieren, ohne sich voll und ganz auf die Gewalt oder erwachsene Themen einzulassen. Zudem ist jeder Schritt auf dem Weg, Stephanie Patricks Eignung als Geheimagentin zu beweisen, Routine - ihre Motivation, ihre Ausbildung und ihr ausnehmend unübersichtlicher erster Auftrag, der so dilettantisch ist, dass es scheint, als sei sie überhaupt nicht auf den Einsatz vorbereitet worden, sind charakteristisch. Es gibt Action, Spannung, Tod, Zerstörung, Weltenbummler, Perückenträger, unbegrenzte Geldmittel, die allerdings nie so blamabel sind wie in den "Fast and Furious" oder "Mission: Impossible"-Filmen, und kurze Spritzer von Komik.

Doch wenn der Film nach 'Tangier' zurückkehrt, um Teile der Eröffnungssequenz zu reaktivieren, ist er wie erwartet eine einzige Desillusion. Eine derart einfallslose Art, einen Film zu gestalten. Nichtsdestotrotz sind die Actionszenen das Highlight. Die Stunt-Koordinatoren und der Kameramann versuchen, durch Verfolgungsjagden, die der Schwerkraft trotzen, sparsame Schießereien und eine verkrampfte Kameraführung einen unüblichen Realitätsgrad zu erzeugen, der den Betrachter mitten in Stephanie Patricks Wahnsinn um Leib und Seele versetzt. Es gibt auch ein geheimnisvolles Rätsel um die Identifizierung eines terroristischen Drahtziehers, das jedoch nicht sehr ertragreich ist. Es gibt einfach nicht genug Beteiligte, um allzu viele bahnbrechende Erkenntnisse zu gewinnen. Stephanie Patrick erhält überdies nie eine einheitliche Persönlichkeit, denn sie wechselt zwischen mehreren Pseudonymen, gewinnt oder verliert ihre ethische Würde, wenn ein böses Subjekt ausgeschaltet werden muss, und verhindert, dass sie eine präzise, definierbare Protagonistin ist. Wenn ihr ultimatives Ziel nur die Vergeltung an einer Minimalzahl von Verbrechern ist, warum sollte der Filmsehende sie dann in weiteren Fortsetzungen erleben wollen, wie etwa in zusätzlichen Verfilmungen der Buchreihe von Schriftsteller Mark Burnell?

"Prey" von Regisseur Dan Trachtenberg spielt im Jahr 1719, wo die Komantschen-Kriegerin Naru (Amber Midthunder) in den nördlichen 'Great Plains' lebt und mit ihrem Stamm in den dichten Wäldern auf Nahrungssuche und Jagd geht. Als Frau wird von ihr vorrangig Hausarbeit erwartet, aber sie zieht es vor, ihren Tomahawk zu schärfen und ihre Geschicklichkeit im Umgang mit der tödlichen Waffe zu verbessern, und sie ist kurz davor, erfolgreich Hirsche damit zu erlegen. Als sie den 'Donnervogel' am Himmel sieht, teilt sie ihrem Bruder Taabe (Dakota Beavers) mit, dass sie bereit ist, sich ihrem persönlichen Übergangsritual zu stellen, um als Kämpferin in der Gemeinschaft akzeptiert zu werden. "Vor langer Zeit, so heißt es, kam ein Monster hierher ..."

Der Kindermythos des 'Donnervogels' ist in Wirklichkeit ein 'Predator', eine außerirdische Trophäenjäger-Spezies, die von Zeit zu Zeit auf die Erde kommt, um Menschen und andere Tiere zum Zeitvertreib abzuschlachten. "Prey" mit seiner markanten Titelgrafik gehört eindeutig zur "Predator"-Filmreihe und dient hier als Prequel, das eine der ersten menschlichen Interaktionen mit den mörderischen Kreaturen zeigt. Und auch wenn es sich nicht um ein Original handelt, da der Film von John McTiernan aus dem Jahr 1987 fast alle Komponenten dieser inzwischen klassischen Filmmonster erstmals einführte, ist diese Variante in Bezug auf Klang, Ambiente und Inhalt sehr detailgetreu. "Du willst etwas jagen, das dich jagt?"

Aufgrund der Natur der Trailer gibt es keine Möglichkeit, die Hauptprämisse zu verbergen, so dass die anfängliche Verfolgungsjagd und andere typische Merkmale von 'Predator'-Aktivitäten, wie die Unsichtbarkeitspanzerung, der Wärmesichtmodus, klickende Soundeffekte und gehäutete Kadaver, sofort beginnen. Es ist nie ein Mysterium, was in der umgebenden Wildnis auf einen lauert. Der Drehort beeindruckt jedoch vor allem durch seine historischen Elemente sowie durch die Kostüme, die Requisiten, das Maskenbild und die Darsteller, die allesamt eine gewisse Authentizität oder zumindest eine beachtliche cineastische Qualität aufweisen. Auch die Kameraführung, die zwar manchmal zu düster ist, fängt einige wunderschöne Landschaftsmotive ein. Darüber hinaus ist die musikalische Interpretation von Sarah Schachner wirklich berauschend. "Ich glaube nicht, dass es ein Bär war."

Es ist schon seltsam, dass es eine Fülle von CG-Tieren auf dem Bildschirm gibt, denn die Anfangsphase des Films hat eine ähnliche Ausstrahlung wie "10.000 BC". Doch sobald ein paar sinnlose animierte Zusammenstöße aus dem Weg geräumt sind, besteht der Großteil der Handlung darin, Naru gegen ihre hochtechnologische Beute antreten zu lassen, wobei auch einige humorvolle Umweltgefahren eingebaut werden, von denen manche an die Version von 1987 erinnern, ebenso wie der nagende Unglaube ihrer Kompatrioten und zusätzlicher Feinde aus jener Ära. All dies wird mit todernstem Blick und viel Bluteifer angegangen, ganz im Geiste der vorangegangenen Filme. Gelegentlich ist die Darstellung der Gewalt etwas überladen und wird durch unglaubwürdige visuelle Effekte verstärkt, doch im Prinzip passt sie gut zu Action und Suspense.

Die fortschrittliche Technologie des 'Predators' gegen primitive Waffensysteme antreten zu lassen, ist nicht gerade sportlich, auch wenn das Monster zahlenmäßig eindeutig in der Unterzahl ist. Dennoch gibt es ein paar clevere Tricks, die beweisen, dass körperliche Unterlegenheit und Übergröße kein Problem für intellektuelle Innovatoren sind. Narus sozialer Status, dass sie weniger fähig ist als ihre männlichen Gegenstücke, spielt gut gegen ihre aufkeimende Festigkeit und Potenz als Gegnerin des hünenhaften außerirdischen Jägers an - dies ist das erste Mal in der Reihe, dass eine Frau gegen den 'Predator' antritt. Dass das Drehbuch nicht auf Dialoge setzt, die zur besseren Verständlichkeit zu Beginn ins Englische verlegt werden, ist ein kluger Schachzug. Letztendlich ist der Film nicht so kreativ oder packend, wie er hätte sein können, da es ihm an Überraschungen mangelt, wenn man bedenkt, wie bekannt das Franchise inzwischen ist. Für Fans der Reihe ist "Prey" jedoch eine würdige Bereicherung, die einen der größten Killer des Horrorgenres zurückbringt, dessen Existenz nicht von dieser Welt ist.

Basierend auf dem Roman von Oscar Wilde ist "Das Bildnis des Dorian Gray" von Regisseur Albert Lewin eine überaus brillante, zum Grübeln animierende Horror-Fantasie voller atemberaubender Originalität und visueller Inspirationskraft. Mit seinen gespenstischen Pianostücken, einer unheimlichen sittlichen Korruption, übernatürlichen Interventionen und bissigen Dialogen ist er ein Kinoklassiker mit endloser Aktualität und sattem Unterhaltungswert. Faustische Anklänge, furchterregende Effekte und gotischer Thrill fügen sich zu einem Gruselfilm zusammen, der es in puncto Kraft und Zeitlosigkeit mit "Dracula", "Frankenstein" und "Der Wolfsmensch" von 'Universal Studios' aufnehmen kann.

Im London des Jahres 1886 arbeitet Basil Hallward (Lowell Gilmore) emsig daran, ein Porträt des gut aussehenden jungen Dorian Gray (Hurd Hatfield) zu malen, während der zynische Lord Henry Wotton (George Sanders) damit beginnt, Grays Verstand mit Gedanken an ewige Jugend und Unsterblichkeit zu füllen. Der Lord spricht ungeniert über Vergnügen und Glück, perfektioniert die Kunst des Nichtstuns und mag es, die Emotionen anderer zu beeinflussen, ohne selbst etwas von sich zu geben. In der Gegenwart einer Statue, die von einem antiken Gott bewohnt wird, wünscht sich Dorian Gray, dass das neue Gemälde die Last seiner Sünden und seines Alters tragen könnte, damit er seine Jugend für immer konservieren kann. Seine Bitte wird auf mystische Weise erfüllt, doch schon bald entpuppt sie sich als Fluch. Er verliebt sich in die schöne Sängerin Sibyl Vane (Angela Lansbury), doch wird er durch die vergifteten Worte von Lord Henry dazu gezwungen. Sie gibt ihre Unschuld, die Dorian Gray so bewunderte, in einer gefühllosen Prüfung auf, was ihn dazu veranlasst, ihre Liebe zu verschmähen. Als sie Selbstmord begeht, treiben ihn seine Gewissensbisse und sein Hochmut dazu, sich gleichgültig zu verhalten. Dies ist die erste von vielen Untaten, Freveln und schließlich Morden, von denen jede sein Porträt besudelt, das nun in einem verschlossenen Raum verborgen ist und immer abstoßender wird. "Die Zeit ist neidisch auf Sie, Mr. Gray."

Während andere um ihn herum vergreisen, bleibt Dorian Gray bemerkenswert jungfräulich. Er sündigt und leidet weiter, doch der Stress, der auf seiner Humanität lastet, deformiert nur das unsichtbare Ölgemälde und lässt sein majestätisch ziseliertes Antlitz intakt. Sibyl glaubte blindlings, Dorian Gray sei ihr 'Sir Tristan', ein heroischer Edelmann und ein Kosename, mit dem sich ihr überfürsorglicher Bruder Jim (Richard Fraser) revanchieren wollte. Dorian Grays neue Geliebte, Gladys (Donna Reed), ein junges Mädchen, dem er salopp versprochen hatte, trotz eines erheblichen Altersunterschieds auf sie zu warten, ist inzwischen erwachsen und immer noch in ihn vernarrt. Doch seine Geheimniskrämerei und die negativen Gerüchte, die über ihn kursieren, erwecken den Verdacht von Gladys' Verwandtschaft, die entschlossen ist, das Böse, das Dorian Gray verbirgt, zu enthüllen.

Die Dialoge sind unmittelbar faszinierend, voller Metaphern, intelligenter Eloquenz und poetischer Resonanz. Lord Henry ist für den größten Teil der elektrisierenden Raffinesse und der verbalen Ballade verantwortlich, auch wenn der spätere Fokus auf den Moralverfall und die Annahme, dass die Seele kein Trugbild ist, selbst dem allwissenden Erzähler eine Bedeutung verleiht, der anfangs überflüssig war. Durch seine Taten und sein Verhalten ist Dorian Gray beängstigender als viele klassische Filmmonster, vor allem wegen seiner Menschlichkeit und seiner zunehmenden Skrupellosigkeit, die in Bezug auf gestörte Identität, Illusion und Desillusion, Dekadenz und Brüche in den sozialen Klassen erforscht wird, nicht unähnlich dem Konflikt zwischen den Alter Egos in Robert Louis Stevensons "Seltsame Geschichte von Dr. Jekyll und Mr. Hyde". Am Ende gibt es auch einen makabren, herzergreifenden Aspekt der Zwecklosigkeit von Sühne, selbst bei ultimativer Aufopferung, der dem Finale inmitten der ihm innewohnenden Tristesse einen Impuls von imponierender Satisfaktion verleiht.

In "Bao" von Regisseurin Domee Shi isst eine einsame chinesische Ehefrau ihren Teller mit gedämpften Brötchen, während ihr Mann zur Arbeit eilt. Als sie das letzte Stück in den Mund steckt, wachsen ihm plötzlich kleine Gliedmaßen und ein Gesicht und es beginnt zu weinen wie ein neugeborenes Baby. Als wolle sie eine Leere in ihrem Leben füllen, behandelt sie es sofort wie ihr eigenes Kind, umsorgt es, streichelt es und gibt ihm zu essen. Im Handumdrehen wächst der kleine Knödel heran, bekommt Kerben an der Wand, um seine zunehmende Größe zu markieren, begleitet die Frau beim Einkaufen und beim Sport im Park und setzt sogar eine Brille auf, als ginge er zur Schule. Irgendwann kommt er in die Pubertät und macht die typischen Probleme und Erfahrungen durch, wie zu viel telefonieren, mit Freunden abhängen und schließlich bringt er eine Freundin mit nach Hause.

Der Pummel ist wahnsinnig niedlich, vor allem, wenn er bei verschiedenen Aktivitäten zerquetscht wird und zusätzliche Füllungen aus Karotten und Zwiebeln braucht, um seine entstellten Gesichtszüge wiederherzustellen. Auch wenn das Design allzu klischeebeladen ist, da alle Merkmale der Figuren überzeichnet sind, vor allem die schräg gestellten Augen, die die Mimik verbergen, erzeugt der Look eine außergewöhnliche Süße und Wärme. Diese Pixar-Produktion, geschrieben und inszeniert von der chinesisch-kanadischen Animationskünstlerin Domee Shi, die als erste Frau bei einem Pixar-Kurzfilm Regie führt, ist eine unglaublich kreative Auseinandersetzung mit dem 'Empty-Nest-Syndrom', bei der es um die Sorgen einer Mutter geht, deren Kind aus dem Haus ausgezogen ist. Ihre zweite Chance, ein Leben zu führen, ist besonders amüsant in ihrer Darstellung, die zwischen Realität und Fantasie hin und her schwankt, ohne eine klare zeitliche Abgrenzung oder Unterscheidung zwischen ihrem echten Sohn und dem anthropomorphisierten Bao. "Bao" ist ein witziger, emotionaler und einprägsamer Film, der ganz ohne Worte auskommt - die Bilder sprechen Bände und sind universell.

In "September Dawn" von Regisseur Christopher Cain, der die Montagues und Capulets gegen Mormonen und Heiden austauscht, wird eine sehr shakespearesche Liebesgeschichte im übertragenen und im wörtlichen Sinne massakriert, während sie versucht, sich inmitten der Kriegsparteien in Utah zu entfalten. Als ein Wagenzug von Pilgern aus Arkansas und Missouri durch das von Jacob Samuelson (Jon Voigt) beherrschte Land zieht, beauftragt der misstrauische Anführer seinen Sohn Jonathan (Trent Ford), jeden ihrer Schritte auszuspionieren. Während seiner häufigen Besuche im Lager verliebt sich Jonathan schnell in die temperamentvolle Emily (Tamara Hope), was ihn dazu veranlasst, die Falschheit der paranoiden Thesen seines Vaters zu erkennen. Diese Romanze wird jedoch durch den unbändigen Hass und den Argwohn von Jakob und seinen konspirativen Religionsführern getrübt, die einen Plan ausbrüten, um alle Mitglieder des nichtsahnenden Zuges zu plündern und abzumetzeln.

Wenn "Die Passion Christi" unverhohlen antisemitisch war, zumindest in seiner radikalen Darstellung von Folter, dann ist "September Dawn" definitiv ein flatternder Schlag von Antimormonismus. Ebenso wie in Mel Gibsons Blutepos kaum etwas der Fantasie überlassen wurde, sind auch die Bilder des Hasses in "September Dawn" so plakativ dargestellt. Jeder fragwürdige religiöse Gesichtspunkt und jedes moralisch bedenkliche historische Phänomen wird zersägt und auf niederträchtigste und abscheulichste Weise dargestellt, und die Devise 'Mormonen sind böse' wird dem Betrachter mit der gebotenen Schärfe eingeimpft. In Wirklichkeit werden mehrere Parallelen zwischen der Ideologie und dem nationalsozialistischen Deutschland geweckt, um ein sehr überzeugendes propagandistisches Werk zu schaffen.

Die 'Romeo & Julia'-Liebesgeschichte scheint nur nachträglich eingebaut worden zu sein, um zu demonstrieren, wie böse die Antagonisten sind, weil sie die Hauptfiguren ihres Glückes berauben. Das rührselige Panorama der Liebe auf den ersten Blick, das so ergreifend hätte sein können, verfliegt jedoch schnell. Die Bösewichte sind zutiefst finster und gemein, aber nicht um der Charakterentwicklung willen, sondern um die Dehumanisierung der Mormonen zu verstärken. "September Dawn" schafft es, kontroverse Fragen aufzuwerfen: Was geschah wirklich während des 'Mountain Meadows Massakers', wer steckte dahinter, und wie konnten sie entkommen? Da die Faktenlage aber so dünn ist, muss man sich auch fragen, wie viel von dem, was abgebildet wird, der Wahrheit entspricht und was davon Fiktion ist. Die Eröffnungszeile des Films 'Inspiriert von tatsächlichen Ereignissen' ist zweifellos weniger glaubwürdig als das typische Pendant 'Basierend auf wahren Begebenheiten'. Letztendlich handelt es sich nicht um eine wahre Geschichte, so dass man gezwungen ist, für die realen Sachverhalte woanders nachzuschauen.

Es ist sehr schwierig zu erkennen, ob die Schauspieler ihrem Beruf gerecht werden, weil die von ihnen dargestellten Figuren so maßlos übertrieben und zu hart sind. Es ist absolut klar, wer die Widersacher sind, doch das stetige Einprügeln auf ein totes Pferd mindert nur die Schlagkraft und diskreditiert die Authentizität dieser Persönlichkeiten. Trent Ford beherrscht ein breites Spektrum an Gemütsbewegungen, doch es gibt keine Begründung für seinen plötzlichen Protest gegen seine Konfession. In einem Moment ist er ein treuer Gefolgsmann seines Vaters, im nächsten ein wütender Windhauch von unbändiger Aggressivität, bereit, einen Vatermord zu begehen. Auch wenn versucht wird, dies zu rechtfertigen, erscheint es unangemessen, einen solchen Climax so abrupt zu erreichen. Er kann zwar gut mit Pferden und weniger mit Menschen umgehen, doch seine Reaktionen wirken forciert, nur um die tadelnswerten Machenschaften der eindeutig religiös veranlagten Schurken der Geschichte auszunutzen.

Für aktive Mormonen oder Personen, die eine Konversion in Erwägung ziehen, ist dies kein empfehlenswerter Film. Das wäre so, als würde eine Spinne "Arac Attack - Angriff der achtbeinigen Monster" sehen. Die Mormonen werden als dermaßen zombifizierte Feinde porträtiert, die für ihre Überzeugung eintreten, dass der Film genauso gut "Dawn of the Mormons" hätte heißen können. Immerhin zielen manche Aufnahmen mit Witz und Charme auf ihre Motive hin. "September Dawn" verkennt, dass es sich um ein Werk handeln muss, das trotz seiner unreflektierten Verunglimpfung - ob wahr oder nicht - in die Annalen der Filmgeschichte eingehen müsste. Es gibt wenig Taktgefühl in dieser Gewaltgeschichte, abgesehen von der laschen "Romeo & Julia"-Liebe, die Halbherzigkeit mit den verlogenen Motiven von Freundschaft, Glauben und Tod verbindet.

In "Das Nest" von Regisseur Terence H. Winkless leitet die Gentechnikerin Dr. Morgan Hubbard (Terri Treas) die Experimente der 'INTEC Corporation' zur Entwicklung von Kakerlaken, die andere Schaben fressen können. Die Tests geraten außer Kontrolle, als die Insekten auf 'North Port Island' freigesetzt werden, wo der unerfahrene Sheriff Richard Tarbell (Franc Luz) eine Romanze mit der Kellnerin Lillian (Nancy Morgan) beginnt. Um eine peinliche Dreiecksgeschichte und ein wenig zusätzliche Handlung einzubringen, ist Bürgermeister Elias Johnsons (Robert Lansing) entfremdete Tochter Elizabeth (Lisa Langlois) gerade in die Stadt zurückgekehrt, um sich mit ihrem Ex-Geliebten zu treffen, der zufällig der gleiche neue Sheriff ist.

Eine andere Figur von geringer Wichtigkeit ist Homer (Stephen Davies), ein Kammerjäger mit einer bestimmten Gesinnung, der als Gegenspieler zu Delbert dient, dem Kammerjäger aus "Arachnophobia", gespielt von John Goodman. Homer ist verschrobener, hat keinen coolen Titelsong und ist nicht annähernd so riesig, obwohl er immer noch einen Krieger darstellt, der gut ausgerüstet ist, um es mit einer Plage aufzunehmen. In der ersten Hälfte des Films wird eine "Der weiße Hai"-Technik verwendet: Die Kakerlaken sind nur selten zu sehen, stattdessen huscht eine Kamera von niedriger Position aus durch die Sträucher. Doch in der zweiten Hälfte kommen die kleinen Krabbeltiere erst richtig zur Geltung: Immer wieder sieht man sie schwärmen, sich übereinander stapeln und in Klumpen an verschiedenen Kulissen kleben. Während die Stadtbewohner erst langsam und dann schnell verspeist werden, stellt sich heraus, dass die mutierten Kakerlaken die Fähigkeit haben, sich in Hybride von allem zu verwandeln, was sie konsumieren. Dieses dämliche Konzept führt zu Katzen- und Menschenkakerlaken sowie zu einer monströsen Königin, die ihre Scharen mit Hilfe eines Schabenstocks unter Kontrolle hält, nicht unähnlich dem Film "Aliens - Die Rückkehr" aus dem folgenden Jahr.

Mit Kakerlaken-Shakes, Kakerlaken auf Toast, Kakerlaken mit Pommes, sowie Kakerlaken die in Kaffeetassen schwimmen, und Kakerlaken, die in die Aussparung des Beingips einer bewegungsunfähigen Frau eindringen, gibt es genügend hautnahe Momente, um Horrorfilmfans zu befriedigen. Am verstörendsten ist warscheinlich die Gewalt gegen Tiere: Ein Hund wird bei lebendigem Leib gefressen und hinterlässt einen blutigen Kadaver als Beweis. Ein putziges kleines Kätzchen wird in einen Käfig geworfen, um als Anlockmittel für die Killerinsekten zu dienen. Dieser zweite Akt ist ausgesprochen gnadenlos, denn hier wählt die bösartige Wissenschaftlerin absichtlich ein hilfloses Tier aus, anstatt ein Stück geschlachtetes Rindfleisch. Obgleich dieser Film 1988 gedreht wurde, muss man sich fragen, ob bei den Dreharbeiten echte Tiere, einschließlich Kakerlaken, zu Schaden gekommen sind.

"Das Nest" ist kein Meisterwerk, aber dank der Gruseleinlagen und Maskeneffekte ist der Film eine Sichtung wert. Klebrige Eiersäcke hängen wie verweste Hoden aus einer Höhle, scharfe Unterkiefer brechen aus dem Gesicht eines Mannes hervor, und ein Augapfel poppt aus einem Kopf, nur um von einem Fuß zerquetscht zu werden wie in "Kill Bill: Vol. 2". Der ganze Horror ist mit unfreiwilligem Humor versetzt, doch der Gänsehautfaktor ist immer noch ziemlich hoch. Die Verwendung von echten Kakerlaken für die meisten Nahaufnahmen ist ohne Zweifel für zimperliche Betrachter angemessen. Das imposante Filmplakat, das eine Frau in Unterwäsche zeigt, die von einem monströsen Gliederfüßer vergewaltigt wird, ist leider ein Konzept, das im Film nicht vorkommt, und es ist ein geschickt reißerischer Verweis auf das erotisierte Material von "Die Insel der Ungeheuer".

"Ritt zum Ox-Bow" von Regisseur William A. Wellman spielt im Nevada des Jahres 1885. Gil Carter (Henry Fonda) und sein Kumpel Art Croft (Henry Morgan) kehren in 'Darby's Saloon and Hotel' ein, um sich nach ihrer verlorenen Liebe Rose Mapen (Mary Beth Hughes) zu erkundigen, die behauptete, auf Gil zu warten, aber offenbar vor einiger Zeit die Stadt verlassen hat. Mit einer Flasche Whiskey und schlechter Laune fängt Gil einen Streit mit einem Stammgast, Jeff Farnley (Marc Lawrence), an, der behauptet, die beiden Neuankömmlinge gehörten zu einer Bande von Viehdieben, die kürzlich 600 Rinder gestohlen hätten. Als der Gastwirt Gil bewusstlos schlägt, wacht er auf und sieht einen verstörten jungen Mann, der eine Menschenmenge aufstachelt.

Larry Kincaid, Farnleys Partner, wurde in den Kopf geschossen. Der Sheriff hat sich bereits auf den Weg zu Kincaids Ranch gemacht, aber die Anwohner wollen nicht auf offiziellen Papierkram, sich einmischende Anwälte und vereidigte Hilfssheriffs warten. Stattdessen bestehen sie darauf, ein Kommando für einen schnellen Lynchmord zu bilden, denn sie sind sich sicher, dass der erste Mann, den sie finden, es wert ist, gehängt zu werden - ein fairer Prozess ist für den aufgebrachten Mob nicht von Belang.

Basierend auf dem Roman von Walter Van Tilburg Clark spielt "Ritt zum Ox-Bow" im Wilden Westen, und die Besetzung umfasst eine Reihe von Western-Veteranen, doch die Handlung ist nahezu epochal. Voreilige Schlüsse zu ziehen, ohne alle Fakten zu kennen, kann zu Problemen führen. Zur Veranschaulichung dieses Konzepts ist das Aufgebot ein gut vertretenes Konglomerat aus verschiedenen Standpunkten. Einige wollen Gerechtigkeit walten lassen, viele sind wütende, hitzköpfige Freunde des Verstorbenen, andere sind nicht so scharf darauf, mitzumachen, sondern haben Angst, nicht auf der richtigen Seite des Gesetzes zu stehen, ein Minimum an Gottesfurcht und man ist gezwungen, dem Tod beizuwohnen.

Eine mahnende Geschichte über Wut, Impulsivität und die Mob-Mentalität, die zufällig mit "Die zwölf Geschworenen", ebenfalls mit Henry Fonda in der Hauptrolle, vergleichbar ist, hinterlässt mit ihrem kleinen Rahmen und ihrer großen Ethik einen tiefen und starken Eindruck. Die Grenzen zwischen Unschuld und Schuld verschwimmen, und die Gesetzeshüter werden bald mit der Bürde eines Fehlurteils belastet, das nicht mehr revidiert werden kann. Von Geständnissen unter Zwang über die Verspottung des Angeklagten bis hin zur Gewährung einiger letzter Wünsche - die sensationellen Charakterdarsteller und bekannten Stars mit ihren unverwechselbaren Persönlichkeiten machen dieses packende Abenteuer zu einem denkwürdigen Streifzug durch die Abgründe der Kurzentschlossenheit. "Das Gesetz ist hier manchmal langsam und rücksichtslos."

Trotz der kurzen Laufzeit gibt es Momente, die der Ruhe vor dem Sturm gewidmet sind, in denen Angst, Reue, Zweifel und Verachtung ohne wortreiche Dialoge formuliert werden. Besonders ergreifend ist es, wenn einer der Angeklagten, ein älterer, willensschwacher Mann, vor seiner Hinrichtung in Tränen ausbricht, und sich der blutrünstigste der Beteiligten weigert, die Pferde zwischen den gefesselten Männern auszureiten. Bis zum tragischen Finale erweist sich "Ritt zum Ox-Bow" als ein wuchtiges, herbes, bedrückendes Epos von humaner Ohnmacht und Herzlosigkeit - ein unvergleichliches, tiefgründiges und bewegendes Meisterwerk.

"Der Todesengel aus der Tiefe" von Regisseur Sebastian Gutierrez beginnt semi-künstlerisch in einem dunklen Schloss, wo eine ältere Frau mit einer flackernden Kerze über kalte Steine torkelt. Doch dann verliert der Film jegliche visuelle Prägnanz und zeigt in der Ich-Perspektive, wie das Opfer mit roten Blitzen und einer Nahaufnahme eines blutigen Augapfels angegriffen wird. Wenn es etwas gibt, das den Eindruck eines Low-Budget-Films oder eines Fernsehfilms erweckt, dann sind es solche Schnitte, die auch regelmäßig auf Überblendungen zurückgreifen, um die Geschichte voranzutreiben oder, was noch offensichtlicher ist, um kostspielige Sequenzen zu vermeiden.

Irgendwo in Irland im Jahr 1905 versucht ein Schausteller, sich mit gefälschten Wundern ein bescheidenes Zubrot zu verdienen. Ein Zombie ist nichts anderes als ein Schauspieler und eine Meerjungfrau ist nur eine Frau in einem Kostüm. Die wenigen Besucher, die sie versammeln, sind nicht sonderlich überzeugt, aber der Trick hält den Zirkus der Kuriositäten im Geschäft. Als Lily (Carla Gugino) und der Marktschreier Angus Shaw (Rufus Sewell) von dem verärgerten Kunden Captain Woolrich (Aubrey Morris) zur Rede gestellt werden, erzählt er ihnen von der Königin der Höhle der echten Meerjungfrauen, die auf einer verbotenen Insel lebt und eine große Gefahr darstellt. Allerdings glauben sie ihm kein einziges Wort von seinen Lügenmärchen.

Um die Skeptiker zu überzeugen, zeigt Woolrich ihnen die junge Frau, die er in einem großen Becken in einem Hinterzimmer seiner Villa gefangen hält. Zuerst halten sie sie für eine Schauspielerin wie Lily, aber die großen Ketten, die faltige Haut, ihre Schwimmhäute und die Zeit, die sie unter Wasser verbringt, lassen sie glauben, dass sie eine echte Meerjungfrau ist. Angus und sein Angestellter Bailey (Reno Wilson) wollen die Kreatur in ihre Show einbauen und eine Menge Geld verdienen, indem sie sich in Woolrichs Haus schleichen, um sie zu stehlen. Dabei stirbt Woolrich an einem Herzinfarkt. Fassungslos, doch nicht verzagt, schnappt sich Angus seine Beute und macht sich auf den Weg nach Amerika, um sie einem zahlungskräftigen Publikum zu präsentieren. Doch im Inneren des Schiffes werden die dunklen Kräfte der Meerjungfrau allmählich offenbart.

Die Meerjungfrau, gespielt von Rya Kihlstedt, ist stets barbusig, und die Kamera scheut sich nicht, ihre partielle Erhabenheit zu zeigen. Das ist wahrscheinlich auch gut so, denn so kann man sich leicht von den fahlen Dialogen ablenken lassen, die nur zur Überbrückung von Szenen mit Spezialeffekten oder alptraumhaften Jump-Scares da zu sein scheinen. Die blutigen Stellen sind jedoch nicht allzu schlimm, da das 'Stan Winston Studio' für das Make-up und die Prothetik zuständig ist, mit dem Ziel, etwas Ähnliches wie "Species" zu kreieren.

Auch wenn die Sirene eine unberechenbare, geheimnisvolle, telepathische und kannibalistische Kreatur ist, die bei jedem Vollmond menschliche Beine bekommt, konzentriert sich der größte Teil der Geschichte auf den mentalen Einfluss des Wesens auf Lily, die gezwungen ist, die Befehle des Meeresungeheuers auszuführen und dabei den Realitätssinn verliert. Die Zahl der Toten ist minimal, oder besser gesagt, sie spielt sich größtenteils im Off ab, und das Tempo ist langsam, aber das Thema wird mit einer tödlichen Intensität angegangen, die dazu beiträgt, die Simplizität der Filmhandlung zu kaschieren. Interessanterweise wurde dieser Film im englischen Titel als "Mermaid Chronicles Part 1: She Creature" vermarktet, eine Hommage an die unabhängigen Filme von 'American International Pictures', und es scheint, dass ein zweites Kapitel geplant war, aber nie gedreht wurde.

"Soulfighters" von Regisseur Alan Johnson beginnt in einer neuen Ära, im Jahr 41, lange nach den Öko-Kriegen, als das 'E-Protektorat' alles Wasser auf dem Planeten verwaltet. Infolgedessen beschränkt sich das menschliche Leben auf ausgewählte Regionen, die durch weitläufige Ödlandflächen getrennt sind. Eines davon ist das 'Waisenhaus 43', das von einem Aufseher (Charles Durning) geleitet wird, der die Aufgabe hat, die verschiedenen Kinder, die entführt und in die Einrichtung gebracht wurden, um dem gnadenlosen Gefängnissystem als Soldaten oder Arbeitskräfte zu dienen, zu beschäftigen. Natürlich gibt es, wie in jedem dystopischen Nachtmahr, eine Legende, die von einem göttlichen Besucher spricht, der kommen wird, um der Erde das Wasser zurückzugeben.

In der Zwischenzeit spielen die Kinder und Jugendlichen des Waisenhauses ein derbes, hockeyähnliches Spiel mit Rollschuhen namens 'Skateball', das ein wenig an "Rollerball" erinnert, um sich die Zeit zu vertreiben und Rivalitäten zu schüren - eine Art Kampfsport, der von den erwachsenen Aufsichtspersonen, den 'E-Polizisten', sanktioniert wird, die stolz auf die Fähigkeiten der Kinder sind. Der sadistische Strictor Grock (Richard Jordan) trainiert die 'Scorpions', eine Bande rücksichtsloser Rabauken, die von Gavial (Pete Kowanko) angeführt wird, und der Direktor leitet die 'Solarbabies', ein sonderbar spielerischer Teamname, dem die allgemein erwartete Drohkulisse fehlt. Sie bestehen aus Jason (Jason Patric), Metron (James Le Gros), Terra (Jami Gertz), Rabbit (Claude Brooks) und Tug (Peter DeLuise), sowie dem kleinen Maskottchen Daniel (Lukas Haas). Doch als Daniel eine lila glühende Kugel entdeckt, die offenbar magische Effekte hat und zum Beispiel Regen aus dem Nichts erzeugen kann, sind die 'Solarbabies' plötzlich für ein sehr mächtiges Geheimnis verantwortlich.

Das Science-Fiction-Setting wirkt auf den ersten Eindruck nicht besonders innovativ, vor allem, wenn man die vielen anderen postapokalyptischen Szenarien bedenkt, die "Soulfighters" vorausgingen, doch es ist in seiner Ausrichtung auf ein bestimmtes Publikum durchaus einzigartig. Nicht im morbiden, adulten Gewand von "Jahr 2022 - die überleben wollen" oder "Blade Runner" beziehungsweise "Running Man" und auch nicht im Sinne von Gewaltthrillern wie "Robocop" oder "Frankensteins Todes-Rennen", sondern gezielt auf ein jüngeres Klientel zugeschnitten, hält "Solarfighters" die Action und die Szenarien handzahm und gemächlich. Es ist eher ein unbeschwertes Abenteuer wie ein Mad-Max-Film für Kinder als eine praxisnahe Studie über eine ökologisch verkrüppelte Gesellschaft.

Sobald die Jugendlichen einen Vorgeschmack auf die Freiheiten außerhalb der Mauern des Weisenhauses bekommen, weitet sich die Umgebung ein wenig aus und führt Fraktionen kriegerischer Rassen wie in "Mad Max II - Der Vollstrecker" ein, sowie Panzerfahrzeuge, behelmte Soldaten und laserbetriebene Geschütze. Leider verraten viele der Kostüme, Transportmittel und Bühnenbilder eine beachtliche Schäbigkeit, und das vorhandene Budget erlaubt es nicht, moderne Requisiten und Materialien zu verwenden. Dennoch ist "Soulfighters" jünger als bekanntere Produktionen wie "Waterworld", der eine Reihe von Parallelen aufweist. Doch die Handlung und die Konfliktlinien sind äußerst nebensächlich, so dass die Inszenierung insgesamt wenig inspirierend ist. Situationen, in denen es um Leben und Tod geht, fühlen sich nie wirklich authentisch an, weil die Gefährdung beständig abwesend bleibt.

Das Finale beinhaltet eine Art große Rettungsmission, obwohl die Motivation und die Organisation genauso zweifelhaft sind wie die pseudo-futuristischen Welten und die läppischen Dialoge, insbesondere die der aufgeblasenen Fieslinge. Und die vielen nicht intendierten Komikpunkte sind nicht gerade förderlich, vor allem wenn es darum geht, einen bösen Roboter zu bekämpfen, der auf lustige Weise so konstruiert ist, dass er seine brutalen Aktionen genießt. Der Grundtenor ist zwar konsequent und vorsätzlich kindisch und verlogen, doch die Geschichte und ihre Durchführung sind ineffizient und stellenweise nonsensisch, was zu einem routinemäßigen, gähntriefenden Science-Fiction-Film geführt hat.

"Die vielen Abenteuer von Winnie Puuh" unter der Regie von Wolfgang Reitherman und John Lounsbery macht die Welt mit dem liebenswerten, Honig fressenden und unerschütterlichen Stofftier bekannt und trägt dazu bei, den gelben Bären und die herzerwärmenden Geschichten des Autors Alan Alexander Milne in der amerikanischen Kultur zu verankern. Da die klassischen Märchen in Großbritannien bereits sehr beliebt waren, beschloss Disney 1961, sie in die Vereinigten Staaten zu bringen, damit die knuddeligen Figuren Rabbit, Piglet, Eeyore, Tigger und natürlich Puuh, die alle Namen aus dem Londoner Zoo und Designs von Kinderspielzeug tragen, eine Chance hatten, neue Fans zu finden. Dieser Film ist eigentlich eine Zusammenstellung von drei Disney-Kurzfilmen aus den 60er und 70er Jahren, in die zusätzliches Material eingefügt wurde, um ein übergreifendes Thema und Spielfilmlänge zu schaffen.

Im Hundertmorgenwald, wo Christopher Robin spielt, lebt sein bester Freund und Lieblingsstofftier Winnie Pooh (gesprochen von Sterling Holloway). Bei seinen Versuchen, das zu bekommen, wonach sich die Puuh-Bären am meisten sehnen - Honig -, trifft Winnie Puuh auf alle möglichen anderen freundlichen Spielzeuge, die den Zauberwald bevölkern, vom hüpfenden Unruhestifter Tigger (Paul Winchell) über den stets mürrischen Eeyore (Ralph Wright) bis hin zum kleinen, aber großherzigen Piglet (John Fiedler), sowie auf ein Erdhörnchen, das nicht aus Alan Alexander Milnes Vorlage stammt. Das erste Kapitel, das wie ein Märchenbuch erzählt wird, stellt dem Betrachter den etwas zerstreuten Bären und seinen kreativen, katastrophalen Versuch vor, Honigbienen zu täuschen, indem er sich als Regenwolke verkleidet. Da er wenig Glück hat, lädt er sich selbst zu Rabbits Haus ein, wo er eine so große Menge der süßen, klebrigen Substanz konsumiert, so dass er in der kleinen Haustür festklemmt. Sehr zum Leidwesen von Rabbit muss Puuh mehrere Tage warten, bis er dünn genug ist, um sich wieder bewegen zu können.

In der zweiten Geschichte mit dem Titel 'Der stürmische Tag' wird das Haus von Owl von einem heftigen Wind umgeworfen und Piglet wird fast weggeweht. In dieser Nacht trifft Puuh den lebenslustigen, elastischen Tigger, und nachdem er gegangen ist, verwandelt sich eine fantastische Traumsequenz über mystische Kreaturen namens 'Heffalumps' und 'Woozles' in einen heftigen Regenguss, der Piglets Haus überflutet und ihn zwingt, ein Flaschen-SOS zu versenden. Im letzten Kapitel ist Rabbit mit Tiggers unkontrollierter Sprunghaftigkeit völlig überfordert und heckt einen Plan aus, um den schlauen Vierbeiner im Wald abzuschütteln und ihm eine Lektion zu erteilen. Rabbits Intrige geht jedoch gründlich daneben, denn er verirrt sich selbst im Nebelwald und kann nur von Tigger gerettet werden. Zum Abschluss des Ensembles finden die Streiche von Puuh ein berührendes Ende, als Christopher Robin in die Schule gehen muss.

Es handelt sich zwar um drei separate Kurzfilme, aber dank der geschickten Umstrukturierung und des Schnitts hat man nie das Gefühl, dass unzusammenhängendes Material aneinandergereiht wurde. Die innovativste Technik der Erzählung ist der Erzähler (Sebastian Cabot), der nicht nur Einführungen und Überleitungen liefert, sondern auch die Geschichte vorantreibt, indem er Ratschläge gibt und den Figuren in Not Hilfe anbietet und so die vierte Wand durchbricht, obwohl er eigentlich nie in Erscheinung tritt. Wunderschöne Bilder erwecken die Kreationen von Alan Alexander Milne zum Leben und bewahren gleichzeitig einige der einfachen Stile der ursprünglichen Buchillustrationen. Die peppigen Musikstücke und die Melodien der 'Sherman Brothers' sorgen für ein flottes Tempo und gute Laune, sogar für eine Traumsequenz à la "Alice im Wunderland" ist inmitten der farbenfrohen Abenteuer Platz. Sowohl die einzelnen Bilder als auch die kongruente Kompilation sind Meisterwerke der familienfreundlichen Sittlichkeit, des knuffigen Designs und des übermütigen Humors. Wie ein plüschiger Peter Pan werden Winnie Puuh und seine Freunde nie alt, und das gilt auch für deren ulkige Slapstick-Einlagen.

Wie bei den früheren Projekten von Regisseur Brian Yuzna beginnt auch "Dark Society" mitten im Geschehen und erzeugt schon vor dem Vorspann eine nervenaufreibende Befremdlichkeit. Und das ist ziemlich bizarr, mit heiterer, opernhafter Musik mit engelsgleichem Gesang, dem 'Eton Boat Song', komponiert von A.D.E.W. mit neuem Arrangement und Text von Mark Ryder und Phil Davies, der in scharfem Kontrast zu der surrealen, glibberigen Orgie steht, die obskur im Hintergrund spielt. Brian Yuzna, der vor seinem Regiedebüt bereits an mehreren Body-Horror-Filmen mitgewirkt hat, liefert eine großartige Regiearbeit mit einer vergnüglichen Mischung aus schwarzer Komödie und unheimlichem Gruselfaktor ab.

Der siebzehnjährige Bill Whitney (Billy Warlock) wird von Albträumen und unerklärlichen Ängsten vor allem und jedwedem geplagt, auch von seinem Psychiater. Er ist beliebt in der Schule, spielt im Basketballteam, kandidiert für das Amt des Klassensprechers und hat sogar eine Verlobte, die Cheerleaderin Shauna (Heidi Kozak). Doch nichts von seiner anscheinenden Normativität hindert ihn daran zu glauben, dass er adoptiert ist. Selbst das Leben in einer riesigen Villa in Beverly Hills kann ihn nicht davon abhalten, sich als Außenseiter zu fühlen, der von seinen noblen Eltern mit Ignoranz bestraft wird. Außerdem sieht er regelmäßig seltsame Dinge: Er entdeckt einen pulsierenden, mutilierten Fleck auf dem Rücken seiner Schwester oder ihren sich unnatürlich deformierenden Körper unter der Dusche, was sich als peinlich verzerrte Visionen der Unwahrheit herausstellt.

Auf der Coming-out-Party von Bills Schwester Jenny (Patrice Jennings) versteckt sich ihr Ex-Freund David Blanchard (Tim Bartell) in ihrem Kleiderschrank und beobachtet sie beim Ankleiden. Bill kommt ihr zu Hilfe, indem er den Voyeur rausschmeißt, aber es ist klar, dass David und Bill von ihren elitären Eltern und Freunden regelrecht geächtet werden. Jennys Feier ist so angelegt, dass sie Richter Carter (David Wiley) und den Stadtbewohnern in einer geheimen Zeremonie mit verstörenden Aktivitäten preisgegeben wird. David Blanchard mischt sich in die Feierlichkeiten ein und gibt die Aufnahme an Bill weiter, der daraufhin eine inzestuöse, liederliche Party zwischen seiner Schwester, seinen Eltern und seinem Klassenkameraden Ted Ferguson (Ben Meyerson) verfolgt. Doch als er die Befunde seinem behandelnden Arzt mitteilt, scheint das brisante Material in ein unverfängliches Gespräch verpackt zu sein. Spielt sein Gehirn ihm wieder ein Schnippchen? Oder verheimlicht seine Familie ein unglaublich finsteres Geheimnis?

"Dark Society" ist zu gleichen Teilen Mystery und Horror und zeichnet sich durch eine ungezwungene Leichtigkeit aus, die auch durch die ernsthafte Annäherung der Akteure an die skandalösen Motive nicht verraten wird. Manchmal sind die Dialoge so merkwürdig, dass sie geradezu bescheuert sind, und doch hält niemand inne, um die Absurdität anders zu behandeln als die Schreckensmomente. Bill steckt in einer Welt fest, in der der Reichtum seiner Familie für Verachtung sorgt und Autoritätspersonen seine Anschuldigungen wegen eines Verbrechens schnell von sich weisen. Jedes Mal, wenn er der Wahrheit näher kommt, wie etwa, als der streberische Debattenrivale Martin Petrie (Brian Bremer) an einem abgelegenen Ort in den Wäldern Hinweise liefert, verschwinden Indizien und Menschen.

Der Film geht den Weg der Exploitation und zeigt auch Playboy Playmate Devin DeVasquez in der Rolle der Clarissa Carlyn, die einige Nacktszenen hat, bevor sie in die erschreckenden Verrenkungshalluzinationen geht, die Bill heimsuchen. Doch nichts kann den Betrachter auf das schockierende Finale vorbereiten, und obgleich die Minuten bis zur Schlusssequenz in die Länge gezogen werden, um die Antizipation zu steigern, ist die Entlarvung enthusiastisch abartig und ekelerregend grausam. In die Absonderlichkeiten mischt sich ein Verweis auf den wörtlichen Verzehr der Armen durch die Reichen, der jedoch schnell von der komödiantischen und pappigen Verheerung der menschlichen Körper überlagert wird.

In "... denn sie wissen nicht, was sie tun" von Regisseur Nicholas Ray wird der minderjährige Jim Stark (James Dean) am Ostertag wegen Trunkenheit in die Jugendabteilung der Polizeiwache geschleppt. Er ist nicht wirklich unanständig, aber wenn er im Vollrausch mitten auf der Straße liegt, ist ein offizielles Durchgreifen notwendig. Im gleichen Revier hat auch die 16-jährige Judy (Natalie Wood) Schwierigkeiten, aber ihre Probleme bestehen darin, dass sie sich immer mehr von ihrem Vater distanziert, was sexuelle Untertöne enthält - eine spezifische Art von Unbehagen, die im Film selten zu sehen ist, insbesondere in den 1950er Jahren. Und direkt vor dem Büro, in dem sie befragt wird, steht John Crawford (Sal Mineo), ein weiterer missratener Jugendlicher mit viel schwerwiegenderen psychologischen Symptomen, die aus Vernachlässigung resultieren: Er hat einen Wurf Welpen mit einer Schusswaffe erschossen.

Es ist zunächst unklar, ob diese Dissidenten heillos gestört sind oder einfach nur gegen Autoritätspersonen rebellieren. Ein Beratungsgespräch mit einem Therapeuten scheint keine einfache Lösung zu sein, auch wenn sie dringend jemanden brauchen, mit dem sie über ihre Gefühle sprechen können. Jim Stark behauptet, er käme mit den widersprüchlichen Auskünften seiner Eltern nicht zurecht, aber meistens schreit er nur nach Aufmerksamkeit, denn der Reichtum und die bedeutungslosen Geschenke seiner Eltern scheinen echte Zuneigung zu überdecken. Er ist verwirrt, wütend und hat die Nase voll von der vorgetäuschten Solidarität und dem ständigen Streit in seiner Familie, vor allem in den Momenten, in denen sein Vater von seiner Mutter und seiner Großmutter emotional entmannt wird - es ist, als würde er in einem Zirkus aufwachsen. Unterdessen kann Judy nicht verstehen, warum sie in der Nähe ihres Vaters nicht kokett sein sollte - eine linkische, mädchenhafte Verschmitztheit, der sie längst entwachsen ist. John Crawford hingegen ist zutiefst verstört, so dass seine Wahrnehmung von Fantasie und Realität gelegentlich ineinander übergehen.

Kurz nach ihrem Treffen am Bahnhof wird Jim angesichts seines ersten Tages an der 'Dawson High School' nervös, da er unter Druck gesetzt wird, sich verantwortungsvoll zu verhalten und seine Freunde mit Bedacht auszuwählen. Er wirft ein weiteres Mal ein Auge auf Judy, aber sie gehört bereits zu einer Clique beliebter Schüler. Wie es der Zufall will, wird Jim während eines Ausflugs der Junior High und High School ins Planetarium zur Zielscheibe des Rüpels Buzz (Corey Allen), der zufälligerweise der Freund von Judy ist. Ein weiterer unwahrscheinlicher Koinzidenzfall ist, dass John Crawford der einzige ist, der Jim Stark gegenüber freundlich gesinnt ist. 'Dawson' ist eine unerwartet harte Schule, was sich darin zeigt, dass Buzz einen Reifen an Jims Auto aufschlitzt, bevor er ihn mit einem Springmesser in einen Kampf verwickelt.

Diese vergleichenden Tendenzen sind im Prinzip eine psychologische Abneigung gegen Nonkonformität in der Familie und unter Gleichgesinnten. Ihrer Meinung nach wissen die Erwachsenen einfach nicht, wie sie sich gegenüber Kindern verhalten sollen, deren Eltern überfordert, überdrüssig und instabil sind. Und Jugendliche derselben Altersgruppe suchen immer wieder nach Männlichkeits- oder Überlegenheitswettbewerben, wie beispielsweise ein Autorennen an Klippen, bei dem es darum geht, welcher Fahrer sein Fahrzeug zuerst verlassen kann, bevor es über die Klippe stürzt. Doch die hier beschriebenen Ereignisse fühlen sich unzumutbar übertrieben an. Die Adoleszenz ist die reinste Hölle. "Das Leben erdrückt mich."

"... denn sie wissen nicht, was sie tun" ist nicht der erste Film, der dieses Thema penetrant und kontinuierlich visualisiert, hatte aber bei seinem Erscheinen eine enorme Resonanz. Für diejenigen, die sich nicht sofort mit der Rebellion und der Kriminalität identifizieren können, ist der Film kaum mehr als eine nervige, barsche Botschaft über jugendlichen Ungehorsam und Demoralisierung, deren Effekt stark von Nostalgie oder Kenntnissen über diese Zeit abhängt. Für den heutigen Betrachter war es jedoch etwas Einzigartiges, was zum Teil an den überzeugenden Darbietungen, vor allem aber an der Qualität der Charaktere lag. Es handelt sich nicht um finanziell benachteiligte, sozial vernachlässigte Kinder, auch wenn ihr familiäres Unterstützungssystem gering ist - sie gehören zur Mittelschicht oder darüber hinaus und haben viele Perspektiven jenseits der typischen Probleme von Bandenkriminalität oder traumzerstörender Verelendung.

Dennoch wirken die Maßnahmen sowohl der Erwachsenen als auch der Kinder nie ganz logisch und plausibel. Die Momente des explosiven Aufbegehrens sind zu brachial, während die Szenen des Blödsinns zu unmündig wirken. Ihre Aktivitäten haben eine unsubtile Note, die dem thematischen Konzept des Films weit mehr dient als seinem Unterhaltungsfaktor. Die Vermittlung des Inhalts ist natürlich keine besonders große Leistung, sondern es ist offensichtlich eine Absicht, ihn den Zusehern mit Gewalt in die Köpfe zu hämmern. Das berühmte Finale ist in diesem Sinne ähnlich exzessiv und vielleicht eher diffus als retrospektiv und zementiert die These, dass die einzige Linderung für einige gepeinigte Jugendliche ein noch größeres Desaster ist.

In "Am goldenen See" von Regisseur Mark Rydell kehren Professor Norman Thayer Jr. (Henry Fonda) und seine Frau Ethel (Katharine Hepburn) in ihre selten genutzte Hütte am See zurück, wo die krähenden Seetaucher sie willkommen zu heißen scheinen. Norman besitzt nicht den Enthusiasmus seiner Partnerin, während Ethel die Schönheit in all den kleinen Dingen erkennt, das gerade erwachende Leben im Wald, wogegen Norman pessimistisch ist und sich mit dem bevorstehenden Tod befasst. "Du bist alt und ich bin uralt", scherzt er, ohne genug Sarkasmus, um seine Abneigung gegen das Bewusstsein zu verbergen, wie nahe er dem Ende seines Lebens ist.

Eine Kanufahrt auf dem Teich, ein Brettspiel und eine Bootsfahrt zum Lebensmittelgeschäft sind für Ethel, die an jeder noch so alltäglichen Tätigkeit Freude findet, ein Riesenspaß. Sie bleibt so fröhlich wie möglich, doch Normans ständiges Jammern zermürbt langsam aber sicher ihr positives Auftreten. Ihr Urlaub wird sich jedoch bald ändern, als die etwas entfremdete Tochter Chelsea (Jane Fonda) zu Normans 80. Geburtstag zu Besuch kommt und ihren neuesten Freund, einen Zahnarzt, mitbringt, um an den angespannten Feierlichkeiten teilzunehmen. "Findest du es lustig, alt zu sein?"

"Am goldenen See" ist in erster Linie eine Auseinandersetzung zweier älterer Menschen mit dem Älterwerden. Der eine will die kommenden aufregenden Jahre noch geniessen, der andere schwelgt in einer vergangenen, viel besseren Zeit. Alles erinnert Norman an den Tod, von einer umgefallenen Puppe über verdorrte Bäume bis hin zu den Medikamenten, die er gegen sein Herzrasen nimmt. Sein schwindendes Erinnerungsvermögen ist auch ziemlich beunruhigend, besonders für einen Mann, der sich auf vertraute Routinen verlässt. Um die Situation zu verkomplizieren, bringt Chelseas Freund Bill Ray (Dabney Coleman) seinen 13-jährigen Sohn Billy (Doug McKeon) mit, was Norman die Gelegenheit gibt, seine grantige Gesinnung auf das Maximum zu steigern. Der Film basiert auf dem Theaterstück von Ernest Thompson und bietet mit seiner unbeirrbaren Unsympathie und seiner verurteilenden Grundhaltung die Bühne für schwarzhumorige, hochgradig unbehagliche Gespräche und Interaktionen, ähnlich wie "Wer hat Angst vor Virginia Woolf?" oder der viel spätere "Im August in Osage County", nur ohne den übermäßigen Alkoholkonsum.

Es gibt auch einen kleinen Kulturkonflikt, als Billy sich mit seiner temporären neuen Umwelt arrangiert und gegen die reservierten Senioren kämpft, die das Optimum aus einer unkomfortablen Lage machen wollen. In der Zwischenzeit plagen Chelsea Wut und Reue, da sie ihrem Vater nicht verzeihen kann, wie streng er sie erzogen hat. Im Verlauf von "Am goldenen See" gelingt es den Beteiligten, immer gastfreundlicher zu werden, auch wenn Norman zeitweise in seine alte Schroffheit zurückfällt. Ihre Handlungen neigen dazu, viele kleine Weisheiten über das Leben und die Liebe herauszuarbeiten, alles mit der Unterstützung von Dave Grusins sanften und doch markanten Pianomelodien. Doch ungeachtet der heiteren Lektionen über Vergebung, Sterblichkeit, Großzügigkeit, das Bemühen um Akzeptanz und das Knüpfen von Kompromissen hat der Film eine gewisse Schwermut, die seine sich häufenden Fehlschläge verdeckt. Selbst wenn bedeutende Vorfälle eintreten, sind sie so nebensächlich und berechenbar, dass ihre Signifikanz geschmälert wird. Er ist zwar possierlich und auch unterhaltsam, aber sehr einfach konzipiert, was seine Chancen auf nachhaltige Tiefenwirkung drastisch minimiert.

In dieser lebensfernen Hommage an die Musik der alten Schule und das herrschende Gefühlschaos ist nicht der geringste Funken Originalität zu finden. In "Soul Men" unter der Regie von Malcolm D. Lee stimmt die Chemie zwischen dem Komiker Bernie Mac und dem geradlinigen Samuel L. Jackson, doch es sind beides Charaktere, die man immer wieder in Filmen sieht und die von diesen beiden Schauspielern nach einem bestimmten Schema gespielt werden. Als Komödie gibt es so gut wie keine Lacher, und als Ode an wahre Seelenmenschen versumpft der Film in Vorhersehbarkeit und einer enttäuschenden Überabhängigkeit davon, zwischen den Zeilen von Anstand und Erwartung zu bleiben, trotz der bekannten unflätigen Selbstgespräche der beiden Hauptdarsteller.

In den frühen 70er Jahren wurde die Soulgruppe 'Marcus Hooks and the Real Deal' äußerst populär und verkaufte über sechs Millionen Platten. Doch 1977 erkennt Marcus Hooks (John Legend) sein überragendes Talent und beschließt, eine Solokarriere zu starten, während seine Partner Floyd Henderson (Bernie Mac) und Louis Hinds (Samuel L. Jackson) bis ins hohe Alter mit dem Verlust des Ruhms zu kämpfen haben. In der Gegenwart ist Floyd Henderson im Ruhestand und wird in regelmäßigen Abständen von seiner mondänen Existenz entmutigt.

Als Marcus Hooks stirbt, wird Floyd Henderson von 'VH1' gebeten, sich wieder mit Louis Hinds zusammenzutun, um bei der Beerdigung von Marcus Hooks im 'Apollo Theater' einen Tribut-Song zu singen. Louis Hinds ist wütend und verdrossen, vor allem, wenn er an die Affäre von Floyd Henderson mit seiner Frau denkt. Schließlich lässt er sich überreden, mit Floyd Henderson quer durchs Land zu reisen, weil dieser ihm Geld für den großen Auftritt zusichert. Auf dem Road Trip hat das Duo die Gelegenheit, seine Gesangskünste aufzufrischen, nachdem es 30 Jahre lang nicht mehr im Rampenlicht gestanden hat, unerwartete Wiedersehen mit der Vergangenheit zu erleben und mit dem Gesetz in Konflikt zu geraten, doch nichts wird ihr Streben nach einer Rückkehr ins Rampenlicht aufhalten.

In den ersten 10 Minuten des Films erlebt der Betrachter beschämende sexuelle Eskapaden und eine peinliche rektale Untersuchung, die zum Nachdenken anregt. Kurz darauf wiederholen und potenzieren sich die Witze mit Waffenmissbrauch, animalischen Bettgeschichten, darunter die berüchtigte 'Samtmassage', und zahlreichen Kraftausdrücken. Der Humor selbst zielt nicht auf ein bestimmtes Zielpublikum ab, auch wenn die Ensemblebesetzung eindeutig darauf abzielt. Daher ist es sehr frustrierend, dass immer wieder solche abgenutzten Comedy-Gimmicks auf den Bildschirm platzen. Klischeehafte Figuren, konventionalisierte und unbrauchbare Nebenrollen und rezyklierte Lebensweisheiten tauchen ebenfalls auf und tragen nur noch zur bestürzenden Einfallslosigkeit des Projekts bei.

"Soul Men" ist teilweise ein Roadmovie und größtenteils ein Buddy-Movie, doch was die Verkettung der Ineffektivität wirklich zerbricht, ist die unerträgliche Duplizität und der nicht vorhandene Impetus. Die Charaktere sind selbst dann zum Kotzen, wenn sie versuchen, Spaß zu haben, und die zumeist sympathischen Hauptdarsteller kommen in Absurditäten, die aus anderen Komödien übernommen wurden, in denen es ebenfalls um die Relevanz von Freundschaften geht, als ob Unglücksfälle die alleinige Voraussetzung dafür wären, Wertvorstellungen zu verinnerlichen. Samuel L. Jackson und Bernie Mac sind durchaus unterhaltsame Künstler, doch das Material in "Soul Men" ist so genormt wie nur irgend denkbar.

In "Frankensteins Höllenmonster" von Regisseur Terence Fisher gräbt ein alkoholkranker Leichenfledderer (Patrick Troughton) Leichen aus frischen Gräbern aus und versteckt seine Taten im Schutz der Dunkelheit und des Nebels. Obwohl er von einem Polizisten unterbrochen wird, bringt der Räuber seine neueste Akquisition schnell zum Haus des jungen Simon Helder (Shane Briant), einem angehenden Arzt und skrupellosen Absolvent der Forschungsarbeiten des legendären Barons Frankenstein (Peter Cushing). Als die Behörden seinen Plänen auf die Spur kommen, bei denen er Körperteile zusammennäht, um neues Leben zu erschaffen, wird er kurzerhand wegen Hexenwahns verhaftet. "Sie geben zu, dass Sie versuchen, die Toten wiederzubeleben."

Ein verständnisloser Richter weist Simon für fünf Jahre in eine staatliche Anstalt für kriminelle Geisteskranke ein, nach dem Muster einer ähnlichen Strafe, die Frankenstein selbst auferlegt wurde. Simons jugendliches Erscheinungsbild und seine professionelle Einstellung verwirren den neurotischen, paranoiden Gefängnisdirektor Adolf Klauss (John Stratton), der den neuen Häftling zunächst für einen echten Arzt hält. Die sadistischen Wärter belohnen die Verwechslung mit einer Initiationsbehandlung, einem hautzerreißenden Bad mit einem Feuerwehrschlauch, bevor der Anstaltsarzt Dr. Karl Victor (ebenfalls Peter Cushing) dem Treiben ein Ende setzt.

Wie sich herausstellt, haben sich Victor und der korrupte Direktor über ihre Indiskretionen und divergierenden Neigungen geeinigt. Der Chefarzt hat einige Freiheiten, was seine zahlreichen Patienten angeht, darunter eine Abteilung mit gefährlichen Insassen, die als Versuchspersonen für ungewöhnliche Experimente dienen, insbesondere solche, die vor kurzem gestorben sind oder an einer rapiden Degeneration des Gehirns leiden. Über einen solchen Häftling sagt Dr. Karl Victor: "Mörderische Tendenzen. Er war fasziniert von Glasscherben. Er liebte es, Leuten damit ins Gesicht zu stechen."

Simon ist zwar nicht in der Lage, die Anstalt zu verlassen, doch er wird rekrutiert, um Dr. Victor bei seiner Arbeit zu helfen, frische Körperteile zu einem höllisch schreienden Monster (David Prowse) zu assemblieren. Ihm zur Seite steht eine weitere Assistentin, die stumme Sarah (Madeline Smith), die wegen ihrer frappierenden Schönheit 'Der Engel' genannt wird. Sie wird in zerlumpten Kleidern vorgestellt, doch schlägt sie sich in den nachfolgenden Szenen sehr achtbar. Kurioserweise gibt es in diesem Hammer-Horrorfilm trotz der jungfräulichen Sarah und des statuesken Simon keine echten Protagonisten. Entweder sind alle verrückt oder neigen dazu, unethische Gebiete der Medizin und der anatomischen Rekonstruktion zu erforschen. Selbst wenn Simon kurzfristig von Dr. Victors Methoden zum Sammeln humaner Überreste verstört zu sein scheint, schiebt er derartige Gefühle zugunsten des akademischen Fortschritts beiseite.

Peter Cushing ist in seiner Rolle großartig und nimmt sie selbst inmitten von Dämlichkeiten noch ernst. Natürlich ist "Frankensteins Höllenmonster" ein späterer Hammer-Film mit einer Altersfreigabe, der Blutvergießen, Gläser voller Augäpfel, Verstümmelungen, Kadaver, schädelsägende Hirnoperationen - eine besonders geschmacklose Sequenz -, sexuelle Anspielungen und ein spektakulär furchterregendes, massiges Monster, das mit Haaren bedeckt ist, als wäre es ein Verwandter des Yetis, enthält. Das Make-up und die Gestaltung des Monsters sind recht effektiv, auch wenn sie abseits dieser makabren Fiktion nicht besonders beeindruckend sind.

Auch unfreiwilliger Humor findet seinen Weg in das Geschehen, eventuell unglücklicherweise, wenn Dr. Victor ein ausgedientes Gehirn in eine Schüssel auf dem Boden fallen lässt, dann versehentlich darauf tritt und es aus dem Weg sprengt. Gäbe es nicht den einen oder anderen Slapstick-Moment, wäre die Darstellung des Gottesspiels, der psychologischen Tortur und der unkontrollierbaren Wut, die sich in Rache verwandelt, wirklich schockierend. "Ich bin kein Mörder, Simon", beharrt der teuflische Doktor, doch er macht niemandem etwas vor. In Anlehnung an die Morbidität von "Frankenstein schuf ein Weib", aber mit weitaus perverseren, wenn auch düster-poetischen Gedanken, bleiben am Ende Gerechtigkeit und Erlösung auf tragische Weise aus, und dem Betrachter bleiben nur Bösewichte und deren Opfer.

"Der Spion" von Regisseur Dominic Cooke beginnt 1960, als sich das nukleare Wettrüsten zwischen der UdSSR und den Vereinigten Staaten so sehr verschärft, dass viele auf der ganzen Welt vorhersagen, die Zerstörung der Erde stehe unmittelbar bevor. Als der ehemalige Artillerieoffizier und jetzige GRU-Geheimdienstler Oberst Oleg Penkovsky (Merab Ninidze) sensible Informationen an die US-Botschaft weitergibt, landen diese vier Monate später in den Händen der CIA-Agentin Emily Donovan (Rachel Brosnahan), die sich sofort zum MI6-Hauptquartier in London begibt. Sie schlägt vor, den Kontakt mit dem russischen Informanten über einen Kommunikationskanal herzustellen, bei dem die Gefahr besteht, dass er versehentlich enttarnt wird, möglicherweise über eine Person, die nicht zu den üblichen Quellen gehört.

Und so wendet sich der MI6-Agent Franks (Angus Wright) an einen gewöhnlichen britischen Geschäftsmann, Greville Wynne (Benedict Cumberbatch), der keine Verbindung zur Regierung hat und unauffällig nach Moskau reisen kann, um zwanglose Geschäfte zu tätigen, die von vornherein unscheinbar wären. Er muss nichts tun, was sein Leben gefährdet, er muss nur hier und da ein paar Dokumente abholen und so tun, als wäre er ein gewöhnlicher Geschäftsmann. "Geschäfte machen".

Basierend auf wahren Begebenheiten auch wenn viele der 'Fakten' umstritten sind, wenn es um Spione geht, beginnt dieses besondere Garn mit einer fast komödiantischen Stimmung, trotz eines zwischenzeitlichen Moments der Exekution eines Verräters, um den Betrachter daran zu erinnern, dass die Sowjetunion in den 60er Jahren nicht ohne Gefahr war - nicht nur für Amerikaner, sondern auch für Überläufer, die sich vor Chruschtschows Wunsch nach Konfrontation mit den USA fürchteten. Doch die Verwendung eines Amateurs, eines etwas tollpatschigen Zivilisten, der mit Spionagetechniken überhaupt nicht vertraut ist, erzeugt ein unbeschwertes Bild von Spitzelspielchen. Zusätzlich kehrt der Film immer wieder zu feuchtfröhlichen Szenen zurück, die von beschwingter Musik begleitet werden. Es ist ein interessanter, wenn auch inkongruenter Ansatz für das Thema, das jedoch nie so absurd wird wie in "Der Informant!" oder "Burn After Reading - Wer verbrennt sich hier die Finger?". "Wenn diese Mission auch nur ein bisschen gefährlich wäre, wären Sie wirklich der letzte Mann, den wir schicken würden."

Das Drehbuch ist gewürzt mit wichtigen historischen Ereignissen, aber Greville Wynnes genaue Beteiligung ist kaum mehr als ein Kurier, der Details über bestimmte Unterlagen oder andere streng geheime Informationen weitergibt, die für die Geschichte nicht von ausschlaggebender Bedeutung sind. Die Vorstellung, dass jederzeit ein Atomkrieg ausbrechen könnte, ist das Kernproblem. Das und die unzähligen Nebenfiguren, die die Hauptrollen mit Argusaugen beobachten. Und, ebenfalls auf humorvolle Weise, beginnt Grevilles Frau Sheila (Jessie Buckley), Untreue zu vermuten - ein Konzept, das für sein Leben ebenso desaströs ist wie ein paar Jahre in einem Gulag zu verbringen, um als politischer Gefangener ausgetauscht zu werden, und das bei den Autoren viel Aufmerksamkeit erregt.

"Der Spion" erinnert an "Bridge of Spies - Der Unterhändler" aus dem Jahr 2015, auch wenn der Grundtenor hier etwas abweicht und die Waage zwischen Ernsthaftigkeit und Leichtigkeit nicht hält. Es gelingt zwar gut, ein tiefgreifendes paranoides Bewusstsein zu schaffen, da der KGB jeden Moment zuschlagen kann, doch hat man nie das Gefühl, dass sich die Charaktere in der für einen erstklassigen Thriller unerlässlichen Gefahr befinden. Ein Großteil des Drehbuchs ist ziemlich zahnlos, selbst als Oleg in Moskau der größten Bedrohung gegenübersteht und Greville Wynne mit der kühlen Distanz seiner Frau zu kämpfen hat. Doch parallel zur Eskalation von Krisenherden des Kalten Krieges, wie der Kubakrise, nehmen die Spannungen im dritten Akt des Films zu, und das Maß an Schrecken, Härte und Gewalt, das erforderlich ist, um reale Folgen, wie echt und tragisch sie auch sein mögen, wie etwa die unheilvolle Manipulation durch die Regierung, filmisch erscheinen zu lassen, wird schließlich erreicht. Es spricht auch dafür, dass Benedict Cumberbatch eine sensationelle Performance abliefert. Doch das Ende ist für einen Politthriller etwas zu banal und reiht den Film in die Riege der weniger bedeutenden Produktionen ein.