Chainsaw Charlie - Kommentare

"Früchte der Leidenschaft" von Regisseur Shûji Terayama beginnt in den späten 1920er Jahren, als in Hongkong und Shanghai zu den Klängen grandioser, theatralischer Opernmusik Aufstände ausbrechen. In dieses politische Chaos gerät eine junge Frau, die nur O (Isabelle Illiers) genannt wird, die mit verbundenen Augen ankommt und von einem französischsprachigen Erzähler in eine fremde Welt eingeführt wird. Um einen irren Pakt und die Festigkeit ihrer älteren Liebe zu testen, lässt der vermögende Sir Stephen (Klaus Kinski) seine junge Geliebte O in einem chinesischen Bordell anschaffen. Es ist ein heimtückischer Umweg, um die tiefsten Abgründe der Liebe zu entdecken.

Wenn sie auch bereit ist, eine angesehene, seltene, weiße Prostituierte zu werden, scheint O von ihrer neuen Situation und ihrem Beruf nicht gerade bekümmert zu sein. Sie ist den gesamten Film hindurch absolut gesichtslos. Das Etablissement ist besonders bizarr, denn es läuft eher wie ein Sexhandelsunternehmen als wie ein gewöhnlicher Puff. Die Ablehnung eines Kunden führt zu 101 Schlägen mit der Peitsche. Die Verweigerung bestimmter sexueller Dienste hat zur Konsequenz, dass man 101 Tage lang nichts zu essen bekommt, was unmöglich auszuhalten erscheint. Und jeder Versuch zu gebetieren führt zur Kopulation mit den Außenseitern, den Drogensüchtigen und anderen unkontrollierbaren Unerwünschten.

Obwohl Sir Stephen im 'Haus der Blumen', wie es genannt wird, verweilt, während O arbeitet, ist der weißhaarige, skelettierte Mann mit den tiefliegenden Augen schnell dabei, ein paar Runden mit anderen Prostituierten zu drehen. Offenbar werden alle seine Wünsche erfüllt, die Interessen von O spielen dagegen keine besondere Rolle. Es ist ein unerklärliches Arrangement, das der 'hübschen französischen Puppe' nicht gut zu tun scheint, auch wenn dieser ungleiche Kontrast die Grundlage für den vorherigen Film, "Story of O", war. Als schmierige Männerfantasie und ultimative Objektivierung von Frauen ist die Prämisse nachvollziehbar. Doch die Vorlage, ein preisgekrönter Roman, der von einer Frau verfasst wurde, der die Überzeugungen des Marquis de Sade wiedergibt und viele BDSM-Themen aufgreift, ist so etwas wie ein Mysterium, auch wenn sich seine Anziehungskraft für künftige Produktionen anbietet, von denen sich einige, wie die "Fifty Shades of Grey"-Reihe, an weibliche Zuschauende richten. Es ist zweifellos eine genaue Abart, diese Vorstellungen als romantisch oder als Ausdruck wahrer Liebe zu betrachten.

Abgesehen von der ständigen Freikörperkultur von Isabelle Illier, die faktisch den ganzen Film über unbekleidet ist, und den verschiedenen grafischen Sexualpraktiken, die manchmal nicht simuliert werden, gibt es durchgehend gesellschaftspolitische Hinweise, die sich mit der extremen Armut, dem Lebensunterhalt der einfachen Leute, den Tändeleien der Superreichen und den wachsenden Aktivitäten der Coolie-Organisation beschäftigen. Es gibt auch eine Fülle von poetischen Bildmotiven, von einem unter Wasser getauchten Klavier über eine tote Taube bis hin zu einer weggeworfenen Puppe, aber ihre Bedeutung ist angesichts der unerbittlichen Perversion weitgehend irrelevant. Es gibt auch Nebenhandlungen, die versuchen, ein eher einfaches Produkt der Ausnutzung zu verkomplizieren. Eine davon betrifft Sir Stephens neue Mätresse, Nathalie (Arielle Dombasle), die auf eine untragbare Dreiecksgeschichte zusteuert. Eine andere dreht sich um einen Teenager (Kenichi Nakamura), der hofft, O freizukaufen, weil er irrtümlicherweise glaubt, sie würde gegen ihren Willen gefangen gehalten. Die dritte Geschichte handelt von der in die Jahre gekommenen Schauspielerin und Prostituierten Aisen (Keiko Niitaka), die langsam den Sinn für die Realität verliert.

Rückblenden nehmen ebenfalls viel Zeit in Anspruch und sollen einigen der Nebenfiguren mehr Tiefe verleihen. Doch die meisten dieser bemerkenswert geschädigten oder geistesgestörten Seelen sind einfach uninteressant oder nicht besonders sympathisch, abgesehen von ihren Anomalien, die nur ein Nischenpublikum ansprechen werden. Es ist nicht untypisch, eine Liebesgeschichte vor dem Hintergrund historischer, sozialer Unruhen spielen zu lassen, unabhängig davon, wie ausgefallen die Liebe ist, aber wenn der Fokus auf extremer Erotik liegt, sind diese Unterplots einfach nur hinderlich. Angesichts der allgegenwärtigen, pulsierenden Sinnlichkeit, die jede andere Sequenz dominiert, fällt es geradezu schwer, sie richtig ernst zu nehmen. Spätestens mit dem nebulösen und wenig erquicklichen Schluss wird klar, dass "Früchte der Leidenschaft" kaum mehr ist als eine Ausrede, um Mainstream-Filme mit leichter Pornografie zu verschmelzen, in der Hoffnung, aus der Kontroverse und dem Kulterfolg des Originals Kapital zu schlagen, dessen eigener Schauwert einzig und allein aus Sex und Nuditäten bestand und nicht aus dem Fabulieren.

"Dracula" von Regisseur Tod Browning beginnt damit, dass eine Postkutsche mit müden Reisenden heftig hin und her schaukelt, als wäre sie nur eine leblose Fracht, die vor Sonnenuntergang ein Gasthaus erreichen soll. In der Pension besteht einer der Passagiere, der Geschäftsmann Mr. Renfield (Dwight Frye), darauf, zum Schloss in Transsylvanien zu fahren, um Graf Dracula persönlich zu treffen. Doch die Bewohner der Stadt warnen ihn vor den Gefahren der Dunkelheit und der Legende vom Vampir und seinen Weibern, die das verfluchte Anwesen bewohnen. Vor seiner überstürzten Abfahrt erhält der Furchtlose Mr. Renfield ein Kruzifix als persönlichen Schutz. Doch keiner glaubt, dass er die Nacht überleben wird.

In einer der ikonischsten Filmsequenzen überhaupt, öffnet sich eine Ansammlung von Gräbern, und spinnenartige Finger greifen an die Umrandung und offenbaren Graf Dracula (Bela Lugosi) und seine blutdürstigen Bräute, die aus ihrem Schlaf erwachen. Es ist eine perfekte, schaurige Präsentation einer der prägendsten Persönlichkeiten des Kinos. Und in der Tat wird der nichtsahnende Mr. Renfield in das Reich des berühmtesten aller Halsbeißer hineingezogen, nicht merkend, wie wenig einladend das Gebiet ist und wie riskant es ist, versehentlich einen Tropfen Blut in Draculas Beisein zu vergießen. "Ich heiße Sie herzlich willkommen."

Dank der Dokumente von Mr. Renfield segelt Dracula an Bord des Segelschiffs 'Vesta' nach England und bringt seine Särge und seine treuen Begleiter mit. Wie zu erwarten, schafft es die Schiffsbesatzung nicht, und ihr grauenhafter Tod wird fälschlicherweise dem verheerenden Sturm zugeschrieben. Als jedoch Leichen mit Löchern im Hals zum Vorschein kommen, durch die Blut ausgetreten ist, scheint ein mächtiger Vampir am Werk zu sein. Die jungen Frauen Lucy (Frances Dade) und Mina (Helen Chandler) werden zur Zielscheibe von Draculas Drang, als er eine Verbindung zum Sanatorium von Dr. Seward (Herbert Bunston) in Whitby entdeckt, wo sein Sklave Mr. Renfield, der einzige Überlebende, der an Bord der 'Vesta' aufgefunden wurde, festgehalten wird.

Trotz der vielen angesehenen Wissenschaftler, die Mr. Renfields Zustand erforschen, erweist sich die von Professor Van Helsing (Edward Van Sloan) aufgestellte Hypothese der Nosferatu-Implikationen als eine leicht akzeptierbare Theorie. Er erläutert sorgfältig die Details und Richtlinien der Existenz und der Vernichtung von Vampiren. Unter der Regie von Tod Browning und in Anlehnung an das Theaterstück von Garrett Fort, das auf Bram Stokers epistolischem Roman von 1897 basiert, der sich nur schwer in ein Drehbuch umschreiben ließ, legte diese frühe Version des Vampirmythos viele der Fundamente, die für quasi jede spätere Version verwendet werden sollten. Die Darstellung von Bela Lugosi, wenn auch nur eine von wenigen, ist ein unverzichtbares Archetypus. Mit hypnotisierenden Blicken und präzise akzentuierten, bedrohlichen Ausführungen hat er eine eindringliche Vision für alle Zeiten geschaffen. Er ist so exquisit in der Hauptrolle, dass es kaum ins Gewicht fällt, dass sein Nebenbuhler unscheinbar ist und Minas galanter Verlobter, John Harker (David Manners), völlig entbehrlich ist. Wie der Filmtitel schon sagt, ist der Antagonist der Star der Produktion. Auf jeden Fall hinterlassen die Protagonisten hier keinen großen Eindruck.

Eine kautschukartige Fledermausstütze, die über galoppierenden Pferden schwebt, das massive, mit Spinnweben übersäte Innere des verfallenen Schlosses Dracula. Das markerschütternde Heulen der Kinder der Nacht, die drei gespenstischen Vampirbräute, die wie grazile Zombies auf ihr Opfer zuschweben. Der mesmerische Ausdruck von Draculas Augen und das Zertrümmern eines Spiegelkastens, der das Fehlen eines Spiegelbildes des Vampirs offenbart, sind nur einige der epochalen Szenen von "Dracula". Bezeichnenderweise gibt es hier keine komödiantischen Intermezzi, was angesichts der primitiven Spezialeffekte, des Mangels an grafischen Elementen oder Jump-Scares und der schematischen Schnitttechniken dazu beiträgt, die Spannung aufrechtzuerhalten. Es handelt sich eher um Fantasy als um Horror, auch wenn eine beklemmende Gefühlslage vorherrscht. Es ist geradezu erstaunlich, dass dieses klassische Universal-Monster so bedeutend werden konnte, wenn man die unterentwickelte Strukturierung, die ungenügenden Spannungsmomente und den allgemeinen fehlenden filmischen Feinschliff bedenkt. Der Bekanntheitsgrad des Films, sein Fortbestand und sein kritischer und kommerzieller Erfolg sind definitiv auf die Darbietung von Bela Lugosi zurückzuführen.

In "Meshes of the Afternoon" der Regisseure Maya Deren und Alexander Hammid hebt eine Frau (Maya Deren) auf dem Heimweg eine Blume auf. Als sie die Haustür aufschließen will, lässt sie den Schlüssel eine Steintreppe hinunterfallen. Dies ist nur der Anfang eines unendlich kryptischen Stücks surrealistischen Kinos. Als dann eine verhüllte Gestalt mit einem Spiegel als Gesicht erscheint, die geisterhaft aus dem Haus wandelt, begleitet von krächzender Musik und unerbittlichem Schlagzeugspiel, wird alles nur noch schauriger.

Wie in einer alptraumhaften Variation von "Und täglich grüßt das Murmeltier" wiederholt die Frau die Inspektion ihres Hauses, beobachtet die wiederkehrenden Bilder eines Schlüssels, eines Messers, eines Telefons und eines Plattenspielers und folgt der gespiegelten Abscheulichkeit, die sich auf dem blumengeschmückten Weg vor ihrem Haus zurückzieht. Mit jeder Wiederholung dieser jenseitigen Prozedur bringt die Frau eine weitere Iteration ihrer selbst hervor, bis eine Kopie zwei andere in der Küche dabei beobachtet, wie sie mit Schlüsseln und Messern herumhantieren. Ist das alles nur ein wahnwitziger Traum? Der Film wurde 1943 in Schwarz-Weiß gedreht, hat keine Dialoge und eine Laufzeit von weniger als 14 Minuten. Dennoch ist "Meshes of the Afternoon" aufgrund seines virtuosen Einsatzes von Spezialeffekten, Schatten, insbesondere Silhouetten, und der Repetition ebenso faszinierend wie verstörend. Ob es nun eine Übung in pointiertem Symbolismus oder abstrakter Surrealistik ist, auf jeden Fall besitzt es mehr von einer narrativen Seite als "Ein andalusischer Hund" oder eine Manifestation von Selbstmordgedanken. Es ist in jedem Fall ein spannendes Werk.

Der Film "Zimmer 1408" von Regisseur Mikael Håfström bewegt sich zwar auf vertrautem, pseudo-autobiografischem Stephen-King-Terrain - ein Schriftsteller, der in die Schrecken des übernatürlichen Chaos gestürzt wird -, erinnert aber eher an "Shining" als an "Misery". Doch John Cusack hält auf witzige Weise die erlösende, pathosverursachende Rolle des unruhigen Schriftstellers aufrecht. Der Thriller von Regisseur Mikael Håfström setzt mehr auf Atmosphäre und Stimmung als auf Blut und Gedärme, um die Spannung zu erhöhen. Dabei verzichtet er auf billige Gruselgeschichten und geisterhafte kleine Kinder, um langsam einen psychologischen Horror aufzubauen, der den Betrachter die Fassung verlieren lässt, noch bevor es John Cusacks Figur tut.

Mike Enslins (John Cusack) tragische Vergangenheit veranlasst ihn dazu, die berüchtigtsten Spukhäuser und andere typische Spukorte aufzusuchen, um die Existenz solcher jenseitigen Wesen aufzudecken. Nachdem er mehrere wenig erfolgreiche 'Top 10'-Bücher über Spukstätten geschrieben hat, stößt Mike Enslin auf eine Postkarte mit der Warnung, sich von Zimmer 1408 im New Yorker 'Dolphin Hotel' fernzuhalten. Mike Enslin kann nicht widerstehen und besteht darauf, in dem teuflischen Raum zu bleiben, der bereits 56 Menschenleben gefordert hat und dessen Insassen eine maximale Lebenserwartung von einer Stunde haben. Er ignoriert die Appelle des Dolphin-Managers (Samuel L. Jackson) und begibt sich auf eine albtraumhafte Nacht voller übernatürlicher Pein, in der er mit einer drohenden Psychose, paranormaler Besessenheit und seinen eigenen inneren Dämonen zu kämpfen hat. Und vielleicht hält er keine zehn Minuten durch, geschweige denn eine Stunde.

Die Tatsache, dass "Zimmer 1408" mehr Wert auf das Ambiente und die Ausstattung als auf Blutkonserven und Gore-Effekte legt, ist vielleicht seine größte Kunst. Diese Konzentration auf eine eindeutig beunruhigende Aura macht den Film erfrischend anders, auch wenn seine Prämisse an die alten Horrorgeschichten denken lässt. Wer die ausgefeilten grotesken Folterungen von "Saw" oder "Hostel" erwartet, wird vielleicht von den seelischen Grauen enttäuscht sein, die in diesem Spukhaus-Schocker vorherrschen, aber genauso effektiv, wenn nicht sogar noch wirkungsvoller, ist der stetige Aufbau unerträglicher psychischer Zustände in Mike Enslins rapide bröckelnder Mentalität. Als sich die mysteriösen Vorfälle zu okkulten Störungen entwickeln, die Mike Enslin nicht mehr als clevere Tricks des Hotelpersonals abtun kann, muss er sich mit seiner eigenen Zerbrechlichkeit und seinen schwankenden Rationalisierungen auseinandersetzen, was den Jump Scares bei ihrer endgültigen Ankunft zugute kommt.

Während sich John Cusacks Charakter vom hartnäckigen Skeptiker zum gedemütigten Opfer wandelt, verändert sich auch seine Umgebung, fast wie in einer raffinierteren Version von "Silent Hill", wo die Wände knacken und bluten und eine eisige Kälte den Raum in Frost kleidet. Der Einsatz solcher visuellen Veränderungen, vor allem später, wenn stürmische Wellen den Raum überfluten, trägt dazu bei, Mike Enslin von seiner Umgebung und damit vom Betrachter zu entfremden, und das, wo der Film doch im Wesentlichen an einem einzigen kleinen Ort spielt. Der normalerweise statische Rahmen wird zu einer unbeständigen Welt, in der alles passieren kann.

"Zimmer 1408" ist praktisch eine Ein-Mann-Show, getragen von dem begnadeten John Cusack. Obwohl der Film sich selbst behauptet, bietet er einige kreative Gimmicks, die den Horror auflockern. Als die berüchtigte Frist von einer Stunde dank eines nervigen Weckers, der ein Eigenleben führt, abläuft, wird Mike Enslin klar, wie falsch seine Hypothesen waren. Dies wird durch einen genialen Trick noch erschreckender: Er diktiert seine Gedanken in ein Tonbandgerät, so dass der Betrachter an seinen anfänglich logischen Gedankengängen teilhaben kann, die sich jedoch schnell in eine drastische Umwertung der sinistren Begebenheiten verwandeln. Trotz einer gehörigen Portion zynischen Humors lässt sich das immer größer werdende Unheimnis in Mikael Håfströms feinfühliger Adaption von Stephen Kings Kurzgeschichte nicht leugnen. Der Protagonist kann sich zwar die Angst vor den seltsamen Erscheinungen zumindest für kurze Zeit schönreden, doch dem Betrachter wird das wahrscheinlich nicht gelingen.

In "Predator" von Regisseur John McTiernan wird Major Schaeffers (Arnold Schwarzenegger) Elitesoldaten-Team, bestehend aus Mac (Bill Duke), Blain (Jesse Ventura), Billy (Sonny Landham), Poncho (Richard Chaves) und Hawkins (Shane Black), von General Phillips (R.G. Armstrong) und seinem Lakaien Dillon (Carl Weathers) dazu überredet, in den glühenden Dschungel von Mittelamerika einzudringen. In einer so genannten Rettungsmission marschieren die robusten Soldaten durch das dichte Gestrüpp, um eine Guerillahochburg auszulöschen und politische Geiseln zu befreien. Doch etwas Höllisches und nicht von dieser Welt jagt Schaeffers Schwadron einen nach dem anderen und hält auf seinem Weg zum Einsammeln menschlicher Trophäen inne. Der Kampf gegen ein physisch und technologisch hochentwickeltes Wesen ist die ultimative Herausforderung für die schwer bewaffneten Profis, nicht unähnlich den 'Colonial Marines' aus "Aliens - Die Rückkehr" ein Jahr zuvor, die alle über einzigartige, einprägsame Persönlichkeiten und Waffen verfügen.

In "Predator" dreht sich alles um Waffen und Schneid, und genau das macht den Thriller so unschlagbar. Die Eröffnungsszenen, in denen die großformatigen Krieger vorgestellt werden, lassen sich Zeit, um die massive Feuerkraft und die Fähigkeit des Teams, sich schnell und lautlos zu bewegen, zu demonstrieren. Sie schleichen sich in das feindliche Lager und liefern sich eine hitzige Schießerei mit genug Munition, um den Dritten Weltkrieg auszulösen. Es ist einer der besten Action-Momente des Films, voller imponierender Zeitlupen, krachender Explosionen und chaotisch umherfliegenden Leibern, und das alles, bevor die Haupthandlung überhaupt in Gang kommt.

Trotz der besonderen Spannungsgeladenheit vergisst Regisseur John McTiernan nicht, dass sein Star auch Zeit für witzige Sprüche haben muss. Arnold Schwarzenegger spielt seinen gewohnt geradlinigen Helden, der mit roher Gewalt und prallen Muskeln arbeitet und nur dann kurz sarkastisch wird, wenn es Leben zu retten oder Attacken zu vereiteln gilt. Hier ist er etwas kalkulierend und sogar primitiv, wenn es ums Überleben geht, aber er überschreitet nie die Grenze zum Heroismus, wenn er plant, den bestialischen Feind zu besiegen. Arnold Schwarzeneggers passendes Charisma und die gewalttätigen Schießereien lenken den Betrachter gründlich von der Existenz eines außerirdischen Lebewesens ab und bieten die perfekte Erdung in der Realität und die tonale Seriosität, die in dieser Art von Filmen immer geschätzt wird, um die Geschehnisse so authentisch wie möglich zu inszenieren.

Der Tarnanzug des Predators und die speziellen Infrarot-Wärmesignatur-Effekte sind ein wenig holprig, doch das Design der Kreatur, die Waffentechnik und das Maskenbild sind nahezu zeitlos. Auch Jahrzehnte später ist der riesige humanoide Organismus mit seiner an der Schulter montierten Kanone, den scharf geschliffenen Klingen und der vierfachen Fratze immer noch furchterregend - ein sensationelles Erscheinungsbild, das Stan Winston und seinem Team zu verdanken ist, die für einen Oscar für visuelle Effekte nominiert wurden. Die Strahlungsmaske, mit der der Predator seine Jagdbeute aufspürt, sorgt für Angst und Vorfreude, ebenso wie der fulminante Kontrast zur mimischen Darstellung, dem übernatürlichen Äquivalent eines Entenrufs, wenn der Betrachter in der ersten Hälfte des Films den Jäger aus der Ferne und aus seiner Perspektive beobachtet, bevor das Monster in seiner gesamten Pracht auftaucht. Diese Taktik, den Antagonisten im Dunkeln zu lassen, ist eine ebenso begrüßenswerte wie narrensichere Spannungsmethode.

Abgesehen von dem komischen Zufall, dass sowohl Jesse Ventura als auch Arnold Schwarzenegger in der Politik landen, ist die Schauspielerei in diesem Film genau so, wie sie sein sollte: Realistische Angst, panische Reaktionen, Kameradschaftsgeist und Charakterstärke. Wer hätte gedacht, dass Arnold Schwarzenegger jemals wieder eine so passende Rolle wie in "Terminator" von 1984 finden könnte? Die schiere Intensität der versierten Kämpfer sorgt für einige sehenswerte Verfolgungsjagden und turbulente Duelle. Die dargebotene Brutalität dient zwar ausschließlich der reinen Unterhaltung, unterstreicht aber auch die Schwere und Unmittelbarkeit der Lage und steigert den nervenzerfetzenden Aspekt der Verfolgungsjagden, garniert mit der donnernden Musik von Alan Silvestri. Mit seinem Stilmix aus Action und Abenteuer, Horror und Science-Fiction hat "Predator" bewiesen, dass er viel mehr ist als nur ein kultiger Monsterfilm, der über den typischen Monsterkino hinausgeht. Diese überlegene Melange aus geballter Feuerkraft, Machismus, blutiger Raserei und einem der aufregendsten Showdowns der Filmgeschichte wird oft nachgeahmt, findet aber nur selten ihr Pendant.

In "2002 - Durchgeknallt im All" von Regisseur Allan A. Goldstein wird ein dämlicher Detektiv auf den Planeten 'Vegan' geschickt, um den echten Präsidenten der Vereinigten Staaten von Amerika zurückzuholen, dessen Klon offenbar mit ihm den Platz im Weißen Haus getauscht hat. Es sollte eigentlich lustig sein, doch dem ist leider nicht so. Wer mehr Spaß an einem Film haben will, sollte sich Stanley Kubricks "2001: Odyssee im Weltraum" ansehen, der ist viel lustiger. Zunächst das Wichtigste zu diesem Film: Er ist Scheiße! Notiert euch bitte die Namen des Regisseurs, der Produzenten und des Autors dieses Scheißhauses und achtet darauf, dass ihr nie wieder das Risiko eingeht, irgendetwas zu sehen, an dem einer von ihnen jemals beteiligt war oder noch sein wird.

Das war jetzt ein bisschen schroff, und ich bitte vielmals um Verzeihung. Ich habe diese Schande mit ansehen müssen, und wenn man so etwas wirklich schmerzlich erlebt, muss man sich irgendwie abreagieren. Einen blöden Witz nach dem anderen verhunzen zu sehen, mitzuerleben, wie 99% der so genannten 'Komik' den Bach runtergeht, und sich zutiefst zu schämen, wenn ein Mann namens Leslie Nielsen vor die Kamera tritt, wohl wissend, dass nichts, was er sagt oder tut, auch nur im Entferntesten witzig ist - das ist einfach nur betrüblich. Noch tragischer ist, dass all diese Menschen tatsächlich glaubten, dieses Projekt sei es wert, verwirklicht zu werden. Es versteht sich von selbst, dass dieser Film nichts mit "2001: Odyssee im Weltraum" zu tun hat und kaum andere Filme parodiert, sondern einfach einen lahmarschigen Handlungsfaden aufbaut und jeden noch so stumpfsinnigen, bekackten Klowitz in den Raum wirft, um zu sehen, ob er kleben bleibt.

"2002 - Durchgeknallt im All" ist auch zu lang für sein eigenes Wohl, hat eine beschissene Story, eine überdrehte Filmmusik, lächerliche Slapstick-Versuche, jede Menge Idioten, lahme musikalische Einlagen, die anscheinend eingefügt wurden, um Zeit totzuschlagen, schlampige Spezialeffekte, überflüssige Promi-Imitationen von Madonna, Prince und Hulk Hogan, ein besonders debiles und nicht enden wollendes Finale und so viele belanglose Dialoge, dass ich sie hier gar nicht alle aneinanderreihen könnte. Und so wenig man einem Schauspieler wie Leslie Nielsen die Schuld an diesem Abgrund in der Welt des komödiantischen Films geben möchte, so sehr muss der Mann einfach einen Großteil der Last auf sich nehmen, denn es war sicherlich sein Name, der dieses Problem überhaupt erst in die Wege geleitet hat. Wie er es geschafft hat, in dieser Rolle genau wie Leutnant Frank Drebin aus den "Die nackte Kanone"-Filmen zu agieren, komplett mit Erzählungen aus dem Off, aber ohne die entsprechenden Lacheinlagen, ist fast so unverschämt wie die Menge an Geld, die er für die Mitwirkung in diesem Scheißdreck bekommen hat.

Zugegeben, ich liebe diese albernen Komödien genauso wie jeder andere, ich zähle "Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug" zu meinen Lieblingskomödien aller Zeiten, doch dieser Abfall gehört eindeutig nicht dazu. Hier gibt es nichts zu belachen, die Verblödung macht einen im Laufe des Films nur noch zorniger, und es gibt jede Menge sexuelle Anspielungen, um die Umsätze anzukurbeln. Es gibt keine Nacktheit in diesem Film, nur jede Menge Anzüglichkeiten, und ich bin immer noch ein notgeiler Mann und wurde von all den G-String-Arschaufnahmen in dem Film angetörnt und noch mehr von der Hauptdarstellerin, einer Ophelie Winter, deren Brüste der einzige Grund sind, warum dieser Film überhaupt zwei von zehn möglichen Punkten bekommt.

Siebzehn Jahre Pause und ein deutlich größeres Budget trennen Regisseur Sam Raimi zwar von seiner "Tanz der Teufel"-Reihe, doch sein unverwechselbarer Stil dominiert eindeutig jede Facette seiner Rückkehr zu dem Genre, das ihn legendär gemacht hat. "Drag Me to Hell" schwelgt in seinen eigenen Exzessen, indem er jede Schrecksekunde mit ekelerregender Abscheu und tiefschwarzem Humor versieht. Was dabei herauskommt, ist ein irrwitziger Kampf zwischen Dämonen und jungen Mädchen, zwischen Moral und sprechenden Ziegen, mit denkwürdigen, alptraumhaften Bildern.

In ihrer Verzweiflung, den begehrten Job als Direktionsassistentin bei der 'Wilshire Pacific Bank' zu bekommen, beschließt die Kreditsachbearbeiterin Christine Brown (Alison Lohman), eine alte Zigeunerin aus ihrem Haus zu vertreiben. Beschämt und wütend verflucht die rachsüchtige Frau Christine mit dem 'Lamia', einem ziegenähnlichen Dämon, der sie nach drei Tagen der Qualen in die Hölle schicken soll. Das verängstigte, aber resolute Mädchen muss die übernatürliche Bestie abwehren und Krieg mit ihrer eigenen Seele führen, wenn sie diese retten will.

Ein pausenloses Feuerwerk an Schockmomenten ist meist übermäßig traumatisierend. Das Wunderbare an Sam Raimis Regie ist der humoristische Einschlag, der jedem intensiven Augenblick des Erschreckens gnädig und regelmäßig folgt. Das Tempo der Erzählungen ist rapide, schonungslos und voller Anspannung. Sie werden von langen Momenten der Stille eingeleitet, der Ruhe vor dem Sturm, und von brutal lauten, plötzlichen Soundeffekten mit gesteigerter Musik begleitet, klassisch angeführt von kreischenden Streichinstrumenten. "Drag Me To Hell" ist packend, schockierend und komödiantisch zugleich. Der Film ist durchaus berechenbar, jedoch höchst effizient. Sam Raimis andere Markenzeichen der Horrordirektion sind natürlich ebenfalls präsent. Jede Menge Körpersekrete und glibberige Stellen, kriechende Insekten, Fliegen und Maden, invasive Großaufnahmen und spiralförmige, zoomende Kamerafahrten.

Es ist auch erfrischend, eine starke weibliche Hauptfigur zu sehen, obwohl es nicht ungewöhnlich ist, Frauen an der Spitze von Ekel-Horrorfilmen zu sehen - ein Muster, das den Horror verstärken soll, indem man ihn dem schönen Geschlecht präsentiert. Christine wird sofort zur Zielscheibe von subtilem Sexismus und männlicher Rivalität. Umso dankenswerter ist es, dass sie lobenswerterweise Rückgrat zeigt, indem sie die Dinge selbst in die Hand nimmt und die Attacken ihres unsichtbaren Aggressors beherzt abwehrt. "Drag Me To Hell" bedient sich einer vertrauten, sich wiederholenden Formel für Angstfilme, doch mit seiner kompetenten Mixtur aus Spannung und Witz ist er einer der stabilsten Unterhaltungsfilme und eine triumphale Heimkehr zum suspensiven Horror für einen Regisseur, der für seine gewagte und erkennbare Methodik des Horrorkinos Berühmtheit erlangte.

In "La Jetée - Am Rande des Rollfelds" von Regisseur Chris Marker berichtet ein Erzähler feierlich die Geschichte eines Jungen, der kurz vor dem Ausbruch des Dritten Weltkriegs Zeuge einer Gewalttat am Hauptpier des Pariser Flughafens 'Orly' wird. Während er zu einem Mann (Davos Hanich) heranwächst, wird er weiterhin von der Erinnerung geplagt. Er ist ein Gefangener einer überlebenden unterirdischen Gemeinschaft und versteckt sich vor der trostlosen Erdoberfläche, wo alles radioaktiv kontaminiert ist. Ausgewählt von einem vermeintlich geisteskranken Wissenschaftler, wie Frankenstein, erfährt er stattdessen von einem scheinbar normalen Experimentator, dass die einzige Hoffnung zur Rettung der Menschheit darin besteht, willensstarke Individuen in die Vergangenheit zu schicken, die, auf ein Bild aus der Vergangenheit fixiert, die Tortur der Verpflanzung in eine andere Zeit überleben könnten. Gewöhnliche Momente, die durch plötzliche Katastrophen hervorgehoben werden, gewinnen an unvorstellbarer Bedeutsamkeit.

Die Einführung erfolgt durch Schwarzweißfotos, während der Sprecher den Aufbau erklärt. Auch ein Flüstern ist zu hören, was die halluzinatorische Wirkung eines Films ohne Bewegung unterstützt. Die Gespräche zwischen dem Mann und einer Frau (Hélène Chatelain), die er sieht, werden ohne Details oder präzise Wortwahl beschrieben und spiegeln den drogeninduzierten Traumzustand wider, in dem er sich an einem früheren Ort befindet. Die Reihe von Zeitreise-Experimenten eröffnet allmählich ihre Sinnhaftigkeit, indem Erinnerungen und Abbildungen in einen Zweck transformiert werden.

Es vergehen 50 Tage, an denen sich der Mann und die Frau treffen. Und täglich wird er in einen Bewusstseinszustand im Labor in der Gegenwart zurückgebracht. Er wird auch in die Zukunft versetzt, aber das ist weniger kohärent und schwieriger zu dekodieren. Die Zivilisation der Zukunft gibt ihm die Antwort auf sein Überleben, doch die Flucht vor seinen Häschern ist letztlich chancenlos. Selbst als er ein letztes Mal in die Vergangenheit zurückkehrt, um die Frau auf dem Pier zu treffen, erkennt er zu spät, dass die visionäre Erscheinung aus seiner Kinderzeit seinen eigenen Verderb für die Zukunft voraussagt.

Opernmelodien und die sensationelle Orchesterpartitur von Trevor Duncan machen "La Jetée - Am Rande des Rollfelds" auch bei einer Länge von nur 28 Minuten ausgesprochen mächtig. Der kurze Abschnitt mit tatsächlichem Filmmaterial ist fast verstörend und erinnert an eine Art fiktionalen Dokumentarfilm, geisterhaft in der Unerwartung der Bewegungsabläufe und intensiv in der Vermittlung der Informationsinhalte. Als eigenständiges Projekt sehr wirkungsvoll und experimentell, ist Chris Markers "La Jetée - Am Rande des Rollfelds" vielleicht am bekanntesten für die komplexe, kryptische, zeitreisende Handlung, die die Grundlage für Terry Gilliams Science-Fiction-Meisterwerk "12 Monkeys" von 1995 bildete.

Dieser Kommentar ist meinem Film-Buddy VisitorQ gewidmet.

"Nightmare - Mörderische Träume" ist das Slasher-Meisterwerk des Regisseurs Wes Craven, das den Betrachter auf brillante Weise mit düsterer Realität und noch grimmigerer Fantasie malträtiert. Es ist eine Exploration des ultimativen Alptraums, der mit der realen Welt verschmilzt, in der Visionen den Tod vorhersagen und ein nicht rechtzeitiges Erwachen bedeutet, die Nacht nicht zu überleben. Der unvergängliche Antagonist Freddy Krueger ist eine weitere monströse Kreation, die sofort beliebter wurde als seine Opfer und für zahlreiche Fortsetzungen sorgte, von denen die meisten nur dazu dienten, die Blutrünstigkeit der kreativen Schöpfung hinter seinem bemerkenswerten Design auszunutzen. "Das war nur ein Traum! Es ist nicht real!"

Mehrere Teenager in der 'Elm Street' werden von ähnlichen Albträumen geplagt, in denen ein grässlich verbrannter, missgestalteter Mann in einem schmutzigen rot-grünen Pullover mit einem zerfledderten Filzhut auf seinem narbenübersäten Kopf vorkommt. Er trägt einen provisorischen Handschuh, an dessen Enden rasiermesserscharfe Klingen befestigt sind. Er ist eine grauenhafte Gestalt, ein furchteinflößender Unhold, dessen gackerndes Lachen und quietschende Fingermesserspitzen auf metallischem Material so lebendig sind, dass sie fast echt wirken. Einer nach dem anderen werden die jungen Erwachsenen im Schlaf angegriffen, unfähig, den Klauen von Freddy Krueger (Robert Englund) zu entkommen, der schon bald beginnt, die Grenze zwischen Traumzustand und Realität zu durchbrechen.

Ein weiterer faszinierender Aspekt von "Nightmare - Mörderische Träume" ist die Fiktion, dass der Mörder ein Mysterium ist. Nancy Thompson (Heather Langenkamp) sammelt durch ihre Wahnvorstellungen Hinweise auf den Killer und muss seine Herkunft und Motive herausfinden, um ihn aufzuhalten, bevor alle, die sie kennt, zu seinen Opfern werden. Während in vielen Horrorfilmen die schwachsinnigen Darsteller sich selbst in Gefahr bringen, indem sie allein durch abgelegene Orte wandern, sind in diesem Film Begegnungen mit Freddy Krueger unvermeidlich - niemand kann den Schlaf für immer abwehren. "Was auch immer du tust, schlaf nicht ein."

"Nightmare - Mörderische Träume" revolutionierte die blutige Traumsequenz und sorgte für teuflisch stimmungsvolle Kulissen und Optik. Als Freddy Kruegers erstes Opfer, Tina (Amanda Wyss), von einem unsichtbaren Angreifer mit hysterischem Geschrei und bluttriefenden Stichwunden über die Zimmerdecke geschleift wird, präsentiert sich das noch folgende Blutbad auf überwältigende Weise. Freddy Kruegers Hauptquartier befindet sich in einem feuchten Heizungskeller, der vor Schlamm tropft und von Dampf umgeben ist, mit dunklen Gängen, die an Ridley Scotts "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" erinnern. Die klaustrophobische und verdreckte Atmosphäre ist die perfekte Bühne für eine unentrinnbare Hölle.

Nancy mag unglaublich kühn sein, einige der Effekte sind etwas angestaubt, und die elektronische Rockmusik verrät gelegentlich den tonangebenden Charakter, doch Freddy Kruegers Visagistik ist nach wie vor imponierend, und der Reigen an innovativen Impulsen ist absolut singulär. Der infame Bösewicht aus dem Jahr 1984 ist für immer in der Popkultur verankert. Es folgten sieben Fortsetzungen mit Robert Englund in der Hauptrolle, ein Videospiel, eine Fernsehserie und eine Neuauflage im Jahr 2010.

Der Kurzfilm "Ein andalusischer Hund", der von Regisseur Luis Buñuel inszeniert und von ihm und Salvador Dali geschrieben wurde, ist vor allem durch seine prägnante Eröffnungsszene bekannt, in der das Auge einer Frau mit einer Rasierklinge zerschnitten wird - in Wirklichkeit handelt es sich um den Augapfel eines Tieres - ein grauenerregendes Bild, das heute noch schockierend wirkt, ganz zu schweigen vom Jahr 1929, als der Film veröffentlicht wurde. Dieses Meisterwerk des provokativen Surrealismus ist mit einer Länge von etwa 17 Minuten, die kaum an eine narrative Handlung erinnert, zugleich verstörend und inspirierend und vereint einige der skandalösesten kreativen Konzepte des frühen Films. Nur wenige Minuten nach der Augenöffnung krabbeln Ameisen aus einem Loch in der Hand eines Mannes, die dann als abgetrennter Stumpf auf dem Boden liegt und von einer Menschenmenge und einem Polizisten begutachtet und inspiziert wird.

"Es war einmal ...", beginnt es wie in einem Märchen. Doch nur wenige der verwirrenden Filmaufnahmen können als skurrile Pariser Fantasie verstanden werden. Im Laufe des Films werden die Abgründe immer perverser: vom Totschlag im Auto über einen sexuellen Übergriff mit vielen Begrapschungen bis hin zum buchstäblichen Ziehen von zwei Klavieren, auf denen die Kadaver von verwesten Eseln liegen. Titelkarten suggerieren verstrichene Zeit, Rückblenden oder Zeitsprünge, aber dieses einzigartige Werk ist nicht wirklich dazu gedacht, wie eine traditionelle Geschichte verfolgt zu werden.

"Ein andalusischer Hund" ist so abgründig und unergründlich, dass seine Bilder abwechselnd makaber, obszön, spektakulär und urkomisch sind, und die orchestrale Untermalung passt perfekt zu den gezeigten Abnormitäten und kontrastiert sie. Der Film existiert einfach nicht in einer analysierbaren Dimension. Einige der Sequenzen sollen bestimmte Themen darstellen, aber es ist viel einfacher, lediglich die Spezialeffekte, das Maskenbild und die Vielfalt der abstrusen Aktivitäten zu bewundern, die sich in diesem abnormalen, unvergleichlichen Experiment des halluzinatorischen, anspruchsvollen und extremen französischen surrealistischen Kinos entfalten.

In "Eine falsche Bewegung" von Regisseur Carl Franklin arrangiert Fantasia (Cynda Williams) in Los Angeles für ihren extrem gewalttätigen Freund Ray Malcolm (Billy Bob Thornton) und ihren hochintelligenten, sadistisch-psychopathischen Freund Lenny 'Pluto' Franklyn (Michael Beach) einen Besuch im Haus von Robert Post (James D. Bridges), in der Hoffnung, einen Mitarbeiter namens Marco (Loren Tyler) ausfindig zu machen. Nachdem sie alle Bewohner des Hauses gefesselt und schließlich skrupellos hingerichtet haben, fahren sie zu Marcos Haus und ermorden auch dort alle Männer, Frauen und Kinder, nachdem sie ihr eigentliches Ziel, Bargeld und Kokain, entdeckt haben. Am nächsten Tag findet die Polizei bei ihren Ermittlungen eine Tonaufnahme, die sie nach Star City, Arkansas, führt, wo Polizeichef Dale 'Hurricane' Dixon (Bill Paxton) bereit ist, sie zu unterstützen.

In Deming, New Mexico, diktiert Lenny, dass sie die Drogen in Houston verkaufen werden, auch wenn Ray darauf besteht, dass sie einen Teil der Drogen für Freizeitzwecke verwenden. Der Widerstand formiert sich immer deutlicher. In der Zwischenzeit fliegen die LAPD-Detectives Dud Cole (Jim Metzler) und John McFeely (Earl Billings) nach Little Rock, um sich mit Dale zu treffen, dessen Taktik aus der Kleinstadt, respektlose Offenheit und unbeirrbarer Enthusiasmus die Polizisten aus der Großstadt erzürnen. Dale ist begeistert, in einen großen Mordfall involviert zu werden, zumal seine übliche Routine darin besteht, Trunkenbolde zu bändigen. Zudem hat er seit fast sechs Jahren keinen triftigen Grund gefunden, seine Schusswaffe zu zücken. Als die Behörden den Verdächtigen auf die Spur kommen, muss Dale seinen Ehrgeiz unterdrücken und sich auf seine Kompetenzen konzentrieren, um nicht nur die Schurken zu fassen, sondern auch sich selbst zu beweisen, dass er für die Ermittlungsarbeit genauso wichtig ist wie seine renommierten Vorgesetzten.

Billy Bob Thornton ist in bester Form als versiffter, tätowierter, großmäuliger Ex-Knacki, der unberechenbar alles tut, was ihm in den Sinn kommt. Er ist ungebildet und neurotisch, aber auch intuitiv und bösartig, was ihn zu einem außergewöhnlich kaltblütigen Verbrecher macht. Für Billy Bob Thornton ist es eine vergnügliche Partie, zumal er das Drehbuch mitverfasst hat. Michael Beach liefert eine ebenso unvergleichliche Darbietung als abscheulicher, menschenverachtender Gefängniswärter, der ein Messer vorzieht und keine Gnade mit seinen Opfern zeigt, von denen die meisten willkürlich massakriert werden, wenn sie ihm in die Quere kommen.

Es handelt sich zwar nicht um einen besonders temporeichen Thriller, aber es gibt einige besonders spannende Phasen, vor allem dann, wenn die Polizei unwissentlich in den Prozess der Mörder interveniert, und wenn am Ende alle Parteien zwangsläufig geeint sind. Doch leider sind diese Sequenzen sehr weit voneinander entfernt. Fast der gesamte letzte Akt ist ein Wartespiel, denn Fantasia versteckt sich am Rande der Stadt und wartet auf den richtigen Zeitpunkt. Der Schwerpunkt verlagert sich auf die Entwicklung der Charaktere und auf Beziehungskomplikationen, wenn die Vergangenheit Dale Dixon einholt und er über die Bedeutung von Respekt, Verantwortung und Kompetenz nachdenkt. Seelenvolle E-Gitarrenklänge und eine beiläufige Mundharmonika dominieren den größten Teil des Films, ohne ihm zusätzliche Spannung zu verleihen, wohingegen neuralgische Orchestermusik befremdlicherweise nicht existiert.

"Eine falsche Bewegung" ist zum Teil ein Roadmovie mit ungezählten Handlungsorten, die überflüssigerweise über die Leinwand flimmern, während die Antagonisten durch den Mittleren Westen streifen. Der Betrachter soll ungefähr wissen, wohin die Gejagten unterwegs sind, aber das ist selten ausschlaggebend, vor allem, wenn die kleineren Ortschaften der breiten Öffentlichkeit weitgehend fremd sind. Und wenn Städtenamen auf dem Bildschirm eingeblendet werden, um zu veranschaulichen, wohin die Detektive sich bewegen, ist das nahezu gegenstandslos, da ihre Jagd unverkennbar ist. Das Endziel ermöglicht einen kurzen Showdown und ein begrüßenswertes, unvorhersehbares Finale mit Denkanstößen und Charakteren, die es wert sind, betrachtet zu werden, doch insgesamt ist die Reise langwierig und müsste besser umgeschrieben werden, um mehr Nachdruck auf die Motivationen zu legen, die zu bestimmten Entwicklungen und Konflikten hinführen.

In "Vampirella" von Regisseur Jim Wynorski erfährt Ella (Talisa Soto) auf dem Planeten Drakulon vor 30 Jahrhunderten von der barbarischen Lebensweise ihrer Vorfahren, einem geheimen Drang, sich gegenseitig auszusaugen, anstatt aus den reichlich vorhandenen, organischen Flüssen und Strömen von Blut zu trinken, die in der damaligen Zeit durch das Land fließen; Wissenschaftler haben sogar eine dritte Alternative hergestellt, ein synthetisches Serum, das den Bedarf an echtem Blut ersetzt. Doch ein Teil der meist friedlichen Gesellschaft, angeführt von dem rebellischen Vlad (Roger Daltrey), will Unfrieden stiften, indem sie ihre gewalttätige Seite ausleben und unschuldigen Menschen an die Hälse schnalzen. Als Vlad vor einem Tribunal flieht, das ihn für seine Verbrechen verurteilen soll, fliegen er und seine Mitstreiter mit einer Raumfähre zur Erde, wo sie sich auf genügend Nahrung für mehrere Generationen von Vampiren freuen. "Zerstöre nicht deine Seele bei dem Versuch, diesen Akt des Wahnsinns zu rächen", röchelt Ellas Stiefvater, der Hochälteste (Angus Scrimm), als er an den Wunden stirbt, die er sich bei Vlads explosiver Flucht zugezogen hat.

Hunderte von Jahren später, im heutigen Los Angeles, wird Forry Ackerman (David B. Katz) in einer Gasse überfallen. Doch dann kommt Ella, um ihn zu retten. Sie trägt ihr typisches, freizügiges, karmesinrotes Outfit, das kaum mehr als ein Bikini ist, ziemlich dürftig zusammengenäht, und das sie auf ihrem Heimatplaneten nicht getragen hat und auf der Erde keine praktische Verwendung besitzt. Doch Ella hat eine weitere Mission zu erfüllen: Sie muss Vlad und seine Handlanger Demos (Brian Bloom), Traxx (Tom Deters) und Sallah (Corinna Harney) aufspüren und töten. "Wir sind zivilisierte Menschen, keine Monster wie Vlad und sein Kult."

Adam Van Helsing (Richard Joseph Paul), ein Agent einer verdeckten, paramilitärischen Anti-Vampir-Organisation, arbeitet ebenfalls daran, Vlad festzunehmen, auch wenn er die geheime neue Identität des Verbrechers nicht herauszufinden scheint, obwohl Vlad sich in Las Vegas als berühmter Rockstar ausgibt. Und, wie erwartet, darf Roger Daltrey einen Song auf einer Bühne vortragen, der vielleicht ein wenig zu gut für diese Art von Roger-Corman-Produktion ist, wobei sein grelles Make-up und sein zerzaustes Haar angemessen zur Lächerlichkeit beitragen. "Sag mir, dass ich träume. Vampire aus dem All?"

Weit weniger ergötzlich sind die unglaublich verbilligten Kostüme, die auf tragische Weise nicht überzeugenden Kampfchoreographien und Schnitte, die grauenhaften schauspielerischen Leistungen, die pathetischen Spezialeffekte und die banalen Plastikrequisiten, denen lustige Namen gegeben wurden, wie beispielsweise der Sonnenkanone für schwere Angriffe. "Vampirella" scheint auch kein Interesse daran zu haben, sein niedriges Budget durch vernünftige Dialoge oder eine sinnvolle Erzählung wettzumachen. Die Dialogführung ist allenfalls rudimentär, und das Drehbuch ist mit einer Vielzahl von abgedroschenen Vampirwitzen bestückt. Zumindest Roger Daltrey profitiert von seiner eigenen Exzentrik und seinem exzessiven Gehabe.

Ebenso sinnlos sind die Actionfilmsequenzen, in denen Vampirella ständig ihren langen schwarzen Mantel auszieht, bevor sie in einen Kampf verwickelt wird, Fahrzeuge kollidieren oder explodieren auf absurd dramatische Weise, und es gibt jede Menge nervtötende Hinhaltetaktiken, in denen die Zeit bleibt, impotente Schimpftiraden und Androhungen zu schmettern. Die Vampirgeschichte übernimmt zwar einige Besonderheiten der Vorlage, wie etwa Drakulon und Vampirellas Bindung an die Menschheit, behält aber die Schwächen des Sonnenlichts, des Weihwassers, der christlichen Symbole und des Knoblauchs sowie die Fähigkeit, sich in Fledermäuse zu verwandeln, bei, aber nichts davon bietet echten Reiz. Und leider scheint es, auch wegen der Pläne der Bösewichte, die Welt zu zerstören, so, als wären alle immer kurz davor, sich gegenseitig ins Gesicht zu lachen. Die unbewusste Absurdität ist schwer zu ertragen. Wenigstens sieht Talisa Soto gut aus, auch wenn ihre sexy Figur ihren leblosen Darstellungen und ihrer dämlichen Mimik nicht hilft, wenn man sich vergegenwärtigt, wie stümperhaft das Drehbuch ist. Kurioserweise endet der Film mit der Ankündigung, dass Vampirella in "Death's Dark Avenger" zurückkehren wird, einer Fortsetzung, die zum Glück nie das Sonnenlicht erblicken musste.

"Day Shift" von Regisseur J.J. Perry ist ein Vampirjäger-Film mit Jamie Foxx in der Hauptrolle als Bud Jablonski, einem Vampirjäger, der sich als Poolreiniger ausgibt. Der Film zeichnet sich durch ein schlechtes, an eine Fernsehshow erinnerndes Drehbuch und Spezialeffekte aus, obwohl er eigentlich ein Sommerfilm sein sollte und keine verlängerte Folge einer öden Streaming-Show mit gefälschten Fangzähnen.

Bud Jablonski ist knapp bei Kasse und steht kurz davor, seine Frau und sein Kind zu verlieren, weil er ein erbärmlicher Erzeuger ist. Also beschließt er, einem Verein von Vampirjägern beizutreten, um mit dem Verkauf von Vampirzähnen Geld zu verdienen. Um diese Reißzähne zu ergattern, muss er natürlich Vampire töten, die nachts aktiv werden. Bud wurde aus der Organisation ausgestoßen und ist nun auf Probe wieder eingestellt worden und muss in der 'Tagschicht' arbeiten. Dies ist auch gleichzeitig, übersetzt, der englische Originaltitel dieses beschissenen Films.

Eine weitere Bedingung seiner Probezeit ist, dass ihm ein Partner zur Seite gestellt wird, und das ist Dave Franco, ein streberhafter, verklemmter Kugelschreiber, der lieber auf einem Bürostuhl sitzt als Vampire zu pfählen. Dave Franco ist normalerweise ein sympathischer und sehr witziger Schauspieler, aber in dieser Rolle ist er ein Jammerlappen und eine Nervensäge. Dave Franco und Jamie Foxx haben offensichtlich nicht viel Spaß an dem Projekt und ihrer gemeinsamen Zusammenarbeit. Und das ist kein gutes Omen für eine Buddy-Komödie.

"Day Shift" beginnt mit dem Grundgerüst eines dünnflüssigen Vampirthrillers und versucht dann, in eine schwarze Horrorkomödie à la "American Werewolf" umzuschwenken. Regisseur J.J. Perry versteht sein Handwerk nicht, und so fühlen sich gewisse Szenen an, als stünden sie im verkehrten Film, wohingegen schlechte Kontinuitätsentscheidungen zu totaler Unordentlichkeit ausarten. Einer Hauptfigur widerfährt im Verborgenen etwas Entscheidendes, das die Handlung nachhaltig verändert. Ich habe den Film öfters zurückgespult, um zu sehen, ob ich etwas übersehen habe. Nein, das ist schlichtweg unprofessionell in der Umsetzung.

Jamie Foxx, ein bewährter Komödiendarsteller mit anständigen Actionfähigkeiten, ist gut genug, um das Bedürfnis zu wecken, sich für seine Bemühungen zu bedanken. Dave Francos Leistung hingegen ist so beschämend minderwertig, dass man sich Sorgen um die Zukunft seiner Karriere machen muss. Dieser Vampirfilm ist zum Kotzen. Trotz Jamie Foxx' bester Absichten ist "Day Shift" wirklich nicht zu empfehlen.

Mit "The House at Night" hat Regisseur David Bruckner einen psychologischen Horrorfilm gedreht, der recht solide funktioniert. "The House at Night" profitiert von der starken Performance der Hauptdarstellerin Rebecca Hall, doch es ist leicht, den viszeralen Reiz zu erkennen, der von den effektiven Jump-Scares ausgeht, die den Film durchziehen. Es ist wichtig, darauf hinzuweisen, dass es sich dabei nicht um billige Schreckmomente handelt, denn der Film ist viel intelligenter konzipiert als das. Man wünscht sich nur, dass es am Ende irgendwo hinführen würde.

Womöglich ist es die beste Strategie, Beth (Rebecca Hall) nicht von Grund auf zu sympathisieren. Das soll nicht heißen, dass sie ein schlechter Mensch ist, aber selbst in ihrem Zustand der Trauer lässt der Film Rebecca Hall die Rolle auf eine kluge Weise darstellen, die übertrieben, widerwillig und manchmal arrogant ist. Das sind alles offenkundige Faktoren der Traurigkeit über den unvorhergesehenen Suizid ihres Mannes, doch Rebecca Hall macht die Figur weitaus attraktiver, indem sie ihre Schwächen zum Ausdruck bringt.

Der Rest von "The House at Night" funktioniert jedoch gut genug, um sich mit dem Gedanken anzufreunden, dass Rebecca Halls Realität nicht immer das ist, was sie denkt. David Bruckner hat ein gutes Händchen für Traumlogik und das Surreale, wie er in "The Ritual" bewiesen hat, und zu sehen, wie er weiterhin wirksame Wege findet, um die Dinge zu enthüllen, die nicht zusammenpassen, ist eine großartige Grundlage für den Film, um seine stimmungsvolle Atmosphäre auszubauen. Daher ist es eine Schande, dass "The House at Night" kein ordentliches Ende aufweist.

Es gibt zwar eine Auflösung, doch der individuelle Anspruch des Films ist für den Horror nur partiell akzeptabel. Zugegebenermaßen ist dies auch kein Film, der ein bombastisches Ende verdient. Die gegebenen Definitionen und die geschilderte Situation werfen jedoch die Frage auf, ob ein weiterer Trip in die Traumwelt oder an einen anderen Schauplatz dem Film gut getan hätte.

Der Dokumentarfilm "Das fehlende Bild" des Regisseurs Rithy Panh kombiniert Archivmaterial, Stop-Motion-Animation und Sprachaufnahmen zu einem Experiment, um die von den Roten Khmer zwischen 1975 und 1979 begangenen Verbrechen zu rekonstruieren. Der in Phnom Penh geborene Rithy Panh war erst 11 Jahre alt, als das Regime von Pol Pot seine Familie in eines der landwirtschaftlichen Arbeitslager des Systems schickte. Basierend auf dem autobiografischen Buch von Rithy Panh, "The Elimination: A survivor of the Khmer Rouge confronts his past and the commandant of the killing fields", zeigt "Das fehlende Bild" die menschlichen Verluste hinter den brutalen Methoden der Roten Khmer um den Aufbau einer rein agrarkommunistischen Gesellschaft aufzuarbeiten.

Da es nur wenige dokumentierte Beweise für einen Genozid in Kambodscha gibt, versucht Rithy Panh, ein klares Bild von den Untaten zu zeichnen, deren Zeuge er als Kind wurde. Mehr als zwei Millionen Menschen wurden aus den Städten vertrieben, um unter unmenschlichen Bedingungen auf den Reisfeldern des Landes zu arbeiten. Rithy Panhs innovativer, akut traumatischer Dokumentarfilm veranschaulicht die Folgen einer Nation, die ihrer Identität beraubt und gezwungen ist, ohne die grundlegendsten menschlichen Freiheiten zu überleben. "Das fehlende Bild" besteht aus einer Reihe von sorgfältig gefertigten Dioramen menschlicher Tragödien und ist von einem intensiven Gefühl der Hoffnungslosigkeit durchdrungen. Jede der kunstvoll geformten Tonskulpturen spiegelt untrennbar das Leid und die Demütigung eines Volkes unter diesem brutalen Regime wider.

Die Verwendung von Plastilin dient nicht nur als intelligente Metapher für die Beraubung der Individualität, die vielen Opfern von Pol Pot zugefügt wurde, sondern trennt uns auch von der emotionalen Unterdrückung durch Rithy Panhs subjektive Erinnerungen und präsentiert uns eine weitaus erschütterndere Projektion, eine leere Leinwand, auf die wir unsere eigenen Familien und Freunde projizieren können, um so das Ausmaß dieser Ereignisse zu verstehen. Die Zahl der Todesopfer im Zusammenhang mit dem Völkermord in Kambodscha ist einfach zu hoch, um sie wirklich zu begreifen. Rithy Panhs poetische Prosa und die Verwendung einiger ungerechtfertigter symbolischer Bilder von krachenden Wellen und zerfallenden Filmbeständen erwecken zunächst den Eindruck, dass er seine Botschaft ein wenig zu sehr auf die Spitze treibt. Doch die Fähigkeit des Regisseurs, die Gräueltaten, deren Zeuge er wurde, sowohl auf menschlicher als auch auf ethischer Ebene perfekt darzustellen, macht diese künstlerischen Verrenkungen durchaus verzeihlich.

Randal Douc ist der Mann, der die Dämonen von Rithy Panh austreiben soll, und während seine Erzählung durch Zahlen und Statistiken hindurchgeht, um die nackten, emanzipierten Knochen seiner Opfer zu enthüllen, ist es das reine emotionale Gewicht von Rithy Panhs Worten, das den traurig-bitteren Cocktail des Films aus Wut, Verzweiflung und einer resignierten Suche nach geistiger und gesetzgeberischer Katharsis schmelzen lässt. Rithy Panh geht auch kurz auf die Schuld des Westens ein, insbesondere auf die Unruhen, die durch die Bombenteppiche auf Kambodscha während des Vietnamkriegs verursacht wurden, und wie dies den Fanatismus förderte, der die Roten Khmer an die Macht brachte. "Das fehlende Bild" ist eine unbestreitbar didaktische Lektion über die Ethik der ideologischen Kriegsführung, blüht aber erst richtig auf, wenn man es als eine erschreckende Prüfung der Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes betrachtet.

In der Welt von Regisseur Lawrence Kasdans "Heißblütig - Kaltblütig" schleicht sich John Barrys Noir-Lounge-Musik in jede zweite Szene, Zigarettenrauch quillt aus jedem Raum, Schatten fallen über alles - es ist stets finster, auch mitten am Tag. An einer Stelle setzt Ned Racine (William Hurt) einen Filzhut auf, als wäre er ein Privatdetektiv aus einem Kriminalfilm der 40er Jahre. Die Affäre des Protagonistenpaares zieht sich über mehrere Kalenderwochen hin und wird immer leidenschaftlicher und schwülwarmer. Doch Mattys (Kathleen Turner) Ehemann Edmund Walker (Richard Crenna) wird in Kürze nach Hause kommen und damit droht das die kräftezehrenden intimen Stunden ein abruptes Ende haben könnten. Da der Film im Bereich des Film Noir einzuordnen ist, dauert es logischerweise nicht lange, bis die Rede darauf kommt, den unliebsamen Ehemann, den schwerreichen Edmund Walker, zu beseitigen, dessen Ableben eine gehörige Summe Geld, Freiheit und Wohlstand bedeuten würde. "Niemand darf es erfahren, Ned. Versprich es mir."

So kommt es erwartungsgemäß immer wieder zu erstaunlichen Fügungen, nicht nur bei den Leuten, die über die Affäre stolpern - von einer jungen Nichte, die die beiden beim Sex beobachtet, bis zu einer Freundin der Familie (Kim Zimmer), die Ned mit Matty verwechselt -, sondern auch, als Ned die Walkers in einem Restaurant trifft. Aus dem Herumschleichen an öffentlichen Plätzen wird bald die sorgfältige Planung eines Mordes. Ohne ihren Wunsch, frei zu sein, ausdrücklich zu bekräftigen, strahlt Matty diese einzige Message aus wie die besten Femme Fatales des Kinos. Und auch wenn man sich alle Eventualitäten ausmalt, die bei einem Mord schief gehen können, so gibt es doch immer wieder ein unvorhergesehenes oder vergessenes Detail, das man übersehen hat.

Was "Heißblütig - Kaltblütig" trotz seiner vielen unoriginellen Elemente vielleicht so reizvoll macht, ist das Beibehalten der zentralen Ingredienzien klassischer 'Mord aus Liebe'-Filme: brisante Liebesaffären, schrankenlose Begierde, zu viele Augenzeugen oder wissende Bekanntschaften, peinigende Beinahezusammenstöße, brüchige Alibis, Angst, Schuldgefühle und Mitleid, um nur einige zu nennen. Ein arroganter Mann und eine gefährliche Frau komplettieren die Zusammensetzung. Dazu kommen Komplikationen, die aus einer altbekannten Handlung eine entschieden verschlagenere formen, wie zum Beispiel das erneute Erscheinen eines befreundeten Advokaten (Ted Danson als Peter Lowenstein), der den Charakter der "Frau ohne Gewissen" noch deutlicher erscheinen lässt.

Gegen Ende tendiert der Betrachter dazu, die Positionen zu vertauschen, und subtile Praktiken und Entwicklungen erweisen sich als weitaus individueller, als sie zunächst anmuten. Das Skript von Autor und Regisseur Lawrence Kasdan leiht sich zwar eine Reihe von konzeptionellen Vorbildern aus anderen Filmen, hat aber eine ganz eigene, ominöse Ausstrahlungskraft. Sobald die Kurven gelegt sind, werden sie zunehmend intelligenter, und das Resultat ist ein brillantes, komplexes Detektivspiel. Es passen nicht alle Aspekte ineinander, doch es macht dennoch Spaß zu verfolgen, wie sich die kreativen Ansätze manifestieren und mutieren.

Vielleicht könnte die reale Welt ein paar Heldentaten gebrauchen, um der sozioökonomischen Schwermut zu entkommen. Doch wie der Film "Samaritan" von Regisseur Julius Avery zeigt, brauchen wir wohl kaum eine weitere filmische Geschichte über einen legendären Samariter, der sich zunächst versteckt, bevor er zur Rettung der Welt wieder auftaucht. Diese stilisierte Superhelden-Saga, die uns in eine düstere, von Trostlosigkeit und Verzweiflung geprägte urbane Landschaft der Arbeiterklasse eintauchen lässt, fühlt sich eher vertraut als neu an, da sie jugendliche Fantasie mit einer dunklen Geschichte von Erlösung und Rache vermischt.

Im Mittelpunkt steht der 13-jährige Sam Cleary (Javon 'Wanna' Walton), dessen alleinerziehende Mutter Isabelle (Dascha Polanco) in einem heruntergekommenen Apartmenthaus in 'Granite City', das auch mal bessere Zeiten erlebt hat, gegen die Zwangsräumung kämpft. Sam setzt seine ganze Hoffnung auf die Rückkehr von Samaritan, einem Helden mit Superkräften, von dem es heißt, er sei tot. Doch der altkluge Junge beharrt darauf, dass dies nicht der Fall ist, während er das Logo seines Idols in der ganzen Stadt versprüht und Verschwörungstheorien mit jedem teilt, der es hören will. Könnte der eigenbrötlerische Nachbar Joe Smith (Sylvester Stallone) der Samariter im Ruhestand sein? Sam findet entsprechende Indizien, selbst als er für den Kleinkriminellen Cyrus (Pilou Asbaek) arbeitet, um schnelles Geld zu scheffeln. Als Geheimnisse über beide Männer ans Licht kommen, löst die permanente Feindseligkeit eine eskalierende Fehde aus, die die Stadt spalten könnte, und Sam findet sich zwischen den Fronten wieder.

Trotz der dünn skizzierten Hintergrundgeschichte von Joe Smith bekommt Sylvester Stallone die Chance zu beweisen, dass er auch mit 76 Jahren immer noch ein guter Actionheld ist, sofern es überhaupt einen gewissen Zweifel gab. Dank der expressiven Performance von Javon 'Wanna' Walton können sich die Jugendlichen mit Sams vorsichtigem Optimismus und seinem Einfallsreichtum in solch verzweifelten Situationen identifizieren. Ihre zentrale Bindung bildet den emotionalen Anker. Die Nebenfiguren sind jedoch nicht so faszinierend, insbesondere der cartoonhafte Bösewicht, dessen Neid einem Konflikt weicht, der auf unbedachtem politischen Aktivismus und Opportunismus beruht.

Das Drehbuch von Bragi Schut nutzt die Aktualität eines solchen Konzepts nicht aus, da die Positionierung von skrupellosen Verbrechern als Volkshelden zu wenig Subtilität und Innovation aufweist, nie genug Brisanz erzeugt und auf einen vorhersehbaren finalen Showdown hinausläuft. Da die visuellen Effekte den ultra-gewalttätigen Kampf um die Kontrolle über die Zukunft der Stadt dominieren, wirkt "Samaritan" am Ende weniger karitativ ausgerichtet als vielmehr rein monothematisch.

"X" von Regisseur Ti West ist ein fieser Retro-Slasher-Film, der im Jahr 1979 spielt und von "Blutgericht in Texas" und einer Reihe von Pornofilmen aus den 70er Jahren inspiriert wurde. "X" kombiniert Sex und Gewalt auf fast schon komödiantische Weise. Es geht um ein kleines Team von Pornofilmern, die sich an einen abgelegenen Ort begeben und einer nach dem anderen auf brutale und unmenschliche Weise getötet werden, allerdings nicht bevor sie ihr Können unter Beweis gestellt haben. Gewissermaßen ist der Film also ein Meta-Kommentar zum Fick-und-Stirb-Motiv, das viele Slasher-Filme in den 80er Jahren prägte. Es scheint fast so, als ob Ti West den Film als eine minimalistische Destillation von Slasher- und Pornotypologien sieht.

Man könnte vermuten, dass ein Teil des metrischen Witzes darin besteht, dass "X" weder als Horror noch als Sexploitation wirklich funktioniert. Ti West und der Kameramann Eliot Rockett inszenieren die Pornoszenen einfallslos, und die Mordszenen, wenn sie dann schließlich kommen, verlaufen ähnlich. "X" ist ein träger Film, obwohl er mit einer Rückblende auf die Polizei beginnt, die am blutigen Tatort herumspäht, als wolle Ti West damit sagen: "Ja, in der ersten Hälfte des Films wird viel geredet und herumgehangen, aber keine Sorge, es wird trotzdem blutig." Das stimmt auch, aber die Opfer waren mir genauso egal wie das Psychopathenmaterial in "Und wieder ist Freitag der 13.".

Die Kamera hat eigentlich nur Augen für Maxine (Mia Goth), eine junge Pornodarstellerin mit Ambitionen, ein Star zu werden, deren Sommersprossen je nach Szene zu kommen und zu gehen scheinen. Maxine soll das entscheidende Element sein, aber sie ist weder besonders sympathisch noch intelligent. Dass Maxine vor einem Spiegel sitzt, ist vielleicht eine Anspielung auf "Boogie Nights", und wenn wir uns an diesen Film erinnern, wissen wir, dass der Schauplatz von "X" im Jahr 1979 eine starke Ironie ist: Home Video würde den Porno bald zu dem machen, was er eigentlich immer war, nämlich zu einer Wichsvorlage, und das Prinzip der Pornostars starb quasi aus. Soweit es die Öffentlichkeit betrifft, war Stormy Daniels die letzte Filmschauspielerin, deren Name in das Bewusstsein der breiten Öffentlichkeit gelangte. Die Zukunft von Maxine liegt also in Videos mit Titeln wie "Dirty Texas Sluts, Vol. 17".

Man merkt Ti West an, dass er "X" ernster nehmen will als die Splatterfilme, deren Ästhetik er plündert. Das zeigt sich in der Melancholie der ersten Hälfte, in den klangvollen Lippenbekenntnissen zu den Tristessen des Alterns, der entglittenen jugendlichen Freiheit. Ein Großteil des Films scheint sich mit der sexuellen Frustration einer älteren Frau zu befassen, der zusammen mit ihrem Mann das Grundstück gehört, auf dem das Pornoteam dreht. Maxine findet ihre sexuelle und, wie es scheint, bisexuelle Hilfsbedürftigkeit abstoßend und ekelhaft, und der Film sekundiert ihr. Man kann die Sympathien des Betrachters nicht wirklich aufteilen, wenn es sich um einen Slasher-Thriller handelt, der am Ende jede menschliche Anteilnahme aufhebt. Das soll nicht heißen, dass Horrorfilme freundlich oder gar politisch korrekt sein sollen, aber wenn wir uns für eine Figur interessieren sollen, wäre es hilfreich, wenn diese nicht zu Verachtung anstiften würde, sei es durch altersbedingte Bigotterie oder mörderische Brutalität. Fazit des Films zur Sexualität älterer Menschen ist, dass Sex mit Senioren unangenehm und widerlich ist, ganz gleich, wie sanft der Wunsch der älteren Dame formuliert wird.

In einem Film, in dem Menschen mit einer Mistgabel niedergestochen, an einen Alligator verfüttert und generell grob misshandelt werden, suchen wir vergebens nach einem warmherzigen Gefühl. Doch egal, was Ti Wests Ambitionen waren, "X" fühlt sich eher wie eine Kaltakrobatik an als ein heißer, blutroter Spritzer des starken Materials. Eiskalt und empfindungslos. Man kann nicht verlangen, dass man sich in die Verzweiflungssituation einer betagten Greisin einfühlt und dann ihren unheilvollen Tod herbeisehnt. Was auch immer Ti West hier anstrebt, es gelingt ihm nicht, vielleicht weil Ti West selbst keine dieser Personen zu schätzen weiß. Jedenfalls stimmt etwas mit dem Unterhaltungswert nicht. Einige Betrachter werden es als scharfen, unbarmherzigen Genuss empfinden, während andere sich ein wenig zermürbt, um nicht zu sagen enttäuscht und genervt fühlen werden. Es gibt bessere Porno-Horrorfilme, mit einem Budget für blutrünstige Spezialeffekte und dergleichen. In ihrem simplifizierenden, geldgeilen Drang, es allen recht zu machen, sind sie vielleicht etwas bekömmlicher als "X".

In einer zeitgemäßen Anklage gegen fehlgeleiteten Glauben, unerfüllte Religionen und grausame Götter erschafft die Eröffnungssequenz in "Thor 4: Love and Thunder" von Regisseur Taika Waititi einen neuen Bösewicht, Gorr (Christian Bale), mit einer einigermaßen verständlichen Mission wie Thanos, den Thor (Chris Hemsworth) bekämpfen muss. Aber es ist viel zu willkürlich und fadenscheinig, einen zufälligen Charakter einzuführen und ihn dann ein zufälliges Opfer bringen, eine zufällige Gottheit treffen, eine zufällige Waffe finden und einen zufälligen Rachefeldzug starten zu lassen. Es ist natürlich eine Vorbereitung auf mehr von dem, was der Betrachter bereits in den letzten Marvel-Filmen bewundern konnte: Chaotische Blitze, gewaltige Explosionen, der Schwerkraft trotzende Kampfsportarten, Fliegen und Gepose und Unmengen von Zerstörung. "Es gibt niemanden mehr, der dich anbetet."

Es ist auch eine weitere Gelegenheit, Charaktere aus anderen Marvel-Filmen in einer Art Cameo auftauchen zu lassen. Am bemerkenswertesten ist jedoch die Rückkehr von Jane Foster (Natalie Portman), deren schwindender Gesundheitszustand hier normalerweise ein bescheidenes Mitgefühl hervorrufen würde, wäre da nicht ihre Existenz in einem Universum voller Weltraum-Wikinger, außerirdischer Eroberer und allmächtiger Götter, die durch die morbide Tagesordnung der Menschheit trampeln und einen völligen Realitätsverlust, fehlende Seriosität oder mangelnde Konsistenz aufweisen. Der Tod ist in diesem Kontext fast nie das Ende.

Wiederum wirkt alles auf Anhieb konstruiert und treibt den Film nicht mit einer sinnvollen Handlung, sondern mit auffallend gekünstelten Zwecken voran. Im Handumdrehen entsteht ein Konflikt, die Suche nach einem Schlüssel wird entschieden, magische Waffen werden benötigt, und das Zentrum des Universums birgt ein machtvolles Geheimnis. Teleportieren macht Ortswechsel viel zu einfach, die Figuren erhalten spontan unerklärliche, grenzenlose Superkräfte und wirbelnde Lichter ersetzen visuell stimulierende Duelle. Die Monster werden aus dem Nichts herbeigerufen und materialisieren sich für Kämpfe, die aussehen, als würde man jemandem beim Spielen eines Videospiels zusehen. Auch der Humor hat dieses Mal nachgelassen, was den Spaß an dem, was früher die größte Stärke von Regisseur Taika Waititi war, zunichte macht. Das Wiedersehen von Thor und Jane soll eigentlich lustig sein, aber die fehlende Chemie zwischen den beiden sorgt für einige wirklich peinliche Momente, die durch dämliche Dialoge, bizarre Kostümwechsel und noch schlimmere Geplänkel verstärkt werden. Viele ihrer Gespräche klingen weniger nach romantischem Geschwätz als vielmehr nach gescheiterten Rezitationen von Comedy-Routinen aus Abbott und Costello-Sketchen.

Statt des Glanzes und Glamours, den das große Budget eigentlich bieten sollte, fühlt sich "Thor: Love and Thunder" an wie ein Flash Gordon oder Buck Rogers der Marke Z-zertifizierter Fernsehschund. Das liegt zum Teil an der äußerst kleinen Geschichte, die der Film in weniger als zwei Stunden erzählt, und an den spärlichen Motiven, durch die Galaxie zu reisen, aber vor allem daran, dass den Filmemachern einfach die Ideen ausgegangen sind. Ein unbesiegbarer Gotteskrieger kann nur eine bestimmte Grenze überschreiten, bevor seine Elektrosturmkämpfe zu eintönig und repetitiv werden. Die ergreifendsten Sequenzen zeigen gebrochene Opfer, die in den Armen ihrer Liebhaber dahingleiten, aber selbst diese Aufnahmen werden durch die Erkenntnis konterkariert, dass in Marvels nonsensischen Fantasiewelten nie jemand wirklich stirbt. Wäre der Alkoholpegel ausgeprägter gewesen, hätte dieses Projekt eventuell über die Runden gebracht werden können. Ohne zugkräftige Lacheinlagen bleibt leider nur das mittlerweile übliche, monotone CG-Spektakel, das in diesem neuesten, unspektakulären Abenteuer überhaupt nicht auffällt. "Die Götter werden dich benutzen, doch sie werden dir nicht helfen."

Wer den Trailer zu "Antebellum" von den Regisseuren Gerard Bush & Christopher Renz noch nicht gesehen hat, sollte ihn unbedingt vermeiden, bevor er den Film sieht. Manche Filmtrailer verraten zu viel von der Geschichte, aber dieser untergräbt die Dramatik des Films und die darin enthaltene Erzählung. Aufgrund der Strukturierung des Films ist es praktisch ausgeschlossen, darüber zu schreiben, ohne etwas von der Handlung preiszugeben. In dem Film spielt Janelle Monáe die Rolle der Eden, einer Sklavin auf einer Baumwollplantage inmitten des Bürgerkriegs. In einem Teil des Films verkörpert sie auch Veronica, eine moderne Akademikerin, die so renommiert ist, dass sie in den Fernsehnachrichten über Rassenfragen spricht. Wie die beiden zusammenhängen und sich verflechten, ist der zentrale Kern der Handlung, den ich hier nicht vorwegnehmen möchte. Es genügt jedoch zu konstatieren, dass die gnadenlose Behandlung der Schwarzen durch die Weißen im Laufe der Jahrhunderte im Mittelpunkt beider Geschichten steht.

"Antebellum" ist als Horror-Thriller angekündigt, und es gibt nichts Furchtbareres, als zu sehen, wie Sklaven menschenunwürdig dargestellt werden, und genau so verbringen Gerard Bush und Christopher Renz das erste Drittel des Films. Eden und ihre Mitsklaven scheinen vage Gedanken darüber zu haben, wie sie ihrer derzeitigen Lage entkommen könnten, doch wie eine frühzeitige Szene zeigt, kann die Durchführung dieser Vorhaben gravierende Konsequenzen nach sich ziehen. Die Verschiebung in die Neuzeit zeigt, wie weit Schwarze Menschen gekommen sind, aber auch, dass sie immer noch Gegenstand zahlreicher Akte des Rassismus sind, ob direkt oder indirekt. Veronica wird von verschiedenen Seiten angegriffen, und nur dank ihrer Willenskraft gelingt es ihr, nicht an jeder Ungerechtigkeit zu zerbrechen, die ihr widerfährt.

Dem Filmteam gelingt es hervorragend, den Schluss des Films aufzubauen, was die etwas konfusen ersten zwei Drittel des Films ausgleicht. Ob dieses Ende so tiefsinnig ist, wie sie es sich wünschen, ist eine andere Frage. Auf visueller Ebene ist der Film bestechend, und die Protagonisten, die sich gegen ihre Tyrannen aufbäumen, sind ein bewährtes Erfolgsrezept. Doch je mehr man sich mit der Botschaft befasst, desto platter fällt sie aus und wirkt eher wie ein moralisches Fanal als eine profunde Analyse der Rassenproblematik.

Unabhängig von der bleibenden Effizienz der Geschichte, ist es Janelle Monáe, die den Film prägt. Von "Moonlight" über "Hidden Figures - Unerkannte Heldinnen" bis hin zu "Harriet - Der Weg in die Freiheit" ist sie als Schauspielerin ebenso magnetisch wie als Sängerin, und sie ist eine Anlaufstelle für alle, die würdige historische Ereignisse von Schwarzen erzählen. Ebenfalls hervorzuheben ist Gabourey Sidibe, die sich in den letzten Jahren von der reinen Fernsehschauspielerin gelöst hat und eine spektakuläre Performance abliefert. Ebenso Jena Malone, die das Maximum aus der Partie des Bösewichts herausholt, die eigentlich nur Einseitigkeit bieten könnte. Als reiner Thriller kann "Antebellum" auf einer oberflächlichen Betrachtungsebene genossen werden. Allerdings ist seine inhaltliche Gestaltung mit der Rahmenhandlung verstrickt, und in dieser Hinsicht wird er seinem Stellenwert nicht vollständig gerecht.

In "Booksmart" von Regisseurin Olivia Wilde wacht Molly (Beanie Feldstein) in den 'Le Capris Apartments' in der Nähe von Los Angeles auf und hört eine Aufnahme eines Motivationsredners, der sie auf ihren letzten Tag an der 'Crockett High School' in Kalifornien vorbereitet. Ihre beste Freundin Amy Davidson (Kaitlyn Dever) holt sie ab, und sie lachen und tanzen zusammen, während sie die letzten Stunden ihres Highschool-Lebens enthusiastisch und lässig genießen. Niemand, auch nicht Rektor Brown (Jason Sudeikis), nimmt die Dinge zu ernst, was leicht zu bewerkstelligen ist, wenn man von einer außerordentlich heterogenen Gruppe von Schülern umgeben ist. Jede Clique wird angesprochen und in Karikaturen verwandelt, was allein schon durch die Hintergrundgespräche und das Verhalten an manchen Stellen zu einer gewissen Komik führt, so dass das Klassenzimmer einem Cartoon ähnelt.

Auch wenn sie sich an die Regeln und Vorschriften halten, sind Molly und Amy geradezu rebellisch in ihrer Sprache, reden ständig über verschiedene Vulgaritäten und fluchen exzessiv. Am stärksten ist jedoch ihr Selbstwertgefühl und ihre Zufriedenheit mit sich selbst. Geringfügige Verunglimpfungen und flüchtiges Schikanieren werden durch ihre positive Einstellung und ihre schulischen Leistungen leicht abgewehrt. Im Laufe des Films werden diese lobenswerten psychologischen Tarnungen auf die Probe gestellt, aber sie erliegen nur selten dem typischen Konformitätsdruck des Kinos. "Sie benimmt sich, als wäre sie 40."

Mollys Aufnahme an einer Eliteuniversität stärkt ihr Selbstvertrauen, doch als sie entdeckt, dass drei ihrer Mitschüler, die sie für intellektuell weit unterlegen hält, ebenfalls eine vielversprechende Zukunft und beachtliche Berufschancen vor sich haben, ist sie außer sich vor Gram. Sowohl Molly als auch Amy opferten ihre gesamte Zeit, um sich auf die Schule zu beschränken, während andere es irgendwie schafften, gute Noten mit regelmäßigen Partys zu kombinieren. Diese Rivalen mögen zwar realitätsfern sein, aber sie reichen aus, um die beiden Super-Nerds dazu zu bringen, eine wilde Nacht zu verbringen, um vier Jahre jugendlicher Party-Nüchternheit wettzumachen. "Wir sind nicht eindimensional!"

Das Drehbuch ist voll von flotten, freimütigen und sexualisierten Dialogen, die aber nie zur Aufdringlichkeit werden. Dank der vielen überdrehten Persönlichkeiten, die versuchen, sich in die Popularität einzukaufen, ist Jared (Skylar Gisondo) wahrscheinlich der dämlichste, während Gigi (Billie Lourd) mit ihrem ständigen Drogenrausch die Show stiehlt und die Konferenzen des Hauptduos erfrischend unkompliziert sind. Mit seinen unzüchtigen Themen und der eskalierenden Irrsinnigkeit der Odyssee durch die Stadt, um die größte Party von allen zu finden, ähnelt "Booksmart" oberflächlich gesehen "Superbad", aber aus der Perspektive junger Frauen. Es gibt einen gewissen Realismus in den Zusammenhängen, der sich aber nicht immer auf die Szenarien erstreckt. Die Handlung geht bei jeder Gelegenheit in Richtung Fantasie, wobei gelegentlich hysterische Tagtraumsequenzen verwendet werden, um die überbordende oder mit psychotropen Stimulanzien bombardierte Traumwelt zu visualisieren.

Die Prämisse von "Booksmart" wird sicherlich zu Vergleichen mit dem Film "Eighth Grade" anregen, aber beide Filme handeln von sehr unterschiedlichen Charakteren und fast diametral entgegengesetzten prägenden Jahren. In "Eighth Grade" ging es um die Problematik von Identität, Reputation, Popularität und mangelndem Selbstwertgefühl in der Jugend. "Booksmart" behandelt ähnliche Motive, aber auf kontrastreiche Weise, indem es sich an die lebenslustigen, extravaganten, triumphierenden Qualitäten der Adoleszenz hält und das Chaos den Versuchen einer gedämpften Normalität vorzieht. Es gibt immer noch abschreckende Momente, doch "Booksmart" nutzt das leichte Drama, die komplizierte Romanze, die herzzerreißenden Entschlüsselungen und die waghalsigen Eskapaden, um düsteren Realismus in unbeschwerte Fröhlichkeit zu verwandeln. Darüber hinaus ist die Freundschaft, die im Mittelpunkt steht, fantastisch und wird durch die herausragenden Leistungen von Beanie Feldstein und Kaitlyn Dever noch rührender, differenzierter und attraktiver.

In "Orca - The Killer Whale" von Regisseur Michael Anderson werden die weißen Hai-Jäger Nolan (Richard Harris), Novak (Keenan Wynn), Paul (Peter Hooten) und Annie (Bo Derek) von der Taucherin und College-Professorin Rachel Bedford (Charlotte Rampling) und ihrem Bootspartner Kenneth (Robert Carradine) an Bord des Schiffes 'Bumpo' an der Jagd auf den Weißen Hai gehindert. Gerade als ihr unvorsichtiger Navigator fast vom Weißen Hai geschnappt wird, kommt ein Paar Killerwale zur Rettung und reißt den größeren Fisch in Stücke. Das fasziniert Kapitän Nolan, der entschlossen ist, einen Killerwal zu fangen und an ein Meeresaquarium zu verkaufen. Doch seine Pläne machen Rachel stinksauer, die die schwarz-weißen Kreaturen abgöttisch liebt und es nicht ertragen kann, sie in Gefangenschaft zu sehen.

Es fällt sofort auf, dass der Schnitt von "Orca - Der Killerwal" bestenfalls schlampig ist. Die Erzählung ist komplett nutzlos und unangebracht, während der Aufbau und die Details über die Killerwale und ihre Jäger überhastet sind. Die Motive sind simplistisch und unrealistisch, und die Charaktere haben wenig Zeit für echte Interaktion. Als Nolan also ein Orca-Weibchen harpuniert, bleibt wenig Zeit für Diskussionen oder Differenzierungen unter der Besatzung, denn der Maat plant seine Rache.

Richard Harris versucht erfolglos, so hart und versalzen wie Robert Shaw in "Der weiße Hai" auszusehen, wohingegen die meisten Killerwal-Effekte eher lachhaft als furchterregend sind. Eine selbstmordgefährdete Orca-Mutter, ein gummiartiger Orca-Fötus, der in der Tat ziemlich verstörend ist, und ein erzürnter Orca-Vater, der eine Träne für seine geschlachtete Gefährtin vergießt, sorgen eher für ein Grinsen als für Verwunderung. Es fällt schwer, diese einzigartigen Geschöpfe als beängstigend zu bezeichnen, obwohl sie zumindest in diesem Film einen ziemlich beunruhigenden Schrei ausstoßen. Dazu kommt, dass Rachel darauf besteht, dass sie unbestreitbar die mächtigsten Tiere der Welt sind und einen ausgeprägten Hang zur Rachsucht haben.

Die Handlung ist so bescheuert, dass der Film spätestens dann, wenn Jacob Umilak (Will Sampson) auftaucht, um die jenseitige Intelligenz der widerspenstigen Kreatur zu erklären, und ein fieser Gewerkschaftsboss vor dem Aberglauben warnt, der die örtlichen Fischer plagt, jede Glaubwürdigkeit als Horrorfilm und sogar als bloße monetäre Ausbeutung des Blockbusters, mit dem alles begann, verloren hat. "Orca - Der Killerwal" hat die offizielle Fortsetzung von "Der weiße Hai" an den Kinokassen geschlagen, doch seine rasante Produktion, die den Grund für seine Existenz offenlegt, profitiert nicht von diesem Umstand. Das Ergebnis ist ein Produkt, dem es an Authentizität fehlt, und der Unterhaltungswert ist katastrophal niedrig.

Der Orca ist anscheinend so schlau, dass Nolan einen Plan ausheckt, bei dem er der Schöpfung in die Augen schaut, sich entschuldigt und um Vergebung bittet. "Ich verstehe, was dieser Wal fühlt", sagt der Baby-Wal-Killer, während er seine eigene Geschichte erzählt, wie er Frau und Kind durch einen alkoholisierten Kraftfahrzeugführer verlor. Später hat Annie das mulmige Gefühl, dass sie von dem Wal beobachtet wird, obwohl sie sich in einem Haus befindet. Es scheint unvorstellbar, doch der Film wird mit jeder Minute immer schwachsinniger. "Er will mit dir auf dem Meer kämpfen."

Unglaublicherweise besteht der Höhepunkt in einer Schießerei mit dem Monstertier auf einem Eisberg, die eigentlich die einzige unterhaltsame Sequenz ist, die mehr durch ihre humoristische Absurdität als durch ihre Kreativität besticht. Doch das vielleicht markanteste Element von "Orca - Der Killerwal" ist die Filmmusik von Ennio Morricone, die an seine Spaghetti-Western erinnert, vor allem wenn Aufnahmen von schwimmenden und brütenden Walen die Lücken in der Handlung stopfen. Das reicht aber leider nicht aus, um die unzähligen Makel dieses kolossal verblödeten Unterfangens auszugleichen.

"Dreizehn Leben" von Regisseur Ron Howard ist eine detaillierte und langatmige Rekonstruktion der Rettungsaktion 2018 in der thailändischen Tham-Luang-Höhle, als Taucher und Freiwillige aus der ganzen Welt zusammenkamen, um eine verirrte Junioren-Fußballmannschaft zu retten. In einer mühsamen und unvorstellbaren Leistung konnten die Kinder und ihr Trainer aus ihrer tödlichen Lage gerettet werden. Ron Howard präsentiert den Stoff mit ähnlicher Akribie, und der Film ist zweifellos eine technische Glanzleistung. Dabei ist er so penibel, dass der Film fast schon wieder langweilig wirkt.

"Dreizehn Leben" ist durchweg spannend, ohne jemals besonders interessant oder unterhaltsam zu werden. Die Herausforderungen, denen sich die Retter gegenübersahen, waren nicht von dramatischen Spannungszuständen charakterisiert. Die Bedingungen waren lediglich lang und mühsam, zwei Worte, die nicht gerade für großes Kino stehen. Jeder Betrachter, der neugierig genug ist, sich den Film anzusehen, kennt den Vorfall und weiß, dass es für die Kinder gut ausgehen wird. Stattdessen wird ein unnötiges Theater inszeniert, indem man eine gute Stunde herumsteht und darüber räsoniert, wie riskant die Operation sein wird.

Ein Taucher starb tatsächlich, ein ehemaliger Thai Navy SEAL namens Saman Kunan (Sukollawat Kanarot). Der Tod des einzigen Mannes, der in der Höhle wirklich sein Leben verloren hat, wird als eine Art praktische Unterrichtsstunde für das Kollektiv verwendet. Hier gehört er zum Handlungsablauf und ist keine konkrete Ausgestaltung. Ist er eine zentrale Schlüsselfigur? Leider nein, überhaupt nicht.

Deprimierenderweise, wenn auch nicht verwunderlich, sind die Weißen die Protagonisten. In der Tat nahmen Richard Stanton (Viggo Mortensen) und John Volanthen (Colin Farrell), britische Spezialisten für Rettungstauchen, eine wesentliche Bedeutung bei der Rettungsaktion ein und waren die ersten, die die Jungen auch tatsächlich gefunden haben. Ohne diese Männer wäre die Befreiungsaktion sehr wahrscheinlich nicht geglückt. Wenn man diese Situation jedoch verfilmt, erzählt man eine Geschichte darüber, wie einige nicht-weiße Personen in eine Notlage gerieten, woraufhin andere nicht-weiße Leute es versäumten zu helfen und einige weiße Individuen aufkreuzten, um die Lage zu meistern. Es muss schwierig gewesen sein, diese Kinder aus der Höhle zu evakuieren. Noch diffiziler ist es allerdings, den Film über den Ernstfall zu überstehen.

In "Beast - Jäger ohne Gnade" von Regisseur Baltasar Kormákur töten skrupellose Wilderer eine Löwenfamilie, aber sie erwischen sie nicht alle. Zugleich können sie sich von der Bestie abwenden, die sie in einem Racheakt töten will. Schnell wird der Jäger zur Beute gemacht. In diese südafrikanische Umgebung kommen Nathanial Samuels (Idris Elba) und seine beiden Töchter, die zaghafte Teenagerin Meredith (Iyana Halley) und die jüngere, frühkindliche Norah (Leah Jeffries), die ihren Vater nur widerwillig in diesen ungewöhnlichen Urlaub im Busch begleiten, wo sie auf die Annehmlichkeiten einer eiskalten Klimaanlage oder von drahtlosem Internet verzichten müssen. "Wir haben das ganze Rudel bis auf einen."

Das Trio trifft sich mit seinem langjährigen Freund 'Onkel' Martin (Sharlto Copley), der als Parkwächter für das nahe gelegene Naturschutzgebiet arbeitet und regelmäßig mit Wildtieren und Wilderern zu tun hat, die er routinemäßig zu liquidieren versucht. Am nächsten Morgen begeben sie sich auf eine Privatsafari, bei der sie auf einer weitgehend menschenleeren Strecke unglaubliche Impressionen erleben. Und wenn sie Glück haben, können sie sogar ein paar Löwen aus nächster Nähe sehen.

Der Aufbau ist so simpel, dass der Film nur wenige Szenen braucht, um die hoffentlich verständnisvollen, nuancierten und sympathischen Züge herauszuarbeiten, indem er eine emotionale Distanz zwischen dem Vater und seinen Kindern schafft, der aufgrund einer ehelichen Trennung und Tragödie von Schuldgefühlen geplagt ist. Es ist ein sehr typischer Familienstreit, der letztlich nicht viel Tiefgang erzeugt. Natürlich ist es leicht, diese Menschen zu bemitleiden, denn sie sind die Einzigen, die in der ersten Reihe stehen. Das Resultat ist ein formelhaftes Gezanke und Flehen nach Besonnenheit. Der eigentliche Konflikt ist selbstverständlich der Löwe, der beschließt, diese unglücklichen Touristen in eine schmackhafte Delikatesse zu zerlegen. "Das ist das Gesetz des Dschungels."

Die computergenerierte Feindfigur sowie eine Handvoll Hintergrundkreaturen sind zwar nicht völlig unglaubhaft, wirken aber deutlich irrealer, wenn es um präzise Bewegungen und Interaktionen mit den Hauptfiguren geht. Doch die animierten Gesichtszüge des angsteinflößenden Löwen halten ihn nicht davon ab, Attacken auszuführen, die es mit dem am Computer modellierten Bären aus "The Revenant - Der Rückkehrer" durchaus aufnehmen können. Die Attacken sind nach wie vor wahrhaft erschreckend, zumal der Film Anleihen bei "Cujo" macht, als die Familie in einem Fahrzeug gefangen ist. In vielen dieser Momente folgt die Kameraführung auf spielerische Weise den Gesichtern der Menschen und verbirgt die Bewegungsabläufe der Bedrohung in den Zonen außerhalb des Bildausschnitts, was für zusätzliche Nervosität sorgt, wenn hinterhältige Angriffswellen unumgänglich werden.

So wie die Locations und die Landschaft exquisit sind, obwohl sich die meisten Aktivitäten auf ein paar einsame Arenen beschränken, ist Sharlto Copley als robuster Tierschützer absolut authentisch. Und trotz der mageren Ausgangslage liefert auch Idris Elba eine kompetente Leistung ab. Weniger effizient sind jedoch die beiden Mädchen, die abwechselnd viel zu tapfer oder viel zu hysterisch sind. In jedem Fall sind sie durchweg lästig, weil sie einem übernatürlich intelligenten Raubtier in den Weg kommen und dämliche Dummheiten machen. Ihre Beschlüsse sind ebenso moralisch leichtsinnig wie das Tier clever kalkuliert. Darauf muss man gefasst sein, aber es ist nicht weniger ärgerlich.

Eines der gängigen Horrorelemente, das nicht genügend zum Tragen kommt, ist die erwartete Rückkehr der Wilderer, eine Anspielung auf die Realität, dass die menschlichen Kreaturen oft schlimmer sind als die Monster, die sie bekämpfen. Doch dies ist eine winzige Komplikation, die nicht annähernd so zwingend ist wie die Hauptprobleme der Familie, die alle aus dem Übergriff des Löwen herrühren, einschließlich des abgeschnittenen Zustands von externen Rettungsquellen und der Behandlung schwerwiegender Blessuren. Das Aufregendste sind ohne Zweifel die ständigen, nervenzehrenden Beißattacken der gefräßigen Raubkatze. Auch wenn es nur wenige positive Aspekte gibt, ein unbefriedigendes Ende und ein überwiegend uninspiriertes Drehbuch, so ist es doch selten, dass ein Killertierfilm in die Kinos kommt, und noch seltener, dass er mit einem hochkarätigen Hauptdarsteller besetzt ist, was "Beast - Jäger ohne Gnade" zu einem brauchbaren Film macht, dessen kurze Laufzeit sich sehen lassen kann, und zu einer verlässlich spannungsgeladenen Auseinandersetzung mit Mutter Natur, die mit aller Vehemenz kontert.

"James (Daniel Kaluuya) und Jill (Keke Palmer) sind nicht nur ein Paar, sondern auch stolze Besitzer der Haywood-Ranch, die sich seit Jahren im Besitz der Familie befindet."

Nein mein lieber sie sind kein Paar sondern Bruder und Schwester. Ich würde Dir empfehlen den Film erst zu sehen bevor Du so einen strunzdoofen Kommentar aus Dir rausspuckst. Da braucht man gar nicht weiterlesen.