Chainsaw Charlie - Kommentare

"El Dorado" basiert wie der Film "Rio Bravo" von Regisseur Howard Hawks und sein späterer Film "Rio Lobo" auf einer ergreifenden Kameradschaft zwischen drei Helden, die eine ernste Situation mit Leichtigkeit meistern und zusammen mit mehreren Nebendarstellern ein familiäres Band knüpfen, das ihnen hilft, Feindseligkeiten zu überwinden. Um den Vergleich noch einen Schritt weiter zu führen: Ricky Nelson spielte eine Figur namens 'Colorado', während James Caan jetzt die entsprechende Figur namens 'Mississippi' mimt. Die Analogien hören damit nicht auf, zumal mehrere andere Figuren fast exakt von verschiedenen Schauspielern verkörpert werden, was vielleicht nicht erstaunt, da die Autorin Leigh Brackett beide Drehbücher geschrieben hat und viele "El Dorado" für ein loses Remake halten. Doch wie in den meisten Filmen mit John Wayne werden sein souveräner Auftritt, sein selbstsicheres Wesen und seine humorvoll-bissigen Dialoge nie langweilig. Hinzu kommt das unvergleichliche Wechselspiel von John Wayne und dem genialen Schauspieler Robert Mitchum, das "El Dorado" zu einem lohnenden Western macht.

Cole Thornton (John Wayne) kommt in die Stadt, um einen Job bei Bart Jason (Edward Asner) anzunehmen, einem begüterten Farmer, der einen Auftragskiller benötigt. Als Cole Thornton von seinem langjährigen Freund J.P. Harrah (Robert Mitchum), jetzt Sheriff von 'El Dorado', zur Rede gestellt wird, erfährt er, dass seine Schussfertigkeit dazu benutzt wird, die angrenzende Familie MacDonald um ihr Land zu prellen. Er schlägt Jasons Offerte zwar aus, doch Cole Thorntons lästige Präsenz führt dazu, dass der junge Luke MacDonald (Johnny Crawford) in einer Notwehrsituation getötet wird und Josephine MacDonald (Michele Carey) ihm auflauert, so dass der Revolverheld eine Kugel nahe seiner Wirbelsäule abbekommt.

Es vergehen Monate, und Cole Thornton findet sich in einem Saloon in 'Sonora' wieder und hilft einem jungen Mann namens Alan Bourdillion Traherne (James Caan), kurz 'Mississippi' genannt, bei einer Vendetta. Cole Thornton findet heraus, dass einer der notorischsten Schießwütigen, Nelse McLeod (Christopher George), engagiert wurde, um J.P. Harrah zu beseitigen, der nach irreparablen Frauenproblemen zum Alkoholiker abgewrackt ist. Cole Thornton reist erneut nach 'El Dorado', dieses Mal mit Hilfe von 'Mississippi', um Bart Jason und seine Männer zu stoppen und den Sheriff auszunüchtern.

"El Dorado" weicht nicht allzu sehr von der Standardformel des John-Wayne-Westerns und der Hawks'schen Vorlage jener Zeit ab und nutzt eher dämliche Komplotte und nicht allzu ernsthafte Plots, um die sehr gemeinen Ganoven zu überlisten. Ein peppiges Erkennungslied, gesungen von George Alexander, pulsiert durch die Geschichte, die auf Harry Browns Roman 'The Stars and Their Courses' basiert, während die Helden ohne Verschnaufpause Prügel kassieren. Dieser Film ist gewalttätiger als die früheren Werke des John Wayne, vor allem wenn 'Mississippi' seine verheerende Miniaturschrotflinte einsetzt. Die Charakterentwicklung in "El Dorado" ist exzellent, und man nimmt sich die Zeit, jede Einzelperson mit Details auszustatten, so dass jede Aktion und jede Dialogzeile umfassend belegt ist. Die Nebenfiguren bekommen ebenfalls viel Einsatzzeit, was dazu führt, dass der Film gelegentlich die Gravitationskraft aus den Augen verliert und zu ungeraden Humoreinlagen greift, darunter absolut unnötigem Rassismus, Persiflagen und scherzhaften Wortgefechten, welche die Zeitspanne zwischen aufregenden Ballereien über Gebühr verlängern.

John Waynes Name und seine Begabung als blitzschneller Schütze werden immer mit ihm assoziiert werden. Aus seinem wettergegerbten Gesicht kommen immer wieder markige Kommentare. Jeder hat einen Beinamen, und die Bösewichte sind mehr als nur leblose Pappschablonen. Christopher George ist besonders besonnen und bedrohlich, während Edward Asner durchtrieben und selbstsicher ist. Es ist sicherlich nicht der beste Actionfilm von Howard Hawks, doch es wäre eine Schande, das Intermezzo zwischen dem Duke und dem unbeirrbaren, kaltblütigen Robert Mitchum zu verpassen.

Geschichten, in denen die Natur Amok läuft, waren schon immer faszinierend, vor allem wenn die Ursachen auf ein Minimum reduziert werden. Und von allen berühmten Horrorfilmen, die sich um wahnsinnige Tiere drehen, steht "Die Vögel" von Regisseur Alfred Hitchcock an vorderster Front, wenn es darum geht, den Quell des Terrors zu ergründen. Die Angstschreie sind echt, die Vogeleffekte halten sich trotz einiger offensichtlicher Szenen mit unpassenden Animationen und zusammengestückelten Aufnahmen ganz gut, und die allgegenwärtigen skeptischen Autoritätspersonen tragen zur Verschlechterung der Situation bei. Der Stoff, der auf einer Erzählung von Daphne Du Maurier basiert, ist ein äußerst packendes und ungeahnt dynamisches Werk, das durch die meist liebenswürdige Wesensart der Antagonisten noch aufgewertet wird.

Melanie Daniels (Tippi Hedren), die Tochter eines wohlhabenden Zeitungsinhabers, flirtet mit einem aufgeschlossenen Anwalt, den sie kurz in einem Vogelladen kennenlernt. Teils verärgert, aber auch fasziniert, macht sie sich auf den Weg, ihm nördlich von San Francisco nach Bodega Bay zu folgen und ihm ein Paar Unzertrennliche zu bringen. Es ist ein kleiner Scherz, der mit einem Bootsverleih, einem Besuch bei der Lehrerin Annie Hayworth (Suzanne Pleshette), die Informationen über die Familie ihres neuen Bekannten benötigt, und einer Fahrt über das Wasser zum Anwesen eines mysteriösen Mannes namens Mitch Brenner (Rod Taylor), der seine Mutter (Jessica Tandy) und seine jüngere Schwester (Veronica Cartwright) besucht, endet.

Auch wenn ein Hauch von klassischer Andeutung vorhanden ist, nämlich die Titelsequenz zu Beginn, das unheilvolle Kreischen der Vögel, eine abtrünnige Möwe und unheimliche Soundeffekte, beginnt "Die Vögel", Charaktere zu entwickeln, die dem Betrachter am Herzen liegen und die nicht nur Futter für gefräßige fliegende Biester sind. Es ist ein Wettstreit zwischen Melanie und Mitch, bei dem es darum geht, ob sie sich zueinander hingezogen fühlen, und ein Kampf zwischen Melanie und Annie, um ihre Beziehung und ihre Absichten mit dem gut aussehenden Anwalt nicht zu verraten, obwohl der Sozialarbeiter ein Zimmer bei der Lehrerin gemietet hat. Wenn man sich an "Psycho" orientiert, scheinen die Details irreführend zu sein, denn kurze Zeit später hören Hühner auf zu fressen, Möwen werden aggressiv und dadurch suizidgefährdet, und Horden von Krähen versammeln sich auf Telefonleitungen.

Annie und Melanie führen ein Gespräch, das die Vorgeschichte von Mitch und seiner verachtenden Mutter beleuchtet und die Beziehung zwischen den beiden, die zu Annies alleiniger Existenz geführt hat. Diese Rollen sind auffallend dreidimensional, mit ausgeprägten Persönlichkeiten und Eigenschaften, die alles tun, um denkwürdige Charaktere zu schaffen. Später offenbart Melanie sogar komplizierte Emotionen gegenüber ihrer eigenen Mutter, während Mrs. Brenner sich gegen die zuvor beschriebenen negativen Impressionen wehren muss. "Die Vögel" ist beileibe kein Standard-Tierhorrorfilm.

Sobald jedoch das eigentliche Chaos beginnt und der erste Vogelangriff fast eine Stunde andauert, wird Alfred Hitchcocks Vollkommenheit hinsichtlich der Suspense evident. Nach dem ursprünglichen Angriff werden die Dinge immer aufreibender, bis es schließlich zu einer der schockierendsten und grausamsten Sequenzen des Films kommt: eine Leiche mit ausgestochenen Augen. In einem blendenden Kontrast dazu zeigt eine andere bestürzende, dennoch sehr künstlerische Szene, wie Tippi Hedren ruhig auf einer Bank raucht, während sich im Bildhintergrund Dutzende von schwarzen Vögeln auf Spielplatzgeräten ansammeln, die von singenden Schulkindern flankiert werden. Mit humorvollen, verspielten Dialogen zu Beginn, einer Romanze, die mitten im Drehbuch ausbricht, und dem Horror, der sich für den Rest des Films einschleicht, ist "Die Vögel" ein Paradebeispiel für Alfred Hitchcocks Kunstfertigkeit in diesem Genre, gewürzt mit beängstigenden Aspekten und reichlich Spannung, vor allem für das Durchwandern dunkler Korridore, aber auch für Minuten, in denen man wortlos in einem Wohnzimmer sitzt und auf den nächsten unabdingbaren Vogelschlag wartet.

Seltsame Xylophonklänge, neonpinke und lila Lichter und ein blindwütiger Wissenschaftler, der von einer schleimigen, schlangenartigen Kreatur angegriffen wird, bilden den Auftakt zu "From Beyond - Aliens des Grauens" von Regisseur Stuart Gordon, einem herrlich abgedrehten Film vom Team hinter "Der Re-Animator" und "Liebling, ich habe die Kinder geschrumpft". Basierend auf einer Kurzgeschichte von H.P. Lovecraft haben Stuart Gordon und Drehbuchautor Brian Yuzna ein Cronenberg-artiges Meisterwerk aus Blutrünstigkeit, sexuellen Perversionen und abartig glibberigen Mutanten geschaffen, das sich mit John Carpenters "Das Ding aus einer anderen Welt" oder, in geringerem Maße, James Camerons "Aliens - Die Rückkehr" aus demselben Jahr messen kann. Es ist ein bizarrer, doch höchst unterhaltsamer Science-Fiction-Schocker.

Der Assistent Crawford Tillinghast (Jeffrey Combs) probiert ein neues Programm aus, das ihm sein Kollege Edward Pretorius (Ted Sorel) vorgeschlagen hat, um in das Reich der menschlichen Existenz einzudringen. "Es läuft von selbst!", schreit Crawford, als ihre Frankenstein-ähnliche Maschine, die von Metallschaltern, Hebeln und einem elektromagnetischen Feld gesteuert wird, durchdreht und es jenseitigen Monsterwesen gestattet, Edward Pretorius zu enthaupten. Crawford Tillinghast, der als paranoider Schizophrener gilt, wird für seinen Tod verantwortlich gemacht. Die Psychiaterin Katherine McMichaels (Barbara Crampton) besucht ihn auf der Station, wo er ihr erklärt, dass er bei seiner Arbeit mit Edward Pretorius die Zirbeldrüse benutzt hat, von der viele Wissenschaftler und Philosophen glauben, dass sie Zugang zu einem sechsten Sinn hat oder als drittes Auge dient, das einen visuellen Zugang zu einer anderen Dimension ermöglicht.

Ein CT-Scan zeigt, dass Crawford Tillinghasts Zirbeldrüse vergrößert und tumorähnlich ist, was seinen Entführern suggeriert, dass seine Forschung legitim war. Doch Katherine McMichaels ist die Einzige, die sich mit Crawfords Analysen befassen will. Indem sie ihn in ihre Obhut entlassen, haben sie die Möglichkeit, zur Pretorius-Stiftung zurückzukehren, um seinen Apparat, den so genannten 'Resonator', nachzubauen. Zu ihnen gesellt sich der Ex-Footballspieler Buford 'Bubba' Brownlee (Ken Foree), der jetzt als Detektiv arbeitet und die Aktivitäten als Wachmann begleiten soll. Im Keller, wo der Resonator wieder in Funktion ist, wird das Trio in die Anderswelt hineingezogen, ein Paralleluniversum, in dem sie nicht nur durch ätherische Freuden jenseits des normalen menschlichen Verständnisses sexuell stimuliert werden, sondern auch in den Bann von Edward Pretorius geraten, der sich in einen Meister der übernatürlichen, erotischen Völlerei und Transmogrifikation transformiert hat.

Die Spezialeffekte sind sensationell: Schminke, Prothesen und kitschiges Puppenspiel sorgen für hypnotisierende Grotesken und zerstückelte, fleischliche Horrorgebilde. Dass Charles Band als ausführender Produzent fungierte, mag abschreckend klingen, aber Stuart Gordon und Brian Yuzna haben einen wirklich einzigartigen, erschreckend viszeralen Horrorfilm geschaffen. Blut und Gemetzel stellen die Geduld des Betrachters gehörig auf die Probe. Auch der Humor kommt nicht zu kurz: Katherine McMichaels Kurzatmigkeit, ihr überstürzter Versuch, die wissenschaftlichen Vorzüge eines offensichtlich mörderischen Geräts zu erforschen, und ihre unbändige Neugier, weitere Experimente durchzuführen, nachdem sie fast von einem übergroßen Neunaugenmonster vergewaltigt und verschlungen wurde. Nachdem sie die exzessiven Katastrophen von Edward Pretorius' widerlicher Metamorphose miterlebt hat, besteht sie auch darauf, Eier zu braten, die ulkigerweise wie dicker Geifer in die Pfanne tropfen.

In "Tenet" von Regisseur Christopher Nolan belagern schwer bewaffnete Männer die Nationaloper in der Ukraine, stürmen die Gänge, zerschlagen Instrumente, legen Bomben und terrorisieren die Konzertbesucher. Doch nur wenige Sekunden, nachdem sie das Gebäude betreten haben, stürmen SWAT-ähnliche Soldaten, die offenbar mit der CIA zusammenarbeiten, das Objekt und versuchen, einen Agenten zu exfiltrieren, der in der Umkleidekabine ein seltsames Gerät versteckt hat. Diese Eröffnungssequenz soll offensichtlich mit dem Bankraub aus "The Dark Knight" konkurrieren, ist aber weder so überzeugend noch so geradlinig. Hier gibt es einen Austausch, kompromittierte Agenten, ein doppeltes Spiel und operative Irrtümer, die zu Kidnapping, Folter und Tod führen, wobei nichts davon im Vorfeld transparent ist. "Willkommen im Jenseits."

Letztlich ist alles eine Art Test, um festzustellen, ob ein namenloser Protagonist (John David Washington) für eine streng geheime Mission geeignet ist, die so kompliziert ist, dass es kaum möglich und vielleicht auch sinnlos ist, sie auszubuchstabieren. Im Wesentlichen geht es darum, den Dritten Weltkrieg zu verhindern. Von diesen ersten Momenten an entwickeln sich die Vorgänge rapide, zu turbulent, und es bleiben mehr Fragen als Antworten. Erschwerend kommt hinzu, dass der dröhnende, perkussive Soundtrack, der die Actionsequenzen gut unterstreicht, dazu neigt, Dialogpassagen zu übertönen, die kurze, wahrscheinlich notwendige Informationen enthalten. "Ihre Pflicht geht über nationale Interessen hinaus".

Es gibt zwar einige explizite Definitionen, aber die sind langwierig und fachspezifisch. Inverse Strahlung aus der Kernspaltung erzeugt invertierte Materialien, die als 'Detritus eines kommenden Krieges' bezeichnet werden. Wie erwartet wird die kryptische Handlung nur noch von den komplizierten Aussagen der Wissenschaftler übertroffen, die von den Charakteren selbst nicht in Frage gestellt werden. "Versuchen Sie nicht, es zu verstehen", rät eine Technikerin (Clemence Poesy), nur eine von zahlreichen Personen, die in einer einzelnen Szene auftauchen, um den Protagonisten über ein Detail zu informieren, bevor sie ganz aus dem Film verschwinden, und spricht damit eines der naheliegenden Nachteile einer verschwurbelten Prämisse laut aus.

Ähnlich verwirrend ist der Schnitt im ersten Akt, wo bestimmte Momente so beginnen, als wären sie schon zur Hälfte durch, um dann abrupt zu stoppen, als wären sie noch nicht fertig, was ein unnötiges Wettlauftempo und erhebliche Konfusion hervorruft. "Tenet" will nicht, dass der Betrachter in nennenswertem Umfang darüber reflektiert, was hier geschieht. Stattdessen soll er sich zurücklehnen und das Abenteuer genießen, als Realist in der Zukunft auf Hinweisjagd zu gehen und in actionreichen Proben mit der Vergangenheit zu interagieren. Dies wird nie klarer als in dem Moment, in dem der Protagonist ein paar Worte mit einem Waffenhändler wechseln muss und ein Bungee-Seil für die Infiltration und Flucht vor den staatlichen Instanzen benötigt.

Echte Spannung taucht zwar auf, um die weitschweifigen Dialoge zu kompensieren, aber sie sind von der überproduzierten Sorte, oft mit optisch bedrohlichen Personen mit Tätowierungen, Lederjacken, rasierten Köpfen und gleichgültigen Mienen. Wenn die Jungfrau in Nöten, Katherine Barton (Elizabeth Debicki), schließlich den Hauptbösewicht (Kenneth Branagh) konfrontiert, sind sie in einer Melange aus Erpressung, Mord, Faustkämpfen, verdeckten Ermittlungen, Aufklärungsarbeit, Diebstählen, Verfolgungsjagden und Explosionen eindeutige Vorboten. Das Budget ist gigantisch und die Bilder bestätigen dies. Exotische Drehorte und aufwendige Filmkulissen lassen an die letzten James-Bond-Abenteuer denken.

Schließlich werden die Merkmale der umgekehrten Chronologie deutlicher, als die Hauptfiguren von der Zukunft angegriffen werden, wobei sie einige Anleihen bei "Looper" und "Timecop" machen, während sie das Großvater-Paradoxon kommentieren und sich physisch mit einer vergangenen Version von sich selbst verbinden, aber das meiste davon ist völlig unverständlich. Rückwärts gespielte Filmaufnahmen und Actionsequenzen, in denen man sich in beide Zeitrichtungen gleichzeitig bewegt, sind absurd, aber zwingend und führen zu einem unfassbar spannenden Finale, auch wenn es weiterhin wenig logisch ist; selbst wenn ein Kommandeur seinen Truppen mitteilt, was sie gleich tun werden, ist es immer noch irreführend. Der Betrachter will, dass die Helden reüssieren, auch wenn er nicht exakt weiß, wann und wie sie triumphieren werden. Dies ist ein Indiz für den Sinn des Regisseurs Christopher Nolan für Innovationen. Doch viele der Lösungswege bleiben ebenso rätselhaft wie die entsprechenden Erklärungsmuster. Nur die treuen Anhänger seiner Filme werden sich "Tenet" leider noch einmal ansehen, bis sie manche der Geheimnisse verstanden haben, alle anderen werden sich vermutlich damit begnügen, verdattert und nur notdürftig beglückt worden zu sein. "Wir sehen uns am Anfang, mein Freund."

"Das Ding aus einer anderen Welt" von Regisseur John Carpenter ist wahrscheinlich das beste Horrorfilm-Remake aller Zeiten. John Carpenters Version baut auf den Ideen des Originals auf, das auf John W. Campbell Jr.'s 'Who Goes There?' basiert, verdreht sie aber mit der nihilistischen Vorliebe der 1980er Jahre für böse außerirdische Eindringlinge. Außerdem hebt John Carpenters Umsetzung die Spezialeffekte auf ein neues Niveau mit unglaublich realistischen Modellen und Animatronics, blutiger Stop-Motion-Animation und sensationellem Maskenbild von Rob Bottin, dem Meister der praktischen Effekte. Erstklassige Darstellerleistungen und traumhaft schauerliche Kulissen ergänzen diesen Kultklassiker, der sich über seine B-Movie-Slasher-Ursprünge hinaus zu einem der Inbegriffe des Science-Fiction-Horrors entwickelt hat.

Tief im Eis des Südpols vergraben, entdecken norwegische Wissenschaftler die Überreste eines parasitären Außerirdischen, der in der Lage ist, andere Lebewesen zu imitieren, mit denen er in Kontakt kommt. Mit der Fähigkeit, seine Zellstruktur so zu verändern, dass sie den physischen Eigenschaften anderer Lebensformen entspricht, kann das hässliche 'Ding' im Grunde in jeder Zivilisation unentdeckt bleiben und stellt somit eine Gefahr für die gesamte Menschheit dar. Nachdem es alle Wissenschaftler getötet hat, gelingt es einem einzigen infizierten Hund, zu einem nahegelegenen amerikanischen Außenposten zu entkommen und eine dauerhafte Inbesitznahme der dort stationierten, unwissenden Menschen zu beginnen. Unter der Führung des Hubschrauberpiloten R.J. MacReady (Kurt Russell) muss die gefangene Crew versuchen, den gestaltwandelnden Feind zu vernichten und gleichzeitig gegen die Unsicherheit und das Misstrauen ankämpfen, welche die Gruppe schnell überwältigen. Während die Leichenrate steigt und die Temperatur sinkt, bleibt eine morbide Frage: Wer wird überleben und wer wird zu diesem Ding?

Die Geschichte ist virtuos umgesetzt, mit dunkler, furchterregender Kameraarbeit, klaustrophobischen Settings und geheimnisvollen Grotesken. Wie in Ridley Scotts "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" erzeugt John Carpenter Spannung durch die Verwendung von Aufnahmen geschwärzter Korridore, düsterer Schatten und kurzer Blicke auf verstümmelte Körper und Alienkadaver. Themen wie Isolation, Argwohn und Paradoxie tragen zur Stimmung bei, während die Musik von Ennio Morricone mit ihren pulsierenden Bässen und grellen synthetischen Klängen an andere Projekte von John Carpenter erinnert, die er größtenteils selbst vertont hat.

Kurt Russell verkörpert MacReady mit gleichmäßigem Temperament und souveräner Präsenz, einen Vermittler, der die Kontrolle übernehmen und das Chaos bändigen muss, das sich anhäuft, nachdem er immer mehr Opfer entdeckt hat. Alle anderen füllen die Rollen der Besatzungsmitglieder perfekt aus, mit unterschiedlichen Graden von Psychose, Irrationalität oder Furcht. Wilford Brimley als der verrückte Dr. Blair und Keith David als der aggressive Childs führen die exzellenten Nebendarsteller an, von denen jeder ein Höchstmaß an idiosynkratischer Einzigartigkeit besitzt, die die Effektivität ihrer Tode oder ihres Durchhaltevermögens erhöht. Und ganz unverfroren tritt in "Das Ding aus einer anderen Welt" keine einzige Schauspielerin auf, sondern überlässt die stereotypische Hysterie den männlichen Darstellern. Auch eine halbherzige Lovestory, die dem Überlebenskampf im Wege steht, existiert nicht.

Die natürlichen Kreaturen und Make-up-Effekte in "Das Ding aus einer anderen Welt" übertreffen die meisten CG-Arbeiten dieser Zeit bei weitem und versetzen auch heute noch in Erstaunen. Das Originalmonster von James Arness kann mit den schleimigen, glitzernden, deformierten Monstrositäten, die hier zu sehen sind, nicht mithalten. Vom blutenden Hundehybrid mit seinen frenetischen roten Tentakeln bis hin zum wahnsinnig innovativen abgetrennten Kopf, der spinnenähnliche Beine ausspuckt, bevor er davonhuscht - Rob Bottins inspirierte Designs mit ein wenig Hilfe von Stan Winston sind der Stoff, aus dem die schönsten Albträume des Kinos sind. Noch nie zuvor sahen angsteinflößende Mutationen und blutig zerstückelte Gliedmaßen so beängstigend natürlich aus. Selbst die Szenen mit Spritzen und Blutabnahme scheinen die Grenzlinie der Empfindlichkeit zu testen. Manche interpretieren den signifikanten Stil des Films zwar als zu abstoßend oder als bloße Kompensation für die lohnenswerte Substanz, doch das Ergebnis der Mischung aus hohem Gruselfaktor, nervenraubendem Thrill und einer klassischen Sci-Fi-Prämisse ist ein unvergessliches Werk von makaberer Filmkunst.

"Rosemary's Baby", das schockierende Meisterwerk von Regisseur Roman Polanski, erzählt mit unkonventionellen Mitteln und empathischen Schauspielern eine bizarre Geschichte über Paranoia und Hexerei. Wunderbare Vorausdeutungen, innovative Kinematographie und ein erschütternder Schluss machen diesen Film zu einem Grundpfeiler des Horrorgenres, dessen Einfluss sich auf fast alle nachfolgenden Psychothriller ausgewirkt hat. Die Gedanken an Verlassenheit und Perfidie in der Ehe, in Freundschaften und schließlich im eigenen Körper sind wirklich beängstigende Konzepte, die hier mit einer Authentizität präsentiert werden, die über die filmischen okkulten Machenschaften dämonischer Kultisten weit hinausgeht.

Im New York des Jahres 1965 ziehen Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) und ihr Mann Guy (John Cassavetes) in eine neue, geheimnisumwitterte Wohnung. Dazu tragen vor allem ihre Nachbarn Minnie (Ruth Gordon) und Roman Castevet (Sydney Blackmer) bei, die eine unwiderlegbare Aura von Exzentrik und Fremdartigkeit ausstrahlen. Verdächtig sind auch die angebliche Senilität des Vormieters und das vorzeitige Ableben einer vom Glück verlassenen Drogenabhängigen.

Da Guy immer weniger Zeit mit Rosemary verbringt, muss das Paar eine bestimmte Zeit festlegen, um zu versuchen, ein Kind zu zeugen. Als Rosemary in ihrer besonderen Nacht vorzeitig einschläft, träumt sie davon, von etwas nicht ganz Menschlichem vergewaltigt zu werden. Am nächsten Morgen teilt Guy ihr mit, dass er die Gelegenheit und die geplante Aktion an diesem Abend nicht verpassen wollte und deshalb trotz ihrer Bewusstlosigkeit Sex mit ihr hatte. Doch das erklärt nicht die Kratzer auf Rosemarys Torso. Dennoch wird sie schwanger und wird von den übermäßig aufmerksamen Castevets betreut. Gordons Verwöhnprogramm ist besonders abstoßend, ebenso wie der Arzt, den sie empfehlen, Abraham Sapirstein (Ralph Bellamy). Mit fortschreitender Schwangerschaft wird sie schwächer, verliert an Gewicht und Hautfarbe und leidet unter unnatürlichen Schmerzen. Erschwert wird sie auch durch das unerklärliche Koma ihres einzigen verbliebenen, wirklich besorgten Freundes Hutch (Maurice Evans), dem es gelingt, Rosemary zu warnen, dass mit ihrem ungeborenen Kind etwas nicht in Ordnung sein könnte.

"Rosemaries Baby" beginnt mit einer schaurig-schönen, von Hauptdarstellerin Mia Farrow gesummten Melodie, die den Ton dieses teuflischen Horrorfilms perfekt vorgibt. Die Vorzeichen werden durch die Einführung rätselhafter Situationen im neuen Haus der Woodhouses sofort deutlich: Ein Sekretär wurde versetzt, um eine Schranktür zu verdecken, und eine Mieterin, die bei den Nachbarn gewohnt hat, bringt sich wenige Stunden nach Rosemaries Begegnung mit ihr um. Durch den sensationellen Gebrauch von Irreführung, Zweideutigkeit und allgemeinem Misstrauen bleibt der Film unglaublich spannend, auch ohne Blutvergießen und Gewalt. Jedes Mal, wenn sich Rosemary an einem Ort befindet, an dem sie sich wohlfühlt, wird sie durch katastrophale Ereignisse brutal erschüttert, so als wolle sie den Betrachter aus der momentanen Entspannung seiner Nerven reißen.

Die Kameraführung ist fantastisch, mit abrupten Schnitten von Szene zu Szene, fast ohne Übergänge - ein verstörender Schnittstil, der in der modernen Filmproduktion quasi nicht mehr vorkommt. Türöffnungen rahmen oft Teile der Personen mit Blick auf ihren Rücken ein und schaffen so eine unheimliche Trennung oder den Eindruck, dass der Betrachter nicht Zeuge des Gesprächs sein soll, während eine tickende Uhr Traumsequenzen auf beunruhigende Weise von der Realität zu trennen scheint. Die Stimmung und die Inszenierung stehen ganz im Zeichen des Schocks und der Angst, denn Rosemaries Schwangerschaft ist ständig von einem schleichenden Horror umgeben, der den natürlichen Unglauben über satanische Ahnungen wirksam beschwichtigt. Obwohl das Finale alles andere als ein Hollywood-Ende ist, verdient "Rosemaries Baby" Anerkennung für seine atemberaubende Verwegenheit und Innovation beim Verrat an der Moral des Betrachters und der Genugtuung der Hauptfiguren - eine Subversivität, die sich mit dem ultimativen Missbrauch von Rosemaries Verstand und Physis verbindet.

"Der Leuchtturm" von Regisseur Robert Eggers beginnt mit ausgedehnten Sekunden der Schwärze und dann düsteren Grautönen und tut sein Bestes, um visuelles Befremden und Desorientierung zu erzeugen, während sich zwei schattenhafte Gestalten an Bord eines Bootes einem Leuchtturm nähern. Die Bewegung findet in dunklen Bereichen des Bildschirms statt, etwa ganz oben oder tief in einer Ecke, während die Musik meist aus dröhnenden Nebelhörnern und gespenstischem Pfeifen des Windes besteht. Darüber hinaus bewirken das unübliche, kastenförmige Seitenverhältnis und die gedämpfte Schwarz-Weiß-Kinematographie Klaustrophobie und Unschärfe.

Es ist eine wunderbar spukhafte Umgebung für den magerbrüstigen Thomas Wake (Willem Dafoe) und den schüchternen Neuankömmling Ephraim Winslow (Robert Pattinson), zwei einsame Seelen, die vier lange Wochen auf einem scheinbar verlassenen Außenposten stationiert sind. Die Korridore sind in tiefe Finsternis gehüllt, und in beunruhigender Weise schneiden scharfe, kontrastreiche Lichtstrahlen ins Bild. Die ständige Verschleierung ist eine geniale Methode in einer so kleinen, einfachen Arena mit nur zwei Darstellern, ein paar Räumen und spärlichen Requisiten. In kurzer Zeit finden der jüngere, unerfahrene, untergeordnete Ephraim und der ältere, frustrierte, nörgelnde Thomas Mittel und Wege, sich gegenseitig zu vergrätzen, sich permanent zu beschimpfen und durch die Isolation und das Ausfransen der Nerven allmählich den Verstand zu verlieren.

Nachdem er seinen Pflichten nachgekommen ist und diverse Insultationen ausgetauscht hat, träumt Ephraim Winslow unmittelbar einen bizarren, halluzinatorischen Traum über den Tod und eine Meerjungfrau. Auch tagsüber wird er von bösen Omen geplagt, unter anderem von einer einäugigen Möwe. Möglicherweise hat es auch damit zu tun, dass der ehemalige Leuchtturmwärter wahnsinnig wurde, weil er glaubte, der Ort sei verflucht. "Ich hätte dich nicht für einen belesenen Mann gehalten."

Es ist alles sehr merkwürdig, psychosexuell, verschroben, surreal, verquer und manchmal sogar nonsensal, eine Mischung aus Luis Buñuel und Maya Deren mit David Lynch und Alejandro Jodorowsky. Doch die Dialoge sind geistreich, humorvoll und fiebrig-poetisch, und sie unterstreichen auf verrückte Weise, wie gut William Dafoe und Robert Pattinson zusammenarbeiten. Es ist ein brillantes Kräftemessen zwischen der Sensibilität von Ephraim Winslow und der Dickköpfigkeit und dem Wahnwitz von Thomas Wake, und William Dafoe und Robert Pattinson sind schlichtweg grandios. Obwohl sie nicht völlig in ihren Rollen aufgehen, nehmen sie die Exzentrik ihrer Figuren in erheblichem Maße an. Der Werdegang, die unbequeme Enge und die verbalen Auseinandersetzungen sind regelrecht explosiv. "Trübsal - schlimmer als der Teufel. Die einzige Medizin ist Alkohol."

Je mehr der Betrachter sieht, wie sich diese gesalzenen Teere geistig abwickeln, desto faszinierender und absurder wird es. Die Realität verschmilzt mit der Fantasie und dann wieder mit dem unsterblichen Wahnsinn, während die Tage und Nächte unentzifferbar werden und ein Sturm unaufhörlich wütet. Wer von den beiden ist der Verrückte? Oder wer ist noch verrückter? Hinter den verstörenden Motiven, morbiden Hirngespinsten und bröckelnden Identitäten verbirgt sich eine interessante Charakterstudie und eine Teufelskombination aus Drama und psychologischem Horror. Letztendlich könnte das alles nur ein Trugbild von jemandem sein. Dennoch ist "Der Leuchtturm" in seiner Eigenart absolut unique. "Ich habe alles durchdacht!"

1. Andrei Arsenjewitsch Tarkowski
2. Mark Calaway
3. Klaus Kinski
4. Corey Taylor
5. Edward Lee
6. Till Lindemann
7. Jackson Pollock
8. Bryan Cranston
9. Werner Herzog
10. Eiichirō Oda

Eines der vielen Dinge, die Filme erreichen können, ist, den Betrachter in eine völlig andere Welt zu versetzen, die er vielleicht noch nie gesehen hat. Diese Filme können die Geschichten einzigartiger Menschen einfangen, die aufschlussreiche und faszinierende Themen präsentieren. Dokumentarfilme eignen sich in vielerlei Hinsicht besonders gut für diese Untersuchung, da sie Geschichten über echte Menschen und ihre Interaktionen erzählen. Das ist der Fall bei "The Truffle Hunters" von den Regisseuren Michael Dweck und Gregory Kershaw, einem Film, der versucht, einen Blick in die stille Welt der traditionellen Aristokratie zu werfen, und dem es gelingt, charmante Persönlichkeiten durch einen warmen und einladenden Ton zu porträtieren.

In den Wäldern einer kleinen italienischen Stadt namens Piemont frönt eine Gruppe älterer Männer den Leidenschaften, die ihren Lebensabend bestimmen: Sie sind besessen davon, in die Wälder zu gehen und so viele weiße Alba-Trüffel wie möglich zu finden, eine seltene und teure Sorte dieser feinen Delikatesse, die ich selbst schon probieren durfte. Jeder von ihnen hat auch einen treuen Hund oder ein Rudel von Hunden als Assistenten, um die seltenen Leckereien aufzuspüren und auszugraben. Diese Männer verfügen auch über eine Reihe von Fähigkeiten, die seit Jahrzehnten genutzt werden. Doch ihre Arbeit ist nicht ohne Nachteile. Der zunehmende Wettbewerb auf dem Markt und die sich verschlechternden klimatischen Bedingungen haben die Suche nach erstklassigen Exemplaren noch schwieriger gemacht und häufig zu ernsthaften Streitigkeiten geführt. Dennoch geben sich diese Männer weiterhin ihren Passionen hin und suchen nach dem Funken, der ihrem Leben Sinn und Freude verleiht.

Michael Dweck und Gregory Kershaw gelingt es auf erstaunliche Weise, den Blick auf diese Welt zu schärfen. Die Filmaufnahmen fangen die schönen Landschaftsmotive mit Bravour ein und zeigen die einfachen Momente mit einer starken filmischen Linse. Die Bilder wirken sorgfältig inszeniert und doch authentisch für das Leben der Menschen, die sie bewohnen, und die gezeigte Ästhetik ist strukturiert und lebendig. Das spürt man vor allem in den langen Sequenzen, die die Jagd aus der Sicht der Hunde zeigen, und es sind imposante Momente, die das technische Handwerk und das Gespür für den Ort zeigen, das die Schilderung noch eindrucksvoller macht. Der Regie gelingt es auf bewundernswerte Weise, eine liebenswerte Geschichte zu erzählen, bei der es eine Freude ist, ihr zuzusehen.

"The Truffle Hunters" ist zwar voller amüsanter Stellen, aber man hat das dumpfe Gefühl, dass die Gliederung der Geschichte nicht besonders stringent ist. Es wird zwar sehr darauf geachtet, dass die Filmaufnahmen makellos sind, aber das langsame und oft mäandernde Tempo der Darstellung verhindert ein tiefgehendes Eintauchen. Es gibt eine ziellose Qualität, und es ist oft nicht möglich, den nötigen Impetus aufzubauen, um sich wirklich mit den vorgestellten Punkten zu befassen. Viele der beteiligten Personen sind aufregend anzuschauen, vor allem wegen des Charmes, den sie ausstrahlen, aber gleichzeitig führt das Hin und Her zwischen diesen Charakteren dazu, dass das Drama zerbricht und die Interessen weniger definiert werden. Man kann die Inhalte, die angesprochen werden, immer noch nachvollziehen, aber Dokumentarfilme brauchen auch Persönlichkeiten, die durch ihre Konflikte emotionale Bindungen schaffen. Hier fühlt sich diese Exploration nur oberflächlich an und ist leicht subliminal.

Die Geschichte selbst ist zwar nicht so packend, wie sie sein könnte, aber es ist schwer, sich nicht von diesen sympathischen Männern und ihren liebgewonnenen Vierbeinern in den Bann ziehen zu lassen. Ihr Eifer ist in jeder Szene ansteckend, und es ist spannend zu beobachten, wie sie sich immer weiter in ihre Arbeit vertiefen. Es sind Menschen, die in einer sich verändernden Welt leben, in der altmodische Regeln und Vereinbarungen nicht mehr gelten, und diese Frustration geht Hand in Hand mit der Befriedigung, die Früchte ihrer Arbeit zu finden. Der Leitfaden mag nicht der komplexeste oder detaillierteste sein, aber die Abbildung einer Gemeinschaft, die Innovation versteht und gleichzeitig Traditionen schätzt, macht diese Männer zu faszinierenden Persönlichkeiten und zwingt einen, sich näher zu informieren.

"The Truffle Hunters" hat einen gewaltigen Reiz, der das ganze Werk letztlich sehr attraktiv gestaltet. Die enorm starke Regie trägt dazu bei, eine intime, aber dennoch differenzierte Sichtweise zu schaffen, die eine kraftvolle Einbeziehung in diese Gesellschaft von charismatischen Menschen ermöglicht. Die Struktur der Handlung missfällt am meisten, und die emotionalen Bezüge, die notwendig sind, um einen tieferen Bedeutungsgehalt zu finden, wirken flüchtig und planlos. Dennoch ist "The Truffle Hunters" nicht gänzlich frei von thematischem Gewicht, und es gibt viel zu würdigen bei der Erforschung einer Studie über eine Schar von Männern, die angesichts einer sich entwickelnden Umwelt, die das immer schwieriger macht, stolz auf ihre Überzeugungen sind. So gelingt es dem Film, einen sehenswerten Ausflug in einen wichtigen Winkel unserer Erde zu bieten.

"Der Mann, der lacht" von Regisseur Paul Leni spielt im England des 17. Jahrhunderts: Seine Majestät König James II. wird unsanft von Barkilphedro (Brandon Hurst) geweckt, dem Hofnarren, einem teuflischen kleinen Mann mit einem falschen Lächeln und bösen Scherzen. Sein jüngstes Eindringen ist jedoch kein Witz: Der stolze Rebell Lord Clancharlie (Conrad Veidt) ist gefangen genommen worden. Clancharlie, der jetzt in Ketten liegt und dessen Gesicht mit Dreck beschmiert ist, kam zurück, um seinen kleinen Jungen zu holen, der noch am Leben ist. Doch der in Ungnade gefallene Fürst ist entsetzt, als er feststellt, dass seinem Sohn von Chirurgen aus 'Comprachico' ein hässliches Grinsen ins Gesicht geschnitzt wurde: Dabei handelt es sich um Roma, die mit gestohlenen Kindern handeln und sie als monströse Clowns und Narren missgestalten. Und mit dieser letzten, vernichtenden Bestätigung wird Clancharlie abgeführt, um in einem Stachelsarg unter dem Namen Eiserne Jungfrau hingerichtet zu werden.

Auch wenn man die 'Comprachicos' aus England verbannte, sprach Barkilphedro die Wahrheit. Der Sohn von Clancharlie, Gwynplaine (Julius Molnar Jr.), wurde im Gesicht grausam verstümmelt. Von den 'Comprachicos' im Stich gelassen, wandert Gwynplaine durch die verschneite Landschaft und trifft auf ein blindes kleines Mädchen, dessen Mutter zu Tode gefroren ist. Er bringt das Kind in das Haus des Philosophen Ursus (Cesare Gravina), der die beiden wie seine eigenen Kinder aufzieht. Das Trio reist in einer grünen Kutsche von Stadt zu Stadt und hat eine erfolgreiche Zeit, in der der inzwischen erwachsene Gwynplaine (ebenfalls Conrad Veidt) als Darsteller von 'Der lachende Mann' bekannt wird. Ihm zur Seite steht die erwachsene Dea (Mary Philbin), jetzt ein umwerfendes junges blondes Fräulein, das ihn nur als Lichtgestalt sehen kann.

"Der Mann, der lacht" basiert auf Victor Hugos klassischem Roman 'Der lachende Mann' und enthält die gleichen erschütternden Ideen wie "Der Glöckner von Notre Dame", "Das Phantom der Oper", "Die Schöne und das Biest" und sogar "Frankenstein". Kann äußere Hässlichkeit durch innere Schönheit kompensiert werden? Dieser Film ist inspirierend, traurig und kraftvoll zugleich, zumal es sich bei dieser Verfilmung aus dem Jahr 1928 unter der Regie von Paul Leni um einen Stummfilm handelt. Die beeindruckende Grafik macht das Fehlen von Audio-Interaktion jedoch mehr als wett. Die musikalische Umrahmung, das Maskenbild, die Gesichtsmimik und die originelle Kameraführung prägen diesen Film weit über seine Grenzen hinaus. Darüber hinaus wurde Conrad Veidts Aussehen in das Erscheinungsbild von Batmans Erzfeind, dem Joker, übertragen, und zwar durch ein übergroßes Gebiss, Metallhaken und Netzgewebe, die von dem Hollywood-Newcomer Jack Pierce entworfen wurden, wodurch der Einfluss des Films deutlich sichtbar wird.

Victor Hugos Faszination für menschliche Kuriositäten verleiht "Der Mann, der lacht" nicht nur einen einzigartigen Protagonisten, sondern auch eine Fülle farbenfroher Bösewichte, die in ihren Gesichtszügen und Handlungen noch widerwärtiger sind als die entstellte Visage von Gwynplaine. Auf dem Jahrmarkt von Southwark trifft das Publikum einmal mehr auf den bösen Dr. Hardquanonne (George Siegmann), der einst den lachenden Mann operierte und nun die Königin und ihren Hofstaat ruinieren will, darunter die biestige Herzogin Josiana (Olga Baclanova) und ihren Verlobten, den dämlichen Lord Dirry-Moir (Stuart Holmes). Die Widersacher sind weitaus zahlreicher als die Heroen.

Trotz seines frühen Beitrags zum dramatischen Horror behandelt "Der Mann, der lacht" einige auffallend ernste und reife Themata. Andeutungen von Freizügigkeit, Promiskuität, unzüchtigen Handlungen, mittelalterlichen Folterungen, der Misshandlung von Kindern, dem Missbrauch von Abnormitäten, falscher Inhaftierung und Mord sind nur einige der morbiden Elemente in dieser bewegenden Tragödie. Im Mittelpunkt stehen aber auch die wahre Liebe und die gravierenden Folgen von Diskriminierung, die sie zu zerstören drohen, aber nie überwunden werden. Wie in vielen großen literarischen Schriften gibt es auch in dieser Geschichte eine Erlösung und einen Triumph, wenn auch erst nach einigen qualvollen und wagemutigen Erlebnissen. Es gibt Probleme mit der Ausführung, insbesondere mit Josianas widersprüchlichen Motiven oder einer mangelnden Klärung ihrer Absichten, da ihre anfängliche Sympathie als Versuch der Manipulation ausgelegt werden könnte, aber das Finale ist ungemein prachtvoll.

In "Timerider - Die Abenteuer des Lyle Swann" von Regisseur William Dear ist das 'Projekt Timerider' der eigenständigen, geheimnisvollen Firma 'CCI' das neueste Zeitreise-Experiment, das nun mit einem weiblichen Affen als erste Probandin durchgeführt wird. Ziel ist es, sie in das Jahr 1862 zu versetzen und sie dann in die Gegenwart zurückzuholen. Um die einmischende Presse und unangenehme Erwägungen der Regierung zu vermeiden, verlegen die beteiligten Ärzte und Wissenschaftler die Mission in eine mexikanische Wüste, weit weg von neugierigen Blicken. Aber zufällig ist es nicht weit genug von der Zivilisation entfernt, um der Startnummer 82 des Baja 1000 Dirtbike-Rennens, Lyle Swann (Fred Ward), zu entgehen, der zufällig in der Nähe unterwegs ist.

Als Lyle Swann eine von Dr. Sams (Macon McCalman) Flaggen für eine Rennmarkierung hält, reist er unwissentlich in die Zeitreisezone und wird zusammen mit dem Affen transportiert, der es sich in einer zylindrischen Metallvorrichtung bequem gemacht hat. Doch gerade als der Affe in seine frühere Zeit zurückversetzt wird, überschreitet Lyle Swann versehentlich die Schwelle, so dass er in der Kleinstadt San Marcos im Jahr 1875 strandet. Seine erste Begegnung mit einem älteren Mann, der in der Wildnis zeltet, endet damit, dass der Senior einem Herzinfarkt erliegt - dank Lyle Swanns Motorrad, seiner Taschenlampe und seiner knallroten Jacke.

Die Prämisse ist zweifelsohne interessant und bietet viele Möglichkeiten für kreative oder experimentierfreudige Interaktionen mit Menschen und Orten aus der fernen Vergangenheit. Doch die Macher von "Timerider - Die Abenteuer des Lyle Swann" wissen nicht recht, wie sie aus dieser Konstellation etwas Besonderes machen können. Den anfänglichen Momenten im alten Westen fehlt nicht nur der Humor, den sie eigentlich hätten haben müssen, sondern auch die Action und die Spannung. Dies setzt sich mit der Einführung des blutgierigen Geächteten Porter Reese (Peter Coyote) und seiner Bande von Banditen fort, die in den Sequenzen, in denen sie abwechselnd lustig und furchteinflößend sein sollen, weder witzig noch bedrohlich sind.

Es dauert nicht lange, bis eine weitere Variante in Betracht gezogen wird: eine Romanze mit der etwas anachronistischen Claire Cygne (Belinda Bauer). Aber das ist nur eine weitere Komponente dieser Fisch-aus-dem-Wasser-Geschichte, die nicht gut gehandhabt wird - unvorhersehbarerweise beginnt sie mit Sex, bevor sie zum Flirten übergeht, wobei weder das eine noch das andere irgendeine Chemie oder Seriosität hat. In den grundlegenden Gedanken steckt so viel Potenzial, aber eine Szene nach der anderen plätschert vor sich hin, ohne jegliche Bedeutung hinsichtlich Spannung, Mitgefühl oder Erregung. Für einen Film über einen zeitreisenden BMX-Profi, der gegen revolverschwingende Cowboys kämpft, ist das eine ziemlich blödsinnige Veranstaltung. Selbst der ureigenste Gesichtssinn ist auffällig abwesend.

Selbst wenn es Schießereien oder Verfolgungsjagden gibt, dienen der Schnitt und die Choreographie nur dazu, sie zu dämpfen. Das Fehlen von Musik, vor allem während des Tempos, ist ebenfalls irritierend. Es ist, als ob die Filmemacher absichtlich versuchen, die langweiligste Sci-Fi-Fantasie zu produzieren, die man sich vorstellen kann. Die Western-Elemente, die Komödie und fast alle Dialoge, die Liebesgeschichte und der futuristische Besucher mit seinen technischen Errungenschaften bieten alle Möglichkeiten für Spaß. Stattdessen bietet keiner von ihnen einen Spannungsbogen oder wirkungsvolle Kontrastpunkte oder etwas besonders Individuelles. "Timerider - Die Abenteuer des Lyle Swann" ist seltsam, verstörend, und unfassbar pathetisch.

Chainsaw Charlies Horror-Oktober 2022 #15/31
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In "Tanz der Teufel" von Regisseur Sam Raimi überqueren fünf Teenager die Landesgrenze von Tennessee, um in einer alten Blockhütte in den Wäldern Urlaub zu machen. Der Handlungsort ist unmittelbar unheimlich, und es wird keine Zeit mit der Entwicklung der Charaktere oder dem Aufbau verschwendet. Das marode Gebäude hat ein dunkles, staubiges Inneres, tierische Totenschädel, Lichter, die scheinbar Falschlicht ausstrahlen, eine mysteriöse Hollywoodschaukel, eine kaputte Uhr und einen Keller, in dem eine Art teuflisches Wesen haust. Schon in den ersten fünf Minuten taucht Scotty (Richard DeManincor) in das nasskalte, unterirdische Gehäuse hinab, um Nachforschungen anzustellen, und lässt die anderen irritiert über seine lange Abwesenheit zurück. Selbstverständlich treibt er nur seinen Schabernack, um sie kurz zu erschrecken. Im Keller entdecken sie eine alte Aufzeichnung des vorherigen Bewohners über seine Forschungen zu sumerischen Relikten, darunter das Buch der Toten, die dämonische Besessenheit seiner Frau und die beste Methode zur Leichenzerlegung.

Beim Anhören der Kassetten entfachen die fünf versehentlich wütende Dämonen, die die Studenten attackieren. Cheryl (Ellen Sandweiss) wandert leichtsinnig in den Nebel und die Dunkelheit und trifft als Erste auf den Urfeind, der sich einiger verknöcherter Ranken bemächtigt, sie fesselt und vergewaltigt. Sie flieht zurück in die Hütte, doch die anderen sind skeptisch gegenüber ihrer abenteuerlichen Behauptung. Ashley 'Ash' Williams (Bruce Campbell) erklärt sich widerwillig bereit, Cheryl zu einem nahe gelegenen Hotel zu fahren, doch die Brücke, über die sie ursprünglich zur Hütte gelangt sind, ist inzwischen eingeschlagen. Als sie zu den anderen zurückkehren, macht Cheryl einige drastische Transformationen durch, darunter verwesendes Gewebe, trübe Pupillen, die Fähigkeit zu schweben und eine markerschütternde Stimmlage. Die übrigen werden bald auf unmenschliche Art von der übersinnlichen Gewalt ergriffen werden.

Geigenmusik im Wechsel mit lockeren romantischen Riffs, hallende Stimmen, schnelle Zooms, extrem enge Nahaufnahmen, Jump Scares, laute Geräusche und tonnenweise Gore machen "Tanz der Teufel" aus, einen Film, der ernsthaft versucht, furchteinflößend zu sein, aber leider mit den uneffektivsten darstellerischen und literarischen Qualitäten aufwartet. Zweimal wird Ash unter einem umgestürzten Bücherregal festgenagelt. In Ashs offenem Mund spritzen Blut und Schleim auf komödiantische Weise. Die Protagonisten bewegen sich so langsam, dass es oft so aussieht, als würden die paralysierten Opfer einfach aufhören zu reagieren. Außerdem besteht jeder darauf, sich allein in den Wald zu wagen. Auch bei den Details gibt es eine Diskrepanz: Die Gründlinge werden ohne Definition in den Bann gezogen. Unglaublich unglaubwürdig sind auch die Dialoge, die die Horrormomente mit sprachlichen Widersinnigkeiten kontrapunktieren.

Doch für alle Elemente, die nicht funktionieren, gibt es mehr, die es schaffen: "Tanz der Teufel" ist streckenweise wirklich angsteinflößend. Irritierende Kameraperspektiven, aus der Dunkelheit hervortretende Gestalten, Stop-Motion-Animationen und knarrende Soundeffekte gibt es mehr als genug. Dank der sensationellen Maskenbildner, die wahrhaftig grässliche zombieähnliche Monster kreieren, und der umfangreichen Verwendung von reichlich Blut und Organen ist dies einer der blutigsten Horrorfilme überhaupt. Das ist bemerkenswert, wenn man beachtet, dass die Produktion, bei der Regisseur Sam Raimi und sein Team wochenlang in einer abgelegenen Hütte ohne Zugang zu grundlegenden Annehmlichkeiten eingesperrt waren, mit einem erstaunlich geringen Budget verbunden war. "Tanz der Teufel" war ursprünglich nicht jugendfrei, und dank der legendären Praxiseffekte ist er auch heute noch enorm anschaulich und visuell schockierend - ein wahrer Genuss für Slasher-Fans. Das Werk war so erfolgreich, dass es ein profitables Franchise hervorbrachte, das zwei Fortsetzungen, ein Remake, eine Musical-Adaption, Comics, Spielzeug und vieles mehr umfasst und weithin als einer der besten Kultfilme der 80er Jahre gilt.

"Frankenstein" von Regisseur James Whale beginnt mit einer wirklich überflüssigen Warnung vor dem Horror, der sich nun entfalten wird, obwohl einige Sequenzen zugegebenermaßen von fragwürdiger Angemessenheit für die Kinobesucher von 1931 waren. Im Gegensatz zu den zahlreichen Fortsetzungen, die folgen sollten, enthält diese ursprüngliche Vision keinen Humor - ein Zusatz, der sich als äußerst schädlich für fast alle von ihnen erweisen sollte - und erforscht die grausamen Vorstellungen von menschlichem Sezieren, Erhängen, Strangulieren, Kindermord, Gnadentod und Brandmord. Der Film ist ein eindrucksvoller, einfallsreicher, schwarzer Thriller, der Wissenschaft und Horror auf beängstigende, kulturell und moralisch lehrreiche Weise verbindet - eine Kombination, die nur wenigen anderen Filmen gelingt.

Dr. Henry Frankenstein (Colin Clive) und sein buckliger Assistent Fritz (Dwight Frye) observieren die Beerdigung eines kürzlich verstorbenen Mannes, um nicht etwa Juwelen oder anderen Zierrat aus dem Grab zu stehlen, sondern den frischen Leichnam selbst. Nachdem es ihnen nicht gelingt, das Gehirn eines hingerichteten Sträflings in der Nähe zu finden, bricht Fritz in ein College ein, um ein konserviertes Exemplar zu stehlen. Ohne Frankensteins Wissen bringt Fritz achtlos ein abnormales Gehirn für ein obsessives, geheimes Experiment mit, das in einem verlassenen alten Wachturm stattfindet.

Elizabeth (Mae Clarke), Frankensteins Verlobte, führt ein besorgtes Gespräch mit ihrem Freund Victor (John Boles) über das wechselhafte Betragen ihres zukünftigen Ehemannes. Die beiden gehen sogar so weit, dass sie einen ehemaligen Universitätsarzt (Edward Van Sloan) um Rat fragen. Er erkennt an, dass Frankensteins Spezialisierung auf den Gebieten der chemischen Galvanik und der Elektrobiologie die Grenzen der Schule überschritten hat und dass sein wahnsinniger Eifer, Leben zu erschaffen, wahrscheinlich zu schockierend sein wird, um ihn zu begreifen. Bei einem unangekündigten Besuch in dem abgelegenen Labor auf einem trostlosen Hügel entdecken die drei, dass der durchgeknallte Mediziner einen menschlichen Körper aus verschiedenen Teilen zusammengesetzt hat und ihn mit Strom reanimieren will.

Die Geschichte von Frankenstein, die auf dem Roman von Mary Shelley, der Komposition von John L. Balderston und dem Theaterstück von Peggy Webling basiert, ist ausgesprochen schöpferisch, und so ist es nicht verwunderlich, dass diese Theateradaption, die zwar nicht die erste Verfilmung, wohl aber die erste abendfüllende Filmadaption ist, ein ebenso erfolgreiches Meisterwerk an noirischem Grusel und großartigem Unterhaltungswert darstellt. Die schauspielerischen Darbietungen sind nicht überragend, aber der Film ist zu einem legendären Vorbild für fast alle nachfolgenden Horrorfilme geworden und dient eher als eine Aneinanderreihung von memorablen, bildgewaltigen Sequenzen denn als makelloses Gesamtkunstwerk. Ein Operationstisch wird in den Himmel gehievt, um von krachenden Blitzen getroffen zu werden; "Es lebt... Es lebt! " verkündet der geisteskranke Wissenschaftler mit Vehemenz; das Monster (Boris Karloff in seiner ikonischsten Rolle) dreht sich um und zeigt ein kaltes, emotionsloses Gesicht mit Narben und Bolzen im Nacken; ein Bauer trägt den leblosen Körper seiner Tochter, des tragischsten aller Opfer, durch die überfüllten Straßen der Stadt; und das Monster wird von einem wütenden, Fackeln schwenkenden Mob in einer Windmühle in die Enge getrieben. Diese bemerkenswerten Momente verdrängen die kleinen Ärgernisse wie das Murren von Baron Frankenstein (Frederick Kerr), die verzweifelte Suche nach dem Monster in allen Zimmern außer dem, in dem Elizabeth eingesperrt ist, oder die Anschuldigungen von Marias Vater gegen einen Schuldigen, den er unmöglich erraten kann. Vor allem aber ist "Frankenstein" von monumentaler Langlebigkeit.

In "Pleasure" von Regisseurin Ninja Thyberg kommt die 22-jährige Linnea, die sich Bella Cherry (Sofia Kappel) nennt, aus Schweden nach Los Angeles, um Pornofilme zu drehen. Beim ersten Set muss sie ihren Ausweis und die Tageszeitung hochhalten und gleichzeitig eine Vielzahl von Einverständniserklärungen und Warnhinweisen zu dem, was sie vorhat, mündlich bestätigen und unterschreiben. Danach wird sie ihrem männlichen Partner für die Szene vorgestellt, zusammen mit dem Kameramann und einem weiteren Assistenten, doch sie ist schnell damit überfordert. Die meisten angehenden Pornostars haben Lampenfieber, sagt die Crew und versucht, sie zu beruhigen, aber das ist nicht weiter tragisch. "Wir brauchen diese Unschuld, diese Schüchternheit, diese Nervosität."

Nach ihrer ersten vollständigen Szene ist Bella weit weniger ängstlich und eingeschüchtert, obwohl sie weiterhin Vorbehalte hat. Ihre Wohnsituation in einem Musterhaus voller anderer Nachwuchsschauspielerinnen ist nicht ideal, aber sie ist auch nicht dort, um Freunde zu finden. Doch wenn sie sich öffnet und Kontakte zu ihren Mitbewohnerinnen knüpft, wird ihr Alltag viel leichter zu bewältigen sein, auch wenn diese zu den Konkurrenten gehören und sicherlich nicht immer ihr Bestes im Sinn haben. In der Hoffnung, sich durch bessere Agenten, zuvorkommende Regisseure und höhere Gagen hochzuarbeiten, erkundet Bella die Pornoszene von L.A. und ist gezwungen zu analysieren, was genau sie bereit ist zu tun, um der nächste große Star der Pornoindustrie zu werden.

Ähnlich wie "Red Rocket" hofft "Pleasure", mit Filmen über kontroverse, tabuisierte Themen den Mainstream anzusprechen, allerdings ohne die saftige Komik, die "Red Rocket" ausstrahlt. Die einleitenden Filmsequenzen sind sehr illustrativ, mit Großaufnahmen von sensiblen Bereichen, radikal und unverblümt. Zwischendurch wirkt "Pleasure" wie ein Found-Footage-Film mit echten Menschen in echten Situationen, und in Wirklichkeit spielen mehrere Schauspieler sich selbst, auch wenn es eine Spur von Handlung gibt. In dokumentarischer Manier wird der Vorhang über eine Branche gelüftet, von der viele glauben werden, dass sie gut bekannt ist, aber die Einblicke hinter die Kulissen sind nichtsdestotrotz verstörend und empörend. Wenn Bella sich für derbere Aufnahmen mit Bondage, simuliertem sexuellem Missbrauch und vorgetäuschter Vergewaltigung entscheidet - ein Subgenre, dessen Beliebtheit etwas über einen Teil der Gesellschaft aussagt -, verschwimmen die Grenzen zwischen Schauspiel und Präsentation.

"Nicht alles ist Sonnenschein", sagt Mitbewohnerin Katie (Revika Reustle) und bringt damit die Kernaussage des Films auf den Punkt. "Pleasure" ist nicht spezifisch wertend, zeigt aber eindeutig die Widerwärtigkeiten der Pornografie, vielleicht in der Art von "Showgirls" mit einem Hauch von "The Neon Demon", jedoch ohne längere Charakterstudien oder Prozesse, zumindest bei den professionellen Darstellern, und nur kurz auf die kommerzielle Seite eingehend, wie die Exponierung in den sozialen Medien und Faktoren der individuellen Popularität, sowie die Vermarktbarkeit von Fetisch und allgemeine Machtungleichgewichte. Zudem ist er relativ langwierig. Zwar gibt es einige dynamische Szenen, doch gibt es ein Überangebot an montierten Sequenzen und sich wiederholenden Aufnahmen von Sexualpraktiken. Diese Odyssee soll offensichtlich Bellas beängstigende, felsige Eingliederung in die Branche sowie ihre sich wandelnde Persönlichkeit vom potenziellen Opfer zur manipulierenden Instanz zeigen, und das alles mit plakativen, schockierenden und entlarvenden Methoden, deren Stellenwert jedoch extrem limitiert ist.

In "King Kong und die weiße Frau" von den Regisseuren Merian C. Cooper und Ernest B. Schoedsack plant der New Yorker Carl Denham (Robert Armstrong), der sich vor nichts fürchtet, eine große, waghalsige Reise mit einer Gasbombenladung und tonnenweise Munition, viel zu vielen Besatzungsmitgliedern und einem Kapitän (Frank Reicher) und seinem ersten Offizier Jack Driscoll (Bruce Cabot), die nicht wissen, wo das Ziel liegt. Als Carl Denham versucht, den Hafen schnell zu verlassen, um die problematischen Zoll- und Kontrollvorschriften zu umgehen, stößt er auf einen weiteren Stolperstein: Sein Agent Charles Weston (Sam Hardy) ist nicht in der Lage, eine Schauspielerin zu finden, die die Gruppe begleitet, da Carl Denham an einem exotischen, geheimen Ort einen Film drehen will. "Die Öffentlichkeit muss ein hübsches Gesicht sehen."

In letzter Minute durchforstet Carl Denham die Straßen nach einer naiven Frau, die nicht allzu viele Fragen stellt und der es egal ist, dass sie das einzige Mädchen auf der langen Seereise sein wird, inmitten einer Gruppe übellauniger, raubeiniger Männer. Carl Denham entführt praktisch eine hungerleidende Frau von der Straße, als sie ein Stück Obst stehlen will, und zwingt die junge Blondine Ann Darrow (Fay Wray), ihn bei der Abfahrt um 6 Uhr morgens zu begleiten. Bald stellt sich heraus, dass Carl Denham das Schiff 'Venture' beauftragt hat, zu einer unerforschten Insel zu manövrieren, auf der sich der Aberglaube der Eingeborenen über eine monströse Gottheit namens 'Kong' an die wenigen Seeleute klammert, die jemals die abgelegene Landmasse überquert haben und erfolgreich zurückgekehrt sind.

Es wird immer wieder betont, dass Ann Darrow eine nervtötende Belastung ist, die nur im Weg steht. Frauen sind nun einmal so gemacht. Der Dialog zu Beginn ist eindeutig sexistisch, auch wenn er die These unterstützt, dass die Frauen von den Bestien der Menschheit separiert werden. Die Männer sind hier besonders unhöflich oder brutal, während Ann Darrow besonders blauäugig und fragil ist. Das Thema von "Die Schöne und das Biest" mit seinen sexuellen Untertönen ist so stark, dass die Figuren solche Sätze immer wieder sagen, als ob der Betrachter zu dumm wäre, die visuellen Kontraste oder die ursprünglichen Beweggründe des Monsters auf dem 'Totenkopfberg' zu verstehen. "Dies ist kein Platz für ein Mädchen."

Die Andeutungen sind plump und unsubtil, die Musik ist aufgeblasen und laut, und das Schauspiel und das Drehbuch sind geschmacklos und verkitscht. Die meisten Vorgänge, die zu Kongs Erscheinen führen, sind in ihrer Schlappheit und ihren nicht überzeugenden Interaktionen geradezu einfältig, wobei es an Verlogenheit nicht mangelt und der Funke regelmäßig durch mangelhafte Regie oder merkwürdige Wortwahl in Gesprächen übersprungen wird. Und, in klassischer B-Movie-Manier, bewegen sich Konzepte wie Romantik unerwarteterweise zu schnell. "Ich glaube, ich liebe dich", jammert Jack. Daraufhin schnauft Ann: " Warum, Jack! Du hasst Frauen!"

Trotz der vielen erzählerischen Defizite ist die eigentliche Attraktion hier das 'Achte Weltwunder', Kong selbst. Die erste Hälfte des Films ist ungenügend ausgearbeitet, mit kläglichen schauspielerischen Leistungen und armseligen Handlungssträngen, während die zweite Hälfte ein reines Spektakel ist, mit einer gewaltigen Stammeszeremonie vor einer riesigen Kulisse und einer Schlacht nach der anderen, in der die titelgebende Kreatur keinen Moment der Ruhe findet, um ihre neue Zielperson zu umwerben oder sie ordentlich zu bedrängen, anzustupsen und teilweise zu entkleiden. Es dauert 45 Minuten, bis der überdimensionale Affe durch die Baumkronen stürzt und Fay Wray entdeckt, die sich die Lunge aus dem Leib schreit, was sicherlich ein Präzedenzfall dafür ist, die große Präsentation eines Antagonisten um der unübertroffenen Spannung willen in die Länge zu ziehen. Clevererweise verschwindet das Mädchen dann für eine kurze Sekunde aus dem Blickfeld, was es dem eindrucksvoll geschickten Kong ermöglicht, sie in Form eines Stop-Motion-Modells, das zu der behäbigen, steifgesichtigen Primatenpuppe passt, wieder aufzugreifen.

Die Spezialeffekte sind nach heutigen Kriterien recht primitiv und elementar, doch 1933 waren sie wohl überwältigend. Kongs Erscheinungsbild wird durch einen Dinosaurier, ein gummiartiges Seeungeheuer, einen boxenden und wrestelnden T-Rex und einen verdrießlichen Pterodactylus bereichert. Eigentlich hätte Kong allein ausgereicht, um den Betrachter zu begeistern, aber die Filmemacher haben sich für eine ambitioniertere Variante entschieden. Leider sind die Interpreten und der gesamte Text in Anbetracht des Zeitablaufs lückenhaft. Doch wenn Kong durch das Eingeborenendorf wütet, seine blonde Braut aufspürt und einen Mann mit einem riesigen pelzigen Fuß in den Schlamm stampft, ist der Unterhaltungswert unbestreitbar hoch. Die unbarmherzige Gewalt der Nebenschauplätze, vielleicht eine metaphorische Rache von Mutter Natur, gipfelt in der ikonischen, turbulenten Erklimmung des Empire State Building und einem Showdown in der Luft, nach dem Carl Denham wieder einmal sagen kann: "Die Schöne hat das Biest getötet."

"Carrie - Des Satans jüngste Tochter" von Regisseur Brian de Palma beginnt mit frontaler weiblicher Nacktheit, als die Kamera in Zeitlupe um die Ecken einer Mädchenumkleidekabine blickt, um die sozial schwache Carrie White (Sissy Spacek) auszuspionieren, die alleine duscht, während der eindeutig phallische Duschkopf Wasser auf sie spritzt. Sie ist traumatisiert von ihrer ersten Periode, welche sie zum Anlass nimmt, sich von ihren Mitschülern verspotten zu lassen. In ihrer irrationalen und naiven Reaktion wird sie kurzzeitig von der Sportlehrerin getröstet, bevor sie für den Rest des Tages nach Hause geschickt wird. Durch den Zwischenfall verunsichert und erbost, schlägt sie auf übernatürliche Weise auf ihre Gegner ein, was zu einer explodierenden Glühbirne, einem zerbrochenen Aschenbecher und einem störrischen Jungen führt, der von seinem Fahrrad geworfen wird.

Ihre Mutter predigt fanatisch in der Nachbarschaft, verschweigt aber, dass Carrie zu Hause grausam misshandelt wird. Die ständige Demütigung durch ihre Mutter Margaret White (Piper Laurie), die sie ohrfeigt, heftig anbrüllt und in einen klaustrophobischen Schrank sperrt, führt dazu, dass Carrie langsam eine verborgene, unkontrollierte Fähigkeit offenbart: Telekinese. Zwei der Hauptverantwortlichen für Carries Mobbing in der Schule, Chris Hargensen (Nancy Allen) und Sue Snell (Amy Irving), wollen mit Carrie abschließen, weil sie versehentlich von der gnadenlosen, aber gerechten Sportlehrerin Collins (Betty Buckley) zum Nachsitzen verdonnert wurden. Auf ihren Wunsch hin erklärt sich Sues Freund Tommy Ross (William Katt) bereit, Carrie zum Abschlussball einzuladen, um ihr Selbstwertgefühl zu stärken. Chris' Freund Billy Nolan (John Travolta) schlachtet währenddessen ein Schwein, um es für einen rücksichtslosen Streich ausbluten zu lassen.

Die Kamera bewegt sich schnell über die Schulter ihrer Motive oder drängt sich unangenehm nah an Gesichter. "Carrie - Des Satans jüngste Tochter" verwendet auch hohe und niedrige Winkel, außermittige Einstellungen, die Bewegungen auf dem Bildschirm vorwegnehmen, und entfernte Aufnahmen, die die Charaktere in Schatten verhüllen. Nahezu jede Szene soll Unwohlsein hervorrufen und reflektiert die Qualen des Erwachsenwerdens, vor allem aus der Sicht von Carrie, die von ihrer Mutter nicht über alle Aspekte der körperlichen und geistigen Reifung aufgeklärt worden ist. Die Sportlehrerin Collins versucht, die Leere zu füllen, aber ihre Beruhigung und Unterstützung fühlt sich vor allem deshalb unecht an, weil sie sich weiterhin in die Verfolgung einmischt, indem sie versucht, mit den Aufrührern zu argumentieren, als ob sie die gleiche Mentalität hätten.

Carrie ist nicht unintelligent; sie erkennt ihre eigene Unsicherheit im Umgang mit anderen und hofft, ihre Defizite in der Kommunikation mit gleichaltrigen Schülern ausgleichen zu können. Schließlich setzt sie sich sogar gegen die Tiraden ihrer Mutter zur Wehr und gewinnt ein unwahrscheinliches Selbstbewusstsein gegen das sich wiederholende, abnorme Verhalten. Doch Chris ist überdurchschnittlich wutentbrannt, während Sue als schuldige Anstifterin wenig überzeugend ist. Echte Reue ist nicht zu erkennen, obwohl sie nicht nur ihren Freund, sondern auch ihre eigene Teilnahme am Abschlussball opfert. Carries Unschuld ist dem maßlosen Schikanieren nicht gewachsen. "Du wirst es nie vergessen", sagt Miss Collins über Carries Abschlussball und deutet damit unbewusst ein schockierendes Schicksal an.

Quietschende Geigen, die stark an "Psycho" erinnern - vielleicht ist es kein Zufall, dass die Schule 'Bates' heißt -, wechseln sich ab mit leichteren, täuschend fröhlichen Melodien und deplatzierten, funkigen E-Gitarren-Riffs, die man aus Soundtracks der 70er Jahre kennt. Der Schnitt am Ende ist spektakulär effektvoll, durchsetzt mit Zeitlupen, Splitscreens, monochromen Motiven, dem Ausblenden von Geräuschen und schließlich Geschrei, Feuer und den blutigen, übernatürlichen Effekten der Verfolgung, die die Unschuldigen ebenso treffen wie die Schuldigen. Der atmosphärische und unheimliche Film brachte Regisseur Brian De Palma, Autor Stephen King und Schauspielerin Sissy Spacek sofort ins Rampenlicht der Kinowelt. "Carrie - Des Satans jüngste Tochter", die ultimative Rebellion und Rache gegen schulische Torturen und extreme, religiöse, elterliche Disziplin, ist ein Film, der für immer in Erinnerung bleiben wird, nicht wegen seiner technischen Fertigkeiten oder seiner seltenen Schocks, sondern wegen des unvorhersehbaren, horrenden Höhepunkts, der berühmt geworden ist und außergewöhnliche Abscheu und mörderischen Größenwahn ausstrahlt.

Durchtränkt von Blut, Eingeweiden und widersprüchlichen Signalen stellt "Tucker & Dale vs. Evil" von Regisseur Eli Craig die Stereotypen von Slasher-Filmen auf den Kopf und bietet eine einzigartige Perspektive und jede Menge Spaß, ohne die Kreativität zu opfern, die in solchen Parodien oft verloren geht. Die Dialoge sind witzig, die Todesfälle phantasievoll und dynamisch, und die Schauspieler sind passend lustig und liebenswert. Der Verlauf ist vorhersehbar, und manchmal verliert sich der Schliff, aber dank des gescheiten Drehbuchs und der scharfsinnigen Satire sind diese kleinen Fehltritte zu verschmerzen.

Die gutmütigen Hinterwäldler Tucker (Alan Tudyk) und Dale (Tyler Labine) machen sich auf den Weg zu ihrem neu erworbenen, renovierungsbedürftigen Ferienhaus in den Wäldern von West Virginia, als eine Bande rowdyhafter College-Kids für ein Wochenende zum Campen und zum Saufen anreist. Die Missverständnisse und vorschnellen Urteile beginnen, als der schüchterne Dale versucht, mit der schönen Allison (Katrina Bowden) zu flirten, und ihre College-Freunde annehmen, dass seine Absichten die eines Serienkillers sind. Als das junge Mädchen versehentlich in einen See fällt und von Tucker und Dale gerettet wird, überzeugt der voreingenommene und feindselige Chad (Jesse Moss) die anderen jungen Erwachsenen davon, dass die beiden Landpomeranzen gefährliche Mörder sind und getötet werden müssen. Während die verwirrten Hillbillies versuchen, Allison zu ihren Freunden zurückzubringen, geraten sie in einen erbitterten Kampf ums Überleben gegen die wütenden Kids, die einen blutigen Angriff auf das nichtsahnende Duo starten.

Das Cover zeigt ein gewisses Maß an schlechter Qualität, zusammen mit der Handkamera, die nicht immer absichtlich frenetisch wirkt, doch die Gore- und Maskeneffekte sind genau richtig. Der Aufbau ist auch nicht von vornherein besonders witzig, aber es gibt gerade genug Merkwürdigkeiten, um eine heitere Stimmung zu erzeugen. "Tucker & Dale vs. Evil" zeigt zwei Seiten jeder Geschichte, zwei Interpretationen jeder Handlung und die sehr leichten Missverständnisse, Fehlkalkulationen und Kommunikationsfehler, die in unerwarteten Situationen auftreten. Die traditionellen Elemente der Jäger, Mörder, Folterer, Verfolgten und Überlebenden werden durch eine skurrile Situationskomik auf die Spitze getrieben. "Manche Menschen sind in einer Krise einfach nicht zurechnungsfähig."

Das Konzept ist genial. Was dieser Film wirklich braucht, ist ein wenig Straffung in Schnitt, Diktion und Rhythmus. Die Entwicklung der Ereignisse ist im Allgemeinen fähig, auch wenn sie stellenweise ein wenig konstruiert wirkt. Allerdings sind Tucker und Dale sensationell zielgerichtet in der Präsentation der Geschichte, ihrer Charaktere und ihres ausgeprägten Humors. Dales erste Begegnung mit den 'normalen' College-Mädchen findet statt, während er eine bedrohliche Sense in der Hand hält und wie ein Verrückter kichert und sein Versagen auf sein dickes Gesicht und einen leichten Minderwertigkeitskomplex schiebt. Um den Kontrast ihrer Positionen noch zu verstärken, sind Tucker und Dale nicht gegen die Schikanen der örtlichen Behörden oder die gegenseitige Kritik an unmoralischen Aktivitäten gefeit, obwohl sie eine einheitliche Vorstellung von Dreck, Ignoranz und Verdorbenheit haben.

Am Ende werden sie sich als emotional, intelligent, fürsorglich und sogar romantisch erweisen. Es sind die College-Kids, die am übertriebensten und klischeehaftesten sind. Sie erfüllen zwar durchaus ihre Funktion, aber diese Rollen hätten etwas geradliniger sein können, um einen Gegenpol zu den Blödheiten der Hauptfiguren zu bilden. Der Rädelsführer ist jedoch angemessen Rambo-esk und schürt das Blutbad, das den Höhepunkt dieser Parodie auf 'Allein im Wald'-Horrorfilme und die kontinuierliche, komödiantische Verdichtung von blutrünstigen Exzessen darstellt.

Der Filmtitel "Die Nacht der lebenden Toten" von Regisseur George A. Romero mag ein wenig reißerisch sein, aber das einfache Setup, die starken Schwarzweißaufnahmen voller bedrohlicher Schatten, die begrenzten Mittel, die das kleine Budget hervorragend genutzt haben, und die unheimliche Musik - einfache, synthetisierte Klänge, wie von John Carpenter, gemischt mit klassischen Hollywood-Horrorfilmtönen - verleihen "Die Nacht der lebenden Toten" eine Effektivität, die man bei solch minimalistischen Werken nicht oft findet. George A. Romero, der oft als Schöpfer des modernen Zombies angesehen wird, leiht sich einen Stil und eine Mentalität, die an die Science-Fiction-Thriller der 1950er Jahre erinnern, die sich vor nuklearen Katastrophen und außerirdischen Invasoren fürchten - hier wird sogar angedeutet, dass die Ursache für die reanimierten Leichen die Strahlung der Venus ist - und wagt es, ein ungelöstes Rätsel und unverkennbare Schwermut zu präsentieren. Wichtiger als die Ursprünge der Mutation sind jedoch die glasigen Augen, der langsame Gang, das gutturale Röcheln, die sich windenden Gliedmaßen und die blutige Gewalt von "Psycho", die seit dem Erscheinen dieses Films im Jahr 1968 in fast jedem Zombiefilm zu finden sind.

Die Geschwister Johnny (Russell Streiner) und Barbra (Judith O'Dea) fahren fast sechs Stunden außerhalb von Pittsburgh, um einen ländlichen Friedhof zu besuchen und Blumen am Grabstein von Barbras Vater niederzulegen. Als sie ankommen, ist es 20.00 Uhr, aber die Sonne scheint noch. Kurz nachdem Barbra den Kranz niedergelegt und Johnny sie an ihre Kindheitsängste vor diesem Ort erinnert hat, hinkt ein großer Fremder zu ihnen herüber und greift sie an. Johnny wird zu Boden geworfen, während Barbra zu ihrem Auto flieht und es gerade noch schafft, wegzufahren, bevor der Unzurechnungsfähige durch das Fenster klettert. Nur ein paar Meter weiter gerät sie in Panik und prallt gegen einen Baum, so dass sie gezwungen ist, durch den Wald zu einem scheinbar verlassenen Haus zu laufen.

Als immer mehr der besessenen, seelenlosen Kreaturen über das Gelände streifen, kommt Ben (Duane Jones) zur Rettung, der geschickt mit defensiven Waffen und im Nahkampf zu Werke geht. Offenbar hat er bereits Erfahrung im Kampf gegen Zombies, denn wie er schließlich verrät, ist er in der Nacht zuvor aus 'Beakman's Diner' geflohen und in einem Lastwagen davongefahren, dem leider das Benzin ausgegangen ist. Bens Überlebensgeschichte, in der er miterlebt, wie die Raststätte überrannt wird, wie zahllose Menschen sterben, und wie er sich mit seinem Fluchtfahrzeug durch Horden dieser Wesen pflügt, wird nur erzählt und nicht ausgeführt. Der Massenangriff von Attentätern oder Kannibalen wird auch über Radiosendungen detailliert beschrieben, wodurch eine beeindruckende Prämisse und ein Gefühl der Bedrohung ohne viel Visualisierung geschaffen wird. Später, als ein Fernsehgerät entdeckt wird, berichten Militärberater und NASA-Wissenschaftler über die möglichen Ursachen des Ausbruchs und die Methoden, die erforderlich sind, um den Ausbruch wieder zu bekämpfen, ohne umfangreiche Maßnahmen zu zeigen.

Schon bald tauchen weitere Überlebende auf, die sich buchstäblich im Keller verstecken und so weitere Opfer für die hirnlosen Monster schaffen. Die wandelnden Toten tragen zwar nicht die tollsten Kostüme oder das beste Make-up, dennoch sind die Bilder sehr effektvoll. Schusswunden, verweste Leichen, abgehackte Finger und kaugummiartige Innereien sind ein faszinierender Anblick, kombiniert mit schauderhaften Soundeffekten. Das Aufflammen von Angst, Hysterie und gegensätzlichen Meinungen zum Überleben beweist auf filmische Weise, dass der Mensch dazu neigt, eine ohnehin schon schwierige Situation noch zu verschlimmern. Die Strafverfolgungsbehörden sind verwirrt, Hilfe ist nicht in Sicht, und die Nerven liegen blank. Die Charaktere machen klassische Fehler wie das Fallenlassen von Waffen, das Ignorieren ihrer Umwelt und das Unterschätzen der Geschwindigkeit und Stärke von angreifenden Feinden, obwohl solche Irrtümer notwendig sind, um den Horror zu verstärken und vielleicht auch, um in einem höchst abartigen Szenario realistisch zu reagieren. Am gravierendsten ist Barbra, die sich verständlicherweise so gedemütigt fühlt, dass sie kaum in der Lage ist zu funktionieren. Als sie das Wort ergreift, ist sie so aufgebracht, dass sie in Tränen ausbricht. Doch letztlich ist die schauspielerische Leistung ebenso angemessen wie die anderen Komponenten, mit glaubwürdiger Beklemmung und bedrohlicher Präsenz, die Eindruck hinterlässt.

Wir schreiben das Jahr 2130 in "Das schwarze Loch" von Regisseur Gary Nelson. Captain Holland (Robert Forster), Leutnant Charlie Pizer (Joseph Bottoms), Dr. Alex Durant (Anthony Perkins), Dr. Kate McCrae (Yvette Mimieux) und der Wissenschaftler Harry Booth (Ernest Borgnine) treiben an Bord des Forschungsschiffs 'Palomino' langsam auf das massivste schwarze Loch zu, das bisher in der Geschichte der Menschheit entdeckt wurde. Am Rande des Weltraumphänomens liegt ein lebloses, verlassenes Schiff, die 'U.S.S. Cignus', das auf unerklärliche Weise der Schwerkraft der tödlichsten Energie des Universums trotzt. Da die 'U.S.S. Cignus' den gleichen Auftrag wie die 'Palomino' hat, nämlich die Erforschung von Lebensraum im All, was eigentlich keinen Sinn ergibt, kann die Besatzung die Gelegenheit nicht ausschlagen, das seit über 20 Jahren vermisste Raumschiff zu untersuchen. Zudem wurde es von Kates Vater, Frank McCrae, geleitet.

Nach dem prekären Versuch, an die unbewegliche 'U.S.S. Cignus' anzudocken, wird die 'Palomino' erheblich beschädigt und verliert beinahe ihren Roboterassistenten V.I.N.CENT. Als die Gruppe es endlich an Bord schafft, sind sie überrascht, dass die Besatzung vollzählig zu sein scheint und die Systeme und die Stromversorgung funktionieren. Bald treffen sie auf den einzigen Überlebenden der Crew, Hans Reinhardt (Maximilian Schell), einen exzentrischen, mysteriösen und zwielichtigen Wissenschaftler, der behauptet, eine Reihe von Androiden geschaffen zu haben, die die verschiedenen Stationen besetzen und ihm Gesellschaft leisten.

Auch wenn "Das schwarze Loch" eine offensichtliche Derivation von "Krieg der Sterne" ist - vom bösen Roboter Maximilian über die Soundeffekte bis hin zu den farbenfrohen Laserexplosionen und dem R2-D2-Rip-Off des sprechenden V.I.N.CENT - ist die Optik des Films außergewöhnlich. Abgesehen von den Spezialeffekten, die sich mit der Zeit unweigerlich abnutzen, stellen die Kostüme, die schwebenden Roboterfiguren und die verschiedenen höhlenartigen Schauplätze an Bord der 'U.S.S. Cignus' allesamt verblüffende technische Wunderwerke dar. Nur wenige Sci-Fi-Thriller zeigen so viel Liebe für die Grafik. Auch der Ton ist ungewöhnlich düster, nicht nur für eine Weltraumoper, sondern auch für einen von 'Walt Disney Productions' inszenierten Film.

Die Schwächen des Films liegen in den Kleinigkeiten, die sich nicht gut mit den ernsteren, geerdeten Science-Fiction-Themen vereinbaren lassen. Kates telepathische Gabe erlaubt es ihr, mit Robotern zu kommunizieren, die humanoiden Wachen bewegen sich gerade steif genug, um unecht zu wirken, der Schrotthaufen B.O.B. zittert jedes Mal vor Angst, wenn ein tyrannischer Vorgesetzter zu nahe kommt, und John Barrys Filmmusik klingt zu sehr nach seinem eigenen James-Bond-Thema, was nicht weniger passend und ungewollt antiklimaktisch wirkt. Neben dem generischen Drehbuch gibt es auch eine Menge Fachterminologie und einige Tempoprobleme, da der Film zu langsam ist und sich eher auf die akademische Forschung als auf ein spannendes Abenteuer fokussiert. Das Finale wird etwas aufregender, da Tod und Zerstörung alle an Bord bedrohen, aber es hält sich auch nicht an vorgefasste Regeln, insbesondere wenn es um schwarze Löcher, Schwerkraft und künstliche Atmosphären geht, und es hat etwas von einem religiösen "2001: Odyssee im Weltraum"-Ende. Als eine Art "20.000 Meilen unter dem Meer" im Weltraum ist "Das schwarze Loch" leider eher verstörend und irritierend als faszinierend.

"Ich arbeite an etwas, das die Welt verändern wird - und das menschliche Leben, wie wir es kennen." Wenn schon nicht die gesamte Menschheit, so wird der verrückte Wissenschaftler in "Die Fliege", dem visionären Horrorfilm von Regisseur David Cronenberg, zumindest sein eigenes Leben drastisch verändern. In typischer Cronenberg-Manier ist diese Neuinterpretation des ursprünglichen B-Movie-Klassikers von 1958 überladen mit spektakulär ekelerregenden Spezialeffekten, einem rasanten Drehbuch und Charakteren, die dem sicherlich fassungslosen Betrachter Sympathie und Mitgefühl entlocken. Ungewöhnlich für das Genre, ist "Die Fliege" eine tiefgründige, symbolische und zum Nachdenken anregende Lektion über schief gelaufene Experimente, die katastrophalen Folgen des technischen Fortschritts, die Konflikte zwischen Wissenschaftlern und Probanden und den guten alten Horror. Das ist eine angenehme Abwechslung für Monsterfilme und trägt dazu bei, dass dieses Splatter-Epos zu einem der besten des Jahrzehnts wird.

Seth Brundle (Jeff Goldblum) hat die interessanteste neue Technologie entwickelt, die Reporterin Veronica Quaife (Geena Davis) je gesehen hat. Was auf den ersten Blick wie eine Designer-Telefonzelle oder ein banaler Streich aussieht, entpuppt sich als 'Telepod', der einen Gegenstand zerlegen und in einem zweiten, mehrere Meter entfernten Fach wieder zusammensetzen kann. Es ist eine unglaubliche Konstruktion, die Veronica Quaife schnell dazu bringt, eine romantische Beziehung zu Seth aufzubauen, vor allem, als er sie mit der Möglichkeit betört, seine Arbeit zu dokumentieren.

Nachdem er erfolgreich mit unbelebten Objekten experimentiert hat, testet er einen Pavian, der daraufhin von innen nach außen gekehrt wird. Sobald Seth die Problematik der Fleischbeförderung gelöst hat, testet er die Teleportation an sich selbst. Zunächst fühlt er sich völlig verjüngt, stärker, wie frisch aus dem Ei gepellt. Doch schon bald treten Nebenwirkungen auf, wie das Wachstum von zähen Haaren auf seinem Rücken und alle erdenklichen Arten von eitrigen Geschwüren. Es dauert nicht lange, bis Veronica ihn davon überzeugt, dass etwas schief gelaufen ist, und er stellt fest, dass sich während seines ersten Testlaufs eine Stubenfliege im 'Telepod' befand.

Geena Davis ist vielleicht ein bisschen zu kühn und nicht zimperlich genug für den Realismus, aber sie schafft es irgendwie, dem Betrachter ihre Verzweiflung für den Mann zu vermitteln, den sie einst liebte und der langsam von Insekteninstinkten aufgefressen wird. Echte Emotionen und glaubhafter Pathos finden ihren Weg in das, was sonst nur ein simpler Monsterstreifen hätte sein können, und verleihen ihm Tiefe und Ehrfurcht. Auch Jeff Goldblum gibt eine außergewöhnliche Performance als zum Scheitern verurteilter Forscher, der sowohl Angst vor seiner grotesken Verformung hat als auch neugierig ist, wie die Natur auf seinen genetischen Eingriff reagieren wird. Auf witzige Weise geht er sogar so weit, die verschiedenen Körperteile zu sammeln und zu protokollieren, die abfallen, wenn die Fliegengene die Herrschaft übernehmen.

David Cronenbergs Version von "Die Fliege" ist ebenso meisterhaft wie John Carpenters Remake "Das Ding aus einer anderen Welt". Beide bauen auf der Genialität der Originalgeschichten auf, weigern sich aber, die Qualität der Filme und der Erzählung herabzustufen und modernisieren sie mit Spezialeffekten und neuen Horrorebenen, die über die vorherrschenden Science-Fiction-Themen ihrer Vorgänger hinausgehen. Die praktischen Prothetik- und Maskeneffekte, die den Künstlern Chris Walas und Stephan Dupuis in "Die Fliege" einen Oscar einbrachten, haben sich im Laufe der Jahre visuell deutlich verbessert, und der Film ist immer noch so unheimlich packend, düster humorvoll und tragisch schön wie bei seiner Uraufführung. "Die Fliege" ist einer von David Cronenbergs inspirierendsten und berühmtesten Filmen und ein einzigartiges Werk des Science-Fiction-Horrors. Er nimmt sich Zeit, um Spannung aufzubauen, Charaktere zu entwickeln und mit den Ängsten und der Begeisterung des Betrachters zu spielen - und das alles begleitet von der großartigen Vertonung von Howard Shore.

"Psycho" von Regisseur Alfred Hitchcock wird am Freitag, 11. Dezember, in Phoenix, Arizona, eröffnet. Marion Crane (Janet Leigh) nutzt ihre Mittagspause, um Sam Loomis (John Gavin) in einem billigen Hotel zu treffen. Die Affäre belastet sie sehr, denn Sam Loomis muss seiner Ex-Frau Unterhalt zahlen und braucht noch ein paar Jahre, um seine Schulden zu tilgen. Marion Crane will unbedingt heiraten, braucht aber Geld, um einen Neuanfang für beide zu ermöglichen. Zurück im Büro, wo sie für den Immobilienmakler George Lowery (Vaughn Taylor) arbeitet, kauft der ältere, kokette Tom Cassidy (Frank Albertson) als Hochzeitsgeschenk für seine 18-jährige Tochter ein Haus für 40.000 Dollar in bar und legt Marion Crane das Geld vor die Nase. Das bringt sie auf eine Idee ganz anderer Art: Sie will das Geld stehlen, um es bei der Bank einzuzahlen. Es ist, als wäre es ihr vom Himmel in den Schoß gefallen und hätte ihr eine Antwort auf alle ihre Probleme gegeben.

Das ist eine faszinierende Ausgangssituation für einen Raubüberfall, der schief geht, doch wie wir wissen, kommt es nie so weit in der Handlung. Sie verlässt die Stadt und verhält sich verdächtig gegenüber einem Polizisten, der ihr nach Kalifornien folgt, wo sie ihr Auto auf einem Parkplatz gegen ein anderes eintauscht. Paranoid schaut sie sogar in die Zeitung, um zu sehen, ob ihr Verbrechen auf der Titelseite steht. Dabei ist sie so abgelenkt, dass sie fast ihr Gepäck in dem alten Fahrzeug zurücklässt. Wiederholte Voice-Overs verstärken Marion Cranes schlechtes Gewissen, gefolgt von Andeutungen von Gesprächen, die die Figuren führen könnten, während ihr Verschwinden und das fehlende Geld zu weiteren Ermittlungen führen. Als sie sich beeilt, ihre Reise fortzusetzen, gerät sie in einen Regenschauer und hält im Bates Motel, einem verschlafenen Hüttenkomplex abseits der Hauptstraße, der nur 15 Meilen von ihrem Zielort Fairvale entfernt ist und nur selten besucht wird.

"Psycho" fokussiert auf brillante Weise die Schuldgefühle von Marion Crane, ihr Misstrauen und ihr Bedürfnis, die gestohlenen Banknoten zu verstecken. Es scheint nicht einmal so merkwürdig zu sein, wenn der junge Norman Bates (Anthony Perkins), etwas schüchtern und unbehaglich, aber herzlich gastfreundlich, sie in der Herberge willkommen heißt. Er lädt sie zu einem harmlosen Abendessen ein, bei dem er ihr sein Hobby, die Taxidermie, näher bringt. Von Norman Bates gehen zwar gewisse Absonderlichkeiten aus, aber er wirkt relativ unverfänglich, vor allem wenn er von der geistigen Instabilität seiner Mutter erzählt. Die alte Frau, die in dem verdunkelten Haus gegenüber dem Motel wohnt, beschimpft ihn gnadenlos, weil er Marion Crane angesprochen hat. Er wird auch schrecklich nervös, als sie vorschlägt, seine Mutter in ein Heim einzuweisen.

Von hier an macht "Psycho" seinem Namen alle Ehre und ändert seinen Tenor plötzlich und intensiv. Der Film zeigt meisterlich, dass die gesamten Einführungssequenzen im Prinzip nur zum Schein waren. Janet Leigh ist nicht die wahre Protagonistin, und das 40.000-Dollar-Motiv spielt eine eher untergeordnete Rolle. Alfred Hitchcock, bekannt für seine Fähigkeiten zu schockieren und zu verblüffen, erzählt wieder einmal eine äußerst unkonventionelle Geschichte. Die weitreichende Irreführung setzt sich fort, bis weit über den grauenvollsten Zeitpunkt hinaus, und weigert sich, das ganze Spektrum von Norman Bates Beihilfe zu einer Welle von brutaler Gewalt zu offenbaren. Alfred Hitchcock hält in wohlweislicher Manier weitere böse Überraschungen parat.

Das temporeiche Titeldesign von Saul Bass und die abwechselnd quälende und zugleich melodiöse Titelmusik von Bernard Herrmann ergänzen das unkontrollierte Chaos der ungeahnten Entwicklungen vortrefflich. Die wundersame und nervenzehrende Musik setzt sich im zweiten und dritten Akt fort, wenn die Ermittlungen über den Verbleib von Marion Crane aufgenommen werden. Weitere Charaktere werden eingeführt, darunter ein neunmalkluger Privatdetektiv (Martin Balsam) und Marion Cranes Schwester Lila (Vera Miles), die den Betrachter in das Geschehen einbeziehen, als immer klarer wird, dass irgendjemand die sorgfältig gehüteten Heimlichkeiten des Bates-Hauses aufdecken muss, vor allem indem er Marion Cranes Bewegungen nachstellt, was zu versteinernden Wiederholungen führt, und dass der ursprüngliche Plan des großen Diebstahls nichts mit dem letztendlichen Verschwinden des Mädchens zu tun hat.

Janet Leigh verbringt den größten Teil ihrer Filmzeit in ihrer Unterwäsche, bevor sie zu ihrer berühmtesten Szene kommt: Duschen. Alfred Hitchcock verwendet eine Vielzahl einzigartiger visueller Mittel, darunter Kameratricks, die die Tiefenwahrnehmung verwirren, Spiral- und Überkopfbewegungen, invasive Nahaufnahmen, Film-Noir-Beleuchtung und schnelle Schnitte, um Nacktheiten ohne Blöße oder massive Gewalt ohne viel Blut darzustellen. "Psycho" führte mehrere filmische Aspekte ein, vor allem offene Sexualität, abartige Geschlechtlichkeit und skrupellose Machenschaften, was den Film gelegentlich mehr plakativ als effektiv macht, was in der nutzlosen Exposition am Ende klar zutage tritt, wodurch sich die Resolution hinauszögert. Im Kern handelt es sich hierbei jedoch um einen sehr spannenden Thriller nach der Romanvorlage von Robert Bloch mit einem grandiosen Finale, das seinesgleichen sucht. Die Nervosität und die Ungeduld sind fast nicht zu ertragen, und die endgültigen, makabren Fakten werden bis zum Ende von "Psycho" auf geniale und unerbittliche Weise bewahrt.

In "Der Tag des Falken" von Regisseur Richard Donner ist Andrew Powells Eröffnungsmusik viel zu E-Gitarren-lastig und Schlagzeug-getrieben, um in die Ära der Ritter in glänzender Rüstung zu passen, obwohl die schrille, eindeutig 80er-Jahre-Rockmelodie zugegebenermaßen ein Ohrwurm ist. In jedem anderen Film hätte das vielleicht prima funktioniert. Wenn sie hier vorkommt, untergräbt sie den verwegenen Charakter der Handlung beträchtlich. Es ist, als würde sich der Filmemacher Richard Donner musikalisch auf seine "Lethal Weapon"-Reihe vorbereiten, die zwei Jahre später in die Kinos kommen sollte. Der krasse Kontrast zwischen den flippigen Melodien der Erzählung und den mittelalterlichen Bildern und Themen ist aber vielleicht das größte Manko des Films. Während jeder Actionszene, in der sich die Spannung und die Schwertkampfchoreografie aufbauen, ertönt die schrecklich deplatzierte Filmmusik, um den Betrachter daran zu erinnern, dass er sich gerade einen Film ansieht. Glücklicherweise gibt es ein- oder zweimal wunderschön ergänzende Orchesterkompositionen, die als hervorragend für ein einzigartiges romantisches Mittelalterabenteuer gelten können.

Der Meistertaschendieb Phillipe Gaston (Matthew Broderick) entkommt aus seinem schlammigen Kerker vor dem gnadenlosen Bischof von Aquila (John Wood), der sein Volk unbarmherzig besteuert, während er sein prächtiges Schloss und seinen riesigen Schlosspark genießt. Phillipe Gaston wird von Aquilas oberstem Gefolgsmann, dem Hauptmann der Wache Marquet (Ken Hutchison), gejagt und kann sich befreien, indem er eine lange Strecke durch die Kanalisation stapft und durch trübes Wasser schwimmt. Nachdem er einige frisch gewaschene Anziehsachen gestohlen hat, stößt er zunächst auf ein nahe gelegenes Dorf, wo Marquet und seine Männer schon auf ihn warten. Trotz eines kurzen Versuchs, die Legion der bewaffneten Ritter zu vereiteln, wird er gefangen genommen und auf der Stelle zum Tode verurteilt. Doch gerade als man ihm die Kehle durchschneiden will, wird er von einem bewaffneten Soldaten gerettet.

Dieser Krieger ist Hauptmann Etienne Navarre (Rutger Hauer), ein ehemaliger Legionär, der von Aquila verraten wurde und der sich im Umgang mit Schwert und Armbrust auszeichnet. Er ist geheimnisvoll, gefürchtet und wird von einem eleganten Raubvogel begleitet. Außerdem ist er das Opfer eines mächtigen Fluchs, der ihn tagsüber in einen Menschen und nachts in einen bedrohlichen schwarzen Wolf verwandelt. Der Falke, den er bewacht, ist in Wirklichkeit seine Geliebte Isabeau d'Anjou (Michelle Pfeiffer), die ebenfalls verflucht ist, tagsüber ein Vogel und nachts eine schöne Frau zu sein und für immer von Navarre getrennt zu sein. Der edle Ritter will Phillipe Gaston dazu benutzen, ihn zurück in die Stadt zu führen, wo er sich am Bischof rächen und den gefürchteten Bann brechen kann. Unterstützt wird er dabei von einem mürrischen, aber treuen Mönch namens Imperius (Leo McKern).

Phillipe Gaston führt unentwegt Selbstgespräche, und zwar nicht so sehr, weil er eine seltsame, isolierte Seele ist, die in jungen Jahren gezwungen ist, für sich selbst zu sorgen, sondern weil Richard Donner der Meinung ist, dass dies die einzige Möglichkeit ist, einen Einblick in seine Gedankenwelt zu gewähren, sowie eine Charakterentwicklung und gelegentliche Erzählungen. Das lästige Geschwätz ist völlig unnötig. Selbst nachdem er Navarre kennengelernt hat, spricht er mit dem Pferd seines Befreiers, oder kümmert sich um die Hausarbeit, während er zu jeder Tätigkeit seine Meinung kundtut. In der einzigen lohnenden Anwendung dieser kommunikativen Störung gibt Phillipe Gaston vor, mehrere Personen zu sein, um einen Hinterhalt in den Wäldern abzuwehren.

Das Niveau des Abenteuers ist konstant und macht Laune. Er wird von Rutger Hauer, der einen Film im Alleingang beherrschen kann, enthusiastisch und überzeugend geführt. Später im selben Jahr spielte er die Hauptrolle in Paul Verhoevens wesentlich ausgefeilterem Film "Fleisch & Blut". Insgesamt ist "Der Tag des Falken" eine handlungskompatible Fantasy mit sympathischen Helden und perfiden Bösewichten, auch wenn die Laufzeit etwas zu lang ist und die Duelle durch Zeitlupen, nachdenklichen Gesichtsmimiken und einen auffälligen Wachpersonalmangel erdrückt werden. Bei der Verwandlung gibt es de facto keine aufwändigen technischen Tricks. Lediglich die Aufnahmen eines Falken, der über Michelle Pfeiffer hinwegfliegt, und die fassungslosen Gesichtszüge von Matthew Broderick signalisieren, dass ein Wunder geschieht - aus dem Off. Die Metamorphose von Rutger Hauer wird auch dadurch vollzogen, indem man von seiner Filmfigur wegschneidet. Und wie der unglaubliche Hulk haben auch der Wolf und der Falke Probleme mit ihrer Garderobe. Sie benötigen fortwährend neue Kleidungsstücke, die der Schlichtheit zuwiderlaufen.

In "Das Omen" von Regisseur Richard Donner ist Robert Thorn (Gregory Peck) am Boden zerstört, als er erfährt, dass sein neugeborenes Baby gestorben ist. Und was wird er seiner Ehefrau Katherine (Lee Remick) sagen, einer Frau, die sich so sehr ein eigenes Kind gewünscht hat und die, noch im Bett liegend, keine Ahnung von der Tragödie hat? Eine Adoption kommt nicht in Frage, doch ein Priester hat einen Lösungsvorschlag, der eher zufällig zustande kommt. Ein anderer Säugling, dessen Mutter bei der Geburt gestorben ist, könnte ausgetauscht werden, und Robert Thorne könnte diesen Austausch einfach geheim halten. "In dieser Nacht, Mr. Thorn, hat Gott Ihnen ein Zeichen gegeben."

Jahre später wird Robert Thorn zum Botschafter in Großbritannien ernannt. Katherine bleibt zunächst in den Vereinigten Staaten, um sich um den kleinen Damien (Harvey Stephens) zu kümmern, der sich zu einem abenteuerlustigen, lebensfrohen Fünfjährigen entwickelt, zieht aber schließlich mit der ganzen Familie in eine Botschaft in London. Leider sind der neu gewonnene Wohlstand und das Glück nur von kurzer Dauer. Während einer Geburtstagsparty erhängt sich das Kindermädchen Holly (Holly Palance) vom Dach der Thorn-Villa, was zu einer grausamen Sequenz führt. Ihre unerwartete Tat scheint durch einen streunenden Hund ausgelöst worden zu sein, der auch mit Damien in Verbindung zu stehen scheint. Die Situation der Thorns verschlimmert sich, als Pater Brennan (Patrick Troughton) auftaucht, der behauptet, Zeuge von Damiens Geburt gewesen zu sein, und darauf besteht, dass die Mutter des Jungen von zweifelhafter Herkunft war und dass die Akzeptanz von Jesus Christus der einzige Weg ist, sie alle vor dem sicheren Untergang zu retten.

Man sollte meinen, dass es ein unverzeihlicher Betrug ist, ein Kind bei der Geburt auszutauschen und diese Information vor der Mutter zu verbergen. Hier beginnen die ominösen Folgen fast sofort, als ob sie andeuten wollten, dass eine solche Tat über die irdische Ebene hinaus Konsequenzen nach sich zieht. Die musikalische Interpretation von Jerry Goldsmith unterstützt diese These: Dissonante Klänge, Geigengekreisch und plötzliche Lärmausbrüche sollen den Betrachter erschrecken und ihm Angst vor Damiens Präsenz auf dem Bildschirm machen. Als Gegengewicht zu den düsteren, beunruhigenden Melodien finden sich aber auch fröhliche Passagen in der Partitur. Letztendlich ist es der ultimative Verrat, wenn ein Kind die Kontrolle und Stabilität der Eltern usurpiert.

Harvey Stephens ist in der Rolle eines unheimlichen Jungen, der durch den Schnitt und die besondere Kameraführung abnormal wirkt, überaus interessant und tritt in die Fußstapfen des extrem verstörenden jugendlichen Antagonisten aus "Der Exorzist". Als ob die Gewalt und die morbiden Bilder nicht schon abschreckend genug wären, ist die Verwendung eines Kindes - einer Figur, die absolute Unschuld verkörpern soll - als Quelle des Bösen ebenso inspirierend wie markerschütternd. Auch wenn "Das Omen" ein Produkt der 1970er Jahre ist und durch die Technologie, die Make-up-Effekte und die kinematografischen Standards dieser Ära begrenzt wurde, ist er ein markantes Beispiel für übernatürlichen Horror, der unzählige nachfolgende Filme beeinflussen sollte. Die erzählerische Effizienz überwiegt bei weitem die technischen Elemente, auch wenn diese von Richard Donner, einem Veteranen unter den Fernsehregisseuren, dessen Arbeit hier ganz am Anfang seiner Spielfilmbemühungen steht, mit Bravour gemeistert werden.

Von Lichtern, die sich nicht einschalten lassen, über die Entwicklung gespenstischer Fotografien, das seltsame Verhalten rasender Tiere, die Aushebung von Gräbern bis hin zum unangenehmen Eindringen der strengen Mrs. Baylock (Billie Whitelaw) in das Haus der Thorns - "Das Omen" ist reich an bedrohlichen Details und imposanten Gruselstrategien. Gleichzeitig ist es ein Mysterium, denn Robert und sein Zufallskomplize, der Fotograf Jennings (David Warner), versuchen, Damiens Ursprüngen auf die Spur zu kommen, die mit der satanischen Zahl 666 und alten religiösen Dokumenten in Zusammenhang stehen. Um den Prozess noch frustraner zu machen, übernimmt Gregory Peck die Aufgabe des Unglaubens und der Rationalität, und zwar absolut überzeugend, indem er den Aberglauben und die Angst von Lee Remick widerspiegelt und die Spannung zu jeder Minute steigert. Die zerstörerische Potenz von Familiengeheimnissen und die Offenbarung eines konzertierten Plans zur Herbeiführung der Apokalypse - Motive, die auch in "Rosemaries Baby" eine zentrale Bedeutung haben - bilden die Bühne für ein packendes Finale, in dem es um die alarmierende Entscheidung geht, ein Kind zu ermorden. In der diabolischen Welt von "Das Omen" ist ein Exorzismus schlichtweg keine probate Option. "Ihr müsst kein Mitleid haben!"

"Chucky - Die Mörderpuppe" von Regisseur Tom Holland bedient eine Fantasie oder einen Nachtmahr, mit dem sich viele identifizieren können: Spielzeug wird zum Leben erweckt. Die grundsätzliche Furcht vor übernatürlichen Übeln, die etwas so Sanftmütiges wie eine Puppe dazu bringen, heimlich einen Mord zu begehen, mag abgedroschen klingen oder im Bereich des Hokuspokus angesiedelt sein, doch mit Chucky, einem mittlerweile ikonischen Bösewicht aus den 80er Jahren, hat der Filmemacher Tom Holland etwas wirklich Unheimliches geschaffen. Überaltert, aber mit herausragenden schauspielerischen Leistungen, genialen Animatronics, einer wunderbar schauerlichen Kameraführung, die die böse Figur leblos in verschiedenen Hintergründen ruhen lässt, und geschickt platzierter Hochspannung ist "Chucky - Die Mörderpuppe" einer der eingängigsten Horrorfilme aller Zeiten.

Der sechsjährige Andy Barclay (Alex Vincent) wünscht sich eine 'Good Guys'-Puppe zu seinem Geburtstag. Als seine Mutter Karen (Catherine Hicks) in letzter Minute ein Exemplar bei einem Straßenhändler ergattern kann, ist Andy überglücklich. Doch sein neuer ausgestopfter Freund namens Chucky ist nicht bloß ein gewöhnliches Kinderspielzeug. Der Serienmörder Charles Lee Ray (Brad Dourif) beherrschte unbeschreiblichen Voodoo, kurz bevor er von Officer Mike Norris (Chris Sarandon) getötet wurde, was es dem Killer ermöglichte, seine Seele in die Puppe zu übertragen. Als Andys Babysitterin (Maggie Peterson) tot aufgefunden wird, deuten alle Indizien auf das kleine Kind hin, aber Karen weiß, dass ihr Sohn unbescholten ist. Zunächst zeigt Chucky nur Andy sein Wahrheitsbild, doch als sich die Leichen häufen, beginnen Mike und Karen, den Behauptungen des Jungen über die sprechende Puppe zu glauben.

Obwohl andere Horrorfilme "Chucky - Die Mörderpuppe" in puncto blutiger Darstellung und Schockwert längst überholt haben, ist die Antizipation, die sich im Laufe des Films aufbaut, bemerkenswert gut gelungen. Alle Beteiligten halten Andy für bekloppt, und Chucky offenbart dem Betrachter seine Fähigkeiten erst in einem besonders beängstigenden Moment, als Karen entdeckt, dass Chucky auch ohne Batterien funktioniert. Wenn sich Chuckys Gesicht zu einer widernatürlichen Fratze verzieht, bestätigt sich der schreckliche Verdacht endgültig. Was das besessene Spielzeug vielleicht noch angsteinflößender macht, ist die hervorragende Vermischung von animatronischen Effekten und lebendiger Bewegung. Die meisten Bewegungsabläufe der Puppe werden zwar von winzigen Robotern gesteuert, doch gelegentlich steckt auch ein kleiner Mensch in einem Chucky-Kostüm, umgeben von überdimensionalen Hintergrundkulissen. Der Schock, zu sehen, wie sich das, was zuvor als steif kontrollierte Spielzeugpuppe definiert wurde, ultrarealistisch, geradezu menschenähnlich bewegt, ist einfach nur atemberaubend.

Wie alle bedeutenden Kinobösewichte sind sie nicht tot, wenn der Betrachter sie für endgültig erledigt hält. Vergleichbar mit "Terminator" ist Chucky hartnäckig verbissen und praktisch unbezwingbar. Der knallharte Polizist Mike Norris ist ständig am Boden, und es liegt an einem kleinen Jungen und einer verzweifelten Frau, den Untergang des bösen Spielgefährten zu kalkulieren. Manch einer mag skeptisch sein, ob eine zierliche Puppe in der Lage ist, mit dem Tod umzugehen, aber er wendet clevere Strategien an, um seine Miniaturgröße zu kompensieren. Im Übrigen verdächtigt niemand einen toten Gegenstand. Ein perfektioniertes Charakterdesign für Chucky verleiht ihm ein teuflisch furchterregendes Antlitz, zusammen mit drastischen Modifikationen der Gesichtszüge, die noch widerlichere Mimik, Mundpartien und kalte, tiefliegende Augen erzeugen. Seit "Chucky - Die Mörderpuppe" die Aufmerksamkeit von Millionen von Kinobesuchern auf sich zog, wurden zahlreiche Fortsetzungen produziert, die im Laufe der Jahre erwartungsgemäß immer blödsinniger wurden, ohne jedoch die imposante Wucht des Originals erreichen zu können.

Der systematische Aufbau von Spannung bis zu einem wirklich furchterregenden Ende ist ein seltenes Kunststück in Horrorfilmen, vor allem wenn es sich um das Slasher- oder Torture-Porn-Subgenre handelt. Nur wenige Produktionen inszenieren das Konzept so raffiniert und sadistisch wie der Psychothriller "Audition" von Regisseur Takashi Miike. Was zunächst wie eine romantische Komödie aussieht, lässt Takashi Miikes durchdachte Fassade im Handumdrehen verschwinden, um mit der vielleicht grausamsten Folterszene zu enden, die je gedreht wurde.

"Audition" hat eine täuschend leichtherzige Eingangsprämisse und ist vermutlich sogar charmant. Ein alternder Vater, dessen Frau vor einiger Zeit verstorben ist, wird von seinen Freunden und seinem Sohn gedrängt, wieder eine Beziehung einzugehen. Shigeharu (Ryo Ishibashi) erklärt sich bereit, an einem vorgetäuschten Vorsprechen teilzunehmen, das der Filmproduzent Yasuhisa Yoshikawa (Jun Kunimura) inszeniert, um potenzielle Kandidatinnen für die Partie seiner neuen Frau zu interviewen. Trotz der wohlwollenden Einwände des Filmemachers entscheidet sich Shigeharu für die attraktive Asami (Eihi Shiina), eine junge ehemalige Ballerina, die ihre Vergangenheit in Geheimnisse hüllt. Nach mehreren Verabredungen scheint Asami die perfekte Partnerin für den betagten Junggesellen zu sein. Als er beschließt, dem zaghaften Mädchen einen Heiratsantrag zu machen, geraten die Dinge jedoch schnell außer Kontrolle und werden zu einem höllischen Albtraum, dem er nicht entkommen kann.

Extreme Gewalt ist zwar weder in "Audition" noch im Repertoire von Takashi Miike ein Fremdwort, doch die effektivste Strategie des Regisseurs ist die heimtückische Manipulation der Realität. Flashbacks, verstörende Bilder und Traumsequenzen eröffnen mögliche Wahrheiten und erschreckende Körperlichkeit, während die unvorhersehbaren Momente eine abschreckende Vorahnung und ein Erschaudern darüber erzeugen, wie qualvoll Shigeharus Situation werden wird. Außerdem bietet der Gipfelpunkt einen illusorischen Weg des desperaten Ausweichens, der eine weitere willkommene Gelegenheit bietet, mit dem Betrachter zu spielen. Sie ist so raffiniert, dass sie schon oft kopiert wurde, doch wie bei den Schockbildern in "Psycho" oder "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" ist der Überraschungsfaktor kaum zu überbieten.

"Audition" ist sicherlich nichts für schwache Nerven, verdient aber dennoch Respekt für seinen realitätsnahen Horror und seine künstlerisch beängstigende Verschmelzung gegensätzlicher Genres. Dieses frühe Werk von Takashi Miike ist selbst für hartgesottene Gorehounds eine echte Härteprobe, denn es nimmt die traditionellen Taktiken westlicher Horrorfilme gekonnt auf die Schippe und läutet den Aufstieg des Torture Porn ein. Traut euch, die ungeschnittene Version anzusehen, um die vollen, gnadenlosen Segmente des unaushaltbaren Blutbades zu genießen.