mikkean

Clint Eastwood, der große alte Mann des amerikanischen Kinos und das Jenseits. Das klingt viel versprechend, sogar äußerst viel versprechend. Denn Eastwood ist nicht nur ein Garant für Qualität, sondern auch für ein ganz spezielles Talent. Ein Talent Geschichten zu erzählen, die in ihrem Plot und bei uns als Zuschauern tiefer wühlen als sonst. Das machte aus "Mystic River" mehr…

Clint Eastwood, der große alte Mann des amerikanischen Kinos und das Jenseits. Das klingt viel versprechend, sogar äußerst viel versprechend. Denn Eastwood ist nicht nur ein Garant für Qualität, sondern auch für ein ganz spezielles Talent. Ein Talent Geschichten zu erzählen, die in ihrem Plot und bei uns als Zuschauern tiefer wühlen als sonst. Das machte aus "Mystic River" mehr als nur einen Thriller und ein Sühne-Drama, aus "Gran Torino" mehr als nur einen Film über veraltete Vorurteile und ziviles Engagement. Selbst dem verpönten Kriegs-Genre hat Eastwood mit "Flags Of Our Fathers" und "Letters From Iwo Jima" mehr als nur Schlachten-Bilder abgewonnen. Kein gutes Zeichen, erst die verdienten Errungenschaften eines Regisseurs aufzuzählen, bevor man ein weiteres Werk näher betrachtet. "Hereafter" macht es uns dieses Mal aber auch wahrlich nicht leicht. Da ergründen gleich drei Figuren durch die Wirrungen und Schicksalsschläge ihres irdischen Daseins die Spur zum Leben danach. Die französische Fernseh-Journalistin Marie wird Opfer der Tsunami-Katastrophe und ertrinkt beinahe. Für ein paar Minuten findet sie sich in einer merkwürdigen Sphäre wieder, schwebt von Zeit und Raum losgelöst, ist im Einklang mit dem Universum ... Und findet danach nicht mehr so leicht ins alte Leben wieder. - In London muss der 12 Jahre alte Marcus miterleben, wie sein Zwillings-Bruder tödlich verunglückt. Als wäre das Leben im Sozialbau und mit der drogenabhängigen Mutter nicht schon schwierig genug. Das Jugendamt reißt den Kleinen an sich. Der wird schwer zugänglich und verfolgt jede Möglichkeit, mit seinem Bruder nochmals in Kontakt treten zu können. - Und in San Francisco lebt der medial veranlagte George bescheiden als Fabrik-Arbeiter. Zu groß die Bürde, einen Zugang zur Welt der Verstorbenen zu haben. Zu schmerzlich, niemanden nur so berühren zu können, denn schon das reicht, um deren tote Verwandte und Freunde bei sich zu haben. - Es sind diese drei Schicksale, die "Hereafter" in über zwei Stunden zusammen zu bringen versucht. Und das besser, da ehrlicher gespielt, als eben konzipiert. Besetzungstechnisch hat Eastwood wiedermal einen Volltreffer hingelegt. Matt Damon braucht sich nicht zu schämen, als vermeintlicher Star knüpft er an die Tage des "Good Will Hunting" an. Die Französin Cécile de France darf es ruhiger angehen lassen als noch bei "High Tension" und die Debütanten Frankie and George McLaren bieten die vielleicht schmerzlichste Vorstellung des ganzen Films ab. Sehr still, zurückgezogen und geradezu unbelastet verleihen sie ihren Zwillings-Figuren eine angemessene Kontur. Bei seinen Geschichten offenbart sich aber schnell die große Tragik von "Hereafter". Eigentlich versucht hier ein Film, gleich drei Stück in sich zu vereinen. Und scheint dabei auch immer wieder da richtige Maß für die Aufmerksamkeit aller Aspekte zu verlieren. Da werden drei Leben von diesem Gedanken bestimmt, dass etwas auf uns wartet, wenn wir sterben. Nun, dafür vernachlässigt es "Hereafter" dann aber schon, jede Geschichte gleich stark zu erzählen. Das Medium George dient mehr als Kitt für die zwei anderen Story Lines und findet das Ende seiner Plage dann doch nur in so etwas trivialem wie einer Liebesgeschichte. "Hereafter" möchte die Existenz des jenseitigen Lebens so sanftmütig wie möglich als tröstende Tatsache etablieren. Ein Seelenpflaster für unsere diesseitigen Sorgen vor dem Tod. Das ist löblich und keineswegs verächtlich, auch wenn ich von Anfang an keinen so tiefgründigen Film erwartet habe. Es verhält sich eigentlich so wie zu Zeiten von "Ghost - Nachricht Von Sam". Akzeptiere deinen Glauben, es gibt wohl Jenseits - hier noch schön aufgezeigt. Aber etwas wirklich wesentliches fehlt dann doch. Vielleicht wollte sich Eastwood hier auch nicht beweisen, uns keinen Zweifler-Film vorlegen. Sein "Hereafter" sieht das Jenseits schnell als Tatsache an und will den Millionen von Leuten, ob Esoteriker, Leichtgläubige und Religiöse, nicht schmerzhaft vor den Kopf stoßen. Ist, wie gesagt, löblich und nett. Doch es hätte nicht unbedingt einer ganzen Wagenladung Schicksale benötigt, um diese Sichtweise darzulegen. Gerade den Zwillingen Marcus und Jason hätte vielleicht ein eigener, natürlich anders artiger gestrickter Film, besser gestanden. Dann wären auch die weltpolitischen Geschehnisse, die hier immer wieder anklingen, vielleicht nicht so merkwürdig fremdes Schmuckwerk geblieben. Es hat schon beinahe was von verschenktem Potenzial, wenn ich es mir recht überlege. Alles in allem reicht es für mich bei "Hereafter" nicht zur Höchstnote. Dafür steckt einfach zu viel drinnen, dass es einem schwer macht, dieses Gesamt-Paket zu lieben. Es ist wie gesagt, ein ganz anrührendes Trauer-Stück, entfaltet aber merkwürdig geringe Mitfühl-Qualität. Andere können hier auch schon von argem Schmalz sprechen. Ist auch so ganz richtig, denn wie gesagt, "Hereafter" ist nicht der nächste wegweisende Film zur letzten Grenze, die wir alle mal überschreiten werden müssen. Dafür steckt zu viel zwischenmenschliches Geplänkel drin und das konnte auch ein Alt-Meister wie Eastwood bestenfalls nur versöhnlich abmildern und versüsst aufbereiten.

Dies ist die Geschichte einer ganz besonderen Freundschaft ... Eines Tages stolpert der junge Brian im Big Apple über Aylmer. Eine kleine parasitäre Kreatur, die sich gern an ihre Freunde anschmiegt, ein bisschen in deren Nerven-Zentrum rumsaugt und einen speziellen Saft zum Austausch absondert. Brian freut es jedenfalls riesig, denn er schwimmt sprichwörtlich im gleißenden Licht und kommt so…

Dies ist die Geschichte einer ganz besonderen Freundschaft ... Eines Tages stolpert der junge Brian im Big Apple über Aylmer. Eine kleine parasitäre Kreatur, die sich gern an ihre Freunde anschmiegt, ein bisschen in deren Nerven-Zentrum rumsaugt und einen speziellen Saft zum Austausch absondert. Brian freut es jedenfalls riesig, denn er schwimmt sprichwörtlich im gleißenden Licht und kommt so einer neuen Bewusstseins-Ebene Schritt für Schritt näher. Was soll's, wenn er seinen kleinen Freund da durchs Nachtleben New Yorks schleppen soll und berauscht gar nicht mitbekommt, dass Aylmer Gehirne als Leibgericht verputzt ...
Was für ein Film! Bei dieser Grundidee wundert es kaum, dass Regisseur Frank Henenlotter auch für die "Basket Case"-Trilogie und "Frankenhooker" verantwortlich zeichnete. "Brain Damage" erfüllt so ziemlich jede Erwartung (und mehr), die man mit diesem Wissen an diesen Streifen stellen kann. Das hier ist Low Budget, aber nie billig, stellenweise ziemlich krass und vor allem, wieder mal "more than meets the eye". Aylmer sieht aus wie eine vertrocknete Kackwurst, versteckt sein fürchterliches Maul gerne hinter einem harmlosen Muppet-ähnlichen Gesicht und wird auch noch von der amerikanischen Horror-Ikone John Zacherle gesprochen. Der hat so eine schöne angenehme Stimme, dass es unserem Brian zunächst gar nicht einfällt, ihre Symbiose-Beziehung zu hinterfragen. Ja, Aylmer möchte mehr als nur das Stadttreiben erleben. Er bohrt sich mal etwas heftig in einen Schädel oder sorgt für den wohl widerlichsten und fiesesten Movie-Blow-Job aller Zeiten (so sehenswert wie einfach nur wicked). Und selbst als Brian sich seiner passiven Mit-Schuld bewusst wird und von seinem überschaubaren Social Life isoliert, lässt sich Aylmer seinen Wirt nicht so leicht nehmen. Henenlotter ist ein wirklicher interessanter Filme-Macher, das beweist "Brain Damage" in seiner gesamten, äußerst unterhaltsamen, Laufzeit. Ähnlich abgedreht wie einst sein "Basket Case", dessen Protagonist samt Körbchen kurz auftaucht, und genauso irgendwie auch tiefgründig. Denn "Brain Damage" versteht sich auch als Schilderung eines fatalen Sucht-Problems. Der gute Aylmer wirkt also nicht umsonst unheimlich stimulierend auf die Hirnwindungen des Protagonisten. Und ganz nebenbei erleben wir auch einen Nebenstrang im Plot. Ein heruntergekommenes Rentner-Pärchen, welches Aylmer zunächst ein Heim bietet. Beide geschminkt für einen Ed Wood-Film und absolut verrückt nach ihrer Sekret-Ladung vom guten Aylmer. Da werden sogar Hirne auf dem Teller serviert, um den kleinen milde zu stimmen. Boah ey, das ist echt schräg. Wer mit der Henenlotter-Materie nicht vertraut und trotzdem neugierig sein sollte, darf kein billiges Splatter-Schlachtfest erwarten. Dafür ist "Brain Damage" wahrlich ein Film mit viel Hirn. Hier wird nicht einem Opfer nach dem anderen die Kopf-Schüssel entleert, wäre auch zu langweilig. Im Gegenzug geben sich Henenlotter und sein Darsteller Rick Hearst einige Mühe, den langsamen Verfall des Brian überzeugend zu schildern. Hier erinnert "Brain Damage" durchaus an Cronenberg's "Naked Lunch", beide Fälle von ganz besondereren Trips, die ihren Helden viel abverlangen. Und uns als Zuschauer etwas ganz eigenes kredenzen. Eines muss ich Frank Henenlotter lassen, er hat nicht viele, aber dafür sehr eigene Filme gedreht. "Brain Damage" ist da keine Ausnahme und im Vergleich zu seinen Genre-Kollegen ein einzigartiges Ding. So was hätte ich persönlich höchstens von Troma erwartet, nur etwas dümmlicher und billiger. Wie schön, dass ein kleiner origineller Film aus dem ausklingenden Jahrzehnt der 80er Jahre auch heute noch so frisch und unverbraucht rüberkommt.

Buah Ha ha ... It's The End Of The World As We Know It And I Feel Fine!!! Lasst mich das gleich korrigieren, I Feel Bad, den "Das Ende Der Welt" ist ein haarsträubend schlechter Katastrophen-Weltuntergangs-Sci-Fi-Müllhaufen. Hier kommt alles zusammen, billigste Kulissen, unglaublich lahme Effekte und überhaupt, die Welt geht in diesem Film nur in Schnipseln aus anderen Filmen unter…

Buah Ha ha ... It's The End Of The World As We Know It And I Feel Fine!!! Lasst mich das gleich korrigieren, I Feel Bad, den "Das Ende Der Welt" ist ein haarsträubend schlechter Katastrophen-Weltuntergangs-Sci-Fi-Müllhaufen. Hier kommt alles zusammen, billigste Kulissen, unglaublich lahme Effekte und überhaupt, die Welt geht in diesem Film nur in Schnipseln aus anderen Filmen unter. Wird doch tatsächlich jede Überschwemmung, jeder Vulkan-Ausbruch und jedes Erdbeben auf alten Mattscheiben präsentiert. Pfui, und dann ist da noch die unerklärliche Präsenz von Sir Christopher Lee. Mann, er hat ja auch für Hammer nicht immer Meisterwerke abgedreht, aber das übersteigt ja alles. Lee "darf" hier als Priester vor unheimlichen, mörderischen Ereignissen erschrecken. So was wie wackelnde Münztelefone und explodierende Wasserleitungen, bis er von einem roten Licht-Strahl erfasst wird ... Und plötzlich eine Schar Nonnen zu einer geheimen Anlage führt. Dort nämlich steht eine lachhafte Apparatur, ein billigster Stargate-Vorläufer. Da wirkt selbst der gute alte Time Tunnel wie eine technische Meister-Leistung. Oh je, und durch die winkt Lee, der jetzt übrigens ein Alien ist, seine Schafe. Ja, die Erde wird schon sich selbst überlassen. Doch einen ungläubigen Wissenschaftler und seine Gespielin, will er am Ende ja doch noch mitnehmen. - Häh? Ich gebe ehrlich zu, diesen Film kann man nicht ernst nehmen. Zu viel Bullshit und dann noch grauen erregend schlecht zusammengepanscht. "Das Ende Der Welt" ist wirklich einer der schlimmsten Filme, die ich bisher durchleiden musste. Als Spitzenreiter der Cinematic Badness angepriesen und irgendwie auch ein bisschen thematisch Vorfahre von "Knowing". Doch keineswegs wirklich überzeugend, nicht mal als Trash. Es ist schon ein Jammer, Christopher Lee zuzusehen, wie er mit Würde und Anstand total dämliche Sätze über die Verdammnis der Menschheit, die Rückkehr zur wahren Heimat und so weiter, vorträgt. Gott, das ist wahrhaft gruselig schlecht. Nur für Hartgezogene und Schmerz-Unempfindliche Freunde des schlechten Geschmacks. Ich glaube sogar, bei dem Unfug Roger Corman schallend lachend zu hören. Selbst er hätte das besser (und billiger) hinbekommen.

Das ganze Gerede um ein "Twilight"-Cast-geplagtes Ami-Remake, das auch noch in Neu New York spielt??? Oh Mann, da flüchte ich mich doch lieber glatt in die Arme des einzig wahren Originals.

"Akira" ist für mich mehr als nur gewaltiges Animations-Spektakel - von westlichen Kritikern gern mit "Blade Runner" in eine Reihe gestellt. Für mich ist dies der Film,…

Das ganze Gerede um ein "Twilight"-Cast-geplagtes Ami-Remake, das auch noch in Neu New York spielt??? Oh Mann, da flüchte ich mich doch lieber glatt in die Arme des einzig wahren Originals.

"Akira" ist für mich mehr als nur gewaltiges Animations-Spektakel - von westlichen Kritikern gern mit "Blade Runner" in eine Reihe gestellt. Für mich ist dies der Film, der alles auf den Kopf stellte, was ich vorher unter Zeichentrick und Comic verstand. Wie alt war ich da, keine Ahnung. Aber "Akira" knallte mir Anfang der Neunziger als Trailer um die Ohren. Und ließ mich ab da nicht mehr los. Es war, als hätte jemand eine Granate ins Land von Captain Future (ich hab's noch geschnitten erlebt!), Spider-Man und Co. geworfen ... Und als hätte alles niedliche, verharmlosende und naive einfach atomisiert.

Schon neunzig Sekunden oder so ähnlich reichten da schon, um all die kinderfreundlichen Trick-Abenteuer auch meiner Marvel-Helden, plötzlich nichtig erscheinen zu lassen. Ein paar Jahre vorgespult, da ergatterte ich "Akira" endlich auf Video. Was für ein Erlebnis und es reißt mich immer noch mit.

Was Katsuhiro Otomo hier als erfahrener Geschichten-Erzähler, aber auch als Regie-Debütant hier leistete, ist wirklich beachtlich. Erst lässt er Tokio durch die Atombombe zerstören, dann wird es in Sekunden zur unheimlichen Metropolis. Ein städtischer Moloch aus High Tech, futuristischer Architektur und viel optischen Blendwerk. In den Straßen prügeln sich protestierende Studenten mit der Polizei, predigen geistige Führer den baldigen Untergang und den Verzicht auf alle Technik. Und die Motorrad-Gang um das junge Raubein Kaneda liefert sich eine Schlacht mit ihren Erzfeinden, den Clowns. Die blutige Hetzjagd findet in den Ruinen der Altstadt aber ein jähes Ende. Kanedas Kumpel Tetsuo hat einen Unfall, an dem ein kindsgroßer Greis Schuld zu haben scheint. Aus dem Nichts aufgetaucht und umgehend von einer Armada Militär-Helikopter wieder eingesackt. Und den Verletzten Tetsuo nehmen sie auch gleich mit.

Was für ein Auftakt, die ersten fünfzehn Minuten von "Akira" toppen so manch anderen Klassiker. Kein Wunder, denn "Akira" ist auch heute noch ein mitunter schnelles, fetziges Sci-Fi-Epos, in dem der Animationsfilm seine realen Konkurrenten das ein oder andere mal spürbar überholt. Bei seiner Suche nach Tetsuo stößt Kaneda schließlich auf mehr als die vermeintlichen Geheim-Experimente. Otomo verarbeitete in gewisser Weise Jugend-Drama, Gang-Kämpfe, Weltuntergangs-Szenarios, menschlichen Größenwahn und beinahe tödliches Bestreben nach göttlicher Allmacht. Es ist schließlich die Kehrseite der technischen Perfektion, die Neo-Toyko am Ende verschlingen wird.

Manipulation an allen Ecken, davon gibt es in "Akira" genug. Politik und Militär schlagen sich im Parlament die Köpfe ein, im Geheimen wird an Kindern rumgedoktert, während politische Revoluzzer nur zu Marionetten-Zwecken von Putschfreunden gelenkt werden. Ziemlich heftig was? Ja, "Akira" erschließt sich vielleicht nicht so, wie jeder andere Film. Wir erleben vieles aus dem Blickwinkel des Rowdies Kaneda, der mit Politik und Revolte nicht allzu viel am Hut hat. Und doch will er seinen Freund Tetsuo zunächst aus einem zu gut gesicherten Krankenhaus-Komplex befreien. Doch sein Kumpel ist inzwischen nicht mehr der alte, seine Gedankenkraft kann echte Zerstörung bewirken. Und ein Name spukt ihm peinigend durch den Kopf: "Akira".

Keine Panik, Otomo ist hier ein großer Wurf gelungen. Der verlangt zwar einiges ab, wenn man die Manga-Vorlage nicht kennt oder im Genre nicht ganz heimisch ist. Auch ich sah zuerst den Film und las anschließend die heute vergriffene erste Auflage der Mangas. Viele Aspekte mussten für den Film geopfert werden. Kein Scherz, da wo "Akira" zu Ende geführt wird, gibt es dort noch erheblich mehr zu lesen. Aber die Grundsäulen der Geschichte wurden in dieses Mammutwerk von einem Erwachsenen-Animationsfilm sehr treffend übertragen.

Es gibt wirklich berührende Momente, Szenen echter Freundschaft und dem üblen Scherz des Schicksals, der Kaneda und Tetsuo da gegeneinander antreten lässt. Aber auch bei der Herkunft Akiras baut Katsuhiro Otomo mit einem tollem Kunstgriff ein stilles Drama ein. Eines, das nur zeigt und dabei arg an die Nieren und das Gewissen geht. Siehe oben genannter Themen, die "Akira" da in der menschlichen Natur abhandelt. Für einen vermeintlich so alten Film des nicht digitalen Film-Zeitalters verströmt er immer noch eine gewaltige Ladung frischer Lebendigkeit und Vorausdenkens. Hoffentlich ist er nicht zu prophetisch, auf jeden Fall sind die Animationen keineswegs steril und erst recht nicht veraltet. Die bombastischen Szenen der Zerstörung, die mit einem ebenso wuchtigen Soundtrack - der einen modern orientierten Score mit traditionellen Chören verbindet - untermalt wurde, dürfte keinen kalt lassen.

Ein weiteres stimmiges Puzzlestück zum Triumph dieses überaus wichtigen Werks. Wie passend, dass "Akira" damals auch von westlichen Medien und Vertrieben entdeckt wurde. Als viel gepriesener Einstieg in eine fremdartige Zeichentrick-Kultur lief "Akira" ja auch in deutschen Kinos. Warner Brothers sei Dank, der Name prangt auch auf meiner alten VHS!!! Welch seltenes Glück, einen, nein, den Anime überhaupt dann auch immer wieder in seiner ursprünglichen deutschen Synchro hören zu dürfen. Da tummeln sich viele Stimmen, die bis Heute noch bekannt sind. Und sich um Klassen besser geben, als die spätere Splendid-Garde bei den Manga Video-Präsentationen. Selbst wenn viele Kenner immer noch monieren, dass hier damals viele Begrifflichkeiten und Sinn-Inhalte verzerrt und geschmälert wurden. Den Absprung auf die spätere DVD-Neubearbeitung hab ich noch nie gewagt. Ist aber nicht die Gefährdung eines Kindheitstraums, sondern wie so oft pure Geldfrage.

"Akira" habe ich mittlerweile auch schon im japanischen Original mit Untertiteln gesehen, auf Englisch, wo die Flüche wesentlich fieser sind als auf Deutsch. Er ist jedes Mal ein echtes Erlebnis, dass mich innerlich wieder zum begeisterten Kind macht, das am liebsten jedes Bild und Detail aufsaugen, fotografieren und abspeichern möchte. Ist mir so zwar nicht möglich, aber eine gute Ausrede, diesen Film fast jährlich an einem selbsterdachten Feiertag erneut aufleben zu lassen. Mag sein, dass diese Wertschätzung nicht für jeden nachvollziehbar sein wird, wenn er oder sie dann "Akira" mal sehen wird. Für mich jedoch wird er immer dieser eine ganz besondere Film bleiben. Jener, der mir zeigte, dass es neben quakenden Enten und fröhlichen Mäusen, neben freundlichen Spinnen aus der Nachbarschaft und fliegenden Cape-Trägern eine völlig andere Welt gibt. Eine, die einem das Hirn durch die Mangel drehen kann und sprichwörtlich bewusstseins-erweiternd wirkt. Es sollte sowieso jeder mindestens einen Film-Schatz wie diesen sein Eigen nennen dürfen. Ja, ich weiß, es sind immer mindestens zehn. Aber zu denen gehört für mich persönlich eben auch "Akira".

Puh, das war jetzt aber ein Wiedersehen nach ganz langer Zeit. Früher, da mussten wir noch länger darauf warten, dass ein Film auf VHS rauskam. Hey, weiß ja jeder. Was ich sagen wollte ist folgendes, "Mad City" fand in den guten alten Tagen seinen Weg aus der Videothek in meinen Rekorder ... um danach etliche Jahre vergessen zu werden. Jetzt war es einfach mal an der Zeit, sich zusammenzusetzen…

Puh, das war jetzt aber ein Wiedersehen nach ganz langer Zeit. Früher, da mussten wir noch länger darauf warten, dass ein Film auf VHS rauskam. Hey, weiß ja jeder. Was ich sagen wollte ist folgendes, "Mad City" fand in den guten alten Tagen seinen Weg aus der Videothek in meinen Rekorder ... um danach etliche Jahre vergessen zu werden. Jetzt war es einfach mal an der Zeit, sich zusammenzusetzen und zu schauen, wie Medienkritik und Gewissensappelle anno 1997 so aussahen. Puh, ein wenig unentschlossen oder antiquiert wirkt das ganze schon. Da haben wir Dustin Hoffman als Fernseh-Journalisten Max Brackett, der in der Provinz versauert. Gerne hätte er eine richtige Mords-Story an der Angel, schließlich war er vor Jahren in New York tätig. Im Abseits zu stecken tut schon weh, aber wie durch ein Wunder geschieht etwas. Ein simpler Bericht über die Etat-Kürzungen eines kleines Museums entwickeln sich zum Knüller. Während einer Pinkelpause von Brackett taucht der gefeuerte Museums-Wärter Sam Baily alias John Tavolta auf. Mit gezogener Waffe und einer Tasche voller Dynamit möchte er um seinen alten Job "bitten". Ungünstig, denn neben seiner Chefin unternimmt auch grade eine Klasse kleiner Kinder einen Ausflug. Das Geisel-Drama kann beginnen und Brackett steckt exklusiv mittendrin, statt nur dabei zu sein. Als Baily dann noch aus Versehen seinen schwarzen Ex-Kollegen anschießt, kommt die Sache so richtig in Gange. Plötzlich fallen Sender aus dem ganzen Land in die kleine Gemeinde ein und bringen den ganzen Medienzirkus mit. Volksfest-Atmosphäre mit Schaustellern, Liedermachern, aussagefreudige Neo-Nazis, Sam Baily wird anfangs zum Star. Einer, mit dem viele mitfühlen. Ist er doch ein reichlich erfolgloser Familien-Vater, der seine Frau und die Kinder liebt. Doch die Stimmung kann ebenso schnell kippen, dass "Mad City" sehr deutlich. Hier geht es nur vorrangig um eine menschliche Tragödie, die ungünstig eskaliert. Viel mehr legt Regisseur Costa Gavras viel Wert darauf, uns die Hetzjagd der Sender und Reporter zu schildern. Da sitzen sie wie die Ass-Geier und warten nur auf so einen durchgeknallten Typen wie Baily, der im Grunde ja eigentlich wie ein hilfloses Kind nur um sich tritt. Was sie wollen, das ist ein Spielball, den man kneten und formen kann. Am besten noch eine Leine drum und dem Publikum vorführen. Aus Baily machen sie anfangs einen Sympathie-Träger, klar, reiten wir die Welle. Doch sobald immer mehr Eltern der Geisel-Kinder zu Wort kommen, machen ein paar Schnitte hier und da, aus einer kleinen Recherche das Portrait eines potenziellen Serien-Mörders. Was für ein verachtungswürdiger Irrsinn, für den Gavras neben Hoffman auch Alan Alda als abgebrühten Profi gewinnen konnte. Hoffmann, Alda und auch der gutherzige Robert Prosky als Chef des Lokalsenders, machen ihre Sachen mehr als gut. Vielleicht ist das auch nur Teil der Routine echter Könner, aber ich wage zu behaupten, "Mad City" wäre ohne derart hochkarätige Darsteller eher verpufft. Bei John Travolta muss ich schon sagen, dass seine Performance ein wenig wankt. Manchmal ist das schon fast parodistisch, oder zumindest zu dick aufgetragen, um wirklich mitten ins Herz zu treffen. Aber andererseits zähle ich diesen Film noch zu seinen besten in den ausgehenden goldenen Neunzigern, wo "Pulp Fiction" dem Mann einen beachtlichen Karriere-Schub ermöglichte. Mal so ja auch nicht immer beim ultra-coolen Bösewicht aus "Face/Off" oder "Broken Arrow" verweilen. Was also bei den Akteuren noch glänzt, bleibt auf Seiten Costa Gavras ein netter Versuch. Aber auch ein äußerst blauäugiger Blick aufs Geschehen und die Hoffnung, beim Zuschauer was auszulösen. Da hat "Mad City" seine größte Schwäche zu verbuchen, es ist ein ansatzweise bissiger Film. Aber auch kein "Network" oder ein weiterer "Schlagzeilen". Wahrscheinlich wollte man auch hier nicht die Hand beißen, die einen füttert. Jay Leno und Larry King haben immerhin Gast-Auftritte. Gavras, der ja auch mit "Music Box" oder "Der Stellvertreter" unschöne Themen intensiv aufarbeitete, outet sich in gewisser Weise als Tourist in Hollywood. Er hat ein Gespür für das, was falsch läuft, aber er ist wiederum auch abhängig von den Geldgebern. Klar, dass ein Big Budget-Film nicht das eigene System bombardiert. "Mad City" hätte wohl schon durch einen Robert Altman inszeniert werden müssen, um ein fieseres Bild der Medien zu zeichnen. Und die sind heute ja noch wesentlich schlimmer, als damals, Ende der Neunziger Jahre. Warum dann aber die gute Bewertung, mikkean? Hm, liegt wohl daran, dass ich auch an das Gute im Menschen glaube und jeder Medien-Schelte gern eine Chance gebe. Mich persönlich erinnert der Film äußerst positiv an den großen Klassiker "Reporter Des Satans". Da macht "Mad City" seine Sache sehr gut. Denn Hoffman gibt nur oberflächlich betrachtet den blutgierigen Journalisten. Mit der Zeit scheint er der einzig Vernünftige im ganzen Trubel zu sein. Gerade weil er die Mechanismen alle nur zu gut kennt, erlaubt er uns auch einen ziemlich interessanten Blickwinkel aufs Geschehen. Vielleicht ist es auch die pure Nostalgie, die diesen nicht ganz so erfolgreichen, aber gutmütigen Film meine Sympathie entlockt. Gefällt mir auch irgendwie besser als "Wag The Dog", der war zwar fieser, aber auch verrückter überzeichnet. Bei "Mad City" hätte eigentlich stehen müssen: Demnächst auch in Ihrer Stadt. Das wäre auch heute noch zutreffend.

Das ist er also, der Schocker des ausgehenden Jahres 2011. So schlimm und abartig, dass die britische Zensur-Behörde freudig die Klinge zucken musste. Derart gefährlich für den Zuschauer, dass er in Australien verboten wurde ... Willkommen zur Full Sequence, willkommen zu "The Human Centipede II"!!! Leute, ihr wisst, dass ich ein großes Herz fürs Genre habe. Und den ersten Teil habe…

Das ist er also, der Schocker des ausgehenden Jahres 2011. So schlimm und abartig, dass die britische Zensur-Behörde freudig die Klinge zucken musste. Derart gefährlich für den Zuschauer, dass er in Australien verboten wurde ... Willkommen zur Full Sequence, willkommen zu "The Human Centipede II"!!! Leute, ihr wisst, dass ich ein großes Herz fürs Genre habe. Und den ersten Teil habe ich damals sehr genossen, als übertriebenes Filmchen mit surrealer Idee, teuflisch aufgelegten Mad Scientist und dem gewissen Hang zur lustigen Vorhersehbarkeit. Was Tom Six bei seiner First Sequence hoch angerechnet werden konnte, das war sein Hang zur guten Umsetzung und dem Hang zum geschmacklichen Vorstoß. Leuten den Arsch aufzureißen und jenen mit dem Mund anderer zu verbinden, wie sollte man das ernst nehmen? Und so machte Six selbst keinen Hehl daraus, seinem Konzept einige schräge und teilweise offensichtlich belustigende Ergebnisse zu entlocken. Und jetzt kommt's dicke, denn ich muss mich durchaus verdutzt äußern über diese Fortführung des menschlichen Tausendfüßlers. Es ist kein Film geworden, denn man empfehlen will. Kein Streifen, der per se einen Wesenszug wie Unterhaltung ausstrahlt. Für seine "Human Centipede II" hat sich Six selbst ins Kindes-Alter zurückversetzt und plündert das Süßigkeiten-Geschäft der Abartigkeit, des Ekels, des grenzenlosen Tabubruchs. Ja, noch mehr Füsse für die Centipede, noch mehr Mäuler, in die gekackt werden können. Und als Krönung ein Protagonist/Antagonist, der neben seinen Handlungen schon durch seine äußere Erscheinung als Mega-Creep par excellence die Bühne betritt. Der offensichtlich stark gestört perverse Parkhaus-Wächter Martin hat einen riesigen Knall. Er liebt Tom Six "The Human Cenipede", der immerzu in seiner Flimmerkiste läuft. Und zu dem er eifrig Hand an seinem Wiener-Würstchen anlegt. Sick, sick, sick. Wäre jetzt schon garantierter Stoff für was fieses. Kommt aber noch mieser, denn Martin steckt in verstörend aufgedrehten Lebens-Umständen und hat das krasse Vorhaben entwickelt, Tom Six Film Wirklichkeit werden zu lassen. So dürfen wir ihn zunächst dabei beobachten, wir er sich Ausgangs-Material für seine Centipede beschafft. Mit Brecheisen, dem brutalen Anschießen eines Pärchens vor deren weinendem Kind und schließlich, als Krönung, Miss Ashlynn Yennie. Die einzige Überlebende des ersten Teils darf sich selbst spielen und wird zum Kopf des künstlichen Ungetüms, welches Martin da unbeholfen rustikal und rücksichtslos zusammenzimmert. Was ist da nur in Tom Six gefahren? Ich hatte von seinem Sequel alles andere als das erwartet. Kein schwarz-weißes Skandal-Filmchen wie dieses hier. Mal abgesehen von den herzlichen Braun-Tönen, ja, es wird hier ausgiebiger geschissen, bietet sich dem Zuschauer hier ein reiner Stinkefinger an die Erwartung. Kein ausgewählt durchdachter Plot, nur eine simple Ausgangs-Idee und viel, sehr viel improvisiert wirkendes Laien-Theater des Grauens. Ganz klar versucht Six hier, seine eigene Form des Torture Porn zu schauerlicher Größe zu verhelfen. Was leider gänzlich daneben geht, denn "The Human Centipede II" macht seiner Illusion selbst in den ersten Film-Minuten jede Chance kaputt, hier noch etwas ansprechendes herauszuholen. Das Monster Martin ist wahrscheinlich der einzige Glücksgriff, denn Laurence R. Harvey, ein vermeintlich unbekannter Performance-Künstler, ist einfach nur abstoßend. Doch möchte ich abermals bezweifeln, dass ihm so etwas wie eine Kult-Karriere bevorsteht. Denn auch sein "Spiel" ist wie der Rest des Films ein überhebliches, nein, maßloses Wildern in Fäkalien, zermatschten Föten oder einfach nur dickem Kunstblut. Es kann schon keinen unangenehmen Effekt geben, wenn das Publikum einem solchen Treiben beiwohnen muss. Eines, dass sich die Möglichkeit offen lässt, eh nur ein perverser Tagtraum zu sein und eines, dass ohne rechte Dramaturgie einfach nur Scheiße und Blut übereinander schichtet. Falls Six im Geheimen darauf spekuliert hat, sein Werk mit sagen wir, "Die 120 Tage von Sodom" von Pasolini vergleichen zu können und diskutieren zu lassen, so hat er gänzlich versagt. Denn "The Human Centipede II" fehlt es an der Reflexion der gezeigten Gewalt, dem großzügig bebilderten Grauen, wenn wir es dann so nennen wollen. Hier gibt es nur eine relativ lustlose Idee, den ersten Film ins wahre Leben zu tragen. Lustlos, weil gnadenlos schlimm vergeigt. Warum hat sich Six nicht mehr am offenkundig besser geschriebenen Drehbuch des Vorgängers orientiert, anstatt sich an naiven und übertriebenen Szenen des Missbrauchs, Horror-Mütter und dem wahrlich beschissenen Leid der Tausendfüßler-Opfer zu stürzen. Ist das nun Kunst um der Kunst willen, die reichlich danebengeht? Der Todesstoß für den guten Geschmack, der mal wirklich den Bock zum Gärtner macht? Keine Ahnung, wirklich. Denn letztlich muss ich sagen, ist dies ein wahrhaft auf krass getrimmter Film, der nicht unterhalten kann oder will. Ein billiges Werk, so uneffektiv derbe und anspruchslos, dass es zu nicht mehr als der Empfehlung "Nur für ganz Mutige" reicht - mit leichtem Anhang: Alle, die darauf verzichten, einen Horror-Film mit Story, Intensität, echten Schocks und echter Qualität zur längeren Berühmtheit können. Schade, denn alles zu zeigen zu wollen und zu können, ist eben doch ein gewaltiger Unterschied.

Drei, zwei, eins ... Boom!!! "Wedlock", das ist eine schöne Erinnerung vergangener Tage. Früher habe ich diesen kleinen, kompetenten Future-Thriller sehr gerne verfolgt und ja, die Magie wirkt auch Heute. Kaum zu Glauben, HBO produzierte diese fiese "Flucht In Ketten"-Variante, die antike Fesseln durch hinterfotzige Hight Tech-Halsbänder ersetzt. Je zwei Insassen des "Camp…

Drei, zwei, eins ... Boom!!! "Wedlock", das ist eine schöne Erinnerung vergangener Tage. Früher habe ich diesen kleinen, kompetenten Future-Thriller sehr gerne verfolgt und ja, die Magie wirkt auch Heute. Kaum zu Glauben, HBO produzierte diese fiese "Flucht In Ketten"-Variante, die antike Fesseln durch hinterfotzige Hight Tech-Halsbänder ersetzt. Je zwei Insassen des "Camp Holliday" Knasts sind miteinander verbunden, natürlich rein Anonym. Wer fliehen will, sollte seinen Partner also kennen, denn sonst lassen die Wedlocks Köpfe platzen. Sehr effektiv, außer für Rutger Hauer, der hier tatsächlich eine echte Parade-Rolle ausüben darf. Als betrogener Juwelen-Dieb mit viel Grips landet Hauer hinter Gittern und wird eher unfreiwillig von Mit-Sträfling Mimi Rogers befreit. Die Flucht wiederum wird dadurch angeheizt, dass der Direktor großes Interesse daran, dass Hauer die gestohlene Beute seines letzten Coups aufsucht. Denn die hatte er trotz Verrat gut verstaut. Okay, mehr sollte ich nicht verraten. "Wedlock" ist trotz Mini-Budget mehr Sci-Fi als so manche Videotheken-Leiche. Stilsicher erzählt und braucht sich als überzeichnete Knast-Ausbruchs-Geschichte nicht hintern den vermeintlichen Old School-Klassikern zu verstecken. Hauptsache, man sieht die blutig-schönen Kopf-Einlagen, von denen es immerhin zwei, drei gibt. Hat aber auch so durchaus Köpfchen, dieser kleine feine Film.

Beinahe ein Jahrhundert Familien-Geschichte, gekreuzt mit der Geschichte Amerikas. Pop-Kultur meets welt-politischer Entwicklung als Animationsfilm - ist das Wahnwitz? Ja, aber wem sonst außer Ralph Bakshi hätte man so ein faszinierendes Mini-Epos wie "American Pop" zugetraut? Mini deshalb, weil der Werdegang einer russisch-jüdischen Emigranten-Familie vom Ende des 19. Jahrhunderts…

Beinahe ein Jahrhundert Familien-Geschichte, gekreuzt mit der Geschichte Amerikas. Pop-Kultur meets welt-politischer Entwicklung als Animationsfilm - ist das Wahnwitz? Ja, aber wem sonst außer Ralph Bakshi hätte man so ein faszinierendes Mini-Epos wie "American Pop" zugetraut? Mini deshalb, weil der Werdegang einer russisch-jüdischen Emigranten-Familie vom Ende des 19. Jahrhunderts an, eben nicht endlos ausgebreitet wird. Schon der Vorspann ist ein kleines Meisterwerk, verbinden sich Skizzen und fantastische Bilder der Zukunft, der Gegenwart und Vergangenheit (Öl-Krise, die Beatles und Elvis' Rock 'N' Roll-Revolte, Watergate ...). Es ist fast schon das gezeichnete Äquivalent zur "Watchmen"-Einleitung. Und danach lässt Bakshi seiner Kunst freien Lauf. Mal startet er das Geschehen als Stummfilm in Russland, lässt das arme Amerika der Einwanderer auferstehen, oder die Schlachtfelder des Ersten und Zweiten Weltkrieg. Die steife Nation, die von der Rock-Musik aufgerüttelt wird und schließlich durch Vietnam, die Bürger-Proteste und das LSD-Zeitalter erschüttert wird. Und zu jeder Zeit ist es ein jeweiliges Mitglied der Familie Belinksy, das mehr oder minder am Soundtrack mitwirken darf. Oder auch nicht. "American Pop" ist ein begeisterter Spiegel des amerikanischen Zeit-Geschehens. Es verbinden sich persönliche Dramen wie der unterdrückte Glaube, der einst erst zur Vertreibung aus Russland beitrug. Der Wille, sein Talent nicht zu verschwenden, sich mit Musik zu verwirklichen oder eben dazu gedrängt werden, dies zu unterlassen. Dabei bleibt Bakshi stets aber auch unverkennbar Bakshi, da er sich hier nicht gleich zum vollwertigen Geschichten-Erzähler mausert, der allen gefallen muss. Gerade die Kritiker monieren bei diesem Film immer, dass oftmals das persönliche Drama zu kurz kommt oder oft genug doch nur im Drogensumpf endet. Zumindest im letzten Drittel des Films, der Übergang der 60er zu den 70er Jahren, orientiert sich dabei stark am Niedergang Janis Joplins oder den Junkie-Beobachtungen Lou Reeds. Als Fan darf ich aber auch verraten, dass "American Pop" als vermeintlich minderwertigeres Kunstprodukt göttliche Momente bietet, um die sich "Real"-Filme im Oskar-Rennen gegenseitig totschlagen würden. Es gibt solch erhabene Szenen, die eigentlich Film-Geschichte hätten schreiben müssen, wenn jemand mit Eiern in der Hose Bakshi ein zweistelliges Millionen-Budget zur Verfügung gestellt hätte. Aber zurück zu den Stärken des Films, der immerhin Hendrix aus dem Totenreich holt. Dann nämlich, wenn zu seinem "Purple Haze" doch glatt eine Fixxer-Sex-Szene steigt. Was für ein Wahnsinn. Genauso wie der gesamte Soundtrack - ein Hammerwerk, mit den Doors, Bob Seger, George Gershwin und so weiter und so weiter. Und wartet ab, bis einige dieser Nummern von den Protagonisten selbst vorgetragen werden. Richtig gelesen, das "Glee"-Konzept, schon drei Jahrzehnte vor dieser Show besser und eindringlicher vorgemacht. Wartet nur auf Jefferson Airplanes unsterbliches "Somebody To Love", das alle Facetten der Sechziger abdeckt. Die Euphorie, die Begeisterung, der Protest, die Napalm-Rauchschwaden und das Schießen auf die eigene Zivil-Bevölkerung. Ein Hammer, für dessen Wucht allein "American Pop" einen Sonder-Status verdient hätte. Abseits seiner schrullig-eigen Fantasien von bumsfreudigen Katern oder kiffenden Zauberern hat Ralph Bakshi doch tatsächlich einen ernsthaften Zeichentrick-Film vorgelegt. Einer, in dem viel steckt, vielleicht nicht so viel, wie noch drin gewesen wäre, aber genug, um heute noch umzuhauen. Ich kann diesen Film, der leider hierzulande weitgehend unbekannt ist, uneingeschränkt empfehlen. Er ist keineswegs so engstirnig, vernachlässigend gemacht oder kann nicht so fesseln, wie er es gerne würde. Nein, "American Pop" ist ein pompöses, glitzerndes Experiment, wie es danach nie wieder versucht wurde. Jedenfalls ist er der laute, auch dreckig ernste Bruder von Disney's "Fantasia", dass jeden Fan waschechter Songs (gefühlte und gelebte Musik eingeschlossen) begeistern dürfte.
Ein Hoch auch Ralph Bakshi!!!

It's the incredible Return of Rainn Wilson!!! Nach seiner Spitzen-Leistung in "Super" lass ich mich doch gern auf einen Film wie "The Rocker" ein. Ein Komödie über einen wahnsinnig talentierten Drummer, der einst von seiner eigenen Band rausgeschmissen wurde. Und der seither daran knabbert und sich als nicht wirklich kompatibel mit 7-to-9-Jobs erweist. Kurzum, ein ziemlicher…

It's the incredible Return of Rainn Wilson!!! Nach seiner Spitzen-Leistung in "Super" lass ich mich doch gern auf einen Film wie "The Rocker" ein. Ein Komödie über einen wahnsinnig talentierten Drummer, der einst von seiner eigenen Band rausgeschmissen wurde. Und der seither daran knabbert und sich als nicht wirklich kompatibel mit 7-to-9-Jobs erweist. Kurzum, ein ziemlicher Loser, der plötzlich aber für die Schulband seines Neffen einspringt und es damit tatsächlich wieder ins Rampenlicht schafft. Es klingt nicht sonderlich aufregend, hat aber Charme. Was Rainn Wilson aus seiner Rolle manchmal rauskitzelt, bereitet durchaus Vergnügen. Da gibt es eine schöne Tour-Sequenz, bei der viele Rockstar-Marotten von Keith "Ich-schmeiß-den-Fernseher-durch-Fenster" Moon, der Goldene Gott aus "Almost Famous" oder natürlich auch Groupie-Orgien ihr Fett wegkriegen. Aber höchste Warnung, "The Rocker" stammt aus dem Dunstkreis von Shawn Levy. Dieser liefert selbst mal Knüller ab, macht sie aber durch Stinker wie das "Pink Panther"-Remake oder "Im Dutzend Billiger" fast zunichte. Leider schlägt auch The Rocker" in die Kerbe familienfreundlicherer (kein Schreibfehler) Filme, die vielleicht gute Darsteller wie hier Emma Stone, Christina Applegate oder Jane Lynch bieten. Andererseits sich selbst ein gewaltiges Bein stellen, weil sie ihren eigenen Qualitäten nicht über den Weg trauen. Da hätte es zum Beispiel etwas ruppiger sein dürfen, sobald Wilson der Teenie-Band beitritt, verwandelt sich der Film zunehmend in einen Klamauk fürs jugendliche Publikum. Klar, als Möchtegern-Rockstar, der in den 80's steckengeblieben ist, muss der Kerl heutzutage ja als schräg betrachtet werden. Aber hier verschiebt sich auch der Fokus von der eigentlichen Haupt-Figur, was "The Rocker" auch zur herzlosen Fingerübung macht. Da darf ich mich noch bei Wilsons Terminator-inspirierten Rauswurf bei seiner alten Band Vesuvius (das ist ihr Name!) vor Lachen nicht einkriegen, um mich später zunehmend mit seinem etwas nervenden Prozess des Erwachsenwerdens rumzuschlagen. Was daran vor allem nervt, in den deleted scenes befinden sich die wahren Glanzstücke des Films, deren alternatives Ende für mich viel mehr Sinn gemacht hätte. Und wer kam eigentlich auf die Idee, mit Pete Best - den Mann, der von Ringo Starr bei den Beatles vertrieben wurde - einen absolut passenden Cameo aufzuziehen, dessen Wortinhalt rausgeschnitten wurde? Deshalb ist "The Rocker" ein relativ kurzweiliges Vergnügen in Sachen Comedy, das zu oft den Beat nicht halten kann. Das viele passende Gags verschiesst, weil es sich nicht zwischen Zielgruppe und Insider-Fest nicht entscheiden konnte. Und ein Film, der einiges an Potenzial ins Bonus-Material-Reich verbannen musste. Erwartet also nicht zu viel, aber auch keinen zu schlechten Film. Es gehen Licht und Schatten also Hand in Hand, was nichts neues ist. Und auch garantiert nicht nervt. Nur berauschen kann es auch nicht. Für die volle Dröhnung empfehle ich da eher Filme wie "24h Party People."

Das der dickliche und kaum erkennbare Seth Rogen mal mein Wochenende-Highlight sein würde!!! Sachen gibt's, aber "Shopping-Center King" hat sich diese temporäre Auszeichnung redlich verdient. Ist dieser durchgeknallte Kollege von Kevin James "Der Kaufhaus Cop" eine äußerst derbe Angelegenheit, die sich Dreck um Political Correctness schert. Dass es unser "Held"…

Das der dickliche und kaum erkennbare Seth Rogen mal mein Wochenende-Highlight sein würde!!! Sachen gibt's, aber "Shopping-Center King" hat sich diese temporäre Auszeichnung redlich verdient. Ist dieser durchgeknallte Kollege von Kevin James "Der Kaufhaus Cop" eine äußerst derbe Angelegenheit, die sich Dreck um Political Correctness schert. Dass es unser "Held" Ronnie zum Chef der Mall-Sicherheit gebracht hat, grenzt an ein Wunder. Rogen legt sich ziemlich ins Zeug, um diese wandelnde Zeitbombe darzustellen. Ein fluchender, rassistische Beleidigungen spuckender, von Schusswaffen besessener Soziopath. Das kommt also raus, wenn es in der Birne zusammenkracht und die Mund-Barriere versagt. Ein größeres Wunder nur, dass Ronnie nicht der einzige Ausnahmefall in seinem natürlichen Habitat ist. Ein ebenso Militia-begeistertes asiatisches Zwillings-Pärchen und sein schräger Latino-Kumpel ergänzen die Shopping-Männer des Gesetzes. Was für eine geballte Ladung, da waren einige Lacher einfach vorprogrammiert, aber "Shopping-Center King" hat mit den Figuren allein sein Potenzial noch lange nicht verschossen. Da geht es um einen gerissenen Dieb, der nach Ladenschluss zuschlägt, so krankes Personal wie die sehr dümmliche und abstoßende Kosmetikerin Brandi (Ideal-Besetzung Anna Faris, wie kriegt sie das nur hin?), den Psycho-Cop, den nur Ray Liotta so darstellen kann. Und ja, einen feisten Nackt-Flitzer, der gleich zu Anfang des Films für dessen höhere Altersfreigabe garantiert. Größtes Minus wäre vielleicht die relative Ziellosigkeit des Ganzen, die zeitweise zu Tage tritt. Aber diesen Umstand macht so manches Highlight wie die Verhaftung des Drogendealer-Kids oder der Schluss gut wett. In diesem Punkt ähnelt der Film ja auch irgendwie "Napoleon Dynamite", der auch viel von seinen skurrilen Typen profitierte. Da verkrafte ich auch, dass so ein Hammer-Song wie "Where Is My Mind" nicht von den Pixies, sondern irgendeiner Coverband kam. Passte trotzdem und hell yeah, diese verkackte Mall-Cop-Scheiße macht verdammt noch mal irgendwie Spass. Mehr jedenfalls als ein Tritt in die Eier oder die meisten anderen Ami-Komödchen. Dürfte öfters so sein. Bad Taste mit Geschmack, besser als die x-te Wiederholung eines fragwürdigen Friedberg/Seltzer-Meisterwerks (würg!).

An die Herren Friedberg und Seltzer: Hm, wie sag ich's bloß?

Vielleicht mit Vorschlägen zukünftiger Filmtitel:

Bullshit Movie
The Audience's Wrath Movie
Headless Producers Movie
Killing Spree Movie
Cheap Shit Movie
HATE Movie
FUCK Movie
WASTED MOVIE
Puke Movie
Hammer On Your Head Movie
Simple Paycheck For Wrecked Actors…

An die Herren Friedberg und Seltzer: Hm, wie sag ich's bloß?

Vielleicht mit Vorschlägen zukünftiger Filmtitel:

Bullshit Movie
The Audience's Wrath Movie
Headless Producers Movie
Killing Spree Movie
Cheap Shit Movie
HATE Movie
FUCK Movie
WASTED MOVIE
Puke Movie
Hammer On Your Head Movie
Simple Paycheck For Wrecked Actors Movie
There A Movies That Are A Thousand Times Better Movie
No Way Movie
Never Too Drunk To Make That A Failure (Again) Movie
Don't Watch Till The End Movie
Back 2 Film School Movie
Incorruptible Viewer Movie
Makes You Wanna Kill Yourself Movie
Not Even For Free Movie
No More Patience Movie
Just Leave It Movie
Get A Life Movie
Can't Stand You Movie
As Funny As A Funeral Movie
No Talent Movie
Friedberg And Seltzer SUCK!!!
Sue Pro Sieben Movie
The Greatest Disappointment Movie Even In 2D!!!

Get it???????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????

"A true story" ... Edward Zwick scheint mir einer dieser Filme-Macher, die ein Faible für vergessene Helden und Geschichte haben. Oder für Kulturen, die uns aus Ignoranz oder eigener Verdrossenheit verschossen bleiben. Bei "Glory" waren es die Farbigen Soldaten des Bürgerkriegs, das hässliche schwarze Afrika in "Blood Diamond" und seine immer noch weiße Ausbeutung,…

"A true story" ... Edward Zwick scheint mir einer dieser Filme-Macher, die ein Faible für vergessene Helden und Geschichte haben. Oder für Kulturen, die uns aus Ignoranz oder eigener Verdrossenheit verschossen bleiben. Bei "Glory" waren es die Farbigen Soldaten des Bürgerkriegs, das hässliche schwarze Afrika in "Blood Diamond" und seine immer noch weiße Ausbeutung, das mystische Japan in "Last Samurai". Und natürlich "Ausnahmezustand", jenen prophetischen Thriller, mit dem Zwick einige Jahre vor dem 11. September auf das Klima der Angst und Ohnmacht warf, mit dem wir heute doch tatsächlich leben müssen. Okay, eines zeichnet Zwicks Werk leider auch aus, seine Filme haben höchst interessante Themen und zugleich viele Schwächen. Nicht immer packend genug erzählt, so manche Charakter-Zeichnung arg stereotyp oder ungenügend, um wirklich eine emotionale Bindung mit dem Publikum zu erlauben. Ja, das alles trifft leider auf "Defiance" zu. Die Geschichte der Bielski Partisanen, ein Trupp jüdischer Widerstands-Kämpfer und Lebensretter. Und im Kern auch die Story dreier Brüder, die sich in den Kriegsjahren mit schmerzlichen Verlusten und Lebens-Entscheidungen konfrontiert sehen. Da geht es um die Frage, wie viel Menschen kann man in einem Wald-Camp unterbringen und organisieren? Schließt man sich der russischen Armee an und wie bröckelig oder ausweglos ist so ein Pakt? Geradezu interessant auch der Aspekt, ob Glauben und Willen zur Friedfertigkeit mit dem Drang zum Überleben und dem vermeintlichen Töten vereinbar ist. Hier macht es sich "Defiance" aber schon zu Beginn sehr leicht. Kriegsfilme kennen wir ja alle und wenn nicht, wird es das nachgestellte Leid der armen Land-Bevölkerung durch die Nazis schon richten. Weinende Kinder werden weinenden Müttern aus dem Arm gerissen, Menschen von lachenden Soldaten getreten und erschossen. Schließlich fällt es uns so nicht schwer, Daniel Craig, Liev Schreiber und schließlich Jamie Bell beim bewaffneten Vorgehen gegen die Invasoren oder ihre schmierigen, verlogenen Kollaborateure zu beobachten. Sicher, diese Kritik klingt vielleicht leicht gleichgültig oder abgeklärt, jede Meinung ist jedoch subjektiv. Und ich bin alles andere als ein herzloses Scheusal. Ich konnte mich bei "Defiance" einfach nicht des Eindrucks erwehren, dass hier ein wichtiges Anliegen, eine wichtige Geschichte mit schwarz-weißer Dramaturgie und drainierter Horror-Bildsprache plattgemacht wurde. Die Farben trist, die Gegend immerzu strahlend wie ein Friedhof an einem dunklen Wintertag. Wären da nur die inneren Konflikte der Gruppe oder den Bielski Brüdern selbst nicht so lähmend vorhersehbar oder auch spürbar gleichgültig. Ich wage es gar nicht anzusprechen, aber Tarantino gelang es wiederum bei seiner Groteske "Inglourious Basterds", einigen Figuren mehr Kontur zu verleihen und so ein gesteigertes Interesse an ihrem Schicksal zu garantieren. Edward Zwick hat bei "Defiance" jedoch mehr auf eine dröge Aufmachung gesetzt. Man könnte auch von einem Vorschlaghammer des Leids sprechen. "Wie kriegen wir das so wie bei "Schindler's Liste" hin, nur mit Dauer-Feuer und einem unwürdigen Dasein im Wald?" - Ich möchte ja nichts böses unterstellen, aber so in etwa schwebt mir die Geisteshaltung bei der Umsetzung vor. Eine grausige Schippe hier, krasses Gemetzel da ... Nur der Kern der Geschichte, der mich interessiert hätte, gerät dabei ins Abseits. Es ist, all die wahren Ereignisse und Schicksale mal bei Seite geschoben, so lediglich ein Film übers Überleben in einem sehr schlimmen Film. Überleben im Sinne: Greif zur Waffe und sorg für Gerechtigkeit, wenngleich nur ein bisschen.
Womöglich wollte Zwick ganz bewusst auf die vielen Tricks der Rührseligkeit, der schummrigen Musik oder der groß pathetischen Szenen verzichten, mit denen Spielberg dieses Thema aufbereitet hätte. Das ist verständlich, aber auch keine Entschuldigung für einen Film, der letztlich zu viel des guten bietet, um wirklich ins tiefere Bewusstsein vorzudringen und Fragen zu provozieren. An einer frühen Stelle des Films bemerkt Craig, er sehe immer noch die von ihm gerichteten Leichen eines Verräters und seiner Söhne. Äußerst schnell abgehandelte Gewissensbisse sind es da. Ich bezweifle, dass "Defiance" als Film eine längere Wirkung besitzt.

Wie in jedem Genre ist auch der Horror-Film nicht sicher vor dem unvermeidlichen Sequel im Falle des Überraschungs-Erfolgs. Dass "Cold Prey 2" das Licht der Welt erblickt, war da nur konsequent. Und ja, es ist keine so schlimme uninspirierte Fortsetzung. Das Final Girl des Vorgängers findet sich im Krankenhaus wieder, wo auch ihr vermeintlich toter Hetzer untersucht wird. Was dann folgt,…

Wie in jedem Genre ist auch der Horror-Film nicht sicher vor dem unvermeidlichen Sequel im Falle des Überraschungs-Erfolgs. Dass "Cold Prey 2" das Licht der Welt erblickt, war da nur konsequent. Und ja, es ist keine so schlimme uninspirierte Fortsetzung. Das Final Girl des Vorgängers findet sich im Krankenhaus wieder, wo auch ihr vermeintlich toter Hetzer untersucht wird. Was dann folgt, ist keine so große Überraschung, vor allem, wenn man "Halloween 2" von 1981 gesehen hat. Für mich trotz aller Schwächen einer der besten Killer-on-the-loose-in-Clinic-Reißer. Hat immerhin das gängige Schema für solche Filme etabliert und jenem wird "Cold Prey 2" bestens gerecht. Wenngleich sich der Drive nicht mehr ganz so einstellen will. Liegt vielleicht auch daran, dass wir das maskierte Monstrum langsam in der eisigen Gruft verschwinden sehen wollen. Könnte aber auch andererseits auch damit verbunden sein, dass mit Kenntnis des ersten Teils hier einfach "nur" eine nette Parade von Schock-Momenten und Kills entfaltet, anstatt der unheimlichen Thematik etwas mehr Tiefe zu verleihen. Aber es gibt ja auch einen dritten Film, mal sehen. Vielleicht sehen wir uns noch.

"Cold Prey", das ist Horror aus Norwegen, wie "Freitag der 13." on Ice. Endlos frostige Gegenden sind nicht zuletzt seit John Carpenter's "The Thing" ein Garant für gruselige Atmosphäre jenseits der bewohnten Welt, perfekt für Locations wie verlassene Armee-Camps, Tunnel-Systeme oder eben Hotels. In eben so eines verschlägt es die unglücklichen Snowboard-Teenies/Twenty-Somethings…

"Cold Prey", das ist Horror aus Norwegen, wie "Freitag der 13." on Ice. Endlos frostige Gegenden sind nicht zuletzt seit John Carpenter's "The Thing" ein Garant für gruselige Atmosphäre jenseits der bewohnten Welt, perfekt für Locations wie verlassene Armee-Camps, Tunnel-Systeme oder eben Hotels. In eben so eines verschlägt es die unglücklichen Snowboard-Teenies/Twenty-Somethings dieses Films. Und buah ha ha, ha, dort wartet natürlich schon der maskierte Serien-Killer, der dummerweise auch noch übermenschliche Kondition und das Talent zum Entschwinden und Wieder-Auftauchen besitzt.
Bis jetzt muss ich gestehen, hat mich "Cold Prey" nie gereizt. Dass wir uns nun doch begegnet sind, bedaure ich dagegen überhaupt nicht. Das Slasher-Genre wird hier nicht gerade neu erfunden, aber kompetent Ehre erwiesen. Stimmig das düstere Feeling, welches uns bei jedem Gang durchs Anwesen beschleichen soll. Für ein paar witzige Mätzchen ist auch Platz, ganz positiv gemeint. Sicher, nach gefühlten Dreieinhalb Millionen "Dem-Grauen-hilflos-ausgesetzte-Jugend-Gesichter-im-Clinch-mit-dem-Über-Killer"-Durchläufe hätten ein paar innovative Einfälle nicht geschadet, aber mit einem Herz für die guten alten 80's-Slasher und deren sehr gute Nachfolger (nur die guten!!!) lässt sich "Cold Prey" als routiniertes Skandinavien-Highlight durchaus genießen.

"Willkommen im Eat The Rich, ihr reichen Drecksschweine. Hier könnt ihr euch nach Lust und Laune bespucken und beleidigen lassen. Ganz so, wie ihr es verdient. Und als besonderes Schmankerl setzen wir euch auch noch auf die Speisekarte!!!"

Mal ehrlich, Kannibalen-Filme, das ist ein reichlich ausgelutschtes Genre. Ob im Dschungel mit gefrässigen Ur-Völkern, verrückten Man-Eatern…

"Willkommen im Eat The Rich, ihr reichen Drecksschweine. Hier könnt ihr euch nach Lust und Laune bespucken und beleidigen lassen. Ganz so, wie ihr es verdient. Und als besonderes Schmankerl setzen wir euch auch noch auf die Speisekarte!!!"

Mal ehrlich, Kannibalen-Filme, das ist ein reichlich ausgelutschtes Genre. Ob im Dschungel mit gefrässigen Ur-Völkern, verrückten Man-Eatern oder sonstigem Stuss. Die Vorstellung vom Verzehr menschlichen Fleisches auf der Leinwand wirkt eher einschläfernd bis maßlos auf eklig getrimmt. Ich geb's gerne zu: Ein Fan dieses Genre war ich nie. Bei Romero's Untoten ging das noch in Ordnung, aber bei Psychopathen oder vermeintlich blutrünstigen Indianer-Stämmen? Da braucht es schon mehr, um mich zum Reinschauen zu überreden ...

So was wie "Eat The Rich", eine der schwärzesten Brit-Comedys überhaupt. Und ein Film, um den das deutsche Fernsehen seit Jahren einen großen Bogen macht. Warum eigentlich?

Ist doch alles dabei: Überzeichnete Anarcho-Sozial-Kritik, fieses Klassen-Bashing, krasser Fleisch-Verzehr und eine gehörige Ladung Krach, dank the man himself, Lemmy. Der sich natürlich nicht lumpen ließ und neben einer der besten Rollen auch gleich mit Motörhead den Soundtrack veredelte. Eines gleich vorweg: "Eat The Rich" wird nie ganz dem Kannibalen-Genre gerecht und das liegt auch gar nicht in seiner Absicht. Viel mehr wurde hier die Idee vom widerlichen Menschen-Fressen in eine gnadenlos überzeichnete Story eingebaut.

Denn eigentlich ist dies ein irres Kino-Abenteuer der Comedy-Truppe aus der wenig bekannten Reihe "The Comic Strip Presents....". Genüsslich ziehen die hier die Sozial-Dramen, Revoluzzer-Kampf, Agenten-Bullshit oder das verkorkste politische Klima von damals durch den Kakao.

Anfangs geht es eigentlich nur um den tuntigen Kellner Alex, der sich im "Bastards" scheiße behandeln lassen muss von diesem reichen Pack. Darunter übrigens auch Robbie "Fitz" oder "Hagrid" Coltrane. Den Job schmeißt unser Alex nur zu gern, aber auf dem Arbeitsamt sonnen sich die miesen Schweinehund nur und wedeln vor den Bedürftigen mit Geld herum, das sie eh nicht rausrücken. Was kann unser Alex da nur machen? Ganz klar, er greift zur Knarre und startet einen Feldzug gegen dieses lumpige System!!! Nach dem ersten Amoklauf vor dem Schalter des Amts flieht Alex und stellt schon bald eine kleine Truppe Gleichgesinnter zusammen. Im ehemaligen "Bastards" eröffnen sie ein neues Lokal, das bald zum hippen Treffpunkt der reichen Sau-Bande wird. Ganz reales Straßen-Flair herrscht von nun an, die Leute lassen sich nur zu gern beschimpfen und handgreiflich abfertigen. Das Essen ist zum Kotzen und unverschämt überteuert. Dafür besteht es aber auch aus ehemaligen Angestellten und unglücklichen Gästen.

Was hier schon reichlich "geschmacklos" und derbe klingt, ist tatsächlich noch der wesentliche Hauptstrang des Films. Daneben darf Lemmy Kilmister als ober-cooler Spider heimlich gegen den amtierenden Innenminister intrigieren und operieren. Der nämlich, ein prolliger Ass-Kicker namens Nosher, tja, tritt Ärsche und lädt das Volk mit voll-dummer Ignoranz und Proleten-Schwachsinn. Dummerweise gehört aber auch seine schwangere Ex-Geliebte zum Rudel von Alex. Das kann ja alles sehr heiter werden.

Jetzt bloß das Hirn ausschalten und sich einen großen Happen geballten Irrsinns gönnen!!!
"Eat The Rich" ist eine dieser Brit-Leistungen, für die wir Deutschen uns noch einige Generationen Eier wachsen lassen müssen - damit's vielleicht mehr als eine Underground-Produktion wird. Und eine, für die die Amis irgendwann in den Achtzigern das richtige Gespür
verloren haben. Es ist eine fette Sause, voller Blödel-Gags, trefflichster Gags, toller Gast-Auftritte (wie den von Paul McCartney!!!) und vieler fieser Einfälle. Sprichwörtliche Anarchie gegen den guten Geschmack. Und alles andere als blödes Fast Food. Da kann man sich noch so wehren, "Eat The Rich" ist mit seinen Seitenhieben, bissigen Attacken gegen die Konvention der filmischen Unterhaltung und eben seinem Hang zur gewollten Krassheit ein
Muster-Kandidat fürs Etikett KULT. Mehrmaliges Abhandeln der Speisekarte wird
dringend empfohlen.

Es hätte mich auch reichlich gewundert, wenn Michael Mann die Rede-Wendung "Aus alt mach neu" allzu stumpfsinnig befolgt hätte. "Public Enemies" versucht sich durch ausgewählte Brutalität und einer neuzeitlichen Kamera vom Glanz des Ausstattungs-Kinos zu entfernen. Tatsächlich hatte ich bei der ersten Vorstellung des Films erwartet, so etwas wie "The Untouchables"…

Es hätte mich auch reichlich gewundert, wenn Michael Mann die Rede-Wendung "Aus alt mach neu" allzu stumpfsinnig befolgt hätte. "Public Enemies" versucht sich durch ausgewählte Brutalität und einer neuzeitlichen Kamera vom Glanz des Ausstattungs-Kinos zu entfernen. Tatsächlich hatte ich bei der ersten Vorstellung des Films erwartet, so etwas wie "The Untouchables" reloaded vorgesetzt zu bekommen. Diesem Bild wird Mann jedoch nur ansatzweise gerecht. Sein Duell zwischen dem meist gesuchten Bankräuber und Gangster der USA, John Dillinger alias Johnny Depp und dem FBI in Gestalt des Einsatzleiters Purvis alias Christian Bale, begnügt sich mit den Grundzügen des Ausstattungskinos. Look and Feel kommen aus den 1930ern, maßgeblich gebrochen wird die Ästhetik dann aber von Steadycam-Einsätzen, HD-Optik und dem Gefühl, hier oft so was wie eine direkt miterlebte Dokumentation zu sehen. Als Experiment durchaus gut gelungen, denn so erreicht Mann eine gern vernachlässigte Intensität. Schließlich ist in Wirklichkeit so ein Shootout alles andere als Slo-Mo, fetzig geschnitten oder mit fettem Score unterlegt. Mit geschlossenen Augen und ohne Blut wird da ja gar nicht. Was Mann da noch technisch gerissen hat, verpufft auf der anderen Seite dank der leicht überzogenen Länge. In zweieinhalb Stunden nicht ganz minutiöser Rekonstruktionen der Ermittlungs-Arbeit geht viel Spannung hier und da flöten. Und letztlich reichte nicht zu einem derart stechenden Porträt zweier entgegengesetzter Kontrahenten wie noch in "Heat". So überzeugend Bale als harter Bursche des Gesetzes auch sein kann, er ist ganz klar unterlegen. Denn Johnny Depp lässt seinen Künsten hier freien Lauf. Er darf der wenig zimperliche Gangster sein, darf töten und dann wiederum ganz der Ladysman werden, der die bezaubernde Marion Cottillard betört. Klar, dass "Public Enemies" in dieser Hinsicht Depps Film geworden ist. Und nicht gerade sein bester. Vom Untergang Dillingers hätte man sich mehr als einen geradlinigen Thriller erhofft, bei dem vor allem nur eben die Szenen überzeugen, in denen sich Räuber und Gendarm deftige Verfolgungs-Jagden oder Quasi-Showdowns bieten. Wäre das ganze nicht so gut gespielt, müsste man hier schon von einer merklichen Enttäuschung sprechen. Aber immerhin, die Action reißt es hier und da raus. Nur so ganz packend ist "Public Enemies" dann doch nicht geworden. Der Versuch ehrt die Macher trotzdem.