Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Bullet Train" von Regisseur David Leitch nimmt ein vom Pech verfolgter Auftragskiller mit dem Codenamen 'Ladybug' (Brad Pitt) in letzter Minute den einfachen Auftrag an, einen Aktenkoffer an Bord eines Hochgeschwindigkeitszugs nach Kyoto, Japan, zu stehlen. Zu 'Ladybugs' Leidwesen wollen auch eine ganze Reihe unangenehmer Gestalten das wertvolle Portmanteau in die Finger bekommen. 'Prince' (Joey King), eine skrupellose Killerin, die sich als Schulmädchen ausgibt, begehrt den Koffer für ihre eigenen ruchlosen Zwecke, während die barbarischen Brüder 'Lemon' (Brian Tyree Henry) und 'Tangerine' (Aaron Taylor-Johnson) von dem berüchtigten Verbrecherfürsten 'Der weiße Tod' (Michael Shannon) angeheuert werden, um ihn sicherzustellen. Erschwerend kommen die rachedurstigen Killer 'Der Wolf' (Benito Antonio Martinez Ocasio) und 'Die Wespe' (Zazie Beetz) hinzu, sowie ein Vater (Andrew Koji) und ein Großvater (Hiroyuki Sanada), die einen brutalen Angriff auf ihre Familie rächen wollen. Selbst wenn es 'Ladybug' gelingt, dieses Schlangennest zu überlisten und zu umgehen, muss er sich auch noch mit einer echten Schlange herumschlagen, einer hochgiftigen Baumschlange, die sich an Bord des rasenden Transporters herumtreibt.

Die Zeitlinie ist sofort konfus und wird nur noch schlimmer, dank Zeitsprüngen in die Vergangenheit, Standard-Rückblenden und sogar Rückblicken auf frühere Szenen. Das alles soll witzig sein, ganz im Sinne des fröhlichen Hauptdarstellers, der wie ein Fixer wirkt, der alle seine Missionen außerhalb des Gesetzes mit blindem Glück erledigt - ein Motiv, das in Action-Komödien immer beliebter wird. Das Problem ist, dass es den Betrachtern jedes Mal, wenn er der Gefahr mit einem Lächeln und einem Scherz begegnet, schwer fallen wird, seine Situation als solche ernst zu nehmen. Nur wenige Menschen werden einem unbesiegbaren Witzbold die Daumen drücken wollen, zumal es weder ein Liebesinteresse noch ein Kind oder eine unschuldige Person gibt, die es zu retten gilt, oder gar ein Gefühl der unsterblichen Ehre - sein Motiv ist im Grunde nur, frühzeitig aus dem Job auszusteigen, wenn er sich nicht um sein eigenes Wohlergehen kümmern kann, warum sollte das jemand anderes tun?

'Ladybug' ist eindeutig eine Comic-Figur, was nicht viel Raum für komödiantische Nebenrollen lässt, doch darauf ist jede andere Figur zugeschnitten. Was "Bullet Train" so schmerzlich fehlt, ist ein Gradmesser. Auch wenn der eine oder andere heitere Wortwechsel hängen bleibt, ist es nicht annähernd so lustig, wenn alles mit Dämlichkeiten gepfeffert ist und nichts die nötige Schwere bewahren kann, wie bei einer nicht enden wollenden Salve von Scherzen. Wenigstens findet das Einsteigen in die 'Nippon Speedline' zügig statt und bleibt für den größten Teil der Laufzeit das Hauptschlachtfeld. Es ist ein leidlich abwechslungsreiches Setting für eine Armada von Auftragskillern, die durch die Gegend irren, sich in die Quere kommen und sich gegenseitig umbringen. Während dieser unvermeidlichen Scharmützel bevorzugt der Film den unoriginellen, aber wenig einladenden Kontrast von schneller, peppiger Musik gegenüber extremer Gewalt und Schusswechseln.

Ein Aktenkoffer als Makrofigur ist an einer Stelle mit einer Bombe ausgestattet, was dazu führt, dass sich zwei Figuren im Hintergrund fragen, ob er vor ihren Augen explodieren wird und warum die Hauptfiguren nie die Aufgabe haben, ein solches Objekt zu öffnen. Dieser Moment fasst die Selbsterkenntnis von "Bullet Train" und sein Beharren auf einem schamlosen und beiläufigen Umgang mit Tod und Zerstörung zusammen. Auch wenn jeder jederzeit sterben kann, nimmt sich niemand diese Tatsache zu Herzen. Alles ist so konstruiert, dass es unaufrichtig, sarkastisch und figurativ ist, was es unmöglich macht, sich für einen der zahlreichen Akteure zu begeistern. Es ist nicht gerade förderlich, dass jeder ein Soziopath oder Psychopath ist, was durch blutige Rückblenden unterstrichen wird, eine stilisierter und unnotwendiger als die andere. Noch sinnloser werden sie, wenn diese einzelnen Irren kurz nach ihrer Vorstellung aussterben.

Doch der größte Nachteil von "Bullet Train" ist vielleicht, dass er sich zu sehr bemüht. Der Film versucht krampfhaft, schräg und cool zu wirken, aber diese Verzweiflung ist bitter ersichtlich und führt zu meist schalen oder sich wiederholenden Verwicklungen und Intrigen, die nicht an die scharfsinnige Wildheit von "Kill Bill" oder " Brügge sehen... und sterben? " oder sogar "Shoot 'Em Up" und "Smokin' Aces" und zuletzt "Free Fire" heranreichen. Es gelingt nicht, die seltene Balance zwischen Humor und Realismus zu finden. Die Charaktere verraten häufig ihr eigenes Drehbuch und verhalten sich unrealistisch, selbst innerhalb der phantasievollen Grenzen ihrer überdrehten Situationen, die mit CG-modifizierten Actionsequenzen durchsetzt sind, die für einen Regisseur, der zuvor als Kampfsportler und Stuntdouble gearbeitet hat, nicht besonders innovativ sind.

Wenn es dann doch einmal eine kleine Überraschung gibt, wird sie schnell von erwartbaren, abgedroschenen Vorgängen in den Schatten gestellt. Das Schicksal soll hier zwar eine starke Funktion haben, indem es suggeriert, dass diese exzentrischen Menschen nie wirklich die Kontrolle über ihr Handeln haben, aber es wirkt wie eine Ansammlung von Faulheit und prätentiösen Zufällen, die auf dem Gipfel noch durch haufenweise Exposition behindert werden, wie in den Sherlock-Holmes-Filmen von 2009 und 2011. Jede Konfrontation und jeder Showdown ist letztlich nur eine Ausrede für einen Gag, so brutal sie auch sein mögen, und macht "Bullet Train" zu einer Art Live-Action-Cartoon, in dem sich inspirationslose Attentäter versehentlich abmurksen, während sie angeberische philosophische Reflexionen vortragen. "Warum benutzt ihr Arschlöcher Metaphern?!"

In "Feuerwalze" von Regisseur John Lee Thompson wird ein Jeep mit Dünenbuggys durch trostlose Wüsten gejagt, es sind der Abenteurer Max Donigan (Chuck Norris) und sein Partner Leo Porter (Louis Gossett Jr.), verfolgt von den bewaffneten Banditen eines Generals (Richard Lee-Sung). Max und Leo, die in der sengenden Sonne festsitzen und nur wenige Meter von einer kostbaren Flasche 'Perrier' entfernt sind, lassen sich nicht davon abhalten, Witze zu reißen und den Ernst der Lage völlig zu ignorieren. Nur Augenblicke später sind sie auf wundersame Weise außer Lebensgefahr und trinken ein Bier in Arizona. In der Bar werden sie von der Anwaltssekretärin Patricia Goodwin (Melody Anderson, nach einer feuchten Dschungelwanderung immer noch perfekt geschminkt) aus Los Angeles gebeten, ihr zu helfen, sich in ein Indianerreservat zu schleichen, um ein Bündel versteckten Goldes zu finden. Sie hat eine Schatzkarte, warnt aber davor, dass ein mordlustiger Mann, der wie ein roter Zyklop mit schwarzen langen Haaren aussieht, sie jagen wird.

Das Trio wandert in die Berge und betritt eine Höhle, die mit menschlichen Gebeinen übersät ist. Funde deuten darauf hin, dass in den Grotten auf nicht erklärbare Weise alte Mayas, Azteken und spanische Eroberer lebten. Als sie sich über die Entdeckung eines mit Juwelen besetzten Messers freuen, werden sie von Indianerkriegern angegriffen. Doch sie entkommen selbstredend unbeschädigt. Sie suchen Tall Eagle (Will Sampson) auf, einen Mann, der sich mit der Geschichte der Apachen und Azteken auskennt, um ihnen bei ihrer Suche nach einem Gewinnanteil von 20% behilflich zu sein. Er erzählt ihnen vom Feuerläufer, einem legendenumwobenen Mann, dessen Seele zur Sonne fliegen konnte, um große Macht zu erlangen. Er warnt auch vor El Coyote (Sonny Landham) und seinen Häschern, insbesondere vor der indianischen Mörderin Zaide Silvia Gutiérrez, und vor bösen Geistern, die Patricia heimsuchen werden, um sie entweder zu verwirren oder ihr zu helfen, die großen Reichtümer zu erlangen.

Übernatürliche Magie, Menschenopfer, giftige Tränke, eine Barschlägerei - eine erfreuliche, doch triste Karate-Szene, in der quasi alle Tische und Stühle demoliert werden - maschinengewehrbewaffnete Guerillas und skrupellose Auftragskiller können dem Rumgehampel von Chuck Norris nicht die Stirne bieten. Dem Tod zum Trotz und um Gefahren aus dem Weg zu gehen, zieht er geistreiche Bemerkungen und humoreske Observationen physischen Konfrontationen vor. Da er vorgibt, ein Komödiant zu sein, und Kampfsportarten zugunsten von Schusswaffen, Messern, romantischen Flirts und verbalem Sarkasmus meidet, verliert "Feuerwalze" allmählich seinen Reiz als ein Chuck Norris-Actionspektakel. Da hilft es auch nicht, dass er gegen Louis Gossett Jr. antritt und verzweifelt versucht, den ungleichen Cop-Teams der damaligen Zeit zu ähneln, wie sie in Filmen wie "Die Superschnüffler", "Beverly Hills Cop - Ich lös' den Fall auf jeden Fall" und "Nur 48 Stunden" zu sehen waren.

Max Donigan liebt das Suchen und Jagen mehr als das Finden, weil er sich von der Gefahr angezogen fühlt. Die verspielte Musik und die Abenteuer in der Welt stehen im Kontrast zu den potenziellen Exekutionen mit Macheten und der verlogenen Suggestion einer Vergewaltigung durch die Soldaten auf dem Lande. Schauplätze und Charakterdesign lehnen sich deutlich an "Jäger des verlorenen Schatzes" an, wobei der von dem bekannten John Rhys-Davies gespielte Rebellenführer Corky eine naheliegende Beimischung ist, doch "Feuerwalze" legt sich nicht auf eine bestimmte Richtung fest, nicht einmal auf eine verklausulierte, um eine fokussierte Handlungslinie zu realisieren. Der Humor ist nicht geistreich genug, um eine reine Filmkomödie zu sein, und das Abenteuer ist nicht dramatisch oder interessant genug, um ein Action-Epos darzustellen.

Die Vorstellung, dass ein Mädchen gegen einen besinnungslosen Chuck Norris kämpft, ist eine witzige Einbildung, doch vergeudete Vokabeln, ein dämlicher, plärrender Fiesling und okkulter zeremonieller Mummenschanz, der bequeme Verzögerungen bei simplen Tötungen mit sich bringt, drosseln das Niveau und das Gesamterlebnis dieses derivativen, vergänglichen Films. Umso eigenartiger ist es, dass Regisseur John Lee Thompson im Jahr zuvor "Quatermain - Auf der Suche nach dem Schatz der Könige" inszenierte, der wiederum ungeachtet der Vorlage von Sir Henry Rider Haggard auf 'Indiana Jones' basiert. John Lee Thompson führte aber auch bei großen Action-Klassikern der frühen 1960er Jahre Regie, darunter "Die Kanonen von Navarone", "Taras Bulba" und "Könige der Sonne".

In "Cherry 2000" von Regisseur Steve De Jarnatt bringt der Elektronikverkäufer Sam Treadwell (David Andrews) Blumen für seine schöne blonde Freundin Cherry (Pamela Gidley) mit nach Hause. Nach dem Abendessen, als die Seifenlauge aus der vernachlässigten Spülmaschine überläuft, wälzen sich die beiden in einer Pfütze aus Wasser und Schaum und vögeln miteinander rum. Doch gerade als es heiß hergeht, hat Cherry einen Kurzschluss und hinterlässt Sam mit einem völlig defekten androiden Partner. Nach einer totalen inneren Kernschmelze ist die fortschrittliche Romantik-Einheit nur noch eine Miniaturscheibe, die Erinnerungen und Persönlichkeitselemente enthält.

Wir schreiben das Jahr 2017, doch trotz des technologischen Fortschritts, vor allem bei den Sexrobotern, will Sam nur ein Ersatzmodell von Cherry 2000, das zwar veraltet, aber nicht so sehr von sexuellen Reizen getrieben ist. Als seine Kumpels ihn überreden, in den 'Glu Glu Club' zu gehen, wo es die übliche Prostituierung gibt, wird Sam nur noch trauriger und kehrt schließlich nach Hause zurück, um sich Videos von Cherrys visuellen Aufzeichnungen anzusehen. Seine einzige Hoffnung, seine verlorene Liebe zu ersetzen, besteht darin, sich in die zwielichtigen Außenbezirke von 'Anaheim' zu begeben, wo er sich nach einer Fährtenleserin namens Edith Johnson (Melanie Griffith) erkundigen soll, die über die Fähigkeiten und das Wissen verfügt, in die schwer bewachte 'Zone 7' einzudringen, um eine identische Marke und ein entsprechendes Modell vom Roboterfriedhof zu beschaffen. "Warum versuchst du es nicht mal mit echten Frauen?"

"Cherry 2000" prognostiziert mit ungewöhnlicher Voraussicht, dass die modernste künstliche Intelligenz unter anderem in hochrealistischen Sexpuppen zum Einsatz kommen wird, die zu komplexen menschlichen Interaktionen fähig sind. Es handelt sich um ein tabuisiertes, weitgehend unerforschtes Thema, vor allem im Kino und in den Medien, das hier mit einer gewissen Zurückhaltung behandelt wird, wenn es darum geht, in potenziell anschauliche und unangenehme Details zu gehen. In vielerlei Hinsicht wird das Thema mit der nötigen Sensibilität angegangen, damit solche Erfindungen alltäglich werden - die Vorstellung, dass Sam nur mit einer gekauften Frau effektiv verkehren kann, wirft ein weiteres Licht auf eine Zukunft, in der sich die Menschheit immer weiter von zwischengesellschaftlichen Verbindungen entfernt und zunehmend von digitalen abhängig wird. Wenn jeder menschliche Kontakt durch idealistische, programmierte Perfektion ersetzt werden kann, warum sollte man sich dann die Mühe machen, das Echte zu erleben?

Der Stil erinnert an "Terminator" und "Die Klapperschlange" oder "Mad Max", denn der größte Teil des Films spielt in der kargen Wüste, während die Handlung in den Bereich der Action oder eines Buddy-Cop-Films abschweift, allerdings mit einem deutlichen Hang zur Romantik. Doch David Andrews ist zu lästig und unheroisch, um ein würdiger Hauptdarsteller zu sein, während Melanie Griffiths auffallend seidenweiche Stimme nie als knallharte Söldnerin überzeugt, und ihren Dialogen fehlt die Kraft, sie authentisch roh oder einschüchternd zu machen. Wenn sie leise säuselt: "Wenn du das nächste Mal so ausrastest, überlasse ich dich den Geiern", ist das fast schon eine Ironie, denn die Drohung enthält nicht den geringsten Anflug von Seriosität. Und wenn sie eine Panzerfaust abfeuert, ist das peinlich und lässt die Begeisterung vermissen, die ein explosives Feuergefecht haben sollte.

Ein paar beeindruckende Stunts treten auf, aber die Umsetzung ist so bescheiden, dass sie kaum auffallen. Die Filmmusik von Basil Poledouris verrät Anklänge an das überragende "Robocop"-Thema aus dem Jahr zuvor, auch wenn "Cherry 2000" eigentlich vor der Veröffentlichung von "Robocop" gedreht und dann auf Eis gelegt wurde. Außerdem wirken die moderaten Sci-Fi-Elemente eher unheilvoll als visionär, vor allem wenn Sam sich in der primitiven, sektenähnlichen Gemeinschaft der 'Sky Ranch' wiederfindet, die von dem mörderischen Psychopathen Les (Tim Thomerson) und seinem enorm breitkinnigen Kumpel Chet (Robert Z'Dar) geleitet wird. Die darauf folgenden Actionszenen fallen in sich zusammen, die komödiantischen Aspekte sorgen nicht für Erheiterung, und die Chemie zwischen David Andrews und Melanie Griffith stimmt nicht - alles ist so ineffektiv, dass die Existenz dieses fertigen Films ein Fragezeichen aufwirft. Beachtenswert sind jedoch die Kulissen in den sandigen Überresten von Las Vegas, die verblüffende Ähnlichkeit mit dem Design von "Blade Runner 2049" haben, der zufällig 2017 in die Kinos kam.

In "Das Engelsgesicht - Drei Nächte des Grauens" von Regisseur Philippe Mora ergänzen unheimliche, bassige Pianoriffs den Einstieg in eine mondhelle Nacht, in der das frisch verheiratete Paar Caroline (Bibi Besch) und Eli MacCleary (Ronny Cox) durch einen ominösen Wald in Nioba, Mississippi, im Jahr 1964 fährt. Als der Wagen ins Schleudern gerät und von der nahe gelegenen Tankstelle abgeschleppt werden muss, lässt Eli Caroline und ihren Golden Retriever allein im Fahrzeug zurück. Doch als der Hund anfängt zu zappeln, lässt sie ihn frei und wandert hinter ihm her ins Dickicht, wo ein riesiges Monstrum den Hund tötet und die Frau brutal vergewaltigt.

17 Jahre später, in Jackson, Mississippi, behauptet Dr. Odom (Boyce Holleman), dass der Sohn der MacClearys, Michael (Paul Clemens), unerklärlicherweise und plötzlich verstirbt. Ein chemisches Ungleichgewicht, eine fehlgesteuerte Hirnanhangsdrüse und ein bösartiger Tumor in seinem Körper sind allesamt Faktoren, die zu seinem spontanen Gesundheitsverfall beitragen, obwohl die Mediziner sich keinen Reim auf seine genetische Vorgeschichte machen können, da Eli nie zugegeben hat, dass sein Sohn möglicherweise nicht sein leibliches Kind ist. Das Paar beschließt, zurück nach Nioba zu reisen, um Antworten und möglichst Aufschluss über Michaels Zustand zu erhalten. Aber das Archiv der Zeitung, 'Nioba Outlook', weigert sich, die ungelösten kriminellen Aktivitäten in der Stadt einzugestehen, während Richter Curwin (Don Gordon) etwas zu vertuschen versucht. Erst als sie Sheriff Bill Pool (L.Q. Jones) befragen, sickern Informationen über den grausamen Tod von Lionel Curwin vor vielen Jahren durch, die mit Michaels beunruhigender Verwandlung in eine mörderische Bestie in Verbindung gebracht werden.

Den Horrorszenen, bei denen es sich hauptsächlich um blutige Überfälle handelt, mangelt es an Kreativität, auch wenn eine Leichenschauhaussequenz ein wenig Hoffnung weckt. Sie sind auch seltsam konstruiert, mit bizarren Requisiten und unaufrichtigen Manövern - das erste Opfer schnappt sich ein Stück rohes Fleisch, das während des Kampfes über seine Hände und Füße gerieben wird, während der Leichenbestatter mit einer nackten weiblichen Leiche herumspielt, kurz bevor er bei lebendigem Leib einbalsamiert wird. Andere kurze Schreckmomente sind auf verstörende Rückblenden zurückzuführen, die den Ursprung des Sumpfmonsters beschreiben sollen. Das Geheimnis ist nicht besonders packend, da es sich vorhersehbar aus der Ansammlung verdächtiger Einwohner der Kleinstadt und Curwins Unterdrückung teuflischer Aktivitäten ergibt, in die allesamt Mitglieder seiner Familie verwickelt sind.

"Das Engelsgesicht - Drei Nächte des Grauens" ist unnötigerweise in Kapitel unterteilt, die mit 'Die erste Nacht', 'Die zweite Nacht' usw. betitelt sind, wodurch Michaels fleischfressende Jagdausflüge zu einer episodischen Veranstaltung werden, trotz der Klarheit seiner Metamorphosen. Sein Verhalten ist eine Mischung aus dem eines Werwolfs und eines Zombies, jedoch getrieben von genetischen Trieben. Inmitten des Familiendramas, des uninspirierten Blutspektrums, der dämonischen Besessenheit und der rachsüchtigen Reinkarnationsvorstellungen verbirgt sich wenig überraschend ein anständiges Konzept, das möglicherweise aus dem Roman von Edward Levy aus dem Jahr 1981 stammt und in dem es um extreme Verderbtheit und kannibalische Martyria geht. Eine wenig attraktive Liebesgeschichte, eine unerklärliche Verbindung zu Zikaden und eine ausufernde Filmmusik von Les Baxter, die einem besseren Film gut zu Gesicht gestanden hätte, können den Eindruck der sensationell grauenerregenden Make-up-Effekte am Kulminationspunkt mit Zahnimplantaten, Seifenblasen und Prothetik nicht ganz trüben, die kurzzeitig an den glorreich-grausamen Stil von "Das Ding aus einer anderen Welt" und "Die Fliege" herankommen.

In "Greenland" von Regisseur Ric Roman Waugh verlässt der Bauingenieur John Allan Garrity (Gerard Butler) wider besseres Wissen seine Baustelle, nachdem er weit über seine geplante Arbeitszeit hinaus gearbeitet hat. Es ist jedoch noch früher Nachmittag in Atlanta, was ihm die Möglichkeit gibt, seine Frau Allison Rose (Morena Baccarin) zu besuchen, mit der er versucht, eine neue Beziehung aufzubauen, in der Hoffnung, nicht nur seinen kleinen Sohn Nathan Beckett (Roger Dale Floyd) wiederzusehen. Nicht nur im Radio auf der Heimfahrt, sondern auch in Nathans Schularbeiten taucht immer wieder das Thema eines interstellaren Kometen namens 'Clarke' auf. In der Tat wird in den Nachrichten und als bedeutendes aktuelles Phänomen so viel darüber gesprochen, dass es unmöglich ist, es zu ignorieren.

'Clarke', von dem man annimmt, dass er aus einem anderen Sonnensystem stammt und scheinbar aus dem Nichts auftaucht, wird der Erde den nächstfolgenden dokumentierten Vorbeiflug des letzten Jahrhunderts bescheren. Im weiteren Verlauf wird berichtet, dass mehrere Fragmente, das erste von der Größe eines Fußballfeldes, in die Atmosphäre eindringen werden, die jedoch am Himmel verglühen dürften, bevor sie den Boden erreichen. Und so steht, wie alle Zuseher vermuten werden, die totale Vernichtung bevor.

Als eine Warnung des US-Heimatschutzministeriums, die direkt an Johns Telefon gesendet wird, die Familie Garrity auffordert, sich in einem Stützpunkt in Georgia zu melden, bricht eine regelrechte Massenpanik aus. Faszinierenderweise ist das Auswahlverfahren für den Transport in einen geheimen Militärbunker nicht sofort ersichtlich, sehr zum Leidwesen der Nachbarn, die nicht die gleichen Regierungsnachrichten erhalten wie die Garritys. Kurz darauf bitten Familien auf dem Weg zu einem Luftwaffenstützpunkt um Hilfe, die Behörden und das Weiße Haus informieren die Bevölkerung nicht ausreichend, und es kommt zu Plünderungen und kriminellen Verwüstungen. "Das hat ja nicht lange gedauert", kommentiert John die Tumulte.

Die Grundvoraussetzung ist zwar relativ glaubwürdig und das daraus resultierende Chaos durchaus realistisch, doch gibt es ein paar eklatante Missstände, die diese Geschichte schnell als reines Leinwandprodukt abstempeln. Erstens hat Nathan bestimmte gesundheitliche Probleme, für die er spezielle Medikamente benötigt, die in den unpassendsten Momenten für ideale theatralische Situationen sorgen, die aber arg verkünstelt sind. Sie bieten jedoch die Möglichkeit, sich mit dieser Sachlage auseinanderzusetzen, was in gewisser Weise interessant ist und die Augen öffnet. Und zweitens wird die Evakuierung aufgrund der extremen Unordnung bei der Umsiedlung zu einer Operation in letzter Sekunde, wie sie in Filmen vorkommt, doch die Aktionen sind indiskret überdramatisch.

"Greenland" geht geschickt mit dem groß angelegten Pandämonium um. Anarchische Verwirrung und Not wie in einem Zombie-Apokalypse-Thriller darzustellen, ist nicht gerade die schwierigste Aufgabe oder eine, die noch nie zuvor gemacht wurde, doch das Gefühl und das Ausmaß des gesellschaftlichen Zusammenbruchs wirkt hier überzeugend und fühlt sich sicherlich wie eine akkurate Antwort an. Der allgemeine menschliche Anstand bricht in Katastrophenszenarien schnell zusammen, vor allem wenn die Gefahr rechtlicher Konsequenzen spontan verschwindet. Doch was eigentlich eine nachdenkliche, emotionale, existenzielle Krise oder vielleicht eine warnende Geschichte hätte werden sollen, bedient sich stattdessen vor allem der bekannten Muster des Katastrophenfilms in der Tradition von Roland Emmerich. Aufregung und Euphorie sind in der Regel immer am wichtigsten. "Man sollte meinen, dass die Technologie in Notfällen funktionieren müsste!"

Wichtig ist selbstverständlich auch, dass man eine Familie hat, die man retten kann. Jemanden zu haben, den man nach dem Kampf um Leben und Tod in die Arme schließen kann, lässt alles überschaubar erscheinen. Es ist klar, dass eine Handlung über einen einsamen Wolf, der eine katastrophale Ausrottung überlebt, nicht die gleiche Resonanz hat. Doch gerade die intimeren Interaktionen sind es, die weniger wahrhaftig klingen, denn die ungleiche Verteilung der Aufmerksamkeit auf hochtourige Ereignisse führt dazu, dass die persönlichen Beziehungen darunter leiden oder unecht wirken. Das Schlimmste ist, dass die Protagonisten nicht besonders überzeugend sind, auch wenn das Chaos am Ende der Welt natürliches Filmmaterial ist. Und Wendungen in letzter Minute, die ein praktisches Ende wahrscheinlich unmöglich machen, verstärken nur den Eindruck, dass der Fokus auf Unterhaltung und nicht auf den Charakteren liegt.

Während der 80. Jahrestag von 'Wonder Wharf' näher rückt, hat die Familie Belcher in "Bob's Burgers - Der Film" von den Regisseuren Loren Bouchard und Bernard Derriman hoffnungsvolle Pläne für den Sommer. Bob (H. Jon Benjamin) und Linda (John Roberts) rechnen mit zusätzlichen Kunden für die Veranstaltung und damit mit einer baldigen Rückzahlung ihres Kredits für die Küchenausstattung. Tina (Dan Mintz) träumt davon, dass ihr Klassenkamerad Jimmy Jr. ihr Freund wird, während Gene (Eugene Mirman) plant, die Popmusik mit seinen einfallsreichen Instrumentalstücken zu revolutionieren. Und Louise (Kristen Schaal) ist entschlossen, ihre Unerschrockenheit denen zu beweisen, die an ihr zweifeln, indem sie sich tapfer der Gefahr stellt. Doch die Träume der Familie zerplatzen, als sich direkt vor dem Restaurant ein riesiges Erdloch auftut. Nun, da nur noch wenige Tage bis zur Rückzahlung des Kredits verbleiben, müssen sich Bob, Linda und ihr bester Freund Teddy (Larry Murphy) eine Strategie einfallen lassen, um das Geschäft zu retten. Als die problematische Vertiefungsstelle noch mehr Probleme offenbart und ein dunkles Geheimnis ans Licht bringt, in das der Besitzer der Werft, Mr. Fischoeder (Kevin Kline), verwickelt ist, müssen die Belcher-Kinder in Aktion treten, um ein Geheimnis zu lösen und den Tag zu retten.

Die Animation ist in etwa die gleiche wie in der Serie, wobei die Hintergrundgrafik, die Schatten und das räumliche Konzept deutlich besser geworden sind. Der Detailgrad ist etwas ausgeprägter und es ist unverkennbar, dass der Produktionswert gestiegen ist. Doch abgesehen von der Optik ist es vor allem die Musik, einschließlich der markanten Hintergrundorchestrierung, die auf Anhieb besticht. Das einleitende Lied, zu dem viel getanzt wird, ist ein absoluter Triumph, eine eingängige und fröhliche Melodie, die als wiederkehrendes Leitmotiv dient. Leider beginnt der Film mit einem unübertrefflichen Höhepunkt, so dass die nachfolgenden Sequenzen im Sande verlaufen könnten.

Die Begleitmusik ist eine der besten Komponenten der Fernsehserie, da viele der späteren Staffeln Episoden mit Originalsongs enthielten, die von absurd bis sehr ansprechend reichten. Das ist alles ungeheuer beschwingt, fröhlich, schwungvoll und eingängig, genau wie die Hauptfiguren, bei denen die Familie Belcher durch dick und dünn geht und die vor Gutherzigkeit, Aufrichtigkeit und Sympathie übersprudeln. Der Betrachter neigt dazu, sich in die verschiedenen liebenswerten Charakterzüge des Clans einzufühlen: Tinas unbeholfene Adoleszenz mit ihrer Verliebtheit in Jungs, Pferde und sexy Zombies, Louises Bedürfnis, als stark und unabhängig zu gelten, und Genes unerschütterlicher Individualismus, vor allem mit seinen musikalischen Interessen, die alle die üblichen Unsicherheiten und Probleme des Erwachsenwerdens zeigen.

Da diese Episode in Spielfilmlänge eindeutig für langjährige Fans gedacht ist, gibt es keine Vorstellung der Charaktere, während viele der Gaststars der Serie wie Kevin Kline, Zach Galifianakis, Aziz Ansari, Sarah Silverman und Stephanie Beatriz, alle mit bereits etablierten Manierismen, willkommene Auftritte haben. Die typischen Gags sind massenhaft vorhanden, zahlreiche Anspielungen auf frühere Episoden tauchen auf, und die zungenbrecherischen Monologe sind sehr präsent - alles Merkmale des Ausgangsmaterials. Außerdem tauchen immer wieder Wortspiele auf, die in der Emmy-gekrönten Serie immer ganz vorne mit dabei sind. "Du kannst nicht mit dem Zahn umgehen!"

Es ist vielleicht nicht viel mehr als eine verlängerte Episode, die zum Finale hin ein wenig an Fahrt verliert und etwas komplexer ist als sonst, da die Prämisse Mord/Mysterium mit bewährtem Humor und der lockeren Atmosphäre von Zeichentrick-Musicals verwoben ist, aber sie ist durchweg reizvoll. Trotz des Übergangs von der Realität der Schulhofprobleme und der instabilen Finanzlage eines Kleinstadtrestaurants zu einer Handlung mit deutlich mehr Fantasie, Abenteuer und Spannung bleibt "Bob's Burgers - Der Film" der Fernsehserie treu, hält sich an die Charaktere und ihre Familiendynamik und bietet weitere Gelegenheiten, Zeit mit diesen gut gestalteten, klug geschriebenen, moralisch erbaulichen und regelmäßig urkomischen Figuren zu verbringen. "Hebt der Typ ein Bleirohr auf? Nein, das ist nur ein Hotdog."

Mit Anleihen bei "Rosemaries Baby" und einigen visuellen Konzepten aus "Chucky - Die Mörderpuppe" und "Die Wiege des Bösen" behält "Unborn - Kind des Satans" von Regisseur Rodman Flender dennoch seinen ganz eigenen Sinn für Horror, durchdrungen von effektiver Paranoia und genetischen Verschwörungen. Auch wenn viele seiner Schreckenstaktiken nach einem intensiven Aufbau den gegenteiligen Effekt haben, schafft es der Film, mit seinem Thema, seinem Grusel und seinem Setting eine konsistente Schaueratmosphäre zu schaffen. Auch Lisa Kudrow als Empfangsdame und Kathy Griffin als Erzieherin sind in diesem obskuren kleinen Thriller in frühen Rollen zu sehen.

Nach Jahren erfolgloser Versuche, schwanger zu werden, wenden sich Virginia Marshall (Brooke Adams) und ihr Mann Brad (Jeff Hayenga) an den renommierten Dr. Meyerling (James Karen). Dank der revolutionären neuen Techniken, die der qualifizierte Wissenschaftler entwickelt hat, wird Virginia bald zur werdenden Mutter. Doch ihr Traum verwandelt sich in einen Albtraum, als sie anfängt, Wahnvorstellungen, Paranoia und die verstörende Wahrnehmung zu erleben, dass ihr Baby etwas völlig Unnatürliches an sich hat.

Wie in "Rosemaries Baby" kennt die Liebe einer Mutter offenbar keine Grenzen, selbst wenn das Kind ein blutrünstiges, mörderisches mutiertes Überkind ist. Die Vergleiche hören jedoch nicht bei Virginias Sinneswandel gegenüber ihrem Killerkind auf, denn der geliebte Ehemann Brad ist mit dem finsteren Befürworter des Humangenomprojekts, Dr. Meyerling, verstrickt, ebenso wie John Cassavetes' Antagonist Guy, der in dem erwähnten Klassiker von Roman Polanski in eine teuflische Sekte verwickelt war. Abgesehen von den sehr augenfälligen Parallelen in der Thematik, erinnern auch die Nebenhandlungen, wie die einer Mitpatientin, die von den genetischen Experimenten des Arztes erfährt und im Koma liegt, bevor sie mit Virginia darüber sprechen kann, an Roman Polanskis weitaus überlegenes Horror-Epos.

Die Vorstellung, dass in der ahnungslosen Heldin ein fremdartiges Wesen heranwächst, ist bisweilen authentisch und wird durch ihre zunehmende Isolation, ihre Albträume und die Entfremdung von der Familie noch verstärkt. Ihre depressive Vergangenheit, ihre Zusammenbrüche, ihr ekelerregender Hautausschlag und die beunruhigende Musik, die gelegentlich durch jazzige, fehl am Platz wirkende Rockbeats ersetzt wird, tragen ebenfalls zum Grauen von "Unborn - Kind des Satans" bei, doch leider ist zu viel davon unbeabsichtigterweise lustig. Ein besonders brutaler Vorgang, bei dem sich eines von Meyerlings Opfern mit einem Schlachtermesser in den geschwollenen Unterleib sticht, sowie einige andere ausgewählte Vorahnungen werden leichtfertig fallen gelassen, sobald der glitzernde Plastiksäugling endlich zum Vorschein kommt. Der Terror der Szenerie und das Unbehagen der Charaktere gehen in dem unvermeidlichen Gelächter unter. Es fällt schwer, über eine so pathetische Requisite nicht zu lachen.

Der berüchtigte Schundfilmproduzent Roger Corman sagte, er habe "Unborn - Kind des Satans" als eine Mischung aus "Rosemaries Baby" und David Cronenbergs "Die Fliege" konzipiert. Er spielte auch auf die Erfolge der pränatalen Schocker und der Slasher mit besessenen Kindern an, die in den 70er und 80er Jahren aufkamen. Ironischerweise waren alle Projekte, die als Inspiration dienten, unendlich viel prägnanter und eindrucksvoller, auch wenn "Unborn - Kind des Satans" 1994 eine kaum wahrgenommene Fortsetzung nach sich zog.

Die melodiöse Titelmelodie von Marcello Giombini leitet den Film "Sabata" von Regisseur Gianfranco Parolini dynamisch und impulsstark ein, sowie Lee Van Cleef mit seiner markanten Kontur, die im Wesenskern mit seiner Rolle in "Zwei glorreiche Halunken" korrespondiert. Die Partitur erweist sich als zweitwichtigste Triebfeder für den Erfolg des Films, gleich nach der beeindruckenden Gravitas des gleichnamigen Hauptdarstellers, einer supercoolen, besonnenen, konzentrierten Präsenz, die sich durch ein kantiges Gesicht, einen stark zerknitterten Schnurrbart, tiefliegende Augen und einer ständig gerunzelten Stirn auszeichnet, kombiniert mit einem sardonischen Grinsen und der ärgerlichen Erkenntnis, dass sich der Film bei mir in einem sagenhaft schlecht vertonten Import eingenistet hat. Er ist dem Standard-Antihelden eines Spaghetti-Westerns nicht ganz unähnlich, doch er besitzt den visuellen Twist eines Schurken und eine erfrischend ausgeprägte Charakteristik.

Ein hochdekorierter Sprengstoffexperte der Armee, jetzt ein grantiger, liederlicher Säufer, wird aus einem Saloon geworfen und landet im Dreck zu Füßen des mysteriösen, schwarz gekleideten Sabata (Lee Van Cleef). Schauplatz ist die staubige Stadt 'Daugherty City', Texas, wo Sabata Rummy Carrincha (Pedro Sanchez) aus einem Betrugsfall mit gezinkten Würfeln rettet, kurz bevor ein blutbeschmierter Soldat verkündet, dass die nahegelegene Bank ausgeraubt wurde und 100.000 Dollar an Armeegeldern verloren hat. "Meine Herren! Hat hier jemand einen Tresor verloren?", fragt Sabata sarkastisch, als er die eiserne Kiste, die mit den erschlagenen Körpern der Diebe dekoriert ist, im Alleingang zurückbringt. Kurz darauf stellt Carrincha seinen sehr nützlichen Freund Alley Cat (Nick Jordan) vor, einen stummen indianischen Akrobaten, während ein suspekter Reisender (William Berger), der Banjo und sogar Orgel spielen kann, beginnt, ihnen in der Siedlung zu folgen.

Als Sabata herausfindet, dass drei prominente Mitglieder der Stadt für die Planung des Bankraubs verantwortlich waren, nimmt er Verhandlungen über immer größere Geldbeträge für sein Schweigen auf. Doch anstatt Sabata zu bezahlen, heuern die Geschäftsleute professionelle Killer an, die sich um dieses erpresserische Verhalten kümmern sollen - von einem armen Bauernjungen bis hin zu deutlich nobleren Attentätern. Das erweist sich als eine besonders ungünstige Entscheidung, da die angeheuerten Killer wie die Fliegen fallen und Sabatas Erpressungssumme immer höher wird.

Das Abenteuer ist einerseits spannend, andererseits aber auch in seinen Auswüchsen und seinem übertriebenen Machogehabe ziemlich grenzwertig. Es beginnt damit, dass Sabata einen Wagen voller Banditen aus einer Entfernung erschießt, die so groß ist, dass die beste Winchester nicht einmal aus der Hälfte dieser Entfernung genau treffen könnte. Der Prozess geht weiter, wenn der Schnitt versucht, kreativ zu sein, insbesondere wenn der Banjospieler eine Melodie zupft, zu der Sabata die Treppe hinaufsteigt, was zu einem rasanten Tempo und einem kaputten Instrument führt. Die Bösewichte sind ebenfalls so gestaltet, dass sie besonders denkwürdig bleiben: Stengel (Franco Ressel) ist ein bleichgesichtiger, verweichlichter, steifer Adliger mit einer Vorliebe für mittelalterliche Ornamente und ungeeignete Gefolgsleute. Ferguson (Anthony Gradwell) ist ein stämmiger Bankier mit finsterer Visage und kräftiger Statur und Richter O'Hara (Gianni Rizzo) ist ein neurotischer, feiger, bespeckter Fettsack. Als 'Banjo' seine Geheimwaffe, ein in seinem Musikstück verstecktes Gewehr, enthüllt, ist klar, dass Regisseur Robert Rodriguez für seinen eigenen humorvollen modernen Thriller 'Desperado' Anleihen bei diesem mäßig obskuren Actioner genommen hat. Auch wenn "Sabata" technisch etwas hakelig ist - schließlich handelt es sich um einen ausländischen Low-Budget-Film -, die Nebenfiguren oft unglaublich unausstehlich sind und es einen Showdown zu viel gibt, bietet dieser hochoktanige, kultige Spaghetti-Western dennoch eine Menge einzigartigen, stilisierten Filmspaß.

"Das dreckige Dutzend" von Regisseur Robert Aldrich spielt im Jahr 1944. Major Reisman (Lee Marvin) sieht feierlich zu, wie ein Gefreiter im Militärgefängnis 'Marston-Tyne' durch den Strang hingerichtet werden soll. Der junge Mann entschuldigt sich ausgiebig für den angeblich versehentlichen Mord, aber es ist vergeblich. Das Seil wird ihm um den Hals gelegt und der Boden klappt unter ihm auf. "Was haben Sie persönlich dabei empfunden?"

In London besucht Reisman Major Max Armbruster (George Kennedy), einen langjährigen Freund, der ihn zu dem stets missbilligenden General Worden (Ernest Borgnine) bringt. Reisman wird in das Projekt 'Amnesty' eingeweiht, ein scheinbar schlecht durchdachtes Vorhaben, bei dem zwölf verurteilte Soldaten heimlich auf das europäische Festland gebracht werden sollen, um ein bestimmtes deutsches Ziel zu zerstören. Sie müssen ein intensives Training absolvieren und dann mit dem Fallschirm auf dem Gelände eines Schlosses abspringen, um eine Selbstmordmission zu starten, bei der die Erfolgsaussichten minimal sind, geschweige denn, dass die gesamte Truppe das Schloss lebend verlässt. Als wäre das nicht schon schlimm genug, ist der Leiter der Fallschirmschule auch noch Colonel Breed (Robert Ryan), den Reisman noch nie ausstehen konnte. Und wie nicht anders zu erwarten, wird der Major mit der Leitung der gesamten Operation betraut.

Zunächst muss der Major natürlich die zwölf Häftlinge kennenlernen, von denen viele mit der Todesstrafe oder lebenslänglicher Haft rechnen müssen. Daher sind sie wenig motiviert, Kommandos zu befolgen oder an militärischen Operationen mitzuwirken. Doch schon bald bilden die robusten Soldaten ein bunt zusammengewürfeltes Team, das seine einzigartige Mission erfolgreich meistern könnte. "Ich kann mir keinen besseren Weg vorstellen, einen Krieg zu führen."

Vor "The Wild Bunch - Sie kannten kein Gesetz", doch nach "Die glorreichen Sieben", nimmt "Das dreckige Dutzend" eine erkennbare Formel, die eine Gruppe von Außenseitern, hier eine Ansammlung von brutalen Menschen mit fragwürdiger Moral, für eine formidable, aber würdige Sache zusammenbringt, und verlegt sie in den Zweiten Weltkrieg, was zugegebenermaßen nicht einmal im Kriegsgenre einzigartig ist. Doch mit einer All-Star-Besetzung aus völlig unterschiedlichen Persönlichkeiten ist die Bühne bereitet für außergewöhnliche Kameradschaft und jede Menge Action, bei der viel riskiert wird. Charles Bronson, Jim Brown, John Cassavetes, Trini Lopez, Telly Savalas, Donald Sutherland und Clint Walker sind nur einige der unbotmäßigen Querulanten, die gezwungen sind, zusammenzuarbeiten, obwohl sie sich gegenseitig hassen und Reismans Autorität mit Verachtung strafen. Doch am Ende ihrer Vorbereitung scheinen ihre Chancen auf eine erfolgreiche Infiltration des deutschen Außenpostens deutlich größer zu sein.

Wie in "Die glorreichen Sieben" heben sich die meisten der Dutzend Szenen durch eine ausgeprägte Charakterentwicklung ab, insbesondere wenn ein Psychiater versucht, die Eigenschaften von Psychopathen mit komischen Ergebnissen zu analysieren. Spannung und Humor sind im Überfluss vorhanden und reichen von der Anspannung eines Messerkampfes über die Heiterkeit von Donald Sutherlands albern grinsendem Pinkley, der einen General verkörpert, bis hin zu dem ziemlich veralteten, wenn auch filmischen Abschlusspräsent einer Wagenladung lokaler Prostituierter. Eine Rivalität mit Breed führt zu einer äußerst spaßigen Kriegsspiel-Übung, bei der die Fähigkeiten des Dutzends unter Beweis gestellt werden.

"Bis jetzt war alles nur ein Spiel." Der Film ist umfangreich, doch sind die Minuten nie verschenkt. Als die Invasionsprobe in den tatsächlichen Überfall auf das Schloss übergeht und die ersten Opfer zu beklagen sind, steigt die Konzentration auf das Wesentliche. Es ist ein knallhartes Finale, ein halbstündiger Kampf voller Beinahe-Unfälle, verdächtiger Wachen, unerwarteter Konfrontationen, unvorhergesehene Hürden und sogar in letzter Minute geknickter Psychen. Daneben gibt es eine Fülle von Maschinengewehrschüssen und Kriegswirren, bei denen auch viele deutsche Frauen kaltblütig getötet werden. Es ist zweifellos eines der komplexesten, actiongeladensten und unvergesslichsten Kriegsepen der 1960er Jahre.

Um einen Strafzettel und mögliche Strafen für das Überfahren einer roten Ampel, rücksichtsloses Fahren und die Flucht vor der Polizei zu vermeiden, während er in einem schnittigen Ferrari durch die Gegend rast, gibt Dell Scott (Kevin Hart) vor, dass sein Fahrgast, der querschnittsgelähmte Milliardär, Autor und Geschäftsinvestor Philip Lacasse (Bryan Cranston), einen Krampfanfall hat. Die List funktioniert und entschärft eine Situation, die ziemlich gewalttätig hätte werden können, zu einer rein komödiantischen Situation, die den Rahmen für einen Großteil von "Mein Bester & Ich" von Regisseur Neil Burger bildet. Tragischerweise verschiebt der Film nach der Einlieferung ins Krankenhaus und dem Zwang, den nächsten Schritt zu planen, die Zeitlinie um sechs Monate zurück - ein fataler, unverzeihlicher narrativer Betrug, der praktisch jeden modernen Film befällt.

Dell Scott braucht einen Job, was bedeutet, dass er nach Angaben seines Bewährungshelfers mindestens drei Unterschriften von Arbeitgebern vorweisen muss, die bestätigen, dass er es zumindest probiert hat. Er ist jedoch nicht wirklich daran interessiert, Arbeit zu bekommen, und verbringt seine Zeit damit, den Einstellungsprozess absichtlich zu umgehen. Als er in das Penthouse eines noblen Gebäudes stolpert, in der Hoffnung, eine Stelle als Hausmeister zu bekommen, die er gar nicht antreten will, wird ihm unerwartet ein Hilfsjob als Pfleger von Philip Lacasse angeboten, der sich über Dells unverblümte und ungehobelte Art amüsiert, so wortgewandt sie auch sein mag. Dell Scott ist der unqualifizierteste der vielen Kandidaten, die von der Geschäftsführerin Yvonne (Nicole Kidman) eingeladen wurden, aber für Philip ist es so etwas wie ein Spiel, das ihn von der Banalität seines außerordentlich begrenzten Lebens ablenkt.

"Mein Bester & Ich" stellt ein klassisches ungleiches Paar dar, das den Gegensatz zwischen Armut und Reichtum, zwischen gesellschaftlichen Rückschlägen und grenzenlosen Möglichkeiten herstellt und gleichzeitig einen jüngeren schwarzen Mann mit einem älteren weißen Mann zusammenbringt. Auch wenn sie das Gefühl der Einsamkeit teilen, könnten die Gegensätze zwischen ihnen nicht gravierender sein. Dell Scott ist der unsympathische der beiden. Er zeigt Charakterschwächen und ist nicht in der Lage, seine Verantwortung zu übernehmen, was vor allem durch seine Ex-Freundin und den gemeinsamen Sohn deutlich wird, während er in einer frühen Szene Philip Lacasse bestiehlt, was später zu Problemen führt. Philip Lacasse leidet unterdessen unter dem Verlust nahestehender Personen, was weitaus schwerwiegender ist als seine Bewegungslosigkeit. Doch der psychologische Schweregrad ihrer Situation wird zugunsten eines unbeschwerten Zeitvertreibs weitgehend übergangen.

Ein Teil von "Mein Bester & Ich" ist ein märchenhaftes Panorama, das Dell Scotts Erfahrungen mit dem unvermuteten Zugang zu Extravaganz schildert. Der Hauptfokus liegt jedoch auf den komödiantischen Intermezzi der Krankenpflege, von unsauberen Essensgaben über Wechselduschen bis hin zum Aufrichten in Rollstühle und dem Gebrauch von Blasenkathetern. Es gibt sogar regelmäßige Slapstick-Einlagen sowie grandiose Beiträge von Opern und Aretha Franklin. Von Zeit zu Zeit gibt es aber auch ergreifende Momente mit Erinnerungen, Romantik, einer spontanen Autofahrt und einer Geburtstagsfeier. Unschöne Szenen werden jedoch meist knapp gehalten, so dass die Wucht des Themas zu Gunsten der Leichtigkeit in den Hintergrund gedrängt wird. Philip Lacasse und Dell Scott kämpfen mit Depressionen und Vater-Sohn-Problemen und lernen, wie sie bessere Menschen und Freunde werden können.

Es ist merkwürdig, Kevin Hart in einer hauptsächlich dramatischen Rolle einzusetzen, aber er ist überzeugend in dieser Funktion. Bryan Cranston ist ebenfalls geeignet für die Darstellung eines Mannes, der alles hat und doch nichts, dieses kuriose Hollywood-Dilemma, alles kaufen zu können, was er will, außer dem, was wirklich wichtig ist. "Mein Bester & Ich" funktioniert am besten, wenn er diese Persönlichkeiten nutzt, um das Leben zu feiern. Er wird zu einer Art "Green Book" der Handicap-Filme, indem er die Schwere der körperlichen Beeinträchtigungen zu Gunsten einer guten Zeit beiseite schiebt. Und er ist nicht ohne einen hohen Unterhaltungsfaktor. Der Film basiert auf einer wahren Geschichte, kann aber nicht mit Originalität punkten, denn er ist eines von mehreren Remakes des Films "Ziemlich beste Freunde" aus dem Jahr 2011, aus dem "Mein Bester & Ich" viele der ergreifenden Interaktionen zitiert.

Der Film "Wie ein einziger Tag" von Regisseur Nick Cassavetes ist zugleich eine überraschend schöne Liebesgeschichte und eine zu Tränen rührende Tragödie im Stile von "Romeo und Julia" und ist letztlich zwischen zwei ungewollt voneinander entfernten Handlungssträngen hin- und hergerissen. Jan Sardi hat den Roman von Nicholas Sparks nach einem Drehbuch von Jeremy Leven verfilmt. Eine derart ergreifende und leidenschaftliche Romanze ist in dieser Form ganz selten. Leider entsteht durch die Einbeziehung einer Nebenerzählung, in der das zentrale Paar das Ende seines Lebens erlebt, ein Bruch im Zentrum, der nicht kohärent gemacht werden kann. Die einzelnen Teile sollen sich zwar nahtlos ergänzen, aber "Wie ein einziger Tag" hätte mit den Darbietungen von Ryan Gosling und Rachel McAdams auch für sich allein stehen können, trotz der Routine einer solchen von Shakespeare inspirierten Handlung.

In den 1940er Jahren verliebt sich Noah (Ryan Gosling) auf den ersten Blick in Allie (Rachel McAdams) und umwirbt sie selbstbewusst, obwohl sie ihn abweist. Bald sind die beiden unsterblich ineinander verliebt, aber Allies Eltern wollen nicht, dass ihre Tochter einen verarmten Jungen vom Land heiratet, wie so viele Beispiele für Klassenkonflikte und jugendliche soziale Rebellion. Auch Allie sieht sich anfangs nicht als perfekte Symbiose mit Noah: Sie ist streng, ordentlich, organisiert und ehrgeizig, wohingegen Noah unbekümmert, frivol und lebenslustig ist. Als Allies Mutter beschließt, die Familie zu entwurzeln, um zu verhindern, dass die Liebenden beieinander bleiben, befürchten die Verliebten, dass sie sich nie wiedersehen werden. Doch durch die Tücken des Krieges, eine lange Trennungszeit und sogar andere Liebschaften, die zwischen zufälligen Wiederbegegnungen aufkeimen, scheint die wahre Liebe zu siegen.

Die Geschichte von Noah und Allie wird dem Betrachter von einem Mann namens Duke (James Garner) erzählt, der einer älteren, fast vegetationslosen Frau (Gena Rowlands), die in einem Pflegeheim betreut wird, aus seinem Notizbuch vorliest. Darüber hinaus leidet sie an Alzheimer und vergisst viele Passagen, die ihr vorgelesen werden, doch Duke liest weiter und weicht ihr kaum von der Seite. Ihre Interaktionen bilden den übergreifenden und abschließenden Handlungsstrang, der zwar emotional anrührend ist, aber die Direktheit und den Charme der Geschichte der jüngeren Akteure durchbricht.

Ryan Gosling und Rachel McAdams liefern echte, herzliche Darbietungen, die den vielen klassischen Liebesgeschichten, aus denen die Handlung entlehnt ist, würdig sind: "Vom Winde verweht", "Stürmische Höhen" und "Der Glanz des Hauses Amberson" sind allesamt spezifische Bestandteile. Familie und Wohlstand kommen sich immer wieder in die Quere, aber die Liebe verkürzt die Distanzen und vergibt die Differenzen. Der größte Erfolg von "Wie ein einziger Tag" liegt in der mitreißenden Entfaltung der Geschichte von Noah und Allie: zunächst in ihrer unwahrscheinlichen Verbindung und später im Eingreifen des Schicksals, das sie auf wackligem Boden wieder zusammenführt. Die Schwächen des Films liegen in jeder Sequenz, die den Zuschauer von den interessanten Begegnungen dieser beiden Figuren ablenkt. Es ist zweckmäßig für die große Offenbarung, eine Wendung, von der nur wenige wissen, aber es ist irritierend, dass die Geschichte des verführerischen jungen Paares durch erzählerische Szenen mit unbekannten, unausgereiften Antagonisten durchkreuzt wird.

Doch das vielleicht enttäuschendste Segment ist die deplatzierte Sexszene. In den früheren Jahren von Hollywood wurde die Romanze als eine alles verzehrende, betörende Freundschaft dargestellt, die nicht auf allzu körperliche Weise ausgedrückt werden konnte. Hier ist die Liebesgeschichte in "Wie ein einziger Tag" so reizvoll, weil sie eine klassische Vorlage aufgreift, dass Noahs und Allies physischer Vollzug die in der ersten Hälfte aufgebaute altmodische Reinheit betrügt. Für einen modernen Film ist das nicht unbedingt unerwartet, aber es wirkt ziemlich redundant.

Letztlich zwischen zwei Handlungssträngen aufgespalten, von denen einer den anderen bei weitem überstrahlt, ist "Wie ein einziger Tag" dennoch eine eindrückliche Präsentation, die sich auf eine gefühlsbetonte Sensibilität und starke Darbietungen verlässt, um über ihre konventionellen Grundzüge hinwegzuwischen. Der Film ist einfühlsam, leicht gefällig und voller bedeutungsvoller Bilder, die eine Momentaufnahme der Zeit darstellen. Und seine zu Tränen treibenden, weinerlichen Aspekte sind nicht so aufdringlich manipulierend wie in anderen aktuellen Filmversuchen, bei denen die Herzlichkeit länger währt als der Abspann.

In "Ist ja irre - Cäsar liebt Cleopatra" von Regisseur Gerald Thomas arbeitet Hengist Pod (Kenneth Connor) in einer antiken buddhistischen Siedlung rastlos an der Herstellung quadratischer Räder für seine neueste Erfindung, während seine Frau Senna (Sheila Hancock) ihn ständig verhöhnt. Nachbar Horsa (Jim Dale) hilft Pod zufällig, eine Verwendung für seine Erfindung als Fensterrahmen zu finden, als Julius Cäsar (Kenneth Williams) mit seiner römischen Armee unter der Führung von General Mark Anton (Sidney James) von Norden her einmarschiert. Horsa wird gefangen genommen, doch Hengist nimmt tapfer die Verfolgung auf und bittet unwissentlich darum, in dieselbe Kutsche zu steigen, die seine gefesselten Dorfbewohner geladen hat.

Zwei Monate später, als Cäsars Eroberung voranschreitet und er nach Rom zurückkehrt, wird er von einem wütenden, Tomaten werfenden Mob undankbar empfangen. Auch Calpurnia (Joan Sims) ist nicht gerade entzückt, ihn zu sehen. Und der weise Seneca (Charles Hawtrey) warnt nur vor schlechten Omen, während Brutus (Brian Oulton) im Senat Ränke spinnt. Währenddessen wird die Sorge um die ägyptische Herrscherin Kleopatra (Amanda Barrie) und ihre bevorstehende Hochzeit mit Ptolemäus immer größer.

"Ist ja irre - Cäsar liebt Cleopatra" beginnt mit eklatantem Slapstick, bevor er in ein Dauerfeuer von One-Linern, dämlichen Wortspielereien und visuellen Gags ausbricht, ehe er zum Slapstick zurückkehrt. Der Schauplatz des historischen Werks, das auf einer 'Originalidee von Shakespeare' beruht, ist ein gefundenes Fressen für Spötteleien, die sich über alles Mögliche mokieren, von Toilettentypen über Eunuchen bis hin zu giftigen Wespen. Wie bei vielen dieser Art von Komödien sind die Scherze nonstop, von denen einige gut ankommen, während andere erbarmungswürdig flattiert sind. Doch die Absicht ist, sie in einem solchen Tempo zu bringen, dass die minderwertigen zugunsten der hochwertigeren in Vergessenheit geraten, und einige ziehen sich über eine erhebliche Zeitspanne hin, nur um eine flapsige, belanglose Floskel zu bringen.

Zwischen den kleinen Lachnummern gibt es Parodien historischer Überlieferungen und das Vergnügen zu sehen, wie Pod und Horsa zufällig in den Diensten der römischen Armee aufsteigen, aus der Versklavung entkommen oder saloppe Revolten anzetteln. In der Welt von "Ist ja irre - Cäsar liebt Kleopatra" gibt es kein echtes Heldengefühl und keine richtige Bedrohung. "Wo sind meine Lorbeeren? Oh, ich Dummkopf, ich habe mich auf ihnen ausgeruht."

Doch trotz der mangelnden Gravität liegt das größte Manko letztlich in der Kleinteiligkeit der Witze. Selbst bei einem derartigen Ansturm von Absurditäten bleiben nur wenige im Bewusstsein haften oder regen zu echten Lachergebnissen an. Zudem nutzt sich die Julius-Cäsar-Geschichte schnell ab und überfordert den Humor auf ein ebenso mickriges Niveau. Als zehnter Film der "Ist ja irre"-Reihe hat sich dieser besondere Beitrag gut an die Formel angepasst und bringt bekannte Gesichter und Gags zurück. Er wird oft als einer der besten der 31 Filme umfassenden Palette angesehen, auch wenn seine Qualitäten und seine Relevanz für alle, die mit diesen Filmen nicht vertraut sind, bestenfalls trivial zu bewerten sind.

Die Schauspielleistung in "Wall Street 2: Geld schläft nicht" unter der Regie von Oliver Stone ist phänomenal. Geschichte wie Charaktere sind sehr interessant. Und vieles ist besser als beim Vorgänger. Doch das begehrteste Thema, das 'Familiengeschäft' der Rache, wird durch eine Untersuchung von Sühne, Vergebung und Veränderung in Schach gehalten. Die Opposition zu Fall zu bringen, ist der schnellste Weg zu einem kathartischen Abschluss, der besser und glaubwürdiger ist als jede Alternative, die den Betrachter durch die Notwendigkeit eines positiven Abschlusses aufgezwungen wird.

In dieser gar nicht so fiktiven Welt, die von Gier und Macht beherrscht wird, sollten die Lektionen, die man gelernt hat, drastische und nachhaltige Auswirkungen haben, während Vergebung und Vertrauen fast unerreichbare Errungenschaften sind. Die Charaktere aus "Wall Street" scheinen nur dann wirklich zu Hause zu sein, wenn sie damit beschäftigt sind, rücksichtslose Rachepläne auszuhecken und sich zu verschwören, um die Konkurrenz zu vernichten. Vielleicht ist Spekulation der Fluch der Existenz, aber man muss sich fragen, wie viel stärker der Film hätte sein können, wenn Rache und moralisches Risiko die Erlösung nicht zugelassen hätten.

Der junge Wall-Street-Händler Jacob Moore (Shia LaBeouf) arbeitet für die große Investmentfirma 'KZI' unter seinem geliebten Mentor Lewis Zabel (Frank Langella). Als das Unternehmen schnell zusammenbricht und Zabel zum Verkauf gezwungen ist, nimmt er sich das Leben. Nach dem Verlust seines Lehrers ist Jacob entschlossen, sich an Bretton James (Josh Brolin) zu rächen, dem Mann, der für die Zerstörung seiner Firma verantwortlich ist, und nimmt die Hilfe des berüchtigten ehemaligen Firmenriesen Gordon Gekko (Michael Douglas) in Anspruch. Indem er seine Verlobte Winnie (Carey Mulligan), Gekkos entfremdete Tochter, als Druckmittel einsetzt, um die Hilfe des intriganten Investors zu erlangen, begibt sich Jacob in einen Krieg des Intellekts, der Egos und der Millionen von Dollar gegen einen Gegner mit praktisch unbegrenzten Ressourcen.

Auch hier muss sich der Zuschauer mit einem Finanzjargon und einer Anlageterminologie auseinandersetzen, mit der der Durchschnittsbürger nicht vertraut ist. Diesmal fügt Regisseur Oliver Stone auch wissenschaftlichen Fachjargon hinzu, begleitet von störenden Computeranimationen und Split-Screen-Schnitten. Die Geldsummen sind so immens und das Bankgeschäft so riskant, dass nur wenige Menschen etwas damit anfangen können, doch die meisten werden das Grundkonzept der Gier verstehen und wissen, wie sich Menschen in den Abgrund stürzen, um eine Chance auf die große, reiche Karriere zu haben. Für Figuren wie Gordon Gekko ist das Kapital selbst nicht mehr der Reiz, sondern das Spiel, der Wettbewerb und die Rivalität, das Streben nach immer mehr Geld. Das sind die Menschen, die mehr Geld haben, als sie in ihrem Leben ausgeben können, oder die Menschen, die einmal alles hatten und nun verzweifelt wieder nach Reichtum um des Reichtums willen suchen.

"Wall Street 2: Geld schläft nicht" ist in vielerlei Hinsicht besser als das Original, von der Strukturierung bis zur Regie, vor allem aber bei den Schauspielern. Michael Douglas hat wieder einmal die interessanteste Rolle: Er vergräbt seine Gefühle, um gegen ebenso herzlose Gegner zu bestehen. Die Rache treibt viele der Charaktere an, aber auch die Erlösung. In dieser Fortsetzung gibt es viel mehr Charakterentwicklung, die das menschliche Drama ebenso wie die finanziellen Machenschaften etabliert. Computer haben sich weiterentwickelt, die Mode hat sich geändert und die Technologie hat sich gewandelt, doch die Wall Street ist immer noch dieselbe - die Charts, die Websites, die obsessiven Telefonanrufe und die verrückten, energiegeladenen Etagen der Investmentfirmen sind immer noch präsent und zeigen, dass jeder versucht, der nächste Gordon Gekko zu werden. Die größte Schwäche des Films ist das Ende, das sich durch den Druck der Studios, die ein Gefühl der psychologischen Sicherheit verlangen, stark belastet anfühlt. Wenn es nach Oliver Stone gegangen wäre, hätte er sicherlich ein viel weniger schmackhaftes Ende gewählt.

"Wall Street" von Regisseur Oliver Stone zeichnet sich durch mehrere brillante Leistungen aus, darunter die von Michael Douglas, der 1987 den Oscar als bester Schauspieler und den Golden Globe gewann, sowie durch faszinierende Ideen, welche die Welt der Börsenmakler und ihre Verstrickung in Geldgier und fragwürdige Ethik beleuchten. Das sind keine ungewöhnlichen Themen, doch die Untersuchung einer Gruppe, die nur selten in Spielfilmen vorkommt, wirft ein Licht auf eine Branche, die normalerweise nur die Wohlhabenden bedient. Jeder Handel hat Konsequenzen und zieht Reaktionen nach sich, und er wird von vielen unsympathischen, mächtigen Oberherren kontrolliert, was eine dynamische, cineastische Umgebung schafft. Doch so wie die Börse selbst in erster Linie für die New Yorker Oberschicht zu existieren scheint, bevorzugt auch der Film "Wall Street" diejenigen, die über Vorkenntnisse in Sachen Firmenüberfälle, Insiderhandel und mehr als nur ein Grundverständnis von Geldmanagement und Investitionen verfügen.

Bud Fox (Charlie Sheen) ist ein Börsenmakler, der sich von einem kleinen Angestellten in einer mittelgroßen Firma zu einem Investmentbanker emporgearbeitet hat. Bei der Zusammenarbeit mit seinem Freund Marv (John C. McGinley) und seinem alten Bekannten Lou (Hal Holbrook) wird Bud klar, dass er den profitgierigen Millionär Gordon Gekko (Michael Douglas) auf seine Kundenliste setzen muss, um ganz an die Spitze zu kommen. Als er endlich einen Fuß in die Tür bekommt, stellt er fest, dass der bedrohlich wohlhabende Mann keinen weiteren Makler braucht, sondern einen internen Berater.

Buds erster Arbeitsauftrag besteht darin, Sir Larry Wildman (Terence Stamp) zu observieren, einen auffallend begüterten Finanzier, der in New York ganz sicher mit Aktien handelt. Diese Aktivität führt zu weiteren heimtückischen Praktiken, darunter das Durchsickern von Insiderinformationen über den Arbeitgeber seines Vaters (Martin Sheen), 'Blue Star Airlines', die Gordon Gekko als perfekte Gelegenheit sieht, um sie auszubeuten. Der rücksichtslose Kapitalist bringt Bud zwar alles bei, was er weiß, und zeigt ihm, wie man die Kunst des Krieges auf den Aktienhandel anwendet, doch der junge Broker beginnt zu erkennen, dass Raffgier nicht immer von Vorteil ist.

Der Minuspunkt des Films ist der schwere Wall-Street-Jargon, der recht schnell einsetzt und nicht mehr nachlässt. Das Vorenthalten von Definitionen komplizierterer Begriffe ist ebenfalls nicht förderlich, vor allem dann nicht, wenn ein Großteil der Begeisterung auf einem recht soliden Wissensstand über den Aktienmarkt beruht. Die US-Börsenaufsichtsbehörde 'Securities and Exchange Commission' ist ständig auf der Suche nach Anzeichen, die auf Insiderhandel hindeuten, aber es wäre nicht unangebracht, sich zu fragen, was genau legal oder illegal ist an den vielen zweifelhaften Unternehmungen, die die Gesellschaft 'Fox' unternimmt. Mit Insider-Informationen lässt sich viel Geld verdienen, doch die "Wall Street" gibt nicht allzu viele Interpretationen preis, damit die Bevölkerung nicht weiß, was Gordon Gekko und 'Fox' vorhaben, außerdem ist der Begriff selbst Gegenstand weit gefasster und manchmal nicht durchsetzbarer Umschreibungen.

Was die Darsteller betrifft, so spielt Daryl Hannah Darien Taylor in einer erstaunlich wenig ansprechenden Rolle als Buds Innenarchitektin, die ihn liebt. James Spader hat einen kurzen Einsatz als junger Advokat. Charlie Sheen wirkt in der Hauptrolle ein wenig überdramatisch, da sein Reichtum seine Moral untergräbt. Martin Sheen ist in der Rolle des arbeitsamen Vaters wesentlich prägnanter. Michael Douglas stiehlt jedoch die Show als der reiche Mann, den der Betrachter zu hassen liebt. Mit 800.000 Dollar pro Tag ist er ein durchaus realistischer Bösewicht für einen Film über Gier und Völlerei sowie die Mühelosigkeit, mit der Kinopublika aller Wirtschaftsschichten die oberen 1% dämonisieren können. "Warum verbraten wir diesen Kerl? Sind uns die Menschen ausgegangen?"

Im Jahr 1975 wurde "Dark Star" in 40 Kinosälen aufgeführt. Die Filmemacher John Carpenter und Dan O'Bannon wollten wissen, wie das Publikum reagiert, mussten aber zu ihrem Leidwesen feststellen, dass bei einigen Vorführungen nur fünf Personen anwesend waren, die aussahen, als würden sie einer Beerdigung beiwohnen. Außerdem hat niemand gelacht, obwohl "Dark Star" eigentlich eine Komödie sein sollte. Entmutigt, aber hartnäckig, dachte sich Dan O'Bannon, wenn er die Leute schon nicht zum Lachen bringen kann, dann vielleicht zum Schreien, und so war sein nächstes Projekt "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt". "Dark Star", der als Studentenfilm begann und über einen Zeitraum von dreieinhalb Jahren gedreht wurde, wobei einer der Schauspieler auf LSD agierte, kostete etwa 55.000 Dollar und gilt heute als eine Art Kultklassiker, obwohl er meist in schlechter Qualität auf VHS vor sich hin schmachtet und wenig kulturelle Bedeutung hat, außer für Fans, die nach frühen Werken von Filmemachern suchen, die später Meisterwerke im Science-Fiction- und Horror-Genre schaffen sollten.

In der Zukunft brechen riesige Raumschiffe mit Generationen von Kolonisten an Bord auf, um in den Weiten des Weltraums nach einer neuen Erde, einer zweiten Heimat und einem Neuanfang zu suchen. Das 'Advance Exploration Corps' hat die Aufgabe, instabile Welten in den dunklen Weiten des Kosmos zu zerstören, die die Besiedelung gefährden könnten. Das Aufklärungsschiff 'Dark Star' ist ein solches Schiff, das einen instabilen Planeten in der Nähe eines Raumnebels erkundet. Die Besatzung besteht aus Corporal Boiler (Cal Kuniholm), Lieutenant Doolittle (Brian Narelle) und Sergeant Pinback (Dan O'Bannon) sowie dem Spezialisten Talby (Dre Pahich), der es vorzieht, sich von den anderen zu isolieren. Das Raumschiff und seine wichtigsten Systeme sind von schwerwiegenden Fehlfunktionen betroffen, von denen eine bereits Commander Powell getötet und eine andere den gesamten Vorrat an Klopapier zerstört hat. Da die Hardware und die Programme immer schlechter werden, macht sich die Besatzung der 'Dark Star' zunehmend Sorgen.

Ein Asteroidensturm hilft nicht weiter, Langeweile führt zu Verletzungen und zu üblen Pranks, und die übertrieben ruhige, doch irgendwie sexy wirkende Computerstimme (Cookie Knapp) bleibt beunruhigend. Man erfährt auch, dass sich ein Außerirdischer an Bord des Schiffes befindet, der als Maskottchen fungiert. Auf den ersten Blick scheint es harmlos zu sein, aber die unbekannte Natur des strandballartigen Wesens sorgt für Schüttelfrost, auch wenn es seine Beute lieber durchkitzelt, als sie zu fressen. Und bei John Carpenters Musik ist es schwer vorherzusagen, ob und wann die Situation ins Bodenlose eskalieren wird.

Es ist sofort klar, warum "Dark Star" anfangs nicht als Komödie aufgenommen wurde: Der Film ist einfach nicht lustig. Tatsächlich sind viele der Witze so stumpfsinnig, dass sie wie allgemeine Routinen wirken, mit denen die Figuren die Stimmung auflockern wollen, während sie von etwas Blutträchtigem terrorisiert werden. In der Tat weht ein unheimlicher Wind durch die Aktivitäten der Besatzung, der das Gefühl vermittelt, dass eine tödlich ernste Situation immer in greifbarer Nähe ist. Die Charaktere durchqueren lichtlose Korridore und klaustrophobische Kriechräume, wandern in Luftschleusen und hangeln sich durch Aufzugsschächte - alles Unternehmungen, die ebenso versteinernd wie prosaisch sein können.

Wären da nicht die absolut primitiven Spezialeffekte und das für das Budget anständige Setdesign, wäre der Film vielleicht als reiner Horror gelungen. Viele der Situationen sind von Natur aus gruselig, wie etwa eine kryogene Gefrierkammer, eine durchgedrehte Aufzugskabine und eine thermostellare Bombe, die von einer künstlichen Intelligenz gesteuert wird - eine klare Ableitung von HAL 9000 aus "2001: Odyssee im Weltraum", während das Finale außerdem an "Dr. Seltsam, oder wie ich lernte, die Bombe zu lieben" angelehnt ist. Trotz der visuellen und strukturellen Mängel, der Probleme mit dem Tempo und des monumental misslungenen Humors bietet "Dark Star" einen amüsanten Einblick in viele der Ideen, die in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" von 1979 sowie in der Fortsetzung "Aliens - Die Rückkehr" spektakulär umgesetzt werden sollten. Ansonsten ist der Film jedoch unglaublich langweilig.

In "Blaubart" der Regisseure Luciano Sacripanti und Edward Dmytryk kommt der österreichische Baron Kurt von Sepper (Richard Burton) in seinem eigenen Flugzeug nach Hause und trifft auf eine große Gruppe begeisterter Bürger. Als er seinen Mundschutz aufknöpft, kommt ein deutlich bläulicher Bart zum Vorschein, der ein kleines Mädchen erschreckt, das ihn mit Blumen begrüßt. Und das aus einem triftigen Grund, auch wenn sie es nicht wissen kann: Er ist ein durchtriebener, wahnsinniger Frauenmörder.

Auf einem prunkvollen Ball umwirbt von Sepper die schöne junge Greta (Karin Schubert), die er kurz darauf heiratet. Bei einem gemeinsamen Jagdausflug anlässlich ihres zweiten Jahrestages wird die Baronin erschossen und stirbt. Der Tod wird für einen Unfall gehalten, aber Sepper hat sie eindeutig ermordet und bewahrt ihre Leiche heimlich wie eine Trophäe in seinem riesigen Anwesen auf. Es dauert nicht lange, bis er die reisende amerikanische Tänzerin Anne (Joey Heatherton) kennenlernt, und auch zwischen den beiden beginnt eine leidenschaftliche Romanze, die bald zu einer weiteren Hochzeit führt.

Während Anne sich in ihrem luxuriösen, aber isolierten neuen Zuhause und Leben einrichtet, macht sie sich Sorgen über merkwürdige knarzende Geräusche, Schatten, mögliche Geister und die verwesende Leiche von Seppers Mutter, deren totes Haar von der älteren Frau Marka (Mag Avril) gestrichen wird, die in einem höhlenartigen, mit Spinnweben übersäten Turm des Schlosses versteckt ist, der dem Material aus "Psycho" nicht unähnlich ist. Anne wird unrealistisch mit einer fadenscheinigen Geschichte über Markas Geisteszustand getröstet, kurz bevor der Baron eine Reise nach Wien plant. Die Baronin möchte eigentlich nur ihre Ruhe haben, wird aber dennoch von dem hübschen blonden Dienstmädchen Rosa (Doka Bukova) bedient. Anne fragt sich auch, warum Champagner, ein Nervenzusammenbruch und ständige Ablenkungen einen sexuellen Vollzug ihrer Ehe verhindern. Als ihr bester Freund Sergio (Edward Meeks) zu Besuch kommt, erzählt sie ihm von ihrem Verdacht, doch er reist ab, bevor irgendetwas dabei herauskommt. Als Sepper schließlich abreist, ist Anne ihrer eigenen Neugierde überlassen, da sie zwar die Schlüssel zum Schloss erhalten hat, aber angewiesen wurde, den einzigen goldenen Schlüssel nicht zu benutzen. Es dauert selbstverständlich nicht lange, bis sie jeden einzelnen leicht zugänglichen Raum untersucht hat, und als Rosa in die Stadt geht, um Medizin zu kaufen, durchwühlt sie jedes Loch im Palast, um den Behälter für den goldenen Schlüssel zu finden.

Zum Glück gibt es reichlich unheilschwangere Orgelmusik, eine Partitur mit quäkenden Geigen, ein prächtiges gotisches Schloss, einen teuflischen Falken, riesige Kronleuchter, opulente Kostüme, gepuderte Perücken, eine böse einäugige weiße Katze, eine ausgestopfte Eulenuhr, Folterwerkzeuge, Tierköpfe an den Wänden unbewohnter Gänge und Blitz, Regen und Staub in jeder Szene. Die Bühnenbilder und Milieus sind wunderbar passgenau. Als Anne schließlich Blaubarts grausige, kühl gelagerte Kollektion von Leichen früherer Ehefrauen entdeckt, wird der Betrachter mit ergreifenden Rückblicken auf das Ableben jeder einzelnen Frau konfrontiert, während er Anne erklärt, wie und warum er jede einzelne ermordet hat, bevor er beabsichtigt, auch Anne zu töten. Jede der schönen Frauen verbirgt eine innere Unattraktivität und rechtfertigt damit Blaubarts mörderisches Ansinnen. Eine Sängerin (Virna Lisi), die nervigerweise nicht aufhört zu singen, ist die erste, die ein blutiges Ende mit einem abgetrennten Kopf findet, der eine Attrappe ist. Erika (Nathalie Delon) ist ein mittelloses, unerfahrenes Mädchen, das sich auf verstörend frühkindliche Weise austobt und eine lesbische Geliebte (Sybil Danning) zum Nachhilfeunterricht hinzuzieht. Eine Nonne (Raquel Welch) deckt ihre anstößige, enorm sexbesessene Vergangenheit auf. Die österreichische Angeberin, Männerhasserin und Sadomasochistin Brigitt (Marilu Tolo) ist fast schon eine Provokation, bösartig und gewalttätig, aber immer rotweintrunken, und die rothaarige Caroline (Agostina Belli) genießt es, den lieben langen Tag tatenlos in der Sonne zu liegen und einfach nur zu faulenzen. Die Preisgabe von Annes geplantem Schicksal entfacht einen Kampf der Intelligenz, wie ein klassisches Duell oder eine kecke Katze, die sich an eine clevere Maus heranpirscht.

Interessanterweise ist Blaubart in dieser Verfilmung des gruseligen Märchens von Charles Perrault aus dem Jahr 1972 kein hässlicher Mann, sondern ein Charmeur mit eleganten Konversationsfähigkeiten. Er ist ein Kriegsheld, dessen Flugzeug abgeschossen wurde und der bei der anschließenden explosiven Bruchlandung nur am Kinn schwere Verbrennungen erlitt. Narbengewebe hindert ihn daran, sich zu rasieren, und eine nicht erklärbare, ungewöhnliche chemische Reaktion hat die Verfärbung seiner Gesichtsbehaarung verursacht. "Du bist reich, gutaussehend und mächtig", sagt Anne, als Sepper sie zwingt, ihm ihre Liebe zu gestehen. Ein buchstäblich blauer Bart ist nicht genug, um seine Männlichkeit zu verletzen.

Sepper fotografiert Anne in freizügigen Dessous, nachdem jede Braut ausgeschieden ist, und Blaubart hängt liebevoll ein Foto mit kryptischen Baumzweigen auf, nur um sie zu betören. Außerdem wird Delon beigebracht, wie man richtig strippt, Welch ist in einer Kirche nimmersatt, Tolo will nackt ausgepeitscht werden, und Belli sonnt sich am liebsten völlig nackt auf der Wiese. Der Film ist angenehm freizügig, aber weitgehend langatmig, da es nicht genug Exploitation gibt, um eine zweistündige Laufzeit zu sättigen. Am Ende besteht Annes einzige Hoffnung darin, Sepper eine günstige Gelegenheit zur Flucht zu entlocken, indem sie ihn dazu bringt, ihr die Geschichten seiner früheren Eroberungen zu erzählen. Doch trotz des Aufgebots an reinen Fleisch- und internationalen Sexsymbolen erweist sich der Prozess als überlang und grenzwertig anbiedernd, da er nicht in der Lage ist, neben der Augenlust auch noch Suspense zu erzeugen. "Blaubart" ist zum Trost auch witzig, und zwar mehr als einmal versehentlich, vor allem dann, wenn Blaubarts Männlichkeit in Frage gestellt wird, auch wenn der Humor die schlechte Strukturierung der Reflexionen oder das bleierne Drehbuch nicht wettmachen kann.

In "Abominable" von Regisseur Ryan Schifrin hören Ethel (Dee Wallace Stone) und Billy Hoss (Rex Linn) unheimliche Lärmquellen, die von draußen an ihr Haus dringen. Als sie zum Hof eilen, um der Sache auf den Grund zu gehen, entdecken sie eines ihrer Pferde in zerfledderter Pracht. Dann läuft auch ihr Hund Sparky an den lichtarmen Rand des Waldes und erleidet das gleiche Schicksal. Als das Paar zitternd in die Geborgenheit ihres Hauses zurückkehrt, flaniert ein riesiges Wesen auf die Veranda und hinterlässt große Fußspuren im frischen Schnee, bevor es wieder in der Dunkelheit verschwindet.

Am nächsten Morgen unternehmen Preston Rogers (Matt McCoy) und der Krankenpfleger Otis Wilhelm (Christien Tinsley) auf ärztlichen Rat hin einen Wochenendtrip in die baumbestandenen Berge von 'Flatwoods'. Nach einem traumatischen Kletterunfall am 'Suicide Rock', bei dem seine Frau umkam und er seine Beine nicht mehr benutzen kann, ist Rogers stark überfordert. Beunruhigt und beklommen kehrt er in das Haus zurück, wo er belastende Erlebnisse, unliebsame Abgeschiedenheit und einen Mangel an Erholungsmöglichkeiten vorfindet, selbst wenn der Arzt sie angeordnet hat. Kaum hat Otis ihn abgesetzt und sich auf den Weg zurück in die Stadt gemacht, um Sojamilch zu kaufen, fährt eine lautstarke Partytruppe von College-Mädchen zur angrenzenden Hütte, um ordentlich die Sau rauszulassen.

Mit dieser Gruppe durchtrainierter, attraktiver Frauen geht Prestons "Das Fenster zum Hof"-ähnlicher Voyeurismus einher, wenn er mit seinem Fernglas durch das Haus rollt und das Badezimmer der Mädchen im Visier hat. Dann, als die Nacht ihren dunklen Schleier über das Firmament wirft und Otis immer noch nicht zurückgekehrt ist, leuchtet Rogers mit seiner Taschenlampe in das dichte Unterholz und entdeckt nicht nur das fallengelassene Handy der blonden Karen (Ashley Hartman), sondern auch zwei animalische Augen, die ihn durch die Wogen der Äste beobachten. "Was glotzt du so, du Perversling!"

Nach dem Motto weniger ist mehr vertraut Drehbuchautor und Regisseur Ryan Schifrin auf sich wiegende Bäume, bedrohliche Silhouetten, eine Kamera, die die Perspektive des Ungetüms einnimmt, und kurze Blicke auf das versteckte Monster, das hin und her schlurft, um Atmosphäre zu schaffen. In der Tat gibt es keinen triftigen Anlass, das Biest in voller Größe zu zeigen, zumal es nicht wirklich imposant wirkt, auch wenn der Großteil der Maskierungseffekte ausreichend originell gestaltet ist. Rogers, der seinen einzigen Verbündeten nicht davon überzeugen kann, dass die neue Nachbarin durch irgendein Ding entführt worden sein könnte, wird jedoch mit der Heulsusen-Nummer abgefertigt. Dank der schauspielerischen Fähigkeiten von Matt McCoy wirkt die unplausible Handlung nicht zu töricht, auch wenn die Dialoge suboptimal sind. "Du verlierst den Verstand, Mann!"

In der Zwischenzeit wandern die Charaktere allein umher, B-Movie-Stammgäste haben Cameo-Auftritte, darunter Jeffrey Combs und Lance Henriksen, bluttriefende Verzierungen und Fleischwunden ersetzen sichtbare Übergriffe bis zum dritten Akt, wenn extreme physische Gewaltexzesse und die steife Mimik des Geschöpfs ins Spiel kommen, und Prestons Gafferei fruchtet, als eines der Mädchen aus etlichen Blickwinkeln duscht, die dank geschickt gesetzter Fenster zu sehen ist. Aus irgendeinem Grund hat die Hauptdarstellerin Amanda (Haley Joel) konstant feuchte Lippen oder einen einwandfrei deckenden Lippenstift. Mit dem Design eines Slashers, der Schwerfälligkeit eines Low-Budget-Monsterfilms und einer selbstkritischen Parodie des realen Horrors schafft es "Abominable", trotz seiner Momente unabsichtlichen Humors und dem auffallend ulkigen Gesichtsausdruck und den Bewegungsabläufen von 'Bigfoot', gründlich zu unterhalten. "Abominable" hat vielleicht nicht den Feinschliff einer raffinierteren Umsetzung, doch der Film bereitet ungeheuren Unterhaltungswert.

In "Rawhead Rex" von Regisseur George Pavlou sind der Schriftsteller Howard Hallenbeck (David Dukes), seine Frau Elaine (Kelly Piper), Sohn Robbie (Hugh O'Conor) und Tochter Minty (Cora Lunny) gerade in 'Rathmorne', Irland, angekommen, wo Howard seine erste Zeit damit verbringt, eine alte Kirche zu fotografieren. Er trifft auf den strengherzigen, unfreundlich gesinnten Küster Declan O'Brien (Ronan Wilmot), der ihn kaltherzig zurück in den Regen schickt, um mit Reverend Coot (Niall Toibin) zu sprechen, einem wesentlich geselligeren Mann, der Howard Zugang zu den Gemeindearchiven verspricht. Howard untersucht verschiedene Gebiete in Europa auf das, was er als 'Fortbestehen heiliger Stätten' bezeichnet. Er interessiert sich für historische, neolithische Fundorte, die faszinierendes wissenschaftliches Material für sein neues Buch liefern könnten.

Unterdessen kämpft Bauer Dennis (John Olohan) unaufhörlich damit, einen massiven, uralten Zementmonolithen zu fällen. Als seine beiden Helfer aufgeben, setzt er seine Tätigkeit fort, bis ein Gewitter über dem Monument losbricht und ein brüllendes anthropoides Monster auftaucht. Bei der Kreatur handelt es sich um 'Rawhead Rex', eine heidnische Bestie oder Inkarnation des Teufels, die die Menschen auf dem Lande abschlachtet und willensschwache Individuen hypnotisiert, damit sie nach ihrer Pfeife tanzen. Während es eine blutige Opferspur zieht, können die Ermittler der Polizei nur einen flüchtigen Blick auf das fauchende Biest erhaschen.

Im Film wird überraschend viel rumgeknutscht, was merkwürdigerweise Zeitlücken füllt und an die Stelle einer interessanteren Charakterentwicklung tritt. Sogar Fernsehbilder zeigen Knutschereien. Aber der wahrscheinlich schwachsinnigste Moment ist der, in dem 'Rawhead Rex' eine Frau durch das Fenster eines Wohnmobils zieht und dabei versehentlich das Kleid vom Leib reißt, was eine ausgesprochen sinnlose Nacktheit offenbart. Wie um die Dämlichkeit noch zu verstärken, werden die Nebenfiguren aus einer Aufwärtsperspektive aufgenommen, während für die Hauptrollen eine nach unten gerichtete Kamera verwendet wird. Bei 'Rawhead Rex' funktioniert das ganz gut, aber die meisten Ich-Perspektiven nehmen dem Film seine Intensität. Religiöse Implikationen und unerklärliche Motivationen und Auflösungen verkomplizieren die Schlagkraft anderer, gängiger Horrorfilmkonzepte zusätzlich.

Neblige, dicht bewaldete Schauplätze und Spukhäuser dienen als Kulisse für Rex' Schlachtfest, doch die durchgehend helle Kameraführung, selbst wenn es eigentlich Nacht sein sollte, wirft zu viel Licht auf Elemente, die normalerweise Furcht einflößen würden. Ein Gewusel von Blitzlichtern beleuchtet lediglich den einen oder anderen Blutfleck. "Die Dunkelheit kann trügerisch sein", sagt Detective Inspector Isaac Gissing (Niall O'Brien), als Howard seine erste Beobachtung des mutmaßlichen Killers beschreibt.

'Rex' selbst ist stets so scharf zu sehen, dass er mit seinen glühend roten Augen nicht mehr durch die Kulissen blicken kann, weil die gesamte Umgebung sichtlich ausgeleuchtet ist. Seine Gestalt sollte scheinbar nie ein Geheimnis sein. Das ist schade, denn Peter Littens Kreatureneffekte werden kaum gewürdigt, auch wenn einige Details den "Predator" des folgenden Jahres vorwegnehmen, und sie hätten von der Düsternis profitiert. Wie ein sehniges Werwolfwesen trägt der Unhold zerfetzte Kleidung und eine Lederrüstung, hat einen Büschel grober schwarzer Haare in Form eines Irokesen, ist geifernd und hat ein markantes Knautschgesicht. Leider ist es kaum mehr als ein Mann in einem elaborierten Halloween-Kostüm. Der Drehbuchautor Clive Barker, dessen Kurzgeschichte aus 'Books of Blood: Volume 3' die Grundlage bildete, war von dem Ergebnis ebenfalls nicht begeistert. Unter dem Strich ist "Rawhead Rex" ein größtenteils mittelprächtiger Monsterfilm mit ideenlosem Inhalt und einer unpassenden Schlusssequenz als krönende Spitze.

In "The Gray Man" von den Regisseuren Anthony und Joe Russo entscheidet sich Court Gentry (Ryan Gosling) zwischen lebenslanger Haft und einem lebenslangen Dienst bei der CIA für Letzteres. Unter dem wachsamen Auge von Donald Fitzroy (Billy Bob Thornton) wird Gentry zu 'Sierra Six', einem veritablen Geist, der zu unglaublichen Spionage-, Extraktions- und Zerstörungsleistungen fähig ist. Die Jahre vergehen und Fitzroy wird durch Denny Carmichael (Rege-Jean Page) ersetzt, einen gewissenslosen Anführer mit schwindender moralischer Integrität. Während eines Angriffs in Bangkok arbeitet Six mit der Agentin Dani Miranda (Ana de Armas) zusammen, um einen unberechenbaren Feind zu töten. Doch als sich die Zielperson als 'Sierra Four' zu erkennen gibt und Six ein verschlüsseltes Laufwerk mit Beweisen für Carmichaels illegale Aktivitäten übergibt, wird der Agent von Zweifeln an seinem Arbeitgeber geplagt. Six widersetzt sich dem Befehl seines Chefs, die Festplatte auszuhändigen, und wendet sich hilfesuchend an Fitzroy. In seiner Hoffnungslosigkeit, jeden zum Schweigen zu bringen, der die Wahrheit kennt, heuert Carmichael den soziopathischen, freiberuflichen Auftragskiller Lloyd Hansen (Chris Evans) an, um den abtrünnigen Sierra und seine Komplizen aufzuspüren und zu eliminieren. Jetzt, wo Hansen und eine Reihe von Attentätern ihm auf die Pelle rücken, muss Six der Gefangennahme und dem Tod entkommen und gleichzeitig seine sinkende Verbündetenzahl schützen.

Und schon läuft ein Killer frei herum, vorausgesetzt, er heuert als Top-Attentäter bei einer zwielichtigen Abteilung der CIA an, ähnlich wie bei "Nikita". Es folgt das obligatorische streng geheime Regierungsgeschwätz, während einige Bösewichte, die ausgeschaltet werden müssen, zum nächsten Ziel für den geläuterten Sträfling werden. Natürlich ist er auch ein Mann mit Prinzipien, wie Luc Bessons "Leon - Der Profi", der Kinder als Kollateralschaden ausschließt.

"The Gray Man" leiht sich Konzepte aus praktisch jedem Spionagefilm der letzten Jahrzehnte und versammelt so viele Klischees, dass es gut möglich ist, dass nichts an diesem neuesten Projekt der Russo-Brüder originell ist. In den ersten 30 Minuten häufen sich die Anspielungen in rasantem Tempo, von "Die Bourne Identität" über "Der Staatsfeind Nr. 1" und "The Replacement Killers - Die Ersatzkiller" bis hin zu "The Equalizer" und "John Wick" - es wird einem schnell unübersichtlich. Sie begnügen sich nicht damit, Handlungspunkte, Interaktionen oder Motive zu stehlen, sondern borgen sich auch Schauspieler und faktisch dieselben Figuren, die sie zuvor dargestellt haben, um sie direkt in das Drehbuch einzufügen. Ryan Gosling ist ein Duplikat seiner Rolle in "Blade Runner 2049", und die gesamte Eröffnungssequenz könnte auch in dieser Science-Fiction-Sause spielen. Chris Evans ist identisch mit seiner Figur aus "Knives Out", und Ana de Armas ist nicht weit entfernt von ihrer Anfängerrolle in "James Bond 007 - Keine Zeit zu sterben". Dies ist jedoch nicht völlig abträglich, da diese Hauptfiguren ein moderates Unterhaltungsniveau bieten. Sie tragen aber sicher nicht dazu bei, ein Projekt zu entwerfen, das sich von der Konkurrenz differenziert.

Unglücklich ist auch, dass die Filmemacher dazu neigen, Drohnenaufnahmen bis zur Zerstreuung zu überstrapazieren. Sie sind auch keine Fans des Jackie-Chan-Ansatzes bei der Kampfchoreografie, die sich nicht von wirklich geübten Kampfkünstlern unterscheidet, denn fast jede Nahkampfsequenz wird irritierenderweise durch Feuerwerk, Rauch, Leuchtgeschosse, fliegende Bruchstücke, unruhige Kameraführung und hastige Montagesequenzen verunziert. Die Actionszenen leiden unter zu umfangreichen Schnitt- und Formatierungsentscheidungen. Das Kreativteam ist wohl der Auffassung, dass der Betrachter gefakte Stunts, CG-Eingriffe oder visuelle choreografische Inszenierungen authentischen Schlägereien und Feindseligkeiten vorzieht. "Das war unerwartet."

Es gibt auch ein paar triviale erzählerische Einmischungen, bei denen die Zeitlinien anstelle von Flashbacks variieren. Immerhin gibt es ein paar humorvolle Dialoge zwischen den Killer-Rivalen, und Ana de Armas bekommt eine weitere Gelegenheit, sich als intelligente, effiziente und physisch imponierende Spionin zu profilieren. Viele der Interaktionen zwischen dem Führungstrio sind nur bedingt erbaulich. Jeder wird immer nur Sekunden vor dem sicheren Ableben gerettet oder kann ohne Zeitverlust entkommen. Die Handlung ist beträchtlich bequem und vermeidet es, mit einem Übermaß an explosiven Verwüstungen, rasanten Jagdfluchten, exzessiver Waffengewalt und machohaften Schaukämpfen konsequent zu sein. "The Gray Man" mag zwar alle richtigen oder erwarteten Zutaten haben, von lieblichen Mentoren über mitfühlende Geiseln und eine kleine Spur von Tortur bis hin zu schmissigen Sprüchen und einer himmelschreienden Respektlosigkeit gegenüber öffentlichem Gut, doch diese simple Addition ergibt keinen tauglichen Thriller, sondern nur eine lose Aneinanderreihung der größten Erfolge des Actionfilms. Doch obwohl der Film überlange Strecken hat und mit zu vielen Kodierungen endet, die keine wirkliche Klärung herbeiführen, macht es doch noch Spaß, Ryan Gosling und Ana de Armas bei ihrer energischen Kollaboration zuzusehen. Von ihren gewalttätigen, kombinierten Angriffen gegen Heerscharen von namen- und facettenlosen, mit Sturmhauben maskierten und hochgerüsteten Kriegern kann man sich fast nicht satt sehen.

In "Ich glaub ich steh im Wald" von Regisseurin Amy Heckerling sehen wir in der 'Ridgemont Mall', wie Teenager-Mädchen die Jungs beobachten, während die Jungs die Mädchen beäugen und auf ein bisschen Spaß hoffen. Dank des typischen Gruppenzwangs will jeder seine Jungfräulichkeit verlieren. Stacy Hamilton (Jennifer Jason Leigh) ist eine solche 15-Jährige, die von ihrer erfahreneren Freundin Linda Barrett (Phoebe Cates, die vielleicht ungewollt mit einer ikonischen Nacktszene in der Mitte des Films die Show stiehlt) angestachelt wird. Zu den anderen Fraktionen gehören der Möchtegern-Surfer und Marihuana-Konsument Jeff Spicoli (Sean Penn) und seine Mitläufer, der rotzfreche 'All American Burger'-Angestellte des Monats Brad Hamilton (Richter Reinhold) und seine Arbeitskollegen, darunter auch seine Freundin Lisa (Amanda Wyss). Hinzu kommen Mike Damone (Robert Romanus), der ortsansässige Ticketverkäufer und Buchmacher, und sein Kumpel Mark Ratner (Brian Backer), der Nerd, der immer wieder Ziel von Schikanen und Mobbing ist, sowie eine Unmenge anderer charakteristischer Cluster und Stereotypen.

Mit Beginn des neuen Schuljahres an der 'Ridgemont High School' herrscht eine unveränderte Grundhaltung, da es ständig um das Thema der sexuellen Vereinigung geht. Zwischen extensivem Schwatz, Debatten über Oraltaktiken und andere Sexualtipps sowie klandestinen Schäferstündchen ohne Begleitung sind diese jungen Leute begierig auf Fortpflanzung und pfeifen auf das Wissen und die Bildung, um sich auf das Berufsleben und die bevorstehende Zukunft vorzubereiten. In vielfacher Hinsicht handelt sich "Ich glaub ich steh im Wald" um eine Modernisierung von "American Graffiti", in der Missgeschicke und Schadenfreude an die Stelle ernsthafter Sorgen über drohende Verbindlichkeiten in den Fokus rücken. Es gibt auch die klassischen Autoritätsfeinde, die nirgendwo besser zum Vorschein kommen als bei dem skrupellosen, rigorosen Mr. Hand (Ray Walston).

Mit einem Drehbuch von Cameron Crowe, das auf seinem Buch basiert, bietet "Ich glaub ich steh im Wald" viele lustige und unbequeme Situationen, die die Unerfahrenheit und Unsicherheit des jugendlichen Verhaltens, die vorübergehende Verspieltheit und die meist sorglosen Szenarien der Adoleszenz hervorheben, die sich in dieser Zeit als äußerst wichtig erweisen, aber im Erwachsenenleben weit weniger relevant sind. Noch nie waren Schulklima, sportliche Rivalitäten, Image und Zusammengehörigkeit so lebendig wie in diesem Film. In der Welt von 'Ridgemont High' ist die Peinlichkeit ein besonderer Unterhaltungsfaktor. "Zeig ein wenig Stolz."

Typisch für den Einfluss von Cameron Crowe ist auch der passende Soundtrack, der Hits der damaligen Epoche präsentiert und die Beziehungen und Trennungen sowie die oft ungeschickte Navigation durch die Sexualität und den Pubertätsprozess gut ergänzt. Interessanterweise gibt es keine große Handlung - die musikalische Begleitung der Figuren ist im Prinzip eine Collage von Highschool-Routinen, auch wenn sie die wichtigsten Erfahrungen dieser formativen Jahre einigermaßen umfassend abdeckt. Es handelt sich eher um eine Wahrnehmung und eine zeitliche Dokumentierung als um einen konkreten Erfahrungsbericht. Mit einem Hauch von Fantasie und einem Funken Romantik erweist sich diese kleine, aber einprägsame Komödie am Ende als ungemein wohltuend und findet mit 'Goodbye, Goodbye' von Oingo Boingo einen der treffendsten Songs für die abschließende Phase.

In "Katzenmenschen" von Regisseur Paul Schrader wird in einem alten Stammesritual die Opferung einer jungen Frau an einen schwarzen Panther gefordert, der irgendwie mit der Werbegrafikerin Irena Gallier (Nastassja Kinski) verbunden ist, die in der Gegenwart in New Orleans ankommt. Sie wird von ihrem Bruder Paul (Malcolm McDowell) abgeholt, der sie in ein großes Haus bringt, das von einer herzensguten Frau (Ruby Dee) geführt wird. Nachdem die Geschwister in Erinnerungen an ihre Kindheit schwelgten und sich in ihren Zimmern eingerichtet haben, schleicht sich Paul in Irenas Raum und hüpft katzengleich auf das Ende des Bettes.

Am selben Abend wird eine Nutte von einem riesigen schwarzen Leoparden angefallen, der sich auf unerfindlichen Gründen in einem schäbigen Motel ausruht. Wie um den Exploitation-Ansatz des Films zu untermauern, reißt der BH der Prostituierten auf, als sie sich aus den Fängen der Raubkatze befreit. Gleichzeitig verweilt die Kamera auf blutigen Wunden an ihrem Knöchel - eine weitere erwartungsgemäße Exploitation-Komponente. Und Nastassja Kinskis Kleiderschrank scheint keine herkömmliche Unterwäsche zu enthalten.

Drei Zoologen, Dr. Oliver Yates (John Heard), Alice Perrin (Annette O'Toole) und Joe Creigh (Ed Begley Jr.), werden hinzugezogen, um die Bestie zu betäuben. In der folgenden Nacht macht sich Irena auf die Suche nach Paul, der den ganzen Tag vermisst wurde, und stößt dabei auf den eingefangenen Panther, der jetzt im Zoo eingesperrt ist. Oliver findet sofort Gefallen an der jungen Frau und bietet ihr einen Job als Kassiererin im Geschenkeladen an, um sie in seiner Nähe zu haben. "Ich ziehe Tiere den Menschen vor", scherzt er und bemüht sich, seine Verzückung zu verbergen.

Speziell mit dem unzeitgemäßen Titelsong von David Bowie, der immer wieder auftaucht, weiß "Katzenmenschen" nicht, ob er ein Slasher-Film ist, ein Erotikthriller, ein Psychothriller oder ein Liebesdrama. Der Grundton und die Thematik wechseln ständig, werden immer fremdartiger und weniger kongruent. In einem Moment flirten Oliver und Irena beim Abendessen, im nächsten wird Joes Arm auf grausame, aber sehr dubiose Weise abgetrennt. Auch der Dialog wird immer transparenter und salbungsvoller.

Schon früh wird klar, dass die bösartige Katze und die unsicheren Personen eine Art von Katzenmenschen sind, was den Filmtitel und den Verweis auf den gleichnamigen Film von 1942 erklärt. Doch das aktualisierte Setting und der Fokus auf Blutrünstigkeiten, Nacktheit - praktisch jede Hauptfigur ist irgendwann einmal nackt -, Nastassja Kinski und sexuelle Gewalt haben es schwer, ihren Platz in der vertrauten Handlung zu finden. Anstatt sich auf das Mysterium und die zunehmende Zahl der Leichen zu konzentrieren, verweilt diese Modernisierung bei der zentralen Romantisierung, der verderblichen Beziehung zwischen den verfluchten Geschwistern und den verstümmelten Leichen - alles visuelle Faktoren, die wenig Resonanz haben.

Mit der Absicht, den Realismus zu erneuern, hat es "Katzenmenschen" relativ schwer, denn trotz der zahlreichen grafischen Adaptionen gelingt es dem Film nicht, den bizarren Verwandlungen und dem Anpirschen an die Beute einen unfreiwillig komischen Unterton zu verleihen. In seinen besten Momenten erinnert dieser Film an "American Werewolf" oder "Das Ding aus einer anderen Welt", obwohl er mit den technischen Effekten und dem Make-up nie weit genug geht, um ein brauchbarer Monsterfilm zu sein. Am gravierendsten ist vermutlich der Umstand, dass keine der Charaktere sympathisch ist - sie sind entweder mordlüstern, geistesgestört oder von Wollust komplett verblendet. Ihr Gelingen oder Scheitern hat keine Bedeutung. Letztlich fällt dieses Unterfangen in die Kategorie der Werke, die nicht hätten neu verfilmt werden sollen, oder zumindest hätte man sich nicht die Mühe machen dürfen, das Originaldrehbuch als Ausgangsbasis zu verwenden, zumal jeder, der den Klassiker von Jacques Tourneur kennt, die duplizierten Szenen, insbesondere eine Schwimmbadsequenz, nicht besonders ergötzlich finden wird.

Die einleitende Titelsequenz in "Killing Me Softly" von Regisseur Kaige Chen, die Aufnahmen von schneebedeckten Bergen und zwei Menschen beim Sex mit einem deutlich gezeigten Schal um den Hals der Frau kombiniert, ist kein Musterbeispiel für grafische Umsetzung, erzählerische Kunst oder gar vorausschauende Präsentation. Vielmehr wirkt es fast komödiantisch. Wenn Alice (Heather Graham) mit einer Stimme aus dem Off über extreme Höhen spricht, bei denen die Gehirnzellen aufgrund von Sauerstoffmangel abzusterben beginnen, wird der Film sogar noch unbeholfener.

In der ursprünglichen Geschichte geht es um Alice, ein Mädchen aus Indiana, das jetzt in London lebt und CD-ROMs und Websites für Firmenkunden entwirft. Sie hat den Ingenieur Jake (Jason Hughes) kennengelernt, bei dem sie sich sicher und geborgen fühlt. Nach einiger Zeit des Zusammenlebens stößt sie wortwörtlich auf Adam (Joesph Fiennes), einen verhaltenen Typen, der sich als Bergsteiger entpuppt und mit dem sie sich ein Taxi zu seinem Haus teilt. Bei diesem ersten Treffen erfährt sie nicht einmal seinen Namen. Dort angekommen, stürzt er sich auf sie, und die zwei verkommen zu einem Bündel nacktes Körperwerk, reißen und verkrallen sich ineinander mit einer leidenschaftlichen Gier, die sie mit Jake nie verspürt hat. Passend zur Stimmungslage der Auftaktsequenz wird sie abrupt von einer starrenden Katze unterbrochen, die über die gerade gesehene animalische Aktivität schockiert zu sein scheint. "Warum fängst du nicht am Anfang an? Das ist immer das Einfachste."

Die Affäre von Alice, die von einer nimmermüden Wollust angefacht, aber von Schuldgefühlen blockiert wird, nimmt eine Film-Noir-Atmosphäre an, nicht nur durch ihre Darstellung, sondern auch durch die kryptischen Gespräche, die unheilverkündende Musik von Patrick Doyle, die manchmal auch recht romantisch ist, mit einem eingängigen, aber unveränderlichen Motto, das sich nicht um geringfügige Variationen schert, was paradoxerweise der beste Gesichtspunkt dieses Films ist, und durch tragische Schicksale. Daneben gibt es eine übermässig freundliche Schwester (Natascha McElhone), eine wissbegierige beste Freundin (Amy Robbins) und sehr wenige Details über Adams Lebensgeschichte. Alice hat keine einzige Frage gestellt, auch nicht zu Adams Beziehungsstatus. Es interessiert sie offensichtlich nicht, denn sie ist so wahnsinnig verliebt, dass es ihr völlig ohne Bedeutung erscheint, welche Leichen in seinem Keller vergraben sind.

Dieser Mystery-Thriller, der auf dem Roman von Nicci French basiert, birgt viele Geheimnisse, vor allem durch die Gestaltung der Zeitlinie, die den überwiegenden Teil des Films zu einer Retrospektive macht. Es ist auch eine absonderliche Liebesgeschichte, denn Alice schmachtet nach Adam, folgt ihm wie ein verirrtes Welpentier und versucht inständig, seine Aufmerksamkeit zu erregen und ihn mit Stolz zu erfüllen. Dabei experimentieren sie mit der erotischen Asphyxie beim Sex, die eine Parallele zu den Risiken von Extremsportarten bilden soll, aber das Mysterium in den Schatten stellt. Zusätzlich tauchen unheimliche, bedruckte Notizen auf, die vor Adams früheren Beschäftigungen und Eroberungszügen warnen und auf einen unbekannten Dritten hinweisen, der die vertrauensselige junge Frau ausspioniert.

Heather Grahams Darbietung ist leider stark verbesserungswürdig. Sie kann ihre Zeilen nicht mit der gebührenden Lauttreue formulieren, die notwendig wäre, um auch nur im Mindesten so zu klingen, wie es bei einem solchen erotischen Thriller zu erwarten wäre. Und in dieser Wirbelwindbeziehung, in der das Vertrauen schrumpft und der Verfolgungswahn zunimmt, ist Authentizität unerlässlich. Hier wirkt ihre Notlage eher aufgesetzt und fabrikiert, als dass sie sich biologisch entwickelt, wie in einem Werk von Alfred Hitchcock. Heather Graham verbringt das letzte Drittel des Films damit, sorgenvoll zu blicken, selbst wenn sie ihr Frühstück isst, mit der U-Bahn fährt oder eine Tasse Tee trinkt. Sie eignet sich viel besser für Komödien, doch wahrscheinlich wurde sie in "Killing Me Softly" vor allem wegen ihrer grazilen Körperformen besetzt, die sie gerne zur Schau stellt.

Zum Ende hin nehmen die spannungsreichen Szenerien zu, ebenso wie der Quatsch mit den BDSM-Neigungen des Hauptdarstellerpaares. An einer Stelle unterbricht Alice, während sie festgebunden auf einem Tisch liegt, Adams Tirade, um zu verkünden, dass sie dringend Wasser lassen muss. Und das wiederum nimmt dem ganzen mysteriösen Treiben, das sich durchaus vermuten lässt, den letzten Biss, indem es sich vielmehr in etwas Abwegiges, Triviales und Perverses wendet als in etwas Nachvollziehbares oder Faszinierendes. "Ich könnte dir das Genick brechen, so sehr liebe ich dich."

In einer Zeit, als die Welt noch frisch war, die Zauberei blühte und große Abenteuer vorprogrammiert waren, beginnt die Geschichte von "Talon im Kampf gegen das Imperium" von Regisseur Albert Pyun. In einer lichtlosen Höhle auf 'Tomb Island' wird ein Tross von gepanzerten Kriegern Zeuge, wie eine Hexe den höllischen Dämon Xusia (Richard Moll) wiedererweckt. Der tyrannische König Titus Cromwell von 'Aragon' (Richard Lynch) will 'Aedan' erobern, das wohlhabendste Königreich der Welt, das unter der Führung von dem liebenswürdigen und rechtschaffenen Anführer Richard (Christopher Cary) steht. Unterstützt von dem mächtigen Zauberer Xusia kann Cromwell nicht davon abgehalten werden, die schwindenden Streitkräfte von 'Aedan' mit Plagen und Leid zu verseuchen. Diese "Conan"-ähnliche Introduktion und Auftaktsequenz enthält auch die witzigste Szene, in der Xusia der Hexe ein noch klopfendes Herz herausreißt, um seine Befugnisse zu bekräftigen.

Nachdem Cromwell das kostbare Land endgültig niedergewalzt hat, muss der Sohn des ehemaligen Herrschers, Talon (Lee Horsley), mit ansehen, wie sein Vater und seine Mutter ihr Leben lassen, bevor er sich zur Exilierung genötigt sieht. Jahrelang verfolgten ihn Cromwells Männer, und Talons Existenz wurde Material für Legenden, da er zu einem einflussreichen General der schwarzafrikanischen Stämme avancierte. Unterdessen initiiert Prinz Mikah (Simon MacCorkindale) eine Revolte gegen Cromwell, um ihn an der Vermählung mit Prinzessin Alana (Kathleen Beller) zu hindern, während das gottlose Missgebilde Xusia, ein weiteres Opfer des verräterischen Tyrannen, sich in den tiefsten Schwärzungen des Unterreichs kuriert. Cromwells loyale Marionette Machelli (George Maharis) heckt ebenfalls einen Plan aus, um alle Menschen, denen er über den Weg läuft, dreifach zu hintergehen, um an Einfluss zu gewinnen. So hat Talon die notwendige Zeit, um von Alana aufgespürt und zum Kampf für die Rebellion motiviert zu werden.

David Whitaker komponiert unbändige Trompetenklänge und donnernde Beckenspiele für die Actionsequenzen und flötenlastige Melodien für die grenzdebile Fröhlichkeit des Klassizismus. Die Themenmusik ist gar nicht mal so übel, auch wenn sie nicht hinreichend Verwendung findet. Albert Pyun, bekannt für seine "Nemesis"-Filmprojekte und seine grotesken, futuristischen Science-Fiction-Fantasy-Filme, ist mit der Thematik und dem anspruchslosen Sujet bereits vertraut, ungeachtet dessen, dass dieses Werk sein Spielfilmdebüt darstellt. Seine Lieblingswaffen sind 'Jungfrauen in Nöten', 'Schwertschwingende Ritter", 'Wildäugige Nekromanten' und 'Fratzenhafte menschähnliche Dämonen', die er allesamt mit äußerster Akribie anwendet, auch wenn es in manchen Situationen in bezeichnender Manier an Schneidigkeit fehlt.

Auch außerhalb der traditionellen, eher harmloseren Schwertkämpfe gibt es eine signifikante Dosis Gewalt, als ob sie einen Kontrapunkt zum versehentlichen Humor setzen soll. Die Kostüme aus langen, fließenden Pelzen und polierten Kettenhemden, die praktischen Make-up-Effekte, darunter viele Verwandlungs- und Blutszenen, die ausgefeilten Kulissen in nebligen Schlössern und dampfenden Kerkern und die mittelalterlichen Waffen, mit Ausnahme von Talons technologisch fortschrittlichem dreizinkigem Schwert, das Klingen abschießt, sind auf spielerische und zweckmäßige Weise zur Anwendung gekommen. Die Inszenierung hingegen ist ein wenig überdramatisiert. Die Bösewichte haben alle einen permanenten Finsterblick und sprechen mit tiefen, kieselhaltigen Stimmen, die Frauen haben makellose Visagen und bevorzugen es, Männern zur Selbstverteidigung die Knie in die Weichteile zu treiben, und die Kampfchoreografie besteht aus vielen hohen Schwüngen und langsamen Schlägen, die dem Helden viel Bewegungsfreiheit lassen - er schafft es, mit dem Schwert recht geschickt zu kämpfen, selbst nachdem er mit Nägeln in den Händen gekreuzigt wurde. Ein generisches Sprachrohr mit der Stimme eines Filmtrailers führt durch die Zeitsprünge und verleiht dem Ganzen einen Low-Budget-Schliff. Wie im Nachspann vermerkt, hatte Albert Pyun bereits 1982 Pläne für eine Fortsetzung, aber sein Nachfolger "The Sword and the Sorcerer 2" hat erstaunliche 28 Jahre gebraucht, um Früchte zu ernten, und er ist nur im übertragenen Sinne ein Nachfolger.

In "Terminal Invasion" von Regisseur Sean S. Cunningham findet sich der zum Tode verurteilte Mörder Jack (Bruce Campbell) in einem Gefangenentransport wieder, der während eines Schneesturms eine entlegene Straße entlang fährt. Als der Fahrer, der Vollzugsbeamte Tommy (Jake Simmons), eine heiße Flüssigkeit auf sich kleckert, erleidet er einen Kontrollverlust und kollidiert mit einem herannahenden Baum. Zusammen mit seinem Partner Red (Scott Wickware) macht sich das humpelnde, doch unverletzte Trio auf den Weg zum örtlichen Flughafen, wo die Pilotin Cathy Garrett (Chase Masterson) unter Dauerbeschuss von ungeduldigen Passagieren steht, die darauf warten, von dem kleinen, 17 Meilen von der nächsten Stadt entfernten Charterflugplatz abzuheben.

Ein kurzer Abstecher aufs Klo führt zu einer wilden Ballerei mit einem unheimlichen Prediger (Ian Downie), der zufälligerweise ein ausserirdischer Invasionist ist, der die Ausrottung der menschlichen Spezies anpeilt. Niemand, der diese Toilette betritt, kommt dort lebendig wieder heraus, mit Ausnahme von Jack, der mit zwei Pistolen aufkreuzt und keine Antworten für die in panischem Aktionismus befangenen Menschen im Terminal hat, darunter der Vorstandsvorsitzende der 'Fortune 500', David Higgins (C. David Johnson), der Gefreite Griffin (Jason Jones), das Ehepaar Andrew (Andrew Tarbet) und Sarah (Sarah Lafleur), ein moppeliger Sicherheitsmann, ein betagter Flugbegleiter, eine attraktive Blondine und mittendrin zwei Kinder. "Du Tier!"

Die Ausgangslage ist unkompliziert und deutet auf "Der versteinerte Wald" und "Hafen des Lasters" oder, in aktuellerer Zeit, "Pitch Black - Planet der Finsternis" hin, in denen eine Ansammlung verärgerter fremder Individuen miteinander arbeiten muss, um zu überleben, während sie sich mit einem potenziellen Mörder in ihren Reihen auseinandersetzen muss. Der Aspekt der Außerirdischen ist jedoch ein Problem, da er im Verhältnis zum realitätsnahen, terrestrischen Ambiente so abwegig ist, bringt allerdings ein vielschichtigeres Szenario ins Spiel, das an "Das letzte Wochenende" oder, mit den Sci-Fi-Elementen, an "Das Ding aus einer anderen Welt" anklingt. "Was kümmert dich das? Vielleicht sind es nicht einmal Menschen. Sie könnten alle Aliens sein."

Als die gestrandeten Reisenden streitsüchtig werden, um die Verfügungsgewalt über die Waffen zu erlangen, die laufend den Besitzer wechseln, und aneinander Experimente zur Feststellung der Existenz von außerirdischen Infiltratoren durchführen, schwindet ihre Zahl stetig, und sie werden von einer nicht minder umfangreichen Population von Monstern heimgesucht. Um die Leichenfledderer von den menschlichen Wesen zu separieren, gibt es diverse clevere Lösungen, darunter ein Röntgengerät, das Fotos von Skeletten aufnimmt, und ein defektes Kamerasystem. Doch die Mehrheit der Spezialeffekte ist merklich limitiert, wodurch die Bedeutung des Spannungsbogens beeinträchtigt wird. Das ausgetretene Blut ist dürftig authentisch, ebenso wie die diversen CG-Effekte, die Eindringlinge markieren, die magisch verschwinden, wenn sie draufgehen. Ein paar konkrete Gore-Effekte funktionieren dagegen besser, werden aber zu spärlich eingesetzt.

Die Filmhandlung kommt nur gemächlich in Gang und besitzt alle Merkmale eines Fernsehfilms, wie periodische Cliffhanger-Szenen, Werbeeinblendungen und künstliche Übergänge oder Wischblenden. Mit wenigen Sets, nur einer Handvoll Charakteren und reichlich verzichtbarem Scripting und Editing, um teure Interaktionen zu obskurieren, bemüht sich "Terminal Invasion", der im Wortsinne fast comicartig tituliert ist, wie "Enemy Mine - Geliebter Feind", mit möglichst nichts zu arbeiten. Und es ist garantiert ohne innovative Impulse. Der unverkennbare Humor von Bruce Campbell ist trotzdem leicht zu spüren, auch wenn die Verhaltensmuster der Außerirdischen keinen erkennbaren Sinn ergeben und der finale Showdown für seine beabsichtigte Spontanität ungeheuer verkompliziert wurde.

Quentin Tarantino sagte einmal, dass man seinen eigenen "Pulp Fiction" oder "Reservoir Dogs" erschaffen müsse, um in der Filmindustrie erfolgreich zu sein. Regisseur Larry Bishop scheint diesen Ratschlag mit "Hell Ride" ein wenig zu konkret aufgenommen zu haben, denn er hat eine verkorkste Hommage inszeniert, die in Bezug auf Optik, Filmmusik, Kameraarbeit und Zeitsprünge in der Erzählstruktur viele Parallelen aufzeigt. Wer einen Quentin-Tarantino-Film richtig imitieren will, der sollte ein feines Gespür für den konstruktiven Gesprächsaufbau haben. Das primäre entgleisende Glied in "Hell Ride" ist leider das fürchterliche Gequake und die ordinären Monologe, die nur zum Widerwillen und zur Desorientierung des Betrachters taugen, während sie zugleich auch noch Mitgefühl mit den beteiligten Akteuren evozieren, die an diesem Unrat Anteil haben.

Die protagonistische Antagonisten-Biker-Gang, genannt die 'Victors', besteht aus mehreren witterungsgestählten Vigilanten, die ihre eigene Vorstellung von Blutjustiz auf die rechtlosen Pfade der Gesellschaft projizieren. Ihr Anführer, Pistolero (Larry Bishop), ist versessen auf Vergeltung und darauf, Brände zu löschen. The Gent (Michael Madsen) versucht nur, seine chronisch psychotische Lebenssinfonie auszubalancieren, indem er jeden, der seinem Chef in die Quere kommt, mit Kugeln durchlöchert. Und Comanche (Eric Balfour) folgt ihnen mit verbissener Loyalität und einer mystischen Vergangenheit.

An der schurkischen Front ist Deuce (David Carradine) das zentrale Gehirn, das aus der Distanz operiert, wenn auch nicht ausreichend weit, um unantastbar zu sein. Billy Wings (Vinnie Jones) speit Gift und erklärt seine Tätowierungen auf höchst obszöne Weise, während er zugleich eine Harpunierkanone und eine ausgeprägte Geringschätzung des menschlichen Daseins an den Tag legt. Wenn man sie liest, mögen diese Buchstaben interessant aussehen, aber sobald man sie zu undurchdachten Sätzen zusammenfügt, verpufft jeglicher Harley-Davidson Optimismus rascher als die Finanzierung von Larry Bishops nächstem Film, sollte er sich jemals wieder hinter die Kamera wagen, was zum großen Dank noch nicht geschah.

Einerseits ist "Hell Ride" voller Schwachpunkte und ungenutzter Potenziale, andererseits liegt die Wurzel des Verschuldens in den unausgearbeiteten Gesprächsabläufen. Da die wichtigsten Referenzen von Larry Bishop die redseligen Filme von Quentin Tarantino waren, gibt es davon eine beträchtliche Fülle. Die ersten zwanzig Minuten von "Hell Ride" sind nur sehr eingeschränkt zu begreifen und würden vermutlich genauso viel Sinn ergeben, wenn der Ton stumm geschaltet wäre. Wenn Pistoleros Engpass bekannt wird und gewisse Floskeln bis zum Brechreiz missbraucht werden, betet der Betrachter um den sofortigen Abgang für die elenden Gestalten, wenn nicht wenigstens für den seinigen, nur um den Hörsinn nicht weiter wahrnehmen zu müssen. Selbst einem Dennis Hopper bereitet es sichtlich Kopfschmerzen, wenn er solch gehirnverblödende Aneinanderreihungen von Worten aus seinem Mund absondern muss.

Wer die Erfahrung kennt, ein Wort oder einen Satz so oft zu wiederholen, dass er nicht mehr richtig klingt oder gar keinen Sinn mehr ergibt, dem wird es so vorkommen, als habe Larry Bishop dort angefangen und dann den Verrückungsprozess fortgesetzt, in der fatalen Annahme, sein Text würde dadurch schlagartig wieder begreiflich und verständlicher werden. Eine solche Vorgehensweise ist mit Sicherheit nicht zielführend. Wenn die Dialoge dann endlich eine Ruhephase einlegen, entscheidet sich Larry Bishop für sich wiederholende Filmsequenzen von nackten Frauen, die in Öl ringen, und von aufgeschlitzten Hälsen, als ob das infantilste und exploitativste Bildmaterial den Zuseher erobern könnte.

"Hell Ride" ist eine Liebeserklärung an die Filme von Quentin Tarantino, Robert Rodriguez und alle anderen Werke, in denen die Gewaltbereitschaft und Unbekümmertheit fragwürdiger Rebellen oder klischeehafter abtrünniger Renegaten verehrt wird. Doch obwohl die Ambitionen von "Hell Ride" markttauglich sein mögen, werden der horrende, unerträgliche Diskurs und die stilisierende, die Zeitachse verdrehende Gestaltung selbst Eingefleischte nicht zum Narren halten. Bis der Zuschauende das geheimnisvolle Motiv der Charaktere herausgefunden hat - und bis jemand realisiert, dass es ein zu lösendes Rätsel gibt, kann es einige Zeiterfahrung beanspruchen - ist es einfach zu aufwändig, sich mit diesen grundsoliden Männern, ihren unorthodoxen Verhaltensweisen und dem schablonenhaften Charisma des gesamten Projekts zu befassen.