Chainsaw Charlie - Kommentare

Wahre Geschichten sind oft ein großartiger Stoff für Filme. Und die berüchtigte Geschichte eines abscheulichen Verbrecherfürsten, der in den späten 1970er Jahren durch eine geheime Allianz mit dem FBI an die Macht kam, scheint eine vielversprechende Grundlage zu sein. Doch obwohl "Black Mass" von Regisseur Scott Cooper auf einer guten Grundlage aufbaut und mit überzeugenden Darstellungen aufwartet, verliert der Film viel von seinem Reiz, weil er seine schockierende Handlung mit einem spürbaren Mangel an Dynamik erzählt. Trotz einer Geschichte, in der es um bösartige Gangster, korrupte Beamte und eklatante Morde geht, weist der Film oft den geradlinigen Stil eines Dokumentarfilms auf, und viele der Momente, die eigentlich traumatisches Grauen hervorrufen sollten, sind von viel geringerem Interesse. Für einen Film, der sich stark auf die transformativen Rollen bemerkenswerter Darsteller stützt, lässt "Black Mass" eine fahle Struktur und einen glanzlosen ersten Eindruck von seinen Akteuren zu, um das Drama zu dämpfen.

Als die italienische Mafia beginnt, sich in die kriminellen Aktivitäten der 'Winter Hill Gang' in Süd-Boston einzumischen, weiß Ganove James Bulger (Johnny Depp), dass er schnell handeln muss, um sein Revier zu schützen. James Bulger tut sich mit dem FBI-Agenten John Connolly (Joel Edgerton) zusammen und arbeitet als Informant, um dem FBI bei seinen Ermittlungen zur Zerschlagung der Familie Angiulo zu helfen. Doch als seine Macht rapide eskaliert, beginnen James Bulgur und seine skrupellosen Komplizen Steve Flemmi (Rory Cochrane), John Martorano (W. Earl Brown) und Kevin Weeks (Jesse Plemons) einen unkontrollierten Amoklauf, der ihr kriminelles Imperium zu zerstören droht.

"Black Mass" beginnt mit der Studie von Gesichtern, die durch Make-up, Kontaktlinsen und Frisuren entstellt sind, die den Stars die Last ihrer früheren Rollen abnehmen sollen, was ihnen aber nicht ganz gelingt. Johnny Depp führt ein Ensemble von Schauspielern an, die ausgefallene Rollen spielen, aber die Hauptdarsteller verschmelzen nie mit ihren jeweiligen Figuren. Unter den vampirischen blauen Augen und der angemessenen Abgründigkeit seiner Handlungen verbirgt sich ein nicht zu bremsender, immer noch erkennbarer Johnny Depp.

Im Gegensatz zu "GoodFellas - Drei Jahrzehnte in der Mafia", aus dem "Black Mass" eine Schlüsselszene mit einem Gespräch klaut, das eine unerwartete Wendung nimmt, sind der Glamour und die Anziehungskraft des gezeigten Gangstertums völlig verschwunden. Es gibt keine protzigen Autos oder exklusiven Clubs, mit Ausnahme eines einzigen Lokals in Miami, das in erster Linie für eine Mordgelegenheit, modische Mädchen oder opulente Geldverschwendung existiert. Stattdessen sind die Mafiosi grotesk, humorlos und brutal und befinden sich in einem Kriegsgebiet mit verdreckten Straßen und schäbigen Bars. Selbst ihre Motive werden nicht als ritterlicher Ehrenkodex dargestellt, sondern als kalte psychopathische Bestien, die ihre Opfer aus einer Laune heraus hinrichten. Die Verlockungen des Lebensstils sind völlig abwesend, und auch der Wunsch nach Geld hat keinen offensichtlichen Einfluss auf ihr Verhalten. "Jimmy ist kein gewöhnlicher Verbrecher."

So wie es keine Bemühungen gibt, einen aufschlussreichen Zweck für diese Kollektion von korrupten, finsteren und hinterhältigen Gegnern zu definieren, gibt es auch keine Kunstfertigkeit in der Präsentation. Es handelt sich um eine Polizei- und Raubgeschichte, in der die Antagonisten nicht von den Protagonisten zu unterscheiden sind und die Nachforschungen und Morde nur um der Originaltreue willen durchgeführt werden. Die Liebe zum Detail ist kohärent und die Nachbildung einer bestimmten Zeitspanne ist überzeugend, aber beides sind nur visuelle Spielereien. Die Thematik und ihre Tragweite werden in keiner Weise gefördert. Es handelt sich um eine Analyse von Monstern aus der realen Welt, die auf einer lebensnahen Grundlage basiert und zu einem sauren, antiklimaktischen und unkinematischen Ende verdammt ist, das durch eine hoffnungslos generische Erzählweise noch verschlimmert wird, die zu Beginn zu viel verrät, die Dramatik im weiteren Verlauf des Films erstickt und in einer vernunftwidrigen Kette von Codas endet, die sogar durch einen weiteren Abschiedsschuss unterbrochen wird. Die Darbietungen sind zwar intensiv, aber bei "Black Mass" geht es mehr um Aggressivität und Authentizität als um Entertainment.

Wenn er nicht gerade der 'Justice League' hilft, jenseitige Superschurken zu bekämpfen oder die abscheulichen Pläne von Gangstern zur Zerstörung ganzer Städte zu vereiteln, arbeitet Barry Allen (Ezra Miller) in "The Flash" von Regisseur Andy Muschietti unermüdlich im 'Central City Research Lab' als forensischer Ermittler. Nachdem die Beweise für die fälschliche Verurteilung seines Vaters wegen Mordes an seiner Mutter ausbleiben, beschließt Barry Allen, mit seinen Superkräften die Uhr zurückzudrehen, um ihr tragisches Ableben von vornherein zu verhindern. Doch das Spiel mit der Vergangenheit bringt sowohl erwartete Aufgaben als auch unvorhergesehene Widrigkeiten mit sich, als eine mysteriöse Gestalt Barry Allens Versuche unterbricht, seinen schicksalhaften Verlust auszulöschen, und ihn in einer Zeitlinie ohne Superhelden stranden lässt. Um eine katastrophale Bedrohung für dieses Paralleluniversum zu bekämpfen, muss sich Barry Allen mit einigen unerwarteten Mitstreitern zusammentun, darunter ein pensionierter Verbrechensbekämpfer und ein kecker Teenager, der seine Fähigkeiten unter Beweis stellen will.

Es gibt keinerlei Einführung; der Betrachter muss sich gründlich mit den Figuren des DC-Universums vertraut machen, ebenso wie mit Barry Allens Leben, seiner Karriere, seinen familiären Verhältnissen und seiner Rolle in der Welt der Superhelden, von denen einige zum ersten Mal vorgestellt werden, aber mit einem Gefühl der Zugehörigkeit, so als ob seine aktuellen Kämpfe schon einmal beschrieben worden wären. Seltsamerweise versucht DC, mit 'Marvels Avengers' zu konkurrieren, während ihr Äquivalent, die 'Justice League', alles umgekehrt macht. Wo die 'Avengers' im Vorfeld ihrer filmischen Zusammenarbeit Einführungsfilme erhielten, machte die 'Justice League' den Anfang, bevor sie mit separaten Ursprungsfilmen fortgesetzt wurde. Dies ist also nicht der erste Auftritt von 'The Flash', auch wenn es eine Geschichte über seine bescheidenen Ursprünge sein soll.

Formelhaft verfällt "The Flash" schnell in Selbstironie und nutzt eine gehörige Portion Humor, um die wenig überzeugenden Elemente der Spezialeffekte auszugleichen. Barry Allens Sprint ist einer der merkwürdigsten, da er dazu neigt, einfach an Ort und Stelle zu laufen, während er durch von Elektrizität umgebene Landschaften flitzt, und seine Bewegungsabläufe entsprechen nicht ganz dem, was notwendig wäre, um hohe Geschwindigkeiten darzustellen. Wenn das Drehbuch sich selbst nicht zu ernst nimmt, wird der Betrachter den Überschuss an computeranimierten Gebilden, die ineinander prallen und rasen, vielleicht nicht hinterfragen. Kollisionen mit echten Fahrzeugen, Explosionen und Stunts stechen hervor, wobei der typische Blitzwirbel und andere CG-Effekte hauptsächlich zur Zerstreuung dienen. "The Flash" verrennt sich auch schnell in Actionsequenzen und inszeniert eine bekloppte Weltherrschaftsidee für einen frenetischen Auftakt mit massiven Havarien, deren Hauptteil sich auf hyperkomplexe Zeitlupenstunts konzentriert, die nie so unwiderstehlich oder lustig sind wie die mit 'Quicksilver' aus "X-Men: Zukunft ist Vergangenheit".

Am problematischsten ist vielleicht das Timing von "The Flash", und zwar nicht nur in Bezug auf das Tempo. Der Film hat das große Manko, dass er nicht nur unverkennbare Hommagen an weitaus bessere Filme zeigt, indem er sich über "Zurück in die Zukunft" mokiert oder eine Zeile aus "RoboCop" zitiert, in der es darum geht, nach einer traumatischen Rettung einen Arzt aufzusuchen, sondern auch eine Handlung verwendet, die den jüngsten Superheldenfilmen frappierend nahe kommt. (Spoiler) "Spider-Man: No Way Home" brachte Darsteller aus früheren, sich überlappenden, voneinander unabhängigen Universen für eine Greatest-Hits-Reunion zusammen, die durch einen ungeheuer verrückten Irrtum ausgelöst wurde, der einen ganzen Film ins Chaos stürzte, wohingegen "Spider-Man: Across the Spider-Verse" lediglich die Vorstellung von unveränderlichen kanonischen Ereignissen etablierte, nicht dass dies eine besonders geeignete Methode für eine Zeitreisegeschichte wäre. Und selbst Barry Allens Weltfremdheit und allgemeine Naivität, gepaart mit seiner mangelnden Fähigkeit, aufgrund seiner Superhelden-Aktivitäten in einem normalen Job zu funktionieren, und seiner Schüchternheit in Bezug auf sein flüchtiges Liebesinteresse (Kiersey Clemons), sind Tom Hollands Darstellung von 'Spider-Man' unbequem verwandt. Trotz der unterschiedlichen Protagonisten und Schauplätze ist die Originalität auffallend begrenzt. "Läufst du einen Marathon oder so was?"

Kurioserweise ist diese ganze Prämisse eine Episode von kolossaler Willkür, die aufgelöst werden muss, um eine heillos verknotete Zeitlinie oder ein Multiversum zu entwirren. Es ist so etwas wie ein unabhängiges, eigenständiges Abenteuer, das sich nicht in bereits bestehende Handlungsstränge einmischen müsste, wäre da nicht die Tatsache, dass es jetzt irrelevant ist, da DC die bestehenden Charakterbögen der 'Justice League' zu einem Abschluss bringt. (Spoiler) Nichtsdestotrotz gibt es hier eine Menge für Fans: Michael Keaton in seiner Rolle von 1989 wiederzusehen ist außergewöhnlich befriedigend, ergänzt durch Danny Elfmans bedeutsame Titelmusik. Die Rückkehr von Michael Shannon und Antje Traue für ein paar weitere Konfrontationen ist positiv, und die Neuinterpretation der 'Superman'-Persönlichkeit mit einem Kniff hat ihre Reize neben einigen anderen Innovationen. Ebenfalls exzeptionell ist, dass in "The Flash" zwei Versionen von Ezra Miller gleichzeitig auf dem Bildschirm zu sehen sind, so dass sie sich lässig untereinander austauschen können. Doch wenn immer wieder hervorgehoben wird, dass Zeit keine Rolle spielt oder dass die Charaktere in einem endlosen Paradoxon gefangen sind, ist es schwer zu verkennen, wie fragil das Konzept der Zeitreise als Spaghetti mit Tomatensoße ist. Ein Großteil der überlangen Laufzeit erscheint müßig, wenn die Abfolge und Zwangsläufigkeit der Elemente weiterhin so leicht manipuliert und revidiert werden kann. "Ruf Superman!"

In "The Whale" von Regisseur Darren Aronofsky arbeitet Charlie (Brendan Fraser) an der Oakley University als reiner Online-Literaturdozent und bleibt von seinen Studenten ungesehen, da er sich hinter der Lüge versteckt, seine Webcam sei kaputt. Die Wahrheit ist jedoch, dass er Hunderte von Kilos Übergewicht hat, sich kaum bewegen kann, sich nur mit einer Gehhilfe in einigen Räumen aufhalten kann und völlig auf seine Wohnung beschränkt ist. Er leidet an zahllosen Krankheiten und ist ständig kurz davor zu ersticken, einen Herzinfarkt zu erleiden oder einfach an seinem übermäßigen Gewicht zugrunde zu gehen. Dennoch will er keine professionelle Hilfe in Anspruch nehmen. "Ich gehe nicht ins Krankenhaus!"

Die ersten Bilder sind erschütternd stark, ohne dass man viel über den Mann weiß. Der Betrachter wird jedoch dazu verleitet, ihn nach seinen körperlichen Gebrechen zu beurteilen, und seine pathetische Masse, als er sich zum ersten Mal von der Couch erhebt, ist ein echter Schocker. Außerdem ist er sofort sympathisch, wenn man bedenkt, dass seine Bewegungseinschränkungen äußerst bedauerlich sind. Seine Freundin und Pflegerin Liz (Hong Chau) wird auf andere Weise lebendig: durch Dialoge, in denen sie Charlie über seinen Gesundheitszustand ausfragt und ihn verflucht, weil er ihr so viel Kummer bereitet. Trotz ihrer Schroffheit ist sie im Grunde die inkarnierte Geduld. "Ich pfeife immer, Liz."

Es gibt auch andere Charaktere, von denen jeder sensationelle Sequenzen von Emotionen beisteuert, von Charlies entfremdeter 17-jähriger Tochter Ellie (Sadie Sink) über seine Ex-Frau Mary (Samantha Morton) bis hin zu einem aufdringlichen Missionar (Ty Simpkins) und einem neugierigen Pizzaboten (Sathya Sridharan). Aber Brendan Fraser ist eine Macht, mit der man rechnen muss. Er schlüpft im übertragenen und wörtlichen Sinne in die Rolle des Wals aus 'Moby Dick', verändert den Verlauf der Menschen, mit denen er kurz interagiert, und ist in praktisch jeder Einstellung unvermeidlich. Während ein Großteil der Nebendarsteller durch Gespräche und Argumente eine gewisse Ergriffenheit vermittelt, gibt Brendan Fraser allein durch seine Mimik eine Fülle von Informationen preis. Seine Augen verraten seine Traurigkeit und sein Leid, umgeben von so viel überschüssigem Fleisch, das selbst ein Wunderwerk der Prothetik und der Make-up-Effekte ist.

Es scheint, als ob alle Entscheidungen von Charlie schlecht sind. Mit der Hinzufügung der abstoßenden Wirkung seiner krankhaften Fettleibigkeit testet Darren Aronofsky nach einem Drehbuch von Samuel D. Hunter, der sein eigenes Theaterstück adaptiert hat, ob der Betrachter die Menschlichkeit in der Figur entdecken kann, auch wenn er sich selbst aufgibt und jeden Moment zu sterben droht, indem er in katastrophaler Weise einer Depression nachgibt, die ihn körperlich weiter verändert. Kann er jemand anderen retten, wenn er nicht bereit ist, sich selbst zu retten? Diese Vorstellung führt zu einer Anzahl faszinierender Kontraste, von einem Missionar, der voreilige Schlüsse über devianten Sex zieht, über einen Teenager, der verzweifelt versucht, mit anderen in Kontakt zu treten, sie aber wegstößt, um sich an sie zu binden, bis hin zu einer Mutter, die ihrem Kind helfen will, sich aber nicht zurückhalten kann, mit einer Härte zu sprechen, die das Gegenteil suggeriert. Das Ganze ist eine Achterbahnfahrt aus abwechselnder Schärfe und Zärtlichkeit, während Darren Aronofsky mit der Schwelle zu verzeihlichen Fehlern spielt, vielleicht wie Herman Melville, der seine traurige Geschichte mit abgedroschenen Beschreibungen von Walen und technischen Aspekten des Lebens auf See hinauszögert, wenn auch nur, um die unvermeidlichen Tragödien, die kommen werden, einen Moment zu verzögern.

"The Whale" ist ein regelrechtes Experiment in Sachen Elendsporno, schwer anzusehen, aber unmöglich, sich davon abzuwenden. Der Film ist gleichermaßen herzzerreißend, frustrierend, verstörend und spannend. Er ist eine monumentale Charakterstudie über viele geschädigte Seelen, die um Sinn und Erlösung ringen. Und es gibt sogar einige Wendungen, die das Grauen und das Mitgefühl in Charlies langsamer Selbstzerstörung realistisch darstellen. "The Whale" ist von Anfang bis Ende mitreißend, und unabhängig von der Stärke des gezeigten Leids ist der Film ein absolutes Muss, mit Brendan Frasers ergreifendster Performance. "Ich bin nicht daran interessiert, gerettet zu werden."

"City Slickers - Die Großstadt-Helden" von Regisseur Ron Underwood ist nicht nur eine ausgelassene Komödie, sondern auch eine exzellente, dynamische Charakterstudie, voller nachdenklicher Reflexionen über Midlife-Crisis, Familienkonflikte, Erwartungen, Freundschaften und die Entdeckung der wichtigen und kleinen Dinge des Lebens. Der Ansatz der Komödie ist transzendent dank dieser Mischung aus amüsanten existenziellen Eskapaden und einer solide geschriebenen Geschichte. Mit Billy Crystals unverkennbarem Zynismus und unverwechselbaren schiefen Lachern, witzigen Sidekicks und ernsthafter Action hat es "City Slickers - Die Großstadt-Helden" verdientermaßen auf die Liste der besten Komödien des American Film Institute '100 Years ... 100 Laughs' geschafft.

Drei Freunde geraten in eine Midlife-Crisis, in der sie einfach einen Sinn für ihre scheinbar bedeutungslose Existenz finden wollen. Der risikofreudige Ed Furillo (Bruno Kirby) überredet die Gruppe, einen Urlaub als Viehtreiber quer durch den Mittleren Westen von New Mexico nach Colorado zu machen. Nach anfänglichem Zögern geben Mitch Robbins (Billy Crystal), ein Werbezeitverkäufer für einen Radiosender, und Phil Berquist (Daniel Stern), ein Supermarktmanager, nach und lassen sich auf das Abenteuer ihres Lebens ein. Von rauflustigen Ranchern über wilde Stürme bis hin zu reißenden Stromschnellen - die drei Freunde beginnen, einen Sinn in ihrem Leben und in ihren Freundschaften zu finden und sogar Erkenntnisse über sich selbst.

Die Handlung ist eine attraktive Mischung aus Drama und Humor, die durch starke Leistungen, individuelle Charaktergestaltung und effizientes Tempo gut ausbalanciert wird. "City Slickers - Die Großstadt-Helden" beginnt mit einer Verfolgungsszene, in der die scheuen Mitch Robbins und Phil Berquist gezwungen sind, mit den Stieren durch die überfüllten Straßen Mexikos zu laufen. Was folgt, ist der krasse Gegensatz eines wild irrationalen - oder vielleicht rationalen Mitch Robbins, der mit deprimierenden Umständen zu kämpfen hat. Dazu gehören seine Depressionen wegen seines Sohnes (Jake Gyllenhaal in einer sehr frühen Rolle), der seine Karriere missbilligt, die Party zu seinem 39. Geburtstag, die sein Gewissen belastet und die enttäuschende Bedeutung seiner aktuellen Erfolge hervorhebt, und eine ruhige Dinnerparty, die für den ehebrecherischen Phil Berquist in einer maritimen Katastrophe endet.

Mehr als die überdrehten komödiantischen Momente, die mit einem glaubwürdigen Beziehungsdrama vermischt sind, ist es die bunte Gruppe von Nebenfiguren, die wirklich herausragt. Curly (Jack Palance, der für seine Leistung als bester Nebendarsteller einen Oscar gewann), der kühle und gefasste, harte und lederne Trail-Boss, ist ein authentischer Cowboy, ein Überbleibsel aus einer einfacheren, härteren Zeit. Helen Slater verkörpert das Liebesinteresse und ist eine kompetente weibliche Vertretung in einem Film, der von männlichen Hauptdarstellern dominiert wird. Josh Mostel und David Paymer sind die Brüder, die Eiscreme herstellen und für die wohl lustigste Szene des Films sorgen, in der es darum geht, zu erraten, welche Eissorten perfekt zu einem bestimmten Gericht passen.

An vorderster Front zeigt Billy Crystal seinen typischen Humor und spielt eine Rolle, die ihm auf den Leib geschneidert ist, während Jack Palance mit seiner markanten Stimme unvergesslich den Sinneswandel von Mitch Robbins verkörpert. Einige wenige Andeutungen von Moralpredigten werden von einer Fülle von Actionsequenzen übertüncht, wie man sie aus reinen Western kennt: eine zufällige Stampede, ein besonders aufregender Ritt durch tobende Gewässer, um ein Kalb zu retten, und ständige Konflikte mit trunksüchtigen, feindseligen Cowboys. Komödien wie "City Slickers - Die Großstadt-Helden" sind rar. Nur wenige nehmen sich die Zeit, sympathische Rollen und zum Nachdenken anregende Themen zu entwickeln und dabei geschickt Slapstick, knackige Dialoge und komische Szenarien einzusetzen. Darüber hinaus ist die Musik von Marc Shaiman einfach fantastisch.

Als Eloise Turner (Thomasin McKenzie) in "Last Night in Soho" von Regisseur Edgar Wright am 'London College of Fashion' angenommen wird, glaubt sie, dass ihre Träume wahr werden. Und in gewisser Weise tun sie das auch. Jede Nacht träumt Eloise von Sandie (Anya Taylor-Joy), einer ehrgeizigen Möchtegern-Nachtclubsängerin im London der 1960er Jahre, und manchmal wird sie buchstäblich zu ihr. Doch was als mitternächtliche Träumerei in glitzernden Lokalen beginnt, wird schnell zum Albtraum, als der schmierige Talentagent Jack (Matt Smith) sie mit den Schattenseiten der Unterhaltungsindustrie konfrontiert. Als Eloise mehr und mehr über Sandies tragisches Leben erfährt, wird sie bald in die düsteren Aktivitäten ihrer Doppelgängerin verwickelt und von den Geistern der Vergangenheit der Sängerin heimgesucht.

Irgendetwas stimmt nicht, denn die Bilder zeigen unheimliche Spiegelungen einer Person, die sich nicht mit Eloise im Raum befindet. Am Anfang ist es nicht unbedingt furchteinflößend, aber es ist sicherlich ein Vorläufer für die spezifischen Horrorelemente, die kommen werden, da kleine Details über vergangene traumatische Ereignisse und psychische Probleme auftauchen. Das passt gut zu der Geschichte eines jungen Mädchens in einer fremden, weitläufigen Stadt, in der es sofort problematisch ist, Mobbing zu vermeiden, und in der es eine große Hürde darstellt, sich anzupassen. Wie in "Black Swan" und "The Neon Demon" ist der Druck, sich den Anforderungen anzugleichen und erfolgreich zu sein, enorm. Soziale Kontakte durch Alkohol, Partys und andere halluzinogene Ablenkungen werden zu einer Notwendigkeit, um solche Phasen zu erleichtern.

Aber Eloises Unbehagen rührt auch daher, dass sie immer wieder seltsame Visionen hat. Da der Betrachter die Ereignisse aus ihrer Perspektive sieht, wird die Unterscheidung zwischen dem, was real ist, und dem, was nicht real ist, immer unangenehmer. Leider ist die Charakterentwicklung sehr allgemein gehalten und lässt bei den Hauptfiguren viel zu wünschen übrig. Die Darsteller sind nicht schlecht, aber es ist anstrengend, in so banale Persönlichkeiten zu investieren, oder in solche, deren Realitätssinn sich immer mehr auflöst, selbst wenn das Drehbuch hofft, die Spannung zu erhöhen, indem es eine Art Spukhaus einführt, gemischt mit einem Zeitreiseportal und einer Körpertausch-Perspektive, die zu einigen eigenartigen kinematografischen Effekten führt, von denen viele fesselnder sind, als der eigentlichen Handlung zu folgen.

Wie bei Edgar Wrights anderen Filmen ist der Soundtrack sehr ansprechend und ein wichtiger Teil der Narration, obwohl es hier so klingt, als wären die Songs zuerst ausgewählt worden, bevor die Geschichte um diese Auswahl herum geschrieben wurde. Komischerweise erstreckt sich die zeitgemäße Musikauswahl sogar auf die Jump-Scares, als wäre der Soundtrack vor dem Drehbuch konzipiert worden. Wenn "Last Night in Soho" nicht gerade versucht, schaurig zu sein, ist es eher eine fade Fantasie über den Glanz und Glamour des Londons der 1960er Jahre, die darauf abzielt, stereotype Träume vom großen Erfolg im Showbusiness darzustellen, mit strahlenden Mädchen in seidigen Kleidern, die zu swingenden Melodien singen und tanzen und sich mit einem Mann in einem adretten Anzug eine schöne Zeit machen. Trotz der Beteiligung von Krysty Wilson-Cairns als Co-Autorin fühlt sich der Film wie eine weibliche Fantasie an, gesehen durch die Augen von Edgar Wright mit seiner Vorliebe für Zombies und blutige Gewalt. Wenn Thomasin McKenzie und Anya Taylor-Joy verführerisch in verschiedenen Kostümen und mit lebhaftem Make-up herumhüpfen, ist das fast wie seine Version von "Sucker Punch", mit zwei sexy Jungstars als seine ganz persönlichen Ankleidepuppen.

Dennoch dauert es erstaunlich lange, bis etwas Interessantes passiert. Das Ganze ist außerordentlich schleppend, wiederholt die grausame Welt von ausbeuterischen Schaustellern und hilflosen Opfern und schafft es nicht, irgendeine Figur sympathisch oder lebendig zu machen. Auch die Nebenrollen sind fade und wenig attraktiv, vor allem weil sich niemand authentisch verhält. Sowohl die Protagonisten als auch die Antagonisten sind völlig blind für das, was um sie herum geschieht, und tun so, als seien Eloises zunehmend seltsame Aktivitäten und Reaktionen nur kleine Kuriositäten. "Glaubst du an Geister?"

Wenn "Last Night in Soho" versucht, geradlinigen Horror zu zeigen, scheitert er ebenfalls kläglich, indem er jedes erdenkliche Klischee aufgreift und den Betrachter mit so vielen spiegelbasierten Schreckmomenten überflutet, dass keine Sequenz mit einem Spiegelbild irgendeine Art von Überraschung bietet. Die Phantastik ist ebenso enttäuschend und erinnert an zahllose andere Spektralschocker wie "The Sixth Sense", "Crimson Peak" und "Doctor Sleeps Erwachen", die allesamt sehr offensichtlich sind. Und der Rest ist ein sich verzweifelt wiederholendes Durcheinander aus Tanzen und Feiern und plötzlichen stellvertretenden Visionen von Eloises Ich-Dualität, gefolgt von einer rasenden Panik und weiterem Getanze. So viele Szenen sind redundant, dass es schwierig ist, zu erkennen, wann die Geschichte tatsächlich vorankommt. Und da der Mordfall im Grunde von Anfang an gelöst ist, ist es nie ein nervenaufreibender Sprint zur Lösung eines schwer fassbaren Mysteriums. Bis zum leicht zu erratenden Schluss erweist sich "Last Night in Soho" als ein ermüdend unoriginelles, ungeheuer unbefriedigendes und unerwartet bizarres Konglomerat aus widersprüchlichen Genres und recycelten Konzepten.

In "Norma Rae - Eine Frau steht ihren Mann" von Regisseur Martin Ritt verliert Leona (Barbara Baxley) im Sommer 1978 in der Textilfabrik 'O.P. Henley' in North Carolina vorübergehend ihr Gehör durch den unaufhörlichen Lärm, der von den ständig surrenden Maschinen ausgeht. Ihre Tochter Norma Rae Webster (Sally Field), die ebenfalls in der Fabrik arbeitet, kommt ihr zu Hilfe und verlangt, dass die ältere Frau medizinisch versorgt wird. Doch dem Unternehmen geht es nicht um eine solche Beeinträchtigung des Wohlergehens seiner Mitarbeiter, sondern um den Profit.

Als der New Yorker Reuben (Ron Leibman), ein Gewerkschaftsorganisator der 'Textile Workers' Union of America', in die Stadt kommt, um eine Gewerkschaft zu gründen, trifft er auf paranoide Polizisten und wütende Bürger. Was er verkauft, ist antiamerikanischer, kommunistischer Schwachsinn. Und so wirft Norma Raes Vater Vernon (Pat Hingle) ihn kurzerhand hinaus, weil er sich über die kleinste Andeutung einer Partnerschaft aufregt. Aber Vernon ist einer der vielen unterbezahlten und überarbeiteten Beschäftigten in der kleinen Stadt, in der das Werk der einzige große Arbeitgeber ist. Er ist sich dessen nicht bewusst, aber er könnte besser abschneiden, wenn er von genau der Organisation unterstützt wird, der er normalerweise misstraut. Obwohl Reuben mit seinen Pamphleten und Reden nicht sehr weit kommt, hat Norma selbst eine lange Geschichte, in der sie sich gegen schlechte Arbeitsbedingungen ausspricht, was ihren Chef dazu veranlasst, sie zu befördern, um sie von den überzeugenden Vorträgen des Gewerkschafters fernzuhalten.

Norma schleppt sich durchs Leben, um für ihre beiden Kinder zu sorgen, während sie sich mit ihrem Vater (John Calvin), einem missbräuchlichen Mann aus der Gegend, der sie für Sex ausnutzt, und den Aufmerksamkeiten des aufmunternden Kollegen Sonny Webster (Beau Bridges) auseinandersetzt. Doch als sie in der Stadt immer wieder Reuben begegnet, klingen seine Worte über höhere Löhne und einen sichereren Arbeitsplatz immer überzeugender. Vielleicht ist es an der Zeit, dass sich die Gewerkschaft für das Werk einsetzt. "Große Unternehmen bekommen alles, was sie wollen. Alles geht an den reichen Mann."

"Norma Rae - Eine Frau steht ihren Mann" nimmt sich Zeit, um die Schauplätze und Figuren vorzustellen, und schafft es ausgezeichnet, ein authentisches Gefühl zu vermitteln. Das Highlight ist Sally Field, die mit großer Authentizität in die Rolle schlüpft und sowohl ihren Part als verzweifelte berufstätige Frau, die vor allem mit einer kurzen Aufsichtsposition kämpft, die ihr keine Freunde einbringt, als auch ihre Funktion als alleinerziehende Mutter meistert. Es gibt auch einen Hauch einer Liebesgeschichte, die süß und doch einfach daherkommt, und Pausen, um Bier zu trinken und die kleinen Freuden der Natur zu genießen. Die Nebendarsteller sind ebenso beeindruckend und erhalten ebenfalls genügend Zeit, um glaubwürdige Figuren zu entwickeln. Dank der Liebe zum Detail der Charaktere fällt es nicht ins Gewicht, dass sich der Kern der Handlung - Norma Raes kraftvoller Aktivismus - nur langsam herauskristallisiert, denn die Schauspieler sind real, glaubhaft und stark.

Norma Rae, die sich gleichzeitig gegen Rassismus und Hypokrisie und für ein kompromissloses Arbeitsumfeld einsetzt, ist eine äußerst inspirierende Figur. Sie ist eine Außenseiterin der realitätsnahen Art, die nicht filmisch gequält, sondern von einem allseits verstandenen, geerdeten, allgegenwärtigen Übel schikaniert wird: Unterdrückung durch herzlose Führungskräfte. Auch die zu erwartenden Vergeltungsmaßnahmen der Unternehmensleitung, die von Arbeitszeitverlängerungen und Lohnkürzungen bis hin zu Gerüchten zum Zwecke des Rufmordes und der Aufstachelung zu körperlicher Gewalt reichen, sind keine Übertreibungen. Sie entsprechen voll und ganz der Realität. Wenn ihre Unterstützer sie im Stich lassen, wenn sie in der Unterzahl ist und schikaniert wird, erreicht ihre Entschlossenheit ihren Höhepunkt. Ihre Figur ist eine Offenbarung, sie ist unendlich einnehmend und ungeheuer sympathisch, und gleichzeitig schafft sie es, herzerweichend gerecht und mächtig rührend zu sein. Hier wird deutlich, dass die größten Helden gewöhnliche Menschen sind, die angesichts der herrschenden Widrigkeiten außergewöhnlichen Mut aufbringen.

"Wenn es ein Problem gibt, folge den Rosen", sagt ein kleiner Junge in "The Forever Purge" von Regisseur Everardo Gout, als er eine Gruppe illegaler Einwanderer anführt, die vor Kartellen in Mexiko und anderen südamerikanischen Ländern fliehen und durch Abwassertunnel in die Vereinigten Staaten gelangen. Zehn Monate später, im texanischen 'Los Feliz Valley', kurz vor der alljährlichen Säuberungsnacht, arbeitet die Migrantin Adela (Ana de la Reguera) in einer von Darius Bryant (Sammi Rotibi) geführten Fleischverarbeitungsfabrik, was ihr ein einfaches Zuhause mit ihrem Ehemann Juan (Tenoch Huerta) ermöglicht, der vergleichsweise als Hilfskraft auf der riesigen Smartphone-gesteuerten Ranch von Caleb Tucker (Will Patton) arbeitet. Doch angesichts der drohenden 'Purge' ist Amerika nicht unbedingt das Paradies oder der sichere Hafen, als den es dargestellt wird.

Im Stall von Caleb Tucker stichelt sein voreingenommener Sohn Dylan (Josh Lucas) gegen Juan, um seine Vorherrschaft über den Angestellten zu behaupten, da er zuvor von Juans Fähigkeiten mit einem temperamentvollen Pferd in Verlegenheit gebracht wurde. Als ein Gast an diesem Abend vorschlägt, eine Verwandte des Hausmädchens kennen zu lernen, lehnt Dylan prompt und entschieden ab und bestätigt damit die Überzeugung, dass seine elitäre Familie kein Bedürfnis hat, sich unter 'andere' zu mischen. Allerdings wendet sich das Blatt, als Dylan, seine schwangere Frau Cassie (Cassidy Freeman) und seine Schwester Harper (Leven Rambin) sich auf die Hilfsbereitschaft anderer verlassen müssen, um nicht nur die Purge-Nacht zu überleben, sondern auch eine koordinierte Säuberung 'für immer', die sich geweigert hat, anzuhalten. "Ich hasse die verdammte 'Purge'. Es ist schwer, in dieser Nacht gesellig zu sein."

Wie schon in einem Vorgänger-Film "The Purge 3 - Election Year" verbirgt sich inmitten der Betise und des Pogroms der Purge-Prämisse eine sehr pointierte, relevante politische Deklaration. Die Einwanderungskrise steht hier im Mittelpunkt, wobei grob gezeichnete Stereotypen verwendet werden, um extreme Überzeugungen zu veranschaulichen, von denen viele in der Realität aus den Schlagzeilen gerissene Zitate über fehlgeleiteten Nationalismus und Patriotismus und das offenkundig rassistische Konzept der 'Purge' sind. Nachdenklich stimmende Kommentare über die Bereicherung der Reichen auf dem Rücken der Armen, über das zerbrechliche Identitätsgefühl, das durch die Anwesenheit von Fremden ausgehöhlt wird, über kulturelle und ideologische Ignoranz, über Hass und Angst, die alle anderen Emotionen verdrängen, und über Sklaven, die die Gelegenheit finden, sich an ihren reichen Herren zu rächen, wiederholen sich, aber es fällt schwer, die sehr realen Beziehungen im Kontext einer übermäßig chaotischen Anarchie ernst zu nehmen. All dies ist bitterlich weit von vernunftbegabter Satire entfernt.

Obwohl die ironische Umkehrung der Grenzsituation zwischen den USA und Mexiko eine weitere starke Idee ist, die in dem exzessiven Blutvergießen weitgehend untergeht, sorgt der Einsatz von pompösem, einschüchterndem Make-up und Verkleidungen wie Cowboy-Kostümen und Kaninchen-Anzügen für mehr Heiterkeit als Entsetzen. Zudem gibt es jede Menge gestaltlose Schreckmomente, die oft von sittsamen Quellen ausgelöst werden. Sobald die Hauptfiguren von "The Forever Purge" ihre Flucht durch das vom Krieg gebeutelte 'El Paso' inszenieren, entwickelt der Film das Konstrukt eines Videospiels, insbesondere durch die Kameraführung über die Schulter und die intensiven, krachenden Feuergefechte.

Problematischerweise sind die Hauptfiguren zu eierschalenfarben, um großen Fluidum zu hinterlassen. Helden werden in erster Linie durch ihre Überlebenskünste definiert, während Bösewichte sich dadurch auszeichnen, dass sie hasserfüllte und bigotte Worte von sich geben oder im Besitz blutverschmierter Munition sind. In der Wüstenlandschaft des dritten Aktes beginnen die Actionsequenzen den Schlachten von "Mad Max" zu ähneln. Einige der Stunts sind erfreulich gut gelungen, und die eine oder andere kathartische Ermordung sorgt für mildes Amüsement. Aber was die "Purge"-Filme angeht - und die Messlatte liegt ziemlich tief - ist dieser Film nicht so zugkräftig oder Achtung gebietend, wie er hätte sein können.

Die Eröffnungsszene von "Blue Velvet" zeigt die Besessenheit des Regisseurs David Lynch von visuellen Metaphern: Ein ruhiger, grasbewachsener Rasen, umgeben von einem strahlend weißen Lattenzaun, befindet sich in einem malerischen Vorort, in dem Feuerwehrleute den Passanten zuwinken, Schulkinder fröhlich die Straße überqueren und blühende Blumen unvorstellbar lebendig sind. Doch direkt unter dem Grün liegt eine Masse von sich windenden, gehörnten Käfern, die sich in den Schlamm krallen. Es ist ein Vorgeschmack auf den Horror, der uns erwartet, und symbolisiert auf unaufdringliche Weise die abartigen Grausamkeiten, die hinter der Fassade der Unschuld und Ruhe der Stadt lauern.

Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) kehrt in die Kleinstadt Lumberton zurück, um seinen sterbenden Vater zu besuchen. Auf dem Rückweg vom Krankenhaus entdeckt er auf einem benachbarten Feld ein verrottendes, abgetrenntes menschliches Ohr. Er wendet sich an Detective Williams (George Dickerson) von der örtlichen Polizei und wird gebeten, nicht weiter zu ermitteln. Doch Jeffrey Beaumont will den Fall nicht so schnell aufgeben. Mit Hilfe der Tochter des Detectives, Sandy (Laura Dern), sucht er nach Details und stößt auf weitere Hinweise.

Die beiden hecken einen Plan aus, um einen Schlüssel aus dem Haus von Dorothy Vallens (Isabella Rossellini) zu stehlen, damit Jeffrey Beaumont später zurückkehren kann, um die Frau auszuspionieren. Dorothy Vallens ist eine Nachtclubsängerin und irgendwie mit den morbiden Ausgrabungen verbunden. Als es Jeffrey Beaumont gelingt, sich wieder in die Wohnung von Dorothy Vallen einzuschleichen, befindet er sich in einer besonders prekären Situation: In einem Wandschrank wird er Zeuge der sadistischen sexuellen Perversion von Frank Booth (Dennis Hopper), der sich an der Sängerin vergreift. Es handelt sich um eine verdrehte, verstörende Lösegeldzahlung und die erste von vielen Begegnungen mit dem gefährlichen Mann, die zu noch seltsameren Bekanntschaften und dunkleren Geheimnissen führen werden. "Ich weiß nicht, ob du ein Detektiv oder ein Perverser bist."

Angelo Badalamentis mitreißende Musik unterstreicht die Mystery- und Film-Noir-Komponenten und wechselt zwischen düsteren Geigen, beschwingtem Jazz und Bobby Vintons "Blue Velvet" Theme. Der Roy Orbison-Song "In Dreams" hat ebenfalls eine große Wirkung und wird von Dean Stockwell als Ben, Frank Booths Partner, verzweifelt schlecht interpretiert. Beide fügen sich perfekt in die Paradoxie seiner bordellartigen Behausung ein, in der eine menschengroße Clownspuppe in einem Kleid zu sehen ist.

Während viele von David Lynchs Filmen skurril um des Skurrilismus willen sind, wirkt "Blue Velvet" bewusst realistisch als eine Erkundung und Untersuchung beunruhigender Charaktere in bedrohlichen Situationen, des völligen Abschaums der Gesellschaft und der von ihr Betroffenen, wie man sie selten im Kino sieht. Es soll vulgär, makaber, voyeuristisch, beängstigend und unerwartet sein, wie man es noch nie zuvor gesehen hat. In der Tat war die sexuelle Darbietung in den 80er Jahren für viele Betrachter zu viel, aber nach heutigen Maßstäben ist "Blue Velvet" nicht besonders grafisch, was die Tragweite der Eigenartigkeit mindert. Bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung war "Blue Velvet" in seinen Extremen weitgehend überwältigend.

Doch trotz aller Irrungen und Wirrungen ist dieses alptraumhafte Gebräu aus Chaos, Wahnsinn und Mord sehr stilvoll. Viele der Aufnahmen sind wie Traumsequenzen, mit verschlingenden Schatten und atmosphärischer Düsternis, während David Lynch auch radikale Nahaufnahmen, Zeitlupen, verschwommene Bilder, Kameratricks, Neonbeleuchtung und Rückblenden für zusätzliche Effizienz einsetzt. Die Szenen enden, wenn man es am wenigsten erwartet, die Figuren handeln spontan, und es gibt viele Überraschungen. Welche Sequenzen sind Fakt und welche sind Fiktion?

Spannung, Kuriositäten und ein fesselnder Mordfall, bei dem die Extravaganz das Ergebnis bei weitem überwiegt, werden durch einen wahnsinnigen Abstieg in eine surreale Hölle hervorgerufen. Was einst seltsam war, wird erschreckend, und die Normalität wird zum Delirium. Jedes Element, selbst die Todesszenen, spiegeln Merkwürdigkeiten wider, an denen niemand auch nur im Entferntesten sterben kann. Und dann ist da noch Dennis Hopper, der eine absolut unvergessliche Leistung als Amylnitrat-süchtiger Masochist abliefert. Seine Handlungen sind nie vorhersehbar, und die irrsinnig überdrehte Rolle, die Dennis Hopper eindeutig genießt, ist eine seiner bemerkenswertesten. Auch Isabella Rossellini liefert eine gewagte Leistung ab, die nur wenige andere Schauspielerinnen erbracht hätten, denn das Drehbuch verscheuchte zahlreiche potenzielle Darstellerinnen. "Blue Velvet" ist ein Film, den man lieben oder hassen kann. Er ist schockierend, unendlich umstritten und unerklärlich quälend, aber er fand eine riesige Fangemeinde, wurde von den Kritikern sofort gelobt und brachte David Lynch sogar eine Oscar-Nominierung für die beste Regie des Jahres 1986 ein.

"Der Affe im Menschen" von Regisseur George A. Romero beginnt mit einer Erklärung über die Trainingseinrichtungen für Kapuzineraffen der Boston University, die dafür sorgten, dass trotz scheinbar traumatischer Aktivitäten keine Tiere zu Schaden kamen. Der Film folgt dem Jurastudenten Allan Mann (Jason Beghe) aus Pennsylvania, der glücklich neben seiner Freundin Linda (Janine Turner) aufwacht, bevor er eine Runde laufen geht. Unglücklicherweise wird er während seiner regulären Auslaufrunde von einem nicht angeleinten Hund erschreckt, woraufhin er auf die Straße ausweicht und mit einem Lastwagen kollidiert, der ihn vom Hals abwärts lähmt. "Auf den Beginn seines neuen Lebens."

Währenddessen experimentiert der Chemielaborant Geoffrey Fisher (John Pankow) mit menschlichen Gehirnen und Affen, um einen Durchbruch in der Medizin zu erzielen. Es ist eine umstrittene Abteilung, in der der Chef (Stephen Root) Druck auf die Resultate ausübt, während Aktivisten, die gegen Forschung und Entwicklung sind, das Gebäude verwüsten. Da Geoffrey Fisher ein guter Freund von Allan Mann ist, kommt er auf die Idee, die spezialisierte Affentrainerin Melanie Parker (Kate McNeil) aufzusuchen, die in einem der Kapuzineräffchen des Colleges, das bereits einer Verhaltenskonditionierung unterzogen wurde, den perfekten Begleiter und Helfer findet. "Er wird sich um dich kümmern."

Die unglaublich seltsame Idee, einen Affen zu benutzen, um einem Tetraplegiker bei allem zu helfen, vom einfachen Aufheben von Gegenständen bis hin zum Putzen des Hauses und der Zubereitung von Mahlzeiten, was einfacher und hygienischer von einer angestellten Krankenschwester oder Haushälterin oder Köchin erledigt werden könnte, ist so unnatürlich, dass sie unmöglich realistisch erscheint. Für solch komplexe und sensible Dinge ist der Mensch die erste Wahl. Daher ist es besonders wenig plausibel, wenn Allan Mann beschließt, wieder zur Schule zu gehen, und verlangt, dass seine Assistentin Ella (gespielt von Kapuzineraffe Boo) an seiner Seite am Unterricht teilnimmt, wobei der Affe die Hand hebt, damit er dem Professor die Fragen beantworten kann, was zu weiteren sinnfreien Szenen führt.

Es ist somit eine günstige Entscheidung, dass die Prämisse in erster Linie ein Setup für einen Horrorfilm ist. Vieles ist von Anfang an schief gelaufen, vor allem die "Re-Animator"-ähnlichen fluoreszierenden Flüssigkeiten, die den Laborprimaten immer wieder injiziert werden. Erschwerend kommt hinzu, dass die Krankenschwester Maryanne Hodges (Christine Forrest) ein gestörtes Verhältnis zu ihrem Mündel hat, was Racheängste auslöst, und Ella ist mehr als bereit, die Befehle ihres Meisters, der telepathisch mit ihr verbunden ist, auszuführen, um gegen seine Feinde vorzugehen. "Das hat sein kleiner Dämon für ihn getan!"

Es ist auch merkwürdig, dass niemand Allan Manns ständigen Gefährten überraschend findet. Ein Affe als emotionaler Betreuer und Dienstleister ist sicherlich eine gesellschaftliche Seltenheit. Glücklicherweise neigen die Schauspieler hier dazu, das Material ernst zu nehmen, obwohl es offensichtlich um unwahrscheinliche Strecken herum geformt wurde, um den nötigen Thrill zu erreichen. Doch es dauert viel zu lange, bis mit Hilfe von Tom Savinis Special-Makeup-Effekten echte Horrorkomponenten auftauchen, stattdessen gibt es einen Liebes-Subplot, weitere Experimente, eine angespannte Mutter-Sohn-Beziehung - eine der kuriosesten Nebensächlichkeiten, die mittelmäßig an "Misery" erinnert - und geradezu urkomische Aktionen der tierischen Hauptfigur inklusive ebenerdiger Affenkamera, sowie die Tatsache, dass das niedliche, winzige Viech kaum eine imposante Präsenz darstellt. Für einen Film, der ein psychologischer Schocker sein soll, gibt es auf dem Bildschirm nur sehr wenige Schreckmomente. Wenn sie kommen, sind sie eher kälberig als medusisch. Zuweilen ist es wirklich äsopisch, wie die Leute von einem kleinen Fellknäuel übertölpelt werden. Das Finale ist absolut tumultuarisch und in seiner Niaiserie vergleichbar mit einem Passus aus "Geschichten aus der Schattenwelt", der einige Jahre später erschien, aber auf einer Stephen-King-Kurzgeschichte aus den Jahren zuvor basierte. "Sag ihr, dass der Affe hier ist!"

In "Spacecop L.A. 1991" von Regisseur Graham Baker sind im Jahr 1991 Außerirdische in der Stadt Los Angeles gelandet. Nun sind sie unter uns. Ein einsames Raumschiff, von dem man annimmt, dass es sich um ein Sklavenschiff mit hochgradig anpassungsfähigen, außergewöhnlich intelligenten Humanoiden handelt, hat Tausende von Neuankömmlingen an Bord gebracht, die drei Jahre nach ihrer Ankunft endlich aus der Quarantäne entlassen und in die Gesellschaft integriert werden. Doch trotz der gegenteiligen Behauptungen von Präsident Ronald Reagan sträuben sich die Menschen dagegen; überall zeigen sie Besorgnis, Abscheu und grassierenden Speziesismus. Außerdem sind die Fremdlinge so vielseitig, dass sie sich leicht in menschliche Gewohnheiten und Routinen anpassen können und sich so nahtlos in den Alltag einfügen, dass das Einzige, was die Menschen von den Außerirdischen unterscheidet, ihr Aussehen ist.

Detective Sergeant Matthew Sykes (James Caan) ist ein solcher Bürger, der Fremden gegenüber immer misstrauisch bleibt. Es hilft auch nicht, dass sie anfällig für menschliche Untugenden und Verbrechen sind. Als Matthew Sykes' Partner in Ausübung seiner Pflicht getötet wird, als das Duo versucht, einen Überfall auf einen Lebensmittelladen durch Neuankömmlinge zu vereiteln, hat er einen weiteren Grund, die außerirdischen Wesen zu hassen. Eine gescheiterte Ehe und die partielle Entfremdung von seiner Tochter verschlimmern seine Situation zusätzlich. Am nächsten Tag verkündet der Polizeichef, dass das 'Federal Bureau of Newcomer Relations' einen neuen Ermittler befördert hat und Matthew Sykes' Abteilung ihn einstellen soll. Matthew Sykes, der einen neuen Partner braucht, meldet sich freiwillig, denn dieser unerwünschte Außenseiter - Samuel Francisco (Mandy Patinkin) - bietet ihm die Möglichkeit, Verbrechen im Bereich der Neuankömmlinge in der Stadt zu untersuchen. "Die Hälfte von denen spricht nicht einmal Englisch."

Dabei lernen Menschen und Außerirdische, zusammenzuarbeiten und sogar gegenseitig zu vertrauen. Es ist eine kluge Studie über emotionale und verhaltensbezogene Unterschiede, von denen viele stereotypen Merkmalen entsprechen, die den Rassismus außerhalb der Science Fiction schüren. Von der Anatomie bis zur Sexualität, von Sprach- und Kommunikationsbarrieren über angeborene Eigenheiten bis hin zur staatlichen Namensvergabe, von denen die meisten grausame Witze sind, gibt es viele Details, die Matthew Sykes' Intoleranz anstacheln oder fördern. Das Skript enthält sogar ein spezielles Betäubungsmittel und einen Slangausdruck für Neuankömmlinge: Slag.

Die erzwungene, schnelle Akzeptanz einer fremden Präsenz führt zu Feindseligkeit, auch wenn es kaum einen Grund dafür gibt. Gleichzeitig lernen die Neuankömmlinge selbst so schnell, dass sie sich der Unzufriedenheit bewusst sind und ihre eigene Abneigung gegen ihre Situation entwickeln, obwohl ihre Spezies nie die Fähigkeit zur Selbstverwaltung hatte. Mangelndes Verständnis führt immer zu Vorurteilen, genau wie im richtigen Leben. Die Themen sind unabhängig von der Fiktion universell und lehnen sich in gewisser Weise an die Konzepte an, die in "Enemy Mine - Geliebter Feind" als Sci-Fi-Vergleich sowie in zahllosen anderen geerdeten, rassenbasierten Dramen untersucht werden.

Hinter den Beziehungen zwischen Menschen und Außerirdischen verbirgt sich ein ziemlich normaler Krimi, der mit ein wenig Action, Gewalt und knallharten Auseinandersetzungen angereichert ist. Wäre da nicht der spärlich kaschierte soziale Kommentar, wäre wenig davon originell. Doch die Schauspieler nehmen den Stoff ernst - eine bewundernswerte Leistung angesichts der zahlreichen futuristischen Ergänzungen und des aufwändigen Make-ups, während die Geschichte selbst das Abenteuer von Cops und Gaunern nicht auf die leichte Schulter nimmt. Verfolgungsjagden, Schießereien und verschiedene Stunts werden mit Aufrichtigkeit und Sorgfalt inszeniert. Dank des Engagements hervorragender Darsteller, selbst in kleineren Rollen, wird das, was wie eine fade, vergessenswerte "Star Trek"-Episode hätte aussehen können, mit einer gewissen Seriosität ausgestattet.

"Observance", eine geschickte Low-Budget-Produktion des in Australien lebenden Regisseurs Joseph Sims-Dennett, ist eine Verschmelzung zweier bekannter Arten von Psychothrillern. Es gibt den Thriller des Voyeurismus, wie Alfred Hitchcocks "Das Fenster zum Hof", in dem eine Figur ihre Nachbarn ausspioniert, bis der Spieß schließlich umgedreht wird. Und es gibt den Thriller der Klaustrophobie, wie Roman Polanskis "Der Mieter", mit einem Opfer-Helden, der in einem geschlossenen Raum gefangen ist, der von Natur aus unheimlich und bedrohlich ist.

In diesem Fall ist der Protagonist Voyeur und Opfer in einem. Parker (Lindsay Farris) ist ein Überwachungsexperte, der angeheuert wurde, um eine blonde Frau (Stephanie King) aus einer unmöblierten Wohnung auf der anderen Straßenseite zu observieren. Es sollte ein einfacher Auftrag sein, aber schon bald steht er vor einem moralischen Dilemma: Soll er versuchen, seiner Zielperson zu helfen, wenn er vermutet, dass sie in Gefahr ist, oder soll er einfach weiter seinen Job machen? "Beobachten Sie und berichten Sie dann darüber, so einfach ist das."

Dies ist die Art von Film, in dem wenig passiert, aber viel angedeutet wird, und in dem die Erzählung kaum mehr als ein Vorwand für die Sorgfalt ist, die in Kameraführung, Schnitt und Sounddesign gesteckt wird. Joseph Sims-Dennett und sein Team bauen die Angst durch ephemer wirkende Bilder und elektronisch verzerrte Stimmen sowie durch flächige Nahaufnahmen alltäglicher häuslicher Details auf: Kaffeesatz in einer leeren Tasse oder Flüssigkeit das in einem Waschbecken versickert.

Überall gibt es Anzeichen dafür, dass etwas nicht stimmt: Die Wände der Wohnung scheinen von einer körperlichen Krankheit befallen zu sein, die auf Parkers Organismus übergreift und sich in eitrigen Wunden entlädt. Doch angesichts von Parkers Labilität - er trauert um seinen Sohn und leidet unter Albträumen - ist es unklar, wie viel von dem, was wir sehen und hören, der Realität entspricht und wie viel nur in seinem Gehirn existiert. "Ich glaube, dieser Job ist nicht das, was Sie behaupten."

Das ist nicht das einzige Mysterium, das Joseph Sims-Dennett und sein Co-Autor Josh Zammit nicht lösen können: Es ist von Anfang an klar, dass es ihnen mehr darum geht, eine unheilschwangere Stimmung aufrechtzuerhalten, als eine kohärente Geschichte zu erzählen. An diesem Prinzip ist nicht unbedingt etwas auszusetzen, aber es birgt die Gefahr, den Film auf eine abstrakte Visitenkarte zu reduzieren, mit dem Hochglanz eines Musikvideos oder einer glatten Fernsehwerbung.

Der Schauplatz ist amerikanisch, nach den Akzenten zu urteilen, aber nur nominell. Lindsay Farris moduliert seine Unruhe mit Kompetenz, schafft es aber nie, aus Parker eine interessante Figur zu machen. Mit etwas mehr Humor und einem stärkeren Sinn für die Umgebung der Hauptfiguren hätte Joseph Sims-Dennett seine düstere Fantasiewelt vielleicht noch weiter ausbauen können.

Es gibt ein großes Problem mit "On the Line", das nicht offengelegt werden kann, ohne das gesamte Spiel und die Absichten von Regisseur Romuald Boulanger zu verraten. Die Handlung beginnt mit einer ziemlich cleveren Idee: Die Familie eines Late-Night-Radio-DJs wird von einem Anrufer bedroht, der darauf besteht, dass der Moderator auf Sendung bleiben muss, da sonst schreckliche Dinge passieren würden. Der Kerl sitzt im Grunde fest und ist hilflos, aber sobald der Filmemacher merkt, dass er diesen Kampf der Worte und des Verstandes nicht aufrechterhalten kann, entwickelt sich die Geschichte zu einem Geflecht aus ridikülen Komplikationen und Wendungen.

Der DJ ist Elvis Cooney (Mel Gibson), der wegen seiner ruppigen Art und seiner Ausdrucksweise, mit der er alles sagt, was er denkt, ein großer Star ist. Am Abend verabschiedet er sich von seiner Frau und seiner kleinen Tochter, geht zum Radiosender und lässt sich von seiner Chefin Sam Dubois (Nadia Farès) erläutern, dass sein Benehmen unweigerlich auf ihn zurückfallen wird. Ein Anrufer verkündet, er sei im Haus von Elvis Cooney, habe die Hunde der Familie vergiftet und die Frau und Tochter des DJs als Geiseln genommen. Der Entführer möchte, dass Elvis Cooney eine Lektion darüber erhält, wie seine Worte und Taten Menschen verletzt haben.

Das funktioniert bis zu einem gewissen Grad, denn ein verzweifelter, aber narzisstischer Elvis Cooney kann sich nicht einmal an den konkreten Vorfall erinnern, der dazu geführt hat. Schließlich ist die Zahl der Menschen, die er beleidigt, belästigt und vernachlässigt hat, einfach zu groß, um sich an einen einzigen Fall zu erinnern. In der Kabine versuchen seine Produzentin Mary (Alia Seror-O'Neill) und der neue Praktikant Dylan (William Moseley), seinem Gedächtnis auf die Sprünge zu helfen und die Polizei einzuschalten, doch für Elvis Cooneys Familie läuft die Zeit ab.

Es ist offensichtlich, dass Romuald Boulanger mit seiner Hauptfigur etwas sagen will, auch wenn der Schauplatz aus der Zeit gefallen ist und die Folgen seiner allgemeinen Niedertracht überspitzt sind. Zumindest scheint es so, doch sobald Elvis Cooney beginnt, den Radiosender nach der Quelle des Anrufs zu durchsuchen, werden die Mechanismen des bösen, übermäßig verworrenen Plans des Bösewichts, der öffentliche Geständnisse, eine Menge zufälliger Morde und eine Menge mit Sprengstoff präparierter Objekte beinhaltet, deutlich. Der Plot wird im Grunde zu einer Schnitzeljagd, bei der Elvis Cooney und Dylan von Raum zu Raum gehen, um neue Fallen, Täuschungen oder Hinweise zu entdecken, die helfen, die Pläne des Bösewichts zu durchkreuzen.

Die Risiken steigen und wachsen, bis sie vollkommen abstrus und paradox werden. Ohne zu viel darüber zu verraten, wie "On the Line" endet, nur um wieder damit zu beginnen, dass der Filmemacher versucht, denselben Trick zweimal zu benutzen und dabei scheitert, erweisen sich diese Qualitäten als, wenn nicht absichtlich, so doch zumindest gerechtfertigt durch das, was hier tatsächlich passiert. Das Resultat ist jedoch auch widersinnig und diametral, mit einer gehörigen Portion Marginalie in der Suppe.

In "12 Uhr nachts - Midnight Express" von Regisseur Alan Parker bereitet sich der Tourist William Hayes (Brad Davis) darauf vor, im Oktober 1970 in Istanbul, Türkei, einen Flug zurück nach Amerika zu besteigen. Aber er schwitzt auffallend und verhält sich merklich unruhig, was an den zwei Kilo Haschischstangen liegt, die an seinem Oberkörper kleben und unter Hemd und Jacke versteckt sind. Er kommt zwar durch die Sicherheitskontrolle am Flughafen, doch kurz vor dem Einsteigen wird eine weitere Überprüfung durchgeführt, bei der die illegalen Drogen entdeckt werden. Dieses Resultat ist fast zwangsläufig, wenn man bedenkt, dass die donnernden Soundeffekte eines schnell schlagenden Herzens die Gespräche und Hintergrundgeräusche übertönen. "Nervös?" "Nein."

Sein amerikanischer Kollege Tex (Bo Hopkins) kommt zwar, um bei den Formalitäten zu helfen, dient aber in seinen Szenen auch als Übersetzer für wichtige Dialoge. Da die türkischen Zwiegespräche weitgehend unerklärt bleiben, auch während der späteren Gerichtsverhandlung, in der es zu hitzigen Diskussionen kommt, die als belanglos heruntergespielt werden, ist William Hayes völlig aus seinem Element. Seine Bereitwilligkeit, mit den Autoritäten zu kooperieren, ist nicht besonders dienlich, denn sein angeborenes Misstrauen gegenüber dem fremden Land und seiner Politik veranlasst ihn, bei der ersten Gelegenheit zu fliehen, als er vorschlägt, den Taxifahrer zu identifizieren, der ihm ursprünglich die Schmuggelware verkauft hat. Neben dem Drogenhandel wird seine Situation noch verschlimmert, als er kurzzeitig vor der Polizei flieht und bald darauf für mehrere Jahre in einem türkischen Gefängnis landet.

William Hayes ist interessanterweise schuldig; das ist keine Frage der Meinung. Dennoch soll seine brutale Behandlung durch sadistische Wärter Mitleid erwecken. Seine Verbrechen rechtfertigen nach amerikanischen Maßstäben keine exzessiven, unmenschlichen Strafen, auch wenn man bedenken muss, dass immer noch zahllose Menschen in US-Gefängnissen lebenslange Haftstrafen für geringe Drogenmengen verbüßen. Aufgrund des politischen Klimas ist ein normaler Rechtsweg jedoch unwahrscheinlich, was zu der titelgebenden Phrase, sprich: einem Ausweg, führt. "Du hast das Gesetz gebrochen, Mann."

"12 Uhr nachts - Midnight Express" ist ein lehrreiches, historisches Stück, das das Innenleben eines türkischen Gefängnisses schildert und einige Ähnlichkeiten und viele Unterschiede zum amerikanischen/deutschen System aufzeigt. Mit Geld kann man bessere Bedingungen und Zugang zu Vorräten kaufen. Gefangene können für den richtigen Preis verschiedene unwahrscheinliche Dinge erwerben, und Bestechung, Korruption und Unmenschlichkeit sind an der Tagesordnung. Wie in anderen Gefängnisfilmen liegt der Schwerpunkt auf der Kameradschaft, insbesondere mit anderen englischsprachigen Sträflingen, einschließlich Nebenrollen von Randy Quaid und John Hurt, skrupellosen Wärtern und einem Masterplan für einen Gefängnisausbruch, der für Spannung sorgt. In mehrfacher Sicht erinnert der Film an einen Heist-Movie, ist aber fast wie eine Fernsehproduktion geschnitten, mit unpassenden Überblendungen, die den Eindruck erwecken, als seien längere Sequenzen weggekürzt und auf Inhalt getrimmt worden.

Viele der Ereignisse sind zudem weitgehend vorhersehbar und bieten nur wenige Überraschungsmomente, so als handele es sich um eine Art Inhaftierungsverfahren. Es gibt aber auch Momente, die der kathartischen Befreiung vorbehalten sind. Wenn die Antagonisten mit einem so hohen Maß an Abscheulichkeit dargestellt werden (Paolo Bonacelli als Whistleblower und Paul Smith als übergroßer Missbrauchstäter sind sehr wirkungsvoll), sind ihre Enden auf eine erschreckende Weise packend. Am faszinierendsten ist jedoch die Tatsache, dass der Film auf einer wahren Geschichte beruht, die nach dem Buch von William Hayes und dem Drehbuch von Oliver Stone verfasst wurde. Die strikte Einhaltung der Fakten ist nicht unbedingt so effizient wie das filmische abschreckende Märchen, das eine Reihe von Interaktionen hervorbringt, die zweifellos um der Theatralik willen ausgeschmückt sind, obwohl die dargestellten Ereignisse sicherlich zu weiteren Nachforschungen über das wahre Schicksal von William Hayes anregen werden.

In "Draculas Hexenjagd" von Regisseur John Hough wird die Tochter eines armen Holzfällers von dem skrupellosen Puritaner Gustav Weil (Peter Cushing) trotz ihres Flehens auf dem Scheiterhaufen verbrannt. Kurz darauf treffen die Schwestern Frieda (Madelaine Collinson) und Maria Gellhorn (Mary Collinson), Gustav Weils Nichten, aus Venedig in einem kleinen Dorf nahe der Burg Karnstein ein. Dort sind Gustav Weil und seine Bruderschaft auf einem Kreuzzug, um Teufelsanbeter aufzuspüren und zu vernichten. Zu ihren Opfern gehören alle, die auch nur im Entferntesten verdächtig oder asozial sind. Sie werden fast sofort verurteilt, ohne dass es Beweise oder einen Prozess gibt. Sehr zum Leidwesen von Gustav Weil macht sich Graf Karnstein (Damien Thomas) über den übermäßig religiösen Mann lustig, indem er sich über seine Bemühungen zur wahllosen Hexenjagd echauffiert. "Gott wird Rache nehmen!"

Peter Cushing widmet sich auf unterhaltsame Weise seiner lächerlichen Schauspielerei, einer kompromisslosen, feurigen, wütenden Persönlichkeit, die in "Draculas Hexenjagd" nie langweilig wird. Damit reiht sich dieser Hammer-Film in die Riege der anderen Vampirfilme ein, darunter auch jene, die sich ebenfalls mit dem Karnstein-Mythos befassen. Als der Graf satanistische Rituale durchführt, erweist sich Gustav Weils Absicht als seltsam akkurat. Bei der Beschwörung von Dämonen werden nämlich einige Exorzismus-Experten und untote Jäger benötigt. Gustav Weils Tötung an den Mädchen ist nicht gerechtfertigt, aber seine Skepsis gegenüber Karnstein ist nicht ganz unberechtigt. "Brennen reinigt!"

Natürlich ist "Draculas Hexenjagd" eine spätere Hammer-Produktion, die aus den laxeren inhaltlichen Beschränkungen und dem zunehmenden Wunsch des Betrachters nach kontroverseren Themen Kapital schlug, und enthält reichlich üppige Brüste, sexuelle Situationen und Andeutungen sowie grafische Nacktheit. Die Vorwände für die Notwendigkeit von Nacktheit sind eigentlich ziemlich absurd. Ständig werden irrationale Szenarien erfunden, nur um knackiges Körpergewebe zu zeigen oder auf fleischliche Genüsse anzuspielen. "Wer will schon brav sein?"

Die Besetzung mit eineiigen Zwillingsschwestern trägt zum offensichtlichen Exploitation-Wert bei, und kein einziges Mädchen im Dorf ist unscheinbar oder unattraktiv, während ein Großteil von "Draculas Hexenjagd" lediglich aus lüsternen Interaktionen besteht, die wenig zur fadenscheinigen Handlung beitragen. Es werden keine großen Anstrengungen unternommen, um den Zweck und die Bedeutung dieses Unterfangens zu verschleiern. Ebenso gibt es eine Handvoll Blut- und Gore-Szenen, aber sie sind weit weniger überzeugend oder ernstzunehmend. Zur allgemeinen Low-Budget-Atmosphäre tragen faule Kameratricks, Tag-für-Nacht-Bilder, ein abrupter Abspann und die Filmmusik von Harry Robinson bei, die einer Spaghetti-Western-Melodie von Ennio Morricone so unglaublich ähnlich klingt, dass es sich um eine absichtliche Kopie handeln muss. Bis zum chaotischen Finale summieren sich all diese Komponenten zu einer ungewöhnlich dämlichen Tortur, und doch ist es schwierig, sich nicht über die Gewalt, das Blutvergießen der Vampire und die in letzter Minute eingeblendeten hüpfenden Dekolletés zu amüsieren. "Wir können nur auf Gott vertrauen!"

Der schwedische dystopische Actionthriller "Operation Schwarze Krabbe" von Regisseur Adam Berg verbringt die ersten 90 Minuten damit, uns eine einsame, dünn skizzierte Figur zum Mitfiebern zu geben, nur um ihr dann den Teppich unter ihren scheinbar heldenhaften Taten wegzuziehen. Ob sie am Ende das Richtige tut, ist nebensächlich. Das Spielfilmdebüt von Adam Berg sieht stellenweise atemberaubend schön aus. Die Soldaten verbringen die meiste Zeit damit, auf Schlittschuhen durch ein gefrorenes Archipel zu gleiten, um zwei mysteriöse Kanister zu einer 100 Meilen entfernten Militärbasis zu bringen. Wir erfahren, dass der Inhalt der Kanister über Sieg oder Niederlage in diesem apokalyptischen Krieg entscheiden wird, obwohl wir nicht wissen, wer die beiden Kriegsparteien sind, warum sie kämpfen und so gut wie nichts über die meisten der Soldaten wissen, die sich so anmutig über das Eis bewegen.

"Operation Schwarze Krabbe" beginnt mit Schüssen in einem Verkehrsstau in einem Tunnel. Caroline Edh (Noomi Rapace) und ihre Tochter Vanja (Stella Marcimain Klintberg) verstecken sich unter einer Decke auf dem Rücksitz ihres Autos, während unbekannte Marodeure mehrere Autofahrer um sie herum massakrieren. Ihr Fenster wird mit einem Gewehrkolben eingeschlagen, und im nächsten Moment ist Caroline eine Soldatin, die ihren befehlshabenden Offizier (David Dencik) über den Schlittschuhplan befragt und ihn als Selbstmordmission bezeichnet. Ihr Tonfall ändert sich schnell, als er ihr mitteilt, dass Vanja am Leben ist und auf der Insel, die sie zu erreichen versuchen, auf sie wartet.

Caroline Edh übernimmt das Kommando und taucht sogar in die eisigen Fluten, um das Paket mit den Kanistern aus dem sinkenden Körper des Missionsleiters Forsberg (Aliette Opheim) zu schneiden, als dieser durch eine dünne Eisschicht stürzt. Diese und viele andere Unterwasserszenen sind hervorragend gefilmt, und die Düsternis dieser dystopischen Welt, in der Verräter an Überführungen hängen, enthält immer noch eine kalte, brutale natürliche Schönheit in der verschneiten Landschaft und den dunklen Weiten des Eises, die sich im Schutz der Winternacht endlos erstrecken. Bilder wie die vielen gefrorenen Gliedmaßen und Gesichter toter Passagiere auf einem gekenterten Rettungsboot oder einfach ein gefrorenes Schlachtfeld, das sich aus dem Eis erhebt, sind eindringlich, und die Actionsequenzen des Films sind überzeugend inszeniert, mit Scharfschützen, Hubschraubern und arktischen Kommandos, die ständig auf der Hut sind.

Allerdings erfahren wir so wenig über unsere Helden, dass es unmöglich ist, sich wirklich dafür zu interessieren. Caroline Edh ist die Einzige mit einer Hintergrundgeschichte, und die ist dürrer als das schwarze, splittrige Eis, durch das sie sich behutsam bewegt. Als ihr Kamerad Nylund (Jakob Oftebro), mit dem sie aneinandergeraten ist, die Bedeutung des Inhalts der Kanister und den großen Schaden, den er anrichten könnte, erkennt, besteht Caroline Edh darauf, um jeden Preis weiterzumachen, nur um ihr Kind wiederzusehen. Das soll irgendwie ergreifend, vielleicht sogar ehrenhaft sein, aber in Wirklichkeit ist es so egoistisch wie es nur geht, Massen zu opfern, um den eigenen Nachwuchs zu retten.

"Operation Schwarze Krabbe" wird im dritten Akt formelhaft und lustlos, auch ohne die vermeintliche moralische Zwickmühle von Caroline Edh, die nie wirklich von ihrer Tochter abweicht. Wir bekommen das Mädchen nur flüchtig zu sehen, meist in zwischengeschalteten Traumsequenzen, und sie ist hier eher ein Schatten als eine reale Person. Noomi Rapace liefert wie immer eine engagierte Leistung ab, aber ehrlich gesagt haben wir in dem Folk-Horror "Lamb" eine viel ernsthaftere mütterliche Hingabe für die mutierte Schafstochter ihrer Figur gesehen. Trotz einiger visuell betörender Sequenzen und einer einzigartigen Prämisse für eine militärische Mission, lässt die erzählerische Hohlheit von "Operation Schwarze Krabbe" den Betrachter kalt.

In "Cry Macho" von Regisseur Clint Eastwood war Mike Milo (Clint Eastwood) vor langer Zeit ein Gewinner, bevor er einen schweren Rodeounfall hatte, der zu Drogen- und Alkoholmissbrauch führte. Doch 1979, als er für Howard Polk (Dwight Yoakam) in Texas arbeitet, ist Mike Milo nur noch ein Schatten seines früheren Ichs. Er kämpft darum, einen Sinn hinter seiner täglichen Arbeit zu finden, die unter anderem darin besteht, zu spät auf der Ranch zu erscheinen, wo er sich um die Pferde kümmert. "Du bist für niemanden ein Verlust", sagt Howard Polk, der ihn prompt wegen seiner unverbesserlichen Unpünktlichkeit entlässt.

Ein Jahr später taucht Howard Polk mit einem völlig mysteriösen, abseitigen Motiv wieder auf und bittet Mike Milo, sich auf eine Mission nach Mexiko zu begeben, um den lange verschollenen Sohn des Ranchers, den 13-jährigen Rafael (Eduardo Minett), zurückzuholen, der angeblich von seiner Mutter Lexa (Fernanda Urrejola) misshandelt wird. Er scheint für diese Aufgabe nicht geeignet zu sein, denn er verfügt über keine besonderen Qualitäten für diese Rambo-ähnliche Aufgabe, und sein Alter (Clint Eastwood war zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 90 Jahre alt) macht ihn auch nicht besonders furchterregend. Unerklärlicherweise vertraut Howard Polk nur Mike Milo die schwierige Aufgabe an, den Transport und einen Umschlag mit Bargeld für eine technisch gesehen internationale Entführung zu organisieren.

"Er ist ein Monster", sagt Lexa über ihren Sohn, als sie auf ihrem weitläufigen Anwesen eine Party schmeißt und zunächst keine Gelegenheit findet, Mike Milo zu stoppen. Und so findet Mike Milo den entlaufenen Jungen in einer dreckigen Hahnenkampfarena, wo ein Road-Trip-Film beginnt, in dem das uneinheitliche Duo vor dem emotionslosen Bodyguard seiner gestörten Mutter fliehen muss. In Wirklichkeit gibt es jedoch nicht viel zu entfliehen, und es gibt auch nicht viel zu retten und zu reformieren, wenn es darum geht, das 'böse Kind' zu zähmen, wie eines der vielen wilden Pferde, die Mike Milo bricht. Stattdessen wechselt die meiste Laufzeit zwischen harmlosen Großvater-Sohn-Gesprächen, in denen kulturelle Unterschiede und das Aufeinandertreffen von Jung und Alt thematisiert werden, und einer Liebesgeschichte zwischen dem ehemaligen Rodeo-Star und einer sympathischen Witwe (Natalia Traven) - eine Nebenhandlung, die im Stil des Romans von Nathan Richard Nash gründlich ausgebaut wurde und Clint Eastwoods Rolle weitaus stärker in den Vordergrund rückt als das eigentliche Thema.

Problematisch ist, dass Mike Milo einfach nicht wie der richtige Mann für den Job aussieht oder sich verhält; er verfügt über äußerst begrenzte Mittel und Fähigkeiten, während Rafael vergleichsweise wenig überzeugend bleibt, vor allem wenn seine Entscheidungen nicht zu seinem harten Leben passen. "All die schlimmen Dinge passieren zu Hause", sagt er und spricht von seiner Intoleranz gegenüber anderen und deutet an, dass seine Mutter ihn an ältere Männer verkauft hat, um ihn sexuell zu manipulieren. Trotzdem tut er sich schnell mit Mike Milo zusammen, bevor er nach der Aufdeckung eines Verrats zusammenbricht und sofort wieder in völlige Abhängigkeit von dem älteren Cowboy gerät. Während ihre gemeinsame Zeit Momente für Lebenslektionen und Noten über Stärken und Schwächen hervorbringt, offenbart sie auch eine verblüffende Simplizität, Generizität und Hypokrisie. Die Art und Weise, wie die beiden vorgehen, ist nicht glaubwürdig, was vielleicht dadurch deutlich wird, dass Mike Milo einen wuchtigen und sorgfältig platzierten Schlag ausführt, der ihm in Wirklichkeit jeden Knochen in der Hand gebrochen hätte.

Da die Geschichte speziell auf Clint Eastwoods Jugendjahre maßgeschneidert ist, wird auch jegliches Gefühl für Konflikte beschönigt. Was ein gefährlicher Marsch durch feindliches Land sein sollte, ist eher ein lockerer Ausflug durch einladende Städte. Die gemächliche Beiläufigkeit und das offene Ende der Geschichte sind ein Ärgernis, während der fehlende Abenteuercharakter unerträglich ist. An einer Stelle hält Mike Milo Siesta und wacht auf, als der titelgebende 'Macho', der Hahn, kräht und auf und ab geht, als ob etwas Unheilvolles geschehen wäre. Im Gegenteil, es hat sich überhaupt nichts getan. Letztendlich wirkt der Film wie ein Projekt, das Clint Eastwood nur gemacht hat, um in die Dinge einzutauchen, für die er eine Leidenschaft hat, wie ruhige Wüstenlandschaften und Reiten. Wenn diese stillen, ereignislosen Aktivitäten wie das Zubereiten von Mahlzeiten und das Versorgen der Tiere auf dem Bauernhof, die selten über kurze Episoden der Herzlichkeit hinausgehen, den Betrachter unterhalten, so ist das für den nicht mehr ganz so jungen Filmemacher eher nebenbei und nicht von Bedeutung.

"Tár" von Regisseur Todd Field beginnt mit einer Standardszene, um den Betrachter in den Film hineinzuziehen - hier gibt es nichts Aufregendes, sondern nur eine Anregung, um eine Beziehung einzuführen - und dann einen ausführlichen Abspann. Dies ist ein signifikanter Kontrast zu den heutigen Filmen, bei denen die gesamte Crew und die Nebendarsteller der Produktion bis zum Schluss zurückgehalten werden. Das ist so ungewöhnlich, wenn auch gewollt, dass man meinen könnte, der Film beginne versehentlich an der falschen Stelle.

Als die eigentliche Geschichte beginnt, bereitet sich Lydia Tár (Cate Blanchett) auf ein Interview vor. Derzeit ist sie Dirigentin der New Yorker Philharmoniker, aber die Liste ihrer Leistungen ist umfangreich: Sie begann mit einem Klavierstudium, bevor sie in Harvard studierte, einen Doktortitel in Musikwissenschaft erwarb, mit mehreren großen Orchestern arbeitete, ein Buch über ihr eigenes Leben veröffentlichte, ein Stipendium erhielt, an der Juilliard unterrichtete und das seltene EGOT-Ensemble (Emmy, Grammy, Oscar, Tony) gewann. Sie ist auch eine der wenigen Frauen, die ein renommiertes Orchester dirigieren, was für viele eine Inspiration ist. In Kürze wird sie an einer neuen Aufnahme von Gustav Mahlers 5. Sinfonie arbeiten, die sie schon seit einiger Zeit realisieren wollte.

Während des Interviews spricht Lydia Tár wortgewandt über das Dirigieren und geht dabei auf technische Details ein, die den Betrachter mit Sicherheit 'im Unkraut' zurücklassen - eine Redewendung, die auf fast jede Zeile ihres Dialogs zutrifft. Und sie lässt sich auf ein Gespräch nach dem anderen ein, das von ähnlichen Konzepten geprägt ist. Wenn sie in einer Szene an der Juilliard unterrichtet, ist es fast so, als würde man einem echten Unterricht beiwohnen, der so kompliziert ist, dass er weit über eine Einführungsstunde hinausgeht. Ein Großteil dieses langen Vortrags, der an einem einzigen Ort gehalten wird, ist sowohl faszinierend als auch verwirrend. "Zeit ist das A und O."

Der erste Akt könnte als eine noch langweiligere Version von "Whiplash" beschrieben werden, in der ein anspruchsvoller Beruf vorgestellt wird, der keine Unvollkommenheiten duldet oder viele soziale Stunden zulässt. Lydia Tár ist in der Regel nur von Angestellten umgeben, wie ihrer persönlichen Assistentin Francesca Lentini (Noemie Merlant), einem Geschäftspartner wie Elliot Kaplan (Mark Strong), einem Mentor wie Andris (Julian Glover) oder einem Fan wie Whitney Reese (Sydney Lemmon), obwohl sie eine Freundin, Sharon (Nina Hoss), eine Tochter, Petra (Mila Bogojevic), und eine gestörte Beziehung zu einer mysteriös labilen ehemaligen Freundin, Krista Taylor (Sylvia Flote), hat. Im Gegensatz zum rasanten Tempo des oben erwähnten musikbasierten Thrillers nimmt sich dieser Aufwand für alles seine Zeit. Bei unbedeutenden Interaktionen wie Essen, Zuhören, Lesen, Autofahren, Musizieren oder Teekochen verweilt die Kamera in aller Ruhe und hält die Mimik fest, als wolle sie zusätzliche Reflexionen und Dialoge aufdecken, ohne sie explizit aussprechen zu müssen.

"Tár" ist eindeutig ein Werk mit einer einzigen Darbietung, in dem Cate Blanchett in einer hyperfokussierten Rolle glänzen kann, die sie in den Mittelpunkt praktisch jeder Szene stellt. Die Immersion ist vollkommen und packend. Es ist zweifellos eine spektakuläre Wendung, aber die ausführliche Chronik verhindert, dass der Dirigentenstab bis zu einer Stunde nach dem Film überhaupt noch geschwungen wird. An manchen Stellen scheint es, als würde ihr Leben in Echtzeit gefilmt, in dem Versuch, jede Kleinigkeit, ob wichtig oder unwichtig, festzuhalten. Mit seinen ausgesprochen dezenten Qualitäten haben selbst wirklich dramatische Akzente wenig Wirkung. Das Leben und Auftreten von Lydia Tár ist einfach zu realistisch und alltäglich. Sie sind einfach nicht kinotauglich, selbst wenn es darum geht, einen solchen Grad an Realitätsnähe darzustellen.

Proben, Vorsprechen, Meetings, Verabredungen zum Mittagessen und damit verbundene Diskussionen ziehen sich hin und füllen eine fast dreistündige Laufzeit. Kleine Intrigen, die von Politik, Günstlingswirtschaft und Verrat in der Branche bis hin zu kurzen Hinweisen darauf reichen, dass Krista Taylor so etwas wie ein geisterhafter Schatten ist, peppen das Geschehen auf, aber es ist nicht leicht, nicht zu merken, wie träge das Tempo ist und wie befremdlich bestimmte Filmaufnahmen werden. Letztendlich steht Lydia Társ Karriere vor den Herausforderungen der sich langsam entfaltenden Geheimnisse um Krista Taylor sowie ihrer eskalierenden, kontroversen Bindung zu einer Cello-Solistin (Sophie Kauer), aber es ist bereits zu spät, um den Betrachter zu erreichen. Auch die zunehmende Zahl von halluzinatorischen Bildern, die an Alpträume oder Verschwörungen grenzen, kommen nicht rechtzeitig zum Vorschein. Cate Blanchett mag eine Meisterleistung abgeben, die weniger berührt als in "Blue Jasmine". Die diversen Verluste und emotionalen Turbulenzen sind tiefgreifend, aber ihre Performance allein kann eine so kolossal unspektakuläre, schleppende und scheinbar grenzenlose Charakterstudie nicht beleben.

In "Marcel the Shell with Shoes On" von Regisseur Dean Fleischer-Camp braucht es etwa 20 Muscheln, um eine Gemeinschaft zu bilden, aber Marcel (Jenny Slate), eine solche Muschel, die zufällig ein Paar Schuhe trägt, findet sich in einer Situation von viel größerer Unabhängigkeit wieder. Da er von den meisten seiner Freunde und seiner Familie getrennt wurde, lebt er nur noch mit seiner Großmutter (Isabella Rossellini) zusammen. Die beiden kommen jedoch gut miteinander aus, suchen kreativ nach Nahrung und bauen Unterschlüpfe in und um das Haus, in dem sie zurückgelassen wurden. Verschiedene Menschen kommen und gehen, aber die meiste Zeit bleibt Marcel aus Sicherheitsgründen verborgen. "Ich mag mich."

Als der vertrauenswürdige Dean (Dean Fleischer Camp) das Haus bucht, beschließt er, Marcels Leben für eine Reihe von Dokumentarfilmen zu dokumentieren, die auf 'YouTube' hochgeladen werden sollen, damit die ganze Welt sie sehen kann. Die Muschel mit dem passenden Gesicht und den perfekten Fußtritten ist ein einzigartiges Subjekt, das Konzepte aus verschiedenen Filmen und vergangenen Erlebnissen auskotzt und Bemerkungen zu allem macht, was ihm in den Sinn kommt. Außerdem ist er überaus erfinderisch und kompetent. Trotz seiner winzigen Statur, seiner mangelnden Tiefenwahrnehmung, seiner eingeschränkten Anatomie und dem Fehlen nennenswerter Finger ist er in der Lage, zahlreiche Konstruktionen zu errichten, leichte landwirtschaftliche Arbeiten auszuführen, mit seinen honigfarbenen Sohlen Wände hochzuklettern und sich sogar in einem Tennisball schnell durch das Haus zu bewegen, obwohl er nie gezeigt wird, wie er in dem Behelfsfahrzeug eine Treppe hinaufsteigt, nachdem er eben diese Stufen hinuntergesprungen ist. "Willst du mir Fragen stellen?"

Die ersten Szenen funktionieren sehr gut, indem sie eine Sammlung von komödiantischen Vignetten zusammenstellen, die Marcels einzigartige Welt zeigen - nicht nur Muscheln haben Gesichter und Schuhe, sondern auch Erdnüsse, Pistazien, Brezeln, Müsli und mehr - und seine Interaktion mit seiner Umgebung, von Nippes über Insekten bis zu menschlichen Wesen. "Marcel the Shell with Shoes On" ist wie eine Mockumentary zusammengeschnitten, obwohl er Rückblenden mit Filmmaterial enthält, das nicht von Dean stammen kann, es sei denn, es handelt sich um kunstvoll inszenierte Rekonstruktionen. Ironischerweise begannen Marcels flüchtige Reflexionen und skurrile Welterfahrungen mit ein paar eigenständigen Kurzfilmen, und das ist auch der beste Weg, dieses Werk zu genießen. In Spielfilmlänge ist er ein wenig zu phlegmatisch und meditativ, und es geschieht nicht annähernd genügend, um die Spielzeit zu kompensieren. Er ist manchmal rührend und poetisch mit seinen Kontemplationen über das Altern, die Mortalität, die Genugtuung, die Liebe und den Tod, aber der Humor, der eigentlich seine stärkste Säule sein sollte, ist nicht konsequent genug, um den Film in seiner Gesamtheit attraktiv zu machen.

Optisch ist die Mischung aus Stop-Motion-Muschelwesen mit animierten Mündern und anderen Attrappen mit realen Umgebungen wie Menschen und Hunden und zahllosen Requisiten anfangs unterhaltsam, gerät aber schnell in Konflikt mit sich selbst. Wenn Marcel in komischen Habitaten isoliert ist und die Kamera lediglich seine genialen Erfindungen und humorvollen Exekutionen einfängt, scheint seine Wirklichkeit verkraftbar - seine unfassbare Gewandtheit und Körperstärke sind angesichts seiner Statur leicht zu übersehen. Doch wenn die dokumentarischen Abfolgen irgendwann zu einem größeren Roadtrip-Abenteuer werden und die Kollaboration mit Internet-Bewohnern, die nach viralen Videos suchen, zu einer spezifischen Modernität führt, die sich nicht für die Imagination eines anthropomorphisierten Krustentiers eignet, das Marcels verschollene Familie findet, wird seine gesamte Existenz inkongruent. "Was für eine traurige Art von Idiot."

Wie ein 'Pokemon' ist Marcel süß und kurios. Aber als Phänomen, wie in "Ted", ist er weit weniger tauglich. Umso länger sich der Kameramann mit seinem Gebaren befasst, desto mehr Zweifel kommen an seiner fiktiven Inkonsequenz auf. Wegen seiner Strukturierung und dem Schwund an Lachmomenten ist "Marcel the Shell with Shoes On" nicht prädestiniert, Kinder zu ergötzen. Darüber hinaus ist der Film nicht summarisch fundiert genug, um Erwachsene darauf anzusprechen.

Die Macht der 80er-Jahre-Nostalgie des einundzwanzigsten Jahrhunderts zwingt zu "Der Exorzismus der Gretchen Lang" von Regisseur Damon Thomas. Von der High-Pants-Mode bis hin zu verschiedenen Culture Club-Songs auf dem Soundtrack: Der Film ist das Nebenprodukt eines Nebenprodukts. Es ist eine High-School-Version von "Der Exorzist" für ein Post-"Stranger Things"-Publikum, das Popkultur- und Genre-Muster in einem vorhersehbaren post-postmodernen Paket zusammenfügt. Elsie Fisher ist die Erlösung des Films, indem sie ihr Talent, das sie in "Eighth Grade" bewiesen hat, auf eine weitere Rolle eines unbeholfenen Mädchens anwendet, das diesmal nur etwas älter ist und somit den dämonischen Qualen des Highschool-Mobbings ausgesetzt ist. Im Großen und Ganzen ist der Film während seiner 97-minütigen Laufzeit unterhaltsam, aber er wirkt nie wie eine Annäherung an die Realität.

Das Drehbuch von Jenna Lamia, das auf der Romanreihe von Grady Hendrix basiert, stellt Besessenheit erfolglos als Metapher für die Persönlichkeitsveränderungen und Stimmungsschwankungen dar, die Teenager in der Pubertät erleben. Im Mittelpunkt der Geschichte steht jedoch eine Gruppe von vier Freundinnen mit unterschiedlichen Hintergründen und oberflächlich entwickelten feministischen Perspektiven. Elsie Fisher spielt Abby, die zurückgezogene und schüchterne Frau aus einer Arbeiterfamilie. Abbys beste Freundin ist Gretchen (Amiah Miller), die aus einer elitären Familie stammt, die ihre unzertrennliche Freundschaft mit Abby missbilligt. Margaret (Rachel Ogechi Kanu) ist die sexuell erfahrenste von ihnen, obsessiv auf ihr Aussehen bedacht und beschimpft ihren triebhaften Freund Wallace (Clayton Royal Johnson). Und Glee (Cathy Ang) ist heimlich in Margaret verknallt.

Als die vier in der Hütte von Margarets Familie übernachten, ruiniert Wallace die gute Stimmung, als er mit leichten psychedelischen Substanzen auftaucht und verlangt, dass alle nackt baden gehen. Später erkunden Abby und Gretchen die umliegenden Wälder und finden ein gruseliges altes verlassenes Gebäude, in dem angeblich ein satanisches Ritual stattgefunden hat. Drinnen werden sie mit Geflüster, einhüllender Dunkelheit, einem bizarren Augentier und einer dämonischen Stimme konfrontiert, die verkündet: "Mein!" Obwohl der Betrachter erfährt, dass Gretchens Körper von einem Wesen heimgesucht wird, nimmt Abby an, dass das abrupte asoziale Verhalten ihrer Freundin auf einen Angriff von Wallace zurückzuführen ist. Doch diese falsche Vermutung wird schnell widerlegt, als Gretchen in der Schule in aller Öffentlichkeit kotzt und uriniert. Wenn man bedenkt, dass diese Zwischenfälle ausreichen würden, um jeden Teenager zu demütigen, ist es seltsam, dass ihre Klassenkameraden sie nicht aufziehen. Stattdessen kommt sie mit neuem Make-up und einem Look, der an Meagan Fox in "Jennifer's Body" erinnert, zur Schule.

"Der Exorzismus der Gretchen Lang" spielt mitten in der satanischen Bewegung und macht außer ein paar flüchtigen Verweisen nicht viel aus diesem Detail. Damon Thomas, dessen Regiearbeit aus verschiedenen Fernsehfilmen und -serien besteht, bringt eine weitgehend laienhafte 80er-Jahre-Attitüde mit, einschließlich eines Übermaßes an Sperma-Witzen. Der Synthesizer-Soundtrack von Ryland Blackinton trägt dazu bei, die Stimmung dieser Ära einzufangen, ohne dass die Produktion zu sehr auf die bekannten Needle Drops setzt. Leider gelingt es dem Produktionsdesigner Bruce Curtis und der Kostümbildnerin Ariyela Wald-Cohain nicht, den Betrachter davon zu überzeugen, dass er in eine andere Zeit versetzt wurde, so dass sich der Film wie eine 80er-Jahre-Party anfühlt. Die CGI-Eulen und Waschbären am Rande des Geschehens sind ebenso wenig förderlich wie die anderen Stellen mit Billigeffekten. Am besten sind die Szenen jedoch, wenn Gretchen beginnt, ihre Freunde auf manchmal morbide Weise gegeneinander auszuspielen, auch wenn sie sich dabei auf einige nicht glaubwürdige Tricks verlassen.

Was am besten funktioniert, ist Elsie Fisher, die es schafft, einen verletzlichen Teenager mit Feingefühl darzustellen, was dieses bekannte übernatürliche Teenager-Horror-Märchen aufwertet. Als boshafte Mädchen auf Abby wegen ihrer Akne herumhacken, wirkt Elsie Fishers gekränkte Reaktion echt. Ebenfalls unterhaltsam sind die Lemon Brothers, ein christusliebendes Bodybuilder-Trio, das in High Schools und Einkaufszentren auftritt und dabei Jugendliche anwirbt. Chris Lowell spielt den schwächsten Bruder, Christopher, der von Abby rekrutiert wird, um Gretchen zu exorzieren. Während die tatsächliche Exorzismus-Sequenz eher einfallslos und der am wenigsten spannende Teil des Films ist, bringt Chris Lowell seine übliche komische Dynamik ein. Der größte Schocker ist, dass Abby offenbart, dass sie Jüdin ist, obwohl sie eine katholische Schule besucht, aber es wird wenig Zeit darauf verwendet, ihre vertuschte jüdische Identität zu erforschen. "Der Exorzismus der Gretchen Lang" ist ausreichend interessant, um den Betrachter ins Geschehen zu ziehen. Doch es bleibt nicht mehr als eine klamme Hommage an andere Horrorfilme und eine nichtssagende 80er-Jahre-Nostalgie.

"The Advent Calendar" von Regisseur Patrick Ridremont ist nur dem Namen nach ein Weihnachtshorrorfilm. Der Film spielt zwar um Weihnachten herum, und natürlich gibt es das titelgebende Objekt, aber sonst deutet wenig darauf hin, dass es die schönste Zeit des Jahres ist. Eva (Eugénie Derouand) ist eine ehemalige Tänzerin, die nicht mehr laufen kann. Als ihre Freundin Sophie (Honorine Magnier) ihr vor Weihnachten einen Adventskalender schenkt, wird dieser zur Antwort auf ihre größte Hoffnung. Aber sie ist auch das Tor zu unaussprechlichem Übel. Wenn das wie eine Folge von "The Twilight Zone" klingt, dann liegt das daran, dass es viele Analogien gibt. Dazu gehört vor allem das Motiv 'Pass auf, was du dir wünschst', das sich durch "The Advent Calendar" zieht. Es gibt auch einige Todesfälle, die direkt aus einer Anthologie-Fernsehserie stammen, darunter einer, in den ein Hund verwickelt ist, der ebenso dämlich wie brutal ist. "Nimmst du immer noch deine Tabletten gegen Halluzinationen?"

Was nicht heißen soll, dass "The Advent Calendar" wie eine langgezogene Episode von "Geschichten aus der Gruft" ist. Er ist in der Lage, verschiedene Arten von Horror in seine verwinkelte Handlung einzubauen. Zunächst einmal taucht der Film viel tiefer in seine Hauptfigur ein, als es eine dreißigminütige Fernsehsendung erlauben würde. Zwar wird zu viel Zeit damit verbracht, um das herumzutänzeln, was Eva wirklich will, aber es wird ein gewisser Zugang zu ihr gewährt. Je düsterer es wird und die Zahl der zu beklagenden Leichen steigt, desto deutlicher wird, dass Eva einfach nur 'normal' sein will. Dies wird gleich zu Beginn ersichtlich und steht im Mittelpunkt fast jeder Interaktion in "The Advent Calendar". Es gibt einige Personen, die auf sie herabsehen, eine besonders abfällige bezeichnet sie als 'halbe Tussi', aber niemand ist härter zu Eva als sie selbst. "Ich bring dich um."

Das führt zu einem interessanten Charakter voller Selbstmitleid und Verbitterung. Sie weist rasch darauf hin, wozu sie ihrer Meinung nach nicht in der Lage ist und dass sie keine Perspektive für ein Liebesleben hat. Das hindert sie jedoch nicht daran, einer Arbeit nachzugehen und zu schwimmen. Eva scheint bestimmte Aspekte ihres Lebens aufgegeben zu haben, während sie in anderen Bereichen vorankommt. Es ist eine eigentümliche Marschrichtung, die "The Advent Calendar" immer wieder antreibt, sich zu entfalten. Es passiert nie so viel, wie der Film es sich wünscht, aber was geboten wird, funktioniert.

So anziehend Eva auch sein kann, in "The Advent Calendar" gibt es einige Ausrutscher. Der Film schafft es gut, die Regeln vorzugeben, nach denen er abläuft. Die stilvolle Präsentation der Informationen in dem Film ist sehr hilfreich. Da die Normen so klar formuliert sind, ist es offensichtlich, wenn sie nicht eingehalten werden. Das mindert den Spaß ein wenig. Es werden viele Nebenhandlungen eingeführt, von denen keine abgeschlossen wird. Auf der anderen Seite ist "The Advent Calendar" perfekt getaktet. Alles spielt sich über mehrere Wochen ab, und obwohl manche Tage schneller vergehen als andere, hat man nie das Gefühl, dass etwas übersprungen wird. In Relation zur Prämisse fehlt es dem Film jedoch merklich an Spannung. Doch es gibt einige fantastische Schreckensbilder und es wird nie einseitig. Selbst wenn sich die Charakterentwicklung hinzieht, was bei Horrorfilmen immer ein Risiko ist, beeinträchtigt das nicht die Geschichte. Das Ende versucht, zu clever zu sein, und die quälende Frage, wie Eva so viel wissen kann, bleibt bestehen, dennoch ist "The Advent Calendar" ein guter 'Weihnachtshorrorfilm'.

In "Bacurau" von den Regisseuren Juliano Dornelles und Kleber Mendonça Filho kehrt eine junge Frau nach Hause zurück, um an der Beerdigung ihrer Großmutter teilzunehmen. Bei ihrer Ankunft findet sie die Stadt zunehmend abgeschnitten und isoliert von der Außenwelt vor. Die Bewohner müssen sich dann zusammenschließen, als eine äußere Macht droht, sie buchstäblich von der Landkarte zu tilgen. Die ersten beiden Akte dienen der Entwicklung des Ortsgefühls und der Dynamik der Stadt sowie dem Aufbau der Figuren. Auf diese Weise kann der Betrachter ein Verständnis für diese kleine, eng verbundene Gemeinschaft entwickeln, so dass man, wenn ihre Häuser und ihr Leben bedroht sind, tief in ihr Überleben involviert ist.

Während der ähnliche Film "The Hunt" von Craig Zobel mit voller Wucht zuschlägt, lässt sich "Bacurau" Zeit, wie ein Scharfschütze, der auf den perfekten Schuss wartet. Doch wenn er schließlich den Abzug betätigt, explodiert er in einer Kakophonie der Gewalt wie eine Dumdum-Kugel, die einen Schädel trifft. Juliano Dornelles und Kleber Mendonça Filho sind eindeutig auch Fans von Spaghetti-Western. "Bacurau" entspricht nicht nur der Struktur und dem Ton des Genres, sondern weist auch mehrere seiner Archetypen auf, vom anständigen Schulmeister über den Stadtsäufer bis hin zum schleimigen Bürgermeister. Die einheimischen und ergrauten Gesichter, die den Großteil der Besetzung ausmachen, bilden einen guten Widerpart zur Besetzung durch Udo Kier. Sein Antlitz ist dem europäischen Kino vertraut, und seine Präsenz unterstreicht die Genre-Wurzeln des Films.

Die Handlung der belagerten Kleinstadt erinnert an "Rio Bravo", der wiederum "Assault - Anschlag bei Nacht" inspirierte. Letzterer ist ein deutlicher Einfluss, denn die örtliche Schule trägt den Namen 'João Carpinteiro', eine direkte Bezugnahme auf den Horrorfilmemacher John Carpenter. "Bacurau" ist auch von Akira Kurosawas "Die sieben Samurai" geprägt, in dem die Stadt die Dienste eines örtlichen Gesetzlosen in Anspruch nimmt, um ihren Widerstand anzuführen.

Das Horrorgenre kann der Gesellschaft oft einen Spiegel vorhalten, wie in Filmen wie "The Purge - Die Säuberung" und "Get Out" deutlich geworden ist. Bei "Bacurau" ist das nicht anders. Es ist nicht nur ein erschreckender Blick auf das politische Klima in Brasilien, wenn ausländische Parteien kommen, um indigene Bürger und Land für ihren eigenen persönlichen Vorteil zu beseitigen. Darüber hinaus ist der Film ein Bericht über die systematische Rodung des brasilianischen Regenwaldes durch multinationale Konzerne, die auf das große Geld aus sind. Dieses Meisterwerk des Grindhouse wird garantiert jeden an seine Grenzen bringen. So wie die Einheimischen auf Psychedelika zurückgreifen, um der aufkeimenden Gefahr zu begegnen, werden die Beobachter von "Bacurau" einen höllischen Trip erleben.

"Troll" von Regisseur Roar Uthaug wirft die brennende Frage auf: Was wäre, wenn Godzilla in Norwegen auftauchen würde? Dieser Film hat seinen Ursprung in der regionalen Folklore, in der behauptet wird, dass Riesen aus Erde und Stein in den Bergen hausen. Diese Trolle reagieren empfindlich auf Sonnenlicht und können das Blut der Christen riechen, was in ihnen einen völkischen Eifer erweckt, der sie wütend und gewalttätig macht. Aber das ist in diesem Film nicht der Fall, wo er doch so viel Kreativität zeigt. "An jedem Märchen ist etwas Wahres dran."

Die 'Trollpeaks' in Romsdalen, das sind Berge. Die junge Nora Tidemann (Ameli Olving Saelevik) und ihr Vater Tobias (Gard B. Eidsvold) sitzen auf einem von ihnen und blicken auf eine wunderschöne, zerklüftete Landschaft. Tobias sagt, dass Geschichten wahr werden, wenn man wirklich daran glaubt, und Märchen über riesige Trolle, die hier draußen herumstampfen. Zwanzig Jahre sind vergangen, und Nora (Ine Marie Wilmann) ist jetzt Paläontologin und gräbt Dinosaurierknochen aus dem Schlamm, und sie hat sich von ihrem durchgeknallten Vater entfremdet. Andernorts sprengt der hässliche Fortschritt der Industrie einen Tunnel in einen Berg, um eine neue Eisenbahnlinie zu bauen, und aus den dunkelsten Tiefen erwacht etwas, das wie eine unheilige Metapher für den vom Menschen verursachten Klimawandel erscheint. Also wird Nora mit dem Hubschrauber zu einem dieser streng geheimen unterirdischen Hightech-Bunker-Hauptquartiere geflogen, wo sie sich mit dem besorgten Premierminister, einem verstockten General, einem korrupten Politiker und ein paar anderen Stereotypen trifft. Sie sehen sich Fotos an, die wie riesige Fußabdrücke aussehen, und ein ziviles Video, auf dem ein seltsamer menschlicher Schleier zu sehen ist, der Dinge zerschlägt, was den schmierigen Politiker zu einer abfälligen King-Kong-Anspielung veranlasst. Das sieht nach einer Aufgabe für ein paar Spinner mit arkanen Kenntnissen und einigen ungewöhnlichen Verbündeten aus, die eine bunt zusammengewürfelte Gruppe von Retterinnen und Rettern bilden, die über den Tellerrand hinausschauen, weil die Staatsoberhäupter die Sache sonst einfach in die Luft jagen würden. "Dann sollten wir wohl besser Greta (Thunberg) anrufen!"

Ein etwas anderer Schauplatz, das gleiche Spektakel. Nur ist es diesmal einen Tick dämlicher als sonst, denn das Biest ist ein "BFG - Big Friendly Giant" aus Steinen und Dreck, den die Riesen aus "The Green Knight" sicher sehr sexy finden würden. Roar Uthaug und sein Co-Drehbuchautor Espen Aukan setzen Klischees ein wie ein Spielautomat mit Jackpot: Das Monster stürmt das beschauliche Heim ahnungsloser Senioren, der verrückte alte Sack ist gar nicht so irre, das Ungetüm wirft Hubschrauber aus der Luft, der rechtzeitige Einsatz eines Computerhackers, entfremdete Vater-Tochter-Sentimentalität, glotzende Bürger, die auf einen unglaublichen Anblick starren, Autoritätspersonen, die an einem langen Tisch sitzen und sich streiten, und so weiter. Jede einzelne Szene in "Troll" ist komplett aus anderen Filmen abgekupfert, und die wenigsten dieser anderen Filme sind gut. "Das ist ein Felsenmensch, der läuft!"

Um es klar zu sagen: Niemand nimmt irgendetwas davon ernst. Es ist der Verdienst von Roar Uthaug, dass er einen lockeren Ton beibehält, ohne im Irrsinn zu biwakieren - ein Bemühen, das nicht unbemerkt bleiben sollte. Es gibt eine besonders witzige Szene, in der ein blutüberströmter Soldat zu seinem christlichen Gott betet und damit sein Schicksal in den Händen des Trolls besiegelt, und ich konnte nicht umhin, mich zu fragen, was passiert wäre, wenn der Kerl Muslim oder Buddhist gewesen wäre. Es ist mysteriös, dass eine Kreatur, die im Film oft als 'Naturgewalt' beschrieben wird, ein solch tödliches Vorurteil hat - eine Ahnung, die "Troll" einen Hauch von Originalität hätte verleihen können, die aber leider unerforscht bleibt. Und so dümpelt der Film uninspiriert vor sich hin, gesäumt von flapsigen Kalauern, einer Vielzahl von Anspielungen auf klassische Science-Fiction-Filme, ausgedienten CG-Effekten und nicht mehr als ein paar brauchbaren Actionsequenzen. Dieser Troll ist ein Vollidiot. Godzilla würde ihm den Arsch aufreißen.

Der niederländische Regisseur Paul Verhoeven, bekannt durch "Basic Instinct" und "Showgirls", inszeniert ein lesbisches Abenteuer hinter den Mauern eines Klosters aus dem siebzehnten Jahrhundert. Der Glaube an die erotischen Perspektiven ist überwältigend. Doch wer vermutet, dass sein Film "Benedetta" so etwas wie 'Showgirls 2' sein könnte, wird schnell feststellen, dass der 83-jährige Filmemacher viel mehr im Sinn hat als bloßen Schockwert, da er stattdessen einen Film schafft, der sowohl gewagt aufschlussreich als auch stürmisch unterhaltsam ist. Es gibt alle typischen Paul-Verhoeven-Merkmale, die wir kennen: reichlich Freikörperkultur, erschütternde Gewalt, expliziten Sex, Folterinstrumente und natürlich Blasphemie. Jede Menge Blasphemie, gekrönt von einem pferdegestählten Jesus. Oberflächlich betrachtet zeigt "Benedetta" den vertrauten visuellen Stil vieler religiöser Filme, mit seinen historischen Steinmauern, kerzenbeleuchteten Innenräumen und gut ausgestatteten Kostümen. Doch was hinter diesen Klostermauern vorgeht, ist das, was Paul Verhoeven wirklich interessiert.

Basierend auf der wahren Geschichte der italienischen Nonne Bernadetta Cardini greifen Paul Verhoeven und sein Co-Drehbuchautor David Birke die junge Benedetta auf, als sie im Alter von 15 Jahren in ein Kloster verkauft werden soll. Sie ist fest davon überzeugt, dass die Jungfrau Maria zu ihr sprechen kann, während sie ihre geliebte Statuette der Gottesmutter fest umklammert hält. Diese phallusförmige Figur wird im 3. Akt in einem völlig anderen Kontext eine wichtige Rolle spielen. Achtzehn Jahre später ist Benedetta Carlini (Virginie Efira) ein angesehenes Mitglied des Nonnenklosters geworden und gedeiht unter der geizigen Äbtissin Felicita (eine fabelhafte Charlotte Rampling). Mit der Ankunft von Bartolomea (Daphné Patakia), einer jungen Frau, die vor der Brutalität ihres schändlichen Vaters flieht, ändern sich die Dinge für Benedetta jedoch schlagartig. Schon bald sprühen die Funken zwischen den beiden. Obwohl Benedetta zunächst zögerlich auf Bartolomeas amouröse Annäherungsversuche reagiert, führt, wie so oft in Paul Verhoevens Filmen, eines zum anderen.

Das Problem ist, dass Benedetta immer wieder Visionen von ihrem lüsternen Jesus hat. Das Ergebnis eines solchen Traums ist, dass sie aufwacht und ihre Hände und Füße bluten - die Stigmata, die oft der erste Schritt eines Büßers auf dem Weg zur Heiligkeit sind. Die Äbtissin Felicita glaubt, dass sie es nur vortäuscht, aber der örtliche Kirchenvorsteher bestärkt Benedetta in ihren Behauptungen, denn ein potenzieller Heiliger im Dorf zieht mit Sicherheit Pilger an, die wiederum einen Haufen Lire in die Taschen der Kirche stopfen werden. Die Korruption und Heuchelei der Kirche ist ein leichtes Ziel. Aber gerade die Art und Weise, wie Paul Verhoeven seine Witze vorträgt, zeichnet "Benedetta" aus, denn er setzt auf Humor, auf echte Lachkomik als Geheimwaffe des Films. Das sind nicht die 'so schlecht, dass es gut ist'-Lacher von "Showgirls", sondern die 'so gut, dass es wunderbar ist'-Lacher, die der Film wirklich verdient hat. Trotz all seiner Obsessionen ist Paul Verhoeven im Grunde seines Herzens ein Entertainer, und die Komik, die er hier einsetzt, enthemmt uns und öffnet uns dafür, der Botschaft, die er vermitteln will, wirklich zuzuhören.

Seit "Der vierte Mann" von 1983 sind Glaube und Religion immer wiederkehrende Themen in Paul Verhoevens Werken. Er hat 2007 sogar ein Buch mit dem Titel 'Jesus of Nazareth' geschrieben, das sich mit den moralischen Grundsätzen Christi befasst und damit, wie andere sie in den letzten 20 Jahrhunderten manipuliert haben. Obwohl er Atheist ist, zeigt Paul Verhoeven eine Faszination für den echten Glauben, die dem Film das nötige emotionale Fundament verleiht, auch wenn die irrwitzigen Momente den Film zu sprengen drohen. Mit "Benedetta" ist Paul Verhoeven wieder in Hochform, denn er verbindet gekonnt seine provokante Erotik mit unerwarteter Humoristik und schafft damit wohl einen seiner unterhaltsamsten Filme.

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In "2071: Mutan-Bestien gegen Roboter" von Regisseur Ib Melchior gelingt es einer Gruppe von Wissenschaftlern (Philip Carey, Merry Anders und Preston Foster), in ihrem Labor ein Portal zu öffnen, durch das sie in das Jahr 2071 reisen können. Während sie dort die Ödnis der Wüste erkunden, stürzt das Portal ein und sie sind in der Zukunft gefangen. Sie werden von Mutanten verfolgt, finden aber Zuflucht bei einer Handvoll überlebender Menschen, die sich in einem unterirdischen Höhlenkomplex verstecken. Die Bewohner zeigen ihnen die Wunder ihrer fortschrittlichen Technologie und planen den Bau einer Rakete, um nach 'Alpha Centauri IV' umzusiedeln. Diese Pläne werden durch Übergriffe von Mutanten gefährdet. Eine Abstimmung im Rat ergibt, dass die Vorräte auf dem Schiff nicht ausreichen, um auch die Zeitreisenden mitzunehmen, und sie zurückgelassen werden müssen.

Ib Melchior schafft einen faszinierenden Anfang, in dem es den Wissenschaftlern gelingt, versehentlich ein Portal zu öffnen. Es ist eine Szene, in der Ib Melchior mit minimalen Effekten eine Menge interessanter Möglichkeiten andeutet. Die Kamera sitzt lediglich im Labor und blickt durch das Portal auf die karge Wüstenlandschaft, die billig, aber wirkungsvoll durch eine Projektion auf eine Wand dargestellt wird, die die Wissenschaftler nie direkt betreten, sondern ihnen alle erdenklichen Rätsel aufgeben, was sich dort befinden könnte. Danach aber fällt "2071: Mutan-Bestien gegen Roboter" in den allgegenwärtigen Trend der Zeitreisefilme dieser Ära - wie etwa "Captive Women", "Planet des Grauens", "Beyond the Time Barrier" oder auch "Die Zeitmaschine" - ein, in denen die Zeitmaschine nicht mehr Fantasie hat, als im Grunde nur als Raketenschiff zu dienen, das die Reisenden in ein exotisches Reich bringt. In all diesen Fällen führt die Zeitmaschine die Menschen in eine Zukunft nach dem Holocaust, wo sie in einen Kampf verwickelt werden, um die Überreste der Menschheit gegen Mutanten zu verteidigen.

In der Zukunft angekommen, gerät Ib Melchior in die Fallstricke vieler Unternehmungen zu fremden Welten oder in die Zukunft, und der Film kommt zu einem dramatischen Stillstand und wird stattdessen zu einem Katalog wunderbarer neuartiger Gadgets: Farbsynthesizer, ein planetarisches Überwachungssystem, Hydroponik mit beschleunigtem Wachstum, Erklärung von Photonenantrieben und ein Vibra-Transporter. Es gibt auch einen ausgiebigen Exkurs zu einer Roboterfabrik, in der wir den Bau von Robotern beobachten. Hier verkommt "2071: Mutan-Bestien gegen Roboter" zu einer asketischen Komödie herab - "Ich dachte, du machst mir schöne Augen", sagt Danny, als das süße Mädchen ihm Androiden-Augäpfel reicht. 'Famous Monsters of Filmland'-Redakteur Forrest J. Ackerman taucht in einem Cameo-Auftritt als Techniker mit einer einzigen Zeile auf: "Ich räume nur ein paar Dinge weg."

Im letzten Viertel jedoch bringt Ib Melchior "2071: Mutan-Bestien gegen Roboter" zu einem bemerkenswerten Abschluss (Spoiler): Die Zeitreisenden kehren durch das Portal zurück, um festzustellen, dass sich die Welt 100-mal langsamer bewegt als sie selbst, und müssen den ganzen Prozess noch einmal von vorne beginnen, um dann ein zweites Mal durch das Portal zu reisen, gefangen in einer Endlosschleife. Das ist eine wundervolle, kreative Note. Das ist Science-Fiction pur, ein kleines Juwel des Genres, wenn es am besten ist, und etwas, das man in einem B-Movie wie diesem unbedingt sehen muss.

In "Dune" von Regisseur Denis Villeneuve werden die Harkonnen-Spice-Sammler in den Dünen von 'Arrakis' reich und beherrschen den Planeten fast ein Jahrhundert lang. Doch durch einen kaiserlichen Erlass verschwinden diese strengen Herren plötzlich und machen Platz für einen neuen Clan, der die Kontrolle über den unbezahlbaren Besitz übernimmt. Auf 'Caladan', der Heimatwelt des Hauses Atreides, bereiten sich Herzog Leto (Oscar Isaac), seine Konkubine Jessica (Rebecca Ferguson) und ihr Sohn Paul (Timothee Chalamet) auf die Abreise nach 'Arrakis' vor, wo der Patriarch bald für die Lieferung von Spice an den Imperator verantwortlich sein wird, dessen verschlagene Weltraumgilden die einzigartige Zutat für interstellare Reisen nutzen. Verträumte Visionen des blauäugigen Mädchens Chani (Zendaya) und Aufklärungsmaterial füllen die Lücken für den Betrachter, indem sie auf den Handel mit Spice und seine Bedeutung als Droge und Treibstoff, die in der Wüste lebenden Rebellen auf 'Arrakis', die Fremen, und die riesigen Sandwürmer hinweisen, die sich unter der Erde vergraben und das Sammeln von Spice so gefährlich machen. "Wer sind unsere nächsten Unterdrücker?"

Von den ersten Momenten an ist die Grandiosität des Films nicht zu leugnen: Musik, Raumschiffe, Kostüme, Waffen, Kulissen und Requisiten erschaffen faszinierende Welten voller Wunder und Angst. Es ist, als ob die Intensität bis zum Anschlag aufgedreht ist, obwohl sie nur selten nachlässt, was verhindert, dass die nächsten Szenen spannender sind als die letzten. Das liegt vor allem an der Filmmusik von Hans Zimmer, die mit ohrenbetäubendem Schlagzeug und brüllenden Stimmen donnert und pulsiert und selbst mittelmäßige Sequenzen und Übergänge, die leiser und subtiler sein sollten, aufwertet. Dass Denis Villeneuve nach "Arrival" und "Blade Runner 2049" dieses Sci-Fi-Epos mit enthusiastischer Inbrunst angehen würde, ist allerdings nicht überraschend. Frank Herberts bahnbrechendes Abenteuer, das oft als unverfilmbar bezeichnet wird, ist nicht zu verachten.

Lange hat das Kino auf eine sorgfältige, ernsthafte und visionäre Verfilmung des größten und meistverkauften Science-Fiction-Romans aller Zeiten gewartet. Denis Villeneuve bleibt dem Original bemerkenswert treu, auch wenn die Dialoge im Interesse der visuellen Qualität und Klarheit erheblich aktualisiert wurden. Doch diese Tatsache hat ihren Preis: Während sich seine morbide Weltraumoper entfaltet, taucht eine Vielzahl von Figuren und Schauplätzen für kurze Zeit auf, bevor sie ein vorzeitiges Ende finden oder aufgegeben werden, um weitere Charaktere und Orte einzuführen - die Entwicklung der Personen tritt hinter der Beteiligung der Darsteller zurück. Anstatt bestimmte Rollen zu verstärken, um den Aufbau zu fördern, und andere zu streichen, deren Entfernung nicht nur das Tempo beschleunigen, sondern auch alternative Persönlichkeiten hervorheben könnte, hat fast jede Figur des Buches einen Auftritt, egal wie unbedeutend oder vergessenswert. Im Gegensatz zu typischen modernen Filmen, in denen Action oder Spannung den Betrachter gleich zu Beginn mitten in die Geschichte stürzen, beginnt "Dune" lobenswerterweise langsam und entwickelt seine riesige Ansammlung miteinander verbundener, rivalisierender Lehen und Krieger mit Hierarchien, Spionen, Politik und den übernatürlichen Kräften eines hexenähnlichen Kults galaxisweiter Aberglaubenpflanzer und der verschiedenen an der Spice-Ernte beteiligten Fraktionen. So vergehen Stunden, bevor wichtige Ereignisse eintreten, und die Aufmerksamkeit, die gewöhnlich den kleinen Details gewidmet wird, lässt dieses Arrangement eher für eine Miniserie geeignet erscheinen, da die gesamte Geschichte nicht auf einen einzigen Teil reduziert werden könnte und die Actionsequenzen selbst nicht die Hauptattraktion sind.

Der normale Betrachter mag der ständigen Fremdartigkeit von Pauls Vision überdrüssig werden und sich eher auf das optische Design als auf die Handlung konzentrieren, aber das Aussehen von 'Arrakis' und seinen Bewohnern und Eindringlingen ist in mancher Hinsicht absolut berauschend und erinnert an "300" mit seinem permanent variierenden Konglomerat von Bewohnern, von denen jeder über einzigartige Kleidung, Waffen und Bräuche verfügt. Faszinierend sind auch die Prophezeiungen, Sprachen, Religionen, Rituale, Ökologie und Fantasyelemente, die die galaktischen Konflikte in "Krieg der Sterne" in ein viel dunkleres Licht rücken und den Roman so eindrücklich machen. "Dune" war gewiss einer der ersten Filme, der biblische Geschichten mit islamischen Bezügen und Anspielungen auf "Lawrence von Arabien" in so großem Umfang mit Science-Fiction-Milieus verband. Bestimmte Technologien und Symbolik sind vielleicht nicht so leicht zu erkennen, aber die Seriosität, mit der die Schauspieler an die Materie herangehen, sowie die Strenge des Tonfalls und der Atmosphäre machen die jargonlastigen Szenen wett. Dies ist eine der Produktionen, die leichter zu verstehen sind, wenn der Betrachter bereits mit der Prämisse vertraut ist, wenngleich eine ihrer besten Leistungen darin besteht, dass sie sich so gravierend von der Kinofassung von 1984 unterscheidet, dass sie kaum einen Vergleich rechtfertigt.

So atemberaubend "Dune" auch sein mag, er kann leider nicht darüber hinwegtäuschen, dass er nur der erste von zwei Teilen ist. Einige Handlungspunkte wurden geändert, um einen saubereren Abschluss zu erreichen, aber die Geschichte ist nach zweieinhalb Stunden Investition eindeutig und frustrierend nicht zu Ende. Wichtige Akteure wie Feyd-Rautha und Imperator Shaddam tauchen nicht einmal auf. Es ist schwierig, ein Stück einer Geschichte als etwas anderes als das Fragment, das es ist, zu würdigen und zu beurteilen, auch wenn Denis Villeneuves Scharfsinn für visuellen Einfallsreichtum außerordentlich überzeugend ist. "Das braucht Zeit."