Chainsaw Charlie - Kommentare

In "Return of the Living Dead II - Die Rückkehr der Höllenzombies" von Regisseur Ken Wiederhorn wurden die Experimente der US-Armee mit '245 Trioxin', einer Chemikalie zur genetischen Reaktivierung, im Herbst 1969 eingestellt. Es wurde als zu gefährlich und unbeständig erachtet, um die Forschung fortzusetzen. Das hält die Soldaten, die den Nervenkampfstoff transportieren, jedoch nicht davon ab, eine Handvoll Fässer kopflos in ein Wasserreservoir nahe der verschlafenen Stadt 'Westvale' zu werfen.

Kurze Zeit später zwingen zwei Kinder ein drittes, sich ihrer Bande anzuschließen, was mit einer Initiation in einem nahe gelegenen Mausoleum verbunden ist. Als der kleine Jesse Wilson (Michael Kenworthy) in einen Tunnel flieht und die beiden anderen Jungen ihn verfolgen, entdecken sie eines der achtlos ausgemusterten Armeefässer, das der Anführer Billy (Thor Van Lingen) unverzüglich öffnet und einen grünen Rauch über dem Friedhof verbreitet. Der bedauernswerte Jesse wird trotzdem im Mausoleum eingesperrt, findet aber einen Fluchtweg, als Joey (Thom Mathews), seine Freundin Brenda (Suzanne Snyder) und sein älterer Freund Ed (James Karen) aufkreuzen, um frische Leichenteile zu sammeln und zu verhökern. Die umnachteten Grabräuber haben jedoch alle Hände voll zu tun, als das toxische Gas sie umgibt und die Verstorbenen wieder auferstehen lässt.

Während der Originalfilm offensichtlich eine Parodie auf "Die Nacht der lebenden Toten" war, fügt diese Fortsetzung eine weitere Dimension der filmischen Verarschung hinzu, indem sie Thom Mathews und James Karen (der in einem unverschämten Grad übertrieben agiert) in neuen Rollen besetzt. Witzigerweise verkörpern sie dieselben Charaktere wie zuvor, nur mit anderen Namen. Jonathon Terry kehrt ebenfalls zurück, obwohl er in Wahrheit derselbe Oberst ist, während Allan Trautman erneut in die Rolle des Hauptzombies steigt, dessen charakteristischer Satz lautet: "Hirn! Hirn!" Immer noch souverän in seinem Zombie-Quatsch und mit einigen Slapstick-Einlagen, wiederholt diese Fortsetzung im Prinzip nur die Handlung und die Geschehnisse des Vorgängers. Es macht immer noch Spaß, aber sein Insistieren auf Repetition verhindert, dass es sich wie ein notwendiges oder vielleicht sogar sinnvolles Remake anfühlt - es ist sozusagen ein Remake, auch wenn die Schauspieler verbal die Absonderlichkeit des Durchkämpfens einer weiteren Zombieapokalypse zugeben, wie ein Déjà-vu oder einen Fiebertraum. "Ich glaube, mit diesen Typen stimmt etwas nicht!"

Außerdem bahnt sich eine neuerliche romantische Bindung an, diesmal zwischen dem 'Big Valley Cable TV'-Installateur Tom Essex (Dana Ashbrook) und Jesses älterer Schwester Lucy (Marsha Dietlein), die allerdings nicht so wichtig ist wie die zwischen Joey und Brenda. Die Charaktere sind nur für flüchtige, komische Konversationen da (Philip Bruns als Quacksalber ist eine reine Lachnummer), für konstante Ausbrüche von hysterischen Anfällen und als Nahrung für die ausgehungerten Untoten. Die Attraktivität von "Return of the Living Dead II - Die Rückkehr der Höllenzombies" liegt nach wie vor in den Horror- und Make-up-Effekten, die nicht verbessert wurden, aber immer noch den extremen Widerlichkeitsfaktor von einst haben. Gliedmaßen werden abgerissen, Torsos mit Metallpfählen aufgespießt und Gehirne aus aufgebrochenen Köpfen geschlürft. Die menschenleere Stadt bietet einen faszinierenden Schauplatz für Showdowns mit wiederauferstandenen Kadavern, vor allem, wenn die Streitkräfte mit viel Waffengewalt eine Quarantäne verhängen, doch das Vermissen von Authentizität oder größeren Konzepten, die über die des Films von 1985 hinausgehen, schadet diesem Unterfangen drastisch. Auch das auffällige Ausbleiben der Kreischkönigin Linnea Quigley ist dem Vergnügen abträglich. Trotz einiger geringfügiger Modifikationen an der Struktur ist der innovative Faktor fast völlig in den Hintergrund getreten.

"Die in diesem Film geschilderten Ereignisse sind alle wahr." Dieser Satz ist jedoch völlig scherzhaft gemeint. In "Verdammt, die Zombies kommen" von Regisseur Dan O'Bannon ist es der 3. Juli 1984, als der junge Freddy (Thom Mathews) im Uneeda-Lagerhaus für medizinische Produkte in der Piedmont-Sektion von Louisville, Kentucky, während des großen Wochenendes seine ersten Schritte macht. Zunächst ist er begeistert, aber die frischen Leichen im Kühlhaus irritieren ihn merklich. Sein Tutor, der ältere Frank (James Karen), macht die Situation noch schlimmer, indem er Lügengeschichten über Chemieunfälle in Pennsylvania erzählt, bei denen Tote wieder zum Leben erwachten - die reale Grundlage für den Film "Die Nacht der lebenden Toten". Offenbar wurden die reanimierten Leichen von der US-Armee versehentlich in das Lagerhaus transportiert und 14 Jahre lang im Keller in versiegelten Behältern aufbewahrt. Bei der Präsentation des Fundes taut Frank unwissentlich eine der Leichname auf, wodurch ein giftiges Gas freigesetzt wird, das die Bewusstlosigkeit herbeiführt, bevor der Kadaver verschwindet.

Später an diesem Tag will eine siebenköpfige Gruppe von Punks, darunter auch Freddys Freundin Tina (Beverly Randolph), Freddy nach der Arbeit gegen 22:00 Uhr abholen. Um sich die Zeit zu vertreiben, machen sie sich auf den Weg zu einer improvisierten Party auf dem benachbarten Friedhof, wo sie eine Boombox aufdrehen, während eines der Mädchen sich entkleidet und auf einem Grab herumtanzt. In kürzester Zeit trennen sich die Jugendlichen, irren umher und fallen einer nicht enden wollenden Zombieflut zum Opfer, die in einem erfolglosen Versuch, eine verseuchte Leiche zu entsorgen, wieder zum Leben erwacht und letztendlich die komplette Gegend infiziert.

"Verdammt, die Zombies kommen" ist eine gelungene Fortsetzung von George A. Romeros Zombie-Klassiker. Es dauert nicht lange, bis ein wiederbelebter Körper den Boss Burt Wilson (Clu Gulager) angreift, was einen schnellen Axthieb ins Gehirn und eine langsame Dekapitation erfordert, die den Aggressor aber nicht verlangsamt. Es ist gespenstisch und doch urkomisch, wie eine Slapstick-Nummer der 'Three Stooges', die in einem Leichenhaus aufgeführt wird. Zerstückelung, ein fahlgesichtiger Einbalsamierer (Don Calfa), die illegale Nutzung eines Krematoriums und seltsam intelligente, körperfressende Zombies, die Maschinen bedienen und sogar sprechen können, tragen zur exzessiven Hysterie bei. "Gib mir die Knochensäge."

Mit seiner Low-Budget-Atmosphäre, seinen komödiantischen Einlagen und seiner skurrilen Blutrünstigkeit erinnert "Verdammt, die Zombies kommen" an ein Werk von John Carpenter oder Tom Holland - eine spektakuläre Melange aus exploitativen Lachern und Thrill. Die Gruseleffekte werden immer wieder von Blödeleien begleitet, obwohl die speziellen Make-up-Effekte oft exzellent sind und zu einem beachtlichen Ekelfaktor beitragen, vor allem, wenn ein Zombie (Allan Trautman) mehr Gehirne zur Befriedigung seines Appetits verlangt. Regen und Schlamm führen dazu, dass Menschen zu stolpern beginnen und hinfallen. Linnea Quigley schafft es, praktisch die ganze Zeit über nackt auf dem Bildschirm zu sein, und ein Zombie in kleiner Gestalt ist bei einem Angriff unerwartet effizient. Auch wenn die Situationen mit einer schrecklichen Seriosität beginnen, entwickeln sie sich zu einem echten Spaß, der durch ausuferndes Fluchen, übermäßiges Gebrüll und äußerst kreative Gewalteinwirkung, einschließlich des Gebrauchs von Prothesen und Animatronics, noch witziger wird. Der Zombie-Nonsens zieht sich zu stark in die Länge und weist einige betrübliche Wiederholungen auf, aber die Grundidee ist so erfreulich, dass "Verdammt, die Zombies kommen" ein eigenes Franchise mit vielen Fortsetzungen hervorbringen würde. "Ich kann dein Hirn riechen ..."

"Sie kommen, um dich zu holen, Barbara." "Die Rückkehr der Untoten" von Regisseur Tom Savini beginnt mit dieser klassischen Zeile, die nach all den Jahren nicht weniger abgedroschen ist, und trifft mit diesem Remake von George A. Romeros Klassikers des Zombiefilms viele bekannte Akzente. Die Geschwister Barbara (Patricia Tallman) und Johnnie (Bill Mosley) fahren zu einem Friedhof, um den Grabstein ihrer Mutter zu besuchen. Während Johnnie seine Schwester triezt und mit ihrer Angst vor den Toten spielt, schlendert ein verschrumpelter, blutender, bleicher Kerl auf sie zu, als wäre er ein auferstandener Kadaver. Es handelt sich jedoch um einen falschen Alarm, denn der ältere Mann entschuldigt sich für die Störung. Doch wie aus dem Nichts, etwas außerhalb des Bildes, aber keineswegs aus dem Sichtfeld der Geschwister, stürzt sich eine andere Person auf die beiden und will zubeißen. Noch bevor der Vorspann über den Bildschirm flimmert, fällt ein Rudel von Zombies über die unschuldigen Opfer her.

Wie sein namensgebender Vorgänger geht auch dieses Update aus den 90er Jahren sehr schnell, und es gibt keine unmittelbaren Erklärungen, und das sollte es auch nicht. Es wird keine Zeit verschwendet, um den Thrill zu erreichen, und diese Wahl ist bestechend. Die größte Besonderheit in all den Jahren seit dem Original ist der technologische Fortschritt, und mit dem renommierten Special-Effects-Zauberer Tom Savini auf dem Regiestuhl erweist sich diese farbenfrohe Neuinterpretation als ein Wunderwerk an modernster Gore-Technik, Prothetik und Make-up.

Gerade als Barbara durch den Zombie-Angriff in einen Schockzustand gerät, taucht ein anderer Überlebender, Ben (Tony Todd), auf, der Zeuge der Terrorisierung durch die fahlen Menschenfresser wird und die Hoffnung auf Solidarität weckt. Und dann bereitet sich die Sonne auf den Untergang vor. In der Kulisse des Friedhofs und der momentanen Zuflucht in einem verlassenen Haus entstehen einige eindringliche Aufnahmen, etwa wenn die tastenden Finger einer abgetrennten Hand über das Treppengeländer stürzen. Die Bluteffekte und die Brutalität sind atemberaubend, vor allem, wenn sie immer komplexer und grausamer werden. "Was ist passiert?"

Ben und Barbara verschanzen sich für die Nacht und fragen sich, wie die Toten wieder zum Leben erwachen konnten, wer für eine solche Untat verantwortlich sein könnte und wie sie angesichts solch erdrückender Umstände ausharren können. Bald gesellen sich Harry Cooper (Tom Towles), seine Frau Helen (McKee Anderson) und Tochter Sarah (Heather Mazur) sowie Tom Larson (William Butler) und seine Freundin Judy Rose (Katie Finneran) zu ihnen. Die Charaktere und Szenarien sind eng an das Vorbild angelehnt, mit erkennbaren Mustern von Antagonismus, Machtkämpfen, Panik, Präsumtion, Unglauben und Waschlappigkeit. Wieder einmal ist die Prämisse so einfach, dass man sich Zeit nimmt, um zu analysieren, wie Menschen mit Konstellationen um Leben und Tod verfahren. Die Bösewichte mögen Zombies sein, aber die menschlichen Emotionen sind trivial konzeptibel. Der Verlust von Kontrollmöglichkeiten und Normen ist beängstigend. "Das ist die Hölle auf Erden."

Leider sind einige der Dialoge trotz der verbesserten Optik immer noch nicht überzeugend. Die Schauspieler sind zwar akzeptabel, aber die Gespräche sind eher ennuyant bis sekkant. Die Hysterie und der Disput wirken zwar realistisch, aber bei dieser Art von Remake, bei dem die wichtigsten Punkte der Handlung vorhersehbar sind, wäre es schön gewesen, eine Modernisierung der Verhaltensweisen zu beobachten. Immerhin gibt es einige neue Wendungen, vor allem dank des psychologischen Potpourris. Mehr Suspense geht allerdings nicht, denn viele der Aventüren kopieren die des wohl populärsten aller Zombie-Epen. Außerdem ist der Schluss langatmig und unnötig kompliziert, vor allem weil es, wie in Alfred Hitchcocks "Die Vögel", am Ende keine Antwort gibt.

"Der Kardinal" von Regisseur Otto Preminger beginnt mit einer Rückblende auf den jüngeren Stephen Fermoyle (Tom Tryon), der als Pfarrer nach Boston zurückkehren will und nicht lange braucht, um sich in den kirchlichen Ritualen in Rom zu verfangen. Der Erste Weltkrieg beschäftigt die Kirche, zumal Amerika in den Krieg hineingezogen werden soll. "Ich erwarte viel von Ihnen", sagt der Bischof des Vatikans (Raf Vallone), der der Zeremonie vorsteht, während Stephen Fermoyle an die Zukunft denkt und hofft, eines Tages an die Spitze des römisch-katholischen Ordens aufzusteigen - natürlich direkt unter dem Papst. "Der Kardinal" verfügt auch über eine ungewöhnlich beeindruckende Titelsequenz, die zwar einfach gestaltet ist, aber durch die kontrastreiche Kinematografie und den angenehmen Score von Jerome Moross ergänzt wird.

Zurück in Amerika, nach der Wiedervereinigung mit seiner Familie, nach Streitigkeiten zwischen Schwestern, die sich über ihr gesellschaftliches Leben und ihre Pflichten ärgern, und einem andersgläubigen Freund, beginnt Stephen Fermoyle unter Monsignore Bill Monaghan (Cecil Kellaway) zu arbeiten. Seine Aufgabe wird jedoch nicht leicht sein, denn er muss einen Juden behutsam bekehren, Kindern erklären, warum sie sich die Mühe machen sollten, katholisch zu werden, so dass jeder in den Himmel kommen kann, den Glauben an Adam und Eva mit der Evolution in Einklang bringen, falsche Wunder als absichtliche Irreführung durch Gott deuten, die vor der beeinflussbaren Bevölkerung geheim gehalten werden sollen, ein kontroverses Buch schreiben und seine Schwester (Carol Lynley) davon abbringen, ihre wahre Liebe zu Gunsten der Religion aufzugeben. "Weichen Sie nicht ein wenig vom üblichen Unterricht ab?"

"Der Kardinal" zeichnet den Weg von Stephen Fermoyle nach, der mehr sein will als ein einfacher Geistlicher - eine Karriere, die gelegentlich von missbilligenden Oberen vereitelt wird. Einer von ihnen schickt den jungen Mann in die verschneite Abgeschiedenheit des verarmten 'Stonebury', wo er bei dem kränklichen Pfarrer Pater Ned Halley (Burgess Meredith) wohnen soll, um seinen Hunger nach Fortschritt zu stillen. Auf seinem Weg wird Stephen Fermoyle immer wieder mit den Übeln der Menschheit konfrontiert, insbesondere mit Egoismus, Bosheit und Autoritarismus, die oft von Bischöfen wie Larry Glennon (John Huston), verkörpert werden, aber auch von hochrangigen katholischen Führern, sowie mit der Bitterkeit der Sterblichkeit. Er entdeckt auch, dass sein Streben nach biblischen Lehren immer wieder mit seinem Glück in Konflikt gerät und dass die Kirche diejenigen vertreibt, die die Freiheit haben wollen, ihr eigenes unabhängiges und unvoreingenommenes Leben zu führen. "Sie sind ein ehrgeiziger Priester."

Während Stephen Fermoyle seinen Glauben über alles stellt, entpuppt sich sein Gott als unbarmherzig und grausam, vertreten durch zahllose fehlerhafte Menschen, die alle zu Vorurteilen, bürokratischem Gezerre und der Ausnutzung ihrer eigenen Interessen neigen. Merkwürdigerweise stellt "Der Kardinal" den Katholizismus nicht in einem positiven Licht dar. Praktisch alles, was geschieht, verstärkt die Auffassung, dass die organisierte Religion ihren Anhängern nur schadet und dass die Trennung der einzige Weg zur Anerkennung ihrer Unterwerfung und zu einer gesunden persönlichen Erfüllung ist - ein unerwartetes Eingeständnis vielleicht angesichts der öffentlichen und finanziellen Unterstützung des Vatikans für diese Produktion. "Gott ist die erste Ursache von allem."

Unabhängig von der Thematik hat Otto Preminger einen epischen Film geschaffen, der von einer Pause und einem Zwischenspiel unterbrochen wird, in dem Stephen Fermoyle die Kirche verlässt, um eine neue Welt der Lust zu erleben, die von der attraktiven Österreicherin Annemarie (Romy Schneider) repräsentiert wird. Die zweite Hälfte ist eher eine Charakterstudie als eine Analyse der klerikalen Pflichten, die im Kern sogar mit einer Liebesgeschichte kokettiert, da jede weibliche Figur im Film, die auffallend sexy ist, als romantisches Interesse dienen könnte, auch wenn fleischliche Begierden den zwiespältigen Geistlichen eher abschrecken. Man kann sich des Eindrucks nicht erwehren, dass Stephen Fermoyles Entscheidungen durchweg falsch sind, ebenso wie die der anderen Bischöfe und ihrer engstirnigen Loyalität. "Ich bete, dass es eine andere Art von Leben für mich geben möge ... das mich nachts schlafen lässt."

Im dritten Akt engagiert sich Stephen Fermoyle schließlich für eine Sache, die eine theatralische Darstellung verdient, als er nach Georgia reist, um einem schwarzen Priester im Kampf gegen den gewalttätigen Rassismus von Segregationisten und Mitgliedern des Kuklux-Klans zu helfen, die sich hinter der Präsenz der Kirche verbergen. Es ist ein kleiner Höhepunkt, der sich schnell und ohne viel visuelles Flair abspielt, aber es ist eine rare Sequenz inmitten eines überlangen Stücks, das im Bereich preisgekrönter Biografien oder historischer Wiederaufführungen nicht viel zu bieten hat. "Der Kardinal" hat zwar den Golden Globe für den besten Film (Drama) gewonnen und behandelt den Aufstieg Adolf Hitlers im Vorfeld des Zweiten Weltkriegs und die österreichische Volksabstimmung - ein weiteres Segment, das den lang erwarteten starken Inhalt und politischen Aspekt enthält, auch wenn es so belehrend und vorhersehbar ist, aber der Film wirkt dennoch weitgehend ereignislos und regungslos. Die Geschichte von Stephen Fermoyle ist einfach nicht umwälzend oder einprägsam. "Haben Sie so wenig Glauben?"

"Don't Be Afraid of the Dark - Fürchte dich nicht im Dunkeln" von Regisseur Troy Nixey greift die gespenstische Geschichte des Original-Fernsehfilms von 1973 auf, der eine unheimliche Mär aus Fantasie und Horror schuf. Wie schon im Vorgänger ist einer der einzigartigsten Aspekte das Kreaturendesign, mit winzigen, missgestalteten, teuflischen Kreaturen, die wie übergroße Ratten auf dem Boden herumwuseln. Die Quelle des Terrors sind ausnahmsweise keine monströsen Antagonisten, sondern eine Armee von Miniaturbösewichten, die mit Scheren, Schraubenziehern und Rasiermessern für reichlich Schrecken sorgen. Die blutige Gewalt fehlt, stattdessen steht die angedeutete, aber unsichtbare Brutalität im Vordergrund und der atmosphärische Pop-Out-Horror ist stets präsent. Doch die qualvollste Szene wurde bereits im Teaser-Trailer gezeigt - das langsame Heben der Bettlaken, um den ersten Blick auf die kleinen Peiniger freizugeben.

Alex (Guy Pearce) holt seine kleine Tochter Sally (Bailee Madison) vom Flughafen ab, um sie wieder in seinem Leben willkommen zu heißen - eine überstürzte Entscheidung, als ihre Mutter meint, es wäre das Beste, ihre Umgebung zu wechseln. Zu Alex gesellt sich seine Freundin Kim (Katie Holmes), die sich nur ungern in die Rolle des Kindermädchens stürzt. Sie nehmen Sally mit zu dem alten Herrenhaus, das sie restauriert haben, einem alten, gruseligen Gebäude, das einst dem verrückten Emerson Blackwood (Garry McDonald) gehörte, bevor er auf mysteriöse Weise verschwand, kurz nachdem auch sein achtjähriger Sohn spurlos verschwunden war.

Sally ist mit Kim nicht einverstanden, findet aber einen Grund, sich ihr anzuvertrauen: In einem versteckten Keller unter dem Grundstück befindet sich ein mit Brettern vernageltes, kaminähnliches Loch, in dem leises Flüstern sie zum Spielen einlädt. Die warnenden Worte des Hausmeisters Mr. Harris (Jack Thompson) stoßen auf taube Ohren, als das Trio die Privaträume des geplagten Emerson Blackwood erkundet. Nachdem Sally die Ausgrabungsstätte geöffnet hat, bemerkt sie zu spät, dass sie eine Armee unheimlicher Pygmäenkobolde entfesselt hat, die ihre Seele gefangen nehmen wollen, wie es ihr uralter, barbarischer Lebenskodex verlangt.

Mit unheimlichen Soundeffekten, einer schockierenden Eröffnungsszene und einer düsteren, in atmosphärische Bilder getauchten Szenerie legt "Don't Be Afraid of the Dark - Fürchte dich nicht im Dunkeln" einen starken Start hin. Die Hitchcock'sche Titelsequenz passt jedoch nicht ganz, und das Tempo gerät auf halber Strecke ins Stocken. Die kleine Besetzung ist effektiv für die Entwicklung der Charaktere, aber kontraproduktiv für die Anzahl der Opfer, was die Spannung reduziert, da nur das Kind das Objekt der Bedrohung wird. Die Wahrscheinlichkeit, dass Sally mit einem scharfkantigen Gegenstand in Kontakt kommt, ist viel geringer als bei Erwachsenen. Dennoch gibt es einen sich langsam aufbauenden Horror, beklemmende Situationen und eine anhaltende morbide Atmosphäre, die weit über den grausigen Geschehnissen schwebt, da die Handlung sehr eng an das Originaldrehbuch angelehnt ist. Leider betritt "Don't Be Afraid of the Dark - Fürchte dich nicht im Dunkeln" insgesamt weder Neuland im Horrorgenre, noch bietet er besonders überraschende Elemente, die nicht schon im Vorschau-Trailer zu sehen sind.

"Gate of Darkness" von Regisseur John Newland ist seit Jahrzehnten auf Video und DVD verborgen geblieben und hat mit der Veröffentlichung der Neuverfilmung von Produzent Guillermo del Toro eine moderate Bekanntheit erlangt. Da die Handlung vielversprechend ist, die Härte sich auf ein Minimum beschränkt und die Goblins eher steif und ledrig sind, ist dieser TV-Film eigentlich ein erstklassiger Kandidat für ein Update, zumal er als einer der besten TV-Horrorfilme aller Zeiten gilt. Die einzigartigen Bösewichte und der atmosphärische Horror sorgen für ein höchst unterhaltsames Spektakel.

Ein merkwürdiges Voiceover-Intro beschreibt eine Familie, die in ein großes Haus einzieht, was insofern seltsam ist, weil das sprechende Paar anwesend ist, nur nicht im Bild. Davor erklingen raue, unmenschliche, heisere Stimmen, die darüber sinnieren, ob jemand in die Villa zurückkehren wird. Sally (Kim Darby) und ihr Mann Alex Farnham (Jim Hutton) sind gerade in das unheimliche alte Haus ihrer Großmutter eingezogen und bereiten sich nun auf eine Party in ihrem neuen Domizil vor. Beim Rundgang durch das Innere des Hauses fällt Sally Farnham der schalltote Keller auf, ein lichtloser Raum mit verschlossenen Fenstern und zementierten Eisengittern um einen zugemauerten Kamin, der vor etwa 20 Jahren geschlossen wurde. Der verschrobene Handwerker Mr. Harris (William Demarest) will es nicht öffnen und rät dringend davon ab, weil er etwas darüber weiß, etwas Gefährliches, aber keine Details preisgeben will. Aus reiner Neugier stößt Sally Farnham den Grill vom Kamin weg und entfesselt damit unwissentlich eine Horde kleiner, rachsüchtiger Kreaturen, die sie in einen höllischen, jenseitigen Albtraum entführen wollen.

Der größte Teil von "Gate of Darkness" ist dunkel und schlecht beleuchtet, einschließlich der Szene auf der Dinnerparty, die geschickt als Alex Farnhams Versuch erklärt wird, seine Gäste davon abzuhalten, unfertige Teile des Hauses zu besichtigen. In den reichlich vorhandenen Schatten geschehen beunruhigende Dinge, darunter ein zerschellter Aschenbecher, der nicht auf Mäuse zurückzuführen ist, und mysteriöse, verkappte, arg zerknitterte kleine Monster, die Sally Farnham hinter Wänden, Vorhängen und in Schränken verhöhnen. Eine der schaurigsten Szenen ist das Fallenlassen eines Rasiermessers aus Stahl, das von einem Wesen aufgeschnappt wird, das es später benutzen will. Alex Farnhams verständlicher Argwohn ist eine starke Quelle des Realismus, da er ständig an den wüsten Behauptungen seiner Frau zweifelt. Macht ihre Fantasie Überstunden, steht sie kurz vor dem Wahnsinn, wird sie von blutrünstigen Miniaturdämonen gequält oder ist sie einfach nur genervt, dass ihr Mann sich mehr um eine bevorstehende Beförderung kümmert als um ihr Wohlbefinden? Selbst wenn ihre enge Freundin Joan Kahn (Barbara Anderson) ihre Geschichte über die nächtlichen Aktivitäten glaubt, wird das irgendjemand anders tun?

"Wir müssen hier raus. Wir müssen hier raus", lallt Sally Farnham betrunken, betäubt von den schalkhaften, haarigen Lümmeln. Die Dialoge suggerieren echtes Unheil, und die kreischende Geigenmusik ist absolut zermürbend und verstärkt die beängstigende Vision von teuflischen Wichtelmännchen, die versuchen, Sally Farnhams Seele in die Unterwelt zu ziehen. Die Szenenübergänge sind auf das Fernsehen zugeschnitten, die Spezialeffekte und das Kreaturendesign sind merklich veraltet, und die schauspielerischen Leistungen sind lediglich dürftig. Doch die Atmosphäre ist gut aufgebaut, und das kieksige Wispern, das zwischen hypnotischem Wehen und entsetzlichen Schreien wechselt, ist beflügelnd und gleichzeitig verstörend. Die Gnome zeigen sich auch tagsüber, was unendlich viele unheimliche Momente mit sich bringt. "Gate of Darkness" ist ein beeindruckender kleiner Thriller, voller origineller, unbequemer Konzepte und ein Hochgenuss für alle, die sich vor Monstern unter dem Bett fürchten.

Es folgen Spoiler für die gesamte Staffel von "Dexter: New Blood"!

Fragt man einen Fan von "Dexter", wann die Serie an Qualität verloren hat, wird er wahrscheinlich zustimmen, dass es nach der hervorragenden vierten Staffel war. Manche mögen argumentieren, dass es immer schwierig war, die Qualität des Duells des titelgebenden Serienmörders gegen den 'Trinity-Killer' (John Lithgow) zu übertreffen. Es gab immer noch eine Menge, was man an der Serie lieben konnte, aber der Geschichte ging allmählich die Luft aus, und die achte und letzte Staffel verdiente sich die zweifelhafte Ehre, häufig in Listen der schlechtesten TV-Finals aller Zeiten erwähnt zu werden. Die Nachricht, dass die Geschichte von Dexter (Michael C. Hall) in "Dexter: New Blood" fortgesetzt wird, wurde begrüßt, wenn auch mit einer gehörigen Portion Skepsis. In dieser Serie führt Dexter ein neues Leben als 'Jim Lindsay' (eine Anlehnung an den Autor und Schöpfer Jeff Lindsay) im verschneiten Iron Lake, New York. Er hat es geschafft, seine alten Verhaltensweisen zu unterdrücken, bis ihn eine zufällige Begegnung mit einem unerträglichen Ortsansässigen namens Matt Caldwell (Steve M. Robertson) ins Wanken bringt. Von da an geraten die Ereignisse in typischer Dexter-Manier außer Kontrolle, und er findet bald heraus, dass Matt Caldwells Vater (Clancy Brown) ebenfalls ein Serienkiller ist. Die Ankunft seines Sohnes Harrison (Jack Alcott) verkompliziert die Dinge noch weiter, und vieles, was von nun an folgt, ist - im Guten wie im Schlechten - typisch Dexter. "Du hast meinen Hirsch getötet!"

Es lässt sich nicht leugnen, dass viele der größten Irrtümer der Serie im Laufe dieser zehn Episoden umfassenden Neuauflage wiederholt werden. Die Charaktere reden immer noch nicht miteinander, obwohl ein einfacher Austausch so viel lösen könnte - ein ärgerliches Merkmal dieser Serie von Anfang an, es gibt viele Zufälle, und die Nebenhandlungen sind oft nicht überzeugend. Auch zwischen Dexter und Harrison wird anfangs viel Zeit vergeudet, obwohl die Serie die Enthüllung, wer sein Vater wirklich ist, letztlich gut verarbeitet. Es hätte nur ein oder zwei Folgen früher kommen sollen, denn da wird "Dexter: New Blood" am interessantesten. Dexter hat endlich jemanden gefunden, von dem er glaubt, dass er seinen dunklen Begleiter teilt. Er erinnert sich an seine katastrophalen früheren Beziehungen mit Figuren wie Lila Tournay (Jaime Murray), Miguel Prado (Jimmy Smits) und Hannah McKay (Yvonne Strahovski). Auch sein Sohn wurde 'in Blut geboren' und hat eindeutig eine innere Dunkelheit, aber die vorletzte Folge macht deutlich, wie krankhaft Dexters Verhalten ist. Es ist so einfach, mit Dexter zu sympathisieren, dass der Betrachter vergisst, wer er wirklich ist, und es ist nachvollziehbar, dass Harrison seinen Vater als "Batman"-ähnlichen Rächer sieht, der unzählige Leben rettet, indem er böse Menschen liquidiert. Die Wahrheit ist jedoch, dass Dexter nur deshalb so tötet, weil es Teil des 'Kodex' ist, der ihm von Harry (James Remar) beigebracht wurde, dem Vater, der über die Taten seines Sohnes so entsetzt war, dass er sich das Leben nahm, nachdem er ihn dabei erwischt hatte, wie er die Leiche eines gerade Ermordeten zerstückelte. "Wir werden das durchstehen. Die Welt braucht uns."

"Dexter: New Blood" verdeutlicht den Horror dessen, was Harry einst miterlebte, wenn der Betrachter an der Seite von Harrison zusieht, wie Dexter sein neuestes Opfer ermordet. Harrisons Reaktion auf die Freude seines Vaters, Kurt Caldwell (dem bereits erwähnten örtlichen Serienmörder) den Todesstoß zu versetzen, und dann das Entsetzen, als er zusieht, wie er die Leiche in Teile zerhackt, während das Blut um seine Füße herumläuft, ist wohl der beste Moment in "Dexter: New Blood" und betont, wie abgefuckt es ist, dass er dies vor den Augen seines Sohnes tut, den er erst seit wenigen Wochen kennt. Dexter hat sich aus Harrisons Leben zurückgezogen, um ihn zu schützen, genießt aber bei der ersten Gelegenheit die Perspektive, seinen Sohn so zu formen, wie er ist, weil er aus Egoismus immer diese Verbindung finden wollte, koste es, was es wolle. Das ist in vielerlei Hinsicht falsch, und indem es den Morden, die in der Serie so oft vorkommen, den Glanz nimmt, ist die Bühne für das Finale ideal vorbereitet. "Blut ist die Wahrheit des Körpers".

Bietet die Serie also das zufriedenstellende Ende, das uns vor so vielen Jahren vorenthalten wurde? Manche Betrachter werden nicht erfreut sein, aber das ist wohl unvermeidlich, nachdem 8 Jahre lang darüber spekuliert wurde, wie die Serie enden sollte und man auf eine Art ideales Ende hoffte, bei dem Dexter durch das Miami Police Department marschiert mit all den Charakteren aus der Vergangenheit, die endlich erfahren, wer Dexter wirklich ist. In der letzten Szene würde er natürlich in die Kamera zwinkern, während er die tödliche Injektion erhält - in einer Welt, die sich nicht einig ist, ob er ein Held oder ein Bösewicht ist. Dies wäre aber einfach nicht das optimale und angemessene Ende. "Bären. Hunde. Ich vermisse die Zeit, als die einzigen Tiere, vor denen ich mich fürchten musste, Alligatoren waren."

Im Finale führt eine Reihe von Zufällen und richtigen Ereignissen zur rechten Zeit dazu, dass Dexter sowohl als Matts Mörder als auch als der Bay Harbour Butcher fest in Angela Bishops (Julia Jones) Fadenkreuz gerät. Es ist nicht davon auszugehen, dass er tatsächlich für eines Verbrechens verurteilt werden würde, und in diesem Punkt verliert "Dexter: New Blood" ein wenig an Überzeugungskraft. Fairerweise muss man sagen, dass dies bis zu einem gewissen Grad zugegeben wird, und es gibt sicherlich genügend Indizien, die darauf hindeuten, dass er letztendlich für etwas verurteilt werden würde. Wie ein in die Enge getriebenes Tier zeigt er an diesem Punkt wieder sein wahres Gesicht und tötet den örtlichen Polizeibeamten Logan (Alano Miller), um zu entkommen und weiter zu morden; es ist eine Sucht, in die er seinen Sohn hineinzuziehen hofft. Ihre Konfrontation könnte nicht vollkommener sein, denn es stellt sich heraus, dass Harrison nicht die gleiche Düsternis in sich trägt. Er ist ein gestörtes Kind, das eindeutig das Potenzial hat, gewalttätig zu werden, und vielleicht hätte er mit der Ausbildung seines Vaters der nächste 'Dexter' werden können. Doch er will nicht, und als er seinem Vater klar macht, wie viel Unheil er durch seine Taten angerichtet hat, vergisst man leicht, wie viele unschuldige Menschen im Laufe der Jahre in seine Morde verwickelt waren, was zu einem perfekten Abschluss für diese Figur führt. "Mach dir keine Sorgen um mich. Ich bin der Phönix. Ich erhebe mich aus der Asche."

So wird aus einer Serie, die den Rahmen für die Kapitel von Dexter und seinem Sohn abzustecken schien, eine Geschichte über den Horror, seinen Vater zu finden und zu erfahren, dass er ein Serienmörder ist. Seine letzten Gedanken sind, dass er endlich weiß, wie es sich anfühlt, jemanden zu lieben, aber ist das nur so, weil Harrison dazu angeleitet wird, jemanden zu töten, der den Tod verdient hat - in diesem Fall Dexter selbst -, was ihn ebenfalls auf einen mörderischen Weg bringt und seine Aufgabe weiterführt? Möglicherweise, aber wie auch immer man zu dem Schluss kommt, es ist großartig gemacht, und dies ist der richtige Ort, um die Geschichte zu beenden. Einige werden enttäuscht sein, dass die Folgen von Dexters Tod nicht gezeigt werden, aber der gesunde Menschenverstand sagt, dass Angela Bishops Beweise in Verbindung mit dem Mord an Logan ausreichen würden, damit die Welt endlich die Wahrheit über Dexter Morgan erfährt. "Ich muss noch ein Geschenk einpacken - in Plastik!"

Michael C. Hall ist hier von Anfang bis Ende exzellent, und ob es seine verpfuschten Versuche sind, Harrison ein Vater zu sein, oder das Erwachen des Monsters unter der Oberfläche, das uns später in der Staffel begegnet, er versagt nie, zu imponieren. Der Darsteller genoss die Gelegenheit, seine berühmteste Rolle erneut zu spielen und die Geschichte zu einem guten Ende zu bringen, und die Konfrontation mit der brillanten Jennifer Carpenter als Debra sorgt für ein intensives, faszinierendes Erlebnis. Als die neue imaginäre Präsenz, mit der er anstelle von Harry spricht, ist Debra ein ganz anderes Wesen und bietet einen faszinierenden Einblick in das, was in seinem Hirn vor sich geht, während er versucht, seine dunklen Triebe zu unterdrücken, bevor er ihnen schließlich nachgibt - ein Zeichen dafür, dass sein dunkler Begleiter den Kampf gewonnen hat. "Komm groß raus oder geh nach Hause".

Jack Alcott ist hervorragend in der Rolle des Harrison, und seine Entwicklung erweist sich als ebenso eindrucksvoll und ungewöhnlich wie die von Dexter. Julia Jones ist unglaublich stark in der Rolle der Angela Bishop, und Clancy Brown erweist sich als furchteinflößender Fiesling, der oft für Angst sorgt. Hier liefert der gesamte Cast phenomenale Darbietungen. "Dexter: New Blood" reproduziert hier und da den einen oder anderen Patzer aus der Vergangenheit, bietet aber letztlich einen vollendeten, blutigen Abschluss der Story, den das Original-Finale nicht liefern konnte. Michael C. Hall wiederum festigt seinen Status als einer der besten Schauspieler der Welt. "Du musst dich nicht so sehr über die Erfolge freuen, du selbstgefälliges Arschloch."

Anstatt Minimalismus und clevere Umgehungen unzureichender Mittel wiederaufleben zu lassen, profitiert diese vollfarbige Fortsetzung, "Zombie - Dawn of the Dead", von Regisseur George A. Romero von einem größeren Budget und Tom Savinis aufwendigen Make-up- und kosmetischen Spezialeffekten, die wie ein Vorläufer des puddingartigen Live-Action-Breis von Peter Jacksons "Braindead" aussehen. Blut spritzt, Fleischstücke bersten aus Einschusslöchern, Köpfe explodieren. Die Zombiekörper sind verstümmelt, mit roter Farbe getränkt und mit verrottendem grauem Gewebe verziert. Die Angriffe finden in freier Sicht statt, und die Eröffnungsszene selbst bietet eine Menge exzessiver, grausamer Szenen. Das mag für sich genommen durchaus lustig sein, aber nichts davon kann die Defizite in der Erzählung wettmachen.

Die in Panik geratenen Mitarbeiter des Fernsehsenders 'WGON' streiten darüber, wie sie weiter über die anhaltende Krise berichten sollen, in der Leichen in kürzester Zeit wieder zum Leben erwachen, und über die überfüllten Hilfszentren, in die unzählige arglose Überlebende strömen. Die brutalen, kannibalistischen Killer vermehren sich exponentiell, da sich ihre Opfer ebenfalls den Armeen der Toten anschließen. Die Elitepolizisten Roger (Scott H. Reiniger) und Peter (Ken Foree) planen zusammen mit dem Piloten Stephen (David Emge) und der Produzentin Francine (Gaylen Ross), das Gebiet per Hubschrauber zu verlassen, um dem Wahnsinn der Zivilisten und dem Übereifer des Militärs zu entkommen.

Nach einer kurzen Zeit in der Luft entdeckt die Gruppe ein überdachtes Einkaufszentrum, das frei von den Kreaturen zu sein scheint. Bei näherer Betrachtung sind in den Verwaltungsbüros im obersten Stockwerk Überlebenskits und reichlich Vorräte gelagert, die eine vorübergehende Rast vom ziellosen Laufen ermöglichen. Zusätzlich gibt es in den diversen Geschäften eine Vielzahl anderer Gegenstände, die bei waghalsigen Versorgungsfahrten erworben werden können. In dieser neuen Umgebung ist die Zombie-Bedrohung weniger furchteinflößend als vielmehr abenteuerlich. Die Charaktere genießen es offensichtlich, ungehindert durch das riesige Gebäude zu rennen oder zu fahren, Kameradschaft zu pflegen, wahllos auf Zombies zu schießen - ein Nebenaspekt der Zombiejagd als Sport - und ihre Fähigkeiten mit geschickten Ausweichmanövern zu testen. Eine ausgeprägte Verspieltheit sorgt für einen Ton, den man in Horrorfilmen selten sieht. Sogar die Musik nimmt leichte, optimistische Rocknoten für die Reihe scheinbar hoffnungsloser Unterfangen an. Das Problem ist, dass sich Zombie-Gewalt und fröhliche Possen nicht gut vertragen.

Mit einer geringen Schar von Überlebenden fühlt sich keiner der Charaktere entbehrlich an, obwohl auch keiner besonders sympathisch ist. Das liegt vor allem an den Schauspielern, die irgendwie nicht mehr so überzeugend sind wie in dem Vorgänger und aus einer ähnlich unbekannten Besetzung bestehen, die generische Dialoge vortragen. Deprimierend ist auch die Gleichgültigkeit, mit der sich die vier bewegen, begleitet von vielen konstruierten Situationen mit verhedderten Waffen, fallengelassenen Vorräten, verrutschten Werkzeugen und Gegnern, die aus dem Nichts auftauchen, als ob die Anwesenheit gefräßiger Zombies nicht schon genug Ärger bedeuten würde. Und tatsächlich ist es das nicht, denn in einer anderen Nebenhandlung stürmt eine postapokalyptische Biker-Gang die Festung wie in "Mad Max".

Ein Jahrzehnt ist seit George A. Romeros revolutionärem Low-Budget-Meisterwerk "Die Nacht der lebenden Toten" vergangen, und in dieser Zeit hat er beschlossen, fast alles zu ändern, was er zuvor konzipiert hat. Es dreht sich immer noch um die wiederbelebten Toten, aber die Optik und die Atmosphäre sind völlig anders. Der Schrecken im Dunkeln hat sich in eine Aktion am helllichten Tag verwandelt. Die erdrückende Klaustrophobie hat sich auf geräumige Spielflächen verlagert. Die Angst vor irrationalen Außenseitern, die sich in übereilte Pläne einmischen, hat sich in enge Freundschaften verwandelt, die den Aufruhr monatelang abwarten, als wäre er nur ein vorübergehendes Wetterereignis, und Ausweichmanöver in letzter Minute sind nunmehr Tortenschlachten. Es liegt immer noch ein Hauch von Beklemmung, Spannung und ein Gefühl der Isolation und des unausweichlichen Untergangs in der Luft, aber das Zombie-Element scheint nicht mehr im Vordergrund zu stehen, während das Tempo und der Sinn für Konsistenz bei spontan erdachten weiteren Abenteuern Ähnlichkeiten mit der Fernsehserie "The Walking Dead" aufweist, die diese ikonische Produktion inspirieren sollte.

Wahre Geschichten sind oft ein großartiger Stoff für Filme. Und die berüchtigte Geschichte eines abscheulichen Verbrecherfürsten, der in den späten 1970er Jahren durch eine geheime Allianz mit dem FBI an die Macht kam, scheint eine vielversprechende Grundlage zu sein. Doch obwohl "Black Mass" von Regisseur Scott Cooper auf einer guten Grundlage aufbaut und mit überzeugenden Darstellungen aufwartet, verliert der Film viel von seinem Reiz, weil er seine schockierende Handlung mit einem spürbaren Mangel an Dynamik erzählt. Trotz einer Geschichte, in der es um bösartige Gangster, korrupte Beamte und eklatante Morde geht, weist der Film oft den geradlinigen Stil eines Dokumentarfilms auf, und viele der Momente, die eigentlich traumatisches Grauen hervorrufen sollten, sind von viel geringerem Interesse. Für einen Film, der sich stark auf die transformativen Rollen bemerkenswerter Darsteller stützt, lässt "Black Mass" eine fahle Struktur und einen glanzlosen ersten Eindruck von seinen Akteuren zu, um das Drama zu dämpfen.

Als die italienische Mafia beginnt, sich in die kriminellen Aktivitäten der 'Winter Hill Gang' in Süd-Boston einzumischen, weiß Ganove James Bulger (Johnny Depp), dass er schnell handeln muss, um sein Revier zu schützen. James Bulger tut sich mit dem FBI-Agenten John Connolly (Joel Edgerton) zusammen und arbeitet als Informant, um dem FBI bei seinen Ermittlungen zur Zerschlagung der Familie Angiulo zu helfen. Doch als seine Macht rapide eskaliert, beginnen James Bulgur und seine skrupellosen Komplizen Steve Flemmi (Rory Cochrane), John Martorano (W. Earl Brown) und Kevin Weeks (Jesse Plemons) einen unkontrollierten Amoklauf, der ihr kriminelles Imperium zu zerstören droht.

"Black Mass" beginnt mit der Studie von Gesichtern, die durch Make-up, Kontaktlinsen und Frisuren entstellt sind, die den Stars die Last ihrer früheren Rollen abnehmen sollen, was ihnen aber nicht ganz gelingt. Johnny Depp führt ein Ensemble von Schauspielern an, die ausgefallene Rollen spielen, aber die Hauptdarsteller verschmelzen nie mit ihren jeweiligen Figuren. Unter den vampirischen blauen Augen und der angemessenen Abgründigkeit seiner Handlungen verbirgt sich ein nicht zu bremsender, immer noch erkennbarer Johnny Depp.

Im Gegensatz zu "GoodFellas - Drei Jahrzehnte in der Mafia", aus dem "Black Mass" eine Schlüsselszene mit einem Gespräch klaut, das eine unerwartete Wendung nimmt, sind der Glamour und die Anziehungskraft des gezeigten Gangstertums völlig verschwunden. Es gibt keine protzigen Autos oder exklusiven Clubs, mit Ausnahme eines einzigen Lokals in Miami, das in erster Linie für eine Mordgelegenheit, modische Mädchen oder opulente Geldverschwendung existiert. Stattdessen sind die Mafiosi grotesk, humorlos und brutal und befinden sich in einem Kriegsgebiet mit verdreckten Straßen und schäbigen Bars. Selbst ihre Motive werden nicht als ritterlicher Ehrenkodex dargestellt, sondern als kalte psychopathische Bestien, die ihre Opfer aus einer Laune heraus hinrichten. Die Verlockungen des Lebensstils sind völlig abwesend, und auch der Wunsch nach Geld hat keinen offensichtlichen Einfluss auf ihr Verhalten. "Jimmy ist kein gewöhnlicher Verbrecher."

So wie es keine Bemühungen gibt, einen aufschlussreichen Zweck für diese Kollektion von korrupten, finsteren und hinterhältigen Gegnern zu definieren, gibt es auch keine Kunstfertigkeit in der Präsentation. Es handelt sich um eine Polizei- und Raubgeschichte, in der die Antagonisten nicht von den Protagonisten zu unterscheiden sind und die Nachforschungen und Morde nur um der Originaltreue willen durchgeführt werden. Die Liebe zum Detail ist kohärent und die Nachbildung einer bestimmten Zeitspanne ist überzeugend, aber beides sind nur visuelle Spielereien. Die Thematik und ihre Tragweite werden in keiner Weise gefördert. Es handelt sich um eine Analyse von Monstern aus der realen Welt, die auf einer lebensnahen Grundlage basiert und zu einem sauren, antiklimaktischen und unkinematischen Ende verdammt ist, das durch eine hoffnungslos generische Erzählweise noch verschlimmert wird, die zu Beginn zu viel verrät, die Dramatik im weiteren Verlauf des Films erstickt und in einer vernunftwidrigen Kette von Codas endet, die sogar durch einen weiteren Abschiedsschuss unterbrochen wird. Die Darbietungen sind zwar intensiv, aber bei "Black Mass" geht es mehr um Aggressivität und Authentizität als um Entertainment.

Wenn er nicht gerade der 'Justice League' hilft, jenseitige Superschurken zu bekämpfen oder die abscheulichen Pläne von Gangstern zur Zerstörung ganzer Städte zu vereiteln, arbeitet Barry Allen (Ezra Miller) in "The Flash" von Regisseur Andy Muschietti unermüdlich im 'Central City Research Lab' als forensischer Ermittler. Nachdem die Beweise für die fälschliche Verurteilung seines Vaters wegen Mordes an seiner Mutter ausbleiben, beschließt Barry Allen, mit seinen Superkräften die Uhr zurückzudrehen, um ihr tragisches Ableben von vornherein zu verhindern. Doch das Spiel mit der Vergangenheit bringt sowohl erwartete Aufgaben als auch unvorhergesehene Widrigkeiten mit sich, als eine mysteriöse Gestalt Barry Allens Versuche unterbricht, seinen schicksalhaften Verlust auszulöschen, und ihn in einer Zeitlinie ohne Superhelden stranden lässt. Um eine katastrophale Bedrohung für dieses Paralleluniversum zu bekämpfen, muss sich Barry Allen mit einigen unerwarteten Mitstreitern zusammentun, darunter ein pensionierter Verbrechensbekämpfer und ein kecker Teenager, der seine Fähigkeiten unter Beweis stellen will.

Es gibt keinerlei Einführung; der Betrachter muss sich gründlich mit den Figuren des DC-Universums vertraut machen, ebenso wie mit Barry Allens Leben, seiner Karriere, seinen familiären Verhältnissen und seiner Rolle in der Welt der Superhelden, von denen einige zum ersten Mal vorgestellt werden, aber mit einem Gefühl der Zugehörigkeit, so als ob seine aktuellen Kämpfe schon einmal beschrieben worden wären. Seltsamerweise versucht DC, mit 'Marvels Avengers' zu konkurrieren, während ihr Äquivalent, die 'Justice League', alles umgekehrt macht. Wo die 'Avengers' im Vorfeld ihrer filmischen Zusammenarbeit Einführungsfilme erhielten, machte die 'Justice League' den Anfang, bevor sie mit separaten Ursprungsfilmen fortgesetzt wurde. Dies ist also nicht der erste Auftritt von 'The Flash', auch wenn es eine Geschichte über seine bescheidenen Ursprünge sein soll.

Formelhaft verfällt "The Flash" schnell in Selbstironie und nutzt eine gehörige Portion Humor, um die wenig überzeugenden Elemente der Spezialeffekte auszugleichen. Barry Allens Sprint ist einer der merkwürdigsten, da er dazu neigt, einfach an Ort und Stelle zu laufen, während er durch von Elektrizität umgebene Landschaften flitzt, und seine Bewegungsabläufe entsprechen nicht ganz dem, was notwendig wäre, um hohe Geschwindigkeiten darzustellen. Wenn das Drehbuch sich selbst nicht zu ernst nimmt, wird der Betrachter den Überschuss an computeranimierten Gebilden, die ineinander prallen und rasen, vielleicht nicht hinterfragen. Kollisionen mit echten Fahrzeugen, Explosionen und Stunts stechen hervor, wobei der typische Blitzwirbel und andere CG-Effekte hauptsächlich zur Zerstreuung dienen. "The Flash" verrennt sich auch schnell in Actionsequenzen und inszeniert eine bekloppte Weltherrschaftsidee für einen frenetischen Auftakt mit massiven Havarien, deren Hauptteil sich auf hyperkomplexe Zeitlupenstunts konzentriert, die nie so unwiderstehlich oder lustig sind wie die mit 'Quicksilver' aus "X-Men: Zukunft ist Vergangenheit".

Am problematischsten ist vielleicht das Timing von "The Flash", und zwar nicht nur in Bezug auf das Tempo. Der Film hat das große Manko, dass er nicht nur unverkennbare Hommagen an weitaus bessere Filme zeigt, indem er sich über "Zurück in die Zukunft" mokiert oder eine Zeile aus "RoboCop" zitiert, in der es darum geht, nach einer traumatischen Rettung einen Arzt aufzusuchen, sondern auch eine Handlung verwendet, die den jüngsten Superheldenfilmen frappierend nahe kommt. (Spoiler) "Spider-Man: No Way Home" brachte Darsteller aus früheren, sich überlappenden, voneinander unabhängigen Universen für eine Greatest-Hits-Reunion zusammen, die durch einen ungeheuer verrückten Irrtum ausgelöst wurde, der einen ganzen Film ins Chaos stürzte, wohingegen "Spider-Man: Across the Spider-Verse" lediglich die Vorstellung von unveränderlichen kanonischen Ereignissen etablierte, nicht dass dies eine besonders geeignete Methode für eine Zeitreisegeschichte wäre. Und selbst Barry Allens Weltfremdheit und allgemeine Naivität, gepaart mit seiner mangelnden Fähigkeit, aufgrund seiner Superhelden-Aktivitäten in einem normalen Job zu funktionieren, und seiner Schüchternheit in Bezug auf sein flüchtiges Liebesinteresse (Kiersey Clemons), sind Tom Hollands Darstellung von 'Spider-Man' unbequem verwandt. Trotz der unterschiedlichen Protagonisten und Schauplätze ist die Originalität auffallend begrenzt. "Läufst du einen Marathon oder so was?"

Kurioserweise ist diese ganze Prämisse eine Episode von kolossaler Willkür, die aufgelöst werden muss, um eine heillos verknotete Zeitlinie oder ein Multiversum zu entwirren. Es ist so etwas wie ein unabhängiges, eigenständiges Abenteuer, das sich nicht in bereits bestehende Handlungsstränge einmischen müsste, wäre da nicht die Tatsache, dass es jetzt irrelevant ist, da DC die bestehenden Charakterbögen der 'Justice League' zu einem Abschluss bringt. (Spoiler) Nichtsdestotrotz gibt es hier eine Menge für Fans: Michael Keaton in seiner Rolle von 1989 wiederzusehen ist außergewöhnlich befriedigend, ergänzt durch Danny Elfmans bedeutsame Titelmusik. Die Rückkehr von Michael Shannon und Antje Traue für ein paar weitere Konfrontationen ist positiv, und die Neuinterpretation der 'Superman'-Persönlichkeit mit einem Kniff hat ihre Reize neben einigen anderen Innovationen. Ebenfalls exzeptionell ist, dass in "The Flash" zwei Versionen von Ezra Miller gleichzeitig auf dem Bildschirm zu sehen sind, so dass sie sich lässig untereinander austauschen können. Doch wenn immer wieder hervorgehoben wird, dass Zeit keine Rolle spielt oder dass die Charaktere in einem endlosen Paradoxon gefangen sind, ist es schwer zu verkennen, wie fragil das Konzept der Zeitreise als Spaghetti mit Tomatensoße ist. Ein Großteil der überlangen Laufzeit erscheint müßig, wenn die Abfolge und Zwangsläufigkeit der Elemente weiterhin so leicht manipuliert und revidiert werden kann. "Ruf Superman!"

In "The Whale" von Regisseur Darren Aronofsky arbeitet Charlie (Brendan Fraser) an der Oakley University als reiner Online-Literaturdozent und bleibt von seinen Studenten ungesehen, da er sich hinter der Lüge versteckt, seine Webcam sei kaputt. Die Wahrheit ist jedoch, dass er Hunderte von Kilos Übergewicht hat, sich kaum bewegen kann, sich nur mit einer Gehhilfe in einigen Räumen aufhalten kann und völlig auf seine Wohnung beschränkt ist. Er leidet an zahllosen Krankheiten und ist ständig kurz davor zu ersticken, einen Herzinfarkt zu erleiden oder einfach an seinem übermäßigen Gewicht zugrunde zu gehen. Dennoch will er keine professionelle Hilfe in Anspruch nehmen. "Ich gehe nicht ins Krankenhaus!"

Die ersten Bilder sind erschütternd stark, ohne dass man viel über den Mann weiß. Der Betrachter wird jedoch dazu verleitet, ihn nach seinen körperlichen Gebrechen zu beurteilen, und seine pathetische Masse, als er sich zum ersten Mal von der Couch erhebt, ist ein echter Schocker. Außerdem ist er sofort sympathisch, wenn man bedenkt, dass seine Bewegungseinschränkungen äußerst bedauerlich sind. Seine Freundin und Pflegerin Liz (Hong Chau) wird auf andere Weise lebendig: durch Dialoge, in denen sie Charlie über seinen Gesundheitszustand ausfragt und ihn verflucht, weil er ihr so viel Kummer bereitet. Trotz ihrer Schroffheit ist sie im Grunde die inkarnierte Geduld. "Ich pfeife immer, Liz."

Es gibt auch andere Charaktere, von denen jeder sensationelle Sequenzen von Emotionen beisteuert, von Charlies entfremdeter 17-jähriger Tochter Ellie (Sadie Sink) über seine Ex-Frau Mary (Samantha Morton) bis hin zu einem aufdringlichen Missionar (Ty Simpkins) und einem neugierigen Pizzaboten (Sathya Sridharan). Aber Brendan Fraser ist eine Macht, mit der man rechnen muss. Er schlüpft im übertragenen und wörtlichen Sinne in die Rolle des Wals aus 'Moby Dick', verändert den Verlauf der Menschen, mit denen er kurz interagiert, und ist in praktisch jeder Einstellung unvermeidlich. Während ein Großteil der Nebendarsteller durch Gespräche und Argumente eine gewisse Ergriffenheit vermittelt, gibt Brendan Fraser allein durch seine Mimik eine Fülle von Informationen preis. Seine Augen verraten seine Traurigkeit und sein Leid, umgeben von so viel überschüssigem Fleisch, das selbst ein Wunderwerk der Prothetik und der Make-up-Effekte ist.

Es scheint, als ob alle Entscheidungen von Charlie schlecht sind. Mit der Hinzufügung der abstoßenden Wirkung seiner krankhaften Fettleibigkeit testet Darren Aronofsky nach einem Drehbuch von Samuel D. Hunter, der sein eigenes Theaterstück adaptiert hat, ob der Betrachter die Menschlichkeit in der Figur entdecken kann, auch wenn er sich selbst aufgibt und jeden Moment zu sterben droht, indem er in katastrophaler Weise einer Depression nachgibt, die ihn körperlich weiter verändert. Kann er jemand anderen retten, wenn er nicht bereit ist, sich selbst zu retten? Diese Vorstellung führt zu einer Anzahl faszinierender Kontraste, von einem Missionar, der voreilige Schlüsse über devianten Sex zieht, über einen Teenager, der verzweifelt versucht, mit anderen in Kontakt zu treten, sie aber wegstößt, um sich an sie zu binden, bis hin zu einer Mutter, die ihrem Kind helfen will, sich aber nicht zurückhalten kann, mit einer Härte zu sprechen, die das Gegenteil suggeriert. Das Ganze ist eine Achterbahnfahrt aus abwechselnder Schärfe und Zärtlichkeit, während Darren Aronofsky mit der Schwelle zu verzeihlichen Fehlern spielt, vielleicht wie Herman Melville, der seine traurige Geschichte mit abgedroschenen Beschreibungen von Walen und technischen Aspekten des Lebens auf See hinauszögert, wenn auch nur, um die unvermeidlichen Tragödien, die kommen werden, einen Moment zu verzögern.

"The Whale" ist ein regelrechtes Experiment in Sachen Elendsporno, schwer anzusehen, aber unmöglich, sich davon abzuwenden. Der Film ist gleichermaßen herzzerreißend, frustrierend, verstörend und spannend. Er ist eine monumentale Charakterstudie über viele geschädigte Seelen, die um Sinn und Erlösung ringen. Und es gibt sogar einige Wendungen, die das Grauen und das Mitgefühl in Charlies langsamer Selbstzerstörung realistisch darstellen. "The Whale" ist von Anfang bis Ende mitreißend, und unabhängig von der Stärke des gezeigten Leids ist der Film ein absolutes Muss, mit Brendan Frasers ergreifendster Performance. "Ich bin nicht daran interessiert, gerettet zu werden."

"City Slickers - Die Großstadt-Helden" von Regisseur Ron Underwood ist nicht nur eine ausgelassene Komödie, sondern auch eine exzellente, dynamische Charakterstudie, voller nachdenklicher Reflexionen über Midlife-Crisis, Familienkonflikte, Erwartungen, Freundschaften und die Entdeckung der wichtigen und kleinen Dinge des Lebens. Der Ansatz der Komödie ist transzendent dank dieser Mischung aus amüsanten existenziellen Eskapaden und einer solide geschriebenen Geschichte. Mit Billy Crystals unverkennbarem Zynismus und unverwechselbaren schiefen Lachern, witzigen Sidekicks und ernsthafter Action hat es "City Slickers - Die Großstadt-Helden" verdientermaßen auf die Liste der besten Komödien des American Film Institute '100 Years ... 100 Laughs' geschafft.

Drei Freunde geraten in eine Midlife-Crisis, in der sie einfach einen Sinn für ihre scheinbar bedeutungslose Existenz finden wollen. Der risikofreudige Ed Furillo (Bruno Kirby) überredet die Gruppe, einen Urlaub als Viehtreiber quer durch den Mittleren Westen von New Mexico nach Colorado zu machen. Nach anfänglichem Zögern geben Mitch Robbins (Billy Crystal), ein Werbezeitverkäufer für einen Radiosender, und Phil Berquist (Daniel Stern), ein Supermarktmanager, nach und lassen sich auf das Abenteuer ihres Lebens ein. Von rauflustigen Ranchern über wilde Stürme bis hin zu reißenden Stromschnellen - die drei Freunde beginnen, einen Sinn in ihrem Leben und in ihren Freundschaften zu finden und sogar Erkenntnisse über sich selbst.

Die Handlung ist eine attraktive Mischung aus Drama und Humor, die durch starke Leistungen, individuelle Charaktergestaltung und effizientes Tempo gut ausbalanciert wird. "City Slickers - Die Großstadt-Helden" beginnt mit einer Verfolgungsszene, in der die scheuen Mitch Robbins und Phil Berquist gezwungen sind, mit den Stieren durch die überfüllten Straßen Mexikos zu laufen. Was folgt, ist der krasse Gegensatz eines wild irrationalen - oder vielleicht rationalen Mitch Robbins, der mit deprimierenden Umständen zu kämpfen hat. Dazu gehören seine Depressionen wegen seines Sohnes (Jake Gyllenhaal in einer sehr frühen Rolle), der seine Karriere missbilligt, die Party zu seinem 39. Geburtstag, die sein Gewissen belastet und die enttäuschende Bedeutung seiner aktuellen Erfolge hervorhebt, und eine ruhige Dinnerparty, die für den ehebrecherischen Phil Berquist in einer maritimen Katastrophe endet.

Mehr als die überdrehten komödiantischen Momente, die mit einem glaubwürdigen Beziehungsdrama vermischt sind, ist es die bunte Gruppe von Nebenfiguren, die wirklich herausragt. Curly (Jack Palance, der für seine Leistung als bester Nebendarsteller einen Oscar gewann), der kühle und gefasste, harte und lederne Trail-Boss, ist ein authentischer Cowboy, ein Überbleibsel aus einer einfacheren, härteren Zeit. Helen Slater verkörpert das Liebesinteresse und ist eine kompetente weibliche Vertretung in einem Film, der von männlichen Hauptdarstellern dominiert wird. Josh Mostel und David Paymer sind die Brüder, die Eiscreme herstellen und für die wohl lustigste Szene des Films sorgen, in der es darum geht, zu erraten, welche Eissorten perfekt zu einem bestimmten Gericht passen.

An vorderster Front zeigt Billy Crystal seinen typischen Humor und spielt eine Rolle, die ihm auf den Leib geschneidert ist, während Jack Palance mit seiner markanten Stimme unvergesslich den Sinneswandel von Mitch Robbins verkörpert. Einige wenige Andeutungen von Moralpredigten werden von einer Fülle von Actionsequenzen übertüncht, wie man sie aus reinen Western kennt: eine zufällige Stampede, ein besonders aufregender Ritt durch tobende Gewässer, um ein Kalb zu retten, und ständige Konflikte mit trunksüchtigen, feindseligen Cowboys. Komödien wie "City Slickers - Die Großstadt-Helden" sind rar. Nur wenige nehmen sich die Zeit, sympathische Rollen und zum Nachdenken anregende Themen zu entwickeln und dabei geschickt Slapstick, knackige Dialoge und komische Szenarien einzusetzen. Darüber hinaus ist die Musik von Marc Shaiman einfach fantastisch.

Als Eloise Turner (Thomasin McKenzie) in "Last Night in Soho" von Regisseur Edgar Wright am 'London College of Fashion' angenommen wird, glaubt sie, dass ihre Träume wahr werden. Und in gewisser Weise tun sie das auch. Jede Nacht träumt Eloise von Sandie (Anya Taylor-Joy), einer ehrgeizigen Möchtegern-Nachtclubsängerin im London der 1960er Jahre, und manchmal wird sie buchstäblich zu ihr. Doch was als mitternächtliche Träumerei in glitzernden Lokalen beginnt, wird schnell zum Albtraum, als der schmierige Talentagent Jack (Matt Smith) sie mit den Schattenseiten der Unterhaltungsindustrie konfrontiert. Als Eloise mehr und mehr über Sandies tragisches Leben erfährt, wird sie bald in die düsteren Aktivitäten ihrer Doppelgängerin verwickelt und von den Geistern der Vergangenheit der Sängerin heimgesucht.

Irgendetwas stimmt nicht, denn die Bilder zeigen unheimliche Spiegelungen einer Person, die sich nicht mit Eloise im Raum befindet. Am Anfang ist es nicht unbedingt furchteinflößend, aber es ist sicherlich ein Vorläufer für die spezifischen Horrorelemente, die kommen werden, da kleine Details über vergangene traumatische Ereignisse und psychische Probleme auftauchen. Das passt gut zu der Geschichte eines jungen Mädchens in einer fremden, weitläufigen Stadt, in der es sofort problematisch ist, Mobbing zu vermeiden, und in der es eine große Hürde darstellt, sich anzupassen. Wie in "Black Swan" und "The Neon Demon" ist der Druck, sich den Anforderungen anzugleichen und erfolgreich zu sein, enorm. Soziale Kontakte durch Alkohol, Partys und andere halluzinogene Ablenkungen werden zu einer Notwendigkeit, um solche Phasen zu erleichtern.

Aber Eloises Unbehagen rührt auch daher, dass sie immer wieder seltsame Visionen hat. Da der Betrachter die Ereignisse aus ihrer Perspektive sieht, wird die Unterscheidung zwischen dem, was real ist, und dem, was nicht real ist, immer unangenehmer. Leider ist die Charakterentwicklung sehr allgemein gehalten und lässt bei den Hauptfiguren viel zu wünschen übrig. Die Darsteller sind nicht schlecht, aber es ist anstrengend, in so banale Persönlichkeiten zu investieren, oder in solche, deren Realitätssinn sich immer mehr auflöst, selbst wenn das Drehbuch hofft, die Spannung zu erhöhen, indem es eine Art Spukhaus einführt, gemischt mit einem Zeitreiseportal und einer Körpertausch-Perspektive, die zu einigen eigenartigen kinematografischen Effekten führt, von denen viele fesselnder sind, als der eigentlichen Handlung zu folgen.

Wie bei Edgar Wrights anderen Filmen ist der Soundtrack sehr ansprechend und ein wichtiger Teil der Narration, obwohl es hier so klingt, als wären die Songs zuerst ausgewählt worden, bevor die Geschichte um diese Auswahl herum geschrieben wurde. Komischerweise erstreckt sich die zeitgemäße Musikauswahl sogar auf die Jump-Scares, als wäre der Soundtrack vor dem Drehbuch konzipiert worden. Wenn "Last Night in Soho" nicht gerade versucht, schaurig zu sein, ist es eher eine fade Fantasie über den Glanz und Glamour des Londons der 1960er Jahre, die darauf abzielt, stereotype Träume vom großen Erfolg im Showbusiness darzustellen, mit strahlenden Mädchen in seidigen Kleidern, die zu swingenden Melodien singen und tanzen und sich mit einem Mann in einem adretten Anzug eine schöne Zeit machen. Trotz der Beteiligung von Krysty Wilson-Cairns als Co-Autorin fühlt sich der Film wie eine weibliche Fantasie an, gesehen durch die Augen von Edgar Wright mit seiner Vorliebe für Zombies und blutige Gewalt. Wenn Thomasin McKenzie und Anya Taylor-Joy verführerisch in verschiedenen Kostümen und mit lebhaftem Make-up herumhüpfen, ist das fast wie seine Version von "Sucker Punch", mit zwei sexy Jungstars als seine ganz persönlichen Ankleidepuppen.

Dennoch dauert es erstaunlich lange, bis etwas Interessantes passiert. Das Ganze ist außerordentlich schleppend, wiederholt die grausame Welt von ausbeuterischen Schaustellern und hilflosen Opfern und schafft es nicht, irgendeine Figur sympathisch oder lebendig zu machen. Auch die Nebenrollen sind fade und wenig attraktiv, vor allem weil sich niemand authentisch verhält. Sowohl die Protagonisten als auch die Antagonisten sind völlig blind für das, was um sie herum geschieht, und tun so, als seien Eloises zunehmend seltsame Aktivitäten und Reaktionen nur kleine Kuriositäten. "Glaubst du an Geister?"

Wenn "Last Night in Soho" versucht, geradlinigen Horror zu zeigen, scheitert er ebenfalls kläglich, indem er jedes erdenkliche Klischee aufgreift und den Betrachter mit so vielen spiegelbasierten Schreckmomenten überflutet, dass keine Sequenz mit einem Spiegelbild irgendeine Art von Überraschung bietet. Die Phantastik ist ebenso enttäuschend und erinnert an zahllose andere Spektralschocker wie "The Sixth Sense", "Crimson Peak" und "Doctor Sleeps Erwachen", die allesamt sehr offensichtlich sind. Und der Rest ist ein sich verzweifelt wiederholendes Durcheinander aus Tanzen und Feiern und plötzlichen stellvertretenden Visionen von Eloises Ich-Dualität, gefolgt von einer rasenden Panik und weiterem Getanze. So viele Szenen sind redundant, dass es schwierig ist, zu erkennen, wann die Geschichte tatsächlich vorankommt. Und da der Mordfall im Grunde von Anfang an gelöst ist, ist es nie ein nervenaufreibender Sprint zur Lösung eines schwer fassbaren Mysteriums. Bis zum leicht zu erratenden Schluss erweist sich "Last Night in Soho" als ein ermüdend unoriginelles, ungeheuer unbefriedigendes und unerwartet bizarres Konglomerat aus widersprüchlichen Genres und recycelten Konzepten.

In "Norma Rae - Eine Frau steht ihren Mann" von Regisseur Martin Ritt verliert Leona (Barbara Baxley) im Sommer 1978 in der Textilfabrik 'O.P. Henley' in North Carolina vorübergehend ihr Gehör durch den unaufhörlichen Lärm, der von den ständig surrenden Maschinen ausgeht. Ihre Tochter Norma Rae Webster (Sally Field), die ebenfalls in der Fabrik arbeitet, kommt ihr zu Hilfe und verlangt, dass die ältere Frau medizinisch versorgt wird. Doch dem Unternehmen geht es nicht um eine solche Beeinträchtigung des Wohlergehens seiner Mitarbeiter, sondern um den Profit.

Als der New Yorker Reuben (Ron Leibman), ein Gewerkschaftsorganisator der 'Textile Workers' Union of America', in die Stadt kommt, um eine Gewerkschaft zu gründen, trifft er auf paranoide Polizisten und wütende Bürger. Was er verkauft, ist antiamerikanischer, kommunistischer Schwachsinn. Und so wirft Norma Raes Vater Vernon (Pat Hingle) ihn kurzerhand hinaus, weil er sich über die kleinste Andeutung einer Partnerschaft aufregt. Aber Vernon ist einer der vielen unterbezahlten und überarbeiteten Beschäftigten in der kleinen Stadt, in der das Werk der einzige große Arbeitgeber ist. Er ist sich dessen nicht bewusst, aber er könnte besser abschneiden, wenn er von genau der Organisation unterstützt wird, der er normalerweise misstraut. Obwohl Reuben mit seinen Pamphleten und Reden nicht sehr weit kommt, hat Norma selbst eine lange Geschichte, in der sie sich gegen schlechte Arbeitsbedingungen ausspricht, was ihren Chef dazu veranlasst, sie zu befördern, um sie von den überzeugenden Vorträgen des Gewerkschafters fernzuhalten.

Norma schleppt sich durchs Leben, um für ihre beiden Kinder zu sorgen, während sie sich mit ihrem Vater (John Calvin), einem missbräuchlichen Mann aus der Gegend, der sie für Sex ausnutzt, und den Aufmerksamkeiten des aufmunternden Kollegen Sonny Webster (Beau Bridges) auseinandersetzt. Doch als sie in der Stadt immer wieder Reuben begegnet, klingen seine Worte über höhere Löhne und einen sichereren Arbeitsplatz immer überzeugender. Vielleicht ist es an der Zeit, dass sich die Gewerkschaft für das Werk einsetzt. "Große Unternehmen bekommen alles, was sie wollen. Alles geht an den reichen Mann."

"Norma Rae - Eine Frau steht ihren Mann" nimmt sich Zeit, um die Schauplätze und Figuren vorzustellen, und schafft es ausgezeichnet, ein authentisches Gefühl zu vermitteln. Das Highlight ist Sally Field, die mit großer Authentizität in die Rolle schlüpft und sowohl ihren Part als verzweifelte berufstätige Frau, die vor allem mit einer kurzen Aufsichtsposition kämpft, die ihr keine Freunde einbringt, als auch ihre Funktion als alleinerziehende Mutter meistert. Es gibt auch einen Hauch einer Liebesgeschichte, die süß und doch einfach daherkommt, und Pausen, um Bier zu trinken und die kleinen Freuden der Natur zu genießen. Die Nebendarsteller sind ebenso beeindruckend und erhalten ebenfalls genügend Zeit, um glaubwürdige Figuren zu entwickeln. Dank der Liebe zum Detail der Charaktere fällt es nicht ins Gewicht, dass sich der Kern der Handlung - Norma Raes kraftvoller Aktivismus - nur langsam herauskristallisiert, denn die Schauspieler sind real, glaubhaft und stark.

Norma Rae, die sich gleichzeitig gegen Rassismus und Hypokrisie und für ein kompromissloses Arbeitsumfeld einsetzt, ist eine äußerst inspirierende Figur. Sie ist eine Außenseiterin der realitätsnahen Art, die nicht filmisch gequält, sondern von einem allseits verstandenen, geerdeten, allgegenwärtigen Übel schikaniert wird: Unterdrückung durch herzlose Führungskräfte. Auch die zu erwartenden Vergeltungsmaßnahmen der Unternehmensleitung, die von Arbeitszeitverlängerungen und Lohnkürzungen bis hin zu Gerüchten zum Zwecke des Rufmordes und der Aufstachelung zu körperlicher Gewalt reichen, sind keine Übertreibungen. Sie entsprechen voll und ganz der Realität. Wenn ihre Unterstützer sie im Stich lassen, wenn sie in der Unterzahl ist und schikaniert wird, erreicht ihre Entschlossenheit ihren Höhepunkt. Ihre Figur ist eine Offenbarung, sie ist unendlich einnehmend und ungeheuer sympathisch, und gleichzeitig schafft sie es, herzerweichend gerecht und mächtig rührend zu sein. Hier wird deutlich, dass die größten Helden gewöhnliche Menschen sind, die angesichts der herrschenden Widrigkeiten außergewöhnlichen Mut aufbringen.

"Wenn es ein Problem gibt, folge den Rosen", sagt ein kleiner Junge in "The Forever Purge" von Regisseur Everardo Gout, als er eine Gruppe illegaler Einwanderer anführt, die vor Kartellen in Mexiko und anderen südamerikanischen Ländern fliehen und durch Abwassertunnel in die Vereinigten Staaten gelangen. Zehn Monate später, im texanischen 'Los Feliz Valley', kurz vor der alljährlichen Säuberungsnacht, arbeitet die Migrantin Adela (Ana de la Reguera) in einer von Darius Bryant (Sammi Rotibi) geführten Fleischverarbeitungsfabrik, was ihr ein einfaches Zuhause mit ihrem Ehemann Juan (Tenoch Huerta) ermöglicht, der vergleichsweise als Hilfskraft auf der riesigen Smartphone-gesteuerten Ranch von Caleb Tucker (Will Patton) arbeitet. Doch angesichts der drohenden 'Purge' ist Amerika nicht unbedingt das Paradies oder der sichere Hafen, als den es dargestellt wird.

Im Stall von Caleb Tucker stichelt sein voreingenommener Sohn Dylan (Josh Lucas) gegen Juan, um seine Vorherrschaft über den Angestellten zu behaupten, da er zuvor von Juans Fähigkeiten mit einem temperamentvollen Pferd in Verlegenheit gebracht wurde. Als ein Gast an diesem Abend vorschlägt, eine Verwandte des Hausmädchens kennen zu lernen, lehnt Dylan prompt und entschieden ab und bestätigt damit die Überzeugung, dass seine elitäre Familie kein Bedürfnis hat, sich unter 'andere' zu mischen. Allerdings wendet sich das Blatt, als Dylan, seine schwangere Frau Cassie (Cassidy Freeman) und seine Schwester Harper (Leven Rambin) sich auf die Hilfsbereitschaft anderer verlassen müssen, um nicht nur die Purge-Nacht zu überleben, sondern auch eine koordinierte Säuberung 'für immer', die sich geweigert hat, anzuhalten. "Ich hasse die verdammte 'Purge'. Es ist schwer, in dieser Nacht gesellig zu sein."

Wie schon in einem Vorgänger-Film "The Purge 3 - Election Year" verbirgt sich inmitten der Betise und des Pogroms der Purge-Prämisse eine sehr pointierte, relevante politische Deklaration. Die Einwanderungskrise steht hier im Mittelpunkt, wobei grob gezeichnete Stereotypen verwendet werden, um extreme Überzeugungen zu veranschaulichen, von denen viele in der Realität aus den Schlagzeilen gerissene Zitate über fehlgeleiteten Nationalismus und Patriotismus und das offenkundig rassistische Konzept der 'Purge' sind. Nachdenklich stimmende Kommentare über die Bereicherung der Reichen auf dem Rücken der Armen, über das zerbrechliche Identitätsgefühl, das durch die Anwesenheit von Fremden ausgehöhlt wird, über kulturelle und ideologische Ignoranz, über Hass und Angst, die alle anderen Emotionen verdrängen, und über Sklaven, die die Gelegenheit finden, sich an ihren reichen Herren zu rächen, wiederholen sich, aber es fällt schwer, die sehr realen Beziehungen im Kontext einer übermäßig chaotischen Anarchie ernst zu nehmen. All dies ist bitterlich weit von vernunftbegabter Satire entfernt.

Obwohl die ironische Umkehrung der Grenzsituation zwischen den USA und Mexiko eine weitere starke Idee ist, die in dem exzessiven Blutvergießen weitgehend untergeht, sorgt der Einsatz von pompösem, einschüchterndem Make-up und Verkleidungen wie Cowboy-Kostümen und Kaninchen-Anzügen für mehr Heiterkeit als Entsetzen. Zudem gibt es jede Menge gestaltlose Schreckmomente, die oft von sittsamen Quellen ausgelöst werden. Sobald die Hauptfiguren von "The Forever Purge" ihre Flucht durch das vom Krieg gebeutelte 'El Paso' inszenieren, entwickelt der Film das Konstrukt eines Videospiels, insbesondere durch die Kameraführung über die Schulter und die intensiven, krachenden Feuergefechte.

Problematischerweise sind die Hauptfiguren zu eierschalenfarben, um großen Fluidum zu hinterlassen. Helden werden in erster Linie durch ihre Überlebenskünste definiert, während Bösewichte sich dadurch auszeichnen, dass sie hasserfüllte und bigotte Worte von sich geben oder im Besitz blutverschmierter Munition sind. In der Wüstenlandschaft des dritten Aktes beginnen die Actionsequenzen den Schlachten von "Mad Max" zu ähneln. Einige der Stunts sind erfreulich gut gelungen, und die eine oder andere kathartische Ermordung sorgt für mildes Amüsement. Aber was die "Purge"-Filme angeht - und die Messlatte liegt ziemlich tief - ist dieser Film nicht so zugkräftig oder Achtung gebietend, wie er hätte sein können.

Die Eröffnungsszene von "Blue Velvet" zeigt die Besessenheit des Regisseurs David Lynch von visuellen Metaphern: Ein ruhiger, grasbewachsener Rasen, umgeben von einem strahlend weißen Lattenzaun, befindet sich in einem malerischen Vorort, in dem Feuerwehrleute den Passanten zuwinken, Schulkinder fröhlich die Straße überqueren und blühende Blumen unvorstellbar lebendig sind. Doch direkt unter dem Grün liegt eine Masse von sich windenden, gehörnten Käfern, die sich in den Schlamm krallen. Es ist ein Vorgeschmack auf den Horror, der uns erwartet, und symbolisiert auf unaufdringliche Weise die abartigen Grausamkeiten, die hinter der Fassade der Unschuld und Ruhe der Stadt lauern.

Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) kehrt in die Kleinstadt Lumberton zurück, um seinen sterbenden Vater zu besuchen. Auf dem Rückweg vom Krankenhaus entdeckt er auf einem benachbarten Feld ein verrottendes, abgetrenntes menschliches Ohr. Er wendet sich an Detective Williams (George Dickerson) von der örtlichen Polizei und wird gebeten, nicht weiter zu ermitteln. Doch Jeffrey Beaumont will den Fall nicht so schnell aufgeben. Mit Hilfe der Tochter des Detectives, Sandy (Laura Dern), sucht er nach Details und stößt auf weitere Hinweise.

Die beiden hecken einen Plan aus, um einen Schlüssel aus dem Haus von Dorothy Vallens (Isabella Rossellini) zu stehlen, damit Jeffrey Beaumont später zurückkehren kann, um die Frau auszuspionieren. Dorothy Vallens ist eine Nachtclubsängerin und irgendwie mit den morbiden Ausgrabungen verbunden. Als es Jeffrey Beaumont gelingt, sich wieder in die Wohnung von Dorothy Vallen einzuschleichen, befindet er sich in einer besonders prekären Situation: In einem Wandschrank wird er Zeuge der sadistischen sexuellen Perversion von Frank Booth (Dennis Hopper), der sich an der Sängerin vergreift. Es handelt sich um eine verdrehte, verstörende Lösegeldzahlung und die erste von vielen Begegnungen mit dem gefährlichen Mann, die zu noch seltsameren Bekanntschaften und dunkleren Geheimnissen führen werden. "Ich weiß nicht, ob du ein Detektiv oder ein Perverser bist."

Angelo Badalamentis mitreißende Musik unterstreicht die Mystery- und Film-Noir-Komponenten und wechselt zwischen düsteren Geigen, beschwingtem Jazz und Bobby Vintons "Blue Velvet" Theme. Der Roy Orbison-Song "In Dreams" hat ebenfalls eine große Wirkung und wird von Dean Stockwell als Ben, Frank Booths Partner, verzweifelt schlecht interpretiert. Beide fügen sich perfekt in die Paradoxie seiner bordellartigen Behausung ein, in der eine menschengroße Clownspuppe in einem Kleid zu sehen ist.

Während viele von David Lynchs Filmen skurril um des Skurrilismus willen sind, wirkt "Blue Velvet" bewusst realistisch als eine Erkundung und Untersuchung beunruhigender Charaktere in bedrohlichen Situationen, des völligen Abschaums der Gesellschaft und der von ihr Betroffenen, wie man sie selten im Kino sieht. Es soll vulgär, makaber, voyeuristisch, beängstigend und unerwartet sein, wie man es noch nie zuvor gesehen hat. In der Tat war die sexuelle Darbietung in den 80er Jahren für viele Betrachter zu viel, aber nach heutigen Maßstäben ist "Blue Velvet" nicht besonders grafisch, was die Tragweite der Eigenartigkeit mindert. Bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung war "Blue Velvet" in seinen Extremen weitgehend überwältigend.

Doch trotz aller Irrungen und Wirrungen ist dieses alptraumhafte Gebräu aus Chaos, Wahnsinn und Mord sehr stilvoll. Viele der Aufnahmen sind wie Traumsequenzen, mit verschlingenden Schatten und atmosphärischer Düsternis, während David Lynch auch radikale Nahaufnahmen, Zeitlupen, verschwommene Bilder, Kameratricks, Neonbeleuchtung und Rückblenden für zusätzliche Effizienz einsetzt. Die Szenen enden, wenn man es am wenigsten erwartet, die Figuren handeln spontan, und es gibt viele Überraschungen. Welche Sequenzen sind Fakt und welche sind Fiktion?

Spannung, Kuriositäten und ein fesselnder Mordfall, bei dem die Extravaganz das Ergebnis bei weitem überwiegt, werden durch einen wahnsinnigen Abstieg in eine surreale Hölle hervorgerufen. Was einst seltsam war, wird erschreckend, und die Normalität wird zum Delirium. Jedes Element, selbst die Todesszenen, spiegeln Merkwürdigkeiten wider, an denen niemand auch nur im Entferntesten sterben kann. Und dann ist da noch Dennis Hopper, der eine absolut unvergessliche Leistung als Amylnitrat-süchtiger Masochist abliefert. Seine Handlungen sind nie vorhersehbar, und die irrsinnig überdrehte Rolle, die Dennis Hopper eindeutig genießt, ist eine seiner bemerkenswertesten. Auch Isabella Rossellini liefert eine gewagte Leistung ab, die nur wenige andere Schauspielerinnen erbracht hätten, denn das Drehbuch verscheuchte zahlreiche potenzielle Darstellerinnen. "Blue Velvet" ist ein Film, den man lieben oder hassen kann. Er ist schockierend, unendlich umstritten und unerklärlich quälend, aber er fand eine riesige Fangemeinde, wurde von den Kritikern sofort gelobt und brachte David Lynch sogar eine Oscar-Nominierung für die beste Regie des Jahres 1986 ein.

"Der Affe im Menschen" von Regisseur George A. Romero beginnt mit einer Erklärung über die Trainingseinrichtungen für Kapuzineraffen der Boston University, die dafür sorgten, dass trotz scheinbar traumatischer Aktivitäten keine Tiere zu Schaden kamen. Der Film folgt dem Jurastudenten Allan Mann (Jason Beghe) aus Pennsylvania, der glücklich neben seiner Freundin Linda (Janine Turner) aufwacht, bevor er eine Runde laufen geht. Unglücklicherweise wird er während seiner regulären Auslaufrunde von einem nicht angeleinten Hund erschreckt, woraufhin er auf die Straße ausweicht und mit einem Lastwagen kollidiert, der ihn vom Hals abwärts lähmt. "Auf den Beginn seines neuen Lebens."

Währenddessen experimentiert der Chemielaborant Geoffrey Fisher (John Pankow) mit menschlichen Gehirnen und Affen, um einen Durchbruch in der Medizin zu erzielen. Es ist eine umstrittene Abteilung, in der der Chef (Stephen Root) Druck auf die Resultate ausübt, während Aktivisten, die gegen Forschung und Entwicklung sind, das Gebäude verwüsten. Da Geoffrey Fisher ein guter Freund von Allan Mann ist, kommt er auf die Idee, die spezialisierte Affentrainerin Melanie Parker (Kate McNeil) aufzusuchen, die in einem der Kapuzineräffchen des Colleges, das bereits einer Verhaltenskonditionierung unterzogen wurde, den perfekten Begleiter und Helfer findet. "Er wird sich um dich kümmern."

Die unglaublich seltsame Idee, einen Affen zu benutzen, um einem Tetraplegiker bei allem zu helfen, vom einfachen Aufheben von Gegenständen bis hin zum Putzen des Hauses und der Zubereitung von Mahlzeiten, was einfacher und hygienischer von einer angestellten Krankenschwester oder Haushälterin oder Köchin erledigt werden könnte, ist so unnatürlich, dass sie unmöglich realistisch erscheint. Für solch komplexe und sensible Dinge ist der Mensch die erste Wahl. Daher ist es besonders wenig plausibel, wenn Allan Mann beschließt, wieder zur Schule zu gehen, und verlangt, dass seine Assistentin Ella (gespielt von Kapuzineraffe Boo) an seiner Seite am Unterricht teilnimmt, wobei der Affe die Hand hebt, damit er dem Professor die Fragen beantworten kann, was zu weiteren sinnfreien Szenen führt.

Es ist somit eine günstige Entscheidung, dass die Prämisse in erster Linie ein Setup für einen Horrorfilm ist. Vieles ist von Anfang an schief gelaufen, vor allem die "Re-Animator"-ähnlichen fluoreszierenden Flüssigkeiten, die den Laborprimaten immer wieder injiziert werden. Erschwerend kommt hinzu, dass die Krankenschwester Maryanne Hodges (Christine Forrest) ein gestörtes Verhältnis zu ihrem Mündel hat, was Racheängste auslöst, und Ella ist mehr als bereit, die Befehle ihres Meisters, der telepathisch mit ihr verbunden ist, auszuführen, um gegen seine Feinde vorzugehen. "Das hat sein kleiner Dämon für ihn getan!"

Es ist auch merkwürdig, dass niemand Allan Manns ständigen Gefährten überraschend findet. Ein Affe als emotionaler Betreuer und Dienstleister ist sicherlich eine gesellschaftliche Seltenheit. Glücklicherweise neigen die Schauspieler hier dazu, das Material ernst zu nehmen, obwohl es offensichtlich um unwahrscheinliche Strecken herum geformt wurde, um den nötigen Thrill zu erreichen. Doch es dauert viel zu lange, bis mit Hilfe von Tom Savinis Special-Makeup-Effekten echte Horrorkomponenten auftauchen, stattdessen gibt es einen Liebes-Subplot, weitere Experimente, eine angespannte Mutter-Sohn-Beziehung - eine der kuriosesten Nebensächlichkeiten, die mittelmäßig an "Misery" erinnert - und geradezu urkomische Aktionen der tierischen Hauptfigur inklusive ebenerdiger Affenkamera, sowie die Tatsache, dass das niedliche, winzige Viech kaum eine imposante Präsenz darstellt. Für einen Film, der ein psychologischer Schocker sein soll, gibt es auf dem Bildschirm nur sehr wenige Schreckmomente. Wenn sie kommen, sind sie eher kälberig als medusisch. Zuweilen ist es wirklich äsopisch, wie die Leute von einem kleinen Fellknäuel übertölpelt werden. Das Finale ist absolut tumultuarisch und in seiner Niaiserie vergleichbar mit einem Passus aus "Geschichten aus der Schattenwelt", der einige Jahre später erschien, aber auf einer Stephen-King-Kurzgeschichte aus den Jahren zuvor basierte. "Sag ihr, dass der Affe hier ist!"

In "Spacecop L.A. 1991" von Regisseur Graham Baker sind im Jahr 1991 Außerirdische in der Stadt Los Angeles gelandet. Nun sind sie unter uns. Ein einsames Raumschiff, von dem man annimmt, dass es sich um ein Sklavenschiff mit hochgradig anpassungsfähigen, außergewöhnlich intelligenten Humanoiden handelt, hat Tausende von Neuankömmlingen an Bord gebracht, die drei Jahre nach ihrer Ankunft endlich aus der Quarantäne entlassen und in die Gesellschaft integriert werden. Doch trotz der gegenteiligen Behauptungen von Präsident Ronald Reagan sträuben sich die Menschen dagegen; überall zeigen sie Besorgnis, Abscheu und grassierenden Speziesismus. Außerdem sind die Fremdlinge so vielseitig, dass sie sich leicht in menschliche Gewohnheiten und Routinen anpassen können und sich so nahtlos in den Alltag einfügen, dass das Einzige, was die Menschen von den Außerirdischen unterscheidet, ihr Aussehen ist.

Detective Sergeant Matthew Sykes (James Caan) ist ein solcher Bürger, der Fremden gegenüber immer misstrauisch bleibt. Es hilft auch nicht, dass sie anfällig für menschliche Untugenden und Verbrechen sind. Als Matthew Sykes' Partner in Ausübung seiner Pflicht getötet wird, als das Duo versucht, einen Überfall auf einen Lebensmittelladen durch Neuankömmlinge zu vereiteln, hat er einen weiteren Grund, die außerirdischen Wesen zu hassen. Eine gescheiterte Ehe und die partielle Entfremdung von seiner Tochter verschlimmern seine Situation zusätzlich. Am nächsten Tag verkündet der Polizeichef, dass das 'Federal Bureau of Newcomer Relations' einen neuen Ermittler befördert hat und Matthew Sykes' Abteilung ihn einstellen soll. Matthew Sykes, der einen neuen Partner braucht, meldet sich freiwillig, denn dieser unerwünschte Außenseiter - Samuel Francisco (Mandy Patinkin) - bietet ihm die Möglichkeit, Verbrechen im Bereich der Neuankömmlinge in der Stadt zu untersuchen. "Die Hälfte von denen spricht nicht einmal Englisch."

Dabei lernen Menschen und Außerirdische, zusammenzuarbeiten und sogar gegenseitig zu vertrauen. Es ist eine kluge Studie über emotionale und verhaltensbezogene Unterschiede, von denen viele stereotypen Merkmalen entsprechen, die den Rassismus außerhalb der Science Fiction schüren. Von der Anatomie bis zur Sexualität, von Sprach- und Kommunikationsbarrieren über angeborene Eigenheiten bis hin zur staatlichen Namensvergabe, von denen die meisten grausame Witze sind, gibt es viele Details, die Matthew Sykes' Intoleranz anstacheln oder fördern. Das Skript enthält sogar ein spezielles Betäubungsmittel und einen Slangausdruck für Neuankömmlinge: Slag.

Die erzwungene, schnelle Akzeptanz einer fremden Präsenz führt zu Feindseligkeit, auch wenn es kaum einen Grund dafür gibt. Gleichzeitig lernen die Neuankömmlinge selbst so schnell, dass sie sich der Unzufriedenheit bewusst sind und ihre eigene Abneigung gegen ihre Situation entwickeln, obwohl ihre Spezies nie die Fähigkeit zur Selbstverwaltung hatte. Mangelndes Verständnis führt immer zu Vorurteilen, genau wie im richtigen Leben. Die Themen sind unabhängig von der Fiktion universell und lehnen sich in gewisser Weise an die Konzepte an, die in "Enemy Mine - Geliebter Feind" als Sci-Fi-Vergleich sowie in zahllosen anderen geerdeten, rassenbasierten Dramen untersucht werden.

Hinter den Beziehungen zwischen Menschen und Außerirdischen verbirgt sich ein ziemlich normaler Krimi, der mit ein wenig Action, Gewalt und knallharten Auseinandersetzungen angereichert ist. Wäre da nicht der spärlich kaschierte soziale Kommentar, wäre wenig davon originell. Doch die Schauspieler nehmen den Stoff ernst - eine bewundernswerte Leistung angesichts der zahlreichen futuristischen Ergänzungen und des aufwändigen Make-ups, während die Geschichte selbst das Abenteuer von Cops und Gaunern nicht auf die leichte Schulter nimmt. Verfolgungsjagden, Schießereien und verschiedene Stunts werden mit Aufrichtigkeit und Sorgfalt inszeniert. Dank des Engagements hervorragender Darsteller, selbst in kleineren Rollen, wird das, was wie eine fade, vergessenswerte "Star Trek"-Episode hätte aussehen können, mit einer gewissen Seriosität ausgestattet.

"Observance", eine geschickte Low-Budget-Produktion des in Australien lebenden Regisseurs Joseph Sims-Dennett, ist eine Verschmelzung zweier bekannter Arten von Psychothrillern. Es gibt den Thriller des Voyeurismus, wie Alfred Hitchcocks "Das Fenster zum Hof", in dem eine Figur ihre Nachbarn ausspioniert, bis der Spieß schließlich umgedreht wird. Und es gibt den Thriller der Klaustrophobie, wie Roman Polanskis "Der Mieter", mit einem Opfer-Helden, der in einem geschlossenen Raum gefangen ist, der von Natur aus unheimlich und bedrohlich ist.

In diesem Fall ist der Protagonist Voyeur und Opfer in einem. Parker (Lindsay Farris) ist ein Überwachungsexperte, der angeheuert wurde, um eine blonde Frau (Stephanie King) aus einer unmöblierten Wohnung auf der anderen Straßenseite zu observieren. Es sollte ein einfacher Auftrag sein, aber schon bald steht er vor einem moralischen Dilemma: Soll er versuchen, seiner Zielperson zu helfen, wenn er vermutet, dass sie in Gefahr ist, oder soll er einfach weiter seinen Job machen? "Beobachten Sie und berichten Sie dann darüber, so einfach ist das."

Dies ist die Art von Film, in dem wenig passiert, aber viel angedeutet wird, und in dem die Erzählung kaum mehr als ein Vorwand für die Sorgfalt ist, die in Kameraführung, Schnitt und Sounddesign gesteckt wird. Joseph Sims-Dennett und sein Team bauen die Angst durch ephemer wirkende Bilder und elektronisch verzerrte Stimmen sowie durch flächige Nahaufnahmen alltäglicher häuslicher Details auf: Kaffeesatz in einer leeren Tasse oder Flüssigkeit das in einem Waschbecken versickert.

Überall gibt es Anzeichen dafür, dass etwas nicht stimmt: Die Wände der Wohnung scheinen von einer körperlichen Krankheit befallen zu sein, die auf Parkers Organismus übergreift und sich in eitrigen Wunden entlädt. Doch angesichts von Parkers Labilität - er trauert um seinen Sohn und leidet unter Albträumen - ist es unklar, wie viel von dem, was wir sehen und hören, der Realität entspricht und wie viel nur in seinem Gehirn existiert. "Ich glaube, dieser Job ist nicht das, was Sie behaupten."

Das ist nicht das einzige Mysterium, das Joseph Sims-Dennett und sein Co-Autor Josh Zammit nicht lösen können: Es ist von Anfang an klar, dass es ihnen mehr darum geht, eine unheilschwangere Stimmung aufrechtzuerhalten, als eine kohärente Geschichte zu erzählen. An diesem Prinzip ist nicht unbedingt etwas auszusetzen, aber es birgt die Gefahr, den Film auf eine abstrakte Visitenkarte zu reduzieren, mit dem Hochglanz eines Musikvideos oder einer glatten Fernsehwerbung.

Der Schauplatz ist amerikanisch, nach den Akzenten zu urteilen, aber nur nominell. Lindsay Farris moduliert seine Unruhe mit Kompetenz, schafft es aber nie, aus Parker eine interessante Figur zu machen. Mit etwas mehr Humor und einem stärkeren Sinn für die Umgebung der Hauptfiguren hätte Joseph Sims-Dennett seine düstere Fantasiewelt vielleicht noch weiter ausbauen können.

Es gibt ein großes Problem mit "On the Line", das nicht offengelegt werden kann, ohne das gesamte Spiel und die Absichten von Regisseur Romuald Boulanger zu verraten. Die Handlung beginnt mit einer ziemlich cleveren Idee: Die Familie eines Late-Night-Radio-DJs wird von einem Anrufer bedroht, der darauf besteht, dass der Moderator auf Sendung bleiben muss, da sonst schreckliche Dinge passieren würden. Der Kerl sitzt im Grunde fest und ist hilflos, aber sobald der Filmemacher merkt, dass er diesen Kampf der Worte und des Verstandes nicht aufrechterhalten kann, entwickelt sich die Geschichte zu einem Geflecht aus ridikülen Komplikationen und Wendungen.

Der DJ ist Elvis Cooney (Mel Gibson), der wegen seiner ruppigen Art und seiner Ausdrucksweise, mit der er alles sagt, was er denkt, ein großer Star ist. Am Abend verabschiedet er sich von seiner Frau und seiner kleinen Tochter, geht zum Radiosender und lässt sich von seiner Chefin Sam Dubois (Nadia Farès) erläutern, dass sein Benehmen unweigerlich auf ihn zurückfallen wird. Ein Anrufer verkündet, er sei im Haus von Elvis Cooney, habe die Hunde der Familie vergiftet und die Frau und Tochter des DJs als Geiseln genommen. Der Entführer möchte, dass Elvis Cooney eine Lektion darüber erhält, wie seine Worte und Taten Menschen verletzt haben.

Das funktioniert bis zu einem gewissen Grad, denn ein verzweifelter, aber narzisstischer Elvis Cooney kann sich nicht einmal an den konkreten Vorfall erinnern, der dazu geführt hat. Schließlich ist die Zahl der Menschen, die er beleidigt, belästigt und vernachlässigt hat, einfach zu groß, um sich an einen einzigen Fall zu erinnern. In der Kabine versuchen seine Produzentin Mary (Alia Seror-O'Neill) und der neue Praktikant Dylan (William Moseley), seinem Gedächtnis auf die Sprünge zu helfen und die Polizei einzuschalten, doch für Elvis Cooneys Familie läuft die Zeit ab.

Es ist offensichtlich, dass Romuald Boulanger mit seiner Hauptfigur etwas sagen will, auch wenn der Schauplatz aus der Zeit gefallen ist und die Folgen seiner allgemeinen Niedertracht überspitzt sind. Zumindest scheint es so, doch sobald Elvis Cooney beginnt, den Radiosender nach der Quelle des Anrufs zu durchsuchen, werden die Mechanismen des bösen, übermäßig verworrenen Plans des Bösewichts, der öffentliche Geständnisse, eine Menge zufälliger Morde und eine Menge mit Sprengstoff präparierter Objekte beinhaltet, deutlich. Der Plot wird im Grunde zu einer Schnitzeljagd, bei der Elvis Cooney und Dylan von Raum zu Raum gehen, um neue Fallen, Täuschungen oder Hinweise zu entdecken, die helfen, die Pläne des Bösewichts zu durchkreuzen.

Die Risiken steigen und wachsen, bis sie vollkommen abstrus und paradox werden. Ohne zu viel darüber zu verraten, wie "On the Line" endet, nur um wieder damit zu beginnen, dass der Filmemacher versucht, denselben Trick zweimal zu benutzen und dabei scheitert, erweisen sich diese Qualitäten als, wenn nicht absichtlich, so doch zumindest gerechtfertigt durch das, was hier tatsächlich passiert. Das Resultat ist jedoch auch widersinnig und diametral, mit einer gehörigen Portion Marginalie in der Suppe.

In "12 Uhr nachts - Midnight Express" von Regisseur Alan Parker bereitet sich der Tourist William Hayes (Brad Davis) darauf vor, im Oktober 1970 in Istanbul, Türkei, einen Flug zurück nach Amerika zu besteigen. Aber er schwitzt auffallend und verhält sich merklich unruhig, was an den zwei Kilo Haschischstangen liegt, die an seinem Oberkörper kleben und unter Hemd und Jacke versteckt sind. Er kommt zwar durch die Sicherheitskontrolle am Flughafen, doch kurz vor dem Einsteigen wird eine weitere Überprüfung durchgeführt, bei der die illegalen Drogen entdeckt werden. Dieses Resultat ist fast zwangsläufig, wenn man bedenkt, dass die donnernden Soundeffekte eines schnell schlagenden Herzens die Gespräche und Hintergrundgeräusche übertönen. "Nervös?" "Nein."

Sein amerikanischer Kollege Tex (Bo Hopkins) kommt zwar, um bei den Formalitäten zu helfen, dient aber in seinen Szenen auch als Übersetzer für wichtige Dialoge. Da die türkischen Zwiegespräche weitgehend unerklärt bleiben, auch während der späteren Gerichtsverhandlung, in der es zu hitzigen Diskussionen kommt, die als belanglos heruntergespielt werden, ist William Hayes völlig aus seinem Element. Seine Bereitwilligkeit, mit den Autoritäten zu kooperieren, ist nicht besonders dienlich, denn sein angeborenes Misstrauen gegenüber dem fremden Land und seiner Politik veranlasst ihn, bei der ersten Gelegenheit zu fliehen, als er vorschlägt, den Taxifahrer zu identifizieren, der ihm ursprünglich die Schmuggelware verkauft hat. Neben dem Drogenhandel wird seine Situation noch verschlimmert, als er kurzzeitig vor der Polizei flieht und bald darauf für mehrere Jahre in einem türkischen Gefängnis landet.

William Hayes ist interessanterweise schuldig; das ist keine Frage der Meinung. Dennoch soll seine brutale Behandlung durch sadistische Wärter Mitleid erwecken. Seine Verbrechen rechtfertigen nach amerikanischen Maßstäben keine exzessiven, unmenschlichen Strafen, auch wenn man bedenken muss, dass immer noch zahllose Menschen in US-Gefängnissen lebenslange Haftstrafen für geringe Drogenmengen verbüßen. Aufgrund des politischen Klimas ist ein normaler Rechtsweg jedoch unwahrscheinlich, was zu der titelgebenden Phrase, sprich: einem Ausweg, führt. "Du hast das Gesetz gebrochen, Mann."

"12 Uhr nachts - Midnight Express" ist ein lehrreiches, historisches Stück, das das Innenleben eines türkischen Gefängnisses schildert und einige Ähnlichkeiten und viele Unterschiede zum amerikanischen/deutschen System aufzeigt. Mit Geld kann man bessere Bedingungen und Zugang zu Vorräten kaufen. Gefangene können für den richtigen Preis verschiedene unwahrscheinliche Dinge erwerben, und Bestechung, Korruption und Unmenschlichkeit sind an der Tagesordnung. Wie in anderen Gefängnisfilmen liegt der Schwerpunkt auf der Kameradschaft, insbesondere mit anderen englischsprachigen Sträflingen, einschließlich Nebenrollen von Randy Quaid und John Hurt, skrupellosen Wärtern und einem Masterplan für einen Gefängnisausbruch, der für Spannung sorgt. In mehrfacher Sicht erinnert der Film an einen Heist-Movie, ist aber fast wie eine Fernsehproduktion geschnitten, mit unpassenden Überblendungen, die den Eindruck erwecken, als seien längere Sequenzen weggekürzt und auf Inhalt getrimmt worden.

Viele der Ereignisse sind zudem weitgehend vorhersehbar und bieten nur wenige Überraschungsmomente, so als handele es sich um eine Art Inhaftierungsverfahren. Es gibt aber auch Momente, die der kathartischen Befreiung vorbehalten sind. Wenn die Antagonisten mit einem so hohen Maß an Abscheulichkeit dargestellt werden (Paolo Bonacelli als Whistleblower und Paul Smith als übergroßer Missbrauchstäter sind sehr wirkungsvoll), sind ihre Enden auf eine erschreckende Weise packend. Am faszinierendsten ist jedoch die Tatsache, dass der Film auf einer wahren Geschichte beruht, die nach dem Buch von William Hayes und dem Drehbuch von Oliver Stone verfasst wurde. Die strikte Einhaltung der Fakten ist nicht unbedingt so effizient wie das filmische abschreckende Märchen, das eine Reihe von Interaktionen hervorbringt, die zweifellos um der Theatralik willen ausgeschmückt sind, obwohl die dargestellten Ereignisse sicherlich zu weiteren Nachforschungen über das wahre Schicksal von William Hayes anregen werden.

In "Draculas Hexenjagd" von Regisseur John Hough wird die Tochter eines armen Holzfällers von dem skrupellosen Puritaner Gustav Weil (Peter Cushing) trotz ihres Flehens auf dem Scheiterhaufen verbrannt. Kurz darauf treffen die Schwestern Frieda (Madelaine Collinson) und Maria Gellhorn (Mary Collinson), Gustav Weils Nichten, aus Venedig in einem kleinen Dorf nahe der Burg Karnstein ein. Dort sind Gustav Weil und seine Bruderschaft auf einem Kreuzzug, um Teufelsanbeter aufzuspüren und zu vernichten. Zu ihren Opfern gehören alle, die auch nur im Entferntesten verdächtig oder asozial sind. Sie werden fast sofort verurteilt, ohne dass es Beweise oder einen Prozess gibt. Sehr zum Leidwesen von Gustav Weil macht sich Graf Karnstein (Damien Thomas) über den übermäßig religiösen Mann lustig, indem er sich über seine Bemühungen zur wahllosen Hexenjagd echauffiert. "Gott wird Rache nehmen!"

Peter Cushing widmet sich auf unterhaltsame Weise seiner lächerlichen Schauspielerei, einer kompromisslosen, feurigen, wütenden Persönlichkeit, die in "Draculas Hexenjagd" nie langweilig wird. Damit reiht sich dieser Hammer-Film in die Riege der anderen Vampirfilme ein, darunter auch jene, die sich ebenfalls mit dem Karnstein-Mythos befassen. Als der Graf satanistische Rituale durchführt, erweist sich Gustav Weils Absicht als seltsam akkurat. Bei der Beschwörung von Dämonen werden nämlich einige Exorzismus-Experten und untote Jäger benötigt. Gustav Weils Tötung an den Mädchen ist nicht gerechtfertigt, aber seine Skepsis gegenüber Karnstein ist nicht ganz unberechtigt. "Brennen reinigt!"

Natürlich ist "Draculas Hexenjagd" eine spätere Hammer-Produktion, die aus den laxeren inhaltlichen Beschränkungen und dem zunehmenden Wunsch des Betrachters nach kontroverseren Themen Kapital schlug, und enthält reichlich üppige Brüste, sexuelle Situationen und Andeutungen sowie grafische Nacktheit. Die Vorwände für die Notwendigkeit von Nacktheit sind eigentlich ziemlich absurd. Ständig werden irrationale Szenarien erfunden, nur um knackiges Körpergewebe zu zeigen oder auf fleischliche Genüsse anzuspielen. "Wer will schon brav sein?"

Die Besetzung mit eineiigen Zwillingsschwestern trägt zum offensichtlichen Exploitation-Wert bei, und kein einziges Mädchen im Dorf ist unscheinbar oder unattraktiv, während ein Großteil von "Draculas Hexenjagd" lediglich aus lüsternen Interaktionen besteht, die wenig zur fadenscheinigen Handlung beitragen. Es werden keine großen Anstrengungen unternommen, um den Zweck und die Bedeutung dieses Unterfangens zu verschleiern. Ebenso gibt es eine Handvoll Blut- und Gore-Szenen, aber sie sind weit weniger überzeugend oder ernstzunehmend. Zur allgemeinen Low-Budget-Atmosphäre tragen faule Kameratricks, Tag-für-Nacht-Bilder, ein abrupter Abspann und die Filmmusik von Harry Robinson bei, die einer Spaghetti-Western-Melodie von Ennio Morricone so unglaublich ähnlich klingt, dass es sich um eine absichtliche Kopie handeln muss. Bis zum chaotischen Finale summieren sich all diese Komponenten zu einer ungewöhnlich dämlichen Tortur, und doch ist es schwierig, sich nicht über die Gewalt, das Blutvergießen der Vampire und die in letzter Minute eingeblendeten hüpfenden Dekolletés zu amüsieren. "Wir können nur auf Gott vertrauen!"

Der schwedische dystopische Actionthriller "Operation Schwarze Krabbe" von Regisseur Adam Berg verbringt die ersten 90 Minuten damit, uns eine einsame, dünn skizzierte Figur zum Mitfiebern zu geben, nur um ihr dann den Teppich unter ihren scheinbar heldenhaften Taten wegzuziehen. Ob sie am Ende das Richtige tut, ist nebensächlich. Das Spielfilmdebüt von Adam Berg sieht stellenweise atemberaubend schön aus. Die Soldaten verbringen die meiste Zeit damit, auf Schlittschuhen durch ein gefrorenes Archipel zu gleiten, um zwei mysteriöse Kanister zu einer 100 Meilen entfernten Militärbasis zu bringen. Wir erfahren, dass der Inhalt der Kanister über Sieg oder Niederlage in diesem apokalyptischen Krieg entscheiden wird, obwohl wir nicht wissen, wer die beiden Kriegsparteien sind, warum sie kämpfen und so gut wie nichts über die meisten der Soldaten wissen, die sich so anmutig über das Eis bewegen.

"Operation Schwarze Krabbe" beginnt mit Schüssen in einem Verkehrsstau in einem Tunnel. Caroline Edh (Noomi Rapace) und ihre Tochter Vanja (Stella Marcimain Klintberg) verstecken sich unter einer Decke auf dem Rücksitz ihres Autos, während unbekannte Marodeure mehrere Autofahrer um sie herum massakrieren. Ihr Fenster wird mit einem Gewehrkolben eingeschlagen, und im nächsten Moment ist Caroline eine Soldatin, die ihren befehlshabenden Offizier (David Dencik) über den Schlittschuhplan befragt und ihn als Selbstmordmission bezeichnet. Ihr Tonfall ändert sich schnell, als er ihr mitteilt, dass Vanja am Leben ist und auf der Insel, die sie zu erreichen versuchen, auf sie wartet.

Caroline Edh übernimmt das Kommando und taucht sogar in die eisigen Fluten, um das Paket mit den Kanistern aus dem sinkenden Körper des Missionsleiters Forsberg (Aliette Opheim) zu schneiden, als dieser durch eine dünne Eisschicht stürzt. Diese und viele andere Unterwasserszenen sind hervorragend gefilmt, und die Düsternis dieser dystopischen Welt, in der Verräter an Überführungen hängen, enthält immer noch eine kalte, brutale natürliche Schönheit in der verschneiten Landschaft und den dunklen Weiten des Eises, die sich im Schutz der Winternacht endlos erstrecken. Bilder wie die vielen gefrorenen Gliedmaßen und Gesichter toter Passagiere auf einem gekenterten Rettungsboot oder einfach ein gefrorenes Schlachtfeld, das sich aus dem Eis erhebt, sind eindringlich, und die Actionsequenzen des Films sind überzeugend inszeniert, mit Scharfschützen, Hubschraubern und arktischen Kommandos, die ständig auf der Hut sind.

Allerdings erfahren wir so wenig über unsere Helden, dass es unmöglich ist, sich wirklich dafür zu interessieren. Caroline Edh ist die Einzige mit einer Hintergrundgeschichte, und die ist dürrer als das schwarze, splittrige Eis, durch das sie sich behutsam bewegt. Als ihr Kamerad Nylund (Jakob Oftebro), mit dem sie aneinandergeraten ist, die Bedeutung des Inhalts der Kanister und den großen Schaden, den er anrichten könnte, erkennt, besteht Caroline Edh darauf, um jeden Preis weiterzumachen, nur um ihr Kind wiederzusehen. Das soll irgendwie ergreifend, vielleicht sogar ehrenhaft sein, aber in Wirklichkeit ist es so egoistisch wie es nur geht, Massen zu opfern, um den eigenen Nachwuchs zu retten.

"Operation Schwarze Krabbe" wird im dritten Akt formelhaft und lustlos, auch ohne die vermeintliche moralische Zwickmühle von Caroline Edh, die nie wirklich von ihrer Tochter abweicht. Wir bekommen das Mädchen nur flüchtig zu sehen, meist in zwischengeschalteten Traumsequenzen, und sie ist hier eher ein Schatten als eine reale Person. Noomi Rapace liefert wie immer eine engagierte Leistung ab, aber ehrlich gesagt haben wir in dem Folk-Horror "Lamb" eine viel ernsthaftere mütterliche Hingabe für die mutierte Schafstochter ihrer Figur gesehen. Trotz einiger visuell betörender Sequenzen und einer einzigartigen Prämisse für eine militärische Mission, lässt die erzählerische Hohlheit von "Operation Schwarze Krabbe" den Betrachter kalt.

In "Cry Macho" von Regisseur Clint Eastwood war Mike Milo (Clint Eastwood) vor langer Zeit ein Gewinner, bevor er einen schweren Rodeounfall hatte, der zu Drogen- und Alkoholmissbrauch führte. Doch 1979, als er für Howard Polk (Dwight Yoakam) in Texas arbeitet, ist Mike Milo nur noch ein Schatten seines früheren Ichs. Er kämpft darum, einen Sinn hinter seiner täglichen Arbeit zu finden, die unter anderem darin besteht, zu spät auf der Ranch zu erscheinen, wo er sich um die Pferde kümmert. "Du bist für niemanden ein Verlust", sagt Howard Polk, der ihn prompt wegen seiner unverbesserlichen Unpünktlichkeit entlässt.

Ein Jahr später taucht Howard Polk mit einem völlig mysteriösen, abseitigen Motiv wieder auf und bittet Mike Milo, sich auf eine Mission nach Mexiko zu begeben, um den lange verschollenen Sohn des Ranchers, den 13-jährigen Rafael (Eduardo Minett), zurückzuholen, der angeblich von seiner Mutter Lexa (Fernanda Urrejola) misshandelt wird. Er scheint für diese Aufgabe nicht geeignet zu sein, denn er verfügt über keine besonderen Qualitäten für diese Rambo-ähnliche Aufgabe, und sein Alter (Clint Eastwood war zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 90 Jahre alt) macht ihn auch nicht besonders furchterregend. Unerklärlicherweise vertraut Howard Polk nur Mike Milo die schwierige Aufgabe an, den Transport und einen Umschlag mit Bargeld für eine technisch gesehen internationale Entführung zu organisieren.

"Er ist ein Monster", sagt Lexa über ihren Sohn, als sie auf ihrem weitläufigen Anwesen eine Party schmeißt und zunächst keine Gelegenheit findet, Mike Milo zu stoppen. Und so findet Mike Milo den entlaufenen Jungen in einer dreckigen Hahnenkampfarena, wo ein Road-Trip-Film beginnt, in dem das uneinheitliche Duo vor dem emotionslosen Bodyguard seiner gestörten Mutter fliehen muss. In Wirklichkeit gibt es jedoch nicht viel zu entfliehen, und es gibt auch nicht viel zu retten und zu reformieren, wenn es darum geht, das 'böse Kind' zu zähmen, wie eines der vielen wilden Pferde, die Mike Milo bricht. Stattdessen wechselt die meiste Laufzeit zwischen harmlosen Großvater-Sohn-Gesprächen, in denen kulturelle Unterschiede und das Aufeinandertreffen von Jung und Alt thematisiert werden, und einer Liebesgeschichte zwischen dem ehemaligen Rodeo-Star und einer sympathischen Witwe (Natalia Traven) - eine Nebenhandlung, die im Stil des Romans von Nathan Richard Nash gründlich ausgebaut wurde und Clint Eastwoods Rolle weitaus stärker in den Vordergrund rückt als das eigentliche Thema.

Problematisch ist, dass Mike Milo einfach nicht wie der richtige Mann für den Job aussieht oder sich verhält; er verfügt über äußerst begrenzte Mittel und Fähigkeiten, während Rafael vergleichsweise wenig überzeugend bleibt, vor allem wenn seine Entscheidungen nicht zu seinem harten Leben passen. "All die schlimmen Dinge passieren zu Hause", sagt er und spricht von seiner Intoleranz gegenüber anderen und deutet an, dass seine Mutter ihn an ältere Männer verkauft hat, um ihn sexuell zu manipulieren. Trotzdem tut er sich schnell mit Mike Milo zusammen, bevor er nach der Aufdeckung eines Verrats zusammenbricht und sofort wieder in völlige Abhängigkeit von dem älteren Cowboy gerät. Während ihre gemeinsame Zeit Momente für Lebenslektionen und Noten über Stärken und Schwächen hervorbringt, offenbart sie auch eine verblüffende Simplizität, Generizität und Hypokrisie. Die Art und Weise, wie die beiden vorgehen, ist nicht glaubwürdig, was vielleicht dadurch deutlich wird, dass Mike Milo einen wuchtigen und sorgfältig platzierten Schlag ausführt, der ihm in Wirklichkeit jeden Knochen in der Hand gebrochen hätte.

Da die Geschichte speziell auf Clint Eastwoods Jugendjahre maßgeschneidert ist, wird auch jegliches Gefühl für Konflikte beschönigt. Was ein gefährlicher Marsch durch feindliches Land sein sollte, ist eher ein lockerer Ausflug durch einladende Städte. Die gemächliche Beiläufigkeit und das offene Ende der Geschichte sind ein Ärgernis, während der fehlende Abenteuercharakter unerträglich ist. An einer Stelle hält Mike Milo Siesta und wacht auf, als der titelgebende 'Macho', der Hahn, kräht und auf und ab geht, als ob etwas Unheilvolles geschehen wäre. Im Gegenteil, es hat sich überhaupt nichts getan. Letztendlich wirkt der Film wie ein Projekt, das Clint Eastwood nur gemacht hat, um in die Dinge einzutauchen, für die er eine Leidenschaft hat, wie ruhige Wüstenlandschaften und Reiten. Wenn diese stillen, ereignislosen Aktivitäten wie das Zubereiten von Mahlzeiten und das Versorgen der Tiere auf dem Bauernhof, die selten über kurze Episoden der Herzlichkeit hinausgehen, den Betrachter unterhalten, so ist das für den nicht mehr ganz so jungen Filmemacher eher nebenbei und nicht von Bedeutung.

"Tár" von Regisseur Todd Field beginnt mit einer Standardszene, um den Betrachter in den Film hineinzuziehen - hier gibt es nichts Aufregendes, sondern nur eine Anregung, um eine Beziehung einzuführen - und dann einen ausführlichen Abspann. Dies ist ein signifikanter Kontrast zu den heutigen Filmen, bei denen die gesamte Crew und die Nebendarsteller der Produktion bis zum Schluss zurückgehalten werden. Das ist so ungewöhnlich, wenn auch gewollt, dass man meinen könnte, der Film beginne versehentlich an der falschen Stelle.

Als die eigentliche Geschichte beginnt, bereitet sich Lydia Tár (Cate Blanchett) auf ein Interview vor. Derzeit ist sie Dirigentin der New Yorker Philharmoniker, aber die Liste ihrer Leistungen ist umfangreich: Sie begann mit einem Klavierstudium, bevor sie in Harvard studierte, einen Doktortitel in Musikwissenschaft erwarb, mit mehreren großen Orchestern arbeitete, ein Buch über ihr eigenes Leben veröffentlichte, ein Stipendium erhielt, an der Juilliard unterrichtete und das seltene EGOT-Ensemble (Emmy, Grammy, Oscar, Tony) gewann. Sie ist auch eine der wenigen Frauen, die ein renommiertes Orchester dirigieren, was für viele eine Inspiration ist. In Kürze wird sie an einer neuen Aufnahme von Gustav Mahlers 5. Sinfonie arbeiten, die sie schon seit einiger Zeit realisieren wollte.

Während des Interviews spricht Lydia Tár wortgewandt über das Dirigieren und geht dabei auf technische Details ein, die den Betrachter mit Sicherheit 'im Unkraut' zurücklassen - eine Redewendung, die auf fast jede Zeile ihres Dialogs zutrifft. Und sie lässt sich auf ein Gespräch nach dem anderen ein, das von ähnlichen Konzepten geprägt ist. Wenn sie in einer Szene an der Juilliard unterrichtet, ist es fast so, als würde man einem echten Unterricht beiwohnen, der so kompliziert ist, dass er weit über eine Einführungsstunde hinausgeht. Ein Großteil dieses langen Vortrags, der an einem einzigen Ort gehalten wird, ist sowohl faszinierend als auch verwirrend. "Zeit ist das A und O."

Der erste Akt könnte als eine noch langweiligere Version von "Whiplash" beschrieben werden, in der ein anspruchsvoller Beruf vorgestellt wird, der keine Unvollkommenheiten duldet oder viele soziale Stunden zulässt. Lydia Tár ist in der Regel nur von Angestellten umgeben, wie ihrer persönlichen Assistentin Francesca Lentini (Noemie Merlant), einem Geschäftspartner wie Elliot Kaplan (Mark Strong), einem Mentor wie Andris (Julian Glover) oder einem Fan wie Whitney Reese (Sydney Lemmon), obwohl sie eine Freundin, Sharon (Nina Hoss), eine Tochter, Petra (Mila Bogojevic), und eine gestörte Beziehung zu einer mysteriös labilen ehemaligen Freundin, Krista Taylor (Sylvia Flote), hat. Im Gegensatz zum rasanten Tempo des oben erwähnten musikbasierten Thrillers nimmt sich dieser Aufwand für alles seine Zeit. Bei unbedeutenden Interaktionen wie Essen, Zuhören, Lesen, Autofahren, Musizieren oder Teekochen verweilt die Kamera in aller Ruhe und hält die Mimik fest, als wolle sie zusätzliche Reflexionen und Dialoge aufdecken, ohne sie explizit aussprechen zu müssen.

"Tár" ist eindeutig ein Werk mit einer einzigen Darbietung, in dem Cate Blanchett in einer hyperfokussierten Rolle glänzen kann, die sie in den Mittelpunkt praktisch jeder Szene stellt. Die Immersion ist vollkommen und packend. Es ist zweifellos eine spektakuläre Wendung, aber die ausführliche Chronik verhindert, dass der Dirigentenstab bis zu einer Stunde nach dem Film überhaupt noch geschwungen wird. An manchen Stellen scheint es, als würde ihr Leben in Echtzeit gefilmt, in dem Versuch, jede Kleinigkeit, ob wichtig oder unwichtig, festzuhalten. Mit seinen ausgesprochen dezenten Qualitäten haben selbst wirklich dramatische Akzente wenig Wirkung. Das Leben und Auftreten von Lydia Tár ist einfach zu realistisch und alltäglich. Sie sind einfach nicht kinotauglich, selbst wenn es darum geht, einen solchen Grad an Realitätsnähe darzustellen.

Proben, Vorsprechen, Meetings, Verabredungen zum Mittagessen und damit verbundene Diskussionen ziehen sich hin und füllen eine fast dreistündige Laufzeit. Kleine Intrigen, die von Politik, Günstlingswirtschaft und Verrat in der Branche bis hin zu kurzen Hinweisen darauf reichen, dass Krista Taylor so etwas wie ein geisterhafter Schatten ist, peppen das Geschehen auf, aber es ist nicht leicht, nicht zu merken, wie träge das Tempo ist und wie befremdlich bestimmte Filmaufnahmen werden. Letztendlich steht Lydia Társ Karriere vor den Herausforderungen der sich langsam entfaltenden Geheimnisse um Krista Taylor sowie ihrer eskalierenden, kontroversen Bindung zu einer Cello-Solistin (Sophie Kauer), aber es ist bereits zu spät, um den Betrachter zu erreichen. Auch die zunehmende Zahl von halluzinatorischen Bildern, die an Alpträume oder Verschwörungen grenzen, kommen nicht rechtzeitig zum Vorschein. Cate Blanchett mag eine Meisterleistung abgeben, die weniger berührt als in "Blue Jasmine". Die diversen Verluste und emotionalen Turbulenzen sind tiefgreifend, aber ihre Performance allein kann eine so kolossal unspektakuläre, schleppende und scheinbar grenzenlose Charakterstudie nicht beleben.