Chainsaw Charlie - Kommentare

Der Dokumentarfilm "Das fehlende Bild" des Regisseurs Rithy Panh kombiniert Archivmaterial, Stop-Motion-Animation und Sprachaufnahmen zu einem Experiment, um die von den Roten Khmer zwischen 1975 und 1979 begangenen Verbrechen zu rekonstruieren. Der in Phnom Penh geborene Rithy Panh war erst 11 Jahre alt, als das Regime von Pol Pot seine Familie in eines der landwirtschaftlichen Arbeitslager des Systems schickte. Basierend auf dem autobiografischen Buch von Rithy Panh, "The Elimination: A survivor of the Khmer Rouge confronts his past and the commandant of the killing fields", zeigt "Das fehlende Bild" die menschlichen Verluste hinter den brutalen Methoden der Roten Khmer um den Aufbau einer rein agrarkommunistischen Gesellschaft aufzuarbeiten.

Da es nur wenige dokumentierte Beweise für einen Genozid in Kambodscha gibt, versucht Rithy Panh, ein klares Bild von den Untaten zu zeichnen, deren Zeuge er als Kind wurde. Mehr als zwei Millionen Menschen wurden aus den Städten vertrieben, um unter unmenschlichen Bedingungen auf den Reisfeldern des Landes zu arbeiten. Rithy Panhs innovativer, akut traumatischer Dokumentarfilm veranschaulicht die Folgen einer Nation, die ihrer Identität beraubt und gezwungen ist, ohne die grundlegendsten menschlichen Freiheiten zu überleben. "Das fehlende Bild" besteht aus einer Reihe von sorgfältig gefertigten Dioramen menschlicher Tragödien und ist von einem intensiven Gefühl der Hoffnungslosigkeit durchdrungen. Jede der kunstvoll geformten Tonskulpturen spiegelt untrennbar das Leid und die Demütigung eines Volkes unter diesem brutalen Regime wider.

Die Verwendung von Plastilin dient nicht nur als intelligente Metapher für die Beraubung der Individualität, die vielen Opfern von Pol Pot zugefügt wurde, sondern trennt uns auch von der emotionalen Unterdrückung durch Rithy Panhs subjektive Erinnerungen und präsentiert uns eine weitaus erschütterndere Projektion, eine leere Leinwand, auf die wir unsere eigenen Familien und Freunde projizieren können, um so das Ausmaß dieser Ereignisse zu verstehen. Die Zahl der Todesopfer im Zusammenhang mit dem Völkermord in Kambodscha ist einfach zu hoch, um sie wirklich zu begreifen. Rithy Panhs poetische Prosa und die Verwendung einiger ungerechtfertigter symbolischer Bilder von krachenden Wellen und zerfallenden Filmbeständen erwecken zunächst den Eindruck, dass er seine Botschaft ein wenig zu sehr auf die Spitze treibt. Doch die Fähigkeit des Regisseurs, die Gräueltaten, deren Zeuge er wurde, sowohl auf menschlicher als auch auf ethischer Ebene perfekt darzustellen, macht diese künstlerischen Verrenkungen durchaus verzeihlich.

Randal Douc ist der Mann, der die Dämonen von Rithy Panh austreiben soll, und während seine Erzählung durch Zahlen und Statistiken hindurchgeht, um die nackten, emanzipierten Knochen seiner Opfer zu enthüllen, ist es das reine emotionale Gewicht von Rithy Panhs Worten, das den traurig-bitteren Cocktail des Films aus Wut, Verzweiflung und einer resignierten Suche nach geistiger und gesetzgeberischer Katharsis schmelzen lässt. Rithy Panh geht auch kurz auf die Schuld des Westens ein, insbesondere auf die Unruhen, die durch die Bombenteppiche auf Kambodscha während des Vietnamkriegs verursacht wurden, und wie dies den Fanatismus förderte, der die Roten Khmer an die Macht brachte. "Das fehlende Bild" ist eine unbestreitbar didaktische Lektion über die Ethik der ideologischen Kriegsführung, blüht aber erst richtig auf, wenn man es als eine erschreckende Prüfung der Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes betrachtet.

In der Welt von Regisseur Lawrence Kasdans "Heißblütig - Kaltblütig" schleicht sich John Barrys Noir-Lounge-Musik in jede zweite Szene, Zigarettenrauch quillt aus jedem Raum, Schatten fallen über alles - es ist stets finster, auch mitten am Tag. An einer Stelle setzt Ned Racine (William Hurt) einen Filzhut auf, als wäre er ein Privatdetektiv aus einem Kriminalfilm der 40er Jahre. Die Affäre des Protagonistenpaares zieht sich über mehrere Kalenderwochen hin und wird immer leidenschaftlicher und schwülwarmer. Doch Mattys (Kathleen Turner) Ehemann Edmund Walker (Richard Crenna) wird in Kürze nach Hause kommen und damit droht das die kräftezehrenden intimen Stunden ein abruptes Ende haben könnten. Da der Film im Bereich des Film Noir einzuordnen ist, dauert es logischerweise nicht lange, bis die Rede darauf kommt, den unliebsamen Ehemann, den schwerreichen Edmund Walker, zu beseitigen, dessen Ableben eine gehörige Summe Geld, Freiheit und Wohlstand bedeuten würde. "Niemand darf es erfahren, Ned. Versprich es mir."

So kommt es erwartungsgemäß immer wieder zu erstaunlichen Fügungen, nicht nur bei den Leuten, die über die Affäre stolpern - von einer jungen Nichte, die die beiden beim Sex beobachtet, bis zu einer Freundin der Familie (Kim Zimmer), die Ned mit Matty verwechselt -, sondern auch, als Ned die Walkers in einem Restaurant trifft. Aus dem Herumschleichen an öffentlichen Plätzen wird bald die sorgfältige Planung eines Mordes. Ohne ihren Wunsch, frei zu sein, ausdrücklich zu bekräftigen, strahlt Matty diese einzige Message aus wie die besten Femme Fatales des Kinos. Und auch wenn man sich alle Eventualitäten ausmalt, die bei einem Mord schief gehen können, so gibt es doch immer wieder ein unvorhergesehenes oder vergessenes Detail, das man übersehen hat.

Was "Heißblütig - Kaltblütig" trotz seiner vielen unoriginellen Elemente vielleicht so reizvoll macht, ist das Beibehalten der zentralen Ingredienzien klassischer 'Mord aus Liebe'-Filme: brisante Liebesaffären, schrankenlose Begierde, zu viele Augenzeugen oder wissende Bekanntschaften, peinigende Beinahezusammenstöße, brüchige Alibis, Angst, Schuldgefühle und Mitleid, um nur einige zu nennen. Ein arroganter Mann und eine gefährliche Frau komplettieren die Zusammensetzung. Dazu kommen Komplikationen, die aus einer altbekannten Handlung eine entschieden verschlagenere formen, wie zum Beispiel das erneute Erscheinen eines befreundeten Advokaten (Ted Danson als Peter Lowenstein), der den Charakter der "Frau ohne Gewissen" noch deutlicher erscheinen lässt.

Gegen Ende tendiert der Betrachter dazu, die Positionen zu vertauschen, und subtile Praktiken und Entwicklungen erweisen sich als weitaus individueller, als sie zunächst anmuten. Das Skript von Autor und Regisseur Lawrence Kasdan leiht sich zwar eine Reihe von konzeptionellen Vorbildern aus anderen Filmen, hat aber eine ganz eigene, ominöse Ausstrahlungskraft. Sobald die Kurven gelegt sind, werden sie zunehmend intelligenter, und das Resultat ist ein brillantes, komplexes Detektivspiel. Es passen nicht alle Aspekte ineinander, doch es macht dennoch Spaß zu verfolgen, wie sich die kreativen Ansätze manifestieren und mutieren.

Vielleicht könnte die reale Welt ein paar Heldentaten gebrauchen, um der sozioökonomischen Schwermut zu entkommen. Doch wie der Film "Samaritan" von Regisseur Julius Avery zeigt, brauchen wir wohl kaum eine weitere filmische Geschichte über einen legendären Samariter, der sich zunächst versteckt, bevor er zur Rettung der Welt wieder auftaucht. Diese stilisierte Superhelden-Saga, die uns in eine düstere, von Trostlosigkeit und Verzweiflung geprägte urbane Landschaft der Arbeiterklasse eintauchen lässt, fühlt sich eher vertraut als neu an, da sie jugendliche Fantasie mit einer dunklen Geschichte von Erlösung und Rache vermischt.

Im Mittelpunkt steht der 13-jährige Sam Cleary (Javon 'Wanna' Walton), dessen alleinerziehende Mutter Isabelle (Dascha Polanco) in einem heruntergekommenen Apartmenthaus in 'Granite City', das auch mal bessere Zeiten erlebt hat, gegen die Zwangsräumung kämpft. Sam setzt seine ganze Hoffnung auf die Rückkehr von Samaritan, einem Helden mit Superkräften, von dem es heißt, er sei tot. Doch der altkluge Junge beharrt darauf, dass dies nicht der Fall ist, während er das Logo seines Idols in der ganzen Stadt versprüht und Verschwörungstheorien mit jedem teilt, der es hören will. Könnte der eigenbrötlerische Nachbar Joe Smith (Sylvester Stallone) der Samariter im Ruhestand sein? Sam findet entsprechende Indizien, selbst als er für den Kleinkriminellen Cyrus (Pilou Asbaek) arbeitet, um schnelles Geld zu scheffeln. Als Geheimnisse über beide Männer ans Licht kommen, löst die permanente Feindseligkeit eine eskalierende Fehde aus, die die Stadt spalten könnte, und Sam findet sich zwischen den Fronten wieder.

Trotz der dünn skizzierten Hintergrundgeschichte von Joe Smith bekommt Sylvester Stallone die Chance zu beweisen, dass er auch mit 76 Jahren immer noch ein guter Actionheld ist, sofern es überhaupt einen gewissen Zweifel gab. Dank der expressiven Performance von Javon 'Wanna' Walton können sich die Jugendlichen mit Sams vorsichtigem Optimismus und seinem Einfallsreichtum in solch verzweifelten Situationen identifizieren. Ihre zentrale Bindung bildet den emotionalen Anker. Die Nebenfiguren sind jedoch nicht so faszinierend, insbesondere der cartoonhafte Bösewicht, dessen Neid einem Konflikt weicht, der auf unbedachtem politischen Aktivismus und Opportunismus beruht.

Das Drehbuch von Bragi Schut nutzt die Aktualität eines solchen Konzepts nicht aus, da die Positionierung von skrupellosen Verbrechern als Volkshelden zu wenig Subtilität und Innovation aufweist, nie genug Brisanz erzeugt und auf einen vorhersehbaren finalen Showdown hinausläuft. Da die visuellen Effekte den ultra-gewalttätigen Kampf um die Kontrolle über die Zukunft der Stadt dominieren, wirkt "Samaritan" am Ende weniger karitativ ausgerichtet als vielmehr rein monothematisch.

"X" von Regisseur Ti West ist ein fieser Retro-Slasher-Film, der im Jahr 1979 spielt und von "Blutgericht in Texas" und einer Reihe von Pornofilmen aus den 70er Jahren inspiriert wurde. "X" kombiniert Sex und Gewalt auf fast schon komödiantische Weise. Es geht um ein kleines Team von Pornofilmern, die sich an einen abgelegenen Ort begeben und einer nach dem anderen auf brutale und unmenschliche Weise getötet werden, allerdings nicht bevor sie ihr Können unter Beweis gestellt haben. Gewissermaßen ist der Film also ein Meta-Kommentar zum Fick-und-Stirb-Motiv, das viele Slasher-Filme in den 80er Jahren prägte. Es scheint fast so, als ob Ti West den Film als eine minimalistische Destillation von Slasher- und Pornotypologien sieht.

Man könnte vermuten, dass ein Teil des metrischen Witzes darin besteht, dass "X" weder als Horror noch als Sexploitation wirklich funktioniert. Ti West und der Kameramann Eliot Rockett inszenieren die Pornoszenen einfallslos, und die Mordszenen, wenn sie dann schließlich kommen, verlaufen ähnlich. "X" ist ein träger Film, obwohl er mit einer Rückblende auf die Polizei beginnt, die am blutigen Tatort herumspäht, als wolle Ti West damit sagen: "Ja, in der ersten Hälfte des Films wird viel geredet und herumgehangen, aber keine Sorge, es wird trotzdem blutig." Das stimmt auch, aber die Opfer waren mir genauso egal wie das Psychopathenmaterial in "Und wieder ist Freitag der 13.".

Die Kamera hat eigentlich nur Augen für Maxine (Mia Goth), eine junge Pornodarstellerin mit Ambitionen, ein Star zu werden, deren Sommersprossen je nach Szene zu kommen und zu gehen scheinen. Maxine soll das entscheidende Element sein, aber sie ist weder besonders sympathisch noch intelligent. Dass Maxine vor einem Spiegel sitzt, ist vielleicht eine Anspielung auf "Boogie Nights", und wenn wir uns an diesen Film erinnern, wissen wir, dass der Schauplatz von "X" im Jahr 1979 eine starke Ironie ist: Home Video würde den Porno bald zu dem machen, was er eigentlich immer war, nämlich zu einer Wichsvorlage, und das Prinzip der Pornostars starb quasi aus. Soweit es die Öffentlichkeit betrifft, war Stormy Daniels die letzte Filmschauspielerin, deren Name in das Bewusstsein der breiten Öffentlichkeit gelangte. Die Zukunft von Maxine liegt also in Videos mit Titeln wie "Dirty Texas Sluts, Vol. 17".

Man merkt Ti West an, dass er "X" ernster nehmen will als die Splatterfilme, deren Ästhetik er plündert. Das zeigt sich in der Melancholie der ersten Hälfte, in den klangvollen Lippenbekenntnissen zu den Tristessen des Alterns, der entglittenen jugendlichen Freiheit. Ein Großteil des Films scheint sich mit der sexuellen Frustration einer älteren Frau zu befassen, der zusammen mit ihrem Mann das Grundstück gehört, auf dem das Pornoteam dreht. Maxine findet ihre sexuelle und, wie es scheint, bisexuelle Hilfsbedürftigkeit abstoßend und ekelhaft, und der Film sekundiert ihr. Man kann die Sympathien des Betrachters nicht wirklich aufteilen, wenn es sich um einen Slasher-Thriller handelt, der am Ende jede menschliche Anteilnahme aufhebt. Das soll nicht heißen, dass Horrorfilme freundlich oder gar politisch korrekt sein sollen, aber wenn wir uns für eine Figur interessieren sollen, wäre es hilfreich, wenn diese nicht zu Verachtung anstiften würde, sei es durch altersbedingte Bigotterie oder mörderische Brutalität. Fazit des Films zur Sexualität älterer Menschen ist, dass Sex mit Senioren unangenehm und widerlich ist, ganz gleich, wie sanft der Wunsch der älteren Dame formuliert wird.

In einem Film, in dem Menschen mit einer Mistgabel niedergestochen, an einen Alligator verfüttert und generell grob misshandelt werden, suchen wir vergebens nach einem warmherzigen Gefühl. Doch egal, was Ti Wests Ambitionen waren, "X" fühlt sich eher wie eine Kaltakrobatik an als ein heißer, blutroter Spritzer des starken Materials. Eiskalt und empfindungslos. Man kann nicht verlangen, dass man sich in die Verzweiflungssituation einer betagten Greisin einfühlt und dann ihren unheilvollen Tod herbeisehnt. Was auch immer Ti West hier anstrebt, es gelingt ihm nicht, vielleicht weil Ti West selbst keine dieser Personen zu schätzen weiß. Jedenfalls stimmt etwas mit dem Unterhaltungswert nicht. Einige Betrachter werden es als scharfen, unbarmherzigen Genuss empfinden, während andere sich ein wenig zermürbt, um nicht zu sagen enttäuscht und genervt fühlen werden. Es gibt bessere Porno-Horrorfilme, mit einem Budget für blutrünstige Spezialeffekte und dergleichen. In ihrem simplifizierenden, geldgeilen Drang, es allen recht zu machen, sind sie vielleicht etwas bekömmlicher als "X".

In einer zeitgemäßen Anklage gegen fehlgeleiteten Glauben, unerfüllte Religionen und grausame Götter erschafft die Eröffnungssequenz in "Thor 4: Love and Thunder" von Regisseur Taika Waititi einen neuen Bösewicht, Gorr (Christian Bale), mit einer einigermaßen verständlichen Mission wie Thanos, den Thor (Chris Hemsworth) bekämpfen muss. Aber es ist viel zu willkürlich und fadenscheinig, einen zufälligen Charakter einzuführen und ihn dann ein zufälliges Opfer bringen, eine zufällige Gottheit treffen, eine zufällige Waffe finden und einen zufälligen Rachefeldzug starten zu lassen. Es ist natürlich eine Vorbereitung auf mehr von dem, was der Betrachter bereits in den letzten Marvel-Filmen bewundern konnte: Chaotische Blitze, gewaltige Explosionen, der Schwerkraft trotzende Kampfsportarten, Fliegen und Gepose und Unmengen von Zerstörung. "Es gibt niemanden mehr, der dich anbetet."

Es ist auch eine weitere Gelegenheit, Charaktere aus anderen Marvel-Filmen in einer Art Cameo auftauchen zu lassen. Am bemerkenswertesten ist jedoch die Rückkehr von Jane Foster (Natalie Portman), deren schwindender Gesundheitszustand hier normalerweise ein bescheidenes Mitgefühl hervorrufen würde, wäre da nicht ihre Existenz in einem Universum voller Weltraum-Wikinger, außerirdischer Eroberer und allmächtiger Götter, die durch die morbide Tagesordnung der Menschheit trampeln und einen völligen Realitätsverlust, fehlende Seriosität oder mangelnde Konsistenz aufweisen. Der Tod ist in diesem Kontext fast nie das Ende.

Wiederum wirkt alles auf Anhieb konstruiert und treibt den Film nicht mit einer sinnvollen Handlung, sondern mit auffallend gekünstelten Zwecken voran. Im Handumdrehen entsteht ein Konflikt, die Suche nach einem Schlüssel wird entschieden, magische Waffen werden benötigt, und das Zentrum des Universums birgt ein machtvolles Geheimnis. Teleportieren macht Ortswechsel viel zu einfach, die Figuren erhalten spontan unerklärliche, grenzenlose Superkräfte und wirbelnde Lichter ersetzen visuell stimulierende Duelle. Die Monster werden aus dem Nichts herbeigerufen und materialisieren sich für Kämpfe, die aussehen, als würde man jemandem beim Spielen eines Videospiels zusehen. Auch der Humor hat dieses Mal nachgelassen, was den Spaß an dem, was früher die größte Stärke von Regisseur Taika Waititi war, zunichte macht. Das Wiedersehen von Thor und Jane soll eigentlich lustig sein, aber die fehlende Chemie zwischen den beiden sorgt für einige wirklich peinliche Momente, die durch dämliche Dialoge, bizarre Kostümwechsel und noch schlimmere Geplänkel verstärkt werden. Viele ihrer Gespräche klingen weniger nach romantischem Geschwätz als vielmehr nach gescheiterten Rezitationen von Comedy-Routinen aus Abbott und Costello-Sketchen.

Statt des Glanzes und Glamours, den das große Budget eigentlich bieten sollte, fühlt sich "Thor: Love and Thunder" an wie ein Flash Gordon oder Buck Rogers der Marke Z-zertifizierter Fernsehschund. Das liegt zum Teil an der äußerst kleinen Geschichte, die der Film in weniger als zwei Stunden erzählt, und an den spärlichen Motiven, durch die Galaxie zu reisen, aber vor allem daran, dass den Filmemachern einfach die Ideen ausgegangen sind. Ein unbesiegbarer Gotteskrieger kann nur eine bestimmte Grenze überschreiten, bevor seine Elektrosturmkämpfe zu eintönig und repetitiv werden. Die ergreifendsten Sequenzen zeigen gebrochene Opfer, die in den Armen ihrer Liebhaber dahingleiten, aber selbst diese Aufnahmen werden durch die Erkenntnis konterkariert, dass in Marvels nonsensischen Fantasiewelten nie jemand wirklich stirbt. Wäre der Alkoholpegel ausgeprägter gewesen, hätte dieses Projekt eventuell über die Runden gebracht werden können. Ohne zugkräftige Lacheinlagen bleibt leider nur das mittlerweile übliche, monotone CG-Spektakel, das in diesem neuesten, unspektakulären Abenteuer überhaupt nicht auffällt. "Die Götter werden dich benutzen, doch sie werden dir nicht helfen."

Wer den Trailer zu "Antebellum" von den Regisseuren Gerard Bush & Christopher Renz noch nicht gesehen hat, sollte ihn unbedingt vermeiden, bevor er den Film sieht. Manche Filmtrailer verraten zu viel von der Geschichte, aber dieser untergräbt die Dramatik des Films und die darin enthaltene Erzählung. Aufgrund der Strukturierung des Films ist es praktisch ausgeschlossen, darüber zu schreiben, ohne etwas von der Handlung preiszugeben. In dem Film spielt Janelle Monáe die Rolle der Eden, einer Sklavin auf einer Baumwollplantage inmitten des Bürgerkriegs. In einem Teil des Films verkörpert sie auch Veronica, eine moderne Akademikerin, die so renommiert ist, dass sie in den Fernsehnachrichten über Rassenfragen spricht. Wie die beiden zusammenhängen und sich verflechten, ist der zentrale Kern der Handlung, den ich hier nicht vorwegnehmen möchte. Es genügt jedoch zu konstatieren, dass die gnadenlose Behandlung der Schwarzen durch die Weißen im Laufe der Jahrhunderte im Mittelpunkt beider Geschichten steht.

"Antebellum" ist als Horror-Thriller angekündigt, und es gibt nichts Furchtbareres, als zu sehen, wie Sklaven menschenunwürdig dargestellt werden, und genau so verbringen Gerard Bush und Christopher Renz das erste Drittel des Films. Eden und ihre Mitsklaven scheinen vage Gedanken darüber zu haben, wie sie ihrer derzeitigen Lage entkommen könnten, doch wie eine frühzeitige Szene zeigt, kann die Durchführung dieser Vorhaben gravierende Konsequenzen nach sich ziehen. Die Verschiebung in die Neuzeit zeigt, wie weit Schwarze Menschen gekommen sind, aber auch, dass sie immer noch Gegenstand zahlreicher Akte des Rassismus sind, ob direkt oder indirekt. Veronica wird von verschiedenen Seiten angegriffen, und nur dank ihrer Willenskraft gelingt es ihr, nicht an jeder Ungerechtigkeit zu zerbrechen, die ihr widerfährt.

Dem Filmteam gelingt es hervorragend, den Schluss des Films aufzubauen, was die etwas konfusen ersten zwei Drittel des Films ausgleicht. Ob dieses Ende so tiefsinnig ist, wie sie es sich wünschen, ist eine andere Frage. Auf visueller Ebene ist der Film bestechend, und die Protagonisten, die sich gegen ihre Tyrannen aufbäumen, sind ein bewährtes Erfolgsrezept. Doch je mehr man sich mit der Botschaft befasst, desto platter fällt sie aus und wirkt eher wie ein moralisches Fanal als eine profunde Analyse der Rassenproblematik.

Unabhängig von der bleibenden Effizienz der Geschichte, ist es Janelle Monáe, die den Film prägt. Von "Moonlight" über "Hidden Figures - Unerkannte Heldinnen" bis hin zu "Harriet - Der Weg in die Freiheit" ist sie als Schauspielerin ebenso magnetisch wie als Sängerin, und sie ist eine Anlaufstelle für alle, die würdige historische Ereignisse von Schwarzen erzählen. Ebenfalls hervorzuheben ist Gabourey Sidibe, die sich in den letzten Jahren von der reinen Fernsehschauspielerin gelöst hat und eine spektakuläre Performance abliefert. Ebenso Jena Malone, die das Maximum aus der Partie des Bösewichts herausholt, die eigentlich nur Einseitigkeit bieten könnte. Als reiner Thriller kann "Antebellum" auf einer oberflächlichen Betrachtungsebene genossen werden. Allerdings ist seine inhaltliche Gestaltung mit der Rahmenhandlung verstrickt, und in dieser Hinsicht wird er seinem Stellenwert nicht vollständig gerecht.

In "Booksmart" von Regisseurin Olivia Wilde wacht Molly (Beanie Feldstein) in den 'Le Capris Apartments' in der Nähe von Los Angeles auf und hört eine Aufnahme eines Motivationsredners, der sie auf ihren letzten Tag an der 'Crockett High School' in Kalifornien vorbereitet. Ihre beste Freundin Amy Davidson (Kaitlyn Dever) holt sie ab, und sie lachen und tanzen zusammen, während sie die letzten Stunden ihres Highschool-Lebens enthusiastisch und lässig genießen. Niemand, auch nicht Rektor Brown (Jason Sudeikis), nimmt die Dinge zu ernst, was leicht zu bewerkstelligen ist, wenn man von einer außerordentlich heterogenen Gruppe von Schülern umgeben ist. Jede Clique wird angesprochen und in Karikaturen verwandelt, was allein schon durch die Hintergrundgespräche und das Verhalten an manchen Stellen zu einer gewissen Komik führt, so dass das Klassenzimmer einem Cartoon ähnelt.

Auch wenn sie sich an die Regeln und Vorschriften halten, sind Molly und Amy geradezu rebellisch in ihrer Sprache, reden ständig über verschiedene Vulgaritäten und fluchen exzessiv. Am stärksten ist jedoch ihr Selbstwertgefühl und ihre Zufriedenheit mit sich selbst. Geringfügige Verunglimpfungen und flüchtiges Schikanieren werden durch ihre positive Einstellung und ihre schulischen Leistungen leicht abgewehrt. Im Laufe des Films werden diese lobenswerten psychologischen Tarnungen auf die Probe gestellt, aber sie erliegen nur selten dem typischen Konformitätsdruck des Kinos. "Sie benimmt sich, als wäre sie 40."

Mollys Aufnahme an einer Eliteuniversität stärkt ihr Selbstvertrauen, doch als sie entdeckt, dass drei ihrer Mitschüler, die sie für intellektuell weit unterlegen hält, ebenfalls eine vielversprechende Zukunft und beachtliche Berufschancen vor sich haben, ist sie außer sich vor Gram. Sowohl Molly als auch Amy opferten ihre gesamte Zeit, um sich auf die Schule zu beschränken, während andere es irgendwie schafften, gute Noten mit regelmäßigen Partys zu kombinieren. Diese Rivalen mögen zwar realitätsfern sein, aber sie reichen aus, um die beiden Super-Nerds dazu zu bringen, eine wilde Nacht zu verbringen, um vier Jahre jugendlicher Party-Nüchternheit wettzumachen. "Wir sind nicht eindimensional!"

Das Drehbuch ist voll von flotten, freimütigen und sexualisierten Dialogen, die aber nie zur Aufdringlichkeit werden. Dank der vielen überdrehten Persönlichkeiten, die versuchen, sich in die Popularität einzukaufen, ist Jared (Skylar Gisondo) wahrscheinlich der dämlichste, während Gigi (Billie Lourd) mit ihrem ständigen Drogenrausch die Show stiehlt und die Konferenzen des Hauptduos erfrischend unkompliziert sind. Mit seinen unzüchtigen Themen und der eskalierenden Irrsinnigkeit der Odyssee durch die Stadt, um die größte Party von allen zu finden, ähnelt "Booksmart" oberflächlich gesehen "Superbad", aber aus der Perspektive junger Frauen. Es gibt einen gewissen Realismus in den Zusammenhängen, der sich aber nicht immer auf die Szenarien erstreckt. Die Handlung geht bei jeder Gelegenheit in Richtung Fantasie, wobei gelegentlich hysterische Tagtraumsequenzen verwendet werden, um die überbordende oder mit psychotropen Stimulanzien bombardierte Traumwelt zu visualisieren.

Die Prämisse von "Booksmart" wird sicherlich zu Vergleichen mit dem Film "Eighth Grade" anregen, aber beide Filme handeln von sehr unterschiedlichen Charakteren und fast diametral entgegengesetzten prägenden Jahren. In "Eighth Grade" ging es um die Problematik von Identität, Reputation, Popularität und mangelndem Selbstwertgefühl in der Jugend. "Booksmart" behandelt ähnliche Motive, aber auf kontrastreiche Weise, indem es sich an die lebenslustigen, extravaganten, triumphierenden Qualitäten der Adoleszenz hält und das Chaos den Versuchen einer gedämpften Normalität vorzieht. Es gibt immer noch abschreckende Momente, doch "Booksmart" nutzt das leichte Drama, die komplizierte Romanze, die herzzerreißenden Entschlüsselungen und die waghalsigen Eskapaden, um düsteren Realismus in unbeschwerte Fröhlichkeit zu verwandeln. Darüber hinaus ist die Freundschaft, die im Mittelpunkt steht, fantastisch und wird durch die herausragenden Leistungen von Beanie Feldstein und Kaitlyn Dever noch rührender, differenzierter und attraktiver.

In "Orca - The Killer Whale" von Regisseur Michael Anderson werden die weißen Hai-Jäger Nolan (Richard Harris), Novak (Keenan Wynn), Paul (Peter Hooten) und Annie (Bo Derek) von der Taucherin und College-Professorin Rachel Bedford (Charlotte Rampling) und ihrem Bootspartner Kenneth (Robert Carradine) an Bord des Schiffes 'Bumpo' an der Jagd auf den Weißen Hai gehindert. Gerade als ihr unvorsichtiger Navigator fast vom Weißen Hai geschnappt wird, kommt ein Paar Killerwale zur Rettung und reißt den größeren Fisch in Stücke. Das fasziniert Kapitän Nolan, der entschlossen ist, einen Killerwal zu fangen und an ein Meeresaquarium zu verkaufen. Doch seine Pläne machen Rachel stinksauer, die die schwarz-weißen Kreaturen abgöttisch liebt und es nicht ertragen kann, sie in Gefangenschaft zu sehen.

Es fällt sofort auf, dass der Schnitt von "Orca - Der Killerwal" bestenfalls schlampig ist. Die Erzählung ist komplett nutzlos und unangebracht, während der Aufbau und die Details über die Killerwale und ihre Jäger überhastet sind. Die Motive sind simplistisch und unrealistisch, und die Charaktere haben wenig Zeit für echte Interaktion. Als Nolan also ein Orca-Weibchen harpuniert, bleibt wenig Zeit für Diskussionen oder Differenzierungen unter der Besatzung, denn der Maat plant seine Rache.

Richard Harris versucht erfolglos, so hart und versalzen wie Robert Shaw in "Der weiße Hai" auszusehen, wohingegen die meisten Killerwal-Effekte eher lachhaft als furchterregend sind. Eine selbstmordgefährdete Orca-Mutter, ein gummiartiger Orca-Fötus, der in der Tat ziemlich verstörend ist, und ein erzürnter Orca-Vater, der eine Träne für seine geschlachtete Gefährtin vergießt, sorgen eher für ein Grinsen als für Verwunderung. Es fällt schwer, diese einzigartigen Geschöpfe als beängstigend zu bezeichnen, obwohl sie zumindest in diesem Film einen ziemlich beunruhigenden Schrei ausstoßen. Dazu kommt, dass Rachel darauf besteht, dass sie unbestreitbar die mächtigsten Tiere der Welt sind und einen ausgeprägten Hang zur Rachsucht haben.

Die Handlung ist so bescheuert, dass der Film spätestens dann, wenn Jacob Umilak (Will Sampson) auftaucht, um die jenseitige Intelligenz der widerspenstigen Kreatur zu erklären, und ein fieser Gewerkschaftsboss vor dem Aberglauben warnt, der die örtlichen Fischer plagt, jede Glaubwürdigkeit als Horrorfilm und sogar als bloße monetäre Ausbeutung des Blockbusters, mit dem alles begann, verloren hat. "Orca - Der Killerwal" hat die offizielle Fortsetzung von "Der weiße Hai" an den Kinokassen geschlagen, doch seine rasante Produktion, die den Grund für seine Existenz offenlegt, profitiert nicht von diesem Umstand. Das Ergebnis ist ein Produkt, dem es an Authentizität fehlt, und der Unterhaltungswert ist katastrophal niedrig.

Der Orca ist anscheinend so schlau, dass Nolan einen Plan ausheckt, bei dem er der Schöpfung in die Augen schaut, sich entschuldigt und um Vergebung bittet. "Ich verstehe, was dieser Wal fühlt", sagt der Baby-Wal-Killer, während er seine eigene Geschichte erzählt, wie er Frau und Kind durch einen alkoholisierten Kraftfahrzeugführer verlor. Später hat Annie das mulmige Gefühl, dass sie von dem Wal beobachtet wird, obwohl sie sich in einem Haus befindet. Es scheint unvorstellbar, doch der Film wird mit jeder Minute immer schwachsinniger. "Er will mit dir auf dem Meer kämpfen."

Unglaublicherweise besteht der Höhepunkt in einer Schießerei mit dem Monstertier auf einem Eisberg, die eigentlich die einzige unterhaltsame Sequenz ist, die mehr durch ihre humoristische Absurdität als durch ihre Kreativität besticht. Doch das vielleicht markanteste Element von "Orca - Der Killerwal" ist die Filmmusik von Ennio Morricone, die an seine Spaghetti-Western erinnert, vor allem wenn Aufnahmen von schwimmenden und brütenden Walen die Lücken in der Handlung stopfen. Das reicht aber leider nicht aus, um die unzähligen Makel dieses kolossal verblödeten Unterfangens auszugleichen.

"Dreizehn Leben" von Regisseur Ron Howard ist eine detaillierte und langatmige Rekonstruktion der Rettungsaktion 2018 in der thailändischen Tham-Luang-Höhle, als Taucher und Freiwillige aus der ganzen Welt zusammenkamen, um eine verirrte Junioren-Fußballmannschaft zu retten. In einer mühsamen und unvorstellbaren Leistung konnten die Kinder und ihr Trainer aus ihrer tödlichen Lage gerettet werden. Ron Howard präsentiert den Stoff mit ähnlicher Akribie, und der Film ist zweifellos eine technische Glanzleistung. Dabei ist er so penibel, dass der Film fast schon wieder langweilig wirkt.

"Dreizehn Leben" ist durchweg spannend, ohne jemals besonders interessant oder unterhaltsam zu werden. Die Herausforderungen, denen sich die Retter gegenübersahen, waren nicht von dramatischen Spannungszuständen charakterisiert. Die Bedingungen waren lediglich lang und mühsam, zwei Worte, die nicht gerade für großes Kino stehen. Jeder Betrachter, der neugierig genug ist, sich den Film anzusehen, kennt den Vorfall und weiß, dass es für die Kinder gut ausgehen wird. Stattdessen wird ein unnötiges Theater inszeniert, indem man eine gute Stunde herumsteht und darüber räsoniert, wie riskant die Operation sein wird.

Ein Taucher starb tatsächlich, ein ehemaliger Thai Navy SEAL namens Saman Kunan (Sukollawat Kanarot). Der Tod des einzigen Mannes, der in der Höhle wirklich sein Leben verloren hat, wird als eine Art praktische Unterrichtsstunde für das Kollektiv verwendet. Hier gehört er zum Handlungsablauf und ist keine konkrete Ausgestaltung. Ist er eine zentrale Schlüsselfigur? Leider nein, überhaupt nicht.

Deprimierenderweise, wenn auch nicht verwunderlich, sind die Weißen die Protagonisten. In der Tat nahmen Richard Stanton (Viggo Mortensen) und John Volanthen (Colin Farrell), britische Spezialisten für Rettungstauchen, eine wesentliche Bedeutung bei der Rettungsaktion ein und waren die ersten, die die Jungen auch tatsächlich gefunden haben. Ohne diese Männer wäre die Befreiungsaktion sehr wahrscheinlich nicht geglückt. Wenn man diese Situation jedoch verfilmt, erzählt man eine Geschichte darüber, wie einige nicht-weiße Personen in eine Notlage gerieten, woraufhin andere nicht-weiße Leute es versäumten zu helfen und einige weiße Individuen aufkreuzten, um die Lage zu meistern. Es muss schwierig gewesen sein, diese Kinder aus der Höhle zu evakuieren. Noch diffiziler ist es allerdings, den Film über den Ernstfall zu überstehen.

In "Beast - Jäger ohne Gnade" von Regisseur Baltasar Kormákur töten skrupellose Wilderer eine Löwenfamilie, aber sie erwischen sie nicht alle. Zugleich können sie sich von der Bestie abwenden, die sie in einem Racheakt töten will. Schnell wird der Jäger zur Beute gemacht. In diese südafrikanische Umgebung kommen Nathanial Samuels (Idris Elba) und seine beiden Töchter, die zaghafte Teenagerin Meredith (Iyana Halley) und die jüngere, frühkindliche Norah (Leah Jeffries), die ihren Vater nur widerwillig in diesen ungewöhnlichen Urlaub im Busch begleiten, wo sie auf die Annehmlichkeiten einer eiskalten Klimaanlage oder von drahtlosem Internet verzichten müssen. "Wir haben das ganze Rudel bis auf einen."

Das Trio trifft sich mit seinem langjährigen Freund 'Onkel' Martin (Sharlto Copley), der als Parkwächter für das nahe gelegene Naturschutzgebiet arbeitet und regelmäßig mit Wildtieren und Wilderern zu tun hat, die er routinemäßig zu liquidieren versucht. Am nächsten Morgen begeben sie sich auf eine Privatsafari, bei der sie auf einer weitgehend menschenleeren Strecke unglaubliche Impressionen erleben. Und wenn sie Glück haben, können sie sogar ein paar Löwen aus nächster Nähe sehen.

Der Aufbau ist so simpel, dass der Film nur wenige Szenen braucht, um die hoffentlich verständnisvollen, nuancierten und sympathischen Züge herauszuarbeiten, indem er eine emotionale Distanz zwischen dem Vater und seinen Kindern schafft, der aufgrund einer ehelichen Trennung und Tragödie von Schuldgefühlen geplagt ist. Es ist ein sehr typischer Familienstreit, der letztlich nicht viel Tiefgang erzeugt. Natürlich ist es leicht, diese Menschen zu bemitleiden, denn sie sind die Einzigen, die in der ersten Reihe stehen. Das Resultat ist ein formelhaftes Gezanke und Flehen nach Besonnenheit. Der eigentliche Konflikt ist selbstverständlich der Löwe, der beschließt, diese unglücklichen Touristen in eine schmackhafte Delikatesse zu zerlegen. "Das ist das Gesetz des Dschungels."

Die computergenerierte Feindfigur sowie eine Handvoll Hintergrundkreaturen sind zwar nicht völlig unglaubhaft, wirken aber deutlich irrealer, wenn es um präzise Bewegungen und Interaktionen mit den Hauptfiguren geht. Doch die animierten Gesichtszüge des angsteinflößenden Löwen halten ihn nicht davon ab, Attacken auszuführen, die es mit dem am Computer modellierten Bären aus "The Revenant - Der Rückkehrer" durchaus aufnehmen können. Die Attacken sind nach wie vor wahrhaft erschreckend, zumal der Film Anleihen bei "Cujo" macht, als die Familie in einem Fahrzeug gefangen ist. In vielen dieser Momente folgt die Kameraführung auf spielerische Weise den Gesichtern der Menschen und verbirgt die Bewegungsabläufe der Bedrohung in den Zonen außerhalb des Bildausschnitts, was für zusätzliche Nervosität sorgt, wenn hinterhältige Angriffswellen unumgänglich werden.

So wie die Locations und die Landschaft exquisit sind, obwohl sich die meisten Aktivitäten auf ein paar einsame Arenen beschränken, ist Sharlto Copley als robuster Tierschützer absolut authentisch. Und trotz der mageren Ausgangslage liefert auch Idris Elba eine kompetente Leistung ab. Weniger effizient sind jedoch die beiden Mädchen, die abwechselnd viel zu tapfer oder viel zu hysterisch sind. In jedem Fall sind sie durchweg lästig, weil sie einem übernatürlich intelligenten Raubtier in den Weg kommen und dämliche Dummheiten machen. Ihre Beschlüsse sind ebenso moralisch leichtsinnig wie das Tier clever kalkuliert. Darauf muss man gefasst sein, aber es ist nicht weniger ärgerlich.

Eines der gängigen Horrorelemente, das nicht genügend zum Tragen kommt, ist die erwartete Rückkehr der Wilderer, eine Anspielung auf die Realität, dass die menschlichen Kreaturen oft schlimmer sind als die Monster, die sie bekämpfen. Doch dies ist eine winzige Komplikation, die nicht annähernd so zwingend ist wie die Hauptprobleme der Familie, die alle aus dem Übergriff des Löwen herrühren, einschließlich des abgeschnittenen Zustands von externen Rettungsquellen und der Behandlung schwerwiegender Blessuren. Das Aufregendste sind ohne Zweifel die ständigen, nervenzehrenden Beißattacken der gefräßigen Raubkatze. Auch wenn es nur wenige positive Aspekte gibt, ein unbefriedigendes Ende und ein überwiegend uninspiriertes Drehbuch, so ist es doch selten, dass ein Killertierfilm in die Kinos kommt, und noch seltener, dass er mit einem hochkarätigen Hauptdarsteller besetzt ist, was "Beast - Jäger ohne Gnade" zu einem brauchbaren Film macht, dessen kurze Laufzeit sich sehen lassen kann, und zu einer verlässlich spannungsgeladenen Auseinandersetzung mit Mutter Natur, die mit aller Vehemenz kontert.

"James (Daniel Kaluuya) und Jill (Keke Palmer) sind nicht nur ein Paar, sondern auch stolze Besitzer der Haywood-Ranch, die sich seit Jahren im Besitz der Familie befindet."

Nein mein lieber sie sind kein Paar sondern Bruder und Schwester. Ich würde Dir empfehlen den Film erst zu sehen bevor Du so einen strunzdoofen Kommentar aus Dir rausspuckst. Da braucht man gar nicht weiterlesen.

"Das Leben des Emile Zola" von Regisseur William Dieterle spielt im Paris des Jahres 1862. Der verarmte Schriftsteller Emile Zola (Paul Muni) kämpft mit seinem Mitbewohner, dem Maler Paul Cezanne (Vladimir Sokoloff), ums Überleben. Er muss die Miete und den Metzger begleichen. Seine Mutter verschafft ihm eine Stelle als Angestellter beim Buchverlag 'Monsieur La Rue', aber die Beschäftigung ist nur von kurzer Dauer, da sich die Behörden an ihn wenden, weil er hetzerische Artikel über die Regierung und verschiedene soziale Ungerechtigkeiten der Zeit schreibt. Er wird vor ein Ultimatum gestellt: Entweder er hört auf, über seine Lieblingsthemen zu schreiben, oder er verliert seinen Job. Emile Zola weigert sich, seine künstlerische Perspektive aufzugeben und wird erneut in die Arbeitslosigkeit entlassen. "Bald wird die Welt mich anerkennen."

Unbeeindruckt von der Strafverfolgung macht Emile Zola weiterhin auf die Themen öffentliche Sicherheit, Korruption und Bestechung, bewaffnete Konflikte und die Problematik der Wirtschaftskrise aufmerksam. Als er eine unglückliche Frau trifft, die vor der Polizei flieht, wird er inspiriert, auch über ihre schändliche Vergangenheit zu schreiben. Der Roman 'Nana', der auf kontroverse Weise ein Leben in der Gosse offenbart, verkauft sich in den ersten drei Tagen 36.000 Mal. Mit dem Eintritt Frankreichs in den Krieg von 1870 eröffnen sich für Emile Zola neue Themen. In 'Der Zusammenbruch' übt er scharfe Kritik an der Armee und fordert die Verhängung von Strafen durch den Obersten Zensor. Doch Emile Zola ist nicht aufzuhalten. Indem er weiterhin das Elend, das Leid und die Blutschuld des Volkes durch die Fehler der Regierung aufdeckt, wird er reich, weltberühmt und ein kleines bisschen dicker.

Der Übergang von einem jungen Menschen in Armut zu einem erfolgreichen älteren Mann ist faszinierend schnell. Innerhalb einer halben Stunde scheint das Leben von Emile Zola resümiert zu sein und sich seinem Ende zu nähern. Und dann, in einer eher ungewöhnlichen erzählerischen Entwicklung, verlagert sich der Fokus des Films auf eine völlig neue Gruppe von Charakteren, die im Jahr 1894 interagieren: Der jüdische Berufskapitän Alfred Dreyfus (Joseph Schildkraut) wird in eine Hexenjagd verwickelt, als der ungarische Graf Esterhazy einem deutschen Gesandten Staatsgeheimnisse verrät, was eine Reihe hochrangiger Militärs zu Überreaktionen, Spionage und übereilten Schlussfolgerungen anspornt. Der Antisemitismus wird zwar angedeutet, aber dieses Hauptmotiv wird überwiegend ignoriert.

Obwohl es eine Weile dauert, bis Emile Zola auf den Bildschirm zurückkehrt, wird deutlich, dass ein großer Skandal im Gange ist und dass jemand wie der geschätzte Autor die einzige Person sein könnte, die in der Lage ist, die Situation zu korrigieren. In der Welt von Emile Zola ist die Macht einer lauten Stimme oder die Freiheit der Presse überzeugender als die Gesamtheit eines einseitigen Gerichtssystems. Im weiteren Verlauf des Films, der sich immer mehr wie eine Biografie von Alfred Dreyfus anfühlt, sind es Joseph Schildkraut und Gale Sondergaard, die seine Frau Lucie darstellt, die die tiefgreifendsten Sequenzen tragen, da die Wahrung des Ansehens der Verantwortlichen und der dadurch verursachte Individualschaden gegen die schwerwiegenden Auswirkungen der Wahrheit kämpfen, die das Vertrauen in die Armee und ihre Ehre zu schwächen droht. Als Sprachrohr der Konfrontation mit dem französischen Militär riskiert Emile Zola jedoch viel, darunter auch eine gerichtliche Vorladung zur Vergeltung, was die Löschung seines Lebenswerkes bedeuten könnte. "Die französische Justiz macht keine Fehler."

"Das Leben des Emile Zola" hat eine historische Grundlage, doch die Geschichte ist zu Unterhaltungszwecken fiktionalisiert worden. Der Unterhaltungswert ist dabei hoch, zumal der Film die Korruption auf oberster Ebene entlarvt und die dringende Notwendigkeit aufzeigt, unfaire Justizpraktiken zu revidieren. Es ist eines der frühesten Gerichtsdramen und militärischen Verschwörungsfilme und sogar politischen Kriegsfilme, die ihre Themen und Reden sowohl für bedeutsame Bürgerrechtsgeschichten als auch für kleine, familiäre Gerichtsprozesse von "Wer die Nachtigall stört" und "Anatomie eines Mordes" über "Kramer gegen Kramer" bis hin zu "Wege zum Ruhm" und "Eine Frage der Ehre" verwenden. Auch sein Maskenbild und die Alterungseffekte sind grandios. Wenngleich die Botschaft wichtig und das Ergebnis signifikant ist, wird die Handlung trotz ihrer Nutzung als Vorlage für andere Projekte zu schematisch erzählt, was der Produktion insgesamt einen unausgewogenen Stempel aufdrückt. Der Mann und seine Werke sind weitaus frappierender als die Darstellung und fachliche Bearbeitung seiner Biographie.

"Candy" von Regisseur Christian Marquand beginnt mit einer sehr langen Eröffnungsszene, die durch die Galaxie zoomt, sich auf die Erde fokussiert und die Planeten mit psychedelischen Farben und greller Überbelichtung auskleidet. Die Kamera schwenkt über den Ozean, über den Strand und schließlich durch die Wüste, um auf einer jungen blonden Frau zu landen, die unter einem weißen Laken hervorkommt. Offenbar war alles nur ein Traum, denn die naive Candy Christian (Ewa Aulin) wacht im Unterricht auf und wird von ihrem Vater, dem Lehrer, belehrt. Später besucht sie einen Vortrag des berühmten Dichters MacPhisto (Richard Burton), eines versoffenen Schauspielers, der sie anschließend in seiner Limousine zu vergewaltigen versucht. Als er zu betrunken ist, um etwas anderes zu tun, als auf den Boden zu fallen, hat Candy stattdessen Sex mit dem schwachsinnigen Landschaftsgärtner (Ringo Starr) ihres Vaters.

Es wird beschlossen, Candy wegen ihres abnormalen Verhaltens nach New York zu schicken, mit ihrem Vater, ihrem Onkel T.M. Christian (John Astin) und seiner Frau Livia (Elsa Martinelli) als Begleitpersonen. Auf dem Weg dorthin wird die Familie von den drei Schwestern des Gärtners, Lolita (Florinda Bolkan), Conchita (Marilù Tolo) und Marquita (Nicoletta Machiavelli), die Schlagringe, ein Springmesser und einen Dreschflegel bei sich tragen, überfallen, und in dem daraus resultierenden Streit fällt Candys Vater ins Koma. Es gelingt ihnen, an Bord eines Militärflugzeugs zu steigen, das von Brigadegeneral Smight (Walter Matthau) kommandiert wird, der eine Bluttransfusion gegen eine patriotische Stripshow von Candy eintauscht, was zu einem versehentlichen Einsatz der Truppen des Militärs und einer wackeligen Landung durch T.M.s Frau führt. Von dort aus wird ein Hirnchirurg (James Coburn) in rosa Kittel zur Operation gerufen, der sich lustigerweise Blut ins Gesicht spritzt, während er mit Skalpellen und Knochensägen in Candys bewusstlosem Vater herumstochert, während eine Schar von Schaulustigen ihm dabei zujubelt. Nach einer erfolgreichen Operation begeben sich der Arzt und seine Fans sowie der sedierte Patient in den Partyraum, wo sie ihren Triumph feiern. In der Zwischenzeit erlebt Candy auf der Suche nach ihrem Vater weitere aberwitzige Zwischenfälle. Und das ist nur die Spitze des Eisbergs, denn das rehäugige Mädchen setzt ihre bizarre Odyssee mit seltsamen Menschen und noch eigenartigeren sexuellen Begegnungen fort, die ihren Höhepunkt in einer ätherischen Leere findet.

Die Nebendarsteller können praktisch nicht schauspielern, abgesehen von den überraschenden Gastauftritten einiger sehr großer Namen, die wahrscheinlich alle ihr Engagement nach der Veröffentlichung des Films in Frage gestellt haben. Richard Burton ist MacPhisto, der überdramatische, alkoholkranke Theaterschauspieler. In der Rolle von Emmanuel, dem eifrigen mexikanischen Gärtner, ist Ringo Starr zu sehen. Der Gehirnchirurg, der sich auf Affen spezialisiert hat, wird von James Coburn dargestellt. John Huston ist der Chefarzt der Nervenheilanstalt. In der Rolle des kommandierenden, kläffenden Generals ist Walter Matthau zu bewundern. Der Sänger Charles Aznavour ist der bucklige Gaukler, der auch mit der blauäugigen Frau zu tun hat. Anita Pallenberg ist eine gestörte Krankenschwester und Marlon Brando ist Grindl, ein Guru, der in einem Wohnwagen lebt und keine materiellen Sorgen hat, außer Candy zu besteigen. Die Boxlegende Sugar Ray Robinson absolviert ebenfalls einen kurzen Aufgalopp.

Die Musik ist sehr 60er Jahre, tamburinlastig, fröhlich, blöd und von dem gleichen Niveau wie in einem Porno. Die Dialoge sind ähnlich pathetisch, wenn auch nicht ohne einige versteckte Kleinode des rasanten Sprachwitzes. Vereinzelt ist es jedoch kaum mehr als unverhohlener Blödsinn, eklatanter Rassismus und politische Unkorrektheit mit verstärktem Dialekt. "Candy" ist außerdem gespickt mit kreativ-schräger Kameraführung, darunter eine Aufnahme von unten, die als Glas gezeigt wird, Handkameraaufnahmen, die torkelnde Charaktere verfolgen, abwechselnde Schnitte von MacPhisto, der eine Schaufensterpuppe befummelt, während Emmanuel sich an der titelgebenden Blondine gütlich tut, und die Augen von Ärzten und Krankenschwestern, die Bilder von blutigen chirurgischen Instrumenten zum Takt von Rockmusik verfolgen. Selbst die Kulissen und Requisiten sind abenteuerlich, verstörend und völlig deplatziert.

Die Figuren scheinen Gedanken und Gefühle zu verkörpern, ohne jemals klar als solche definiert zu sein, und die Geschichte schreitet voran, als wäre sie an Ort und Stelle erfunden worden, mit zufälligen Abbildungen und ohne Richtung oder Ziel. Der Grund dafür ist die Verfilmung des Romans von Terry Southern, einer erotischen Komödie, die lose auf Voltaires Candide basiert. Ist es eine geschickte Satire, eine Provokation des Optimismus, eine Anspielung auf die klassische Literatur, ein surrealistisches Fiasko oder eine sinnlose Sexposse? Ist das Kunst oder kann das weggeworfen werden? Der enigmatische, hemmungslos groteske Film, der heute als Kultfilm gilt, ähnelt in seiner expliziten Sexualität, seiner allgemeinen Abartigkeit und seinen wahnwitzigen Sets stark an "The Rocky Horror Picture Show". Mit seinen wilden Partys, den britischen Einflüssen, den wechselnden Schauplätzen, den sonderbaren Charakteren und der umfangreichen Besetzung erinnert der Film auch an "Casino Royale" von 1967. Doch letztendlich ist "Candy" zu unübersichtlich, zu konfus und zu sinnentleert, um ein breites Fanklientel anzusprechen.

In "Clerks 2 - Die Abhänger" von Regisseur Kevin Smith brennt der 'Quick Stop Groceries' in New Jersey vor den Augen von Dante Hicks (Brian O'Halloran), der anscheinend den größten Teil seines bisherigen Lebens dort gearbeitet hat, und seinem Mitarbeiter Randal Graves (Jeff Anderson) nieder. Ihr beträchtlicher Mangel an Erfolg oder vielmehr ihre Unfähigkeit, voranzukommen, oder vielleicht ihr völliges Desinteresse, die Karriereleiter zu erklimmen, führt dazu, dass sie in derselben Stadt bleiben, mit denselben Leuten abhängen und immer wieder dieselben Routinen durchlaufen. "Ich habe die Kaffeemaschine wieder angelassen, oder?"

Nun, da sie ihre langjährigen Jobs verloren haben, beschließen beide, in die Fast-Food-Branche einzusteigen und bei 'Mooby's' in der Gegend Burger zu braten. Sogar die Drogendealer Jay (Jason Mewes) und Silent Bob (Kevin Smith) ziehen an die Seite des Gebäudes, um mit ihren ironischen Kommentaren über Außerirdische und Jesus einen Neuanfang zu starten, während sie Gras an diverse Kunden verkaufen. Doch Dantes Leben ist nicht mehr hundertprozentig dasselbe, denn er hat jetzt eine Verlobte, die überehrgeizige und rechthaberische Emma Bunting (Jennifer Schwalbach), deren Eltern hoffen, ihren Erfolg zu verbessern, indem sie ihnen ein Haus und ein Geschäft schenken, nachdem sie zusammen nach Florida gezogen sind. In der Zwischenzeit schlagen sich Dante und Randal die Zeit damit tot, dass sie sich über den streberhaften Arbeiter Elias (Trevor Fehrman) lustig machen, mit ihrer Chefin Becky (Rosario Dawson) quatschen und über die Unterschiede zwischen beliebten Filmtrilogien diskutieren.

In dieser Fortsetzung wird wieder einmal viel Wert auf die Dialoge gelegt. Der Schauplatz ist von geringer Bedeutung und dient lediglich als Kulisse für alle möglichen kontroversen, streitlustigen und vulgären Diskussionen, die sich fast alle um sexuelle Themen drehen. Trotz des lockeren Slapsticks, der musikalischen Einlagen, der wiedererkennbaren Cameos und der Andeutung einer Dreiecksbeziehung bleibt der größte Teil des Films bei rüpelhaften Wortgefechten hängen, die sich zu exzessiven Debatten über tabuisierte oder pikante Sachverhalte zuspitzen. Anzeichen von Reue, die Sinnlosigkeit bescheidener Veränderungen, die Befriedigung sozialer Bedürfnisse und in der Schwebe befindliche Freundschaften können die Dominanz der Obszönitäten einfach nicht ausgleichen.

Dieser klare Fokus wäre normalerweise kein Problem, außer dass das Drehbuch Mühe hat, durchgängig lustig zu bleiben. Etliche Sequenzen wirken ausgesprochen flapsig. Wie bei so vielen leidenschaftlichen Projekten von Filmemachern, die keinen Durchblick haben, hat man oft das Gefühl, dass die Schauspieler beim Drehen mehr Spaß haben als der Betrachter beim Ansehen - eine Ironie, wenn man bedenkt, dass Autor und Regisseur Kevin Smith ausführlich darüber gesprochen hat, wie viel Spaß er beim Filmdreh hatte. Selbst die überschäumende Flut an Verweisen auf frühere Kinofilme in Kevin Smiths Universum und einzelne Entitäten darin sowie auf Filme im Allgemeinen, die sich noch weitgehend auf "Star Wars" beziehen, kann "Clerks 2 - Die Abhänger" nicht vor einem flauen Beigeschmack bewahren. Immerhin ist das Finale ziemlich abgefahren. Doch die permanenten Repetitionen, die nicht ganz an die Genialität des Originals von 1994 heranreichen, lassen dieses Machwerk komplett redundant aussehen.

Einer der gefährlichsten Filme, die je für Kinder gemacht wurden, bekommt eine Fortsetzung?! Das sollte strafrechtliche Konsequenzen nach sich ziehen!

Es verwundert mich nicht, dass "Robert Altman's Last Radio Show" von eben diesem Regisseur Robert Altman nicht einmal die geringste Spur einer Handlung enthält. Achtet auch darauf, dass ihr nicht nach einer guten Charakterentwicklung, interessanten Konfliktsituationen oder zufriedenstellenden Lösungen sucht. Garrison Keillor, Kevin Kline, Meryl Streep, L.Q. Jones, Maya Rudolph, Woody Harrelson, John C. Reilly und viele mehr bilden das Ensemble aus talentierten Sängern und Musikern, die als Truppe einer langjährigen Live-Radiosendung auftreten, die aufgrund des Wandels der Zeiten und der Notwendigkeit, das nostalgische Theater in einen Parkplatz zu verwandeln, zum letzten Mal ausgestrahlt wird. Die Sendung ist nicht mehr willkommen, und das Ensemble weiß das. Im Laufe von etwa zwei Stunden schwelgen die Charaktere in Erinnerungen darüber, wie sie alle in der Branche gelandet sind, wie sie sich kennengelernt haben, über ihre früheren und heutigen Beziehungen zu allen möglichen Leuten und über alle möglichen anderen langweiligen Themen, während sie abwechselnd auf die Bühne gehen und vor einem vollen Publikum singen.

Im Trubel hinter den Kulissen stirbt eine der älteren Sängerinnen, wahrscheinlich aus Reue darüber, dass sie an dem Projekt mitwirken musste. Ein Engel (Virginia Madsen), der ironischerweise als gefährliche Frau dargestellt wird, besucht das Set und der Axtmann (Tommy Lee Jones), der das Ende der Show miterleben soll, trifft ein, um den Deal zu besiegeln. Jedes Ereignis ist inszeniert und soll lustig oder bedeutsam sein, wirkt aber geradezu schockierend unlustig und geradezu stumpfsinnig. Dem Betrachter wird es leicht fallen, einige der Figuren zu hassen und den Rest gänzlich zu ignorieren. Ein paar gute Einfälle und schlagfertige Dialoge lockern das trübe Spektakel auf und bieten eine kurze, qualvolle Ruhepause von der absoluten Tristesse.

"Robert Altman's Last Radio Show" ist zwar intelligent geschrieben, das kann aber nicht verhindern, dass das Endresultat phänomenal öde ist. Kevin Kline spielt eine der wenigen Rollen, die halbwegs unterhaltsam sind, und sorgt für einen Gutteil der voraussagbaren, doch vergnüglichen Komödie, während Meryl Streep nichts weiter zu tun hat, als sich zu bemühen, zu singen. Garrison Keillor porträtiert sich selbst, während Lily Tomlin als maulfaules Gespött besonders unwirsch ist. Woody Harrelson und John C. Reilly sind ebenfalls leidlich ergötzlich, obwohl man schon ein hartgesottener Fan sein muss, um diesen Film nur wegen ihnen zu sehen. Und Lindsay Lohan ist eigentlich ganz niedlich und begabt, nur hier scheint sie davon abhängig zu sein, dass sie nicht schauspielern oder gar singen kann.

"Robert Altman's Last Radio Show" ist im Kern so strukturiert, dass namhafte Interpreten einzeln für ihre bislang weniger anerkannten Gesangstalente oder, in einigen Fällen, für ihre weitgehend unbedeutenden Schauspieltalente geehrt werden. Liebhaber der Originalsendung können in Nostalgie versinken. Mit Robert Altman als Regisseur, einem Filmemacher, der seine Vorliebe für Country-Musik und Promi-Dramen bereits in "Nashville" bewiesen hat, ist es nicht schwer zu erkennen, in welche Himmelsrichtung dieses künstlerische Desaster gehen wird, lange bevor es überhaupt anläuft.

Wie so viele andere Filme, die auf Themen basieren, die nicht für jedes Spektrum geeignet sind, bietet auch dieser Film leider keinerlei Anreiz für Filmsehende, die mit dem Original nicht vertraut sind. Die meisten der Witze, Redewendungen und Segmente sind nur als Nachahmungen oder Würdigungen des Entwurfs, der Geräuschkulisse und des Formats der Serie, die in den 80er und 90er Jahren unter verschiedenen Namen lief, erwähnenswert. Selbst wenn der Rezipient über all die übertriebene Gefühlsduselei hinwegsehen kann, um die dämliche Metaphorik für den Zyklus des Lebens oder den Tragikbogen des Showbusiness zu entschlüsseln, ist "Robert Altman's Last Radio Show" im günstigsten Fall dumm.

In "American Diner" von Regisseur Barry Levinson ist es Weihnachtsabend in Baltimore, 1959, als Modell (Paul Reiser) auf der Suche nach seinem Kumpel Boogie (Mickey Rourke) auf einer Party auftaucht und bald den Querulanten Timothy (Kevin Bacon) findet, der sich mit dem Einschlagen von Scheiben im Keller des Diners die Zeit vertreibt. Als sie kurz darauf in getrennten Fahrzeugen wegfahren, finden die anderen Freunde Shrevie (Daniel Stern) und Beth (Ellen Barkin), die neben Modell halten, Timothys Cabrio umgestürzt und sein Gesicht verschmiert mit Blut. Doch es ist nur einer von vielen Routinestreichen: Das Auto wurde absichtlich umgeworfen und das Blut ist Ketchup. Sie treffen sich mit einem anderen Mitglied der Clique, Eddie (Steve Guttenberg), im örtlichen Diner, wo sie gemeinsam etwas speisen, sich unterhalten und einander niedermachen.

Mit einem hippen Soundtrack aus vertrauten Melodien, der das ungezwungene, freie Treiben und die willkürlichen Gespräche über alles, was einem in den Sinn kommt, unterstreicht, ist "American Diner" so etwas wie ein Update von "American Graffiti" und fängt die Mentalität und das Verhalten der Jugend einer bestimmten Ära ein. Sie stehen an der Schwelle zum Erwachsensein, klammern sich aber an den sorglosen, verantwortungsfreien Lebensstil von Teenagern und versuchen krampfhaft, alles Ernsthafte und Ausgereifte zu vermeiden. Eddie, dessen Trauzeuge Billy (Tim Daly) versucht, die Nervosität und den Freiheitsdrang in letzter Minute in den Griff zu bekommen, steht kurz vor der Hochzeit, doch alle jungen Leute müssen vor den Ferien wichtige Entscheidungen in Bezug auf College, Karriere und Beziehungen treffen.

Ein paar herzhafte Lacher mischen sich mit kleineren humoristischen Häppchen, aber es ist die fast kontinuierliche, intuitive und organische Gestaltung der Dialoge, die am meisten in den Vordergrund tritt. Drehbuchautor und Regisseur Barry Levinson, der hier eine Art autobiografisches Märchen erzählt, hat eine erstklassige Besetzung zusammengestellt, bei der die Chemie stimmt und die es versteht, die zahlreichen Szenen zu inszenieren, bei denen es um nichts anderes geht als um improvisiertes Abhängen, Smalltalk, der oft in den Bereich der Sexualkunde abdriftet, und Wetteinsätze bei verschiedenen Gelegenheiten. Die eigentliche Handlung wird oft hinausgezögert oder in den Hintergrund gedrängt, um die Charaktere zu entwickeln und dem Betrachter ein tieferes Gefühl für ihre innere Verwirrung und ihre abstoßenden Verhaltensweisen zu verschaffen. Das Wetten wird zu einem der Konfliktherde für Boogie, während das verminderte Streben nach Geschlechtsverkehr für Shrevie zu einer Bürde wird, ebenso wie seine steigende Kommunikationsunfähigkeit mit seiner Frau, und eine außerplanmäßige Trächtigkeit stellt eine zusätzliche Last für Billy dar. Es handelt sich dabei um alltägliche, bescheidene Belange, die jedoch dank der detaillierten Charakterisierung der Protagonisten einen gewissen Realitätsgrad aufweisen. "Dein Ding ist gerade in eine Schachtel Popcorn eingedrungen?"

Da die verschiedenen Freunde versuchen, die nächsten Etappen ihres Lebens zu planen und dabei eine Abfolge frivoler Streiche spielen, ähnelt das Werk eher einer Observation in Form von Vignetten aus dem Leben als einem fiktiven Erzählstrang. Es ist eine flüchtige Zeit, in der man über die Liebe, das Bedauern, die Aussichten, die Versäumnisse, die Identität, die Lektionen und die hoffnungsvollen Versöhnungen und Freundschaften in einer Übergangsperiode zwischen jugendlichem Leichtsinn und erwachsener Kultiviertheit nachdenkt, einschließlich des Verzichts auf Kosenamen, wenn man eine solche Phase so genau definieren kann. Die Stärke des Films liegt in der Besetzung und dem Drehbuch, aber wie bei jedem Projekt, das sich mit einem bestimmten Zeitgeist auseinandersetzt, wird die Resonanz je nach Betrachter sehr unterschiedlich ausfallen. Bedauerlicherweise ist der Humor, der zum Teil von Nostalgie und Sentimentalität gekennzeichnet ist, selbst in den berühmt-berüchtigten Sequenzen, nie stark genug, um die Beschränkungen des minimalen Umfangs und Schauplatzes und das Ermangeln einer tradierten Erzählung zu überwinden.

Als in "Nope" von Regisseur Jordan Peele Otis Haywood Sr. (Keith David), Besitzer des angesehenen Film- und Fernsehpferdeunternehmens 'Haywood's Hollywood Horses', durch herabfallende Granatsplitter ums Leben kommt, gerät die Zukunft seines Unternehmens und seiner Kinder ins Wanken. Ein halbes Jahr später erwägt Otis Jr. (Daniel Kaluuya), das schwächelnde Geschäft an den zum Kinderstar gewordenen Unternehmer Ricky Park (Steven Yeun) zu verkaufen, während seine flatterhafte, verantwortungslose Schwester Emerald (Keke Palmer) die staubige, abgelegene Stadt Agua Dulce in Kalifornien hinter sich lassen möchte. Doch als die Geschwister Zeuge eines unerklärlichen Phänomens in der Nähe ihrer Ranch werden, erkennt Emerald das finanzielle Potenzial und setzt Pläne in Gang, um die Erscheinung mit der Kamera einzufangen. Mit Hilfe des Spezialisten für Überwachungsausrüstung Angel Torres (Brandon Perea) und des extrovertierten Kameramanns Antlers Holst (Michael Wincott), die das Ereignis dokumentieren sollen, begeben sich Otis und Emerald auf eine gefährliche Suche, um das Unbekannte erfolgreich auf Film festzuhalten: Ein außerirdisches Raumschiff.

"Nope" beginnt mit einem bedrohlichen Zitat aus der Bibel, die sich rühmt, die Hauptquelle zahlloser Grausamkeiten zu sein, mit bizarren Bildern, die schließlich aussagekräftig werden, und mit einem Blutregen, der die Bühne für ein großes Maß an Beklemmung bereitet. Regisseur Jordan Peele will sein Publikum eindeutig in Angst und Schrecken versetzen, aber er ist clever genug, die visuellen Reize nicht zu früh zu enthüllen. Auf geschickte und raffinierte Art lässt er den Betrachter die kommenden Ereignisse durch Vorahnungen und eine besondere Atmosphäre erahnen. Nervenzerreißende Soundeffekte und unheimliche Musik, wie in seinem vorherigen Film "Wir", unterstützen dies, während die eigentliche Geschichte keine Zeit damit verschwendet, das Unheil heraufzubeschwören.

Auf brillante Weise macht "Nope" schon früh klar, dass alles geschehen kann. Wenn es um übernatürliche Komponenten geht, gelten keine Normen. Gerade dann, wenn man es am wenigsten erwartet, sind ungeahnte Seherlebnisse garantiert. Die lebensnahe Wahrnehmung von "Get Out" schränkt die Realität hier nicht ein, denn die Sichtung eines Weltraumschiffs lässt sofort vermuten, dass am Horizont fremdartige Gefahren heraufziehen. Die erste Reaktion des Regisseurs, der gewöhnliche, unscheinbare Protagonisten hat, die alle eher unwahrscheinliche Helden sind, was sie noch realistischer macht, die Instrumentalisierung jenseitiger Zustände für den Profit, ist glaubwürdiger als die übliche Furcht. "Vielleicht seid ihr in einem UFO-Hotspot."

Jordan Peele präsentiert erwartungsgemäß einen Kommentar zur Erfahrung der Schwarzen, nicht nur mit den Besonderheiten der Führung eines Unternehmens mit Familienstreitigkeiten und unterschiedlichen Herangehensweisen an Einnahmen und Verhandlungen, sondern auch mit der komisch stereotypen Vorstellung, dass Schwarze anders auf Horrorszenarien reagieren würden als ihre weißen Gegenstücke - eine Überlegung, die bei zahlreichen Gelegenheiten zu einem grandiosen komödiantischen Effekt führt und auch dem Filmtitel gerecht wird. Es ist jedoch etwas subtiler als in seinen früheren Werken und konzentriert sich stattdessen vor allem auf die universellen Themen Verlust, Trauer, Bewältigungsmechanismen, Trauma, Verantwortungsbewusstsein und Entbehrungen. Die Charaktere müssen sowohl mit seelischen Belastungen als auch mit Angriffen von außerirdischen Eindringlingen fertig werden.

Faszinierend ist auch die Entscheidung von Jordan Peele für eine kleine Gruppe von Hauptdarstellern und eine intime Darstellung von Mensch gegen Monster, ganz im Sinne von "Der weiße Hai", ohne dabei das große Ganze zu ignorieren, wie in "Kampf der Welten", der wiederum die Perspektive von der Masse auf die Not einiger weniger verengt. Außerdem setzt er den Kontext des Konflikts auf eine unbewohnte Ranch, die als Kulisse für packende Szenen dient. Die Spannung wird durch den bewährten Einsatz von Humor gesteigert, der in starkem Kontrast zur Abgründigkeit steht und zu witzigen, beängstigenden Interaktionen und lautstarken Schockmomenten führt. Die zwischenzeitlichen Rückblenden sind etwas störend, unterbrechen aber die Haupthandlung mit diversen Schockeffekten und machen das Optimum aus dem lästigen Schnitt, der zum Teil die Sinnhaftigkeit des Aufbaus selbst unterstreicht.

"Nope" erstreckt sich ein wenig in die Länge, doch es wird nie wirklich langweilig. Jordan Peeles wiederkehrende Symbolik und Anspielungen auf andere Filme, seine Verwendung von popkulturellen Faktoren - von der Aktualität der Musik und der Technologie bis hin zu den irrwitzigen, zappelnden, aufblasbaren Schlauchmännern am Schluss - und die Hybris der Figuren, die er als durchgeknallte Kunstschaffende oder wohlmeinende Bürger mit unstillbarer Neugier definiert, sind allesamt beachtenswerte Elemente, die eine Reihe erschreckender Begebenheiten in ein ausgewogenes Abenteuer mit transzendenten Konfrontationen und Lektionen über die erstaunliche Ungewissheit des Kosmos verwandeln. Am wirkungsvollsten ist jedoch die Unvorhersehbarkeit seiner Erzählung und seines Films. Er ist hypnotisch alptraumhaft, zugleich aber auch ausgelassen, wechselweise gespenstisch und besänftigend couragiert, von hoher Kreativität - ein schwieriges Kunststück für diese Epoche des modernen Films - und durchweg unterhaltsam, sowohl als turbulente Berg- und Talfahrt der Gefühle wie auch als Popcorn-Kino.

"Ich spuck' auf dein Grab" von Regisseur Meir Zarchi beginnt mit einer Handkameraaufnahme einer Frau, die ihre New Yorker Wohnung verlässt und in ein Taxi steigt. Es ist ein wenig seltsam, dass diese Sequenz verwackelt ist, da das Budget durchaus ein Stativ hergibt. Wenn die Dialoge einsetzen, klingt es, als ob sie auf einer Theaterbühne aufgenommen worden wären. Doch leider sind die Aufnahmen alle im Freien entstanden, was einen weiteren Mangel an technischer Qualität offenbart. Die Frau heißt Jennifer Hills (Camille Keaton) und ist auf dem Weg zu einem Ferienhaus auf dem Lande in Connecticut, wo sie sich auf das Schreiben eines neuen Romans konzentrieren kann. Sie zieht sich unbeabsichtigt aufreizend an, und als sie an ihrem Zielort ankommt, nimmt sie sofort ein Nacktbad im See und sonnt sich später im Bikini. Viele argumentieren, dass "Ich spuck' auf dein Grab" in erster Linie ein Exploitation-Film ist, und diese Szenen helfen sicherlich nicht denen, die behaupten, dass sich unter die exzessive Gewalt echte Themen der weiblichen Selbstbestimmung und der gerechtfertigten feministischen Rache mischen.

Es trägt auch nicht dazu bei, dass die Dialoge und die Schauspielerei so minderwertig sind. Vier klischeehafte Bauernjungen, die alle über die üblichen Horrorfilme reden und bissige Bemerkungen machen, spionieren Jennifer aus. Es vergehen einige Tage, bis sie beginnt, sich Sorgen um ihre Umgebung zu machen. Die Abgeschiedenheit schafft eine Atmosphäre, in der sie in Ruhe schreiben kann, bietet aber auch die dringend benötigte Distanz zu den Autoritäten. Zwei ihrer Nachbarn werden zu Peinigern, als sie sie auf ihrem Boot foppen, was schnell unschön wird, als sie ihr durch die baumbestandene Landschaft nachstellen. Sie wehrt sich, aber vergeblich. Als sie von dem Duo eingeholt wird, gesellt sich ein dritter Mann zu ihnen, ebenso wie Mathew Lucas (Richard Pace), ein geistig zurückgebliebener Lebensmittellieferant, der als einziger nicht bereit ist, sich an dem Angriff zu beteiligen. Jennifer kann kurzzeitig entkommen, wird dann aber wieder gefasst und von einem anderen Mitglied der Gruppe brutal angegriffen, vergewaltigt und verprügelt.

In vielerlei Hinsicht erinnert der Film an "Beim Sterben ist jeder der Erste", bis hin zu einem Musiker, den einer ihrer Angreifer auf unheimliche Weise mit Melodien auf seiner Mundharmonika verhöhnt. Die Übergriffe sind ebenso verstörend und realistisch wie in "Beim Sterben ist jeder der Erste", allerdings sind sie hier noch hartnäckiger, bildhafter und schonungsloser, und sie richten sich gegen eine Frau. Nach dem zweiten Übergriff muss Jennifer blutüberströmt und kaum bei Bewusstsein in ihr Haus zurückkriechen. Gerade als sie zum Telefon greift, um Hilfe zu holen, taucht die wilde Vierergruppe wieder bei ihr zu Hause auf, um sie erneut zu verdreschen, diesmal mit dem unbeholfenen Matthew, der von seinen Kameraden zur Teilnahme gezwungen wird. Als die Bande schließlich mit ihr fertig ist, ist er dazu genötigt, sie abzustechen, um ein juristisches Nachspiel zu vermeiden. Matthew bringt es nicht über sich, das Messer mit Jennifers Blut zu beschmieren, ehe er seinen Kameraden Bericht erstattet.

Obwohl sie schwer verletzt ist, ist Jennifer außerordentlich willensstark und sogar entschlossen genug, um weiter zu schreiben. Sie reißt sich zusammen und setzt zwei Wochen später einen komplizierten Racheplan in Gang, der fast so grausam ist wie die an ihr verübten Vergehen. Johnny (Eron Tabor), der Tankwart, Stanley (Anthony Nichols), der Glatzkopf, und Andy (Gunter Kleemann), der mit den Hosenträgern, die aufgrund ihrer ununterscheidbaren Funktionen unnötige Namen erhalten haben, beschließen, eine Aufklärungsmission zu starten, um die Leiche zu inspizieren, nur um festzustellen, dass Jennifer gesund und munter ist. Kurz darauf betritt die rachsüchtige Frau eine Kirche, um Gott um Vergebung zu bitten, und geht dann auf eigene Faust auf Erkundungstour, um herauszufinden, dass einer der Vergewaltiger eine Frau und Kinder hat. Dies würde normalerweise zu einem moralischen Dilemma führen, wenn es nicht so wäre, dass die Täter keine wirkliche Charakterentwicklung durchlaufen. Letztlich sind sie ein unentzifferbarer Haufen von Serienkillern, die um Gnade betteln, wenn sie mit einer Waffe bedroht werden, und die kein schlechtes Gewissen haben. Ethik, Mitgefühl und Verzeihen sind daher ausgeschlossen. Der Rest von "Ich spuck' auf dein Grab" ist der wahnhaften Rachsucht gewidmet, die ebenso kompromisslos dargestellt wird wie die initiale Brutalität. Jennifer nutzt ihre sexuelle Natur, um die Bösewichte auf die denkbar unwahrscheinlichste Weise zu überlisten, was die Absurdität ihres Planes noch verstärkt. Die berüchtigte Kastrationsszene ist absolut dämlich und blutrünstig, wenn man berücksichtigt, dass die Toilette von außen verriegelt ist.

Der Unterhaltungswert von "Ich spuck' auf dein Grab" ist wirklich nur für Horror- und Exploitation-Fans geeignet und wird trotz der vielen gnadenlosen Strafmaßnahmen für die Übeltäter kaum Frauen oder Feministinnen ansprechen. Die Geschichte ist eine bloße Aneinanderreihung grauenvoller Geschehnisse, ohne wirklichen Anfang oder Ende, wobei Sadismus und Rache nie aufgesetzt wirken und stets mit Schonungslosigkeit und Seriosität angegangen werden. Der Film wurde ursprünglich ab 18 Jahren freigegeben, dann auf 16 Jahre heruntergeschnitten, in mehreren Ländern mit einem Verbot belegt und schließlich auf DVD als ungeschnittener Film veröffentlicht, der aufgrund seiner schlechten kinematografischen Qualitäten veraltet ist und ein viel besseres Remake verdient, das im Oktober 2010 veröffentlicht wurde und noch verstörender, blutiger und rundum ekelerregender ist.

Als in "Lightyear" von Regisseur Angus MacLane ein Raumschiff des 'Star Command' Signale von unbekannten Lebensformen auf einem nahen Planeten auffängt, beschließt der Space Ranger Captain Buzz Lightyear (Chris Evans), dem nachzugehen. Nachdem er auf der Oberfläche nur feindliche Gewächse und Insekten entdeckt hat, versucht Buzz Lightyear eine überstürzte Flucht, doch eine Fehlkalkulation führt zu einer Bruchlandung. Da ihr einziger Treibstoffkristall beschädigt ist, sitzt die gesamte Besatzung auf unbestimmte Zeit fest. Unbeirrt von seinem Ethos, die Mission um jeden Preis zu erfüllen, erklärt sich Buzz Lightyear bereit, jeden weiteren Hyperspeed-Testflug zu fliegen, bis eine geeignete Ersatzstromquelle gefunden ist. Die Zeit vergeht, aber Buzz Lightyears Engagement für die Sache ist ungebrochen. Als eine verheerende neue Bedrohung auftaucht, muss er sich mit den ehrgeizigen, aber unerfahrenen Rekruten Izzy (Keke Palmer), Darby (Dale Soules) und Mo (Taika Waititi) zusammenschließen, um das Leben der gesamten menschlichen Kolonie zu retten.

Buzz Lightyear ist jetzt so etwas wie eine reale Person oder zumindest ein Schauspieler in einem Film, der zufällig stark stilisiert ist. Oder vielleicht soll es ein computeranimierter Film sein, was die Frage aufwerfen würde, warum die Menschen hier realistischer sind als im echten Leben. Möglicherweise ist die Plastik-Actionfigur aber auch einfach eines der fotorealistischsten Modelle, die jemals in Kinderhände gelangt sind, weil dieser Film die Grundlage für das Spielzeug in den "Toy Story"-Filmen ist. Egal, wie kitschig die Grundidee auch sein mag, es handelt sich nicht einfach um eine Ursprungsgeschichte oder ein Prequel - das Endergebnis ist eine umfassende Weltraumoper mit einer enormen Menge an Action, die vielleicht sogar die von "Die Unglaublichen - The Incredibles" in den Schatten stellt. Da "Wall-E - Der Letzte räumt die Erde auf" mehr Anleihen bei Stummfilmen und Musicals als bei Sci-Fi-Extravaganzen aus den 80er und 90er Jahren macht, fühlt sich "Lightyear" nie wie ein Abklatsch von Pixars früherer spekulativer Fiktion an.

Die Menschlichkeit von Buzz Lightyear ist zwar ungewohnt, die Hintergrundelemente sind es jedoch nicht. Die Umgebungen, die Atmosphäre, die Bekleidung, die Rüstungen, die Waffen, die Requisiten, die Kulissen und jedes andere leblose Element sind äußerst beeindruckend. Hier bewegen sich karikaturistische Figuren in erstaunlich realistischen Welten. Das funktioniert oft noch besser mit der Vielzahl von Robotern und Raumschiffen, die eine Dreidimensionalität erzeugen, die mit der von Live-Action-Thrillern, die im Weltraum spielen, konkurriert.

Am faszinierendsten sind jedoch die anspruchsvollen Science-Fiction-Konzepte, die mit familienfreundlichen Bildern und Humor verwoben sind. Zu Beginn wird ein einjähriger Aufenthalt auf einem fremden Planeten als Lappalie abgetan, bevor ein weiterer Vier-Jahres-Sprung und noch größere Strecken danach in Angriff genommen werden, wobei die in "Interstellar" zu sehende Zeitdilatation gelegentlich zu leichten Witzen führt, meist aber in düstere Töne über Isolation, den Verlust von Freunden, Hoffnungslosigkeit, Vergeblichkeit und das zerstörte Potenzial sinnvoller Beziehungen übersetzt wird. Dank Pixars Vorliebe für reifere, stärkere Themen inmitten eines fröhlichen Abenteuers ist "Lightyear" nicht ohne emotionale Momente, obwohl die besten an andere Projekte desselben Studios denken lassen.

Zum Ausgleich für die unangenehmen Faktoren gibt es eine Art Nebenrolle des gestiefelten Katers, hier in Form des therapeutischen Robo-Begleiters Sox, der so ziemlich jede Szene stiehlt. Es ist ein bisschen schade, dass Sox nicht die Hauptquelle der Komik ist, denn Buzz Lightyears kunterbunte Gruppe unausgebildeter Frischlinge, die unter anderem auf "Das dreckige Dutzend" anspielen, fungieren weniger als spezialisierte Helfer denn als frustran inkompetente Konfliktverursacher. Bei zahlreichen Gelegenheiten beschwören die Junior Ranger ihre eigenen Schwierigkeiten herauf, die sie auf dem Weg zum ultimativen Ziel lösen müssen, wobei sie mit ihrer Geradlinigkeit ausschließlich für Lacher sorgen oder in selteneren Szenen Konzepte wie Vertrauensbildung, Ermutigung, das Eingestehen von Fehlern, Beharrlichkeit, die zähneknirschende Akzeptanz von Teamarbeit und die Offenbarung, dass katastrophale Fehler tatsächlich ein Segen sein können, wiederholen.

Auch wenn die Handlung formelhaft abläuft und es nicht an Herausforderungen mangelt, sondern nur Action, Exposition und Humor gleichmäßig verteilt sind, bleibt es durch das Gefühl der unbegrenzten Möglichkeiten spannend. Das Universum von Buzz Lightyear ist weitgehend anonym und undefiniert und strotzt nur so vor ausgeklügelten technologischen Spielereien, die alle Science-Fiction-Klassiker aufmischen. Selbst wenn der Film nicht immer plausibel ist und eine Handvoll extremer Zufälle enthält, sind die Weltraumbilder und die actiongeladenen Kampfsequenzen zweifellos packend. "Lightyear" erreicht zwar nicht die sentimentale Wirkung der vorangegangenen "Toy Story"-Filme, ist aber dennoch hervorragend gelungen, fantasievoll gezeichnet und sehr unterhaltsam.

In "The Rhythm Section" von Regisseur Reed Morano steht ein Mord in 'Tangier' bevor. Doch gerade als sich das Verbrechen seinem Höhepunkt nähert, wird ein Standbild eingeblendet, das ungeschickt in die Zeit acht Monate zuvor überleitet. Es ist das x-te Mal, dass ein Thriller mitten in einer Actionsequenz beginnt, nur um dann abzubrechen und zum Anfang zurückzukehren. Es ist eine völlig identische Formel, die mich immer wieder zum Seufzen anregt.

Und das ist noch nicht einmal der Anfang, denn "The Rhythm Section" beginnt in London, drei Jahre nach dem Absturz von 'Northeastern Airlines Flug 147' in den Atlantik, bei dem alle Menschen an Bord ums Leben kamen, darunter auch Stephanie Patricks (Blake Lively) makellose Familie. Verständlicherweise ist sie verzweifelt, doch sie hat keinen klaren Überblick über den totalen Abriss ihres Lebens und wendet sich den Rauschmitteln und der prostitutionellen Beschäftigung zu. Doch als der freiberufliche Journalist Keith Proctor (Raza Jaffrey) sie aufspürt und ihr buchstäblich Zeit verschafft, um zu beweisen, dass der Flugzeugabsturz tatsächlich durch eine Bombe verursacht wurde, erlebt sie einen merkwürdigen Moment der Klarheit, eine irgendwie widersinnige 180-Grad-Wendung, um den Drogen und dem Freudenhaus den Rücken zu kehren und der Komplotte und dem explosiven Mord an ihren Lieben auf den Grund zu gehen.

Genialerweise ist Blake Lively so abgehärmt und ungepflegt, dass man sie nicht sofort erkennt. Ihr üblicher Prunk und ihre modische Erscheinung werden zugunsten einer ramponierten, gebeutelten, verdreckten, erbärmlichen Frau ohne Hollywood-Make-up und -Styling völlig über Bord geworfen. Es ist wirklich das erste Mal, dass sie eine Rolle spielt, die sich von ihrer bekanntesten Rolle als Serena van der Woodsen in "Gossip Girl" unterscheidet. Weniger erfreulich ist jedoch ihr Akzent, der so häufig auftaucht und wieder verschwindet, dass es leichter ist, so zu tun, als sei er nur ein Teil ihrer möglichen Alternatividentitäten.

Anstatt sie in die Aufklärung zu extremistischen Aktivitäten einzubeziehen, wird sie bald zur federführenden Ermittlungsleiterin. Anfangs mag sie wie ein Brechmittel aussehen, aber es hilft, dass sie intelligent und entschlossen ist. Sobald sie auf Rache sinnt, dauert es nicht lange, bis sie zu einer weiblichen Superagentin im Stil von 007 wird. Zusätzlich sorgen die angstvoll kreischenden Violinen für Gänsehaut, wenn die Situation der Assassine außer Kontrolle gerät und sie in die Hände eines einstigen MI6-Spions (Jude Law) gerät. "Du bist ein weiteres Opfer. Du bist nur noch nicht tot."

In Wirklichkeit ist "The Rhythm Section" - ein Titel, der nie vollständig erklärt wird - ein Derivat von "Nikita", mit Anklängen an "Léon - Der Profi" und sogar "V wie Vendetta" und "Verblendung" sowie zu viele davon, um sie zu zählen, wenn man die männlichen Spione hinzurechnet. Der Film ist auch auf enttäuschende Weise mit "Red Sparrow" verwandt, aber mit nur einem winzigen Bruchteil der Raffinesse. Wo jener Film in seiner Unzivilisiertheit und Brutalität über die Stränge schlug, neigt "The Rhythm Section" dazu, an jeder Kreuzung zu scheitern, in der irrigen Erwartung, Seriosität zu suggerieren, ohne sich voll und ganz auf die Gewalt oder erwachsene Themen einzulassen. Zudem ist jeder Schritt auf dem Weg, Stephanie Patricks Eignung als Geheimagentin zu beweisen, Routine - ihre Motivation, ihre Ausbildung und ihr ausnehmend unübersichtlicher erster Auftrag, der so dilettantisch ist, dass es scheint, als sei sie überhaupt nicht auf den Einsatz vorbereitet worden, sind charakteristisch. Es gibt Action, Spannung, Tod, Zerstörung, Weltenbummler, Perückenträger, unbegrenzte Geldmittel, die allerdings nie so blamabel sind wie in den "Fast and Furious" oder "Mission: Impossible"-Filmen, und kurze Spritzer von Komik.

Doch wenn der Film nach 'Tangier' zurückkehrt, um Teile der Eröffnungssequenz zu reaktivieren, ist er wie erwartet eine einzige Desillusion. Eine derart einfallslose Art, einen Film zu gestalten. Nichtsdestotrotz sind die Actionszenen das Highlight. Die Stunt-Koordinatoren und der Kameramann versuchen, durch Verfolgungsjagden, die der Schwerkraft trotzen, sparsame Schießereien und eine verkrampfte Kameraführung einen unüblichen Realitätsgrad zu erzeugen, der den Betrachter mitten in Stephanie Patricks Wahnsinn um Leib und Seele versetzt. Es gibt auch ein geheimnisvolles Rätsel um die Identifizierung eines terroristischen Drahtziehers, das jedoch nicht sehr ertragreich ist. Es gibt einfach nicht genug Beteiligte, um allzu viele bahnbrechende Erkenntnisse zu gewinnen. Stephanie Patrick erhält überdies nie eine einheitliche Persönlichkeit, denn sie wechselt zwischen mehreren Pseudonymen, gewinnt oder verliert ihre ethische Würde, wenn ein böses Subjekt ausgeschaltet werden muss, und verhindert, dass sie eine präzise, definierbare Protagonistin ist. Wenn ihr ultimatives Ziel nur die Vergeltung an einer Minimalzahl von Verbrechern ist, warum sollte der Filmsehende sie dann in weiteren Fortsetzungen erleben wollen, wie etwa in zusätzlichen Verfilmungen der Buchreihe von Schriftsteller Mark Burnell?

"Prey" von Regisseur Dan Trachtenberg spielt im Jahr 1719, wo die Komantschen-Kriegerin Naru (Amber Midthunder) in den nördlichen 'Great Plains' lebt und mit ihrem Stamm in den dichten Wäldern auf Nahrungssuche und Jagd geht. Als Frau wird von ihr vorrangig Hausarbeit erwartet, aber sie zieht es vor, ihren Tomahawk zu schärfen und ihre Geschicklichkeit im Umgang mit der tödlichen Waffe zu verbessern, und sie ist kurz davor, erfolgreich Hirsche damit zu erlegen. Als sie den 'Donnervogel' am Himmel sieht, teilt sie ihrem Bruder Taabe (Dakota Beavers) mit, dass sie bereit ist, sich ihrem persönlichen Übergangsritual zu stellen, um als Kämpferin in der Gemeinschaft akzeptiert zu werden. "Vor langer Zeit, so heißt es, kam ein Monster hierher ..."

Der Kindermythos des 'Donnervogels' ist in Wirklichkeit ein 'Predator', eine außerirdische Trophäenjäger-Spezies, die von Zeit zu Zeit auf die Erde kommt, um Menschen und andere Tiere zum Zeitvertreib abzuschlachten. "Prey" mit seiner markanten Titelgrafik gehört eindeutig zur "Predator"-Filmreihe und dient hier als Prequel, das eine der ersten menschlichen Interaktionen mit den mörderischen Kreaturen zeigt. Und auch wenn es sich nicht um ein Original handelt, da der Film von John McTiernan aus dem Jahr 1987 fast alle Komponenten dieser inzwischen klassischen Filmmonster erstmals einführte, ist diese Variante in Bezug auf Klang, Ambiente und Inhalt sehr detailgetreu. "Du willst etwas jagen, das dich jagt?"

Aufgrund der Natur der Trailer gibt es keine Möglichkeit, die Hauptprämisse zu verbergen, so dass die anfängliche Verfolgungsjagd und andere typische Merkmale von 'Predator'-Aktivitäten, wie die Unsichtbarkeitspanzerung, der Wärmesichtmodus, klickende Soundeffekte und gehäutete Kadaver, sofort beginnen. Es ist nie ein Mysterium, was in der umgebenden Wildnis auf einen lauert. Der Drehort beeindruckt jedoch vor allem durch seine historischen Elemente sowie durch die Kostüme, die Requisiten, das Maskenbild und die Darsteller, die allesamt eine gewisse Authentizität oder zumindest eine beachtliche cineastische Qualität aufweisen. Auch die Kameraführung, die zwar manchmal zu düster ist, fängt einige wunderschöne Landschaftsmotive ein. Darüber hinaus ist die musikalische Interpretation von Sarah Schachner wirklich berauschend. "Ich glaube nicht, dass es ein Bär war."

Es ist schon seltsam, dass es eine Fülle von CG-Tieren auf dem Bildschirm gibt, denn die Anfangsphase des Films hat eine ähnliche Ausstrahlung wie "10.000 BC". Doch sobald ein paar sinnlose animierte Zusammenstöße aus dem Weg geräumt sind, besteht der Großteil der Handlung darin, Naru gegen ihre hochtechnologische Beute antreten zu lassen, wobei auch einige humorvolle Umweltgefahren eingebaut werden, von denen manche an die Version von 1987 erinnern, ebenso wie der nagende Unglaube ihrer Kompatrioten und zusätzlicher Feinde aus jener Ära. All dies wird mit todernstem Blick und viel Bluteifer angegangen, ganz im Geiste der vorangegangenen Filme. Gelegentlich ist die Darstellung der Gewalt etwas überladen und wird durch unglaubwürdige visuelle Effekte verstärkt, doch im Prinzip passt sie gut zu Action und Suspense.

Die fortschrittliche Technologie des 'Predators' gegen primitive Waffensysteme antreten zu lassen, ist nicht gerade sportlich, auch wenn das Monster zahlenmäßig eindeutig in der Unterzahl ist. Dennoch gibt es ein paar clevere Tricks, die beweisen, dass körperliche Unterlegenheit und Übergröße kein Problem für intellektuelle Innovatoren sind. Narus sozialer Status, dass sie weniger fähig ist als ihre männlichen Gegenstücke, spielt gut gegen ihre aufkeimende Festigkeit und Potenz als Gegnerin des hünenhaften außerirdischen Jägers an - dies ist das erste Mal in der Reihe, dass eine Frau gegen den 'Predator' antritt. Dass das Drehbuch nicht auf Dialoge setzt, die zur besseren Verständlichkeit zu Beginn ins Englische verlegt werden, ist ein kluger Schachzug. Letztendlich ist der Film nicht so kreativ oder packend, wie er hätte sein können, da es ihm an Überraschungen mangelt, wenn man bedenkt, wie bekannt das Franchise inzwischen ist. Für Fans der Reihe ist "Prey" jedoch eine würdige Bereicherung, die einen der größten Killer des Horrorgenres zurückbringt, dessen Existenz nicht von dieser Welt ist.

Basierend auf dem Roman von Oscar Wilde ist "Das Bildnis des Dorian Gray" von Regisseur Albert Lewin eine überaus brillante, zum Grübeln animierende Horror-Fantasie voller atemberaubender Originalität und visueller Inspirationskraft. Mit seinen gespenstischen Pianostücken, einer unheimlichen sittlichen Korruption, übernatürlichen Interventionen und bissigen Dialogen ist er ein Kinoklassiker mit endloser Aktualität und sattem Unterhaltungswert. Faustische Anklänge, furchterregende Effekte und gotischer Thrill fügen sich zu einem Gruselfilm zusammen, der es in puncto Kraft und Zeitlosigkeit mit "Dracula", "Frankenstein" und "Der Wolfsmensch" von 'Universal Studios' aufnehmen kann.

Im London des Jahres 1886 arbeitet Basil Hallward (Lowell Gilmore) emsig daran, ein Porträt des gut aussehenden jungen Dorian Gray (Hurd Hatfield) zu malen, während der zynische Lord Henry Wotton (George Sanders) damit beginnt, Grays Verstand mit Gedanken an ewige Jugend und Unsterblichkeit zu füllen. Der Lord spricht ungeniert über Vergnügen und Glück, perfektioniert die Kunst des Nichtstuns und mag es, die Emotionen anderer zu beeinflussen, ohne selbst etwas von sich zu geben. In der Gegenwart einer Statue, die von einem antiken Gott bewohnt wird, wünscht sich Dorian Gray, dass das neue Gemälde die Last seiner Sünden und seines Alters tragen könnte, damit er seine Jugend für immer konservieren kann. Seine Bitte wird auf mystische Weise erfüllt, doch schon bald entpuppt sie sich als Fluch. Er verliebt sich in die schöne Sängerin Sibyl Vane (Angela Lansbury), doch wird er durch die vergifteten Worte von Lord Henry dazu gezwungen. Sie gibt ihre Unschuld, die Dorian Gray so bewunderte, in einer gefühllosen Prüfung auf, was ihn dazu veranlasst, ihre Liebe zu verschmähen. Als sie Selbstmord begeht, treiben ihn seine Gewissensbisse und sein Hochmut dazu, sich gleichgültig zu verhalten. Dies ist die erste von vielen Untaten, Freveln und schließlich Morden, von denen jede sein Porträt besudelt, das nun in einem verschlossenen Raum verborgen ist und immer abstoßender wird. "Die Zeit ist neidisch auf Sie, Mr. Gray."

Während andere um ihn herum vergreisen, bleibt Dorian Gray bemerkenswert jungfräulich. Er sündigt und leidet weiter, doch der Stress, der auf seiner Humanität lastet, deformiert nur das unsichtbare Ölgemälde und lässt sein majestätisch ziseliertes Antlitz intakt. Sibyl glaubte blindlings, Dorian Gray sei ihr 'Sir Tristan', ein heroischer Edelmann und ein Kosename, mit dem sich ihr überfürsorglicher Bruder Jim (Richard Fraser) revanchieren wollte. Dorian Grays neue Geliebte, Gladys (Donna Reed), ein junges Mädchen, dem er salopp versprochen hatte, trotz eines erheblichen Altersunterschieds auf sie zu warten, ist inzwischen erwachsen und immer noch in ihn vernarrt. Doch seine Geheimniskrämerei und die negativen Gerüchte, die über ihn kursieren, erwecken den Verdacht von Gladys' Verwandtschaft, die entschlossen ist, das Böse, das Dorian Gray verbirgt, zu enthüllen.

Die Dialoge sind unmittelbar faszinierend, voller Metaphern, intelligenter Eloquenz und poetischer Resonanz. Lord Henry ist für den größten Teil der elektrisierenden Raffinesse und der verbalen Ballade verantwortlich, auch wenn der spätere Fokus auf den Moralverfall und die Annahme, dass die Seele kein Trugbild ist, selbst dem allwissenden Erzähler eine Bedeutung verleiht, der anfangs überflüssig war. Durch seine Taten und sein Verhalten ist Dorian Gray beängstigender als viele klassische Filmmonster, vor allem wegen seiner Menschlichkeit und seiner zunehmenden Skrupellosigkeit, die in Bezug auf gestörte Identität, Illusion und Desillusion, Dekadenz und Brüche in den sozialen Klassen erforscht wird, nicht unähnlich dem Konflikt zwischen den Alter Egos in Robert Louis Stevensons "Seltsame Geschichte von Dr. Jekyll und Mr. Hyde". Am Ende gibt es auch einen makabren, herzergreifenden Aspekt der Zwecklosigkeit von Sühne, selbst bei ultimativer Aufopferung, der dem Finale inmitten der ihm innewohnenden Tristesse einen Impuls von imponierender Satisfaktion verleiht.

In "Bao" von Regisseurin Domee Shi isst eine einsame chinesische Ehefrau ihren Teller mit gedämpften Brötchen, während ihr Mann zur Arbeit eilt. Als sie das letzte Stück in den Mund steckt, wachsen ihm plötzlich kleine Gliedmaßen und ein Gesicht und es beginnt zu weinen wie ein neugeborenes Baby. Als wolle sie eine Leere in ihrem Leben füllen, behandelt sie es sofort wie ihr eigenes Kind, umsorgt es, streichelt es und gibt ihm zu essen. Im Handumdrehen wächst der kleine Knödel heran, bekommt Kerben an der Wand, um seine zunehmende Größe zu markieren, begleitet die Frau beim Einkaufen und beim Sport im Park und setzt sogar eine Brille auf, als ginge er zur Schule. Irgendwann kommt er in die Pubertät und macht die typischen Probleme und Erfahrungen durch, wie zu viel telefonieren, mit Freunden abhängen und schließlich bringt er eine Freundin mit nach Hause.

Der Pummel ist wahnsinnig niedlich, vor allem, wenn er bei verschiedenen Aktivitäten zerquetscht wird und zusätzliche Füllungen aus Karotten und Zwiebeln braucht, um seine entstellten Gesichtszüge wiederherzustellen. Auch wenn das Design allzu klischeebeladen ist, da alle Merkmale der Figuren überzeichnet sind, vor allem die schräg gestellten Augen, die die Mimik verbergen, erzeugt der Look eine außergewöhnliche Süße und Wärme. Diese Pixar-Produktion, geschrieben und inszeniert von der chinesisch-kanadischen Animationskünstlerin Domee Shi, die als erste Frau bei einem Pixar-Kurzfilm Regie führt, ist eine unglaublich kreative Auseinandersetzung mit dem 'Empty-Nest-Syndrom', bei der es um die Sorgen einer Mutter geht, deren Kind aus dem Haus ausgezogen ist. Ihre zweite Chance, ein Leben zu führen, ist besonders amüsant in ihrer Darstellung, die zwischen Realität und Fantasie hin und her schwankt, ohne eine klare zeitliche Abgrenzung oder Unterscheidung zwischen ihrem echten Sohn und dem anthropomorphisierten Bao. "Bao" ist ein witziger, emotionaler und einprägsamer Film, der ganz ohne Worte auskommt - die Bilder sprechen Bände und sind universell.

In "September Dawn" von Regisseur Christopher Cain, der die Montagues und Capulets gegen Mormonen und Heiden austauscht, wird eine sehr shakespearesche Liebesgeschichte im übertragenen und im wörtlichen Sinne massakriert, während sie versucht, sich inmitten der Kriegsparteien in Utah zu entfalten. Als ein Wagenzug von Pilgern aus Arkansas und Missouri durch das von Jacob Samuelson (Jon Voigt) beherrschte Land zieht, beauftragt der misstrauische Anführer seinen Sohn Jonathan (Trent Ford), jeden ihrer Schritte auszuspionieren. Während seiner häufigen Besuche im Lager verliebt sich Jonathan schnell in die temperamentvolle Emily (Tamara Hope), was ihn dazu veranlasst, die Falschheit der paranoiden Thesen seines Vaters zu erkennen. Diese Romanze wird jedoch durch den unbändigen Hass und den Argwohn von Jakob und seinen konspirativen Religionsführern getrübt, die einen Plan ausbrüten, um alle Mitglieder des nichtsahnenden Zuges zu plündern und abzumetzeln.

Wenn "Die Passion Christi" unverhohlen antisemitisch war, zumindest in seiner radikalen Darstellung von Folter, dann ist "September Dawn" definitiv ein flatternder Schlag von Antimormonismus. Ebenso wie in Mel Gibsons Blutepos kaum etwas der Fantasie überlassen wurde, sind auch die Bilder des Hasses in "September Dawn" so plakativ dargestellt. Jeder fragwürdige religiöse Gesichtspunkt und jedes moralisch bedenkliche historische Phänomen wird zersägt und auf niederträchtigste und abscheulichste Weise dargestellt, und die Devise 'Mormonen sind böse' wird dem Betrachter mit der gebotenen Schärfe eingeimpft. In Wirklichkeit werden mehrere Parallelen zwischen der Ideologie und dem nationalsozialistischen Deutschland geweckt, um ein sehr überzeugendes propagandistisches Werk zu schaffen.

Die 'Romeo & Julia'-Liebesgeschichte scheint nur nachträglich eingebaut worden zu sein, um zu demonstrieren, wie böse die Antagonisten sind, weil sie die Hauptfiguren ihres Glückes berauben. Das rührselige Panorama der Liebe auf den ersten Blick, das so ergreifend hätte sein können, verfliegt jedoch schnell. Die Bösewichte sind zutiefst finster und gemein, aber nicht um der Charakterentwicklung willen, sondern um die Dehumanisierung der Mormonen zu verstärken. "September Dawn" schafft es, kontroverse Fragen aufzuwerfen: Was geschah wirklich während des 'Mountain Meadows Massakers', wer steckte dahinter, und wie konnten sie entkommen? Da die Faktenlage aber so dünn ist, muss man sich auch fragen, wie viel von dem, was abgebildet wird, der Wahrheit entspricht und was davon Fiktion ist. Die Eröffnungszeile des Films 'Inspiriert von tatsächlichen Ereignissen' ist zweifellos weniger glaubwürdig als das typische Pendant 'Basierend auf wahren Begebenheiten'. Letztendlich handelt es sich nicht um eine wahre Geschichte, so dass man gezwungen ist, für die realen Sachverhalte woanders nachzuschauen.

Es ist sehr schwierig zu erkennen, ob die Schauspieler ihrem Beruf gerecht werden, weil die von ihnen dargestellten Figuren so maßlos übertrieben und zu hart sind. Es ist absolut klar, wer die Widersacher sind, doch das stetige Einprügeln auf ein totes Pferd mindert nur die Schlagkraft und diskreditiert die Authentizität dieser Persönlichkeiten. Trent Ford beherrscht ein breites Spektrum an Gemütsbewegungen, doch es gibt keine Begründung für seinen plötzlichen Protest gegen seine Konfession. In einem Moment ist er ein treuer Gefolgsmann seines Vaters, im nächsten ein wütender Windhauch von unbändiger Aggressivität, bereit, einen Vatermord zu begehen. Auch wenn versucht wird, dies zu rechtfertigen, erscheint es unangemessen, einen solchen Climax so abrupt zu erreichen. Er kann zwar gut mit Pferden und weniger mit Menschen umgehen, doch seine Reaktionen wirken forciert, nur um die tadelnswerten Machenschaften der eindeutig religiös veranlagten Schurken der Geschichte auszunutzen.

Für aktive Mormonen oder Personen, die eine Konversion in Erwägung ziehen, ist dies kein empfehlenswerter Film. Das wäre so, als würde eine Spinne "Arac Attack - Angriff der achtbeinigen Monster" sehen. Die Mormonen werden als dermaßen zombifizierte Feinde porträtiert, die für ihre Überzeugung eintreten, dass der Film genauso gut "Dawn of the Mormons" hätte heißen können. Immerhin zielen manche Aufnahmen mit Witz und Charme auf ihre Motive hin. "September Dawn" verkennt, dass es sich um ein Werk handeln muss, das trotz seiner unreflektierten Verunglimpfung - ob wahr oder nicht - in die Annalen der Filmgeschichte eingehen müsste. Es gibt wenig Taktgefühl in dieser Gewaltgeschichte, abgesehen von der laschen "Romeo & Julia"-Liebe, die Halbherzigkeit mit den verlogenen Motiven von Freundschaft, Glauben und Tod verbindet.