EudoraFletcher68 - Kommentare

Sehenswerte und sehr informative Doku über die Finanzkrise am Beispiel Islands. Die aufgezeigten Ursachen sind Privatisierung der größten Banken, Deregulierung und Ausverkauf an multinationale Konzerne. Man erfährt einiges über die Isländer, das fand ich auch ganz spannend. Allerdings wird es wohl Zeit für eine Fortsetzung. In einem Beitrag auf Bayern 2 habe ich gehört, dass die Isländer den dort beschriebenen alternativen Weg nicht weiter gegangen sind.

Hatte mir „Suburbicon“ nur wegen der Coen-Brüder (Drehbuch) und Clooney (Drehbuch, Regie) angesehen. Da ich kein besonderer Fan der 50er Jahre bin, wäre ich wohl von selbst nicht auf den Film gekommen. Es handelt sich um eine langsam erzählte Geschichte um 2 Nachbarsfamilien in einer spießigen künstlich angelegten amerikanischen Ortschaft. Es geht um Rassismus und Mord. Kennt man den Kontext nicht, denkt man vielleicht ist ja alles ganz nett und auch gut erzählt, aber was will mir der Film eigentlich sagen? Ich habe mich das in der Mitte jedenfalls gefragt und den Film angehalten und nachgelesen. Und das war gut so, denn dadurch konnte ich "Suburbicon" mit anderen Augen weiter sehen.
„Suburbicon“ bezieht sich auf Trumps Amerikabild (http://www.sueddeutsche.de/kultur/george-clooney-im-interview-ueber-dem-land-haengt-eine-schwarze-wolke-1.3734116?reduced=true). Es ist also ein hochpolitischer Film, der hinter die Fassaden des gruselig bigotten weißen Amerikas blickt. Diese Info macht den Film für mich deutlich interessanter. Außerdem scheint die Geschichte der schwarzen Familie sich so ähnlich 1957 tatsächlich in einem Ort Namens Levittown abgespielt zu haben.
Ich fand die parallel erzählten Geschichten dramaturgisch doch gelungen, auch wenn sie nie so richtig zusammen finden. Auf der einen Seite zieht eine schwarze Familie ein, die von einem Mob panischer Spießbürger fast gelyncht wird, während sich im Nachbarhaus grauenhafte Dinge ereignen. Die Verbindung zwischen beiden Geschichten sind die zwei Jungs, die sich vorsichtig kennen lernen. Warum sich andere Kommentare über Matt Damon beschweren, erschließt sich mir nicht. Ich denke, seine Rolle ist eben die eines emotionslosen, leeren, austauschbaren Familienvaters.
Ich finde schon, dass man sich als Zuschauer ein wenig Mühe geben darf, wenn man nicht gleich kapiert was los ist und man muss dann nicht gleich den ganzen Film entwerten, vor allem, wenn Leute am Werk waren, die etwas davon verstehen.

Es ist Sommer in einem österreichischen Vorort. Man erlebt parallel verschiedene Protagonisten, die großteils nichts miteinander zu tun haben.

SPOILER ANFANG
Es gibt eine geistig behinderte Frau, die gerne Fremde anspricht, um sich dann herumfahren zu lassen und ihre "Opfer" mit sehr provokanten Aussagen angeht, bis sie dann selbst zum Opfer wird (worauf man die ganze Zeit eigentlich schon warten kann). Ausgezeichnete schauspielerische Leistung finde ich.
Dann gibt es einen Vertreter für Alarmanlagen, ein Ehepaar dessen Kind vermutlich verstorben ist und sich in gegenseitigem Sadismus fertig macht, ein alter zwanghafter Mann, der eine besondere Beziehung zu seiner Haushälterin pflegt und sich an den Nachbarn rächt, indem er den laufenden Rasenmäher an der Grundstücksgrenze parkt. Ein junges Paar, bestehend aus einem hirnlosen und brutalen Macho mit Eifersuchtswahn und einer eingeschüchterten Blondine und ein älteres Paar bestehend aus einer herunter gekommenen Kettenraucherin, die sich von ihrem Freund sadistisch quälen lässt. Obwohl ich österreichische Dialekte ganz gut verstehe, hätte ich mir manchmal Untertitel gewünscht.
SPOILER ENDE

Mir ging der Film TOTAL unter die Haut, es war mir teilweise echt zum kotzen zumute. Das ist natürlich nicht jedermanns Sache, aber ich finde: Wenn er intensive Gefühle auslöst macht ihn das für mich zu einem sehr guten Film.

Trotzdem habe ich HUNDSTAGE nicht gerne gesehen oder würde ihn nicht unbedingt ein 2. Mal anschauen wollen.

Für mich der Schwächste der Trilogie, dennoch sehenswert. Es beginnt mit einer Einstellung einer adipösen Jugendlichen auf einer Wohnzimmer Couch. Man kennt sie aus dem ersten Teil, es ist Melanie, die Tochter der Urlauberin aus „Liebe“. Schnitt - ein (ebenfalls bekanntes) Garagen-Tor wird geöffnet, es kommt das Fahrzeug mit der Aufschrift „Radio Maria“ aus dem zweiten Film zum Vorschein. Anna aus „Glaube“ macht mit Melanie einen Ausflug. Insoweit ist es wohl doch sinnvoll die Filme der Reihe nach ansehen, auch wenn es sich nicht um eine Fortsetzungsgeschichte handelt. Zumindest versteht man jetzt warum im zweiten Teil nur die Katze bei Anna untergebracht ist: das Mädchen wird in eine Art Fitness- bzw. Abnehmcamp gebracht. Und um Melanie geht es dann auch in „Hoffnung“.
Wie auch die anderen beiden Filme lebt „Hoffnung“ von den Bildern, die oft sehr symmetrisch sind und die Atmosphäre schön transportieren. Öfter habe ich mich gefragt, wo Seidl wohl seine Requisiten und Räumlichkeiten findet? Also definitiv kein Film um nebenbei etwas anderes zu machen.
Jedenfalls reden die Mädchen miteinander recht offen über Sex, wäre schön, wenn das in der Realität auch so einfach wäre... Es wirkt tatsächlich recht natürlich. Auch wirken sie erstaunlich entspannt mit ihrem Übergewicht. Es gibt verschiedene Erzählstränge die sich teils langsam entwickeln. Ich will nicht weiter darauf eingehen, um nicht zu spoilern. Fies und hässlich wie in den beiden anderen Filmen wird es natürlich auch, bzw. ist es im Grunde von Anfang an, da einem ständig die fetten Schwabbelbäuche der gemästeten (und vermutlich emotional verhungerten) Wohlstandskinder präsentiert werden und der hilflose Versuch der Erwachsenen, sie mit Disziplin zum Abnehmen zu bringen.

2. Teil der Paradies-Trilogie von Ulrich Seidl.
Ich finde nicht, dass man sich die Filme der Reihe nach ansehen muss, aber man kann. Es gibt zwar eine kurze Überschneidung mit dem ersten Film, nämlich ist unsere Protagonistin eine Assoziation zur Verwandten, die auf die Katze der Urlauberin aus „Liebe“ aufpasst, aber das ist eher ein Schmankerl, vor allem für den Haustierfreund und unterstreicht wie nah Extreme, Verlogenheit und Spaltung beieinander liegen.
Seidl greift Tabus auf und stellt diese wie unter dem Vergrößerungsglas dar. War es in „Liebe“ weiblicher Sextourismus, so ist es hier fanatische Religiosität. Beide Filme zeigen, was ganz normale Menschen so hinter mehr oder weniger verschlossenen Türen machen. „Der Wahnsinn der Normalität“ (Arno Gruen) quasi. Mit atmosphärischen Bildern und Liebe zum Detail blickt Seidl hinter die Fassaden in menschliche Abgründe... Hier eine Arzthelferin die sich flagelliert und ihren Urlaub damit verbringt, mit einer Statue der Mutter Gottes zu fremden, vor allem ausländischen Leuten in die Wohnung geht, um mit ihnen zu beten. Sie sagt dann immer: „Sie bekommen Besuch von der Mutter Gottes“. Als Zuschauer hat man ein bisschen den Eindruck als würde man diese Frau zeitweise nur begleiten. Das ist eine Kunst von Seidl: ungeschönter Blick ohne moralischem Zeigefinger. Mir ist beim Ansehen das Buch von Altmann „das Scheißleben meines Vaters....“ eingefallen, allerdings ist die Protagonistin wenigstens keine Mutter und quält also keine Kinder mit ihrem Wahn. Völlig unbeeindruckt davon, ob die Leute offen für ihre Botschaften sind, verbreitet sie ihre Interpretation der zehn Gebote. Dann wird es total absurd, als Gott ihr ihrer Meinung nach eine Prüfung auferlegt.
Wie die Frau mit der Gast-Katze umgeht, während sie gleichzeitig die Liebe Gottes Predigt, ist umwerfend. Und wie sie dann von ihrer Vergangenheit eingeholt wird, ist fantastisch inszeniert.
Freunde österreichischer Indie-Filme, Religionskritiker und Leute, die mit einem mitleidlos zynischen Blick auf die (vermeintliche) Normalität etwas anfangen können, werden ihre Freude daran haben.

Ausgezeichnet inszenierter und kurzweiliger bösartiger Film über Sextouristinnen in Afrika. Für Leute, die mit zynischen, gesellschaftskritischen Filmen etwas anfangen können.
Der ersten Teil der Ulrich Seidl-Trilogie, „Liebe“ beginnt mit einem Ausflug einer Gruppe geistig Behinderter, hauptsächlich Trisomie 21 würde ich sagen. Die Situation ist sehr schön eingefangen. Überhaupt sind mir Kamera und Farben positiv aufgefallen, fällt mir aber schwer zu erklären warum, da ich mich damit nicht wirklich auskenne.
Wir begleiten die Betreuerin dieser Gruppe, eine wenig ansehnliche Frau ungefähr in den 50ern, in ihrem Alltag und ihren Reisevorbereitungen mit ihrer jugendlichen Tochter. Zuerst sieht es noch so aus, als würden sie gemeinsam verreisen, aber dann werden Tochter und Katze bei der Tante abgegeben. Schnitt. Wir befinden uns in einem Hotel vermutlich in Afrika, jedenfalls sind alle Angestellten Schwarze. Unsere Protagonistin hat ein echt schönes Zimmer mit Meerblick und riesigem Balkon. Die Dialoge sind zum Teil super(krass), so zB sagt die Freundin, mit der sie sich wohl im Hotel verabredet hat, sinngemäß dass die "...Neger so gut riechen. Die Haut, die riecht nach Kokos, die könntest dauernd abschlecken und einibeißen...". Seidl zeigt mit simplen Bildern ohne viel Worte die Situation auf beiden Seiten, die Afrikaner, die sich incl. romantischer Liebesschnulze verkaufen, versus die einsamen Europäerinnen, die sich begehrt und geliebt fühlen wollen, dabei aber auf ihre Art genauso rassistisch und entwürdigend sind, wie die Männer, die sich Thai-Frauen kaufen. Besonders eindrücklich fand ich die Einstellung am Hotelstrand, der mit einem kleinen Zäunchen die sonnenbadenden Frauen von den sich anbietenden Männern trennt. Überhaupt legt Seidl Wert auf Details. Das gefällt mir. Wenn man merkt, dass einer genau hinschaut (wie beispielsweise die Coen-Brüder oder auch Woody Allen), das finde ich toll. Das sieht man auch an der Wohnungseinrichtung oder an Kleinigkeiten, wie das Hotelpersonal interagiert oder wie unsere Urlaubsreisende erst einmal das Bad desinfiziert.

Man mag es kaum glauben - dass der Brenner das alles überlebt. Nach „Komm süßer tod“, „Silentium“, und „der Knochenmann“ handelt es sich um die 4. Wolf Haas Verfilmung mit Josef Hader in der Figur des Antihelden Brenner.
Brenner kehrt nach Graz in sein Elternhaus zurück, nachdem ihm die nette Dame vom Arbeitsamt gesagt hat, er müsste bis zum 84. Lebensjahr arbeiten. Er ist komplett mittellos. Das Haus ist in einem genauso desolaten Zustand wie Brenner, der unter extremer Migräne leidet und suizidal ist. Er trifft seine ehemaligen Freunde aus der Polizeischule, mit denen ihn ein Geheimnis verbindet. Kurze Zeit später hat er eine Kugel im Kopf und einer der Freunde wird tot aufgefunden. Brenner klärt den Fall auf seine Weise auf.
Für Einsteiger eher nicht zu empfehlen, da für meinem Geschmack am wenigsten lustig und man Brenner lange Strecken nur dabei zuschauen kann, wie er sich zu zerstören versucht. Hat mir am wenigsten von allen vier Filmen gefallen, trotzdem sehenswert, vor allem wenn man Brenner-Fan ist.

Nach „komm süßer Tod“ und „Silentium“ die 3. Wolf Haas Verfilmung mit Josef Hader in der Figur des Antihelden. Ex-kommissar Brenner, der Mann für alles Grobe, Geldeintreiber, Autoabholer wegen säumiger Zahlungen, Detektiv usw., erhält den Auftrag, einen verschwundenen Mann, Horvarth, zu finden. Die Spur führt in ein Wirtshaus. Wirt Löschenkohl (Josef Bierbichler), seine Familie und die Angestellten scheinen etwas zu verheimlichen. Der Jungwirt möchte, dass Brenner herausfindet, was mit dem Geld des Vaters passiert ist. Brenner bleibt, aber eigentlich eher weil er sich verliebt. Durch Zufall entdeckt er in einer Maschine einen menschlichen Finger.
Wie die anderen beiden Brenner Verfilmungen ist auch „der Knochenmann“ wunderbar skurril, voller schwarzem Humor und spannend.

https://boxd.it/3Maow

Lauter wunderschöne Menschen, die in einer völlig unauthentischen Art und Weise miteinander interagieren. Die Dialoge zwischen den Jugendlichen sind aus meiner Sicht überhaupt nicht jugendlich, auf mich wirken sie so als wären die Dialoge für Erwachsene, die so tun als wären sie Jugendliche. Völlig artifiziell. Ich kann mit nichts von dem etwas anfangen, was die Protagonisten da so erleben und besprechen. Den Mord der dann passiert und was er mit den Leuten macht, finde ich alles völlig abstrus. Für mich ist das überhaupt nichts, obwohl ich durchaus mit Coming of Age Filmen etwas anfangen kann. Grausam. Keine Bewertung von mir, da nach 2 Folgen abgebrochen.

Silentium ist die Verfilmung des gleichnamigen Romans von Wolf Haas und die Fortsetzung von "Komm, süßer Tod", muss man aber nicht unbedingt in der Reihenfolge gesehen haben. Der abgehalfterte Kommissar Brenner (Josef Hader) arbeitet inzwischen in Salzburg als Kaufhaus-Detektiv. Als er die Tochter des Festspielpräsidenten beim Ladendiebstahl erwischt, wird er entlassen. Nun steht er mittellos und ohne Wohnung da. Gleichzeitig wird der Schwiegersohn des Festspielpräsidenten ermordet. Die Ehefrau des Ermordeten engagiert Brenner. Es kommt zu allerlei Verwicklungen und es ist auch ein bisschen blutig.
Toller schwarzer Humor kombiniert mit einer guten Story. Ich liebe Hader und den boshaften österreichischen Humor.

1. von 4 Verfilmungen der gleichnamigen Wolf Haas-Krimis. Ex-Kommissar Brenner (ausgezeichnet gespielt von Josef Hader) verdient seinen Lebensunterhalt als Rettungsfahrer und mäandert ohne irgendwelche Ziele oder Pläne ketterauchend durch sein Leben. In seinem nahen beruflichen Umfeld finden ein paar Morde statt, was ihn dann doch zu irritieren beginnt. Sein Interesse wird geweckt und er beginnt, sich mit dem "Fall" zu beschäftigen. Es kommt zu allerlei unseligen Verstrickungen und schließlich zur Auflösung, die aber letztlich nicht den Wert des Films ausmacht.
Die Stärke des Films liegt in der Milieustudie und im Charakter von Brenner und seinen Begleitern. Wer auf völlig abgehalfterte ketterauchende Anti-Helden, schwarzen Humor und absurde Situationskomik steht, wird diesen Film lieben.
Wem Serien wie Fargo oder Filme wie Pulp Fiction auch aus Gründen der Skurrilität und des Humors gefallen, der muss doch eigentlich viel mit Kommissar Brenner anfangen können. Verstehe nicht, warum sich hier nicht mehr Liebhaber gefunden haben....

Die 1. Staffel ist dramaturgisch und auch aus fachlicher Sicht ausgezeichnet gemacht und hochspannend obwohl sie immer nur im selben Raum stattfindet und mit sehr wenig Action auskommt. Der Psychotherapeut ist am ehesten Psychoanalytiker und seine Interventionen sind großteils nachvollziehbar und gut dargestellt. Es gibt zwar ein paar Dinge, die würde man als Psychotherapeut niemals machen,
SPOILER ANFANG
z.B. die eigenen Schlaftabletten im Gäste-WC aufheben, aber mei, wenn´s der Spannung dient... Sehr spannend sind auch die Sitzungen bei seiner Supervisorin / Lehranalytikerin, in denen seine eigenen Schwierigkeiten sichtbar werden.
SPOILER ENDE

Es gibt so unglaublich viele Filme/Serien mit schlecht oder gar nicht recherchierten Psychotherapeuten/Psychiatern (z.B. Hannibal, Donnie Darko, UnReal, the voices), dass ich nur sagen kann, wer mal eine halbwegs realistische und dennoch unterhaltsame Vorstellung von Störungsbildern und von dem, was in einer Psychotherapie eigentlich passiert, haben will, sehe sich „in Treatment“ an! Sehr erfreulich, dass es heutzutage offenbar noch ein breites Publikum für eine solche Serie gibt.

Beim ersten Versuch bin ich über die ersten 3,4 Folgen nicht hinaus gekommen, ich fand das Englisch schwer verständlich und konnte mich mit den Charakteren nicht anfreunden. Ich kann nicht mehr sagen, was das Problem war. Ich gab den Sopranos eine 2. Chance, weil ich HBO-Serien immer gut finde, sogar wenn ich mich für die Themen von mir aus nicht interessiert hätte. Jedenfalls fing ich beim 2. Versuch Feuer und habe die Serie quasi in einem Rutsch durchgeschaut. Auch heute noch bin ich begeistert!
Über das intelligent inszenierte und ausgefeilte Beziehungsgeschehen mit Spannung, einem guten Schuss (schwarzem) Humor und Situationskomik.
Neben den Mafiageschäften nimmt man am konfliktreichen Privatleben mehrerer Protagonisten teil, die alle mit persönlichen Problemen zu kämpfen haben. Oberhaupt Tony Soprano (James Gandolfini) entwickelt eine Angststörung, deren Hintergründe sehr realitätsnah durchleuchtet werden. Er sucht eine Psychoanalytikerin auf, die er auf die Dauer in arge Bedrängnis bringt.
Tony Sopranos Psychodynamik ist ausgezeichnet recherchiert. Auch die anderen Protagonisten sind komplexer als man am Anfang meint. Seine Ehefrau schafft es bspwse sehr lange, die biedere amerikanische Mutti zu sein, und die Geschäfte und Untreue ihres Mannes zu ignorieren, bis es irgendwann nicht mehr geht. Es gibt viele Stellen in denen ich lachen konnte. Und dann hatte ich das Empfinden, etwas über die Geschäftspraktiken der Mafia zu lernen, auch wenn ich keine Ahnung davon habe, inwiefern die Geschichten realistisch ist.
Das war DIE Rolle für James Gandolfini, ich finde da konnte er sich wunderbar entfalten. Auch die anderen Schauspieler sind sehr gut. Für mich macht diese Serie alles richtig und man kann die auch gut heute noch anschauen.

Schon in der ersten Folge fühlt man sich an „Breaking Bad“ erinnert, allerdings ging mir "Ozark" weniger unter die Haut und Humor fehlt gänzlich. Insoweit liegen für mich zwischen „Ozark“ und „Breaking Bad“ Welten.
Der brave Familienvater und Finanzer Marty (Jason Bateman, mir vorher nicht bekannt) wirkt wie ein Buchhalter, korrekt und genau, mit geheimen Abgründen. Er wäscht für einen Drogenbaron Geld und irgendetwas ist schief gegangen. Was erfährt man erst im Lauf der Zeit, da die Geschichte sich von hinten aufrollt, bzw. es verschiedene Zeitachsen gibt. Ein Ereignis jagt das nächste und man sich dauernd fragt, wie wird er wohl dieses Mal aus dem Schlamassel raus kommen? Es ist auch die Polizei hinter ihm her. Im Gegensatz zu „Breaking Bad“ ist aber seine Familie eingeweiht, auch seine Kinder wissen ab einem bestimmten Punkt Bescheid.
Die Story ist spannend, unterhaltsam, die Schauspieler gut, die Dialoge auch, die Charaktere fand ich auch unterschiedlich genug und gut heraus gearbeitet. Auch ein schwules Paar gibt es, das gehört ja mittlerweile zum guten Ton, ohne homosexuellen Sex geht´s nicht mehr. Quasi um zu zeigen, hey, wir sind cool, Homosexualität gehört auch dazu. Naja vielleicht ist das gut und wichtig, um Vorurteile abzubauen. Mich erinnert es aber eher an die Angewohnheit der Amerikaner im vergangenen Jahrhundert, einen Schwarzen in ihren Filmen unterzubringen, der dann oft als erster stirbt. Das ist mE Ausdruck puren Rassismus.
Eine 2. Staffel würde ich gerne sehen.

Bei „Longmire“ fällt mir „Banshee“ ein. Warum? Es gibt Gemeinsamkeiten im Setting. Hier geht es Sheriff Longmire, der auch tatsächlich ein Sheriff ist und sich auch einigermaßen an seine rechtlichen Grenzen hält. Dort gibt es den kriminellen Hood, der nur durch Zufall Sheriff wird und sich seine Gesetze selbst bastelt. Hier wird ordentliche Polizeiarbeit geleistet, dort wird versucht, alles durch Gewalt zu lösen. Beide Serien spielen in einer US-amerikanischen Kleinstadt, bei beiden Serien geht es auch um ein angrenzendes Indianerreservat (Fand ich ganz interessant, dass die offenbar ihre eigene Polizei haben und die US-Polizei dort nichts zu sagen hat) und die betriebenen Spielkasinos. In beiden Serien gibt es einen reichen Oberganoven, an den kaum ein Rankommen ist und in beiden Serien geht es auch um die 2-3 Deputys des Reviers. In beiden Serien werden über eine oder mehrere Folgen hinweg Fälle aufgeklärt, während sich die Hauptgeschichte weiter fortsetzt.
Mir gefällt "Longmire" viel besser weil ich den ruhigen Erzählstil mag und die Atmospähre mir gefällt. Der Hauptprotagonist ist mir auch 1000 x sympathischer als Hood aus „Banshee“. Vor allem ist die Geschichte schlüssig. Bei „Banshee“ muss man eigentlich ständig beide Augen zudrücken und sollte niemals anfangen sich zu fragen, ob das denn alles sein kann. Das ist bei „Longmire“ nicht der Fall. Es ist eine solide Geschichte, die selten übertreibt und man hat das Gefühl, quasi die Atmosphäre einer Kleinstadt in Wyoming einzuatmen.
Für Liebhaber von Milieustudien des amerikanischen Hinterlands empfehlenswert.

2. Film, in dem Tommy Lee Jones Regie führt und zugleich ist er einer der beiden Protagonisten. THREE BURIALS... ist für mich eine Wiedergutmachung nach RULES OF ENGAGEMENT, der mich schon an diesem mir sehr sympathischen Menschen zweifeln ließ. In den letzten Monaten hatte ich bereits einige Filme über die texanisch-mexikanische Grenzsituation gesehen (FRONTERA v 2014, 600 MILES v. 2015), da passte dieser hier thematisch gut dazu.

Es handelt sich um eine einfühlsame Milieustudie einer texanischen Grenzstadt, in der ein Mexikaner erschossen wird. Man kann sich vorstellen, dass solche Dinge so passieren. Der Freund des Mexikaners, Perkins (Jones) merkt schnell, dass die Polizei wenig Interesse daran hat, den Tod des illegalen Mexikaners aufzuklären und findet heraus, wer der Täter war.

ANFANG kleine HANDLUNGSSPOILER, die aber meiner Meinung nach dem Genuss beim Zusehen keinen Abbruch tun, da der Film so nicht funktioniert. Ich meine, es geht hier nicht um einen spannenden Plot, der gespoilert werden könnte.

Perkins schnappt sich den Täter, der einen bestimmten amerikanischen Typus verkörpert: Attraktiver junger Typ mit seiner ebenso attraktiven Frau sind wegen seines Jobs als Grenzpolizist in die Ortschaft gekommen. Hier wird einiges zwischen den Zeilen bzw. nebenbei gezeigt. Der Grenzer Mike (Barry Pepper), der im Grunde genommen aus Dummheit Perkins Freund erschossen hatte und seine Frau sind gut heraus gearbeitete Charaktere. So klagt die junge Frau, dass sie in der Schule und in ihrem Heimatort immer beliebt gewesen waren. Meine Assoziationen: Nun sind sie im Nirgendwo ohne Perspektive gelandet. Wahrscheinlich wurde er in der Schule als Sportler gehypt und aus irgendeinem Grund ist aus der Sportlerkarriere nichts geworden und sie war wahrscheinlich Cheerleaderin, beide unreif, ungebildet und ungenügend auf´s Leben vorbereitet. Früh geheiratet ist die Beziehung zwischen den beiden erkaltet (eine absolut krasse Sexszene, die das hervorragend zum Ausdruck bringt). Die Frau erinnert, natürlich ohne den komödiantischen Touch an Earls Frau Joy aus MY NAME IS EARL. Folgerichtig lässt sie ihn auch direkt fallen, nachdem er verschwunden ist und macht sich mit dem Bus auf und davon. Mit einer beindruckenden Ernsthaftigkeit und an Starrsinn grenzenden Zielstrebigkeit macht sich Perkins mit dem Täter und dem Leichnam seines verstorbenen Freundes auf den Weg, um den Toten in seinem Heimatort zu beerdigen. Die Reise trägt zwischendrin auch mal etwas skurrile Züge, da die Leiche natürlich immer unansehlicher wird, aber es war doch für mich hauptsächlich anrührend, wie wichtig Perkins es ist, den Toten halbwegs intakt dorthin zu bringen. Mike macht durch die Entführung eine existenzielle Wandlung durch. Während er sich zu Beginn als Opfer sieht, keine Reue über seine Tat empfindet und zu fliehen versucht, verändert sich seine Haltung im Lauf der Zeit. Durch den Biss einer Schlange kommt er dem Tod nahe. Ausgerechnet Mexikaner helfen ihm und retten ihm das Leben. Auf der weiteren Reise bricht er an einer Stelle in Tränen aus, als ihm ein paar mexikanische Arbeiter in der Ödnis etwas zu trinken geben. Er macht die Suche nach dem Heimatort des Toten und diesen zu begraben schließlich zu seiner Sache. Diese Grenzerfahrung lässt ihn reifen.
ENDE HANDLUNGSSPOILER

Tommy Lee Jones stammt aus Texas und dürfte die Situation halbwegs kennen, vermutlich war ihm dieses Thema und eine klare Positionierung dazu ein persönliches Anliegen. Im Gegensatz zu Clint Eastwood scheint mir Jones ein etwas komplexer denkender Kopf zu sein. Er versucht in THREE BURIALS... so etwas wie ein Täter-Opfer-Ausgleich zu schaffen.

Mich hat der Film sehr berührt. Einige der hier geposteten Kritiken sind mir unbegreiflich. Ich habe den Eindruck, die müssen einen ganz anderen Film gesehen haben.

Angeschaut wegen Tommy Lee Jones und Samuel L. Jackson. Vielleicht sollte ich das Konzept mir Filme wegen der Schauspieler anzuschauen, noch einmal überdenken. Ich mag keine Kriegsfilme. Auch nicht mit Tommy Lee Jones und Samuel L. Jackson.
Es wird viel geschossen, erst im Vietnamkrieg, dann im Jemen. Warum der Einsatzleiter seinen Soldaten den Befehl gibt, auf einen Mob von Zivilisten zu schießen, habe ich nicht ganz kapiert und das sollte wohl auch so sein. Insoweit finde ich nicht, dass „Rules of engagement“ ein Rechtfertigungsfilm für das Schießen auf Zivilisten ist. Es ist eher ein Film über den Umgang mit solchen Geschehnissen. Aber für mich funktioniert die Geschichte nicht so recht, denn es kommt mir unlogisch vor, dass der Einsatz überhaupt so große Wellen schlägt. Der Außenminister ist aufgebracht und besorgt um die amerikanischen Beziehungen zu diversen arabischen Ländern und will den Einsatzleiter als Sündenbock verwenden. Ich denke nicht, dass die USA das real nötig hätten, da sie in Nahen Osten ziemlich viel Einfluss haben. Die haben doch ganz andere Möglichkeiten mit solchen Situationen umzugehen. Total blöd fand ich dann die Inszenierung als Hodges in den Jemen reist, um die Angelegenheit aufzuklären. Da wird er dann gleich von den bösen Jemeniten angegriffen. Diese werden dargestellt wie wilde Affen.

ACHTUNG Spoiler: Und am Ende sind´s natürlich die Terroristen gewesen, sogar das jährige Mädchen gehörte dazu.
ENDE SPOILER

Dass ein Film im Jahr 2000 noch so gedreht wird, zeigt die unfassbare Borniertheit des Regisseurs. Auch wenn dann in einem Lazarett ganz viele Verwundete gezeigt werden, die wohl von amerikanischen Soldaten verletzt wurden, ändert das nichts an dem ethnozentrischen Blick.

https://letterboxd.com/eudorafletcher/list/samuel-l-jackson-my-ranking/

Film hauptsächlich wegen Jeff Bridges angeschaut, der hier eher eine Nebenrolle hat. Freudige Überraschung war aber der restliche Cast: John Goodman, Bob Dylan, Penelope Cruz. Wunderbar! Allerdings ist an Bob Dylan nicht gerade ein Schauspieler verloren gegangen. Dafür, dass er keiner ist, macht er das aber schon ok. Bei der ersten Sichtung in der OV ohne Untertitel (gab es nicht auf meiner DVD) hab ich nicht genug aufgepasst und gar nichts kapiert. Trotzdem hat mir der Film von der Atmosphäre und der Musik her gefallen, aber ich hätte nicht sagen können, worum es überhaupt geht. Und nein, ich stand nicht unter dem Einfluss von irgendwelchen Drogen. Also dann die Zweitsichtung einige Wochen später.

Wer gar nichts über den Inhalt wissen will, liest diesen Absatz nicht.
Soweit ich das sehe, geht es um Musikproduzenten, Journalismus, politische Entwicklungen und philosophische Überlegungen (zu Menschen und Tieren und der Gesellschaft im Allgemeinen) in einer dystopischen Version der USA.

Entweder ist der Film recht anspruchsvoll, oder er tut nur so. Ich finde das schwer zu sagen, denn auch bei beim 2. Mal habe ich nicht verstanden wie alles zusammenhängt.In den fehlerhaften Inhaltsangaben bei Wikipedia und auf MP drückt sich mE das Verworrene und Verwirrende von „Masked and anonymous“ aus. Wikipedia: „Ort der Handlung ist ein fiktiver post-apokalyptischer Staat“. Post-Apokalypse ist meiner Meinung nach völliger Unsinn. Es handelt sich, wenn überhaupt, um eine Dystopie, ansonsten könnte man auch sagen eine künstlerisch interpretierte Gegenwart. Dann ist es auch kein fiktiver Staat, sondern ganz klar die USA, auch wenn es da eine Militärdiktatur gibt. Man fährt beispielsweise nach Dallas und dann sind da Bezüge zu real existierenden Sängern. MP: „In einem fiktiven Staat nach der Revolution...“. Ich denke, es war eher ein Militärputsch, aber mir ist nicht klar, was genau passiert ist. Die weitere Beschreibung ist jedenfalls reines Geschwurbel.
Mir gefällt der Film und ich werde ihn wahrscheinlich auch noch ein 3. Mal anschauen.

Polanski ist sicherlich eine zwiespältige Person, nichtsdestotrotz ein ausgezeichneter Regisseur. Dieser kurze Film (80 Min) über zwei Elternpaare, die über eine Schlägerei ihrer Söhne in eine recht destruktive Dynamik geraten, ist ziemlich dicht und bitterböse. Die Besetzung super: Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz. John C. Reilly kannte ich bis dahin nicht, find ihn aber auch gut. Nach und nach lernt man die Schattenseiten aller Protagonisten kennen. Der Film schafft es ausschließlich über die Dialoge Spannung zu erzeugen, ansonsten passiert ja auch nichts. Was ich eine Kunst finde.

Es geht um die Akademiker-Familie Pfefferman, bestehend aus Mort, seiner Exfrau Shelly und den drei erwachsenen Kindern Sarah, Josh und Ali besteht. Mort beginnt, sich als transsexuell zu outen und lebt als nicht sehr attraktive Frau mit dem Namen Maura weiter. Zumindest bis Ende der 1. Staffel hat er nicht vor, sich operieren zu lassen.

HANDLUNGSSPOILER ANFANG
Maura ist außerdem ziemlich intrigant und manipulativ (schenkt den Kindern Geld, die sollen es dann aber den jeweils anderen nicht weiter erzählen). Die Familiendynamik wird durch Mauras Transsexualität natürlich beeinflusst, allerdings haben auch alle anderen Protagonisten ihre Neurosen, die in das Geschehen hineinspielen. Z.B. lebt Ali mit Anfang 30 noch vom Geld der Eltern und ist die ewige Studentin, die keine Verantwortung für ihr Leben übernehmen will. Die ältere Schwester Sarah gibt ihr solides Familienleben mit Mann und Kindern auf und beginnt eine lesbische Beziehung, mit der sie dann allerdings auch nicht glücklich ist. Und der Sohn Josh sucht nach der großen Liebe, ist aber eigentlich süchtig nach dem Kick der Verliebtheit und hat eine Frauengeschichte nach der anderen.
HANDLUNGSSPOILER ENDE

Ich finde weder die Story anregend, noch die Charaktere interessant oder gut heraus gearbeitet, noch die Entwicklung der Beziehungen irgendwie herausragend. Ich fand alles außerdem total gewollt. Und mich haben Geschichte und Charaktere gelangweilt. Nur weil Transgender das neue In-Thema ist, ist „Transparent“ deshalb noch lange kein hochkarätiges Beziehungsdrama. Es gibt interessantere und vor allem bessere Serien über die Homosexuellen-Szene, wie „Queer as Folk“ oder „The L-Word“. Da kommt „Transparent“ bei weitem nicht mit.

Die Serie über 6 Staffeln spielt in der Lesben-Szene von LA. Es werden verschiedene Orientierungen bzw. Subgruppen (Transsexuelle, Butches, Bisexuelle, Lesben in der Army usw.) dargestellt.

Als Heterofrau bekam ich einen spannenden und erotisch anregenden Einblick in eine mir unbekannte Welt. QUEER AS FOLK hat mir zwar besser gefallen, weil provokanter und anarchischer (und ich geb´s zu, wahrscheinlich auch wegen der Männer), aber ich finde THE L-WORD dennoch mehr als nur sehenswert.

Die Charaktere sind sehr unterschiedlich und gut heraus gearbeitet, die Beziehungen intensiv und leidenschaftlich. Das Drehbuch ist schlüssig und die Geschichte bis zum Schluss spannend. Die Schauspieler/-Innen sind alle ziemlich gut. Man erfährt viel über Alltagsprobleme homosexueller Frauen, aber auch jenseits davon ist THE L-WORD ein spannendes Beziehungsdrama. Hauptprotagonistinnen sind Bette Porter (Jennifer Beals) eine attraktive, ehrgeizige und wohlhabende aber auch extrem zwanghafte und kontrollsüchtige Geschäftsfrau, die mit ihrer Lebensgefährtin Tina Kennard (Laurel Holloman), einer anfangs recht langweiligen Hausmutti ein Kind möchte. Hier kommt es zu allerlei Problemen, Trennungen und Wiederannähgerungen und Veränderungen. Dann ist da noch die sehr androgyne und heiß begehrte Friseurin Shane McCutcheon (Katherine Moennig, z.B. RAY DONOVAN), die niemals treu sein kann und alle Herzen bricht (Nach dem Motto Verführen und Fallenlassen). Mit Dana Fairbanks (Erin Daniels) wird das Thema homosexuelle Spitzensportlerinnen abgehandelt. Die bisexuelle Jenny Scheckter (Mia Kirshner) ist Autorin, hat wahrscheinlich eine Borderline-Persönlichkeitsstörung und manipuliert ihre Umgebung extrem, sie ist eine richtige Nervensäge, aber duchaus glaubhaft. Alice Pieszecki (Leisha Hailey), eine Redakteurin und Radiosprecherin, führt eine bildhafte Statistik darüber, welche Frau mit welcher Frau schon mal Sex hatte, was immer wieder zu Problemen führt, wenn etwas raus kommt, was eigentlich unter der Decke bleiben sollte. Sie hat eine labile Persönlichkeit und stürzt sich Hals über Kopf in Beziehungen mit Sollbruchstelle.

Es gibt viele weitere Nebencharaktere. Auch das gefällt mir recht gut an THE L-WORD: Die vielschichte Story um ziemlich viele verschiedene Persönlichkeiten. Es gibt nicht eine Hauptprotagonistin sondern 10 oder so.

Wer hochwertige Beziehungsdramen, wie z.B. CALIFORNICATION, ORANGE IS THE NEW BLACK oder BIG LOVE mag, der wird hiermit auch etwas anfangen können.

Wahrscheinlich realitätsnahe und böse Mini-Serie über den Irak-Krieg mit schwarzem Humor und guten Schauspielern.

HBO ist immer gut. Egal welches Genre. Noch dazu produziert von David Simon und Ed Burns, den Machern von THE WIRE! Wenn das kein Grund ist, sich die Serie anzusehen, dann weiß ich auch nicht....

Wundert mich, dass hier nicht schon viele positive Kritiken sind. Da schauen sich die Leute Filme wie AMERICAN SNIPER an und begeistern sich dafür - warum dann nicht für eine hochwertige HBO-Serie über die Marines im Irak-Krieg?

Obwohl das nicht mein Genre ist (mag eigentlich keine Kriegsfilme), habe ich mir die Serie angesehen, auch weil Alexander Skarsgård (Eric Northman aus TRUE BLOOD) mitspielt! Und ich finde Skarsgård sowohl einen guten Schauspieler als auch unglaublich sexy.

Und siehe da - im Gegensatz zu einigen anderen Filmen mit ihm (HIDDEN, DISCONNECT, DAS GLÜCK DER GRO?EN DINGE) finde ich ihn in GENERATION KILL richtig gut!!

GENERATION KILL ist ein bisschen aufgemacht wie eine Doku, die die Soldaten in ihren Einsatz begleitet, allerdings ohne Wackelkamera. Ich habe nicht den Hauch einer Ahnung, ob die Invasion der USA sich in etwa so abgespielt hat, aber ich kann es mir gut vorstellen: lauter schlecht ausgerüstete, mehr oder weniger ungebildete, keine Ahnung von der Kultur und politischen Situation habende Kerle, die endlich mal zeigen wollten, was sie drauf haben und in brenzlige Situationen geschickt werden. Es geht immer wieder darum, dass die Protagonisten unsinnige Befehle befolgen müssen. Hauptsache scheint zu sein, dass die Vorgesetzten gut dastehen. Was mir noch sehr gut an der Serie gefällt, ist dass Fragen, die sich mir oft stellen, beantwortet werden: wann geht man aufs Klo? Was ist überhaupt mit der Hygiene? Was macht man in den Wartezeiten? Wann schläft man und wie läuft es mit Schlafentzug? Wie werden Entscheidungen getroffen? u.s.w.

Immerhin orientiert sich GENERATION KILL an dem Buch eines Journalisten, der die Invasion begleitet hat.

Die Dialoge (natürlich unbedingt in der OV anzusehen) sind teilweise so schwarzhumorig und bitterböse, dass man echt schlucken muss. Dazwischen unterhält man sich, wie im ganz normalen Alltag, über die Konsistenz seiner Ausscheidungen (zu fest oder zu flüssig bedeutet, dass man nicht gesund ist....). Ein schießwütiger Kollege will gerne die streunenden Hunde erschießen, sein Vorgesetzter sagt ihm: „I keep telling you: we don't shoot dogs. We shoot people!“

Dann geht es natürlich auch um (mehr oder weniger abgewehrte) Homoerotik. Die Gruppe, um die es sich im Speziellen dreht, hat einen Journalisten dabei, der über den Krieg berichten soll.

https://boxd.it/h0Ene

"Auslöschung" befasst sich mit der biologisch verankerten Selbstzerstörung des Menschen in mehrfacher Hinsicht: Unsere Zellen altern und sterben irgendwann, wir bekommen Krankheiten wie Krebs und viele von uns agieren aus emotionalen Selbstzerstörungsimpulsen heraus. Dann geht es natürlich um die Begegnung mit außerirdischem Leben und was es mit und aus uns machen könnte. Und es werden hier ganz selbstverständlich fünf Frauen losgeschickt den Schimmer zu erkunden, nachdem die männlichen Teams nicht zurückgekommen sind. Mich hat´s ein wenig gewundert, dass das in keiner der offiziellen Kritiken, die ich gelesen habe, Thema gewesen ist. Das wäre doch im Normalfall eher „Männersache“ gewesen und jetzt sind da einfach fünf Frauen erfolgreich. Man könnte die Situation auch als Reise nach Innen, ins (eigene) Unbewusste interpretieren: Die unbekannten Selbst-Anteile werden als extrem bedrohlich empfunden, man tut man sich schwer mit ihnen, will sie am liebsten vernichten, anstatt sie zu integrieren. Ob man will oder nicht, sie beeinflussen und steuern einen aber trotzdem... Zumindest kam mir der Gedanke beim Zusehen. Mich hat die Geschichte um das außerirdische Wesen, von dem man nur erfährt, dass es die Welt verändert, fasziniert, auch die Bilder haben mir gut gefallen. Die sind jetzt nicht total spektakulär oder so, es ist eben ein eher leiser Film. Manche Kommentare, die ich hier gelesen hatte, machten auf mich den Eindruck, man müsste sich furchtbar anstrengen, da in dem Film so wenig passiert. Das sehe ich gar nicht so.
Ich meine im Übrigen schon, dass man sich auch für den Kontext eines Films interessieren darf. In dem Fall ging es ja wohl um den Punkt, dass das Filmstudio „Auslöschung“ als zu anspruchsvoll fürs Kino ansah und den Film deshalb an Netflix verkaufte. Mir persönlich recht, da ich eh fast nie ins Kino gehe. Aber natürlich ist das auch ein Politikum und da sieht die Sache wieder ganz anders aus: Sollen zukünftig nur noch einfach verständliche Blockbusterfilme in den Kinos gezeigt werden, oder gibt es genug Kinozuschauer für komplexere, geistig anspruchsvolle Filme? Ich kann mir gut vorstellen, dass die Zuschauerbewertung solcher Filme größere Weiterungen für die Zukunft des (Kino-)Films hat.

Es hilft möglicherweise, sich mit der wenig gefälligen Serie anzufreunden, wenn man ein bisschen weiß, was auf einen zukommt. Erstmal eine Serie von HBO - das bedeutet Qualität, egal ob einen die Thematik interessiert oder nicht. Dann wurde die Serie geschrieben, inszeniert und auch die Hauptrolle gespielt von einer jungen Frau, Lena Dunham. Es befinden sich autobiographische Elemente darin und das macht die Serie recht gut, da glaubwürdig. So ähnlich wie bei einigen Woody Allen-Filmen. Eine weitere Analogie sind ihre Sitzungen beim Psychotherapeuten.
Die Charaktere sind alle nicht wirklich sympathisch, teilweise sogar abstoßend und ziemlich neurotisch. Es werden häufig Scham- und Peinlichkeitsgefühle der Zuschauer angesprochen. Das ist wahrscheinlich der Grund, warum manche „Girls" nicht mögen. Angeblich hat sich Dunham von „Sex and the city“ inspirieren lassen. Das kann ich mir vorstellen, allerdings eher in dem Sinn, dass sie einen Kontrapunkt setzen wollte. Auch hier geht es um Freundschaften, Karriere und Liebe in New York. Während Carry 30+ und etablierte Kolumnistin eines in-Magazins ist, versucht die Hauptprotagonistin Hannah (20+) bei „Girls“ Schriftstellerin zu werden weiß aber nicht, wie. Es wirkt, als wolle sie vor allem das Image haben, aber nicht die Frustration und die Mühen ertragen, die so ein Beruf mit sich bringt. Auch ist am Anfang nicht klar, ob sie überhaupt Talent hat, weil sie so viel Angst davor hat, zu versagen, dass sie erst gar nicht anfängt zu schreiben. Außerdem hat sie noch keine gefestigte Identität, ist völlig verwöhnt und stammt aus einer wohlhabenden Familie. Plötzlich fällt den Eltern ein, dass es so nicht mehr weiter geht und sie drehen den Geldhahn zu. Hier habe ich zum ersten Mal Adam Driver („Paterson“, „Inside Llewyn Davis“) gesehen - Er ist GROßARTIG!
Im Gegensatz zu „Sex and the city“ wirkt „Girls“ mehr wie eine Milieustudie. Man nimmt quasi am Leben einer hippen Generation in New York teil.
Was mir persönlich super gefallen hat, waren die Gruppentherapiestunden in der 3. Staffel, sind recht gut recherchiert. So arbeiten leider einige Kliniken tatsächlich.
Im Vergleich zu anderen Beziehungsdramen, die ich liebe, wie "Californication", "queer as folk" oder "True Blood" kann „Girls“ bei mir dann doch nicht ganz mithalten, hauptsächlich weil ich keine dauerhafte Nähe zu den Charakteren aufbauen kann.
„Wer ausschließlich schöne Menschen wie in „Sex and the city“, „Desperate housewives“ oder „Gilmore Girls“ sehen will, wird mit „Girls“ seine Schwierigkeiten haben.

Ein Jammer! Die ersten 2/3 fand ich „Malavita“ lustig und hätte ihn mit 7 Punkten bewertet.

ANFANG HANDLUNGSSPOILER
Amerikanisch-italienischer Mafiosi (Robert de Niro) setzt sich mit seiner Familie in eine französische Kleinstadt im Rahmen eines Zeugenschutzprogramms ab. Tommy Lee Jones in einer Nebenrolle als sein Handler. Die recht wehrhafte Familie fällt ziemlich auf, jeder auf seine Weise. Robert de Niro ist ein wunderbarer Mafiosi, immer schon gewesen. Für mich lustig und ausreichend spannend. Zum ersten Mal war ich dann irritiert über die Art und Weise wie die Tochter ihre Jungfräulichkeit verliert. Eher eine Männerfantasie als ein realistischer Ablauf, aber ok dachte ich mir. Da hätte ich den Film einfach ausmachen sollen und alles wäre gut gewesen.
Den Showdown mit den eingeflogenen Mafiosi finde ich extrem plump, unlogisch und auch irgendwie dumm. Warum kommt man mit zehn Mann mit automatischen Waffen (die man wie genau nach Frankreich gebracht hat??) um einen Kerl und seine Familie um die Ecke zu bringen und zerstört dabei eine halbe Stadt? Wieso hat man nicht ein oder zwei intelligente und unauffällige Killer hingeschickt, die das Ganze still und leise hätten erledigen können? Und das allerblödeste: Die Killer lassen Sie Ihr Auto mit geöffneten Kofferraum voller Waffen vor dem Haus unbewacht stehen. Sehr praktisch für die Kinder, die sich daran bedienen und natürlich super schießen können.
ENDE HANDLUNGSSPOILER

Ich mag es ja gar nicht, wenn ich in Kommentaren lese: Der Regisseur XY hat wohl seine besten Tage hinter sich oder ähnliches. Ich finde das arrogant und überheblich. Aber in dem Fall kann auch ich nicht anders! Im Abspann lese ich Luc Besson und denke: Was? Das kann doch nicht sein!,. Der Regisseur von „Leon-der Profi“ und „das fünfte Element“ macht so einen Mist?