Chainsaw Charlie - Kommentare

"Tár" von Regisseur Todd Field beginnt mit einer Standardszene, um den Betrachter in den Film hineinzuziehen - hier gibt es nichts Aufregendes, sondern nur eine Anregung, um eine Beziehung einzuführen - und dann einen ausführlichen Abspann. Dies ist ein signifikanter Kontrast zu den heutigen Filmen, bei denen die gesamte Crew und die Nebendarsteller der Produktion bis zum Schluss zurückgehalten werden. Das ist so ungewöhnlich, wenn auch gewollt, dass man meinen könnte, der Film beginne versehentlich an der falschen Stelle.

Als die eigentliche Geschichte beginnt, bereitet sich Lydia Tár (Cate Blanchett) auf ein Interview vor. Derzeit ist sie Dirigentin der New Yorker Philharmoniker, aber die Liste ihrer Leistungen ist umfangreich: Sie begann mit einem Klavierstudium, bevor sie in Harvard studierte, einen Doktortitel in Musikwissenschaft erwarb, mit mehreren großen Orchestern arbeitete, ein Buch über ihr eigenes Leben veröffentlichte, ein Stipendium erhielt, an der Juilliard unterrichtete und das seltene EGOT-Ensemble (Emmy, Grammy, Oscar, Tony) gewann. Sie ist auch eine der wenigen Frauen, die ein renommiertes Orchester dirigieren, was für viele eine Inspiration ist. In Kürze wird sie an einer neuen Aufnahme von Gustav Mahlers 5. Sinfonie arbeiten, die sie schon seit einiger Zeit realisieren wollte.

Während des Interviews spricht Lydia Tár wortgewandt über das Dirigieren und geht dabei auf technische Details ein, die den Betrachter mit Sicherheit 'im Unkraut' zurücklassen - eine Redewendung, die auf fast jede Zeile ihres Dialogs zutrifft. Und sie lässt sich auf ein Gespräch nach dem anderen ein, das von ähnlichen Konzepten geprägt ist. Wenn sie in einer Szene an der Juilliard unterrichtet, ist es fast so, als würde man einem echten Unterricht beiwohnen, der so kompliziert ist, dass er weit über eine Einführungsstunde hinausgeht. Ein Großteil dieses langen Vortrags, der an einem einzigen Ort gehalten wird, ist sowohl faszinierend als auch verwirrend. "Zeit ist das A und O."

Der erste Akt könnte als eine noch langweiligere Version von "Whiplash" beschrieben werden, in der ein anspruchsvoller Beruf vorgestellt wird, der keine Unvollkommenheiten duldet oder viele soziale Stunden zulässt. Lydia Tár ist in der Regel nur von Angestellten umgeben, wie ihrer persönlichen Assistentin Francesca Lentini (Noemie Merlant), einem Geschäftspartner wie Elliot Kaplan (Mark Strong), einem Mentor wie Andris (Julian Glover) oder einem Fan wie Whitney Reese (Sydney Lemmon), obwohl sie eine Freundin, Sharon (Nina Hoss), eine Tochter, Petra (Mila Bogojevic), und eine gestörte Beziehung zu einer mysteriös labilen ehemaligen Freundin, Krista Taylor (Sylvia Flote), hat. Im Gegensatz zum rasanten Tempo des oben erwähnten musikbasierten Thrillers nimmt sich dieser Aufwand für alles seine Zeit. Bei unbedeutenden Interaktionen wie Essen, Zuhören, Lesen, Autofahren, Musizieren oder Teekochen verweilt die Kamera in aller Ruhe und hält die Mimik fest, als wolle sie zusätzliche Reflexionen und Dialoge aufdecken, ohne sie explizit aussprechen zu müssen.

"Tár" ist eindeutig ein Werk mit einer einzigen Darbietung, in dem Cate Blanchett in einer hyperfokussierten Rolle glänzen kann, die sie in den Mittelpunkt praktisch jeder Szene stellt. Die Immersion ist vollkommen und packend. Es ist zweifellos eine spektakuläre Wendung, aber die ausführliche Chronik verhindert, dass der Dirigentenstab bis zu einer Stunde nach dem Film überhaupt noch geschwungen wird. An manchen Stellen scheint es, als würde ihr Leben in Echtzeit gefilmt, in dem Versuch, jede Kleinigkeit, ob wichtig oder unwichtig, festzuhalten. Mit seinen ausgesprochen dezenten Qualitäten haben selbst wirklich dramatische Akzente wenig Wirkung. Das Leben und Auftreten von Lydia Tár ist einfach zu realistisch und alltäglich. Sie sind einfach nicht kinotauglich, selbst wenn es darum geht, einen solchen Grad an Realitätsnähe darzustellen.

Proben, Vorsprechen, Meetings, Verabredungen zum Mittagessen und damit verbundene Diskussionen ziehen sich hin und füllen eine fast dreistündige Laufzeit. Kleine Intrigen, die von Politik, Günstlingswirtschaft und Verrat in der Branche bis hin zu kurzen Hinweisen darauf reichen, dass Krista Taylor so etwas wie ein geisterhafter Schatten ist, peppen das Geschehen auf, aber es ist nicht leicht, nicht zu merken, wie träge das Tempo ist und wie befremdlich bestimmte Filmaufnahmen werden. Letztendlich steht Lydia Társ Karriere vor den Herausforderungen der sich langsam entfaltenden Geheimnisse um Krista Taylor sowie ihrer eskalierenden, kontroversen Bindung zu einer Cello-Solistin (Sophie Kauer), aber es ist bereits zu spät, um den Betrachter zu erreichen. Auch die zunehmende Zahl von halluzinatorischen Bildern, die an Alpträume oder Verschwörungen grenzen, kommen nicht rechtzeitig zum Vorschein. Cate Blanchett mag eine Meisterleistung abgeben, die weniger berührt als in "Blue Jasmine". Die diversen Verluste und emotionalen Turbulenzen sind tiefgreifend, aber ihre Performance allein kann eine so kolossal unspektakuläre, schleppende und scheinbar grenzenlose Charakterstudie nicht beleben.

In "Marcel the Shell with Shoes On" von Regisseur Dean Fleischer-Camp braucht es etwa 20 Muscheln, um eine Gemeinschaft zu bilden, aber Marcel (Jenny Slate), eine solche Muschel, die zufällig ein Paar Schuhe trägt, findet sich in einer Situation von viel größerer Unabhängigkeit wieder. Da er von den meisten seiner Freunde und seiner Familie getrennt wurde, lebt er nur noch mit seiner Großmutter (Isabella Rossellini) zusammen. Die beiden kommen jedoch gut miteinander aus, suchen kreativ nach Nahrung und bauen Unterschlüpfe in und um das Haus, in dem sie zurückgelassen wurden. Verschiedene Menschen kommen und gehen, aber die meiste Zeit bleibt Marcel aus Sicherheitsgründen verborgen. "Ich mag mich."

Als der vertrauenswürdige Dean (Dean Fleischer Camp) das Haus bucht, beschließt er, Marcels Leben für eine Reihe von Dokumentarfilmen zu dokumentieren, die auf 'YouTube' hochgeladen werden sollen, damit die ganze Welt sie sehen kann. Die Muschel mit dem passenden Gesicht und den perfekten Fußtritten ist ein einzigartiges Subjekt, das Konzepte aus verschiedenen Filmen und vergangenen Erlebnissen auskotzt und Bemerkungen zu allem macht, was ihm in den Sinn kommt. Außerdem ist er überaus erfinderisch und kompetent. Trotz seiner winzigen Statur, seiner mangelnden Tiefenwahrnehmung, seiner eingeschränkten Anatomie und dem Fehlen nennenswerter Finger ist er in der Lage, zahlreiche Konstruktionen zu errichten, leichte landwirtschaftliche Arbeiten auszuführen, mit seinen honigfarbenen Sohlen Wände hochzuklettern und sich sogar in einem Tennisball schnell durch das Haus zu bewegen, obwohl er nie gezeigt wird, wie er in dem Behelfsfahrzeug eine Treppe hinaufsteigt, nachdem er eben diese Stufen hinuntergesprungen ist. "Willst du mir Fragen stellen?"

Die ersten Szenen funktionieren sehr gut, indem sie eine Sammlung von komödiantischen Vignetten zusammenstellen, die Marcels einzigartige Welt zeigen - nicht nur Muscheln haben Gesichter und Schuhe, sondern auch Erdnüsse, Pistazien, Brezeln, Müsli und mehr - und seine Interaktion mit seiner Umgebung, von Nippes über Insekten bis zu menschlichen Wesen. "Marcel the Shell with Shoes On" ist wie eine Mockumentary zusammengeschnitten, obwohl er Rückblenden mit Filmmaterial enthält, das nicht von Dean stammen kann, es sei denn, es handelt sich um kunstvoll inszenierte Rekonstruktionen. Ironischerweise begannen Marcels flüchtige Reflexionen und skurrile Welterfahrungen mit ein paar eigenständigen Kurzfilmen, und das ist auch der beste Weg, dieses Werk zu genießen. In Spielfilmlänge ist er ein wenig zu phlegmatisch und meditativ, und es geschieht nicht annähernd genügend, um die Spielzeit zu kompensieren. Er ist manchmal rührend und poetisch mit seinen Kontemplationen über das Altern, die Mortalität, die Genugtuung, die Liebe und den Tod, aber der Humor, der eigentlich seine stärkste Säule sein sollte, ist nicht konsequent genug, um den Film in seiner Gesamtheit attraktiv zu machen.

Optisch ist die Mischung aus Stop-Motion-Muschelwesen mit animierten Mündern und anderen Attrappen mit realen Umgebungen wie Menschen und Hunden und zahllosen Requisiten anfangs unterhaltsam, gerät aber schnell in Konflikt mit sich selbst. Wenn Marcel in komischen Habitaten isoliert ist und die Kamera lediglich seine genialen Erfindungen und humorvollen Exekutionen einfängt, scheint seine Wirklichkeit verkraftbar - seine unfassbare Gewandtheit und Körperstärke sind angesichts seiner Statur leicht zu übersehen. Doch wenn die dokumentarischen Abfolgen irgendwann zu einem größeren Roadtrip-Abenteuer werden und die Kollaboration mit Internet-Bewohnern, die nach viralen Videos suchen, zu einer spezifischen Modernität führt, die sich nicht für die Imagination eines anthropomorphisierten Krustentiers eignet, das Marcels verschollene Familie findet, wird seine gesamte Existenz inkongruent. "Was für eine traurige Art von Idiot."

Wie ein 'Pokemon' ist Marcel süß und kurios. Aber als Phänomen, wie in "Ted", ist er weit weniger tauglich. Umso länger sich der Kameramann mit seinem Gebaren befasst, desto mehr Zweifel kommen an seiner fiktiven Inkonsequenz auf. Wegen seiner Strukturierung und dem Schwund an Lachmomenten ist "Marcel the Shell with Shoes On" nicht prädestiniert, Kinder zu ergötzen. Darüber hinaus ist der Film nicht summarisch fundiert genug, um Erwachsene darauf anzusprechen.

Die Macht der 80er-Jahre-Nostalgie des einundzwanzigsten Jahrhunderts zwingt zu "Der Exorzismus der Gretchen Lang" von Regisseur Damon Thomas. Von der High-Pants-Mode bis hin zu verschiedenen Culture Club-Songs auf dem Soundtrack: Der Film ist das Nebenprodukt eines Nebenprodukts. Es ist eine High-School-Version von "Der Exorzist" für ein Post-"Stranger Things"-Publikum, das Popkultur- und Genre-Muster in einem vorhersehbaren post-postmodernen Paket zusammenfügt. Elsie Fisher ist die Erlösung des Films, indem sie ihr Talent, das sie in "Eighth Grade" bewiesen hat, auf eine weitere Rolle eines unbeholfenen Mädchens anwendet, das diesmal nur etwas älter ist und somit den dämonischen Qualen des Highschool-Mobbings ausgesetzt ist. Im Großen und Ganzen ist der Film während seiner 97-minütigen Laufzeit unterhaltsam, aber er wirkt nie wie eine Annäherung an die Realität.

Das Drehbuch von Jenna Lamia, das auf der Romanreihe von Grady Hendrix basiert, stellt Besessenheit erfolglos als Metapher für die Persönlichkeitsveränderungen und Stimmungsschwankungen dar, die Teenager in der Pubertät erleben. Im Mittelpunkt der Geschichte steht jedoch eine Gruppe von vier Freundinnen mit unterschiedlichen Hintergründen und oberflächlich entwickelten feministischen Perspektiven. Elsie Fisher spielt Abby, die zurückgezogene und schüchterne Frau aus einer Arbeiterfamilie. Abbys beste Freundin ist Gretchen (Amiah Miller), die aus einer elitären Familie stammt, die ihre unzertrennliche Freundschaft mit Abby missbilligt. Margaret (Rachel Ogechi Kanu) ist die sexuell erfahrenste von ihnen, obsessiv auf ihr Aussehen bedacht und beschimpft ihren triebhaften Freund Wallace (Clayton Royal Johnson). Und Glee (Cathy Ang) ist heimlich in Margaret verknallt.

Als die vier in der Hütte von Margarets Familie übernachten, ruiniert Wallace die gute Stimmung, als er mit leichten psychedelischen Substanzen auftaucht und verlangt, dass alle nackt baden gehen. Später erkunden Abby und Gretchen die umliegenden Wälder und finden ein gruseliges altes verlassenes Gebäude, in dem angeblich ein satanisches Ritual stattgefunden hat. Drinnen werden sie mit Geflüster, einhüllender Dunkelheit, einem bizarren Augentier und einer dämonischen Stimme konfrontiert, die verkündet: "Mein!" Obwohl der Betrachter erfährt, dass Gretchens Körper von einem Wesen heimgesucht wird, nimmt Abby an, dass das abrupte asoziale Verhalten ihrer Freundin auf einen Angriff von Wallace zurückzuführen ist. Doch diese falsche Vermutung wird schnell widerlegt, als Gretchen in der Schule in aller Öffentlichkeit kotzt und uriniert. Wenn man bedenkt, dass diese Zwischenfälle ausreichen würden, um jeden Teenager zu demütigen, ist es seltsam, dass ihre Klassenkameraden sie nicht aufziehen. Stattdessen kommt sie mit neuem Make-up und einem Look, der an Meagan Fox in "Jennifer's Body" erinnert, zur Schule.

"Der Exorzismus der Gretchen Lang" spielt mitten in der satanischen Bewegung und macht außer ein paar flüchtigen Verweisen nicht viel aus diesem Detail. Damon Thomas, dessen Regiearbeit aus verschiedenen Fernsehfilmen und -serien besteht, bringt eine weitgehend laienhafte 80er-Jahre-Attitüde mit, einschließlich eines Übermaßes an Sperma-Witzen. Der Synthesizer-Soundtrack von Ryland Blackinton trägt dazu bei, die Stimmung dieser Ära einzufangen, ohne dass die Produktion zu sehr auf die bekannten Needle Drops setzt. Leider gelingt es dem Produktionsdesigner Bruce Curtis und der Kostümbildnerin Ariyela Wald-Cohain nicht, den Betrachter davon zu überzeugen, dass er in eine andere Zeit versetzt wurde, so dass sich der Film wie eine 80er-Jahre-Party anfühlt. Die CGI-Eulen und Waschbären am Rande des Geschehens sind ebenso wenig förderlich wie die anderen Stellen mit Billigeffekten. Am besten sind die Szenen jedoch, wenn Gretchen beginnt, ihre Freunde auf manchmal morbide Weise gegeneinander auszuspielen, auch wenn sie sich dabei auf einige nicht glaubwürdige Tricks verlassen.

Was am besten funktioniert, ist Elsie Fisher, die es schafft, einen verletzlichen Teenager mit Feingefühl darzustellen, was dieses bekannte übernatürliche Teenager-Horror-Märchen aufwertet. Als boshafte Mädchen auf Abby wegen ihrer Akne herumhacken, wirkt Elsie Fishers gekränkte Reaktion echt. Ebenfalls unterhaltsam sind die Lemon Brothers, ein christusliebendes Bodybuilder-Trio, das in High Schools und Einkaufszentren auftritt und dabei Jugendliche anwirbt. Chris Lowell spielt den schwächsten Bruder, Christopher, der von Abby rekrutiert wird, um Gretchen zu exorzieren. Während die tatsächliche Exorzismus-Sequenz eher einfallslos und der am wenigsten spannende Teil des Films ist, bringt Chris Lowell seine übliche komische Dynamik ein. Der größte Schocker ist, dass Abby offenbart, dass sie Jüdin ist, obwohl sie eine katholische Schule besucht, aber es wird wenig Zeit darauf verwendet, ihre vertuschte jüdische Identität zu erforschen. "Der Exorzismus der Gretchen Lang" ist ausreichend interessant, um den Betrachter ins Geschehen zu ziehen. Doch es bleibt nicht mehr als eine klamme Hommage an andere Horrorfilme und eine nichtssagende 80er-Jahre-Nostalgie.

"The Advent Calendar" von Regisseur Patrick Ridremont ist nur dem Namen nach ein Weihnachtshorrorfilm. Der Film spielt zwar um Weihnachten herum, und natürlich gibt es das titelgebende Objekt, aber sonst deutet wenig darauf hin, dass es die schönste Zeit des Jahres ist. Eva (Eugénie Derouand) ist eine ehemalige Tänzerin, die nicht mehr laufen kann. Als ihre Freundin Sophie (Honorine Magnier) ihr vor Weihnachten einen Adventskalender schenkt, wird dieser zur Antwort auf ihre größte Hoffnung. Aber sie ist auch das Tor zu unaussprechlichem Übel. Wenn das wie eine Folge von "The Twilight Zone" klingt, dann liegt das daran, dass es viele Analogien gibt. Dazu gehört vor allem das Motiv 'Pass auf, was du dir wünschst', das sich durch "The Advent Calendar" zieht. Es gibt auch einige Todesfälle, die direkt aus einer Anthologie-Fernsehserie stammen, darunter einer, in den ein Hund verwickelt ist, der ebenso dämlich wie brutal ist. "Nimmst du immer noch deine Tabletten gegen Halluzinationen?"

Was nicht heißen soll, dass "The Advent Calendar" wie eine langgezogene Episode von "Geschichten aus der Gruft" ist. Er ist in der Lage, verschiedene Arten von Horror in seine verwinkelte Handlung einzubauen. Zunächst einmal taucht der Film viel tiefer in seine Hauptfigur ein, als es eine dreißigminütige Fernsehsendung erlauben würde. Zwar wird zu viel Zeit damit verbracht, um das herumzutänzeln, was Eva wirklich will, aber es wird ein gewisser Zugang zu ihr gewährt. Je düsterer es wird und die Zahl der zu beklagenden Leichen steigt, desto deutlicher wird, dass Eva einfach nur 'normal' sein will. Dies wird gleich zu Beginn ersichtlich und steht im Mittelpunkt fast jeder Interaktion in "The Advent Calendar". Es gibt einige Personen, die auf sie herabsehen, eine besonders abfällige bezeichnet sie als 'halbe Tussi', aber niemand ist härter zu Eva als sie selbst. "Ich bring dich um."

Das führt zu einem interessanten Charakter voller Selbstmitleid und Verbitterung. Sie weist rasch darauf hin, wozu sie ihrer Meinung nach nicht in der Lage ist und dass sie keine Perspektive für ein Liebesleben hat. Das hindert sie jedoch nicht daran, einer Arbeit nachzugehen und zu schwimmen. Eva scheint bestimmte Aspekte ihres Lebens aufgegeben zu haben, während sie in anderen Bereichen vorankommt. Es ist eine eigentümliche Marschrichtung, die "The Advent Calendar" immer wieder antreibt, sich zu entfalten. Es passiert nie so viel, wie der Film es sich wünscht, aber was geboten wird, funktioniert.

So anziehend Eva auch sein kann, in "The Advent Calendar" gibt es einige Ausrutscher. Der Film schafft es gut, die Regeln vorzugeben, nach denen er abläuft. Die stilvolle Präsentation der Informationen in dem Film ist sehr hilfreich. Da die Normen so klar formuliert sind, ist es offensichtlich, wenn sie nicht eingehalten werden. Das mindert den Spaß ein wenig. Es werden viele Nebenhandlungen eingeführt, von denen keine abgeschlossen wird. Auf der anderen Seite ist "The Advent Calendar" perfekt getaktet. Alles spielt sich über mehrere Wochen ab, und obwohl manche Tage schneller vergehen als andere, hat man nie das Gefühl, dass etwas übersprungen wird. In Relation zur Prämisse fehlt es dem Film jedoch merklich an Spannung. Doch es gibt einige fantastische Schreckensbilder und es wird nie einseitig. Selbst wenn sich die Charakterentwicklung hinzieht, was bei Horrorfilmen immer ein Risiko ist, beeinträchtigt das nicht die Geschichte. Das Ende versucht, zu clever zu sein, und die quälende Frage, wie Eva so viel wissen kann, bleibt bestehen, dennoch ist "The Advent Calendar" ein guter 'Weihnachtshorrorfilm'.

In "Bacurau" von den Regisseuren Juliano Dornelles und Kleber Mendonça Filho kehrt eine junge Frau nach Hause zurück, um an der Beerdigung ihrer Großmutter teilzunehmen. Bei ihrer Ankunft findet sie die Stadt zunehmend abgeschnitten und isoliert von der Außenwelt vor. Die Bewohner müssen sich dann zusammenschließen, als eine äußere Macht droht, sie buchstäblich von der Landkarte zu tilgen. Die ersten beiden Akte dienen der Entwicklung des Ortsgefühls und der Dynamik der Stadt sowie dem Aufbau der Figuren. Auf diese Weise kann der Betrachter ein Verständnis für diese kleine, eng verbundene Gemeinschaft entwickeln, so dass man, wenn ihre Häuser und ihr Leben bedroht sind, tief in ihr Überleben involviert ist.

Während der ähnliche Film "The Hunt" von Craig Zobel mit voller Wucht zuschlägt, lässt sich "Bacurau" Zeit, wie ein Scharfschütze, der auf den perfekten Schuss wartet. Doch wenn er schließlich den Abzug betätigt, explodiert er in einer Kakophonie der Gewalt wie eine Dumdum-Kugel, die einen Schädel trifft. Juliano Dornelles und Kleber Mendonça Filho sind eindeutig auch Fans von Spaghetti-Western. "Bacurau" entspricht nicht nur der Struktur und dem Ton des Genres, sondern weist auch mehrere seiner Archetypen auf, vom anständigen Schulmeister über den Stadtsäufer bis hin zum schleimigen Bürgermeister. Die einheimischen und ergrauten Gesichter, die den Großteil der Besetzung ausmachen, bilden einen guten Widerpart zur Besetzung durch Udo Kier. Sein Antlitz ist dem europäischen Kino vertraut, und seine Präsenz unterstreicht die Genre-Wurzeln des Films.

Die Handlung der belagerten Kleinstadt erinnert an "Rio Bravo", der wiederum "Assault - Anschlag bei Nacht" inspirierte. Letzterer ist ein deutlicher Einfluss, denn die örtliche Schule trägt den Namen 'João Carpinteiro', eine direkte Bezugnahme auf den Horrorfilmemacher John Carpenter. "Bacurau" ist auch von Akira Kurosawas "Die sieben Samurai" geprägt, in dem die Stadt die Dienste eines örtlichen Gesetzlosen in Anspruch nimmt, um ihren Widerstand anzuführen.

Das Horrorgenre kann der Gesellschaft oft einen Spiegel vorhalten, wie in Filmen wie "The Purge - Die Säuberung" und "Get Out" deutlich geworden ist. Bei "Bacurau" ist das nicht anders. Es ist nicht nur ein erschreckender Blick auf das politische Klima in Brasilien, wenn ausländische Parteien kommen, um indigene Bürger und Land für ihren eigenen persönlichen Vorteil zu beseitigen. Darüber hinaus ist der Film ein Bericht über die systematische Rodung des brasilianischen Regenwaldes durch multinationale Konzerne, die auf das große Geld aus sind. Dieses Meisterwerk des Grindhouse wird garantiert jeden an seine Grenzen bringen. So wie die Einheimischen auf Psychedelika zurückgreifen, um der aufkeimenden Gefahr zu begegnen, werden die Beobachter von "Bacurau" einen höllischen Trip erleben.

"Troll" von Regisseur Roar Uthaug wirft die brennende Frage auf: Was wäre, wenn Godzilla in Norwegen auftauchen würde? Dieser Film hat seinen Ursprung in der regionalen Folklore, in der behauptet wird, dass Riesen aus Erde und Stein in den Bergen hausen. Diese Trolle reagieren empfindlich auf Sonnenlicht und können das Blut der Christen riechen, was in ihnen einen völkischen Eifer erweckt, der sie wütend und gewalttätig macht. Aber das ist in diesem Film nicht der Fall, wo er doch so viel Kreativität zeigt. "An jedem Märchen ist etwas Wahres dran."

Die 'Trollpeaks' in Romsdalen, das sind Berge. Die junge Nora Tidemann (Ameli Olving Saelevik) und ihr Vater Tobias (Gard B. Eidsvold) sitzen auf einem von ihnen und blicken auf eine wunderschöne, zerklüftete Landschaft. Tobias sagt, dass Geschichten wahr werden, wenn man wirklich daran glaubt, und Märchen über riesige Trolle, die hier draußen herumstampfen. Zwanzig Jahre sind vergangen, und Nora (Ine Marie Wilmann) ist jetzt Paläontologin und gräbt Dinosaurierknochen aus dem Schlamm, und sie hat sich von ihrem durchgeknallten Vater entfremdet. Andernorts sprengt der hässliche Fortschritt der Industrie einen Tunnel in einen Berg, um eine neue Eisenbahnlinie zu bauen, und aus den dunkelsten Tiefen erwacht etwas, das wie eine unheilige Metapher für den vom Menschen verursachten Klimawandel erscheint. Also wird Nora mit dem Hubschrauber zu einem dieser streng geheimen unterirdischen Hightech-Bunker-Hauptquartiere geflogen, wo sie sich mit dem besorgten Premierminister, einem verstockten General, einem korrupten Politiker und ein paar anderen Stereotypen trifft. Sie sehen sich Fotos an, die wie riesige Fußabdrücke aussehen, und ein ziviles Video, auf dem ein seltsamer menschlicher Schleier zu sehen ist, der Dinge zerschlägt, was den schmierigen Politiker zu einer abfälligen King-Kong-Anspielung veranlasst. Das sieht nach einer Aufgabe für ein paar Spinner mit arkanen Kenntnissen und einigen ungewöhnlichen Verbündeten aus, die eine bunt zusammengewürfelte Gruppe von Retterinnen und Rettern bilden, die über den Tellerrand hinausschauen, weil die Staatsoberhäupter die Sache sonst einfach in die Luft jagen würden. "Dann sollten wir wohl besser Greta (Thunberg) anrufen!"

Ein etwas anderer Schauplatz, das gleiche Spektakel. Nur ist es diesmal einen Tick dämlicher als sonst, denn das Biest ist ein "BFG - Big Friendly Giant" aus Steinen und Dreck, den die Riesen aus "The Green Knight" sicher sehr sexy finden würden. Roar Uthaug und sein Co-Drehbuchautor Espen Aukan setzen Klischees ein wie ein Spielautomat mit Jackpot: Das Monster stürmt das beschauliche Heim ahnungsloser Senioren, der verrückte alte Sack ist gar nicht so irre, das Ungetüm wirft Hubschrauber aus der Luft, der rechtzeitige Einsatz eines Computerhackers, entfremdete Vater-Tochter-Sentimentalität, glotzende Bürger, die auf einen unglaublichen Anblick starren, Autoritätspersonen, die an einem langen Tisch sitzen und sich streiten, und so weiter. Jede einzelne Szene in "Troll" ist komplett aus anderen Filmen abgekupfert, und die wenigsten dieser anderen Filme sind gut. "Das ist ein Felsenmensch, der läuft!"

Um es klar zu sagen: Niemand nimmt irgendetwas davon ernst. Es ist der Verdienst von Roar Uthaug, dass er einen lockeren Ton beibehält, ohne im Irrsinn zu biwakieren - ein Bemühen, das nicht unbemerkt bleiben sollte. Es gibt eine besonders witzige Szene, in der ein blutüberströmter Soldat zu seinem christlichen Gott betet und damit sein Schicksal in den Händen des Trolls besiegelt, und ich konnte nicht umhin, mich zu fragen, was passiert wäre, wenn der Kerl Muslim oder Buddhist gewesen wäre. Es ist mysteriös, dass eine Kreatur, die im Film oft als 'Naturgewalt' beschrieben wird, ein solch tödliches Vorurteil hat - eine Ahnung, die "Troll" einen Hauch von Originalität hätte verleihen können, die aber leider unerforscht bleibt. Und so dümpelt der Film uninspiriert vor sich hin, gesäumt von flapsigen Kalauern, einer Vielzahl von Anspielungen auf klassische Science-Fiction-Filme, ausgedienten CG-Effekten und nicht mehr als ein paar brauchbaren Actionsequenzen. Dieser Troll ist ein Vollidiot. Godzilla würde ihm den Arsch aufreißen.

Der niederländische Regisseur Paul Verhoeven, bekannt durch "Basic Instinct" und "Showgirls", inszeniert ein lesbisches Abenteuer hinter den Mauern eines Klosters aus dem siebzehnten Jahrhundert. Der Glaube an die erotischen Perspektiven ist überwältigend. Doch wer vermutet, dass sein Film "Benedetta" so etwas wie 'Showgirls 2' sein könnte, wird schnell feststellen, dass der 83-jährige Filmemacher viel mehr im Sinn hat als bloßen Schockwert, da er stattdessen einen Film schafft, der sowohl gewagt aufschlussreich als auch stürmisch unterhaltsam ist. Es gibt alle typischen Paul-Verhoeven-Merkmale, die wir kennen: reichlich Freikörperkultur, erschütternde Gewalt, expliziten Sex, Folterinstrumente und natürlich Blasphemie. Jede Menge Blasphemie, gekrönt von einem pferdegestählten Jesus. Oberflächlich betrachtet zeigt "Benedetta" den vertrauten visuellen Stil vieler religiöser Filme, mit seinen historischen Steinmauern, kerzenbeleuchteten Innenräumen und gut ausgestatteten Kostümen. Doch was hinter diesen Klostermauern vorgeht, ist das, was Paul Verhoeven wirklich interessiert.

Basierend auf der wahren Geschichte der italienischen Nonne Bernadetta Cardini greifen Paul Verhoeven und sein Co-Drehbuchautor David Birke die junge Benedetta auf, als sie im Alter von 15 Jahren in ein Kloster verkauft werden soll. Sie ist fest davon überzeugt, dass die Jungfrau Maria zu ihr sprechen kann, während sie ihre geliebte Statuette der Gottesmutter fest umklammert hält. Diese phallusförmige Figur wird im 3. Akt in einem völlig anderen Kontext eine wichtige Rolle spielen. Achtzehn Jahre später ist Benedetta Carlini (Virginie Efira) ein angesehenes Mitglied des Nonnenklosters geworden und gedeiht unter der geizigen Äbtissin Felicita (eine fabelhafte Charlotte Rampling). Mit der Ankunft von Bartolomea (Daphné Patakia), einer jungen Frau, die vor der Brutalität ihres schändlichen Vaters flieht, ändern sich die Dinge für Benedetta jedoch schlagartig. Schon bald sprühen die Funken zwischen den beiden. Obwohl Benedetta zunächst zögerlich auf Bartolomeas amouröse Annäherungsversuche reagiert, führt, wie so oft in Paul Verhoevens Filmen, eines zum anderen.

Das Problem ist, dass Benedetta immer wieder Visionen von ihrem lüsternen Jesus hat. Das Ergebnis eines solchen Traums ist, dass sie aufwacht und ihre Hände und Füße bluten - die Stigmata, die oft der erste Schritt eines Büßers auf dem Weg zur Heiligkeit sind. Die Äbtissin Felicita glaubt, dass sie es nur vortäuscht, aber der örtliche Kirchenvorsteher bestärkt Benedetta in ihren Behauptungen, denn ein potenzieller Heiliger im Dorf zieht mit Sicherheit Pilger an, die wiederum einen Haufen Lire in die Taschen der Kirche stopfen werden. Die Korruption und Heuchelei der Kirche ist ein leichtes Ziel. Aber gerade die Art und Weise, wie Paul Verhoeven seine Witze vorträgt, zeichnet "Benedetta" aus, denn er setzt auf Humor, auf echte Lachkomik als Geheimwaffe des Films. Das sind nicht die 'so schlecht, dass es gut ist'-Lacher von "Showgirls", sondern die 'so gut, dass es wunderbar ist'-Lacher, die der Film wirklich verdient hat. Trotz all seiner Obsessionen ist Paul Verhoeven im Grunde seines Herzens ein Entertainer, und die Komik, die er hier einsetzt, enthemmt uns und öffnet uns dafür, der Botschaft, die er vermitteln will, wirklich zuzuhören.

Seit "Der vierte Mann" von 1983 sind Glaube und Religion immer wiederkehrende Themen in Paul Verhoevens Werken. Er hat 2007 sogar ein Buch mit dem Titel 'Jesus of Nazareth' geschrieben, das sich mit den moralischen Grundsätzen Christi befasst und damit, wie andere sie in den letzten 20 Jahrhunderten manipuliert haben. Obwohl er Atheist ist, zeigt Paul Verhoeven eine Faszination für den echten Glauben, die dem Film das nötige emotionale Fundament verleiht, auch wenn die irrwitzigen Momente den Film zu sprengen drohen. Mit "Benedetta" ist Paul Verhoeven wieder in Hochform, denn er verbindet gekonnt seine provokante Erotik mit unerwarteter Humoristik und schafft damit wohl einen seiner unterhaltsamsten Filme.

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In "2071: Mutan-Bestien gegen Roboter" von Regisseur Ib Melchior gelingt es einer Gruppe von Wissenschaftlern (Philip Carey, Merry Anders und Preston Foster), in ihrem Labor ein Portal zu öffnen, durch das sie in das Jahr 2071 reisen können. Während sie dort die Ödnis der Wüste erkunden, stürzt das Portal ein und sie sind in der Zukunft gefangen. Sie werden von Mutanten verfolgt, finden aber Zuflucht bei einer Handvoll überlebender Menschen, die sich in einem unterirdischen Höhlenkomplex verstecken. Die Bewohner zeigen ihnen die Wunder ihrer fortschrittlichen Technologie und planen den Bau einer Rakete, um nach 'Alpha Centauri IV' umzusiedeln. Diese Pläne werden durch Übergriffe von Mutanten gefährdet. Eine Abstimmung im Rat ergibt, dass die Vorräte auf dem Schiff nicht ausreichen, um auch die Zeitreisenden mitzunehmen, und sie zurückgelassen werden müssen.

Ib Melchior schafft einen faszinierenden Anfang, in dem es den Wissenschaftlern gelingt, versehentlich ein Portal zu öffnen. Es ist eine Szene, in der Ib Melchior mit minimalen Effekten eine Menge interessanter Möglichkeiten andeutet. Die Kamera sitzt lediglich im Labor und blickt durch das Portal auf die karge Wüstenlandschaft, die billig, aber wirkungsvoll durch eine Projektion auf eine Wand dargestellt wird, die die Wissenschaftler nie direkt betreten, sondern ihnen alle erdenklichen Rätsel aufgeben, was sich dort befinden könnte. Danach aber fällt "2071: Mutan-Bestien gegen Roboter" in den allgegenwärtigen Trend der Zeitreisefilme dieser Ära - wie etwa "Captive Women", "Planet des Grauens", "Beyond the Time Barrier" oder auch "Die Zeitmaschine" - ein, in denen die Zeitmaschine nicht mehr Fantasie hat, als im Grunde nur als Raketenschiff zu dienen, das die Reisenden in ein exotisches Reich bringt. In all diesen Fällen führt die Zeitmaschine die Menschen in eine Zukunft nach dem Holocaust, wo sie in einen Kampf verwickelt werden, um die Überreste der Menschheit gegen Mutanten zu verteidigen.

In der Zukunft angekommen, gerät Ib Melchior in die Fallstricke vieler Unternehmungen zu fremden Welten oder in die Zukunft, und der Film kommt zu einem dramatischen Stillstand und wird stattdessen zu einem Katalog wunderbarer neuartiger Gadgets: Farbsynthesizer, ein planetarisches Überwachungssystem, Hydroponik mit beschleunigtem Wachstum, Erklärung von Photonenantrieben und ein Vibra-Transporter. Es gibt auch einen ausgiebigen Exkurs zu einer Roboterfabrik, in der wir den Bau von Robotern beobachten. Hier verkommt "2071: Mutan-Bestien gegen Roboter" zu einer asketischen Komödie herab - "Ich dachte, du machst mir schöne Augen", sagt Danny, als das süße Mädchen ihm Androiden-Augäpfel reicht. 'Famous Monsters of Filmland'-Redakteur Forrest J. Ackerman taucht in einem Cameo-Auftritt als Techniker mit einer einzigen Zeile auf: "Ich räume nur ein paar Dinge weg."

Im letzten Viertel jedoch bringt Ib Melchior "2071: Mutan-Bestien gegen Roboter" zu einem bemerkenswerten Abschluss (Spoiler): Die Zeitreisenden kehren durch das Portal zurück, um festzustellen, dass sich die Welt 100-mal langsamer bewegt als sie selbst, und müssen den ganzen Prozess noch einmal von vorne beginnen, um dann ein zweites Mal durch das Portal zu reisen, gefangen in einer Endlosschleife. Das ist eine wundervolle, kreative Note. Das ist Science-Fiction pur, ein kleines Juwel des Genres, wenn es am besten ist, und etwas, das man in einem B-Movie wie diesem unbedingt sehen muss.

In "Dune" von Regisseur Denis Villeneuve werden die Harkonnen-Spice-Sammler in den Dünen von 'Arrakis' reich und beherrschen den Planeten fast ein Jahrhundert lang. Doch durch einen kaiserlichen Erlass verschwinden diese strengen Herren plötzlich und machen Platz für einen neuen Clan, der die Kontrolle über den unbezahlbaren Besitz übernimmt. Auf 'Caladan', der Heimatwelt des Hauses Atreides, bereiten sich Herzog Leto (Oscar Isaac), seine Konkubine Jessica (Rebecca Ferguson) und ihr Sohn Paul (Timothee Chalamet) auf die Abreise nach 'Arrakis' vor, wo der Patriarch bald für die Lieferung von Spice an den Imperator verantwortlich sein wird, dessen verschlagene Weltraumgilden die einzigartige Zutat für interstellare Reisen nutzen. Verträumte Visionen des blauäugigen Mädchens Chani (Zendaya) und Aufklärungsmaterial füllen die Lücken für den Betrachter, indem sie auf den Handel mit Spice und seine Bedeutung als Droge und Treibstoff, die in der Wüste lebenden Rebellen auf 'Arrakis', die Fremen, und die riesigen Sandwürmer hinweisen, die sich unter der Erde vergraben und das Sammeln von Spice so gefährlich machen. "Wer sind unsere nächsten Unterdrücker?"

Von den ersten Momenten an ist die Grandiosität des Films nicht zu leugnen: Musik, Raumschiffe, Kostüme, Waffen, Kulissen und Requisiten erschaffen faszinierende Welten voller Wunder und Angst. Es ist, als ob die Intensität bis zum Anschlag aufgedreht ist, obwohl sie nur selten nachlässt, was verhindert, dass die nächsten Szenen spannender sind als die letzten. Das liegt vor allem an der Filmmusik von Hans Zimmer, die mit ohrenbetäubendem Schlagzeug und brüllenden Stimmen donnert und pulsiert und selbst mittelmäßige Sequenzen und Übergänge, die leiser und subtiler sein sollten, aufwertet. Dass Denis Villeneuve nach "Arrival" und "Blade Runner 2049" dieses Sci-Fi-Epos mit enthusiastischer Inbrunst angehen würde, ist allerdings nicht überraschend. Frank Herberts bahnbrechendes Abenteuer, das oft als unverfilmbar bezeichnet wird, ist nicht zu verachten.

Lange hat das Kino auf eine sorgfältige, ernsthafte und visionäre Verfilmung des größten und meistverkauften Science-Fiction-Romans aller Zeiten gewartet. Denis Villeneuve bleibt dem Original bemerkenswert treu, auch wenn die Dialoge im Interesse der visuellen Qualität und Klarheit erheblich aktualisiert wurden. Doch diese Tatsache hat ihren Preis: Während sich seine morbide Weltraumoper entfaltet, taucht eine Vielzahl von Figuren und Schauplätzen für kurze Zeit auf, bevor sie ein vorzeitiges Ende finden oder aufgegeben werden, um weitere Charaktere und Orte einzuführen - die Entwicklung der Personen tritt hinter der Beteiligung der Darsteller zurück. Anstatt bestimmte Rollen zu verstärken, um den Aufbau zu fördern, und andere zu streichen, deren Entfernung nicht nur das Tempo beschleunigen, sondern auch alternative Persönlichkeiten hervorheben könnte, hat fast jede Figur des Buches einen Auftritt, egal wie unbedeutend oder vergessenswert. Im Gegensatz zu typischen modernen Filmen, in denen Action oder Spannung den Betrachter gleich zu Beginn mitten in die Geschichte stürzen, beginnt "Dune" lobenswerterweise langsam und entwickelt seine riesige Ansammlung miteinander verbundener, rivalisierender Lehen und Krieger mit Hierarchien, Spionen, Politik und den übernatürlichen Kräften eines hexenähnlichen Kults galaxisweiter Aberglaubenpflanzer und der verschiedenen an der Spice-Ernte beteiligten Fraktionen. So vergehen Stunden, bevor wichtige Ereignisse eintreten, und die Aufmerksamkeit, die gewöhnlich den kleinen Details gewidmet wird, lässt dieses Arrangement eher für eine Miniserie geeignet erscheinen, da die gesamte Geschichte nicht auf einen einzigen Teil reduziert werden könnte und die Actionsequenzen selbst nicht die Hauptattraktion sind.

Der normale Betrachter mag der ständigen Fremdartigkeit von Pauls Vision überdrüssig werden und sich eher auf das optische Design als auf die Handlung konzentrieren, aber das Aussehen von 'Arrakis' und seinen Bewohnern und Eindringlingen ist in mancher Hinsicht absolut berauschend und erinnert an "300" mit seinem permanent variierenden Konglomerat von Bewohnern, von denen jeder über einzigartige Kleidung, Waffen und Bräuche verfügt. Faszinierend sind auch die Prophezeiungen, Sprachen, Religionen, Rituale, Ökologie und Fantasyelemente, die die galaktischen Konflikte in "Krieg der Sterne" in ein viel dunkleres Licht rücken und den Roman so eindrücklich machen. "Dune" war gewiss einer der ersten Filme, der biblische Geschichten mit islamischen Bezügen und Anspielungen auf "Lawrence von Arabien" in so großem Umfang mit Science-Fiction-Milieus verband. Bestimmte Technologien und Symbolik sind vielleicht nicht so leicht zu erkennen, aber die Seriosität, mit der die Schauspieler an die Materie herangehen, sowie die Strenge des Tonfalls und der Atmosphäre machen die jargonlastigen Szenen wett. Dies ist eine der Produktionen, die leichter zu verstehen sind, wenn der Betrachter bereits mit der Prämisse vertraut ist, wenngleich eine ihrer besten Leistungen darin besteht, dass sie sich so gravierend von der Kinofassung von 1984 unterscheidet, dass sie kaum einen Vergleich rechtfertigt.

So atemberaubend "Dune" auch sein mag, er kann leider nicht darüber hinwegtäuschen, dass er nur der erste von zwei Teilen ist. Einige Handlungspunkte wurden geändert, um einen saubereren Abschluss zu erreichen, aber die Geschichte ist nach zweieinhalb Stunden Investition eindeutig und frustrierend nicht zu Ende. Wichtige Akteure wie Feyd-Rautha und Imperator Shaddam tauchen nicht einmal auf. Es ist schwierig, ein Stück einer Geschichte als etwas anderes als das Fragment, das es ist, zu würdigen und zu beurteilen, auch wenn Denis Villeneuves Scharfsinn für visuellen Einfallsreichtum außerordentlich überzeugend ist. "Das braucht Zeit."

"'Dune' wird die Ankunft eines Gottes einläuten", sagt Drehbuchautor und Regisseur Alejandro Jodorowsky, der sich 1974 daran machte, ein ungeheuer ehrgeiziges, atemberaubendes Epos zu drehen, das die Wahrnehmung des Kinos für immer verändern sollte. Doch es sollte nicht sein. Die monumentale Arbeit, die über einen Zeitraum von zweieinhalb Jahren in die Konzeption eingeflossen ist, wird größtenteils in einem Buch dokumentiert, von dem es weltweit nur noch zwei Exemplare gibt, die für den Verkauf des Projekts bestimmt sind und im Haus von Alejandro Jodorowsky aufbewahrt werden. Der Film hätte "Krieg der Sterne" heißen können, bevor dieses einzigartige Meisterwerk der Weltraumoper Generationen von Menschen beeinflusste, oder größer und weitreichender als "2001: Odyssee im Weltraum". Der Dokumentarfilm "Jodorowsky's Dune" von Regisseur Frank Pavich erzählt die Geschichte des wahrscheinlich größten Science-Fiction-Films, der nie gedreht wurde.

Alejandro Jodorowsky hatte die Menschheit seit dem krawalligen "Fando und Lis" von 1967 in den Wahnsinn getrieben. Auch sein revolutionärer "El Topo" und der darauf folgende millionenschwere "Montana Sacra - Der heilige Berg" von 1973 wurden mit Ehrfurcht aufgenommen. Seine vielleicht beste Eigenschaft war die vollständige künstlerische Kontrolle über seine Arbeiten. 1974 mietete er mit dem Produzenten Michel Seydoux ein Schloss in Frankreich, um die Verfilmung von 'Dune' zu schreiben. Das Werk des Autors Frank Herbert war ein weltweiter Verlagserfolg und die heilige Bibel der Science-Fiction-Anhänger, obwohl die Rechte praktisch umsonst erworben wurden, als ob Hollywood sicher war, dass es nicht zu einem marktfähigen Film verarbeitet werden könnte.

Alejandro Jodorowsky wollte einen Film drehen, der dem Betrachter eine Vorstellung von der Wirkung von LSD vermittelt - eine visuelle Erfahrung, die der halluzinatorischen Wirkung der kristallinen Substanz so nahe wie möglich kommt, ohne dass er die Droge tatsächlich einnimmt. Um dieses hochgesteckte Ziel zu erreichen, suchte er sich kreative Mitarbeiter, von Douglas Trumbull, einem Ingenieur für visuelle Effekte, der aufgrund unterschiedlicher geistiger Wellenlängen fallen gelassen wurde, über den berühmten Künstler Jean Giraud, der mehr als 3.000 Storyboard-Panels entwarf, bis hin zu Dan O'Bannon, dem Produktionsdesigner und Cutter von John Carpenters "Dark Star - Finsterer Stern". Er wandte sich an den Schauspieler David Carradine, die Band Pink Floyd, seinen eigenen Sohn Brontis für die Hauptrolle des Paul, den Raumschiffkünstler Chris Foss, den exzentrischen Salvador Dali und seine Muse Amanda Lear, den ikonischen Schweizer Surrealisten H.R. Giger, Andy Warhols großen Schauspieler Udo Kier, den unnachahmlichen Mick Jagger und den eindrucksvollen Orson Welles, um nur einige zu nennen.

Es bedurfte schon eines gewissen Größenwahns bei allen Beteiligten, um ein solches Unterfangen zu wagen. Der Film sollte mit einer langen "Im Zeichen des Bösen"-Eröffnungsszene beginnen, die als Kamerafahrt durch die Galaxie gedacht war, bevor er sich auf die Spice-Piraten konzentrierte, und enthielt Konfrontationen mit Sandwürmern, Baron Harkonnens kopfähnliche Festung mit riesigen messerähnlichen Barrieren, Pauls messiasähnlichen Untergang und ein fesselndes Finale, das gegenüber dem Original drastisch verändert wurde. Die visionären Konzepte sind überwältigend, aber die Wahrscheinlichkeit, das Budget von 15 Millionen Dollar zu überschreiten, und die Angst der Studios vor Alejandro Jodorowskys spektakulär unkonventionellem Filmschaffen bedeuteten, dass das gesamte Produkt seiner Zeit einfach zu weit voraus war, um es zu riskieren.

Der Dokumentarfilm selbst erzählt ein wenig von Alejandro Jodorowskys Karriere, die zu 'Dune' führte, mit Ausschnitten aus seinen markant bizarren Filmen, Interviews mit faszinierten Filmemachern und Kritikern, zahlreichen Künstlern, die an der zum Scheitern verurteilten Produktion beteiligt waren, und Alejandro Jodorowsky selbst, der viele Details über seine Bemühungen preisgibt. Wichtige Handlungspunkte werden erklärt und mit Bildern und Animationen untermalt, aber die vielen verschiedenen Wege, die in dieser Version von Frank Herberts Werk eingeschlagen werden, erfordern immer eine ausführlichere Exemplifikatio. Anhand farbenfroher Abbildungen wird immer wieder deutlich, dass die optische Übertragung im Jahr 1975 nicht möglich gewesen wäre. Außerdem gibt es einen erhellenden Kommentar zur Rezeption von David Lynchs lang erwarteter Version von 1984. Doch trotz vieler beeindruckender Bilder ist "Jodorowsky's Dune" in technischer Hinsicht maximal standardisiert. Es wird unglaublich viel Zeit damit verbracht, Alejandro Jodorowsky dabei zuzuhören, wie er langsam den Prozess der Rekrutierung erzählt, es werden Sekunden damit verschwendet, dass eine Katze hochgehoben und gehalten wird, und das Fehlen prominenter aktueller Branchentalente für Interviews ist enttäuschend.

In "Dune - Der Wüstenplanet" von Regisseur David Lynch wird die Galaxie vom Padischah-Kaiser Shaddam IV (Jose Ferrer) regiert, dem Vater von Prinzessin Irulan (Virginia Madsen), die die Geschichte erzählt. Das Regieren erfolgt durch die Kontrolle der wertvollsten Substanz im Universum: ein Gewürz, das das Leben verlängert und für die Raumfahrt unerlässlich ist. Doch sie existieren nur auf einem Planeten, einem trostlosen, trockenen Ort voller Wüsten namens 'Arrakis', auch bekannt als 'Dune'. Auf dieser kargen Welt lebt ein gebeuteltes, unterdrücktes Volk, das sich an eine Prophezeiung über einen Messias klammert, der es eines Tages in die Freiheit führen wird. "Das Spice muss fließen."

Auf dem Heimatplaneten des Imperators trifft ein Sondergesandter ein, um vor der potenziellen Gefahr zu warnen, die von dem jungen Paul Atreides (Kyle MacLachlan) ausgeht, dessen Vater, Herzog Leto (Jürgen Prochnow), eine Geheimarmee aufbaut, die eine Bedrohung für den allmächtigen Herrscher darstellen könnte. Um sein Projekt abzulenken, befiehlt Shaddam dem Atreides-Clan, Spice auf 'Arrakis' abzubauen, was sie lange genug aus dem Weg räumt, damit ihr langjähriger Rivale Baron Vladimir Harkonnen (Kenneth McMillan, in seiner vielleicht denkwürdigsten Rolle als eiternder Sadist, dessen körperliches Leiden nie näher erläutert wird - ist er so etwas wie eine Gräfin Bathory in Verbindung mit einer angstmachenden Übertreibung der damaligen AIDS-Epidemie? ), um einen heimlichen Anschlag vorzubereiten. Betrug, Verrat und Sabotage lauern an jeder Ecke, und wenn es darum geht, politische Macht zu erlangen oder zu behalten, kann man praktisch niemandem trauen.

Obwohl die Eröffnungsszenen von faszinierenden, wenn auch typischen Sci-Fi-Umgebungen, Strukturen, Maschinen, Waffen, Raumschiffen, Kostümen, Make-up und Frisuren sowie Monstrositäten überschwemmt werden, zeigt eine Trainingssequenz frühe Computergrafiken, die im Vergleich zu den praktischen Effekten und Konstruktionen verblassen. Während die Bilder abwechselnd beeindruckend und die Schauplätze interessant sein mögen, ist es die Geschichte, die hier das meiste Gewicht hat und auch Nachteile in ihrer Gliederung aufweist. Basierend auf Frank Herberts bahnbrechendem Roman reiht diese vergleichsweise kurze Verfilmung in schwindelerregender Rasanz so viele Charaktere, Orte, Hintergrundgeschichten, Nebenhandlungen, Bräuche, Geräte, Technologien und andere Konzepte aneinander, darunter so unwichtige Dinge wie Krankheiten und Tiere, dass man leicht den Überblick verlieren kann. Der Fachjargon und die Substantive sind die ersten, die völlig unverständlich sind. "Kannst du uns erklären, wie sie funktionieren?"

Der Rausch der Einzelbilder ist bestechend, auch wenn er unscharf und diffus ausfällt. Aber die Expositionen werden schnell lästig, während die inneren Monologe und die telepathischen Kommunikationen, die von fast jeder Person, einschließlich der Nebendarsteller, zur Erzählung verwendet werden, leicht abträglich und manchmal völlig unwichtig sind. Fast jedes Mal, wenn jemand mit sich selbst spricht, ist es eine auffällige, bizarre Art, diese Geschichte zu erzählen. Das ist eindeutig beabsichtigt, aber es ist eine schlechte Alternative, die das Ärgernis nur noch vergrößert. An einer Stelle wird eine Zeile in ihrer Gesamtheit wiederholt. Dennoch ist "Dune - Der Wüstenplanet" nicht langweilig, sondern das Grundkonzept der Kriegsparteien, die um die Vorherrschaft über Ressourcen und Zivilisten kämpfen, hat etwas Maritimes an sich.

In vielerlei Hinsicht ist diese Science-Fiction-Variante eine Art Anti-"Krieg der Sterne" und konzentriert sich mehr auf Drama und politische Machenschaften wie Attentatsversuche und den Einsatz von Spionen als auf Weltraumschlachten und Abenteuer. Es gibt ein paar Action- und Zerstörungssequenzen, aber sie sind verstreut und irrelevant. Außerdem entwickelt sich daraus eine große Suche, die sich über Jahre hinzieht, gepaart mit einer Liebesgeschichte mit der aus 'Dune' stammenden Chani (Sean Young), die so überhastet ist, dass sie wenig Wert hat. Merkwürdigerweise ist es nicht das Tempo, das nicht stimmt, sondern die Präsentation der Informationen. David Lynch ist einfach nicht in der Lage, mit dem umfangreichen Quellenmaterial umzugehen, er weiß nicht, welche Teile er einfügen oder herausschneiden soll. Alle 10 Minuten fühlt es sich an, als ob die Erzählung 30 Minuten vorwärts gesprungen wäre, mit Aussparungen, die nur dazu dienen, Verwirrung zu stiften. Sehnsüchte und Beziehungen scheinen sich aus dem Off zu entwickeln, und schließlich entstehen Motive spontan und unerwartet, Dinge geschehen ohne spezifische Erklärung - ein seltsamer Vorgang, wenn man bedenkt, dass einzelne Gedanken zuvor mit großer Repetition gesendet wurden. Zumindest das Finale ist packend, und auf einem riesigen Sandwurm zu dröhnender Rockmusik zu reiten, ist schon ein bisschen pathetisch.

Ein COVID-entleertes Hollywood-Wahrzeichen, ein durchgedrehtes frisch verheiratetes Paar und einige seltsame Fälle von verschwundenen Hotelgästen sind der Stoff, aus dem der Albtraum "Shelter - You Will Die to Stay Here" der Regisseure Chris Beyrooty und Connor Martin ist, eine langsame, blutige psychologische Horrorgeschichte. Sarah und John, gespielt von Tatjana Marjanovic und Brendan Hines, sind die einzigen Gäste im historischen 'Roosevelt Hotel' und sitzen dort fest, während erst die Fluggesellschaften, dann der Staat und schließlich das ganze Land in den Ausnahmezustand versetzt werden.

John kann von der ursprünglichen Heimat der Academy Awards sichtlich schwärmen und sich mit Schwimmen und Drinks am Pool, Bowling und Cocktails auf der Bahn, Getränken in der Bar und einer Pulle auf dem Zimmer beschäftigen. Als Vloggerin und Online-Social Influencerin spricht Sarah immer über den Aspekt der Dankbarkeit und kann lukrative Angebote für Videoaufnahmen über ihre Füße und andere geplante Projekte einholen. Doch diese Unterbringung an Ort und Stelle bereitet ihnen Unbehagen. "Das Leben drinnen ist für Einsiedler!"

Es ist nicht so, dass sie ein schlechtes Gewissen haben, weil sie zwei Angestellte, die gezwungen sind, dort zu bleiben, in eine Falle gelockt haben und bei ihnen im Dienst sind. Der Manager, Concierge und Barkeeper Ty (Kevin Daniels) zeigt sich in der Öffentlichkeit freundlich, und das Hausmädchen und die Notköchin Adela (Ola Kaminska) ist ein Musterbeispiel an koketter Effizienz, wenn auch als Köchin nicht gerade eine Sensation. Aber Sarah hat im Moment keine Stresspillen mehr, und John hat sich schon viel zu sehr an ein Leben voller Untätigkeit und Alkohol gewöhnt, um sich Sorgen zu machen. Und sie haben die erste Szene von "Shelter - You Will Die to Stay Here" nicht gesehen, in der ein unheimlicher Unternehmer am Pool in einen Raum mit blendendem Licht gelockt wird, aus dem er nur zerfleddert und blutig wieder herauskrabbelt und entweder dem Tod oder Handschellen ins Auge sieht. "Die kleine Prinzessin, die sich in die Hose macht, ist die Königin des kuratierten Narzissmus."

Die ehemaligen 'Saturday Night Live'-Mitglieder und jetzigen Drehbuchautoren und Regisseure Chris Beyrooty und Connor Martin schlingern durch ihren ersten Spielfilm, wechseln den Blickwinkel, geben dem Betrachter mehr Informationen als den Protagonisten, lassen uns aber nie wirklich um ihre Sicherheit fürchten. Weil John ein Alkoholiker ist, und wenn er eine Flasche Jack Daniels Wahrheitsserum getrunken hat, trifft seine Darstellung der attraktiven Protzerin Sarah exakt ins Schwarze. Er ist taktlos, unverschämt und hat keine Kenntnis von ihrer Umwelt. Die neugierige Sarah erkennt eine potenzielle Bedrohung, als sie das Gästebuch des Hotels liest und sieht, dass alle Namen außer ihrem und Johns durchgestrichen sind, und beginnt, die polnische Adela auszuspionieren. "Ich hab's verstanden. Ich bin das gruselige Zimmermädchen."

Die leeren Gänge, die fast leere Barszene und die große, widerhallende Lobby verströmen den leisesten Hauch von "Shining", eine Darbietung, die leider nur einen Wimpernschlag lang anhält. Das Tempo baut keine Angst auf, die Charaktere vermitteln keine Empathie. In einem Film, in dem Ty uns an das Gefühl der Langweiligkeit in der Mitte des Films mahnt, wenn die Zeit keine Rolle mehr zu spielen scheint, macht "Shelter - You Will Die to Stay Here" die Dauer, die es braucht, um auf den Punkt zu kommen, um den Puls, wenn nicht gar das Niveau zu erhöhen, sehr deutlich. Wir wissen, dass etwas Furchtbares bevorsteht. Connor Martin und Chris Beyrooty könnten letztendlich zu ihrem Blutergebnis übergehen. Aber sie schaffen es nicht, das Interesse des Betrachters zu halten und ihn zu überzeugen: "Was da draußen ist, ist beängstigender als das, was hier drinnen ist."

In "Arthur Malediction" von Regisseur Barthélémy Grossmann war Alex als Achtjähriger ein begeisterter Fan von "Arthur und die Minimoys" und traf sich jedes Jahr an seinem Geburtstag mit seinen Freunden, um den Film zu sehen und an den Abenteuern der Fantasiewesen teilzuhaben. Der 18-jährige Alex (Mathieu Berger), der immer noch ein treuer Anhänger ist, bereitet sich darauf vor, einen weiteren Geburtstag mit seinen Kumpels zu verbringen, während Samantha (Thalia Besson) eher an erwachsenen Aktivitäten mit ihrem langjährigen Schwarm interessiert ist. Als Alex erfährt, dass zwei Freunde das Haus gefunden haben, in dem "Arthur und die Minimoys" gedreht wurde, beschließt er, mit Samantha und seinen engsten Freunden zu diesem magischen Ort zu pilgern und dort zu campen. Als sie das Haus mitten im Nirgendwo finden, macht sich Alex auf den Weg, um die Behausung zu erkunden, und entdeckt dabei seltsame Löcher und andere Anzeichen kreatürlichen Lebens. Doch auf dem Anwesen ist nicht alles in Ordnung, und schon bald werden Alex und die anderen von einem mysteriösen Agressor gejagt. "Hier passieren Jagdunfälle."

Der Sinn von "Arthur Malediction" ist nicht gänzlich klar. Alex' Liebe zum ersten Film ist die Motivation für die Geschichte, in der der junge Mann immer noch von der Welt von "Arthur und die Minimoys" fasziniert ist, einem Film von Luc Besson, von dem er als Kind besessen war. Alex hat eine Reihe von Freunden, die ihn bei seiner Sucht unterstützen und ihm helfen, seine 'Arthur'-Partys zu feiern, die immer mit einer Vorführung des Films enden. "Arthur Malediction" etabliert diese Loyalität und springt zehn Jahre vorwärts, wo Alex immer noch auf Luc Bessons Film fokussiert ist, aber ein Alter erreicht, in dem diese Konzentration natürlich nachlässt und Samantha ihn in Richtung einer sexuellen Zukunft drängt. Das Drehbuch von Luc Besson ist kein Coming-of-Age-Skript, sondern nutzt einfach Alex' jungfräuliche Vorfreude, um ihn auf die Suche nach der Heimat von 'Arthur' zu schicken, und hält die Charaktere in einem Film, der zu viele Figuren hat, relativ einfach. "Ich bin kein Kind mehr."

"Arthur Malediction" wird für eine Weile zu einem Road-Trip-Movie, das die Jugendlichen auf ihrer Suche nach dem geheimen Ort begleitet und die Aufregung darüber genießt. Sie treffen eigenartige Dorfbewohner, darunter einen alten Mann mit wütenden Hunden, der die Gruppe warnt, sich von der Gegend fernzuhalten. Natürlich hören sie nicht auf ihn, und "Arthur Malediction" erreicht schließlich das Wohnhaus, das schon seit einiger Zeit verwaist ist. Die Pilgergruppe erkundet die Räume und entdeckt dekorative Elemente aus "Arthur und die Minimoys". Sie finden auch kleine Löcher auf dem Grundstück, die darauf hinweisen, dass es sich bei dem Projekt von 2006 um eine Art Dokumentarfilm gehandelt haben könnte. Ein Campingplatz ist schnell gefunden, und Alex und seine Freunde bleiben dort, um das Beste aus ihrer Reise zu machen. Luc Besson bemüht sich um den Reifungsprozess, aber er legt sich noch nicht fest und macht den Film schließlich zu einem Horrorspektakel. "Heute ist Vollmond!"

Es dauert fast eine Stunde, bis "Arthur Malediction" in Gang kommt, und trotzdem hat der Film nicht viel Substanz. Diejenigen, die eine Rückkehr der CGI-Kreaturen und eine Art Chaos erwarten, wenn die Filmwelt mit der realen Welt kollidiert, werden enttäuscht sein, denn die Produktion hat nicht das nötige Budget. Das Beste, was Barthélémy Grossmann zu bieten hat, sind ein paar abgetrennte Gliedmaßen, ein Zwischenfall mit einer Bärenfalle und ein Bienenangriff, der den letzten 15 Minuten des Films zwar etwas Genre-Aktivität, aber nichts wirklich Enthusiastisches verleiht. Auch hier ist es nicht nachvollziehbar, warum es "Arthur Malediction" gibt, vor allem, wenn er in Bezug auf Gewalt und erzählerischen Wahnsinn nicht bis zum Äußersten geht. Luc Besson ist im Besitz einer Art von Witz, den er nicht mit den Betrachtern teilen will, die sich durch das übliche Slasher-Material quälen müssen, bevor sie zu einem Schluss gelangen, der nicht ihren Vorstellungen entspricht. "Ich will hier weg!"

"Separation" von Regisseur William Brent Bell folgt im Wesentlichen Jeff und Jenny Vahn (Rupert Friend und Violet McGraw), einem Vater und einer Tochter, die mit Trauer und übernatürlichen Kräften zu kämpfen haben, nachdem Mutter und Ehefrau Maggie (Mamie Gummer) bei einem Unfall mit Fahrerflucht ums Leben gekommen ist. Es gibt häusliche Querelen, einen übermächtigen Schwiegervater (Brian Cox) und jede Menge Puppen. Es ist eine ganze Menge von etwas, das auf eine lange Nichtigkeit hinausläuft, und nach den meisten kritischen Maßstäben könnte man dies als einen völligen Reinfall betrachten. Es gibt keine wirklichen Schreckmomente, die schauspielerischen Leistungen sind zerfahren. Mamie Gummer erinnert an die Oscar-prämierte Rolle ihrer Mutter in "Kramer gegen Kramer", während Rupert Friend Jeff wie einen coolen Vater aus "Juno" spielt, und die Handlung ist unvorstellbar inexistent. Ein städtisches Gebäude, das mit dem Zierrat eines Spukhauses geschmückt ist, ohne dass es eine Dynamik oder Bedrohung gibt, die ihm eine Logik oder einen Rhythmus verleiht.

Mit der richtigen Attitüde wird "Separation" jedoch zu etwas mehr. Andere Medien haben ihn zu Recht nicht nur als den schlechtesten Horrorfilm des Jahres bezeichnet, sondern als einen der schlechtesten überhaupt. Der Film ist frauenfeindlich, divergierend und angesichts der beteiligten Talente eine unverzeihliche Anomalie. Doch jeder minderwertige Film zieht unweigerlich eine bestimmte Art von Betrachtern an. Die Leute zu Hause, die mit angehaltenem Atem darauf warten, zu sehen, wie beschissen der Film wirklich ist. So ist "Separation" bei weitem nicht der mieseste Horrorfilm seit über einem Jahrzehnt. Wenn überhaupt, dann ist es ein unbeholfener Zusammenfall von unvorhersehbaren Marotten und cineastischem Witz.

Vielleicht ist seine Peinlichkeit seine Existenzberechtigung. Als Jeff einen neuen Job von einem alten Freund, Connor (Eric T. Miller), annimmt, wird er gefragt, wann er anfangen kann, worauf Jeff neugierig antwortet: "Danke." Der Schnitt und die Komposition lassen vermuten, dass ein ganzer Abschnitt dieses Gesprächs fehlt, aber anstatt den Dialog komplett zu streichen, wird er auf unerklärliche Weise zusammengeflickt. Ein Wortwechsel, der einem Gespräch zwischen zwei Menschen ähnelt, ohne dass es tatsächlich stattfindet. Später trifft sich Jeff mit seinem Chef Alan (Simon Quaterman), als der Film mitten in der Szene zu einer Innenaufnahme von Jeffs Haus wechselt. Hier wird kein einziger Dialog übertragen. Die Szene ist plötzlich zu Ende, und "Separation" geht unaufhaltsam weiter - dem Filmschnitt zum Fraß vorgeworfen.

Die großartig gestalteten und agierenden Monster sind nicht greifbar. Diese Biester, die die Körperlichkeit von Jeffs Cartoon-Puppen pantomimisch darstellen, sind das wirkungsvollste Element von "Separation". Obwohl es den Anschein hat, dass Jeffs Haus mit unsichtbaren, sozial distanzierenden Markierungen übersät ist, kommt nur ein einziges Mal ein Marionetten-Ghoul näher als einen Meter an ein potenzielles Opfer heran. Die Montage des letzten Aktes ist nichts anderes als eine Addition früherer Aufnahmen mit sentimentaler Musik im Hintergrund. Ein menschlicher Antagonist sagt verwirrt "Oh", wenn ihm belastende Beweise für seine Mitschuld an einem Verbrechen vorgelegt werden. Maggie wird immer wieder als Jeffs Ex-Frau bezeichnet, sogar von Jeff selbst, obwohl ihre Scheidung nie rechtskräftig war.

Diese Schwierigkeiten sind natürlich nicht bezeichnend für "Separation" in seiner Gesamtheit. Es gibt wirklich beeindruckende Bilder. Und der zentrale Ghoul, eine Art Baba Yaga, ist eines der besseren Filmmonster des Jahres 2021. Mamie Gummer und Violet McGraw sind ebenfalls ausgezeichnet und machen die Larmoyanz ihrer männlichen Kollegen zunichte. Ein weiterer Pluspunkt von "Separation" ist, dass der Film, so holprig er auch zwischen Hysterie und originellem Horror pendelt, nie wirklich langweilig ist.

"Clean - Rache ist ein schmutziges Geschäft" von Regisseur Paul Solet spielt im winterlichen Upstate New York. Dieses düstere Drama wirkt sehr vertraut, obwohl es wirklich gut gemacht ist. Unter der straffen Regie von Paul Solet und dem gefühlvollen Drehbuch von ihm und Adrien Brody gibt es auf dem Bildschirm nichts, was uns erstaunen könnte. Die Handlung folgt einfach demselben Muster wie alle anderen Rache- und Erlösungsfilme, was für Gelegenheitszuschauer vielleicht in Ordnung ist. Doch wer etwas Pointiertes oder Signifikantes erwartet, wird enttäuscht werden. "Du findest einen Weg, Frieden mit ihnen zu schließen, oder sie finden einen Weg, Krieg mit dir zu führen."

Auf der Suche nach Wiedergutmachung arbeitet 'Clean' (Adrien Brody) als Müllmann, besucht Reha-Treffen und lebt mit einem großen Hund auf einem Schrottplatz. Doch es fällt ihm nicht leicht, seine lasterhafte Vergangenheit hinter sich zu lassen, auch wenn er durch seine hilfreichen Aktivitäten zu einem beliebten Mitglied seiner Gemeinschaft wird. Derweil macht sich der skrupellose Gangsterboss Michael (Glenn Fleshler) Sorgen, dass sein exzentrischer Sohn Mikey (Richie Merritt) das Familiengeschäft nicht ernst nimmt. Und als 'Clean' die Teenagerin Dianda (Chandler DuPont) aus einem Drogenhaus rettet, gerät er in Michaels Fadenkreuz und ist gezwungen, zu seiner früheren brutalen Vorgehensweise zurückzukehren.

Neben der rauen Erzählung komponierte Adrien Brody auch die stimmungsvolle Musik. Dies ist ein schönes Echo auf den Kampf von 'Clean' mit seinen Schuldgefühlen wegen dem Tod seiner kleinen Tochter. Die Art und Weise, wie er versucht, Dianda ein Vater zu sein und sich mit ihrer Mutter (Michelle Wilson) anzufreunden, ist warmherzig, auch wenn sie dunkle Vorzeichen andeutet. Doch die Rückblenden sind ungeheuer manipulativ. Die Szenen, in denen Michael brutale Schlägereien begeht, wirken ebenso wie die Anwesenheit eines korrupten Polizisten sehr klischeehaft.

Adrien Brody gibt in "Clean - Rache ist ein schmutziges Geschäft" einen grandiosen Helden, einen Mann, der sowohl von Trauer als auch von den schrecklichen Taten, die er begangen hat, verfolgt wird. Hinter diesem sanften Erscheinungsbild verbirgt sich jedoch ein unsägliches Talent zum Aderlass. Abgesehen von dem stets großartigen Glenn Fleshler in der Rolle des prahlerischen Michael bleiben die anderen Charaktere relativ stumm, da die Dialoge ziemlich reduziert sind. Aber auch wenn das Drehbuch ihnen keinen Gefallen tut und sie nur als einfache Leute erscheinen lässt, bringen die Schauspieler ihre Rollen durch ihre Physiognomie gekonnt zum Ausdruck, und jeder von ihnen schafft es, einen eingängigen Charakter zu formen.

Während "Clean - Rache ist ein schmutziges Geschäft" visuell gelungen ist, mit einigen effektvollen Sequenzen und einer außergewöhnlich starken Darstellerriege, ist die Prämisse so kraftlos entwickelt wie bei jedem Entführungs-Thriller und verlässt sich mehr auf die vorherige Kinoerfahrung des Betrachters als auf eine narrative Logik oder Tiefe. Das Einzige, was hier ungewöhnlich ist, ist die Tatsache, dass die meisten Morde auf dem Bildschirm durch den Einsatz von Haushaltsgeräten und nicht durch Schusswaffen verursacht werden. Zumindest bis zum erwarteten Finalkampf, und auf dem Weg zu diesem ist die exzessive Brutalität zwar spektakulär, aber kaum innovativ.

In "RRR" von Regisseur S.S. Rajamouli, der im Wald von Adilabad im vorindustriellen Indien der 1920er Jahre spielt, kaufen der gefürchtete Jäger Scott Buxton (Ray Stevenson) und seine Frau Catherine (Alison Doody) ein junges Mädchen (Twinkle Sharma) von einem Stammesangehörigen, was zu Irritationen führt, da die Eltern fälschlicherweise glauben, sie würden für eine geringfügige Dienstleistung bezahlt. Als die Mutter ihr Kind zurückfordert, lässt Scott Buxton die Frau erschlagen, denn eine englische Kugel wäre zu wertvoll, um sie für diese Zwecke zu verschwenden. Kurze Zeit später stürmt am Stadtrand von Delhi eine riesige Menge von Demonstranten einen britischen Polizeiposten, woraufhin sich ein einziger Soldat, Alluri Seetharama Raju (Ram Charan Teja), der den Spitznamen 'Das Feuer' trägt, durch die Meute kämpft und sie auseinandertreibt, sehr zum Entsetzen aller, die Zeuge dieser Tortur werden. Aber das ist nicht einmal genug, um ihm eine Ehrung zu verschaffen.

Als Scott Buxton sich weigert, das Mädchen zurückzugeben, wenden sich die Dorfbewohner an Komaram Bheem (N.T. Rama Rao Jr.), bekannt als 'Das Wasser', einen Mann, der vor nichts zurückschreckt, um sie zurückzuholen. Außerdem ist es sicherlich hilfreich, dass er in seiner Freizeit mit bloßen Händen gegen Tiger und Wölfe kämpft. Doch das britische Regime hat in Raju seine eigene Waffe, um Bheem auszuschalten oder ihn lebendig zu fangen, was ihm schließlich die begehrte Beförderung einbringen würde. "Sie werden uns alle töten!"

Die Ausgangssituation erinnert auf gewisse Weise an "Departed - Unter Feinden" oder "Infernal Affairs - Die achte Hölle": Raju geht undercover, um seinen Erzfeind aufzuspüren, aber 'Feuer' und 'Wasser' tun sich schließlich zusammen, um das gemeinsame Übel der kolonialen Unterwerfung zu bekämpfen. Stilistisch orientiert sich der Auftakt mit dem Missbrauch von Zeitlupen, den der Schwerkraft trotzenden Sprüngen über verschiedene Strukturen und der überflüssigen und dramatischen Gewalt an "300", während die computeranimierten Tierduelle und die übertriebenen Rettungssequenzen auf eine unverfrorene Übernahme der Entwürfe von Michael Bay hindeuten. Doch trotz des wilden, märchenhaften Looks ändert sich der Ton schlagartig und geht über in eine Culture-Clash-Umkehrung von "Cinderella" mit seiner Liebesgeschichte um die britische Gesellschaftsdame Jenny (Olivia Morris), komplett mit einem vorweggenommenen, aber nicht minder lauten und aggressiven Tanzwettbewerb, bei dem die beiden Hauptdarsteller wie in einem hochwertigen Musikvideo über die Tanzfläche und unzählige andere Kulissen flanieren. Bheem und Raju entwickeln daraufhin eine heroische Männerfreundschaft mit vielen absurden Montagen. "Gütiger Gott!"

Der Rassismus und die Verfolgungspolitik sind beträchtlich, mit den erobernden Briten als offensichtlicher Quelle der Bösartigkeit, während die Handlung mit Rückblenden und Rückblenden innerhalb von Rückblenden, Kommunikation mit dem Stamm und Hintergrundgeschichten, einschließlich ausführlicher Berichte darüber, wie die Charaktere entstanden sind, kreuz und quer verlaufende Beziehungen, die alle unglaublich zufällig sind, und Nebenhandlungen in Hülle und Fülle, wie ein tödlicher Schlangenbiss, der so gut wie nichts bewirkt, herumspringt. Es ist klar, dass "RRR" alle nur erdenklichen Genres vereinen soll, um eine dreistündige Extravaganz an flamboyantem Heldentum zu komponieren, die so maßlos over-the-top ist, dass sie regelrecht zum Totlachen ist. Viele der Actionsequenzen sind posenlastiger, physikfeindlicher und unsterblichkeitslastiger als in den jüngsten Hollywood-Superheldenfilmen, aber sie funktionieren hier besser, weil man sich des Grades der Sinnlosigkeit bewusst ist, etwa wenn Bheem einen Leoparden auf einen feindlichen Soldaten wirft. Es ist, als ob "RRR" nie versucht, etwas buchstäblich zu betrachten. "Du bist ganz schön bösartig, meine Liebe."

Leider gibt es trotz der Freude am hyperbolischen Stil nicht wirklich viel Originalität. Die Geschichte ist recht geradlinig, auch wenn sie unter einer Unmenge von Details und Ableitungen von allerlei bekannten Stoffen begraben ist, darunter vielleicht "Die Passion Christi", "The Raid 2", "Der Patriot" und "Inglourious Basterds". Auch die Mischung aus Abenteuer und Drama sowie Romantik, garniert mit Gesang und Tanz, ist in der Welt von Bollywood nicht sonderlich einzigartig, ebenso wenig wie die Erkenntnisse über Rajus Loyalitäten, die lange vor den zahlreichen Indizien zu seinen Motiven offensichtlich sind. "RRR" hat zwar ohne Zweifel seine unterhaltsamen Aspekte und bringt durch den Einsatz echter Revolutionäre einen Hauch von Geschichte in die Handlung ein. Ebenso bietet er einige inspirierende Elemente der Rebellion gegen Unterdrückung und übermenschliche Erlösungstaten wie ein überdrehter Rambo, doch er ist einfach zu umfangreich, repetitiv und sogar vorhersehbar. "RRR" zeichnet sich jedoch durch eine hervorragende Kinematographie aus, da er seinen exzessiven Ansatz voll ausschöpft, insbesondere in seinem kolossalen, bombastischen und überdimensionalen Finale. "Da kommen überall Pfeile heraus!"

'Basierend auf einer tatsächlichen Lüge', heißt es im Vorspann, und damit reiht sich "The Farewell" von Regisseurin Lulu Wang in eine lange Reihe von Variationen des filmischen Kunstgriffs ein, den Betrachter auf eine lose Faktenbasis zu stellen. Zu Beginn der Geschichte befindet sich die Großmutter Nai Nai (Shuzhen Zhao) in einem chinesischen Krankenhaus und telefoniert mit ihrer Enkelin Billi Wang (Awkwafina), die in New York lebt. In der Klinik besteht Nai Nais Schwester darauf, dass die Ergebnisse des CT-Scans nur 'gutartige Schatten' waren. Nichts, worüber man sich Sorgen machen müsste.

In den USA treffen sich Billis Vater (Tzi Ma) und ihre Mutter (Diana Lin) zum Abendessen und erzählen Geschichten und Witze. An diesem Abend telefoniert Billi wieder mit Nai Nai. Die ältere beklagt sich über ihren Lebenspartner Li (Yang Xuejian), während die jüngere ihren Kummer über ihre finanziellen Probleme und das Fehlen eines Partners verheimlicht. Ihre Probleme werden noch größer, als sie erfährt, dass Nai Nai nicht gesund ist: Sie hat Lungenkrebs im vierten Stadium und nur noch drei Monate oder weniger zu leben. Aber die Familie will nicht, dass Nai Nai davon erfährt, weil sie befürchtet, dass sie dadurch noch früher und qualvoller sterben wird. Da Billis Cousin heiratet, wird die Feier zu einem Vorwand, um nach China zu reisen und Nai Nai ein letztes Mal zu sehen, auch wenn sie sich Sorgen machen, ob Billi wirklich die Wahrheit verbergen kann.

Shuzhen Zhao ist auf Anhieb außergewöhnlich, sie wirkt authentisch und sympathisch, die stets fröhliche und optimistische Rolle und jemand, der auch im Angesicht der düsteren Wahrheit nicht den Mut verliert und immer ein paar weise Worte parat hat. Und auch die Nebenrollen sind vergleichsweise überzeugend. Aber Awkwafina ist nicht ganz korrekt, es fällt eher auf, dass sie schauspielert, während die anderen sich ganz zu Hause zu fühlen scheinen. Ihre Aufgabe ist es jedoch, die mürrische, depressive Person zu verkörpern, die mit einem bevorstehenden Todesfall in der Familie, dem Verlust ihrer Identität und unglücklichen Erinnerungen an ihre spontane Flucht aus China als Kind fertig werden muss. Es gibt viele leichte komödiantische Momente, aber sie sind zunächst nicht stark genug, um die glorreiche Tristesse zu übertrumpfen. "Dummes Kind!"

Die Prämisse wirft ein interessantes Konzept auf: schwierige Entscheidungen im Angesicht der Sterblichkeit und die Frage, wer entscheiden darf, ob lebenswichtige Informationen zurückgehalten werden oder nicht. In Amerika wäre dies illegal, aber in China ziehen es die meisten Menschen vor, solche schlechten Nachrichten geheim zu halten, weil es die Pflicht der Familie ist, die große emotionale Last zu tragen. Das führt natürlich zu der seltsamen Vorstellung, dass Nai Nai die Versuche ihrer Familie, schlimme Botschaften zu verheimlichen, gar nicht bemerkt, obwohl sie ihrem Mann genau das Gleiche angetan hat. Aber dieses starke Thema wird auf schreckliche Weise von alltäglichen Dingen überlagert, von Ausflügen in den Massagesalon und in einen Bankettsaal, von Familientreffen, die sich oft um das Für und Wider zwischen China und Amerika drehen, und vom vielen Essen. Praktisch jede zweite Szene spielt sich an einem Tisch ab, und es stapeln sich die Teller. Selbst in den Momenten, in denen es nicht um eine Mahlzeit geht, findet das Essbare seinen Weg ins Bild. "Ist es nicht falsch zu lügen?"

All die leidvollen, alltäglichen Aktivitäten werden glücklicherweise von mitreißender, aussagekräftiger Musik unterbrochen, die sich manchmal mit melancholischen, aber kraftvollen Chorsängern abwechselt und an einer Stelle sogar dazu führt, dass Billi Klavier spielt - ein wichtiger Teil ihrer Kindheit. Dies trägt dazu bei, den 'Abschied' einzufangen, der letztlich als Beispiel dafür dient, wie verschiedene Menschen und Kulturen mit Trauer und Verlust umgehen. Für die einen ist es eine Zeit der untröstlichen Trauer, für die anderen eine Gelegenheit, den positiven Einfluss ihres verstorbenen Angehörigen zu feiern und zu ehren. Der größte Teil von "The Farewell" ist von einer sanften Süße durchdrungen, aber es ist auch ein so durchschnittliches, ereignisloses, kleines, intimes, bodenständiges Slice-of-Life-Drama, dass nur sehr wenig davon in Erinnerung bleibt. Und die Abschiedsfotos sind ein katastrophaler Fauxpas.

In "Cash Truck" von Regisseur Guy Ritchie kippt ein Zementmischer um, um ein gepanzertes Auto auf der Straße zu blockieren - ein praktischer Bestandteil eines Raubüberfalls, bei dem auch schwere Waffen, maskierte Männer, Geldsäcke und ein Fluchtfahrzeug sowie jede Menge vulgäre Kraftausdrücke zum Einsatz kommen. Es ist eine anständige Eröffnungssequenz, die keine besonderen Charaktere einführt, aber die Bühne für eine kompetente Mischung aus Spannung, effektiven dokumentarischen Schnitten und bedrohlicher Musik bereitet. Die eigentliche Geschichte handelt von Patrick 'H' Hill (Jason Statham), der sich für einen Sicherheitsjob bei 'Fortico' in Los Angeles bewirbt, wo er für einen Geldtransporter zuständig sein wird, der natürlich großen Gefahren ausgesetzt ist, wie in der Eröffnungssequenz angedeutet wird. "Er hat einmal einen Hamster getötet, weil er ihn zu fest gedrückt hat."

Terry (Eddie Marsan) warnt vor der Möglichkeit, dass er verletzt oder getötet werden könnte, während Ausbilder 'Bullet' (Holt McCallany) Prüfungen wie Schießen und Fahren überwacht, die 'H' nur knapp besteht. Und dann trifft der Neuankömmling auf seine Partner und Kollegen 'Hollow' Bob (Rocci Williams), 'Boy Sweat' Dave (Josh Hartnett) und 'Sticky' John (Alex Ferns), um nur einige zu nennen, die mit ulkigen Spitznamen, kreativen Schimpfworten und verdächtig unsympathischen Gesellen aufwarten. Jeder in der Gruppe hat eine dunkle Vergangenheit, und 'H' hat vielleicht die finsterste unter ihnen, was ihm eine besondere Motivation und besondere Talente verleiht. "Hast du eine Ahnung, wie gefährlich der Job sein kann?"

Wie nicht anders zu erwarten, dauert es nicht lange, bis Geiseln genommen, Geldsäcke ausgehandelt und Gehirne auf den Bürgersteig verspritzt werden. Protokolle für solche Situationen werden schnell über den Haufen geworfen, denn Jason Statham ist ein furchtloser, unnachgiebiger, scheinbar kugelsicherer und kompromissloser Mann der Tat. Es ist sicherlich nicht besonders originell für diesen Hauptdarsteller, aber es ist immer noch interessant, einem etwas übermenschlichen Krieger dabei zuzusehen, wie er unterschiedliche Bösewichte eliminiert, und das hat seinen Unterhaltungswert. Die kalte, emotionslose Masche nutzt sich jedoch ab, und es fällt schwierig, sich voll und ganz hinter einen so eindimensionalen Protagonisten zu stellen. "Ich fange an zu glauben, dass er ein Psychopath ist."

Zur Abwechslung ist "Cash Truck" nach Kapitelüberschriften gegliedert, springt aber auch in der Zeitspanne umher und schaltet sogar zwischen chronologischen Szenen hin und her oder zeigt die gleichen Sequenzen aus verschiedenen Perspektiven mit zusätzlichen Details. Es ist unnötig verworren, als ob es ein komplexes Mysterium sein wollte, wenn man bedenkt, dass die Enthüllungen aus verschiedenen Episoden in der Vergangenheit nicht gerade große Überraschungen sind. Der Katalysator für die Handlungen von 'H' ist vielleicht der allgemeinste aller denkbaren Einflüsse - die Prämisse ist so banal, wie sie nur sein kann. 'Hs' brutale Methoden, denen auf den Grund zu gehen, die ihm Unrecht getan haben, sind so schonungslos gewalttätig, dass sie ihn nur noch mehr davon abhalten, der inspirierende, lebenslustige Held zu sein, der das Gegenteil eines 007-Abenteurers ist. "Ich verbringe viel Zeit in Supermärkten und kaufe dort ein."

Guy Ritchie überarbeitet die Handlung eines französischen Thrillers und schafft einen Film, der sich stark von seinen früheren Werken unterscheidet. Besonders hervorzuheben ist die Seriosität, mit der der Grad an Schwere der Raubüberfälle und der damit verbundenen Gewaltexzesse kaum durch komödiantische Einlagen aufgehellt wird. Ihm fehlen die witzigen, rasanten Dialoge und die ebenso seltsamen, skurrilen Figuren, die seine Inszenierungen normalerweise auszeichnen. Tatsächlich sind sie so eklatant abwesend, dass es manchmal schwierig ist, die Rachefantasie zu genießen. Aber was "Cash Truck" richtig macht, ist, dass er die Bösewichte noch gefühlloser und barbarischer macht als 'H'. Das sorgt für einen spektakulären, intensiven und langwierigen Showdown mit Schießereien mit unbegrenzter Munition, bei denen die Soundeffekte erschütternd sind, mit detaillierten Plänen, die schiefgehen, und mit viel Blutvergießen. Trotz des manchmal mühsamen Weges zum Finale ist der Höhepunkt absolut mitreissend, ein erschreckender, aber spannender Tanz von Tod und Zerstörung, auch wenn er in gewohnter Weise mit doppelten und dreifachen Kreuzen und anderen labyrinthischen Konfrontationen gepimpt ist. "Hast du Kacka gemacht oder ist deine Windel noch sauber?"

"The Adam Project" von Regisseur Shawn Levy beginnt mit dem typischen Ryan Reynolds-Scheiß. Als er versucht, seine Chefin Maya Sorian (Catherine Keener) auszumanövrieren, gibt er ihr gleich ein paar dieser klassischen Reynolds-Scheiße-Anekdoten mit auf den Weg. Es ist erstaunlich, dass er genug Zeit hat, um den Jet zu fliegen und sich kernige Sprüche auszudenken. Doch sie versuchen, so viele wie möglich in kurzer Zeit unterzubringen. Nahezu alles an "The Adam Project", wirkt forciert und widernatürlich. Sobald aber der Science-Fiction-Film zu unterhalten beginnt, merkt man, dass es sich um eine Hochglanzmischung aus viel besserer Action-Abenteuer-Kost handelt.

Ryan Reynolds spielt Adam Reed, einen zeitreisenden Piloten, der versucht, die Welt zu retten, indem er in der Geschichte zurückreist, um Fehler der Vergangenheit zu korrigieren. Er tut dies, indem er in ein von ihm geschaffenes Wurmloch eindringt und 28 Jahre früher in der Gegenwart landet. Von dort gelangt er in einen Wald in der Nähe des Hauses, in dem er aufgewachsen ist. Er trifft seinen alten gelben Labrador und sich selbst im zarten Alter von zwölf Jahren (Walker Scobell). Man könnte meinen, dass die Landung in der Nähe seines Zuhauses ein seltsamer Zufall ist, wenn er im Jahr 2050 im Weltraum eine Art Hyperdrive-Knopf drückt. Vielleicht ein merkwürdiger Zufall? "Zeitreisen existieren. Du weißt es nur noch nicht."

Andererseits kann man im Zeitreise-Genre keine Standardgeschichte aufbauen, wenn es darum geht, Familienfehler zu beheben. Hier ist Adams Vater (Mark Ruffalo) ein oder zwei Jahre zuvor gestorben. Er wird nun von seiner alleinerziehenden Mutter Ellie (Jennifer Garner) aufgezogen. Der erwachsene Adam muss seinem jüngeren Ich noch eine Menge beibringen. Zum Beispiel, wie man seiner Mutter eine Pause gönnt. Seit er vor einigen Jahren seine Frau (Zoe Saldaña) verloren hat, empfindet er viel Kummer. Nun, eigentlich in der Zukunft, aber in der Vergangenheit des großen Adam, nicht der kleinen Version. "Mein Sohn, du solltest dir lieber Sorgen machen, denn die Zukunft kommt schneller, als du denkst."

Geschrieben von Jonathan Topper, T.S. Nowlin, Jennifer Flackett und Mark Devlin, die letzten beiden bekannt aus "Die Reise zum Mittelpunkt der Erde", kann man das Thema schon beim Lesen dieses Satzes erkennen. Es gibt zu viele Köche in der Küche, und dem Drehbuch fehlt es an einem kontinuierlichen Rhythmus. Dies ist insofern beachtlich, als "The Adam Project" die üblichen Muster aufweist. Die typischen Vater-Sohn-Streitereien, ein böser Firmenbösewicht, eine traurige Mutter und ein Mann, der den Verlust seiner Ehefrau beweint. All die Dinge, die mit Beziehungen und Familiendynamik zu tun haben. Und das sind nicht nur Zeitreiseklischees, wie sie in den meisten Genrefilmen zu finden sind, sondern auch die Standardfigur, die sich selbstlos aufopfert. "Wenn ich ehrlich zu mir selbst bin, hast du ein sehr schlagkräftiges Gesicht."

Wenn man jedoch zurückspult, ist dies völlig überflüssig. Meine Rezension ist nicht unbedingt schlecht, denn ich versuche, mich von der allzu negativen Kritik zu lösen. Es ist einfach etwas, das wir schon oft gesehen haben. Aber jetzt ist es eine Neuverpackung zum Vergnügen des Betrachters. Es gibt coole Spezialeffekte und einige nette Kampfszenen, aber sie sind choreografiert, da Dutzende von Bösewichten gegen Ryan Reynolds' Adam kämpfen, selten mehr als einer auf einmal. Außerdem gibt es das Dilemma, dass Mark Ruffalos Louis die meiste Zeit damit verbringt, den 40-jährigen Ryan Reynolds zu beschwichtigen. "Gib dir selbst die Erlaubnis, unzulänglich zu sein, und dann mach dich an die Arbeit."

Als er sich an die jüngere Version wendet, sagt er nur: "Du wirst schon klarkommen." Das größere Bedürfnis nach Sozialisierung und Wachstum wäre das des Kindes. Das Drehbuch verliert durch die Starpower von Ryan Reynold eindeutig den Fokus. "The Adam Project" richtet sich an eine Gruppe, die mit dem Genre nicht vertraut ist oder zu jung ist, um "Zurück in die Zukunft", "Terminator" oder "Frequency" zu schätzen. Meine Theorie ist, dass Mark Ruffalo und Jennifer Garner die gleichen Figuren aus "30 über Nacht" verkörpern. Wenn die Jahrzehnte vergehen und man sich "The Adam Project" noch einmal ansieht, wird man feststellen, dass man das alles schon einmal erlebt hat. "Er braucht nicht perfekt zu sein. Er braucht nur dich."

In "Vacation Friends" von Regisseur Clay Tarver treffen Marcus (Lil Rel Howery) und Emily (Yvonne Orji) während einer romantischen Reise nach Mexiko auf ihre totalen Gegensätze, und was noch schlimmer ist, sie werden sie nicht mehr los. Marcus, ein Extremplaner, beabsichtigt, Emily einen Heiratsantrag zu machen, aber natürlich geht fast sofort alles schief, vor allem dank eines Whirlpools im Zimmer über ihrem, der ein ziemliches Chaos für das Hauspersonal verursacht. Zum Glück oder Unglück für sie kommen Ron (John Cena) und Kyla (Meredith Hagner) zur Rettung und helfen ihnen bei der Unterbringung. Die beiden sind im Vergleich dazu rücksichtslos, laut und unberechenbar - alles, was Marcus nicht leiden kann.

Mit dieser zufälligen Begegnung zwischen den beiden Paaren beginnt für Marcus und Emily ein sehr unkonventioneller Urlaub, der aber genau das ist, was sie brauchen. Sie erleben ein wildes Abenteuer auf einem Boot, verbringen im Grunde keine einzige Minute nüchtern und heiraten sogar auf die denkwürdigste Weise. Emily gibt Kyla gegenüber sogar zu, dass sie Marcus zum ersten Mal entspannt gesehen hat. Wenn es an der Zeit ist, sich von ihren Urlaubsfreunden zu trennen, fällt es einem der Paare definitiv schwerer, loszulassen. Monate nachdem Marcus und Emily die verrückten Momente hinter sich gelassen haben, kommt jemand in ihre Hochzeit geplatzt. So wie es in Mexiko viele ausschweifende Experimente gab, werden auch bei ihrer Rückkehr in ihr Leben viele turbulente Situationen auf sie warten. Diesmal müssen sie sich jedoch mit Emilys strengem Vater und anderen Familienmitgliedern herumschlagen, die sich nicht mit Marcus anfreunden können und nicht auf das ungestüme Duo Ron und Kyla vorbereitet sind. "Komisch. Das Salz schmeckt überhaupt nicht salzig."

Egal, ob es sich um ein kleines Kind handelt, das man am Strand getroffen und mit dem man Sandburgen gebaut hat, um Menschen, mit denen man sich auf einer Reise angefreundet hat, oder vielleicht sogar um Einheimische, die man irgendwo auf der Welt getroffen hat - es gibt nichts Schöneres, als seine Urlaubserlebnisse mit Fremden zu teilen und dabei viel Spaß zu haben. Wenn der Urlaub zu Ende geht, enden wahrscheinlich auch die Freundschaften, aber zumindest bleiben schöne Erinnerungen. Ron und Kyla bringen es auf eine neue Ebene und können die Woche, die sie zusammen verbracht haben, einfach nicht vergessen. Es ist auch lustig zu sehen, wie Marcus und Emily versuchen, das Thema Urlaub mit ihren Familien zu umgehen, vor allem, weil Emilys Familie alles missbilligt, was sie getan haben. John Cena und Meredith Hagner wissen, wie sie ihre Figuren auf die Spitze treiben können, und die lange Liste der Autoren dieses Films sorgte dafür, dass alles, was aus ihren Mündern kam, anstößig war. Lil Rel Howery und Yvonne Orji verkörpern perfekt das schräge und reservierte Paar, aber es ist schön zu sehen, wie sie loslassen und diese durchgeknallten Freunde umarmen, die offensichtlich für immer in ihrem Leben sein wollen. "Der Vogel da, wird gleich scheißen!"

Was "Vacation Friends" an irrwitzigen Augenblicken auf dem Bildschirm hat, fehlt ihm, wenn es darum geht, etwas anderes als das übliche Schema zu machen. Schon zu Beginn des Films weiß man, dass es für Marcus und Emily nicht leicht sein wird, Ron und Kyla zu entkommen. Und wenn sie wieder in ihrem Leben auftauchen, kann man nur vermuten, dass vieles schief gehen wird, zum Beispiel etwas mit den Ringen, die Marcus vererbt wurden, oder dass die Familien von den wüsten Zeiten in Mexiko erfahren werden. Es gibt nichts, was den Betrachter überraschen könnte, und der Film geht kein Risiko ein, etwas anders zu machen. "Vacation Friends" zieht sich auch in die Länge, als Ron und Kyla die Familien von Marcus und Emily treffen und sie mit all den irrwitzigen Aktionen schockieren, die sie sagen oder tun. Diese Masche wird zunehmend obsolet, zumal so viele Szenen darauf abzielen zu zeigen, wie zügellos sie im Vergleich zu allen anderen sind. "Ich wäre froh, wenn mir jemand beim ersten Treffen Kokain in mein Glas mischen würde."

"Vacation Friends" hat seine lustigen Momente mit all den Schweinereien und Ausschweifungen, die während einer Reise nach Mexiko passieren, aber es beginnt ein wenig langweilig zu werden, wenn der Urlaubsspaß seinen Weg in die reale Welt findet. Kombiniert man das mit einem Drehbuch, das nichts Neues bietet, hat man einen Film, der einem praktisch in den ersten fünf Minuten sagt, in welche Richtung er gehen wird. Doch die vier Hauptdarsteller erwecken ihre Charaktere gut zum Leben, vor allem John Cena und Meredith Hagner, die versuchen, sich gegenseitig mit ihren Irrsinnigkeiten zu übertreffen. Es macht Spaß, neue Leute kennen zu lernen, vor allem, wenn man auf einem Entspannungsausflug ist, aber nach diesem Film wird man hoffen und beten, dass man nicht den Rons und Kylas dieser Welt begegnet. "Es ist Grapefruitsaft. Und Heroin."

In den ersten Minuten von "Die Beautiful" von Regisseur Jun Robles Lana werden wir mit einer Montage eines strahlenden und absolut fabelhaften Jungen begrüßt, der über einen provisorischen Laufsteg für eine Misswahl stolziert. Das ist alles sehr lustig und unterhaltsam, bis es das nicht mehr ist: Sein Vater platzt ins Bild, unterbricht den Moment und setzt den Ton für den Rest des Films. Wir erfahren schnell, dass der Junge, Patrick, schließlich zu Trisha (Paolo Ballesteros) heranwächst, einer transsexuellen Frau, die zusammen mit ihrer besten Freundin Barbs (Christian Bables) entschlossen ihren Traum vom Schönheitswettbewerb verfolgt. "Die Beautiful" verwebt ihre Vergangenheit mit ihrer Gegenwart und stellt dem Betrachter die vielen Menschen vor, die Trishas Leben bereichern, aber auch die vielen anderen, die versuchen, ihren Glanz zu trüben.

Jun Robles Lana und Drehbuchautor Rody Vera wenden sich dankenswerterweise von den LGBT-Klischees ab, die wir so oft im Kino sehen. Es gibt weder einen groben und großmäuligen Sidekick, der oft für bissige Sprüche an den Rand gedrängt wird, noch einen eindimensionalen besten Freund, der nur darauf wartet, zur Zielscheibe des nächsten müden Witzes zu werden. Es gibt nur Trisha und ihre Freunde, deren Charakterisierungen mit seltener Würde, Ehrlichkeit und Mitgefühl behandelt werden. Paolo Ballesteros brilliert in seiner Rolle mit bemerkenswerter Subtilität und Verletzlichkeit, unterstützt durch ebenso glaubwürdige Darbietungen von einem hervorragenden Christian Bables, Joel Torre, Gladys Reyes und Luis Alandy.

Wenn "Die Beautiful" humorvoll ist, dann ist es ein Aufstand, der weit über den Slapstick und den dämlichen Humor hinausgeht, der viele lokale Komödien plagt. Man lacht, weil es eine wirklich lustige Situation ist, vertraut in ihrer Neuartigkeit auf Pinoy-Art und raffiniert in ihrer Satire. Und wenn sie dramatisch sein will, trifft sie dort, wo man es nicht erwartet. "Die Beautiful" navigiert geschickt durch die schillernde und faszinierende Subkultur der Schönheitswettbewerbe und erkundet dabei Themen wie Widerstandsfähigkeit, Selbstakzeptanz, homophobe Vorurteile und die Gefahren einer patriarchalischen Gesellschaft. Gleichzeitig erleben wir die dauerhafte Freundschaft zwischen zwei Transfrauen, die durch ihre gemeinsamen Ziele, ihre turbulente Kindheit und ihre Sehnsucht nach Liebe und Akzeptanz geeint sind. Es ist die Geschichte von Barbs und ihrer Freundin, und ihre unerschütterliche Loyalität bleibt bis zum Abspann erhalten.

Entfernt man die grellen Kostüme und die Schichten von Make-up und Klebeband, erhält man eine intime Charakterstudie, die real und doch überlebensgroß wirkt. Trishas Weg, ihren Körper mit Stolz als ihren eigenen zu bezeichnen, war mit vielen Schwierigkeiten verbunden, und wir unterstützen sie bei jedem Schritt auf diesem Weg. Vor allem aber spielt die Freiheit der Wahl eine große Rolle in ihrer Narration. Wir sehen es an der Tatsache, dass sie ihr erzkonservatives Elternhaus verlässt, oder wenn sie beschließt, die Brutalität zu erdulden, die ihr widerfährt, weil sie so ist, wie sie ist. Wir sehen es auch in kleineren, nuancierteren Momenten, etwa wenn sie Barb erzählt, wie sie eines Tages beerdigt werden möchte, oder wenn sie darum kämpft, auf die Damentoilette gehen zu dürfen.

"Die Beautiful" lässt viel Raum für wertvolle Diskussionen, vor allem in einer Gesellschaft, die die LGBT-Gemeinschaft aus Unterhaltungsgründen umarmt, aber immer noch mit ihrer Autorität oder ihrem Verständnis konfrontiert ist. In einer Zeit, in der wir immer noch Sätze hören, die mit 'Ich habe schwule Freunde, aber...' beginnen, und in der Geschlechtsidentität für viele immer noch ein vages Konzept ist, sind es komplexe, ergreifende und wunderbar menschliche Geschichten wie die von Trisha, die es verdienen, immer wieder erzählt zu werden.

In "They Want Me Dead" von Regisseur Taylor Sheridan stürzen sich Rauchspringer auf ein rasendes Feuer, das bereits mehrere Feuerwehrleute und unschuldige Kinder, die in den riesigen Flammen gefangen sind, das Leben gekostet hat. Doch es ist nur ein Albtraum, der die Forstangestellte Hannah Faber (Angelina Jolie) im Nordwesten schwitzend aufweckt. Am nächsten Morgen ermorden in Fort Lauderdale, Florida, zwei Männer, Jack (Aidan Gillen) und Patrick (Nicholas Hoult), die sich als Beamte ausgeben, den Bezirksstaatsanwalt und inszenieren eine Gasleitungsexplosion in dessen Haus. Und ihre Mordtour hat gerade erst begonnen. Doch das nächste Ziel, Owen (Jake Weber), der forensische Buchhalter des Staatsanwalts, erkennt, dass er in Gefahr ist, und flieht mit seinem Sohn Connor (Finn Little) in die 'Soda Butte Survival School' in Montana. In der malerischen Berglandschaft leben sein langjähriger Freund und Schwager, Deputy Ethan Sawyer (Jon Bernthal), und dessen schwangere Frau Allison (Medina Senghore).

In der Zwischenzeit ist Hannah auf einem abgelegenen Feuerturm im selben Bundesstaat stationiert, wo die extreme Isolation es ihr ermöglicht, über ihre vergangenen Fehler nachzudenken, wie den vor einem Jahr, der sie in ihren Träumen verfolgt, und über die Trauer, die aus diesen Entscheidungen resultiert, sowie über ihr aktuelles Bedürfnis nach Bravour als Bewältigungsmechanismus. Aber sie findet mehr als nur Ruhe und Frieden in der Wildnis, als sie Connor trifft, der blutüberströmt um sein Leben rennt. Und ihre besonderen Kräfte kommen zum denkbar ungünstigsten Zeitpunkt zum Einsatz, als das mörderische Duo mit einer ablenkenden Brandstiftung beschäftigt ist.

Von Anfang an wirken Hannah und ihr Team aus großmäuligen Feuerwehrleuten, die mit Schimpfwörtern um sich werfen, unauthentisch, und ihre übermäßig anbiedernden Wortgefechte, scherzhaften Rivalitäten und sexuellen Avancen sind eine Zumutung. Selbst wenn sie echte Freundschaften widerspiegeln, ist dieser Einblick in ihre Verbindung filmisch übertrieben und forciert. Erfreulicherweise ist diese Kameradschaft kein wesentlicher Bestandteil dieser Geschichte. Tatsächlich geht es in der Story hauptsächlich um Hannahs Kämpfe mit ihren inneren Dämonen und darum, wie sie einem neuen Opfer, einem frustrierend weinerlichen Jungen, helfen kann, um ihre ständigen Schuldgefühle zu lindern. "Bist du jemand, dem ich vertrauen kann?"

Es gibt auch eine gewisse Schwerfälligkeit bei den Killern und ihren Morden, die durch grüblerische Rückblenden und Minuten, in denen man sich die Landschaft oder die Entwicklung der Charaktere ansieht, erschwert wird, was normalerweise eine gute Sache wäre. Hier sind die Schurken jedoch interessanter als die Helden, die viel schmollen. Die Bösewichte sind ein merkwürdiges Team, auch wenn es sich in der Regel nur um ineffiziente, sadistische Terroristen handelt, die mehr Zeit auf dem Bildschirm haben als alle anderen, so dass die Menschen hinter ihren bösen Taten alles andere als unbedeutend sind. Die Guten sind weitaus generischer, entweder von unangebrachter Reue geplagt oder von infantilen Trotzreaktionen oder nicht überzeugender Courage. "Wir gehen keine unnötigen Risiken ein."

Seltsamerweise reicht die Grundprämisse von Flüchtigen, die vor einem politischen Attentat davonlaufen, für einen Thriller aus, aber es gibt auch einen Crash-Kurs in Überlebenstaktik sowie Brandbekämpfungskatastrophen und Autofahren. Die meisten Spannungsmomente sind leider deutlich zu konstruiert, und die Charaktere und Situationen sind so angelegt, dass sie entweder eine unwahrscheinliche Fluchtmöglichkeit bieten oder das Blatt wenden können. Wenn der Realismus in "They Want Me Dead" tatsächlich zum Tragen käme, wären die Protagonisten tot, bevor irgendetwas passiert, und das wäre keine traditionelle Form der Unterhaltung. Doch die Verlogenheit ist allgegenwärtig und macht jede Chance auf echte Euphorie zunichte. Außerdem sind die Szenarien ungeheuer düster und gewalttätig, fast schon an der Grenze zur Komik, und es sind diese morbiden Konflikte mit den tödlichen Verfolgern, auf die es letztlich ankommt, da der Film im Wesentlichen aufhört, nachdem diese akute, spezifische Notlage überwunden ist.

Irische Einwanderer lernen in "The Curse of Audrey Earnshaw", dem zweiten Film von Regisseur Thomas Robert Lee, dass es unklug ist, Hexen zu verfolgen. In Anlehnung an den kunstvollen Folk-Horror von Robert Eggers' "The Witch" und mit einer Anspielung auf M. Night Shyamalans "The Village" stellt der Film sein dem Untergang geweihtes Dorf im Stil des 19. Jahrhunderts in den Schatten des Amerikas der 1970er Jahre - aus Gründen, die schwer zu erkennen sind. Diese merkwürdige Entscheidung hat jedoch kaum Auswirkungen auf den Film, der zwar einige Akzente setzt, aber nie wirklich ein Gefühl des Horrors erzeugt.

Die Titelfigur, gespielt von Jessica Reynolds, ist die Tochter einer alleinstehenden Frau, die ihre Existenz geheim gehalten hat. Agatha Earnshaw (Catherine Walker) lebt am Rande eines Dorfes, das 1873 von gläubigen irischen Christen besiedelt wurde und über die Jahrzehnte hinweg isoliert geblieben ist: Hundert Jahre später kleiden sich die Bewohner immer noch so und sprechen so wie ihre Urgroßeltern. Gelegentlich sieht man ein Flugzeug über den Himmel fliegen, aber die Charaktere interagieren nie mit der modernen Welt in einer Weise, die die Geschichte oder die Atmosphäre beeinflusst.

Das Dorf hat siebzehn Jahre lang unter einem mysteriösen Phänomen gelitten, das dazu geführt hat, dass die Felder unfruchtbar geworden sind und die Menschen nun bitterarm sind. Unerklärlicherweise waren Agathas Ländereien davon nicht betroffen: Ihr anhaltender Wohlstand gibt Anlass zu Unmut und dem Gerücht, sie sei eine Ketzerin. Zu Beginn von "The Curse of Audrey Earnshaw" beerdigt der trauernde Vater Colm (Jared Abrahamson) seinen Sohn, als Agathas Wagen mit Lebensmitteln, die sie nicht mit den Nachbarn teilen will, am Friedhof vorbeifährt. Es kommt zu einer gewalttätigen Konfrontation, und Audrey, die sich in einer Kiste versteckt, ist stocksauer. Sie beschließt, sich nicht nur an Colm zu rächen, sondern an dem gesamten Dorf. Auch dies ist eine merkwürdige Wahl, denn die kommenden Torturen wären spannender, wenn die Opfer weniger sympathisch wären. Natürlich ist die Handgreiflichkeit ungerechtfertigt, aber ihre Abneigung gegen Agathas Egoismus ist es nicht, und es ist anstrengend, ein wohlgenährtes Mädchen dabei zu beobachten, wie es die Armen und Hungrigen quält. "Ich habe dich bei mir aufgenommen!"

Der Betrachter wird bereits bemerkt haben, dass Agatha mehr als nur eine Häretikerin ist: Sie gehört einem Hexenzirkel in einer nahe gelegenen Stadt an und Audrey ist wahrscheinlich die jugendliche Ausgeburt des Teufels. Sie hat also einen guten Überblick über Pest und Seuchen. Feldfrüchte und Tiere beginnen von innen zu verfaulen, Menschen werden wahnsinnig oder bekommen Furunkel und es wird viel Blut gehustet. "Gott existiert hier nicht!"

Thomas Robert Lees mitunter bäurisches Drehbuch widmet dem Leiden einzelner Familien mehr Aufmerksamkeit als vielleicht nötig. Wir verbringen viel Zeit mit Colm und seiner Frau Bridget (Hannah Emily Anderson), mit dem Stadtprediger (Seamus Dwyer) und mit Mr. Buckley (Don McKellar), der das Pech hatte, Audrey von Angesicht zu Angesicht zu begegnen und von ihrer blassen Anmut gezeichnet wurde. Die gute Besetzung macht diese Personen interessant, aber ihre Geschichten geben Thomas Robert Lee nicht viel Raum, um das Übel hinter ihrem Verhalten zu ergründen. Während ein wenig oder viel Mystery in den letzten Horrorfilmen von Filmemachern wie Ari Aster gut funktioniert hat, verhindert es in diesem Fall, dass die Handlung zusammenläuft. Nick Thomas' ansprechende Kompositionen und sein starkes Design tragen dazu bei, "The Curse of Audrey Earnshaw" ein glaubwürdiges Ambiente zu verleihen, aber schlussendlich fehlt diesem Spuk die Seele. "Dankeschön!"

Als der berüchtigte Drogenschmuggler Andrew C. Thornton in "Cocaine Bear" von Regisseurin Elizabeth Banks 75 Pfund Kokain aus einem Flugzeug in den 'Chattahoochee National Forest' wirft und bei dem anschließenden Fallschirmsprung versehentlich stirbt, konnte er nicht ahnen, welches Chaos er damit auslösen würde. Als die Behörden, darunter der ehrgeizige Detective Bob (Isiah Whitlock Jr.), seine Leiche und einen Teil der Drogen entdecken, begeben sie sich in den Nationalpark, um den Rest zu bergen. Doch der notorische Drogendealer Syd White (Ray Liotta), der für die Beschaffung des illegalen Pulvers verantwortlich ist, schickt seinen Sohn Eddie (Alden Ehrenreich) und den Dealer Daveed (O'Shea Jackson Jr.), um die Lieferung aufzuspüren. In der Zwischenzeit schwänzt die rebellische dreizehnjährige Tochter von Krankenschwester Sari (Keri Russell), Deirdre (Brooklyn Prince), zusammen mit ihrem Klassenkameraden Henry (Christian Convery) die Schule, um zu einem tief im Park versteckten Wasserfall zu wandern und dabei versehentlich selbst ein Paket mit Drogen zu finden. Was alle Beteiligten jedoch nicht wissen, ist, dass ein 175 Pfund schwerer Schwarzbär das meiste Kokain erworben und zu sich genommen hat. Prompt beginnt er einen Amoklauf durch den Wald, durch Rucksacktouristen und Kriminelle und durch jeden anderen, der das Pech hat, den Weg des verstörten Bären zu kreuzen. "Drogen, vor allem Kokain, sind sehr, sehr schlimm."

Vielleicht ist es reiner Zufall, dass Elizabeth Banks, die zufällig die Hauptrolle in "Zack and Miri Make a Porno" spielte, wieder einmal an einem Projekt mit einem umstrittenen Wort im Titel beteiligt ist, bei dem Eltern ihren kleinen Kindern erklären müssen, was Kokain ist, oder vielleicht ist es schon Kleinkindern bekannt. Jedenfalls ist ihr neuestes Projekt, bei dem sie als Produzentin und Regisseurin fungiert, von wahren Begebenheiten inspiriert, auch wenn es sich nur um eine Überdosis Kokain bei einem Bären handelt. Das Filmplakat verspricht einen spannenden Horrorthriller, während der Kinotrailer eher auf eine Mischung aus "Ananas Express" und "Zurück nach Hause - Die unglaubliche Reise" schließen lässt.

Der Bär ist von Anfang an cartoonhaft und klamaukig, auch wenn er sich im Grindhouse-Blutrausch suhlt. Und dann folgt die Polizeiarbeit, wie sie in "Die nackte Kanone" zu beobachten ist. Schon in den ersten Szenen wird deutlich, dass viele interessierte Parteien in die Jagd nach den Drogen verwickelt sein werden, was bedeutet, dass es ein ordentliches Potenzial für einen hohen Bodycount geben wird. Leider treten auf halber Strecke von "Cocaine Bear" viel zu viele Figuren auf den Plan, weitere Personen tauchen auf, was die Zahl der Opfer erhöht, ihre Signifikanz aber deutlich reduziert. Das Problem ist, dass viele dieser Rollen unglaublich banale Dialoge erhalten oder in auffallend dämliche Gespräche verwickelt werden, etwa wenn zwei junge Teenager über die Finessen des Kokainkonsums diskutieren, was so unrealistisch klingt wie das Drehbuch in "Good Boys". "Da stimmt etwas nicht."

Es ist zwar unterhaltsam, dass es jede Menge Tod und Verderben gibt, aber wenn die Mehrzahl der Akteure unscheinbar oder unsympathisch ist, wirkt sich das negativ auf die Kreativität der dargestellten Gewaltszenen aus. Die Hintergrundgeschichten sind lediglich verkompliziert, um eine extrem einfache Prämisse aufzupolstern, in der Hoffnung, komödiantische Momente hinzuzufügen, aber um die Trivialität einer Abfolge von Interaktionen zu enthüllen. Praktisch jede Szene mit den Drogendealern ist unnötigerweise wortlastig und überhaupt nicht witzig. Sie sind nicht nur unverschämt blöd, sondern ihr ständiges Gesülze bietet auch keinen ansprechenden Kontrast zu der pelzigen Gefahr. Zu oft ist der Ton fehl am Platz, Sequenzen von exzessivem Fleischvergießen haben bereits das richtige Maß an unliebsamem Humor, ohne dass inkonsequente Charaktere für zusätzliche Gags einspringen, von denen viele schwache Computergrafiken für physische Comedy-Routinen benötigen. "Bären sind sehr friedliche Wesen."

Ein passender Soundtrack und 80er-Jahre-Horrorfilmmelodien sind das Highlight, zusammen mit unheimlichen Schreckmomenten und einigen urkomischen, brutalen Bärenschlachthieben, aber das magere Tempo und das Überangebot an menschlichem Fraß sorgen dafür, dass es nicht genug Handlung gibt, um diese Qual auf Spielfilmlänge auszudehnen. Zudem sind einige spätere Reflexionen eher disharmonisch und entbehrungsreich als humoristisch, was sicherlich so beabsichtigt war. Wäre "Cocaine Bear" eher eine erweiterte Version des bekanntesten Parts von "The Revenant - Der Rückkehrer" gewesen, die durch die Montage grausamer Angriffe für Lacher gesorgt hätte, oder wäre er stärker auf die Absurdität einiger seiner leichteren Knockabout-Comedy-Ideen gestützt, hätte er vielleicht mehr Unterhaltungswert gehabt. Die Abweichungen in der Tonalität und die Inkonsistenzen zeigen, dass die Architektonik des Werkes nicht ganz konkludent ist.

"Texas Chainsaw Massacre" von Regisseur David Blue Garcia ist der jüngste Versuch eines schonungslosen Reboots einer geliebten Horror-Franchise, und wie viele der kürzlichen Runderneuerungen im Kino ist es eine direkte Fortsetzung des Originalfilms mit einer Kombination aus wiederkehrenden Veteranen und neuen, jugendlichen Figuren. Er zeigt auch viele der Schwachpunkte und Hindernisse, die 'Franchise-Requels' - um eine Formulierung aus dem letzten "Scream" zu zitieren - oft aufweisen: verzweifelte Experimente, um das Gefühl und den Ton des Originals einzufangen, suspekte Einstreuungen aktueller brisanter Themen und eine irritierende Verehrung des ersten Films der Reihe. "Sieh dir diese Freakshow an."

Ein Quartett junger Entrepreneure (Sarah Yarkin, Elsie Fisher, Jessica Allain und Jacob Latimore) macht sich auf den Weg aus der Großstadt in das desolate, menschenleere texanische Städtchen Harlow. Ihr Plan ist es, die alten Immobilien an hippe Trendsetter zu versteigern, um eine moderne, revitalisierte Stadt zu schaffen. Einige der ursprünglichen Bewohner sind jedoch nicht so scharf darauf, ihren Besitz zu verlassen, darunter ein wortkarger, imposanter Mann (Mark Burnham), der sich als der berüchtigte, kettensägenliebende 'Leatherface' entpuppt. Als seine Mutter von der Emporkömmlingsgruppe aggressiv aus dem Haus geworfen wird, richtet 'Leatherface' seine Wut gegen diejenigen, die ungewollt versuchen, sein Leben zu zerstören. "Wir sind idealistische Menschen, die eine bessere Welt schaffen wollen."

Der aufmerksamkeitsstärkste Aspekt des Films ist die Rückkehr von Sally Hardesty (Olwen Fouéré), der einzigen Überlebenden des Originalfilms. In "Texas Chainsaw Massacre" hat sie fast 50 Jahre damit verbracht, sich auf den Mann vorzubereiten, der sie ein halbes Jahrhundert zuvor terrorisiert hat. Jeder, der sich auch nur ein bisschen mit modernem Horror auskennt, wird erkennen, wie ähnlich sich dieses Konzept zu David Gordon Greens Film "Halloween" von 2018 anfühlt. In beiden Filmen geht es um das einzige Mädchen aus dem legendären ersten Film der Reihe, das sich seit langem auf die unausweichliche Begegnung mit ihrem schicksalhaften Widersacher vorbereitet. Und ähnlich wie in "Halloween" ist dieser Handlungspunkt in "Texas Chainsaw Massacre" genauso gehirnamputiert und naheliegend in seinen Ambitionen. Der Film ist kein Spektakel für langjährige Fans der Franchise, sondern ein deprimierendes Porträt einer lädierten Frau, die mit ihrem Seelenleben nicht klarkommt. Die Filmemacher haben offenbar gehofft, dem Slasher-Klassiker aus den 70er Jahren Glaubwürdigkeit und dramatische Wirkung zu entlocken, aber das kommt nur blindgläubig rüber. "50 Jahre habe ich auf diese Nacht gewartet."

Viele der besten Horrorfilme haben ein lang anhaltendes Vermächtnis, nicht nur wegen der Effektivität des Films, sondern auch, weil sie oft, wenn auch nur beiläufig, als Allegorien für eine Vielzahl von politischen oder psychologischen Themen dienen. Der Film "Blutgericht in Texas" von 1974 ist in mehrfacher Hinsicht aufschlussreich: Er kann als Metapher für den Vietnamkrieg oder als Untersuchung der Gewalt gesehen werden, die unter der Oberfläche des amerikanischen Lebens schwelt. Und natürlich kann man den Film auch einfach als grotesken Slasher-Film betrachten, der sowohl besticht als auch verstört. Dieser neueste Film versucht, Tiefgang zu erreichen, indem er brisante soziale Themen aufgreift und thematisiert. Tatsächlich werden in den ersten 15 Minuten von "Texas Chainsaw Massacre" Waffengewalt, Rassenbeziehungen, polizeiliches Profiling und Gentrifizierung erwähnt. Dieser Ansturm von nie vollständig erforschten politischen Argumenten soll den Film nur noch konkaver erscheinen lassen, als er ohnehin schon ist. Horror funktioniert fast immer am besten als politische oder soziale Metapher und nicht durch unmittelbare Repräsentation, wie es "Texas Chainsaw Massacre" versucht. "Hey, Leatherfuck!"

"Bleibt bitte auf eurem Platz." Betrachtet man den Film jedoch lediglich als unterhaltsamen, blutigen Zeitvertreib, so kann man durchaus Spaß daran haben. Alle Morde sind herrlich brutal und dürften Horrorfans mit einer Vorliebe für Blut befriedigen. Auch wenn einige von ihnen zu gewitzt sind, bieten sie zumindest eine nette Abwechslung zu der glanzlosen Inszenierung und den unausgereiften Botschaften, mit denen der Film ansonsten überladen ist. "Texas Chainsaw Massacre" ist ein perfektes Paradebeispiel für einen sich abzeichnenden Trend im Horrorgenre - das nostalgische Reboot, das vor Ideen nur so strotzt, aber nicht in der Lage ist, sie alle auf sinnvolle Weise miteinander zu verbinden. Man kann nur hoffen, dass die Franchise, ebenso wie 'Leatherface', der das Gesicht eines anderen Menschen aufsetzt, mit dem nächsten Teil einen neuen Look bekommt. "Er trägt ihr Gesicht."