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Ich halte Herbert George Wells für einen der besten Autoren überhaupt und bewundere seine Werke, die die verderbliche Auswirkung von Technologie auf den Menschen behandeln. Meist von deprimierender Grundstimmung gekennzeichnet, durchwandeln seine Protagonisten visionäre Gefilde der Isolation, des Verrats und nicht selten des Wahnsinns. Wenn dazu ab und an eine leicht chauvinistische Haltung durchschimmern…

Ich halte Herbert George Wells für einen der besten Autoren überhaupt und bewundere seine Werke, die die verderbliche Auswirkung von Technologie auf den Menschen behandeln. Meist von deprimierender Grundstimmung gekennzeichnet, durchwandeln seine Protagonisten visionäre Gefilde der Isolation, des Verrats und nicht selten des Wahnsinns. Wenn dazu ab und an eine leicht chauvinistische Haltung durchschimmern sollte, ist das ärgerlich, aber angesichts der Prägung eine ganzen Genres – Science Fiction – verschmerzbar.
Seine vier wesentlichen Romane wurden in mehrfacher Ausführung adaptiert. THE ISLAND OF DR. MOREAU (1932) mit Charles Laughton. THE INVISIBLE MAN (1933) gewinnt durch die markante Stimme von Claude Rains. Mein Liebling unter denen, THE TIME MACHINE (1960) ist vielleicht etwas beschönigt, beeindruckt dennoch dank der schicken Bebilderung von Morlocks und Eloi sowie natürlich der titelgebenden Apparatur.
Und dann gibt es noch dieses Stück Zelluloid. Erstmalig ist nicht der Mensch für seinen Niedergang verantwortlich, sondern eine extraterrestrische Macht, die über ein überlegenes Waffenarsenal verfügt und mit aller Gnadenlosigkeit die Erdbevölkerung dezimiert.
Zu Orson Welles Radiohörspiel und der resultierenden – Berichten zufolge etwas überzogenen – Massenpanik müssen keine Worte verloren werden.

Bryon Haskin, Regisseur von WAR OF THE WORLDS verlagert den Standort und Zeitpunkt des Plots vom viktorianischen England in die Nachkriegszeit der USA. Ein möglicher, aber nicht unbedingt notwendiger Schritt.
Nebenstränge wie das Schicksal des Bruders werden glücklicherweise gar nicht erst aufgegriffen, da dieser in der Buchvorlage wie ein Fremdkörper wirkte. Einer der schönsten, quasi erhaltenen Aspekte ist die Sehnsucht des Protagonisten (Gene Barry) nach seiner Frau, der hier Widerhall in einer kürzlich geknüpften Beziehung (Sylvia van Buren) findet, welche auch eine wesentliche Zeit an seiner Seite verbringt.
Auffallend sind die Raumschiffe der Marsianer, die am ehesten fliegenden Untertassen ähneln und auch über den Hitzestrahl verfügen, ansonsten jedoch nicht viel mit den in der Popkultur angekommenen, monströsen Tripods gemeinsam haben. Einen altbackenen Charme übertragen die heutigen Maßstäben nur bedingt gerecht werdenden (Laser-)Gefechte. Doch nachhaltiger als die zeitverhafteten Spezialeffekte bleibt einem die Atmosphäre in Erinnerung. Besonders packend: Die Szene im verfallenen Haus. Zum ersten Mal tritt einer der Invasoren außerhalb seiner Maschine in Gestalt. Andere Szenen der militärischen Beratung fallen recht langatmig aus und können nur spärlich das eigene Interesse beibehalten. Wenn nun eine Atombombe abgeworfen wird, steht außer Frage, dass man es mit einer amerikanischen Adaption zu tun hat. Ärgerlich sind zudem die unübersehbaren religiösen Bezüge. Ich fürchte, es ist kein Zufall, dass das Spektakel in einer Kirche endet. Selbst wenn letzten Endes der gleiche Ausgang wie im Buch erfolgt, so mutet doch der Aufenthaltsort wie ein Auslöser für eine göttliche Intervention an.

Was festzuhalten ist: Spielbergs moderne Variante erachte ich in seiner Düsternis tatsächlich als die stärkere. Gerade die bedrohlichen Momente, wenn jedes Individuum sein eigenes Überleben sichern muss, sind brillant inszeniert. Einen Anteil daran trägt mit Sicherheit auch Dakota Fanning. Allein die Vorstellung eines Kind inmitten der Invasion, evoziert ein mulmiges Gefühl. Unabhängig davon gibt es deutlich bessere Genrebeiträge der Fünfzigerjahre, wenngleich WAR OF THE WORLDS letzten Endes ganz nett ausfällt.

http://drei-cineasten.blogspot.de/2013/04/sie-kommen-nicht-in-frieden-klassiker.html

„Radiance that floods the screen...and warms the heart!“

Schon die Eröffnungskamerafahrt quer durch luftige Höhen der Alpen bis zum Zoom gen Julie Andrews ist atemberaubend. Einschlägigen Quellen zufolge konnte sie sich bei deren Dreh kaum auf den Beinen halten, sobald der Helikopter (Kamerastandort) ihr zunahe kam.
Es folgt der erste von zahlreichen grandiosen Songs – nur bei der der…

„Radiance that floods the screen...and warms the heart!“

Schon die Eröffnungskamerafahrt quer durch luftige Höhen der Alpen bis zum Zoom gen Julie Andrews ist atemberaubend. Einschlägigen Quellen zufolge konnte sie sich bei deren Dreh kaum auf den Beinen halten, sobald der Helikopter (Kamerastandort) ihr zunahe kam.
Es folgt der erste von zahlreichen grandiosen Songs – nur bei der der ROCKY HORROR PICTURE SHOW kenne ich eine vergleichbare Anzahl an Hits - , die meisten werden erneut aufgenommen (Reprise), doch dazu später.
Maria (entzückend! J. Andrews) passt nicht wirklich zu den Nonnen ihres Salzburger Klosters und wird als neue Gouvernante zur Familie von Trapp beordert, bestehend aus dem Kapitänswitwer (Christopher Plummer) und seinen sieben Kindern (toll! allesamt!). Zu Anfangs herrscht in dem Anwesen noch feste Disziplin, der Tod der Mutter hat eine bleibende Lücke im Familiengefüge hinterlassen, doch schon nach kurzer Zeit bringt Maria etwas zurück, was lange als vergessen galt: die simplen Freuden der Musik.

Hierzulande noch immer verblüffend unbekannt, genießt THE SOUND OF MUSIC weltweit einen Status als Kultmusical. Inflationsbereinigt ist es der fünfterfolgreichste Film und doch ist das Edelweiß nur wenigen ein Begriff. Wie kommts? Ursprünglich wurden alle Kriegsbezüge sowie der komplette zweite Akt, der den Anschluss Österreichs zu Zeiten des Nationalsozialismus stärker in den Fokus rückt, entfernt. Das Kriegstrauma schien wohl noch zu aktuell. Es mag nicht verwundern, dass vor allem Amerikaner zu einer unbefangenen Rezeption des Stoffes fähig sind. Außerdem besaß Österreich zum Veröffentlichungszeitpunkt bereits zwei nationale Filmschätze, die sich mit der von Trapp-Familie beschäftigen und das Broadway-Musical inspirierten, aus dem dann die 1965er Version entstand, die vielleicht historisch nicht ganz akkurat sein mag (Die Flucht außerhalb der Landesgrenzen erfolgte bspw. Richtung Italien und nicht in die Schweiz). Who the hell cares?
Solch einer Farbenpracht und Spielfreude kann man sicht nur schwer entziehen, auch wenn – und das sollte jeder Rezipient für sich entscheiden – man der Ansicht sei, der Kitsch überwiege und die Heiterkeit wirke geradezu enervierend. Man mag zu der vorsichtigen Ansicht gelangen: Nie war Julie Andrews besser. Auch nicht in ihrer wohl populärsten Rolle, die des Kindermädchens (!) Mary Poppins, die letztendlich zur Erziehung des Vaters in die Familie Banks eintrat. THE SOUND OF MUSIC besitzt zudem weniger, eigentlich gar keine Abnutzungserscheinungen, anders als die Disney-Romanadaption. Sollte Andrews nicht schon 1964 den Oscar erhalten haben und sollten beide Rollen flüchtig betrachtet starke Parallelen aufweisen, so hätte sie ihn hierfür erhalten müssen. Abgeräumt hat TSOM dann gleich fünfmal (einschließlich bester Film), aber ich will nicht andeuten, solch ein amerikanischer Filmpreis hätte irgendeine Qualitätsbedeutung.

„When you know the notes to sing, you can sing most any thing.“ Wenn - jetzt kommts dicke! - letzten Endes die Sehnsucht aufkeimt, selber zu den Schauplätzen um Salzburg zu reisen, wenn man bei jedem Lied nonchalant mit einstimmen möchte, wenn man der Familie Trapp voll und ganz wünscht, ihre Flucht vor den bedrohlichen Anhängern des NS möge um jeden Preis gelingen, wenn THE SOUND OF MUSIC zu den eigenen Olymp der Lieblingsmusicals gezählt werden und man ein baldiges Wiedersehen mit der alpinen Szenerie kaum noch abwarten kann, dann steht unweigerlich fest: Die Musik hat ins Herz Einzug gehalten.

http://drei-cineasten.blogspot.de/2013/04/schoner-werden-musicals-nicht-mehr.html