Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Gremlins - Kleine Monster" von Regisseur Joe Dante sind die innovativen Monster, die Gremlins und der kleine knuffige 'Gizmo', prägender, ikonischer und einflussreicher als die Hauptfiguren oder der Film selbst. Produziert von Steven Spielberg, der dafür bekannt ist, dass er seine Projekte in den 80er Jahren sorgfältiger ausgewählt hat als in den letzten Jahren, ist "Gremlins - Kleine Monster" nicht ohne Höhepunkte, humorvollen Momenten und erschreckenden Schauwerten. Doch er zieht sich in die Länge, und die Hindernisse führen zu einem drittklassigen, langweiligen Akt. "Gremlins - Kleine Monster" hat eine clevere Schwermütigkeit, als wären die Darsteller der "Sesamstraße" in die Welt von "Blue Velvet" transferiert worden, obwohl der Kampf der Charaktere gegen die außerirdischen Plagegeister über weite Strecken der Laufzeit redundant ist und nicht zu einem Kultklassiker führt, der über bloße effektlastige Optik hinausgeht.

Randall Peltzer (Hoyt Axton), ein Erfinder, dessen Konstruktionen nie lange zu funktionieren scheinen, erzählt in "Gremlins - Kleine Monster", wie er in einen kleinen chinesischen Laden hineingeht und gegen den Willen des Ladenbesitzers eine winzige Kreatur kauft. Für das geheimnisvolle, putzige und schlaue Wesen gibt es drei wichtige Maximen: Man darf es nicht dem Licht aussetzen, es nicht nass werden lassen und es nie nach Mitternacht füttern. Als sein Sohn Billy Peltzer (Zach Galligan), ein schüchterner Bankangestellter, das kleine Individuum als Geschenk erhält, macht er sich sofort daran, alle drei Regeln zu brechen. In kürzester Zeit hat 'Gizmo' zahllose andere boshafte Fellknäuel, so genannte Gremlins, hervorgebracht, die sich in reptilienartige Monster verwandeln und Amok laufen - und es liegt an Billy Peltzer und seiner Freundin Kate Beringer (Phoebe Cates), die nichtsahnende Stadtbevölkerung zu retten.

Die zugrundeliegende Botschaft wird dem Betrachter am Ende klar vor Augen geführt: Billy Peltzer und seine Familie haben mit den Lebewesen gemacht, was die Menschheit mit allen Gaben der Natur angerichtet hat. Sie nicht zu verstehen, keine Verantwortung für Missstände zu übernehmen und einer so großen Verpflichtung nicht gewachsen zu sein, kann nur zu Verderben und Chaos führen. Es ist nicht sehr weit von der Standarduntersuchung der Kräfte eines Superhelden entfernt, der von Autoritätspersonen unterstützt wird, vor allem vom Sheriff, der sich erwartungsgemäß weigert, die Bedrohung anzuerkennen. Noch nie hat es die Auslöschung einer ganzen Stadt in einer so düster-humorvollen Form gegeben, abgesehen vielleicht von dem apokalyptischen 'Marshmallow-Man' in "Ghostbusters - Die Geisterjäger" aus demselben Jahr.

"Gremlins - Kleine Monster" ist ein burlesker Anti-Weihnachtsfilm, der die allgemein opportune Weihnachtsatmosphäre mit schwarzer Komödie und Semi-Horror-Elementen kontrastiert. Hinzu kommen brutal-grausame Make-up-Effekte, inspiriert von der schmelzenden Garstigkeit von "Jäger des verlorenen Schatzes", für überwiegend animatronische Puppen, gelegentlich kombiniert mit Stop-Motion-Animation. Ein menschlicher Fiesling tritt in Gestalt der klischeehaften bösartigen Hexe Mrs. Deagle (Polly Holliday) auf, und heftige Kampfsequenzen sorgen für zusätzliche Schockmomente, darunter ein Feuergefecht in einem Kaufhaus und ein mit grünem Blut gefülltes Küchengefecht, bei dem diverse Haushaltsgegenstände für widerwärtige Racheakte missbraucht werden. In diesem Sinne ist "Gremlins - Kleine Monster" ein inkomparabeles, mitreißendes Anti-Weihnachtsprodukt, das andere indignierte elysäische Projekte funktionalistisch auf den Schopf stellt und sich in das Subgenre der Horrorkomödie einreiht.

In "Nightmare Before Christmas" von Regisseur Henry Selick lernen die Besucher in den alten Festtagswelten - den Orten, an denen die Festtage ihren Ursprung haben - eine seltsame Ansammlung von gruseligen Gestalten kennen, deren Hauptaufgabe es jedes Jahr ist, Halloween zu planen, vorzubereiten und zu feiern. Der beleibte Bürgermeister (Glenn Shadix) hat das Sagen und vergibt Trophäen für die schaurigsten Auftritte, aber der eigentliche Star der Show ist Jack Skellington (Chris Sarandon). "Das Leben ist kein Spaß ohne einen guten Schreck."

Jack Skellington ist überragend, ohne sich anstrengen zu müssen, und er kann jedem eine Gänsehaut über den Rücken jagen. Aber er wird der ständigen Repetition schnell überdrüssig. Er sehnt sich nach etwas Neuem, vielleicht sogar nach einem neuen Feiertag. Die einsame Sally (Catherine O'Hara), eine Frau, die wie Frankensteins Monster zusammengenäht wurde, teilt sein Befinden. Aber ihr Besitzer, der böse Wissenschaftler (William Hickey), der sie in seinem Labor erschaffen hat, will nicht, dass sie wegläuft, auch wenn sie wiederholt versucht, ihn zu vergiften, um zu entkommen. Als Jack Skellington im Wald auf ein in einen Baum eingelassenes Portal stößt, das ihn in eine Parallelwelt versetzt, in der nichts anderes als Weihnachten gefeiert wird, ist er überglücklich über die Fülle kurioser Bilder - von Elfen, Schnee und elektrischen Lichterketten bis hin zu Mistelzweigen, Kastanien und eingepackten Geschenken. "Genau wie letztes Jahr und das Jahr davor..."

Für einen Film, der sich mit dem Thema Halloween befasst, werden die makabren Qualitäten durch fröhliche, rasante und poppige Songs sensationell verstärkt. Unglaublich selten für ein Animations-Musical, gibt es in "Nightmare Before Christmas" nicht eine schwache Melodie, geschrieben und vertont von Danny Elfman, der auch seine Stimme leiht, wenn Jack Skellington singt. Jede ist ein Ohrwurm, einprägsam und virtuos durchdacht. Die Texte sind sowohl lustig als auch für die Erzählung der Geschichte förderlich, ähnlich wie in einer Oper. Der erste Solosong von Jack Skellington, der von einem spiralförmigen Felsvorsprung aus gesungen wird, schafft ebenfalls ein signifikantes, charakteristisches Bild, da er von einem riesigen, leuchtenden Vollmond eingerahmt wird.

Die von Tim Burton entworfenen Charaktere sind urkomisch und umfassen sowohl unproportionierte Humanoide als auch anthropomorphisierte Monstrositäten, dürre Kreaturen und schleimige Unholde. Jede der Figuren ist genial skurril; Jack Skellington hat zwar keine Augäpfel, aber er blinzelt trotzdem mit seinen Augenhöhlen, und auch die unterstützenden Elemente, von animierten leblosen Requisiten bis hin zu mutierten Tieren und mythischen Monstern, sind herrlich schräg. Auch der Hauptbösewicht, Oogie Boogie (Ken Page), ist eine großartige Kreation - eine Art spielsüchtiger Voodoo-Gangster, der ein wenig wie ein mobiler 'Jabba the Hutt' wirkt. Als Jack Skellington beschließt, Santa Claus, oder Sandy Claws, wie er ihn nennt, zu entführen, damit der Meister von Halloween selbst über Weihnachten herrschen kann, gibt es eine innovative Mischung aus Humor und Morbidität. "Wie schrecklich unser Weihnachten werden wird!"

"Nightmare Before Christmas" ist ein ungewöhnlich düsterer Disney-Film, der jedoch auch voller Komik und Abenteuer steckt. Es gibt auch eine Liebesgeschichte, die allerdings zugunsten von Humor und Musik meist in den Hintergrund gedrängt wird. Sehr kreative perspektivische Effekte und Kamerawinkel sind ebenfalls hervorzuheben, doch es sind die einmaligen Merkmale der Geschichte und der Figuren, die wirklich faszinieren. Welch ein groteskes, originelles, ergreifendes und zugleich höchst unterhaltsames kleines Werk.

Der Nachfolger des unglaublich erfolgreichen ersten Batman-Films von Warner Bros. wird erneut vom Meister des Makabren, Regisseur Tim Burton, inszeniert. In "Batmans Rückkehr" ist fast die gesamte Originalbesetzung wieder dabei, und die Kulissen und Dekorationen, die künstlerische Leitung, das Make-up, die visuellen Effekte, die Kameraführung und der Ton des Films spiegeln den vorherigen Batman-Film perfekt wider. Die Geschichte beinhaltet mehr Bösewichte und mehr Action, aber die Charaktere selbst schienen ihre Motivation verloren zu haben, mehr als nur Mittelmaß zu sein. "Batmans Rückkehr" ist immer noch sehr morbide, etwas weniger ernst und sicher nicht so lustig, aber immer noch um ein Vielfaches besser als die nächsten beiden Teile dieser florierenden Filmreihe.

Maximillian Shreck (Christopher Walken), einer der reichsten Geschäftsmänner von 'Gotham City', plant den Bau eines neuen, unnötigen Kraftwerks für schändliche Zwecke. Nur Bruce Wayne (Michael Keaton) stellt sich ihm in den Weg - zusammen mit Maximillian Shrecks Sekretärin Selena Kyle (Michelle Pfieffer), die unwissentlich in den vertraulichen Akten des Büros stöbert. In der Absicht, seine Geheimnisse zu bewahren, wirft Maximillian Shrek sie aus dem Fenster, nicht ahnend, dass Selena Kyle den schrecklichen Sturz überleben könnte. Sie ist zwar nicht völlig wahnsinnig, wird aber von einem gestörten Alter Ego angetrieben, das darauf besteht, dass sie ihren ständigen streunenden Katzengefährten ähnlicher wird. So wird Selena Kyle zu Catwoman, einer Kriminellen, die erst ihren Arbeitgeber und dann den nervigen Batman beseitigen will.

Zwischenzeitlich macht Maximillian Shreck die Stadt mit einem revoltierenden Pinguinmann bekannt, der angeblich in der Kanalisation von 'Gotham City' lebt. Oswald Cobblepot (Danny DeVito), ein grässlich missgebildeter Mensch mit einer Vorliebe für Regenschirme und einer bizarren Kontrolle über Armeen von Kanalisationspinguinen, behauptet, er wolle nur die Wahrheit über seine Eltern erfahren, die ihn vor Jahren im Stich gelassen haben, und möchte den Grund für sein armseliges Dasein wissen. Bald kandidiert er für das Amt des Bürgermeisters. Mit Hilfe einer starken, sympathischen Präsenz, die er sich mit Unterstützung von Maximillian Shreck ausgedacht hat, tut sich der Pinguin schließlich mit Catwoman zusammen, um Batman, der ihren Zielen, 'Gotham City' zu ruinieren, immer wieder in die Quere kommt, hereinzulegen. Es ist Batmans Aufgabe, die verängstigte Stadtbevölkerung vor der Armee des Pinguins mit Maschinenpistolen bewaffneter Clowns (ganz im Stil des Jokers) und vor der völligen Vernichtung durch die beiden neuen, geisteskranken Antagonisten zu schützen.

Der bekannte Titelsong von Danny Elfman, gotische Opernmusik und glänzend schwarze Kulissen finden sich in diesem zweiten Batman-Film und dem letzten der 90er Jahre wieder, der sich mit den Ursprüngen der Schurken befasst. "Batmans Rückkehr" beweist, dass ein Held nur so gut ist wie sein Gegenspieler. Sowohl Catwoman als auch der Pinguin sind einzigartig, furchterregend, brillant kostümiert und herrlich bestialisch. Ihre Motive und Dialoge beeinträchtigen jedoch oft die akzeptable Unnatürlichkeit ihrer Gene und ihres Aussehens. Realismus ist keine Stärke der Batman-Filme, aber Catwomans unerwartete Kampfsportfähigkeiten und ihre Beherrschung der Peitsche sowie der Einfluss des Pinguins auf flugunfähige Wasservögel, deren natürlicher Lebensraum die Kanalisation zu sein scheint, erinnern den Betrachter daran, wie sehr diese Fortsetzung auf den Comics basiert. Jede Figur hätte eine viel größere Dosis Sündhaftigkeit vertragen können. Aber selbst die Charaktere sind nicht so absurd wie viele der Konzepte, wie beispielsweise die Ausrottung der erstgeborenen Kinder aller Einwohner von 'Gotham City' und die Entfesselung einer Legion dressierter Pinguine, die mit Dynamit bewaffnet sind.

"Batmans Rückkehr" ergänzt auf wunderbare Weise die Stimmung, den Look und die Thematik des von Tim Burton erdachten Selbstjustiz-Superhelden, obwohl er ursprünglich unsicher war, ob er an der Fortsetzung mitwirken sollte, und brachte ihm Oscar-Nominierungen für die besten Effekte und das beste Make-up ein. Doch Tim Burtons Beharren darauf, seine Figuren als ein wenig zu freakig und verstörend zu konzipieren, veranlasste die Produktionsfirma, seine Aufsicht für die komisch hellen, familienfreundlichen Farben aufzugeben, mit denen Nachfolger Joel Schumacher schließlich den anschließenden "Batman Forever" malen würde. Die Regie von Tim Burton mag nicht ideal gewesen sein, aber seine Abberufung sollte sich als ein schwerer künstlerischer Irrtum erweisen.

In "Wild Christmas" von Regisseur John Frankenheimer liegen mehrere Männer in Weihnachtsmannkostümen blutüberströmt im Schnee, mit Einschusslöchern, verdrehten Gliedmaßen und zerbrochenem Glas - etwas Katastrophales ist geschehen, und niemand scheint lebend davongekommen zu sein. Sechs Tage zuvor haben die Zellengenossen Rudy Duncan (Ben Affleck) und Nick Cassidy (James Frain) nur noch drei Tage bis zum Ende ihrer Haftzeit im 'Iron Mountain'-Gefängnis in Michigan. Rudy Duncan verbüßt eine fünfjährige Haftstrafe wegen schweren Autodiebstahls, während viele seiner Bekannten kürzere Strafen für abscheulichere Verbrechen wie Vergewaltigung absitzen mussten. Als die beiden sich über Ashley Mercer (Charlize Theron) unterhalten, Nick Duncans Brieffreundin, die angeblich auf ihn wartet, wenn er entlassen wird, obwohl sie ihn nie kennengelernt hat, deutet er an, dass es sich vielleicht um einen Betrug handelt und sie nicht wie auf den vielen Fotos aussieht, die mit ihren Briefen verschickt wurden.

"Wild Christmas", der eindeutig auf dem Erfolg des Anti-Weihnachtsfilms "Stirb langsam" basiert, verbindet auf ähnliche Weise Mystery, Crime, Action und das winterliche Setting mit unterhaltsamen Dialogen. Trotz der Strenge des Bösewichts Gary Sinise, der den falschen Mann um einen Gefallen bittet, ist das Drehbuch mit Humor gespickt, sogar in den Nebenrollen, wie der von Jumpy (Danny Trejo), der einige witzige Bemerkungen über Wirtschaft und das Sauberhalten seiner Schuhe von den Blutspritzern seiner Opfer macht. Was die Handlung betrifft, so wird der Spieß schließlich umgedreht: Der Betrüger ist derjenige, der getäuscht wird, und sein Schwindel führt zu Szenarien auf Leben und Tod. Dennoch bleibt die Leichtigkeit erhalten, auch wenn die Einsätze größer werden. "Pass auf, was du sagst! Es ist Weihnachten."

"Wild Christmas" entwickelt sich bald zu einem spannenden Krimi, auch wenn die Konzentration auf Lacher und Kalauer den Thrill meist überwiegt. Ben Affleck hat zunehmend Mühe, glaubwürdig zu bleiben. Seine Weigerung, die Situation ernst zu nehmen oder sich zumindest so zu verhalten, als ob sein Leben in Gefahr wäre, ist zutiefst frustrierend. Das Drehbuch ist lebendig und gelegentlich raffiniert, angereichert mit Verfolgungsjagden, Action und Gewalt, aber die Hauptfigur ist ein großer Schwachpunkt. Der Antagonist ist da schon besser, umgeben von idiosynkratischen Handlangern wie Donal Logue und Clarence Williams III, aber selbst seine Rolle wird durch Wiederholungen abgestumpft. Sarkastische Seitenhiebe können nur so lange losgelassen werden, bis der Rhythmus und die Stimmung ruiniert sind.

Auch das Erzähltempo ist etwas durcheinander, was zum einen an der Häufung von Rudy Duncans Gefangenschaft und Fluchtversuchen liegt, die immer wieder mit unangebrachter Frivolität durchsetzt sind, aber auch an der Eröffnungsszene. Die Entscheidung, dem Betrachter den Ausgang und die Folgen des kulminierenden Raubüberfalls zu zeigen, obwohl er nicht genau weiß, wer es lebendig überstehen wird, ist ein gravierender Fauxpas. Das Finale bringt eine verhältnismäßig nutzlose Voice-over-Erzählung, ein paar zusätzliche Wendungen, Showdowns und ausreichend Blutzoll und Zerstörung, aber auch hier gibt es eine Trägheit, ein Gepansche von irrelevanten Interaktionen und unwahrscheinlichen Verzögerungen bei Polizeieinsätzen und Vollstreckungen. Dies ist die Art von Film, in dem dilettantische Schurken viel zu viel quatschen, bevor sie agieren. In diesen ellenlangen Erklärungsansätzen finden sich Antworten auf allzu komplexe Irreführungen in letzter Minute, die so konfus sind, dass sie praktisch keinen tieferen Sinngehalt ergeben.

In "Jack Frost - Der eiskalte Killer" von Regisseur Michael Cooney erzählt ein furchtbar falsch klingender Erzähler seiner gefakten Tochter eine gereimte Weihnachtsgeschichte über das gnadenlose, blutrünstige Abschlachten unschuldiger kleiner Kinder. Er beschreibt detailliert das Massaker in elf Staaten durch den grausamen, gemeingefährlichen Jack Frost (Scott MacDonald), der schließlich von einem Provinzsheriff gefasst und zum Tode verurteilt wurde. Während der Fahrt in einem staatlichen Exekutionsfahrzeug über die Grenze von 'Snomonton County', wo Jack Frost festgenommen und angeklagt wurde, kollidiert seine Eskorte mit einem Lastwagen für genetische Forschungsmaterialien, der eine besonders säurehaltige Substanz transportiert. Es spritzt auf den fliehenden Häftling und verschmilzt sein Fleisch mit dem Schnee.

Offenbar hat Jack Frosts Körper eine unerklärliche Mutation erfahren, die es ihm ermöglicht, die Gestalt eines Schneemanns anzunehmen. Und jetzt will er Sheriff Sam Tiler (Christopher Allport) und seine Familie leiden lassen. "Jack Frost - Der eiskalte Killer" ist absolut schwachsinnig, aber auf witzige Weise völlig bewusst. Jedes bisschen Komik ist beabsichtigt, und es ist nicht übermäßig stagnierend, vor allem, weil es extrem lustig ist, einem tollpatschigen Schneemann dabei zuzusehen, wie er arglosen Opfern Schaden zufügt. Einem Mann wird eine Axt in die Kehle gerammt, blinkende Lichterketten werden benutzt, um einen Menschen zu strangulieren, und Eiszapfen werden wie Speere verschossen. Einige der Todesfälle sind recht brutal, wobei "Jack Frost - Der eiskalte Killer" zweifellos am bemerkenswertesten für eine erotisierte Vergewaltigungsszene mit der Schauspielerin Shannon Elizabeth in der Badewanne, einer wandernden Möhrennase und einem lasziven Schneemann ist.

Der Schnitt ist minderbegabt und dämlich, die Musik ist widersprüchlich fröhlich, und die Dialoge sind suboptimal und werden von hoffnungslos untalentierten Schauspielern ziemlich illiquid wiedergegeben. Die verschiedenen ernsthaften Überlegungen von FBI-Agent Manners (Stephen Mendel) und seinem Team haben jedoch durchaus Potenzial für eine humoristische Komponente. Ein Polizist erklärt engagiert einen Tatort und beschreibt das weiche, fäustlingsähnliche Objekt, mit dem ein menschlicher Körper an Ort und Stelle gehalten wurde. Der Gerichtsmediziner Stone (Rob LaBelle) untersucht einen Wasserfußabdruck. Ein Abgeordneter macht sich keine Sorgen über einen Schneemann, der mitten auf der Straße ein Stoppschild hochhält, und ein Nahkampf mit einem Föhn und einer Frosttaufe erweist sich als die beste Verteidigungsmethode.

Es ist ein Jammer, dass die One-Liner, die Jack Frost von sich gibt, so blöd sind. 'Total Fabrication', die Firma, die für die Spezialeffekte verantwortlich ist, hat die Puppen von Jack Frost entworfen, und das ist ein Highlight, auch wenn sie ungeheuer bescheuert aussehen. Die Mimik des Schneemanns, seine restriktiven Bewegungsabläufe und der Wechsel zwischen einem stoffähnlichen Kostüm, aufblasbaren Einzelteilen, echtem Schnee und Eis sorgen für Lacher, die die Absurdität der zeitraubenden Gespräche ebenso in den Schatten stellen wie die rasante Steigerung der schlechten Witze, die sich die selbstbewussten Drehbuchautoren ausgedacht haben, um die Sekunden zwischen den Morden zu überbrücken.

In "Stille Nacht, Horror Nacht" von Regisseur Charles E. Sellier Jr. fährt an Heiligabend 1971 ein Kombi mit einer glücklichen Familie - einem kleinen Sohn, einem Baby, einer Mutter und einem Vater - zum Haus des Großvaters, das in Utah liegt. Jimmy (Jeff Hansen) und Ellie (Tara Buckman) sind nicht in der Lage, mit ihrem Großvater zu kommunizieren, da er an einer Form von Demenz leidet. Doch kaum haben sie den Raum verlassen, beginnt der gruselige ältere Mann, den kleinen Jungen Billy Chapman (Danny Wagner) in einer spektakulären Szene zu terrorisieren. Die Warnungen des Greises deuten darauf hin, dass der Weihnachtsmann alle, die böse waren, auf die schlimmste Art und Weise bestrafen wird. "Kann ich nicht aufbleiben und ihn sehen?"

Wenige Augenblicke später überfällt ein Mann mit langem weißem Bart und knallroter Jacke einen Lebensmittelladen und schießt erbarmungslos auf den Kassierer, der versucht, sich zu verteidigen. Wie es der Zufall will, hält der Mörder den Kombi an, als er rückwärts die Straße hinunterfährt, erschießt Jimmy und vergewaltigt Ellie - bevor er ihr vor den Augen des kleinen Billy, der sich auf einer schneebedeckten Bank am Straßenrand versteckt, die Kehle durchschneidet. Diese Einleitung ist ziemlich brutal, obwohl sie den Grundstein für einen anspruchsvollen Horrorfilm legt, der seinen B-Movie-Status mit unnachgiebiger Härte kaschiert. "Was ist denn los? Magst du den Weihnachtsmann nicht?"

Drei Jahre später, im Waisenhaus, ist Billy Chapman (Robert Brian Wilson) immer noch nicht in der Lage, das Trauma der Ermordung seiner Eltern zu überwinden. Dieser psychische Schaden spiegelt sich in seinen Zeichnungen von Tod und Gewalt wider, die die chronisch gestresste Mutter Oberin (Lilyan Chauvin) in Wut versetzen. Schwester Margaret (Gilmer McCormick) ist nachsichtiger und lässt den Jungen auch nach einer Verwarnung mit den anderen Kindern spielen, was aber nur dazu führt, dass die gefühlskalte Direktorin ihn mit dem Gürtel verprügelt.

Der Schauplatz ist ungewöhnlich düster, aber durchaus angebracht für einen Film über Serienmörder und folternde Ordensschwestern. Lilyan Chauvin ist besonders effektiv in der Rolle von Billy Chapmans barbarischem Vormund, die nicht weiß, dass ihre Methoden nur eine weitere Rebellion provozieren werden. Zwischen Billy Chapmans ständiger Geißelung als Kind und seiner Volljährigkeit im Jahr 1984 klafft eine gewisse Lücke, was bedeuten würde, dass er in seinen prägenden Jahren in gewisser Hinsicht wie ein normaler Teenager funktionieren konnte. Schließlich findet er einen Job bei 'Ira's Toys', wo er vom Lagerhausleiter Andy (Randy Stumpf) schikaniert wird, von der sympathischen Mitarbeiterin Pamela (Toni Nero) träumt und bald gebeten wird, sich als Weihnachtsmann zu verkleiden, um rebellische Kleinkinder zu unterhalten.

Trotz der konsequenten Ernsthaftigkeit, mit der "Stille Nacht, Horror Nacht" sein finsteres Sujet behandelt, kann der unfreiwillige Humor nicht umhin, über Billy Chapmans Ängste und regelmäßige Flashbacks zu Bildern und Imitationen des Weihnachtsmanns aufzutauchen. Es ist fast schon zum Brüllen komisch, wenn Billy Chapman sich im Spiegel betrachten muss, als er zum ersten Mal seinen bauschigen Bart und seinen klimpernden roten Hut aufsetzt. Zahlreiche andere Elemente lösen Billy Chapmans Wahnsinn aus, von fröhlichen Liedern über beiläufige Kommentare bis hin zu sexuellen Belästigungen, die zu einem Amoklauf mit beträchtlichem Zerstörungspotenzial führen. "Er weiß wirklich, wie man mit Kindern umgeht."

Als Low-Budget-Slasher aus den 80er Jahren ist "Stille Nacht, Horror Nacht" durchaus empfehlenswert. Die Kamera folgt dem Geschehen eine Treppe hinunter, und der Übergang von klappernden Nussknackern zu festlichen Weihnachtssängern ist besonders clever. Grausames Blutvergießen mit Hämmern, Äxten und Teppichmessern sorgt für ein grausiges Ende, und die exploitative Sex- und Nacktheitsgöttin Linnea Quigley zeigt sich ausführlich barbusig. Selbst die Standardsequenzen eines trägen Antagonisten, der sich langsam an seine Opfer heranpirscht, haben eine gewisse Gravität, die man in herkömmlichen Thrillern nicht oft findet.

Robert Brian Wilson ist für die Darstellung des störrischen Waisenkindes geeignet, aber "Stille Nacht, Horror Nacht" fehlt es an Helden. Da die Hauptfigur sowohl die anfängliche Quelle der Sympathie als auch das Monster im Zentrum des Chaos ist, taucht eine Reihe von Nebenfiguren sporadisch auf, um dann zur Zielscheibe für grauenvolle Exekutionen zu werden. Darüber hinaus haben viele dieser Sequenzen nur minimale Auswirkungen, wenn man bedenkt, dass es sich um Opfer handelt, die keine Entwicklung durchlaufen haben. Selbstverständlich werden sie nur eingebaut, um die Zahl der Leichen zu erhöhen und die Laufzeit zu verlängern, denn wenn das Morden erst einmal begonnen hat, gibt es keine nennenswerte Geschichte mehr. Dennoch sind die Fehlalarme, wie die versehentliche Erschießung eines tauben Weihnachtsmannes, der letzte Besuch im Waisenhaus und der Showdown mit der Mutter Oberin großartig gemacht. Es ist keine Hochleistung, aber ein unerwartet eindrucksvolles Slasher-Projekt.

Die Gefahr einer nuklearen Katastrophe dürfte immer relevanter werden, und unüberlegte Entscheidungen und ignorante Führungskräfte, die paranoide Regierungen kontrollieren, werden immer echte, wenn auch nicht ganz korrekte Verbrecher sein. "Der Gigant aus dem All" von Regisseur Brad Bird verbindet die Paradoxie des Kalten Krieges mit einer Science-Fiction/Horror-B-Movie-Vorlage zu einer unterhaltsamen, actiongeladenen und klar gezeichneten Parabel. Die Animation ist nur geringfügig weniger ansprechend als Disneys traditionelle Werke, während der computeranimierte titelgebende Androide einen gewissen Charme und Erfindungsreichtum hat, der ihn von den Horden vergleichbarer erderobernder Roboterfilme abhebt, auch wenn sich nur wenige andere an ein jüngeres Publikum richten.

Es ist Anfang 1957 in Rockwell, Maine, als ein unbekanntes Flugobjekt direkt vor der Küste abstürzt. Der kleine Hogarth Hughes (Eli Marienthal) ist einer der ersten Menschen, die den außerirdischen Besucher sehen, einen riesigen gepanzerten Roboter mit Appetit auf Metall. Obwohl der Riesenroboter offensichtlich todbringend wirkt, rettet er ihn wohlwollend, als er sich versehentlich in stromführenden Kabeln verheddert. Der Eisenriese ist empfindungsfähig und auf unerklärliche Weise intelligent und erkennt sofort die großzügige Tat des Jungen. Er lernt in einem erstaunlichen Ausmaß und übernimmt die Rolle eines freundlichen Haustiers für den aufgeweckten Hogarth Hughes.

"Der Gigant aus dem All" hält sich an die Konventionen, wenn es um Parallelen zu klassischen Low-Budget-Science-Fiction-Filmen geht, darunter der Film über das Killerhirn, den Hogarth Hughes spät in der Nacht sieht: Ein unschuldiger Junge entdeckt die Kreatur zuerst, und es ist unmöglich, irgendjemand anderen von dem Fund zu überzeugen. Die Russen und ihre ausländischen Satelliten sind die Hauptverdächtigen, und die Angst führt zu übereilten Aktionen und Missverständnissen. Und die Regierung muss handeln, bevor sie die Zeit hat, die Situation richtig zu analysieren. Diese Andeutungen betonen nur die Diskrepanzen in der Handlung, einschließlich der symbiotischen Konstruktion des Mechanoids, bei der jedes Teil des lebendigen Goloiden unabhängig vom Ganzen agieren kann, seiner enormen Auffassungsgabe und seines erkennbaren Bewusstseins. An einer Stelle denkt er über den Tod eines Rehs nach und stellt Fragen zur Sterblichkeit, zum Besitz einer Seele und zur Selbstaufopferung für ein höheres Ideal.

Der hünenhafte Metallmann funktioniert ähnlich wie 'GORT' aus "Der Tag, an dem die Erde stillstand", nur mit Gefühlen. Er wird so human dargestellt, dass es leichter ist, sich mit ihm zu identifizieren als mit so manchen realen Menschen. Die Stimmen bekannter Stars wie Jennifer Aniston, Vin Diesel und Cloris Leachman, die klassisch inspirierte Filmmusik von Michael Kamen und die veraltete Animation in einer Zeit, in der 3D auf dem Vormarsch war, treten hinter der ehrlichen und fesselnden Geschichte zurück, die zu einem unerwarteten kritischen Erfolg führte - ein großes Plus für Warner Bros. Es ist ein nachdenkliches und zugleich anspruchsvolles Werk, das Brad Birds Regiedebüt markiert und seine spätere Leitung der Pixar-Filme "Die Unglaublichen" und "Ratatouille" einläutete.

Die Handlung in "Oppenheimer" von Regisseur Christopher Nolan springt zwischen zahlreichen Schauplätzen und Jahren hin und her, zum Teil in Schwarz-Weiß, und streift verschiedene Epochen, historische Figuren, politische Arenen und wissenschaftliche Meilensteine - und das alles innerhalb der ersten paar Minuten. Darüber hinaus sorgen etliche Einblendungen dafür, dass der Schnitt übertrieben wirkt, wenn Moleküle, Feuer, Sterne und nicht identifizierbare atomare Reaktionen über den Bildschirm flimmern. Es ist irreal kunstvoll, obwohl es offensichtlich ist, dass Christopher Nolan, der zuvor so ehrgeizige Sci-Fi-Extravaganzen wie "Interstellar" und "Tenet" inszeniert hat, bei dieser Produktion eine banale Präsentation vermeiden möchte. Dazu tragen auch einige überflüssige, aber auffällige Nacktszenen und ein allgegenwärtiger Score bei. "Ich unterstütze eine ganze Reihe von Anliegen."

Ludwig Goranssons Soundtrack neigt dazu, zu manipulieren, mit bedrohlichen Klängen zu hallen oder nervenzerfetzende Geigen zu verstärken, um Routineabläufe zu unterstreichen - alles ist ein wenig intensiver, wenn musikalische Signale den Betrachter antizipieren oder erschauern lassen. Doch "Oppenheimer" ist weit entfernt von Christopher Nolans üblichen Projekten; hier gibt es keine großen Actionsequenzen oder gar aufwendige Spezialeffekte. Trotz aller technischen Raffinessen handelt es sich um ein recht geradliniges Biopic, in dem immer wieder neue Charaktere und Orte eingeführt werden, an denen Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) auf Durchbrüche und Errungenschaften zusteuert und dabei in turbulente Beziehungen, Regierungskomplikationen und politische Unruhen verwickelt wird. "Wofür steht eigentlich das J?"

Ein wesentlicher Teil von "Oppenheimer" dreht sich um angespannte Romanzen, Familienstreitigkeiten und Unstimmigkeiten am Arbeitsplatz. Die Normalität mag durch die Paranoia und die Verfolgung in der McCarthy-Ära noch verschärft werden, aber nichts davon ist so interessant wie der Wettlauf um den Bau der Bombe, der in der Fülle des Materials, das den wichtigsten Beitrag von Julius Robert Oppenheimer umgibt, praktisch eine Randfigur ist. Wird der Betrachter durch die Politik des Zweiten Weltkriegs angeregt, wenn die traditionelle Kriegsbegeisterung nicht präsent ist? Interessiert man sich für die Spionagespiele des Kalten Krieges, wenn sie nur in Dialogen dargestellt werden? Oder die gewaltigen, zerstörerischen Kräfte der Atombomben, wenn sie nur als Nachwehen gezeigt werden, und selbst dann nur reaktionär, da tatsächliches Archivmaterial und Fotos dem Bildschirm vorenthalten werden? "Sie haben das Atom gespalten!"

Einige der Diskussionen zwischen Genies, Militärs und Anzugträgern sind leicht humoristisch, während die Darbietungen rundum erstklassig sind. Doch das Melodrama zu Beginn, gefolgt von einem "Reds"-Niveau an politischen Kommentaren und Intrigen, historischen Komponenten des Manhattan-Projekts, geheimen Angelegenheiten, dem Verdacht auf Maulwürfe, militärischer Kontrolle, einem gestörten Privatleben, der Eile, die Bombe zu testen, einem bürokratisch inszenierten Rufmord und einem Showdown vor einem Känguru-Gericht, die zu den Grundpfeilern eines Justizthrillers gehören, sowie den Unzulänglichkeiten des Vermächtnisses polstern die Prämisse zu einem gigantischen Grad auf. Es gibt quasi drei verschiedene, vollständige Filme in diesem ridikül überlangen Werk, jeder mit einem anderen Genre und einer anderen Thematik, die nichts mit den vorangegangenen Kapiteln zu tun haben - natürlich in der falschen Reihenfolge.

Das Beste an diesem kolossalen Biopic ist der spannungsgeladene Aufbau des 'Trinity'-Tests, der sich theatralisch zu einem der großen Höhepunkte entwickelt. Die Wissenschaft ist, obwohl sie nie im Detail behandelt wird, ziemlich faszinierend. Allerdings ist es ein merkwürdiger Irrtum, ihn zu weit weg vom eigentlichen Schluss zu platzieren - die Auflösung ist eine der langatmigsten, sukzessivesten und unspektakulärsten aller dritten Akte. Es nutzt auch nichts, dass die Schauspieler, obwohl sie talentiert sind, keine Helden sind, weil sie alle eigennützig, korrupt, hinterhältig oder einfach nur despektierlich sind. Julius Robert Oppenheimer, der Mensch, ist insgesamt weniger wichtig als seine Erfindung, ihre Auswirkungen auf die Welt und die fatalen Folgen ihrer Anwendung. "Oppenheimer" kann nicht wirklich als abschreckende Geschichte bezeichnet werden (vielleicht im Nachhinein), aber es ist nicht ohne historischen, biografischen und pädagogischen Wert, da Christopher Nolan eine ausführliche Hintergrundgeschichte erforscht. Der einzige Haken daran ist, dass das Ganze nicht besonders unterhaltsam ist.

In "Monster aus dem All" von Regisseur Kinji Fukasaku entdeckt die Raumstation 'Gamma 3' während eines routinemäßigen Wettervideoberichts einen massiven Asteroiden der Klasse 2 namens 'Flora' auf Kollisionskurs mit der Erde. In weniger als 10 Stunden wird er einschlagen. Die einzige Möglichkeit besteht darin, ihn aus der Umlaufbahn zu sprengen, was den furchtlosen, aber egoistischen Piloten Commander Jack Rankin (Robert Horton) dazu veranlasst, sich freiwillig zu melden, um das Ziel mit Raketen zu zerstören - eine Mission, die sich als tödlich erweisen könnte, wenn er es nicht schafft, sich rechtzeitig aus dem Explosionsradius zu navigieren.

Die Miniaturen sind schmerzlich sichtbar, schweben vor blauem Papier für den Weltraum und sind so detailarm, dass sie wie Spielzeug für Kinder in der Badewanne aussehen. Metall sieht aus wie Plastik und Plastik sieht aus wie Papier. Auch die Beleuchtung ist nicht gerade zuträglich, denn sie taucht die bemitleidenswerten Requisiten in grelles Fernlicht, das jegliches Potenzial für atmosphärische Spannung zunichtemacht. Der Greenscreen und die Laserbolzen sind ebenfalls von stümperhafter, minderwertiger Qualität. Die Oberfläche des Asteroiden ist besonders frotzelnd, mit leuchtenden Farben und aufgesprühten Schaumstofffelsen. Zudem tragen die weiblichen Charaktere Glitzerklamotten, auch wenn der Kontext nicht sehr weit in der Zukunft liegt. Die grünlich blubbernde Flüssigkeit, mit der sie zuerst konfrontiert werden, ist trotz ihres Neonglühens entsprechend eklig. Der Gesamtwert der Produktion von "Monster aus dem All" entspricht dem einer "Late Night Berlin"-Show mit Joko und Klaas.

Die Dialoge sind ähnlich ineffektiv, mit hohlem Fachjargon, ernsthaften Ausrufen, die geisttötend vorgetragen werden, und schwachköpfigen Erklärungen, die ohne jede Emotion dargeboten werden. Die Schauspieler sind ebenso versteift und unbeholfen. Wenn die Todesszenen schließlich kommen, müssen sich die Akteure Tentakel um den Hals wickeln, um einen Kampf zu simulieren, oder absichtlich ihre Helme gegen die ausgestopften Gliedmaßen schmettern, um Schläge abzuwehren. Zu seiner Verteidigung sei gesagt, dass "Monster aus dem All" einen leichtherzigen, an "Star Trek" angelehnten Sci-Fi-Kitsch bietet, der mit lachhaften Monstereffekten wie Entenquietschen, sich windenden, von Drähten gesteuerten Gummigliedern und sprudelndem smaragdgrünem Blut unterhält. Es ist schade, dass der Augapfel der Kreatur so unwirklich aussieht, dass ein einziger Gesichtspunkt für ein geringfügig gruseligeres Viech hätte sorgen können.

Der Titelsong und der dazugehörige Soundtrack sind unverschämt deplatziert, mehr noch als die Bildgestaltung und das Drehbuch. Eine Rockmelodie aus den 60er Jahren mit dem Titel 'Green Slime' von Richard Delvy eröffnet und beendet "Monster aus dem All" mit den Worten 'Green Slime', die wie das Titelstück von Queen's 'Flash Gordon' wiederholt werden. Dieses dämliche Machwerk, das komplett in den 'Toei Tokyo Studios' gedreht wurde, war auch unter dem Titel "After the Destruction of Space Station Gamma: Big Military Operation" (Nach der Zerstörung der Raumstation Gamma: Große Militäroperation) bekannt, was an sich schon sehr witzig ist.

In "Die Rache der Dinosaurier" von Regisseur Jim O'Connolly findet die 'Breckenridge Wild West Show' irgendwo südlich des Rio Grande zur Jahrhundertwende statt. Cowboys, Indianer, ein Wagen mit einem Lasso-Künstler, eine Postkutsche, jede Menge Pferde und Gewehre reiten durch eine kleine Stadt zu einer großen, wenn auch nicht sehr belebten Arena, wo sie eine spektakuläre Vorstellung geben, voller Schießereien, Feuer und Miss T.J. Breckenridge (Gila Golan) persönlich, die auf einem Pferd von einer hohen Plattform in ein von Flammen umgebenes Wasserbecken springt. Es ist ein herrlicher Anblick, auch wenn dieses große Highlight nur zögerlich zustande kommt, als T.J. Breckenridge den ewig egozentrischen, eingebildeten Geschäftemacher, ehemaligen Angestellten und alten Freund Tuck Kirby (James Franciscus) erblickt. "Wenn es nicht ins verbotene Tal zurückkehrt, werden wir alle ein schreckliches Schicksal erleiden."

Tuck Kirby hat ein lukratives Angebot für die von ihm verlassenen Mätresse, aber T.J. Breckenridge will nichts mit ihm zu tun haben, obgleich ihre Karriere mit erheblichen gesundheitlichen Risiken und schwindenden Erträgen verbunden ist. Als Tuck Kirby bei dem Versuch, seinen jungen Assistenten Lope (Curtis Arden) zu retten, der sich leichtsinnigerweise in den Ring verirrt, von einem Stier verletzt wird, ändert sie plötzlich ihre Meinung. Ohne jeglichen Verstand und ohne die Verbitterung eines romantischen Verrats nimmt sie nicht nur sein Anerbieten an, sondern enthüllt auch ihren wertvollsten Schatz: Eine neue Attraktion namens 'El Diablo', ein Pferd von der Größe einer Hauskatze, ein 'Eohippus', um genau zu sein. Doch wenn zu viele skrupellose Menschen von dem winzigen Vierbeiner erfahren, das eigentlich nicht mit wahllosen Mitmenschen geteilt werden sollte, ist Unheil garantiert. "Es geht ums Geschäft!"

Das Mini-Pferd stammt aus dem Verbotenen Tal, in dem, wie zu erwarten, seit Jahrtausenden unversehrte, dinosaurierähnliche Ungetüme beheimatet sind. In diesem Pseudo-Monumental voller imposanter Kulissen und begleitet von der gewaltigen Musik von Jerome Moross erhält der König der visuellen Effekte, Ray Harryhausen, die Gelegenheit, seine virtuosen Animationskünste zu zeigen. Leider ist die Palette der Kreaturen nicht besonders umfangreich oder kreativ, während die Stop-Motion-Technik selbst eine gewisse Primitivität erkennen lässt, die mit der Ära und den allgemeinen Beschränkungen der späten 60er Jahre einhergeht. In einer Sequenz mit einem Pterodactylus erweist sich eine Nahaufnahme mit einem kautschukartigen Requisitenkopf als spannender als die Flugaufnahmen. Der größte Nachteil von "Die Rache der Dinosaurier" in diesem Bereich ist vielleicht die Existenz ähnlicher Exemplare in "Eine Million Jahre vor unserer Zeit", mit besseren Motiven und weitaus kompetenteren Schauspielern, die natürlich das Maximum aus dem Defizit an Dialogen herausholen. Selbst ihre ungestümen Kämpfe wirken weder besonders lebendig noch unvorhersehbar.

Die Handlung gleicht desillusionierend der von "King Kong", und die Darsteller, insbesondere Gila Golan, sind entschieden hinlänglich. Es ist flagrant, dass die Hauptidee lediglich darin besteht, westliche Muster mit Dinosauriern zu fusionieren - etwas zugegebenermaßen Einzigartiges und ein Alibi, um aus Ray Harryhausens Popularität weiter Kapital zu schlagen. Der Stil ist jedoch von einer Verspieltheit geprägt, die sich nie adäquat anfühlt. T.J. Breckenridge fällt es sichtlich schwer, jedes Szenario mit dem nötigen Ernst zu behandeln, während Tuck Kirby in den unpassendsten Momenten entweder zu optimistisch oder zu nonchalant bleibt. Tuck Kirby und sein Gefolge lassen sich trotz der offenkundigen Gefahren nicht von ihrer Jagd nach der Nebenattraktion abbringen. Eine Nebenhandlung, in der Tuck Kirby und T.J. Breckenridge von einer gemeinsamen Zukunft auf einer Ranch träumen, wirkt sogar verschroben und pharisäisch. Diese Art von erschreckend wenig überzeugenden, fadenscheinigen Charakteren ruiniert wirklich das, was ein aufregendes prähistorisches Abenteuer hätte werden können, bei dem die Rollen Menschen gezeigt hätten, die es wert gewesen wären, dass man sich für sie interessiert. Schließlich bieten sie praktisch keine Nahrungsquelle und die Zahl der Todesopfer ist äußerst gering. Wenigstens ist der Schluss destruktiv und chaotisch, auch wenn er sich mit einem Minimum an Originalität präsentiert. "Holen wir ihn uns für die Show!"

Für den dritten und letzten Sindbad-Film "Sindbad und das Auge des Tigers" von Regisseur Sam Wanamaker mit dem legendären Special-Effects-Gott Ray Harryhausen haben Regisseur, Hauptdarsteller und Musikkomponist noch einmal gewechselt, um die unterschiedlichen Handlungsstränge und Charaktereigenschaften zwischen den drei auffallend verschiedenen Episoden zu verstärken. Der einzige verbindende Faktor ist Ray Harryhausens monumentale Stop-Motion-Animationskunst. Patrick Wayne ist eine Mischung aus dem burschikosen, unbekümmerten Charme von Kerwin Mathews und der schrofferen, realistischeren Version des tapferen Seemanns von John Phillip Law. Jane Seymour als Heldin passt optisch besser in die Rolle als die beiden vorherigen Jungfrauen in Not, während der einzige zurückgekehrte Schauspieler, Kurt Christian, die Rolle eines völlig anderen Charakters übernimmt.

In der Hafenstadt, in der Kapitän Sindbad (Patrick Wayne) und seine Mannschaft angelegt haben, grassiert eine Seuche. In der Stadt ist Prinz Kassim (Damien Thomas) noch nicht zum König gekrönt worden, da ein dunkler Fluch auf seiner Seele lastet. Seine Schwester Prinzessin Farah (Jane Seymour) und Onkel Balsora (Bruno Barnabe) sind sich sicher, dass die suspekte, böse Stiefmutter, Königin Zenobia (Margaret Whiting), hinter Kassims schrecklicher Verwünschung steckt.

Nachdem sie alle Weisen und Alchemisten der Stadt konsultiert hat, scheint Farah die Hoffnung schon fast aufgegeben zu haben, bis Sindbad sich daran erinnert, dass er Gerüchte über den berühmten griechischen Weisen, Wissenschaftler und Philosophen Melanthius (Patrick Troughton) gehört hat, der den Bann sicherlich aufheben kann. Seine Lage auf einer weit entfernten Insel macht eine sofortige Anreise notwendig, aber auch gefährlich. Als Kassim durch eine hinterhältige Hexerei in einen Pavian verwandelt wird, wird er in einem juwelenbesetzten Käfig an Bord des Schiffes gebracht, wo sich Zenobia und ihr Sohn Rafi (Kurt Christian), der zum neuen Kalifen gekrönt werden will, mit ihrem besessenen Bronzekoloss, dem Halbmenschen und Halbbullen Minoton, auf die Jagd machen. Als Sindbad bei den verlassenen Königsgräbern auf 'Casgar' ankommt, wird er von Dione (Taryn Power), der Tochter von Melanthius, begrüßt, die durch Telepathie kommunizieren kann. Melanthius schließt sich Sindbad und seiner Mannschaft an, um zum abgelegenen, eisigen Tal von 'Hyperborea' im westlichen Ozean nahe den keltischen Inseln zu segeln, wo der Schrein der vier Elemente die Möglichkeit bietet, Kassims Verwandlung rückgängig zu machen. Doch die Zeit drängt, denn je länger der Prinz ein Primat bleibt, desto größer ist die Gefahr, dass er jede Verbindung zu seiner Menschlichkeit und seinem Gedächtnis verliert.

Insgesamt lenkt die schauspielerische Leistung weitgehend von der abenteuerlichen Prämisse ab und reißt den Betrachter aus der Fantasie, wenn dumpfe Sätze ohne Elan heruntergeleiert werden. Eine besonders unerfreuliche Szene ereignet sich, als ein insuffizienter Melanthius die Hexe Zenobia verhört und ihr versehentlich alle Geheimnisse Sindbads verrät. Auch das Tempo stimmt nicht, denn dieser dritte Teil hat die längste Laufzeit der Reihe und Ray Harryhausens animierte Monstrositäten sind viel zu abgemagert dargestellt. Insbesondere das Finale am Zielort im Inneren des gewaltigen Pyramidenschreins ist sehr langatmig und monoton, da immer wieder auf Gesichter und Mimik zurückgeschnitten wird, anstatt sich auf die Handlung zu fokussieren.

Auch die Monster selbst sind nicht so beeindruckend wie in den früheren Werken von Ray Harryhausen. Sie bestehen aus insektenähnlichen Humanoiden, die mit Schwertern herumfuchteln, um eine Anbindung an den Schauplatz vorzutäuschen, einem gepanzerten Stier, einem einfachen Anthropoiden, einem troglodytischen Höhlenmenschen und einer übergroßen, aber alles andere als spektakulären Biene. Die verschneiten Orte sind gleichermaßen inspirationslos. Ein riesiges Walross und ein Säbelzahntiger sorgen für etwas Abwechslung, aber es genügt nicht, um diesen letzten Teil der Sindbad-Saga zu einem würdigen Abschluss zu machen.

In "Sindbads gefährliche Abenteuer" von Regisseur Gordon Hessler wird ein fledermausartiger Drache, der über einem Schiff schwebt, beschossen, woraufhin er eine goldene Kugel auf das Deck fallen lässt, die sich Kapitän Sindbad (John Phillip Law) um den Hals hängt. Es scheint die Erscheinung einer weiblichen Mystikerin mit auf die Handflächen tätowierten Augen heraufzubeschwören, zusammen mit einem hochgewachsenen, düsteren Zauberer, dessen wallender Mantel sie umhüllt. In dieser Nacht wird Sindbads Schiff in einem heftigen Sturm gegen Felsen geschleudert, bevor es die Küste Arabiens erreicht.

Als Sindbad an Land schwimmt, wird er von dem schwarzen Magier Prinz Koura (Tom Baker) und seinem treuen Diener Achmed (Takis Emmanuel) konfrontiert, die das Amulett zurückfordern. Sindbad flieht vor den Toren der Stadt in den sicheren Palast des verstorbenen Sultans, wo ihn der Großwesir (Douglas Wilmer) über die Gefahren von Koura und dessen Beherrschung der finsteren Mächte aufklärt. Ein kryptischer Seekartenschlüssel, bestehend aus drei goldenen Tafeln, enthält den Standort einer mächtigen Waffe, die Sindbad auf einer epischen Reise zur mythischen Insel 'Lemulia' zurück aufs Meer lockt. Als Kouras 'Homunkulus'-Spion die Mission an den teuflischen Zauberer verrät, kommt es zu einem Wettlauf, bei dem Sindbads Mannschaft ein bemerkenswertes Duo gewinnt: Den Faulpelz Haroun (Kurt Christian) und die Sklavin Margiana (Caroline Munro), die zufällig eine Tätowierung auf ihrer Hand hat.

John Phillip Law erweist sich als ein viel authentischer aussehender Sindbad als sein Vorgänger (Kerwin Mathews), mit Gesichtsbehaarung, einer dunkleren Bräune und einer insgesamt raueren, verwitterten Visage. Außerdem trägt er einen Turban. Er befiehlt an der Seite des zerstreuungssüchtig gewandeten Wesirs, der einen Metallhelm trägt, der dem bärtigen Gott 'Jupiter' nachempfunden ist und sein verkohltes Fleisch bedeckt. Zudem zeigt Caroline Munro, die ihre Dialoge mechanisch und unauthentisch vorträgt, viel nacktes Dekolleté und Bauchmuskeln. Unterdessen verwest Kouras Körper langsam, während er von seiner jenseitigen Allianz mit den Dämonen der Finsternis verzehrt wird, wie in das "Das Bildnis des Dorian Gray". Auch die Seriosität des Drehbuchs ist eine positive Veränderung, die im Vorgänger nicht so hoch ausgeprägt war.

Ein unentrinnbares Schicksal, unbeirrbarer Heldenmut und ein wenig Hilfe von 'Allah' komplettieren dieses abenteuerliche zweite Kapitel der sagenumwobenen Fahrten von Sindbad dem Seefahrer. "Sindbads gefährliche Abenteuer" wurde von Ray Harryhausen, der Autorität der Stop-Motion-Monsteranimation, produziert und enthält mehrere neue riesenhafte Monstertypen, die sich wunderbar in die Live-Action einfügen. Das markanteste ist die tanzende, sechsarmige, schwertschwingende Götterstatue. Der Tanz demonstriert die erstaunlich geschmeidigen Bewegungsabläufe der optisch hartnäckigen Technik, während der Schwertkampf die Effektivität der choreografierten Zusammenarbeit mit den fast perfekt integrierten Modellen durch Nahaufnahmen, Schnitte und filigrane Details zeigt. Die kunterbunte unterirdische Kulisse, die an "Die Reise zum Mittelpunkt der Erde" anmahnt, mit dem kulminierenden Schlachtfeld des Jungbrunnens, eignet sich auch hervorragend für die Actionsequenzen, deren Höhepunkt ein Duell zwischen einem stattlichen Greif und einem haarigen Zyklopen-Zentaur ist. Leider können das Volumen der Kreaturen und die Fights nicht mit "Sindbads siebente Reise" konkurrieren, aber diese mittelbare Fortsetzung ist nichtsdestotrotz eine sehr gelungene Produktion.

In "Sindbads siebente Reise" von Regisseur Nathan Juran sind Kapitän Sindbad (Kerwin Mathews), sein erster Maat Harufa (Alfred Brown) und seine Mannschaft auf dem Meer verschollen, hungrig und verzweifelt auf eine Sichtung von Land. In der nebligen Nacht erspäht Sindbad schließlich eine Berglandschaft, die sie im Morgengrauen erkunden wollen. Seine Fracht ist die wunderschöne Prinzessin Parisa (Kathryn Grant), die er von ihrem Palast im Königreich 'Chandra' nach Bagdad bringt, wo die beiden verheiratet werden sollen. Am nächsten Morgen gibt es reichlich Obst und frisches Wasser, aber auch einen unheimlichen Hufabdruck. Als die Männer das Ufer absuchen, entdecken sie eine uralte Felsstruktur, in der ein monströser gehörnter Zyklop und Sokurah (Torin Thatcher), ein mutmaßlicher Zauberer, leben.

Sindbad entkommt nur knapp den Fängen des einäugigen Hünen und kehrt nach Bagdad zurück. Doch der gerettete Zauberer verliert eine magische Lampe, die er streng bewacht hat, und wünscht sich nichts sehnlicher, als auf die Insel 'Colossa' zurückzukehren, um das geliebte Objekt zurückzuholen. Der Kalif von Bagdad (Alec Mango) hält die Mission für zu gefährlich, ist aber dennoch gezwungen, ein Schiff, eine riesige Armbrust und Nachschub zu besorgen, als Sokurah die Prinzessin mit schwarzer Magie auf Puppengröße schrumpfen lässt und behauptet, das einzige Heilmittel sei ein Stück Eierschale des riesigen, zweiköpfigen Rabenvogels, den es nur auf 'Colossa' gibt. Im Kampf gegen die Meuterei, Sokurahs böses Komplott, heulende Harpyien und vieles mehr muss Sindbad seinen ganzen Mut zusammennehmen, um den Bann zu brechen und triumphierend von der tückischen Insel zu kommen.

Die Einführung des Zyklopen ist ikonisch und exzitativ - eine denkwürdige Bestie in einem Projekt, das die Möglichkeiten von Monsterfilmen an jeder Ecke neu erfindet und definiert. Doch das ist nur eines der vielen Ungeheuer, die "Sindbads siebente Reise" bevölkern - eine Kobrafrau, ein Vogeldinosaurier, ein feuerspeiender Drache und ein besessener Skelettkrieger runden die mutierten Ausgeburten ab. Und jedes Exemplar ist ein absoluter Augenschmaus. 'Dynamation', die Bezeichnung des Special-Effects-Designers Ray Harryhausen für die Stop-Motion-Animation, ist wirklich die beste der zahlreichen Bemühungen, die Konzepte von Filmmonstern zu revolutionieren und eine realistischere, reizvollere und detailliertere Methode zur Illustration von überdimensionalen, lebenden Organismen zu schaffen. Sein Werk inspirierte etliche Imitatoren, aber keiner von ihnen konnte es mit dem Erfindungsreichtum seiner Konfigurationen, der Sorgfalt der Proportionen und der Komplexität der Dynamik aufnehmen. Sogar die Kulissen sind außergewöhnlich, mit unzähligen winzigen Objekten, die für die Interaktion der kleinen Parisa vergrößert wurden und durch das Innere der Lampe hervorgehoben werden, zusammen mit prekären Außenbereichen wie einem großen Vogelnest, der Grotte des Zyklopen und steilen, felsigen Klippen.

Die Schauspielleistungen sind manchmal unter dem Durchschnitt, aber meistens werden die Dialoge mit Inbrunst vorgetragen und die Darsteller sehen in ihren Rollen überzeugend aus. Torin Thatcher ist ein großartiger Bösewicht, der sein Bestes gibt, um die Dominanz von Ray Harryhausens Geschöpfen herauszufordern. Kerwin Mathews erweist sich mit seinem Charme und Witz als adäquater Held, und Kathryn Grant wird regelmäßig zu mehr als der obligatorischen hübschen Erscheinung - ihre Figur ist im geschrumpften Format sogar noch viel attraktiver. Mit Bernard Herrmanns dröhnender, sofort wiedererkennbarer, fetziger Filmmusik und einer Fülle von packenden Schwertkämpfen ist "Sindbads siebente Reise" eine gelungene Kombination aus Fantasie, Abenteuer und Spezialeffekten, die in ihrer Gesamtheit gegen die erwarteten Alterserscheinungen immun sind.

Auch wenn er nicht als Klassiker des Genres gilt, ist "Kampf der Titanen" von Regisseur Desmond Davis eines der eindrucksvollsten Werke des Monsterfilm-Zauberers Ray Harryhausen, der eine besonders interessante Fiktion der griechischen Mythologie, die zahlreiche populäre Sagen adaptiert, mit ikonischer Stop-Motion-Animation verbindet. Eine bemerkenswerte Besetzung, kreative Kreaturen, ein mitreißender Score von Komponist Lawrence Rosenthal und ein episches Ambiente machen diesen Götter-und-Monster-Mix zu einem großen Spaß trotz medioker Darbietungen und dämlicher Dialoge. Selbst wenn Ray Harryhausens Kunstform veraltet ist, sind der Realismus der Technik und die markanten, individuellen Designs nahezu unübertroffen.

Der ungerechte Tyrann Acrisius von 'Argus' wirft seine Tochter Danae (Vida Taylor) und ihren kleinen Sohn Perseus in einem prunkvollen Sarg bei lebendigem Leib ins Meer. Was der maligne König nicht weiß, ist, dass die mächtigen Götter auf dem Olymp über sein Tun wachen, und ihr Oberhaupt Zeus (Lawrence Olivier) fordert Rache, denn Perseus ist, nicht ganz so heimlich, sein Sohn. "Lasst den Kraken frei!", befiehlt er Poseidon (Jack Gwillim), dem Gott des Meeres. 'Argus' wird vernichtet, und die dahintreibende Mutter und ihr Sohn werden weit weg an Land gesetzt.

Perseus (Harry Hamlin) wächst an einem tropischen Strand auf, immer unter dem wachsamen und allmächtigen Auge von Zeus. Thetis (Maggie Smith), die Göttin der Schöpfung, wacht auch über ihren eigenen Sohn Calibos (Neil McCarthy), der in eine entstellte Bestie verwandelt wird, als Zeus von seiner Grausamkeit gegenüber seinem Volk erfährt. Obwohl Thetis die Entscheidung nicht rückgängig machen kann, bringt sie Perseus in ein Amphitheater in der Stadt 'Joppa' im Königreich 'Phoenicia', wo er sein Schicksal erfüllen und den verfluchten Calibos treffen wird. Im Laufe seiner heldenhaften Odyssee muss Perseus ein Rätsel lösen, um die Hand von Prinzessin Andromeda (Judi Bowker) zu erlangen, die ursprünglich Calibos versprochen war, und er muss die blinden stygischen Hexen und die Gorgone Medusa bekämpfen und einen Weg finden, seine Prinzessin vor einem Menschenopfer an den Kraken zu retten.

Perseus wird immer von Zeus geleitet, der ihn mit einem magischen Helm, Schild und Schwert und später mit einem mechanischen Vogel ausstattet, der zwitschert und pfeift. Bubo, die Eule, ist eindeutig an 'R2-D2' aus "Krieg der Sterne" angelehnt - beide Figuren haben ähnliche Manierismen und Soundeffekte, sorgen für leichten Humor und werden allein von der Hauptfigur verstanden. Ebenfalls an der Comedy-Front ist Burgess Meredith, der den Dramatiker und Dichter Ammon darstellt, eine Rolle, die kaum nötig ist und eine extravagante Geschichte ins Lächerliche zieht, die definitiv keine weitere Hilfestellungen braucht, um unplausibel oder blödsinnig zu sein. Doch ungeachtet der unleugbar schnulzigen Dialoge und der wenig überzeugenden Green-Screen-Technik bietet "Kampf der Titanen" eine faszinierende Prämisse aus der griechischen Mythologie, die vor beeindruckenden Fantasiebildern nur so trieft, darunter der skelettierte Fährmann des Flusses 'Styx', der zweiköpfige Hund Dioskilos, Pegasus, das geflügelte Pferd, und die beste Filmversion der schlangenhaarigen Medusa die es jemals gab.

Obwohl sich die Landung der ersten Mondlandefähre hinzieht, wird keine Zeit damit verplempert, dass Regierungsvertreter auf der Erde Missionsjargon sprechen. "Die erste Fahrt zum Mond" von Regisseur Nathan Juran beginnt gleich mit Astronauten, die den kratergefüllten Trabanten betreten, bevor sich herausstellt, dass die eigentliche Geschichte vor langer Zeit beginnt und nicht nur im erdgebundenen England spielt, sondern auch die Schauplätze auf dem Mond etwa eine Stunde später wieder aufgreift. Es dauert sogar noch länger, bis die Monster von Ray Harryhausen, dem Maestro der visuellen Spezialeffekte, zum Vorschein kommen, und die vorherrschenden Mondbewohner, die 'Seleniten', zählen nicht, da sie nur kleine Schauspieler in Latexkostümen und Masken sind.

Das Mutterschiff 'UN-1' schickt sein Erkundungsteam in der Kleinraumfähre 'Only Child' aus, um die Oberfläche des Mondes zu erkunden. Sergeant Andrew Martin (Gordon Robinson) ist der erste Mann auf dem Mond, und diese Großtat wird auf der ganzen Welt gefeiert. Doch als eines der Besatzungsmitglieder eine verschlissene britische Flagge und ein Stück Papier, eine Gerichtsvorladung mit der Jahreszahl 1899 und dem Namen Katherine Callendor (Martha Hyer), findet, sind sie ratlos, wie ein solches Artefakt auf den bisher unzugänglichen Planeten gelangt sein könnte.

Die Weltraumbehörde der Vereinten Nationen schickt mehrere Forscher nach 'Dymchurch', England, um nach den Informationen von Katherine Callendor zu suchen, die sie wiederum zu Arnold Bedford (Edward Judd) führen, einem älteren, senilen Mann in einem Pflegeheim. Als die Agenten ihm Fotos von den Mondobjekten zeigen, erzählt er seine Erinnerungen an seine Reise ins All vor so vielen Jahren und verwandelt den Hauptteil der Handlung in eine pedantische Rückblende. Er war ein ambitionierter Dramatiker, der hoffte, seinen zahlreichen Gläubigern zu entkommen, indem er sich auf dem pittoresken, abgelegenen Familiensitz 'Cherry Cottage' versteckte. Der aufgeregte, tollpatschige und sektiererische Wissenschaftler Joseph Cavor (Lionel Jeffries) führt auf dem Nachbargrundstück ziemlich gefährliche Experimente durch, bei denen es um die Herstellung von 'Cavorit' geht, einer metallischen Paste, die die Schwerkraft von Gegenständen aufheben kann, die mit dieser Vaseline eingeschmiert sind. Während Arnold Bedford darüber nachdachte, die Erfindung an die Armee zu verkaufen, um sie für die Herstellung von Stiefeln zu verwenden, war Joseph Cavor damit beschäftigt, zum Mond zu reisen, wo Goldnuggets auf der zerklüfteten Kugel verstreut sind wie Korinthiaki in einem Obstkuchen. Tatsächlich hatte er schon seit mehreren Jahren ein sphärisches Raumschiff gebaut und wollte auf eine Expedition fliegen, noch bevor 'Cavorit' operationell war. Als er sich mit dem enthusiastischen Arnold Bedford auf die Reise vorbereitete, wurde seine Verlobte Katherine Callendor versehentlich auf die große Spritztour mitgenommen, auf der sich bald herausstellte, dass der Mond von insektoiden Wesen bewohnt war.

Lionel Jeffries übertreibt es in seiner Rolle als verrückter Wissenschaftler bis zur Vollidiotie, ähnlich wie Peter Cushing in "Der sechste Kontinent", der kaum aufhören kann zu zucken, zu murmeln und über seine Worte zu torkeln, während Edward Judd als intriganter Kanaille dargestellt wird, der seine Lebensgefährtin belügt und seinen Vermieter betrügt. Martha Hyer ist die einzige sympathische Figur, obwohl sie sich durch ihre Gedankenlosigkeit immer wieder in die Nesseln setzt und ihre Situation kaum ernst nimmt. In der Zwischenzeit finden minderwertige komödiantische Elemente ihren Weg in "Die erste Fahrt zum Mond", was insofern widernatürlich ist, da der Grundton des Films durchgehend feuchtfröhlich bleibt, selbst wenn Ray Harryhausens spektakuläre Stop-Motion-Kämpfer endlich einen Auftritt haben. Im Hinblick auf seine anderen Fantasy-Werke gibt es verhältnismäßig wenige Ungeheuer.

Zu den weiteren augenfälligen optischen Macken gehört die Landung der Kugel, die ziemlich schnakig aussieht, da sie wie ein Papierknäuel über das Terrain purzelt. Außerdem scheint die gepanzerte Kapsel nicht genug Platz für den Einbau eines Klosetts zu haben, auch wenn der Flug nur ein paar Minuten dauert. Zudem ist es für ein Science-Fiction-Projekt recht untypisch, dass die Raumanzüge der Mondläufer keine Handschuhe haben, so dass ihre Hände der rauen Atmosphäre ausgesetzt sind. Zu allem Elend schafft es Katherine Callendor, während ihrer unbeaufsichtigten Gefangenschaft ein Nickerchen zu machen, was die mangelnde Objektivität ihrer jenseitigen Misere noch unterstützt. Von der Handlung lehnt sich der Roman von Herbert George Wells jedoch recht eng daran an, wobei die Auswirkungen des Krieges, die Feindseligkeit der Menschen, die Spezialisierung auf 'Selenit'-Zucht und die Rückreise ohne Joseph Cavor beibehalten wurden. Das Fazit ist jedoch anstandslos von Herbert George Wells' anderem berühmten Buch, "Der Krieg der Welten", plagiiert.

In "Herr der drei Welten" von Regisseur Jack Sher ist die bleichäugige Elizabeth (June Thorburn) angepisst auf Kapitän Pritchard (Noel Purcell) im englischen 'Wapping' von 1699, weil er den Arzt Dr. Lemuel Gulliver (Kerwin Mathews) dazu drängt, Schiffsarzt zu werden - ein abenteuerlicheres und wohlhabenderes Leben als die Schufterei in der kleinen Stadt, in der es mehr um schlechte Berufe als um Glück geht. Sie ist verliebt und will sich lieber um Lemuel Gulliver kümmern, als ihn an Kannibalen in Ostindien zu verlieren, doch er ist stets damit beschäftigt, ihr ein besseres Leben zu ermöglichen und sich nicht um irgendwelche Schulden zu kümmern. "Geld! Ist das alles, woran du denken kannst?"

Fast sofort sticht er in See, fällt aber während eines Sturms über Bord und wird auf einer fremdartigen Insel namens 'Lilliput' an Land gespült. Bevor Lemuel Gulliver das Bewusstsein wiedererlangt, wird er von einer Armee winziger Menschen, die etwa so groß sind wie sein Daumen, oder 1.728 ihrer Bürger, gefesselt und an den Boden gebunden. Der Kaiser von Lilliput (Basil Sydney) kommt, um zu verhandeln, und stellt bald fest, dass der Riesendoktor keine Bedrohung darstellt, sondern sogar als Arbeiter und Waffe nützlich sein könnte. Doch als der Kaiser von Lemuel Gulliver verlangt, den Feind in 'Blefuscu', einem flachen Gewässer, zu vernichten, muss der Arzt entscheiden, wie er am besten mit den Kriegsparteien, der absurden Innenpolitik und einem Verbündeten, Reldresal (Lee Patterson), der eigentlich nur zu seiner Geliebten Gwendolyn (Jo Morrow) zurückkehren will, umgehen soll.

Basierend auf der Geschichte von Jonathan Swift muss Lemuel Gulliver mit vielen ulkigen, infantilen kleinen Schwierigkeiten fertig werden und die Geduld des Betrachters an der Seite des Riesen auf die Probe stellen, der alle seine Probleme lösen könnte, wenn er nur bereit wäre, ein paar ennuyante ameisengroße Liliputaner zu zerquetschen. Auf familienfreundliche Weise versucht Lemuel Gulliver, den rachsüchtigen, narzisstischen Anführer zur Vernunft zu bringen, indem er die mit den aufhetzenden zusammenhängenden Kriegshandlungen ohne Verluste und mit dem einen oder anderen fröhlichen Lied löst. Aufgrund seiner enormen Körpergröße und Kraft wird er schließlich zu einer Art Götterfigur, aber das macht ihn zu einem leichten Ziel für Anbetung und Tadel.

In "Herr der drei Welten" geht es auf brillante Weise um mehr als nur darum, dass Lemuel Gulliver Streitigkeiten zwischen mundgerechten Menschen schlichten kann. Auf der anderen Seite des Atlantiks, im Land 'Brobdingnag', herrscht der entgegengesetzte Konflikt: Hier ist Lemuel Gulliver winzig klein und ein Gefangener und Bauer von noch größeren Leuten. Aber selbst in dieser neuen Welt fühlen sich die Dilemmas wesenlos an, es ist ein großes Abenteuer mit eher liederlichen Eskapaden. "Erwachsene sind dumm!"

Doch mit Ray Harryhausens optischen Spezialeffekten, zu denen auch ein monströses, stampfendes Eichhörnchen gehört, und Bernard Herrmanns hervorragend szenischer Filmmusik, in der sich verspielte Melodien mit Horrorfilmklängen abwechseln, bietet "Herr der drei Welten" eine klassische Fantasievorlage, die vielleicht an "Alice im Wunderland" erinnert, voller wertvoller Lektionen über Moral und die menschliche Natur. Außerdem sind die elefantösen Requisiten und Kulissen äußerst beflügelnd. Auch das Finale ist recht zufriedenstellend, obwohl es Lemuel Gullivers Reisen als etwas weniger als eine tatsächliche Odyssee durch fantastische Reiche und satirische Königreiche darstellt und nur die ersten beiden Reisen abdeckt, so dass es viele Möglichkeiten für Fortsetzungen gab, die leider nie verwirklicht wurden.

In "Die geheimnisvolle Insel" von Regisseur Cy Endfield unternimmt eine Gruppe gefangener Soldaten im Militärgefängnis 'Libby' während der Belagerung von Richmond, Virginia, im Jahr 1865 einen gewagten Fluchtversuch. Captain Cyrus Harding (Michael Craig), Herbert Brown (Michael Callan) und Corporal Neb Nugent (Dan Jackson) werden zusammen mit dem neu aufgenommenen Häftling, dem Unions-Kriegskorrespondenten Gideon Spilitt (Gary Merrill) vom New York Herald, von ihren konföderierten Wachen eingeholt und an Bord eines Heißluftballons gebracht. Als sie abheben, klettert auch der feindliche Soldat Sergeant Pencroft (Percy Herbert) hinein. Als Gegenleistung für ihre Hilfe beim Lotsen und Landen ihres Transportes erklären sie sich bereit, die politischen Meinungsverschiedenheiten zu ignorieren.

Nach mehreren Tagen im Beobachtungsballon, in denen sie durch einen extrem turbulenten Sturm navigieren und ihre Landemöglichkeiten beeinträchtigt sind, verlieren sie allmählich das Gas und müssen den Korb abtrennen. Als sie sich am Seil festhalten, stürzen sie ins Meer, glücklicherweise in Strandnähe, wo sie an Land gespült werden. Am nächsten Morgen macht sich Gideon Spilitt trotz der Abwesenheit des Kapitäns auf die Suche nach Nahrung und findet eine riesige Auster. Auf der anderen Seite der Küste entdecken sie ein Rauchsignal, das den Ort markiert, an dem sich der bewusstlose Körper von Cyrus Harding befindet. Unter dem Kommando des Kapitäns erkunden die fünf Männer die Insel und entdecken dabei überwucherte Vegetation und lebendige Natur sowie eine Riesenkrabbe, die die unvorbereiteten Jäger angreift. Bald wird klar, dass dieses fremde Land einige schreckliche Geheimnisse birgt.

Um die Sache aufzupeppen, findet das Quintett ein Wrack, in dem sich Lady Mary Fairchild (Joan Greenwood) und ihre Nichte Elena (Beth Rogan) befinden, die mit einem sehr kurzen Rock ausgestattet wird. Ihr männlicher Begleiter ertrinkt versehentlich während der Reise. Die Prämisse ist auch voll von visuellen Spezialeffekten des berühmten Animators Ray Harryhausen, der Kampfsequenzen mit gigantischen Vögeln, Bienen und Meeresbewohnern inszeniert. Leider gerät das Tempo manchmal ins Stocken und die Stop-Motion-Monstrositäten werden zu karg präsentiert.

Spannung und Aufregung lauern hinter jeder verwirrenden Entdeckung, wenn sie ankommen, aufbauend auf Themen aus Jules Vernes "Die Reise zum Mittelpunkt der Erde", während Isolation und Überlebenstechniken mit einer Anspielung auf "Robinson Crusoe" thematisiert werden. Auch Jules Vernes frühere Figuren und Schöpfungen aus "20.000 Meilen unter dem Meer" finden sich in der Geschichte wieder, vor allem wenn Kapitän Nemo (Herbert Lom) und sein U-Boot 'Nautilus' einen späten, aber wichtigen Auftritt haben. Witzigerweise sind die menschlichen Piraten indignierter als die kolossale Flora und Fauna, obwohl ein brenzliges Element von "Die geheimnisvolle Insel" ein Übermaß an Akteuren ist. Da nahezu keine Gefahr besteht, Mitglieder der Truppe zu verlieren, tragen die Nebenrollen kaum zur Handlung bei. Lady Mary Fairchild gibt nichts als leidiges Geflenne von sich, und Cyrus Hardings Erzählung ist völlig konkomitant. Dennoch ist "Die geheimnisvolle Insel" als lose Adaption des renommierten gleichnamigen Romans ein beachtenswertes Werk mit unvergänglichen Monstermomenten, die die Kollektion von Science-Fiction- und Fantasy-Abenteuern bereichern, die durch Ray Harryhausens visuelle Magie zum Leben erweckt wurden.

In "Eine Million Jahre vor unserer Zeit" von Regisseur Don Chaffey zoomt die Kamera durch Schichten von Rauch und Wolken und dann durch kaleidoskopische rote Farben, bevor sie sich auf einer Montage von ausbrechenden Vulkanen und Lava niederlässt. Es ist eine ungewöhnlich lange Einleitung, die trotz der bombastischen Überleitung in die Titelgrafik und der bedrohlichen Musik von Mario Nascimbene keine Vorfreude auf das kommende Abenteuer aufkommen lässt, sondern durchweg effektiv bleibt. Wenn der Name Ray Harryhausen fällt, der für die Spezialeffekte verantwortlich ist, ist die Begeisterung natürlich noch größer.

"Eine Welt am frühen Morgen der Zeit. Eine raue, unfreundliche Welt", sagt der Erzähler, während die Szene mit einer kargen Einöde voller schroffer Felsen und lauernder Raubtiere beginnt. Dann taucht ein schmutziger Höhlenmensch auf, der eine Falle für ein Wildschwein aufstellt. Er ist Mitglied eines kleinen Stammes primitiver Menschen, der von Akhoba (Robert Brown) und seinen Söhnen Tumak (John Richardson) und Sakana (Percy Herbert) angeführt wird. Sie sprechen in Grunz- und Stöhnlauten und kommunizieren auf eine begrenzte, aber verständliche Weise. Und sie haben nur eine Regel: Die Starken überleben und die Schwachen gehen zugrunde. Da der Erzähler die Struktur dieser primitiven Gesellschaft in etwas unnötigen Details beschreibt, wirkt "Eine Million Jahre vor unserer Zeit" zunächst wie eine Naturdokumentation.

Die Höhlenmänner und -frauen, die sich ständig um Nahrung und Platz streiten, was man mit Respekt übersetzen könnte, zanken sich bald um Reste von Wildschweinen, was dazu führt, dass Tumak aus seiner Höhle geworfen wird und buchstäblich von einer Klippe auf eine Baumkrone fällt. Am nächsten Morgen macht sich Tumak müde auf die Suche nach einem neuen Leben und neuer Nahrung und trifft im ersten von vielen Monsterkämpfen von Ray Harryhausen auf eine Riesenechse. In dieser ersten Spezialeffektsequenz kommt ein echtes Reptil zum Einsatz, das auf unterhaltsame Weise in die Aufnahmen des sich zurückziehenden John Richardson integriert wird, obwohl es sich nicht um eine der charakteristischen Stop-Motion-Kreationen von Ray Harryhausen handelt. Als nächstes kommt eine affenähnliche Wesenheit, die eindeutig ein Mann im Kostüm ist.

Es dauert jedoch nicht lange, bis ein animierter Dinosaurier auftaucht und einen Vorgeschmack auf den folgenden klassischen Monsterkampf gibt. Ein zusätzliches Highlight, das letztlich zur Hauptattraktion des ganzen Projekts wird, ist Loana (Raquel Welch), Mitglied eines Stammes blonder Fischer. Trotz des kontinuierlichen Ansturms gigantischer Widersacher - von Spinnen über Schildkröten bis hin zu tödlichen Carnivoren - ist es Raquel Welch in ihrem Pelzbikini und ihren knappen Kleidern, die "Eine Million Jahre vor unserer Zeit" unvergesslich machen.

Interessanterweise zeichnet "Eine Million Jahre vor unserer Zeit" für eine 'Hammer'-Produktion, die eher auf Unterhaltung als auf Bildung ausgerichtet ist, ein ziemlich umfassendes Bild des Lebens in der Antike - von den Gegensätzen zwischen friedlichen Sammlern und gewalttätigen Jägern über das Verständnis verschiedener Methoden der Teamarbeit und sozialer Schichten und die Evolution solcher Verhaltensweisen bis hin zum nackten Überleben in unbarmherzigen Landschaften, einschließlich blutiger Konfrontationen mit Dinosauriern. Es ist in der Tat eine brutale Welt, aber Raquel Welch, zusammen mit Martine Beswick als Stammesschönheit, schafft es immer, die Darstellungen zu mildern. Ein Kampf zwischen einem Triceratops und einem Tyrannosaurus-ähnlichen Ungeheuer, ein epischer Zickenkrieg, ein Pterodaktylus-Duell und der unvermeidliche Kampf zwischen den Stämmen halten das Tempo hoch, bis hin zum weltbewegenden Höhepunkt, der dieses Werk zu einem der bedeutendsten, einfachsten und herzlichsten aller prähistorischen Abenteuer macht.

Bester Film:
Die Jagd
Liebe
The Wolf of Wall Street
The Act of Killing
Dallas Buyers Club
We Need to Talk About Kevin
Der Geschmack von Rost und Knochen
Die Frau, die singt – Incendies
The Fighter
Systemsprenger

Bester Animationsfilm:
Your Name. - Gestern, Heute und für immer
Rango
Die Melodie des Meeres
Der Kongress
Loving Vincent

Beste Serie:
Fargo
Shameless
Better Call Saul
The Boys
Hannibal

Bester Schauspieler:
Mads Mikkelsen - Die Jagd
Song Kang-ho - Parasite
Matthew McConaughey - Dallas Buyers Club
Daniel Brühl - Rush – Alles für den Sieg
Johan Heldenbergh - The Broken Circle

Beste Schauspielerin:
Helena Zengel - Systemsprenger
Veerle Baetens - The Broken Circle
Kirsten Dunst - Melancholia
Kim Min-hee - Die Taschendiebin
Takako Matsu - Geständnisse

Bester Soundtrack:
Bohemian Rhapsody
The Hateful 8
Searching For Sugerman
Die Taschendiebin
Interstellar

"Das Grauen aus der Tiefe" von Regisseur Robert Gordon ist vielleicht der berühmteste Riesenkrakenfilm, der je gedreht wurde. Der Film ist ein klassischer Science-Fiction-Thriller, in dem Ray Harryhausens legendäre Stop-Motion-Monstrositäten hervorragend zur Geltung kommen. Als ob die Kämpfe gegen die Giganten nicht schon genug wären, schafft es der Film auch noch, eine dezente Liebesgeschichte und ein fesselndes Drama inmitten des Mutanten-Chaos unterzubringen. Obwohl "Das Grauen aus der Tiefe" in den längeren Recherchesequenzen etwas an Kraft verliert, ist er dennoch ein Meilenstein in der Geschichte des Monsterfilms und wegen seines Einflusses auf Projekte von "Der weiße Hai" über "Kampf der Titanen" bis "Cloverfield" auf jeden Fall einen Blick wert.

U-Boot-Kapitän Pete Mathews (Kenneth Tobey) wird während eines Routineeinsatzes von einer unbekannten Kreatur angegriffen, die ihn zwingt, für eine genauere Inspektion anzudocken. Zwei der besten Wissenschaftler der Welt, Professor Lesley Joyce (Faith Domergue) und Dr. John Carter (Donald Curtis), werden herangezogen, um eine Seemonstermasse zu untersuchen, die sich in den Schaufeln von Pete Mathews' Schiff verfangen hat. Nach 13 Tagen Forschung ist klar, dass die Marine es mit einem riesigen, wütenden, radioaktiven Kopffüßer zu tun hat. Nach mehreren Sichtungen und Angriffen rund um den Pazifik teilen sich Pete Mathews, Lesley Joyce und Dr. John Carter auf, um zu versuchen, das Untier aufzuspüren und zu vernichten. Während das Militär versucht, einen Torpedo zu bauen, der die Haut des Leviathans durchdringen kann, gelingt es ihm, an Land zu kriechen und die 'Golden Gate Bridge' zu zerstören, bevor er sich verheerend durch den Hafen schlängelt.

"Das Grauen aus der Tiefe" ist ein klassisches und zugleich kitschiges B-Movie, in dem es sofort zur Sache geht, als das U-Boot von Kapitän Pete Mathews von einem fiesen Teufelsfisch angegriffen wird. Doch kurz nach der bedrohlichen Eröffnung folgt ein langer Abschnitt, in dem die beiden leitenden Wissenschaftler stundenlang das bei dem Überfall gefundene Stück Haut untersuchen. Es ist eigenartig, dass in einem Low-Budget-Horrorfilm genügend Zeit für sinnloses Gequatsche und eine ständig florierende Romanze zwischen Recke und Intellektuelle vorhanden ist. Das mag an sich eine kompetente Nebenhandlung sein, aber sie passt nicht zum Fortgang des Tentakelwesens. Auch wenn "Das Grauen aus der Tiefe" nur 79 Minuten dauert, ist das Tempo eklatant mangelhaft.

Ray Harryhausens mehrarmiger Koloss, der aus Kostengründen eigentlich nur sechs Gliedmaßen hatte, ist definitiv der beste Grund, diese Produktion zu sehen. Erstaunlicherweise hat das Monster trotz seiner Veröffentlichung Mitte der 1950er Jahre nichts von seiner Grausamkeit oder seinem Gruselfaktor eingebüßt, dank der praktisch nicht mehr existierenden Stop-Motion-Animationstechnik, die es zum Leben erweckt hat. Einige der Szenen, in denen die dicken, glibberigen Tentakel des Ungeheuers über die 'Golden Gate Bridge' krabbeln und ein Fischerboot zum Kentern bringen, sind fast identisch mit Davy Jones' Kracken aus "Pirates of the Caribbean - Fluch der Karibik 2", nur dass die pulsierenden Saugnäpfe mit verbesserten Soundeffekten und mehr Schleim ausgestattet wurden. Doch die Spannung über die katastrophalen Auswirkungen auf Menschen und Gebäude ist hier nicht weniger intensiv als in neueren Projekten mit moderneren Spezialeffekten. Dies beweist, dass mit talentierten Filmemachern selbst eine archaische Form des Kreaturendesigns mit der zeitgenössischen Technologie mithalten kann.

Leider trüben ein paar Faktoren den Eindruck des Kraken-Antagonisten und seine offensichtliche Ableitung aus der Angst vor Atomwaffen. Die Dialoge sind, wie erwartet, mitunter durchschnittlich. Pete Mathews' Tändeleien mit der hübschen Wissenschaftlerin sind regelrecht artifiziell. Auch der Erzähler, der immer wieder interveniert, um den Betrachter durch Zeitsprünge auf dem Laufenden zu halten, schildert jedes Ereignis so, als sei es real, in der Hoffnung, den Betrachter zu einer ähnlichen Überzeugung zu bewegen. Letzteres ist nicht anders als bei "Blutgericht in Texas", "Blair Witch Project" oder zahlreichen anderen Filmen, die versuchen, Realismus und Spannung zu erzeugen, indem sie den Eindruck erwecken, dass die Bilder irgendwie auf Tatsachen beruhen. In diesem Fall ist es allerdings extrem armselig.

"Schmetterling und Taucherglocke" von Regisseur Julian Schnabel ist eine ergreifende Geschichte, die auf den Memoiren des 'Elle'-Redakteurs Jean-Dominique Bauby basiert, der unter dem Locked-in-Syndrom litt, einer Form der Lähmung, die ihn zu einem Gefangenen in einem fast unbeweglichen Körper machte. Dass "Schmetterling und Taucherglocke" auf wahren Begebenheiten beruht, macht ihn nur noch eindringlicher, aber selbst das war den kreativen Kräften hinter diesem Film nicht genug. Der Film wird außerdem aus einer unglaublich einzigartigen Ich-Perspektive erzählt, was dieses Projekt zu einem absoluten Meisterwerk in Bezug auf Schnitt und Kameraführung macht.

Jean-Dominique Bauby (Mathieu Amalric) hat eine erfolgreiche Karriere als Redakteur der Zeitschrift 'Elle', eine wundervolle Familie, auch wenn er nicht mit der Mutter seiner Kinder verheiratet ist, und einen stolzen Vater. Doch im Alter von 43 Jahren lähmt ihn ein Schlaganfall plötzlich und katastrophal, so dass er nur noch die Kontrolle über sein linkes Auge hat. Unfähig zu sprechen, aber immer noch in der Lage zu hören, ist sein voll funktionsfähiger Geist in einem lebensleeren Körper eingeschlossen, der zu einer unerträglichen Last geworden ist. Mit Hilfe von Logopäden und Ärzten gelingt es ihm, sich durch Blinzeln zu verständigen: Ein Blinzeln für Ja, zwei für Nein. Bald wird ein Alphabetsystem entwickelt, bei dem er die Buchstaben durch Blinzeln auswählen kann, während ein Arzt jeden Buchstaben langsam aufruft. Endlich kann er seine Gedanken ausdrücken und schreibt mit Hilfe seiner Krankenschwester in mühevoller Kleinarbeit ein Buch.

Die Ich-Perspektive, aus der ein großer Teil des Films erzählt wird, ist genial und stellt das erschreckend ungemütliche Szenario treffend dar. Zu Beginn näht Dr. Cocheton (Gerard Watkins) das rechte Auge von Jean-Dominique Bauby in einer beängstigenden Einstellung zu, in der die Stiche das Augenlid durchdringen, als wäre die Kamera der Augapfel. Später werden alle Krankenschwestern, Familienmitglieder und Aktivitäten, die Jean-Dominique Bauby sieht, aus derselben Perspektive dargestellt, so dass sich der Betrachter in die Gedanken und die Enge des Kerkers des leidenden Mannes versetzt. Die Zeit erlaubt es ihm, seine Situation zu akzeptieren, und er macht auf wundersame Weise das Beste daraus. "Ich habe überlebt, indem ich mich an das geklammert habe, was mich menschlich macht", erklärt ein Freund, der zuvor den Platz von Jean-Dominique Bauby in einem Flugzeug eingenommen hatte, das anschließend entführt wurde, was zu einer vierjährigen Geiselnahme führte. Seit diesem Vorfall wird Jean-Dominique Bauby von Schuldgefühlen geplagt, aber das konnte ihn nicht auf die wirklich erschreckende Realität vorbereiten, in der er sich befindet.

Jean-Dominique Baubys Verstand und Gedächtnis sind von seiner Krankheit nicht betroffen, und so nutzt er in vielen tränenreichen Momenten seine Vorstellungskraft, um sich an andere Orte und zu anderen Menschen zu versetzen und Dinge zu tun, die er körperlich nicht mehr tun kann. Er hat die Nase voll von TV-Essen und stellt sich vor, wie er mit der attraktiven Krankenschwester im Restaurant 'Le Duc' ein majestätisches Mahl genießt. Er stellt sich auch vor, dass sein Fluch ein Traum war, aus dem er sich aus seinem Rollstuhl erhebt, um durch die Krankenhausflure zu tanzen, wie er es vor Jahren in einem luxuriösen viktorianischen Herrenhaus getan haben könnte. Wie 'Hannibal Lecter' auf eine Bahre geschnallt, lernt Jean-Dominique Bauby, sich mit dem zu begnügen, was er hat, und erkennt, dass sein Verständnis für mentale Bilder das einzig mögliche Heilmittel für seinen starr gefangenen Geist ist.

Jean-Dominique Baubys Vater Papinou (Max von Sydow) hat große Schwierigkeiten, die Situation seines Sohnes zu begreifen. Da er selbst ein schwacher, 92-jähriger Mann ist, fühlt er sich in seiner Wohnung genauso eingeengt und kann nicht angemessen mit seinem Sohn kommunizieren. Jean-Dominique Baubys Geliebte Ines (Agathe de La Fontaine) erträgt es nicht, ihn so zu sehen, und seine eigenen Kinder will er aus Angst vor ihrer Meinung kaum noch zu Gesicht bekommen. Die tragischen Interaktionen sind fast unaushaltbar hart, obwohl sie mit schönen Bildern vermischt sind, da Jean-Dominique Bauby regelmäßig dunkle Gedanken in hellere Fantasien verwandelt. Zeitlupen, unscharfe Bilder und andere visuelle Effekte schaffen eine fast surreale Atmosphäre, während eine fesselnde Filmmusik von Paul Cantelon jeden atemberaubenden Moment untermalt. Mit "Schmetterling und Taucherglocke" hat Julian Schnabel einen Volltreffer gelandet: Seine Regie ist erstklassig, die Verfilmung von Ronald Harwood innovativ und die emotional aufgeladene Prämisse so berührend und beeindruckend, dass es nicht viel mehr braucht, um den Funken auf den Betrachter überspringen zu lassen.

In "Die Aussprache" von Regisseurin Sarah Polley wachen die Mädchen einer isolierten Kirchengemeinde (Mennoniten) in einem ländlichen Ackerland immer wieder mit blauen Flecken an den Oberschenkeln auf, weil sie offensichtlich in der Nacht von unbekannten männlichen Angreifern sexuell missbraucht wurden. Wird einer von ihnen erwischt, verrät er andere Täter, die in die Stadt geschickt werden, wo sie reale gerichtliche Konsequenzen riskieren. Dennoch wird von diesen Männern erwartet, dass sie gegen Kaution freigelassen werden, dass sie zurückkehren und ihnen vergeben wird, oder dass die Opfer exkommuniziert werden, weil sie sich nicht an bestimmte gesellschaftliche Erwartungen halten, die von den männlichen Ältesten inszeniert werden. Diese ungerechtfertigte Ächtung birgt das Risiko, dass sie ihren Platz im Himmel verlieren. "Diese Geschichte endet, bevor du geboren wurdest."

Haben ausreichend Frauen die Schnauze voll von der lästigen Routine, belästigt zu werden und keine Gerechtigkeit zu erfahren, wählen sie: Nichts tun, bleiben und kämpfen oder gehen. Diese Optionen führen zu einem Unentschieden und zwingen die Matriarchinnen, Töchter und Enkelinnen, die den Ernst der Lage von drei Familien in der Kolonie nicht begreifen können, sich einen Tag lang in einer Scheune zu versammeln, um über ihr Schicksal zu entscheiden. "Man hat uns wie Tiere gejagt."

Da die Religion und die Missstände, die durch die Indoktrination der Generationen entstanden sind, einen Großteil des Rechtsverständnisses der Frauen diktieren, ebenso wie ihr sehr begrenztes Wissen über die Sexualität, die mit Kuhbetäubungsmitteln narkotisiert wird, und sie dann mit einer Infektion oder Schwängerung konfrontiert werden - ein Horror, der von den Männern schnell abgetan und dem Satan zugeschrieben wird -, müssen sie abwägen, welche Entscheidungen sie treffen würden und wie diese ausfallen könnten. Es geht um die Themen Schuld, Schuldzuweisung, Rettung, Täuschung, das Versagen anderer Männer, einzugreifen, was die Gruppe ohne Männer tun würde und wie sie ihre männlichen Familienmitglieder nie wieder sehen würden, wie sie ihre Unabhängigkeit definieren könnten und wie das nicht enden wollende Machtungleichgewicht ihr Leben geprägt hat, einschließlich der psychischen und physischen Traumata, die sie infolge der Angriffe erlitten haben. Darüber hinaus hat die Organisation der Kolonie selbst, die sich auf Älteste stützt, die sich an die Macht klammern und diejenigen aus dem Weg räumen, die ihre unkontrollierte Herrschaft in Frage stellen würden, Umstände geschaffen, die eine Vergewaltigung ohne Konsequenzen begünstigen. Wie der Titel suggeriert, haben die Frauen viel zu besprechen, und das ist von größter Bedeutung. "Es ist der Tag des Jüngsten Gerichts."

Mit einer fast grauen Farbpalette, die in scharfem Kontrast zu einigen blutigen Szenen und verstörenden Inhalten steht und eine düstere Atmosphäre aufrechterhält, passenden Kostümen und wenigen Kulissen wirkt "Die Aussprache" wie ein Theaterstück, das sich auf das starke Thema konzentriert und übertriebene visuelle Effekte vermeidet. Über Gewalt zu sprechen und kurze Nachwirkungen zu beobachten, ist oft eindringlicher als sie zu sehen, vor allem angesichts der hochkarätigen Besetzung mit Rooney Mara, Judith Ivey, Claire Foy, Sheila McCarthy, Jessie Buckley, Michelle McLeod, Francis McDormand und Ben Whishaw, dem einzigen männlichen Schauspieler, der das Sitzungsprotokoll führt. "Die Zeit drängt."

Obwohl der größte Teil der Geschichte seriös und streng ist, gibt es auch einen winzigen Fleck Unbeschwertheit in einer Nebenhandlung über eine Liebesgeschichte. Das stärkste Argument ist jedoch die Infragestellung des Glaubens, insbesondere dann, wenn der Glaube der Frauen mit der ständigen Ungerechtigkeit eines allmächtigen Gottes kämpft, der Zeuge abscheulicher Taten ist, sich aber weigert zu handeln, während der Gedanke an pflichtgemäße Vergebung oder Begnadigung, der zu einer verdorbenen Erlaubnis verdreht werden kann, die ohne Vergeltung weit entfernt ist, wenn man zu dem Schluss kommt, dass jede Tat von Gott gebilligt wird und daher Teil seines Plans ist, weil sie ohne göttliches Einwirken ausgeführt werden kann, dann wird das Festhalten an strikten religiösen Moralvorschriften sinnlos. Glücklicherweise gibt es in diesem Film etwas mehr als nur ununterbrochene Dialoge an einem einzigen Ort, aber es ist immer noch schwierig, ihn einem breiten Publikum zu verkaufen, weil er mehr Botschaft als Unterhaltung ist. Trotz der herzzerreißenden Darbietungen, der Struktur und des Tempos und des Fehlens eines typischen Filmdramas wird "Die Aussprache" wahrscheinlich nur Betrachtern gefallen, die mit dem Buch, auf dem er basiert, vertraut sind, das von realen Ereignissen in einer bolivianischen Kolonie inspiriert wurde, oder denen, die sich für die Prämisse interessieren und sie bereits im Voraus kennen. "Ich werde zur Mörderin, wenn ich bleibe."

In "Terminator: Dark Fate" von Regisseur Tim Miller kehrt Linda Hamilton nach fast drei Jahrzehnten endlich in ihre Rolle als formidable Zielperson Sarah Connor zurück. Aber ist es zu spät dafür? Wie sich herausstellt, ist das der Fall. Sie mit der gleichen Sonnenbrille, dem gleichen starren Blick und einem Haufen schwerer Waffen zu sehen, während sie metallene Molochs abknallt, ist ein wenig nostalgisch, aber weitgehend belanglos.

"Es gab einmal eine Zukunft... ohne Hoffnung", beginnt sie und berichtet, wie sie den Planeten vor der Vernichtung durch eine unkontrollierbare künstliche Intelligenz bewahrt hat. Doch die Menschheit ist dazu verdammt, sich in der einen oder anderen Form zu wiederholen, denn das Aufhalten von 'Skynet' hat das Unvermeidliche nur hinausgezögert. An seine Stelle ist 'Legion' getreten, was im Grunde dasselbe ist: Ein von Menschen geschaffenes Computersystem, das entscheidet, dass die Menschheit die Wurzel aller Übel ist und eliminiert werden muss. Es ist fast schon witzig, dass Sarah Connor den Tod ihres Sohnes, der die Rebellion gegen die 'Terminatoren' anführen sollte, nicht wirklich verhindert. Sie hat eine Zeitlinie zugunsten einer anderen abgewendet, die lediglich auf einem langsameren Weg zum gleichen Ergebnis führt. Im Mexiko-Stadt des Jahres 2020 ist die junge Dani Ramos (Natalia Reyes) das neue Ziel für futuristische, mordlustige Roboter. Grace (Mackenzie Davis) wird in der Zeit zurückgeschickt, um Dani Ramos zu beschützen, die in der Autofabrik 'Arius Motors' arbeitet, während ein hochtechnisierter 'REV-9' (Gabriel Luna) auf sie angesetzt ist, um sie zu töten.

Die bekannten elektrischen Funken, die glühende Kugel der Materieverdrängung und der durchtrainierte, nackte Korpus eines Zeitreisenden markieren die Einführung des Beschützers und der Jägerin, gefolgt von Actionsequenzen mit missglückten Verhaftungen und Kleiderraub. Es ist eindeutig eine Anspielung auf die anderen Filme, obwohl es keinen Sinn macht, dass sich die Zeitreisen überhaupt nicht verändert haben. Sicherlich hätte jemand in der Zukunft eine Möglichkeit erfunden, keine hüllenlosen Menschen in leuchtend blaue Kugeln zu schicken, doch diese Wiederholerei ist kein guter Start. Es mag eine ikonische Bildsprache etablieren, aber es fühlt sich eher wie eine redundante Repetition als eine respektvolle Hommage an.

Die Hinweise darauf, dass Maschinen Menschen ersetzen können, sind interessant, aber nicht überragend. Am Arbeitsplatz von Dani Ramos wird ihr Bruder zugunsten eines effizienteren Roboterarms entlassen, der die Aufgaben am Fließband mit weniger Fehlern erledigen kann. Außerdem werden die modernen Eingriffe in die Privatsphäre und die Datenerfassung durch clevere Algorithmen missbraucht. Natürlich kollidiert dies mit dem übermäßigen Einsatz von CG-Effekten, anstatt sich auf realistischere praktische Elemente zu verlassen, und die gelegentliche hochmoderne Computeranimation übernimmt den Großteil der Action und Stunts. Doch nur wenige dieser Szenen sind imposant; wenn alles nur vorgetäuscht ist, gibt es wenig Grund, sich über übersteigerte Spannung zu amüsieren. Der 'REV-9' greift auf Liquid-Metal-Tricks zurück, wie etwa Stichwaffen, die jetzt noch schwerfälliger sind, und fügt einige neue Eigenschaften hinzu, aber es ist schade, dass die Autoren nicht wirklich etwas Neuartiges konzipiert haben. Alle technologischen Fortschritte scheinen nicht über die gleichen Morphing-Techniken hinauszugehen, die in "Terminator 2 - Tag der Abrechnung" verwendet wurden. Und für jedes minimal optimierte 'Terminator'-Gimmick liefert Linda Hamilton auf peinliche Weise einen ausgeleierten Spruch ab.

Es ist schwierig, dieses Franchise wiederzubeleben, wenn neue Story-Ideen so offenkundig nicht existent sind. Die Gesichter haben sich verändert, wenn auch nicht alle, die Schauplätze haben sich verschoben und die Zeitlinien haben sich gewandelt, aber die Schlachten, Konflikte, Helden, Schurken und die düstere Zukunft sind praktisch identisch. Egal, wie viele Filme noch gedreht werden, selbstlernende Computer oder Roboter werden irgendwann den Planeten auslöschen. Aber selbst die ständig wiederkehrenden Themen sind nicht das größte Problem in "Terminator: Dark Fate": Übermäßig bequeme Handlungsstränge sind ein Zeichen für eine ausgesprochen schlampig faule Drehbucharbeit. In einem selbstreflexiven Moment wird das Telefon-Hacking der zukünftigen Scheiße zugeschrieben, was zumindest ein Versuch ist, den Betrachter darüber zu informieren, dass Dinge ohne jegliche Bedeutung geschehen können.

Doch die Charaktere greifen immer wieder auf handfeste Verbindungen zurück, treffen auf hilfreiche Verbündete und profitieren in hohem Maße von Zufällen, die gerade zur rechten Zeit kommen. Einer der negativsten Punkte ist Graces hoher Stoffwechsel, der sie dazu nötigt, sich Drogen zu spritzen, um wie 'The Flash' in Schwung zu bleiben, wenn er Nahrung braucht, um seine Geschwindigkeit aufrechtzuerhalten - ein Fehler, der speziell geschaffen wurde, um Spannung zu erzeugen, nur damit das Dilemma in zahlreichen Sequenzen zufällig dadurch gelöst wird, dass ihr jemand eine Injektionsnadel gibt, die gerade in der Gegend herumliegt. Dies ist jedoch größtenteils beabsichtigt, denn wenn die Technologie zu ausgeklügelt ist, macht die Verfolgungsjagd weit weniger Spaß. Deshalb müssen die Fluchtversuche in letzter Sekunde erfolgen und die Protagonisten müssen immer kurz davor sein, gegen ihre Feinde zu verlieren. An unzähligen Stellen im Film würde eine Minute früher oder später den Tod aller Beteiligten bedeuten.

Die große Enthüllung, dass Arnold Schwarzenegger wieder in die Sprache und die Manierismen seines 'T-800'-Stars schlüpft, ist leider keine Überraschung, dank des Marketings und der Werbung. Doch der Ton wird definitiv lustiger, sobald er auftaucht, vor allem wegen seiner beiläufigen menschlichen Unterhaltungen, die nicht ganz authentisch sind, um einen realen Menschen zu imitieren. Das Ganze wirkt jedoch sinnlos, wenn das gleiche Schicksal auf eine einzelne Person gegen eine unaufhaltsame, formwandelnde Kampfwalze hinausläuft. Ein weiteres Manko ist, dass die Actionszenen, von denen diese Reihe oft abhängt, die der Vorgänger nicht übertreffen. Sie mögen komplex und aufwendig sein, aber sie sind heillos unrealistische, die Schwerkraft überwindende, die Physik ignorierende Wirrungen aus Hektik und Raserei. Anders als in "Terminator 3 - Rebellion der Maschinen" gibt es in diesem sechsten Teil nicht einmal ein einziges Versatzstück, das eine Neuauflage wert wäre. Und wenn ein 'Terminator'-Film keine abschreckende Atmosphäre hat, hat er eigentlich gar nichts.

Dieser fünfte Teil der Franchise wird durch die mäßig interessante Wiederholung einiger Schlüsselmomente aus dem Originalfilm angetrieben. Leider dauert es nicht lange, bis sich das Potenzial in eine formelhafte Eskapade aus chaotischen Zeitreise-Possen und CGI-lastigen Actionsequenzen auflöst. Die explosiven Kämpfe zwischen den verschiedenen 'Terminatoren' sind nicht gerade alltäglich, aber echte Spannung kommt nur selten auf, da sowohl die kolossalen Kämpfer als auch die menschlichen Hauptfiguren unbesiegbar zu sein scheinen und mühelos Schüsse und sogar Verstümmelungen aushalten können. Die üblichen Erklärungen mit Quantenphysik, Nexuspunkten und Zerfallsalgorithmen werfen nur noch mehr Fragen auf - aber die vielleicht wichtigste Frage ist: Was genau soll "Terminator 5: Genisys" von Regisseur Alan Taylor der Reihe hinzufügen?

Das Jahr 2029 ist jenes in dem der Krieg zwischen Mensch und Maschine zu Ende geht. 'Skynet', ein automatisiertes Verteidigungsprogramm, das zum Zerstörer der Menschheit geworden ist, wird von John Connor (Jason Clarke) und der Widerstandsbewegung besiegt. In einem letzten Versuch, sich selbst zu retten, schickt die digitale Entität einen 'Terminator' des Models 'T-800' zurück ins Los Angeles des Jahres 1984, um seine Mutter Sarah Connor (Emilia Clarke) zu beseitigen. Als er 'Skynets' Plan aufdeckt, schickt der Anführer des Untergrunds seinen eigenen Zeitreisenden, Kyle Reese (Jai Courtney), um dem 'Terminator' zu folgen und Sarah zu beschützen. Doch als Kyle Reese in der Vergangenheit ankommt, entdeckt er nicht nur, dass Sarah Connor bereits über ihn und seine Mission Bescheid weiß, sondern auch, dass ein umprogrammierter 'Terminator' (Arnold Schwarzenegger) über sie wacht, während mehrere neue und weitaus gefährlichere Bedrohungen daran arbeiten, dass die Zukunft für die Menschheit nicht sicher ist.

Dies könnte die wohl sinnloseste aller Fortsetzungen sein. In seinem Bemühen, nostalgisch zu sein oder seinen Vorgängern zu huldigen, übernimmt "Terminator 5: Genisys" im Wesentlichen Teile aus allen vier vorherigen Filmen oder reißt sie ab. Er übernimmt das Element Kyle Reese aus dem ersten Film, den 'T-1000' und die Umprogrammierung von Arnold Schwarzeneggers Cyborg als Verbündeten aus dem zweiten, die Liebesgeschichte aus dem dritten und die nicht ganz so geheime Identität einer der Hauptfiguren als Mensch und 'Terminator' aus dem vierten Film. Darüber hinaus werden aus allen Werken abgeschmackte Einzeiler geklaut und auf möglichst ironische Art und Weise wiederverwendet.

Die Musik, die Themen, die Soundeffekte, die Namen, die Verwüstungen, die Bilder eines glänzenden Metall-Exoskeletts, die Kampfchoreografie, wie die 'Terminatoren', die sich in Stichwaffen verwandeln und herrenlose Rohre als Speere benutzen, die Verstorbenen nachahmen oder sich gegenseitig durch Wände schmettern, die Spezialeffekte und die nackten Zeitreisen - all das kommt immer wieder vor. Das gilt auch für Arnold Schwarzenegger, der eine kurze Erklärung für sein alterndes Erscheinungsbild liefert. Doch trotz der bedeutenden Rückkehr zu der Rolle, die ihn berühmt gemacht hat, gelingt es diesem fünften Versuch, die Serie neu zu starten, nicht, auch nur einen Hauch der Magie von "Terminator" oder "Terminator 2 - Tag der Abrechnung" zu erreichen. Ein großer Teil davon ist der unausgewogene, inkonsistente Ton, der sich weniger düster anfühlt als "Terminator 3 - Rebellion der Maschinen", aber viel dämlicher als "Terminator: Die Erlösung". Es ist vergleichbar mit den 'Batman'-Filmen, die mit jedem neuen Kapitel von ernst zu dumm und wieder zurück wechseln.

Es ist auch nicht leicht, einen furchterregenden Bösewicht zu erfinden, denn der 'T-1000' hat sich in der Vergangenheit zum eindrucksvollsten Antagonisten eines jeden Science-Fiction-Thrillers entwickelt. Hier ist der neue Erzfeind so uninspiriert, unerklärbar und eindruckslos wie kaum ein anderer. Seine Schöpfung, seine Fähigkeiten und Schwächen werden so ineffektiv beschrieben, dass man bis zum Höhepunkt des Kampfes nicht einmal weiß, was er tut oder wie er es bewirkt. Jede Menge Elektroschocks, Farbblitze und Partikeleffekte sollen den Betrachter hypnotisieren und ihn bei Laune halten.

In einem weiteren Versuch, die früheren Filme zu übertreffen, setzt "Terminator 5: Genisys" das Konzept der Zeitreise auf eine Überdosis von Steroiden. Sowohl die Charaktere als auch der Betrachter müssen immer wieder unverständliche Zeitsprünge und -wechsel in Kauf nehmen, um den Überblick zu behalten. In einigen alternativen Realitäten gibt es mehr als eine Version der Figuren, in anderen nicht, was die ganze Sache noch konfuser macht. Dies wäre ein bisschen wie "Zurück in die Zukunft", wenn Dr. Emmett Brown nie erklären würde, wie Zeitreisen funktionieren, und der Betrachter stattdessen nur raten müsste, welche Handlung zu welchem Ergebnis führen würde.

Ein kleiner Kommentar zur technologischen Integration, zur übertriebenen Abhängigkeit von Computern und zum Wunsch nach ständiger Konnektivität wird in die Handlung eingestreut, ohne jedoch eine nachhaltige Botschaft zu vermitteln. Selbst die fatalistische Vision, genau die Produkte zu produzieren, die die Menschheit zerstören beziehungsweise zerstören werden, geht verloren, da sich die Prämisse in einer kurzen Szene nach dem Abspann völlig auflöst. Der Gedanke, dass 'Genisys', das wie 'Facebook' seinen Weg in fast jeden Winkel der Welt gefunden hat, einfach durch die Sprengung seines Hauptquartiers zerstört werden könnte, ist völlig hirnverbrannt. Und doch ist das Hauptziel dieser Zeitreiseterroristen genau das. Wenigstens gibt es als Ausgleich für die verworrene Handlung Abenteuer und Stunts, aber selbst diese kurzweiligen Momente werden durch realitätsfremde Computergrafiken ruiniert, gepaart mit einem ärgerlich verminderten Sinn für Gewalt, der wahrscheinlich auf das Prädikat FSK 12 zurückzuführen ist, das die Zensur von Blut und Chaos gewährleistet, die mit unaufhaltsamen Tötungsmaschinen einhergehen.

Während große Explosionen und intensive Actionszenen von noch größeren Sequenzen der Massenvernichtung in den Schatten gestellt werden, bleibt die Geschichte von "Terminator: Die Erlösung" von Regisseur Joseph McGinty Nichol alias McG zaghaft einfach. Es gibt keine komplizierten Zeitreisen in der Handlung, und vielleicht sind genau solche Komplexitäten die Ideen, die fehlen. Der Verlust der Interaktion zwischen etwas völlig Fremdem und den vertrauten Konventionen der organischen Welt, gepaart mit dem Kontrast zwischen futuristischem Terror und den begrenzten Ressourcen der Gegenwart, führt zu einer eher langweiligen Prämisse. Obwohl es fast unmöglich ist, die Integrität der ersten beiden Teile der Reihe zu erreichen, sollte "Terminator: Die Erlösung" erkennen, dass größere Killerroboter nicht unbedingt furchterregender sind.

Wir schreiben das Jahr 2018 und der Krieg zwischen Mensch und Maschine wütet weiter. 'Skynet' baut immer größere und leistungsfähigere Waffen, darunter immer fortschrittlichere 'Terminatoren'. Als der Widerstand, angeführt von John Connor (Christian Bale), einen geheimen Code entdeckt, der in die Kommunikation des Feindes eingebettet ist, wird eine Offensive geplant, die dem Hauptquartier der Maschinen einen vernichtenden Schlag versetzen könnte. Zusammen mit dem mysteriösen Fremden Marcus Wright (Sam Worthington) muss John Connor gegen die Zeit kämpfen, um Kyle Reese (Anton Yelchin) zu finden und die Zukunft der Menschheit zu schützen.

"Terminator: Die Erlösung" ist genauso düster und ernst wie "The Dark Knight", nur dass es keinen Joker oder eine andere Figur gibt, der man mit Begeisterung folgt. Es gibt nur wenig Humor, um die unerbittliche Spannung und die detonative Gewalt aufzulockern. Das Ergebnis ist ein unterhaltsamer, grimmiger, post-apokalyptischer Actionfilm mit flüchtigem, echtem Spaß. Die Maschinen sind jetzt umfangreicher, schädlicher und weniger entwickelt, aber keineswegs grausamer. Sie sind nicht die raffiniert infiltrierten Attentäter, die den Betrachter in den ersten beiden Filmen begeisterten, sondern leblose Automaten, die nur dann in ein Dilemma geraten, wenn eine Actionsequenz dies erfordert. Die Intelligenz und Skrupellosigkeit der Maschinen, die einst in der Person von Arnold Schwarzenegger bewundernswert waren, werden nur noch von den Menschen übertroffen, die die Grenzen zwischen Gut und Böse in einem ständigen Kampf verwischen, in dem der Widerstand nicht vermeiden kann, wie der neue Feind zu werden.

Zahlreiche zusätzliche Charaktere sorgen für weitere Opfer, Schlachten, Gemetzel, Showdowns, Feuerkraft, unblutiges Blutvergießen und apathische Abenteuer. Aber es steckt wenig Herzblut dahinter. Es ist Action um der Action willen, Stunts und packende Kampfsequenzen stehen im Mittelpunkt, während die Geschichte nur dazu dient, sie miteinander zu verbinden. Es ist ein neuer Schauplatz, dunkler und intensiver, mit modernster Kameraführung, atemberaubenden Soundeffekten und scharfen Bildern, mit Innenräumen wie in "Aliens - Die Rückkehr" und Außenbereichen wie in "Mad Max II - Der Vollstrecker". Allerdings bringt die Story keine der Rollen voran und informiert den Betrachter nicht über unbekannte Aspekte. Am Ende hat sich nichts geändert, und alles, was man gesehen hat, ist ein glorifizierter 'Terminator' und ein menschlicher Krieg. Es ist eine gigantische, nicht enden wollende Schlacht ohne Hoffnung auf eine solide Lösung oder Umstände, die die Entwicklung des Tages des Jüngsten Gerichts verändern könnten. Es ist eine Episode, die das, was James Cameron 1984 so revolutionär geschaffen hat, nicht wesentlich beeinflusst oder verändert.