Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Arielle, die Meerjungfrau" von Regisseur Rob Marshall ist die jüngste Tochter Arielle (Halle Bailey) trotz zahlreicher Warnungen des Meeresfürsten König Triton (Javier Bardem) davon besessen, die Welt der Menschen über ihr kennenzulernen. Je mehr er ihr verbietet, sich mit den gefährlichen Landbewohnern einzulassen, desto mehr sehnt sich die starrköpfige Meerjungfrau danach, unter ihnen zu leben. Als ein Handelsschiff in einem heftigen Sturm auf Grund läuft, rettet Arielle einen der Seeleute, Prinz Eric (Jonah Hauer-King). In ihrer Sehnsucht, den jungen Mann wiederzusehen, gerät Arielle in die Hände der hinterlistigen Meerhexe Ursula (Melissa McCarthy), die das Mädchen dazu bringt, ihre Stimme aufzugeben, um wieder mit dem Prinzen vereint zu werden. Mit Hilfe ihrer besten Freunde Fabius (Jacob Tremblay), Sebastian (Daveed Diggs) und Scuttle (Awkwafina) muss Arielle Eric innerhalb von drei Tagen küssen, sonst wird sie zum Faustpfand in Ursulas heimtückischem Rachefeldzug.

Der Übergang von der traditionellen Animation zu weitgehend computergenerierten Bildern trägt nicht dazu bei, dass viele der Bewohner der Version von 1989 niedlich und knuffig wirken, aber vielleicht passt das eher zur Stringenz des Märchens von Hans Christian Andersen. Und schließlich enthält das Ausgangsmaterial eine Fülle von Tragödien und einen erheblichen Schwund an unbeschwerten Abenteuern und Humor. In dieser Adaption scheint ein einleitendes Zitat über das verstärkte Leiden einer Meerjungfrau aufgrund des Fehlens von Tränen den Weg für eine düstere Interpretation zu ebnen.

Aber da es sich um einen Disney-Film handelt, hält sich die potenzielle Härte natürlich in Grenzen, auch wenn die anfängliche Hai-Angriffssequenz in einem Schiffsfriedhof mehr Gruselfaktor bietet. Trotz der authentischen Darstellung eines computeranimierten Hais wirken die Verfolgungsjagden und Nahkämpfe eher harmlos und wenig bedrohlich. Flotsam und Jetsam sind jedoch etwas furchterregender, ebenso wie Ursulas unheimlich aufgerüstetes Versteck. Außerdem dauert es nicht lange, bis unaufgefordert gesungen wird, was in einer Welt mit Live-Action-Schauspielern und fotorealistischen Meeresbewohnern plötzlich noch schwerer zu ertragen ist. Das gilt auch für die Fantasyelemente, denn im klassischen Zeichentrickfilm wurde die Existenz magischer Wesen nie in Frage gestellt. Sobald aber die Hintergründe, Requisiten und Salzwasserkreaturen einen alarmierenden Realismus annehmen, fällt es schwerer, an Zaubertränke und jenseitige Kräfte oder gar sprechende Fische zu glauben. Die Unwahrscheinlichkeit ist exponentiell höher, wenn man zu einer Live-Action-Adaption übergeht, auch wenn dieses Märchen sehr bekannt ist. Ein Paradebeispiel dafür ist der Song 'Under the Sea', in dem die Unterwasserkapelle keine Instrumente mehr spielt, denn es wäre unglaubwürdig, wenn die authentisch dargestellten Seesterne, Delfine und Quallen Trompeten, Tubas und Drums aus dem Nichts hervorbringen würden.

Die meisten der Einleitungssequenzen sind bereits vertraut, und das Remake bietet nur wenige Neuerungen, obwohl es grafisch aktualisiert worden ist. Einige der Rüschen und Kiemen wurden neu gestaltet. Sebastians Krustentierfigur ist jetzt authentisch genug, um zu veranschaulichen, wie unnatürlich der Look des Zeichentrickfilms war - eine Art Muschel oder Schnecke, die mit einer groben Krabbe verschmolzen ist -, ebenso wie die Kostüme und Frisuren, aber diese sind sehr dezent. Jeder hier ist eine offenkundige Iteration des Originals. Halle Bailey ist absolut akzeptabel, Javier Bardem, Jacob Tremblay und Daveed Diggs sind großartig und Melissa McCarthy ist ein bemerkenswertes Ensemble-Mitglied. Doch Jonah Hauer-King wirkt nicht ganz stimmig, und Awkwafinas Stimmlage ist zu dominant, um wie etwas anderes als sie selbst zu klingen, was Scuttle als spezifische Figur hinfällig macht - jetzt ist es einfach Awkwafina als Vogel.

So viele der anfänglichen Momente sind direkte Übersetzungen, dass es sich um ein offensichtliches Remake von Disneys eigenem Werk handelt und nicht um einen neuen Blick auf Hans Christian Andersens Tragödie, so dass es störend ist, wenn winzige Details verändert werden, sei es eine transponierte Note oder ein neues Wort in einer alten Dialogzeile. Zum Glück sind die bedeutendsten Lieder immer noch vorhanden und erklingen immer noch gut, denn die Musik von Alan Menken für die Version von 1989 war wahrscheinlich die beste, die das Studio je produziert hat. Um jedoch nicht genau dasselbe zu sein, gibt es zahllose kleine Abweichungen, von übertriebenen Zuspitzungen in der Handlung und der Hintergrundmusik bis hin zu mehr Blitzen und Feuer und Verwüstungen auf See und während des Climax. "Die Götter des Meeres sind gegen uns!"

Wie bei jeder Neuverfilmung eines perfekten Originals sind die Chancen für einen reibungslosen Erfolg gering. Diese Version aus dem Jahr 2023 muss ihre Existenz wirklich begründen, oder warum nicht einfach den Vorgängerfilm noch einmal ansehen? Eine Handvoll neuer Songs tritt auf, aber wie die Unmenge von leicht veränderten Kleinigkeiten oder subtilen Transfers in der Handlung wirken sie nicht nur verzichtbar, sondern tragen auch zu einem niedrigeren Tempo bei. Handgezeichnete Animationen müssen sich auf das Nötigste reduzieren, nur das schlichtere Format lässt hier mehr Leerlauf zu, den sie gerne akzeptieren. Die Musik und die grundlegende Thematik, die sich um einen Fisch auf dem Trockenen dreht, der lernt, dass das Gras immer grüner ist, sind immer noch exzeptionell, aber diese Modernisierung kommt nicht an den Zauber des drei Jahrzehnte älteren Vorgängers heran. "Wir haben keine Zeit mehr und niemand hat sich verzogen!"

"Arielle, die Meerjungfrau" von den Regisseuren John Musker und Ron Clements ist zweifellos einer der besten Filme, die Disney je herausgebracht hat. Er leitete die 'Renaissance' des Unternehmens in den späten 1980er Jahren ein, die dem traditionellen Zeichentrickfilm neues Leben und neue Rentabilität verlieh. Dieses Meisterwerk, das mit den großen Zeichentrickfilmen der 30er und 40er Jahre vergleichbar ist, lässt sich nicht nur nicht als reiner Zeichentrickfilm einordnen, sondern ist auch ein perfektes Stück Kino, das den gleichen Nachhall findet wie die Live-Action-Dramen und -Komödien der damaligen Zeit. Diese brillante Adaption des Märchens von Hans Christian Andersen, die die Düsternis der Vorlage mit familienfreundlichen Werten und Unbeschwertheit ausbalanciert, beweist, dass "Arielle, die Meerjungfrau" auch Jahrzehnte nach seinem Kinostart zeitlos ist.

Arielle (Jodi Benson), eine junge Meerjungfrau, die von einem Leben über dem Meer träumt, gerät zufällig auf ein Schiff, das in ein schweres Gewitter gerät, und kann Prinz Eric (Christopher Daniel Barnes) vor dem Ertrinken in der stürmischen See retten. Obwohl sie von ihrem Vater, König Triton (Kenneth Mars), immer wieder davor gewarnt wird, sich mit den barbarischen, fischfressenden Menschen einzulassen, kann Arielle nicht aufhören, von dem gut aussehenden Prinzen zu träumen, den sie unerkannt an Land gesetzt hat. Verlockt von der verbannten Zauberin und Kraken-Hybridin Ursula (Pat Carroll), die auf eine Gelegenheit wartet, Tritons Thron zu stürzen, tauscht Arielle ihre melodiöse Stimme gegen die Chance, für drei Tage ein Mensch zu werden. Wenn es ihr gelingt, Eric bis zum Sonnenuntergang des dritten Tages dazu zu bringen, sie zu küssen, darf sie ihre neuen, ungeschickten Beine behalten. Wenn sie es nicht schafft, wird sie in ihre Meerjungfrauenform zurückkehren und für immer Ursulas Sklavin sein. Trotz der Konflikte, die sich gegen das naive, enthusiastische Mädchen auftürmen, sind ihre Fischfreunde Fabius (Jason Marin) und Sebastian (Samuel E. Wright) immer in der Nähe, und die wahre Liebe hat eine Möglichkeit, sich durchzusetzen.

Obwohl einige bekannte Synchronsprecher eingesetzt werden, um einzigartige Charaktere zu schaffen, wird auf die bekannten Stars verzichtet, die den Einfallsreichtum anderer zeitgenössischer Projekte zunichte machen würden - die Charaktere fühlen sich nie so an, als wären sie jemand anderes als die, die speziell für den Bildschirm entworfen wurden. Das verleiht der Aussicht eine größere Ernsthaftigkeit - eine hauptsächlich weibliche Geschichte, die an die einflussreichen Heldinnen von "Cinderella" und "Dornröschen" anlehnt und ihre jugendliche Romanze mit Humor und Emotionen auf einer universellen Ebene behandelt, die Anhänger aller Altersgruppen und Geschlechter fesseln kann, nicht unähnlich den Erfolgen von Pixars erster Serie von 3D-Werken. Dazu kommen die unvergesslichen, originellen Songs und die Musik von Howard Ashman und Alan Menken, mit monumentalen Melodien wie "Under the Sea" und "Kiss the Girl". "Part of Your World" wäre beinahe gestrichen worden, obwohl es wahrscheinlich der beste Song im Film ist. Selbst wenn es um das Lied der Bösewichtin geht, gibt es keinen einzigen Beitrag, der nicht überzeugt.

Auffällig ist auch der höhere Produktionswert, der sich in der Verwendung kurzer Sequenzen von Computereffekten zeigt, die die handgemalte Cel-Methode ersetzen und sich wunderbar mit optischen Konzepten verbinden, die die Konkurrenz in Bezug auf Attraktivität, Detailtreue und Bildschärfe durchweg übertreffen. Das charmante Design der Figuren hebt Disney seit jeher von anderen Animationsstudios ab, die oft auf extreme Stilisierung oder härtere Kompositionen setzen, um Alleinstellungsmerkmale zu erreichen, und "Arielle, die Meerjungfrau" ist da keine Ausnahme. Ursulas Tentakeln winden sich mit bestechender Exaktheit und Arielles Haare schweben mit einem Höchstmaß an Realismus. Die anthropomorphisierten Körperbewegungen verraten die Popularisierung oder zumindest die Anerkennung der Aufnahme von lebenden Schauspielern als Referenzmaterial für Bewegungsabläufe. Das Ganze kulminiert in einer makellosen Synthese aus technischem Geschick, herzzerreißender Dramatik, witzigen Dialogen und umwerfenden Liedern, die kommerziellen und kritischen Beifall hervorrufen und auch andere Medienabspaltungen nach sich ziehen, von zwei Fortsetzungen über ein Bühnenmusical bis hin zu Fahrgeschäften in Themenparks.

Ende Januar 2011 wurde das Werk von 'U.S. Gypsum' in Empire, Nevada, nach 88 Jahren Betrieb aufgrund einer geringeren Nachfrage nach Gipsplatten geschlossen. Die Postleitzahl der Stadt (89405) wurde im Juli aufgelöst, da sie ein wichtiger Bestandteil der Gemeinde und im Wesentlichen die einzige Quelle für Arbeitsplätze war. In "Nomadland" von Regisseurin Chloé Zhao ist Fern (Frances McDormand) eine solche ehemalige Angestellte, die gezwungen ist, ihr Hab und Gut in ihren Van zu packen und sich auf den Weg zu einem Wohnmobilpark in einer benachbarten Gegend zu machen, wo sie schwindende Aussichten und eine ungewisse Zukunft erwarten.

Fern bekommt zwar einen befristeten, niederen Job bei einem Amazon-Versandunternehmen, der ihr ein angemessenes Einkommen verschafft, aber das reicht nicht aus, um Freunde und Bekannte davon abzuhalten, sich Sorgen um ihre Situation zu machen. Schließlich will auch sie weiterziehen, aber es erweist sich als unglaublich schwierig, in der Region einen neuen Job zu finden. Also geht sie entweder in den Vorruhestand oder begibt sich auf eine Reise als Novizen-Nomadin, die sie mitten in die Wüste von Arizona führt, wo sie Legionen älterer Menschen in vergleichbarer Lage trifft, die unter den veränderten wirtschaftlichen Bedingungen leiden, in denen es kaum noch staatliche Unterstützung gibt, der traditionelle Ruhestand praktisch nicht mehr existiert und neue Karrieren unmöglich sind. "Ich bin nicht obdachlos. Ich bin nur hauslos."

Abgesehen von Frances McDormand wirken die zahlreichen Nebenrollen am Anfang wie Nicht-Schauspieler, die von Drehorten abgezogen wurden, und viele sind es auch, denn das ist weder ein unwahrscheinliches noch ein abwegiges künstlerisches Konzept. Das verleiht den Umgebungen und Interaktionen eine willkommene Authentizität, auch wenn niemand Frances McDormand das Rampenlicht nehmen kann, die nie besser ist, als wenn sie in Momenten der Einsamkeit nur durch Mimik und stilles Nachdenken kommuniziert. Oft gelingt es ihr, sich nahtlos in die Alltäglichkeit der Hintergrundfiguren einzufügen, während sie gleichzeitig das emotionale Zentrum einer eher tragischen, aufrüttelnden Geschichte über verlassene Seelen in vergessenen Städten bleibt.

Obwohl Ferns gesamtes Dasein von Verzweiflung, Depression und Trostlosigkeit geprägt ist und sie über Trauer, Verlust und die lieben Verstorbenen sinniert, gibt es immer wieder kleine Höhen und Tiefen, die von Kleinigkeiten wie Verdauungsproblemen und schwierigeren Torturen wie einer Reifenpanne bis hin zu musikalischer Unterhaltung in nahegelegenen Lokalen und Touren zu malerischen Orten reichen. "Nomadland" verfolgt durchgehend einen dokumentarischen Ansatz, beobachtet die Kleinigkeiten des Alltags und triviale Abläufe und vermittelt so einen verblüffenden Realismus, aber einen minimalen Unterhaltungswert, nicht unähnlich dem des Films "Roma". Als wolle er dieses Experiment wiederholen, aber mit einem veränderten Setting, das sich auf die kontemplativen und intimen Details einer furchtbar schlichten Ansammlung von Menschen konzentriert, bleibt "Nomadland" außergewöhnlich klein und unscheinbar sowie seltsam unkinoartig. Frances McDormands Schauspiel überzeugt als praktisch invasive Charakterstudie, die wie ein modernisiertes "Ein Mann sucht sich selbst" ihren etwas planlosen Lebensweg verfolgt. Aber als Gesamtwerk funktioniert es nicht, auch wenn zum Finale hin eine Liebesgeschichte angedeutet wird. Es passiert einfach zu wenig, was umso enttäuschender ist, als es keine denkwürdigen, kraftvollen oder auch nur halbwegs sentimentalen Sequenzen gibt, die ein unauslöschliches Stück Kinokunst ergeben. "Du kannst da draußen sterben. Du bist draußen in der Wildnis."

Nachdem sie Kingpins Plan, mit einem Teilchenbeschleuniger alternative Dimensionen zu öffnen, erfolgreich vereitelt haben, versuchen Miles Morales (Shameik Moore) und Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) in "Spider-Man: Across the Spider-Verse" von den Regisseuren Joaquim Dos Santos, Kemp Powers und Justin K. Thompson in ihre jeweiligen Universen zurückzukehren und ihr typisches, wenn auch nicht ganz normales Leben als Teenager-Superhelden zu führen. Das junge Mädchen muss die maskierte Verbrechensbekämpfung mit dem Bestreben ihres Vaters, der Polizist ist, Spider-Woman hinter Gitter zu bringen, in Einklang bringen, während der junge Mann seine Zeit damit verbringt, mittelmäßige Bösewichte zu bekämpfen und ein College außerhalb seines Wohnorts zu planen. Als Gwen Stacy auf Miguel O'Hara (Oscar Isaac) trifft, einen Spider-Man, der eine Elitegruppe von Friedenswächtern leitet, die durch die Dimensionen springen, schließt sie sich schnell Jessica Drew (Issa Rae), Spider-Punk (Daniel Kaluuya) und Pavitr Prabhakar (Karan Soni) an. Während eines Einsatzes, bei dem sie einen teleportierenden Irren mit schwarzen Flecken wie eine Kuh oder ein Dalmatiner aufhalten soll, findet sie sich auf der Erde von Miles Morales wieder und kann es entgegen der Anweisung ihrer Vorgesetzten nicht lassen, sich mit ihrem Freund zu treffen. Doch ihr Wiedersehen wird von der Erkennung der wahren Absichten von 'The Spot' (Jason Schwartzman) überschattet: Ein tödlicher Plan, der sowohl Miles Morales als auch Gwen Stacy dazu zwingen wird, sich zu fragen, wofür und für wen sie kämpfen.

Der frenetische Animationsstil, der einst absolut einzigartig war, fühlt sich jetzt vertraut an, auch wenn er nur leicht verändert wurde, um noch hektischer zu werden. Die dreidimensionale Qualität von anno dazumal ist viel gröber geworden, mit randbrechenden Kantenlinien, die wie Skizzen aussehen, und Schattierungen, die an altes Comicpapier erinnern. In den verschiedenen vorgestellten Universen ändert sich die Formatierung ständig, fast so, als würde sie sich permanent einmischen und auf die instabilen Fehlfunktionen der Bewohner der Multiversen hinweisen. Alles ist viel stürmischer und chaotischer, was sich als weniger visuell ansprechend erweist, auch wenn in kurzen, vereinzelten Momenten ausgezeichnete Animationstechniken und -ideen gezeigt werden. "Lass uns das diesmal anders machen..."

Wieder einmal sind die Actionsequenzen die Hauptattraktion, wenn Spider-Man und seine Gang ihre Fähigkeiten unter Beweis stellen, jede potenziell tödliche Katastrophe mit einer Mischung aus extremer Athletik und blitzschnellen Reflexen zu überlisten. Die Spinnen-Menschen sind im Grunde unbesiegbar, was in den Szenen, in denen sie verletzlich erscheinen sollen, nicht gerade hilfreich ist. Wie bei allen Marvel- und Superheldenfilmen zuvor scheint nichts von Bedeutung zu sein, wenn dank der Sci-Fi-Natur der Prämisse alles möglich ist und die Protagonisten systematisch übermenschliche Aktivitäten ausführen. Jedes Mal, wenn Miles Morales in Gefahr ist, gibt es kein wirkliches Bewusstsein für die Notwendigkeit. Diese Ansicht wird durch die widersinnige Skepsis verstärkt, die fast alle normalen Menschen an den Tag legen. Zu ihren täglichen Erfahrungen gehören außerirdische Kreaturen aus anderen Dimensionen oder amoklaufende Technologien. Warum sollten sie von einem Gürteltiermonster oder einem fliegenden Superschurken, der ein Gebäude oder eine Eisenbahnstrecke zerstören will, beunruhigt werden, und warum wird keine dieser Techniken zur besseren Bewaffnung der zuständigen Behörden eingesetzt?

Auch wenn der erste Film erwartungsgemäß nicht viel bewirkt hat, so ist das Spider-Verse doch voll zugänglich und manipulierbar. Problematisch ist jedoch, dass in diesem Kapitel Kanon-Ereignisse eingeführt werden, übermäßig absurde Elemente, die suggerieren sollen, dass trotz der unendlichen Variationen von Spinnen-Entitäten und Zeitlinien jede bestimmte Tragödien erleben muss. Zudem gibt es in jeder Zeitlinie einen Spider-Man, was das Spider-Verse zu einer speziell abgegrenzten Anordnung von Welten macht, die scheinbar unabhängig von anderen Superheldenwelten sind, oder in denen nicht alle Zufälle und Umstände zusammenpassen, um die überaus akkurate Spider-Figur hervorzubringen. Es ist eine bizarre und wenig überzeugende Methode zu sagen, dass das Spider-Verse so etwas wie ein vorgegebener, unveränderlicher, einziger Weg ist, unabhängig davon, ob diese vorgegebene Geschichte von einem Spider-Humanoiden oder einem Spider-Tier unternommen wird.

Da die Hauptfiguren jedoch bereits im Vorgänger etabliert wurden, bleibt in der Fortsetzung mehr Zeit, die Beziehungen zu entwickeln und die Showdowns auf Stadtebene zu choreografieren, von denen einige beeindruckend sind, während andere eher ein Wust von Farben und Geräuschen darstellen. Die Kommentare über Familie und Erziehungsfragen sind repetitiv und abgestanden, was wiederum auf das ständige Superhelden-Geplänkel und die Tatsache zurückzuführen ist, dass der Humor, obwohl er an sich effektiv ist, endlos eingesetzt wird, um die Seriosität der Kämpfe zu konterkarieren, aber die aufkeimende Romanze von Miles Morales und Gwen Stacy ist einnehmend und echt, da sie sich auf zwei Menschen konzentriert, die unmöglich in ihre gewöhnliche Umgebung passen können. Die Actionszenen erinnern an ein lebendig gewordenes Comicbuch, nicht nur durch die Panels und Sprechblasen, die auf dem Bildschirm aufblinken, sondern auch durch die Posen, die skizzenhaften Darbietungen, die Sprachaufnahmen und die grenzüberschreitenden Szenenübergänge.

Einige neue Spider-Variationen sind unterhaltsam und zeigen die Kreativität der uneingeschränkten Heldenvarianten. Einer der Spider-Man-Typen, der nur in einer Szene auftaucht, ist ein T-Rex. Miles Morales ist immer noch ein passender Hauptdarsteller mit einer Perspektive, die in Big-Budget-Filmen selten beleuchtet wird, und der Soundtrack ist satt und krachend. Aber in Anlehnung an "Avengers 3: Infinity War" ist diese Fortsetzung nicht einmal annähernd eine vollständige Geschichte, die mit 140 Minuten viel zu lange dauert und abrupt mit einem Zwischentitel 'Fortsetzung folgt' endet. Obwohl durchaus unterhaltsam, ist "Spider-Man: Across the Spider-Verse" im Grunde das Äquivalent von "Pirates of the Caribbean - Fluch der Karibik 2" in der "Spider-Verse"-Reihe - eine actiongeladene Brücke, die zu einem tatsächlichen Abschluss führt.

"Spider-Man: A New Universe" von den Regisseuren Bob Persichetti, Peter Ramsey und Rodney Rothman beginnt mit einer kurzen Vorstellung des netzschwingenden Superhelden selbst. Darin gibt Spider-Man einen Überblick über seine Ursprünge, einschließlich aller bisherigen Sony-Filme, sowie über seine Rolle in den Comics und der Popkultur. Diese Einführung tut das, was viele vergleichbare Marvel-Filme tun, nämlich zuzugeben, dass der Betrachter bereits mit der Figur und ihren früheren Versionen vertraut sein muss, denn es gibt zu viel Geschichte, als dass man hier einfach mit dem Film beginnen könnte. "Mein Name ist Peter Parker."

Mit diesem Wissen kann sich eine neue Story entfalten, die besonders einzigartig ist, auch wenn sie viele der einleitenden Konzepte aus anderen Spider-Man-Verfilmungen enthält. Hier ist Miles Morales (Shameik Moore) ein Teenager in Brooklyn, der die Schnauze voll hat von der Schule und seinem überheblichen Vater, der zufällig Polizist ist. Miles Morales schaut stattdessen zu seinem Onkel Aaron (Mahershala Ali) auf, einer eher rebellischen Figur, die absolut kein Vorbild für den beeinflussbaren Jungen sein sollte. Bald stößt er auf eine radioaktive Spinne, die ihm Superkräfte verleiht, was darauf hindeutet, dass er eine gar nicht so unterschiedliche Variante des beliebten Verbrechensbekämpfers ist, die vielleicht sogar in mehreren Formen gleichzeitig existiert. "Ich dachte, ich wäre der Einzige."

Wenn er sich nicht gerade mit Hausaufgaben, der Adoleszenz, Mädchen, insbesondere Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), und seiner Lieblingsbeschäftigung, dem Sprühen von Graffiti, beschäftigt, taucht der Film in die Komplexität des Raum-Zeit-Kontinuums ein, das mit einem Superkollider, der Portale und unendliche Variationen des maskierten Superhelden schafft, mehrere Dimensionen oder Paralleluniversen eröffnet. Mit außerordentlich hyperaktiven Bewegungen springt dieser Animationsfilm in die Vollen und bietet übermäßig stilisierte Charakterdesigns und Animationsstile, Farbschemata, geteilte Bildschirme, musikalische Verzierungen, unterbrechende Grafiken, Wortblasen und mehr. Die visuelle Gestaltung ist zweifellos eine der größten Stärken dieser Produktion. Sie nutzt sowohl den Realismus, vor allem bei den Hintergrundelementen und den Requisiten, als auch den Cartoonismus, speziell bei den rasanten Bildern und dem Fehlen von Physik in der Animation, die Action und Komik sowie einige kurze emotionale Momente kombiniert.

Genau wie der hektische Stil der Bildsprache ist auch die Narration chaotisch und entfaltet ihre Wirkung ohne System, mit mehreren Erzählern, Rückblenden, hypothetischen Visionen und sogar Comic-Panels und umgeblätterten Seiten, um Handlungspunkte zu wiederholen oder Details hinzuzufügen. Trotz des exzellenten Tempos, das größtenteils auf das kontinuierliche Abenteuer und die vertrackte Prämisse zurückzuführen ist, scheint der Anspruch ungewöhnlich niedrig. Mit alternativen Realitäten und zahllosen Kopien, darunter ein 'Spider-Schwein', scheint niemand verwundbar, niemand in ernsthafter Gefahr zu sein.

Gleichzeitig reicht eine einzige Kugel aus, um Superschurken zu stoppen, die über zahllose Ressourcen und hochmoderne technologische Waffen und Rüstungen verfügen, was im Zusammenhang mit der Kriegsführung der 'Spider-People' völlig rückständig ist, zumal Doc Ock (Kathryn Hahn) mit ihren unfassbar mächtigen Tentakeln Unmengen an Verwüstung anrichten kann. Und die Lösung für die drohende Vernichtung New Yorks ist ein alberner USB-Stick, der genau das tut, was er tun muss, mit begrenzter Sensibilität und Unmittelbarkeit, um es zu untermauern. Es ist ein weiteres Musterbeispiel für eine generische, vergessenswerte Superheldengeschichte, die sich fast ausschließlich auf Sci-Fi-Action konzentriert und dabei völlig außer Acht lässt, ob sie kohärent oder sinnhaft ist oder nicht. Zumindest sieht die Inszenierung dank der innovativen Mixtur aus 3D-Stilisierung, die an einen Live-Action-Look grenzt, und 2D-Schattierungseffekten ziemlich attraktiv aus.

In "Heart of Stone" von Regisseur Tom Harper versucht die erfahrene Hackerin Rachel Stone (Gal Gadot), sich aus der Ferne in ein Hightech-Sicherheitssystem in einem exklusiven Skigebiet in Italien zu knacken, während sie sich in einem Fahrzeug befindet, das in sicherer Entfernung von einer internationalen Terrorgruppe geparkt ist. Doch als die Verbindung abbricht, greift ihr Eliteteam, zu dem auch Parker (Jamie Dornan), Bailey (Paul Ready) und Yang (Jing Lusi) gehören, ein und inszeniert einen Komplott, in den Rachel Stone noch viel stärker verwickelt werden muss. Ihr Auftrag: Den geheimnisvollen Mulvaney (Enzo Cilenti), den meistgesuchten Waffenhändler Europas, zu schnappen.

Die Bösewichte sind hier zwielichtige Verbrecher aus dubiosen Organisationen, während die Helden ebenso schattenhafte Agenten sind, die für eine obskure Nichtregierungsorganisation arbeiten. Vielleicht ist es am besten, wenn man in diesen hypermodernen Spionagefilmen nicht zu viele konkrete Ämter verwendet. Das könnte die wunderbaren Mutproben und ridikülen technischen Spielereien ruinieren - insbesondere die dreidimensionalen KI-Computer-Layouts, die genau zeigen, was zu tun ist, um die verrücktesten Kunststücke zu vollbringen, als ob die Hauptfigur einfach ein Videospiel zocken würde. Es ist viel zu bequem für jeden, an Informationen zu gelangen, und jede Gruppe hat nur einen Hacker, kein Team, das in der Lage ist, in Minutenschnelle in jedes System einzudringen. "Heart of Stone" schmiegt sich zu eng an die "Mission: Impossible"-Reihe. "Na gut, du Genie. Was jetzt?"

Nur leider sind die Stunts hier nicht ansatzweise so eindrucksvoll wie in der vorgenannten Filmreihe. Die Spezialeffekte und die vertrackte Kameraführung sind enttäuschend überbeansprucht und suggerieren nur schwach ein gesteigertes Empfinden von Abenteurertum. Vielmehr wird die Handlung dadurch nur noch unlogischer und weniger anregend. Wenn sich ein hochoktaniger Thriller auf visuelle Täuschungen verlässt, um seine Wirkung zu entfalten, wird der Betrachter mit Sicherheit merken, dass Gal Gadot selten so aussieht, als würde sie echte Stunts ausführen. "Das ist ein Samstagmorgen-Cartoon."

Es gibt zwar Augenblicke, in denen es interessant ist und sich die Charaktere entwickeln, die sich aber angesichts einer sanften Romanze widernatürlich und schwülstig anfühlen, dominiert eindeutig die Action. Es gibt Schießereien, Faustkämpfe, Verfolgungsjagden, Überfälle und alle Arten von explosiven Kollisionen, bei denen unzählige Sachwerte vernichtet werden. Dabei wirft Rachel Stone mit vielen eloquenten Versen um sich, die an James Bond oder andere gängige Kinohelden anklingen. Doch während bei den Nebenfiguren ein Funken Chemie herrscht, sind die Ganoven eintönig und schlicht, auch wenn es ein paar überraschende Wendepunkte in Bezug auf Loyalitäten und Beweggründe gibt. Den Drehbuchautoren scheint es einfach nicht zu gelingen, einen würdigen Kontrahenten für eine schier übermenschliche Geheimagentin zu finden, geschweige denn innovative Actionsequenzen, durch die sie sich prügeln könnte.

Neben den Sidekicks und Feinden ist Gal Gadot ähnlich abträglich, denn sie scheint nichts anderes zu spielen als ihre typische Rolle einer zähen, klugen und willensstarken Kriegerin, die stets der 'Wonder Woman' entspricht, die sie berühmt gemacht hat. Diese Rolle ist überwiegend unsympathisch, denn sie ist nicht nur für eine Vielzahl von Opfern verantwortlich, sondern scheitert auch bei einer Reihe von Aufgaben und wählt scheinbar für jeden Plan die falschen Optionen. Ihr Erfolg ist immer zufallsbedingt, auch wenn er durch Geschicklichkeit unterstützt wird. "Heart of Stone" ist immer verlogen, denn er wird mit übertriebenen übernatürlichen Heldentaten verschönert, die nur Rachel Stone vollbringen kann, was ihre unwahrscheinliche Superiorität noch unterstreicht. Am Ende machen es die weltumspannenden Intrigen, die unorthodoxe Action-Choreographie, die nichtssagenden Schauspieler, darunter eine höchst unerträglich naive Alia Bhatt, und die unfassbare Genialität der Superspionin so anstrengend, dass man sich für nichts davon erwärmen kann. "Das ist eine Falle!"

In "Predator - Upgrade" von Regisseur Shane Black wird ein fliehendes Predator-Schiff im Kampf beschädigt und ist gezwungen, in Mexiko notzulanden. Der Pilot des Raumschiffs stürzt mitten in eine US-Militäroperation gegen ein Verbrechersyndikat und schafft es, bis auf einen alle Soldaten zu töten, bevor er außer Gefecht gesetzt wird. Der einzige Überlebende, der Scharfschütze Quinn McKenna (Boyd Holbrook), stiehlt den Helm und den Handschuh des Predators und schickt sie per Post an sein Haus in Tennessee, bevor er von den Behörden festgenommen wird.

In der Zwischenzeit ist die Ankunft einer außerirdischen Lebensform auf der Erde von der Regierung nicht unbemerkt geblieben. Will Traeger (Sterling K. Brown), der Leiter des Projekts 'Stargazer', hat den bewusstlosen Predator bereits geborgen, um ihn für Tests und Proben in eine geheime Einrichtung zu bringen. Um die wahren Absichten des außerirdischen Gastes aufzudecken, rekrutiert Will Traeger die Hybridisierungsspezialistin Dr. Casey Bracket (Olivia Munn). Als das Wesen entkommt, tut sich Dr. Casey Bracket mit Quinn McKenna und seiner neu gewonnenen Truppe psychisch labiler Veteranen zusammen, darunter Nebraska (Trevante Rhodes), Coyle (Keegan-Michael Key), Baxley (Thomas Jane), Lynch (Alfie Allen) und Nettles (Augusto Aguilera), um den Predator zu jagen, bevor er sein Ziel erreicht: Quinn McKennas Sohn Rory (Jacob Tremblay).

Von der Eröffnungssequenz an wird der Betrachter mit allen Markenzeichen der "Predator"-Franchise verwöhnt: ein Geiselszenario, in das ein Drogenkartell verwickelt ist, der Tarnanzug, eine abgehäutete Leiche, ein Hubschrauber, wohlbekannte Soundeffekte und die wiedererkennbare Titelmusik voller Stammespercussion. In diesen ersten Minuten werden die erwarteten Grundlagen verwendet, so dass sich der Rest von "Predator - Upgrade" auf neue Komponenten konzentrieren kann, insbesondere auf die Geschichte und die Charaktere. Darüber hinaus gibt es eine deutliche Intensivierung der Handlung, die mit Vernichtung und Bluttaten einhergeht, die das meiste, was in den vorherigen Kapiteln zu sehen war, noch übertrifft.

Eine Truppe von Soldaten steht immer noch im Fokus der Jagd, aber diesmal ist es nicht das eingeschworene Team von Elitespezialisten aus dem Sci-Fi-Klassiker von 1987, sondern eine bunt zusammengewürfelte Gruppe von mental gestörten ehemaligen Militärs, die zusammenarbeiten müssen, um nicht direkt in ein Lazarett zu kommen. Olivia Munn ist eine hervorstechende Biologin, die als die Furcht erregendste der Bande die Show stiehlt, obwohl sie weder einen militärischen Background hat, noch erklären kann, wie sie in der Lage ist, einen stetigen Vorrat an schweren Waffen und 'Predator'-Technologie zu bedienen. Diese neue Fraktion sorgt für reichlich Unterhaltung, vor allem mit ihren unreflektierten Formulierungen von Angriffsplänen.

Ein Teil der Effizienz ist die große Bandbreite an Humor in den Dialogen, ein weiteres Novum, das in den vorherigen Handlungssträngen nicht präsent war. Vereinzelt mag es zu sehr ausarten, wenn Keegan-Michael Key eine Flut von 'Deine Mutter'-Witzen vom Stapel lässt, aber der stetige Flux von komödiantischen Intermezzi ergänzt die Nonstop-Action. Da "Predator - Upgrade" auch ziemlich blutrünstig ist, mit viel Tod und Verderben, hilft die omnipräsente Leichtigkeit den deformierten Soldaten bei ihrer routinierten Attitüde. Die schnörkellose Komik trägt auch zur Entfaltung der Protagonisten bei und verleiht dem Ensemble, insbesondere den Nebendarstellern, Einzigartigkeit. Bedauerlicherweise geht es den Hauptfiguren nicht besonders gut, denn Quinn McKenna, seine Ex-Frau (Yvonne Strahovski) und sein Sohn übernehmen alle Rollen, die bei ihrer Einführung offensichtlich sind und danach statisch bleiben.

Der erste Teil "Predator" ist außergewöhnlich, mit Kostümen, Make-up und Gesichtsanimatronik, die alle klar sichtbar sind und sich reibungslos bewegen, ohne Angst zu haben, die Form eines Menschen in einer Verkleidung anzunehmen. Der zweite Film, "Predator 2", geht in die entgegengesetzte Richtung und greift auf eine übermäßige Nutzung von Computeranimationen zurück, die im Laufe des Films nicht nur gelegentlich nicht überzeugend sind, sondern auch immer minderwertiger aussehen. Seine modernisierte Technologie und die meisten außerirdischen Waffentypen sind seine Trumpfkarte und bieten den Betrachtern kurzweilige neue Zerstückelungsmöglichkeiten. Dies trägt zu dem langwierigen Schlussspurt bei, in dem es um sein Schiff und verschiedene Trophäenjagdausrüstungen geht, der mal spannend und mal chaotisch ist, so dass nicht alles nachvollziehbar und kohärent ist. Die Story ist ein bisschen vorschnell zu Ende und mündet in einen unbefriedigenden Wink mit dem Zaunpfahl, aber das Tempo, die Action und der Humor wiegen die Defizite in der Kontinuität und der generellen Dramaturgie wieder auf.

Wenn man sich die Struktur und die Nuancen von Ridley Scotts "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" genauer ansieht, wird klar, dass es sich um viel mehr als nur um einen Spukhausfilm im Weltraum handelt. Fügt man noch ein paar interessante Charaktere, ein paar unerwartete Wendungen und eine übermäßig komplexe außerirdische Kreatur hinzu, so ist das Rezept für einen Horrorklassiker geboren. Doch nun seziert Regisseur Ridley Scott mit "Alien: Covenant", der sowohl ein Prequel zu "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" als auch eine Fortsetzung von "Prometheus - Dunkle Zeichen" ist, seine perfekte Tötungsmaschine mit einer derartigen mikroskopischen Präzision, dass Fehler in fast jedem Aspekt ihrer Ursprünge sichtbar werden. Selbst wenn man die aufgeblasenen Charaktere, die alle zu kurz kommen, und den höchst unbefriedigenden Triumph des Bösen außer Acht lässt, (ist das Alien jetzt eine Art Freddy Krueger, ein Bösewicht, mit dem der Betrachter mehr mitfiebert als mit den Hauptfiguren?) die übertriebene Darstellung der Entwicklung des titelgebenden Monsters macht einen Großteil des Horrors, des Geheimnisses und der Logik, die hinter dem einstigen Alptraumgebräu steckt, zunichte.

Wir schreiben das Jahr 2104 und das Kolonisationsschiff 'USS Covenant' ist auf dem Weg zu seinem Ziel 'Origae-6', wo seine mehr als 2.000 Passagiere eine neue menschliche Siedlung gründen werden. Als eine unerwartete Sonneneruption das Raumschiff trifft, wird die vierzehnköpfige Besatzung durch den synthetischen Walter (Michael Fassbender) an Bord geweckt. Nach mäßigen Schäden und Verlusten wird die 'Covenant' schließlich stabilisiert und das Kommando an den Neuling Captain Oram (Billy Crudup) übergeben. Während der Reparaturen an den Außenfolien wird eine abtrünnige Übertragung abgefangen, die auf die Anwesenheit von Menschen hinweist. Daraufhin leitet Oram das Schiff zur Quelle des Signals um, einem bisher übersehenen Planeten, der sich besser zur Siedlungsgründung eignet als das ursprüngliche Ziel der 'Covenant'. Doch als das Schiff eintrifft und ein Landungstrupp, bestehend aus Oram, Walter, Daniels (Katherine Waterston), Karine (Carmen Ejogo), Lope (Demian Bichir) und Rosenthal (Tess Haubrich), hinuntergeschickt wird, machen sie eine Entdeckung, die weitaus schrecklicher ist, als es sich einer von ihnen je hätte vorstellen können.

Ein großer Teil des Charmes von "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" beruht auf seiner Einfachheit. Ein Monster mit besonders rücksichtslosen und gewalttätigen Tendenzen hat versucht, eine kleine Gruppe von Arbeitern zu jagen und zu eliminieren. Wie bei "Prometheus - Dunkle Zeichen" hat sich Ridley Scott für seriösere Science-Fiction-Themen entschieden, darunter viele philosophische Fragen über die Wurzeln der Menschheit selbst. Schöpfung, Evolution, Zoologie, alte Zivilisationen, menschlicher Erfindungsreichtum, Kunst, Glaube, Sterblichkeit, die Ironie, dass der Mensch Maschinen baut, die intelligenter sind als er selbst, und sogar architektonische Wunder scheinen ihn zu beschäftigen und lassen wenig Raum für bewährte, altmodische Creature-Features, die für Aufregung sorgen. In "Alien: Covenant" geht es mehr um die Vorzüge der Manipulation biologischer Lebensformen oder sogar um den Spaß an der Archäologie als um Horror. Wenn der Vorhang über das Aufkommen der 'Xenomorphen' gelüftet wird, sind sie weit weniger wirkungsvoll. Manche Dinge sollten besser unbekannt und/oder ungelöst bleiben.

Und so fühlt sich dieser Auftritt in der "Alien"-Franchise eher wie ein Remake von "Prometheus - Dunkle Zeichen" an als irgendetwas, das an den Originalklassiker von 1979 oder das Sequel von 1986 erinnert. Die optische Ausstattung ist immer noch eine Melange aus Ridley Scotts ursprünglicher Vision und James Camerons Ergänzungen, aber die weniger spektakulären Bilder aus "Prometheus - Dunkle Zeichen" sind bei weitem dominierend. Gepaart mit den überflüssig plakativen Themen gleicht das Ganze eher "2001: Odyssee im Weltraum" in Bezug auf die Absichten, nicht auf die Ausführung, als dass er eine positive Bilanz ziehen würde. Wenn überhaupt, dann bewegt sich Ridley Scott immer weiter weg von dem, was diese Reihe so attraktiv gemacht hat.

Auch eine Vielzahl bekannter Motive taucht auf, aber mehr als Plagiat denn als Hommage, wobei einige Aspekte sogar aus dem Film "Life" gestohlen zu sein scheinen. Erneut gibt es eine ungustiöse, hässliche Metallausstattung für das Kolonieschiff, ein Androide bleibt zwielichtig, und es wird unglaubwürdiger Smalltalk geführt, aber es ist nie so natürlich wie vor der Rückkehr des hufeisenförmigen, verlassenen Schiffes, der böse Konzern zieht immer noch die Fäden hinter den Kulissen, Quarantäneprotokolle werden missachtet, eine Luftschleuse wird zur Hauptbühne für einen Höhepunkt, und alles baut sich irgendwie nur auf für den dritten Akt, der leider mit vorhersehbaren, abgenudelten Twists gepfeffert ist. Die panische Atmosphäre ist überstrapaziert und ineffektiv oder schlichtweg nervtötend, die Besetzung ist zu breit gefächert, um ein individuelles Ambiente zu schaffen, Danny McBride setzt sich einen Cowboyhut auf, was ihn weder unverwechselbar noch memorabel macht, obwohl er ein witziges Ensemblemitglied ist, und die fortschrittliche Technologie im Film widerspricht seinem Setting als Prequel. Je mehr Ridley Scott eines seiner populärsten Werke wieder aufgreift, desto mehr mutet "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" wie ein Glücksfall an oder wie eine Existentia, bei der er mitwirken durfte. Vielleicht waren Hans Rudolph Giger, Dan O'Bannon und Ronald Shusett die wahren Genies hinter diesem Film.

Ursprünglich wollte Regisseur Ridley Scott ein Prequel zu seinem Film "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" drehen, doch als er mit dem Schreiben des Drehbuchs begann, wurde ihm klar, dass aufgrund der Fülle des Materials eine eigene Geschichte, wenn auch im gleichen Universum angesiedelt, notwendig war. Ein solches Projekt führte zu vielen Spekulationen und extrem hohen Erwartungen der Fans an das, was schließlich "Prometheus - Dunkle Zeichen" werden sollte. Doch für einen Film, der angeblich kein direktes "Alien"-Prequel sein soll, ist die Abfolge der Ereignisse in "Prometheus - Dunkle Zeichen" frappierend nah an Ridley Scotts früherem Werk. Bestimmte Abschnitte scheinen sogar speziell als Gegenstücke zu den ikonischen Momenten konzipiert worden zu sein, die inzwischen in die Filmgeschichte eingegangen sind. Leider kommt keine dieser Szenen auch nur annähernd an die schockierende Brillanz der Bilder in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" heran. Während die atmosphärischen Sets, die beeindruckenden praktischen Effekte und die kompetenten Schauspieler so präsent sind, wie sie sein sollten, wartet man die meiste Zeit vergeblich auf wirkliche Offenbarungen, da Ridley Scott mehr Fragen zu stellen scheint, als er beantwortet.

Als die Wissenschaftler Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) und Charlie Holloway (Logan Marshall-Green) auf der Erde Hinweise entdecken, die auf mögliche 'Ingenieure' der Menschheit hindeuten, schließen sie sich mit der mächtigen 'Weyland Corporation' zusammen, um eine Expedition ins All zu starten und Kontakt mit ihren Schöpfern aufzunehmen. Unter der Leitung der strengen Meredith Vickers (Charlize Theron) und in Begleitung von Geologen, Söldnern und dem kryptischen Androiden David (Michael Fassbender) wird die Besatzung des Raumschiffs 'Prometheus' angewiesen, nicht mit Lebensformen zu interagieren, denen sie begegnen könnte. Doch als die Gruppe ihr Ziel, den Mond 'LV-233', erreicht und dort die Überreste der Wesen entdeckt, die sie finden wollten, ist es unmöglich, die Gefahr zu vermeiden. Als sich eine tödliche Infektion rasch ausbreitet und mysteriöse Kreaturen die Crew angreifen, erkennt Elizabeth Vickers die schreckliche Wahrheit und muss um ihr eigenes Leben und das Schicksal der Menschheit kämpfen.

Der sonst so versierte Regisseur hat sich mit "Prometheus - Dunkle Zeichen" ein bisschen zu viel vorgenommen und versucht, in verschiedenen Phasen sehr viel zu sein. Die Erwartungen waren besonders hoch, weil Ridley Scott 1979 mit "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" berühmt wurde und dieser Film seine lang erwartete Rückkehr zum Genre markiert. Zu Beginn wagt er es, Alternativen zur Evolution der Menschheit zu erwägen, wobei er sich vor allem auf Science-Fiction-Philosophien stützt. In der Mitte erkundet er beliebte Themen wie den Angriff auf schwaches menschliches Fleisch, das Eindringen in Körperöffnungen und genetische Mutationen - alles wesentliche Elemente des Horrors um des Horrors willen. Und gegen Ende setzt er auf actionorientierten Thrill mit imposanten CG-Tricks und massiver Destruktion. Jeder Wechsel des Genres entfernt die Handlung von einer klaren Vision, und das Resultat ist ein Konvolut von ungelösten Problemen und unzureichend definierten Entitäten, insbesondere in Bezug auf die Fähigkeiten und die Funktion der Ingenieure, ihre Fracht und die darauf folgenden Anomalien.

'Brandywine Productions', David Giler und Walter Hill als Produzenten, die Titelfont, der Schriftzug 'LV_223', die Rede von Firmenjobs, ein Androide, ein monströses Schiff voller einsamer Korridore, Hyperschlafkrankheit, versteckte Pläne, Sabotage, Hans Rudolf Gigers Artwork und fortschrittliche Technologie - all das markiert die Rückkehr einer vertrauten Aura. Doch während die Umgebung mit ihrer hohen Luftfeuchtigkeit, den schrillen Geräuschen, dem schwarzen Dreck und den glitschigen Viechern an das ursprüngliche Meisterwerk von Ridley Scott erinnert, schreitet die Story gemächlich und schematisch voran. Eine Belegschaft erwacht aus dem Tiefschlaf, eine medizinische Bypass-Kapsel wird inspiziert, ein zufälliger Söldner behauptet, zu Sicherheitszwecken da zu sein, und fuchtelt mit Waffen herum, Schiffs- und Helmkameras liefern knisternde statische Übertragungen, allochthone Wände glänzen mit Schleim, und eine erfolglose Quarantäne erlaubt es, etwas an Bord des Kommandoschiffes zurückzubringen. Nichts davon ist sonderlich innovativ, und das Gespür für Vorboten und Vorzeichen ist wahnsinnig ausgeprägt. Die Spannung kommt zu spät, das Grauen wird plump dargestellt, und das Erfassen des körperlichen Schmerzes, das Verstehen des Zwecks der Konstruktionen und das Verdauen der Antworten auf die Rätsel des Lebens kommen viel zu kurz. Die Erschaffung des 'Space Jockey' aus "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" warf eine interessante Frage nach Herkunft und Abstammung auf, doch die Lösung ist nicht sehr einleuchtend.

Nur wenige Filme, in denen außerirdische Wesen Menschen jagen, können als hohe Kunst angesehen werden, und obwohl "Predators" von Regisseur Nimród Antal diese Erkenntnis nicht übertrifft, bewahrt er viele der Elemente, die das Genre unterhaltsam machen. Blutiges Gemetzel, spannungsgeladene Patt-Situationen und der Thrill des Überlebens gegen unüberwindbare Widerstände ergänzen die bunt zusammengewürfelte Söldnertruppe, die für reichlich Frischfutter und ein bisschen Hochmut sorgt. Dank der vielfältigen Darsteller gelingt es dem Film, einige sympathische und sicherlich auch ein paar verrückte Charaktere zu erschaffen, wenn auch nur, um den Betrachter davon abzuhalten, den Predatoren von ganzem Herzen die Daumen zu drücken.

Acht Fremde erwachen und finden sich in einer geheimnisvollen Dschungelumgebung wieder. Einige sind Söldner, andere sind Soldaten, wieder andere sind Verbrecher - doch alle sind Killer. Royce (Adrien Brody) übernimmt rasch das Kommando und führt die Gruppe der verlorenen Krieger durch tückisches Alien-Terrain, um den Grund für ihre Verschleppung herauszufinden. Eine Rotte skrupelloser außerirdischer Predatoren hat sie auf diesen abgelegenen Planeten entführt, um sie als Hobby zu erlegen. Als die Teilnehmer langsam einer nach dem anderen eliminiert werden, müssen sich die wenigen Überlebenden ihren erbarmungslosen Peinigern in einem brutalen Kampf ums Dasein stellen.

Die Dynamik, die Energie, die Emotionen und der Spaß sind allgegenwärtig. Doch die Genialität der Filmhandlung des Originals weicht hier einem berechenbaren, wenn auch passenden Konzept, das todgeweihte Menschen gegen noch mörderischere Untiere antreten lässt. Es ist klar, dass die Filmemacher große Fans der "Predator"-Franchise sind, voller Enthusiasmus für ihre Lieblings-Alienjäger und begierig darauf, sie in verschiedenen Szenarien zu platzieren und ihre etablierte Überlieferung zu erweitern. Leider sind sie einfach nicht die besten Filmschaffenden. Die Geschichte tritt hinter der Action zurück, einige der Charaktere gehören definitiv nicht dazu, und die Bemühungen um eine Hommage fühlen sich eher wie recycelte Gedanken an, so dass "Predators" in seinem Monsterfilm-Genre wildert, ohne Aussicht, ihm zu entkommen.

"Predators" ist sicherlich kein grandioser Film, aber er enthält so ziemlich alles, was man zu erwarten hat. Da es praktisch unmöglich ist, das Original zu übertreffen, hat Nimród Antal versucht, die Fortsetzung zu toppen, was ihm aber leider nicht gelungen ist. Es ist den Autoren hoch anzurechnen, dass sie sich nie über ihre eigene Kunst lustig machen und alles ernst nehmen, egal wie flapsig oder ineffektiv die Bestandteile sind. Die Handlung lehnt sich ein Stück weit an den ersten Film an und fügt der Truppe wenig Neues hinzu: Sie sind gut ausgerüstet, hochqualifiziert und haben keine Angst zu kämpfen, aber dieses Mal haben sie keine Erfahrung in der Kooperation als Team und sind auf einer fremdartigen Welt isoliert. Topher Grace passt gar nicht in den Film, ebenso wenig wie das Samurai-Duell zwischen einem Predator und Hanzo (Louis Ozawa Changchien). Die Alien-Hunde sind auch eine Spur zu viel, selbst für dieses bizarre Universum, aber trotz einiger schwacher Figuren und einer derivativen, völlig typischen Handlung sind Spannung, Action, Gewalt, Soundeffekte, Musik und Ton der Franchise treu.

"Es spielt keine Rolle, was passiert ist oder warum", berichtet Royce seinen Begleitern über ihre Ankunft. Seine Rede beantwortet alle Fragen der Skeptiker und Wissbegierigen. Dies ist Science-Fiction-Horror in B-Movie-Qualität, so dass die Ursachen und die Praktikabilität des Ganzen am besten in der Schublade bleiben. "Predators" wurde für die Fans gemacht und wird wahrscheinlich niemanden sonst ansprechen. Es hebt Überleben und Moral in der Filmreihe auf ein neues Niveau, zusammen mit Ideen für Blutfehden aus den Graphic Novels, unheimliche Innenräume jenseits des dichten Dschungels und einzigartige Persönlichkeiten für die Jagd. Zumindest kehren die vertrauten Sprachaufzeichnungsgeräte, Infrarot-Wärmesichtgeräte, Tarnvorrichtungen, rasiermesserscharfen Waffen und das offene Ende zurück.

Leider geht das größte Gimmick, nämlich die Pluralisierung des Titels und die Erhöhung der Anzahl der Monster, durch die Tatsache verloren, dass die "Alien vs. Predator"-Filme bereits existieren und eine größere Anzahl von Bösewichten aufweisen. Das Aufregendste an "Predators" ist jedoch die Musik, die im Wesentlichen mit der Originalkomposition von Alan Silvestri identisch ist. Zumindest ist der Film viel besser gelungen als Adrien Brodys Begegnung mit Außerirdischen in "Splice".

"Aliens vs. Predator 2", unter der Regie von Greg- und Colin Strause, kehrt zu der heftigen Gewalt und den ausufernden Schimpfwörtern zurück, für die das Franchise bekannt ist, und schafft es, den Look und selten das Gefühl, aber niemals die Essenz dessen einzufangen, was die Originalfilme so eindrucksvoll machte. Der Horror ist da, aber der Terror nicht, und große Helden und Heldinnen sucht man hier vergebens. Die Kreaturen selbst stehen wieder einmal im Rampenlicht, wie so viele Filmmonster, und stellen ihre menschlichen Gegner in den Schatten, aber so wunderbar morbide sie auch sind, es ist schwer, sich für eine Seite zu entscheiden, wenn nichts auf dem Spiel steht außer dem Leben einiger nervtötender Niemande.

Ein Predator-Raumschiff, das unwissentlich einen gefährlichen Alien-Hybriden an Bord hat, stürzt auf der Erde in einer Kleinstadt in Colorado ab. Das Chaos bricht aus, als die tödlichen Kreaturen auf die arglose Bevölkerung losgelassen werden, und die wenigen Überlebenden müssen sich zusammenschließen, um zu überleben. Doch die Aliens sind nicht die einzigen Monster, mit denen sie es zu tun haben, denn ein weiterer Predator taucht auf, um die 'Predalien' zu jagen - zusammen mit dem ebenfalls humanistischen Militär, das versucht, sie in Schach zu halten.

Ein heulendes Häufchen Elend läuft auf die Bildfläche zu ,während ein verwirrter Betrachter fragt: "Was war das? Was hat dich gejagt?" Die Antwort ist wahrscheinlich einer der schwierigsten Sätze, die ein Schauspieler mit authentischer Stimme vortragen kann. Allzu oft verlieren Filme ihre Glaubwürdigkeit, wenn eine solche Figur gezwungen ist, vor Angst zu zittern und blödsinnige Antworten auszustoßen, die vermuten lassen, dass sie keinen blassen Schimmer hat, was sie gerade verfolgt, weil ihr sicher niemand glauben wird. Und das ist meist der Punkt, an dem auch der Betrachter zu zweifeln beginnt. Einer der Hauptfaktoren, der die unplausible Handlung von "Aliens vs. Predator 2" behindert, ist die Tatsache, dass die Charaktere selbst den Ernst ihrer Situation nicht begreifen und ihre Reaktionen daher schlecht durchdacht und dubios sind. Der Umstand, dass es sich bei den meisten Opfern um Teenager handelt, trägt ebenfalls nicht dazu bei, den 'Xenomorphen' Seriosität oder Reife zu verleihen.

"Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt", "Aliens - Die Rückkehr" und "Predator" setzten auf eine adulte Besetzung, die Situationen, auf die keiner von ihnen vorbereitet war, auf eine Weise meisterte, die ihren älteren und gealterten Persönlichkeiten entsprach. Hier wurden die Aliens und Predatoren auf eine Art Freddy Krueger oder Michael Myers reduziert und haben so gut wie alles von ihrer Abgründigkeit und Bestialität verloren. Wenn die Charaktere stolpern und fallen oder wenn die Monster praktischerweise langsamer werden, damit sie leichter entkommen können, ist es offensichtlich, dass sich die Filmreihe in einen generischen Teenie-Slasher verwandelt hat.

Das atmosphärische und klaustrophobische Design der ersten drei Alien-Filme wird in diesem zweiten Crossover-Projekt teilweise wiederhergestellt, aber die größeren Sets und irdischen Schauplätze hätten durch die schattigen Korridore eines Raumschiffs oder einer Terraforming-Anlage auf einem anderen Planeten ersetzt werden sollen. Da die Isolation ein zentraler Handlungspunkt von "Aliens vs. Predator 2" war, scheint es filmisch ein ungünstiger Schachzug zu sein, die Aliens auf der Erde anzusiedeln, wo sich hochgradig unlogische Schöpfungen ungehindert mit natürlichem, irdischem Realismus vermischen. Schließlich kann man nur im Weltraum niemanden schreien hören, und Außerirdische sind in einer so profanen Umgebung einfach nicht sonderlich beängstigend.

Bei jeder Premiere der beiden 'Twentieth-Century-Fox'-Franchises ist es offenkundig, dass die Filmemacher glauben, die wahren Stars seien die Monster selbst - ein fragwürdiger Gedanke, der aber nur durch einen Blick auf die Originalfilme widerlegt werden kann. Mit dieser Einstellung bekommen die Aliens und die Predatoren immer mehr Zeit auf dem Schirm, während die Menschen nur auf ihre schlimmen Konsequenzen warten müssen; die Bevorzugung der Antagonisten macht die Menschendarsteller zu geistlosem Ballast. Doch was nützt das ganze Blutbad, wenn das Schicksal dieser Menschen ohne Bedeutung ist? Horror und Spannung verlieren völlig ihre Effekte, wenn der Betrachter keine Gelegenheit hat, sich für die Protagonisten zu interessieren. "Wer auch immer gewinnt, wir verlieren." Aber der Betrachter sollte nie das Nachsehen haben.

Ein sehr enttäuschender fünfter Film in der "Alien"-Franchise und der dritte in der "Predator"-Reihe. "Alien vs. Predator" von Regisseur Paul William Scott Anderson ist ein Hohn auf die intensiven und gnadenlosen Sci-Fi-Schöpfungen, die in den vorherigen, sehr erfolgreichen Produktionen definiert wurden. Dieser neue Brei aus Komik und völlig absurden Fanboy-Subplots ist weit entfernt von den makabren Meisterwerken aus den Jahren 1979 und 1987 und schmälert die Ehrfurcht vor den Kreaturen selbst und ist eine Beleidigung für den Betrachter und eine Blasphemie für die Filmemacher Ridley Scott, John McTiernan und James Cameron.

Eine Gruppe von Wissenschaftlern, Ingenieuren, Umweltexperten und Abenteurern wird zum Spielzeug eines diabolischen Ritus, als sie mitten in die Antarktis reisen, um eine uralte zigguratähnliche Pyramide zu erforschen. Der Industrielle und Milliardär Charles Bishop Weyland (Lance Henriksen) stellt ein handverlesenes Team unter der Leitung der Überlebensexpertin Alexa Woods (Sanaa Latham) zusammen. Der tragisch unterlegene Tross gerät in eine eisige Falle, in der außerirdische humanoide Predatoren die Gläubigen gezielt zu den Eiablagen der Aliens locken, damit sie sich mit dem Nachwuchs in den labyrinthischen Gängen des eisigen Monolithen duellieren können. Erschwerend kommt hinzu, dass die mit Sprengfallen versehene pyramidenförmige Anlage alle zehn Minuten ihre Struktur ändert, mit verschiebbaren Wänden und rotierenden Säulen, die die Gruppe trennen sollen. Was folgt, sind einige der sanftesten Szenen von Action und Gewalt, die man sich nur ausdenken kann.

Einer nach dem anderen wird das Menschengut in einsame Gänge und klaustrophobische Tunnel getrieben, um dort aus dem Off ein grausames Ende zu finden. Die Entwicklung der Charaktere ist nahezu inan, vor allem, wenn man bedenkt, wie schnell die Zahl der Toten im Allgemeinen steigt: Kaum hat der Betrachter einen persönlichen Aspekt im Leben einer Figur kennengelernt, wird sie auch schon entsorgt. Einige wenige Actionsequenzen sind gut choreografiert, und in seltenen Augenblicken wird die Gestalt eines Mannes in einem gummiartigen Monsterkostüm durch Beleuchtung und andere Unschärfen sichtbar. Aber wenn die Predatoren Aliens wie Lassos um ihre Köpfe schwingen, vergisst man leicht, dass solche Wesen einst in den alptraumhaften Welten existierten, die sich der berühmte Surrealist Hans Rudolf Giger und der Oscar-prämierte Visual-Effects-Künstler Stan Winston ausdachten.

Die historischen Verstrickungen in der Geschichte sind zwar einigermaßen interessant, aber die Verfolgungsjagd und die Flucht sind etwas trocken, was durch die Kürzung fast aller Inhalte für Volljährige relativiert wird. Regisseur Paul William Scott Anderson geht mit derartigen Elementen erstaunlich zaghaft um, schließlich gehören härtere Kost wie "Star Force Soldier", "Event Horizon - Am Rande des Universums" und die "Resident Evil"-Filme zu seinem Repertoire. Es ist fast schon burlesk, Alexa Woods mit einem verzweifelten Predator zusammenarbeiten zu sehen, obgleich dies die Hauptprämisse der "Aliens vs. Predator"-Grafikromane und -bücher ist und ein großer Teil des Produktionsdesigns auf zuvor illustrierten Konzepten basiert. Trotz scharfer Computeranimationen und gelungener praktischer Effekte, wenn auch selten beides gleichzeitig, sahen die Aliens und Predatoren noch nie so demütigend harmlos aus.

Letztendlich werden die jenseitigen Antagonisten zu bloßen herumtollenden Tieren reduziert und sind durchweg creepy und unkoventionell. Sogar die Alien-Königin ist nichts anderes als ein Plagiat des T-Rex aus "Jurassic Park". Es scheint, dass 'Twentieth Century Fox', nachdem Sigourney Weaver die Hauptrolle endgültig aufgegeben hatte, immer noch aus den Vorverkäufen für "Alien - Die Wiedergeburt" Kapital schlagen wollte, da die Führungskräfte davon ausgingen, dass das Potenzial ohne Ellen Ripley nicht ausreichen würde. Wann wird das Ganze aufhören? Das werden wir wohl nie erfahren, wenn man die Kasseneinnahmen betrachtet, die zu einer miserablen Fortsetzung nach der anderen in jedem Franchise geführt haben.

Mit einem Drehbuch von Joss Whedon, der Regie von Jean-Pierre Jeunet und der Co-Produktion von Sigourney Weaver selbst - man sollte meinen, sie würde ihre Oscar-nominierte Rolle im Laufe der Zeit besser schützen - hatte "Alien - Die Wiedergeburt" ein ordentliches Potenzial, auch wenn sich die Handlung hartnäckig weigert, auf den Anker Ellen Ripley zu verzichten. Es scheint, dass '20th Century Fox' trotz des großen Interesses an den Aliens selbst nicht daran geglaubt hat, eine neue Geschichte zu erzählen, die nicht irgendwie mit einer ausgelutschten Persona zu tun hat, die im Vorgänger sogar entschieden getötet wurde. Daher kann auch dieser vierte Teil nicht an das überragende Niveau von "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" und "Aliens - Die Rückkehr" heranreichen.

Nachdem in zahlreichen Drehbüchern versucht wurde, eine menschliche Armee zu implizieren, die 'Xenomorphe' als Biowaffen einsetzt, sieht man in "Alien - Die Wiedergeburt", wie das Militär der Vereinigten Staaten menschliche Fracht schmuggelt, um sie mit den unvergleichlichen, äußerst tödlichen, bananenköpfigen, permanent geifernden Monstern der Reihe zu imprägnieren. Obwohl Lieutenant Ellen Ripley (Sigourney Weaver) die Katastrophe auf der Gefangenenkolonie 'Fury 161' nicht überlebt hat, sind 200 Jahre vergangen, was den Wissenschaftlern Zeit gab, mit dem Klonen von Ellen Ripley zu experimentieren - nur für die außerirdische Königin, die in ihr war. Das Ergebnis ist, dass Klon Nr. 8 eine exakte physische Äquivalenz zu Ellen Ripley hat, zusammen mit verstreuten Erinnerungen, aber einigen gemischten DNA-Merkmalen wie leicht gesäuertes Blut, erhöhte Reflexe und enorme Stärke.

Wie erwartet, entkommen die Außerirdischen aus ihrem Gefängnis und richten unter den ahnungslosen Soldaten und Wissenschaftlern großes Unheil an. Aber die Weltraumpiraten, die die menschlichen Versuchskaninchen zur Verfügung gestellt haben, sind aus härterem Holz geschnitzt und weigern sich, kampflos aufzugeben - Kapitän Elgyn (Michael Wincott), Pilotin Sabra (Kim Flowers), Mechanikerin Vriess (Dominique Pinon), Tausendsassa Johner (Ron Perlman), Revolvermann Christie (Gary Dourdan) und Neuzugang Call (Winona Ryder) sind entschlossen, die Strapazen zu überleben. Auf dem Weg zu ihrem Schiff 'Betty', das durch Hunderte von Metern tückisches außerirdisches Terrain getrennt ist, muss sich die Verlierergruppe auch mit einem betrügerischen Forscher und einem Kollisionskurs mit der Erde auseinandersetzen.

Die Umgebung ist genauso unheimlich, lichtlos und dunstig wie zuvor, durchzogen von dunklen Gängen und glibberigen Gebilden. Unterwasserschauplätze, gigantische Raumschiffpfade und ein noch ekelhafterer 'Bienenstock' schaffen neue Schlachtfelder für vergleichbare Horrorszenarien. Zwar ist das Setting durchaus treffend und knüpft an den Erfolg des Spukhauses im Weltraum in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" an, doch ist es wieder einmal die Story, die dieses Unterfangen zum Scheitern bringt. Abgesehen von ein paar neuen Monstrositäten ist die Handlung völlig inspirationslos. Die Charaktere sind genauso feindselig wie in "Alien³" und Ellen Ripley ist so herrisch und dramatisch, dass sie nicht mehr wie eine glaubwürdige, empfindsame Natur wirkt.

Riesige Konstruktionen, Überraschungen, die dümmer sind als Dosenbrot - vor allem in Szenen mit Winona Ryder -, und öde Dialoge arbeiten gegen den einzigen positiven Faktor: Die visuellen Aufnahmen. Einige schnöde Computergrafiken beeinträchtigen die Präsentation, aber glücklicherweise sind die Außerirdischen selbst fast ausschließlich Modelle und Animatronics. Das 'neugeborene' Mensch-Alien-Hybridwesen fügt den ansonsten düsteren Ereignissen eine Dosis Clownerie hinzu, doch dürften die blutrünstigen und makabren Szenen Horrorfans und diejenigen, die neugierig genug sind, einen weiteren Titel dieser sich rapide abbauenden Franchise zu sehen, verzücken.

Es ist kein Geheimnis, dass Fortsetzungen immer schlechter werden, und dass der dritte und eigentlich letzte Teil der "Alien"-Trilogie diesem Trend überhaupt nicht widerspricht. Unter der Regie des Newcomers David Fincher, der später viele kommerzielle Erfolge wie "Fight Club" und "Sieben" feiern sollte, gibt es viele Aspekte in "Alien³", die funktionieren, aber noch mehr, die nicht passen - ein Zeichen für großes Potenzial, aber begrenzte Sachkenntnis. "Alien³" ist ein nobler Versuch, der den Konzepten teilweise treu bleibt, die von der schnell wachsenden Legion von Fans gelobt werden, die von Ridley Scotts revolutionärem Meisterwerk und dann von James Camerons außerordentlich phänomenaler Fortsetzung inspiriert und beeindruckt waren. Der Film ist eine vollkommen unnütze Fortsetzung der Geschichte, wenngleich er versucht, alle losen Fäden zu verknüpfen und eine bahnbrechende Science-Fiction-Serie abzuschließen.

Ellen Ripley (Sigourney Weaver), Corporal Dwayne Hicks (Michael Biehn), die zerstörten Überbleibsel des Androiden Bishop (Lance Henriksen) und das junge Mädchen Rebecca Jordan treiben in den Weiten des Weltraums im Tiefschlaf, nachdem sie den Alienbefall der Bergbaukolonie, den eine Gruppe kolonialer Marinesoldaten in "Aliens - Die Rückkehr" erforschen wollte, nur knapp überlebt haben. Als die Rettungskapsel auf einer Raffinerie und Gefängniskolonie namens 'Fiorina 161' abstürzt, werden Corporal Dwayne Hicks und Rebecca Jordan für tot erklärt, vermutlich durch ein Feuer, das auf mysteriöse Weise an Bord ausgebrochen ist. Ellen Ripley, allein und geschockt von ihren grausamen Erlebnissen mit der außerirdischen Rasse, kämpft damit, mit ihrer neuen Umgebung zurechtzukommen: einer 25-köpfigen Gruppe von Mördern, Dieben, Vergewaltigern und anderen Verbrechern. Doch auf dem Raumschiff befindet sich eine noch viel schlimmere Kreatur - ein 'Facehugger', der einen ortsansässigen Hund angreift und die unvorbereitete, waffenlose Gruppe in die Fänge des höllisch tödlichen 'Xenomorphen' zwingt.

"Alien³" behält den düsteren, schmutzigen, rauen visuellen und atmosphärischen Ton der Franchise bei, was lobenswert ist. Die zerfledderten, dreckigen, feuchten und verrosteten Bereiche der Anlagen tragen dazu bei, das Ungetüm noch bedrohlicher wirken zu lassen, und bieten unzählige Korridore, Luftschächte und lichtlose Gänge, um die sabbernde Tötungsmaschine zu verstecken. Außerdem sind die Kolonisten genauso wankelmütig wie das Monster, sie sind nicht in der Lage, Pläne und Strategien zu entwickeln wie die militärischen Truppen, und sie haben keine Waffen, was eine intelligente, morbide Umgebung schafft. Wenn das Protokoll, die Disziplin, die Ausbildung und die Feuerkraft die früheren Kämpfer nicht retten konnten, dann hat dieses neue Team einen exponentiell größeren Nachteil.

Auch Gedärme und schillernde Blutlachen sind regelmäßig zu sehen, denn David Fincher scheut sich nicht vor blutigen Szenen. Eine Autopsieszene wird als Störfaktor eingefügt, wobei die Idee 'weniger ist mehr' sinnvoll eingesetzt wird, während die Todesszenen durchweg grausamer sind. Wo "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" mit seiner Spukhaus-im-Weltraum-Formel eine einzigartige Reife und ein großartiges Design aufwies und "Aliens - Die Rückkehr" schonungslose Action und Abenteuer bot, bietet "Alien³" eine unverschämte Groteske, die wohl nur Fans des Horrorgenres zufrieden stellen wird.

Letztlich scheitert das Projekt an seiner unsympathischen Geschichte. Obwohl der Film versucht, die Filmreihe zu einem stimmigen Abschluss zu bringen, leidet er unter dem extremen Manko an subjektiven Charakteren und der Flut an erfundenen Ereignissen. Ellen Ripley verliert ihre Haare, was ihren übermäßigen Macho-Charakter noch verstärkt, und sie ist sehr ruppig geworden. Sie fühlt sich in der Einsamkeit, in der Aggression der Bestie und in der Täuschung durch die Menschen um sie herum wohler als in der Interaktion oder der Kameradschaft. Sie ist keine Heldin, sondern nur eine Überlebenskünstlerin. Auch die Nebendarsteller sind überzeugende Prügler, aber kein einziger von ihnen ist besonders angenehm. "Alien³" greift das beliebte Sci-Fi-Thema auf, dass Menschen genauso gnadenlos und unmenschlich sein können wie die Außerirdischen, die sie bekämpfen, aber die Kehrseite ist, dass der Film eher abstoßend als unterhaltsam ist.

Zu Beginn wird der Betrachter wahrscheinlich davon ausgehen, dass wieder einmal nur sehr wenige Figuren das Ende lebend erreichen werden. Die aufkeimende Romanze zwischen Ellen Ripley und dem medizinischen Offizier Clemens (Charles Dance) findet ein abruptes Ende, während der wenig eingängige religiöse Blickwinkel von Dillon (Charles S. Dutton) nichts gegen die vorherrschende Bösartigkeit ausrichten kann, was wiederum dazu beiträgt, dass die letzten der ausdauernden Gefangenen diejenigen sind, um die sich niemand kümmert, und die Wahrscheinlichkeit erhöht, dass der Betrachter dem Alien einfach die Daumen drückt. Das Weglassen der identifizierbaren Charaktere Dwayne Hicks und Rebecca Jordan und der Familienstruktur, die sie repräsentierten, war sicherlich eine merkwürdige, etwas unvermarktbare Entscheidung.

Doch das Maskenbild und die praktischen Kreatureneffekte, einschließlich des Puppenstils und der Animatronik, sind allesamt sehr gut. Dennoch ist der computergenerierte Außerirdische so ungeschickt integriert, dass der Übergang zwischen Schauspielerrollen und CG-Ganzkörperaufnahmen unschön auffällt. Trotz des Potenzials, das der kompromisslose, trostlose Ausblick und das schaurige Ambiente bieten, schwächelt "Alien³" in zu vielen Bereichen, um auch nur annähernd an das unglaublich hohe Niveau seiner Vorgänger heranzukommen. David Fincher hat zwar gute Arbeit abgeliefert, auch wenn er das Resultat wegen mangelnder kreativer Einflussmöglichkeiten ablehnt, doch sein größter Tröster ist die Tatsache, dass weitere Fortsetzungen folgten, und jede einzelne davon ist zunehmend beschissener.

Wie durch ein Wunder wird Ellen Ripley (Sigourney Weaver) in "Aliens - Die Rückkehr" von Regisseur James Cameron, lebendig aufgefunden, nachdem sie 57 Jahre im Hyperschlaf auf ihrer abgeworfenen Rettungskapsel verbracht hat. Sie wird von Carter Burke (Paul Reiser), einem Angestellten der Firma 'Weyland-Yutani', rekrutiert, um ein Geschwader von Marinesoldaten zu beraten, wie sie mit der außerirdischen Spezies umgehen sollen, die sie Jahrzehnte zuvor an Bord des Raumschiffs 'Nostromo' bekämpft hat. Der ursprüngliche Planet 'LV-426', auf dem Ellen Ripleys Besatzung den Xenomorph entdeckte, der sie auslöschte, ist inzwischen zu einer Terraforming-Kolonie geworden, und die Kommunikation mit den dort lebenden 60 bis 70 uninformierten Familien ist abrupt abgebrochen. Ellen Ripley willigt widerwillig ein, die übermütigen Soldaten zu begleiten, was sich schnell zu einer gefährlichen Rettung und Flucht vor den furchterregendsten Monstern des Kinos entwickelt.

Während es in "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" vor allem um Grusel, Isolation, Klaustrophobie und die Angst, einer nach dem anderen gejagt zu werden, ging, setzte "Aliens - Die Rückkehr" zusätzlich auf intensive Action, indem er die abgehärteten, schwer bewaffneten Colonial Marines vorstellte, die sich in einigen der packendsten Sequenzen, die je erfunden wurden, chaotische Feuergefechte gegen gnadenlose Wellen der biomechanischen Kreaturen liefern. Hinzu kommen sorgfältig ausgearbeitete Szenen, in denen ein Bewegungsmelder mit einem bedrohlichen Piepton auftaucht, gepanzerte Fahrzeuge außer Kontrolle geraten und explosive Kollisionen stattfinden, Türen und Aufzüge zu den unpassendsten Zeitpunkten versagen und Kameradschaft mit Aufopferung und Entscheidungen in Sekundenbruchteilen einhergeht. Am interessantesten ist vielleicht, dass niemand auf der Flucht hinfällt oder stolpert - in dieser ständigen Aura des Erwachsenenterrors sind künstliche Teenager-Horror-Fallen nicht nötig. Zu loben ist auch der sensationell wummernde Score von James Horner, der die nervenaufreibenden Vorzeichen treffend unterstreicht. Das Gesamtpaket ist ein atemberaubendes Blockbuster-Rezept.

Der Oscar-gekrönte Film beweist auch, dass weniger wirklich mehr ist: statische Videobildschirme, viel Nebel und abgedunkelte Schauplätze ermöglichen es den Außerirdischen, sich für spannende Angriffe zu tarnen. Die Monster sind nur selten in ihrer Gesamtheit zu sehen, aber die Umgebungen sind fantasievoll mit allerlei sichtbaren Verteidigungsanlagen ausgestattet. Ein verstörendes medizinisches Labor mit schauerlich konservierten Präparaten, gefesselte Kolonisten, die an klebrigen Kokons hängen, und schattige Keller mit schwach pulsierendem Licht sind nur einige der morbiden Kulissen, die dem labyrinthischen Bienenstock als Wirt dienen. Schleimige Wände, dicker Dampf und sprudelndes Blut überschwemmen diese Örtlichkeiten und schaffen eine perfekt abstoßende, böse extraterrestrische Atmosphäre. Diese akribische Liebe zum Detail reicht von aufwändig modellierten Raumschiffen und mechanischen Konstrukten über zusätzliche anatomische Details der Aliens bis hin zu personalisierten Rüstungen und komplexen Waffen für jeden Marine, wodurch die Individualität und die Hintergrundgeschichte des fiktiven Universums betont werden.

Sowohl die schauspielerische Leistung als auch das Charakterdesign sind phänomenal, was umso beeindruckender ist, wenn man bedenkt, dass Sci-Fi- und Horror-Produktionen normalerweise eher dürftige darstellerische Qualitäten aufweisen. Sigourney Weaver ist wieder einmal eine knallharte Kämpfernatur, die perfekt auf die bereits erkennbare unabhängige und souveräne Heldin der Action abgestimmt ist. Michael Biehn verkörpert Corporal Dwayne Hicks, einen sofort sympathischen und logischen Mann, und Carrie Henn ist Rebecca Jordan, das kleine Mädchen, das wochenlang allein und unbewaffnet überlebt, bevor der Rettungsversuch unternommen wird. Nahezu alle stereotypen Rollen sind ebenfalls vertreten, jedoch mit eigenwilligen Persönlichkeiten, die Wiedererkennungswert und Individualität für jede Person hervorrufen: Vasquez (Jenette Goldstein) ist die burschikose, rotzfreche Kriegerin, Gorman (William Hope) ist der unerfahrene und ängstliche Vorgesetzte, Bishop (Lance Henriksen) ist der obligatorische emotionslose Androide und Hudson (Bill Paxton) ist der panische, großmäulige Witzbold, der in den richtigen Momenten für Erheiterung, Ärger oder Aufregung sorgt.

Das Genie hinter den parasitären Spinnen und ameisenähnlichen Alien-Designs ist der berühmte Schweizer Surrealist Hans Rudolf Giger, der für "Alien - Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt" einen Oscar gewann. Das Team von James Cameron beschloss jedoch, diese einzigartigen Wesen zu übertreffen, indem es die 'Alien Queen' entwickelte, die den zuvor fragmentierten Lebenszyklus von Ei, 'Facehugger', 'Chestburster' und Drohne vervollständigt. Die überdimensionale Attrappe, ein Meisterstück der Animatronik und des Modellierens in großem Maßstab, ist einer der denkwürdigsten Bösewichte der Filmgeschichte. Das Resultat einer solch erfindungsreichen Kollaboration ist vielleicht das beste Zeugnis für die gelungene Kombination von Science-Fiction, Action und Horror in einem Film. "Aliens - Die Rückkehr" schlägt nahtlos die Brücke zum ursprünglichen Meisterwerk von Ridley Scott und übertrifft es nach dem Urteil vieler Betrachter noch um Längen.

Walter Craig (Mervyn Johns) wird eingeladen, auf der Pilgrim's Farm auf dem Lande zu wohnen, um beim Wiederaufbau der Architektur zu helfen. Als er dort ankommt, stellt er zu seinem Erstaunen fest, dass er alle im Wohnzimmer versammelten Menschen wiedererkennt, obwohl er noch nie dort war und niemandem von ihnen jemals begegnet ist. Er hat einen wiederkehrenden Traum, in dem er auf das Haus zugeht, es betritt und sich zu der Gruppe setzt, so wie er es gerade getan hat. In seinem Traum erscheint kurze Zeit später völlig unerwartet eine mittellose Brünette. Er bespricht dieses übernatürliche Drama mit der Runde, einige glauben ihm, andere sind fasziniert von der okkulten Theorie, manche verständlicherweise skeptisch. So beginnt eine Abfolge von Rückblenden, in denen die einzelnen Mitglieder der Gruppe merkwürdige und grausame Geschichten erzählen. Produziert von den 'Ealing Studios' und unter der Regie von vier versierten Filmemachern - Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Basil Dearden und Robert Hamer - ist "Traum ohne Ende" einer der ersten Filme, der mehrere kleinere Geschichten zu einem einzigen Film zusammenfasst und damit den Weg für zahlreiche weitere Projekte ebnete, die sich dieser Sammelmethode bedienen.

In der ersten Geschichte, die von Hugh Grainger (Antony Baird) erzählt wird, geht es um einen katastrophalen Rennwagenunfall, bei dem er seltsame Visionen von einem Leichenwagenfahrer hat, der immer wieder auftaucht und nach ihm ruft. Der Psychiater Dr. Van Straaten (Frederick Valk) ist der Ungläubige, der versucht, die These von den Wahnvorstellungen, Vorahnungen und jenseitigen Visionen zu widerlegen. Vielleicht ist das alles ein cleverer Jux. Doch Walter Craig erinnert sich weiterhin an besondere Details des Tages, was umso gespenstischer wird, als die dunkelhaarige Mrs. Grainger (Judy Kelly) unangekündigt hereinkommt und ihren Mann bittet, das Taxi zu bezahlen, da sie das ganze Geld für Einkäufe ausgegeben habe.

Die nächste Story, erzählt von der jungen Sally (Sally Ann Howes), handelt von einer Weihnachtsfeier und einem Versteckspiel mit Jimmy Watson (Michael Allan), der ihr von dem schrecklichen Mord an einem kleinen Jungen erzählt. Auf der Suche nach einem besseren Versteck stößt sie auf einen Dachboden, wo sie ein weinendes Kind entdeckt, das sich später als derselbe Junge herausstellt, der getötet wurde. Niemand glaubt ihr, und sie wird ins Bett geschickt, als ob sie krank wäre. Als sie mit ihrer Horrorgeschichte fertig ist, erinnert sich Walter Craig an weitere Elemente seines Traums, unter anderem daran, dass er Sally brutal verprügelt hat, nachdem sie ihn gezwungen hatte, das Haus zu verlassen. In der folgenden Erwägung geht es um einen verhexten Spiegel, der einen anderen Ort zu reflektieren scheint. Könnte es sich um eine optische Täuschung handeln? Das katoptrische Objekt hat einen abergläubischen Hintergrund, der ebenfalls erzählt werden muss, wodurch der seltene Fall entsteht, dass eine Geschichte innerhalb einer Geschichte innerhalb eines Films vorgetragen wird. Dies ist eine der besten Kurzgeschichten in "Traum ohne Ende", die das unheimliche Thema von Spiegeln mit falschem Echo erfolgreich einsetzt, ohne Blutvergießen oder grafische Bilder, aber mit reichlich echtem Gruselfaktor.

Eliot Foley (Roland Culver) trägt das nächste Intermezzo vor, das von einem betrügerischen Golfer handelt, der vom Geist seines Rivalen heimgesucht wird, der nach einem verlorenen Spiel Selbstmord beging. Dies ist bei weitem das schwächste Kapitel im Zyklus. Es wäre deplaziert, die Absicht des Stücks zu offenbaren, aber es ist ein überwiegend komödiantischer und fröhlicher Spuk. Dr. Van Straaten selbst schildert die letzte Episode, die von seinem Besuch in einer Nervenheilanstalt bei einem Bauchredner mit einer sehr eigenartigen Puppe handelt. Auch dieser Teil wird auf mehreren Ebenen erzählt, wobei Dr. Van Straaten eine Nebengeschichte innerhalb der Hauptgeschichte präsentiert. Während Maxwell Frere (Michael Redgrave) seine Stimme gibt, verhält sich Hugo, die Puppe, seltsam und hat offensichtlich seinen eigenen Willen. Die Puppe schlägt dem konkurrierenden Bauchredner Sylvester Kee (Hartley Power) vor, seinen Platz einzunehmen, und suggeriert damit auf beängstigende Weise, dass Maxwell Frere nicht mehr die Kontrolle über Hugo hat. Selbst nachdem alle Charaktere ihre individuellen Horrorstories dargelegt haben, warten noch mehr Horrorszenarien auf die Auflösung der Spirale, die alle auf dem Bauernhof zusammenführt.

"Dead of Night" ist einer der ersten Filme, der scheinbar zusammenhanglose Kurzgeschichten miteinander verknüpft und ihnen eine einheitliche Linie verleiht. Der Film ist brillant schaurig, mit furchteinflößender Orchestermusik, und jeder Teil wird immer grauenvoller, blutiger und ohne Zweifel noch kreativer. Die Konzepte sind wirklich creepy, die Dialogführung intelligent, die Bildgestaltung und Belichtung effektiv verstörend und die schauspielerische Qualität solide. Es ist zwar unwahrscheinlich, dass ein Remake so perfekt sein würde wie dieser raffinierte Thriller, aber er könnte als hervorragende Inspirationsquelle für einen modernen Horror-Revisionisten dienen.

In "Return of the Living Dead III" von Regisseur Brian Yuzna trifft sich Lieutenant Colonel Sinclair (Sarah Douglas) aus Washington mit Colonel John Reynolds (Kent McCord), um die neuesten Entwicklungen in einem streng geheimen Militärprojekt zu besprechen, das unmenschliche Experimente beinhaltet. Die Regierung forscht weiter mit 'Trioxin', einer potenten Biochemikalie, die in den 1960er Jahren Tote wieder zum Leben erweckte, in der Hoffnung, eine Verwendung für diese mirakulöse Substanz zu finden. Das gasförmige Gift, das für die Kriegsführung bestimmt ist, kann totes Fleisch wiederbeleben, aber es scheint keine Methode zu geben, es zu stoppen, sobald es aktiv ist. Zombies wollen einfach nicht zur Ruhe kommen und lechzen nach menschlichen Gehirnen.

In der Zwischenzeit erwirbt die rebellische, wißbegierige und vom Tod besessene Querulantin Julie Walker (Mindy Clarke) von ihrem Motorrad fahrenden Freund, dem Hard-Rock-Schlagzeuger Curtis Reynolds (J. Trevor Edmond), dem Sohn des Colonels, eine Schlüsselkarte, mit der sie sich in die verschlossene Einrichtung schleichen kann, um die 'Trioxin'-Tests auszuspionieren. Trotz der grausamen Natur einer abgemagerten, mürben Leiche, die ihre Beweglichkeit wiedererlangt, ist Julie von den Resultaten begeistert. "Das ist echt krass!"

Als Colonel Reynolds nach Oklahoma City versetzt wird, weist er Curt an, seine Koffer zu packen. Aber der aufmüpfige Junge hat ein Leben und Freunde, die er nicht mehr verlassen möchte. Nach einem heftigen Streit rast Curt mit Julie auf seinem Motorrad die Straße hinunter, bis er von einem entgegenkommenden Lkw überrascht wird und einen Unfall verursacht, bei dem die rothaarige Gothic-Freundin ums Leben kommt. Verängstigt und wütend kehrt er mit Julies leblosem Körper in die Militäreinrichtung zurück und glaubt, dass er sie wieder zurückholen kann, wenn er ihr einfach 'Trioxin' injiziert.

Während die ersten beiden Filme in erster Linie Komödien waren, gemischt mit überdrehten Horror- und Exploitation-Elementen, ist dieser dritte Film weitaus furchterregender. Von Anfang an ist die Brutalität härter, die Bluteffekte realistischer und die zerstörerischen Zombieangriffe wesentlich grimmiger. Karmesinrote Farbe spritzt auf die weißen Wände des Labors, medizinische Instrumente durchbohren immer wieder Haut, und Körperflüssigkeiten sickern aus Körperöffnungen und Wunden. Ein gewisser schwarzer Humor ist zwar immer noch präsent, doch handelt es sich dabei meist um die Exzesse von "Return of the Living Dead III", die zu subtil sind, als dass man sich darüber kaputtlachen könnte.

Dank Brian Yuzna hat "Return of the Living Dead III" mehr mit den "Re-Animator" Fortsetzungen und "Dark Society" gemein als mit seinen Franchise-Vorgängern. Die besonderen Make-up-Effekte sind fantastisch und machen das Optimum aus praktischen Designs und gummiartigen, glibberigen Grotesken. Die Mixtur aus Action, Chaos, Konfusion und einer Liebesgeschichte ist eine gute Abrundung der blutigen Szenen und des Körperhorrors, vor allem als Julie ihre eigene Leidenschaft für Schädelspaghetti entdeckt. Im Laufe des Films wird das Blutbad immer kreativer und ruinöser, was sich in ihrem zunehmenden Drang äußert, sich selbst zu verstümmeln, um ihren Hunger zu stillen - vielleicht ein tief vergrabener Kommentar zur Selbstverletzung. Auch die Musik von Barry Goldberg ist sensationell makaber, wenn auch manchmal ein wenig an "Aliens - Die Rückkehr" erinnernd.

Die Schauspielkunst ist nicht perfekt, aber Melinda Clarke gelingt es gut, Sympathie für ihre Rolle als selbstbewusster Zombie zu entwickeln, der nicht darum gebeten hat, wieder zum Leben erweckt zu werden. Auf vergnügliche Art und Weise beeinflussen auch zahlreiche Nebenfiguren die Handlung: Nicht nur die Schergen der Regierung belasten den Plot, sondern auch eine Bande von Straßenschlägern, die Julie und Curt aus Rache jagen. Da der Protagonist ein Monster ist, ist es nur passend, dass andere die wahren Bösewichte sind. Außerdem taucht ein unwahrscheinlicher Verbündeter auf, ein Obdachloser (Basil Wallace) mit stechenden Augen. Für einen reinen Horrorfilm ist das Tempo etwas uneinheitlich, aber der Thrill und der Grusel sind konstant, während die Ähnlichkeiten zu den Plagen in "Frankenstein", "Die Fliege" und "Der Wolfsmensch" recht anregend sind. Auch visuell ist die Mischung aus David Cronenberg, Clive Barker und John Carpenter sehr unterhaltsam und verwandelt das Projekt in eine ebenso tragische wie grausame Welt, die ebenso komisch wie alptraumhaft ist. Der Film hat eine verdammt gelungene Coda, die nach einem erschütternden Gipfel ein perverses, poetisches Finale und einen Abgesang enthält.

In "Return of the Living Dead II - Die Rückkehr der Höllenzombies" von Regisseur Ken Wiederhorn wurden die Experimente der US-Armee mit '245 Trioxin', einer Chemikalie zur genetischen Reaktivierung, im Herbst 1969 eingestellt. Es wurde als zu gefährlich und unbeständig erachtet, um die Forschung fortzusetzen. Das hält die Soldaten, die den Nervenkampfstoff transportieren, jedoch nicht davon ab, eine Handvoll Fässer kopflos in ein Wasserreservoir nahe der verschlafenen Stadt 'Westvale' zu werfen.

Kurze Zeit später zwingen zwei Kinder ein drittes, sich ihrer Bande anzuschließen, was mit einer Initiation in einem nahe gelegenen Mausoleum verbunden ist. Als der kleine Jesse Wilson (Michael Kenworthy) in einen Tunnel flieht und die beiden anderen Jungen ihn verfolgen, entdecken sie eines der achtlos ausgemusterten Armeefässer, das der Anführer Billy (Thor Van Lingen) unverzüglich öffnet und einen grünen Rauch über dem Friedhof verbreitet. Der bedauernswerte Jesse wird trotzdem im Mausoleum eingesperrt, findet aber einen Fluchtweg, als Joey (Thom Mathews), seine Freundin Brenda (Suzanne Snyder) und sein älterer Freund Ed (James Karen) aufkreuzen, um frische Leichenteile zu sammeln und zu verhökern. Die umnachteten Grabräuber haben jedoch alle Hände voll zu tun, als das toxische Gas sie umgibt und die Verstorbenen wieder auferstehen lässt.

Während der Originalfilm offensichtlich eine Parodie auf "Die Nacht der lebenden Toten" war, fügt diese Fortsetzung eine weitere Dimension der filmischen Verarschung hinzu, indem sie Thom Mathews und James Karen (der in einem unverschämten Grad übertrieben agiert) in neuen Rollen besetzt. Witzigerweise verkörpern sie dieselben Charaktere wie zuvor, nur mit anderen Namen. Jonathon Terry kehrt ebenfalls zurück, obwohl er in Wahrheit derselbe Oberst ist, während Allan Trautman erneut in die Rolle des Hauptzombies steigt, dessen charakteristischer Satz lautet: "Hirn! Hirn!" Immer noch souverän in seinem Zombie-Quatsch und mit einigen Slapstick-Einlagen, wiederholt diese Fortsetzung im Prinzip nur die Handlung und die Geschehnisse des Vorgängers. Es macht immer noch Spaß, aber sein Insistieren auf Repetition verhindert, dass es sich wie ein notwendiges oder vielleicht sogar sinnvolles Remake anfühlt - es ist sozusagen ein Remake, auch wenn die Schauspieler verbal die Absonderlichkeit des Durchkämpfens einer weiteren Zombieapokalypse zugeben, wie ein Déjà-vu oder einen Fiebertraum. "Ich glaube, mit diesen Typen stimmt etwas nicht!"

Außerdem bahnt sich eine neuerliche romantische Bindung an, diesmal zwischen dem 'Big Valley Cable TV'-Installateur Tom Essex (Dana Ashbrook) und Jesses älterer Schwester Lucy (Marsha Dietlein), die allerdings nicht so wichtig ist wie die zwischen Joey und Brenda. Die Charaktere sind nur für flüchtige, komische Konversationen da (Philip Bruns als Quacksalber ist eine reine Lachnummer), für konstante Ausbrüche von hysterischen Anfällen und als Nahrung für die ausgehungerten Untoten. Die Attraktivität von "Return of the Living Dead II - Die Rückkehr der Höllenzombies" liegt nach wie vor in den Horror- und Make-up-Effekten, die nicht verbessert wurden, aber immer noch den extremen Widerlichkeitsfaktor von einst haben. Gliedmaßen werden abgerissen, Torsos mit Metallpfählen aufgespießt und Gehirne aus aufgebrochenen Köpfen geschlürft. Die menschenleere Stadt bietet einen faszinierenden Schauplatz für Showdowns mit wiederauferstandenen Kadavern, vor allem, wenn die Streitkräfte mit viel Waffengewalt eine Quarantäne verhängen, doch das Vermissen von Authentizität oder größeren Konzepten, die über die des Films von 1985 hinausgehen, schadet diesem Unterfangen drastisch. Auch das auffällige Ausbleiben der Kreischkönigin Linnea Quigley ist dem Vergnügen abträglich. Trotz einiger geringfügiger Modifikationen an der Struktur ist der innovative Faktor fast völlig in den Hintergrund getreten.

"Die in diesem Film geschilderten Ereignisse sind alle wahr." Dieser Satz ist jedoch völlig scherzhaft gemeint. In "Verdammt, die Zombies kommen" von Regisseur Dan O'Bannon ist es der 3. Juli 1984, als der junge Freddy (Thom Mathews) im Uneeda-Lagerhaus für medizinische Produkte in der Piedmont-Sektion von Louisville, Kentucky, während des großen Wochenendes seine ersten Schritte macht. Zunächst ist er begeistert, aber die frischen Leichen im Kühlhaus irritieren ihn merklich. Sein Tutor, der ältere Frank (James Karen), macht die Situation noch schlimmer, indem er Lügengeschichten über Chemieunfälle in Pennsylvania erzählt, bei denen Tote wieder zum Leben erwachten - die reale Grundlage für den Film "Die Nacht der lebenden Toten". Offenbar wurden die reanimierten Leichen von der US-Armee versehentlich in das Lagerhaus transportiert und 14 Jahre lang im Keller in versiegelten Behältern aufbewahrt. Bei der Präsentation des Fundes taut Frank unwissentlich eine der Leichname auf, wodurch ein giftiges Gas freigesetzt wird, das die Bewusstlosigkeit herbeiführt, bevor der Kadaver verschwindet.

Später an diesem Tag will eine siebenköpfige Gruppe von Punks, darunter auch Freddys Freundin Tina (Beverly Randolph), Freddy nach der Arbeit gegen 22:00 Uhr abholen. Um sich die Zeit zu vertreiben, machen sie sich auf den Weg zu einer improvisierten Party auf dem benachbarten Friedhof, wo sie eine Boombox aufdrehen, während eines der Mädchen sich entkleidet und auf einem Grab herumtanzt. In kürzester Zeit trennen sich die Jugendlichen, irren umher und fallen einer nicht enden wollenden Zombieflut zum Opfer, die in einem erfolglosen Versuch, eine verseuchte Leiche zu entsorgen, wieder zum Leben erwacht und letztendlich die komplette Gegend infiziert.

"Verdammt, die Zombies kommen" ist eine gelungene Fortsetzung von George A. Romeros Zombie-Klassiker. Es dauert nicht lange, bis ein wiederbelebter Körper den Boss Burt Wilson (Clu Gulager) angreift, was einen schnellen Axthieb ins Gehirn und eine langsame Dekapitation erfordert, die den Aggressor aber nicht verlangsamt. Es ist gespenstisch und doch urkomisch, wie eine Slapstick-Nummer der 'Three Stooges', die in einem Leichenhaus aufgeführt wird. Zerstückelung, ein fahlgesichtiger Einbalsamierer (Don Calfa), die illegale Nutzung eines Krematoriums und seltsam intelligente, körperfressende Zombies, die Maschinen bedienen und sogar sprechen können, tragen zur exzessiven Hysterie bei. "Gib mir die Knochensäge."

Mit seiner Low-Budget-Atmosphäre, seinen komödiantischen Einlagen und seiner skurrilen Blutrünstigkeit erinnert "Verdammt, die Zombies kommen" an ein Werk von John Carpenter oder Tom Holland - eine spektakuläre Melange aus exploitativen Lachern und Thrill. Die Gruseleffekte werden immer wieder von Blödeleien begleitet, obwohl die speziellen Make-up-Effekte oft exzellent sind und zu einem beachtlichen Ekelfaktor beitragen, vor allem, wenn ein Zombie (Allan Trautman) mehr Gehirne zur Befriedigung seines Appetits verlangt. Regen und Schlamm führen dazu, dass Menschen zu stolpern beginnen und hinfallen. Linnea Quigley schafft es, praktisch die ganze Zeit über nackt auf dem Bildschirm zu sein, und ein Zombie in kleiner Gestalt ist bei einem Angriff unerwartet effizient. Auch wenn die Situationen mit einer schrecklichen Seriosität beginnen, entwickeln sie sich zu einem echten Spaß, der durch ausuferndes Fluchen, übermäßiges Gebrüll und äußerst kreative Gewalteinwirkung, einschließlich des Gebrauchs von Prothesen und Animatronics, noch witziger wird. Der Zombie-Nonsens zieht sich zu stark in die Länge und weist einige betrübliche Wiederholungen auf, aber die Grundidee ist so erfreulich, dass "Verdammt, die Zombies kommen" ein eigenes Franchise mit vielen Fortsetzungen hervorbringen würde. "Ich kann dein Hirn riechen ..."

"Sie kommen, um dich zu holen, Barbara." "Die Rückkehr der Untoten" von Regisseur Tom Savini beginnt mit dieser klassischen Zeile, die nach all den Jahren nicht weniger abgedroschen ist, und trifft mit diesem Remake von George A. Romeros Klassikers des Zombiefilms viele bekannte Akzente. Die Geschwister Barbara (Patricia Tallman) und Johnnie (Bill Mosley) fahren zu einem Friedhof, um den Grabstein ihrer Mutter zu besuchen. Während Johnnie seine Schwester triezt und mit ihrer Angst vor den Toten spielt, schlendert ein verschrumpelter, blutender, bleicher Kerl auf sie zu, als wäre er ein auferstandener Kadaver. Es handelt sich jedoch um einen falschen Alarm, denn der ältere Mann entschuldigt sich für die Störung. Doch wie aus dem Nichts, etwas außerhalb des Bildes, aber keineswegs aus dem Sichtfeld der Geschwister, stürzt sich eine andere Person auf die beiden und will zubeißen. Noch bevor der Vorspann über den Bildschirm flimmert, fällt ein Rudel von Zombies über die unschuldigen Opfer her.

Wie sein namensgebender Vorgänger geht auch dieses Update aus den 90er Jahren sehr schnell, und es gibt keine unmittelbaren Erklärungen, und das sollte es auch nicht. Es wird keine Zeit verschwendet, um den Thrill zu erreichen, und diese Wahl ist bestechend. Die größte Besonderheit in all den Jahren seit dem Original ist der technologische Fortschritt, und mit dem renommierten Special-Effects-Zauberer Tom Savini auf dem Regiestuhl erweist sich diese farbenfrohe Neuinterpretation als ein Wunderwerk an modernster Gore-Technik, Prothetik und Make-up.

Gerade als Barbara durch den Zombie-Angriff in einen Schockzustand gerät, taucht ein anderer Überlebender, Ben (Tony Todd), auf, der Zeuge der Terrorisierung durch die fahlen Menschenfresser wird und die Hoffnung auf Solidarität weckt. Und dann bereitet sich die Sonne auf den Untergang vor. In der Kulisse des Friedhofs und der momentanen Zuflucht in einem verlassenen Haus entstehen einige eindringliche Aufnahmen, etwa wenn die tastenden Finger einer abgetrennten Hand über das Treppengeländer stürzen. Die Bluteffekte und die Brutalität sind atemberaubend, vor allem, wenn sie immer komplexer und grausamer werden. "Was ist passiert?"

Ben und Barbara verschanzen sich für die Nacht und fragen sich, wie die Toten wieder zum Leben erwachen konnten, wer für eine solche Untat verantwortlich sein könnte und wie sie angesichts solch erdrückender Umstände ausharren können. Bald gesellen sich Harry Cooper (Tom Towles), seine Frau Helen (McKee Anderson) und Tochter Sarah (Heather Mazur) sowie Tom Larson (William Butler) und seine Freundin Judy Rose (Katie Finneran) zu ihnen. Die Charaktere und Szenarien sind eng an das Vorbild angelehnt, mit erkennbaren Mustern von Antagonismus, Machtkämpfen, Panik, Präsumtion, Unglauben und Waschlappigkeit. Wieder einmal ist die Prämisse so einfach, dass man sich Zeit nimmt, um zu analysieren, wie Menschen mit Konstellationen um Leben und Tod verfahren. Die Bösewichte mögen Zombies sein, aber die menschlichen Emotionen sind trivial konzeptibel. Der Verlust von Kontrollmöglichkeiten und Normen ist beängstigend. "Das ist die Hölle auf Erden."

Leider sind einige der Dialoge trotz der verbesserten Optik immer noch nicht überzeugend. Die Schauspieler sind zwar akzeptabel, aber die Gespräche sind eher ennuyant bis sekkant. Die Hysterie und der Disput wirken zwar realistisch, aber bei dieser Art von Remake, bei dem die wichtigsten Punkte der Handlung vorhersehbar sind, wäre es schön gewesen, eine Modernisierung der Verhaltensweisen zu beobachten. Immerhin gibt es einige neue Wendungen, vor allem dank des psychologischen Potpourris. Mehr Suspense geht allerdings nicht, denn viele der Aventüren kopieren die des wohl populärsten aller Zombie-Epen. Außerdem ist der Schluss langatmig und unnötig kompliziert, vor allem weil es, wie in Alfred Hitchcocks "Die Vögel", am Ende keine Antwort gibt.

"Der Kardinal" von Regisseur Otto Preminger beginnt mit einer Rückblende auf den jüngeren Stephen Fermoyle (Tom Tryon), der als Pfarrer nach Boston zurückkehren will und nicht lange braucht, um sich in den kirchlichen Ritualen in Rom zu verfangen. Der Erste Weltkrieg beschäftigt die Kirche, zumal Amerika in den Krieg hineingezogen werden soll. "Ich erwarte viel von Ihnen", sagt der Bischof des Vatikans (Raf Vallone), der der Zeremonie vorsteht, während Stephen Fermoyle an die Zukunft denkt und hofft, eines Tages an die Spitze des römisch-katholischen Ordens aufzusteigen - natürlich direkt unter dem Papst. "Der Kardinal" verfügt auch über eine ungewöhnlich beeindruckende Titelsequenz, die zwar einfach gestaltet ist, aber durch die kontrastreiche Kinematografie und den angenehmen Score von Jerome Moross ergänzt wird.

Zurück in Amerika, nach der Wiedervereinigung mit seiner Familie, nach Streitigkeiten zwischen Schwestern, die sich über ihr gesellschaftliches Leben und ihre Pflichten ärgern, und einem andersgläubigen Freund, beginnt Stephen Fermoyle unter Monsignore Bill Monaghan (Cecil Kellaway) zu arbeiten. Seine Aufgabe wird jedoch nicht leicht sein, denn er muss einen Juden behutsam bekehren, Kindern erklären, warum sie sich die Mühe machen sollten, katholisch zu werden, so dass jeder in den Himmel kommen kann, den Glauben an Adam und Eva mit der Evolution in Einklang bringen, falsche Wunder als absichtliche Irreführung durch Gott deuten, die vor der beeinflussbaren Bevölkerung geheim gehalten werden sollen, ein kontroverses Buch schreiben und seine Schwester (Carol Lynley) davon abbringen, ihre wahre Liebe zu Gunsten der Religion aufzugeben. "Weichen Sie nicht ein wenig vom üblichen Unterricht ab?"

"Der Kardinal" zeichnet den Weg von Stephen Fermoyle nach, der mehr sein will als ein einfacher Geistlicher - eine Karriere, die gelegentlich von missbilligenden Oberen vereitelt wird. Einer von ihnen schickt den jungen Mann in die verschneite Abgeschiedenheit des verarmten 'Stonebury', wo er bei dem kränklichen Pfarrer Pater Ned Halley (Burgess Meredith) wohnen soll, um seinen Hunger nach Fortschritt zu stillen. Auf seinem Weg wird Stephen Fermoyle immer wieder mit den Übeln der Menschheit konfrontiert, insbesondere mit Egoismus, Bosheit und Autoritarismus, die oft von Bischöfen wie Larry Glennon (John Huston), verkörpert werden, aber auch von hochrangigen katholischen Führern, sowie mit der Bitterkeit der Sterblichkeit. Er entdeckt auch, dass sein Streben nach biblischen Lehren immer wieder mit seinem Glück in Konflikt gerät und dass die Kirche diejenigen vertreibt, die die Freiheit haben wollen, ihr eigenes unabhängiges und unvoreingenommenes Leben zu führen. "Sie sind ein ehrgeiziger Priester."

Während Stephen Fermoyle seinen Glauben über alles stellt, entpuppt sich sein Gott als unbarmherzig und grausam, vertreten durch zahllose fehlerhafte Menschen, die alle zu Vorurteilen, bürokratischem Gezerre und der Ausnutzung ihrer eigenen Interessen neigen. Merkwürdigerweise stellt "Der Kardinal" den Katholizismus nicht in einem positiven Licht dar. Praktisch alles, was geschieht, verstärkt die Auffassung, dass die organisierte Religion ihren Anhängern nur schadet und dass die Trennung der einzige Weg zur Anerkennung ihrer Unterwerfung und zu einer gesunden persönlichen Erfüllung ist - ein unerwartetes Eingeständnis vielleicht angesichts der öffentlichen und finanziellen Unterstützung des Vatikans für diese Produktion. "Gott ist die erste Ursache von allem."

Unabhängig von der Thematik hat Otto Preminger einen epischen Film geschaffen, der von einer Pause und einem Zwischenspiel unterbrochen wird, in dem Stephen Fermoyle die Kirche verlässt, um eine neue Welt der Lust zu erleben, die von der attraktiven Österreicherin Annemarie (Romy Schneider) repräsentiert wird. Die zweite Hälfte ist eher eine Charakterstudie als eine Analyse der klerikalen Pflichten, die im Kern sogar mit einer Liebesgeschichte kokettiert, da jede weibliche Figur im Film, die auffallend sexy ist, als romantisches Interesse dienen könnte, auch wenn fleischliche Begierden den zwiespältigen Geistlichen eher abschrecken. Man kann sich des Eindrucks nicht erwehren, dass Stephen Fermoyles Entscheidungen durchweg falsch sind, ebenso wie die der anderen Bischöfe und ihrer engstirnigen Loyalität. "Ich bete, dass es eine andere Art von Leben für mich geben möge ... das mich nachts schlafen lässt."

Im dritten Akt engagiert sich Stephen Fermoyle schließlich für eine Sache, die eine theatralische Darstellung verdient, als er nach Georgia reist, um einem schwarzen Priester im Kampf gegen den gewalttätigen Rassismus von Segregationisten und Mitgliedern des Kuklux-Klans zu helfen, die sich hinter der Präsenz der Kirche verbergen. Es ist ein kleiner Höhepunkt, der sich schnell und ohne viel visuelles Flair abspielt, aber es ist eine rare Sequenz inmitten eines überlangen Stücks, das im Bereich preisgekrönter Biografien oder historischer Wiederaufführungen nicht viel zu bieten hat. "Der Kardinal" hat zwar den Golden Globe für den besten Film (Drama) gewonnen und behandelt den Aufstieg Adolf Hitlers im Vorfeld des Zweiten Weltkriegs und die österreichische Volksabstimmung - ein weiteres Segment, das den lang erwarteten starken Inhalt und politischen Aspekt enthält, auch wenn es so belehrend und vorhersehbar ist, aber der Film wirkt dennoch weitgehend ereignislos und regungslos. Die Geschichte von Stephen Fermoyle ist einfach nicht umwälzend oder einprägsam. "Haben Sie so wenig Glauben?"

"Don't Be Afraid of the Dark - Fürchte dich nicht im Dunkeln" von Regisseur Troy Nixey greift die gespenstische Geschichte des Original-Fernsehfilms von 1973 auf, der eine unheimliche Mär aus Fantasie und Horror schuf. Wie schon im Vorgänger ist einer der einzigartigsten Aspekte das Kreaturendesign, mit winzigen, missgestalteten, teuflischen Kreaturen, die wie übergroße Ratten auf dem Boden herumwuseln. Die Quelle des Terrors sind ausnahmsweise keine monströsen Antagonisten, sondern eine Armee von Miniaturbösewichten, die mit Scheren, Schraubenziehern und Rasiermessern für reichlich Schrecken sorgen. Die blutige Gewalt fehlt, stattdessen steht die angedeutete, aber unsichtbare Brutalität im Vordergrund und der atmosphärische Pop-Out-Horror ist stets präsent. Doch die qualvollste Szene wurde bereits im Teaser-Trailer gezeigt - das langsame Heben der Bettlaken, um den ersten Blick auf die kleinen Peiniger freizugeben.

Alex (Guy Pearce) holt seine kleine Tochter Sally (Bailee Madison) vom Flughafen ab, um sie wieder in seinem Leben willkommen zu heißen - eine überstürzte Entscheidung, als ihre Mutter meint, es wäre das Beste, ihre Umgebung zu wechseln. Zu Alex gesellt sich seine Freundin Kim (Katie Holmes), die sich nur ungern in die Rolle des Kindermädchens stürzt. Sie nehmen Sally mit zu dem alten Herrenhaus, das sie restauriert haben, einem alten, gruseligen Gebäude, das einst dem verrückten Emerson Blackwood (Garry McDonald) gehörte, bevor er auf mysteriöse Weise verschwand, kurz nachdem auch sein achtjähriger Sohn spurlos verschwunden war.

Sally ist mit Kim nicht einverstanden, findet aber einen Grund, sich ihr anzuvertrauen: In einem versteckten Keller unter dem Grundstück befindet sich ein mit Brettern vernageltes, kaminähnliches Loch, in dem leises Flüstern sie zum Spielen einlädt. Die warnenden Worte des Hausmeisters Mr. Harris (Jack Thompson) stoßen auf taube Ohren, als das Trio die Privaträume des geplagten Emerson Blackwood erkundet. Nachdem Sally die Ausgrabungsstätte geöffnet hat, bemerkt sie zu spät, dass sie eine Armee unheimlicher Pygmäenkobolde entfesselt hat, die ihre Seele gefangen nehmen wollen, wie es ihr uralter, barbarischer Lebenskodex verlangt.

Mit unheimlichen Soundeffekten, einer schockierenden Eröffnungsszene und einer düsteren, in atmosphärische Bilder getauchten Szenerie legt "Don't Be Afraid of the Dark - Fürchte dich nicht im Dunkeln" einen starken Start hin. Die Hitchcock'sche Titelsequenz passt jedoch nicht ganz, und das Tempo gerät auf halber Strecke ins Stocken. Die kleine Besetzung ist effektiv für die Entwicklung der Charaktere, aber kontraproduktiv für die Anzahl der Opfer, was die Spannung reduziert, da nur das Kind das Objekt der Bedrohung wird. Die Wahrscheinlichkeit, dass Sally mit einem scharfkantigen Gegenstand in Kontakt kommt, ist viel geringer als bei Erwachsenen. Dennoch gibt es einen sich langsam aufbauenden Horror, beklemmende Situationen und eine anhaltende morbide Atmosphäre, die weit über den grausigen Geschehnissen schwebt, da die Handlung sehr eng an das Originaldrehbuch angelehnt ist. Leider betritt "Don't Be Afraid of the Dark - Fürchte dich nicht im Dunkeln" insgesamt weder Neuland im Horrorgenre, noch bietet er besonders überraschende Elemente, die nicht schon im Vorschau-Trailer zu sehen sind.

"Gate of Darkness" von Regisseur John Newland ist seit Jahrzehnten auf Video und DVD verborgen geblieben und hat mit der Veröffentlichung der Neuverfilmung von Produzent Guillermo del Toro eine moderate Bekanntheit erlangt. Da die Handlung vielversprechend ist, die Härte sich auf ein Minimum beschränkt und die Goblins eher steif und ledrig sind, ist dieser TV-Film eigentlich ein erstklassiger Kandidat für ein Update, zumal er als einer der besten TV-Horrorfilme aller Zeiten gilt. Die einzigartigen Bösewichte und der atmosphärische Horror sorgen für ein höchst unterhaltsames Spektakel.

Ein merkwürdiges Voiceover-Intro beschreibt eine Familie, die in ein großes Haus einzieht, was insofern seltsam ist, weil das sprechende Paar anwesend ist, nur nicht im Bild. Davor erklingen raue, unmenschliche, heisere Stimmen, die darüber sinnieren, ob jemand in die Villa zurückkehren wird. Sally (Kim Darby) und ihr Mann Alex Farnham (Jim Hutton) sind gerade in das unheimliche alte Haus ihrer Großmutter eingezogen und bereiten sich nun auf eine Party in ihrem neuen Domizil vor. Beim Rundgang durch das Innere des Hauses fällt Sally Farnham der schalltote Keller auf, ein lichtloser Raum mit verschlossenen Fenstern und zementierten Eisengittern um einen zugemauerten Kamin, der vor etwa 20 Jahren geschlossen wurde. Der verschrobene Handwerker Mr. Harris (William Demarest) will es nicht öffnen und rät dringend davon ab, weil er etwas darüber weiß, etwas Gefährliches, aber keine Details preisgeben will. Aus reiner Neugier stößt Sally Farnham den Grill vom Kamin weg und entfesselt damit unwissentlich eine Horde kleiner, rachsüchtiger Kreaturen, die sie in einen höllischen, jenseitigen Albtraum entführen wollen.

Der größte Teil von "Gate of Darkness" ist dunkel und schlecht beleuchtet, einschließlich der Szene auf der Dinnerparty, die geschickt als Alex Farnhams Versuch erklärt wird, seine Gäste davon abzuhalten, unfertige Teile des Hauses zu besichtigen. In den reichlich vorhandenen Schatten geschehen beunruhigende Dinge, darunter ein zerschellter Aschenbecher, der nicht auf Mäuse zurückzuführen ist, und mysteriöse, verkappte, arg zerknitterte kleine Monster, die Sally Farnham hinter Wänden, Vorhängen und in Schränken verhöhnen. Eine der schaurigsten Szenen ist das Fallenlassen eines Rasiermessers aus Stahl, das von einem Wesen aufgeschnappt wird, das es später benutzen will. Alex Farnhams verständlicher Argwohn ist eine starke Quelle des Realismus, da er ständig an den wüsten Behauptungen seiner Frau zweifelt. Macht ihre Fantasie Überstunden, steht sie kurz vor dem Wahnsinn, wird sie von blutrünstigen Miniaturdämonen gequält oder ist sie einfach nur genervt, dass ihr Mann sich mehr um eine bevorstehende Beförderung kümmert als um ihr Wohlbefinden? Selbst wenn ihre enge Freundin Joan Kahn (Barbara Anderson) ihre Geschichte über die nächtlichen Aktivitäten glaubt, wird das irgendjemand anders tun?

"Wir müssen hier raus. Wir müssen hier raus", lallt Sally Farnham betrunken, betäubt von den schalkhaften, haarigen Lümmeln. Die Dialoge suggerieren echtes Unheil, und die kreischende Geigenmusik ist absolut zermürbend und verstärkt die beängstigende Vision von teuflischen Wichtelmännchen, die versuchen, Sally Farnhams Seele in die Unterwelt zu ziehen. Die Szenenübergänge sind auf das Fernsehen zugeschnitten, die Spezialeffekte und das Kreaturendesign sind merklich veraltet, und die schauspielerischen Leistungen sind lediglich dürftig. Doch die Atmosphäre ist gut aufgebaut, und das kieksige Wispern, das zwischen hypnotischem Wehen und entsetzlichen Schreien wechselt, ist beflügelnd und gleichzeitig verstörend. Die Gnome zeigen sich auch tagsüber, was unendlich viele unheimliche Momente mit sich bringt. "Gate of Darkness" ist ein beeindruckender kleiner Thriller, voller origineller, unbequemer Konzepte und ein Hochgenuss für alle, die sich vor Monstern unter dem Bett fürchten.

Es folgen Spoiler für die gesamte Staffel von "Dexter: New Blood"!

Fragt man einen Fan von "Dexter", wann die Serie an Qualität verloren hat, wird er wahrscheinlich zustimmen, dass es nach der hervorragenden vierten Staffel war. Manche mögen argumentieren, dass es immer schwierig war, die Qualität des Duells des titelgebenden Serienmörders gegen den 'Trinity-Killer' (John Lithgow) zu übertreffen. Es gab immer noch eine Menge, was man an der Serie lieben konnte, aber der Geschichte ging allmählich die Luft aus, und die achte und letzte Staffel verdiente sich die zweifelhafte Ehre, häufig in Listen der schlechtesten TV-Finals aller Zeiten erwähnt zu werden. Die Nachricht, dass die Geschichte von Dexter (Michael C. Hall) in "Dexter: New Blood" fortgesetzt wird, wurde begrüßt, wenn auch mit einer gehörigen Portion Skepsis. In dieser Serie führt Dexter ein neues Leben als 'Jim Lindsay' (eine Anlehnung an den Autor und Schöpfer Jeff Lindsay) im verschneiten Iron Lake, New York. Er hat es geschafft, seine alten Verhaltensweisen zu unterdrücken, bis ihn eine zufällige Begegnung mit einem unerträglichen Ortsansässigen namens Matt Caldwell (Steve M. Robertson) ins Wanken bringt. Von da an geraten die Ereignisse in typischer Dexter-Manier außer Kontrolle, und er findet bald heraus, dass Matt Caldwells Vater (Clancy Brown) ebenfalls ein Serienkiller ist. Die Ankunft seines Sohnes Harrison (Jack Alcott) verkompliziert die Dinge noch weiter, und vieles, was von nun an folgt, ist - im Guten wie im Schlechten - typisch Dexter. "Du hast meinen Hirsch getötet!"

Es lässt sich nicht leugnen, dass viele der größten Irrtümer der Serie im Laufe dieser zehn Episoden umfassenden Neuauflage wiederholt werden. Die Charaktere reden immer noch nicht miteinander, obwohl ein einfacher Austausch so viel lösen könnte - ein ärgerliches Merkmal dieser Serie von Anfang an, es gibt viele Zufälle, und die Nebenhandlungen sind oft nicht überzeugend. Auch zwischen Dexter und Harrison wird anfangs viel Zeit vergeudet, obwohl die Serie die Enthüllung, wer sein Vater wirklich ist, letztlich gut verarbeitet. Es hätte nur ein oder zwei Folgen früher kommen sollen, denn da wird "Dexter: New Blood" am interessantesten. Dexter hat endlich jemanden gefunden, von dem er glaubt, dass er seinen dunklen Begleiter teilt. Er erinnert sich an seine katastrophalen früheren Beziehungen mit Figuren wie Lila Tournay (Jaime Murray), Miguel Prado (Jimmy Smits) und Hannah McKay (Yvonne Strahovski). Auch sein Sohn wurde 'in Blut geboren' und hat eindeutig eine innere Dunkelheit, aber die vorletzte Folge macht deutlich, wie krankhaft Dexters Verhalten ist. Es ist so einfach, mit Dexter zu sympathisieren, dass der Betrachter vergisst, wer er wirklich ist, und es ist nachvollziehbar, dass Harrison seinen Vater als "Batman"-ähnlichen Rächer sieht, der unzählige Leben rettet, indem er böse Menschen liquidiert. Die Wahrheit ist jedoch, dass Dexter nur deshalb so tötet, weil es Teil des 'Kodex' ist, der ihm von Harry (James Remar) beigebracht wurde, dem Vater, der über die Taten seines Sohnes so entsetzt war, dass er sich das Leben nahm, nachdem er ihn dabei erwischt hatte, wie er die Leiche eines gerade Ermordeten zerstückelte. "Wir werden das durchstehen. Die Welt braucht uns."

"Dexter: New Blood" verdeutlicht den Horror dessen, was Harry einst miterlebte, wenn der Betrachter an der Seite von Harrison zusieht, wie Dexter sein neuestes Opfer ermordet. Harrisons Reaktion auf die Freude seines Vaters, Kurt Caldwell (dem bereits erwähnten örtlichen Serienmörder) den Todesstoß zu versetzen, und dann das Entsetzen, als er zusieht, wie er die Leiche in Teile zerhackt, während das Blut um seine Füße herumläuft, ist wohl der beste Moment in "Dexter: New Blood" und betont, wie abgefuckt es ist, dass er dies vor den Augen seines Sohnes tut, den er erst seit wenigen Wochen kennt. Dexter hat sich aus Harrisons Leben zurückgezogen, um ihn zu schützen, genießt aber bei der ersten Gelegenheit die Perspektive, seinen Sohn so zu formen, wie er ist, weil er aus Egoismus immer diese Verbindung finden wollte, koste es, was es wolle. Das ist in vielerlei Hinsicht falsch, und indem es den Morden, die in der Serie so oft vorkommen, den Glanz nimmt, ist die Bühne für das Finale ideal vorbereitet. "Blut ist die Wahrheit des Körpers".

Bietet die Serie also das zufriedenstellende Ende, das uns vor so vielen Jahren vorenthalten wurde? Manche Betrachter werden nicht erfreut sein, aber das ist wohl unvermeidlich, nachdem 8 Jahre lang darüber spekuliert wurde, wie die Serie enden sollte und man auf eine Art ideales Ende hoffte, bei dem Dexter durch das Miami Police Department marschiert mit all den Charakteren aus der Vergangenheit, die endlich erfahren, wer Dexter wirklich ist. In der letzten Szene würde er natürlich in die Kamera zwinkern, während er die tödliche Injektion erhält - in einer Welt, die sich nicht einig ist, ob er ein Held oder ein Bösewicht ist. Dies wäre aber einfach nicht das optimale und angemessene Ende. "Bären. Hunde. Ich vermisse die Zeit, als die einzigen Tiere, vor denen ich mich fürchten musste, Alligatoren waren."

Im Finale führt eine Reihe von Zufällen und richtigen Ereignissen zur rechten Zeit dazu, dass Dexter sowohl als Matts Mörder als auch als der Bay Harbour Butcher fest in Angela Bishops (Julia Jones) Fadenkreuz gerät. Es ist nicht davon auszugehen, dass er tatsächlich für eines Verbrechens verurteilt werden würde, und in diesem Punkt verliert "Dexter: New Blood" ein wenig an Überzeugungskraft. Fairerweise muss man sagen, dass dies bis zu einem gewissen Grad zugegeben wird, und es gibt sicherlich genügend Indizien, die darauf hindeuten, dass er letztendlich für etwas verurteilt werden würde. Wie ein in die Enge getriebenes Tier zeigt er an diesem Punkt wieder sein wahres Gesicht und tötet den örtlichen Polizeibeamten Logan (Alano Miller), um zu entkommen und weiter zu morden; es ist eine Sucht, in die er seinen Sohn hineinzuziehen hofft. Ihre Konfrontation könnte nicht vollkommener sein, denn es stellt sich heraus, dass Harrison nicht die gleiche Düsternis in sich trägt. Er ist ein gestörtes Kind, das eindeutig das Potenzial hat, gewalttätig zu werden, und vielleicht hätte er mit der Ausbildung seines Vaters der nächste 'Dexter' werden können. Doch er will nicht, und als er seinem Vater klar macht, wie viel Unheil er durch seine Taten angerichtet hat, vergisst man leicht, wie viele unschuldige Menschen im Laufe der Jahre in seine Morde verwickelt waren, was zu einem perfekten Abschluss für diese Figur führt. "Mach dir keine Sorgen um mich. Ich bin der Phönix. Ich erhebe mich aus der Asche."

So wird aus einer Serie, die den Rahmen für die Kapitel von Dexter und seinem Sohn abzustecken schien, eine Geschichte über den Horror, seinen Vater zu finden und zu erfahren, dass er ein Serienmörder ist. Seine letzten Gedanken sind, dass er endlich weiß, wie es sich anfühlt, jemanden zu lieben, aber ist das nur so, weil Harrison dazu angeleitet wird, jemanden zu töten, der den Tod verdient hat - in diesem Fall Dexter selbst -, was ihn ebenfalls auf einen mörderischen Weg bringt und seine Aufgabe weiterführt? Möglicherweise, aber wie auch immer man zu dem Schluss kommt, es ist großartig gemacht, und dies ist der richtige Ort, um die Geschichte zu beenden. Einige werden enttäuscht sein, dass die Folgen von Dexters Tod nicht gezeigt werden, aber der gesunde Menschenverstand sagt, dass Angela Bishops Beweise in Verbindung mit dem Mord an Logan ausreichen würden, damit die Welt endlich die Wahrheit über Dexter Morgan erfährt. "Ich muss noch ein Geschenk einpacken - in Plastik!"

Michael C. Hall ist hier von Anfang bis Ende exzellent, und ob es seine verpfuschten Versuche sind, Harrison ein Vater zu sein, oder das Erwachen des Monsters unter der Oberfläche, das uns später in der Staffel begegnet, er versagt nie, zu imponieren. Der Darsteller genoss die Gelegenheit, seine berühmteste Rolle erneut zu spielen und die Geschichte zu einem guten Ende zu bringen, und die Konfrontation mit der brillanten Jennifer Carpenter als Debra sorgt für ein intensives, faszinierendes Erlebnis. Als die neue imaginäre Präsenz, mit der er anstelle von Harry spricht, ist Debra ein ganz anderes Wesen und bietet einen faszinierenden Einblick in das, was in seinem Hirn vor sich geht, während er versucht, seine dunklen Triebe zu unterdrücken, bevor er ihnen schließlich nachgibt - ein Zeichen dafür, dass sein dunkler Begleiter den Kampf gewonnen hat. "Komm groß raus oder geh nach Hause".

Jack Alcott ist hervorragend in der Rolle des Harrison, und seine Entwicklung erweist sich als ebenso eindrucksvoll und ungewöhnlich wie die von Dexter. Julia Jones ist unglaublich stark in der Rolle der Angela Bishop, und Clancy Brown erweist sich als furchteinflößender Fiesling, der oft für Angst sorgt. Hier liefert der gesamte Cast phenomenale Darbietungen. "Dexter: New Blood" reproduziert hier und da den einen oder anderen Patzer aus der Vergangenheit, bietet aber letztlich einen vollendeten, blutigen Abschluss der Story, den das Original-Finale nicht liefern konnte. Michael C. Hall wiederum festigt seinen Status als einer der besten Schauspieler der Welt. "Du musst dich nicht so sehr über die Erfolge freuen, du selbstgefälliges Arschloch."

Anstatt Minimalismus und clevere Umgehungen unzureichender Mittel wiederaufleben zu lassen, profitiert diese vollfarbige Fortsetzung, "Zombie - Dawn of the Dead", von Regisseur George A. Romero von einem größeren Budget und Tom Savinis aufwendigen Make-up- und kosmetischen Spezialeffekten, die wie ein Vorläufer des puddingartigen Live-Action-Breis von Peter Jacksons "Braindead" aussehen. Blut spritzt, Fleischstücke bersten aus Einschusslöchern, Köpfe explodieren. Die Zombiekörper sind verstümmelt, mit roter Farbe getränkt und mit verrottendem grauem Gewebe verziert. Die Angriffe finden in freier Sicht statt, und die Eröffnungsszene selbst bietet eine Menge exzessiver, grausamer Szenen. Das mag für sich genommen durchaus lustig sein, aber nichts davon kann die Defizite in der Erzählung wettmachen.

Die in Panik geratenen Mitarbeiter des Fernsehsenders 'WGON' streiten darüber, wie sie weiter über die anhaltende Krise berichten sollen, in der Leichen in kürzester Zeit wieder zum Leben erwachen, und über die überfüllten Hilfszentren, in die unzählige arglose Überlebende strömen. Die brutalen, kannibalistischen Killer vermehren sich exponentiell, da sich ihre Opfer ebenfalls den Armeen der Toten anschließen. Die Elitepolizisten Roger (Scott H. Reiniger) und Peter (Ken Foree) planen zusammen mit dem Piloten Stephen (David Emge) und der Produzentin Francine (Gaylen Ross), das Gebiet per Hubschrauber zu verlassen, um dem Wahnsinn der Zivilisten und dem Übereifer des Militärs zu entkommen.

Nach einer kurzen Zeit in der Luft entdeckt die Gruppe ein überdachtes Einkaufszentrum, das frei von den Kreaturen zu sein scheint. Bei näherer Betrachtung sind in den Verwaltungsbüros im obersten Stockwerk Überlebenskits und reichlich Vorräte gelagert, die eine vorübergehende Rast vom ziellosen Laufen ermöglichen. Zusätzlich gibt es in den diversen Geschäften eine Vielzahl anderer Gegenstände, die bei waghalsigen Versorgungsfahrten erworben werden können. In dieser neuen Umgebung ist die Zombie-Bedrohung weniger furchteinflößend als vielmehr abenteuerlich. Die Charaktere genießen es offensichtlich, ungehindert durch das riesige Gebäude zu rennen oder zu fahren, Kameradschaft zu pflegen, wahllos auf Zombies zu schießen - ein Nebenaspekt der Zombiejagd als Sport - und ihre Fähigkeiten mit geschickten Ausweichmanövern zu testen. Eine ausgeprägte Verspieltheit sorgt für einen Ton, den man in Horrorfilmen selten sieht. Sogar die Musik nimmt leichte, optimistische Rocknoten für die Reihe scheinbar hoffnungsloser Unterfangen an. Das Problem ist, dass sich Zombie-Gewalt und fröhliche Possen nicht gut vertragen.

Mit einer geringen Schar von Überlebenden fühlt sich keiner der Charaktere entbehrlich an, obwohl auch keiner besonders sympathisch ist. Das liegt vor allem an den Schauspielern, die irgendwie nicht mehr so überzeugend sind wie in dem Vorgänger und aus einer ähnlich unbekannten Besetzung bestehen, die generische Dialoge vortragen. Deprimierend ist auch die Gleichgültigkeit, mit der sich die vier bewegen, begleitet von vielen konstruierten Situationen mit verhedderten Waffen, fallengelassenen Vorräten, verrutschten Werkzeugen und Gegnern, die aus dem Nichts auftauchen, als ob die Anwesenheit gefräßiger Zombies nicht schon genug Ärger bedeuten würde. Und tatsächlich ist es das nicht, denn in einer anderen Nebenhandlung stürmt eine postapokalyptische Biker-Gang die Festung wie in "Mad Max".

Ein Jahrzehnt ist seit George A. Romeros revolutionärem Low-Budget-Meisterwerk "Die Nacht der lebenden Toten" vergangen, und in dieser Zeit hat er beschlossen, fast alles zu ändern, was er zuvor konzipiert hat. Es dreht sich immer noch um die wiederbelebten Toten, aber die Optik und die Atmosphäre sind völlig anders. Der Schrecken im Dunkeln hat sich in eine Aktion am helllichten Tag verwandelt. Die erdrückende Klaustrophobie hat sich auf geräumige Spielflächen verlagert. Die Angst vor irrationalen Außenseitern, die sich in übereilte Pläne einmischen, hat sich in enge Freundschaften verwandelt, die den Aufruhr monatelang abwarten, als wäre er nur ein vorübergehendes Wetterereignis, und Ausweichmanöver in letzter Minute sind nunmehr Tortenschlachten. Es liegt immer noch ein Hauch von Beklemmung, Spannung und ein Gefühl der Isolation und des unausweichlichen Untergangs in der Luft, aber das Zombie-Element scheint nicht mehr im Vordergrund zu stehen, während das Tempo und der Sinn für Konsistenz bei spontan erdachten weiteren Abenteuern Ähnlichkeiten mit der Fernsehserie "The Walking Dead" aufweist, die diese ikonische Produktion inspirieren sollte.