Chainsaw Charlie - Kommentare

John Connor (Nick Stahl) war das Ziel eines Attentats, noch bevor er geboren wurde - dank zeitreisender Killer-Cyborgs. Mit nur 13 Jahren wurde er erneut ins Visier genommen. Mit Hilfe der Familie und unerwarteter Verbündeter wurde der Tag des Jüngsten Gerichts, der eine zukünftige nukleare Apokalypse einleiten würde, vereitelt. Die drei Milliarden Menschenleben, die in dem bevorstehenden Krieg zwischen Mensch und Maschine ausgelöscht worden wären, wurden gerettet. Doch obwohl die Zukunft nicht sicher ist und jeder Einzelne sein Schicksal selbst in die Hand nimmt, wird John Connor wieder einmal zur Beute eines Roboter-Attentäters. In "Terminator 3 - Rebellion der Maschinen" von Regisseur Jonathan Mostow wird ein zumindest äußerlich weiblicher Roboter, das fortschrittliche Modell 'T-X' (Kristanna Loken), durch die Zeit geschickt, um den Schulbezirk von Los Angeles zu zerstören und alle Teenager ins Visier zu nehmen, die später zu Leutnants der Rebellion der Zukunft werden sollen. Und auch der altbekannte, in die Jahre gekommene 'Terminator' (Arnold Schwarzenegger) wird zurückgeschickt, um die Mission des erbarmungslos mörderischen kybernetischen Organismus noch einmal zu erfüllen.

In der Zwischenzeit sind die Tierärztin Kate Brewster (Claire Danes) und ihr Verlobter Scott Mason (Mark Famiglietti) zu einem Treffen mit ihrem Vater, Air Force General Robert Brewster (David Andrews), verabredet, doch dieser sagt in letzter Minute ab, weil ein neuer, verheerender Computervirus die Waffenprogramme des Militärs überrollt. In dieser Nacht sind Kate Brewster und John Connor zufällig am selben Ort, als der 'T-X' eintrifft, um die Frau zu exekutieren. So kann der 'Terminator' die beiden retten und in einem Atombunker in der Mojave-Wüste verstecken. Als er sie über den neuen, bevorstehenden Weltuntergang informiert, der unausweichlich ist und nur aufgeschoben wurde, beschließen sie, stattdessen eine riskante Rettungsmission zum 'Skynet'-Hauptquartier zu starten, wo General Robert Brewster gerade dabei ist, die Kontrolle über das experimentelle Computer-Verteidigungssystem zu übernehmen.

Die Spezialeffekte haben sich verbessert, auch wenn die CG-lastigen 'Terminator'-Duelle nicht die Intensität praktischer Effekte erreichen, die Actionsequenzen sind komplexer, die Explosionen sind größer, die Kugeln werden weniger zurückhaltend abgefeuert, und das Ausmaß der Zerstörung ist wahnsinnig - eine Verfolgungsjagd mit einem Großraumkran und einem Feuerwehrauto ist besonders denkwürdig und überwältigend. Die Musik fehlt merkwürdigerweise in vielen dieser Szenen, wahrscheinlich in der Hoffnung, dass die aufwendigen Aufnahmen, die Fahrzeuge und die anderen Beteiligten besser zur Geltung kommen, obwohl sie viel aufregender gewesen wären, wenn der charakteristische Score eingefügt worden wäre. Am Ende ist es offensichtlich, dass die Handlung kaum mehr ist als eine Rechtfertigung, um von einer Action- oder Verfolgungsszene zur nächsten zu kommen, unfähig, eine neue Story zu erzählen und anscheinend damit zufrieden, die Prämissen früherer Episoden wiederzukäuen.

"Terminator" und dessen Fortsetzung "Terminator 2 - Tag der Abrechnung" sind zwei der bedeutendsten Werke des Science-Fiction-Filmgenres. Ist es also möglich, die früheren kreativen Qualitäten zu erreichen oder zu übertreffen? Jonathan Mostow und sein Team haben es auf jeden Fall versucht. Sie haben den unersetzlichen Arnold Schwarzenegger als Protagonisten zurückgebracht und die Fähigkeiten des Hauptbösewichts so erweitert, dass er nicht nur flüssiges Metall regenerieren kann, sondern auch die Fähigkeit besitzt, mit computergesteuerten Geräten zu kommunizieren und diese zu kontrollieren sowie komplexe Waffen zu duplizieren - und das alles, während er einer trügerisch schlanken und sexy Frau ähnelt. Aber keines der neueren Motive hat die nachhaltige Kraft der Elemente aus den Vorgängerfilmen. Die eingesetzten Tricks und Bezeichnungen sind hier eher effekthascherisch und weniger aufrichtig.

Auch der Humor kommt nicht zu kurz: Oneliner und Situationskomik ergänzen die zahlreichen Anspielungen auf die bisherigen Filme. Arnold Schwarzenegger ist absolut sehenswert. Er spielt die Rolle, die ihn berühmt gemacht hat, zerstört monoton die Landschaft, bekämpft die Gesetzeshüter ohne Verluste, manipuliert seine Schützlinge psychologisch und gibt offen Informationen über die Zukunft preis. Auch wenn die menschlichen Hauptfiguren mehr physische Gewalt als möglich ertragen müssen und das Ende eine eher unangenehme postapokalyptische Vorstellung vermittelt, macht es unbestreitbar Spaß, Arnold Schwarzenegger für einen weiteren hochoktanigen Teil der äußerst erfolgreichen Franchise wiederzusehen.

"Terminator 2 - Tag der Abrechnung" von Regisseur James Cameron ist eine der besten Fortsetzungen, die je gedreht wurden, und wird oft als noch besser als das Original angesehen. Er markiert die Rückkehr des berühmtesten Cyborgs der Filmgeschichte. Arnold Schwarzenegger, der durch diese Reihe und "Conan der Barbar" berühmt wurde, kehrt in seine größte und treffendste Rolle zurück: Er spielt einen gutmütigen Killerroboter, der wieder einmal durch die Zeit geschickt wird, um die Erde zu retten. Noch nie gab es so viel Action, Aufregung und Spannung in einem einzigen Film.

In naher Zukunft setzt die 'Cyberdyne Corporation' eine künstliche Intelligenz namens 'Skynet' frei, die so viel Kontrolle über die Verteidigungssysteme der Nation erlangt, dass sie sich von der Menschheit bedroht fühlt und als Vergeltung die Welt vernichtet. Die erfolgreichen Bemühungen der verbliebenen menschlichen Rebellen, Sarah Connor (Linda Hamilton), die Mutter des Anführers John, zu beschützen, haben das selbstbewusste 'Skynet' dazu gezwungen, ein fortschrittliches Modell des 'Terminators', den 'T-1000', zu schicken, der von Robert Patrick mit eiserner Perfektion gespielt wird, um John Connor als 12-jährigen Jungen (Edward Furlong) zu eliminieren. Doch die Menschen haben ein älteres Modell des 'Terminators' (Arnold Schwarzenegger) gefangen genommen und umprogrammiert, um John Connor zu beschützen, womit die Weichen für die Schlacht aller Schlachten gestellt sind.

Arnold Schwarzeneggers Präsenz auf dem Bildschirm ist einmal mehr großartig, selbstbewusst und nicht zu anspruchsvoll für den österreichischen Muskelprotz mit dem dicken Betonakzent. Diesmal ist er der Protagonist, der mit dem jungen John Connor eine Vater-Sohn-Beziehung aufbaut, die eine emotional komplexere Partnerschaft beleuchtet, die sowohl von Pathos als auch von Ehrfurcht geprägt ist. Töten, um sich zu verteidigen, und Töten, um einen Weg freizumachen, sind die grundlegenden Themen, die durch die Moral des Jungen erforscht werden, der einen Hauch von Menschlichkeit vermittelt, da er die Handlungen des 'Terminators' auf fantastische Weise kontrollieren kann, als wäre er ein Kind mit einem neuen Spielzeug. Mit schwarzem Humor wird dargestellt, wie der vernunftlose Cyborg gezielt auf menschliche Opfer schießt, wenn ihm befohlen wird, sein primäres Programm nicht auszuführen, das natürlich darin besteht, kontinuierlich zu morden.

Der 'T-1000' wird jedoch nicht mit der gleichen ethischen Konsternation in Frage gestellt. Er scheint sogar Freude an der Grausamkeit zu haben. Seine schiere Menschenverachtung bildet einen reizvollen Kontrast zu Arnold Schwarzeneggers sympathischerem Killer, der im Vorgängerfilm die gleiche Skrupellosigkeit an den Tag legte, nur mit schmissigeren Phrasen. Wenn es jemals einen perfekten Gegner für unseren treuen Helden gab, dann ist es der unheimlich ästhetische Flüssigmetall-Vollstrecker. Mit umwerfenden Spezialeffekten, verändert der 'T-1000' seine Form, absorbiert Schüsse und baut sich mit Hilfe von Computermodellen und Quecksilber in einer der elektrisierendsten filmischen Innovationen aller Zeiten wieder zusammen. "Terminator 2 - Tag der Abrechnung" wurde mit vier Oscars ausgezeichnet: für die besten visuellen Effekte, das beste Make-up, den besten Ton und die beste Toneffektbearbeitung.

"Terminator 2 - Tag der Abrechnung" ist ein unbestreitbares Science-Fiction-Meisterwerk, vollgepackt mit Abenteuern, pulsierender Rasanz, visuellem und geskriptetem Humor und überraschend soliden schauspielerischen Leistungen, so dass selbst diejenigen, die das Genre nicht mögen, die stimmige Kinematographie bewundern können. Auch die immer wiederkehrenden Unwahrscheinlichkeiten der Zeitreise tun dem Unterhaltungswert keinen Abbruch. Größer ist zwar nicht immer besser, aber die Fortsetzung von James Cameron ist in fast jeder Hinsicht tatsächlich größer und besser. Sie baut auf den Erfolgen des Originals auf, ohne auf kitschige Gimmicks zurückzugreifen, frühere Konzepte zu wiederholen oder den Einfallsreichtum und die Kreativität zu schmälern.

Von allen wichtigen Science-Fiction-Filmen der 80er Jahre ist "Terminator" von Regisseur James Cameron vielleicht der herausragendste, allein schon wegen seines Unterhaltungswertes. Mit spektakulären Spezialeffekten, einer originellen Geschichte mit dem stets problematischen Element der Zeitreise und echter Spannung, gepaart mit abenteuerlichem Chaos, ist "Terminator" auch eines der einflussreichsten Projekte des Jahrzehnts. Während die meisten Filme nicht in der Lage sind, mit den komplexen Handlungssträngen zu jonglieren, die mit dem Durchqueren der Zeitdimension einhergehen, gelingt es James Cameron geschickt, alle Wendungen zu erklären oder den Betrachter so sehr in den Eskapismus zu verwickeln, dass er die Lücken übersieht und ein B-Movie mit der Effektivität und dem Umfang eines Mega-Blockbusters erlebt.

In naher Zukunft wird die 'Cyberdine Corporation' unwissentlich ein selbstbewusstes Computerverteidigungssystem namens 'Skynet' freisetzen, das eine Armee von Cyborgs aufstellt, um das nukleare Armageddon gegen die Menschheit zu entfesseln. Doch es formiert sich ein menschlicher Widerstand gegen die mechanischen Killer. In ihrer Verzweiflung, den Krieg zu gewinnen, benutzen die Cyborgs ein Zeitportal, um einen einzigen Soldaten, einen tödlichen 'T-800', halb Mensch, halb Maschine (Arnold Schwarzenegger), durch die Zeit zurückzuschicken, um Sarah Connor (Linda Hamilton), die Mutter des Anführers der Rebellion, zu töten. Sie werden die Zukunft neu gestalten, indem sie die Vergangenheit verändern, und ihre Waffe der Wahl ist ein unaufhaltsamer 'Terminator'. Glücklicherweise schickt der Widerstand auch einen einsamen Kämpfer, Kyle Reese (Michael Biehn), zurück, um Sarah Connor zu schützen. Ihr Leben muss gerettet werden, um sicherzustellen, dass ihr künftiges Kind heranwächst und die Rebellion anführt. Aber kann es ein normaler Mensch mit einem automatisierten Attentäter aufnehmen?

Filmfans, die glauben, dass Arnold Schwarzenegger nicht schauspielern kann, haben zweifelsohne Recht. Doch noch nie war eine Rolle so perfekt auf den österreichischen Bodybuilder zugeschnitten, der mit seiner bedrohlichen Silhouette eine unglaublich passende, kraftvolle Präsenz hat. Seiner kantigen Visage entgehen nur wenige Dialogzeilen und noch geringere Mimik, aber die Evolution der Figur ist eine bemerkenswerte Ironie, wenn man bedenkt, dass jeder seiner kurzen Vorträge zitierfähig sind. Er ist kalt, kalkulierend und emotionslos mit der unerbittlichen Intelligenz einer Maschine. Er ist ein Tötungsgerät, das für einen einzigen Zweck geschaffen wurde, und seine Persönlichkeit und sein gestelzter Akzent passen gut zu dieser Aufgabe. Diese Filmrolle sollte dem Schauspieler zu noch größerem Ruhm verhelfen.

Die faszinierende Geschichte entführt den Betrachter in eine düstere Zukunft - das dezimierte, postapokalyptische Ödland des Jahres 2029, eine beliebte Interpretation der pessimistischen Science-Fiction der 1980er Jahre. Laser durchbohren den Himmel und Maschinengewehrfeuer tanzt über die verkohlten Leichen und verbrannten Trümmer, die die Straßen übersäen. Exzellente praktische Effekte verschönern diese alptraumhafte Vision, von den glitzernden Metall-Exoskeletten der jagenden Roboter bis zu einer Szene, die ihre Augen zum Glänzen bringt, dank der unvergleichlichen 'Stan Winston Studios'. In Anlehnung an die Werke von David Cronenberg und den jüngsten Trend zu Slashern ist Fleisch leicht zu verformen und zu mutilieren, insbesondere im Gegensatz zu den unnachgiebigen, durchdringenden Metalllegierungen. Die Gewalt ist intensiv und vielfältig, aber interessant, ernsthaft und ungemein stilvoll und ergänzt die pulsierenden Actionsequenzen. Das ist nur eine von vielen Qualitäten, die in späteren Filmen bis zum Klischee ausgelutscht werden, aber hier ziert sie ein ungewöhnlich spannendes cineastisches Phänomen, das vor kühnen Konzepten und einer Intensität strotzt, die nur wenige andere Filmemacher aufbringen können.

In "21 Bridges" von Regisseur Brian Kirk nimmt der 13-jährige Andre das tragische Ereignis, die Tränen seiner Mutter und die freundlichen Worte über den Tod seines Vaters bei der Trauerfeier von Officer Reginald Dean Davis in sich auf. Das inspiriert ihn, in die Fußstapfen seines Vaters zu treten, so dass Andre Davis (Chadwick Boseman) 19 Jahre später Detective beim New York Police Department geworden ist. Er ist knallhart, wenn es sein muss, aber er nimmt kein Leben, wenn es nicht unbedingt notwendig ist, obwohl er immer noch eine ziemlich hohe Tötungsrate hat, die ihn derzeit von der Dienstaufsicht überprüfen lässt. Nach drei danklosen Schichten kehrt er nach Hause zurück, um sich um seine senile Mutter zu kümmern, die ihren Sohn kaum noch erkennt. "Man muss dem Teufel in die Augen schauen."

Kurz nach Mitternacht brechen zwei schwer bewaffnete Gangster, Ray (Taylor Kitsch) und Michael (Stephan James), in eine Bar ein, um 30 Kilo Kokain zu stehlen, von denen sie glauben, dass es nur 30 Kilo sind. Als sich jedoch herausstellt, dass es sich stattdessen um mehr handelt, machen sich die Räuber an die Arbeit und sammeln über 50 Kilo der Droge ein, um sie durch die Hintertür hinauszuschleppen. Doch bevor sie fertig sind, tauchen vier Polizisten auf, woraufhin Ray und Michael das Feuer eröffnen. Und dann treffen vier weitere Einsatzkräfte ein, die dem überlegenen Arsenal der Diebe ebenfalls nicht gewachsen sind. "Acht Polizisten getroffen!"

Die Männer und Frauen von Captain McKennas (J.K. Simmons) 85. Revier sind diejenigen, die gefallen sind, und er will Blut sehen. Und so ist es an Andre Davis, zusammen mit der Drogenfahnderin Frankie Burns (Sienna Miller), die Schuldigen aufzuspüren. Angesichts eines solch chaotischen Zusammenstoßes mitten in der Nacht, gefolgt von einem Rotlichtviertel-Kamerafoto, werden die Mörder als inkompetent eingestuft, was Andre Davis zu der Annahme veranlasst, dass sie versuchen werden, die Drogen schnell in Manhattan zu verkaufen, anstatt die Gegend zu verlassen, so dass sie bis 5:00 Uhr morgens Zeit haben, bevor das FBI die Ermittlungen übernimmt. Dazu müssen natürlich alle 21 Brücken außerhalb der Stadt gesperrt werden, um die Kriminellen einzuschließen. "... dann fluten wir die Insel mit Wasser."

Der Aufbau ist erwartungsgemäß, aber verlässlich und umfasst typische polizeiliche und kriminelle Motive wie harte Verhöre, das Aufbrechen von Türen, Verhandlungen mit Drogenbaronen, Geldwäscheprobleme, Nachtclubkonfrontationen, das dramatische Ziehen von Waffen, schießwütige Polizisten, die sich rächen wollen, Geiselszenarien, bürokratische Hindernisse und geschmierte Behörden. Diese werden immer wieder durch Feuergefechte unterbrochen. "21 Bridges" ist lobenswert intensiv, gewalttätig und rau, so dass viele der Interaktionen glaubwürdig erscheinen, auch wenn sie größtenteils aus anderen Filmen stammen: Actionbasierte Darstellungen von Verbrechern gegen Autoritäten. Schließlich wären eine geräuschlose Verhaftung und ein langwieriger Prozess nicht gerade ein Vergnügen.

Der Tenor ist zwar durchweg ehrlich und schlagkräftig, aber die Thematik ist nicht neu. Dennoch macht es Spaß zu sehen, wie sich ein unbeirrbar rechtschaffener Gesetzeshüter wie ein klassischer Western-Sheriff durch den Sumpf von Gaunern und Korruption wühlt, wenn auch in einer glanzlosen Umgebung von Ganoven und bestechlichen Polizisten. Das Tempo ist straff, und die Rohheit des Krimis trägt zur guten Unterhaltung bei.

Amüsanterweise tendiert die Prämisse zu "Auf der Flucht" und bindet die Täter in eine Kulisse von auktorialen Winkelzügen ein, ohne dass klar wird, wer das ursprüngliche Blutbad angerichtet hat. Es geht nicht darum, Namen reinzuwaschen. Dennoch muss sich "21 Bridges" sehr viel Mühe geben, die flüchtenden Ganoven nicht einfach zu töten, vor allem wenn man die technischen Kapazitäten und die Personalstärke des New Yorker Polizeipräsidiums bedenkt. Jedes Mal, wenn der Handlung die Wendungen ausgehen, wird eine weitere Verfolgungsjagd, eine Stuntsequenz oder eine Ballerei eingeschoben, was zwar spannend ist, sich aber wie eine verpasste Gelegenheit anfühlt. Es gibt durchaus intelligente Alternativen, aber diese Art von Filmen beruht stark auf der Schlichtheit des Thrills mit vielen Kugeln. Der Wunsch - oder vielleicht auch die Vorgabe - der Produzenten, weitere spektakuläre Showdowns zu inszenieren, belastet auch den Schluss. "21 Bridges" hat nicht den Schneid, etwas anderes zu riskieren.

In "eXistenZ" von Regisseur David Cronenberg wird Allegra Geller (Jennifer Jason Leigh), die beste Spieldesignerin der Welt, für das Spiel 'eXistenZ' zu einem Produkttestseminar von 'Antenna Research' hinzugezogen, um persönlich Tests an dem 38-Millionen-Dollar-Projekt durchzuführen. Eine Gruppe von Freiwilligen wird mit 12 Prototypen von Meta-Fleisch-Spielzeugkapseln ausgestattet, die wie sich windende, krebsartige Hautkugeln aussehen. Sie werden darüber informiert, dass ihnen durch eine Bioport-Anpassung, ein chirurgisches Eindringen in die Wirbelsäule - ein Verfahren, das so üblich ist, dass es wie ein Ohrpiercing im Kaufhaus durchgeführt werden kann - Informationen direkt in ihren Verstand geladen werden. "Keine Panik, egal, was passiert."

In dem Moment, in dem die Teilnehmer geistig verbunden sind, zieht ein Angreifer eine versteckte Waffe, die selbst wie ein außerirdisches Glied aussieht, und feuert Projektile aus menschlichen Zähnen ab, um Allegra Geller zu ermorden. Sein erster Schuss geht daneben, aber er kann ihre Schulter streifen, bevor der Sicherheitsdienst ihn niederschießt. Ted Pikul (Jude Law), ein Marketing-Praktikant und Aushilfsarbeiter am Metalldetektor, erhält den Auftrag, Allegra Geller aus dem Gebäude zu schaffen, mit der Warnung, dass man niemandem trauen kann. Da hilft es auch nicht, dass die Produktdemonstration in einer Kirche mitten auf dem Lande stattfand, weit weg von den Büros des Unternehmens und der Polizei.

"eXistenZ" beginnt mit einer quälend langen Vorspannsequenz, in der viel zu viele Namen von Filmemachern langsam auf dem Bildschirm aufblinken, wobei praktisch nichts außer visuellem Bildmaterial von der Monotonie ablenkt. Es ist ein seltsamer Anfang, denn er bildet einen überflüssigen Kontrast zu den folgenden Ereignissen, die so merkwürdig sind, dass sie oft ins Lächerliche abdriften. Der Schauplatz liegt eindeutig in der Zukunft oder einer alternativen Realität, aber die Umgebungen und Fahrzeuge sind nicht futuristisch. Stattdessen werden nur persönliche Technologien weiterentwickelt, wie ein rosa leuchtendes Mobiltelefon - ein weiterer matschiger Klumpen aus organischem Glibber.

Jede zweite Dialogzeile klingt wie ein Euphemismus für Sex, was wahrscheinlich Absicht ist, denn Allegra Geller scheint jeden in ihrer Reichweite berühren oder verführen zu wollen. Flink leckt sie ihre Finger ab und schiebt sie in Ted Pikuls frisch ausgehöhlten Bioeingang. Sobald sie anfangen, das Spiel zu spielen, sind ihre Avatare so programmiert, dass sie übereinander herfallen, und die Verwendung von infizierten Controllern kann zu Infektionen führen, als wären es Geschlechtskrankheiten. Die Exzentrizitäten sind so bizarr, dass man sie nur als reine Komödie bezeichnen kann, zumal dem Betrachter immer wieder neue Informationen aus einer anderen Welt aufgezwungen werden, während die wichtigsten Details vorenthalten werden. Was genau ist 'eXistenZ'? Warum muss es im lebenden Gewebe fest verdrahtet sein? Und warum werden Allegra Geller und Ted Pikul von einer kleinen mutierten Amphibie mit zwei Köpfen verfolgt?

Obwohl die Geschichte extrem an den Haaren herbeigezogen ist, ist der Body Horror ganz im Stil der Filme von David Cronenberg. Als der erste gedungene Mörder gefasst wird, wird er nicht nur erschossen, sondern von einer Welle von Schüssen zerrissen, die Muskel- und Fettgewebe in alle Richtungen spritzen lässt. Ebenso wird das Abfeuern einer Kugel in Großaufnahme gezeigt, während die darauf folgenden Todesfälle und Gewaltausbrüche übertrieben und grafisch dargestellt werden. Normalerweise sollten David Cronenbergs optische Vorlieben ausreichen, um den Betrachter in seinen Bann zu ziehen, aber dieser Plot ist so verwirrend banal, dass es schwierig ist, das Interesse aufrechtzuerhalten. Ein Teil dieses Dilemmas ist auf den Dialog und das Verhalten der Figuren zurückzuführen. Die Schauspieler nehmen die Sache ernst, aber sie müssen auch ein paar peinliche und dumme Dinge tun und sagen. "Man muss das Spiel spielen, um herauszufinden, warum man das Spiel spielt."

Der Weg in den Kaninchenbau wird immer verrückter, vor allem, wenn die Spieler nach dem ersten Level des Spiels ein weiteres Spiel betreten müssen. Ihre Avatare entwickeln sich weiter, während sie Ebenen und Sequenzen der virtuellen Realität durchlaufen, die sich immer weniger von ihrer Existenz außerhalb des Spiels unterscheiden lassen. Und aus unerklärlichen Gründen bringt das Spiel die Protagonisten dazu, ekelhaftes Fleisch zu essen, an perversen Orten zu arbeiten und Menschen auf groteske Weise umzubringen. Hätte David Cronenberg die Kuriositäten ein wenig abgemildert, wäre das Ganze vielleicht ein wenig schmackhafter gewesen. "Ich fühle mich ein wenig abgekoppelt von meinem wirklichen Leben."

"eXistenZ" befasst sich mit Virtual-Reality-Spielen, dem freien Willen, ethischen Dilemmata, der Möglichkeit, den Realitätssinn zu verlieren oder die eigene Identität in Frage zu stellen, und der Fähigkeit der Spieler, sich auf virtuelle Aktivitäten einzulassen, die weit über das hinausgehen, was sie in der realen Welt zu tun bereit wären. Wo "eXistenZ" seine Sinnhaftigkeit verliert, ist, wenn die künstliche Intelligenz neue Handlungsstränge generieren kann, um Themen mit den Spielern zu kommunizieren, wenn diese Spieler Elemente des Spiels in die reale Welt zurückbringen können und wenn über das System wie über eine lebende Entität gesprochen wird. Wie bei vielen dieser komplizierten Sci-Fi-Thriller ist die Wirklichkeit nicht immer das, was sie zu sein scheint - und Paranoia fördert den Verrat. Als vielschichtiges Mahnmal und Satire ist "eXistenZ" vielleicht brillant. Doch im Endeffekt scheint es nur ein großer Haufen Mist zu sein. "Du hast mein Spiel getötet!"

Das Paramount-Berglogo ist nicht mehr von Bedeutung, obwohl es vor Regisseur James Mangolds "Indiana Jones und das Rad des Schicksals" erscheint, auch wenn Indiana Jones' treue Peitsche und sein wettergegerbter Filzhut sofort ikonische Bilder sind, ebenso wie die Verwendung von Nazi-Antagonisten als Hauptschurken. Hier soll die Lanze des Longinus die letzte Reliquie des Führers am Ende des Zweiten Weltkriegs sein. Doch Professor Henry Walton 'Indiana' Jones Junior (Harrison Ford) und sein Kumpel Basil Shaw (Toby Jones) wollen das antike Artefakt erwerben, um ein Stück Geschichte zu bewahren - eine monumentale Antiquität, die in ein Museum gehört. Sie bergen tatsächlich den heiligen Speer, aber es stellt sich heraus, dass es nicht der Schatz ist, den sie so sehnlichst gesucht haben. Stattdessen wird ihre Aufmerksamkeit auf den Mechanismus von Antikythera gelenkt, ein dem Mathematiker und Erfinder Archimedes zugeschriebenes Oratorium, mit dem die Zeit selbst erobert werden könnte.

In dieser kalten Eröffnungssequenz wird Harrison Ford einer Alterungstechnik unterzogen, die spektakulär aussieht, sofern seine Bewegungen begrenzt bleiben. Leider ist, sobald er spricht, offensichtlich, dass nicht nur seine Stimme nicht passt, sondern dass sie unweigerlich tiefer und rauer ist, und seine Lippen sehen auch nicht so aus, als würden sie sich entsprechend verziehen. Es gibt nur eine limitierte Anzahl von Möglichkeiten, die diese moderne Computererweiterung bietet. Es wird besser, aber es ist noch lange nicht fehlerfrei. Dennoch spielen viele vertraute Elemente aus früheren Indiana-Jones-Episoden eine Rolle, darunter Nachahmung, Infiltration und versuchte Hinrichtung. Einmal mehr wird die Strenge der Nazis mit einer widersprüchlichen Wirkung dargestellt. Unzählige Male in "Indiana Jones und das Rad des Schicksals" müssen Killer mit Waffen davon absehen zu schießen, um das empfindliche Gleichgewicht zwischen skurrilen Konflikten, dem Slapstick-Humor bestimmter Actionszenen und dem Fakt, dass die Bösewichte außergewöhnlich abscheuliche Übeltäter sind, nicht zu stören. Mit der heutigen Sensibilität der Filmemacher ist es schwierig, die Nazis weiterhin als dämliche Kontrahenten darzustellen.

Am bedauerlichsten ist jedoch das Alter von Harrison Ford, der mit 80 Jahren einfach nicht mehr als Actionstar überzeugen kann. Und wenn der Hauptdarsteller bei den zahlreichen Kämpfen, Schießereien und Verfolgungsjagden nicht mehr für Authentizität sorgen kann, ist der Erfolg eines Actionfilms fast unmöglich. In einigen Sequenzen werden Stunt-Doubles und clevere Schnitte eingesetzt, aber die Momente, in denen nur Computeranimationen verwendet werden, sind einfach nur erbärmlich. In den vorangegangenen Kapiteln kämpfte Indiana Jones mit Fäusten, Gewehren und Peitschen, auf Pferden, in Booten, über wackelige Brücken und in Panzern. Bei seinen actiongeladenen Eskapaden greift er auf völlig abgedrehte Konzepte zurück, die zum Glück nicht so weit hergeholt sind wie das Überleben einer Atomexplosion in einem Kühlschrank. Einige der schlimmsten Inszenierungen erinnern an Ideen aus der "Fast and Furious"-Saga, die für ihren völligen Realismusmangel berüchtigt ist. Für Indiana Jones sind die der Schwerkraft zuwiderlaufenden Tricks völlig unangemessen. "Das ist kein Abenteuer ... diese Zeiten sind vorbei."

Ohne vernünftige Action und Stunts gibt es nicht viel, auf das man zurückgreifen könnte. Die Formel für die Erzählung versucht eine erkennbare Treue in ihrer archäologischen Prahlerei, von den Eröffnungsaufnahmen des Übergangs zu Indiana Jones' ruhigeren professoralen Abläufen zu einem mickrigen Lakaien bis hin zu einem süffisanten Epitheton, als er einen Speichellecker ausschaltet. Doch das heutige Setting der Mondlandungsära, in der Indiana Jones in den Ruhestand geht, hat Schwierigkeiten, sich als ernsthafter Nachfolger seiner ehemaligen Abenteuer zu fühlen. Und da es der Filmreihe nie gelungen ist, den Staffelstab an einen geeigneten Erben weiterzugeben, wird in diesem fünften Teil eine entfremdete Patentochter, Helena (Phoebe Waller-Bridge), herbeigezaubert. Sie ist jedoch so unsympathisch, dass ihre erste Handlung darin besteht, Indiana Jones durch die Hand von bewaffneten Schlägern sterben zu lassen, und so unverbesserlich, dass sie nie wirklich daran interessiert ist, das Archimedes-Zifferblatt für etwas anderes als eine schnelle Auktion zu erhalten, dass sie sich regelmäßig wie einer der verschiedenen Bösewichte mit einer phantastischen Waffe zur Umschreibung der Geschichte verhält. Das Drehbuch achtet auch darauf, dass jeder von Indiana Jones' Verbündeten ermordet wird, obwohl dies kaum als Handlungselement über die reine Grausamkeit hinaus dient.

Ein Ersatzabenteurer wird dringend benötigt, aber Indiana Jones ist gezwungen, vertrautes Terrain zu wiederholen, sei es, dass er beschossen wird, von prekären Felsvorsprüngen springt oder in klapprigen Fahrzeugen durch enge Straßen rast. Seine ungleiche Roadmovie-Partnerschaft mit Helena hat sogar etwas von "Indiana Jones und der Tempel des Todes", denn neben den typischen Elementen wie leichengefüllten Gruften, klaustrophobischen Räumen und überdimensionalen Käfern gibt es auch einen kleinen Sidekick. Noch gravierender ist jedoch die faule Narration durch lächerlich konstruierte Zufälle. "Indiana Jones und das Rad des Schicksals" besteht zu 99% aus den Helden, die von den Schurken gejagt werden, den Helden, die von den Schurken gejagt werden, und den Helden, die von den Schurken gejagt werden, was fast 30 Minuten länger dauert als in den vorherigen Filmen. Obwohl die Ägäis so groß ist oder Sizilien mehr als fünf Millionen Einwohner hat, stößt die eine Partei auf Schritt und Tritt mit der anderen zusammen, um dann quer über die Hemisphäre zu fliehen, wo sie sich innerhalb von Sekunden auf demselben Kontinent wieder begegnen.

Zum Finale hin, wenn die erwartete übernatürliche Komponente auftaucht, ist sie so abstrus wie die aus "Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels". Anstelle eines sinnvollen Impulses gegen den Unglauben des Betrachters, wie bei der intimen, isolierten Ausstellung der Öffnung der Bundeslade oder der Identifizierung des Grals, handelt es sich um ein katastrophales Ereignis. Besonders schwierig ist es bei dieser Reihe, wenn sowohl der Held als auch die Prämisse gleichermaßen weltfremd sind. Letztlich mag es ein dezenter Spaß sein, einige der Figuren, die vor vier Jahrzehnten zum ersten Mal auf der Leinwand zu sehen waren, für einen filmischen Abschied zur hypnotisierenden Titelmusik von John Williams wieder zu vereinen, aber "Indiana Jones und das Rad des Schicksals" ist nicht annähernd solide genug, als dass dies ein ausreichender Grund für eine weitere Fortsetzung in Spielfilmlänge gewesen wäre.

Es ist nicht leicht zu sagen, dass "Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels" von Regisseur Steven Spielberg eine ziemliche Enttäuschung ist. Dass George Lucas und Steven Spielberg einer äußerst beliebten Figur und einer beliebten Trilogie ein zusätzliches Kapitel voller unnötiger Widersinnigkeit hinzugefügt haben, ist so unvorteilhaft, dass es geradezu blamabel ist. In einer frühen Szene überlebt unser gesundheitsbewusster Held eine nukleare Explosion, indem er sich in einem Kühlschrank versteckt, der mit tödlicher Wucht aus der Explosionszone geschleudert wird. Dieser kurzzeitig übertriebene Realitätsverlust ist entschuldbar, denn er ist Indiana Jones. Doch der Rest von "Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels" wird noch paradoxer und unerträglicher, wenn man ihn einfach so beiseite schiebt. Indiana Jones ist kein Mann der Ratio mehr, sondern ein überlebensgroßer Archäologe, der auf der Suche nach einem verlorenen Schatz durch die Welt reisen könnte. Er ist eine reine Fiktion.

Wir schreiben das Jahr 1957, und Indiana Jones (Harrison Ford) ist wieder einmal in Gefahr, diesmal durch russische Radikale unter der Führung von Josef Stalins österreichischer Hellseherin Irina Spalko (Cate Blanchett). Nachdem er genötigt wurde, sie zu den magnetisierten Überresten einer obskuren Kreatur in einem Lagerhaus der Regierung zu führen, gelingt Indiana Jones die Flucht in den sicheren Hafen einer Atombombentestzone. Kurz darauf kehrt er in sein gemütliches Klassenzimmer zurück, um das scheinbar öde Studienfach Archäologie zu unterrichten.

Mutt Williams (Shia LeBeouf) trifft den legendären Abenteurer, um ihm mitzuteilen, dass ein Kollege, Professor Oxley (John Hurt), von Irina Spalko gefangen genommen wurde und unter Druck gesetzt wird, die Sowjets zum Standort von El Dorado, der Stadt aus Gold, zu führen, wo ein Kristallschädel gestohlen wurde. Alten Überlieferungen zufolge befindet sich die Stadt im Amazonasgebiet und soll dem Besitzer des Artefakts unvorstellbare Kräfte verleihen. Schon bald reist Indiana Jones quer über den Globus nach Südamerika, um eine wichtige Rolle bei der Realisierung der Legende zu spielen, wobei er unterwegs allen erdenklichen Gefahren und Widrigkeiten begegnen muss.

Der treffend betitelte "Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels" enthält zahllose Anspielungen und Hommagen an die Original-Trilogie und geht sogar so weit, dass bekannte Figuren wie die "Jäger des verlorenen Schatzes"-Femme fatale Marion Ravenwood (Karen Allen) wieder auftauchen. Indiana Jones kann immer noch Prügel einstecken, und zwar mehr als in den vorherigen Filmen. Krabbelnde Käfer bevölkern oftmals seine Schauplätze und sorgen für reichlich humoristische Einlagen zwischen den nonstop stattfindenden Action-Sequenzen, und es gibt jede Menge Rätsel und vergrabene Kostbarkeiten. Allerdings ist dieser vierte Teil der Indiana-Jones-Saga trotz aller Bestrebungen, ihm treu zu bleiben, in weiten Teilen unvereinbar. Auch wenn Indiana Jones inzwischen älter und merklich betagter geworden ist, scheint seine Kapazität, mehr und mehr unverschämte Heldentaten zu vollbringen, am inkonsequentesten. Bei den meisten Actionszenen handelt es sich zwar um die klassischen Hochgeschwindigkeitsverfolgungsjagden, aber seine Anstrengung, donnernden Wasserfällen, Atomexplosionen und Armeen von Ameisen zu trotzen, sowie ein noch unrealistischeres Ende fühlen sich einfach nicht wie die authentischen Versuche von Indiana Jones an, die die erfolgreiche Filmreihe der 80er Jahre ausmachten.

Der beliebteste archäologische Hasardeur der Welt nimmt es mit allem auf, von den Nazis und ihren stählernen Bestien bis hin zu mit Sprengfallen versehenen Tempeln des Untergangs und verlorenen Archen von unermesslicher Macht. Was bleibt ihm also noch zu tun? Leider scheinen den kreativen Köpfen hinter den filmischen Eskapaden von Indiana Jones die Ideen ausgegangen zu sein, da sie einfallslos oder zu wild auf Konzepte zurückgreifen, die Indiana Jones' Regiment der Religionsgeschichte extrem fremd sind, ähnlich wie das schwächere Kapitel von "Indiana Jones und der Tempel des Todes", das eher okkulten Ideologien als biblischen Ereignissen folgte. Die Russen sind an die Stelle der Nazis getreten, die Phantasie an die Spitze der Vernunft, und die Außerirdischen haben Jesus Christus ersetzt.

"Indiana Jones und der letzte Kreuzzug" ist eine makellose Rückkehr zur Form für Regisseur Steven Spielberg und die gesamte Besetzung und Crew der Reihe. Dieser dritte Teil nimmt sich all die Elemente zu Herzen, die "Jäger des verlorenen Schatzes" zu einem zeitlosen Klassiker gemacht haben, und fügt sie zu einer unvergleichlich mitreißenden Fortsetzung zusammen, die Drama, Action, Komödie, Romantik, Thrill und Gänsehaut bietet.

Wir schreiben das Jahr 1938, und Indiana Jones (Harrison Ford) ist immer noch der risikofreudige Archäologe, der er zwei Jahre zuvor war, als er der mythologischen Bundeslade nachjagte. Walter Donovan (Julian Glover) bittet Indiana Jones um Hilfe bei der Suche nach dem Heiligen Gral, dem Kelch, der von Jesus beim letzten Abendmahl benutzt wurde. Der Projektleiter ist plötzlich verschwunden, und Walter Donovan weiß, dass Indiana Jones, der sich mit Gralskunde auskennt, ein guter Ersatz wäre. Zunächst weigert sich Indiana Jones und gibt zu, dass sein Vater der wahre Experte ist, bis er erfährt, dass der Projektleiter eigentlich sein Vater, Professor Henry Jones (Sean Connery), war!

Indiana Jones und sein Kollege Marcus Brody (Denholm Elliott) reisen nach Venedig, Italien, um mit Dr. Elsa Schneider (Alison Doody) nach Hinweisen auf die Stadt zu suchen, in der sich der Gral befindet. Indiana Jones erfährt vom Verbleib seines Vaters, als er sich mit einer geheimnisvollen Gruppe von Soldaten trifft, die den Standort des Artefakts schützen, und reist nach Salzburg an der österreichisch-deutschen Grenze, um ihn zu finden. Nach einem gewagten Rettungsversuch müssen Indiana Jones und sein Vater den unerbittlichen Angriffen der Nazis trotzen, die ebenfalls auf der Suche nach dem Gral sind. Sie müssen Verrat, Verfolgungsjagden auf Motorrädern, Panzern und allen Arten von Schießereien standhalten, um nach Alexandretta und in die Schlucht der Mondsichel zu gelangen, wo ein letzter Showdown und tödliche Glaubensprüfungen das Leben aller Beteiligten bedrohen.

Indiana Jones' langweiliger Tagesjob als Schulprofessor steht in cleverem Kontrast zu seinem natürlichen Drang nach Aufregung und seiner stachanowschen Hingabe an das Chaos. In der Eröffnungsszene erfährt der Betrachter mehr über die Ursprünge von Indiana Jones' Schalk, seinen Drang nach Museumsschätzen und seinen Umgang mit der Peitsche. Sean Connery könnte nicht besser sein als der neue Zweig der Jones-Familie, und Alison Doody macht eine ausgezeichnete Figur als etwas, das verführerischer und unheimlicher ist als das Bond-Girl, das sie ein paar Jahre zuvor gespielt hat. Mit dem gleichen Enthusiasmus wie 1981 kehren die erstklassigen Schauspieler, die pausenlose Action, die genialen Bösewichte, die verschlagene Femme Fatale, die bösen Nazis, die komödiantischen Sidekicks und die losen Verbindungen zu historischen und religiösen Überlieferungen auf den Bildschirm zurück.

Wieder einmal geht es darum, zu Wasser, zu Lande und in der Luft unterwegs zu sein, wie in einem James-Bond-Thriller, nur ohne all die Gadgets. Indiana Jones war als Steven Spielbergs Version von 007 gedacht, und "Indiana Jones und der letzte Kreuzzug" enttäuscht nicht, denn er besticht durch todesmutige Stunts und visuelle Intensität. Diese Sequenzen stehen in direktem Einklang mit der lobenswerten Entfaltung der Charaktere und den Dialogen. Von explosiven Bootsverfolgungsjagden über Motorradfluchten bis hin zum Panzerkrieg - die atemberaubende Stuntarbeit ergänzt den Mann mit dem Filzhut gekonnt, stellt ihn aber nie in den Schatten. Steven Spielberg, der ohnehin nicht nur auf physische Heldentaten setzt, hat viele interessante Nebenrollen, witzige Pointen, Okkultes in Kombination mit grotesker Stop-Motion-Animation und ikonische Sets eingebaut. Diese Grundpfeiler der Indiana-Jones-Saga, zusammen mit der Verzahnung von historischen Begebenheiten, dem Zweiten Weltkrieg, religiösen Artefakten, gefährlichen Sprengfallen und konstanter Globetrotterei, machen dieses nachdenklich stimmende Fazit zu einem der besten Abschlüsse einer Filmreihe in der Geschichte des Kinos (...)

Wo "Jäger des verlorenen Schatzes" alles richtig gemacht hat, macht Regisseur Steven Spielbergs Fortsetzung, die ein Jahr vor den Ereignissen des Vorgängers "Indiana Jones und der Tempel des Todes" spielt, alles falsch. Da die Rolle des waghalsigen Indiana Jones bereits feststeht, wird das ganze Abenteuer in diesem Film nicht um einer interessanten Handlung willen angehäuft, sondern nur, um die Figur in so viel Action wie möglich zu verwickeln. Infolgedessen ist die Handlung weitgehend formelhaft, die Nebenfiguren sind grenzwertig nervig und die Wirkung ist vergänglich. Obwohl es kein Geheimnis ist, dass Steven Spielberg absichtlich den klassischen B-Movies, Serien und dem Pulp-Kino huldigte, die den inzwischen berühmten Abenteurer inspirierten, trägt der spottbillige Titel auch nicht dazu bei, dass der Betrachter Indiana Jones ernster nimmt.

Der berühmte Archäologe Indiana Jones (Harrison Ford) taucht 1935, ein Jahr vor den Ereignissen von "Jäger des verlorenen Schatzes", in Shanghai auf, um mit dem ruchlosen asiatischen Gangster Lao Che (Roy Chiao) einen unbezahlbaren Diamanten zu tauschen. Als ihre Machenschaften mit Tod und Vernichtung in einem Nachtclub enden, entkommt Indiana Jones mit einer der Sängerinnen, Willie Scott (Kate Capshaw), und besteigt ein Flugzeug, das unwissentlich Lao Che gehört. Während des Fluges verlassen die Piloten das Flugzeug, so dass Indiana Jones, Willie Scott und ihr Taxifahrer-Kumpel Short Round (Ke Huy Quan) in Indien mit einem aufblasbaren Floß in einem gefährlichen Wasserfall eine Notlandung machen müssen.

Das Trio wird in ein Dorf gebracht, das unter Dürre und Hungersnot leidet, weil ein heiliger Stein von einer mysteriösen Sekte gestohlen worden ist. Von dort aus machen sie sich auf den Weg zum Pankot-Palast, um die Geheimnisse des einst ausgestorbenen Kultes zu ergründen, der sich mit Menschenopfern und Kindersklaverei beschäftigt. Um den Tag zu retten, muss Indiana Jones den diabolischen Mola Ram (Amrish Puri) und seine Schergen bekämpfen, das Herz des Mädchens gewinnen, indem er sie wiederholt rettet, und die orphischen Artefakte einer sterbenden Zivilisation wiederherstellen.

Achterbahnabenteuer ist ein wortwörtliches Kompliment, denn in einer der längeren Stuntsequenzen jagt Indiana Jones mit hoher Geschwindigkeit auf einem Karren auf einer irrwitzig gefahrvollen Strecke durch Minenstollen. Doch diese zweite Episode begeht den Fehler, fast jede Szene auf die Handlung zu stützen. Wo "Jäger des verlorenen Schatzes" mit einer einzigartigen Geschichte, witzigen Dialogen und furchteinflößenden Bösewichten aufwartete und dann noch wundersame Actionsequenzen hinzufügte, ist "Indiana Jones und der Tempel des Todes" eher als eine Aneinanderreihung von Versatzstücken konzipiert, die mit kleinen Storyfragmenten aufgepolstert sind.

Der Schwerpunkt liegt auf einzigartigen Schauplätzen und gefährlichen Fallen. Dazu kommen scherzhafte Sprüche, unerträgliche Charaktere und ein Maß an Unplausibilität, das sogar die übernatürlichen Kräfte der biblischen Bundeslade in Frage stellt. Auf einem Floß aus einem Flugzeug zu fallen, einen Wasserfall hinunterzustürzen, mit bloßen Händen ein menschliches Herz herauszureißen und um die scharfen Kurven von Minengleisen zu rasen, sind nicht nur absurde Konzepte, sondern werfen auch mehr Fragen zum Realismus auf als die vielen spirituellen und religiösen Aspekte im Vorgängerfilm und seiner Fortsetzung, "Indiana Jones und der letzte Kreuzzug". Selbst wenn diese frevelhaften Darbietungen nebensächlich wären, ist die extrem nervereifende Willie Scott, die sexy und humorvoll sein soll, aber penetrant und lästig wirkt, immer zur Stelle, um weiteres Chaos zu verursachen. Unterstützt wird dies durch Indiana Jones' nicht gerade nobles Streben nach Ruhm und Reichtum, eine peinliche Eröffnungstanznummer und allgemein grauenhafte Witze, die in regelmäßigen Abständen eingefügt werden, nur um Gelächter zu ernten. Obwohl die charakteristische physische Komödie, die denkwürdige Hierarchie von Schlägern, fiesen Käfern und 16-plus-Gewalt sowie die fesselnde Titelmusik von John Williams, der für die Filmmusik seine zweite Oscar-Nominierung erhielt, in dieser mit Spannung erwarteten Fortsetzung wieder zu finden sind, wirkt "Indiana Jones und der Tempel des Todes" insgesamt eher wie eine bedeutungslose Episode in Indiana Jones' Leben als ein überwältigend prägendes Kapitel in der Entwicklung des Action-Genres.

"Jäger des verlorenen Schatzes" von Regisseur Steven Spielberg revolutionierte das Action-Genre, indem er bewies, dass Nonstop-Abenteuer in der Tat um eine solide Geschichte herum gedeihen können, unterstützt von einer großen Portion kluger Dialoge, Komik, einer passenden Romanze und signifikanten Bösewichten. Sogar ein bisschen Science-Fiction und Horror sind in die Mixtur eingeflossen. Die 'James-Bond'-Filme mögen das Gesamtkonzept zuerst entwickelt haben, aber viele dieser Episoden tendieren dazu, in den Bereich des extrem Unrealistischen und überwiegend Dämlichen abzurutschen. Obwohl dieser Film eine Prise des Übernatürlichen beinhaltet, spielt er dank einer gründlichen Fundierung in biblischen Überlieferungen nicht mit der Aufhebung der Ungläubigkeit. Und bei aller Perfektion des Projekts ist das zusätzliche seltene Kunststück einer unbeschreiblich fesselnden Titelmusik das Tüpfelchen auf dem i.

Als College-Professor bei Tag und wagemutiger Archäologe bei Nacht wird Indiana Jones (Harrison Ford) von der Regierung der Vereinigten Staaten angeworben, um den Ort zu finden, an dem die biblische Bundeslade verborgen ist. Die angeblichen Kräfte des Artefakts dürfen nicht in die Hände der teuflischen Nazis fallen, die ebenfalls ein Interesse an der Entdeckung des Objekts haben. Auf seiner Reise durch die Welt trifft Indiana Jones auf Marion Ravenwood (Karen Allen), die Tochter des führenden Arche-Experten und ehemalige Affäre, die ein wichtiges Puzzlestück für die Auffindung des Seelenbrunnens besitzt, der verborgenen ägyptischen Kammer, in der sich die begehrte Truhe befindet.

"Jäger des verlorenen Schatzes" sollte eigentlich nur ein lustiges B-Movie sein, wurde aber schnell zu einem Klassiker von beeindruckendem Ausmaß, der sowohl bei Kritikern als auch kommerziell sehr erfolgreich war. Schon in der Eröffnungsszene, in der der mutige Indiana Jones aus dem Schatten tritt und sein entschlossenes Gesicht, seine Fähigkeiten im Umgang mit der Peitsche und seine Liebe zu verborgenen Schätzen offenbart, wird deutlich, dass dieses Werk weit über die üblichen Merkmale eines durchschnittlichen Actionfilms hinausgeht. Wenn Indiana Jones tödlichen Fallen trotzt, darunter ein riesiger rollender Felsbrocken, entstehen einige der eindrücklichsten und am meisten parodierten Filmmomente. Zu den zahlreichen spektakulären Stunts gesellen sich die genialen Entwürfe von Indiana Jones' Kumpanen, Kollegen, Jungfrauen in Not und einzigartigen Gegnern, die allesamt perfekt zu seinen tollkühnen Aktionen passen.

"Jäger des verlorenen Schatzes" ist berühmt für seine vielfältigen charakteristischen Bilder, und es ist beachtenswert, dass es so viele markante Momente in einer einzigen Produktion gibt. Indiana Jones geht mit einer Pistole in einen Schwertkampf, er bekämpft seine Angst vor Schlangen in einer Grube voller sich windender Reptilien, ein Faustkampf entbrennt unter einem feindlichen Flugzeug auf der Landebahn, eine Hochgeschwindigkeits-Truck-Verfolgungsjagd windet sich durch die Wüste, Flüge durch Asien und Europa werden durch eine rote Linie dargestellt, die sich über eine halbtransparente Karte bewegt, eine einfache Silhouette des Mannes und seines charakteristischen Filzhutes erweckt Ehrfurcht, und die Stop-Motion-Animation von schmelzenden Gesichtern, die auf die Macht der Lade starren, ist kreativ grausam. Jede Einstellung trägt geschickt dazu bei, dass Indiana Jones zu einer Filmlegende wird, während er dem Okkulten nachgeht, das Mädchen erobert und den Tag rettet.

Ein großes Lob gebührt auch dem Komponisten John Williams, der die meisten der früheren Projekte von Steven Spielberg und George Lucas vertont hat. Für "Jäger des verlorenen Schatzes" schafft er wieder einmal eine Themenmusik, die man einfach nicht verlernt. Der mitreißende und bewegende Soundtrack von John Williams veredelt jede Sequenz, macht sie dramatischer, spannender oder romantischer - ein solch effektiver Einsatz von klangvoller Musik ist in den letzten Jahren leider viel zu subtil geworden.

Im Vergleich zu neueren Werken kann "Jäger des verlorenen Schatzes" visuell immer noch mithalten, trotz der Möglichkeiten zeitgenössischer Konkurrenten mit komplexeren Stunt-Choreographien und fortschrittlicheren Spezialeffekten. In allen anderen Aspekten übertrifft es die Konkurrenz nach wie vor. Selbst wenn man die Bilder, die überzeugende Chemie, den gekonnt eingesetzten Humor und die Fülle an cineastischem Thrill außer Acht lässt, ist die grundlegende Story äußerst abwechslungsreich. Die komplementäre Handlung besteht nicht nur aus spannenden Augenblicken, sondern führt die Figuren auch von einem Ort zum nächsten und treibt die Entwicklung der Geschehnisse zielstrebig voran. Die Bewegungsabläufe haben eine besondere Natürlichkeit, die es leicht macht, allzu bequeme Maßnahmen zufälliger Szenenwechsel zu vermeiden, während Indiana Jones' Weltreisen und die von seinen Widersachern ausgelösten Probleme eine tadellose Kombination aus Sensibilität, Heiterkeit sowie körperlichem und verbalem Witz vermitteln. Das Abenteuer dient auch dazu, liebenswerte Charaktere, einen lockeren Ton und einen hommageartigen Stil zu unterstützen. Was als George Lucas' und Steven Spielbergs historische, realitätsnahe Version von Low-Budget-Matinee-Serien aus den 1930er und 1940er Jahren begann, wurde ein beispielloser Erfolg, der alles übertraf, was sie sich hätten vorstellen können, und dessen Wirkung wahrscheinlich nie vergehen wird.

Viele Filme spielen gerne mit der Zeitlinie, bringen die Chronologie durcheinander oder vertauschen die Reihenfolge der Ereignisse. Doch wie nur wenige Filme vor ihm macht Regisseur Christopher Nolan in "Memento" den narrativen Schnitt zu einem spezifisch künstlerischen Prozess, der nicht nur am Ende beginnt, sondern auch Szene für Szene rückwärts läuft. Um die Sache noch komplizierter zu machen, gibt es zwei Handlungsstränge: der erste ist in Farbe und läuft Szene für Szene rückwärts, um die einzige zusammenhanglose Schlusseinstellung zu zeigen, der zweite ist in Schwarzweiß und entfaltet sich nacheinander. Am Ende treffen die beiden Geschichten aufeinander, wobei das Schwarz-Weiß zu Farbe wird. Diese enigmatischen Wechsel sind auch durch einige wichtige Rückblenden und Visionen gekennzeichnet. Als Christopher Nolans zweiter Spielfilm erhielt "Memento" Oscar-Nominierungen für Schnitt und Drehbuch, obwohl er bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung relativ unbekannt war. Der Erfolg von Christopher Nolans nachfolgenden Filmen, insbesondere der "The Dark Knight"-Trilogie, veranlasste das Bewusstsein des Betrachters, dieses frühe Meisterwerk der Erzählung und des Stils wieder aufzugreifen.

Leonard Shelby (Guy Pearce) hat einen seltenen Hirnschaden, der durch einen Schlag auf den Kopf verursacht wurde. Er spricht in Neo-Noir-Manier über die Symptome und die Ursache: Es ist keine Amnesie, sondern er erinnert sich daran, wer er ist und an alles, was zu dem Angriff auf seine Frau führte, als er die Verletzung erlitt, um sie zu verteidigen, aber an nichts darüber hinaus. Um sein Leben überschaubar zu halten, hat er strenge Disziplin, Gewohnheiten und Routinen und macht viele Notizen und Fotos. Er hat auch Tätowierungen auf seinem Körper, die die Fakten des Mannes widerspiegeln, der seine Frau vergewaltigt und ermordet hat.

Sein einziges Ziel im Leben ist jetzt die Vergeltung, aber selbst wenn er sie bekommt, wird er sich nicht lange an die Genugtuung erinnern. Im Gegensatz zu Sammy Jankis (Stephen Tobolowsky), einem Mann mit einer ähnlichen Krankheit, hat er ein System, um damit umzugehen. Leonard Shelby war früher als Versicherungsermittler für die Aufdeckung von Betrug zuständig, und Sammy Jankis war seine größte Herausforderung. Nach einem Autounfall war auch Sammy Jankis nicht mehr in der Lage, neue Erinnerungen zu speichern, aber Leonard Shelby war das Verhalten des Mannes suspekt. Bei seinen Nachforschungen stellte er fest, dass Sammy Jankis dazu neigen sollte, nach dem Instinkt zu lernen, aber er kann es nicht beweisen.

Leonard Shelby erzählt die Situation, in der er sich befindet, am Telefon mit einem Fremden - das ist der schwarz-weiße Teil der Geschichte. Währenddessen sucht er (in Farbe) nach dem Mörder seiner Frau und sammelt mit Hilfe von Natalie (Carrie-Anne Moss), einer vermeintlich sympathischen Frau, und Teddy (Joe Pantoliano), einem so genannten Freund, der immer wieder zu passenden Zeitpunkten aufkreuzt, Hinweise. Leonard Shelby weiß von verschiedenen Bekannten, dass sie ihn für ihre Zwecke ausnutzen, aber es fällt ihm schwer, die Tatsachen zu erkennen.

Viele der Ereignisse sind völlig überraschend, Rätsel, die sowohl der Betrachter als auch die Figuren spontan lösen müssen. Mehrere Sequenzen beginnen mit einer plötzlichen Aktion, beispielsweise einer Verfolgungsjagd, durch die Leonard Shelby den Betrachter führen muss, um herauszufinden, warum er sich in einer solchen Lage befindet. Jede Rolle hat Hintergedanken, und Christopher Nolan scheint auch darauf bedacht zu sein, trügerische Bilder und visuelle Zeichen hinzuzufügen. Genauso wie Erinnerungen verzerrt, beeinflusst und gefälscht werden können, manipuliert er den Betrachter und sorgt dafür, dass die Prognose für den nächsten Moment gänzlich unmöglich ist.

"Memento" ist ein hochkarätiger Thriller mit einer verblüffend einzigartigen Geschichte und einem raffinierten Mordfall, was ihn zu einem Film macht, wie ihn das Mainstream-Publikum noch nie gesehen hat. Obwohl die Handlung an sich nicht besonders komplex ist, ist der Zusammenschnitt so labyrinthisch, dass man sich "Memento" auf jeden Fall mehrmals ansehen muss. Das Gute daran ist, dass es nie langweilig wird, das Tempo stimmt und man immer wieder spannende kleine Details entdeckt. In vielen Punkten kommt es zu Überschneidungen, was ebenfalls dazu beiträgt, die neu angeordneten Segmente mental zu organisieren. Das mag einige Betrachter irritieren, und das mag auch der Sinn der Sache sein, aber die einzigartige Erzählweise und die erfahrenen Charakterdarsteller machen "Memento" zu einem der interessantesten, originellsten und intelligentesten filmischen Experimente, die je unternommen wurden.

Wenn man einem Begriff wie 'The Final Chapter' etwas abgewinnen kann, dann, dass dies sicherlich nicht das letzte Kapitel ist. Aber das sollte es wirklich sein. "Resident Evil 6: The Final Chapter" von Regisseur Paul W.S. Anderson macht in etwa da weiter, wo "Resident Evil 5: Retribution" aufgehört hat, überspringt aber seltsamerweise das Cliffhanger-Ende und bietet keinen Abschluss für zahlreiche fehlende Hauptdarsteller, aber nicht vor einer kurzen Rekapitulation der vorherigen fünf Teile.

Der berühmte Arzt James Marcus (Mark Simpson) wollte ein Heilmittel für die fortschreitende, tödliche Auszehrungskrankheit seiner Tochter entwickeln, was zur Entstehung des 'T-Virus' führte. Auf wundersame Weise heilte das Medikament auch zahllose andere Krankheiten, obwohl es schließlich einige unangenehme Nebenwirkungen zeigte. Die erste wäre natürlich die Zombifizierung praktisch aller Menschen, angeheizt durch die Gier von Dr. Alexander Roland Isaacs (Iain Glen), James Marcus' intrigantem Partner, und ausgelöst durch einen Ausbruch in 'Raccoon City', der sich schnell über die ganze Welt ausbreitet. Nach dem Kampf gegen Heerscharen von Untoten hat eine kleine Gruppe von Überlebenden in Washington D.C. ein letztes Mal Stellung bezogen, doch es war eine Falle.

Jetzt ist Alice (Milla Jovovich) allein und irrt durch die berühmt-berüchtigten dezimierten Stadtgebiete, ohne eine Erklärung dafür zu haben, wie sie von ihren Verbündeten getrennt wurde. Sie sucht nach allem, was sie an Nahrung, Wasser oder Fahrzeugen finden kann, wie zum Beispiel einen seltsam funktionsfähigen HUMMER mit Sprengstoff an Bord. Als wäre es nicht schon dubios genug, dass sie genau die Gegenstände findet, die sie braucht, betritt Alice wenige Sekunden später ein lichtloses Gebäude, in dem zufälligerweise eine funktionierende Taschenlampe am Eingang liegt, die sie mitnehmen kann. "Mein Name ist Alice. Und dies ist meine Geschichte. Das Ende meiner Geschichte."

In dieser unerklärlich komfortablen Anlage entdeckt Alice Computermonitore, die mit der 'Red Queen' (Ever Anderson) verbunden sind, einem Programm, das Alice aus unerfindlichen Gründen helfen will, das 'T-Virus' daran zu hindern, die letzten etwa 4.000 menschlichen Reste auf der Erde zu infizieren. Um die Dringlichkeit zu erhöhen, besteht die 'Red Queen' darauf, dass die verbleibenden Menschen nur 48 Stunden bis zum sicheren Untergang haben. Doch es besteht noch Hoffnung: Ein luftübertragenes Antivirus, das sich unter 'Raccoon City' im 'Hive' befindet, dem ursprünglichen Labor, aus dem das 'T-Virus' entwischt ist, kann freigesetzt werden, um alle Zombies zu vernichten und dem Spuk endlich ein Ende zu setzen.

In den ersten Sekunden der eigentlichen Geschichte wird Alice nicht nur von einem, sondern gleich von zwei blutrünstigen Zombiemonstern angegriffen, was zu hochoktanigen, actiongeladenen Kampfsequenzen führt. Mit jedem Blinzeln pulsieren mehr unvorhersehbare Wellenbewegungen auf dem Bildschirm, die die Sinne unbarmherzig attackieren. Für das Zielpublikum sind rasante Szenen mit Fäusten, Messern, Pistolen und Zähnen genau das Richtige. Für andere Betrachter ist es dagegen eine Unmenge schwachsinniger Choreographien und schneller Schnitte, die über mangelnde oder retardierte Kampfkunstfähigkeiten hinwegtäuschen sollen. Dennoch entwickelt sich "Resident Evil 6: The Final Chapter" auf eine positive Art zügig, auch wenn es immer fragwürdig ist, dass Aktionen, Reaktionen und komplexe Pläne so schnell ausgeführt werden können, als ob die Zeit stehen geblieben wäre. Keiner hat Zeit zum Durchatmen, und das gilt auch für den Betrachter. Selbst wenn zusätzliche Sekunden für die Übersichtlichkeit oder Kontinuität erforderlich sind, werden sie nicht gewährt.

Dank der Klone, die vor ein paar Kapiteln eingeführt wurden, kehren mehrere Hauptakteure immer wieder zurück, oder vielleicht ist es auch nur Alice, die nie zu sterben scheint. Auf jeden Fall sind Personen, die eigentlich tot sein sollten, nie für immer weg. Aber das spielt kaum eine Rolle, denn es gibt immer ein paar Widerstandskämpfer, die für überdramatische Verluste oder als Fraß für endlose Menschenfleischfresserschwärme herhalten müssen. Das Gleiche gilt für die Bösewichte, die immer dann zum Vorschein kommen, wenn es die Situation erfordert, und für die Wendepunkte, die in der Regel das 'letzte' oder 'einzige' wichtige Stück der endgültigen Rettung sind.

Trotz der vergangenen Jahre hat sich die Computergrafik nicht wesentlich verbessert. Das ist eine Schmach, denn "Resident Evil 6: The Final Chapter" bedient sich zunehmend der animierten Sequenzen. Zum Glück hängt es jedoch nicht von einer dezenten Geschichte ab, die Konzepte wechselt und Ziele verschiebt, die scheinbar die mühsamen, missionsbasierten Feinheiten eines Videospiels duplizieren. Außerdem werden ständig Hindernisse und Fallen aufgestellt, die auf kreative, aber brutale Weise dafür sorgen, dass unbedeutende Nebendarsteller wieder zu Grunde gehen, nicht unähnlich den gängigen Mustern in den Videogames. Fast schon ridikül sind die anderen Verstrickungen, die sich daraus ergeben, einschließlich der Existenz eines Informanten in der Gruppe, der Offenbarung einer inszenierten Apokalypse und der Visualisierung einer Arche Noah für die Reichen, die alle ihre Wirkung entfalten könnten, wenn sie in einem separaten Film behandelt würden, abgesehen von der vorausahnenden Kampfsoftware, die einfach nur mit Dummheit geschlagen ist. Wenigstens sind die Kulissen hübsch dekoriert.

"Resident Evil 5: Retribution" von Regisseur Paul W.S. Anderson knüpft nur wenige Sekunden nach dem Ende von "Resident Evil: Afterlife" an. Alice (Milla Jovovich) befindet sich an Bord des Raumschiffs 'Arcadia' und liefert sich ein spannendes Feuergefecht mit Weskers (Shawn Roberts) Armee aus schwarz gekleideten Sturmtruppen und einer riesigen Flugzeugflotte. Das meiste davon wird in umgekehrter Reihenfolge gezeigt, was eine künstlerische Absicht ist und dazu führt, dass Alice direkt zum Betrachter spricht, während sie die wichtigsten Punkte der vorherigen vier Filme zusammenfasst. Die experimentelle Forschung der 'Umbrella Corporation' an viralen Waffen ist natürlich am besten für eingefleischte Fans der Reihe geeignet. Wer die anderen Filme nicht kennt, sollte diese vierte Fortsetzung nicht mitten in der Geschichte beginnen.

"Ich habe Kräfte entwickelt...", berichtet Alice und kommentiert damit eines der größten Probleme dieser Filmreihe. Für fast alles gibt es viel zu wenige Begründungen. In ihrer Rekapitulation der Vorfälle erwähnt sie sogar, dass Wesker ihr die Zauberkräfte genommen hat, sie aber trotzdem weiterkämpfen konnte. Wie sich herausstellte, haben sich ihre magischen Fähigkeiten nicht im Geringsten vermindert, da die Wirkung des Serums und ihre Gegenwirkung darauf weitgehend ausgeglichen sind.

Um den kompletten Mangel an Sensibilität zu kompensieren, bietet "Resident Evil 5: Retribution" jede Menge spontane Action, plötzliche Zusammenstöße, Explosionen oder Schießereien und hyperaktive Zombies, die sich von den ansonsten ruhigen Umgebungen abheben, wie zum Beispiel, wenn Alice einen friedlichen Morgen mit ihrer tauben Tochter und ihrem Ehemann genießt, der sich als Traumsequenz entpuppt. Ebenfalls ohne Rücksicht auf die Logik kehren mehrere Schauspieler aus der Reihe als Klone zurück, darunter Michelle Rodriguez, Oded Fehr und Colin Salmon, nur um Starpower hinzuzufügen und von der Tatsache abzulenken, dass die Hauptfiguren aus der vorangegangenen Fortsetzung verschwunden sind, ohne überhaupt erwähnt zu werden. Und witzigerweise wacht Alice immer wieder nackt aus ihren verschiedenen Bewusstlosigkeitszuständen auf, was als Drehbuchidee nur dazu dient, dass Milla Jovovich trotz ihres Alters und ihrer Kinder ihre perfekte Körperstatur zur Schau stellt.

Währenddessen findet sich Alice, die sich nicht um eine vernünftige Geschichte schert, meilenweit unter dem Eis in einer russischen Einrichtung wieder und wartet auf ein Einsatzteam, das ihr bei der Flucht hilft. Und diese Operation wird irgendwie von Wesker und seiner Top-Agentin Ada Wong (Bingbing Li) inszeniert, die sich zufällig mit Alice tief im Untergrund befindet. "Die menschliche Rasse ist vom Aussterben bedroht", sagt Wesker, und das ist alles, was er braucht, um sich versehentlich mit Alice zusammenzutun, die es erneut mit der 'Red Queen' aufnimmt, einem Computerprogramm, das noch teuflischer ist als die unbesiegbare, Agent Smith-ähnliche Nemesis, die Alice in den letzten beiden Filmen bekämpfte.

Die axtschwingenden Henkermonster kehren zurück, die Untoten von 'Las Plagas' haben einen Auftritt, und Ada Wongs Outfit ist genau richtig, um Fans des Videospiels rundum zu befriedigen. Leider tragen diese Teile nicht zum Genuss der Szenarien bei. Sie sind auch nicht imstande, glaubwürdige oder gar adäquate Interaktionen zu forcieren. Jede zweite Szene wirkt wie aus der Luft gegriffen, nur weil Paul W.S. Anderson dachte, sie wäre beeindruckend oder abgeleitet, wenn man bedenkt, dass einige Elemente stark an "Aliens - Die Rückkehr" erinnern, mit einer Tochterfigur, die von Aryana Engineer gespielt wird, und dem Kokonieren durch mutierte Monstrositäten. Doch alles verläuft so, als wären es zusammenhanglose Sequenzen aus einem guten Dutzend unterschiedlicher Filme. Es ist ein Gemenge aus farbenfroher Verwüstung und nicht enden wollender Munitionsflut, das auf internationalen Kampfgebieten tobt und möglicherweise mehr Computeranimationen enthält als in den Videospielen.

"Resident Evil: Afterlife" von Regisseur Paul W.S. Anderson beginnt mit einer Aufnahme von Menschen, die in Zeitlupe durch den Regen laufen. Die Kamera schleicht sich so langsam an den Oberkörper einer Frau heran, dass es schwer fällt, sich für die Offenbarung zu interessieren, warum der Fokus überhaupt auf ihrer Figur liegt. Nach einer gefühlten Ewigkeit stellt sich schließlich heraus, dass die Frau Asiatin ist und das 'T-Virus' den Orient heimgesucht hat.

Ein zweites Labor der 'Umbrella Corporation' in Tokio, das unterirdisch und in identischer Bauweise wie das erste in der Wüste von Nevada errichtet wurde, wird nun von Horden von Zombies angegriffen - und von Alice (Milla Jovovich), der einzigen Überlebenden der ursprünglichen Biowaffenexperimente. Der Vorsitzende Wesker (Shawn Roberts) und seine hohen Tiere spielen weiter mit dem Virus und fühlen sich in ihrer Hightech-Festung viele Kilometer unter der Erde sicher, weit weg von dem Ort, an dem die Menschheit ausgelöscht wurde. Doch Alices größter Trumpf ist vielleicht ihr unersättlicher Wunsch nach Rache.

Die Actionchoreografie ist irgendwie noch dämlicher geworden, da Alice weiterhin weltfremde Flugzeiten hat, um weit über dem Boden zu schweben, als ob sie gegen die Schwerkraft immun wäre. Hinzu kommt, dass sie ihre telekinetischen Fähigkeiten so weit perfektioniert hat, dass sie nur blinzeln muss, um ganze Schwadronen bewaffneter Soldaten zu vernichten. Außerdem gibt es Dutzende von Alice-Klonen, sodass selbst wenn eine stirbt, mehrere andere als Ersatz für sie einspringen. Als ob das alles nicht schon widersinnig genug wäre, hat sich die Konzentration auf Schießereien und Schwertkämpfe so weit gesteigert, dass es fast so ist, als würde man jemandem beim Spielen eines "Resident Evil"-Videospiels zusehen. Vielleicht ist das der Sinn der Sache.

Der Unterhaltungswert hat sich jedoch drastisch reduziert, denn zahlreiche Szenen wirken wie dürftige Versuche, Ansätze aus "The Matrix" zu kopieren. Zumindest sieht Milla Jovovich in hautengem schwarzem Leder immer noch gut aus. In diesem vierten Teil der Reihe wird die Geschichte mit den zuvor erforschten Themen fortgesetzt, wobei für Hardcore-Fans alles an seinem Platz bleibt. Das Problem für alle anderen ist, dass jedes neue Kapitel letztlich kaum mehr als ein zufälliges Abenteuer ist, das den nächsten Film vorbereiten soll, wodurch fast jedes Ereignis völlig belanglos wird. Wenn also auf dem Bildschirm Schriftzeichen aufblitzen, die darauf hinweisen, dass vier Jahre vergangen sind, seit die Welt von den wandelnden Toten dahingerafft wurde, und dann weitere sechs Monate vergehen, nachdem Alices Flugzeug in einen Berg gestürzt ist, ist es noch offensichtlicher, dass die Katastrophen willkürlich und sporadisch sind und nicht von langer Hand geplant.

Noch unglaubwürdiger wird es, als Alice auf auffallend gepflegte, elegant gekleidete und attraktive Mitüberlebende trifft, darunter Luther (Boris Kodjoe), Angel (Sergio Peris-Mencheta), Crystal (Kacey Barnfield), Bennett (Kim Coates) und Kim Yong (Norman Yeung), die versuchen, ihre ehemaligen Freundinnen Claire Redfield (Ali Larter) und K-Mart (Spencer Locke) aufzuspüren - allesamt junge Frauen, die zugleich auch Supermodels sind. Obwohl es kein großes Geheimnis gibt, leidet Claire an einer Amnesie, die sie zwingt, Rückblenden durchzuführen, um fehlerhafte Erinnerungen zu überwinden. Alice bleibt unbesiegbar, selbst nachdem ihr ein Medikament injiziert wurde, das ihre 'T-Virus'-Superkräfte unterdrücken soll. Claires Bruder Chris (Wentworth Miller) taucht in einem Szenario von haarsträubender Koinzidenz auf, und ein riesiger Zombie, der eine Henkershaube mit Nägeln auf dem Kopf trägt und eine Streitaxt von gigantischem Kaliber schwingt, verfolgt die Überlebenden. Und all dem wird nicht viel Beachtung geschenkt. Hoffentlich werden die treuesten Fans die Referenzen an das Spiel amüsant finden, auch wenn die Geschichte, die Charaktere, die Schauplätze und die Bosskämpfe allesamt hanebüchen und unerträglich sind. "Warum bin ich nicht überrascht?"

Blödsinnig, hirnrissig und völlig überflüssig: "Resident Evil: Extinction" von Regisseur Russell Mulcahy ist möglicherweise der scheußlichste Film des Jahres 2007. Ohne jegliche Treue zur ursprünglichen Videospielreihe und ohne die ohnehin schon bedeutungslose Handlung der ersten beiden Filme weiter auszubauen, ist dieser aufgewärmte Brei aus purem Schwachsinn ein großer Sprung in die falsche Richtung für das Filmemachen im Allgemeinen und das Horrorgenre im Besonderen. Das Traurigste an dieser ganzen Prozedur ist, dass ungeachtet dessen, was die Kritiker unweigerlich über "Resident Evil: Extinction" gesagt haben, die Fans, die tatsächlich etwas von dieser Farce erwartet haben, noch mehr enttäuscht sein werden, oder, wie diese Dinge zu laufen pflegen, vielleicht haben sie genau das bekommen, was sie wollten.

Alice (Milla Jovovich) schließt sich einer Gruppe wettergegerbter Überlebender der 'T-Virus'-Zombieinvasion an, die die Welt überrollt und die Menschheit fast ausgelöscht hat. Zusammen mit Claire Redfield (Ali Larter) plant sie, aus den kargen Wüsten Nevadas zu entkommen. Dabei muss sie auch das Komplott hinter ihrem mysteriösen Klonen aufdecken und die Lösung finden, um die Zombie-Epidemie endgültig aufzuhalten. Da der Schauplatz eine trockene Einöde ist, ist es witzig, dass der Film von Russell Mulcahy inszeniert wurde, der bereits bei drei Wüsten-Horrorfilmen Regie geführt hat: "Razorback", "Talos - Die Mumie" und "King Tut - Der Fluch des Pharao".

Beginnend mit allzu bekannten Szenen aus dem ersten Film, die nicht als Rekapitulation dienen, sondern den Betrachter zu der Frage veranlassen, ob es sich tatsächlich um einen neuen Film handelt, stolpert das mutmaßliche letzte Kapitel der "Resident Evil"-Trilogie unbeholfen ins Abseits. Die Kamera ahmt den Stil des Spiels nach, schleicht auf Zehenspitzen durch Korridore und Gänge und späht durch blutverschmierte Türen, wobei sie jeden Moment für möglichst viele billige Schockmomente und plötzliche laute Geräusche nutzt. Die detaillierten Kulissen, die wunderbar unheimlichen Locations und die schaurigen Requisiten sind die einzigen erwähnenswerten Aspekte der Produktion, obwohl sie nicht beeindruckender sind als in den beiden vorherigen Filmen. Es ist eine Schande, dass das Make-up und die Kreatureneffekte immer besser werden, während die Geschichte und die schauspielerischen Leistungen exponentiell an Qualität verlieren.

Alice ist praktisch ein Übermensch, dank des sorgfältigen Schnitts, der dafür sorgt, dass der Betrachter völlig konfus ist und sich auf keine der Stunts oder Kampfkünste in den Kampfsequenzen konzentrieren kann. Verstümmelte Hunde, sehnsüchtig erwartete Zombiekrähen und rasende, superaggressive Mutationen verschwimmen, während Alice in der Luft und in Zeitlupe im Stil von "The Matrix" herumtanzt. Während einige der Zombiekämpfe mit der Schrotflinte in den Kopf und im Nahkampf recht innovativ sind, sind die meisten Schießereien und Drahtseilakte unausgegoren und geradezu absurd, was wiederum perfekt zu den darstellerischen Darbietungen passt, die mit klischeehaften Dialogen, blassen Charakteren, erwarteten Todesfällen und debilen Opfern gespickt sind.

"Resident Evil: Extinction" lässt sich viel Zeit, um seine papierdünnen Figuren zu entwickeln, und stopft sie dann für eine schnelle Zwischenmahlzeit in gellende, gierige Zombiefressen. Einige der Namen der Charaktere stimmen mit denen der Videospiele überein, aber der Betrachter wird keinen Hauch von Authentizität in ihren Darbietungen, ihrem Aussehen, ihren Kostümen oder ihrer Hintergrundgeschichte finden. Umso akzeptabler ist es, dass so viele Menschen zu unmittelbaren Opfern werden, die achtlos in den Mahlstrom der lebenden Toten geworfen werden.

Alice bekommt einen Schuss telekinetischer Superkräfte, die es in den Videospielen nicht gab, die Welt wird zu einer trostlosen postapokalyptischen Staubkugel, die es in den Videospielen sicher nicht gab, und Alaska ist vielleicht die letzte Hoffnung auf unverseuchte Überlebende, die es in den Videospielen gegeben haben könnte. Die 'Umbrella Corporation' hat immer noch das Sagen, experimentiert unermüdlich mit dem 'T-Virus' und beschäftigt psychotische Wissenschaftler, die noch mächtiger, böser und massiver missgestaltet sind als die Zombies. Wenigstens sind die Menschen markantere Bösewichte als die trotteligen Untoten. Es wäre zu viel verlangt, dass diese Filmreihe von den körperfressenden, bluttriefenden, halb verwesten Zombies abhängt, um den ganzen Horror zu erzeugen.

In "Resident Evil: Apocalypse" von Regisseur Alexander Witt überlebt Alice (Milla Jovovich), die Sicherheitschefin in der 'Hive'-Einrichtung der 'Umbrella Corporation' - einem riesigen unterirdischen Labor, in dem mit Biowaffen experimentiert wird - einen Ansturm reanimierter Zombies, woraufhin ein Team von Spezialisten das Konstrukt wieder betritt. Doch anstatt herauszufinden, was genau dort unten passiert ist, werden sie von der Kontamination durch das mutierte 'T-Virus' überwältigt. Als das abgeschiedene 'Raccoon City' infiziert wird und sich alle Bürger in Zombies verwandeln, ist es wieder einmal an Alice, die Ordnung wiederherzustellen.

Glücklicherweise wird sie von Jill Valentine (Sienna Guillory) unterstützt, die ihrer Videospielfigur ziemlich treu bleibt, auch wenn es ein bisschen übertrieben ist, dass ihre offizielle Polizeiuniform aus einem engen schwarzen Minirock, einem freizügigen türkisfarbenen Röhrentop und dunklen Lederholstern zu bestehen scheint. Zudem wirken ihre beiden Pistolen immer stark genug, um Angreifer aufzuhalten, die von weitaus größeren Waffen nicht aufgehalten werden können. Während die Bewohner die 'Ravens Gate'-Brücke stürmen, die aus der Stadt führt, und die Militäreinheiten vergeblich versuchen, sowohl den Ansturm der Menschen als auch die Horden von Zombies in Schach zu halten, geraten Soldaten und Bürger aufgrund einer Bio-Quarantäne gleichermaßen in das Chaos der fleischfressenden Infizierten.

Diese direkte Fortsetzung von "Resident Evil" aus dem Jahr 2002 ist auf Anhieb noch dämlicher. Kommandant Carlos Olivera (Oded Fehr) wird eingeführt, indem er vorzeitig aus einem Hubschrauber springt, um mit zwei Gewehren gleichzeitig auf ein Dach voller Untoter zu feuern, bevor er mit einigen Kampfsportmanövern weitere Gegner platt macht. Doch alles ist umsonst, denn die Frau, die er zu retten versucht, stürzt sich trotzdem vom Gebäude. Selbst wenn man von den sich wiederholenden Jump-Scares absieht, liegt der Schwerpunkt ärgerlicherweise mehr darauf, Posen einzunehmen und Zombies stilvoll auszuschalten, als den Survival-Horror auf sinnvolle Weise zu vertiefen. Alice ist jetzt natürlich auch der 'Rambo' unter den Zombiekillern, cool, emotionslos und selbstbewusst. Sie erledigt die Mutanten mit so lachhaften Methoden wie dem Anzünden eines Motorradtanks in der Luft während eines Kampfes mit einer aggressiven Kreatur. Später wird sie dann komplett übermenschlich.

Um die Fans der Spielreihe zu befriedigen, enthält der Nachfolger das 'Nemesis'-Programm, in dem der Umweltschützer Matt (der einzige andere Überlebende des vorherigen Films) in eine riesige Bestie transformiert wird, die dem Hauptboss aus dem dritten 'Resident Evil'-Videospiel von 'Capcom' nachempfunden ist. Leider ist 'Nemesis' in seiner Ausführung geradezu witzig, vor allem durch das Design des kostümierten Mannes, die klobigen Bewegungen und die einzeiligen Dialoge. Daneben sind die 'S.T.A.R.S.'-Truppen ein beliebtes Ziel, Raketenwerfer werden regelmäßig abgefeuert, und die Straßen von 'Raccoon City' sind mit Leichen und Trümmern übersät.

Problematisch ist, dass auch Zeit für humoristische Intervalle bleibt, die nicht zu der Zombie-Gewalt passen, da es ohnehin enorm anstrengend ist, eines der Abenteuer ernst zu nehmen. Aber trotz dieses überschüssigen Humors versucht "Resident Evil: Apocalypse", ein paar neue Akzente zu setzen, auch wenn es sich dabei meist um Elemente handelt, die schon in anderen Zombiefilmen zu sehen waren, oder um eine Quintessenz der erfolgreichen Zombie-Hundestaffel von vorher. Leichen brechen aus Gräbern hervor, Kinderfleischfresser belagern ein Klassenzimmer, und Alice trotzt der Schwerkraft und sprintet an der Seite eines Wolkenkratzers herunter. Doch keiner dieser Momente ist wirklich imponierend, sondern eher aufgebauscht und nicht glaubwürdig sowie mit unpräzisen Zeitlupen überfrachtet. Auch der finale Faustkampf mit dem Erzfeind ist ziemlich idiotisch. Dann endet der Film mit einer weiteren Vorbereitung auf eine Fortsetzung. "Mach ihn fertig!"

In "Resident Evil" von Regisseur Paul W.S. Anderson wird die 'Umbrella Corporation' zu Beginn des 21. Jahrhunderts zum größten Unternehmen der Vereinigten Staaten. Ihr politischer und finanzieller Einfluss ist überall spürbar, zumal 9 von 10 Haushalten ihre Produkte enthalten. Die Firma ist zwar der weltweit führende Anbieter von Computertechnologie, aber ihre Hauptgewinnquellen sind Militärtechnologie, genetische Experimente und Viruswaffen, die den Aktionären und der Öffentlichkeit meist verborgen bleiben.

Geheimniskrämerei und Korruption führen zu drastischen Ereignissen in 'Raccoon City', wo eine in der Luft befindliche Chemikalie auf ahnungslose Mitarbeiter und Bürger losgelassen wird. Nachdem eine Biowarnung ausgelöst wurde, ist es für die in Panik geratenen, eingeschlossenen Wissenschaftler in einem 'Umbrella'-Labor zu spät, denn sie werden vergast, vom Feuerlöschsystem überflutet oder - ganz grausam - von defekten Aufzügen enthauptet. Und all das wird von Sicherheitskameras überwacht, die scheinbar zu diesen Katastrophen beitragen.

Kurze Zeit später erwacht Alice (Milla Jovovich) am Rande einer Dusche, nackt, aber mit perfekt gelocktem Haar, und leidet unter Amnesie. Lustigerweise verdeckt sie ihre Brüste mit der Hand, als sie einen Bademantel anzieht, präsentiert dem Betrachter dann aber einen Nippel, als sie sich das Kleidungsstück über die Schultern wirft. Nur wenige Minuten nachdem sie begonnen hat, das riesige Anwesen zu erkunden, in dem sie sich befindet, seilt sich eine Schwadron schwarz gekleideter Soldaten durch die Fenster ab und verlangt von Alice einen Lagebericht, so als gehöre sie zu deren Team. Als sie sich in einem U-Bahn-Wagen verstecken, nehmen sie auch den örtlichen Polizisten Matt (Eric Mabius) gefangen, der in das Gebäude gestolpert ist. Als sie in ein offensichtlich schwer bewachtes Gelände der 'Umbrella Corporation' hinabsteigen, verschlimmert sich ihre Situation. Die streng geheime Forschungseinrichtung wurde mit dem 'T-Virus' verseucht, das die etwa 500 Bewohner in menschenfressende Zombies verwandelt hat.

Mit einer etwas übersteigerten Kameraführung und viel computergestützter Perspektive wird versucht, einige Komponenten des Videospiels zu imitieren, einschließlich des sich langsam entfaltenden Mysteriums der mutativen viralen Probleme. Doch das vertraute Herrenhaus am Anfang wird schnell durch ein kaltes, stählernes Labyrinth ersetzt, das kaum an das Original heranreicht. Stattdessen tragen die gut ausgerüsteten Soldaten mehr Waffen, als jemals im Spiel verfügbar waren, und sie sehen sich mit völlig neuen Verteidigungsmechanismen und einer bösen KI konfrontiert, die schlichtweg lästig ist. Seltsamerweise geraten die Sicherheitsleute in einen Laserhinterhalt, der viel brutaler ist als alles, was Gamer bisher auf der Playstation erleben mussten.

Ebenso merkwürdig ist die Verzögerung bei der Enthüllung der Hauptwidersacher, denn der erste Zombie taucht erst nach 40 Minuten auf. Doch sobald sie da sind, wird die Story noch interessanter und die Bedrohungen noch spannender. Make-up-Effekte mit einigen veralteten Computeranimationen, schaurige Bühnenbilder, Pyrotechnik und Explosionen sowie komische Zombiebewegungen tragen zum Horror bei. Was nicht funktioniert, sind die mäßig inszenierten Angriffsszenarien, vor allem, wenn sich die Gruppe aufteilt, von Feinden umzingelt wird oder einzelne Mitglieder auf eigene Faust losziehen, um sich Sekunden später auf unerklärliche Weise neu zu formieren. Es ist, als ob ganze Szenen fehlen oder Übergänge nie geplant waren - vielleicht hofften die Filmemacher, dass der Betrachter abrupte Zeit- oder Ortswechsel sowie schier unmögliche Fluchten nicht bemerken würde. Nichtsdestotrotz sind einige Jump-Scares effektiv, die Zombie-Hunde sind schön anzusehen, und die lebensbedrohlichen Hindernisse sind konsistent. Allerdings ist es bedauerlich, dass der finale Antagonist ein größtenteils am Rechner generiertes Monster ist, das sich nicht behaupten kann, und dass "Resident Evil" schlussendlich zu einer großartigen Vorlage für eine Fortsetzung verkümmert, ohne viel Gewicht auf eine eigenständige Kernhandlung zu legen.

In "Mandy" von Regisseur Panos Cosmatos kommt Red Miller (Nicolas Cage) von seinem Job als Holzfäller nach Hause, zieht aus unbekannten Gründen eine Grimasse und lehnt ein Bier von seinem Kollegen ab, während er mit einem Hubschrauber aus dem Wald fliegt. Wir schreiben das Jahr 1983 in den Shadow Mountains, wo Red Miller und seine Freundin Mandy Bloom (Andrea Riseborough) in einer hoch aufragenden Hütte mit unzähligen Fenstern leben, isoliert und doch so friedlich, als wären sie die einzigen Menschen auf dem Planeten. Am nächsten Tag liegen die beiden auf einem strahlend blauen See in ihrem Kanu und zelten am Ufer, schauen sich in die Augen und in ein leise knisterndes Feuer.

Am Tag danach werden die Dinge jedoch halluzinatorischer, von unbequemen langen Aufnahmen von Mandy Blooms emotionslosem Gesicht bis hin zu einem toten Reh, dem die Zunge aus dem Maul baumelt und dessen welker Körper in einem Laubhaufen versinkt. Wenige Augenblicke später nuschelt Mandy Bloom eine Geschichte über ihren Vater, der Starenbabys grausam mit einem Brecheisen massakrierte. Und dann liest sie aus einem Buch mit dem Titel 'Seeker of the Serpent's Eye', dessen Text sie in eine andere Welt zu versetzen scheint: einen blutroten Wald, in dem ein Lieferwagen mit suspekten Personen an ihr vorbeifährt, eine einfache Handlung, die durch wiederholte Aufnahmen und Standbilder verstärkt wird.

Im weiteren Verlauf der Geschichte, in der der bedrohliche Jeremiah Sand (Linus Roache, ein effektiver Irrer), eine ältere weißhaarige Frau namens Mutter Marlene (Olwen Fouere) und der unterwürfige Bruder Swan (Ned Dennehy) - allesamt Mitglieder einer verrückten Sekte - eingeführt werden, nehmen die visuellen Ergüsse nur noch mehr an Skurrilität zu. Die Geschichte wäre für sich genommen schon verstörend genug, unterstützt durch eine Reihe von gespenstischen musikalischen Stücken, so dass die Schnitttechniken, die oft verwendet werden, um dem Film eine zusätzliche Ebene der Beklemmung zu verleihen, absolut entbehrlich sind. Spontane Raucheffekte, Farbwechsel und Stroboskoplicht transformieren den Wald systematisch in eine andere Epoche, als ob "Mandy" in einer anderen Dimension spielen würde.

Es dauert nicht lange, bis Bruder Swan eine "Mad Max"-ähnliche Biker-Gang aus ledergebundenen, mit Nägel durchbohrten, LSD konsumierenden und Menschen opfernden Dämonen herbeiruft, die den 'Cenobiten' aus der "Hellraiser"-Franchise ähneln und Mandy Bloom entführen, um sie als neues Mitglied in Jeremiah Sands höllischem Kult einzusetzen. Mit extrem wenig Humor und vielen drogen- und wespengiftgetränkten Psychotrips mutiert "Mandy" zu einem Rock 'n' Roll-Kaleidoskop des Wahnsinns. Die Handlung kommt nur langsam in Gang, was nicht nur an der Zeitlupe liegt, sondern auch an der überbordenden Detailfülle der aus einem unstillbaren Bedürfnis nach Rache geborenen Bösewichte - aber wenn der Racheplan erst einmal auf Touren kommt, wird keine Zeit mit chaotischer Verwüstung verschwendet.

Nicolas Cage ist nicht mehr der Actionstar, der er einmal war, aber die sich ständig steigernde Spannung wird abrupt durch nervenzerfetzende Fehlalarme gemildert, was vielen Thrills ein Achterbahngefühl verleiht und seinen Angriffsbemühungen eine gewisse Potenz jenseits physischer Limits ermöglicht. Trotz seiner offensichtlichen Low-Budget-Konstruktion ist "Mandy" stilvoll und überraschend kreativ, und Nicolas Cage hält seine Wut in seiner Performance nicht zurück. Er ist ein Mann von geringer Wortkraft, was vielleicht klug ist, denn er gibt vor, lächerliche Dialoge zu führen, doch er überzeugt als ein gequältes Opfer, das nichts mehr zu verlieren hat. "Ich gehe auf die Jagd."

Schließlich wird "Mandy" unsagbar böse und grässlich, da sich die Realität immer wieder mit einer allgegenwärtigen Alptraumhaftigkeit und animierten Sequenzen vermischt, bis es zu einem fast komödiantischen Blutbad kommt, dessen Höhepunkt ein Kettensägen-Duell und ein epischer Showdown mit dem heilsbringenden religiösen Extremisten ist. In manchen Momenten wirkt es wie eine perverse, sadomasochistische Variante von "Apocalypse Now". "Es hat keinen Sinn gehabt!", schreit Red Miller in einem der wenigen normalen Gespräche mit dem hilfsbereiten Einsiedler Caruthers (Bill Dukes) und spricht treffende Worte, die wahrscheinlich nicht hätten ausgesprochen werden sollen, um dem Betrachter inmitten dieses zeitweise unterhaltsamen, neonglänzenden Deliriums Denkanstöße zu geben.

Die Dialoge sind grottenschlecht, die schauspielerische Leistung ist absolut dilettantisch, und die Make-up-Effekte sind von einem Kaliber, wie man sie in einem Karnevalsladen finden würde. Dies ist die Art von filmischem Abfall, von dem sich die Filmemacher wahrscheinlich wünschen, sie hätten nie daran gearbeitet - ein Schandfleck in ihrem Lebenslauf, der sie effektiv daran hinderte, eine Karriere aufzubauen. Der Clou: Eine rotlippige Hexe verführt einen jungen Mann mit einem Maiskolben. Während sie ihn beide lustvoll verzehren, türmt sich das Popcorn um sie herum auf. So niederträchtig er auch ist, "Troll 2" von Regisseur Claudio Fragasso ist sogar noch einen Tick besser als das Original, obwohl dieser Film den Namen nur zu Marketingzwecken übernommen hat und nichts mit seinem Vorgänger zu tun hat.

Großvater Seth (Robert Ormsby) erzählt dem jungen Joshua Waits (Michael Stephenson) eine Geschichte über bösartige Kobolde. Sie lieben es offenbar, Reisende mit dickem grünen Pudding zu füttern, der sie in halb Mensch, halb Pflanze verwandelt - die Lieblingsspeise der Kobolde, bevor sie sie auffressen, was ein wenig an Peter Jacksons "Bad Taste" erinnert. Diese skrupellosen, zwergenhaften, widerwärtigen Kreaturen haben es nicht nötig, ihre Barbarei zu rechtfertigen. Joshua Waits' Mutter (Margo Prey) unterbricht das Finale, um ihm mitzuteilen, dass Großvater Seth eigentlich schon seit Monaten tot ist und der Junge regelmäßig unter Wahnvorstellungen leidet.

Die Eltern von Josh Waits beschließen, mit einer Familie in der vegetarischen Stadt 'Nilbog' (Goblin rückwärts buchstabiert) zu tauschen, und so macht sich die Familie Waits auf zu einem Wochenendausflug, zu dem sie auch ihre resolute Schwester Holly (Connie McFarland) mitbringt, die ihren Freund Elliott Cooper (Jason Wright) einlädt. Als die Familie ohne Elliott Cooper vorzeitig abreist, nimmt er sein Wohnmobil und seine drei Freunde mit. Nachdem sich Joshua Waits in seinem neuen Zuhause eingelebt hat, wird er weiterhin vom Geist seines Großvaters gelenkt, der ihn zum Erbrechen und Urinieren auf das Willkommensessen nötigt, das in Wirklichkeit aus giftigen Substanzen besteht, die sie alle in Pflanzen verwandeln wird.

Zurück im Wohnmobil ist Arnold (Darren Ewing) der Tapfere, der versucht, ein verängstigtes Mädchen zu retten, das durch den Wald rennt, nur um von einem notdürftig hergerichteten Speer eines Goblins aufgespießt zu werden. Auf der Flucht stoßen sie auf eine kirchenähnliche Hütte, die von der Druidenhexe Creedence Leonore Gielgud (Deborah Reed) bewohnt wird, die sie mit einem Schwindel dazu bringt, eine grüne Grütze zu trinken, die Arnold in einen mutierten Baum verwandelt, während das Mädchen mit der Pflanzenwelt eins wird und sich in einen glibberigen Salatkokon verwandelt. "Sie fressen sie! Und dann werden sie mich fressen! Oh mein Gooooootttttt!"

Es ist nicht verwunderlich, dass zufällige Szenen von Blödheit und Makulatur den Verlauf der Filmhandlung behindern. Mit Großaufnahmen der Mutter, deren Augen so weit wie möglich nach hinten gerichtet sind, weil das ihr einziger Gesichtsausdruck ist, einem Auto des Sheriffs mit einem gigantischen Glanzaufkleber, der an einigen Stellen abblättert, und einem Opa, der häufig Vorschriften über Magie macht, um komfortabel zu entwischen, ist es kein Wunder, dass "Troll 2" weithin als einer der miesesten Filme aller Zeiten gilt, aber dennoch Kultstatus hat. Und das Beste daran? Die unsagbar geschmacklose Musik, die bei jeder Verfolgungsjagd ertönt und geradezu darum schreit, dass sich 'Sonic The Hedgehog' materialisiert und mit den Goblins rennt. Die wichtigste Frage ist vielleicht, warum der Film "Troll 2" heißt, wenn es nirgendwo Trolle zu sehen gibt.

Wenn die Titelsequenz beginnt und die Worte 'A Charles Band Production' über den Bildschirm laufen, ist es ziemlich offensichtlich, wie abscheulich schlampig der Film "Troll" von Regisseur John Carl Buechler sein wird. Schließlich ist Charles Band die kreative Kraft hinter Low-Budget-Franchises wie "Trancers" und "Subspecies" sowie Schundproduktionen wie "Beach Babes from Beyond", "Test Tube Teens from the Year 2000" und "The Exotic Time Machine". Die Spezialeffekte sind pathetisch, abgesehen von den Make-up-Effekten, die lächerlich belustigend sind, die Dialoge sind dämlich, und die Figuren sind ausgesprochen nervig. Der Fakt, dass der größte Teil der Handlung keinen Sinn ergibt, hilft diesem 82-minütigen Rotzfest sicherlich nicht.

Die Familie Potter, angeführt von Harry Potter Sr. (Michael Moriarty), einem Familienvater und Buchrezensenten, der sich dadurch auszeichnet, dass er zufällig einen Namen trägt, der noch vor J.K. Rowlings berühmter Literatur liegt, zieht in eine neue Wohnung. Sein Sohn (Noah Hathaway) ist ein Weichei, seine Frau Anne (Shelley Hack) ist völlig orientierungslos, und Tochter Wendy Anne (Jenny Beck) wird sofort von einem grässlichen Mutantenzwerg angegriffen, der im Keller haust. Der Film zeigt den Troll gleich zu Beginn als komischen, liliputanischen Humanoiden mit überwucherten, hässlichen Gesichtszügen und einem breiten Dauergrinsen. "Mein Name ist Harry Potter jr."

Torok der Troll (Phil Fondacaro) verwandelt einige seiner Opfer in dichte Vegetation, die sich mit Hilfe einiger interessanter Maskenbilder und glitschigen kleinen Puppen in den Wohnungen ausbreitet. Sein ultimatives Ziel ist es, alle Unterkünfte zu übernehmen und seinen Thron zurückzuerobern - oder so ähnlich. Aus irgendeinem Grund ist "Troll" überhaupt nicht seriös, vor allem bei der Einführung der Nebenfiguren - eine ist übermäßig gesprächig, eine joggt wie bekloppt zu einer Musik, und eine tanzt im Bademantel einer Frau herum. Jeder scheint eine Tanzeinlage zu erhalten, auch Michael Moriarty, nur um sich zu blamieren. Wendy Annes Besessenheit ist so ziemlich das Einzige, was mit einem Hauch von Ernsthaftigkeit angegangen wird, aber das ist nur von kurzer Dauer.

Jeanette Cooper (Julia Louis-Dreyfus in ihrer ersten Rolle, von der sie sich wahrscheinlich wünscht, es hätte sie nie gegeben, zumal ihre wichtigste Szene einen Striptease für den Troll beinhaltet) ist eine frivole Schauspielerin, die geradezu darum bettelt, als Köder für den Bösewicht zu dienen. Eunice St. Clair (June Lockhart), die etwas kauzige, betagte MILF-Nachbarin mit einem singenden Champignon in ihrer Wohnung, scheint die einzige zu sein, die schauspielern kann, und sie ist viel mehr in die Existenz des Trolls verwickelt, als sie zugibt. Phil Fondacaro ist auch nicht gerade schlecht, denn er spielt sowohl eine Nebenfigur, den kleinen Menschen Malcolm Mallory, als auch Torok, vermutlich um einen zusätzlichen Schauspieler nicht bezahlen zu müssen.

Wenn Malcolm Mallory die Feenkönigin rezitiert, ist es eindeutig, dass die Drehbuchautoren nicht darauf bedacht waren, mit Spannung oder echten Horrorelementen Schritt zu halten. Stattdessen handelt es sich um eine weitere Nebenhandlung, die dazu dient, den Anti-Muppets, den deformierten Puppen, ihren eigenen musikalischen Tanz- und Gesangswettbewerb zu bieten. Tatsächlich scheint sich "Troll" mehr auf das Leben und die Zeit von Malcolm Mallory zu konzentrieren als auf die böse Präsenz des Kobolds. "Ich verstehe das alles nicht", sagt Anne Potter. Wahrhaftigere Worte wurden nie ausgesprochen.

In "Der Gesang der Flusskrebse" von Regisseurin Olivia Newman finden zwei Jungen am 30. Oktober 1969 die Leiche von Chase Andrews (Harris Dickinson) in den Sümpfen von Barkley Cove, North Carolina. Es gibt keine Fingerabdrücke, Fußspuren oder andere Hinweise in der Nähe, aber die Jacke von Chase Andrew ist mit roten Fasern eines unbekannten Kleidungsstücks bedeckt. Obwohl der Feuerturm, von dem er aus 20 Meter Höhe stürzte, zuvor als unsicher und baufällig gemeldet wurde, gehen die Ermittlungsbehörden sofort von einem Verbrechen aus.

"Das geht mich nichts mehr an", beteuert der pensionierte Anwalt Tom Milton (David Strathairn), doch er bietet Catherine Clark (Daisy Edgar-Jones), einer einsiedlerischen Frau, die als 'Sumpfmädchen' bekannt ist und deren Verbindungen zu Chase Andrews sie zur Hauptverdächtigen in diesem Fall machen, schnell seine Unterstützung an. Ist sie eine Hexe? Bald wird die Stadt von einer Flut von Gerüchten überrollt. Sie wähnen sich sicher, dass Catherine Clark etwas damit zu tun hat, denn ihre jahrelange Isolation hat sicherlich eine asoziale Haltung hervorgebracht. Auf Mord ersten Grades kann die Todesstrafe ausgesprochen werden.

Anfangs ist Catherine Clark unkooperativ und schweigsam, sogar gegenüber ihrem Verteidiger, doch schließlich öffnet sie sich in einer Rückblende ins Jahr 1953, der ersten von vielen Störungen, die als Vorboten einer furchtbar leidvollen Erzählstruktur dienen. Während "Der Gesang der Flusskrebse" ihre Erziehung durch einen gewalttätigen Vater und eine traumatisierte Mutter schildert, offenbart Catherine Clarks buchfüllende Erzählung voller poetischer Reflexionen eine etwas mondäne, theatralisch nacherzählte, glücklose Kindheit, die an die Prämisse von "Nell" anknüpft, allerdings mit einem viel milderen Beiklang. Als ihre Eltern und Geschwister sie verlassen, wird sie in der Abgeschiedenheit eines Waldes zurückgelassen und lernt, ohne adäquate Nahrung, Unterkunft, Bildung, Freunde, Geld oder Perspektiven zu überleben. Wenigstens gibt es ein paar großherzige Bürger, die ihr gelegentlich unter die Arme greifen. "Manchmal fühle ich mich so unsichtbar."

Der Prozess taucht hier und da auf, bleibt aber unausgegoren und frustrierend, weil Catherine Clark nicht mit Tom Milton kommuniziert und den Betrachter rätseln lässt, was eigentlich geschehen ist. Noch bevor irgendwelche Details zutage treten, mutiert "Der Gesang der Flusskrebse" zu einer Teenager-Liebesgeschichte, denn Catherine Clark ist zwar schüchtern und sozial verwahrlost, aber sie ist trotzdem attraktiv und zieht die Blicke von gleich zwei jungen Männern auf sich: Tate (Taylor John Smith) und Chase Andrews. Hätte sie die Brutalität und Grausamkeit und das Elend ihrer Pflegefamilie wie in "Sling Blade - Auf Messers Schneide" ertragen müssen, wäre es eine ganz andere Adoleszenz gewesen. Hier ist sie nicht nur mit den Vorzügen ihres Anblicks gesegnet, sondern auch mit der Unabhängigkeit von der Überwachung im Sumpf und einer märchenhaften Beschaulichkeit in ihrer Einsamkeit. In ihrem Haus gibt es weder Kalender noch wirkliche Verpflichtungen, abgesehen von einem sporadisch vorbeischauenden Sozialarbeiter. Catherine Clarks Autonomie ist unrealistisch ideal und der Inbegriff für eine Teenager-Romanze.

Der Thriller ist mühsam von jeglicher Dynamik befreit, zumal der Betrachter über die zentralen Indizien im Dunkeln gelassen wird. Vielleicht noch unerfreulicher als das Informationsdefizit ist jedoch die Simplizität, mit der es zu simpel ist, um originell zu sein. Es gibt nicht viele Möglichkeiten, zu knobeln oder zu spekulieren. Außerdem ist der Rhythmus zu langsam, um packend zu sein, und die Lovestory ist zu alltäglich, um emotional berührend zu wirken. Am effektvollsten sind die Hintergrundbetrachtungen über ihre verschollenen Familienmitglieder und die Wege, auf denen der Lauf der Zeit ihre möglichen Bindungen verändert hat, zusammen mit leisen Anmerkungen zu den Stereotypen der Epoche, überschattet von Catherine Clarks zweifelhafter Ausgrenzung, von der im weitesten Sinne gesprochen wird, obwohl nie ganz plausibel dargelegt wird, wie sie jemals als Objekt des Gespötts erkannt werden könnte, wenn sie plötzlich in der Zivilisation auftaucht, eingekleidet und ausstaffiert. Das Ende, das die eine oder andere aufsehenerregende Erkenntnis bringen sollte, ist so hanebüchen, dass es wahrscheinlich noch weniger glaubwürdig klingt als in "Im Sumpf des Verbrechens", "The Power of the Dog" oder "Zwielicht". Dabei spielt es kaum eine Rolle, dass die Auflösung so aussichtslos in die Länge gezogen wird, dass sie den Betrachter dazu zu verleiten vermag, die Antwort auf die Frage nach der Wahrheit aufzugeben oder sich mit der narrativen Inhaltslosigkeit zu arrangieren.

Im Jahr 1915 wurden die Armenier im Osmanischen Reich von den Türken in einem Massengenozid verfolgt, zusammengetrieben und auf Todesmärsche in die syrische Wüste geschickt. Dreißig Jahre später, nach dem Zweiten Weltkrieg, bot Josef Stalin den armenischen Überlebenden, einer inzwischen über die ganze Welt verstreuten Diaspora, die Möglichkeit, nach Armenien zurückzukehren, das nun unter sowjetischer Herrschaft stand. Etwa 100.000 Rückkehrer folgten dem Aufruf, in der Hoffnung, ihre Identität und Kultur wiederzufinden. Das fiktive Werk "Amerikatsi" des Regisseurs Michael A. Goorjian schildert die Missgeschicke eines solchen Mannes, wobei seine Erlebnisse besonders dramatisch oder tragikomisch sind.

1948 gerät der kleine Ivan in eine Menschenmenge und wird von seiner Mutter Sona Petrov (Nelli Uvarova) getrennt, bevor er von dem freundlichen New Yorker Charlie Bakhchinyan (Michael A. Goorjian) gerettet wird, einem der Repatriierten, die Arbeit und Wiederaufbau suchen. Zum Dank lädt Sona Charlie zu einem Abendessen mit ihrem Mann Dmitri (Mikhail Trukhin) ein, der seine Hilfe bei der Wohnungs- und Jobsuche anbietet. Leider ist Charlie damit überfordert, denn er versteht die armenische und russische Sprache nur sehr schlecht. Da er im Alter von vier Jahren aus Armenien deportiert wurde, verfügt er nur über begrenzte Mittel und wenige Freunde, so dass er sich bald in der 'Eisbox' wiederfindet, einer kleinen Arrestzelle vor dem offiziellen Verhör. Ihm wird vorgeworfen, ein Spion zu sein, um konterrevolutionäre Propaganda an das sowjetische Volk zu verbreiten, seine Religion öffentlich zur Schau zu stellen und kosmopolitisch zu sein, da er eine schicke gepunktete Krawatte trug und zu einem Geständnis gedrängt wurde, während er wiederholt als 'amerikanischer Idiot' bezeichnet wurde. Für diese Verbrechen wollen die Behörden ihn zu 10 Jahren Zwangsarbeit verdonnern, aber der Kommandant, der zufällig Dmitri ist, will keine schlechte Publicity und zieht es vor, den armen Charlie nach Sibirien zu verlegen.

Der arglose Amerikaner befindet sich in einer sehr ernsten Situation, aber seine Einstellung, die witzige Kameraführung und die optimistische Musik lassen etwas anderes vermuten. Selbst als er sich in einem verwahrlosten Gefängnis wiederfindet, wo er von einem gnadenlosen Wärter und rabiaten Wachen ausgelacht wird, hat das Ganze den Charakter einer Komödie. Er wird als 'Charlie Chaplin' verhöhnt und gibt kleine Slapstick-Einlagen zum Besten. Als er gefoltert wird und einen Strick bekommt, um sich zu erhängen, ist es jedoch problematisch, die heitere Atmosphäre aufrechtzuerhalten, die vielleicht an eine moderne Interpretation von Charlie Chaplins "Der große Diktator" erinnert. "Ich habe einen Deal mit einer ziemlich unheimlichen Lady da drin gemacht."

"Amerikatsi" fasziniert sofort durch seine widersprüchlichen Tendenzen und Themen - eine Kollision, die mehr als Kuriosität denn als reine Unterhaltung funktioniert. Es könnte verstörend und furchterregend sein, aber stattdessen ist es ein seltsames Mysterium: Ist es eine spannende, warnende Geschichte, eine Geschichtsstunde oder ein komödiantisches Drama? Ist es eine Liebesgeschichte? Oder ein Gefängnisausbruch-Abenteuer? Einige der Gags sind geradezu brutal, etwa wenn Charlie anbietet, sich für die wöchentliche Prügelsession durch einen übergroßen Schläger zu drängen, damit er in seine Zelle zurückkehren kann, um einem alkoholkranken Narren beim Umgang mit seiner Frau Tigran (Hovik Keuchkerian) und Ruzan (Narine Grigoryan) zuzusehen, in dem Haus auf der anderen Straßenseite des Gefängnisses, das kurz durch ein eingestürztes Stück Zaun zu sehen ist, als wäre seine persönliche, private Sitcom selbst ein potenzieller Mikrokosmos für das sowjetische Leben, eingerahmt von vertikalen Metallstäben.

Obwohl Charlie die meiste Zeit des Films blutverschmiert, zerschrammt und eingesperrt ist, scheint er nicht permanent in Gefahr zu sein - ein klarer Effekt der ständigen humoristischen Elemente. Mit seinen exzentrischen Erfindungen im Stile von Wallace und Gromit, seiner Mimik und Charlies unerschütterlicher Hartnäckigkeit, unterstrichen von einem beherzten Kommunikations-Caprio, bewahrt "Amerikatsi" ein gewisses Gefühl der Unvorhersehbarkeit, auch wenn man sich oft fragt: Wo zum Teufel soll das alles hinführen? Zweifellos gibt es Hinweise auf den menschlichen Zustand, einschließlich Funken der Großzügigkeit und des Verständnisses aus unwahrscheinlichen Quellen, vielleicht ein wenig aus "Die Verurteilten", die sporadisch über dem Unheil der Tyrannei, des Leidens und der Gewalt auftauchen, wenn sich die Richtung im zweiten Akt wieder zu einem Ort der gegenseitigen Stärkung und des Verhaltenswechsels ändert. Es entstehen wahrhaft bewegende Momente, die durch die Tatsache gesteigert werden, dass - wie bei den bereits zitierten Konzepten von Charlie Chaplin - die Sprache nicht notwendig ist, um universelle Gefühlswelten zu vermitteln. Zu seinem Nachteil ist jedoch eine überlange Laufzeit, die die Handlung über Gebühr hinauszögert, und eine Kette von Zufällen, die zwar belustigend, aber ein wenig zu aufdringlich cineastisch sind, um ganz angebracht zu sein, vielleicht genau wie der nicht enden wollende Zwiespalt, Humor und Elend inmitten eines sowjetischen Gefängnisses zu verbinden.

In "Clerks III" von Regisseur Kevin Smith gibt es den 'Quick Stop Groceries' immer noch, und nach all den Jahren ist Dante (Brian O'Halloran) immer noch der Chefverkäufer. Schließlich ist er auch der Besitzer, zusammen mit seinem Kumpel Randal (Jeff Anderson), der in der benachbarten Videothek, die keine Videos mehr ausleiht, an der Kasse arbeitet. Sie spielen immer noch Feldhockey auf dem Dach des Gebäudes, während die örtlichen Drogendealer Jay (Jason Mewes) und Silent Bob (Kevin Smith) treu vor der Tür herumlungern. "So haben wir es in den 90ern gemacht, Junge!"

Interessanterweise ist Elias (Trevor Fehrman) auch noch ein Angestellter, der weiterhin seine religiösen Dogmen verkündet, während Randal seinerseits blasphemisch argumentiert und obszöne Worte sowie sexuelle Parolen von sich gibt. Während eines solchen Disputs erleidet Randal einen Herzinfarkt, der ihn ins Krankenhaus bringt, wo er mit seiner eigenen Sterblichkeit konfrontiert wird. Der Arzt rät zu frischem Gemüse und positiver Stimmung, zumal Männer mittleren Alters nach einem Herzinfarkt häufig an Depressionen leiden. Es überrascht nicht, dass Randal beginnt, sich über seinen Platz im Leben Gedanken zu machen - über seinen mangelnden Erfolg, sein Versagen, außerhalb von New Jersey zu reisen, seine unbedeutenden romantischen Affären und vieles mehr. Doch diese Selbstreflexion inspiriert ihn dazu, einen Film über sich selbst zu drehen und alle seine Nicht-Abenteuer auf Zelluloid zu verewigen, falls er jemals aus dem Krankenhaus entlassen wird.

Einige der Komponenten, die 1994 erfolgreich waren, wurden wieder aufgegriffen, wobei die Szenengestaltung und der Schnitt wieder dem Format des Originalfilms entsprachen. Zahlreiche Aufnahmen zeigen die Sprecher frontal, gepaart mit marginalen Unterbrechungen und entsprechenden Grafiken, während dialoglastige Interaktionen den Inhalt dominieren. Die Schauspieler sind viel zu alt, um mit einem solchen Gehabe glaubhaft durchzukommen, analog zum Hauptproblem in "Dumm und Dümmehr". Wiederholungen reichen hier leider nicht aus, da sie das gleiche Material abbauen und die alten Witze bis zur völligen Überstrapazierung ausreizen. Das Verbalgeplänkel, das vorher nicht funktionierte, klappt auch jetzt nicht, vor allem 16 Jahre nach der zweiten Fortsetzung, die selbst hauptsächlich aus Rückblendelementen bestand. Noch hirnrissiger wird es, wenn die Filmemacher die größten Hits aus "Clerks - Die Ladenhüter" und "Clerks 2 - Die Abhänger" nachspielen, um den Betrachter ungewollt daran zu erinnern, wie viel unterhaltsamer es wäre, sich einfach das Original anzusehen.

Das gilt natürlich auch für die umfangreichen 'Star-Wars'-Bezüge, die durch die Erwähnung von "The Mandalorian", Cameos von Kevin-Smith-Stammgästen und alle wiederkehrenden Darsteller aktualisiert werden. Wie im vorangegangenen, entsetzlich redundanten Film sind die Charaktere größtenteils Unsympathen, die in einer grotesken, pseudofiktionalen Scheinwelt leben, in der ihr Alltag Teil eines Films ist, was ihre diversen Heldentaten letztlich inkonsequent und belanglos macht, zumal es sich um Duplikate der vorherigen handelt. Wenn schon der zweite Film nichts Substanzielles beigetragen hat, so ist dieser dritte Film völlig ambivalent und inessentiell. Die Kardinalsünde ist jedoch der Qualitätsschwund. "Clerks III" ist im Prinzip von der Pike auf ein Phlegmatiker.

In "Elemental" von Regisseur Peter Sohn bevölkern Menschen des Feuers, des Wassers, der Bäume (Erde) und der Wolken (Wind) 'Element City', eine ausgedehnte Schmelztiegel-Metropole, die ursprünglich vor allem für die Bewohner des Wassers gedacht war. Sie sind im Wesentlichen die älteren, wohlhabenderen Bürger der Oberschicht, die, vielleicht widerwillig, Platz für so viele andere Individuen gemacht haben. Als eine eingewanderte Feuer-Familie, angeführt vom Patriarchen Bernie Lumen (Ronnie Del Carmen) und seiner Frau Cinder (Shila Ommi), mit ihrer kleinen Tochter Ember (Leah Lewis) an der Küste ankommt, machen sie sich daran, sozusagen den 'Element City Dream' zu verwirklichen, indem sie das 'Fireplace Cafe' bauen, um die Bräuche, Traditionen und das Essen ihres Feuer-Erbes in diesem neuen Land der Möglichkeiten zu bewahren. "... falls du jemals von deinem faulen Aschenboden aufstehst!"

Sie kommen jedoch nicht alle gut miteinander aus, denn die Wassermenschen sind die logischen Kontrahenten der Feuermenschen. Diese ungleichen Charaktere können sich versehentlich gegenseitig auslöschen oder verdampfen, aber die Baumbewohner können ebenfalls Verbrennungen erleiden. Die typischen Probleme, die mit dem Betrieb eines kleinen Ladens einhergehen, sind ebenfalls vorhanden, von unzufriedenen Kunden über Ladendiebe bis hin zu Schwierigkeiten mit dem Kundendienst, unabhängig davon, ob diese Beschwerden speziell durch die wässrige Kundschaft ausgelöst wurden oder nicht. Als Ember volljährig wird, steht sie unter dem Druck, das Familienunternehmen zu übernehmen, nicht nur wegen ihrer alternden Eltern, die sich zur Ruhe setzen wollen, sondern auch, um sie stolz zu machen und ihr Vertrauen zu gewinnen. Den Erwartungen gerecht zu werden, ist eine große Last auf ihren Schultern.

Das Standardthema von Ember, die in die Fußstapfen ihres Vaters treten soll, ist ein wenig zu schal und ähnelt auf sonderbare Weise den jüngsten Filmen "In the Heights" und "Coda" sowie, besonders zynisch, "Der Pate". Zur Auflockerung kommt eine "Romeo und Julia"-Romanze ins Spiel, zusammen mit den durchaus erwarteten Referenzen auf Familienzusammenhalt, Wutbewältigung, die in den weniger erforschten Bereich der psychischen Gesundheit führt, gesellschaftliche Diskriminierung, bürokratische Straßensperren, die minimal zu Komplikationen mit der staatlichen Infrastruktur führen, ein beängstigendes Abenteuer in einer fremden Gemeinschaft, das Aufeinandertreffen von Intoleranz und Akzeptanz und sogar ein Bezug zur globalen Erwärmung oder Umweltkatastrophen. "Tut mir leid, Kumpel. Elemente vermischen sich nicht."

Davon ragt nur die Liebesgeschichte heraus, die sich zahlreicher familienfreundlicher Elemente bedient, aber auch einen sehr ungewöhnlichen männlichen Protagonisten hervorbringt: Wade Ripple (Mamoudou Athie), ein städtischer Inspektor, der sich mit seinen Emotionen wohlfühlt, vor allem wenn er weinen muss. Praktisch alles andere ist eine offensichtliche Zurschaustellung von Rassismus und einer Aversion gegen Integration, auch wenn dies mit subtilem Humor, farbenprächtigen Kreaturen und verspielten Bildern kaschiert oder ausgeschmückt wird - die elementaren Animationseffekte sind höchst erfreulich, da es außer bei den Baumarten keine klaren physischen Barrieren gibt. Allerdings sind Wades unbeirrbare positive Energie, seine Bereitschaft zu helfen und sein angeborenes, außergewöhnliches Mitgefühl erstaunlich. Seine Attitüde ist unglaublich sympathisch inmitten so vieler stumpfer Persönlichkeiten und erinnert ein wenig an Pixars Kurzfilm-Meisterwerk "Teilweise wolkig".

Cinders stereotype Vorliebe für Verkupplungen, zahlreiche Rückblenden, die auf Dinge hinweisen, die nur wenige Szenen später von Bedeutung sein werden, und Teamwork, das zu Dating-Montagen oder musiklastigen Sequenzen führt, sind allesamt ziemlich standardisierte Konzepte, neben Themen wie Wagemut, Ausbrechen aus einem beruhigenden Gefühl der Zugehörigkeit, Aufopferung für die Familie als nicht verhandelbares Erfordernis, Hin- und Hergerissensein zwischen zwei verschiedenen Welten und Akzeptanz der eigenen Schwächen - Faktoren, die man häufig in Geschichten für Kinder findet. Der Schluss ist zwar etwas unplausibel, vor allem, weil er die Definitionen der expliziten Sterblichkeit der Elementarwesen überlistet, aber er ist unerwartet und bereichernd. "Elemental" gehört zwar nicht zu den Spitzenwerken von Pixar, ist aber dennoch unterhaltsam und relativ ergiebig. "Nicht jedes Wasser sieht gleich aus!"

Am Anfang gab es nur Puppen von Säuglingen. Doch dann kam 'Barbie', die Puppe einer erwachsenen Frau, die am Ende alles Schlechte in der Welt korrigieren und ein wundersames Paradies schaffen würde. Zumindest in 'Barbieland'. In "Barbie" von Regisseurin Greta Gerwig beginnt ein fröhlicher Morgen für die stereotype Barbie (Margot Robbie) mit netten Grüßen für ihre Mitbarbies (Emma Mackey, Issa Rae, Alexandra Shipp, Nicola Coughlan, Sharon Rooney, Hari Nef und andere), die in sonnige Strandpartys übergehen, die wiederum in schrille Tanzspektakel mit passenden Musiknummern bei Nacht ausarten. Doch plötzlich wird ihre normalerweise lebensfrohe Agenda von verbranntem Toast, abgelaufener Milch, Plattfüßen und einem beunruhigenden Gefühl des drohenden Todes durchkreuzt. In ihrer Verzweiflung, ihren gestörten Geist und Körper zu reparieren, besucht Barbie die weise, seltsame Barbie (Kate McKinnon), die ihr mitteilt, dass sich ein Riss zwischen 'Barbieland' und der realen Welt gebildet hat. Als Barbie und ihr getreuer Ken (Ryan Gosling) sich auf den Weg nach Los Angeles machen, um die Quelle der Probleme zu finden, entdecken sie einen Ort, den sie sich nicht hätten vorstellen können und der sie dazu zwingt, über ihre Auswirkungen und ihren Einfluss auf einander und alle um sie herum nachzudenken. "Hi Barbie."

Mit der Eröffnungssequenz, die auf "2001: Odyssee im Weltraum" anspielt, ist es offensichtlich, dass "Barbie" mit einem Augenzwinkern daherkommt. Dies wird nie klarer als in dem Moment, in dem das Spielzeug, das als menschliches Wesen dargestellt wird, obwohl es immer noch ein lebloses Objekt ist, mit dem ein Kind spielen kann - diese "Toy Story"-ähnliche Inszenierung hätte vielleicht besser funktioniert, wenn sie animiert gewesen wäre -, immer wieder sein idyllisches Leben wiederholt, in dem Frauen alle Machtpositionen innehaben und ihre Herrschaft sicherlich zu gleichen Rechten und Glück für alle geführt hat. In dieser Utopie gibt es keine Konflikte, denn welche Jugend würde für ihr modisches Kinderspielzeug sozialpolitische Missstände und existenzielle Krisen heraufbeschwören? "Es ist perfekt!"

"Barbie" ist ein cartoonhaftes Werk, aber sicher nicht für Kinder geeignet, was eine gewisse Hürde darstellt. Eltern möchten vielleicht ihre kleinen Mädchen in einen Film mitnehmen, der auf dem beliebten 'Mattel'-Eigentum basiert, aber dieser ist absolut nicht für die Zielgruppe ausgelegt und weckt Assoziationen zu "Lightyear", der im Grunde genommen eine bekannte Figur als etwas völlig anderes definiert hat, sehr zum Leidwesen der enthusiastischen Fans. Mit doppeldeutigen Untertönen, koketten Sexwitzen und Ken als Gegenstand von Entmannungsgags ist nicht viel von "Barbie" für die Jüngeren bestimmt. Wie so viele Filme, die aus der Nostalgie Kapital schlagen wollen, richtet sich auch dieser an Erwachsene, die mit guten Erinnerungen an ein bestimmtes Franchise aufgewachsen sind und bereit sind, über signifikante Referenzen zu lachen und zu lamentieren. Interessanterweise macht dies das Resultat für ein breiteres Auditorium viel bekömmlicher. Ältere Betrachter können die dezenten Töne verstehen, unabhängig davon, ob sie eine schwangere Barbie, eine Barbie im Rollstuhl, die diversen Outfits und Accessoires oder den schamlosen 'Sugar Daddy Ken' kennen. "Ich würde gerne sehen, was für einen nackten Fleck er in der Hose hat."

Im weiteren Verlauf des Films, der sich eindeutig an Erwachsene richtet, gibt es eine Reihe von Sequenzen, in denen komisch gesungen, getanzt und an den Strand gegangen wird, während die Aversion gegen Zellulitis das schwerwiegendste Übel von allen markiert. Popkulturelle Parallelen tragen dazu bei, dass sie sich unablässig über sich selbst mokieren und so einen selbstbewussten Humor schaffen, der eine distanzierte Skurrilität bewahrt. Im Gegensatz zum vergleichbar konzipierten "Verwünscht" liefert die Verquickung von Fantasie und Realität hier unbequeme Anekdoten über toxische Maskulinität, Konsumismus, ein verzerrtes Körperbild aufgrund unerreichbarer Dimensionen, Selbstwertprobleme, Objektivierung und Legitimation, sowie andere tiefgründige Themen. Vieles davon ist irrwitzig, aber die Kommentare über männerdominierte Branchen und Berufe und die dadurch entstehenden Machtungleichgewichte sind weithin und unangenehm aufschlussreich. "Warum hat mir Barbie nichts vom Patriarchat erzählt?"

Am Ende lautet die bizzare Moral vielleicht, dass Mädchen ihren Ken-Puppen etwas mehr Aufmerksamkeit schenken sollten, auch wenn sie das nicht auf die paradoxe Natur des Frauseins vorbereiten würde, in dem von ihnen erwartet wird, dass sie in allem, von Beziehungen bis zur Berufswahl, konträre Extreme repräsentieren. Das Leben ist hart und ungerecht für Frauen, wenn Männer so viele systemische gesellschaftliche Strukturen haben, die gegen sie gerichtet sind. Dennoch ist nicht alles finster, denn das Barbie-Imperium hält sich an eine periodisch inkohärente, dümmliche, beschwingte Grundstimmung, in der die Charaktere erzählen, dass sie von 'Mattel' entworfen wurden, um es dem Betrachter zu erschweren, logisch zu argumentieren, wenn es unlogisch sein soll. Leider ist die Auswahl von Will Ferrell für einen weiteren Film, der sich mit dem Zusammenprall von Spielzeugrealität und Imagination befasst, nachteilig, da seine Funktion im Wesentlichen dazu dient, die echte Welt zu delegitimieren, während Barbies 'Pinocchio'-artiger Wunsch, ein wirklicher Mensch zu sein, völlig irrelevant ist und zu einem von Pointen dominierten Schluss beiträgt, der nichtsdestotrotz eine dürftige Resolution ist, und Kens Fazit ist ein vergleichbarer Nachsatz - eine eigenartige Abweisung nach einem so markanten, antagonistischen Zweck. Die Komödie ist zwar regelmäßig effektiv, aber die übergreifende Handlung lässt zu wünschen übrig. "Barbie wird nicht weinen."