Chainsaw Charlie - Kommentare

In "September Dawn" von Regisseur Christopher Cain, der die Montagues und Capulets gegen Mormonen und Heiden austauscht, wird eine sehr shakespearesche Liebesgeschichte im übertragenen und im wörtlichen Sinne massakriert, während sie versucht, sich inmitten der Kriegsparteien in Utah zu entfalten. Als ein Wagenzug von Pilgern aus Arkansas und Missouri durch das von Jacob Samuelson (Jon Voigt) beherrschte Land zieht, beauftragt der misstrauische Anführer seinen Sohn Jonathan (Trent Ford), jeden ihrer Schritte auszuspionieren. Während seiner häufigen Besuche im Lager verliebt sich Jonathan schnell in die temperamentvolle Emily (Tamara Hope), was ihn dazu veranlasst, die Falschheit der paranoiden Thesen seines Vaters zu erkennen. Diese Romanze wird jedoch durch den unbändigen Hass und den Argwohn von Jakob und seinen konspirativen Religionsführern getrübt, die einen Plan ausbrüten, um alle Mitglieder des nichtsahnenden Zuges zu plündern und abzumetzeln.

Wenn "Die Passion Christi" unverhohlen antisemitisch war, zumindest in seiner radikalen Darstellung von Folter, dann ist "September Dawn" definitiv ein flatternder Schlag von Antimormonismus. Ebenso wie in Mel Gibsons Blutepos kaum etwas der Fantasie überlassen wurde, sind auch die Bilder des Hasses in "September Dawn" so plakativ dargestellt. Jeder fragwürdige religiöse Gesichtspunkt und jedes moralisch bedenkliche historische Phänomen wird zersägt und auf niederträchtigste und abscheulichste Weise dargestellt, und die Devise 'Mormonen sind böse' wird dem Betrachter mit der gebotenen Schärfe eingeimpft. In Wirklichkeit werden mehrere Parallelen zwischen der Ideologie und dem nationalsozialistischen Deutschland geweckt, um ein sehr überzeugendes propagandistisches Werk zu schaffen.

Die 'Romeo & Julia'-Liebesgeschichte scheint nur nachträglich eingebaut worden zu sein, um zu demonstrieren, wie böse die Antagonisten sind, weil sie die Hauptfiguren ihres Glückes berauben. Das rührselige Panorama der Liebe auf den ersten Blick, das so ergreifend hätte sein können, verfliegt jedoch schnell. Die Bösewichte sind zutiefst finster und gemein, aber nicht um der Charakterentwicklung willen, sondern um die Dehumanisierung der Mormonen zu verstärken. "September Dawn" schafft es, kontroverse Fragen aufzuwerfen: Was geschah wirklich während des 'Mountain Meadows Massakers', wer steckte dahinter, und wie konnten sie entkommen? Da die Faktenlage aber so dünn ist, muss man sich auch fragen, wie viel von dem, was abgebildet wird, der Wahrheit entspricht und was davon Fiktion ist. Die Eröffnungszeile des Films 'Inspiriert von tatsächlichen Ereignissen' ist zweifellos weniger glaubwürdig als das typische Pendant 'Basierend auf wahren Begebenheiten'. Letztendlich handelt es sich nicht um eine wahre Geschichte, so dass man gezwungen ist, für die realen Sachverhalte woanders nachzuschauen.

Es ist sehr schwierig zu erkennen, ob die Schauspieler ihrem Beruf gerecht werden, weil die von ihnen dargestellten Figuren so maßlos übertrieben und zu hart sind. Es ist absolut klar, wer die Widersacher sind, doch das stetige Einprügeln auf ein totes Pferd mindert nur die Schlagkraft und diskreditiert die Authentizität dieser Persönlichkeiten. Trent Ford beherrscht ein breites Spektrum an Gemütsbewegungen, doch es gibt keine Begründung für seinen plötzlichen Protest gegen seine Konfession. In einem Moment ist er ein treuer Gefolgsmann seines Vaters, im nächsten ein wütender Windhauch von unbändiger Aggressivität, bereit, einen Vatermord zu begehen. Auch wenn versucht wird, dies zu rechtfertigen, erscheint es unangemessen, einen solchen Climax so abrupt zu erreichen. Er kann zwar gut mit Pferden und weniger mit Menschen umgehen, doch seine Reaktionen wirken forciert, nur um die tadelnswerten Machenschaften der eindeutig religiös veranlagten Schurken der Geschichte auszunutzen.

Für aktive Mormonen oder Personen, die eine Konversion in Erwägung ziehen, ist dies kein empfehlenswerter Film. Das wäre so, als würde eine Spinne "Arac Attack - Angriff der achtbeinigen Monster" sehen. Die Mormonen werden als dermaßen zombifizierte Feinde porträtiert, die für ihre Überzeugung eintreten, dass der Film genauso gut "Dawn of the Mormons" hätte heißen können. Immerhin zielen manche Aufnahmen mit Witz und Charme auf ihre Motive hin. "September Dawn" verkennt, dass es sich um ein Werk handeln muss, das trotz seiner unreflektierten Verunglimpfung - ob wahr oder nicht - in die Annalen der Filmgeschichte eingehen müsste. Es gibt wenig Taktgefühl in dieser Gewaltgeschichte, abgesehen von der laschen "Romeo & Julia"-Liebe, die Halbherzigkeit mit den verlogenen Motiven von Freundschaft, Glauben und Tod verbindet.

In "Das Nest" von Regisseur Terence H. Winkless leitet die Gentechnikerin Dr. Morgan Hubbard (Terri Treas) die Experimente der 'INTEC Corporation' zur Entwicklung von Kakerlaken, die andere Schaben fressen können. Die Tests geraten außer Kontrolle, als die Insekten auf 'North Port Island' freigesetzt werden, wo der unerfahrene Sheriff Richard Tarbell (Franc Luz) eine Romanze mit der Kellnerin Lillian (Nancy Morgan) beginnt. Um eine peinliche Dreiecksgeschichte und ein wenig zusätzliche Handlung einzubringen, ist Bürgermeister Elias Johnsons (Robert Lansing) entfremdete Tochter Elizabeth (Lisa Langlois) gerade in die Stadt zurückgekehrt, um sich mit ihrem Ex-Geliebten zu treffen, der zufällig der gleiche neue Sheriff ist.

Eine andere Figur von geringer Wichtigkeit ist Homer (Stephen Davies), ein Kammerjäger mit einer bestimmten Gesinnung, der als Gegenspieler zu Delbert dient, dem Kammerjäger aus "Arachnophobia", gespielt von John Goodman. Homer ist verschrobener, hat keinen coolen Titelsong und ist nicht annähernd so riesig, obwohl er immer noch einen Krieger darstellt, der gut ausgerüstet ist, um es mit einer Plage aufzunehmen. In der ersten Hälfte des Films wird eine "Der weiße Hai"-Technik verwendet: Die Kakerlaken sind nur selten zu sehen, stattdessen huscht eine Kamera von niedriger Position aus durch die Sträucher. Doch in der zweiten Hälfte kommen die kleinen Krabbeltiere erst richtig zur Geltung: Immer wieder sieht man sie schwärmen, sich übereinander stapeln und in Klumpen an verschiedenen Kulissen kleben. Während die Stadtbewohner erst langsam und dann schnell verspeist werden, stellt sich heraus, dass die mutierten Kakerlaken die Fähigkeit haben, sich in Hybride von allem zu verwandeln, was sie konsumieren. Dieses dämliche Konzept führt zu Katzen- und Menschenkakerlaken sowie zu einer monströsen Königin, die ihre Scharen mit Hilfe eines Schabenstocks unter Kontrolle hält, nicht unähnlich dem Film "Aliens - Die Rückkehr" aus dem folgenden Jahr.

Mit Kakerlaken-Shakes, Kakerlaken auf Toast, Kakerlaken mit Pommes, sowie Kakerlaken die in Kaffeetassen schwimmen, und Kakerlaken, die in die Aussparung des Beingips einer bewegungsunfähigen Frau eindringen, gibt es genügend hautnahe Momente, um Horrorfilmfans zu befriedigen. Am verstörendsten ist warscheinlich die Gewalt gegen Tiere: Ein Hund wird bei lebendigem Leib gefressen und hinterlässt einen blutigen Kadaver als Beweis. Ein putziges kleines Kätzchen wird in einen Käfig geworfen, um als Anlockmittel für die Killerinsekten zu dienen. Dieser zweite Akt ist ausgesprochen gnadenlos, denn hier wählt die bösartige Wissenschaftlerin absichtlich ein hilfloses Tier aus, anstatt ein Stück geschlachtetes Rindfleisch. Obgleich dieser Film 1988 gedreht wurde, muss man sich fragen, ob bei den Dreharbeiten echte Tiere, einschließlich Kakerlaken, zu Schaden gekommen sind.

"Das Nest" ist kein Meisterwerk, aber dank der Gruseleinlagen und Maskeneffekte ist der Film eine Sichtung wert. Klebrige Eiersäcke hängen wie verweste Hoden aus einer Höhle, scharfe Unterkiefer brechen aus dem Gesicht eines Mannes hervor, und ein Augapfel poppt aus einem Kopf, nur um von einem Fuß zerquetscht zu werden wie in "Kill Bill: Vol. 2". Der ganze Horror ist mit unfreiwilligem Humor versetzt, doch der Gänsehautfaktor ist immer noch ziemlich hoch. Die Verwendung von echten Kakerlaken für die meisten Nahaufnahmen ist ohne Zweifel für zimperliche Betrachter angemessen. Das imposante Filmplakat, das eine Frau in Unterwäsche zeigt, die von einem monströsen Gliederfüßer vergewaltigt wird, ist leider ein Konzept, das im Film nicht vorkommt, und es ist ein geschickt reißerischer Verweis auf das erotisierte Material von "Die Insel der Ungeheuer".

"Ritt zum Ox-Bow" von Regisseur William A. Wellman spielt im Nevada des Jahres 1885. Gil Carter (Henry Fonda) und sein Kumpel Art Croft (Henry Morgan) kehren in 'Darby's Saloon and Hotel' ein, um sich nach ihrer verlorenen Liebe Rose Mapen (Mary Beth Hughes) zu erkundigen, die behauptete, auf Gil zu warten, aber offenbar vor einiger Zeit die Stadt verlassen hat. Mit einer Flasche Whiskey und schlechter Laune fängt Gil einen Streit mit einem Stammgast, Jeff Farnley (Marc Lawrence), an, der behauptet, die beiden Neuankömmlinge gehörten zu einer Bande von Viehdieben, die kürzlich 600 Rinder gestohlen hätten. Als der Gastwirt Gil bewusstlos schlägt, wacht er auf und sieht einen verstörten jungen Mann, der eine Menschenmenge aufstachelt.

Larry Kincaid, Farnleys Partner, wurde in den Kopf geschossen. Der Sheriff hat sich bereits auf den Weg zu Kincaids Ranch gemacht, aber die Anwohner wollen nicht auf offiziellen Papierkram, sich einmischende Anwälte und vereidigte Hilfssheriffs warten. Stattdessen bestehen sie darauf, ein Kommando für einen schnellen Lynchmord zu bilden, denn sie sind sich sicher, dass der erste Mann, den sie finden, es wert ist, gehängt zu werden - ein fairer Prozess ist für den aufgebrachten Mob nicht von Belang.

Basierend auf dem Roman von Walter Van Tilburg Clark spielt "Ritt zum Ox-Bow" im Wilden Westen, und die Besetzung umfasst eine Reihe von Western-Veteranen, doch die Handlung ist nahezu epochal. Voreilige Schlüsse zu ziehen, ohne alle Fakten zu kennen, kann zu Problemen führen. Zur Veranschaulichung dieses Konzepts ist das Aufgebot ein gut vertretenes Konglomerat aus verschiedenen Standpunkten. Einige wollen Gerechtigkeit walten lassen, viele sind wütende, hitzköpfige Freunde des Verstorbenen, andere sind nicht so scharf darauf, mitzumachen, sondern haben Angst, nicht auf der richtigen Seite des Gesetzes zu stehen, ein Minimum an Gottesfurcht und man ist gezwungen, dem Tod beizuwohnen.

Eine mahnende Geschichte über Wut, Impulsivität und die Mob-Mentalität, die zufällig mit "Die zwölf Geschworenen", ebenfalls mit Henry Fonda in der Hauptrolle, vergleichbar ist, hinterlässt mit ihrem kleinen Rahmen und ihrer großen Ethik einen tiefen und starken Eindruck. Die Grenzen zwischen Unschuld und Schuld verschwimmen, und die Gesetzeshüter werden bald mit der Bürde eines Fehlurteils belastet, das nicht mehr revidiert werden kann. Von Geständnissen unter Zwang über die Verspottung des Angeklagten bis hin zur Gewährung einiger letzter Wünsche - die sensationellen Charakterdarsteller und bekannten Stars mit ihren unverwechselbaren Persönlichkeiten machen dieses packende Abenteuer zu einem denkwürdigen Streifzug durch die Abgründe der Kurzentschlossenheit. "Das Gesetz ist hier manchmal langsam und rücksichtslos."

Trotz der kurzen Laufzeit gibt es Momente, die der Ruhe vor dem Sturm gewidmet sind, in denen Angst, Reue, Zweifel und Verachtung ohne wortreiche Dialoge formuliert werden. Besonders ergreifend ist es, wenn einer der Angeklagten, ein älterer, willensschwacher Mann, vor seiner Hinrichtung in Tränen ausbricht, und sich der blutrünstigste der Beteiligten weigert, die Pferde zwischen den gefesselten Männern auszureiten. Bis zum tragischen Finale erweist sich "Ritt zum Ox-Bow" als ein wuchtiges, herbes, bedrückendes Epos von humaner Ohnmacht und Herzlosigkeit - ein unvergleichliches, tiefgründiges und bewegendes Meisterwerk.

"Der Todesengel aus der Tiefe" von Regisseur Sebastian Gutierrez beginnt semi-künstlerisch in einem dunklen Schloss, wo eine ältere Frau mit einer flackernden Kerze über kalte Steine torkelt. Doch dann verliert der Film jegliche visuelle Prägnanz und zeigt in der Ich-Perspektive, wie das Opfer mit roten Blitzen und einer Nahaufnahme eines blutigen Augapfels angegriffen wird. Wenn es etwas gibt, das den Eindruck eines Low-Budget-Films oder eines Fernsehfilms erweckt, dann sind es solche Schnitte, die auch regelmäßig auf Überblendungen zurückgreifen, um die Geschichte voranzutreiben oder, was noch offensichtlicher ist, um kostspielige Sequenzen zu vermeiden.

Irgendwo in Irland im Jahr 1905 versucht ein Schausteller, sich mit gefälschten Wundern ein bescheidenes Zubrot zu verdienen. Ein Zombie ist nichts anderes als ein Schauspieler und eine Meerjungfrau ist nur eine Frau in einem Kostüm. Die wenigen Besucher, die sie versammeln, sind nicht sonderlich überzeugt, aber der Trick hält den Zirkus der Kuriositäten im Geschäft. Als Lily (Carla Gugino) und der Marktschreier Angus Shaw (Rufus Sewell) von dem verärgerten Kunden Captain Woolrich (Aubrey Morris) zur Rede gestellt werden, erzählt er ihnen von der Königin der Höhle der echten Meerjungfrauen, die auf einer verbotenen Insel lebt und eine große Gefahr darstellt. Allerdings glauben sie ihm kein einziges Wort von seinen Lügenmärchen.

Um die Skeptiker zu überzeugen, zeigt Woolrich ihnen die junge Frau, die er in einem großen Becken in einem Hinterzimmer seiner Villa gefangen hält. Zuerst halten sie sie für eine Schauspielerin wie Lily, aber die großen Ketten, die faltige Haut, ihre Schwimmhäute und die Zeit, die sie unter Wasser verbringt, lassen sie glauben, dass sie eine echte Meerjungfrau ist. Angus und sein Angestellter Bailey (Reno Wilson) wollen die Kreatur in ihre Show einbauen und eine Menge Geld verdienen, indem sie sich in Woolrichs Haus schleichen, um sie zu stehlen. Dabei stirbt Woolrich an einem Herzinfarkt. Fassungslos, doch nicht verzagt, schnappt sich Angus seine Beute und macht sich auf den Weg nach Amerika, um sie einem zahlungskräftigen Publikum zu präsentieren. Doch im Inneren des Schiffes werden die dunklen Kräfte der Meerjungfrau allmählich offenbart.

Die Meerjungfrau, gespielt von Rya Kihlstedt, ist stets barbusig, und die Kamera scheut sich nicht, ihre partielle Erhabenheit zu zeigen. Das ist wahrscheinlich auch gut so, denn so kann man sich leicht von den fahlen Dialogen ablenken lassen, die nur zur Überbrückung von Szenen mit Spezialeffekten oder alptraumhaften Jump-Scares da zu sein scheinen. Die blutigen Stellen sind jedoch nicht allzu schlimm, da das 'Stan Winston Studio' für das Make-up und die Prothetik zuständig ist, mit dem Ziel, etwas Ähnliches wie "Species" zu kreieren.

Auch wenn die Sirene eine unberechenbare, geheimnisvolle, telepathische und kannibalistische Kreatur ist, die bei jedem Vollmond menschliche Beine bekommt, konzentriert sich der größte Teil der Geschichte auf den mentalen Einfluss des Wesens auf Lily, die gezwungen ist, die Befehle des Meeresungeheuers auszuführen und dabei den Realitätssinn verliert. Die Zahl der Toten ist minimal, oder besser gesagt, sie spielt sich größtenteils im Off ab, und das Tempo ist langsam, aber das Thema wird mit einer tödlichen Intensität angegangen, die dazu beiträgt, die Simplizität der Filmhandlung zu kaschieren. Interessanterweise wurde dieser Film im englischen Titel als "Mermaid Chronicles Part 1: She Creature" vermarktet, eine Hommage an die unabhängigen Filme von 'American International Pictures', und es scheint, dass ein zweites Kapitel geplant war, aber nie gedreht wurde.

"Soulfighters" von Regisseur Alan Johnson beginnt in einer neuen Ära, im Jahr 41, lange nach den Öko-Kriegen, als das 'E-Protektorat' alles Wasser auf dem Planeten verwaltet. Infolgedessen beschränkt sich das menschliche Leben auf ausgewählte Regionen, die durch weitläufige Ödlandflächen getrennt sind. Eines davon ist das 'Waisenhaus 43', das von einem Aufseher (Charles Durning) geleitet wird, der die Aufgabe hat, die verschiedenen Kinder, die entführt und in die Einrichtung gebracht wurden, um dem gnadenlosen Gefängnissystem als Soldaten oder Arbeitskräfte zu dienen, zu beschäftigen. Natürlich gibt es, wie in jedem dystopischen Nachtmahr, eine Legende, die von einem göttlichen Besucher spricht, der kommen wird, um der Erde das Wasser zurückzugeben.

In der Zwischenzeit spielen die Kinder und Jugendlichen des Waisenhauses ein derbes, hockeyähnliches Spiel mit Rollschuhen namens 'Skateball', das ein wenig an "Rollerball" erinnert, um sich die Zeit zu vertreiben und Rivalitäten zu schüren - eine Art Kampfsport, der von den erwachsenen Aufsichtspersonen, den 'E-Polizisten', sanktioniert wird, die stolz auf die Fähigkeiten der Kinder sind. Der sadistische Strictor Grock (Richard Jordan) trainiert die 'Scorpions', eine Bande rücksichtsloser Rabauken, die von Gavial (Pete Kowanko) angeführt wird, und der Direktor leitet die 'Solarbabies', ein sonderbar spielerischer Teamname, dem die allgemein erwartete Drohkulisse fehlt. Sie bestehen aus Jason (Jason Patric), Metron (James Le Gros), Terra (Jami Gertz), Rabbit (Claude Brooks) und Tug (Peter DeLuise), sowie dem kleinen Maskottchen Daniel (Lukas Haas). Doch als Daniel eine lila glühende Kugel entdeckt, die offenbar magische Effekte hat und zum Beispiel Regen aus dem Nichts erzeugen kann, sind die 'Solarbabies' plötzlich für ein sehr mächtiges Geheimnis verantwortlich.

Das Science-Fiction-Setting wirkt auf den ersten Eindruck nicht besonders innovativ, vor allem, wenn man die vielen anderen postapokalyptischen Szenarien bedenkt, die "Soulfighters" vorausgingen, doch es ist in seiner Ausrichtung auf ein bestimmtes Publikum durchaus einzigartig. Nicht im morbiden, adulten Gewand von "Jahr 2022 - die überleben wollen" oder "Blade Runner" beziehungsweise "Running Man" und auch nicht im Sinne von Gewaltthrillern wie "Robocop" oder "Frankensteins Todes-Rennen", sondern gezielt auf ein jüngeres Klientel zugeschnitten, hält "Solarfighters" die Action und die Szenarien handzahm und gemächlich. Es ist eher ein unbeschwertes Abenteuer wie ein Mad-Max-Film für Kinder als eine praxisnahe Studie über eine ökologisch verkrüppelte Gesellschaft.

Sobald die Jugendlichen einen Vorgeschmack auf die Freiheiten außerhalb der Mauern des Weisenhauses bekommen, weitet sich die Umgebung ein wenig aus und führt Fraktionen kriegerischer Rassen wie in "Mad Max II - Der Vollstrecker" ein, sowie Panzerfahrzeuge, behelmte Soldaten und laserbetriebene Geschütze. Leider verraten viele der Kostüme, Transportmittel und Bühnenbilder eine beachtliche Schäbigkeit, und das vorhandene Budget erlaubt es nicht, moderne Requisiten und Materialien zu verwenden. Dennoch ist "Soulfighters" jünger als bekanntere Produktionen wie "Waterworld", der eine Reihe von Parallelen aufweist. Doch die Handlung und die Konfliktlinien sind äußerst nebensächlich, so dass die Inszenierung insgesamt wenig inspirierend ist. Situationen, in denen es um Leben und Tod geht, fühlen sich nie wirklich authentisch an, weil die Gefährdung beständig abwesend bleibt.

Das Finale beinhaltet eine Art große Rettungsmission, obwohl die Motivation und die Organisation genauso zweifelhaft sind wie die pseudo-futuristischen Welten und die läppischen Dialoge, insbesondere die der aufgeblasenen Fieslinge. Und die vielen nicht intendierten Komikpunkte sind nicht gerade förderlich, vor allem wenn es darum geht, einen bösen Roboter zu bekämpfen, der auf lustige Weise so konstruiert ist, dass er seine brutalen Aktionen genießt. Der Grundtenor ist zwar konsequent und vorsätzlich kindisch und verlogen, doch die Geschichte und ihre Durchführung sind ineffizient und stellenweise nonsensisch, was zu einem routinemäßigen, gähntriefenden Science-Fiction-Film geführt hat.

"Die vielen Abenteuer von Winnie Puuh" unter der Regie von Wolfgang Reitherman und John Lounsbery macht die Welt mit dem liebenswerten, Honig fressenden und unerschütterlichen Stofftier bekannt und trägt dazu bei, den gelben Bären und die herzerwärmenden Geschichten des Autors Alan Alexander Milne in der amerikanischen Kultur zu verankern. Da die klassischen Märchen in Großbritannien bereits sehr beliebt waren, beschloss Disney 1961, sie in die Vereinigten Staaten zu bringen, damit die knuddeligen Figuren Rabbit, Piglet, Eeyore, Tigger und natürlich Puuh, die alle Namen aus dem Londoner Zoo und Designs von Kinderspielzeug tragen, eine Chance hatten, neue Fans zu finden. Dieser Film ist eigentlich eine Zusammenstellung von drei Disney-Kurzfilmen aus den 60er und 70er Jahren, in die zusätzliches Material eingefügt wurde, um ein übergreifendes Thema und Spielfilmlänge zu schaffen.

Im Hundertmorgenwald, wo Christopher Robin spielt, lebt sein bester Freund und Lieblingsstofftier Winnie Pooh (gesprochen von Sterling Holloway). Bei seinen Versuchen, das zu bekommen, wonach sich die Puuh-Bären am meisten sehnen - Honig -, trifft Winnie Puuh auf alle möglichen anderen freundlichen Spielzeuge, die den Zauberwald bevölkern, vom hüpfenden Unruhestifter Tigger (Paul Winchell) über den stets mürrischen Eeyore (Ralph Wright) bis hin zum kleinen, aber großherzigen Piglet (John Fiedler), sowie auf ein Erdhörnchen, das nicht aus Alan Alexander Milnes Vorlage stammt. Das erste Kapitel, das wie ein Märchenbuch erzählt wird, stellt dem Betrachter den etwas zerstreuten Bären und seinen kreativen, katastrophalen Versuch vor, Honigbienen zu täuschen, indem er sich als Regenwolke verkleidet. Da er wenig Glück hat, lädt er sich selbst zu Rabbits Haus ein, wo er eine so große Menge der süßen, klebrigen Substanz konsumiert, so dass er in der kleinen Haustür festklemmt. Sehr zum Leidwesen von Rabbit muss Puuh mehrere Tage warten, bis er dünn genug ist, um sich wieder bewegen zu können.

In der zweiten Geschichte mit dem Titel 'Der stürmische Tag' wird das Haus von Owl von einem heftigen Wind umgeworfen und Piglet wird fast weggeweht. In dieser Nacht trifft Puuh den lebenslustigen, elastischen Tigger, und nachdem er gegangen ist, verwandelt sich eine fantastische Traumsequenz über mystische Kreaturen namens 'Heffalumps' und 'Woozles' in einen heftigen Regenguss, der Piglets Haus überflutet und ihn zwingt, ein Flaschen-SOS zu versenden. Im letzten Kapitel ist Rabbit mit Tiggers unkontrollierter Sprunghaftigkeit völlig überfordert und heckt einen Plan aus, um den schlauen Vierbeiner im Wald abzuschütteln und ihm eine Lektion zu erteilen. Rabbits Intrige geht jedoch gründlich daneben, denn er verirrt sich selbst im Nebelwald und kann nur von Tigger gerettet werden. Zum Abschluss des Ensembles finden die Streiche von Puuh ein berührendes Ende, als Christopher Robin in die Schule gehen muss.

Es handelt sich zwar um drei separate Kurzfilme, aber dank der geschickten Umstrukturierung und des Schnitts hat man nie das Gefühl, dass unzusammenhängendes Material aneinandergereiht wurde. Die innovativste Technik der Erzählung ist der Erzähler (Sebastian Cabot), der nicht nur Einführungen und Überleitungen liefert, sondern auch die Geschichte vorantreibt, indem er Ratschläge gibt und den Figuren in Not Hilfe anbietet und so die vierte Wand durchbricht, obwohl er eigentlich nie in Erscheinung tritt. Wunderschöne Bilder erwecken die Kreationen von Alan Alexander Milne zum Leben und bewahren gleichzeitig einige der einfachen Stile der ursprünglichen Buchillustrationen. Die peppigen Musikstücke und die Melodien der 'Sherman Brothers' sorgen für ein flottes Tempo und gute Laune, sogar für eine Traumsequenz à la "Alice im Wunderland" ist inmitten der farbenfrohen Abenteuer Platz. Sowohl die einzelnen Bilder als auch die kongruente Kompilation sind Meisterwerke der familienfreundlichen Sittlichkeit, des knuffigen Designs und des übermütigen Humors. Wie ein plüschiger Peter Pan werden Winnie Puuh und seine Freunde nie alt, und das gilt auch für deren ulkige Slapstick-Einlagen.

Wie bei den früheren Projekten von Regisseur Brian Yuzna beginnt auch "Dark Society" mitten im Geschehen und erzeugt schon vor dem Vorspann eine nervenaufreibende Befremdlichkeit. Und das ist ziemlich bizarr, mit heiterer, opernhafter Musik mit engelsgleichem Gesang, dem 'Eton Boat Song', komponiert von A.D.E.W. mit neuem Arrangement und Text von Mark Ryder und Phil Davies, der in scharfem Kontrast zu der surrealen, glibberigen Orgie steht, die obskur im Hintergrund spielt. Brian Yuzna, der vor seinem Regiedebüt bereits an mehreren Body-Horror-Filmen mitgewirkt hat, liefert eine großartige Regiearbeit mit einer vergnüglichen Mischung aus schwarzer Komödie und unheimlichem Gruselfaktor ab.

Der siebzehnjährige Bill Whitney (Billy Warlock) wird von Albträumen und unerklärlichen Ängsten vor allem und jedwedem geplagt, auch von seinem Psychiater. Er ist beliebt in der Schule, spielt im Basketballteam, kandidiert für das Amt des Klassensprechers und hat sogar eine Verlobte, die Cheerleaderin Shauna (Heidi Kozak). Doch nichts von seiner anscheinenden Normativität hindert ihn daran zu glauben, dass er adoptiert ist. Selbst das Leben in einer riesigen Villa in Beverly Hills kann ihn nicht davon abhalten, sich als Außenseiter zu fühlen, der von seinen noblen Eltern mit Ignoranz bestraft wird. Außerdem sieht er regelmäßig seltsame Dinge: Er entdeckt einen pulsierenden, mutilierten Fleck auf dem Rücken seiner Schwester oder ihren sich unnatürlich deformierenden Körper unter der Dusche, was sich als peinlich verzerrte Visionen der Unwahrheit herausstellt.

Auf der Coming-out-Party von Bills Schwester Jenny (Patrice Jennings) versteckt sich ihr Ex-Freund David Blanchard (Tim Bartell) in ihrem Kleiderschrank und beobachtet sie beim Ankleiden. Bill kommt ihr zu Hilfe, indem er den Voyeur rausschmeißt, aber es ist klar, dass David und Bill von ihren elitären Eltern und Freunden regelrecht geächtet werden. Jennys Feier ist so angelegt, dass sie Richter Carter (David Wiley) und den Stadtbewohnern in einer geheimen Zeremonie mit verstörenden Aktivitäten preisgegeben wird. David Blanchard mischt sich in die Feierlichkeiten ein und gibt die Aufnahme an Bill weiter, der daraufhin eine inzestuöse, liederliche Party zwischen seiner Schwester, seinen Eltern und seinem Klassenkameraden Ted Ferguson (Ben Meyerson) verfolgt. Doch als er die Befunde seinem behandelnden Arzt mitteilt, scheint das brisante Material in ein unverfängliches Gespräch verpackt zu sein. Spielt sein Gehirn ihm wieder ein Schnippchen? Oder verheimlicht seine Familie ein unglaublich finsteres Geheimnis?

"Dark Society" ist zu gleichen Teilen Mystery und Horror und zeichnet sich durch eine ungezwungene Leichtigkeit aus, die auch durch die ernsthafte Annäherung der Akteure an die skandalösen Motive nicht verraten wird. Manchmal sind die Dialoge so merkwürdig, dass sie geradezu bescheuert sind, und doch hält niemand inne, um die Absurdität anders zu behandeln als die Schreckensmomente. Bill steckt in einer Welt fest, in der der Reichtum seiner Familie für Verachtung sorgt und Autoritätspersonen seine Anschuldigungen wegen eines Verbrechens schnell von sich weisen. Jedes Mal, wenn er der Wahrheit näher kommt, wie etwa, als der streberische Debattenrivale Martin Petrie (Brian Bremer) an einem abgelegenen Ort in den Wäldern Hinweise liefert, verschwinden Indizien und Menschen.

Der Film geht den Weg der Exploitation und zeigt auch Playboy Playmate Devin DeVasquez in der Rolle der Clarissa Carlyn, die einige Nacktszenen hat, bevor sie in die erschreckenden Verrenkungshalluzinationen geht, die Bill heimsuchen. Doch nichts kann den Betrachter auf das schockierende Finale vorbereiten, und obgleich die Minuten bis zur Schlusssequenz in die Länge gezogen werden, um die Antizipation zu steigern, ist die Entlarvung enthusiastisch abartig und ekelerregend grausam. In die Absonderlichkeiten mischt sich ein Verweis auf den wörtlichen Verzehr der Armen durch die Reichen, der jedoch schnell von der komödiantischen und pappigen Verheerung der menschlichen Körper überlagert wird.

In "... denn sie wissen nicht, was sie tun" von Regisseur Nicholas Ray wird der minderjährige Jim Stark (James Dean) am Ostertag wegen Trunkenheit in die Jugendabteilung der Polizeiwache geschleppt. Er ist nicht wirklich unanständig, aber wenn er im Vollrausch mitten auf der Straße liegt, ist ein offizielles Durchgreifen notwendig. Im gleichen Revier hat auch die 16-jährige Judy (Natalie Wood) Schwierigkeiten, aber ihre Probleme bestehen darin, dass sie sich immer mehr von ihrem Vater distanziert, was sexuelle Untertöne enthält - eine spezifische Art von Unbehagen, die im Film selten zu sehen ist, insbesondere in den 1950er Jahren. Und direkt vor dem Büro, in dem sie befragt wird, steht John Crawford (Sal Mineo), ein weiterer missratener Jugendlicher mit viel schwerwiegenderen psychologischen Symptomen, die aus Vernachlässigung resultieren: Er hat einen Wurf Welpen mit einer Schusswaffe erschossen.

Es ist zunächst unklar, ob diese Dissidenten heillos gestört sind oder einfach nur gegen Autoritätspersonen rebellieren. Ein Beratungsgespräch mit einem Therapeuten scheint keine einfache Lösung zu sein, auch wenn sie dringend jemanden brauchen, mit dem sie über ihre Gefühle sprechen können. Jim Stark behauptet, er käme mit den widersprüchlichen Auskünften seiner Eltern nicht zurecht, aber meistens schreit er nur nach Aufmerksamkeit, denn der Reichtum und die bedeutungslosen Geschenke seiner Eltern scheinen echte Zuneigung zu überdecken. Er ist verwirrt, wütend und hat die Nase voll von der vorgetäuschten Solidarität und dem ständigen Streit in seiner Familie, vor allem in den Momenten, in denen sein Vater von seiner Mutter und seiner Großmutter emotional entmannt wird - es ist, als würde er in einem Zirkus aufwachsen. Unterdessen kann Judy nicht verstehen, warum sie in der Nähe ihres Vaters nicht kokett sein sollte - eine linkische, mädchenhafte Verschmitztheit, der sie längst entwachsen ist. John Crawford hingegen ist zutiefst verstört, so dass seine Wahrnehmung von Fantasie und Realität gelegentlich ineinander übergehen.

Kurz nach ihrem Treffen am Bahnhof wird Jim angesichts seines ersten Tages an der 'Dawson High School' nervös, da er unter Druck gesetzt wird, sich verantwortungsvoll zu verhalten und seine Freunde mit Bedacht auszuwählen. Er wirft ein weiteres Mal ein Auge auf Judy, aber sie gehört bereits zu einer Clique beliebter Schüler. Wie es der Zufall will, wird Jim während eines Ausflugs der Junior High und High School ins Planetarium zur Zielscheibe des Rüpels Buzz (Corey Allen), der zufälligerweise der Freund von Judy ist. Ein weiterer unwahrscheinlicher Koinzidenzfall ist, dass John Crawford der einzige ist, der Jim Stark gegenüber freundlich gesinnt ist. 'Dawson' ist eine unerwartet harte Schule, was sich darin zeigt, dass Buzz einen Reifen an Jims Auto aufschlitzt, bevor er ihn mit einem Springmesser in einen Kampf verwickelt.

Diese vergleichenden Tendenzen sind im Prinzip eine psychologische Abneigung gegen Nonkonformität in der Familie und unter Gleichgesinnten. Ihrer Meinung nach wissen die Erwachsenen einfach nicht, wie sie sich gegenüber Kindern verhalten sollen, deren Eltern überfordert, überdrüssig und instabil sind. Und Jugendliche derselben Altersgruppe suchen immer wieder nach Männlichkeits- oder Überlegenheitswettbewerben, wie beispielsweise ein Autorennen an Klippen, bei dem es darum geht, welcher Fahrer sein Fahrzeug zuerst verlassen kann, bevor es über die Klippe stürzt. Doch die hier beschriebenen Ereignisse fühlen sich unzumutbar übertrieben an. Die Adoleszenz ist die reinste Hölle. "Das Leben erdrückt mich."

"... denn sie wissen nicht, was sie tun" ist nicht der erste Film, der dieses Thema penetrant und kontinuierlich visualisiert, hatte aber bei seinem Erscheinen eine enorme Resonanz. Für diejenigen, die sich nicht sofort mit der Rebellion und der Kriminalität identifizieren können, ist der Film kaum mehr als eine nervige, barsche Botschaft über jugendlichen Ungehorsam und Demoralisierung, deren Effekt stark von Nostalgie oder Kenntnissen über diese Zeit abhängt. Für den heutigen Betrachter war es jedoch etwas Einzigartiges, was zum Teil an den überzeugenden Darbietungen, vor allem aber an der Qualität der Charaktere lag. Es handelt sich nicht um finanziell benachteiligte, sozial vernachlässigte Kinder, auch wenn ihr familiäres Unterstützungssystem gering ist - sie gehören zur Mittelschicht oder darüber hinaus und haben viele Perspektiven jenseits der typischen Probleme von Bandenkriminalität oder traumzerstörender Verelendung.

Dennoch wirken die Maßnahmen sowohl der Erwachsenen als auch der Kinder nie ganz logisch und plausibel. Die Momente des explosiven Aufbegehrens sind zu brachial, während die Szenen des Blödsinns zu unmündig wirken. Ihre Aktivitäten haben eine unsubtile Note, die dem thematischen Konzept des Films weit mehr dient als seinem Unterhaltungsfaktor. Die Vermittlung des Inhalts ist natürlich keine besonders große Leistung, sondern es ist offensichtlich eine Absicht, ihn den Zusehern mit Gewalt in die Köpfe zu hämmern. Das berühmte Finale ist in diesem Sinne ähnlich exzessiv und vielleicht eher diffus als retrospektiv und zementiert die These, dass die einzige Linderung für einige gepeinigte Jugendliche ein noch größeres Desaster ist.

In "Am goldenen See" von Regisseur Mark Rydell kehren Professor Norman Thayer Jr. (Henry Fonda) und seine Frau Ethel (Katharine Hepburn) in ihre selten genutzte Hütte am See zurück, wo die krähenden Seetaucher sie willkommen zu heißen scheinen. Norman besitzt nicht den Enthusiasmus seiner Partnerin, während Ethel die Schönheit in all den kleinen Dingen erkennt, das gerade erwachende Leben im Wald, wogegen Norman pessimistisch ist und sich mit dem bevorstehenden Tod befasst. "Du bist alt und ich bin uralt", scherzt er, ohne genug Sarkasmus, um seine Abneigung gegen das Bewusstsein zu verbergen, wie nahe er dem Ende seines Lebens ist.

Eine Kanufahrt auf dem Teich, ein Brettspiel und eine Bootsfahrt zum Lebensmittelgeschäft sind für Ethel, die an jeder noch so alltäglichen Tätigkeit Freude findet, ein Riesenspaß. Sie bleibt so fröhlich wie möglich, doch Normans ständiges Jammern zermürbt langsam aber sicher ihr positives Auftreten. Ihr Urlaub wird sich jedoch bald ändern, als die etwas entfremdete Tochter Chelsea (Jane Fonda) zu Normans 80. Geburtstag zu Besuch kommt und ihren neuesten Freund, einen Zahnarzt, mitbringt, um an den angespannten Feierlichkeiten teilzunehmen. "Findest du es lustig, alt zu sein?"

"Am goldenen See" ist in erster Linie eine Auseinandersetzung zweier älterer Menschen mit dem Älterwerden. Der eine will die kommenden aufregenden Jahre noch geniessen, der andere schwelgt in einer vergangenen, viel besseren Zeit. Alles erinnert Norman an den Tod, von einer umgefallenen Puppe über verdorrte Bäume bis hin zu den Medikamenten, die er gegen sein Herzrasen nimmt. Sein schwindendes Erinnerungsvermögen ist auch ziemlich beunruhigend, besonders für einen Mann, der sich auf vertraute Routinen verlässt. Um die Situation zu verkomplizieren, bringt Chelseas Freund Bill Ray (Dabney Coleman) seinen 13-jährigen Sohn Billy (Doug McKeon) mit, was Norman die Gelegenheit gibt, seine grantige Gesinnung auf das Maximum zu steigern. Der Film basiert auf dem Theaterstück von Ernest Thompson und bietet mit seiner unbeirrbaren Unsympathie und seiner verurteilenden Grundhaltung die Bühne für schwarzhumorige, hochgradig unbehagliche Gespräche und Interaktionen, ähnlich wie "Wer hat Angst vor Virginia Woolf?" oder der viel spätere "Im August in Osage County", nur ohne den übermäßigen Alkoholkonsum.

Es gibt auch einen kleinen Kulturkonflikt, als Billy sich mit seiner temporären neuen Umwelt arrangiert und gegen die reservierten Senioren kämpft, die das Optimum aus einer unkomfortablen Lage machen wollen. In der Zwischenzeit plagen Chelsea Wut und Reue, da sie ihrem Vater nicht verzeihen kann, wie streng er sie erzogen hat. Im Verlauf von "Am goldenen See" gelingt es den Beteiligten, immer gastfreundlicher zu werden, auch wenn Norman zeitweise in seine alte Schroffheit zurückfällt. Ihre Handlungen neigen dazu, viele kleine Weisheiten über das Leben und die Liebe herauszuarbeiten, alles mit der Unterstützung von Dave Grusins sanften und doch markanten Pianomelodien. Doch ungeachtet der heiteren Lektionen über Vergebung, Sterblichkeit, Großzügigkeit, das Bemühen um Akzeptanz und das Knüpfen von Kompromissen hat der Film eine gewisse Schwermut, die seine sich häufenden Fehlschläge verdeckt. Selbst wenn bedeutende Vorfälle eintreten, sind sie so nebensächlich und berechenbar, dass ihre Signifikanz geschmälert wird. Er ist zwar possierlich und auch unterhaltsam, aber sehr einfach konzipiert, was seine Chancen auf nachhaltige Tiefenwirkung drastisch minimiert.

In dieser lebensfernen Hommage an die Musik der alten Schule und das herrschende Gefühlschaos ist nicht der geringste Funken Originalität zu finden. In "Soul Men" unter der Regie von Malcolm D. Lee stimmt die Chemie zwischen dem Komiker Bernie Mac und dem geradlinigen Samuel L. Jackson, doch es sind beides Charaktere, die man immer wieder in Filmen sieht und die von diesen beiden Schauspielern nach einem bestimmten Schema gespielt werden. Als Komödie gibt es so gut wie keine Lacher, und als Ode an wahre Seelenmenschen versumpft der Film in Vorhersehbarkeit und einer enttäuschenden Überabhängigkeit davon, zwischen den Zeilen von Anstand und Erwartung zu bleiben, trotz der bekannten unflätigen Selbstgespräche der beiden Hauptdarsteller.

In den frühen 70er Jahren wurde die Soulgruppe 'Marcus Hooks and the Real Deal' äußerst populär und verkaufte über sechs Millionen Platten. Doch 1977 erkennt Marcus Hooks (John Legend) sein überragendes Talent und beschließt, eine Solokarriere zu starten, während seine Partner Floyd Henderson (Bernie Mac) und Louis Hinds (Samuel L. Jackson) bis ins hohe Alter mit dem Verlust des Ruhms zu kämpfen haben. In der Gegenwart ist Floyd Henderson im Ruhestand und wird in regelmäßigen Abständen von seiner mondänen Existenz entmutigt.

Als Marcus Hooks stirbt, wird Floyd Henderson von 'VH1' gebeten, sich wieder mit Louis Hinds zusammenzutun, um bei der Beerdigung von Marcus Hooks im 'Apollo Theater' einen Tribut-Song zu singen. Louis Hinds ist wütend und verdrossen, vor allem, wenn er an die Affäre von Floyd Henderson mit seiner Frau denkt. Schließlich lässt er sich überreden, mit Floyd Henderson quer durchs Land zu reisen, weil dieser ihm Geld für den großen Auftritt zusichert. Auf dem Road Trip hat das Duo die Gelegenheit, seine Gesangskünste aufzufrischen, nachdem es 30 Jahre lang nicht mehr im Rampenlicht gestanden hat, unerwartete Wiedersehen mit der Vergangenheit zu erleben und mit dem Gesetz in Konflikt zu geraten, doch nichts wird ihr Streben nach einer Rückkehr ins Rampenlicht aufhalten.

In den ersten 10 Minuten des Films erlebt der Betrachter beschämende sexuelle Eskapaden und eine peinliche rektale Untersuchung, die zum Nachdenken anregt. Kurz darauf wiederholen und potenzieren sich die Witze mit Waffenmissbrauch, animalischen Bettgeschichten, darunter die berüchtigte 'Samtmassage', und zahlreichen Kraftausdrücken. Der Humor selbst zielt nicht auf ein bestimmtes Zielpublikum ab, auch wenn die Ensemblebesetzung eindeutig darauf abzielt. Daher ist es sehr frustrierend, dass immer wieder solche abgenutzten Comedy-Gimmicks auf den Bildschirm platzen. Klischeehafte Figuren, konventionalisierte und unbrauchbare Nebenrollen und rezyklierte Lebensweisheiten tauchen ebenfalls auf und tragen nur noch zur bestürzenden Einfallslosigkeit des Projekts bei.

"Soul Men" ist teilweise ein Roadmovie und größtenteils ein Buddy-Movie, doch was die Verkettung der Ineffektivität wirklich zerbricht, ist die unerträgliche Duplizität und der nicht vorhandene Impetus. Die Charaktere sind selbst dann zum Kotzen, wenn sie versuchen, Spaß zu haben, und die zumeist sympathischen Hauptdarsteller kommen in Absurditäten, die aus anderen Komödien übernommen wurden, in denen es ebenfalls um die Relevanz von Freundschaften geht, als ob Unglücksfälle die alleinige Voraussetzung dafür wären, Wertvorstellungen zu verinnerlichen. Samuel L. Jackson und Bernie Mac sind durchaus unterhaltsame Künstler, doch das Material in "Soul Men" ist so genormt wie nur irgend denkbar.

In "Frankensteins Höllenmonster" von Regisseur Terence Fisher gräbt ein alkoholkranker Leichenfledderer (Patrick Troughton) Leichen aus frischen Gräbern aus und versteckt seine Taten im Schutz der Dunkelheit und des Nebels. Obwohl er von einem Polizisten unterbrochen wird, bringt der Räuber seine neueste Akquisition schnell zum Haus des jungen Simon Helder (Shane Briant), einem angehenden Arzt und skrupellosen Absolvent der Forschungsarbeiten des legendären Barons Frankenstein (Peter Cushing). Als die Behörden seinen Plänen auf die Spur kommen, bei denen er Körperteile zusammennäht, um neues Leben zu erschaffen, wird er kurzerhand wegen Hexenwahns verhaftet. "Sie geben zu, dass Sie versuchen, die Toten wiederzubeleben."

Ein verständnisloser Richter weist Simon für fünf Jahre in eine staatliche Anstalt für kriminelle Geisteskranke ein, nach dem Muster einer ähnlichen Strafe, die Frankenstein selbst auferlegt wurde. Simons jugendliches Erscheinungsbild und seine professionelle Einstellung verwirren den neurotischen, paranoiden Gefängnisdirektor Adolf Klauss (John Stratton), der den neuen Häftling zunächst für einen echten Arzt hält. Die sadistischen Wärter belohnen die Verwechslung mit einer Initiationsbehandlung, einem hautzerreißenden Bad mit einem Feuerwehrschlauch, bevor der Anstaltsarzt Dr. Karl Victor (ebenfalls Peter Cushing) dem Treiben ein Ende setzt.

Wie sich herausstellt, haben sich Victor und der korrupte Direktor über ihre Indiskretionen und divergierenden Neigungen geeinigt. Der Chefarzt hat einige Freiheiten, was seine zahlreichen Patienten angeht, darunter eine Abteilung mit gefährlichen Insassen, die als Versuchspersonen für ungewöhnliche Experimente dienen, insbesondere solche, die vor kurzem gestorben sind oder an einer rapiden Degeneration des Gehirns leiden. Über einen solchen Häftling sagt Dr. Karl Victor: "Mörderische Tendenzen. Er war fasziniert von Glasscherben. Er liebte es, Leuten damit ins Gesicht zu stechen."

Simon ist zwar nicht in der Lage, die Anstalt zu verlassen, doch er wird rekrutiert, um Dr. Victor bei seiner Arbeit zu helfen, frische Körperteile zu einem höllisch schreienden Monster (David Prowse) zu assemblieren. Ihm zur Seite steht eine weitere Assistentin, die stumme Sarah (Madeline Smith), die wegen ihrer frappierenden Schönheit 'Der Engel' genannt wird. Sie wird in zerlumpten Kleidern vorgestellt, doch schlägt sie sich in den nachfolgenden Szenen sehr achtbar. Kurioserweise gibt es in diesem Hammer-Horrorfilm trotz der jungfräulichen Sarah und des statuesken Simon keine echten Protagonisten. Entweder sind alle verrückt oder neigen dazu, unethische Gebiete der Medizin und der anatomischen Rekonstruktion zu erforschen. Selbst wenn Simon kurzfristig von Dr. Victors Methoden zum Sammeln humaner Überreste verstört zu sein scheint, schiebt er derartige Gefühle zugunsten des akademischen Fortschritts beiseite.

Peter Cushing ist in seiner Rolle großartig und nimmt sie selbst inmitten von Dämlichkeiten noch ernst. Natürlich ist "Frankensteins Höllenmonster" ein späterer Hammer-Film mit einer Altersfreigabe, der Blutvergießen, Gläser voller Augäpfel, Verstümmelungen, Kadaver, schädelsägende Hirnoperationen - eine besonders geschmacklose Sequenz -, sexuelle Anspielungen und ein spektakulär furchterregendes, massiges Monster, das mit Haaren bedeckt ist, als wäre es ein Verwandter des Yetis, enthält. Das Make-up und die Gestaltung des Monsters sind recht effektiv, auch wenn sie abseits dieser makabren Fiktion nicht besonders beeindruckend sind.

Auch unfreiwilliger Humor findet seinen Weg in das Geschehen, eventuell unglücklicherweise, wenn Dr. Victor ein ausgedientes Gehirn in eine Schüssel auf dem Boden fallen lässt, dann versehentlich darauf tritt und es aus dem Weg sprengt. Gäbe es nicht den einen oder anderen Slapstick-Moment, wäre die Darstellung des Gottesspiels, der psychologischen Tortur und der unkontrollierbaren Wut, die sich in Rache verwandelt, wirklich schockierend. "Ich bin kein Mörder, Simon", beharrt der teuflische Doktor, doch er macht niemandem etwas vor. In Anlehnung an die Morbidität von "Frankenstein schuf ein Weib", aber mit weitaus perverseren, wenn auch düster-poetischen Gedanken, bleiben am Ende Gerechtigkeit und Erlösung auf tragische Weise aus, und dem Betrachter bleiben nur Bösewichte und deren Opfer.

"Der Spion" von Regisseur Dominic Cooke beginnt 1960, als sich das nukleare Wettrüsten zwischen der UdSSR und den Vereinigten Staaten so sehr verschärft, dass viele auf der ganzen Welt vorhersagen, die Zerstörung der Erde stehe unmittelbar bevor. Als der ehemalige Artillerieoffizier und jetzige GRU-Geheimdienstler Oberst Oleg Penkovsky (Merab Ninidze) sensible Informationen an die US-Botschaft weitergibt, landen diese vier Monate später in den Händen der CIA-Agentin Emily Donovan (Rachel Brosnahan), die sich sofort zum MI6-Hauptquartier in London begibt. Sie schlägt vor, den Kontakt mit dem russischen Informanten über einen Kommunikationskanal herzustellen, bei dem die Gefahr besteht, dass er versehentlich enttarnt wird, möglicherweise über eine Person, die nicht zu den üblichen Quellen gehört.

Und so wendet sich der MI6-Agent Franks (Angus Wright) an einen gewöhnlichen britischen Geschäftsmann, Greville Wynne (Benedict Cumberbatch), der keine Verbindung zur Regierung hat und unauffällig nach Moskau reisen kann, um zwanglose Geschäfte zu tätigen, die von vornherein unscheinbar wären. Er muss nichts tun, was sein Leben gefährdet, er muss nur hier und da ein paar Dokumente abholen und so tun, als wäre er ein gewöhnlicher Geschäftsmann. "Geschäfte machen".

Basierend auf wahren Begebenheiten auch wenn viele der 'Fakten' umstritten sind, wenn es um Spione geht, beginnt dieses besondere Garn mit einer fast komödiantischen Stimmung, trotz eines zwischenzeitlichen Moments der Exekution eines Verräters, um den Betrachter daran zu erinnern, dass die Sowjetunion in den 60er Jahren nicht ohne Gefahr war - nicht nur für Amerikaner, sondern auch für Überläufer, die sich vor Chruschtschows Wunsch nach Konfrontation mit den USA fürchteten. Doch die Verwendung eines Amateurs, eines etwas tollpatschigen Zivilisten, der mit Spionagetechniken überhaupt nicht vertraut ist, erzeugt ein unbeschwertes Bild von Spitzelspielchen. Zusätzlich kehrt der Film immer wieder zu feuchtfröhlichen Szenen zurück, die von beschwingter Musik begleitet werden. Es ist ein interessanter, wenn auch inkongruenter Ansatz für das Thema, das jedoch nie so absurd wird wie in "Der Informant!" oder "Burn After Reading - Wer verbrennt sich hier die Finger?". "Wenn diese Mission auch nur ein bisschen gefährlich wäre, wären Sie wirklich der letzte Mann, den wir schicken würden."

Das Drehbuch ist gewürzt mit wichtigen historischen Ereignissen, aber Greville Wynnes genaue Beteiligung ist kaum mehr als ein Kurier, der Details über bestimmte Unterlagen oder andere streng geheime Informationen weitergibt, die für die Geschichte nicht von ausschlaggebender Bedeutung sind. Die Vorstellung, dass jederzeit ein Atomkrieg ausbrechen könnte, ist das Kernproblem. Das und die unzähligen Nebenfiguren, die die Hauptrollen mit Argusaugen beobachten. Und, ebenfalls auf humorvolle Weise, beginnt Grevilles Frau Sheila (Jessie Buckley), Untreue zu vermuten - ein Konzept, das für sein Leben ebenso desaströs ist wie ein paar Jahre in einem Gulag zu verbringen, um als politischer Gefangener ausgetauscht zu werden, und das bei den Autoren viel Aufmerksamkeit erregt.

"Der Spion" erinnert an "Bridge of Spies - Der Unterhändler" aus dem Jahr 2015, auch wenn der Grundtenor hier etwas abweicht und die Waage zwischen Ernsthaftigkeit und Leichtigkeit nicht hält. Es gelingt zwar gut, ein tiefgreifendes paranoides Bewusstsein zu schaffen, da der KGB jeden Moment zuschlagen kann, doch hat man nie das Gefühl, dass sich die Charaktere in der für einen erstklassigen Thriller unerlässlichen Gefahr befinden. Ein Großteil des Drehbuchs ist ziemlich zahnlos, selbst als Oleg in Moskau der größten Bedrohung gegenübersteht und Greville Wynne mit der kühlen Distanz seiner Frau zu kämpfen hat. Doch parallel zur Eskalation von Krisenherden des Kalten Krieges, wie der Kubakrise, nehmen die Spannungen im dritten Akt des Films zu, und das Maß an Schrecken, Härte und Gewalt, das erforderlich ist, um reale Folgen, wie echt und tragisch sie auch sein mögen, wie etwa die unheilvolle Manipulation durch die Regierung, filmisch erscheinen zu lassen, wird schließlich erreicht. Es spricht auch dafür, dass Benedict Cumberbatch eine sensationelle Performance abliefert. Doch das Ende ist für einen Politthriller etwas zu banal und reiht den Film in die Riege der weniger bedeutenden Produktionen ein.

Scheiß auf Winnetou!

In "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" von Regisseur Jonathan Jakubowicz kämpft Roberto Duran (Edgar Ramirez) 1971 im Madison Square Garden - eine unfassbare Leistung an einem bemerkenswerten Ort, wenn man die bescheidene Herkunft von Roberto Duran berücksichtigt. Die Geschichte des späteren Leichtgewichts-Champions wird von seinem legendären Trainer Ray Arcel (Robert De Niro) erzählt, einem Mann, der schon Tausenden von Boxern geholfen hat, den Sport zu perfektionieren, und der dem Jungsportler nun Taktik und Selbstdisziplin beibringen muss, um ein richtiger Siegertyp werden zu können. Angesichts der Erfahrungen, die Robert De Niro mit Boxfilmen gemacht hat, fällt es schwer, ihm nicht alles abzukaufen, was er über den Emporkömmling sagt. Doch trotz der Starbesetzung, eines respektablen Budgets und geeigneter Performances ist der Film in Bezug auf den ästhetischen Anspruch, die technische Ausstattung und die erzählerische Gestaltung ein glatter Rohrkrepierer.

Das erste Problem ist die Erzählform, die zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart wechselt, in der Hoffnung, die Traumata zu beleuchten, die jeden einzelnen Akteur formten. Doch der Film geht zu weit und vergeudet Zeit mit Ray Arcels persönlichem Schicksal, einschließlich der Distanzierung von seiner Tochter, und stellt auch die Nebenfiguren, die mit ihm zu tun haben, sinnlos in den Fokus. Eigentlich sollte dies die Geschichte von Roberto Duran sein, doch wie gewohnt wird Ray Arcel, dem Promoter Carlos Eleta (Ruben Blades), dem Klugscheißer Frankie Carbo (John Turturro), dem Kindheitsfreund Chaflan (Oscar Jaenada) und sogar dem Hauptwidersacher Sugar Ray Leonard (Usher Raymond) unnötigerweise zu viel Beachtung geschenkt. Das ist besonders schädlich, wenn Roberto Duran unvermeidlich in Misskredit gerät. Dadurch verliert der Betrachter das Augenmerk auf den Anti-Helden, der im Zentrum der Handlung steht, da es so viele andere Gestalten zu berücksichtigen gilt. Selbst Robertos Frau Felicidad (Ana de Armas) ist sympathischer und überzeugender. Sie tritt auch in der einzigen humorvollen Szene auf, in der es um begierigen Beischlaf geht, der in eine folterartige Entbindung gipfelt.

Das Hin- und Herspringen in der Zeitachse ist völlig trivial und provozierend. Man hat das Empfinden, dass diese biografische Seifenoper so bekannt und stereotyp ist, dass die chronologische Verrenkung den Betrachter in den falschen Bann zieht und ihn glauben lässt, sie sei zeitgemäß und auf dem neuesten Entwicklungsstand. Das führt zum zweiten Problem: "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" wird zum Geschichtsunterricht, verkleidet als Boxsportfilm. Die Revolten in der Panamakanalzone von 1964 waren ein wichtiger und grundlegender Faktor in einem lang währenden Territorialkonflikt, passen aber nicht nahtlos in einen Film über Roberto Durans Karriere und seinen Niedergang im Ring. Der Gedanke, dass er sein ganzes Leben lang geboxt hat, wird auf humoristische Weise bagatellisiert, wenn man weiß, dass er buchstäblich als Jugendlicher in den armen Straßen von El Chorrillo mit dem Straßenkampf begonnen hat, bevor er von einem Trainer in einem lokalen Fitnessstudio ein formelleres Programm absolvieren konnte. Schließlich bleibt noch Zeit für eine Liebesbeziehung, die den traditionellen Weg des sorglosen Konsums von Reichtum und letztendlich des Missbrauchs im alkoholisierten Zustand einschlägt.

Es reicht nicht mehr aus, ein inspirierendes Sportdrama zu sein, schon gar nicht, wenn es um den Boxsport geht, für den es allein in den letzten Jahren eine enorme Anzahl von Verfilmungen gegeben hat. Wie Roberto Durans unmoralische Entscheidungen in der psychologischen Kriegsführung und seine Motive für den umstrittenen und berühmten Abbruch des Rückkampfs gegen Leonard, die hier eher als skrupellose Handlungen eines gierigen Agenten und als mentale Niederlage denn als mutwillige Nachlässigkeit dargestellt werden, scheint "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" aus den falschen Gründen erstellt worden zu sein. Manchmal ist es ein wenig patriotische Propaganda für Panama, die eher an Reklame oder Publicity als an Unterhaltung erinnert. An anderer Stelle ist es die Geschichte eines verachtungswürdigen Athleten, der mit Wohlstand und Popularität nicht umgehen kann und der so schlecht dargestellt ist, dass er als unrettbarer Protagonist dasteht - ein vorletzter Ringkampf um Erlösung wird als schmerzvoll belanglos dargeboten. Der Betrachter soll auch glauben, dass dieser rassistische Unmensch seine überragende Intelligenz nutzt, um seinen Kontrahenten abzuschirmen, und nicht nur in der Hektik des Gefechts mit Beleidigungen um sich wirft.

In seiner Überstürzung, den panamaischen Star zu porträtieren, versagt "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" auch bei der Schnitt- und Strukturierungstechnik: Überblendungen, Kürzungen, Kampfchoreographien und Überleitungen verraten gravierende Dilettantismen. Die Sequenzen werden aus Erwartungsgründen eingebaut, nicht aus Gründen der schöpferischen Gestaltung. Trainingsmontagen, die Aufeinanderfolge von Runden und sogar Sex und Nacktheit tauchen auf, weil die Filmschaffenden denken, dass diese Aspekte erwartet werden oder erforderlich sind. Für Zuschauer, die mit dem 'Brawl in Montreal' von 1980 und dem anschließenden Rematch nicht vertraut sind, bietet "Hands of Stone - Fäuste aus Stein" zumindest eine unerwartete, wenn auch nicht ganz erfüllende, dritte Option für das jahrhundertealte Dilemma eines jeden Schlagstreits: Der Akteur kann nur gewinnen oder unterliegen, und beide Optionen sind mehrfach auf Zelluloid gepresst worden.

In "Ein Mann zu jeder Jahreszeit" unter der Regie von Fred Zinnemann schickt Kardinal Wolsey (ein unleugbar wichtigtuerischer, aber exzellent passender Orson Welles), einst ein einfacher Metzgerjunge, spät am Tag nach dem Anwalt Thomas More (Paul Scofield). Thomas More soll sofort aus Chelsea abreisen, um die Geschäfte des Königs zu erledigen, in die angeblich die Mätresse Anne Boleyn (Vanessa Redgrave) involviert sein soll. Heinrich VIII. (Robert Shaw) wünscht sich verzweifelt einen Sohn, doch Königin Catherine ist unfruchtbar. Der rot gekleidete Geistliche will dem König die Scheidung gewähren, doch Thomas More erinnert ihn daran, dass der Papst Henry eine Sondererlaubnis für die Heirat mit der Witwe seines Bruders erteilt hat, was die Kirche zu einem unfähigen, gefügigen Vasallen des Königtums macht. "Rettung durch den Schilling!", ruft Will Roper (Corin Regrave), der Mores Tochter Meg (Susannah York) ehelichen will.

Zu Kardinal Wolseys ständigem Entsetzen besitzt Thomas More eine moralische Unredlichkeit, die ihn daran hindert, die Befehle seiner Oberen Folge zu leisten. Thomas More lässt sich weder bestechen noch in Versuchung führen. Der junge, ehrgeizige Staatsmann Richard Rich (John Hurt) hingegen ist genau der Typ, der mit allen erdenklichen Mitteln aufsteigen will, einschließlich der Kollaboration mit dem intriganten Sekretär Cromwell (Leo McKern). Als Kardinal Wolsey stirbt, wird Thomas More zum Lordkanzler des Königreichs ernannt, was ihn für immer aus dem ruhigen Leben, von dem er oft träumt, verbannt und ihn in eine Stellung katapultiert, mit der der König unmittelbar konkurrieren muss, um seine Scheidung zu erreichen.

"Ein Mann zu jeder Jahreszeit" ist ein historisches, biografisches Kostümdrama mit opulenten Bühnenbildern und einer noch prunkvolleren Garderobe. Im Kern geht es aber vor allem um den Glauben, und das ist in der Tat nervtötend. Der Film, den Robert Bolt auf der Grundlage seines Theaterstücks und mit denselben wortgewaltigen, poetischen Dialogen geschrieben hat, erforscht, wie weit man gehen kann, um seinen Glauben zu bewahren. Manche Überzeugungen ändern sich mit dem Wind oder mit mächtigen Persönlichkeiten, während andere selbst unter unvorstellbarem Druck nicht ins Wanken geraten können. Es wäre zwar bewundernswert, vor allem als Charakterstudie gegen die Exkommunizierten oder die Ketzer, aber seine religiöse Grundlage verhindert, dass sein Ansinnen allgemein gewürdigt werden kann. Anstelle das Richtige zu tun, hält er sich an das Image der Kirche, auch wenn er zunächst über die Scheidung schweigt, um seine Familie zu schützen. Die einander ergänzenden Aspekte von Gesetzen und seine religiösen Einwände werden in brillanter, beinahe kommerzieller Manier widerlegt.

Paul Scofield in der Hauptrolle ist außergewöhnlich: eine unbeugsame Kraft, die entschlossen ist, sich keiner Autorität zu fügen, die die Position des Papstes oder seine individuellen Vorbehalte in Zweifel zieht, wie er irgendwann zugibt. Seine Bildschirmpräsenz ist wechselweise repräsentativ, bedarfsorientiert und gravitätisch, mit einer Sprache und Verhaltensweise, die das Selbstvertrauen, die Überzeugungskraft und die Intuition, die der Rolle gerecht werden, optimal zum Ausdruck bringt. Das Skript von Shakespeare ist selbstverständlich eine wertvolle Hilfsquelle. Wie in "Im Zeichen des Bösen" ist der überdimensionale, grollende Orson Welles ein optisch beeindruckender Oberbösewicht, selbst wenn er es nur knapp durch die erste Halbstunde schafft. Ebenfalls unvergänglich ist Robert Shaw in der Rolle des grölenden, störrischen, ichbezogenen und dünkelhaften Herrschers, der es schafft, auch dann Angst zu machen, wenn er vor Freude brüllt. Leo McKern wiederum ist ein echter Tyrann von Gehilfe.

Technisch gesehen wechselt Ted Moores Kameraführung in irritierender Regelmäßigkeit zwischen Charakteren, die von der Dämmerung direkt in die Mittagssonne laufen, und kristallklaren Forstlandschaften. Lange Einstellungen verraten mitunter den Bühnenursprung der Geschichte, und das Finale ist befremdlich plötzlicher als erwartet, so als hätten sich die Filmemacher keinen prägnanteren Ausklang oder eine effektvollere mündliche Kodierung einfallen lassen können. Doch die Erforschung von Bewusstsein, Genossenschaft, blindem Gehorsam, Nötigung, Eidbruch und sittlicher Beständigkeit ist profund und lehnt sich an Meisterwerke wie "Die Brücke am Kwai", "Mr. Smith geht nach Washington", "Ben Hur" und "Braveheart" sowie an so viele andere Werke an, in denen Helden mit ehrenhaften, kompromisslosen Prinzipien auftreten.

"Pumpkinhead: Blutfehde" von Regisseur Michael Hurst beginnt fast genauso wie der vorherige "Pumpkinhead"-Film. Dieser vierte und letzte Teil beginnt mit einer Verfolgungsjagd, bei der sich das bestialische, titelgebende Monster durch den Wald an seine Beute heranpirscht. Diesmal sitzen die Opfer jedoch auf Motorrädern und die Gewaltszenarien sind um einige Nuancen komplexer geworden, denn auf einen der Fahrer wartet eine stattliche Dekapitation. Auch hier wurde der Hauptantagonist wieder zum Leben erweckt, um sich an den Übeltätern zu rächen, und ist physisch mit dem Beschwörer verbunden, ebenso wie er sich von seinen Zielen unerbittlich angezogen fühlt.

Fünf Jahre nach den Ereignissen in der Eröffnungsszene, an denen Dallas Pope (Rob Freeman), inzwischen Sheriff der Stadt, beteiligt war, wird eine McCoy-Hochzeitsfeier zum neuesten Austragungsort der ewigen Fehde mit dem Hatfield-Clan, die ursprünglich durch einen Vorfall mit einem Auto ausgelöst wurde. Jodie Hatfield (Amy Manson) will nicht, dass die Kämpfe weitergehen, doch eine Gruppe von rauflustigen Geschwistern ist auf Krawall aus. Jodie ist die einzige Stimme der Vernunft in ihrer Familie; die anderen sind zu stolz und sauertöpfisch, um die Vergangenheit ruhen zu lassen. "Kein McCoy wird eine friedliche Hochzeit feiern ... solange es Hatfields gibt."

Wie sich herausstellt, hat auch der junge Ricky McCoy (Bradley Taylor) die Nase voll von dem ständigen Zwist und ist in Jodie verliebt. Doch es ist eine strengstens verbotene Assoziation. Und als Sarah McCoy (Maria Roman) getötet wird, während sie bei einem Rendezvous der beiden Liebenden Schmiere stand, bittet Ricky die örtliche Hexe Haggis (Lynne Verrall) um Hilfe, die nur eine außerweltliche Abhilfe kennt.

Die "Pumpkinhead"-Reihe war schon immer eine Art Hinterwäldler-Horror, der sich auf ländliche Gegenden, Lagerfeuergeschichten, rachsüchtige Hexerei und isolierte und technologisch unzulängliche Gemeinden konzentriert. Dies ist ein einzigartiger Ansatz für übernatürlichen Horror, auch wenn die Qualität der einzelnen Teile kaum eine weitere Fortführung rechtfertigt. Hier ist die Einbeziehung der historischen Familien aus West Virginia und Kentucky in die Handlung zusammen mit der Romeo-und-Julia-Romanze nur am Rande interessant und schafft einen passenden Rahmen und adäquate Darsteller. Dem Drehbuch selbst mangelt es jedoch an Einfallsreichtum. Es ist nichts Neues, wenn eine Gruppe von Menschen zum vierten Mal in dieser Reihe von einem gewaltigen Hünen in Fetzen gerissen wird.

Anders als sein direkter Vorgänger verwendet "Pumpkinhead: Blutfehde" keine aufdringlichen Farbmanipulationen, um eine visuelle Spartanität zu forcieren. Stattdessen bleibt der Look durchweg moderat, wobei das Monster in Nachtaufnahmen oft zu hell oder grobkörnig erscheint. Auch die mit CG ausgestatteten Szenen sind nicht überzeugend, vor allem die, in denen ein Computermodell für das riesige Biest eingesetzt wird. Wieder einmal sind die plastischen Effekte und das Make-up sehr gelungen, selbst wenn 'Pumpkinhead' als schwerfälliger Mann in einem Kostüm erscheint.

Wie in den vorangegangenen Kapiteln gibt es quasi keine Komik, abgesehen von der unbeabsichtigten Ironie der schlampigen Filmarbeit. Eine dieser Sequenzen ist ein unglaublich bildhafter, aber dennoch poetisch fundierter Tod, in dem McCoy eine Bärenfalle aufstellt und sich an die Zeit erinnert, als er beobachtete, wie ein Bär eines seiner Beine abbiss, um einer Falle zu entkommen, dann selbst in die Falle geriet und sein Bein amputieren musste. Eigentlich sollte das grauenhaft wirken, doch die Sache ist einfach nur lachhaft. Glücklicherweise taucht zur Abwechslung zum vorherigen Film ein hervorstechender Protagonist auf, mit dem sich der Betrachter auch identifizieren kann. Amy Manson ist eine überraschend gute Schauspielerin für diese Art von Z-Produktion. Sie mag zwar viel schreien und weinen, doch das ist immer noch besser als die unverschämt schwache schauspielerische Leistung der Nebendarsteller, von denen viele schlecht synchronisiert sind, was wahrscheinlich an den rumänischen Dreharbeiten und dem fehlenden Budget für englischsprachige Statisten liegt.

"Umständlich verliebt" von den Regisseuren Josh Gordon und Will Speck ist eine unerwartet originelle romantische Komödie. Mehrere thematische Elemente sorgen für einen kontrastierenden, seriösen Ton, der dafür sorgt, dass die leichteren Scherze nicht unplausibel werden. Die Struktur des Films ist zwar recht formelhaft, doch die Chemie zwischen den Darstellern funktioniert und die Dialoge sind schlagfertig. Jason Bateman verkörpert den besten Freund, der neurotisch ist und mehr will, ausgezeichnet, und der junge Newcomer Thomas Robinson brilliert in der Rolle des introvertierten, problembehafteten Sohnes. Auch Jennifer Aniston füllt ihre Figur gut aus, und die Nebendarsteller glänzen, vor allem Jeff Goldblum, der seine Szenen mit Genuss zelebriert.

Die New Yorkerin Kassie Larson (Jennifer Aniston) spürt, dass ihre biologische Uhr tickt, und beschließt, dass sie ein Kind haben möchte, auch wenn kein Mann in Frage kommt. Gegen den Rat ihres besten Freundes Wally Mars (Jason Bateman) entscheidet sie sich für einen Samenspender und wählt den gut aussehenden, sportlichen Roland (Patrick Wilson) als idealen Ersatzvater. Als Kassies Freundin Debbie (Juliette Lewis) eine Fertilisationsparty schmeißt, ertränkt Wally seine Missbilligung in Alkohol und tauscht im Strudel des Vollrausches Rolands Spende gegen seine eigene aus. Nachdem sie schwanger geworden ist, zieht Kassie weg, und Wally setzt seinen gewohnten Alltag fort. Sieben Jahre vergehen und Kassie kehrt mit ihrem kleinen Sohn Sebastian (Thomas Robinson) nach New York zurück, der Wally frappierend ähnlich sieht und sogar einige seiner Exzentrizitäten hat. Als Wally sich nach und nach an die schicksalhafte Nacht erinnert, muss er sich mit seinen Gefühlen für Kassie und den Konsequenzen der Lüge für die Menschen, die ihm am meisten am Herzen liegen, auseinandersetzen.

In romantischen Komödien ist es gängige Praxis, eine höchst unwahrscheinliche, abwegige Situation als Farce darzustellen. Der realistische Schweregrad der Situation wird erst dann deutlich, wenn die lang ersehnte, nervenaufreibende und unerfreuliche Wahrheit endlich ans Licht kommt. Die Enthüllung der Geheimnisse kann Wally alles kosten, aber die einzige Lösung, seinen Fehler wiedergutzumachen, besteht darin, über den akzidentellen Akt der Sabotage zu sprechen. Danach ist es an der Definition, die Grenze zwischen Realität und Fiktion zu überbrücken, was in der Regel durch eine dramatische Montage mit melancholischer Musik und die Klärung eines komplizierten Dreiecksverhältnisses unterstützt wird. "Umständlich verliebt" hält sich eng an diese Formel, doch sind die Charaktere und das Schauspiel gerade unkonventionell genug und genau so lustig, dass der Film zu einer gelungenen, aufrichtig erheiternden Zerreißprobe wird.

Die Dialoge sind wahnsinnig gewandt, bewegen sich geschwind und erinnern an Cary Grant und Audrey Hepburn, ungeachtet einer völlig redundanten, fast unkenntlichen Off-Stimme, die den Betrachter über das Schicksal belehrt. Jeff Goldblum und Juliette Lewis bestechen in jeder einzelnen Szene, in der sie als Nebenfiguren agieren und begeistern mit Situationskomik, Charakterstärke und gelegentlicher Sensitivität. Das sind die Sorte von Darstellern, die in kleinen Dosierungen ideal sind, die so konzipiert sind, dass sie Erleichterung bringen und locker daherkommen, aber niemals penetrant sind. Ein weiteres Plus ist Sebastian, dessen skurrile Neurose geschickt mit Wallys persönlichen Marotten harmoniert. Die Gespräche zwischen Vater und Sohn sind außerordentlich bezwingenswert, voller Witz und wachsendem Tiefgang, mit einer stets intakten Harmonie. Es ist vielleicht nicht die innovativste Interpretation einer widersinnig tradierten Verwirrung, doch "Umständlich verliebt" hat dennoch einen beträchtlichen Unterhaltungswert.

In "Die Brücken am Fluss" unter der Regie von Clint Eastwood ist die Mutter der Familie Johnson verstorben, und in ihrem Testament ist eindeutig festgelegt, dass ihre sterblichen Überreste eingeäschert und die Asche von der 'Roseman Bridge' gestreut werden soll. Ihre erwachsenen Kinder sind bestürzt über die Forderungen und weigern sich, sie zu akzeptieren. Als Carolyn (Annie Corley) und Michael (Victor Slezak) ihr Bankschließfach durchstöbern, entdecken sie, dass ihre Mutter eine heimliche, leidenschaftliche Affäre mit einem Mann namens Robert hatte. Dies bestätigen auch private Briefe, Notizen von Anwälten und drei Tagebücher. "Ich bin mir nicht einmal sicher, ob es christlich ist."

Vater Richard Johnson (Jim Haynie), der in den 1960er Jahren im ländlichen Iowa gelebt hat, und die Teenager Carolyn und Michael sind vier Tage lang mit einer wertvollen Kuh unterwegs, die sie auf der Bezirksmesse ausstellen wollen. Mutter Francesca (Meryl Streep) zieht es vor, zu Hause zu bleiben und den Frieden und die Ruhe zu genießen. Am ersten Tag fährt der National Geographic-Fotograf Robert Kincaid (Clint Eastwood) auf ihr Grundstück und fragt nach dem Weg zu einigen überdachten Brücken in der Gegend, die er fotografieren soll. Die Wegbeschreibung ist nicht ganz einfach, da keine der Straßen markiert ist, also steigt Francesca in seinen Wagen, um ihn persönlich zu dem Ort zu führen. Wie sich herausstellt, haben die beiden eine Menge gemeinsam.

Robert ist ein Freigeist, unbelastet von Routinen, Zeitdruck und familiären Verpflichtungen. Francesca ist eher das Gegenteil und kümmert sich ständig um ihre Liebsten. Doch vielleicht am wichtigsten ist der Kontrast zwischen ihren Persönlichkeiten - er ist kontaktfreudig und offen, während sie ein wenig schüchtern und zurückhaltend ist und es nicht gewohnt ist, mit Fremden zusammen zu sein. Seine Ankunft ist jedoch das Abenteuer, das sie so verzweifelt braucht - die Gelegenheit, aus ihrem Schneckenhaus auszubrechen, etwas Neues auszuprobieren, der Langeweile ihres weitgehend biederen Hausfrauenlebens zu entkommen. Er strahlt eine Aura aus, die so jenseitig ist wie die afrikanischen Safaris, die er beschreibt, wenn er nach dem exotischsten Ort gefragt wird, den er je besucht hat.

Es entspinnt sich eine Romanze, wie sie in Kinofilmen normalerweise nicht vorkommt. Auch wenn sie ihn ausspioniert, während er ohne Hemd herumläuft, ist dies weit entfernt von den kantigen, pubertären Liebesgeschichten dieser Zeit - ihre Anziehung beruht auf Charme, Humor und Seelenverwandtschaft. Es geht um Sex, doch beide haben ihre besten Jahre hinter sich. Es geht nicht um die übliche visuelle Verherrlichung von Waschbrettbäuchen und prallen Brüsten. Stattdessen ist ihre Beziehung so verlockend, weil Clint Eastwood und Meryl Streep so phänomenale Schauspieler sind und es schaffen, sich in ihren Rollen zu verlieren. Sie legen eine natürliche Leichtigkeit an den Tag, die diese Figuren unglaublich sympathisch macht, selbst in Momenten, in denen nichts Besonderes passiert.

Ihre Geschichte mag klein, unauffällig und im Allgemeinen unspektakulär sein, aber ihr Komfort und ihre Bedeutsamkeit lassen sich nicht in Abrede stellen. Leider schneidet der Film in dem Moment, in dem der Betrachter in die Geschichte hineingezogen wird, in die Gegenwart zurück, um zu zeigen, wie Carolyn und Michael gemeinsam die Notizbücher lesen und dabei etwas umständlich die Interpretationen der Geschehnisse diskutieren, die gerade dargestellt werden oder bald abgebildet werden sollen. Es ist ein vollkommen überflüssiger Klotz am Bein, der jedes Mal nerviger wird, je öfter er ins Bild kommt und desto intensiver ihre Einmischung wird. Wenn Francescas Stimme die Erzählung übernimmt, ist das auch etwas ungeschickt, aber zumindest ist es ein unmittelbarer, inniger Bestandteil der Geschichte.

Mit einer stimmungsvollen Filmmusik von Clint Eastwoods Stammbesetzung Lennie Niehaus und einem ruhigen, einfachen und einnehmenden Drehbuch ist "Die Brücken am Fluss" ein seltener Film voller Herzenswärme und Pathos, ohne etwas Survivalistisches oder Anderweltliches zu porträtieren. Ein glaubwürdiges, sanftes, ausgereiftes, menschliches Drama kann für sich genommen schon packend sein. "Es war ein perfekter Abend, genau so, wie er war".

Und in der Tat, wenn "Die Brücken am Fluss" die Sehnsucht, die Versuchung, das Bedauern, die Schuldgefühle, die Verleugnung, die Komplikationen und die Folgen der Liebe auf den ersten Blick erforscht, wird der Realismus ernüchternd und droht, die Fantasie einer solch verführerischen Romanze zu zerstören. Allerdings kann es nur auf eine bestimmte Richtung hinauslaufen, wenn man bedenkt, dass die Aneinanderreihung von Büchern ihr Schicksal offenbart und lange nach der Haupthandlung stattfindet, mit bedeutungslosen Nebenfiguren. Das Ende, das zu lange nach der Auflösung kommt, zieht die Laufzeit nur unnötig hinaus und reduziert die Potenz - eine unerfreuliche und negative Methode, eine ansonsten starke Lovestory abzuschließen.

"Der Killer von Alabama" wurde von Paul Gerard Smith, Al Boasberg, Charles H. Smith und Lex Neal nach dem gleichnamigen Theaterstück und unter der Regie von Buster Keaton gedreht und gilt bei vielen als der am wenigsten Keaton-typische Film seiner Karriere. Doch trotz gelegentlicher Gags, die ungewöhnlich erscheinen mögen, sind Regie und Handlung meisterhaft aufeinander abgestimmt, um einen unvergesslichen und magischen Film von herausragender künstlerischer Qualität zu schaffen. Schwarz-weiß und leise, der Slapstick ist perfekt, die Lacher sind zahlreich, und das Ende spiegelt wunderbar die Schönheit von Charlie Chaplins "Lichter der Großstadt" wider.

Alfred (Buster Keaton) ist ein stubenreiner, verwöhnter Waschlappen, der vom Reichtum seines Vaters lebt und sich ständig von seinem treuen Diener (Snitz Edwards) bewirten lässt. Alfreds Vater ist letztlich verantwortlich für die Unfähigkeit seines Sohnes, für sich selbst zu sorgen, aber er ermutigt den hilfsarmen jungen Mann dennoch, zum Zelten zu gehen, um einige lebenspraktische Erfahrungen zu sammeln. Doch Alfreds Version des harten Lebens beinhaltet immer noch die unablässige Aufmerksamkeit seines Butlers und die Verwendung von teuren Annehmlichkeiten, um über die Runden zu kommen.

Während Alfred vergeblich versucht zu jagen, hoppeln Kaninchen neckisch um ihn herum, Wachteln fliegen beiläufig an ihm vorbei, und Fische springen munter aus dem Bach. Auf seiner Exkursion trifft er ein schönes Bergmädchen (Sally O'Neil), das er versehentlich anschießt und in das er sich sofort verliebt. Er begleitet sie nach Hause, verirrt sich aber und muss sie bitten, ihn zum Camp zurückzubringen. Dort trifft er auf ihren Bruder (Bud Fine) und ihren Vater (Walter James), die sehen, dass er kaum in der Lage ist, für sich selbst zu sorgen. Am nächsten Morgen schickt Alfred seinen Bediensteten, um das Mädchen um ihre Hand zu bitten, was der Vater prompt ablehnt. Um seinen Chef zufrieden zu stellen, lügt der Dienstbote über Alfreds Leistungen und behauptet, er sei der legendäre Alfred 'Battling' Butler, der amtierende Meister im Preisboxen.

Der echte 'Battling' Butler (Francis McDonald) gewinnt weiterhin Kämpfe gegen Boxer wie den 'Alabama Killer', als sich Alfred auf den Schwindel einlässt. Alfred heiratet zwar das Bergmädchen, verhindert aber, dass sie seine Kämpfe sieht, damit er die Täuschung aufrechterhalten kann. Natürlich kreuzt sich sein Weg mit dem des echten Faustkämpfers, und im Rahmen eines Racheplans wird Alfred dazu ausgebildet, anstelle des amtierenden Champions zu kämpfen.

Die Verstrickungen sind so komplex und verzwickt, dass sie die perfekte Grundlage für Klamauk und hochkomische Situationen bilden. Aus Angst, seine große Liebe zu verlieren, wenn er die Wahrheit sagt, bleibt Alfred nichts anderes übrig, als sich an Unwahrheiten zu halten, die immer schwerer zu kontrollieren sind, vor allem, als ihn seine Frau mit einem Besuch im Fitnessstudio überrascht, was zu zahlreichen Szenen voll unbequemer Komik führt. Es ist eine klassische Verwechslungsgeschichte, gemischt mit der Idee, bis zum Exzess zu gehen, um das Mädchen für sich zu gewinnen, erweitert durch eine großzügige Portion Absurdität und Substitution.

Die Titelkarten dienen als Erzähler, da der Film stumm ist, doch Buster Keaton, der sich keine Gelegenheit zum Lachen entgehen lassen wollte, geht so weit, dass er Witze in diese schriftlichen Hinweise einbaut. Die Gags reißen nicht ab und werden durch physische Stunts unterstrichen, bei denen der akrobatische Buster Keaton in einer langen Sparringsszene um sein Leben kämpft oder einfach nur eine Glühbirne für Butlers Frau (Mary O'Brien) auswechselt. Regelmäßig werden Buster Keatons Eskapaden von Gefahren begleitet, darunter Autoexplosionen, die seine Fähigkeit zu faszinierenden Choreographien verschiedener Formen von Humor demonstrieren. Auch wenn er heute weniger bekannt ist als "Der General" oder "Sherlock Jr.", brachte "Der Killer von Alabama" von allen Stummfilmen Buster Keatons das meiste Geld ein. Obwohl der Film nicht so vertraut oder traditionell ist wie einige seiner anderen Projekte, vor allem wenn man bedenkt, dass er nach einem Bühnenerfolg und nicht nach Buster Keatons eigenem Material gedreht wurde, ist er sicherlich eines seiner unterhaltsamsten Werke.

Der Erzähler in "So grün war mein Tal" von Regisseur John Ford verlässt sein Tal nur mit einem Schal und ein paar Habseligkeiten, aber er behält rund 50 Jahre an Erinnerungen, die seine Freunde und seine Familie am Leben erhalten, solange er sich lebhaft an vergangene Ereignisse erinnern kann. Als kleiner Junge erinnert sich Huw Morgan (Roddy McDowall) an die weisen Worte seines Vaters, den Gesang seiner Schwester Angharad (Maureen O'Hara), die Scherze seiner fünf älteren Brüder und die unaufhörliche Emsigkeit seiner Mutter. Es war auch eine Zeit, in der die schwarze Schlacke die Schönheit der Landschaft noch nicht beeinträchtigt hatte. Jeder war Bergmann und stolz darauf, auch wenn die Arbeit ihren Tribut forderte, sowohl von den Körpern der Männer als auch von der Natur und dem Grün, das sie umgab.

Eine der wichtigsten Erinnerungen von Huw ist die an Bronwyn (Anna Lee), eine junge Frau aus einem nahe gelegenen Dorf, die seinen Bruder Ivor (Patric Knowles) heiratete. Hinzu kommt, dass die Löhne sinken, weil immer mehr Arbeitnehmer bereit sind, weniger Lohn zu akzeptieren, was zu Gerüchten über gewerkschaftliche Organisierung und Streiks führt. Der Prediger, Mr. Gruffydd (Walter Pidgeon), ist ebenfalls ein starker Charakter, der die Aufmerksamkeit auf sich zieht, sobald er einen Raum betritt. Nachdem sich die Lage weiter verschlechtert hat und ein langer Streik zu Misstrauen und Armut geführt hat, werden Mrs. Morgan (Sara Allgood) und Huw von einer stürmischen Nacht und eiskaltem Wasser überrascht, was dazu führt, dass Mrs. Morgan für einige Monate in ihrem Schlafzimmer im Obergeschoss eingeschlossen ist und Huw vermutlich nie wieder richtig gehen kann. Doch mit den guten Wünschen der Stadt, der Unterstützung seiner Familie und einem Regal mit klassischen Romanen, die ihn beschäftigen, hofft Huw auf eine vollständige Genesung.

Die Familie Morgan erlebt weitere Nöte und einige Segnungen, wobei sich jedes Szenario mit einem gewissen Mangel an Enthusiasmus abspielt. Die Höhen und Tiefen weichen nur selten von einer platten Darbietung ab, selbst wenn die Charaktere in großer Gefahr schweben, ist eine bescheidene Inbrunst zu spüren. So wie der Erzähler die meiste Zeit in "So grün war mein Tal" ein kleines Kind ist, so ist auch die Geschichte schlicht und harmlos und lässt die dunkleren Dramen, die sich im Hintergrund abspielen, weitgehend außen vor. Singen und Beten scheinen die Antwort auf und der Übergang zu vielen Problemen zu sein.

Merkwürdigerweise spielt sich ein Großteil der Handlung ohne Huws direkte Beteiligung ab, was seine Schilderung etwas unglaubwürdig macht, da es sich um seine Geschichte handelt und er nicht in alle Details eingeweiht ist, obwohl sie dem Betrachter ohnehin präsentiert werden. Es kommt zu traurigen Begegnungen, Familienmitglieder ziehen weg, um Arbeit zu finden, Huw wird in der Schule von der Lehrerin und seinen Mitschülern schikaniert, eine befriedigende Entschädigung erfolgt, und die Kommentare darüber, wie Männer ticken, treffen den Nagel auf den Kopf. Doch die kleinen Ungerechtigkeiten haben die gleiche Nonchalance wie die großen Tragödien, selbst in der zweiten Hälfte, in der die Figuren altern, die Schauspieler aber nicht anders aussehen und die beiden interessantesten Rollen Walter Pidgeon und Maureen O'Hara faktisch verschwinden.

Gegen Ende wird der Klatsch zum Hauptgegner und die religiösen Lehren zum Hauptkonflikt, der sogar die Katastrophe eines Einsturzes im Bergwerk überschattet. Die letzten Worte des Films sind eher spirituell als emotional ergreifend und ersticken die Hoffnungen auf Sentimentalität als Erlösung vor Anstand. Am unverständlichsten ist jedoch die Tatsache, dass "So grün war mein Tal" 1941 den Oscar für den besten Film gewann und ihn dem unermesslich besseren "Citizen Kane" stahl.

In "Pumpkinhead: Asche zu Asche" von Regisseur Jake West erwacht Bunt Wallace (Doug Roberts) aus einem schrecklichen Albtraum, in dem er von Bildern des Dämons 'Pumpkinhead' verfolgt wird, der ihn durch einen Wald jagt. Später wird er von der geisterhaften Erscheinung von Ed Harley (Lance Henriksen) besucht, dem Mann, der 'Pumpkinhead' ursprünglich herbeigerufen hat, um sich an den jungen Erwachsenen zu rächen, die seinen Sohn getötet haben. In dem Krematorium, in dem er mit seiner Familie arbeitet, wird Bunt von dem sadistischen Patriarchen Doc Fraser (Doug Bradley) gezwungen, Leichen zu horten und zu vernichten. Er pflückt die Organe von bedauernswerten Opfern - eine Arbeit, die zu der Ruhelosigkeit in seinem Schlaf führt.

Nachdem Fraser seiner letzten Beute die Niere herausgeschnitten und im Sumpf entsorgt hat, stößt die Anwohnerin Molly Sue Allen (Tess Panzer) auf das Treiben der Wallaces. Als Sheriff Bullock (Dan Astilean) hinzugezogen wird, werden Dutzende von Leichen aus dem Feuerbestattungsinstitut geborgen, was den Zorn der Stadtbewohner auf sich zieht, von denen viele Angehörige an die Mörderfamilie verloren haben. Obwohl die Behörden nur langsam eine Verbindung zwischen Doc Fraser und den Wallaces herstellen können, führt Molly Sue eine Gruppe anderer Überlebender, darunter Richie (Radu Iacoban), Ellie (Ioana Ginghina) und Ronnie (Catalin Paraschiv), in den Wald, um mit einer grässlichen alten Hexe (Lynne Verrall) zu sprechen, die die Macht hat, 'Pumpkinhead' wiederzuerwecken.

Der dritte Film der Pumpkinhead-Reihe bietet mit seinem hohen Tempo und der Torture-Porn-Atmosphäre sofort Blut und Gedärme für eifrige Enthusiasten. Inmitten von Gewalt, Unmenschlichkeit, Todesopfern, Sexualtrieb und Rauschmitteln gibt es keine lustigen Sprüche, die die Atmosphäre trüben. Die Morbidität ist absolut schonungslos. Die Geschichte bietet jedoch nichts Neuartiges und ist eher ein Remake als eine Fortsetzung, auch wenn Bunt das Bindeglied zum Original ist und ein paar Details geändert wurden, doch die Grundstruktur ist weitgehend identisch und äußerst substanzlos. Im Handumdrehen beginnt die Jagd und das Abschlachten.

"Pumpkinhead: Asche zu Asche" sieht zwar aus wie ein Film, allerdings bedient sich die Kameratechnik einiger Hilfsmittel, die die Qualität drastisch reduzieren. Durch manipulierte Zeitlupen, Acid-Trip-ähnliche Bilder, hohen Kontrast und massive Farbentsättigung wird alles dunkel und dreckig und gelegentlich fast schon Schwarzweiß. Doch bei aller digitalen Optimierung ist das Monster selbst viel zu oft mit Licht überstrahlt. Die Sequenzen mit dem Menschen im kautschukartigen Kostüm finden nicht im Schatten, sondern unter freiem Himmel statt, so dass der Betrachter alle seine Unvollkommenheiten erkennen kann.

Trotzdem sind die optischen Effekte, selbst wenn sie zu scharf dargestellt werden, unendlich viel besser als die computeranimierten Aufnahmen. Ganzkörper-CG-Sequenzen lassen 'Pumpkinhead' wie eine komplett andere Kreatur erscheinen, und sie sind obendrein noch dermaßen bemitleidenswert. Dazu kommt, dass er jetzt auch einen albernen Schwanz besitzt. Die zusätzlichen Bluttaten, wie das Abziehen der Haut und die Extraktion der Leber, sind die Momente, die am stärksten verstörenden Realitätsgehalt vermitteln.

Auch wenn 'Pumpkinhead' und seine bestialischen Schandtaten im Wesentlichen der einzige Grund sind, sich diese verzichtbare Fortsetzung anzusehen, mangelt es an Protagonisten. Bunt ist geistig umnachtet, seine drogensüchtige Schwester Dahlia (Lisa McAllister) ist in die Morde verwickelt, und Molly Sue hat nicht genug Auftritte, um etwas zu bewirken. Auch ihr Bruder Oliver (Emanuel Parvu) ist kaum eine positive Persönlichkeit. Der menschliche Bösewicht Fraser ist der markanteste der Charaktere, und er ist ein unbarmherziger Mörder. Doug Bradley spielt ihn großartig, auch ohne all die Maske und Nägel, die sein Gesicht als 'Pinhead' aus der "Hellraiser"-Franchise zieren. Am Ende bleibt zumindest der Ton konsistent, trotz einiger ungewollt komischer Momente und des Eindruckes, dass in Punkto Storytelling nur wenig erreicht wurde.

In "Hisss" von Regisseurin Jennifer Chambers Lynch besagt der Fluch der Fruchtbarkeitsgöttin Nagin, dass jede Person, die eine Kobra schändet oder vergewaltigt, dazu verdammt ist, den Versteinerungsfluch der Schlangenfrau zu erleiden, der Tod und Unfruchtbarkeit bedeutet. Das einzige Heilmittel ist Respekt. Vor über 4000 Jahren schufen die Bewohner des Indus-Tals im Fernen Osten das Bild der gestaltwandelnden Kreaturen, die halb Mensch, halb Kobra sind und in geheimnisvollen Tempeln tief in den legendären Gewürzwäldern an der Malabarküste leben. George States (Jeff Doucette) hat keine Angst vor der Legende und reist in den Dschungel, um den Gefährten der Nagin zu entführen, in der Hoffnung, dass die Göttin menschliche Gestalt annimmt, ihn verfolgt und ihm Unsterblichkeit verleiht. Dank eines Hirntumors im 3. Stadium ist er von Wahnvorstellungen zerfressen, mordlüstern und macht so wenig Sinn wie der Film, der versucht, die Handlung zu begründen.

George States gelingt es, die männliche Kobra zu fangen, woraufhin er in sein steinernes Laboratorium zurückkehrt, um das Erscheinen von Nagin abzuwarten. Die Göttin, verkörpert von Mallika Sherawat, braucht mehrere Szenen, um sich von einer Schlange in einen Menschen zu verformen. Sie räkelt sich im Schlamm, streift eine Handvoll klebriger Schuppen ab, reißt ihre netzartige Haut auf und entblößt nacktes Menschenfleisch. Die Make-up-Effekte sind nicht ganz so pathetisch und orientieren sich an der imposanteren Gestaltung in "Species". Die spätere Computergrafik, die die Rückverwandlung in ein Reptil zeigt, ist allerdings besonders lächerlich. Die Gründe und Modalitäten der Mutationen werden ebenso wenig erläutert wie die verschiedenen Stadien der Metamorphose zwischen Schlange und Mensch. Manchmal ist Nagin ganz menschlich, oder eine kleine Gummischlange, eine monströse Kobra, oder eine Frau mit Reißzähnen und gelben Augen, und manchmal sogar eine gorgonenartige Kreuzung aus Schlangenkörper und menschlichen Armen und Kopf. Die Kombination ändert sich permanent und bleibt völlig indeterminiert.

Im nahe gelegenen Dorf wird das Fest der Farben, 'Holi' genannt, ausgelassen gefeiert, während ein örtlicher Polizist (Irrfan Khan) und seine Frau (Divya Dutta) vergeblich versuchen, ein Kind zu zeugen. Das Festival ist eine hervorragende Grundlage, um die klassischen Gesangs- und Tanzsequenzen einzubauen, die man von einer Bollywood-Produktion erwartet. Als Nagin zum Tanz mit den Einheimischen erscheint, wird sie von zwei betrunkenen Männern entführt. Sie verhält sich wie ein Kind, das mit seiner Umgebung nicht vertraut ist, naiver als Mowgli, und spricht während des gesamten Films kein einziges Wort. Der anschließende Vergewaltigungsversuch führt dazu, dass beide Männer verstümmelt und verschlungen werden, was eine der einprägsamsten Szenen in "Anaconda" ist. Sie ist weiterhin auf der Suche nach ihrem Geliebten, einer täuschend echt aussehenden Schlange, die in einem Glaskasten aufbewahrt wird. Sie wird regelmäßig von George States zum Spaß mit Stromschlägen traktiert, während Nagin verschiedene Sexualstraftäter und missbrauchende Männer ermordet, die sie zufällig trifft, und die Teilnehmer der ursprünglichen Expedition aufspürt, die mit dem Fang der männlichen Kobra endete. Währenddessen versucht der Polizist, die Serienmorde aufzuklären und stellt fest, dass jede Leiche eine übermäßige Menge an Gift beinhaltet.

"Das ist ja mal verrückter Scheiß", sagt der Arzt im Leichenschauhaus, als er eine Autopsie an einer geschundenen Leiche durchführt, die so schrecklich zugerichtet ist, dass ein Handy aus ihr herausgeschnitten werden muss. Sein Klappentext fasst "Hisss" zusammen, einen Film, der absichtlich verquer und stinklangweilig ist, voller brachialer Gewalt um des Blutrunstes willen, ganz normaler Dialoge, willkürlicher Nacktszenen von vollbusigen Komparsinen und lausiger Spezialeffekte. Mallika Sherawats kontinuierliche Freizügigkeit wird die meisten zufrieden stellen, doch der Schnitt versucht, sie mit allen Mitteln zu kaschieren, zu verschleiern oder zu verdecken, so dass sie nie wirklich zu erblicken ist, allenfalls als implizite Silhouette. "Hisss" ist eine Verhöhnung des Horrorfilms, des Monsterfilms, der Indianer, die er porträtiert, und eine Blamage für die Filmemacher, die ihn gedreht haben. Kein Wunder, dass die Regisseurin Jennifer Chambers Lynch, die Tochter des genialen David Lynch, Berichten zufolge den Film verwarf, nachdem die Produzenten ihr während des Schnittprozesses die kreative Kontrolle entrissen hatten.

An "Banshee Chapter" sind so viele Dinge auszusetzen, dass ich ehrlich gesagt nicht weiß, wo ich anfangen soll. Ich fange mal damit an, dass Regisseur Blair Erickson aus einem ungeheuerlichen Kapitel der amerikanischen Geschichte einen eskapistischen Horrorfilm gemacht hat. Es handelt sich um das 'Projekt MKUltra', eine in den 1950er Jahren gegründete und von der CIA genehmigte Forschungsoperation am menschlichen Organismus. Viele Akten wurden zwar vernichtet, als das Programm 1973 eingestellt wurde, doch blieben genug übrig, um aufzudecken, dass unwissende amerikanische und kanadische Zivilisten inhumanen medizinischen Experimenten ausgesetzt wurden, darunter die Verabreichung von psychedelischen Drogen, sensorischer Deprivation, Hypnose und physischer und psychologischer Folter, um nur einige zu nennen, um die Gehirnfunktion und den mentalen Zustand zu verändern. Die Verharmlosung dieser Gräueltaten um eines billigen Thrillers willen ist empörend und eine Beleidigung für die Opfer. Warum um alles in der Welt hat Zachary Quinto beschlossen, diesen Film zu produzieren?

Von der Hintergrundgeschichte einmal abgesehen, ist "Banshee Chapter" ein wahres Fiasko. Alle Ansätze, den Film zerebral und ambivalent zu interpretieren, scheitern an den widersprüchlichen und inkonsistenten redaktionellen und erlebnispädagogischen Methoden. Es gibt zwei Grundtypen von Szenen. In einer Variante stehen die Figuren herum und brabbeln weitschweifige Dialoge, die am Ende keinerlei Erklärung liefern. Im anderen Fall schleichen die Charaktere still und leise durch dunkle Gänge und Räume, bis sich ein Monster aus der Dunkelheit auf sie stürzt. Wer schon mal durch eines der komplexen Labyrinthe gelaufen ist, die um Halloween herum in amerikanischen Vergnügungsparks und Maisfeldern auftauchen, hat bereits eine ziemlich gute Vorstellung davon, wie diese Szenen ablaufen. Es gibt tatsächlich viele Momente in dem Film, die mich erschreckt haben. Doch wozu, wenn nicht zum vorübergehenden Abschrecken? Was die Geschichte anbelangt, so gibt es keinen Anhaltspunkt für irgendetwas, das von Bedeutung wäre.

Das historische Element kommt in Form von echten Aufnahmen von Pressekonferenzen und Interviews mit Personen, die mit dem 'MKUltra-Projekt' in Verbindung stehen. Das fiktionale Prinzip kombiniert Found Footage und eine allwissende Kamera, wobei es manchmal sehr schwierig ist, die beiden Ansätze zu unterscheiden. Die Handlung dreht sich um die Internet-Journalistin Anne Roland (Katia Winter), die das Verschwinden ihres College-Freundes James (Michael McMillian) aufklären will. Aufnahmen seines Freundes, der ebenfalls verschollen ist, zeigen, dass er irgendwie in den Besitz eines Ampullariums einer Versuchsdroge kam, die während des Projekts 'MKUltra' verwendet wurde, es einnahm und sich daraufhin in ein grauenhaftes Abbild seiner selbst verwandelte. Vor dieser Transformation hörte er eine unheimliche, hohe Stimme, die ihm bedrohlich zuflüsterte, dass sie kommen würden. Unmittelbar nachdem sie dies gesagt hat, taucht eine schemenhafte Gestalt auf, und mit ihr ertönt eine gellende Musik. Dann schaltet die Kamera auf Schwarz.

Annes Nachforschungen führen sie zum Haus des gegenkulturellen Schriftstellers Thomas Blackburn (Ted Levine), einer exzentrischen, alkoholabhängigen, nikotinsüchtigen, drogengeschwängerten und mental instabilen Hunter S. Thompson-Parodie. Zusammen mit einer weiblichen Begleitung von unklarer Bedeutung hat er irgendwie das Rezept für die Projekt-MKUltra-Droge erhalten und stellt sie her. Anne und Thomas schließen sich zusammen, als es den Anschein hat, dass alle im Haus das Rauschmittel nehmen und sie eine Begegnung mit einem dunklen Wesen haben. Sie vermuten, dass die Droge das Gehirn in eine Antenne umfunktioniert und es ermöglicht, dass Wesen aus einer anderen Welt oder Dimension eindringen können. Als ich das hörte, dachte ich, wie verblüffend nah es mich an einen Film von H.P. Lovecrafts Romanvorlage erinnerte, den ich während meiner Schulzeit zwischen 1998 und 2000 und später noch einmal um 2010 oder 2011 gesehen hatte, "From Beyond - Aliens des Grauens", in der die Maschine eines Wissenschaftlers das Gehirn aktiviert und Wesen aus alternativen Realitäten sichtbar werden lässt (Rewatch wird folgen). Und siehe da, Thomas klärt Anne schließlich auf: "Schon mal was von H.P. Lovecraft gehört? Er hat diese Geschichte in den 1930er Jahren geschrieben...."

Die Bedingung an sich ist im Prinzip nicht schlecht. Dagegen ist das Drehbuch so durchsetzt mit inhaltlichen Defiziten, dass man sich schon fragen muss, ob es mit vorgehaltener Waffe erzwungen wurde. Oft sind es Kleinigkeiten, wie wenn Anne in James' Haus eindringt und die Informationen erhält, die er über die Droge zusammengetragen hat. Da ein polizeiliches Verhörvideo deutlich macht, dass die Behörden sein spurloses Verbleiben untersuchen, wäre es da nicht naheliegend, dass sein Haus versiegelt und alle Haustürschlüssel konfisziert wurden? Mindestens sollte man annehmen, dass jedes einzelne seiner Notizbücher eingesammelt und in eine Asservatenkammer verlagert wird. Man denke auch an eine Szene in einem verlassenen Wüstenbunker, in dem in den 1970er Jahren MKUltra-Experimente abgehalten wurden. Obwohl Anne bereits Aufnahmen des Ortes auf einem Video gesehen hat, das James besorgt hat, erkennt sie ihn nicht wieder, als sie ihn in natura sieht, und muss sogar Thomas fragen, was sie da sieht.

Hauptsächlich geht es aber um große Dinge, um Dinge, die für die Handlung von "Banshee Chapter" wirklich wichtig sind. Wenn die Anderswesen diese Welt nur durch eine Person betreten können, welche die Urdroge eingenommen hat, wie können sie dann aktiv Jagd auf Nichtanwender machen, wie etwa auf James' Freund, dessen Verbleib im Übrigen nicht erklärt wird? Wie kann sich der Film mit Annes Off-Stimme eröffnen, wo doch am Endpunkt deutlich gemacht wird, dass ein derartiges Ereignis nicht vorstellbar ist? Wenn wir davon ausgehen, dass Thomas und seine geringfügige Gefährtin diese Drogen schon seit geraumer Zeit zu Freizeitzwecken konsumieren, wie es ausdrücklich impliziert wird, wieso erfahren sie dann erst im Nachhinein die Nebenwirkungen? Dies führt zu einem Plot-Twist, der für das Filmende vorbehalten wurde. Hierdurch wird die Rolle, die eine bestimmte Figur zu spielen hatte, nur oberflächlich behandelt und es entsteht der fragende Gedanke, wie diese Droge im Zusammenhang mit der Rahmenhandlung funktionieren soll. Ich könnte noch viele weitere vernichtende Worte über diesen Sekundärfilm schreiben, doch ich habe inzwischen sägende Gehirnschmerzen.

Ben Hayoun-Stépanian, die Regisseurin, Produzentin und Autorin des Dokumentarfilms "I Am (Not) a Monster", ist eine echte Frau der Moderne. Ausgebildet in der Malerei, dem Design, der Humangeographie und der politischen Philosophie, ist sie eine erfahrungsorientierte Forscherin, Gründerin der gebührenfreien Universität 'University of the Underground' und Vortragsrednerin. Und dies ist nur ein Bruchteil dessen, was sie leistet.

"I Am (not) a Monster" ist so komplex und faszinierend wie seine Urheberin. Und offen gesagt, auch ein bisschen abgedreht. Die Entstehung des Wissens hätte auch auf eine trockenere Form dargestellt werden können, mit einem Haufen quasselnder Referenten und akademischer Referenzen. Doch im Sinne der Barrierefreiheit ist das hier zum Glück nicht der Fall. Die Herangehensweise ist vielmehr experimentell und bleibt selbst dann spannend, wenn das, was wir auf dem Bildschirm sehen, nicht unbedingt logisch ist, wie in einer Sequenz, in der Ben Hayoun-Stépanian am Grab von Hannah Arendt ziemlich unschön Flöte spielt, oder in einer anderen, in der sie in der Sheffielder Stadthalle mit Magid Magid recht gut um die Wette trällert. Diese skurrilen kleinen Zwischenspiele unterbrechen die Interviews, und paradoxerweise tragen sie durch ihre Perfidie dazu bei, die Konzentration des Betrachters wachzuhalten.

Die Frivolität von "I Am (Not) a Monster" zeigt sich auch in Ben Hayoun-Stépanians gewitztem Interviewstil. So werden einige Gesprächspartner mit einer japanischen Bunraku-Puppenversion von Hannah Arendt konfrontiert, während andere gebeten werden, mit einem wissenschaftlichen Abguss von Homininenresten zu sprechen, eine Wissensmaschine zu bauen oder ein Lied vorzutragen. Allerdings lenkt dieser verschrobene Aspekt weder ab noch beeinträchtigt er, sondern fügt sich in das Bild des sympathischen, auf Unkonventionalität bedachten, innovativen Werkes ein. Wie der Rest des Dokumentarfilms ist auch die musikalische Untermalung alternativer Natur, darunter äthiopischer Hip-Hop, einige Songs von 'Pussy Riot' und sogar ein rappender Shinto-Priester. Bei aller Exzentrik bleibt das zentrale und eigentliche Grundanliegen des Films, Denkanstöße zu geben, Diskussionen anzustoßen und unterschiedliche Perspektiven von Menschen zu offerieren, die in verschiedenen Berufsfeldern arbeiten und eine Bandbreite von Argumenten und Ideen in die Waagschale werfen.

"I Am (Not) a Monster" ist eine gelungene Symbiose aus Humor und unkonventionellem Gedankengut, die ein Thema aufgreift, das bei einer stringenteren Präsentation eine zu schwere Geburt gewesen wäre. Mit einer gehörigen Dosis Ironie, fast so, als würde man ein krankes Kleinkind mit einem Kniff dazu bringen, seine Medizin einzunehmen, führt Ben Hayoun-Stépanian dem Zuschauer auf unterhaltsame Weise die Bedeutung des Wissens im Zeitalter der systematischen Verblendung anschaulich vor Augen.

Hat Regisseurin Carol Frank jemals einen Slasher-Film gesehen? Während einige kurze Momente ein wenig durchdacht erscheinen, klaut der Großteil von "Death House" Elemente aus früheren, erfolgreicheren und innovativeren Horrorfilmen. Mit einem quälend lahmen Ende, das jeden dazu bringt, sich vom Killer abzuwenden, exzessiven Rückblenden und ein wenig grundloser Nacktheit, aber nicht ausreichend, um prickelnd zu sein, bietet dieser leblose Mädchen-in-Unterwäsche-Thriller nicht ein Fünkchen Unkonventionalität im mittlerweile ausgelutschten Exploitation-Subgenre.

Zerbrochenes Glas, blutende Zimmerdecken, lebensechte Schaufensterpuppen und ein tobender Psychopath mit einem riesigen Jagdmesser sind nur einige der schrecklichen Bilder, die die Träume der jungen Beth (Angela O'Neill) plagen. Nach dem Tod ihrer Tante zieht Beth in das 'Theta-Omega-Theta-Haus' und versucht, sich an das College-Leben anzupassen. Doch ihre schrecklichen Visionen werden immer lebhafter, und als eine ihrer Mitschwestern nach der anderen ermordet wird, wird klar, dass ihre wahren Albträume gerade erst begonnen haben.

Die Momente, in denen sich die Jungs an die Mädchen heranschleichen, sorgen schon früh für die meisten Überraschungseffekte, während das halbherzige Geschnetzel selbst nie einen echten Schauder hervorruft. Der Fleischhacker wählt ein schlichtes Messer, keine extravagante Morbidität, kein typisches Metzelwerkzeug. Und warum muss er oder sie immer so langsam gehen? Hat der Täter nicht Menschen umzulegen und ein Ziel zu erreichen? Um die Banalität fortzusetzen, wird ein ziemlich lehrbuchmäßiges Konzept eines Geisteskranken eingeführt. Es ist derselbe Plot wie bei "Halloween - Die Nacht des Grauens" und all den minderwertigen Horror-Spin-offs seither, gepaart mit den gequälten Träumen von "Nightmare - Mörderische Träume". Besonders anstrengend ist, dass die Prämisse so bekannt ist, denn während Beth ihre übersinnlichen Fähigkeiten entschlüsselt, ist der Betrachter gezwungen, dieselbe Geschichte zweimal zu sehen, einmal in der Rückblende und ein zweites Mal, wenn der Killer das ursprüngliche Massaker nachstellt.

Als sich Larry (Axel Roberts), der Pfleger der Nervenklinik, als der beste Schauspieler der Besetzung entpuppt, ist klar, dass "Death House" Schwierigkeiten hat. Der Smalltalk der Mädchen ist nervtötend leer, aber nicht annähernd so schrecklich wie eine armselig eingefügte 80er-Jahre-Modenschau-Montage, in der drei Mädchen munter Dutzende von Outfits anprobieren, garniert mit fröhlicher Musik und unentgeltlichem nackten Anblick. Diese Sequenz hätte nicht deplatzierter und unrealistischer sein können und steht in krassem Widerspruch zu der leicht feministischen Distanzierung, die dieser Film von seinen exploitativen Artgenossen einnimmt.

Die halluzinogenen Sequenzen sind ein wenig anmaßend, erzeugen ständig falsche Ängste und nehmen den größten Teil der Laufzeit ein. Es ist offenbar kein lohnendes Unterfangen, Heerscharen von Kommilitonen zu massakrieren. Die unbewussten Visualisierungen sind zum Glück unheimlicher als die Realität, aber sie stehen in einem unklaren Verhältnis zueinander. Beths Hellfühligkeit verschmilzt mit Zeitlupen-Rückblenden und Albträumen und schafft eine gespenstische Atmosphäre und eine desorientierende Annäherung an ihre turbulente Vergangenheit. Es ist beschämend, dass der gesamte Film im Wesentlichen eine Rückblende in Spielfilmlänge ist. Es ist lediglich eine Schande, dass die wenigen Szenen, in denen das Projekt sich selbst als ernsthaft erweist, durch frevelhafte Nuditäten und entsetzlich schlecht geführte Dialoge in die Bedeutungslosigkeit getrieben werden. "Es ist nur ein Traum. Es gibt nichts, wovor man sich fürchten muss".